Arnold Schwarzenegger nació en Thal, un pueblecito de Austria hace 75 años dentro de una familia humilde. Desde luego, en su caso, nada tuvo que ver la suerte y mucho más el esfuerzo y la determinación.

Y, como comenta en el documental que actualmente se está proyectando con gran éxito en Netflix, Arnold, su verdadero superpoder, el que realmente le ha llevado a conseguir todo lo que se ha propuesto es el que cuenta en un momento de la serie:

“Yo sabía que tenía un poder muy especial, algo que otras personas no tienen y es que soy capaz de visualizar muy claramente mis objetivos y, una vez que los visualizo, los persigo sin descanso hasta conseguirlos. Cuando visualizas algo con claridad, de verdad crees que lo vas a lograr”.

Gracias a este poder de visualización Arnold consiguió ser Mister Olimpia en los años 70, que es la competición de culturismo más prestigiosa que hay a nivel mundial, empezando desde cero y sin apenas recursos. 

Algo que, según el protagonista confiesa en la serie, había visualizado que ocurriría  muchísimos años antes, cuando apenas comenzaba a trabajar su cuerpo y ya estaba obsesionado con el bodybuilding. Después consiguió ese mismo título seis veces más.

Años más tarde, a pesar de tener unos comienzos decepcionantes en el mundo del cine, que casi le llevan a la depresión, y sin ninguna formación como actor, consiguió tomar las decisiones adecuadas y aprovechar su impresionante físico.

Protagonizó películas como Conan el bárbaro y Terminator, que acabaron llevándole a lo más alto de la meca de Hollywood en los 80 y los 90, con un caché de entre 20 y 30 millones de dólares por película. Incluso, y esto es algo que mucha gente no sabe, tiene un Globo de Oro a la nueva estrella del año por la película Stay Hungry de 1976, en la que interpretaba… a un culturista.

Pero lejos de conformarse con todo eso, decidió continuar con algo aún más difícil como la política, y aprovechó la oportunidad que se le presentó para llegar a ser Gobernador de California, cargo que ejerció además durante dos mandatos de 2003 a 2011.

Esa ambición y ese carácter competitivo que le han llevado a lo más alto en todos los ámbitos en los que se lo ha propuesto, los explica de una manera muy gráfica a través de uno de sus referentes, el escalador Edmund Hillary, el primer hombre que alcanzó la cima del Everest:

“Cuando Hillary llegó a la cima del Everest, le preguntaron qué es lo primero que sintió y él contestó que lo único que veía era la siguiente cima que quería escalar. Eso es exactamente lo que me ha pasado a mí siempre, que cuando he conseguido algo que casi nadie pensaba que podría conseguir, lo único que quería es alcanzar el siguiente reto”.

En el documental explica, además, que nunca habría logrado esos extraordinarios éxitos sin la ayuda de personas clave en su vida, como el promotor y creador de Mr. Olimpia Joe Weider o el director de cine James Cameron.

Y también confiesa que, aunque sus éxitos profesionales han sido deslumbrantes, también ha tenido que asumir grandes fracasos, sobre todo en su vida personal.

De lo que no hay duda es de que ese superpoder de "visualización" ha sido absolutamente eficaz en el caso de aquel humilde niño austríaco que ya es, con todo merecimiento, un icono de varias generaciones.

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Pero esta película y su posterior remake de 2016 tienen su origen en Los siete samuráis, un gran clásico de Akira Kurosawa. En este reportaje vamos a contaros toda la historia que acompaña a esta obra inolvidable.

Akira Kurosawa (1910-1998) está considerado uno de los más grandes directores de cine, no solo en Japón sino en todo el mundo. Su influencia ha sido crucial, especialmente en las películas de aventuras y acción, y algunos de sus films han sido posteriormente versionados por el cine occidental.

Sorprendentemente, él nunca sintió ese reconocimiento y a principios de los 70 se intentó suicidar. Afortunadamente falló, porque tras rehacer su vida nos regaló aún más obras maestras como la preciosa Dersu Uzala (Oscar a la Mejor película de habla no inglesa en 1975) o Ran (1985).

Mucho antes de todo eso, en los años 50, Kurosawa ya era un director muy reconocido, de los más importantes en Japón y con un gran prestigio internacional gracias, entre otras muchas, a una maravilla llamada Rashomon (Oscar a la Mejor película de habla no inglesa en 1950).

En ella narra un crimen bajo cuatro puntos de vista. También tuvo su adaptación de Hollywood con Paul Newman de protagonista.

Los antepasados de Kurosawa fueron samuráis y el llevaba dándole vueltas a realizar una película sobre un día en la vida de un samurái que acababa con el protagonista haciéndose el harakiri. 

En estas estaba él y su equipo de guionistas, tratando de hacer realidad algo bastante complicado, cuando en la labor de documentación se toparon con la historia real de seis samuráis que habían defendido a un pueblo de los bandidos. Bingo. Kurosawa había dado con la historia perfecta. 

Durante semanas trabajó sin descanso en un guión que acabó teniendo más de 500 páginas. Kurosawa, un perfeccionista que ríete tú de Kubrick, escribió la biografía y el perfil de todos los personajes que tienen al menos una línea de diálogo en la película (¡son decenas!) y, de regalo, también las relaciones detalladas de todos los habitantes del pueblo en el que se desarrolla todo.

Sin embargo, algo fallaba. Una historia con seis samuráis henchidos de códigos de honor y tradiciones se quedaba algo coja y aburrida. Así surge el personaje de Kikuchiyo (interpretado por el actor fetiche de Kurosawa, Toshiro Mifune) un auténtico descerebrado cuyo rol es clave en la historia.

Es el único que no está basado en un personaje real. Como dirían en el film, ya tenemos a los 7. Los 7 Samuráis.

Si hace tiempo os contábamos el riesgo que para la MGM supuso una producción como Ben-Hur, para la compañía japonesa Toho Los siete Samuráis no lo fue menos. Esta productora ya estaba embarcada en un mega proyecto, con un protagonista algo peculiar, que os sonará, llamado Godzilla. 

Y Kurosawa, lejos de conformarse con un presupuesto pequeño para su historia de guerreros, manda construir un poblado entero de la nada, rueda muchas escenas con varias cámaras, con la inversión que eso supone, para después poder montar los planos a su gusto (y dar más libertad artística a los actores, según él) y el rodaje se alarga durante casi un año (cuando iban a ser tres meses)

A la Toho no le quedó más remedio que ceder porque perdía aún más si la película no se estrenaba, a pesar de que el presupuesto se multiplicó por cuatro.

Por tranquilidad de Toho el resultado es una película sensacional, hasta en su metraje, tres horas y veintitrés minutos (lo que la sitúa entre las películas más largas de la historia), aunque tanto en el país nipón como en Europa y USA se distribuyen versiones reducidas (con tijeretazos de hasta una hora que obviamente penalizan la calidad de la obra). 

El éxito en Japón supera todas las expectativas, y la película se convierte en la más taquillera…¡durante 30 años! En el resto del mundo el impacto no es menor y Los 7 Samuráis suponen un fenómeno que pone el cine japonés en lo más alto. 

Premios en la Mostra de Venecia y nominaciones en los Oscar y los Bafta, entre muchos otros galardones, completaron el aplauso unánime que ya habían dado crítica y público.

Soldados sin fortuna

El argumento de Los siete Samuráis es tan simple como atractivo: en el Japón feudal de finales del XVI, un pueblo es continuamente saqueado por un grupo de bandidos. 

Hartos de la situación, deciden contratar a unos samuráis para que les defiendan. Kanbei, un experimentado y templado samurái con grandes dotes de liderazgo acepta ayudarles a cambio solo de comida, y decide que necesitan al menos siete samuráis para combatir a los 40 bandidos. 

Él mismo, con la ayuda de un joven guerrero, se encarga de reclutarlos uno a uno, bajo sus mismas condiciones, es decir, solo a cambio de comida, hasta que llegan a la simbólica cifra. Una vez instalados en el pueblo, los días irán pasando entre las batallas con los bandidos mientras se desarrollan las relaciones con los campesinos y entre ellos mismos.

Kurosawa nos cuenta esta aventura con un vigor narrativo que hace que las más de tres horas pasen en un suspiro, a la vez que nos ofrece un cuidado retrato de personajes. 

Una de las claves del film son las diferentes personalidades de los samuráis, guerreros sin grandeza cuyo único punto en común es su innegociable sentido de la justicia. Se escudriña un tiempo marcado por el feudalismo, el honor, la brutalidad y el machismo. Todo ello aderezado con grandes dosis de acción y humor.

Si alguno os animáis a verla he de advertidos que en un primer momento puede resultar algo chocante para los ojos occidentales. 

La cultura japonesa es muy diferente a la nuestra, y tanto la forma de expresarse, con constantes gritos e insultos, así como algunos comportamientos exagerados y hasta grotescos (especialmente del personaje Kikuchiyo) causan cierta sorpresa y desconcierto. Es precisamente en este sentido donde se pone de manifiesto el inmenso talento de Kurosawa.

Sin apenas darnos cuenta nos sumerge en la historia de tal manera que pronto interiorizamos ese envoltorio cultural para poner el foco en las cuestiones verdaderamente universales: la justicia, la guerra, el odio, el amor, la compasión, la amistad, el honor, el respeto, el valor. Cualquier persona en el mundo entiende esos conceptos, especialmente si los trata una mente brillante.

Ni que decir tiene que técnicamente la película es una exhibición constante, por su puesta en escena, por la magnífica fotografía en blanco y negro (soberbia iluminación), el rodaje de las batallas (con planos a cámara lenta, sí, medio siglo antes que Matrix) o la dirección artística. 

Con Los siete samuráis Kurosawa demostró ser uno de esos contados directores capaces de maravillar tanto por el continente como por el contenido.

Un fenómeno de tal calibre no iba a escapársele a Hollywood. Apenas seis años después, la United Artists se dejó convencer por el actor Yul Brynner, toda una estrella en aquel tiempo, para, en una redonda metáfora del argumento y haciendo honor a su nombre, reunir a un puñado de carismáticos actores. 

Sustituyeron las katanas de Los siete samuráis por las pistolas y el Japón feudal por el Oeste del siglo XIX: recrearon la versión occidentalizada de la película de Kurosawa.

Ya solo el reparto era para relamerse: juntar en un mismo film al mencionado Brynner más Steve McQueen, James Coburn, Charles Bronson, Robert Vaughn más Eli Wallach como jefe de los bandidos, todos en su mayor esplendor físico y artístico, aportando su rostros duros y atractivos y sus miradas pétreas.

El director, John Sturges, un especialista en westerns y films de acción que había creado escuela con Duelo de Titanes y lo haría después con La Gran Evasión, acostumbrado a manejar estrellas, se enfocó, como no podía ser de otra forma, en el lado más entretenido y espectacular de la historia, confiando en que la arrebatadora personalidad de los actores haría el resto. Acertó… a medias.

La película es muy entretenida y se ve de un tirón, las escenas de acción están muy bien rodadas y los actores antes nombrados llenan la pantalla con su carisma. Pero Sturges fracasa al trasladar al personaje clave de la obra de Kurosawa, Kikuchiyo, que aquí es una mezcla del joven guerrero y el descerebrado, que en manos del actor alemán Horst Buchholz roza la caricatura. 

Se quedó lejos de aportar el peso humorístico, dramático y romántico que al pobre le pusieron sobre sus espaldas. Quizá el error fue tratar de recrear, al menos en parte, el talento de Kurosawa, algo suicida cuando se trata de genios. Menos mal que allí estaba el gran Steven McQueen para compensar el desaguisado con sus líneas de humor negro. 

Y, por supuesto, una pegadiza e inolvidable banda sonora que después oímos hasta hartarnos en los anuncios de Malboro.

Aún con todo, Los 7 Magníficos supuso un gran ejemplo de cine comercial de calidad, que sin llevar el western a los niveles que habían logrado John Ford, Howard Hawks o Anthony Mann, sí respetó sus líneas maestras potenciando el entretenimiento, una tendencia que luego fue imitada (a veces mal imitada) en las décadas posteriores. 

Kurosawa quedó tan encantado con que en Hollywood hicieran un remake de su película, que incluso regaló una katana a John Sturges.

Los siete magníficos no hace soma a Los siete samuráis, pero pasó a la historia más por su éxito comercial y su carácter icónico que por su calidad, aún siendo una película notable.

El fenómeno siete magníficos no había hecho más que empezar. La repercusión del film fue tan grande que desde entonces se han realizado un buen número de películas y series relacionados de una u otra forma con la historia, por no mencionar las múltiples películas donde se muestra su influencia.

En los siguientes años se estrenaron tres secuelas, la primera fue El Regreso de Los siete magníficos (1966) de nuevo con Yul Brynner de protagonista (del resto no repitió ninguno).

Luego llegaron La Furia de Los siete magníficos (1969), con George Kennedy tomando el relevo de Brynner y los españoles Sancho Gracia y Fernando Rey en el reparto, y El Desafío de Los siete magníficos (1972), con Lee Van Cleef al frente y rodada en España, todas ellas con una línea argumental similar a la primera, aunque obviamente sin alcanzar su nivel.

También hubo una serie de televisión de 23 episodios (1998-2000) llamada Los siete Magníficos con Michael Biehn (Terminator, Aliens) en el papel principal y la aparición de uno de los actores del film de 1960, Robert Vaughn.

Y la cosa no se detuvo ahí. En 1980 se estrenó Los siete Magníficos del Espacio, en plena fiebre Star Wars, también con Robert Vaughn (que por lo que se ve le cogió el gustillo a la historia).

También en la animación hemos visto la influencia de esta historia, muy claramente en Samurái 7 y de forma más sutil en la popular Bichos.

Por último, la más reciente de las adaptaciones ha sido la película hongkonesa 7 Espadas estrenada en 2005.

Con toda esta prolífica trayectoria, no es de extrañar que Los 7 samuráis fuese un hito, tanto por su calidad como por su legado. Si no la habéis visto, siempre es buen momento para hacerlo.

Podría llenar páginas hablando de mis recuerdos en aquellos E3, pero os los voy a resumir en estos bloques:

• Mis sensaciones

• Las fiestas

• Los programadores

• La anécdota

Mis sensaciones

Sé que os lo vamos a repetir más de una vez en este aniversario, y lo hicimos en muchas ocasiones en su momento, pero es la verdad. Sí, aquello era un espectáculo fastuoso, un show de dimensiones extraordinarias, especialmente en sus mejores años, y la mayoría de las expectativas quedaban sobradamente cumplidas (y eso que eran muy altas).

Ahora bien, suponía un “curro” de la misma magnitud. Desde antes de viajar, organizando atropelladamente decenas de citas con todas las compañías hasta que la agenda parecía estar a punto de reventar, pasando por la paliza de viaje, casi 20 horas en total, pues por entonces no había vuelos directos a Los Ángeles, siguiendo con el maldito jet lag (que por las tardes atacaba sin piedad), y acabando con la paliza de recorrer durante muchas horas cada día aquel inmenso recinto (y decir inmenso en las proporciones americanas, es mucha inmensidad), sobre una moqueta infame “destroza pies” y con bolsas y bolsas cargadas de catálogos, press kits y CDs o DVD (hablamos de la época pre internet), llegando tarde a todas las citas casi desde el primer día (cada año descubrimos que agendar citas cada media hora era una quimera) y, casi por costumbre, olvidando (o directamente obviando) que había que comer.

Y, a la vuelta, a currarse las 50 ó 60 páginas de reportaje… Sonia me dice que mencione el impacto que causaba en la redacción cuando me veían llegar con tal cantidad de material. Mencionado está.

Ahora que lo pienso, parece como si aquel extraordinario privilegio tuviera un precio que pagar a cambio. Dicho esto, no lamento ni un solo segundo de los que pasé allí. Porque el lado bueno, era muy bueno…

Las fiestas

Vamos con el lado más divertido. Después de la paliza diaria, y sacando fuerzas y ganas de lugares que no sabíamos que existían, llegaba la parte lúdica del E3. Una cuestión a tener en cuenta: hablamos del boom de los videojuegos a finales de los 90 y principios de siglo, con las compañías generando ingentes cantidades de dinero que podían invertir en promocionar sus productos y sus marcas impresionando a los medios que asistíamos a la feria. 

Así, podíamos ir de macroconciertos en estadios y recintos de grupos punteros de aquella época como Soundgarden, Incubus, Stone Temple Pilots, hasta sesiones casi privadas (apenas 100 personas) de artistas como Black Eye Peas o George Benson. Todo gratis, incluidas las variadas barras libres de comida y bebida.

Recuerdo especialmente las fiestas de Electronic Arts durante un par de años, en una especie de palacio, con estatuas de hielo sobre las que impecables camareros vertían litros de vodka que, tras deslizarse lentamente sobre la helada superficie, recogíamos en delicados vasos de cristal, mientras actuaba un grupo en directo tocando versiones de los Rolling a las mil maravillas. Si se hubieran organizado premios a la mejor fiesta, EA habría ganado esos dos años con rotundidad. 

Los programadores

Por supuesto, no sería justo dejar de mencionar uno de los momentos más deseados de todos los periodistas: conocer en persona y entrevistar a los grandes creadores de videojuegos, las auténticas estrellas de aquel magnífico espectáculo. Sé que a vosotros, lectores fieles de Hobby Consolas, no os lo tengo que explicar, pero para mí era como estrechar la mano a una celebridad mundial del cine o del deporte. Y, la verdad, creo que no me faltó ninguno: Miyamoto, Yamauchi, Kojima, Dave Perry, Cliff Bleszinski, Jason Rubin, Yu Suzuki, Ken Kutaragi. Yuji Naka… 

Con todos ellos llegué a hablar, a transmitirles toda nuestra admiración (yo me atribuí la responsabilidad de hablar en nombre de todos los lectores de Hobby Consolas), a preguntarles por sus próximos juegos… Y, la verdad, resultaron ser muy amables y simpáticos (bueno, Kojima era algo más “especial”), aunque desde luego me quedo con dos: el gran Miyamoto, un señor tan entrañable como divertido, y Jason Rubin, creador de Naughty Dog, un americano de pura cepa con el que me habría ido de cañas sin dudarlo un segundo.

La anécdota

Año: 2000. Los Ángeles. Como en Terminator, No Fate. Juan Carlos García (director de Nintendo Acción por aquella época) y yo salimos del Convention Center tras una dura jornada de trabajo, con el único objetivo de descansar un rato en el hotel antes de ir (si encontrábamos fuerzas) a la fiesta de turno. Como siempre, la cola para tomar un taxi era tremenda, mientras cientos de taxis esperaban de forma ordenada para recoger a los pasajeros.

Por fin llega nuestro turno, un conductor de rasgos asiáticos, con gafas, muy serio, está al volante de nuestro coche. Después de acomodarnos con las múltiples bolsas repletas de material, el vehículo arranca. O, mejor dicho, despega. El primer acelerón nos parece anecdótico. “Habrá pisado el pedal más fuerte sin querer”, pensamos ingenuamente. Ya. Solo fue el calentamiento antes de que cada arranque se convirtiera en un intento fallido de alcanzar la velocidad de la luz, que por supuesto iba sucedido de una frenazo de similar virulencia, imprescindible para no estamparnos con el coche que estuviera delante, ante el que nos quedábamos a una distancia que podía oscilar entre los dos y los cuatro milímetros. 

Nuestro hotel estaba a más de media hora de camino. Juan Carlos y yo cruzamos una mirada que oscilaba entre la impotencia y el pavor ante el que podía ser el último trayecto de nuestras vidas. 

El tipo, mientras tanto, siguió a lo suyo, acelerones y frenazos como si en cada uno de ellos le fuera la vida. Y si el tráfico le permitía disponer de una distancia mayor, desplegaba más habilidades extremas al volante: adelantamientos suicidas, curvas trazadas a una velocidad imposible, giros que cuestionaban todas las leyes físicas…

No me preguntéis por qué, pero Juan Carlos y yo, zarandeados en el asiento de atrás cual peleles, como si estuviéramos en la atracción más salvaje de un parque temático, no tuvimos el valor de decirle nada a ese hombre, que seguía impasible mientras manejaba aquella endemoniada máquina directamente hacia las puertas del infierno. 

Milagrosamente, y tras decenas de oportunidades de habernos estrellado, llegamos a nuestro hotel, mareados, acojonados, destrozados y todos los “ados” que se os ocurra añadir, mientras aquel tipo seguía inalterable, como si fuera un día más en la oficina.

Por supuesto, estuvimos comentando la jugada durante el resto del día, primero entre nosotros y luego con otros colegas en la fiesta. Ya tenemos una anécdota que contar, decíamos. Menos mal que hemos salido vivos, afirmábamos medio en broma, medio en serio.

Al día siguiente, con la agenda repleta de citas, el asunto del taxista se nos olvidó. Tras una maratoniana jornada, salimos de nuevo a eso de las 5 de la tarde pensando, como siempre, en la siesta que nos esperaba antes del evento nocturno. 

Otra vez, la misma escena. Una cola interminable, cientos de taxis esperando… por fin, nuestro turno. Nos introducimos en el coche, todos amarillos, berlinas americanas casi indistinguibles unas de otras. Nos colocamos en el asiento de atrás con el ingente material que llevábamos encima. 

Y, de pronto, vemos unos ojos que nos miran fijamente por el retrovisor: (empieza la cámara lenta y la voz distorsionada por el efecto de ralentización de la escena) ¡¡¡NOOOOOOOO!!! 

Decenas de miles de taxis en Los Ángeles. Miles de potenciales pasajeros en el E3, y nos vuelve a tocar el tipo más peligroso de toda California, el jodido conductor suicida del día anterior. ¿No Fate? Y una mierda. 

¿Qué cómo acabó el asunto? Bueno, Juan Carlos y yo seguimos vivos a día de hoy. Eso es lo importante. El resto, os lo dejo a vuestra imaginación...

Consigue el pack con las 5 películas de Jack Ryan

Si en aquella ocasión el enemigo estaba en Oriente Medio, en esta segunda temporada de Jack Ryan la trama y el malvado de turno se van hasta Venezuela, más concretamente hacia su discutido Gobierno, en una clara analogía con el actual Gobierno de Nicolás Maduro. De hecho, el presidente en la serie, interpretado con garra por el español Jordi Mollá, también se llama Nicolás, aunque Reyes de apellido, y desde luego resulta mucho más estiloso, atractivo y taimado que su modelo real. Además, muestra claros aires de sociópata y buenas capacidades físicas hasta el punto de convertirse en ejecutor directo. Más parece el capo de un cartel de la droga que el presidente de una nación, algo muy del gusto del cine y las series estadounidenses.

Aun con esa base política, la trama de esta serie de Amazon Prime se desarrolla, al igual que sucedió en la primer temporada -más si cabe ahora- por el terreno de la venganza. Y ahí empieza uno de los problemas de esta segunda temporada, y es que el personaje cuyo asesinato provoca la desatada ira de Jack Ryan, el senador Jimmy Moreno, apenas aparece en el primer episodio, y la relación entre ambos, por más que insistan en el resto de los capítulos en que eran grandes amigos, nos resulta tan ajena que nos cuesta meternos en el dolor emocional del protagonista.

John Krasisnki, más Rambo que rata de despacho

Esa distancia emocional podría haber sido compensada con una sólida trama de corrupción política o de espionaje, pero tampoco es el caso. Sí, la serie se empeña en mostrar que el presidente Nicolás Reyes gobierna a su antojo y pasándose la democracia por el forro de sus caprichos. Y, por otro lado, al comienzo se apunta una operación ilegal de extracción de tantalio, un mineral de gran valor, que parece destilar oscuras ramificaciones.

Sin embargo, aunque es cierto que el asunto político es muy relevante, cuesta hilar su verdadera implicación en la trama, si no es para mostrar una y otra vez los desmanes del Gobierno venezolano, que en su empeño por demonizarlo aquí tiene hasta campos de concentración y se atreve a mostrar a un soldado americano asesinado en televisión, cual Al Qaeda, lo que acaba caricaturizándolo más que criticándolo. Y en el caso del mineral, prácticamente pasa desapercibido durante la mayor parte de los episodios, aunque acabe encajando con calzador casi al final.

A eso hay que sumarle que a esta temporada 2 de Jack Ryan le cuesta entrar en calor, el ritmo resulta irregular y se echa en falta el alma de toda serie que se precie: esa tensión que te impide resistirte a ver el siguiente episodio. No nos entendáis mal, la propuesta es entretenida, pero predecible, y aunque es cierto que en los tres últimos episodios la serie coge cierto vuelo, acaba dejando cierta sensación de "quiero pero no puedo". Y eso, por más que haya varios golpes de efecto, algunos bastante forzados, y varios giros de guión, en ocasiones algo rocambolescos.

Tampoco terminan de funcionar las subtramas, como por ejemplo lo hizo, y muy bien, la del soldado que manejaba los drones en la primera temporada, y algunas de ellas acaban difuminándose bajo la arrebatadora cruzada vengadora de Jack Ryan, con una excepción: la compleja relación entre el presidente Nicolás Reyes y su mano derecha Miguel Ubarri (bien interpretado por el actor y director venezolano Francisco Denis), de largo la intriga dramática más lograda.

Un Jack Ryan, por cierto, que aquí está mucho más cerca de un Rambo actualizado -capaz de abatir decenas de enemigos, rescatar  prisioneros, asaltar palacios presidenciales y realizar persecuciones suicidas como el que va a la oficina todas las mañanas- que del analista brillante que acaba entrando en acción muy a su pesar.

Aquí puedes leer nuestra crítica de la temporada 1 de Jack Ryan

Esa transformación no le sienta nada bien a la serie, porque ese ADN del personaje, que tan brillantemente supieron entender Harrison Ford y Phillip Noyce en su momento, fue parte del encanto de la primera temporada, y de esta forma la serie pierde parte de su valor diferencial.

Buenos personajes, aunque poco desarrollados, y notable factura técnica

Es verdad que nos gusta más como analista que como "killer", pero no podemos cuestionar la presencia y el carisma de John Krasisnki, de nuevo bordando al idealista irreductible, aunque lo haga casi sin querer. Wendell Price tampoco falla a la hora de clavar a un James Greer aquejado por problemas de salud, y ya os hemos mencionado el muy buen lugar en el que Jordi Mollá deja el pabellón español, por muy inverosímil que sea el presidente que interpreta. Nos gustan también los trabajos de la colombiana Cristina Umaña como la opositora a Reyes (la "Juan Guaidó" en la serie), Francisco Denis como la mano derecha del presidente y del eficaz Michael Kelly como el jefe de la CIA en Caracas.

Pero nos quedamos con muchas más ganas de ver un mayor desarrollo en la mayoría de los personajes, y especialmente de dos actores que daban infinitamente más juego:Noomi Rapace como la agente doble alemana (qué seductor habría sido llevarla a una especie de "Carrie Mathison de Homeland") y, sobre todo, el alemán Tom Wlaschiha (¡Sí! ¡El inolvidable Jaqen H´ghar de Juego de Tronos!), sin duda uno de los personajes más fascinantes de la serie, que incomprensiblemente está muy desaprovechado. 

Lo que desde luego no está desaprovechado es el presupuesto, ya que, al igual que en la primera temporada, la serie muestra una factura técnica más que digna, con algunas secuencias muy bien rodadas, competentes escenas de acción, y una calidad de imagen excelente (de nuevo podéis disfrutarla en 4K).

En definitiva, esta segunda temporada de Jack Ryan queda por debajo de la frescura y la inocencia bien entendida de la primera y, aunque se ve sin dificultad y resulta entretenida, no consigue atraparme ni crear la tensión que espero de una serie de acción y espías (porque otras series se han encargado de poner el listón muy alto).

Por cierto, como siempre, os voy a recomendar ver las series en versión original, pero en este caso con mucha más razón, porque los diálogos en inglés y en español casi están a la par, y tienen cierta importancia en el desarrollo del argumento.

Quentin Tarantino: Para algunos un gran director, para otros un genio y un visionario. Y, para no pocos, un director sobrevalorado. Lo que no se puede negar es que, desde su irrupción, no ha dejado a nadie indiferente, y el estreno de su último film, Érase una vez en Hollywood, con críticas dispares, tan favorables como negativas, es el mejor ejemplo. Este es el Top de las 9 películas hasta la fecha de Tarantino.

9. Death Proof (2007)

En su afán por reinventar de forma muy personal géneros clásicos, con un especial cariño a la serie B, Tarantino, junto a su amigo y colaborador Robert Rodriguez, se embarcó en un proyecto llamado Grindhouse, que incluía dos films, Planet Terror, dirigido por Rodriguez, y Death Proof, escrita y dirigida por Tarantino.

La película de Tarantino es un particular homenaje al género de exploitation (películas que veneran sexo y violencia) y slasher (psicópata que persigue y asesina a jóvenes). Rescatando al mítico Kurt Russell del banquillo de los olvidados (una de las señas de identidad del director), nos ofrece un cocktail de sangre, violencia, persecuciones en muscle cars, diálogos filosófico-insustanciales y chicas de impresión. Tan disfrutable como intrascendente.

8.  Kill Bill 1 y 2 (2003-2004)

Otra incursión en la serie B, en esta ocasión dentro el cine de artes marciales de los 70. La omnipresencia de una explosiva Uma Thurmam junto con las imposibles coreografías hipersangrientas de las peleas, son lo mejor de, por lo demás, una monolítica historia de venganza alargada hasta el extremo (hasta el punto de convertir la película en dos).

La primera parte (volumen I) prescinde de los habituales diálogos "marca de la casa" de otros films y resulta tan espectacular como efectista. El Volumen 2 recupera algunas de las mejores cualidades de Tarantino para acabar completando un conjunto bastante solido y nada convencional.

7. Malditos Bastardos (2009)

El primer film bélico de Tarantino tiene el sello del cineasta en casi todos sus elementos. La premisa argumental, la historia de un comando mata-nazis durante la 2ª Guerra Mundial, deja claras las intenciones de tomarse la guerra como una de sus películas de criminales pero sustituyendo los trajes negros por los uniformes militares.

¿Cuáles son los actores y actrices más utilizados por Tarantino en sus películas?

Buenas interpretaciones -con un excelso Christopher Waltz, Oscar incluido- y un par de escenas inolvidables (¡hay que mejorar ese acento alemán, Fassbender!) absolutamente tarantinianas que funcionan como pequeños cortometrajes dentro de una trama algo endeble y forzada.

6.  Érase una vez en...Hollywood (2019)

Más que una película al uso, es un retrato de una época que fascina al director, por supuesto bajo su personal mirada, y que acaba convirtiéndose en una broma tarantiniana cuando acaba mezclando, con mucho estilo (y una realización técnica y artística impecables eso sí) situaciones y personajes reales con otros salidos de su ilimitada imaginación. Érase una vez en... Hollywood muestra una mirada entre fascinada y nostálgica al Hollywood de finales de los 60, y rinde un descarado homenaje al (spaghetti) western, al cine de acción y artes marciales, a la serie B y a los especialistas, mientras destroza sin miramientos el movimiento contracultural de aquella época: los hippies.

Con la premisa del declive de la carrera de un actor, Tarantino nos da un paseo por los estudios, las grandes avenidas de Los Ángeles, las lujosas fiestas y el aderezo constante de tantos guiños y cameos (Bruce Lee, Steve McQueen, Roman Polanski...) que logran paliar en parte la exagerada duración del film (una constante del director).

Ya está. Se acabó. Hemos llegado al final de Juego de Tronos. Y, como ya apuntaba el anterior episodio de la temporada 8 de Juego de Tronos, nadie iba a quedar contento, ni dentro de la serie ni fuera, aunque solo sea por el amargo sabor de las despedidas. Me he enfrentado a este episodio con un contenido pero profundo sentimiento de tristeza, similar al que brota al acabar un buen libro, solo que en este caso, multiplicado por 80 horas o por casi 9 años.

Quiero saber como termina todo, y a la vez no quiero que llegue el final, y mientras observo el devenir de los últimos acontecimientos, el destino final de los personajes, pasan por mi mente multitud de imágenes de tantos episodios, tantas batallas, tantos amores, tantas muertes, tantas traiciones. Y una parte de mí desea con irracional desesperación que algo o alguien me lleve de nuevo al pasado, a revivir todo aquello desde el inocente e irresistible desconocimiento de lo que vendrá después. Sí, me he convertido en un fanático de la serie. Uno de tantos. No hay más que ver los datos de audiencia de este último episodio.

Raquel Hernández, otra "fanática" (seguro que me deja llamarla así) ya os ha contado todo con su habitual maestría en la crónica oficial del episodio 6 y último de la temporada 8 de Juego de Tronos, así que comienzo la última de mis disparatadas, pero os aseguro que tremendamente sentidas y honestas, reflexiones desde Poniente. 

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Fanáticos. La definición académica los describe como aquellos que defienden una creencia o una opinión con pasión exagerada y sin respetar las creencias y opiniones de los demás. Bueno, ya os adelanto que ni Raquel ni yo entramos dentro de la segunda parte de la definición. Pero sí nos mueve una enorme pasión, no sé si exagerada o justificada, por esta maravillosa historia y sus personajes. Amor incondicional, como dije en la primera de mis crónicas de esta 8ª temporada.

Daenerys Targaryen, la Rompedora de Cadenas, la Madre de Dragones, sí se ajusta con todo detalle a esa teórica descripción. Y yo le añadiría otro calificativo: iluminada, es decir, que cree estar en posición de la verdad absoluta y tiene conocimientos superiores a los demás. "Yo sé lo que es bueno", le dice Dany poco antes de morir a un atribulado Jon. Tener tres dragones como retoños y poseer una capacidad ignífuga también ayuda bastante a sentirse especial.

No voy a descubrir nada si os digo que el fanatismo, además de peligroso, es contagioso, especialmente si encuentra el caldo de cultivo adecuado. Pueden ser unos Inmaculados castrados y esclavizados que sienten que han sido liberados para al final acabar haciendo básicamente lo que hacían antes: matar a las órdenes de alguien, aunque ahora tenga un aspecto y un discurso mucho más seductores. O unos Dothraki que ya traen de serie una aterradora pasión por la violencia, la destrucción y la conquista, y por tanto se sienten en su salsa ante una líder que les da lo que más les gusta.

Liberar pueblos. Ese atractivo y contagioso discurso, en su irracionalidad, acaba llevándoles a la mayor de las contradicciones: pretender instaurar un mundo libre en el que unos soldados son ejecutados por haber elegido libremente estar en otro bando, defendiendo la causa que creían justa o, simplemente, por que les tocó vivir en ese lado, porque nacieron allí. En el mundo que Daenerys Targarien no ha llegado a crear, se es libre para estar a su lado... o morir (que se lo digan a los Tarly). Al fin y al cabo, la muerte no deja de ser una forma de liberación, desde un punto de vista algo retorcido.

Por suerte para los 7 reinos, Jon Snow acaba llevando a cabo lo que el inteligente Varys ya había propuesto con anterioridad (esto es, cargarse a la reina, aquí las mociones de censura aún no estaban de moda), y que habría evitado una matanza de haberse realizado entonces. Y aún así, tal y como os decía en la crónica del episodio anterior, la cuestión es tan compleja y de tal magnitud, que Jon cuestiona aún sobrecogido a Tyrion Lannister si han tomado la decisión correcta. "Pregunta dentro de 10 años" le contesta el último de los Lannister. Nunca lo sabréis, añado (humildemente) yo. Con el tiempo puedes llegar a saber si una decisión fue buena, pero nunca si fue la mejor. Nadie vive dos vidas para comprobarlo... 

Y esto nos lleva a que finalmente el Trono de Hierro es para... ¡Bran el Tullido! (ya les vale a los traductores, suena mucho mejor y más amable Bran the Broken). "¿Para que te crees he llegado hasta aquí?", dice el chaval con dos narices, sin abandonar la cara de palo que se le quedó hace tiempo (carne de memes como símbolo de impasibilidad): lo mismo le da estar a punto de ser liquidado por el Rey de la Noche (que no es ni John Travolta/Tony Manero ni Dinio) que ser nombrado monarca absoluto de los 7, perdón, 6 reinos (¡lo siento Sansa, no me fulmines con la mirada!), el tío no mueve un solo músculo. Las reuniones de estado van a ser una fiesta con él al frente: Estás dónde tenías que estar, has hecho lo que tenías que hacer, he recorrido el camino que tenía que recorrer...

Ya que lo de Bran estaba en muchas quinielas, vamos ya con los últimos ganadores de las 5 categorías (elegidas arbitrariamente por mí, que no se os olvide) del episodio 6 de la Temporada 8 de Juego de Tronos.

La escena

Aunque la determinación, y las habilidades de Arya nos hacían pensar que ella iba a ser la encargada de poner fin a la locura de Daenerys (el sobrenombre de "matareinas" le venía que ni pintado) finalmente es Jon, quién si no, el hombre capaz de hacer siempre lo correcto, el líder dispuesto a sacrificarse por el bien común y a tener una visión a largo plazo, el que ejecuta a la genocida. Cuando Jon ve a Daenerys con los ojos fuera de sus órbitas mirando el Trono de Hierro, sabe que ya no hay vuelta atrás.

Cuesta imaginar lo que debe suponer hacer algo así. En el final de Juego de Tronos, sus últimas palabras hacia ella son de amor y devoción: "Siempre serás mi reina". Jon Snow, el bastardo que no lo es, el mejor de los Stark y los Targaryen, ha cambiado para siempre la historia de Poniente. Y será recordado como "matareinas". Si Jaime (que recibe un precioso homenaje de Brienne) lo hubiera visto...

El diálogo

La larga y tremendamente sustanciosa conversación que tienen Tyrion Lannister y Jon Snow mientras el primero espera encerrado en una estancia para ser ejecutado por traición, resume bastante bien de qué va Juego de Tronos: cómo se forja un tirano. El ansia de poder, unida a esa explosiva mezcla de fanatismo e iluminación, llevan a Daenerys a convertirse en todo lo contrario a lo que pretendía ser.

Pero no es ella sola, como bien explica Tyrion: "En todas las matanzas que ella ha ido cometiendo la hemos aplaudido, la hemos jaleado y la hemos amado, porque todos eran seres malvados. Hasta que ella ha creído que tenía el derecho a seguir asesinando indiscriminadamente, lo merecieran o no, solo porque ella ha forjado en su cabeza su particular sentido de lo que es el bien y la justicia".

Y le diría a Tyrion que también la hemos apoyado y amado desde nuestros sofás, cautivos de su pasión y determinación. Tyrion concluye con una reflexión sobrecogedora: "Si tu creyeras ciegamente que estás en posesión de esa verdad que va a servir para construir un mundo mejor, ¿no acabarías con todo aquel que se interpusiera entre tú y el paraíso?".

El bueno de Jon se resiste a condenar a Daenerys, y busca excusas como el que escarba en el desierto para encontrar agua. Como os contaba la semana pasada, no es fácil admitir que la persona que amas, la que admirabas con devoción, se ha convertido en un monstruo. Pero la argumentación de Tyrion es demoledora.

"El amor es más poderoso que la razón" dice Tyrion. O como decimos aquí, "el amor tiene razones que la razón no entiende". Jon está dispuesto a dar su vida y más, por su reina, pero Tyrion lanza su última andanada: Sansa y Arya. Cuando Jon sale de la habitación, ya ha tomado la decisión más difícil de toda su vida (y mira que ha tomado unas pocas): "El deber es la muerte del amor". Ya hemos visto muchas veces cuál es la prioridad de Jon Snow.

El personaje

Ya era hora. Tras una temporada en el que todos llegamos a preguntarnos si la ausencia de sexo y de vino le habían mermado su legendaria inteligencia y su sorprendente osadía, por fin se lleva todos los honores en el capítulo final de la última temporada de Game Of Thrones.

No le falta de nada: su estremecedor paseo por la ciudad arrasada y llena de cadáveres, su terrible desolación al ver a su amado hermano muerto, el coraje de arrojar su insignia de Mano de la Reina a la cara de Daenerys y, como no, su irrebatible argumentación para convencer a Jon de que tiene que acabar con el mayor peligro para el reino de los hombres. ¡Ese es mi Tyrion!

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Y por si fuera poco, él se encarga de proponer a Bran the Broken como nuevo regente, propuesta unánimemente aceptada, y a cambio este le nombra Mano del Rey (como su cara es una roca, no sabemos si con entusiasmo o resignación) en el nuevo gobierno. Ahora solo hace falta que le casemos de una vez, como diría mi madre.

El chiste

Samwell Tarly es un adelantado a su tiempo, ya no hay dudas. En pleno debate sobre quién debe ser el próximo monarca, no se le ocurre otra cosa que proponer que lo elija el pueblo. Vamos, lo que se dice una elección democrática. El despelote de los allí presentes resonará en la eternidad y quedará escrito en los libros de la Ciudadela. El pobre Sam se sienta con cara de "me debería haber tragado la lengua".

Además, en caso de que hubieran aceptado, eso llevaría a nuevos debates. ¿Quién tiene derecho a voto? ¿Los no muertos cuentan? ¿Y los dragones? ¿Ley D´Hondt o Sainte-Laguë?

WTF! 

¿Quién os imagináis que vuelve a aparecer por aquí? ¿Qué tiene grandes alas y escupe fuego? ¡Sí! De nuevo un dragón se cuela en la sección "What the fuck!". Veamos. Vale que queda muy bonito y espectacular que Drogon funda con su aliento el maldito Trono de Hierro, oscuro objeto de deseo de poder, en una secuencia inolvidable que debió dejar muy satisfechos a los guionistas tras la muerte de Dany.

Pero vamos a ver. Resulta que un dragón que (como sus hermanos) no ha sido precisamente un modelo de sutileza, más bien una bestia parda parcialmente controlada por Daenerys, ejecutor directo de la matanza del Desembarco del Rey, ve como asesinan a su madre delante de sus narices y en vez de abrasar y devorar (no necesariamente en este orden) inmediatamente al autor, reflexiona unos segundos sobre el símbolo del poder en los 7 reinos y decide en un acto repleto de significado y profundidad existencial destruir ese trono como mensaje para generaciones venideras... qué calladito se tenía esa faceta. 

Aunque para no dejar retratado solo al pobre dragón, y que parezca que tengo algo en contra de esta especie en extinción, también resulta algo chocante la reacción de Gusano Gris. Llevamos un par de capítulos viéndole con una cara de asesino que cualquiera le pide un autógrafo. De hecho tiene un encontronazo con Jon al principio del episodio que casi acaba en sangre. Pues bien, el tipo loco de ira y sed de venganza que degüella a varios soldados como el que se despereza por la mañana, decide que en lugar de descuartizar a Jon con su lanza de inmediato por haber matado a la reina, a su reina (que acababa de hacerle comandante), lo correcto es encerrarle a la espera de juicio, en un ataque de templanza inaudito.

Empiezo a pensar que la bondad de Jon es tan infinita que embriaga a dragones y soldados asesinos.

Y así queda configurado el nuevo gobierno de los 7, leche, 6 reinos, con Bran "cara de palo" al mando, Tyrion como Mano por tercera vez con tres monarcas distintos, Brienne como comandante en jefe (merecido, y eso que no le gusta mandar), Sam Tarly como Gran Maestre, Lord Davos como Consejero Naval, Podrick Payne para llevar la silla de Bran y... ¡Bronn! que vuelve a surgir de la nada para dirigir el Ministerio de Economía y Hacienda, en una designación que debe haber sido sugerida por... Drogon.

Nuestra querida Arya parte hacia tierras desconocidas (huele a spin-off a la legua), Sansa es coronada Reina del Norte y Jon... ay, Jon... la condena a la Muralla se la pasa por el forro de sus caprichos, y parte con Tormund y los salvajes hacia el único lugar en el que, durante algunos instantes, fue verdaderamente feliz con su primer gran amor, que ya sabemos que es el que queda grabado para siempre. Seguro que en su cabeza aún resuenan las palabras de su (y nuestra) añorada Ygritte: Después de tanto sufrimiento, tanto amor y traición, "You know nothing, Jon Snow". Como el resto de los mortales, me temo, aunque creamos que sí.

Y llegamos al final de Game of Thrones. Gracias, HBO, de corazón, por esta maravillosa experiencia que ha durado casi una década. Con su virtudes, muchas, y sus defectos, no pocos. Como la vida misma. Arriba tenéis el vídeo de despedida que ha preparado el equipo de Juego de Tronos. Y a los que alguna vez me hayáis acompañado leyendo estos desvaríos filosóficos de una fan-ático más de la serie, mi eterno agradecimiento y respeto. Valar Dohaeris.

Lo que es la vida. Si el anterior episodio de la temporada 8 de Juego de Tronos nos dejaba con el estómago encogido al ver un puñado de corazones devastados por las pérdidas (inevitables o voluntarias), este nos causa el regusto amargo, el reflujo ácido (permitidme la escatológica analogía) de una mala digestión, la que produce el siempre agrio sabor de la venganza, la traición o el despecho, que aunque son conceptos distintos comparten algunos ingredientes fundamentales que provocan efectos parecidos. Y que no se curan con un trago de sal de frutas, precisamente.

Como para saber de primera y buena mano lo que ha ocurrido en este penúltimo episodio ya habréis dado cuenta de la puntual y completa crónica del episodio 5 de la temporada 8 de Juego de Tronos de Raquel Hérnández, vamos ya con mis habituales desvaríos filosóficos. Por cierto, episodio de excelente producción y montaje, que refleja con sobrecogedor realismo la angustiosa sensación de destrucción, caos y terror, aunque los giros argumentales han creado bastante polémica.

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Dicen los expertos en psicología que nunca sabemos lo que somos, lo que realmente nos mueve en esta vida, hasta que nos llevan al límite, al extremo del sufrimiento o el dolor, físico, mental o ambos. Hay personas que no necesitan llegar a tanto, pues muestran su verdadera esencia como si su piel fuera transparente. Otros logran ocultarlo de tal manera que cuando sale a la luz causa un impacto inimaginable entre las personas más cercanas, hasta el punto de que dudan seriamente que se trate del mismo ser humano ¿Realmente esta es la persona que ha estado a mi lado durante estos meses/años? Sí, Daenerys, lo has conseguido. Nos has dejado a todos de piedra. O arrasados, que parece más apropiado en este caso. 

Dejadme que os cuente algo. Cuando estudiaba en la Facultad de Periodismo, un profesor de una asignatura llamada Relaciones Internacionales se plantó un día en clase y nos hizo la siguiente pregunta: ¿Consideraríais lícito llevar a cabo un golpe de estado si tenéis la certeza de que el próximo Gobierno de un país va a caer en manos de unos desalmados que van a causar un gran mal a la población que precisamente va a elegirlo en las urnas? Nosotros, pobres, jóvenes estudiantes de periodismo, lo hicimos lo mejor que pudimos. Unos dijeron que sí, otros dijimos que no, que la democracia es lo primero, otros no supieron qué responder... la respuesta es... que no hay una respuesta correcta. Es un dilema de tal dimensión que pone en tela de juicio todo nuestro sistema y a nuestra sociedad.

Pues bien, esa misma y trascendente cuestión se ha planteado aquí: Jon Snow y Tyrion han dicho que no. Varys, que sí. Y le ha costado la vida. A la vista de los resultados, Varys tenía razón, aunque él ya no está vivo para comprobarlo...

Este 5º episodio de Juego de Tronos probablemente sea el más trascendente en cuanto a la evolución de los principales personajes, pues deja (veremos si definitivamente) a cada uno en su sitio. Y, la verdad, son pocos los que salen bien parados. La furia desatada e incontrolada de Daenerys, el inquebrantable amor fraternal entre Tyrion y Jaime, la pasión/obsesión del propio Jaime por Cersei, la estupefacción de Cersei al verse definitivamente derrotada, la pesadumbre del ingenuo Jon asumiendo por fin que el lado oscuro del ser humano no conoce límites... Desde luego, no me lo han puesto nada fácil para elegir a los penúltimos ganadores de las 5 categorías de este episodio 8x05 de Juego de Tronos:

La escena

Estoy seguro de que era la escena más deseada por la inmensa mayoría de los fans de Juego de Tronos, si finalmente sucedía: el final del personaje más odioso (hasta hora, luego hablamos) de toda la serie, la malvada, despiadada, cruel, mentirosa y manipuladora Cersei Lannister. Pues bien, me juego todo el oro del Banco de Hierro de Braavos (si lo tuviera, claro) a que nadie ha quedado satisfecho.

Algunos (los más vengativos) porque deseaban una muerte más lenta y dolorosa. Otros, porque confiaban en que la implacable Arya Stark acabaría con la número uno de su lista con la "elegancia" que la caracteriza. Tampoco faltarán los que esperaban algo más de resistencia, un último as en la manga de la temible reina. Y los menos (y yo me incluyo en este grupo) porque al final hasta nos ha dado un poco de lástima, mientras a la vez comprobábamos estupefactos cómo su crueldad estaba siendo superada. Y, desde luego, no queríamos la muerte de Cersei a cualquier precio.

Jaime Lannister, su hermano, su gran amor, llega a tiempo para compartir los últimos segundos de sus vidas, junto con el cuarto hijo de ambos que jamás verá la luz, cumpliendo así la profecía que hicieron a Cersei cuando era niña. En fin, todos los respetos en el adiós del que sin duda ha sido uno de los personajes más grandiosos que ha dado la historia de la televisión, una "mala" que ya está en el Olimpo de los Malvados Televisivos junto a J.R. Ewing y Angela Channing (los que no tengáis edad para acordaos de ellos, buscad en Google, buscad).

El diálogo

Precisamente en un episodio en el que la venganza es el desencadenante de un genocidio, me quedo con el breve pero inolvidable diálogo entre Sandor Clegane y Arya Stark cuando ya están dentro de la Fortaleza Roja buscando sus respectivas revanchas. El Perro trata de convencer a Arya de que se marche, en vez de empeñarse en acabar con Cersei: "Vete a casa, niña, el fuego o algún dothraki acabara con ella. O quizá la devore el dragón. Está muerta. Vete o morirás aquí". Ella se resiste en un principio, pero acaba aceptando el consejo, no solo porque la Madre de los Dragones tiene combustible de sobra y el pronóstico del Perro parece sólido, sino porque también le describe los desastrosos efectos de tan peligrosa motivación: "¿Te crees que llevas mucho tiempo deseando venganza? Yo llevo tras ella toda mi vida, es lo único que me importa, y mírame, ¿quieres ser como yo?".

Y Arya sabe que no solo se trata de sus cicatrices, sino de alguien que desde niño ha sido un ser amargado, solitario, misántropo, descreído y sin el más mínimo margen para la alegría. Pensadlo bien cuando os encontréis empujados por ese peligroso resorte. Arya le llama por primera vez por su nombre, Sandor, y este recibe de ella el mayor elogio posible: Gracias.

El final, como no podía ser de otra forma, es que Sandor Clegane cumple con su objetivo, a costa de su vida. Y entonces nos preguntamos: ¿de qué le ha servido la venganza, si ni tan siquiera ha podido saborearla?

El personaje

Pues sí, la Rompedora de Cadenas, la Madre de los Dragones y la Madre... que la parió. Es cierto que ya habíamos visto algún que otro inquietante arrebato de Daenerys Targarien (como la ejecución de los Tarly), pero nos tenía embelesados con su carisma, su fortaleza y su seductor discurso sobre diversidad, el fin de la esclavitud, el empoderamiento de la mujer y la construcción de un mundo mejor. Dicen que la mayor cualidad del diablo es que nadie se dé cuenta de que es el diablo. Pues bien, la Rompedora de Cadenas nos la ha metido doblada. A los espectadores y a sus súbditos. Sí, claro, un mundo mejor, pero solo si lo hace ella y a su manera. Y, visto lo visto, cuesta pensar que la mayoría tengamos el mismo concepto de "un mundo mejor" que tiene ella. Su ansia de poder, su obsesión con el Trono de Hierro, la ha trastornado definitivamente.

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Lo más terrible de la matanza de Daenerys en el capítulo 8x05 de Juego de Tronos, lo que la convierte en un ser humano aterrador, no es solo que su devastadora represalia es premeditada y absolutamente desproporcionada, sino que va a acompañada de despecho. El que ha ido creciendo en su interior al comprobar que su (aparentemente) amado Jon es querido por la gente por lo que es, no por el miedo que provoca. Y eso la vuelve loca, en una demostración de soberbia y envidia malsana infinitas. Como una amante rechazada que entra en la locura, tiene clara cuál es la solución: o conmigo o con nadie. O me amáis, o morís. Que ardan todos, que diría Aerys Targaryen. Ay, si Jorah Mormont levantara la cabeza...

El chiste

Si en el episodio anterior había poco rastro de humor, en este ni se huele. ¡Cuánto echamos de menos a Tormund! Así que, aunque sea un poco macabro por mi parte, me quedo con el patético final del Maestre Qyburn. A pesar de ser un personaje turbio y escasas buenas intenciones, merecía una muerte más digna. En el único gesto de valentía que se le recuerda, no se le ocurre otra cosa que plantarse delante de Sir Gregor (o lo que sea esa mole) y exigirle que obedezca a la reina. Claro, este se lo quita de encima como el que aparta a un mosquito que le está importunando. Homicidio involuntario, sin ninguna duda. Mientras, Cersei sale de allí mirando al suelo con cara de "a mí no se me ha perdido nada aquí".

Hablando de Sir Gregor y de chistes, no me extraña que a Sandor Clegane le entre la risa al comprobar que no hay forma de matar al bicho, ni atravesándole el craneo con una daga. Para que luego trate así al pobre Qyburn, responsable de la criatura. 

WTF! 

Bueno, pues me lo han puesto "a huevo". ¿Qué os decía la semana pasada sobre la estúpida forma con la que Euron mataba a Rhaegal? Pues dicho y hecho, hemos pasado de que las ballestas talla súper grande (escorpiones, en lenguaje técnico) parecieran una terrible amenaza para las bestias, a que se las ventile Drogon en un abrir y cerrar de ojos en este episodio. Las de los barcos y las de tierra. Viendo como un dragón puede convertirse en un arma de destrucción masiva, sigue costado creer la facilidad del derribo anterior.

También me parece cogida con hilos la pelea a muerte de Euron con Jaime. Veamos, te acaban de arrasar toda la flota de barcos, casi contigo dentro, y lo único que se te ocurre es ir al pasaje secreto a encontrarte, por casualidad claro, con Jaime Lannister, y chincharle con el objetivo de... esto... ¿chincharle? Un absurdo final para uno de los personajes más fatuos y menos interesantes de toda la serie.

En fin, ya os dije que esto es lo que pasa cuando se desatan las peores pasiones -y las más destructivas- del ser humano, que dejan en pañales a las motivaciones simples y primitivas de los componentes del extinto Ejercito de la Noche, que al fin y al cabo solo quieren vivir...digo, morir...o no vivir... ¿resucitar? (no me aclaro con este tema).

Y así nos quedamos a las puertas del episodio final de Juego de Tronos. ¿Seguirán Daenerys y Drogon quemando urbanizaciones? ¿Pensará el bueno de Jon que La Primera de su Nombre aún puede ser una buena reina a pesar de todo? (Al fin y al cabo, quién no tiene un mal día). ¿Dirá Tyrion aquello de "antes de que me echen, me voy"? ¿Y Sansa a su hermano (primo) "ya te lo dije"? ¿Qué tiene que hacer Bronn ahora, matar a Tyrion o indagar si Cersei tenía contratado un seguro a terceros? ¡¡No os perdáis el trailer del episodio 6 y último de Juego de Tronos 8, que tenéis aquí arriba!! Valar Dohaeris.

Aún exhausto después de la cruenta y agónica batalla del episodio anterior, me he enfrentado (como vosotros) al día después del final del ejército de los muertos (o no-muertos, que ya nos sabe uno cómo llamarlos), del que no dudo ya habréis leído la crónica del episodio 4 de la temporada 8 de Juego de Tronos de Raquel Hérnández. Y, por supuesto, aquí tenéis puntualmente mis particulares y probablemente disparatadas reflexiones. Tranquilos, solo quedan dos capítulos más. No es un episodio fácil de ver, y lo digo en el mejor de los sentidos. Más que alivio, que parecía lo lógico, la sensación ha sido de incomodidad. Obviamente, intencionada por parte de los responsables de la serie. Os lo explico, faltaría más.

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Esa sensación de incomodidad empieza casi desde el inicio del episodio, en un banquete de celebración que más parece una de esas bodas en las que se masca la tensión porque los cuñados de las dos familias no se soportan, todos piensan que están pagando demasiado por el banquete, a nadie se le escapa la última trastada del adolescente díscolo, hay dos primos que se gustan y tontean y el abuelo se huele que le quieren mandar a una residencia. Y la novia, claro, está "de morros", porque encima el novio tiene más gracia que ella. 

Nadie dice nada, pero todos están en modo alerta a la espera de que salte la liebre. Y aunque, como en la mayoría de esas bodas, las buenas maneras acaban evitando un escándalo, nada impide las suspicacias, miradas torvas, bromas pesadas salidas de tono o reconocimientos que no son gratuitos. Os suena, ¿no?

Pero si hay un elemento que realmente ahonda en esa sensación de incomodidad, y que acaba transformándose en aflicción, es la del dolor de un corazón roto. De muchos corazones rotos. El de Daenerys por la muerte de Jorah Mormont y de su dragon Rhaegal, el de Sansa por la pérdida de Theon (¿sentía algo más por él?), el de Gendry Baratheon ante la cantada negativa de la educada pero irreductible Arya, el de Tormund ante el rechazo de su idolatrada Brienne, el de la propia Brienne por la brutal e inesperada despedida de Jamie Lannister (después de haberla llevado al cielo entregándose a ella) y el de Gusano Gris (y todos los espectadores) ante la violenta y desgarradora ejecución de Missandei por orden de Cersei. Bueno, dejadme también que incluya el corazón del director de Diseño de Producción cuando los espectadores se han dado cuenta de que alguien se había dejado un vaso de café en medio de uno de los decorados.

Si ver a alguien con el corazón roto ya encoge el alma, ver a tantos en tampoco tiempo le dejan a uno hecho puré. Me imagino a más de uno de los poseedores de esos corazones reflexionando sobre si ha merecido la pena tanto sufrimiento para esto...

Esto, queridos lectores, es lo que ocurre cuando dejamos ya aun lado la aterradora pero simple motivación del ejército de la noche, que es... esto...¿Arrasar el mundo? ¿Comerse a los vivos? ¿Seguir muertos? Bueno, la que sea, y nos adentramos en el complejo e impredecible mundo de los sentimientos humanos, en el que el corazón tiene razones que la razón no entiende. 

Lo peor es que esto está aun lejos de acabar, y me temo que algunos corazones más están aún por romperse... figurada o literalmente.  Venga, corto ya con tanta divagación sobre la condición humana, y vamos ya con los ganadores de las 5 categorías de este episodio 8x04 de Juego de Tronos:

La escena

La tensión y el miedo traspasaban la pantalla. Cualquier cosa podría suceder y todo apuntaba a un desenlace trágico. Y eso que hasta el último momento llegué a pensar -iluso de mí- que Tyrion iba a ser capaz de convencer a su hermana. Aunque por otro lado temí que los guionistas nos dejaran en estado de coma cargándose al pequeño de los Lannister. Y al final ocurrió lo que parecía más probable: la encantadora y fiel Missandei estaba condenada desde el momento en que fue capturada.

Que su violenta muerte fuera presenciada por su gran amor y su mentora es de una crueldad insuperable, como solo Cersei es capaz de alcanzar. Su valentía y dignidad gritando "Dracarys" como su última palabra, la coloca entre las muertes más épicas de toda la serie. 

El diálogo

Quizá porque no puedo ocultar mi predilección por Brienne, tal vez porque llegué a confiar en la irreversible transformación de Jaime Lannister. Verlos por fin consumando su más que obvia atracción tras haber pasado juntos tantas y tan terribles experiencias parecía el final perfecto. Pero, ay amigos, Juego de Tronos, como la vida misma, está lleno de finales imperfectos. Y Jaime Lannister sucumbe ante lo que ya asume como una obsesión insoportablemente adictiva por Cersei. "Quédate aquí conmigo, estarás a salvo, tú no eres como tu hermana, eres un buen hombre", le suplica una conmovedora Brienne. "Dejé a un niño tullido, estrangulé a mi primo, y habría matado a cualquier hombre, mujer o niño solo por estar con Cersei. Ella es tan odiosa como lo soy yo".

No sé si me sobrecoge más la desesperada muestra de amor de Brienne o el brutal ejercicio de honestidad de Jaime. La pobre Brienne acaba de descubrir de la forma más salvaje lo que es ser amada y abandonada de una noche para otra.

El personaje

Se ha hecho esperar, pero no era difícil de imaginar que la reaparición de Cersei iba a ser sonada. La actual ocupante del Trono de Hierro ha vuelto en plena forma, tan despiadada, cruel, manipuladora, ambiciosa y odiosa (esté último adjetivo se lo pone su hermano) como siempre. O más. Esa media sonrisa "marca de la casa" que expele la más perversa satisfacción por infligir el mayor dolor y humillación a otros (por cierto, impecable trabajo de Lena Headey una vez más) hiela la sangre más que todos los Caminantes Blancos juntos. 

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Ella solita, en apenas unos minutos de gloria en este episodio, se encarga de dejar claro quién es la verdadera mala aquí, incluidos vivos, muertos, no muertos y resucitados. Ya sabemos que está en la lista de Arya. Si la joven Stark hace pleno también con ella, que Jon y Dany se aparten para dejar sitio a la verdadera merecedora de todos los honores en la serie completa.

El chiste

No hay mucho hueco para el humor en un episodio lleno de duelos y desengaños. Por eso me quedo con un "chiste" no intencionado. No hay nada como decirle a alguien "te voy a contar un secreto, pero no se lo puedes decir a nadie" para que lo suelte a la primera oportunidad. Dany se lo pide Jon, Jon se lo pide a sus hermanas, Sansa... bueno, no sabemos si se lo pide a Tyrion, pero él y Varys ya cuentan que son 8 quienes conocen la verdad sobre la identidad de Jon Snow. Y porque en Poniente no hay Facebook (bueno, tienen cuervos).

Nunca olvidéis la infinita sabiduría del refranero popular: El secreto mejor guardado es el nunca revelado. 

WTF! 

Ay, los dragones en Juego de Tronos 8x04. Imaginaos por un momento que sois un enorme dragón, que estáis volando a unos 300 metros de altitud, con una vista panorámica inmejorable. Estáis en guerra. Y os acercáis a territorio enemigo. ¿Es posible que no veáis a una flota de barcos armados con ballestas de tamaño XXL con la suficiente antelación como para evitar que os conviertan en un coladero? ¿Sí? ¿No? Pues Rhaegal (y lo que es peor, también Daenerys y Drogon) debían estar con el día tonto. 

También cuesta entender cómo un tipo que no pasa precisamente desapercibido como Bronn, se cuela como "Pedro por su casa" en Invernalia con una ballesta cargada, y llega hasta los aposentos del castillo para amenazar a los hermanos Lannister. Y aún hay más. porque luego se va tan campante sin que a Jaime o a Tyrion se les ocurra dar la voz de alarma. Vale que están todos cansados y relajados tras la gran batalla, pero he visto chiringuitos de feria mejor custodiados.

Y no me quiero olvidar de mi tema favorito para este apartado: la revelación de la verdadera identidad de Jon Snow. Si ya la primera confesión de Sam a Jon tuvo su aquel, y la de Jon a Dany no le fue a la zaga, ahora los guionistas han decidido dejarnos con las ganas de ver las caras de Sansa y Arya cuando se enteran de la noticia bomba. O quizá han tomado esa decisión precisamente debido a sus "exitosos" precedentes. Menos mal que aún nos queda Cersei para dejar claro cómo se recibe una información de ese calibre.

Y hasta aquí hemos llegado. La Rompedora de Cadenas ha acumulado tantos motivos en este episodio para estar cabreada, que no debemos preocuparnos de que se le pase antes de una semana. En ese último plano suyo puede leerse en su cara "estos aún no me han visto verdaderamente mosqueada" (y como se entere de que Tyrion y Varys están conspirando a sus espaldas, ya ni hablamos). Aunque no menos atractivo tienen los anunciados encuentros entre el Perro y la Montaña, Arya y Cersei y... Jaime con su nada prometedor destino.

¡¡No os perdáis el trailer del episodio 5 de Juego de Tronos 8, que tenéis aquí arriba!! Valar Dohaeris.

Como si estáis aquí entiendo que ya habéis leído la crónica del episodio 3 de la temporada 8 de Juego de Tronos de Raquel Hérnández (es decir, la buena) ya podéis relajaros y despotricar contra mis Reflexiones desde Poniente que, a lo tonto, ya va por la tercera entrega. Y no voy a esperar ni un frase más: ¡¡¡¡ALUCINANTE!!!!

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¡Por fin! Después de tantos preámbulos, esperas, reencuentros, reflexiones filosóficas, especulaciones, tiranteces y revelaciones de los dos episodios anteriores, nos hemos topado con, si no el mejor episodio de las 8 temporadas de Juego de Tronos, desde luego, uno de los tres mejores. Y, además, es uno de esos raros episodios en la serie que se puede ver de forma aislada, es decir, que tiene un principio y un final.

Y no solo se trata de una batalla épica, agónica y desesperada, con múltiples sub-episodios y momentos tremendamente dramáticos, es que por algunos momentos parece una película de terror. Por si fuera poco, también hay sorpresas de las que te dejan ojiplático y, como era de esperar, muertes de personajes que llevan mucho tiempo en la serie, en algún caso, como el de Jorah Mormont, desde el primer episodio de la primera temporada.

Solo hay un pero que poner a esta maravillosa e inolvidable experiencia televisiva. Vale, ya sabemos que la batalla es nocturna, pero, ¿era necesaria de verdad tanta oscuridad, hasta el punto de que hay momentos en los que no se ve ni jurar? Y aún peor, ¿por qué al director, Michael Sapochnik, que ya dirigió La Batalla de los Bastardos, le ha dado por recurrir a los malditos primeros planos y a un montaje desenfrenado en muchas escenas de acción, de forma que es imposible enterarse de qué diablos está pasando?

Sí, ya sé que es un recurso para sumergirnos aún más en la batalla y en la sensación de caos. Y no me parece mal que se use en momentos muy puntuales, pero no como norma. Y aún menos en una pelea de dragones donde, la verdad, es complicado "sumergirse". Me parece que habría sido mucho más espectacular -y disfrutable- con un plano general en el que viéramos claramente a los dos monstruos zurrarse. ¿O nos hemos quedado de nuevo sin presupuesto?

En cuanto a las bajas, casi todas parecían cantadas, puesto que se trata de personajes que llevan mucho tiempo en la serie pero no están en la "primera línea" de protagonismo. Lo siento por ellos, pobres, pero todos los que caen tenían muchas papeletas para no pasar de este episodio, como Edd Tollet (cómo no, defendiendo a Sam) y Beric, que lo estaba pidiendo a gritos desde que le conocimos.

Y qué decir de Theon, que ha sufrido lo indecible, física y emocionalmente, aunque su final es absolutamente heroico, y se lleva de regalo el mejor elogio que le han hecho en toda la serie: "Eres un buen hombre, gracias", le dice Bran. Quizá el menos esperado es el fiel Jorah. Pero el hombre lleva tiempo coqueteando con la muerte, y ante la imposibilidad de lograr su mayor deseo -el amor de Daenerys- parecía cantado que su destino era dar su vida por ella. 

Pero vamos ya con los ganadores de las 5 categorías de este episodio 8x03 de Juego de Tronos:

La escena

Ya que estamos en un episodio en el que caen muchos personajes, me quedo con la muerte más épica, y probablemente una de las más épicas de toda la serie: La de la pequeña pero indomable Lyanna Mormont en su desigual lucha contra el gigante zombi. Ver esa disparatada diferencia de tamaño, y cómo la irreductible Lyanna es capaz de usar su último aliento para atravesarle el ojo con su lanza y acabar con el súper zombi, resulta sobrecogedor. Desde luego, muere haciendo honor a su apellido (aunque los miembros de la casa Mormont ya se pueden dar prisa en procrear futuros herederos)

Por supuesto, y aunque sea demasiado obvia, no puedo dejar de destacar aquí ese arrebato final de otra joven de armas tomar. ¿Quién no saltó del sofá al ver a Arya Stark acabando ella solita con los Caminantes Blancos?

El diálogo

Empiezo con una mirada, quizá la mirada más importante de los 70 episodios que llevamos hasta ahora. Si la aparición de Melisandre ya nos deja a todos con la boca abierta, esa mirada infinita que se cruza con Arya, como solo Melisandre sabe mirar, nos sugiere a todos que ahí va estar la clave del desenlace, algo que la joven Stark comienza a entender. Mis felicitaciones para los guionistas: excelente golpe de efecto.

Por supuesto, ese diálogo sin palabras tiene su continuación unas escenas después. Cuando ambas se encuentran de nuevo dentro de la fortaleza y todo parece perdido, Melisandre explica a Arya que Beric fue resucitado tantas veces para cumplir su propósito, es decir, salvar a Arya. Y entonces empieza a entender que la Mujer Roja (¡por fin!) está acertando en sus visiones. Y llega el momento final: "¿Qué decimos al Dios de la Muerte?" pregunta Melisandre. "Hoy no", responde con seguridad Arya, recordando su doloroso aprendizaje. Y ella entiende que es la clave para derrotar al enemigo. Y todo encaja como cuando pones el bloque final a un puzzle de 10.000 piezas. ¡¡Maravilloso!!

El personaje

La hemos odiado, nos ha aterrado, nos ha sorprendido, nos ha desconcertado, nos ha embriagado con su arrebatadora y misteriosa presencia... ha hecho cosas terribles, y también extraordinarias. Y cuando ya no esperábamos verla jamás, resulta que aparece de la nada en el último instante, se convierte en la protagonista de la batalla más importante de toda la serie (con algunos momentos maravillosos encendiendo las espadas de los Dothraki o las trincheras) y juega un papel crucial al trasmitir a Arya su papel decisivo en la supervivencia de los vivos. Vamos, que después de no pocas equivocaciones, resulta que al final sí que tenía razón.

Juego de Tronos y Me traicionaste, la canción de Rosalía

Interesantísimo personaje, Melisandre. Con todo lo que puede asustar una fanática, que cree que con la bendición de su dios tiene venia para cometer las mayores atrocidades, siempre me ha conmovido su inquebrantable fe y la naturalidad con la que asumía sus equivocaciones, entendiendo que ella era un mero instrumento de algo mucho más grande. Si echáis la vista atrás, ella ha intervenido en momentos cruciales, como el asesinato de Renly Baratheon o la resurrección de Jon Snow, nada menos. Que el dios de la luz la acoja ;)

El chiste

En un episodio que da poco espacio para el humor, este solo podía ser negro (u oscuro, ejem) en Juego de Tronos 8x03. Y qué mejor lugar que la cripta, espacio también ideal para revelaciones trascendentes. Ante el comentario de Tyron de que quizá deberían haber seguido casados, una Sansa esta vez de perfil más bajo, no tiene otra cosa que decirle que fue el mejor marido de todos. Teniendo en cuenta que los otros dos son sin duda los personajes más odiados de la serie, Joffrey y Ramsay, casi habría sido más elegante decirle: "me gustan más altos".

También tiene un tono oscuro el chascarrillo de Varys, ante lo que parece la inminente muerte de todos: "Bueno, al menos ya estamos en la cripta". Siempre tan cínico, este Varys.

WTF! 

Hay un asunto que me tiene inquieto. Es algo metafísico. ¿Hay un límite en el número de veces que un muerto puede volver al ejército de los muertos? ¿Qué miembros y órganos corporales mínimos necesita para hacerlo? ¿Es necesario que el Rey de la Noche les dé permiso o pueden hacerlo por voluntad propia? ¿Sabe un muerto que está muerto cuando se incorpora al ejército de los muertos? ¿Qué ocurre si un muerto mata a un muerto?

Pues hasta aquí hemos llegado. Resulta que los Caminantes Blancos y su ejército de zombies han desaparecido de un plumazo en el episodio 3 con otros tres capítulos aún por delante. Así que ya podemos ir frotándonos las manos con lo que nos espera. ¿Llegarán a un acuerdo Jon y Daenerys sobre quién merece el Trono de Hierro? ¿En qué ha quedado el súper ejército de la Rompedora de Cadenas? ¿Se volverán a casar Tyron y Sansa? ¿Son Brienne y Jaime la próxima pareja? ¿Habrá dado a luz Cersei? ¿Veremos a fantasma?

Os dejo estrujándoos los sesos con estas trascendentes cuestiones tras el tercer episodio de latemporada 8 de Juego de Tronos. Si habéis llegado hasta aquí, os espero el próximo martes. ¡¡No os perdáis el trailer del episodio 4, que tenéis aquí arriba!! Valar Dohaeris.

Segundo episodio de la última temporada de Juego de Tronos. Y al igual que los Lannister, yo también soy fiel a mis deudas, y aquí me tenéis puntualmente para contaros las humildes impresiones de un fan incondicional, al igual que hice con el primer episodio. De nuevo os recuerdo que si lo que buscáis es la seriedad y la precisión de una crónica como mandan los dioses antiguos y nuevos, no dejéis de leer el análisis completo de mi amiga Raquel Hernández.

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Pues bien, si en mi anterior reflexión, sin que mi fascinación por la serie descienda un ápice -que quede claro-, me quejaba de las prisas que les habían entrado a los guionistas, hasta el punto de resolver situaciones clave en cuestión de segundos, ahora tengo justo la impresión contraria. A ver, el comienzo con el "juicio sumarísimo" a Jaime Lannister resulta impecable, y pone en su sitio a cada uno de los personajes (en especial a Tyron y la gran Brienne). Pero a partir de ahí me queda la sensación de que la narración avanza con mucha calma.

En realidad no pasa nada relevante en todo el capítulo, al menos de cara al núcleo argumental. Ahora vemos que este segundo episodio de la temporada final de Juego de Tronos es claramente el de la transición antes de la gran batalla. Dedicar casi 20 minutos de tiempo real (un 30% del episodio) a una charla de compañeros delante de una hoguera, por divertidas o emotivas que puedan ser algunas cuestiones, en la que de aburrimiento acaban cantando, es toda una declaración de intenciones.

Para rematarlo, nos quedamos sin saber nada de Cersei -aunque su sombra sea muy alargada en todo el episodio- y apenas vemos a los caminantes blancos. No sé a vosotros, pero este episodio me recuerda a la primera hora de las películas de catástrofes (Aeropuerto, Poseidon, El Coloso en Llamas, etc), cuando te presentan la historia de los diferentes personajes para que empieces a adivinar quiénes no acaban la película...

Sí es cierto, y de ahí mi titular para este episodio, que además de cierta parsimonia hay un claro componente de redención, personificado en Jaime Lannister y Theon Grejoy. Ambos han sufrido un profundo proceso de transformación que les ha convertido en dos hombres muy diferentes a los que eran. Mucho mejores. Aunque los dos hayan pagado un altísimo precio por ello... No hay redención sin sufrimiento, que diría el Gorrión Supremo. Pero vayamos ya con los vencedores de los 5 apartados (que os recuerdo que elegí porque me dio la gana, básicamente)

La escena

Pues ya que los guionistas han decidido dedicarle tan importante porcentaje del metraje, me voy directamente a esa charla entre amigotes al calor de la hoguera, y en concreto a la coronación como Caballero de Brienne de Tarth. Primero, porque esta mujer se lo merece todo, ya que es sin duda uno de los personajes más interesantes de la serie (y eso es mucho decir). Y en una serie que precisamente ha sido acusada de sexista por razones como el porcentaje de desnudos femeninos frente a masculinos, la reivindicación tan natural del gran Tormund (quién si no) ante la razón tan poco sólida de que a una mujer no se la corona "caballero" por que la tradición lo impide (un argumento muy habitual en la vida real), que consiste en un contundente "Fuck tradition", o lo que es lo mismo, "que le den a la tradición" es tan espontáneo e irrebatible que convence al heterogéneo grupo unánimemente. "Si yo fuera rey te proclamaría caballero 10 veces", le dice. Pedazo declaración de amor. Bien por Brienne. Solo por ver su cara exultante de felicidad y sus ojos empeñados de lágrimas, ya vale por todo el episodio.

También quiero destacar el definitivo salto a la madurez de Arya. Cierto, ya no es una niña. Y, al hilo de la escena anterior, bravo también por la joven Stark al romper estereotipos en la serie siendo ella la que seduce al sorprendido Gendry. Viniendo de Arya, nadie esperaba otra cosa.

El diálogo

Si hay algo en este segundo episodio son diálogos. Por eso me quedo con el que, a mi entender, lleva la más interesante y profunda carga filosófica. Jaime Lannister se ve cara a cara con Bran (o lo que queda de él), tratando de disculparse por haberle dejado en silla de ruedas. Además de que la primera respuesta del pequeño Stark es un "zasca" de los que hacen época ("en su momento no lo lamentaste", es lo que tiene hablar con alguien que ve el pasado en exclusiva), su reflexión posterior es de las que obligan a rascarse la cabeza un buen rato: "Si tu no me hubieras empujado, yo no sería quien soy ahora, ni tú serías el hombre que eres ahora".

Curiosamente, se recurre al mismo principio filosófico en el "casting" de admisión a Jaime Lannister, al principio del episodio. Brienne de Tarth asegura a Sansa que si Jamie no la hubiera salvado a ella, y después armado y encomendado la misión de encontrar a las hijas de Ned Stark, Sansa probablemente no estaría viva.

Ya sabéis, todas las acciones que realizamos acarrean consecuencias (lo sé, eso es de otra historia). Y supongo que muchos recordáis aquella película, El Efecto Mariposa, ¿no?. Pues eso, que queda claro que todo lo que hacemos influye directa o indirectamente en las personas que nos rodean (para los más clásicos, revisad Qué bello es Vivir).

Y hablando de reflexiones filosóficas, no puedo evitar colocar una del siempre brillante Sam Tarly cuando Bran confiesa que él es el primer objetivo del Rey de la Noche con el fin de borrar completamente la memoria de los hombres. "Eso es la muerte", concluye Sam. "El olvido total, ser olvidado". Tan cierto como aterrador.

El personaje

Lo sé, es obvio, pero tras las dos primeras categorías la ganadora no puede ser más evidente: Brienne de Tarth, perdón, Sir Brienne de Tarth. No solo ha logrado ser la primera mujer en ser nombrada Caballero de los Siete Reinos, convirtiéndose en pionera (ya lo era, desde luego), y además ha sido decisiva para salvar la vida a Jaime al comienzo del episodio, sino que además, tras haber sido objeto de burlas durante toda la serie por su (supuesta) falta de atractivo físico, ahora resulta que tiene a dos buenos mozos que le hacen ojitos: Tormund, con su descaro natural, y Jaime, que parece no entender cómo puede sentir tal fascinación por una mujer que escapa claramente a lo que había sido su modelo femenino.

Y, cuidado, yo no descartaría tampoco a Sandor Clegane, que tras tener con ella la mejor pelea de toda la serie, quién te dice que no se cumpla aquello de "los amores reñidos son los más queridos". Para colmo, ha convertido a su escudero en un gran espadachín. ¿Alguien duda de por qué todos adoramos a Brienne?

El chiste

Empiezo a pensar que este apartado debería haberse llamado El Show de Tormund. El tipo esta "on fire". No solo tiene una entrada avasalladora atropellando a Jon para abrazarle, y al momento preguntar por la "mujer grandona" con los ojos fuera de las órbitas, sino que además nos deleita con una historia surrealista para explicar por qué le llaman "Matagigantes". ¿Tres meses mamando de la teta de la mujer del gigante al que mató con solo 10 años? Seguramente de allí ya salió con esa barba hipster que tan bien le sienta.

WTF! 

Siento ser pesado, pero vuelvo de nuevo a la gran revelación de la identidad de Jon Snow. Si ya me pareció extraña su reacción cuando Sam le reveló la verdad, no menos inesperada me resulta ahora su confesión a Daenerys. De nuevo en la cripta (ya lugar oficial de confesiones), después de haber evitado a su amada durante todo el episodio como el que mira para otro lado cuando el profe pide voluntarios, le suelta la bomba sin allanar el camino. No sé, algo del tipo, "yo también estoy alucinando", o "no te apures que a mí no me interesa el trono". Lo que se dice poner paños calientes, vamos. Claro que la reacción de la madre de los dragones no es menos... reacción precisamente "de madre" (con todo el cariño): "¿Qué pasa, que te crees todo lo que te dicen tus amiguitos?".

Todo ello, además de que la rompedora de cadenas demuestra que su ambición por el Trono de Hierro está, al menos hasta ahora, por encima de todo, incluido su amado Jon (Aegon para los íntimos) y de la reputación de su fallecido hermano. A lo mejor es cosa mía, pero sigo pensando que la gran revelación (hasta ahora) de los 69 capítulos está siendo tratada de forma un tanto WTF????

Y hasta aquí mis reflexiones sobre el segundo episodio de latemporada 8 de Juego de Tronos. Si habéis llegado hasta aquí, os espero el próximo martes. ¡¡No os perdáis el trailer del episodio 3!!. Valar Dohaeris.

Aún con la emoción del que espera un acontecimiento durante largo tiempo, comienzo estas reflexiones que no pretenden ser más que el humilde (y desenfadado) punto de vista de un amante más de la que, probablemente, es la mejor serie de todos los tiempos en su desenlace final. Si os apetece algo más serio (y sin duda mejor) no dejéis de leer la crónica oficial de Hobby Consolas de la mano de la gran Raquel Hernández.

Recién revisados (por segunda vez) los 67 capítulos anteriores (aquí podéis leer la crónica de los 10 imprescindibles), arranco con las primeras sensaciones, escritas más con el corazón que con la cabeza, tras devorar dos veces el primer capítulo de la temporada 8 de Juego de Tronos, que será la última.

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Empiezo a observar Juego de Tronos como el que observa a su pareja tras una larga relación. Eres capaz de ver sus defectos (igual que ella los tuyos, claro), que los tiene, como todo el mundo, con tanta claridad como cariño, y sin embargo no puedes dejar de quererla. Algunos lo llamarían amor incondicional. (He aquí 10 razones para los que tengáis odio incondicional a esta serie).

Sin desmerecer las notables virtudes de este primer capítulo, que son muchas (y además ha batido récords de audiencia), me quedo con la sensación de que a los guionistas les han entrado ciertas prisas -al fin y al cabo son solo 6 episodios- y esto les ha llevado a acelerar muchas encuentros que ya se apuntaban de la temporada anterior, y a resolver algunas situaciones de forma algo precipitada, rompiendo una dinámica mucho más paciente que se convirtió en santo y seña de la serie. Y en especial me llaman la atención las prisas de Jon Snow y Cersei Lannister en materias que, claramente, requerían más digestión, acorde con el histórico de ambos personajes.

Por otro lado, y quizá es cosa mía, me han dejado un poco frío los efectos especiales en algunas secuencias con los dragones, donde el croma ante Jon y Daenerys canta más que en cualquier otra ocasión. ¿No se supone que esta temporada cuenta con más presupuesto que nunca? Pues o se lo han gastado en las subidas de sueldo de los actores, o el manager de los efectos especiales estaba de baja y colocaron al suplente.

Vale, dejo de divagar y voy a dar cierta estructura a esta serie (que espera llegar hasta el final, si consigo mantener a un número digno de lectores) y así nos será a todos más fácil repasar los acontecimientos de cada episodio de Juego de Tronos. Mi propuesta es muy sencilla:  he decidido hablar de los 5 mismos apartados en cada episodio: La escena, el diálogo, el personaje, el chiste y... WTF! (traducido de las siglas en inglés What the Fuck, es decir, ¡qué coño!, ¡qué me dices!). No hay ningún criterio racional, es lo primero que se me ha ocurrido, ya advertí que esto va más con el corazón. En todos ellos destacaré, a mi entender, aquellos elementos con los que me gustaría invitaros a la reflexión. Que nadie piense que pretendo sentar cátedra, es más, espero que muchos estéis en desacuerdo y propongáis vuestros propios candidatos para cada uno de los apartados. Ahí van los míos:

La escena

Quizá resulta demasiado obvia, pero me quedo con la secuencia inicial de la llegada del Jon y Daenerys, acompañada de su ejército, a Invernalia. En parte porque es la primera imagen que vemos de esta última temporada (que ya es mucho). También porque es un claro homenaje al primer episodio de la primera temporada, con la visita de Robert Baratheon al Invernalia de Ned Stark, incluso con el guiño del niño (como en su momento hizo Brandon) abriéndose hueco y escalando para ver el espectáculo. Y por último porque, qué diablos, está muy bien rodada.

El diálogo

En una serie que nos ha acostumbrado a diálogos sublimes, va a ser sin duda uno de los apartados más complicados en esta serie de artículos. Para esta ocasión me quedo con una frase que en su brevedad contiene una carga de profundidad de consecuencias incalculables: Tras la revelación más esperada (de la que luego hablaré) Sam Tarly, quién si no, le inquiere a un atribulado Jon Nieve: “Tú renunciaste al Trono por tu pueblo, ¿haría ella (Daenerys) lo mismo?”. Ni el gran Jon se atreve a responder a algo así. Brillante.

Hay dos más en el podio. Otra pregunta con veneno puro por parte de Sansa (algo a lo que últimamente ya nos tiene acostumbrados) de nuevo a Jon: "¿Te arrodillaste ante ella para salvar el Norte o porque la amas?". Sí, es obvio que se han puesto de acuerdo para dejar al pobre Jon sin palabras (Si lo sé no vengo, se lee en su mente...).

Y la última, la del bueno de Bronn, qué a todos nos parece que por circunstancias extrañas está en el bando equivocado, cuando es “contratado” por Cersei para matar a los hermanos Lannister… con la misma ballesta con la que Tyron asesinó al padre de los tres: “Jodida familia…”. Nunca una descripción tan corta fue tan precisa.

El personaje

Este primer episodio es muy coral, así que no es sencillo elegir a un personaje por encima de los demás. Por tanto recurramos al corazón. Y es que la cabeza me llevaría a Sansa, que tiene a todos (incluido su ex marido Tyron) anonadados con su demoledora madurez y su trabajado escepticismo, que desarma no solo a Tyron, si no también a su díscola hermana, que ahora afirma que es la persona más inteligente que ha conocido jamás. Y eso viniendo de Arya es mucho decir. Pero, lo dicho, el corazón me lleva al personaje, de los principales, que menos tiempo aparece en este episodio: Jamie Lannister. Jamás pensamos que abandonaría a su hermana/amada Cersei y aquí le tenemos, en Invernalia y cara a cara con Brandon, a quien dejó paralítico hace más de 60 episodios. No puedo ocultar que ardo en deseos de ver cómo es recibido por el resto del plantel.

El chiste

Un breve momento de humor que me pareció muy bien traído, por su naturalidad, en una situación de pura tensión. Cuando el barbudo Tormund, acompañado de Beric, entra en el Castillo Umber y se topa con Lord Commander, este duda de si es un nuevo miembro del ejército de los muertos, y grita a su compañeros: “¡Atrás, tiene los ojos azules!”, ante lo que Tormund replica con su habitual espontaneidad “¡Joder, siempre los he tenido!”. Quién nos iba decir -porque no es la primera vez- que Tormund se iba a convertir en uno de los personajes más divertidos de la serie.

WTF! 

Ya lo mencioné en la introducción. Hay dos situaciones que están resueltas con cierta precipitación, y dejan en mal lugar a sus protagonistas. Empezamos con Cersei Lannister. Después de haber demostrado ser la asesina más despiadada, la más hábil manipuladora, la más fría gestora, la más determinada superviviente … ¿accede a irse a la cama con el arrogante Euron solo por que dice que es más hombre que los demás? Es cierto que Euron le lleva tirando los tejos un desde hace tiempo pero, Cersei, eso no es propio de ti.

La segunda es aún más difícil de entender. Jon Nieve recibe de Sam Tarlyla revelación más trascendente y revolucionaria de toda la serie. Aunque venga de un tipo tan fiable y sensato como Sam, la explicación que este le da es rápida y aturullada (describe las visiones de Bran con desdén, cuando son cruciales) y no ofrece ni una sola prueba física, más allá de su testimonio. Y, lo peor, Jon apenas ofrece una mísera replica como resistencia, cuando ha recibido la noticia más alucinante de su vida (y menuda vida) lo que no parece nada lógico. A ver, salvando todas las distancias, si a mí me dice mañana mi mejor amigo que soy familia de los Borbones y legítimo heredero al trono de España, además de dejarme mudo por días, al recuperar el habla le pediría 1000 pruebas de ADN y declaraciones juradas de toda la realeza europea. Y aún así…

Y aquí va otra más como bonus. ¿No os parece que el rescate de Yara por parte de Theon es… muy fácil? ¿1000 barcos y un despiadado tío al mando para que al final entren tan campantes (o casi) y se larguen con tres barcos sin que nadie les persiga? Muy distraído debió quedarse Euron tras su noche mágica con Cersei. 

Lo dicho, muchas prisas.

Y hasta aquí mis primeras reflexiones sobre el primer episodio de la temporada 8 de Juego de Tronos. Si habéis llegado hasta aquí, os espero el próximo martes. Aquí tenéis el trailer del segundo episodio para ir abriendo boca. Valar Dohaeris

Finalmente, la mujer se derrumba acribillada por los disparos y escuchamos como sus latidos van cesando hasta detenerse para siempre. Su perseguidor se aproxima con el rostro desencajado, a punto de vomitar, aparentemente asqueado por lo que acaba de hacer. Ridley Scott muestra unas imágenes que mezclan con sorprendente habilidad el lirismo y la brutalidad, y dejan en el aire multitud de incógnitas mientras tratamos de digerir lo que acaba de ocurrir. Porque en realidad no ha sido una ejecución, ha sido un “retiro”.

Esta maravillosa e impactante escena, incluso sacada de contexto, podría ser un perfecto resumen de Blade Runner, una película única, fascinante, sublime. Aunque lo mismo sucedería con cualquier otra, pues abundan en 117 minutos de cine mágicos, sin un solo segundo de desperdicio. Un film que hace suyo como ninguno el leitmotiv de este especial: ciencia y ficción.

Ya en el primer fotograma, un breve texto sobre fondo negro, que explica la premisa argumental y nos pone en situación, queda clara la profunda implicación filosófica y moral de su propuesta, aunque no llegamos a imaginar su complejidad hasta que no nos sumergimos de lleno en ese Los Ángeles del futuro, tecnológico y caótico, avanzado y decadente a la vez, sucio y multicultural, siempre oscuro y lluvioso. Con el paso de los minutos, vamos entendiendo que el debate, la búsqueda de significado que nos propone Blade Runner es discernir qué es lo que realmente nos define como especie. Si otras "criaturas" pueden ser tan o más humanas que nosotros. Y hasta qué punto alguien tiene el derecho de decidir el destino de los demás...

Hay películas buenas, y desde luego muy buenas. Algunas llegan a ser obras maestras. Y solo unas pocas escapan a todos estos calificativos y se sitúan por encima del bien y del mal. Para muchos –también para mí- en este selecto grupo estarían films como Casablanca, Centauros del Desierto o El Padrino. Para Dani Quesada, seguro que también 2001, Una Odisea en el Espacio. En mi humilde opinión, Blade Runner tiene claramente un lugar entre ellas.

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En cada visionado que he hecho (la primera vez la vi en VHS, luego algunas veces en el cine en sus respectivos reestrenos, decenas en DVD y, para esta ocasión y por primera vez, en el Blu Ray de la edición especial con cochecito incluido) Blade Runner me produce una estado de fascinación cercano a la hipnosis. No consigo apartar la mirada desde que empiezo a ver la futurista y cautivadora ciudad de Los Ángeles desde el aire, rebosante de luces de neón y anuncios en gigantescas pantallas, con la embriagadora partitura de Vangelis (sencillamente magnífica, la película no sería la misma sin ella) hasta que aparecen los títulos de crédito.

Y, una y otra vez, entiendo y compadezco al abnegado verdugo cuyo despreciable trabajo le repugna, me enamoro de una conmovedora y bellísima mujer que descubre que su vida es una farsa y, por supuesto, admiro y comprendo a unos seres cuyos miedos y deseos son tan lógicos, tan humanos, que solo bajo la soberbia y la miopía de sus creadores parecen simples asesinos.

Un Ridley Scott en estado de gracia, que venía de hacer nada menos que Alien, decidió seguir apostando por la ciencia ficción, pero dejando esta vez de lado el terror para centrarse en las implicaciones humanistas y morales de la evolución tecnológica.

Basándose en un texto del novelista Philip K. Dick, ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? (quién tuvo la ocasión de ver 40 minutos del film antes de su muerte y se quedó gratamente sobrecogido por la forma en la que habían entendido su texto), Scott continuó con su particular y revolucionaria dirección visual, logrando con Blade Runner unas imágenes tan poderosas como bellísimas, donde la excelsa fotografía, la cuidada iluminación y unos sorprendentes decorados combinadas con las (por entonces) innovadoras melodías new age de Vangelis (que venía de ganar un Oscar por la B.S.O. de Carros de Fuego) completaron secuencias que son auténticas obras de arte. Hasta un plano tan aséptico como el de una mujer bajo un secador de pelo resulta maravilloso.

Todo esto, teniendo en cuenta que estábamos aún en una época anterior a los efectos por ordenador, en la que todo se realizaba de forma artesanal. Las imágenes que vemos en el film tienen su origen en maquetas, trucos de cámara y de fotografía e ingeniosas combinaciones de luces y humo. Para colmo, hasta las limitaciones acabaron convirtiéndose en virtudes. Dado que todo lo que quería plasmar Ridley Scott no era posible debido al presupuesto, se optó por combinar elementos futuristas con retro, que incluso parecieran anticuados. El resultado final fue tan bueno, que incluso el director recibió la llamada de un importante arquitecto inglés tras el estreno del film para felicitarle y pedirle consejo. Quizá el 2019 de Blade Runner no es calcado al de nuestra realidad, pero sí predijo muchas corrientes visuales. ¿O quizá estas se han contagiado de la película con el paso de los años?

Y dentro de este cautivador cuadro es donde encaja un guión espléndido, conciso, contundente. Hampton Fancher escribió el primer texto (con el título de Dangerous Days), y cuando llegó a manos de Scott, al igual que hizo con Alien escribiendo una biografía de cada uno de los personajes, se obsesionó con ese mundo futuro que tan solo era sugerido. "¿Cómo debía ser la vida en 2019?" "¿Qué se ve a través de las ventanas?", le preguntó Scott a Fancher. Ante el desconcierto de este, el realizador empezó a concebir todo este entorno, y a dibujarlo en sus clásicos y detallados storyboards, inspirado en las historietas de Heavy Metal y los diseños de Moebius.

Y después, lo puso en manos del guionista David W. Peoples (que luego se consagró con textos como Sin Perdón o 12 Monos). El resultado ya lo conocemos. La ambientación pasó a convertirse en un elemento clave dentro de la trama. Y, a la vez, el texto se cerró con pocos pero sensacionales diálogos, dentro de una estructura policiaca que bebe claramente de las novelas de Raymond Chandler y del cine de Howard Hawks. Blade Runner es ciencia ficción, sí, pero también es cine negro, en el que no faltan el detective desencantado, los personajes ambiguos, la mujer fatal, la víctima de la que se enamora el protagonista, el sofisticado malvado, el patético soplón y hasta el policía pragmático que sabe más de lo que parece (impagable Edward James Olmos). De hecho, hay una escena que es un claro homenaje a El Sueño Eterno y a Bogart, en la que Deckard finge improvisadamente ser un torpe funcionario para sonsacar información a una sospechosa.

Precisamente, fue esa concisión del guión y una historia llena de misterio y multitud de pinceladas sutiles lo que llevo a los productores a estrenar la película añadiendo la voz en off del protagonista (algo que estaba en la versión inicial de Fancher) con lo que sumaban otro clásico elemento del cine negro, de forma que se aclararan ciertos aspectos de la trama que la gente de la Warner no tenía muy claro que el publico de aquel entonces fuera a entender. Y quizá no les faltaba razón, porque sin duda fue una película muy adelantada a su tiempo.

Por lo que a mí respecta, y por supuesto sin despreciar en absoluto aquella versión (que además fue la primera que vi) me quedo sin dudarlo con la posterior reedición (que además fue uno de los primeros films que acunó la ahora famosa denominación Director´s Cut, y sin duda el que la popularizó) y especialmente con la definitiva de 2007, en DVD o Blu Ray, que corrige las pequeñas incongruencias del guión (fruto de las sucesivas reediciones y cortes) y soluciona algún que otro gazapo como el de la cantosa doble de Zhora en la escena de su muerte.

Es más, si alguno de vosotros aún no habéis visto este film (para empezar dadme vuestros nombres para que os denuncie) os recomendaría incluso que vierais primero la versión comercial y después la versión del director. La verdad es que resulta alucinante como tan solo una voz en off, un sueño y una breve secuencia final pueden modificar un elemento tan crucial dentro la historia. En realidad hay hasta siete versiones del film, pero esa es otra historia…

Pero no os vayáis todavía, que aún hay más. He mencionado el personaje de Gaff, y brevemente a la encantadora y frágil Rachel (nunca Sean Young volvió a estar tan deslumbrante), pero hay más personajes inolvidables. Harrison Ford, que llegaba con su carrera lanzada tras Star Wars y el primer Indiana Jones, completó un Deckard complejo, lleno de dudas y conflictos, un antihéroe en toda regla. Y eso a pesar de que estuvo todo el rodaje dando por saco (sobre todo a Scott y a Young)  y que después, a pesar del incuestionable éxito del film, nunca ha querido hablar demasiado de su papel ni de la película.

Por cierto, para este personaje hubo una extensa lista de (muy populares) candidatos, y de hecho Dustin Hoffman estuvo en todas las quinielas hasta el final. La recomendación de Spielberg fue clave para que Ford fuera finalmente el elegido.

También destaca una jovencísima Daryl Hannah (Pris), pura energía, que se tomó tan en serio su papel que casi se queda ciega en la escena en la que se maquilla con un spray. Y, por supuesto, Roy, el líder de los replicantes, con un Rutger Hauer que tuvo aquí el papel de su vida (con la parte de culpa que corresponde a Scott por elegirlo). Imponente y aterrador, y a la vez desgarrador en uno de los monólogos más famosos de la historia del cine (que os dejo en vídeo OJO SPOILER si no habéis visto el film), cuya parte final fue improvisada por el propio actor así como la inclusión de la paloma. Hasta el espectacular salto que realiza de un edificio a otro lo hizo él personalmente. FIN DEL SPOILER

Después de más de 30 años, Blade Runner mantiene intacta toda la fuerza y la magia de entonces. Lejos de envejecer, es uno de los grandes clásicos del cine que resiste impasible cualquier visionado. Su secuela, Blade Runner 2049, ha generado tanto odio como alabanzas. A fin de cuentas, ¿es posible aportar algo a una obra maestra de la ciencia-ficción? Si queréis dejar vuestra opinión, aquí podéis leer nuestra crítica de Blade Runner 2049. Por mi parte, yo os dejé mi valoración personal sobre ella con mi entrada de blog "una deslumbrante secuela en busca de alma".

Otros clásicos de la ciencia ficción

¿Os habéis quedado con más ganas de viajes en el tiempo, futuros apocalípticos o viajes espaciales? Podéis ver el resto de críticas de clásicos sci-fi en nuestro recopilatorio especial de cine de ciencia ficción. Y recordad que en 2019 también tenía lugar la acción de Akira...

Consigue Jack Ryan: Operación Sombra en Blu-Ray

Pero vamos a lo que nos ocupa. Supongo que conocéis a Jack Ryan. Por si acaso, os lo presentamos. Se trata de un personaje creado por el novelista Tom Clancy, cuyas historias y personajes también han inspirado videojuegos como Splinter Cell y Rainbow Six. Desde su puesto de analista de la CIA, siempre acaba inevitablemente involucrándose en operaciones sobre el terreno, en las que lejos de sentirse como pez fuera del agua se defiende a las mil maravillas gracias a su pasado militar. Además de en las novelas de Clancy, le hemos visto ya varias veces en el cine, con mayor o menor fortuna, interpretado por Alec Baldwin en La Caza del Octubre Rojo, por Harrison Ford en Juego de Patriotas y Peligro Inminente, Ben Affleck (¡sí!) en Pánico Nuclear y Chris Pine en Jack Ryan Operación Sombra. Nos la jugamos a que adivináis quién ha sido, con mucha diferencia, el mejor de todos ellos... 

Ahora, el personaje salta a formato serie, con Amazon y mucho dinero como respaldo, y un equipo que de hacer series sabe un poco, con Carlton Cuse al mando, guionista de nada menos que Perdidos, y Michael Bay como productor ejecutivo. La primera temporada, estrenada el 31 de agosto en Prime Video (si tenéis la suscripción a Prime la podéis ver en cualquier dispositivo, y hasta con calidad Ultra HD en TV) consta de 8 episodios de entre 50 minutos y una hora larga de duración. Todos están disponibles desde su estreno, así que os los podéis ver de un tirón, si os apetece. 

John Krasinski, el nuevo héroe americano

Con la temporada 1 de Jack Ryan llega una serie en la que directamente su título es el nombre del protagonista, así que la elección del actor es crucial. Precisamente por eso sorprendió que se decantaran por John Krasinski, cuyo mayor éxito hasta ahora había sido su personaje en la excelente comedia The Office. Los responsables de la serie argumentaron que esa fue, de hecho, la razón de contratar a Krasinski, puesto que querían a alguien que tuviera la pinta de "héroe a su pesar", un tipo que perfectamente puede pasar por una rata de despacho y a la vez con la suficiente presencia física para saltar a la acción cuando la situación lo requiera (Krasinski no es ningún enclenque, de hecho pudo haber sido el Capitán América, nada menos).

Pues bien, en mi humilde opinión, han dado en el clavo. Además de que el actor se lo toma en serio, y desde luego lo da todo en las escenas de acción, consigue hacer creíble ese rol de "lobo con piel de cordero" como le describe un personaje en uno de los episodios. Este nuevo Jack Ryan es un tipo decidido, de aparente normalidad a pesar de poseer una mente brillante, y con recursos de sobra para la acción, gracias a su pasado como marine (que cuadra con su papel en la película 13 horas Los soldados secretos de Bengasi). Es muy fácil empatizar con él desde el principio, y hasta resulta conmovedor en su exagerado idealismo y su estricto sentido de los valores y la justicia. En fin, sin modificaciones genéticas, el Capitán América que él quiso haber sido. 

Del resto del reparto, hay luces y sombras. En el lado de los aciertos, tenemos al inevitable James Greer a la cabeza (papel que en el cine clavó el inolvidable James Earl Jones) interpretado aquí por Wendell Pierce, un clásico de las series a quien vimos en The Wire. Este Greer es un personaje más descreído, taciturno y oscuro que el de las películas, y en la serie asistimos al complicado inicio de su relación con Ryan, que a la larga se convierte en uno de los mayores aciertos de la serie. Por cierto, que a él también le va la acción.

En el lado de los gatillazos (con perdón) está el personaje de Cathy Muller, interpretado por Abbie Cornish (a quien vimos recientemente en la premiada Tres Anuncios en las Afueras). Siendo un papel necesario, el contrapunto femenino del protagonista, aporta poco a la trama y cuando lo hace parece forzado. Su relación con Ryan carece de la suficiente fuerza y emoción, a lo que tampoco contribuye la escasa química que se desprende entre ellos. Es cierto que estamos en la primera temporada, pero es precisamente por eso por lo que los guionistas se lo podían haber tomado con más calma, sin unas evidentes prisas por convertirlos en pareja que no le hacen ningún bien a esta trama.

Del resto del casting para esta serie de Amazon Prime, muy buen nivel en general, con especial mención para el angustioso papel de Hanin (Dina Shihabi) la esposa del líder islámico, la carismática agente francesa Sandrine (Marie Josée Croze) y el piloto de drones Victor Polizzi (John Magaro) cuya subtrama es una de las más interesantes en esta primera temporada.

Agentes de inteligencia frente al terrorismo internacional

Nadie esperaba que Jack Ryan fuera otra cosa que lo que es, y en esta primera temporada le vemos inmerso en una lucha contra el islamismo radical. Y quizá de ahí vienen tanto sus virtudes como sus defectos. Por un lado, resulta muy acertado actualizar la temática, y en este sentido es muy relevante la información que se aporta sobre la financiación del terrorismo y el movimiento del dinero, así como el terrible problema de los refugiados a consecuencia de los conflictos bélicos.

No menos impactante supone asistir a la técnica de asesinatos selectivos mediante drones, en la que los guionistas han querido ahondar en las implicaciones morales y emocionales sacándose una subtrama de lo más jugosa. También resulta loable que se aporte el punto de vista de los islamistas, profundizando en sus motivaciones y mostrando sus vidas y momentos de su pasado mediante flashbacks. Lástima que al final haya un poso de banalización al convertirlo casi en una venganza personal (un poco al estilo de lo que pasaba en Juego de Patriotas).

A la vez, el argumento se mueve por terrenos ya muy manidos, como los entresijos de la CIA y sus guerras internas, las operaciones militares encubiertas y los procesos de investigación de los analistas, empezando por el propio Ryan. Nada que no hayamos visto ya, aunque sin el más mínimo reproche cuando está bien contado y rodado. Máxime cuando se amplia hacia la colaboración internacional y se utilizan localizaciones espectaculares (toda la trama en Francia supone uno de los momentos álgidos de la serie).

Más allá de sus grandes aciertos y pequeñas lagunas (que pueden ser subsanadas en la segunda temporada, ya en rodaje), cada episodio de este serie que mezcla thriller, inquinas políticas y acción se disfruta con placer, sobre todo si gusta el género, gracias a una producción impecable y un ritmo muy medido que mezcla milimétricamente accion, intriga y drama. Desde luego, una muy digna heredera de la mítica 24 y sobre todo de Homeland (aunque sin la intencionada ambigüedad y oscuridad de esta), que tiene un gran potencial para esa segunda temporada que ya sabemos se desarrollará en Sudamérica y en la que estarán Jordi Mollá y Noomi Rapace.

Como nunca antes se había visto nada semejante, en la revista Hobby Consolas se le dedicó un especial que abarcó cuatro número (del 88 hal 91), y donde se repasaron escenarios, personajes, historia o incluso distintos términos del universo Metal Gear, hasta culminar, como no podría ser de otra forma, con el análisis de Metal Gear Solid que podéis leer a continuación. Disfrutadlo.

Metal Gear Solid elegido mejor juego de PSOne

No lo juegues, vívelo

Es difícil empezar un comentario sobre un juego del que hemos dicho y escrito infinidad de cosas, que ya desde las primeras imágenes que publicamos partía como favorito favorito indiscutible para colocarse como una de las grandes obras de la historia de las consolas. A estas alturas, nadie duda de que estamos ante una producción clave en la historia de PlayStation, un juego que ha sido posible gracias a la creación de decenas de grandes títulos, que ha bebido de todos ellos, y al mismo tiempo ha sido capaz de proponer nuevas ideas, nuevos caminos para lograr una experiencia alucinante.

Tras haber disfrutado de «Metal Gear Solid» en toda su extensión un par de veces, la sensación es que estamos ante lo más parecido a una película que haya pasado por una consola. Es posible que hayáis leído esta definición otras veces, pero os asegura,os que nunca ha sido tan cierta como en ésta.

Ya desde las primeras secuencias (magistral la aparición paulatina de los títulos de crédito, que no concluye hasta ya comenzado el juego) se adivina que estamos ante algo grande. Hideo Kojima, un tipo que ha demostrado tener un talento fuera de lo común, tomó la arriesgada decisión de ofrecer todas las secuencias pregrabadas que aparecen (tanto en la intro como en en los momentos claves de la historia) con el mismo motor gráfico que el resto del juego, en vez de incluir las clásicas imágenes renderizadas que después poco tienen que ver con las que suceden en tiempo real. En principio, puede parecer que el juego pierde en espectacularidad, pero a la larga se demuestra que gana en unidad, realismo y credibilidad.

Pero ya sabéis que uno de los aspectos que más llama la atención en «Metal Gear» es su original y revolucionaria mecánica. lejos de ofrecer el desarrollo habitual de los juegos de aventuras y acción, con disparos, saltos e investigación, «Metal Gear» invita al jugador a convertirse en un espía, un comando solitario dentro de un ambiente hostil, en el que el objetivo primordial es no ser descubierto. Este aspecto, que puede parecer superficial, se torna desde el primer momento apasionante, por real y novedoso. Kojima lo ha planteado con mucha astucia, convirtiendo en un suicidio cualquier enfrentamiento directo con los guardias, poniendo a disposición del jugador un radar que indica el campo de visión de los enemigos y dotando al protagonista de unos movimientos -combinados con alucinantes juegos de cámaras- que le permiten ocultarse mientras observa la llegada de los guardias, engañarles utilizando diferentes tretas, e incluso eliminarles en sigilo y por la espalda. Este "juego del escondite" se mantiene a lo largo de casi toda la aventura, salvo en determinadas situaciones en las que los tiroteos o los duelos contra los miembros de Fox Hound -que hacen las veces de jefes finales- añaden acción de la buena al asunto.

Los inicios de Hideo Kojima, creador de Metal Gear, ZOE, Death Stranding y PT

Y es que esa es otra de las grandes virtudes de «Metal Gear». Con una mentalidad propia de cualquier realizador cinematográfico, Kojima mantiene un interesante pulso narrativo durante toda la aventura, mezclando la tensión que provoca el intentar no ser descubierto, con situaciones de acción sin freno, largos diálogos entre los protagonistas y también un puñado de secuencias dramáticas capaces de hacernos tragar saliva en más de una ocasión. Un desarrollo que no hubiera sido posible sin la creación de un catálogo de protagonistas perfectamente identificables, con personalidades muy marcadas, capaces de odiar, enfadarse, traicionar e incluso enamorarse. Ya os hemos contado que Kojima no sólo se conformó con colocar unos personajes y darles un nombre, sino que creó un pasado para ellos, les dotó de personalidad y, durante el juego, les hace evolucionar hasta alcanzar su correspondiente final en la aventura. Porque este juego destila realismo, algo que constata el hecho de que no haya un solo salto espacial ni temporal: todo sucede en tiempo real, se puede ir de una punta a otra dede la base militar en cualquier momento, recorriendo todas las estancias de las que consta.

Aunque lo que termina de hacer de «Metal Gear Solid» algo extraordinario, es el impagable catálogo de detalles, que sumados le convierten en un juego impresionante. Detalles que son imposibles de enumerar aquí y que abarcan a todos y cada uno de los aspectos, desde el apartado gráfico (el efecto del camuflaje "tipo depredador" es impagable) hasta el jugable (la inteligencia artificial de los guardias, que son capaces de mosquearse al ver las pisadas en la nieve o escuchar el chapoteo de un charco) , pasando por los pequeños guiños que contiene el maravilloso guión (como la referencias al juego de Konami «Policenauts» o el inolvidable enfrentamiento con Psycho Mantis) y que consiguen que una vez acabado, queden ganas de jugárselo una y otra vez, para intentar descubrir todos los secretos. Porque, no nos vamos a engañar, no estamos ante un juego interminable, pero tampoco corto. Los 2 Cd´s dan para bastante, y si se disfruta del juego en toda su magnitud, sin prisas por llegar hasta el final y dialogando a menudo con el resto de los personajes para conocerles mejor, el primer contacto con él puede dar para muchas horas.

Todo esto hace de «Metal Gear» un juego, no ya imprescindible, sino de obligada compra para cualquier poseedor de una PlayStation.

Sonido Celestial

El apartado sonoro de este juego merece una mención especial, porque ofrece una calidad fuera de lo común. Para empezar, la banda sonora está formada por un puñado de temas sensacionales, con distintas tonalidades para cada situación (acción, drama, tensión). Tal es así, que Konami decidió editar un CD con toda la música del juego que podéis adquirir ya en nuestro país. Pero no menos impresionantes resultan los efectos de sonido, que recogen incluso hasta las pisadas de los charcos, o que ofrecen el sonido real de las armas que aparecen en el juego. Por último, hay que agradecer a Konami que finalmente nos ofrezca una versión doblada y traducida. El doblaje americano resulta impecable, pero hace que resulte injugable para cualquiera que no tenga un buen nivel de inglés. Con el juego doblado, ya no hay excusas para disfrutar a lo grande de «Metal Gear».

Los mejores personajes de Metal Gear Solid

Hoy por hoy resulta difícil superar este nivel gráfico. El realismo que se despliega, los increíbles efectos, el acertado tono azulado...es una obra de arte.

Ya con la banda sonora, insuperable, los efectos de sonido, magníficos, y las voces en inglés habría alcanzado el sobresaliente. Doblado resulta perfecto.

El control del personaje es exquisito, y el juego deja avanzar sin prisa pero sin pausa, elevando la dificultad en los momentos adecuados. genial.

El entretenimiento que provoca el juego en la primera experiencia es sublime. pero incluso tras acabarlo por primera vez es capaz de proporcionar grandes ratos.

¿Es Blade Runner 2049 una secuela a la altura del original? Si queréis saber mi respuesta sin necesidad de leer todo el artículo, id directamente al último párrafo. A los que os apetezca seguir leyendo (lo que os agradezco sinceramente) os voy a desmenuzar brevemente lo que ha pasado por mi cabeza en las dos horas y media (más la posterior digestión) de esta nueva reflexión sobre lo que realmente significa “ser” humano.

Vaya por delante mi buena predisposición ante este enorme reto, con la garantía de tener al padre de la criatura, Ridley Scott, en la producción, al coguionista de la historia original Hampton Fancher, de nuevo coescribiendo el texto, y a un director como Villeneuve, con un puñado de buenas (y muy buenas) películas a sus espaldas y que parece parido por el propio Scott en su innegable talento para conseguir imágenes de una fuerza visual hipnótica, combinando de forma brillante fotografía, iluminación y dirección artística. Y, desde luego, Blade Runner 2049 no decepciona lo más mínimo en ese sentido. Se trata de una de las películas más apabullantes en el apartado audiovisual (la excelente banda sonora de Hans Zimmer, deudora de la mítica de Vangelis, también ayuda) que he visto en años. Un absoluto deleite de principio a fin. Hasta aquí, impecable.

¿Y qué hay de la historia? Como algunas de las películas que han afrontado empresas similares, el argumento se agarra a tres ideas clave: el homenaje, las explicaciones y el novedoso giro de la trama. En cuanto a la primera, cualquier fan del original puede salir más que satisfecho. Los guiños se suceden, aunque funcionan mejor los sutiles que los evidentes, incluido entre los últimos la estelar (deseada y esperada) aparición de Deckard/Harrison Ford, tan anunciada en los múltiples y excesivamente reveladores trailers (aunque entiendo las razones comerciales, vaya desde aquí mi indignación ante esta fiebre por contar más de los necesario en estos anuncios, puesto que acaban condicionando el visionado del film) que sucede despojada de toda su capacidad de sorpresa (me emociono al pensar el impacto que hubiera causado de no saberlo). 

Blade Runner Montaje del Director en Blu-ray

Por su lado, las explicaciones son abundantes, excesivas. Los guionistas parecen empeñados en que entendamos todo lo que en la primera película se dejaba a la imaginación del espectador (y ninguno echamos de menos). Pero vivimos en una época en la que (salvo que se trate de una película de Darren Aronofsky) hay una tendencia a la sobreexplicación en detrimento de la sutilidad. Las hábiles y certeras pinceladas de la historia original han dado paso a las aclaraciones constantes y a veces innecesarias, quizá también pensando en un público que no conozca la película de Scott. Esto lo sufre la película, que en más de una ocasión resulta reiterativa y que alarga su metraje en exceso, quizá segura de seguir embelesándonos con cada fotograma hasta el final.

Y por último, el nuevo nudo argumental. Tranquilos, no os voy a desvelar nada a los que aún no la hayáis visto. Los guionistas no han hecho sino ahondar en las reflexiones existenciales de la historia original, con giros que son tan forzados y caprichosos como comprensibles (una vez que se decide abordar un texto de infinitas posibilidades) y que, en mi opinión, yerra sobre todo al traicionar el espíritu del original tomando partido. Donde antes solo había víctimas tratando de sobrevivir (uno de los grandes logros de la película de 1982, que en la inicial miopía de los productores trataron de cambiar con la versión comercial de la voz en off y la eliminación del sueño del unicornio), ahora hay buenos y malos. Y, una vez que se introduce en esa eterna lucha, también patina en lo más complicado, encontrar una motivación sólida y creíble para los segundos, cuyos personajes, además resultan insustanciales.

Con todos estos mimbres, el film fluye con algunos altibajos y cierta frialdad, y desde luego alcanza otro nivel desde la irrupción de Deckard, con un gran Harrison Ford muy por encima de su compañero, Ryan Gosling, demasiado frío (hasta para encajar las múltiples palizas). Una frialdad que se puede aplicar a la mayoría de los personajes del film, algo en lo que también esta secuela palidece en comparación con la obra original

Blade Runner 2049 es un producto impecable pensado hasta el último detalle, pero sin la irresistible fascinación que provoca la obra de Ridley Scott. Donde allí había pura magia e inspiración, aquí hay mucho presupuesto e indudable talento para explotarlo. La poesía ha dado paso a una prosa tan perfecta como eficaz, pero carente de alma. Así pues, regresando a la gran pregunta, ¿es una secuela a la altura del original? En mi humilde opinión, no. Y no pasa nada. No es ninguna deshonra. Es más, eso no impide que se trate de buen cine de ciencia ficción, sin duda disfrutable, técnicamente deslumbrante, un envoltorio de oro para una historia digna que además respeta y venera a su modelo. Y aunque solo sea por llevarnos otra vez a ese Los Ángeles caótico y futurista, a encontrarnos una vez más con Deckard y recordar su inolvidable historia de amor con una replicante inundada de falsos recuerdos, ya tienen todos los responsables de esta secuela mi eterno agradecimiento.

Si, además, nos encontramos con que uno de los protagonistas es nada menos que un jovencísimo Leslie Nielsen, a quien tras la posterior reorientación de su carerra cuesta imaginarse sin soltar alguna parida o provocar algún desastre, la empresa es aún más compleja. Pero como confiamos en vuestra capacidad empática, vamos a ello.

Planeta Prohibido nos sitúa a principios del siglo XXIII. Una nave espacial es enviada por los Planetas Unidos al planeta Altair IV, a 16 años luz de la Tierra, con el objetivo de averiguar qué ha ocurrido con una expedición enviada 20 años antes. Desde su aproximación, reciben varias advertencias del Dr. Morbius (el gran Walter Pidgeon), quien parece al mando de la base, para que se alejen de allí sin hacer preguntas.

Sin embargo, como era de esperar, el comandante John Adams (Leslie Nielsen) está determinado a cumplir con sus órdenes. Tras aterrizar, Adams y sus hombres empiezan a sorprenderse de la avanzada tecnología que posee Morbius, cuyo mayor exponente es uno de los grandes protagonistas del film, Robby el Robot (sí, se estrujaron la sesera con el nombre) capaz de realizar proezas increíbles.

Morbius les revela por fin que una fuerza desconocida acabó con toda la expedición a excepción de él mismo, su mujer (que murió poco despúes por causas naturales) y su hija Alta. Esta irrumpe en la improvisada reunión resultando ser una atractiva jovencita que (agarraos) ha sido educada en la inocencia, no conoce varón y su curiosidad a ese y todos los respectos es infinita (estamos en los 50 y el machismo alcanzaba cotas elevadísimas).

Imaginad el impacto que algo así tiene en una tripulación masculina que lleva meses viajando en el espacio... Por cierto, la película fue prohibida o postergado su estreno (como en España, que tardó 10 años en llegar) porque la actriz Anne Francis era la primera mujer que aparecía en el cine con minifalda... ¡¡y además descalza!! (válgame el cielo). Así estaban las cosas en aquellos años...

Pero vamos a lo que importa. Poco a poco se van revelando más sorpresas, como que en ese planeta habitó una especie, los Krell, con una tecnología infinitamente más avanzada que la del ser humano, de la que Morbius ha extraído parte de su conocimiento, gracias a un sofisticado aparato llamado "educador plástico". También averiguamos que los Krell desparecieron de repente, 200.000 años antes. Y por si faltara algo, surge una amenaza -en principio invisible- que pone en peligro a toda la tripulación de Adams. Y aquí os lo dejo por si queréis ver la película y descubrir vosotros mismos el gran secreto de todas estas intrigantes situaciones (aunque os regalaré unos cuantos SPOILERS al explicaros las influencias).

Aquí puedes hacerte con Planeta Prohibido en blu ray

Planeta Prohibido está inspirada en la obra de Shakespeare, La Tempestad, aunque obviamente adaptada a la era espacial. No solo fue la primera película de ciencia ficción con gran presupuesto, sino que también fue pionera en contar con una banda sonora realizada con instrumentos electrónicos (lo que le acarreó algunos problemas con el sindicato de músicos de Hollywood). Fue nominada en 1956 a los Mejores Efectos Especiales (el Oscar se lo arrebató Moisés y Los Diez Mandamientos), en los que Disney contribuyó decisivamente creando diversas animaciones y los fogonazos de las pistolas láser. 

A pesar de la enorme influencia que esta película tuvo en el género, en su momento no fue muy bien entendida por los espectadores, ya que apenas recuperó 1 millón de dólares de los casi 2 que costó. Esto llevó a la MGM a rodar una especie de secuela, con Robby el Robot como estrella, titulada El Niño Invisible, que sirvió a la productora para recuperar parte de la inversión.

Posteriormente al estreno del film, se editó un libro que ahondaba aún más en las raíces mitológicas y proponía una original narración desde los diferentes puntos de vista de los personajes, que con el tiempo se convirtió en una obra de culto.

Hace unos años se especuló con la posibilidad de un remake, con James Cameron detrás de las cámaras, pero finalmente el proyecto no salió adelante.

Bien, una vez tenéis claro de qué va el film llega el momento de revelar cuáles han sido todas sus influencias en películas de ciencia ficción posteriores, que no son pocas ni poco relevantes. Sacad papel y lápiz que empiezo:

Completa tu colección de las mejores películas de ciencia ficción

1. STAR TREK. Empezamos con las más obvia, porque el creador de Star Trek, Gene Roddenberry, directamente admitió que se inspiró en Planeta Prohibido para crear esta saga. Y no solo se trata de ciertas similitudes en ambas historias: la famosa nave Enterprise (cuya forma esférica recuerda en parte a la nave C57D de Planeta Prohibido) tiene como número de serie 1701, que es la hora en la que la C57D entra en la órbita del planeta Altair IV.

2. ALIEN. De primeras, cuando os he contado en el argumento la idea de una nave militar enviada a un planeta con la misión de averiguar qué ha ocurrido con la expedición transportada 20 años antes os suena a... eso es, correcto, la misma idea argumental de Aliens El Regreso (donde igualmente se encuentran con que casi todos han muerto). A eso habría que añadir los mensajes de advertencia que reciben Adams y su equipo al aproximarse al planeta, al igual que les sucedía a Ripley y sus compañeros en la primera película de Alien. Tenemos también un enemigo que los protagonistas de Planeta Prohibido denominan "criatura salvaje", que "posee las características de un animal pero se mueve como un bípedo y muestra una estructura de depredador que disfruta descuartizando a sus presas".

No menos intrigante resulta un robot que, además de flirtear entre la colaboración y la amenaza (como los sintéticos de Alien) está conectado de tal forma a toda la base del planeta que actúa como si fuera una... ¿"madre"? (de hecho en un momento dado uno de los militares se refiere al robor de esa manera). Por último, pero no menos importante, están los Krell, una civilización muy avanzada ética y tecnológicamente que en el cúlmen de su evolución posan sus ojos sobre el planeta Tierra, de donde recogen algunas especies, y acaban creando algo que les destruye... ¿Pasaría algo si les llamamos "ingenieros"?. En fin, al igual que con Star Trek, Dan O´Bannon, uno de los guionistas originales de la saga Alien, nombró Planeta Prohibido como una de las películas que le inspiraron a la hora de crear la historia.

3. STAR WARS. Como no podía ser de otra forma, la saga de ciencia ficción por excelencia también le debe mucho a esta película. Podríamos empezar con las cuestiones más obvias, como una nave que se desplaza a la velocidad de la luz (con mención expresa al hiperespacio) o el uso de las pistolas laser. Más específica resulta la idea de un ermitaño, que reconoce que sus modales están oxidados, que ha construido un robot capaz de hablar 187 idiomas "con sus dialectos y sus subdialectos" y que se da baños de aceite para lubricarse. También nos resulta familiar la imagen de un planeta semidesértico (con dos lunas en vez de dos soles). A los creadores de Tatooine, también. Seguro que al bueno de George Lucas le gustaron ideas como la de un abismo sin fondo dentro de una plataforma tecnológica (que nos recuerda a decorados de la Estrella de la Muerte), el holograma animado en miniatura de la hija de Morbius transmitiendo un mensaje (como Leia), las expresiones y lenguaje ininteligibles para solventar explicaciones técnicas complejas (cosas como "corta los vectores espirales primarios" o "solenoides estabilizadores") o la de unas puertas romboides...

Y qué decir del sentido del humor guasón que se mueve entre lo sarcástico (el cocinero de la C57D, que va vestido como un dos estrellas Michelin, le confiesa a Robby "he recorrido la galaxia de punta a punta y eres el ser más comprensivo que he encontrado) y lo paródico (Adams "Nielsen" les dice a los guardias que "cuiden de los guardías"), muy del estilo de un tal Han Solo.

4. ROBOCOP. Sí, el clásico de Verhoeven también comparte una idea crucial en momentos decisivos de ambos argumentos. Hacia el final de Planeta Prohibido, Robby el Robot no puede obedecer una orden (llegando a paralizarse)  porque en su programación hay una directriz inviolable que le impide eliminar a seres humanos... como le ocurría a Robocop con los directivos de la corporación OCP.

5. DESAFÍO TOTAL. De nuevo Verhoeven se inspira en Planeta Prohibido para una de sus grandes obras de ciencia ficción. Los Krell construyeron una gigantesca instalación subterránea en Altair IV con forma de cubo con una potencia de 9200 reactores termonucleares, capaces de producir cantidades ingentes de energía.

Una idea que os sonara de la famosa estructura alienígena enterrada en Marte con tal poder que puede hacer respirable toda la atmósfera del planeta. 

Además de la mencionada Star Trek, Planeta Prohibido también dejó su impronta en series como la magnífica y exitosa En los Límites de la Realidad (The Twighlight Zone), donde en algún episodio también aparecian Robby y la nave C57D. Su influencia fue mucho más clara, reconocida abiertamente por sus creadores, en una de las series más exitosas de los 60, Perdidos en el Espacio (que tuvo una versión en la plantalla grande en 1998).

Robby el Robot se hizo tan famoso que además de participar en algunas de estas películas y series, tuvo intervenciones estelares en series de éxito que nada tenían que ver con la ciencia ficción (al menos en su concepto más puro...) como Los Simpsons, Vacaciones en el Mar o Colombo.

Hazte con todas las películas de la saga El Planeta de los Simios

Dado que lo que nos cuentan estas últimas tres películas es lo que ocurrió antes de llegar a los hechos que se narran en la pélicula original, los productores y guionistas han introducido múltiples conexiones y guiños que enlazan y dan coherencia a ambas historias. Vamos a contaros todas (o al menos todas las que hemos descubierto nosotros).

Eso sí, tened en cuenta que para realizar este artículo es obligado realizar SPOILERS del tamaño de una casa, así que pensadlo dos veces si todavía no habéis visto la última película o no conocéis la saga original.

En primer lugar, vamos a contextualizar. En la nueva trilogía, la narración nos lleva desde el origen del virus que potencia la inteligencia de los simios y resulta letal para los humanos, hasta el declive del sistema de vida que conocemos, la práctica extinción de la raza humana y la irrupción de los simios inteligentes como especie dominante en nuestro planeta. Si queréis saber todo sobre esta trilogía, echad un vistazo a las críticas de las tres películas y a todas las noticias y reportajes que hemos hecho hasta la fecha:

• El Origen del Planeta de los Simios
• El Amanecer del Planeta de los Simios
• La Guerra del Planeta de los Simios

Dando un salto atrás en el tiempo, pero adelante en la historia, la legendaria película original de 1968, dirigida por Franklin J. Schaffner, nos lleva a un futuro en el que unos astronautas enviados al espacio aterrizan por accidente mucho tiempo después en un planeta a priori desconocido, en el que descubren estupefactos que unos simios inteligentes dominan en lugar mientras que los humanos son seres salvajes que ni siquiera tienen la capacidad de hablar. Con un estilo a caballo entre la aventura y la ciencia ficción con profundas reflexiones morales, la película nos lleva con un clímax ascendente hasta uno de los mejores y más sorprendentes finales de la historia del cine. Aquí tenéis nuestra crítica:

• El Planeta de Los Simios (1968)

Fue tal el éxito de este film que los productores se apresuraron a lanzar múltiples secuelas, estirando con fórceps una historia que parecía acabada (de forma sublime) mientras reducían el presupuesto hasta instalarse en la serie B (y hasta C). Con unos giros argumentales delirantes, asistimos al fallido rescate de la expedición de Taylor (Charlton Heston) con la aparición de mutantes vestidos de mamarrachos y poderes telepáticos de por medio, para después presenciar el viaje atrás en el tiempo de los que serán los protagonistas de todas las secuelas, los simios científicos Cornelius y Zira, que los lleva a aterrizar en el lugar de partida de Taylor (finales del siglo XX), para en un rocambolesco disparate acabar generando una raza de simios inteligentes que se rebelan contra los humanos con éxito. En fin, una alucinante (y algo absurda) paradoja espacio-temporal muy acorde con unos años donde el consumo del cannabis y el LSD estaba a la orden del día. Dicho esto, todas esas secuelas tienen su gracia en sí mismas, y siendo generosos con esos disparatados guiones, hasta resultan entretenidas y curiosas.

Para los que tengáis curiosidad y un punto friki (como yo) estas secuelas son, por orden: Regreso al Planeta de los Simios (1970), Huída del Planeta de los Simios (1971), Conquista del Planeta de los Simios (1972) y Batalla por el Planeta de los Simios (1973). Actualmente Wuaki las tiene todas en su catálogo de alquiler por 1,99€.

Una vez metidos en el contexto, vamos con todos los guiños y enlaces entre las precuelas y las películas originales. Y también la incongruencia que no han conseguido solventar los guionistas...

Conoce nuestra opinión sobre otros grandes clásicos del género en nuestro especial de cine de ciencia ficción.

1. EL VIRUS. El elemento crucial de la historia. De forma muy ingeniosa y realista, los guionistas han sabido dar con la clave de la catástrofe: el virús experimental ALZ-113 creado por el ser humano para curar el Alzheimer, que tras fallidos experimentos con simios provoca el incremento exponencial de la inteligencia de estos animales y la muerte de los seres humanos. En La Guerra del Planeta de los Simios también se explica de forma muy habilidosa por qué los seres humanos que sobreviven pierden su capacidad de hablar y gran parte de su raciocinio, que es lo que se encuentra Taylor cuando aterriza en el planeta dominado por los primates.

2. El VIAJE ESPACIAL. En El Origen de el Planeta de los Simios, vemos fugazmente en la TV y en los periódicos las noticias de una viaje al espacio, y la posterior pérdida de contacto con la nave. Obviamente, es la aventura espacial emprendida por Taylor y su equipo que acaba, tras un salto en el tiempo, en un futuro en el que ya los simios dominan la Tierra. Aquí es dónde se produce la única incongruencia pues según el guión de la película original la nave da un salto en el tiempo de 2000 años, lo que dejaría sin sentido algunas de las demás conexiones, como que los personajes de Nova y Cornelius sean los mismos en ambas sagas.

3. NOVA. En La Guerra del Planeta de Los Simios, César y sus simios se topan con una niña asustada que no puede hablar, afectada ya por el famoso virus. Debido a una chapa que encuentran, la llaman Nova. Pues bien, Nova es la atractiva chica que Taylor encuentra a su llegada (regreso) al planeta, y que -en parte por iniciativa de los simios, en parte por la suya (tonto no es..)- se convierte en su "hembra".  Con ella descubre al final del film la terrible realidad. Nova también aparece en Regreso al Planeta de los Simios.

4. LA MUÑECA. En La Guerra del Planeta de los Simios, Nova está jugando con una muñeca de trapo, que Maurice le guarda y que casi cuesta a César un buen disgusto. Pues bien, en la película original, cuando Taylor está empeñado en demostrar que antes de los simios inteligentes hubo una raza aún más avanzada de seres humanos, llegan a un lugar donde encuentran unas gafas, un marcapasos... y una muñeca humana. El Dr. Zaius, defensor de la fe simia y protector del secreto del pasado humano, asegura que esa muñeca está fabricada por los simios hasta que Nova, que parece reconocerla, la abraza y esta pronuncia la palabra "Mámá", en un golpe de efecto sensacional, revelando que ningún simio habría fabricado una muñeca humana que hablara, y demostrando que sí hubo una raza humana inteligente anterior a los simios.

5. CORNELIUS. César tiene dos hijos. Al segundo de ellos le vemos nacer en El Amanecer del Planeta de los Simios y ya hecho un jovencito en La Guerra del Planeta de los Simios. Muy pegado al simio más reflexivo, Maurice, parece apuntar una mente abierta y curiosa, la de un científico. En la película original, Cornelius (interpretado por el gran Roddy Mcdowall, que fue el único actor que también apareció en la serie de TV) es uno de los dos científicos que cuestionan el origen de los simios, intuyen que hubo una raza humana inteligente en el pasado y ayudan a Taylor a escapar. 

6. CÉSAR. El gran protagonista de las tres precuelas es el simio César, cuya sorprendente inteligencia hereda de su madre, a quien los científicos llaman Ojos Claros (Bright Eyes) exactamente el mismo apodo que Zira pone a Taylor cuando este por una herida de bala aún no puede hablar. En la evolución de las secuelas de las películas de los 70, Zira y Cornelius tienen un hijo al llegar a la tierra, un simio que con el tiempo liderará la rebelión de los simios y tras múltiples avatares se convertirá en el líder y referente espiritual de su especie. Un simio extremadamente inteligente que cree que humanos y simios pueden convivir juntos. Su nombre... César. En uno de los golpes de efecto de las secuelas, siendo solo un bebé y tras la muerte de sus padres, César pronuncia la palabra "mámá", lo que descubre su capacidad de hablar y provoca todos los acontecimientos que desencadenan la posterior rebelión... la misma palabra que pronuncia la muñeca que Nova descubre en la zona prohibida de la primera película. Con el tiempo, el César de las secuelas de los 70 también tendrá un hijo al que llamará... Cornelius.

7. KOBA/ALDO. El simio Koba es un personaje clave en las precuelas. Torturado salvajemente por los humanos en su reclusión, no puede desprenderse de su odio hacia ellos, lo que le lleva a enfrentarse a muerte a su líder César. Pues bien, en las secuelas de los 70 hay un personaje calcado a Koba, aunque su nombre es Aldo.

8. QUITA TUS SUCIAS PEZUÑAS. En la película original, Taylor es herido de un disparo en la garganta, de tal forma que no puede demostrar su capacidad de hablar a los simios que le consideran un ser inferior. Con el paso del metraje, Taylor se va recuperando, y en un desesperado intento de fuga, cuando le tienen atrapado, por fin consigue articular unas palabras que dejan pasmados a todos los simios: "¡Quita tus sucias pezuñas de encima, mono asqueroso!" ("Take your stinkin´ paws off me, your damm dirty ape!" en inglés). Pues bien, en la primera película de la secuela, El Amancer del Planeta de los Simios, esas mismas palabras la pronuncia el guardián odioso del centro donde encierran a César. También el impactante "NO" que supone la primera palabra que pronuncia César en la primera precuela, supone un guiño al grito que la novia del César de las secuelas lanza en un momento cumbre, y que supone la primera palabra pronunciada en ese momento por un simio que no sea el líder.

9. SIMIO NO MATA SIMIO. La frase que César pronuncia una y otra vez en las precuelas, con el fin de marcar una diferencia con la especie humana, también es una frase icónica del otro César en la última película de los 70, Batalla por el Planeta de los Simios, y ya aparece por primera vez en Regreso al Planeta de los Simios cuando el General Ursus se niega a disparar contra unos simios, que supuestamente se están abrasando, para evitar su sufrimiento.

10. JAULAS Y MANGUERAS. En la película original, los simios encierran a los humanos en un lugar al que en algún momento Taylor denomina manicomio, donde hay unas enormes jaulas y los simios utilizan mangueras con agua a presión para torturar y castigar a los humanos. En El Origen del Planeta de los Simios, la situación es exactamente igual pero a la inversa, son los humanos los que maltratan así a los simios en unas jaulas muy similares.

11. LA ESTATUA DE LA LIBERTAD. La imagen más icónica de la película original, también tiene un guiño en la primera precuela. César aparece en un momento dado en casa de Will Rodman (James Franco) jugando con una maqueta en miniatura de la Estatua de la Libertad.

Como veis, los productores y guionistas se han precupado mucho de aportar una conexión entre las dos sagas. Ahora habrá que ver qué sucede si como se empieza a rumorear las precuelas siguen añadiendo episodios.

En aquellos inolvidables cines de barrio del Madrid de la transición (Usera, Becquer, Copacabana, Salaberry) Roger Moore y su 007 fueron auténticas estrellas. En programas dobles maratonianos (como lo oís, dos películas por el precio de una) mis padres nos llevaban a mis hermanos y a mí con el objetivo de que estuviéramos cuatro horas calladitos y sin hacer el cabra. Y vaya si lo consiguieron. De ahí surgió mi amor por el cine. Y por James Bond. En aquellas interminables sesiones, la primera película solía ser algún spaghetti western (con Bud Spencer y Terence Hill como protagonistas en bastantes ocasiones) y el agente 007 se reservaba, no pocas veces, el segundo pase. Por supuesto Roger Moore fue para todos los chavales de aquella época el auténtico James Bond. No para mi madre, para quien, por supuesto, como Connery, ninguno. Ya que Roger Moore no era -según sus palabras- sino El Santo haciendo de 007. Cosas de las generaciones...

Estábamos en plena Guerra Fría, Sean Connery había dejado el listón muy alto con el personaje, sin contar el fugaz paso de George Lazenby, y la productora EON buscaba darle un giro a la serie. Por eso se fijo en este actor británico, que ya había interpretado a un personaje muy similar en la exitosa serie de TV El Santo (la que le gustaba a mi madre), a pesar de que no era precisamente un jovencito (había cumplido 45). Los guionistas y el propio Moore modelaron un James Bond más divertido y satírico, casi más preocupado de dar con la frase o chiste ingenioso en el momento adecuado que de exhibir sus dotes físicas, algo que ya se hizo evidente desde su primer film, Vive y Deja Morir (con la inolvidable canción de Paul McCartney). De hecho, Moore odiaba las armas y la violencia. Todas las escenas de acción eran interpretadas por dobles, y se las tuvo con los directores cada vez que tenía que sujetar un arma o hacer que disparaba. Todo por culpa de un accidente que sufrió haciendo el servicio militar y que casi le cuesta una mano. Sus proyectiles más certeros provenían de su sarcasmo y su ironía, a las que acompañaba con un entrenado arqueamiento de ceja. Casi diría que el mayor mérito de Roger Moore fue no tomarse nunca en serio a su personaje, ni tampoco las asombrosas situaciones a las que se enfrentaba. Vamos, la antítesis de Timothy Dalton (su atormentado sucesor) y Daniel Craig.

En una época en la que no era imprescindible poseer un cuerpo cincelado para triunfar en el cine de acción, Moore se las arregló para hacer suyo el personaje, y resultar simpático y guasón, eficiente y elegante, y por supuesto irresistible para las mujeres, con las que componía escenas propias de una sitcom, que se saldaban con pudorosos besos y unos segundos de la pareja (en ropa interior) en la cama. Clasificado 100% para todos los públicos.

Abandonó incluso el clásico martini con vodka para beber bourbon, y fumaba puros como si no hubiera un mañana. Según avanzó la serie con él como protagonista, las películas se fueron haciendo más fantásticas y alucinógenas (que no alucinantes), hasta llegar a la (casi disparatada) odisea espacial de Moonraker, que como en el film anterior contó con un sicario a la medida del Bond de Moore, el impagable Tiburón con aquella mandíbula de acero. Para más inri, Tiburon acaba haciéndose colega de Bond y conoce el amor con una jovencita diminuta con aparato en los dientes. Así era esta etapa de James Bond, puro cachondeo.

Y mientras, nosotros encantados de ser transportados a esas historias imposibles y absurdas, inmersos en una inocencia que también nos llevaba, a través de la gran pantalla, a galaxias lejanas y a descubrir exóticos tesoros arqueológicos.  Ese descarado aire familiar y entretenido, que exigía la absoluta complicidad del espectador, no impidió que asistiéramos con Roger Moore a alguno de los mejores films de la saga, como fue El Hombre de la Pistola de Oro, con Christopher Lee como sensacional villano. La siguiente entrega, La Espía que Me Amó, fue un bombazo en taquilla, y hasta tuvo tres nominaciones al Oscar en 1977. El éxito de la serie se mantuvo con Moore al frente en las tres siguientes películas - la mencionada Moonraker, Solo Para Sus Ojos y Octopussy- y tuvo un final algo más tibio con Panorama para Matar, a pesar de los esfuerzos de actores tan dispares como Christopher Walken o Grace Jones y el pegadizo tema de Duran Duran. Pero Moore ya estaba demasiado mayor para el personaje, y eso se notó más de lo deseado, para tristeza de todos aquellos que le creímos eterno.

Después de su etapa como Bond, Roger Moore siguió apareciendo en algunos films, en su mayoría comedias, hasta completar casi 60 en el total de su carrera. Además, fue un activo embajador de UNICEF, una tarea que siempre consideró su obra más importante. Jamás entró -ni entrará- en ninguna quiniela cuando se han abierto los debates sobre quién ha sido el mejor James Bond (de hecho él consideraba a Daniel Craig el número 1), ni el mismo se habría postulado jamás como tal. Ni siquiera puede ser considerado un gran actor, aunque tampoco comparto, ni mucho menos, los exagerados palos que se ha llevado él y su particular Bond. Pero para todos los que, como yo, disfrutamos con su entrañable, vacilona y no poco meritoria composición del agente secreto con licencia para matar, tendrá siempre un imborrable hueco en nuestros corazones.

ACTUALIZADO (06/02/2015): Rescatamos la crítica de Alien, el octavo pasajero para informaros de que con motivo del 35 aniversario del premio Oscar a los mejores efectos especiales que ganó la cinta, muchos cines españoles la reestrenarán hoy mismo en sus salas. Lo harán con la versión digital del director y en algunos de ellos permanecerá en cartel durante una semana entera.

TEXTO ORIGINAL: La inmensidad del espacio. Una gigantesca nave se desplaza lentamente. Se dirige al Tierra con una carga de 20 millones de toneladas de mineral. Enormes pasillos e innumerables estancias vacías. Parece desierta, abandonada. De pronto comienza a despertar, cobra vida poco a poco. Y con ella sus siete tripulantes.

Con este magistral comienzo, sin una sola línea de diálogo en 10 minutos, ya tenemos los mimbres para una de las mejores películas de ciencia ficción y terror de la historia. Porque, ante todo, es la sutil y eficaz presentación de la que es la verdadera protagonista de la cinta: la nave Nostromo. Inmensa, fría, laberíntica. Inabarcable y a la vez claustrofóbica. Una prisión dentro de otra prisión aún mayor que es el espacio exterior.

Colocar a unos personajes en un lugar sin escapatoria enfrentados a una amenaza exterior (o interior) no era una planteamiento original en 1979. Dos grandes maestros como John Ford y Howard Hawks ya lo hicieron dentro del western en La Diligencia y Rio Bravo respectivamente. El propio Hawks lo llevó al terreno de la ciencia ficción en 1951 con El Enigma de otro Mundo (del que John Carpenter haría el remake La Cosa), fuente de inspiración de Alien. Y el mismísmo Spielberg también se apuntó al carro en 1975 al meter a sus protagonistas en una lancha en Tiburón. Todas ellas habían demostrado las infinitas posibilidades narrativas de esta idea y la facilidad para crear una atmósfera tensa y agobiante a partir de ella. Pero para convertir una buena idea en una extraordinaria película, hace falta añadir muchos y buenos ingredientes. Alien los tiene (casi) todos.

Dan O´Bannon, uno de los dos guionistas, llevaba rumiando trabajar en una historia  de ciencia ficción con esa premisa. De hecho, poco antes había participado en una película dirigida por John Carpenter, Dark Star, con un concepto similar. Pero le faltaba crear al alien que la liara parda. Y es entonces cuando aparecen dos personajes cruciales. El artista e ilustrador H.R. Giger conquistó a O´Bannon con el diseño de unas horripilantes criaturas. Justo lo que necesitaba. Mientras, Ronald Shusett, guionista y productor, le contó a O´Bannon una idea bizarra que le obsesionaba desde hacía tiempo: “¿Qué te parece si un bicho se introduce en el cuerpo de un humano para después salir por su pecho convertido en un monstruo aterrador?”. Se acababa de gestar una de las escenas más famosas e impactantes de la historia del cine. Aún recuerdo la primera vez que la vi (en casa de mis padres y en VHS, porque no tenía edad para verla en el cine). Me quedé tan impresionado que durante semanas comprobé cada día que no hubiera ninguna protuberancia sospechosa en mi pecho.

Por supuesto, quedaba la guinda a este suculento pastel. Un joven director británico, que venía de ganar un premio en Cannes por la original y estimulante Los Duelistas, su primer film tras haberse dedicado al mundo de la publicidad, fue el elegido para darle sentido a todo esto. Nadie dudaba de su probado talento visual, pero conseguir que el espectador se cague de miedo son palabras mayores. Con un par, Ridley Scott se las arregló para aumentar el presupuesto del film y convertir lo que iba a ser una película de serie B en una producción de primer nivel. A los productores se les agotaron las caras de extrañeza en el set de rodaje (al que acudían a diario desde que aumentó el presupuesto) al verle filmar infinidad de planos aparentemente absurdos...hasta que veían el resultado en pantalla y alucinaban. El tipo era un genio.

Además, Scott hizo tan suyo el guión, que incluso escribió la biografía de los siete protagonistas (parejas, amigos, trabajos anteriores, aficiones, manías…) para que todos ellos interiorizaran sus personajes al máximo. Porque uno de los grandes aciertos de Alien es colocar a unos personajes reales, trabajadores al servicio de una corporación, preocupados por sus salarios, sus horas (en este caso años…) de trabajo. Nada de héroes o fornidos marines (como en Aliens, el regreso). Scott, en un alarde de economía narrativa, los retrata uno a uno con sus respectivas interrelaciones en apenas unos diálogos al principio del film. Y ninguno pierde coherencia hasta el (su) final. Por supuesto, a ello también contribuye un puñado de excelentes actores, perfectos en sus papeles, y con una debutante (era su primer film, pues venía de hacer teatro en Brodway) que no solo se convirtió en estrella, sino que creó un personaje icónico (que se lo digan a mi compañera Sonia Herranz) para la historia, la Teniente Ripley. Quintaesencia de la profesionalidad, capaz de tomar siempre las decisiones correctas en las circunstancias más extremas.

Con el paso del metraje, sin apenas darnos cuenta, ya formamos parte de la tripulación, y conocemos la personalidad de Brett, Dallas, Kane, Parker, Ash, Lambert y Ripley como si fueran compañeros en nuestro trabajo. Y hasta podríamos describir muchas de las estancias de la nave con los ojos cerrados.

La película ofrece un ritmo impecable: conocemos a los protagonistas y su contexto en apenas media hora (que operan con procedimientos realistas, me encanta que las películas de ciencia ficción no nos tomen a los espectadores por tontos y expliquen por qué suceden o no las cosas), asistimos a la inquietante presentación del problema y nos pasamos la última hora aterrorizados al ver que la presa se convierte en implacable cazador. Dicho así puede resultar simple, pero nada más lejos. El film, gracias al talento de Scott, nos lleva entre la fascinación y el desasosiego, y mientras compartimos con los personajes la estupefacción ante lo que van averiguando, comienzan a surgir un puñado de enigmas que no solo han arrastrado todo un mundo de especulaciones y teorías (como ya os contamos en este artículo) sino que el propio Scott se animó a explicar algunos de ellos (con desigual fortuna)  en la reciente Prometheus.

La sal la ponen los dos inolvidables golpes de efecto, la mencionada aparición del Chestburster (por cierto, Scott no quiso que los actores supieran exactamente cómo se iba a rodar esa escena y de ahí que sus reacciones fueran tan reales, sobre todo la de Lambert) y el descubrimiento de la verdadera naturaleza de Ash (una idea que llegó de Walter Hill y otros guionistas que metieron mano a la historia inicial).

Con el oportuno "momento McGiver" para combatir a un monstruo al que apenas vemos -pero que cada dato que conocemos le vuelve más terrible e invencible (“no podéis matarle”, les dice Ash antes de…terminarse),- que nos presenta otro elemento narrativo sensacional, el radar casero que responde a “microcambios en la densidad del aire” (que Cameron evolucionaría y explotaría en la secuela) empezamos a comprender, sobrecogidos, que hasta el apuntador lo va a tener crudo para salir de una pieza. Y es en esa parte final donde la Weaver forjó su leyenda (con la ayuda también de un aparentemente descuidado striptease), un mito que provocó tres películas más, multitud de imitaciones y una influencia sobre films posteriores que aún perdura.

Aún hay más que aplaudir. En una época en la que no existían los efectos digitales, la imaginación de los técnicos para lograr que todo pareciera real, a base de maquetas, tipos disfrazados y trucos de lo más inverosímil, resultó tan convincente que, aún hoy, casi 40 años después, siguen dando el pego (se llevaron el Oscar aquel año).

Mención especial para la banda sonora, obra de uno de los grandes, Jerry Goldsmith (Acorralado, Gremlins, Desafío Total) que logró una sorprendente partitura que fluye con pasmosa naturalidad de los acordes más inquietantes a una bellísima melodía.

Mucho se ha hablado de las connotaciones sexuales de Alien (que sus creadores confirman sin tapujos), tanto en el diseño del monstruo (con esa cabeza fálica y sus múltiples bocas) y sus "manías" (el guionista tuvo claro que la “violación facial” debía ser en un hombre, y no en una mujer, de hecho en un momento del film se habla de “el hijo de Kane") como en las relaciones entre los tripulantes. (¿Hay algo entre Dallas y Ripley? ¿Y entre Ripley y Lambert? ¿Pretende Ash “algo más” que cargarse a Ripley?). Algunas escenas eliminadas dan pistas sobre las respuestas… (por cierto, os recomiendo que os hagáis con versiones que incluyen todos los documentales y archivos, son una joya).

Lo cierto es que nada volvió a ser igual tras este film. Que levante la mano quien no haya hecho alguna broma sobre llevar a un alien dentro. Y, por supuesto, su influencia sobre films posteriores es incuestionable (Y el slogan promocional “En el espacio nadie puede oír tus gritos” se ha mostrado insuperable). O´Bannon nunca escondió que se inspiró en multitud de films para crear esta historia, desde Planeta Prohibido (1956) hasta 2001 (el ordenador Madre es el alter ego de HAL) pasando por la mencionada producción de Hawks, y sus responsables confiesan que el estreno de Star Wars una par de años antes les benefició (aunque el guión de Alien fue concebido mucho antes). Pero el verdadero logro de Alien es que consiguió aunar el talento de un puñado de geniales artistas para completar una experiencia cinematográfica inolvidable.

Otros clásicos de la ciencia ficción

¿Os habéis quedado con más ganas de viajes en el tiempo, futuros apocalípticos o viajes espaciales? Podéis ver el resto de críticas de clásicos sci-fi en nuestro recopilatorio especial de ciencia ficción.

Todo marchaba a la perfección en una de las galas más dinámicas y divertidas de los últimos años. Jimmy Kimmel, que había causado no pocos recelos cuando fue designado como maestro de ceremonias, desplegó una gracia aguda y elegante, con chistes muy ingeniosos sin resultar groseros y las pullas justas hacia Donald Trump. El evento, además, comenzó de la mejor forma posible -con una irresistible performance de Justin Timberlake con su exitazo "Can´t stop the feelin´" que puso a todo el auditorio en pie-, y nos ofreció algún gag tan brillante como original, como fue la llegada de unos despistados turistas que no tenían ni idea donde se metían y se llevaron la mayor sorpresa de sus vidas. Salvo la cara de cabreo que tuvo Denzel Washington durante toda la noche (¿alguien sabe qué le pasaba a este hombre?) incapaz de mostrar ya no una sonrisa, sino una leve mueca ni cuando Kimmel le hizo "casar" a dos de los turistas (más bien pareció que les sentenciaba a muerte) ni cuando Casey Affleck le confesó que había sido su inspiración como actor, todo el mundo lo estaba pasando en grande.

Mientras, la entrega de premios empezaba a mostrar con el reparto discrecional de estatuillas que, como viene sucediendo en los últimos años, no había ningún film claramente destacado de los demás, con un irreprochable acierto en el reconocimiento a las fortalezas de cada obra: la música y la fotografía de La La Land, los alardes técnicos de La Llegada y Hasta el último Hombre, los guiones de Moonlight y Manchester frente al Mar, los actores de reparto de Moonlight y Fences, el maquillaje de Escuadrón Suicida o los impresionantes efectos visuales de El Libro de la Selva. 

Todas las candidatas conforman un puñado de muy buenas películas, con algún ramalazo de brillantez en algunas de ellas, pero sin que ninguna pueda alcanzar el estatus de obra realmente redonda. Si echamos un vistazo a todas las ganadoras de las últimas décadas, en este siglo XXI cuesta encontrar algún film que reúna todos los requisitos de clasicazo imperecedero. Tan solo El Señor de Los Anillos en su conjunto (aunque solo cantara bingo la tercera entrega, El Retorno del Rey) puede considerarse un referente dentro de la historia del séptimo arte.

Algo muy diferente a lo que ocurrió en la última década del siglo pasado, donde hallamos varios títulos dentro de las ganadoras que son para ponerse en pie y llevarse la mano al corazón en señal de respeto. A saber: Sin Perdón, El Silencio de los Corderos, Forrest Gump, American Beauty, El Paciente Inglés, La Lista de Schindler... Ahí es nada. Con todo el respeto a las dos triunfadoras de este año, La La Land y Moonlight, películas de incuestionable calidad, ninguna va a pasar al Olimpo de los clásicos, y su gloria será efímera.

Dicho esto, ¿es Moonlight merecedora de el máximo galardón? En mi humilde opinión, sí (aunque no habría puesto ningún pero si hubiera sido la propia La La Land o, la que más me ha gustado, Comanchería, que por supuesto no tenía ninguna opción). Moonlight es una historia tremenda contada con una sensibilidad exquisita. Y tiene el enorme mérito de lograr que tres actores diferentes se metan en la piel del mismo personaje mimetizándose con él, un personaje que además tiene la peculiaridad (y dificultad) de ser poco hablador. Es una película diferente e hipnótica, que había de superación y compasión, de violencia y soledad, de rabia y amor. Un film que engancha sin aspavientos, con sutilidad, y deja un poso muy agradable.

La película recoge la historia de esta tres mujeres basándose en el libro biográfico de Margot Lee Shetterly. Y lo hace de una forma tan convencional como efectiva. Una fórmula (la de contentar al público con una historia y recursos mil veces vistos) que ya empleó su director, Theodore Melfi, en su anterior film, St. Vincent, con Bill Murray haciendo de viejo cascarrabias redimido por un chico al que encasquetan a su pesar. Lo mejor de este planteamiento es que Melfi demuestra de nuevo que domina este enfoque hasta el punto de que lo clava. Lo peor es que aunque lo lleve a la perfección, apenas queda hueco para la sorpresa o la reflexión. Desde el primer minuto ya sabemos qué va a pasar y cómo va a pasar.

Eso no impide que la película se vea con agrado, nos cuente una historia curiosa y hasta ahora desconocida para una inmensa mayoría y lo haga con tanta amabilidad que sea imposible no dejarse llevar por sus buenas intenciones. En su formato de telefilm de lujo -sin demasiados alardes, la película ofrece una factura irreprochable- lo que eleva el listón para que esta producción se haya destacado en la cartelera hasta el punto de lograr tres nominaciones a los Oscar (incluida mejor película) es el atractivo y brillante elenco de actrices y actores.

Tareji P. Henson (en su esforzado y eficaz protagonismo), Janelle Monáe y sobre todo Octavia Spencer (nominada como actriz de reparto y ganadora hace unos años en esta misma categoría por Criadas y Señoras) logran dar a sus personajes tanta fuerza como gracia y llenan la pantalla de talento y entusiasmo en cada plano. Por su lado, Kevin Costner recibe un goloso papel que le va como anillo al dedo, un Elliot Ness de la NASA, tan profesional como justiciero, el único capaz de dejar a un lado los prejuicios sexistas y raciales para apostar por el inmenso valor de estas mujeres. También aparece Kirsten Dunst en el -siempre necesario en este tipo de películas- rol antipático y uno de los actores del momento, Mahershala Ali, nominado a mejor actor de reparto por otra de las películas del año, Moonlight, y famoso por ser uno de los villanos en la serie Luke Cage.

El buen trabajo del texto (también nominado) apuesta claramente por la épica y el humor antes que por el drama, asentado en unos buenos diálogos, un más que apreciable ritmo y a la habilidad para traducir las cuestiones técnicas de forma que todos las entendamos (hasta los que suspendimos matemáticas en su momento). Mención especial merece la más que buena banda sonora, a medias entre las partituras siempre efectivas de Hans Zimmer y los excelentes temas con el aire de los 60 de Pharrell Williams (con colaboraciones del calibre de Alicia Keys).

Un entretenido film para ver con media sonrisa y salir (aunque solo sea por unos instantes) con la sensación de que todo es posible con talento y perseverancia. Aquí tenéis nuestra tertulia por si queréis saber más sobre los nominados a los Oscar que se entregarán el próximo domingo.

MEJOR PELÍCULA

Muy buena cosecha la de este año. Tenemos drama, melodrama, thriller policiaco y thriller político, con propuestas que llegan desde realizadores clásicos hasta debutantes. Desde luego, queda más que claro que el cine español le está cogiendo el punto a las historias violentas, a las que aporta la inconfundible esencia de nuestro país (ya lo vimos hace dos años con La Isla Mínima y El Niño) o, hilando aún más fino este año, el aroma del Madrid castizo, como sucede en Tarde para la Ira y Que Dios nos Perdone. Almodovar regresa este año con un buen –aunque no brillante- drama de mujeres atormentadas en Julieta, y el internacional Juan Antonio Bayona irrumpe de nuevo con una superproducción que ha sido todo un éxito de taquilla, Un Monstruo Viene a Verme. Por último, tenemos una de las propuestas más originales de los últimos años, una brillante recreación de la España que, por desgracia, conocemos muy bien, la de la corrupción, los sinvergüenzas y los ambiciosos e ineptos gobernantes: El Hombre de las Mil Caras.

Las favoritas: Tras imponerse en los Premios Feroz y con el aplauso unánime de la crítica, la sensacional opera prima (aunque no lo parezca) de Raúl Arévalo, Tarde para la Ira, parte con cierta ventaja con respecto a sus rivales. Con algunas opciones menos estarían tanto el Monstruo de Bayona, gracias a su hábil combinación de espectáculo e intimismo, y el desabrido y descarnado policiaco Que Dios nos Perdone. Una gran sorpresa sería que se impusiera la “entretenida” historia de Paesa y Roldán, y la ruina de las casas de apuestas si gana el film de Almodovar.

Nuestra preferida: Tarde Para La Ira es un peliculón, más propio de alguien que lleva una ristra de films a su espalda que de un debutante. Inteligente, seca, angustiosamente tensa, muy bien rodada e interpretada. Y con algunas escenas memorables. Si el cabezón no va para ella, Que Dios nos Perdone ;).

MEJOR DIRECTOR/DIRECTOR NOVEL

Hay un auténtico dream team entre los directores “veteranos”, que une lo mejor de pasado y presente: Almodovar, Alberto Rodriguez, Juan Antonio Bayona y Rodrigo Sorogoyen. Ni Almodovar ni Rodriguez tienen aquí su mejor film de siempre, algo que sí sucede con Sorogoyen y quizá con Bayona. También es cierto que para estos dos jóvenes directores se trata de su tercer film, pues ambos tienen una trayectoria ligada a la TV o los videoclips musicales. Aún así, la competencia es dura, porque ante la contundente y agresiva puesta en escena de Sorogoyen para seguir la investigación de un asesino en serie se presenta la sorprendente propuesta de Rodriguez en El Hombre de las Mil Caras o la dificultad de un rodaje con niño, efectos especiales y reparto internacional que supone Un Monstruo Viene a Verme. De Almodovar, qué decir, inconfundible e innegable de nuevo su talento en Julieta, siempre dejando algunas pinceladas brillantes.

En cuanto a los debutantes, queda claro el sensacional impacto que ha causado el ya reconocido actor Raúl Arévalo con un proyecto muy personal que le ha costado años sacar adelante. No menos aplaudida ha sido la labor de Salvador Calvo con1898 Los últimos de Filipinas, también proveniente de la cantera televisiva, un complicado y contundente film bélico que muchos han (hemos) echado de menos entre las nominadas a Mejor Película. Los otros dos candidatos son Nely Reguera por la divertida comedia Maria (y los demás) y el guionista y director de teatro Marc Crehuet, que ha llevado al cine su exitosa obra El Rey Tuerto.

Los favoritos:Entre los directores veteranos, excluyendo a Almodovar, cualquiera de los otros tres tiene opciones. Quizá Bayona y Sorogoyen unas pocas más por aquello de que Alberto Rodriguez ya logró este premio por La Isla Mínima (Bayona tiene el de  Director Novel por El Orfanato). Y entre los directores novatos, no hay ninguna duda de que será para Raúl Arévalo, el Goya más cantado del año.

Nuestro preferido: La pasión y fuerza de Rodrigo Sorogoyen en su violenta historia (con persecuciones y escenas de acción muy conseguidas) merecen ser reconocidas. Aunque la originalidad en el planteamiento de Alberto Rodriguez para llevar a la pantalla la enrevesada historia de Paesa y Roldán sin que nos perdamos ante tanta información y giros, es también muy loable. Entre los debutantes, sin desmerecer los otros trabajos, Raúl Arévalo ha sacado matrícula de honor. El Goya debe ser suyo.

MEJOR ACTOR

Durísima la competencia. Los trabajos de Eduard Fernández metiéndose literalmente en la piel Francisco Paesa, del violento policía que clava Roberto Álamo o el tenso duelo que nos regalan Antonio de la Torre y Luis Callejo en Tarde para la Ira son brillantes. Todos ellos tienen un Goya salvo Luis Callejo, aunque solo Eduard Fernández lo tiene como protagonista (por Fausto 5.0). Antonio de la Torre es el eterno aspirante, aunque consiguió el premio al mejor actor de reparto hace diez años por AzuloscuroCasiNegro, suma cinco candidaturas a mejor actor principal sin cantar bingo.

Los favoritos:Las opciones están totalmente abiertas. Roberto Álamo ha ganado enteros tras imponerse en los Premios Feroz, pero Antonio de la Torre, si Tarde para la Ira es la triunfadora de la noche, podría llevárselo. No es menos cierto que Luis Callejo está tan bien como él (o mejor) en la película. Eduard Fernández parece con menos opciones que los demás, quizá por que su inteligente y sutil encarnación del famoso espía español es menos llamativa que los otros roles.

Nuestro preferido:Por merecimientos acumulados, Antonio de la Torre se tendría más que merecido este premio. Ahora bien, la exhibición de Roberto Álamo nos deja con el corazón dividido.

MEJOR ACTRIZ

Tres auténticos pesos pesados del cine español, Emma Suarez,Carmen Machi y Penélope Cruz, frente a una actriz de inmenso talento que ahora muestra su vis cómica tras dejar claro con Magical Girl (que le dio el Goya) que el drama lo domina a la perfección, Bárbara Lennie.  Penélope repite candidatura con el mismo personaje que le dio su primer Goya protagonista ¡hace 18 años! No menos llamativo resulta el brillante regreso de Emma Suarez, que también tuvo su Goya como actriz principal allá en el año 1996 por El Perro de Hortelano, asumiendo con naturalidad el papel de chica Almodovar. En cuanto a la popular Carmen Machi, llega con un trabajo muy conseguido y algo más alejado de sus habituales comedias.

Las favoritas: Barbará Lennie está en todas las quinielas en su deslumbrante interpretación en María (y los demás) y no deja de recibir halagos, por más que sus rivales sean de cuidado. Aunque el de Penélope Cruz sería el único premio principal que podría llevarse La Reina de España, casi juega más en su contra que a favor.

Nuestra preferida: Aunque si se lo dan a Carmen Machi nos vamos a alegrar un montón, porque hace un gran trabajo en La Puerta Abierta y por ser tan buena gente, lo de Barbara Lennie es realmente grande, una actriz con un talento descomunal.

MEJOR ACTOR/ACTRIZ DE REPARTO

Si el nivel en los papeles principales es altísimo, en los secundarios no lo es menos. Karra Elejalde, Javier Gutierrez y Manolo Solo vuelven a demostrar que son auténticos especialistas en dejar huella aunque solo estén en parte del metraje. En cuanto a Javier Pereira, impresiona su cambio físico en el desagradable papel que borda en Que Dios nos perdone.

Por parte de las chicas, Emma Suarez hace doblete con esta nominación por el inquietante suspense de La Próxima Piel (otra que podría haber estado entre las posibles candidatas a Mejor Película) y a su lado nada menos que Cándela Peña, divertidísima en Kiki, la gran Sigourney Weaver por su papel de madre severa en Un Monstruo Viene a Verme, y la no menos grande Terele Pavez que, incansable, vuelve a demostrar su fuerza interpretativa junto a Carmen Machi en La Puerta Abierta

Los favoritos:En el lado masculino, Javier Pereira y Manolo Solo parecen con cierta ventaja. Aunque este premio será de los primeros que se entregue, va a depender mucho de si es Tarde para la Ira o Que Dios nos perdone quien resulta triunfadora al final. En el femenino, ya que Emma Suarez lo tiene más difícil en la protagonista, puede que aquí tenga más opciones, aunque la competencia es durísima. Si no es ella, la "Teniente Ripley" estará al acecho.

Nuestros preferidos: Manolo Solo sale apenas unos minutos en Tarde para la Ira, pero ¡ay que minutos!. Además de estar irreconocible (quién diría que es el Juez Ruz en B, la película sobre Bárcenas) consigue un tono de voz y unos gestos tan creíbles como impactantes, interpretando a un delincuente de poca monta. Siempre es un placer ver a Sigourney Weaver, y mola darle un premio en España. Si no, la veterana (77 años) y entrañable Terele Pavez, que ya tiene un Goya por Las Brujas de Zugarramurdi, merece siempre ser premiada.

MEJOR ACTOR/ACTRIZ REVELACIÓN

Es esta siempre una categoría con cierta polémica, puesto que nunca parece claro qué se considera “revelación”. Que, por ejemplo, este año esté nominado un actor como el argentino Rodrigo de la Serna porCien Años de Perdón, a quien ya vimos hace 11 años en Diarios de Motocicleta, y con una extensa carrera a sus espaldas, no deja de ser curioso. Lo mismo ocurre en el apartado femenino, donde Belén Cuesta, a sus 32 años, ya tiene un currículum más que notable en cine y TV, y formó parte de un taquillazo como Ocho Apellidos Catalanes. En realidad, salvo la cantante Silvia Perez Cruz, nominada por Cerca de tu casa, para quién realmente sí es su primer papel en un largometraje, el resto están lejos de ser revelación, en el sentido literal de “descubrimiento de algo secreto, oculto o desconocido” que dice la RAE.  Dicho esto, se trata de muy buenos trabajos interpretativos, y que permiten dar a conocer pequeñas películas como El Olivo, con una arrebatadora Anna Castillo.

Los favoritos:La recreación que Carlos Santos (muy conocido por Los Hombres de Paco) hace de Luis Roldán en El Hombre de las ml Caras es sublime. Es fácil creerse a ese personaje ambicioso e ingenuo, corrupto y patético, patriota y delincuente. Es el gran favorito quizá con permiso de Raúl Jimenez en Tarde para la Ira. Por la parte de las chicas, Ruth Diaz en su contenido y complejo papel en Tarde para la Ira está en todas las quinielas, aunque seguida muy de cerca por la divertida y descocada Belén Cuesta en Kiki y la testaruda y malhablada Anna Castillo en El Olivo.

Nuestros preferidos: Aunque solo sea por ver a Luis Roldán tantos años después en su salsa, nos encantaría que se lo dieran a Carlos Santos, que lo borda. Por parte femenina, Ruth Díaz está sublime en un papel muy complicado.

OTRAS CATEGORÍAS

El Guión original se lo van a jugar entre Tarde para la Ira y Que Dios nos Perdone, mientras que el Adaptado debería ser para Un Monstruo Viene a Verme. Los premios técnicos van a estar muy reñidos, aunque parece que se los pueden repartir entre Un Monstruo Viene a verme y 1898: Los últimos de Filipinas. En Mejor Película Europea, el premio será o para Elle, de Paul Verhoeven (Globo de Oro este año) o para El Hijo de Saul (que ya se llevó el Oscar el año pasado).  Y en cuanto a la película de animación, cabe destacar la pobre producción de este año, cuando en otras ediciones teníamos auténticos taquillazos como Planet 51 o Atrapa la Bandera. De las tres de este año – Ozzy, Teresa y Tim y Psiconautas- toda apunta a que será esta última la vencedora, sin duda la mejor de las tres.

El que sí es seguro es el Goya de Honor para Ana Belén, merecidísimo tras más de 50 esplendorosos años de carrera.

Que disfrutéis de la gala.

La América retratada con tanta precisión por el escocés David Mackenzie es la nación que ama Trump, esa en la que un grupo de ciudadanos armados hasta los dientes es capaz de perseguir a unos delincuentes que han robado un banco -con la bendición de la autoridad-, cuando un rato antes se habían alegrado del atraco porque ese mismo banco les lleva "robando" desde hace años. Donde un anciano reconoce, ofendido, que claro, lleva un arma encima. Esa en la que el racismo se asume con tanta naturalidad que incluso se bromea, con muy mal gusto, con él constantemente. Una América empobrecida y hastiada de un sistema abusivo e injusto, como en tantos otros lugares en el mundo; que justifica los actos si son fruto de la desesperación. El Salvaje Oeste trasladado al siglo XXI.

La historia de Comanchería no esconde sus ecos de las películas de los Coen (especialmente Fargo y No es País para Viejos) y, en cierta manera, especialmente en su estilo, de True Detective. Asumiendo que esa sensación de "ya visto" permanece durante todo el metraje, el gran mérito de este film es que consigue atraparnos con una puesta en escena sólida y elegante y un ritmo que no decae gracias a una perfecta combinación de acción y situaciones que flirtean entre lo cómico y lo extravagante, manteniendo el clasicismo de los códigos del western con inteligente sutileza.

David Mackenzie es un director semidesconocido por estos lares, que en su filmografía ha tocado (con más entusiasmo que acierto) muchos palos, desde la ciencia ficción apocalíptica (Perfect Sense), hasta el drama carcelario (Convicto) pasando por la comedia bobalicona (American Playboy). No es extraño que en esa búsqueda de identidad propia se haya lanzado con este western moderno desplegando sin pudor sus evidentes influencias para convertirlas en un ejercicio muy compacto de gran cine que se disfruta con enorme placer. Cierto es que el brillante guión de Taylor Sheridan (que ya se lució con el texto de Sicario) se encarga de aportar los matices justos para introducir cierta novedad a la trama de "dos peculiares criminales perseguidos por un no menos peculiar y descreído policía rural". En parte, gracias a algunas aristas argumentales interesantes, pero sobre todo por unos diálogos llenos de sarcasmo que diseccionan con inteligencia (y diría que con una mirada amable) un modo de vida que desde la Vieja Europa nos sigue descolocando, pero que en su esencia no nos resulta tan ajeno.

De hacerlos creíbles se encarga un reparto muy bien conjuntado, en el que destaca un Jeff Bridges pletórico, descomunal, que ya hace tiempo que no parece que interprete, sino que tan solo despliega sin esfuerzo su inmenso talento como el que exhala aire al respirar, y un sorprendente Chris Pine (Star Trek) que responde con generosidad al regalazo que le han hecho con este personaje. Sin duda su mejor trabajo hasta la fecha. Ambos recorren la historia como contrapeso a sus dos diferentes compañeros, el mestizo ranger en el caso de Bridges (que aguanta de mala manera las groserías racistas del veterano policía) y el hermano descerebrado y criminal de Pine, capaz de demostrar su amor fraternal llevándole a los infiernos. Son en esas dos extrañas y inevitables relaciones en las que se fragua el complejo y trágico poso emocional.

Mención muy especial requiere la sensacional banda sonora, compuesta en su mayoría por Nick Cave y su colaborador Warren Ellis. Además de unas melodías hipnóticas que parecen describir con adecuados acordes los áridos y hostiles parajes de Nuevo Mexico, a lo largo de la película se van incluyendo una serie de sensacionales temas country/rock que encajan, con naturalidad, en la narrativa, llevándonos en volandas de una secuencia a otra, actuando como esa refrescante brisa (que el ranger Jeff Brides menciona en un momento dado), antes de volver de nuevo a la poderosa tensión que exuda esa huída, aparentemente, hacia ninguna parte. La sentimos, la sufrimos, en una partida en el casino, o al repostar en una triste gasolinera. Todo parece que pueda saltar en mil pedazos en esos desolados escenarios.

Comanchería se suma, con todo merecimiento, a lo mejor de la nueva ola del western renovado, y nos invita a seguir la trayectoria de un director que se ha doctorado con esta obra, conjugando sus evidentes influencias con un estilo muy atractivo. No es extraño que la película esté nominada a tres Globos de Oro -Mejor Drama, mejor Actor de Reparto (Bridges) y mejor Guión-, y veremos lo que dicen los Oscar. Una vez más, os recomiendo que veáis la película en versión original para apreciar con toda claridad los acentos de la América Rural e impregnaros al máximo de esos campos de trigo, los sombreros de cowboy y el olor al T-Bone.

Gracias a estos dos films, ya en la década de los 90 comenzamos a ver el renacer del western, con películas como Wyatt Earp (también de Kevin Costner) o Tombstone (basado en el mismo personaje), pero ha sido ya entrados en este siglo cuando hemos asistido a una especie de nuevo boom del género, que nos ha traído todo tipo de enfoques, desde los más realistas a los más disparatados, remakes de clásicos  (los Los 7 Magníficos es el último ejemplo) o apuestas innovadoras, además con grandes directores detrás de las cámaras, como Quentin Tarantino o los hermanos Coen. Incluso el fenómeno de las series de televisión se ha visto invadido por la fiebre del Salvaje Oeste, y en 2004 nos llegó la magnífica Deadwood. La animación o la ciencia ficción también han ofrecido sus propuestas fronterizas, como ya os comentamos en este reportaje sobre el neowestern.

Pero en esta ocasión vamos a centrarnos en el estilo más convencional. ¿Realmente te gustan las historias de tipos duros y revólveres rápidos? ¿Eres de los que se queda embobado cada vez que ve un pueblo polvoriento o escucha un intercambio de disparos? Pues entonces tienes que ver sin falta estas películas (o aprenderte de memoria este reportaje, para presumir igual). 

Y si quieres saber aún más cosas, no te pierdas nuestra galería, con suculentas anécdotas sobre cada uno de los films.

Aquí van por orden alfabético:

Director: Ed Harris

Actores: Ed Harris, Viggo Mortensen, Renée Zellweger

El gran Ed Harris se pone detrás y delante de la cámara para ofrecernos un western soberbio, con dos invencibles, duros y atractivos representantes de la ley que solo muestran su punto débil cuando aparece una Renée Zellweger -mucho más revoltosa que cuando hace de Bridget Jones- que los descoloca. Ed Harris dirige como actúa, con fuerza y contención, todos los actores cumplen con creces y las escenas de acción resultan muy realistas.

Director: Mateo Gil

Actores: Sam Shepard, Eduardo Noriega, Stephen Rea

El guionista de Alejandro Amenabar también hace sus pinitos como director, y aquí se marcó un western con todas las de la ley con una premisa argumental muy seductora: la historia de Butch Cassidy veinte años después de ser tiroteado, junto a su inseparable Sundance Kid, por el ejército boliviano. A partir de ahí monta una mezcla de roadmovie y enredos siempre muy respetuosa con los códigos del género. Además, se garantiza credibilidad reclutando a uno de los grandes, Sam Shepard. El español Eduardo Noriega cumple haciendo de... español corrupto.

Director: S. Craig Zahler

Actores: Kurt Russell, Patrick Wilson, Mathew Fox

Te crees que estás viendo un western muy bien confeccionado y bastante aparente, y sin darte cuenta te metes de lleno en una película de terror en la que a veces tienes que apartar la vista de la pantalla. Quien se quede impasible ante esta sorprendente propuesta es que no tiene sangre en las venas. Lo mejor de todo es que funciona como un reloj, sin entrar a valorar si la truculencia es excesiva. Kurt Russell no lo pasaba tan mal desde La Cosa.

Director: Tommy Lee Jones

Actores: Tommy Lee Jones, Hilary Swank

Otro actor metido a director -para suerte nuestra, porque se le da de lujo- y que ama el Salvaje Oeste. Aquí se marca un western nada convencional en el que un veterano pistolero debe ayudar a una mujer soltera a trasladar a tres mujeres que han perdido la razón. Hilary Swank, que cuesta entender porque no la ofrecen más papeles como este, está sensacional (aunque no tan fea como pretenden hacer creer en la historia). La película por momentos tiene un ritmo pausado, pero contiene varios golpes de efecto sorprendentes y algunos momentos brillantes.

Director: Quentin Tarantino

Actores: Jamie Foxx, Christophe Waltz, Leonardo DiCaprio 

Tarantino se lanza de cabeza al western, y lo hace suyo. Un alegato antiracista, exageradamente violento, con diálogos interminables y algunas escenas descacharrantes (en especial la del Ku Klux Klan). DiCaprio y Waltz (con los papeles cambiados, malo y bueno) lo bordan, y durante el film Tarantino homenajea tanto a los grandes clásicos como al spaghetti western, pero sobre todo se homenajea a sí mismo. La banda sonora, que hasta incluye un rap, pone la guinda al explosivo cocktail. Si queréis más detalles, está fue nuestra crítica.

Director: Alejandro González Iñárritu

Actores: Leonardo DiCaprio, Tom Hardy, Domhnall Gleeson

Bellísima, cruda, épica, salvaje... La gran triunfadora de los últimos Oscar. Basada en una historia real, de esas que superan a la ficción, el director mexicano nos embarca en un angustioso relato de supervivencia y venganza. DiCaprio se deja la piel, literalmente, interpretando al protagonista (con Oscar por fin para él) y solo un pedazo de actor como Tom Hardy, irreconocible, es capaz de mantenerle el tipo. Mientras, nos quedamos embobados con unos paisajes tan inhóspitos como hermosos. Un clásico desde su estreno. Así lo contamos en nuestra crítica.

Director: James Mangold

Actores: Russell Crowe, Christian Bale, Peter Fonda

Es verdad que es un remake de uno de los westerns más originales (y curiosamente menos populares) de la época clásica (con un Glenn Ford excelso). Pero también es cierto que, para variar, se completó un trabajo más que notable, que además aportó nuevos matices a la historia del primer film. Claro que también ayudó tener como protagonistas a dos de los mejores actores del momento, Russell Crowe y Christian Bale, que encajan como un guante en sus respectivos roles. Los conflictos morales entre el granjero honrado y el pistolero con reparos, mientras el reloj corre contra ambos, están contados con acción, vigor y mucho estilo.

Director: Quentin Tarantino

Actores: Kurt Russell, Samuel L. Jackson, Jennifer  Jason Leigh

Tarantino le ha cogido el gustillo al género, y esta vez, en su octavo film, nos propone una intriga a lo Agatha Christie, pero con todos y cada uno de los elementos habituales del director: humor negrísimo, violencia, diálogos brillantes y absurdos y algunos de sus habituales colaboradores como Samuel L. Jackson o Tim Roth. Aunque el protagonismo se lo lleva Kurt Russell y sobre todo una Jennifer Jason Leigh "asalvajada". La música de Enio Morricone se revela como el perfecto envoltorio. Así os lo contamos.

Director: Seth MacFarlane

Actores: Seth MacFarlane, Charlize Theron, Liam Neesom

Antes de que os lancéis a mi yugular. Vale, no es este un western que compita en calidad (y seriedad) con los que hay en esta lista, pero me pareció oportuno incluirlo como representante de un tipo de cine muy actual que también se ha apuntado a la fiesta. El Oeste a lo Seth MacFarlane, o lo que es lo mismo, una sucesión de chistes (muy) escatológicos, sexuales y racistas -aderezados con anacronismos y muchos cameos, dos de ellos antológicos- dentro de su particular ego-tour en el que hasta se liga a una espléndida Charlize Theron. Ni un solo cliché del Oeste se queda sin parodia o desmitificación, desde los duelos hasta los indios pasando por los paisajes de Monument Valley y la banda sonora. Admito que con algunas coñas me partí la caja. Más detalles en nuestra crítica.

Director: Kevin Costner

Actores: Kevin Costner, Robert Duvall, Annette Bening

El actor-director que más hizo por el western en los 90, sigue enamorado del género, y aquí nos regala una película con tono crepuscular, muy bien rodada, sobre todo en los exteriores y en un tiroteo final de los que hacen época. Costner, que de tonto no tiene un pelo, recluta a dos pesos pesados de la interpretación como Duvall y Bening, para acompañarle. La pena es que la historia que nos cuenta es demasiado previsible y convencional. Pero en conjunto resulta un gran film, muy entretenido.

Director: John Maclean

Actores: Michael Fassbender, Kodi Smit-McPhee, Ben Mendelsohn

Sí, amigos, mi admirado y prolífico Michael Fassbender también le ha dado al western, con lo que ya no debe quedarle casi ningún género por explorar. Aquí se marca un papel ambiguo dentro de una curiosa historia romántica y de iniciación, con un joven en búsqueda de su amada, en la que él interpreta al duro forajido dispuesto a ayudarle... o a acabar con él. En conjunto ofrece un estilo refinado (no en vano es un film inglés) pero cuando llega el momento no se corta a la hora de ofrecer violencia explícita y cierto humor negro. Interesante. 

Director: Kristian Levring

Actores: Mads Mikkelsen, Eva Green, Jeffrey Dean Morgan

A lo mejor me pilló un poco flojo, pero en las primeras escenas de este film se me revolvió el estómago, tal es la crudeza de la situación. Casi apago la TV. Menos mal que no lo hice. Si el anterior era un film inglés, este es danés, y para más inri, su director es uno de los creadores del Dogma. Pues con toda esa mezcla tan raruna, resulta que la película está más que bien. Muy violenta, con un sentido visual muy potente, una historia sencilla pero repleta de matices y un Mads Mikkelsen (mira que me gusta este actor) que borda el clásico papel de vengador. Para colmo sale Eva Green, y haciendo de viuda negra incapaz de hablar (ni falta que le hace para desplegar su enorme carisma y talento). Muy muy recomendable.

Director: Joel Coen, Ethal Coen

Actores: Jeff Bridges, Hailee Steinfeld, Matt Damon

La película que en 1969 le sirvió al gran John Wayne para llevarse su único Oscar, fue la elegida por los hermanos Coen para probar suerte en el western. Y les tocó la lotería. Respetando los cánones más básicos del género y sin apartarse demasiado de la atractiva historia original, los talentosos hermanos ponen toda su sabiduría para redondear una extraordinaria película. Un reparto bien conjuntado y tremendamente carismático, con un inmenso Jeff Bridges al frente (en un momento de su carrera en el que borda papeles sin aparente esfuerzo) hacen el resto. Sobresaliente.

La Gala

Como no podía ser de otra forma, ha estado marcada por la ausencia actores y actrices negros nominados. Chris Rock, que ha hecho un trabajo fantástico, rehizo todo el guión pocos días antes y se marcó unos monólogos donde repartió para todos, empezando por la Academía, a cuyos miembros aconsejó crear categorías para negros -como la de Mejor Amigo Negro-, y acabando con los actores que decidieron no acudir para boicotear el evento: "Entiendo que a su mujer le cabree que Will Smith no esté nominado, pero también es injusto que le pagaran 20 millones por Wild Wild West", soltó en uno de sus chistes. Sus intervenciones tuvieron momentos muy brillantes ("si también nominaran al presentador estaríais viendo a Neil Patrick Harris y no a mí") y otros donde su humor negro dejó a la audiencia muda: "El In Memoriam de este año estará dedicado a los negros que fueron asesinados por la policia mientras iban al cine". El sketch donde aparecían mediante efectos especiales (muy buenos por cierto) actores negros en algunas de las películas nominadas, con el mismo sentido reivindicativo/paródico, fue sencillamente magistral.

Ciertamente Chris Rock logró el punto tan complicado de convertir la polémica del año en el tema principal pero al mismo tiempo relativizarla y reirse de ello: "No se trata de boicotear nada, sino de que todos tengamos las mismas oportunidades". Llevando aún más lejos ese reclamo, durante la gala incluso cuestionó que haya categoría másculina y femenina en las interpretaciones: "!Esto no es atletismo, se trata de actuar!" afirmó.

Además del buen trabajo de Chris Rock, la gala tuvo mucho mejor ritmo que en anteriores ediciones con una novedad muy acertada: mostrar en subtítulos las largas listas de los agradecimientos de los premiados, para que en sus discursos se centren en lo ensencial. Un gran momento de la noche llegó en otro asunto espinoso, los abusos sexuales que muchas chicas están sufriendo en las Universidades americanas, denunciado con firmeza en primer lugar por el vicepresidente de Estados Unidos, Joe Biden (muy aplaudido) y después con una desgarradora interpretación de la canción nominada Til it Happens to You por parte de Lady Gaga.

Tampoco me quiero olvidar de la flamante aparición de C3PO, R2D2 y BB8, con felicitación al gran John Williams incluida

Mejor Película

Parecía que todo se iba a decidir entre El Renacido y Mad Max, con más opciones para la primera, que ya había premiado a DiCaprio e Iñárritu, y de repente se coló Spotlight, que después de lograr el premio al mejor Guión Original se había quedado a verlas venir en el resto de sus nominaciones. Aunque sigo considerando El Renacido la película que más me ha gustado de entre las nominadas, nada que objetar a un trabajo espléndido en la mejor tradición de las películas de investigación periodística (Todos los Hombres del Presidente, El Informe Pelícano) muy bien dirigida, escrita e interpretada. Y sorpresa también por premiar un film con una temática tan delicada, donde se critica sin paños calientes a una institución como la Iglesia Católica.

Respecto a las otras dos categorías que premian a las mejores películas, nada que hiciera saltar las quinielas: Del Revés se quedó con el de mejor Película de Animación, y la tremenda El Hijo de Saúl se llevó el Oscar para Hungría como Mejor Película de Habla no Inglesa. Dos extraordinarios films que quizá eclipsaron a otros no menos atractivos como la sorpredente (como es habitual si está Charlie Kaufman de por medio) Anomalisa (en animación) o la francesa Mustang.

Director

Iñarritu coloca su nombre junto al de dos grandes como John Ford y Joseph L. Manckiewicz como el tercer director que logra el Oscar dos años seguidos... curiosamente, ninguno de los tres logró que en los dos años también se premiaran sus películas (solo lograron el doblete en una ocasión). El Tour de Force del director mexicano para sacar adelante El Renacido, con rodajes infernales en Canadá y la Patagonia, junto a un estilo inconfundible con algunas secuencias prodigiosas ha podido con los buenos trabajos de sus rivales, en especial el de George Miller, que durante algunos momentos pareció que podía arrebatárselo.

Actores

Leo ya lo tiene, y puede descansar tranquilo, tras haber optado en 4 ocasiones anteriormente, y se ha quedado a gusto con un discurso que seguro tenía preparado desde hace años, en el que no faltó su denuncia sobre el cambio climático (asunto en el que el actor está muy involucrado). Tampoco hubo sorpresa en la interpretación femenina, por el sensacional trabajo de Brie Larson (que estuvo un mes aislada de verdad para interiorizar el papel), a la postre el único Oscar de una película nada fácil de ver como La Habitación.

Más chicha hubo en las interpretaciones de reparto. En el caso de Alicia Vikander no porque no lo merezca, sino porque cualquiera que haya visto la película La Chica Danesa se daría cuenta que es tan protagonista como Eddie Redmayne. Y en la categoría masculina, para mi gusto la de mayor nivel de todas, como comentamos en nuestra tertulia, llegó el momento agridulce de la noche: Sylvester Stallone se quedó sin su Oscar por Creed (o como diría Chris Rock, el "Rocky Negro", que según él debería optar a la película de Ciencia Ficción por "equiparar a atletas negros con blancos"), y ni siquiera sus kilos de botox pudieron ocultar su tremenda decepción. Un Oscar que fue a parar al magnífico trabajo de Mark Rylance en El Puente de los Espías. Sigo pensando que el niño de La Habitación, Jack Trembley, debería haber estado incluido, aunque me cuesta decidir a quién de los otros cinco nominados hubiera sacado de la lista. Insisto, la categoría de interpretación con más nivel en años. 

Guiones

Merecidísmos los premios a Spotlight como Guión Original, la gran baza de la película junto con las interpretaciones, y a La Gran Apuesta como Guión Adaptado, aunque en el caso de esta última por momentos resulta incomprensible ante tanto tecnicismo económico y financiero, por más que el guión incluya momentos muy didácticos en los que personajes famosos nos explican algunos de los términos o situaciones de la crisis. 

Premios técnicos

Al final la previsible pugna entre El Renacido y Mad Max tuvo un contundente ganador. La potente película de George Miller ha arrasado con 6 premios (Montaje, Sonido, Edición de Sonido, Vestuario, Maquillaje y Edición), de manera que los Académicos se han decantado por el trabajo global de un puñado de artistas que son en una gran parte culpables de la calidad y el éxito de este renacimiento del Loco Max. Solo la maravillosa fotografía del "chivo" Emmanuel Lubezki, uno de los Oscars más cantados, logró el gol del honor para El Renacido, además de hacer historia en los premios: Lubezki consigue su tercer Oscar consecutivo (tras Gravity y Birdman), algo inédito en cualquier categoría hasta el momento. 

En cuanto a los Efectos Especiales, al final el exquisito y original trabajo de la interesantísima Ex-Machina se ha impuesto a la que para mí es una de las secuencias más impresionantes realizadas con efectos especiales que recuerdo haber visto en una pantalla: el famoso ataque del oso en El Renacido. Es cierto que se trata de una sola escena contra un película entera plagada de (muy buenos) efectos visuales pero, amigos, qué escena...

Star Wars El Despertar de la Fuerza, como era de esperar, se queda en blanco, aunque entre sus nominaciones y la aparición de los robots al menos tuvo una notable presencia en la Gala.

Música

Vaya por delante que no entiendo como la partitura de Ryuichi Sakamoto para El Renacido no estaba entre las nominadas a Mejor Banda Sonora. Con todo, muy merecido (por el trabajo en sí y por su impresionante trayectoria) el Oscar a ese chaval de 87 años llamado Ennio Morricone (a quien por lo que se ve no le ha dado tiempo a aprender inglés, porque leyó su discurso en italiano) por la música machacona y tensa de Los Odiosos Ocho. John Williams (a quien Morricone rindió pleitesía) se quedó sin su 6º Oscar de !50 nominaciones! y tampoco hubo opción para el buen trabajo musical de Sicario, una película que ha sido algo ninguneada en las nominaciones.

Y en la Canción Original saltó la sorpresa. Cuando todos esprabámos el premio para Til it Happens to You, perteneciente al documental The Hunting Ground, y más después de la rabiosa interpreción de Lady Gaga, llega un nuevo Oscar para la franquicia 007 con Writing´s on the Wall de Spectre, un muy buen tema de Sam Smith (que también tuvo su momento reivindicación en el discurso de agradecimiento, esta vez por su condición de homosexual), una canción que cada vez que he ido escuchando me ha ido gustando más (aunque en el directo de la gala desafinó un poco, lo que le ha acarreado muchas críticas). Y reconozco que el tema de 50 Sombras de Grey, Earned It -muy bien interpretado en la gala por The Weekend, por cierto- me gusta mucho.

Con un video en el que se ve todo el revuelo por esta interpretación de la canción de 007 algo desafortunada os dejo. No dejéis de contarnos que os ha parecido la Gala y los premios

La Gala

Como no podía ser de otra forma, ha estado marcada por la ausencia actores y actrices negros nominados. Chris Rock, que ha hecho un trabajo fantástico, rehizo todo el guión pocos días antes y se marcó unos monólogos donde repartió para todos, empezando por la Academía, a cuyos miembros aconsejó crear categorías para negros -como la de Mejor Amigo Negro-, y acabando con los actores que decidieron no acudir para boicotear el evento: "Entiendo que a su mujer le cabree que Will Smith no esté nominado, pero también es injusto que le pagaran 20 millones por Wild Wild West", soltó en uno de sus chistes. Sus intervenciones tuvieron momentos muy brillantes ("si también nominaran al presentador estaríais viendo a Neil Patrick Harris y no a mí") y otros donde su humor negro dejó a la audiencia muda: "El In Memoriam de este año estará dedicado a los negros asesinados por la policia". El sketch donde aperecían actores negros en algunas de las películas nominadas, con el mismo sentido reivindicativo/paródico, fue sencillamente magistral.

Ciertamente Chris Rock logró el punto tan complicado de convertir la polémica del año en el tema principal pero al mismo tiempo relativizarlo y reirse de ello: "No se trata de boicotear nada, sino de que todos tengamos las mismas oportunidades". Llevando a un más lejos ese reclamo, durante la gala incluso cuestionó que haya categoría másculina y femenina en las interpretcaciones: "!Esto no es atletismo, se trata de actuar!" afirmó.

Además del buen trabajo de Chris Rock, la gala tuvo mucho mejor ritmo que en anteriores ediciones con una novedad muy acertada: la idea de mostrar en subtítulos las largas listas de los agradecimientos de los premiados, para que en sus discursos se centren en lo ensencial. Un gran momento de la noche llegó en otro asunto espinoso, los abusos sexuales que muchas chicas están sufriendo en las Universidades americanas, denunciado con firmeza en primer lugar por el vicepresidente de Estados Unidos, Joe Biden (muy aplaudido) y después con una desgarradora interpretación de la canción nominada Til it Happens to You por parte de Lady Gaga.

Tampoco me quiero olvidar de la aparición de C3PO, R2D2 y BB8, con felicitación al gran John Williams incluida

Mejor Película

Parecía que todo se iba a decidir entre El Renacido y Mad Max, con más opciones para la primera que ya había premiado a DiCaprio e Iñárritú, y de repente se coló Spotlight, que después de lograr el premio al mejor Guión Original se había quedado a verlas venir en el resto de sus nominaciones. Aunque sigo considerando El Renacido la película que más me ha gustado de entre las nominadas, nada que objetar a un trabajo espléndido en la mejor tradición de las películas de investigación peridística (Todos los Hombres del Presidente, El Informe Pelícano) muy bien dirigida, escrita e interpretada. Y sorpresa también por premiar un film con una temática tan delicada donde se critica sin paños calientes a una institución como la Iglesia Católica.

Respecto a las otras dos categorías que premian las películas, nada que hiciera saltar las quinielas: Del Revés se quedó con el de mejor Película de Animación, y la tremenda El Hijo de Saúl se llevó el Oscar para Hungría como Mejor Película de Habla no Inglesa. Dos extraordinarios films que quizá eclipsaron a otros no menos atractivos como la sorpredente (como es habitual si está Charlie Kaufman de por medio) Anomalisa (en animación) o la francesa Mustang.

Director

Iñarritu coloca su nombre junto al de John Ford y Joseph L. Manckiewicz como el tercer director que logra el Oscar dos años seguidos... curiosamente, ninguno de los tres logró que en los dos años también se premiaran sus películas (solo lograron el doblete en una ocasión). El Tour de Force del director mexicano para sacar adelante El Renacido, con rodajes infernales en Canadá y la Pataginia, junto a un estilo inconfundible con algunas secuendias prodigiosas ha podido con los buenos trabajos de sus rivales, en especial el de George Miller que durante algunos momentos pareció que podía arrebatárselo.

Actores

Leo ya lo tiene, y puede descansar tranquilo, tras haber optado en 4 ocasiones anteriormente, y se ha quedado a gusto con un discurso que seguro tenía preparado desde hace años, en el que no faltó su denuncia sobre el cambio climático (asunto en el que el actor está muy involucrado). Tampoco hubo sorpresa en la interpretación femenina, por el sensacional trabajo de Brie Larson (que estuvo un mes aislada de verdad para interiorizar el papel), a la postre el único Oscar de una película nada fácil de ver como La Habitación.

Más chicha hubo en las interpretaciones de reparto. En el caso de Alicia Vikander no porque no lo merezca, sino porque cualquiera que haya visto la película La Chica Danesa se daría cuenta que es tan protagonista como Eddie Redmayne. Y en la categoría masculina, para mi gusto la de mayor nivel de todas, como comentamos en nuestra tertulia, llegó el momento agridulce de la noche: Sylvester Stallone se quedó sin su Oscar por Creed (o como diría Chris Rock, el "Rocky Negro", que según él debería optar a la película de Ciencia Ficción por "equiparar a atletas negros con blancos"), y ni siquiera sus kilos de botox pudieron ocultar su tremenda decepción. Un Oscar que fue a parar al magnífico trabajo de Mark Rylance en El Puente de los Espías. Sigo pensando que el que niño de La Habitación, Jack Trembley, debería haber estado incluido, aunque me cuesta decidir a quién de los otros cinco nominados hubiera excluido. Insisto, la categoría de interpretación con más nivel en años. 

Guiones

Merecidísmos los premios a Spotlight como Guión Original, la gran baza de la película junto con las interpretaciones, y a La Gran Apuesta como Guión Adaptado, aunque en el caso de esta última inisito en que por momentos resulta incomprensible ante tanto tecnicismo económico, por más que el guión incluya momentos muy didácticos en el que personajes famosos nos explican algunos de los términos o situaciones. 

Premios técnicos

Al final la previsible pugna entre El Renacido y Mad Max tuvo un contundente ganador. La potente película de George Miller ha arrasado con 6 premios (Montaje, Sonido, Edición de Sonido, Vestuario, Maquillaje y Edición), de manera que los Académicos se han decantado por el trabajo global de un puñado de artistas que son en una gran parte culpables de la calidad y el éxito de este renacimiento del Loco Max. Solo la maravillosa fotografía del "chivo" Emmanuel Lubezki, uno de los Oscars más cantados, logró el gol del honor para El Renacido, además de hacer historia en los premios: Lubezki consigue su tercer Oscar consecutivo (tras Gravity y Birdman), algo inédito en cualquier categoría hasta el momento. 

En cuanto a los Efectos Especiales, al final el exquisito trabajo de la intersesantísima Ex-Machina se ha impuesto a la que para mí es una de las secuencias más impresionantes realizadas con efectos especiales que recuerdo haber visto en una pantalla: el famoso ataque del oso en El Renacido. Es cierto que se trata de una sola escena contra un película entera plagada de efectos visuales pero, amigos, qué escena...

En cuanto a Star Wars El Despertar de la Fuerza, como era de esperar, se queda en blanco, aunque entre sus nominaciones y la aparición de los robots al menos tuvo una notable presencia en la Gala.

Música

Vaya por delante que no entiendo como la partitura de Ryuchi Sakamoto para El Renacido no estaba entre las nominadas a Mejor Banda Sonora. Con todo, muy merecido (por el trabajo en sí y por su impresionante trayectoria) el Oscar a ese chaval de 87 años llamado Ennio Morricone (a quien por lo que se ve no le ha dado tiempo a aprender inglés, porque leyó su discurso en italiano) por la música machacona y tensa de Los Odiosos Ocho. John Williams (a quien Morricone rindió pleitesía) se quedó sin su 6º Oscar de !50 nominaciones! y tampoco hubo opción para el buen trabajo de Sicario, una película que ha sido algo ninguneada en las nominaciones.

Y en la Canción Original saltó la sorpresa. Cuando todos esprabámos el premio para Til it Happens to You, y más después de la rabiosa interpreción de Lady Gaga, llega un nuevo Oscar para la franquicia 007 con Writting´s on the Wall para Spectre, un muy buen tema de Sam Smith (que también tuvo su momento reivindicación en el discurso de agradecimiento, esta vez por su condición de homosexual), al que cada vez que he ido escuchando me ha ido gustando más (aunque en el directo de la gala desafinó un poco, lo que le ha acarreado muchas críticas). Y reconozco que la canción de 50 Sombras de Grey, Earned It -muy bien interpretada en la gala por The Weekend, por cierto- me gusta mucho.

Con todo el revuelo por esta interpratción de la canción de 007 algo desafortunada os dejo. No dejéis de contarnos que os ha parecido la Gala y los premios

También es verdad que en las décadas de los 30 y 40 tampoco hubo demasiadas propuestas "oscarizables" dentro del género, aunque films como El Hombre Invisible (1933) o La Amenaza Invisible (1936) sí merecían haber dejado huella, aunque en aquellos años no había tantas categorías técnicas como ahora. Pero es a partir de la Segunda Guerra Mundial, cuando empiezan a surgir obras cada vez más interesantes y más apreciadas por la crítica, donde se comprueba que este tipo de films no encaja del todo con los gustos –académicos- de la época. Magníficas películas como La Invasión de los Ladrones de Cuerpos (1956), La Humanidad en Peligro (1954), Planeta Prohibido (1956) o El Increíble Hombre Menguante (1957) fueron ignoradas (o casi) en sus respectivos años. Tan solo La Guerra de Los Mundos (1953) optó a tres Oscar y se llevó el de los efectos especiales. 

Tendríamos que esperar hasta finales de los 60 para que, además de en las categorías técnicas, empezaran a asomar la cabeza. El Planeta de los Simios optó a dos premios (vestuario y BSO) y se llevó uno honorífico por el maquillaje, El Tiempo en sus Manos (1960) se llevó el de los Efectos Especiales y, sobre todo, 2001 Odisea en el Espacio, considerada por muchos como una de las grandes obras maestras de la historia del cine, tan solo tuvo cuatro nominaciones aunque, esta vez sí, dos de ellas fueron de las importantes: dirección y guión original.

Al convertirse la ciencia ficción en uno de los géneros más prolíficos de los últimos tiempos, con films de incontestable calidad y dirigidos por algunos de los realizadores más prestigiosos, la presencia en las candidaturas ha empezado a normalizarse, e incluso en los últimos años ha habido algunas -como sucede este año con Marte- entre las candidatas a película del año. Lo que no ha impedido que films míticos y ya legendarios como Alien (1979, 1 Oscar, 2 nominaciones) o Blade Runner (1982, 0 de 2) -ambas de Ridley Scott, por cierto, que aunque parezca mentira no tiene aún un Oscar como director, ni tampoco está nominado por Marte- hayan pasado por los premios con más pena que gloria.

Así pues, aquí (en la GALERÍA que veis abajo) os presentamos las 7 películas de ciencia ficción más premiadas en la historia de los Oscar. ¿Os imagináis cuál es la primera? ¿Y las demás? ¿Sí? ¿No? ¿Creéis que Marte o Mad Máx tienen opciones reales de ser la primera película del género en conseguir la más preciada estatuilla? Echad un vistazo a la lista y luego nos contáis aquí abajo. Por cierto, podéis ver las críticas de todas ellas (y de muchas más) en nuestro especial de Cine de Ciencia Ficción.

Y si queréis recordar cuáles han sido las películas más premiadas en la historia de los Oscar, independientemente del género al que pertenezcan, no dejéis de ver este video:

MEJOR PELÍCULA

No ha sido este año una temporada de films realmente brillantes, pero no es menos cierto que ha habido un puñado de películas notables y muy dispares que van desde adaptaciones de clásicos de nuestra literatura en formato videoclip (La Novia) pasando por la difícil etapa de la adolescencia en un barrio obrero (A Cambio de Nada), el día a día de las ONG en un país en conflicto (Un Día Perfecto), la épica historia de dos mujeres que se encuentran en el Polo Norte (Nadie Quiere la Noche) hasta la terrible pero también enriquecedora experiencia enfrentarse a la muerte por culpa de un cáncer (Truman).

Las favoritas:La Novia, una adaptación muy cursi con formato de anuncio de perfumes, es la que acapara el mayor número de candidaturas. Si los académicos deciden apostar por lo menos convencional, arrasará. Si no, Truman, la historia de una amistad puesta a prueba por una enfermedad terminal, será la más que probable alternativa.

Nuestra preferida:Truman es una buena película muy bien interpretada que podría ser reconocida como la película del año. A Cambio de Nada, el debut del actor Daniel Guzmán como director, es un film muy sentido que recuerda mucho a películas como Barrio, y aunque imperfecta, tiene momentos muy conseguidos. Desde luego, La Novia, más allá de su atrevido y a veces conseguido formato y algunas buenas interpretaciones, me parece una propuesta pretenciosa y algo empalagosa.

MEJOR DIRECTOR

Como suele suceder con este premio, todo dependerá de por cuál de las dos películas favoritas se decanten los académicos. Es cierto que la dirección de Paula Ortiz en La Novia destaca por su atrevimiento frente a los trabajos más clásicos de los otros tres candidatos. Y hay que tener en cuenta que el director de una de las pelìculas candidatas no está en esta categoría (Daniel Guzmán esta nominado como Director Novel y es favorito).

Los favoritos: Será un duelo entre Paula Ortiz y Cesc Gay. Los otros dos nominados ya cuentan con estatuillas en su currículum y no presentan sus mejores trabajos.

Nuestro preferido: Personalmente me quedo con Cesc Gay, aunque sea por la buena dirección de actores y su narración ligera y sutil.

MEJOR ACTOR

En esta categoría hay mucho nivel, y nos encontramos con clásicos como Luis Tosar y Ricardo Darín junto a actores menos conocidos como Pedro Casablanc o Asier Etxeandía, en unos roles de lo más dispares: un enfermo de cáncer (Darín), un banquero amenazado por un psicópata (Tosar), un novio enamorado de la chica equivocada (Etxeandía) y un personaje clave en esta época de corrupción política (Casablanc).

Los favoritos: Parece que Ricardo Darín (que vuelve a hacer de Ricardo Darín) está en todas las quinielas, puesto que lleva tres nominaciones (la última por Relatos Salvajes) y aún no ha logrado ninguna estatuilla, mientras que Tosar, qué está perfecto como siempre, (y de hecho podría haber sido nominado por sus otros trabajos en las otras películas en las que aparece) ya tiene unos cuantos Goya.

Nuestro preferido: Además de que todo el mundo debería ver "B, la película" para entender aún mejor los oscuros trapicheos de los partidos políticos, el trabajo de Pedro Casablanc como Luis Bárcenas es impresionante. No es que lo interprete, es que es él. En una representación casi documental del juicio, le dota de tal credibilidad a su personaje que parece que estemos viendo el juicio real.

MEJOR ACTRIZ

Muy buen nivel también en las chicas, y de nuevo contamos con una habitual de las nominaciones como Penélope Cruz (lo mejor de la sonrojante por momentos Ma Ma), la excelente Juliet Binoche (que está muy bien pero parece que su presencia se debe más al afán de internacionalizar las candidaturas) y dos de las jóvenes actrices del momento: Inma Cuesta y Natalia de Molina

Las favoritas: Si a La Novia le empiezan a caer los Goya, Inma Cuesta no tendrá rival con su, todo hay que decirlo, apasionada interpretación de la enamorada protagonista de la versión de Bodas de Sangre. Además lleva detrás de ganar este premio unos años, y con Tres Bodas de Más sequedó cerca. Si no, cualquiera de las otras tres tienen opciones.

Nuestra preferida: Natalia de Molina ya demostró en Vivir es Fácil con los Ojos Cerrados que tiene un talento tremendo, y en una de las peliculas que aborda la crisis, en este caso centrada en el problema de los desahucios, vuelve a dejar claro que sus recursos y su energía son ilimitados.

MEJOR ACTOR/ACTRIZ DE REPARTO

Variedad y calidad en estas candidaturas, con el toque internacional de tener al gran Tim Robbins entre los nominados por un papel que parece desempeñar sin esfuerzo, junto con un repertorio de actores y actrices con importantes currículums a sus espaldas. En la categoría femenina, se da la circunstancia de que hay dos actrices nominadas en la misma película, Felices 140, la historia de una mujer (Maribel Verdú) que reune a sus amigos para contarles que le ha tocado la lotería.

Los favoritos: Tim Robbins, por aquello de premiar a un actor de renombre en Hollywood, parte con más probabilidades, aunque su papel en Un Día Perfecto no esté entre sus mejores trabajos. En el lado femenino, Luisa Gavasa está en todas las quinielas por bordar su intenso rol de la madre del novio en La Novia. Marian Alvarez podría optar por su buen trabajo en Felices 140, pero tiene un Goya reciente a Mejor Actriz por La Herida y eso puede restarle opciones.

Nuestros preferidos: Si no fuera para Luisa Gavasa, nos quedamos con el corto pero muy creíble papel de artificiera de la policía de Elvira Mínguez en El Desconocido. Y en los chicos nos parecería tan justo que se lo dieran a Robbins, como a Felipe García por su entrañable papel de sinvergüenza de medio pelo en A Cambio de Nada.

MEJOR ACTOR/ACTRIZ REVELACIÓN

Lo más sorprendente en esta categoría vuelve a ser, como ha sucedido en anteriores ediciones, ver a Antonia Guzmán, la abuela de Daniel Gúzman, y al veternano director de cine Fernando Colomo entre los nominados. Vamos, que no son precisamente unos chavales, que es lo que está en mente de todos en esta categoría. En el caso de Colomo, además, junto a sus películas como director también tiene un buen repertorio como actor (nada menos que 34 films), con lo que no se entiende muy bien qué pinta aquí, por muy digno que sea su papel en Isla Bonita.

Los favoritos: La extraña y conmovedora pareja que hacen Antonia Guzmán y Miguel Herranz en A Cambio de Nada parten como candidatos claros.

Nuestros preferidos: Coincidimos totalmente. Miguel Herranz sorprende con un papel muy difícil en el que causa tanta antipatía como lástima, y Antonia Guzmán tiene una fuerza que eleva el nivel del film con su presencia.

OTRAS CATEGORÍAS

Además de algún premio tan cantado como el Goya Honorífico a Mariano Ozores, como es el caso de la taquillera Atrapa la bandera en la categoría de Película Animada, nos gustaría que la divertida Anacleto, Agente Secreto se llevara alguno de los premios técnicos a los que está nominada. Los guiones de La Novia y Truman tienen todas las papeletas para sus respectivas categorías (Adaptado y Original). Mientras, en los Oscars más artísticos (Fotografía, Dirección Artística, Música) va a ser muy difícil que alguien le tosa a La Novia.

Pues ya tenéis material suficiente para poder seguir la gala sin que las candidaturas os suenen a chino. ¡Que empiece el espectáculo!

7. Titanic  (1997)

Vale, sí, Titanic no puede desprenderse de su tono acaramelado impulsado por la ñoña canción de Celine Dion, pero la película es muy entretenida y es imposible resistirse al contagioso entusiasmo y la arrebatadora juventud de Leonardo DiCaprio en esta película -por más que el reniegue de este trabajo-, en la que además hace muy buena pareja con una excelente actriz como Kate Winslet (con quien más adelante repetiría en la teatral Revolutionary Road)... aunque ahora ella reconozca que había sitio en la tabla para salvar a su amado (¡a buenas horas!). No se puede considerar su mejor trabajo, pero fue sin duda el que le lanzó al estrellato en una película que ya es historia y que supuso la primera que ganó el Oscar absoluto con él como protagonista. 

6. El Aviador  (2004)

Uno de los trabajos mejor valorados de DiCaprio, que le valió uno de sus tres Globos de Oro y nominación al Oscar. Meterse en la piel del excéntrico, megalómano y complejo Howard Hughes no era tarea fácil, pero Leonardo interiorizó con convicción sus trastornos obsesivos compulsivos y sus paranoias, muy bien dirigido por su amigo y ya colaborador habitual Martin Scorsese y perfectamente acompañado por una soberbia Cate Blanchet haciendo de Katherine Hepburn (que sí la valió el Oscar). Este ha sido uno de los casos en los que su aspecto juvenil impidió dotar de mayor credibilidad a un gran trabajo.

5. ¿A quien ama Gilbert Grape?  (1993)

Cuando DiCaprio apenas era conocido, sorprendió con este lucido papel que le sirvió para llamar la atención de la prensa y los espectadores en todo el mundo interpretando a un discapacitado mental. Muy bien acompañado por Johnny Depp, DiCaprio logró aportar una impactante credibilidad a su personaje sin necesidad de una interpretación demasiado histriónica o exagerada, algo admirable dada su juventud y escasa experiencia en el cine. Lasse Hallström, el director del fim, declaró que le eligió entre multitud de aspirantes porque le pareció "el más observador de todos".

4. Infiltrados  (2006)

En otra de sus múltiples colaboraciones con Scorsese, DiCaprio se mete en el complicado papel de un policía infiltrado, y se la tiene que colar nada menos que a un Jack Nicholson algo desatado pero que acojona. Este intenso thriller (algo fallido en su última hora en mi opinión) destaca especialmente por su nivel interpretativo, donde a estos dos actores se suma un siempre eficaz Matt Damon y un buen puñado de secuandarios. El actor hace un gran trabajo en un papel nada sencillo, y resulta de lo más convincente en las escenas más tensas... como este brutal interrogatorio.

3. Diamantes de Sangre  (2006)

En este entretenido drama-aventura, Leonardo DiCaprio interpreta al contrabandista de diamantes Danny Archer en pleno conflicto de Sierra Leona. Además de ser un papel muy físico y más complejo de lo que aparenta –su personaje se mueve en códigos morales confusos-, consiguó imitar con bastante fidelidad (según los expertos) el extraño acento afrikáner. Nueva nominación al Oscar. 

2. El Lobo de Wall Street  (2013)

De nuevo dirigido por Scorsese, y ya en plena madurez interpretativa, DiCaprio da un recital de verborrea, hiperactividad, cinismo y descontrol interpretando al ambicioso e inmoral Jordan Belfort, el "lobo de Wall Street". Aunque de nuevo le tocó retarse en una escena con otro actor en estado de gracia (impagable Matthew McConaughey) que le robó no pocos elogios, DiCaprio es el dueño y señor de un excelente film, y la ocasión en la que más cerca ha estado de llevarse la ansiada estatuilla… hasta este año.

1. El Renacido  (2015)

La apasionante e intensa película de Iñárritu no habría alcanzado tal grado de excelencia de no ser por la interpretación visceral y descarnada de un Leo más entregado a su papel que nunca, hasta el punto de que cuesta creer que no sufriera buena parte del calvario de su personaje durante el rodaje. Si en El Lobo era todo charlatanería, aquí logra enmudecernos sin apenas diálogos, con un trabajo físico y emocional conmovedor. Y, por fin, es esta vez su compañero, Tom Hardy, el que se ve obligado a dar el máximo para mantener el tipo ante el brutal trabajo del protagonista. Si esta vez no le dan el Oscar, habrá motín…

Hasta aquí el Top de las mejores interpretaciones de Leonardo DiCaprio. Seguro que muchos tenéis en mente otros grandes trabajos como Red de Mentiras, Vida de este chico, Shutter Island, Origen o, cómo no, su inolvidable y aterradora aportación en Django Desencadenado. Y para vosotros, ¿cuál ha sido el mejor papel de Leo?

Ya, diréis muchos. “Pero el que paga soy yo”.  Es cierto. Quizá sería más correcto decir que cada uno está dispuesto (o no) a pagar el precio que considera apropiado según el valor que le da al producto (o servicio) en cuestión.

Os cuento esto porque como habéis visto, Hobby Consolas y Playmanía han incrementado su precio en 50 céntimos, igualándose con nuestra otra revista mensual de videojuegos, la Revista Oficial Nintendo, que ya lo hizo hace unos años.

Si lo hemos hecho, lógicamente, es porque consideramos que el valor de nuestras revistas lo merece y, desde luego, confiamos en que los que nos compráis habitualmente penséis igual. Pero no ha sido una decisión fácil, os lo aseguro.

Los más veteranos, y si no para eso estoy yo que os gano a todos (bueno, a la mayoría), recordaréis que el precio de ambas revistas apenas se ha tocado ¡¡desde más allá del siglo pasado!! Sí, como lo oís. La última subida seria de Hobby Consolas (sin contar los aumentos de precio puntuales cuando incluíamos videos VHS de Dragon Ball o Tekken) se produjo en 1998, cuando la revista paso de costar 395… ¡pesetas! a 450 (lo que hoy en día sería el pastón de… 30 céntimos más) Con la llegada del euro, la revista siguió costando lo mismo (2,70€ en su equivalencia), y tras la desaparición de la peseta se quedó en 2,75€. Ya entre 2003 y 2004 se hicieron dos ligeros redondeos que llevaron el precio primero hasta 2,95 y finalmente hasta los 2,99€ que han permanecido hasta 2015. En otras palabras, ¡un incremento de 60 céntimos en casi 20 años! Estaréis conmigo en que la inmensa mayoría de los productos no han tenido una evolución tan comedida...

Revista Hobby Consolas del año 1995 a 395 pesetas (2,40€ al cambio)

Es cierto, como en bastantes ocasiones nos habéis señalado muchos, que las revistas no tienen tanta paginación como antes. No lo niego, pero hay un matiz muy importante: por desgracia para nosotros, las abundantes páginas de publicidad de antaño se han reducido drásticamente, con lo que si hablamos solo de contenido puro y duro apenas ha variado. No es coña. He cogido el número de Diciembre del año 2000 de Hobby Consolas y lo he comparado con el número que acabamos de lanzar este Diciembre de 2016: en el de entonces ofrecimos 109 páginas de contenido y en este último… 108.

Con todos estos elementos, cualquier economista nos diría que estábamos en nuestro perfecto derecho de subir el precio de las dos revistas, sobre todo teniendo en cuenta que mientras tanto los costes de producción (papel, impresión, etc), de estructura (alquiler de oficina, etc) y los salarios se han incrementado. Y sin embargo, nos ha costado un mundo tomar la decisión. No sé, supongo que es como si le estás alquilando un piso a un buen amigo y te ves obligado a subirle la renta. Porque, y no es ningún peloteo a estas alturas, para nosotros no sois simples lectores, sois parte de la familia, como así lo sentimos y nos lo hacéis ver cuando nos encontramos en la Madrid Games Week por ejemplo. Tal es así, que yo personalmente estuve comentado esta cuestión con varios de vosotros en esa feria, preguntándoos qué os parecía que subiéramos el precio, y desde aquí os agradezco de corazón vuestra franqueza y comprensión. Igualmente, hemos realizado una macro encuesta (con más de 8.000 respuestas) en la que habéis expresado con total claridad qué os gusta y qué no, que incluiríais y quitaríais y, por supuesto, qué os parecería un ligero aumento de precio. Sinceramente, nos ayudó mucho a tomar la decisión.

Revista Hobby Consolas del año 2000 a 450 pesetas (2,70€ al cambio)

Y tras profundas y largas reflexiones llegamos a esta conclusión: de acuerdo, subiremos ligeramente el precio de las dos revistas, pero a cambio vamos a ofrecerles unos productos aún mejores, que compensen más que de sobra este incremento. En el caso de Playmanía, la revista tendrá nada menos que 16 páginas más, e incluirá un suplemento-guía todos los meses.

Y para Hobby Consolas, dado que es el año más especial en su larga historia (25 años y 300 números en el mismo año no es algo que suceda habitualmente) hemos tirado la casa por la ventana: 16 páginas más, un Suplemento Coleccionable de 32 páginas a tamaño revista con la historia de Hobby Consolas que se extenderá durante los 12 meses y póster de regalo (además de otras sorpresas que puedan llegar debido a los aniversarios). Todo ello, además, con un nuevo y atractivo diseño, nuevas secciones y un contenido actualizado y adaptado a los nuevos tiempos, todo siguiendo al pie de la letra vuestras propuestas y sugerencias tanto en persona como a través de las encuestas. En fin, una revista a medida. Y todo por 50 céntimos más de lo que estabais pagando hasta ahora. 6 (míseros) euros más al año si os compráis todos los números. Un aumento que, como siempre, tenéis la posibilidad de ahorraros si os suscribís a la publicación (además de llevaros un regalo), claro está.

Desde luego, nuestro deseo es que este ligero incremento en el precio no impida que todos los que compráis habitualmente una de las dos revistas (o las dos) lo sigáis haciéndolo. Y, por supuesto, os invito a los que lo hacéis de vez en cuando o dejasteis de hacerlo, que os animéis de nuevo. Estoy seguro que esos 3,50€ van a ser una excelente inversión, pues os van a proporcionar unas horas al mes de diversión, información y participación relacionada con vuestro “hobby” favorito. La ilusión, el talento, el esfuerzo y el excelente trabajo que hacen y siempre han hecho los equipos que se encargan de llenar todas las páginas de nuestras revistas así lo garantizan. Como decía al principio, un valor que, modestia aparte, creemos que supera claramente al precio.

Os invito a que desde ya nos enviéis vuestras sensaciones y comentarios (a través de la web o la revista) y desde luego, estaré deseando encontrarme con vosotros en la próxima feria para volver a charlar de nuevo.

Gracias, de corazón. 

Trío de ases para una película magnífica que ha visto como Mad Max: furia en la carretera le arrebataba los premios en las categorías técnicas. Aquí tenéis lalista completa de los ganadores de esta edición de los Oscar.

TEXTO ORIGINAL: Iñárritu lo ha vuelto a hacer. Tras dejarnos boquiabiertos con la pirueta cinematográfica que supuso Birdman, con El Renacido (The Revenant en original, mucho más apropiado en su significado de “fantasma”) ha firmado una fascinante película que ya es un clásico desde su estreno. Una épica y angustiosa aventura que exuda puro cine.

El esqueleto argumental de El Renacido se puede resumir en una sola frase: una historia de supervivencia y venganza. Solo que es La Historia de Supervivencia y Venganza Más Grande Jamás Contada. O por ser más preciso (y menos grandilocuente), una historia de supervivencia y venganza narrada, interpretada y filmada de forma sublime. Y que al final, por supuesto, encierra infinidad de aristas, porque, ¿qué es la historia del ser humano sino su historia por sobrevivir? De hecho, no es en el guión –aquí casi un elemento funcional y bien supeditado a las imágenes- donde vamos a encontrar las innumerables virtudes de esta magnífica obra, inspirada en la figura real de Hugh Glass, que ya dio pie a una novela y a otro film del año 1971, El Hombre de Una Tierra Salvaje, protagonizado por Richard Harris.

Lo que Iñárritu nos propone es más que una película, es una experiencia sensorial, y en muchos momentos también espiritual, en la que nos congelamos de frío, padecemos un insoportable dolor –físico y emocional-, nos devora el miedo, el hambre nos convierte en salvajes, odiamos. Agradecemos la más mínima ayuda y compasión. Todo ello gracias a un director iluminado por el dios del talento y a un Leonardo DiCaprio descomunal, que nos convencen desde el primer minuto de que todo lo que sucede es real, y de que el rodaje no ha debido ser mucho menos duro que las tremendas visicitudes que padece el protagonista Hugh Glass (un apellido de lo más paradójico, porque el personaje parece hecho de todo menos de cristal). No faltan angustiosos ejemplos de lo mejor y lo peor de la condición humana, las imágenes actúan como un espejo en el que lo más básico de nuestro ser queda reflejado en unas situaciones absolutamente extremas. Tampoco pierde el director la oportunidad de lanzar una carga de profundidad a las devastadores secuelas de la colonización. ¿Quiénes son los verdaderos salvajes?

La primera media hora del film es, sencillamente, el mejor y más impactante arranque que recuerdo. Inquietante, espectacular, brutal. Empezamos asistiendo a un combate rodado de forma magistral e innovadora, donde nos sumergimos en el caos de una pelea de violencia desatada sin necesidad de que nadie nos maree con la cámara o con un montaje esquizofrénico, gracias a una planificación extraordinaria que mediante travellings y en planos larguísimos (marca de la casa) nos va llevando de un lugar a otro como si fuéramos un personaje más en la batalla. Esto es solo el aperitivo. Luego nos espera lo mejor, el acontecimiento que supone el principio del increíble calvario de Glass, filmado otra vez en un solo plano, tras el cuál, pegado a la butaca y agarrado a los apoyabrazos como si me fuera a caer, solo me viene una pregunta a la cabeza (aguantándome las ganas de levantarme y aplaudir): ¿pero cómo han rodado eso?

Y así, a empujones, nos vemos inmersos en el peor de los infiernos, en la muerte en vida, y acompañamos a Glass en una imposible lucha por sobrevivir. Y a la vez, quedamos extasiados con los impresionantes parajes que miran impasibles esa eterna y antropológica ansia por alejar el fin, y casi nos parece obsceno admirar la inmensa belleza de unos lugares únicos y majestuosos inundados de infinidad de colores (todo se filmó con luz natural, la fotografía es prodigiosa) mientras un hombre se degrada hasta convertirse en una bestia de tenacidad ilimitada para no morir, usando el odio como resorte. El resultado es una contradictoria y apasionante poesía de hermosura, violencia y horror.

Todo desprende un realismo y una crudeza no apta para estómagos sensibles. La película es agresiva y salvaje hasta coquetear con el gore. Avisados quedáis. Las técnicas de supervivencia de Hugh Glass hacen parecer a Rambo un dominguero. Solo las alucinaciones de Glass nos rescatan por momentos del angustioso sufrimiento. Y, desde luego, DiCaprio lo da todo, se mete en la piel de Glass (literalmente, cinco horas de maquillaje al día) y rezuma veracidad por todos sus poros, logrando una interpretación desgarradora, conmovedora, feroz, con la traba de que sus líneas de diálogo son contadas, es todo pura expresión corporal, un trabajo acuñado desde las entrañas. Y cuidado, porque su Némesis en el film, un irreconocible e inmenso Tom Hardy (convertido ya en uno de los mejores actores actuales y sin duda en el más camaleónico y versátil con diferencia, Mad Max es un buen ejemplo) reclama su gloria con un trabajo visceral y tremendamente preciso a la hora de retratar, de una forma bien distinta a la de DiCaprio, el instinto de supervivencia. 

Una vez más, os invito a que veáis la película en versión original para apreciar los matices en los acentos y las tonalidades originales de voces (en el caso de DiCaprio más bien los gritos y quejidos). Y aunque no lo hagáis, al menos buscad una sala con el mejor equipo de sonido y la pantalla gigantesca. No es casualidad que El Renacido también esté nominada a un buen puñado de Oscar técnicos. Además de la mencionada fotografía, el apartado sonoro es excepcional, donde cada disparo, aullido, crujido, ventisca nos sumerge en esta asombrosa odisea, e incluye la excelente partitura de Ryüchi Sakamoto (cómo me gusta este compositor), lo mejor que ha hecho desde El Último Emperador, que acompaña esta travesía de forma sutil y perfectamente adecuada para cada instante gracias a una variedad de sonidos y melodías exquisita. Sin olvidarnos de los efectos especiales. ¿Efectos especiales en un western? Y de qué nivel. No en vano la Industrial Light & Magic, entre otras, es quien los firma. Y lo hace sin que se note, recreando algunas secuencias con maestría y asombroso realismo

Corred a ver El Renacido en cuanto la estrenen. Y no os informéis más de lo necesario (yo he tratado de daros los mínimos detalles de la trama). Siento cierta envidia. Aunque no tardaré en verla otra vez, enfrentarse por primera vez al visionado de este film es un placer incomparable para cualquier amante del cine.

No puedo evitar que de repente me venga una analogía con las imágenes que hemos visto esta semana en el Parlamento español, con gente en vaqueros, luciendo rastas o bufandas de colores. ¿El signo de los nuevos tiempos? Tal vez. Quizá tan solo es que al final es difícil aislar a un Parlamento o a una entrega de premios de lo que sucede en la vida real.

Pero no me desvío ni desvarío. Vuelvo a los Oscars. No es que me haya pillado de sorpresa, porque ya en los Globos de OroMad Max obtuvo un par de nominaciones, pero que en los premios más importantes del cine a nivel mundial haya conseguido esa imponente cantidad de nominaciones colocándose como la segunda película con un mayor número de potenciales estatuillas, sí ha sido una sorpresa.

Mad Max Furia en la Carretera se aleja bastante de lo que habitualmente suelen premiar los académicos de Hollywood. Es una película de acción, mucha acción, que no da un respiro y te deja clavado en la butaca durante dos horas. No ofrece diálogos memorables (ahora que lo pienso, casi no tiene) ni busca trascender ni reivindicar un hecho histórico, a pesar de su (algo extravagante) alegato feminista que seguro ha contado a la hora de las nominaciones. Digamos que es una película muy entretenida y muy bien hecha. Que no es poco, todo sea dicho. Y me parece muy bien que eso se valore en su justa medida. No soy ingenuo, y doy por hecho que de todas esas nominaciones se quedara con algún premio técnico como mucho, y su aspiración a Mejor Película es poco menos que utópica. Pero ahí queda eso, que podría decir George Miller. Y ojalá que esto sirva para que veamos muchas más películas de acción de calidad. Porque mira que me molesta que en muchas ocasiones se confunda comercialidad con tratar a los espectadores como estúpidos. Y eso no está bien. No señor.

En cuanto al resto de nominaciones, varios apuntes. Muy personales, claro, como el resto del texto, que por algo es un blog. Mi blog.

Lo de Iñárritu tiene un mérito tremendo. Otra muestra del cambio, porque si gana será el primer mexicano que repite premio (me imagino la cara de Donald Trump). Estoy deseando ver su película, El Renacido, y antes de hacerlo, ya me postulo para que, de una vez por todas, le den el Oscar a Leonardo Di Caprio. Se lo ha merecido en muchas ocasiones, la última con su sensacional interpretación en El Lobo de Wall Street, y ya va siendo hora de reconocer el talento de este extraordinario actor.

No entiendo esa historia de amor de la academia con Jennifer Lawrence.  Vale, es una buena actriz, pero tres Globos de Oro, cuatro nominaciones a los Oscars (una de ellas con premio) en tan solo cinco años me parece excesivo. Se me vienen a la cabeza un puñado de actrices que mereciéndolo más han recibido mucho menos. Además no me terminan de gustar las películas de David O. Russell. Sinceramente, no les veo la gracia.

Star Wars El Despertar de la Fuerza se lleva cinco nominaciones, todas ellas técnicas. No creo que diera para más, la verdad, y admito que la película me gustó. Allá por 1977, Star Wars A New Hope se llevó 7 estatuillas de 10 nominaciones… alguien malpensado podría decir que en eso no la ha podido imitar…

Curioso el caso de Marte. Premiada como Mejor Comedia (ni el propio Ridley Scott lo entendía muy bien) en los Globos de Oro, y ahora con varias nominaciones... excepto la del director, a quien la Academia de Hollywood parece tenerle cierta tirria: aunque no os lo creáis, el creador de Alien, Blade Runner, Gladiator o American Gangster no tiene ninguno como director.

Me gusta que hayan reconocido el inquietante e inteligente guión de Ex-Machina. Por otro lado, Del Revés parece más que cantado que le dará el enésimo premio a la factoria Pixar. Creo que la Academia debería pensar en hacer dos categorías, una para Pixar y otra para el resto. Igual que la FIFA con Messi y Ronaldo y los demás. 

Y, cómo no, imposible olvidarme del gran y mítico Stallone y su nominación a Mejor Actor de Reparto por Creed. He crecido con sus películas, y la historia de Rocky Balboa forma ya parte de mi vida (hasta el punto de que a veces quiero pensar que es real). No me extraña que el buen hombre dijera en la entrega de los Globos de Oro, cuando recogió su premio, que Rocky se había convertido en su mejor amigo… imaginario (Rambo debe ser el peor). La verdad, ahora mismo es el premio que más ilusión me hace que den. Y si al salir a recogerlo, como en Rocky II, suelta aquello de "¡Adrian, lo he conseguido, lo he conseguido!", se habrá ganado mi respeto para siempre. 

La idea de que un policía se enfrente a un grupo de indeseables, sin apenas ayuda y en clara inferioridad, la habíamos visto con resultados brillantes en Solo ante el Peligro, Río Bravo o Atmósfera Cero entre otras. Que el reto sea aún mayor al incluir un espacio limitado y sin escapatoria, también había sido explorado en aquellos films, aunque hay que reconocer que usar un (por entonces) moderno edificio como prisión fue todo un acierto. Por último, combinar acción y humor con habilidad ya se había probado en fims míticos como Dos Hombres y un Destino o más recientemente en En Busca del Arca Perdida o Límite 48 horas. 

El gran mérito de Jungla de Cristal es haber mezcládo todos esos ingredientes con tanto respeto como oficio y, por supuesto, dar con los actores adecuados para que la película tuviera fuerza y tirón comercial (acordaos de los que interpretaron los fims antes mencionados, John Wayne, Gary Cooper, Sean Connery, Robert Redford, Nick Nolte, Harrison Ford o Eddie Murphy). Después de barajar muchos nombres (Stallone, Mel Gibson, Charles Bronson, Don Johnson o Harrison Ford, como veis el repertorio para este tipo de films en aquella época se repetía una y otra vez) Bruce Willis, un actor de televisión con apenas una película a sus espaldas (Cita a Ciegas) fue elegido para meterse en el papel del duro y cínico policía de Nueva York John McClane. La jugada no pudo ser más ingeniosa: en vez de apostar por un actor de acción que contara chistes se optó por un actor de comedia que pegara tiros y repartiera mamporros.

El resultado fue excelente, Willis se encuentra comodísimo en lo que respecta al humor y, para sopresa de muchos, logró dar una gran credibilidad a las escenas de acción puesto que las hizo muy humanas. No parece un especialista, sino un hombre corriente obligado a disparar y pegarse con tipos peligrosos. Sus peleas con los terroristas son sucias, barriobajeras, vale todo. Es vulnerable y actúa como lo haría alguien desesperado, y eso logra que empaticemos con él desde el primer momento. Además, en uno de los grandes aciertos del guión, solo necesita una breve introducción (su llegada en el avión y el encuentro con su mujer y sus colegas) para trazar con claridad su personalidad: un tipo cínico, duro, profesional y con tendencia a cabrear a todo el mundo, sean amigos o enemigos. El actor, por cierto, demostró con el paso de los años que además de comedia y acción sabía afrontar muchos otros roles, y además con nota. Pero esa ya es otra historia...

Aunque los aciertos de casting no acaban con McClane. Otra gran apuesta que salió redonda fue la del villano. El director, John McTiernan y el productor Joel Silver asistieron a una representación de teatro de Las Amistades Peligrosas, en la que un tal Alan Rickman hacía el goloso papel del Conde de Valmont. Quedaron tan encandilados con su talento, que no dudaron en ofrecerle el papel de Hans Gruber, a pesar de que no tenía ninguna experiencia en el cine. Pues bien, el tío lo bordó. Aún contando con un papel de villano muy malvado con una sola cara (una constante en un guión de buenos y malos), Rickman modeló un personaje refinado y pedante, con mucha clase y ningún escrúpulo, un negrísimo sentido del humor y tremendo carisma.

Si veis la película en versión original, podréis disfrutar de su creíble acento alemán que cambia a americano para protegerse en la recordada escena en la que se encuentra con John McClane. Se incluyó esta escena adrede para explotar las dotes interpretativas de un joven que luego demostró ser un extraodinario actor en otras películas y que además parece pasárselo en grande interpretando el papel (salvo cuando tenía que disparar, que le aterraba). Por último, tampoco hay que olvidarse del buen trabajo de Bonnie Bedelia como la mujer del héroe (elegida personamente por Willis) y, cómo no, del entrañable Sargento Al Powell, en un rol que le proporcionó tal popularidad que acabó teniendo su propia serie de Tv, Cosas de Casa, con un papel muy similar al que le dio fama en esta película. 

Todos estos elementos se reclutaron para adaptar una novela llamada Nothing Lasts Forever, que ya había tenido muchos novios para ser llevada al cine tras su publicación (desde Frank Sinatra hasta Clint Eastwood) y que finalmente acabó en manos del director John McTiernan, que venía de rodar Depredador y demostró manejarse con mucha destreza en las escenas de acción. Fue adaptada en un guión con muchas luces pero también algunas sombras por Steven E. De Souza (especializado en guiones de acción y que luego dirigió Street Fighter: La última batalla) y Jeb Stuart. Sus grandes virtudes, asumiendo que la atractiva idea argumental ya venía de la novela, fue combinar la acción y el humor con tremenda habilidad, logrando un ritmo sensacional (la película dura más de dos horas y se pasan en un suspiro) y creando un puñado de citas (como el "yippee ki yay, motherfucker!") y algunos chistes verdaderamente divertidos (aún recuerdo las carcajadas del público cuando asistí al estreno), que llegan a citar a Rambo, Schwarzenegger o Stevie Wonder (que también tiene una canción en la banda sonora, muy ecléctica, por cierto, y con la 9ª de Beethoven con gran protagonismo).

En el lado negativo del guión de Jungla de Cristal, y esto es algo que canta cada vez más con cada revisión, están las licencias constantes que se toma (determinadas situaciones son totalmente inversosímiles, por no mencionar que a alguien se le ocurra hacer chistes mientras se está jugando la vida) y su descarado caracter maniqueo: los personajes son muy buenos o muy malos, y muy listos o muy estúpidos. Este último calificativo es especialmente sangrante en el caso del jefe de policía de Al Powell, de los agentes del FBI y del compañero de la mujer del protagonista, auténticos memos de manual, cuyos procesos mentales son de tal imbecilidad que compiten en verosimilitud con algunas fantasmadas de McClane. Por no hablar del retrato de la prensa, tan carroñera como inculta. Es un texto que en todo momento requiere la complicidad del espectador, que busca agradar a todos y se digiere como un vaso de agua.  

Con todo, Jungla de Cristal/Die Hard dio con la tecla de la comercialidad, y se convirtió en un éxito inmediato (nominada además a cuatro Óscars técnicos aquel año), que dio lugar a cuatro secuelas -la última Un buen día para morir estrenada hace apenas dos años- y a otra que ya está en preparación y que podría ser una precuela. Además inauguró un subgénero, que yo llamaría "acción desenfadada con rehenes" en el que hemos visto posteriormente películas como Speed, La Roca, Decisión Crítica o Pasajero 57, todas basadas en la misma idea aunque cambiando la localización (aviones, autobuses, prisiones...). Algunas de ellas podrían tener cabida en este Especial de Cine de los 80

Para acabar os dejo con una curiosidad: en la versión alemana se hicieron cambios en el doblaje y se modificaron algunos nombres para que los terroristas fueran ingleses en vez de alemanes, y cuando McClane se apunta sus nombres en el brazo, para justificarlo afirma "voy a llamaros Hans y Karl, como en el cuento de hadas". Parece ser que el tema de terrorismo en Alemania era muy sensible en aquellos años. Curiosamente, el único actor con origen alemán además de dos de los terroristas era... Bruce Willis, que nació en Idar-Oberstein en 1955.

Esta vez os invito a ver el descacharrante trailer honesto que tiene un genial gag sobre las películas que copiaron el modelo de Jungla de Cristal 

Con Conan El Barbaro me ocurre algo bastante curioso. No me entusiasmó la primera vez que la vi, ni tampoco lo ha hecho en las sucesivas revisiones -incluida la última para realizar esta crítica-, aunque siempre lo he pasado bien viéndola, y sin embargo admito que, a pesar de sus evidentes carencias, posee un potente magnetismo y una extraordinaria fuerza y personalidad que la convierten en un clásico y uno de los más dignos representantes de las películas de espada y brujería. 

Llevar a la pantalla a un mito de la literatura y los cómics, que a muchos nos transportó a una época mítica de la mano de un poderoso personaje -mucho más complejo de lo que su poderío físico podría denotar- no era tarea fácil. Como mínimo exigía la habilidad de trasladar en imágenes ese antiguo mundo mítico lleno de bárbaros y brujos y, especialmente, dar con un actor que cumpliera con los requisitos para construir un Conan creíble.

Para lo primero, la labor del director John Milius y el productor Dino De Laurentis fue bastante creativa, y tuvieron la acertada idea de rodar en España, aprovechando un lugar tan mágico como la Ciudad Encantada de Cuenca entre otras localizaciones. Para el segundo reto, solo hubo un único candidato (aunque otras fuentes dicen que se barajaron nombres como Charles Bronson o Silvester Stallone), una apuesta tan arriesgada como coherente. Arnold Schwarzenegger era, probablemente, el único "actor" con un físico a la altura del personaje (bueno, quizá Lou Ferrigno, pero solo había hecho de Hulk en TV). Apenas había rodado tres films hasta entonces, aunque en la película Stay Hungry, dirigida por Bob Rafelson, llegó a ganar un Globo de Oro a la nueva estrella del año (premio que curiosamente también consiguió Sandahl Bergman por su papel de Valeria en Conan). Sus limitaciones como actor eran (son) más que evidentes, a pesar de que tanto James Earl Jones como Max Von Sydow le ayudaron y asesoraron todo lo que pudieron durante el rodaje. Sus recursos expresivos en Conan sonrojarían al vedel de cualquier academia de barrio de actores aficionados, pero hay que reconocer que fue capaz, a base de entusiasmo (ay, bendita juventud), de meterse en el personaje y dotarle de credibilidad, apoyado en su imponente físico y ayudado por sus escasas y sencillas líneas de diálogo, que maquillaron su todavía marcado acento austriaco (de hecho solo le dice cinco palabras a su amada en todo el film).

Vamos, que no tuvo que recitar a Shakespeare, precisamente. Arnie fue listo en interpretar a bárbaros y cyborgs en sus primeros films, hasta que posteriormente fue capaz de afrontar papeles más complejos y desarrollar una más que digna carrera como actor, convirtiéndose en un personaje imprescindible en el cine de acción de los últimos 40 años. Como curiosidad, durante el rodaje tuvo que rebajar su nivel de entrenamiento y alimentación (acababa de ser Mister Olimpia en 1980) puesto que sus enormes pectorales le impedían manejar la espada con solvencia y agilidad. Por otro lado, tanto él como Sandahl Bergman tuvieron que rodar todas las escenas peligrosas por sí mismos, porque fue imposible encontrar a unos dobles que dieran mínimamente el pego, lo cual les provocó más de un rasguño, especialmente a Arnie. También ambos actores tuvieron que interpretar por primera vez una escena de amor en sus carreras, lo que les supuso a ambos una situación bastante incómoda, según reconocieron posteriormente.

Pues bien, con todos estos mimbres, el director John Milius (con un currículum nada despreciable que incluye guiones de Harry El Sucio o Apocalípsis Now y guión y dirección de un clásico del cine de aventuras como El Viento y El León) escribió el guión junto a Oliver Stone (que en un principio quería convertir el libreto en una película fantástica con zombies de por medio) para presentar una historia de espada y brujería (no demasiado fiel a los relatos y cómics, como muchos fans reclamaron en su momento), claramente enfocada a mostrar un mundo legendario lleno de peculiares personajes y todo tipo de peligros, plasmados en episodios a veces sin demasiada conexión y que en ocasiones lastran el ritmo, antes que en seguir un hilo argumental coherente. Tampoco hay mucho interés en profundizar en unos personajes bastante planos, y sí en destacar sus imponentes físicos o su poderío en el combate o a la hora de solventar situaciones arriesgadas. No en vano John Milius era un fanático de la acción, las armas y de todo lo referente a la vida militar. 

Donde sí puso mucho empeño todo el equipo fue en trasmitir todo el aire mitológico y de leyenda de la historia, dotando a muchas secuencias y diálogos de una enorme solemnidad y trascendencia (a veces algo excesiva), con frases grandilocuentes y fastuosas ceremonias que desde luego logran dotar de una magnificencia muy oportuna a la película. En este sentido contribuyó de manera decisiva la maravillosa banda sonora de Basil Poledouris, una brillantísima partitura de reminiscencias clásicas (Ben Hur, de Miklos Rozsa fue su inspiración) con poderosas y épicas fanfarrias, mezcladas con preciosas melodías. Sinceramente, en mi opinión, una de las mejores bandas sonoras de toda la historia, a la altura de las mejores de John Williams (que se lo digan a Jerry Goldsmith, que le plagió con total descaro los acordes principales para Desafio Total. Esa, sí, la de los partidos del Canal +).

La película va alternando enormes aciertos con algunos patinazos más o menos disculpables. Las secuencias de batallas multitudinarias están muy bien rodadas (la cabalgada por el bosque del ejercito de Thulsa Doom la hemos visto casi calcada muchos años después en Gladiator) mientras que algunas peleas cuerpo a cuerpo resultan algo toscas y muestran una coreografía muy básica. La presencia de actores de gran prestigio como James Earl Jones (aunque a veces se pasa de solemne) o Max Von Sydow (perfecto, como siempre, en sus escasos minutos) y la digna interpretación de Sandahl Bergman se contrapone al esforzado pero discreto trabajo de otros personajes, en su mayoría actores no profesionales, en lo que fue una decisión arriesgada (por cierto, os recuerdo que Conan de niño es Jorge Sanz y su madre la inolvidable ¡Nadiuska!).

Un competente diseño de vestuario queda algo manchado por algunos recursos de maquillaje hilarantes, como las pelucas imposibles al principio del film. Y algunos pasajes olvidables quedan eclipsados por otros que se han convertido en verdaderos clásicos, como la maravillosa elipsis en la que vemos la sorprendente transformación del niño en el temible bárbaro empujando aquella pesada rueda durante años o la metamorfosis en serpiente de Thulsa Doom, una muestra positiva de los efectos especiales que también dan algunas de cal y otras de arena.

Mención especial también para el adecuado tono adulto del film, con violencia de lo más explícita y buenas dosis de sexo y desnudos femeninos, y la acertada inclusión de algunos puntos humorísticos muy bien traidos en determinados momentos de la historia.

Irregular, a veces algo lenta y por momentos con retazos de serie B, pero con una personalidad y fuerza incuestionables, Conan se convirtió en una película influyente, un clásico para los amantes del género, que dio lugar a una secuela algo floja (en la que salía nada menos que Wilt Chamberlain, el hombre de los 100 puntos y 50 rebotes en la NBA) y más recientemente a un remake protagonizado por Jason Momoa, que si bien trató de mejorar algunas de las carencias del original (las coreografías en los combates, los efectos especiales, el ritmo y el hilo argumental) no consiguió ni de lejos la potencia, el alma, la pasión, la grandilocuencia y el aire legendario del film de Arnie y Milius. Y ahora muchos años después, parece que la historia puede continuar rescatando al mismísimo Schwarzenegger en La Leyenda de Conan.

Con su trailer os dejo, para invitaros a que la reviséis otra vez y me dejéis aquí abajo vuestros comentarios. 

Scarface es en realidad una remake algo libre de una película del gran Howard Hawks (mi director favorito de siempre, como ya he contado alguna vez por aquí) rodada en 1932 y protagonizada por Paul Muni, obra clave en el cine negro clásico que también en su momento sorprendió por su descarnada violencia. Aunque en la versión de 1983 se cambió el alcohol por la cocaina y se introdujo el elemento político de los exiliados cubanos.

La película está impregnada de esa crucial situación política y social de la época, y de hecho el film incluye imágenes reales del "Éxodo de Mariel" por el que 125.000 cubanos contrarios al regimen de Castro -según el propio Fidel, "la escoria del país"- emigraron a Estados Unidos tras un rocambolesco incidente. Sin duda es un elemento importante para entender al personaje de Tony Montana, que ya desde su presentación deja claro su odio y resentimiento hacia el regimen castrista y el comunismo. Aunque, y en este sentido Stone le da la razón a Castro, tampoco esconde su caracter delicitivo que ya le había puesto entre rejas no precisamente por motivos políticos.

Con ese caldo de cultivo, está escrito que Tony Montana no se va a ganar la vida fregando platos, y aprovecha la primera oportunidad que tiene para hacerse notar entre el mundo del hampa, asesinando primero a un cubano castrista y empezando a hacer pequeñas entregas para un capo de poca monta llamado Frank López.

The world is yours

A partir de ahí, si no lo teníamos claro ya, vamos a ver como este cubano exiliado "criado en las cloacas", como el mismo describe, está dispuesto a ser el dueño del mundo, como bien reza una frase que ve en un momento de la película y que convierte en su leitmotiv (hasta el punto de colocarlo en la fuente del hall de su mansión, una de las muchas muestras del lujoso dislate). Da igual si se trata de hacerse con el negocio de la droga en todo Miami o de arrabaterle la mujer a su primer jefe. Como bien explica en una de sus frases míticas "las ordenes las dan los cojones" y de eso Tony Montana tiene para repartir por toda Florida y le seguiría sobrando.

Scarface es Tony Montana y Tony Montana es Al Pacino. Es imposible concebir la película sin él, que en pleno estado de gracia (tras su consagración en El Padrino venía de rodar films míticos como Tarde de Perros, Serpico o A la caza) se encontró con un papel hecho a su medida, donde dar rienda a todos sus excesos pero también a su inagotable talento (por cierto, os recomiendo  ver la película en versión original, porque el acento cubano de Pacino, que llegó a pedir a todo aquel en el equipo de rodaje que hablara español que lo hiciera siempre que se dirigieran a él para poder practicar, es adimirable). 

Montana comienza siendo un personaje simpático, que asombra por su valentía (palpable en una de las primeras escenas brutales cuando tiene su primer conflicto con unos traficantes colombianos) pero que a medida que evoluciona desata una mezcla de furia y desmedida ambición que le lleva a convertirse en un personaje absolutamente desagradable, patetico y aterrador. De Palma y Stone no se cortan un pelo a la hora de presentar a Montana y a todo lo que le rodea de manera descarnada, y el espectador espera entre anonadado y asustado cuál será el próximo incontrolado movimiento de este ser autodestructivo, de avaricia inagotable, orgulloso, paranoico, misógino y absolutamente dañino, especialmente para los que le quieren (que no son muchos, claro...).

Y es que sin duda es en sus relaciones con el resto de personajes, más allá de los traficantes, donde se define la compleja mentalidad del protagonista. Desde su chica -una cuasi debutante Michelle Pfeiffer- hasta su hermana o su mejor amigo, Manny Ribera, que acabará convirténdose en el mayor símbolo de su inevitable autodestrucción. Scarface es, en su esencia, una tragedia clásica, con un dramático destino que parece escrito en la frente del protagonista desde el momento en el que pisa suelo americano.

Aquellos maravillosos 80

Es imposible entender esta película y el estilo en el que está rodada sin contextualizarla en los inolvidables 80 (por algo la hemos incluido en este especial), empezando por la banda sonora mezcla de sintetizadores (obra de Giorgio Moroder, autor de Flashdance entre otras) y música disco, siguiendo por la estética hortera y acabando por el lujo y el exceso en su máxima expresión. Exceso que alcanza al metraje (¡casi 3 horas!) y a una forma de rodar algo deslabazada, irregular, con una puesta en escena que desprende mucho oficio (marca de Brian de Palma, que no se resiste a meternos alguna cámara lenta) y que mezcla secuencias de una extraordinaria tensión y dramatismo con otras más planas. Y por supuesto, exceso en la violencia y en la presencia de la droga, que provocó que la película tuviera muchos problemas para no ser clasificada X en USA (al final se las apañaron para que llevara la clasificación R sin quitar ninguna escena).

El sólido y visceral guión de Stone se convierte, junto con Pacino, en el verdadero resorte de la película y le regala al protagonista algunas frases que en boca de Tony Montana se han convertido en míticas. Tampoco hay que desmerecer el acertadísimo casting, con la jovencísima Michelle Pfeiffer (que venía de hacer nada menos que Grease 2...) y que a partir de este film inició su brillante carrera, y siguiendo por actores de gran prestigio en aquellos años como Robert Loggia, F. Murray Abraham (Amadeus) o Maria Elisabeth Mastrantonio (que aquí está sensacional), inolvidable en Abyss. Y cómo no, Steven Bauer como su inseparable Manolo Ribera, en el que fue sin duda el papel de su vida.

Scarface es una película intensa e impactante, que aun en su imperfección y exceso se convirtió en una de las obras más influyentes en el cine de gangsters (y en los videojuegos, que se lo digan a GTA o al videojuego con el mismo nombre que se lanzó en 2006 para Xbox y PS2) y que cuenta hasta con versión parodiada en 8 bits,  aunque el paso del tiempo le haya pasado factura (algo que no sucede con las otras dos grandes obras de De Palma, Los Intocables y Atrapado por su Pasado, esta última una especie de futuro alternativo Scarface). Desde luego, una película de visión obligada para cualquier aficionado al cine (os recomiendo la edición especial con contenido extra, que es la que tengo yo) y para cualquier que quiera entender como se construyó la leyenda de un actor mítico. 

Os dejo con el trailer original de la pelicula, por supuesto en versión orginal, para que disfrutéis de unas migajas del amigo Pacino en su salsa. ¡Nos vemos pronto en este especial cine de los 80!

Desde luego, esto me ocurre tras haber ocupado 2 horas y media de mi vida con gran cine. No sé si estaba previsto desde Casino Royale (2006), pero Spectre es más que una muy buena película de James Bond, es la culminación de un proyecto que nos depara un buen puñado de sorpresas.

Un puzle. Sí, en el que según van encajando la piezas vemos por fin las imágenes que quedaron difusas en el pasado, y que a su vez al desvelar el cuadro al completo nos alivia y asombra, asintiendo al conocer al fin una historia que no solo cobra sentido en esta película, sino que también hace que las tres anteriores se acoplen dentro de un hilo argumental global.

Gran cine. Es lo que tiene tener detrás de las cámaras a un director con ganas de marcar diferencias -como ya hizo en Skyfall- que empieza regalándonos una secuencia inicial PRODIGIOSA (que quedará para los anales de la saga), que demuestra una sólida pericia narrativa y cuyo sentido de la puesta en escena es soberbio.

Técnicamente brillante. Magníficamente rodada, con una concepción y una ejecución impecables, tanto que a veces es un mecanismo tan preciso y bien acoplado que resulta casi pedante y algo falto de emoción. Pero ya quisieran el 99% de las películas actuales presentar una factura como esta. Las localizaciones –Roma, Londres, Marruecos, Austria- son tan variadas como impresionantes, y filmadas bajo la maestría de un artista de la fotografía (Hoyte Van Hoytema, el mismo de Interstellar). Es la película de 007 más estilosa.

Thriller, no acción. Ya lo apuntó en Skyfall, y aquí lo confirma. Spectre no es una película de tiros, peleas y persecuciones –que hay, y de nuevo de una calidad altísima, a cuál más espectacular-dolorosa-espeluznante en cada caso-, la acción está supeditada a la historia, y aparece encajando de nuevo en este enorme puzle, solo cuando el guión lo requiere. Tampoco falta el humor, siempre con marca de la casa, pero con tan solo algún gag realmente divertido.

Alambicado argumento. Dentro de la premisa habitual de "007 versus amenaza mundial" está construído con el objetivo de sorprender, tanto en la historia como en momentos puntuales. Bien traída y muy actual la inquietante amenaza de un asociación de agencias de espías y la información perversamente utilizada (que se lo pregunten a Snowden) como arma de destrucción. El guión está bien estructurado y algunas líneas de diálogo rayan a mucha altura. Bond, como no podía ser de otra forma, se convierte en la pieza central de todo el puzle. Aplaudo la ingeniosa manera en la que han decidido resolver todo, bajo la premisa inicial "los muertos están vivos". La doble vertiente -acción con 007 y burocracia/política con M y el programa 007 en peligro- es un buen planteamiento, aunque en el conjunto narrativo no termine de mezclar del todo bien. Los continuos auto-homenajes a la saga inciden en esa combinación que tan bien funcionó en Skyfall que busca reinvención y clasicismo. 

Personajes . Claves en la película. En las cuatro películas. También hay sorpresas. Echo de menos a la M de Judi Dench (o no…), aunque mi admirado Ralph Fiennes demuestra su oficio (y que es un hombre de acción) y Q da un paso al frente. Villanos más que correctos, y además de diferente calado, inteligentes y perversos (clásico y previsible Waltz con una brillante e inquietante presentación, mejor Andrew Scott y algo desaprovechado), brutos e indestructibles (con guiño a algún malo inolvidable de la saga). Y en cuanto la chicas, me quedo con ganas de ver mucho más a Mónica Belluci, mientras Lea Seydoux mantiene el tipo sin más alardes de los necesarios. Definitivamente Sam Mendes ha colocado a las féminas en una dimensión más liviana (aunque siempre quede espacio para exhibir el irresistible poder de seducción de 007).

Impactante banda sonora. Me ha gustado mucho más el tema de Sam Smith una vez lo he visto acoplado a la película (delitaos con los maravillosos títulos de crédito iniciales) pero la partitura de Thomas Newman resulta más trabajada y variada que en otros films, tanto que a veces discute el protagonismo a las imágenes.

Defectos. Alguno más, aparte de los mencionados. El ritmo tiene algún altibajo en la primera parte (el riesgo de un metraje de dos horas y media...) y algunas secuencias se alargan en exceso. Al conjunto en general le falta algo de emoción y entusiamo. El romance resulta tan poco elaborado como insustancial (Vesper, cuánto te echo de menos… ) y la motivación personal del villano parece algo infantil e inverosímil (aunque por otro lado, es algo muy típico en la historia de los malos de Bond).

James Bond, the best. Me reafirmo: Craig es sin duda el mejor James Bond, aunque pienso que dio lo mejor de sí en los anteriores films y aquí se le nota algo cansado del rol. Pero hasta su ligero desgaste encaja en este momento de su evolución. Su mimetismo con el personaje sigue siendo evidente, se maneja como nadie en la acción (y en el dolor) y aparece sorprendentemente más contenido (y recatado). Y nunca deja de ser fiel a si mismo: individualista, seductor, arrogante y sarcástico.

Spectre es una gran película, de las mejores de la saga sin duda, que no alcanza la pasión, diversión y espontaneidad de Casino Royale, pero lo suple con una propuesta de una brillantez casi ofensiva, que configura una cuadrilogía que se convertirá en un clásico inolvidable. La disfrutarán mucho más quienes, como yo, hayan empatizado desde el principio con esta etapa del agente 007.

No os cuento más. Os sugiero que vayáis a verla y me contáis en los comentarios (si podéis, mejor habiendo revisado las tres anteriores para que la experiencia sea completa)

El estreno de una nueva película de Bond es todo un evento para cualquier cinéfilo que se precie que sabe lo que va a ver perfectamente: una buena película de espías con mujeres de infarto, secuencias de acción memorables, gadgets imposibles y un impertérrito agente 007 demostrando sus habilidades para salir indemne de la peor de las trampas.

En este sentido Spectre funciona como una bala dándole al público justo lo que demanda, recogiendo con esmero los hitos fundamentales de Casino Royale, Quantum of Solace y Skyfall e incluso lanzando la caña más lejos e introduciendo guiños a Goldfinger y Al servicio de su majestad. En este sentido es la película más "canónica" de esta nueva fase, para bien y para mal. Para bien porque sabor bondiano se intensifica, para mal porque en ocasiones resulta formularia, casi como si el guión escrito a cuatro manos por John Logan, Neal Purvis, Robert Wade y Jez Butterworth hubiera tirado de manual y no hubiera prestado especial atención a los engranajes que unen las piezas.

Que uno tenga claro lo que va a ver no significa que tengan que darle exactamente lo mismo de siempre pero en una dosis aumentada. No nos engañemos, estamos ante la 24ª entrega de la saga cinematográfica y sorprender al espectador cada vez se torna más complicado, lo que no justifica algunos problemas manifiestos de la película como el exceso de metraje.

Pero empecemos alabando sus virtudes que se manifiestan muy pronto con una secuencia inicial bárbara rodada en México en el desfile del Día de los Muertos cargada de ritmo gracias a una banda sonora que eleva el conjunto metiéndonos de cabeza en la trama. Los números son fríos pero atentos a esta larga secuencia en la que se requirió a más de 1.500 extras, 10 carrozas coordinadas, 107 maquilladores y el complejísimo trabajo que hay detrás de esa toma de imágenes en la que vemos a Bond desplazarse hasta un hotel, subir a su habitación y moverse por la azotea... Impresionante.

Los títulos de crédito vienen a continuación y como siempre consiguen empaparnos de la esencia de la película y de la atmósfera a la par que nos lanzan miguitas de pan sobre lo que veremos de forma inmediata. El magnífico tema musical de Sam Smith, "Writing's on the Wall", contribuye a ponernos los pelos de punta como no podía ser de otra manera. Os recordamos que hemos realizado un reportaje rememorando los mejores temazos de la saga que os recomendamos encarecidamente.

La premisa principal de Spectre: "los muertos están vivos" y a partir de aquí acompañaremos a Bond en una cruzada que le llevará a buscar respuestas sobre sobre la red que parece estar a punto de hacer sucumbir a los servicios de inteligencia del mundo libre, haciendo que el programa 00 de hecho esté en la cuerda floja, lo que a su vez y de forma inesperada le desvelará algunos misterios de su pasado.

En su camino, tras haberse cruzado con la bella Estrella (Stephanie Sigman) y con la viuda de Sciarra (la imponente Monica Bellucci, cuya aparición es casi fugaz) tirará del único hilo que puede llevarle a las respuestas que busca: la doctora Swann (Léa Seydoux). Todo empezó con Vesper (Eva Green), esa mujer que le dio forma al Bond que conocemos y aquí seguiremos sin encontrar a la dama que le haga sombra por más que tengamos un romance poco creíble que surge de la nada. 

El plano femenino es que está más imperdonablemente descuidado: no hay complicidad entre Bond y Moneypenny (ni sus clásicos tonteos), las mujeres son meramente accesorias en la trama y los momentos eróticos de la cinta parecen metidos con calzador: desde el "consuelo" a la viuda hasta el abrupto enamoramiento que tiene intención se extenderse en el tiempo. Y lo que verdaderamente es inexplicable es que una intérprete tan sólida como Léa Seydoux parezca tan hierática en esta película... ¿Otra vez el montaje? ¿Tarda demasiado en aparecer? Puede ser, aunque tiene un momentazo de gloria enfundada en un precioso traje de raso:

El diseño de producción de la película resulta impecable y los recursos invertidos en el rodaje de las secuencias de acción a buen seguro muy onerosos: desde la magistral escena aérea del helicóptero sobre la Plaza del Zócalo de la Ciudad de México a la persecución en la nieve de la aeronave que termina patinando hacia su objetivo tras perder las alas por no hablar de la forma en la que vemos correr los cohes por las calles de Roma. El rodaje internacional es otra de las premisas formularias que tampoco se han descuidado en esta cita con el agente Bond.

¿Dónde están las grietas de Spectre? En la forma en la que todo eso se une para formar un todo. En primer lugar por la linealidad de la evolución narrativa en el que todos los personajes son excesivamente prototípicos, sin sorpresas, sin dobleces, sin giros argumentales. El espectador va varias veces por delante de 007 y llega a "cansarse" del hecho de concederle tantas licencias a la cinta para progresar siguiendo caminos tan trillados.

En segundo lugar, esa gran fortaleza que es contar con secuencias de acción bien rodadas se viene abajo en ocasiones por la tendencia a no saber llevarlas a término de forma satisfactoria. A Sam Mendes le cuesta demasiado resolver alargando en demasía escenas que funcionarían mucho mejor con un montaje más ágil que forzara menos la banda sonora y la paciencia del espectador.

Por otra parte, (y qué desagradable sorpresa), el villano y la organización a la que representa se presentan de forma brillante como en una suerte de logia maquiavélica y omnipotente que impregna cada escalafón social expandiendo sus tentáculos por todas partes, pero, a la postre y cuando podemos verlo con claridad, se desinfla de inmediato sin conseguir dar la talla.

Por supuesto, no es una cuestión de haber tomado una mala decisión de casting, sino de la ridícula forma en la que el guión plantea sus líneas de diálogo y su aparición en escena, por no hablar de la escasa profundidad de sus motivaciones personales y su enervante tendencia a verbalizarlo todo (otra muestra de ese corte clásico de la película).

En el lado físico, pocas coreografías a resaltar, salvo que este Bond que tantas veces nos ha parecido pétreo se las verá con Mr. Hinx, un Dave Bautista brutal que nos regalará una de las peleas cuerpo a cuerpo más impresionantes de Spectre que se desarrolla en el interior de un tren. Puera fuerza bruta, porque de hecho no llega a abrir la boca en toda la película.

Dramática y emocionalmente la cinta es inferior a sus predecesoras pero tiene el encanto de saber revivir la elegancia de las producciones más arquetípicas de Bond, simbolizadas en ese cierre tan característico. Si funciona en los tiempos que corren, lo dirá el público.

NOTA Raquel Hernández: 75/100

Valoración: Spectre parece querer cerrar el arco argumental abierto en Casino Royale y lo hace con gran espectacularidad a nivel formal pero con poca destreza a la hora de hilvanar las escenas de acción y dotarlas de peso específico en cuanto a sus resultados en la trama.

Lo mejor: la secuencia inicial rodada en México (quizá empieza tan fuerte que el resto de la película esperas algo similar) y el espectacular diseño de producción. 

Lo peor: hace honor a su nombre, se desvanece como un espectro y no consigue hacerle justicia al mejor Bond que hemos conocido. El personaje de Waltz decepciona.

Os dejamos con el tráiler final y en castellano de Spectre:

Bien en los momentos de acción más trepidantes, en los afilados diálogos con los malvados y, cómo no, en sus variados romances, Craig/Bond nos ha hecho disfrutar con una de las carácterísticas más reconocibles de la saga. Por supuesto, a la espera de las perlas que nos tiene preparadas en su nueva película Spectre...

Por supuesto, tenéis todo el derecho del mundo a no estar de acuerdo. Y encantado de que nos digáis vuestro favorito y las razones de por qué lo es en los comentarios. ¡Empezamos!

1. Es el James Bond más cachas.

Y en mejor forma física, desde luego. Vale, Sean Connery tenía una planta estupenda (no en vano compitió por Mister Universo siendo joven) y tanto George Lazenby como Dalton tampoco le anduvieron a la zaga, pero Daniel Craig dejó a toda la audiencia atónita con su espectacular salida del mar en Casino Royale. Por no mencionar la persecución que se marca al inicio de esta misma peli, corriendo, saltando y haciendo todo tipo de cabriolas. Una máquina.

2. …Sin perder la elegancia

Su aspecto rudo y sus músculos no impiden a Craig lucir con naturalidad los más variadas indumentarias, desde atuendos informales que exhibe con naturalidad hasta sofisticados trajes sin olvidar por supuesto, el clásico smoking de James Bond. Todos le sientan como un guante.

3. Es el más duro.

A ver, aguantar una tortura en la que te están machacando los testículos ya sería mérito suficiente para tal honor. Pero hacerlo mientras te mofas de tu torturador pidiéndole “que te rasque un poco más el derecho” o descojonarte en su cara revelándole que “todo el mundo sabrá que has muerto tocándome los huevos” ya es de traca.

4. Es el más humano.

Jamás habíamos visto a un James Bond sangrar tanto, ser golpeado de todas las maneras posibles, disparado, torturado… y, sobre todo, ver cómo se enamora y se le rompe el corazón… Es un asesino, sí, pero tiene su corazoncito. También es el Bond del que por primera vez conocemos aspectos de sus pasado, de su familia y hasta de su infancia…

5. Liga como el que más

En este punto no voy a decir que gane, pero desde luego tampoco le resta puntos. Todos los Bond han vuelto locas a las mujeres, pero Craig tiene su particular estilo: por un lado es capaz de dejar claro cuál es su tipo ideal (“¿estúpida? - Le viene a decir Vesper en Casino Royale- “No, casada” responde con seguridad. Según comenta en otro momento porque “simplifica mucho las cosas”. En Ashley Madison este se hincha…

Sus conquistas resultan también bastante más creíbles que las de los anteriores Bond, con los que los ligues más parecían un anuncio de AXE… Además, es el único que también asume con naturalidad que un hombre coquetee con él (Bardem/Silva en Skyfall) y hasta se atreve sugerir que no es la primera vez…

6. Su sentido del humor: serio, ingenioso y sarcástico

A pesar de ser un tipo duro y con aire encabronado, no le falta un fino sentido del humor que siempre aprovecha para dejar una pizca de chulería. Es cierto que Roger Moore fue quizá el más cómico de todos, y que Connery lucía como nadie ese aspecto truhán y canalla, pero con Craig pasa como ocurría con el entrañable Eugenio: en su seriedad está su gracia. Pedirle el ticket del parking a un peligroso delincuente al que acabas de birlarle su bólido a las cartas, hacerte pasar por un aparcacoches para contactar con un objetivo o bromear con los escuetos Gadgets que le ofrece Q están entre sus variados puntos.

7. Es el asesino más implacable.

Y en eso es el que más se parece al personaje original creado por Ian Flemming. Craig no se corta un pelo a la hora de cargarse gente, a veces a sangre fría, para lograr sus objetivos, para dolor de cabeza de M.

8. Sus peleas duelen

Desde luego, nunca habíamos visto a un Bond pegarse de una manera tan brutal, tan real, que casi duele verlas en pantalla. Porque además da con cada pájaro que reparte tanto o más que él. Nada de bailecitos coreografiados, con Craig las peleas son salvajes, a vida o muerte, sin concesiones ni detalles con el adversario. Como dirían en Mad Max III, “dos entran, uno sale”.

También es, sin lugar a dudas, un abierto debate entre lo clásico y lo moderno, que cuestiona y aplaude ambas tendencias, y que aprovecha el 50 aniversario de la franquicia para incluir constantes guiños a algunas de las películas más recordadas de 007.

Esta etapa de 007 con Daniel Craig al frente se encuentra con un “problema”: El inicio con Casino Royale (2006) –para mí una de las mejores películas de toda la saga, si no la mejor, y una de las cintas de acción más destacadas de la pasada década- puso el listón tan alto que las entregas posteriores se enfrentan al inevitable juicio de la comparación. Es evidente que Quantum of Solace (2008) no lo superó, y para mí Skyfall tampoco, aunque se queda bastante más cerca, y la sensación es que no comete el error de intentar seguir su estela. Es curioso comprobar como mientras aquella se embarcó en una sucesión de escenas de acción que llegaban a resultar extenuantes, Skyfall, bajo la direccion de Sam Mendes (American Beauty, Camino a la Perdicion, Revolutionary Road), peca más de contención, dosificando la acción en base a las demandas de la progresión argumental.

Eso no significa que Skyfall resulte aburrida, ni mucho menos.  Además de una secuencia inicial absolutamente trepidante y espectacular (cumpliendo con los cánones de la serie, y que mezcla coches, motos, trenes y genial chulería made in Bond), Mendes consigue que durante todo el metraje (y son más de dos horas) se mantenga una constante tensión narrativa y dramática –apoyada en un estilo visual por momentos deslumbrante, atentos a la pelea nocturna en Shangai- que hurga en el pasado de los personajes y muestra sus aristas más turbias y desconocidas.  Porque estamos sin duda ante el Bond que más se acerca al género del drama. Y como todo buen drama que se precie, esta es una historia de traición y venganza, con un aire shakesperiano que rodea a todos los protagonistas llevándoles al límite. Aquí descubrimos elementos del pasado de Bond y M inéditos hasta ahora, lo que lleva a la saga a un terreno mucho más personal. Y lo hace, además, sin olvidarse de incluir bastantes pinceladas del humor sarcástico que tanto echamos de menos en Quantum of Solace

Y en este sentido es imposible no reconocer el papel crucial que juega Silva, el villano interpretado por Bardem, difícil de calificar pero sin posibilidad de que cause indiferencia, desconcertante y provocador (hasta el punto de intentar seducir a Bond…), divertido y esperpéntico, por momentos histriónico pero con geniales pinceladas de sus incuestionables dotes interpretativas. En mi opinión, Bardem pierde algunos enteros al expresarse en inglés, y a veces trasmite la sensación de no tomarse en serio su papel (puede que de forma intencionada por órdenes del director), aunque en su defensa hay que decir que algunos trazos de su personaje están cogidos con hilos. También es más que evidente la inspiración de este villano en el Joker de El Caballero Oscuro, aunque en la comparación Silva sale derrotado. El propio Mendes ha reconocido su devoción por el Batman de Nolan, algo que se deja notar a lo largo de todo el film. En cualquier caso, es el mejor villano -con diferencia- de esta etapa de James Bond hasta la fecha (veremos lo que hace Christoph Waltz en Spectre). Siempre es mejor pasarse que quedarse corto.

En cuanto al resto de los personajes, los clásicos ganan por goleada a los modernos. Judi Dench/M sigue perfecta, Ralph Fiennes está impecable con su habitual sobriedad en un papel que será crucial en las próximas películas, y siempre es un placer ver en pantalla al gran Albert Finney por muy anciano que esté. Por el contrario, el joven Q - personaje que reaparece tras su ausencia en las dos anteriores películas- queda lejos de los anteriores intendentes (el inolvidable Desmond Llewelyn y el divertido John Cleese), y las dos chicas Bond resultan más bien insustanciales, una por su brevísima –aunque deslumbrante- presencia, y la otra por mostrarse poco convincente, aunque tendremos ocasión de verla en las próximas películas... Aquí sí que la sombra de Vesper/Eva Green de Casino Royale resulta más que alargada.

Daniel Craig, eso sí, sigue siendo el alma de este Bond, cada vez más mimetizado con el personaje, asesino frío y descontrolado, con turbulento y atormentado pasado, capaz de llevar el sarcasmo a límites insospechados, apoyado aquí en unos diálogos notables. Su mérito es aún mayor por darle un giro inesperado a su personaje, mostrando su lado físico más vulnerable (en las anteriores películas le tocó al emocional). Y, por supuesto, demostrando que hoy por hoy no tiene rival interpretando las peleas y las persecuciones, haciéndolas tan creíbles como dolorosas.

Skyfall resulta original y valiente en su propuesta dentro de la saga, encuadrándose más en el drama de acción que en la línea habitual más superficial y espectacular. Una gran película que nos deja con ganas de ver qué son capaces de hacer Sam Mendes y Daniel Craig en Spectre.

En este caso, os incluyo el tema de la película -interpretado por Adele- con más sentido que nunca, puesto que se llevó nada menos que el Oscar de Hollywood a la mejor canción, la primera vez que esto sucede en la saga, y mira que ha habido temazos...

Tanto es así que la película empieza justo donde terminó Casino Royale, aunque esta vez la siempre trepidante escena inicial recupera el clasicismo de los coches, con una mareante persecución que casi parece un conflicto internacional: Alfa Romeo versus Aston Martin.

He utilizado el adjetivo "mareante" con toda la intención del mundo, y es que el director del film, Marc Foster (sustituto de Martin Campbell y realizador de películas tan dispares como Monsters´s Ball o Guerra Mundial Z) decidió escoger la forma de rodar que hemos visto, por ejemplo, en algunas películas de Bourne y de otros films en esos años, que muestran un montaje esquizofrénico, con muchos primeros planos y muy cortos, efecto de cámara al hombro y vista subjetiva. Sí, ya sé, se trata de conseguir que el espectador de sumerja más en la acción y las sensaciones del protagonista, pero -y llamadme clasicón si queréis- a mí me parece que esta práctica resulta atropellada, confusa, es difícil enterarse de algo o saber quién golpea a quién. Mareante, vamos. Una tendencia que nunca llegué a entender.

Quantum of Solace nos invita a conocer algo más la inquietante y misteriosa organización que ya vimos en el primer film, mientras asistimos al desgarro emocional y la redención de un James Bond claramente herido y enrabietado por todo lo que ocurrió con Vesper, que sin estar sigue teniendo una importancia crucial. Vamos, lo que viene a ser que "brilla por su ausencia".

Es interesante y, desde mi punto de vista, acertado que los guionistas (los mismos de Casino Royal) sigan ahondando en la personalidad y la evolución psícológica de Bond, pero tal es ese empeño que descuidan una trama sosa y poco emocionante, y obvian por completo algo tan propio de la saga y que en Casino Royale funcionó a las mil maravillas como es el humor. Apenas consigo recordar algún chascarrillo o chulería de Craig en todo el film, algo injustificable por más que este ande en modo estoy-jodido-y-peleado-con-el-mundo.

Tampoco las chicas Bond son memorables. Es cierto que Eva Green dejó el listón por las nubes, pero tanto Gemma Arterton como Olga Kurylenko (curiosamente ambas tienen películas de videojuegos, Prince of Persia y Hitman/Max Payne respectivamente) no resultan tan carismáticas ni convincentes, aunque por descontado sean muy atractivas. Para chicas, me quedo claramente con M, puesto que Judi Dench vuelve a bordar el papel y se incide en su relación materno/filial con Bond, una idea muy interesante que veremos aún más ampliada en Skyfall.

Y la misma falta de carisma se puede aplicar a los villanos, tan convencionales como insustanciales, incluido nuestro compatriota Fernando Guillen-Cuervo que hace de policía corrupto (como veis, la corrupción en España llega hasta en las películas de Bond).

Si habéis leído hasta aquí supongo que os estaréis preguntando, ¿pero tan floja es Quantum of Solace? Para nada. Es una aceptable película de acción, por momentos muy bien rodada (además de la primera persecución en coche, la escena aérea es espectacular) con una dirección artística y un diseño de producción muy lucidos -con especial mención para la escena de la ópera y la parte rodada en el desierto- y que vuelve a tener en Daniel Craig -que sigue en estado de gracia y en perfecta simbiosis con el personaje- a su mayor y mejor activo. Su mayor problema es que la sombra de Casino Royale es muy alargada, y no siempre se encuentra la inspiración y se tocan las teclas necesarias para hacer un producto redondo. Le falta la pasión y la gracia de aquella y le sobra un exceso de atención a la envoltura. Además, es una película que no se entiende sin la primera (de hecho, si no habéis visto ninguna, hacedlo por orden). 

Para no ser menos que en Casino Royale, aquí os incluyo el vídeo de la canción, una convincente melodía de Jack White y Alicia Keys. 

Tras la etapa de Pierce Brosnan, la saga 007 regresó con nuevo protagonista y un giro en el tono y la propuesta del personaje.

La elección de Casino Royale para esta iniciar nueva etapa no fue causal. Se trata de la primera novela de Ian Flemming sobre 007 y por tanto la excusa ideal para presentar de nuevo al personaje y revelar algo sobre su transformación en agente especial al servicio de Su Majestad. Hubo otras dos Casino Royale, una en 1954 para TV (la primera película sobre James Bond y la única que se hizo con la aprobación de Ian Flemming) y una parodia de 1967 con David Niven como el agente y ¡Woody Allen como villano!.

La elección deDaniel Craigcomo007llegó, una vez más, tras barajar infinidad de candidatos, entre los que estuvieron muy cerca Russell Crowe, Henry Cavill y Orlando Bloom. Para mí, la apuesta por Craig ha sido todo un acierto. Ha devuelto al personaje la dureza y brutalidad que se desprende en las novelas, y que se abordó por primera vez con Timothy Dalton en Alta Tensión y Licencia para matar.

Craig es atractivo, sarcástico y seductor. Es el menos elegante y estiloso de todos, pero a la vez el más rudo y el más “físico” (su salida del mar imitando a la mítica Ursula Andrews se ha convertido en un icono del film), más hermanado con el Ethan Hunt de Mission Impossible que con los anteriores Bond. Y, sobre todo, es frío, despiadado e implacable. Un asesino en toda regla, que es lo que supuestamente debería ser alguien con “licencia para matar”. Como dijo Craig en una entrevista “mi personaje debe moverse en la fina línea de si es un chico bueno o un chico malo trabajando para el lado bueno”. También es el más humano: sangra (mucho), le golpean, le torturan y muestra (como todo hijo de vecino y muy a su pesar) su vulnerabilidad emocional.

Craig es, además, un buen actor, como ya había demostrado en películas como Camino a la perdición y Munich, y consiguió desde esta primera película meterse en la piel de 007 y hacer suyo al personaje, algo que desde mi punto de vista solo habían conseguido Sean Connery y Roger Moore. El resto solo ” lo interpretaron” con mayor o menor éxito.

Partiendo ya con este evidente acierto, la productora EON (responsable de toda la saga) no quiso arriesgar lo más mínimo y apostó sobre seguro:Martin Campbellcomo director (responsable de la hasta entonces película más taquillera de la saga y una de las mejores,Goldeneye) y dos guionistas habituales de la saga como Neil Purvis y Robert Wade muy bien acompañados del oscarizadoPaul Haggis(Million Dollar Baby, Crash...).

Con todos estos ingredientes,Casino Royalees, desde el minuto uno, un magistral ejemplo de cine de acción hecho con pasión e inteligencia. Con un ritmo impecable durante las dos horas largas de metraje, pero sin llegar a atropellarse (un exceso de muchas películas de acción actuales). Ya desde el inicio, y tras un conciso y sorprendente prólogo que nos presenta al personaje, asistimos a una de las persecuciones más espeluznantes y mejor rodadas de la historia del cine. Lo mejor es que no hay coches ni aviones de por medio. Es a pie. Un especialista en parkour versus elagente 007que en toda la secuencia deja absolutamente claro que tiene más recursos que Macgiver y Rambo juntos. Tardó 6 semanas en rodarse y es la primera persecución a pie que aparece en una película de 007. Y, sobre todo, muestra las cualidades que le convierten en el agente secreto perfecto: determinación, compromiso y efectividad. Un tipo que se mueve por resultados, sin que le importen un bledo los medios para conseguirlos. Un dolor de cabeza para cualquier jefe porque se salta las normas, pero nadie logra lo que él.

Es cierto que, como sucede en todas las películas de Bond, la trama es algo enrevesada, a veces difícil de seguir y tiene relativa importancia, más allá de entender que, como casi siempre, el equilibrio mundial está en peligro (esta vez por asuntos de terrorismo y blanqueo de dinero) y averiguar que hay una oscura organización tras todo el tinglado de la que iremos sabiendo más en las siguientes películas. También, y aunque es algo que viene de la novela, la partida de cartas, momento culmen en el film, está metida con calzador y resulta algo inverosímil que 007 tenga que echar unas manos para derrotar al villano. Pero a quién le importa cuando nos ofrece una partida de pocker tensa y apasionante, no apta para cardiacos (si habéis visto la película entenderéis el chiste) y en la que pasa absolutamente de todo. Pero aún con eso, en líneas generales se trata de un argumento sólido y consistente, más realista de lo habitual en la saga, estructurado claramente en episodios muy bien enlazados, en los que importa más el desarrollo y desenlace de cada uno de ellos que el general, y que pone mayor énfasis en la evolución de los personajes y en unos diálogos ingeniosos y muy bien escritos.

La chica Bond

Y entonces llega Vesper. Que me perdonen todas las chicas Bond (y todas las chicas en general) pero si hay algo absolutamente verosímil y creíble en el argumento es que Bond caiga absolutamente rendido ante los encantos y la inteligencia de Vesper Lynd, la Top 1 en mi ranking particular de chicas Bond. Eva Green ya es de por sí una mujer de una belleza extraordinaria y una actriz notable, pero su papel aquí es un caramelo y ella lo aprovecha al 100%. Su inicial rechazo y posterior atracción hacia Bond está muy bien contado. En sus diálogos se encuentran algunos de los mejores momentos de la película, y las réplicas y contraréplicas entre ambos están llenas de ingenio y retorcido sentido del humor. “Soy el dinero” dice al presentarse por primera vez a Bond, quien después de mirarla de arriba abajo durante unos segundos responde impresionado “Hasta el último centavo”.

Aunque sería injusto no destacar el resto de secundarios, cuya contribución es clave para aumentar la calidad del film. Empezando por M, una vez más magníficamente interpretada por esa extraordinaria actriz que es Judi Dench (otra que ha hecho suyo el personaje y desde aquí confieso mi agradecimiento a quien decidiera elegirla ya en la etapa de Pierce Brosnan), siguiendo por Le Chiffre/Mads Mikkelsen, actor siempre inquietante (no en vano su gran éxito ha llegado interpretando a Hannibal para la exitosa serie de TV) -aunque a su personaje la falta algo de profundidad- y acabando con actores de oficio contrastado como Giancarlo Gianni y Jeffrey Wright.

Tampoco faltan casi ninguno de los ingredientes clásicos de las películas de 007: los coches espectaculares (incluido el habitual Aston Martin), las chicas Bond (aunque Eva Green las eclipsa a todas), el Martini con Vodka (con dos gags memorables), localizaciones exóticas (Bahamas, Venecia, Montenegro, Uganda…) y el humor sarcástico (Craig tiene chulerías impagables). Y digo “casi”, porque los puristas de la saga echarán de menos a Q y sus gadgets, que no reaparecerán hasta Skyfall.

Y, por supuesto, la película incluye el inevitable tema Bond, está vez escrito e interpretado por mi admirado Chris Cornell (ex solista de Soundgarden y Audioslave, muy habitual en las películas de Michael Mann) quien compuso un excelente tema rockero, contundente y comercial, perfectamente adaptado al espíritu Bond tanto en la melodía como en el texto.

Con su video (y espero que con ganas de ver/revisar el film) os dejo. 

Su caracter independiente y casi reivindicativo de la serie B, apoyada en notables dosis de originalidad -quizá clave para haber sido seleccionada en festivales como Sitges y Cannes- ha impulsado el boca a boca hasta el punto de lograr unos resultados en taquilla impensables para una película modesta,

Pero entremos en materia. Para empezar, aquí importa bien poco el "por qué" (de hecho no existe) y sí el "qué" y, sobre todo, el "cómo". Y de una forma más sútil, el "dónde". Así que quien vaya buscando alguna enrevesada explicación que tenga que ver con algún crimen cometido siglos atrás que ha hechizado una casa o que hable de un asesino que busca venganza desde el ultratumba tras haber visto como masacraban a su familia, que se olvide. Aquí las cosas suceden porque sí. Y punto.

En cuanto al "qué", de acuerdo, digamos que no hay nada de original, puesto que los personajes se enfrentan a una maldición que les lleva a pasarlas canutas y, en el peor de los casos, a la muerte. La chicha (nunca mejor dicho) llega en el "cómo" puesto que el causante de la maldición es el sexo. Así, como suena. En otras palabras, algo tan placentero como echar un polvo provoca la peor de las pesadillas. Lo primero que me vino a la mente es el mensaje ultra puritano que una premisa así puede traslucir. Sin embargo, otros críticos más avispados que yo han considerado que lo que en realidad hay es un ingenioso sarcasmo, ya que la redención parece estar también en el sexo, algo que según avanza la trama resulta más que discutible, en mi opinión.

Por último, el "dónde" se va haciendo más evidente según avanza el metraje, pues la casi despoblada ciudad en la que sucede todo, y en la que apenas vemos a los adultos (salvo en momentos clave, como si fuera una especie de retorcido cuento) logra de forma muy astuta destacar la indefensión casi absoluta de los protagonistas.

En cualquier caso, sea lo que sea lo que el cuasi debutante David Robert Mitchell haya querido decir (si es que ha querido decir algo) la gracia está en la inquietante contraposicón entre placer y terror, así como en el dilema moral que se le plantea a la protagonista al tener que dilucidar (sin tener nada claro que vaya a resultar) si quiere librarse de la maldición y pasársela a otro teniendo más sexo... (sí, exactamente lo que pensáis, como si fuera una enfermedad venérea)

Somos pobres, pero temibles

Dentro de su descarado caracter independiente y modestia de medios, la película está rodada con inteligencia y elegancia, ofrece algunos planos muy ingeniosos (con sorprendentes movimientos de cámara) y contiene algunas escenas impactantes (la secuencia inicial es de lo más perturbadora). Además, los desconocidos actores consiguen hacer la historia creíble, en especial la protagonista Maika Monroe (que tuvo un papel destacado en la también aclamada The Guest), a quien habrá que seguir la pista.

Es cierto que hacia la segunda parte del film la historia pierde fuerza, no así interés por llegar al desenlace, que en ciertos momentos bordea algún tópico del terror adolescente, sin llegar a caer en él y que, por más que no se quieran dar explicaciones, hay ciertas licencias argumentales que chirrían. Pero resulta admirable como se mantiene el (sorprendente en este tipo de films) tono serio y sobrio hasta el final, dosificando casi con cuentagotas los sustos y con un ritmo pausado, casi contenido, bajo los acordes de una peculiar banda sonora de sintetizadores con cierto aire ochentero.

It follows no es ninguna obra maestra, en mi humilde opinión (lo digo porque otros sí la califican de tal), pero sí una película que ofrece algo diferente dentro de los convencionalismos del género. Mi sugerencia es que le deis una oportunidad, sabiendo que no vais a encontraros ni de lejos un festival de sangre y sustos, y en el que se presta mucha más atención a los personajes y sus reacciones que al misterioso causante de la maldición. Eso sí, cuando salgáis del cine que no se os quiten las ganas de daros un revolcón si se tercia...

Mann  vuelve a retomar su género favorito, el thriller policiaco, enfocado esta vez al ciberterrorismo, una tema de lo más oportuno tras los famosos ataques a Sony o a PSN y Xbox Live.

Como gancho comercial, el protagonismo recae sobre Chris Hemsworth, famoso sobre todo por su papel de Thor, aunque también le hemos visto en roles muy diferentes al del superhéroe, como en la notable Rush, interpretando al piloto James Hunt, o en la curiosa La Cabaña del Bosque, desmostrando así que tiene más cualidades que un físico imponente.

Lo primero que me llama la atención (negativamente) es que a pesar de ser una película sobre hackers apenas vemos nada que no nos hayan contado ya en otras películas que hayan abordado el tema, por mucho que nos muestren un motón de imágenes (demasiadas, de hecho) de cables, chips y supuesta información navegando por la red y a Hemsworth tecleando a toda velocidad para desbloquear códigos de acceso como si tal cosa. Vamos, que casi resulta más una excusa para plantear una historia de polis y cacos que el verdadero motor de la película, cuando a estas alturas seguro que nos podrían contar muchas más cosas acerca del cibercrimen. Por desgracia, la trama en sí tampoco es demasiado original, y adolece de un guión bastante endeble con no pocas inconsistencias (¿Dónde diablos ha aprendido el protagonista/hacker a luchar y manejar armas así? ¿Dando clases nocturnas de kung-fu y tiro al plato en Silicon Valley?) y otros elementos metidos con calzador (el personaje femenino y su repentino/casto/ñoño idilio con Hemsworth).

Pero me sorprende aún más que Mann, precisamente especialista en llevar con pulso firme todos sus films y dotarlos de un ritmo que te impide separar los ojos de la pantalla, no consiga en Blackhat una intensidad acaptable, puesto que hay más de un altibajo a lo largo del metraje que impiden que la tensión dramática despegue en algún momento. Es cierto, eso sí, que la película gana algunos enteros hacia su parte final, y que las escenas de acción, sobre todo los tiroteos, están rodadas con el habitual espectáculo/realista perfectamente coreografiado (y con un sonido impecable) que hemos visto en la mencionada Heat o en su versión para la gran pantalla de Corrupción en Miami.

En cuanto al plantel de actores, parto de la base que el responsable de casting no ha estado inspirado precisamente. Ya es difícil tragarse que un pedazo tío como Hemsworth es un genio de la informática y el mejor hacker del planeta (¿Os imagianáis a Jobs o a Zuckerberg con esa planta? No hubieran necesitado ningún tipo de marketing...) y también resulta raro ver a una buena actriz como Viola Davis como agente del FBI con peluca imposible (aunque su trabajo es de los más esforzados) o a un militar chino que parece recién salido del instituto, pero es que, además, ninguno de ellos logra hacer creíbles a sus personajes, y son los malos (sobre todo Kassar) quienes permanecen algo más en la memoria a pesar de aparecen mucho menos en pantalla.

En la otra cara, la factura técnica del film sí está a la altura de lo que Mann nos tiene acostumbrados, con espectaculares localizaciones y una atractiva fotografía, y además cuenta con una buena banda sonora, obra de nuestro amigo Harry Gregson-Williams (que esperemos está vez no la haya plagiado...)

En fin, pensé que mis ojos no iban a ver nunca una película floja de Michael Mann, director al que debo un puñado de obras que adoro, pero me equivoqué.

Asistimos atónitos a una de esas historias que superan la realidad -y las peores pesadillas-, un angustioso relato de supervivencia de alguien que estuvo a punto de tocar la gloria al convertirse en uno de los mediofondistas americanos más prometedores de los años 30. Así pues, el film nos narra en tres partes bien diferenciadas la etapa de su infancia y su formación como atleta, su participación en la Guerra Mundial y -la más importante, extensa y desde luego llamativa- su calvario en dos situaciones extremas, de las que llevan al ser humano a límites que ni el mismo conoce.

Siendo la primera parte bastante convencional, la fase bélica tiene hallazgos notables, sobre todo los combates desde el bombardero americano, con secuencias muy espectaculares, impactantes y muy bien rodadas. Aunque estas dos introducciones no dejan de ser el preludio de lo que realmente nos quieren contar, el terrible calvario al que se ve abocado el protagonista, primero en un agónico naufragio y después prisionero de los japoneses.

Todo en Invencible está narrado con vigor, dentro de una acabado formal muy conseguido, en el que destaca una espléndida fotografía, y con buen ritmo al que solo le pesa una duración algo excesiva. La violencia está representada sin remilgos, aunque llegados ciertos momentos se desprende un descarado pudor que evita imágenes más explícitas, quizá con el fin de permitir que la película sea para todos los públicos.

El problema de la película viene por un guión que, ahí es nada, está firmado por los mismísimos hermanos Coen, que no son precisamente unos cualquiera en esta suerte. Hay dos cosas que, a mi humilde parecer, lastran en parte la película. La primera es la reiteración excesiva del sufrimiento. Es tal el empeño en mostrarnos las vicisitudes por un lado y perrerías por otro que pasa/sufre el protagonista que queda un amargo poso de saturación, que durante muchos momentos se transforma en la angustia del espectador esperando acongojado cuál va a ser la siguiente calamidad que se le va a mostrar. A mi entender, a veces menos es más y aquí más hubiera valido calidad que cantidad (aunque en la película haya calidad de brutalidades en cantidad).

Eso conlleva, además, que Invencible pase por encima o se olvide de aspectos que daban mucho más de sí, como la explicación del origen de esa extraordinaria fuerza interior del protagonista, la relación con sus compañeros (sobre todo en el campo de prisioneros donde apenas sabemos de sus historias y eso que pasan juntos dos años) y con otros japoneses además de su torturador o del posterior tormento que supuso a Zamperini rehacer su vida (en la realidad con tremendo estrés post traumático -lógico- y serios problemas de alcoholismo).

La segunda es el tono maniqueo que no ha podido -o querido- evitarse, donde los japoneses se ven muy malos (aunque estén representados prácticamente por uno solo) y los americanos muy buenos, con la única salvedad de una secuencia en la que los bombarderos prisioneros ven durante un breve instante las terribles consecuencias de las bombas que lanzan sobre Tokio.

En el otro lado de la balanza tenemos al protagonista, el semidesconocido Jack O'Donell  que hace un trabajo desgarrador como Zamperini, en un papel que desde luego es un caramelo, pero al que hay que saber dotarle de credibilidad, fuerza y veracidad para transmitir ese sufrimiento. Este chico lo logra con nota. Menos afortunado está su adversario japonés, en mi opinión mucho menos carísmático y más plano, aunque la escasa información sobre la motivación de su psicopatía tampoco ayuda. Y es que, sin duda, resulta menos complicado representar al sufridor que al que hace sufrir.

La historia empieza siendo un asunto policiaco, con misteriosa desaparición de por medio, aparentemente con tintes convencionales, a la vez que asistimos a la imagen de la perfección hecha pareja: un hombre y una mujer atractivos, listos, compenetrados, soberbios en su felicidad.. Pero ya desde las primeras secuencias entendemos que algo no encaja en ninguno de los dos asuntos.

Siguiendo con meticulosa fidelidad la novela (no en vano guionista y escritora son la misma persona) Fincher nos va llevando por un intrincado recorrido, que funciona como un preciso mecanismo con diferentes capas, que según vamos superando va abriendo nuevas bifurcaciones que conllevan más interrogantes. En otras palabras, cuando todo parece estar más claro, se vuelve más turbio.

El resorte narrativo, que mezcla actualidad con flasbacks más los reveladores apuntes desde el diario de Amy, desgrana poco a poco un mundo de medias verdades y mentiras enormes, de frustraciones y venganzas, de obsesiones, y el gran mérito es que Fincher logra que no nos despistemos en ningún momento mientras vemos absortos cómo mete de lleno el bisturí para hurgar de forma implacable -y muy poco condescendiente- en las relaciones de pareja y en la despiadada fuerza de la sociedad de la información, que impone el jucio sumarísimo de la opinión pública por encima de la mismísima ley. Ya sabéis, importa mucho más cómo te ven que lo que realmente eres. O lo que has hecho...

Con multitud de recovecos, la trama va avanzando agarrada a dos senderos, la investigación policial sobre la desparición de Amy, que tras cada descubrimiento coloca a Nick en una situación más comprometida, y la disección - a través de diferentes enfoques- de la personalidad de Nick y Amy, una pareja aparentemente ideal que tras cinco años de matrimonio ha entrado en crisis. A veces parece más un thiller melodramático y otras un melodrama policiaco. En ambas versiones la película es inteligente y magnética, y con un sentido del humor de lo más oscuro.

En este sentido, hay que dar un premio a quien pensara en Ben Affleck para el papel de Nick Dunne. Quien haya leído el libro le encajará a la perfección esa imagen de chico guapo que no cae bien (y si no que se lo digan a las legiones que se han opuesto a que sea el próximo Batman en Superman vs Batman), aunque en este caso es con razón: su personaje es un auténtico capullo: mentiroso, arrogante, displicente y un poco imbécil... Y, la verdad, Affleck realiza un trabajo muy competente, hasta el punto de que cuando las cosas se le ponen feas llegamos a empatizar con él. Aun así queda algo por debajo del contundente retrato de su esposa, interpretada con rabia por la actriz Rosamund Pike (os sonará de Jack Reacher o Ira de Titanes). La Amy que construye nos resulta tan "Asombrosa" (parafraseando los libros que hacen millonaria a su familia) que consigue provocarnos compasión y helarnos la sangre en la misma secuencia varias veces en el film.

Fincher nos mantiene pegados a la pantalla (¡casi tres horas!) con pasmosa facilidad, mediante un aparente perfil bajo, sin estridencia, con una puesta en escena elegante y sobria, en la línea de lo que vimos con Zodiac (uno de sus trabajos que más me gustan) o Millenium, y logra que el relato fluya inyectando las dosis exactas de información en cada momento y a través de múltiples vías, y dejándonos de piedra con continuos golpes de efecto insertados con precisión de cirujano. Todo ello bajo los sonidos estridentes de una banda sonora de lo más atípica, sin melodías, como si fuera el reflejo de la distorsión de unas vidas cuyo núcleo está necrosado.

Me quedo con ganas de que hubiera desarrollado más algunos de los personajes secundarios, pues solo Go, la hermana de Nick, está espléndida como el soporte incondicional de su hermano, pero otros como los detectives Boney y Gilpin o el abogado Tanner Bolt daban para bastante más.

Percibo también que ciertas partes del desenlace resultan más sólidas en la novela, sin que, eso sí, el escalofriante final resulte en absoluto mancillado, porque no queda ninguna duda de lo que verdaderamente importa dentro de este sofisticado laberinto.

Fincher y Flynn han sabido llevar la perversa y malintencionada novela de la segunda a la gran pantalla con brillantez, manteniendo la mala baba y acertando de pleno con los dos protagonistas, un elemento no menor dado que de ello depende la credibilidad de todo el relato.

Os dejo con el trailer de la película para que os vayáis empapando del retorcido puzle que nos propone Fincher.

1. Que estamos ante un thriller policiaco de primera (hay  evidentes similitudes con la maravillosa Heat, de Michael Mann)
2. Que el villano de esta película promete.

Ambos elementos no solo se confirman a lo largo del film, sino que alcanzan cotas extraordinarias, completando 150 minutos de puro cine.

Nolan apostó por continuar un camino que ya había iniciado en su primer Batman, pero del que tan solo vimos algunas pinceladas. Una vez se había explicado el origen de Batman y por qué alguien como Bruce Wayne decide transformarse en un justiciero disfrazado, llegó el momento de incluir esta premisa en un mundo mucho más real, insertarla dentro de la eterna lucha entre la ley y el crimen, con policias, jueces, fiscales y mafiosos de todo calado (financieros y asesinos) como protagonistas. Se acabó cualquier reminiscencia a un Gotham fantástico. Esta es una (Nueva York) ciudad actual, sin un solo elemento extraño, con sus edificios, bancos, túneles y calles reales.

Por fin Nolan logra lo que sin duda tenía en mente desde que decidió entrar en el universo Batman: conseguir que tanto el héroe como villanos encajen en un mundo absolutamente reconocible, fundir cómic y realismo para hacernos creer que sería posible que un tipo disfrazado de murciélago y otro maquillado como un payaso estuvieran entre nosotros. O, en otras palabras, convertir un cómic en una película adulta, una superproducción en una historia seria e inteligente (con diálogos brillantísimos), un film de acción en una tragedia, porque, al fin y al cabo, todo lo que vemos rezuma la inevitabilidad del destino de los textos clásicos griegos. Todo ello bajo el manto de una trama sólida como una roca (con más de un golpe de efecto inesperado), con un ritmo perfecto, que nos lleva con soltura de la acción más espctacular a la tensión más sobrecogedora, que logra ue 150 minutos se pasen en un suspiro.

El Joker

Sí, no voy a esperar más para entrar de lleno en uno de los elementos que hacen a la pelicula grande. La composición que Heath Ledger hace de el Joker es simplemente sublime. Hay una secuencia que me produce especial fascinación: El Joker recorriendo las calles de Gotham en un coche de policia, sacando la cabeza por la ventana para disfrutar como un crío del viento en su maquillado y desfigurado rostro, con una mueca de satisfación por haber dejado tras de sí el caos más absoluto tras un enrevesado y enfermizo plan.

Hay muchos elementos que hacen de este Joker uno de los personajes más memorables de la historia del cine. Para empezar, desde el primer momento queda claro –algo que siempre eché de menos en las primeras películas de Batman- por qué es capaz de hacerse con una banda de secuaces: una mente tan brillante que maneja como marionetas a sus adláteres a través de dos poderosas armas: la avaricia y el miedo. Como dice Batman“los críminales son previsibles, solo hay que saber lo que quieren”. Y de esa afirmación surge el aspecto más aterrador de este villano: no le interesa el dinero, no teme a nada, ni al dolor, ni a la muerte, ni a la pérdida. Su único resorte es la creación del caos, infligir el dolor que él es incapaz de sentir, corromper a las personas más puras y zarandear a su antojo a los débiles. Hasta los propios criminales se asombran de su ausencia de principios.

Esa absoluta falta de moral hace que su presencia en cualquier escena nos haga contener la respiración: es imposible saber cuál va a ser su siguiente movimiento, su imprevisibilidad es aterradora, es inútil tratar de descifrar sus enfermizos procesos mentales y eso eleva la tensión hasta límites insoportables. Ledger estuvo un mes encerrado en la habitación de un hotel interiorizando el personaje, asimilando cómo hablaría, pensaría y miraría alguien como él. El resultado no pudo ser más asombroso (premiado con un merecido Oscar). Ledger no interpreta al Joker, ES el Joker. Tras el triste falleciemiento del actor antes de concluir la realización del film, Nolan decidió dejar muchas de sus escenas sin editar, tal cuál se habían rodado, para mantener la autenticidad de un trabajo único.

Las espléndidas líneas de guión que le regalan (“Si hay algo que sabes hacer, no lo hagas gratis” o la famosa “Why so serious?”) o la sobrecogedora forma en la que explica la causa de sus cicatrices (¿Cuál de ellas es cierta, si es que lo es alguna?) le hacen aún más deslumbrante. De hecho, suyas son las reflexiones más profundas e interesantes, como el concepto de la anarquía dentro del orden establecido (cómo un mismo acontencimiento –la muerte de seres humanos- puede ser asumido con normalidad o provocar el mayor de los caos dependiendo de quién se trate) o la forma en la que dos fuerzas antagonistas –como él y Batman- acaban retroalimentándose a pesar de perseguir objetivos completamente distintos (la similitudes con situaciones reales actuales son infinitas).

Batman, Gordon y Dent

Es lógico que un personaje como el Joker sobresalga incluso dentro de tantos elementos destacables, pero el gran mérito de la película es que el resto de los personajes aguantan su abrumadora presencia con solidez. Christian Bale continúa con el acertado camino que emprendió en Batman Begins, y aprovecha con inteligencia la evolución de Wayne/Batman para incluso mejorar su destacado trabajo anterior. El símbolo se vuelve en su contra, hasta el punto de que le surgen imitadores (una reflexión muy ingeniosa, con cameo de Murphy/Crane incluido) y su figura de justiciero empieza a ser cuestionada a la vez que el Wayne real comienza a sufir el desgaste de una lucha interminable y ansía una vida normal, representada por su amiga/amor Rachel Dawes. Sus apariciones en sus tres facetas vuelven a saldarse con nota, esta vez con un Batman más espectacular (la secuencia Hong Kong es sensacional) y que ofrece escenas de acción más limpias.

Pero es imposible apartar la vista de dos personajes clave, el comisiario Jim Gordon, con Gary Oldman de nuevo impecable como policia honesto e incorruptible y, cómo no, el magnífico trabajo de un actor semi-desconocido por entonces (salvo para quien hubiera visto la perturbadora En Compañía de Hombres) cuyo complicado reto de llevar al inmaculado Harvey Dent, propuesto incluso como futuro héroe de Gotham en sustitución de Batman (El caballero Blanco), hasta el vengativo y rabioso Dos Caras lo salda con tal solvencia y lucidez que, en mi opinión, no queda demasiado lejos de la maravilla de Ledger.

Incluso una actriz de más empaque como Maggie Gyllenhaal, ofrece más consistencia al personaje de Rachel que lo que hizo Katie Holmes, aunque mi sensación es que sigue siendo un papel desaprovechado, probablemente ante la presencia de demasiados gallos en el corral.

Las brillantes aportaciones de nuevo de los enormes Michael Caine y Morgan Freeman (mira que hacen bromas con respecto al traje) terminan de dar la consistencia y el toque de humor necesario dentro de tanta tensión.

Formal y técnicamente se trata de una película sobresaliente. Secuencias como la mencionada de Hong Kong o las persecuciones por las calles de Gotham, con especial protagonismo para la molona Batpod, desprenden el aroma del mejor cine de acción moderno, ofreciendo un “más difícil todavía” sin resultar excesivamente fantasiosas (dentro de lo que cabe, claro) e integradas en la trama con talentosa naturalidad. Y por supuesto sin olvidar una maravillosa fotografía y dirección artística y una espléndida banda sonora de nuevo con temas de Zimmer y Newton Howard.  Por supuesto, este alarde también se reconoció aquel año en Hollywood con nada menos que siete nominaciones al Oscar en apartados técnicos, llevándose el de Efectos de Sonido.

Por supuesto, no es una película perfecta. En la última hora se permiten algunas licencias OJO SPOILER (que Dent confiese que es Batman sin aportar ninguna prueba y todo el mundo lo acepte como si tal cosa o los remilgos de Fox ante el uso del sonar cuando le ha dado igual que Batman se pase la ley por el forro una y otra vez son dos de ellas) FIN DEL SPOILER, y Nolan riza el rizo para colar algunas secuencias algo efectistas (la de los barcos -con resolución algo ingenua- y la de Dos Caras con la familia de Gordon son dos claros ejemplos).

No importa. Como hacemos con los buenos amigos, son pequeños defectos que perdonamos y asumimos hasta con cariño. Para nada enturbian la magnitud de una obra magnífica por miles de razones, que nos mantiene pegados a la pantalla de principio a fin, con momentos inolvidables, y que sin duda cambió para siempre el enfoque de las adaptaciones al cine de personajes de cómic.

Fin de la trilogía de Nolan el Especial Cine de Superhéroes

El viernes llega el cierre a este repaso al universo de Batman en el cine en nuestro especial cine de superhéroes.El Caballero Oscuro La Leyenda Renace tuvo el honor de ser la primera película que analizamos en Hobby Consolas, así que ¡no os la perdáis!

Cuando Christopher Nolan –un director que con tan solo tres películas, entre ellas la sorprendente Memento, se había labrado un notable prestigio- se embarcó en retomar la franquicia de Batman después de la irregular etapa Burton/Schumacher, dejó muy claro que su enfoque iba a estar condicionado por dos conceptos: humanidad y realismo. Las particulares características de Batman –un superhéroe sin superpoderes- posibilitaba esta visión. Además, Nolan estaba muy interesado en explorar el origen del personaje, cómo Bruce Wayne decide convertirse en Batman y luchar contra el crimen ampliando exponencialmente la famosa escena del asesinato de sus padres (que aquí se muestra de una manera mucho más conmovedora que en anteriores ocasiones), que hasta ahora había sido en el cine casi la única referencia a esa vida anterior. Esta vez se trataba de explicar también cómo adquiere esas habilidades de combate, el uso y el origen de los sorprendentes gadgets y, aún más importante, el proceso mental que experimenta en todo ese largo periodo de tiempo. Esta propuesta no surge solo de la mente de Nolan, por supuesto, sino que viene de la inspiración de los cómics Batman: Año Uno, de Frank Miller, The Man Who Falls y Batman The Long Halloween, en los que se aborda con detalle la infancia y el proceso de transformación del héroe, pero también se amplia la historia de personajes como el comisario James Gordon, Harvey Dent y el mafioso Carmine Falcone.

Así, la película tiene una primera hora fascinante en la que, mediante flashbacks, asistimos a un detallado proceso de iniciación en el que incluso vemos a Bruce relacionándose con criminales para aprender todo sobre ellos, y el papel crucial que juega su mentor, al que da vida un Liam Neeson que encaja como un guante en el personaje. Asistir al aprendizaje de las técnicas de lucha, de sigilo y de distracción es realmente espectacular, y para el espectador supone recuperar una importante pieza del puzzle en el aspecto más llamativo de Batman.

Mucho más interesante resulta la reflexión acerca de sus motivaciones y, sobre todo, explorar el terreno tan pantanoso que supone convertirse en justiciero, un papel en el que la línea que separa el rol de juez y el de ejecutor es finísima.  Temas como la venganza y el miedo, la ira y el sentimiento de culpa se abordan con seriedad e inteligencia, dando lugar a la reflexión por encima maniqueísmo.

Este planteamiento no hubiera podido mostrar tanta solidez de no haber contado con un interprete a la altura de tan imponente reto. Christian Bale, una actor repleto de talento (que demostró ya desde su debut con 13 años en El Imperio del Sol de Spielberg), pero que había tenido una carrera bastante errática, con desacertadísimas elecciones (quizá con la excepción del Bateman de American Psycho) llegó al papel justo después de haber sorprendido con su impactante trabajo en El Maquinista, para el que adelgazó 20 kilos. Y desde el primer momento se transformó en el atormentado, complejo, vengativo y oscuro Wayne/Batman, adaptándose a la perfección a la idea que Nolan tenía en la cabeza, metiéndose en la piel de los tres personajes (Batman, el Bruce Wayne real y el playboy inmaduro e insoportable) y aportando una poderosa intensidad que inunda cada plano. La  sorprendente voz ronca que transforma a Batman en un ser aún más aterrador fue una de las claves para ser elegido para el papel, como ha contado Bale en alguna entrevista. Es curioso, porque justo a partir de aquí, Bale enderezó definitivamente su trayectoria encadenando éxitos y elogios a partes iguales (Oscar incluido) convirtiéndose en uno de los interpretes más reconocidos de los últimos años.

Bale es una pieza clave en toda la trilogía de Nolan, hasta el punto de que ahora resulta imposible imaginarla sin él, pero tampoco hay que olvidar el extraordinario elenco del que fue rodeado, con un acertadísimo trabajo de casting, puesto que cada actor resulta ideal para cada personaje, empezando por Gary Oldman como el honesto y perseverante Gordon, siguiendo por un Michael Caine perfecto como Alfred o Morgan Freeman bordando un papel que se sabe ya de memoria (estos dos últimos ofreciendo las contadas pero acertadas dosis de humor). A la altura de ellos se sitúan los villanos, con ese actorazo llamado Tom Wilkinson más la siempre inquietante presencia de Cillian Murphy (mira que me pone nervioso el aspecto de este tío…). Nolan y el guionista David Goyer reconocen que su inspiración en este sentido fue el Superman de Richard Donner (1977) en el que el elenco de actores, con Marlon Brando, Glen Ford o Gene Hackman fue clave para dotar de mayor autenticidad al film.

Más dudas me crea Katie Holmes como Rachel Dawes, a quien me cuesta ver como la abogada dura y decidida enfrentada casi en solitario al crimen organizado. No niego sus esfuerzos, pero me deja la sensación de que otra actriz con un perfil más duro habría aportado mucha más entidad al personaje.

Batman no aparece hasta la hora de metraje, pero lo hace a lo grande, con las dosis de misterio y terror que requiere el símbolo (y también con una intencionada confusión en las escenas de combate, que a veces impide ver bien qué sucede). También llegamos a una Gotham (a la que ya vislumbramos en los primeros flashbacks) convertida en una ciudad moderna y llena de contrastes, con tremendas diferencias de riqueza que ahondan en la intención de actualizar y socializar la historia, a años luz de la factura gótica y de cuento que vimos con Burton (para disgusto de muchos, no mío, pues me gustan las dos) pero igualmente espectacular.

Lo mismo se puede decir con elementos tan significativos como el Batmovil, aquí transformado en un carro de combate ultramoderno por expreso deseo de Nolan, que quiso convertir el vehículo en un símbolo de lo que pretendía con el film ("Tiene que ser real, tiene que ser real" confiesa Goyer en una entrevista que insistía constantemente Nolan en cada elemento del la película).

Es cierto que esta segunda parte del film, ya con el Caballero Oscuro en acción, resulta muy entretenida, aunque también algo más previsible, y a pesar de que en ningún momento se baja el ritmo y el espectáculo se mantiene hasta el final (con un cuidadísimo apartado formal –nominación de Oscar a la mejor fotografía incluido), sí se echa en falta una pizca más de emoción y fuerza, como si Nolan tuviera claro que se trataba solo de un aperitivo y que lo mejor estaba aún por venir. Un guión notable, bien construído y con diálogos inteligentes (aunque también con algunas licencias) y una sobresaliente banda sonora de la mano no de una, sino de dos estrellas como Hans Zimmer y James Newton Howard completan una obra notable en su conjunto, un giro realista y atrevido al universo Batman que perdura en la memoria, se postula a futuras revisiones y deja ganas de más. Por suerte, Nolan ya tenía en mente una continuación, como bien se apunta en la ingeniosa escena final…

En dos días más Batman de Nolan en Especial Cine de Superhéroes

Seguimos con este repaso al Caballero Oscuro. Llega el momento de seguir la evolución de Batman y la llegada de nuevos villanos en el especial cine de superhéroes.

Como no podía ser de otra forma, la película tuvo su corespondiente reconocimiento, con nada menos que 11 nominaciones a los premios Razzies (conquistando el de peor actriz de reparto para Alicia Silverstone), siendo elegida por Empire entre las 50 peores películas de la historia y cosechando algunas de las más dolorosas críticas que ha recibido una película de superhéroes.

Bruce Wayne vuelve a cambiar de rostro, y esta vez la responsabilidad le cae a un George Clooney que se pasa toda la película con la sensación de que no sabe de qué va todo aquello. Da cierta pena ver a un buen actor como Clooney tratando de salvar un personaje con bastante líneas de diálogo que rozan la estupidez. Por su parte, Robin/O’Donnell explota el lado más… “adolescente” de su personaje, y lo convierte en una chaval con el pavo disparado, insoportable por momentos que quiere su coche y su señal en el cielo (¡estaría bueno!).

El sentido del humor, que fue una digna baza en el anterior film, aquí se convierte casi en leit motiv de la historia, con el "pequeño" matiz de que casi nada tiene ni puñetera gracia (salvo la alusión a Superman en la primera secuencia) y ya se sabe que hay pocas cosas más patéticas que intentar ser chistoso y fracasar (lo de la tarjeta de crédito de Batman es de nausea).

En ese sentido, los dos villanos tienen un papel crucial. Además de que la dicción de ambos (hablo de sus voces originales) parece sacada de una escuela de iniciación al teatro, con una solemnidad e impostura absurdas (en plan “soy un malvado y voy a acabar con Batman” léase con lentitud y mirando a cámara) que llegan a resultar sonrojantes, los diálogos son simples, con una incomprensible obsesión por realizar continuos juegos de palabras con el frío en el caso de Schwarzenegger y bajo el "manual de la perfecta mujer fatal" por parte de Uma Thurman, aunque al menos en su caso salva alguna escena gracias a su talento.  A Bane casi no merece la pena mencionarlo puesto que aparece como un mostrenco sin cerebro que, pese a su extraordinaria fuerza, es tan sencillo vencerle OJO SPOILER como desconectando el tubo que lleva a su espalda FIN DEL SPOILER.

Para colmo su papel en la trama se limita a ser simplemente los villanos encargados de poner en dificultades a los héroes, sin que haya la más mínima intención de profundidad, puesto que, en otro incompresinble juego del guión, el peso de la historia recae en la relación Batman/Robin (de ahí ciertas alusiones por parte de algunos críticos del carácter homosexual de la película), la enfermedad de Alfred (que vuelve a lograr la mejor interpretación de todo el elenco) y la aparición de un nuevo personaje, Batgirl, una irritante Alicia Silverstone que se convierte en heroína (en el buen sentido del término) en un abrir y cerrar de ojos. Bueno, miento, antes nos demuestran que es una chica de armas tomar porque participa en una carreras ilegales de motos y sabe judo (¿?).

Toda esta colección de “virtudes”, eso sí, están adornadas con muchas explosiones, congelaciones y envenenamientos, y un extenso muestrario de gadgets y vehículos con especial protagonismo para los ganchos con forma de murciélago. ¡Ah! Y Elle MacPherson pasaba por ahí y se convierte en la novia de un Bruce Wayne (que en otro absurdo aún se piensa si quiere estar con ella el tío….). Para colmo, ni siquiera la dirección artísitica, como en las anteriores, o los efectos especiales (en muchas ocasiones uno se pregunta a dónde fueron a parar los 125 millones de presupuesto) se salvan del desastre.

Podría seguir enumerando más joyitas en esta entrega ante la que incluso Joel Schumacher acabo pidiendo perdón, pero como hay gente mucho más brillante que yo, os dejo con el Trailer Honesto de Batman y Robin, donde veréis en imágenes muchas de las cosas que aquí os he contado.

Y ahora a por Nolan en el Especial Cine de Superhéroes

Se acabó la primera hornada de la saha Batman, la semana que viene empezamos con las películas de Nolan en nuestro especial cine de superhéroes.

Y, desde luego, desde la primera secuencia (una espectacular presentación de Batman en plan Parasela Cibeles) cualquiera puede darse cuenta de que cualquier parecido con las películas de Burton es pura coincidencia. Schumacher, que se había labrado cierto caché dirigiendo thrillers muy del gusto del público (Línea Mortal, Un día de furia, El Cliente) sin duda bajo las directrices de los jerifaltes de Warner, convierte Batman en un espectáculo para todos los públicos. Batman recupera el protagonismo de la historia, ahora interpretado por un Val Kilmer en su momento álgido de popularidad (ese mismo año hizo un gran trabajo en la sensacional Heat de Michael Mann) y Warner se preocupó de rodearle de un elenco conocidísimo, para asegurarse de que tan solo el tirón de los nombres ya bastaría para garantizar una jugosa taquilla.

Además, la película abandona el tono oscuro y gótico de las dos primeras películas y transforma Gotham en una ciudad más colorida, repleta de luces de neon, siguiendo el estilo de la serie de TV de los 60, lo que no desmerece que vuelva a ser un gran trabajo de dirección artística, esté más o menos en línea con el universo Batman. El holgado presupuesto permitió un gran espectáculo pirotécnico que fue reconocido con tres nominaciones al Oscar (fotografía, sonido y efectos de sonido). Con todos estos elementos bien atados, solo quedaba completar un argumento sencillo, digerible hasta para los estómagos más delicados, sin ningún elemento complejo que obligara a rascarse la cabeza. Y que Schumacher no la cagara y simplemente volcará todo su oficio en coordinar bien todo y elaborar un producto comercial que arrasara en taquilla. La película acabo recaudando el triple de lo que costó realizarla y en Warner respiraron tranquilos.

Al contrario que Burton, Schumacher pierde pocos minutos en presentar a los villanos. De hecho, para Harvey Dent "Dos Caras" apenas se ve un vídeo de unos 10 segundos en el que se muestra cómo su rostro acaba desfigurado, mientras que con Enigma sí hay un prólogo algo más elaborado antes de su transformación pero resulta evidente que se trata más de que Jim Carrey disponga de más tiempo para lucirse con su inmenso repertorio de muecas, voces y posturas que con el fin de darle profundidad al personaje. Por cierto su trabajo fue alabado por algunos críticos, por más que si veis la película hoy me apuesto a que os dará la sensación -como a mí- que Carrey no interpreta a Enigma, sino que se interpreta a sí mismo como le hemos visto en infinitas ocasiones. Pero hay que tener en cuenta que en 1995 apenas había rodado Ace Ventura, Dos tontos muy tontos y, sobre todo, La Mascara -cuyos recursos casi clava en Batman- y por tanto el público aún no estaba saturado de sus payasadas. Más desaprovechado me parece ese actorazo llamado Tommy Lee Jones, que aquí se limita a repetir el mismo recurso una y otra vez, con todo el carisma y poderío al que acostumbra, pero con el convencimiento de que su personaje daba mucho más de sí.

Batman y la chica... y Robin

Tras confesar mi poco aprecio por Michael Keaton como Bruce Wayne, os estaréis preguntando qué me parece Val Kilmer. Pues pienso que físicamente encaja mucho mejor en el papel aunque su interpretación me parece demasiado plana: confunde la contención con el hieratismo. Es curioso, porque Bob Kane dijo en alguna entrevista que era un actor que le gustaba mucho como Batman/Wayne. Quizá los momentos en los que mejor funciona son los humorísticos (debe ser que algo le quedaba de Top Secret), con la inestimable ayuda del gran Alfred (de nuevo un Michael Gough perfecto, que va ganando protagonismo en cada entrega) y de la psicóloga Chase Meridian, una Nicole Kidman guapísima (antes de hacerse tantos retoques) que tiene un divertido papel a caballo entre la Vicki de la primera película y la Selina de la segunda (a la que se hace referencia en una conversación con Batman) y a quien quizá no ayuda un guión que resuelve su relación con Batman/Wayne de un plumazo sin explotar más el juego que daba enamorarse de dos personajes que en realidad es el mismo.

Y entonces llegó Robin. Personaje polémico ya en los cómics, por asociarse con un héroe que es el paradigma de la individualidad y por otras connotaciones que luego comentaré. Su presentación en el circo está muy bien traída, y además incluye el momento más dramático de la película, y su proceso de iniciación tras su desgracia es convencional y previsible pero llevadero. Pero es cierto que un actor tan blando como Chris O´Donnell no ayuda a darle más entidad a un personaje ya cuestionado de por sí, a pesar de sus evidentes esfuerzos. En cualquier caso, fue otro as en la manga de Warner para llegar a un público más adolescente que desde luego le salío bien (en esta ocasión…).

La película se desarrolla entre continuas escenas de acción, rodadas con oficio aunque sin brillantez, y un buen espectáculo de efectos especiales (que Burton despreció tres años antes, aunque ya estábamos en la época post Terminator 2 y se podían hacer virgerías), pero sufre de un guión lleno de altibajos -con algunas secuencias algo tediosas de Jim Carrey- que en su afán de alejarse de la complejidad y oscuridad de los anteriores acaba resultando superficial en exceso, y sin explotar de forma más ingeniosa el sentido del humor que claramente era una de las bazas del film y que acaba siendo demasiado blanco. Además, la forma en la que Batman acaba con los dos villanos (dos mentes privilegiadas, la de Enigma supuestamente extraordinaria, por lo que sucede en la historia) que se dejan vencer de una manera un tanto simplona, resulta algo sonrojante. En la parte final, la aparición del Arkham Asylum supone todo un guiño a los cómics.

Como curiosidad, tras el estreno del film saltaron voces sobre su tono homoerótico, en parte por los pezones añadidos al traje de Batman, siguiendo por los planos finales que muestran de forma explícita su trasero con las mallas ajustadas y acabando por la ambigua relación con Robin, que como decía antes ya había creado debate en los cómics. Qué queréis que os diga, más allá de la anécdota, cada uno ve lo que quiere ver, y sea o no intencionado me parece totalmente lícito que se le quiera dar el tono que a cada uno le dé la gana.

Y por seguir con alguna curiosidad más, Christian Bale estuvo a punto de ser Robin (quién le iba a decir lo que pasaría años después...), mientras que para el papel de Enigma se barajaron varios nombres, Mark Hamill estuvo en las quinielas hasta el final, y entre ellos nada menos que… ¡Michael Jackson!

Por otro lado, en la promoción de la película se añadieron los temas de U2, "Hold me, Thrill me, Kiss me", y el de Seal"Kiss from a Rose" que acabó convirtiéndose en el video promocional del film y que empujó aún más el lado comercial de esta producción.

Batman Forever resulta una película entretenida e inofensiva, que se ve con facilidad si no se adopta una postura exigente y que ni chirría ni destaca en ningún aspecto en concreto, quedando como un buen espectáculo de domingo por la tarde, que seguro es mucho más apreciada por el público más joven. Desde luego carece de la personalidad de las películas anteriores, y su tono más pop la aleja en parte del universo Batman, pero visto lo visto, resulta un trabajo más que digno teniendo en cuenta lo que estaba por venir…

Más Batman el Especial Cine de Superhéroes

Esta misma semana tendréis la crítica de Batman y Robin, antes de seguir con el Batman de Nolan en nuestro especial cine de superhéroes. ¡Atracón de murciélagos!

Tras el arrollador éxito de la primera película, Warner no se pensó dos veces lanzar una secuela. Burton no estaba muy convencido, porque a pesar del exitazo su primera experiencia con el Hombre Murciélago no fue personalmente satisfactoria, pero acabó aceptando a cambio de que le dejaran más libertad para desarrollar la obra a su gusto. Y vaya que si lo hizo. Batman Vuelve encajaría como una pieza más del -irregular- puzle que forma la peculiar filmografía del director, porque cuenta con muchos elementos que hemos visto en sus películas más representativas, como la inolvidable Eduardo Manostijeras que rodó un año antes: Un personaje con deformidad física y psíquica que sufre el desprecio y la marginación de la sociedad y busca desesperadamente integrarse y ser aceptado; un malvado perverso y sibilino que trata de manipular al personaje; una muchacha desvalida que sufre un trastorno de personalidad que la convierte en una agresiva y sensual felina... Todo ello de nuevo bajo una embriagante ambientación tenebrosa y oscura sacada de un (algo estrafalario) cuento de terror. El director estaba en un momento de bajón, por lo que comentó en varias entrevistas, y eso se nota en el tono lúgubre y deprimido de la historia. Y mientras Batman pasaba por allí...

Batman pasa a ser otra vez un personaje secundario, supeditado a los avatares de los dos absolutos protagonistas, Pingüino (un Danny deVito mucho más desatado que Nicholson, que ya es decir, aunque bastante menos sólido) y Catwoman (una Michelle Pfeiffer espléndida, sin duda lo mejor de la película). El film se desarrolla dentro de la arquitectura de un cuento, zarandeado por los extremados vaivenes de Burton, que juega con escenas que van de lo escatológico a lo tierno, de lo lascivo a lo tontorrón, de lo serio a lo absurdo. Nos presenta una película con no pocos elementos muy interesantes por sí mismos (los dilemas psicológicos, la relación de amor-odio entre Batman y Catwoman y la venganza como auténtico motor vital de los tres personajes) pero que al mezclarlos no terminan de funcionar del todo, dando como resultado una cinta algo irregular. Y lo que es peor, en ocasiones lenta y un pelín aburrida. Las contadas escenas de acción y algunos diálogos y escenas excesivamente alargadas no ayudan en este sentido.

Burton vuelve a recrearse con descaro en los aspectos que más le fascinan, descuidando otros muchos, y por eso vemos un detallado prólogo del origen del Pinguino y un larga presentación del proceso de transformación de la acomplejada secretaria Selina en la peligrosa y sensual Catwoman (para que a la postre no se aclare ni cómo un ser tan ingenuo y patético como el Pingüino se convierte en rey del hampa ni vemos una explicación más clara -aunque sea sobrenatural- de cómo Selina adquiere esas extraordinarias habilidades acrobáticas y de combate). Pfeiffer se divierte con la dualidad de su personaje y tiene escenas realmente graciosas con ambas caras, sin cortarse a la hora de explotar el lado más sexual. Pero el guión, entre otras muchas lagunas (y sinsentidos), me deja con ganas de profundizar mucho más sobre su relación con Wayne/Batman (algo que daba más juego). Por no mencionar la escasa inspiración al diseñar el "maquiávelico" plan del Pingüino, al que los alienados (y escasos...) ciudadanos están a punto de hacer alcalde, o cómo un supuesto villano de postín como él es arrastrado de forma un tanto boba por un salmón crudo que le muestra un siempre convincente Christopher Walken (cuyos inconfesables crímenes más parecen los de un político cualquiera de hoy en día que los de un gran villano de cómic). Se nota que la escenas que destacan los aspectos más "freak" de los villanos son las que más entusiasman a Burton (véase la del Pingüino y Catwoman forjando su extraña alianza).

La trama se va desarrollando a empujones, con secuencias que por sí solas resultan atractivas (sobre todo en las que está Catwoman) y algunos giros y resoluciones del guión tan débiles y pueriles que provocan cierto sonrojo (las tretas para convertir a Batman en un malhechor de cara a la sociedad o la forma en la que Batman desacredita al Pingüino están entre las más flojas).

Más interesantes son los elementos más freudianos, como una curiosa -y quizá poco explotada- referencia bíblica que entronca con una de las primeras secuencias del film y ahonda en la compleja naturaleza del Pingüino. Y el broche final llega con florituras burtonianas como un Pato-móvil o unos peligrosos "pingüinos" armados con cohetes (por lo que grupos a favor de los derechos de los animales, y no es broma, pusieron el grito en el cielo) que aunque desde mi punto de vista me cuesta creer como amenazas de todo un Caballero Oscuro, inciden aún más en el tono de cuento para adultos que Burton quiere (y consigue) aportar a esta película.

Vuelvo a lo que os decía al comienzo (ya estoy esperando las collejas): sé que mucha gente (y críticos de postín) tienen en gran estima a esta película y algunos la consideran mejor incluso que la primera. De verdad, es posible que mi miopía fílmica me impida ver toneladas de genio de Burton en este film (cuando sí lo he visto muchas veces, en la mencionada Eduardo Manostijeras, Ed Wood o Pesadilla antes de Navidad, por poner solo tres ejemplos, y habiendo dejado clara mi opinión muy positiva del primer Batman) aunque sí algunas brillantes pinceladas de su talento y una vez más todo un alarde de personalidad y habilidad para convertir en algo totalmente suyo una historia ajena. Y aún con todo sigo encontrando elementos meritorios para que la película merezca una revisión y siga siendo en su conjunto un entretenimiento aceptable aunque bastante alejado del universo de los superhéroes. Pero visto lo visto, yo me alegro de que aquí Burton pusiera punto final a su curiosa y desde luego inolvidable relación con el Hombre Murciélago (bajo "sugerencia" de Warner, que no quedó nada contenta con el resultado artístico y económico de esta secuela) y se dedicara a deleitarnos con grandes obras como las que he mencionado.

Continúa la Batmanía en el Espeical Cine de Superhéroes

Pronto seguimermos con el resto de las películas de Batman, así como con los otros grandes héroes de cómic en nuestro especial cine de superhéroes. ¡No dejéis de seguirlo y comentar (y protestar) nuestras apreciaciones!