Las extensas calles, chatas bares y monumentos históricos ofrecen una amplia variedad de decorados para los productores. La diversidad cultural y arquitectónica de España hacen que sea un destino ideal para los realizadores de películas de Hollywood. Por eso, vamos a repasar algunos de los ejemplos más notorios que nos ha dado el séptimo arte.

Estas son las 5 veces que ciudades españolas que sirvieron de inspiración a Hollywood:

1. Barcelona
2. Segovia
3. Mérida
4. Tabernas
5. Soria

Barcelona en Ronin

La sorprendente arquitectura y los inquietantes callejones del Barrio Gótico de Barcelona sirvieron de inspiración a John Frankenheimer como el punto de partida de Ronin (1998), la película protagonizada por Robert De Niro, Jean Reno y Stellan Skarsgard. Todo un clásico noventero del cine de acción y el thriller criminal.

Segovia en Conan, el bárbaro

También en 1982 nos encontramos Segovia gracias a Conan, el bárbaro, la cinta dirigida por John Milius a partir de la obra de Robert E. Howard y protagonizada por Arnold Schwarzenegger. Un clásico del cine de acción, aventuras y fantasía que contó con la capital segoviana durante su rodaje. No fue la última vez que Segovia inspiró una película de Hollywood.

Mérida en Gladiator

Probablemente, estamos delante de una de las películas más importantes de los últimos veinticinco años. Gladiator (2000) de Ridley Scott y Russell Crowe marcó a toda una generación de espectadores, pero la inspiración de Máximo Décimo Meridio partió directamente de Mérida (Emérita Augusta). Ese es el motivo por el que a Máximo lo llama "Hispano" en la historia.

Tabernas en El bueno, el feo y el malo

El desierto de Tabernas ha sido uno de los grandes escenarios de la mitología western. Especialmente, del spaghetti italiano que coronó a Sergio Leone como uno de los mejores cineastas de su tiempo. Su trilogía del dólar, especialmente El bueno, el feo y el malo (1966), dejó una enorme impronta en la huella genética de este lugar.

Soria en Doctor Zhivago

Sorprendente, pero real. El director David Lean se fijó en Soria para adaptar al cine la obra de Boris Pasternak de la mano de Omar Sharif y Julie Christie. Los campos sorianos se transformaron en un paisaje ruso de la noche a la mañana gracias al buen hacer de los artistas cinematográficos y a la magia del séptimo arte.

Y tú, ¿conoces algún caso similar? ¡Déjanos un comentario con tu aportación!

Por ese motivo, en este artículo voy a repasar aquellos perros que han protagonizado películas con interpretaciones tan brillantes que rivalizan con las de algunos actores humanos. Antes de que nadie se ofenda: es una hipérbole divertida. Con eso no quiero menospreciar ninguna labor actoral ni a ninguna estrella de Hollywood.

Desde clásicos recientes hasta grandes franquicias, estas películas han contado con la presencia de perros que no solo han acompañado a sus coestrellas humanas, sino que también han llevado la trama a nuevas alturas con su actuación sorprendente.

Gracias a su expresividad canina, su inteligencia animal y sus habilidades entrenadas, estos perros han encarnado personajes memorables y han tocado los corazones de millones de espectadores en todo el mundo.

Estos son los mejores perros de película con interpretaciones fascinantes:

• Colmillo Blanco
• Beethoven
• Hachiko
• Frank

Colmillo Blanco (Alaskan Malamute)

Colmillo Blanco (1991) es una película que narra la historia de un lobo salvaje que se hace amigo de un joven que vive en la áspera Alaska. El protagonista busca la mina de oro de su difunto padre. Esta película es una adaptación de la novela del mismo nombre escrita por Jack London y lleva el sello característico de Disney.

Si atendemos a la historia de la película y a las imágenes, el perro-lobo que protagonizó Colmillo Blanco es seguramente una mezcla de la raza Alaskan Malamute, una raza de perro muy antigua, procedente de la región de Alaska y descendiente de los lobos negros de Yellowstone que emigraron de su entorno hacia el norte de América.

Beethoven (San Bernardo)

Beethoven: Uno más de la familia (1992) es una película que cuenta la historia de un cachorro de San Bernardo que es robado de una tienda de mascotas. El perro logra escapar y termina siendo adoptado por la familia Newton, a pesar de la resistencia inicial del padre de familia.

Aunque el travieso Beethoven, un espectacular ejemplar de la raza San Bernardo, causa algunos problemas al ensuciar la casa, también ayuda a resolver varios dilemas familiares, convirtiéndose así en un miembro querido de la familia.

Hachiko (Akita Inu)

La historia de Hachiko se desarrolla en Japón en los años 20. Hachiko era un Akita Inu que pertenecía a un profesor de la Universidad de Tokio llamado Eisaburo Ueno, quien vivía cerca de la estación de Shibuya. El perro desarrolló una fuerte devoción por su humano y lo esperaba todos los días en la estación cuando regresaba del trabajo.

Trágicamente, el profesor sufrió un infarto cerebral en una de sus clases y falleció. A pesar de la muerte de su dueño, Hachiko continuó acudiendo a la estación durante más de 10 años, esperando el regreso de su amado profesor. Esta conmovedora historia real ha sido adaptada en una película fabulosa donde el Akita Inu está sensacional.

Frank (Carlino)

En las películas de Men in Black, Frank es un personaje representado por un carlino que trabaja como informante para la organización secreta. Aunque en la ficción se llama Frank, en la vida real este carlino se llamaba Mushu.

Junto a los agentes interpretados por Will Smith y Tommy Lee Jones, Frank el carlino ayuda en la lucha contra los extraterrestres que habitan en la Tierra. Un personaje muy recordado por todos los amantes de esta franquicia cómica de ciencia ficción y fantasía.

Otros artículos interesantes:

• Estas son las películas de perros más emotivas de todos los tiempos, según un estudio
• ¿Eres más de perros? Pues este mod de Stray reemplaza al gato protagonista por un cachorro de carlino

Desde sus humildes comienzos como un estudiante de secundaria con poderes arácnidos hasta convertirse en un símbolo de esperanza y valentía, el viaje de Peter Parker como Spider-Man ha cautivado a generaciones de fans y ha dejado una marca indeleble en la cultura popular.

En este reportaje, voy a repasar la fascinante trayectoria del Trepamuros a través de las diferentes etapas y versiones que ha vivido Spider-Man como personaje de cómic. Desde su debut en Amazing Fantasy #15 en 1962, obra de Stan Lee y Steve Ditko, hasta las iteraciones más recientes que exploran nuevas facetas de su personalidad y su legado.

Desde luego, este superhéroe del Universo Marvel ha evolucionado a lo largo del tiempo para reflejar los valores y las preocupaciones de su época, y ha sabido adaptarse a todas las circunstancias y contextos que han requerido de él. A fin de cuentas, estamos delante de una de las mayores leyendas del mundo del cómic y la cultura popular de masas.

A lo largo de este recorrido, voy a explorar las distintas épocas de Spider-Man en los cómics de Marvel, desde sus años de juventud y aprendizaje hasta sus momentos más oscuros y desafiantes. Si estás preparado, agarra esta telaraña, súbete a mi espalda y prepárate para balancearte por la Gran Manzana. ¡Las mejores vistas de Nueva York están aquí!

El origen de Spider-Man: la creación de un mito

En 1962, Stan Lee ―escritor de Marvel Comics― se propuso crear un nuevo superhéroe inspirado por el éxito de Los 4 Fantásticos. Quería satisfacer el interés creciente del público adolescente por los cómics. Así es como nació Spider-Man, un personaje joven al que se le dio este nombre en lugar de Spider-Boy para transmitir la idea de su crecimiento y maduración con el tiempo.

Stan Lee quería un héroe que fuese muy humano, con errores y preocupaciones comunes, y no quería que su nombre sonara inferior a otros personajes con superpoderes, como Superman. Al principio, Martin Goodman ―editor de Marvel en ese momento― se mostró en desacuerdo con el personaje, pero finalmente accedió a incluirlo en el último ejemplar de la antología Amazing Adult Fantasy.

Aunque la serie concluyó, Spider-Man continuó apareciendo en las siguientes publicaciones mensuales de Marvel Comics. Fue entonces cuando Stan Lee contactó con Jack Kirby para desarrollar al superhéroe en profundidad, a pesar de que luego se decidió que Steve Ditko ilustrara el personaje, mientras Kirby se ocupaba de la portada.

La contribución de Steve Ditko en la creación de Spider-Man estuvo sujeta a discusión. Según Ditko, él concibió la vestimenta, el lanzatelarañas de la muñeca y el «sentido arácnido», mientras que Lee fue responsable del nombre. Otros como Eric Stanton y Blake Bell también afirmaron haber contribuido en cierta medida al desarrollo del personaje.

Con el paso de los años, se ha mencionado que existió una versión original de Spider-Man de Jack Kirby que fue rechazada por Stan Lee, quien posteriormente expresó su reconocimiento a Steve Ditko por su trabajo a la hora de desarrollar creativa y artísticamente al Hombre Araña.

A pesar de que Stan Lee se atribuyó el mérito de la idea original de Spider-Man, también reconoció la contribución de Ditko y admitió que merecía ser llamado co-creador del personaje. El diseño del traje creado por Ditko se consideró crucial para el éxito de Spider-Man, pues permitió que cualquier pudiera identificarse con el personaje desde el principio, sin distinción de raza, género o edad.

Los primeros años de Spider-Man: décadas de 1960 y 1970

En 1962, el debut de Spider-Man en un ejemplar de Amazing Fantasy sorprendió a Martin Goodman por su volumen de ventas, lo que llevó al lanzamiento de una serie individual llamada The Amazing Spider-Man en marzo de 1963.

Durante los primeros años de su distribución, se introdujeron varios antagonistas y personajes secundarios en las aventuras de Peter Parker, como J. Jonah Jameson, Buitre, Doctor Octopus y muchos villanos más que, a día de hoy, forman parte de la mitología de Spider-Man y son indispensables en su desarrollo e historia.

La serie original gozó de un gran éxito y Spider-Man se convirtió en un icono cultural para las masas, siendo considerado por muchos como un símbolo revolucionario y fácilmente identificable debido a sus luchas personales y sus problemas cotidianos.

En el tomo número 33 de 1966, una conmovedora secuencia marcó a todos los lectores por su impacto emocional, consolidándose como una de las más queridas en la historia del personaje. La escena en cuestión es en la que Spider-Man queda atrapado por una maquinaria pesada y, gracias al recuerdo de sus amigos y familiares, saca fuerzas de donde no tiene para escapar y sobrevivir.

A pesar de las disputas entre Stan Lee y Steve Ditko, la serie continuó su éxito. La colaboración entre ambos llegó a su fin en 1966, siendo sucedido Ditko por John Romita Sr. Sin embargo, en 1970, el Departamento de Salud, Educación y Bienestar solicitó a Marvel un mensaje antidrogas, lo que resultó en una historia en la que Harry Osborn se volvió adicto a las drogas.

Aunque la Comics Code Authority rechazó dar su aprobación, la serie fue un éxito, lo que llevó a una revisión de los criterios de evaluación de cómics. En la década de 1970, se produjeron varias series derivadas de Spider-Man, incluyendo Marvel Team-Up, Spidey Super Stories y Peter Parker, the Spectacular Spider-Man. Además, se llevó a cabo un crossover entre Marvel y DC Comics con Superman vs. The Amazing Spider-Man en 1976.

Spider-Man se hace mayor en las décadas de 1980 y 1990

Durante la primera mitad de los años 80, The Amazing Spider-Man experimentó cambios en su equipo creativo con la llegada de escritores e ilustradores como Dennis O'Neil, John Romita Jr., Roger Stern, Tom DeFalco y Ron Frenz.

Entre 1984 y 1988, Spider-Man adoptó un traje negro con una araña blanca en el pecho, derivado de un arco narrativo en la miniserie Secret Wars. Aunque inicialmente recibió críticas por ese cambio, Marvel Comics explicó después que este traje era un simbionte alienígena del que Spider-Man logró librarse, dando origen al villano Venom.

En 1985, se lanzó Web of Spider-Man como la tercera serie mensual del héroe, reemplazando a Marvel Team-Up. Durante esta década, también fuimos testigos de la propuesta de matrimonio de Peter Parker a Mary Jane Watson en The Amazing Spider-Man #290, y su boda se llevó a cabo en The Amazing Spider-Man Annual #21.

En 1990, Todd McFarlane comenzó a escribir y dibujar la colección arácnida. Una colección que se caracterizó por sus múltiples portadas alternativas y rompió récords de ventas. Esta época se recuerda como una etapa muy rompedora en la que el personaje dio un paso adelante hacia la senda de la oscuridad que ya antes habíamos vislumbrado en tebeos tan icónicos como La última cacería de Kraven.

En 1992, Spider-Man 2099 debutó como parte de la línea Marvel 2099, y en 1998 se creó Spider-Girl como parte de una narrativa alternativa. La serie Spider-Man: Chapter One (1998-99), a cargo de John Byrne, revisó los orígenes del héroe desde una nueva perspectiva. En 1999, Marvel reinició The Amazing Spider-Man como segundo volumen, aunque posteriormente reintrodujo la numeración original.

Además de estas series, los años 90 nos trajeron el lanzamiento de Spider-Man Unlimited, Untold Tales of Spider-Man, The Sensational Spider-Man y Webspinners: Tales of Spider-Man. En cuanto a la televisión, se estrenaron cuatro series de animación de Spider-Man: Las nuevas aventuras de Spider-Man, Spider-Man and His Amazing Friends, Spider-Man y Spider-Man Unlimited.

La era moderna de Spider-Man: desde el 2000 hasta la actualidad

Entre los años 2000 y 2007, se publicaron varios títulos alternativos de Spider-Man, incluyendo Ultimate Spider-Man, Spider-Man's Tangled Web, Marvel Knights Spider-Man, Los Nuevos Vengadores, Friendly Neighborhood Spider-Man y The Amazing Spider-Man Family.

Fue en esta época cuando se estrenó la trilogía cinematográfica dirigida por Sam Raimi y protagonizada por Tobey Maguire, comenzando con Spider-Man en 2002, seguida por Spider-Man 2 en 2004 y Spider-Man 3 en 2007. Por otro lado, en 2008, se lanzó la serie animada The Spectacular Spider-Man, que recibió el aplauso de los fans y de los críticos debido a su extraordinaria fidelidad a los cómics.

A partir de diciembre de 2007, Marvel suspendió las series derivadas de Spider-Man y aumentó la frecuencia de The Amazing Spider-Man a tres veces al mes. Este cambio se mantuvo durante dos años antes de reducirse a dos veces al mes en 2010. En 2011, se lanzó la serie Avenging Spider-Man y en diciembre de 2012, The Superior Spider-Man reemplazó temporalmente a The Amazing Spider-Man, con el Doctor Octopus asumiendo el papel de Spider-Man.

Por otro lado, el triunfo de Barack Obama en 2008 inspiró la creación de Miles Morales, un Spider-Man negro, en el universo Ultimate Marvel. Este personaje debutó en 2011 y recibió reacciones mixtas de los fanáticos. A día de hoy, no obstante, Miles Morales es uno de los personajes de Marvel más queridos por los fans. Lo que son las cosas…

Además, en 2010, se estrenó el musical de Broadway titulado Spider-Man: Turn Off the Dark, seguido por The Amazing Spider-Man en 2012, un reinicio cinematográfico protagonizado por Andrew Garfield. Tuvo una secuela brillante, pero no llegó a triunfar del todo entre el público de masas.

En el ámbito de los cómics, después de los eventos de Secret Wars en 2015, se lanzaron varios títulos nuevos de Spider-Man bajo la línea "All-New, All-Different Marvel", incluyendo The Amazing Spider-Man volumen 4 y 5.

La franquicia cinematográfica también continuó con la integración de Spider-Man en el Universo Cinematográfico de Marvel (UCM) y el estreno de la exitosa película de animación Spider-Man: Un nuevo universo en 2018 y su secuela en 2023. Otros productos incluyen la serie televisiva Spider-Man (2017) y el videojuego Spider-Man (2018) y sus dos continuaciones: Miles Morales y Spider-Man 2.

En definitiva, Spider-Man es uno de los personajes más importantes de la historia de Marvel y uno de los superhéroes más queridos del género. Su historia ha dado cientos de vaivenes, pero sigue aquí, entre nosotros. Y probablemente seguirá cuando ya no estemos. A fin de cuentas, ahora ya no es solo un personaje, también es un emblema, un icono, un símbolo y un legado de valores humanos y sociales.

Otros artículos interesantes:

• Los 10 mejores cómics de la década y que deberías leer
• Los 5 mejores cómics que he leído en toda mi vida

El Universo Yellowstone lo ha cambiado todo para siempre. No solo porque se ha convertido en una de las series de televisión más vistas de la historia de Estados Unidos, porque ha provocado un complejo debate en la sociedad estadounidense o porque ha elevado el precio medio del alquiler en Bozeman (Montana) hasta convertirla en Madrid.

La historia de John Dutton, su familia y ese rancho del tamaño de Rhode Island consolidó a Taylor Sheridan como uno de los cineastas y escritores más interesantes y prolíficos de Hollywood, y al mismo tiempo le permitió poner en marcha un universo wéstern con precuelas, spin-off y secuelas de las precuelas. ¡Y lo que queda por venir!

Sin embargo, mucha gente que desea unirse a la ‘yellowstoneta’ se pregunta siempre lo mismo: cómo ver las series de Yellowstone en orden para no perderse y disfrutar al máximo de la experiencia. Lo cierto es que la respuesta es bien fácil, en su orden de lanzamiento. El orden cronológico no te permite vivir esta experiencia en toda su plenitud.

No obstante, si quieres saber el orden cronológico de las series de Yellowstone, ese orden sería el siguiente:

• 1883
• Lawmen: Bass Reeves
• 1923
• Yellowstone

En los próximos años, tendremos dos secuelas de la serie principal: una continuación de Yellowstone y un spin-off del Four Sixes, el rancho más grande de Texas. Al mismo tiempo, tendremos series antológicas en una línea temporal próxima a 1883 y Lawmen: Bass Reeves; esto es, en la época más emblemática del Salvaje Oeste. El wéstern de siempre.

Por otro lado, si quieres ver las series de Yellowstone en el mejor orden, ese orden sería el siguiente:

1. Yellowstone
2. 1883
3. 1923
4. Lawmen: Bass Reeves

Yellowstone (5 temporadas)

No es la primera vez que alguien me lee decir sin tapujas que es una de las grandes series de mi vida, así que, ya que estoy en los últimos compases de mi etapa como colaborador de Hobby Consolas, lo diré una vez más: Yellowstone es una de las grandes series de mi vida, y hay muchos motivos para defender y justificar tal afirmación.

Por un lado, ha conseguido que el género wéstern se revitalice y modernice, adaptándose a cuestiones sociopolíticas vigentes y a temáticas actuales, sin olvidar ni por asomo de dónde viene, cuáles son los grandes temas de estas historias y por qué es el género más importante de la historia del audiovisual, emblema de la cultura estadounidense.

Taylor Sheridan ya dejó entrever que sabía lo que estaba haciendo con eso de «modernizar el wéstern» al escribir el libreto de Comanchería (2006), pero con el lanzamiento de Yellowstone dio un golpe sobre la mesa. Cogió el formato serial tradicional, esa ‘comfort tv’ que se ha perdido en la actualidad, y nos dio una telenovela en un rancho de Montana.

A través de la compleja y conflictiva historia familiar de los Dutton ―liderada por un majestuoso Kevin Costner que hace el papel de su vida¬―, Yellowstone nos habla sobre las tensiones entre el progreso y lo conservador, la polarización en Estados Unidos, el amor, la traición, la ambición, el poder y la lucha por una forma de vida que se está perdiendo.

Algunos han acusado a Taylor Sheridan de «romantizar la vida rural» y ser una especie de aparato mediático del pensamiento político del Partido Republicano y, por ende, de la maquinaria de Donald Trump. Allá ellos con sus análisis ideológicos. La realidad es que esta historia ha trascendido a toda una generación en Estados Unidos y más allá.

Una historia que no se ha quedado solo ahí. Como sabrá todo aquel que haya llegado a este post buscando el orden correcto de ver estas series, Yellowstone anticipó en su metraje que había mucho más sobre los Dutton, y que se podían contar historias de los antepasados de John, Kayce, Beth y compañía sin perder de vista el tono ni el género.

1883 (Miniserie)

Eso es precisamente lo que hizo 1883. A diferencia de Yellowstone, y como el propio título de la miniserie indica, 1883 tiene lugar a finales del siglo XIX, en plena época del Salvaje Oeste tradicional, ese mito fundacional de los Estados Unidos en el que los pioneros recorrían largas distancias desde el sur hasta el norte para encontrar un nuevo hogar.

Esa es la base narrativa de 1883: el mito fundacional de los Estados Unidos de América. Esta miniserie cuenta la historia de un grupo de aventureros, pobres diablos, forajidos, pistoleros, familias, inmigrantes y supervivientes de la guerra que huyen de la desgracia y el infortunio sureños con el propósito de rehacerse a sí mismos. El sueño americano.

Sin embargo, en esa travesía de dolor y tragedia, en esa diligencia que parece más un convoy de la muerte que un paseo por el Oeste, los personajes deben enfrentarse a su propio destino, y lo hacen con una narrativa profunda y compleja, poética, cercana a la literatura, bañada por una voz en off que te destruye el alma y te acongoja.

A la inversa que Yellowstone, que abusa del tradicionalismo televisivo ‘yankee’ y se aferra al formato telenovelesco para desarrollar su historia, 1883 se siente más como una serie moderna. Una serie que podría haber hecho Netflix, HBO o Prime Video, y no tanto un programa que puedes colocar en la televisión pública, como pasa con el original.

En ese sentido, 1883 puede ser un gran punto de partida para el denominado Universo Yellowstone, pero lo cierto es que puede resultar muy conflictivo saltar de una a otra por cuestiones de enfoque, y es mucho más placentero conocer a la familia Dutton del presente y adentrarse en su pasado más remoto, la fundación de su dinastía después.

1923 (2 temporadas)

Siguiendo en ese interés por el pasado de los Dutton y los orígenes de la leyenda del rancho de Montana, las dos temporadas de 1923 se quedan a medio camino entre 1883 y Yellowstone. Como deja entrever el título, tiene lugar en los primeros compases de los años 20, a un siglo de distancia de la serie original y 40 años después de la precuela.

En esta ocasión, en lugar de una telenovela ambientada como un wéstern moderno o una serie de televisión del Salvaje Oeste con tintes poéticos y realmente mitológica, 1923 es una serie de aventuras y aventureros, pero con la carga dramática y emocional que impregnan todas las historias escritas por el bueno de Taylor Sheridan.

Al igual que sucede con 1883, la miniserie de 1923 no tiene el mismo impacto si es la puerta de entrada del Universo Yellowstone o la antesala de la serie principal. Uno debe ver, en primer lugar, Yellowstone y después disfrutar el resto de las producciones. Es la única forma de sentir la experiencia de 180 grados que propone el clan familiar de los Dutton.

Lawmen: Bass Reeves (Miniserie)

En ese sentido, Lawmen: Bass Reeves se nos presenta como un unicornio dentro del Universo Yellowstone. A fin de cuentas, esta miniserie es una antología sobre el emblemático Bass Reeves, uno de los mayores iconos y símbolos del Salvaje Oeste, toda una leyenda de ese mito fundacional estadounidense del que he hablado antes.

Esta serie antológica está próxima a 1883 en términos de contexto histórico y en el concepto de «serie moderna» que he propuesto antes. Y, al no conectar directamente con la vida familiar de los Dutton, se intuye como un ‘rara avis’ que hace más las delicias de los amantes del wéstern que de los seguidores de estas series de televisión.

Desde luego, es «café para muy cafeteros», que se suele decir. Una experiencia gratificante y conmovedora, con una magnífica puesta en escena, diseños de producción y técnica audiovisual, que se aleja de los convencionalismos propios de un universo compartido para regalarnos el retrato de una época y de un hombre sublimados a mitología.

Otros artículos interesantes:

• Las mejores series de Taylor Sheridan, creador de Yellowstone y filón de SkyShowtime
• Los 10 westerns más importantes del siglo XXI

Como presidente de Marvel Studios, Kevin Feige ha desempeñado un papel fundamental en la creación y expansión del Universo Cinematográfico de Marvel (UCM), llevando a la gran pantalla algunas de las historias de superhéroes más emblemáticas y exitosas de todos los tiempos.

Pero ¿quién es este tipo? ¿Cuál es la historia de Kevin Feige y cómo fueron sus inicios  en la industria de Hollywood? ¿Siempre fue tan exitoso o también hubo sombras en el pasado de un hombre al que ahora mismo nadie se atreve a toser, del que nadie se atreve a dudar, dada su reputación?

En este artículo, trato de desentrañar el enigma de Kevin Feige, explorando quién es realmente el hombre detrás de la magia de Marvel Studios. Desde sus comienzos como asistente de producción hasta convertirse en una de las figuras más influyentes de Hollywood, este el ascenso del ejecutivo que puso en marcha la gran franquicia de nuestro tiempo.

Los primeros años de Kevin Feige en la industria de Hollywood

Kevin Feige, originario de Westfield, Nueva Jersey, completó su educación secundaria en la Westfield High School. La influencia de su abuelo, un destacado productor de televisión en los años 50, quizás sembró las primeras semillas de su interés en la industria del entretenimiento, trabajando en programas icónicos como "The Guiding Light" y "As the World Turns".

La pasión de Kevin Feige por el cine lo llevó a aspirar a una educación en la Escuela de Artes Cinematográficas de la Universidad del Sur de California, conocida por ser la alma mater de varios de sus directores favoritos, incluyendo a luminarias como George Lucas, Ron Howard y Robert Zemeckis. A pesar de enfrentarse a múltiples rechazos, su determinación no flaqueó y finalmente fue aceptado tras su sexta solicitud.

Antes de establecerse en la industria, Feige adquirió experiencia trabajando como asistente de Lauren Shuler Donner, una reconocida productora ejecutiva, en películas como Volcano y You've Got Mail, lo que le proporcionó una valiosa perspectiva y experiencia en el ámbito de la producción cinematográfica. Esta etapa formativa fue crucial para su desarrollo profesional.

El año 2000 marcó un punto de inflexión en su carrera cuando fue contratado por Marvel como productor. Este papel no solo le permitió moldear el futuro del Universo Cinematográfico de Marvel, sino que también lo estableció como una figura significativa en el cine contemporáneo, influenciando la dirección y la producción de una de las franquicias más exitosas y queridas en la historia del cine.

¿Cuándo empezó Kevin Feige a trabajar para Marvel?

En la génesis de la franquicia cinematográfica de X-Men, Kevin Feige demostró su vasto conocimiento del Universo Marvel, lo que le valió la posición de productor asociado de la mano de Lauren Shuler Donner.

Este reconocimiento fue solo el inicio, ya que Avi Arad, impresionado por su desempeño y comprensión del universo de superhéroes, lo incorporó como su segundo al mando en Marvel Studios en el mismo año.

La trayectoria de Kevin Feige tomó un vuelco significativo en marzo de 2007 cuando ascendió al puesto de presidente de producción de Marvel Studios, marcando una nueva era en la producción de películas de superhéroes.

Su influencia y estrategias innovadoras en la industria cinematográfica no pasaron desapercibidas, y el 22 de febrero de 2013, Kevin Feige fue honrado con el premio al Empresario Cinematográfico del Año por los Premios del Gremio de Publicistas ICG.

Henri Bollinger, presidente del comité de premios, destacó la habilidad del ejecutivo para utilizar la publicidad y promoción en el éxito de las películas, subrayando cómo su enfoque ha contribuido al éxito taquillero de las adaptaciones cinematográficas de los cómics de Marvel durante la última década.

En reconocimiento a su continua contribución y éxito en el cine, Feige fue seleccionado para recibir el prestigioso Premio David O. Selznick Achievement en la categoría Teatro Cinematográfico por el Sindicato de Productores de América en 2019.

Además, el 26 de septiembre de ese mismo año, se reveló que Kevin Feige había asumido un nuevo desafío: el desarrollo de una película de Star Wars para Lucasfilm, lo que indica su expansión y versatilidad dentro del ámbito cinematográfico. En estos momentos, se desconoce si ese proyecto sigue en activo, pero todo apunta que nunca verá la luz.

Sin embargo, la expansión de su influencia no se detuvo allí. En octubre de 2019, Kevin Feige amplió su liderazgo más allá de Marvel Studios al ser nombrado director creativo de Marvel Comics, Marvel Television y Marvel Animation.

Este movimiento significativo no solo consolidó su posición en Marvel Studios sino que también le otorgó una influencia sin precedentes sobre la dirección creativa del vasto universo Marvel en su conjunto.

Los peores trabajos de Kevin Feige en Marvel

Kevin Feige, el cerebro detrás del Universo Cinematográfico de Marvel, ha sido fundamental en la redefinición del cine de superhéroes. Bajo su dirección, el estudio ha producido una impresionante serie de éxitos taquilleros, aclamados por la crítica debido a su amplísima narrativa, el desarrollo de sus personajes y sus tramas interconectadas.

Sin embargo, no todos los proyectos orquestados por Kevin Feige han tenido éxito. Hay algunos momentos menos celebrados en su trayectoria. Una serie de producciones que no alcanzaron los altos estándares establecidos por el Universo Cinematográfico Marvel. Veamos cuáles son esos ejemplos:

• Daredevil (2003)
• Hulk (2003)
• The Punisher (2004)
• Elektra (2005)
• Punisher: War Zone (2008)

En todos esos casos, Kevin Feige era coproductor o productor ejecutivo. Fue la época antes del inicio del Universo Cinematográfico de Marvel, pero permanecerán en su historial durante toda su vida.

Los puntos en común entre estas producciones menos exitosas de Marvel incluyen villanos poco desarrollados, narrativas inconexas y mal enfoque como adaptaciones de los superhéroes. Definitivamente, fueron malas películas para la gran mayoría de espectadores.

Estos problemas fueron resueltos después cuando Kevin Feige puso en marcha el Universo Cinematográfico de Marvel. A fin de cuentas, tanto, Feige como su equipo trabajaron para equilibrar la calidad de las películas individuales con las exigencias de un universo cinematográfico interconectado.

Las respuestas posteriores de Kevin Feige a estos fracasos incluyeron cambios en la dirección creativa, cambios en el personal y un enfoque renovado en la narración de historias basadas en personajes de Marvel Studios. Todo ello contribuyó al auténtico éxito del UCM.

Otros artículos interesantes:

• Marvel le cambia el nombre a Lobezno por uno muy gracioso
• Kevin Feige delimita el canon del UCM, pero anticipa cambios en el futuro

Comprar manga en el corazón de Japón es una experiencia única. Hace unos meses, tuve la fortuna de viajar al país nipón y recorrerlo de cabo a rabo. Pensaba, por mi bendita ignorancia, que comprar cómics sería como en España. Lo que no estaba preparado era para encontrarme lo que me encontré, para descubrir la inmersión en una especie de microverso cultural.

Al adentrarse en las calles de Akihabara, el barrio electrónico de Tokio, el turista es recibido por un espectáculo de luces, colores y sonidos que preludian la aventura que está a punto de comenzar. Las tiendas de manga, con sus fachadas llamativas y estanterías abarrotadas, son templos dedicados a ficción.

Aquí, el manga no es solo un producto, sino un portal a innumerables mundos de fantasía, romance, horror y aventura. La compra de manga en Japón es para el turista una experiencia que desafía la simple transacción comercial. Más bien, es una travesía por la que perderse a través de laberintos de estanterías, cada una dedicada a un género específico, enfrentándose a la abrumadora cantidad de opciones disponibles.

Pero, ¿cómo es realmente una tienda de manga en Japón? ¿Es complicado para un turista comprar manga en este paraíso otaku? Y, por otro lado, ¿qué papel juega la representación de la mujer en estas historias que llenan las estanterías de las tiendas japonesas? Coge este billete que te ofrezco y viaja conmigo de vuelta al corazón del manga en el País del Sol Naciente.

¿Cómo son las tiendas de manga en Japón?

Entrar en una tienda de manga en Japón es como cruzar un portal interdimensional. Estos establecimientos, que van desde pequeñas boutiques hasta imponentes edificios de varios pisos, son mucho más que simples librerías. También son espacios culturales, centros de encuentro para aficionados y curiosos, y vitrinas de la ingente creatividad que caracteriza al manga japonés.

En Tokio —y más especialmente en el barrio de Akihabara—, las tiendas de manga resultan ser laberintos repletos de estanterías que llegan hasta el techo, cada una abarrotada de volúmenes que prometen aventuras inigualables. En serio, no te puedes hacer una idea de la cantidad de series que uno puede encontrarse en cada librería. Abruma. Marea. Te deja roto.

Cada piso de estas megatiendas de manga en Tokio está meticulosamente organizado por géneros y subgéneros: shonen para jóvenes, shojo para chicas, seinen y josei para audiencias adultas, además de categorías específicas como mecha, fantasía, deportes, romance, horror, y mucho más.

Esta clasificación, aunque puede parecer útil, también lograr resultar abrumadora para el visitante primerizo. Las portadas, repletas de colores vibrantes y personajes expresivos, compiten por la atención, cada una prometiendo una historia única e inmersiva. A fin de cuentas, nosotros estamos acostumbrados a ver muchas series de manga al mismo tiempo… pero no tantas.

Además de los mangas tradicionales, muchas tiendas ofrecen una amplia gama de productos relacionados, desde figuras de acción y pósteres hasta ropa y artículos de papelería temáticos. 

Estos artículos complementarios no solo enriquecen la experiencia de compra, sino que también permiten a los fans llevarse una parte de sus historias favoritas a casa, más allá de las páginas impresas. Hay tiendas directamente dedicadas solo al merchandising.

Para el turista, estas tiendas ofrecen una ventana única al corazón de la cultura pop japonesa. Aunque la barrera del idioma es un desafío, muchos empleados de tiendas en áreas turísticas hablan inglés y están dispuestos a ayudar a los visitantes a encontrar lo que buscan. Eso sí, no esperes entender nada de lo que hay dentro de los mangas. A no ser que sepas japonés, claro.

¿Es difícil comprar manga en Japón siendo turista?

La experiencia de comprar manga en Japón, especialmente para los turistas, puede variar significativamente de una persona a otra, influída por factores como el dominio del idioma, el conocimiento previo del manga y la familiaridad con la cultura japonesa.

Aunque la tarea puede parecer desalentadora al principio, con las estrategias adecuadas y una mente abierta, adquirir manga en Japón puede convertirse en una de las experiencias más divertidas del viaje.

La primera barrera contra la que solemos dar los turistas en Japón es, sin lugar a dudas, el idioma. La práctica totalidad de los mangas en Japón están escritos en japonés, un detalle que puede intimidar a aquellos que no hablan el idioma. Sin embargo, esto no debería disuadir a los visitantes interesados en la cultura manga. A fin de cuentas, lo puedes adquirir como si fuese un suvenir.

Por otro lado, algunas tiendas de manga grandes en áreas turísticas tienen pequeñas secciones dedicadas a versiones en inglés, aunque la variedad es muy limitada. Sea como sea, el arte visual del manga en sí mismo se puede gozar más allá de la barrera del idioma. Tan solo debes apreciar el estilo y la narrativa visual, a pesar de no entender ni papa de lo que dice el texto.

Aparte del idioma, la inmensidad y variedad de las tiendas de manga pueden ser abrumadoras. De verdad, es una auténtica locura el tamaño de algunos de estos establecimientos. Algunas tiendas alcanzan los ocho pisos de altura y, para comprobar todo el material, deberás ir subiendo uno a uno, puesto que cada planta está especializada en un área concreta.

Sin embargo, también puedes tomártelo como parte de la diversión. Los turistas se pueden sumergir en esta experiencia, dejándose llevar por la curiosidad y la fascinación del entorno. Navegar por las estanterías sin un plan definido puede llevar a descubrimientos inesperados y joyas ocultas.

Recomendación personal: para aquellos que buscan títulos específicos o autores, hacer una lista con anticipación y pedir ayuda al personal de la tienda puede ahorrar tiempo y mejorar la experiencia de compra. Tampoco necesitas saber mucho inglés. Enseña una imagen en el móvil con la portada del volumen que estás buscando. De nada.

Otro aspecto a considerar es la etiqueta en las tiendas. En Japón, es importante manejar los libros y otros artículos con cuidado y respeto. Es recomendable observar cómo otros clientes se comportan y seguir su ejemplo. Por ejemplo, en algunas tiendas, es habitual colocar un manga que se ha examinado pero no se va a comprar en carros o áreas designadas para ello.

En cuanto a los «konbini» —tiendas de conveniencia— que están abiertos 24 horas, siete días por semanas, estos establecimientos representan otra opción para los turistas que buscan adquirir manga de manera más sencilla y no quieren dedicar demasiado tiempo a escudriñar tiendas gigantescas ni a perderse por el barrio electrónico de Akihabara.

Sí, también se vende manga en el supermercado del barrio, aunque no te lo creas. Ahora bien, la selección es bastante limitada y se centra exclusivamente en las series más populares y actuales, como One Piece, Spy x Family o Jujutsu Kaisen, por nombrar algunos ejemplos.

Desde luego, los «konbini» son una alternativa accesible y menos intimidante para los turistas que desean comprar un manga sin perderse en las grandes tiendas especializadas. Un recuerdo es un recuerdo, y cada viajero tiene que satisfacer sus necesidades y dar rienda suelta a sus inquietudes. Viajar no es ir con una guía en la mano, es adaptarse al entorno y descubrir un nuevo mundo.

Otros artículos interesantes:

• El nuevo manga de la Shonen Jump es tan exitoso que ya rompe récords
• Netflix anuncia The One Piece, un remake del anime basado en el manga de Eiichirō Oda

Desde la visión apocalíptica de una Nueva York postapocalíptica hasta la opresiva sociedad totalitaria de 1984, estas películas distópicas se han convertido en referentes culturales de la ciencia ficción que continúan dejando su huella indeleble en la conciencia colectiva y en la cultura popular, llegando incólumes hasta nuestros días.

En este viaje al pasado, exploraremos las distopías más importantes de los años 80, desde la icónica 1997: Rescate en Nueva York hasta la inquietante adaptación de la novela de George Orwell. Toca sumergirse en mundos distópicos llenos de peligro, opresión y supervivencia, películas que reflejaron la percepción social sobre el futuro en aquella época de cambio.

Aquí van las mejores distopías de los años 80 que nos dio el cine, y que siguen teniendo una importan mayúscula para la industria audiovisual:

• 1997: Rescate en Nueva York
• Brazil
• Están vivos
• Videodrome
• Akira
• 1984

1997: Rescate en Nueva York (1981)

Dirigida y escrita por John Carpenter, y protagonizada por Kurt Russell, Lee Van Cleef, Ernest Borgnine y Donald Pleasence, entre muchos otros, 1997: Rescate en Nueva York es una de las mejores distopías de los años 80. Una de esas películas de ciencia ficción que imaginan un futuro postapocalíptico y que, con el paso de los años, se convirtió en película de culto.

En la ficción, estamos en el año 1997. Un grupo radical secuestra el avión del presidente de los Estados Unidos, pero este logra sobrevivir y se encuentra solo en las calles de una Nueva York convertida en una enorme prisión de alta seguridad.

Ante la imposibilidad de llevar a cabo una operación convencional por temor a poner en peligro la vida del presidente, se decide enviar a un agente secreto para rescatarlo. El elegido es "Serpiente" Plissken, un conocido convicto al que todos creían muerto. En definitiva, una deliciosa película de acción con tintes distópicos cifi. Muy recomendable.

Brazil (1985)

Escrita y dirigida por el gran Terry Gilliam, y protagonizada por Jonathan Pryce, Kim Greist, Michael Palin y Katherine Helmond, entre muchos otros, Brazil es una de las distopías más importantes de la década de los 80. Una sátira neo-noir que combina a la perfección el atractivo de la narrativa distópica con la magia de la estética cyberpunk.

Estamos en un extraño y deprimente universo futurista. Las máquinas dominan el mundo, pero una mosca cae dentro de un ordenador y cambia el apellido del guerrillero Harry Tuttle por el del tranquilo padre de familia Harry Buttle. Este último es detenido y asesinado por el aparato represor del Estado.

Sam Lowry, un tranquilo burócrata, se ve obligado a devolver un cheque a la familia de la víctima. Durante el proceso, conoce a Jill Layton, quien se convierte inmediatamente en la mujer de sus sueños. Mientras persigue a Jill, Lowry hace amistad con Harry Tuttle y se convierte en su cómplice. Un clásico de los años 80 y del cine de ciencia ficción. Imperdible.

Están vivos (1988)

Dirigida y escrita por John Carpenter, y protagonizada por Roddy Piper, Keith David, Meg Foster y John Lawrence, entre muchos otros, Están vivos es una de las películas distópicos esenciales de los años 80. Una cinta de acción, fantasía, terror y ciencia ficción que sirve, al mismo tiempo, como sátira y comedia involuntaria de extraterrestres.

Están vivos narra la historia de un trabajador que encuentra accidentalmente unas gafas especiales. Lo curioso es que estas gafas le permiten ver a las personas tal y como son en realidad. Por ello, gracias a las gafas, descubre que importantes figuras de la vida sociopolítica de su país y del resto del mundo son en realidad extraterrestres.

Debido a esto, el protagonista decide emprender una cruzada para exponer la verdad y, al mismo tiempo, descubre cómo estos alienígenas han estado sembrando el mundo con mensajes subliminales para convertir a los humanos en una especie de esclavos. Otro de esos clásicos de 1980 que debes ver como mínimo una vez en la vida para saber por qué tiene tantos seguidores.

Videodrome (1983)

Dirigida y escrita por David Cronenberg, y protagonizada por James Woods, Deborah Harry, Sonja Smits y Peter Dvorsky, entre muchos otros, Videodrome es una de las películas distópicas más importantes que se filmaron durante la década de 1980. Una cinta de ciencia ficción y fantasía que, al mismo tiempo, bascula hacia el terror puro e incluso se atreve con el gore.

Videodrome cuenta la historia de Max Renn, ejecutivo de un canal de televisión por cable que descubre una emisora pirata llamada como la película. Esta emisora transmite contenidos extremadamente violentos y perturbadores. Sin embargo, tiene algo… Algo indescriptible que nuestro protagonista no es capaz de quitarse de la cabeza.

Con el tiempo, Max Renn se verá absorbido por esta emisión, que parece tener el poder de controlar y distorsionar la realidad humana. La película es una inquietante y surrealista exploración de los efectos de los medios de comunicación en la sociedad, e incluso Andy Warhol llegó a considerarla como como “la naranja mecánica de los años 80”.

Akira (1988)

Dirigida y escrita por Katsuhiro Otomo a partir de su propio manga, uno de los más importantes de todos los tiempos, Akira es una de las mejores películas anime de la historia y una de esas distopías que han trascendido las fronteras de su propio género para instalarse como la cúspide de un género, ya sea el distópico o la escisión al cyberpunk a la que también pertenece.

Es el año 2019 y estamos en Neo-Tokyo. La ciudad está construida sobre las ruinas de la antigua capital japonesa tras la Tercera Guerra Mundial. El país está al borde del colapso. En secreto, un equipo de científicos militares reanuda un experimento para encontrar individuos capaces de controlar “la energía absoluta”, el arma definitiva.

Mientras tanto, Kaneda, un joven pandillero líder de una banda de motoristas, se preocupa por su mejor amigo, Tetsuo, quien sufre un extraño accidente y termina en manos de los científicos. Descubren que Tetsuo es el poseedor de esta energía, pero él se niega a ser un sujeto de prueba y se convierte en una amenaza descomunal para el mundo y para toda la humanidad.

1984 (1984)

Dirigida y escrita por Michael Radford a partir de la obra maestra de George Orwell, y protagonizada por John Hurt, Richard Burton, Suzanna Hamilton y Cyril Cusack, entre muchos otros, 1984 no solo es una de las distopías más importantes de la década, sino una de las mejores adaptaciones de novelas que se han hecho en toda la historia del cine.

Estamos en el futuro. En la distópica Oceanía Totalitaria, Winston Smith soporta una vida miserable bajo la vigilancia constante de las autoridades. Su existencia se convierte en una pesadilla cuando se enamora y comete el delito de pensar libremente.

Enviado al siniestro "Ministerio del Amor", se enfrenta a O'Brien, un cruel oficial decidido a destruir su libertad de pensamiento y quebrantar su voluntad. 

Como ya sucede con el libro de George Orwell, la película de 1984 es un fascinante a la par que perturbador retrato de los peligros del totalitarismo y la pérdida de la libertad.

Estas son algunas de las mejores películas distópicas de los años 80. ¿Recuerdas alguna más que deba estar en la lista? Si es así, no dudes en recomendarla en los comentarios para que el listado sea lo más completo posible y así los lectores puedan disfrutar de grandes filmes de la ciencia ficción más política y reflexiva.

Otros artículos interesantes:

• El éxito comercial de Cyberpunk 2077: Phantom Liberty es equiparable al de las expansiones de The Witcher 3, según CD Projekt

Fue toda una generación en sí misma, definiendo el humor, la moda y las relaciones de una era, y transformando el género de las ‘sitcom’ para siempre. Más allá de las risas y los icónicos momentos, Friends supuso un refugio, una sensación de pertenencia para millones de personas de todo el mundo.

A más de dos décadas de su conclusión, el legado de la serie pervive en muchos de nosotros. Desde luego, impulsó las carreras de sus estrellas, que se aventuraron más allá del cómodo sofá del Central Perk. Quizás no todos brillaron con la misma luz, pero siempre estarán en nuestro recuerdo.

En este reportaje, me adentro en las vidas de Jennifer Aniston, Courteney Cox, Lisa Kudrow, Matt LeBlanc, Matthew Perry y David Schwimmer, y exploro cómo han evolucionado sus carreras y vidas después de Friends, sin olvidar en ningún momento la trágica y reciente pérdida de Perry, que nos ha dejado a todos los amantes de la serie un vacío irrecuperable.

La vida de Jennifer Aniston más allá de Friends

Tras el final de Friends, Jennifer Aniston no tardó en establecerse como una reina de la comedia romántica. Con películas como Marley & Me y The Break-Up, demostró su habilidad para atraer al público más allá de la televisión.

Pero Jennifer Aniston, siempre desafiante, no se contentó con quedarse en un solo género. Su papel en Cake y su retorno a la televisión con The Morning Show revelaron una profundidad y versatilidad que muchos no esperaban.

Jennifer Aniston no solo se consolidó como actriz, sino que también salió a la palestra como una productora perspicaz, con un ojo para historias complejas y humanas. Ha hecho sus papeles en el cine, pero siempre será recordada como Rachel Green.

La carrera de Courteney Cox después de Monica Geller

Courteney Cox, conocida mundialmente como la meticulosa Monica Geller, tomó un camino ligeramente diferente. Su papel principal en Cougar Town le permitió explorar una nueva faceta cómica, ganando aclamación y un nuevo grupo de seguidores.

Sin embargo, la actriz de Friends también ha liderado una de las franquicias de terror slasher más emblemáticas de la historia del cine. Me estoy refiriendo a Scream, en la que ha dado vida a Gale Weathers en hasta seis ocasiones diferentes. ¡Como para no ser recordada entre el público de masas! Desde luego, Courteney Cox ha tenido una de las mejores carreras del reparto de la serie.

La trayectoria Lisa Kudrow tras el éxito de la serie

Lisa Kudrow, la inolvidable Phoebe Buffay, trató de utilizar su singular talento para forjar su propio camino único en Hollywood. Sin embargo, no tuvo precisamente fortuna. Ha aparecido en filmes tan reconocidos como Dr. Dolittle 2, Neighbors, Wonderland o La chica del tren, por mencionar algunos ejemplos.

También se ha dejado ver por series como Web Therapy, Cougar Town o The Good Place, y ha puesto su voz en series de animación tan aclamadas como BoJack Horseman, Los Simpson y Hércules. No obstante, no ha brillado demasiado y su luz se ha ido apagando considerablemente lejos de Friends y de su carismático papel como Phoebe Buffay.

La vida de Matt LeBlanc más allá de Friends

Matt LeBlanc, tras despedirse de Joey Tribbiani, se enfrentó al gran desafío de salir del encasillamiento que él mismo había abrazado al término de Friends. A fin de cuentas, lideró durante 46 episodios un spin-off protagonizado por su personaje de la sitcom, Joey. Una serie que no tuvo el apoyo de la original.

Sin embargo, con Episodes y Man with a Plan demostró que hay vida después de Friends. En concreto, Episodes le permitió parodiar su propia imagen pública, una jugada que le valió los elogios de la crítica y el reconocimiento de los premios. 

Gracias a estas experiencias, el actor demostró una gama de habilidades que van más allá de la comedia física y el encanto juvenil de Joey Tribbiani.

La carrera de Matthew Perry después de Chandler Bing

Matthew Perry tuvo un camino mucho más tortuoso que sus compañeros después del final de Friends. Para empezar, tuvo que enfrentarse a serios problemas personales y de salud relacionados con su adicción al alcohol.

No obstante, a pesar de todo ello, Matthew Perry trabajó incansablemente para salir adelante y sobresalió en proyectos como The Good Wife, Go On y The Odd Couple, entre otras series de televisión. 

Su honestidad respecto a sus luchas personales, su adicción al alcohol y su trabajo en la escritura y la actuación demostraron al público su resiliencia y su compromiso con el arte. Desde aquí, seguimos echándolo mucho de menos. Su legado como Chandler Bing seguirá siempre con nosotros.

La trayectoria de David Schwimmer tras el éxito de la serie

David Schwimmer, quien dio vida al excéntrico y polifacético Ross Geller, ha mantenido un perfil relativamente bajo comparado con sus coestrellas. Eso sí, lo ha tocado absolutamente todo, desde cine hasta televisión, pasando por el teatro. Su papel en Band of Brothers es el más recordado fuera de Friends.

Sea como sea, su trabajo en teatro y su dirección de películas como Run, Fatboy, Run demuestran su dedicación al arte dramático. Su papel en American Crime Story dando vida a Robert Kardashian reveló a la audiencia una nueva profundidad en su habilidad actoral, y le premió con reconocimiento de la crítica y el público, alejándolo por un momento de su rol como Ross Geller.

Otros artículos interesantes:

• Qué pasó con Maggie Wheeler, la actriz que se relacionó a Monica Geller en Friends y acabó siendo Janice
• Encuentra unos guiones de Friends en la basura y los vende por un dineral

A través de este artículo, voy a explorar las películas de fantasía más importantes del siglo XXI, destacando tanto su impacto en la industria del cine como su influencia en el imaginario colectivo. Desde grandes franquicias hasta películas de animación, todos estos filmes han marcado un antes y un después en el género, y han dejado su huella en el público.

Estas diez películas de fantasía no solo son obras maestras del género en el cine, sino también testamentos del poder del séptimo arte para transportarnos a lugares más allá de nuestra imaginación. Aquí van los filmes de fantasía más importantes del siglo XXI:

• Los niños lobo
• Inside Out
• El castillo ambulante
• Toy Story 3
• Big Fish
• Shrek
• Coco
• Your Name
• El viaje de Chihiro
• El Señor de los Anillos

10) Los niños lobo (2012)

Dirigida y escrita por Mamoru Hosoda, Los niños lobo es una de las mejores películas de fantasía estrenadas en este siglo. Una magnífica cinta de animación que no solo abarca lo fantástico, sino que se sumerge también en el drama familiar, conceptos relacionados con la infancia y, sobre todo, una lectura tierna y fascinante sobre el poder de la naturaleza.

Esta historia narra la vida de Hana, quien se enamora de un Hombre Lobo cuando era adolescente. A pesar de la extrañeza de esta situación, ambos son inmensamente felices y tienen dos hijos, Yuki y Ame, quienes también nacen con la capacidad de convertirse en lobos. 

Tras la muerte repentina de su compañero, Hana decide mudarse al campo para criar a sus hijos en un entorno tranquilo, donde puedan ocultar sus facultades extraordinarias. A medida que Yuki y Ame crecen, enfrentan la difícil decisión de elegir entre vivir como humanos o lobos. La cinta explora temas de identidad, aceptación y la lucha entre lo humano y lo salvaje.

9) Inside Out (2015)

Dirigida y escrita por Pete Docter y Ronaldo del Carmen a partir de su propia historia, y con las voces de Amy Poehler, Phyllis Smith, Lewis Black y Bill Hader, entre otros, Inside Out es una de las películas de fantasía más importantes de este siglo. Una sorprendente película de animación con profundas raíces de exploración psicológica y emocional.

La historia sigue a Riley, una chica que experimenta una variedad de emociones en su vida. Aunque la emoción dominante en su vida ha sido la Alegría, también se ve influenciada por otras emociones. Sin embargo, Riley no comprende completamente por qué la Tristeza es necesaria en su vida.

A medida que la trama avanza, una serie de eventos conducen a un cambio en la dinámica emocional de Riley, especialmente entre la Alegría y la Tristeza. La franquicia de Disney Pixar avanza ahora hacia el estreno de una segunda entrega, con la llegada de la adolescencia —y todo lo que conlleva— a la vida del personaje protagonista.

8) El castillo ambulante (2004)

Dirigida y escrita por Hayao Miyazaki a partir de la novela de Diana Wynne Jones, El castillo ambulante no es solo una de las mejores películas de fantasía del siglo XXI, sino también una de las mejores cintas que ha producido Studio Ghibli en toda su historia, aunque suele pasar desapercibida en la lista de favoritas de los espectadores con este estudio japonés.

La historia sigue a Sophie, una joven que sufre una maldición que la transforma en una anciana. Decidida a encontrar una solución, busca la ayuda del mago Howl, quien reside en un misterioso castillo ambulante.

Sin embargo, a medida que Sophie y Howl entran en contacto, descubren que ambos necesitan ayuda. Juntos, se embarcan en una aventura para desentrañar los secretos de sus destinos entrelazados y encontrar una manera de romper las maldiciones que los aquejan.

7) Toy Story 3 (2010)

Dirigida por Lee Unkrich, escrita por Michael Arndt y con las voces de Tom Hanks, Tim Allen y Joan Cusack, entre muchas otras grandes estrellas, Toy Story 3 fue el final de la trilogía de la gran franquicia de Disney Pixar y nos arrebató el corazón a todos aquellos que nacimos en los años 90 y crecimos con Woody, Buzz Lightyear y el resto de juguetes de la saga.

En Toy Story 3, cuando Andy se prepara para ir a la universidad, sus juguetes favoritos se enfrentan a un futuro incierto. Terminan en una guardería, donde conocen a otros juguetes abandonados. En esta nueva etapa, viven emocionantes y divertidas aventuras mientras intentan adaptarse a su nuevo entorno y descubrir qué les depara el destino.

Sin lugar a dudas, todavía puedo ver a los juguetes yendo directos al fuego. Todavía soy capaz de sentir el miedo, el dolor, la tristeza… Quizás, conscientemente, no estaba viendo arder a los juguetes con los que había crecido. Lo que estaba viendo arder era mi infancia, el hecho de que jamás volvería a ser pequeño, que estaba a punto de entrar en la vida adulta.

6) Big Fish (2003)

Dirigida por Tim Burton, escrita por John August a partir de la novela de Daniel Wallace y protagonizada por Ewan McGregor, Albert Finney y Billy Crudup, entre muchos otros actores del reparto, Big Fish es una de las películas de fantasía más importantes del siglo XXI. Una cinta cercana al realismo mágico donde el drama familiar es el corazón de la historia.

En Big Fish, William Bloom regresa a casa al enterarse de que su padre, con quien tiene una relación complicada, está enfermo terminal. Durante su estancia, su padre cuenta una serie de historias fantásticas sobre su juventud.

William, decidido a comprender mejor a su padre, se embarca en un viaje para separar la verdad de la ficción en estas narrativas, buscando así conocer más profundamente al hombre detrás de las historias.

5) Shrek (2001)

Dirigida por Andrew Adamson y Vicky Jenson a partir del libro de William Steig, y con las voces de grandes estrellas como Mike Myers, Eddie Murphy, Cameron Díaz y John Lithgow, Shrek es una de las mejores películas de fantasía de todos los tiempos. Una película de animación que marcó un precedente histórico en la cultura popular de masas, e inició una gran franquicia.

En Shrek, un ogro solitario llamado Shrek ve su tranquilidad interrumpida cuando su pantano es invadido por una serie de personajes de cuento de hadas. Para recuperar su hogar, Shrek hace un trato con el malvado Lord Farquaad: rescatar a la princesa Fiona, encerrada en una torre, para que pueda casarse con él y así Farquaad pueda convertirse en rey.

En su viaje, Shrek es acompañado por un burro parlante, quien se convierte en su compañero de aventuras. A medida que avanzan, Shrek y Fiona comienzan a desarrollar una conexión inesperada, lo que complica los planes de Farquaad y lleva a una serie de eventos cómicos y conmovedores. Una subversión de las historias de princesas con humor, pero mucho corazón.

4) Coco (2017)

Dirigida y escrita por Lee Unkrich y Adrián Molina a partir de su propia historia original, y con las voces de Anthony González, Gael García Bernal y Benjamin Bratt, entre muchos otros, Coco es una de las películas de fantasía más importantes del siglo XXI y una de las mejores películas de animación de la historia de Disney Pixar. Y eso son palabras mayores, la verdad.

Miguel es un joven con un gran sueño: convertirse en una leyenda de la música, a pesar de la firme prohibición de su familia. Su mayor inspiración es Ernesto de la Cruz, el músico más famoso de México. La pasión de Miguel por la música lo lleva a emprender un viaje único cuando, accidentalmente, termina en la "Tierra de los Muertos" en el Día de los Muertos.

Allí, descubre su verdadero legado familiar y se embarca en una búsqueda para desentrañar los secretos de su linaje. A lo largo de su viaje, Miguel aprende importantes lecciones sobre el amor, la familia y la importancia de seguir sus sueños, todo mientras se encuentra con una variedad de personajes entrañables y descubre la riqueza cultural de su país.

Todavía soy incapaz de escuchar los acordes de «Recuérdame» sin evitar llorar. Ahora que mi abuela, la persona más importante de mi vida, ha abandonado nuestro mundo para adentrarse en lo desconocido se me hace aún más difícil. Al menos, me queda su recuerdo. 

3) Your Name (2016)

Dirigida y escrita por Makoto Shinkai, Your Name es una de las mejores películas de fantasía del siglo XXI y una de las mejores películas de animación de la Historia del Cine. Un anime japonés que rompió la taquilla en su país, pero que trascendió las fronteras niponas para adentrarse en Occidente y marcar un antes y un después en el público.

Narra la historia de Taki y Mitsuha, dos jóvenes que descubren un fenómeno extraño: durante el sueño, intercambian sus cuerpos y viven la vida del otro. A través de esta experiencia inusual, comienzan a comunicarse dejándose notas y mensajes para mantenerse al tanto de lo que ocurre en la vida del otro.

A medida que superan los desafíos y las complicaciones de esta situación única, su relación se profundiza y se vuelve cada vez más romántica. A lo largo de la historia, Taki y Mitsuha luchan por entender el origen de este intercambio de cuerpos mientras exploran temas de identidad, conexión y destino, así como la auténtica naturaleza del país japonés.

2) El viaje de Chihiro (2001)

Dirigida y escrita por Hayao Miyazaki, El viaje de Chihiro no es solo una de las películas de fantasía más fascinantes de este siglo, sino también una de las mejores películas de animación de todos los tiempos. Diría «la mejor» si no fuera por la existencia de La princesa Mononoke (1997), otro de esos filmes arrebatadores perpetrados por Studio Ghibli.

Sigue la historia de Chihiro, una niña de diez años que se embarca en un viaje con sus padres en coche. Después de pasar por un túnel, llegan a un mundo mágico habitado por dioses de primera y segunda clase, donde los humanos no son bienvenidos.

Cuando descubre que sus padres han sido transformados en cerdos por haber comido en exceso, Chihiro se siente sola y asustada. A partir de este momento, inicia una aventura para encontrar una manera de salvar a sus padres y regresar al mundo humano.

En su viaje, Chihiro encuentra amigos y enemigos, enfrenta desafíos y descubre la importancia del coraje y la determinación. Y también nos descubre a nosotros, los espectadores, un mundo de ensueño y fantasía nunca antes visto —ni siquiera imaginado— en la historia del séptimo arte.

1) El Señor de los Anillos (2001-2003)

Dirigidas por Peter Jackson a partir de las novelas de J.R.R. Tolkien y protagonizadas por Elijah Wood, Ian McKellen, Viggo Mortensen, Sean Astin, Cate Blanchett y Sean Bean, entre muchísimas otras grandes estrellas del cine, las películas de El Señor de los Anillos son el mayor diamante de la fantasía en este siglo, pero también en toda la Historia.

Lo que hizo Peter Jackson con esta trilogía también roza lo fantasioso. No solo demostró que era posible adaptar bien la obra de Tolkien en acción real, sino que derribó los prejuicios del género, lo llevó a las costas de la cultura de masas y conquistó el corazón de la Academia obteniendo 17 Premios Óscar con sus tres entregas.

Además de todo ello, la trilogía de El Señor de los Anillos cambió la sensibilidad del género de la fantasía en el audiovisual y dio lugar a la aparición de otras grandes franquicias, como es el caso de Juego de Tronos. En resumidas cuentas, Peter Jackson logró lo mismo que J.R.R. Tolkien antes: descomponer los muros de la fantasía y hacerla (aún) más grande.

Estas son las mejores películas de fantasía del siglo XXI. Diez ejemplos de lo mejor que nos ha dado este género a lo largo de los últimos 24 años. Todavía nos queda mucho por ver y por disfrutar. 

Seguramente, este listado quedará obsoleto en un par de décadas. Pero algunas de estas cintas seguirán estando muy presentes. Tiempo al tiempo.

Otros artículos interesantes:

• 10 películas de ciencia ficción y fantasía que nunca llegaron a rodarse
• Los 25 juegos de rol y fantasía más esperados de PS5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch y PC

Estas historias, llenas de giros inesperados, personajes fascinantes y tramas enrevesadas, han conquistado a las audiencias de todo el mundo con sus investigaciones, sus asesinos en serie y sus misterios. Sin embargo, con el paso de los años, el género ha ido variando hacia territorios sombríos y ha atraído la atención de los amantes del terror con historias más oscuras.

Por ese motivo, y atendiendo a dicha evolución detectivesca, te traigo una lista de series de televisión que han sabido combinar a las mil maravillas el misterio con la oscuridad, cautivando tanto a los amantes del thriller como a los aficionados del terror. Especialmente, aquellos que tienen una especial devoción por el terror psicológico y el terror sobrenatural.

Aquí van las mejores series de detectives y terror que puedes encontrarte en la pequeña pantalla. Toma nota de todas ellas, porque merecen muchísimo la pena y te harán pasar miedo y suspense a partes iguales:

• True Detective
• The Sinner
• Twin Peaks
• El visitante
• Top of the Lake
• El caso Hartung
• Por mandato del cielo

True Detective (2014)

Creada y escrita por Nic Pizzolatto, y protagonizada por Matthew McConaughey, Woody Harrelson, Michelle Monaghan y Alexandra Daddario, entre muchas otras grandes estrellas, True Detective es una de las mejores series de detectives con componentes de terror que se han hecho en la historia de la televisión. Una obra de culto que ya ha cumplido diez años.

Narra la historia de dos detectives de Louisiana, Rust Cohl y Martin Hart, quienes se reencuentran en un caso de asesinatos en serie en el que ya habían trabajado en el pasado. A medida que profundizan en la investigación, descubren que la oscuridad está presente tanto en los crímenes como en sus propias vidas, lo que les lleva a enfrentarse a dilemas morales y personales.

Desde luego, si algo caracterizó la primera temporada de True Detective —y se ha intentado emular de la misma forma en True Detective: Night Country—, eso fue sin lugar a dudas la combinación de la parte thriller de la investigación criminal con el terror sobrenatural. Un terror particularmente influencia por la obra de H.P. Lovecraft, por cierto.

The Sinner (2017)

Creada y escrita por Derek Simonds a partir del libro de Petra Hammesfahr, y protagonizada por Jessica Biel, Bill Pullman, Christopher Abbott y Nadia Alexander, entre otros, The Sinner es otra de las series de detectives con tintes de terror que no puedes perderte. Una serie distribuida por Netflix que puedes disfrutar en el catálogo de la plataforma streaming.

Cuenta la historia de Cora Tannetti, una mujer que comete un acto violento y aparentemente sin motivo al apuñalar a un extraño hasta matarlo mientras está con su esposo y su hijo en un lago. En su declaración, afirma no saber por qué lo hizo. Si eso no es suficiente, sigue leyendo la premisa… ¡Alucinarás!

Un policía se obsesiona con descubrir el motivo oculto detrás de este crimen aparentemente inexplicable de la mujer. Juntos, emprenden un viaje emocional y desgarrador hacia las profundidades de la psique de Cora para desentrañar los secretos ocultos en su pasado. En resumidas cuentas, un fabuloso thriller psicológico que tienes disponible en Netflix.

Twin Peaks (1990)

Creada por David Lynch y Mark Frost a partir de su propia historia original, y protagonizada por Kyle MacLachlan y Lara Flynn Boyle, entre muchos otros, Twin Peaks es una de las series de detectives con elementos de terror más importantes de todos los tiempos. Para muchos espectadores, una de las mejores series de la historia de la televisión.

Sigue la historia del excéntrico agente del FBI Dale Cooper, quien llega a la pequeña población montañosa de Twin Peaks para investigar el brutal asesinato de la joven y popular Laura Palmer.

Cooper trabaja junto al sheriff del pueblo, Harry S. Truman, para interrogar a los habitantes y descubrir los oscuros secretos que muchos de ellos ocultan. A medida que avanza la investigación, se revelarán misterios profundos que afectan a la tranquila comunidad de Twin Peaks y que enlazarán la trama thriller con unos elementos mucho más propios del terror sobrenatural.

El visitante (2020)

Creada y escrita por Richard Price a partir de la emblemática novela de Stephen King, y protagonizada por Ben Mendelsohn, Cynthia Erivo, Jason Bateman y Bill Camp, entre otros actores, El visitante es una de las series de detectives con trazos de terror más interesantes de los últimos años. Y sí, la tienes disponible en HBO Max, por si te interesa.

Narra la historia del detective Ralph Anderson y Holly Gibney, una investigadora poco convencional, quienes se unen para investigar el brutal asesinato de Frankie Peterson, un niño de 11 años, en un tranquilo pueblo.

A medida que profundizan en el caso, los dos detectives descubrirán que hay indicios de una fuerza sobrenatural involucrada en la desaparición del niño, lo que los lleva por un camino lleno de misterios y peligros inesperados que aproxima la serie de El visitante en HBO Max a un programa de terror sobrenatural, típico de la obra de Stephen King que adapta.

Top of the Lake (2013)

Dirigida por Jane Campion y Garth Davis, escrita por la propia Campion y Gerard Lee y protagonizada por Elisabeth Moss, Holly Hunter, Peter Mullan y David Wenham, entre unos cuantos actores más, Top of the Lake es una de las series más de investigación y thriller con secuestros y desapariciones más recomendadas de todos los tiempos. Un clásico de culto para algunos.

Sigue la historia de una detective que se sumerge en la investigación de la desaparición de la hija de un prominente jefe del narcotráfico local. A medida que profundiza en el caso, la detective descubrirá que la joven desaparecida también está embarazada, lo que agrega un nivel adicional de urgencia y complejidad a la búsqueda.

La detective se enfrentará a un desafío cada vez mayor mientras intenta desentrañar los oscuros secretos y las complejas relaciones que rodean a la desaparición de la joven, enfrentándose a peligros y obstáculos en su camino hacia la verdad. No es terror sobrenatural, evidentemente, pero es uno de los peores terrores que uno puede experimentar: el terror humano.

El caso Hartung (2021)

Creada por Dorthe Warno Hogh, David Sandreuter y Mikkel Serup a partir del libro de Soren Sveistrup, y protagonizada por Danica Curcic, Esben Dalgaard, Morten Brovn y David Dencik, entre otros actores del reparto, El caso Hartung es una de las series de detectives más desconocidas e infravaloradas de los últimos años. Y te pondrá la piel de gallina en más de una ocasión.

En un parque infantil de una apacible zona residencial de Copenhague, la policía descubre el cuerpo sin vida de una joven que ha sido brutalmente asesinada, con la particularidad de que le han seccionado una mano. Junto a la víctima, cuelga un muñequito elaborado con castañas, añadiendo un macabro detalle al escenario del crimen.

El caso cae en manos de la ambiciosa y joven detective Naia Thulin, quien recibe como nuevo compañero a Mark Hess. Juntos, Thulin y Hess se embarcan en la tarea de desentrañar el misterio detrás de este crimen espeluznante, enfrentándose a desafíos y revelaciones impactantes en su búsqueda de justicia.

Por mandato del cielo (2022)

Dirigida por David Mackenzie a partir del libro de Jon Krakauer y protagonizada por Andrew Garfield, Daisy Edgar-Jones. Chloe Pirrie, Rory Culkin y Sam Worthington, entre muchas otras grandes estrellas, Por mandato del cielo es una de las mejores miniseries thriller con investigaciones y detectives que se han lanzado en los últimos años. 

Sigue la historia de dos hermanos que creen haber sido designados por una supuesta voluntad divina para cometer un acto atroz: asesinar a una mujer inocente y a su hija pequeña. Convencidos de que están cumpliendo con un propósito superior, los hermanos se sumergirán en un oscuro viaje hacia la violencia y la tragedia.

Ambos desafiarán las convenciones morales y se enfrentarán a sus propias creencias mientras llevan a cabo su macabra misión. Su obsesión por cumplir con lo que creen ser su destino los llevará por un camino peligroso y perturbador, donde se cuestionarán las fronteras entre el bien y el mal, la fe y la locura. La serie está disponible en Disney+.

Estas son algunas de las mejores series de detectives con elementos de terror que puedes ver en la pequeña pantalla. 

¿Recuerdas otra que eches en falta y merezca la pena destacar? No dudes en dejar un comentario con tu recomendación o recomendaciones. Así entre todos armamos una gran lista con thrillers de investigación perfectos para una buena maratón.

Otros artículos interesantes:

• Las mejores series coreanas de Netflix para que disfrutes del K-Drama al máximo
• 8 series en las que nadie confiaba y que terminaron arrasando de forma inesperada

Con una amplia gama de géneros y estilos —como vas a comprobar a continuación—, estas producciones ofrecen una experiencia diversa y emocionante para los suscriptores de Disney+ más mayores. Unos suscriptores que, con toda seguridad, quieren ir un paso más allá de los clásicos de animación y las sagas más familiares y tradicionales.

Por ese motivo, vamos a poner el ojo en series y películas de Hulu que son muy recomendables y están disponibles para disfrutar en Disney+. Todas ellas merecen verdaderamente la pena, por un motivo u otro, y no te dejarán indiferente si les das una oportunidad y pulsas el ‘play’ dentro de la plataforma streaming de La Casa del Ratón.

Aquí van las series y películas de Hulu en Disney+ que no debes dejar escapar la oportunidad de hincarle el diente en cuanto tengas una oportunidad:

• Nadie te salvará
• The Bear
• Predator: La presa
• Solar Opposites
• Moving
• El peor de los males

Nadie te salvará (2023)

Dirigida y escrita por Brian Duffield, y protagonizada por Kaitlyn Dever, Ginger Cressman, Zack Duhame y Geraldine Singer, entre muchos otros, Nadie te salvará es una de las mejores películas de Hulu que puedes ver en Disney+. Un fantástico thriller de ciencia ficción que mezcla las invasiones de extraterrestres con un terror laxo y bastante sencillo.

La película Nadie te salvará en Disney+ narra la historia de Brynn, una brillante joven que vive apartada de su vecindario y que encuentra consuelo en la casa donde creció. Sin embargo, su paz se ve interrumpida cuando descubre que son hay unos intrusos extraterrestres. Deberá enfrentarse a ellos y, sobre todo, confrontar con su propio pasado.

The Bear (2022)

Creada, escrita y dirigida por Christopher Storer, y protagonizada por Jeremy Allen-White, Ebon Moss-Bachrach y Ayo Edebiri, entre muchos otros, The Bear es una de las mejores series de Hulu disponibles en Disney+. Una auténtica obra maestra televisiva que se llevó recientemente seis Globos de Oro después de su extraordinaria segunda temporada.

La serie The Bear en Disney+ cuenta la historia de un joven chef, proveniente del mundo de la alta cocina, quien regresa a Chicago para hacerse cargo de la tienda de sándwiches de su familia. Aunque tiene una premisa cómico, la cierto es que estamos delante de una de esas tragicomedias que sorprenden y rasgan el alma en cuando te despistas.

Predator: La presa (2022)

Dirigida por Dan Trachtenberg, escrita por Patrick Aison y protagonizada por Amber Midthunder, Predator: La presa es una de las mejores películas de Hulu que puedes disfrutar en Disney+. Un viaje al pasado más remoto de la saga de Depredador y, probablemente, una de las mejores entregas que nos ha dado esta franquicia de ciencia ficción, acción y terror.

La película Predator: La presa en Disney+ tiene lugar hace 300 años en la Nación Comanche. Allí, Naru, una joven guerrera criada entre cazadores legendarios, se ve obligada a proteger a su pueblo de una inquietante amenaza. El enemigo resulta ser un depredador alienígena avanzado, lo que desencadena un enfrentamiento brutal entre los dos adversarios.

Solar Opposites (2020)

Creada y escrita por Justin Roiland y Mike McMahan, y con las voces de Thomas Middleditch y Sean Giambrone, entre muchos otros, Solar Opposites es una de las mejores series de Hulu que tienes en Disney+. Una fabulosa serie de animación para adultos que mezcla la comedia, la ciencia ficción y la temática de los extraterrestres.

La serie Solar Opposites en Disney+ está creada por Justin Roiland, conocido por su trabajo en Rick y Morty. Esta serie de animación para adultos sigue a una familia de extraterrestres que intenta adaptarse a la vida en la Tierra, a la que llaman un "agujero de basura infectado de humanos". Solo con esa premisa, ya te puedes imaginar por dónde van los tiros.

Moving (2023)

Creada y escrita por Kang Full, y protagonizada por Ryu Seung-ryong, Han Hyo-joo y Jo In-sung, entre muchos otros, Moving es una de las mejores series de Hulu en Disney+. Una de esas series coreanas de ciencia ficción que suelen pasar desapercibidas, pero que, cuando las descubres, no eres capaz de quitártela de la cabeza ni de dejar de recomendarla.

La serie Moving en Disney+ es un programa televisivo de acción sobrenatural en el que un grupo de adolescentes que ocultan sus superpoderes, junto con sus padres que tienen secretos dolorosos del pasado, se unen para enfrentarse a grandes peligros juntos. Definitivamente, una combinación de ciencia ficción y fantasía que no deberías perderte.

El peor de los males (2023)

Dirigida por Park Geum-bum y Han Dong-wook, escrita por Jang Min-seok y protagonizada por Ji Chang-wook, Wi Ha-joon e Im Se-mi, El peor de los males es una de las mejores series de Hulu que tienes disponible en el catálogo de Disney+. Otra de esas series coreanas de la que nadie habla, pero que todo el mundo debería ver al menos una vez en la vida.

La serie El peor de los males en Disney+ tiene lugar en 1995. Se inicia una investigación contra los cárteles de la droga de Corea, China y Japón. El inspector rural Junmo se infiltra en el cártel de Gangnam sin saber la compleja relación entre su esposa y el jefe de la mafia. Sus destinos conectados los conducen a enfrentarse a una situación muy peligrosa.

Estas son algunas de las mejores series y películas de Hulu en Disney+ que te recomiendo que apuntes en tu lista de pendientes. Si tienes alguna recomendación que hacer, ¡no dudes en dejar un comentario! De esa forma, el listado estará mucho más completo y todos saldremos ganando. Venga, no seas tímido y deja tu recomendación televisiva, anda…

Otros artículos interesantes:

• Disney+ continúa su campaña para poner fin a las cuentas compartidas y los avisos podrían empezar pronto
• Yahoo se estuvo planteando comprar Netflix o Hulu pero acabó adquiriendo Tumbrl

A lo largo de los años, el logo de Superman, la emblemática «S» en su pecho, ha evolucionado junto con él, adaptándose y transformándose a través de diversas interpretaciones y épocas.

En este contexto, James Gunn, uno de los cineastas más influyentes del género de los superhéroes en el cine, ha retomado este legado, incorporando en su visión un logo que encapsula la esencia de tres de las más significativas versiones de Superman, que ahora lucirá David Corenswet en su pecho.

Esas tres influencias son la majestuosidad de Kingdom Come, la atemporalidad de la versión clásica y la innovación del Superman de Fleischer. Repasemos por qué estas tres versiones del Hombre de Acero son tan importantes y cómo han influido en el Superman de James Gunn.

El Superman de Kingdom Come

Kingdom Come, una miniserie gráfica de cuatro partes escrita por Mark Waid e ilustrada por Alex Ross, presenta una visión distópica del Universo DC, donde los ideales de los superhéroes clásicos se enfrentan a las realidades más crudas y cínicas de un mundo cambiante.

En este escenario, Superman se retira tras la pérdida de Lois Lane, volviendo solo cuando el caos amenaza con consumir al planeta. Esta versión del Hombre del Mañana nos presenta a un ser que ha soportado la pérdida y el desencanto, pero aun así se mantiene firme en sus principios.

La interpretación de Alex Ross del superhéroe, con un traje que evoca a la vez nobleza y melancolía, refleja un personaje que ha evolucionado más allá del infalible salvador hacia un guardián reflexivo y más humano.

La influencia de Kingdom Come en la cultura popular y en la percepción de los superhéroes es innegable. Este Superman representa la lucha entre el idealismo y la realidad, una temática que podría tener resonancias en la película de James Gunn.

Desde luego, la readaptación del emblema de Superman en este contexto simboliza no solo el poder y la autoridad, sino también la sabiduría y la vulnerabilidad del personaje.

La versión clásica de Superman

La versión clásica de Superman, creada por Jerry Siegel y Joe Shuster en 1938, es el fundamento sobre el que se construyen todas las demás interpretaciones. Caracterizado por su inflexible moralidad, su compromiso con la justicia y su inquebrantable sentido del bien, este Superman es el héroe por excelencia, un símbolo de esperanza y valentía.

A lo largo de las décadas, mientras la sociedad y la cultura evolucionaban, Superman se adaptaba, pero siempre mantenía el núcleo de lo que lo hacía especial: su carácter indomable y su eterno optimismo.

En el logo de James Gunn, la versión clásica del personaje constituye la continuidad y la atemporalidad del superhéroe, recordándonos que, sin importar cuánto cambie el mundo, hay valores y símbolos que permanecen constantes, y que están relacionados directamente con el kryptoniano.

Este Superman es un recordatorio de lo que podemos ser en nuestro mejor momento, una fuente de inspiración tanto para los personajes dentro del universo como para los espectadores fuera de él.

El Superman de Fleischer

Los cortos animados de Superman producidos por los hermanos Fleischer en la década de 1940 son una piedra angular en la historia de la animación y en la representación de superhéroes en el audiovisual.

Estas obras inmortales, con su innovador uso de la rotoscopia y su estilo artístico excepcional, mostraron al gran superhéroe de DC Comics como nunca antes se había visto, como ningún espectador había soñado jamás.

El Superman de Fleischer se distinguía por su dinamismo, su acción sin límites y su inconfundible estética, elementos que han influenciado no solo futuras representaciones animadas, sino también la visión general del superhéroe.

El legado de los cortos de Fleischer se refleja en el logo de James Gunn. Tal vez le director está dejando entrever su interés por la acción y la aventura. A fin de cuentas, sería una gran forma de comenzar este nuevo Universo Cinematográfico de DC Comics, alejado de las luces y las sombras del antiguo (y extinto) DCEU.

Otros artículos interesantes:

• Razones para creer que Superman: Legacy podría ser un gran éxito
• Superman revela la curiosa táctica que tiene para vencer a sus enemigos

A nadie voy a descubrirle a estas alturas quién es el pequeño Nicolás. Este tipo, siendo menor de edad, se metió en el centro de la jet set política y social y se hizo pasar por una persona que no era, desde un agente del CNI hasta un enlace entre el gobierno y la Casa Real. Todo eso, amparado por otras grandes celebridades políticas del momento.

Resulta estremecedor saber cómo funciona la vida de estos políticos, multimillonarios y demás individuos de la clase alta, pero aún resulta más estremecedor si cabe verlo. Eso es lo que hace la docuserie del pequeño Nicolás en Netflix: mostrarte todo lo que se cocinaba entre bambalinas mientras, al mismo tiempo, su protagonista te explica cómo ocurrió.

Una de las cosas más interesantes que propone la serie documental de Netflix sobre el pequeño Nicolás ―más allá de la propia historia, la secuenciación de la misma y los testimonios de los involucrados― es el tablero con el que dirigen las tramas, a mitad de camino entre el teatro de marionetas y una partida de la oca.

Puede parecer una decisión estética o artística, valga la redundancia, pero esas pequeñas figuras que van desplazándose por el tablero tienen un valor simbólico. Son una metáfora de la clase de operación social, cercana al experimento sociológico, que desencadenó nuestro sujeto de pruebas con todos sus tejemanejes ambiciosos y maquiavélicos.

Otro de los aspectos que me ha llamado enormemente la atención de este documental del pequeño Nicolás en Netflix es el ritmo y el montaje. Es frenético, agresivo, llevado al extremo, con grandes contrastes entre imágenes y rocambolescas tipografías que asaetean la pantalla con colores chillones, como si trataran de decirnos algo.

Quiero pensar que, como sucede con el tablero y las figuras, hay una intencionalidad detrás, algo surrealista y valleinclanesco. Desde luego, todo vale en este retrato del pícaro español de toda la vida, el jeta, el sinvergüenza, el que asume con vehemencia y orgullo que vendería a su madre con tal de ganar algo de reputación y de poder.

Porque esa es la clave en todo esto: el poder. O, mejor dicho, el aparentar tenerlo. Todo lo que rodeó al pequeño Nicolás giró en torno a ese concepto. Poder. Una palabra que te llena la boca si la expresas, pero que te llenaría los bolsillos si la tuvieras. Sin embargo, el dinero no es lo que movía a nuestro pícaro. Por eso menciono las apariencias.

El pícaro que voló demasiado cerca del sol… o eso creía

La serie documental del pequeño Nicolás ―titulada (P)ícaro por aquello de unificar los conceptos del mencionado pícaro castellano y el mito de Ícaro― se divide en tres episodios de, aproximadamente, una hora de duración media. Esa división orbita en torno a tres ejes: auge, clímax y caída, y se sostiene con testimonios de muchos involucrados.

No hay muchos «peros» que ponerle a esta docuserie. No hay mucho más que decir. Está muy bien si te gusta la prensa rosa, o si tienes interés por saber qué y cómo sucedió, o si te llama la atención el personaje, o si simplemente quieres echar el rato con un clásico moderno de nuestra vida público. Poco más posee esta pieza.

A mí me ha gustado porque soy un chafardero de manual y porque he encontrado cierto interés artístico en el montaje y el enfoque narrativo, como ya he mencionado. Me he divertido rememorando cosas que ya sabía y me he sorprendido con nuevos testimonios, algunas declaraciones y un par de giros de guion inesperados que se tornaron en broma.

Lo que me ha quedado claro una vez más viendo la docuserie de Netflix protagonizada por el pequeño Nicolás es que este país es, definitivamente, una cosa, que dirían los muchachos de hoy en día. Lo que no pase en España no puede suceder en la ficción. Si no existiera, tendrían que inventarla… pero tendrían que ser muy originales para lograrlo.

Otros artículos interesantes:

• Crítica de Avatar: La leyenda de Aang, un nuevo live action para Netflix que no aporta nada nuevo
• 15 series de Netflix infravaloradas que merecerían mucho más reconocimiento

El lanzamiento de este título ha llegado en un momento crucial, ya que Capitán América se prepara para liderar un equipo de agentes de cambio en una misión vital para la civilización. En este nuevo arco argumental, escrito por J. Michael Straczynski y dibujado por Jesús Saiz, Steve Rogers debe reunir a un grupo especial de individuos que son considerados «agentes de cambio».

Pero ¿quiénes son estos agentes de cambio? Por lo visto, estos curiosos personajes de los cómics de Marvel tienen la capacidad de influir en la sociedad y promover valores de igualdad y justicia. Capitán América se da cuenta de la importancia de proteger a estos agentes, ya que representan la esperanza de un futuro mejor para la humanidad.

¿Un equipo más superpoderoso que Los Vengadores?

Los agentes de cambio son una parte fundamental de la narrativa, siendo figuras inspiradoras que han contribuido significativamente al avance de la humanidad. Desde líderes como Gandhi hasta activistas como Rosa Parks, estos individuos han dejado su huella en la historia de la humanidad.

Sin embargo, Capitán América ha descubierto que estos agentes están siendo perseguidos y amenazados, lo que pone en peligro su capacidad para generar un cambio positivo. A medida que Steve Rogers une a estos agentes de cambio, se forma un equipo que va más allá de los tradicionales grupos de superhéroes como Los Vengadores.

Este nuevo equipo del Universo Marvel no posee habilidades sobrehumanas, pero tiene el poder de inspirar y motivar a las personas a nivel global. Se convierten en un símbolo de esperanza y progreso, y trabajan juntos para enfrentar los desafíos más grandes de la humanidad. Su superpoder es simbólico, pero lo es, a fin de cuentas.

El nuevo escudo transparente de Capitán América ha generado cierta intriga entre los fans, ya que se desconoce su función exacta en la historia. Si bien podría ser un homenaje a las adaptaciones televisivas anteriores del personaje, su inclusión en este arco argumental sugiere que podría desempeñar un papel importante.

A fin de cuentas, la misión de proteger a los agentes de cambio sigue en el aire. La aparición del escudo invisible llega en un momento crucial, cuando Capitán América está liderando a un equipo que está destinado a cambiar el curso de la historia

Otros artículos interesantes:

• Marvel le cambia el nombre a Lobezno por uno muy gracioso
• Marvel revela el nuevo traje de Capitán América

Sin embargo, la llegada de la primavera a Gotham City ha traído consigo un enfrentamiento épico entre El Pingüino y sus hijos, Addison y Aiden Cobblepot. Con el club Iceberg Lounge como principal activo de su padre, los hermanos están decididos ahora a mantener su lugar en el mundo criminal de Gotham. Consideran que ha llegado su momento.

El Pingüino, tras fingir su muerte y adoptar una nueva identidad en Metrópolis, se ve obligado a regresar a Gotham City por orden del gobierno de los Estados Unidos. ¿Su misión? En resumidas cuentas, recuperar su empresa criminal a cualquier precio, lo que probablemente desatará una brutal guerra entre la familia Cobblepot y sus rivales.

Lealtades divididas en esta batalla por el dominio del hampa

Aunque comparten la sangre del Pingüino, Addison y Aiden Cobblepot no están dispuestos a ceder su posición en el inframundo de Gotham City. Con una vena violenta y una determinación feroz, están decididos a defender su territorio contra el regreso de su padre. Desde luego, la ciudad del Hombre Murciélago en DC Comics no volverá a ser la misma.

Con El Pingüino reuniendo a sus aliados más peligrosos, y los hermanos Cobblepot decididos a defender su legado, Gotham City se sumergirá en una guerra territorial sin precedentes en el Universo DC. Ambas partes están dispuestas a derramar sangre para asegurarse la victoria, lo que amenaza con sumir a la ciudad en un caos aún mayor.

Mientras tanto, al mismo tiempo que la disputa familiar del Pingüino se intensifica, la atención de la Batfamilia se dirigirá hacia Gotham City. Batman y sus aliados están decididos a detener la violencia y restaurar el orden en la ciudad, antes de que la guerra civil entre los Cobblepot y El Pingüino cause un daño irreparable para la urbe.

Este cómic saldrá a la venta en Estados Unidos el próximo 23 de abril. No obstante, como suele ser habitual, en nuestro país tardará unos cuantos meses más en arribar a las estanterías de las librerías especializadas y otros establecimientos similares. En resumidas cuentas, como se suele decir, toca armarse de paciencia.

Otros artículos interesantes:

• El nuevo Ghost Rider se inspira en Batman: El Largo Halloween
• Conoce a Doctor Hurt, el antepasado de Batman… ¡Que es su nuevo villano!

Mientras Wolverine lucha contra la influencia demoníaca que corrompe su cuerpo, Daredevil asume la formidable forma conocida como la «Mano de Dios» para enfrentarse la oscuridad que se cierne sobre él. No confundir el nombre con la famosa jugada de Maradona ante Inglaterra. Esto no es fútbol, son cómics.

La Mano de Dios de Daredevil es una manifestación del poder y la convicción de Matt Murdock, representada por un traje blanco envuelto en llamas. Esta forma, adoptada anteriormente en una vida pasada durante un descenso al infierno, simboliza la confianza del justiciero en el plan divino y su liberación de la culpa que lo ha atormentado.

La imagen habla por sí sola:

¿Qué te parece? Interesante, ¿verdad? Pues todavía hay más.

Una lucha contra los demonios internos del Hombre sin Miedo

A pesar de sus poderes sobrenaturales, Daredevil sigue siendo asediado por sus propios demonios internos, personificados por los Siete Pecados Capitales. En este enfrentamiento, donde Wolverine está bajo la influencia de la ira controlada por Wrath, ambos héroes se ven obligados a confrontar sus formas individuales de justicia y la naturaleza de su ira.

El control de Wrath sobre Wolverine subraya la ironía de la situación, ya que en su último encuentro, ambos héroes discutieron sobre sus respectivas formas de justicia. Ahora, tanto Daredevil como Wolverine enfrentan el desafío de controlar su ira mientras luchan contra sus adversarios.

Ante la influencia de fuerzas oscuras y la encrucijada moral que enfrentan, Daredevil y Wolverine se preparan para un enfrentamiento épico que determinará el curso de sus destinos. Con la Mano de Dios como su aliado, Daredevil está listo para enfrentar cualquier obstáculo en su búsqueda de justicia y redención.

Desde luego, este tipo de enfrentamientos entre los grandes superhéroes de los cómics Marvel gustan siempre a los lectores. Ojalá, ahora que los dos están disponibles en el Universo Cinematográfico de Marvel (UCM), acabemos viendo este conflicto en la pequeña o la gran pantalla. Sería toda una delicia.

Otros artículos interesantes:

• Marvel le cambia el nombre a Lobezno por uno muy gracioso
• Un villano de Marvel se convierte ahora en una especie de Green Lantern

Sin embargo, en este artículo me voy a embarcar en un viaje personal a través de mis propias experiencias con las series españolas, compartiendo los cinco ejemplos que más me han enganchado a lo largo de mi vida. Estas series no solo me han entretenido y emocionado, sino que me han dejado una impresión duradera en la memoria y han multiplicado mi amor por el formato serial.

Acompáñame mientras recorro los recuerdos y las emociones que estas series españolas del pasado imprimieron en mí, y descubre por qué son mis favoritas de todos los tiempos, a pesar de que he podido ver muchos otros ejemplos recientes que quizás las superen en términos de calidad, pero no de valor sentimental.

Estas son las series españoles que más me han enganchado… al menos, que yo recuerde:

• Los Serrano
• Aquí No Hay Quien Viva
• Los Hombres de Paco
• Sin Tetas No Hay Paraíso
• Águila Roja

1) Los Serrano (2003)

Creada por Daniel Écija y Álex Pina, y protagonizada por Antonio Resines, Belén Rueda, Fran Perea, Verónica Sánchez y Natalie Sánchez, entre muchos otros, Los Serrano marcó un antes y un después en la historia de la televisión española. Se considera como uno de los mayores referentes televisivos de nuestro país. Desde luego, marcó a toda la generación que nació a finales de los 80 y principios de los 90.

La serie de Los Serrano se centra en la dinámica de la familia que gestiona la taberna "Hermanos Serrano". La trama principal gira en torno a las relaciones y conflictos entre los miembros de la familia, destacando especialmente la guerra de sexos. Las mujeres son retratadas como neuróticas y sofisticadas, mientras que los hombres son presentados como sencillos, campechanos, cabezotas y un tanto machistas.

A lo largo de la historia, se exploran las diferentes personalidades y caracteres de los miembros de la familia, así como sus interacciones y enfrentamientos. Se abordan temas como el choque de generaciones, los roles de género y las tensiones familiares, todo ello ambientado en el núcleo familiar, que sirve como punto de encuentro y escenario de numerosas situaciones cómicas y dramáticas

2) Aquí No Hay Quien Viva (2003)

Creada por Alberto Caballero e Iñaki Ariztimuño, y protagonizada por José Luis Gil, Fernando Tejero, Malena Alterio, Eduardo Gómez, Gemma Cuervo y Mariví Bilbao, entre muchas otras grandes estrellas nacionales, Aquí No Hay Quien Viva es patrimonio de España. La precursora de La Que Se Avecina lo cambió todo en la televisión de nuestro país. Sus personajes aún viven dentro de nosotros.

La serie de Aquí No Hay Quien Viva narra la vida de una peculiar comunidad de vecinos que habitan en la calle del mismo nombre. Con tres plantas, dos pisos por planta, una portería y un local contiguo, esta sitcom presenta a una variedad de personajes coloridos y distintivos.

Entre ellos se encuentran el presidente de la comunidad, su ambiciosa esposa, las vecinas cotillas, los vecinos homosexuales y el portero que soporta las idas y venidas de todos. A pesar de las expectativas iniciales, la serie producida por José Luis Moreno superó todas las previsiones de audiencia y se convirtió rápidamente en el programa estrella de Antena 3 y el preferido de toda una generación.

3) Los Hombres de Paco (2005)

Creada por Daniel Écija y Álex Pina, y protagonizada por Paco Tous, Adriana Ozores, Pepón Nieto, Neus Asensi, Juan Diego, Hugo Silva y Michelle Jenner, entre muchas otras leyendas televisivas, Los Hombres de Paco es otra de esas series españolas que convirtieron la experiencia serial en una obligación semanal para millones de espectadores. Un triunfo extraordinario y una cantera de estrellas de cine.

La serie de Los Hombres de Paco narra en tono de humor negro las peripecias profesionales y personales de un grupo de policías de barrio de una gran ciudad. Paco Miranda, un inspector bonachón e incapaz de enfrentarse a situaciones críticas, lidera un equipo conformado por Mariano y Lucas, dos hombres de confianza pero también perdedores que se ven envueltos en situaciones disparatadas.

El jefe de Paco es su suegro, Don Lorenzo, un hombre estricto y cascarrabias. A pesar de sus carencias, el equipo se esfuerza por hacer méritos para que el comisario reconozca su trabajo.

4) Sin Tetas No Hay Paraíso (2008)

Adaptación de la novela de Gustavo Bolívar y protagonizada por Amaia Salamanca, Miguel Ángel Silvestre, María Castro, Armando del Río, Manolo Caro y Cuca Escribano, entre muchos otros actores del reparto, Sin Tetas No Hay Paraíso es otro de esos fenómenos televisivos completamente inesperados que contagiaron a millones de españoles semana tras semana, obligándoles a seguir este culebrón patrio.

La serie de Sin Tetas No Hay Paraíso narra la vida de Catalina, una joven estudiante de secundaria que, a pesar de su extraordinaria belleza, se siente acomplejada por el tamaño de su pecho. Todo cambia cuando se enamora de El Duque, un narcotraficante ambicioso con grandes aspiraciones dentro de la organización criminal para la que trabaja. 

Catalina se ve seducida por el estilo de vida lujoso y peligroso que le ofrece El Duque, lo que la lleva a enfrentarse a su familia y sumergirse en un mundo de fiestas, drogas y delincuencia

5) Águila Roja (2009)

Creada por Daniel Écija, Ernesto Pozuelo, Carmen Ortiz y Pilar Nadal, y protagonizada por David Janer, Francis Lorenzo, Inma Cuesta, Miryam Gallego y Javier Gutiérrez, entre muchos otros, Águila Roja es una de las grandes series de televisión de la historia de España. Un ejemplo patrio de cómo debe narrarse una historia de aventuras castiza, castellana y con enormes reminiscencias pulp.

La serie de Águila Roja está ambientada en el Siglo de Oro español, durante el reinado de Felipe IV. Gonzalo de Montalvo, un maestro de profesión, se ve envuelto en diversas aventuras e intrigas después de la muerte de su esposa.

Para buscar al culpable, adopta una doble vida como un misterioso héroe justiciero conocido como "Águila Roja". Con un código moral basado en el valor, la nobleza y el amor, el justiciero enmascarado ayuda a los débiles mientras investiga una conspiración para derrocar al Rey.

Solo su fiel criado Sátur y un misterioso fraile conocen su verdadera identidad, manteniendo su secreto incluso de su propio hijo, quien admira profundamente al héroe sin saber que vive bajo el mismo techo que él.

Otros artículos interesantes:

• Las 10 mejores series de animación y animes para adultos de Netflix
• Las 20 mejores series y películas de mafia y gángsters de la historia

Sí, estoy refiriéndome a obras maestras como BoJack Horseman (Netflix) o Fleabag (Prime Video), entre muchos otros ejemplos. También puedo mencionar Rick y Morty, una serie de comedia que juega en otra liga y que ha logrado mantener su identidad a lo largo de unas cuantas temporadas, algo difícil de esgrimir en el presente.

Sin embargo, a pesar de que ha habido magníficos representantes del género sitcom en la televisión, lo cierto es que hemos perdido innumerables producciones con el único propósito o la única pretensión de hacer reír con episodios sintetizados en 20 minutos y un humor estúpido, socarrón, simple, inocente e incluso podría describirlo como «adolescente».

Hay quien diría que todo esto de lo políticamente correcto, el relato posmodernista y otras sombras ideológicas englobadas en una agenda invisible han provocado la destrucción de esas producciones televisivas que menciono. No negaré que algo ha habido de eso; especialmente, a nivel social. En resumidas cuentas, los tiempos han cambiado.

Y, si los tiempos cambias, los gustos de la audiencia también. Eso significa que, haciendo un sencillo scouting, un estudio puede aprehender que ese tipo de series sitcom de antaño ya no van a funcionar de la misma manera; que la sensibilidad de los espectadores ha mutado hacia otros entornos mucho más complejos y profundos, más dramáticos y, sí, tragicómicos.

Quizás por eso la serie de Ted, ya disponible en SkyShowtime, me ha parecido una de las experiencias más nostálgicas y divertidas de los últimos años. Ha sido como volver al pasado a golpe de sitcom con un humor sencillo y directo, agresivo y ofensivo, todo aquello que algunos dicen que han borrado, pero que yo creo que, sencillamente, se ha quedado sin espacio.

La serie de Ted en SkyShowtime es exactamente lo que eran las películas, pero en formato televisivo y con una mirada nostálgica a los años 90. En todos los sentidos. No solo porque retrata la época a través de chistes, referencias y arquetipos con la historia precuela de esos filmes que triunfaron hace años; también porque es una producción puramente noventera.

No estoy de broma. Bueno, eso creo. La precuela de Ted cuenta una historia durante los años 90, pero también es una producción que emula la experiencia aquella década. Por un momento, da la sensación de estar viendo una simbiosis entre la obra de Seth MacFarlane y Malcolm in the Middle. Un viaje al pasado en todos los sentidos, franquicia y experiencia.

El regreso de la mejor versión de Seth MacFarlane, creador de Padre de Familia

Seamos honestos: Seth MacFarlane no ha inventado nada. Más bien, Seth MacFarlane ha vuelto a hacer lo único que saber hacer. Si te gusta su obra, te encantará la serie de Ted en SkyShowtime; si, por el contrario, odias el estilo Padre de Familia o las películas originales del osito… Olvídate de esto. No, no te va a gustar. De hecho, te va a enfadar considerablemente.

A mí, honestamente, me ha resultado embriagadora. No me había dado cuenta de lo mucho que echaba de menos reírme de esa forma tan estúpida y liberadora, siendo consciente de la identidad de este tipo de comedia y sin perder de vista que juega dos bazas simultáneas: Seth MacFarlane usa el comodín de los 90 para seguir haciendo lo mismo de siempre.

También sé que influye mucho el hecho de que yo era adolescente cuando conocí a Seth MacFarlane y me enamoré irrevocablemente de Padre de Familia. Me sentía diferente, especial, por decir que era mejor aquella serie que Futurama o Los Simpson. Muy teen, ¿verdad? Tratar de ser diferente solo por el hecho de molar. Estúpido, pero todos lo hemos vivido.

Sea como sea, si eres amante de Seth MacFarlane, de Padre de Familia y de las películas de Ted, entre muchos otros ejemplos; si eres amante de las sitcom noventeras y del humor estúpido e intransigente que puso en marcha South Park… Entonces, definitivamente, esta serie de SkyShowtime España es exactamente lo que estabas buscando.

Por mi parte, admito que la he disfrutado como un auténtico niño. He vuelto a ser aquel adolescente que alucinaba con las bromas macarras de Stewie y compañía, en casa de mi abuela, mientras ella juzgaba en silencio, moviendo la cabeza. «Juventud, divino tesoro». Mi abuela ya no está, igual que mi adolescencia… Pero, al menos quedan los recuerdos.

Ted me ha traído de vuelta esos recuerdos. Quizás alguien también pueda regresar al pasado con esta serie. Desde luego, se lo deseo. Para mí, definitivamente, ha merecido la pena.

En este artículo, trato de rescatar cuatro series que, a pesar de no recibir la atención que merecían en 2023, siguen siendo verdaderas joyas ocultas que vale la pena descubrir y disfrutar, y que quizás deberías atender próximamente para ponerle una solución.

Desde thrillers militares hasta dramas de ciencia ficción, estas series ofrecen una narrativa cautivadora, personajes complejos y una ejecución impecable que las hace destacar. Pasaron desapercibidas en su momento, sí; pero su calidad y su potencial para cautivar al espectador son innegables, y por eso merecen ser redescubiertas y apreciadas.

Aquí van las series infravaloradas de 2023 que deberías tener en cuenta:

• Operaciones Especiales: Lioness
• Arcadia
• ¿Quién es Erin Carter?
• Deadloch

Operaciones Especiales: Lioness (SkyShowtime)

Creada y escrita por Taylor Sheridan, y protagonizada por Laysla de Oliveira, Zoe Saldana, Michael Kelly, Morgan Freeman y Nicole Kidman, entre muchas otras grandes estrellas de Hollywood, Operaciones Especiales: Lioness es una de las series de 2023 que más desapercibidas pasaron, a pesar de su grandeza y su espíritu de blockbuster.

La historia sigue a Cruz Manuelos, una joven marine que se une al equipo Lioness Engagement con el objetivo de infiltrarse en una organización terrorista y desmantelarla. Este equipo es parte de un programa militar real de Estados Unidos.

A medida que Cruz se sumerge en su misión, se enfrenta a desafíos emocionales y físicos mientras lucha contra el enemigo y lucha por mantener su identidad encubierta. La trama explora temas de lealtad, valentía y los sacrificios personales que conlleva el servicio militar en situaciones de alto riesgo. Está disponible en SkyShowtime.

Arcadia (Movistar+)

Dirigida por Tim Oliehoek y protagonizada por Monic Henrickx, Gene Bervoets y Melody Klaver, entre muchos otros, Arcadia es una de las miniseries más olvidadas de 2023. Una coproducción belga y holandesa que en España puedes disfrutar a través del catálogo de Movistar+, y que te ofrecerá un curioso drama de ciencia ficción.

La trama se enfoca en la vida de una familia que disfruta de los beneficios de una «Puntuación Ciudadana» elevada, lo que les garantiza una vida cómoda y privilegiada. Sin embargo, todo se desmorona cuando se descubre que el padre de la familia ha manipulado de manera fraudulenta las puntuaciones de dos de sus hijas para mantenerlas artificialmente altos y así protegerlas de una vida mucho más cruel e injusta.

La revelación de esta manipulación sacude los cimientos de la familia y los enfrenta a una serie de consecuencias devastadoras. A medida que la verdad sale a la luz, la familia se ve obligada a lidiar con las repercusiones de las acciones del padre, así como a enfrentarse a la posibilidad de perder su estatus privilegiado y lidiar con la desaprobación y el escrutinio público.

¿Quién es Erin Carter? (Netflix)

Dirigida por Bill Eagles, Ashely Way y Savina Dellicour, y protagonizada por Evin Ahmad, Sean Teale y Denise Gough, entre muchos otros actores del reparto, ¿Quién es Erin Carter? es una de las series más desconocidas de 2023. Un thriller de acción de apenas siete episodios que contó con la producción de Left Bank Pictures y la distribución de Netflix.

Sigue la historia de Erin Collantes, una profesora británica que reside en España, quien se ve repentinamente envuelta en un incidente de robo en un supermercado local. La situación toma un giro inesperado cuando uno de los ladrones la reconoce y menciona su nombre. Este inesperado reconocimiento amenaza con desestabilizar la tranquila vida que Erin había construido en Barcelona.

A medida que se desarrolla la historia, Erin se enfrenta a una serie de desafíos y peligros inesperados, mientras lucha por proteger su identidad y mantener a salvo su reputación. A lo largo del proceso, se ve obligada a confrontar su pasado y a tomar decisiones difíciles que podrían tener consecuencias devastadoras para su futuro en la ciudad que ahora llama hogar.

Deadloch (Prime Video)

Creada por Kate McCartney y Kate McLennan, y protagonizada por Kate Box, Pamela Rabe, Katie Robertson y Madeleine Sami, entre otras actrices, Deadloch es una de las series más infravaloradas de 2023. Un programa original australiano de Amazon Studios que juega con la comedia negra mientras subvierte los mayores tropos del serial policiaco.

En la ciudad de Deadloch, ubicada en Tasmania, el tranquilo ambiente de preparativos para el Festival de Invierno se ve sacudido por un descubrimiento macabro: el cuerpo sin vida de un hombre. Ante este sombrío hallazgo, dos investigadoras con estilos y experiencias muy diferentes se ven obligadas a unir fuerzas para desentrañar el misterio.

Por un lado, está la veterana sargento local Dulcie Collins, una figura respetada en la comunidad por su perspicacia y tenacidad en la resolución de crímenes. Por otro lado, se encuentra la joven investigadora Eddie Redcliffe, quien acaba de llegar a Deadloch desde Darwin y aporta una perspectiva fresca y enérgica al caso.

A medida que estas dos mujeres dispares colaboran, se enfrentan a desafíos tanto personales como profesionales, aprendiendo a superar sus diferencias y a aprovechar sus habilidades únicas para seguir las pistas y descubrir la verdad detrás del asesinato.

Estas son algunas de las mejores series olvidadas de 2023. Si echas alguna en falta y quieres hacer tu propia recomendación, ¡no dudes en dejarnos un comentario! La lista se irá completando con todas las propuestas y así tendremos mucho más contenido por ver y descubrir, que siempre merece la pena en la era dorada de las series de televisión.

Otros artículos interesantes:

• Las mejores series de animación basadas en videojuegos
• Las 10 mejores series de animación y animes para adultos de Netflix

Un diseño que las películas de Marvel ha pasado por alto en sus adaptaciones cinematográficas, de la mano de Hugh Jackman, a quien próximamente volveremos a ver en la película Deadpool & Lobezno. Este apodo, además de ser una burla, es un homenaje ingenioso al aspecto original de Lobezno en los cómics.

Lobezno siempre ha sido conocido por su baja estatura en el Universo Marvel, una característica distintiva desde sus primeras apariciones en los cómics en los años 70. Su altura modesta de 1,60 cm. lo ha convertido en uno de los personajes más bajitos de los X-Men. Un detalle que se pierde en muchas adaptaciones mediáticas.

Un personaje distinto en los cómics frente a las películas

Aunque Hugh Jackman ha dejado una marca indeleble en el papel de Lobezno en las películas de Marvel producidas por 20th Century Fox, su considerable altura de 1,82 cm. contrasta con la estatura original del personaje. Esto ha llevado a una percepción alterada de Lobezno en la gran pantalla y, sobre todo, en la memoria colectiva de la cultura popular.

El nombre de “Lobezno” en sí mismo puede interpretarse como un recordatorio de la pequeña estatura del personaje. Aunque los glotones —traducción literal de “Wolverine”— no son animales particularmente grandes, sí son feroces y agresivos, lo que refleja la naturaleza de Logan a la hora de canalizar una gran cantidad de ira en un cuerpo tan pequeño.

El nuevo apodo de “Tiny Dancer” no solo sirve como una burla divertida, sino también como un recordatorio canónico del diseño original del personaje de Lobezno como un tipo bajito. Aunque las interpretaciones mediáticas varían, este apodo resalta una parte esencial de la identidad de Logan en los cómics del Universo Marvel.

Otros artículos interesantes:

• Marvel cambia el origen de Lobezno… ¡Y lo asocia con Depredador!
• Kevin Feige pidió el traje de Lobezno clásico para Hugh Jackman en Deadpool 3

Cabe señalar que Stormfront es el primer superhéroe en los cómics de The Boys, lo que le otorga una dimensión diferente a su contrapartida televisiva en el programa original de Prime Video. En resumidas cuentas, cada superhéroe creado a partir de Stormfront se considera más fuerte que él, lo que sugiere una evolución en los poderes de los Supes a lo largo del tiempo.

Patriota, el superhéroe más poderoso de The Boys, comparte muchos poderes con Stormfront, su "padre" en términos de experimentación genética. Sin embargo, la visión calorífica de Homelander revela una diferencia crucial entre los dos, mostrando cómo los experimentos evolucionaron con el tiempo para crear poderes más concentrados y letales.

Las diferencias entre Homelander y Stormfront en The Boys

Aunque tanto Homelander como Stormfront pueden proyectar energía poderosa, la forma en que lo hacen es distinta. Mientras Stormfront puede lanzar rayos destructivos, Homelander tiene la capacidad de emitir rayos de calor desde sus ojos.

Esta diferencia demuestra cómo los experimentos de la empresa conocida como Vought se centraron en mejorar y concentrar los poderes de los superhéroes con el tiempo. La visión de calor de Homelander es un testimonio de la manipulación genética y la mejora continua en los esfuerzos de Vought para crear al superhéroe más poderoso.

La habilidad de Homelander demuestra cuánto más poderoso se volvió en comparación con su "padre", Stormfront, y destaca el impacto de la experimentación y la evolución en el universo de The Boys. Todo un detalle a tener en cuenta de cara a las próximas temporadas.

La serie de televisión de Prime Video avanza hacia su cuarta temporada, aunque por el medio hemos tenido el sorprendente spin-off de Gen V, que ya ha dejado caer una serie de materiales genéticas de significativa relevancia que, con toda seguridad, tendrán su impacto en la narrativa de los próximos episodios.

Otros artículos interesantes:

• The Boys temporada 5 podría ser realidad en Prime Video
• Primer tráiler de la temporada 4 de The Boys para Amazon Prime Video

Esta mejora le permite crear construcciones a partir de sus rayos, dándole una versatilidad y potencia completamente nuevas. Aunque Electro siempre ha tenido control sobre la electricidad, esta nueva habilidad lo acerca más al poder de los Green Lantern de DC Comics. 

Ahora puede crear objetos vivientes con su energía, proporcionándole una capacidad única y peligrosa en la lucha contra Spider-Man y otros héroes. Definitivamente, es una actualización muy divertida e interesante dentro del Universo Marvel. Una variación que evidencia la transformación constante que sufren las historias de los superhéroes.

El gran potencial de Electro en los cómics

Electro ha sido considerado un villano de nivel inferior debido a la simplicidad de sus poderes. Sin embargo, esta actualización lo eleva a un estatus completamente nuevo. Con la capacidad de crear construcciones, Electro podría convertirse en uno de los villanos más formidables de Spider-Man y tal vez incluso del Universo Marvel.

El potencial de Electro como villano ha aumentado considerablemente con esta nueva habilidad. Marvel podría considerar explorar más este giro en futuras historias, lo que podría elevar a Electro al estado de Lista A o primera lista, y proporcionar nuevas y emocionantes tramas para el héroe arácnido y sus compañeros.

La reinvención como forma de vida

Los cómics de Marvel han demostrado ser mucho más que simples historietas. Son una ventana a mundos imaginarios que reflejan aspectos profundos de nuestra sociedad y cultura. La expansión continua de su canon y la constante reinvención de sus personajes y tramas son cruciales para mantener viva la relevancia y la frescura de esta expresión artística.

En un mundo en constante cambio, los cómics deben evolucionar para seguir siendo relevantes y cautivar a nuevas generaciones. El canon permite explorar nuevas ideas, introducir personajes diversos y abordar temas contemporáneos. Además, fomenta la creatividad de los artistas, que pueden experimentar con nuevos enfoques narrativos.

Reinventarse año tras año no solo mantiene interesados a los seguidores de toda la vida, sino que también atrae a nuevos lectores. De esta forma, se asegura la longevidad del medio. Además, esta renovación constante refleja la naturaleza misma de la existencia: el cambio es inevitable y necesario para el crecimiento y la adaptación. Es ley de vida.

Otros artículos interesantes:

• Mary Jane se convierte en el nuevo superhéroe de Marvel, para sorpresa de todos
• Christopher Nolan lo tiene claro: la industria cinematográfica le debe mucho a Marvel

Aunque uno podría esperar el clásico diseño con correas debajo de los brazos, en este caso, esa persona estaría bastante equivocada. En el número 4 de Superior Spider-Man, obra de Dan Slott y Mark Bagley, Doctor Octopus intenta apoderarse del cuerpo de Peter Parker una vez más. Eso es lo que le permitiría convertirse nuevamente en el Spider-Man Superior.

Sin embargo, Spider-Man ha fortalecido sus defensas mentales desde su último enfrentamiento con Otto Octavius, y está más que preparado por el conflicto con su legendaria némesis de los cómics del Universo Marvel. Una lucha que, sorprendentemente, derivado en un revelador flashback que ha hecho las delicias de los lectores más clásicos.

Un viaje al pasado del Trepamuros

Durante la lucha en el paisaje mental compartido, Spider-Man se viste metafísicamente con su primer disfraz, el "luchador Spider-Man", recordando su primera victoria en el ring de lucha libre contra Crusher Hogan.

Este traje, también conocido como «Masked Marvel», fue usado por Peter Parker en sus primeros días como superhéroe dentro del Universo Marvel. Sucedió justo antes de adoptar el icónico diseño con red debajo de los brazos. Ha sido homenajeado en diversas películas, aunque se recuerda especialmente la primera de Sam Raimi con Tobey Maguire.

A pesar de que el traje «Masked Marvel» es fácilmente olvidado y duró poco desde su debut en el número 15 de Amazing Fantasy, es un recordatorio del humilde comienzo de Spider-Man en los cómics de Marvel. Este prototipo de disfraz es un símbolo del viaje del héroe y merece reconocimiento por ser el que inició todo.

El regreso del primer disfraz de Spider-Man, aunque es algo inesperado, también es un tributo al humilde origen del héroe y su evolución a lo largo de los años. A pesar de no ser el diseño más reconocible por los fans, este traje representa el inicio de la legendaria carrera del superhéroe arácnido y su determinación por hacer valer la gran frase del tío Ben.

Ya sabes, aquello del poder y la responsabilidad. No, no pienso decirlo. Otra vez, no.

Otros artículos interesantes:

• El día que Spider-Man conoció a Wonder Woman… ¡Y no salió bien!
• Mary Jane se convierte en el nuevo superhéroe de Marvel, para sorpresa de todos

Teniendo en mente eso, y con todo el año por delante, es la hora de sumergirse en las adaptaciones más importantes que veremos en 2024. Desde cómics hasta libros, pasando también por clásicos de la Literatura Universal, estas adaptaciones prometen llenar las salas del cine con reinterpretaciones de grandes historias que todos conocemos.

Todas estas películas no solo son una celebración del poder de los libros y los tebeos trasladados al cine, sino también una oportunidad para que los espectadores experimenten algunas de las mejores historias de los cómics y la literatura, pero de una manera completamente nueva y emocionante.

Prepárate para lo que está por venir y descube las mejores adaptaciones de 2024 que tenemos por delante, que son las siguientes:

• Dune: Parte II
• Deadpool & Wolverine
• Joker: Folie à Deux
• El Señor de los Anillos: La Guerra de los Rohirrim
• Mickey 17
• Nosferatu

Dune: Parte II (1 de marzo)

Dirigida por Denis Villeneuve a partir de la novela de Frank Herbert, y protagonizada por Timothée Chalamet, Zendaya, Rebecca Ferguson, Austin Butler y Javier Bardem, entre muchas otras grandes estrellas, Dune: Parte II es una de las adaptaciones más esperadas de 2024. Una secuela que los fans de la ciencia ficción llevan aguardando desde el final de la primera.

Después de lo sucedido en la primera entrega, la historia de Paul Atreides se expandirá dentro del pueblo conocido como los Fremen, a quienes liderará para plantar cara al imperio, seguir con su viaje espiritual y convertirse en el mesías de Dune, al mismo tiempo que trata de evitar esa Guerra Santa en su nombre que ha presenciado en una visión sobre su futuro.

Deadpool & Wolverine (26 de julio)

Dirigida por Shawn Levy a partir de las personajes del Universo Marvel, y protagonizada por Ryan Reynolds, Hugh Jackman, Emma Corrin y Morena Baccarin, entre muchos otros, Deadpool & Wolverine es una de las adaptaciones más esperadas del año, sobre todo por los fans de los superhéroes. ¡Menudo viaje nos espera con este filme!

Deadpool & Wolverine es la tercera entrega de las aventuras del Mercenario Bocazas, pero al mismo tiempo es la primera en el seno del Universo Cinematográfico de Marvel. Todo apunta a un viaje multiversal que dará un golpe sobre la mesa dentro del género y que podría ofrecernos el mayor taquillazo de  2024, si se cumplen los pronósticos.

Joker: Folie à Deux (4 de octubre)

Dirigida por Todd Phillips y escrita por Scott Silver a partir de los personajes de DC Comics, y protagonizada por Joaquin Phoenix, Lady Gaga, Brendan Gleeson y Catherine Keener, entre muchos otros, Joker: Folie à Deux es una de las adaptaciones de superhéroes más esperadas de 2024. Una película que podría competir con Deadpool & Wolverine entre las más taquilleras.

Joker: Folie à Deux es la inesperada secuela de Joker, la película que arrasó en 2019 y triunfó en los Premios Óscar. Con Arthur Fleck dentro del Asilo Arkham, parece que ahora pondremos el ojo en Harley Quinn (Lady Gaga) y en la truculenta, inquietante y perturbadora relación de amor tóxico que tiene con el Príncipe Payaso del Crimen. ¡Puede ser brutal!

El Señor de los Anillos: La Guerra de los Rohirrim (13 de diciembre)

Dirigida por Kenji Kamiyama a partir de los textos de J.R.R. Tolkien, El Señor de los Anillos: La Guerra de los Rohirrim es una de las adaptaciones de fantasía más esperadas del curso. Y lo es porque la cinta de animación va a poner el foco en uno de los elementos narrativos más enigmáticos, interesantes y anhelados por todos los lectores y los fans del Legendarium.

El Señor de los Anillos: La Guerra de los Rohirrim explorará la historia no contada del Abismo. Esa historia tendrá lugar cientos de años antes de la emblemática batalla que lideraron Aragorn, Legolas, Gimli y compañía. Y conoceremos al fundador del abismo, el legendario rey de Rohan conocido como Helm Hammerhand. ¡Esto va a ser tremendo!

Mickey 17 (27 de marzo)

Dirigida y escrita por Bon Joon-ho a partir del libro de Edward Ashton, y protagonizada por Robert Pattinson, Toni Collette, Mark Ruffalo, Steven Yeun y Naomi Ackie, entre muchos otros, Mickey 17 es una de las adaptaciones de libros más esperadas de 2024. A fin de cuentas, es el regreso del famoso director coreano después de su exitazo con Parásitos.

La película de Bon Joon-ho narra la historia de Mickey7, un robot Expendable (vamos, que es prescindible) que es enviado a un planeta helado para colonizarlo y quien se niega a permitir que su clon de reemplazo, Mickey8, tome su lugar. La adaptación de la obra de ciencia ficción de Edward Ashton seguramente haga las delicias de todos los amantes del género.

Nosferatu (25 de diciembre)

Dirigida y escrita por Robert Eggers a partir del clásico de Bram Stoker, y protagonizada por Bill Skarsgard, Lily-Rose Depp, Nicholas Hoult, Emma Corrin y Willem Dafoe, entre muchas otras grandes estrellas de Hollywood, Nosferatu es una de las grandes adaptaciones de 2024 que veremos este año y que adorarán los seguidores más acérrimos de este clásico de la literatura.

Se trata de una nueva versión no solo de la obra de Bram Stoker, sino también de la inolvidable película de F.W. Murnau de 1922. Una de las mayores leyendas de la historia del cine mudo. Veremos si Robert Eggers vuelve a hacer las delicias de los amantes del terror, ahora con este clásico de los vampiros. Pero, sin lugar a dudas, este filme no dejará a nadie indiferente.

Estas son algunas de las mejores adaptaciones de libros y cómics de 2024. Si echas en falta alguna, no dudes en dejar un comentario con tu recomendación. Así, entre todos, armamos una lista mucho más amplia y completa con todas las adaptaciones que nos esperan este año.

Otros artículos interesantes:

• 6 películas olvidadas de Keanu Reeves de las que pocos se acuerdan
• Las 8 mejores películas de Henry Cavill, el polifacético ídolo de los frikis

Ahora, gracias a su propia serie regular de cómics bajo el título Jackpot, Mary Jane Watson finalmente ha tomado las riendas de su propio destino como superheroína dentro del Universo Marvel, y ha adoptado un nuevo nombre y un nuevo traje para unirse a la lucha contra el crimen. Como se suele decir: éramos pocos y parió la abuela.

Un gran debut heroico para Mary Jane Watson

Este cómic supone el debut de Mary Jane como Jackpot en su propio título en solitario, y destaca su evolución de secundario de Spider-Man y otros superhéroes del Universo Marvel a protagonista de su propio viaje heroico.

A través de un monólogo interno, Mary Jane reflexiona sobre lo que significa ser un héroe y cómo sus nuevos poderes sencillamente resaltan la persona que siempre ha sido en su interior.

Desde sus humildes comienzos en el número 42 de The Amazing Spider-Man (1966), Mary Jane siempre estuvo impulsada por el deseo de aventura y de ayudar a los demás. Su icónica frase "Acéptalo, tigre... ¡acabas de ganar el premio gordo!" se ha convertido en uno de sus mayores emblemas, y ha definido su determinación y valentía a lo largo de los años en Marvel Comics.

La validación del pasado en los cómics de Marvel

La transformación de Mary Jane en Jackpot valida su estatus de superheroína en el Universo Marvel, y demuestra que siempre ha tenido las cualidades necesarias para ser una más entre los grandes nombres de la ficción. Sus poderes y traje son una manifestación externa de su verdadera naturaleza heroica, que ha estado presente desde el principio de los tiempos.

El día en que Mary Jane Watson se convirtió en Jackpot no solo supone un nuevo capítulo en la vida de este personaje, sino también una validación de su papel como superheroína dentro del Universo Marvel. Su evolución como personaje demuestra que, más allá de ser la novia o la ex pareja de Spider-Man, siempre ha sido una verdadera heroína con derecho propio.

Otros artículos interesantes:

• Crítica de Madame Web, la nueva película del Universo Spider-Man de Sony protagonizada por Dakota Johnson
• El día que Spider-Man conoció a Wonder Woman… ¡Y no salió bien!

Lo curioso es que estos cruces entre editoriales pone de manifiesto una relación marcada por la desconfianza y la discrepancia. A pesar de ser aliados potenciales, los primeros encuentros entre ambos superhéroes dejaron en claro que Wonder Woman no es precisamente fan de Spider-Man. Vamos, que no le hace ninguna gracia el Trepamuros.

Desconfianza desde el primer encuentro

En su primer encuentro, Wonder Woman expresó abiertamente su disgusto hacia Spider-Man, calificándolo de "espeluznante" y "sospechoso". Incluso lo acusó de dar miedo, destacando su aversión hacia los métodos poco convencionales del héroe arácnido. Desde luego, esto es algo que impresionó a los lectores, pero también les hizo bastante gracia.

A lo largo de varios crossovers, Wonder Woman ha expresado repetidamente su desconfianza hacia Spider-Man. Incluso después de enterarse de su naturaleza heroica, ha seguido haciéndolo. A pesar de que reconoce su dedicación a la lucha contra el crimen, Diana Prince no parece dispuesta a forjar una amistad con él, precisamente.

Respeto a regañadientes

Dejando de lado sus evidentes diferencias, Wonder Woman muestra un respeto básico hacia Spider-Man debido a su compromiso compartido con la justicia. Sin embargo, este respeto no se traduce necesariamente en una amistad cercana. De hecho, deja a Peter Parker con el desafío de ganarse la confianza de Diana Prince en futuros encuentros.

Aunque sus interacciones han sido escasas, la relación entre Spider-Man y Wonder Woman sigue siendo complicada. A día de hoy, tiene un trasfondo de desconfianza que podría requerir mucho trabajo para superar en el futuro. Ojalá algún día volvamos a ver otro crossover entre los dos, pero también que las cosas hayan cambiado entre ambos.

Por otro lado, y hablando de crossovers entre Marvel y DC Comics, se está rumoreando que próximamente habrá una reedición de los cruces noventeros entre ambas editoriales. En Estados Unidos ya está confirmado ese ómnibus. Está por ver si en España seguimos esa misma senda y cuál será la editorial que llevará a cabo la publicación.

Otros artículos interesantes:

• Crítica de Madame Web, la nueva película del Universo Spider-Man de Sony protagonizada por Dakota Johnson
• Todas las actrices de Wonder Woman, clasificadas de peor a mejor

A través de estas películas, series y documentales sobre la crisis de los opiáceos en Estados Unidos, cineastas, creadores, productores y estudios han sostenido un incómodo (pero necesario) espejo para revelar la verdad detrás de esta epidemia que ha sacudido la nación estadounidense de arriba abajo.

Las seis obras elegidas no solo abordan la complejidad de la crisis de los opioides en Estados Unidos, sino que, al mismo tiempo, arrojan luz sobre las vidas afectadas y las luchas diarias a las que se enfrentan los ciudadanos estadounidenses en esta epidemia invisible, una epidemia asumida por las propias víctimas que la padecen.

Desde perspectivas más íntimas hasta análisis sociopolíticos y científicos, cada producto seleccionado ha contribuido en los últimos años a componer un mosaico de conciencia social que pretende catalizar la conversación y llamar a la acción, poner el foco en un problema real y darle una relevancia mediática internacional.

Estas son las seis películas, seis y documentales que muestran la crisis de los opiáceos en Estados Unidos que debes tener en cuenta, por si te interesa el tema:

• Dopesick: Historia de una adicción
• Take Your Pills: Xanax
• La belleza y el dolor
• La gran plaga
• El farmacéutico
• Medicina letal

Dopesick: Historia de una adicción (2021)

Creada, dirigida y escrita por Danny Strong a partir del libro de Beth Macy, y protagonizada por Michael Keaton, Peter Sarsgaard, Will Poulter, Kaitlyn Dever y Rosario Dawson, entre muchos otros, Dopesick: Historia de una adicción es uno de los grandes ejemplos de ficción en torno a la crisis de los opioides en Estados Unidos.

Miniserie original de Hulu (disponible, por tanto, en Disney+), a lo largo de sus ocho episodios de duración nos sumergen en el centro de la lucha contra la adicción a estos opiáceos en Estados Unidos, desde la sala de juntas de una farmacéutica hasta la realidad social que vive una comunidad minera en el estado de Virginia.

La miniserie Dopesick: Historia de una adicción puede ser muy dura de ver. Se aproxima a cuestiones narrativas que pueden parecer ficción, pero que no lo son. Y, en ocasiones, cuesta seguir viendo algo tan extraordinariamente doloroso como jugar con la vida de las personas como si fueran peones en una partida de ajedrez.

Take Your Pills: Xanax (2022)

Dirigido por Blair Foster, Take Your Pills: Xanas es un documental científico de Netflix que aborda las enfermedades, la solución a estas enfermedades y la presencia de los opioides en esas soluciones. Todo gira en torno a la ansiedad, una enfermedad de salud mental que se ha disparado a niveles preocupantes en los últimos años.

En este documental de Netflix de 90 minutos de duración, no solo se pone de manifiesto la dureza de una enfermedad como la ansiedad y los estragos que deja a su paso, sino el comportamiento que tienen los ansiolíticos en testimonios reales de pacientes y expertos. Te puede cambiar la perspectiva si alguna vez la has padecido.

 La belleza y el dolor (2022)

Dirigido por Laura Poitras, distribuido por Neon y disponible en Filmin en nuestro país, La belleza y el dolor es un documental extraordinario que llegó a recibir una nominación a los Premios Óscar 2022 en la sección de Mejor Documental y se llevó el León de Oro en el Festival de Venecia de ese mismo año.

El documental La belleza y el dolor sigue la vida de la artista Nan Goldin y su lucha activa contra los Sackler, la famosa dinastía farmacéutica. Estamos hablando de una de las empresas farmacéuticas que tuvieron mayor responsabilidad en la epidemia de opioides de Estados Unidos, haciendo negocio con el dolor mientras vendían mentiras.

La gran plaga (2022)

Dirigida por Braden King, escrita por Elizabeth Palmore a partir de la novela de Carter Sickels y protagonizada por Philip Ettinger, Lili Taylor, Kerry Bishé y Stacy Martin, entre muchos otros, La gran plaga es una película que representa a la perfección la peliaguda cuestión que nos ocupa en este listado.

Disponible en Filmin, La gran plaga nos mete de lleno en la vida de Cole Freeman, un pobre desgraciado que cuida de ancianos y enfermos en un pequeño pueblucho de los Montes Apalaches mientras, al mismo tiempo, vende analgésicos a los adictos locales. Sin embargo, su vida cambiará para siempre de la noche a la mañana.

Un viejo amigo aparece en este pequeño pueblo de los Montes Apalaches y amenaza con romper su estabilidad laboral y económica. Así pues, Cole Freeman tomará medidas, mientras la película de Braden King nos retrata sin tapujos ni ambages la crueldad de la adicción de las personas a estos opiáceos que les están destrozando.

El farmacéutico (2020)

Dirigido por Jenner Furst y Julia Willoughby Nason, El farmacéutico es una miniserie documental de Netflix que juega a medio camino entre el retrato de la crisis de los opiáceos en Estados Unidos, el mundillo del hampa, los bajos fondos y la influencia de la mafia en el movimiento de estos productos que acaban en la sociedad.

Estamos en el año 1999. Un farmacéutico acaba de perder a su hijo, víctima de un tiroteo relacionado con el tráfico de drogas en Nueva Orleans. Evidentemente, el hombre está desolado. Quiere respuestas. Y hará lo imposible por denunciar toda la corrupción que liga a la mafia con la adicción de los opiáceos en Estados Unidos.

La visión de la serie documental El farmacéutico en Netflix puede ser realmente agridulce. Después de todo, a pesar de la fascinante odisea de este padre que lucha por hacer justicia tras la tragedia que le arrebató a su hijo, la sensación que da es que, a corto plazo, no hay una solución para el problema de la adicción en Estados Unidos.

Medicina letal (2023)

Creada y escrita por Micah Fitzerman-Blue y Noah Harpster a partir del artículo de Patrick Radden Keefe y el libro de Barry Meier, y protagonizada por Matthew Broderick, Uzo Aduba, Taylor Kitsch y Dina Shibabi, entre muchos otros, Medicina letal es uno de los últimos grandes exponentes de este subgénero dramático.

La serie Medicina letal, disponible en Netflix, retrata la crisis de los opioides en Estados Unidos a través de los ojos de los responsables farmacéuticos, las víctimas y una investigadores que busca la verdad a toda costa, a pesar de que esta sea muy dolorosa y pueda sacudir los cimientos de las élites sociopolíticas y económicas.

Estas son algunas de las mejores series, películas y documentales que exponen la realidad de la crisis de los opiáceos en Estados Unidos. Si recuerdas algún otro ejemplo que no esté en la lista, ¡no dudes en dejar un comentario recomendándolo! Así nos quedará un listado mucho más extenso con recomendaciones.

Otros artículos interesantes:

• Crítica de Dopesick – La historia de una adicción en Disney Plus
• Comedias de Netflix con más de cinco temporadas que sirven para poner de buen humor a cualquiera

La imagen, compartida por DC Official, muestra a Zatanna en una pose similar a la de Swift en el anuncio de su álbum, lo que ha generado especulaciones y entusiasmo entre los seguidores de ambas franquicias.

La imagen de DC presenta a Zatanna en una pose y escenario muy similares a los de Taylor Swift, utilizando una paleta de colores monocromáticos y adoptando la etiqueta "El Departamento de Magos Torturados", en referencia al álbum de la artista internacional norteamericana.

Además, la leyenda de la imagen de Zatanna ("Todo se vale en el amor y la magia") imita la frase de Taylor Swift ("Todo se vale en el amor y la poesía).

¿Qué te parece este homenaje? ¿Te gustan este tipo de tributos que trascienden la cultura popular de masas?

Esta publicación… ¿Tiene algo que ver con Young Justice?

Estas similitudes han llevado a los fanáticos a especular sobre posibles colaboraciones entre DC Comics y Taylor Swift, así como sobre el regreso de la serie de televisión Young Justice.

Aunque la emulación de la publicación de Taylor Swift por parte del Universo DC ha provocado numerosas teorías, la más prominente sugiere que podría ser un indicio del regreso de la serie animada Young Justice.

Esta especulación se fortalece debido a que la versión de Zatanna en la imagen es su diseño de personaje de Young Justice.

Desafortunadamente, la ausencia de publicaciones de Taylor Swift relacionadas con DC ha llevado a algunos a considerar menos probable una colaboración directa entre las dos partes.

La verdad es que este tipo de homenajes que llevan a cabo las grandes compañías del mundo del cómic son realmente divertidos. A fin de cuentas, hablamos de coger a una estrella de la magnitud de Taylor Swift y capitalizar el interés que genera esta celebridad para beneficio propio.

Es algo que quizás también va a hacer Deadpool & Wolverine, la película de Marvel Studios protagonizada por Ryan Reynolds. Por lo visto, el actor insistió para tener a la cantante en la película, y eso seguramente, si termina confirmándose (solo es un rumor), beneficiará a su estreno.

Otros artículos interesantes:

• El equipo más poderoso de DC… ¡Ya no es la Liga de la Justicia!
• Taylor Swift inspira la historia del nuevo Superman

Se trata de la Brigada Capitán Átomo, compuesta por variantes del mencionado superhéroe de DC Comics. Durante esta historia, el villano Monarch desafía a héroes de todo el Multiverso obligándolos a luchar entre sí.

Cuando Monarch se enfrenta a la Brigada Capitán Átomo, se enfrenta a un desafío mucho mayor de lo esperado, ya que el Capitán Átomo posee habilidades que lo colocan por encima de Superman y Mujer Maravilla.

¿Quién es en realidad el Capitán Átomo?

El Capitán Átomo tiene un control absoluto sobre la energía debido a su conexión con el Campo Cuántico, lo que le permite manipular cualquier forma de energía y resistir efectos mágicos. Monarch, una versión malvada del Capitán Átomo, se enfrenta a múltiples variantes del héroe, demostrando la enorme potencia de la Brigada.

Aunque Monarch logra vencer a la Brigada, su lucha muestra que incluso un equipo de Capitán Átomos puede rivalizar con la Liga de la Justicia en términos de poder. Cada miembro de la Brigada tiene el potencial de ser tan formidable como Monarch, lo que los convierte en el equipo más poderoso de DC hasta la fecha.

Esta revelación cambia la percepción sobre el poder de los equipos en el Universo DC, demostrando que la Liga de la Justicia no es el único grupo capaz de enfrentarse a amenazas cósmicas. La Brigada Capitán Átomo representa un nivel de poder nunca antes visto en el universo de DC Comics.

Desde luego, es muy interesante cómo las historias de los cómics se van sucediendo una y otra vez por culpa de la continuidad. Esto es algo que muchos lectores critican, pero lo cierto es que le otorga una dimensión rupturista, transgresora, flexible y transformadora, algo que otros medios literarios no tienen la oportunidad de desarrollar.

La verdad es que merece mucho la pena ir conociendo estos detalles y estas evoluciones, y es algo que, como lector, te obliga a mantenerte siempre al día y estar conectado con la saga.

Otros artículos interesantes:

• DC Comics presenta a la nueva e inesperada Liga de la Justicia
• DC anuncia su nueva generación de héroes... ¡Adiós a la Liga de la Justicia!

Venga, va. Basta de bromas. Si antes envidaba a James Gunn por haber escrito, dirigido y orquestado por la trilogía de Guardianes de la Galaxia en el Universo Cinematográfico de Marvel, ahora me da una lástima sincera. Aún no hemos visto prácticamente nada de lo que está llevando a cabo en DC Studios y ya lo están matando desde algunos sectores.

Tampoco debería sorprenderme. A fin de cuentas, el fandom de DC —a excepción de los fans de Star Wars cuando les mencionas el Episodio VIII— se compone de espectadores casuales, seguidores acérrimos que se ilusionan por todo y las viudas de Zack Snyder, que siguen orando por las esquinas en busca de que alguien, quien sea, resucite el universo que Warner mató.

Estos últimos le han puesto una cruz al reboot del Universo DC de James Gunn. Pero no porque le tengan una inquina personal a este director, sino porque, sencillamente, no es Zack Snyder. Si en lugar de Gunn fuera, qué se yo, Matthew Vaughn, Martin Scorsese, Quentin Tarantino o Alexander Payne, también le estarían dando cera. Esto es un hecho.

Sin embargo, James Gunn no solo tiene la tarea de convencer a los fanáticos del Snyderverse de que este nuevo Universo DC es posible. Para qué mentir, eso es el colmo de los colmos, como perder un imperdible o creer que este año se pondrá a la venta Vientos de Invierno. Lo siento, George R.R. Martin. No te vas a librar de nosotros, aunque lo desees.

Además de liderar la misión suicida de traer de vuelta a los fans de Zack Snyder —que no piensan volver, eso ha quedado claro—, James Gunn también debe focalizar tres puntos ineludibles para lograr lo imposible. Esos tres puntos serían los siguientes:

• Convencer a todos aquellos que no confían en Warner Bros. Pictures
• Resucitar el sello de DC Comics, muy tocado tras el DCEU
• Hacer buenas películas y organizar bien este nuevo universo

El primer partido es Superman: Legacy (2025), un filme que ya está en producción y en el que están todas las esperanzas del estudio y del cineasta puestas. Y, a pesar de todos los pesares, a pesar de la cruda realidad a la que se enfrenta James Gunn, hay razones de peso para creer que el reinicio del Hombre de Acero y del Universo DC va a ser un éxito.

¿No me crees? Pues sigue leyendo, anda.

James Gunn es el mejor director posible para Superman

Hay pocos cineastas mejor preparados para encargarse de Superman: Legacy que James Gunn. Su participación en la trilogía de Guardianes de la Galaxia lo ha convertido en uno de los mejores directores de ciencia ficción, fantasía y acción asociados a los superhéroes en Hollywood. Y nos ha dejado muy claro de lo que es capaz con una buena dosis de personajes.

Durante la trilogía no solo demostró ser muy capaz de gestionar una cantidad ingente de personajes simultáneamente en pantalla sin reducir el impacto de uno solo de ellos, sino también diseñó una receta que le ha valido para brillar desde entonces: meter en una coctelera el humor y combinarlo con píldoras de gravedad y subtexto profundo y complejo.

Esto último le ha supuesto un arma de doble filo, pues algunos espectadores no han podido ver el bosque por culpa del árbol de la comedia. Pero, tanto en la trilogía de Marvel Studios como en The Suicide Squad o la serie de Peacemaker, sus productos han tenido tanto humor estúpido y descacharrante como un mensaje conmovedor, sutil, inteligente y adulto.

Si atendemos al hecho de que esto lo ha demostrado tanto en Marvel Studios como en DC Comics, que el personaje de Superman posee los ingredientes exactos para sacar lo mejor de su coctelera cinematográfica y que ya le tocaba dar el paso con un personaje principal y no secundarios… ¡La película de Superman: Legacy lo tiene todo para triunfar!

El casting de Superman: Legacy es un sueño para los fans

Esta es una conclusión a la que ha llegado una amplia mayoría de espectadores. La selección de actores y actrices que conforman —en estos momentos— el reparto de Superman: Legacy se ha descrito como «un casting de ensueño». Y lo más importante de todo es que James Gunn ha participado en el proceso de elección, lo que le da aún mayor valor.

David Corenswet como Superman, Rachel Brosnahan como Lois Lane y Nicholas Hoult como Lex Luthor componen el trío clave en la narrativa de Superman: Legacy. Sin embargo, no podemos olvidarnos de otros personajes como Jimmy Olsen, Green Lantern y la Ingeniera, entre muchos otros que ya han sido confirmados y que tienen un casting igual de prodigioso.

Incluso la elección de Milly Alcock como Supergirl ha ilusionado a los fanáticos de la Mujer del Mañana y de Juego de Tronos, pues es la actriz que dio vida a la joven Rhaenyra Targaryen en La Casa del Dragón. No obstante, la presencia de Supergirl en Superman: Legacy no está confirmada, por lo que no lo utilizaré como argumento… aunque ya lo he hecho.

Sea como sea, con esto me quiero referir a que los actores de Superman: Legacy conforman una lista que ha gustado enormemente a los fans por la mezcla de grandes talentos, la ausencia de nombres de envergadura internacional y lo que algunos denominan «comic accurate»; esto es, parecido entre la realidad y los tebeos. Vamos, que ha gustado.

Los principios siempre son ilusionantes

Si a la experiencia de James Gunn y la magnífica selección de casting le sumamos que Superman: Legacy es el inicio del nuevo Universo DC… ¡Apaga y vámonos! Hay pocas cosas que ilusionen más a los humanos que los principios. Todo el camino por delante. La emoción de la aventura y el descubrimiento. El viaje. Los inicios son hermosos, ¿verdad?

Este nuevo DCU de James Gunn no está intoxicado por todo lo que se ha hecho previamente. Aunque las viudas del Snyderverse continúen presionando en redes sociales, pidiendo el despido de James Gunn y proponiendo un boicot a los productos de Warner Bros. Pictures, lo cierto es que el aire viciado de antaño se ha aligerado en el sello de DC Comics.

La marca sigue tocada, no me confundáis. Ya me he referido antes a esto y es una asignatura pendiente que tiene por delante James Gunn. No obstante, el lienzo ahora está en blanco. Hay algunos «peros», como que se mantengan determinados actores que tienen amistad con el cineasta. Sin embargo, el mapa está mayoritariamente en gris. Toca explorar.

Y lo mejor de todo es que nosotros podemos unirnos a este viaje desde el principio. No necesitamos colgarnos a este buque que está a punto de zarpar en medio del mar, sino que ya llevamos un año revisando las juntas, observando el horizonte por si hay algún bloque de hielo en medio y otros tantos análisis para que no sucedan percances durante la travesía.

Eso mismo es lo que habrá hecho James Gunn, y precisamente Superman: Legacy será un renacimiento en todos los sentidos. Una razón más para creer que este resurgir del Hombre de Acero y del Universo DC de la mano de James Gunn va a cumplir con las expectativas, las va a superar y nos va a entregar una cinta de superhéroes para la historia del cine.

Y tú, ¿crees que James Gunn estará a la altura de la misión que le han encomendado? ¿Crees que Superman: Legacy cumplirá con las expectativas? Déjanos un comentario con tu análisis y opinión, y así sabemos cuál es el sentir popular con este tema.

Otros artículos interesantes:

• James Gunn aborda las críticas de que Superman: Legacy podría tener demasiados superhéroes
• James Gunn hace un ¿spoiler? de Superman: Legacy y comparte detalles adicionales sobre la producción

Aunque Batman está bien preparado para casi cualquier amenaza, la exposición a la kryptonita demostró ser tan fatal para él como para Superman. Metallo, un conocido villano del Hombre de Acero, apareció en Gotham City y desafió a Bruce Wayne.

En un giro sorprendente, Metallo usó un rayo de kryptonita que dejó a Batman incapacitado por culpa el dolor. A pesar de su conocimiento sobre la kryptonita y su capacidad para derrotar a los kryptonianos, el Hombre Murciélago no esperaba ser afectado por ella de la misma manera que le sucede a Superman.

¿Por qué le afectó a Batman esta kryptonita?

Metallo explicó que había desarrollado una variante de kryptonita, llamada "kryptonita lenta", que afecta a los humanos al disminuir la velocidad de las partículas de radiación, permitiendo que afecte a seres menos densos como los de nuestra especie. Esta innovación permite al villano de DC Comics capturar a Batman y ponerlo en una situación peligrosa.

El giro en la trama presentó a Batman como un héroe vulnerable y susceptible a una amenaza que no pudo anticipar. La historia puso de manifiesto la capacidad de los guionistas para explorar nuevas formas de emplear la kryptonita más allá de las historias tradicionales de Superman, convirtiéndola en una amenaza para todos los humanos del Universo DC.

El número 175 de The Brave and The Bold ofreció a los lectores una fascinante revisión de la kryptonita, y demostró que incluso el más preparado de los héroes —como es el caso de Batman— puede ser sorprendido por sus debilidades.

Esta historia resaltó la vulnerabilidad de Batman, algo que tiende a pasar desapercibido por los lectores debido a sus previsoras acciones, y también añadió una capa de complejidad a su identidad al demostrar que, pese a su ingenio y preparación, el Hombre Murciélago también puede ser superado por una amenaza inesperada.

Otros artículos interesantes:

• Así es el Batmóvil más aterrador de la historia de Batman
• Wonder Woman desvela quién es el ganador de Batman vs Superman

Además de todo eso, también ha revelado a un nuevo villano muy importante extraído de los cómics de Marvel. Se trata de Cassandra Nova. Aunque el reparto completo sigue siendo un secreto, se ha confirmado el regreso de Aaron Stanford como Pyro. Sin embargo, la verdadera amenaza de Deadpool & Wolverine va a ser la mencionada Cassandra Nova.

Teniendo en cuenta que Cassandra Nova es uno de los personajes más poderosos de la historia de Marvel, el villano de Deadpool & Wolverine no va a ser precisamente menor. Estamos hablando de un enemigo verdaderamente formidable y que le va a poner las cosas muy difíciles a los dos grandes héroes mutantes que protagonizan el filme.

Vayamos a los cómics y repasemos la historia de Cassandra Nova brevemente.

El origen de Cassandra Nova en los cómics de Marvel

Cassandra Nova es una poderosa villana de Marvel que posee habilidades psíquicas y telequinéticas. Se presenta como el "gemelo" no nacido de Charles Xavier, el Profesor X, y es un "Mummudrai", una especie de parásito que representa lo opuesto a su gemelo.

A pesar de no ser un verdadero gemelo biológico, Cassandra Nova es una copia exacta del Profesor X. Su objetivo principal es matar a Charles Xavier, pues cree que eso será la clave para llegar a dominar el universo. En su historia importante, manipuló a Donald Trask III y cometió el famoso genocidio en Genosha, en el que murieron cerca de 16 millones de mutantes.

Los superpoderes de Cassandra Nova, la villana de Deadpool & Wolverine

Sin lugar a dudas, si Deadpool & Wolverine presenta a Cassandra Nova y copia fielmente sus poderes de los cómics de Marvel, se convertiría en uno de los villanos más formidables en la historia del Universo Cinematográfico de Marvel.

Al poseer superpoderes comparables a los de Charles Xavier, tendría acceso a una amplia gama de habilidades, incluyendo telepatía, telequinesis, duplicación del ADN y la capacidad de liberar su forma astral de su cuerpo físico. Además, su factor de curación y su capacidad para atravesar materia sólida la hacen aún más peligrosa.

Otros artículos interesantes:

• Marvel destroza la cuarta pared en el primer tráiler de Deadpool & Wolverine, la película que salvará el UCM
• Prepara unas chimichangas: Deadpool 3 recibe una primera sinopsis breve, pero muy loca

Este lanzamiento, junto con el éxito en ventas del primer volumen y la aclamación global, consolida a Kagurabachi como una de las apuestas más fuertes de la revista. Desde luego, merece la pena estar al día de cuáles son los títulos que funcionan y cuáles no. A fin de cuentas, de aquí podemos tener la nueva franquicia anime de los próximos años.

La verdad es que el éxito de Kagurabachi en la Shonen Jump es para tener en cuenta. Como digo, Shueisha ha publicado 3 episodios del manga animado en su canal de YouTube con diálogos en inglés, un movimiento sin precedentes que busca capitalizar la popularidad internacional de la serie.

Sin embargo, a esto hay que sumar el récord de ventas que ha cosechado el manga. El primer volumen de Kagurabachi se agotó rápidamente en tiendas físicas y online, lo que obligó a una reimpresión a solo dos semanas de su lanzamiento.

Y, para colmo, la franquicia ya ha obtenido la aclamación internacional. Kagurabachi se ha convertido en una de las series más leídas en la aplicación MANGA Plus de Shueisha, y ha recibido elogios del creador de Jujutsu Kaisen, entre otros. Por lo tanto, ya empieza a consolidarse seriamente dentro de la industria del manga y el anime.

Un futuro muy prometedor para Kagurabachi y la Shonen Jump

Desde luego, el futuro para Kagurabachi es muy brillante. El título se perfila como una de las series más importantes de Shonen Jump en los próximos años. La iniciativa NEXTWAVE de la revista, que busca impulsar nuevos talentos, parece estar dando sus frutos.

Pero ¿de qué va concretamente esta franquicia? ¿Cuál es la trama de Kagurabachi? Este manga narra la historia de Chihiro, un joven que tiene el sueño de convertirse en un forjador de espadas y que entrena diariamente bajo la tutela de su padre, un respetado artesano.

Aunque su padre es alegre y bromista, Chihiro es más reservado. Sin embargo, su vida cambia drásticamente cuando la tragedia golpea, llenando sus días de dolor y sangre. Impulsado por el deseo de venganza, Chihiro empuña su espada en busca de justicia.

Si aún no has catado el manga de Kagurabachi, ¿a qué estás esperando? Dale una oportunidad al título de la temporada. Estoy seguro de que no te dejará indiferente.

Otros artículos interesantes:

• Dragon Ball - Gohan vuelve a romper sus límites 30 años después en la serie manga de Akira Toriyama
• La guionista de la película de Naruto comparte su emoción por adaptar el manga de Masashi Kishimoto

Mientras el debate sobre quién ganaría en una batalla sin restricciones entre Batman y Superman continúa enconando a los fans, Wonder Woman ha dado su veredicto: Superman saldría victorioso en una batalla contra Batman. Desde luego, esta opinión está fundamente en los criterios de la Mujer Maravilla. Tú puedes tener otros, claro. Pero ten cuidado de discutir.

En el número 5 de la serie regular de Wonder Woman, escrito por Tom King e ilustrado por Daniel Sampere, Diana Prince se encuentra con las Wonder Girls, quienes la desafían a varios concursos para que detenga su guerra contra el ejército de los Estados Unidos.

¿Cómo se ha decidido el ganador de Batman vs Superman?

Durante una partida de un videojuego similar a Injustice: Gods Among Us, Diana Prince y Donna Troy interpretan a Superman y Batman, respectivamente. Esta situación le da a Wonder Woman la oportunidad de hablar sobre sus compañeros.

"Bruce sobresale en la planificación, mientras que Clark siempre se contiene", afirma Diana. Sin embargo, "si hicieran todo lo que pudieran, entonces Superman vencería a Batman", añade, un punto que Diana Prince destaca al derrotar a Donna en el juego. La verdad es que no le falta razón, pero no tiene en cuenta la naturaleza desconfiada del Hombre Murciélago.

Wonder Woman conoce bien a ambos héroes. Ha luchado y derrotado a ambos en el pasado. Por mucho que respete la perspicacia y previsión de Batman, Diana Prince es consciente de sus limitaciones humanas. Ha visto de primera mano el poder de Superman y sabe que la única razón por la que podría perder es por su tendencia a contenerse.

La verdad es que hay motivos para tener en cuenta la opinión de Wonder Woman a la hora de ser juez en este dilema. A fin de cuentas, ha luchado con ambos superhéroes y conoce tanto sus fortalezas como sus debilidades. Además, no tiene favoritismos por ninguno de los dos, es una estratega militar experta y es una guerra formidable. ¡Confiemos en su criterio!

Otros artículos interesantes:

• Así es el Batmóvil más aterrador de la historia de Batman
• La hija de Wonder Woman cambiará el futuro viajando en el tiempo

Cada año, nuevas historias pueblan las estanterías de las librerías especializadas (y no tan especializadas, si atendemos al auge de las viñetas en la última década y la ampliación de la demanda) con el propósito de cautivar a los lectores y aportar su granito de arena a la cultura popular nacional a través de los bien llamados tebeos.

Por ese motivo, merece la pena echar la vista ligeramente atrás y repasar los cómics que destacaron por encima de otros entre los más importantes publicados en España durante el año 2023. Evidentemente, es una lista personal. Por tanto, atiende a cuestiones subjetivas y quizás eches en falta alguno que a ti también te marcó.

Sea como sea, cada una de estas obras merece ser descubierta y apreciada, tanto por su calidad narrativa como por su contribución al rico panorama del cómic español. Un panorama que, como digo, no para de crecer y de ofrecernos notables historias y narrativas con un arte magnífico y de una calidad incuestionable.

Aquí van los seis cómics más importantes publicados en España en 2023:

• El abismo del olvido
• El cielo en la cabeza
• Judee Sill: Éxtasis y redención
• El pájaro y la serpiente
• Contritión
• Ronsón

El abismo del olvido, de Paco Roca y Rodrigo Terrasa

El cómic El abismo del olvido es una obra maestra que combina a la perfección la profundidad narrativa de Paco Roca con la exhaustiva y delicada investigación del periodista Rodrigo Terrasa.

Ambos autores se embarcaron en un viaje al pasado para desentrañar las historias de dos hombres: Leoncio, un sepulturero obligado a enterrar a los fusilados por el régimen franquista, y José, uno de esos fusilados y padre de Pepica, quien lucha en el presente por recuperar sus restos.

Paco Roca emplea su talento narrativo para plasmar la crudeza de la época con una mezcla de viñetas realistas y simbólicas. Sus diagramas didácticos, sus metáforas visuales y sus conexiones entre pasado y presente sostienen la tragedia. La exposición de las acciones, en ese sentido, es crucial para transmitir el dolor de la verdad.

El objetivo del cómic no es otro que el de reparar el daño causado por el olvido y dar voz a las víctimas del franquismo. Una historia extraordinaria que está entre los mejores cómics españoles de 2023. Si no lo has leído, prepárate, porque es tan duro, tan doloroso y tan cruel como la vida misma.

El cielo en la cabeza, de Antonio Altarriba, Sergio García y Lola Moral

El cómic El cielo en la cabeza es una obra visualmente atractiva y con un fuerte mensaje social. Una lectura obligatoria que permite comprender la realidad que sufren los inmigrantes y la necesidad que tenemos todos nosotros de crear una sociedad más justa y equitativa para todos los habitantes de este antiguo planeta.

En el apartado visual, El cielo en la cabeza destacar por su viaje cromático y compositivo. Lola Moral emplea una paleta de colores que varía sutilmente para ambientar cada capítulo, mientras que Sergio García despliega un enorme arsenal de recursos con composiciones atrevidas y complejas.

¿El resultado? Un tebeo que camina entre dos mundos. Por un lado, un cómic social que retrata la realidad de la inmigración con toda su crudeza; y, por el otro, un tebeo de aventuras con un apartado gráfico que despierta la curiosidad del lector y lo conduce de la mano por una travesía artística superlativa.

Judee Sill: Éxtasis y redención, de Juan Díaz Canales y Alonso Iglesias

El cómic Judee Sill: Éxtasis y redención es una novela gráfica de Juan Díaz Canales y Alonso Iglesias que reivindica la figura de esta artista californiana… injustamente olvidada. Una obra impecable que te atrapará desde la primera páginas gracias a la combinación de interés narrativo y trabajo artístico.

La historia reconstruye la vida de Judee Sill, y lo hace con un guion soberbio y un tratamiento excepcional del dibujo y del color. La compleja personalidad de la artista, única en su especie, facilita las cosas a la hora de provocar en el lector un interés inmediato en seguir leyendo y descubriendo su historia.

Si te gusta la música, la literatura y el dibujo, Judee Sill: Éxtasis y redención, publicado por Norma Editorial, es una obra que no puedes perderte. Una lectura que logrará emocionarte, te divertirá y, al mismo tiempo, te hará reflexionar sobre la identidad del arte, la complejidad de la fama y la fragilidad de la vida.

El pájaro y la serpiente, de Borja González

El cómic El pájaro y la serpiente se presenta como la culminación de una trilogía no oficial que dio comienzo con Black Holes y continuó con Grito Nocturno. Por otro lado, la obra de Borja González también se relaciona con La Reina Orquídea, que funciona como una antesala a su universo particular de las viñetas.

Aunque esta historia es independiente, conecta con las obras anteriores de una forma sutil, casi imperceptible. No obstante, Borja González reutiliza temas, escenarios y tonos, y crea una experiencia familiar para los lectores más veteranos de su obra, que habrán recibido El pájaro y la serpiente con los brazos abiertos.

Desde luego, estamos delante de la obra más emocionalmente cargada del autor. La tensión se palpa en cada viñeta y los parajes transmiten esa energía de fondo, dotando de drama al contexto. Todo acentuado por una paleta de colores crepuscular y nocturna que permite multiplicar la dicotomía central de la obra.

¿La historia? Matilde se encuentra en una situación desesperada dentro de un opresivo castillo rodeado por un denso bosque. Las mujeres de su familia aguardan el regreso de los hombres que han salido de caza para iniciar un antiguo rito que la condenará a un destino terrible. Sin embargo, su hermana Teresa se rebela contra este destino y lucha por evitarlo a toda costa. Terror gótico.

Contritión, de Carlos Portela y Keko

El cómic Contritión nos sumerge en la oscuridad del ser humano al retratar a un depredador sexual, como ya hiciera antaño Antonio Muñoz Molina con su complejísima Plenilunio. Sin embargo, en esta ocasión no se trata de profundizar en la mente de un criminal y ahondar en la psicología del delito, como hace por ejemplo Mindhunter.

Contritión ofrece un mosaico de las diversas personas que orbitan alrededor del depredador sexual y que, a menudo, no suele ser relevante desde un punto de vista mediático. Hablo de víctimas, familiares, aquellos que buscan redimirlo, comprenderlo, matarlo o, sencillamente, tienen curiosidad por la historia.

Carlos Portela y Keko despliegan una narrativa inteligente que juega con el desorden cronológico y altera el foco protagonista en cada episodio. Una decisión narrativa que permite a los autores enriquecer el mosaico descrito en el párrafo anterior y dar una visión mucho más compleja que la habitual en torno a la tragedia y el delito.

Como ya sucedió con La cuenta atrás, Carlos Portela juega con el tiempo con el propósito de mantener la tensión y generar sorpresa en el lector. Ningún personaje es lo que parece del todo, y sus acciones desembocan en reflexiones internas sobre la culpa, la redención y la oscura complejidad que habita en la naturaleza humana.

Ronsón, de César Sebastián

El cómic Ronsón es una obra singular que va mucho más allá de una simple autobiografía. El autor, César Sebastián, propone un viaje a través de las memorias de su padre. Pero, para ello, emplea un formato innovador que recuerda a un cuaderno de viajes fotografías, como esos que infestan los cajones en la casa de tus padres.

Lo curioso es que la historia de Ronsón se desarrolla en una dimensión mágica, flanqueada por dos pasajes que la anclan en el presente y que advierten al lector de una realidad inalterable: los recuerdos son la magia de nuestro mundo, y tienen el poder de transformarse a voluntad dentro de la mente humana.

Para ello, César Sebastián utiliza un lenguaje visual meticuloso, con composiciones que persiguen la armonía y colores que recrean atmósferas de ensueño. Sin embargo, que el árbol no os impida ver el bosque. Este cómic no pretende romantizar el pasado, pero sí idealizarlo, atesorar los recuerdos, pulir los hechos por medio de la imaginación.

En resumidas cuentas, Ronsón nos habla de la memoria, de la importancia de preservar todas esas historias que llamamos vida y cómo esos recuerdos, esas vivencias, nos configuran como personas. Un tebeo lleno de simbolismo y poesía que está entre lo mejor de este año en cuanto a producción nacional.

Sí, me dejo muchos otros por el camino, pero no pueden caber todos y por eso he tenido que cribar. Sin embargo, tienes la posibilidad de contarnos cuáles son esos cómics españoles de 2023 que echas en falta en esta lista. Y así, entre todos, creamos  un listado mucho más completo con lo mejor de nuestros artistas patrios.

Otros artículos interesantes:

• Mejores lectores de eBooks con pantalla a color para leer cómics
• 6 tiendas de cómics indispensables en España, y no todas están en Madrid y Barcelona

Durante más de 50 años, Johnny Blaze ha sido el rostro de Ghost Rider, pero ahora ha perdido el control del Espíritu. En Ghost Rider: Final Vengeance, Johnny se enfrenta a la difícil tarea de detener a Hood, quien utiliza el poder del Espíritu para sus propios fines nefastos. Pero, lejos de basarse en los cómics de Marvel, el título se inspira en Batman: El Largo Halloween.

El escritor de la serie, Benjamin Percy, ha reconocido que Batman: El Largo Halloween fue una fuente de inspiración para la historia. En una entrevista, el historietista del Universo Marvel mencionó que le atraía la idea de mezclar terror y crimen, similar a lo que se ve en la novela gráfica de DC Comics protagonizada por el Caballero Oscuro.

Terror y psicología en el nuevo cómic de Ghost Rider

Percy también ha descrito la transformación de Hood en Ghost Rider como “un desafío divertido”, ya que le permite explorar a un villano que normalmente no recibe tanta atención como otros personajes más conocidos. Si a eso le sumamos la bat-inspiración de un título como Batman: El Largo Halloween… ¡Este nuevo cómic ya está vendido!

Ghost Rider: Final Vengeance promete ser una historia llena de terror y suspense. Percy ha adelantado que la serie explorará la psique de Johnny Blaze y los motivos que llevaron al Espíritu de la Venganza a abandonarlo. Esperemos que no se quede en agua de borrajas y nos deje a medio gas, porque la propuesta es verdaderamente atractiva.

La elección de un villano como nuevo Ghost Rider es un giro inesperado que abre nuevas posibilidades para el personaje. La serie promete ser una lectura apasionante para los fans del terror y los cómics de superhéroes, y también para todos los amantes de Batman: El Largo Halloween, uno de los mejores cómics de la historia del Murciélago de Gotham.

Otros artículos interesantes:

• Conoce a la nueva generación de los X-Men en Marvel
• DC admite que Batman está perjudicando a su universo

Es el caso del famoso aniquilamiento de la mitad del universo en El Guantelete del Infinito, que posteriormente adaptaron a las películas de Marvel en Vengadores: Infinity War y Vengadores: Endgame. Sin embargo, en The Resurrection of Magneto, una nueva luz brilla sobre esta compleja relación, cambiando radicalmente nuestra comprensión de la misma.

La trama, escrita por Al Ewing e ilustrada por Luciano Vecchio, se centra en Magneto, quien se encuentra en apuros en el Más Allá y logra comunicarse con Tormenta. A través de ella, el lector es testigo de las múltiples facetas de ese Más Allá, incluyendo la presencia de la Muerte como una de las opciones que aguardan a las almas después de la muerte física.

¿Qué ha cambiado ahora en el Universo Marvel con la Muerte?

Lo más impactante es la revelación de que no hay un destino único para las almas, sino múltiples caminos que pueden tomar, como el juicio, la reencarnación y otros aún por descubrir.

Esta nueva complejidad en la vida futura de Marvel añade una capa de profundidad a la narrativa cósmica, y refleja las diversas creencias y actitudes hacia la Muerte que existen en el mundo real.

Pero lo más intrigante es cómo esta revelación transforma nuestra comprensión del amor de Thanos por la Muerte. A lo largo de los años, Thanos ha sido retratado como un adorador obsesivo de la Muerte, dispuesto a hacer cualquier cosa para ganar su favor.

Sin embargo, al descubrir que existen múltiples opciones para las almas en el Más Allá, incluyendo el juicio, la persistencia de Thanos en su devoción por la Muerte adquiere una nueva dimensión.

Su negativa a considerar otras posibilidades sugiere un miedo subyacente o una incapacidad para enfrentarse a las consecuencias de sus acciones. Esto plantea la siguiente pregunta: ¿es el amor de Thanos por la Muerte una verdadera adoración o simplemente una evasión de la responsabilidad y el juicio?

Esta nueva perspectiva desafía nuestra percepción de Thanos como un villano unidimensional en los cómics de Marvel y revela una complejidad más profunda en su carácter. Sus acciones ahora pueden interpretarse no solo como muestras de devoción, sino también como actos de miedo y cobardía, agregando capas de significado a su intrigante relación con la Muerte.

Otros artículos interesantes:

• Marvel anuncia el secreto más oscuro de la historia de Thanos
• La maldición de Thanos… ¡Es culpa del Guantelete del Infinito!

Este personaje, que ha estado ausente durante gran parte de la última década, resurge para desafiar nuevamente al Hombre Murciélago mientras lucha por recuperar el control de su mente, amenazada por un demonio llamado Azmer.

El Doctor Hurt, también conocido como Thomas Wayne, un antepasado de Bruce Wayne, es un villano que ha pasado desapercibido en la historia reciente de Batman, pero que ahora va a jugar un papel central en la narrativa de Detective Comics.

El cómic, escrito por Ram V y con las ilustraciones de Stefano Raffaele y Riccardo Federici, revela cómo Batman, afectado por el demonio Azmer que busca subyugar su mente, se ve obligado a enfrentarse nuevamente al astuto Doctor Hurt.

¿Cuál es el origen de Doctor Hurt, el villano de Batman?

La historia de Doctor Hurt se remonta a cientos de años atrás, cuando vivía como un adorador del dios murciélago Barbatos. Intentando convocar a Barbatos, Hurt cometió un error y terminó convocando al Hiperadaptador, lo que lo condenó a una vida anormalmente larga.

En su intento por destruir a Batman, Hurt atacó la reputación de la familia Wayne, difundiendo rumores sobre la participación de Thomas Wayne en un atraco infame. Sin embargo, lo más destacado de la conexión entre Doctor Hurt y Batman es la capacidad del villano para afectar mentalmente al Caballero Oscuro.

Hurt, un brillante psicólogo con décadas de estudio sobre Batman, estuvo a punto de romper la mente de Bruce Wayne en el pasado. Solo la presencia de la personalidad de Zur-En-Arrh, creada por Batman como mecanismo de defensa, impidió su total derrota mental.

El regreso de Doctor Hurt a la narrativa actual de DC Comics revive elementos del enfoque de Grant Morrison en el mito de Batman. Esta vez, el enfrentamiento cobra un nuevo significado, ya que la mente de Batman está siendo devastada por el demonio Azmer.

Este resurgir del Doctor Hurt ofrece la oportunidad de explorar nuevamente la conexión personal con la familia Wayne y desafiar a Batman en un momento crucial. Aunque Batman previamente derrotó al Doctor Hurt, la amenaza de la mente vulnerable de Bruce Wayne presenta un desafío renovado.

En esta ocasión, el villano, raramente utilizado en las tramas recientes, podría tener éxito donde antes falló, planteando una amenaza significativa al Caballero Oscuro en su lucha por mantener el control.

Otros artículos interesantes:

• DC admite que Batman está perjudicando a su universo
• Así es el Batmóvil más aterrador de la historia de Batman

La aclamada artista Peach Momoko, encargada de escribir y dibujar la nueva serie Ultimate X-Men, es la responsable de presentar una visión fresca y atrevida de los icónicos personajes de Marvel.

El tráiler, disponible en el canal de YouTube de Marvel, comienza con Hisako Ichiki, una joven a la que se le entrega un misterioso colgante. Una figura imponente y sombría surge desde atrás, entregándole un collar antes de despedirse.

Posteriormente, Hisako experimenta un evento impactante: tras ser atropellada por un automóvil, un campo de fuerza rojo la protege, sumiéndola en la confusión y el pánico.

Te dejo el tráiler a continuación, para que le eches un vistazo:

¿Qué te parece la nueva generación de X-Men en Marvel?

Una nueva hornada mutante en los cómics

El avance también revela imágenes impactantes, entre las cuales destaca un primer vistazo a la nueva encarnación de Ultimate Storm. Esta serie forma parte de la renovación del Ultimate Universe, que tuvo su inicio a principios de siglo y ahora se reinventa con un enfoque contemporáneo.

El Universo Ultimate original fue un éxito tanto entre críticos como fanáticos al ofrecer una nueva interpretación desde cero del Universo Marvel, libre de las ataduras de décadas de continuidad.

Ahora, con el nuevo Universo Definitivo de Marvel , la editorial busca superar las expectativas al enfrentar a los héroes contra oligarcas y familias gobernantes que manipulan eventos mundiales para sus propios fines, reflejando así la desigualdad de ingresos y el malestar civil de la sociedad actual.

El tráiler también revela una versión intrigante y aterradora del Profesor X, quien desempeñará un papel central en Ultimate X-Men. La serie abrazará leyendas urbanas y promete un enfoque arriesgado y audaz. La inquietante vibra del nuevo Profesor X añade una capa de misterio, sugiriendo unos cuantos giros inesperados en la historia.

Con Peach Momoko a la cabeza, Ultimate X-Men se presenta como un proyecto épico que reimagina a icónicos personajes mutantes del Universo Marvel en un contexto contemporáneo, ofreciendo a los fans una experiencia única y llena de sorpresas. Desde luego, va a dar muchísimo que hablar durante los próximos meses.

Otros artículos interesantes:

• Marvel cambia para siempre la relación entre Spider-Man y Miles Morales

Sin embargo, en el número 32 de la serie de Green Arrow, durante los eventos de Noches Oscuras: Metal, los lectores de DC Comics fueron testigos de una retorcida y aterradora versión del Batmóvil en manos del siniestro Batman Que Ríe. Desde luego, si algo consiguió esta variante del Hombre Murciélago… ¡Es revolucionar los diseños estéticos!

La historia en Green Arrow nos lleva a un momento crítico cuando diversas versiones malévolas de Batman tratan de sumir a la Tierra en el Multiverso Oscuro. Enfrentándose a todo aquel que se le oponga, el Batman Que Ríe lidera la carga con un vehículo que es una pesadilla sobre ruedas. Alguno lo ha llegado a describir como el Batmóvil Que Ríe.

El Batmóvil Que Ríe… ¡Para el Batman Que Ríe!

Este inquietante diseño de Batmóvil presenta respiraderos de llamas, ruedas con púas, un contenedor para cautivos y una torreta, todo coronado por una sonriente parrilla de aspecto maníaco. En resumidas cuentas, esta versión del coche de Batman encapsula la esencia del Joker y refleja a las mil maravillas la variante malévola de este innovador Caballero Oscuro.

Aunque la aparición del Batmóvil Que Ríe fue breve, dejó una impresión duradera debido a su diseño impactante y absurdamente retorcido. Este vehículo se convirtió en una manifestación física de la transformación de Batman en El Joker, combinando la tecnología icónica del Batmóvil con elementos sádicos y caóticos propios del Príncipe Payaso del Crimen.

Desde su introducción, el Batmóvil ha sido una pieza emblemática en la mitología de Batman, y han surgido diversas versiones a lo largo de los años. Sin embargo, el Batmóvil Que Ríe es una actualización singularmente peligrosa y perturbadora. Una clara referencia visual al Joker, pero al mismo tiempo una versión extrema y letal dentro del Multiverso DC.

¿Qué os parece esta oscura versión del Batmóvil de Batman? ¿Conoces alguna que te parezca todavía más inquietante y aterradora? Si es así, no dudes en dejar un comentario con esa referencia comiquera, para que todos la descubramos y consultemos.

Otros artículos interesantes:

• DC admite que Batman está perjudicando a su universo
• El nuevo láser de Batman es todo lo que siempre había soñado

En este episodio escrito por Joshua Williamson y con arte de Bruno Redondo, Superman se ve atrapado en el Salvaje Oeste junto a Marilyn Moonlight. Allí se enfrentan a un inesperado supervillano. Sin embargo, en este contexto temporal, Superman demuestra que su ingenio mental puede ser tan efectivo como sus poderes físicos.

La trama se desarrolla con Superman y Marilyn Moonlight tratando de regresar a su tiempo, atrapados en el pasado. Su única opción es hacer uso de la máquina del tiempo de Terra-Man, lo que desencadena un enfrentamiento épico.

A pesar de que Terra-Man cree que Superman está debilitado tras un encuentro previo, el héroe demuestra recuperar su fuerza y emerge victorioso. Cuando Moonlight le pregunta si sabía que sus poderes habían regresado, Superman revela una táctica interesante. Algo que todos damos por hecho, pero que es muy ingenioso.

Como dice Obi-Wan Kenobi, la verdad es un punto de vista

 "La mayoría de mis villanos nunca piensan que estoy por encima de la mentira y el engaño debido a mi imagen de Boy Scout", afirma Superman sin tapujos. Esta revelación arroja luz sobre la estrategia mental que el Hombre de Acero emplea para desconcertar a sus adversarios dentro del Universo DC

A pesar de su imponente presencia y sus habilidades asombrosas, Superman ha construido una imagen de héroe incorruptible y honesto. Una imagen de Boy Scout, como se le suele describir desde el mundillo friki. Esta fachada juega a su favor, ya que sus enemigos raramente esperan que utilice tácticas encubiertas o engaños para derrotarlos.

Este nuevo cómic explora el riesgo que asumió Superman al colaborar con Lex Luthor para mejorar el mundo, lo que condujo a la revelación de oscuros secretos en la historia de Metrópolis. En su búsqueda de respuestas, Superman se ve transportado al pasado gracias por culpa de Mister Graft, y allí se enfrenta a situaciones que desafían su integridad y su ética.

Superman es bien conocido por ser un modelo de virtud y heroísmo, y ha sabido capitalizar esa percepción que los demás tienen de él para vencer a sus enemigos con ingeniosas estrategias que evitan el conflicto físico y el uso de sus superhabilidades.

La gente, incluyendo lectores y villanos, tiende a subestimar su astucia y habilidad para el juego mental. Esa fachada de Boy Scout le otorga a Superman una ventaja táctica, ya que sus oponentes no esperan que utilice estratagemas o tácticas sorpresivas. Sin embargo, esta táctica, aunque no es espectacular, prueba la inteligencia y astucia de Clark Kent.

Aunque Superman es conocido por su ética intachable, esta revelación destaca su capacidad para adaptarse y emplear estrategias ingeniosas cuando es necesario. No solo es un recordatorio de la versatilidad del personaje, sino también de la importancia de la astucia en la lucha contra el crimen, incluso para un héroe tan icónico como Superman.

Otros artículos interesantes:

• La imagen más famosa de Superman… ¡No es realmente suya!
• DC admite que Batman está perjudicando a su universo

A lo largo de sus recientes aventuras, Iron Man ha exhibido las capacidades mejoradas y estéticas de su nueva creación. Desde luego, es todo un hito dentro del Universo Marvel. En los eventos de verano de 2023, después de ser despojado de todo por su nuevo enemigo Feilong, Tony Stark construyó la Mark Nil para enfrentarse a su adversario.

Esta nueva armadura, que ha seguido siendo una pieza fundamental en los cómics de Los Vengadores, ha dejado boquiabiertos a héroes y villanos por igual. De hecho, en la serie de los héroes más poderosos de la Tierra, hay un momento revelador donde la simple vista de la armadura de Iron Man detiene a su oponente, Bedivere.

Para el que no lo conozca, Bedivere es un miembro blindado de la Corte Crepuscular. Sea como sea, esta escena refleja cómo la Mark Nil no solo es una mejora cosmética, sino también una herramienta táctica que desconcierta a aquellos que se enfrentan a Iron Man.

¿Por qué construyó esta armadura el bueno de Tony Stark?

La trama actual de El Invencible Iron Man presenta a Feilong como el nuevo propietario de Stark Industries. Un personaje que utiliza la tecnología y el armamento de Tony Stark de formas maquiavélicas y malévolas.

En respuesta, Iron Man construye la Mark Nil, que supera significativamente a su traje clásico en términos de funcionalidad y poder. La armadura no solo incorpora la capacidad de trepar paredes, sino también poderes que recuerdan a Visión y otros Vengadores.

En un enfrentamiento con Feilong, ambos oponentes quedan impresionados por las habilidades y diseño de las armaduras del otro. Aunque los dos parecen dispuestos a suspender la pelea, optan por luchar pese a reconocer el asombroso potencial de las armaduras de cada uno.

En resumidas cuentas, esta nueva armadura no solo supone una evolución en el arsenal de Tony Stark, sino que también sirve como un símbolo de poder que influye en la dinámica de las confrontaciones. En apenas medio año, la Mark Nil ha demostrado ser una incorporación impactante al legado de Iron Man. Un legado que recordaremos durante años.

Otros artículos interesantes:

• Iron Man se convierte en la nueva pesadilla de los X-Men

En el número 6 de la serie regular The Penguin, escrito por Tom King e ilustrado por Stevan Subic, se desentraña una nueva perspectiva del pasado del Joker. Oswald Cobblepot, más conocido como El Pingüino, se convierte en una pieza clave al proporcionar información a Batman sobre las actividades del mafioso Carmine Falcone.

Resulta que El Pingüino, antes de ser un villano, trabajó como barman para Falcone, un criminal destacado en los primeros años de Batman. Cansado del abuso de Falcone y deseoso de ascender en el inframundo criminal, Oswald decide aliarse con el Hombre Murciélago y proporcionarle información valiosa.

Esta información lleva a Batman a intervenir en un robo en Ace Chemicals, donde, durante la captura de los criminales, un "matón menor" cae accidentalmente en una tina de productos químicos. Os suena, ¿verdad? Efectivamente, ese es el origen del Joker que todos conocemos. El origen más famoso del Príncipe Payaso del Crimen.

La relación entre El Pingüino y el origen del Joker

Este incidente, revelado por Oswald Cobblepot, arroja nueva luz sobre el origen del Joker. Aunque el Príncipe Payaso del Crimen ha tenido numerosas historias de fondo a lo largo de los años, esta versión propuesta por DC Comics vuelve a presentar al villano de Batman como el resultado de circunstancias más mundanas y menos fantásticas.

La conexión entre El Pingüino y la creación del Joker añade un giro intrigante a la narrativa del Universo DC. De hecho, sugiere que su origen está más arraigado en el crimen cotidiano que en eventos cósmicos o tragedias personales extremas. Algo que encaja a las mil maravillas con la mitología del Caballero Oscuro y las mejores representaciones de su némesis.

Mientras que el cómic Batman: La Broma Asesina ha sido uno de los orígenes más populares del Joker, presentándolo como un comediante fracasado, esta nueva revelación proporciona un contexto adicional sobre cómo El Joker terminó inmerso en una tina de productos químicos. 

Este desarrollo narrativo moderniza la mitología del Joker y profundiza en elementos periféricos de su creación que lo vinculan a la lucha contra el crimen en Gotham City. Carmine Falcone, conocido como "El Romano", fue destronado por Batman, Gordon y Harvey Dent durante los eventos de El largo Halloween.

Ahora se ha descubierto que El Pingüino también desempeñó un papel crucial en la caída de Falcone al proporcionar información clave a Batman. Esta información, destinada originalmente a combatir el crimen, provocó indirectamente la creación del Joker. Definitivamente, el destino puede ser extraordinariamente caprichoso.

Otros artículos interesantes:

• DC admite que Batman está perjudicando a su universo
• El nuevo láser de Batman es todo lo que siempre había soñado

La editorial, conocida por adaptar exitosamente varias propiedades animadas de Disney al formato de cómic, ha revelado su próximo proyecto. Un cómic de Hércules que seguirá las aventuras del héroe griego, quien abandonó la divinidad para vivir como un mortal.

La trama, inspirada en el clásico animado de 1997, sigue a Hércules mientras intenta forjarse una vida como héroe terrenal. La decisión de renunciar a su estatus divino desconcierta a los dioses del Olimpo, pero terminan respaldando su elección, ya que Hércules se convierte en el agente perfecto para intervenir cuando los problemas afloran en la Tierra.

La historia se desencadena cuando los esfuerzos de Afrodita por enamorar a un artista resultan en un desastre. El artista, encantado por una estatua que cobra vida gracias a la diosa del amor, se encuentra con una creación de mármol en lugar de una mujer real.

Ante este dilema, Hércules se embarca en una misión para corregir el caos. Sin embargo, la situación se complica cuando descubre el templo de Afrodita abandonado, marcando el comienzo de una saga repleta de heroísmo y desafíos.

¿Quién está detrás de los cómics de Hércules?

El equipo creativo detrás de este emocionante proyecto incluye al escritor galardonado con un premio Emmy, Elliott Kalan, reconocido por su trabajo en The Daily Show y Mystery Science Theatre 3000. Aquí tienes algunas portadas que se han desarrollado:

El arte interior es responsabilidad del talentoso dibujante de cómics griego George Kambadais, quien anteriormente colaboró en la adaptación de Gargoyles de Dynamite. Las portadas contarán con la destreza artística de Kambadais, Matteo Lolli, Franceso Tomaselli y Alessandro Ranaldi.

Elliott Kalan compartió su entusiasmo por la serie al destacar la relevancia de Hércules como un arquetipo original de superhéroe. "¿Qué son los Doce Trabajos sino la historia original de doce números?", expresó Kalan.

Además, el dibujante George Kambadais subrayó la importancia cultural de Hércules, especialmente en Grecia, describiéndolo como "un personaje súper importante en la cultura popular de masas”.

El primer número de la serie de Hércules está programado para su lanzamiento el próximo 10 de abril de 2024. Promete llevar a los lectores a un viaje mitológico lleno de acción, humor y las travesías épicas que han caracterizado al héroe desde su debut animado.

Otros artículos interesantes:

• La película en live-action de Hércules no será un remake plano a plano
• La nueva serie de Star Wars y Shōgun encabezan los estrenos de febrero en Disney+

El adelanto de la serie Spectacular Spider-Men, que comenzará a partir del próximo mes marzo de 2024, muestra a Peter Parker y Miles Morales en una nueva dinámica. Básicamente, sus roles se han invertido. Esto supone toda una evolución en su conexión y en la dimensión de su dinámica de personajes hasta la fecha en el Universo Marvel.

La serie comienza con Spider-Man y Miles Morales coordinando encuentros semanales en Nueva York, disfrazados como civiles. Aunque Peter asegura que no buscarán enfrentarse a criminales durante estos encuentros, ambos se ven amenazados por una nueva y gigantesca versión del Chacal, así como por un ataque de Vermin en las alcantarillas de la ciudad.

El gran cambio de paradigma en Spectacular Spider-Men

Lo que hace única y llamativa a la serie de Spectacular Spider-Men es su promesa de un cambio permanente en la relación de Peter Parker y Miles Morales. Como indicamos, el tráiler sugiere que ambos son igualmente importantes, pero al mismo tiempo eliminan la dinámica tradicional de mentor y aprendiz. Los dos están en el mismo nivel.

El escritor Greg Weisman ha desvelado en un comunicado de prensa que la serie explorará esta inversión de roles arácnidos. Miles Morales se esforzará por demostrar su madurez y , mientras tanto, Peter Parker liberará a su "niño interior" La historia pretende evolucionar la relación de maestro y pupilo hacia una amistad más equitativa.

Este cambio es especialmente significativo dentro del Universo Marvel, ya que Miles Morales ha estado enfrentándose a desafíos monumentales durante el último año. Desde la confrontación con Duende, Matanza y el villano Rabble hasta el peligro de su familia y el incendio de su hogar, Miles ha experimentado un considerable sufrimiento.

Aunque Peter Parker ha estado mayormente ausente durante estos momentos difíciles, otros héroes como Iron Man, Blade, Misty Knight y Doc Samson han llenado este vacío. Por otro lado, Miles Morales ha desbloqueado nuevos poderes, incluido un sable de araña y una versión mejorada de su sentido arácnido. 

Otros artículos interesantes:

• Decepción con el nuevo traje de Spider-Man en el Universo Ultimate
• La modelo facial de Mary Jane en Marvel's Spider-Man abandona su carrera por el acoso de los stalkers

Esta noticia ha generado una gran expectación entre los lectores de DC, quienes se preguntan qué cambios impulsará la intrépida Trinity y cómo remodelarán la continuidad actual del Universo DC. A fin de cuentas, si algo saben los lectores de cómics, eso es la capacidad que tienen las editoriales de dar vueltas sobre sí mismas para seguir vendiendo tebeos.

El próximo lanzamiento del número 8 de Wonder Woman y el cómic acompañante Trinity de Tom King, programados para el próximo 16 de abril de 2024, han captado la atención de los seguidores del Universo DC.

Sin embargo, la sinopsis del cómic en cuestión ha dejado a los lectores con más interrogantes que respuestas. "¡Además, Trinity visita el pasado y cambia inesperadamente el futuro!", indica el adelanto. Por lo tanto, tendremos unos cuantos cambios importantes dentro del Universo DC de la mano de la hija de Wonder Woman.

Trinity y su potencial impacto en el Universo DC

Desde el lanzamiento del número 5 de Wonder Woman en enero de 2024, no se han revelado detalles sobre los viajes en el tiempo de Trinity en su propia serie. El único indicio de tales aventuras es una historia ambientada en el futuro, donde Trinity visita al Soberano.

Aunque no es un viaje en el tiempo como tal, podría sugerir la posibilidad de futuros elementos de esta naturaleza en las próximas entregas. De hecho, hay teorías sobre el potencial papel de Jon Kent y Damian Wayne en esta aventura temporal. Los indicios son muy claros, dado su destacado rol en la serie de Trinity.

A pesar de que la tonalidad de las historias anteriores de Trinity ha sido más ligera, queda por ver si los viajes en el tiempo de la hija de Wonder Woman adoptarán un tono más serio, lo que podría tener un impacto significativo en el Universo DC. Un impacto que transformaría ostensiblemente el canon central de la editorial de cómics.

Por lo tanto, la aventura de Trinity se presenta como una historia crucial, ya que promete entrelazar la serie con la continuidad de DC. Hasta ahora, las historias de Trinity han parecido independientes, aparentemente sin conexión con la narrativa principal de Wonder Woman.

Sin embargo, la introducción de viajes en el tiempo le da a Tom King la posibilidad de cerrar esa brecha entre ambas colecciones. Los lectores, ansiosos por saber más sobre la hija de Wonder Woman, esperan que el personaje finalmente influya de manera relevante en la continuidad principal del Universo DC. Seguro que eso acaba sucediendo pronto.

Otros artículos interesantes:

• Todas las actrices de Wonder Woman, clasificadas de peor a mejor
• Superman y Wonder Woman, la pareja más tóxica de los superhéroes

Sin embargo, en un giro inesperado, el villano conocido como Gog ha emergido como el nuevo poseedor de esta peligrosa ecuación, desencadenando el caos en el universo. La revelación se produce en las páginas del número 23 de la serie Batman/Superman: World's Finest, de Mark Waid y Dan Mora.

Un número en el que Batman y Superman, atrapados en el oscuro universo de Kingdom Come, descubren que Gog ha estado manipulando la voluntad de los héroes locales con la Ecuación de la Anti-Vida. Esta ecuación, codiciada por Darkseid, es un símbolo de tiranía que otorga el poder de someter todo el libre albedrío del universo.

Cómo ha podido Gog controlar la Ecuación de la Anti-Vida

Darkseid, desde hace mucho tiempo, ha buscado la Ecuación de la Anti-Vida, creyendo que poseerla le permitiría alcanzar su objetivo final de controlar todo. A lo largo de los años, personajes como Joker han obtenido brevemente este poder.

Pero ahora se revela que Gog, un dios antiguo parte del panteón anterior a los nuevos dioses, es el actual portador de la Ecuación de la Anti-Vida. A diferencia de Darkseid, cuya búsqueda de la ecuación apunta a la opresión universal, Gog ha optado por usarla de manera diferente.

Gog, a lo largo de su larga existencia, ha influenciado a las personas para que lo adoren, utilizando la Ecuación de la Anti-Vida con fines más personales. Desde luego, la batalla entre los dos personajes se presupone como un acontecimiento cósmico vital para el Universo DC.

Gog, ansioso por encontrar la muerte a manos de Darkseid en una batalla gloriosa para acceder al cielo, y Darkseid, determinado a obtener la Ecuación de la Anti-Vida, están en un camino de colisión que podría tener consecuencias catastróficas.

Batman y Superman, atrapados en este conflicto cósmico, se ven obligados a intervenir para evitar que estos dos dioses entren en contacto y así salvar el libre albedrío en el Universo DC. La lucha por la Ecuación de la Anti-Vida se intensifica, y el destino del universo pende de un hilo mientras héroes y villanos se enfrentan en una batalla que podría cambiar el curso de la realidad.

Otros artículos interesantes:

• La imagen más famosa de Superman… ¡No es realmente suya!
• DC admite que Batman está perjudicando a su universo

Esto, obviamente, dentro de una evolución que atienda a parámetros históricos empíricos y cuantificables. Pero ¿qué sucede cuando la sociedad colapsa de manera involuntaria? ¿Qué sucede cuando hace acto de presencia el apocalipsis y éste tumba a bocajarro cualquier evolución lógica de una sociedad, cualquier cambio histórico asumible?

Definitivamente, en los últimos años hemos tenido grandes exponentes del apocalipsis en nuestras pantallas, ya sea a través de la televisión (The Walking Dead), el cine (Zombieland) o los videojuegos (The Last of Us). Desde luego, donde esté un buen apocalipsis para capitalizar una historia de ciencia ficción o fantasía… ¡Que se quite todo lo demás!

Eso es, quizás, lo que pensaron desde Arcadia, la miniserie belga-holandesa que acaba de llegar a SYFY. Una sencilla propuesta televisiva de ciencia ficción que tiene una premisa realmente interesante, pues traslada el capitalismo a una especie de sistema de puntos que recuerda inevitablemente a uno de los mejores capítulos de Black Mirror en su primera temporada.

Una propuesta de ciencia ficción muy interesante y sugerente

Pero, vayamos por partes. Arcadia, ¿vale? Ese es el nombre que le han dado a la nueva sociedad humana que surge tras una gran catástrofe. Es una referencia bíblica, ¿no? Arcadia. El arca de Noé. Según la RAE, es un «lugar o ambiente utópico e idílico, cuyo referente originario era el mundo pastoril clásico».

Quizás peco de obsesionarme con todo lo referente a Ken Levine, pero a mí me ha venido a recordar indirectamente a la ciudad de Columbia, en BioShock Infinite. «¿Y qué es Columbia, si no un arca para otro tiempo?», afirmaba el Padre Comstock. Pues aquí tenemos otra arca. Se llama Arcadia, pero funciona diferente a la cárcel en el cielo de Lady Elizabeth.

Pero volvamos a la nueva miniserie de ciencia ficción en SYFY. Arcadia, ¿vale? Sí, otra vez. Te lo voy a explicar de la forma más breve y concisa posible para no hacerte spoilers, pero conseguir que te llame la atención. El mundo se ha ido al carajo. Ahora hay una nueva sociedad. La llaman así, en plan buen rollo, pero como le pasa a Columbia… La realidad es engañosa.

Hay un sistema de ordenamiento social en Arcadia. Se llama «Puntuación Ciudadana». Es importante cumplir las reglas y, además, aceptar el autoritarismo imperante te da puntos, y los puntos son buenos. Los puntos te permiten sobrevivir. Por lo tanto, la «Puntuación Ciudadana» en Arcadia lo es todo en esta nueva sociedad que han denominado como Arcadia.

La familia protagonista de esta serie de televisión es muy respetuosa con la ley, como la gran mayoría. Tienen una vida maravillosa gracias a esa puntuación tan alta que poseen. Es un poco la pescadilla que se muerde la cola, ¿no? Tengo una puntuación alta y me porto bien para no poner en peligro mis privilegios, no importa cómo les vaya a los demás.

Lo gracioso de la miniserie Arcadia en SYFY es que el padre de esta familia no es trigo limpio. Por lo visto, ha cometido un fraude muy grave en trono a la «Puntuación Ciudadana». Ha manipulado el algoritmo social que separa a la gente en estratos y ha permitido que su familia viva en la opulencia gracias a la falsificación y la estafa. ¿Resultado? Deportación.

Para colmo, su mujer y sus cuatro hijas son penalizadas por lo sucedido y pierden todos los privilegios que tenían de la noche a la mañana. Con su padre fuera del «paraíso arcadiano» y con una situación socioeconómica muy complicada… La familia deberá sobrevivir en esta nueva sociedad donde nada es lo que parece, salvo el control de los más privilegiados sobre los demás.

En resumidas cuentas, esto es lo que hay. Nada más y nada menos. En la parcela técnica, Arcadia es una miniserie sencilla y poco ambiciosa. Si sobrevive es gracias a su planteamiento ci-fi y al buen desarrollo narrativo de sus tramas y personajes, pero no esperes encontrar aquí la calidad de una superproducción de Hollywood o algo parecido.

Esto no es Black Mirror, ni Love, Death and Robots, ni Altered Carbon, ni nada por el estilo. Esto es una miniserie llamada Arcadia, disponible en SYFY y con una curiosa historia de ciencia ficción que te hará replantearte tu propia existencia, la distribución de la riqueza, la mentira de las élites y otras tantas cuestiones que están a la orden del día en estos momentos.

En ese sentido, considero Arcadia una miniserie de ciencia ficción en SYFY muy necesaria. El mundo está viviendo en estos momentos en una especie de nebulosa donde no sabemos muy bien hacia dónde iremos mañana. No hay certezas, tan solo mucho ruido, y algunos ruidos de los que oíamos allá fuera nos dan mucho miedo, nos asustan.

Si algo tiene la ciencia ficción, eso es la capacidad de sintetizar críticas encubiertas y proponer lecturas políticas y sociales fundamentadas básicamente en la realidad. Hay mucho de nuestra realidad en Arcadia, más allá de la curiosidad por el sistema de puntuación que emplean, de la misma forma que hay tanto de nosotros en Black Mirror y compañía.

Así pues, si te gustan las series de ciencia ficción como Black Mirror, si te apetece una miniserie cortita —apenas 400 minutos— con contenido, reflexiva, sugerente… Arcadia es la mejor opción posible. No te dejará indiferente y te permitirá divagar sobre el mundo en el que vives o el mundo en el que podrías vivir si no terminas haciendo algo para detenerlos. A ellos, sí.

Otros artículos interesantes:

• Crítica de The Ark, la nueva serie espacial que llega a Syfy
• Crítica de Orphan Black: Echoes - Vuelve una joya de la ciencia-ficción con un spin-off a SYFY

La revelación nos llega a través de una vista previa del segundo número de la serie regular de Ultimate Spider-Man, en la que Peter Parker, tras haber aceptado los poderes otorgados por una araña radiactiva, inicia su trayectoria bajo el manto del Trepamuros. Un manto que no es rojo y azulado como nos tiene siempre acostumbrados.

A diferencia de las narrativas tradicionales de Spider-Man, donde el héroe adquiere sus poderes por accidente o destino, esta versión de Peter Parker ha tomado una decisión consciente al aceptar la araña radiactiva ofrecida por Tony Stark.

Este cambio fundamental en la historia se refleja en la elección de su atuendo, un "traje sigiloso" negro proporcionado por Tony Stark para enmascarar su identidad. Un traje que, por otro lado, homenajea la etapa del Spider-Man con el atuendo oscuro. Aquí tenéis una imagen:

¿Qué os parece? Lo cierto es que esto es algo que ha decepcionado a los lectores, que esperaban tener al Trepamuros con sus colores característicos.

La historia del nuevo Universo Ultimate en Marvel Comics

La trama se desarrolla en el nuevo Universo Ultimate (Tierra-6160) de Marvel, donde un Peter adulto, casado con Mary Jane y padre de dos hijos, recibe la visita de un holograma de Tony Stark. Stark revela que el Creador había interferido en el destino de Peter, impidiendo su encuentro con la araña radiactiva en un intento de controlar este nuevo mundo.

Peter, en busca de lo que siente que falta en su vida, acepta la araña y se coloca el misterioso traje negro. La vista previa sin texto, situada un mes después del inicio de la carrera de superhéroe de Peter, muestra que el clásico traje rojo y azul aún no ha hecho su aparición.

Este cambio en el diseño del traje refleja la singularidad de esta versión de Spider-Man en el nuevo Universo Ultimate, donde las circunstancias y la elección consciente definen el camino del héroe.

El atuendo negro también simboliza la ausencia de tragedia y compromiso en la vida de Peter hasta el momento en la serie. A pesar de la reciente pérdida de May, el héroe no ha experimentado las tragedias que suelen definir a Spider-Man en otras interpretaciones.

Esta versión presenta a un Peter en etapa inicial, sin la carga de la culpa y la responsabilidad que suelen acompañar al personaje. Aunque la ausencia de los colores clásicos desconcertó a los fans de primeras, la elección del atuendo negro destaca la singularidad de este Spider-Man y la dirección única que el universo Ultimate busca explorar.

Otros artículos interesantes:

• La modelo facial de Mary Jane en Marvel's Spider-Man abandona su carrera por el acoso de los stalkers
• Madame Web será la película más larga hasta la fecha del Universo Spider-Man de Sony

Quizás, por eso, siempre llego antes a los sitios y llevo a cuestas una mochila con el ordenador y un par de libros. Así, si alguien llega tarde, si me toca esperar más de la cuenta, puedo escribir algo o avanzar en la lectura. Se trata de aprovechar el tiempo cuando estás a punto de desperdiciarlo.

Mi mujer me dice que esa obsesión por el tiempo es lo que me ha provocado el trastorno de ansiedad que sufro desde los veinte. Puede que tenga razón, pero no puedo evitarlo. A fin de cuentas, eso es la obsesión. ¿No? Una cicatriz que no puedes ver, pero que está ahí, duele cuando la tocas.

Si digo todo esto es porque Juego de roles, la nueva película de Prime Video, me ha recordado inevitablemente a la novela Berta Isla, de Javier Marías. Una novela que puso a prueba mi mayor fobia y me convirtió en la protagonista, condenada a la espera, a matar el tiempo, a desperdiciarlo.

A fin de cuentas, lo mismo que le sucede a Berta Isla en su historia —pero a la inversa— sucede también en Juego de roles. La cinta, dirigida por Thomas Vincent, conocido por su escueto trabajo en la serie de Reacher, tiene poco que ver con la novela de Javier Marías, excepto su premisa.

La idea de Juego de roles no es otra que la de revelar la verdad que se oculta detrás de un matrimonio. ¿Crees que lo sabes todo sobre tu pareja? Sí, quizás tengas una relación envidiable y seas muy feliz con él o ella, pero… ¿Qué hay de lo de ser un agente especial encubierto con historial asesino?

Esa es la base de Juego de roles en Prime Video. Emma (Kaley Cuoco) y Dave (David Oyelowo) están felizmente casados, pero quieren darle algo de vida a su relación con una alocada noche de ‘roleplay’. La cosa se pondrá todavía mejor cuando Dave descubra que su mujer es una asesina.

La película es un pasatiempo... para el que le pueda interesar

A diferencia de Berta Isla, que aborda el giro con una perspectiva dramática, Juego de roles parte de la comedia irreflexiva por lo inesperado y da un viraje temprano hacia el thriller de acción, un género que está empezando a ser el sucesor espiritual del cine de superhéroes en la actualidad.

Me duele exponerlo de esta forma, pero… Eso es todo. La película Juego de roles en Prime Video no aspira a ser otra cosa que lo que aparenta. Se trata de una cinta de acción divertida, entretenida, sencilla, sin ínfulas ni aparejos, sin ostentación visual ni exploraciones narrativas.

Las caracterizaciones de Kaley Cuoco y David Oyelowo son exclusivamente físicas, pues el guion no les exige nada más que representar sus personajes apareciendo en pantalla y diciendo lo que este les marca en los diálogos. No hay mucho margen para el arte en esta cinta.

Pero, para qué mentir, ¿quién demonios buscaría el arte en Juego de roles? Sin embargo, si la comparamos con otros casos similares, la cinta de Prime Video tampoco sale muy bien parada. Y hay ejemplos muy recientes que pueden sacarle los colores a este filme.

Es el caso de Plan en familia (2023), la película de Apple TV+ protagonizada por Mark Wahlberg y Michelle Monaghan. Sencillamente, Juego de roles le ha dado una vuelta femenina al concepto y ha ofrecido un producto mucho menos redondo que el orquestado por Simon Cellan Jones.

Precisamente, lo que más se echa de menos en Juego de roles es la verosimilitud del thriller de acción. Quizás no le podemos pedir a esta cinta que imite Berta Isla de Javier Marías o trate de ser arte, pero sí podríamos exigirle que sea un relato creíble en su parcela.

Una lástima que Kaley Cuoco no se haya preparado físicamente el papel como hicieron otros exitosos casos femeninos antes. Me acuerdo de Charlize Theron en Atómica (2017) y no puedo más que quitarme el sombrero en ese caso, y criticar a Cuoco en la cinta que nos atañe.

Si algo nos gusta de películas como John Wick, sagas como la de El mito de Bourne o personajes como el de Tom Cruise en Misión Imposible no es su explosividad masculina ni su carisma cinematográfica. Lo que nos gusta es que esos personajes ficticios pueden con todo y mucho más.

Hay personajes femeninos que poseen ese carácter intrínseco al género del thriller de acción, pero el de Kaley Cuoco en Juego de roles no es el caso. En ella recae todo el peso de una película que hace aguas por su ausencia de verosimilitud, pero que funciona como fondo de armario en Prime Video.

Esta cinta sencilla y sin pretensiones es una magnífica propuesta como telefilme de siesta, para ver en familia o para calzártelo con unas pizzas y unas cervezas. Considero que hay propuestas mejores, como las que he mencionado previamente, pero cumple con lo suyo.

En ese sentido, ¿qué más podemos exigirle a Juego de roles? De hecho, ¿Por qué habríamos de exigirle nada que no sea lo que realmente es? Si te va este género, si te cae bien la actriz por aquello de la nostalgia de The Big Bang Theory, si sencillamente quieres echar el rato…

Dale al ‘play’. En serio, no te va a decepcionar en ese sentido. La película es elemental y asequible, y puede caer simpática en cuestión de minutos por su premisa picarona, su giro divertido y sus dosis de acción.

Ahora bien, no pierdas de vista que no es ni el mejor exponente del género, ni el thriller que te cambiará la vida, ni la aproximación artística que podría ofrecer otro cineasta, ni nada de nada. Es un pasatiempo.

Pasatiempo. Es gracioso, ¿verdad? Pasar el tiempo. Quizás sea eso lo que me ha sucedido con Juego de roles, ¿no? Al final, sí ha valido la pena la introducción de la crítica. Estaba justificándome.

Y a ti, ¿qué te parece Juego de roles? ¿Le darás una oportunidad en Prime Video? ¿La has visto ya? Si es así, cuéntanos en los comentarios que te ha parecido. 

Otros artículos interesantes:

• Kaley Cuoco rechazó al principio interpretar a Penny en The Big Bang Theory
• Las series de Amazon Prime Video más esperadas para 2024