El actor de terror Kane Hodder (Jason Voorhees) también quiere ser Michael Myers

Películas de terror favoritas de los maestros

El Exorcista (The Exorcist, William Friedkin, 1973)

John Landis, el director de Un hombre lobo americano en Londres es un gran amante y divulgador del género. Su elección es, para muchos, la mejor película de terror de la historia. Sin embargo, se le critica su uso "evangelizador" del demonio y el mal.

Landis piensa que "es el perfecto manual para crear suspensión de incredulidad. Yo soy ateo, pero ¡mientras dura la película les compro todo!”.

El exorcista ganó numerosos premios, entre ellos dos Oscar; al Mejor Guión Adaptado (William Peter Blatty) y al Mejor sonido. También obtuvo ocho nominaciones más entre las que estaban Mejor Película y Mejor Director (William Friedkin).

El padre Dyer está interpretado por William O'Malley, un sacerdote real que impartía clase en la Universidad de Fordham. El padre William O'Malley le dijo a sus alumnos que la película tiene un 80% de verdad. Él afirmó que las grandes discrepancias entre la película y la realidad fueron las siguientes: en la vida real se trataba de un muchacho que estaba poseído, no una niña; la posesión no se produjo en Georgetown, DC, sino en las afueras de la ciudad de Maryland, y el color del vómito no era verde. El sacerdote añadió que casi todo lo demás que se muestra en la película ocurrió realmente.

Alien, el octavo pasajero (Alien, Ridley Scott, 1979)

Stephen King solo dirigió una película, pero merece un puesto en la lista como el creador de horror más adaptado al cine en la historia.

Su predilecta es la de muchos, y aunque algunos se la quieran llevar al terreno de la ciencia ficción, para él “es cine de terror, incluso siendo más sólida en su proyección científica que Star Wars. Es un relato sobrenatural, Lovecraft en el espacio, con la humanidad viajando hacia los primigenios y no al revés”.

Por razones de presupuesto, y porque estamos hablando del año 1979, donde no estaba tan de moda gastarse millones en decorados, la mayor parte de los interiores de la nave Nostromo se rodaron en un cementerio de aviones, ya que así permitía al equipo de producción reforzar el presupuesto para el alíen y para los efectos especiales de la película, sobre todo para las tomas exteriores de Nostromo, que según una entrevista con motivo del estreno de Alien 2, fue una de las partes más caras del filme

Para aumentar la tensión en la película, Ridley Scott decidió que la toma en la que el Alien sale por primera vez del pecho fuera filmada con cuatro cámaras al mismo tiempo y no se comunicase a los actores lo que estaba a punto de pasar, a excepción del que le sale el alien del pecho. Por esto, las reacciones de los protagonistas son tan reales, y ni siquiera la propia Veronica Cartwright sabia que le iban a tirar sangre en ese momento.

La idea original de H. R. Giger sobre el alíen era la de un animal con la piel transparente, pero ni producción ni efectos especiales pudieron recrear con suficiente realismo sin inflar el presupuesto del filme, por lo que se descartaría para posteriormente ser utilizado en otro tipo de alien: Predator.

Amenaza en la sombra (Nicolas Roeg, Don’t Look Now, 1973)

David Cronenberg, el genio canadiense autor de Videodrome o La mosca, hace una curiosa elección. Y es que nunca ha sido habitual ver el clásico de Nicholas Roeg entre lo mejor del cine de terror hasta hace pocos años cuando el tiempo la va poniendo en el lugar que merece.

"Me cautivó de verdad. Cine muy eficaz. Su anticipación de la muerte era tan palpable…”.

Ganó el BAFTA a la mejor fotografía y cuenta con excelentes críticas por serán referente indiscutible del terror psicológico aunque sus detractores la tildan de larga y tediosa.

La matanza de Texas (The Texas Chain Saw Massacre, Tobe Hooper, 1974)

John Carpenter, el director de La cosa, maestro total del horror y amante del western y la ciencia ficción clásicas señala como favorita esta película.

Con ella, Tobe Hooper sentó ciertas bases del slasher que Carpenter usó en su Halloween. Éste invitó a Hooper a colaborar con él en Bolsa de cadáveres porque "Es capaz de hacer un horror psicológico y enervante. Es muy potente”.

Cuando Tobe Hooper y Kim Henkel se pusieron a escribir el guión, labor en la que emplearon entre 10 y 15 días, querían sencillamente contar la historia de Hansel y Grethel, cuento con el que La matanza de Texastiene mucho en común: un abandono, un secuestro, cautividad, canibalismo sugerido y un final feliz. A eso, le sumó el elemento de la casa alejada de la sociedad, y que tomó prestada de La noche de los muertos vivientes, de George A. Romero.

Leatherface o Cara de cuero es el primer asesino enmascarado que no se pone careta para ocultar su identidad, sino para crearla, tal como años más tardes haría Michael Myers en La noche de Halloween o Jason Vorhees en la saga de Viernes 13. Las andanzas de toda la familia de asesinos está basada libremente en los crímenes de Charles Manson, y también en los de Ed Gein, el asesino en serie que también inspiró a Psicosis o El silencio de los corderos.

La influencia de La matanza de Texas llegó incluso a España, que a inicio de los 90 tuvo su propia versión, en clave de comedia: La matanza caníbal de los garrulos lisérgicos, en las que Manuel Maquiña, Teté Delgado o Cesar Strawberry, de Def con Dos, y Julián Hernández, de Siniestro Total, formaban el elenco.

Mil gritos tiene la noche (Juan Piquer Simón, 1982)

Eli Roth, el director de Hostel tiene filias bien definidas entre las que se encuentra la obra de Juan Piquer Simón y su plagio de los psycho killers americanos con forma de giallo.

"Es el slasher más loco, caprichoso y demente jamás realizado, piensas que  le has pillado el tranquillo y siempre te coge por sorpresa”.

En una universidad de Estados Unidos, una chica es asesinada y su cadáver aparece sin la cabeza. Al poco tiempo, otra chica es asesinada en la piscina de la Universidad y su cuerpo destrozado. La policía decide poner una mujer policía en la universidad, camuflada como profesora de tenis. Posteriormente, una periodista que investiga las muertes, es también asesinada, y otras dos chicas aparecen muertas y mutiladas…

Bueno, se define a sí misma como una de las peores películas realizadas y ese es su atractivo. Una serie B modesta pero eficaz con referencias evidentes a Psicosis, Viernes 13 o La matanza de Texas que muestra la porosidad del género a los estándares marcados en Estados Unidos.

Tiburón (Jaws, Steven Spielberg, 1975)

James Wan, el último gran nombre en inscribirse con letras de oro en el panteón del cine de terror recoge mucho de Poltergeist en sus Insidious y Expediente Warren. Sin embargo, sus favoritos de siempre están alejados del cine de fantasmas y de caserones encantados. Sin dejar de lado la marca Spielberg,

El director adora El diablo sobre ruedas y, sobre todo, Tiburón. "Puro cine en su máxima expresión. Me ha aterrado toda la vida y temo al océano por su culpa”.

Tiburón se pasó de presupuesto y de tiempo de rodaje: de los cuatro millones iniciales a los más de 12 gastados, y de 55 días proyectados a los 159 que llevó finalizar la producción. Se emplearon sobre todo en los tiburones mecánicos, que funcionaron fatal.
El inexperto Spielberg insistió en grabar en el mar, lo que dificultó enormemente el rodaje. Los problemas de los tiburones (nombrados Bruce en honor al abogado del director) forzaron a Spielberg a mostrar menos al escualo de lo que tenía pensado. Este hecho, en opinión de todo el mundo, incluido él mismo, fue la clave de la tensión de la película. ¡Viva a escasez de medios!
Fue el primer taquillazo veraniego y cambió el modelo del negocio del cine para siempre. Gracias a ella se inventó el merchandising que después se perfeccionaría Star Wars: se sacaron camisetas, vasos de plástico, un libro de cómo se hizo, toallas de playa, mantas, disfraces, tiburones de juguete, juegos de mesa, pósters, colgantes de dientes de tiburón, pijamas, pistolas de agua, etc.

El autor del libro en que se basa la película, Peter Benchley, y Spielberg discutieron tanto sobre el final que el director se vio forzado a expulsar del set de rodaje al escritor, que consideraba que el destino del escualo era "poco creíble".

El enigma… de otro mundo (The Thing From Another World, Howard Hawks, 1951)

George A. Romero, el creador del zombi moderno y el escenario apocalíptico que lo acompaña adora todo lo que huela a Howard Hawks, que produjo este clásico al que su colega Carpenter dio un lavado de cara en La cosa.

"Fue la primera película que me dio miedo. Pasan todo el metraje abriendo puertas, puertas y más puertas. Sabes que en cualquier momento la cosa estará detrás de alguna de ellas”.

El miedo a la guerra nuclear se tradujo en los años cincuenta en una serie de científicos capaces de poner en peligro a la humanidad gracias a sus experimentos. Películas como La mosca, El hombre con rayos X en los ojos o El increíble hombre menguante son otros ejemplos de este cine de terror basado en experimentos científicos.

También puede encontrarse una velada alusión a una posible invasión soviética en cintas similares como como Ultimátum a la tierra o La invasión de los ladrones de cuerpos, en ambas los extraterrestres son mostrados como seres sin identidad propia ni sentimientos (algo de lo se atacaba al régimen de Stalin).

El doctor Frankenstein (Frankenstein, James Whale, 1931)

Rob Zombie, el director de Los renegados del diablo, el remake de Halloween o The Lords of Salem que este mismo año lanza 31, adora al monstruo de Karloff.

"Creó el estándar de todo, la dirección de arte es increíble. Lo que Elvis es al rock and roll, Frankenstein lo es para el cine de terror: la primera, la mejor y la más grande”.

Es mítica la frase “Está vivo, está vivo” y se encuentra entre las 100 mejores de la Historia del Cine.Definitivamente, desde el plano estético marcó un antes y un después con pautas que luego se repetirían como manteas: Jack P. Pierce, el encargado del maquillaje, fue el creador de la idea de la cabeza plana, los pernos a través del cuello, los párpados caídos y el traje de la criatura de Frankenstein. De hecho tiene copyright o derechos de autor hasta el año 2026.

También fue la primera película que usó el efecto de sonido del relámpago o trueno en un castillo. Hay una frase en la película que dice: 'Ahora sé lo que se siente ser como Dios', que fue censurada en su reestreno, por considerarlo una blasfemia. Se agregaron sonidos de rayos en su lugar. Ya en su versión de DVD y Blu-Ray, fueron añadidos de nuevo. Otra censura fue cuando el Monstruo, tira a María al lago. En aquellos años, la censura llegaba muy lejos. la consideraron violencia a un menor. No fue hasta la llegada del VHS que esa escena se restauró.

La novia de Frankenstein (Bride of Frankenstein, James Whale, 1935)

Guillermo del Toro es un apasionado de los clásicos. Su visión del terror confluye con el drama fantástico de El laberinto del fauno, pero el amor por lo terrible demostrado en La cumbre escarlata lo absorbió de los clásicos, de su contraste de grises y escenografía.

"Es absolutamente perfecta. Tiene la inocencia y belleza de un cuento de hadas y la oscuridad de un relato de terror gótico. La combinación es irresistible”.

- Universal pensó en montones de tramas alternativas debido a la negativa de Whale a dirigir esta secuela: se pensó en dar inteligencia al monstruo pra que hiciera sus propios experimentos, o en una trama de espionaje en que el Dr. Frankenstein debía impedir que un rayo mortal de su invención cayera en manos de una potencia extranjera.Finalmente accedió a rodarla a cambio de total independencia creativa.

Tanto en los créditos iniciales como en los finales se mantiene la incógnita de quién interpreta a la novia de Frankenstein dejando un símbolo de interrogación en el lugar en el que debería aparecer su nombre.

Psicosis (Psycho, Alfred Hitchcock, 1960)

Tobe Hopper, el director de Poltergeist es un gran amante del cine de Hitchcock y es tan fan que le dedicó varios guiños en Salem’s Lot. En La matanza de Texas, utilizaba como base del personaje Leatherface a Ed Gein, el mismo asesino en serie que inspiró a Norman Bates. En realidad la obra magna de Hooper no es sino una revisión malsana y setentera de la pesadilla american gothic que implantó Psicosis.

El escenario original de la Casa y el Motel Bates fueron construidos en el mismo estudio que el escenario de El Fantasma de la Ópera, que aún se mantiene en pie en Universal Studios, en Universal City, cerca de Hollywood, y es una actual atracción del estudio.

La famosísima escena de la ducha transcurre en 3 minutos e incluye 50 planos. La mayoría de los planos son extremadamente cortos, excepto en los planos que se dirigen a la ducha antes y justo después del asesinato. La combinación de los planos son de tan corta duración en la secuencia que resulta más impactante, más subjetivo, más incontrolado, y más violento de lo que las imágenes presentarían por sí solas o en un ángulo más amplio.

Alfred Hitchcock había previsto originalmente que la secuencia de ducha fuese completamente silenciosa pero, el compositor Bernard Herrmann, le hizo cambiar de opinión cuando al rodarla con el famoso grito la sensación que transmitió fue espeluznante. Un sondeo realizado en Gran Bretaña ha consagrado a la música de Psicosis, como de las más terroríficas de la historia del cine, superando a las melodías de La profecía, La Llamada, El Fantasma de la Opera o El Exorcista.

Fue nominada a cuatro premios de la Academia: Mejor Director, Mejor Actriz, Mejor Cinematografía Blanco y Negro y Mejor Diseño de Producción Blanco y Negro. A pesar de sus innovaciones técnicas y narrativas, no ganó un solo premio Oscar, una enorme injusticia.

La noche del cazador (The Night of the Hunter, Charles Laughton, 1955)

William Friedkin, el director de El exorcista dijo sentirse muy influenciado por La semilla del diablo cuando realizó su obra maestra pero la película que le marcó a los doce años fue la única y perturbadora obra de Charles Laughton.
"Me dio miedo entonces y sigue haciéndolo ahora. El reverendo de Mitchum es el psicópata más aterrador nunca creado. El tono inquietante y las poéticas imágenes expresionistas la convierten en cuento de hadas oscuro”.

¿Recordáis su tatuaje de "amor" y "odio"? Entre las escenas más famosas de la película encontramos el plano de la silueta de Harry Powell montando a caballo. Laughton planteó que hubiera una gran perspectiva que acentuara la inquietud que provoca la amenazante figura, que se acerca lentamente. Pero como el estudio no permitía tal profundidad de campo, para falsear el efecto la silueta no pertenece a Mitchum sino a un enano que monta un pony.

Harry Powell, el asesino que interpreta Robert Mitchum, está basado en Herman Drenth, un granjero de origen holandés. Drenth se valió de sus poderes de seducción para conocer a dos viudas en la sección de contactos del periódico. Cuando ambas mujeres desaparecieron, la policía encontró un auténtico camposanto en el garaje del amante encantador: Drenth las había asesinado, así como a los tres hijos pequeños de una de ellas. Como el personaje de Powell, su única motivación era el dinero de las víctimas, y la crueldad de sus actos ponía los pelos de punta. Herman Drenth fue colgado en 1932. Por cierto, su alias más conocido era Harry Powers, casi un calco del Harry Powell de Mitchum.

La noche del cazador recaudó 795.000 dólares, y tuvo un beneficio neto de apenas 300.000 dólares. Un verdadero batacazo. Solo el paso del tiempo salvó a la película del ostracismo.

Suspense (The Innocents, Jack Clayton, 1963)

Joe Dante, el creador de Aullidos y Gremlins también es admirador de las historias de fantasmas cuyo elemento sobrenatural es incierto. El clásico de Jack Clayton adaptaba otra vuelta de tuerca de Henry James.

"Cuando el pequeño besa inapropiadamente a la niñera ésta piensa que ha sido poseído por el fantasma ¿o está todo en su mente? Es el tipo de ambigüedad que multiplica el factor miedo”.

Además de la novela breve de Henry James, la película bebe elementos de la adaptación teatral The Innocents de William Archibald, que trabajó en el guión de la película junto a Truman Capote y John Mortimer, que añadió algunas secuencias y diálogos.

La casa encantada (The Haunting, Robert Wise, 1963)

Sam Raimi, el director de Evil Dead nos vuelve a traer en Halloween demonios y gore en formato serie, pero lo que realmente le da escalofríos son los fantasmas de la casa Hill. Un terror más sutil que sin embargo deja su impronta en el reconocible estilo del autor.

"Las sombras sugerentes, ángulos y efectos de sonido permiten al público crear en su mente la imagen de lo que allí habita”.

La película está basada en una obra de Shirley Jackson, titulada “The Haunting of Hill House”, con quien Wise se reunió para hablar sobre la adaptación cinematográfica. Ella le sugirió el título de la película, ya que era uno de los que tenía previstos en un principio para la novela, y el guión fue escrito por Nelson Gidding, quien precisamente había escrito para Wise otras dos de sus mejores películas: Quiero vivir (I Want to Live!) y Odds Against Tomorrow (1959).

La noche de los muertos vivientes (Night of the Living Dead, George A. Romero, 1968)

Aunque es muy fan de Nosferatu, Wes Craven, el creador de Freddy recuerda el tumulto de la sala en la que se proyectaba primera película de terror que fue a ver al cine. El clásico de Romero le hizo darse cuenta que "mientras aterrorice, puedes contar lo que quieras en una película de género; sobre política o psicología… también me hizo darme cuenta de que lo experimentamos todo a través del miedo”.

El cementerio de Evans City que fue usado en la versión original, no pudo utilizarse en la nueva versión, ya que antes del rodaje, un tornado había pasado por el lugar provocando importantes destrozos y dejado varias tumbas al descubierto

La premiere mundial del filme tuvo lugar en el Fulton Theatre en Pittsburgh (Pennsylvania, USA), un sábado a las 8 de la tarde de un 1 de Octubre de 1968, a la cual sólo se podía asistir con invitación. La película terminó con una sonora ovación del público.

En toda la película no se emplea la palabra: "zombi". El eufemismo más cercano utilizado en el filme para describir a los muertos vivientes es "esas cosas".

El año pasado en Marienbad (L’année dernière à Marienbad, Alain Resnais, 1961)

Dario Argento, el genio italiano detrás de los mejores giallos y terrores surrealistas como Suspiria admira a Bergman sobre todas las cosas pero esta maravilla onírica es la mejor película de terror que ha visto nunca.

Fue la primera vez que vi en el cine la representación perfecta de lo que sucede en el inconsciente y los sueños, siempre construyo mis películas como pesadillas, quizá influenciado por Resnais”.

Bueno, vaya por delante que a mí también me dio mucho miedo cuando la vi en la carrera… Sobre todo porque no entendí nada de nada. Como elección como cinta de terror es como poco curiosa.