Tras un deliberado compendio y debate interno en el que, un servidor ha tenido que llevar a cabo la difícil elección de escoger tan solo las 21 mejores películas que nos ha dejado este siglo XXI, este es finalmente el resultado. No comencéis a segregar bilis ni sustancias venenosas simplemente porque vuestras películas no estén: podéis estar tranquilos. Sabemos cuáles son las grandes ausentes, y nos duele tanto como a nosotros no verlas en esta lista.
Su numeración poco o nada tiene que ver con ninguna clase de orden. Toda esta lista conforma un cosmos equitativo en el que ninguna se pisa en calidad con otra, ni ninguna es mejor que la anterior. Todas deben ser vistas teniendo presente que estamos ante cada uno de los mayores ejercicios y esfuerzos visuales de nuestro tiempo. Comenzamos con nuestro ranking de las mejores películas del siglo XXI.
La Doncella
Pulcra, ordenada y sorprendente a partes iguales, Chan-Wook Parkconstruye una casa de muñecas cimentada sobre tres pilares, que aguantan y aparecen unidos por una vigorosa estructura: la teatralización de la forma. Hablamos de sus tres personajes principales a modo de tríptico dantesco que siempre parece suscitar una sexualidad presente desde los pequeños gestos hasta el completo galope de las sábanas. Un teatro de sombras lascivas donde el verdadero guión son los detalles que adquieren dimensiones desproporcionadas al ser contemplados desde la parte de atrás.
Dejaos embaucar, y seducir por una película que solo puede ser descrita como un hilo de seda mecido por una sensibilidad cortante y abrumadora. Si queréis otros éxitos que podrían haber sido incluidos en esta lista quedaros con Oldboy o Stoker, del mismo director, aunque si buscáis tamizar como espectadores el auténtico teatro: Las Furias, una película española de Miguel del Arco.
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Pozos de ambición
Paul Thomas Anderson, director de The Master, otra de las películas que debería haber sido incluida finalmente en este top al contar con bestias actorales como Phillip Seymour o a un descontrolado y salvaje Joaquin Phoenix es el artífice de Pozos de Ambición.
Un festival estoico, que ejercita el músculo de la cinematografía hasta romper las fibras de los brazos y la mandíbula hasta tal punto de que es capaz de levantar cualquier escena sin importar su peso o daño colateral. Un retrato sobre una avaricia ventricular que propulsa a cada latido petróleo en lugar de sangre al corazón, para reposarlo en esta obra magistral del cine moderno.
La Bruja
La Bruja es un relato folclórico que ofrece una reclusión tubular y sorda para el espectador. El miedo no es un personaje que, como en la mayoría de las películas de terror, se evidencia como un tramoyista con un especial y retorcido gusto por buscar siempre la manera más preciosista de asustarnos. El miedo, es el aire putrefacto y la atmósfera que empantanan La Bruja.
Está ahí, y no está esperando para asustarnos sino que se marchita, apesta, se deforma y nunca cesa en su intento por corroer todo cuanto ha logrado alcanzar: es, efectivamente una larva con un apetito insoluble que no para de regurgitar. Todo fluye en una película cenagosa y gris, capaz de confeccionar a través del imaginario más puro del aquelarre de los cuadros de Goya, una de las mejores películas de terror del siglo XXI.
Muholland Drive
Si alguna vez os habéis preguntado qué aspecto tendría la incomodidad si fuese una película, Muholland Drive es la respuesta a vuestra pregunta. En caso contrario la experimentaréis de la misma manera: David Lynchnos encierra en un ascensor que se mueve lateralmente en lugar de arriba y abajo como cabría esperarse.
Un esoterismo metalizado y policromado que refracta como en el interior de un caleidoscopio un embudo de sensaciones aterradoras. La constante noción de que nunca antes se había concebido un cine sintético tan real. Carretera Perdida, Blue Velvet, Fuego camina conmigo, Wild a Heart, Inland Empire.. la lista es interminable, os recomendamos cualquiera de ellas, pero primero deberíais ver Twin Peaks.
Un hombre soltero
Si unimos lo sublime con lo sensible, obtenemos uno de los relatos más frágiles y hermosos del cine del siglo XXI. El gusto por extender cada detalle, cada apreciación y textura denota una sensibilidad sin precedentes. Una que solo coteja Tom Ford, que por muy poco no entraba en este top también con Animales Nocturnos.
Un desfile de miradas que evocan, los gestos y palabras que nunca se pronuncian, estallando en las facciones de cada uno de los intérpretes de esta película. Un velo tan sumamente transparente y ligero sobre el deseo que resbala ante el objetivo de la cámara para revelarnos un nuevo universo de delicadezas.
Paprika, detective de los sueños
Satoshi Kon: Perfect Blue, Tokyo Godfathers, Paranoia Agent, Millenium Actress. Todas quedaban por fecha, categoría o por decisión propia fuera de la lista, pero sobretodo por su incapacidad de moldear con tanta facilidad lo tangible en una película de animación. No podemos olvidar otras como Tekkonkinkreet, o Mind Game, pero Paprika se disuelve, vaporiza y solidifica al mismo tiempo durante cada segundo de metraje.
Es una obra convulsa, que polariza imágenes que luego vuelve a digerir para enriquecer con su especial sentido de la particularidad y misticismo. Pero por encima de todo, es realmente hermoso ver cómo todo converge en la punta de cada uno de sus estambres e imperfecciones.
El caballo de Turín
Un vaciado narrativo estratégico y ceremonial en pos de un sacrificio estético sin precedentes que ya auguraba Béla Tarr, en Sátántangó de 1994. El director húngaro se consagra en una película que circula muy cerca de un western ominoso alrededor de una alegoría que trota sobre un mar de ceniza.
Una auténtica preciosidad de obra cinematográfica que avanza para conquistar el cine del nuevo milenio con un poderoso silencio que llena de esa grisácea nicotina y una esplendorosa estética nuestros pulmones.
La Casa de las Dagas Voladoras
Es junto con Hero, o el Acantilado Rojo de John Woo, uno de los mayores proezas del cine asiático, aunque en esta lista el derecho estará reservado para Zhang Yimou. Equilibrada como un arma blanca en el filo de nuestros dedos, y con la precisión inscrita en una hoja qué sabe siempre dónde golpear y hasta qué punto clavarse sin excederse. Acero que vibra contra la carne: todo es un impacto directo.
Un amor de doble filo que a base de equilibrios logra siempre cortar y fascinar a la vez. La Casa de las Dagas Voladoras es una cascada natural de imágenes a contemplar, deslizando su modo de hacer cine entre las copas de los árboles, hasta dejarse caer en pleno vuelo.
La Gran Belleza
Son los ecos de un soliloquio que retumba con fuerza entre el veteado y el mármol de todo Roma. Un monólogo dantista y crítico por la belleza del vacío. Un cinismo que evidencia la ridiculez de lo que realmente somos: impostores.
Sorrentino iniciará algo a lo que querrá suscribirse Call Me By Your Name a su modo de ver y contemplar la película de Te querré siempre de 1954 de Rosselini como algo inalcanzable. La Gran Belleza traza su propio camino, y establece su propia excelencia de forma muy meritoria.
The Act of Killing
No podía faltar el género documental, y The Act of Killingde Joshua Oppenheimer que imagina danzar muy, pero que muy lentamente con el diablo. Y es que The Act of Killing es eso según definido por el propio director. Un documental de la imaginación.
Sin embargo, es esa imaginación la que peligrosamente realiza malabares con las manos temblorosas de una víctima siempre presente, que cuenta las atrocidades cometidas en Indonesia explicadas y narradas por sus propios asesinos. La película fue sucedida por The Look of Silence, estrenada en 2015 y del mismo cineasta.
Los Niños Lobo
Una voz cándida y lejana deja arrastrar consigo un suave murmullo que recuerda a una nana. Las flores ofrecen un lugar mullido sobre el que Hana reposa su cabeza. Nada aparece enfocado, cada contorno, cada forma se diluye en una lejanía reconfortante y dorada. Como mirar a nuestro alrededor segundos después de ser deslumbrados por la luz del sol. Todo se mece y envuelve en el cálido abrigo de el recuerdo de una hija sobre su madre.
Wolf Children es esa historia. La sensibilidad materna. También recomendamos Summer Wars o el Niño y la Bestia, del mismo director, Mamoru Hosoda. Más allá de Hosoda damos con la bucólica En Este Rincón del Mundo. Y es que, hay vida más allá de Studio Ghibli. Las más destacables del estudio en los últimos años: Ponyo en el Acantilado y El viaje de Chihiro.
Hable con Ella
No podía faltar el Almodóvar de principios de siglo XXI, uno que siempre ha demostrado ser el mismo hasta la mismísima Julieta, La piel que habito o La mala educación, Volver..
Una historia de amor convaleciente, agónica y que logró enmudecer al público de medio planeta, donde todo suscita una dulzura impregnada de un cariño lacrimógeno que trasciende como algo más que una de las mejores películas románticas y dramáticas del cine español de todos los tiempos, así como una de las mejores del siglo XXI, junto con Lo de Sé de Lola.
Incendies
Denis Villeneuve adapta la famosa obra de teatro de Wajdi Mouawad, solo que en lugar de extinguir las llamas como en muchas adaptaciones cinematográficas las alienta con su modo de hacer cine. Cada escena propaga una incandescencia abrasiva en un guión ignífugo que no deja de agregar oxígeno a unas llamas que ascienden en una columna de humo inigualable.
Dejaos abrasar y abrazar esos fuegos, pues esta película os mostrará os hará testigos de lo siguiente: y es que la vida, se trata de apagar constantemente incendios. La llegada, Bladerunner: 2049, son otros títulos del cineasta que no os podéis perder.
4 Meses, 3 Semanas, 2 días
Producción rumana que arranca bajo la dirección de Cristian Mungiu, como una de las películas más desoladoras del siglo XXI: un desfiladero de vacíos que zarandea a sus personajes con la misma contundencia que la vida misma. Este drama deconstruye los últimos años del comunismo en Rumanía, en una nación donde la ley aún prohibía el aborto, para erigir con cerámica una fragilidad fílmica que se fractura con solo mirarse.
Por supuesto no puede evitar beber del cine Krzysztof Kieślowski, y comparte matices en su iluminación con la silenciosa The Tribe, de Myroslav Slaboshpytsyi, otra gran película que se quedaba por muy poquito fuera.
Las estaciones de la vida
También conocida como Primavera, Verano, Otoño, Invierno y Primavera, era una de las grandes dudas de esta lista frente a otras como: Yi Yi, de Edward Yang, Symbol, 9 almas, o Zaitoichi así como cualquier otra cinta dirigida por Takeshi Tano. El surcoreano Kim-Ki Duk ganaba el duelo con esta película por una sensibilidad tan refinada que solo destila una empatía cinematográfica por todo cuanto nuestra vista toca en esta película.
Una obra que nos espera con los ojos cerrados y el corazón descubierto. La latencia del agua en un monasterio suspendido sobre las cristalinas aguas de un lago, revelan una de las obras cumbre del siglo XXI que ofrece tantísimo, con tan pocos elementos.
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Hard to be a God
Es duro ser un Dios, y no, no hablamos de la famosa canción deEl Dorado la película de DreamWorks sino de la película de Aleksei German del año 2013, adaptación extraordinaria de la novela de los hermanos Strugatsky, autores de novelas como Stalker que inspiraría a Tarkovsky para su película homónima. La condensación del barro y la suciedad en la carne, componen esa mugre preciosista y rocambolesca en una cinta medievalmente súbita consigo misma.
La negrura abisal de la cinta absorbe por completo unos personajes grises, que son maltratados continuamente con un lenguaje visual drástico: latigazos de auténtico cine que restallan de una a otra esquina de la pantalla.
El Arca Rusa
Quizás la proeza más titánica del cine actual y moderno del siglo XXI: Alexander Sokurovconstruía en un solo plano secuencia una película entera de algo más de hora y media.
El Arca Rusa es un flujo de cine constante, tan vivo que no se limita a realizar el mayor ejercicio cinematográfico en crudo hasta la fecha, sino que mantiene suspendido un momento de manera eterna e indefinida en el tiempo; al menos hasta la conclusión de la película. La coreografía más grande del cine moderno, de una ejecución brillante, tan ensayada, planeada y pensada que excede cualquier posible intento de mejora directiva.
Brokeback Mountain
Ang Lee configura un tapiz de perdones sobre un romance trágico y fértil en emociones, que no deja nada al margen de lo sensible. Heath Ledger, y Jake Gyllenhaal, de otros filmes bastante interesantes como Nightcrawler y la excelentísima Animales Nocturnos, se entrelazan en una interpretación conjunta sin precedentes, capaz de materializar la ausencia de un amor que languidece cuanto más se usa y reprende así mismo.
Todo ello ubicado en un paisaje que no hace sino evocar cada vértice de la otra persona, y la imagen mental que el amor más puro mantiene de alguien a quien queremos perpetuar en nuestra memoria. Brokeback Mountain es cinematografiar y documentar un amor al que se le blanquean los nudillos de apretar algo que no quiere dejar marchar nunca, hasta coagular la sangre y levantar la piel.
Nadie sabe
Hirokazu Koreeda ilustraba una oda al desamparo que no solo es excelente en términos fílmicos sino que además se permite la licencia de representar una infancia dilatada y devastada por el filtro de la realidad.
Una cabaña de naipes frente a una adversidad contra la que no lucha: únicamente trata de mantener la cabeza fuera del agua y sobrevivir al nefasto arrastre de una naturalidad y fluidez aplastantes. Todo cobra fuerza a través de una mirada desesperada, que poco o casi nada comprende, y es atravesada por una neutralidad visceral.
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Hijos de los Hombres
Estamos ante la otra cara de la distopía, aquella que empapa la novela de P. D James de título homónimo y original de 1992, para quebrar las extremidades de un futuro con el que, el Alfonso Cuarón más verosímil encauza uno de los relatos más incómodos y cristalizados del cine. Un reportaje bélico de una acción tan exaltada y vívida como el realismo implícito en la capacidad de esta película de distender en el tiempo indefinidamente cada gravedad.
Deseando amar
Película que extingue los márgenes del romanticismo y desdibuja una impresionante vidriera sobre cada uno de los colores por los que aparecemos impregnados los seres humanos cuando amamos. Una forma de arte extenuante, realizada casi por orfebrería, donde cada engarce es incrustado por Wong Kar-wai en un lienzo melancólico y lúcido que recuerda en intensidad plástica a una sucesión de fotogramas de las obras de Gustav Klimt.
Como último recordatorio: por favor, recordar que esto es solo una opinión expuesta de forma ordenada como soliloquio de por qué amamos estas películas de un modo tan afectivo que no pueda evitar causar que las veáis. Sentíos libres de realizar en vuestros comentarios el mismo top con vuestras 21 mejores películas del siglo, podéis debatir, pero no lapidéis a la gente por confesar en voz alta de qué películas están enamorados. Esto es un tributo al cine.
Ha sido una tarea de desaprensión y egoísmo completamente simultánea sobre lo que realmente compete: mirar a la cara al Cine del siglo XXI y trata de decirle cuáles han sido sus mayores virtudes hasta la fecha. Se ha evitado en la medida de lo posible vinculaciones a sagas, y segundas entregas, así como repetir directores. Se trata de valorar los mejores ejercicios cinematográficos en lo que va de siglo, o al menos aquellas películas que han demostrado tener una infinita sensibilidad en su realización.
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