Fantasía, ciencia ficción y terror son géneros que han sufrido años con pocas novedades en nuestro país, pero ahora tenemos la suerte de disponer de un aluvión de lanzamientos cada mes. Tantos que puede ser inasumible para los lectores.

Por el lado del terror, Joe Hill regresa tras unos años de silencio con un volumen de casi 1.000 páginas. El hijo de Stephen King ha escrito Rey Dolor. Es la novela finalista de distintos premios protagonizada por un gran lector y en la que habla de pactos de amistad, monstruos y sacrificios, en el modo más sangriento que se pueda imaginar.

Otro habitual del terror también tiene título nuevo en España: Stephen Graham Jones con la novela corta ganadora del premio Bram Stoker en 2017. En Cartografía interior vuelve a dar protagonismo a un nativo americano que en esta ocasión mantiene contactos con el espíritu de su padre.

Dos novelas españolas de mucho nombre desembarcan en las librerías. Señores del Olimpo, la novela de Javier Negrete que ganó el premio Minotauro en 2006 y que recuperan por su vigésimo aniversario. Minotauro también ha sacado Héroes de ceniza, de Fernando J. Múñez, que es una de las novedades más ambiciosas de la temporada. Un viaje del héroe muy entretenido en el que un campesino se vuelve pieza clave del imperio.

Por último, en Runas han publicado dos novelas esperadísimas. Primero Eterna, de Alix E. Harrow, ganadora de los premios Hugo, Nébula y Locus, que es una historia de fantasía muy original y una de las novelas del año. El otro título es una space opera de la siempre fiable Becky Chambers: Al despertar, rompe el cascarón. Planetas inhabitables, rebeldía y anhelo de supervivencia se mezclan en una novela muy entretenida.

Tal como se puede ver, una remesa de literatura fantástica de todo tipo y para casi cualquier lector.

Las revistas de videojuegos se colocaban en una esquina de los kioscos, el cine de terror se emitía de madrugada y la lectura de novelas fantásticas era una afición más bien solitaria. Quién nos iba a decir que con el tiempo dejarían de ser aficiones denostadas. Es más, que se convertirían en cultura de masas.

Se han dado un sinfín de pasos hasta llegar al gran público y estas aficiones se han convertido en negocios muy rentables que han ayudado a que ahora cualquier persona diga “yo también soy un poco friki” sin que haya en ello ningún tipo de vergüenza. Al contrario, da caché, es hablar de aficiones que apasionan, de un rasgo de la personalidad que gusta compartir.

Hay otro aspecto que también ha cambiado desde… pongamos 1991, por decir una fecha nada casual, cuando nació Hobby Consolas. Ahora no tenemos una sola pasión, sino que disfrutamos un ecosistema de aficiones que muchas veces están conectadas entre sí.

Videojuegos, series, libros, cómics o influencers. Todo está conectado. El aficionado no se centra en una única área, quiere conocer las novedades de todas ellas para que no se le pase nada.

En definitiva, quiere saber sobre sus hobbies. Ese es nuestro trabajo. Arrancamos con el objetivo de informar de forma rigurosa y divertida sobre videojuegos, y ahora seguimos con esas dos cualidades para contar todo lo que le guste a los lectores.

HobbyCine tenía que nacer

Nuestros seguidores saben que Hobby Consolas lleva muchos años publicando noticias, reportajes, entrevistas y críticas sobre una industria tan complementaria a los videojuegos como es la del audiovisual. Antes de ponerle un nombre ya éramos un referente en España, y hace tres años decidimos que era el momento de dar un salto importante.

En 2023 lanzamos la marca HobbyCine y ahora nuestro espacio dedicado al cine y las series está entre los más visitados de España. Nos hemos convertido en una de las publicaciones más importantes del panorama nacional gracias a una gran especialización con el objetivo de ser un espacio a visitar cuando se quiere saber cualquier cosa sobre cine y series.

Da lo mismo el género o el formato, alguien en nuestro equipo domina el tema y cuenta qué está ocurriendo, con cercanía y rigor.

A pesar de las crisis, huelgas y cambios en la gran industria estadounidense, estos han sido buenos tiempos para nosotros. Hemos vivido hitos como el lanzamiento de enormes éxitos o eventos como el Barbenheimmer, Las guerreras k-pop, The Last of Us… No hemos tenido un momento de pausa.

La perspectiva de HobbyCine siempre ha sido llegar donde surge la información, sin miedo a salirnos de lo que se podría considerarse lo previsible. ¿Quién podría imaginar hace diez años que íbamos a hablar en un mismo día de distopías, anime y comedias románticas.

En la web, pero también en la revista, en redes sociales y donde sea necesario

Nuestro trabajo no se ha limitado a la web, también tenemos presencia en la revista y un gran impacto con nuestras cuentas en todas las redes sociales.

Al pensar en el futuro no vemos barreras de formatos, todo son oportunidades.

Sin perder nuestra identidad como la publicación de videojuegos de referencia España que somos, llevamos años en una continua transición para que este proyecto sea una suma de espacios en los que converge la información más importante sobre lo que más te gusta.

Hablamos de videojuegos, cine, series, libros, cómics, parques temáticos, juegos de mesa, merchandising y otras tantas áreas. Queremos seguir siendo una referencia para los aficionados, un espacio cómodo, interesante y a la vez lleno de sorpresas.

Hace 35 años que nació HobbyConsolas, 3 que se fundó HobbyCine… y esto no para. Ya avisamos: vienen más novedades.

Con el objetivo de ayudarte, vamos a comentar las novedades que se han estrenado en España hoy, 27 de octubre. Puede que se nos escape alguna, pero casi todas las series y películas son las que vamos a apuntar.

Netflix rara vez falla a su cita diaria y hoy ha estrenado la esperada serie documental El de Matthew Perry con la que trata de narrar de forma sincera la vida del conocido actor de Friends que tuvo que lidiar con tantos problemas en su vida.

En Movistar Plus no faltan a su cita diaria con el cine y la película En el camino es su propuesta de hoy para los suscriptores. Una road movie dura de camioneros y homosexualidad que llega desde México.

Cambio de registro total en Disney+, plataforma que mira a los más pequeños de la casa y lanza los nuevos capítulos de Zombies: La serie re-animada. Es una locura que mezcla comedia, zombies y visitantes de otra galaxia.

Por último, la apuesta por las series que Filmin hace todos los martes esta semana es nacional: Segunda temporada. Creada por Miguel Ángel Blanca y escrita junto a Berta Prieto y Víctor Diago (el mismo equipo de Autodefensa), la serie se centra en la vida de una escritora fracasada que trabaja como escritora fantasma. Su último encargo es escribir la biografía de una cantante de trap en decadencia recién salida de la cárcel.

Tal como se puede ver, cuatro novedades muy distintas que apuntan a distintos espectadores. Seguro que te apetece ver alguna, ¿verdad?

De este último estilo se estrenó el año pasado Bookish. Una serie de detectives protagonizada por un librero que se encarga de resolver crímenes en el Londres de posguerra, entre bombas alemanas que todavía no han explotado y la sociedad tratando de volver a su realidad.

Este librero llamado Book (guiño, guiño) fue un espía militar y ahora trabaja en su propia librería. Pero también resuelve crímenes que se acercan de un modo u otro a su vida, y a su pasado lleno de enigmas.

La serie de un creador de Sherlock

Mark Gatiss es el creador de Bookish, pero también de otra más que mítica. Junto a Steven Moffat trabajó en el Sherlock de Benedict Cumberbatch y Martin Freeman. La añorada serie de la que continuamente se comenta un posible regreso, algo que nunca llega a ocurrir.

Menos ambiciosa y ágil es Bookish, pero está claro que se busca otra fórmula con una producción destinada a los que aman los libros, las librerías de segunda mano polvorientas y la reflexión calmada.

Filmin ha anunciado que la segunda temporada de Bookish se estrenará el 3 de noviembre, aunque todavía no se sabe a qué clase de crímenes y misterios se enfrentará Book. Solo podemos esperar que mantenga el mismo tono. Es una serie agradable de ver ahora que ha llegado el otoño.

En la serie, la actriz daba vida a una investigadora de atentados, como tiroteos y actos cometidos por los llamados lobos solitarios, en Estados Unidos. Muchos de ellos personajes con una ideología de extrema derecha.

Con la serie anunciada y el tráiler mostrado, tras el asesinato de Charlie Kirk en Apple TV decidieron parar el estreno de la misma. Algo en lo que influyó el clima político del país y que no era una serie que fuese a gustar a los seguidores de Trump.

Respecto a lo sucedido le han hecho algunas preguntas a la actriz en Net-a-Porter. Chastain afirma que se sintió "responsable ante mucha gente, ante todos los actores de la serie... ante la persona real a la que interpreté, sentí la responsabilidad de hacerlo por los sacrificios que ha hecho y las cosas difíciles que ha hecho para mantenernos a salvo".

La protagonista de La otra madre, película que se estrena este viernes en salas, no se arrepiente de lo dicho: "Realmente tenía que dejar constancia de que pensé que [el aplazamiento] fue un error... Aprendí que está bien ser honesta".

Es de subrayar que ni cuando se desató la polémica hubo silencio por parte de Jessica Chastain. Fue quien más se comunicó, mientras que desde Apple TV solo llegó un breve comunicado: "Tras una cuidadosa consideración, hemos decidido posponer The Savant. Agradecemos su comprensión y esperamos estrenar la serie en una fecha futura".

En principio está previsto que la serie se lance a final de año, tras las elecciones de mitad de mandato que se celebrarán en noviembre. Está por ver si finalmente se podrá ver en la plataforma.

Tal y como recordó en una entrevista el guionista David Franzoni, recogido por Screenrant, empezó a trabajar en el guion de Gladiator tras haber leído el libro de Daniel P. Mannix, Aquellos que van a morir, y mientras trabajaba con Steven Spielberg en su película Amistad.

Esa relación laboral dio pie a que Franzoni le pidiera su opinión al director

Durante la presentación de la historia que le hizo el guionista, Spielberg le hizo tres preguntas claves que ayudarían a Franzoni a encaminar el guion: "'Esta película de gladiadores ¿tiene como protagonistas a gladiadores romanos y no americanos o japoneses o de cualquier otra nacionalidad?' Sí, le contesté. ¿Hay alguna escena en un coliseo? Sí".

"¿Hay peleas con espadas y contra animales que acaban en muerte?" "Sí". "Genial, pues hagamos la película", contestó Spielberg. Y tras esto, el director se reunió con Universal para sacar adelante la película con Russell Crowe que finalmente acabó dirigiendo Ridley Scott.

Más cambios en el guion de Gladiator

Pese a que fue Spielberg el que encauzó el guion de Gladiator, y el que hizo incluir tres de las escenas más icónicas de la película, cuando el guion original de Franzoni llegó a manos de Ridley Scott, este no estaba muy contento con el resultado.

El director británico pensaba que los diálogos eran demasiado complicados para una película de este estilo.

Es por ello que Scott decidió contratar al guionista John Logan, responsable de películas como Skyfall o Alien: Covenant, para que funcionara como una especie de corrector de guiones y le diera otro aire a los diálogos de Gladiator. Y el resto, ya es historia.

Cambios en los planes, fusiones de grandes empresas, falta de series que impacten de verdad en la sociedad, acercamientos a formatos de la televisión tradicional... Estamos en años de transición y los inversores solicitan los beneficios prometidos.

En este contexto han llegado las opiniones del codirector ejecutivo de la compañía, Ted Sarandos, quien afirmó que Netflix ha crecido en audiencia apenas un 2% en el primer semestre de 2026. Sus comentarios fueron recogidos en el evento Screentime de Bloomberg.

Tal como reconoce, "no estamos creciendo tan rápido como quisiera, y estamos trabajando para acelerar ese ritmo".

Nuevos formatos que no traen la audiencia esperada

Una de las grandes apuestas de Netflix en los últimos tiempos está siendo la integración de deporte en directo, como los partidos de la NFL. Sin embargo, el beneficio de este formato no llega por los espectadores.

Tal como informan en The Hollywood Reporter, la plataforma destina sobre el 5 % de su inversión anual a contenidos en directo, pero estos alcanzan a apenas un 1 % de la audiencia.

Sarandos matizó la información afirmando que a pesar de su poca repercusión, genera nuevas suscripciones y beneficios publicitarios. En definitiva, que "El negocio va muy bien y crece adecuadamente".

La cuestión ahora es ver cómo se sitúa Netflix en un mercado tan cambiante. Se esperan las consecuencias de la adquisición de Warner por parte de Paramount, algo que también influirá a HBO Max y Paramount+, así como los vaivenes en la economía estadounidense.

Netflix sigue siendo el gran nombre para muchos en el streaming, pero los inversores y directivos piden un aumento más acelerado de las suscripciones. La cuestión es si conseguirán dar con la clave para lograrlo.

Una de las series más esperadas por los fans del género es Carrie. Solo con decir el título ya se sabe de qué hablamos: otra adaptación del clásico de Stephen King.

Mike Flanagan vuelve a la obra del rey del terror tras La vida de Chuck y Doctor Sueño para recuperar en formato serie la primera novela de King. Una historia que ya cuenta con unas cuantas adaptaciones y a la que será complicado darle una perspectiva que nos sorprenda. Pero con Flanagan nunca se sabe.

Carrie se lanzará el 7 de octubre en Prime Video. Unos días más tarde, el 16 de octubre, llegará la propuesta de HBO Max: Crystal Lake.

En Crystal Lake también nos reencontraremos con un terreno conocido por los fans del horror, un lugar que de nuevo nos lleva atrás en el tiempo, a los años de Viernes 13.

Viernes 13 fue la muy irregular saga de películas slasher protagonizada por Jason Voorhees, quien de forma implacable acabó con la vida de innumerables excursionistas y habitantes de Crystal Lake.

En esta ocasión la trama se centra en la madre, Pam Voorhees, que vive llena de dolor tras el fallecimiento de su hijo. Una situación que llevará con el tiempo a lo que ocurre en la primera película de la saga, estrenada en 1980.

Viendo estos dos lanzamientos de HBO Max y Prime Video, llama la atención que en un presente en el que el terror está funcionando tan bien en el cine con casos como Obsession, Backrooms, Weapons o Devuélvemela, se vuelva a narraciones ya conocidas. Esas películas lo que hacen es buscar nuevas fórmulas y quizá por eso funcionan tan bien.

En cambio, las dos series van a espacios ya conocidos por los fans, aspecto que puede jugar a favor y en contra. Pero si algo saben (sabemos) los aficionados al terror, es que seguro que vamos a darle una oportunidad a ambas.

Con la sexta temporada en emisión, la séptima muy avanzada y la octava en marcha, queda claro que hay Slow Horses para tiempo, ¿pero qué pasará después? Ni los actores lo saben bien.

En una entrevista de ScreenRant al actor Christopher Chung, quien interpreta a Roddy Ho en la serie, este ha declarado algo que se podía esperar:

"Estamos produciendo la octava temporada ahora mismo. La séptima ya está lista, la octava está en producción y... ¿quién sabe qué pasará después? ¡Yo no! Literalmente, no me dicen nada". Esto es habitual porque la industria no suele trabajar con plazos tan largos.

Pero el problema se encuentra en que la serie adapta las novelas del escritor Mick Herron, quien lleva 9 entregas publicadas, por lo que se están empezando a agotar las historias originales.

Al preguntar al respecto al actor, Chung se lo toma con humor: "Tengo que enviarle un mensaje a Mick Herron y ver cómo va con la escritura de otro libro. (...) No quiero que se acabe mi trabajo".

Es un temor lógico, pero también es verdad que hay novelas cortas y relatos protagonizados por estos personajes que pueden servir de base para la serie. Otro tema es que den para hacer temporadas completas o que se muestren todos de acuerdo a la hora de tomar estos caminos.

En definitiva, es lógico que surjan dudas sobre qué ocurrirá en unas temporadas, pero también un lujo asegurar que además de la que se encuentra en emisión hay otras dos aseguradas. Con el tiempo iremos sabiendo cómo avanza este proyecto. De momento sigue convenciendo a los seguidores.

Para preparar el ranking se ha realizado una encuesta a más de 500 profesionales de la industria en Estados Unidos: directores, actores, guionistas, productores, ejecutivos... Creo que se puede resumir en que ha habido una falta total de sorpresas.

Lo primero, vamos con los títulos de las 10 mejores series: Breaking Bad, The Wire, Mad Men, Succession, Fleabag, Juego de tronos, Veep, 30 Rock, Curb Your Enthusiasm y Atlanta.

Se puede discutir este orden y si se piensa en cualquier serie estadounidense (o inglesa) que debería estar ahí, no hay que preocuparse: seguro que ha entrado en el top 100. Ahora bien, si hablamos de una serie en otra lengua, eso ya es otro tema.

El ranking de The New York Times solo tendría validez si estuviese orientado a recoger las mejores series en inglés del siglo XXI. Pero pretende ser global y el resultado se observa en casos testimoniales, como la francesa The Bureau en el puesto 54, la coreana El juego del calamar en el 72 o la japonesa Shōgun en el 86, aunque en ella haya una parte en inglés.

Basta con pensar unos segundos para citar otros ejemplos que probablemente tendrían derecho a entrar: Borgen, Deutschland 83, Dark, Les Revenants, Bron-Broen, La casa de papel, Gomorra, Baron Noir... No voy a citar títulos que no han tenido una distribución internacional, pero en España mismamente podemos encontrar grandes series de los últimos seis años.

Al final parece que nos encontramos con lo de siempre, la opinión de una industria que se vuelve hegemónica y parece difícil de discutir. Está claro que las series de Estados Unidos o Reino Unido son las que tienen mayor impacto, pero no siempre son las mejores. Se estrenan grandes títulos internacionales que pueden competir tú a tú con ellas.

Si hablamos de calidad, en mi opinión The Bureau podría estar en el top 5 sin duda.

Supongo que al final influye que son las más vistas, que con 500 participantes estadounidenses siempre ganan las más conocidas y que decir que Breaking Bad y The Wire son las mejores series del siglo es algo fácil.

Pero pensar que en lo que va de siglo más del 90% de las mejores series están rodadas en lengua inglesa es, cuando menos, ignorancia o falta de criterio.

No fueron pocos los trabajos que realizó y los papeles para los que le rechazaron hasta que pudo escribir y protagonizar Rocky, la película que lo cambió todo en su vida.

50 años después de ese estreno, ahora se ha lanzado en Estados Unidos su libro de memorias tituladoThe Steps; esto es, Los escalones, que el 8 de octubre se publicará en España por parte de Plaza y Janés.

Esos escalones son los del Museo de Arte de Filadelfia que fueron inmortalizados en Rocky. 72 escalones de vital importancia para el actor y a los que vuelve en el libro en diversas ocasiones.

Los escalones que cuentan toda la vida de Sylvester Stallone

Pero Los escalones no comienza con la película en sí, sino que es un ejercicio de introspección en el que Stallone también describe su complicada infancia, la precariedad en la que creció y cómo logró hacerse un hueco en la (por momentos) muy complicada industria del cine.

Ahora, con 80 años ya cumplidos, el actor afirma sobre Los escalones que "Me he probado a mí mismo como actor, guionista y director. Pero este libro es mi testamento. Es la expresión de lo que quiero que sea mi legado". Son unas memorias con las que también quiere dejar su punto de vista sobre lo ocurrido durante su carrera.

Un trayecto ante las cámaras que todavía continúa y que sigue de plena actualidad. Esta misma semana se ha lanzado el trailer de la nueva temporada de Tulsa King, la serie de SkyShowtime que está protagonizando los últimos años.

En todo caso, es un actor tan querido como menospreciado en ocasiones que despierta muchas preguntas. Veremos si Los escalones las resuelve o si simplemente se queda en un libro sin muchas novedades.

Skinamarink, Slender Man y Backrooms son películas basadas en leyendas que nacieron en foros hace tiempo y que han sido trasladadas en clave de terror.

La cuestión es que este es un trayecto sin límites, como los mismos backrooms, porque hay una fuente de ideas inabarcable.

De cara a entender de dónde surgen, la editorial Caja Negra ha publicado un ensayo titulado Estéticas liminales. Vaporwave, Backrooms, weirdcore o cómo la cultura de internet transformó nuestra percepción del espacio que sirve de guía.

Habrá a quien estos términos le suenen totalmente desconocidos, pero no por ello son novedosos. Los hay que surgieron hace más de una década y que tienen una vasta cultura detrás. Por eso, trasladarlos al cine no tiene que ser algo tan complicado.

Uno de los puntos a favor de estas corrientes se encuentra en que, al ser temáticas trabajadas por aficionados, son bastantes baratas de producir: muchos las alimenta desde su casa de forma gratuita. Tal como explica la autora del ensayo, Valentina Tanni, estos movimientos viven de la nostalgia, la insinuación y el incrustarse con facilidad en la psique al activar recuerdos que ya guardamos.

Además de sus méritos cinematográficos, uno de los motivos por los que ha triunfado la película Backrooms se encuentra en que los espectadores han descubierto un concepto totalmente desconocido y extraño para ellos.

Pero, ¿cuántos saben lo que es el vaporwave y el weirdcore? ¿Acaso no se puede hacer una película de Slenderman claramente mejor que la anterior? ¿Se puede hacer algo con poolrooms? Si conoces el lore (perdón por usar el término) de estas corrientes ya imaginarás que sí.

En caso de que no sepas de qué estoy hablando, te recomiendo que leas Estéticas liminales. Vaporwave, Backrooms, weirdcore o cómo la cultura de internet transformó nuestra percepción del espacio. Es un ensayo detallado, pero muy didáctico para adentrarse en estos mundo tan extraños.

Uno de los títulos que ha traído a su catálogo estuvo anteriormente en otra plataforma nacional, Filmin, sin que fuese un gran hit, aunque es cierto que a algunos nos convenció lo suficiente como para seguirla: The Newsreader.

El caso es que Netflix no solo ha recuperado la serie, sino que lo ha hecho de las dos temporadas ya estrenadas y la tercera y última, que no se había visto en España. Sin duda, una buena noticia para los que quieran conocerla o seguir con ella.

Esta es una historia que habría tenido mayor repercusión en caso de ser una producción estadounidense, pero es australiana. Eso sí, está protagonizada por dos caras conocidas.

The Newsreader se centra en un informativo de televisión a mediados de los años 80. Cuenta el mundo del periodismo de la época a la vez que describe sucesos conocidos por todos, como el cometa Halley o el desastre del Challenger, además de casos más nacionales.

Pero la parte más interesante está en los dos protagonistas, el reportero Dale Jennings y la estrella de la televisión Helen Norville. Sus vidas y tensiones laborales y personales están muy bien narradas.

Para interpretar a Helen Norville eligieron a Anna Torv, muy famosa por su protagonismo en Fringe, aunque también apareció en Mindhunter y The Last of uS. Sam Reid le acompaña. Un actor quizá poco conocido antes, pero que ahora aparece en las series de Entrevista con el vampiro y todo su universo en AMC, con sus spin-off, como El vampiro Lestat.

Es una serie muy notable que nos puede recordar a las producciones de Aaron Sorkin y que sin duda alguna es recomendable para quien busque algo interesante que ver estas semanas. Las tres temporadas, cada una con seis episodios, se encuentran ya disponibles en Netflix.

Martin era un conocido escritor entre los aficionados por sus distintas novelas de ciencia ficción, terror y algunos relatos que suelen incluir entre los mejores del género en el siglo XX. Pero su carrera ya daba lo mismo, una vez se estrenó la serie sería para todos el autor de Juego de tronos.

En todo caso, es un universo que no ha dejado de crecer y hay varios spin-off de los que se han firmado más temporadas. El universo de Canción de hielo y fuego va para largo en cuanto a producciones, queda por ver si también a nivel de calidad. No es una apuesta arriesgada, hay multitud de fans esperando esas nuevas series y no paran de decirlo en redes sociales.

Pero en mi caso voy por un camino distinto. He sido seguidor de los libros, aunque hoy día no sé si leería Vientos de invierno. Los años han pasado y no me apetece volver la saga literaria, pero si hay algo que no olvido son sus otras novelas, las que no eran de fantasía y a mí me interesaron mucho más.

Hablo, por ejemplo, de Muerte de la luz o Sueño del Fevre, dos novelas que tienen un imaginario claramente adaptable al cine. La primera es una historia de acción en un planeta de órbita errante que se aleja de su sol. Las poblaciones e infraestructuras están casi deshabitadas. Llena de nostalgia y de trama ágil, es una novela para devorar.

Sueño del Fevre es una historia de vampiros y barcos de vapor a mitad del siglo XIX. Con un contexto interesante y la mezcla de géneros tan impactante, funciona de maravilla para los fans del terror.

A veces me pregunto si Martin es un gran autor en términos de calidad, pero no tengo dudas de que es un creador de imaginarios más que atractivos. Y estas dos novelas son un gran ejemplo.

Quizá es pedir mucho que la industria se fije en lo que a uno le gusta y no en las bazas que dan como seguras para obtener beneficios, pero bueno, siempre nos queda pensar que la fama de Martin también da para que se profundice algo más en su obra, más allá de Canción de hielo y fuego.

Si estás leyendo este artículo, te animo a que busques las novelas: son entretenidas, están bien escritas y, ejem, son autoconclusivas.

Esto consigue que muchos, como el mismísimo Hideo Kojima, no puedan evitar sentirse identificados con él.

El actor vivió una historia de superación que se puede ver en el documental Sly de Netflix. E hizo que el creador de Death Stranding recuerde una dura historia de su infancia. "Acabo de ver Sly. Cuando era un niño lo único que quería era hacer una película, pero no podía. No tenía amigos. No tenía dinero. No había nadie que me apoyara".

"Por supuesto, no se lo conté ni a mis padres ni a mis profesores. Entonces vi Rocky. Si no hay papeles para ti, entonces escríbete uno. Viendo el sueño americano que Sly había conseguido hizo que cambiase mi estrategia al completo. Primero, decidí escribir novelas, luego guiones que pudiera hacer yo mismo. Después haría mi película".

"Cada día después del colegio escribía novelas. Pero resulta que mis sueños se desvanecieron y acabé en la industria del videojuego. Siento una gran empatía con la frase de Sly que dice: 'Hasta los 40 sumas, después solo restas', pero al mismo tiempo, también sentía miedo", reconocía el creador de videojuegos en Twitter.

La pasión de Hideo Kojima por el cine

Aunque es uno de los creadores de videojuegos más respetados de la actualidad, Kojima también es un gran apasionado del cine. De hecho, en su biografía de Twitter se definía a sí mismo como "70% hecho de películas". Su pasión es tanta que no duda en compartir continuamente a través de las redes sociales sus recomendaciones de aquellas películas o series que acaba de ver.

Sin duda, como fan de Rocky, no es de extrañar que a Hideo Kojima le impactase tanto el documental de Stallone en el que se ve el duro recorrido del actor hasta conseguir convertirse en la leyenda que es en el presente.

Sra. Doubtfire: Papá de por vida fue una de las grandes películas del cómico y pudo haber tenido una secuela...

Así lo confesó el director Chris Columbus en una entrevista con Bussiness Insider que conmemoró el 30 aniversario del estreno de la película: "Cuando se estrenó la película, las secuelas eran vistas como algo menor por los artistas. Así que Robin siempre estuvo en contra de hacer una segunda película nada más estrenar la primera".

Sin embargo, en 2014 la idea de una secuela de Sra. Doubtfire ya no le parecía tan mal a Williams y Columbus se acercó a la casa del actor a enseñarle un primer borrador del guion. "Fui a su casa, nos sentamos y hablamos de la secuela porque el guion ya estaba bastante formado". Esa fue la última vez que vio al actor antes de que se suicidara.

Tras este terrible suceso, Columbus decidió dejar completamente de lado la secuela de Sra. Doubtfire, aunque admite que es el estudio quien tiene los derechos sobre la película y no él. "El estudio puede hacer lo que quiera con la historia. ¿Deberían hacerlo? Si deciden sacarla adelante, no me voy a callar. No debería haber nunca una secuela de Sra. Doubtfire".

La única petición de Robin Williams

Pese a que el actor Robin Williams estaba encantado con la posibilidad de volver al mundo de Sra. Doubtfire, había una cuestión que le perturbaba. "¿Tengo que llevar el traje puesto tanto como en la primera?", recordó Chris Columbus que le preguntó. Y con razón, tal como aseguró el director, el rodaje del mítico largometraje fue todo un infierno para Williams.

Cada vez que se disfrazaba de la niñera inglesa tenía que estar cinco horas maquillándose. "Nunca grabamos dos días seguidos de Robin vestido como la Sra. Doubtfire porque para él suponía levantarse a las 3 de la mañana para que a las 8 pudiéramos empezar a rodar. Era como un castigo para él, así que al día siguiente solo hacíamos escenas con Daniel"; recordó el director.

A lo largo de toda su filmografía cinematográfica, no ha dejado de luchar para que directores y productores de Hollywood mirasen más allá del simple hecho de ser una mujer latina. De hecho, la propia Hayek recordó en una entrevista con Variety una triste anécdota con dos directores.

Según contó, "Siempre quise hacer una película de acción o de comedia como protagonista. De hecho, recuerdo dos grandes comedias para las que hice una audición para el papel protagonista. Después del estreno, los dos directores me dijeron que era mucho mejor que las personas a las que escogieron para protagonizarlas y que se arrepentían de su elección.

Pero en ese momento, ambos sabían que ningún estudio hubiese querido a una mexicana para el papel principal", recordaba la actriz.

"Nadie se fijaba en lo mucho que valía. Si eres una mujer y estás en una película con mucho éxito, y te dicen que eres el personaje favorito, da igual porque todo el crédito se lo va a llevar el tío que sale contigo. No tienen en cuenta lo que eres capaz de dar.

En mi caso, yo ya era una gran estrella en mi país. Atraía el mercado latino a los cines. Sé que algunos estudios lo sabían, pero no querían aceptar el valor de lo latino en ese momento. (...) Siempre quise ser una estrella de acción, pero no me daban los papeles, así que en cierto momento, con una edad, estaba segura de que nunca iba a suceder porque no tenía sentido".

Afortunadamente, esto no impidió que la actriz forjase una respetada carrera en Hollywood y que trabajase con grandes profesionales, pero ¿qué hubiese ocurrido de no sufrir esta clase de discriminación?

Los primeros episodios de la segunda temporada de La Agencia están disponibles en exclusiva en SkyShowtime desde el 22 de junio. Los nuevos episodios se estrenan semanalmente

Los números hablan por sí mismos: el tráiler oficial acumula más de 650.000 valoraciones negativas en YouTube. Una cifra que supone una barbaridad para lo habitual.

En este contexto, uno de los protagonistas, Robert Pattinson, ha hecho una comparativa que quizá no guste a todos.

Robert Pattinson ha comparado en una entrevista con MTV UK La Odisea de Christopher Nolan con Crepúsculo, la franquicia que le hizo conocido en su momento y que provocó tanta polarización.

Pattinson ha comparado a Antínoo, el pretendiente que interpreta en la película de Nolan, con Jacob, el hombre lobo al que dio vida Taylor Lautner en la saga vampírica.

"Creo que apoyarán a mi personaje. No paro de compararlo, es como Jacob en Crepúsculo", declaró el actor. "De lo que trata La Odisea es de que Penélope simplemente no puede decidirse entre dos hombres y yo solo intento ayudarla a tomar una decisión. Es como, 'Está bien. Él está muerto, supéralo'".

Está por ver lo que comenta Pattinson, ya que en el poema de Homero no ocurre esto, sino que Penélope rechaza durante 20 años a cualquier pretendiente y no existe esa decisión que describe. Eso sí, su personaje es un pretendiente arrogante y demasiado insistente.

En una semana descubriremos cómo es el triángulo amoroso del que habla, aunque podemos apostar que muchos de los que han dado No me gusta en Youtube desean que La Odisea no se parezca en nada a Crepúsculo.

En todo caso, la película de Christopher Nolan será uno de los grandes eventos cinematográficos del verano. Queda por ver si despierta tanta discusión como lo han hecho los trailers.

A pesar del terremoto mediático, es verdad que el movimiento de Sony no es ninguna novedad y lo venimos viendo con incontables ejemplos que tenemos más o menos asimilados, como pueden ser el streaming o los ebooks.

A estas alturas todos sabemos que esto plantea una serie de cuestiones problemáticas. La más evidente es que cuando no disponemos de algo a todos los niveles, no es nuestro, siempre estamos sujetos a la empresa. Una compañía que puede ser cualquier otra en unos años, porque el mundo empresarial cambia, las marcas crean y abandonan proyectos, los negocios se compran unos a otros y el sistema nunca se detiene.

Esto lleva a pensar que no es una compra lo que hacemos, sino un alquiler por tiempo indefinido. Estamos perdiendo la disponibilidad de ese juego, libro o película para siempre.

En algún momento la empresa cambiará, la tecnología quedará obsoleta, solo interesará a unos pocos y perderemos lo comprado.

Hay quien tiene en casa una consola de los 90 de alguna compañía desaparecida, que todavía funciona, eso no ocurrirá en el futuro sin formato físico.

Otro tema polémico en el que no profundizaré es que las compañías viran políticamente en función de los gobiernos. Como ejemplo podemos ver lo ocurrido con Tesla los últimos dos años.

Sobre la situación se ha publicado hace poco un ensayo: Mierdificación, de Cory Doctorow. En él se explica cómo las medidas de muchas empresas no hacen más que perjudicar a los clientes y deteriorar el ecosistema digital. También aclara los objetivos y consecuencias que sufrimos cuando se fomenta la dependencia hiperconectada para disfrutar de un servicio.

Pero también podemos ir adelantando que las estanterías de los amantes de estas aficiones irán quedando vacías. Los videojuegos en la nube, la música en plataformas de audio, las series y películas en las de streaming… Se acabó el romanticismo, el valor estético, el identificarse con los objetos.

¿Todo será más cómodo? Quizá para muchos. ¿Habrá una pérdida de emoción en la adquisición de novedades? Sin duda alguna.

Y como nada permanece y nada realmente nos pertenece, también se pierde el coleccionismo, solo hay una acumulación de archivos en una plataforma digital. Adiós a la conexión emocional, también a la complicidad con las empresas, solo será consumo.

¿Realmente piensan que es la mejor estrategia a largo plazo? Me sorprende.

El objetivo de este ambicioso documental es contar la participación poco conocida de España en el conflicto. Diplomacia, envío de armas, batallas marítimas y en tierra... Pocos conocen los resultados que se lograron gracias a esta ayuda a las colonias independentistas.

La producción se estrenará en exclusiva el mismo día del aniversario a las 22:00 horas y ha contado con la participación de figuras de referencia en España y Estados Unidos.

Entre los historiadores españoles e internacionales se encuentran Hugo O'Donnell, Eduardo Garrigues, Eva García y José Carlos Gracia, junto con expertos estadounidenses como Kathleen Duval, Rhonda Barlow, Liz Covart y Ricardo Herrera.

El documental mezcla entrevistas con recreaciones de los encuentros diplomáticos y las batallas en un interesante ejercicio por entretener y ofrecer un contenido de calidad a los espectadores.

El mensaje que queda tras su visionado es que la intervención española fue determinante para la victoria de las Trece Colonias sobre el Imperio Británico, aunque su reconocimiento todavía sea una deuda pendiente.

4 de julio: una historia española se suma a otras novedades de los últimos meses en el Canal HISTORIA, como Un día en la Historia de España, un formato estrenado recientemente que narra en 365 días 365 efemérides clave de nuestra historia.

Se debe reconocer que la película de animación tampoco es que se haya arriesgado, solo se ha actualizado mínimamente y en Estados Unidos ha seguido con algunos de los ejes habituales, como que Woody tenga la voz de Tom Hanks.

Y claro, con la quinta entrega en plena promoción, le han preguntado a Tom Hanks si participaría en otra película más.

El actor estadounidense, que en este momento también triunfa con sus documentales sobre la II Guerra Mundial, ha respondido a la cuestión de su regreso, pero hay que reconocer que sin demasiado entusiasmo: “Si van a hacer otra Toy Story, más vale que valga la pena”, contestó a Entertainment Weekly.

Es más, Hanks no se ha cortado demasiado: “Es un negocio corporativo enorme, sin duda, no lo niego. Pero a menos que sea bueno, nuevo y original, no hay razón para hacerlo”

Y para sorpresa de todos, también ha lanzado un pequeño dardo al respecto de su presencia y si es necesaria para Disney: "Cada palabra que hemos grabado en Toy Story está en algún medio digital, así que podrían crear lo que quisieran".

Hanks es consciente del posible uso de la IA y cómo puede afectar esto al doblaje. Hay tanto material suyo en las cinco películas de Toy Story que ya sabe que su participación no es esencial.

En todo caso, son cuestiones que en este momento quedan algo lejos. Seguro que Toy Story 6 es más que una idea para muchos, pero por ahora les bastará con ver cómo la quinta entrega sigue arrasando en los cines.

La adaptación del mítico cómic de Oesterheld y Solano López ha sido un producto sólido, de realización notable y con el protagonismo de Ricardo Darín. Una suma de componentes bien recibida por los suscriptores. Tras esta historia, van a probar ahora con otra novela mítica, o más bien de un autor mítico.

La misma productora, K&S Films, llevará a Netflix la adaptación de la novela El mundo que Jones creó, escrita por Philip K. Dick en 1956.

Imagino que casi todos los lectores lo sabrán, pero Philip K. Dick es el conocido autor de ciencia ficción cuyas obras han sido adaptadas decenas y decenas de veces: Blade Runner, Desafío total, Minority Report, El hombre en el castillo, Una mirada en la oscuridad... También ha influido en otras tantas narraciones, como la española Abre los ojos, de Alejandro Amenábar.

Justo un colaborador habitual de Amenábar será el showrunner de la serie, Mateo Gil. El director y prestigioso guionista llevará la obra a la televisión y ya se ha avisado que lo hará con muchas licencias. Y hacen bien.

Una adaptación prometedora... de una novela mediocre

Es normal que pocos conozcan El mundo que Jones creó a pesar de ser lectores de Philip K. Dick. Es una obra de sus primeros años, previa a la más reconocida Ojo en el cielo. Fue escrita cuando el californiano todavía no había alcanzado sus cotas más altas como escritor.

Aun así, es una obra dickiana en su sinopsis al estar protagonizada por un personaje capaz de adivinar lo que ocurrirá un año más tarde, desarrollarse en un futuro postapocalíptico y tratar temas como el determinismo y la paranoia, esto último clave en toda su narrativa.

Los que hemos leído a Dick teníamos esta novela algo olvidada y no es por casualidad. Dentro de la extensa trayectoria del escritor, en estas obras primerizas se ven rastros de bisoñez, estilo descuidado (ya escribía mucho... demasiado) y no había dado todavía con los elementos que mejor trabajaría.

Tal como he dicho, a pesar de estos problemas se ven ya indicios de lo que sería después el universo dickiano, por eso voy a pedir algo que parece contrario a lo que se suele exigir: me gustaría una adaptación muy libre de la novela.

Parece que con los videojuegos y libros hay que ser fieles a la obra y muchos fans van tomando nota de lo que no se ajusta a la fuente, pero yo prefiero que tenga su autonomía y se busque ante todo ofrecer la mejor historia posible.

Digo esto a pesar de que Philip K. Dick es el autor del que he leído más libros, pero también consciente de que quitando una, sus mejores adaptaciones son las que se han tomado más libertades. Esa adaptación que rompe la norma es Una mirada en la oscuridad.

En todo caso, sea como sea, la mezcla de Mateo Gil, El eternauta y Philip K. Dick hará que le dé una oportunidad a la serie. De momento solo pido eso: que sea una obra dickiana alejada del original.

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Sin lugar a dudas, está siendo un año importante para el veterano actor de películas tan distintas como Grease o Pulp Fiction, sin olvidar otros tantos largometrajes, algunos grandiosos y algunos que es mejor olvidar. Este año no solamente estrena su primera película, también ha sido reconocido por su extensa carrera.

Hace unos días recibió la Palma de Oro de Honor en el Festival de Cannes 2026. Según sus palabras, "esto es más que un Oscar", premio al que ha estado nominado como actor principal en dos ocasiones, por la ya comentada Pulp Fiction en 1995 y por Fiebre del sábado noche en 1978, pero que nunca ha ganado.

Un día clave para Apple TV

El caso es que el próximo 29 de mayo es un día importante para Travolta y Apple TV. La plataforma estrena dos apuestas muy distintas. Por un lado La ciudad de las estrellas, el spin-off de Para toda la humanidad, y también Ven a volar conmigo, la película dirigida por John Travolta.

La película de tono amable está escrita por él y se ambienta en la edad dorada de la aviación.

Según la sinopsis, "sigue a un joven apasionado de los aviones, Jeff (interpretado por el debutante Clark Shotwell), y su madre (Kelly Eviston-Quinnett), que emprenden un trayecto a través del país rumbo a Hollywood que transforma un simple vuelo en el viaje de su vida.

Entre comidas a bordo, azafatas encantadoras (interpretadas por Ella Bleu Travolta y Olga Hoffmann), escalas inesperadas, pasajeros de lo más singulares y una emocionante mirada a la primera clase, el trayecto se desarrolla entre momentos mágicos e inesperados, trazando el rumbo del futuro del niño".

Aunque ha obtenido una respuesta poco apasionada por los espectadores y críticos, que han comentado más el cambio físico de Travolta, seguro que hay muchos curiosos que quieren acercarse a ella. Al fin y al cabo, en estos tiempos nunca está de más una película que busca dejar buen sabor de boca.

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No tenemos que irnos muy atrás para hablar de broncas y frases desafortunadas al respecto de temas culturales.

Por ejemplo, con las ayudas al cine español es un continuo. Siempre se sacan a colación datos descontextualizados, comparaciones absurdas y se acaba con silencios cuando llegan los reconocimientos. A algunos les parece que un solo ejemplo, en el sentido que sea, es aplicable a toda una industria.

En un ámbito más tranquilo en cuanto a la actualidad como puede ser el pictórico hemos escuchado recientemente frases muy encendidas. La cuestión de si es oportuno trasladar temporalmente el Guernica de Pablo Picasso desde el Museo Reina Sofía al pueblo que le da nombre ha despertado una confrontación en la que se escucharon frases desafortunadas por parte de políticos.

Por último, anteayer se comentaron unos datos falsos en El hormiguero sobre el IVA de los libros. Estos despertaron gran repercusión y han provocado que los dos protagonistas, Sonsoles Ónega y Pablo Motos, acaben por disculparse.

Podemos decir que en las polémicas más recientes se han utilizado datos que no son del todo ciertos, pero también que muchas veces la verdad da igual. No hay un debate sobre la cultura, se está discutiendo de política y se utiliza la cultura como excusa.

Después, estas controversias se van apagando y lo que queda es el ruido, los ataques de un frente político al otro y la cultura desprestigiada porque no se valora lo suficiente.

Es una pena, pero ya estamos acostumbrados. Quizá lo que deberían hacer muchas personas es respetar más la cultura y no usarla como arma.

Este cambio se ha lanzado en Europa y afecta a los jóvenes de entre 14 y 18 años. Probablemente servirá para adelantarse a las medidas que ya se debaten en nuestro país.

El sistema se basa en un modelo de catalogación automática que emula la lógica empleada en el sector cinematográfico y que se ha denominado "Contenido para mayores de 13 años".

Los contenidos que no podrán ver atañen a imágenes sexuales, muy violentas, perturbadoras, que contengan tabaco y bebidas alcohólicas... También se filtrará con mayor detalle si hay lenguaje soez, acrobacias arriesgadas o comportamientos peligrosos.

Además, se limitarán las búsquedas para que se complique el acceso a contenidos que hablen de suicidio o trastornos alimenticios.

De cara a controlarlo, los jóvenes no podrán modificar estos parámetros y necesitarán la autorización de sus tutores. Aunque esta parte puede generar dudas respecto a los atajos que busquen los adolescentes para ver lo que quieran.

El objetivo de Meta está bastante claro en un presente en el que se miran con tanta desconfianza las redes sociales. Son muchas las familias que preferirían apartar Instagram y TikTok de las manos de sus hijos, a pesar de la complejidad que supone.

En todo caso, el movimiento puede no ser el último que se viva en España y Europa. Son numerosos los debates sobre la influencia de estas plataformas y los riegos que entrañan para los menores. Es posible que los próximos años cambie por completo el escenario.

La escritora canadiense colaboró en los inicios de la adaptación de El cuento de la criada y la primera temporada de la serie resultó una historia muy fiel al material original, No obstante, las temporadas posteriores tomaron rumbo propio.

Mientras que la segunda temporada de la producción vista en HBO Max continuaba donde finalizaba la anterior, apenas después de los sucesos del primer libro, la novela Los testamentos situaba su trama quince años más adelante. Este salto suponía un cambio en la evolución de los personajes.

El ejemplo de Tía Lydia: un pasado diferente

El personaje de Tía Lydia, interpretado por Ann Dowd en la serie, presenta diferencias sustanciales en su historia previa a Gilead. En la tercera temporada de El cuento de la criada se reveló que antes de ejercía como jueza, una profesión que ya le otorgaba autoridad.

Sin embargo, en Los testamentos, Margaret Atwood narra un origen profesional completamente distinto para Tía Lydia: trabajaba como profesora antes del régimen teocrático.

Además, en la novela, a excepción de Tía Lydia, que mantiene un papel protagonista en la nueva obra, el resto de los personajes principales eran completamente nuevos para los lectores. Sin embargo, June Osborne, interpretada por Elisabeth Moss, continuó siendo el eje central de la serie.

Hay detalles que sí concuerdan. En la novela se describe cómo se crearon los idearios políticos del régimen y quiénes fueron los participantes de las distintas instituciones represivas. La serie tocó estos temas, sin tanto detalle, pero también sin mostrar incongruencias con lo leído.

En verdad se espera que Los testamentos tenga una autonomía propia y sea capaz de conectar la serie El cuento de la criada y la novela de la que parte, o al menos no reincidir en las diferencias. Pero si algo tienen los fans, es curiosidad por saber qué encontrarán en la serie. El listón está muy alto.

Es muy probable que si estás leyendo esto veas casi todas tus series en plataformas, uses el móvil cuando quieres buscar noticias y pases más tiempo en redes sociales que ante el televisor, pero no todos tiene los mismos hábitos.

Hace unos días fui a un bar a mediodía, algo que no suelo hacer, y me sorprendió que los clientes, todos habituales por el ambiente que había, estaban comentando lo que veían en televisión. ¿Qué podía ser? Un programa tan clásico como La ruleta de la suerte.

Un grupo de entre cinco y diez personas intentaba adivinar las palabras y frases con algo de pique entre ellos, como quien compite en un juego de mesa.

Seguro que puedes pensar en otras personas que también ven estos programas a diario y disfrutan del espacio cómodo y seguro que son. Un pasatiempo que siempre ayuda a sentirse algo mejor.

Del mismo modo podemos hablar de programas como Cifras y letras o los de recetas de cocina que suelen abundar en canales regionales. Si pudiésemos comparar su audiencia con la del último capítulo de la serie de la que todo el mundo habla, ¿qué creemos que se vería más? También es probable que muchos vean ambos espacios sin problema.

Sin embargo, cuando hablamos de los grandes hits del años nos centramos en esas series norteamericanas y olvidamos con rapidez los programas de la televisión que se ven de forma mayoritaria.

También confieso que esta situación en el bar me dio qué pensar porque sentí algo de envidia. ¿Quién no querría estar con sus amigos viendo algo en la tele, comentándolo y compitiendo, como lo deben hacer en ese bar a diario?

En la película, Shawn Hatosy interpreta a Titus, el intrigante y arrogante heredero de la familia Danforth, quien, junto a su hermana Ursula (Sarah Michelle Gellar), se ve envuelto en la lucha de su familia por el poder en los retorcidos juegos del satánico Sr. LeBail.

En esta entrevista nos cuenta cómo consiguió el papel, su preparación y lo mucho que disfrutó del rodaje.

Aunque pueda parecer una cuestión pedante, es algo de lo que me gustaría hablar porque estas dos series son un ejemplo de cómo se intenta dar complejidad a una narración dejando preguntas en el aire, con conversaciones ambiguas o complicadas de seguir y con el uso de la música para remarcar los pensamientos de los protagonistas.

Esto es como cuando alguien se viste de lo que no es, sea una profesión o un deporte: enseguida queda claro si es un profesional o si está disfrazado. Con estas series en las primeras temporadas sentíamos que había un buen material en el que pensar, un gran trabajo de los guionistas que avanzaban hacia una dirección concreta… y en las últimas mucha impostura y poco a lo que darle vueltas.

Estas y otras series me hacen añorar The Wire, a la que vuelvo de vez en cuando por puro placer. Sigue siendo una serie peculiar hasta en estos tiempos. Es densa, pero fluye muy bien; con muchos personajes que se van alternando, pero una historia fácil de seguir; y sobre todo profunda, aunque sin necesidad de excesos formales. No se subraya nada, parece que toda la complejidad puede entrar en una conversación que se cuenta con agilidad.

Eran otros tiempos y otras intenciones, aunque David Simon sabía que trabajaba con material importante. Hay una anécdota del rodaje en la que él dice a los guionistas que debían contar una escena “como lo haría Shakespeare”.

Hoy día echo en falta eso: que si algo es valioso, dejen que me dé cuenta yo, que no me lo griten a la cara.

El espectador adulto no necesita que le digan las cosas directamente, que le dejen sordo con la música cuando un personaje toma decisiones. Se supone que si la serie es buena ya se dará cuenta él cuando pase algo importante. En caso contrario puede que esté fracasando la historia… o el espectador

Es cierto que Dune y Dune: Parte 2 son fieles al trasladar a la pantalla la primera novela, aunque haya tramos algo distintos. Quizá deberían haberle puesto comillas. Y me hacen pensar que la siguiente entrega, Dune: Parte 3, adaptará en lo posible El mesías de Dune.

Y aquí tenemos un problema, porque El mesías de Dune es una novela muy menor a su predecesora. Tiene sus aciertos, pero está bastante olvidada por motivos obvios. El autor, Frank Herbert, carecía de tantas ideas y se siente más como epílogo que como obra en sí. Carece de una entidad propia y se pierde en el esoterismo de su época.

Una vez pasan semanas desde que se termina la lectura, se recuerda sobre todo el final, pero la cabeza siempre vuelve al libro original.

Creo que Dune: Parte 3 puede ser una adaptación fiel (y por lo tanto una película menor), o tal vez una secuela como Blade Runner 2049 (y que se quede con el tono), o quizá nos sorprenda con una entrega mejor que la obra que adapta.

Ojalá encontremos esto último, pero es difícil porque la fatiga creativa ya se notaba en algunos momentos de Dune: Parte 2 con la imaginería centrándose en ciertos tropos y una duración extenuante. Y aun así me gustó, debo aclarar.

Veremos cómo son los adelantos de Dune: Parte 3 y qué ocurre cuando se estrene el 18 de diciembre de 2026. Deseo equivocarme con esta desconfianza, quiero disfrutar con un espectáculo visual que a la vez sea profundo.

Sin embargo, hay una adaptación de este personaje escondida en el tiempo y difícil de encontrar. Se estrenó en 2001 y se titulaba Wiedzmin (El brujo). Aclaro que en algunos lados aparece como serie, pero es una película.

Wiedzmin es un largometraje polaco que llegó a los cines en 2001 y fue unos de los mayores éxitos cinematográficos del año en dicho país, aunque su recorrido internacional estuvo muy limitado.

Para el papel de Geralt de Rivia eligieron a Michel Zebrowski, un actor bastante distinto a Henry Cavill, pero que tampoco se aleja de lo que uno puede imaginar al pensar en el personaje. Aunque se dudase al ser una estrella en aquel momento en Polonia por ficciones alejadas de la acción, no fue objeto de críticas tras su estreno.

La acogida por parte de los aficionados, como es habitual en este universo, estuvo polarizada. A nivel de recaudación fue un éxito y obtuvo varias nominaciones en los premios del cine polaco 2002, donde solo ganó en el aspecto musical.

En verdad Wiedzmin es una película ágil y fácil de ver, algo superficial en algunos aspectos, pero donde prima un esfuerzo por captar la ambientación y darle un toque muy mitológico a la historia centrada en la brujería.

En este momento es difícil encontrar Wiedzmin. No está en ninguna plataforma y tampoco es que sea una película que se demande por parte de unos seguidores de la saga quizá saturados por tantas adaptaciones, y por la serie de Netflix que siempre da mucho que hablar. Aun así, es interesante al ser una versión del mismo país que el autor y con su propio imaginario de este universo

Según ha informado Deadline, la quinta temporada será la última de la exitosa serie que pasó de arrasar (algunos galardones así lo muestran) a dejarnos indiferentes. ¿Cuántos de los entusiastas fans de las dos primeras temporadas acabaron la cuarta? Es probable que no muchos.

Este final vuelve a mostrar uno de los pecados más habituales en las series actuales: alargar hasta desmerecer a la idea original.

Creo que si The Bear hubiese acabado antes quedaría en la memoria colectiva como un hito de nuestra televisión actual, una serie a la que volver de vez en cuando. Pero esto seguramente no ocurrirá con las cinco temporadas, de las cuales al menos dos han sido algo menores y falta por juzgar la última. ¿Qué recuerdo quedará de The Bear? La de una serie venida a menos a pesar de contar con tantos aciertos.

En el lado opuesto podemos encontrar otra serie distribuida a través de la misma plataforma: Andor. Dos temporadas con sus propias tramas compactas y perfectamente cerradas. Quizá distintas, pero en ningún caso menores. No sé el resto, pero estoy seguro de que volveré a ver esta serie a no mucho tardar.

Está claro que aquí influyen las políticas de cada major, no es lo mismo un producto de Lucasfilm que de FX. Y cada showrunner cuenta con su limitada libertad. Pero el caso de The Bear me parece otro buen ejemplo de cómo muchas series se extienden hasta apagarse y pasan de ser referentes a que realmente no importe demasiado que anuncien su final.

Estos años vemos que la concentración de compañías en corporaciones gigantescas sigue aumentando. Es algo que no atañe solamente al sector del entretenimiento, también podemos observarlo en las tecnológicas, con empresas como Meta y sus distintas redes sociales, Amazon con plataformas y periódicos, el conglomerado de Elon Musk… A veces es por simple supervivencia de las compañías y otras son movimientos para tener un mayor control del mercado.

Pero las empresas no son entes objetivos y abiertos a cualquier perspectiva. El término cultura de empresa no le es ajeno a nadie y conlleva muchas cosas: un modo de ver el negocio, ideología, márgenes en los que moverse, que un área no contradiga a otra.

Paramount, Disney, Warner, Netflix, A24… Al pensar en cualquiera de ellas sabemos que hay algo que no harían, unos límites culturales y de negocio que no siempre son los mismos. Pero ¿qué pasaría si compartiesen los mismos valores? Que habría un cine que no se rodaría. Y eso es inevitable en cualquier horizonte donde se viva una gran concentración de compañías bajo la misma marca.

Es iluso pensar que una empresa como Warner, con toda su grandeza histórica, no vaya a vivir un proceso en el que sus producciones se tengan que adaptar a un nuevo contexto.

Los aficionados al cine seguiremos perdiendo variedad, miradas distintas y pluralidad artística. La falta de heterogeneidad se acentuará. Ya ni hablamos de riesgo, algo que cada vez se destila menos en el cine de Hollywood.

Está claro que cualquier persona conocedora de la actualidad te puede decir si prefiere que Warner sea de Paramount o Netflix, pero también es probable que admita que la concentración no es buena para la variedad creativa e ideológica de la industria del cine.

A pesar de su nimio presupuesto, la película De naturaleza violenta sonó mucho en su momento por distintos motivos. Aunque tampoco fue lo que se dice un éxito en taquilla.

Todo empezó cuando se habló de un slasher salvaje que estaba narrado desde el punto de vista del asesino. Algo relativamente original. Y la atención mediática se disparó con las primeras reacciones que hablaban de sofocos y vómitos entre el público por sus explícitas escenas.

No es para menos. La película escrita y dirigida por Chris Nash tiene algunos de los momentos más salvajes del cine gore de los últimos años. Es cierto que no alcanza el nivel de Terrifier, pero tampoco busca provocar el mismo efecto.

No fue un fenómeno, pero ​nadie la ha olvidado y tendrá secuela

De naturaleza violenta se estrenó en julio de 2024 y no fue demasiado vista en los cines, pero como es habitual en el género, se habló bastante de ella y todavía hay aficionados que siguen descubriéndola.

Este mismo fin de semana se ha estrenado en Filmin para que los suscriptores puedan disfrutar (o no) de sus 90 minutos y los salvajes crímenes de su protagonista.

En todo caso, hace poco se mostró el trailer de su secuela, donde se repiten algunas cosas, como los ataques a campistas y gente con la que Johnny se va encontrando. Sin duda alguna, lo que se puede esperar de este tipo de películas. Algunos esperamos con ganas De naturaleza violenta 2.

Unos premios que cumplen 40 añazos y que este 2026 se celebran desde el Fórum de Barcelona, con Luis Tosar y Rigoberta Bandini ejerciendo de anfitriones de la velada que reunirá a la flor y nata del séptimo arte nacional.

Los domingos y Sirât partían como favoritas, con 14 y 11 nominaciones respectivamente. Además, la película de Oliver Laxe necesitaba un empujón de cara a la recta final para intentar convertir esas dos nominaciones al Óscar, y qué mejor que recibirlo desde casa, aunque Alauda Ruiz de Azúa ha frenado toda opción.

Pero basta de preparativos. Hoy en HobbyCine, te traemos el listado completo de ganadores de la 40.ª edición de los premios Goya. Marcaremos en negrita y con la palabra GANADOR/A al vencedor de cada categoría.

Mejor película

• La cena
• Los domingos (GANADORA)
• Maspalomas
• Sirât
• Sorda

Mejor dirección

• Alauda Ruiz de Azúa - Los domingos (GANADORA)
• Carla Simón - Romería
• Oliver Laxe, - Sirât
• Jose Mari Goenaga y Aitor Arregi - Maspalomas
• Albert Serra - Tardes de soledad

Mejor actriz protagonista

• Ángela Cervantes - La furia
• Patricia López Arnaiz - Los domingos (GANADORA)
• Antonia Zegers - Los Tortuga
• Nora Navas - Mi amiga Eva
• Susana Abaitua - Un fantasma en la batalla

Mejor actor protagonista

• Alberto San Juan - La cena
• Miguel Garcés - Los domingos
• Jose Ramón Soroiz - Maspalomas (GANADOR)
• Mario Casas - Muy lejos
• Manolo Solo - Una quinta portuguesa

Mejor actriz de reparto

• Elvira Mínguez - La cena
• Nagore Aramburu - Los domingos (GANADORA)
• Miryam Gallego - Romería
• Elena Irureta - Sorda
• María de Medeiros - Una quinta portuguesa

Mejor actor de reparto

• Miguel Rellán - El cautivo
• Juan Minujín - Los domingos
• Kandido Uranga - Maspalomas
• Tamar Novas - Rondallas
• Álvaro Cervantes - Sorda (GANADOR)

Mejor actriz revelación

• Nora Hernández - La cena
• Blanca Soroa - Los domingos
• Elvira Lara - Los Tortuga
• Llúcia García - Romería
• Miriam Garlo - Sorda (GANADORA)

Mejor actor revelación

• Antonio "Toni" Fernández Gabarre - Ciudad sin sueño (GANADOR)
• Julio Peña - El cautivo
• Hugo Welzel - Enemigos
• Jan Monter Palau - Estrany riu
• Mitch - Romería

Mejor dirección novel

• Ion de Sosa - Balearic
• Jaume Claret Muxart - Estrany riu
• Gemma Blasco - La furia
• Gerard Oms - Muy lejos
• Eva Libertad - Sorda (GANADORA)

Mejor guion original

• Alauda Ruiz de Azúa - Los domingos (GANADORA)
• José Mari Goenaga - Maspalomas
• Agustín Díaz Yanes - Un fantasma en la batalla
• Oliver Laxe y Santiago Fillol - Sirât
• Avelina Prat - Una quinta portuguesa

Mejor guion adaptado

• Guillermo Galoe y Víctor Alonso-Berbel - Ciudad sin sueño
• Celia Rico Clavellino - La buena letra
• Joaquín Oristrell, Manuel Gómez Pereira y Yolanda García Serrano - La cena (GANADORES)
• Carla Simón - Romería
• Eva Libertad - Sorda

Mejor música original

• Carla F. Benedicto - El talento
• Iván Palomares de la Encina - Leo & Lou
• Julio de la Rosa - Los Tigres
• Aránzazu Calleja - Maspalomas
• Kangding Ray - Sirât (GANADOR)

Mejor canción original

• "La Arepera", de Paloma Peñarrubia Ruiz - Caigan las rosas blancas
• "Flores para Antonio", de Alba Flores y Silvia Pérez Cruz - Flores para Antonio (GANADORAS)
• "Hasta que me quede sin voz", de Leiva - Hasta que me quede sin voz
• "Y mientras tanto, canto", de Víctor Manuel - La cena
• "Caminar el tiempo", de Blanca Paloma Ramos, Jose Pablo Polo y Luis Ivars - Parecido a un asesinato

Mejor dirección de producción

• Antonello Novellino - Ciudad sin sueño
• Sergio Díaz Bermejo - El cautivo
• Itziar García Zubiri - Los domingos
• Begoña Muñoz Corcuera - Los Tigres
• Oriol Maymó - Sirât (GANADOR)

Mejor dirección de fotografía

• Rui Poças - Ciudad sin sueño
• Bet Rourich - Los domingos
• Pau Esteve Birba - Los Tigres
• Javier Agirre Erauso - Maspalomas
• Mauro Herce - Sirât (GANADOR)

Mejor montaje

• Victoria Lammers - Ciudad sin sueño
• Andrés Gil - Los domingos
• José M. G. Moyano - Los Tigres
• Cristóbal Fernández - Sirât (GANADOR)
• Bernat Vilaplana - Un fantasma en la batalla

Mejor dirección de arte

• Juan Pedro de Gaspar - El cautivo
• Koldo Vallés - La cena
• Pepe Domínguez - Los Tigres
• Mikel Serrano - Maspalomas
• Laia Ateca - Sirât

Mejor maquillaje y peluquería

• Ana López-Puigcerver, Belén López-Puigcerver y Nacho Díaz - El cautivo (GANADORES)
• Patricia López, Paco Rodríguez H. y Nacho Díaz - Gaua
• Sarai Rodríguez, David Moreno y Óscar del Monte - La tregua
• Karmele Soler y Sergio Pérez Berbel - Maspalomas
• Zaira Eva Adén - Sirât

Mejor diseño de vestuario

• Nicoletta Taranta - El cautivo
• Nerea Torrijos - Gaua
• Helena Sanchis - La cena (GANADORA)
• Ana Martínez Fesser - Los domingos
• Anna Aguilà - Romería

Mejor sonido

• Aitor Berenguer, Gabriel Gutiérrez y Candela Palencia - El cautivo
• Andrea Sáenz Pereiro y Mayte Cabrera - Los domingos
• Daniel de Zayas, Gabriel Gutiérrez y Candela Palencia - Los Tigres
• Amanda Villavieja, Laia Casanovas y Yasmina Praderas - Sirât (GANADORAS)
• Urko Garai, Enrique G. Bermejo y Alejandro Castillo - Sorda

Mejores efectos especiales

• César Moreno, Ana Rubio y Juanma Nogales - Enemigos
• Jon Serrano, Mariano García Marty, David Heras e Iñaki Gil “Ketxu” - Gaua
• Paula Gallifa Rubia y Ana Rubio - Los Tigres (GANADORAS)
• Pep Claret y Benjamín Ageorges - Sirat
• Jon Serrano, Mariano García Marty y Laura Pedro - Un fantasma en la batalla

Mejor película de animación

• Bella
• Decorado (GANADORA)
• El tesoro de Barracuda
• Norbert
• Olivia y el terremoto invisible

Mejor película documental

• 2025. Todos somos Gaza
• Eloy de la Iglesia. Adicto al cine
• Flores para Antonio
• Tardes de soledad (GANADORA)
• The Sleeper. El Caravaggio perdido

Mejor película iberoamericana

• Belén (Argentina) (GANADORA)
• La misteriosa mirada del flamenco (Chile)
• La piel del agua (Costa Rica)
• Manas (Brasil)
• Un poeta (Colombia)

Mejor película europea

• Cónclave (Reino Unido)
• La chica de la aguja (Dinamarca)
• On Falling (Portugal)
• Un simple accidente (Francia)
• Valor sentimental (Noruega) (GANADORA)

Mejor cortometraje de ficción

• Ángulo muerto (GANADOR)
• De sucre
• El cuento de una noche de verano
• Sexo a los 70
• Una cabeza en la pared

Mejor cortometraje documental

• Disonancia
• El santo (GANADOR)
• La conversación que nunca tuvimos
• The Painter's Room
• Zona Wao

Mejor cortometraje de animación

• Buffet Paraíso
• Carmela
• El corto de Rubén
• El estado del Alma
• Gilbert (GANADORA)

Y esto ha sido todo. Los Goya 2026 ya son historia, con Los domingos coronada como la gran triunfadora de la noche con esos cabezones que se lleva a casa. ¿Acertaste muchas en la quiniela?

¿O tal vez no?

La cuestión con la gala de los Goya es que desde que tenemos redes sociales hay muchas personas que se han convertido en críticos de galas. Gente que únicamente escribe sobre ellas para decir lo que no le gusta y pedir cosas que son imposibles.

La única ceremonia de los Goya realmente distinta fue la del covid, por fuerza mayor, con los nominados en sus casas conectados a través de videollamada, el resto siempre sigue un patrón.

Con los Goya, al igual que con los Óscar, debemos asumir que hay aspectos que no pueden cambiarse. Al menos de un año para otro. Es un formato muy estandarizado que en los términos actuales requiere ser largo. No va a variar de un año al siguiente lo que no lo ha hecho durante décadas.

Muchos premios, actuaciones por medio, el discurso del presidente de la academia, el in memoriam, premiados que se alargan en sus agradecimientos… Es lo que hay.

Claro que esto lo sabemos todos, pero es el mejor momento para criticar. Se aprovecha la coyuntura para lanzar quejas sobre la calidad de las películas españolas, las subvenciones y, por supuesto, cualquier posicionamiento político.

Cuando hay una gala de entrega de los Premios Goya las redes se llenan con más odio del habitual. Ahí cada uno decidirá si es mejor contestar, argumentar o ignorar. Se haga lo que se haga, da lo mismo, porque en 2027 la ceremonia volverá a ser muy aburrida, injusta y mejorable. Y en 2028 también. ¿Verdad?

Emerald Fennell (Saltburn), directora de la divisiva película, ha aclarado el motivo de este añadido: “...la cuestión para mí es que no se puede adaptar un libro tan denso, complicado y difícil como este. No puedo decir que estoy haciendo Cumbres borrascosas. No es posible. Lo que sí puedo decir es que estoy haciendo una versión”.

Más allá de la excusatio non petita, accusatio manifesta que se pueda observar, otra vez volvemos al tema de qué es una adaptación y si debe tener autonomía respecto a la obra de la que parte. Esto ya se ha comentado en multitud de ocasiones con series como The Last of Us o en su momento con Juego de tronos y esa temporada final que adelantaba a las mismas novelas.

Podemos apuntar que no es lo mismo partir de una obra de las últimas décadas que de una extensa novela de 1847. Por pura lógica habrá multitud de cambios y en una novela tan larga se omitirán muchas tramas o no quedará otra que centrarse en una parte en concreto. Ahí tenemos numerosas adaptaciones de El Quijote que lo demuestran.

No hace falta ver la película para entender que las comillas son innecesarias. Toda adaptación es una versión, una lectura del original, y da lo mismo que sea Batman que Cumbres borrascosas.

Seguramente, si mantuviésemos esa tesis con películas recientes, no tendríamos que hablar de Frankenstein, sino de “Frankenstein”; ni de Hamnet, sino de “Hamnet”. O podríamos volver a esa fórmula que se ha utilizado en el pasado, como Frankenstein, de Guillermo del Toro y similares. Aunque claro, para eso hay que tener un nombre conocido.

En todo caso, como en la imagen de Austin Powers que abre este artículo, las comillas son un eufemismo fallido. En fin, el chiste que se explica solo, aunque la directora de Cumbres borrascosas no ha querido bromear.

En el último año hemos visto que estas plataformas ya no son para todos los bolsillos. Al igual que ocurre en Estados Unidos, toca elegir qué nos interesa porque es demasiado para el bolsillo contar con todas las opciones.

En todo caso, SkyShowtime comenzó ayer a mandar correos a los suscriptores para informar del cambio de condiciones que eleva los precios de todas las tarifas. Así es como quedarán a partir de ahora:

-Plan Estándar con anuncios: 5,99 euros al mes

-Plan Estándar: 8,99 euros al mes

-Oferta promocional Estándar a mitad de precio de por vida: 4,49 euros al mes

-Plan Premium: 13,99 euros al mes

-Oferta promocional Premium a mitad de precio de por vida: 6,99 euros al mes

¿Qué ocurre con las condiciones previamente contratadas?

Lo primero de todo: estos cambios en SkyShowtime entrarán en vigor a partir de febrero de 2026. Esto es, de forma inmediata.

Pero lo más importante es que se respetarán las condiciones más ventajosas de la plataforma. Lo avisan en el mismo correo a los suscritos con el 50 % para siempre:

"Vamos a actualizar nuestros precios. No te preocupes, como usuario de "A mitad de precio para siempre", continuarás disfrutando de tu descuento del 50 % durante toda tu vida".

Por lo tanto, SkyShowtime seguirá siendo una plataforma muy barata para los que ya son clientes, pero seguramente hará que se lo piensen un poco más los que estén valorando unirse.

Como ya sabemos, el catálogo de este servicio sigue creciendo con series ya asentadas y cada vez más estrenos de películas importantes. Era complicado que se mantuviese ajena al contexto, con las mismas condiciones. Ahora toca esperar a ver cuál es la siguiente plataforma en subir sus tarifas.

La antesala de los Óscar siempre atrae la atención de los espectadores, pues algunos de los ganadores de esta noche sonarán, muy probablemente, dentro de unos días, cuando se anuncien los nominados.

La 83.ª edición de los Premios Globo de Oro ha sido acogida en el hotel The Beverly Hilton de Beverly Hills, donde se ha reunido la flor y nata de Hollywood para ver quiénes se erigen triunfadores de la velada. Una batalla tras otra, con 9 nominaciones, partía como favorita en las categorías de cine, mientras que The White Lotus, con 6, espera imponerse en televisión.

Así que no vamos a andarnos con más preámbulos: hoy, en HobbyCine, repasamos el listado de los ganadores de los Globos de Oro 2026. Indicaremos el vencedor de cada categoría con la palabra "GANADOR" al lado.

Ganadores de los Globos de Oro 2026 - Cine

Mejor película - Drama

• Frankenstein
• Hamnet - GANADOR
• El agente secreto
• Valor sentimental
• Los pecadores
• Un simple accidente

Mejor película - Comedia o musical

• Blue Moon
• Bugonia
• Marty Supreme
• No hay otra opción
• Nouvelle Vague
• Una batalla tras otra - GANADOR

Mejor película - Animación

• Arco
• Kimetsu no Yaiba: La fortaleza infinita
• Las guerreras k-pop - GANADOR
• Little Amélie
• Elio
• Zootrópolis 2

Mejor dirección

• Paul Thomas Anderson (Una batalla tras otra) - GANADOR
• Ryan Coogler (Los pecadores)
• Guillermo del Toro (Frankenstein)
• Jafar Panahi (Un simple accidente)
• Joachim Trier (Valor sentimental)
• Chloé Zhao (Hamnet)

Mejor actor principal - Drama

• Joel Edgerton (Sueños de trenes)
• Dwayne Johnson (The Smashing Machine)
• Michael B Jordan (Los pecadores)
• Wagner Moura (El agente secreto) - GANADOR
• Jeremy Allen White (Springsteen: Deliver Me From Nowhere)

Mejor actriz principal - Drama

• Jessie Buckley (Hamnet) - GANADOR
• Jennifer Lawrence (Die My Love)
• ​Renate Reinsve (Valor sentimental)
• Julia Roberts (Caza de brujas)
• Tessa Thompson (Hedda)
• ​Eva Victor (Sorry, Baby)

Mejor actor principal - Comedia o musical

• Timothée Chalamet (Marty Supreme) - GANADOR
• George Clooney (Jay Kelly)
• Leonardo DiCaprio (Una batalla tras otra)
• Ethan Hawke (Blue Moon)
• Lee Byung Hun (No hay otra opción)
• Jesse Plemons (Bugonia)

Mejor actriz principal - Comedia o musical

• Rose Byrne (Si pudiera, te daría una patada) - GANADOR
• Cynthia Erivo (Wicked: Parte II)
• Kate Hudson (Song Sung Blue)
• Amanda Seyfried (The Testament of Ann Lee)
• Emma Stone (Bugonia)

Mejor actor de reparto en cualquier película

• Paul Mescal (Hamnet)
• Sean Penn (Una batalla tras otra)
• Stellan Skarsgard (Valor sentimental) - GANADOR
• Benicio del Toro (Una batalla tras otra)
• Jacob Elordi (Frankenstein)
• Adam Sandler (Jay Kelly)

Mejor actriz de reparto en cualquier película

• Emily Blunt (The Smashing Machine)
• Elle Fanning (Valor sentimental)
• Ariana Grande (Wicked: Parte II)
• Inga Ibsdotter Lilleaas (Valor sentimental)
• Teyana Taylor (Una batalla tras otra) - GANADOR

Mejor guion

• Paul Thomas Anderson (Una batalla tras otra) - GANADOR
• Ronald Bronstein y Josh Safdie (Marty Supreme)
• Ryan Coogler (Los pecadores)
• Jafar Panahi (Un simple accidente)
• ​Eskil Vogt y Joachim Trier (Valor sentimental)
• Chloé Zhao y Maggie O'Farrell (Hamnet)

Mejor banda sonora original

• Frankenstein
• Los pecadores - GANADOR
• Una batalla tras otra
• Sirat
• Hamnet
• F1: La película

Mejor canción original

• Dream as One (Avatar: Fuego y ceniza)
• Golden (Las guerreras k-pop) - GANADOR
• I Lied to You (Los pecadores)
• No Place Like Home (Wicked: Parte II)
• The Girl in the Bubble (Wicked: Parte II)
• Train Dreams (Sueños de trenes)

Mejor película de habla no inglesa

• Un simple accidente
• No hay otra opción
• El agente secreto - GANADOR
• Valor sentimental
• Sirat
• La voz de Hind

Logro Cinematográfico y de Taquilla

• Avatar: Fuego y ceniza
• F1: La película
• Las guerreras k-pop
• Misión Imposible: Sentencia final
• Los pecadores - GANADOR
• Weapons
• Wicked: Parte II
• Zootrópolis 2

Ganadores de los Globos de Oro 2026 - Cine

Mejor serie de televisión - Drama

• La diplomática
• The Pitt - GANADOR
• Pluribus
• Separación
• Slow Horses
• The White Lotus

Mejor serie de televisión - Comedia o musical

• Colegio Abbott
• The Bear
• Hacks
• Nadie quiere esto
• Solo asesinatos en el edificio
• The Studio - GANADOR

Mejor serie limitada, serie antológica o película realizada para televisión

• Adolescencia - GANADOR
• Su peor pesadilla
• La bestia en mí
• Black Mirror
• Dying for Sex
• La novia

Mejor actor principal en una serie de TV - Drama

• Sterling K. Brown (Paradise)
• Diego Luna (Andor)
• Gary Oldman (Slow Horses)
• Mark Ruffalo (Task)
• Adam Scott (Separación)
• Noah Wyle (The Pitt) - GANADOR

Mejor actriz principal en una serie de TV - Drama

• Kathy Bates (Matlock)
• Britt Lower (Separación)
• Helen Mirren (Tierra de mafiosos)
• Bella Ramsay (The Last of Us)
• ​Keri Russell (La diplomática)
• Rhea Seehorn (Pluribus) - GANADOR

Mejor actor principal en una serie de TV - Comedia o musical

• Adam Brody (Nadie quiere esto)
• ​Steve Martin (Solo asesinatos en el edificio)
• Glen Powell (Chad Powers)
• ​Seth Rogen (The Studio) - GANADOR
• Martin Short (Solo asesinatos en el edificio)
• ​Jeremy Allen White (The Bear)

Mejor actriz principal en una serie de TV - Comedia o musical

• Kristen Bell (Nadie quiere esto)
• Ayo Edebiri (The Bear)
• Selena Gomez (Solo asesinatos en el edificio)
• Natasha Lyonne (Poker Face)
• ​Jenna Ortega (Miércoles)
• ​Jean Smart (Hacks) - GANADOR

Mejor actor en una miniserie o película para TV

• Jacob Elordi (El camino estrecho)
• Paul Giamatti (Black Mirror)
• ​Stephen Graham (Adolescencia) - GANADOR
• ​Charlie Hunnam (Monstruo: La historia de Ed Gein)
• Jude Law (Black Rabbit)
• Matthew Rhys (La bestia en mí)

Mejor actriz en una miniserie o película para TV

• Claire Danes (La bestia en mí)
• Rashida Jones (Black Mirror)
• ​Sarah Snook (Su peor pesadilla)
• ​Michelle Williams (Dying for Sex) - GANADOR
• ​Robin Wright (La novia)

Mejor actor secundario en televisión

• Owen Cooper (Adolescencia) - GANADOR
• Billy Crudup (The Morning Show)
• ​Walton Goggins (The White Lotus)
• Jason Isaacs (The White Lotus)
• Tramell Tillman (Separación)
• ​Ashley Walters (Adolescencia)

Mejor actriz secundaria en televisión

• Carrie Coon (The White Lotus)
• Erin Doherty (Adolescencia) - GANADOR
• ​Hannah Einbinder (Hacks)
• Catherine O'Hara (The Studio)
• ​Parker Posey (The White Lotus)
• Aimee Lou Wood (The White Lotus)

Y hasta aquí han dado de sí los Globos de Oro de 2026. ¿Te satisfacen los resultados? ¿Crees que otra película o serie debería haberse llevado alguna categoría?

Neuromante estará basada en el libro homónimo de William Gibson publicado en 1984 que se considera una obra fundacional del género cyberpunk. Si has leído la novela ya sabrás la complejidad que tiene a nivel narrativo y la importancia de su recreación de ambiente.

Ese mundo cyberpunk nos es conocido, pero ya no pertenece a nuestro imaginario futuro. No pensamos en piratas informáticos que son como cowboys, ni en ciudades llenas de basura donde individuos se intercambian discos duros en callejones, en que la aventura digital también se dé en la realidad analógica.

Y aun así las obras de Gibson (quien todavía sigue escribiendo) son precursoras de universos digitales, compañías que invierten en espionaje industrial, distintas IA con personalidad propia, amenazas de virus y otras tantas cuestiones que pertenecen a nuestra cotidianidad, pero de forma más moderada.

Aquí tienen todo un reto en Apple TV. Deben actualizar esa mirada de William Gibson a nuestro presente u optar por algo tan arriesgado como acercarse al steampunk, porque, como he comentado, su innovación ya nos suena a pasado que no ocurrió.

Por eso hay que asumir algo que debería entender cualquier amante de un libro: la serie debe tomar su propio camino.

Personalmente, estoy confiado porque cuando era un lector de género hace bastantes años soñaba con ver series como Fundación, Para toda la humanidad o Separación. En su momento parecía impensable.

Veremos qué vía cogen a la hora de enfocar la serie. Hay mucho hype y no van a tenerlo fácil para convencer a todos, pero sabían a lo que se enfrentaban cuando escogieron una novela que hasta hace poco se consideraba inadaptable.

Más allá de que me ha encantado, también ha provocado que piense en lo llamativa que resulta a nivel ideológico. Andor es una serie sobre guerrilla, resistencia ante totalitarismos, donde la esperanza parece el único motor vital de unos protagonistas capaces de sacrificarse por una mejora para la sociedad. Además, está protagonizada por Diego Luna, un actor mexicano.

Podemos decir que Andor es una serie subversiva a muchos niveles, también que ha tenido la suerte de surgir antes del segundo mandato de Donald Trump. Creo que sufriría un camino mucho más difícil si fuese a planificarse ahora.

De cara a 2026 podemos esperar que las grandes compañías estrenen contenidos más conservadores para molestar lo mínimo posible a Donald Trump y sus políticas. Es notoria la presión ideológica que se sufre en Estados Unidos y las majors, al igual que ocurre con las grandes tecnológicas, prefieren no sufrir las críticas del presidente.

Sin duda, se espera una temporada más contenida. Veremos si Disney apuesta por esas películas aperturistas que generaron excesiva controversia, como el beso en Lightyear, pero tras eliminar la trama trans en En la victoria o en la derrota parece que quedaron muchas cosas claras.

Y en un universo como el de Star Wars, donde se han vivido tantas polémicas e intentos de boicots, lo más probable es que se busque entretener de la forma más neutra posible. Pocas veces se han sentido tan apoyadas algunas voces y en Lucasfilm no van a querer tenerlas en su contra.

Ojalá me equivoque, pero puede que la traca de Andor (a nivel de calidad, que no de repercusión) dé paso a una época bastante larga en la que las compañías detendrán este tipo de historias.

En todo caso, ha sido una maravilla ver Andor.

La actriz ha cosechado en sus 37 años dos Óscar, dos BAFTA, tres SAG y dos Globos de Oro, pero sobre todo ha ganado fama de no aburrir ni repetirse con sus papeles. No tiene miedo a los retos, ni interpretativos ni a la hora de elegir participar en historias que se salen de lo convencional.

Porque Stone podría haberse labrado una filmografía relativamente convencional tras abrir puertas al cine más mainstream al aparecer en The Amazing Spider-Man o comedias románticas como Crazy, Stupid, Love, pero sus últimos trabajos con Yorgos Lanthimos y Ari Aster sirven de declaración de intenciones.

No olvidemos que también ha apostado por una carrera en la que combina largometrajes y series. Veremos dos ejemplos de series que no son lo que uno puede esperar de alguien de tal caché.

La La Land (2016)

Quizá la primera elección sea la más convencional, pero si hablamos de retos ante las cámaras, pocos ejemplos mejores se pueden encontrar que el de bailar. Y Emma Stone lo hace muy bien, tanto que es el centro de todas las miradas durante la película.

La La Land fue un éxito mayúsculo en un tiempo en el que los musicales eran (y son) especialmente arriesgados, más todavía cuando no tienen un carácter muy dramático y van llenos de coreografías. El director Damien Chazelle supo encontrar las teclas adecuadas para encantar a casi todos.

Para la historia queda lo ocurrido en la ceremonia de los Óscar, cuando fue anunciada por error como Mejor película, un premio que se llevó finalmente la magnífica Moonlight.

Maniac (2018)

Maniac es uno de los proyectos más olvidados de Emma Stone. Es el remake agridulce de una serie noruega que mezcla melodrama, comedia negra y un ensayo farmacéutico que acaba con algo de ciencia ficción.

Estrenada el mismo año de La favorita, en Maniac es la protagonista junto a Jonah Hill. Ambos interpretan los papeles de dos personas introvertidas que buscan recomponerse a través de un ensayo clínico que afirma tener la capacidad de solucionar cualquier trauma o problema psicológico. Es una serie que no elige los caminos sencillos y complicada de describir, pero que tiene claro hacia dónde avanza.

Se puede ver en Netflix y es melancólica, aunque deja la sensación de haber visto una historia de recomposición emocional.

The Curse (2023)

No nos salimos de las series para seguir con una producida por el estudio A24 que en España se estrenó en SkyShowtime. The Curse es uno de los trabajos más incómodos de ver en la carrera de Emma Stone porque esa es la intención del creador: que sea áspera, incorrecta y surrealista.

Habla de una pareja con alto poder adquisitivo que se dedica a fabricar casas ecológicas totalmente sostenibles, ¿o quizá son una estafa? Estos personajes intentan tener buen corazón, pero no les sale de forma natural y acaban actuando como indeseables con todo el mundo.

Su proyecto, que se asienta en una zona deprimida de Nuevo México, choca con las tradiciones y los habitantes de la zona. Esa fricción es continua en la serie: económica, social, de intereses y cultural.

Emma Stone está en uno de los papeles más despreciables de su carrera en un difícil equilibrio entre una protagonista que sabe cómo es e intenta ocultarlo constantemente, solo que no puede.

Bugonia (2025)

Y si hablamos de personajes desagradables e historias incómodas, el último estreno de Emma Stone en España cumple con esas dos características.

Bugonia es una película de conspiraciones y un país en descomposición que se pueden unir temáticamente en cierto modo con Eddington. En esta historia dos personas que aparentemente no son muy inteligentes raptan a una importante CEO, la misma Emma Stone, al considerar que es una extraterrestre que pertenece a una especie que controla a los humanos.

En la trama se la tortura y hay una continua guerra dialéctica con algo de comedia, pero sobre todo es una película que sorprende hasta el tramo final.

Vemos a Emma Stone con el pelo rapado, excesiva, déspota y en un personaje que, al igual que los ejemplos anteriores, llega a llamar la atención. Cuesta imaginar a otras estrellas de su generación tomando estas decisiones al elegir proyectos.

La lotería es un relato que se publicó en 1948 en The New Yorker y despertó tanta controversia que recibieron cientos de cartas quejándose del mismo. Está escrito por la autora Shirley Jackson, quien también sufrió las críticas de sus vecinos por el mismo.

Shirley Jackson es la autora de varias historias de terror, dos de ellas son novelas de casas encantadas que han sido adaptadas al cine en distintas ocasiones: La maldición de Hill House y Siempre hemos vivido en el castillo. Fue una influencia para otros autores de terror, como Stephen King.

En La lotería, la celebración de este sorteo se lleva a cabo una vez al año en un pequeño pueblo. Los vecinos se reúnen para ver a quién le toca la misma. Como han pasado tantos años desde su publicación, podemos adelantar que primero "gana" una familia y después se hace otro sorteo para ver qué miembro de ellos es el elegido. Entendiéndose el premio como algo horrible.

El relato funciona porque va ocultando qué se está sorteando realmente y choca con el ambiente general del mismo. Al final es un sorteo que el pueblo aprueba, no hay ningún mandato superior que les obligue a estar allí. También sirve para señalar de una forma muy directa las hipocresías que se dan en todas las comunidades.

La historia ha sido editada en España y es considerada un clásico en el género de terror. Da igual lo que sepas de la misma, su lectura siempre impacta. Y en un día como hoy también está bien conocer una lotería que no desearías jamás que te tocase.

Si en 2024 dos de las series de Movistar Plus+ fueron de las que más me gustaron, Querer y Los años nuevos; este 2025 hay una que va a mi top 3, Yakarta, y varias que han sido de gran interés para mí, como la segunda temporada de Poquita fe, El centro o Anatomía de un instante. Por el camino han quedado otras que me han gustado menos, pero el nivel general ha vuelto a ser más que notable.

La apuesta por hacer marca y primar la calidad junto a un presupuesto solvente está clara. Sin inundar el mercado con lanzamientos, los proyectos son ambiciosos, pero no esquivan temas espinosos. Más allá de la cuestión formal en Los años nuevos, las tramas de Querer o Yakarta son especialmente difíciles de tratar. Detrás se ve un cuidado para que todo funcione sin tomar caminos fáciles.

La fórmula no serviría si no fuese por dos coordenadas que se cumplen en la mayoría de estas series. Una de ellas es confiar en directores y guionistas de calidad contrastada: Rodrigo Sorogoyen, Paula Fabra, Alauda Ruiz de Azúa, Eduard Sola, Diego San José... La otra es hacer series autoconclusivas que uno siente haber acabado junto a la temporada. Puede que haya más entregas, pero todo tiene un comienzo y final; esto es, un valor por sí mismo. Algo especialmente importante en estos tiempos de cliffhanger masivo que ya es comparable al scroll infinito de las redes sociales.

En mi opinión, lo que está logrando Movistar Plus+ estos últimos años viene a ser como lo que hizo HBO en su momento a la hora de crear un catálogo que crece lentamente y sirve de referencia. No quiero comparar estas series españolas con los clásicos de HBO, pero sí se puede equiparar la exigencia.

Está claro que hay otras plataformas haciendo un buen trabajo con series nacionales, pero es difícil encontrar un nivel tan alto. Al preparar la clásica lista de lo mejor del año uno vuelve a encontrarse con que Movistar Plus+ sigue siendo una plataforma que no deja de sonar.

No negaré un tema tan evidente como es la edad, ya que no es lo mismo ver algo a los 17 que a los 40, pero tras darle muchas vueltas lo puedo resumir de modo rápido y directo: rara vez me pasa con clímax llenos de CGI. Me impactan más los efectos de toda la vida o incluso los hechos con maquillaje.

El exceso de CGI o que este domine el tono lleva a situaciones que a mis ojos crean fricción con la realidad y por lo tanto me sacan de la historia. No solo sé que son digitales, también intuyo su artificialidad e imposibilidad de trasladarse a mi realidad.

Esto lo he vivido con multitud de películas y series de los últimos años. El último ejemplo lo encontraría en Bienvenidos a Derry, donde siento que hay unos momentos tan excesivos de CGI que alejan cualquier tensión, como puede ser los del cementerio y la cámara de fotos (no entraré en spoilers). Aunque creo que con los minutos finales del primer capítulo sentía lo mismo, solo que todavía estaba entendiendo de qué iba la serie.

En dosis menores, también con las últimas películas de It y la falta de iconicidad en comparación con el recuerdo que tengo de la antigua miniserie protagonizada por Tim Curry, a pesar de lo irregular que era. La actualización del personaje y el mezclarlo tanto con CGI me alejó como espectador en algunos momentos.

El problema con el CGI y el peso que se le da a la hora de crear tensión es un tema peliagudo porque muchas veces todo el terror llega a codificarse con esos efectos y no como se estaba narrando el resto de la historia.

Esto es algo que me pasa especialmente en el género. En el cine de acción o ciencia ficción suelo vivirlo de otra forma. Ahí tenemos ejemplos tan interesantes como las últimas películas de Mad Max de George Miller o incluso los efectos de series como Andor o Fundación, donde acompañan a las tramas pero no las devoran.

Quizá este sea un problema que se solucione a no mucho tardar vista la rápida mejora que está viviendo la tecnología. Veremos en 2028, por ejemplo, si este terror dominado con el CGI consigue atraparme como lo hacían películas no demasiado alejadas en el tiempo, o si ya me han perdido.

Si nos llegan a comentar esta posibilidad hace cinco años, habríamos dicho que era una locura, de haberlo hecho hace un año seguramente nos parecería muy extraño, hace unas semanas dudoso visto los pujantes… Hoy ya no.

Desde hace tiempo que tenemos claro el cambio de contexto que existe en el mundo del cine y cómo los hábitos de los espectadores han ido variando. Quitando las producciones nacionales, que tienen sus propios funcionamientos, las internacionales y los blockbusters cada vez se están convirtiendo más en eventos que en actos cinéfilos.

Sobran ejemplos respecto a esto que comento. Hay menos hábito de asistir al cine y más ir a ver la película del mes, de la que se hablará en redes, la que representa nuestro nicho/identidad. Para las empresas es muy difícil adaptarse a la situación.

En Netflix afirman que respetarán el legado de Warner, ¿pero es posible?

Como era de esperar con cualquier compañía que comprase Warner, en Netflix afirman que mantendrán el legado y la distribución en salas de siempre. No olvidemos que Warner se fundó en 1923, tampoco su vasto catálogo y la historia que conlleva.

Dicho esto, Warner es una empresa que va más allá de los universos DC y los blockbusters. En sus producciones se han podido ver durante estos 102 años de historia, incluso en el presente, títulos que apuestan por la calidad y el honor de mantenerse como una de las grandes referencias del cine a nivel global.

El conflicto que puede asomar surge al comparar la visión de legado de Warner con la fórmula de algoritmo de Netflix y el enfoque que pueda existir entre ambos frentes. Utilizo la palabra frentes porque en el algoritmo pesa la inmediatez y no la continuidad histórica.

En el recorrido de Warner no solo están las películas, también la confianza, o apuesta, con directores que son fieles a una empresa, o con asumir que hay años de pérdidas y otros de ganancias. La clave es mantener una empresa que significa mucho más que un nombre o unas películas puntuales.

Comprar Warner probablemente signifique que ellos o Netflix tengan que adaptarse por completo a un modelo de negocio distinto, un cambio de cultura de empresa casi traumático. En caso de que esto prospere imperará un tiempo de incertidumbre absoluta.

Ahora los frentes legales van a ser importantes, tanto por parte de estas compañías como de terceros, Paramount no estaba de acuerdo con el movimiento de Netflix. Los próximos días se conocerán más detalles.

Esta situación se ha vuelto aún más extraña cuando encuentro que las series que más me gustan no suelen coincidir con las más promocionadas. Hay multitud de títulos que han sido muy comentados y que a mí no me han interesado nada. A veces descubro mis mayores tesoros excavando en los catálogos.

Normalmente suelo tirar más por el género fantástico, pero una de las series que más he disfrutado los últimos años es de género policiaco: Blue Lights.

En principio podría parecer una serie clásica de una comisaría en entorno hostil, con las relaciones entre policías que van dándose en los coches patrullas según lo que encuentren en cada episodio. Y es un poco eso, pero mucho mejor contado de lo habitual.

El contexto es importante, pero más la creación de personajes
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Esta serie irlandesa se desarrolla en Belfast, una ciudad en la que los conflictos políticos siguen tensionando la sociedad y además se suman a la violencia que se sufre en cualquier lugar.

Es un contexto complicado de entender para quien sea ajeno al conflicto, pero se pude apuntar que hay barrios donde la policía no es bienvenida al estar controlados por facciones políticas casi militarizadas.

Para dar comienzo y trama a la serie, se va siguiendo a tres policías que comienzan su carrera en la comisaría. Todos con perfiles y experiencia distintas, irán encontrando multitud de problemas y necesitarán entender a lo que se enfrentan, pero también si valen para el trabajo y el modo de adaptarse a sus compañeros.

Y aquí es donde mejor funciona la serie: es de personajes. Cada uno de ellos tienen un trasfondo, un debate interior, mayor o menor simpatía y, sobre todo, es interesante para el espectador.

Las dos temporadas que tengo vistas las he disfrutado por estos personajes, a los que se han sumado varias historias de investigaciones, corrupción, conflictos políticos y un tema troncal que ha ido creciendo hasta la explosión del capítulo final.

Los capítulos de cada temporada de Blue Lights podrían haber durado diez capítulos y no seis. Los hubiese visto con el mismo entusiasmo.

El caso es que es una serie que he recomendado y ha gustado a todos sin fallo. Pero sin ser desconocida, ha estado muy lejos del foco mediático o de ser de las más promocionadas... a pesar de su gran calidad.

En todo caso, más allá de conversaciones sobre el estado de las series y lo que se decide anunciar, a nivel personal me alegra reencontrarme con Blue Lights. La tercera temporada va a caer ya mismo.