Ti West ha sido el último cineasta en hacer honor a la novela corta de Charles Dickens con su Scrooge y los fantasmas de la Navidad, para la que ha decidido rescatar a Johnny Depp de las sombras convirtiéndolo en su estrella principal: el malhumorado Ebenezer que da nombre a la cinta en inglés.

Tras casi una década apartado de la industria, desde que tuvo lugar su sonado juicio contra su exmujer Amber Heard, resulta poético el modo en el que Johnny Depp ha decidido reincorporarse a la maquinaria hollywoodiense.

Johnny Depp busca redención en Ebenezer

Como decía más arriba, ya sabemos de sobra de qué va este relato: un viejo tacaño, antisocial y sin espíritu navideño que se vuelve mejor persona gracias a la visita de tres fantasmas, introducidos por el de su difundo socio de negocios, Jacob Marley -encarnado por Ian McKellen-.

El Fantasma de las Navidades Pasadas le muestra cómo su infancia miserable lo convirtió en un hombre sin escrúpulos, el de las Navidades Presentes cómo su falta de empatía hace sufrir a quienes lo rodean, y el de las Futuras cómo sus actos derivan en una muerte solitaria. Pero el porvenir todavía no está escrito.

“¡Concédeme la redención!”, le grita Ebenezer Scrooge -o acaso Johnny Depp-, al Fantasma de las Navidades Futuras, para acabar retorciéndose en su fosa mientras le lanzan paladas de tierra. En sus intentos por zafarse de ese cruel destino enterrado en vida, reconoce haber cometido errores en el pasado, pero asegura ser un hombre nuevo.

Como mucha gente, seducido por la carrera interpretativa de Johnny Depp, Ti West lo quería en su película, aunque no tardó en darse cuenta de que podía ser demasiado autorreferencial.

Sin embargo, el actor de Piratas del Caribe parecía tener claro que aquella era la oportunidad idónea para volver a la gran pantalla: “No, hombre, es mi primera película. Creo que tenemos que hacerla”.

Johnny Depp ha acabado así convertido en una parodia de sí mismo bajo toneladas de maquillaje, encarnando a un personaje que además encaja de maravilla en su línea actoral, siendo un señor excéntrico y caricaturesco que le aporta ese toque de humor a un guion con un pretendido giro hacia el terror que busca darle Ti West a la parábola de Dickens.

Ti West crea su propio Cuento de Navidad

La oscura ambientación en la Noche Buena del siglo XIX en Londres, previa a la electricidad, le aporta al cineasta un escenario perfecto para crear una atmósfera en Scrooge y los fantasmas de la Navidad con la que desenvolverse en los códigos que tan bien maneja del género.

Entre pasillos sombríos, presentaciones fragmentadas, fantasmas grotescos y algún que otro jump scare, gran parte de los 116 minutos de metraje de la cinta no son por completo amigables para todos los públicos. Pero eso tampoco significa que estemos ante una película de miedo, porque no asusta, tan solo la hace algo más siniestra.

De todos modos, cuesta dejarse llevar por la incertidumbre desde que el primer espectro anuncia su llegada cuando ya anticipas lo que está por venir porque conoces muy bien todas las fases de la narración.

Según Ti West, “Cuento de Navidad es una de las pocas historias que se pueden rehacer una y otra vez” porque tiene una buena base, y luego es cada interpretación de esta la que la hace única.

Salvando esa mayor profundidad que adquieren los personajes secundarios abogando por tener más grises que en la novela original, o la atractiva representación de sus fantasmas de tres épocas diferentes, Scrooge y los fantasmas de la Navidad incluso irrita.

Se hace tedioso llegar hasta el final puesto que no se aprecian demasiadas novedades en esta propuesta, ya que Ti West apenas le confiere a la cinta aquello diferenciador que proclama como para que merezca la pena acercarse a ella si ya has visto otras adaptaciones previas.

Así que deberíamos quedarnos con la parte más bella de su interpretación de la parábola, aferrarnos a que hizo esta película cumpliendo una obsesión infantil para hacer feliz a su yo adulto, al tiempo que esa novela y las adaptaciones posteriores le abrieron las puertas al cine de terror que tanto ha explorado. No hay nada con mayor espíritu navideño que eso.

Scrooge y los fantasmas de la Navidad de Ti West y con Johnny Depp, se estrena en cines el viernes 13 de noviembre.

Por un lado, HBO Max nos traerá Infamia, una producción de seis capítulos de cincuenta minutos duración que ha sido creada por Agustina Macri y Beatriz Sanchís, en base a la novela del mismo nombre de Ledicia Costas.

En ella se nos contará la historia de Emma Cruz -encarnada por Susana Abaitua-, una abogada que decide lanzarse a la investigación de una desaparición de un par de niñas que tuvo lugar hace veinte años.

Una búsqueda que guarda relación con su trauma de infancia, pues cuando era pequeña su hermana fue víctima de una trágica muerte que la ha marcado hasta la actualidad.

“Es un thriller vibrante, lleno de misterio y emoción, que explora los conflictos humanos detrás del suspense y mantiene al espectador en tensión constante”, adelanta Eva Cebrián, la productora de Evafilms.

Netflix estrena un nuevo thriller basado en hechos reales

Por su parte, Netflix estrenará El crimen de Pazos, una miniserie basada en hecho reales de tres episodios, creada por Ramón Campos y Curro Serrano, y que cuenta con Tristán Ulloa y Carlos Blanco a la cabeza del reparto.

Su trama nos llevará hasta el tranquilo pueblo de Pazos, en el que la mujer de Aniceto sufre un ataque por un supuesto robo que la deja herida de gravedad en el hospital. Mientras tanto, el sargento de la Guardia Civil conocido como Elías investiga el crimen convencido de que su autor ha sido el propio Aniceto, que está en libertad.

Tanto Infamia de HBO Max como El crimen de Pazos de Netflix se estrenarán en streaming el próximo viernes 13 de noviembre. ¿Te vas a perder cómo será la resolución de sus misterios?

Desde el estreno de la producción en el año 2022, hemos visto cómo la serie basada en los Apéndices de J.R.R. Tolkien ha vuelto de mera periódica respetando la cadencia de lanzar una nueva temporada cada dos años.

Cada una de ellas ha mantenido la extensión de ocho episodios, y cada uno de ellos ha tenido una duración variable que ha girado en torno a la hora de duración. Todos estos son elementos que se mantendrán en la temporada 3 de Los anillos de poder. Sin embargo, el ritmo al que veremos llegar los nuevos episodios a Amazon Prime Video va a ser diferente.

Si bien con las dos primeras temporadas nos llegaron sus dos o tres capítulos iniciales en el día del estreno para luego lanzar el resto de manera semanal, la tercera aligerará un poco este proceso.

Fecha de estreno de todos los episodios de Los anillos de poder temporada 3

El próximo miércoles 11 de noviembre se estrenará la temporada 3 de Los anillos de poder con sus cuatro primeros episodios. Una semana después, el miércoles 18 de noviembre, llegarán los dos siguientes episodios.

Por último, la serie nos brindará el desenlace de su nueva temporada una semana más tarde, el día 25 de noviembre, fecha en que recibiremos sus dos episodios finales, que se corresponden con los capítulos 7 y 8.

De este modo, en menos de un mes, y antes de que llegue diciembre, Amazon Prime Video habrá emitido la tercera temporada al completo de El señor de los anillos: Los anillos de poder. Quizá de este modo contribuya a que la audiencia se enganche con más facilidad y mejore las cifras que perdió con el estreno de su temporada 2.

Diría que su mayor problema es una ambición desmedida que ha terminado yendo en su contra porque la producción no ha sabido jugar bien sus cartas para aprovechar el rico universo de J.R.R. Tolkien.

Plantear esta precuela de El señor de los anillos como una serie de cinco temporadas no le ha hecho un favor a nadie porque Los anillos de poder se estira hasta la saciedad, recreándose en sí misma hasta alumbrar temporadas desaforadas con capítulos que incluso llegan a rebasar la hora de duración.

El problema, como siempre, no es la extensión, es lo que se haga con ella, y esta serie tropieza en muchos apartados. Ya no es sólo cuestión de que tenga un ritmo lento, es que cuenta con demasiados momentos valle.

Le cuesta llegar a tramas que de verdad sean emocionantes y estén haciendo avanzar la historia hacia algo significativo. En la temporada 3 de Los anillos de poder ocurren muchas cosas increíbles que todo el mundo estaba esperando poder ver finalmente en pantalla.

Parece que te pases la serie entera aguardando a que tenga lugar alguno de sus eventos canónicos, porque ocurren muy pocas veces.

En los nuevos episodios, muy centrados en los avances de Sauron, vemos cómo recluta a sus primeros Nazgûl, se instala en Barad-dûr, tenemos un primer vistazo de los olifantes y también del Balrog, se nos confirma la identidad del Mago Oscuro, tiene lugar la creación del Anillo Único…

Como ves, no falta material. Falta emoción: algún descubrimiento, un plot twist, ni siquiera sus episodios juegan demasiado con los cliffhangers para que te den ganas de ver el siguiente. Lo ves tan solo porque sabes a ciencia cierta que va a pasar algo, ya que todavía no ha ocurrido todo eso tan épico que promete.

La tercera temporada de Los anillos de poder no engancha desde su primer episodio. Ni llegando al sexto tampoco. Tarda en presentar a todos sus personajes desde el arranque, porque en general es lenta al hacer evolucionar sus tramas.

Pero te quedas, si eres muy fan, por ver si de una vez da el empujón que necesita. ¡Menos mal que en el séptimo capítulo ocurre la forja! Pero ya es demasiado tarde, y más aún si el objetivo era mantener el interés hasta el octavo episodio…

Y es ahí donde más se nota la trampa en la que te hace caer por el modo en que usa sus recursos narrativos, al igual que ya pasaba en la temporada inicial. Se reserva lo mejor para el final, para dejarte con las ganas, pero se olvida de que el viaje es más importante que el destino.

¿La temporada 3 arregla los errores de la 2?

El público se debió dar cuenta ya en la segunda temporada de que la serie no estaba tomando la mejor dirección, por lo que cayeron en picado sus índices de audiencia y Amazon Prime Video se vio en la necesidad de recortar presupuestos para los nuevos episodios, aunque no quieran admitirlo de forma pública.

Está claro que se les fue de las manos esta producción millonaria de corte fantástico, y por eso quizá veamos que están tan concentrados los momentos de mayor impacto visual. Esto provoca que esa narrativa torpe y sobrecargada con diálogos intrascendentes pueda estar más condicionada de lo que parece con lo que se muestra en pantalla.

La verborrea ya supuso un error notable en la segunda temporada, como también lo fue su imagen tan oscura que atendía al nuevo tono de la historia, en tanto que dificultaba el visionado de la serie en condiciones lumínicas normales.

Un fallo que se agradece no encontrar ahora, aunque su historia siga estando marcada por las sombras. Pero donde no tropieza la imagen tropieza el audio, que no tiene bien ajustados los niveles, ocasionando severos picos entre los momentos de intensidad y los más calmados.

También podría lanzarme a criticar su música, pero a estas alturas ya no es un problema de la nueva temporada sino de la dirección de la serie en general. Lo que sí resulta insalvable es otro tumbo más que ha dado Los anillos de poder en sus nuevos episodios, evidenciando de nuevo que no tienen un rumbo claro.

Los anillos de poder ignora a sus personajes clave

Los pelosos no fueron lo más aplaudido de las dos primeras temporadas, sin embargo son una pieza clave de la mitología de J.R.R. Tolkien. El showrunner John D. Payne se escudó justificando su ausencia en que no tenían un rol relevante en la creación del Anillo.

Pero se hace demasiado extraño continuar viendo lo que ha sido de todas las naciones de la Tierra Media mientras los pelosos han desaparecido del mapa. No es que no tengan nada que contar sobre ellos, porque pueden responder a la pregunta de qué hacen mientras todo el mundo se prepara para una guerra. Es que los han dejado de lado.

Me parece triste que se planteen los orígenes de una raza precursora de los hobbits, que tanto evolucionó a lo largo de los años hasta el punto de cambiar de nombre, como para no saber darle cabida en la serie porque no han sido capaces de generar un interés en torno a ella. Podría decirse que es una traición hacia sus personajes, pero lo veo más como mera desgana.

Entre tanto potencial narrativo desaprovechado, la única baza a favor de la producción es que ha logrado mantener difusa la línea entre el bien y el mal dentro de una fantasía tan binaria como la planteada por J.R.R. Tolkien, a la que se sumaba el hándicap de que ya conocíamos de sobra este universo por las películas o las novelas.

De este modo, los cambios de bandos, las búsquedas de alianzas, estrategias y engaños son capaces de añadir algo de profundidad a los personajes para seguir sorprendiendo y que no sepas del todo en quién confiar.

Sin embargo, la serie de El señor de los anillos también abusa de las sorpresas forzadas en su retrato de las relaciones románticas, puesto que todos los vínculos giran en torno a la desconfianza y la mentira para poder generar cierta tensión en una historia tan descafeinada.

En definitiva, la temporada 3 de Los anillos de poder desarrolla eventos de gran magnitud para la Segunda Edad, pero se vuelven tan pequeños en el conjunto y tardan tanto en llegar que acaban pareciendo fanservice. Y por eso mismo todavía faltan dos temporadas más por estrenarse.

No es una serie que pueda recomendarse a todo el mundo. Ni siquiera a quienes sean fans de la fantasía. Tiene tantos aspectos a mejorar y es tan de nicho, que sólo la disfrutarán las personas que sean más incondicionales a Tolkien.

La temporada 3 de El señor de los anillos: Los anillos de poder se estrenará en Amazon Prime Video el próximo miércoles 11 de noviembre.

Este último nombre no es el de un personaje, ni el de una película. Es el de la exmujer de Johnny Depp, con quien se casó en 2015 para que un año después tuviera lugar su divorcio y, con él, uno de los mayores escándalos mediáticos de Hollywood.

Amber Heard acusó a Johnny Depp de maltrato cuando solicitó el divorcio, y luego publicó un artículo que motivó a Depp a iniciar un juicio en su contra por difamación. Pero su carrera ya se había ido deteriorando mucho antes de que arrancaran esos procesos, desde el momento en que su imagen se ensució.

Disney no tardó en apartarlo de la saga de Piratas del Caribe, que esperaba retomar algún día con una sexta película, y Warner Bros. lo eliminó del reparto de la siguiente entrega de Animales fantásticos, haciendo que su personaje pasara a ser interpretado por Mads Mikkelsen.

Durante casi una década, Johnny Depp ha dejado de pasar por nuestras pantallas, salvo algunas contadas ocasiones o a través de documentales que han repasado su relación romántica y posterior juicio con Amber Heard.

Pero esta semana Johnny Depp volverá a los cines con Scrooge y los fantasmas de la Navidad de Ti West. Como si nada hubiera pasado. Para volver a interpretar a un personaje excéntrico. Para convertirse en un viejo cascarrabias que aprende a ser buena persona. Para redimirse.

Johnny Depp no es el primero ni será el último redimido por Hollywood

Hasta hace nada, Johnny Depp estaba vetado del cine, ninguna productora quería saber de él, que se la relacionara con su nombre, pero ahora el intérprete está a punto de iniciar una nueva etapa en su carrera.

Limpio de la polémica que lo envolvió en el pasado, Hollywood le vuelve a abrir las puertas e incluso Disney se plantea su regreso como Jack Sparrow. ¿Cómo es posible? Del mismo modo que lo ha sido para tantos otros.

Will Smith le pegó una tremenda torta a Chris Rock en la gala de los Premios Óscar de 2022 cuando el comediante bromeó sobre la alopecia de su esposa, Jada Pinkett Smith, pero la academia no se tomó esa reacción como un chiste, ni la industria tampoco.

Con una mancha negra en su expediente, las producciones en las que el actor de Men in Black estaba involucrado se vieron afectadas y lo arrastraron a un período de incertidumbre profesional del que no tardó demasiado en salir.

En 2024 regresó con el carisma de siempre para Bad Boys: Ride or Die, una secuela de su mítica franquicia de Dos policías rebeldes coprotagonizada por Martin Lawrence, y todo parece apuntar a que no tardaremos en verlo regresar para otra aclamada saga con Soy leyenda 2.

Por su parte, la figura de Brad Pitt lleva envuelta en la polémica desde su divorcio con Angelina Jolie en 2019 y las acusaciones de malos tratos por parte de su exmujer hacia ella y su prole, a las que se suma la controversia por su inicio de relaciones con mujeres a las que dobla la edad.

Ignorándolo todo, Hollywood sigue ofreciéndole papeles de primera categoría como En el corazón de la bestia, donde lo vemos retratado no sólo como un héroe sino también como una persona de gran corazón dispuesta a superar todas las adversidades.

Hollywood no piensa cancelar a sus mayores estrellas

Hollywood es experta en contar historias, pero sobre todo en reescribirlas con tal de ofrecer una narrativa que sea rentable. Y no hay nada más rentable que una leyenda del cine, una estrella que reconoces al instante, de la que podrías nombrar varias películas de éxito que ha protagonizado.

Es absurdo perder eso por… una pequeñísima polémica, ¡está claro que todo el mundo es perfectamente capaz de diferenciar obra de artista! Es más, es lo que se debería hacer siempre, por norma general. Claro que a veces hace falta ayudar un poco al público a dar ese paso.

No importa lo monumental que sea la cagada, en los casos más extremos basta con apartar a los actores problemáticos del foco mediático durante una temporada, mientras exista una polémica vigente que genere más titulares que las películas en las que participen.

Entonces, cuando ya nadie hable del tema y casi ninguna persona recuerde lo que pasó, volver es pan comido. Igual recuerdas que tal o cual actor tuvo movida en su momento, pero ni siquiera eres capaz de señalar lo que ocurrió.

Lo único que sabes con absoluta certeza es que lo recuerdas con cariño porque estuvo en esa película que tanto te gustaba, y no tienes dudas de que actúa muy bien, y ahora es que va a sacar una nueva película, y volverá a ser como siempre fue. Si nos hizo sentir así de bien en su día, ¿cómo podemos cuestionar que tengan una vida cuestionable fuera de los focos?

Sus nombres siguen despertando interés, vendiendo entradas de cine, valiendo millones. Porque al final la respuesta a la única pregunta que importa está clara. Y tú, de verdad, ¿en qué piensas cuando digo Johnny Depp?

Muchas cosas han cambiado desde la temporada anterior de la serie, que a nivel argumental han notado Weyman y Addai-Robinson en sus personajes, pero también John D. Payne en la producción de los nuevos episodios, aunque se hayan censurado mis intentos de charlar sobre el tema.

He echado de menos a los pelosos en esta temporada. ¿Fueron retirados de la serie por las críticas de la audiencia? ¿También los echáis en falta?

John D. Payne: Desde la primera temporada siempre tuvimos un plan según el cual ciertos personajes pasarían a un primer plano en determinadas temporadas, mientras que otros quedarían un poco más en segundo plano.

En la primera temporada, Calebrimbor era más bien un personaje secundario. En la segunda, se convirtió en uno de los protagonistas. Los pelosos desempeñaron un papel increíblemente importante en la primera y la segunda temporada.

La tercera temporada gira en torno a la creación del Anillo Único, y nos dijimos: “¿Sabes qué? En el lore, en realidad no participan en eso, y además va sobre la Guerra de los Elfos contra Sauron, y allí no hay realmente sitio para ellos”.

Así que, en lugar de meterlos a la fuerza, decidimos que esta iba a ser una temporada en la que pasarían un poco a un segundo plano. Pero tenemos planes para ellos en el futuro. Nunca hay que descartar a un buen peloso.

Me pregunto qué ha pasado entre Tom Bombadil y Gandalf estos cinco años…

Daniel Weyman: Sí, es una buena pregunta. Creo que, para mí, ahí es donde realmente brilla la esencia de Gandalf. Creo que te lo puedes imaginar. Ya sabes, es casi como si fueran un matrimonio, conviviendo ahí durante esos cinco años. Preparan su comida. Gandalf escucha esos acertijos. Escucha canciones.

A veces le molesta un poco la magnitud de todo esto, y otras veces le encanta, y realmente lo tranquiliza. Pero, en definitiva, Tom es un guía, y hace poco hablaba con Tyroe sobre esto, sobre la importancia de los guías en la Tierra Media y en nuestras vidas y lo fundamentales que pueden ser a la hora de forjar nuestras propias raíces.

Y Gandalf ha tenido suerte de tener a Tom como guía, y a través de él puede descubrir realmente su propósito. Y su propósito, como ahora comprende, no es aferrarse a las cosas cada vez con más fuerza, ni controlarlas cada vez más, ni reforzarlas con su magia, con su poder y su majestuosidad.

En realidad, consiste en desprenderse de todo eso y conectar con otros seres, para ver realmente la bondad. Ya sabes, el Mago Oscuro lo llama “amigo” al final de la segunda temporada.

Si has sido amigo de alguien, ¿qué parte de eso podría seguir existiendo, incluso si te has desviado del camino? Estoy seguro de que toda la gente tenemos relaciones así en el mundo real.

Gandalf decide intentar reconectar, intentar comprender qué es lo que aún sigue vivo allí, qué es lo que aún puede reavivarse, con la esperanza de que la calidez del corazón de alguien pueda ayudarles a rebelarse contra la oscuridad y llegar a la luz.

Así que, para mí, sí, Tom Bombadil es tremendamente importante; me lo paso genial actuando con Rory [Kinnear], me encantan esas escenas y, sobre todo, me encanta la pequeña tetera que tiene Tom. [Añade haciendo el gesto de sostener una tetera].

Cynthia Addai-Robinson: [Se ríe].

Daniel Weyman: [Riendo] A todo el mundo parece encantarle.

¿Cómo influye el salto temporal en el trabajo para continuar desarrollando a Míriel, a diferencia de lo que habría pasado si todo ocurriera un día después?

Cynthia Addai-Robinson: Bueno, si no me falla la memoria, al final de la segunda temporada hay un momento bastante breve en el que, literalmente, se ve a Míriel encadenada ante Ar-Pharazôn, con la idea de que él va a hacerla desaparecer.

Ya sabes, en realidad quiere apartarla de la vista del público porque sabe que todavía hay gente que la considera su reina. Así que le viene bien que ella esté fuera de escena.

Y con ese salto temporal de cinco años, Míriel se encuentra ahora en otra parte de la isla. Básicamente, está organizando la resistencia y quiere ver una Númenor unificada.

Cinco años después sigue siendo una isla profundamente dividida, y creo que, en el caso de Ar-Pharazôn, se ve que, en cierto modo, ha dejado de asumir ese papel y ese liderazgo para convertirse en una versión más retorcida de sí mismo. Ha redoblado su apuesta.

En cambio, creo que Míriel tiene la convicción de sus creencias y, en realidad, cualquier decisión que tome es por el bien de toda la gente de Númenor. Así que creo que en esos cinco años, lo que no vemos, es decir, dónde se encuentra toda la población, es una trama muy, muy dramática, intensa y emotiva para las personas de Númenor en nuestro mundo.

Tengo una pregunta final muy breve: ¿Por qué hemos tardado tanto en ver a una enana con barba?

John D. Payne: [Riendo] Oh, no, ya estaban ahí en la primera temporada. Es que era más difícil verlo. Tenían patillas sutiles. [Dice señalándolo en su rostro mientras Cynthia Addai-Robinson se ríe]. Pero sí, en esta temporada hemos ido a por todas, lo que ha sido muy divertido.

Con las manos atadas por culpa de Amazon, por desgracia, John D. Payne no pudo ahondar en detalles sobre los medios que tuvo en esta temporada para llevar a cabo el rodaje de los nuevos episodios, pero se mostró agradecido por haber tenido la oportunidad de seguir dando vida a la Tierra Media en pantalla en una parte de la entrevista que no puedo reproducir.

El señor de los anillos: Los anillos de poder regresará a Amazon Prime Vídeo el próximo día 11 de noviembre con su tercera temporada.

Si quieres descubrir todas las producciones en las que ha muerto y revivido, no te pierdas este artículo, en el que también se señalan sus próximos proyectos audiovisuales.

Qué fue de Michelle Rodriguez

Mayte Michelle Rodriguez nació en Texas, Estados Unidos, en julio de 1978, como la hija de una mujer dominicana y un hombre puertorriqueño, un par de territoritos en los que estuvo viviendo durante su infancia y adolescencia hasta que de adulta se mudó a Nueva Jersey.

Con intención de acabar convertida en guionista y directora de cine, Michelle Rodriguez se introdujo en el mundo de la interpretación con muy buen pie: convirtiéndose en la protagonista de la película independiente sobre boxeo Girlfight (2000) de Karyn Kusama, un papel con el que se hizo superando a otras 350 aspirantes al puesto.

La interpretación de Michelle Rodriguez como Diana Guzmán le valió premios en múltiples festivales y el aplauso de la crítica, abriéndole las puertas de Hollywood al instante a través de dos exitosas franquicias.

Michelle Rodriguez se hace inmortal

Su papel inicial más sonado fue el de Letty Ortiz, la protagonista de A todo gas (2001) de Rob Cohen, para la primera película de la saga Fast & Furious. A pesar de ser un largometraje centrado en la conducción, Michelle Rodriguez no tenía carné en aquel momento, y tuvo que aprender a conducir durante la producción de la cinta.

Pese a que A todo gas tuvo un par de secuelas, Michelle Rodriguez no regresó a la saga hasta 2009 con su cuarta entrega, Fast & Furious: Aún más rápido de Justin Lin, en la que nos hicieron creer que su personaje moría en una explosión.

Casi como por arte de magia, Fast & Furious 6 (2013) logró justificar el regreso de Letty a la saga, para que luego pudiéramos volver a verla en todos los largometrajes que la siguieron hasta la reciente Fast & Furious X (2023) de Louis Leterrier. Y, en un futuro próximo, la tendremos de vuelta para la última entrega de la serie con Fast Forever.

La segunda saga de éxito en la que vimos a Michelle Rodriguez poco tiempo después de su debut en Fast & Furious fue en las adaptaciones para la gran pantalla de los videojuegos de zombies de Capcom, que arrancaron con Resident Evil (2002) de Paul W. S. Anderson convirtiéndola en Rain Ocampo, una soldado de Umbrella.

Por desgracia, el personaje de Rain Ocampo moría en aquella película, lo que apartó a la intérprete de un posible regreso en sus tres secuelas. No obstante, Paul W.S. Anderson decidió rescatarla de una manera muy fantasiosa, a modo de clon, para Resident Evil: Venganza (2012), siguiendo la estela de Letty en Fast & Furious.

Aunque, de nuevo, el personaje moría y aquella vez ya fue la definitiva, por lo que no pudimos ver a Michelle Rodriguez en el desenlace de la saga con Resident Evil: Capítulo final (2017).

Entre tanto, Michelle Rodriguez también se labró un nombre en la serie Perdidos (Lost), donde encarnó a la policía Ana Lucia Cortez entre 2005 y 2010, hasta que murió de un disparo, pero sin regresar a la producción tras la tragedia.

Sin embargo, su destino de estar reviviendo de manera constante en pantalla lo repitió como Luz en Machete (2010) de Robert Rodriguez y Ethan Maniquis, un personaje al que parecía haberse dado por muerto tras un disparo, pero del que sobrevivía para regresar en la secuela Machete Kills (2013).

Tras aquella larga trayectoria de fallecimientos y resucitaciones, no es de extrañar que la actriz de Fast & Furious ya estuviera cansada de esa dinámica cuando James Cameron le ofreció regresar como Trudy Chacon en Avatar: El sentido del agua (2022) después haber matado a su personaje en Avatar (2009).

De este modo, la actriz de Resident Evil prefirió que Trudy Chacon hubiera muerto “como una mártir” en la primera entrega de Avatar y ser fiel a su personaje, que regresar a una de las mayores franquicias en las que ha estado involucrada.

“No lo entiendo, es muy raro. Supongo que no saben qué hacer con la chica que no tiene novio”, reflexionó la actriz de Avatar: “No tiene novio. ¿Deberíamos mantenerla con vida o matarla?”

Michelle Rodriguez en la actualidad

Michelle Rodriguez se introdujo poco después de esas declaraciones en otro prometedor universo, al convertirse en Holga Kilgore, una de las protagonistas de Dungeons & Dragons: Honor entre ladrones (2023) de John Francis Daley y Jonathan M. Goldstein.

Si bien la película fue muy prometedora, se ganó un fandom consolidado y hay mucho interés por parte del equipo en continuar con la franquicia, la posibilidad de que se lance una secuela todavía está en el aire. Eso sí, Holga moría en la cinta, y no parece probable que Michelle Rodriguez quiera volver a ser inmortal…

Por tanto, en estos momentos los proyectos más destacados que tiene la actriz de Machete en el horizonte son Fast Forever, que se estrenará en 2028, y también Ray Gunn, la nueva película de animación de Brad Bird que llegará a la cartelera este mes de diciembre, con ella poniendo voz a Roz Dexler.

Ahora que ya sabes lo que fue de Michelle Rodriguez, te invitamos a descubrir a algunas celebridades como Linda Blair, la niña de El Exorcista que nunca se ha separado de la franquicia o Clive Barker, el escritor de terror que revolucionó el género en los 80 con Hellraiser y que promete volver por todo lo alto.

Cada semana publicaremos nuevas historias de otras estrellas míticas cuyas vidas también dieron un giro inesperado como en el caso de Michelle Rodriguez, la actriz de Residen Evil que volverá para el final de Fast & Furious.

Mientras House of Cards seguía en emisión hasta que alcanzó su sexta temporada en 2018, David Fincher alumbró u nuevo thriller para Netflix dirigido y producido por él: Mindhunter, que contó con dos temporadas emitidas entre 2017 y 2019.

Con el estreno de esa serie, Fincher ya se topó con su primer choque de intereses con Netflix: si bien él habría querido continuar con la producción, que tuvo un gran apoyo por parte del público y la crítica, la plataforma de streaming no pensaba seguir adelante con ella sin reducir costes y hacerla más comercial.

Ese mismo 2019, David Fincher se embarcó en un nuevo proyecto para televisión con Love, Death & Robots, una antología de cortometrajes de animación y ciencia ficción realizadas por diferentes estudios que lleva ya emitidas cuatro temporadas entre 2019 y 2025.

David Fincher ha trabajado en ella como productor ejecutivo y también como director de dos de sus cortos: Mal viaje (2023) de la tercera temporada y Can’t Stop (2025) de la cuarta.

En el año 2020 pasó de los thrillers y la animación en formato serie a un drama biográfico en blanco y negro ambientado en los años 30 con la película Mank, escrita por Jack Fincher y dirigida por el propio Fincher.

Poco después pudimos ver el estreno en Netflix de El asesino (2023), con su regreso al thriller en un largometraje. Pero ambos proyectos ya apuntaban a una dirección que ponía otra vez en riesgo su colaboración con Netflix: los altos presupuestos frente a la rentabilidad de las obras.

David Fincher abandona Netflix después de estrenar su última película

De nuevo regresando a los largometrajes, el proyecto más reciente de David Fincher para Netflix ha sido Las nuevas desventuras de Cliff Booth, la secuela de Érase una vez en... Hollywood (2019) de Quentin Tarantino, en la que el cineasta volvió como guionista pero cediéndole la dirección al productor de House of Cards.

Esta cinta ha sido la gota que ha colmado el vaso, a lo que se sumó un cambio en la directiva de Netflix ha hecho patente el problema de fondo que ya llevaba experimentando David Fincher desde sus primeras colaboraciones con Netflix.

Las nuevas desventuras de Cliff Booth ha requerido de un presupuesto muy elevado que ha puesto una vez más a David Fincher en conflicto con Netflix. Por eso mismo, tras el estreno de esta película el próximo 25 de noviembre, el cineasta y productor pondrá fin a su colaboración de 13 años con la plataforma de streaming.

El actor de Rambo explicó en una reciente entrevista con el podcast The Rest Is Entertainment que ambos eran “muy conflictivos” porque se iniciaron al mismo tiempo en la industria y los dos querían “ser los líderes de ese género”.

Si bien en un primer momento Sylvester Stallone no tenía ambiciones de convertirse en “un actor de acción”, cuando protagonizó Acorralado (Rambo) (1982) todo cambió.

“Entonces, vi a este tipo y supe de inmediato que iba a ser un problema”, añadió Stallone, refiriéndose a Arnold Schwarzenegger. “Ya sabes, estábamos en los Globos de Oro, y él estaba sentado allí mirándome fijamente, y —lo que llamamos “mirada asesina”— le dije: “Está bien, de acuerdo. Ya lo pillo, amigo”. Y luego ganó”.

Así que, desde el primer minuto, iniciaron un largo enfrentamiento en sus carreras: “Los dos somos muy físicos, y ahora, ¿quién va a estar a la vanguardia, quién va a ser el líder en ese género? Así que yo hice Rambo, él hizo Comando, y así fue un tira y afloja, una y otra vez, tanto dentro como fuera de la pantalla. Era muy reñido, créeme. Lo cual me encantaba”.

Sylvester Stallone y Arnold Schwarzenegger tardaron 20 años en hacer las paces

Según Sylvester Stallone, su rivalidad con Arnold Schwarzenegger “no terminó hasta 20 años después”, coincidiendo con el momento en el que el protagonista de Comando decidió postularse para ser gobernador.

“Fuimos a la misma tabaquería. [Arnold Schwarzenegger] estaba allí. Le dije: “Ya basta. Ya no competimos””, recordó Sylvester Stallone. “Él ya no hace películas. Muy bien. Muchas gracias por despertarme y darme un empujón. Y él pensaba lo mismo”.

El éxito de la cinta dirigida por Paul Feig venía precedido por el éxito de la novela homónima escrita por Freida McFadden en que se basaba, un best seller que forma parte de una saga compuesta por tres libros y una novela corta.

Teniendo tanto material sobre el que trabajar, Lionsgate no tardó en poner en marcha la continuación de La asistenta, arrancando el rodaje de El secreto de la asistenta el pasado mes de octubre. Sin embargo, todavía tienen más planes en marcha.

La asistenta regresará por partida doble el año que viene

El medio Deadline confirmó esta semana que la película de La asistenta recibiría una adaptación escénica que se estrenará en el Richmond Theatre de Londres el año que viene, el próximo 14 de septiembre de 2027.

La cinta está siendo adaptada para los escenarios por la dramaturga Bekah Brunstetter y contará con Matthew Dunster en la dirección, aunque todavía no se ha desvelado quiénes se pondrán en la piel de Millie Calloway y Nina Winchester como sustitutas de Sydney Sweeney y Amanda Seyfried en el teatro.

La obra de teatro de La asistenta será el aperitivo perfecto para recordar los eventos de la primera entrega de la saga antes de que vea la luz su secuela, qua ya ha fijado su fecha de estreno en cines para unos meses después.

El secreto de la asistenta, que volverá a contar con Sydney Sweeney a la cabeza del reparto, llegará a las salas el día 17 de diciembre de 2027.

En Rotten Tomatoes, Godzilla Minus Zero se ha alzado con una nota del 90% por parte de la prensa especializada, mientras que el público le ha brindado un 96%, tan solo un par de puntos por detrás de la nota que le dio la audiencia a Godzilla: Minus One.

A pesar de que las cifras digan lo contrario, la opinión de la gente es firme, y hay quien dice que estamos ante “la mejor película del año”, “la mejor película de Godzilla”, o “una película mejor que la primera”.

Otras personas puntualizan dichas reseñas, señalando que “no tiene tantas escenas emotivas como la primera entrega, pero sigue siendo una verdadera obra maestra que te atrapa igual”. Mientras que otras añaden que sus puntos fuertes se encuentran en sus “secuencias de acción espectaculares y un sonido impresionante”.

¿Qué récords ha batido Godzilla Minus Zero?

Si nos fijamos en sus cifras recogidas por Rotten Tomatoes, Godzilla Minus Zero se ha convertido de este modo en la segunda de Godzilla película mejor valorada de la historia por el público, por detrás de Godzilla: Minus One con su 98%, y por delante de Godzilla vs. Destroyah (1995) con su 93%.

Estas buenas reseñas que ha recibido la secuela de Godzilla: Minus One van en sintonía con la taquilla que está haciendo la película desde su estreno en cines el pasado viernes 6 de noviembre. Según las estimaciones, Godzilla Minus Zero apunta a conseguir el mayor estreno en taquilla de la historia en Estados Unidos para una película de acción real producida fuera del país.

Cathy Yan, la directora de Aves de presa (y la fantabulosa emancipación de Harley Quinn) (2020), combina en The Gallerist el thriller con la comedia negra, para contarnos la historia de Polina Polinski, una marchante de arte en declive encarnada por Natalie Portman.

En un intento desesperado por salvar su carrera, urde un macabro plan junto con su asistente Kiki Gorman, interpretada por Jenna Ortega: convertir un cadáver que acabó en sus manos por accidente en el principal atractivo de su nueva exposición de arte contemporáneo.

The Gallerist es una divertida sátira sobre el mundo del arte

Aunque la cinta no ha arrasado entre la crítica, sí se han destacado varias virtudes en ella. Según medio como NPR, lo nuevo de Jenna Ortega y Natalie Portman no nos dejará indiferentes: “El elenco es impresionante y todo el mundo parece estar pasándoselo en grande. Si a esto le sumamos comentarios sobre arte, comercio y la cultura influencer, hay mucho que asimilar”.

“Divertidísima desde el principio, con reminiscencias de un episodio de South Park. Se desarrolla como una sesión de fotos de pasarela delirante que encaja a la perfección con su actitud satírica hacia el mundo del arte”, coinciden desde CBR.

The Gallerist pudo verse por primera vez en el Festival de Cine de Sundance a comienzos de este año, y ahora está a punto de llegar a la cartelera estadounidense, donde se estrenará el día 4 de diciembre de 2026. Por el momento, la nueva cinta de Jenna Ortega y Natalie Portman no tiene una fecha de estreno confirmada para España.

En esta ocasión nos encontramos ante una producción francesa de la compañía Radar Films, y dirigida por el cineasta Jean-François Richet, quien este año estrenó el thriller de acción El motín (2026), protagonizado por Jason Statham. Por su parte, el guion corre a cargo de Éric Besnard y Edgar Marie.

Quasimodo, el alma de París nos contará en Netflix una vez más la trágica vida de Quasimodo, un hombre jorobado que vivía en la Catedral de Notre Dame, en la ciudad de París, en los momentos previos a la Revolución de Julio de 1830.

Con la epidemia de cólera extendiéndose a su alrededor, Quasimodo se encontrará rodeado de la agitación política y de un amor imposible.

Sin embargo, en esta ocasión la película se nos narrará desde un punto de vista particular, reinventando la historia de Quasimodo, imaginando cómo habría sido el hombre real que inspiró a Victor Hugo para escribir sus novelas.

El jorobado de Notre Dame regresa con Vincent Cassel

Vincent Cassel encabeza el reparto de la producción convertido en Quasimodo, mientras lo acompañan en los roles protagonistas las estrellas: Karim Leklou, Daphne Patakia y Benjamin Voisin. Además, también veremos en la cinta a intérpretes como: Noémie Lvovsky, Sébastien Pouderoux, Alexis Rosenstiehl, Quentin D'Hainaut y Rudgy Pajany.

Quasimodo, el alma de París se añadirá al catálogo de Netflix el próximo viernes 27 de noviembre, pero ya puedes ver las primeras imágenes de la película en su primer tráiler, que tienes un par de párrafos más arriba.

Después de haber pasado por películas como It (2017), Barbarian (2022) o Nosferatu (2024), Bill Skarsgård es uno de los actores del momento. Sin embargo, no parece ser el perfil que estaba buscando Amazon MGM Studios para protagonizar el reboot de la saga de espionaje.

“No me llamaron para lo de James Bond. No sé de qué iba todo eso”, bromeó Bill Skarsgård durante su reciente aparición el podcast Happy Sad Confused. “Todos los actores británicos, australianos… pero quizá pensaron: “No podemos poner a un sueco para este papel”. Ni siquiera me tuvieron en cuenta”.

Es cierto que, desde hace meses, sabemos que la película de James Bond dirigida por Denis Villeneuve estaba buscando actores jóvenes que pudieran dar vida al personaje durante muchos años, que fueran atractivos… y también parecían tener interés en su origen británico.

Bill Skarsgård prefiere ser un villano antes que James Bond

Aunque Bill Skarsgård no fuera contactado para dar vida a James Bond, tampoco se lamenta, pues nunca le interesó demasiado el personaje y preferiría encarnar a un antagonista antes que a un héroe: “Solo quiero participar e interpretar a un villano al estilo de Mads Mikkelsen”.

A lo largo de su trayectoria, Bill Skarsgård se ha puesto en la piel de numerosos villanos para la gran pantalla. Y, si volviera a encarnar a uno para James Bond, no se conformaría con cualquier cosa: “Tendría que ser algo que me pareciera original, algo que no hubiera hecho antes. […] Pero hay villanos que podrían resultar muy divertidos de diferentes maneras, siempre que sean del tipo adecuado”.

En ella se nos cuenta la historia de Shane Hollander e Ilya Rozanov -encarnados por Hudson Williams y Connor Storrie de manera respectiva-, dos de las mayores estrellas de la Major League de hockey, pero que capitanean equipos rivales: el primero a los Montreal Metrosa y el segundo a los Boston Raiders. No obstante, llevan en secreto una relación de más de ocho años fuera de la pista.

A las dos semanas de arrasar en su estreno con una primera temporada de seis episodios -que se llevó los aplausos del público y la crítica en Rotten Tomatoes, alcanzando notas casi perfectas-, se confirmó una segunda temporada. Pero ahora su universo se sigue expandiendo.

Heated Rivalry regresa con nuevas temporadas y películas

Según ha desvelado Deadline en las últimas horas, en estos momentos se están filmando de manera simultánea tanto la segunda como la tercera temporada de Heated Rivalry, que finalizarán su rodaje a finales de noviembre o principios de diciembre. Cada una de ellas contará con un total de seis episodios de unos 50 minutos de duración.

Poro eso no es todo, a partir de diciembre arrancará el rodaje de una película independiente de Más que rivales que servirá a modo de especial navideño, y que está previsto para llegar a los cines el año que viene.

Según los rumores, la cinta de Más que rivales (Heated Rivalry) no tendrá a Shane e Ilya como protagonistas, sino que se centrará en otra pareja a la que vimos en los episodios ya emitidos en Movistar Plus+, formada por Scott Hunter -de François Arnaud- y Kip Grady -de Robbie G.K.-.

La actriz de Viuda Negra se inició muy joven en el mundo de la interpretación, siendo una actriz adolescente que protagonizó su primera película en 1996 con Manny y Lo, para más tarde actuar bajo las directrices de cineastas como Robert Redford o Joel Coen.

Su papel temprano más notable lo tuvo en Lost in Translation (2003) de Sofia Coppola, una cinta en la que ya se la empezaba a encasillar como “la otra mujer, la amante secundaria o la bomba sexual”, y eso la empujó a continuar topándose con limitaciones a la hora de encontrar otro tipo de roles que asumir en la gran pantalla, ya que no le ofrecían otras alternativas.

Woody Allen fue el siguiente cineasta que potenció esta faceta por la que Scarlett Johansson sintió aversión años después, con cintas como Match Point (2005) o Vicky Cristina Barcelona (2008) siendo dos de sus principales exponentes. “Lo que se ofrecía en ese momento para mujeres de mi edad […] era mucho más limitado que ahora”, explicó la intérprete este 2026.

Si bien había alcanzado la fama gracias a grandes directores como Michael Bay con La isla (2005) o Brian De Palma con La dalia negra (2006), el tipo de personajes a los que pudo dar vida en aquel entonces no le permitían explorar sus capacidades interpretativas.

Fue en el teatro donde descubrió “una gran manera de trabajar otros registros y salir de ese patrón”. Algo que al final pudo acabar introduciendo en el cine cuando se le ofreció la oportunidad.

Marvel cambia el destino de Scarlett Johansson en cines

Entonces llegó Marvel. Scarlett Johansson se unió al UCM en el año 2010 a través de la cinta Iron Man 2 de Jon Favreau, al ponerse en la piel de la superheroína Viuda Negra, también conocida como Natasha Romanoff.

No se libró de los trajes ajustados y de continuar llamando la atención por su físico, pero al menos había cambiado de rol en la gran pantalla mediante una heroína a la que pudo ir añadiendo capas de profundidad a lo largo de casi una década y siete películas.

Todo ello hasta que en el año 2021 se despidió del UCM como la protagonista de su propio largometraje, titulado Viuda negra, una precuela que servía para despedirnos de una Natasha que había muerto en Vengadores: Endgame (2019) y para pasarle el testigo a Florence Pugh como Yelena Belova.

Scarlett Johansson más allá de Marvel

En esos más de diez años en que Scarlett Johansson fue la estrella de Marvel, continuó apostando por el cine de autor aunque favoreciendo su introducción en la ciencia ficción.

Algo que pudo conseguir a través de propuestas como: Under the Skin (2013) de Jonathan Glazer, descrita por ella como una “joya oculta” de su filmografía, Her (2013) de Spike Jonze, en la que demostraba su sensualidad a través de la voz sin necesidad de que viéramos su figura, o Ghost in the Shell: El alma de la máquina (2017) de Rupert Sanders, con la que daba vida a un icono del anime.

Por otro lado, después de ser una actriz imprescindible para Woody Allen, se convirtió en el nuevo rostro para el cine de Wes Anderson, cuyas interpretaciones culminaron en las producciones Asteroid City (2023) y La trama fenicia (2025).

Bajo su dirección pudo sentir que combinaba su faceta como actriz de cine al tiempo que regresaba a la que tanto le gustaba como actriz de teatro, aportándole un soplo de aire fresco a su carrera.

“A Wes le entusiasma el proceso de las tomas repetitivas y lo que eso saca de ti”, declaró la antigua actriz de Marvel en 2023. “Es casi como ensayar una obra de teatro, pero todo queda grabado en vídeo, y me gusta ese tipo de trabajo”.

En 2025 también debutó como directora de su primer largometraje, La extraordinaria vida de Eleanor, un drama sobre la vejez que tuvo un recibimiento mixto: mientras unas personas señalaban que era un buen primer filme, otras decían que había entrado con mal pie en el mundo de la dirección.

Pero Scarlett Johansson sigue manteniendo una acertada filosofía de diversificar, que le permite alumbrar tanto proyectos alabados por todo el mundo, como producciones que hacen menos ruido, o blockbusters de éxito.

Tanto es así que el UCM no le cerró las puertas del Hollywood más mainstream. Al contrario, parece que le allanó el camino, puesto que el año pasado la pudimos ver como cabeza de reparto del ligero reinicio de la saga de Jurassic World con El renacer de Gareth Edwards, a cuyas futuras entregas se espera que vuelva.

Y ha cambiado a Marvel por DC para pasar a convertirse en Gilda Dent, la mujer de Harvey, en la futura secuela de The Batman de Matt Reeves, prevista para 2028. Sin olvidarnos de que este noviembre Scarlett Johansson protagoniza la cinta de animación Ray Gunn, un sueño de 30 años para Brad Bird que por fin se hace realidad.

De este modo, Scarlett Johansson es una actriz que ha sido capaz de demostrar con su filmografía que una serie de papeles no tenían por qué definir su carrera como intérprete, y que podía continuar abarcando muchos géneros y personajes con los que seguir creciendo por el camino.

LeVar Burton encabeza el reparto de la producción en el papel de Kunta Kinte, un guerrero africano al que secuestran unos traficantes de esclavos en el año 1750 y que acaba siendo trasladado a América para hacer trabajos forzados. Pero, durante toda su vida, se niega a usar el nombre de esclavo que le imponen: Toby.

Raíces continúa narrando lo que ocurre con las generaciones posteriores a Kunta Kinte, incluyendo a su hija Kizzy Reynolds -encarnada por Leslie Uggams-, a la que violaron y de la que nació su nieto, apodado Gallero George porque acabó siendo un experto criador de gallos de pelea -con el actor Ben Vereen poniéndose en su piel-.

¿Cuándo se estrena Raíces en VinTV?

Raíces llegó a la televisión en el año 1977 como una miniserie de ocho episodios que triunfó en su estreno, pues se alzó con nueve Premios Emmys y un Globo de Oro, en la categoría de mejor serie dramática. Además, también se llevó las alabanzas de la crítica.

Según apuntan desde VinTV, la serie fue aclamada a nivel internacional en su momento por el retrato que hizo de “la lucha, la dignidad y la resistencia de un linaje marcado por la opresión”

Ahora, casi medio siglo después de su debut, VinTV nos lleva de vuelta este icono de la televisión al que deberías regresar si ya lo viste en su día, o introducirte en él por primera vez si no lo conocías. Raíces se estrenará en VinTV el próximo lunes 9 de noviembre, a las 21:30h -en horario peninsular español-.

Kiri no mukō no fushigi na machi es un libro infantil escrito por la novelista Sachiko Kashiwaba que vio la luz en Japón en el año 1975. En él se nos contaba la historia de Rina, una niña pequeña que se dirigía a una aladea que no aparecía en ningún mapa, de la que todo el mundo había oído hablar pero que nadie sabía señalar.

Creyendo que le vendría bien hacer un viaje sola, su padre la envió a ese lugar, pero Rina era incapaz de encontrar el camino. Con hambre, cansancio y enfado, la niña quería rendirse, cuando un soplo de viento le arrebató el paraguas de las manos. Corriendo tras él, se adentró en un bosque que la condujo a la mayor aventura de su vida.

La aldea más allá de la niebla es la novela que inspiró El viaje de Chihiro

Hasta ahora, la novela de Sachiko Kashiwaba tan solo se había podido encontrar en japonés o con traducción a otros idiomas. Pero la editorial Blackie Books y la traductora Marta Morros han hecho posible que por fin podamos disfrutar de ella en castellano, bajo el título de La aldea más allá de la niebla.

El próximo miércoles 11 de noviembre saldrá la venta la novela, que también tendrá una traducción al catalán, para que todo el mundo pueda adentrarse en este universo de fantasía que ha marcado a generaciones.

Según apuntan desde su web, el libro es un “clásico de la literatura infantil japonesa que inspiró El Viaje de Chihiro de Hayao Miyazaki. Una historia de amistad, de valentía y de encontrarse a una misma entre la niebla”.

La serie se pudo ver por primera vez en el Festival Internacional de Cine de Busan el pasado mes de octubre, teniendo una acogida tan espectacular que incluso llegaron a agotarse las entradas para verla.

Y es que La emperatriz divorciada ya levantaba expectación desde mucho antes de su estreno. Basta con decir que en YouTube y otras redes sociales su tráiler final acumuló 13 millones de visualizaciones en sus primeras 48 horas.

Todo este furor animó a que Disney+ decidiera mostrar su agradecimiento al fandom, adelantando en un día el estreno de su drama coreano, que tenía previsto en origen llegar a la plataforma de streaming el pasado miércoles 4 de noviembre y terminó llegando el día 3.

En sus primeros tres días en Disney+, La emperatriz divorciada se convirtió en el mayor estreno de una producción original coreana en cualquier plataforma de streaming a nivel mundial, haciendo que ya sea la serie más vista en más de cincuenta países, incluyendo España y Estados Unidos entre ellos.

¿De dónde viene el mayor éxito surcoreano de Disney+?

La emperatriz divorciada está basada en un popular Webtoon del mismo nombre creado por Alphatart, que ha acumulado casi 3 mil millones de visualizaciones desde su publicación original en el año 2020, por lo que su salto a la imagen real era un evento de lo más esperado.

Esta semana, se han estrenado en Disney+ los primeros cuatro episodios de La emperatriz divorciada, pero cada semana se irá sumando un capítulo nuevo de la serie a la plataforma de streaming hasta completar su temporada a finales de noviembre.

Según ha confirmado Jared Bush, el director creativo de Walt Disney Animation Studios, esta cinta hará algo nunca antes visto en Disney: “Clay será, creo, la primera vez que realmente nos arriesgamos con un nuevo estilo artístico”.

“Algo que discutimos mucho en nuestros filmes es: “¿Deberíamos cambiar la estética de nuestras películas? ¿Por qué tiene sentido? ¿Aportará algo a la historia?”, reflexionó Bush.

Clay será en 3D pero imitará la plastimación

Jared Bush pasó a explicar cómo el universo de Clay se prestaba a que experimentaran con la estética, para realizar una animación en 3D que imitara a las películas de stop motion realizadas en plastilina, en una técnica conocida como plastinación o claymation, la más utilizada por estudios como Aardman Animations.

En el universo de Clay “naces como una bola de arcilla” a la que “moldean para convertirte en quien se supone que debes ser”. De este modo, para Disney era importante crear un estilo visual que resultara “táctil” y pudiera ser percibido como animación con plastilina: “Para que dé la sensación de ser un lugar muy real y palpable”.

“No será stop motion. Será animación por ordenador, pero tendrá un aspecto diferente a todo lo que hayamos hecho hasta ahora”, concluyó Jared Bush.

Hasta el momento, tan solo se han desvelado de la cinta algunos diseños de arte conceptual, pero no se han compartido imágenes finales de la película. Todavía tardaremos un tiempo en ver los frutos del esfuerzo de Disney por innovar en su animación, pues Clay no verá la luz hasta el 24 de noviembre de 2028.

La saga contó con un par de películas en imagen real protagonizadas por Channing Tatum: G.I. Joe (2009) y G.I. Joe: La venganza (2013), y en el año 2021 vio la luz Snake Eyes: El origen, un spin-off con Henry Golding a la cabeza de reparto.

Ahora Danny McBride se pone al frente de la nueva película en imagen real de G.I. Joe como director, y también como coguionista en colaboración con Jeff Fradley y John Carcieri. Mientras que la producción corre a cargo de: Lorenzo di Bonaventura, Mark Vahradian y Zev Foreman, a través de Hasbro Entertainment.

Todo lo que sabemos sobre el reinicio cinematográfico de G.I. Joe

Por el momento, los detalles sobre el proyecto siguen siendo escasos, y tan solo sabemos que estamos ante un reinicio de la franquicia para la gran pantalla, en el que Bradley Cooper encarnará al personaje de Duke.

De este modo, el actor de Resacón en Las Vegas tomará el relevo de Channing Tatum para encarnar a uno de los personajes más icónicos de la franquicia, siendo Duke un líder habitual en las historias de G.I. Joe.

El anuncio de la incorporación al reparto de Bradley Cooper nos llegó el pasado mes de octubre, pero desde entonces no se ha desvelado quién más formará parte del elenco de la película.

No obstante, en aquel momento todavía estaba el aire la fecha de estreno de la nueva cinta de G.I. Joe, y ahora por fin podemos dejar de especular. Paramount ha confirmado que la película de Bradley Cooper llegará a los cines dentro de menos de un par de años: el día 20 de octubre de 2028.

Takashi Yamazaki tenía claro desde el primer momento que Godzilla Minus Zero debía contar con este contrincante para subir la apuesta en su largometraje: “Piensa en la franquicia de Batman: si tu primera película fue un éxito, ¿cuál es el villano natural que elegirías para la secuela? Es el Joker. Parece la elección obvia”.

El cineasta siempre ha sentido una conexión muy especial con este kaiju, cuya primera aparición en pantalla en el año 1964, sobrevolando Matsumoto, coincidió con su fecha de nacimiento y ciudad natal.

Godzilla Minus Zero ofrece un King Ghidorah único

Cuando Yamazaki le presentó a Toho la propuesta de incluir a este villano en su película, no tardó en recibir luz verde para convertir a King Ghidorah en el antagonista de la cinta, aunque confiriéndole un toque diferenciador con respecto a otras versiones.

Si bien en anteriores películas el kaiju es de origen extraterrestre, en Godzilla Minus Zero se estrella contra nuestro planeta como una masa amorfa que devora a un murciélago, un cuervo y un ciervo, adoptando a través de la composición genética de estos tres animales su primera forma.

Cuando la humanidad interviene y la aplica una descarga eléctrica por accidente, provoca que el kaiju adquiera su forma final, multiplicando su número de cabezas, añadiendo una capa de escamas a su cuerpo, y convirtiéndose en una criatura de tamaño colosal.

“Hay interpretaciones y diseños increíbles de King Ghidorah a lo largo de los años, y esta posibilidad de añadir nuestra propia interpretación a esta colección... como fan de los kaiju, no hay mayor honor que ese”, señaló el director de Godzilla Minus Zero.

Medusa es una de las criaturas mitológicas más populares que conocemos. Según el mito, era una de las tres gorgonas hijas de Forcis y Ceto, siendo hermana de Esteno y Euríale.

Medusa era una de las sacerdotisas del templo de Atenea, pero Poseidón la violó y, en consecuencia, la diosa la castigó convirtiendo sus cabellos en serpientes y haciendo que su mirada volviera de piedra a quienes le dirigieran la vista.

Bajo orden del rey Polidectes, Perseo fue capaz de derrotarla usando un escudo -entregado por Atenea-, que le devolvía su reflejo para no mirarla de manera directa a la cara. De su cabeza decapitada nacieron sus hijos: el gigante Crisaor y el caballo alado Pegaso. Atenea hizo que la cabeza de Medusa acabara decorando el escudo del héroe.

¿Quiénes harán realidad la película en live action de Medusa?

Por el momento, no sabemos en qué aspectos del mito se centrará la película de Medusa hecha por Disney, pero se ha confirmado que ya se está trabajando en un primer borrador del guion escrito por Michael Montemayor, responsable asimismo del live action de Enredados.

Dwayne Johnson también colabora en la película, aunque no será como protagonista -al menos no se ha confirmado por el momento, pues la cinta todavía no tiene elenco- sino como productor ejecutivo a través de su sello Seven Bucks.

Dwayne Johnson estará acompañado en la producción de Medusa para Disney por Dany Garcia, Hiram Garcia y Melissa Fried, también de su compañía. A su vez, colaborará Matt Smith mediante su productora Electro Corduroy Entertainment.

Ambos actores ahondan en su experiencia interpretando a estos personajes, con los claroscuros de Sauron, y la reciente incorporación de Celeborn a una historia que ya tiene muchos episodios a sus espaldas.

Voy a empezar con la pregunta más importante.

Jamie Campbell-Bower: [Se prepara inclinándose hacia delante].

¿Cuál es la clave para que un matrimonio sobreviva 200 años sin nada de contacto?

Charlie Vickers y Jamie Campbell-Bower: [Se parten de risa]

Jamie Campbell-Bower: Sin nada de contacto. [Añade riendo]. Esa es una pregunta muy difícil. Creo que, para Celeborn, lo que lo hace seguir adelante en la soledad es el recuerdo de su amor, de su unión, de su encuentro, de eso que yo llamo “el otro espacio”. Es esa cosa del amor que, en cierto modo, trasciende la forma corporal y se convierte en algo más grande y mucho más espiritual.

Sin embargo, tiene que replanteárselo más adelante en la temporada porque, ya sabes, han pasado mucho tiempo lejos, sí. Y creo que, ya sabes, la clave de todo eso es que te eliges mutuamente una y otra y otra y otra vez, y crecéis. Las dos personas crecen.

¡Qué romántico!

Jamie Campbell-Bower: [Se ríe].

Me pregunto qué sentiste al sostener el Anillo en tus manos. ¿Te ayudó con la interpretación? ¿Te viste más poderoso al instante?

Charlie Vickers: Sí, bueno, seguro que para Sauron sí lo fue. Seguro que es un éxtasis.

Jamie Campbell-Bower: [Se ríe].

Charlie Vickers: Debe de ser alucinante. ¿Para mí? Sí. Fue incr… No diría que fue un éxtasis.

Jamie Campbell-Bower: [Se ríe otra vez].

Charlie Vickers: Pero intenté imaginarlo porque en ese momento estaba interpretando a Sauron. Para mí, fue un momento increíble. Hacerlo, la primera vez que lo tuve en las manos y... toda esa secuencia fue agotadora, pero también muy gratificante.

Y al final, creo que toda la gente que participamos en contar esa parte de la historia nos quedamos muy felices con el resultado. Y sí, el momento en el que lo levanté fue ¿emocionante? “Emocionante” es una buena palabra.

Sauron es un personaje muy complejo, porque hay momentos en los que piensas que podría ser bueno, pero al final es completamente malo. ¿Cómo consigues ese efecto?

Charlie Vickers: Oh, creo que se trata de intentar interpretar fielmente la bondad, ¿no? Creo que la maldad es solo un subproducto de la función que desempeña el personaje en la historia, ¿no? Y de la narración y la perspectiva de quien lo ve.

Creo que, en el fondo, está haciendo cosas malas, ¿no? Pero intento creer que, como actor y al interpretar el papel, Sauron cree que está haciendo el bien.

Tolkien dijo que Sauron no era del todo malvado y que comenzó su camino con motivos nobles; ahora se encuentra más avanzado en ese camino, pero sigo pensando que él cree que, si se saliera con la suya, la Tierra Media sería un lugar mejor. Así es como, supongo, consigo equilibrar el bien y el mal.

Celeborn aparece por primera vez en la temporada 3, al igual que tú. ¿Cómo te ayudó eso a interpretar a un personaje que reaparece después de mucho tiempo?

Jamie Campbell-Bower: Sí, hablamos mucho sobre el cambio de mentalidad. Quiero decir, cuando lo conocemos por primera vez, yo sentí, aunque ya es muy mayor, sentí que había en él algo como de adolescente [risas].

Lo cual no es del todo exacto debido a su edad. Pero yo quería llevarlo por ese camino, y creo que cuando acaba maltrecho en la cárcel, encontrando consuelo en las cosas más pequeñas y mostrando esa especie de aceptación radical, eso formaba parte de ese cambio de mentalidad para mí.

Y creo que también, como decíamos antes, tiene que desprenderse de la idea que tiene de quién cree que es Galadriel. ¿Y cómo me ayudó a mí? Me ayudó mucho. Me ayudó mucho porque tuve un viaje realmente bueno que recorrer y, además, al saber adónde llega más adelante en la historia, el viaje de esta temporada para él es algo que, creo, tiene un gran impacto en el lugar al que llega y en lo que acaba siendo.

Mi última pregunta tiene que ser corta: ¿Os sorprendisteis al leer cuando Sauron traiciona a Celeborn? ¿Fue algo espontáneo?

Charlie Vickers: Todo eso estaba en el guion. Todo lo que pasó estaba en el guion, y yo... bueno...

Quiero decir, supongo que siempre me gusta que me sorprendan cuando surgen cosas así, pero me entusiasmé mucho cuando leí toda esa parte. Toda la secuencia, la secuencia de la traición, sí, y además fue muy divertido rodarla. Y creo que el episodio va a ser un episodio bastante emocionante, el episodio seis.

Jamie Campbell-Bower: Sí, fue genial. Fue muy bonita…

Muchas gracias. Lo siento, se me acabó el tiempo.

Jamie Campbell-Bower: No, yo lo siento. Muchas gracias. [Risas]. Ten un buen día.

La tercera temporada de El señor de los anillos: Los anillos de poder se estrenará en Amazon Prime Video el próximo miércoles 11 de noviembre.

En esta entrevista, las estrellas que representan al Distrito 12 en la ficción explican cómo ha sido su experiencia adentrándose en esta saga en compañía del veterano director de la franquicia, Francis Lawrence.

La película tiene muchas ideas interesantes, pero ¿cuál es el mensaje más importante que os lleváis de ella?

Mckenna Grace: Creo que es difícil salir y decir: “Este es el mensaje de la película”, porque, ya sabes, lo que pasa con el arte es que está pensado para interpretarse según lo que a cada cual le parezca conveniente. Y creo que hay muchos mensajes que se pueden extraer de esta película, además de una gran variedad de temas en ella.

Pero sí creo que, para mí, lo que resulta inspirador es que, aunque sea una tragedia, es una película sobre la esperanza, y sobre el hecho de que el cambio es posible; solo requiere tiempo y dedicación.

Y... creo que es inspirador ver a un grupo de gente joven unirse para defender aquello en lo que creen, incluso cuando se ven dentro de un sistema o en una circunstancia que parece inevitable o imposible de cambiar, y aun así siguen luchando por lo que creen y defendiéndose por su cuenta.

Así que no sé, creo que es inspiradora en muchos sentidos, pero espero que cada persona se lleve muchas cosas distintas de ella.

¿Cómo ayudó la experiencia de Francis Lawrence como director de las anteriores películas de la saga en la creación de vuestros personajes?

Joseph Zada: Fue increíble, porque tienes a alguien que ya ha trabajado con este material durante muchísimos años, quiero decir, unos diez años o algo así.

Y además trajo exactamente al mismo equipo técnico: cámaras, peluquería y maquillaje, la gente de utilería... todo el mundo ya trabajaba como una familia, así que todo el mundo se preocupa por este material y saben cómo trabajar en equipo. Y... fue increíble.

Y además nadie... es decir, a todo el elenco nos acogieron dentro de esa familia y nos cuidaron de maravilla. Y Francis es simplemente un genio como cineasta, así que fue realmente fantástico poder trabajar con él.

Mckenna Grace: Creo que lo bonito también fue que se trata de Francis Lawrence, ¿sabes? Es una leyenda. No tiene por qué colaborar ni debatir con el elenco; podría limitarse a decir: “Jo, ve y di eso, hazlo de esta forma”, y habríamos dicho: “Vale, sí, señor; lo que tú quieras, eres Francis Lawrence”.

Pero fue sumamente colaborativo e hizo que fuera una experiencia maravillosa para todo el mundo. Realmente se sentaba y se tomaba el tiempo necesario para hablar de cualquiera de las ideas locas que tuviéramos o de cualquier pensamiento.

De verdad prestaba atención a eso, y fue mucho menos un: “Vale, Francis me está guiando hacia este personaje” o “Lo estoy creando yo sola”. Fue verdaderamente como traer a estos personajes a la vida en equipo y crearlos en conjunto. Eso fue muy bonito.

¿Diríais que fue más difícil trabajar en el aspecto físico o en el aspecto emocional de los personajes?

Joseph Zada: Bueno, contamos con todo un equipo de especialistas de acción con quienes trabajamos... Yo trabajé con este equipo durante dos meses en toda la parte física, y además estuvieron en el set todo el tiempo.

Y luego, para los aspectos emocionales, fue trabajar mucho con Francis y encontrar los matices adecuados para cada situación, porque... mi personaje pasa por muchísimas cosas a nivel emocional a lo largo de esta película. Así que contar con Francis para ayudar a cultivar eso y moldear cada faceta emocional del viaje de Haymitch fue verdaderamente importante.

Los juegos del hambre: Amanecer en la cosecha, con Joseph Zada y Maysilee Donner a la cabeza del reparto, se estrenará en cines el próximo viernes 20 de noviembre.

Si tienes contratado algún servicio de televisión de pago mediante Movistar Plus, DIGI TV, Orange TV o Vodafone TV, quizá te puedas librar de resintonizar la televisión porque se encargará la propia operadora de reajustar los canales.

Esto es, los casos en los que no necesitarás hacer nada será cuando la señal te llegue a la televisión de manera directa desde la plataforma decodificadora de la operadora.

En cambio, si recibes la señal mediante una antena terrestre conectada al televisor o al descodificador, sí tendrás que gestionarlo de forma manual.

Si necesitas resintonizarlos manualmente, tendrás que encender la tele, abrir su configuración, buscar el apartado de canales, el de sintonización o configuración de emisiones y luego realizar una búsqueda automática de los canales de la TDT.

¿Por qué hay que resintonizar la TDT?

Esta actualización de la TDT permitirá que comiencen a realizarse emisiones en Ultra Alta Definición (UHD/4K) mediante el nuevo estándar DVB-T2. Aunque los televisores más actuales no tendrán problemas con esta tecnología, cabe tener en cuenta que necesitarán ser compatibles con DVB-T2, HEVC y la resolución 4K.

Todo ello traerá consigo una reorganización de los canales que ya conocemos, se trata tan solo de las versiones en 4K de algunas cadenas principales, que tendrán por nombre: La 1 UHD, La 2 UHD, Antena 3 UHD y Telecinco UHD.

Importante es la llegada de una nueva cadena conocida como La Séptima. Si quieres conocer a fondo los detalles sobre cómo la actualización afectará a los canales, pásate por este artículo.

La fecha a partir de la cual la TDT experimentará esta actualización será el jueves 5 de noviembre desde las 8 de la mañana -hora peninsular española-, y su nueva cadena llegará un poco más tarde, a las 12 de la mañana.

Más allá de las mejoras que traerá consigo esta actualización de la TDT -como la llegada de las emisiones en UHD/4K y la implementación de subtítulos y lengua de signos-, notaremos un cambio de frecuencia en cinco cadenas, así como la aparición de cinco canales nuevos.

Con el cambio de la TDT, las cadenas Clan, DKISS, Atreseries, Be Mad y Boing podrían dejar de poder verse en tu tele o se encontrarán en una ubicación diferente.

Llegan cinco nuevos canales a la TDT

Además de reorganizar la disposición de cinco canales, la TDT recibirá cinco canales nuevos. Cuatro de ellos ya son conocidos, pues se trata tan solo de las versiones en 4K de algunas cadenas principales, que tendrán por nombre: La 1 UHD, La 2 UHD, Antena 3 UHD y Telecinco UHD.

Estas versiones mejoradas de los canales que se aprovechan del nuevo estándar de la Televisión Digital Terrestre sólo podrán disfrutarse en televisores compatibles con DVB-T2, HEVC y resolución 4K.

Por último, se ha anunciado la llegada de La Séptima, un canal nunca antes visto que ocupará el espacio en el que ahora está Atreseries. La Séptima empezará a operar en la TDT a partir de las 12 de la mañana del próximo 5 de noviembre. Impulsado por el productor José Miguel Contreras, el canal apostará por ofrecer contenidos de actualidad, debate y análisis informativo.

Empezamos muy fuerte el viernes 6 de noviembre con Godzilla Minus Zero de Takashi Yamazaki, la esperada secuela de la aclamada Godzilla: Minus One (2023). La cinta nos vuelve a trasladar a Japón, dos años después de que el país quedara devastado por culpa del kaiju, pero una nueva amenaza emerge cuando empezaba a surgir la paz.

Con el siguiente estreno nos adelantamos un poco a la Navidad, pues el viernes 13 de noviembre llegará a la cartelera todo un clásico de estas fechas: Scrooge y los fantasmas de la Navidad de Ti West, una cinta que rescata el cásico de Charles Dickens tantas veces trasladado a la gran pantalla.

La película presume de un reparto estelar, encabezado por Johnny Depp en el rol del cascarrabias Ebenezer Scrooge, a quien acompañan intérpretes como Rupert Grint en el papel de Bob Cratchit o Daisy Ridley en el de la esposa de Fred.

Los dos estrenos de fantasía más esperados de noviembre

El viernes 20 de noviembre nos trae la que probablemente sea la película más esperada del mes para mucha gente: Los juegos del hambre: Amanecer en la cosecha de Francis Lawrence, basada en la última novela de Suzanne Collins de su famosa saga literaria distópica, ambientada décadas después de los eventos de Balada de pájaros cantores y serpientes (2023).

Por último, Disney nos trae su gran apuesta fantástica del año el viernes 27 de noviembre con la cinta de animación Hechizo: Bienvenidos a Hexe, una película de brujería en la que seguimos los pasos de Billie, una adolescente que descubre sus poderes y termina llegando al reino mágico de Hexe.

Si bien la vimos por última vez en una serie de Amazon Prime Video, desde hace un par de años estamos notamos su ausencia en cine y televisión. Si quieres descubrir todos los detalles sobre su ausencia, no te pierdas este artículo.

Qué fue de Bárbara Goenaga

Bárbara Goenaga Bilbao nació en San Sebastián, Guipúzcoa, en verano de 1983, como la hija del pintor Juan Luis Goenaga, y la sobrina de Aizpea Goenaga, una actriz y directora de cine.

Ya a los tres años, Bárbara Goenaga hizo su primera aparición en televisión para la serie Bai Horixe, y a los nueve participó en su primer largometraje, Los años oscuros (1992) de Arantxa Lazcano.

Durante su infancia y adolescencia continuó trabajando como actriz en series de televisión, hasta que a los 15 años se mudó a Madrid para ser una de las protagonistas de producciones como El grupo o A medias.

Con 20 se convirtió en la protagonista de su primera película: El regalo de Silvia (2002) de Dionisio Pérez Galindo, aunque su papel más destacado en la gran pantalla le llegó unos cuantos largometrajes después, siendo 2007 uno de sus mejores años como actriz de cine.

Por un lado, la vimos en Los cronocrímenes (2007) de Nacho Vigalondo. Eso sí, aunque esa sea de las películas más notables de su carrera, no es en la que tuvo un papel más significativo, ya que el peso de la trama recaía sobre todo en su compañero de reparto Karra Elejalde.

Por otro lado, también apareció en la cinta Oviedo Express (2007) de Gonzalo Suárez, por la que estuvo nominada al Goya como mejor actriz revelación, pero se lo terminó llevando Manuela Velasco por REC (2007).

En los años posteriores, vimos a la actriz de Los cronocrímenes en películas como La buena nueva (2008) de Helena Taberna o Estrellas que alcanzar (2010) de Mikel Rueda. Pero en cine no estaba terminando por despuntar.

Todo cambió cuando en el año 2013 volvió a centrar su carrera en la televisión durante un tiempo, uniéndose al reparto de la serie Amar es para siempre, la secuela de Amar en tiempos revueltos, en el papel de Inés Saavedra Bermejo. Aquella se convirtió en la producción más longeva de su carrera, donde la vimos actuar en más de 160 episodios.

Aunque, tan solo un año después, se dejó caer por algunos capítulos de otro gran estandarte de la televisión en nuestro país, a través de Cuéntame cómo pasó, en la que dio vida al personaje de Lucía.

Bárbara Goenaga después de Amar es para siempre

Tras su paso por aquellas dos series de éxito, volvimos a verla en películas como: Pikadero (2015) de Ben Sharrock, La punta del iceberg (2016) de David Cánovas, Operación Concha (2017) de Antonio Cuadri, 70 binladens (2018) de Koldo Serra o Para entrar a vivir (2022) de Pablo Aragüés.

Aun así, la televisión siempre ha sido un medio que ha compaginado con el cine, por lo que del mismo modo se pasó por otras series posteriores, de menor impacto y que se quedaron a las puertas de la renovación tras sus primeras temporadas, como la vasca Eskamak kentzen (2016), la española iFamily (2017), o la mexicana No te puedes esconder (2019).

Durante los últimos años, la mayor parte de su producción audiovisual ha seguido recayendo en series sin demasiado calado. Supernormal de Movistar Plus casi podríamos considerarla su mayor éxito, pues logró renovarse para una segunda temporada.

En 2022 la vimos en las miniseries Sin límites de Amazon Prime Video y La noche más larga de Netflix. Y en 2024 regresó a Prime con La Academia, un drama adolescente sobre fútbol que se convirtió en su estreno más reciente, puesto que no ha vuelto a ponerse detrás de las cámaras desde entonces.

Bárbara Goenaga en la actualidad

De manera paralela a la interpretación, Bárbara Goenaga creó en el año 2014 una marca de joyería artesanal conocida como Soulbask, para la que ha diseñado joyas que han llegado a utilizar desde celebridades como Dakota Johnson o Maribel Verdú hasta la mismísima Reina Letizia.

Pero aquel no fue el motivo que la alejó del mundo audiovisual en los últimos años, puesto que ya había estado compaginando su negocio con la actuación durante una década.

El mismo año en que nació Soulbask, también lo hizo su relación con el político Borja Sémper del PP, de quién años después nació su segundo hijo, tras el primero que tuvo junto con Óscar Jaenada.

En verano de 2025, Borja Sémper fue diagnosticado con cáncer de páncreas y eso descolocó la vida de la pareja y sus respectivas carreras. Según el marido de Bárbara Goenaga, la actriz de Amar es para siempre puso en pausa la interpretación para acompañarlo en todas las etapa de su tratamiento.

“Estoy vivo gracias a mi mujer”, reconoció el político del PP en una conversación con Ana Rosa Quintana este año, pues fue ella quien estuvo detrás insistiendo en que se hiciera las pruebas necesarias que le permitieron detectar el tumor a tiempo.

Tras haber superado la peor parte del cáncer y haberse sometido a quimioterapia, Borja Sémper volvió a su actividad política. Por su parte, Bárbara Goenaga retomó su carrera volviendo a convertirse en la presentadora del programa de talentos vasco Ztanda, aunque todavía no sabemos qué posibles series o películas le esperan en el futuro.

Ahora que ya sabes lo que fue de Bárbara Goenaga, te invitamos a descubrir a algunas celebridades como Joe Morton, el científico de Terminator 2 y La Liga de la Justicia de Zack Snyder o Tom Welling, el joven Superman de Smallville que rechazó el papel varias veces antes de convertirse en Clark Kent.

Cada semana publicaremos nuevas historias de otras estrellas míticas cuyas vidas también dieron un giro inesperado como en el caso de Bárbara Goenaga, la actriz de Los cronocrímenes que conquistó a la Reina Letizia.

La cinta nos trasladaba hasta el año 2019 para contarnos la historia de Rick Deckard, un hombre que formaba parte del cuerpo Blade Runner, es decir, una brigada especial de la policía destinada a matar replicantes, un tipo de robots muy similares a las personas.

35 años después, Denis Villeneuve nos llevó de vuelta al universo alumbrado por Ridley Scott con Blade Runner 2049, una secuela que recuperaba a Rick Deckard y seguía poniendo el foco sobre las personas humanas.

El universo de Blade Runner regresa al streaming

Ahora, casi una década después, Amazon Prime Video está a punto de estrenar una continuación de aquella historia en formato de miniserie titulada Blade Runner 2099, creada por Silka Luisa.

Esta nueva producción, que contará con un total de ocho episodios, se ambienta en Los Ángeles de 2099, pero en esta ocasión la historia que vamos a conocer se nos narrará a través de los ojos de una replicante.

Dejamos atrás a los personajes de las dos películas de Blade Runner para conocer a dos nuevas protagonistas: Olwen, una replicante que además es Blade Runner y se encuentra en los últimos días de su vida, a la que da vida Michelle Yeoh; y Cora, la compañera humana de Olwen que se hace pasar por replicante, a la que encarna Hunter Schafer.

A pesar de que serie, en esencia, sea una secuela de Blade Runner 2049, ambientada 50 años después de aquella película, según declaró la propia Michelle Yeoh el mes pasado, Blade Runner 2099 será una producción muy accesible para todo tipo de públicos y no necesitarás haber visto los largometrajes para entenderla.

En esta nueva era, la raza humana ha perdido el control sobre la ciudad tras una rebelión, y la soberanía se encuentra en manos de la replicante. Olwen, con ayuda de Cora, tiene la misión de dar caza a una banda de replicantes renegados, pero su aventura no será tan sencilla y se enfrentarán a una gran conspiración.

El reparto de la serie de Blade Runner lo completan Dimitri Abold y Lewis Gribben en roles principales, junto con un elenco recurrente formado por: Katelyn Rose Downey, Tom Burke, Maurizio Lombardi, Daniel Rigby, Johnny Harris, Amy Lennox, Sheila Atim, Matthew Needham y Hugo Hamlet.

Blade Runner 2099 se estrenará en Amazon Prime Video dentro de poco más de un mes, el próximo miércoles 25 de noviembre. La miniserie llegará al completo a la plataforma de streaming en el mismo día, con sus ocho episodios íntegros.

Siguiendo la estela de producciones como la española Matar a un oso o la británica Negocios turbios, Movistar Plus parece sentirse cómoda en el terreno de traer ficciones cargadas de tensión que se fijan en la realidad, ahora desde una producción estadounidense desarrollada por Shawn Ryan y Eileen Myers.

La seria adapta para la pequeña pantalla un podcast en el que ya colaboró Jon Hamm, quien vuelve a encarnar al personaje de Fred Heckman, un periodista radiofónico muy respetado de Indianápolis.

En el año 1977, el secuestrador Tony Kiritsis, encarnado por Giovanni Ribisi, tomó como rehén al director de una empresa hipotecaria con la condición de ser entrevistado en directo por el periodista.

El programa atrapó a toda la población y, mientras Tony Kiritsis relataba su historia y Fred Heckman deja de ser un mero entrevistador para pasar a formar parte del relato, la audiencia empezó a simpatizar con el secuestrador.

American Hostage mezcla true crime con drama periodístico y thriller psicológico

American Hostage consigue reflejar cómo vivió la sociedad aquel acontecimiento tan particular, en el que “la frontera entre víctima y verdugo, verdad y espectáculo, periodismo y entretenimiento” se desdibujó.

La serie se presenta por tanto como una interesante mezcla entre true crime, un drama periodístico y un thriller psicológico que, según el propio Jon Hamm, contiene “muchos elementos que, cincuenta años después, siguen resonando con fuerza en el panorama mediático y cultural actual”.

American Hostage, la nueva serie de Jon Hamm, se estrenará al completo en Movistar Plus el próximo jueves 5 de noviembre, así que no tendremos que esperar para descubrir cómo termina este thriller.

“Ha llegado la hora”, reza la sinopsis oficial de la temporada 6 de Los elegidos. “Antes de que el sol se ponga, Jesús estará muerto. Los eventos históricos del último día de Jesús a través de las vidas de quienes lo aman y de quienes lo condenan”.

“Los fariseos lo llaman justicia. Los romanos lo llaman paz. Sus seguidores lo llaman asesinato. Pero ante la soledad y la muerte, Jesús se mantiene firme en un plan que siempre ha conducido a un solo lugar: la cruz”.

The Chosen regresa este noviembre a Amazon Prime Video

The Chosen (Los elegidos) inició sus andanzas en televisión en el año 2017 y, desde entonces, la serie creada por Dallas Jenkins ya ha repasado los eventos más importantes de la vida de Jesús durante casi una década a través de esta serie disponible en Amazon Prime Video.

La sexta temporada de The Chosen por fin nos relatará uno de los acontecimientos más importantes de la figura de Cristo, y que desde Angel Studios llevaban “ocho años preparando”.

A partir del próximo domingo 15 de noviembre podremos ver en streaming el arranque de la nueva temporada de Los elegidos, pero su desenlace lo viviremos el año que viene por todo lo alto.

Una vez más, The Chosen (Los elegidos) llegará a la gran pantalla y no sólo a Amazon Prime Video, puesto que en primavera de 2027 se estrenará un nuevo largometraje en el que podremos vivir “las últimas horas” de Jesús, a través de una película sobre su crucifixión que se estrenará en los cines de todo el mundo.

Suyas son obras como Batman: El regreso del Caballero Oscuro, que dio el salto a la animación, 300, convertida en largometraje de imagen real por Zack Snyder, o Sin City, que él mismo dirigió, al igual que su secuela.

Todas estas adaptaciones vieron luz durante principios de siglo y la década de 2010, pero ahora parece que ha habido un descenso en el número de adaptaciones de cómics para el cine si comparamos las cifras con las de aquella época, algo de lo que Frank Miller se alegra.

Frank Miller no quiere tantas adaptaciones cinematográficas de cómics

“La situación se había descontrolado tanto que los cómics habían empezado a perder gran parte de su propia identidad”, reflexionó el creador de 300 en una charla con el medio Variety. “He defendido con vehemencia que los cómics vuelvan a reivindicar su propósito y su identidad como forma literaria”.

Frank Miller explicó que tanto guionistas como dibujantes de cómics vieron el atractivo en la industria, no sólo por el dinero: “Sino también de la fama, el respeto y la gloria de trabajar en el medio más poderoso de la historia, pero creo que fue un éxito demasiado grande, hasta el punto de que los cómics corrían el riesgo de perder su esencia en el proceso”.

La adaptación audiovisual más reciente basada en los cómics de Frank Miller fue la serie Maldita de Netflix, una historia de fantasía medieval que nos contaba una nueva versión del mito del Rey Arturo en la que el propio escritor también participó como creador y productor.

La cinta tuvo un recibimiento tan nefasto por parte de la crítica - en estos momentos ostenta un 26% en Rotten Tomatoes- que se ha posicionado como la película peor valorada en la filmografía de Taika Waititi.

Pero no solo eso, su mala taquilla en Estados Unidos ha obligado a la distribuidora a cambiar su estrategia de distribución en otros países, cancelando su estreno en España previsto para el pasado viernes 30 de octubre.

Taika Waititi responde a las críticas por Klara y el sol

Si bien la crítica ha reaccionado fatal a Klara y el sol, la audiencia parece mucho más satisfecha con la última película de Taika Waititi, que en Rotten Tomatoes tiene ahora un 74% por parte del público. Algo que el cineasta ha querido destacar a través de sus redes sociales mediante la publicación que puedes ver sobre estas líneas.

“Hace casi 15 años que no leo ninguna crítica dirigida a mí o a mis colegas. Pero sí que escucho a la gente”, escribió Taika Waititi en Instagram complacido por la opinión del público.

“Así que este Halloween, dediquemos un pensamiento a esas tristes almas perdidas que no pudieron cumplir su sueño de convertirse en artistas y que, por ello, se conformaron y se hicieron críticas. Las mismas personas que también odiaron Jojo Rabbit”, señaló el director. “Irrelevantes. Desconectadas de la realidad. Obsoletas. A la basura”.

Klara y el sol de Taika Waititi llegó a la cartelera estadounidense el pasado 23 de octubre y, por el momento, no está claro cuándo podremos disfrutar de ella en España, ni si llegará directamente al formato digital.

Para encarnar al personaje a lo largo de cuatro películas repartidas en casi una década, Jennifer Lawrence sufrió muchísimo en la sala de maquillaje para volverse una mutante que era azul de la cabeza a los pies.

La actriz de Mística explicó que su parte favorita de interpretar al personaje de X-Men “fueron las escenas de acción”, en las que aprendió a entrenar y a moverse de una determinada manera.

Sin embargo, recuerda con horror “la pintura”, hasta tal punto de no querer volver a ponerse en la piel de Mística, ni en la de ningún otro personaje que requiera de un maquillaje tan extremo.

Jennifer Lawrence se niega a volver como Mística

“Nunca digas nunca”, planteó Jennifer Lawrence, “pero ni de coña. ¿Sabes que el aerógrafo da mucho frío? Y es que tengo cosquillas. He aprendido con qué pocas horas de sueño puedo funcionar y lo que le puede pasar a la mente humana cuando realmente llegas al límite. ¡Y la paciencia!”

“Para X-Men: primera generación, todo era pintura corporal y pegamento. Me llevaba ocho horas cada vez y me hacían cosquillas”, añadió la actriz de Mística. “Te han pintado con aerógrafo, ¿verdad? Imagina dos aerógrafos diminutos, fríos y que te aprietan por todo el cuerpo. Soy una heroína. Nadie entenderá por lo que pasé”.

Por último, Jennifer Lawrence destacó cómo, incluso antes de conseguir el papel de Mística para X-Men, ya sufrió a nivel físico cuando tuvo que teñirse el pelo por su cuenta de varios colores y en un solo día, hasta acabar teniendo daños permanentes en el cabello.

Este fin de semana, durante la Comic Con de Los Ángeles, Hayden Christensen relató algunas experiencias curiosas que le habían pasado en su vida, como su encuentro más peculiar con un admirador.

Según explicó, hace unos años estaba en su casa hablando por teléfono con un amigo cuando, de repente, escuchó que se abría la puerta y sonaban pasos en el piso de arriba. Pensó que su amigo se habría metido en su casa para gastarle una broma, así que le siguió el juego.

El ladrón que era fan de Hayden Christensen

Cuando fue a darle una sorpresa a su supuesto amigo, se topó con un completo desconocido que sostenía muchas de sus pertenencias. “Pensé: “¿Es un repartidor?” Y cuando lo miré, pensé: “Todas estas cosas son mías””, recordó Hayden Christensen.

El ladrón reconoció al actor de Anakin Skywalker al instante y empezó a disculparse devolviéndole todo lo que había cogido de su casa. Le explicó que se encontraba en una mala época y que estaba intentando reunir algo de dinero para comprarse un billete de vuelta a casa.

Como respuesta, Hayden Christensen lo llevó arriba y le regaló ropa y un par de zapatos con los que podría ir decente a sus próximas entrevistas de trabajo. Además, le dijo: “Vuelve mañana y te llevo a la estación de tren a comprar el billete”.

Pero el ladrón nunca volvió a casa de Hayden Christensen. “Por favor, no intentéis robar en mi casa otra vez”, concluyó el actor de Star Wars. “Tengo excelentes cámaras de seguridad”.

La serie no fue demasiado aplaudida: es la que tiene unas calificaciones más bajas dentro de la franquicia de Yellowstone, siendo la única suspensa por detrás de los notables de 1883, 1923 y Rancho Dutton; y además tuvo la peor audiencia de todas.

La forma en que la producción tuvo que virar desde el drama hasta el género policial no terminó de encajar con el público fiel al western original de Taylor Sheridan y sus series derivadas, siendo aquel el principal problema que vio la audiencia para conectar con Marshals.

A pesar de la recepción, menos de medio año después de que se estrenara el final de su primera temporada, Marshals: Una historia de Yellowstone regresó a SkyShowtime con su temporada 2 a principios de octubre, y todavía seguirá en emisión hasta que vean la luz sus 18 episodios totales, que concluirán en febrero del próximo 2027.

Marshals sufre una notable bajada de audiencia

Por desgracia, Marshals: Una historia de Yellowstone no remonta en televisión. La serie arrancó con unos índices de audiencia del 20,6 millones de personas viendo su episodio piloto, según reflejan los datos aportados por Nielsen.

Si bien se esperaba que el regreso a este universo viniese acompañado por una audiencia estimada de 19 millones de personas, la realidad es que el primer capítulo de la nueva temporada de Marshals tan solo fue disfrutado por 15,14 millones, con un notable descenso de 5 millones de personas respecto a su temporada anterior.

Todavía es pronto para que Taylor Sheridan se eche las manos a la cabeza, pero tendrá que estar atento por si este patrón continúa incrementándose a medida que se van lanzando los próximos episodios de Marshals: Una historia de Yellowstone en SkyShowtime.

Desde que se anunció su incorporación al reparto, Paapa Essiedu ha sufrió una oleada de odio indiscriminado impulsado por el racismo que ha llegado hasta las amenazas a muerte, pero el nuevo Snape no permitió que eso lo frenara para actuar en Harry Potter.

“Todo el equipo me ha apoyado muchísimo”, explicó Paapa Essiedu en una charla con el medio Variety. “Obviamente, mi prioridad es el trabajo. De lo contrario, no habría aceptado este puesto, pero lo afronto con los ojos bien abiertos”.

“Entiendo el amplio espectro de lo que supone la reacción ante lo que estamos haciendo, y asumo esa responsabilidad con el corazón abierto y lleno de entusiasmo. También me ha impresionado mucho todo el apoyo, los buenos deseos y el entusiasmo que he recibido”, añadió el actor de Harry Potter.

¿Cómo lucirá el nuevo Severus Snape en Harry Potter?

La nueva versión de Severus Snape no será idéntica a la que vimos en pantalla en su día encarnada por Alan Rickman. El personaje ha abandonado la túnica abotonada y el pelo lacio por un traje de cuero con cremallera y rastas hasta los hombros.

“Creo que la estética es importante”, reflexionó Paapa Essiedu. “No sé si el estilo es necesariamente lo primero que tengo en mente al crear el personaje, pero creo que su apariencia dice mucho sobre quién es y quién quiere que la gente piense que es. Todo está increíblemente bien pensado”.

El próximo 25 de diciembre podremos ver cómo lucirá Paapa Essiedu en el rol de Severus Snape, cuando Harry Potter y la piedra filosofal se estrene en HBO Max.

En 1982 se hizo con el Óscar a Mejor actriz de reparto por Tootsie de Sydney Pollack, y en en 1994 con el Óscar a Mejor actriz por Blue Sky de Tony Richardson.

En el nuevo siglo, Ryan Murphy la redescubrió para su antología de terror American Horror Story, que la ha convertido en una de sus estrellas principales desde hace más de una década.

Ahora, la serie acaba de finalizar la emisión de su temporada 13, cerrando un ciclo. A su vez, Jessica Lange estrenó el 2025 pasado su película más reciente. Pero, a sus 77 años, no parece tener nuevos proyectos en el horizonte que vayan a dar sus frutos.

Jessica Lange ya piensa en su retiro

“Siento que estoy llegando al final de mi carrera”, declaró la actriz de American Horror Story en una reciente entrevista con la revista Rolling Stone. “Quizás no sea una mala manera de terminar, siendo mi última película Long Day's Journey Into Night, donde interpreté a Mary Tyrone”.

“Hay un par de proyectos que llevan mucho tiempo en desarrollo y que tal vez no se concreten”, añadió Jessica Lange. “No lo sé. Parece que ya no es fácil sacar adelante proyectos. Al menos no el tipo de películas que me interesan”.

Pensando en que, quizá, el final de sus días como actriz esté cerca, Jessica Lange dijo que quería ser recordada “por algunos buenos papeles. Por algunas buenas películas. Por ser una actriz honesta”. Aunque a veces le costó conciliar “la familia, la carrera, los rodajes”, concluye que “ha sido una gran aventura” de la que está “muy agradecida”.

Y, sin embargo, la compañía le tiene echado el ojo a Jordan Peele. Más bien Jared Bush, el jefe creativo de Walt Disney Animation Studios, y director tanto de las dos películas de Zootrópolis como de Encanto.

En una reciente charla con el medio Collider, Jared Bush aseguró que le encantaría trabajar con el director de Déjame salir en Disney: ““¡Dios mío! Necesito —ya mismo— que Jordan Peele venga a Disney Animation. Eso es lo que necesito”.

Su motivo fue el siguiente: “Es un cineasta brillante. Se arriesga un montón. Cuenta historias atrevidas. Me encantaría ver qué haría con una película de Disney Animation”.

¿Jordan Peele se adentrará en el mundo de la animación?

Lo más cerca que ha estado nunca Jordan Peele de la animación fue con Wendell y Wild (2022), la película de terror en stop-motion de Netflix que recuperaba a Henry Selick como director después de que se tomara una pausa de más de una década tras el estreno de su anterior trabajo: Los mundos de Coraline (2009).

En Wendell y Wild, Jordan Peele fue el co-guionista de la película junto con el propio Selick, para contarnos una historia sobre una joven que hacía un trato con unos demonios para intentar sacar del cementerio a su madre y a su padre.

No obstante, el cineasta también ha sido actor de doblaje. En Wendell y Wild, Jordan Peele puso voz a uno de los demonios. Y, años antes, había llegado a colaborar con Disney para doblar al personaje de Bunny en Toy Story 4 (2019). ¿Pero lo veremos alguna vez dirigiendo una película de animación para Disney?

Después de que su temporada número 13 se convirtiera en la más odiada por el público en Rotten Tomatoes en su estreno, con una nota del 40%, en las últimas semanas su media ha descendido hasta un 31%. Pero eso no es lo peor.

Ayer 30 de octubre, en una fecha excelente para coincidir con Halloween, Disney Plus lanzó el capítulo final de American Horror Story: 13, con el que ha vuelto a hacer historia… Para mal.

American Horror Story: 13 es la peor de la serie

Con un total de 145 episodios, Ryan Murphy fracasa definitivamente en su última temporada de American Horror Story. El episodio Endiablados buenos tiempos de la temporada 13, con el que se cierra esta ambiciosa producción que combinaba elementos de todas las temporadas previas, ha acabado por convertirse en el peor valorado de toda la serie.

En IMDb este capítulo es ha llevado una nota de 2,5 sobre 10 por parte de la audiencia, quedando por detrás de otros episodios nefastos de la serie como: el capítulo final de la temporada 12, el último de la décima y el final de la undécima.

Está claro que Ryan Murphy no consigue atinar con los finales de sus temporadas, y ha logrado tener descontenta a la audiencia en los últimos años con los estrenos más recientes de su serie antológica de terror. Lo que más lamenta el público es que American Horror Story: 13 tuviera “un desastre” de guion y que la serie de Disney Plus fuera un absoluto despropósito.

Si bien en su día no se confirmó quién realizaría el largometraje de Bloodborne, ahora Jacksepticeye ha desvelado que la cinta está en una fase más avanzada: “Tenemos mucho más definido el rumbo que va a tomar la historia, y ya hay gente en sus puestos para hacer que esto sea una realidad”.

Por el momento, no ha podido arrojar ningún detalle específico sobre la trama de la adaptación, pero ha dejado claro que no quiere hacer una película que se limite a “contar las mismas historias con los mismos personajes una y otra y otra vez”.

El productor de la película de Bloodborne mencionó adaptaciones recientes brillantes como la serie de Fallout o la cinta de Resident Evil como “ejemplos recientes realmente buenos” sobre producciones audiovisuales que son capaces de “contar diferentes relatos dentro de esos universos”.

A fin de cuentas, “el cine es un medio completamente diferente al de los videojuegos”, y lo interesante es potenciar lo que hace único a cada medio: “Es pasivo frente a interactivo, así que, ¿cómo podemos aprovechar y jugar con esa diferencia y explorar ideas distintas?”

La animación es el formato perfecto para adaptar Bloodborne

Por otro lado, el haber optado por utilizar la animación en la película de Bloodborne también parece todo un acierto, sobre todo si lo compara con el live action de Elden Ring, también de FromSoftware.

No es sólo cuestión de “tiempo”, “dinero” e “inversión económica”. La animación resulta además un medio más versátil para reproducir todos los “aspectos sobrenaturales” de Bloodborne en cines, en lugar de recurrir a “una pantalla verde” y rezar para que el resultado esté a la altura.

La plataforma de streaming de Warner ha lanzado en las últimas horas un episodio especial de It: Bienvenidos a Derry bautizado como Una historia de Derry. El capítulo se ambienta varios siglos antes de los eventos que se nos narraron en la historia principal y de que apareciera el diabólico Pennywise.

Esta nueva aventura nos contará lo que ocurre con tres jóvenes que exploran el peligroso bosque occidental de Derry, donde se cruzan con un espíritu ancestral, revelando cómo se originó la fuerza maligna que acecha al pueblo.

A diferencia de los ocho capítulos que tuvo la primera temporada de la serie que se extendían a lo largo de una hora, este especial cuenta con una duración de tan solo 30 minutos. A pesar de todo, se convierte en un excelente complemento para este Halloween.

It: Bienvenidos a Derry tendrá otra precuela

Además, Una historia de Derry es también un buen aperitivo para lo que está por venir. HBO Max decidió renovar este verano It: Bienvenidos a Derry para una segunda temporada, que también transcurrirá antes de la primera, aunque no nos llevará tan atrás en el tiempo.

Si bien la primera temporada de It: Bienvenidos a Derry nos hizo viajar hasta el año 1962, la segunda temporada nos trasladará hasta 1935, durante el período de durante la Gran Depresión en Estados Unidos, poniendo el foco sobre la masacre de la banda criminal de Bradley en lugar de en la desaparición de menores en el pueblo. Por el momento no tiene fecha de estreno en HBO Max.

Aunque pueda parecer un galardón sin importancia, para Jesse Eisenberg supuso un antes y un después en su carrera, que lo alejó de las películas superheróicas y el mainstream en Hollywood, tal y como explicó durante el pasado Festival de Cine de Londres.

“Ya no podía conseguir papeles en los estudios de cine porque había ganado un Premio Raspberry por la película de Batman... y vi la trayectoria que se avecinaba”, relató el antiguo Lex Luthor.

“Si eres actor, vives constantemente con la angustia de preguntarte: “¿Estoy en ascenso o en declive?” Porque no hay un punto de inflexión. La actuación es una industria inestable y terrible donde o estás en la cima y te va bien, o estás acabado y todo se va al traste. Y si eres una persona paranoica como yo, lo ves venir con mucha antelación”.

¿Por qué Jesse Eisenberg no hará más cine superheróico?

Jesse Eisenberg fue consciente de lo que Hollywood pedía de él: “La industria te dice lo que quiere de ti. La industria no quería que yo estuviera en una película de superhéroes, y si eres inteligente y consciente de ti mismo, lo aprendes rápidamente”.

Reflexionó que si lo hubieran querido en ese tipo de cine no le habrían dado un Premio Razzie por su actuación en la cinta de Zack Snyder: “Ese es un premio a la mala actuación. Así que la industria te dice lo que quiere y si quieres una carrera en las artes, tienes que seguir lo que te dicen que gusta”.

Por eso mismo, Jesse Eisenberg optó por seguir en la industria aunque explorando otras áreas del cine: “Así que pensé: “Tengo que dirigir películas”. Por eso empecé a escribirlas, simplemente para mantener mi carrera a flote, la verdad.”

Sin embargo, después de aquella producción, apenas destacó en Hollywood, aunque su vida ha seguido estando ligada a la interpretación desde que fue una actriz infantil.

Qué fue de Dakota Blue Richards

Dakota Blue Richards nació en Londres, Reino Unido, en abril de 1994, y jamás pensó que acabaría convertida en una actriz profesional al alcanzar los 13 años de edad.

De pequeña había participado en algunas obras de teatro escolares e incluso llegó a tener la fantasía de convertirse en Lyra Belacqua tras ver una obra de teatro basada en la saga litararia La materia oscura de Philip Pullman, cuyos libros le apasionaban.

Cuando nació el proyecto de adaptar la primera de esas novelas para la gran pantalla, La brújula dorada, se abrió un proceso de casting en el que participaron 10.000 personas. Philip Pullman no dudó ni un segundo en que Dakota Blue Richards debía ser su Lyra Belacqua.

De este modo, la actriz de Lyra Belacqua inició su carrera en Hollywood por todo lo alto: convirtiéndose en la protagonista de una película en la que estuvo acompañada por Nicole Kidman y Daniel Craig.

La brújula dorada, dirigida por Chris Weitz, se estrenó en 2007, y Dakota Blue Richards ya estaba tan metida en la industria que no pudo escapar de ella durante años. Y tampoco quiso hacerlo.

Las dificultades de Dakota Blue Richards como actriz infantil

De adulta, Dakota Blue Richards reconoció que “la producción fue muy exigente: fue larga y todo era nuevo” para ella. Aun así, en una cinta de alto presupuesto como aquella, pudo ver satisfechas todas sus “necesidades infantiles”.

En cambio, admitió que en “las producciones independientes” en las que participó después había “menos protección” porque se destinaba “menos tiempo y dinero a mantener tu infancia, tu educación y ese tipo de cosas”.

Además, describió los procesos de casting como algo “estresante” porque debía “invertir mucho tiempo, energía y emociones” para muchas audiciones que ni siquiera acababan dándole un papel: “Así que ese proceso es agotador y requiere una gran capacidad de adaptación, lo cual es mucho para una niña”.

Por último, admitió sentir una gran presión de adolescente por continuar en la profesión: “Existe un estigma en torno a la actuación, como si cualquiera que la abandone o se dedique a otra cosa después lo hiciera solo porque fracasó como actor, lo cual, por lo que sé de muchos actores, no es cierto en absoluto. Como cualquier otra profesión, se puede dejar por infinidad de razones”.

Dakota Blue Richards después de La brújula dorada

La joven intérprete empezó a encadenar producciones, a buscar nuevos castings e introducirse en todos los proyectos que podía. Después de La brújula dorada, vimos a Dakota Blue Richards como protagonista de otra cinta de fantasía, El secreto de la última luna (2008), y del largometraje televisivo Dustbin Baby (2008).

Luego se unió a la serie de Skins durante sus temporadas 5 y 6, para encarnar al personaje de Franky Fitzgerald, que fue otro de los grandes pilares de su carrera como actriz tras su impresionante debut en cines.

A esta producción le siguió su paso por la miniserie Lightfields (2013) y por el filme The Fold (2013). Un año después protagonizó la película de ciencia ficción The Quiet Hour (2014) y, por último, su papel más reciente en cine se lo brindó la comedia británica ChickLit (2016).

A partir de entonces, pudimos ver a la actriz de La brújula dorada en algunas series de televisión, como: Beecham House -en la que dio vida a Margaret Osborne- Endeavour -donde se puso en la piel de Shirley Trewlove- y 52 Story Minutes -en el papel de Blue-.

Pero en el año 2017 rompió todos sus lazos con la industria y decidió dar un giro en su carrera como actriz, dando el salto del cine al teatro. En el año 2015 ya había entrado en contacto con los escenarios, aunque a partir de ese momento ya no volvió al cine ni a la televisión.

“El paso del cine al teatro fue aterrador”, recordó la intérprete en una entrevista de 2017. “Tenía mucho miedo de actuar en directo, porque siempre había contado con la seguridad de estar en el cine”.

“Si algo sale mal, puedes volver a hacerlo y nadie tiene por qué enterarse, mientras que en el escenario, una vez que has dicho tu línea, no puedes retractarte”, explicó años después. “Simplemente tienes que aceptar que te equivocaste, seguir adelante y esperar que sea mejor la noche siguiente”.

Dakota Blue Richards en la actualidad

Más allá de la actuación, durante el confinamiento, descubrió que otra de sus grandes pasiones era la floristería: “Disfruté mucho aprendiendo sobre ello y la creatividad, y empecé a trabajar como florista prácticamente en cuanto terminé el curso”.

Ahora sigue trabajando en ello a través de su floristería Maison Fleurette, considerándolo “una vía de escape creativa” alejada de la interpretación: “No sé si lo mantendré para siempre, pero ahora mismo es una parte muy bonita de mi vida”.

Por otro lado, ha tenido durante mucho tiempo inquietud por la escritura y la dirección, algo que se ha materializado este año en su primer cortometraje: Each Coming Night. En él desempeña todas las funciones creativas y de producción, además supone el regreso de Dakota Blue Richards al formato audiovisual tras una larga ausencia.

Recién convertida en madre de su primer bebé junto con Will Thomson, Dakota Blue Richards se encuentra en estos momentos enfrascada en la promoción de su cortometraje para su paso por diversos festivales de cine, con aspiraciones de llegar a los Oscar o los BAFTA. ¿Estaremos ante la próxima gran directora de Hollywood?

Ahora que ya sabes lo que fue de Dakota Blue Richards, te invitamos a descubrir a algunas celebridades como Georgie Henley, la niña de Las Crónicas de Narnia que casi aparece en Juego de Tronos o Anna Gunn, la actriz de Skyler White en Breaking Bad que se ganó el odio del público sin sentido.

Cada semana publicaremos nuevas historias de otras estrellas míticas cuyas vidas también dieron un giro inesperado como en el caso de Dakota Blue Richards, la actriz de Lyra Belacqua en La brújula dorada.

Sin lugar a duda, el plato fuerte del año tiene un nombre: uno de los mayores éxitos en el género del terror de este 2026 en España fue Obsession. No obstante, la cinta de Curry Barker sigue sin estar disponible con la suscripción a ninguna plataforma de streaming y tan solo se puede conseguir bajo demanda.

No obstante, el otro gran bombazo de los últimos meses, Backrooms de Kane Parsons, está disponible desde finales del mes pasado tanto en HBO Max como en Filmin.

Esta cinta logró hacer popular el concepto de los espacios liminales, y nos dejó algunas imágenes de lo más potentes: desde habitaciones amarillas de pasillos infinitos hasta un disfraz de pirata que seguro verás vestir a más de una persona en las próximas semanas.

2026 también nos trajo la sorprendente secuela de 28 años después (2025), subtitulada El templo de los huesos, que recuperaba a Alex Garland en el guion aunque contaba con Nia DaCosta en la dirección en vez de Danny Boyle.

A pesar de todo, esta película de zombies protagonizada por Ralph Fiennes también ha sido muy popular, y puedes disfrutar de ella a través de Movistar Plus, al igual que del próximo estreno de la lista.

Otra de las grandes bazas del año nos llegó con el largometraje irlandés Hokum de Damian McCarthy, una cinta de terror sobrenatural con casas encantadas y Adam Scott a la cabeza del reparto, que llega al streaming en el momento justo del año: se estrena el mismo día de Halloween en Movistar Plus, es decir, el próximo sábado 31 de octubre.

Dos películas de terror con animales que puedes ver este Halloween

Girando de tercio y empezando a tener a los animales como protagonistas, Primate de Johannes Roberts es otra película que no puedes perderte: un slasher adolescente en el que un grupo de jóvenes es atacado por el chimpancé rabioso de la familia durante una fiesta en la piscina. Una inusual propuesta que está de nuevo disponible en Movistar Plus, pero también en SkyShowtime.

Por último, Un buen chico de Ben Leonberg fue una de películas de terror que más llamaron la atención el año pasado en cines, al estar protagonizada por un perro que percibía entidades sobrenaturales en su casa.

La cinta se estrenó en la cartelera el Halloween pasado y ya se encuentra disponible en plataformas como Netflix o Filmin, pero ahora además se incorpora como novedad al catálogo de Movistar Plus, el próximo viernes 29 de octubre.

La producción ha sido creada por Rowan Joffé -guionista en 28 semanas después (2007)- y desarrollada por John Hlavin, con Timothy Van Patten en la dirección.

Nocturno nos contará la historia de Jonah Lynn, un antiguo soldado que en la actualidad se dedica a ser detective de homicidios. Tras una vida en Filadelfia, Jonah decide huir de sus peligrosas calles para instalarse en un pequeño y tranquilo pueblo al oeste de Pensilvania. Pero su felicidad dura poco.

El asesino en serie Jurek Walter no tarda en convertirse en un peligro para la población y para la familia de Jonah, obligando al detective a ir en su búsqueda para proteger a quien más quiere. Aunque, para seguirle la pista de la última víctima de Jurek, terminará enviando a su hija adoptiva, la agente del FBI Saga Bauer, a enfrentarse con él.

Stephen Graham estrena nueva serie en Apple TV

El reparto de la nueva serie de Apple TV está encabezado por: Liev Schreiber en el rol de Jonah Lynn, Zazie Beetz como Saga Bauer y Stephen Graham como Jurek Walter, quien regresa a la televisión tras triunfar en Netflix con producciones como Adolescencia.

También veremos en ella a: Bill Camp como el jefe Ellison, Rory Culkin como Karl, Chrissy Metz como Ida y Gary Carr como Nathan.

Nocturno se estrenará en Apple TV el próximo viernes 30 de octubre con sus primeros dos episodios, a partir de entonces irán llegando el resto de manera semanal a la plataforma de streaming hasta completar su primera temporada compuesta por diez capítulos.

El proyecto recibió luz verde el pasado mes de mayo, con Michael B. Jordan a la cabeza del proyecto como productor ejecutivo a través de su compañía Outlier Society. Por otro lado, la propia Rebecca Yarros está implicada en su desarrollo como showrunner, junto con Meredith Averill.

El anuncio más reciente traía consigo los nombres de las dos estrellas que encabezarán el reparto de la serie de Alas de sangre, con Esther McGregor asumiendo el rol de Violet Sorrengail y Emilio Sakarya el de Xaden Riorson.

La serie nos llevará a conocer la historia de Violet Sorrengail, una joven que quiere unirse al Cuadrante de los Escribas pero se ve obligada por su madre a ingresar en el Colegio de Guerra de Basgiath, ubicado en Navarre, para convertirse en Jinete de dragón. Allí conoce a Xaden Riorson, el despiadado y poderoso líder del Cuadrante de Jinetes.

¿Cuándo se estrena la serie de Alas de sangre en Amazon Prime Video?

Ahora, la adaptación de Alas de sangre hace su primer movimiento significativo, pues se acaba de anunciar que la serie dará comienzo a su rodaje el año que viene. Según los informes, la producción arrancará el próximo 5 de abril de 2027 en Vancouver, Canadá, y finalizará el 8 de noviembre.

Todavía quedan un largo camino hasta que podamos ver la primera temporada de Alas de sangre en Amazon Prime Video, y su fecha de estreno se podría alargar hasta 2028 o 2029. Sin embargo, la expectación es alta: ¿estaremos ante la siguiente Juego de Tronos o Los Anillos de poder?

Si bien ayer hablábamos de que Movistar Plus estaba cerca de estrenar un thriller basado en hechos reales sobre la aparición de un oso muerto en los Pirineos, Negocios turbios nos traslada hasta un pequeño pueblo de Oxfordshire en cuyos ríos locales descubre su vecindario a miles de peces muertos.

Este extraño acontecimiento despierta el interés de un par de jubilados encarnados por Bullman y Thewlis, que se niegan a aceptar las excusas que ofrece la compañía responsable del suministro de agua.

Eso termina destapando una compleja red de negligencias, decisiones empresariales controvertidas y encubrimientos que tuvieron terribles consecuencias tanto para el medioambiente como para la gente.

Negocios turbios se lleva un 100% en Rotten Tomatoes

La crítica ha respondido de manera tan favorable a Negocios turbios que la serie de Movistar Plus se ha llevado una nota media del 100% en Rotten Tomatoes, y los medios han destacado de ella tanto su mensaje como la interpretación de sus estrellas.

“El tono general es tenaz e informativo, a veces aderezado por el ingenioso dúo cómico de Watkins y Thewlis... Negocios turbios es una miniserie cruda pero imprescindible”, dicen en Observer.

“En ocasiones, se vuelve tan oscura y surrealista que puedes tener que pellizcarte para comprobar que no estás soñando”, añaden desde The Times. “Es imposible ver este drama sin sentir rabia y malestar por todo ello”, explican en Daily Mail.

Por último, en Financial Times sentencian que la serie de Movistar Plus “adopta un enfoque enérgico para exigir que prestemos atención” al problema de “los vertidos regulares de aguas residuales” que ensucian “los ríos y mares del país”.

Ya en el pasado agosto se anunció el 90th Anniversary Birthday Project para conmemorar el 90 cumpleaños de la intérprete con diferentes colaboraciones y merchandising dedicado a su figura. Y hoy por fin podemos ver cómo se ha materializado a través de un producto muy especial.

En las últimas horas ha salido a la venta una caja de edición coleccionista tan exclusiva que tan solo se han puesto a la venta 90 unidades, como años cumple Masako Nozawa. Pero su número tan limitado de unidades ha hecho que todas ellas vuelen al instante y el producto ya esté agotado en la tienda online.

Con un precio de 24.750 yenes, la caja incluía: un retrato de la actriz de Gokū pintado como un óleo, una camiseta con una fotografía suya de joven impresa, una tote bag con diseño de GOD, un llavero acrílico en el que se la retrata al estilo collage, una insignia especial por su 90 aniversario, así como la caja en la que se recogen todos estos objetos.

Todo el merchandising que puedes comprar por el 90 cumpleaños de Masako Nozawa

Sin duda, la caja para coleccionistas de Masako Nozawa era el objeto más preciado de esta Legacy Collection que se ha lanzado a medianoche para coincidir con su cumpleaños. Pero, si te das prisa, todavía puedes adquirir algunos objetos en su web.

Si bien gran parte de las camisetas y tote bags de la voz de Gokū ya figuran como agotadas, aún hay disponibles un par de camisetas, una sudadera y un pañuelo con el rostro de Masako Nozawa, todas ellas por debajo de los 10.000 yenes. ¿A qué esperas?