La razón está en las diferentes normativas que existen en cada país. Mientras algunos territorios permiten mostrar determinados contenidos sin grandes restricciones, otros cuentan con reglas mucho más estrictas.

Esto obligó a que algunos episodios fueran editados o recortados antes de su emisión, creando versiones diferentes de la misma serie dependiendo del lugar desde el que se viera.

El problema es que el contenido adulto de Juego de Tronos no siempre estaba incluido únicamente para provocar al espectador. La serie utilizaba la violencia y el sexo como herramientas narrativas para desarrollar personajes, explicar relaciones y mostrar las consecuencias de determinados acontecimientos.

Por eso, eliminar una escena podía tener efectos que iban más allá de perder unos minutos de metraje. Algunas secuencias ayudaban a comprender las motivaciones de los personajes o introducían elementos que posteriormente tenían importancia en la historia.

La situación era especialmente delicada en una producción cuya identidad estaba tan vinculada a sus momentos más extremos. La serie se hizo famosa precisamente por demostrar que ningún personaje estaba completamente a salvo y que incluso los protagonistas podían morir de una forma repentina y brutal.

La distribución internacional de una producción de estas características requiere tener en cuenta las normas de cada mercado. HBO y sus socios tuvieron que adaptar determinados episodios para cumplir con las exigencias locales, lo que podía traducirse en cortes de escenas o en versiones ligeramente más cortas.

No todos los territorios aplicaban las mismas restricciones ni consideraban problemáticos los mismos contenidos. Una escena aceptada sin modificaciones en un país podía necesitar cambios en otro, dependiendo de la legislación y de los criterios de los organismos responsables de supervisar los contenidos audiovisuales.

Esto generó una situación curiosa para los seguidores internacionales: dos personas podían estar viendo oficialmente el mismo episodio y, sin embargo, no estar viendo exactamente la misma versión.

En otras producciones, eliminar unos segundos puede tener un impacto limitado. En Juego de Tronos, en cambio, los recortes podían alterar el ritmo de determinados episodios o eliminar información que ayudaba a contextualizar acontecimientos posteriores.

La serie construyó buena parte de su identidad alrededor de un mundo cruel, imprevisible y sin demasiados límites. La violencia, el sexo y otros contenidos adultos formaban parte de esa propuesta desde sus primeros episodios.

Por eso, la necesidad de crear versiones adaptadas a las leyes de cada país puso de manifiesto una de las dificultades de distribuir internacionalmente una producción tan explícita: mantener intacta la historia mientras se cumplen las normas de cada territorio no siempre resulta sencillo.

El resultado fue una serie que, aunque conservó su esencia en todo el mundo, no siempre pudo verse exactamente de la misma manera.

El juego más esperado de todos los tiempos llegará el 19 de noviembre a PS5 y Xbox Series X|S, desatando una tormenta mediática que afectará a cada rincón de nuestro mundo. Incluso hemos visto una cadena de talleres que cerrará sus puertas el día de lanzamiento.

Kai Cenat, el streamer con más subs de Twitch, quiere convertirse en la primera persona del mundo que saca el 100% de GTA VI, y para ello ha anunciado un directo casi infinito que podría suponer un antes y un después en la historia de las plataformas de streaming.

El maratón de GTA 6 por Kai Cenat podría ser el más largo de todos los tiempos: ¿conseguirá su objetivo?

En un directo reciente en Twitch, Kai Cenat ha dejado perplejos a sus seguidores con el anuncio de un nuevo maratón. No es el primero que hace, pues organizó un repaso continuo a todos los Batman Arkham con diferentes objetos utilizados en el rodaje de las películas. Sin embargo, sí que será el más largo y desafiante de cuantos ha hecho.

El objetivo es el siguiente: completar GTA 6 al 100%, incluyendo las misiones principales y las secundarias, así como la lista total de trofeos/logros. Obviamente, el modo online no cuenta, porque no estará disponible de salida.

Kai Cenat promete a sus seguidores que hará un maratón de Grand Theft Auto VI el 19 de noviembre, el cual no acabará hasta que no haya sacado el 100% del juego de Rockstar Games.

''El día que salga GTA VI, no sé cuándo terminaré el stream. No sé cuándo voy a salir. Voy a hacer un maratón de GTA VI hasta que esté 100% completo. No hablo solo de la historia, hablo del 100% del juego''.

Ojo, porque este maratón no tendrá pausas, ni siquiera para dormir (ya veremos si eso se cumple, pues podría ser muy peligroso para la salud). Es prácticamente inviable, así que suponemos que sí tendrá pequeños parones para descansar.

¿Cuánto podría durar GTA 6? Según HowLongToBeat, completar GTA V al 100% dura alrededor de 90 horas de juego, sin contar las misiones de GTA Online.

El reto viral de Kai Cenat para completar el 100% de GTA 6 comenzará el mismo día de lanzamiento del juego, el 19 de noviembre, así que ahí estaremos para saber si se convierte en el primero en pasarse el juego o no.

Hay algunas películas de Clint Eastwood más recordadas que otras y en esta última etapa como director ha podido trabajar con multitud de actores y actrices.

Entre todas las actrices que han trabajado con Clint Eastwood como director, ha destacado una en particular.

En 2008, se estrenó la película El intercambio, con Angelina Jolie en el papel protagonista. La película sigue a una mujer que se reencuentra con su hijo desaparecido, pero descubre que no es el mismo niño.

Se trató de la primera vez en la que Eastwood y Jolie trabajaron juntos. A pesar de ello, Clint Eastwood quedó totalmente impresionado.

De hecho, Eastwood calificó a Angelina Jolie como “la actriz más preparada con la que he trabajado antes”, y elogió su dedicación a la interpretación.

“No conocía muy bien a Angelina antes de hacer esto. La había visto en algunas ocasiones, pero siempre pensé que era una actriz muy interesante, una muy buena actriz”, explicó.

“Mucha gente aparece en las portadas de las revistas y eso no significa necesariamente que tengan talento, pero en su caso, ella tiene mucho talento”.

Durante una entrevista concedida con motivo del estreno de la serie, el director supervisor Kenji Kamiyama reveló que el objetivo nunca fue ampliar el canon de Star Wars añadiendo un nuevo tipo de sable de luz. La inspiración surgió de la filosofía oriental y del cine clásico de samuráis, donde el auténtico poder no reside en la fuerza bruta, sino en alcanzar un estado de equilibrio absoluto.

Uno de los elementos más llamativos de la serie es el sable de luz plateado, que simboliza precisamente ese equilibrio entre la luz y la oscuridad. Sin embargo, la idea original era muy distinta. Kamiyama explicó que, en un primer momento, el equipo imaginó una hoja completamente transparente para representar una existencia pura, libre de cualquier atadura. Con el paso del desarrollo estudiaron otras posibilidades, incluido un sable negro, pero finalmente optaron por el color plateado al considerar que transmitía mejor ese estado intermedio.

El director también quiso dejar claro que esta decisión no está relacionada con el popular concepto de los "Jedi grises" creado por los fans. En su opinión, el sable plateado nace de una forma de entender el mundo muy presente en la cultura japonesa, donde un maestro alcanza la excelencia cuando deja de estar condicionado por los extremos.

Kamiyama utilizó el cine de samuráis para explicar esa diferencia cultural. Según comentó, en muchas películas japonesas un espadachín experimentado es capaz de percibir la presencia de un enemigo sin necesidad de ninguna señal externa. Cuando estas historias se adaptaban para el público occidental era habitual añadir sonidos, como el crujido de una rama, para justificar esa percepción. En Japón, en cambio, ese momento se entendía como una demostración natural del dominio espiritual del personaje.

Esa filosofía también ha marcado la creación de Kara, protagonista de Star Wars Visions: La jedi número 9. Kamiyama considera que la Orden Jedi se ha representado durante demasiado tiempo de una forma excesivamente rígida y defiende que un verdadero Jedi debe aceptar su propia oscuridad en lugar de ignorarla. Solo así puede alcanzar un equilibrio real y convertirse en alguien más fuerte.

Con esta reinterpretación, Star Wars Visions: La jedi número 9 no pretende simplemente introducir un nuevo color de sable de luz. Su objetivo es ofrecer una visión diferente de la Fuerza, donde la verdadera fortaleza no consiste en rechazar la oscuridad, sino en comprenderla sin dejarse dominar por ella.

¿Alguna vez habéis pensado en conducir en un juego por las carreteras de vuestra ciudad o pueblo? Parece imposible, pero existe una forma de hacerlo... y es totalmente gratis.

Os presentamos Hop.Earth, un juego gratuito de navegador creado por DVLP, que utiliza funciones de geolocalización mediante satélite para recrear vuestra ubicación y establecer circuitos para disfrutar en solitario o en modo multijugador.

Hop Earth es el juego de conducción que mezcla Need for Speed con Google Maps, y es GRATIS

Gracias al buen hacer de DVLP, ahora es posible conducir por cualquier parte del mundo en Hop Earth, un juego gratuito de navegador que recrea las carreteras de vuestra ubicación mediante funciones de geolocalización vía satélite.

No importa si estáis en Madrid, Barcelona, Valencia, Sevilla o cualquier ciudad, o si preferís conducir por las carreteras de vuestro pueblo, porque no existen límites para esta experiencia de velocidad.

Jugar a Hop Earth es tan sencillo como entrar en este enlace y seleccionar cualquier lobby abierto, crear el nuestro o simplemente echar un vistazo a la lista de circuitos/carreras creadas por la comunidad.

Mediante la base de datos de OpenStreetMap, este juego recrea cualquier punto del mapa y lo renderiza para crear un mundo único y personalizado. El siguiente paso es aterrizar en paracaídas en la zona que queramos (dentro de los límites establecidos por la ubicación elegida).

La acción comienza al llamar un coche, con la tecla X, pero también podemos explorar a pie. Una vez nos subimos al vehículo, es posible conducir en solitario o buscar otros jugadores para echar una carrera.

Entre las últimas novedades que han llegado a Hop Earth, se encuentran las carreras nocturnas, mayor cantidad de farolas e iluminación generadas proceduralmente y texturas mejoradas para más carreteras y entornos.

El juego todavía está un poco en pañales, así que no es raro que os topéis con algunos bugs. Por ejemplo, mi personaje se ha quedado atascado en más de una ocasión, y también he tenido problemas para conducir después de subirme al coche.

DVLP promete seguir mejorando Hop Earth con actualizaciones para corregir los bugs y asegurar una experiencia más estable. No obstante, recomendamos echarle un ojo si tenéis un ratito, porque es muy entretenido (sobre todo si jugamos con otras personas).

Si Hop Earth crece y mejora lo suficiente, podemos celebrar que el sueño de Need for Speed + Google Maps se hará realidad más pronto que tarde. Yo, por lo pronto, ya estoy deseando probarlo desde mi pueblo en El Bierzo.

La nueva adaptación de la clásica obra de Homero ha sumado más de 135 millones de dólares durante su último fin de semana, elevando su recaudación global por encima de los 920 millones de dólares. Si mantiene esta tendencia, todo apunta a que la película superará la barrera de los 1.000 millones de dólares este mismo fin de semana.

De conseguirlo, La Odisea se convertirá en la tercera película dirigida por Christopher Nolan en alcanzar este hito, después de El caballero oscuro y El caballero oscuro: La leyenda renace. Por su parte, Oppenheimer, la película que finalmente le dio a Nolan el Oscar al mejor director, se quedó muy cerca con 975 millones de dólares en taquilla, una cifra que podría superar si vuelve a estrenarse en cines.

El impresionante rendimiento comercial de la película también permite comparar su éxito con otras grandes producciones históricas de Hollywood. Con más de 920 millones de dólares recaudados, La Odisea ya ha conseguido prácticamente duplicar los ingresos de las mayores epopeyas dirigidas por Ridley Scott.

La primera entrega de Gladiator, estrenada en el año 2000 y protagonizada por Russell Crowe, logró 465 millones de dólares en todo el mundo y terminó convirtiéndose en un fenómeno cinematográfico, además de ganar el Oscar a la mejor película.

Casi 25 años después llegó Gladiator II, con Paul Mescal como protagonista, pero la secuela no consiguió repetir el impacto de la original. La película cerró su recorrido comercial con unos 462 millones de dólares, pese a contar con un presupuesto estimado cercano a los 300 millones.

Otras apuestas épicas de Ridley Scott, como Napoleón, Éxodo: Dioses y reyes o El reino de los cielos, tuvieron resultados comerciales más modestos, lo que deja todavía más clara la magnitud del éxito conseguido por Nolan.

El éxito de La Odisea no se limita únicamente a las cifras de taquilla. La película también ha recibido una excelente respuesta por parte de espectadores y críticos, convirtiéndose en uno de los grandes estrenos del año.

La combinación de una historia conocida, un reparto lleno de estrellas y el sello visual de Christopher Nolan ha convertido a La Odisea en uno de los grandes acontecimientos cinematográficos de 2026.

Protagonizada por Austin Abrams, la trama de la cinta se aleja de la historia de los juegos para presentarnos a un nuevo personaje, Bryan, un joven e inexperto repartidor de material sanitario.

Durante una fatídica noche de los años 90, Bryan viaja rumbo al Hospital de Raccoon City para entregar un misterioso viaje. Sin embargo, durante el trayecto se queda atrapado en pleno estallido del brote inicial del Virus-T que transforma a la mayor parte de la población en peligrosos zombis, además de otras criaturas mutantes.

Así, nuestro protagonista se ve inmerso en una carrera de acción sin descanso por la supervivencia mientras el caos se va desatando a su alrededor.

Resident Evil también tiene su cubo de palomitas

Con el estreno de la película a la vuelta de la esquina, era de esperar que Resident Evil también contara con su cubo de palomitas tematizado, ahora que están tan de moda. Pero con lo que no contábamos es que fuese tan molón.

Tal como recoge Dual Shockers, Universal Studios Japan acaba de presentar un nuevo cubo de palomitas de Resident Evil con licencia oficial, cuyo diseño se inspira en una de las criaturas más mortíferas y letales de la franquicia de videojuegos: el Licker.

Como bien puedes apreciar sobre estas líneas, su diseño está muy conseguido, con todo lujo de detalles que captura la estructura muscular expuesta, el tejido cerebral y la aterradora mandíbula del monstruo.

Pero además tiene doble funcionalidad. Aparte de servir como palomitero (cuyas palomitas extraes de su cabeza), también está diseñado como mochila, pudiendo transportar el cubo de palomitas en tu espalda. Más práctico imposible, oye.

Resident Evil se estrena en las salas de cine de España el próximo 18 de septiembre de 2026. ¿Tratarás de hacerte con el cubo de palomitas del Licker para disfrutar de la película a lo grande?

Lo cierto es que Michael Major no es ningún novato en este ámbito. Ya sorprendió con su primer lanzamiento, This Game Costs 10 Dollars, pero su siguiente paso fue demasiado lejos: ¿qué pasaría si fijaba el máximo precio posible en Steam?

El joven desarrollador de New Hampshire lanzó This Game Costs 200 Dollars hace unos meses, en enero, con el objetivo de conseguir una venta como mínimo. El juego no es tan bueno como para pagar esa pasta, pero, pese a ello, Major tuvo éxito en su segunda incursión en esto de los videojuegos.

El creador de This Game Costs 200 Dollars roza el sueño del millón de dólares antes de volver a la dura realidad

El canal de noticias WMUR-TV cuenta la historia de Michael Major, un joven desarrollador de 18 años que decidió lanzar un juego en Steam que cuesta 200 dólares. ¿Quién en su sano juicio pagaría tanto dinero?

Pues, según las métricas de la plataforma de Valve, un total de 6.717 personas compraron el juego. Es decir, que el joven desarrollador debería haber ingresado la friolera de 1,3 millones de dólares, haciendo el cálculo de las unidades vendidas a precio completo (200 dólares).

De hecho, el propio Michael reconoce que ''casi se muere'' cuando vio la cifra de 1,38 millones en el recuento de ganancias. El problema es que solo 10 usuarios del total que compraron This Game Costs 200 Dollars se quedaron con el juego en sus bibliotecas digitales.

Hasta 6.707 compradores solicitaron un reembolso, muchos de ellos sin ni siquiera abrir el juego, restando el total de ganancias de Michael a tan solo 2.045 dólares, diez veces lo que cuesta el título.

''Esta experiencia psicológica y "cómica" vale cada centavo. Este juego es único, diferente a todo lo que hayas visto o vayas a ver. Son 200 dólares de pura diversión, asombro y conversaciones incómodas'', es la descripción de This Game Costs 200 Dollars en Steam.

El joven se pregunta cómo es posible que tantas personas pagasen 200 dólares por su juego (la mayoría procedían de China). Argumenta que podría ser para obtener los puntos de Steam por cada clic, o simplemente para lavar dinero o encubrir otras operaciones fraudulentas.

Y así es la historia de Michael Major, el joven desarrollador que casi gana más de 1 millón de dólares con su juego valorado en 200 dólares, hasta que se cruzó con la política de devoluciones de Steam.

"Si te fijas, las mujeres no hacemos método porque tenemos cosas de las que ocuparnos", afirmó. "No podemos volvernos completamente locas". Taylor-Joy describió la interpretación como "una especie de psicosis controlada", ya que implica pensar y comportarse como otra persona durante gran parte del día.

"Estás fingiendo ser otra persona, teniendo sus pensamientos durante 16 horas al día, moviéndote como ella, viviendo en su casa y llevando su ropa", explicó la actriz, que reconoce que esa inmersión puede llegar a ser muy intensa.

Aun así, asegura que quienes la rodean saben detectar cuándo el personaje empieza a apoderarse demasiado de ella. "A veces, si la cosa se va un poco de las manos, me llaman por el nombre del personaje y me dicen: 'Eh, tenemos que volver a la realidad'", comentó entre risas.

Sin embargo, Taylor-Joy dejó claro que no comparte la idea de mantenerse permanentemente dentro del personaje, especialmente cuando ese comportamiento puede afectar al resto del equipo de rodaje.

"No puedo imaginarme mantener eso todo el tiempo porque vas a trabajar con cientos de personas. Es tu responsabilidad tratarles bien y ayudarles a hacer su trabajo lo mejor posible", aseguró. La actriz también lanzó una crítica a quienes llevan el método hasta el extremo: "Si estás demasiado centrado en comportarte como un imbécil, entonces el rodaje no va a ser una experiencia agradable para nadie".

Sus declaraciones reavivan un debate habitual en Hollywood. Actores como Daniel Day-Lewis o Christian Bale son conocidos por su intenso método de interpretación, mientras que otros, como Jared Leto o Jim Carrey, han protagonizado episodios muy comentados por no abandonar nunca el personaje durante los rodajes, una práctica que en ocasiones ha generado tensiones con el resto del reparto y el equipo técnico.

Francamente, ver la cara de la mujer transformada en jefe final de Billy the Hero fue divertido para el 99,9% de la gente, pero un pequeño sector atacó al director del juego, acusándole de ser un machista o misógeno. Hay que recordar que su esposa ya le dio su merecido con esta foto.

Además, uno de los comentarios de Reddit le propuso el reto de aparecer dentro del juego: ''Muy de tipo duro usar la cara de una mujer para un monstruo... ¡Pon tu propia cara si eres tan duro!''

El creador de Billy the Hero responde a las críticas con una serie de ''muñecos'' que representan al equipo de desarrolladores hombres... y a los que se puede golpear

Si JOJOJOJOsoft tuvo la valentía de convertir a su mujer en un temible monstruo dentro del juego, también debería tenerla para formar parte del universo ficticio que plantea su RPG de fantasía oscura.

Dicho y hecho. El creador de Billy the Hero ha demostrado no ser un machista, pues acaba de incluir a todo el elenco masculino del pequeño estudio de desarrollo como ''muñecos'' a los que se puede golpear sin parar.

En cierto momento, se puede bajar a una cárcel subterránea donde aparecen los cuatro desarrolladores del juego, desde el director (responsable de la polémica foto) hasta dos miembros del equipo y el ingeniero de sonido.

Billy y el resto de personajes del RPG pueden golpear a los cuatro muñecos sin parar. De hecho, es necesario hacerlo para conseguir algunos de los logros de Billy the Hero en Steam.

El creador del juego anima a hacerlo, ya sea para descargar tensión, quejarse por lo malo que es Billy the Hero, o simplemente como divertimento o entretenimiento pasajero.

Más allá de lo absurdo, está claro que JOJOJOJOsoft ha tomado esta decisión para demostrar que no tiene miedo a ser ridiculizado, y como respuesta a todos los que lo han tildado de machista por utilizar a su mujer como inspiración para crear uno de los monstruos.

¿Tenéis pensado jugar a Billy the Hero? Este RPG de fantasía oscura está en desarrollo para PC, y se podrá disfrutar a través de Steam en una fecha todavía por determinar.

Netflix ha confirmado un acuerdo con Ritchson para desarrollar un thriller ambientado en el mundo de MotoGP, una producción que él mismo ha definido como su particular versión de Fast & Furious sobre dos ruedas.

La película será el primer proyecto fruto del nuevo acuerdo de colaboración entre el actor y la plataforma de streaming. Además de protagonizarla, Ritchson ejercerá como productor a través de su compañía Dancing Skeleton, mientras que el guion correrá a cargo de Chris Morgan, responsable de varias entregas de la exitosa saga Fast & Furious.

Uno de los aspectos más llamativos del proyecto es que MotoGP colaborará oficialmente en la película, asesorando al equipo durante el desarrollo para aportar autenticidad tanto a las carreras como al universo del campeonato.

La idea surgió después de que Ritchson revelara en el podcast Armchair Expert que había conseguido los derechos relacionados con MotoGP para desarrollar una historia de acción internacional. El actor explicó que su intención siempre fue crear una película con el mismo espíritu de espectáculo que caracteriza a Fast & Furious, pero centrada en motocicletas de competición.

El intérprete también aseguró que lleva tiempo preparándose físicamente para participar de forma activa en las escenas más arriesgadas. Según explicó, ha entrenado con distintos tipos de motocicletas y ha practicado numerosas maniobras para poder realizar la mayor cantidad posible de acrobacias durante el rodaje.

Ritchson confesó que posee varios modelos de motos, desde deportivas hasta motocross y vehículos específicos para realizar saltos y otras escenas de riesgo. Su objetivo es que la acción resulte lo más realista posible y reducir al mínimo el uso de dobles en las secuencias principales.

Este nuevo largometraje también refleja la confianza que Netflix ha depositado en el actor tras el enorme éxito de Máquina de guerra, una de las películas originales más vistas de la plataforma durante sus primeros meses de estreno y que ya ha asegurado una secuela.

Gracias al acuerdo firmado, Ritchson también protagonizará y producirá varias películas para Netflix en los próximos años.

Cuando la saga daba sus primeros pasos en Occidente, con el lanzamiento del primer Animal Crossing para GameCube, ocurrió algo tan polémico como divertido, que seguro que muchos trabajadores de Nintendo nunca olvidarán.

Corría el año 2004, y el consultor Rick Sandbom estaba, como cada día, cogiendo llamadas relativas a los juegos y productos de Nintendo. Una de esas cuestiones acabaría derivando en la polémica del ''giroide con forma de pene''.

Muchos padres acusaron a Nintendo de ''obscenidad'' por la forma (y movimiento) del giroide en Animal Crossing

La historiadora de videojuegos, Sasha's Retrobytes, ha desvelado una de las anécdotas más curiosas que se vinculan a la saga Animal Crossing y a la propia Nintendo, con el extracto de un número de la revista EGM (Electronic Gaming Monthly) de hace más de 20 años.

En este fragmento, podemos leer las declaraciones de Rick Sandbom, consultor de Nintendo por aquella época, junto a una imagen del primer juego de Animal Crossing.

Resulta que muchos padres llamaron indignados al equipo de atención al cliente de Nintendo (al que pertenecía Sandbom) para denunciar que el giroide tenía ''forma de pene''. No, no es broma.

Es más probable que dicha comparativa procediera de su mente de adultos, pues dudamos que un niño o preadolescente pueda sacar esa conclusión mientras juega a Animal Crossing en su GameCube.

''Recibimos muchas llamadas airadas sobre Animal Crossing. Una boca de incendios del color de la piel que aparecía en el juego causó revuelo entre los padres, que pensaban que parecía un pene que se movía. Nuestra base de datos incluso tenía una página especial dedicada a cómo gestionar esa llamada. Esperaba cada día atender esa llamada, pero siempre se derivaba a los veteranos de la línea de atención al cliente''.

Lo más increíble es que dicha consulta se repetía tantas veces que hasta tenía su propia categoría en la base de datos de Nintendo. Por suerte, la polémica se disipó para el lanzamiento del siguiente juego de la saga, Animal Crossing: Wild World para DS.

¿Recuerdas haber confundido al giroide de Animal Crossing con un ''pene moviéndose''? La verdad es que yo no, pero, sea como sea, Nintendo cambió el diseño y le otorgó un casco de obra al personaje en las siguientes entregas. Por algo sería.

Curiosamente, uno de estos pocos personajes que habían nacido como secundarios, pero acabaron como principales, fue Stuart Bloom, interpretado por Kevin Sussman. Era aquel propietario inseguro de la tienda de cómics en la que Sheldon y sus amigos visitaban de forma regular. Quien ahora tiene su propia serie Stuart no consigue salvar el universo.

En sitios como Reddit se ha debatido sobre el arco argumental de Stuart Bloom durante su aparición durante la segunda temporada y hasta el final de la serie.

Primero fue presentado como un personaje que podría verse como una rivalidad de Sheldon Cooper y compañía, pero al final acabó encajando muy bien en el grupo.

“Es obvio que los guionistas se dieron cuenta de esto y lo cambiaron al Stuart que conocemos ahora. El error fue Stuart de la temporada 2, no de la temporada 3 en adelante. Al fin y al cabo, esta es una serie de comedia”.

Y es que Stuart Bloom ha sufrido una evolución a lo largo de las temporadas de The Big Bang Theory que pocos telespectadores han entendido, pero que mirándolo con retrospectiva ahora tiene bastante sentido por parte de los guionistas.

No obstante, cuando concluyó la serie, quizás Stuart Bloom tenía todavía mucho más que ofrecer, y por ello los productores decidieron que este personaje fuera el protagonista de un futurible spin off que en este mismo momento se encuentra en emisión: Stuart no consigue salvar el universo.

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Según ha revelado Deadline, el proceso de selección para encontrar a la actriz que encarnará a Emma Frost comenzó el pasado mes de mayo y ha sido uno de los castings más exhaustivos de toda la película. A pesar de las especulaciones que situaban a Robbie entre las favoritas, el estudio siempre tuvo previsto realizar audiciones para este papel, algo que, según la misma fuente, descartaba automáticamente a una intérprete de su nivel.

Explican que Margot Robbie ya no suele presentarse a pruebas para conseguir papeles, por lo que nunca fue una opción real durante el proceso de selección. En cambio, Samara Weaving es la elegida para interpretar a la poderosa mutante.

Antes de conocerse esta información también habían sonado otros nombres para el personaje, entre ellos Sydney Sweeney y Rebecca Ferguson, lo que alimentó aún más las especulaciones entre los seguidores de la franquicia.

Aunque los fans tendrán que seguir esperando para ver a Margot Robbie en el Universo Marvel, la actriz todavía podría regresar a otro papel que ya la convirtió en uno de los rostros más populares del cine de superhéroes: Harley Quinn.

Desde que James Gunn tomó las riendas del nuevo Universo DC, el futuro del personaje ha permanecido en el aire, aunque el propio director ha dejado caer en varias ocasiones que Harley Quinn podría volver en futuros proyectos.

La propia actriz también ha reconocido en entrevistas anteriores que siente un cariño especial por el personaje.

Por ahora, todo indica que el debut de Margot Robbie en Marvel tendrá que esperar. Mientras tanto, su posible regreso al renovado Universo DC sigue siendo una opción mucho más probable.

A lo largo de la temporada hemos ido viendo cómo va evolucionando la guerra entre los Verdes y los Negros en su disputa por quién es merecedor de sentarse en el Trono de Hierro.

Aunque por lo general está gustando, la serie está causando ciertas controversias debido a las enormes diferencias que hay con respecto al libro de George R.R. Martin, algo que molestó al propio autor.

Una de las muchas situaciones que no aparecen en la novela la pudimos contemplar en el primer episodio de esta tercera temporada a través de una secuencia que causó bastante incomodidad entre el público. Una situación que se ha retomado en este episodio yendo un paso más allá.

¡Ojo! A partir de este punto habrá algunos SPOILERS del episodio 3x07 de La casa del dragón, así que si todavía no has visto el capítulo te aconsejamos que no sigas leyendo.

La casa del dragón sube de nivel al mostrar el incesto entre Aemond Targaryen y Alicent Hightower

El primer episodio de la temporada ya incomodó a buena parte del público al mostrar cómo Aemond Targaryen besa de forma apasionada a Alicent Hightower, ni más ni menos que su propia madre.

No obstante, esta situación no es para nada correspondida, ya que Alicent se queda paralizada ante el repentino acercamiento de su hijo, sin ser capaz de reaccionar.

Ahora el nuevo episodio de la serie precuela de Juego de Tronos da un paso más allá entre estos dos personajes. Aemond ve llegar a Alicent a Harrenhal y, tras los saludos y el cariño propios de una madre que lleva tiempo sin ver a su hijo, de repente comienza a besar de forma apasionada a Aemond, llegando a mantener relaciones sexuales con él.

Sin embargo, esto tiene truco, ya que de repente Aemond despierta de su trance y se da cuenta que a quien tiene encima es a Alys Rivers, más conocida como la Reina Bruja.

Al igual que hizo con Daemon en la anterior temporada, Alys utiliza la magia y el aura maldita de Harrenhal para adentrarse en la mente de Aemond, sacando a relucir los deseos más oscuros del Príncipe Regente. Con ello, la Reina Bruja le demuestra que conoce sus secretos más retorcidos y, aun así, le apoyará permaneciendo a su lado.

Todo se vuelve más confuso para Aemond cuando, justo después de tan incómodo momento, se encuentra con Alicent, esta vez la de verdad. Sin embargo, no llega a tener acercamientos inapropiados hacia su madre.

Aunque no se trataba de la verdadera Alicent, la secuencia ha vuelto a causar controversia entre parte del público, siendo en estos momentos la escena más incómoda de toda la serie.

Al igual que pasó en el arranque de la temporada, toda esta tensión incestuosa entre Aemond y Alicent no sucede en el libro, por lo que supone una muesca más a la lista de cosas que odia George R.R. Martin de la serie. ¿Qué te pareció este momento de La casa del dragón?

Por ejemplo, se puede jugar al título de Id Software en la interfaz de Balatro, o desde las pestañas de Twitter/X, y ahora un directivo de Microsoft ha llevado esta idea un paso más allá.

Hasta el sencillo Microsoft Paint es capaz de mover Doom, tal como ha demostrado el director técnico de Azure, Mark Russinovich, ya que el programa se convierte en la salida de vídeo (como un monitor) para mostrar las imágenes del juego.

Un directivo de Microsoft consigue jugar a Doom desde Paint, y no es una broma

Ya está disponible DoomPaint, una versión de GitHub específica del juego de 1993 que funciona a las mil maravillas en Microsoft Paint. En lugar de recrear el juego, este mod adapta el motor gráfico del videojuego y lo renderiza directamente sobre un lienzo en blanco del programa.

Doom se puede disfrutar al completo y sin restricciones en Paint, gracias a la función de portapapeles de Windows. La ''magia'' de este mod es la siguiente: DoomPaint ejecuta la versión shareware (gratuita) del juego, copia cada fotograma al portapapeles y, finalmente, pega dichos fotogramas al lienzo de Paint.

El rendimiento de DoomPaint es compatible con 35 Hz y ejecuta el juego a una resolución de 320x200.

No obstante, hay un par de características exclusivas que incorpora esta versión respecto al juego de PC, consolas y móviles. Por ejemplo, al pulsar Ctrl + Z, se puede retroceder en el tiempo al recibir daño o morir.

También es posible guardar partida en cualquier momento, creando una captura de pantalla en formato PNG con las herramientas de Windows, entre otras cosas.

''Paint renderiza el juego, pero no lo procesa. Paint no procesa nada. Paint nunca ha procesado nada. Esa es la gracia'', explica el CTO de Microsoft Azure, Mark Russinovich.

Que Doom funcione directamente en el lienzo de Paint es otro paso más hacia la inmortalidad del clásico de Id Software, que es capaz de ejecutarse prácticamente en cualquier medio electrónico, sea físico o digital.

La obra, titulada Juego de Tronos: El Rey Loco, se desarrolla una década antes de los sucesos de Juego de Tronos y gira en torno al reinado de Aerys II Targaryen. Sin embargo, desde su anuncio surgió una pregunta que todos los seguidores de la saga querían resolver: ¿forma parte del canon oficial creado por George R. R. Martin? Ahora ya existe una respuesta.

La aclaración ha llegado de la mano de Elio M. Garcia Jr., coautor de El Mundo de Hielo y Fuego y uno de los mayores especialistas en la historia de Poniente, quien ha explicado cuál es el estatus oficial de esta producción.

Según sus palabras: "¿Es canon? Juego de Tronos: El Rey Loco no es canon en su totalidad, pero algunas partes sí lo son y otras no. De hecho, los primeros informes citan varios detalles que son claramente no canónicos, lo que demuestra que las necesidades de la obra y la historia que los creadores querían contar primaron sobre el intento de ceñirse a cada elemento del canon, antiguo o nuevo".

"Algunos de sus fundamentos provienen directamente de George. Algunas de sus respuestas principales podrían reflejar verdades que eventualmente aparecerán, tal vez de otra forma, en su propia obra. Sin embargo, en torno a esos fundamentos, el dramaturgo, el director, los actores y otros colaboradores han construido un drama. Los detalles de ese drama deben entenderse como una interpretación dramática imaginativa, a menos que George confirme explícitamente lo contrario en entrevistas, por ejemplo, o hasta que los propios libros zanjen la cuestión de forma definitiva".

En otras palabras, la obra toma como base información proporcionada por Martin, pero adapta muchos acontecimientos para que funcionen mejor sobre un escenario, por lo que no debe considerarse una representación totalmente fiel de la historia oficial.

Garcia Jr. también aprovechó para recordar qué obras forman parte del canon de Canción de hielo y fuego.

En ese grupo se incluyen las novelas principales además de libros como Fuego y Sangre o El mundo de hielo y fuego. Incluso algunas declaraciones realizadas por George R. R. Martin en entrevistas pueden considerarse canónicas mientras el propio autor no las contradiga posteriormente.

Por el contrario, las adaptaciones televisivas de HBO pertenecen a una continuidad diferente. La nueva obra teatral entra precisamente en esa misma categoría, aunque parte de su contenido esté basado en información oficial del escritor.

La obra ya está despertando un enorme interés entre los seguidores de la saga, ya que podría contener algunas de las respuestas más esperadas sobre el famoso torneo de Harrenhal y los acontecimientos que desembocaron en la caída de la dinastía Targaryen.

Josh Horowitz, director del podcast Happy Sad Confused, se ha citado con Holland para charlar de diversos temas. Por ejemplo, ahora conocemos la opinión del actor sobre el simbionte, uno de los arcos que deberían abordarse en las futuras películas del personaje.

Otra de las cuestiones desvela cuál es su videojuego favorito. Muchos podrían pensar en Marvel's Spider-Man, o incluso en Uncharted, pero el corazoncito de Tom es para The Last of Us... 2.

Tom Holland ama The Last of Us, y por eso no ha visto la serie de TV

El actor británico se declara fan absoluto de The Last of Us. No le culpamos, pues ambos juegos de Naughty Dog son de los mejores de la historia, aunque cada uno tiene su preferencia personal entre el título de 2013 o su aclamada secuela de 2020.

Tom Holland se decanta por su segunda parte, The Last of Us 2, un juego que ama profundamente, aunque también reconoce que no juega demasiado.

''No juego tantos videojuegos, pero este es simplemente tan bueno...'', deja claro el actor de Spidey en la entrevista con Horowitz.

Inevitablemente, salió el tema de la serie de televisión. Muchos consideran que The Last of Us es una de las mejores adaptaciones jamás hechas de un videojuego, pero Holland prefiere no arriesgarse a verla.

''No he visto la serie porque amo demasiado el juego'', reconoce, entre risas, el joven actor. Seguramente tenga miedo a que la serie le decepcione, considerando que The Last of Us Parte II es su videojuego favorito de la historia.

¿Pensáis que Tom Holland debería ver la serie de The Last of Us? ¿O es mejor que se quede con el recuerdo del extraordinario juego disponible en PS5, PS4 y PC? Sea como sea, ahora todos sueñan con la participación del actor de Spider-Man en futuras adaptaciones de la saga de PlayStation.

Spider-Man: Brand New Day parte de los eventos finales de Spider-Man: No Way Home, cuando el Doctor Strange (Benedict Cumberbatch) completa el hechizo que hará que nadie recuerde a Peter Parker y, por extensión, que él es Spider-Man.

La película de Destin Daniel Cretton aprovecha esta situación para servir, en cierto modo, de reinicio para el Spider-Man de Tom Holland, devolviéndolo al enfoque de héroe callejero que nunca tuvimos apropiadamente en el UCM.

Con un 90 % de aprobación de la crítica y un 98 % del público en Rotten Tomatoes, no es ninguna exageración decir que Spider-Man: Brand New Day es un éxito colosal. Y si se cumplen las previsiones de un fin de semana de estreno con más de 800 millones de dólares en taquilla, puede ser histórico.

Frank Miller está enamorado de Spider-Man: Brand New Day

Pase lo que pase en los próximos días, hay algo que ya nadie le podrá quitar a Spider-Man: Brand New Day: los elogios de Frank Miller. El legendario historietista tiene una larga relación con el trepamuros desde sus primeros trabajos para Marvel con The Spectacular Spider-Man, allá por 1979.

A través de Twitter (X), Miller se ha deshecho en elogios hacia Spider-Man: Brand New Day, al tiempo que destaca la mención que recibe en los agradecimientos de los títulos de crédito. Aunque lo que más mérito concede a la película es que la considera la más fiel al estilo de Steve Ditko, cocreador de Spider-Man junto a Stan Lee:

"La película más al estilo Ditko hasta la fecha, y con mi participación para que todos la celebren. Un sueño hecho realidad para cualquier fan. Tom Holland es mi Spider-Man por siempre, tan romántico como heroico. ¡Enhorabuena a Destin [Daniel Cretton] y a todo el equipo!"

Spider-Man: Brand New Day ya se proyecta en los cines españoles para que disfrutes de la aventura de Tom Holland que ha logrado enamorar a Frank Miller.

La cinta, un thriller de ciencia ficción dirigido por Brett Leonard, sigue la historia de un expolicía encarcelado durante 17 años que recibe la oportunidad de recuperar su libertad si consigue detener a un peligroso criminal virtual interpretado por un joven Russell Crowe. En el guion original también existía una trama romántica con la psicóloga criminal Madison Carter, papel que daba vida Kelly Lynch.

Sin embargo, esa relación nunca llegó a desarrollarse como estaba previsto. Según recordó años después la propia actriz, Denzel Washington dejó claro que no rodaría la escena que consolidaba el romance entre ambos personajes.

Lynch explicó que intentó comprender los motivos del actor. "Le dije: 'Denzel, ¿qué ocurre? ¿Por qué no crees que el personaje que interpretas podría sentirse atraído por mí?'", recordó. La actriz defendía que "no era una historia de amor cursi; estaba muy bien escrita y era realmente emotiva".

La respuesta de Washington la sorprendió. "Kelly, me cuesta decirlo, pero los hombres blancos llevan a sus mujeres al cine y no quieren ver a un hombre negro con una mujer blanca", le respondió el actor.

Así Denzel Washington reescribió el guion para eliminar la historia de amor, ya que le preocupaba que el público racista de 1995 no aceptara una historia de amor entre un hombre negro y una mujer blanca.

La actriz confesó que aquella explicación le dejó completamente desconcertada y trató de rebatirla poniendo como ejemplo El guardaespaldas, la exitosa película protagonizada por Kevin Costner y Whitney Houston pocos años antes. Sin embargo, Washington no cambió de opinión.

"Eso es diferente. Ahí el protagonista es un hombre blanco. Es distinto", contestó el intérprete, según el relato de Lynch.

A partir de ese momento, el romance desapareció prácticamente de la historia.

Curiosamente, Virtuosity nunca se convirtió en una de las películas más recordadas de la carrera de Denzel Washington. El propio actor ha reconocido en varias ocasiones que considera esa etapa como una de las más irregulares de su filmografía.

Originario de Halifax, Canadá, este hombre fue condenado a 18 meses de prisión producto de un error fatal de la policía. ¿Su único delito? Llevar un nick casi idéntico al del culpable real.

El medio CBC se ha hecho eco de este suceso, que curiosamente vincula una detención injusta con el legendario The Elder Scrolls V: Skyrim, uno de los RPG más vendidos y aclamados de todos los tiempos.

Un hombre con nick de Skyrim pasa 18 meses en prisión por error: un guion bajo fue su ''condena''

Brandon Klayme, cuyo nickname en la red social Kik era ''fus_ro_dah'', se llevó una desagradable sorpresa al ver cómo la policía entraba en su domicilio, en Nueva Escocia, para llevarse sus ordenadores y otros dispositivos.

Eso sucedió en 2020, pero la investigación estaba en curso desde el año 2018 desde Wisconsin, EE.UU. Se acusó a Brandon de posesión de pornografía infantil y envío de material sexual a un menor de edad.

Aunque las autoridades no pudieron probar los hechos, este pobre hombre fue condenado a 18 meses de cárcel y vaya si los cumplió. Sin embargo, para cuando la policía descubrió que era inocente, ya era tarde...

Por suerte para Klayme, el abogado Zeb Brown pudo demostrar que los investigadores se equivocaron de cuenta de usuario en Kik, pues la cuenta que buscaban era ''fus__ro_dah'', con dos guiones bajos, y no ''fus_ro_dah''.

''En las últimas etapas de la preparación de mis argumentos de apelación, se descubrió que la citación contenía un error sutil que cambió el rumbo de mi vida'', reconoce Brandon.

El Tribunal de Apelación de Nueva Escocia acabaría retirando todos los cargos a Brandon, pero el daño ya estaba hecho. Ahora muchos esperan que este hombre presente una solicitud de indemnización por haber estado 1 año y medio entre rejas, y todo por culpa de un guion bajo.

''El señor Klayme es inocente de los delitos. Nunca debió haber sido acusado, y mucho menos condenado'', reconoció el tribunal.

Afortunadamente, la historia tiene un final feliz, aunque también amargo para un hombre inocente que tuvo que entrar en prisión por culpa de un error con su nickname de Skyrim. Ya sabéis: ni se os ocurra usar un nombre tan común, por mucho que seáis fans del Dovahkiin y su icónico grito.

La pareja ha tenido unos meses ajetreados promocionando tanto La Odisea como Spider-Man: Brand New Day; de hecho, contamos con ellos en Madrid a mediados de junio promocionando la cinta del Universo Cinematográfico de Marvel, antes de que tuvieran que atender los compromisos de la película de Nolan.

Ahora que Tom Holland ha retomado la promoción de Spider-Man: Brand New Day, ha compartido en el pódcast de Dish un sentimiento complicado que le generan las giras de prensa, especialmente cuando no tiene fe en la película que promociona:

"Cuando promocionas películas de las que estás muy orgulloso, es muy fácil; porque cuando te preguntan por qué la gente debería ir a ver esta película, no le mientes a nadie. De verdad crees que la gente debería verla.

[Pero] he tenido experiencias en las que la gente me pregunta: '¿Por qué deberías ver esta película?'. Y en el fondo, piensas: 'No deberías, porque es un asco'".

Tom Holland no siempre acierta en sus proyectos

El actor británico no especifica qué películas considera en esa categoría, porque tampoco iba a machete a escupir contra un proyecto en concreto, pero sí que ha tenido unos cuantos que han resultado decepcionantes.

Chaos Walking, por ejemplo, contaba con un equipo y reparto estupendo, pero las piezas no encajaron en este relato de ciencia ficción basado en la novela de Patrick Ness.

Al filo del invierno es previa a su éxito como Spider-Man, pero el drama dirigido por Rob Connolly decepcionó tanto a la crítica como al público.

O también está Las aventuras del Doctor Dolittle, donde Tom Holland tiene un papel de voz, aunque Robert Downey Jr. es quien se lleva el protagonismo. La película... bueno... digamos que, si la habías borrado de tu memoria, nadie te culpará.

Tom Holland tiene grandes éxitos en su carrera, pero, como casi todos en Hollywood, tiene sus fiascos. Aunque estos fracasos ayudan a disfrutar mñas de los triunfos, ¿no crees?

Las dudas no tienen que ver con el reparto ni con la historia, sino con la forma en la que Marvel está desarrollando ambas películas. Tras confirmarse que Doomsday y Secret Wars serán los dos grandes capítulos finales de esta etapa del UCM y que no habrá ninguna película de Marvel entre ambas, muchos esperaban que el estudio siguiera la misma estrategia que utilizó con Infinity War y Endgame. Sin embargo, todo apunta a que esta vez el proceso será diferente.

Durante una entrevista reciente, Anthony Russo explicó que el equipo ya está inmerso en la preparación de Secret Wars, cuyo rodaje comenzará en breve. Lo llamativo es que, al mismo tiempo, Vengadores: Doomsday todavía se encuentra en plena fase de edición.

En otras palabras, Marvel no ha rodado ambas películas de forma consecutiva, como sí ocurrió con Infinity War y Endgame. Aquella decisión permitió que ambas cintas mantuvieran una enorme continuidad visual y narrativa, algo que muchos consideran una de las claves de su éxito.

Ahora, la separación entre ambos rodajes ha hecho saltar las alarmas entre parte de la comunidad.

Las redes sociales se han llenado de comentarios que creen que esta planificación podría afectar a la relación entre las dos películas.

Algunos consideran extraño que Marvel no haya aprovechado para filmarlas prácticamente al mismo tiempo, especialmente teniendo en cuenta que forman parte de una misma historia. Otros incluso dudan de que el calendario permita completar el rodaje y toda la posproducción de Secret Wars con el nivel de calidad que esperan los seguidores de la saga.

La preocupación también surge porque Infinity War y Endgame se percibían como dos mitades de una única aventura, mientras que este nuevo modelo de producción hace pensar a algunos fans que ambas películas podrían sentirse más independientes de lo esperado.

Marvel Studios suele trabajar con meses de preproducción, desarrollo de efectos visuales y cambios de guion incluso después de comenzar las grabaciones.

A esto se suma otra reciente noticia que ha disparado las teorías entre los seguidores: el regreso de Chris Evans a Vengadores: Secret Wars. Aunque todavía no se sabe qué personaje interpretará, su participación ha alimentado las especulaciones sobre cómo se enlazarán los acontecimientos de Doomsday con el desenlace del multiverso.

Ubicada unos años después de los acontecimientos de la anterior entrega, la cinta sigue a un Peter Parker dedicándose a tiempo completo a su vida como superhéroe tras el sacrificio que realizó al hacer que todos olvidaran la existencia de su identidad civil por el hechizo del Doctor Strange.

Pero estar a todas horas dando rienda suelta a sus poderes le empieza a pasar factura, cuyas habilidades sobrehumanas se van alterando a medida que sus genes arácnidos van aumentando.

Mientras trata de controlar estos cambios en su cuerpo, nuestro protagonista tiene que lidiar con un poderoso enemigo invisible que se dedica a cometer sus crímenes poseyendo los cuerpos de otras personas.

Como buena película de Marvel que es, esta entrega recupera a varios personajes de la amplia saga cinematográfica, como Frank Castle / Punisher, Bruce Banner / Hulk o Mac Gargan / El Escorpión, entre otros.

Sin embargo, también hay guiños a otras producciones, pues su director ha colado un curioso huevo de pascua relacionado con la próxima película que dirigirá, y que ya se encuentra en sus primeras etapas de desarrollo.

Naruto "se cuela" en Spider-Man: Brand New Day

Sin entrar en demasiados detalles para no destripar nada de la cinta, Spider-Man: Brand New Day muestra un curioso guiño a Naruto, la serie de anime basada en el aclamado manga de Masashi Kishimoto cuya película live action realizará el propio Destin Cretton.

Aunque el guiño está a plena vista, es posible que lo hayas podido pasar por alto, por lo que te indicamos que podrás verlo durante las secuencias en las que se muestra la habitación de Ned Leeds.

Dentro de todas las frikadas que tiene el mejor amigo de Peter Parker (ahora despojado de todos sus recuerdos con él) se puede apreciar colgado en la pared un póster de Naruto, dejando Cretton una clara alusión a su próximo trabajo como director.

Ahora mismo el live action anda en sus primeras etapas de desarrollo, pero Cretton ha garantizado que mostrará una versión lo más fiel posible a la obra de Masashi Kishimoto. Al fin y al cabo, el propio mangaka también estará involucrado supervisando todo el proyecto.

Spider-Man: Brand New Day se encuentra disponible en las salas de cine desde hoy 29 de julio de 2026. ¿Te habías fijado en ese guiño a Naruto en la película?

Todos lo recordamos como un juego complicadete (sobre todo por el infernal Templo del Agua), pero la dificultad puede subir exponencialmente por las estrictas reglas que ha creado la comunidad de fans de la saga.

Así se explica que MajinPhil, un streamer veterano de Zelda, haya tardado un año y medio en pasarse Ocarina of Time sin recibir daño (lo que conocemos como ''no hit'') en directo en Twitch. ¿Hará lo mismo cuando salga el remake de Nintendo Switch 2?

Un streamer se pasa Ocarina of Time con estrictas reglas y sin recibir daño en 11 horas: la proeza de MajinPhil da la vuelta al mundo

Que los fans sigan jugando a Zelda Ocarina of Time, casi 30 años después de su lanzamiento, es la prueba definitiva de lo grandioso que es como videojuego. Sin embargo, los speedrunners no juegan a la versión que todos conocemos.

Resulta que el juego de Nintendo 64 tiene una versión con reglas alteradas, que destaca por sus enemigos infernalmente más difíciles, los objetos y situaciones aleatorias y, por supuesto, ciertos alicientes para que el desafío sea mayúsculo.

MajinPhil ha tardado un año y medio (con un total de 135 intentos) en completar esta versión random de Zelda Ocarina of Time. Su partida definitiva ha durado 11 horas en directo, a través de todos los jefes del juego, objetos y enemigos aleatorios, y el reto de no recibir daño en ningún momento.

En caso de ser golpeado por un enemigo (por pequeño que sea), la regla era clara: borrar partida y volver a intentarlo. Para rizar más el rizo, tampoco se puede bloquear con el escudo.

''¡DESPUÉS DE 18 MESES Y 135 INTENTOS, FINALMENTE SUCEDIÓ!! OCARINA OF TIME ALEATORIZADA CON ENEMIGOS ALEATORIZADOS VENCIDA SIN RECIBIR NI UN SOLO GOLPE!!! NO PUEDO CREER QUE YA TERMINÓ'', explica MajinPhil en Twitter/X, todavía exhausto por lo que acababa de conseguir.

Su comunidad no dudó en felicitarle, aunque algunos ya le plantearon un posible reto semejante de cara al remake de Ocarina of Time que llegará este año a Nintendo Switch 2. Quizá la nueva versión sea más fácil, pero los fans ya se encargarán de poner las cosas más complicadas.

Ritchson estuvo charlando con Collider durante la San Diego Comic-Con, y reveló su pasión por la saga de fantasía de J. K. Rowling en general, y por las películas encabezadas por Daniel Radcliffe en particular.

"Soy un gran fan de Harry Potter. Solo el sonido de la película me inspira una sensación de magia. Creo que vivimos en un mundo mágico, pero muchos lo hemos olvidado o ya no creemos en ello. Creo que nuestro trabajo y mi misión en el cine y la televisión es seguir trayendo ese tipo de magia a la pantalla para que recordemos que forma parte de nosotros”.

Con HBO Max a punto de estrenar en su catálogo la serie de Harry Potter, una cosa llevó a la otra y le preguntaron a Alan Ritchson si espera con ganas el estreno de la nueva versión.

Alan Ritchson duda de que sea el momento de reiniciar Harry Potter

Pero el actor no se ha mostrado especialmente entusiasmado ante la idea de revisitar la historia con nuevos actores. Alan Ritchson admite que, como buen potterhead, verá la serie, pero cree que llega demasiado pronto:

"Soy un gran fan de las películas y sí, la veré. Pero no lo sé. Es complicado para mí… Es demasiado pronto. Para algunas cosas, es demasiado pronto. Quizás Los Goonies. Puede que sea hora de intentarlo de nuevo con Los Goonies… No sé... ¿Cuál es el límite de tiempo?"

El plan de HBO Max es adaptar la saga de J. K. Rowling en siete temporadas que llegarán a lo largo de la próxima década. El objetivo es poder realizar una adaptación más fiel de la que permitieron las películas, sin excluir escenas y personajes que se quedaron fuera.

Pero un tema recurrente comentado desde que se anunció el proyecto era su prontitud. La saga cinematográfica terminó en 2011 y muchos consideran que la saga debe seguir en barbecho antes de volver a intentar una nueva adaptación. Esto también resuena con las comparativas entre la serie y las películas, pues muchos la consideran un calco.

¿Estás de acuerdo con Alan Ritchson? ¿Es demasiado pronto para volver a adaptar Harry Potter?

La editorial Brotherwise Games ha presentado Stormlight: War for Roshar, un nuevo juego de mesa inspirado en El Archivo de las Tormentas, una de las sagas de fantasía más exitosas de los últimos años. Su lanzamiento demuestra que el universo de Sanderson ya va mucho más allá de los libros y continúa expandiéndose mientras las producciones para la pantalla siguen avanzando.

Adaptar El Archivo de las Tormentas siempre ha sido un reto. Cada novela supera ampliamente el millar de páginas y reúne decenas de personajes, conflictos políticos, guerras y una compleja construcción del mundo.

En lugar de intentar resumir toda esa historia, Stormlight: War for Roshar apuesta por ofrecer una experiencia diferente. Los jugadores controlarán ejércitos, administrarán territorios y tomarán decisiones estratégicas mientras encarnan a algunos de los personajes más importantes de la saga.

El objetivo no es recrear exactamente los acontecimientos de las novelas, sino trasladar al tablero las decisiones difíciles, las alianzas cambiantes y las enormes batallas que caracterizan a Roshar.

Además, el juego incorpora algunos de los elementos más reconocibles de este universo, como las Puertas del Juramento y las gigantescas tormentas mágicas, incluyendo la Alta Tormenta y la Tormenta Eterna, que influirán directamente en el desarrollo de cada partida.

El anuncio llega en un momento especialmente importante para la franquicia. Apple ya trabaja en la adaptación del Cosmere, con una película basada en Nacidos de la Bruma y una serie de televisión centrada en El Archivo de las Tormentas.

Mientras esos proyectos siguen desarrollándose, Sanderson continúa ampliando su universo con nuevos formatos. En los últimos años, el Cosmere ha recibido audiolibros, adaptaciones dramatizadas en audio, juegos de rol y otros juegos de mesa que han permitido a los lectores explorar estos mundos desde diferentes perspectivas.

Este crecimiento demuestra que la obra del escritor estadounidense ha dejado de depender únicamente de la publicación de nuevas novelas. Cada nuevo proyecto sirve para mantener vivo el interés de la comunidad y facilitar que nuevos aficionados descubran este universo sin necesidad de empezar por sus extensos libros.

Conocido como ConroyyJenkins, este usuario de Reddit estaba harto de que su familia usara la Steam Deck sin permiso, porque siempre que quería jugar se la encontraba sin batería. Entonces, se le ocurrió una idea genial.

¿Y si reforzaba la seguridad de la consola a nivel externo? Lo más lógico es pensar en establecer un PIN o patrón de desbloqueo, pero admite que su familia es muy hábil a la hora de averiguar sus contraseñas.

La Steam Deck más protegida del mundo... pero también un engorro a la hora de jugar

Lo que ha construido ConroyyJenkins es una genialidad, así como una locura que ha dejado a sus compañeros de Reddit sin palabras. Así es prácticamente imposible que su familia se atreva a usarla, desde luego.

En primer lugar, este usuario ha recubierto la superficie de Steam Deck con unos pinchos, de manera que sujetarla es muy incómodo. Pero, además, ha preparado un sistema de defensa que evita que cualquiera llegue siquiera a tocarla.

La consola de ConroyyJenkins también tiene un altavoz (conectado mediante una Raspberry Pi), una pistola taser y una cámara de detección. Cualquiera que se acerque recibirá una ''calurosa'' bienvenida.

''Me harté de que mi familia siempre agotara la batería de mi Steam Deck y no la recargara, así que modelé en 3D una carcasa con pinchos en Blender y la imprimí para que, literalmente, no pudieran sujetarla cómodamente. Para colmo, conecté una Raspberry Pi con un pequeño altavoz, una cámara de detección de objetos y un servomotor. Escribí un script en Python para que, si la cámara detecta a alguien en el encuadre, reproduzca un clip de audio gracioso, espere unos segundos y luego el servomotor active una pistola eléctrica para asustarlos''.

Con esta genialidad, este usuario se asegura de que cualquier miembro de su familia le pida permiso a la hora de jugar. Reconoce que es una locura, pero también que funciona a las mil maravillas.

''Sin duda, la cosa más tonta que he construido, pero funciona. Ya nadie toca mi Steam Deck'', concluye ConroyyJekins.

Seguro que más de uno de vosotros ya ha tomado nota para blindar su consola, ordenador o incluso teléfono móvil, pero recordad que estas cosas también pueden llegar a ser peligrosas. Viendo el precio actual de Steam Deck, entendemos perfectamente a este jugador.

Entre las tres películas, El señor de los anillos ingresó en taquilla más de 2.954 millones de dólares, unas ganancias que contrastan enormemente con los beneficios económicos que percibieron sus protagonistas.

Sean Astin, por ejemplo, cuya fama se disparó más que con Los Goonies gracias a su papel de Samsagaz Gamyi, apenas ganó 75.000 dólares por el conjunto de las tres películas. El actor ha relatado a The Guardian que su situación financiera fue tan precaria tras filmar la trilogía que tuvo que vender su casa:

"No estaba preparado para ese nivel de visibilidad y acceso. Y había un claro contraste entre la atención que recibía y la cantidad de dinero que teníamos. ¡No era mucho! De hecho, tuve que vender mi casa porque negocié una cantidad muy baja por la trilogía".

El señor de los anillos fue un riesgo para New Line Cinema

Aunque pueda sonar a tacañería extrema por parte de New Line Cinema, en realidad los bajos salarios fueron parte de las medidas que el estudio adoptó para poder afrontar un proyecto de la magnitud de El señor de los anillos.

Otras estrellas como Elijah Wood u Orlando Bloom revelaron que ellos percibieron 250.000 y 175.000 dólares, respectivamente, por la trilogía completa.

La principal causa de esta situación es que el estudio filmó de forma consecutiva las tres entregas, otra medida para abaratar costes que, a su vez, también entrañaba riesgos. En otras sagas, el elenco renegocia salarios en función del éxito de cada película. De este modo, los salarios mejoran cuando se participa en proyectos de éxito.

Pero la trilogía de El señor de los anillos negoció los contratos de sus protagonistas para toda la trilogía, puesto que estaría filmada completa antes de que la primera entrega se estrenase en 2001. Resulta curioso ver cómo uno de los personajes que se ganó el corazón del mundo entero no hizo ganar más a su actor. Aunque la situación financiera de Sean Astin ha mejorado mucho desde entonces.

Ese fue el caso de Robin Williams, una de las figuras más queridas del cine y la comedia, que tomó medidas legales para impedir que estudios y productoras explotaran su imagen o sus grabaciones durante décadas.

Gracias a una cláusula incluida en su testamento, el actor dejó bloqueada cualquier posibilidad de que su voz o sus interpretaciones vuelvan a aparecer en nuevas producciones, al menos hasta el año 2039.

Robin Williams falleció en agosto de 2014, pero tenía varias películas ya rodadas pendientes de estreno, por lo que siguió apareciendo en la gran pantalla durante los meses posteriores a su muerte.

Años después, Disney recuperó breves grabaciones inéditas de su inolvidable Genio de Aladdin para el cortometraje Érase una vez un estudio, estrenado en 2023 con motivo del centenario de la compañía. Sin embargo, ese homenaje fue una excepción muy concreta.

Según reveló un antiguo directivo de Disney, el testamento del actor prohíbe utilizar su nombre, sus interpretaciones grabadas o sus registros de voz durante 25 años después de su fallecimiento, una restricción que permanecerá vigente hasta 2039.

Durante la grabación de Aladdín, Robin Williams improvisó una enorme cantidad de diálogos y chistes que nunca llegaron a formar parte de la película.

De hecho, el exdirectivo aseguró que existe suficiente material descartado como para crear una nueva película animada protagonizada por el Genio. Sin embargo, también explicó que el propio actor quiso conservar el control sobre ese contenido incluso después de su muerte.

Williams insistió en tener la última palabra sobre el destino de esas grabaciones, motivo por el que permanecerán archivadas mientras siga vigente la cláusula de su testamento.

La irrupción de la inteligencia artificial ha permitido recrear voces e incluso rostros de actores fallecidos, una posibilidad que divide a la industria cinematográfica.

Mientras algunos artistas han autorizado el uso de sus características digitales para futuros proyectos, otros consideran que estas prácticas pueden desvirtuar su legado o convertirlo en una herramienta puramente comercial.

En el caso de Robin Williams, su voluntad quedó perfectamente reflejada por escrito.

Si hay un experto en esto de buscar y atrapar Pokémon shiny, ese es Professor Rex, un fan canadiense que esta vez ha decidido ir todavía más lejos: ¿qué pasaría si conectamos 58 consolas a la vez para buscar un Pokémon en la Zona Safari?

Durante la Semana Safari, un evento comunitario que se celebró del 17 al 26 de julio, miles de jugadores buscaron Pokémon shiny en la Zona Safari de los juegos de la saga, pero el reto de Professor Rex lo llevó a convertirse en un fenómeno viral en redes.

58 consolas, un Golduck shiny y el éxito de un directo benéfico de 8 horas

Professor Rex es todo un experto a la hora de buscar Pokémon shiny, pero hasta a él se le resisten ciertas especies. Es el caso de Golduck, evolución de Psyduck, que puede aparecer en forma variocolor en la Zona Safari de Pokémon Rubí y Zafiro.

Para rizar más el rizo, el reto de este fan se trata de encontrar un espécimen al nivel más bajo posible. A pesar de que Psyduck evoluciona a Golduck al nivel 33, sí que se puede encontrar a Golduck al nivel 25, por ejemplo, pero solo en estado salvaje.

El setup de Professor Rex no podía ser mejor: conectó la friolera de 58 consolas a la vez (33 GameCubes y 25 Wiis) para buscar, con un solo mando, al dichoso Pokémon shiny. Ah, y recordamos que los Pokémon de la Zona Safari pueden huir si fallamos en su captura (o tirando cebo/piedras) a la primera.

Todos se estarán preguntando si lo consiguió o no. Pues bien: Professor Rex no pudo atrapar a Golduck shiny al más bajo nivel, pero sí que apareció (solo hay un 5% de ratio de aparición, por cierto) en una de las partidas en directo, tras más de 30.000 encuentros.

A pesar de no lograr el objetivo, el streamer sí que alcanzó cifras récord durante el directo. Y lo más importante: consiguió recaudar más de 200 dólares para la organización benéfica Starlight Canada.

Además de su propia donación por la obtención de ingresos, otros usuarios y fans de Pokémon donaron a Starlight a raíz del directo de Professor Rex, así que puede sentirse muy orgulloso.

Aunque Christopher Nolan tiene películas más íntimas, como sus primeros proyectos (Memento, Following...), la mayoría de sus filmes son a gran escala; de esas dignas de verse en pantalla grande, como a él le gusta.

Hay géneros en los que Christopher Nolan aún no ha incursionado: western, terror puro, comedia romántica... Bueno, en realidad, mejor borra las comedias románticas de la lista. No, Nolan no tiene ninguna, pero tampoco se plantea dirigir una de esas historias.

Y es que parece que las comedias románticas aterran a Christopher Nolan, no las películas en sí, sino la idea de dirigir una y que no salga como le gustaría. Vamos, que no haga gracia ni a las pelusas del cine.

La gran excusa de Christopher Nolan no sirve con las comedias románticas

Aunque hay comedias románticas lo suficientemente enrevesadas como para nutrir el guion de una película de Christopher Nolan, ni siquiera así se plantearía dirigir una. El director lo ha admitido en The Tonight Show, al tiempo que admite que hay una excusa que siempre le consuela cuando alguna parte de sus películas no gusta:

"Creo que hacer una comedia romántica sería increíblemente difícil. Me encanta ver ese tipo de películas, pero no, creo que para quienes dirigen comedia, hacer reír a la gente de esa manera es una de las cosas más difíciles del mundo.

Sobre todo, el riesgo que se corre al hacer una película. Si le muestro una película a la gente y tal vez no les gusta alguna parte, pienso: 'Ah, no la entienden. Da igual'. No hay forma de esconderse detrás de eso cuando haces comedia. Así que me daría pánico hacer algo así”.

Aunque Christopher Nolan se codea con grandes protagonistas de comedias románticas, como Anne Hathaway, no esperes que se ponga a dirigir una película de ese género.

Uno de los mayores temores de los fans era que la serie actualizara el mundo de Neuromante para adaptarlo a la tecnología de 2026. En la novela, Gibson imaginó un futuro basado en la informática y la electrónica de los años 80, con enormes monitores CRT, interfaces primitivas y una estética que hoy se conoce como retrofuturismo. Cambiar todo eso por smartphones, pantallas ultrafinas o inteligencia artificial moderna habría alterado por completo la esencia de la historia.

Y es que gran parte del atractivo de Neuromante reside precisamente en ese futuro alternativo imaginado hace más de cuatro décadas. La novela fue pionera al popularizar conceptos como el ciberespacio y sirvió de inspiración para innumerables obras posteriores, entre ellas Matrix. Actualizar su tecnología no solo habría eliminado parte de su identidad visual, sino que también habría reducido el impacto de elementos clave de la trama.

Los avances publicados por Apple TV muestran justo lo contrario. En ellos aparece un monitor antiguo, efectos de interferencias en pantalla, tipografías propias de los años 80 y equipo informático con un diseño claramente inspirado en aquella época. Todo ello mantiene intacta la atmósfera que convirtió a la novela en un referente del género.

El primer teaser ya dejaba ver el icónico bar Chatsubo con una estética dominada por luces de neón y decoración retro. El segundo avance va un paso más allá al mostrar parte de la tecnología utilizada en la historia, confirmando que Apple ha apostado por respetar el material original en lugar de reinventarlo para el público actual.

Otro aspecto que genera confianza entre los seguidores es la implicación directa de William Gibson en el desarrollo de la serie. El autor participa como asesor del proyecto, lo que aumenta las posibilidades de que la adaptación mantenga el espíritu de una obra considerada una de las más influyentes de la ciencia ficción moderna.

Todavía es pronto para saber si Neuromante estará a la altura de las enormes expectativas, pero los primeros avances dejan claro que Apple TV ha comprendido cuál era el mayor riesgo de la adaptación y, por ahora, ha conseguido esquivarlo.

El proyecto llega con una presión evidente: el listón dejado por Battlestar Galactica, considerada por muchos como una de las mejores series de ciencia ficción televisiva. A pesar del paso del tiempo, pocas producciones han conseguido igualar su combinación de drama humano, política interestelar y tensión militar. En ese contexto, Prime Video intentará ocupar ese vacío con una historia que mezcla guerra, esclavitud interplanetaria y contacto entre especies alienígenas.

La guerra de los cautivos parte del universo literario creado por James S. A. Corey, el seudónimo formado por Daniel Abraham y Ty Franck, conocidos también por The Expanse.

Su participación vuelve a ser clave en este nuevo proyecto, que busca trasladar a la pantalla una narrativa más abierta y expansiva que su anterior obra televisada. En esta ocasión, la historia se centra en la humanidad sometida por una especie alienígena, obligada a sobrevivir en un sistema de dominación junto a otras civilizaciones capturadas.

A diferencia de The Expanse, que apostaba por un enfoque más realista y científico, La guerra de los cautivos se mueve con mayor libertad dentro de la ciencia ficción especulativa.

El interés ya no está tanto en explicar cada detalle tecnológico, sino en explorar las consecuencias políticas, sociales y psicológicas de un universo donde la humanidad ha perdido su independencia.

Aunque aún no hay fecha de estreno confirmada, el proyecto se encuentra en una fase avanzada de desarrollo, con la intención de convertirse en una de las próximas grandes apuestas del género.

En una reciente entrevista, Perrineau confesó que las películas y series de miedo no forman parte de sus preferencias personales. Aun así, decidió aceptar un papel que lo ha llevado a protagonizar algunas de las escenas más intensas y emocionalmente duras de la televisión reciente. "No me gusta el terror. No quiero dormir pensando en esas cosas. No quiero gritos ni sangre", dijo.

El actor explicó que uno de los principales motivos para unirse al proyecto fue la oportunidad de volver a liderar una serie de televisión. Según señaló, llevaba tiempo sin encabezar una producción y el personaje de Boyd le pareció lo suficientemente complejo como para asumir el reto.

Además, destacó que el sheriff escapa de los estereotipos habituales del género. Aunque Boyd debe ejercer como líder y mantener el orden en una comunidad atrapada por el misterio, la serie también muestra constantemente su lado más vulnerable, especialmente cuando los acontecimientos ponen a prueba su resistencia física y emocional.

Perrineau considera que esa mezcla entre autoridad y fragilidad ha convertido al personaje en uno de los más interesantes de su carrera, permitiéndole explorar registros interpretativos muy diferentes a los que había realizado anteriormente.

Otro factor que terminó de convencer al actor fue la participación de Jack Bender y Jeff Pinkner, dos nombres muy conocidos por su trabajo en Perdidos. Perrineau ya conocía su forma de contar historias y aseguró que confiaba plenamente en el tipo de narrativa que podían construir, incluso tratándose de una serie de terror.

Aunque había participado anteriormente en proyectos relacionados con el género, nunca se ha considerado un aficionado a las historias de miedo, algo que ha reiterado en varias entrevistas.

Después de cuatro temporadas dando vida al sheriff Boyd, el actor admite que el papel puede resultar agotador desde el punto de vista emocional.

Pese a ello, asegura que sigue disfrutando de la experiencia y de trabajar junto al resto del reparto. Con el impactante desenlace de la cuarta temporada, todo apunta a que Boyd volverá a enfrentarse a algunos de los momentos más difíciles de la serie cuando llegue la esperada quinta temporada.

El propio King sabe bien lo complicado que puede ser el proceso. De hecho, una de las mayores decepciones relacionadas con su obra fue Maximum Overdrive, la única película que dirigió personalmente. La película fue un fracaso tanto para la crítica como para el público, y el autor nunca ha tenido problemas en reconocerlo.

A pesar de algunas experiencias negativas, King también ha mostrado públicamente su admiración por varias adaptaciones de sus libros. Entre ellas destacan títulos tan conocidos como Carrie, dirigida por Brian De Palma, o Misery, de Rob Reiner. Sin embargo, hay un cineasta que ocupa un lugar especial en su lista personal.

Se trata de Frank Darabont, responsable de algunas de las películas más aclamadas basadas en obras de King. Su relación profesional comenzó con Cadena perpetua, considerada por muchos una de las mejores películas de todos los tiempos. Posteriormente dirigió La milla verde y años más tarde sorprendió con La niebla, una adaptación que todavía genera debate por su impactante desenlace.

King ha expresado en varias ocasiones la enorme confianza que siente hacia Darabont. Según explicó en una entrevista, sería absurdo no confiar en él después de los resultados obtenidos con cada una de sus adaptaciones.

"Sería un necio si no confiara en Frank, porque todas las adaptaciones que ha hecho han sido magníficas, desde la primera", declaró. "Lo cierto es que todo lo que hace Frank tiene su propio estilo personal, su propia sensibilidad, y me encanta".

Una de las cualidades que más valora King es la capacidad de Darabont para retratar personajes corrientes de forma creíble. Aunque las novelas del escritor suelen incluir elementos sobrenaturales, monstruos o situaciones extremas, gran parte de su atractivo reside en cómo personas aparentemente normales reaccionan ante circunstancias extraordinarias.

Precisamente ahí radica una de las claves del éxito de las adaptaciones de Darabont. En lugar de limitarse a trasladar cada detalle de los libros a la pantalla, el director se ha centrado en preservar la esencia emocional de las historias.

Con solo tres adaptaciones de Stephen King en su filmografía, Frank Darabont sigue siendo para muchos aficionados, y también para el propio escritor, el cineasta que mejor ha sabido capturar el alma de sus historias.

A medio camino entre Darth Vader y un representante de la Tecno Unión de Star Wars, este político aspira a hacerse con la representación parlamentaria de Clacton, en Essex. Y tiene a su favor importantes argumentos.

Si consigue su meta, Binface traerá de vuelta los recreativos SegaWorld, además de comprometerse a hacer que Shenmue 4 sea una realidad.

Count Binface promete que tendremos Shenmue 4

Las redes y medios se hacen eco del programa electoral de Binface, que aspira a vencer a Nigel Farage en su lucha por representar a Clacton. ¿Sus armas? Contar con el apoyo de los gamers.

En un mensaje publicado en sus redes sociales, Binface se dirige directamente a Sega, en representación de los fans y para exigir a la compañía dos cosas.

La primera es exigir que la compañía ofrezca novedades sobre Shenmue 4 y su posible lanzamiento. “A ver si vamos a tener que nacionalizar a Sega, y de paso, a Adele”.

Binface tiene otra petición de alto alcance: la reapertura de SegaWorld, los míticos recreativos del Trocadero de Londres. “Eso sería maravilloso”, añade.

Y tanto que lo sería. El parque temático de Sega, abierto en 1996, era el más emblemático del continente. Ocupaba siete pisos repletos con más de 400 (has leído bien: cuatrocientas) máquinas recreativas.

Un sueño para los fans, pero no tanto para los dueños. La mala gestión de SegaWorld condujo a un cierre precipitado, que tuvo lugar en septiembre de 1999. El resto de sucursales cerrarían de forma paulatina hasta 2011.

Recuperar estos recreativos ya entraba en el programa de Binface cuando se presentó a la alcaldía en 2021. Y es que otra cosa no, pero el misterioso candidato es de lo más voluntarioso.

Su verdadero nombre es Jonathan David Harvey, un escritor que lleva años bajo la identidad de Binface, definido como un guerrero espacial independiente, procedente del planeta Sigma IX y líder de los Recyclons.

En 2019 se presentó a las elecciones generales del Reino Unido. Lo volvió a intentar en 2021 por la alcaldía de la capital, una vez más en 2024, las generales de ese mismo año y las de Makerfield en 2026 para la Cámara de los Comunes.

¿Conseguirá Count Binface ganar y, más importante, cumplir sus promesas sobre Sega? El 13 de agosto lo sabremos, pues es cuando tendrá lugar la votación al representante parlamentario de la circunscripción de Clacton.

Eso fue precisamente lo que le ocurrió durante el rodaje de Skyfall, la película de James Bond estrenada en 2012 y considerada por muchos aficionados como una de las mejores entregas de toda la franquicia. Bardem interpretó en ella a Raoul Silva, un exagente del MI6 convertido en un peligroso ciberterrorista obsesionado con vengarse de M, el personaje interpretado por Judi Dench.

La cinta, dirigida por Sam Mendes y protagonizada por Daniel Craig, supuso un enorme éxito para la saga. Además de celebrar el 50 aniversario de James Bond, la película destacó por ofrecer una historia más emocional y personal que otras entregas anteriores, algo que ayudó a convertirla en una de las más aclamadas por crítica y público.

Pero durante el rodaje ocurrió algo inesperado. En una entrevista concedida antes del estreno de la película, Bardem recordó que hubo una escena en la que se quedó completamente en blanco. No fue por nervios ante las cámaras ni por falta de preparación, sino por una repentina toma de conciencia de dónde estaba y con quién compartía plano.

El actor explicó que quedó profundamente impresionado por la presencia de Judi Dench, una de las intérpretes más admiradas del Reino Unido. Según contó, cuando ella hablaba y le miraba directamente a los ojos transmitía una fuerza extraordinaria que resultaba difícil de ignorar.

En medio de una escena junto a Dench y Daniel Craig, Bardem se dio cuenta de repente de que estaba actuando en una película de James Bond frente a dos figuras icónicas de la franquicia. La situación le impactó tanto que olvidó por completo sus líneas.

Tras unos segundos de silencio, Sam Mendes detuvo la grabación y preguntó qué estaba ocurriendo. La respuesta de Bardem fue tan sincera como inesperada: "Los miré a ambos y olvidé mis líneas. Hubo un silencio, y Sam dijo: 'Corten, ¿qué pasa?'. Y yo dije: 'Lo siento tío, acabo de darme cuenta de que estoy en una película de James Bond , y M y James Bond me están mirando’'.

La anécdota demuestra que incluso los actores más experimentados pueden sentirse intimidados cuando comparten pantalla con auténticas leyendas del cine.

De hecho, los fans son tan diversos como las distintas especies Pokémon, lo que también incluye un amplio espectro de edad. Y para los más adultos, llega ahora el producto ideal.

Se trata de un set de juguetes sexuales, basados en los Pokémon más conocidos y que no descuidan ni un solo detalle, incluyendo sus propias cartas coleccionables.

Así es The Pokemoan Collection

Geeky Sex Toys, una compañía de productos sexuales basados en licencias populares, ha presentado la colección más peculiar que haya tenido Pokémon (de manera extraoficial, claro).

Su nombre también tiene miga: es un juego de palabras con Pokémon y “Moan”, que en castellano se puede traducir como “gemido”.

Se trata de una gama de cuatro dispositivos con colores muy vivos y motivos que recuerdan a los Pokémon más populares. Y cuyo uso no os vamos a especificar, malpensados.

Tenemos un “Bulbypulse”, basado en Bulbasaur y con capacidad de succión y vibración; así como un Charmybuzz, “con cinco velocidades y ocho patrones de vibración”.

Son las mismas características del “Squirtyblast”, hecho de silicona; mientras que Pikachu recibe un “Pikiplug”, disponible en tres tamaños.

Aunque cada dispositivo se puede adquirir por separado, la pieza estrella es la colección que reúne a los cuatro, por 399 dólares y con solo 151 unidades disponibles.

Además de los juguetes, el set incluye una funda rígida y cartas coleccionables, que reproducen los hologramas y el estilo artístico de las trading cards clásicas de Pokémon.

Y lo hecho es que están causando furor. Ya hay casi un millar de personas apuntadas en la lista de espera de la colección, por lo que no habrá unidades suficientes para todos.

De hecho, no es la primera vez que Geeky Sex Toys lanza un producto semejante. En 2016 editaron una colección similar que se agotó tan pronto como se puso a la venta.

No sabemos qué opinará Nintendo de estos juguetes, aunque tampoco es un caso semejante al de Palworld. Simplemente, “se inspiran” la franquicia, con un toque picante.

Lo que está claro es que nunca podremos volver a ver a los Pokémon con los mismos ojos, después de conocer su pieza de merchandising más atrevida hasta la fecha.

Lo más llamativo es que uno de sus protagonistas, Morgan Freeman, nunca tuvo claro que estuviera trabajando en una futura obra maestra. El actor, que ya era una figura respetada en Hollywood gracias a títulos como Cadena perpetua, confesó años después que no podía explicar por qué la película terminó convirtiéndose en un fenómeno mundial.

Cuando David Fincher presentó el proyecto de Seven, la industria no estaba convencida de que una historia tan sombría pudiera conquistar a las masas. La película seguía la investigación de dos detectives, interpretados por Morgan Freeman y Brad Pitt, que persiguen a un asesino en serie obsesionado con los siete pecados capitales.

El tono era mucho más oscuro que el de la mayoría de producciones comerciales de la época. De hecho, algunos actores rechazaron participar debido a la crudeza de la historia. Sin embargo, Freeman decidió confiar en la visión de Fincher y aceptó el papel del veterano detective William Somerset.

El resultado fue una combinación explosiva de suspense, tensión psicológica y un desarrollo narrativo que mantuvo al público pegado a la pantalla hasta su impactante desenlace.

A pesar de la enorme repercusión que tuvo la película, Freeman admitió que nunca vio venir lo que estaba por suceder. El actor explicó que no sabe con certeza por qué una película termina convirtiéndose en un éxito y puso precisamente a Seven como ejemplo. "No puedo explicarlo", dijo.

Según sus propias palabras, no podía explicar el motivo exacto por el que la cinta conectó tan profundamente con la audiencia. Para él, parte del atractivo residía en la eterna lucha entre el bien y el mal y en la tensión generada por la posibilidad de detener al asesino antes de que completara su plan.

Entre ellos estaba un peculiar Nostradamus: EA Sports FC 26, que avanzó el triunfo español con antelación. Y lo mejor es que no es la primera vez que acierta.

Ya son cinco las veces en las que la saga de Electronic Arts adivina el ganador de la Copa del Mundo, sin necesidad de recurrir al tarot o a la bola de cristal.

EA Sports FC 26 dio la victoria a España

La cuenta oficial en X de EA Sports FC celebra la victoria de nuestra selección, además de “ponerse la medalla” por haberlo dicho de forma anticipada.

“Nosotros lo dijimos, vosotros lo jugasteis y la Selección Española lo hizo realidad. Felicidades por vuestra segunda estrella”, dice su publicación.

Para conocer de forma anticipada el resultado, en Electronic Arts no recurrieron a videntes ni nada por el estilo, sino a la fría estadística y los datos empíricos de sus juegos.

Antes del comienzo del Mundial, EA realiza una simulación del campeonato al completo, con todos los partidos: desde las fases de grupo hasta la gran final.

Para llevar a cabo este cálculo, recurren a la inteligencia artificial, que realiza un modelo a partir de los datos individuales de cada jugador y de los propios equipos. Así, una y otra vez.

En la simulación, España fue la vencedora indiscutible, llegando a levantar el trofeo hasta en 11 millones de ocasiones. Como cuando Doctor Strange ve todos los posibles futuros.

Además, la saga EA Sports FC acertó que ganaríamos el mundial de 2010, un logro que se ha convertido en talismán para estos resultados.

Desde aquel acierto, EA no ha fallado: también anticipó las victorias de 2014, 2018 y 2022, correspondientes a Alemania, Francia y Argentina.

Si queréis ir sobre seguro en el Mundial 2030, echad mano de las predicciones de EA Sports FC o jugad el campeonato al completo para conocer el vencedor con antelación.

La confesión se produjo durante una conversación con Anne Hathaway para Harper’s Bazaar, donde ambos recordaron decisiones profesionales que marcaron sus carreras. Damon explicó que tenía serias dudas sobre aceptar el papel de Mark Watney, un astronauta atrapado en Marte que debe sobrevivir completamente solo mientras espera una posible misión de rescate.

El motivo de su rechazo era sencillo: poco tiempo antes había participado en Interstellar, la aclamada película de Christopher Nolan estrenada en 2014. Aunque su papel en aquella producción era muy diferente, también interpretaba a un astronauta aislado en un planeta lejano, por lo que temía que el público percibiera ambas interpretaciones como demasiado parecidas.

"Acababa de hacer ese papel en Interstellar", explicó Damon, refiriéndose a su breve pero crucial participación en la película de Christopher Nolan de 2014. "Me metí tanto en la cabeza que pensé: ‘Bueno, acabo de interpretar a un tipo varado en un planeta, no puedo volver a interpretar a un tipo varado en un planeta’".

Pero cuando Damon le expuso sus razones a Scott en su primer encuentro presencial, el director respondió rápido.

"Se lo dije en voz alta a Ridley y, sin inmutarse, me respondió: ‘A nadie le importa’", recordó Damon. "Y yo pensé: ‘Está bien, lo haré’".

Con el paso de los años, Damon asegura que aquella decisión fue una de las mejores de toda su carrera. No solo tuvo la oportunidad de trabajar con uno de los cineastas más prestigiosos de Hollywood, sino que además protagonizó una película que fue recibida con entusiasmo tanto por la crítica como por el público.

Estrenada en 2015, Marte recaudó más de 630 millones de dólares en la taquilla mundial y se convirtió en uno de los grandes éxitos de ciencia ficción de la década. La película consiguió siete nominaciones a los Premios Óscar, incluyendo Mejor Película, mientras que Damon obtuvo una candidatura en la categoría de Mejor Actor.

La adaptación del poema épico de Homero sobre el regreso a casa de Odiseo tras la guerra de Troya está lejos de ser la primera, pero el factor Nolan está jugando su peso a la hora de atraer miradas.

La Odisea va a ser la película más cara de su filmografía, reúne un elenco espectacular y, como guinda, será el primer largometraje filmado íntegramente con cámaras IMAX de 70 mm; el mejor formato disponible en este momento.

Christopher Nolan tiene clara su misión con cada película que dirige: llenar salas. El director es un firme defensor de que las películas deben ser experimentadas en salas de cine con la mejor tecnología posible. De hecho, Nolan rompió su relación con Warner después de lustros por las políticas de estrenos híbridos adoptadas por la major durante la pandemia.

La Odisea ya tiene el sello de aprobación de Tom Cruise

Otro que enarbola la bandera de las salas de cine es Tom Cruise, un actor muy acostumbrado a sus propias odiseas en sagas como Misión imposible. Al igual que Nolan, Cruise ha sido una de las voces más firmes en favor de los estrenos tradicionales frente al auge del streaming.

Y como Tom Cruise es de los que predican con el ejemplo, se ha presentado en la primera proyección que ha tenido a mano de La Odisea para ver la película y compartir su valoración:

"¡Guau! A Chris, Emma [Thomas, productora y esposa de Nolan] y a todo el brillante elenco y equipo. Gracias por una noche increíble en el cine. ¡Ya quiero verla de nuevo!”

Aunque Tom Cruise y Christopher Nolan nunca han trabajado juntos, el actor siempre ha sido un seguidor fiel del cineasta. Habrá que ver si Nolan le tira la caña para contar con él en su próximo proyecto. Hágase.

La cinta marcará el regreso de la franquicia cinematográfica de El Señor de los Anillos tras años centrados principalmente en la televisión y otros proyectos relacionados con la obra de J.R.R. Tolkien. La película explorará acontecimientos anteriores a la trilogía original y volverá a poner el foco sobre Gollum, uno de los personajes más icónicos de la saga.

Sin embargo, la conversación alrededor de la película no está girando únicamente en torno a su historia. Durante una entrevista reciente, Andy Serkis fue preguntado por las críticas que han recibido las producciones de la franquicia debido a la representación de la diversidad en pantalla. El director respondió que la película no apostará por una selección de actores basada únicamente en criterios de corrección política, sino que las decisiones de reparto estarán ligadas a las necesidades de la historia.

Sus palabras generaron numerosas reacciones en redes sociales. Algunos usuarios defendieron que una producción basada en personajes ya establecidos debe respetar la continuidad de las películas anteriores, mientras que otros consideraron que la respuesta del cineasta fue poco afortunada y podía interpretarse como una crítica a los esfuerzos por impulsar una mayor representación en la industria.

A esta controversia se ha sumado otra relacionada con el uso de inteligencia artificial. Serkis confirmó que determinadas tecnologías de aprendizaje automático formarán parte del proceso de producción, especialmente en tareas relacionadas con el rejuvenecimiento digital de algunos personajes. No obstante, quiso dejar claro que la película no utilizará escenas generadas completamente por IA.

El director recordó que la saga ya empleó tecnologías avanzadas en el pasado. Como ejemplo mencionó herramientas desarrolladas para recrear grandes ejércitos digitales durante las películas dirigidas por Peter Jackson, sistemas que permitían dotar de comportamientos individuales a miles de personajes generados por ordenador.

Estas declaraciones han reabierto el debate sobre el papel que debe desempeñar la inteligencia artificial en el cine. Mientras algunos espectadores consideran que puede convertirse en una herramienta útil para mejorar los efectos visuales, otros muestran preocupación por su posible impacto en el trabajo de actores y artistas digitales.

Por ahora, La caza de Gollum continúa su producción con el objetivo de estrenarse en cines el 17 de diciembre de 2027.

Pero seguro que a los fans de Street Fighter les encantaría oler estos perfumes oficiales de Ingrid, Ed y Juri, personajes de Street Fighter 6, que el propio director del juego considera vitales para concentrarse y aliviar tensiones después del combate.

Gaming Fragrance y Capcom han forjado una alianza para vender estos perfumes de Street Fighter 6 en Japón, a un precio de 6.850 yenes (unos 42,25 dólares). Pero la pregunta es la siguiente: ¿a qué huelen?

Las colonias de Street Fighter 6 se basan en los movimientos icónicos de Juri, Ingrid y Ed

Más que centrarse en cómo olerían estos luchadores de Street Fighter 6, Gaming Fragrance ha utilizado los movimientos más conocidos de cada uno para crear tres fragancias únicas e irrepetibles.

Cada perfume ''expresa la sensación de juego única de cada movimiento'', se puede leer en el comunicado oficial. Los nombres de los tres perfumes son ''Optimal Stock Action'' (Ingrid), ''Perfect Hit Confirm'' (Juri) y ''Unpunishable Poke'' de Ed.

El perfume de Juri es una fragancia floral frutal, compuesta de aroma de frambuesas, maracuyá, fresas, arándanos y un toque de violetas. En cambio, el de Ingrid desprende un aroma a pomelo, hojas verdes, jazmín, rosa, cedro y ámbar.

Por último, la colonia de Ed está hecha de toques cítricos y amaderados con un aroma a bergamota, clavo, hierbabuena, romero, vetiver y ámbar.

El director de Street Fighter 6, Takayuki Nakayama, cree que estos perfumes son el complemento perfecto para alternar entre las sesiones de juego y la vida diaria, e incluso mejorar sus habilidades en términos de concentración y alivio.

''Estos artículos realzan enormemente la sensación de fusionarse con tu personaje favorito. Las fragancias ayudan a crear la concentración necesaria para largas sesiones de juego y una sensación refrescante que alivia suavemente la tensión tras partidas intensas. También son perfectas para alternar entre el modo de juego y la vida cotidiana, haciendo que el tiempo que pasas jugando sea aún más especial''.

¿Os molaría comprar los perfumes de Street Fighter 6? Lamentablemente, Capcom no tiene pensado lanzarlos fuera de Japón, pero hay que tener fe.

Ver absolutamente todo lo que se estrena es imposible, claro, pero Matrix es una de esas películas que hay que ver sí o sí una vez en la vida para poder comprender realmente la industria cinematográfica, como Psicosis, Casablanca, El padrino o El bueno, el feo y el malo, por poner algunos ejemplos.

Como parte de la campaña promocional de La Odisea, Tom Holland ha compartido set con Matt Damon, su padre en la película de Christopher Nolan, para una ronda de preguntas para Complex. Los dos actores intercambiaron preguntas sobre preferencias y experiencias de sus carreras.

Una de las preguntas que hace Holland a Damon es "en qué película de éxito te habría gustado aparecer". Matt Damon no se lo piensa y cita Matrix, aunque admite que Keanu Reeves elevó la película a sus mejores cotas, ya que nos lleva de la mano a lo largo de la historia. También cita Origen, porque un guiñito a Nolan nunca está de más.

Tom Holland tiene deberes: ver Matrix antes de volver a encontrarse con Matt Damon

Matt Damon se explica, dando por sentado que su compañero ha visto las películas de las que habla. Sin embargo, Tom Holland le interrumpe.

"La verdad es que nunca he visto Matrix...", señala el actor británico. Damon se queda bloqueado y su reacción es la que tendría cualquiera: "¿Me estás vacilando?"

Tom Holland argumenta que "sabe que debería verla", pero dice que nunca ha surgido. Todo esto mientras MAtt Damon trata de superar el shock inicial y le dice:

"¡Qué envidia me da que vayas a verla por primera vez! Me pregunto si te parecerá tan revolucionaria como todo lo que se ha basado en ella posteriormente".

Como decimos, Matrix es una de las películas más influyentes de la historia y la ciencia ficción posterior a su estreno lleva, casi siempre, un poco del ADN que imprimieron las hermanas Wachowski al filme. Hazle caso a Matt Damon, Tom Holland, y tacha esta joya del cine de tu lista de pelis pendientes de ver.

Las coincidencias no terminan ahí. Detrás de las cámaras también existen conexiones importantes. Algunos productores y creativos han trabajado en ambas series, mientras que Harold Perrineau, uno de los rostros más reconocibles de Perdidos, ocupa ahora un papel protagonista en From. Esto ha llevado a muchos seguidores a preguntarse si las semejanzas son simples guiños o si existe una relación más profunda.

Durante los últimos años, la teoría de un universo compartido ha ganado fuerza entre los fans. La idea sostiene que los misteriosos escenarios de ambas series podrían formar parte de una misma realidad, con reglas similares y fenómenos conectados entre sí. Aunque no existe ninguna confirmación oficial, quienes apoyan esta hipótesis señalan una larga lista de paralelismos.

Uno de los argumentos más repetidos es que ambas historias exploran conceptos parecidos relacionados con el destino, la fe, los misterios imposibles de explicar y la lucha entre fuerzas opuestas. Los personajes suelen enfrentarse a decisiones difíciles mientras intentan comprender si aquello que les rodea debe ser considerado una amenaza o una oportunidad para encontrar respuestas.

También llama la atención la forma en la que las dos series presentan lugares aparentemente aislados del mundo, capaces de desafiar las reglas convencionales del espacio y el tiempo. Tanto en Perdidos como en From, los protagonistas se ven obligados a aceptar que las explicaciones racionales no siempre son suficientes para entender lo que ocurre.

Los defensores de la teoría también destacan pequeños detalles narrativos, referencias temáticas y situaciones que recuerdan a momentos muy conocidos de Perdidos. Para algunos, se trata simplemente de homenajes realizados por los mismos creativos. Para otros, son pistas deliberadas que apuntan a una conexión más ambiciosa.

Por supuesto, también existe una explicación mucho más sencilla. Las dos series pertenecen al género del misterio y comparten parte de su equipo creativo, por lo que es lógico que tengan un estilo parecido. Esto no implica necesariamente que transcurran en el mismo universo.

Por ahora no hay pruebas que confirmen la teoría, pero eso no ha impedido que siga alimentando debates entre los seguidores de ambas producciones.

Con un elenco de lujo encabezado por Matt Damon, la trama de la cinta narra el extenso viaje de regreso a casa del rey de Ítaca Odiseo tras combatir en la legendaria Guerra de Troya.

A lo largo de su dura travesía, nuestro protagonista se irá topando con diversos personajes de la mitología griega como, por ejemplo, la lujuriosa diosa Calipso; el gigante cíclope Polifemo; la lustrosa hechicera Circe; la diosa Atenea; o el vengativo dios del mar Poseidón.

La película supone el proyecto más ambicioso de Nolan al ser el primer largometraje de ficción rodado íntegramente en formato IMAX de 70 mm. Sin embargo, no todas las salas dispondrán de la tecnología más puntera para mostrar la cinta.

Es por ello que hemos querido hacer un rápido repaso recordando en qué formatos se proyectará La Odisea en los cines y, por supuesto, cuándo se estrena.

La Odisea aterriza esta semana en los cines a través de tres formatos diferentes de visionado

Será este viernes 17 de julio de 2026 cuando los fans de Christopher Nolan podrán disfrutar en la gran pantalla de la nueva adaptación de Homero protagonizada por Matt Damon a través de tres formatos diferentes.

Por un lado está el formato 70 mm tradicional, que se proyecta con una relación de aspecto fija de 2.20:1 bajo una versión en celuloide analógico más fiel a la textura y grano original de la cinta. Sin embargo, serán muy pocas las salas que puedan proyectar esta versión de la película, como por ejemplo mk2 Cine Paz de Madrid.

Luego tenemos el formato IMAX, otra opción bastante buena al haber sido rodada de forma íntegra con cámaras IMAX. Esta versión expande la imagen a un formato 1.90:1 y se puede encontrar en muchos cines que disponen de estos sistemas.

Por último encontramos el formato digital estándar, la versión que estará disponible en la mayoría de salas de cine de España. Es considerada la peor opción por adaptar la imagen al formato panorámico estándar, lo que implica que la cinta recorta parte del encuadre vertical original de las cámaras IMAX mostrando las típicas bandas negras en la parte superior e inferior de la pantalla.

Independientemente de cómo prefieras (o puedas) ver La Odisea, lo cierto es que la nueva película de Christopher Nolan promete ser uno de los estrenos más potentes de este año. ¿Tienes ya tu entrada para disfrutar de esta experiencia en la gran pantalla a partir del 17 de julio de 2026?

En cambio, PS4 y PS5 son considerablemente menos duras (y resistentes a los sobrecalentamientos) que sus predecesoras, algo que también ocurre con Nintendo Switch. Por suerte, Xbox Series X|S se desmarca como un verdadero hueso dentro de esta generación.

No es la primera prueba de resistencia que vemos, pero sí la más dura. Después de que un incendio asolase la casa del tiktoker kai_doggett14, este se quedó de piedra al comprobar que su Xbox Series X todavía funcionaba incluso tras haber sido calcinada por el fuego.

¿Es Xbox Series X tan dura como un móvil Nokia? Ni un incendio puede con la consola de Microsoft

En Twitter/X, el usuario QNDZY no dudó en compartir el extraño caso de la Xbox Series X de kai_doggett14, un conocido tiktoker que acostumbra a subir vídeos de Arc Raiders.

Lamentablemente, la casa de este tiktoker ardió en llamas hace unos días. Pudo rescatar su consola, pero lógicamente estaba prácticamente calcinada, y lo más normal es que ya no funcionase.

La sorpresa de kai_doggett14 fue mayúscula cuando conectó la Series X al televisor y vio que la consola se iniciaba como si nada... incluso con toda la parte trasera al descubierto y su diseño deformado por el calor extremo.

Pero lo más increíble es que hay más personas a las que les ha pasado algo parecido. Por ejemplo, codeman asegura que su casa también se incendió, pero que pudo volver a jugar a su Xbox después del grave incidente.

''Sí, eso es lo que me pasó, mi casa se perdió en un incendio y todo con ella, pero mi Xbox sobrevivió, todavía funciona, pero después de 5 años de uso intensivo se sobrecalienta y ya la he limpiado, supongo que necesita nueva pasta térmica'', comenta este usuario tan tranquilo.

Francamente, la Xbox Series X será muy cara a partir del 1 de agosto, pues su modelo con lector pasará a costar 799,99 euros, pero a su favor hay que decir que resiste todo lo que le eches. Con un poco de suerte, tendréis consola para muchos años.

¿Conocéis algún caso de una consola calcinada por un incendio que sigue funcionando? Seguro que sí, pero la mayoría corresponden a consolas retro, así que Xbox Series X sin duda se merece un aplauso.

Durante la década de los noventa, Reeves atravesaba uno de los momentos más exitosos de su carrera gracias a títulos como Speed (1994), el exitoso thriller de acción que protagonizó junto a Sandra Bullock y Dennis Hopper. La cinta se convirtió en un fenómeno de taquilla y parecía lógico que el actor regresara para una secuela. Sin embargo, cuando llegó el momento de leer el guion, tuvo claro que aquello podía convertirse en un desastre.

Según recordó años después, los responsables del proyecto insistieron para que participara en la película. Incluso el director Jan de Bont y la propia Sandra Bullock intentaron convencerlo. Pero Reeves no veía sentido a la propuesta.

El actor explicó que uno de los aspectos que más le preocupó fue la premisa principal de la secuela. Mientras que la película original giraba en torno a un autobús que no podía reducir la velocidad sin provocar una tragedia, la continuación trasladaba la acción a un enorme crucero turístico. Para Reeves, la idea chocaba directamente con el concepto que había hecho funcionar a la primera entrega.

La película en cuestión era Speed 2: Cruise Control, estrenada en 1997. En ella, el personaje de Sandra Bullock se ve atrapado en un crucero secuestrado por un villano interpretado por Willem Dafoe. Aunque el estudio confiaba en repetir el éxito de la primera película, el resultado fue muy distinto.

La secuela recibió críticas mayoritariamente negativas y acabó ganándose la reputación de ser una de las continuaciones más decepcionantes de la historia del cine de acción. Con el paso de los años, muchos aficionados han considerado que la ausencia de Reeves fue una de las razones por las que el proyecto nunca logró conectar con el público.

Lo más llamativo es que el actor rechazó participar pese a que la oferta económica era extraordinariamente elevada para la época. Según sus propias declaraciones, llegó a creer que aceptar el papel podría poner en peligro su futuro en Hollywood. Reeves estaba convencido de que la película dañaría seriamente su carrera y prefirió alejarse del proyecto antes que asumir ese riesgo.

En lugar de regresar para la secuela, optó por dedicarse temporalmente al teatro. Aunque aquella etapa recibió críticas dispares, el tiempo terminó dándole la razón.