El objetivo de este ambicioso documental es contar la participación poco conocida de España en el conflicto. Diplomacia, envío de armas, batallas marítimas y en tierra... Pocos conocen los resultados que se lograron gracias a esta ayuda a las colonias independentistas.

La producción se estrenará en exclusiva el mismo día del aniversario a las 22:00 horas y ha contado con la participación de figuras de referencia en España y Estados Unidos.

Entre los historiadores españoles e internacionales se encuentran Hugo O'Donnell, Eduardo Garrigues, Eva García y José Carlos Gracia, junto con expertos estadounidenses como Kathleen Duval, Rhonda Barlow, Liz Covart y Ricardo Herrera.

El documental mezcla entrevistas con recreaciones de los encuentros diplomáticos y las batallas en un interesante ejercicio por entretener y ofrecer un contenido de calidad a los espectadores.

El mensaje que queda tras su visionado es que la intervención española fue determinante para la victoria de las Trece Colonias sobre el Imperio Británico, aunque su reconocimiento todavía sea una deuda pendiente.

4 de julio: una historia española se suma a otras novedades de los últimos meses en el Canal HISTORIA, como Un día en la Historia de España, un formato estrenado recientemente que narra en 365 días 365 efemérides clave de nuestra historia.

Se debe reconocer que la película de animación tampoco es que se haya arriesgado, solo se ha actualizado mínimamente y en Estados Unidos ha seguido con algunos de los ejes habituales, como que Woody tenga la voz de Tom Hanks.

Y claro, con la quinta entrega en plena promoción, le han preguntado a Tom Hanks si participaría en otra película más.

El actor estadounidense, que en este momento también triunfa con sus documentales sobre la II Guerra Mundial, ha respondido a la cuestión de su regreso, pero hay que reconocer que sin demasiado entusiasmo: “Si van a hacer otra Toy Story, más vale que valga la pena”, contestó a Entertainment Weekly.

Es más, Hanks no se ha cortado demasiado: “Es un negocio corporativo enorme, sin duda, no lo niego. Pero a menos que sea bueno, nuevo y original, no hay razón para hacerlo”

Y para sorpresa de todos, también ha lanzado un pequeño dardo al respecto de su presencia y si es necesaria para Disney: "Cada palabra que hemos grabado en Toy Story está en algún medio digital, así que podrían crear lo que quisieran".

Hanks es consciente del posible uso de la IA y cómo puede afectar esto al doblaje. Hay tanto material suyo en las cinco películas de Toy Story que ya sabe que su participación no es esencial.

En todo caso, son cuestiones que en este momento quedan algo lejos. Seguro que Toy Story 6 es más que una idea para muchos, pero por ahora les bastará con ver cómo la quinta entrega sigue arrasando en los cines.

La adaptación del mítico cómic de Oesterheld y Solano López ha sido un producto sólido, de realización notable y con el protagonismo de Ricardo Darín. Una suma de componentes bien recibida por los suscriptores. Tras esta historia, van a probar ahora con otra novela mítica, o más bien de un autor mítico.

La misma productora, K&S Films, llevará a Netflix la adaptación de la novela El mundo que Jones creó, escrita por Philip K. Dick en 1956.

Imagino que casi todos los lectores lo sabrán, pero Philip K. Dick es el conocido autor de ciencia ficción cuyas obras han sido adaptadas decenas y decenas de veces: Blade Runner, Desafío total, Minority Report, El hombre en el castillo, Una mirada en la oscuridad... También ha influido en otras tantas narraciones, como la española Abre los ojos, de Alejandro Amenábar.

Justo un colaborador habitual de Amenábar será el showrunner de la serie, Mateo Gil. El director y prestigioso guionista llevará la obra a la televisión y ya se ha avisado que lo hará con muchas licencias. Y hacen bien.

Una adaptación prometedora... de una novela mediocre

Es normal que pocos conozcan El mundo que Jones creó a pesar de ser lectores de Philip K. Dick. Es una obra de sus primeros años, previa a la más reconocida Ojo en el cielo. Fue escrita cuando el californiano todavía no había alcanzado sus cotas más altas como escritor.

Aun así, es una obra dickiana en su sinopsis al estar protagonizada por un personaje capaz de adivinar lo que ocurrirá un año más tarde, desarrollarse en un futuro postapocalíptico y tratar temas como el determinismo y la paranoia, esto último clave en toda su narrativa.

Los que hemos leído a Dick teníamos esta novela algo olvidada y no es por casualidad. Dentro de la extensa trayectoria del escritor, en estas obras primerizas se ven rastros de bisoñez, estilo descuidado (ya escribía mucho... demasiado) y no había dado todavía con los elementos que mejor trabajaría.

Tal como he dicho, a pesar de estos problemas se ven ya indicios de lo que sería después el universo dickiano, por eso voy a pedir algo que parece contrario a lo que se suele exigir: me gustaría una adaptación muy libre de la novela.

Parece que con los videojuegos y libros hay que ser fieles a la obra y muchos fans van tomando nota de lo que no se ajusta a la fuente, pero yo prefiero que tenga su autonomía y se busque ante todo ofrecer la mejor historia posible.

Digo esto a pesar de que Philip K. Dick es el autor del que he leído más libros, pero también consciente de que quitando una, sus mejores adaptaciones son las que se han tomado más libertades. Esa adaptación que rompe la norma es Una mirada en la oscuridad.

En todo caso, sea como sea, la mezcla de Mateo Gil, El eternauta y Philip K. Dick hará que le dé una oportunidad a la serie. De momento solo pido eso: que sea una obra dickiana alejada del original.

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Sin lugar a dudas, está siendo un año importante para el veterano actor de películas tan distintas como Grease o Pulp Fiction, sin olvidar otros tantos largometrajes, algunos grandiosos y algunos que es mejor olvidar. Este año no solamente estrena su primera película, también ha sido reconocido por su extensa carrera.

Hace unos días recibió la Palma de Oro de Honor en el Festival de Cannes 2026. Según sus palabras, "esto es más que un Oscar", premio al que ha estado nominado como actor principal en dos ocasiones, por la ya comentada Pulp Fiction en 1995 y por Fiebre del sábado noche en 1978, pero que nunca ha ganado.

Un día clave para Apple TV

El caso es que el próximo 29 de mayo es un día importante para Travolta y Apple TV. La plataforma estrena dos apuestas muy distintas. Por un lado La ciudad de las estrellas, el spin-off de Para toda la humanidad, y también Ven a volar conmigo, la película dirigida por John Travolta.

La película de tono amable está escrita por él y se ambienta en la edad dorada de la aviación.

Según la sinopsis, "sigue a un joven apasionado de los aviones, Jeff (interpretado por el debutante Clark Shotwell), y su madre (Kelly Eviston-Quinnett), que emprenden un trayecto a través del país rumbo a Hollywood que transforma un simple vuelo en el viaje de su vida.

Entre comidas a bordo, azafatas encantadoras (interpretadas por Ella Bleu Travolta y Olga Hoffmann), escalas inesperadas, pasajeros de lo más singulares y una emocionante mirada a la primera clase, el trayecto se desarrolla entre momentos mágicos e inesperados, trazando el rumbo del futuro del niño".

Aunque ha obtenido una respuesta poco apasionada por los espectadores y críticos, que han comentado más el cambio físico de Travolta, seguro que hay muchos curiosos que quieren acercarse a ella. Al fin y al cabo, en estos tiempos nunca está de más una película que busca dejar buen sabor de boca.

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No tenemos que irnos muy atrás para hablar de broncas y frases desafortunadas al respecto de temas culturales.

Por ejemplo, con las ayudas al cine español es un continuo. Siempre se sacan a colación datos descontextualizados, comparaciones absurdas y se acaba con silencios cuando llegan los reconocimientos. A algunos les parece que un solo ejemplo, en el sentido que sea, es aplicable a toda una industria.

En un ámbito más tranquilo en cuanto a la actualidad como puede ser el pictórico hemos escuchado recientemente frases muy encendidas. La cuestión de si es oportuno trasladar temporalmente el Guernica de Pablo Picasso desde el Museo Reina Sofía al pueblo que le da nombre ha despertado una confrontación en la que se escucharon frases desafortunadas por parte de políticos.

Por último, anteayer se comentaron unos datos falsos en El hormiguero sobre el IVA de los libros. Estos despertaron gran repercusión y han provocado que los dos protagonistas, Sonsoles Ónega y Pablo Motos, acaben por disculparse.

Podemos decir que en las polémicas más recientes se han utilizado datos que no son del todo ciertos, pero también que muchas veces la verdad da igual. No hay un debate sobre la cultura, se está discutiendo de política y se utiliza la cultura como excusa.

Después, estas controversias se van apagando y lo que queda es el ruido, los ataques de un frente político al otro y la cultura desprestigiada porque no se valora lo suficiente.

Es una pena, pero ya estamos acostumbrados. Quizá lo que deberían hacer muchas personas es respetar más la cultura y no usarla como arma.

Este cambio se ha lanzado en Europa y afecta a los jóvenes de entre 14 y 18 años. Probablemente servirá para adelantarse a las medidas que ya se debaten en nuestro país.

El sistema se basa en un modelo de catalogación automática que emula la lógica empleada en el sector cinematográfico y que se ha denominado "Contenido para mayores de 13 años".

Los contenidos que no podrán ver atañen a imágenes sexuales, muy violentas, perturbadoras, que contengan tabaco y bebidas alcohólicas... También se filtrará con mayor detalle si hay lenguaje soez, acrobacias arriesgadas o comportamientos peligrosos.

Además, se limitarán las búsquedas para que se complique el acceso a contenidos que hablen de suicidio o trastornos alimenticios.

De cara a controlarlo, los jóvenes no podrán modificar estos parámetros y necesitarán la autorización de sus tutores. Aunque esta parte puede generar dudas respecto a los atajos que busquen los adolescentes para ver lo que quieran.

El objetivo de Meta está bastante claro en un presente en el que se miran con tanta desconfianza las redes sociales. Son muchas las familias que preferirían apartar Instagram y TikTok de las manos de sus hijos, a pesar de la complejidad que supone.

En todo caso, el movimiento puede no ser el último que se viva en España y Europa. Son numerosos los debates sobre la influencia de estas plataformas y los riegos que entrañan para los menores. Es posible que los próximos años cambie por completo el escenario.

La escritora canadiense colaboró en los inicios de la adaptación de El cuento de la criada y la primera temporada de la serie resultó una historia muy fiel al material original, No obstante, las temporadas posteriores tomaron rumbo propio.

Mientras que la segunda temporada de la producción vista en HBO Max continuaba donde finalizaba la anterior, apenas después de los sucesos del primer libro, la novela Los testamentos situaba su trama quince años más adelante. Este salto suponía un cambio en la evolución de los personajes.

El ejemplo de Tía Lydia: un pasado diferente

El personaje de Tía Lydia, interpretado por Ann Dowd en la serie, presenta diferencias sustanciales en su historia previa a Gilead. En la tercera temporada de El cuento de la criada se reveló que antes de ejercía como jueza, una profesión que ya le otorgaba autoridad.

Sin embargo, en Los testamentos, Margaret Atwood narra un origen profesional completamente distinto para Tía Lydia: trabajaba como profesora antes del régimen teocrático.

Además, en la novela, a excepción de Tía Lydia, que mantiene un papel protagonista en la nueva obra, el resto de los personajes principales eran completamente nuevos para los lectores. Sin embargo, June Osborne, interpretada por Elisabeth Moss, continuó siendo el eje central de la serie.

Hay detalles que sí concuerdan. En la novela se describe cómo se crearon los idearios políticos del régimen y quiénes fueron los participantes de las distintas instituciones represivas. La serie tocó estos temas, sin tanto detalle, pero también sin mostrar incongruencias con lo leído.

En verdad se espera que Los testamentos tenga una autonomía propia y sea capaz de conectar la serie El cuento de la criada y la novela de la que parte, o al menos no reincidir en las diferencias. Pero si algo tienen los fans, es curiosidad por saber qué encontrarán en la serie. El listón está muy alto.

Es muy probable que si estás leyendo esto veas casi todas tus series en plataformas, uses el móvil cuando quieres buscar noticias y pases más tiempo en redes sociales que ante el televisor, pero no todos tiene los mismos hábitos.

Hace unos días fui a un bar a mediodía, algo que no suelo hacer, y me sorprendió que los clientes, todos habituales por el ambiente que había, estaban comentando lo que veían en televisión. ¿Qué podía ser? Un programa tan clásico como La ruleta de la suerte.

Un grupo de entre cinco y diez personas intentaba adivinar las palabras y frases con algo de pique entre ellos, como quien compite en un juego de mesa.

Seguro que puedes pensar en otras personas que también ven estos programas a diario y disfrutan del espacio cómodo y seguro que son. Un pasatiempo que siempre ayuda a sentirse algo mejor.

Del mismo modo podemos hablar de programas como Cifras y letras o los de recetas de cocina que suelen abundar en canales regionales. Si pudiésemos comparar su audiencia con la del último capítulo de la serie de la que todo el mundo habla, ¿qué creemos que se vería más? También es probable que muchos vean ambos espacios sin problema.

Sin embargo, cuando hablamos de los grandes hits del años nos centramos en esas series norteamericanas y olvidamos con rapidez los programas de la televisión que se ven de forma mayoritaria.

También confieso que esta situación en el bar me dio qué pensar porque sentí algo de envidia. ¿Quién no querría estar con sus amigos viendo algo en la tele, comentándolo y compitiendo, como lo deben hacer en ese bar a diario?

En la película, Shawn Hatosy interpreta a Titus, el intrigante y arrogante heredero de la familia Danforth, quien, junto a su hermana Ursula (Sarah Michelle Gellar), se ve envuelto en la lucha de su familia por el poder en los retorcidos juegos del satánico Sr. LeBail.

En esta entrevista nos cuenta cómo consiguió el papel, su preparación y lo mucho que disfrutó del rodaje.

Aunque pueda parecer una cuestión pedante, es algo de lo que me gustaría hablar porque estas dos series son un ejemplo de cómo se intenta dar complejidad a una narración dejando preguntas en el aire, con conversaciones ambiguas o complicadas de seguir y con el uso de la música para remarcar los pensamientos de los protagonistas.

Esto es como cuando alguien se viste de lo que no es, sea una profesión o un deporte: enseguida queda claro si es un profesional o si está disfrazado. Con estas series en las primeras temporadas sentíamos que había un buen material en el que pensar, un gran trabajo de los guionistas que avanzaban hacia una dirección concreta… y en las últimas mucha impostura y poco a lo que darle vueltas.

Estas y otras series me hacen añorar The Wire, a la que vuelvo de vez en cuando por puro placer. Sigue siendo una serie peculiar hasta en estos tiempos. Es densa, pero fluye muy bien; con muchos personajes que se van alternando, pero una historia fácil de seguir; y sobre todo profunda, aunque sin necesidad de excesos formales. No se subraya nada, parece que toda la complejidad puede entrar en una conversación que se cuenta con agilidad.

Eran otros tiempos y otras intenciones, aunque David Simon sabía que trabajaba con material importante. Hay una anécdota del rodaje en la que él dice a los guionistas que debían contar una escena “como lo haría Shakespeare”.

Hoy día echo en falta eso: que si algo es valioso, dejen que me dé cuenta yo, que no me lo griten a la cara.

El espectador adulto no necesita que le digan las cosas directamente, que le dejen sordo con la música cuando un personaje toma decisiones. Se supone que si la serie es buena ya se dará cuenta él cuando pase algo importante. En caso contrario puede que esté fracasando la historia… o el espectador

Es cierto que Dune y Dune: Parte 2 son fieles al trasladar a la pantalla la primera novela, aunque haya tramos algo distintos. Quizá deberían haberle puesto comillas. Y me hacen pensar que la siguiente entrega, Dune: Parte 3, adaptará en lo posible El mesías de Dune.

Y aquí tenemos un problema, porque El mesías de Dune es una novela muy menor a su predecesora. Tiene sus aciertos, pero está bastante olvidada por motivos obvios. El autor, Frank Herbert, carecía de tantas ideas y se siente más como epílogo que como obra en sí. Carece de una entidad propia y se pierde en el esoterismo de su época.

Una vez pasan semanas desde que se termina la lectura, se recuerda sobre todo el final, pero la cabeza siempre vuelve al libro original.

Creo que Dune: Parte 3 puede ser una adaptación fiel (y por lo tanto una película menor), o tal vez una secuela como Blade Runner 2049 (y que se quede con el tono), o quizá nos sorprenda con una entrega mejor que la obra que adapta.

Ojalá encontremos esto último, pero es difícil porque la fatiga creativa ya se notaba en algunos momentos de Dune: Parte 2 con la imaginería centrándose en ciertos tropos y una duración extenuante. Y aun así me gustó, debo aclarar.

Veremos cómo son los adelantos de Dune: Parte 3 y qué ocurre cuando se estrene el 18 de diciembre de 2026. Deseo equivocarme con esta desconfianza, quiero disfrutar con un espectáculo visual que a la vez sea profundo.

Sin embargo, hay una adaptación de este personaje escondida en el tiempo y difícil de encontrar. Se estrenó en 2001 y se titulaba Wiedzmin (El brujo). Aclaro que en algunos lados aparece como serie, pero es una película.

Wiedzmin es un largometraje polaco que llegó a los cines en 2001 y fue unos de los mayores éxitos cinematográficos del año en dicho país, aunque su recorrido internacional estuvo muy limitado.

Para el papel de Geralt de Rivia eligieron a Michel Zebrowski, un actor bastante distinto a Henry Cavill, pero que tampoco se aleja de lo que uno puede imaginar al pensar en el personaje. Aunque se dudase al ser una estrella en aquel momento en Polonia por ficciones alejadas de la acción, no fue objeto de críticas tras su estreno.

La acogida por parte de los aficionados, como es habitual en este universo, estuvo polarizada. A nivel de recaudación fue un éxito y obtuvo varias nominaciones en los premios del cine polaco 2002, donde solo ganó en el aspecto musical.

En verdad Wiedzmin es una película ágil y fácil de ver, algo superficial en algunos aspectos, pero donde prima un esfuerzo por captar la ambientación y darle un toque muy mitológico a la historia centrada en la brujería.

En este momento es difícil encontrar Wiedzmin. No está en ninguna plataforma y tampoco es que sea una película que se demande por parte de unos seguidores de la saga quizá saturados por tantas adaptaciones, y por la serie de Netflix que siempre da mucho que hablar. Aun así, es interesante al ser una versión del mismo país que el autor y con su propio imaginario de este universo

Según ha informado Deadline, la quinta temporada será la última de la exitosa serie que pasó de arrasar (algunos galardones así lo muestran) a dejarnos indiferentes. ¿Cuántos de los entusiastas fans de las dos primeras temporadas acabaron la cuarta? Es probable que no muchos.

Este final vuelve a mostrar uno de los pecados más habituales en las series actuales: alargar hasta desmerecer a la idea original.

Creo que si The Bear hubiese acabado antes quedaría en la memoria colectiva como un hito de nuestra televisión actual, una serie a la que volver de vez en cuando. Pero esto seguramente no ocurrirá con las cinco temporadas, de las cuales al menos dos han sido algo menores y falta por juzgar la última. ¿Qué recuerdo quedará de The Bear? La de una serie venida a menos a pesar de contar con tantos aciertos.

En el lado opuesto podemos encontrar otra serie distribuida a través de la misma plataforma: Andor. Dos temporadas con sus propias tramas compactas y perfectamente cerradas. Quizá distintas, pero en ningún caso menores. No sé el resto, pero estoy seguro de que volveré a ver esta serie a no mucho tardar.

Está claro que aquí influyen las políticas de cada major, no es lo mismo un producto de Lucasfilm que de FX. Y cada showrunner cuenta con su limitada libertad. Pero el caso de The Bear me parece otro buen ejemplo de cómo muchas series se extienden hasta apagarse y pasan de ser referentes a que realmente no importe demasiado que anuncien su final.

Estos años vemos que la concentración de compañías en corporaciones gigantescas sigue aumentando. Es algo que no atañe solamente al sector del entretenimiento, también podemos observarlo en las tecnológicas, con empresas como Meta y sus distintas redes sociales, Amazon con plataformas y periódicos, el conglomerado de Elon Musk… A veces es por simple supervivencia de las compañías y otras son movimientos para tener un mayor control del mercado.

Pero las empresas no son entes objetivos y abiertos a cualquier perspectiva. El término cultura de empresa no le es ajeno a nadie y conlleva muchas cosas: un modo de ver el negocio, ideología, márgenes en los que moverse, que un área no contradiga a otra.

Paramount, Disney, Warner, Netflix, A24… Al pensar en cualquiera de ellas sabemos que hay algo que no harían, unos límites culturales y de negocio que no siempre son los mismos. Pero ¿qué pasaría si compartiesen los mismos valores? Que habría un cine que no se rodaría. Y eso es inevitable en cualquier horizonte donde se viva una gran concentración de compañías bajo la misma marca.

Es iluso pensar que una empresa como Warner, con toda su grandeza histórica, no vaya a vivir un proceso en el que sus producciones se tengan que adaptar a un nuevo contexto.

Los aficionados al cine seguiremos perdiendo variedad, miradas distintas y pluralidad artística. La falta de heterogeneidad se acentuará. Ya ni hablamos de riesgo, algo que cada vez se destila menos en el cine de Hollywood.

Está claro que cualquier persona conocedora de la actualidad te puede decir si prefiere que Warner sea de Paramount o Netflix, pero también es probable que admita que la concentración no es buena para la variedad creativa e ideológica de la industria del cine.

A pesar de su nimio presupuesto, la película De naturaleza violenta sonó mucho en su momento por distintos motivos. Aunque tampoco fue lo que se dice un éxito en taquilla.

Todo empezó cuando se habló de un slasher salvaje que estaba narrado desde el punto de vista del asesino. Algo relativamente original. Y la atención mediática se disparó con las primeras reacciones que hablaban de sofocos y vómitos entre el público por sus explícitas escenas.

No es para menos. La película escrita y dirigida por Chris Nash tiene algunos de los momentos más salvajes del cine gore de los últimos años. Es cierto que no alcanza el nivel de Terrifier, pero tampoco busca provocar el mismo efecto.

No fue un fenómeno, pero ​nadie la ha olvidado y tendrá secuela

De naturaleza violenta se estrenó en julio de 2024 y no fue demasiado vista en los cines, pero como es habitual en el género, se habló bastante de ella y todavía hay aficionados que siguen descubriéndola.

Este mismo fin de semana se ha estrenado en Filmin para que los suscriptores puedan disfrutar (o no) de sus 90 minutos y los salvajes crímenes de su protagonista.

En todo caso, hace poco se mostró el trailer de su secuela, donde se repiten algunas cosas, como los ataques a campistas y gente con la que Johnny se va encontrando. Sin duda alguna, lo que se puede esperar de este tipo de películas. Algunos esperamos con ganas De naturaleza violenta 2.

Unos premios que cumplen 40 añazos y que este 2026 se celebran desde el Fórum de Barcelona, con Luis Tosar y Rigoberta Bandini ejerciendo de anfitriones de la velada que reunirá a la flor y nata del séptimo arte nacional.

Los domingos y Sirât partían como favoritas, con 14 y 11 nominaciones respectivamente. Además, la película de Oliver Laxe necesitaba un empujón de cara a la recta final para intentar convertir esas dos nominaciones al Óscar, y qué mejor que recibirlo desde casa, aunque Alauda Ruiz de Azúa ha frenado toda opción.

Pero basta de preparativos. Hoy en HobbyCine, te traemos el listado completo de ganadores de la 40.ª edición de los premios Goya. Marcaremos en negrita y con la palabra GANADOR/A al vencedor de cada categoría.

Mejor película

• La cena
• Los domingos (GANADORA)
• Maspalomas
• Sirât
• Sorda

Mejor dirección

• Alauda Ruiz de Azúa - Los domingos (GANADORA)
• Carla Simón - Romería
• Oliver Laxe, - Sirât
• Jose Mari Goenaga y Aitor Arregi - Maspalomas
• Albert Serra - Tardes de soledad

Mejor actriz protagonista

• Ángela Cervantes - La furia
• Patricia López Arnaiz - Los domingos (GANADORA)
• Antonia Zegers - Los Tortuga
• Nora Navas - Mi amiga Eva
• Susana Abaitua - Un fantasma en la batalla

Mejor actor protagonista

• Alberto San Juan - La cena
• Miguel Garcés - Los domingos
• Jose Ramón Soroiz - Maspalomas (GANADOR)
• Mario Casas - Muy lejos
• Manolo Solo - Una quinta portuguesa

Mejor actriz de reparto

• Elvira Mínguez - La cena
• Nagore Aramburu - Los domingos (GANADORA)
• Miryam Gallego - Romería
• Elena Irureta - Sorda
• María de Medeiros - Una quinta portuguesa

Mejor actor de reparto

• Miguel Rellán - El cautivo
• Juan Minujín - Los domingos
• Kandido Uranga - Maspalomas
• Tamar Novas - Rondallas
• Álvaro Cervantes - Sorda (GANADOR)

Mejor actriz revelación

• Nora Hernández - La cena
• Blanca Soroa - Los domingos
• Elvira Lara - Los Tortuga
• Llúcia García - Romería
• Miriam Garlo - Sorda (GANADORA)

Mejor actor revelación

• Antonio "Toni" Fernández Gabarre - Ciudad sin sueño (GANADOR)
• Julio Peña - El cautivo
• Hugo Welzel - Enemigos
• Jan Monter Palau - Estrany riu
• Mitch - Romería

Mejor dirección novel

• Ion de Sosa - Balearic
• Jaume Claret Muxart - Estrany riu
• Gemma Blasco - La furia
• Gerard Oms - Muy lejos
• Eva Libertad - Sorda (GANADORA)

Mejor guion original

• Alauda Ruiz de Azúa - Los domingos (GANADORA)
• José Mari Goenaga - Maspalomas
• Agustín Díaz Yanes - Un fantasma en la batalla
• Oliver Laxe y Santiago Fillol - Sirât
• Avelina Prat - Una quinta portuguesa

Mejor guion adaptado

• Guillermo Galoe y Víctor Alonso-Berbel - Ciudad sin sueño
• Celia Rico Clavellino - La buena letra
• Joaquín Oristrell, Manuel Gómez Pereira y Yolanda García Serrano - La cena (GANADORES)
• Carla Simón - Romería
• Eva Libertad - Sorda

Mejor música original

• Carla F. Benedicto - El talento
• Iván Palomares de la Encina - Leo & Lou
• Julio de la Rosa - Los Tigres
• Aránzazu Calleja - Maspalomas
• Kangding Ray - Sirât (GANADOR)

Mejor canción original

• "La Arepera", de Paloma Peñarrubia Ruiz - Caigan las rosas blancas
• "Flores para Antonio", de Alba Flores y Silvia Pérez Cruz - Flores para Antonio (GANADORAS)
• "Hasta que me quede sin voz", de Leiva - Hasta que me quede sin voz
• "Y mientras tanto, canto", de Víctor Manuel - La cena
• "Caminar el tiempo", de Blanca Paloma Ramos, Jose Pablo Polo y Luis Ivars - Parecido a un asesinato

Mejor dirección de producción

• Antonello Novellino - Ciudad sin sueño
• Sergio Díaz Bermejo - El cautivo
• Itziar García Zubiri - Los domingos
• Begoña Muñoz Corcuera - Los Tigres
• Oriol Maymó - Sirât (GANADOR)

Mejor dirección de fotografía

• Rui Poças - Ciudad sin sueño
• Bet Rourich - Los domingos
• Pau Esteve Birba - Los Tigres
• Javier Agirre Erauso - Maspalomas
• Mauro Herce - Sirât (GANADOR)

Mejor montaje

• Victoria Lammers - Ciudad sin sueño
• Andrés Gil - Los domingos
• José M. G. Moyano - Los Tigres
• Cristóbal Fernández - Sirât (GANADOR)
• Bernat Vilaplana - Un fantasma en la batalla

Mejor dirección de arte

• Juan Pedro de Gaspar - El cautivo
• Koldo Vallés - La cena
• Pepe Domínguez - Los Tigres
• Mikel Serrano - Maspalomas
• Laia Ateca - Sirât

Mejor maquillaje y peluquería

• Ana López-Puigcerver, Belén López-Puigcerver y Nacho Díaz - El cautivo (GANADORES)
• Patricia López, Paco Rodríguez H. y Nacho Díaz - Gaua
• Sarai Rodríguez, David Moreno y Óscar del Monte - La tregua
• Karmele Soler y Sergio Pérez Berbel - Maspalomas
• Zaira Eva Adén - Sirât

Mejor diseño de vestuario

• Nicoletta Taranta - El cautivo
• Nerea Torrijos - Gaua
• Helena Sanchis - La cena (GANADORA)
• Ana Martínez Fesser - Los domingos
• Anna Aguilà - Romería

Mejor sonido

• Aitor Berenguer, Gabriel Gutiérrez y Candela Palencia - El cautivo
• Andrea Sáenz Pereiro y Mayte Cabrera - Los domingos
• Daniel de Zayas, Gabriel Gutiérrez y Candela Palencia - Los Tigres
• Amanda Villavieja, Laia Casanovas y Yasmina Praderas - Sirât (GANADORAS)
• Urko Garai, Enrique G. Bermejo y Alejandro Castillo - Sorda

Mejores efectos especiales

• César Moreno, Ana Rubio y Juanma Nogales - Enemigos
• Jon Serrano, Mariano García Marty, David Heras e Iñaki Gil “Ketxu” - Gaua
• Paula Gallifa Rubia y Ana Rubio - Los Tigres (GANADORAS)
• Pep Claret y Benjamín Ageorges - Sirat
• Jon Serrano, Mariano García Marty y Laura Pedro - Un fantasma en la batalla

Mejor película de animación

• Bella
• Decorado (GANADORA)
• El tesoro de Barracuda
• Norbert
• Olivia y el terremoto invisible

Mejor película documental

• 2025. Todos somos Gaza
• Eloy de la Iglesia. Adicto al cine
• Flores para Antonio
• Tardes de soledad (GANADORA)
• The Sleeper. El Caravaggio perdido

Mejor película iberoamericana

• Belén (Argentina) (GANADORA)
• La misteriosa mirada del flamenco (Chile)
• La piel del agua (Costa Rica)
• Manas (Brasil)
• Un poeta (Colombia)

Mejor película europea

• Cónclave (Reino Unido)
• La chica de la aguja (Dinamarca)
• On Falling (Portugal)
• Un simple accidente (Francia)
• Valor sentimental (Noruega) (GANADORA)

Mejor cortometraje de ficción

• Ángulo muerto (GANADOR)
• De sucre
• El cuento de una noche de verano
• Sexo a los 70
• Una cabeza en la pared

Mejor cortometraje documental

• Disonancia
• El santo (GANADOR)
• La conversación que nunca tuvimos
• The Painter's Room
• Zona Wao

Mejor cortometraje de animación

• Buffet Paraíso
• Carmela
• El corto de Rubén
• El estado del Alma
• Gilbert (GANADORA)

Y esto ha sido todo. Los Goya 2026 ya son historia, con Los domingos coronada como la gran triunfadora de la noche con esos cabezones que se lleva a casa. ¿Acertaste muchas en la quiniela?

¿O tal vez no?

La cuestión con la gala de los Goya es que desde que tenemos redes sociales hay muchas personas que se han convertido en críticos de galas. Gente que únicamente escribe sobre ellas para decir lo que no le gusta y pedir cosas que son imposibles.

La única ceremonia de los Goya realmente distinta fue la del covid, por fuerza mayor, con los nominados en sus casas conectados a través de videollamada, el resto siempre sigue un patrón.

Con los Goya, al igual que con los Óscar, debemos asumir que hay aspectos que no pueden cambiarse. Al menos de un año para otro. Es un formato muy estandarizado que en los términos actuales requiere ser largo. No va a variar de un año al siguiente lo que no lo ha hecho durante décadas.

Muchos premios, actuaciones por medio, el discurso del presidente de la academia, el in memoriam, premiados que se alargan en sus agradecimientos… Es lo que hay.

Claro que esto lo sabemos todos, pero es el mejor momento para criticar. Se aprovecha la coyuntura para lanzar quejas sobre la calidad de las películas españolas, las subvenciones y, por supuesto, cualquier posicionamiento político.

Cuando hay una gala de entrega de los Premios Goya las redes se llenan con más odio del habitual. Ahí cada uno decidirá si es mejor contestar, argumentar o ignorar. Se haga lo que se haga, da lo mismo, porque en 2027 la ceremonia volverá a ser muy aburrida, injusta y mejorable. Y en 2028 también. ¿Verdad?

Emerald Fennell (Saltburn), directora de la divisiva película, ha aclarado el motivo de este añadido: “...la cuestión para mí es que no se puede adaptar un libro tan denso, complicado y difícil como este. No puedo decir que estoy haciendo Cumbres borrascosas. No es posible. Lo que sí puedo decir es que estoy haciendo una versión”.

Más allá de la excusatio non petita, accusatio manifesta que se pueda observar, otra vez volvemos al tema de qué es una adaptación y si debe tener autonomía respecto a la obra de la que parte. Esto ya se ha comentado en multitud de ocasiones con series como The Last of Us o en su momento con Juego de tronos y esa temporada final que adelantaba a las mismas novelas.

Podemos apuntar que no es lo mismo partir de una obra de las últimas décadas que de una extensa novela de 1847. Por pura lógica habrá multitud de cambios y en una novela tan larga se omitirán muchas tramas o no quedará otra que centrarse en una parte en concreto. Ahí tenemos numerosas adaptaciones de El Quijote que lo demuestran.

No hace falta ver la película para entender que las comillas son innecesarias. Toda adaptación es una versión, una lectura del original, y da lo mismo que sea Batman que Cumbres borrascosas.

Seguramente, si mantuviésemos esa tesis con películas recientes, no tendríamos que hablar de Frankenstein, sino de “Frankenstein”; ni de Hamnet, sino de “Hamnet”. O podríamos volver a esa fórmula que se ha utilizado en el pasado, como Frankenstein, de Guillermo del Toro y similares. Aunque claro, para eso hay que tener un nombre conocido.

En todo caso, como en la imagen de Austin Powers que abre este artículo, las comillas son un eufemismo fallido. En fin, el chiste que se explica solo, aunque la directora de Cumbres borrascosas no ha querido bromear.

En el último año hemos visto que estas plataformas ya no son para todos los bolsillos. Al igual que ocurre en Estados Unidos, toca elegir qué nos interesa porque es demasiado para el bolsillo contar con todas las opciones.

En todo caso, SkyShowtime comenzó ayer a mandar correos a los suscriptores para informar del cambio de condiciones que eleva los precios de todas las tarifas. Así es como quedarán a partir de ahora:

-Plan Estándar con anuncios: 5,99 euros al mes

-Plan Estándar: 8,99 euros al mes

-Oferta promocional Estándar a mitad de precio de por vida: 4,49 euros al mes

-Plan Premium: 13,99 euros al mes

-Oferta promocional Premium a mitad de precio de por vida: 6,99 euros al mes

¿Qué ocurre con las condiciones previamente contratadas?

Lo primero de todo: estos cambios en SkyShowtime entrarán en vigor a partir de febrero de 2026. Esto es, de forma inmediata.

Pero lo más importante es que se respetarán las condiciones más ventajosas de la plataforma. Lo avisan en el mismo correo a los suscritos con el 50 % para siempre:

"Vamos a actualizar nuestros precios. No te preocupes, como usuario de "A mitad de precio para siempre", continuarás disfrutando de tu descuento del 50 % durante toda tu vida".

Por lo tanto, SkyShowtime seguirá siendo una plataforma muy barata para los que ya son clientes, pero seguramente hará que se lo piensen un poco más los que estén valorando unirse.

Como ya sabemos, el catálogo de este servicio sigue creciendo con series ya asentadas y cada vez más estrenos de películas importantes. Era complicado que se mantuviese ajena al contexto, con las mismas condiciones. Ahora toca esperar a ver cuál es la siguiente plataforma en subir sus tarifas.

La antesala de los Óscar siempre atrae la atención de los espectadores, pues algunos de los ganadores de esta noche sonarán, muy probablemente, dentro de unos días, cuando se anuncien los nominados.

La 83.ª edición de los Premios Globo de Oro ha sido acogida en el hotel The Beverly Hilton de Beverly Hills, donde se ha reunido la flor y nata de Hollywood para ver quiénes se erigen triunfadores de la velada. Una batalla tras otra, con 9 nominaciones, partía como favorita en las categorías de cine, mientras que The White Lotus, con 6, espera imponerse en televisión.

Así que no vamos a andarnos con más preámbulos: hoy, en HobbyCine, repasamos el listado de los ganadores de los Globos de Oro 2026. Indicaremos el vencedor de cada categoría con la palabra "GANADOR" al lado.

Ganadores de los Globos de Oro 2026 - Cine

Mejor película - Drama

• Frankenstein
• Hamnet - GANADOR
• El agente secreto
• Valor sentimental
• Los pecadores
• Un simple accidente

Mejor película - Comedia o musical

• Blue Moon
• Bugonia
• Marty Supreme
• No hay otra opción
• Nouvelle Vague
• Una batalla tras otra - GANADOR

Mejor película - Animación

• Arco
• Kimetsu no Yaiba: La fortaleza infinita
• Las guerreras k-pop - GANADOR
• Little Amélie
• Elio
• Zootrópolis 2

Mejor dirección

• Paul Thomas Anderson (Una batalla tras otra) - GANADOR
• Ryan Coogler (Los pecadores)
• Guillermo del Toro (Frankenstein)
• Jafar Panahi (Un simple accidente)
• Joachim Trier (Valor sentimental)
• Chloé Zhao (Hamnet)

Mejor actor principal - Drama

• Joel Edgerton (Sueños de trenes)
• Dwayne Johnson (The Smashing Machine)
• Michael B Jordan (Los pecadores)
• Wagner Moura (El agente secreto) - GANADOR
• Jeremy Allen White (Springsteen: Deliver Me From Nowhere)

Mejor actriz principal - Drama

• Jessie Buckley (Hamnet) - GANADOR
• Jennifer Lawrence (Die My Love)
• ​Renate Reinsve (Valor sentimental)
• Julia Roberts (Caza de brujas)
• Tessa Thompson (Hedda)
• ​Eva Victor (Sorry, Baby)

Mejor actor principal - Comedia o musical

• Timothée Chalamet (Marty Supreme) - GANADOR
• George Clooney (Jay Kelly)
• Leonardo DiCaprio (Una batalla tras otra)
• Ethan Hawke (Blue Moon)
• Lee Byung Hun (No hay otra opción)
• Jesse Plemons (Bugonia)

Mejor actriz principal - Comedia o musical

• Rose Byrne (Si pudiera, te daría una patada) - GANADOR
• Cynthia Erivo (Wicked: Parte II)
• Kate Hudson (Song Sung Blue)
• Amanda Seyfried (The Testament of Ann Lee)
• Emma Stone (Bugonia)

Mejor actor de reparto en cualquier película

• Paul Mescal (Hamnet)
• Sean Penn (Una batalla tras otra)
• Stellan Skarsgard (Valor sentimental) - GANADOR
• Benicio del Toro (Una batalla tras otra)
• Jacob Elordi (Frankenstein)
• Adam Sandler (Jay Kelly)

Mejor actriz de reparto en cualquier película

• Emily Blunt (The Smashing Machine)
• Elle Fanning (Valor sentimental)
• Ariana Grande (Wicked: Parte II)
• Inga Ibsdotter Lilleaas (Valor sentimental)
• Teyana Taylor (Una batalla tras otra) - GANADOR

Mejor guion

• Paul Thomas Anderson (Una batalla tras otra) - GANADOR
• Ronald Bronstein y Josh Safdie (Marty Supreme)
• Ryan Coogler (Los pecadores)
• Jafar Panahi (Un simple accidente)
• ​Eskil Vogt y Joachim Trier (Valor sentimental)
• Chloé Zhao y Maggie O'Farrell (Hamnet)

Mejor banda sonora original

• Frankenstein
• Los pecadores - GANADOR
• Una batalla tras otra
• Sirat
• Hamnet
• F1: La película

Mejor canción original

• Dream as One (Avatar: Fuego y ceniza)
• Golden (Las guerreras k-pop) - GANADOR
• I Lied to You (Los pecadores)
• No Place Like Home (Wicked: Parte II)
• The Girl in the Bubble (Wicked: Parte II)
• Train Dreams (Sueños de trenes)

Mejor película de habla no inglesa

• Un simple accidente
• No hay otra opción
• El agente secreto - GANADOR
• Valor sentimental
• Sirat
• La voz de Hind

Logro Cinematográfico y de Taquilla

• Avatar: Fuego y ceniza
• F1: La película
• Las guerreras k-pop
• Misión Imposible: Sentencia final
• Los pecadores - GANADOR
• Weapons
• Wicked: Parte II
• Zootrópolis 2

Ganadores de los Globos de Oro 2026 - Cine

Mejor serie de televisión - Drama

• La diplomática
• The Pitt - GANADOR
• Pluribus
• Separación
• Slow Horses
• The White Lotus

Mejor serie de televisión - Comedia o musical

• Colegio Abbott
• The Bear
• Hacks
• Nadie quiere esto
• Solo asesinatos en el edificio
• The Studio - GANADOR

Mejor serie limitada, serie antológica o película realizada para televisión

• Adolescencia - GANADOR
• Su peor pesadilla
• La bestia en mí
• Black Mirror
• Dying for Sex
• La novia

Mejor actor principal en una serie de TV - Drama

• Sterling K. Brown (Paradise)
• Diego Luna (Andor)
• Gary Oldman (Slow Horses)
• Mark Ruffalo (Task)
• Adam Scott (Separación)
• Noah Wyle (The Pitt) - GANADOR

Mejor actriz principal en una serie de TV - Drama

• Kathy Bates (Matlock)
• Britt Lower (Separación)
• Helen Mirren (Tierra de mafiosos)
• Bella Ramsay (The Last of Us)
• ​Keri Russell (La diplomática)
• Rhea Seehorn (Pluribus) - GANADOR

Mejor actor principal en una serie de TV - Comedia o musical

• Adam Brody (Nadie quiere esto)
• ​Steve Martin (Solo asesinatos en el edificio)
• Glen Powell (Chad Powers)
• ​Seth Rogen (The Studio) - GANADOR
• Martin Short (Solo asesinatos en el edificio)
• ​Jeremy Allen White (The Bear)

Mejor actriz principal en una serie de TV - Comedia o musical

• Kristen Bell (Nadie quiere esto)
• Ayo Edebiri (The Bear)
• Selena Gomez (Solo asesinatos en el edificio)
• Natasha Lyonne (Poker Face)
• ​Jenna Ortega (Miércoles)
• ​Jean Smart (Hacks) - GANADOR

Mejor actor en una miniserie o película para TV

• Jacob Elordi (El camino estrecho)
• Paul Giamatti (Black Mirror)
• ​Stephen Graham (Adolescencia) - GANADOR
• ​Charlie Hunnam (Monstruo: La historia de Ed Gein)
• Jude Law (Black Rabbit)
• Matthew Rhys (La bestia en mí)

Mejor actriz en una miniserie o película para TV

• Claire Danes (La bestia en mí)
• Rashida Jones (Black Mirror)
• ​Sarah Snook (Su peor pesadilla)
• ​Michelle Williams (Dying for Sex) - GANADOR
• ​Robin Wright (La novia)

Mejor actor secundario en televisión

• Owen Cooper (Adolescencia) - GANADOR
• Billy Crudup (The Morning Show)
• ​Walton Goggins (The White Lotus)
• Jason Isaacs (The White Lotus)
• Tramell Tillman (Separación)
• ​Ashley Walters (Adolescencia)

Mejor actriz secundaria en televisión

• Carrie Coon (The White Lotus)
• Erin Doherty (Adolescencia) - GANADOR
• ​Hannah Einbinder (Hacks)
• Catherine O'Hara (The Studio)
• ​Parker Posey (The White Lotus)
• Aimee Lou Wood (The White Lotus)

Y hasta aquí han dado de sí los Globos de Oro de 2026. ¿Te satisfacen los resultados? ¿Crees que otra película o serie debería haberse llevado alguna categoría?

Neuromante estará basada en el libro homónimo de William Gibson publicado en 1984 que se considera una obra fundacional del género cyberpunk. Si has leído la novela ya sabrás la complejidad que tiene a nivel narrativo y la importancia de su recreación de ambiente.

Ese mundo cyberpunk nos es conocido, pero ya no pertenece a nuestro imaginario futuro. No pensamos en piratas informáticos que son como cowboys, ni en ciudades llenas de basura donde individuos se intercambian discos duros en callejones, en que la aventura digital también se dé en la realidad analógica.

Y aun así las obras de Gibson (quien todavía sigue escribiendo) son precursoras de universos digitales, compañías que invierten en espionaje industrial, distintas IA con personalidad propia, amenazas de virus y otras tantas cuestiones que pertenecen a nuestra cotidianidad, pero de forma más moderada.

Aquí tienen todo un reto en Apple TV. Deben actualizar esa mirada de William Gibson a nuestro presente u optar por algo tan arriesgado como acercarse al steampunk, porque, como he comentado, su innovación ya nos suena a pasado que no ocurrió.

Por eso hay que asumir algo que debería entender cualquier amante de un libro: la serie debe tomar su propio camino.

Personalmente, estoy confiado porque cuando era un lector de género hace bastantes años soñaba con ver series como Fundación, Para toda la humanidad o Separación. En su momento parecía impensable.

Veremos qué vía cogen a la hora de enfocar la serie. Hay mucho hype y no van a tenerlo fácil para convencer a todos, pero sabían a lo que se enfrentaban cuando escogieron una novela que hasta hace poco se consideraba inadaptable.

Más allá de que me ha encantado, también ha provocado que piense en lo llamativa que resulta a nivel ideológico. Andor es una serie sobre guerrilla, resistencia ante totalitarismos, donde la esperanza parece el único motor vital de unos protagonistas capaces de sacrificarse por una mejora para la sociedad. Además, está protagonizada por Diego Luna, un actor mexicano.

Podemos decir que Andor es una serie subversiva a muchos niveles, también que ha tenido la suerte de surgir antes del segundo mandato de Donald Trump. Creo que sufriría un camino mucho más difícil si fuese a planificarse ahora.

De cara a 2026 podemos esperar que las grandes compañías estrenen contenidos más conservadores para molestar lo mínimo posible a Donald Trump y sus políticas. Es notoria la presión ideológica que se sufre en Estados Unidos y las majors, al igual que ocurre con las grandes tecnológicas, prefieren no sufrir las críticas del presidente.

Sin duda, se espera una temporada más contenida. Veremos si Disney apuesta por esas películas aperturistas que generaron excesiva controversia, como el beso en Lightyear, pero tras eliminar la trama trans en En la victoria o en la derrota parece que quedaron muchas cosas claras.

Y en un universo como el de Star Wars, donde se han vivido tantas polémicas e intentos de boicots, lo más probable es que se busque entretener de la forma más neutra posible. Pocas veces se han sentido tan apoyadas algunas voces y en Lucasfilm no van a querer tenerlas en su contra.

Ojalá me equivoque, pero puede que la traca de Andor (a nivel de calidad, que no de repercusión) dé paso a una época bastante larga en la que las compañías detendrán este tipo de historias.

En todo caso, ha sido una maravilla ver Andor.

La actriz ha cosechado en sus 37 años dos Óscar, dos BAFTA, tres SAG y dos Globos de Oro, pero sobre todo ha ganado fama de no aburrir ni repetirse con sus papeles. No tiene miedo a los retos, ni interpretativos ni a la hora de elegir participar en historias que se salen de lo convencional.

Porque Stone podría haberse labrado una filmografía relativamente convencional tras abrir puertas al cine más mainstream al aparecer en The Amazing Spider-Man o comedias románticas como Crazy, Stupid, Love, pero sus últimos trabajos con Yorgos Lanthimos y Ari Aster sirven de declaración de intenciones.

No olvidemos que también ha apostado por una carrera en la que combina largometrajes y series. Veremos dos ejemplos de series que no son lo que uno puede esperar de alguien de tal caché.

La La Land (2016)

Quizá la primera elección sea la más convencional, pero si hablamos de retos ante las cámaras, pocos ejemplos mejores se pueden encontrar que el de bailar. Y Emma Stone lo hace muy bien, tanto que es el centro de todas las miradas durante la película.

La La Land fue un éxito mayúsculo en un tiempo en el que los musicales eran (y son) especialmente arriesgados, más todavía cuando no tienen un carácter muy dramático y van llenos de coreografías. El director Damien Chazelle supo encontrar las teclas adecuadas para encantar a casi todos.

Para la historia queda lo ocurrido en la ceremonia de los Óscar, cuando fue anunciada por error como Mejor película, un premio que se llevó finalmente la magnífica Moonlight.

Maniac (2018)

Maniac es uno de los proyectos más olvidados de Emma Stone. Es el remake agridulce de una serie noruega que mezcla melodrama, comedia negra y un ensayo farmacéutico que acaba con algo de ciencia ficción.

Estrenada el mismo año de La favorita, en Maniac es la protagonista junto a Jonah Hill. Ambos interpretan los papeles de dos personas introvertidas que buscan recomponerse a través de un ensayo clínico que afirma tener la capacidad de solucionar cualquier trauma o problema psicológico. Es una serie que no elige los caminos sencillos y complicada de describir, pero que tiene claro hacia dónde avanza.

Se puede ver en Netflix y es melancólica, aunque deja la sensación de haber visto una historia de recomposición emocional.

The Curse (2023)

No nos salimos de las series para seguir con una producida por el estudio A24 que en España se estrenó en SkyShowtime. The Curse es uno de los trabajos más incómodos de ver en la carrera de Emma Stone porque esa es la intención del creador: que sea áspera, incorrecta y surrealista.

Habla de una pareja con alto poder adquisitivo que se dedica a fabricar casas ecológicas totalmente sostenibles, ¿o quizá son una estafa? Estos personajes intentan tener buen corazón, pero no les sale de forma natural y acaban actuando como indeseables con todo el mundo.

Su proyecto, que se asienta en una zona deprimida de Nuevo México, choca con las tradiciones y los habitantes de la zona. Esa fricción es continua en la serie: económica, social, de intereses y cultural.

Emma Stone está en uno de los papeles más despreciables de su carrera en un difícil equilibrio entre una protagonista que sabe cómo es e intenta ocultarlo constantemente, solo que no puede.

Bugonia (2025)

Y si hablamos de personajes desagradables e historias incómodas, el último estreno de Emma Stone en España cumple con esas dos características.

Bugonia es una película de conspiraciones y un país en descomposición que se pueden unir temáticamente en cierto modo con Eddington. En esta historia dos personas que aparentemente no son muy inteligentes raptan a una importante CEO, la misma Emma Stone, al considerar que es una extraterrestre que pertenece a una especie que controla a los humanos.

En la trama se la tortura y hay una continua guerra dialéctica con algo de comedia, pero sobre todo es una película que sorprende hasta el tramo final.

Vemos a Emma Stone con el pelo rapado, excesiva, déspota y en un personaje que, al igual que los ejemplos anteriores, llega a llamar la atención. Cuesta imaginar a otras estrellas de su generación tomando estas decisiones al elegir proyectos.

La lotería es un relato que se publicó en 1948 en The New Yorker y despertó tanta controversia que recibieron cientos de cartas quejándose del mismo. Está escrito por la autora Shirley Jackson, quien también sufrió las críticas de sus vecinos por el mismo.

Shirley Jackson es la autora de varias historias de terror, dos de ellas son novelas de casas encantadas que han sido adaptadas al cine en distintas ocasiones: La maldición de Hill House y Siempre hemos vivido en el castillo. Fue una influencia para otros autores de terror, como Stephen King.

En La lotería, la celebración de este sorteo se lleva a cabo una vez al año en un pequeño pueblo. Los vecinos se reúnen para ver a quién le toca la misma. Como han pasado tantos años desde su publicación, podemos adelantar que primero "gana" una familia y después se hace otro sorteo para ver qué miembro de ellos es el elegido. Entendiéndose el premio como algo horrible.

El relato funciona porque va ocultando qué se está sorteando realmente y choca con el ambiente general del mismo. Al final es un sorteo que el pueblo aprueba, no hay ningún mandato superior que les obligue a estar allí. También sirve para señalar de una forma muy directa las hipocresías que se dan en todas las comunidades.

La historia ha sido editada en España y es considerada un clásico en el género de terror. Da igual lo que sepas de la misma, su lectura siempre impacta. Y en un día como hoy también está bien conocer una lotería que no desearías jamás que te tocase.

Si en 2024 dos de las series de Movistar Plus+ fueron de las que más me gustaron, Querer y Los años nuevos; este 2025 hay una que va a mi top 3, Yakarta, y varias que han sido de gran interés para mí, como la segunda temporada de Poquita fe, El centro o Anatomía de un instante. Por el camino han quedado otras que me han gustado menos, pero el nivel general ha vuelto a ser más que notable.

La apuesta por hacer marca y primar la calidad junto a un presupuesto solvente está clara. Sin inundar el mercado con lanzamientos, los proyectos son ambiciosos, pero no esquivan temas espinosos. Más allá de la cuestión formal en Los años nuevos, las tramas de Querer o Yakarta son especialmente difíciles de tratar. Detrás se ve un cuidado para que todo funcione sin tomar caminos fáciles.

La fórmula no serviría si no fuese por dos coordenadas que se cumplen en la mayoría de estas series. Una de ellas es confiar en directores y guionistas de calidad contrastada: Rodrigo Sorogoyen, Paula Fabra, Alauda Ruiz de Azúa, Eduard Sola, Diego San José... La otra es hacer series autoconclusivas que uno siente haber acabado junto a la temporada. Puede que haya más entregas, pero todo tiene un comienzo y final; esto es, un valor por sí mismo. Algo especialmente importante en estos tiempos de cliffhanger masivo que ya es comparable al scroll infinito de las redes sociales.

En mi opinión, lo que está logrando Movistar Plus+ estos últimos años viene a ser como lo que hizo HBO en su momento a la hora de crear un catálogo que crece lentamente y sirve de referencia. No quiero comparar estas series españolas con los clásicos de HBO, pero sí se puede equiparar la exigencia.

Está claro que hay otras plataformas haciendo un buen trabajo con series nacionales, pero es difícil encontrar un nivel tan alto. Al preparar la clásica lista de lo mejor del año uno vuelve a encontrarse con que Movistar Plus+ sigue siendo una plataforma que no deja de sonar.

No negaré un tema tan evidente como es la edad, ya que no es lo mismo ver algo a los 17 que a los 40, pero tras darle muchas vueltas lo puedo resumir de modo rápido y directo: rara vez me pasa con clímax llenos de CGI. Me impactan más los efectos de toda la vida o incluso los hechos con maquillaje.

El exceso de CGI o que este domine el tono lleva a situaciones que a mis ojos crean fricción con la realidad y por lo tanto me sacan de la historia. No solo sé que son digitales, también intuyo su artificialidad e imposibilidad de trasladarse a mi realidad.

Esto lo he vivido con multitud de películas y series de los últimos años. El último ejemplo lo encontraría en Bienvenidos a Derry, donde siento que hay unos momentos tan excesivos de CGI que alejan cualquier tensión, como puede ser los del cementerio y la cámara de fotos (no entraré en spoilers). Aunque creo que con los minutos finales del primer capítulo sentía lo mismo, solo que todavía estaba entendiendo de qué iba la serie.

En dosis menores, también con las últimas películas de It y la falta de iconicidad en comparación con el recuerdo que tengo de la antigua miniserie protagonizada por Tim Curry, a pesar de lo irregular que era. La actualización del personaje y el mezclarlo tanto con CGI me alejó como espectador en algunos momentos.

El problema con el CGI y el peso que se le da a la hora de crear tensión es un tema peliagudo porque muchas veces todo el terror llega a codificarse con esos efectos y no como se estaba narrando el resto de la historia.

Esto es algo que me pasa especialmente en el género. En el cine de acción o ciencia ficción suelo vivirlo de otra forma. Ahí tenemos ejemplos tan interesantes como las últimas películas de Mad Max de George Miller o incluso los efectos de series como Andor o Fundación, donde acompañan a las tramas pero no las devoran.

Quizá este sea un problema que se solucione a no mucho tardar vista la rápida mejora que está viviendo la tecnología. Veremos en 2028, por ejemplo, si este terror dominado con el CGI consigue atraparme como lo hacían películas no demasiado alejadas en el tiempo, o si ya me han perdido.

Martin era un conocido escritor entre los aficionados por sus diversas novelas de ciencia ficción, terror y algunos relatos que suelen incluir entre los mejores del género en el siglo XX. Pero su carrera ya daba lo mismo, una vez se estrenó la serie sería para todos el autor de Juego de tronos.

En todo caso, es un universo que no ha dejado de crecer y ya hay varios spin-off de los que se han firmado más temporadas. El universo de Canción de hielo y fuego va para largo en cuanto a producciones, queda por ver si también a nivel de calidad. No es una apuesta arriesgada, hay multitud de fans esperando esas nuevas series y no paran de decirlo en redes sociales.

Pero en mi caso voy por un camino distinto. He sido seguidor de los libros, aunque hoy día no sé si leería Vientos de invierno. Los años han pasado y no me apetece volver la saga literaria, pero si hay algo que no olvido son sus otras novelas, las que no eran de fantasía y a mí me interesaron mucho más.

Hablo, por ejemplo, de Muerte de la luz o Sueño del Fevre, dos novelas que tienen un imaginario claramente adaptable al cine. La primera es una historia de acción en un planeta de órbita errante que se aleja de su sol. Las poblaciones e infraestructuras están casi deshabitadas. Llena de nostalgia y de trama ágil, es una novela para devorar.

Sueño del Fevre es una historia de vampiros y barcos de vapor a mitad del siglo XIX. Con un contexto interesante y la mezcla de géneros tan impactante, funciona de maravilla para los fans del terror.

A veces me pregunto si Martin es un gran autor en términos de calidad, pero no tengo dudas de que es un creador de imaginarios más que atractivos. Y estas dos novelas son un gran ejemplo.

Quizá es pedir mucho que la industria se fije en lo que a uno le gusta y no en las bazas que dan como seguras para obtener beneficios, pero bueno, siempre nos queda pensar que la fama de Martin también da para que se profundice algo más en su obra, más allá de Canción de hielo y fuego.

Si estás leyendo este artículo, te animo a que busques las novelas: son entretenidas, están bien escritas y, ejem, son autoconclusivas.

Si nos llegan a comentar esta posibilidad hace cinco años, habríamos dicho que era una locura, de haberlo hecho hace un año seguramente nos parecería muy extraño, hace unas semanas dudoso visto los pujantes… Hoy ya no.

Desde hace tiempo que tenemos claro el cambio de contexto que existe en el mundo del cine y cómo los hábitos de los espectadores han ido variando. Quitando las producciones nacionales, que tienen sus propios funcionamientos, las internacionales y los blockbusters cada vez se están convirtiendo más en eventos que en actos cinéfilos.

Sobran ejemplos respecto a esto que comento. Hay menos hábito de asistir al cine y más ir a ver la película del mes, de la que se hablará en redes, la que representa nuestro nicho/identidad. Para las empresas es muy difícil adaptarse a la situación.

En Netflix afirman que respetarán el legado de Warner, ¿pero es posible?

Como era de esperar con cualquier compañía que comprase Warner, en Netflix afirman que mantendrán el legado y la distribución en salas de siempre. No olvidemos que Warner se fundó en 1923, tampoco su vasto catálogo y la historia que conlleva.

Dicho esto, Warner es una empresa que va más allá de los universos DC y los blockbusters. En sus producciones se han podido ver durante estos 102 años de historia, incluso en el presente, títulos que apuestan por la calidad y el honor de mantenerse como una de las grandes referencias del cine a nivel global.

El conflicto que puede asomar surge al comparar la visión de legado de Warner con la fórmula de algoritmo de Netflix y el enfoque que pueda existir entre ambos frentes. Utilizo la palabra frentes porque en el algoritmo pesa la inmediatez y no la continuidad histórica.

En el recorrido de Warner no solo están las películas, también la confianza, o apuesta, con directores que son fieles a una empresa, o con asumir que hay años de pérdidas y otros de ganancias. La clave es mantener una empresa que significa mucho más que un nombre o unas películas puntuales.

Comprar Warner probablemente signifique que ellos o Netflix tengan que adaptarse por completo a un modelo de negocio distinto, un cambio de cultura de empresa casi traumático. En caso de que esto prospere imperará un tiempo de incertidumbre absoluta.

Ahora los frentes legales van a ser importantes, tanto por parte de estas compañías como de terceros, Paramount no estaba de acuerdo con el movimiento de Netflix. Los próximos días se conocerán más detalles.

Esta situación se ha vuelto aún más extraña cuando encuentro que las series que más me gustan no suelen coincidir con las más promocionadas. Hay multitud de títulos que han sido muy comentados y que a mí no me han interesado nada. A veces descubro mis mayores tesoros excavando en los catálogos.

Normalmente suelo tirar más por el género fantástico, pero una de las series que más he disfrutado los últimos años es de género policiaco: Blue Lights.

En principio podría parecer una serie clásica de una comisaría en entorno hostil, con las relaciones entre policías que van dándose en los coches patrullas según lo que encuentren en cada episodio. Y es un poco eso, pero mucho mejor contado de lo habitual.

El contexto es importante, pero más la creación de personajes
​

Esta serie irlandesa se desarrolla en Belfast, una ciudad en la que los conflictos políticos siguen tensionando la sociedad y además se suman a la violencia que se sufre en cualquier lugar.

Es un contexto complicado de entender para quien sea ajeno al conflicto, pero se pude apuntar que hay barrios donde la policía no es bienvenida al estar controlados por facciones políticas casi militarizadas.

Para dar comienzo y trama a la serie, se va siguiendo a tres policías que comienzan su carrera en la comisaría. Todos con perfiles y experiencia distintas, irán encontrando multitud de problemas y necesitarán entender a lo que se enfrentan, pero también si valen para el trabajo y el modo de adaptarse a sus compañeros.

Y aquí es donde mejor funciona la serie: es de personajes. Cada uno de ellos tienen un trasfondo, un debate interior, mayor o menor simpatía y, sobre todo, es interesante para el espectador.

Las dos temporadas que tengo vistas las he disfrutado por estos personajes, a los que se han sumado varias historias de investigaciones, corrupción, conflictos políticos y un tema troncal que ha ido creciendo hasta la explosión del capítulo final.

Los capítulos de cada temporada de Blue Lights podrían haber durado diez capítulos y no seis. Los hubiese visto con el mismo entusiasmo.

El caso es que es una serie que he recomendado y ha gustado a todos sin fallo. Pero sin ser desconocida, ha estado muy lejos del foco mediático o de ser de las más promocionadas... a pesar de su gran calidad.

En todo caso, más allá de conversaciones sobre el estado de las series y lo que se decide anunciar, a nivel personal me alegra reencontrarme con Blue Lights. La tercera temporada va a caer ya mismo.

Apple TV anunció el pasado 24 de septiembre que suspendía el lanzamiento de la serie de ocho capítulos. El motivo tras esta decisión no se le escapa a nadie: el asesinato de Charle Kirk. Desde la plataforma informaron que "Después de reflexionarlo detenidamente, hemos tomado la decisión de posponer The Savant".

Tras las reacciones que vimos esos días, siempre moderadas para no verse en medio de la polémica por lo de Kirk, solo hay silencio. Aunque la misma Jessica Chastain no se mantuvo callada y compartió su disconformidad con la situación.

Sin noticias de The Savant

Han pasado dos meses desde aquello y de momento seguimos sin ninguna noticia sobre cuándo se estrenará la serie. Basta con entrar en Apple TV para comprobar que todavía aparece que sucederá Próximamente.

Los que pudimos ver un adelanto en su momento comprobamos que era lo anunciado y trataba de una investigadora que se adentraba en grupos extremistas de Estados Unidos con el objetivo de prevenir atentados.

Sí quedaba más o menos claro en los episodios iniciales que se enfocaba en terroristas de extrema derecha estadounidenses, esos lobos solitarios que como mucho contactan por redes. Pero más que en el mensaje, la serie se centraba en la vida personal y profesional de la protagonista y las conspiraciones que surgen en redes sociales.

Es de suponer que de haberse estrenado unas semanas antes del asesinato de Charlie Kirk no habría ocurrido nada, pero tuvo la mala suerte de coincidir temporalmente.

Vista la falta de noticias al respecto y la intención de Apple de no entrar en polémicas con el gobierno de Trump, es imposible adelantar qué ocurrirá con The Savant. De momento sigue sin fecha de estreno, aunque se mantenga anunciada en Apple TV, pero visto el contexto cada vez se hace más difícil apostar por su lanzamiento.

¿Retendrán esta serie por tiempo indefinido o acabará lanzándose en un futuro próximo? En el actual clima político del país es imposible saberlo. En fin, una situación a la que se suma otra noticia de Apple TV que ha saltado hoy con Furtivo, serie que acaba de cancelarse por acusaciones de plagio.

Pero hay otros menos famosos, al menos para el gran público, que a día de hoy tienen gran importancia y resultan esenciales a la hora de entender el género. Algunos también han sido adaptados al cine y otros adelantaron el presente con sus obras. Dentro de esa segunda línea se encuentran autores como J. G. Ballard, fallecido en 2009.

Presente desde hace décadas en las librerías españolas, sus novelas nunca han sido excesivamente populares a pesar de que hay películas conocidas basadas en sus obras: Crash, High-Rise, El imperio del sol...

Ballard es alguien esencial para la literatura de ciencia ficción y ahora volvemos a encontrarlo en las librerías.

La editorial Minotauro ha comenzado la Biblioteca de Autor dedicada a J. G. Ballard en bolsillo, formato que siempre ha servido como vía de acceso asequible para muchas personas. Empezaron con Crash y este noviembre reeditan Noches de cocaína.

La revolución comienza sin grandes explosiones

En todo caso, hablar de J. G. Ballard es hacerlo de un escritor brillante, pero también incómodo y alejado del espectáculo pirotécnico, la space opera y el sentido de la maravilla que muchos buscan en la ciencia ficción. Es perturbador porque se fija en lo más cercano, como es nuestra psique, la tecnología que nos rodea o el orden social.

Quien haya visto el Crash de David Cronenberg entenderá de qué hablamos. En la película, muy fiel a la novela, se estudia cómo afectan los vehículos -la tecnología- a las relaciones personales y sexuales. En otra novela que le adapta, Rascacielos, un edificio se convierte en una jungla donde los inquilinos empiezan a formar salvajes tribus.

Aunque pocas veces se asocie con este otro género, las ideas de Ballard llegan a provocar terror porque en ningún momento ve separación posible entre el futuro y la violencia. Algo que realmente parece difícil de discutir.

Las revoluciones empiezan en nuestras casas, en los centros comerciales, aparecen con pequeños cambios en nuestra tecnología o alimentación, y al final cada individuo se enfrenta a una lucha épica aunque parezca que vive en la rutina. Leer a J. G. Ballard puede conducir a cierto pesimismo, pero también a entender que hay lucidez en su visión de la realidad y, sobre todo, un increíble acierto prospectivo en sus obras.

El autor inglés nunca ha sido un superventas, pero quien lo ha leído no lo olvida. Esperamos que sigamos haciéndolo los próximos años con la recuperación de la mayoría de sus novelas.

Es verdad que los fans del terror y de Stephen King esperaban con mucha curiosidad este lanzamiento y las críticas de It: Bienvenidos a Derry también habían sido positivas con un inicio que no ha sorprendido, pero se ha podido ver en redes sociales que ha gustado bastante.

El caso es que el calendario previsto con esta serie se ha modificado ligeramente con la segunda entrega y, de cara a aprovechar una fecha tan importante para las plataformas como es Halloween, se ha adelantado su lanzamiento y ya está disponible en la plataforma. No hemos tenido que esperar al lunes.

HBO Max seguirá haciendo terroríficos los lunes

El cambio vivido hoy con la serie no se mantendrá y el resto de capítulos se seguirán emitiendo los lunes, para muchos el peor día de la semana. Al menos si no hay sorpresas.

Todo esto ocurrirá en un contexto en el que Stephen King parece que se encuentra más de moda que nunca. Las adaptaciones del prolífico escritor no es que sigan llegando, es que se acumulan. En cuestión de un mes se están viviendo hasta cuatro lanzamientos en España.

A It: Bienvenidos a Derry hay que sumar La vida de Chuck, La larga marcha y The Running Man. Cuatro títulos que a pesar de navegar por géneros amigos, son de temáticas bien distintas. Veremos si esto agota al espectador o le convence a pegarse un maratón con el rey del terror.

En todo caso, la precuela de It nos acompañará hasta el 14 de diciembre al tener ocho capítulos de extensión y todavía queda por ver si la serie nos convence o se queda a medio camino, como ha ocurrido con otros lanzamientos muy potentes de las plataformas este año.

Y, por supuesto, también quedan unas semanas para el encuentro con el Pennywise de Bill Skarsgård, que parece que se hará de rogar. Aunque, en verdad, si sigue habiendo tanta sangre en los próximos capítulos igual no hay prisa porque llegue.

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Este año hemos decidido compartir con vosotros nuestras películas de terror favoritas, pero no son las que consideramos mejores. Las hemos elegido porque nos impactaron, encantan o cualquier otro motivo personal. Porque esto va de divertirse.

En este reportaje varios redactores han elegido una película de terror de la que les apetecía hablar. El orden de publicación solo vence a un sistema: cuándo entregaron su texto.

Ekaitz Ortega - Pesadilla en Elm Street

Empiezo haciendo trampas porque más que una película, yo recomiendo una saga. Pesadilla en Elm Street fue parte de mi adolescencia y la recuerdo con cariño porque es algo de lo que hablaba constantemente con mis amigos. Las veíamos, comentábamos, nos reíamos con ellas y nos fascinaba que las víctimas muriesen mientras duermen, en sus sueños.

La primera entrega es más que notable y tiene algunos de los mejores momentos dirigidos por Wes Craven, pero lo que me encantaba no era solo el terror, también el humor, porque Freddy Krueger no solo te mata, también se ríe de ti mientras lo hace. Tiene un toque de comedia muy particular que todavía me hace sonreír.

En la saga de Pesadilla en Elm Street hay multitud de películas, muchas de ellas absolutamente horribles, pero si tengo que decir tres títulos, estos serían la primera entrega, Pesadilla en Elm Street 3: Los guerreros del sueño y La nueva pesadilla de Wes Craven.

Javier Cazallas - El resplandor

Pues yo iba a decir el anuncio de la Lotería de Navidad de 2013, pero como tienen que ser pelis, hablaré de El resplandor. Lo mejor de la literatura de terror y del cine se dieron cita en 1980: Stephen King y Stanley Kubrick.

Pese a haber nacido en Halloween, no soy nada fan del terror, lo que aumenta el mérito de esta película al estar entre mis favoritas, mal que le pese a King.

Es una peli que logra atraparte a ti dentro del hotel Overlook junto con los Torrance: lo exploras junto a Danny (Danny Lloyd), sufres como Wendy (Shelley Duvall) y te vuelves loco de remate como Jack (Jack Nicholson). La atmósfera de El resplandor y esa sensación de que no hay escapatoria son, junto a las interpretaciones, la gran virtud de la adaptación de Kubrick.

Además, como escritor simpatizo con las tendencias de Jack Nicholson a perder el juicio y he desarrollado una afición por las hachas, aunque no me dejan llevarlas al trabajo, mira: Ekaitz, ¿puedo llevar un hacha a la oficina?

María Bescós - Holidays

Como nos obligan a hablar tan sólo de una película y además tampoco podemos elegir una serie, voy a hacer un poco de trampa: elijo Holidays (2016), que es una antología de cortometrajes en la que se repasan diferentes festividades a lo largo del año.

La cinta tiene un 4 en Filmaffinity. No le hagas caso, yo le puse un 7. Y como son varias historias independientes hay muchas posibilidades de que te encuentres con un corto que te apasione. El que me enamoró a mí fue Pascua de Nicholas McCarthy.

No quiero hacer spoiler, así que tan sólo diré que en él se fusionan los dos iconos de la Pascua como jamás habría imaginado, en un personaje que parece recién salido de Tusk (2014). Si eso no es suficiente aliciente como para verlo, añadiré que la gente me odia cuando se lo recomiendo.

Miguel Ángel Sánchez - Martyrs

El Nuevo Extremismo Francés, que engloba desde los comienzos de Gaspar Noé hasta las actuales Julia Ducournau y Coralie Fargeat, tocó techo con Martyrs. Una cinta que Pascal Laugier escribió en el momento más bajo de su vida, y que dio lugar a la película más existencial de su era.

Lucie irrumpe con violencia en la casa de una familia, seguida de su amiga Anna, y acusándolos de ser sus torturadores cuando era pequeña. La respuesta está en el sótano, y forma parte de una conspiración que busca responder qué nos ocurre tras morir.

Martyrs pide tanto como da. Exige un aguante mental para soportar su crudeza, pero lejos de buscar el morbo, su brutalidad es una estrategia artística: obligarnos a contemplar la oscuridad de la naturaleza humana. Es un asalto a los sentidos, una experiencia que trastoca alma y corazón.

El calvario de la protagonista refleja el del espectador, ambos encaminados hacia una iluminación que nos arroja a certezas imposibles de encajar. En los créditos, las imágenes de Lucie y Anna de niñas, jugando mientras suena Your Witness, de Seppuku Paradigm, son el único momento de bondad. Un respiro de ternura devastadora, que termina por rompernos.

Ángel Morán Santiago - Muñeco diabólico

Recuerdo la primera vez que Chucky fue absoluto protagonista de mis temores de niño. No fue con esta primera película, claramente destacada dentro de la saga, sino con una de sus “cómicas secuelas” junto Tiff. Mis amigos y yo no podíamos parar de verla.

Pero todo cambió cuando vi la cinta original de 1988. Ese diablillo Good Guy daba miedo de verdad, mucho más que su posterior versión cicatrizada.

Muñeco Diabólico (o como reza el título original, Child’s Play) es un pequeño clásico ochentero, heredera de un subgénero slasher que vivía sus últimos años de gloria. Su concepto fue rompedor como crítica hacia el consumismo juguetero de la época, aderezado con un toque de terror digno de serie B, como en la divertidísima Noche de miedo, también dirigida por Tom Holland.

Es inevitable sufrir por el pobre Andy y su madre, reírse con los socarrones diálogos de Chucky (la elección de Brad Dourif fue acertadísima) o deleitarnos con esa búsqueda del “gato y el ratón” que protagoniza el policía interpretado por Chris Sarandon. Tiene sus puntos cómicos, claro, pero en todo momento se mantiene como un slasher serio y con antológicas escenas de suspense (pilas no incluidas…).

No estamos ante una obra cumbre del terror, desde luego, pero sí es una película especial que siempre apetece ver en estas fechas. Incluso en Navidad, por aquello de mostrar una fría y depresiva Chicago en sus estratos más bajos (mención especial a la sublime BSO compuesta por Joe Renzetti).

Fue el debut de un ícono del cine slasher y el terror en la gran pantalla, que volveríamos a ver en hasta seis secuelas, un remake/reboot y una serie de televisión. ¡Larga vida a Chucky!

Daniel Quesada - Ringu

Siendo completamente sincero, mi peli favorita de terror es El Resplandor, pero como otros compis ya la van a mencionar, quiero hacer justicia con Ringu, la película japonesa que inspiró The Ring. Pocos filmes me han generado tanta tensión y tanto miedo, pero lo más meritorio es que lo consigue con solo una escena y un plano.

El plano es de esos que no te esperas y te atacan a traición para quedarse para siempre en el cerebelo: esa imagen de la adolescente con el rostro absolutamente desencajado de terror, que sucede cuando aún queda mucho metraje. Solo bastó eso para estar “acongojado” el resto de la película. Además, me parece el epítome de una peli del género: no mueres porque te claven un puñal o porque te caiga un edificio encima. No, mueres de puro miedo.

Y luego, claro, está el clímax con Sadako saliendo de la televisión y cazando sin remisión a su víctima, con un look sencillo y directo (el camisión, el pelo largo cubriendo la cara) que ha influido y se ha parodiado hasta la saciedad. Icónico.

En un concepto algo más personal, la película tiene algo de “época”, algo en el que lo analógico (ese VHS con el tracking reventado) forma parte del miedo, por lo imperfecto, por su inherente degradación. Hoy día, la película sería distinta: de un vídeo de TikTok saldría Bad Bunny a cantarte reguetón. Terrorífico también, sí, pero no sería lo mismo.

Álvaro Alonso - Lake Mungo

Me encanta pasar miedo. Pero cuando digo miedo, me refiero a miedo de verdad; ese cosquilleo que te obliga a encender todas las luces de la casa para ir al baño o a acelerar el paso cuando caminas del coche al ascensor en un parking. Por eso me gusta tanto el cine de terror.

Pero, desde hace ya unos años, tengo un pequeño problema: ninguna película me da miedo. Quizás se deba a que he visto tantas que ya es muy difícil impresionarme… o a que la vida real es, muchas veces, más terrorífica que cualquier ficción.

Y, cuando ya había perdido toda esperanza de volver a pasar miedo (con una película), decidí ver Lake Mungo. Sé que es divisiva; para mucha gente, es un peñazo de mucho cuidado que da de todo menos miedo… Y, para otros tantos, es la experiencia más terrorífica que han vivido. Y honestamente no sé de qué depende que te guste o no.

Sólo sé que nunca en mi vida una película me había dado tantas ganas de apagar la televisión de puro cague. Nunca había imaginado que algo tan sencillo como una imagen estática, que se va acercando a cámara con un zoom que parece eterno, podía conseguir que un escalofrío me recorriese todo el cuerpo… y se quedase ahí.

Como digo, no es una película para todo el mundo. Pero si habéis llegado a ese punto en el que nada os da miedo, dadle una oportunidad. Ojalá os arrepintáis de verla (en el buen sentido).

Raquel Hernández Luján - Ringu

Llevo muchos años viendo películas de terror y hay ciertos leit motiv que me dan muy mal rollo: cualquier cosa relacionada con la identidad, el sueño, los espejos, los fantasmas y los miedos atávicos, que tienen cierta base racional al activarte el instinto de supervivencia, me pone los pelos de punta.

Pero quizás uno de los movimientos que más consiguió inquietarme en su día fue el del "terror tecnológico". Cuando vi por primera vez Ringu en 1998 y Sadako Yamamura se salió de la pantalla, se me salió a mí el corazón del pecho porque no me lo esperaba en absoluto.

Recuerdo haber visto la película en la Facultad de Ciencias de la Información, en un pase mañanero y no pegar ojo dos días después durante varios días. Además es uno de esos raros casos en los que un remake americano "hace bien los deberes" y consigue también ser escalofriante. Samara Morgan, en la versión estadounidense de The Ring, ya en 2002, también me elevó las pulsaciones y eso que no contaba ya con el factor sorpresa...

José Carlos Pozo - Scream

Como gran fan del cine de terror que soy, tengo muchas películas entre mis favoritas, tanto buenas como malas. Pero, si tengo que escoger una, seguramente me decantaría por Scream y su saga cinematográfica.

Cuando vi la primera película me pilló en plena adolescencia y ya tenía bastante rodaje con el género, por lo que me encantó ver las numerosas referencias y homenajes a las películas más clásicas del terror, donde mi personaje favorito, Randy, contaba a sus amigos las reglas indispensables de toda cinta de terror que hay que seguir a rajatabla si se quiere sobrevivir a una situación así (y que tengo muy bien anotadas).

Además, es una saga que sabe reinventarse y adaptarse a la época, mostrando cómo ha ido actualizándose el género en cada entrega. Por supuesto, tiene sus partes más flojas pero, en mi opinión, es una saga muy disfrutona que todo fan del cine de terror debería ver al menos una vez en la vida. Me gustaría explayarme más, pero me llaman al teléfono. Enseguida vuelvo. ¡Oh, mier...!

Alberto Lloret - Braindead

Cuanto más consumes un determinado género, como el de los zombis, más fácil es pensar que ya lo has visto todo, que no hay nada que pueda ir más allá, o ser más bestia. Hasta que en 1992 llegó un Peter Jackson pre-El Señor de los Anillos y post-Mal Gusto, que me dio un bofetón de realidad con ingentes cubos de sangre, cortadoras de césped y una madre que se come un pastor alemán.

Tuve la "suerte" de poder ver Braindead en el defenestrado festival de cine Imagfic, en versión original y de pie (se agotaron las entradas -no numeradas- y la gente compró de las de otras salas para colarse en esta) y fue un amor a primera vista. A día de hoy sigue siendo una de mis películas favoritas de terror, si es que puede calificarse así. Es tan bestia y absurda en todo que provoca risa.

 ¿Un cura haciendo artes marciales en el cementerio? ¿Sacar a pasear a un bebé zombi? ¿Pisar vísceras para avanzar en un suelo encharcado por la sangre? ¿Intestinos con vida propia que se maquillan en el espejo? Sí, parece comedia, y lo es. Pero una tremendamente gore que para mí, a día de hoy, sigue imbatible en muchos aspectos. Qué lástima de Peter Jackson dejara este camino...

José David Muñoz - Ghostland

La obra de Pascal Laugier, director francés de la también polémica Martyrs, esta película que va girando entre terror, thriller y slasher con toques de misterio nos puede parecer liviana de primeras gracias a su 90 minutos. 

Pero que no te engañe, va a ser la hora y media más larga de tu vida... con permiso de Irreversible. A priori, todo empieza como la típica película de miedo porque una madre con sus tres hijas se mudan a un páramo y llegan Los Tipos Malos.

La acción que hay entre el momento en que fastidian su mudanza y se resuelve todo dura apenas un instante, justo cuando más te confías y aprovecha Laugier para pillarte con la más baja de las guardias. 

No se puede decir mucho más porque fastidia la experiencia, pero solo necesita que te sientes a verla y disfrutar (si puedes) de lo que te ofrece. Porque a veces el miedo no se reduce simplemente a lo sobrenatural, también está entre lo más cotidiano que te rodea.

David Rodríguez - Mientras duermes

Voy a tirar de cine español seleccionando un thriller de Jaume Balagueró, una película que no es sobrenatural, ni gore, pero que a mi en su momento me dejó un mal cuerpo terrible. Hablo de Mientras Duermes, una cinta que da miedo porque aborda algo que puede ser tangible y "cotidiano".

Luis Tosar hace un papelazo para dar vida a un personaje muy desagradable en una trama que va evolucionando siempre. Conocí a su director en REC (otro peliculón clásico para Halloween) y lo cierto es que no consigo olvidar la cruel manera en la que la película te hacía cómplice de todo lo que ocurre en ella.

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Sea en el cine o en la literatura, es un elemento habitual en sagas como The Conjuring, que se desarrollan en viviendas unifamiliares, El resplandor, con el hotel Overlook, La caída de la casa Usher, una mansión decadente, La maldición de Hill House... En definitiva, no es nada novedoso, aunque algunas de las obras clásicas del subgénero todavía estén llegando.

Al promocionar Ofrendas de verano, en la editorial Minotauro comentan que es una novela de Robert Marasco publicada en 1973 y que fue una influencia para El resplandor, la obra de Stephen King que se publicó en 1977, aunque pocos la citan como referencia.

Ofrendas de verano fue una obra importante en el terror estadounidense de los 70 y hoy día sigue siendo una historia fácil de leer que disfrutarán muchos aficionados al género. Al final, Robert Marasco era un superventas en su tiempo, aunque en la actualidad sea un escritor bastante olvidado.

Es cierto que una vez pasado el canon del tiempo las novelas de Shirley Jackson o Stephen King quedan como superiores a esta por su calidad literaria, que aquí se desvía en pos de un entretenimiento muy de su época, pero no es una pérdida de tiempo en ningún caso.

Como suele ser habitual con estas historias, es mejor desconfiar cuando uno encuentra un chollo inmobiliario, más todavía si es una mansión apartada de núcleos urbanos. Pero la pareja protagonista no lo hace y la compra como casa de verano. Las consecuencias iniciales son difíciles de explicar: malestares, tensión, obsesión por los detalles... Pero van en aumento.

¿Thriller sobrenatural o novela de terror? Ofrendas de verano es un poco las dos cosas y se puede leer sin más pretensiones que la del puro entretenimiento. No sé si considerar a esta novela un clásico, pero sí que es una novela interesante de leer que además sirve para entender cómo era la ficción de terror de los 70 en Estados Unidos.

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Aprovechando la ocasión, publicamos una entrevista al director Tatsuya Yoshihara y al asistente de dirección Masato Nakazon, que adelantan varios detalles sobre el estreno y cómo han afrontado el ambicioso proyecto.

Tatsuya Yoshihara: Lo primero que me impresionó fue la forma en que se retrata la relación inicial entre Denji y Pochita; es algo pobre, pero muy valiosa. Más adelante, cuando Denji crece, empieza a actuar de manera impredecible y extravagante, y cada una de sus acciones genera una gran expectación por lo que ocurrirá después. Creo que es un manga que sabe muy bien cómo emocionar al lector.

Masato Nakazono: Cuando leí el primer capítulo en Shonen Jump, pensé: “¡Esto no parece algo de Jump!”. Es cierto que tiene ese “toque Shonen Jump” en los momentos álgidos y en el desarrollo de la historia, pero me pareció una obra completamente distinta a todo lo anterior. 

En cuanto al Arco de Reze, la escena que más se me quedó grabada fue cuando Denji, que hasta entonces había actuado solo por instinto, empieza a tomar decisiones por sí mismo tras conocer a Reze. Toda la secuencia que lleva hasta ese punto demuestra una nueva faceta de Denji y me hizo pensar, “así que esto es lo que piensa Denji”.

Además, en el enfrentamiento contra Bomb y Typhoon Devil, cuando Denji usa motosierras y forma equipo con el demonio tiburón Beam, pensé que era como una historia dentro de otra, al estilo de la película Sharknado. En esa película se enfrentan a tifones y tiburones con motosierras y bombas. La combinación de esos elementos con el resto de cosas me pareció muy fresco, hizo que me sintiera aún más atraído por Chainsaw Man, un manga que ya seguía cada semana con muchas ganas.

Yoshihara: Sinceramente, creo que en ese momento lo que sentí fue ansiedad, pero como depositaron su confianza en mí también tuve la determinación de hacer todo lo posible para estar a la altura de las expectativas. Como también formé parte del anime, mi objetivo ha sido crear un Chainsaw Man aún más emocionante, uno que realmente entusiasme a todo el mundo.

Nakazono: En el anime trabajé como director jefe de episodios, un puesto de apoyo directo al director. En esta ocasión, respondí que estaría más que encantado de ayudar a Yoshihara, y así fue como me convertí en asistente de dirección.

Yoshihara: Lo primero que hicimos fue reunirnos con todo el equipo, incluidos los animadores, para volver al punto de partida. Como equipo, decidimos que queríamos incidir aún más en la esencia de la obra original, prestando especial atención al uso del color, la cantidad de líneas, la iluminación y las sombras que genera, y establecimos eso como nuestro objetivo. 

En concreto, tratamos de captar con cuidado los pequeños gestos, posturas y expresiones de los personajes. Hemos querido trasladar a la pantalla la misma sensación que tuvimos al leer el manga por primera vez, y además, crear una película en la que quienes ya lo hayan leído puedan experimentar una sensación de frescura gracias al color y al sonido. Eso fue algo que valoramos mucho durante todo el proceso.

Nakazono: Volvimos a examinar cada viñeta del manga original. Las analizamos con todo el equipo y nos preguntamos “¿por qué dibujó esto Tatsuki Fujimoto?”. Entonces las reinterpretamos visualmente. En el resultado final hay partes en las que los ángulos difieren del cómic original, pero fuimos muy cuidadosos en que la esencia de la obra de Fujimoto se mantuviese. 

Es algo con lo que todos estábamos de acuerdo. Cada miembro del equipo aportó sus ideas cuando pensaba que algo podía funcionar de otra manera. Al alinear y combinar esas ideas en una sola visión es cuando la forma actual empezó a tomar cuerpo.

Yoshihara: Partiendo de esa base, añadimos una cantidad considerable de contenido original en las escenas de acción para aprovechar al máximo elementos como las bombas y los tifones, algo que realmente destaca en la gran pantalla. En especial para la batalla contra Typhoon, [el director de animación de acción Sota] Shigetsugu aportó muchísimas ideas.

Nakazono: Exacto. En términos de escala, esta historia es incluso más ostentosa que el anime. Estoy seguro de que, en la batalla contra Typhoon, el público va a vivir esa experiencia inigualable que solo una pantalla grande puede ofrecer. También hemos trabajado a fondo en los efectos de sonido, como las explosiones y las ráfagas de viento del tifón, y en el sonido envolvente, para que los espectadores vivan una experiencia realmente inmersiva.

Yoshihara: A medida que creamos los tráileres y actualizamos el material, el objetivo se fue volviendo más claro, y eso nos ha hecho coger confianza a medida que avanzaba la producción.

Nakazono: No diría que hemos empezado desde cero, pero sí hemos ido resolviendo cada cosa paso a paso, como un verdadero equipo. Ha sido duro, pero ver cómo todo se ha ido convirtiendo en una sola película ha sido una experiencia de la que me siento muy orgulloso.

Nakazono: De las secuencias que dirigí, diría que una con la que más “jugamos” fue la reacción de Denji cuando Makima aparece frente a él durante la cita. Esto fue algo que también pidió el director Yoshihara al corregir los storyboards. Cuando grita “¡guapa!”, en el fondo podemos ver varios Denjis. 

Hablamos de que ese podía ser el momento perfecto para ampliar lo que propone el manga y potenciarlo visualmente. Pensamos que Denji tendría ese nivel de entusiasmo de forma natural y tratamos de expresarlo de una forma más cinematográfica.

Yoshihara: En la escena de la reacción de Denji hicimos que el color fuese más intenso, más cercano al de las portadas del cómic, y modelamos la imagen para que reflejase sus emociones. En las escenas de acción, añadimos recursos similares al super slow motion y experimentamos con los colores y la composición. Espero que esos elementos recurrentes y juguetones funcionen como ganchos y mantengan al público atento hasta el final.

Todos esos elementos que mencionáis son cosas que los espectadores van al disfrutar al máximo tras ver la película varias veces.

Yoshihara: Así es. La película se titula El Arco de Reze, así que ante todo queremos que el público siga la historia de Reze y experimente todo el abanico de emociones de la película. Luego, cuando vayan a verla por segunda o tercera vez, puede ser interesante que se fijen en ciertos detalles. Por ejemplo en Denji y Beam o en otros personajes no protagonistas, como las personas que están en el fondo haciendo pequeños gestos… 

Personalmente, me gustan las escenas de acción, y dado que son las que incluyen la mayor cantidad de elementos originales creados para la película, creo que resultan las más novedosas incluso para los seguidores del manga.

Nakazono: Un aspecto que me gustaría que el público también se fije es cómo hemos tratado esas viñetas del manga en las que solo vemos expresiones sin ningún diálogo. En especial la escena en la que Denji y Reze hablan sobre “el ratón de campo y el ratón de ciudad” en el aula, después de salir de la piscina. 

Siento que en esa escena hemos potenciado la animación a través del ritmo de la conversación y el manejo del tiempo. Me encantaría que todos los espectadores sientan lo mismo que sintieron al leer el manga por primera vez. Todo el equipo nos hemos esforzado muchísimo para conseguirlo.

Yoshihara: Nos hemos basado en la interpretación que cada actor hizo de su personaje, aunque en algunas escenas dimos indicaciones adicionales. Para Denji, por ejemplo, le pedimos básicamente que vaciase un poco la mente y que la vaciase aún más cuando se transforma en Chainsaw Man. El director de sonido, Yasushi Nagura, fue quien transmitió las indicaciones a todos los actores de doblaje.

En el caso de Aki (Shogo Sakata), la base fue la misma, aunque le pedimos que elevara la voz un par de niveles para la escena en la que Aki salva a Angel Devil (Maaya Uchida) cuando este está en apuros. Para Reze, le pedí a la actriz que sonara alegre cuando hablara con Denji, y ajustó el tono al instante. Tras el cambio de tono que hace con Reze, la interpretación de Reina Ueda fue tan buena que nos quedamos prácticamente con toda su propuesta inicial.

Nakazono: Como bien dice Yoshihara, también creo que las interpretaciones del reparto han sido una parte fundamental de la película. Toya y Sakata, en particular, han crecido mucho desde que acabó el anime. Tomori Kusunoki, la voz de Makima; Fairouz Ai, la voz de Power; Ueda y todos los demás miembros del reparto se han implicado a fondo hasta comprender a sus personajes, lo que nos ha permitido construir una base muy sólida. 

A partir de ahí tuvimos reuniones en las que discutimos detalles más particulares, como la actitud que debía tener un personaje cuando hable con otro en particular y cosas así. Ha sido una experiencia muy divertida formar parte del equipo que ha creado esta película.

Yoshihara: Es una película que se podría considerar una historia romántica, o también se podría clasificar como una película de tiburones. Es una obra que se puede entender de muchas formas, así que me alegraría mucho que el público la disfrutara desde todos los puntos de vista.

Nakazono: El manga original de Chainsaw Man tiene un universo rico y multidimensional y esta adaptación cinematográfica se construye sobre esa base, dando como resultado una película llena de variedad. Tanto, que uno podría pensar, “¿De verdad cabe todo esto en una sola película?”. Hay muchos pequeños detalles en cada fotograma, por eso me alegraría que la gente la viera más de una vez

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El actor, conocido por su papel en The Bear, interpreta a Bruce Springsteen en Deliver Me From Nowhere. Con motivo de este lanzamiento que se podrá ver el 24 de octubre, publicamos una entrevista a Scott Cooper, director de la película. 

Primero recibí un correo electrónico de Ellen Goldsmith-Vein y Eric Robinson, quienes luego se convertirían en mis socios productores de esta película. Simplemente me preguntó: ¿"Eres fanático de Nebraska de Bruce Springsteen ?" Y le respondí: ¿"Quién no lo es?" Eso llevó a una conversación sobre el libro de Warren Zane, Deliver Me From Nowhere. 

Me sorprendió cómo el libro era este retrato profundamente íntimo y honesto de un capítulo doloroso en la vida de Bruce, destacando sus luchas internas y lidiando con un trauma infantil no resuelto. Me cautivó el viaje introspectivo que realiza Bruce luchando con el aislamiento y la creatividad, y la historia me llamó la atención como increíblemente cinematográfica y esencial para adaptar. Así que eso llevó a una reunión con Warren Zanes, que luego condujo a una reunión con Bruce Springsteen y Jon Landau, quienes se convertirían en los temas de mi película.

Absolutamente. Soy fan de Bruce desde hace mucho tiempo y del álbum, Nebraska, en particular. Fue un álbum que me presentó mi padre cuando era adolescente. Por cierto, mi padre falleció el día antes de que comenzara a filmar esta película y se la he dedicado a su memoria. Entonces, se ha convertido en un proyecto muy personal para mí. Nebraska es, para mí, uno de los discos más profundos y convincentes de todos los tiempos. Así que sentí que esta era una historia que tenía que contar.

Quería que Bruce y Jon estuvieran involucrados en todo momento, y contribuyeron generosamente con sus ideas durante el desarrollo del guión. Cuando tenía preguntas, los consultaba de cerca con las decisiones de casting porque quería que los actores tuvieran un parecido físico muy cercano, pero lo más importante es que debía haber una honestidad emocional y psicológica. 

Luego, al filmar la película, quería que Jon y Bruce estuvieran cerca tanto como fuera posible porque infundió al proyecto un sentido de autenticidad que de otro modo no tendría. Quería poder encarnar con sinceridad la complejidad de Bruce en la pantalla. Entonces, ¿quién mejor que tener a Bruce allí cuando había una pregunta que quizás mi guión no respondió?

Estaban involucrados como yo quería que estuvieran, pero nunca como directivos. Y, tengo que decir, fue una experiencia profundamente conmovedora para mí entrar en el alma de un artista a quien he admirado durante mucho tiempo y presenciar de cerca la vulnerabilidad y la fuerza detrás de su música. 

Más que nada, fue un privilegio traducir la historia de Bruce y esa cruda honestidad emocional a la pantalla. Y al hacerlo, me cambió. Tuve una relación de trabajo increíble con Bruce en esta película. Como me dijo Jon Landau, su mánager de toda la vida, confidente y amigo cercano: "Esta es la primera vez que Bruce le entrega el volante a alguien más en 50 años". Así que, por supuesto, no me lo tomé a la ligera porque, aunque no estaba haciendo un documental, quería que esto se alineara lo más posible con los hechos, y el libro de Warren solo podía llevarme hasta cierto punto.

La película trata realmente sobre un joven músico en la cúspide de convertirse en una superestrella mundial que lucha por reconciliar las presiones del éxito con los fantasmas de su infancia. Este momento en particular de hacer Nebraska marcó un momento muy crucial en la vida de Bruce y se considera uno de sus trabajos más personales y duraderos. 

Centrarse específicamente en este momento específico de la vida de Bruce es lo que me atrajo en lugar de hacer una película biográfica típica. No sé si dos horas es un tiempo suficiente para capturar la totalidad de la vida de alguien, ciertamente no la de Bruce Springsteen. Entonces, desde el principio, vi esta película como algo más tranquilo e interior.

Así que para mí, nunca se trató de contar toda la historia de Bruce Springsteen. Se trataba de honrar un momento en particular y la quietud, la búsqueda, la honestidad emocional debido a ese disco y ese tiempo significaron algo para mí mucho antes de que existiera este proyecto. Poder concentrarme solo en eso fue increíblemente liberador y emocionante para mí. 

Sabía que tenía que infundirle tanta autenticidad como fuera posible, por lo que filmé en The Stone Pony en Asbury Park, a lo largo del paseo marítimo de Nueva Jersey, y todos estos lugares en los que Bruce pasó mucho tiempo y donde todavía vive hasta el día de hoy. La autenticidad siempre fue mi estrella polar.

Curiosamente, Jeremy Allen White está en el mismo lugar de su carrera donde estaba Bruce Springsteen en 1981-82, es decir, se está convirtiendo en una superestrella mundial. "The Bear" ha llevado a Jeremy a alturas que no creo que ni siquiera él esperaba. 

Para mí, Jeremy es uno de los mejores actores de su generación. Encarna una mezcla convincente de intensidad, vulnerabilidad y autenticidad que pensé que encajaría perfectamente con este papel, y tiene un parecido físico con Bruce de esa época, tanto que la esposa de Bruce incluso dijo: "wow, se parece a Bruce cuando lo conocí".

Por supuesto, la película nunca se trató de imitación o mimetismo porque solo hay un Bruce Springsteen. Me esforzaba por una esencia. Jeremy pasó por el delicado proceso de habitar la voz de Bruce, su presencia y, sobre todo, su espíritu. Se trataba de capturar ese tumulto emocional y psicológico que Bruce estaba soportando durante este tiempo. 

Así que me pareció que Jeremy era la elección perfecta para el casting, y nadie más podría haberlo interpretado. Es sensacional en la película.

Supe de inmediato cuando comencé a escribir el guión que Jeremy Strong era la elección correcta para interpretar a Jon Landau. Jeremy es un viejo amigo mío. Estaba en mi película Black Mass, aunque terminé eliminando esa historia en particular. Jeremy es también uno de los mejores actores de su generación. Se dedica a una investigación profunda y auténtica para convertirse en el personaje.

En el corazón de la película está esta historia de amor entre dos hombres que, durante 50 años, han tenido una amistad tan cercana como cualquier hombre podría tener porque Jon ha desempeñado muchos roles en la vida de Bruce: gerente, confidente, terapeuta, mejor amigo, figura paterna. Y sentí que Jeremy era el actor perfecto para capturar eso. 

En gran medida vemos a Jeremy Strong interpretando personajes como Kendall Roy o Roy Cohn, que son personajes un poco insensibles y emocionalmente fríos. Aquí, Jeremy transmite brillantemente el intelecto de Jon, su feroz lealtad, su inteligencia emocional, y basa el corazón de la película en su compleja relación. No creo que hayamos visto a Jeremy interpretar este tipo de calidez y compasión antes. Es exactamente lo que me interesó.

Fue increíble cuando Bruce y Jon visitaron el set. Ver a Jeremy Strong y Jeremy Allen White y Bruce Springsteen y Jon Landau juntos fue un momento de pellizco, ver a estos actores interpretar tan bellamente a estos dos hombres tan complejos con carreras muy largas e históricas. 

Todos se llevaban muy bien. Bruce y Jeremy Allen White tuvieron su relación aparte de la película donde Jeremy pudo preguntarle a Bruce sobre todos estos momentos específicos. Y tanto Jon Landau como Jeremy Strong tuvieron una relación muy cercana durante la preparación y el rodaje. Tener a Bruce y Jon, dos leyendas por derecho propio, tan emocionalmente abiertos, generosos y vulnerables con nosotros. No podría haber pedido una mejor experiencia. Fue una vergüenza de riquezas y una de las experiencias creativas más profundas de mi vida.

Bueno, Odessa me escribió una larga carta explicando lo importante que era la música de Bruce para su relación con su propio padre. Y eso me conmovió mucho. En general, esa no es una razón suficiente para elegir a alguien. Pero luego audicionó y fue notable. Tiene una fuerza cálida y tranquila, esta alegría de vivir que me encantó, y esta sutil visión emocional que realmente enriquece profundamente el viaje emocional de Bruce. Odessa está tan emocionalmente disponible, honesta y desinhibida. No puedo hablar lo suficiente de ella. 

Y, por supuesto, Steven Graham, que es un actor notable. Él y yo hemos discutido trabajar juntos durante años, y esta película finalmente nos unió. No solo es un rival físico cercano al padre de Bruce, sino que ofrece esta intensa vulnerabilidad y desesperación silenciosa, que es increíblemente importante para iluminar la complicada herencia emocional de Bruce de su padre. Hay un momento en que su relación alcanza una reconciliación que creo que es profundamente conmovedora. La película simplemente no sería lo mismo sin Stephen Graham. Aporta un cierto nivel de magia a cada papel que interpreta.

Y tenemos a la maravillosa Gabby Hoffman que interpreta a la madre de Bruce, Adele. Ella ofrece, en contraste con el padre de Bruce, una calidez incondicional, honestidad emocional y esta fuerza silenciosa y nutritiva que creo que moldeó profundamente el sentido de compasión de Bruce.

Tiendo a usar el mismo equipo porque todos hablamos el mismo idioma y todos hemos hecho algunas películas que son difíciles de hacer. Mis películas son bastante difíciles físicamente debido al terreno emocional, psicológico y físico. O estoy haciendo una película como Hostiles, que fue un western que hice con Christian Bale, donde filmamos a 10,000 pies sobre el nivel del mar con caballos, o The Pale Blue Eye, donde está a 10 grados bajo cero. 

Mis películas no son fáciles, así que tiendo a usar el mismo equipo porque siempre cumplen, son grandes amigos y todos estamos remando en la misma dirección.

Esta es una película de contrastes musicales. Tenemos la tranquila e intensa vida interior de Nebraska, que fue grabada en la habitación de Bruce con una guitarra acústica, glockenspiel y armónica en contraste con las actuaciones de Bruce en The Stone Pony, donde va cuando necesita una liberación como un hombre fuera del horario laboral, una estrella de rock que da un paso atrás y no está en el centro de atención. 

Quería que esa música, en contraste con la tranquilidad de Nebraska, se sintiera cruda e intransigente. Quería que la música se sintiera vigorizante y peligrosa a lo largo de la película.

Luego, tener a Jeremy Allen White cantando Born to Run del final del River Tour en Cincinnati en 1981 fue eléctrico y escalofriante. Cuando estaba grabando esa secuencia de concierto en particular, me enteré de que mi casa había sido víctima del incendio de Pacific Palisades y se había quemado hasta los cimientos. Una vez que supe que mi familia estaba a salvo, Bruce los había mudado a su casa de Los Ángeles, tuve que apagar mi teléfono y concentrarme en la escena. 

Y luego ver a Jeremy cantar Born in the USA por primera vez en la central eléctrica en el lugar exacto donde Bruce cantó en 1982... Quiero decir, fue la experiencia creativa más profunda de mi vida. Fue esta mezcla única de perderlo todo en mi vida, pero ganar mucho a cambio.

Si alguien sale del cine y quiere irse a casa y sentarse en silencio y escuchar realmente Nebraska de Bruce, entonces siento que habré hecho mi trabajo.

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La nueva entrega de la serie antológica de Netflix ha sido un desastre en cuanto a crítica y público. Lo cierto es que motivos no le faltan a quienes muestran su disconformidad con lo que aparece en la historia que se cuenta.

A los creadores no les ha bastado con los crímenes de Ed Gein. Se ha buscado un mayor impacto mediante la inclusión de escenas más morbosas y llenando vacíos con decisiones truculentas que intentan atrapar al espectador. En vez de optar por el misterio que acompaña a este tipo de asesinos, más todavía en tiempos predigitales, se los mira con un prisma que en ocasiones puede parecer admiración.

No quiero decir que Ryan Murphy haya sido el único que elige esta manera de afrontar sus series. En los últimos dos años han ido llegando más y más true crime, casi cada semana, en un acelerado pulso entre las distintas plataformas por hacerse con el éxito más inmediato.

¿Qué se cuenta en los true crime?

En el desolador panorama actual de true crime, de vez en cuando encontramos algún título que llama la atención por extravagante u original, como puede ser el caso de Los reyes de Tupelo: Una saga criminal en Misisipi. Pero es raro cuando una serie busca atraer por su documentación sorprendente y no por la solución fácil.

La pregunta que me puede surgir con este tema ya no es sobre la calidad en sí, que cada vez es menor y se encuentra en una época crepuscular, sino en la ética con que se afrontan.

Series como las de Monstruo tienden a rodarse en base a la atracción hacia el criminal por encima de todo, rara vez se pone toda la atención en las víctimas, el jurado o incluso el familiar que comparte techo con ellos. El foco se coloca en el asesino y se deja la narración a sus actos y la leyenda popular.

Hace unos meses leí un ensayo titulado La chica muerta favorita de todos, de Beatriz Garcia Guirado, que viene muy a cuenta del tema. Trata sobre el asesinato de Elizabeth Short, conocida por siempre como la Dalia Negra, y la doble victimización que sufrió. Esta mujer no fue solo víctima de su asesino, también de la sociedad que la cosificó para deshumanizarla y ajustarla a lo que mejor le venía a los periódicos.

En La chica muerta favorita de todos: El caso de la dalia negra y el detective de la multitud se habla del que mira el crimen y lo adapta en su beneficio. Eso es extraño en estos tiempos, porque analizar a quien escribe la leyenda y no a la persona perturbada es incómodo para todos, pero quizá pueda ser una solución al true crime actual.

Evidentemente, no es solo una cuestión de creadores, también se debe cuestionar al espectador. Quizá nos toca preguntarnos qué esperamos ver con cada true crime que ponemos, si buscamos entretenimiento o simple morbo, si merece la pena gastar el tiempo o no y qué ocurre con lo que no se está contando en las imágenes que solo buscan incomodarnos.

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Este proyecto es la adaptación de Lo que pasa de noche. Sin duda, un merecido honor para Peter Cameron, autor del que se puede conseguir esta novela en España gracias a Libros del Asteroide. 

El caso es que hace año y medio leí la novela y me pareció tan interesante como adaptable al cine.

En Hollywood se vive un deterioro de ideas por la obsesión con las propiedades intelectuales, por lo que siempre se agradece que haya directores que apuesten por rodar los proyectos que realmente les interesan.

En esto último es especialista Martin Scorsese, porque ¿quién le va a poner límites creativos a estas alturas? No solo sigue siendo extremadamente ambicioso, sino que además cumple en calidad con sus distintas películas, sean de producción clásica o con una gran plataforma detrás.

Volviendo a Lo que pasa de noche. Mientras leía la novela me venía esa sensación tan común a veces como injusta: pensaba que podría ser una gran película. Imaginaba a los hermanos Coen por las partes surrealistas en las que no sabía si el autor estaba siendo cómico o cruel, pero también a Darren Aronofsky y otros directores.

Pues bien, en esta ocasión el realizador es Martin Scorsese y tengo curiosidad por saber qué hace con este proyecto, porque da para muchos tonos y es un artista versado en adaptar novelas que le gustan sin desperdiciarlas.

Una novela extraña y notable

Lo que pasa de noche es una novela que transcurre en un paraje casi gótico en medio de la bruma, en un entorno extranjero en el que dos norteamericanos pierden la referencia. 

Estos son una pareja que viaja para adoptar un niño en un orfanato del extranjero. No están en su mejor momento, y no solo por la enfermedad de ella: es de esos matrimonios que se mantienen más por inercia que por amor.

Tanto en el orfanato como en el hotel en el que se alojan van viviendo situaciones absurdas, encontrando personajes con los que les cuesta comunicarse y caen en una decadencia cada vez más acentuada. 

Confieso que es una novela difícil de describir, pero que disfruté muchísimo porque está muy bien escrita y es coherente con lo que narra. Peter Cameron es un gran escritor y mantiene el pulso narrativo hasta la última página.

Eso sí, al conocer el reparto tengo que apuntar un detalle que me llamó la atención: los quince años de diferencia que se llevan Jennifer Lawrence y Leonardo DiCaprio, que interpretarán a la pareja. No es tan exagerado como otras veces, pero lo realmente novedoso sería esa misma diferencia de edad en sentido contrario. Da qué pensar, ¿no?

En fin, Lo que pasa de noche es una novela que merece la pena, una historia tan entretenida como inquietante. Para la película falta aún mucho tiempo, seguro que quien la lea irá después a ver su adaptación al cine.

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Con poca promoción vistos los últimos meses en los que se ha hablado tanto de Sirat o El cautivo, Maspalomas ha llegado a los cines esta semana, la del Zinemaldia de San Sebastian, el gran evento del cine en el País Vasco.

Si alguien se pregunta por qué ha hecho tan poco ruido esa película, lo primero a apuntar es que está rodada en euskera. Los personajes son vascos y el grueso de la trama se desarrolla en una residencia de Gipuzkoa.

Una vez disfrutada, creo que tenemos mucha suerte con estos directores que pueden presumir de ser más que regulares en calidad. Hay largometrajes buenos y sobresalientes, pero no malos. Y eso es algo complicado cuando se trata de una filmografía que estrena títulos a buen ritmo.

Maspalomas se promociona como una película que nos enfrenta al mundo gay en la tercera edad y los prejuicios que sigue viviendo el colectivo LGTBIQ. Protagonizada por José Ramón Soroiz, puede ser todo un reto para algunos espectadores por el tema a tratar, algunos momentos de sexo casi explícito (no estamos acostumbrados a desnudos de cierta edad) y el estar en euskera.

La edad no frena el deseo

En todo caso, Maspalomas empieza en la isla de ese nombre contando la vida del protagonista, quien vive inmerso en la comunidad gay en lo que para él es un continuo festejo de cruising, raves, discotecas, alcohol... hasta que sufre un ictus.

Entonces la película salta a una residencia de la tercera edad y el reencuentro con su pasado, la hija a la que abandonó 25 años antes (su exmujer murió) y volver a ocultar su condición para no ser juzgado, algo que ocurre con mayor severidad en las personas mayores.

La trama se rueda con un estilo sobrio y certero, en el que son tan importantes los silencios como los diálogos entre los protagonistas. No hay momentos de grandes clímax, sino que la situación avanza sin edulcorar ni tampoco caer en el melodrama gratuito. Se narra como si hubiese una verdad a contar, describiendo unas vivencias que en gran parte podrían ser universales.

Pero no quiero transmitir una sensación de película pesada. No es un pasatiempo, pero los 115 minutos de Maspalomas pasan sin agotar a los espectadores.

Es curioso que la película concuerda con otra de uno de los mismos directores, 80 egunean (En 80 días), aunque Jose Mari Goenaga la dirigió en esa ocasión con Jon Garaño. En ella también contaba una relación homosexual en la tercera edad, aunque esta vez entre mujeres.

Más allá del factor denuncia que pueda haber por medio y la necesidad de mostrar una realidad que es más cruel de lo que se puede imaginar, a nivel formal también es una película muy valiosa que llega a emocionar. Pero habría que destacar a José Ramón Soroiz.

El actor de 74 años se carga la película a sus espaldas y los distintos momentos por los que pasa el personaje, no solo a nivel físico, también emocional. La capacidad de transmitir que muestra espero que le sitúe como un firme candidato en los próximos premios Goya. Maspalomas es un aprendizaje que gracias al actor vasco no necesita de subrayados.

Cabe destacar que los primeros minutos de película cuentan con una serie de escenas que pueden impactar a espectadores. Pocas veces se ven desnudos casi integrales de personas de 70 años, más aún realizando prácticas sexuales.

En definitiva, estamos ante una película de gran valor. Es posible que algunos elementos vayan en contra de un mayor recorrido en taquilla, pero quien la vea disfrutará de una obra notable.

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Un año después tenemos otra obra del mismo autor a la venta, aunque esta vez con cambio de editorial, en Minotauro. Fue coescrita por Tabitha King, mujer de Stephen King que, como el resto de su familia, tiene una carrera sobre sus espaldas. 

Pero es casi una obligación comentar que no está escrita a cuatro manos por ser una colaboración entre ambos, sino por quedar inconclusa tras el pronto fallecimiento de McDowell, quien solo vivió 49 años por los problemas que conllevaba el sida que sufría.

Esta novela ya fue publicada en nuestro país en 2007 bajo el título Voces de silencio, también en Minotauro, y por motivos obvios han decidido que era buen momento para aprovechar la misma traducción y reeditarla.

Calliope. La voz en llamas es en principio lo que uno puede esperar. Narrada desde los ojos de una niña y ambientada en ambientes decadentes de mediados del siglo XX, todo lo que la protagonista recibe es hostilidad, parece ser un estorbo para los demás, y se lo demuestran constantemente. 

En un viaje de familia, su padre es secuestrado y torturado de forma salvaje por dos desconocidas, algo que se narra en apenas un par de páginas de difícil lectura por lo macabras que son. Este es el comienzo de la novela, a partir de ahí el resto de los miembros se ven obligados a ir a una casa... que es idéntica a otra que perteneció a un familiar años atrás.

Desde ese momento el mundo se reduce a esa casa y a unos personajes llenos de claroscuros... pero también a unas voces que la protagonista descubre que puede escuchar. Ella empezará a entender de quién son y por qué las entiende.

El Estados Unidos más misterioso

Como pasaba en Blackwater, los misterios, la atmósfera y la profundidad de los personajes son las mejores bazas para atraer a los lectores. Aunque se nota que el estilo es distinto al de esa historia.

No hay que olvidar que Tabitha King fue quien terminó Calliope, novela que estaba a medias, y que es una escritora solvente con multitud de novelas, relatos y poemas publicados. Cuenta con un estilo propio.

Dicho esto, Calliope. La voz en llamas es una obra algo menor que Blackwater, pero que también está enfocada a gustar a los mismos lectores, a los que disfrutan de las historias situadas en ese Estados Unidos del siglo pasado y a quienes buscan un toque fantástico en sus lecturas.

Blackwater fue una revolución en el mercado nacional y tras esta no van a tardar en recuperar más novelas de Michael McDowell. Ahora queda por ver si se acercan de algún modo a las ventas de ese fenómeno editorial.

Una carrera tan profusa como la que ha tenido el llamado Rey del terror ha dado para muchas fases literarias y vitales. Pero se ha mantenido una esencia en su obra, hay un estilo muy reconocible y entretenido, igual que algunas estructuras narrativas donde se le reconoce.

Por ejemplo, las historias grupales, sea con gente encerrada en un mismo sitio (un supermercado, una cúpula, un pueblo...) o unos amigos que se enfrentan a una vivencia en su juventud. Lo coral suele ser marca de la casa, al menos en muchas de sus obras más conocidas.

También hay cierta forma de narrar situaciones, básicas en apariencia, pero que siempre dan para distintas lecturas (si se quieren hacer) o giros inesperados. King se ha manejado muy bien en ese aspecto, sobre todo en sus primeros años, donde era capaz de alternar títulos como Carrie o El misterio de Salem's Lot con las que escribió como Richard Bachman.

Vista la rápida producción que tenía, el autor decidió buscar un modo de publicación en paralelo con el seudónimo Richard Bachman, aunque acabó por ser descubierto. Con este nombre publicó unas obras que podían considerarse menores, como Rabia, Carretera maldita, El fugitivo, Maleficio o la que pronto veremos en cines: La larga marcha.

Son novelas más fáciles de leer, pero con mucho encanto y donde se condensa esa genialidad que también había en sus primeras antologías de relatos. Sabías que quizá no estabas leyendo algo muy profundo, pero sí divertido y escrito por alguien capaz de sorprenderte.

Porque La larga marcha tiene una premisa muy sencilla de resumir. El protagonista forma parte de una competición en la que 100 jóvenes deben avanzar a paso ligero hasta que solo quede uno. El que se detiene por el motivo que sea (cansancio, lesiones...) es asesinado por los organizadores. Todo esto es un espectáculo que se retransmite en directo por televisión.

A partir de ese contexto, King desarrolla unos personajes interesantes, subtramas que comienzan y terminan con rapidez, algún susto y siempre se mantiene la imagen mental de los personajes avanzando por las carreteras de Estados Unidos. En definitiva, lo que yo considero un divertimento.

¿Y qué quiero decir con todo esto? Algo muy sencillo. Disfruto mucho las tramas llenas de nostalgia, las que hablan del sentido de la vida, de grandes dramas, deudas pendientes de la infancia, misterios irresolubles... pero también añoro lo sencillo, lo que no tiene una gran carga y solo quiere provocar una emoción inmediata.

En esto último Stephen King ha sido un maestro, un creador que me ha dado muchísimos momentos de diversión. Quiero volver a sentir ese placer.

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De entre los 57 largometrajes que podían elegirse, Romería, Sirat y Sorda han sido los títulos anunciados, casi todos ellos con directores conocidos por el gran público: Carla Simón, Oliver Laxe y Eva Libertad.  

Emma Suárez y Juan Diego Botto han comunicado esta selección que dejará cierta discusión sobre si son los títulos adecuados para ir a los premios. Las favoritas más comentadas eran Sirat, El cautivo, Sorda o Romería y no se ha andado muy desencaminado.

Esta selección muestra algo que llevamos años viviendo en el cine nacional, la variedad temática y de géneros que se vive en la industria nacional.

Esta próxima gala, 98ª edición de los premios de la Academia de Hollywood, se celebrará el próximo 15 de marzo. Será complicado tener una presencia tan fuerte como la que consiguió en la gala de 2025 La sociedad de la nieve.

El año pasado la elegida fue Segundo premio, la película de Isaki Lacuesta que conquistó a los cinéfilos españoles, pero que no pasó el corte de los Óscar, algo complicado por las referencias culturales que llevaba consigo. 

Recordemos que el año anterior la película de Juan Antonio Bayona consiguió dos nominaciones y fue candidata a Mejor Película Internacional y Mejor Maquillaje y Peluquería. Aunque el codiciado Óscar se lo arrebató La zona de interés.

En todo caso, esta preselección, e independientemente de si son elegidas, servirá para impulsar a las tres películas en la cartelera y plataformas.

En este momento se abre un periodo de votación para los miembros de la Academia y el próximo 17 de septiembre se anunciará la película que será finalmente elegida. ¿Apuestas? No parece que haya una favorita clara.

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La película de Sony Pictures Animation ha sido un gran negocio para Netflix. Es paradójico que uno de sus mayores éxitos de la historia no provenga de un director consagrado ni haya llegado con una brutal promoción previa, como en intentos anteriores.

Aunque haya entusiasmado a los fans del género, es un largometraje de difícil encaje en la temporada de premios. Contar con tantas visualizaciones a nivel mundial seguro que le abre alguna puerta, pero ¿y los Óscar?

Ganar un Óscar parece complicado, pero la nominación no se puede descartar. Más allá de los clásicos de Hayao Miyazaki, en Estados Unidos no es raro ver alguna película asiática nominada y su presencia en la categoría a mejor película de animación no sonaría extraña, aunque sí un contraste teniendo en cuenta que la última ganadora fue Flow.

No hay que olvidar que ningún anime ha conseguido dos nominaciones a los Óscar y, aunque no sea coreana, sí maneja esos códigos visuales en muchos aspectos. Las guerreras K-pop parece asiática, pero es de producción estadounidense.

Pero la película cuenta con posibilidades de llegar a otra categoría, en la que además tendría más posibilidades, la de mejor canción.

La banda sonora también está arrasando

Las guerreras K-pop está rompiendo barreras también en sector de la música, donde, por ejemplo, ha conseguido que cuatro de sus canciones entren simultáneamente en el top 10 del Billboard Hot 100. Porque no podemos olvidar que es de la música desde donde parte el fenómeno.

Sin duda, a todo esto le ayudará la suma de Netflix y Sony, dos empresas con fuerza para presionar y promocionar esta película.

En todo caso, quedan meses para saber las películas nominadas, pero lo consiga o no,  el proyecto casi se puede dar por amortizado: los resultados están superando todas las previsiones.

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El año pasado se estrenó Furiosa: de la saga Mad Max, precuela de Fury Road y quinta entrega dirigida de nuevo por George Miller. Aunque esta vez con nueva actriz para interpretar el papel que bordó en 2015 Charlize Theron.

Anya Taylor-Joy bordó el nuevo trabajo e hizo olvidar a muchos su papel en Gámbito de dama. Aunque no fue suficiente para alcanzar las expectativas que había en cuestión de taquilla: se quedó con una recaudación de 174 millones de dólares, y su presupuesto era de 168 millones.

Furiosa: de la saga Mad Max se suma a otra plataforma más

Está claro que lo van a tener fácil los aficionados a las películas de acción que quieran sufrir también en la pantalla las altas temperaturas. La última entrega de la saga ambientada en el desierto se encuentra presente en tres plataformas.

La película de George Miller se podía ver en Movistar Plus+ y HBO Max, y ahora también ha llegado a Netflix. Desde el sábado se encuentra disponible en esta plataforma para verla con o sin anuncios, según la suscripción que se tenga.

Aunque el largometraje no llegase a conquistar del todo los cines, sí logró una buena recepción crítica gracias a la apuesta visual que contiene. Pero su carácter episódico hizo que fuese complicada de promocionar y dejó en el aire la posibilidad de que haya más entregas de Mad Max.

Es cierto que a muchos no les apetecerá ver más desiertos y ambiente seco en la pantalla, pero Furiosa: de la saga Mad Max bien merece un revisionado: son 138 minutos de pura acción.

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Pasé muchas tardes de la adolescencia yendo con mis amigos a ver las películas de ciencia ficción de finales de los noventa. Con sus increíbles éxitos y también ejemplos vergonzosos, fue una etapa que recuerdo con una sonrisa. Vivir un espectáculo visual, asombrarme con los efectos especiales, romper mis esquemas sobre qué es la realidad... Cómo me divertía.

Desde entonces he repasado las películas más importantes de la historia, tenido mi etapa con las obras prospectivas del este de Europa, buceado en la serie B, buscado los blockbusters más excéntricos de Asia... pero, ahora, a la hora de pensar en el presente miro con cierta envidia al terror.

Ese género vive un momento muy activo y basta con ver que las últimas semanas hemos tenido lanzamientos tan interesantes como Weapons o Devuélvemela. Y hace poco vimos Presence, Heretic, Los pecadores, Destino final: Lazos de sangre, 28 años después, MEGAN 2.0, Sé lo que hicisteis el último verano...

Soy consciente de que no todas estas películas que cito son de calidad o recomendables, pero sí me parecen oportunidades para que los aficionados regresen al género, al lugar que muchos sienten como espacio de placer, en las salas de cine. Algunas incluso son eventos en sí mismas.

Hemos dejado de soñar

Con la ciencia ficción vivimos una época menos agradecida y cada persona encontrará distintos motivos para explicarla. 

Uno de ellos, que daría para su propio artículo, es el presente político y social que se ha llenado de oscuridad y cinismo. No nos apetece pensar en el futuro o en alternativas porque nos hemos vuelto descreídos, hemos cancelado cualquier opción de soñar.

Históricamente podemos encontrar épocas llenas de estrés, bélicas o de crisis, pero con el auge tecnológico del presente también sufrimos una incapacidad de imaginar opciones más allá de los fines capitalistas.

El caso es que la ciencia ficción casi siempre ha necesitado de algo de inocencia para funcionar, al menos cuando no hablamos de películas como Blade Runner o La llegada. Y estos años no nos estamos permitiendo soñar. Parece que necesitamos la ironía, la sátira, la crítica por encima del espectáculo. Mickey 17 sirve como un ejemplo de todo esto.

Sin alejarnos de Robert Pattinson en su filmografía hay otros ejemplos de la ciencia ficción que se pueden encontrar en los últimos años. Por un lado el Tenet de Christopher Nolan que naufraga en una propuesta difícil de asimilar para el público, que se pierde en sí misma; o High Life, una película más introspectiva y clásica, pero a la que la pierde su sobriedad.

No olvidemos que la ciencia ficción es para los cafeteros, los que nos quedábamos de madrugada para ver la película de las dos de la mañana, pero también para toda la familia mediante el blockbuster, para los pequeños a través de la animación, para los adolescentes que van en grupo al cine, para las plataformas con presupuestos medios, para diseccionar nuestro presente desde la alegoría, la distopía, la utopía...

Pero es un género caro y arriesgado en el contexto actual y las decisiones que se están tomando son conservadoras. Esto se puede ver en los proyectos monstruosos que ha lanzado Netflix los últimos años: Estado eléctrico o Rebel Moon. ¿Son ciencia ficción? Sin duda. El problema es que apuestan por el nivel formal, buscan un éxito en lo visual, y no dicen nada nuevo en sus propuestas. A pesar de todo, son cobardes.

¿Está la solución en la televisión? ¿O quizá el mejor ejemplo?

Desde hace varios años que se repite el éxito de las series de ciencia ficción en Apple TV+. Yo, personalmente, como amante del género, las sigo casi todas. Con sus distintos enfoques hemos podido ver Fundación, Separación, Para toda la humanidad, Silo, Matabot... 

A través de adaptaciones de libros o con propuestas ambiciosas a las que les dan su tiempo para avanzar, se ha conseguido enamorar a los fans. Además, con paciencia y creyendo en las historias, sin que estas sufran agonías como el recorrido que vivió The Expanse hasta llegar a su final.

Sin duda alguna, el modelo de capítulos de las series es óptimo para el género, pero esto no sirve para compensar la época crepuscular de la ciencia ficción en las salas de cine. 

Lo que sí demuestra el ejemplo de Apple TV+ y otras plataformas es que el género no está muerto. Las historias de ciencia ficción siguen siendo posibles y se pueden trabajar buscando a distintos públicos, solo hay que esperar a que la industria lo recuerde.

Somos muchos los aficionados que esperan volver al cine una, dos o diez veces cada año para ver ciencia ficción. Y también hay espectadores que no lo saben, pero irían a ver estas películas igual que las disfrutan en formato serie.

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Según comenta el hawaiano, está muy orgulloso de su hijo porque él "no podría hacer lo que él hace a su edad. No hay manera de que pudiera sentarme en una habitación con Denis Villeneuve y defenderme".

En todo caso, ¿quién es el hijo de Jason Momoa? Si no lo conoces, es normal, porque su debut será con esta película. Nakoa-Wolf Momoa interpretará a Leto II en la película; esto es, al hijo de Paul Atreides. El caso es que tiene solamente 19 años.

El nombre Nakoa significa "guerrero", pero pocos dudan de que su elección ha venido por otro lado, por ser un nepo baby, una abreviatura de nepotism baby -es decir, bebé del nepotismo- que consigue papeles porque sus padres ya son famosos en el mundillo.

No todos los nepo babies triunfan

En cuanto a los nepo babies, los hay de todos los tipos y algunos consiguen superar la referencia de sus padres, como Jamie Lee Curtis, hija del actor Tony Curtis, o J. J. Abrams, que viene de una familia de importantes productores de la industria.

En todo caso, este es un tema recurrente. Uno de los casos más recientes es el de Patrick Schwarzenegger en White Lotus. Con él se habló de su padre, pero no se puso en duda su actuación. 

No todos consiguen superar el odio que provocan en internet estas llegadas tan espectaculares. Esto le ocurre a Jaden Smith, quien no ha conseguido todavía la ansiada simpatía del público; y otras que están en duda, como puede ser el caso de Lily-Rose Depp, a quien vimos hace poco en Nosferatu.

Ahora con Nakoa-Wolf Momoa vuelven a surgir las dudas y la indignación por su desembarco en el cine a través de una de las entradas más grandes que pueden existir, una superproducción que arrasa por su historia, pero también por su tremendo reparto. 

En Dune: Parte Dos actuaron Timothée Chalamet, Zendaya, Rebecca Ferguson, Josh Brolin, Austin Butler, Florence Pugh, Dave Bautista, Christopher Walken, Léa Seydoux, Javier Bardem... ¿Conseguirá Nakoa-Wolf Momoa encajar en un listado de nombres de tal nivel? Lo veremos dentro de un año.

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Todos tenemos series de televisión que nos han marcado y que en su momento provocaban que las semanas fuesen especialmente largas hasta que llegaba el momento de ver el siguiente capítulo. Ahora, con tanta oferta, esto se vive de forma distinta, pero si has alcanzado cierta edad es posible que sientas algo de nostalgia.

En AMC Networks International han trabajado para buscar a ese tipo de espectador y han lanzado VinTV, un canal especializado en series de los 70, 80 y 90.

En la presentación del canal intentaron trasladar ese efecto nostalgia y nombraron un abanico de títulos que no necesitan demasiada presentación. Estos van desde series míticas internacionales a otras españolas, con unas cuantas joyas de indiscutible calidad.

Algunos de los títulos fueron Ally McBeal, V, Twin Peaks, Las chicas de oro, Expediente X, Corrupción en Miami, Campeones: Oliver y Benji, El coche fantástico, Verano azul, El hombre y la Tierra... El listado habla por sí mismo de las intenciones que se tienen.

Como suele ocurrir con estos canales lineales, el objetivo es que el espectador encuentre un lugar plácido y que se acerque a ellos para ver lo que estén emitiendo en cualquier momento.

Antonio Ruiz, Director General de AMC Networks International Southern Europe, comentó que han querido "no solo crear un punto de encuentro para revivir estos clásicos, sino también dar la oportunidad a nuevas generaciones de espectadores de descubrir y enamorarse de grandes títulos que siguen inspirando y entreteniendo”.

Por su parte, Dani Pérez, Vicepresidente de Programación de las marcas de ficción, factual y documentales de AMCNISE, afirmó que "todos van a encontrar esa serie que les marcó en sus primeros años delante del televisor. Tener en la misma parrilla a Laura Palmer, Michael Knight, Oliver Atom, Jessica Fletcher o Sophia Petrillo es lo más parecido a mojar una magdalena en un té”.

En todo caso, como con el resto de canales de AMC, se podrá ver a través de los operadores Vodafone, Orange, Jazztel, Yoigo, Euskaltel, R, MásMóvil, Avatel, Telecable, Virgin Telco, Tivify, Cable Local y DIGI. También estará en Amazon Prime Video a través de AMC SELEKT.

VinTV se encuentra disponible desde hoy 1 de julio. Veremos si llegan más series sorpresa. A todos se nos ocurre alguna a la que nos gustaría volver.

Audi Future Stories ha fallado su quinta edición y, como en años anteriores, el cortometraje será llevado a la gran pantalla durante este verano con la codirección de ambas jóvenes y el director Kike Maíllo (Disco, Ibiza, Locomía)

El estreno del cortometraje está programado para el próximo mes de septiembre en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián, que celebrará su septuagésima tercera edición. Este escaparate es uno de los principales incentivos en una iniciativa que busca descubrir y fomentar el talento joven en España.

La edición del Audi Future Stories ha alcanzado cifras récord en participación, con numerosas propuestas enviadas desde universidades y escuelas de cine de todo el país.

"En un año donde el nivel de los proyectos ha crecido exponencialmente en cantidad y calidad, la elección ha sido difícil", declaró Jaume Ripoll, miembro del jurado y director de Filmin. Añadió: "Antes de las seis tiene personajes carismáticos, giros de guion inesperados, mucha complicidad, diversión y humanismo". 

En cuanto a la historia, está protagonizada por Enrique, un ejecutivo estresado que se encuentra atrapado en un atasco. Este tiempo supuestamente perdido se convierte en una oportunidad para reflexionar sobre su vida y redescubrir la libertad. 

Las ganadoras, Aline y Gemma, han afirmado que están: "muy contentas de poder ir de la mano de Kike Maíllo y agradecidas por la oportunidad brindada por Audi. Este proyecto representa un paso importante hacia nuestro sueño de ser guionistas y directoras de cine".

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Aunque después hayan continuado su carrera en otras producciones, muchos de los integrantes de la serie han quedado en la memoria de los espectadores por los papeles que protagonizaron en Mad Men entre 2007 y 2015. El principal motivo es que en general fue la primera vez que los vieron.

En AMC querían actores y actrices desconocidos en Mad Men, una apuesta muy arriesgada que salió bien. Algo de lo que hay pocas dudas tras las siete temporadas que duró.

La elección de Don Draper siempre fue clave. Alan Taylor, director del episodio piloto, sabía que "todo iba a depender de Don". Y conseguir a Jon Hamm fue un largo camino.

Dudas con Jon Hamm desde el primer momento

La primera audición se realizó un día de tormenta a las 8 de la mañana y asistieron numerosos miembros de la compañía. 

Los directores de casting vieron potencial en Jon Hamm, pero los directivos de AMC no quedaron convencidos porque tampoco salió demasiado bien ese encuentro inicial. No se consiguió la química buscada.

A partir de ese momento se fueron repitiendo las pruebas. Para asegurar la presencia de Hamm en la serie hubo alguien decisivo, Matthew Weiner, creador de la misma. Él no tuvo dudas tras invitar a Hamm a tomar algo.

Jon Hamm, según recuerda, no estaba muy seguro de sus posibilidades. Antes de una de las audiciones estuvo esperando junto a un adolescente de 15 años y este le preguntó "¿Estás aquí por el anuncio de pasta de dientes?". Al salir, el actor dudó si también debía intentarlo con ese anuncio.

En todo caso, el largo periplo para conseguir el personaje de Don Draper fue un éxito, al igual que el de January Jones como Betty Draper y el resto del reparto. 

Jon Hamm ganó con este papel dos Globos de oro, dos premios del Sindicato de Actores y otros tantos galardones. Y, sobre todo, consiguió el que posiblemente quedará como el papel de su vida.