La pareja ha tenido unos meses ajetreados promocionando tanto La Odisea como Spider-Man: Brand New Day; de hecho, contamos con ellos en Madrid a mediados de junio promocionando la cinta del Universo Cinematográfico de Marvel, antes de que tuvieran que atender los compromisos de la película de Nolan.

Ahora que Tom Holland ha retomado la promoción de Spider-Man: Brand New Day, ha compartido en el pódcast de Dish un sentimiento complicado que le generan las giras de prensa, especialmente cuando no tiene fe en la película que promociona:

"Cuando promocionas películas de las que estás muy orgulloso, es muy fácil; porque cuando te preguntan por qué la gente debería ir a ver esta película, no le mientes a nadie. De verdad crees que la gente debería verla.

[Pero] he tenido experiencias en las que la gente me pregunta: '¿Por qué deberías ver esta película?'. Y en el fondo, piensas: 'No deberías, porque es un asco'".

Tom Holland no siempre acierta en sus proyectos

El actor británico no especifica qué películas considera en esa categoría, porque tampoco iba a machete a escupir contra un proyecto en concreto, pero sí que ha tenido unos cuantos que han resultado decepcionantes.

Chaos Walking, por ejemplo, contaba con un equipo y reparto estupendo, pero las piezas no encajaron en este relato de ciencia ficción basado en la novela de Patrick Ness.

Al filo del invierno es previa a su éxito como Spider-Man, pero el drama dirigido por Rob Connolly decepcionó tanto a la crítica como al público.

O también está Las aventuras del Doctor Dolittle, donde Tom Holland tiene un papel de voz, aunque Robert Downey Jr. es quien se lleva el protagonismo. La película... bueno... digamos que, si la habías borrado de tu memoria, nadie te culpará.

Tom Holland tiene grandes éxitos en su carrera, pero, como casi todos en Hollywood, tiene sus fiascos. Aunque estos fracasos ayudan a disfrutar mñas de los triunfos, ¿no crees?

A lo largo de la aventura de Marty McFly (Michael J. Fox) en las tres películas, visitamos cuatro periodos de tiempo diferentes. La historia de Regreso al futuro se centra, principalmente, en los McFly, aunque también vemos cómo se desarrolla la vida de la familia Tannen.

En menor medida, podríamos decir que también se ve cómo transcurre la historia de los Strickland en el pasado. Pero hoy nos toca hablar de una familia de Regreso al futuro de la que no conocemos a ningún miembro, aunque sí vemos su evolución a lo largo de las películas.

Nos referimos a la familia Statler, que ha pasado décadas siendo un referente a la hora de procurar transporte a los vecinos de Hill Valley. A Marty McFly le dieron su pickup, por ejemplo.

Una historia que transcurre en el fondo de los planos de Regreso al futuro

En 1985, la familia es propietaria de Statler Toyota, el concesionario especializado en coches de la compañía japonesa. Se puede ver tanto un plano del establecimiento, situado en la plaza del juzgado, como una pancarta promocional en la camioneta que terminaría aparcada en el garaje de los McFly.

Al retroceder a 1955, vemos que el establecimiento se llama Statler Studebaker y se especializa en la marca de coches que desaparecería unos años después, tras fusionarse con la Worthington Corporation. Para 1985, ya era solo un recuerdo.

Y retrocedemos aún más, hasta 1885, cuando Marty McFly acudió al salvaje Oeste para salvar a Doc. En esta versión pionera de Hill Valley, trabajaba el honesto Joe Statler, cuya familia aún no vendía automóviles, sino caballos.

La familia Statler fue un recurso de Regreso al futuro para dar continuidad a Hill Valley, y hasta se lanzaron anuncios conmemorativos en 2015 con Jimmy Statler promocionando coches de Toyota de un futuro que no llegamos a conocer. Como técnicamente no es canon, por eso decimos que no conocemos a ningún miembro de la familia.

Como añadido, en Back to the Future: The Game vimos el concesionario Statler DeSoto, donde se vendían coches de la época en 1931.

El minucioso trabajo de Regreso al futuro, más allá de lo que está captando nuestra atención, es, en gran medida, parte de lo que hace especial esta trilogía de ciencia ficción.

Pero siempre hay una luz que brilla en la oscuridad, y en el rodaje de Tiburón fue el pequeño Jay Mello, el entonces niño actor que dio vida a Sean Brody, el hijo menor del jefe Brody (Roy Scheider). Mello tuvo pocas escenas en la película, pero habría tenido una menos si Scheider no hubiera propuesto algo.

Después del infame ataque del tiburón en la playa al joven Kintner y de que su madre (Lee Fierro) culpase a Brody, este se halla desolado mientras cena en casa. A su lado, el joven Sean imita cada movimiento de su padre.

Cuando Brody se da cuenta, empieza a hacerle muecas raras a Sean, que este imita al momento. La escena termina con el padre pidiéndole un beso a su hijo "porque lo necesita". Es una historia que no aporta nada a la trama, pero sí brinda profundidad a Brody en muchos aspectos.

Jay Mello imitaba a todo el que veía en Tiburón

El propio Jay Mello recordaba hace tiempo en una entrevista con People cómo surgió la escena de la cena después de que Roy Scheider propusiera a Spielberg usar la manía que tenía de imitar a todos.

"Tenía la costumbre de imitar a la gente. Así que, cuando Steven Spielberg entrevistaba [a los demás en el casting], yo lo imitaba mientras daba indicaciones. Cuando terminó, dijo: 'Chicos, ya podéis marcharos, hemos terminado. Pero el más pequeño se queda'.

[La escena de la cena] ni siquiera estaba escrita en el guion. Estábamos descansando de una escena en la que yo estaba sentado en un columpio y Roy Scheider estaba haciendo muecas graciosas, y yo intentaba imitarlo. Llamó a Steven Spielberg y le dijo: 'Tenemos que añadir esto a la película. Esto va a ser algo especial'".

Y lo fue. La escena aporta un encanto que ha sido característico a lo largo de la filmografía de Steven Spielberg y que, aunque no haga avanzar la historia de Tiburón, sería difícil concebir la película sin esa escena.

A pesar del repartazo que incluía nombres como Daniel Craig, Olivia Wilde, Harrison Ford, Sam Rockwell, Paul Dano, Abigail Spencer, Clancy Brown o Walton Goggins, la película fue un fiasco en taquilla que apenas recaudó su presupuesto de producción.

La recepción tampoco fue para tirar cohetes. En Rotten Tomatoes, la crítica la hundió con 44 % de aprobación, y el público fue a la par, con un 43 %.

Encima, el rodaje de la película casi nos deja sin Olivia Wilde. La actriz y directora casi pierde la vida en el rodaje durante la filmación de una de las escenas más multitudinarias de la película.

Walton Goggins salvó la vida de Olivia Wilde

En una entrevista con Deadline, Olivia Wilde ha relatado cómo sufrió una caída del caballo que montaba durante una carga con más de 40 jinetes tras ella, pero Walton Goggins intervino para evitar una tragedia:

"Tuve un accidente de caballo muy grave y él [Goggins] me salvó. Estábamos yo, Daniel Craig y Harrison Ford galopando a toda velocidad por el desierto con 40 caballos detrás. Y era como si estuviéramos liderando la carga para luchar contra los alienígenas o algo así.

El caballo saltó y me tiró al suelo de la forma más brutal. Me caí. Me golpeé la cabeza y la espalda, y quedé tirada en el suelo. Por desgracia, estaba al otro lado de una especie de terraplén, lo que significaba que los caballos que venían detrás no podían verme. Además, había muchísimo polvo.

Recuerdo que tenía la oreja pegada al suelo y podía oírlo; sonaba como un trueno que venía hacia mí. Y pensé: ‘Será rápido. Será como puré de manzana pulverizado. Adiós’.

Walt Goggins me vio delante de él y, al instante, decidió poner su caballo de lado justo frente a mí, dejando que todos chocaran contra él. Es un jinete excepcional, así que supo controlarlo. La gente se dividió a nuestro alrededor, pensando que se había vuelto loco, pero estaba protegiéndome en el suelo. Le debo la vida. Es increíble. Es un verdadero héroe".

Ya sabes lo que dicen: "No todos los héroes llevan capa". Walton Goggins es más de sombrero vaquero y, desde luego, su intervención en el rodaje de Cowboys & Aliens salvó muy probablemente la vida de Olivia Wilde.

Tres títulos, tres iconos de la comedia: La máscara, Dos tontos muy tontos y Ace Ventura: Un detective diferente. Esas tres películas abrieron las puertas de Hollywood a quien se convertiría en toda una leyenda que hoy seguimos disfrutando en las adaptaciones de Sonic, por ejemplo.

Pero no fue fácil vender a Jim Carrey a los estudios cuando no se le conocía, a pesar de que demostraba su talento constantemente en la comedia de sketches In Living Color.

Fue Chuck Russell, director de películas como Pesadilla en Elm Street 3: Los guerreros del sueño, que también dirigiría años después Eraser (Eliminador) o El rey escorpión, quien consiguió vender el talento de Jim Carrey a New Line Cinema para que protagonizase La máscara.

Comparar a Jim Carrey con Charlie Chaplin fue un acierto

Russell está promocionando el 30 aniversario de Eraser (Eliminador), pero también aprovecha para abordar otras películas de su carrera. Al hablar de La máscara con Collider, el director destacó cómo apostó todo por que Jim Carrey se convertiría en una estrella de la comedia:

"Estaba en The Comedy Store y me di cuenta de que lo que había estado haciendo en In Living Color, que también había estado viendo, era algo que podía hacer en vivo.

Hablé con él sobre esto mientras filmábamos La máscara, y me dijo: 'Si puedo imaginarlo, Chuck, puedo hacerlo físicamente. Es una locura'. Es un Charlie Chaplin. Supe que este tipo era un genio de la comedia, literalmente. Aposté todo a que Jim Carrey sería una gran estrella de cine, y New Line finalmente estuvo de acuerdo".

La máscara, junto a las otras dos joyitas que hemos mencionado, catapultó la carrera de Jim Carrey hasta convertirlo en una de las estrellas cómicas mejor valoradas de la industria. Una comparativa con Charlie Chaplin fue la chispa que necesitaba una carrera que ya pintaba prometedora.

Mucho antes de que Disney diera la campanada con Piratas del Caribe: La maldición de la Perla Negra en 2003, Hollywood llevaba años buscando la fórmula para convertir las aventuras bucaneras en un género de éxito.

En los 90 hubo una película que casi lo consigue, aunque técnicamente no pertenece al género. Spielberg estrenó Hook: El capitán Garfio, donde los piratas y la temática bucanera son parte fundamental de la narrativa. Pero al final se trataba de una película sobre Peter Pan (Robin Williams).

El intento más destacado de hacer una peli sobre piratas en los 90 fue la infame La isla de las cabezas cortadas, la cinta de Renny Harlin estrenada en 1995 que costó 115 millones de dólares y apenas recaudó 10 en todo el mundo. Hollywood tardaría aún ocho años en encontrar la redención con Piratas del Caribe.

Arnold Schwarzenegger dijo "no" a ser pirata

Tal y como ha contado Chuck Russell, director de Earser: (Eliminador), durante una entrevista con Slash Film, antes de hacer su película de 1996, el plan era que Arnold Schwarzenegger protagonizara una nueva adaptación de El capitán Blood, el clásico de aventuras de Rafael Sabatini.

El Chuache iba a ser el protagonista de esa nueva versión que combinaba muchos toques de humor, algo que sería clave años después en Piratas del Caribe. En los estudios estaban encantados con la premisa.

Sin embargo, Arnold Schwarzenegger se mostró reacio a protagonizar un papel así en una película de época y, finalmente, se negó. Esto llevó al descarrilamiento de todo el proyecto. En su lugar, Russell y el Roble Austríaco hicieron Eraser, que ni tan mal.

Puede que el fiasco de La isla de las cabezas cortadas y el mal momento que atravesaba el género en ese momento motivase la negativa de Arnold Schwarzenegger. Años más tarde, Piratas del Caribe demostró que era posible arrasar con una película de aventuras con temática pirata.

Los astros se alinearon en 2008, casi dos décadas después de que Indiana Jones y la última cruzada marcara el final de la trilogía original. Steven Spielberg regresó a la dirección, Harrison Ford hizo lo propio en el papel principal y George Lucas dio forma a la historia de la nueva aventura de Indy.

Una historia que David Koepp transformó en guion cinematográfico y que fue duramente criticada en varios aspectos, pero especialmente por ese giro final hacia la ciencia ficción, cuando la reliquia titular resultó ser parte de un cuerpo alienígena.

Después de tres entregas en las que lo místico y sobrenatural fueron parte de las respectivas tramas, este giro hacia la ciencia ficción supuso un volantazo excesivo que ni siquiera hacía gracia a Steven Spielberg y Harrison Ford.

George Lucas convenció a Spielberg para que hubiera ciencia ficción en Indiana Jones

En el perfil de Steven Spielberg que ha elaborado Vulture como parte de la promoción de El día de la revelación, George Lucas, cocreador de Indiana Jones, destacó que Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal vio discrepancias entre él, Spielberg y Ford, quienes no querían que la ciencia ficción entrase en juego en la franquicia:

"No querían hacer otra película de ciencia ficción. Le dije: 'Steven, esto es perfecto porque estamos en los años 50, cuando los platillos voladores estaban de moda', pero él se negó.

Hicimos unos cinco guiones, y finalmente Steve y yo llegamos a un acuerdo: 'Mira, ¿y si no son extraterrestres, sino de otra dimensión?'"

Pese al acuerdo citado por George Lucas, que en esencia era un parque para salirse con la suya, ni Steven Spielberg ni Harrison Ford se sintieron cómodos con el giro del final de la película. La expresidenta de Lucasfilm y productora del filme, Kathleen Kennedy, destaca este hecho y su creencia de que dicha incomodidad es responsable de lo floja que resultó la película para el público.

Pese a todo, Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal sí fue un éxito comercial, algo que no puede decir su sucesora, que generó unas pérdidas importantes a Disney. ¿Crees que Steven Spielberg debió cerrarse en banda y no aceptar ciencia ficción en la saga?

Pero la historia pudo ser muy diferente, pues el plan original era que otro cineasta asumiera la dirección del proyecto sobre un pelotón encargado de buscar a un soldado en las caóticas líneas del frente tras el desembarco de Normandía.

Hay que decir que buscaban a un director con talento para la destrucción y las explosiones, pues Michael Bay era quien rondaba la silla de dirección. Aunque Spielberg estaba en un momento dulce, Bay acababa de dirigir películas como Dos policías rebeldes y La roca.

Sin embargo, decidió rechazar la película y, en su lugar, dirigiría Armageddon (que ni tan mal), dejando vía libre a Steven Spielberg, que aportó su veteranía a una historia conmovedora y dramática que pudo haber quedado diluida con el estilo pirotécnico de Michael Bay.

Michael Bay sabe que no era el director adecuado para Salvar al soldado Ryan

Hace unos años, Michael Bay admitió en una entrevista con Collider que "él no habría hecho un mejor trabajo que Spielberg en Salvar al soldado Ryan". Naturalmente, al cineasta le fascina la secuencia del desembarco, que aún encandila a los fans del cine bélico.

Tres años después, Michael Bay se quitaría la espinita de visitar la II Guerra Mundial con Pearl Harbor, la película de 2001 que representa el ataque aéreo sobre la base naval situada en Hawái.

De hecho, Pearl Harbor es un ejemplo de cómo podría haber sido Salvar al soldado Ryan en manos de Bay, pues tiene sus virtudes y sus defectos.

Bay es un director visualmente espectacular, y ahí no tiene nada que envidiarle a Spielberg. Sin embargo, la carga dramática, especialmente a la hora de enfocarse en los personajes, sí que tiende a darle problemas en el desarrollo de sus películas.

Que Pearl Harbor tuviera un triángulo romántico como eje central no tarda en convertirse en un obstáculo que Bay y Randall Wallace, el guionista, no consiguen guiar satisfactoriamente. Salvar al soldado Ryan no tiene romances, pero bien podrían haberse sacado algo de la manga sin venir a cuento. O quizá los contratiempos narrativos hubieran llegado por otro lado.

Sea como fuere, Steven Spielberg se encargó de Salvar al soldado Ryan y Michael Bay de Armageddon, dejándonos dos de las películas más queridas de la década de los 90.

Pero hoy vamos a hablar de otra de sus joyas del género, una que se convirtió en la película más taquillera de la historia durante más de una década: E. T. el extraterrestre. La cinta de 1982 es una pieza clave dentro del género y ha inspirado multitud de homenajes a lo largo de la historia.

El entrañable encuentro de Elliott (Henry Thomas), un niño de 10 años con E. T., un extraterrestre al que sus semejantes dejan olvidado por error en la Tierra, sigue siendo a día de hoy una de las mejores películas de Spielberg.

Durante 44 años nos ha acompañado un gran misterio que queda sin resolverse al final de la película (ni falta que hacía, ya que es lo que hace más emocional esa conclusión). Pero los años han pasado y esa pregunta sigue resonando en la cabeza de muchos: ¿volvieron a verse E. T. y Elliott?

Steven Spielberg es conciso ante lo que pasó tras el final de E. T. el extraterrestre

Durante la campaña promocional de El día de la revelación, Steven Spielberg se ha dejado caer por el pódcast Happy Sad Confused, donde le han preguntado por el final de E. T. el extraterrestre y, más concretamente, qué ha pasado desde entonces. Si esperabas un reencuentro emotivo, mala suerte:

"Nunca lo volvió a ver. Pero sí soñó con él. Así que existía la conexión psíquica entre ellos. Si os acordáis, E. T. tocó a Elliot justo aquí [se señala el pecho] y le dijo: "Estaré aquí mismo". Eso fue así durante el resto de la vida de Elliot".

Si no te gusta la versión de Spielberg, recuerda que tienes aquel mítico anuncio de Xfinity en el que E. T. se reencuentra con Elliott muchos años después. Henry Thomas regresó para interpretar de nuevo a su personaje en aquella promoción de 2019.

Aunque la revelación de Steven Spielberg pueda ser agridulce, encaja con ese final de E. T. el extraterrestre que nos ha acompañado durante más de cuatro décadas. Recuerda que hoy vuelve el Steven Spielberg que nos hace mirar a las estrellas con fascinación con el estreno de El día de la revelación.

Eso le brindaba tablas a James Cameron, claro, pero no como para competir con directores de la talla de Stanley Kubrick, que ya gozaba del estatus de leyenda a esas alturas de su carrera. Sin embargo, sin comerlo ni beberlo, Cameron se vio compitiendo con el director de El resplandor para conseguir a uno de sus actores.

Ricco Ross, la estrella que dio vida al soldado Frost en la secuela de Alien: El octavo pasajero, audicionó para la película en el papel de Hudson, un rol que le interesaba mucho. Pero James Cameron acababa de iniciar el proceso de selección y quería ver a más gente.

Tal y como contaba Ross en un panel moderado por Collider en la Big Lick Comic Con NOVA, le dijo a Cameron que "si no era ese papel, no le interesaba". El director le pidió que regresara más adelante antes de aceptar cualquier otro trabajo, que iba a reescribir el guion para incluir un personaje similar en el que él encajase.

Elegir entre Aliens: El regreso y La chaqueta metálica... ¡Menudo dilema!

Ross aceptó, pero en el tiempo que pasó entre ambas citas, acudió al proceso de selección de La chaqueta metálica y Stanley Kubrick lo eligió. El cineasta quería al actor durante ocho semanas o más para el rodaje de su célebre película bélica.

Cuando Ross regresó con James Cameron, le puso al día de la situación y el cineasta le mostró los cambios del guion, que le complacieron, pero habían surgido otros problemas:

"Como le prometí, volví con James Cameron. Le dije: 'Te dije que volvería a verte antes de aceptar cualquier otra cosa. Creo que voy a aceptar este papel en La chaqueta metálica, la película que está haciendo Stanley Kubrick'. Y entonces me convenció para que hiciera su película. Me dijo: 'Reescribiré este guion, te haré un buen papel y también te daré días libres para rodar esa otra película'. Y luego me dijo: 'Y te pagaré'.

Volví con Stanley Kubrick y le pregunté: '¿Puedo leer el guion?'. Y Stanley me dijo: 'No, el guion no está completo, lo vamos a desarrollar en los talleres'. Le dije: 'Bueno, ¿al menos me puedes pagar mi sueldo?' Porque Stanley solo quería pagar a todos el salario mínimo legal. Y dijo: 'No'.

James Cameron me dijo: Te dejo volver para hacer Aliens, solo se solapan una semana. Te dejo empezar una semana más tarde y puedes hacer ambas películas si Stanley Kubrick te libera después de ocho semanas'. Volví a hablar con Stanley Kubrick y le pregunté si podía liberarme después de ocho semanas, y me dijo que no, así que tuve que elegir, y el resto es historia".

La flexibilidad de James Cameron para que Ricco Ross pudiera participar en ambas películas, frente a la actitud de Stanley Kubrick, que se cerró en banda, llevó al actor a los brazos del director de Aliens: El regreso, dando a los Marines uno de sus miembros más icónicos.

No es la primera vez que Tom Hardy se convierte en noticia por un altercado en un rodaje. Su trifulca con Charlize Theron en el set de Mad Max: Furia en la carretera, está bien documentada.

Antes de convertirse en un rostro famoso gracias a RocknRolla y Bronson, Hardy pasó por varias producciones de alto perfil, aunque en papeles secundarios. Lo vimos en la serie Hermanos de sangre, en Black Hawk derribado o en la película que nos ocupa ahora, Star Trek: Némesis.

La película de 2002 tiene fama de haber sido uno de los puntos bajos de la franquicia creada por Gene Roddenberry, y muchos dedos señalan a la elección de Stuart Baird para la que sería su tercera y última película como director.

Los contrastes de los recuerdos de Tom Hardy en Star Trek: Némesis

A su paso por el pódcast Dropping Names... And Other Things (vía Screen Rant), copresentado por las estrellas de Star Trek Jonathan Frakes y Brent Spiner, Ron Perlman, quien también participó en Némesis, recuerda con cariño la amistad que forjó con Tom Hardy en el rodaje:

"Éramos amigos... Era un encanto. Era tan amable y tan respetuoso. Disfruté mucho del tiempo que pasamos juntos. Conectamos muchísimo".

Cuando Frakes y Spiner recordaron que Stuart Baird "no trató demasiado bien" a Tom Hardy en el set, Perlman sacó su mal genio:

"No era director. Era un maldito montajista al que el estudio le debía un favor. Dijo: ‘¿Queréis pagarme? Pues dejadme dirigir una película’. Así que le dieron esta".

Baird había dirigido previamente Decisión crítica y U.S. Marshals, pero no volvería a ocupar la silla de director tras Star Trek: Némesis.

Pese a las palabras de Perlman, Patrick Stewart recuerda de un modo muy diferente a Tom Hardy en el set de la película de 2002. En sus memorias, lo recordaba como "un joven extraño y solitario que no se relacionaba con ninguno de nosotros a nivel social".

Stewart también destacó en su libro que Baird "no tenía interés en aprender nada de Star Trek, a pesar de que él y otros veteranos de la franquicia se ofrecieron a brindarle consejos".

Está claro que el paso de Tom Hardy por Star Trek no está entre lo más destacado de su carrera, pero quizá un mejor ambiente en el set de rodaje habría beneficiado a toda la película en general.

La película de 2016 está considerada como una de las joyas de la corona del UCM. Es una película de los Vengadores sin ser una película de los Vengadores, pues todos los personajes del equipo que estaban activos en ese momento aparecen en el filme. También supuso la incorporación de Tom Holland a la franquicia como Spider-Man.

Tony Stark/Iron Man, el personaje que Robert Downey Jr. interpretó durante 11 años, desempeña un papel fundamental como líder de la facción de superhéroes que decide alinearse con el gobierno para firmar los Acuerdos de Sokovia. Frente a él, el bando de Steve Rogers/Capitán América (Chris Evans) se niega a hacerlo en favor de la libertad.

Capitán América: Civil War tiene una escena que resulta trascendente para el giro de Stark hacia el bando a favor de la firma de los acuerdos. En una escena, una mujer llamada Miriam Sharpe, cuyo hijo murió en Sokovia durante la lucha de los Vengadores contra Ultrón, se acerca a Tony y protagoniza un momento desgarrador que rompe el cinismo que Stark acostumbra a usar de barrera.

Robert Downey Jr. prácticamente exigió que Alfre Woodard apareciera en Capitán América: Civil War

La actriz que da vida a Sharpe es Alfre Woodard, nominada al Óscar por Los mejores años de mi vida, ganadora de 4 premios Emmy, de 17 nominaciones, y nominada a 3 Globos de Oro, se llevó uno por El experimento Tuskegee.

Tal y como la propia Woodard recuerda a su paso por Entertainment Tonight, Robert Downey Jr., con quien había colaborado únicamente en Corazones y almas, prácticamente exigió que fuera ella quien interpretase a Miriam Sharpe para que la escena resultase creíble y convincente de cara al cambio de Tony Stark.

"Recibimos una llamada. Eran de Marvel, y le dijeron a mi familia: "Sentimos mucho llamar solo por esta escena, pero RDJ acaba de decir que 'Tiene que ser Alfre'. Es la escena de Capitán América: Civil War en el ascensor.

Al parecer, dijo: 'Para que yo pueda dar el giro que tengo que dar para el resto de la historia de los superhéroes trabajando con el gobierno, tiene que ser alguien que pueda darle realismo a la situación, de manera que Iron Man lo acepte'. Y él insistió en mí, y entonces dijeron: 'No podemos. No podemos pagarla'. Él dijo: '¿Sabéis qué? No puedo hacerlo a menos que...'".

Robert Downey Jr. fue una pieza clave durante las tres primeras fases del Universo Cinematográfico de Marvel, por lo que la idea de contrariarlo era una temeridad. Alfre Woodard apareció en la película y, al hacerlo, generó otra teoría, pues no era su primer baile en Marvel. En Luke Cage, la actriz había interpretado a la villana Mariah Dillard. Algunos sugieren que son la misma persona.

¿Conocías esta anécdota de Capitán América: Civil War? ¿Crees que Robert Downey Jr. acertó al presionar para que Alfre Woodard fuese ese personaje concreto, por pequeño que resulte?

Y la década de 2000 fue una locura con Superman Flyby, un proyecto inicial con guion de J. J. Abrams que distaba mucho de ser la típica historia del Hombre de Acero. La historia de Abrams cambiaba notablemente los orígenes de Superman y las tramas de muchos personajes relevantes, como Jor'El. Pero ya hablaremos de eso otro día.

Hoy vamos a centrarnos en las idas y venidas que tuvo la película en el apartado de casting, donde estrellas emergentes como Henry Cavill o ya establecidas como Brendan Fraser pugnaron por llevarse el codiciado papel que había catapultado a Christopher Reeve.

El problema, entre otros, fue que Superman Flyby dio más vueltas creativas que una peonza, pasando por directores como Brett Ratner o McG. Finalmente, el proyecto terminó en manos de Brian Singer, que lo convirtió en Superman: Returns, le dio el papel de Clark Kent a Brandon Routh y convirtió la idea de J. J. Abrams en una calza para la mesa.

Brendan Fraser y Henry Cavill: dos candidatos a Superman muy diferentes

Brendan Fraser era una opción lógica para Superman. El actor disfrutaba de su momento dulce tras las dos primeras películas de La momia y su carrera todavía no había hecho el picado que llegaría unos años después. Era un rostro muy asociado a los blockbusters de aventuras.

Henry Cavill, por el contrario, encajaba más en el perfil que buscaban. Aunque Christopher Reeve, que ejercía de consultor de la película en sus inicios, recomendó a Tom Welling, de Smallville, también señaló que sería bueno que el actor seleccionado fuera un desconocido, ya que "El personaje es más importante que el actor que lo interpreta, porque es una mitología perdurable".

Por aquel entonces, Cavill aún no había despuntado con Tristán e Isolda o Stardust. Tampoco pudo ser, pero el destino le tenía reservado el privilegio de lucir la "S" en el pecho en el Universo Extendido de DC, aunque luego las cosas no fueran tan bien como todos esperaban.

Al quedar descartada la idea de Superman Flyby, la película en la que pudieron participar Henry Cavill y Brendan Fraser se esfumó sin rodarse, añadiendo un capítulo más a las cosas que no están destinadas a ser en Hollywood.

Pero es inevitable pensar en digital. George Lucas no solo se apoyó todo lo que pudo y más en el CGI durante la trilogía de las precuelas, sino que antes actualizó las películas originales, añadiendo efectos modernos que chocaron a los fans de toda la vida.

Una de las cosas que pronto se hicieron digitalmente fue el texto de apertura, el famoso opening crawl que presenta cada película de la Saga Skywalker mientras sus letras se pierden en el espacio infinito de la galaxia.

Pero no siempre fue así. La película original de La guerra de las galaxias, que posteriormente se retitularía como Star Wars: Episodio IV - Una nueva esperanza, fue una obra de arte de artesanía hasta el punto en que el texto de apertura se consiguió mediante efectos prácticos. Y lo mismo sucede con las otras dos entregas posteriores.

Star Wars apostaba por la artesanía hasta en los detalles más pequeños

La idea de George Lucas para el texto de apertura de Star Wars era rendir homenaje a la serie de Flash Gordon de las décadas de 1930 y 1940. Pero antes de que la técnica fuese sencillita de hacer con un ordenador, Star Wars tuvo que ingeniárselas para conseguir el objetivo de Lucas.

El resultado fue una plancha de algo más de 60 cm de ancho y alrededor de 1,80 m de largo en la que se mostraba el texto. La plancha se colocó en el suelo y se filmó haciendo el deslizamiento real. Hay una imagen de archivo de Richard Edlund trabajando en la toma del Episodio IV.

En los comentarios de la trilogía original en DVD lanzada en 2004, Dennis Muren aseguró que la técnica no fue nada sencilla. Lograr que el efecto de desplazamiento fuese suave llevó a repetir hasta la saciedad esta icónica secuencia.

Aunque tiene sentido que actualmente se hagan estas cosas mediante técnicas digitales, que hasta el texto de apertura de Star Wars fuese una obra artesanal en la trilogía clásica es una muestra de por qué se convirtió en un hito de la historia del cine.

Antes de seguir, te avisamos de que vienen spoilers de The Punisher: One Last Kill. Si aún no lo has visto, son 48 minutejos y seguro que entenderás mejor de qué vamos a hablar. También es aconsejable que veas Wonder Man si no lo has hecho, dicho sea de paso.

Nada más comenzar el especial, asistiremos a una escena desgarradora con unos tipos a los que estaríamos encantados de presentar a John Wick. Su cabecilla, llamémoslo "imbécil del bate", ha adoptado una coletilla cada vez que va a cometer una fechoría.

El tipo se dedica a repetir "ding dong" cada dos por tres; a veces para amedrentar, y otras antes de golpear a una de sus víctimas. Pero si te ha hecho pensar en el "Hombre Puerta" de Wonder Man, también conocido como DeMarr Davis (Byron Bowers), es perfectamente normal.

Una muletilla que puede no ser coincidencia

Dejando a un lado las fechorías del "imbécil del bate", su constante repetición del sonido nos hace pensar pronto en la serie con la que se inauguraba el Universo Cinematográfico de Marvel este 2026 en Disney+.

El capítulo 4 de Wonder Man es un inciso para contar la trágica historia de DeMarr Davis, un tipo que adquiere el poder de atravesar paredes y, más importante aún, hacer que le atraviesen a él, hasta que termina causando un accidente. Su historia marca una estricta normativa en Hollywood que impulsa la trama principal.

Pero lo importante es que el episodio del Hombre Puerta de Wonder Man es una historia sobre los 15 minutos de fama de una persona. En este caso, lo que mejor lo representa es "la frase de DeMarr", que es decir "Ding Dong" cada dos por tres, un chascarrillo que, como vemos, caló hondo.

Tan hondo como para encontrarlo meses después en la otra costa en boca del personaje más infame de The Punisher: One Last Kill.

No parece una coincidencia, pero todo podría ser. ¿Crees que The Punisher: One Last Kill ha tratado de hacer un guiño a Wonder Man?

Hablamos, cómo no, de The Fast and the Furious: Tokyo Drift (A todo gas: Tokyo Race en España), la única película de toda la saga que, sin considerarse spin-off, no tiene a Dominic Toretto (Vin Diesel) o a Brian O'Conner (Paul Walker) como protagonistas; o al menos a uno de los dos.

Lucas Black dio vida al joven Sean Boswell, un chaval problemático que, tras liarla parda por enésima vez, es enviado por su madre a Tokio, donde vive su padre, un militar estadounidense destinado en Japón. La mujer espera que su hijo pueda enderezarse allí y mantenerse lejos de los coches.

Dos parpadeos después de aterrizar en la capital japonesa, Sean se ve atraído por... adivina... los coches. El mundo del drifting no tarda en ejercer magnetismo sobre él, aunque ayudó la atracción que también ejercía Neela (Nathalie Kelley).

Sean terminó en líos con la yakuza y teniendo que aprender a hacer drift para derrotar a DK (Brian Tee). Lo consigue, triunfando en una técnica originada, precisamente, en Japón. De ese modo, salva a la chica y se convierte en el amo del cotarro. ¿Cómo se llama eso en narrativa? Complejo de salvador blanco, un cliché explotado hasta la saciedad.

Justin Lin quería otro protagonista para Fast & Furious 3

Pero Fast & Furious: Tokyo Drift no iba a ser así. Tal y como comenta Barry Hertz en su libro Welcome to the Family: The Explosive Story Behind Fast & Furious, the Blockbusters that Supercharged the World, publicado en otoño de 2025, el director de la película, Justin Lin, quería a otro actor para interpretar a Sean.

El elegido de Lin era Joseph Gordon-Levitt, un actor que, pese a no haber dicho en ningún momento si tiene ascendencia asiática, podía abrirle al director la puerta a que Sean fuese medio japonés.

Según el libro, la idea era que el drifting sirviera a Sean como modo para profundizar en su linaje nipón y, en el proceso, habría borrado casi por completo el complejo del salvador blanco en el que, inevitablemente, cae Fast & Furious: Tokyo Drift.

No es un cliché que sea una vergüenza, ni mucho menos, pero sí es algo tan machacado que, cuando lo analizas, sí resulta cargante.

Cuando Universal optó por Lucas Black, por entonces estrella en alza, el plan de Lin se fue por el sumidero y Fast & Furious: Tokyo Drift se convirtió en la película que hoy conocemos, con sus virtudes y sus fallos.

La historia, basada en la novela original de John W. Campbell ¿Quién anda ahí?, publicada en 1939, relata la pesadilla vivida por un grupo de científicos destinados en una estación de la Antártida cuando un cuerpo extraterrestre con capacidad para adoptar la forma de cualquiera se infiltra en la instalación.

Durante toda la película, Carpenter siembra la sospecha al demostrar las artimañas a las que recurre este ser para dar caza a los demás miembros del equipo, que intentan desesperadamente dar con el modo de despachar a la criatura, antes de que sea demasiado tarde.

Al final de La cosa, los únicos supervivientes son MacReady, el personaje de Kurt Russell, y Childs, interpretado por Keith David. Aunque se arriesgan a morir congelados, optan por volar por los aires el generador de la estación para reducirlo todo a cenizas y, con suerte, matar al ser que los está aniquilando.

Ambos se sientan frente a frente, agotados, pero con una duda latente: ¿y si la cosa es uno de ellos? Ese final ha generado teorías de todo tipo que sugiere que la criatura sobrevive en uno de los dos personajes. Se han formulado suposiciones basadas en la iluminación de los ojos o en un supuesto engaño en el que MacReady ha rellenado la botella de whisky que comparten con gasolina para "pillar" al bicho.

Un final que sigue dando de qué hablar

44 años después, La cosa y su final siguen siendo objeto de debate. Y Kurt Russell aprovecha la menor ocasión para lanzarse a agitar el avispero. Recientemente, el actor de The Madison y Monarch: El legado de los monstruos ha charlado con Movieweb, donde ha destacado el juego que sigue dando el final de La cosa:

"Para mí, lo mejor de La cosa es el final; es lo que le ha dado vida. Es difícil [de descifrar], puedes tomar cien caminos distintos y decir: 'Bueno, pasa esto, o pasa aquello, bueno, mira lo que pasó...' Todo eso es intencional, porque el guion y la historia misma proporcionaron el espacio para que eso sucediera.

Cuanto más presentas, más haces que el público piense: 'Oh, oh, espera, espera, espera'. Luego, cuando finalmente llegas al final, tienes a estos dos tipos que tienen una razón legítima para sospechar el uno del otro. En otras palabras, es una película sobre la paranoia, y no va a desaparecer".

¿Qué crees que significa el final de La cosa? ¿Hay algo en esa botella de whisky que haga perdurar el mal que ha destrozado al equipo científico en cuestión de horas? Está claro que Kurt Russell y John Carpenter sabían lo que hacían en 1982.

Pero esta vez vamos a hablar de una maqueta del Halcón Milenario muy especial, pues nunca se usó en las películas y, de hecho, no pertenece a Lucasfilm.

El icónico carguero contrabandista ha cambiado mucho a lo largo de los años. El modelo de El Imperio contraataca ya presentaba cambios en comparación con el utilizado en la película original, por lo que encontrar maquetas usadas en el rodaje era una auténtica pesadilla.

Es ahí donde entran las recreaciones y, aunque hay de todo, la que ha salido a subasta en Heritage Auctions bien puede considerarse una joya digna de cualquier colección, pese a no ser parte real de las creaciones de producción.

3.000 piezas para construir el Halcón Milenario más fiel al original de Star Wars

El modelo es una recreación precisa del empleado por ILM para recrear las secuencias espaciales del Halcón Milenario en Star Wars: Episodio IV - Una nueva esperanza. Se usaron cerca de 120 kits diferentes para obtener las más de 3.000 piezas que conforman la réplica.

Esto podría no ser suficiente para explicar el interés por esta pieza, cuya puja más alta en el momento de escribir este artículo asciende a 125.000 dólares, y quedan cinco días de subasta.

Pero es que la nave en cuestión ha sido utilizada por la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de Hollywood en diferentes exposiciones, donde ha recibido elogios de veteranos de ILM por ser "prácticamente idéntica" a la que crearon para usar en el rodaje.

La subasta de esta réplica del Halcón Milenario termina en cinco días, justo el 4 de mayo, Día de Star Wars. Nadie espera que alcance una cifra tan elevada como el Ala-X del Líder Rojo, que se subastó por 3,1 millones, pero no está nada mal para no ser una creación original de Lucasfilm.

Hoy nos vamos a centrar en la historia de Colin Creevey (Hugh Mitchell), un personaje de las novelas de J. K. Rowling al que vimos en Harry Potter y la cámara secreta. Rubio, risueño, a veces demasiado entusiasta y amante de la fotografía, Colin se convierte en un secundario que destaca con facilidad en sus apariciones.

Pero desapareció. Jamás se supo más de Colin en las películas, pero su papel en las novelas continúa hasta la batalla final contra lord Voldemort. Warner nunca ofreció un comunicado sobre por qué Hugh Mitchell no regresó como Colin Creevey. Los fans teorizan con que se debió a un infame estirón del actor, que rompía con la naturaleza del personaje.

Si ese fue el motivo, no dejaría de ser irónico. Aunque Warner había reemplazado personajes como Dumbledore, pues la muerte de Richard Harris hizo inevitable el relevo por parte de Michael Gambon, el estudio optó por no hacer lo propio para paliar este problema con Colin. En su lugar, crearon otro personaje, Nigel Wolpert (William Melling).

El reemplazo de Colin no pudo llegar a su momento culminante en Harry Potter

Ya en Harry Potter y el cáliz de fuego, conocimos a Nigel, presentado como un personaje original de las películas... salvo que hubieras leído las novelas. Los fans notaron rápidamente que se trataba de un intento de relevo, pues la presencia de Nigel servía en gran medida como Colin a lo largo de la trama.

Si no has leído las novelas, que sepas que llega un spoiler. Así que el objetivo de Nigel, y es algo que confirmó William Melling en una entrevista, era morir durante la batalla de Hogwarts, tal y como sucede con Colin en las novelas.

Ese era el plan, pero no pudo ser. Melling pegó el estirón antes de que se filmase Harry Potter y las reliquias de la muerte - Parte 2. El problema es que su muerto, como sucede con Colin, debía reflejar la inocencia de un niño que muere al luchar contra el mal. Pero el aspecto del actor ya no reflejaba esa sensación.

En la novela, Harry ve el cadáver de Colin en el Gran Comedor, lo que le causa un shock importante. Aunque los alumnos menores habían sido enviados a casa, Colin se queda para luchar con el Ejército de Dumbledore.

De darse el caso de que el reemplazo de Hugh Mitchell como Colin Creevey en la saga de Harry Potter fue por un estirón, la jugada salió mal cuando su personaje de reemplazo sufrió la misma mala fortuna justo en el momento menos oportuno. Sin duda se trata de una obra de las artes oscuras.

Pero quizá te sorprenda lo diferente que era el panorama a finales de los 90, cuando llegaba a los cines una de las películas más esperadas de todos los tiempos, Star Wars: Episodio I - La amenaza fantasma. Para muchos, fue la película donde conocieron a Maul, entonces Darth Maul, un personaje que ha recobrado popularidad gracias a su serie de Disney+.

Sin embargo, sería un error situar Star Wars: Episodio I - La amenaza fantasma como la primera aparición de Maul en toda la franquicia. Al menos si nos referimos a la película. En cuanto a la novela...

Un mes antes del estreno en Estados Unidos de la primera entrega de la trilogía de las precuelas, el 19 de abril de 1999, Terry Brooks publicaba la novela basada en la película de George Lucas. Se trataba del libro que no solo incluía toda la chicha de la película, sino que se permitía ampliar detalles (que no se consideran canon, estrictamente hablando). Pero presentaban a Maul, la liberación de Anakin, la muerte de Qui-Gon...

Los spoilers eran una herramienta antes de los tenebrosos tiempos de internet

La amenaza fantasma está lejos de ser la primera vez que una novela de Star Wars sale antes que la película; todas las entregas de la trilogía original siguieron el mismo patrón, incluyendo El Imperio contraataca, con su gran giro de guion.

Antes, las campañas de marketing incluían la novelización de las películas como parte de los esfuerzos promocionales, pues alcanzaban a algunos espectadores que no solían ver tráileres. Claro que había una ventaja: no existían las redes sociales. Como mucho, podías compartir un resumen en algún foro, pero no se extendería como la pólvora.

En la actualidad, los spoilers están a la orden del día y los grandes estudios luchan para impedirlos o, en todo caso, controlarlos en su propio beneficio. Pero no verás muchas novelizaciones publicadas antes de que se estrene la película (salvo que se traten de adaptaciones, claro está).

Star Wars ha cambiado de manos y ahora es parte de Disney, que solo publicó de forma simultánea la novela de Star Wars Episodio VII - El despertar de la Fuerza. El resto de novelizaciones han llegado meses después, en parte para evitar que destripen las tramas en internet.

¿Llegaste a leer (o jugar, que los videojuegos también entraban en esta categoría) alguna historia de Star Wars antes de que llegase la película?

En los ochenta, su obra estalló en popularidad, en parte inspirada por Alien, el octavo pasajero. Así pudo transmitirselo a Walter Hill y David Giler, productores de la saga. Les llamó tanto la atención que, en 1987, le propusieron escribir un guion para una tercera película, partiendo de Aliens: El regreso, de James Cameron.

Y así fue. Gibson escribió su guion y, aunque con prisas, lo entregó antes de la implacable huelga de guionistas que golpeó Hollywood a finales de los 80. Por desgracia, aunque algunos elementos gustaron a los productores, otros no tanto. Hill lo definiría como "un guion perfectamente ejecutado, pero no era tan interesante". También destacaron que esperaban más elementos cyberpunk al ser el género en el que se especializaba.

Cuando acabó la huelga, pidieron a William Gibson que reescribiera parte del guion con ayuda de Renny Harlin, que era el director original antes de David Fincher. Sin embargo, el escritor se negó, alegando que tenía otros compromisos.

Esa versión no se filmó y, en su lugar, tuvimos la película de Hill, Giller y Larry Ferguson.

¿Cómo era la versión de Alien³ de William Gibson?

El guion de Gibson vio la luz tiempo después; de hecho, lo puedes leer en internet. Presentaba una facción llamada Unión de Pueblos Progresistas que asalta la Sulaco tras los eventos de Aliens: El regreso. Son atacados por un abrazacaras oculto en el cuerpo de Bishop, le disparan y se llevan al sintético para analizarlo.

La nave llega a una estación espacial que también es un centro comercial. Allí, mientras Ripley está en coma, Hicks descubre que la Weyland-Yutani está creando un ejército alienígena. Por supuesto, todo se escapa de control y los aliens atacan tanto la estación comercial como las zonas de la Unión de Pueblos Progresistas.

Esa versión incluso sembraba la semilla para explorar el mundo de origen de los xenomorfos. Tras su publicación en internet, se novelizó el guion de William Gibson por parte de Dark Horse en 2018, con motivo del 40 aniversario de la saga.

Claro que siempre quedará la duda de cómo pudo ser este proyecto de no haberse visto sacudido por el infortunio. ¿Habría gustado más que la Alien 3 de David Fincher?

Pero hoy no vamos a filosofar, porque nos vamos a quedar en "cuando tienes el dinero". Porque antes de poder y mujeres, quizá necesitas un nidito para echar raíces. ¿Y qué mejor que una de las localizaciones más icónicas de este clásico de 1983?

Tal y como recogen Deadline y varios medios locales, una de las casas más icónicas de El precio del poder está a la venta. No se trata de la mansión de Tony Montana donde se monta la verbena padre al final de la película de Brian De Palma, sino de la mansión modernista de Frank (Robert Loggia), el traficante que acoge a Tony bajo su ala.

Puede que la escena más famosa en este emplazamiento sea la salida del ascensor de Michelle Pfeiffer en su papel de Elvira.

Una fortuna para vivir "a lo Scarface"

Construida en 1981, la casa no tiene desperdicio: 2,38 acres de terreno, 265 metros de costa, un muelle, un helipuerto de 1.858 metros cuadrados, una piscina con forma de piano... Y la casa principal, de 1.208 metros cuadrados, cuenta con cinco dormitorios, ventanales completos y el famoso ascensor de la escena de Pfeiffer.

Está ubicada en Cayo Vizcaíno, en la localidad homónima (en inglés) de Key Biscayne. El precio de venta no es como para tomárselo a broma; nada menos que, mejor siéntate, 237 millones de dólares.

Claro que te explicas semejante pastizal al conocer la historia de este chiringuito. Antes de que la casa actual se levantase, fue utilizada por Richard Nixon como residencia de verano. De hecho, el helipuerto lo levantó él. Pero el entonces presidente se alojaba en un bungalow no tan ostentoso como la casa moderna.

Esta construcción se erigió en 1981, como hemos dicho. Fue un encargo de Roberto Striedinger, quien aparece en los créditos de El precio del poder. La gracia es que, según el Wall Street Journal, este hombre fue "un piloto condenado por contrabando de cocaína para el cártel de Medellín". ¿No querías realismo? Toma tres tazas.

Desde luego, esta casa de El precio del poder es una joya cinéfila para quien se haga con ella. Y, si pagan ese pastizal por ella, se convertirá en la propiedad más cara jamás vendida en la zona del condado de Miami.

Remontémonos a 2022, cuando se vendía en una subasta "el único DL-44 de Han Solo superviviente de la trilogía original de Star Wars", según informaba The New York Times.

El arma que empuñó Harrison Ford en Star Wars: Episodio IV - Una nueva esperanza desapareció tras el rodaje, forzando a Lucasfilm a fabricar nuevas réplicas. Esto ya era un drama por sí solo, no solo por el trabajo adicional, sino porque el bláster original tenía ya historia en 1977.

Roger Christian, que se llevó el Óscar por ayudar a crear el imaginario visual de Star Wars en la película original, es uno de los responsables de convertir objetos del mundo real, y armas reales, en versiones adaptadas a esa galaxia muy, muy lejana de George Lucas. Christian cogió una pistola Mauser C96 "Broomhandle" y le añadió elementos para que encajase en el universo de Star Wars.

Han Solo no disparó primero, fue Sinatra

Pero no fue una Mauser cualquiera la que cogió Roger Christian en primer lugar. El arma en cuestión llevaba al menos una década vinculada al séptimo arte, pues fue una de las empleadas en el rodaje de Atrapado, el thriller de espías protagonizado por Frank Sinatra en 1967. Es más, si ves el póster de la película, verás algo familiar descansando en el maletín.

Como decimos, el arma original que empuñó Harrison Ford como Han Solo, esa con la que Han disparó primero, desapareció. Se fabricaron dos réplicas para El Imperio contraataca y El retorno del jedi. Con el tiempo, el arma reapareció, y fue posible su subasta.

Confirmada su historia, no es de extrañar el precio que alcanzó en 2022, cuando se subastó por 1.057.000 dólares. Hablamos de un elemento de utilería usado por dos leyendas del cine, algo que ninguna de sus réplicas puede decir.

Es cierto que el DL-44 de Han Solo no alcanzó cifras tan disparatadas como los más de tres millones de dólares del sable de luz de Darth Vader... PERO ES EL SABLE DE LUZ DE DARTH VADER. A un año escaso de cumplir medio siglo, Star Wars sigue regalándonos historias increíbles entre bambalinas.

Cierto es que este es uno de esos casos de éxito tardío. El club de la lucha fue un fiasco en taquilla que, pese a su poderío estelar, solo cosechó 100 millones en su estreno. Aquel fracaso, junto con otros como el de La playa, precipitó la salida del entonces CEO Bill Mechanic, que llevaba al frente de la compañía desde 1994 y que sacó adelante películas como Independence Day o Titanic.

Mechanic se convirtió en la chinita en el zapato del magnate Rupert Murdoch, el dueño de Fox que tenía una visión de la major muy diferente a la del CEO. Murdoch creía que las películas tenían que ser sensacionalistas. En palabras de Mechanich: "No creía que las películas estuvieran para desafiar lo establecido".

Así que cuando tocó presentar proyectos de 20th Century Fox a Murdoch y enseñaron los planes para El club de la lucha, el magnate explotó.

La animadversión de Murdoch hacia Mechanich se convirtió en un inesperado cameo en El club de la lucha

En una entrevista con Business Insider con motivo del lanzamiento en 4k de El club de la lucha, Bill Mechanich rememoró la reunión que tuvo con Murdoch:

"Rupert empezó a atacar y dijo: ‘¿Qué clase de enfermo haría una película como esta?’ Le respondí: ‘David Fincher y yo. No nos avergüenza’. Sabía que aún no había visto la película. Probablemente ese fue el punto de inflexión que lo impulsó a querer deshacerse de mí".

Pero a Mechanich aún le quedarían un par de años aguantando a su entonces jefe, que le traía de cabeza hasta tal punto que pidió a David Fincher que se incluyera la torre Fox Plaza, la sede de los estudios, en la secuencia final en la que el plan de Tyler Durden se ejecuta y varios rascacielos detonan y colapsan:

"David me explicó la secuencia. Creo que estaba en el edificio hablando con él, y le pregunté si incluiría el edificio de Fox en mi homenaje a Rupert. Me di cuenta de que había trabajado para la persona equivocada. Creo que logré que se hicieran películas que no se habrían hecho, y eso tiene un precio”.

El Fox Plaza aparece a la izquierda de la secuencia final, y es el edificio claramente reconocible por su papel central en Jungla de cristal, por si no lo ubicas, aunque en El club de la lucha aparece en un plano cercano y no se distingue tanto la silueta.

J.J. Abrams dirigió el principio y el final de la trilogía, El despertar de la Fuerza y El ascenso de Skywalker, mientras que Rian Johnson se hizo cargo de la película intermedia, Los últimos jedi. Esto generó una discontinuidad narrativa importante que dio pie a lagunas, agujeros de guion del tamaño de la Estrella de la Muerte y algunos diálogos infames.

El cataclismo total llegó con el cierre de la trilogía en 2019, cuando Abrams usó su as en la manga y trajo de regreso a Palpatine como villano final. La película intenta explicar todo el proceso de clonación que el emperador había fraguado durante su reinado, pero todo quedaba suficientemente forzado en pantalla, y una de las frases de Poe Dameron no ayudó.

El personaje de Oscar Isaac tuvo la desdicha de tener que pronunciar una de las líneas más vilipendiadas de Star Wars: Episodio IX - El ascenso de Skywalker: "De algún modo, Palpatine ha regresado". A los fans les sentó como una patada en el estómago esta frase, que evidencia las carencias narrativas que presenta la película.

Otro síntoma de los problemas de producción de las secuelas de Star Wars

A su paso por el pódcast Happy Sad Confused, Isaac ha recordado cómo surgió la infame frase sobre el regreso de Palpatine durante las regrabaciones del Episodio IX, así como el desbarajuste que había en el set durante todo el proceso:

"Fueron regrabaciones. Tuvimos que volver al set. Cuando las veo, pienso: 'la peluca está bastante bien'. Ya me había cortado el pelo cuando se hicieron las regrabaciones. Son como esos ataques quirúrgicos en los que llegas y todo se hace con prisas, intentando que funcione.

[La frase] fue una nueva incorporación justo al final. Así que hubo mucho movimiento y cambios durante todo el proceso. Pero si me hubieras preguntado en ese momento si creía que esa iba a ser la frase, no lo habría sabido".

Aunque los procesos de regrabaciones no son motivos de alarma, especialmente en grandes producciones, el caso de Star Wars: Episodio IX - El ascenso de Skywalker es un ejemplo de aquellos en los que sí, es mejor preocuparse.

El resplandor comparte estatus con algunas de las joyas de la corona de Stanley Kubrick, como La chaqueta metálica, Senderos de gloria o La naranja mecánica.

La película está ampliamente reconocida en todo el mundo, forma parte del Registro Nacional de Cine de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos y raro es que no esté entre las primeras recomendadas cuando nos preguntan por nuestras sugerencias de cine de terror.

Pero ese estatus no proviene de su estreno en cines, allá por 1980, cuando la película de Kubrick fue ignorada y menospreciada hasta el grado de llevarse dos nominaciones a los Golden Raspberry, los infames Razzie o Anti-Óscar.

El complicado debut de El resplandor

Hay que decir que Warner tiró la casa por la ventana para promocionar El resplandor, aprovechando la popularidad de Stephen King en sus primeros años, poco después de cobrar impulso con Carrie. El regreso de Kubrick a la gran pantalla, cinco años después de estrenar Barry Lyndon, también era usado como atractivo.

Es una pena que todas esas grandes ideas promocionales chocasen con la cabezonería de estrenar El resplandor a finales de la primavera de 1980. Total, solo se las iba a ver con la secuela de la película más taquillera en ese momento, Star Wars: Episodio V - El Imperio contraataca.

Tanto el estreno limitado de El resplandor a finales de mayo como su debut regular en salas a mediados de junio coincidieron con la primera secuela de Star Wars, lo cual supuso un mazazo para las aspiraciones taquilleras.

Aunque el terror seguía teniendo una buena base, la burbuja de los 60 y los 70 había estallado, por lo que el género no era tenido en gran estima, especialmente dentro de la industria. Esto llevó a un desdén generalizado por los críticos, ya fuese por ser demasiado lenta para tratarse de una película de terror o, sencillamente, por pertenecer al género.

El mayor desplante que se llevó El resplandor fue, sin duda, la noticia de sus dos nominaciones a los Razzie: una para Stanley Kubrick a Peor director y otra para Shelley Duvall como Peor actriz. Ninguna de las dos nominaciones fue convertida. Pero igual que una nominación al Óscar es un signo de prestigio, la de los Razzies supone todo lo contrario.

Pasarían más de cuatro décadas para que la organización de los Razzie rectificase al retirar la nominación a Shelley Duvall. En la declaración sobre la retirada de la nominación destacaron que con el tiempo se dieron a conocer detalles del calvario al que Stanley Kubrick sometió a la actriz en el rodaje para "lograr la perfección".

El director sometió a Duvall a un maltrato psicológico severo durante el rodaje de El resplandor. Aisló a la actriz del resto del equipo y estos tenían instrucciones de no tratarla bien. Duvall sufrió tanto estrés por tener que llorar horas y horas en la producción que llegó a sufrir deshidratación.

Aunque la dantesca historia se conoce desde hace tiempo, los Razzie se tomaron su tiempo para retirar la nominación, con el daño a El resplandor y a la reputación de Duvall ya hecho.

Otra puntilla a la película de Stanley Kubrick vino de Stephen King, que no estaba nada contento con el hecho de que el director hubiese cambiado tantos elementos de la novela para dar forma a la película. Algunos, como el laberinto de setos del final, fueron por exigencias técnicas de la producción, pero otros no.

Uno de los más destacados es que la novela se cuenta desde el punto de vista de Danny (Danny Lloyd), el niño, mientras que Jack Torrance (Jack Nicholson) es el protagonista en la película. Esto alteraba el perfil psicológico de Jack, en quien King había plasmado una parte de sí mismo.

Todos los baches que padeció El resplandor no fueron suficientes para minar la película, cuyo legado sigue muy presente tanto en el séptimo arte como en la cultura popular más general.

El director estuvo a cargo de una de las trilogías de superhéroes más queridas, con Christian Bale encarnando a Batman en la versión más realista de Gotham que ha dado el séptimo arte. De las tres películas, la segunda ocupa un lugar especial por muchos motivos; a destacar, claro, el Joker de Heath Ledger.

Es casi imposible no destacar la influencia de Heat, el clásico de atracos de Michael Mann con Robert De Niro y Al Pacino en la secuencia de apertura de El caballero oscuro, cuando la banda del Joker perpetra el atraco a un banco de Gotham propiedad de la mafia.

La dinámica militar y extremadamente controlada nos recuerda al atraco al furgón blindado al comienzo de la película de Michael Mann, y pronto Nolan se meterá de lleno en un efecto dominó de traiciones y huidas que evocan, en gran medida, la secuencia del tiroteo en Heat.

Heat influye en El caballero oscuro más allá de las escenas de acción

Tanto Christopher Nolan como su hermano Jonathan, guionista de la película, han admitido que Heat es una fuente de influencia muy importante en El caballero oscuro. Tanto es así que no se limita a las escenas de robo o acción.

Un factor clave en Heat es el choque frontal entre dos fuerzas opuestas. Por un lado, tenemos a Neil McCauley (De Niro), un ladrón experto con un plan muy definido para dar el último gran golpe. Contra él opera Vincent Hanna (Pacino), veterano policía que está harto de lidiar con criminales, aunque ha consagrado su vida a ello.

En El caballero oscuro tenemos dos fuerzas igual de opuestas. Primero tenemos al Joker, un "agente del caos", como él mismo se define, cuya filosofía es que sembrar el caos en la ciudad, empezando por su entramado criminal, es un modo de justicia. Haciéndole frente tenemos a un curtido Batman (Bale), que lleva la justicia y la promesa de proteger Gotham como escudo.

Puede que El caballero oscuro no hubiera sido igual si Christopher Nolan no se hubiese apoyado en la metódica dirección que Michael Mann demostró en Heat trece años antes. Y veremos si se repite en Heat 2, que ya está en producción.

Estos símbolos de los usuarios de la Fuerza han evolucionado mucho desde que Luke Skywalker (Mark Hamill) encendió el primero que vimos en casa del viejo Ben Kenobi (sir Alec Guinness) en Star Wars: Episodio IV - Una nueva esperanza (La guerra de las galaxias).

El salto más impactante fue en 1999, cuando Darth Maul (Ray Park) encendió un segundo emisor para conformar un sable de luz de doble hoja con el que enfrentarse a Qui-Gon Jinn (Liam Neeson) y Obi-Wan Kenobi (Ewan McGregor) en Star Wars: Episodio I - La amenaza fantasma.

Desde entonces, hemos visto muchas variaciones del arma, como el mandoble de Kylo Ren o los sables de luz de doble hoja giratorios de los inquisidores imperiales. Con Star Wars: Maul - Señor de las sombras, el propio personaje, ahora con la voz de Sam Witwer, recién llegada a Disney+, Maul también ha mejorado su propio sable de luz. Vienen spoilers menores.

El arma de Maul en Star Wars ahora es más versátil

Hasta ahora, el arma de Maul siempre ha sido un sable de luz de doble hoja al uso. En The Clone Wars era así y en Star Wars Rebels usa uno robado a un inquisidor, aunque con parte de la circunferencia giratoria rota.

El arma de Star Wars: Maul - Señor de las sombras es la misma que usa en The Clone Wars, pero con una mejor. Ahora, el sable de luz se puede separar en dos mitades, convirtiéndolo en dos armas independientes para ser blandidas con ambas manos.

No es un diseño especialmente novedoso. Si has jugado a Star Wars Jedi: Fallen Order o su secuela, Survivor, recordarás que Cal Kestis usa un arma igual de versátil, capaz de adaptarse a diferentes estilos de combate para que nadie pille a su portador sin recursos.

Con esta mejora, uno de los sables de luz más icónicos de Star Wars se actualiza, aunque el pobre Maul lo perderá en algún momento, y quizá sea algo que nos muestre Star Wars: Maul - Señor de las sombras, ahora que ha sido renovada por una segunda temporada. De momento, nos dejamos llevar por la primera cada lunes en Disney+.

Cuando James Cameron llegó al actor con un guion para Terminator 2: El juicio final, el Roble Austríaco pensó que volvería a las andadas.

Pero la secuela cambia de un modo muy bizarro la mera esencia del T-800, haciéndolo pasar de un ciborg asesino a un protector para John Connor (Edward Furlong).

Sobre el papel, la idea estaba muy bien y aportaba un matiz completamente nuevo al personaje. Otra cosa es que fuese a gustar al propio Arnold Schwarzenegger, y de primeras ya os decimos que no fue así.

El actor se escandalizó cuando descubrió que su personaje no mataba a nadie en toda la película, amparándose en la orden verbal que le dio John. Aun así, Arnold Schwarzenegger trató de que James Cameron le permitiese "ametrallar a gente".

Arnold Schwarzenegger quería matar a alguien en Terminator 2

Tal y como relata el propio James Cameron a la revista Empire (a través de Screen Rant), tuvo que recurrir a la psicología para convencer a Arnold Schwarzenegger de que no matar a nadie en toda la película era lo mejor.

"Arnold odiaba la idea. [...]Dijo 'Mira, Jim, lo leí, está muy bien escrito, pero no mato a nadie'. Le dije: 'Lo sé, ¡eso es lo genial de esto! ¡Tomamos a un tipo que es un monstruo y lo convertimos en un héroe!'".

La idea estaba clara, pero no implicaba que Arnold Schwarzenegger no intentase salirse con la suya y matar a un par de infelices antes de recibir la orden de John Connor.

"Estaba horrorizado. Dijo: 'Vale, pero en la página 40 John me dice que no puedo matar a nadie. ¡Puedo ametrallar a la gente antes de eso!'. Le dije: 'Bueno, me has metido en un vacío legal, pero tú serás el héroe. Es solo una coincidencia que no hayas matado a nadie hasta entonces. John te reprograma verbalmente y entonces eres bueno. Pero ¿eres realmente bueno o solo actúas bien?'.

Él dijo: '¿Soy realmente bueno?". Le respondí: "Eso es lo que vamos a descubrir juntos". Nos llevábamos muy bien, pero él tenía esos momentos de crisis en los que yo tenía que convencerlo para que no se arriesgase. Y funcionó".

Fue una jugada que salió bien y, de hecho, hizo que Arnold Schwarzenegger tuviese papeles similares en Terminator 3 o El último gran héroe, aunque en esta última tuvo libertad para cargarse a todos los malos que quisiera.

Terminator 2: El juicio final es una de esas rarezas en las que una secuela llega a superar a la película original gracias, entre otros motivos, al giro que se da al personaje titular.

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El propio Steve Carell ha hablado sobre ello en el pódcast Good Hang de Amy Poehler. El actor de Michael Scott no vio con buenos ojos el anuncio de la NBC sobre el remake de la aclamada serie británica: "Es una idea terrible. Nadie puede ser tan bueno como Ricky Gervais, nadie puede hacer esa serie".

Pese a ello, era trabajo, y Carell aún no había despuntado con Virgen a los 40, por lo que se planteó participar en el proceso de selección de The Office, aunque varios compañeros intentaron quitarle la idea de la cabeza, como Paul Rudd en el rodaje de El reportero: La leyenda de Ron Burgundy (Anchorman).

"Rudd me apartó y me dijo: 'No lo hagas, hombre. No vayas a la audición'. “Pensé: ‘¡Imposible!’”

The Office no habría sido igual sin Steve Carell

Si el actor hubiese hecho caso, no estaríamos aquí hablando de esto. Carell participó y se llevó el papel de Michael Scott, pero sus dudas continuaron, especialmente después de que el piloto que filmaron se convirtiera en un desastre que "todos odiaron":

"Nuestro piloto fue el que peor audiencia tuvo en la historia de NBC. A la gente le horrorizó muchísimo. Lo odiaron abiertamente. No sé muy bien cómo logró tener éxito después de aquello”.

Pero lo hizo, tanto que el remake estadounidense de The Office es el modelo a seguir para el incesante desfile de versiones que siguen llegando, como The Office: Australia o La oficina, de México.

Todo habría sido muy diferente si Steve Carell hubiera sucumbido a la presión, tanto propia como externa, y hubiera decidido no participar en el casting de The Office. Gracias a Dunder Mifflin por esos "Bah, qué demonios".

El actor fue un icono de acción de los setenta, ochenta y noventa, pero su estrella parecía apagarse en los albores del nuevo siglo, a pesar de las reposiciones incesantes de Walker, Texas Ranger.

A pesar de que su tiempo como estrella de acción parecía acercarse a su fin tras cruzar la barrera de los 60 años, la leyenda que entrenaba con Bruce Lee se convirtió, del modo más inesperado posible, en un fenómeno cuya sobra no hizo más que crecer y crecer.

Pero, ¿cómo surgió el fenómeno de los memes de Chuck Norris? ¿De dónde salieron genialidades como "Chuck Norris mató a nueve personas con una granada; luego, la granada explotó"?

Ironías de la vida, la génesis de los memes del legendario actor no está en sus películas ni en un hecho determinado que hubiese realizado él mismo. Es más, el origen mismo de sus chistes no tiene relación alguna con Norris.

Fue Chuck Norris, pero pudo ser cualquiera

La leyenda se generó con el nombre de Chuck Norris y, como una bola de nieve que cae ladera abajo, se fue haciendo más y más grande. Pero el nacimiento de esta historia llevaba otro nombre que atravesaba en la década de 2000 por su pico de popularidad: Vin Diesel.

Fue por 2005 cuando un joven estudiante de secundaria, Ian Spector, echaba la noche del viernes ante su ordenador y decidió dejarse caer por SomethingAwful.com, una precursora de Reddit donde se hablaba, bueno, de todo.

Spector se topó con un hilo que se estaba volviendo viral donde la gente exageraba la masculinidad de la estrella de Fast & Furious, xXx o Las crónicas de Riddick. La película Un canguro superduro azuzó el entusiasmo por parodiar ese tipo de comportamientos. Pudo haber sido Arnold Schwarzenegger con algunas de sus comedias noventeras, pero le tocó a Vin.

A Ian Spector le hizo gracia y tomó algunas de las bromas, varias de ellas acompañadas de imágenes en lo que, en su momento, nadie o casi nadie denominaba "meme", a su propio sitio web, 4Q.cc.

De la noche a la mañana, su web recibió más de 10.000 visitas —no es un eufemismo, en una noche— y la bola fue creciendo, pero pronto, el interés por las bromas de Vin Diesel se fue diluyendo. Spector abrió una encuesta con varios candidatos a sustituir a la estrella de Fast & Furious. El entonces chaval a punto de partir a la universidad sabía que los chistes funcionaban con cualquiera.

En aquella encuesta ni siquiera aparecía el nombre de Chuck Norris, pero había una opción para proponer candidatos que no estuviesen. Más de 50 respuestas apostaron por el actor de películas de acción como Delta Force, Desaparecido en combate o Invasión USA.

El sitio se convirtió en ChuckNorrisFacts y Spector se marchó a la universidad sin ser consciente de que su web llegaría a acumular hasta 20 millones de visitas mensuales.

Despertando el interés del propio actor

El fenómeno fue tal que Ian Spector llegó a reunirse con Chuck Norris y su esposa en un hotel de Conneticut donde le preguntaron por los orígenes de la idea.

El equipo legal del actor también fue muy claro al pedir que no se monetizara la web, aunque productos de todo tipo fueron saliendo poco a poco al ser extraídos por terceras personas.

La popularidad de Chuck Norris sufrió un repunte gracias a las acciones de Ian Spector en internet y, aunque nunca regresó al cine de acción como antaño, sí que lo vimos, por ejemplo, en Los mercenarios 2, aprovechando, precisamente, las bromas que se habían generado sobre él.

A estas alturas, todos saben que "Chuck Norris azotó al médico que asistió en su parto" o que "Chuck Norris estuvo en Marte y por eso no hay signos de vida en el planeta". Todo gracias a una noche de tedio que se convirtió en la base de una leyenda que continúa hoy en internet.

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En 1969, Henry Hathaway contó con él para interpretar a Rooster Cogburn, el envejecido U.S. Marshal cascarrabias cuyo mejor momento había quedado atrás hacía tiempo y ahora la mayoría de sus batallas eran con la botella.

Pero este viejo perro de presa es contratado por la joven Mattie Ross (Kim Darby) para dar caza al asesino de su padre, una oportunidad con la que Cogburn ve posible sacarse un buen dinero, al menos al principio.

Rooster Cogburn se antoja un personaje arquetípico de John Wayne: un tipo duro, venido a menos en este caso, que distaba un poco del material original de la novela de Charles Portis. Pero la película le aportó una profundidad que, en gran medida, sería lo que inclinaría a la Academia por darle el Óscar al Duque. A la tercera fue la vencida.

John Wayne tenía especial afinidad con una escena de Valor de ley

Tal y como rememoran en Collider, John Wayne sentía especial cariño por el monólogo que pronuncia como Rooster Cogburn cuando él y Mattie Ross esperan a ser descubiertos por los villanos, un instante en que el duro marshal se desprende de su armadura.

Nos referimos a la escena en la que habla de cómo fue abandonado por su esposa, que se llevó a su hijo pequeño. Cogburn afirma que "prefería perder a su esposa que su independencia", aunque el lenguaje no verbal sugería otra cosa. Cuando Mattie le pregunta por su hijo, Cogburn agacha la cabeza y musita que "de todas formas, nunca le cayó bien [a su hijo]".

John Wayne llegó a calificar su papel en Valor de ley como lo mejor que había hecho en más de veinte años, especialmente porque "no le pidieron que interpretase a John Wayne", aludiendo a los múltiples roles que tuvo en la gran pantalla, tanto en westerns como en otros géneros.

Si nunca has visto Valor de ley, tienes la película original en SkyShowtime para que disfrutes del papel que le valió el Óscar a John Wayne. También tienes el remake de los hermanos Coen con Jeff Bridges.

Pero esto no es algo que únicamente suceda en la pantalla, en el mundo real, el propio Lucas ha hecho lo posible para que su familia tenga vínculos con el que podríamos catalogar como su primer hijo, uno que ha compartido con millones de fans de todo el mundo —y que terminó vendiendo a Disney, pero no vamos a ponernos en modo cenizo—.

El creador de sagas como Indiana Jones y, por supuesto, Star Wars, ha tenido dos matrimonios y cuatro hijos, tres adoptivos y una hija biológica que tuvo a través de un vientre de alquiler en 2013, que es la única que, salvo que la situación cambie en los próximos años, no tiene vinculación directa con Star Wars.

Tampoco lo tiene su actual esposa, la empresaria Mellody Hobson, aunque casi, pues actualmente preside el consejo de administración de Starbucks, que suena casi igual.

Tontadas aparte, salvo Hovson y Everest Hobson Lucas, el resto de la familia de George Lucas, incluida su exmujer, Marcia Lucas (Griffin de soltera), ha tenido relación con la franquicia que catapultó al director.

Con papá al trabajo

Además de su trabajo evidente, George Lucas ha tenido su cameo reglamentario en Star Wars. Concretamente, el director interpreta al barón Papanoida en las escenas de la Ópera de Coruscant en Star Wars: Episodio III - La venganza de los Sith.

En esa misma película, su segundo hijo adoptivo, Jett, aparece haciendo frente a varios soldados clon durante el asalto al Templo Jedi. Jett Lucas interpretó al joven padawan Zett Jukassa, que lucha por sobrevivir cuando Bail Organa (Jimmy Smits) llega para comprobar qué está sucediendo. También interpretó al personaje en Star Wars: Episodio II - El ataque de los clones, pero no está acreditado.

Pasamos a su hermana mayor, Amanda Lucas, exartista marcial que ha aparecido en las tres precuelas que dirigió su padre. En La amenaza fantasma, y por partida doble: aparece en la carrera de vainas como Diva Funquita y presta voz a la neimoidiana Tey How, en la nave de control de droides de la Federación de Comercio.

En El ataque de los clones, Amanda no está acreditada, pero es Adnama, una de las parroquianas del Outlander Club, el garito donde Anakin Skywalker (Hayden Christensen) y Obi-Wan Kenobi (Ewan McGregor) acorralan a Zam Wesell (Leeanna Walsman).

Por último, en La venganza de los sith, Amanda sí que aparece acreditada con su nombre completo (en el Episodio I aparece como Tyger). Esta vez interpreta a la senadora Terr Taneel, a quien vemos en algunas escenas del Senado y en la Ópera, donde aparece hablando con un hombre que resulta ser su esposo en la vida real, Jason Hallikaine.

Luego está Katie Lucas, que también aparece como actriz en las tres precuelas, aunque su relación con Star Wars va más allá. Kati interpreta a Amee, una de las niñas esclavas amigas de Anakin (Jake Lloyd) en Tatooine (la que afirma que no va a funcionar la vaina). Aparece acreditada como Jenna Green.

Volvía en El ataque de los clones, aunque al igual que sus hermanos, no fue acreditada. Interpretó a otra visitante del Outlanders Club, Lunae Minx, una twi'lek de piel púrpura que observa con atención lo que sucede. Y en La venganza de los sith, Katie interpreta a la senadora Chi Eekway Papanoida en varias escenas.

Como decimos, Katie no se limitó solo a la actuación, también fue guionista en diez episodios de The Clone Wars, la serie de animación cocreada por su padre y Dave Filoni.

Lucas delante y detrás de las cámaras

El último miembro, o mejor dicho, exmiembro, de la familia de George Lucas en tener participación en Star Wars es, de hecho, el único que tiene un Óscar por su trabajo en la saga: Marcia Lucas.

Star Wars: Episodio IV - Una nueva esperanza le valió el Premio de la Academia por su trabajo de montaje y edición de la cinta. También participó en ese departamento en El Imperio contraataca y El retorno del jedi.

George Lucas se aseguró de dejar su huella en la saga, y la de su familia; incluso en la era de Disney, Star Wars sigue siendo una producción de Lucasfilm. Sin estar él, su nombre sigue presente en cada película o serie que llega.

El propio Alfred Hitchcock se convirtió en una marca usada constantemente para promocionar sus películas, y eso es algo que ya hacía antes de empezar a trabajar en Estados Unidos, cuando aún seguía en Reino Unido, pero se incentivó aún más cuando llegó a Hollywood en los años 40.

A finales de aquella década, Alfred Hitchcock ya acumulaba tres nominaciones a los Óscar como Mejor director y no necesitaba presentación, aunque su estilo seguía evolucionando.

En 1948, el cineasta dirigió La soga, una de sus películas más apreciadas y todo un logro técnico para la época, ya que está filmada en un falso plano secuencia que aprovecha recursos visuales para hacer los cortes necesarios, dada la longitud de las bobinas de celuloide en aquella época, que solían rondar los 10 minutos.

Alfred Hitchcock nunca estuvo contento con La soga

La película sigue a dos estudiantes que se creen más listos que el hambre y, tras cometer el asesinato perfecto, esconden a la víctima en un baúl e invitan a todo el mundo a una fiesta de fin de curso en casa, incluido su tutor, un criminólogo que afirma que es imposible cometer el crimen perfecto.

La tensión de la película, la primera que Hitchcock dirigía en color, ha atrapado a generaciones de espectadores a lo largo de los años, pero el director no le tenía especial aprecio, tal y como declaró en su día en el libro Hitchcock/Truffaut:

"Me hice cargo de La soga como una maniobra publicitaria; es la única forma de describirlo. La verdad es que no sé cómo llegué a hacerlo... Cuando miro hacia atrás, me doy cuenta de que fue un disparate porque estaba rompiendo con mis propias teorías sobre la importancia del montaje para la narración visual de una historia".

Pese a la valoración de Alfred Hitchcock sobre su trabajo en La soga, la película continúa siendo una pieza clave para disfrutar y comprender la filmografía del que fue uno de los mayores referentes del thriller en el audiovisual.

La vida de Robin Williams está plagada de curiosidades, desde su amistad con Christopher Reeve (Superman: La película) a la demencia con cuerpos de Lewy que incentivó su impulso por suicidarse.

Hoy queremos centrarnos en una curiosidad más amable del actor, su hermano mayor, Robert Williams, a quien Robin tardó años en conocer y, de hecho, no sabía de su existencia.

Pero esa situación cambió y, de hecho, Robert Williams aparece en una de las películas más queridas de su hermano: Señora Doubtfire, papá de por vida, la comedia dramática de 1993 dirigida por Chris Columbus y coprotagonizada por Sally Field y Pierce Brosnan.

¿En qué escena aparece el hermano de Robin Williams en Señora Doubtfire?

Aunque Robert Williams aparece acreditado como Dr. Toad en los créditos de Señora Doubtfire, un seudónimo que rinde tributo a su compañía vinícola, Toad's Hollow, interpreta brevemente a un camarero que atiende a su hermano, caracterizado como la entrañable niñera.

En concreto, es el hombre con barba canosa que repone la cerveza de Euphegenia Doubtfire en la escena de la piscina, mientras la familia Hillard disfruta de la invitación de Stu Dunmeyer (Pierce Brosnan) para pasar el día.

Señora Doubtfire es la primera y única aparición de Robert Williams en una película, aunque no le fue mal en la vida, pese a no gozar de la fama de su hermano. Desgraciadamente, falleció en 2007, siete años antes de que Robin Williams se quitase la vida.

La relación entre ambos hermanos fue muy estrecha después de enterarse de la existencia del otro, demostrando la cercanía de Robin Williams a pesar de ser una de las estrellas más populares de Hollywood.

No es de extrañar que en el reparto de Hook: El capitán Garfio, nos encontrásemos con nombres como Robin Williams, Dustin Hoffman, Julia Roberts o Maggie Smith.

Pero mientras Williams y Hoffman se lo pasaban pipa en la producción, el ambiente para Steven Spielberg no era el idóneo. La película adolecía de un clima de estudio que no le gusta nada al director, y luego estaba Julia Roberts.

La estrella de Pretty Woman acababa de romper su compromiso con Kiefer Sutherland tras descubrir que la engañaba, y su comportamiento en el set era reflejo de cómo se sentía. El equipo la apodó "Campanilla Infernal" (Tinkerhell) porque, cuando estaba presente, no crecía ni la hierba.

Steven Spielberg nunca más trabajaría con Julia Roberts desde entonces, y dejó claro que fue uno de los motivos por los que tiene atravesada su película de 1991. En una entrevista con el pódcast Kermode and Mayo's Film Review, Spielberg dejó claro que la espina de Hook sigue clavada en su memoria: "Sigue sin gustarme esa película. Espero volver a verla algún día y quizás me guste algo..."

El cameo más loco de Hook fue el de Glenn Close

Incluso pasándolo tan mal como lo pasó en el rodaje de la película, Steven Spielberg fue capaz de obrar su magia, incluyendo uno de los cameos más geniales de su filmografía: Glenn Close como un pirata. Sí, en masculino.

Aún hay gente que se sorprende cuando se dice que el pirata al que Garfio envía a la "pupera" cuando revela que no confió en que lograría traer de vuelta a Peter Pan al País de Nunca Jamás es, en realidad, la actriz nominada a ocho Óscar.

La propia Glenn Close lo confirmó en su día y, de hecho, señala que la caracterización como hombre, que incluía tupida barba y vello en el pecho, era tan convincente que engañó al equipo:

"Spielberg me preguntó: '¿Quieres ser pirata?'. Le dije: 'Claro', me maquillaron y fue tan convincente que la gente en el set no supo que era yo. Es decir, la guionista intentó coquetear conmigo..."

Close no es el único cameo que hubo en Hook: El capitán Garfio, que incluyó apariciones de celebridades como Phil Collins, Carrie Fisher, George Lucas, David Crosby, Jimmy Buffett o Tony Burton. Puede que Steven Spielberg no le guarde cariño a la película, pero sus fans la mantienen como clásico de culto por todos los detalles que esconde. Y porque uno nunca quiere crecer del todo, ¿no?

Uno de ellos se produjo en Aliens: El regreso, la primera secuela de Alien, el octavo pasajero, que dejaba atrás a Ridley Scott y aprovechaba el éxito de Cameron con Terminator. Sigourney Weaver regresaba como Ellen Ripley.

Considerada una de las películas definitorias de la saga, Aliens: El regreso no fue mera ciencia ficción y terror, sino que añadió un fuerte componente de acción a la mezcla que ya funcionó años antes.

Pero no todo funcionó desde el primer momento en el rodaje, y James Cameron llegó a perder los estribos y empezó a gritar a una de las actrices delante de todo el set, haciendo intervenir a su estrella principal, Sigourney Weaver.

Sigourney Weaver calmó las aguas en Aliens: El regreso

Mientras promocionaba Avatar: Fuego y ceniza en una entrevista con The New York Times, Weaver destaca cómo la cosa se puso tensa en el set de Aliens: El regreso, cómo intervino para rebajar tensiones y que, tras el rodaje, conoció mejor a Cameron sin el estrés de una producción de por medio:

"Me acerqué a él y le dije: 'Sabes, cuando le gritas a un actor, nos gritas a todos, así que entiende que lo que estaba haciendo era realmente muy difícil. Quizás podrías rodar otra cosa mientras se acostumbra a hacer las cosas como tú quieres".

Cuando Weaver y Cameron cenaron tras el rodaje de la película, la actriz lo describió como "divertido e ingenioso" y que entendía que el rodaje de Aliens: El regreso fue muy complicado. Claro que también aseguró que no le habría gustado participar en el de Abyss.

La tercera película de gran presupuesto de James Cameron es famosa por haber tenido una de las producciones más terribles de su carrera, con estrellas como Ed Harris llorando en el coche de regreso a casa, buzos con sobrexposición al cloro, un rayo destrozando el set... Vamos, para pedirle un adelanto a Jim.

Sin perder la complejidad, la cosa ha ido mejor en otros proyectos de James Cameron, pero Sigourney Weaver hizo bien en intervenir en Aliens: El regreso para que no se viniera todo abajo.

La propia leyenda del western destacó su mala relación con los caballos en sus memorias, John Wayne: The Man Behind the Myth, escritas por Michael Munn: "Nunca me han gustado mucho los caballos, y me atrevería a decir que no muchos de ellos me apreciaban demasiado".

Esta relación conflictiva con los caballos venía de antes, incluso, de que Wayne se embarcara en su prolífica carrera en Hollywood, cuando montaba la yegua familiar, Jenny, para ir al colegio.

Sin embargo, en el ocaso de la carerra del Duque, un caballo se convirtió en el compañero inseparable de John Wayne en cada western que protagonizó, y así fue hasta que el actor se retiró.

Dollor (o Dollar), el último gran compañero de John Wayne

Aunque hay algunas discrepancias sobre cuál fue la primera película en la que vimos a Dollor (o Dollar, ya que hay dudas de cuál era el nombre del caballo), no las hay a la hora de destacar que este animal fue el compañero inseparable de John Wayne en los últimos westerns que filmó el Duque.

Algunos dudan de si Dollor aparece al final de Valor de ley en 1969, cuando Rooster Cogburn tiene que cambiar de montura tras el tiroteo climático de la película dirigida por Henry Hathaway, donde Beau, el caballo que el personaje había montado hasta entonces, es herido mortalmente.

Ante las dudas que suscita la forma de la mancha blanca que recorre el frontal de la cabeza del caballo, el consenso sostiene que Dollor es el compañero inseparable de John Wayne desde El gran Jack, de George Sherman, estrenada en 1971.

John Wayne y Dollor compartirían muchos rodajes durante un lustro, hasta que se despidieron en El último pistolero, de Don Siegel, la última película del Duque, en 1976. En la película, el personaje de Wayne, J.B. Books, le entrega a Dollor a Gillom Rogers, interpretado por el joven Ron Howard.

Puede que lo más curioso de esta historia, además de la lealtad entre John Wayne y Dollor, sea que la leyenda del western más grande de la historia del cine, junto con Clint Eastwood, tuviera esta relación tan tormentosa con los caballos.

Buena parte de la trama de la película original de Jurassic Park se desarrolla cuando una fuerte tormenta arrecia sobre la isla Nublar, algo que no se aleja demasiado de lo que sufrió el equipo durante el rodaje.

Steven Spielberg escogió Hawái para montar varios de los sets de Jurassic Park. Por desgracia, cuando la producción estaba asentada en el archipiélago, el huracán Iniki llegó a la zona e hizo que el rodaje se suspendiera durante varios días, imposibilitando no solo el poder filmar, sino también abandonar la isla en avión.

Ahora que el elenco original de Jurassic Park se ha reunido para el spot de Xfinity dirigido por Taika Waititi, Sam Neill recuerda aquellos días y el miedo que, tanto él como sus compañeros, pasaron pensando que podían morir en medio del huracán.

Filmar Jurassic Park fue una aventura de riesgo

En una entrevista con Entertainment Weekly para hablar del spot de Xfinity que parodia Jurassic Park, Neill rememora la situación provocada por el huracán Iniki en septiembre de 1992:

"Llevábamos una semana o diez días trabajando en Hawái, y nos presentamos a trabajar a las 6:30 de la mañana o a la hora que fuera. Y nos dijeron: 'Hoy no vamos a trabajar... Se acerca un huracán'. Todo se quedó en silencio y la marea había bajado un poco. Laura [Dern] y yo fuimos a la playa y ella me preguntó: '¿Crees que podríamos morir hoy?'. Y yo le dije: 'Creo que es totalmente posible'.

[El huracán] se desplazó muy rápido, así que no fue un huracán muy dañino, pero causó bastantes destrozos cuando nos pasó justo encima. Destruyó nuestros sets y eso significó que tuvimos que regresar a Los Ángeles en dos o tres días, cuando un avión pudiera aterrizar, porque el aeropuerto estaba cubierto de árboles muertos y cosas así".

Neill recuerda que la situación hizo que el elenco y Steven Spielberg tuvieran mucho tiempo libre para estrechar lazos, aunque fuese por una situación tan desastrosa como la que sobrevino al rodaje de Jurassic Park.

Cada película de Steven Spielberg es una cita ineludible no solo para sus millones de fans en todo el mundo, sino para los amantes del séptimo arte, lo que ha generado hasta la fecha unos ingresos totales de 10.723,2 millones de dólares. Para unas pizzas…

Esta cifra, que crecerá en 2026 con el estreno de El día de la revelación, convierte a Steven Spielberg en el director más taquillero de todos los tiempos, algo que no es nada sencillo de conseguir. Pero el ganador del EGOT no puede afirmar que sea el más rentable de todos los cineastas.

¿Cómo que Steven Spielberg no es el director más rentable?

Sin pretender restar ningún mérito a la carrera de Spielberg, que ya quisiera cualquiera que se dedique al séptimo arte alcanzar el 5 % de lo que ha logrado este señor, es relevante señalar que el acumulado de taquilla que tiene en su haber proviene de las 37 películas que ha estrenado, que serán 38 cuando llegue El día de la revelación.

Es importante separar esos 37 largometrajes de las muchas películas en las que Spielberg ha ejercido como productor, pues no contabilizan. Entre las que sí lo hacen, solo una cinta supera los 1.000 millones de dólares de recaudación: Jurassic Park.

El director tiene muchos largometrajes que se quedan por debajo de los 100 millones, y alguno por debajo de los 50 millones. West Side Story, por ejemplo, acumuló 74,8 millones, El imperio del sol apenas 22,2 millones y Loca evasión tuvo un estreno en cines tan limitado que apenas alcanzó los 7 millones de dólares. Todas estas películas cuentan para el promedio.

Una gran cantidad de películas estrenadas, que algunas de ellas no hayan calado bien en taquilla y que ninguna haya sido un pelotazo descomunal desde los noventa (en cifras de taquilla), contribuyen a que el promedio de rentabilidad de Steven Spielberg en taquilla sea de solo 289,8 millones de dólares. Es una cifra muy digna, pero lejos de los cineastas más rentables.

Reventar la taquilla con cada película no es fácil

Antes de seguir con la comparativa, haremos una aclaración: no vamos a incluir directores con menos de 10 películas estrenadas, porque no sería justo, ya que hay quienes han estrenado muy poquito, pero con una tasa de éxito brutal.

La codirectora de Frozen y su secuela, Jennifer Lee, tiene un promedio de más de 1.000 millones, con solo esas dos películas estrenadas. Y el director de Ne Zha 2, Zi Jiao, promedia más de 2.000 millones, pero es que es su única cinta estrenada.

Para hacer las cosas más justas, compararemos el promedio de Spielberg con su principal perseguidor, James Cameron, que no ha conseguido arrebatarle la corona con Avatar: Fuego y ceniza. En promedio sí que supera a Spielberg, pues sus 15 estrenos consiguen 674,9 millones de dólares de media.

Los hermanos Russo son los siguientes en la lista, aunque contaremos solo a Joe Russo, pues Anthony no dirigió uno de los 10 largometrajes que meten a los directores de Vengadores: Endgame en la fiesta gracias a su promedio de 676,2 millones de dólares.

Con magia o sin ella, la saga Harry Potter ha catapultado a David Yates en lo que a promedio se refiere. En total ha estrenado 11 películas, con una media de 577,7 millones de dólares. Le sigue Jon Favreau, con 433,8 millones de media entre sus 10 películas. Veremos si The Mandalorian and Grogu hace aumentar o disminuir la cifra.

Inmediatamente por detrás de Favreau tenemos al flamante presidente del Sindicato de Directores, Christopher Nolan, con 432,2 millones de dólares de media entre sus 14 cintas como director. Aunque puede que La Odisea le pegue un empujoncito este verano.

Ya más cerquita de Spielberg tenemos a directores como Francis Lawrence (Los juegos del hambre), con 313,1 millones de media entre sus 12 películas, Gore Verbinski (Piratas del Caribe) con también 12 largometrajes que promedian 306,6 millones, o Todd Phillips (Joker), cuyas 11 cintas logran una media de 308,4 millones.

No vamos a cansarte con más datos, pero te haces una idea: a más películas estrena un director, más probabilidades hay de que su promedio se desinfle. Al final, también entran otros factores en juego, como los presupuestos, no todo se reduce al promedio de taquilla, y menos si no ajustamos la inflación.

Steven Spielberg no es menos prolífico y respetado por no ser el director más rentable, pero ya tienes un dato más por si alguna vez quieres ganar una apuesta cinéfila o algo.

Si bien la comedia forma parte del ADN de La momia, el personaje que más personifica este aspecto es Jonathan Carnahan, el hermano de Evelyn (Weisz) al que dio vida John Hannah. Jonathan es un buscavidas oportunista y algo payaso, lo que le vino fenomenal en un momento de necesidad.

Cuando Imhotep (Arnold Vosloo) es liberado de su tumba eterna y comienza a regenerarse, gana poder suficiente para acercarse a la ciudad y someter a casi todos sus habitantes, que se convierten en una suerte de zombis que corean su nombre.

A Jonathan lo pillan cuando va en busca del coche y comienzan a rodearlo. Temiendo por su seguridad, empieza a comportarse como la horda de zombis, coreando el nombre del villano y caminando errático hasta que puede separarse del peligro. Es una escena icónica, pero el actor la detestaba.

John Hannah se equivocó con su escena zombi de La momia

Así lo ha relatado el actor británico en una entrevista con The Telegraph, donde indica que intentó convencer al director y guionista de La momia, Stephen Sommers, de eliminar la escena por no sentirse cómodo con el enfoque:

"Hay una escena en La momia que siempre he odiado: salgo corriendo del museo para coger el coche y veo a un montón de zombis coreando 'Imhotep'. Se suponía que debía unirme a ellos y fingir que yo también era un zombi, y gemir 'Imhotep' cuando pasan junto a mí, y luego volver a por el coche.

Pensé que era lo más lamentable y vergonzoso del mundo. Intenté que Steve lo cambiara. Pero fui a una de las proyecciones de prueba y ese momento provocó la carcajada más grande y una ovación. Estaba totalmente equivocado".

El humor de La momia, a veces absurdo, es una de las cosas que hacen especial la versión de 1999, tanto como para que haya en desarrollo una cuarta película con el objetivo de reunir a los protagonistas para otra aventura.

Jackson se tomó sus licencias para llevar a la pantalla la aventura de Frodo y compañía y los esfuerzos de la Tierra Media por detener a Sauron y sus huestes durante el tiempo suficiente como para que dos pequeños hobbits lograsen destruir el Anillo Único en los fuegos del Monte del Destino.

Uno de los personajes que casi es muy diferente a como la recordamos de las páginas de las novelas de Tolkien es Arwen, que fue interpretada en la trilogía por Liv Tyler. Su personaje cambió notablemente a lo largo de la producción, donde iba a tener un papel mucho más activo que el que tuvo finalmente, reducido a grandes rasgos al interés amoroso de Aragorn (Viggo Mortensen).

Con la trilogía de El señor de los anillos celebrando su 25 aniversario, el elenco está participando en diferentes eventos y entrevistas para rememorar cómo dieron forma a la fantástica saga.

Liv Tyler filmó muchas más escenas como Arwen en El señor de los anillos

Durante una charla con Empire Magazine, que está realizando una cobertura de los 25 años de El señor de los anillos, Liv Tyler ha lamentado que los planes originales para cambiar a Arwen y darle mayor notoriedad en la historia:

"Mi personaje era muy interesante porque no aparece mucho en el libro. Originalmente, cuando me uní al proyecto, me incluían en la Comunidad. Estaba en el Abismo de Helm, luchando...

Estuve allí con Viggo y los demás. Fue muy duro, tío. Fue brutal. Y la verdad es que no funcionó. Luego volvió a cambiar. A lo largo de tres años, no siempre tuve algo a lo que aferrarme con el texto, así que tuve que apoyarme en la idea del amor inquebrantable y la firmeza que representaba el papel de Arwen en la historia".

Finalmente, Peter Jackson dejó a Arwen más o menos como la recordamos de las novelas de Tolkien, a pesar de que filmó algunas de las escenas en las que era partícipe de eventos clave de la trilogía. ¿Crees que habría cambiado ese cambio en El señor de los anillos?

Hace unos meses, Lawrence estuvo charlando con Leonardo DiCaprio en la sección Actors on Actors de Variety, donde ambos compartieron anécdotas de sus películas, más allá de la que compartieron juntos en 2021, No mires arriba.

En determinado momento, a la actriz le dio por recordar algunos descuidos que ha tenido con la medicación. Lawrence tiene una peculiar obsesión con descansar bien cuando está en un rodaje, por lo que el consumo regulado de sedantes es parte de su rutina en esos casos.

Por desgracia, la actriz también tiene fama de ser algo despistada, y mientras filmaba Los juegos del hambre: En llamas, uno de los despistes la llevó a consumir Ambien (Zolpidem), un sedante con efectos hipnóticos que no era lo que tenía que tomarse en ese momento.

Elizabeth Banks se molestó bastante con Jennifer Lawrence

La actriz de Katniss recordó que ese día tenía que filmar el baile previo a los juegos, concretamente la escena entre Katniss y Plutarch Heavensbee (Philip Seymour Hoffman), que fue quien sufrió en primer lugar las alucinaciones que el Ambien provocó en Lawrence:

"Una vez también tomé un Ambien por la mañana, pensando que era otra cosa. Era una escena de baile con Philip Seymour Hoffman en la segunda película de Los juegos del hambre. Estaba alucinando y Elizabeth Banks se molestó mucho conmigo. Quizás no sabía que tomaba Ambien".

Ese "también" se debe a que Jennifer Lawrence también recordó una situación parecida mientras filmaba Gorrión rojo, cuando en lugar de un sedante tomó otra cosa y se pasó la noche sin dormir y dándose duchas calientes mientras era presa del pánico.

Como decíamos al principio, las anécdotas de Jennifer Lawrence son de lo que no hay, y tiene como para escribir un libro con secuela incluida. ¿Tendrá muchas más relacionadas con Los juegos del hambre?

El actor vio su carrera catapultada en Saturday Night Live, y pronto explotó en el séptimo arte con clásicos como Límite: 48 horas o Entre pillos anda el juego. Eso hizo que casi cualquier comedia quisiera tener a Eddie Murphy y su humor dicharachero en el reparto.

La carrera de Eddie Murphy se ha repasado en el interesante documental de Netflix Soy Eddie, desde sus comienzos en SNL hasta la actualidad. El actor ha tenido buenos y malos momentos a lo largo de su trayectoria profesional, incluyendo el rechazo de grandes películas.

Mientras promocionaba el documental de Netflix en una entrevista con Associated Press, Murphy destaca un proyecto que aún lamenta haber rechazado en su despegue durante la década de los 80: Los cazafantasmas.

Eddie Murphy hizo Superdetective en Hollywood en lugar de Los cazafantasmas

El actor destaca que la película de Ivan Reitman lo quería para el elenco principal, aunque no aclara qué personaje habría interpretado. "Los cazafantasmas... Hice Superdetective en Hollywood. Era hacer una o la otra, así que salió genial".

Es posible que Murphyhubiera encarnado a Winston Zeddmore, interpretado finalmente por Ernie Hudson, pero también podría haber sonado para Peter Venkman por si Bill Murray fallaba. Menos probables son los roles de Raymond Stantz y Egon Spengler, encarnados por los cocreadores de la franquicia, Dan Aykroyd y Harold Ramis.

Efectivamente, encarnar a Axel Foley se convirtió en uno de los mayores éxitos de la carrera de Eddie Murphy, que ha tenido cuatro tres secuelas desde entonces. Ambas cintas se estrenaron en 1984 y se convirtieron en leyendas de la cultura pop por méritos propios.

Eddie Murphy también cuenta cómo rechazó películas famosas como ¿Quién engaño a Roger Rabbit? u Hora punta. La carrera de un actor de éxito tiene muchas decisiones de este tipo, y aunque se tenga éxito, siempre queda la pregunta de qué habría pasado si hubiese elegido otra opción.

Marlon Brando era un gran actor, de los mejores de todos los tiempos, pero también hizo su incursión en la silla del director… una empresa que le hizo decir "una y no más". Fue en 1961, con el western El rostro impenetrable.

El actor se lanzó a un género en apogeo en los compases finales de la edad dorada de Hollywood. De entrada, no iba a dirigir la película, sino que iba a ponerse a las órdenes de un peso pesado: Stanley Kubrick. Sin embargo, las diferencias creativas entre ambos hicieron que el cineasta abandonase el proyecto, asumiendo Brando el rol para adaptar la novela de Charles Neider.

El rostro impenetrable puede parecer la clásica historia de venganza, con un atracador que sale de prisión en México y busca ajustar cuentas con su antiguo mejor amigo y socio, y también el tipo que le traicionó. Pero la película también tiene toques de antiwestern, aunque aún no se había forjado el género, y profundiza mucho más que otras películas contemporáneas.

Marlon Brando tuvo suficiente con una sola película como director

La producción de El rostro impenetrable no fue ningún paseo por el campo, con múltiples problemas entre bastidores que colmaron la paciencia de Marlon Brando. Sin embargo, estaba entusiasmado por estrenar su primer largometraje como director y protagonista.

Desgraciadamente, la película recibió críticas bastante pobres por parte de la prensa especializada, y no mucho mejores en lo referente al público. La taquilla tampoco fue la bomba, minando la buena predisposición de Marlon Brando por el proyecto.

Tal y como recuerdan en Screen Rant, tanta negatividad y su aversión por el sistema de estudios de Hollywood llevó al actor a jurar que jamás volvería a sentarse en la silla del director. Y Marlon Brando cumplió con su promesa: jamás volvió a dirigir una película. Aunque el tiempo convertiría a El rostro impenetrable en un clásico de culto.

Pero Scream es mucho más que una película en la que un psicótico asesino en serie masacra adolescentes por diversión. La película tiene importantes dosis de autocrítica y sátira social, así como un desfile de metarreferencias al cine de terror en general y a los precursores slasher en particular.

Una de las facetas más interesantes de la película original de Scream es el modo en que expone la influencia de la cultura popular y los medios de comunicación en el comportamiento de los jóvenes, incluyendo a los asesinos detrás de las fechorías de Ghostface. La cinta lo hace a través de metarreferencias que a veces son más claras cuando las vemos a través de este prisma.

Y en esas referencias no podía faltar un maestro absoluto del género como es Alfred Hitchcock. Es más, Wes Craven no espera para soltarnos todo un homenaje a Psicosis, la obra maestra de Alfred Hitchcock que sacudió el séptimo arte allá por 1960 y que, a día de hoy, continúa siendo considerada una imprescindible del cine de terror.

Scream deja su mejor homenaje a Alfred Hitchcock en su escena inicial

Como decimos, Scream: Vigila quién llama empieza fuerte en su faceta meta. La escena inicial, con Drew Barrymore interpretando a Casey, la primera víctima de Ghostface, ya nos deja muchos guiños a cómo se centrará la saga en la sátira del cine de terror. Así lo demuestra la famosa pregunta "¿Cuál es tu película de terror favorita?"

Pero el homenaje a Alfred Hitchcock es más sutil, pues se centra en el asesinato de Casey directamente. El personaje de Drew Barrymore está construido a modo de "chica final", un arquetipo clásico de las películas de terror, pero muere en la primera escena, rindiendo homenaje a Psicosis y a la muerte de Marion Crane, aunque de un modo diferente y menos descarado.

La verdadera chica final de Scream: Vigila quién llama, y de casi toda la saga, es Sidney Prescott (Neve Campbell), quien entraría en escena después y se convertiría en el talón de Aquiles de las diferentes iteraciones de Ghostface.

Sidney volverá a plantar cara al infame asesino en serie en Scream 7, que se estrena en cines en febrero de 2026, con el cocreador de la saga, Kevin Williamson, en la silla del director.

La nueva serie nos lleva a una versión de la Tierra en la que una receta química convierte a la humanidad en una especie de mente colmena, a excepción de unos cuantos individuos contados, incluyendo a Carol, el personaje de Rhea Seehorn, que parecen inmunes a sus efectos.

Aunque buena parte de Pluribus transcurre en Albuquerque, Vince Gilligan ha dejado claro que la nueva serie no se desarrolla en el mismo universo que Breaking Bad. Sin embargo, lejos de privarse de hacer referencias a sus anteriores trabajos, ya hemos encontrado algunas de lo más interesantes.

Por ejemplo, Carol bebe whisky McCallan (que no Macallan), el mismo que bebe Howard en Better Call Saul. Sin embargo, puede que uno de los guiños más sobrecogedores lo tengamos en el episodio 2 de Pluribus, aunque es fácil que pase inadvertido.

​El momento más siniestro de Breaking Bad resurge en Pluribus

En el episodio 2, Carol le pide a la mente colmena una reunión con aquellos humanos inmunes que hablen inglés. La reunión lleva a todos a tierras españolas, pues se encuentran en el aeropuerto de Bilbao. Pero hemos de retroceder un poquito para encontrar el guiño del que venimos a hablar.

Durante el vuelo a España, Carol se niega a viajar cómodamente en primera clase de un avión que, naturalmente, va vacío. Tan solo la piloto, una camarera con todos los conocimientos del mundo gracias a la mente colectiva, Zosia (Karolina Wydra), el enlace para la protagonista, y la propia Carol, viajan en él.

Esto nos permite reparar en la aerolínea a la que pertenece en avión: Wayfarer. A simple vista, puede parecer un detalle nimio, salvo si retrocedemos a la temporada 2 de Breaking Bad. Wayfarer es la aerolínea a la que pertenecían los dos vuelos que chocaron en el aire sobre Albuquerque, dejando caer una mortal lluvia de escombros sobre la ciudad, concretamente en el barrio donde vive Walter White.

El siniestro aéreo es uno de los puntos más perturbadores de Breaking Bad, con Vince Gilligan cocinándolo a fuego lento durante varios episodios a través de escenas en blanco y negro. Pluribus tiene su propio estilo para generar caos, pero no se priva de rememorar el momento en que Breaking Bad provocó más muertes en un solo instante.

No hay muchos villanos tan imponentes como Darth Vader, cuya mera voz sobrecoge a niveles impensables. El carisma de Han Solo, el camino del héroe que emprende Luke Skywalker sin conocer su verdadero pasado o la solemnidad de la princesa Leia son solo algunos ejemplos.

Imaginar a esos personajes son James Earl Jones, Harrison Ford, Mark Hamill o Carrie Fisher se antoja impensable para los fans de Star Wars, y lo mismo sucede con otros tantos referentes de la franquicia.

Pero volviendo al principio: Star Wars tuvo muchos candidatos para algunos de sus personajes más queridos, algunos fueron rechazados por las estrellas, y otros dejaron de ser opciones por decisión del propio proceso de casting. Hoy conoceremos algunos de los casos más famosos.

Han Solo: el personaje con más candidatos

Pilotar el Halcón Milenario no es algo que pueda hacer cualquiera. Harrison Ford se convirtió en Han Solo y, para muchos, aún se hace raro ver a Alden Ehrenreich en el papel en Han Solo: Una historia de Star Wars.

Pero retrocedamos a los días del proceso de selección de Star Wars: Episodio IV - Una nueva esperanza, porque el papel del contrabandista más descarado de la galaxia es, quizá, el que más candidatos acumuló.

Cerca de un centenar de actores fueron considerados para el papel, como reveló uno de ellos, Christopher Walken. George Lucas tanteó a estrellas como Al Pacino, Burt Reynolds o Kurt Russell.

Otros que participaron no capturaron la atención del director, como Sylvester Stallone. Pero no podemos decir que nos quejemos, no solo por el papelazo de Harrison Ford es memorable, sino porque al no encajar en el papel, Sly pudo zambullirse en Rocky. Todos ganamos.

Muchas caras diferentes para la trilogía original

Han Solo no es el único personaje que pudo contar con un intérprete diferente. Sería difícil, por ejemplo, escuchar a Darth Vader en versión original sin la voz de James Earl Jones, pero el lord sith casi contó con la voz del legendario Orson Welles. Jones dijo que Lucas consideró la voz de Welles muy reconocible, pero el director afirmó que él lo eligió por goleada.

Carrie Fisher inmortalizó para siempre a la princesa Leia, una heroína que no necesitaba que la rescatasen, bueno, no del todo. El papel pudo caerle a Jodie Foster, que ya despuntaba en los años 70, pero Taxi Driver llamó a su puerta. Una vez más, ganamos todos. Otra candidata fue Cindy Williams.

No es ningún secreto que Star Wars tiene muchísima influencia del cine de samuráis de Akira Kurosawa (Kurosawa Akira). Así que no te cogerá por sorpresa que Obi-Wan Kenobi estuviese cerca de ser encarnado por Toshirō Mifune (Mifune Toshirō) antes de caer en manos de Alec Guinness. Su hija contó que rechazó el papel por miedo a que Star Wars no representase fielmente a los samuráis.

Al igual que sucede con Darth Vader, C-3PO estuvo cerca de contar con dos actores: Anthony Daniels para interpretarlo físicamente, y Mel Blanc para prestar voz al droide de protocolo. Según Daniels, Blanc convenció a Lucas de que ya tenía todo el talento que necesitaba dentro del aparatoso traje dorado.

Frank Oz es otra de esas voces memorables sin las que Star Wars sería lo que es, pero antes de que interpretase a Yoda, se barajó la opción de una de las personas que participaron en la creación del títere, Jim Henson, asumiera el papel. El propio Henson rechazó la idea.

Las precuelas y secuelas también tuvieron sus opciones alternativas

Avanzamos hasta finales de los 90, cuando George Lucas se embarcó en la aventura de contarnos cómo surgió el Imperio, cayó la Orden Jedi y Anakin Skywalker se pasó al lado oscuro.

Ya en Star Wars: Episodio I - La amenaza fantasma, se barajó otra opción para encarnar a Darth Maul antes de darle el papel al maestro en artes marciales Ray Park. Benicio del Toro iba a interpretar al sith, pero al recordarse su diálogo, rechazó el papel.

Ahmed Best se granjeó el odio de los fans, demasiado por parte de algunos, por asumir el papel de Jar Jar Binks. Un papel que casi le cae a Michael Jackson, el rey del pop. Pero el cantante quería encarnar al gungan mediante prótesis, algo que George Lucas no contemplaba en su visión revolucionaria apoyada en el CGI.

Nadie duda de que Samuel L. Jackson encarnó a uno de los maestros jedi más emblemáticos de toda la mitología de Star Wars, pero el papel de Mace Windu no era para él originalmente. Tupac Shakur iba a interpretarlo, pero su trágica muerte en 1996 lo impidió.

Hayden Christensen vivió lo peor y lo mejor al interpretar a Anakin Skywalker a partir de El ataque de los clones, pero se barajaron actores como Leonardo DiCaprio, Ryan Phillippe o Paul Walker para encarnar al joven en su caída hacia el reverso tenebroso.

Otro papel de voz que no pudo ser es el del general Grievous en La venganza de los sith. George Lucas quería que Gary Oldman pusiera voz al villano. Lo que no quería era que la película estuviese al amparo del Sindicato de Actores (SAG), y se negó hasta a pedir un permiso especial, por lo que Oldman, por solidaridad con sus compañeros, declinó el papel.

Aunque Lucas ya no tomaba decisiones en la trilogía de las secuelas, también hubo algunos posibles cambios si la cosa hubiera ido de otra manera.

Daisy Ridley se convirtió en Rey, pero compitió con Saoirse Ronan y Billie Lourd, la hija de Carrie Fisher, que terminaría con un papel menor como la teniente Connix.

Kylo Ren también tuvo algunos candidatos aparte de Adam Driver, como Eddie Redmayne o Michael Fassbender, pero el conflictivo y atribulado hijo de Han y Leia terminó encarnado por Driven.

Star Wars pudo ser muy diferente con otras estrellas en sus papeles clave, y habría cambiado las carreras de algunos actores, para bien o para mal, que no todo han sido cuentos de hadas.

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En 1994, Jim Carrey estaba en la cúspide de su fama. El siempre magnético actor estrenaba tres de sus comedias más populares aquel año: Ace ventura: Un detective diferente, La máscara y Dos tontos muy tontos.

Las tres películas consiguieron alcanzar el número 1 en taquilla, convirtiendo a Jim Carrey en el último actor en lograr esa gesta, y no por falta de candidatos.

El año pasado, por no ir más lejos, estrellas como Glen Powell o Sydney Sweeney estrenaban tres películas que pudieron ser número 1, pero no todas ellas alcanzaron el trono de taquilla durante su estancia en la cartelera. Mason Thames ha tenido mejor fortuna este 2025.

Mason Thames ha firmado un año espectacular

Cuando Jim Carrey conseguía aquel espectacular logro, Mason Thames no estaba ni en proyecto. A sus 18 años, el joven actor ha estrenado tres cuatro películas este 2025, y tres de ellas han hecho blanco.

La primera fue el live-action de Cómo entrenar a tu dragón, la adaptación de las películas de DreamWorks que, a su vez, adaptan las novelas de Cressida Cowell. Durante dos semanas, la cinta retuvo el número 1, a excepción del día de estreno de 28 años después.

En segundo lugar, tenemos Black Phone 2, bien reciente, que también debutó en el número 1, a pesar de su estreno algo alejado de Halloween.

La tercera es A pesar de ti, el drama romántico que llegaba poco antes de Halloween y, aunque ha tardado en subir, ha arrancado noviembre dominando la taquilla estadounidense.

Es cierto que octubre ha sido un mes aterrador, y no solo en cuanto a temática, para la taquilla, pero ha propiciado los ingredientes para que se replique aquel logro de Jim Carrey hace 31 años. 

A estas tres películas de Mason Thames se suma New Years Rev, una comedia musical que solo ha pasado por el Festival Internacional de Toronto, por lo que no ha podido contribuir a su logro, por lo que parece que compartirá corona con Jim Carrey.

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Personalizando ambos conceptos, el bien, o lado luminoso de la Fuerza, está encarnado por la Orden Jedi, mientras que su contraparte oscura recibe el nombre de Orden Sith en las películas. ¿En todas? Bueno… no.

Si buscas el término "sith" durante la trilogía original descubrirás que, pese a ser un concepto presente en las figuras de Darth Vader y el emperador Palpatine, no se menciona en ningún momento. Existir, existía, pues el guion original de Lucas se refería con frecuencia a Darth Vader como "señor de los sith".

Pero la palabra no llegó a la película final, y solo estuvo presente en la novelización y, durante más de dos décadas, en el Universo Expandido, donde se ayudó a establecer el concepto que, a ojos del gran público, era totalmente desconocido.

George Lucas rescató a los sith para las precuelas

Eso cambió en 1999, cuando George Lucas estrenó Star Wars: Episodio I - La amenaza fantasma. La película presentaba a un nuevo villano, Darth Maul, un siniestro agente oscuro a las órdenes de Darth Sidious, quien no se tarda en señalar que es el futuro emperador.

Tras el ataque de Maul en Tatooine, Qui-Gon Jinn hace saltar la liebre ante el Consejo Jedi, cuando revela sus temores de que "el atacante fuera un lord sith". 

Desde ese punto, George Lucas comenzó a establecer con fuerza la mitología de la orden oscura, una ancestral secta enemiga de los jedi que "creían extinta". La película también establecería la infame Regla de Dos, con la que Lucas explicaba la facilidad con la que los sith habían pasado inadvertidos.

Además, La amenaza fantasma establece a los sith, especialmente a Sidious como maestros titiriteros que han echado raíces en el seno de la política galáctica para manejar los hilos a su antojo.

Aunque los fans de Star Wars ya tenían claro qué era un sith antes de la trilogía de las precuelas, la llegada del término a la gran pantalla cambió las cosas para siempre, aunque nunca se explicó por qué George Lucas decidió eliminarlo de la película original.

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