Del puñado de adaptaciones previas, la más recordada es la de 1955 de Elia Kazan por la aparición del fugaz James Dean en la que el propio John Steinbeck (autor de la novela original) ejerció de guionista junto a Paul Osborn pero hay que decir que la nieta del director ha dado en la tecla con el formato escogido para volver a narrar esta historia. Como miniserie permite que se comprenda mucho mejor el desarrollo de los personajes además de ahondar en la historia de algunos secundarios de gran importancia como como Lee, interpretado por Hoon Lee o Samuel Hamilton, a quien da vida Ciarán Hinds.

A eso hay que añadir el paso el tiempo. Tengamos en cuenta que la historia que nos narran en Al este del Edén abarca desde el periodo anterior a la Guerra de Secesión, arrancando en 1860 y llega hasta la Primera Guerra Mundial.

Monstruosidades en el paraíso

Adam y Charles son los hijos de un veterano de guerra que se crían en unas condiciones muy estrictas y desarrollando personalidades antagónicas. Su padre les enfrenta a menudo y cuando decide enviar a Adam al ejército entre ellos se crea una rivalidad más amarga que nunca.

Muchos años después, cuando regresa a la hacienda familiar que ha ido gestionando Charles, descubre que su padre ha muerto y que ambos son los herederos de una verdadera fortuna.

Sin embargo, lo que marcará sus vidas para siempre, es la aparición de una misteriosa mujer en su puerta. Ensangrentada y malherida, la supervivencia de Catherine Ames pende de un hilo y Adam no duda en acogerla y hacerse cargo de su curación, quedando prendado de ella de forma instantánea. Su estancia será otro motivo de discordia entre los hermanos, que apenas acababan de transitar el camino de la reconciliación. A partir de ese momento, iremos descubriendo el pasado de una mujer marcada por el ansia de ser libre y la falta de escrúpulos para conseguirlo a toda costa.

Al este del Edén es una historia generacional en la que se habla de la herencia y del libre albedrío. Esto se conceptualiza en el significado de la palabra hebrea "timshel" que se convierte en un momento dado en el corazón del relato. Los personajes, independientemente de su origen, tienen la posibilidad de elegir su destino, no hay cartas marcadas ni una ruta preestablecida. Y eso mismo se traslada al marco mucho más grande que les rodea: los tiempos cambian como lo hace la moda o los usos y costumbres. Las oportunidades aparecen y pueden llevarles a la ruina o al éxito pero que lo permanece por encima de las circunstancias es su capacidad de elección.

Los valores de producción son del altísima calidad (fotografía, dirección, montaje) y con muchas referencias estilísticas muy reconocibles: desde westerns archiconocidos como Centauros del desierto hasta otras más modernas como la del Drácula de Coppola en esa Kath casi vampírica del final del relato.

En resumidas cuentas Al este del Edén es una serie de clase A, de acabado cinematográfico, en la que cada episodio nos va internando en un nuevo y apasionante momento histórico. Es una de esas series imprescindibles que nos remiten a grandes clásicos adaptados con una ferocidad inusitada.

La emergencia climática llama a la puerta e Iñárritu quiere utilizarla como plataforma para muchas cosas distintas: señalar con el dedo la podredumbre de las élites mesiánicas que esquilman los recursos naturales por puro capricho; ofrecerle a Tom Cruise la oportunidad de demostrar que sabe hacer algo más que franquicias de acción y darle la vuelta a tortilla con un giro metalingüístico sobre cómo el arte nos ayuda a sobrellevar la desgracia, a digerirla, darle forma e incluso generar una catarsis colectiva que no nos salvará, pero al menos sí dejará el recado para las nuevas generaciones.

Pero entonces, ¿por qué no funciona? Probablemente porque el guión nace de una indignación tan profunda que todo en él es excesivo, clamoroso y repugnante. La banda sonora es atronadora e histriónica, como lo son las conversaciones a gritos, los contoneos de nuestro protagonista y todo lo relativo a la parodia (sin gracia) de acontecimientos que estamos siguiendo 24/7 vía medios de comunicación.

La demagogia, el patriotismo ferviente, la mezcla de política y fe, el silenciamiento de las voces críticas, la anteposición de los intereses espurios a las voces de alarma... Ninguno de estos hechos nos resulta ajeno como tampoco la avidez por controlar recursos como el petróleo, que está poniendo en jaque los equilibrios de poder a nivel mundial.

En pocas palabras: la realidad (asfixiantemente preocupante) del actual panorama internacional, le deja poco espacio a la ficción. A Iñárritu le ha vencido la ambición y el cabreo: ha querido conceptualizar una amenaza que ya se siente muy tangible sin intercesión de la ficción o el tamiz de la representación meta que propone aquí.

Digger es uno de los hombres más ricos del mundo gracias a sus antepasados, que se han estado enriqueciendo con la explotación del petróleo desde hace varias generaciones. Aunque vive entre el lujo más exquisito, nunca sacia sus aspiraciones y, cuando los científicos le alertan de una fisura en un glaciar de Groenlancia generado por una de sus empresas, decide hacer oídos sordos durante demasiado tiempo.

Las cosas se ponen muy feas cuando un enorme iceberg se desprende amenazando con llegar hasta la costa del norte de Europa donde las consecuencias podrían ser devastadoras si llegase a generar un tsunami, tal y como prevén los expertos. Aunque a él le preocupan más las pérdidas económicas que las vidas humanas, para sorpresa de nadie.

Así las cosas, se genera un gabinete de crisis en el que interviene el presidente de los Estados Unidos, el propio Digger y varios altos mandatarios del gobierno y el ejército. ¿Su conclusión? Si no se puede controlar la situación porque las fuerzas de la naturaleza se han desatado, quizás es el momento de dominar el relato, cambiando la percepción social del origen de la amenaza.

Digger señala con el dedo a los ancianos hombres blancos que tienen la capacidad para infligir un daño irreparable a toda la humanidad. Los señala como necios, machistas, ególatras y paletos y nadie le quita la razón, es solo que se nota demasiado que la película es un exabrupto en lo que se refiere a las formas. La salida de tono es tan bárbara que cuesta sobremanera aguantar los 128 minutos de metraje en los que los gritos y los golpes son la tónica. Y el humor el gran ausente de una función que pide a voces un respiro.

Tenemos que hablar de las interpretaciones. Tom Cruise está completamente fuera de foco, a pesar de ser el líder del cartel y el gran reclamo comercial de la película: su desmesurada caracterización y su extravagante comportamiento, que trata de justificarse con un giro meta, no logran convencer demasiado. Y eso que se deja la piel en una larga secuencia en la que se queda sin resuello.

Aquí quienes atrapan más la atención son John Goodman y Jesse Plemons, que tiene uno de los parlamentos más interesantes de toda la película. Sandra Hüller, Michael Stuhlbarg, Emma D'Arcy o Burn Gorman apenas pasaban por allí... son talentos desaprovechados en una película que es menos coral de lo que parece.

Así que no logra zafarse de ninguno de los estereotipos del cine bélico repetidos ya una y mil veces en películas ya vistas y de mayor calidad: la recogida de las chapas identificativas de los caídos, los recuerdos de la amada esposa y el hijo en tonos dorados, la dedicatoria a "los muchachos"... Un corolario de trivialidades porque la cinta no se preocupa de desarrollar emocionalmente a sus personajes más allá del hecho definitorio de su entrega a su país y sus seres amados esperándoles.

Vaya por delante otra observación: el atractivo de Scott Eastwood y su fotogenia son más que evidentes, pero también es bastante obvio que sus dotes interpretativas tienen un gran margen de mejora. Desde luego, da la sensación de que un papel protagonista de esta envergadura le queda bastante grande.

La película parece muchas veces más interesada en sus primeros planos en los que se muestra su inalterable afeitado y su sonrisa blanqueada que en darle a la aventura de un tipo herido, muerto de frío, hambriento y lejos de la salvación con un mínimo atisbo de verosimilitud.

Lucky Strike es una de esas clásicas películas de estructura circular. Un veterano de guerra llamado John Castle visita a una mujer para hablarle de la implicación de su familia en el conflicto. Aunque ella recela en un principio, le ofrece un café a ese hombre, que le cuenta con todo lujo de detalles su periplo durante la Batalla de las Ardenas.

De esta forma descubre que su unidad era el encargada de colocar cargas explosivas para frenar los Panzer de los nazis y dificultarles el paso hasta el puente de Amberes. Tras perder a todos los hombres a su cargo, aislado y con un disparo en la pierna, no tiene más remedio que desplazarse a lo largo de 30 kilómetros entre los bosques con la única ayuda de su viejo mapa y una radio militar SCR-300 ("Lassie") con la que debe comunicarse con el campamento base de referencia, que está siendo atacado febrilmente por los alemanes.

En su camino encontrará aliados que tratarán de ayudarlo a evitar a los soldados nazis, pero también a traidores insospechados que le obligarán a tener peleas cuerpo a cuerpo en una constante batalla por la supervivencia.

Lucky Strike cuenta apenas con 103 minutos de metraje pero la ausencia de sorpresas y la colección de clichés de la que está provista hacen que el tiempo pase muy despacio durante el visionado. Tampoco es que el desenlace consiga su propósito de resultar emotivo, así que, en líneas generales, no es una película que haga una gran aportación al género.

Se puede ver, sin duda, sabiendo el tono de lo que vas a encontrar y templando mucho las expectativas. Quiere sacar pecho por estar bien documentada (clásicos títulos de crédito con imágenes de soldados en el frente para "refrendar" el metraje) pero cuela unos cuantos anacronismos tanto en los uniformes como en el aspecto de los Panzer. Y ni siquiera a nivel visual consiga despuntar demasiado... Hasta se cuelan un par de fallos de raccord bastante molestos.

El personaje al que acompañamos, nuestro protagonista, no evoluciona nada a pesar de sus vivencias y no hay espacio para los grises: los malos son muy malos, los buenos son muy buenos. Cero espacio para la reflexión, la duda o los estragos de la guerra.

En suma, Lucky Strike se queda muy corta en materia de originalidad y tiene problemas de ritmo e interés. Tiene pasajes directamente aburridos y otros muchos carentes de tensión narrativa. Jugar con estos mimbres y llegar a tan pobre resultado sí que es un crimen de guerra.

En esta ocasión, la trama se ubica dentro de la serie de imagen real de la plataforma, justo tras los eventos de su segunda temporada. Mientras navegan rumbo a Alabasta, Usopp (Jacob Gibson) le cuenta al nuevo integrante de los Sombrero de Paja, Tony Tony Chopper (Mikaela Hoover) la historia de cómo se formó la banda pirata antes de encontrarse con él.

Así, bajo el estilo de animación de LEGO, le va contando todos los eventos acontecidos durante las dos primeras temporadas del live action, desde que Luffy comió accidentalmente la Fruta del Diablo que le convirtió en un hombre de goma hasta encontrarse con Chopper y salir de la Isla Drum para dirigirse a Alabasta a detener los planes de Sir Crocodile, el líder de Baroque Works.

El problema es que el que cuenta la historia es Usopp, conocido por ser un mentiroso patológico, por lo que los eventos son "ligeramente" alterados y mucho más resumidos tomando, según él, "libertades creativas", tratando de convencer a Chopper de que él es el verdadero héroe en las aventuras vividas.

Un especial divertido, pero se hace muy corto

Por lo general, los especiales de LEGO son bastante divertidos, parodiando a la franquicia de turno. Y, por supuesto, con One Piece no iba a ser una excepción.

Con su característico sentido del humor, LEGO One Piece trata de sacar punta a los momentos clave de la serie de Netflix, con el elenco original prestando su voz a sus personajes (aunque en el doblaje castellano hay algunas ausencias notables, como la de Taz Skylar, actor de Sanji).

Tanto las escenas más "fieles" como las exageradas por Usopp son bastante divertidas y sacarán más de una carcajada a los fans de la franquicia, sobre todo a los peques de la casa.

El problema es que es un especial demasiado resumido. En dos episodios de unos 30 minutos de duración cada uno se condensan las dos temporadas del live action (a temporada por capítulo), por lo que se obvian muchos momentos de la serie original.

Por supuesto, ni qué decir tiene que si no has visto el live action de Netflix te abstengas de ver el especial de LEGO, ya que te desvelan muchos momentos importantes de la trama, y lo suyo es que lo veas previamente en condiciones en su versión de imagen real o, en su defecto, hayas leído el manga o visto el anime (que, aun con sus diferencias, los momentos clave siguen siendo los mismos).

No obstante, LEGO One Piece es un divertido aperitivo con el que pasar el rato mientras esperamos los episodios de la tercera temporada del live action, los cuales llegarán a Netflix en algún momento de 2027. Pero el verdadero plato fuerte lo tendremos en febrero, pues es cuando aterriza en la plataforma The One Piece, el remake del anime que narrará de forma más fiel el manga de Eiichirô Oda sin dejar nada por alto.

Protagonistas de una de las mejores temporadas de televisión criminal del siglo, amigos desde prácticamente la mitad de sus vidas y dueños de dos personalidades interpretativas tan reconocibles que los convierten, de hecho, en absolutos personajes de ficción caminando por la realidad. Ahora, ¿es suficiente para decidir que el rumor de si son hermanos da para una serie?

Brothers, la nueva comedia de Apple TV+, convierte el chiste en una historia de ocho episodios protagonizados por McConaughey y Harrelson haciendo versiones exageradas y satirizadas de sí mismos.

La historia la empezaron ellos, de hecho, y así lo han querido reflejar para el arranque de la serie: la madre de McConaughey contó a todos en unas vacaciones juntos que había "conocido" al padre de Harrelson antes de que Matthew naciese. Y, al parecer, esas comillas eran del tamaño de Texas.

De aquellos polvos, estos lodos. Como si fuesen dos colegas que se hubiesen retado en términos que no tienen cabida en este texto sobre si se atreverían a llevar esto a la tele, aquí lo tenemos: una serie guionizada de comedia y ligeros tintes de drama que demuestra que una anécdota divertida no genera necesariamente una premisa narrativa funcional.

El rumor hecho serie

La serie empieza con la familia de Harrelson apareciendo en el rancho texano de McConaughey después de que la boda de su hija haya terminado en llantos y, estando allí, la madre del segundo (Holland Taylor) suelta la bomba: quizá lo de que se llamen "bro" tiene algo más literal de lo que se imaginan.

Mientras Woody intenta demostrarlo, Matthew fantasea con la crisis de los 50 del actor de Hollywood más castizo: presentarse a gobernador de Texas. Con episodios de media hora y dos disponibles con el estreno de la serie, puedo decir que no consiguen convertir ese privilegio de juntarlos en cámara en razón suficiente para seguir viéndola.

Y no es que este tipo de rumores o misticismos detrás de las vidas de las —inserta aquí la voz de Joaquín Reyes otra vez— celebrities no tengan cabida en el cine comercial, es más bien el peso que son capaces de soportar más allá de la anécdota. El propio Harrelson es parte fundamental de una película que lo hizo de maravilla en ese sentido: Zombieland.

Bill Murray aparece para interpretar a Bill Murray en un tramo de la película que utilizan para que se burle directamente de su imagen pública. Zombieland convirtió al propio Murray en el mejor chiste sobre sí mismo dándole un espacio en una película de zombis, y funcionaba más por la prisión narrativa a la que sometían el chiste dentro de la historia principal.

Es un ejemplo simple, pero que me parece particularmente útil. El personaje de Harrelson exagera tanto la leyenda del actor que la convierte en una parodia; eso es justo lo que echo de menos en Brothers. Tienen un McConaughey y un Harrelson que son poco más que exageraciones planas de sus mitologías en lugar de deconstruir sus personalidades y perforarlas.

Demasiado europeo para este rancho

El elefante en la habitación, al menos para mí como ciudadano europeo, es que soy incapaz de que entre en mí este humor. El de padres borrachos abandonados en bares, la emoción del rodeo, los cowboys, la caza y el animalismo enfrentado a la tradición, abuelas en moto con armas y alcohol o discursos sobre "la familia" pronunciados con la solemnidad de una arenga de Braveheart.

Los clichés sureños estadounidenses no podrían quedarte más lejos si vives en un pueblecito de Castilla-La Mancha. La distancia cultural se hace cada día más palpable con la globalización y, al menos en mi caso, una de las más afectadas son este tipo de producciones de Hollywood.

No es que el contenido angloamericano haya dejado de dominar mis hábitos audiovisuales, es que he dejado de concederle automáticamente la universalidad y la admiración con la que de niño veía los institutos con taquillas, los bailes de graduación, las fraternidades universitarias y las barbacoas suburbanas como códigos culturales compartidos.

Los entiendo, pero no soy capaz de reconocerme en ellos. De ahí que la comedia de Brothers, absolutamente convertida en un parque temático de Texas, lo que para el público estadounidense puede ser sátira desde la familiaridad, para mí es fundamentalmente distancia e indiferencia. Y para una comedia existen pocas cosas peores.

Lo que más me sorprende es encontrar algo así en Apple TV+. Una plataforma capaz de producir comedias con una identidad tan definida como Ted Lasso o The Studio termina apostando por una historia que parece el entretenimiento de dos estrellas entre producciones por el mero hecho de poder hacerlo.

No es que Brothers sea un horror. Casi sería más interesante si lo fuese. El problema es una tibieza insalvable que un guion igualmente conservador nunca consigue superar. El rumor se explica en una cena con amigos; la serie necesita ocho episodios para intentar justificarlo.

Si no existe tampoco el interés dramático de resolver el misterio dada la naturaleza de la serie, lo único que nos queda es una magnífica anécdota de sobremesa convertida en ocho episodios de televisión.

Existiendo esa producción, choca que Netflix estrene ahora Unabomber, una película sobre el mismo caso del terrorista nacional que mantuvo en jaque al FBI durante casi dos décadas.

Pero aquí estamos, con el filme de Janus Metz Pedersen (Andor, True Detective) recién llegado a la plataforma roja para explorar desde otro punto de vista la progresión y captura de Ted Kaczynski.

Hoy, en HobbyCine, te traemos nuestra crítica de Unabomber. ¿Estará a la altura de la serie de 2017 o será una perfecta cura contra el sueño?

El terrorista nacional más célebre de los Estados Unidos

Por si llegas de nuevas, recapitularemos. El Unabomber no era un tipo que presume de chaqueta (una-bomber, perdón, no me resistía al chiste), fue el terrorista nacional (interno) más buscado en los Estados Unidos en los 80 y los 90.

Los actos de Ted Kaczynski sembraron el pánico en la sociedad estadounidense porque parecía que cualquiera podía ser su objetivo, aunque se enfocó principalmente en empresarios tecnológicos y en académicos. Tres personas perdieron la vida en sus atentados con paquetes bomba, y otras 23 fueron heridas de diferente gravedad.

La captura de Kaczynski fue una de las más caras de la historia del FBI, pues se prolongó durante 17 años y tuvo en jaque a las fuerzas del orden hasta que el propio individuo cometió un error y envió un manifiesto al New York Times y al Washington Post. Dicho escrito fue clave en su detención.

Pero esa es solo una parte de la historia que nos propone el guion de Sam Chalsen y Nelson Greaves en Unabomber, que divide sus 97 minutos de metraje en dos periodos temporales: los días previos a su detención y su tiempo como estudiante en la universidad de Harvard.

Dos historias que no se complementan tan bien como deberían

La idea general de ver la historia del Unabomber desde dos ángulos no es mala, pero hace que la película esté partida en dos géneros que chocan entre laa trama noventera y la de finales de los 50 y los 60.

En la trama previa a la captura, tenemos un thriller procedimental más sencillito de lo que nos intentan transmitir. En general, el elenco cumple, aunque no tenemos ninguna gran interpretación que nos vaya a sobrecoger. Es una trama predecible y menos interesante de lo que debería. Eso es un problema.

Luego tenemos el pasado, que viene a ser un thriller psicológico sobre unas pruebas a las que se sometió Kaczynski sin saber el objetivo real. A priori, esta es la trama más interesante porque nos permite ver en gran medida cómo se tuerce la vida de un joven prodigio.

Pero al tener tiempo compartido con la otra trama, la historia del pasado se queda en un derroche de secuencias superficiales que deberían impactar más de lo que hacen.

Ni siquiera tener a Russell Crowe en esta parte de la película ayuda a enderezar la historia, que termina siendo un montón de recuerdos con los que Unabomber pretende dar sentido a lo que sucede en la trama de la captura. Misión fallida.

¿Hacía falta contar esto?

Particularmente, creo que Unabomber podría haber tenido más carrete como historia del origen del terrorista y menos o nada en la trama noventera. No me hace falta la historia posterior en una película de 97 minutos, sino que la trama psicológica esté debidamente desarrollada.

Por desgracia, han escogido un enfoque dividido que no permite a ninguna de las dos tramas brillar. Jacob Tremblay no lo hace nada mal, especialmente en los momentos que su personaje se desquicia, pero al ir dando saltos entre tramas y en el tiempo, no se le permite destacar.

He intentado plantearme Unabomber como un complemento para Manhunt: Unabomber, pero tampoco cuaja. La serie, que se centraba en la captura, disfrutaba de un ritmo trepidante que es, precisamente, lo que necesitaba la trama de la captura de la película. En ese caso, se profundizó mucho más en el proceso que terminó con Kaczynski en prisión.

Unabomber es una película coja que no explota sus virtudes y se conforma con cumplir, cosa que tampoco logra hacer. Así que no, Netflix, no necesitábamos esta historia de nuevo.

El resultado es positivo, aunque alejado de la calidad de la obra en letra impresa. Está bien, cumple con su cometido, es entretenida y traslada las ideas de una manera correcta, pero no pasa de ahí en un momento creativo en el que la novela policiaca centrada en descubrir al autor de un crimen ha pasado por un momento de tal eclosión que es difícil aportar algo nuevo.

Las virtudes del proyecto son muchas: el diseño de producción es rico, el elenco cuenta con grandes nombres como Jose Coronado, Maribel Verdú o María Valverde y, en líneas generales, se ve que hay detrás de la cámara alguien que ama el cine de Hitchcock y tiene un bagaje cinéfilo, pero por desgracia también se aprecia cierta falta de personalidad. A la fotografía le falta textura, el tono necesitaría falta algo de sordidez y oscuridad y es muy fácil anticiparse al resultado. Va sobrada de vestuario y recreación histórica pero sería de agradecer más pegada en los diálogos y una ambientación más misteriosa.

Aunque hay voluntad de buscar el factor sorpresa con cambios respecto a la novela, la serie no tiene la capacidad de reflexionar sobre los engranajes mismos del whodunit ni de dialogar con la obra de Doyle y sus temas recurrentes.

Una isla y un asesino

En la primavera de 1959, trece personas quedan aisladas por un fuerte temporal en un islote próximo a Mallorca. Entre ellos está Basil, un actor retirado que encarnó durante años la versión televisiva de Sherlock Holmes así como un productor cinematográfico que le ofrece un papel en su nueva película y el escritor de novelas policiacas Francisco Foxá, que pronto se convierte en su mano derecha.

Ninguno de ellos puede llegar a imaginar lo que está a punto de ocurrir en el hotel de lujo en el que se alojan. Elisa Mander, una bellísima y coqueta turista de origen inglés aparece muerta en el interior de una habitación cerrada con llave en lo que parece en primera instancia un macabro suicidio.

Sin embargo, los años de experiencia interpretando el papel del famoso detective llevan a Basil a examinar la escena llegando a la conclusión de que se trata de un elaborado asesinato. Las malas condiciones meteorológicas impiden las comunicaciones con el exterior y los nervios están a flor de piel en una calma tensa que se prorroga durante un tiempo e irá obligando a la directora del alojamiento a tomar medidas cada vez más restrictivas.

Urge dar con el asesino antes de que vuelva a actuar y Basil va a ser quien, sin pretenderlo, cargue con el peso de hacerlo.

El problema final arranca con un inconveniente de base que salta a la vista al primer instante: no tiene bien definida su identidad. Aunque se mueve en un entorno cosmopolita, con personas de clase alta, la forma de hablar de los personajes y sus nombres mismos parecen muy forzados. Hay una tremenda falta de naturalidad en los diálogos que le resta verosimilitud a la trama y el reparto, compuesto por veteranos y nuevas promesas, empasta solo regular.

Con los mimbres de los que se vale la narración, debería funcionar entonces de manera encapsulada, entrando en el concepto sin más y en cierta manera lo hace, pero sin ser capaz de aportar nada nuevo a la ecuación que convierta a El problema final en una serie que sobresalga entre otras historias semejantes.

Al ser tan luminosa, parece querer apuntar hacia el terreno de Puñales por la espalda pero no tiene ni los giros de guión ni el sentido del humor de las películas de Rian Johnson. En pocas palabras, da la sensación de que le falta ambición para romper el molde o para buscar una diferenciación que habría sido capital para embaucar a la audiencia. Solo con tener a Jose Coronado como gran reclamo, Netflix se va a asegurar las visualizaciones, pero los lectores de la novela probablemente queden un poco defraudados.

Decimos esto porque el pastor alemán que da vida a su perro de combate, Odín en la ficción, Uber en la realidad, le roba más de una secuencia en la que el espectador estará más pendiente del futuro del can que de la suya. Solo le hace falta hablar... o mejor dicho, no le hace falta hablar para que comprendamos lo que quiere expresar. Magnífico trabajo de adiestramiento y dirección para captar miradas y momentos increíbles.

En este sentido la película explota de maravilla el vínculo tan especial de cariño, lealtad e incluso identificación que se puede llegar a generar entre una persona y su fiel compañero canino. También es una película que sirve para reivindicar el valor de los perros que sirven a intereses como salvar vidas aunque en esta cuestión entra también en un terreno algo farragoso. A fin de cuentas, ¿quién los convierte en un arma en primera instancia para entrar en combate?

Entraremos más adelante en esta cuestión para desarrollarla un poco más porque, por más que la campaña promocional de la película abunde en un supuesto trasfondo animalista, colisiona con contradicciones que saltan a la vista muy pronto.

Aunque la historia se ambienta en Alaska, la película ha sido filmada principalmente en Nueva Zelanda y éste no es un detalle baladí porque el entorno natural salvaje es un personaje más en una historia de supervivencia extrema en la que cada recodo del camino procura nuevos obstáculos y sorpresas. Honestamente, las localizaciones quitan el hipo: es una película que cuenta con un marco natural de una enorme belleza.

Síndrome de estrés postraumático y naturaleza salvaje

En el corazón de la bestia nos presenta al oficial de las Fuerzas Especiales James Belmont y su perro de combate Odín, ambos retirados, cuando tratan de superar los traumáticos y perturbadores recuerdos del pasado disfrutando de un viaje en solitario en las montañas de Alaska.

Los días pasan plácidos mientras pescan juntos, descansan y disfrutan de las espectaculares puestas de sol. Sin embargo, un día, cuando Belmont surca el cielo en su avioneta, sufre un ataque al corazón que les lleva a estrellarse en el bosque. Ambos salen heridos pero no tienen más remedio que tratar de sanar para recuperar el rumbo y llegar de nuevo a la civilización.

Para su desgracia, se han apartado bastante de la ruta y van a tener que superar manglares, empinadas crestas, barrancos y rápidos además del ataque de perros salvajes. Con unos recursos menguantes y al límite de sus fuerzas, serán el mayor apoyo el uno para el otro.

Aunque arranca de una manera muy realista, En el corazón de la bestia obliga al espectador a suspender su incredulidad en más de una ocasión, sobre todo cuando ambos personajes se enfrentan a amenazas insalvables, pero aquí entra en acción aquello del "soldado americano indestructible".

Un individuo normal hubiera muerto diez veces pero el patriotismo, el honor y las fuerzas sobrehumanas siempre pueden exagerarse un poco más para aumentar el mito.

Ojo, porque Brad Pitt se deja la piel en el papel. Su compromiso con la ficción es muy fuerte y el vínculo que crea con el perro parece del todo real, eso nadie se lo quita.

Como ya esbozábamos más arriba, ideológicamente la película plantea un problema de inconsistencia brutal. En esta ocasión, el hombre y el perro están pasando por un momento vital semejante: pesadillas, estado de alerta permanente, insomnio, angustia e intensos momentos de malestar físico y emocional debido a las heridas de la guerra. Con una importante diferencia: el humano tenía consciencia y posibilidad de elección, el perro no. Así que es bastante más fácil empatizar con este último por el hecho de que es una víctima en todos los sentidos.

¿Se podría decir que es una película antibelicista? No llega tan lejos por ese trasfondo patriotero que tanto le sobra, pero sí denuncia el alto coste físico y emocional que conlleva la vida militar y no solo para las personas. Si hubieran enfocado al personaje principal como alguien que renegara de su vida pasada con todas sus consecuencias (y hubieran prescindido de algún momento CGI del todo innecesario), sería una película mucho más redonda.

De ella destaca su espíritu iconoclasta, su estética punk y su capacidad de que todo sea maleable y ecléctico. Desde los tiros de cámara, con exagerados escorzos hasta el estilo de animación, que pasa de la animación en 3D al lenguaje del anime o a la introducción de fragmentos de imagen real con pasajes en 2D. Todo cabe en una película de desborda imaginación y amor por el cine sin perder nunca el foco de sus personajes principales.

Best Friends Forever

Jo y Raissa se conocen cuando están esperando una reprimenda en la puerta del director del colegio. A partir de ese momento se volverán inseparables y pasarán todo su tiempo libre juntas, disfrutando de las historias de la abuela de Jo sobre Nakali, la "isla olvidada", un lugar mágico en el que residen demonios, duendes, sirénidos y espíritus protectores de la naturaleza.

A medida que van creciendo, el vínculo que las une se fortalece y van creando toda una serie de recuerdos juntas que atesoran en las pulseras que intercambiaron el primer día con charms que les sirven de recordatorio.

Ya siendo adultas, sus caminos empiezan a separarse: Raissa consigue plaza en Caltech y decide emigrar a Estados Unidos mientras que Jo prefiere evitar la presión y vivir al día. Cuando deciden pasar la noche más memorable de su vida justo antes de que salga el vuelo de Raissa, descubren el portal mágico que las transportará a Nakali. Pero al despertar sus recuerdos se han desvanecido y tendrán que descubrir cómo volver a su mundo reconstruyendo su periplo nocturno.

Hay películas de animación que han supuesto un cambio radical, un punto de inflexión y no retorno que ha hecho posible el nuevo salto que supone La isla olvidada. Hablamos de Spider-Man: Un nuevo universo, Ninja Turtles: Caos mutante, Los Mitchell contra las máquinas o Nimona. No es lo que cuentan sino cómo lo cuentan: hasta qué punto ponen sobre la mesa nuevas estrategias narrativas, mezclan técnicas de animación y buscan formas de expresión que les permitan vehicular sus mensajes. De todas ellas bebe esta película pero sin renunciar tampoco a una estructura más clásica de trasfondo que recuerda a clásicos de siempre de Disney de viajes iniciáticos o aclamadas cintas más recientes como Vaiana o Coco. Si en aquellas se homenajeaba a los ancestros y a los muertos y había un túnel de acceso a su mundo, aquí lo hay al de la mitología filipina, terreno fértil y muy versátil en el que arraigar el relato.

Ambas comparten unos rasgos identitarios muy fuertes aunque hablen de temas universales: en este caso, la amistad. Hasta comparten el guiño al equipo de producción en los títulos de crédito finales. En Coco estaban los seres queridos que habían fallecido, aquí los mejores amigos de las personas que han ideado y confeccionado una película tan especial: un toque humano precioso y emotivo.

Redundamos en la humanidad porque a esto se suma una nueva advertencia final que probablemente se convertirá en tendencia: La isla olvidada no se podrá utilizar para entrenar a la IA. Celebremos que los creadores protejan sus obras y el fruto de un arduo y laborioso trabajo, sobre todo cuando tiene un carácter disruptor y suponen una vuelta de tuerca para el género como es el caso.

La secuela recupera esta historia como origen de una nueva aventura, pero yerra a la hora de trasladar al espectador las mismas vibraciones. Por una parte, se ha perdido el efecto de la novedad y, por otra, la cinta tiene varios giros finales a cuál más inverosímil, por no hablar de los abundantes fallos de raccord que le restan credibilidad a momentos clave de la aventura en sí.

La localización de rodaje es muy atractiva, con el ficticio Monte Kwan como escenario principal. Las protagonistas se embarcan en la experiencia extrema de recorrer una pasarela de tablones suspendida a más de 1.200 metros de altura. La fuente de inspiración para la producción fueron los peligrosos senderos y pasarelas de granito del Monte Hua (Mount Huang) en la provincia de Shaanxi, en China aunque el rodaje tuvo lugar en Tailandia.

Un paseo por las nubes... con el corazón a mil

Tras perder a su intrépida hermana Shiloh, Jax Hunter, que tiene un carácter completamente distinto, trata de deshacerse de sus dolorosos recuerdos. De ese modo conoce a Luce, una amiga de Shiloh que le inocula una idea audaz: seguir su diario de destinos soñados y hacer realidad juntas su próximo deseo como forma de honrar su memoria.

Esto las lleva a viajar a Tailandia, donde necesitarán contratar a un guía experto en el terreno pero que opere al margen de la ley porque las rutas de acceso están en muy mal estado y las autoridades prohiben el acceso.

Contra toda lógica se verán a sí mismas recorriendo los peligrosos tablones que recorren el monte Kwan, hasta que un alud de piedras las deje a su suerte, varadas en una zona intransitable e incomunicadas.

Jax tendrá que luchar contra todos sus miedos, el vértigo, la fatiga e incluso las alucinaciones para tratar de salir adelante en una pugna contra su propia naturaleza que la hará comprender mejor a su hermana y respetarla más que nunca.

Las expectativas le juegan una mala pasada a Fall 2: Deadpoint que no logra estar a la altura de su predecesora (valga el juego de palabras fácil) aunque cuente con un reparto comprometido y más medios a su disposición.

Harriet Slater destaca en el rol de Jax, pero esta secuela se asienta sobre una estructura muy parecida a la original que dinamita algunos recursos ya gastados y enhebra demasiadas secuencias inverosímiles y carentes de continuidad espacial.

Es habitual que se falseen las distancias y los recursos con los que cuentan las protagonistas y que realicen alguna que otra proeza increíble, sobre todo para un personaje como Jax, al que nos presentan como la antítesis del espíritu aventurero (y suicida) de su hermana. Hay un montaje paralelo que funciona particularmente mal conectando infancia y actualidad y dejando claro que hay que hacer un poder para no salirse de la película. Ni el guión es muy solvente ni la mano en la dirección de Michael y Peter Spierig es firme.

Fall 2 mantiene el interés hasta el final y es entretenida, incluso aunque no logre evitar caer en algunos lugares comunes con ciertos giros de guión finales no solo innecesarios sino carentes de la más mínima lógica.

La buena noticia es que de este paso en falso no habrá consecuencias directas: habrá Fall 3 y de ella esperamos una calidad mucho mejor. Capstone Studios y Lionsgate dieron luz verde simultáneamente al desarrollo de la segunda y la tercera entrega de esta franquicia de supervivencia y Scott Mann regresará tanto en el rol de guionista como en el de director en Fall 3, así que ¡esperemos que nos salve del precipicio!

Los Javis sorprenden con su propia La bola negra, su obra más madura hasta la fecha: una reflexión emotiva sobre la homosexualidad a lo largo del tiempo desde la perspectiva de dos familiares separados por las circunstancias, la vergüenza y el miedo y unidos por la ficción: esas páginas que completan la historia de un joven que se niega a sí mismo, como tantas otras personas arrojadas a los márgenes de la historia por ser distintas.

La película es compleja e irregular, con momentos de enorme virtuosismo poético y otros que se antojan gratuitos y aportan en verdad poco al trasfondo, que es la material verdaderamente conmovedor de la narración. Sus cerca de dos horas y media de duración y sus abundantes excesos, con una recreación constante en los cuerpos desnudos y secuencias casi oníricas, hacen que se diluya un poco el impacto de los hechos y la gravedad de la materia tratada.

No falta nada pero quizás sí sobran más de dos cosas que ponen de relieve la ambición voraz de estos dos creadores que se suben a lomos de gigantes para realizar un trabajo interesantísimo de "arqueología emocional", desenterrando tanto historias de amor como cadáveres que quedaron enterrados en las cunetas o en la nieve, pasando frío. Es una reivindicación de la memoria histórica pero también, de algún modo de la "memoria queer".

Las referencias estilísticas están por doquier, con alusión directa a uno de sus pilares: Pedro Almodóvar (El Deseo produce) e indirecta con esa breve muestra de una cortina de cristales azules que hacen que se active en nuestra mente el recuerdo del marco de fotos de La flor de mi secreto, metáfora entonces de la ruptura y nueva vuelta de tuerca para esa forma, el círculo, que tantas veces se repite en el metraje en obras de arte que muestran agujeros en el pecho, en claraboyas rotas que nos remiten a la gelidez de la nieve y en la caída de cientos de orbes negros que avanzan un destino trágico.

"El corazón de un maricón es un océano de secretos"

Alberto es un historiador que trabaja en su tesis doctoral cuando recibe la noticia de que su abuelo ha fallecido y le ha dejado algo que solo él puede recoger. Emprende viaje a Cantabria donde descubre de qué se trata. Así conocerá la historia de un hombre ausente en su vida pero con el que comparte más cosas de las que había llegado a sospechar.

En 1937 su abuelo pasó a formar parte del bando sublevado después de que su pueblo fuera tiroteado. Así terminaría siendo el guardián de un soldado republicano abatido en el frente que, como muchos otros, sería atendido para poder ser interrogado y después fusilado. De una manera fortuita, los hilos del destino se tejerían para que gracias a aquel encuentro, sobreviviera la obra de teatro de Lorca.

La bola negra es el segundo largometraje de "Los Javis" después de su debut en 2017 con La llamada y se puede decir que han tenido en el mundo de la televisión una escuela que les ha llevado a dar el estirón. Paquita Salas, Veneno, Cardo, La Mesías e incluso el documental Pedro x Javis les han llevado a experimentar con las formas, el lenguaje audiovisual y esa memoria queer de la que hablábamos teniendo siempre en el foco la reivindicación de la libertad y la diversidad.

De nuevo ahora ese es el eje fundamental, al intentar calar en la piel de ese personaje ideado por Lorca, Carlos, que se duele de no haber podido siquiera empezar a vivir antes de recibir el estigma que le aboca al ostracismo.

También revisitan el musical aunque brevemente con las apariciones de una Penélope Cruz que se come la cámara con su desparpajo y su dominio del escenario.

Con sus altibajos y una forma muy ecléctica (también en la magnífica banda sonora que apuntala el recorrido emocional de los personajes), La bola negra es un soplo de aire fresco en más de un sentido. Podría funcionar mucho mejor con un montaje más contenido y centrado pero, a pesar de contar con un epílogo algo estirado y de pasar de momentos sublimes a otros menos ampulosos, hay que reconocerle su valor artístico y su voluntad transgresora. Al discurso no se le puede quitar una coma, pero algo de contención a veces, una insinuación, una cierta sutileza, es más elocuente que otros medios más directos de interpelar al espectador. Ojalá El cautivo hubiera recibido una acogida solo parecida, tienen más en común de lo que parece.

La asesina del hacha lleva generaciones fascinando en la cultura popular sin que su influencia haya escapado del cine o la televisión, y ahora la miniserie antológica de Monstruo regresa a ella con un enfoque diferente al de sus anteriores entregas.

Por primera vez en la serie se nos está contando la historia de una mujer asesina y por primera vez nos desplazamos tan atrás en el tiempo que llegamos hasta el siglo XIX para descubrir lo que fue de esta figura tan emblemática en la criminología de Estados Unidos.

La historia de Lizzie Borden nos sabe trasladar con acierto hasta aquella época con su minuciosa recreación histórica, que va desde los trajes hasta las localizaciones, incluyendo pequeños detalles que hacen más compacta la ambientación.

Pero también trabaja en ello desde su propia imagen, que suele adoptar un tono sepia con el que nos remite a las fotografías clásicas, o el uso de cortinillas circulares de comienzos del cine mudo.

Aunque no le falta su contrapunto con, por ejemplo, la introducción de música extradiegética anacrónica, que refuerza dos ideas que predominan en la miniserie. La primera es que hay que animar la fiesta.

La narración visual de la miniserie es súper dinámica, llenando las imágenes con metáforas, empleando recursos como vistosas transiciones funcionales, introduciendo cambios de formato según la historia contada o mezclando en su montaje hechos con fantasías para mantenerte entretenida a cada plano.

Pero la clave está en que esta cuarta temporada de Monstruo es muy bizarra. Los chorros de sangre o vómitos a borbotones y la violencia gratuita que impregnan las escenas del mismo modo absurdo en que Nicky se cargaba a ladrillazos a una tipa contra el volante de un coche en Obsession (2025) generan una comicidad instantánea, que sólo refuerza su sobreactuado elenco.

Y es algo bueno, porque sin eso no habría tanto humor. Jessica Barden se sale aprovechando al máximo su rol como la actriz Nance O'Neill, y Ryan Murphy parece que se buscó cualquier excusa para rescatar a su intérprete fetiche, Sarah Paulson, en el papel de siempre, solo que ahora su personaje se llama Aileen Wuornos.

Lo que me lleva al segundo punto a destacar de Monstruo. Al igual que las temporadas anteriores de la antología, esta serie no pretende ser un documental sino una ficción basada en hechos reales, y aquí hay mucho de cosecha propia más allá de la sátira.

Ya sabemos de sobra quién es Lizzie Borden, lo que hizo y cómo lo hizo, pero los ocho episodios de la nueva serie de Netflix se estructuran para contarnos lo que de verdad nos interesa: sus móviles y la historia pormenorizada de lo que ocurrió antes, durante y después de que le clavara más de cuarenta hachazos a su madrastra y a su padre.

La nueva Monstruo va más allá de Lizzie Borden

Como si les hubiera entrado prisa después de ignorar a las mujeres en las tres temporadas previas de la serie, Ryan Murphy e Ian Brennan se las ingenian para combinar en La historia de Lizzie Borden la vida de tres asesinas a lo largo del tiempo que no tienen nada que ver entre sí.

Por un lado, tenemos a la que da nombre a la serie en el siglo XIX, por otro a la interpretada por Paulson en los años 80, y por último a Erzsébet Báthory en el siglo XVI, todas ellas conectadas con la excusa argumental de que unas se influyeron sobre las otras al descubrir sus historias con las biografías que les leían sus novias.

Pero no vamos a quedarnos con la lectura más fácil: pon una lesbiana en tu vida y acabarás convertida en una asesina. Eso habría sido problemático, y Monstruo lo tenía complicado para no repetir el patrón de crear asociaciones entre lo queer y lo malvado.

En su lugar, esta ficción consigue hacer algo mejor, logrando que ambos mundos convivan sin que se vuelva una consecuencia el uno del otro, tan solo convirtiéndose la orientación sexual en una característica más de sus personajes.

Además, hace un esfuerzo por no retratar a Lizzie Borden sólo como una asesina sino también enseñar que fue una mujer que desafió los roles de género y supo valerse por sí misma, aunque, eso sí, tomándose la justicia por su mano ante los abusos que sufría en casa.

Mientras, las historias de Aileen Wuornos y la Condesa Sangrienta sirven para ofrecer una dimensión adicional a su relato, mostrando un conjunto que nos permite acercarnos al sistema judicial en diferentes períodos.

La serie incluso se atreve a señalar cómo la ley muchas veces favorece a las personas equivocadas por culpa de un sistema que nos deja claro que, en realidad, la mejor solución pasa por adjudicarse un hacha y cortar cabezas.

Monstruo: La historia de Lizzie Borden se estrenó en Netflix el pasado jueves 17 de septiembre, y ya pueden disfrutarse al completo sus ochos episodios de unos 50 minutos de duración por capítulo.

Sin embargo, a veces es bueno saber cuándo retirarse para hacerlo con la cabeza bien alta. La primera temporada de Stranger Things: Relatos del 85 ofrecía algo nuevo: un portal, valga el símil, de entrada a un universo ficcional para el público más joven, una animación que nos permitía recuperar a los protagonistas a unas edades más amables y nuevas aventuras en un interludio fuera del canon oficial de la serie madre. Tenía su parte de disparate, pero también su gracia reingresar en un terreno que creíamos ya perdido.

La segunda temporada no solo no iguala a la primera en encanto sino que termina de drenarle la magia a Hawkins. Convierte a los personajes en pequeños superhéroes con dosis de acción excesivas y mete mucho ruido y mucho neón en un panorama imposible. Da la sensación de que la serie se ha quedado con la carcasa y la ha rellenado de un montón de nada, porque en realidad todos los acontecimientos e incluso la adición de nuevos personajes sabemos que no repercuten en el futuro de este grupo de muchachos. Ergo la serie pasa por delante de nuestros ojos sin pena ni gloria, a sabiendas de que, por más dramatismo que le quieran meter, todos ellos saldrán indemnes incluso de la amenaza más exacerbada. Y no se repara en espectacularidad: persecuciones, explosiones, enfrentamientos cuerpo a cuerpo con nuevas criaturas... En animación, además, no hay límites.

Flores, duendes, liches, golems y el Mundo del Revés al acecho

La segunda temporada de Stranger Things: Relatos del 85 pone al grupo en un aprieto cuando sus integrantes tienen que realizar un trabajo de historia sobre el fundador del pueblo: Samuel Hawkins. Indagar en el pasado les llevará al bosque y a la mina del pueblo, donde yace un cadáver que les dará importantes pistas de que quizás, en esta ocasión, no es del todo cierta la leyenda que les han contado. El problema es que les persigue un fantasma cuya naturaleza desconocen.

Del mismo modo, San Valentin se acerca y Mike busca la forma ideal de declararse a Ce mientras que la relación de Lucas y Max pasa por un bache importante.

Nikki ya es un miembro de pleno derecho del CIH (Club de Investigadores de Hawkins) fundado por Dustin y se pondrá las pilas para descubrir qué hay detrás de unas extrañas flores bioluminiscentes que, además de hermosas, son también peligrosas, como descubre cuando decide recolectarlas para venderlas como regalo romántico.

El mayor problema que tiene la segunda temporada de Relatos del 85 es que está abocada a la irrelevancia y tampoco se esmera demasiado por desarrollar a los personajes. En realidad, opta por cometer el mismo problema que tuvo en su día la serie original: aumenta la escala sin hacer la misma apuesta desde el guión. La aventura se torna demasiado larga y previsible porque conocemos todos los resortes que se van a tocar y la resolución es más de lo mismo. Con Stranger Things llueve sobre mojado: no es una cuestión de ampliar sino de enriquecer y, una vez agotado el recurso de la novedad de la primera temporada, ésta habría necesitado de más alicientes para brillar.

Aunque la calidad de la animación es realmente una verdadera pasada y la serie entra por los ojos, el misterio de esta temporada no es tan interesante como para justificar ocho episodios completos (por breves que sean) ni tantas misiones secundarias de relleno. Incluso se echa en falta más trabajo en equipo y camaradería coral, que venía siendo uno de los pilares de la ficción.

Muchas secuencias clave se repiten una y otra vez resultando repetitivas y restándole impacto al desarrollo de la historia, que se hace algo aburrida. Veredicto final: necesita mejorar.

Y eso a pesar de tener el listón muy bajo. Aunque taquilleras, las películas de Paul W. S. Anderson están lejos de ser ideales; mientras que Bienvenidos a Raccoon City confundió fidelidad con masacrar personajes e historias.

Triple reto el de Cregger: realizar una buena película, que sea una peli a la altura de Resident Evil y satisfacer por igual tanto a los fans como al público neófito. Pero hablamos del realizador de Barbarian y Weapons, que aquí firma otra cinta sobresaliente para adaptar la saga de zombis… A su manera.

Reparto infernal en la ciudad de los muertos vivientes

Bryan (Austin Abrams) se gana la vida como repartidor sanitario. Ya ha terminado su turno, pero le ofrecen un encargo por el doble de dinero: trasladar un envío al hospital de Raccoon City. A pesar de las inclemencias del tiempo, Bryan acepta por la paga y también para evitar una conversación muy incómoda con su pareja sobre su futuro.

Todo se tuerce cuando una mujer se cruza en su camino. Es el comienzo de una pesadilla en la que Bryan ha de abrirse paso por Raccoon City, superar situaciones demenciales y, sobre todo, seguir con vida. Porque pase lo que pase, va a entregar su paquete.

Cregger define Resident Evil como “una montaña rusa que no levanta el pie del acelerador”. No mentía, aunque el símil sería más adecuado con un tren de la bruja, en el que cada situación es más grotesca que la anterior, todo ello con un formato claramente inspirado en los videojuegos.

Como en las distintas entregas de la saga, aquí nada se repite. De una zombi desquiciada pasamos a un perro mutante, un engendro de varios miembros (claro guiño a criaturas como el Durga de Revelations 2), un monstruo de 300 kilos y mucho más.

No es una mera galería de abominaciones, sino que cada una de estas criaturas articula una escena única, piezas en el calvario de Bryan. Por supuesto, no falta el gore y los momentos impactantes: cierta escena con una niña va a pasar a los anales del género.

Y aquí hay dos ejes clave. El primero, Austin Abrams, que ofrece un tour de force de escenas de acción, comedia física y verbal y un amplio rango de emociones. Se nota que Cregger confía al 200% en él, de modo que Abrams se entrega por completo. Es su primer gran papel protagonista y no lo desaprovecha lo más mínimo.

El otro eje es un ritmo endiablado. Las anteriores películas de Cregger fallaban en ese aspecto, al introducir tramas paralelas, varios protagonistas y saltos temporales. Resident Evil es justo lo contrario: va como un tiro, nunca decae y mantiene la atención en todo momento.

Volviendo a lo formal, Bryan es como el personaje que manejamos en uno de los juegos. De ahí que esté presente en todas las escenas, mientras crece nuestra simpatía hacia él y lo vamos conociendo mejor. Una vez más, meritazo absoluto del actor.

Y es en ese sentido en el que Resident Evil es más fiel a la saga. Junto con los huevos de Pascua visuales, aparece el lore de Umbrella, así como momentos en primera persona y un uso de las armas y la munición que recuerda a los juegos originales.

Pero las verdaderas semejanzas son las formales, con una clara inspiración: Resident Evil 7. Si obviamos la aparición de Chris Redfield al final y los distintos guiños, la descripción de la séptima entrega no parecería encajar con la franquicia. Sus claves fueron un cambio a cámara subjetiva, un civil como protagonista en situaciones que le superan, un escenario atípico y muchos más elementos novedosos.

Sin embargo, hoy Resident Evil 7 es considerado como una de las mejores entregas de la saga. Y es en ella en la que Cregger se fija, al presentar un personaje que no es un mercenario ni un agente especial, sino un tipo corriente atrapado en el infierno. Como Ethan en aquel juego y sufriendo una ordalía igual de mala.

El realizador y guionista crea una adaptación fiel a la esencia de la saga, sin caer en el fan service. También firma una película de terror accesible para espectadores que no conozcan Resident Evil. Quienes busquen canon puro y duro, ahí tienen las adaptaciones CGI y todo el material derivado de los juegos.

Igual de importante es señalar que Cregger usa a menudo las imágenes como elemento narrativo de carga simbólica; además de entrelazarlas, de forma alegórica, con el dilema personal de Bryan y los cambios en su vida (cuando veáis la escena de las incubadoras y otras, lo entenderéis).

Pero (siempre hay un pero), queda la sensación de que el director no está entregado por completo. Esta película no deja de ser un encargo, y a pesar de que Zach es gran fan y conocedor de la saga, se percibe una pizca de “piloto automático” en ciertos momentos. Aunque con un talento como el suyo, su ingenio prevalece en el resultado final.

No voy a caer en las hipérboles que están adornando otras valoraciones de Resident Evil, pero es innegable que es estupenda. De igual modo, es justo señalar que no evita algún cliché (pese a esforzarse por hacerlo, sobre todo en el desenlace), ni es tampoco la cinta más revolucionaria de todos los tiempos.

Cregger ha hecho su propia película, sin tener por qué complacer a los “Residentmaníacos”, mientras que los auténticos fans del terror van a disfrutar con una de las películas más trepidantes y mejor realizadas de los últimos años. Y sí, es la mejor entrega de la franquicia, fiel a su manera en lo que realmente importa.

Pero todo quedó solucionado en una reunión en la que, sin duda, cada parte cedería en algo para que no corriese la sangre. Bueno, no corrió tras las cámaras, porque MobLand no se cortó en dar rienda suelta a la violencia en su temporada 1, y no parece que vaya a hacerlo en la segunda.

Nos esperan diez episodios cargados de puñaladas traperas, acción a golpe de musicote y golpes de comedia con el sello de Guy Ritchie.

Hoy, en HobbyCine, te traemos nuestra crítica de la temporada 2 de Tierra de mafiosos (MobLand), que se estrena en SkyShowtime el lunes 21 de septiembre. Hemos visto los cuatro primeros episodios, pero puedes leer sin miedo, porque no incluiremos spoilers.

Volvemos al tablero del crimen londinense

Los Harrigan acabaron por imponerse en la temporada 1 tras una pugna a morro torcido con Richie Stevenson (Geoff Bell). Sin embargo, MobLand ya anticipaba la entrada en escena de un pez aún más grande para poner las cosas patas arriba.

No tardaremos demasiado en ver cómo el nuevo rival a batir de los Harrigan mueve ficha e inicia una nueva guerra en torno al imperio criminal de la familia.

Mientras que en la primera temporada fuimos testigos de una contienda algo más directa, esta segunda nos presenta una guerra más estratégica que convertirá Londres y los intereses de unos y otros en una suerte de tablero de ajedrez. El problema es que uno no puede confiar a ciegas en que las fichas permanecerán siempre del mismo color.

La traición es una de las señas de identidad de Tierra de mafiosos y la temporada 2 va a jugar bien sus cartas en ese sentido. Todo esto aderezado con su reglamentaria ración de violencia rápida y visceral.

Cada episodio de la temporada rondará los 45 minutillos; alguno un poco más y otros ligeramente menos, pero esa es la media. Guy Ritchie dirige los dos primeros, aunque no necesitarás ver los créditos para notar su estilo característico en los primeros compases de la temporada.

Ni un minuto para respirar

Aunque Tierra de mafiosos no es un desfile de acción constante, equilibra a la perfección sus escenas, intercalando las más trepidantes con otras en las que se nos va desarrollando la retorcida trama criminal que se va a montar esta vez.

Pero no vayas a pensar que te puedes permitir mirar el móvil en esas secuencias más tranquilas; cada mirada dice algo, sobre todo si Maeve (Helen Mirren) y Conrad (Pierce Brosnan) andan por medio.

A veces, Tierra de mafiosos peca de previsible, en especial si tienes unas pocas tablas en lo que a series criminales se refiere, aunque eso no hace que sea menos interesante.

Las explosiones de acción están muy cuidadas y se nota que David Glasser, de 101 Studios, el socio de Taylor Sheridan en series como Lioness o Mayor of Kingstown (a ver si reconoces a uno de los actores de la serie de Jeremy Renner), es uno de los productores principales. Si le sumamos la trayectoria de Guy Ritchie con ese tipo de estrenas desatadas, forman el cóctel perfecto.

Brosnan y Mirren se comen a todos

Tom Hardy sigue siendo una pieza central como Harry Da Souza, el sufrido solucionador de los Harrigan. Es una alegría que vaya a seguir en la tercera temporada (sí, ya está renovada). Sin embargo, el papel de Garry es, por lo general, más típico. Es cierto que tiene algunas de esas escenas donde derrocha carisma, pero es un rol que ya estamos más acostumbrados a ver.

Por otro lado, tenemos a Helen Mirren y Pierce Brosnan. Ya vimos en la temporada 1 que Maeve y Conrad están grillados, pero su locura se va a desatar aún más en la temporada 2.

Las maquinaciones no tan sigilosas de Maeve contrastan con la ira inconmensurable de Conrad, que sufre una crisis de confianza tremenda con todos los que le rodean.

Harry tiene sus propios frentes personales, pero la premura del problema principal hará que tenga que hacer malabares para poder llegar a todo; si es que puede. Recordemos que su esposa, Jan (Joanne Froggatt) y él no terminaron muy bien la temporada 1.

Y hemos de destacar a un recién llegado, Frankie (Johnny Flynn), otra de esas piezas tan características de las producciones de Guy Ritchie; un personaje carismático que nunca sabes por dónde va a salir.

Tierra de mafiosos (MobLand) arranca de forma impecable su segunda temporada. Si Guy Ritchie y compañía mantienen el nivel en los 10 episodios en SkyShowtime, no solo estará a la altura de la primera; quizá la supere.

Aviso a navegantes: no es una historia de guerra al uso, porqque no se desarrolla en su mayor parte en el frente. Estamos ante un drama de despachos en el que se desarrolla una contrarreloj desde el primer instante, algo que obra en su favor porque le mete nervio a un metraje que sabe exprimir la tensión con maestría.

Nos situamos 72 horas antes del llamado Día D, fórmula utilizada por los Aliados en la Segunda Guerra Mundial para referirse al 6 de junio de 1944, momento en que se activaría la Operación Overlord, que consistía en llevar a cabo un gran desembarco en las playas de Normandía con el fin de abrir un nuevo frente en Europa Occidental y liberar a los territorios europeos ocupados por la Alemania nazi.

La complejidad logística era enorme y mayor aún la necesidad de evitar cualquier filtración de información, lo que conllevaba la retención del personal militar, el corte de comunicaciones con la población civil e interminables cálculos que pasaban por la distracción de os enemigos, con tanques inflables y el lanzamiento de dummies que simulaban ser paracaidistas y de la colocación de las tropas reales en posición. El adversario a batir iba a estar sobre sus cabezas: el tiempo.

El cine como reparación de lo que la memoria pasa por alto

Tiempo de victoria nos sitúa en un momento de alta tensión: toca decidir el momento exacto que será más propicio para el desembarco y el comandante supremo de las fuerzas aliadas, Dwight David "Ike" Eisenhower (Brendan Fraser) tiene previsto que se produzca el día 5 de junio basándose en las previsiones de su meteorólogo de confianza, Irving Krick.

Pero es una decisión tan importante que se le encarga al capitán James Stagg (Andrew Scott), jefe del servicio meteorológico británico, elaborar un pronóstico alternativo. Llega a las oficinas como un elefante a una cacharrería, imponiendo su estricta metodología y desafiando creencias arraigadas.

Unas condiciones climáticas adversas podrían arruinar la mayor invasión marítima de la historia, mientras que cualquier retraso podría suponer que los servicios de inteligencia alemanes descubran sus intenciones y echen por tierra el plan. Eisenhower deberá tomar la decisión que determine el destino de la Segunda Guerra Mundial.

Tiempo de victoria es una de esas películas bien armadas y documentadas que le aportan algo al espectador: el viaje emocional de los personajes, cuyas vidas están ficcionadas, pero también toda una serie de datos y curiosidades que hacen que el relato sea apasionante y además resuene en la actualidad. En un momento en el que, más que nunca, hay que reivindicar el método científico y a las personas que dan la cara por él, poner en su sitio a James Stagg y su labor para persuadir a Eisenhower de retrasar el Día D es de ley.

Adicionalmente, la película cuenta con unos valores de producción ajustados a las necesidades de la narración: la recreación histórica es fiel a la época y la fotografía le saca partido a luz y los planos de los cielos. Sin caer en el didactismo, la película

Las interpretaciones no van a la zaga: brilla especialmente Andrew Scott como principal protagonista pero está muy bien acompañado por Kerry Condon, Damian Lewis o Chris Messina en roles secundarios. Brendan Fraser se esfuerza, pero es difícil ver en él a Eisenhower, en gran parte por el desajuste físico respecto al personaje: Fraser es mucho más corpulento. Para lo que quiere contar la película, esto es un mal menor, pero puede ser una distracción para los más puristas.

Lo interesante es que aporta mucha información sobre un elemento que fue capital para un momento que definiría el resultado de la guerra y por tanto el orden mundial que derivó de ahí. Tan sencilo y tan complejo como la meteorología, que podría haber echado por tierra el trabajo de muchos meses de ensayos y preparaciones. Y hace justicia a los implicados, poniendo nombre y apellidos a las personas que, desde los despachos, decidieron el curso de instante crucial.

Lo que sí es impecable es el trabajo de casting. El trío protagonista está formado por Eiza González, Henry Cavill y Jake Gyllenhaal mientras que ejercen de antagonistas Rosamund Pike, Caros Bardem y Fisher Stevens. A ellos añadimos un par de caras conocidas como son el noruego Kristofer Hivju (sí, el imponente Tormund de Juego de tronos) o al irlandés Emmett J. Scanlan a quien recordaréis por su participación en series como Gangs of ondon o MobLand. Un genial plantel interpretativo que rezuma carisma.

Los amantes de la acción, probablemente la encuentren bastante escasa a pesar de la duración de la cinta, que ronda los 98 minutos de metraje. Reclama paciencia hasta su último tercio, cuando al fin llega al punto álgido... quizás demasiado tarde para retener la atención de la audiencia. La única conclusión que se puede sacar de aquí es que Ritchie cada vez rueda más proyectos, pero se implica menos en ellos o, al menos, no da la sensación de poner toda la carne en el asador, como solía hacer antes, a la hora de idear las historias.

Plan de fuga

En la zona gris nos presenta a una implacable negociadora que se la juega con elaboradas estrategias para acorralar a sus contrincantes. Ella es Rachel Wild (Eiza González), una abogada especializada en recuperar fortunas ocultas o robadas que operan en los márgenes de la legalidad, lo que se considera "la zona gris".

Cuando su mentor es asesinado al intentar cobrar una deuda de 1.000 millones de dólares a un peligroso oligarca llamado Manny Salazar (Carlos Bardem), Rachel decide ir tras el dinero por su cuenta, asumiendo un enorme grado de exposición.

Para salir indemne de tan arduas negociaciones, recluta a dos expertos en extracciones y operaciones encubiertas, Sid (Henry Cavill) y Bronco (Jake Gyllenhaal), quienes idean un plan estratégico para infiltrarse en la isla fuertemente protegida de Salazar y sacarla de allí logrando su ansiado objetivo.

Uno de los principales problemas de esta película radica en su historia, que se antoja de lo más enrevesada pero a la vez se pretende presentar de forma sencilla. Esto hace que al espectador medio le cueste entrar en el argumento, que termina aceptando por el mero espectáculo.

Por desgracia, el guión no te hace partícipe de la historia ni juega a la ambigüedad, a pesar de lo que sugiere el título. Simplemente hay que aceptar que las cosas son como son y salen como salen "porque sí". Los diálogos pretendidamente afilados se convierten en un galimatías que se acaba resolviendo a golpe de un ingenio algo inaccesible.

A la producción no le faltan medios pero encuentra un enorme escollo en un arranque y nudo repleto de explicaciones que hacen que buena parte del metraje se convierta en un terreno muy denso (demasiado denso) para lo que la película quiere contar.

Los tiros, las persecuciones y las explosiones llegan en el tramo final y pagan el cheque de confianza que le expedimos a Guy Ritchie, pero para entonces ya estamos con la lengua fuera.

En la zona gris tiene su parte disfrutona, pero hay que cruzar el desierto para alcanzarla, en pocas palabras. Por lo demás se presenta como un thriller elegante, con interpretaciones solventes y , como decíamos, todos los medios a disposición de unos personajes a los que no puedes querer ni odiar, solo desearles que sean el mal menor.

Desde entonces Coyote vs. Acme ha estado dando tumbos, acaparando titulares, con Warner Bros. viendo si la vendía a otra distribuidora o si se deshacía de ella sin reparos, al igual que ocurrió con las películas de Batgirl o Scoob! Holiday Haunt. Por suerte, Ketchup Entertainment acabó llegando al rescate.

Pero en esas idas y venidas de Warner Bros., todo el mundo se enfadó: el equipo que había trabajado en la película lamentaba que no la pudiera ver el público, el público lamentaba no poder verla. El caso es que la gente que sí había tenido la oportunidad de hacerlo decía que era buena, negando que se hubiera desestimado por falta de calidad. Y tenían razón.

Coyote vs. Acme es de las mejores películas de los Looney Tunes

Coyote vs. Acme está bien. Es una película entretenida, ágil, con humor, que nos devuelve a la magia de los largometrajes de imagen real en los que se introducen personajes y elementos hechos con animación.

Sin ser ninguna revolución, sí que consigue estar por encima del último intento de los Looney Tunes por protagonizar un filme de estas características, y es que Space Jam: Nuevas leyendas (2021) ponía el listón muy bajo, prestando toda su atención a su condición de secuela y producto Warner lleno de cameos.

En cambio, Coyote vs. Acme apuesta por una historia original, con una creativa premisa basada en un artículo ficticio publicado por The New Yorker en 1990: Wile E. Coyote lleva toda la vida intentando dar caza al Correcaminos valiéndose de productos marca ACME, que siempre han terminado dando resultados nefastos para el depredador.

Pero el problema no es que él sea un inútil -que también-, es que los productos de ACME están defectuosos. Y hay un buen motivo detrás que empezamos a descubrir después de que Coyote decida demandar a la empresa liderada por Buddy Crane -John Cena- con ayuda del abogado Kevin Avery -Will Forte-.

Así, la cinta se plantea como una película de juicios, con un tono un poco más adulto de lo habitual, al que acompaña un apartado visual menos colorido que las animaciones originales y que podrían hacerla menos atractiva de primeras para un público más joven.

Sin embargo, la estructura y los personajes se mantienen simples, con unos buenos muy buenos y unos malos muy malos, mientras a la historia del Coyote y el Correcaminos se le imbuye una capa extra de profundidad para hacer más redondos a estos iconos de los Looney Tunes.

La comedia marca de la casa sigue latente en cada escena, sin originar dinámicas inéditas pero ofreciendo una diversión que es puro slapstick y nunca pasa de moda, con: caídas, bombas, tortazos, ¡consiguiendo ser explosiva todo el rato!

Todo ello salpicado por la presencia del abundante plantel de los Looney Tunes, que se dejan caer por los 102 minutos de metraje de la cinta como guiños, pero sin perder el foco de su auténtico protagonista, un Coyote mudo que se tiene que valer de carteles y gestos para comunicarse, añadiéndole un extra de carisma al conjunto.

Coyote vs. Acme falla en su aspecto más importante

Si Coyote vs. Acme hubiera llegado a los cines cuando estaba previsto, lo habría hecho en un momento en el que la mezcla del live action con la animación estilo 2D parecía estar resurgiendo, pues venía precedida por Tom y Jerry (2021) y Chip y Chop: Los guardianes rescatadores (2022).

En cambio, lo ha hecho ahora, cuando se ha apagado la fiebre, y con una virtud que se ha convertido en su mayor carencia. Salvo algunas escenas en las que se ha implementado una animación 2D tradicional, casi toda la película está protagonizada por Looney Tunes hechos con CGI.

Si bien la integración de los personajes está lograda en la iluminación, en las interacciones con las personas de carne y hueso, su acabado cel shading no está del todo conseguido en su intento por remedar los dibujos cartoon, con cierta rigidez en los modelos, algunas sombras extrañas.

Al tiempo que nos encontramos con la inevitable pérdida del encanto que le habría conferido a la película un auténtico regreso a los orígenes, pudiendo haber adoptado la estética de Looney Tunes: De nuevo en acción (2003) que tan bien ha envejecido en su apuesta visual con ilustraciones bidimensionales bien implementadas.

Claro que, viendo el percal en el que se coció esta película, poco me sorprendería pensar que no estuviera sentenciada desde sus orígenes, y está claro que los presupuestos y los plazos ajustados nunca son buenos aliados de un producto pulido.

Warner Bros. la cagó al marear tanto a todo el mundo con Coyote vs. Acme, una producción que estaba a la altura de cualquier otra pero a la que despreció porque se estaba mirando su propio ombligo.

La cantidad de cosas buenas que nos estaremos perdiendo porque alguien haya dejado de pensar en lo que de verdad importa, ya sea por miedo o por interés. Ahí está el verdadero daño.

Coyote vs. Acme se estrenará en los cines estadounidense a finales de agosto, y en España la recibiremos en las salas a partir del próximo 18 de septiembre.

Es el bucle de niña desaparecida, madre o padre coraje y roto que se daña a sí mismo y por consecuencia al resto, un pueblo pequeño y comunitario, secretos enterrados... Es la fábrica de Harlan Coben.

Entonces llega Apple TV+, estrena Causa abierta —Last Seen en original— y yo me quedo callado. Porque las dudas que pudiera tener, incluso las que me hicieron entrecerrar los ojos en el primer episodio, desaparecen ya en el segundo.

Porque aunque sea una historia conocida, hay un pulso, un genio y un magnetismo inevitablemente relacionado con la empatía y el morbo que hacen de este thriller otra serie a no perderse de la plataforma.

Es una coproducción Australia - Reino Unido creada por Kris Mrksa, uno de los guionistas más reconocidos de Australia, protagonizada por el también australiano Patrick Brammall. Y no es que Mrksa haya inventado una nueva fórmula: su foco de trabajo está en cómo miramos a quienes viven dentro de estas historias.

Gran parte de la culpa, por supuesto, la tiene el material original. Causa abierta está basada en la novela de Ryan David Jahn The Dispatcher, adaptando la historia para llevarla a territorio australiano.

Suspense en el por qué

Ian Ridley (Patrick Brammall) es un antiguo policía reconvertido en operador de emergencias que ha visto su vida arrastrada al más profundo y negro de los vacíos en los once años que han pasado desde la desaparición de su hija Maggie.

Aunque está intentando rehacer su vida, seguir adelante y dejar atrás el peligroso abrigo del alcohol para el dolor, en el pueblo aparecen unos restos infantiles que habían estado enterrados once años que tumban la poca estabilidad psicológica que pudiera quedarle.

La premisa, como ya lees, es absolutamente común. Una base casi creada a cuentagotas. Teniendo en cuenta cómo funciona el género en esta época de absoluta desaparición de las ideas y la atención, sin embargo, juega una baza menos habitual: en vez de crear una máquina de giros, decide mostrar sus cartas. Esa es la decisión inteligente con la que vuelve el sol a mi salón.

Causa abierta construye el suspense sin depender exclusivamente de quién sabe qué; su tensión está en la contemplación de cómo distintas personas intentan mantener en pie sus propias construcciones emocionales en pilares de barro.

Y así, en un solo episodio, descubres que Maggie está viva y que tiene nuevos padres que han construido una prisión física y psicológica en un secuestro más emocional que torturador con unos nuevos padres que realmente quieren a la niña que han convertido en su hija.

Pongamos, por ejemplo, Prisoners (Denis Villeneuve, 2013) sobre la mesa. Hay una desaparición infantil, pero su atención está en cuántas atrocidades puede —y podemos— justificar a un padre convencido de que está haciendo lo correcto. No es la investigación, ni la montaña rusa de secretos imposibles. Son las emociones las que lideran el relato y el juicio que hacemos de ellas. A esa misma familia pertenece la serie de Apple TV+.

¿Qué tenía Villeneuve en Prisoners para que la idea pudiera llevarse a cabo? Un estudio de personajes exquisito y unas personas que, efectivamente, pudieran eliminar cualquier barrera de ficción entre ellos: necesitan humanidad.

Patrick Brammall borda ese registro, llenando de aristas a su padre obsesionado, alcohólico, incapaz de respetar los límites, aunque dispuesto a intentar luchar contra su propia rabia, culpa y fragilidad que lo alejan de todos los que se preocupan por él.

Al otro lado están también Brendan Cowell y Maxine Peake, con ideas y contradicciones que terminan de construir el sistema emocional del que se alimenta la serie. Por fin, y lo digo más alto, POR FIN una serie que dedica tiempo a desarrollar con criterio a sus personajes secundarios para que no todo dependa de una única baza.

Una fórmula disimulada

Aunque la serie traslade la acción original de Estados Unidos a Australia, no vamos a negar que tampoco abandona del todo el espíritu formulaico del género en decisiones, diálogos y reacciones que pertenecen al canon y que no pueden evitar que piense que soy demasiado europeo para esto.

La obsesión por repetir "this family" (esta familia) como un golpe de pecho sonoro en una voz ronca tendría que haber desaparecido ahora que parece que superamos las ataduras de Hollywood, pero ahí sigue.

Y después tenemos, cómo no, el efecto Rogue One. Todo puede cocer a fuego lento durante buena parte del capítulo hasta que sus últimos minutos se inyectan de adrenalina y revelaciones para colocar un cliffhanger que, esto sí, es de laboratorio. Y no lo culpo del todo; es lo que pedimos y es lo que nos merecemos.

Leía que Bonnie Elliott, su directora de fotografía y una de las más reconocidas en Australia de su generación, entiende los espacios como elementos a iluminar con naturalidad, sencillez y, sobre todo, vinculación con la interpretación. Eso es lo que construye para Causa abierta, escenas que no pierden el atractivo visual de una iluminación cálida rodeada de la frialdad del bosque invernal, pero sin parecer una fotografía de catálogo.

Los personajes viven en una comodidad palpable dentro de sus escenarios, sobre todo en los interiores. En los exteriores buscan planos mucho más abiertos y amplios que intentan contrastar con la prisión mental de sus protagonistas, pero que quedan algo tibios y monótonos en contraste con escenas más cerradas.

Causa abierta es la serie que tendrías que ver en septiembre. Se acaba el verano, volvemos —o deberíamos volver— a temperaturas soportables y tienes el sofá esperándote con un thriller que no reinventa la rueda, pero sabe hacerla rodar mejor que la media.

En tiempo donde buena parte del thriller televisivo parece ser diseñado para conseguir que alguien publique un post diciendo "NO PUEDO CREER EL GIRO DEL EPISODIO 5", esta serie encuentra mejor material en algo que es mucho menos vendible: en el dolor, la culpa y el juicio psicológico.

Tiene buenas interpretaciones, localizaciones estupendas, una atmósfera trabajada desde la fotografía y un estudio de personajes definidos con profundidad y precisión como para que sus decisiones te importen.

Causa abierta no esquiva las reglas del género, pero sí evita caer en la mercantilización de su historia. ¿Qué más podemos pedir cuando todo parece, como diría el hígado de Jack en El club de la lucha, una copia de una copia de otra copia? Quizás, simplemente, una buena copia.

El humor, heredero de la tradición de Berlanga, tira de retrato de costumbres, mostrando distintos estereotipos que van a ver cómo todo se tambalea: la líder, el pelota, el veterano que acaricia con la yema de los dedos la jubilación anticipada... Todo un ecosistema muy familiar, a nuestro pesar, en el que la honestidad y valores como el trabajo en equipo parecen una chanza cuando se ponen a prueba de veras.

Que comiencen los juegos del hambre

Olga acaba de reincorporarse a su trabajo tras agotar su baja por maternidad: está llena de energía y ávida de conseguir un preciado ascenso pero las cosas no van a desarrollarse como ella desea.

Tío Mochales, su empresa, atraviesa ciertos problemas: hace años era líder en el sector del queso local, pero en la actualidad apenas consigue mantener las apariencias. La última gran idea de la directora es organizar un retiro rural obligatorio con la excusa de fomentar los valores de la compañía en el pueblo donde se fundó la firma.

No obstante, al poco de llegar, ella y sus compañeros descubren que todo era una trampa para obligarlos a competir entre ellos: se avecinan despidos y lo que prometía ser una escapada motivadora se va a convertir en una enorme piscina de barro en la que las traiciones, los rumores y las trampas sacarán lo peor de todos ellos.

Gracias, equipo es una película que aborda temas de rabiosa actualidad como la precariedad laboral, el lenguaje engañoso de los departamentos de recursos humanos y radiografía el clima empresarial cuando se enrarece a la vista de recortes de personal. Aquí no hay glamour ni grandes despachos, sino una oficina destartalada que huele a rancio y se asemeja bastante más al día da día de las pymes españolas. Especialmente acertadas e hilarantes resultan las descripciones de los trabajadores a los que se evalúa por un sistema de colores y las supuestas necesidades de una compañía en apuros para salir del fango.

Cuidado, que las críticas se lanzan en todas direcciones y hay espacio para darle caña a todo dios, siempre desde el humor: a los perfiles dañinos de currantes que se acomodan en su puesto sin más aliciente que sacar tajada, aquellos que buscan medrar a toda costa, sin escrúpulos a la hora de obtener beneficios y pisar cabezas o quienes deciden saltarse las normas a la torera, por no hablar de los que tienen cogido el puesto con los dientes y están dispuestos a vender hasta a su abuela para mantenerse en una posición de privilegio. Reciben también lo suyo los sindicalistas y los que rehúyen del sindicato como de la peste. Y de paso hay también hay una reflexión sobre cómo afecta la maternidad a la carrera profesional de las mujeres y la carga adicional que supone tener que estar permanentemente demostrando su valía... ergo hay reflexiones sobre la conciliación y la asunción de roles sociales por descontado.

La verdad es que hay momentos que podrían haber salido del lápiz de Ibáñez en los que se retrata la miseria humana con una comprensión y un recochineo muy reconocible. ¿Es la película más ingeniosa del año? Pues no, pero no es menos cierto que tiene poco de entretenimiento inofensivo y más de realidad dolorosa de lo que nos gustaría tener que admitir.

La película le saca partido al reparto, que se ajusta bastante bien a sus respectivos roles: Maribel Verdú, Alexandra Jiménez, Pedro Casablanc, Blanca Martínez y Raúl Tejón ponen en pie el núcleo duro de la historia pero Pepe Viyuela y Saturnino García asoman en un par de momentos gamberros que son memorables.

Como de costumbre, Alfa Pictures ha sido la distribuidora encargada de traer la cinta a las salas españolas, algo que lleva haciendo desde la película número 22, Detective Conan: El caso Zero (aunque solo esta y la siguiente entrega las distribuyeron con doblaje castellano).

Esta vez he roto mi tradición de acudir al pase de prensa y disfrutar de la película en pantalla grande porque me ha pillado de vacaciones. Por suerte, la distribuidora ha tenido el detalle de facilitarme un screener y así poder ver en primicia la nueva entrega de la franquicia para compartir mi valoración.

Normalmente, antes de entrar en faena con la crítica, hago un repaso a todo lo acontecido en el manga para aquellos que no estén al día con la obra de Gôshô Aoyama. Sin embargo, esta vez no lo considero necesario, ya que Detective Conan: El ángel caído de la carretera explica al principio todo lo necesario para no perderse en la trama.

Por supuesto, siempre es mejor llevar al día el manga para entender mejor el trasfondo de sus personajes, pero en esta ocasión no queda nada suelto. Aunque, claro está, si acabas de arrancar con el manga o no habías visto nada de la serie, te perderás bastante con la cinta.

La trama de esta entrega arranca con Conan Edogawa, Ran Mouri, Sonoko Suzuki, Kogoro Mouri y Masumi Sera de camino al Festival de Motociclismo de Kanagawa. Durante el viaje, nuestros protagonistas se dan de bruces con una violenta persecución entre motos.

Quien persigue a la misteriosa moto negra es Chihaya Hagiwara, agente de la Unidad Móvil de Tráfico de la Policía de la Prefectura de Kanagawa y hermana del fallecido policía Kenji Hagiwara que fue presentada no hace mucho en la serie de anime.

Cuando llegan al festival, se presenta en primicia a "Angel", una moto policial equipada con tecnología de vanguardia que guarda un parecido asombroso con la moto negra que trae en jaque a la policía, la cual ha sido apodada como "Black Angel" o "Lucifer". ¿Conseguirá Conan averiguar la verdadera identidad del misterioso motorista de Lucifer y su objetivo final?

Una cinta muy predecible para los fans del anime

Después de tantos años disfrutando de Detective Conan, es inevitable que la trama de la película resulte bastante predecible, pues sigue los mismos patrones que en entregas anteriores. No obstante, reconozco que, aunque descubrí enseguida la identidad del asesino, hubo un curioso giro en la recta final que no vi venir.

Esto se compensa nuevamente con las secuencias de acción, destacando las persecuciones moteras de las que hace gala la cinta, aunque eso implique contemplar las acrobacias imposibles de turno, algo muy habitual en los largometrajes de la franquicia.

En esta ocasión el pequeño Conan Edogawa no se luce tanto y deja paso a la experta motera Chihaya Hagiwara. Eso sí, por muy buena conductora que sea, hace cosas que son de lo más inverosímiles. Pero, a estas alturas, este fan de la saga lo goza como un enano, las cosas como son.

No obstante, si bien los 109 minutos de duración de la cinta se pasan rápidos, hay ciertos momentos de la trama que llegan a hacerse realmente pesados. Aunque es normal que haya partes más relajadas, precisamente, por conocer demasiado la estructura de sus películas, uno quiere llegar rápido a los momentos más emocionantes, sobre todo cuando tienes calado al asesino desde su primera aparición.

A pesar de ello, si eres todo un fan devoto de la franquicia, disfrutarás mucho con Detective Conan: El ángel caído de la carretera, disponible en los cines de España desde el 11 de septiembre de 2026. Por supuesto, una vez más toca quedarse hasta el final, ya que, aparte de la secuencia post-créditos de turno, aparece un breve teaser sobre la siguiente película, en principio la última de la franquicia. Y parece que cerrará por todo lo alto, viendo por dónde va a ir la trama. Y hasta aquí puedo leer.

Es indudable que uno de los principales puntos de interés es reunir de nuevo a las hermanas Owens, Gillian y Sally: Nicole Kidman y Sandra Bullock parecen habérselo pasado bien en un universo ficcional en el que se sienten cómodas, de hecho, ejercen además productoras del proyecto. Pero es que el reparto también cuenta con las veteranas Stockard Channing y Dianne Wiest.

Las sorpresas vienen por los nuevos fichajes, las hijas de Sally, roles de los que se hacen cargo Maisie Williams (con un exiguo papel que no le pega demasiado) y Joey King, más presente en la cinta. Entre los nuevos intereses amorosos de las protagonistas encontramos asimismo a Lee Pace (Fundación) y a Xolo Maridueña (Blue Beetle).

La cuestión está en que el tono de Prácticamente magia 2 (como sucedía ya en la primera entrega) es muy voluble: pasa de la comedia al drama y del drama a la intriga en un abrir y cerrar de ojos. A nivel técnico, tiene todos los problemas que se puedan llegar a imaginar, desde fallos de raccord, hasta problemas de montaje, efectos especiales de baratillo y planos que no están siquiera enfocados. Ni siquiera siendo muy permisivos los espectadores pasarán por el aro con facilidad.

De vuelta a casa

¿No tienes reciente un visionado de Prácticamente magia? No te apures, porque su secuela arranca recordando el origen de la maldición de la familia Owens: las mujeres del linaje no pueden enamorarse, porque si lo hacen sus parejas están abocadas a un trágico desenlace.

Cuando enterró a su segundo marido, Sally renunció a la magia y decidió criar a sus dos hijas al margen de su poder. Antonia y Kylie son tan distintas como las propias Gillian y Sally. La primera está a punto de convertirse en una brillante doctora mientras que la segunda, además de cursar sus estudios, ha encontrado al hombre de su vida: Gideon.

Una vez que su relación alcanza un nuevo nivel, la desgracia se cierne sobre él y es víctima de un atropello que lo deja en coma. Esto propiciará que Kylie descubra la maldición y emprenda un viaje a contrarreloj al origen mismo de su familia, en Inglaterra, donde una antepasada fue quemada en la hoguera.

La finalidad última es salvar la vida de Gideon y su única pista, un misterioso libro cuya información más relevante está sellada con magia. Sally tendrá pues que "desbloquear" sus poderes para salvar a su hija y a su prometido antes de que sea demasiado tarde.

A pesar de querer ser una cinta de relevo generacional, Prácticamente magia 2 deja con ganas de ver más a las veteranas, llega algo tarde para las titulares y da la sensación de no ser capaces de "pasar el testigo" a las nuevas incorporaciones, carentes del carisma de las anteriores.

El guión va dando tumbos con serios problemas para avanzar en la medida en que no tiene demasiado que contar ni sabe con qué rellenar tanto espacio. A los diálogos les falta chispa, a la película en general empaque visual y solo justifica su existencia por la pura nostalgia que, en esta ocasión, no está a la altura.

Quizás habría encontrado cierta redención ahondando en el humor, que es el terreno en el que parecen moverse con más soltura los personajes y uno de los pocos puntos de interés de una película que por lo demás se antoja interminable. Es probable que solo le encuentren la poesía los amantes acérrimos del cine de los 90, que se sentirán de nuevo cómodos en la sala por revisitar un universo que les resulta confortable. El resto del espectro de audiencia tiene papeletas para salir escaldado del visionado.

De oönskade (Los no deseados) del escritor Rasmus Lindgren encuentra de este modo una iteración distinta pero muy interesante, sostenida en buenas interpretaciones y protegiendo el núcleo duro de la historia que, por una parte, supone una crítica bestial a la escasez de medios de la enseñanza pública (aparentemente un tema universal como han demostrado desde el humor series como Colegio Abbott o películas como Los buenos profesores, por poner otros ejemplos de tono dispar) y por otra una aproximación desde la sátira a los problemas endémicos que arrastra el exceso de proteccionismo y han conseguido que incluso maestros con vocación sean incapaces de disfrutar de su profesión, menos aún ejercerla con garantías.

Bad Apples es interesante en fondo y forma y se vale de una potente metáfora visual, la de la manzana podrida, para dejar constancia de que un solo alumno puede boicotear a toda una clase y volver loca a su maestra dejándola sin margen de maniobra para poder ejercer la enseñanza, independientemente de su vocación. Pero, asimismo, recala en otra importante cuestión: el fracaso escolar, la falta de detección de problemas graves y la tendencia del sistema a ser o bien una apisonadora o mirar hacia otro lado, sin capacidad para integrar a alumnos problemáticos.

Enseñar y aprender en el siglo XXI

María es profesora de primera en una escuela que lleva a su clase a una fábrica de sidra de excursión. Siguiendo la tónica habitual, uno de sus alumnos sobresale por su mal comportamiento y llega incluso a detener la producción. Danny es un chico violento, rebelde y caótico que le resulta cada vez más incontrolable hasta agredir a una de sus compañeras y romperle un brazo.

Viendo que es incapaz de rectificar ni de pedir siquiera disculpas, sin un solo atisbo de arrepentimiento, María opta por una decisión controvertida: decide llevárselo a casa y encerrarlo en el desván, al menos hasta que se calme.

Después los días empiezan a pasar y descubre que su clase empieza a prosperar: tiene el tiempo necesario para el resto de sus alumnos, les sacan partido a las horas de clase y toda la comunidad, padres y docentes están encantados por el nuevo clima en el aula. Esto complica sobremanera la situación de María, en constante pugna consigo misma: ¿debería confesar y liberar a Danny? ¿Qué hará si alguien más lo descubre?

Bad Apples cuenta una historia pertinente y con giros que la hacen muy interesante como reflexión pero sobre todo se apoya en muy buenas interpretaciones. Destacan las de los jóvenes Eddie Waller (Danny) y Nia Brown (Pauline) y sobre todo la de nuestra protagonista Saoirse Ronan que pasa de la desesperación a la depresión y de ahí a tomar medidas desesperadas hasta empezar a remontar y llegar a mostrarse exultante. Todo un arco dramático que la actriz afronta desde una expresiva contención, sacándole todo el jugo a esta maestra contra las cuerdas.

El guión no se corta tampoco a la hora de exponer cómo el sistema educativo tiene que absorber todo el impacto de las familias desestructuradas que pretenden que sea la escuela la que reencauce a niños desatendidos, en el mejor de los casos.

Respecto a la forma que adopta Bad Apples hay que hablar también de la destreza de Jonatan Etzler para explotar la olla a presión en que se convierte el aula así como los momentos más apacibles y satisfactorios en los que todo se desenvuelve con fluidez. La fotografía desaturada y la puesta en escena austera contribuyen a restarle al colegio su halo de idealización de la enseñanza mostrando la cruda realidad cuando hay dificultades graves y la falta de apoyo, cuando no extrema soledad, de profesores sin respaldo alguno a los que se arroja a los leones (léase padres indignados y alumnos desatados).

No se pone aquí en duda el compromiso de los docentes sino antes al contrario, la frustración derivada de no contar con las herramientas necesarias para poder maniobrar y también la de los alumnos cuya vergüenza por no poder estar al nivel mínimo les lleva a extremar su carácter conflictivo. Si yo no puedo aprender, nadie lo hará.

En suma, se vale de un humor negro muy particular para señalar problemas reales y hacernos reflexionar sobre qué clase de sociedad queremos construir a futuro.

Una puesta de largo clásica ya después de haber ido completando hitos en la dirección como directora de segunda unidad o ayudante de dirección de cuatro proyectos cortos previos.

Estamos ante una película atmosférica en la que cada pequeño detalle o gesto está medido para provocar un impacto en el espectador. Es una cinta sutil, reposada y de ritmo pausado en el que la calidez y frialdad de las estancias nos da mucha información sobre el estado de ánimo de los personajes y donde las apariciones no tienen la finalidad de ser tenebrosas sino solo la insinuación de una presencia que se hace notar igualmente por su defecto: el sabor de una receta que no se puede replicar, la costura sin rematar o el aroma que queda como rastro final en un vestido en el armario.

Hay quien hace cine y hay quien hace poesía: Aleñar combina ambas artes apoyándose en la interpretación de Zoe Stein, una musa peculiar que a sus 26 años sigue dando bien en cámara como adolescente y cuyo personaje transforma su duelo en un juego de espejos que potencialmente puede parecer malsano y abre una puerta hacia lo perturbador.

Papeles como el de Mantícora la posicionaban en un lugar similar. Algo tiene esta actriz que embelesa incluso desde el mutismo. El otro pilar de la película es el veterano Lluís Homar que explora la vulnerabilidad de su personaje con verdadera destreza.

Un verano diferente

Catalina y su hermana visitan a sus abuelos en la playa y disfrutan del sol, los paseos en kayak y del apacible paso del tiempo cocinando y haciendo escapadas. Es un verano luminoso en el que las vistas desde su casa son espectaculares.

Una noche, al volver a casa, Catalina encuentra el cadáver de su abuela tirado al pie de las escaleras y queda en estado de shock, sin saber qué hacer. Toca asimilar su ausencia, acompañar a su abuelo y recibir a su consternada madre, que tensa mucho las relaciones familiares.

Un gesto fortuito como ponerse uno de sus vestidos, será el detonante de que Catalina pase a ocupar el espacio de su abuela provocando un terremoto emocional en su entorno que, por una parte, la echa mucho de menos pero, por otra, lo siente como algo enfermizo y antinatural.

Forastera no es una película de extensos diálogos ni afectada banda sonora, sino que se mueve en el terreno de la levedad y la sutileza. Asimilamos un simple reflejo que flota por toda la casa como esa alma que se niega a retirarse para siempre por sentir que aún pertenece al lugar del que ha partido de improviso.

Lo mismo sucede con el presentimiento que aflora en un fluorescente que parpadea o en un pensamiento furtivo que nos hace teer una tragedia. Es fácil comprender la frustración de ese último postre atesorado en papel de film elaborado por unas manos que ya no están ni estarán más.

Forastera es una colección de sensaciones humanas que no son fáciles de trasladar sin palabras. Su principal valor es ser muy evocadora desde una tremenda sencillez y saber tocar teclas muy profundas sin grandes artificios.

Aquí no es necesario hacer uso de efectos especiales para hablar de fantasmas como tampoco hay necesidad alguna de hacerlo desde el temor o la angustia. Muy al contrario, la película propone un viaje interno hacia la búsqueda de la identidad y la superación de la pérdida con un duelo que no se basa en derramar lágrimas sino en recuperar la memoria. El espectador tendrá que decidir cuánto hay de sobrenatural en este proceso o si se trata simplemente de una simbiosis psicológica.

Por el camino, la directora demuestra su ingenio moviendo la cámara de manera insinuante y proponiendo breves instantes de lo que solo podemos definir como destellos de magia en los que "sentimos" que los personajes no están solos.

Y la prueba está en que mucha gente, 30 años después de la emisión de esta entrega, todavía no es capaz de explicar qué pasó con Son Goku en estos últimos compases de su historia. Nosotros, si lees el titular de esta crítica, ya te lo hemos desvelado.

Estamos ante el episodio más trascendental y emotivo de toda la serie, el desenlace definitivo de una de las mejores obras de la historia de la animación, y esto no fue nada fácil. Por un lado, Akira Toriyama no se encargó de ello, y por otro lado, siempre es complicado cerrar una franquicia de nivel antológico.

Muy pocas saben hacerlo, pero Dragon Ball GT sí estuvo a la altura, dejando muy claro el sentido de su existencia: cerrar de manera definitiva y decente una historia que resonará en la eternidad. Y esto es muy complejo, algo que ni siquiera el autor original, en mi opinión, fue capaz de hacer en su tomo 42.

¿Pero qué ocurrió en el episodio 64 de Dragon Ball GT? Shenron aparece, sin ser previamente invocado, ante Goku y sus amigos. De hecho, nuestro saiyan está prácticamente inerte tras vencer al malvado Ih Shinron, pero el dios dragón utiliza su poder para "despertarle".

Y lo pongo entre comillas porque estamos ante el renacimiento de Son Goku como un ente totalmente diferente, y esto lo vamos comprobando con el devenir del episodio. No obstante, Goku tiene una última voluntad: antes de que Shenron haga desaparecer las Bolas de Dragón, debido a su uso abusivo que puso en jaque al universo, el saiyan le pide al dragón que resucite a todos los afectados por la última crisis planetaria.

Una vez concecido este último y precioso deseo, Shenron le dice a Goku que ha llegado la hora de marcharse. Esto nos dejó a todos con la boca abierta siendo niños y sigue haciéndolo a día de hoy, tres décadas después.

Goku se sube a lomos de Shenron y está a punto de emprender un último viaje, junto a nosotros, visitando lugares emblemáticos para despedirnos de sus (nuestros) viejos amigos: Yamcha, Puar, Ten Shin Han, Chaoz, Umigame, Mutenroshi, Krilín... De hecho, ese último momento en la Kame House, viendo a Goku luchar con Krilín, poco antes de que las huellas del saiyan desaparezcan en la arena... es de lo más bonito que nos ha dado la serie.

Por no hablar de su pequeña parada en el infierno, para despedirse de Piccolo y darle las gracias por todo lo que ha hecho. Lloré viendo el episodio hoy, más de lo que nunca he hecho, y estoy volviendo a llorar escribiendo estas líneas para ti. Es el final de todo. Es muy duro y emotivo. Es, sencillamente, precioso. Es la vida misma.

No obstante, este mágico viaje se ve interrumpido por dos comentarios muy curiosos. Por una parte, Trunks tranquiliza a Pan, diciéndole que las Bolas de Dragón volverán a la vida cuando sean capaces de proteger el universo con sus propias fuerzas. Por otra parte, Pan encuentra el traje destrozado de Goku, algo que le extraña sobremanera, pues acaba de verlo marcharse con Shenron. Es aquí donde empezamos a atisbar la fase de trascendencia de Goku, y el único de todos que lo ha comprendido es Vegeta. Asegúrate de guardarlo bien, le dice.

Desde que Goku abrió los ojos en este episodio, estamos viendo, por primera vez en la franquicia, su condición puramente espiritual, trascendiendo la vida y la muerte, de ahí que Pan pudiera hacerse con su traje y jamás lo veamos con aureola. Goku ha pasado a formar parte de la eternidad, y por fin vemos a nuestro amigo descansar, echándose a dormir en el cálido lomo de Shenron, mientras las 7 Bolas de Dragón se funden con su cuerpo y su cuerpo se funde con el del dios dragón.

Goku se convierte, delante de nuestros ojos, en el espíritu eterno de las Bolas de Dragón, encarnando metafísicamente la Sushinchu que fue legada por su abuelo, tal y como veríamos en el especial de TV de Goku Jr., el tataranieto del saiyan que se deja ver al final de este mitológico episodio librando un intenso combate en el Tenkaichi Budokai del futuro.

Un capítulo que se cierra con el espíritu de Goku abandonando el estadio entre la multitud, mientras una anciana Pan lucha por volver a verlo. Es increíble, pero Goku da la espalda al tatami por primera vez en la serie, sabiendo que las nuevas generaciones podrán defender su amado planeta, despidiéndose de nosotros, hasta que nos volvamos a encontrar (tal y como reza el título del episodio, una obra maestra). Y aquí estoy llorando por segunda vez mientras escribo esta dichosa crítica.

¡CURIOSIDADES!

1- Cuando Goku se marcha con Shenron, Bulma empieza a recordar su primer encuentro. Lo más curioso es que Toei Animation se curró un redibujado precioso para aquel momento.

Tal y como puedes observar en nuestra captura de más abajo, se lo trabajaron de lo lindo para representar aquel primer episodio que cambió el mundo del entretenimiento para siempre. Una maravilla visual:

2- El episodio, pese a su caracter trascendental y emotivo, también tiene hueco para el humor erótico de toda la vida. ¿Quién está leyendo la revista de más abajo?

En efecto, se trata de Mutenroshi, pero lo que destaca de esta escena es el título de dicha revista. ¡Le pusieron Puff-Puff, como el polémico vicio erótico del maestro!

3- ¿Sabes quién lleva puesto este traje? En efecto, Goku Jr., el tataranieto del gran Son Goku. De hecho, es el momento en el que se enfrenta a Vegeta Jr., el tataranieto de Vegeta, el cual le dice que lleva puesto un andrajoso atuendo.

En ese momento, Goku Jr. se enfada y le dice que el traje está en esas condiciones porque perteneció a su tatarabuelo, confirmándose que Pan realmente cogió el traje de su abuelo antes de trascender, convirtiéndose en un gran legado. Es maravilloso. Legendario.

Ha sido muy duro hacer esta crítica, y puede que no estés de acuerdo con mi valiente y temeraria nota final (imposible de replicar en cualquier otra entrega de la serie), pero es un capítulo que no tiene errores, con un tono sublime, una factura técnica perfecta y un final de ensueño para una de las obras de animación más importantes que verán nuestros ojos. Escribir este desenlace no tuvo que ser nada fácil.

Moriremos, tal y como ha pasado con Akira Toriyama, el autor de esta aventura, y Dragon Ball seguirá adelante, generación tras generación, alegrando la vida a millones de niños, adultos y ancianos.

Adiós, Goku, hasta que volvamos a encontrarnos.

Ya comentamos a propósito de la primera temporada que se percibía como un producto menor respecto a la película. Ahora podemos asegurar que la línea es continuista en este sentido: no estamos ante el mejor Guy Ritchie.

Sin embargo, ya nos hemos familiarizado con la galería de personajes y con el tono de la serie, que en esta ocasión apunta más alto, casi a hermanarse con El padrino y a abrazar el juego de contrastes entre los lujos, privilegios y supuesto acervo de la aristocracia y las familias de gánsteres, sicarios y personajes arribistas que amenazan con su caos el aparente orden que los primeros proponen... siempre a beneficio de sus abultados bolsillos.

Lo primero que hay que señalar es que la historia da muchas vueltas y a veces se recrea demasiado en subtramas que no van a ninguna parte.

A este director venía acompañándole un sello autoral caracterizado por la mezcla de humor negro, diálogos elocuentes y secuencias de acción estilizadas pero, de un tiempo a esta parte, le cuesta encontrar el balance entre estos ingredientes y ofrece cada vez menos de lo que nos gusta. Es decir que se recrea en el envoltorio pero mengua lo que mete dentro de él. A la serie The Gentlemen le falta algo de garra, que no violencia.

Por otra parte, recala en los mismos problemas que ya vimos en la primera temporada: los personajes son bastante ásperos y al protagonista, Theo James, le falta registro interpretativo. Da el tipo, sin lugar a dudas, y cumple tanto en el apartado de la acción como en el del estilismo, parte fundamental para un personaje adinerado y engreído como es el duque, pero su arco de evolución es la piedra de toque de toda la temporada y no alcanza a mostrar todo el rango de emociones que son necesarias para generar una respuesta empática en la audiencia.

Le falta carisma, no proyecta y se lo siguen comiendo con patatas otros intérpretes que tiene a su alrededor, desde Kaya Scodelario hasta Ray Winstone.

Por lo demás la segunda temporada de The Gentlemen se detiene bastante en las vidas sentimentales de los protagonistas y se recrea en tensiones sexuales no resueltas a la par que estira una relación cuyo final es muy fácil adivinar. El factor sorpresa juega en contra de una temporada que se percibe de bisagra y que, de alguna forma, se las apaña para dar un rodeo gigantesco para dejarnos en la rampa de salida de nuevo. Para eso aparta a uno de los personajes principales del foco dejándolo casi en el olvido para retomarlo al final.

En fin, a pesar de las muchas pegas que se le pueden poner a la serie, la puesta en escena sigue siendo impecable. Pocas pegas se le pueden poner al montaje y al trabajo del director en sí mismo.

En verdad lo que más chirría es el guión en sí mismo, el diseño de los personajes, la cantidad de relleno de la historia y ciertos clichés que se cuelan incluso en los diálogos, a los que les falta chispa.

La sofisticación enfrentada al mundo criminal hace tiempo que dejó de ser original y definitivamente la serie sufre para mantener el interés en los personajes, que ni son tan verosímiles como para despertar una reflexión sobre la realidad ni tan fascinantes como para sustentar los soliloquios delirantes del personaje de Giancarlo Esposito.

Esta comedia de origen canadiense escrita y dirigida por John Francis Daley (Dungeons & Dragons) y Jonathan Goldstein (Noche de juegos) aterriza en la plataforma de streaming Apple TV mañana 4 de septiembre y lo hace tirando de un particular sentido del humor y de una chanza constante de Top Gun. Pero ojo, es una comedia de altos vuelos, rodada con presupuesto y cierto nivel de ambición en lo relativo a efectos especiales y diseño de producción.

El resultado es un producto muy digno que no es el colmo de la originalidad pero procura 110 minutos de sana distracción. Destaca por las enérgicas coreografías de acción (con alguna secuencia rodada en reversa incluso, que consigue "movimientos imposibles" que desafían a la lógica), implacables persecuciones y un sentido del espectáculo bien depurado que da sus frutos.

Dos hombres y un destino

El protagonista de Mayday es Troy Kelly, conocido popularmente como "Assassin", un teniente de la marina estadounidense algo temerario pero también muy eficiente, siempre dispuesto a ayudar a sus compañeros, por imposible que parezca la misión que tiene por delante.

Después de demostrar su heroísmo realizando una maniobra muy arriesgada, es seleccionado para llevar a cabo una delicada misión secreta en territorio ruso. Nos situamos cronológicamente a finales de los 80, en plena Guerra Fría, de modo que no es pan comido y los riesgos son muy altos.

Para su desgracia, queda atrapado en las líneas enemigas, lo que parece su final. Sin embargo tendrá la suerte de conocer a Nikolai Ustinov, un rudo exagente de la KGB enamorado de la cultura estadounidense con el que creará una inesperada alianza que será su última esperanza para salir vivo de allí.

Mayday parte de una idea divertida que es cachondearse de los tópicos de Top Gun, algo que han hecho ya cientos de series y películas desde Los Simpson hasta Hot Shots! pero aquí la idea no es llevar la propuesta hasta el extremo del humor absurdo sino utilizar esos cimientos para construir un thriller de acción en clave de buddy movie. Aquí opera el juego de contrastes con la colaboración inédita de un marine estadounidense y un exagente de la KGB que se echan un pulso el uno al otro.

En una película de estas características es esencial que funcionen dos cosas: la química entre los protagonistas y la fluidez de la acción. A la habitual verborrea de Ryan Reynolds le sienta muy bien la parca interpretación de un Kenneth Branagh que sigue en forma y rezumando carisma así que la película cumple con ese primer requisito de maravilla. Hasta se podría decir que en más de una ocasión le roba protagonismo al Reynolds.

Pero es que además Mayday hace que luzcan sus 150 millones de presupuesto, bien invertidos en persecuciones trepidantes, secuencias de vuelo y peleas cara a cara que no suenan a más de lo mismo.

Los aficionados al cine de acción van a encontrar aquí varios momentos en los que regocijarse e incluso dar marcha atrás para volver a disfrutar de ellos. La acción es ágil, ingeniosa, muy física y cuenta con un equipo de especialistas de primera línea, de modo tal que supone un gran disfrute.

Menos inspirada y original resulta la trama que, para sorpresa de nadie, a pesar de tener algún impás puntual de crítica social pronto se decanta por el habitual panfleto en un tono muy amable hacia los Estados Unidos.

Si como espectador consigues quitar el foco de esta cuestión, es una película bastante disfrutona, simpática y entretenida. Tres razones que la habrían hecho lo suficientemente atractiva como para llegar al circuito de las salas comerciales y no habría sido difícil que destacara si tenemos en cuenta la delgada oferta después de la oleada de blockbusters veraniegos.

En la concepción de la historia, basada en un relato del propio director, hay un puñado de referencias que se captan al primer parpadeo: desde ¿Quién puede matar a un niño? del maestro Chicho Ibáñez Serrador hasta clásicos del terror como Los pájaros o éxitos recientes que incluyen a Black Phone y hasta a Weapons . Incluso se puede ver en ella una tibia émula de Terrifier.

¿Aporta algo nuevo, sorprendente o memorable? Rotundamente no. Si vas a verla al cine, que sea por las risas y te que aproveche mientras dure.

Sirope de sangre y toppings de vísceras

Apenas quedan tres días lectivos para que arranquen de forma oficial las vacaciones de verano en un idílico pueblecito en el que cada cual está haciendo sus planes: los adolescentes hacer pellas, los abusones pegar palizas y los demás tratar de sobrevivir acelerando las pedaladas en sus bicicletas.

En este contexto conocemos al joven Jared, un muchacho con intolerancia a la lactosa que es el único que se queda sin probar los deliciosos helados de una furgoneta ambulante que llega con muchos y exóticos sabores y un heladero que, valga la redundancia, le hiela la sangre.

A medida que sus amigos y compañeros los prueban, comienzan a manifestar un comportamiento extraño, como si fueran víctimas de un sortilegio: se obsesionan con una serie de dibujos protagonizada por la mascota de la empresa de helados y una pegadiza cancioncilla que precede a una verdadera masacre. Solo un pequeño grupo de supervivientes parecen quedar libres del embrujo y tendrán que buscar la manera de revertirlo aunque para ello tendrán que indagar en el pasado del pueblo y destapar un desgraciado episodio de la historia local.

Dulce sabor a muerte (menos obvia en su título original Ice Cream Man) podría funcionar mejor como corto o bien como película de terror si se le hubiera echado un poco de cariño. Es, de hecho, un punto de partida clásico ya la de la figura del adulto que capta y pervierte a los menores para aprovecharse de ellos y/o someterlos al imperio del mal. Tampoco es que la figura del "heladero asesino" sea nueva: se ha explotado en películas y videojuegos previos y cuenta con el encanto de mezclar lo infantil con el humor negro y la perversión de la violencia descarnada.

Desgraciadamente, en su tramo final la película se resiente por el abuso de la redundancia (hay un límite a la tolerancia al oxímoron de la purpurina asesina) y por una serie de explicaciones y sobreexplicaciones menos lúdicas de lo preceptivo.

Dulce sabor a muerte tiene su gracia, qué duda cabe, y hay formas de morir ingeniosas, sorprendentes y brutales que te sacan una carcajada puntual, pero a la película le falta hondura (y presupuesto) para provocar escalofríos y también ideas genuinas que lleven la trama a algún sitio. Para el momento en el que salen los créditos finales ya queda claro que la trama se había agotado bastantes minutos atrás.

Hay otros dos defectos importantes en esta producción: que van desde la precaria puesta en escena hasta las interpretaciones no profesionales de muchos de los niños que aparecen en pantalla sin pasar por alto algunas decisiones creativas como tirar de una IA muy cantosa en momentos puntuales como la de la avalancha infantil desde el columpio.

Y es una pena porque uno de los valores que parecía estar en el origen del proyecto era el uso de maquillaje, protésicos y efectos especiales manuales, de carácter artesanal. Obviamente no juega en la liga del realismo extremo, pero hay algunas secuencias muy meritorias (la decapitación, por ejemplo) que no necesitan para nada el recurso de la IA que en lugar de sumar, le resta valor a la película.

Se emplea algo mejor en secuencias animadas que se inspiran en películas de animación de los años 20 y compiten en macabro sentido del humor con Rasca y Pica así como en la creación de los créditos finales, con diseños de logotipos curiosos, si bien es decepcionante haber descubierto que las declaraciones iniciales del creador de que eran producto de su trabajo y el de diseñadores profesionales, no fueron del todo ciertas. Si al menos hubiera valido la pena el viaje...

Con infinitas decisiones, infinitos Jason Desen (Joel Edgerton) e infinitas Danielas (Jennifer Connelly), la Caja puede abrir las puertas a prácticamente cualquier cosa: una distopía, una utopía, el una historia de amor o que alguien te añada a un grupo de Whatsapp con el título "Reunión Viejos Alumnos".

La segunda temporada de Materia Oscura abre la puerta a explotar precisamente eso. Su capacidad para transportarnos a nuevos escenarios donde desarrollar esa ciencia ficción gourmet que Apple TV+ lleva años convirtiendo en marca de la casa —véase Pluribus, Separación o Fundación—.

Materia Oscura nació de la novela homónima que Blake Crouch publicó en 2016, una historia autoconclusiva que la primera temporada prácticamente agotó. La adaptación ha terminado generando su propia secuela.

Materia Oscura ya no está adaptando Materia oscura. Aunque el autor está escribiendo una continuación de su propia novela introduciendo las modificación que realizó para el cambio de formato, esta historia quiere exprimir el concepto y las aventuras de los Dessen.

Ahora voy a confesar el pecado: no he podido leer el libro. No debería ser necesario para disfrutar de la serie. Y no lo es; sobre todo porque esta segunda remesa de episodios se escapa de los confines de sus páginas para dar más entidad a sus personajes y a la historia.

Un multiverso que deja de pertenecer a Jason

El estreno comienza meses después de la huida de los Dessen por la caja en busca de una nueva realidad que convertir en hogar. La familia ha encontrado algo parecido a una vida tranquila, pero la caducidad está escrita cuando tienes infinitas versiones de un hombre que recorrió infinitos caminos intentando regresar a Daniela. A su hogar.

Todo a la vez en todas partes utilizó el multiverso para hacer una salvaje, extravagante y divertida película sobre una crisis familiar, Marvel lo ha convertido en el santo y seña de sus cómics y ahora de su universo cinematográfico y Coherence construyó terror psicológico y social con cuatro perras y una cena de amigos.

La segunda temporada de Materia Oscura parece querer remar en esta última corriente. Y es por lo que creo que Charlie puede terminar siendo una pieza fundamental de esta nueva hornada de capítulos.

Sus padres no eligieron conscientemente destruir su adolescencia, pero el muchacho, pagando por pecados que no le pertenecen, está arrastrado por una guerra en la que las decisiones, frustraciones y ambiciones de los adultos le arrebatan lo que nunca volverá.

En un estado permanente de huida y renovación, Charlie es el único que no puede mirar a la Caja como un abanico de posibilidades. La Caja es su más absoluta némesis, y no las copias de su padre. Ese juego de responsabilidades que abre en su primer episodio puede ser, además de más interesante que descubrir cientos de universos, el gran potencial de la historia.

Uno de los rasgos más interesantes que se mantienen en la segunda temporada es su puesta en escena. La estrategia es particularmente útil: no se malgasta un céntimo en desarrollar una disparidad de escenarios, ni se remarcan las diferencias físicas entre universos. No hay guías evidentes que indiquen en qué universo estás: esa es, precisamente, la misma y aterradora incertidumbre que viven sus protagonistas.

La primera temporada escribió esa gramática visual mediante variaciones en la temperatura de color: el hogar se sentía cálido antes de la pérdida; la Caja, en cambio, se construye en negros y texturas metálicas que potencien la sensación de incomodidad.

Decía al comienzo que un infinito mundo de posibilidades abre infinitos problemas. Esa es mi principal duda mirando hacia el futuro de Materia Oscura: si el recorrido va a seguir basándose de forma inevitable en la persecución, la infinitud conceptual no garantiza variedad narrativa.

El primer episodio de la nueva temporada introduce, además, a una especie de agente con un origen ofuscado que sabes que es malo porque, aquí sí, viene con todos los clichés de fábrica. No podría importarme menos.

En una serie de ciencia ficción potencia por el drama familiar y construido alrededor de la identidad, introducir a esta especie de inspector de una agencia ultrasecreta y de ultravillanos reduce al momento la serie al thriller conspirativo más convencional.

Creo que su verdadera fortaleza puede estar en que Amanda, Ryan, Leighton o incluso Charlie puedan terminar convirtiendo el multiverso en algo que deje de pertenecer exclusivamente a Jason. Que abrir la caja de Pandora tenga una consecuencia de un calibre que los supere.

Sea como fuere, la segunda temporada de Materia Oscura, sin un mapa por delante que pueda guiarla, es una nueva oportunidad de que Apple TV+ siga demostrando por qué su catálogo es el rey de la ciencia ficción.

Ahora que ni protagonista ni creador tienen un plan para seguir, los nuevos episodios demostrarán si esa cornucopia narrativa de la que dispone como premisa potencia psicológicamente la historia o se convierte en una máquina de repetir persecuciones.

Y no lo hace desde un modo amable como el de la serie El pueblo sino que deja completamente al margen al humor para desarrollar una historia en la que se muestra la importancia de los lazos de dependencia entre los individuos entre los que hay una suerte de mentalidad de colmena con un líder y un grupo en el cual cada uno tiene unas funciones muy bien delimitadas.

Es una obra de ficción pero a la que le preocupa el factor antropológico de modo que se retratan usos y costumbres, algo que permea la banda sonora y la puesta en escena de la película. También se deja notar a nivel argumental en la medida en que los personajes están "atrapados" sin la posibilidad de relacionarse con el exterior con libertad y con un estricto control de sus comunicaciones.

Reparto coral, atmósfera asfixiante y una historia que no te lo da todo mascado sino que te invita a recomponer el pasado de los protagonistas para hacerte una idea de cuál es su presente.

El bien común

Nos desplazamos a una aldea aislada de la Comunidad Valenciana en la que un grupo de personas vive de manera voluntaria y autónoma. Se trata de un asentamiento autosostenible en el que cada miembro tiene unas funciones bien definidas de tal manera que todos son imprescindibles para mantener el equilibrio.

Sin embargo, alguien ha querido boicotear la comunidad matando a un cordero y arrojándolo al aljibe del que se extrae agua potable. La contaminación les obliga a desechar esta forma de obtener agua, teniendo que desplazarse varios kilómetros hasta el río para obtenerla.

La solución es reclutar a Lluc, un ingeniero de caminos que se encuentra en horas bajas y accede a pasar allí unos meses hasta canalizar el agua del río hasta una fuente en el pueblo. Lo que en principio le parece una suerte de paraíso terrenal formado por individuos que se apoyan unos en otros por un bien común, pronto se torna una realidad muy distinta con abusos de poder y una malsana relación entre los distintos integrantes de una comunidad podrida. La pregunta es: ¿conseguirá salir de ella? ¿A qué precio?

En un mundo hiperconectado en el que estamos tan pendientes de la realidad como del plano digital en el que gestionamos nuestra reputación y cultivamos nuestras relaciones sociales, se nos propone hablar de la convivencia en su estrato más primigenio, restando de la ecuación al móvil y todo lo que trae consigo: redes sociales, medios de comunicación, respuestas fáciles obtenidas mediante IA...

Enjambre nos habla de "echarse al monte" dejando de lado las comodidades y garantías de la civilización: no hay hospital, no hay policía, no hay más que un grupo de personas que se dotan a sí mismas de unas normas para tratar de salir adelante. Es una versión utópica de la existencia que solo puede funcionar a base de la renuncia individual y un gran espíritu de sacrificio pero que parece también conllevar los mismos problemas que el "sistema" pero a pequeña escala.

La película se desarrolla mediante una mirada externa de un testigo que ingresa por propia voluntad y con un fin determinado o, lo que es lo mismo, una visita con fecha de expiración. Hasta que se enreda en el enjambre y empieza a tejer sus propias relaciones. Buenas interpretaciones, por cierto, encabezadas por Pablo Molinero y Cristina Fernández Pintado pero entre las que también destacan las de Pablo Derqui, Gloria March o Jordi Aguilar.

El debate está servido: bajo la trama principal que sigue la historia del protagonista, está el sustrato más interesante que nos invita a la reflexión sobre el poder y la libertad individual, el papel protector (que no paternalista) del Estado que debería defendernos de los abusos y promover la igualdad social y, sobre todo, la forma en la que nos hemos ido separando de la naturaleza hasta encontrarla casi como una extraña en nuestras vidas.

Toda una serie de cuestiones muy interesantes y pertinentes que enriquecen la historia y pueden llegar a ser incluso más interesantes que la resolución misma de la aventura. Lo mismo Enjambre tiene también alma de documental, sobre el que se ha superpuesto la capa del thriller casi como excusa para existir....

La semana que viene, con la crítica del último episodio de la serie, te desvelaremos qué hemos planeado para las próximas semanas (meses e incluso años, según el devenir de la franquicia). ¡Pero ya habrá tiempo para explicarlo!

Por lo pronto, nos centraremos en el episodio que nos ocupa hoy, el capítulo 63 de Dragon Ball GT, una auténtica obra de arte que dignifica esta grandísima serie. De hecho, si llevas 63 semanas leyendo nuestros análisis, habrás comprobado que este anime es muchísimo mejor de lo que la gente dice en redes sociales.

Estamos ante una de las mejores producciones animadas de Goku y sus amigos, o si no, echad un vistazo a nuestras críticas y notas a lo largo de esta aventura. ¡Ha habido de todo, y la mayor parte de las veces, muy bueno!

¿Y cómo empieza este episodio? Con Goku y Vegeta, en sus estados base, frente a Ih Shinron al máximo de su poder. Vamos, una derrota segura ante el villano más poderoso de la serie, y lo apreciamos nada más arrancar la afrenta final.

Es más, el dragón oscuro quiere terminar cuanto antes y prepara su bola de energía negativa para destruir la Tierra. Con lo que no contaba era con la persistencia de Goku, que pese a no tener ni un ápice de fuerza, intenta aplacar su bola de energía, aunque termina encajándola para proteger a todos sus seres queridos.

Con Goku fuera de combate, Ih Shinron empieza a contaminar toda la Tierra de energía negativa, sembrando muerte y destrucción. Ante este panorama, Vegeta le pide a los suyos que se marchen de allí y puedan enfrentarse al monstruo en el futuro. No obstante, Goten, Gohan y Trunks terminan echándole un cable, siendo conscientes de que están a las puertas de la muerte.

El dragón los tumba sin problema, e incluso se ensaña a base de bien con Vegeta, con alguna escena escalofriante como la que tienes abajo. No solo le atraviesa el cuerpo con sus cuernos, sino que lo electrocuta hasta dejarlo inconsciente. Es una salvajada como pocas veces hemos visto en la serie:

Y cuando todo parecía perdido, sin que nadie contara con ello, un moribundo Goku se eleva hacia el cielo gracias al poder de la Genkidama. ¡El saiyan había estado reuniendo la energía de todo el planeta en el umbral hacia el Otro Mundo! Gracias a esa energía, Goku puede alzarse cual dios, tal y como apunta su nieta Pan, para ejecutar el ataque final frente a Ih Shinron

Sin embargo, le pide ayuda a Kaioh del Norte para que todos los seres del universo, aquellos que conoció en su viaje espacial al inicio de la serie, también le presten su ki para la Genkidama. ¡Y ahora sí, con el poder de toda la galaxia, consigue purificar el planeta Tierra y acabar con la vida de Ih Shinron! Sin embargo, Shenron aparece en el último momento sin que nadie le haya invocado... ¿Qué pasará ahora?

¡CURIOSIDADES!

1- ¿Sabías que en este episodio se cargan al rey del mundo? Y lo vemos casi explícitamente, algo bastante curioso en la serie.

Te dejamos el momento del terrible suceso justo abajo, cuando la energía negativa de Ih Shinron se ensaña con el hogar del rey y destroza King Castle al instante, durante la emisión de su comunicado mundial. Un drama, vaya.

2- Otra grandísima curiosidad que nos deja el episodio tiene que ver con los personajes que ves en nuestra captura de más abajo. ¡Nada más y nada menos que los guerreros del cielo!

Los vimos lucirse en la Saga del Torneo Celestial de Dragon Ball Z, así que ilusiona volver a verlos en Dragon Ball GT. ¡No se olvidaron de ellos en el equipo de Toei Animation!

3- Quería también destacar una escena muy simbólica, pues cuando Ih Shinron empieza a asolar todo el planeta, arrebatando toda esperanza, apreciamos la destrucción de... ¡Una cruz!

Sí, la misma que ves en nuestra captura de más abajo. La carga simbólica es enorme, pues nos hace ver cómo la fe se empieza a derrumbar en todo el mundo (hasta que Goku, como si fuera dios, alza el vuelo con la energía positiva de todos los seres vivos del universo).

Y así finalizamos el análisis de este grandioso episodio. ¿Lo recordabas tan emotivo? La verdad que esto no es nada si lo comparamos con la entrega de la semana que viene, con eso te digo todo.

¿Qué nota crees que le daremos al episodio 64 de Dragon Ball GT? Ya te avisamos que no nos va a temblar el pulso, pues se trata del precioso desenlace de una de las mejores series de animación de la historia. ¡Kai, Kai!

Tenemos aquí a pesos pesados como Robert De Niro o Michael Keaton pero también al actor de moda Adam Scott (Separación, Hokum), a Michelle Monaghan o a Owen Teague a quien veremos en Life Is Strange.

El punto de partida, por tanto, no puede ser más apetecible, si bien también puede herir sensibilidades: estamos ante un relato que aborda la pederastia, el asesinato de niños y es bastante retorcida en general, contando con algunas imágenes de alto impacto como cadáveres y cautiverios forzosos.

Arranca in media res, con la policía peinando una zona boscosa en la que se halla un cadáver, así que la rueda no tarda en girar y a partir de ahí entramos en un tren de la bruja repleto de revelaciones y giros de guión.

La historia se repite

Susurran tu nombre nos presenta a la familia Kennedy: Tom y su hijo Jake se mudan a la ciudad en la que pasó su infancia su esposa, recientemente fallecida. Es donde reside además su padre, un expolicía que lleva veinte años retirado y con quien no tienen ninguna relación.

Peter Willis fue el encargado de atrapar y meter entre rejas a Frank Carter conocido popularmente como The Whisper Man. Su modus operandi, muy inquietante, consistía en cortejar a niños que se sentían solos o tenían malas relaciones con sus padres para convencerlos de abandonar su hogar. Ya en cautiverio, grababa cintas en las que confesaban cómo se sentían que hacía llegar a sus familias poco antes de abusar de ellos y matarlos, ocultando siempre sus rostros.

Cuando Jake desaparece en extrañas circunstancias, Tom no tiene más remedio que contactar con su padre. Las desapariciones de niños vuelven a repetirse pero, con el principal sospechoso atrapado, solo puede tratarse de un cómplice o un imitador. Arranca una contrarreloj por encontrar al pequeño y destapar la identidad de su captor.

Susurran tu nombre es, en su corazón, un drama acerca de las relaciones paternofiliales rotas y/o retorcidas por diversas razones. Una llamada de atención de que los monstruos que acechan se alimentan de esos lazos disfuncionales que llegan a tal extremo que pueden desembocar en un abandono voluntario del hogar.

El problema de la película no es que no sepa lo que quiere contar sino que resulta bastante tramposa en su desarrollo y pierde muy pronto su verosimilitud: son demasiadas coincidencias y hay que hacerle muchas concesiones a la ficción para cuadrar las piezas del puzle. Esto llama la atención si tenemos en cuenta que el propio Alex North ha formado parte del equipo de guionistas de la película: por qué ha prescindido de la lógica más básica en ciertos momentos, escapa a la comprensión.

Por otra parte, Susurran tu nombre no se decide en el tono que quiere adoptar: a veces quiere ser una película de terror (y ahí había potencial, se nota que a Ashcroft le interesa y se percibe cierta influencia de películas como Black Phone), a veces se decanta por el thriller policial (endeble) y donde mejor funciona o al menos consigue poner los pelos de punta es en el apartado del drama familiar y el crimen psicopático. La resolución es... horrible, en pocas palabras.

También flojean dos apartados primordiales en una cinta de estas características: la banda sonora, a veces demasiado ausente y otras sin fuerza alguna y un montaje más fluido. Los cortes son abruptos, los cambios de escenario también y aunque puntualmente se haga uso de un montaje paralelo para crear expectación, al relato le falta soltura.

El principal escollo en cualquier caso, es que llega a su punto álgido dejando muchos cabos sueltos. Es chocante por su nivel de brutalidad, pero no termina de ofrecer explicaciones que encajen.

Mide bastante bien los tiempos para cultivar la curiosidad de los espectadores y, aunque tarda en llegar al meollo de la cuestión (por evidentes carencias presupuestarias que también se plasman en unos efectos digitales bastante modestos), termina mojándose. No tiene la resolución más original del mundo y hasta roza la comedia involuntaria, con una mala digestión de clásicos de culto de terror y ciencia ficción, pero también es verdad que te mantiene alerta todo el tiempo y que se pasa volando, valga el juego de palabras.

El mérito inicial es de los hermanos Duffer, creadores de Stranger Things, cuyo cortometraje The Vessel ha sido el punto de partida para la creación de esta cinta cuyo guión final es obra de Stephen Susco (Do Not Enter).

Tormentas de colores y fenómenos inexplicables

Black Box tiene una estructura circular: arranca con el clásico "metraje encontrado" de una grabación en la que un hombre está a punto de hacer una gran revelación y de ahí saltamos al pasado para ver cómo ha llegado hasta ese momento. Él es Jeremy, un doctor viudo que está a punto de embarcarse en el Vuelo 298 que cubre la ruta de Nueva Orleans a Seattle. Se desplaza, precisamente, con el cadáver de su esposa en la bodega, atormentado por recuerdos dolorosos y en pleno duelo. Aunque pronto todo eso será la menor de sus preocupaciones.

A bordo viajan también una madre y su hija, un molesto tipo en primera clase que se comporta como un niño malcriado y un anciano que al poco de iniciar el viaje empieza a encontrarse mal. Por desgracia, lo que tiene parece contagioso porque pronto otros pasajeros y parte de la tripulación empieza a experimentar un sangrado inusual, dolores de cabeza y otros síntomas preocupantes.

Además una tormenta eléctrica gigantesca parece surgir de la nada restándole visión a los pilotos y desencadenando una serie de fenómenos extraños: luces de colores, zarandeos y sacudidas. ¿Está siendo el pasaje presa de una alucinación colectiva o están siendo asediados por fuerzas que no pueden comprender?

¿Quién está al timón? Black Box ha sido dirigida por el poco prolífico Steven Quale, responsable de películas como Destino final 5 o En el ojo de la tormenta. El resultado es una película funcional, que entra fácil por los ojos, aunque no tiene en verdad ningún ingrediente que la haga memorable a medio plazo.

Sí que escuece un poco la sensación de que había ideas de las que tenían potencial para helarle la sangre a la audiencia, más allá del respingo de turno por la clásica imagen de alto impacto con trallazo de sonido, pero termina transitando por la senda de tantas otras películas ya vistas de temática similar.

Por el camino, como decíamos, entretiene, te mantiene en tensión pero no consigue resolver con solvencia. De largo el final es lo que peor funciona de una cinta pasable que no le va a cambiar a nadie la vida, pero desde luego despierta curiosidad.

Se agradece que los intérpretes se lo tomen bastante en serio, sobre todo el protagonista, Tom Brittney, a quien veremos próximamente también en Fall 2: Deadpoint. Pulula por aquí también la joven Molly Belle Wright, especialista ya en catástrofes aéreas a la que hemos visto en la reciente (y también muy veraniega) En mar abierto. Esperemos que la chiquilla no le coja miedo a volar... La audiencia desde luego, no creo que salga del cine con excesivos agobios porque la verosimilitud se pierde muy pronto para abrazar el relato de supervivencia extrema con el plus del componente claustrofóbico de estar confinados en un avión. La idea está bastante trillada, ojalá el guión no se olvidara de algunos cabos sueltos y la producción hubiera contado con más medios. Habría tenido más ocasiones de destacar.

En primer lugar hay que alabar la valentía del octogenario director que sigue en plena forma, porque la historia sigue en su mayor parte el torrente de pensamiento del protagonista. Y esto no ha tratado de replicarse a través de una voz de off, que podría haber sido un recurso facilón, sino a través de puro lenguaje cinematográfico (y añadiendo más acción y diálogos, claro está). Tanto la preciosa banda sonora de la película como los paseos en avioneta, nos dan información clave de cómo se siente el protagonista: esperanzado, sobrepasado, expectante... Seguimos su viaje compartiendo sus sensaciones.

Lo mejor del asunto es que a pesar de los cambios, el corazón de la novela está intacto: los arcos emocionales de los personajes, la profunda humanidad que destila el texto, la forma en la que defiende que se preserve la civilización incluso cuando todo se viene abajo...

Después del desastre

Bangley, Hig y su perro Jasper salen adelante en un aeropuerto abandonado en Erie, Colorado, después de que una epidemia haya esquilmado masivamente a la población. El primero es un experto en armas y supervivencia obsesionado con mantener limpio el perímetro mientras que el segundo se encarga de llevar suministros a la base, pilotando para ello una vieja avioneta en la que carga tanto como puede.

A priori tienen todo lo que pueden necesitar: víveres, electricidad, agua y comida suficientes como para vivir despreocupados. Sin embargo, periódicamente reciben la visita de asaltantes violentos a los que Bangley abate con su arsenal de armas.

Para Hig, obsesionado con el recuerdo de su esposa, esto no es vivir sino subsistir reaccionando a las amenazas, de modo que decide poner rumbo a Grand Junction, el lugar del que procede una señal de radio que lleva años detectando. Es el momento de descubrir si hay algo más allá de Erie para él y de saber si queda un reducto de humanidad en un mundo devastado.

Lo que hace especial la novela (cuya lectura os recomiendo encarecidamente) y también la película es su sensibilidad a la hora de abordar cómo se siente el personaje principal. En ciertos momentos se podría decir que La constelación del perro destila poesía y que tanto su relación con sus recuerdos como con la naturaleza, el arte o los vestigios de lo que pudo llamar en el pasado felicidad componen un retrato de ese fuego interior que quería preservar el padre al que interpretaba Viggo Mortensen en La carretera.

En cierto modo ambos relatos comparten muchos elementos, pero estamos ante una película terca en señalar que aún queda bondad, belleza y esperanza a pesar de la desolación impuesta por la enfermedad y la escasez de recursos.

Mención especial para el espectacular casting de La constelación del perro en el que brillan con luz propia tanto el grandullón Jacob Elordi que tan bien casa con "Big Hig" como el carismático Bangley al que da vida Josh Brolin. Menos oportunidades tienen de sobresalir Guy Pearce, Margaret Qualley o Benedict Wong, a pesar de parecer cómodos con sus personajes.

Definitivamente a Allison Janney no la vimos venir (es todo un sorpresón), en un papel creado ex profeso para la película para uno de sus segmentos más esperpénticos y alejados de la novela que casi nos traslada al universo de Blade Runner en un abrir y cerrar de ojos. ¿Le hacía falta a la historia? La verdad es que no, pero ¡qué demonios!, es un giro que le aporta un toque de color muy particular. No es la única excentricidad porque los ataques de los carroñeros, una suerte de tribu de fanáticos destructivos nos pueden desplazar casi al nuevo universo de 28 años después de Danny Boyle. Bestial cómo está rodado el asalto nocturno con cámara térmica y un aspecto visual muy comiquero.

Pero, recapitulemos, lo que nos ata a la historia son los personajes y es fácil enamorarse de ellos y acompañarlos hasta el final.

Hablamos hoy de esta cuarta entrega en formato de largometraje, que es la más satisfactoria hasta la fecha gracias a un sentido del humor algo más depurado, una historia enternecedora que emociona mucho más que las anteriores y un diseño de los personajes muy acertado.

De alguna manera da la sensación de que busca menos la aprobación internacional (esos galones ya los tenía ganados puesto que el personaje ha tenido una proyección muy amplia) y se centra más en la historia en sí y en la construcción de los personajes. El resultado es una mejora notable en todos los aspectos y por tanto da pie a una grata experiencia de visionado.

Tadeo madura y viaja en el tiempo

Tadeo, Sara, Oli y Momia forman una curiosa familia, aunque la llegada de la pequeña haya desplazado a Momia y lo lleve francamente mal.

Mientras están de vacaciones en Londres, siguen la pista de un objeto único como es la lámpara maravillosa de Las mil y una noches dentro de la cual vive encerrada una genia que concede tres deseos a aquel que la frote y la haga emerger de su escondite.

Cuando Momia pide, en un ataque de celos, regresar al pasado para revivir la época en que era joven y adorado por todos, desata también un problema temporal: Tadeo y Sara tienen que evitar que Momia cambie el curso de la Historia y llevarlos a todos de vuelta a su época intactos. Pero ésta no será una tarea fácil y pondrá a prueba el espíritu de sacrificio de todos ellos.

El regustillo cinéfilo de Tadeo Jones queda más patente que nunca con una introducción que enlaza con las producciones que Alfred Hitchcock presentaba con su plano de perfil, parodiado por Belzoni, pero también cuenta con un festival de referencias que nos llevan de Mad Max a Regreso al futuro pasando por Titanic y Parque Jurásico o, por supuesto, Aladdin.

El objeto mágico, la lámpara maravillosa, dará pie no solo a toda la aventura como claro motor del conflicto principal, sino también a apariciones estelares como la de un Cristóbal Colón muy especial que cuenta con la voz de Carlos Latre en el doblaje (y que hace doblete, por cierto, al hacerse cargo de un Belzoni que aparcará los letreros para hablar por primera vez). De la genia de la lámpara se hace cargo, con muchísimo sentido del humor, la gran Petra Martínez, uno de los mayores aciertos de una película que conjuga muy bien los elementos que pueden hacer gracia a los peques y otros destinados a un público más maduro.

Aunque el mix de arqueología, datos históricos y fantasía sea a veces un verdadero gazpacho, Tadeo Jones y la lámpara maravillosa consigue superar un hito introduciendo algunos aspectos que a día de hoy nos preocupan e incomodan como el intrusismo de la tecnología o la amenaza de la IA como suplantadora de las habilidades humanas, sin descuidar el humor ni hacer trastabillar el arco narrativo principal.

La excusa es un viaje en el tiempo de consecuencias tremendas, pero el corazón lo ponen los lazos de amor y amistad que unen a los personajes y los hacen inseparables, por más que se interponga entre ellos el paso de tiempo. Atentos a los créditos finales, que también tienen su miga.

Enrique Gato demuestra con esta película su infinito amor por un personaje con el que lleva conviviendo más de dos décadas y que se ha convertido en el más fiel de sus compañeros. Los guionistas Manuel Burque y Josep Gatell refinan la fórmula y consiguen que las referencias patrias convivan con mayor armonía con el espíritu de aventura de una película que lo tiene todo para triunfar en esta recta final del verano.

Si comparten algo más es la entrega absoluta de sus respectivos repartos a las visiones de sus directores, materia de interés para ambas películas en la medida en que los protagonistas son, asimismo, directores de cine que pasan la realidad por el tamiz de la ficción. Y hasta ahí las concomitancias: ni el trasfondo, ni la forma, ni el tono o las implicaciones emocionales se parecen en absoluto.

Rodrigo Sorogoyen, experto en crear escenas de alta tensión, se desmarca con una película muy amarga, compuesta por desencuentros, silencios densos, miradas no correspondidas y conversaciones vagas que al espectador le toca recomponer como un puzle para hacerse su propia composición de lugar.

Con estos mimbres ya se apreciará que estamos ante una película difícil en la que es tan importante lo que se dice como lo que se calla, que exige atención constante y pone el foco principalmente en los dos personajes principales interpretados con maestría por Javier Bardem y Victoria Luengo.

Debajo de todas las máscaras

Esteban Martínez es un exitoso director de cine con dos premios Óscar y una larga carrera dedicada a su pasión por filmar. Con el paso del tiempo se ha convertido en una leyenda no solo por su talento en el set de rodaje sino también por un pasado marcado por la violencia y los excesos.

Su nuevo proyecto, una historia de amor y traición en el Sáhara colonial de 1932, le lleva a contactar con su hija, una joven actriz de la que lleva alejado más de una década. Su primer encuentro es algo tenso: ella no sabe qué contestar a su oferta de relanzar su carrera haciéndose cargo de uno de los roles protagonistas y claramente tienen recuerdos muy distintos de su infancia.

Tras aceptar el papel y desplazarse a Fuerteventura para el rodaje, tendrán que convivir en el set durante más tiempo del que han estado juntos nunca. Por una parte esto les llevará a tener una complicidad y cercanía inusitada, pero por otra dará pie a que se reabran viejas heridas y sus egos choquen dinamitando el ambiente colaborativo de un trabajo tan coral como el del cine.

El ser querido es una de esas obras que ponen en valor el cine dentro del cine: muestra cómo interfiere la esfera de lo personal en el plano profesional sobre todo con unas dinámicas de poder tan rígidas como las que exige un rodaje en el que todo está supeditado en última instancia al director, que tan fácilmente puede convertirse en un cacique.

De manera transversal la película toca aspectos que son de gran interés para el propio Javier Bardem: desde la situación del Sáhara hasta su conflictiva relación con los medios de comunicación, más interesados en la vida personal de su personaje que en su trayectoria profesional, algo que ha vivido en sus carnes y le ha llevado a establecer muchos cortafuegos.

Por desgracia El ser querido tiene un problema gigantesco: es fácil entusiasmarse con la forma en que se está narrada porque Sorogoyen maneja la puesta en escena, los tiempos y la cámara como pocos directores pero no consigue emocionarnos ni, peor aún, comprender por qué se emocionan los personajes que pueblan esta historia en su tramo final.

Se entienden los conflictos, hay interesantes lances dialécticos entre los protagonistas y por momentos se mastica la tensión, pero la película deja cierta sensación de quedar inconclusa por no poder o no saber cómo resolver la ecuación. Como es marca personal del director, aboga por los diálogos naturales y la búsqueda de la verosimilitud, pero esta vez parece un poco más impostado de la cuenta echando mano de recursos que terminan incluso tornándose contraproducentes como los abundantes primerísimos primeros planos o los cambios de formato y color.

Tocamos hueso, entramos en el trauma de ella y los remordimientos de él pero da la sensación de que la película está cociendo a fuego lento un clímax que no llega nunca y queda por tanto bastante fría en el apartado emocional.

El ser querido habla de la trascendencia del cine y de cómo queda inmortalizado para siempre a la vez que lo hace la propia experiencia personal de quienes atraviesan el periplo de filmarlo, pero aquí no llegamos a ver en qué se traduce esa vivencia ni si llega a ser en verdad a ser trascendente para quienes la han pasado. Así que es hasta difícil saber cómo se supone que tenemos que sentirnos dos horas y cuarto después de entrar en el cine. Confusos, seguro.

No es solo que el argumento y desarrollo de esta propuesta resulte descabellado sino que no se sostendría ante un escrutinio mínimamente exigente de la lógica más básica... Ahora bien, ¿a quién le importa eso? La cinta vende una peli de acción de Jason Statham así que ya sabemos qué vamos a ver: es una cinta honesta hasta la médula que da lo que promete, sin más.

Después de Beekeeper, A Working Man o Shelter la fórmula está más que refinada. Statham de nuevo se yergue como defensor de los oprimidos, leal protector y reparador de injusticias. El tío lo tiene clarísimo y produce sus propias películas en base a una plantilla que siempre suele recaudar pasta y deja intacta su imagen beatífica y paternalista (aunque por supuesto su medio sea la violencia más burra del mundo). Insistimos en este punto: sabemos lo que vamos a ver, de modo que es difícil que algo de esto nos incomode.

Lo mejor del asunto es que este héroe es como un recortable: le puedes cambiar el traje, que es intercambiable con cualquiera de sus papeles anteriores y, a su vez, es "serielizable", así que cada nueva película que saca es susceptible que convertirse en una franquicia con secuelas ad infinitum. En verdad Statham ha dado con la fórmula del éxito.

Un asesinato, un polizón, una carga delicada y un motín abordo

El motín arranca presentándonos a Cole Reed, un fiel guardaespaldas que lleva años protegiendo a un empresario a punto de retirarse para dejarle su negocio naviero a su único hijo. La noche en que celebra ese traspaso de poder y los logros de una larga carrera sin un solo borrón, es emboscado y asesinado por un grupo de policías corruptos y Reed es acusado injustamente de ser un sicario sin escrúpulos.

Esto le llevará a buscar respuestas y las encontrará entre los papeles de uno de los asaltantes, que estaba a punto de embarcarse en uno de los buques mercantes de la compañía. Reed suplanta su identidad y se cuela en él como polizón.

De forma paralela, Angie Ellis es convocada para cubrir la baja de un compañero y se embarca de manera inesperada en el último momento. Aún desconoce que el extraño que va en el barco será su mejor baza para conservar la vida cuando se ponga de manifiesto la operación que la tripulación se trae entre manos.

Statham hace lo suyo y lo hace muy bien. No precisa de grandes líneas de guión pero tiene un papel físico que maneja con solvencia y Jean-François Richet sabe imprimirle nervio y vistosidad a las secuencias de acción jugando con la perspectiva, los tiros de cámara y las ópticas. Así que cada vez que nuestro héroe se descuelga por un tubo, una cuerda o una cornisa, ahí está él para sacarle jugo a las imágenes. El barco de mercancías se convierte en un patio de recreo repleto de recovecos, tuberías, objetos contundentes y punzantes que se aprovechan siempre que hay ocasión.

Como hemos dicho desde el comienzo, El motín no es una película en la que importe tanto la lógica del guión como la lógica de la industria. Que nadie espere un gran argumento, giros de guión con revelaciones desbordantes de ingenio o grandes dosis de originalidad, porque no va por ahí en absoluto.

En suma, no le va a volar los sesos a nadie, no hará que se detenga el mundo ni busca hacerse hueco en la carrera a los grandes premios del cine, pero si podría recoger un galardón a la autoconsciencia: tiene clara cuál es su liga y quién es su público y lo deja saciado.

Tenemos algunas ideas en mente para cuando llegue el momento de decir adiós a esta serie dentro de 2 semanas. Si tenemos en cuenta que Dragon Ball Super Beerus se estrenará en octubre, ¿qué podríamos analizar durante ese mes de intervalo?

Pues lo tenemos todo bajo control, y si nos dan luz verde, podrás disfrutarlo en Hobby Cine. De momento, no queremos adelantar nada hasta que nos lo confirmen, así que vamos a ponernos ya con lo que nos atañe.

Si el episodio anterior fue un suspenso, este lo hemos aprobado, no con mucha nota, pues tiene un dibujo francamente horrible, pero al menos nos deleitó con ideas interesantes. ¿Las vemos?

El capítulo arranca con la Sushinchu en la frente de Goku. Sí, no estamos de broma, el saiyan se tragó la esfera de su abuelo en el episodio anterior y... ¡le apareció en mitad de la frente!

Y ahora, por fin, sabemos la razón. Justo cuando Ih Shinron está a punto de rematar a Goku, la Sushinchu se despega de su frente y aparece Suu Shinron, el dragón oscuro de 4 estrellas, para sorpresa de todos los presentes:

El que fuera amigo de Goku parece que ha vuelto en sí, y todo gracias a la maniobra del saiyan. Sin embargo, el dragón empieza a atacar a Vegeta, y más tarde a Goku, por lo que parece que no ha regresado en son de paz...

Ih Shinron afirma que, pese a ser un dragón de buen corazón, Suu Shinron quedó contaminado con su energía negativa y de ahí que ahora sea un enemigo de los saiyans. Sin embargo, ¡el dragón de 4 estrellas estaba fingiendo junto a Goku y consiguen pillar a Ih Shinron con la guardia baja! Gracias a que el saiyan se tragó su esfera, consiguió revertir la energía negativa de Ih Shinron y no sucumbir a su oscuridad.

Es más, aprovechando el descuido del enemigo, Suu Shinron consigue encerrarlo en una prisión incandescente que lo hace explotar en mil pedazos. No obstante, cuando se disipa la humareda y vemos el cuerpo del viejo amigo de Goku...

¡Suu Shinron empieza a resquebrajarse y vemos aparecer a Ih Shinron del interior de su cuerpo! La escena es sobrecogedora y bastante violenta, y es que el dragón maligno incrustó sus Bolas de Dragón negativas en el cuerpo de Suu Shinron, antes de ejecutar la explosión, protegiéndose de la misma. Una jugada maestra que pondrá las cosas muy difíciles a Goku y Vegeta (y este, además, también ha perdido el Super Saiyan 4).

¡CURIOSIDADES!

1- ¿Sabes lo que dice en esta escena final Ih Shinron? Que se ha convertido en un dios, en un dios de la destrucción. Si lo escuchas en japonés, dice literalmente Hakaishin.

Que se autoproclame Hakaishin, con la intención de destruir los planetas, resulta sobrecogedor. Parece increíble que este concepto cobrara tanta importancia muchos años después con Battle of Gods.

2- Aparte de estar dibujado de manera paupérrima, este episodio también sufre otros fallos como esto de abajo. ¿Notas algo raro?

Venga, te damos una pista, tiene que ver con el traje de Kibishin. ¡Exacto, está mal coloreado!

Y así terminamos el análisis de hoy de Dragon Ball GT. ¿Qué te pareció este episodio? ¿Lo recordabas o te ha sorprendido todo lo que ha ocurrido con Suu Shinron?

Nosotros volveremos mañana, como siempre, con una nueva entrega Z en Hobby Cine. ¡Y el domingo que viene, el penúltimo episodio de la serie! ¡Kai, Kai!

Pero eso no implica renunciar al legado, de hecho, veremos a todas las entidades sobrenaturales que nos presentaron en películas previas y muchas más y nos hablarán de cómo cuando una puerta en el Más Allá se cierra, otra se abre, comunicando el plano de la realidad con las almas de las personas fallecidas que moran en esa suerte de purgatorio junto a demonios puros que buscan robar los cuerpos de los vivos.

James Wan le cede el testigo de la dirección de Insidious: Fuera del Más Allá a Jacob Chase (Come Play), artífice asimismo del guión en base a una historia escrita por David Leslie Johnson en la que se recogen dos hilos argumentales fundamentales: las relaciones materno-filiales y el terror en su máxima expresión. El diseño de sonido, los sensaciones jumpcares y sobre todo secuencias muy bien planificadas y dosificadas hacen de esta película un tren de la bruja sensacional.

El Más Allá a pleno rendimiento

Insidious: Fuera del Más Allá nos presenta a Gemma, una joven madre que cría a su hija en solitario en la casa en la que pasó una infancia desgraciada a cuenta del estado de su salud de su progenitora, Ingrid.

Con la esperanza de transformarla en un hogar, se empeña en educar a Maya de una forma muy distinta, apoyándola y tratando de evitar cometer los errores que Ingrid en el pasado. Pero las cosas se torcerán cuando Gemma descubra que unos nuevos vecinos se han mudado al vecindario y la están acosando.

De forma paralela descubre que puede desplazarse al Más Allá y no solo como una soñadora, también como una portadora capaz de llevar al plano de la realidad a los entes que allí moran.

Cuando los demonios se dan cuenta de su poder, no hay vuelta atrás: tendrá de defender a su hija de los terrores del plano astral con la ayuda inestimanle de Elise Rainier y de una joven cuyo cuerpo ha conseguido utilizar como receptáculo.

A estas alturas es fácil pensar en el desgaste que puede haber acumulado la saga después de cinco películas previas, pero lo cierto es que Chase consigue arrugarnos el ombligo desde el mismo arranque de la película gracias a una secuencia inicial malrollera a más no poder. Así que no, la cinta no se hace de rogar y muy pronto nos sumerge en una atmósfera opresiva con la presencia de esas entidades ominosas que acechan y además tienen un elaborado plan para liberarse de sus cadenas.

Lin Shaye regresa a su papel luminoso convirtiéndose en el faro en la oscuridad para la protagonista una vez más y consiguiendo ser un verdadero alivio con su mera presencia.

Pero, como decíamos más arriba, esto no va solo de portales bidireccionales al Más Allá y de ver cómo se resquebrajan las fronteras entre los vivos y los muertos, va también de personajes cuyo arco emocional queda muy bien delimitado gracias a la experiencia paranormal.

Es decir, que la película sabe explotar el miedo a quedar atrapado, a la claustrofobia, a los temores infantiles más básicos como el sentirse desamparado y solo y abordar a la vez un calvario familiar que amenaza con repetirse y requiere enfrentarse al pasado para poder sanar.

El nuevo villano que corre a cargo de Sam Spruell, Cyrus, es también un acierto por su cualidad de líder sectario y alborotador de masas de almas.

Sabe hacértelo pasar mal cuando es necesario, juega de maravilla con la repugnancia y maneja muy bien los tiempos para darte el sobresalto en el momento más adecuado. Los fans del terror tienen una cita insoslayable con Insidious: Fuera del Más Allá y, avisamos, las visitas al dentista nunca volverán a ser iguales...

Así fue en las dos primeras entregas de este intenso thriller de espías, pero hemos esperado casi dos años hasta que la temporada 3 llegase a la pantalla. Con tres episodios ya estrenados y disponibles en SkyShowtime, va siendo hora de ver si la espera ha merecido la pena.

Taylor Sheridan puede ser el rey del western, como ha demostrado con su universo Yellowstone, pero también ha demostrado manejarse muy bien en thrillers como Mayor of Kingstown o comedias criminales como Tulsa King o dramas como The Madison.

Claro que nunca le ha hecho ascos a subir el nivel de la acción, como ya hiciera en Sicario. En ese terreno, Lioness es como un patio de recreo para él.

Hoy en HobbyCine, te traemos nuestra crítica de la temporada 3 de Lioness, que lleva ya tres episodios estrenados en SkyShowtime.

Cuando el objetivo es sobrevivir

Lioness ha pasado dos temporadas desentrañando el funcionamiento del equipo titular, cuyas actividades clandestinas incluyen la infiltración de mujeres en organizaciones criminales y terroristas con el objetivo de desestabilizarlas desde dentro o hacerlas virar para cumplir intereses estadounidenses.

Pero la temporada 3 de Lioness cambia de tercio, pues en cierto modo veremos a la unidad jugar a la defensiva ante una amenaza de un alcance tremendo que no duda ni por un momento en golpear donde más les duele.

Nos espera una temporada con una historia narrada en dos tiempos que podríamos definir como causa y consecuencias. La trama de la causa narra el caso en sí que desata la furia de los enemigos, mientras que las consecuencias, que ocupan menos tiempo en cada episodio, nos sitúan un tiempo después.

Eventualmente, la primera trama conectará con la segunda y la serie continuará de un modo más lineal. Es una estrategia bastante utilizada, pero sirve bien como gancho para mantenernos en vilo por el destino de un personaje que lo va a pasar francamente mal en esta entrega.

Una vez más, nos esperan episodios largos, de entre 50 minutos y una hora, pero el ritmo que propone Lioness hará que te los bebas como si fuese agua fresquita en uno de estos días de calorazo que estamos teniendo.

Lioness pone más en juego que nunca

Al cambiar el enfoque del contraterrorismo a la contrainteligencia militar, la serie gana mucho, aunque pierda, al menos por ahora, parte de la esencia de infiltración de las dos primeras entregas. Claro que viene bien un cambio de aires para que cada entrega no parezca un calco de la anterior.

La guerra de Ucrania se va a convertir en parte de la trama, lo que propicia que tengamos un primer episodio espectacular, a la altura del final de la temporada 2. Sheridan y su equipo se esfuerzan en mostrar el clima de contrastes que se está viviendo en ese conflicto, donde se dan la mano la tecnología militar más puntera con las tácticas más convencionales, como la guerra de trincheras.

Pero lo que sucede en el frente tendrá consecuencias en casa. Lioness lleva la acción a Estados Unidos, donde comienza una carrera a contrarreloj para detener la tormenta que Joe (Zoe Saldaña) y su equipo han desatado.

El tercer episodio es el más "relajado", pero nos deja una masterclass de contrainteligencia que, en cierto modo, ilustra muy bien el tablero de ajedrez en el que se ha convertido una vez más el mundo; y donde cada país juega con las herramientas que mejor maneja.

Sería fácil descartar este tercer episodio como "flojo", pero no lo es. El mero hecho de que no haya nada de relleno, algo que venimos viendo durante toda la temporada, es buena prueba de que se están haciendo bien las cosas y de que Lioness aprovecha cada segundo de sus capítulos para aportar información.

Clichés que no logran ensombrecer la trama y la acción

La temporada 3 de Lioness es, de lejos, la mejor entrega de la serie hasta la fecha. Tiene una trama mucho más intensa que las dos anteriores, con más en juego y con menos cartas a favor de los protagonistas.

Incluso hace que algunas escenas de relleno de las temporadas 1 y 2 cobren algo de valor (eso no quiere decir que en su momento fueran demasiadas). Taylor Sheridan mejora en lo narrativo al concentrar de forma más lineal la historia, pese a partirla en dos tiempos, sin dispersar tanto a los personajes. Aún cuela algún ladrillo que no sabemos muy bien a qué viene, pero todo se verá.

Y Sheridan continúa su tradición de escribir para sí mismo... literalmente. Veremos a su personaje, Cody, de regreso para darse un bañito de gloria.

Pero Lioness no deja de ser una americanada, como casi todas las series y películas de este tipo. Está plagada de clichés que hemos visto cientos de veces, como representar Europa del Este como si estuviera estancada en 1965. No faltan los discursos grandilocuentes sobre el "modo de vida" que se busca proteger, etc.

Pese a ser el territorio de los clichés, esta temporada es mucho más disfrutona que las anteriores y, si Lioness mantiene el nivel, será la mejor por descontado cuando termine en SkyShowtime.

El género superheróico siempre se ha enfocado bastante en la propia condición superheróica de sus protagonistas, mostrando aspectos como el despertar de sus habilidades o las amenazas a las que deben hacer frente con ellas. Al menos así ha sido en el cine.

Las series de televisión, en cambio, han conseguido ir más allá. Se han dado cuenta de que la gente con superpoderes puede ser simplemente el vehículo para contarnos una historia de cualquier género. Véase Agatha, ¿quién si no?, que es una serie de brujas, o She-Hulk: Abogada Hulka, que es un drama judicial.

Del mismo modo, también hay otra tendencia cada vez más habitual dentro del superheróico, como es la de poner en el foco de la acción a personajes que ya tienen una edad, algo que acaban de hacer con éxito producciones como Spider Noir.

Aunque todos esos ejemplos sean de Marvel, porque lleva más tiempo explorando las posibilidades expresivas del género en la pequeña pantalla, DC no se ha querido quedar atrás.

Y por eso ahora nos ofrece con Linternas una propuesta muy parecida a la de los casos anteriores, estrenando en HBO Max una serie de policías pero que está protagonizada por superhéroes con diferentes rangos de edad.

La serie de Linterna Verde se introduce en el thriller

Linternas nos introduce desde su primer episodio en una dinámica muy familiar, con Hal Jordan -encarnado por Kyle Chandler- como una suerte de policía en los últimos años de su carrera que debe tutelar a su nuevo compañero, el recién llegado al cuerpo John Stewart -interpretado por Aaron Pierre-.

Juntos comienzan a investigar un asesinato que ha ocurrido en el corazón de Estados Unidos, en la remota ciudad de Rushville ubicada en Nebraska. Y para ello se valen de la ayuda de Kerry, la sheriff local encarnada por Kelly Macdonald.

Si no fuera porque Hal Jordan es en realidad un Linterna Verde, Linternas sería una serie de policías de lo más convencional. Pero claro, lo de ser una fuerza del bien intergaláctica complica un poco la trama y hace que ésta se expanda más allá de las fronteras de nuestro mundo.

Eso sí, el componente superheróico que termina por dar forma a la producción se convierte en un elemento más para configurar esta serie de policías que es, en realidad de lo más mundana en casi todos sus apartados.

No por casualidad cuenta con Chris Mundy como showrunner, el responsable de series como Ozark, True Detective o Mentes criminales, que ha impregnado a la serie de DC de su buen hacer en el terreno de los thrillers policiales.

Esto hace que la producción se sienta muy terrenal y que se adapte a los ritmos propios del género, con diferentes grados de acierto.

Para empezar, la serie es bastante oscura tanto en su paleta como en su argumento, tomándose muy en serio a sí misma, y limitando el humor al que nace de los propios chascarrillos que puedan tener los personajes entre sí.

Al contrario que algunas series de policías, en las que un episodio es el equivalente a un caso nuevo, Linternas aborda un único misterio que se va desentrañando a medida que avanzan sus capítulos.

En ellos se entremezclan un par de líneas temporales principales claves en la trama, junto con algunos episodios o fragmentos de ellos que, a modo de flashbacks, nos permiten adentrarnos en la historia de origen de sus protagonistas.

El Universo DC está encontrando su lugar en la televisión

Por desgracia para quienes busquen algo más de acción, el aderezo fantástico resulta demasiado contenido, y es que no tiene cabida la pirotecnia visual cuando la historia que se está intentando contar se encuentra en un marco tan cotidiano.

Salvo por un episodio en el que podemos ver una situación más límite, la épica tarda demasiado en llegar. Además, apenas hay enfrentamientos, y las criaturas alienígenas en pantalla quedan relegadas a dejarse entrever de manera breve o parcialmente oculta.

Al final, todo se presenta desde un desarrollo más bien lento, muy centrado en la investigación y en los diálogos, aunque adolece de un vicio muy común en las series de televisión: es reiterativa, repitiendo conversaciones o sobreexplicando aspectos obvios.

Algo de lo que no me puedo quejar habiendo visto la serie en versión original sin subtítulos mientras se abre a una mitología muy de nicho, pero que tal vez demuestre sus aspiraciones para poder ser disfrutada por cualquier persona de manera independiente a su relación con DC.

Un apartado del que no puede desligarse, pues al fin y al cabo Linternas no deja de ser una pieza más en el entramado del nuevo Universo DC creado por James Gunn y Peter Safran, que tiene la obligación cansina, al igual que lo hace el UCM, a que absolutamente todas las producciones estén conectadas de alguna manera.

El resultado acaba siendo una mezcla con potencial pero que no rompe esquemas en el thriller y que se queda corta cuando llega la hora de demostrar por qué Hal y John no son una pareja de policías cualquiera.

Linternas se estrenará en HBO Max el próximo lunes 17 de agosto. La serie contará con un total de ocho capítulos de unos 50 minutos de duración, que se irán lanzando de manera semanal en la plataforma de streaming.

Nosotros no, nos va a dar mucha pena terminar el análisis de esta serie de Toei Animation, pero el viaje ha sido maravilloso. Por desgracia, estos últimos capítulos están siendo algo irregulares...

Si bien hemos tenido alguna obra de arte en las últimas semanas, lo normal sería pensar que pusieran todas las semillas senzu en el asador para ofrecernos episodios sobresalientes en los últimos compases del anime. Lamentablemente, no fue así.

Y el capítulo de hoy se hace bastante tedioso, insistiendo una y otra vez en una idea, tratando al espectador de estúpido, alargando un chicle que no tiene nada de recorrido. Pero antes de llegar a la controversia, ¿cómo arrancó el episodio 61 de Dragon Ball GT?

¡Con Goku tragándose la Sushinchu, la Bola de Dragón de cuatro estrellas que le regaló su abuelo! Sí, no estás soñando, y todo para evitar que Ih Shinron se hiciera con ella para alcanzar su máximo poder.

La escena en la que Goku se come la bola es bastante impactante, pues el saiyan casi se queda en el sitio intentando tragársela. Te dejamos toda la escena recogida en nuestras capturas:

Tras engullir la esfera, Goku y Vegeta, convertidos en Super Saiyan 4, se preparan para una nueva ronda de combate contra Ih Shinron. No obstante, saben que no podrán hacer nada contra él por separado, así que intentan fusionarse de nuevo.

Y aquí está el gran problema del capítulo. ¡Se pasan la mayor parte del episodio intentando hacer la Fusión sin parar, llegando a resultar muy aburrido para el espectador! ¡Pero es que están todo el rato repitiendo lo mismo, que necesitan fusionarse para vencerlo!

De hecho, Goku podría haberse llevado a Vegeta con el Shunkanido para hacer la danza tranquilamente, pero los guionistas no llegaron a tanto (al menos en Dragon Ball Super Broly ya habían aprendido la lección). El caso es que, después de intentarlo varias veces, Goku le propone a Vegeta hacer el Zanzoken, despistando así a Ih Shinron y consiguiendo su objetivo.

Pese a todo, parece que la Fusión no surte efecto, y Trunks se percata de la razón: el ki de Goku ha bajado de manera alarmante, distando mucho del de Vegeta. El dragón oscuro también se da cuenta del asunto y les permite hacer la danza libremente, y claro... No solo fracasan de nuevo, sino que Goku pierde el Super Saiyan 4. ¡Y para colmo, la Bola de Dragón que se había tragado le aparece en la frente! ¿Pero qué está pasando aquí?

¡CURIOSIDADES!

1- Cuando Goten ve a su padre y Vegeta contra las cuerdas, no puede evitar lanzarse a ayudarles. Sin embargo, Gohan le para los pies y le asegura que solo ellos pueden vencer al dragón.

Es curiosa la imagen, pues apreciamos a Goten romper a llorar de impotencia. Te dejamos la captura del momento, mientras Gohan le consuela:

2- El episodio también nos deja una imagen curiosa en el planeta Kaioshin. Y todo sea dicho, es una estampa que rompe todo el dramatismo que nos plantea la trama.

Vemos a Ro Kaioshin escuchando música, curiosamente, una versión instrumental del opening de Dragon Ball GT. Tras ello, mantiene una conversación realmente absurda con Kibishin, dejando claro que toda esta escena no ha servido para nada.

Y hasta aquí el episodio 61 de Dragon Ball GT, una entrega que se antoja bastante tediosa y se siente de transición, por no hablar de la aparición de la esfera en la frente de Goku, una de las situaciones más extrañas que hemos visto en la serie. ¿No te parece?

Ojo, igual a ti te encantó este capítulo y no puedes vivir sin él, pero creo que no estuvo a la altura, y menos en esta fase de la serie, por no hablar del nivel técnico, que también dejó bastante que desear con algunos dibujos muy raros. ¡Kai, Kai!

En esta ocasión, con Días de agosto, se adentra en el terreno del drama familiar de la mano de un guión escrito por el debutante David Sueiro. Aunque es una película elegante que quiere explorar los sentimientos y la parte más física del amor: el sexo, da la sensación de tener poco que contar más allá de un embrollo familiar que se gesta a fuego lento y parece no ir a ninguna parte.

Sirve, y eso es algo que hace muy bien, para congelar la sensación del verano en el tiempo y esa aparición voluptuosa del deseo macerada en el calor estival que comparte, por ejemplo, con cintas como Call Me by Your Name.

Tiene una factura técnica cuidada, planos subacuáticos bonitos (y metafóricos, que vienen a explorar lo prohibido), una fotografía firmada por el talentoso Dani Salo y, en líneas generales, intenta zafarse de lo chabacano y lo hortera, aunque no siempre lo consiga. Por desgracia, lo que no logra es presentar una historia con demasiada profundidad argumental.

Erotismo en tiempos de esterilización

Juan y Gabriela son una joven pareja de enamorados que, tras acabar las clases de la universidad, se van al chalet de la playa de la familia de él a pasar el verano. Son felices en su burbuja y desearían poder alargar esa sensación de libertad durante todo el tiempo posible.

Sus planes se tuercen cuando Fernando, el padre de Juan, aparece allí sin previo aviso con su nueva pareja. Mónica es una mujer mucho más joven que él y hace surgir rápidamente tensiones en la dinámica familiar. En primer lugar porque su madre también aparece por allí, pero es que además los roces entre el padre y el hijo complican la convivencia del día a día.

El salto generacional se deja sentir, así como una pasión secreta que aflora en el momento más inadecuado, precipitando un efecto dominó. Nada tendrá que ver el comienzo del verano con el fin, cuando Juan cierre las puertas del chalet antes de regresar a la rutina.

Hemos pasado del hartazgo (con el efecto Élite) a la casi ausencia del sexo en el cine. No solo es ya raro ver escenas de sexo explícitas, sino que apenas hay afectividad entre los personajes: besos, caricias... intimidad, en útima instancia.

Esta película tiene la rara cualidad de ser valiente en este sentido y no temer a la sensación de caer en el ridículo por ello, es más, es más vemos la primera relación sexual a los cinco minutos de empezar el metraje. Tampoco tiene reparo en tirar de clichés: roces eléctricos, miradas de embelesamiento y mentiras arriesgadas. El problema es que tampoco parece haber una hoja de ruta para que eso sea algo significativo.

Aunque el reparto cuenta con actores veteranos como Maggie Civantos, Roberto Álamo y Pilar Castro, se centra más bien en la efervescencia de la sexualidad del joven protagonista, interpretado por un Pau Simón algo insípido al que habíamos visto antes en dos series como Nudes y El refugio atómico. Funciona bien en cámara, tiene el atractivo físico, pero le siguen faltando muchas tablas para lograr que los diálogos fluyan con naturalidad y que los conflictos tengan alguna verosimilitud. Algo mejor se desempeña Berta Galo, con una trayectoria más dilatada en televisión.

Días de agosto es una película que se conforma con convertirse en su desenlace en un telefilm bien filmado, casi de lujo, con varios giros de guión forzados que repentinamente acaban con la tensión narrativa y hacen moverse a los personajes por un terreno algo incoherente. Es una pena que el guión no llegue a dejarse desbordar o a estallar de una manera mas sorpresiva. El final es tan endeble que te hace cuestionarte si el viaje mereció la pena.

Sabe dónde colocar la cámara, crear tensión, insuflarle ritmo a sus producciones y suele colaborar además con intérpretes muy interesantes. En su último proyecto, Cuenta atrás, el reparto es sin lugar a dudas uno de sus mayores puntos fuertes.

Aaron Taylor-Johnson, Theo James, Sam Worthington y Gugu Mbatha-Raw son cuatro pesos pesados con presencia y dotes interpretativas puestas en esta ocasión al servicio de una historia que peca de sobreexplicaciones que alargan el metraje de más.

El punto de partida y el desarrollo, no obstante, sí que consiguen enganchar a la audiencia con facilidad: es una película de atracos, sí, pero también un plan retorcido jalonado de violencia y medias verdades que se van desvelando poco a poco. Espolea la curiosidad por encajar las piezas pero se aletarga de más a la hora de resolver dando unas explicaciones finales en las que no necesitaba detenerse tanto.

Tic, tac...

Cuenta atrás nos desplaza a una zona en obras en Paddington, el corazón de Londres. En medio de una excavación rutinaria, aparece un objeto enterrado que para de inmediato los trabajos en la zona e impone un protocolo muy estricto: una bomba sin detonar de la Segunda Guerra Mundial.

La idea del guión, escrito por Ben Hopkins, se inspira precisamente en las noticias derivadas de la aparición de este tipo de artefactos en Reino Unido, sobre todo en las grandes ciudades que recibieron bombardeos más intensos, con el enorme riesgo que suponen.

A partir de ahí, entra en juego la ficción. La policía establece un perímetro de seguridad y se pone en contacto con el equipo de artificieros que tienen que decidir si proceder a una detonación controlada minimizando el daño o bien a desactivar la bomba in situ y transportarla a un lugar seguro.

En la zona acordonada y supuestamente desalojada, no obstante, hay un grupo que tiene un jugoso plan: aprovechar la situación para cometer un espectacular robo pasando desapercibidos como trabajadores de los servicios de emergencias.

Cuenta atrás es una película correcta que entrega una aventura interesante, aunque sufra en su tercio final al tomar algunas decisiones que le restan verosimilitud a la trama. Sobre todo al comienzo, la historia juega muy bien con las expectativas de la audiencia contraponiendo la "zona caliente" en la que los artificieros están constantemente lidiando con la adrenalina y la tensión propia de enfrentarse a un peligro de muerte y la "zona fría" en la que los ladrones ponen en marcha un plan articulado salirse con la suya intentando no ser vistos o en última instancia pasando desapercibidos.

Esta misma idea se traslada incluso a la fotografía con la bomba a pleno sol y los artificieros sudando la gota gorda y los cacos agazapados en las sombras, entre tonalidades frías que evocan a cierto nivel de intelectualización a la hora de abordar su tarea.

En ambos casos, nos hallamos con dos puntos muy físicos en los que hay riesgo constante y conflictos de intereses que paulatinamente veremos cómo se conjugan. El tercer polo es el de la policía, que parece ir siempre unos cuantos pasos por detrás a pesar de contar con medios y experiencia.

Está claro que Cuenta atrás no es perfecta, pero sí tiene un diseño de producción acorde a las necesidades de la narración y con los mimbres imprescindibles para levantar expectativas: reparto, dirección, ideas... podría ser mucho más redonda siendo simplemente más corta o bien añadiéndole una capa de complejidad extra a un final que se torna bastante insulso una vez que están todas las cartas sobre la mesa.

El pulso del director está presente pero le ha faltado decisión en la sala de montaje para terminar de bordar la tarea. Con todo y con eso, sirve un entretenimiento bastante digno, pero hemos visto ya tantas pelis de polis y ladrones que siempre se le exige mucho a este género, no basta solo con cambiar las reglas del atraco: hay que culminarlo asombrando al público de alguna manera.

De nuevo esta tanda de episodios consta de ocho, lo que nos emplaza al 16 de septiembre para la emisión del último de ellos. Y ojo, que en el mes de mayo, ya fue renovada por una quinta entrega que dará un nuevo salto para adaptar Oblígame (Make Me), la vigésima novela de la colección centrada en Jack Reacher. La veremos el año que viene.

Antes de eso, los incondicionales de este universo ficcional tendrán una nueva producción de la que disfrutar: el spin-off Neagley, que llegará para tomar el relevo en septiembre con Maria Sten como protagonista y el reincidente Nick Santora a los mandos,

Punto de partida: un suicidio en el que nada encaja

La temporada 4 de Reacher arranca con un encuentro fortuito en el metro de madrugada. Jack sospecha del comportamiento de una mujer que viaja en su mismo vagón, casi vacío.

Echando mano de las reglas de conducta que aprendió en el ejército para identificar a potenciales terroristas suicidas a punto de atentar, detecta a una pasajera que atraviesa una crisis de ansiedad y esconde un objeto. Sin embargo, para su sorpresa lo que porta es un revólver con el que acaba con su vida.

Ser testigo de este hecho le hará verse involucrado en una espiral de violencia e intereses cruzados en la que aflorarán secretos del Pentágono y los trapos sucios de un influyente congresista, candidato a la presidencia.

Los aficionados a la serie podrán gozar de un nuevo placer culpable... más culpable que nunca si cabe. Lo mejor y lo peor de la serie se amplifica en una entretenida temporada en la que no fallan las espectaculares peleas cuerpo a cuerpo y la explotación del físico de nuestro protagonista sin un ápice de pudor y con toneladas de testosterona.

Reacher 4 ofrece un banquete de virtudes incontestables: ahí está el fornido Alan Ritchson sacándole brillo a sus músculos en escenas de acción estupendas y a su hierática expresión cuando le toca vacilar de su entrenamiento como expolicía militar y tirarle pullas al cretino de turno que infravalora su entrenamiento y su sólido posicionamiento ético. Siempre es de agradecer que a pesar de todo se mantenga cierto sentido del humor.

El carisma del actor es uno de los pilares fundamentales de la serie que tan cómodamente se viene echando a la espalda (literalmente) desde hace años. Le está sirviendo de trampolín, de hecho, para nuevos proyectos.

Sin embargo, el guión se percibe algo flojo de más esta vez. No es que el trasunto político-militar no sea interesante, sino que da la sensación de que la serie avanza con el piloto automático puesto, con poco margen para las sorpresas. Esta vez los cliffhanger no funcionan tan bien para espolear la curiosidad de los espectadores, aunque siguen siendo un recurso habitual.

Santora sabe lo que le funciona y le saca jugo, a veces con verdadera caradura (sirva como ejemplo la nueva trama romántica con alguna que otra secuencia que da algo de vergüenza ajena), pero justo por eso, no arriesga demasiado y es fácil adelantarse a los acontecimientos.

¿Exceso de autoconsciencia? Puede ser: es complicado innovar cuando sabes que tocando ciertos resortes vas a obtener éxito. La serie ha cogido inercia, algo en principio positivo pero que puede llegar a pasarle factura por llevarla a morir de éxito. Solo el tiempo lo dirá, pero es probable que necesite plantearse abordar ciertos cambios para dar el estirón y no estancarse en una frágil comodidad.

Lo primero que hay que tener en cuenta es que es una película ligera de verano, ideal para ser estrenada a mediados de agosto. Lo siguiente que hay que hacer es advertir a la audiencia de que el tono puede llegar a ser bastante duro con algunas secuencias impactantes. En España ha sido calificada como no recomendada para menores de doce años de forma muy acertada... aunque a ver quién se deja en casa a los niños teniendo en cuenta el factor DINOSAURIO. Hacedme caso, ahorradles el trauma a los peques y dejadlos en casa porque aquí no aparecen de forma amigable y buenrollista, sino que son depredadores y dan canguelo.

A favor de la película reman un montón de cosas, como la banda sonora de Michael Giachino que nos pone en "modo Spielberg" desde el minuto uno con una banda sonora perfecta para una cinta de aventuras de estas características. La historia se desarrolla en 1982 así que toda la ambientación, el vestuario, peluquería, vehículos, atrezzo y guiños (anuncios, música, usos y costumbres) nos van a remitir a una especie de idealización ochentera de un barrio residencial muy cómodo de habitar... hasta que se produce un hecho extraordinario.

Atajo al pasado

El final de Oak Street nos lleva a un apacible barrio suburbano en el que vive una familia en crisis. Aunque se quieren mucho, Denise y Greg no terminan de reencauzar su relación: se ocultan cosas el uno al otro y no encuentran el momento de comunicarles a sus hijos que quizás estén mejor separados que juntos.

Sin embargo, no van a tener ocasión de pensar demasiado porque empiezan a sucederse una serie de fenómenos atmosféricos que derivan en un acontecimiento insólito.

Cuando una increíble tormenta desemboca en unos flashazos intermitentes, se va la luz y empiezan a aparecer criaturas gigantes: de súbito el barrio se ve asediado por seres prehistóricos y las tranquilas vidas de los Platt se transforman en una lucha por la supervivencia extrema mientras tratan de comprender cómo y por qué ha podido suceder algo así.

Aunque desde el comienzo hemos hablado de las virtudes de esta película, me he reservado dos para comentarlas con más profusión. Una de ellas es el acertado reparto en el que destacan especialmente Anne Hathaway (atareadísima en un año en el que ha encadenado un buen puñado de estrenos heterogéneos dando cuenta de su talento y versatilidad) e Ewan McGregor, que da vida a un padre sencillo y corriente, totalmente desvinculado del topicazo del héroe testosterónico de manual, pero también del perdedor cobarde. Esto hace que sea fácil empatizar con los personajes y seguir su historia tomándoles cierto cariño. También le da candor a las relaciones familiares, que oscilan entre la ternura y emotividad que reina cuando la unión es el factor fundamental para salir adelante.

En buena medida, uno de los grandes atractivos de El final de Oak Street es la narrativa inesperada: no sigue fórmula predeterminada ni siquiera en la exposición de la información. Es algo que está presente desde la concepción de los personajes que se salen del molde haciendo que el factor sorpresa rinda de maravilla. En pocas palabras, se las ingenia para llevarte por donde menos esperas.

Por lo demás se mueve mejor en el terreno del thriller de aventuras y del drama familiar que cuando aflora el humor, algo tosco. Es una película simpática, pero también a veces cruda en exceso (hay sangre, amputaciones, cadáveres, etc.) moviéndose muy rápido de una tesitura a otra.

El final de Oak Street cuenta asimismo con un apartado de efectos especiales excepcional: la integración de las criaturas con los personajes reales roza la perfección y hace sentir la intensidad de su periplo sintiendo de veras que están en riesgo de muerte.

La fotografía de Mike Gioulakis y el uso de técnicas cinematográficas clásicas (como el enfoque simultáneo split diopter) le dan una capa de "cine artesanal" bien chula. Agradará a quienes disfrutan de ver y rever películas como Tiburón, Los Goonies, Los bicivoladores o, por supuesto, la saga Parque Jurásico con un toque más retorcido.

¿Va a suponer una revolución en el panorama audiovisual? Puede que no, pero es una película con sello autoral, una sana nostalgia y carácter que tiene una clara vocación comercial. Se agradece que a pesar de ello no sea más de lo mismo... máxime en una temporada de estrenos en la que hay tanta facilidad para lanzar refritos.

La expectación era máxima puesto que nuestro mayor miedo es que nos quedáramos de nuevo sin un clímax final, a las puertas de la la Primera Batalla de Ladera o Batalla de Tumbleton.

La buena noticia es que la serie cumple y nos entrega ese momento al final del capítulo, la mala es que la narrativa dista de ser la ideal y que la escritura del guión es a menudo confusa, poco congruente y carente de la emoción que esperábamos de una historia de tal envergadura.

El principal escollo: los dragones. Lo analizaremos más despacio después de ofreceros el resumen del capítulo más largo de esta tercera temporada, que se extiende hasta los 75 minutos de duración.

Resumen de La casa del dragón 3x08

La casa del dragón 3x08 arranca cuando Rhaenyra va a ver a Daemon muy alterada para informale de la reaparición de Aegon y Fuegosolar. Su poder está más en duda que nunca y ella tiene un brote de ansiedad. Daemon le habla en alto valyrio para decirle que, por el contrario, es su momento y debe alzarse. Ella se recompone y ordena que Hugh haga guardia en Pozo Dragón y que Daemon vaya a Ladera y registre casa por casa terminando con todos los Hightower. Cuando acabe con Ormund y Daeron, Aegon salga de su escondite y ella misma acabará con él.

Baela quiere ir a rescatar a su abuelo Corlys y desafía a Rhaenrya, que está convencida de que ella y Addam deberían quedarse allí. Alyn convoca a los hombres de Marcaderiva ante los que se presenta como el sucesor designado de la casa Velaryon para convertirse en el futuro Señor de las Mareas: deben defender el reino.

Ormund se prepara para la batalla. Le pide a Daeron que se arrodille para ser nombrado caballero antes de ser coronado. Lo nombra ser Daeron el audaz tras hacer su juramento.

Ulf hace su parte en las tabernas donde anuncia que Daemon no se atreverá a usar a Caraxes porque Rhaneyra lo tiene dominado. La reina tiene un motivo más de preocupación porque Helaena no come nada y temen por su embarazo. Ella pide ser ungida reina en el Gran Septo de manera inmediata. Gusano Blanco recibe una invitación a marcharse a Pentos donde podrá instalarse con criados y comodidades.

Helaena contempla a Mysaria marchar y justo antes de partir le dice que no se fíe de la reina, que Aegon sigue vivo y que teme al hijo que está gestando, que jamás la dejará marchar.

Aemond despierta y descubre que Alicent le había envenenado. Se considera un malasangre que carga con una maldición. Alys le habla de la historia de Harrenhal. Cómo el dragón Balerion pasó a fuego el castillo para acabar con los Harren. Sin embargo, un niño con quemaduras sobrevivió. Su madre trató de salvarlo pero todo fue inútil a pesar de que incluso recurrió al saber ancestral y a los seres que habitaban en el bosque (¿los hijos del bosque?). Cuando el niño murió ella quiso seguirlo pero descubrió que ella estaba maldita y condenada a vivir en las tierras de los Ríos. Aemond se sobresalta porque eso sucedió hace más de cien años, pero la besa.

Rhaenyra va a ver a Helaena y le dice que debe comer. Le pregunta si sabe si trae un niño o una niña, pero no responde. La reina le pregunta si la cree capaz de hacerle daño y Helaena le pregunta si cree que estar viva es lo mismo que no estar muerta. Luego le dice que todo en lo que cree es feo, que el castillo es feo y ella también. Rhaenyra solo le responde que o come o la obligará a hacerlo., algo de lo que se encargan los guardias.

Addam y Alyn se enfrentan. El primero cree que Rhaenyra está perdiendo la cabeza porque ha encerrado a Baela en una mazmorra y no está dispuesta a liberar a Corlys. Alyn solo quiere cumplir con su deber y no está dispuesto a traicionarla.

Ormund tiene una estrategia que le ha ocultado incluso a Daeron: apuesta a niños en las almenas y está esperando al dragón de Ulf, que no hace acto de presencia. Cuando aparece Caraxes, las tropas de los Negros casi saborean la victoria. Gwayne saca a Corlys de su mazmorra y lo lleva ante Daemon para canjearlo a cambio de la paz. Él propone que dividan las tierras y que Daeron reine en Antigua. Corlys argumenta a favor de esta idea: le dice a Daemon que una mujer no puede reinar y que Daeron puede servir a Rhaenyra. El problema es el resurgir de Aegon, algo de Corlys desconocía. Daemon opta por la guerra, aplastar a los Hightower y rechazar un acuerdo de paz.

Mysaria aprovecha un descuido para zafarse y huir. Rhaneyra está siendo escoltada junto a su heredero Joffrey para ser ungida por el Septón Supremo.

Aegon se presenta sobre Fuegosolar en Harrenhal y encuentra a Aemond postrado: él estaba convencido de que estaba muerto y le suplica perdón. Aegon le abofetea, le insulta llamándole usurpador y cabrón pero él esta en shock. Le presenta a Alys como su prometida. Aegon le dice a su hermano que buscarán a Vhagar para ir a Ladera, acabar con Ormund y Daeron y luego volar a Desembarco del Rey para recuperar el trono con su estandarte y que solo así quizás le perdone la vida.

Daemon delimita la estrategia para tomar el castillo cuando le informan de que Ormund ha utilizado a los niños para ponerlos en primera plana y socavar así la autoridad moral de la reina. Él cree que contarán con Ulf y Ala de plata en la retaguardia y que en unas horas controlarán la situación.

Cuando Rhaenyra se presenta en el Septo Supremo. El septón, una vez más, le niega ser ungida y ella lo declara traidor. Alyn lo mata y Rhaneyra se presenta ante el pueblo para decirles que fue proclamada sucesora por Viserys y que su reinado estaba predestinado por una profecía que hablaba de una oscuridad más allá de los muros de Invernalia. Solo los dragones pueden salvaguardar al reino. Ella dice que es el príncipe que fue prometido y que será quien ilumine el camino.

Daemon arenga a las tropas pidiéndoles que no tengan piedad alguna con los Hightower y que los maten a todos. Los norteños se disponen a atacar mientras los niños pasan pavor en las almenas.

Un hombre informa a Ormund de que la propuesta de paz de Daeron no ha dado fruto, él no sabía que había tratado de negociar liberando a Corlys.

Los norteños tratan de sobrepasar las defensas del castillo mientras son abatidos por flechas, agua y aceite hirviendo, catapultas... Consiguen entrar por la muralla sur y empiezan a imponerse.

Daemon es informado de la ausencia de Ulf: no está con su dragón. En su lugar aparece Vermithor, de debería estar en Desembarco del Rey. Llama a Caraxes y se abre paso con él. Luego entra con las tropas a caballo. Los norteños buscan al rey mientras Roderick Dustin quiere encargarse de Ormund él mismo.

Ormund por su parte tiene que sacar a Ulf de la taberna y decirle que se monte en su dragón, que prácticamente los ha condenado.

Gwayne va en busca de Daeron, que está a punto de subir en su dragón. Gwayne le pide que no luche por el ego de Ormund, que se ponga a salvo. Entre tanto aparece Ulf y ataca a las tropas de los Negros decantando la contienda a favor de los Verdes y frenando a Daeron.

Roderick carga contra Ormund y él le corta el brazo. Entonces Roderick le clava un cuchillo en el culo y le dice que "así follan en el norte". Ulf los pasa a fuego a ambos. El destrozo provocado por el dragón genera una serie desprendimientos y los escombros caen sobre Daemon que no puede creer que está pasando. A pesar de que todo parece perdido, sale y sigue matando a los hombres que salen a su paso. Corlys lo alcanza y le dice que Ulf los ha traicionado y deben batirse en retirada.

Gwayne sobrevive y se arrastra para buscar a Ormund, que está muerto. Hugh también encuentra muerta a su esposa.

De regreso a la fortaleza, Rhaenyra es informada de la derrota en Ladera. Alicent está a salvo lejos de la contienda y es testigo de un extraño fenómeno cuando un montón de mariposas salen volando de manera simultánea: es el anuncio del final de Helaena, que se ha suicidado. Rhaenyra observa el tapiz que había completado antes de morir en el que se la ve en el trono en llamas empuñando la espada. Cierra las contraventanas: Desembarco del Rey es ahora el lugar más peligroso de Poniente.

Un final caótico en el que no está toda la carne en el asador

La forma de presentar la información en este último capítulo es, como poco, algo extraña. Al haber delatado la estrategia de Ormund llevándose a Ulf a su terreno, estaba cantado que ese sería el punto de inflexión de la batalla. De modo que, en aras de crear cierta tensión, se alarga su aparición y se coquetea con la idea de que no llegue ni a presentarse en Ladera.

Uno de los escollos de este episodio final es que resulta muy poco inteligente y orgánico cómo se desarrolla el conflicto. Si tienes un dragón como Caraxes, lo normal es que lo montes de principio a fin, no que cambies la montura por la de un caballo y dejes tu principal activo atrás cuando de hecho hay dragones atacando a tus aliados y tus tropas. En general el ritmo de la contienda es muy irregular y la mera presencia de Daemon en la Batalla de Tumbleton es rara, no tiene mucha lógica.

Lo mismo sucede con el resto de los personajes principales. Que la reunión de Aegon y Aemond se salde con una bofetada, es un ejercicio de escritura especialmente vago. Se ve la evolución de los personajes, en eso estaremos de acuerdo: Aegon se ha embrutecido mientras que Aemond ha madurado pero dejar ahí los personajes colgados sin darles más propósito es de lo más insatisfactorio.

La serie trata de buscar el enlace con Juego de tronos de una forma muy discursiva y también algo antinatural: Rhaenyra escoge el peor momento para dirigirse al pueblo y hablarles de la profecía de la canción de hielo y fuego que la hace parecer una iluminada al autoproclamarse "el príncipe que fue prometido".

Aunque lo más molesto es que ella nunca llegue a participar activamente en ninguna confrontación: Rhaenyra y Alicent son agentes pasivos durante toda la temporada. En su caso, para más INRI, da órdenes que nadie cumple y exhibe una preocupante falta de poder, salvo por la excepción de la lealtad de Alyn. Helaena y el niño que estaba engendrando es otro personaje echado a perder en una tercera tanda de episodios que ha ido claramente de más a menos.

El esfuerzo de la producción está ahí para hacer lucir la batalla mostrando sus entresijos e intérpretes como James Norton (Ormund Hightower) y Tommy Flanaghan (Roderick Dustin) lo han dado todo en sus respectivos papeles. Ojalá este último y el resto de los norteños hubieran tenido un mayor desarrollo antes de llegar a ese lance final, que habría resultado así más emocionante.

En resumidas cuentas La casa del dragón 3x08 es un episodio con enjundia, entretenido pero muy alejado del nivel de las grandes contiendas que hemos visto en este universo por la carencia de visión espacial y el montaje paralelo de distintas historias que no concuerdan entre sí. En el horizonte lejano, la cuarta y última temporada de La casa del dragón tendrá que mojarse mucho más para darles un destino a los personajes principales y, en la mayoría de los casos, será trágico.

El guionista de Buena suerte, pásalo bien, no mueras abandona aquí el tono gamberrete y la sátira mordiente para componer otro tipo de relato, con una mayor dosis de dramatismo y el fantasma de la pandemia de COVID-19 planeando sobre el arranque.

Todos conocemos esa historia, es casi como si nos leyeran un cuento por el que nuestros ojos ya han pasado antes: la paz inicial, la vuelta a la vida "analógica", el racionamiento de comida, la incertidumbre por no saber del todo qué sucede fuera ni cuál es la amenaza y cómo puede penetrar en el refugio... La parte no amenazadora es preciosa: el estrechamiento de los lazos familiares, la afloración de la creatividad y la recuperación del paso del tiempo.

Pero estamos ante una película de terror apocalíptica y ciencia ficción y la contraparte debe producir angustia, pesadillas y un desconcierto total. La cita inicial ya nos da una pista de por dónde irán los tiros: por la parte acuática de nuestro planeta, que supera con creces la extensión del territorio terrestre.

Resiliencia e ingenio

La última casa nos presenta a una familia compuesta por Ann, Jason y sus dos hijos, Ruth y Graham. Un día cualquiera, poco antes de las vacaciones de Navidad se desata una descomunal tormenta que los servicios meteorológicos no habían conseguido predecir y eso marca el final de una era.

A partir de ese momento quedan encerrados en el interior de la casa, al igual que el resto de sus vecinos. Puertas y ventanas quedan atrancadas, los cristales no pueden romperse y ni siquiera pueden excavar un túnel levantando el suelo.

Desconocen qué clase de fuerza es la que los condena a semejante encierro, así que se disponen a sobrevivir racionando los alimentos y tratando de cultivar sus propias verduras y hortalizas pero el paso inexorable del tiempo hace que los recursos vayan menguando a la vez que va tomando forma la amenaza exterior.

Llegados a un determinado punto no tendrán más remedio que tratar de escapar renunciando al único lugar que les había ofrecido seguridad.

Recién salida del horno, ya está disponible en Netflix la película La última casa, que se beneficia muchísimo de ese punto de partida con el que la audiencia enganchará inmediatamente y de la calidad de las interpretaciones dado que la película la sostienen casi en solitario el cuarteto protagonista, pero sobre todo los progenitores.

Wagner Moura y Greta Lee defienden el relato con uñas y dientes y de paso ponen en pie una enorme metáfora en la que la casa representa una pecera a la inversa, es decir, el espacio seco en medio de los recurrentes diluvios.

Como en otras películas de terror como Nunca te sueltes hay también una lectura de que el hogar es un espacio de tan apacible como desquiciante si se convierte en una imposición permanente,

Sin embargo, La última casa da un viraje sustancial en el último tercio de la película y se sacude las consideraciones filosóficas para llegar a un desenlace bastante menos interesante de lo que cabía esperar. Al final rehúye la posibilidad de plantear un conflicto mayor y termina de una manera simplona, con una estructura circular un una voz en off sosilla.

Por lo demás es una cinta bien construida, con tensión argumental y que se desarrolla a buen ritmo a lo largo de sus 110 minutos de metraje. Leterrier sabe cómo exprimir el espacio y dónde poner la cámara para valerse de recursos que son hasta poéticos. Los efectos especiales son correctos para la pequeña pantalla y la cinta es entretenida para pasar una tarde con la certeza de que no te dará demasiado en lo que pensar.

Mero entretenimiento que, la verdad, daba para más, pero que cumple de todas formas por la mínima. ¿Merece la pena? Depende de tu nivel de aburrimiento este verano. No te va a cambiar la vida, pero tiene cierto encanto.

Pero, por alguna razón, la comedia sigue fijándose en este fenómeno como fuente de chanza: lo hizo Machos alfa con un éxito atronador poniendo de manifiesto las contradicciones de la sociedad moderna y lo intenta ahora El último mono, contraponiendo a este fenómeno el de la misandria o el mal llamado "hembrismo" que presupone a la mujer superior al hombre y replica el discurso de odio pero en dirección contraria.

La famosa "guerra de sexos" que ha sido motor de tantas comedias resulta ahora algo peor que un cliché manoseado: es un punto de partida de mal gusto muy alejado de los criterios básicos de la diversión.

Tomarse a guasa la transexualidad y la identidad de género, equiparar el machismo al feminismo o burlarse de las "técnicas para ligar" de los mal llamados gurús que incluyen entre ellas la intoxicación etílica o la exhibición de su olor corporal son algunos de los pecados capitales de una película que no tiene mordiente y prefiere arrojarse en los salvadores brazos de la fórmula de la comedia romántica para no profundizar en unas aguas bien turbias.

Ojo, El último mono parece tener buenas intenciones y querer verbalizar y hasta poner de manifiesto la simpleza del razonamiento de muchas personas respecto a estas cuestiones pero, por desgracia, no tiene ni el ingenio ni el arrojo de ser pedagógica ni divertida desde la irreverencia. Por el contrario, se queda en la exposición y se lava las manos con un romance tan forzado y poco creíble que solo consigue restarle enteros.

Pet and men friendly

Alejandro es un gurú de la seducción que arrasa en redes sociales y en los simposium que organiza para hombres que creen que la sociedad les margina y que las mujeres les desprecian por no ser suficientemente machos.

De forma análoga, Mariela es una escritora y cómica que denuncia a tipos como Alejandro, su principal rival en redes sociales y el epítome de todo lo que detesta en los hombres de lo que considera una sociedad enferma.

El fin de semana previo a las manifestaciones feministas del 8M Alejandro anuncia a los suyos que va a conseguir lo nunca visto: seducir a la mujer más chunga y antipática del mundo y en tiempo récord, justo antes de que ella se disponga a abrir la jornada.

El último mono es una película bien rodada y que cuenta con una producción acorde a sus necesidades: nada se le puede reprochar en el plano técnico ni tampoco en las labores de casting. Susasa Abaitua y Juan Dávila tienen buena química en pantalla y parecen habérselo pasado bien durante el rodaje, dejando que ese buen rollo quede reflejado en el resultado final.

Los problemas de la película derivan principalmente del guión de Joaquín Oristrell y Yolanda García Serrano que, a pesar de sus ímprobos esfuerzos por levantar la faceta humorística de El último mono, manejan dinamita sin guantes y tratan de contener la explosión refugiándose en lugares comunes.

Al final, la trama es tan previsible como bobalicona y carente de verosimilitud, sin profundizar en problemas muy serios que quedan aquí infantilizados y con una incapacidad manifiesta para despertar carcajadas con algo de jocosidad. Si eliges un tema como éste, no puede ser para terminar construyendo un relato tan plano.

Pero ¿sirve para pasar el rato? Con las expectativas muy ajustadas sí, pero cuanto más pienses en ella, más posibilidades tendrás de enfadarte, sobre todo si para ti éste es un tema sensible. No está el horno para bollos, como se suele decir.

La comedia es uno de los géneros más complicados de abordar porque requiere de una gran inteligencia para manejar sus resortes, descolocar al público y ofrecerle una lectura que le rompa los esquemas. Si quieres que te vuelen la cabeza échale un ojo a De puntillas en HBO Max. Ese si es un viaje con curvas.

La serie se zanja de manera satisfactoria aunque también dejando la sensación de que podría haber continuado sin ningún problema: la fábrica de ideas de los guionistas sigue a pleno rendimiento y los personajes no daban sensación de fatiga. Es más, el último capítulo tiene como una suerte de "acelerón" para tratar de cerrar todas las subtramas.

Es más, la cancelación parece haber sido una decisión de la plataforma de streaming, no de la productora Contubernio de modo que la mudanza de Movistar Plus a Netflix parece haber salido rana en esta ocasión. Al menos han conseguido encajar un desenlace que se siente como tal.

One day, one BOOM!

La cuarta temporada de Muertos SL sigue desarrollando el conflicto entre Dámaso y Chemi. El primero, que lleva intentando hacerse con el puesto de director desde el fallecimiento del dueño, sigue desesperado ante el fuelle de Chemi que lo adelanta por la derecha para hacerse temporalmente con el cargo, con la idea de "dejar su importa en el sector funerario".

Entre tanto, Nieves seguirá en su puesto de limpiadora manteniéndose en un segundo plano; Morales tratará de mantener contento a Dámaso en sus aspiraciones profesionales aunque sus formas sean arteras; Olivia y Abel estarán centrados en sus respectivas vidas amorosas y Manuela tendrá por delante el reto de descifrar la maldición que parece pender sobre ella desde el accidente que la llevó a pasar varios minutos muerta.

Por el camino conoceremos prácticas funerarias exóticas como la sepultura de miembros, los seizenso, los funerales a mascotas y nuestro incombustible Chemi se planteará ofrecer hasta la criogenización en el catálogo de servicios de la Funeraria Torregrosa.

Como en las tres primeras temporadas, en esta cuarta la serie se define por su tono desenfadado y la velocidad de los gags. Es sorprendente que consiga seguir moviéndose con soltura al filo de la navaja aportando un humor desternillante en una área temática tan peliaguda que a veces roza el tabú social y a la vez desarrolle las vidas personales de sus personajes y sus aspiraciones en la vida.

Muertos SL mantiene un ritmo trepidante en su temporada final así como la creación de situaciones superabsurdas pero a la vez hilarantes. Y ahí Chemi sigue siendo el rey con sus excéntricas propuestas laborales destinadas a incrementar la producción de la plantilla como si se tratara de las oficinas de una startup de Silicon Valley: desde la implantación de una siesta obligatoria hasta la creación de un equipo de baloncesto para crear "sinergias" con otros comercios del barrio.

Todo lo relativo a este personaje es pura diversión por estar fuera de contexto; sus ideas revolucionarias un delirio absoluto y la forma en la que Diego Martín lo interpreta, de traca, con toda su terminología anglosajona, su preocupación por la inclusión social, la responsabilidad social corporativa y la tonelada de zarandajas que recaen sobre cualquier empresa pero que, definitivamente, no encajan en un tanatorio.

Mención especial para el cameo de Petra Martínez en el quinto episodio, que es uno de los más graciosos de esta tanda final.

Las bromas internas también tienen su momento: nosotros nunca sabremos que es una potuga, pero Dámaso y Morales, al menos, sí.

Réquiem por una serie que nos ha hecho reír durante cuatro años y que podría haber dado más de sí. En el horizonte, otro final: en 2027 se estrenará la sexta y última temporada de Machos alfa. Antes, este mismo año se estrenará la temporada 17 de La que se avecina, la serie más longeva de los hermanos Caballero y a partir de ahí iremos descubriendo qué nuevas sorpresas tienen para la audiencia.