Se trata de E.T., el extraterrestre, el clásico de Steven Spielberg estrenado en 1982. Bardem era todavía un niño cuando llegó a los cines, pero quedó tan fascinado con la historia que terminó viéndola 24 veces en la gran pantalla.

Años después, el actor explicó que aquella película había dejado una huella especialmente profunda en él.

En una entrevista con A Frame, la plataforma de la Academia de Hollywood, Bardem recordó hasta qué punto llegó su fascinación por la película. "Vi E.T. 24 veces en el cine", contó el actor.

No lo hizo simplemente porque disfrutara de su componente de ciencia ficción. De hecho, lo que más le impresionó fue la relación emocional entre sus protagonistas y la forma en la que Spielberg construyó la historia alrededor de ellos.

"Para mí es una obra maestra y sigue siendo una de las historias de amor más bonitas de la historia del cine, sobre dos personas que pueden verse a través de los ojos del amor en lugar de hacerlo a través de los ojos del miedo", explicó Bardem.

Esa interpretación ayuda a entender por qué la película consiguió convertirse en algo más que una aventura sobre un extraterrestre perdido.

E.T. cuenta la historia de un extraterrestre que queda abandonado en la Tierra y establece una relación especial con Elliott, un niño que intenta ayudarle a regresar a su planeta.

Para Bardem, el elemento fantástico era casi secundario frente a la relación entre ambos personajes. El actor considera que la película habla, sobre todo, de dos seres que han sufrido el abandono y que encuentran una conexión entre ellos.

Y añadió una reflexión especialmente personal sobre sus protagonistas: "Creo que es una preciosa historia de amor entre dos iguales, dos personas que han sido abandonadas: uno por sus compañeros extraterrestres y el otro por su propio padre".

La película no solo conquistó a Bardem. E.T. se convirtió en uno de los grandes fenómenos cinematográficos de los años 80, ganó cuatro premios Oscar y recibió otras cinco nominaciones, entre ellas las de mejor película y mejor director.

Décadas después, Bardem acabaría construyendo una carrera muy alejada del niño que acudía repetidamente al cine para ver la película de Spielberg. Llegó a ganar el Oscar por No es país para viejos y posteriormente participó en grandes producciones como Skyfall, Dune y más.

El streamer murciano estaba jugando al título de EA cuando, de pronto, se dio cuenta de que hay un futbolista de Arabia Saudí que es igualito a él. Y no, no es broma: el parecido es brutal.

Obviando el color de piel, la cara es absolutamente igual, hasta el punto de que muchos fans de TheGrefg lo tienen claro: se parece más que la skin del streamer que Epic Games hizo hace unos años para Fortnite.

Este jugador de EA FC 27 es la viva imagen de TheGrefg, aunque su media de 55 no es motivo de orgullo

Suena raro, pero así es: TheGrefg es calcado a un futbolista de EA Sports FC 27 que juega en la Saudi First Division League, la segunda máxima categoría del fútbol de Arabia Saudí.

Se llama Nassir Al-Bishi y juega en el Al-Akhdoud. No obstante, el streamer murciano lamenta que solo tenga 55 de media en el título de PC y consolas, la cual es una valoración muy baja dentro del juego.

''¿Cómo podemos ser tan parecidos?'', se pregunta TheGrefg, que no se explica cómo pueden tener la misma cara. Es casi como si alguien hubiera hecho un montaje, pero el rostro de Al-Bishi es real al 100%.

Las bromas no se han hecho esperar. Algunos señalan directamente al padre del streamer (la clásica broma en estos casos por el color de piel), mientras otros le lanzan un dardo por su skin de Fortnite.

''Pues se convierte automáticamente en tu mayor parecido dentro de un videojuego, dejando muy atrás al segundo, además'', afirma Team Heretics en Twitter/X.

Quién sabe, quizá los caminos de TheGrefg y Al-Bishi se junten algún día, pero, mientras tanto, el streamer podrá jugar con su alter ego en EA Sports FC 27 y hacerlo evolucionar hasta ser una estrella del fútbol.

EA Sports FC 27 llega mañana, 25 de septiembre, a PS5, PS4, XBOX Series X|S, XBOX One, Nintendo Switch 2, Nintendo Switch y PC, tras pasar una semana en acceso anticipado.

Como ya sabes, en el extensísimo elenco de Vengadores: Doomsday se encuentra Tom Hiddleston, que regresará en su papel de Loki. ¿El problema? Loki tiene un papel clave concentrando las diferentes líneas temporales del multiverso, que es donde deja al personaje su serie homónima de Disney+.

La presencia de Hiddleston en Doomsday ha chocado a muchos, pues Loki no puede abandonar su posición. A priori, otros personajes podrían visitarlo, lo que apaciguó los temores en un principio.

Pero la llegada de Vengadores: Endgame Encore esta semana a los cines ha relanzado todo tipo de teorías sobre el riesgo de que se eche a perder el final de Loki para sacar partido al personaje. Antes de seguir, tenemos que mencionar una de las rumoreadas escenas de la versión extendida de Endgame. Si no quieres spoilers, mejor espera a haberla visto.

¿Estropeará Marvel el final de Loki?

Aunque no se puede confirmar nada hasta el viernes, se rumorea que una de las escenas adicionales de Vengadores: Endgame Encore muestra a Loki apareciendo en la casa de Steve Rogers en el pasado. Es muy improbable que esto suceda durante los eventos de Loki, pues el personaje no tenía, irónicamente, tiempo que perder con otras cosas.

Muchos fans han mostrado su preocupación ante la posibilidad de que Loki abandone su lugar como el Dios de las Historias y tenga una participación demasiado activa en Vengadores: Doomsday. Otros, directamente, consideran que la escena añadida carece de sentido, de ser cierta.

Pero otros encuentran una salvable explicación a través de uno de los poderes de Loki como Dios del Engaño: proyectarse. El personaje de Tom Hiddleston no estaría físicamente en el pasado de Steve Rogers, sino que acudiría mediante una proyección astral para reclamar su ayuda.

¿Crees que Vengadores: Doomsday puede estropear el final de Loki? ¿Tiene sentido que el personaje de Tom Hiddleston regrese al Universo Cinematográfico de Marvel después de lo redondo que fue su final?

Uno de los ejemplos más llamativos es La casa de papel, la serie española creada por Álex Pina y estrenada originalmente en 2017. Su combinación de atracos, acción, tensión y personajes con personalidades muy marcadas consiguió enganchar a millones de espectadores en todo el mundo. Entre ellos estuvo el propio King.

El escritor llegó a hablar públicamente de la serie en varias publicaciones en X, dejando claro que había quedado completamente atrapado por ella.

King destacó especialmente el ritmo de la producción y su capacidad para ofrecer entretenimiento prácticamente constante. En una de sus publicaciones escribió que la serie tenía "más emoción y diversión disparatada que toda una temporada entera de la mayoría de las series".

No se quedó ahí. En otro comentario fue todavía más directo: "Es emocionante y divertidísima".

El escritor también tenía una recomendación muy concreta para quienes todavía no hubieran visto la serie: "Si te gustan las historias de atracos, te va a encantar".

King incluso hizo referencia a una de las características más particulares de la producción española al recomendar verla en su idioma original.

El entusiasmo de King resulta interesante porque no parece responder únicamente a que la serie encaje dentro de sus géneros favoritos. La casa de papel combina acción, suspense y atracos con elementos dramáticos y culturales que contribuyeron a diferenciarla de muchas otras producciones.

Además, su ritmo acelerado hace que la historia avance constantemente entre planes, problemas inesperados y cambios en la situación de los protagonistas. Precisamente esa sensación de no saber qué ocurrirá a continuación parece encajar con el tipo de entretenimiento que Stephen King ha demostrado apreciar.

El resultado se llama Floor796, un juego gratuito de navegador que incluye personajes de videojuegos, cine, series de TV, anime, cómics, libros y cualquier otro ámbito de la cultura pop. Todavía está en desarrollo, pero ya va por el 62% después de unos años.

Disponible en inglés y ruso, al alcance de un solo clic, este divertido juego de habilidad es una maravilla a ojos de cualquier geek, pues podemos encontrar a toda clase de iconos: desde Mario, Sonic y Link, pasando por el xenomorfo de Alien, el grupo KISS, los personajes de Juego de Tronos o el Vault Boy de Fallout.

Floor796 es el ¿Dónde está Wally? para frikis que ya mismo podéis jugar gratis desde el navegador

Nada más entrar en el enlace de Floor796, os sumergiréis en un gigantesco escenario de estética comiquera. Es posible moverse con el mouse por cada estancia, desde la discoteca y la piscina hasta el laboratorio y otros muchos lugares. Es casi infinito.

Pero lo mejor es que cada punto del juego está repleto de personajes, guiños y referencias a cualquier representación de la cultura pop. Es imposible no reconocer a dos o tres personajes por cada instante que pasamos en la pantalla.

Al hacer clic sobre cualquiera, se abre un desplegable con su nombre y una URL para ver una imagen detallada. También hay paneles de noticias con más información, y hasta pequeños minijuegos o misiones relacionadas con algunos de los iconos pop.

¿Otras sorpresas de Floor796? Pues el juego arcade Racer796, un minijuego al más puro estilo ¿Dónde está Wally? y un teléfono que os permite llamar a los desarrolladores.

Los orígenes del juego se remontan a 2018, con la creación del motor animado, un sistema de renderizado y un sitio web. A partir de ahí, fue creciendo hasta convertirse en lo que es ahora. Inevitablemente, también recuerda a Habbo.

Floor796 ya es una maravilla, y eso que solo está al 62% completado, así que todavía le faltan muchos escenarios y personajes que añadir. ¿Podréis reconocer a todas las leyendas de videojuegos, cine, series, anime, cómics y libros que aparecen en escena?

Una de las cosas más chocantes de Vengadores: Endgame es que Chris Hemsworth se convirtió en lo que más tarde se bautizaría como Bro Thor. Esta iteración del Dios del Trueno se sumió en una severa depresión tras el chasquido de Thanos y se dejó bastante, convirtiéndose en una parodia marvelita del Nota, el personaje de Jeff Bridges en El gran Lebowski.

Aunque Thor no fue en bata toda la película, sí que mantuvo un estado de forma más propio del restaurante de comida rápida que del gimnasio. También lució cabello largo, a diferencia del corto que habíamos visto en las entregas de Marvel recientes, incluyendo Vengadores: Infinity War.

Ahora, Vengadores: Endgame Encore ha compartido un póster muy chulo con el trío maravilla: Thor, Capitán América y, finalmente, Iron Man. Los tres lucen sus versiones "recientes", mientras que el reflejo en el agua ante ellos muestra cómo fueron en sus inicios del Universo Cinematográfico de Marvel.

El reflejo muestra a Thor con su aspecto de 2011, Steve Rogers con uniforme militar de la II Guerra Mundial, sin rastro del crecimiento que le brindó el suero del supersoldado. Por último, la armadura que lleva Tony Stark es la que diseñó de forma rudimentaria en las cuevas donde lo mantuvieron secuestrado.

Bro Thor nunca apareció en la campaña de promoción de Vengadores: Endgame

Tal y como señalan desde Comicbook, muchos están destacando que Chris Hemsworth aparece como el Thor de Vengadores: Infinity War en el póster de Vengadores: Endgame Encore, no como el Dios del Trueno con sobrepeso y cabello largo que vimos en la película.

Pero el caso es que Marvel no mostró a Bro Thor en toda la campaña de marketing en 2019. Esa revelación llegó en las salas de cine. Si repasamos las imágenes promocionales de la película, cada póster muestra a Chris Hemsworth con el pelo corto y, por lo general, en segundo plano, tapando su cuerpo con otros personajes.

Obviamente, ocultar esa versión del personaje no tiene sentido siete años después, pero parece que Marvel quiere mantener ese curioso engaño aunque todos sepamos que Thor se está echando unos vicios con Korg en Nuevo Asgard.

Vengadores: Endgame Encore llega a los cines este viernes 25 de septiembre con algunos minutos adicionales que apuntan a dar contexto a lo que nos espera en Vengadores: Doomsday.

La primera caída ocurrió durante una de las escenas del rodaje. Wayne estaba montando a caballo cuando el animal terminó cayendo y lanzó al actor contra el suelo. El golpe fue lo suficientemente fuerte como para provocarle dos costillas rotas, obligándole a apartarse temporalmente de la producción.

La película no podía detenerse por completo mientras el protagonista se recuperaba. El equipo aprovechó esos días para rodar todas aquellas escenas que no necesitaban la presencia de Wayne, mientras el actor esperaba a poder reincorporarse. No tardó demasiado en volver al trabajo y, después de terminar aquella parte de la producción, el equipo hizo una pausa antes de continuar con el rodaje en otra localización.

La historia de Los indestructibles ya tenía todos los ingredientes para una aventura de grandes dimensiones. Basada en una novela de Stanley L. Hough, la película seguía a un antiguo soldado confederado y a otro de la Unión que, después de la Guerra Civil estadounidense, tenían que unir fuerzas para escapar de México.

Wayne no se limitó a protagonizarla. Cuando aceptó hacerse cargo del proyecto obtuvo libertad creativa y reunió a varias personas de confianza. James Lee Barrett escribió el guion, Andy McLaglen se encargó de dirigir y Bill Clothier estuvo detrás de la fotografía.

Cuando el equipo retomó el rodaje en Luisiana, Wayne volvió a montar a caballo para una de las escenas. Esta vez el problema estuvo en la propia silla: mientras cabalgaba a gran velocidad, uno de los estribos se soltó. El actor perdió el equilibrio y cayó directamente debajo del caballo que continuaba avanzando.

La caída le provocó una luxación en el hombro, aunque por suerte no sufrió ninguna fractura. Lo verdaderamente preocupante fue que el animal podría haberle pasado por encima. Años después, Wayne recordaría perfectamente lo ocurrido y reconocería que podría haber terminado muerto.

"Me giré en la silla y el maldito estribo estaba completamente suelto. Caí justo debajo del caballo; tuve suerte de no haberme matado", explicó el actor.

Resulta llamativo que ambos accidentes ocurrieran mientras Wayne rodaba una película que él mismo había ayudado a sacar adelante y que estaba protagonizada por uno de los rostros más reconocibles del cine estadounidense.

Los indestructibles no terminó convirtiéndose en una tragedia, pero su rodaje dejó una historia difícil de olvidar donde John Wayne consiguió salir prácticamente ileso de dos situaciones en las que un caballo pudo haber cambiado para siempre el destino de una de las mayores estrellas del Hollywood clásico.

Lamentablemente, y como ya ha sucedido en más de una ocasión con las promos de McDonald's y otras cadenas de tiendas o restaurantes, la fiebre por la reventa y la especulación ha desatado el caos en medio mundo.

Es particularmente triste ver a gente arrasando con las nuevas cartas de Pokémon y otros productos, llenando carros y privando a otros fans de tener algún recuerdo de una fecha tan especial. Pero, además de ser dañino para los ojos, también ha derivado en más de un incidente violento.

Un especulador es arrestado por golpear a un hombre que le reprochó su actitud con las cartas Pokémon, y una niña de 4 años sale herida

Lo que vamos a contaros sucedió el pasado 28 de agosto en Lisbon, Connecticut, Estados Unidos. La tienda Target del pueblo daba el pistoletazo de salida al 30º aniversario de Pokémon con montones de productos a la venta, incluyendo las codiciadas cartas de la colección.

Aunque los hechos ocurrieron hace casi un mes, el vídeo se ha hecho viral en los últimos días. Dos personas, entre las cuales estaba el hombre arrestado, empezaron a llenar sus carros de la compra con montones de productos de la colección.

Cuando casi estaban en la caja para pagar, otro hombre, que iba con su pareja, recriminó a los especuladores que no debían comportarse de esa forma. Además, Target impuso un límite de dos productos por persona, y lo rebasaban por mucho.

La discusión terminó con el especulador golpeando al hombre en la cara, cayendo este sobre una niña de 4 años, que se hizo daño en un hombro. Previamente, este elemento (que huyó de inmediato sin su botín) avisó a la pareja de que ''por supuesto'' que se llevarían los carros llenos.

El padre de la pequeña llamó a la policía, quienes impidieron que el especulador pudiera volver a entrar en la tienda y procedieron a arrestarlo. El hombre agredido compartió las imágenes con la cuenta PokéStreetz, y por eso podemos ver el vídeo más arriba.

''Hoy el Target de Lisbon fue una pesadilla. Alguien sacó todas las latas de Hops y AH, y cuando lo grabaron en la entrada, se puso violento y le dio un puñetazo a alguien en la cara. No anoté nombres ni nada, pero no era el grupo habitual, ya que suelo pasarme por allí de vez en cuando, y ninguno de los habituales estaba'', comentó un fan de Pokémon que estaba en el lugar de los hechos.

Imaginaos hasta dónde están dispuestos a llegar los especuladores. No tienen bastante con dejar a los niños, niñas y cualquier fan de Pokémon sin nada, sino que además son capaces de cometer actos violentos como este. Sin duda, deleznable.

Ojalá Nintendo y The Pokémon Company, así como los responsables de cada tienda, pongan freno a este tipo de actitudes, aunque tristemente la especulación y la reventa siempre estarán ahí.

Incluso antes de las series de Netflix como Daredevil, Agentes de S.H.I.E.L.D. fue, de facto, la primera serie del Universo Cinematográfico de Marvel. De entrada, había pocas dudas sobre su estatus dentro del canon, pues la serie reconocía abiertamente los eventos que seguíamos viendo en la gran pantalla.

Pero poco a poco se fueron separando los caminos y Marvel también cambió notablemente su enfoque para dar paso a las series de Disney+, que empezaron con Bruja Escarlata y Visión. Esas son canon al 100 %.

Sin embargo, Agentes de S.H.I.E.L.D. suele ser omitida de recopilatorios, bibliografías y demás relacionadas con el Universo Cinematográfico de Marvel.

Chloe Bennet no tiene dudas: Agentes de S.H.I.E.L.D. es canon

Este vacío a la serie ha generado un interesante debate en redes, amén del malestar de varios miembros del elenco. Chloe Bennet acostumbra a ser una de las voces más críticas contra la ambigüedad de Marvel.

En una entrevista con Elle, Bennet reivindica el lugar que Agentes de S.H.I.E.L.D. debería ocupar en la cronología del Universo Cinematográfico de Marvel. La actriz destaca especialmente la naturaleza pionera de la serie y la duración que tuvo:

"Los verdaderos fans lo entenderán. Fuimos la primera serie de televisión del UCM e hicimos ciento y pico episodios de una hora de duración. Pasamos mucho tiempo en los hogares de la gente".

Razón no le falta a la actriz de Daisy 'Skye' Johnson. El problema es el descontrol que hubo en la coordinación de la antigua Marvel Television con Marvel Studios, antes de que una reestructuración pusiera algo de orden, pero dejase a Agentes de S.H.I.E.L.D. en tierra de nadie.

¿Consideras Agentes de S.H.I.E.L.D. canon o crees que es mejor considerarla parte de una realidad alternativa no canónica dentro del Universo Cinematográfico de Marvel?

El resultado fue Space Cowboys, una película de ciencia ficción estrenada en 2000 que reunió a Eastwood con Tommy Lee Jones, James Garner y Donald Sutherland. Sobre el papel podía parecer una superproducción convencional, pero la elección de sus protagonistas ya suponía toda una declaración de intenciones: cuatro veteranos de Hollywood ocupando el lugar que normalmente habría correspondido a estrellas mucho más jóvenes.

Eastwood llevaba décadas trabajando principalmente con Warner Bros, estudio que le había permitido desarrollar una carrera estable como director y actor. Había conseguido combinar películas comerciales con proyectos más personales sin necesidad de perseguir constantemente las tendencias del momento. Sin embargo, el panorama cinematográfico que se encontró a finales de los 90 era muy diferente al que había conocido durante buena parte de su carrera.

Para entender qué le molestaba basta con mirar algunas de las películas que triunfaban en aquella época. El cine comercial estaba abrazando las grandes dosis de efectos visuales, los conceptos fáciles de vender y un montaje cada vez más frenético. Eastwood veía que esa transformación podía terminar relegando a un segundo plano aquello que para él siempre había sido fundamental: los personajes y la historia.

Su crítica hacia aquella tendencia fue bastante directa. "Hollywood es una comunidad muy dada a las modas y ahora mismo existe una moda por el estilo impresionista, al estilo MTV, donde las historias están completamente abreviadas y a nadie le importan los personajes. Esas historias están bien, supongo, pero no son para mí", explicó.

Y entonces decidió hacer algo paradójico. En lugar de mantenerse alejado de la ciencia ficción y de las grandes producciones, entró de lleno en ese terreno. Space Cowboys comenzó su producción en julio de 1999 con un presupuesto de unos 65 millones de dólares, convirtiéndose en la película más cara que Eastwood había dirigido hasta entonces.

La diferencia estaba en cómo utilizó esos elementos. En lugar de convertir los efectos y el espectáculo en el centro de la película, Eastwood construyó la historia alrededor de cuatro antiguos pilotos que reciben una nueva oportunidad para viajar al espacio. La película utilizaba la ciencia ficción como escenario, pero mantenía el protagonismo en sus personajes.

Además, el reparto funcionaba como una reivindicación de una generación de actores que ya no ocupaba el mismo espacio en los grandes estrenos. Eastwood, Jones, Garner y Sutherland demostraban que todavía podían encabezar una superproducción y sostenerla sin necesidad de apoyarse exclusivamente en efectos digitales.

La apuesta terminó funcionando. Space Cowboys fue un éxito comercial y permitió a Eastwood demostrar precisamente lo que pretendía: podía entrar en el terreno de las grandes superproducciones sin renunciar a su manera tradicional de contar historias.

Con motivo de la Semana Mundial del Espacio 2026, que se celebra del 4 al 10 de octubre, The Pokémon Company International y la ESA (Agencia Espacial Europea) han anunciado una colaboración especial que derivará en una exposición, un evento de Pokémon GO y más sorpresas.

La exposición se podrá ver en Villanueva de la Cañada (Madrid) y otras sedes oficiales de la ESA el mes que viene, pero primero hay que comentar la aventura espacial que vivió un peluche de Pikachu en órbita desde la Estación Espacial Internacional.

Pokémon y la ESA preparan una colaboración ''astronómica'' para octubre: todos los detalles, desde el peluche de Pikachu al nuevo evento de Pokémon GO

La colaboración de The Pokémon Company International con la ESA comenzó el pasado 11 de abril, cuando un peluche de Pikachu fue enviado a la Estación Espacial Internacional durante la misión de la astronauta Sophie Adenot.

Este peluche del ratón eléctrico estuvo en órbita un total de 67 días, desde el mismo 11 de abril hasta el 17 de junio de este año, completando la friolera de 1.040 órbitas. ¡Y volvió sano y salvo!

El insólito evento marca el comienzo de la celebración de la Semana Mundial del Espacio 2026, entre el 4 y el 11 de octubre, cuyo pistoletazo de salida será la exposición oficial de Pokémon en el espacio.

La exposición se podrá ver temporalmente en las instalaciones de la ESA y los principales museos europeos. También se venderán productos temáticos de la colaboración y hasta se activará un evento de Pokémon GO, con la idea de acercar a los fans de la saga (grandes y pequeños) a la investigación del cosmos.

''Inspirar a las generaciones futuras es una parte fundamental de la misión de la ESA. A través de esta colaboración con Pokémon, estamos abriendo nuevas vías para que personas de toda Europa conecten con el espacio mediante una experiencia única y cautivadora. Al llevar la exploración espacial más allá de los entornos tradicionales, esperamos despertar la curiosidad, suscitar un interés por nuestro universo y animar a personas de todas las edades a descubrir las oportunidades que el espacio ofrece para el futuro'', afirma el director general de la ESA, Josef Aschbacher.

¿Cuándo y dónde se podrá ver la exposición? La ESA ha desvelado las fechas para cada sede oficial, pero ya adelantamos que en España será el próximo 3 de octubre en Villanueva de la Cañada, Madrid:

• Sede de la ESA, París, Francia: 19-20 de septiembre de 2026.
• ESRIN, Roma, Italia: 25 de septiembre de 2026.
• ESTEC, Noordwijk, Países Bajos: 26-27 de septiembre de 2026.
• ESOC, Darmstadt, Alemania: 2 de octubre de 2026.
• ESAC, Villanueva de la Cañada, España: 3 de octubre de 2026.
• ECSAT, Harwell, Reino Unido: 10 de octubre de 2026

Afortunadamente, no será la última oportunidad para visitar la exposición, ya que The Pokémon Company International y la ESA darán la oportunidad de verla en los principales museos del continente.

En el caso de España, será en la Ciudad de las Artes y las Ciencias, en Valencia, desde principios de octubre de este año hasta abril de 2027:

• Cité de l’espace, Toulouse, Francia.
• Ciudad de las Artes y las Ciencias, Valencia, España.
• Deutsches Museum, Núremberg, Alemania.
• Euro Space Center, Libin, Bélgica.
• Lucca Comics & Games, Lucca, Italia.
• Museo de la Ciencia, Londres, Reino Unido.
• Space Expo, Noordwijk, Países Bajos.

Además, desde el 4 de octubre de este año al 30 de abril de 2027, los jugadores de Pokémon GO que visiten la exposición podrán participar en un evento exclusivo y encontrarse con el Pikachu Astronauta en una incursión de una estrella.

Pokémon GO también acogerá investigaciones cronometradas, encuentros con Pokémon únicos y otros eventos por tiempo limitado durante la Semana Mundial del Espacio 2026 entre el 4 y el 10 de octubre.

Pero hoy venimos a hablar de otra faceta de la vida de Sly, una que ni él mismo tiene muy claro. En 2025, Donald Trump lo nombró "Embajador presidencial para Hollywood", un cargo que comparte con los actores Mel Gibson y Jon Voigh y que, en palabras del presidente, "serviría para hacer grande de nuevo a Hollywood".

Casi dos años después, nadie parece tener claro qué implica el cargo; ni siquiera ellos. Los tres artistas continúan su carrera y Hollywood aborda a su manera sus crisis y potenciales cambios, como ese proceso de compraventa de Warner por parte de Paramount.

Es más, Sylvester Stallone se enteró de que Trump le había dado un cargo público por la tele, a pesar de que él había dejado muy clara su postura al respecto y sus dudas.

Tres embajadores para Hollywood para nada

Durante una entrevista con The Sunday Times, Sylvester Stallone ha rememorado cómo se enteró del nombramiento por televisión, y también recalca que es un cargo absurdo porque Hollywood funciona como un feudo corporativo:

"Una noche estaba viendo la televisión y dijeron: 'Así que Stallone, Mel Gibson y Jon Voight serán...'. Y yo dije: '¿Perdón? ¿En serio?'. Porque si me lo hubieran preguntado al principio, habría dicho que eso no era posible.

Hollywood es como los feudos: tienen sus pequeños reinos. No puedes llegar y decirles a seis estudios cómo hacer las cosas. Y Mel Gibson, Jon Voight y yo somos personas que preferimos ir a lo nuestro. Dije gracias y adiós, porque es imposible. Hollywood funciona a su manera y evolucionará. Es un entorno corporativo, y la gente de empresa no querrá escucharme hablarles de finanzas".

Stallone tiene su propia historia navegando por las retorcidas entrañas de Hollywood, como sucedió cuando se cerró en banda para convertirse en el protagonista de Rocky, algo que abordará el biopic Yo soy Rocky, de Peter Farrelly.

Sea como fuere, tanto Sylvester Stallone como Mel Gibson y Jon Voigh siguen ostentando ese cargo creado por Donald Trump.

A finales de la década, Willis había protagonizado Jungla de cristal: la venganza, El último hombre y The Jackal. Incluso cuando se alejaba aparentemente de la acción, como ocurrió con El quinto elemento, seguía interpretando a un personaje muy reconocible dentro de su registro habitual. Doce monos había sido una excepción, pero no parecía suficiente para cambiar la percepción que se estaba formando alrededor del actor.

La película que terminó haciendo saltar las alarmas fue Mercury Rising, estrenada en 1998. La producción no funcionó como se esperaba y la interpretación de Willis acabó incluso entre las nominaciones a los Razzie. Pero lo que realmente provocó que el actor se replanteara su trayectoria no fue un premio ni la taquilla, sino una conversación con su hermano.

En octubre de aquel año, Willis explicó que, después de ver la película, su hermano le hizo una observación bastante contundente: "Cada secuencia de acción de esa película era una copia de al menos tres películas que ya habías hecho".

Aquella frase hizo que algo cambiara en la cabeza del actor. "Una bombilla se encendió en mi cabeza", reconoció Willis. Y entonces llegó la conclusión: "Tengo que hacer películas sin una pistola en la mano".

A partir de ahí comenzó una etapa diferente. No todas sus decisiones funcionaron igual de bien, pero Willis empezó a buscar personajes y géneros que le permitieran alejarse de la imagen del héroe de acción que había construido durante años.

Llegaron películas tan diferentes entre sí como El sexto sentido, Fantasmas de Marte, Falsas apariencias, y muchas más. Algunas fueron grandes éxitos y otras tuvieron una recepción mucho más discreta, pero el cambio demostraba que el actor estaba intentando no quedarse atrapado en un único tipo de personaje.

¿Y qué hay de PlayStation? La compañía japonesa ha regalado pegatinas de Astro Bot y GTA 6 a los asistentes, pero siguen obviando las peticiones de los usuarios para que den marcha atrás con el fin de los discos para enero de 2028.

Shuhei Yoshida, expresidente de SIE Worldwide Studios y leyenda de PlayStation, ha visitado la feria nipona para reunirse, 13 años después, con su amigo Adam Boyes. Y ya os podéis imaginar lo que ha pasado...

Yoshida y Boyes recrean el vídeo de préstamo de juegos de PS4, 13 años después, y demuestran que cualquier tiempo pasado fue mejor

El reencuentro de Shuhei Yoshida y Adam Boyes en el Tokyo Game Show ha derivado en lo que absolutamente TODOS esperábamos: una versión actualizada del mítico vídeo de PlayStation sobre cómo prestar juegos de PS4.

Hace más de 13 años, un 11 de junio de 2013, Yoshida y Boyes mostraban en un vídeo oficial cómo intercambiar juegos físicos de PS4, en respuesta (burlona, por supuesto) a la política del DRM y la conexión permanente de Xbox One.

Las ironías del destino han querido que, tras el polémico anuncio del fin de los discos de Sony, Yoshida y Boyes se reencuentren para actualizar el meme con una nueva versión acorde a la situación actual.

Ambos exdirectivos de PlayStation hacen el mismo gesto que en 2013, pero en las manos de Yoshida no hay ningún juego...

Es una parodia perfecta y que representa a las mil maravillas lo que nos espera en el futuro: la desaparición del intercambio de juegos físicos y el adiós a la segunda mano. Las cajas de juegos de PS6 incluirán códigos de descarga en lugar de discos.

Sin embargo, en XBOX las cosas van mucho mejor. Por lo menos se han molestado en utilizar el criticado DRM de 2013 (que llevaba en desarrollo desde 2011, por cierto) para asegurar un sistema de conversión de disco a digital para Xbox Series X|S y Xbox One.

Puede que Shuhei Yoshida sea un usuario netamente digital (piensa que no es para tanto...), pero eso no significa que no entienda el sentir de los jugadores con el fin de los discos. Y esta recreación con Adam Boyes es la perfecta muestra de que, por supuesto, cualquier tiempo pasado fue mejor.

Eastwood ya era una estrella consolidada gracias a personajes como Harry Callahan y el Hombre sin Nombre. Su carrera estaba marcada por protagonistas duros, ambiguos y poco interesados en representar al héroe perfecto. Por eso, cuando le plantearon interpretar a Superman, su respuesta fue bastante clara.

El propio actor recordó años después cómo recibió aquella propuesta: "Fue cuando empezaron a pensar en hacerla. Yo dije: '¿Superman? No, no, no es para mí'. No es que haya nada malo en ello. Es para otra persona, pero no para mí".

La decisión puede resultar sorprendente vista desde la perspectiva actual, pero encajaba bastante bien con el momento profesional que atravesaba Eastwood. El actor estaba desarrollando una carrera cada vez más vinculada a proyectos que encajaban con su personalidad cinematográfica y, además, comenzaba a ganar peso como director.

La película, lejos de necesitar a Eastwood para funcionar, arrasó en taquilla y terminó recaudando alrededor de 300 millones de dólares en todo el mundo.

Eastwood también había rechazado anteriormente la posibilidad de interpretar a James Bond, otra muestra de que no estaba dispuesto a aceptar automáticamente cualquier papel asociado a una gran franquicia. Prefería escoger proyectos en los que sintiera que podía aportar algo y que encajaran con el tipo de cine que quería hacer.

Además, por aquellas fechas estaba ocupado con otros trabajos y avanzando en su faceta como director. Después de debutar detrás de las cámaras con Escalofrío en la noche en 1971, acabaría construyendo una segunda carrera extraordinariamente sólida.

El ambicioso juego, que también saltará a la grande y pequeña pantalla, iba a ser publicado por PlayStation, pero Sony quería cancelarlo desde el mes de junio. Asha Sharma se reunió con Kojima-san y decidió cerrar un acuerdo absolutamente determinante de cara a la generación de Project Helix.

Como colofón al evento de XBOX en el Tokyo Game Show, Kojima ha actualizado el estado de desarrollo de OD Knock y Physint, revelando el casting (con Bill Skarsgård como protagonista) del juego de acción y espionaje. Pero no ha sido la única sorpresa que se han llevado los fans de Xbox en el día de hoy...

Kojima sorprende a los fans presentes en el XBOX FanFest de Tokio y estos lo reciben como se merece: con una sonora y gran ovación

Después de la transmisión de Xbox en el Tokyo Game Show 2026, con la gata Midori como maestra de ceremonias, los fans japoneses de la marca verde disfrutaron de un gran XBOX FanFest celebrado en la capital nipona.

Lo que ni de broma se esperaban es que el mismísimo Hideo Kojima llegaría a la sala para dar la sorpresa final. Muchos todavía no se creen que hayan podido respirar el mismo aire que el genio nipón.

Desconocemos lo que habrá podido decir Kojima-san a los fans de Xbox, pero lo que es indudable es que se llevó una tremenda ovación, digna de la leyenda de la industria de los videojuegos que es.

El público del XBOX FanFest Tokio se volvió loco al ver cómo el creador de Metal Gear y Death Stranding subía al escenario. Y parece que Kojima también estaba visiblemente feliz por estar con ellos.

La guinda del pastel fue el agradecimiento del creativo a los fans, que también puede sentirse como un ''gracias'' a la dirección de XBOX por confiar en sus nuevos proyectos.

''Gracias por tu esfuerzo'', dijo Hideo Kojima en su cuenta de Twitter/X, poco después de abandonar el local donde se ha celebrado el evento de fans de la marca. Vamos, que la relación que mantienen el genio japonés y la compañía de Redmond no podría ser mejor.

Eso sí, más de uno ha echado en falta que se anunciase la versión de Death Stranding 2: On the Beach para Xbox Series X|S y XBOX PC, ya que la primera entrega sí ha llegado a las consolas de Microsoft.

Veremos qué nos depara el futuro con Hideo Kojima y XBOX, pero está claro que tanto OD Knock como Physint se postulan como dos ambiciosos juegos dignos de la próxima generación de consolas. Salvo sorpresa, llegarán únicamente a Xbox y PC, saltándose PlayStation.

Habrán pasado 13 años desde el estreno de El Hobbit: La batalla de los cinco ejércitos, el cierre de la segunda trilogía del Legendarium de J.R.R. Tolkien de Peter Jackson que estuvo plagado de elementos de relleno y de conexiones con otros relatos para poder justificar las tres películas.

Una de las creaciones originales de la trilogía de El Hobbit fue Tauriel, la guerrera elfa interpretada por Evangeline Lily que, a priori, parecía concebida para ser un interés amoroso de Legolas (Orlando Bloom), pero la negativa del rey Thranduil (Lee Pace) a la idea de que su hijo contrajese matrimonio con alguien de clase tan baja descartó esa trama.

Tauriel sí que fue un interés romántico, pero para Kili (Aidan Turner), uno de los integrantes de la compañía de Thorin Escudo de Roble (Richard Armitage). Usar a Tauriel en ese sentido se convirtió en un parche que formaba parte del relleno que nadie pidió de la trilogía y generó cierta animadversión hacia el modo en que Lily interpretaba a una elfa; en especial por lo rápido que se desarrolla el romance.

La caza de Gollum tiene en su mano no repetir el error de Tauriel

El señor de los anillos: La caza de Gollum ya ha anunciado un par de elfos que aparecerán en la película. Ninguno de ellos es el regreso de Orlando Bloom como Legolas, pero tampoco es algo que esté descartado por ahora.

Quienes sí que aparecen son Thranduil, con Lee Pace recuperando su papel, y Seren, una nueva guerrera elfa que será interpretada por Anya Taylor-Joy. El personaje es descrito como una agente letal que goza de la mayor confianza de Thranduil. En esencia, el rol es muy similar al de Tauriel, que era capitana de la guardia.

Sería un detalle interesante que esta vez no conviertan a la elfa en interés amoroso de nadie y dejen que el personaje tenga más peso por méritos propios que por los otros personajes a los que hace suspirar. Arwen (Liv Tyler) iba a tener más presencia en la trilogía de El señor de los anillos, pero terminaron relegándola a un papel muy secundario.

Con Tauriel en El Hobbit pasó lo mismo, y seguimos para bingo con Galadriel en Los anillos de poder, aunque al menos Morfydd Clark tiene ocasión de ser protagonista en la serie de Prime Video.

El tiempo dirá si Seren sigue la misma tendencia de sus predecesoras en El señor de los anillos o si la película de Andy Serkis opta por ser realmente innovadora. Aunque solo sea por dejar el cliché aparcado por una vez.

Uno de los ejemplos más llamativos llegó en 1940 con Hombres intrépidos. La película estaba dirigida por John Ford, uno de los cineastas más importantes de la carrera de Wayne, pero esta vez el actor tuvo que enfrentarse a un personaje que estaba muy lejos de su zona de confort.

Wayne interpretaba a Ole Olsen, un marinero sueco que formaba parte de la tripulación del carguero SS Glencairn. El problema no era únicamente que el personaje tuviera una nacionalidad distinta a la suya: también debía hablar con acento y adoptar una forma de interpretar que no encajaba demasiado con la imagen que el público tenía de él.

La elección resultaba complicada porque Wayne acababa de consolidarse como estrella después de La diligencia, también dirigida por Ford. Pero en Hombres intrépidos no podía limitarse a hacer el tipo de personaje que le había convertido en una estrella.

Según recordó posteriormente el propio Wayne, algunas de las situaciones relacionadas con su interpretación le resultaban directamente embarazosas. El actor llegó a admitir que hubo momentos que consideraba especialmente malos y resumió su situación con una frase contundente: “No tenía ninguna posibilidad”.

El acento sueco fue uno de los principales obstáculos. Wayne recibió incluso ayuda para intentar conseguir una pronunciación más convincente, pero él mismo estaba convencido de que el resultado sonaba ridículo.

Y Ford tampoco quiso que Wayne utilizara el acento como recurso cómico. La indicación del director era clara: su personaje no debía resultar gracioso, a pesar de que John Qualen ejercía buena parte de esa función dentro de la película. Para Wayne, aquello suponía una dificultad añadida.

La ironía es que Hombres intrépidos no fue precisamente un fracaso artístico. La película de Ford recibió seis nominaciones a los Oscar y destacó especialmente por la fotografía en blanco y negro de Gregg Toland, aunque no consiguió convertirse en un gran éxito de taquilla.

La interpretación de Wayne, en cambio, quedó mucho más cuestionada. Con el paso del tiempo, su acento sueco se ha convertido incluso en uno de los elementos más comentados de la película.

Aun así, Hombres intrépidos tiene un interés especial dentro de la carrera del actor. No solo muestra a John Wayne intentando escapar de la clase de personaje que acabaría convirtiéndolo en una leyenda, sino que también demuestra hasta qué punto John Ford confiaba en él. Wayne aceptó el desafío principalmente porque no quería decepcionar a su director y mentor.

No solo por los peligros que hay en Internet para un niño de 9 años, sino también para controlar su actividad... y sus posibles gastos, que muchas veces llegan producto del error o la nula consciencia.

Es lo que le ha pasado a Dave, un padre de familia que se ha metido en un buen lío con los jefes de su empresa. ¿El motivo? Su hijo Mike ha gastado más de 100.000 dólares de la compañía en promocionar su canal de YouTube.

Un niño de 9 años gasta 118.000 dólares en promocionar su canal... y ahora la empresa reclama ese dinero a su padre

En el último vídeo del canal de YouTube Mighty Mike Plays, Dave explica lo que ha sucedido con los inocentes gameplays de Minecraft y Roblox publicados por su hijo Mike.

Todo se remonta a hace unos meses, cuando Mike le pidió a su padre que le ayudase a dar visibilidad a sus vídeos, ya que apenas tenía visitas. A Dave se le ocurrió que podían crear un anuncio para promocionar el canal del pequeño.

Dave creó un anuncio con 20 dólares, ante la atenta mirada de Mike... que decidió replicar el proceso unas cuantas veces. Quizá incontables, pues la suma de dinero que llegó a invertir supera los 118.000 dólares.

Pero aquí viene el plot twist: resulta que dicho dinero no era del padre, sino de la empresa en la que trabaja Dave.

''Él no se dio cuenta de que eso se suponía que era una especie de límite en su cabeza. Supongo que la lógica era simple: más dinero, más visitas'', explica Dave en el vídeo.

Seguramente Mike no sabía que ese dinero no era de su padre, pero, además, quizá no tenía constancia de que no podía gastar tanto para lograr que su canal de YouTube tuviera más visitas.

Ahora Dave tiene un buen marrón por delante: fue convocado a una reunión de trabajo, en la que se le pidió que justificase el gasto de 118.000 dólares. ¿Qué excusa encontrará el padre de Mike?

Al menos, Mike consiguió que tres de sus vídeos superasen las 200.000 visualizaciones. Ahora él mismo admite que ''está acabado'', porque la bronca de su padre (aunque la culpa sea de Dave) no será pequeña, desde luego.

¿Conoces a alguien cuyos hijos tengan un canal de YouTube o Twitch para subir gameplays de Minecraft o Roblox? Es un caramelo muy goloso para cualquier niño o niña, pero los padres deben tener cuidado con este tipo de asuntos.

El actor se aficionó a sacarse selfies con todos los actores que podía. Famosa es aquella primera instantánea que se tomó con Harrison Ford cuando ambos se reencontraron. Estrellas como Robert De Niro, Brendan Fraser o Anya Taylor-Joy también se unieron a él.

Como Quan fue una de las grandes revelaciones del año, fue un habitual en las entregas de premios, incluido en la entrega de los Premios del Sindicato de Actores (SAG), donde tuvo un incómodo desencuentro con otra estrella de Hollywood.

Entertainment Weekly destaca un fragmento de Never Say Die, las memorias de Ke Huy Quan cuyo título es una clara referencia a Los Goonies. En dicho fragmento, Quan destaca la fea reacción de una estrella a la que admiraba desde hacía años cuando fue a sacarse un selfi para la colección. No menciona el nombre del actor en cuestión, aunque se refiere a él en masculino.

Ke Huy Quan no dejó que nadie le amargase la noche

En el libro, Quan relata cómo, al darse cuenta de que uno de sus ídolos estaba tras él, se acercó para hacerse un selfi. Como ya era tradición, Ke Huy Quan puso una cara graciosa para ampliar su entusiasmo con una gran sonrisa, pero al actor que lo acompañaba no pareció hacerle gracia:

"Vi a un actor muy conocido, a quien admiraba desde hacía años, de pie justo detrás de mí. Sin pensármelo mucho, le pregunté si podíamos hacernos una foto juntos. Extendí el teléfono entre los dos, lo orienté hacia nuestros rostros y me acerqué y puse una de mis caras graciosas.

Me miró un instante y luego dijo con brusquedad: '¿Por qué has puesto esa cara de estúpido?'. Me reí, un poco sorprendido y sin saber muy bien qué pensar. Él negó con la cabeza y añadió: 'No vas a ganar esta noche con esa cara de estúpido'"

Un rato después, Ke Huy Quan subió al escenario a recoger su galardón por Todo a la vez en todas partes, sabiendo que el actor que lo había criticado estaba solo a unas mesas de distancia. Según cuenta, el intercambio de palabras fue discreto y no llamó la atención de nadie.

"Cuando llegó el turno de mi categoría, no pensaba en nada en particular. Entonces pronunciaron mi nombre. Durante un segundo, no me moví. Luego me levanté, mientras volvía a sentir esa incredulidad tan familiar.

Caminé hacia el escenario y acepté el premio, sintiendo cómo su peso se asentaba en mis manos». Regresé a mi asiento sosteniendo la estatuilla y sonreí para mis adentros. Había ganado con esa cara de estúpido. No iba a permitir que el comentario de otra persona empañara esa noche. Era algo demasiado grande para mí".

El misterio de quién le dedicó a Ke Huy Quan aquellas palabras permanecerá, mientras la respuesta siga recluida en la memoria del actor que, además del SAG, se llevó el Óscar y el Globo de Oro, "con esa cara de estúpido" que enternece a casi todos.

Por eso resulta curioso descubrir que existe una película de culto estrenada en 1982 que Tarantino no ha visto y no parece tener ninguna intención de hacerlo. Y no estamos hablando de una producción desconocida o de una película que considere mala. Todo lo contrario: es una obra que se ha convertido en una referencia para varias generaciones de aficionados al cine y a la música.

Se trata de Pink Floyd: El muro, dirigida por Alan Parker y basada en el mítico álbum de Pink Floyd.

La postura del cineasta es bastante más contundente que un simple "no me gusta". Tarantino explicó que no tiene ningún interés en escuchar el disco en el que se basa la película ni, por supuesto, en sentarse a verla.

“Prefiero comer alambre de púas antes que ver El muro”, dijo. “No tengo ningún deseo de escuchar el álbum. No tengo ningún deseo de ver la película. Simplemente no me gusta”.

“Es una de esas cosas que me dan igual”, continuó. “Ni siquiera estoy hablando mal de la película, porque no la he visto. Simplemente no tengo ganas de verla”.

Para Tarantino, además, la película ya tiene suficientes admiradores como para no necesitar que él se sume a la lista.

Pink Floyd: El muro no es precisamente una película fácil de clasificar. Alan Parker llevó a la pantalla el universo creado alrededor del álbum de 1979 y construyó una experiencia audiovisual en la que se mezclan imágenes reales, secuencias de animación y una narrativa deliberadamente surrealista.

La película tampoco pretende funcionar como un musical convencional. La música de Pink Floyd tiene un papel central y las imágenes sirven en muchos momentos para representar visualmente las ideas y emociones presentes en el álbum.

Con El muro, el motivo parece mucho más sencillo: Tarantino no es especialmente fan de Pink Floyd y tampoco siente curiosidad por descubrir la película.

A no ser que el spin-off de Venom salga en 2027, está claro que el equipo de PlayStation Studios se ha despedido de los discos con este título. Por eso resulta paradójico que el juego incluya un curioso detalle relacionado con el formato óptico.

Es verdad que está un poco cogido con pinzas, pero ahí va: en Marvel Lobezno hay una tienda de discos, con el nombre ''Disc Dungeon'', tal como muestra el tuit publicado por Gene Park.

La tienda de discos de Marvel Lobezno genera debate en redes: ''Sony obligará a que lo parcheen''

En cierto momento de la aventura de Logan en PS5, podemos recorrer las calles de Tokio. Hay montones de locales, desde restaurantes a tiendas, pero hay una en concreto que ha despertado las alarmas de la comunidad.

Se trata de una tienda de discos llamada ''Disc Dungeon'', y la casualidad ha querido que esté cerrada. ¿Es un guiño al fin de los discos de PlayStation? ¿O una simple casualidad?

Solo los desarrolladores de Insomniac Games lo saben, pero no deja de tener cierta gracia por el timing, ya que es el principal juego exclusivo de PS5 de este año. Lo más probable es que no supieran que Sony iba a anunciar la muerte del formato físico, pero mejor lo dejamos en el aire.

Las respuestas son de lo más variadas, pero nos quedamos con la que ha dado el usuario Peekay: ''Sony va a obligar a Insomniac a parchear esta mierda''.

Si la compañía japonesa (o americana, ya desconocemos su actual nacionalidad) quiere enfadar a los fans, sin duda es algo que deberían hacer en los próximos días.

Menos mal que Marvel Lobezno tiene muchos otros guiños, como los 11 huevos de Pascua para los amantes de Marvel Comics. También recomendamos echar un vistazo a todo lo que ofrece Nueva partida+ o lo que significa el final de la aventura (ojo, SPOILERS).

Marvel Lobezno ya está disponible en exclusiva para PS5, y tristemente es uno de los últimos títulos first-party de Sony que contará con edición física con disco, al igual que Until Dawn 2 y God of War: Laufey.

La historia parece sacada de una película, pero el propio Ford la ha contado recientemente. Por aquel entonces todavía estaba muy lejos de ser la estrella de Hollywood que acabaría convirtiéndose en una de las caras más reconocibles del cine. Entre sus trabajos como actor, incluso tenía que ganarse la vida como carpintero.

Fue precisamente ese oficio el que terminó colocándolo en el lugar adecuado. Ford estaba trabajando en las oficinas de Francis Ford Coppola, amigo cercano de George Lucas, cuando el director comenzó a utilizar aquel espacio para realizar pruebas para su nueva película. Ford estaba allí trabajando con sus herramientas mientras los aspirantes a los diferentes personajes pasaban por el casting.

En una de aquellas sesiones vio aparecer a Richard Dreyfuss para realizar una prueba. La situación le hizo ser muy consciente de la diferencia entre ambos. Mientras Dreyfuss ya era considerado una estrella, Ford estaba allí con "mi cinturón de carpintero y una escoba en la mano".

El problema era que Lucas tampoco tenía claro que quisiera contar con él. Ford ya había participado en American Graffiti, y el director buscaba actores desconocidos para que Star Wars tuviera una identidad completamente nueva. No quería que el público asociara a sus protagonistas con su película anterior.

Sin embargo, el director de casting Fred Roos decidió insistir. En lugar de presentar a Ford como candidato, simplemente le pidió que leyera junto a otros actores. Ford aceptó porque pensaba que estaba ayudando al equipo. "Pensaba que les estaba haciendo un favor", recordó.

Y entonces ocurrió lo inesperado: le dieron el papel de Han Solo.

Ford asegura que ni siquiera entendió que realmente había sido puesto a prueba hasta aproximadamente dos meses después.

La versión de Roos añade todavía más curiosidad a la historia. El director de casting reconoció que había buscado la manera de que Ford estuviera trabajando en las oficinas justo cuando Lucas realizaba las pruebas. Conseguir que el director se fijara en él "requirió algunos rodeos", pero finalmente algo hizo clic.

Lucas lo confirmó años después: quería a alguien como Harrison Ford, pero no quería inicialmente al propio Ford por su aparición en American Graffiti. Roos consiguió que cambiara de opinión y, sin que Ford siquiera supiera que estaba optando al papel, Star Wars acabó convirtiéndolo en Han Solo.

El ejemplo más notable es el de Logan Paul, que ha llegado a gastar más de 10 millones de dólares en este hobby (y embolsarse una cantidad semejante), aunque streamers e influencers nacionales como ElRubius también son grandes apasionados de las cartas Pokémon.

Pero, además de la especulación (en Japón ya están tomando medidas para frenarla), existe una lacra aún peor: que se intercambien animales por cartas. Y, tristemente, es un problema real.

Denuncian el intercambio de perros por cartas Pokémon en algunos eventos

Que se intercambien perros por cartas puede sonar a ciencia ficción (más bien a una distopía tipo Fallout), pero, tristemente, es un suceso real que cada vez es más popular entre los aficionados a Pokémon TCG.

Lo ha descubierto la coleccionista pickleqw33n, pues vivió una situación así en primera persona. Pero es solo una de las muchas historias parecidas que circulan en las redes.

En un evento reciente al que asistió, esta coleccionista pudo ver cómo un hombre le ofreció sus bulldogs franceses por 4000 dólares. Ella solo quería regalarle una carta de Snubbull, pero el hombre buscaba sacar tajada de la situación.

A veces, se trata de intercambio, pero otras tratan de vender sus perros o tradear con cachorros para conseguir las mejores cartas. Cada cual tendrá su opinión, pero me parece algo totalmente inmoral.

''Me parece poco ético. ¿Cómo sabes que la persona a la que se lo entregas le dará un buen hogar a un perro que vendes así? Estás cambiando cartón por un animal vivo. ¡Es una locura!'', dijo pickleqw33n en su Instagram.

Se tiene constancia de un intercambio exitoso realizado el pasado 1 de septiembre, cuando el coleccionista BoostersandBangers obtuvo un cachorro de bulldog francés a cambio de cartas Pokémon.

Entendemos la pasión de los fans de Pokémon TCG, pero intercambiar animales por (y perdonad la expresión) trozos de cartón es algo denunciable y que jamás debería existir. Es solo una muestra más de que el mundo se está volviendo loco.

El resultado fue un final infame con muchas decisiones que no gustaron nada a los fans que llevaban casi una década acompañando a los personajes en sus aventuras por Poniente.

Algunos miembros del reparto de Juego de tronos también se han mostrado críticos, incluyendo a Maisie Williams. La actriz de Arya Stark destacó en su momento que la serie se vino abajo en sus entregas finales.

Más recientemente, la actriz ha compartido su preferencia por ver las primeras temporadas de Juego de tronos, mientras que las últimas le provocan vergüenza. No obstante, no se trata de un juicio de calidad, sino de la sensación que le provoca verse en pantalla.

A Maisie Williams no le gusta ver la versión más madura de Arya Stark

Durante una entrevista con Collider para promocionar Prácticamente magia 2, Williams señaló que no disfruta viéndose en las últimas temporadas de Juego de tronos, ya que le resultan demasiado cercanas a cómo es ahora:

"Me encantan las primeras temporadas, pero lo último me da demasiada vergüenza porque se siente demasiado cercano a quien soy ahora. Hay cosas que ni siquiera recuerdo haber hecho; no recuerdo dónde las rodamos ni nada por el estilo".

Maisie Williams creció en la pantalla ante todo el mundo; fue escogida con 12 años para interpretar a Arya Stark, y tenía 22 cuando la serie terminó oficialmente. En la actualidad, la actriz tiene 29 años y desacreditó los rumores sobre una serie derivada sobre Arya Stark después de los eventos de Juego de tronos. Aunque Williams no se muestre reacia a revisitar al personaje.

Juego de tronos sigue explorando su pasado con series como La casa del dragón o El caballero de los Siete Reinos. en HBO Max. De momento, el futuro de Poniente bajo el reinado de Bran no atrae demasiado.

Es cierto que a la serie de Greg Daniels le faltó algo de empuje de primeras; se notaba que los actores aún no habían cogido ritmo con sus personajes, pero cuando pasó, enamoraron a todo el mundo.

Personajes inolvidables como el desastre con patas de Michael Scott (Steve Carell), el maquiavélico Dwight Schrute (Rainn Wilson) o los enternecedores Jim Halpert (John Krasinski) y Pam Beesly (Jenna Fischer), son ya parte del imaginario popular. Y ni decir de los memes que han generado.

Pero la serie se despidió hace ya 13 años y, salvo alguna aparición especial, tan solo hemos tenido remakes de otros países o el spin-off de SkyShowtime The Paper.

The Office no necesita un revival

En una era en la que muchos hablan de la necesidad de lanzar revivals de series clásicas, Greg Daniels considera que sería un tremendo error hacerlo con The Office.

En una entrevista con Variety, Daniels destaca la importancia de respetar el final de The Office tal y como quedó en 2013, con algunas licencias como traer de regreso a Oscar Martinez (Oscar Nuñez) en The Paper, claro:

"No hace falta averiguar qué están haciendo todos los personajes... Parece que a la gente le gustó el final, y te arriesgas mucho al volver a abrir la historia".

Aunque series como Frasier o Salvados por la campana han tratado de resurgir en la era del streaming, han tenido poco recorrido. Los vigilantes de la playa también lo intentará el año que viene, pero The Office se conforma con todas esas versiones internacionales y con mantener su esencia en The Paper, que pronto estrenará su temporada 2.

Keaton había protagonizado Batman en 1989 y Batman vuelve en 1992, ambas dirigidas por Burton. Las dos películas apostaban por una versión especialmente oscura del héroe. Cuando Burton dejó la dirección y Schumacher tomó el relevo, el estudio quería cambiar radicalmente el tono y apostar por una película más luminosa y accesible.

El cambio no terminó de convencer a Keaton. En una entrevista con The Hollywood Reporter, el actor resumió su opinión sobre el proyecto con una frase demoledora: "Era un desastre". Y no se quedó ahí. Cuando le preguntaron por qué decidió no regresar, explicó que "el guion nunca fue bueno".

Pero hubo otro momento que terminó de confirmar sus dudas. Keaton recordó que supo que el proyecto tenía problemas cuando Schumacher le preguntó: "¿Por qué todo tiene que ser tan oscuro?". Para el actor, la oscuridad no era un elemento superficial de aquellas películas, sino que estaba directamente relacionada con la historia de Bruce Wayne.

Su respuesta fue recordar que Batman "había presenciado el asesinato de sus padres". Schumacher, sin embargo, quería que la película fuera más luminosa también desde el punto de vista visual.

Keaton explicó que habría estado dispuesto a experimentar con el personaje si Tim Burton hubiese continuado al frente. "Si Tim hubiera dicho: 'Quiero experimentar con algo', habría estado totalmente dispuesto a ello". El problema era hacerlo bajo una visión con la que no estaba de acuerdo.

Finalmente, Keaton decidió no regresar y Val Kilmer se convirtió en el nuevo Batman en la película que llegó a los cines en 1995. Batman vuelve quedó así como la última película de la saga original en la que Keaton interpretó al personaje.

Curiosamente, abandonar el papel no acabó perjudicando su carrera. Años después regresó con fuerza gracias a Birdman.

La idea inicial era especialmente polémica. Paramount quería aprovechar el tirón de Cruise, pero también rendir homenaje a la producción televisiva recuperando a Peter Graves, Martin Landau, Barbara Bain, Peter Lupus y Greg Morris. El problema es que el guion planteaba acabar con ellos prácticamente al principio de la película.

No era el único cambio radical. El nuevo proyecto convertía Misión imposible en un espectáculo de espionaje mucho más cercano a las películas de James Bond, con Ethan Hunt como protagonista absoluto y una sucesión de escenas de acción. La serie original, en cambio, se apoyaba principalmente en el trabajo colectivo y en la inteligencia para ejecutar operaciones prácticamente imposibles sin ser descubiertos.

Martin Landau fue especialmente crítico con aquella propuesta. El actor explicó posteriormente que él y sus compañeros rechazaron el planteamiento. Para Landau, aquello era una película de aventuras y acción, mientras que Misión imposible debía ser un juego mental en el que un equipo especializado entraba, cumplía su misión y desaparecía sin dejar rastro.

Peter Graves también tuvo un problema importante con el guion. Su personaje, Jim Phelps, regresaba convertido en el gran traidor de la historia. Graves no reconocía al héroe que había interpretado durante años en aquella versión y decidió no participar.

Al final, el estudio mantuvo la idea de sorprender al público, pero sustituyó al Phelps original por Jon Voight y utilizó al resto del equipo como víctimas de la primera gran misión de Ethan Hunt. Emilio Estevez, además, apareció brevemente como Jack Harmon antes de protagonizar una de las muertes más recordadas del comienzo.

La jugada funcionó. La película convirtió a Cruise en el rostro definitivo de la franquicia y estableció una regla que acompañaría a las siguientes entregas: ningún personaje parecía estar completamente a salvo.

Curiosamente, con el paso de los años la saga terminó recuperando parte de aquel espíritu de equipo que los actores originales echaban de menos.

Hace unos años, tuvo que echar un poco el freno cuando sus finanzas se tambalearon, pero lleva tiempo recuperado y, en 2024, se compró una "casita de 370 metros cuadrados" repartidos en cuatro plantas en Malibú.

Calle privada para los residentes, parcela de playa reservada... vamos, todo lo que 10,5 millones de dólares pueden comprar. La propiedad es todo un capricho; uno que podría hundirse en cualquier momento.

Según informa la BBC, el pasado 8 de septiembre se abrió un enorme socavón en la entrada de la mansión de Nicolas Cage. El hoyo tiene 9 metros de ancho y una profundidad de 7 metros y medio. Además, rompió una tubería de gas y la compañía y el Departamento de Bomberos interrumpieron el servicio para evitar accidentes de mayor gravedad.

Nicolas Cage podría perder su casa de Malibú

El actor, que hace unos días se quedó sin segunda temporada de Spider-Noir tras ser cancelada por Prime Video, no se encontraba en el inmueble, pues está fuera en un rodaje. Sin embargo, es posible que tenga que sopesar si quedarse con la propiedad.

Y es que el suceso es un síntoma de cómo están afectando los cambios en el clima en California. El año pasado ya vimos el salvaje incendio de Los Ángeles; ahora, el paso por el Pacífico del huracán Marie ha acentuado el oleaje, que ha golpeado con fuerza en la costa.

Estos movimientos habrían afectado a la integridad del suelo en una región que ya es geológicamente inestable. Recordemos que la gran amenaza de California es la falla de San Andrés y que hay teorías que apuntan al hundimiento de toda la región tarde o temprano.

Dicho esto, hay que decir que en California le echan valor a la hora de construir casas, sobre todo las prohibitivamente caras. O las edifican a pie de playa o las construyen sobre pilares en zonas donde la actividad tectónica es un peligro constante.

En cualquier caso, nos alegramos de que Nicolas Cage no corriera peligro y esperamos que haya solución a este panorama.

Cuando Eastwood aceptó protagonizar Por un puñado de dólares en 1964, no tenía demasiado que perder. Tenía todavía un trabajo en televisión y, según recordaría años después, pensaba que si la película fracasaba probablemente nadie llegaría a verla. El resultado fue muy diferente.

La película funcionó y Leone volvió a contar con él para La muerte tenía un precio y El bueno, el feo y el malo. Las tres producciones terminaron construyendo el personaje y transformaron por completo la carrera de Eastwood.

Pero después de la tercera película, el actor no tenía intención de quedarse atrapado en aquel personaje.

Leone quería seguir trabajando con Eastwood, aunque no necesariamente haciendo otra entrega de la trilogía. Una de sus primeras ideas fue una película de gánsteres basada en The Hoods, la novela de Harry Grey.

El director incluso imaginaba a Eastwood como un gánster irlandés. El problema era que el proyecto apenas existía sobre el papel. No había todavía un guion desarrollado ni una historia suficientemente definida.

Eastwood no estaba dispuesto a comprometerse con una película que ni siquiera sabía hacia dónde iba.

Leone terminó abandonando temporalmente aquella idea y regresó al western. Pero tampoco consiguió recuperar a su protagonista.

Eastwood consideraba que aquellas nuevas propuestas eran demasiado parecidas a lo que ya había hecho. No quería repetir y tampoco estaba especialmente interesado en el estilo cada vez más espectacular y ambicioso que Leone quería desarrollar.

El director terminó haciendo Hasta que llegó su hora con Charles Bronson.

Y aquí aparece la última ironía. Años después, Leone consiguió finalmente sacar adelante su gran película de gánsteres, Érase una vez en América estrenada en 1984. Pero Eastwood tampoco estuvo allí: el protagonista terminó siendo Robert De Niro.

La colaboración que había creado a una estrella había terminado mucho antes. Eastwood necesitaba demostrar que podía ser algo más que el pistolero de Leone, y su decisión de marcharse acabó siendo fundamental para construir la carrera que tendría después como actor y director.

Durante este tiempo, uno de los anhelos de los fans del Chuache es que el actor regrese como el guerrero cimerio en una película sobre la época del rey Conan. Y parece que en los últimos años un proyecto para hacerlo realidad está cobrando impulso.

Aún no se ha firmado nada, pero hasta el propio Arnold Schwarzenegger ha mostrado su entusiasmo por volver a blandir el mandoble en una época en la que el personaje de Robert E. Howard ya se había vuelto más sabio y filósofo, aunque no dudaba en partir a un enemigo por la mitad si se terciaba.

Salga o no adelante ese proyecto, esperemos que sí, Arnold ha querido demostrar que la edad no es impedimento para volver a darlo todo con la espada.

Arnold Schwarzenegger nos hace desear la película del rey Conan

A través de Arnold Sports (vía Cinesource), Arnold Schwarzenegger ha hecho gala de aquello de "el que tuvo, retuvo". Espada en mano, el Roble Austríaco se desenvuelve como si aún estuviera filmando escenas a las órdenes de John Milius.

Se mueve algo más lento, sí, pero ya lo hace mejor que muchos con la mitad de su edad (el que está escribiendo esto, sin ir más lejos). Los fans muestran su entusiasmo en los comentarios y más de uno destaca la "necesidad" de que haya una nueva película.

Recordemos que Conan, el bárbaro intentó regresar de la mano de Jason Momoa en el remake de 2011, pero no salió bien.

¿Crees que conseguiremos tener la película de rey Conan que el propio Arnold Schwarzenegger lleva tiempo reivindicando?

La serie está basada en la novela The Dispatcher, escrita por Ryan David Jahn. La adaptación televisiva corre a cargo de Kris Mrksa, mientras que Christian Schwochow se encarga de la dirección.

La historia gira alrededor de Ian Ridley, interpretado por Patrick Brammall. El protagonista trabajaba como detective de policía cuando su hija Maggie desapareció sin dejar rastro.

Han pasado algo más de diez años desde entonces. Ridley ha abandonado su antiguo trabajo y ahora se gana la vida como operador de emergencias, pero sigue aferrándose a la posibilidad de encontrar algún día a su hija.

Todo cambia cuando recibe una llamada de auxilio realizada por una adolescente. La voz y las circunstancias hacen que Ridley crea que podría tratarse de Maggie.

A partir de ese momento comienza una búsqueda desesperada en la que el protagonista está dispuesto a utilizar todos los medios a su alcance para descubrir qué ocurrió realmente y volver a reunir a su familia.

Causa abierta cuenta con un reparto encabezado por Patrick Brammall y nombres como Maxine Peake, Brendan Cowell, Daniel Henshall y Zahra Newman. También participan Jessica Wren, Tobias Muhafidin y Chloe Jean Lourdes.

La producción está ambientada en Victoria, Australia, territorio donde también se llevó a cabo buena parte del rodaje. La combinación de investigación policial, drama familiar y misterio sitúa a la serie dentro de un género que Apple TV está explorando con frecuencia.

La premisa puede recordar a otras historias de desapariciones y secretos familiares, pero la serie pone especial énfasis en la perspectiva del padre y en las consecuencias que una desaparición puede tener durante años.

Los espectadores podrán comenzar a verla mañana, 9 de septiembre, en Apple TV, con el estreno de sus primeros episodios.

La película es en gran parte una sátira hacia un sistema neofascista. De hecho, la propia moda militar de los Marines se basa en gran medida en los uniformes de mediados del siglo XX, más concretamente en los diseñados por Hugo Boss para las fuerzas armadas de la Alemania nazi.

Starship Troopers está lejos de ser la única película que ha usado estos diseños; el propio Imperio Galáctico de Star Wars también basa la indumentaria de sus oficiales en elementos del atuendo germano.

Y esa evolución nos lleva... bueno, a los Estados Unidos de Donald Trump, que ha decidido hacer realidad la ficción con una elección que ya está dando mucho de qué hablar en redes sociales.

El estilo retrofuturista de los uniformes de Starship Troopers llega a las fuerzas armadas estadounidenses

El presidente de los Estados Unidos compartió en su red social, Truth Social, una imagen conceptual de los uniformes que utilizarán los oficiales de la Fuerza Espacial de EE. UU. (USSF), la rama militar formada en 2019 bajo el primer mandato de Trump para tomar el relevo del Comando Espacial de la Fuerza Aérea.

Ya había claros indicios de cómo la ciencia ficción era un elemento inspirador para este cuerpo, pues su emblema es sospechosamente parecido, por no decir idéntico, al de la Flota Estelar de Star Trek.

Ahora, Trump lleva las inspiraciones de ciencia ficción más allá al mostrar los uniformes, que parecen calcos de los diseños de Starship Troopers con algunos ajustes realizados mediante IA.

Así que la imagen está siendo la comidilla, tanto por el diseño como por cómo muchos señalan que es un reflejo de los Estados Unidos bajo el gobierno de este presidente, a menudo criticado por su autoritarismo. ¿Crees que han cogido los uniformes de Starship Troopers y les han hecho un upgrade? ¿Desea saber más?

Susurran tu nombre consiguió una enorme cantidad de reproducciones entre el 24 y el 30 de agosto. La película, protagonizada por Robert De Niro junto a Michelle Monaghan y Adam Scott, se situó por delante del resto de largometrajes disponibles en Netflix y confirmó el interés que ha despertado este thriller entre los suscriptores.

Sin embargo, cuando se amplía la mirada a toda la clasificación oficial de Netflix aparece un contenido que consiguió superar a la película. Y no se trata de otra producción cinematográfica, sino de GTA 6.

Netflix incluyó en sus estadísticas a Grand Theft Auto VI: An Extended Look, un adelanto especial de 27 minutos del esperado videojuego de Rockstar. El vídeo alcanzó 31,1 millones de visualizaciones, aproximadamente ocho millones más que Susurran tu nombre durante el mismo periodo.

La diferencia resulta llamativa porque el contenido de GTA 6 dura apenas 27 minutos, mientras que la película de De Niro supera ampliamente la hora y media. Por eso, aunque el adelanto consiguió más reproducciones, Susurran tu nombre acumuló más horas totales de visionado.

De hecho, la película protagonizada por De Niro fue el contenido cinematográfico que más minutos consiguió generar en Netflix durante esa semana. El dato permite hacerse una idea del éxito que está teniendo el estreno, especialmente teniendo en cuenta que compite contra producciones de diferentes géneros y con repartos muy conocidos.

El caso de GTA 6 es, eso sí, bastante excepcional. El videojuego lleva generando expectación desde el lanzamiento de Grand Theft Auto V en 2013 y cada nuevo tráiler o adelanto se convierte prácticamente en un acontecimiento mundial. Que un vídeo de menos de media hora consiga superar en reproducciones a una película completa de Netflix demuestra hasta qué punto existe interés por conocer nuevos detalles del juego.

Pero dejando a un lado esta peculiaridad de las estadísticas, Susurran tu nombre puede presumir de haber sido la película más vista de Netflix durante ese periodo.

El eterno socio de Steven Spielberg ha firmado algunas de las bandas sonoras más famosas de todos los tiempos, de Tiburón a Indiana Jones, pasando por Jurassic Park o E. T. el extraterrestre. Su último trabajo en la gran pantalla también fue con Spielberg, pues la BSO de El día de la revelación es de John Williams.

Fuera de esa prolífica asociación, el compositor es bien conocido por las bandas sonoras de las nueve películas principales de Star Wars, las primeras de Harry Potter, incluyendo la melodía con la que más asociamos al joven mago. También tiene en su haber la famosa tonadilla de Superman: La película o la juguetona BSO de Solo en casa.

A sus 94 años, John Williams no ha dejado de trabajar por completo, como hemos dicho, pero sus apariciones públicas se han reducido mucho y es más probable ver un unicornio que a él sobre un escenario. Salvo este fin de semana.

John Williams vuelve a dirigir La marcha imperial de Star Wars

Durante el evento Maestro of the Movies: A tribute to John Williams, el célebre compositor llegó en su silla de ruedas al escenario del Hollywood Bowl para dirigir a la Filarmónica de Los Ángeles mientras interpretaban un bis de La marcha imperial, la icónica canción de Star Wars: Episodio V - El Imperio contraataca.

El público no esperaba para nada la aparición de Williams. El concierto es de carácter anual, pero no estaba programada su aparición. El Hollywood Bowl fue uno de los escenarios en los que más participó Williams en eventos en vivo, por lo que su aparición fue recibida como cabría esperar.

Los asistentes se volvieron locos ante la sorpresa, ovacionando a John Williams y blandiendo sables de luz (los que tenían) para celebrar al genio sin el cual la música de Star Wars sería totalmente diferente.

John Williams disfrutó del momento, como vemos en uno de los vídeos compartidos, pero no se olvida de su faceta de director y cede los honores a los músicos de la filarmónica, a quienes extendió su gratitud.

Disney ha confirmado que Pedro Pascal no participa como voz de Din Djarin en LEGO Star Wars: The Mandalorian, el nuevo especial animado que ya está disponible en Disney+. En su lugar, será Gavin Hammon quien interprete al personaje.

La decisión llama la atención porque Pascal es el único miembro del reparto principal de la serie que no regresa para esta producción. El resto de las principales voces sí vuelven a interpretar a sus respectivos personajes.

LEGO Star Wars: The Mandalorian apuesta por una versión mucho más desenfadada de la historia. El especial repasa algunos de los momentos más conocidos de las tres primeras temporadas de The Mandalorian, pero los transforma en una aventura con el característico sentido del humor de las producciones de LEGO.

Para dar vida a Din Djarin, Disney ha recurrido a Gavin Hammon, que sustituye a Pascal como voz del protagonista. Mientras tanto, actores como Katee Sackhoff, Emily Swallow, Ming-Na Wen, Rosario Dawson, Temuera Morrison y Giancarlo Esposito sí recuperan sus personajes.

La ausencia de Pascal resulta todavía más curiosa porque el actor ha sido durante años la voz de Din Djarin, aunque su presencia física detrás del casco ha sido mucho más limitada de lo que podría parecer.

Durante buena parte de la serie, los especialistas Brendan Wayne y Lateef Crowder se encargaron de llevar la armadura en numerosas escenas de acción, mientras Pascal ponía voz al personaje.

La sustitución en la producción de LEGO tampoco significa que Pascal haya terminado su relación con Din Djarin.

El actor ha expresado en varias ocasiones su intención de continuar interpretando al personaje mientras el público siga interesado en sus aventuras. Durante la promoción de The Mandalorian and Grogu, Pascal incluso dejó abierta la posibilidad de seguir formando parte de la historia durante mucho tiempo.

LEGO Star Wars: The Mandalorian ya está disponible en Disney+.

Es un movimiento que vuelve a poner sobre la mesa una tendencia cada vez más evidente en las plataformas de streaming: suscripciones que comenzaron como una alternativa económica a la televisión tradicional y que cada vez pesan más en el bolsillo.

Desde el 3 de septiembre, los precios de Netflix en Reino Unido han quedado fijados en 7,99 libras para el plan con anuncios, 13,99 libras para el Estándar y 20,99 libras para el Premium. El plan con publicidad es el que más se ha disparado: pasa de 5,99 a 7,99 libras.

Los usuarios españoles ya recibieron su correspondiente golpe hace apenas unos meses. En abril, Netflix aumentó el precio de todas sus modalidades: el plan Estándar con anuncios pasó de 6,99 a 8,99 euros, el Estándar sin publicidad subió hasta 14,99 euros y el Premium alcanzó los 21,99 euros mensuales.

La diferencia respecto a los primeros años de Netflix en España es considerable. Cuando la plataforma llegó en 2015, el plan Básico costaba 7,99 euros, el Estándar 9,99 y el Premium 11,99 euros. Ahora, incluso la opción más económica cuesta más que aquel Básico y, además, incluye publicidad.

El Premium es el ejemplo más evidente: ha pasado de 11,99 a 21,99 euros, un incremento superior al 83%.

Netflix explica que sus precios pueden cambiar a medida que incorpora nuevas producciones, funciones y mejoras, además de responder a factores como la inflación o las condiciones de cada mercado.

El problema para el consumidor es que ya no parece tratarse de una subida puntual. Netflix ha convertido los incrementos de precio en una herramienta habitual para aumentar los ingresos por usuario, mientras que otras plataformas también están siguiendo caminos similares.

Y aquí aparece la parte más preocupante para quienes tienen varias suscripciones. Netflix por sí solo puede parecer asumible, pero cuando se suman varias plataformas, la factura mensual empieza a parecerse cada vez más a la de una televisión de pago tradicional.

El streaming nació precisamente prometiendo lo contrario: pagar poco, olvidarse de los grandes paquetes de televisión y elegir únicamente aquello que interesaba. Ahora, con planes que superan los 20 euros, tarifas económicas que incluyen anuncios y subidas cada vez más frecuentes, cada vez resulta más difícil defender que estos servicios tengan precios realmente pensados para todos los bolsillos.

Y si esta tendencia continúa durante los próximos años, la pregunta ya no será cuánto cuesta Netflix, sino cuántas plataformas puede permitirse tener contratadas una familia al mismo tiempo.

No está confirmado, pero, al parecer, Rockstar está negociando con el Gobierno de los Estados Unidos y los organismos regionales de Miami-Dade para transformar Miami en Vice City, de cara a la campaña de marketing del juego.

Eso incluye decorar el Metromover, cambiar el nombre del aeropuerto, pintar murales de GTA VI en lugares icónicos de la ciudad y, en definitiva, disfrazar Miami de Vice City (su recreación ficticia) para celebrar que el juego más importante de la historia sale este año en PS5 y Xbox Series X|S.

La sheriff del condado de Miami-Dade advierte de los peligros que conlleva esta campaña: ''Es una saga de juegos que se basa en la actividad delictiva''

En declaraciones a NBC Miami, la sheriff del condado de Miami-Dade, Rosie Cordero-Stutz, junto al comisionado Juan Carlos Bermúdez, expresan su preocupación ante la campaña de marketing que planea hacer Rockstar en la ciudad.

Ambos inciden en que promocionar GTA 6, un juego sobre delincuencia en todas sus formas, no es el mejor mensaje posible para mantener la seguridad de los habitantes de Miami, ya que el marketing podría aumentar o reactivar la delincuencia.

''Grand Theft Auto es una franquicia de videojuegos basada en la actividad delictiva. Su mundo ficticio incluye asesinatos, robos, narcotráfico, robo de vehículos, violencia contra las fuerzas del orden y otras conductas que los hombres y mujeres de la oficina del sheriff de Miami-Dade se esfuerzan por prevenir a diario'', explica Cordero-Stutz.

''En un momento en que las fuerzas del orden trabajan a diario para reducir los delitos violentos, prevenir robos y hurtos de vehículos, combatir el narcotráfico y fortalecer las relaciones entre nuestros agentes y las comunidades a las que servimos, creo que debemos reflexionar seriamente sobre el mensaje que transmitimos cuando nuestro gobierno promueve una identidad ficticia centrada en muchos de esos mismos delitos''.

Por supuesto, esa es la opinión de la sheriff del condado, pero no todos lo ven como algo negativo. Un funcionario del condado de Miami-Dade cree que el marketing de GTA VI será muy positivo para la ciudad, ya que podría incrementar el turismo (ya conocemos los ejemplos de Ghost of Yotei en Hokkaido, Japón, y Black Myth: Wukong en China).

''Dada la clara influencia de Miami-Dade en el deporte, creemos que podría haber una oportunidad única para generar ingresos para el condado al tiempo que se da a conocer Miami-Dade a un público masivo''.

No obstante, para no pillarse los dedos, la jueza principal del Undécimo Circuito Judicial de Florida, Ariana Fajardo, pide a Rockstar que excluya a los organismos judiciales del marketing del juego:

''Solicitamos respetuosamente que todos los juzgados y las instalaciones relacionadas con los tribunales del condado de Miami-Dade queden expresamente excluidos de cualquier discusión, propuesta, actividad de marketing, filmación, promoción, señalización u otra actividad promocional actual o futura asociada con Grand Theft Auto 6 o la marca Vice City''.

El marketing de GTA 6 transformará la ciudad de Miami en la urbe más icónica de la saga de Rockstar (con permiso de Liberty City), y no todo el mundo lo ve correcto. ¿Vosotros qué pensáis al respecto?

El State of Play que se ha celebrado hoy (aquí podéis leer el resumen más completo) es la enésima prueba de que los jugadores no olvidan la polémica maniobra de Sony. Da igual lo que anuncien y cómo lo hagan.

En apenas unos segundos de transmisión, el chat del State of Play ya se había inundado de comentarios sobre tres temas en particular: las críticas por el fin de los discos, el regreso de Bloodborne y el sueño de Destiny 3.

Los jugadores piden a PlayStation tres cosas: que vuelvan los discos, Bloodborne y Destiny

El nuevo State of Play ha desvelado las fechas de Until Dawn 2 y Final Fantasy VII Revelation, pero también se ha presentado el DLC de Crimson Desert, los mandos de GTA 6 para PS5 o un espectacular nuevo tráiler de Final Fantasy Resonance.

Nada de eso importa. El chat del evento en YouTube solo repetía tres cosas: ''No Disc, No Buy'', ''Destiny 3'' y ''Bloodborne''. Especialmente las dos primeras, porque la mayoría de fans ya han tirado la toalla respecto al posible regreso del juego de FromSoftware.

A decir verdad, esperábamos que muchos usuarios criticasen el fin de los discos en PlayStation en la transmisión. Es la única forma de protestar ante Sony y que así se den cuenta del impacto tan negativo que supondría llevarlo a cabo.

Puede que algunos cumplan sus amenazas, mientras otros simplemente protesten y sigan comprando consolas y juegos de PlayStation. Pero está claro que el fin del formato físico ha alejado a muchos fans de la marca en las últimas semanas.

Respecto a Destiny 3, ya es oficial que Bungie ha cancelado el contenido postlanzamiento de Destiny 2, así que el shooter de 2017 ha dejado de recibir novedades. Ahora la prioridad es Marathon, no sin antes haber despedido a la mitad de trabajadores del estudio.

La posibilidad de que Destiny 3 exista algún día es muy, muy remota, a pesar de que sería la salvación para Bungie. En cambio, PlayStation entiende que la franquicia está agotada. Lo sentimos mucho por los fans de la saga, la verdad.

La conclusión es que los fans de PlayStation quieren tres cosas que, salvo milagro, no sucederán. ¿Se olvidarán todos los males cuando salga GTA 6 en noviembre? Seguro que una parte de la comunidad seguirá teniendo memoria.

Y hay una tendencia del Hollywood moderno que nunca ha terminado de convencerle: la obsesión por los remakes y por convertir series de televisión en películas. Eastwood considera que la industria debería dedicar más esfuerzos a descubrir historias completamente nuevas.

"No entiendo muy bien esta obsesión por hacer remakes y convertir series de televisión en largometrajes. Preferiría que animaran a los guionistas con nuevas ideas en todo tipo de géneros, como se hacía en la época dorada del cine", dijo.

Su crítica no significa que considere que todos los remakes sean malas películas. El problema, según su planteamiento, es que Hollywood ha convertido las propiedades conocidas en una apuesta demasiado segura, dejando en segundo plano a los guionistas con ideas originales.

El propio cine de Eastwood sirve como ejemplo de esa filosofía. A lo largo de su carrera como director ha apostado repetidamente por historias y personajes que no necesitaban formar parte de una franquicia para atraer al público.

Además, el cineasta tiene claro que un remake puede funcionar cuando existe una verdadera intención artística. Infiltrados, por ejemplo, nació a partir de la película hongkonesa Infernal Affairs, pero Martin Scorsese consiguió convertir aquella premisa en una obra con identidad propia.

La diferencia está precisamente ahí. Para Eastwood, adaptar una historia existente no tiene por qué ser un problema si el resultado aporta algo nuevo, pero repetir fórmulas conocidas únicamente porque ya tienen un público asegurado es otra cuestión.

En un Hollywood cada vez más dominado por franquicias, secuelas y reinicios, sus palabras cobran especial relevancia. Eastwood cree que la industria debería volver a dar oportunidades a los guionistas que tienen algo nuevo que contar.

La famosa silla-váter de Fortnite se convirtió en un meme recurrente de la comunidad del juego de Epic Games. Pero, después de unos cuantos años, ha reaparecido en un anuncio de Facebook Marketplace.

Sí, ahora es posible comprar la rudimentaria silla que incluye un tubo para orinar, un agujero y un cubo naranja debajo para hacer ''lo otro''. Se llama Battle Bucket y su anuncio ya ha superado los 4,5 millones de visualizaciones en Twitter/X.

El meme de Battle Bucket vuelve a la carga, y ahora podéis comprar esta silla para jugar a Fortnite... por 500 dólares

El pasado 31 de agosto, apareció un extraño anuncio en el marketplace de Facebook con el nombre de ''Battle Bucket'' y el indicativo ''Usado'', lo cual reduce considerablemente las ganas de comprar este objeto tan loco.

A priori, parece ser la misma silla-váter de Fortnite que recordamos de los memes (nacidos del post original de usecodelitty200iq de 2023). No hay confirmación, por ahora, así que también podría tratarse de un fake o una imagen editada.

Por unos módicos 500 dólares, podréis haceros con la silla perfecta para jugar a Fortnite sin ir al baño. El problema es que, como artículo de segunda mano que es, implica que su dueño lo ha utilizado en repetidas ocasiones.

Es más: el propietario de la silla-váter dice que la ha usado casi todos los días durante unos años. Solo los más valientes querrán comprarla después de saberlo.

''Lo tengo desde hace unos años y lo he usado casi a diario. Lo he limpiado a fondo y funciona de maravilla. NO ACEPTO OFERTAS RIDÍCULAS, SÉ LO QUE TENGO'', se puede leer en la descripción del anuncio.

Epic LAN UK Gaming & Esports, uno de los torneos de eSports más conocidos de Reino Unido, bromea en Twitter/X con el siguiente mensaje: "Agregando esto a la lista de artículos prohibidos en LAN''.

La extraña silla-váter de Fortnite ha vuelto para revolucionar las redes sociales y, además, estamos convencidos de que alguien pondrá los 500 dólares sobre la mesa para comprarla.

Din Djarin apareció por primera vez en 2019 y rápidamente se convirtió en uno de los personajes favoritos de los fans. Aunque gran parte de su identidad está relacionada con los samuráis y los clásicos pistoleros del western, hay una conexión especialmente curiosa con John Wayne.

El vínculo no está únicamente detrás de las cámaras. Brendan Wayne, uno de los actores que interpreta físicamente al Mandaloriano, es precisamente el nieto de John Wayne. Pedro Pascal pone la voz al personaje, pero Wayne se encarga de ponerse el traje en numerosas escenas, especialmente aquellas que requieren que Din Djarin camine, converse o se desplace.

Durante un encuentro con fans celebrado en FAN EXPO Canada, Brendan Wayne explicó hasta qué punto su abuelo influyó indirectamente en la manera en la que interpreta al Mandaloriano.

Wayne aseguró que siempre intentó evitar imitar directamente a su abuelo. John Wayne tenía una presencia física y una forma de caminar absolutamente reconocibles, por lo que Brendan quería encontrar su propia identidad.

Sin embargo, terminó descubriendo que algunas de las enseñanzas que había recibido de él encajaban perfectamente con Din Djarin.

Una de las frases que John Wayne le repetía era "habla bajo, habla despacio y no digas mucho". Y precisamente esa filosofía encaja a la perfección con el personaje, que pasa buena parte de sus aventuras comunicándose con pocas palabras.

Pero hay más. Brendan Wayne explicó que, cuando comenzó a interpretar a Din Djarin, los responsables de la serie le pidieron que ralentizara sus movimientos. La idea estaba relacionada con la forma de moverse de los samuráis: cada movimiento debía tener un propósito.

El resultado terminó siendo una de las características visuales más reconocibles del personaje. Din Djarin camina lentamente, con seguridad y sin realizar movimientos innecesarios.

La influencia resultó tan evidente que incluso Carl Weathers, quien interpretó a Greef Karga y dirigió varios episodios de The Mandalorian, llegó a reconocerla durante el rodaje.

Brendan Wayne contó que en una ocasión Weathers llegó a detener una escena para señalar su manera de caminar y decirle que aquello era propio de su abuelo.

Lo curioso es que Brendan no estaba intentando copiar a John Wayne. Según explicó, aquella forma de interpretar al Mandaloriano terminó conectándolo con sus propias raíces de manera natural.

Así, uno de los personajes más modernos de Star Wars acabó heredando parte del espíritu de uno de los cowboys más famosos de la historia del cine, sin necesidad de copiarlo directamente.

¿Os acordáis de Wikigacha? Fue todo un fenómeno viral en Japón hace unos meses, ya que transformaba los artículos de la enciclopedia web en sobres de cartas a lo Pokémon TCG. Y también estaba Game Pull, una variante con cartas basadas en videojuegos.

La Fundación Wikimedia vuelve a la carga con World of Wikipedia, un juego gratuito de navegador desarrollado por su departamento de audiencias futuras. Ya os adelantamos que es todo un vicio.

World of Wikipedia es el nuevo juego viral con artículos convertidos en cartas: ¿lograrás acertar el 100%?

World of Wikipedia es un sencillo juego de cartas que se ejecuta en el navegador de vuestro PC o móvil, y que podéis disfrutar desde ya mismo en este enlace.

La mecánica es esta: se muestran 11 categorías (deportes, películas, televisión, videojuegos, gente y cultura, música, entretenimiento, media, historia y sociedad, naturaleza y ciencia). Hay que elegir una de ellas para empezar a jugar.

Tenéis un total de tres vidas y hay diez rondas. En cada una, hay que decir si la descripción (en inglés) coincide con la imagen. Los aciertos implican quedarse con la carta en cuestión, mientras que los fallos pueden hacer que perdamos la partida (y las cartas implicadas).

Al terminar cada partida, nos quedamos con las cartas que hayamos acertado y podemos configurar distintos mazos. La idea es que World of Wikipedia también enfrente a millones de personas en intensas batallas de cartas.

No inventa la rueda, pero hay que reconocer que es un juego sencillo y adictivo. Seguro que la Fundación Wikimedia rascará unas cuantas visitas más de las audiencias más jóvenes, aunque todavía les queda mucho camino por recorrer.

Todavía tiene algunos fallos, como que algunas cartas no tengan que ver con la categoría que hemos escogido, pero puede daros un rato divertido tanto en PC como en móviles y tablets.

World of Wikipedia da continuidad al fenómeno de juegos de cartas como Wikigacha, y además cumple una función pedagógica que de buen seguro incrementará las visitas a Wikipedia en los próximos días y semanas.

La revelación procede de John Knoll, supervisor de efectos visuales de la película y una de las figuras más veteranas de la franquicia. En declaraciones a Polygon, Knoll confirmó que el parecido entre las construcciones de Grogu y Yoda no es casualidad.

En un momento de la película, Din Djarin queda gravemente debilitado después de ser envenenado por una de las criaturas de los Gemelos Hutt. Grogu intenta mantenerlo a salvo y construye una pequeña cabaña de barro para protegerlo mientras se recupera.

La escena llamó inmediatamente la atención de los seguidores de Star Wars porque recuerda muchísimo a la vivienda en la que Yoda se refugiaba en Dagobah durante El Imperio Contraataca.

La teoría que surgió entonces era bastante sencilla. Quizá los miembros de la especie de Yoda poseen una especie de conocimiento innato que les lleva a construir este tipo de refugios. Y ahora sabemos que los fans habían acertado.

Knoll explicó que la capacidad para construir estas cabañas forma parte de la memoria genética de Grogu. No se trata, por tanto, de una coincidencia visual ni de un simple homenaje a la película de 1980.

La revelación resulta interesante porque la especie de Yoda continúa siendo uno de los grandes misterios de Star Wars. Hasta ahora apenas conocemos a unos pocos miembros, entre ellos Yoda, Grogu y Yaddle, por lo que cualquier detalle sobre sus características biológicas tiene una importancia especial. Pero la escena también cumple una función dentro de la relación entre Din y Grogu.

Durante gran parte de su historia, es Din quien protege a Grogu cuando este es vulnerable. En The Mandalorian and Grogu, la situación se invierte.

Es una forma de mostrar cómo ha cambiado su relación. El antiguo protegido ya es capaz de cuidar de quien durante tanto tiempo lo protegió.

La confirmación llega mientras el futuro de la historia sigue siendo incierto. La película ha recaudado 345,7 millones de dólares en todo el mundo con un presupuesto estimado de 165 millones, mientras que las críticas fueron más divididas que la recepción del público.

The Mandalorian and Grogu llegará a Disney+ el 2 de septiembre, donde tendrá una nueva oportunidad de encontrar una audiencia todavía mayor.

Sin embargo, cuando anunció que subiría un vídeo exclusivo de GTA 6 tras visitar las oficinas de Rockstar North en Edimburgo, Escocia, muchos de sus fans lo tildaron de ''vendido''.

Rubius asegura que Rockstar no le ha pagado nada, y que lo hace porque es un gran fan de Grand Theft Auto. No es ''un problema real'' para él, pero sí que ha prometido no volver a enseñar un regalo de la compañía en directo.

ElRubius aprende del hate encajado por la lámpara y no volverá a enseñar un regalo de Rockstar

La gota que colmó el vaso fue la famosa lámpara del ''VI'', un regalo de Rockstar Games para ElRubius que ha dado la vuelta al mundo. El streamer hispanonoruego no dudó en enseñársela a sus seguidores en Twitch.

Sin embargo, algunos lo usaron de excusa para seguir con las críticas, asegurando que la lámpara de GTA 6 era una ''forma de pago'' a Rubius por los servicios prestados de cara al marketing del juego.

Rubius ha prometido no volver a enseñar un regalo de Rockstar en directo. Podría parecer que se debe a todo el hate que ha recibido, pero la realidad es bien distinta...

''Si Rockstar me manda algo, no lo volveré a enseñar en stream hasta que pase un tiempo'', afirma el hispanonoruego en su directo más reciente de Twitch.

¿Por qué ha tomado esta decisión? No sabemos si en broma o no, ElRubius dice que no volverá a hacerlo para evitar que Danirep se vuelva loco. Es uno de los streamers más acérrimos de GTA.

''Lo hago por Danirep. Está perdiendo demasiado la cabeza ya'', explica el famoso streamer, aunque algunos piensan que lo hace para atajar las críticas de una vez por todas.

¿Qué pensáis del asunto de ElRubius y GTA 6? Cada cual tendrá su opinión, pero es indudable que el hispanonoruego es un gran fan de la saga de Rockstar Games. Y también uno de los grandes streamers españoles. A partir de ahí, cada uno tendrá su punto de vista.

La próxima producción de la saga será Blade Runner 2099, una serie de Prime Video que tiene previsto estrenarse en noviembre de 2026. Scott no participa en ella, pese a que fue una de las figuras fundamentales detrás de la película original de 1982.

En una entrevista concedida a Los Angeles Times, el director explicó que la situación legal terminó dejándole sin capacidad de decisión sobre el universo que había llevado al cine junto a Harrison Ford.

"No puedo culpar a mis abogados y a mis agentes de aquella época, pero de alguna manera dejamos que Blade Runner se nos escapara. Y cuando no eres el autor de la palabra escrita, no tienes ninguna participación", dijo.

La relación de Scott con Blade Runner no terminó realmente después de la primera película. El director y el guionista Hampton Fancher llegaron a hablar de una continuación alrededor de 1986, apenas unos años después del estreno.

Fancher incluso había desarrollado una historia centrada en el siguiente trabajo de Deckard, aunque aquella idea nunca llegó a convertirse en película.

Para Scott, aquella colaboración sigue siendo una de las más importantes de toda su carrera. El director recuerda especialmente el material original de Fancher y la cantidad de posibilidades que encontró en sus primeras páginas.

"Blade Runner fue la mejor relación con un guionista que he tenido. En las primeras 19 páginas de ese libro hay 200 historias, y él eligió una: la del cazador que se había enamorado de su presa. El ritmo era precioso. La elegancia que transmitió era fantástica", dijo.

La ausencia de Scott será especialmente llamativa cuando Blade Runner 2099 llegue a Prime Video. La serie continuará desarrollando ese universo, pero lo hará sin el director que estableció buena parte de su identidad visual y temática.

Paradójicamente, Scott parece estar más interesado ahora en comprobar hasta qué punto las ideas de Blade Runner están dejando de parecer ciencia ficción.

Su reflexión sobre el futuro resulta incluso más inquietante que cualquier anuncio sobre una nueva película.

"Nos dirigimos hacia allí ahora. [Tyrell] tiene una de las dos corporaciones que gobiernan el mundo. ¿Quién te impide tener un ejército de 10.000 personas y 200 Black Hawks si tienes esa cantidad de dinero? Así que Blade Runner se está haciendo realidad mientras hablamos", concluyó.

Todo lo contrario que ElRubius, que ayer subió un vídeo para reaccionar al gameplay del juego, con imágenes exclusivas de su visita a las oficinas de Rockstar. Muchos le han acusado de ser ''un vendido'', pero él afirma que no le han pagado nada por hacerlo.

Desde el propio Rubius a TheGrefg, IlloJuan o Kai Cenat, el sentir general de los streamers y creadores de contenido es que GTA 6 será ''el mejor juego de la historia''. ¿Pensáis lo mismo?

Los streamers flipan con el gameplay de GTA 6 por su extremo realismo, gráficos y otros detalles

Empezamos por ElRubius, que ha sido duramente criticado en los últimos días. Él afirma que Rockstar no le ha pagado nada, y que su visita para ver GTA 6 en primicia es por su amor a la saga.

El hispanonoruego publicó una videoreacción al gameplay en YouTube, donde también desveló algunas imágenes de su viaje. Adelanta que no hemos visto nada todavía y que el título aspira a ser uno de los mejores juegos de todos los tiempos.

''Después de estar casi tres horas viendo el juego, y para ir calentando los motores, empiezo diciendo que seguramente estemos ante uno de los mejores juegos de la historia. No sois conscientes de todo lo que he visto'', explica Rubius.

Por su parte, TheGrefg se deshace en elogios ante lo que se ve en el gameplay, hasta el punto de dudar si realmente se trata de un videojuego. También señala que es una locura que algo así se mueva en una PS5 estándar.

''Hay momentos en los que no tengo la sensación de estar viendo un videojuego, sino una película o un blog. Tengo los pelos de punta. Es el mejor juego de la historia. Es lo más grande que se ha hecho''.

La reacción de Kai Cenat, que aseguró hace días no haber visto ninguna filtración de GTA 6, tampoco se queda atrás. El estadounidense llega a romperse la ''camisa'', como Camarón, y dice lo siguiente a grito pelado: ''Coge mi dinero''.

No son las únicas reacciones. También está la de IlloJuan, que estuvo más de tres horas en directo para reaccionar al vídeo. Incluso dice que es el directo que más espectadores ha tenido de toda su trayectoria como streamer.

¿Pensáis que las opiniones de Rubius, TheGrefg o Kai Cenat sobre GTA VI son exageradas? Lo sabremos el próximo 19 de noviembre, cuando el título de Rockstar aterrice en PS5 y Xbox Series X|S.

La serie protagonizada por Oldman como el irreverente Jackson Lamb estrenará su nueva temporada en septiembre. Con ella, Apple habrá conseguido emitir seis temporadas en apenas cuatro años, un ritmo poco habitual entre las grandes producciones televisivas actuales.

Oldman habló sobre este asunto durante el Festival de Televisión de Edimburgo, donde recibió el Global Icon Award. En una conversación sobre su carrera y el éxito de la ficción, explicó que mantener ese ritmo no es algo que pueda darse por sentado.

El actor señaló que el equipo de Slow Horses trabaja constantemente para evitar que la serie pierda impulso entre una temporada y otra.

"Inviertes en estos personajes, en estos personajes ficticios, y entonces termina la serie y tienes que esperar dos años y medio", comentó Oldman, mostrando su incredulidad ante las largas pausas que se han convertido en habituales en televisión.

Para el intérprete, conseguir que una producción vuelva cada año requiere una auténtica batalla dentro del proceso de producción.

"Es una lucha y una pelea convencer a la gente para que siga regresando cada año", explicó. El objetivo, además, no consiste simplemente en producir nuevos episodios rápidamente, sino en hacerlo sin sacrificar el nivel de la serie: "Y mantener la calidad".

La diferencia resulta llamativa cuando se compara Slow Horses con otras producciones de las plataformas de streaming. El propio ecosistema de Apple TV ha vivido esperas mucho más prolongadas. Separación, por ejemplo, dejó pasar alrededor de tres años entre su primera y segunda temporada.

Oldman también aprovechó su aparición en Edimburgo para hablar de uno de los personajes que más ha marcado su etapa reciente como actor.

El intérprete describió a Jackson Lamb como un papel que "cayó del cielo" en el momento adecuado de su vida. Parte del atractivo, según explicó, está precisamente en la personalidad del personaje.

"No tiene filtro, es directo, le importan un carajo las normas sociales. Esa es la diversión de interpretarlo", afirmó Oldman.

A pesar de contar con una carrera cercana a los 50 años y haber ganado un Oscar, el actor reconoció que continúa siendo muy crítico consigo mismo. Su objetivo sigue siendo pensar que "el mejor trabajo está el año que viene".

También explicó que normalmente comienza cada trabajo con un cierto nivel de ansiedad, pero que Slow Horses ha sido diferente durante los últimos seis años porque siente que existe una química especial en la producción.

Y, para acompañarlo, Ubisoft y New World Computing sorprendieron con el relanzamiento de Heroes of Might and Magic 3, el clásico para PC de 1999, a través de Steam.

Todo parecía ir sobre ruedas, hasta que los fans compraron el clásico por 9,99 euros y descubrieron que el juego venía sin el ejecutable necesario. Os podéis imaginar la de críticas que ha recibido Ubisoft desde entonces.

Ubisoft admite su grave error y pide disculpas a los fans: Heroes of Might and Magic III ya se puede jugar con normalidad

La cara de los fans que compraron Heroes of Might and Magic III en las primeras horas fue un absoluto poema. Pronto descubrieron que el ejecutable era un archivo de tan solo 23,49 KB, así que era técnicamente imposible que fuera el juego completo.

En efecto, a Ubisoft se le olvidó incluir el juego (el ejecutable real) entre los archivos del compilado, así que fue imposible reproducirlo hasta que se dieron cuenta del error garrafal.

El artículo publicado por PC Gamer destacó muchas de las reseñas negativas que había recibido Heroes of Might and Magic III, y sirvió de alerta para la compañía francesa. Menos mal.

''Gracias a todos los que nos alertaron sobre esto. Investigamos el problema y podemos confirmar que ya ha sido resuelto. Apreciamos la paciencia de la comunidad y los informes mientras trabajábamos en una solución, y nos disculpamos por cualquier inconveniente causado'', indica la cuenta oficial de Heroes of Might and Magic en Twitter/X.

Para colmo, al reproducir este setup de 23,49 KB, aparecía el mensaje de ''ejecutable falso'', dejando a los fans con la cara torcida.

Unas horas después del lanzamiento del pasado 25 de agosto, Ubisoft lanzó un parche de 770 MB para completar los archivos y hacer que el título sea jugable.

El relanzamiento de Heroes of Might and Magic III, una leyenda del género RPG, merecía algo mejor. Al menos, ya es posible revivir sus épicas batallas por menos de 10 euros en PC a través de Steam.

Según CBR, Wayne representaba al héroe tradicional, mientras que Eastwood ayudó a popularizar una figura mucho más ambigua. El primero había interpretado habitualmente a personajes íntegros que intentaban hacer lo correcto incluso en situaciones complicadas. Eastwood, en cambio, se convirtió en uno de los grandes referentes del antihéroe.

La diferencia de generaciones terminó siendo especialmente evidente después de que Eastwood estrenara Infierno de cobardes en 1973. La película ofrecía una visión mucho más oscura y violenta del Oeste, algo que no convenció a Wayne.

Hubo, sin embargo, un intento serio de conseguir que ambos trabajaran juntos. El proyecto se titulaba Los hostiles y estaba escrito por Larry Cohen. La historia giraba alrededor de un jugador que conseguía la mitad de un rancho perteneciente a un hombre mayor. Ambos personajes no se soportaban, pero terminaban obligados a colaborar cuando aparecían amenazas contra la propiedad. Eastwood quería interpretar al jugador y Wayne al ranchero.

Eastwood llegó a enviar el guion a Wayne, pero este rechazó participar. Cuando recibió una versión posterior, su respuesta volvió a ser negativa.

El conflicto terminó mezclándose con las críticas de Wayne hacia Infierno de cobardes. Según Eastwood, el veterano actor le escribió después de verla para decirle que la película "no trataba realmente sobre las personas que colonizaron el Oeste".

Eastwood entendió entonces que ambos pertenecían a generaciones cinematográficas diferentes.

El desacuerdo no se limitaba a las películas. También afectaba a la propia interpretación.

Wayne defendía una concepción muy particular de la actuación. Según explicó, “yo no actúo en absoluto, reacciono”. Para él, una buena interpretación consistía en responder de manera lógica a las situaciones para que el público pudiera identificarse con el personaje.

Eastwood no compartía esa filosofía. Cuando le preguntaron por la idea de ser un actor que simplemente "reacciona", respondió: “No sé qué significa eso. Nunca lo he sabido”.

El actor explicó que un intérprete no puede limitarse a reaccionar, porque existen fuerzas y motivaciones que impulsan al personaje.

En realidad, Eastwood y Wayne no tenían por qué considerarse enemigos personales para que sus carreras terminaran enfrentándose sino que representaban dos etapas distintas del western.