A pesar de las diferencias con las novelas superventas escritas por Hugh Howey bajo el título Crónicas del silo la serie ha sabido distanciarse lo suficiente para mantener la esencia de la historia introduciendo nuevos personajes, tramas y giros argumentales que nos sorprenden incluso a los lectores.

El pilar fundamental es la magnética Rebecca Ferguson a la que se une un segundo eje (externo ya al silo) que es el actor australiano Ashley Zuckerman, un congresista que se verá involucrado en acontecimientos muy graves y que ya hizo acto a de aparición al final de la segunda temporada.

El fichaje es perfecto y viene acompañado de toda una serie de nuevos personajes que se desenvolverán en el exterior en un periodo temporal anterior. Destacan Rebecca Henwick, Laura Innes, Jessica Brown Findlay, Morven Christie, Reed Birney, Matt Craven y Colin Hanks.

El origen

La tercera temporada de Silo arranca con nuestra valiente Juliette Nichols totalmente desubicada. A pesar de haber sobrevivido a la limpieza y haber regresado con vida, pasan meses sin que consiga recordar nada de lo ocurrido, para desesperación de sus antiguos compañeros de mecánica.

El silo 18 trata de recuperarse de la rebelión, emprendiendo toda clase de reformas, tanto estructurales como a nivel político, pero son más estéticas que reales. A Juliette, que es ahora alcaldesa, se le escamotea información importante de su paso por el exterior y de la muerte de Bernard mientras se la somete a un borrado de memoria químico.

Tiempo atrás, el congresista Daniel Keene y la periodista Helen Drew empiezan a tirar del hilo de una investigación que les arrastra hasta un punto de no retorno y que involucra a las fuerzas armadas y al gobierno. Aún no saben hasta qué punto van a dar forma al futuro de la humanidad tratando de modificar los recuerdos de los supervivientes a eventos traumáticos y de poner en pie un sistema autosuficiente y regulado ante una amenaza mortal.

La tercera temporada de Silo, además de desarrollar de forma paralela dos historias distintas y ofrecer explicaciones de cuáles son los detonantes para la construcción de los silos, tiene que servir de trampolín a la cuarta y última temporada en la que convergerán todas las líneas argumentales.

Son diez episodios que expanden aún más la de por sí extensa galería de personajes y nos sumergen en un mundo que hasta ahora desconocíamos y con el que los encargados de hacer valer el Pacto han perdido en realidad el nexo. De tal manera que todos los personajes a su modo, están dando buscando la verdad a tientas en la oscuridad.

Resulta particularmente fascinante cómo el guión de la serie busca los vasos comunicantes para hacerle llegar la información a los espectadores y que vayan atando cabos. A fin de cuentas, la estructura de la segunda novela y su gran giro es imposible de trasladar a la pantalla, solo puede funcionar de modo literario. La estrategia aquí es otra, entrelazar las tramas de la segunda y la tercera novela y así de paso no dejarnos huérfanos de Juliette, pero el impacto emocional se alcanza de todos modos.

Las interpretaciones y la forma en la que el elenco interpela a los espectadores con su periplo vital gana intensidad en una temporada más enfocada que la anterior en la que no hay descanso gracias al montaje paralelo de los dos planos temporales. Se resuelven muchas dudas respecto al estallido del apocalipsis y lo que lo causó y se amplía la mitología de los refugios y su construcción, con una zambullida importante en la ciencia ficción pura y dura.

Se agradece además que sigamos el proceso de los protagonistas para ir desvelando cada misterio sin perder tensión narrativa ni dinamismo argumental.

Todo ello con unos valores de producción como siempre excelentes que hacen que la monumental escala que requiere la serie esté al servicio de la historia.

Se sigue trasladando la sensación de claustrofobia y desconcierto de los protagonistas mientras que algunas tramas secundarias que no provienen de la letra impresa sino que obedecen a concesiones a la ficción sí que pueden llegar a percibirse como algo más superfluas o menos subyugadoras.

Mal menor para una serie que alcanza con esta tercera temporada su cénit y prepara el doble salto mortal final. La espera esta vez será más dura que nunca.

Son innumerables las versiones que nos han llegado a través de la literatura, el teatro, el cine y la televisión del arquero encapuchado, defensor de los oprimidos y los pobres que saqueaba a quienes drenaban a los humildes para devolverles lo que legítimamente era suyo en un acto de justicia poética y como acto de rebeldía hacia el poder.

En La muerte de Robin Hood la visión de este hombre en su senectud es muy distinta: está cansado y carga en su conciencia con muchos crímenes irreparables. No solo no es un santo sino que es muy consciente del dolor que ha ido esparciendo y vuelve a él cual boomerang.

En busca de la redención a una vida de pillaje y muerte

En La muerte de Robin Hood conocemos a un hombre lastrado por una soledad amarga, tratando de lidiar con las consecuencias de una vida repleta de crímenes y asesinatos. Es como un lobo herido tratando de sobrevivir a toda costa como un salvaje en la naturaleza.

Asediado por enemigos que quieren darle caza para vengar a familiares o amigos a los que ha ido exterminando, termina gravemente herido en una sangrienta batalla que lo pone al filo de la navaja.

Aunque está al borde de la muerte, es conducido a un misterioso castillo en el que encuentra la forma de reconciliarse con su pasado gracias a una enigmática mujer, la hermanada Brigid, una curandera que carga con sus propias heridas, que le ofrece la oportunidad de redimir su violento pasado antes de exhalar su último aliento.

La película ofrece una visión muy amarga y solitaria de hombre al que siempre nos han presentado como un héroe popular y muy blanco. Sarnoski no tiene remilgos a la hora de mostrar su lado más desagradable, violento y brutal.

No queda nada del mito amable y esa es una de las cosas que más se agradece de una historia que no edulcora la violencia ni los encontronazos cuerpo a cuerpo en los que no hay código entre caballeros sino voluntad de destruir al contrincante sea como sea. Las batallas son bestiales e hiperrealistas y en concreto a Robin Hood no hay voluntad de exonerarlo de su culpa, solo si acaso aceptarla y afrontar sus consecuencias.

Estamos por tanto ante un relato irreverente que se aleja de la norma y reimagina a un hombre consumido por el remordimiento. Hugh Jackman realiza una de las interpretaciones más honestas, complejas y antipáticas de su carrera, que le traerá a los espectadores a la cabeza su papel en Logan aunque en este caso el planteamiento del personaje sea particularmente hostil y hosco, en las antípodas del príncipe de los ladrones que tan edulcorado ha estado en otras ocasiones. Lidia con el desencanto, como reza el cartel: "No era un héroe".

La idea no es ser fiel a la historia del arquero de Sherwood, irrastreable y escurridizo a más no poder en las leyendas, sino hacer una reflexión sobre la naturaleza humana, la necesidad de hacer las paces con el pasado y quizás hacer del mundo un lugar mejor abandonándolo con cierta dignidad aceptando que es muy probable que la tradición oral le diera una pátina de ficción importante a un personaje idolatrado.

Ojo a la química con una Jodie Comer como siempre excepcional que le da una profundidad al personaje inusitada. Da vida a una mujer muy compleja que se construye más desde los silencios y las miradas que desde las palabras. El guión explora una serie de conexiones que van más allá de lo que los diálogos solo podrían subrayar innecesariamente.

La muerte de Robin Hood, a pesar de sus muchas virtudes, patina en una cuestión fundamental: pierde fuerza a medida que avanza el metraje. Empieza tan fuerte que sorprende el cambio de tono y lo que le cuesta llegar al desenlace final.

Lo que resulta brillante cuando no embriagador es el trabajo de fotografía de Pat Scola que nos devuelve unos bosques tan bellos como tenebrosos así como interiores austeros pero iluminados con na destreza singular. Hay planos que son para enmarcar.

Hay bajas muy importantes, odios enconados que reciben nuevo combustible y movimientos muy relevantes en el tablero del juego del poder. En suma, un buen balance de acción, tragedia y avance de los acontecimientos.

En líneas generales, da la sensación de que el ritmo moroso y la fotografía mohína de la segunda temporada han quedado atrás: es tiempo de golpes sobre la mesa, resolución de tramas y de destrucción, tal y como es de esperar en una guerra civil del calado de la Danza de dragones.

Resumen de La casa del dragón 3x02

El segundo episodio de la tercera temporada de La casa del dragón arranca justo a continuación de lo que vimos la semana pasada. Vemos el cadáver de Jace flotando en las aguas, a los dragones supervivientes pasando a fuego a la flota de la Triarquía y posteriormente a los hombres de Corlys cargando el cadáver para conducirlo hasta su madre.

Baela anuncia que han ganado la batalla pero Rhaenyra tiene que afrontar la muerte de su hijo. Está entre iracunda y profundamente apesadumbrada al punto que el comandante de la Guardia Real se confiesa culpable y le pide pagar con su vida. Ella dice que todos la han traicionado pero pero que matarlo no le devolverá a su hijo. Abraza su cadáver y llora desconsoladamente.

La batalla no cesa en el frente donde Alyn busca a Corlys sin éxito temiendo que haya muerto.

Rhaena pide a asilo a lady Jeyne Arryn, que se lo deniega, sabiendo ya de la muerte de Jace. Rhaena trata entonces de negociar con los dragones: le dice que Vhagar está suelta y Robaovejas vive en el valle. Jeyne se lo piensa...

Daemon recibe a Simon Strong en las Tierras de los Ríos: le lleva un mensaje de la reina donde le informa de la muerte de Jace. Lo anuncia y dice que partirá a Desembarco del Rey para reclamar el Trono de Hierro para Rhaenyra. Les pide a los demás ir a Harrenal y ser el brazo ejecutor, sin flaquear.

Antes de partir tiene una última conversación con Alys Ríos que reclama para sí Harrenhal. Dice que ha servido a todos cuantos han pasado por allí sin saber cuidarlo y que ella lo haría mejor. Él le dice que no tiene corona, título ni esposo noble y que por tanto no le corresponde, aunque podría procurarle otra recompensa. Ella no está interesada y le grita que se vaya y no vuelva por allí.

Mientras Baela y Alyn conversan sobre Corlys, Addam sigue buscándolo a lomos de Bruma. Lo avista entre los restos del naufragio. Cuando la Serpiente Marina ve el tamaño del desastre dice que si eso es una victoria espera no ver otra igual. Luego le dice a Alyn que no tiene nada que darle, salvo su apellido. Él considera que es más valioso que una montaña de oro.

Larys y Aegon consiguen zafarse del carro en el que estaban siendo conducidos a Rocadragón. Deciden poner rumbo a Reposo del Grajo donde piensan que Cole tendrá tropas fieles que les darán cobijo.

Alicent va en busca del comandante Luthor Largent. Le dice que Rhaenyra va a volver a reclamar el trono.

Daemon se reúne con los nuevos jinetes. Explican que Aemond no apareció y que se fueron, igual que Addam, que ha ido a reunirse con Baela. Él los considera unos inútiles y les alecciona, pero a la vez los considera necesarios.

Daemon se reúne con Gusano Blanco para ponerse al día. Le sorprende que Rhaenyra confíe en la palabra de Alicent. Mientras conversan, reciben la noticia de que Vhagar ha salido de Desembarco del Rey.

Entre tanto Alicent quiere hablar con sir Soren en privado para tratar de preparar el terreno. Hay mucha crispación y le piden tener la reunión con cautela.

Daemon va a ver a Rhaenyra que está destrozada y le dice que estaba allí el dragón Robaovejas con un jinete desconocido que causó la muerte de Jace. Quiere que lo encuentren. Le anuncia de Vhagar ha abandonado Desembarco del Rey. Ella está dolida por poder sentarse en un trono a costa de la vida de sus hijos. Daemon le dice que en Harrenhal vio a una mujer de cabellos plateados con dragones, que era la profecía de la Canción de hielo y fuego.

Jasper Wylde va a ver a Alicent y la acusa de haber tenido relaciones con Criston. Forcejean y cuando está a punto de forzarla aparece Orwyle y ordena detenerlo. Ella le dice que está en deuda con él.

Rhaenyra y Daemon deciden ir a Desembarco del Rey escoltados por sus nuevos jinetes. Mysaria le entrega a Rhaenyra la corona y le pide que recuerde quién le ha sido leal. La idea es tomar la ciudad lo más rápido posible y luego encargarse de Vhagar.

Alicent le anuncia a Helaena que Rhaenyra está en camino y que van a abrirles las puertas para entregar las armas sin violencia. A continuación van a hablar con las tropas encargadas de la defensa de la ciudad y les piden que no ataquen a los dragones de los Negros.

Criston ve pasar a Vhagar y pone a los suyos en marcha a Harrenhal, a donde se dirige el dragón. Nada más llegar, Aemond pasa a fuego y espada a todos cuantos encuentra.

Simon Strong y su hijo lo esperan en el interior. Aemond pide enfrentarse a Daemon, pero Simon le dice que el ejército se ha retirado. Lo mata ahí mismo junto a su hijo. Pero Alys Ríos aparece detrás de él: está herido. Se arrastra hasta ella pidiéndole ayuda antes de desplomarse.

Los dragones de Rhaenyra llegan Desembarco del Rey sin encontrar oposición. En la ciudad cunde el pánico. Alicent y Helaena preparan su retirada. Daemon acaba con los últimos fieles a los Verdes y Rhaenyra llega hasta el salón del trono. Allí se ven entre dos frentes, pero Luthor reconoce a Daemon como capitán de los capas doradas y pide a la guardia real que entregue las armas. Daemon pide que se prenda a todos los Hightower y Rhaenyra que se lleve ante él a Aegon el usurpador para ajustar cuentas.

Daemon va en busca de Alicent y Helaena pero ellas han huido. Quiere un castigo ejemplar para Orwyle pero él se ofrece otra cabeza que le puede interesar más: la de lord Jasper. También le comunican que lord Larys le ha dejado un regalo: al mismísimo Otto Hightower. Lo conduce hasta el salón del trono donde Rhaenyra tiene que ajusticiarlo para convertirse en reina porque Aegon se ha fugado. Él pide que lo mate Daemon para ahorrarle el sufrimiento de que sea ella, pero Rhaenyra le corta la cabeza y Daemon decapita a Jasper.

Rhaenyra, dejando huellas de sangre en el suelo, asciende al trono de hierro y se sienta en él, aún temblando.

Alicent y Helaena son apresadas y llevadas ante ella. Alicent ve el cadáver de su padre y dirige una mirada iracunda a Rhaneyra.

La ruptura del pacto

El diseño de producción de la serie está a la altura para ofrecer abundantes planos de dragones, secuencias multitudinarias y encontronazos en todos los frentes sin renunciar al drama íntimo y personal de dos mujeres enfrentadas que sostienen los pilares emocionales de la serie.

En La casa del dragón siempre tenemos la sensación de que ellas, Rhaenyra y Alicet, no son las responsables últimas de sus actos y de que su enfrentamiento es casi forzado y antinatural, abocadas por las circunstancias, las represalias o el deber de contrarrestar las acciones de los demás.

Aquí las tenemos frente a frente como nunca antes: Alicent se ha mantenido fiel al pacto que ambas hicieron de rendir la ciudad sin violencia alguna pero Rhaenyra, arrastrada por el dolor de la muerte de Jace y de la búsqueda de legitimidad para alcanzar el trono, ha matado al padre de Alicent al no encontrar a Aegon. Estamos ante uno de los puntos álgidos de la serie, donde se ven las consecuencias directas de que los Negros hayan ido ganando en varios frentes. Lo que la serie debe seguir explorando es el precio de la victoria y cómo el conflicto va a seguir arrasando en todos los frentes.

En efecto, Dragon Ball GT, una de las producciones anime más criticadas, y tal como puedes apreciar en nuestros análisis semanales, dichos comentarios negativos no tienen mucha razón de ser. Ahora bien, el episodio de hoy...

Deja bastante que desear, sinceramente. Hablamos del capítulo 54, una entrega en la que Goku y Pan se enfrentaron a un nuevo dragón oscuro que guardaba más de un as bajo la manga.

No obstante, el dibujo no acompañó durante este episodio, por no hablar de un combate bastante insulso en el que Goku se comportó como un auténtico cobarde. En fin, ¿estás preparado para este esperpento?

El capítulo arranca con la localización de una nueva Bola de Dragón por parte de Giru, o mejor dicho, la captación de un nuevo dragón oscuro. En esta ocasión, se trata de Suu Shinron, un monstruo surgido a partir del deseo de rejuvenecimiento de Piccolo Daimaoh.

Y sí, tal y como su propio nombre indica, este dragón alberga la Shushinchu, la mítica esfera del abuelo de Goku. Con esta premisa, está claro que este dragón será duro de pelar. ¡De hecho, deja a Pan inconsciente con un solo golpe! Y a Goku tampoco se lo pone nada fácil con sus ataques ardientes:

Para que te hagas una idea, Suu Shinron puede llegar a los 6000 grados de temperatura, los mismos de la superficie del sol. Así, mientras Goku se comporta como un cobarde, escapando todo el rato de su rival, otro dragón aparece entre las sombras, dejando fuera de combate a Giru para secuestrar a Pan.

Nuestro saiyan es ajeno a todo esto, pues está demasiado centrado en su combate. Tras dejar atrás su cobardía, decide contraatacar y atisba el punto débil de Suu Shinron, una suerte de lente con la que filtra sus ataques ardientes. ¡De este modo, lanza un Taiyo Ken directamente a la lente, cegando al dragón!

Ahora sí, parece que la primera fase del combate ha terminado. Después de una afrenta llena de comedia fallida, los guerreros se ponen serios y desatan su auténtico poder.

Por un lado, Suu Shinron destroza la película que le rodea el cuerpo para desvelar su auténtica forma, aflorando todo el calor que irradia su interior. Por otro lado, Goku hace lo propio transformándose en Super Saiyan 4. ¡Por fin la cosa se pondrá interesante!

¡CURIOSIDADES!

1- El episodio nos deja otra nota curiosa, aunque ya habíamos visto algo parecido en el pasado. ¡Hablamos de Giru y su relación con Pan!

Cuando el robot se queda mirando a Pan mientras duerme, se empieza a sonrojar al ver lo preciosa que está la saiyan durmiendo. ¿Le hará tilín a nuestro querido robot?

2- Pan, al comienzo del capítulo, comenta una cosa realmente curiosa. Resulta que, desde el despliegue de los dragones oscuros por toda la Tierra, ya no se puede ver el sol en el planeta.

Esta suerte de infección planetaria, fruto de la energía negativa de los dragones oscuros, ha desencadenado consecuencias como la ocultación del sol. Entonces, ¿de dónde viene la luz que cubre toda la Tierra?

Y así terminamos el análisis de esta nueva entrega de Dragon Ball GT. ¿Te esperabas esta crítica por nuestra parte? ¿Le habrías puesto más nota a este episodio?

La verdad es que es un capítulo que me despierta mucha nostalgia, pero sinceramente, no estuvo a la altura de lo que debería haber sido, especialmente en el punto en el que nos encontramos. ¡Kai, Kai!

Así que esta semana llega Hermanito, la nueva película de Matt Spicer (Ingrid Goes West) con guion de Andrew Mogel y Jarrad Paul (Di que sí).

Es una comedia ligera sobre la hermandad, por si su título no lo deja claro, y llega sin grandes pretensiones más allá de entretenernos durante algo más de una hora y media. La cuestión es saber si logra su objetivo, lo supera o se queda a medias.

Hoy, en HobbyCine, te traemos nuestra crítica de Hermanito, la nueva comedia estelar de Netflix.

Una premisa que huele a añeja

Antes de meternos en materia, hagamos un repaso rápido a la trama de Hermanito. La película se centra en Rudd (John Cena), un tipo que ha construido una vida de ensueño: una familia preciosa, una empresa próspera... La única pega es que siempre ha sentido algo de envidia por su hermano mayor.

Por otro lado, está Marcus, un hombre que fue "apadrinado" como hermano pequeño por Rudd hace décadas y que está a punto de regresar a su vida. Claro que Marcus es un agente del caos que pone patas arriba todo lo que toca, aunque tiene un corazón de oro.

En esencia, Hermanito juega la carta de meter un elemento de agitación en lo que parece un entorno tranquilo. Sin embargo, al profundizar en la vida de Rudd, vemos que tras la fachada hay muchas grietas que amenazan con hacer que todo se venga abajo, incluso antes de la llegada de Marcus.

Hermanito cuenta con una historia funcional, aunque poco innovadora. Adam Sandler, por ejemplo, hizo suya esta mecánica de ser un agente explosivo en películas como Mr. Deeds, Terminagolf o Ejecutivo agresivo. Eric André tiene un personaje al que es imposible odiar, aunque a veces es bastante cargante.

Una química tibia, pero que cumple

John Cena no saca especial partido a su faceta cómica en esta película, pues Hermanito le obliga a asumir el papel de la parte seria que ve cómo su mundo perfecto se tambalea. Aun así, el veterano de la WWE tiene algunos momentos divertidos, como sus primeros pasos en un programa de la tele.

Eric André va más a tiro hecho. Él tiene sobrada experiencia en la comedia y se mueve como pez en el agua para dar vida al encantador, aunque peculiar, Marcus. Como decía antes, a veces resulta algo cargante, pues los momentos cómicos acaban volviéndose tan exagerados que acaban por perder la gracia.

En tándem no terminan de conectar. Se nota que ambos se esfuerzan por aportar ese vínculo y esa compenetración en pantalla, pero no les sale del todo. Eso provoca que, al llegar al momento emocional de Hermanito, las escenas no sean redondas del todo.

Puede ser un problema de ritmo o de montaje, pero me da la impresión de que proviene de esa incapacidad para forjar esa fusión entre dos actores que hace que su química en pantalla se desate. Hay a quienes les sale de forma natural, como George Clooney y Brad Pitt, pero en este caso, no funciona del todo.

En el elenco también tenemos a Michelle Monaghan como la esposa de Rudd, Deirdre. Es un papel secundario pero fundamental para hacer avanzar la trama; la actriz de Misión imposible cumple con creces. Christopher Meloni es el hermano mayor de Rudd, Josh, un elemento muy divertido en las escenas en las que aparece.

Los hijos de Rudd y Deirdre, Cory (Bryce Gheisar) y Shane (Pilot Bunch) son la cosa más aburrida que te puedes echar en cara, enrareciendo bastante sus apariciones. Muy secotes, hasta cuando intentan no serlo.

Entretenida, pero olvidable

Por desgracia, la historia de Hermanito es la de tantas películas que llegan a Netflix: te hará pasar un rato entretenido, pero la semana que viene quizá ni recuerdes de qué iba.

No es especialmente graciosa, aunque tiene un par de escenas que te pueden arrancar una sonrisilla. Su momento tierno funciona, aunque no terminen de casar sus dos protagonistas.

Es totalmente predecible. A pocas comedias de este tipo que hayas visto, casi te sabrás el guion al dedillo. Si buscas algo novedoso, esta no es tu peli, pero cumplirá si simplemente necesitas un rato de desconexión.

Posiblemente se trata de una comedia que habría funcionado mejor si se hubiera trazado para un público más familiar, pero al llenarla de lenguaje malsonante y momentos subidos de tono, se enfoca en un público que pide algo más que cuatro chistes e interpretaciones exageradas.

En fin, por no alargarnos más: Hermanito no es ningún desastre, pero dista mucho de ser una buena película. Para escapar del calor sin sufrir un ataque de tedio, la cinta de Netflix con John Cena y Eric André cumple.

En realidad, ahora la serie es más coral que nunca y se esfuerza mucho por hacerle justicia a todos los personajes dedicándoles al menos un instante de gloria, por así decirlo.

Si estás familiarizado con el concepto de "episodio botella" comprenderás muy rápido que lo que ha hecho Chris Storer (y seguramente le ha facilitado las cosas para conseguir llevar a cabo una producción bastante rápida) es una suerte de "temporada botella".

La quinta y última tanda de episodios de The Bear transcurre casi en su totalidad en el restaurante con sus personajes atrapados por una tormenta récord que dispara los problemas a los que tienen que enfrentarse a medida que explotan cañerías, se hunden techos y se vacía la despensa antes de "la última cena". El crono ya se paró en la cuarta temporada, así que solo queda saltar sin red para darlo todo a la desesperada y cruzar los dedos para que la embarcación no se vaya a pique.

La intención es mostrar una vez más ese caos adictivo que hace que puedas enamorarte del sonido de la cocina, del ambiente del sala o del color desplegado en un plato que empieza a degustarse a través de la mirada antes de rozar el paladar... y que cuando fluye, es como una coreografía perfecta que no lucha contra el reloj sino que se pliega ante él con gracia y armonía.

Es un nuevo chute de amor a la gastronomía y al exigente mundo de la restauración, con un punto álgido, el séptimo episodio, en el que a cualquiera le rugirán las tripas al ver las delicias que desfilan por la pantalla.

Como siempre, estamos ante un viaje sensorial de primera categoría, de manera que cuando la narración se vuelve pesadillesca, casi sentimos que se nos eriza el vello mientras que cada mirada, apunte o cruce de palabras es significativo entre unos personajes atrapados entre la pasión por la cocina y las implacables facturas.

Pero, ¿estamos ante un desenlace satisfactorio? A nivel emocional sí y, por fortuna, también en el plano narrativo gracias a la agilidad del montaje y la ductilidad del formato: arrancamos con episodios de 22-25 minutos y terminamos con dos de una hora. Tras dos temporadas anteriores bastante lentas, esta quinta parece tener más claro que no hay tiempo para ensimismarse demasiado. Esto no es un obstáculo para la evolución de nuestros protagonistas puesto que todos ellos deben asumir sus nuevas posiciones y los retos propios de un futuro incierto. Y a veces este paso es tan sencillo como confiar y no imponerse frenos.

El mensaje primordial, que viene subrayándose desde la primera temporada, es que un gran restaurante no es mérito de un hábil chef sino un esfuerzo compartido por un equipo en el que todas las piezas están bien engrasadas: hay compromiso, aprendizaje, solidaridad, comprensión y muchos, muchos, muchos cálculos.

Tan importante es contar con una buena materia prima como tratar a los compañeros con respeto, dejar al cliente satisfecho y cuadrar las cuentas al final del día. Y no podemos soslayar el tema de la identidad: cada viaje, reunión familiar o costumbre arraigada, es una fuente de inspiración para dar forma a platos que tratan de atrapar un concepto y contar una historia. Las raíces van a estar muy presentes en un final que es un principio, en realidad, porque "los osos" son una familia que sigue unida a pesar de todo.

A nivel técnico esta temporada final destaca por una estética continuista pero quizás más estilizada todavía: la luz busca crear distintos ambientes y sensaciones y el montaje crear una tensión constante, que también se nos traslada a través de los sonidos, aunque no vamos a tocar techo, sino que nos vamos a quedar en un registro más moderado (y tolerable) que en otras ocasiones.

La principal novedad es que esta vez además, se abre paso un sentido del humor más entrañable que nos recuerda qué nos enamoró de los personajes, qué los hace especiales y por qué los echaremos de menos. El octavo y último episodio es ya el que los saca de la botella y los devuelve a la vida real, un epílogo abierto, como la vida misma. En suma, The Bear 5 se merece una reseña de cinco tenedores.

Haciendo honor al título de la cinta, sus protagonistas se disponen a realizar las mayores locuras jamás vistas en la franquicia (y ya es decir, visto lo visto hasta ahora) donde vuelven a jugarse el tipo.

Aunque no demasiado, ya que la película tan solo muestra algunos sketches actuales que mezclan con los momentos más memorables de la franquicia para homenajear los más de 25 años que han estado haciendo el cabra.

Un bonito homenaje que deleitará a los fans

Se nota que Johnny Knoxville y compañía ya están mayores para hacer estas cosas, por lo que en esta ocasión apenas realizan acrobacias para enfocar la cinta en un recorrido por la franquicia.

No obstante, aún tienen cuerpo para aguantar algunos golpes (como bien se demuestra en los créditos de apertura) y nos deleitan con varios momentos tan dolorosos como en ocasiones nauseabundos.

De la parte novedosa, sin duda lo más destacado es Larry, el robot cuya voz pone Adam Ray y que lanza las ocurrencias más graciosas al tiempo que participa en los sketches de la cinta golpeando a Johnny Knoxville en sus partes o realizando un examen de próstata a Steve-O lubricando su dedo con mantequilla de cacahuete.

Por supuesto, también hay hueco para los gags más escatológicos marca de la casa que, como de costumbre, no son aptos para estómagos sensibles. Mi recomendación es que vayas a ver la película con el estómago vacío.

Dentro de la parte del recopilatorio recuperan muchos momentos memorables, aunque algunos ya los hemos visto en la última película, Jackass Forever, como cuando Johnny Knoxville es embestido por un toro (y que casi no lo cuenta) o la tronchante broma emulando El silencio de los corderos que hizo pasarlo mal a casi todo el grupo.

Pero lo mejor de esa parte son los sketches inéditos que nunca se llegaron a emitir. La película arranca con el primer "gag" que realizó Johnny Knoxville para Jackass y que MTV prohibió su emisión. Y con razón, porque telita querer arrancar así un programa de televisión (ya lo entenderás cuando lo veas).

Por supuesto, a estas alturas está claro que Jackass: Lo mejor para el final es una película que está hecha expresamente para los fans, pues a día de hoy resulta difícil (aunque no imposible) que alguien se enganche con este tipo de humor tan particular.

Incluso yo, que he sido fan de la franquicia (aunque tampoco un fan acérrimo) me ha dado bastante reparo contemplar ciertos momentos de la cinta (en especial los más escatológicos). Pero en el fondo no he podido evitar seguir disfrutando como un enano de las delirantes ocurrencias de sus protagonistas. "Placer culpable" lo llaman.

Al final Jackass: Lo mejor para el final cumple con su objetivo, que no es otro que entretener a sus seguidores y rendir homenaje a toda la saga cerrando con una secuencia final digna de recordar.

En el fondo, uno no puede evitar emocionarse como Johnny Knoxville al ver que esta película es el desenlace definitivo y que ya no volveremos a verles hacer locuras. Aunque, como se suele decir, nunca digas nunca más y, quién sabe, igual Knoxville nos sorprende dirigiendo a una nueva generación de colgados en un futuro.

Así que en esta ocasión Pierre Coffin ha llevado la historia mucho más allá de lo que lo hizo en 2017 y 2022 con Los minions y Minions: El origen de Gru. Estas criaturitas amarillas habían demostrado ser personajes secundarios robaescenas y tener un encanto propio sensacional, pero necesitaban un poco de ayuda para abarcar la duración de un largo sin sufrir un poco.

Aquí dejan claro que pueden cargar con todo el peso de la historia: son unos magníficos protagonistas, independientes de cualquier villano. Pueden llevar la batuta porque son entrañables e incorregibles a pesar de expresarse en minionés. Total... ya les entendemos sin problema.

Pura diversión, pero con más capas

Minions & Monsters arranca con una visita guiada a los estudios de cine, donde los visitantes descubren cómo, tras un largo periplo buscando un amo al que servir, los minions acabaron en Los Ángeles, donde algunos de ellos descubrieron el mundo del cine y se enamoraron de su lenguaje.

Con la firme convicción de rodar su propia película, acuden a un afamado director para que les asesore. Su principal consejo es que crean en ellos mismos y cuenten con un buen monstruo si van a crear una película de monstruos. Así, recurrirán a la magia para invocar a una criatura llamada Miranda, "la devoradora de mundos" que va a desatar el caos.

Mientras tanto, los demás encuentran un nuevo villano al que seguir: el robot extraterrestre Dort, que planea destruir la Tierra y subyugar a los terrícolas... hasta que se queda prendado de una joven sufragista y decide aplazar su misión.

De primeras hay que reconocerle a Minions & Monsters la virtud de ser la mejor y más redonda de las tres películas centradas en estos personajes. Como decíamos al comienzo, porque en ella se independizan de Gru y son los motores principales de la acción y en segundo lugar porque ofrecen un verdadero tour por la Historia del Cine repleto de referencias, personajes, escenas icónicas reimaginadas "en amarillo" e incluso pinceladas musicales en una banda sonora también muy rica en influencias y matices.

También es una película caótica y desordenada... como sus propios protagonistas. Los gags se suceden a toda velocidad en una historia aguda, muy graciosa y bien rematada con altas dosis de metalenguaje, que te lleva a reír a mandíbula batiente en más de una ocasión.

Como es evidente, es una película que no le va a cambiar la vida a nadie, pero tampoco lo pretende: lo que sí es su objetivo, más que logrado, es ser fresca, original, divertida a rabiar y un placer para grandes y pequeños cuyo ritmo es irrefrenable.

Ellos seguramente no pillarán muchos guiños porque les faltará bagaje audiovisual, pero ahí estará el placer cinéfilo de hacerles descubrir a Charlie Chaplin, a Buster Keaton, a Méliès, los monstruos de Universal, el western, el cine negro, las joyas de Orson Welles y tantísimos otros hitos del cine que Pierre Coffin recorre escribiendo una carta de amor insospechadamente emotiva y simpática que no habríamos esperado a priori encontrar aquí. ¡Hasta está presente George Lucas y se menciona al icono Keanu Reeves!

Atención a la riqueza de planos, a la sensibilidad para poner en pie estilos e hilvanar situaciones, porque es un torrente constante de ideas. Minions & Monsters es una película muy ligera que se estrena en el momento ideal, en pleno verano, como reclamo para las familias y tiene todos los ingredientes para encajar en el público más amplio posible. La grata sorpresa es que esta vez van a salir todos satisfechos y bien saciados del cine. Funciona como un tiro y aunque a veces parezca que está a punto de perder las riendas, consigue llegar a una conclusión satisfactoria. ¡Qué gozada!

Supergirl es una película bastante peculiar, con una protagonista cuyo comportamiento nada tiene que ver con el de una superheroína. Es una mujer desarraigada, en busca de un propósito vital y su lugar en el mundo, que lidia con un fuerte resentimiento. Esto la lleva a tener una conducta evasiva. Así que, aquellos amantes de los cómics que busquen una versión apegada a sus lecturas, se van a sorprender con muchos e importantes cambios respecto a Woman of Tomorrow.

Lo más descorazonador no es solo la falta de equilibrio del proyecto, sino la descarada fusión de referencias de otros universos ficcionales con entidad propia: aquí hay ideas prestadas de Star Wars, de Mad Max, de X-Men y, por supuesto, como no podía ser de otra manera, un enfoque de blockbuster que entronca con el espíritu gamberrete de Guardianes de la galaxia aunque con un sentido del humor mucho menos eficiente.

En suma, es una película que parece no tener ideas propias o no tener intención al menos de arriesgarse a desarrollarlas. Aquí Supergirl es un antiheroína fuera del sistema y solo empieza a materializarse su potencial en el último tramo de la película, cuando al fin la acción también tiene algo de enjundia.

De Krypton a la Tierra

Kara Zor-El vive de resaca en resaca en su nave con Krypto, su fiel compañero de aventuras. Frecuenta planetas con soles rojos donde el alcohol le hace más efecto, aunque esté caminando constantemente al borde del precipicio y poniéndose en peligro porque solo puede tratar de mitigar el dolor que siente.

Un buen día, mientras está de farra, irrumpe en el bar Ruthye, una joven cuya familia ha sido masacrada por el bandolero Krem, en busca de ayuda. Su objetivo es darle caza y matarlo con una de las armas forjadas por su padre, un famoso herrero. Aunque al principio Kara no piensa que esa sea su batalla, cuando Krem envenena a Krypto despierta su furia. Solo tendrá tres días para darle caza y recuperar el antítodo antes de que su mejor amigo sucumba a una parálisis mortal.

A medida que Kara y Ruthye pasan tiempo juntas, se dan cuenta de las cosas que tienen en común: no solo haber perdido a sus familias sino tener que salir adelante solas en un mundo hostil y adoptar decisiones que pueden marcar sus vidas para siempre.

Uno de los aspectos más decepcionantes de Supergirl es que no se aprecia el sello de su autor. Craig Gillespie viene de dirigir películas como Yo, Tonya, Cruella o Golpe a Wall Street además de haber estado involucrado en la dirección de series como Pam & Tommy o Vicios ocultos. No hay nada en esta película que nos recuerde ni remotamente a su estilo: parece estar hecha con piloto automático.

¿Es Milly Alcock una buena Supergirl? Ha llevado al personaje al extremo que le han pedido y es una actriz con rango interpretativo, pero es difícil empatizar con ella durante al menos dos tercios de la película en los que se limita a tratar de desembarazarse de su protegida y escurrir el bulto. Es dura sí, pero también egoísta y amargada, con un resentimiento profundo que manifiesta por medio de conductas autodestructivas. Huele a vómito y pis de perro, así que es difícil cogerle el pulso.

La estructura narrativa se repite en varias ocasiones, lo que unido a la estética feísta de la película (todo parece sucio, antiestético y asqueroso, como el propio villano al que encarna Matthias Schoenaerts, más plano que el papel de calcar) no ayuda a entrar en la historia.

No todo son pegas: hay al menos dos facetas en las que la película cumple: la primera de ellas es el flashback de Krypton en el que se explica la creación de Argo y la dolorosa despedida de Kara de su hogar y su familia. Es también el momento en el que se explica el vínculo entre ella y Krypto, promoviendo que se comprenda mejor su interés en recuperarlo a toda costa.

La segunda es la irrupción de Jason Momoa como Lobo, el gran alivio cómico de esta historia y probablemente de los pocos lances humorísticos que funciona a pleno rendimiento.

Estamos ante una película de terror que retuerce el leit motiv clásico ya de La pata de mono, aquel relato breve que William Wymark Jacobs escribió en 1902. Cuidado con lo que deseas, porque puede hacerse realidad y salir mal, pero que muy mal. Por más que pasen los años, la fórmula ha encontrado mil y un acomodos en la ficción pero es especialmente eficiente en esta película porque subvierte además las clásicas reglas del género de la comedia romántica.

Así que puedes disfrutarla como película de terror tal cual o darle una pensada extra y sorprenderte con la brutal denuncia que hace de las relaciones tóxicas, codependientes y destructivas en las que un miembro de la pareja asfixia a otro: falta de espacio, celos, miedo al abandono, manipulación, presencia constante y amenazas a herirse a uno mismo o a otros. Hay una fina línea que separa el amor de la obsesión, como dice la canción.

Esclava de su deseo

Bear está enamorado de su compañera del trabajo Nikki pero nunca encuentra el momento ni las palabras adecuadas para declararle sus sentimientos. Una noche, al llegar a casa, encuentra a su gata muerta y encima Nikki le escribe para decirle que va a dejar su puesto.

De forma fortuita, encontrará un artículo en una tienda esotérica que llamará su atención: se trata de una rama de sauce que, según prometen las instrucciones, cumplirá el deseo que formule quien la rompa en dos pedazos. Desesperado, se decidirá a pedir que Nikki le ame más que a nadie en el mundo.

Ella empieza entonces a manifestar un comportamiento muy extraño: parece interesada en él pero también tiene arrebatos en los que le rechaza. ¿Está Nikki enamorada o solo sometida por un embrujo incomprensible? ¿Hasta dónde están ambos dispuestos a llegar para mantener una relación?

Obsession es el caso arquetípico de una película de bajo presupuesto que logra enganchar al público con una premisa sencilla. ¿Es la mejor película de terror del año? No, pero hay que reconocer que sí genera momentos de genuino desconcierto y lleva su premisa hasta el final.

Dicho lo cual, la película tiene una deuda gigante con la actriz Inde Navarrette: ella es el corazón de la historia. Su forma de sonreír, de gesticular, de moverse e incluso de permanecer estática es increíble. Exhibe un registro interpretativo muy extenso que le permite componer un personaje impredecible y por tanto muy perturbador que genera tensión con su mera presencia.

Barker además explota con acierto las bajas luces y los fuertes contraste lumínicos que suelen dejar su rostro en penumbra, con sus ojos como dos tenues lucecitas revoloteando en la oscuridad.

En lo que se refiere al diseño de producción, se aprecia que es austero: solo unas pocas localizaciones y un puñado de personajes pueblan la historia de Obsession. Da la sensación de no necesitar mucho más para despertar emociones en la audiencia. Tiene momentos de dejarte ojiplático, otros de reír y otros de abrir la caja de los truenos para reflexionar sobre qué es lo que normalizamos respecto a las relaciones románticas y qué es oscuro, enfermizo y debería preocuparnos.

En suma, no dejará a nadie indiferente aunque habrá quien encuentre excesivos los últimos giros de guión, cuando la trama ya se vuelve loca de remate. Quizás sin menos golpes de timón, simplemente contando como es una relación con una persona posesiva que abusa de manera emocional del otro, lo aísla de su entorno, restringe su autonomía y ejerce un estricto control de su vida, ya habría estado servida una película de terror bárbara.

La sangre y la escatología son un mero adorno y un doble looping para darle un empaque más comercial de cara sobre todo al público joven, que la encontrará así más atractiva. Bien está si hacen la lectura correcta de la historia... que pasa por darle la vuelta al punto de vista. Y eso descoloca de verdad: no sabemos qué debemos sentir respecto al protagonista, que parece ser la víctima cuando es en realidad quien está sometiendo de facto a su amor platónico, que sabe bien que no le ama en realidad. ¡Todo mal!

Oasis, la nueva serie española de Netflix, respira un fervor sexual juvenil que parece sacado de cualquier diario de Asco de Vida. Incluso si jugase al melodramatismo más cómico tendría su pase, pero esta producción de Bambú se ha quedado a medio camino en casi todo.

Un puñado de niños de papá sepultados en dinero frente a los curritos de un resort de lujo en Tenerife tendrán que enfrentarse y colaborar en medio de la investigación policial por la desaparición de uno de ellos.

Un thriller juvenil en el que la investigación nunca es protagonista, ni mucho menos la policía; la desaparición es sólo una excusa para el calentón.

En medio de un paraíso de playas privadas, piscinas infinitas, habitaciones de lujo, secretos, drogas, sexo y humillación, Oasis plantea la lucha de clases como su tema principal... para los dos primeros episodios.

A partir de ahí, sus ideas se vuelven planas y funcionales para la trama como la transición a la vida adulta de cualquier adolescente. Y aquí es donde cualquier comparación con The White Lotus se vuelve ridículamente atrevida.

Cada episodio de la temporada arranca con metáforas forzadas para vincular emociones que parecen más un copy de Instagram que una reflexión natural para alguien tan mundano como un Gen Z recién llegado a los dieciocho.

La serie quiere hablar de heridas sentimentales, de veranos que cambian la vida, de confesiones generacionales. Pero termina reducida a un compendio de situaciones impostadas que un boomer podría llamar «americanada» porque se ven con una mano en la cara.

Más cerca de Élite que de The White Lotus

Celia (Victoria Kantch), trabajadora del hotel e hija del director del complejo, desaparece en una de las primeras noches. Y tranquilo, que lo verás con antelación en otra de esas maldiciones de las plataformas de utilizar flashforwards para que levantes la cabeza de TikTok.

La policía clausura el Oasis y convierte el paraíso turístico de los ricos en una jaula de oro donde nadie puede entrar ni salir. A partir de aquí, Dani (Tomy Aguilera), que ha tenido su encuentro amoroso con Celia, y Helena (Ana Garcés), su mejor amiga y empleada del hotel, empezarán a remover las aguas.

Tanto va el cántaro a la fuente, que Dani y Helena van a pasar de odiarse a apretarse demasiado cuando se esconden en espacios cerrados. Da igual que la habitación sea grande; ellos se van a poner frente con frente que es necesario para que, sobre el papel, su relación se desarrolle.

La promoción hablaba de la The White Lotus española. Mientras Oasis mezcla los ardores de Élite con una telenovela adolescente, la serie de Mike White entendía la incomodidad como una forma de violencia para construir una sátira social afilada, divertida y punzantemente sórdida.

Sus personajes no son malos por poner cara de malos, el privilegio de sus pijos vivía en la dominación y no en el menosprecio explícito, la lucha de clases estiraba la duración de los planos para hacernos sufrir la pérdida de dignidad de sus protagonistas.

Oasis vuelca toda su trama en la tensión sexual hipervisible. Y aún cuando el deseo podría ser un tema a compartir con la referencia de HBO, la serie no define si quiere ser un whodunit juvenil, una telenovela de lujo, una sátira social, una versión playera de Élite o un videoclip de gente guapa sufriendo problemas del primer mundo.

Se condena bajo el mismo patrón de Olympo: narcisismo y clasismo por bandera abandonados a la representación pueril y exagerada que señala cualquier relación moderna como un nicho de toxicidad y traiciones.

Podría señalar la trama, los diálogos, la interpretación... pero lo es todo. Sus personajes están escritos con personalidades medidas al peso de fichas de un ábaco con dos opciones: más o menos imbécil, más o menos ego.

Son cuerpos, ese es su gran rasgo diferencial. En una sociedad que parecía dejar a un lado la cosificación, Oasis decide utilizarla como herramienta de promoción y deseo.

Defender sus diálogos es, de hecho, un infierno palpable en los ojos del reparto, pero también quedan desamparados sin una dirección que les permita situarse entre escenas.

En el cuarto episodio te encontrarás a la policía sorprendiendo en los interrogatorios con descubrimientos que los propios personajes habían hecho dos diálogos atrás con ellos mismos. A personajes corriendo entre cambios de plano que modifican su estado de nerviosismo o aceptación.

Personajes con estados de ánimo contradictorios, gente que entra devastada y sale sonriendo olvidadiza, líneas que pisan sus propias conclusiones... Es un caos difícilmente remediable en montaje.

La parte visual es lo más defendible de la serie. Tenerife luce, y mucho. El paisaje y sus contrastes entre el color único de sus aguas, la roca, las escenas subacuáticas vuelven a demostrar que tenemos un Caribe infrautilizado en la producción patria.

El síndrome de la frase viral

Hay una pauta que es particularmente agotadora en la ficción española de plataforma: la necesidad de abrir episodios que adelantan escenas con frases forzadamente profundas y pronunciadas con la desgana de la locución publicitaria moderna.

No, cualquier emoción cotidiana no es una epifanía cósmica. Oasis hereda lo peor de esa escuela: la convicción de que cada personaje debe hablar como si estuviese a punto de hacer una frase viral como si fuese A 3 metros sobre el cielo.

Dentro de la amalgama temática, conceptual y narrativa que es Oasis, convierten a Dani, su narrador, en un departamento de marketing con más pose que voz.

Es una serie en piloto automático. Ingredientes de una receta rápida mezclados sin reflexión; un Frankenstein de plataforma con un poquito de aquí y de allá en el que todo parece carísimo y es una mona vestida de seda.

Es el enésimo intento de Netflix de construir una serie veraniega española con potencial internacionalmente exportable, visualmente atractiva —en todos los sentidos— y con el sello de una Bambú que sabe empaquetar y vender mundos.

Gran Hotel, Velvet, Las chicas del cable... la productora sabe sacar pepitas de oro de espacios reducidos con repartos corales en los que vender melodrama y lujo, pero aquí han construido una serie que no nace como idea, sino como fórmula.

Sin complicaciones, eso sí: 91 minutos de metraje con todo lo necesario para hacernos pasar un buen rato y un actor que sabe sacarle jugo a sus vis cómica y física derrochando carisma de nuevo en el rol de "pasaba por aquí y se ha liado pardísima".

Como es de imaginar teniendo en cuenta la elección del título la idea con la que juega la película es con la falta de normalidad de un pueblo llamado Normal en el que la violencia va a arrasar con todo.

El guión está impregnado de un humor negro bastante crudo a veces que de forma soslayada introduce algún que otro mensaje político y social. Pero son solo pinceladas: aquí venimos a ver tortas y tiros y vamos a disfrutar de tiros y tortas. ¡Yuhu!

Qué difícil se ponen las cosas a veces

Normal comienza con un ajuste de cuentas en el seno de un clan yakuza de Osaka. Después de cobrarse varias víctimas, el líder manda a sus hombres a un remoto pueblo de Minnesota donde podrán operar con impunidad. Un tiempo después, el sheriff de Normal aparece muerto en extrañas circunstancias y se busca a un sustituto provisional.

Ese hombre es Ulysses Richardson, un tipo que tiene la firme intención de no meterse en líos y dejar pasar los días sin esforzarse demasiado. Carga con sus propios demonios y además se ha separado de su esposa Penny a la que llama a menudo para contarle cómo le va, aunque ella no llega a descolgar el teléfono y él se consuela con dejarle mensajes en el buzón de voz.

Cuando una pareja de forasteros decide atracar el banco de la ciudad, terminan haciendo público el secreto del éxito del lugar, activando una reacción en cadena. Por una parte, los habitantes de Normal no están interesados en que el dinero deje de fluir y por otro lado, la yakuza recibe la alerta y envía a un nutrido grupo de matones para acabar con la amenaza a sus negocios.

Ulysses se verá obligado en un última instancia a tomar partido dejando de lado sus fantasmas y luchando por sobrevivir en una despiadada pugna con... ¡todo el mundo!

Bob Odenkirk es el corazón de la película, volviendo a encarnar a alguien que parece ser un hombre tranquilo transformado en héroe por necesidad, como en Nadie, pero en esta ocasión, está muy bien acompañado por secundarios estupendos como Lena Headey (Gunpowder Milkshake,), Henry Winkler (Black Adam), Brendan Fletcher (Noche de paz) o Jess McLeod (Alguien está mintiendo).

Por lo demás, la historia no oculta sus referentes, con Fargo de los Coen como eje, pero también un regustillo estupendo a cintas de acción similares a las que reta en determinados momentos por su toque gore, en comparación más bestia, y sus momentos de intriga internos que se saldan con algún susto que otro y giros de guión muy locos: desde el rastro rojo en la nieve que lleva a un alce hasta esa comida en la que una botella de champán da una sorpresa fúnebre que abre un camino sin retorno.

En general, es una película con bastante mala leche que combina bien géneros aunque quizás la traca final se hace esperar un poco más de lo deseable. Con todo es una propuesta honesta, bien planteada, que da lo que promete y no pretende ser más que eso: un entretenimiento por momentos hilarante en el que es fácil perder la cuenta de las víctimas que suelen caer de formas tan exageradas como jocosamente pringosas.

Como Wheatley dedica buena parte del metraje inicial a llevarnos de paseo por Normal, ya sabemos de antemano dónde están los alijos de armas, los explosivos y la colección de armas más exquisita donde se desarrollará un tiroteo espectacular. Satisface las expectativas que genera y, qué demonios, no nos importaría ver de nuevo a este Ulysses pasando por otra odisea...

El capítulo, escrito por Ryan Condal y dirigido por Lori Peristere nos provee del clímax de la segunda temporada que nos escamotearon en su día.

Va de menos a más para construir un crescendo emocional de lo más interesante e introduce importantes novedades que van desde lo más obvio (ciertos cambios en la melodía de apertura) hasta otros que se alejan de Fuego y sangre. La serie tiene su propia lógica y la reclama para sorprender a los espectadores, incluso a los más informados.

Resumen de La casa del dragón 3x01

Rhaena encuentra al dragón Robaovejas y lo monta entre gritos, a la desesperada.

Aemond busca a su hermano, el príncipe que huye junto a lord Larys. Está muy dolorido y reniega de su ayuda pero ellos quieren buscar protección y tienen que renegar del que llaman “el usurpador” y jurar lealtad a Rhaenyra Targaryen. Cuando Aegon se niega a hincar la rodilla, Larys le delata ante los guardias solicita que los entreguen como prisioneros.

Rhaenyra sopesa con su hijo la oferta de Alicent de derrocar al rey y tomar el trono sin derramamiento de sangre. Luego habla con el consejo y le cuenta la situación: Aemond tiene previsto ir a Harrenhal a lomos de Vhagar y piensa que Alicent será fiel a su palabra y le abrirá la Fortaleza Roja para tomar el poder. Acuerdan tomar la ciudad en dos días a pesar de la reticencia de la mayoría de los miembros del consejo.

Alicent es conducida a la sala del trono, donde encuentra sentado a Aemond. Él le dice que ha huido con Larys y que es más estúpido que cobarde, lo que ha impedido que se vaya a Harrenhal. Le dice que Ormund Hightower está de camino como refuerzo con 15.000 soldados y que la Triarquía romperá el bloqueo con su flota tres veces mayor que la de la Serpiente.

Daemon está en el frente en una matanza y han hecho retroceder a los Lannister con éxito. Se les unen las tropas Stark, que son leales a Rhaenyra y le entregan la cabeza del líder de los Lannister como prueba de lealtad.

Criston no tiene interés de honrar su juramento de caballero. El horror y caos que circunda a sus tropas le han hecho tirar la toalla.

Ulf cuenta su historia al resto de los jinetes mientras esperan a Aemond que, como sabemos no se unirá a ellos como estaba previsto.

El vuelo de Robaovejas termina con Rhaena cayendo estrepitosamente al suelo pero su relación se va a afianzando, cuando el dragón le lleva alimento.

Alicent le recrimina a Healena que Aemond siga allí y escribe una misiva como si fuera el rey para que se le entregue a Ormund.

Corlys Velaron convoca a su hijo Alyn para contarle la estrategia de enviar cinco barcos para tomar Desembarco del rey donde piensan que no encontrarán oposición. Su reunión se termina de manera prematura cuando avistan los 350 barcos de la Triarquía. Se disponen a formar para la batalla mientras que Jason Lannister, consejero naval, trata de trazar una estrategia para atenuar la amenaza de los dragones. Los planes de la Triarquía son muy diferentes: pasan por desestabilizar a Corlys atacando su castillo.

Ormund recibe el mensaje que Alicent ha escrito en nombre de Aemond: rompe el sello real en el que le dice que acampen y esperen órdenes. Se supone que él se les unirá en tres días. También le informan de que Aegon ha muerto, pero a él tanto le da un rey que otro.

Alicent intenta persuadir a Aemond para que vaya a Harrenhal con la excusa de que esté a salvo. A pesar de sus tretas él es muy reticente pero termina aceptando y besando a su madre en los labios. Le dice que celebrará un banquete en el salón de Harren el negro con la cabeza de su tío en una pica.

Rhaenyra es informada de la batalla en el Gaznate y se decide a ir ella misma al frente. Su hijo pide a la guardia que la retenga y decide ir en su lugar junto a Baela.

En el Gaznate la batalla se recrudece con barcos en llamas y los arqueros de Corlys haciendo estragos. Le dicen que han visto el barco insignia de Lohar (Puño de Perra) y pide que les vean. Ella lidera la batalla pero aceptó unirse a la batalla para acabar con la Serpiente por motivos personales puesto que lleva 20 años diezmando a los suyos.

Corlys planea ir al paso de Rocadragón a pesar de la marea baja con la idea de que encalle allí Lohar y así su flota quedará descabezada. Entre tanto Jacaerys y Baela llegan hasta los barcos de la Triarquía. Vermax es alcanzado por un arpón que le lanza Lohar. Danza Lunar lo libera pero el dragón está herido y se retiran.

Rhaenyra monta en cólera y se muestra muy decepcionada con su Guardia Real y con su hijo.

Ya en el paso Corlys da instrucciones para que puedan pasar: es un lugar muy estrecho y acaba llevando él el navio. Lohar pide que lo sigan. Van muy justos, pero Corlys consigue pasar. Confía en que Lohar encallará en los dientes del paso, así que pide volver al Gaznate a la batalla.

Lohar no se da por vencida, pide aligerar la carga y consigue salvar el paso. Su navío es más rápido así que Corlys se prepara para un enfrentamiento inminente mientras ve su castillo en llamas. Lohar ataca con todas sus fuerza para abordar el barco. Se desata una batalla campal.

Rhaena ataca con Robaovejas pero no consigue que el dragón obedezca sus órdenes y termina atacando a las tropas de forma indiscriminada, atacando a los barcos de Corlys.

Lohar y Corlys se enfrentan cara a cara pero del cae al agua y es Alyn quien se encarga de acabar con ella.

Cuando Baela y Jacaerys tratan de detener a Rhaena, los dragones se enfrentan entre ellos. Robaovejas está fuera de control. Vermax vuelve a ser alcanzado por una flecha. Cae al agua y se ahoga. Jacaerys consigue zafarse de la montura y empieza a nadar para ponerse a salvo, pero las flechas de los enemigos lo alcanzan y acaban con él.

Al fin, toda la carne en el asador

Nos ha costado llegar hasta aquí, probablemente demasiado. Si la segunda temporada de La casa del dragón te decepcionó, la tercera arranca de manera que podrás reconciliarte con ella y esto no es decir cualquier cosa porque ahora sí, por fin, da la sensación de que la producción está a la altura de las expectativas y ¡pasan cosas! ¡Todo el tiempo! ¡Relevantes!

Aunque al comienzo del capítulo aún hay cierta reordenación de "fichas" en el tablero de juego, estrategias que se truncan y traiciones palaciegas, no se echa nada en falta: hay riesgo, hay batallas relevantes, hay bajas dolorosas, dragones en liza y, en suma, el caos desatado que tanto esperábamos ver.

Como declaración de intenciones aparece un dragón desde el mismo comienzo (Robadragones) y se aprecia más ritmo en la narración, cubriendo todos los frentes, presentando personajes y permitiendo que el dinamismo impregne el relato. Todo es relevante, cada decisión puede ser un triunfo o marcar una dolorosa derrota y así es como se escribe la Historia de Poniente... con fuego y sangre.

Se agradece un poco más de pasión y de sentido del espectáculo, para variar y aún nos queda la segunda parte del díptico que se completará la semana que viene con la emisión del episodio 3x02.

En efecto, nos referimos al arco de los Dragones Oscuros, una de las mejores etapas de la serie en la que Goku y Pan vivieron una última aventura para proteger la Tierra. ¿Tendrán éxito en su empresa?

Para que te hagas una idea, los dos saiyans están a punto de conseguir su cuarta Bola de Dragón, pero el dragón Chi Shinron no lo está poniendo nada fácil. De hecho, en el capítulo anterior... ¡absorbió el cuerpo de Pan!

La situación es bastante grave, así que en el episodio 53 que abordaremos hoy, Goku intentará salvar a su nieta de las garras del dragón maligno. ¿Será capaz de hacerlo?

Viendo que Chi Shinron se está ensañando con la ciudad, destrozando todo a su paso y dejando una gran cantidad de víctimas, a Goku no le queda otra que pasar a la acción, pese a que pueda hacer daño al cuerpo de Pan. ¡Así, se transforma en Super Saiyan 4!

Con esta forma, el saiyan le deja claro a Chi Shinron que suele perder la razón, por lo que empieza a darle una buena tunda al dragón, haciéndole creer al monstruo que ya no le importa lo que le suceda a su nieta. Es más, ¡incluso se anima con un Kame Hame Ha x10!

Cuando la humareda de su ataque se disipa, Goku comprueba que no ha acabado con el dragón. De este modo, Chi Shinron le hace ver que su Onda Vital no llevaba la fuerza x10 ni por asomo, puede que por temor a acabar con su nieta de manera indirecta.

Así, el dragón empieza a contraatacar, dejando al saiyan destrozado y sin ánimo de luchar. Entonces, Chi Shinron le concede un último deseo: ver el cuerpo de Pan antes de darle el golpe de gracia. ¡Parece que el dragón picó el anzuelo! Aprovechando la oportunidad, Goku agarra el cuerpo de Pan y consigue liberarla de la prisión del dragón:

Una vez liberada, Chi Shinron muestra su forma original, resultado ser un dragón de poca monta que no supone una amenaza para nadie (a menos que utilice su técnica de absorción). Goku, que no quiere más líos, le lanza un Kame Hame Ha definitivo que acaba con el monstruo.

¡Ahora sí, ya tienen la cuarta Bola de Dragón en su poder! ¿Qué amenazas les esperarán con los tres últimos dragones malignos?

¡CURIOSIDADES!

1- ¿Te gustaría ver más imágenes familiares de Goku y sus amigos? ¡Dicho y hecho! En este episodio, curiosamente, vemos otra estampa de Goku y su nieta Pan pasándoselo de vicio en la playa.

¡Al pobre Goku le pellizca la nariz un cangrejo mientras su nieta se parte de risa! El vínculo del par de dos es una de las mejores cosas que nos deja esta última saga de la serie.

2- ¿Cómo dirías que es el aura de Goku cuando está en estado base? En efecto, suele ser de color blanco, pero en este episodio no nos encontramos nada parecido.

En su lugar, justo antes de transformarse en Super Saiyan 4, Goku despliega un aura en estado base de color amarilla. Te dejamos la captura de este curioso momento:

¡Y así terminamos nuestro análisis de Dragon Ball GT de esta semana! ¿Qué te ha parecido el desenlace de este dragón oscuro?

¿Te acordabas de este episdoio de la serie o nunca antes lo habías visto? Desde aquí, te animamos a echarle un buen vistazo a esta grandiosa serie de los Guerreros Z. ¡Kai, Kai!

Estamos ante una película bonita y optimista pero no edulcorada ni sentimentaloide que no juzga a sus personajes, muy humanos, sino que se esfuerza en tener una visión integradora de lo importante que es experimentar la vida, sin más, con aciertos y equivocaciones. Gozar de una libertad indispensable para el desarrollo de la personalidad propia y para romper lazos de dependencia que no son sanos.

La puesta en escena es muy natural, de modo que no hay grandes artificios y las interpretaciones buscan esa línea de continuidad siendo muy orgánicas, con diálogos fluidos y conversaciones que podrían formar parte del día a día cotidiano de cualquiera.

¿Y ahora qué?

Tras someterse a una mastectomía y a un tratamiento con quimioterapia, Nora puede decir que ha superado el cáncer, lo que no impide que tenga que acudir a revisiones periódicas para llevar un seguimiento. Le aterra la posibilidad de una recaída en un momento en el que solo tiene ganas de comerse el mundo: volver a trabajar, explorar nuevas conexiones y disfrutar de los grandes y pequeños placeres.

Esto la lleva a un conflicto interno importante: por un lado tiene una relación madura, estable y tranquila con Tom, pero se va a cruzar en su camino Max, un joven bailarín de poco más de veinte años, desprejuiciado e insistente que quiere seducirla a toda costa.

Sus naturalezas opuestas hacen que comprenda que con quien tiene que reconciliarse no es con uno ni con otro sino consigo misma para darse la oportunidad de ser feliz. Para eso tendrá que ser honesta sobre su deseo y sus necesidades y abrazar los cambios. La enfermedad la ha transformado física y emocionalmente: ahora es más inestable, quizás, pero irá encontrando el rumbo.

Clotet fija mucho su atención en el aspecto físico de los cambios por los que pasa su personaje y desde el primer instante muestra tanto su pecho sano como la cicatriz del extirpado. Como decíamos, la clave es la naturalidad: el día a día de una mujer de su edad (y después de haber pasado por un proceso así especialmente) es hacerse controles mamarios y revisiones médicas.

Del mismo modo se retrata su intimidad sexual: desde el deseo hasta los desvelos pensando si no estará equivocándose al tomar ciertas decisiones... todo ello con mucho sentido del humor y dejarse arrastrar por morbo innecesario. Es una película bastante explícita, pero con una finalidad que trasciende los actos físicos en sí para profundizar en la psique de la protagonsista.

A nivel interpretativo, Viva es una película bien ajustada con un abanico de personajes lo suficientemente rico como para ver distintas formas de ver el mundo.

En el plano técnico destaca una fotografía tan luminosa como el propio libreto con una luz cálida y una especial utilización del color que viene a reivindicar la fuerza, la vitalidad, la energía, la pasión... Es el momento por el que pasa nuestra protagonista que se lanza por un trampolín en su vida privada pero también en el trabajo recuperando la ambición y las ganas de salir adelante dando a conocer su trabajo y poniéndose a sí misma en valor.

Se trata de una coproducción de Suecia, Islandia y Estonia que nos remite al subgénero del terror geriátrico que ya exploraron películas como La ley de Jenny Pen o La visita, por poner dos ejemplos emblemáticos.

En el caso que nos ocupa, en realidad los estragos del paso del tiempo se toman como un marco que define la historia, que en realidad está centrada en el hogar y cómo las relaciones entre padres e hijos definen la identidad de estos últimos y pueden llegar a infligirles una herida irreparable.

Cuando el hogar solo trae malos recuerdos

Habitación Nº13 nos presenta a Joel en un momento muy delicado de su vida. Tras haber estado evitando hacerse cargo de su madre, Monika empieza a demostrar un comportamiento errático, terrores nocturnos y un descuido físico importante. La solución será ingresarla en una residencia de ancianos especializada donde puedan darle la atención que no tiene en su casa, en la que vive sola desde que se quedó viuda.

El tránsito es complicado, de modo que Joel pide que lleven a su cuarto algunas de sus pertenencias como su aparador o un cuadro que le regaló su padre y sirven para hacer más acogedor el lugar. Sin embargo, ella sigue aterrada temiendo haber abandonado al fantasma de su difunto esposo, un maltratador que jamás toleró la homosexualidad de su hijo y que, de alguna forma inexplicable, parece haber vuelto para atormentarlos a ambos.

Joel encontrará una aliada de forma fortuita: la que fuera su mejor amiga de la infancia, Nina, trabaja en la residencia y es una profesional implicada en el bienestar de sus pacientes.

Habitación Nº13 no es una película que busque ser efectista ni abuse de CGI. Por el contrario, se vale de una atmósfera bastante fría para definir los espacios y huye de los grandes sobresaltos al espectador: hay algún que otro susto pero lo que da mal rollo no es eso, sino lo que atenta contra la dignidad de las personas y las expone.

En líneas generales es bastante sobria y trata de perturbar a la audiencia de otras maneras más apoyadas en la dirección de actores. Destaca por encima del resto el trabajo de Anki Lidén que traslada la sensación de vulnerabilidad que rezuma su personaje, hostigado por lo que parece ser el fantasma de su marido cuando éste la posee. La actriz se mueve como pez en el agua basculando de una personalidad a otra con un lenguaje corporal inequívoco: a veces parece indefensa, otras amenazadora y esa dicotomía es en la que se mueve su hijo que no sabe si compadecerse de ella o temerla.

La senectud es un personaje más en la película: los fallos de memoria, los bucles temporales, las conductas fluctuantes, el deterioro físico y cognitivo son variables que activan el factor sorpresa y nos llevan a estar en guardia durante todo el visionado. Nunca sabes por dónde pueden salir los personajes (ni siquiera cuál es la personalidad que les guía) y eso eriza el vello de la nuca en más de una ocasión.

En suma, Habitación Nº13 es una película sobria que toma como excusa todas estas cuestiones para desarrollar un discurso sobre los malos tratos en el hogar y sobre la importancia de la familia escogida que es aquella con la que uno puede ser uno mismo sin miedo a represalias. No es habitual encontrar este tipo de ideas en una película de terror sencilla, pero cala bastante por la crudeza con la que se expone este argumento.

Entre las influencias de esta nueva serie que encontraréis en Netflix está bastante clara la de El fugitivo, si bien en esta ocasión nos encontramos con una trama policiaca adicional menos atractiva que la principal. En líneas generales, sigue una estructura bastante arquetípica en este género televisivo y se aviene a lo esperable.

Estamos ante una miniserie de ocho capítulos de unos 45 minutos de duración de media bastante adictivos y plagados de giros de guión destinados a mantener el interés pero también a hacer la historia lo suficientemente enrevesada como para exigir cierto grado de atención y no solo poner el "piloto automático". Eso no impide que haya algún momento predecible o que cierta información sea redundante, pero por fortuna, no impide que se espolee la curiosidad del espectador.

Escapando del pasado

David Burroughs cumple una condena de cadena perpetua tras haber sido hallado culpable de la muerte de su hijo cinco años atrás, a pesar de las endebles pruebas en su contra.

El veredicto fue como una bola de demolición de su vida porque todo el mundo le dio la espalda entonces: su esposa, que ha rehecho su vida con otro hombre y está embarazada y toda su familia. Tampoco goza de excesivas simpatías dentro de la cárcel, donde se le considera un apestado por haber matado a un niño.

Sin embargo, un día, la que fuera su cuñada, Rachel Mills, le hace una visita con una información desconcertante: una fotografía de un niño con la edad que tendría ahora su hijo y una marca de nacimiento en el rostro exactamente igual a la suya. Su instinto periodístico se dispara y empieza a investigar a la empresa detrás del evento en el que se tomó la fotografía mientras que David, con la ayuda de varios cómplices, decide fugarse de la prisión, limpiar su nombre y encontrar a su hijo.

El punto de partida de Te encontraré no puede ser más intrigante y adictivo: no hay una cuenta atrás, pero sí una huida permanente y palos en las ruedas para evitar que salga a la luz la verdad, en la que hay implicados muchos intereses cruzados.

Al fondo laten cuestiones como qué significa ser padre, una idea que se explora desde el vínculo afectivo padre-hijo de la familia separada y también a través del lazo paternofilial de los agentes del FBI implicados en la resolución del caso (una subtrama al fin y al cabo que no termina de cuajar y sirve más de distracción que otra cosa).

Donde más lagunas podemos encontrar es en las secuencias de acción, algo torpes en su planificación y materialización: la audacia del FBI brilla por su ausencia y los agentes implicados en la investigación parecen estar siempre encogidos de hombros ante lo que se van encontrando.

A Te encontraré le sobran unos cuantos episodios: sería una miniserie más eficiente prescindiendo de información repetitiva. Incluso con las vueltas que da, al espectador avezado le será sencillo adelantarse al desenlace y verá cómo a algunos "loops narrativos" se les ve el plumero. Se deja ver, no obstante, entretiene y cuenta con intérpretes solventes para defender la historia. La pena es que siempre tenemos la sensación de que le falta un punch de intensidad dramática y que, de hecho, el elenco daba para más.

No reinventa el género ni añade nada nuevo, pero cual novela ligera veraniega es una digna distracción que se suma al nutrido catálogo de adaptaciones de Coben. No es la mejor, desde luego, pero honra su sentido del espectáculo y la forma en la que suele poner a sus personajes contra las cuerdas.

Creada por Katie Dippold, coproductora de una serie maravillosa como Parks & Recreation, se vale de una curiosísima mezcla de drama, terror y comedia que hace que el espectador nunca pueda relajarse del todo en el sofá. Es una incomodidad hilarante y a veces salvaje que hace un recorrido por todos y cada uno de los leit motiv del horror: del slasher al subgénero zombi pasando por casas encantadas, payasos asesinos, fantasmas, posesiones y aquelarres.

Uno de los aspectos más interesantes a reseñar es el elenco, con Matthew Rhys (Perry Mason) como cabeza de cartel y un puñado de actores maravillosos acompañándolo: Kate O'Flynn (My Lady Jane), Stephen Root (Barry) o Jeff Hiller (Pluribus), entre otros.

¿De qué va esta pequeña locura?

La maldición de Widow's Bay se compone de diez episodios cortos de entre 35 y 45 minutos de duración. Nos desplaza a una remota isla de Nueva Inglaterra en la que hay muchas historias locales espeluznantes relacionadas con eventos catastróficos y misterios no resueltos. Todo un folklore truculento que, junto a la climatología y las adversidades para alcanzar tierra, hacen que sea un paraje bastante inhóspito plagado de personas algo oscuras.

El alcalde Loftis es un hombre escéptico que vive allí con su hijo adolescente y trata de sacar el lugar adelante a nivel económico al menos atrayendo a turistas a la isla, de manera que se dispone a apaciguar las habladurías haciendo frente a los mitos personalmente.

Para su desgracia, pronto descubrirá que lo que allí sucede no es normal y que no son simples leyendas urbanas sino toda una serie de acontecimientos que hunden sus raíces en el pasado y que pueden salpicarles de forma directa a todos ellos.

Lo que comienza siendo una suerte de sátira sobre una anodina oficina, los trámites burocráticos y un tipo desesperado por vender una postal de su isla que no se corresponde demasiado con la realidad, acabará convirtiéndose en un relicario de misterios a cual más perturbador que el anterior justo cuando estén inundados de turistas.

Lo chulo de la serie, lo que la diferencia y hace especial, es el hecho de que sin ser antológica en cada episodio vaya recalando en un subgénero diferente. Se siente la influencia de los relatos de Stephen King, de series como La dimensión desconocida o Twin Peaks, de películas como Tiburón o famosos slashers como Halloween y los giros de guión nos van llevando de un lado a otro tirando de forma constante del factor sorpresa. En pocas palabras, nunca sabes por dónde te va a arrear un buen susto, sacarte una carcajada o tocarte la patata. Es una combinación arriesgada que no siempre funciona (la efectividad de cada episodio es algo irregular) pero muy gratificante cuando consigue que salten chispas.

Widow's Bay es un destino vacacional para los amantes del terror en todas sus vertientes, un tren de la bruja que decanta los placeres de enfrentarte a un buen misterio. Estamos ante una de esas raras series que marcan un antes y un después y tienen la capacidad de seguir creciendo limando algunos pequeños defectillos.

Además está espoleando constantemente nuestra curiosidad y ganas de saber más sobre la mitología de la isla: cada detalle cuenta y el guión es esfuerza en engarzar todas las pistas que nos van dando hasta llegar a una conclusión muy intrigante.

En resumen, ¿merece la pena? Vaya que sí, pero hay que entrar en esta serie con un poco de fe y la mente abierta. Si te dejas llevar por la marea hasta arribar a sus tormentosas costas te quedarás atrapado.

Con estos mimbres, no es difícil anticipar que la serie se repone en el arranque de la tercera temporada con un episodio épico que restablece la ilusión de los espectadores. Como si por fin saliera de su interminable letargo. Es harina de otro costal si el nivel va a mantenerse hasta el final de la temporada o si la serie optará por el viejo truco de darnos lo mejor al comienzo y al final con un desarrollo más lento entre platos fuertes.

Sea como fuere, el primer episodio dura 72 minutos, lo que lo convierte en el tercer episodio con mayor duración de La casa del dragón hasta la fecha, solo por detrás de La reina que siempre fue, el final de la temporada 2 que alcanzó los 84 minutos (prueba de que a veces "menos es más") y del episodio 6 de la temporada 2, Plebeyos, que duró 77 minutos.

El fuego con fuego se combate

De momento, no podemos entrar en excesivos detalles, pero es obvio que la serie arranca donde nos dejó ofreciendo al fin la famosa Batalla del Gaznate, uno de los conflictos navales más cruentos y salvajes de la historia de Poniente en el que chocan las flotas de la Triarquía (del bando de los "Verdes") y las de la Casa Velaryon (leal a los "Negros"). Éste es el punto de partida de una temporada que se centrará (según parece) mucho menos en las intrigas palaciegas y abordará por fin la guerra civil Targaryen conocida como la Danza de los Dragones, aunque sea ya un poco al límite de la paciencia de los espectadores, cansados de ver cómo se ha estirado el chicle hasta ahora.

La espera ha merecido la pena, pero hay que reconocer que los dos primeros episodios de esta nueva entrega habrían sido el desenlace perfecto... ¡en su momento! Ahora sirven más bien de reinicio de una serie que necesitaba con urgencia salir de su ensimismamiento para abordar la parte más física y desoladora de la trama.

Y, cuidado, porque el hecho de que le "deba" tanto al espectador le añade un pequeño problema que puede incorporar y resolver o irse agravando según pasen las semanas: La casa del dragón finalizará con su cuarta entrega si los planes se ajustan a lo establecido, así que se le acumulan los hitos por los que tiene que pasar. El acelerón se va a notar bastante y también se va a intensificar la sensación de que la trama tiene que pasar por todos los checkbox del manual. De ahí que también se vaya a ir desligando de la letra impresa... necesita ofrecer un cierto margen de sorpresa.

A grandes rasgos veremos a Rhaenyra (Emma D'Arcy) tomando el control de Desembarco del Rey, a Alicent (Olivia Cooke) dar un viraje importante, duras batallas, nuevos jinetes (fantástico el fichaje de James Norton) y el caos habitual provocado por el individualismo del Rey Aemond (Ewan Mitchell) y un fugitivo Aegon II (Tom Glynn-Carney).

La pimienta de esta salsa es el revanchismo entre los dos grupos encabezados por dos actrices en estado de gracia que se dejan la piel en este show televisivo. El pulso entre D'Arcy y Cooke alcanza nuevas cotas aunque el libreto les sigue imponiendo una suerte de coraza respecto a sus propias decisiones. Se percibe cierta reticencia a hacerlas plenamente responsables de sus acciones, siempre dependen de errores ajenos, fallos de cálculo o factores externos. Pero es comprensible que se busque de algún modo cuidar la esencia humana del conflicto.

La casa del dragón adopta un punto de partida antibelicista: muestra con detalle la contienda, pero como escaparate de la brutalidad y muestra del poder destructivo del dolor y el resentimiento enquistado. Esto es lo que ha sido cociendo a fuego extralento en las dos temporadas anteriores y aquí vamos a seguir explorando.

A partir de este momento os iremos ofreciendo el resumen y análisis de cada episodio pormenorizadamente cada lunes, momento en el que tendremos nuestra cita semanal en HBO Max. ¡Cruzamos los dedos para que esta vez la temporada sea mucho más redonda!

La magia del cine residía en que te daba un espacio, de un par de horas como media, para relatarte una historia única, mientras que la mayor virtud de las series de televisión era la posibilidad de ofrecerte un desarrollo de personajes a lo largo de las temporadas.

En cambio, este formato al que la industria se está plegando cada vez más no ha tenido otro remedio que adoptar la virtud de un medio para aplicarlo a otro. Pero en estos casos el resultado se vuelve reiterativo, y en la cinta de Pixar no es sólo por el 5 en el título de Toy Story.

De nuevo nos encontramos ante conflictos muy familiares que la saga ya ha explorado con anterioridad, aunque aquí tengan un envoltorio diferente, disimulado bajo nuevos rostros y localizaciones, pero sin que sus protagonistas aprendan demasiado por el camino.

La cuestión es: ¿de verdad hacía falta otra película llamada Toy Story para hablarnos sobre el miedo al reemplazo, la amistad, la madurez o la aceptación de los cambios? Porque eso es justo de lo que trata Toy Story 5, y de lo que trataban las cuatro películas previas.

Entre ser original y conservadora

Hay un sentimiento de fondo que no innova, que replica lo que ya nos conmovió antes. Una vez más hay un juguete recién salido de la caja que amenaza con robar toda la atención de la niña de turno.

Hay un grupo de repudiados que no ha podido evitar acabar en un cajón olvidado y nos encontramos con un alivio cómico ahora en forma de rollo de papel, al que no le he terminado de coger el punto con su humor escatológico.

Y son los juguetes que ya conocemos quienes conectan todas estas historias, los que le dan sentido a volver sobre ellos porque has crecido a su lado, porque puedes empatizar con sus preocupaciones y evolución.

El chiste de que Woody se haya quedado calvo y con barriga funciona tan solo porque lo has visto desde 1995 cuando era un chaval, y el de los juguetes temerosos anunciando que la tecnología lleva ya muchos años ganando terreno lo hace porque han pasado siete desde Toy Story 4, en la que nadie hablaba del impacto de las tablets. Y eso lo enmienda Toy Story 5.

Aunque por desgracia no sea su único foco narrativo, desviándose por varias tramas paralelas, que ahondan en el pasado de Jessie y en una horda de Buzz Lightyear de última generación, los mejores momentos de la película se los lleva el retrato del impacto que tienen las pantallas sobre la infancia.

Como en un filme de terror, en la noche una tablet ilumina cada ventana, y tras ella tenemos a zombies reales: personas absorbidas por un mundo virtual que las abstrae de este, aislándolas de cualquier contacto exterior e intento de conversación. Las poseen y no pueden apartar los ojos de ella, tienen una adicción que solo puede romper la falta de batería.

Bajo esta premisa se plantea un interesante dilema sobre los claroscuros de la socialización a través de la tecnología, el peligro del ciberbullying y el miedo a estar bajo una exposición constante a las opiniones del resto.

La cinta llega a apuntar a que la solución no pasa por erradicar esta nueva forma de juego que ha venido para quedarse, sino encontrar el modo de que conviva de manera responsable en los hogares.

Mientras Jessie, como máxima protagonista de esta entrega, vuelve a soñar con que jueguen con ella, teme que se repita la historia de ser dejada de lado, lucha para evitar ser reemplazada, reiterando los miedos que estos juguetes llevan experimentado desde hace generaciones.

Toy Story puede ser eterna

Pixar ha logrado dejarme en Toy Story 5 con unas sensaciones muy similares a las de Elio el año pasado: es disfrutable, todo funciona bien y a muy buen ritmo, sin llegar a hacerme reír ni llorar, pese a que no le falten momentos destinados a despertar emociones fuertes.

Da la impresión de que la compañía se está relajando, apostando cada vez más por ir a lo seguro, darle al público lo que espera sin cerrarse puertas al futuro.

Toy Story 3 era un cierre a la historia de Andy que logró conquistar justamente por lo bien desarrollado que parecía como desenlace definitivo para la saga.

Sin embargo, nueve años después llegó Toy Story 4 que reabrió la historia pero, de nuevo, quiso rematarla con dignidad. Separó los caminos de Woody y Buzz. Parecía que esa sí era la buena. Entonces se estrenó la quinta, con una nueva excusa para reunirlos.

En esta entrega ya no se han querido mojar. Han puesto un final porque había que ponerlo. Se concluyeron las tramas de esta película, hubo un felices para siempre, y un potencial infinito para que dentro de otra década estemos otra vez diciendo lo mismo; en compañía de nuevos juguetes pero sin olvidar a los de siempre.

Toy Story 5 se estrena en cines el miércoles 17 de marzo. Si quieres ponerte al día con la saga completa, puedes ver las cuatro películas anteriores en Disney Plus.

Se trata de un drama emocional que muestra la hipocresía, los dobles raseros y las dinámicas de poder, que no solo se basan en el nivel de influencia o la clase social sino también en las propias relaciones personales, en la dependencia emocional y la presión sexual.

Entre los dos protagonistas principales se establece una disputa, un tira y afloja que deja entrever el peso de la mirada externa a la relación, los temidos juicios de valor y la manipulación para conseguir los objetivos deseados. Sirve además de metáfora, a la postre, de las relaciones entre Estados Unidos y Mexico: qué espera una nación de la otra y qué puede llegar a obtener cuando se rompe la cuerda. Se concreta así no solo la ruptura de la frontera física entre ambos países sino también la transgresión de todos los límites posibles: el social, el familiar, el hogar y finalmente la dignidad física y psicológica.

Del vino y las rosas a la hiel y las espinas

Fernando es un prometedor bailarín de danza clásica que sueña con labrarse una carrera y obtener reconocimiento internacional. A tal efecto se la juega cruzando la frontera pasando un calvario con la idea de obtener el amparo de su amante Jennifer, una filántropa muy bien asentada en la alta sociedad con la que espera reencontrarse.

Su relación es volcánica y las cosas siguen el curso que se espera: pronto su talento es recompensado con un papel protagonista en la nueva función que prepara el American Ballet Theatre de Nueva York, pero Fernando no tiene la Green Card y tiene que andarse con cuidado porque a efectos prácticos es un inmigrante ilegal.

Jennifer tiene muchos reparos en formalizar su relación puesto que su padre y su hermano no tienen constancia de ella y teme represalias. Además él es significativamente más joven que ella, lo que despierta sus celos con facilidad. Cuando se siente en peligro decide hacer lo menos esperado para proteger el futuro de ambos y la relación que han construido.

Dreams sorprende por su crudeza: la relación de los dos personajes es muy física pero parece destinada solo a funcionar dentro de su propia burbuja. Todo lo que excede el círculo de la intimidad se ve comprometido por el cruce de intereses que hay entre ambos. Él quiere desarrollar su talento sin injerencias, pero es consciente de que necesita conquistar al público estadounidense para llegar a lo más alto; ella quiere a su amante solo para ella y bajo sus propias normas y restricciones.

Hay por tanto una dependencia entre ellos que va de lo sexual a lo social y lo económico de tal manera que la relación está muy viciada y ambos son muy crueles y muy capaces de hacerse daño mutuamente. Seremos por tanto testigos de una degradación paulatina y brutal de lo que en principio podía parecer amor.

Franco además es tremendamente gráfico en las escenas de índole sexual, dejando poco a la imaginación y mostrando mucho la tensión física entre ambos personajes, que primero juegan a seducirse e imponerse y terminan valiéndose del sexo como arma de degradación y sometimiento con tremenda violencia. Vaya por delante que hay escenas que pueden herir la sensibilidad de los espectadores. La idea es hacer pensar a los espectadores, pero el viaje es tortuoso y desagradable a más no poder.

La danza es vehicular en esta historia, no solo por la profesión del protagonista sino porque las secuencias íntimas también están coreografiadas con mimo, como si de un baile se tratara. Y aquí hay que quitarse el sombrero para hablar de Isaac Hernández que da el tipo bailando pero también interpretando un papel muy demandante a nivel físico e actoral. Dreams habla de la perversión del sueño americano, de planes que se rompen para siempre y de la crueldad de la que es capaz el ser humano. Agria como la hiel, deja mal cuerpo y muchas reflexiones incómodas en el aire.

La serie, creada por José Manuel Lorenzo y escrita por David Moreno, Diego Sotelo y Raúl López Matesanz ha sido dirigida por David Ulloa y Rafa Montesinos. Alex García y Teresa Riott lideran magistralmente el nutrido reparto de la tercera y última temporada.

También repiten Marcel Borrás, Iván Massagué, María Hervás, Irene Esser, Jon Kortajarena y Gonzalo de Castro. A ellos se unen nuevos rostros como los de Carlos Scholz, Pablo Molinero, Gala Bichir, Olaya Caldera y Pepe Lorente.

La trama nos lleva a dar un salto en el tiempo: dejamos atrás los convulsos años 90 para aterrizar en 2004 con el euro ya establecido, los reality shows colándose de forma masiva en los hogares de millones de españoles y nuevas formas de mover la mercancía por parte de una banda renovada que abraza los cambios.

Jose está retirado y centrado en su hija Sheila, que ha dado un buen estirón. Dejó hace tiempo el imperio del narcotráfico en manos de la Rubia que lidera la banda sin recurrir a la violencia y ha ido creando nuevas relaciones comerciales.

Por desgracia, ese periodo apacible de aparente paz va a dinamitarse con un aparatoso tiroteo en plena calle. Para comprender el origen de una reacción tan visceral tendremos que poner el foco tres días antes, cuando Jose contactó con Rober en Miami y este último decidió regresar a España con el pequeño Sebas, dejando plantada a su madre.

Un soplo a la policía compromete un cargamento de dos toneladas de coca, lo que lleva a la Rubia a contactar con Jose y a él a estar de nuevo en el ojo del huracán: alguien lo quiere muerto o entre rejas a pesar de estar fuera del negocio. Regresan los fantasmas del pasado y un cruce de intereses va a ponerlo todo patas arriba.

Los seis nuevos episodios de El inmortal son de pata negra de verdad: la serie retoma sus enseñas características con diálogos ágiles y naturales, una historia alambicada al detalle en la que los frentes están bien definidos y los arcos narrativos que quedan sellados aunque eso conlleve que nos despidamos de algunos personajes muy queridos por la audiencia.

En este sentido, el guión es valiente y va con todo, sin miedo a cortar por lo sano cuando es necesario. Y no recurre a aquello de hacer un último episodio de doble duración ni nada parecido: se atiene a sus episodios de 45 minutos sin que eso le reste interés.

El inmortal ya supo crecer en su segunda temporada y en esta tercera mantiene muy bien el tipo. A la serie le sienta bien añadir nuevos fichajes y complicar el relato con conflictos de intereses cruzados que exploran tanto la faceta del narcotráfico y la corrupción policial como los problemas personales y afectivos de los protagonistas que se agravan cuando entra en juego la descendencia.

Mención especial a Teresa Riott que adquiere una gran relevancia en esta tercera tanda de episodios y está memorable en un rol que deja ver vulnerabilidades pero también una enorme fortaleza de líder implacable.

Nada que objetar al diseño de producción: tan ambicioso cuando debe serlo como ajustado a las necesidades de una historia en la que hay distintas localizaciones, estallidos de violencia y una muestra de lo que se puede hacer con mucho dinero, porque nuestros personajes de mueven en un tren de vida en el que nada les falta. Es cierto que no hay grandes alardes, pero tampoco son necesarios: el balance el positivo sin necesidad de dejar a los espectadores ojipláticos.

En resumidas cuentas, El inmortal sabe despedirse en esta tercera temporada. Se agradece el salto temporal, aunque las dos temporadas precedentes estuvieron muy bien ambientadas, porque pone a los personajes en perspectiva y permite ver los cambios en la idiosincrasia y los "modos de hacer las cosas" derivadas del cambio de milenio.

Algo más preocupante es la deriva de Movistar Plus y su catálogo de producción propia de ficción (tanto de series como de cine). A medida que vayan desembarcando en la plataforma los proyectos que ya estaban definidos y en producción habrá que ver qué derroteros estratégicos adopta puesto que está perdiendo nombres de gran prestigio asociados como Guillermo Farré, Fran Araújo o Domingo Corral. Estaremos atentos a lo que nos depare el futuro en el que tendremos que irnos adaptando a los cambios...

El guardián del árbol de alcanfor recala asimismo en aspectos muy arraigados en el folklore japonés como la visita a santuarios naturales a los que se les atribuyen poderes sobrenaturales, la comunicación intergeneracional o el miedo a las maldiciones, toda una serie de aspectos que se tratan con total naturalidad y que, de primeras, pueden resultar algo chocantes.

Superado el primer tramo de la película, algo árido por su lento desarrollo y por este pequeño shock cultural, la película empieza a coger vuelto hasta llegar a un desenlace muy emocionante en el que el director apuesta también por una animación más abstracta y rica en matices. E

s una cinta de 114 minutos de duración, de modo que se hace de rogar hasta llegar a puerto. Eso sí, cuando lo hace, es con grandes dosis de emotividad que no dejarán a nadie indiferente.

Recuperar la esencia para salir adelante

El guardián del árbol de alcanfor nos presenta a nuestro protagonista, Reito, en uno de sus peores momentos personales. La pérdida prematura de sus padres le ha abocado a una vida solitaria, pero todo empeora cuando pierde su trabajo tras ser acusado injustamente de un robo.

Esto le llevará a frecuentar malas compañías que lo llevarán directo a cometer una imprudencia y de ahí, a la cárcel. Literalmente pierde toda esperanza, al punto de que se desentiende de su futuro, tomando decisiones importantes al azar, como si le diera lo mismo avanzar en una dirección o en la opuesta. En pocas palabras: pierde todo propósito.

Si situación da un giro cuando recibe la visita de un abogado que representa a un poderoso imperio familiar. Él le ofrece una salida, pero con una condición inamovible: que se convierta en el guardián del árbol de alcanfor.

A pesar de la enorme lista de tareas que esto conlleva: mantener limpio el templo, desear a los peregrinos que sus oraciones sean escuchadas y mantener el orden en el lugar, en realidad no tiene ni idea de cómo funcionan las cosas. Lo irá descubriendo poco a poco a medida que vaya estrechando lazos con la mujer que lo ha contratado y comprendiendo la fuerza del legado familiar que trasciende las barreras del tiempo.

El guardián del árbol de alcanfor conjuga momentos muy contemplativos con otros más movidos en los que la acción adquiere un mayor protagonismo. El montaje es bastante abrupto, lo que hace que el ritmo sea irregular y la trama a veces un poco complicada de seguir, pero en su tercio final solidifica las ideas de tal manera que todo cobra un sentido muy especial.

El árbol de alcanfor está relacionado con conceptos como la sanación, la purificación, la longevidad y la protección espiritual. Gracias a su resina de aroma penetrante (que aquí se transforma en velas), ha sido considerado sagrado en culturas orientales durante siglos de tal manera que representa la conexión profunda y mística entre lo natural y lo divino, de ahí que en este caso se convierta en un puente intergeneracional y también, de alguna manera, en el enclave en el que se conserva la memoria del pasado.

Justo esa es la esencia que nuestro protagonista Reiko necesita recuperar para superar su crisis identitaria y existencial y empezar a tomar decisiones conscientes de cara a su futuro, lo que convierte todo el relato en un camino iniciático hacia la adultez.

La película desarrolla con mucho acierto la colisión de valores que se da a día de hoy en los países desarrollados: se apuesta por lo novedoso y por toda clase de actualizaciones para mejorar nuestras vidas pero nunca se debe perder de vista el aprendizaje acumulado por los antepasados y sus sabias enseñanzas porque ellos marcan el camino correcto.

Por lo demás, ya advertimos a los espectadores que encontrarán momentos de explosión emocional muy intensos y que es recomendable no dejarse los pañuelos en casa. Hay que tener el corazón de piedra para no emocionarse con el desenlace.

Si a todo esto le añadimos un elenco que funciona de maravilla, está servida una experiencia cinematográfica de lo más recomendable. Es además una de esas historias que llegan sin hacer excesivo ruido ni levantando expectativas descomunales, lo que obra en su favor, porque las puedes descubrir y degustar sin haber estado precedida de alardes promocionales.

Se beneficia, como decíamos, de unos personajes para los cuales el sonido es crucial, así que la banda sonora de la película va mucho más allá de las músicas que se escuchan y que de por sí son brillantes.

Pero para que eso funcione, es esencial contar asimismo con un elenco "bien afinado". En este sentido, Leo Woodall (Núremberg) da el tipo perfectamente para el rol principal y su relación de camaradería y paterno-filial (aunque sin consanguinidad) con Dustin Hoffman es otra baza ganadora.

Haciendo "click"

Harry Horowitz es un veterano afinador de pianos amante del jazz que trabaja con Niki, un leal y talentoso aprendiz que en su día fue un virtuoso del piano. Por desgracia, padece hiperacusia, una rara enfermedad que le hace percibir los sonidos a un volumen atronador. Esto le obliga a llevar tapones en los oídos constantemente, pero a su vez le permite también ser hipersensible a las variaciones del sonido, lo que le convierte en un afinador excepcionalmente perceptivo.

De forma casual, se percata de que ese mismo don puede utilizarlo para abrir cajas fuertes de dial. Cuando Niki descubre las deudas que arrastra Harry y que pueden llevarlo a la ruina, decide empezar a usarlo en su provecho para ganar dinero fácilmente y deprisa, pero a costa de rodearse de gente muy peligrosa y de poner en peligro la incipiente relación amorosa que entabla con una joven compositora.

Su mayor fortaleza es asimismo su mayor debilidad, así que tiene que tener cuidado si no quiere perder sus oídos para siempre.

Un talento único es una película con un encanto propio derivado del diseño de personajes y de la forma en la que evoluciona su historia. Los diálogos tienen un punto encantador que hace que te encariñes con los personajes (están tratados con una gran humanidad y no se esconden sus imperfecciones) y el montaje le imprime ritmo a las secuencias haciendo que los momentos de mayor tedio pasen por delante de nuestros ojos a toda velocidad.

No es lo habitual, pero aquí el principal antagonista es el sonido. Concretamente el ruido y el estruendo, se convierten en una amenaza tremenda, lo que le permite al guión jugar con la tensión narrativa en situaciones más o menos cotidianas. Lo que para una persona normal solo es una leve molestia, para nuestro protagonista puede ser un verdadero tormento. Y Woodall lo transmite de una manera muy creíble echando mano de su natural talento interpretativo.

Respecto a los diálogos hay alguna que otra chanza de difícil traducción que puede perderse en la versión en castellano (el juego de palabras entre tuner=afinador y tuna=atún por la afición del personaje de Hoffman a ese pescado, que seguramente pasará a ser "atunador" o algo parecido).

Se agradece especialmente no solo que la propuesta sea en general bastante agradable e ingeniosa, sino que se utilice con inteligencia el lenguaje cinematográfico para darle empaque a los momentos álgidos de la historia, ya sean de corte romántico, intrigante o giros de guión. Siempre va a ser la música o el sonido el detonante de la acción.

Un talento único es una de esas películas que deja buen sabor de boca por el mero hecho de no abrazar estereotipos ni echarse en brazos de lugares comunes: tiene su dosis de romance sin caer en lo empalagoso, su parte dramática sin meterle los dedos en los ojos a los espectadores y una porción de thriller que mantiene el interés de principio a fin aunque a veces se distraiga ligeramente en su desarrollo. Mal menor porque la película llega a puerto y no decepciona.

¿Es perfecta? No. ¿Es su mejor película? Tampoco. Pero es una de las más honestas y de las que entroncan de manera más íntima con sus creencias. Un trabajo muy personal alimentado por sus señas de identidad, guiños a sus películas y, por decirlo de algún modo, el último trazo con el que cierra un círculo que estaba abierto desde Encuentros en la tercera fase, sin ser demasiado obvia.

Es más, tiene todo lo que puedes esperar de una película escrita y dirigida por Steven Spielberg: plantea el fenómeno alien no como una amenaza sino como aquello que podría unirnos en un asombro colectivo y hacernos desarrollar la empatía que no tenemos por nuestros semejantes. Hay aventura (y trenes), conexión, una banda sonora compuesta por John Williams que acompaña toda la diatriba de los personajes y mucho corazón. La sensación es de plácida nostalgia, como si estuviéramos viendo una película de los años 90, más que de los tiempos que corren. Le sienta bien al relato, igual que su toque naíf correspondiente.

Si has mirado el cielo con curiosidad, es tu película

El día de la revelación arranca presentándonos a Margaret Fairchild, que se encarga de la sección del tiempo en una televisión local. Cuando un pájaro se cuela en su apartamento experimenta una transformación y empieza a manifestar un comportamiento extraño: tiene la capacidad de leer la mente de las personas a las que observa con atención e incluso puede hablar cualquier lengua.

Su intuición la lleva a buscar al doctor Daniel Kellner quien cuenta con abundante material confidencial que quiere sacar a la luz y está siendo perseguido por una corporación cuyo fin es evitarlo a toda costa. Por fortuna también tiene en su poder un artefacto temible que puede tener distintas aplicaciones: desde ser un arma hasta crear ilusiones.

Pero, ¿qué es lo que une a Kellner y Fairchild? ¿Serán capaces de mostrarle a todo el mundo la realidad que solo ellos conocen?

No vamos a adelantar ni un ápice de información más porque uno de los encantos de El día de la revelación es llegar al visionado con la mirada lo más limpia posible. Pero sí hay que dejar claro que la película "se moja" hasta sus últimas consecuencias y, si bien deja margen para que los espectadores de alguna manera completen el puzle, pone toda la carne en el asador para conseguir un fuerte impacto emocional en la audiencia.

El guión juega con muchos ingredientes: el choque de dos facciones contrapuestas en intereses, elementos fantásticos, viajes al pasado y sobre todo, una mirada hacia atrás para recopilar algunos de los puntos álgidos en lo referente al fenómeno OVNI o FANI como se conoce hoy día. Lo que plantea es un tremendo: What if...? ¿Y si todos los grandes eventos de avistamientos fueran reales? ¿Y si se le llevara escamoteando información esencial a la opinión pública desde hace décadas? ¿Y si los extraterrestres no vinieran a aplastarnos como si fuésemos cucarachas sino con propósitos nobles?

Spielberg dosifica muy bien la información y la reviste de aventura de manera tal que la película es, en sí misma, muy entretenida, más allá de las reflexiones a las que nos invita a sumarnos de lo que supondría algo así para nosotros como especie dominante en la faz de la Tierra, para nuestros sistemas de creencias o nuestro futuro.

Entre las fortalezas del guión está el hecho de que se ambiente en un panorama geopolítico tan convulso como el que atravesamos a día de hoy, con la permanente sensación de estar al borde de un conflicto armado internacional de gran calibre. Pocas cosas podrían detener en seco el mundo como descubrir que no estamos solos.

De interpretaciones, va sobrada de talento: Emily Blunt, Josh O'Connor y Colin Firth conforman el núcleo duro pero ojo también a Eve Hewson y a Colman Domingo en dos papeles secundarios bestiales.

Y lo hizo, especialmente, por episodios como el que nos ocupa en el día de hoy. ¡Una pequeña obra de arte con una preciosa historia autoconclusiva que nos presentó una amenaza la mar de particular (nunca mejor dicho, ya lo verás)!

Tal y como has leído en el titular, nos referimos al capítulo 51 de la serie, una entrega en la que Goku y Pan siguieron su travesía en busca de una nueva Bola de Dragón, o mejor dicho, un temible dragón oscuro. ¿O deberíamos decir dragona?

Lo que se encontraron nuestros saiyans en un puerto pesquero jamás lo olvidarán, especialmente, la buena de Pan (y comprobarás la razón al final de nuestra crítica). ¡Empezamos!

Goku y Pan ya tienen dos Bolas de Dragón, es decir, ya han vencido a dos dragones oscuros. Y así, llegan a un pueblo pesquero en el que los pescadores han dejado de trabajar gracias a la ayuda de una misteriosa diosa. ¡Resulta que les brinda todo el pescado que quieran sin necesidad de hacerse a la mar! Bishu, el niño del puerto que se hace muy buen amigo de Pan, les cuenta toda la situación y cómo los pescadores se han echado a perder.

Sin embargo, Goku y Pan pronto descubren que la diosa de la que hablan no es tal, sino que se trata de un dragón oscuro que custodia la Bola de Dragón de 5 estrellas: Ryu Shinron. Eso sí, cuando Goku le pregunta a partir de qué deseo fue engrendrada, ¡se muere de vergüenza al reconocer que fue por las braguitas que pidió Oolong a Shenron!

Y así, se inicia un combate a ras de las olas en el que Goku no llega a desplegar ni siquiera el Super Saiyan. ¡Y eso que Ryu Shinron no se lo pone nada fácil!

De hecho, el dragón despliega una cantidad de técnicas muy curiosas, y como Goku es un grandísimo imitador, se anima a replicar un movimiento de su adversario que simula una peonza. Otra cosa no, pero original, es un rato:

Sin embargo, Ryu Shinron decide pasar a cosas más serias y termina poniendo en serios apuros a Goku, siendo incapaz de librarse de sus frenéticas acometidas. ¡Pero entonces, la gaviota que había acompañado a Bishu todo el rato, se arma de valor y se lanza hacia Ryu Shinron, demostrando que se le puede atacar en picado mientras realiza su técnica especial!

Al darse cuenta de este punto débil, Pan se sitúa encima del dragón y le lanza un Kame Hame Ha que lo deja prácticamente fuera de combate. Y así, aprovechando la situación, Goku reacciona y remata al dragón con la misma técnica de su nieta. Ahora, el puerto ya puede vivir en paz y la responsabilidad laboral vuelve a imponerse en la zona, para alegría del joven Bishu.

¡CURIOSIDADES!

1- ¿Sabes lo que le dice Bishu a Pan al final del episodio? Es uno de los momentos más emotivos y curiosos del episodio (y te diría de la serie, por sus posibles implicaciones futuras).

La relación que desarrollan en el capítulo es muy particular, y Bishu le pide a Pan que le enseñe a volar algún día. ¿Y qué le responde la saiyan? Que sí, que cuando quiera puede acudir al monte Paoz a visitarla. ¿Aquí hay tomate?

2- Por otro lado, como viene siendo habitual en estos episodios de la saga, se recrea con dibujo totalmente nuevo un deseo del pasado de la serie. ¿Y qué tocaba hoy?

Como te comentamos arriba, han recreado el primer deseo de la serie, aquel en el que Oolong le pidió unas braguitas al dragón Shenron. Y como puedes apreciar, el dibujo es simplemente espectacular.

¡Y así terminamos este episodio de Dragon Ball GT, uno de los más emotivos de esta última saga de la serie! ¿Lo recordabas tan bueno?

¿Qué te ha parecido la originalidad de Ryu Shinron? La semana que viene volveremos, como cada domingo, con un nuevo análisis Z en Hobby Cine. ¡Kai, Kai!

Hoy llega el episodio final de la segunda temporada de Vicios ocultos, va estrenando cada semana nuevos episodios de La maldición de Widow's Bay, Satisfacción garantizada y Ciudad de las estrellas y tiene un catálogo envidiable que va a seguir alimentando en las próximas semanas y meses con la segunda temporada de Sugar y la tercera de Silo, entre otras novedades en ciernes.

A todo lo anterior unirá en breve la miniserie de diez episodios Cape Fear, creada por Nick Antosca, que viene de producir la divertidísima serie Chucky y de dirigir series de televisión de terror tan celebradas como Channel Zero o Into the Dark. Cuenta con la producción de Martin Scorsese y Steven Spielberg, que son palabras mayores.

Para los despistados, Cape Fear está inspirada en la película homónima de Scorsese de 1991 (un remake de la película de 1962, que a su vez se basaba en la novela de John D. MacDonald de 1957 The Executioners). Interpretaron al principal villano, Max Cady, Robert Mitchum y Robert de Niro en dos trabajos memorables y mil veces referenciados y/o parodiados.

Ahora le toca el turno a un Javier Bardem que ha sabido recoger el guante y llevarse al personaje a un terreno muy distinto gracias a un guión que cambia muchos aspectos de la historia y de su desarrollo concreto.

El juego del gato y el ratón

Cape Fear arranca con la liberación de un preso 17 años después de su encarcelamiento, una vez que se le exonera de toda culpa. Estaba acusado de haber asesinado a su esposa embarazada y por aquel entonces, el fiscal y su abogada defensora no pudieron evitar la condena.

Poco después, Anna y Tom formalizaron su relación y contrajeron matrimonio empezando una nueva etapa en sus vidas. Por si fuera poco, lideran una empresa que se dedica a ayudar a salir de la cárcel a presos demostrando su inocencia... solo que no han tenido nada que ver con este caso concreto.

La noticia de la excarcelación de Max Cady les sienta como un jarro de agua fría y no tardan en sentirse acosados en su propio hogar mientras que sus hijos, Natalie y Zach, empiezan a rebelarse. Cada vez son más vulnerables y están más desconectados de sus padres, que lidian con los fantasmas del pasado de forma desigual.

La serie Cape Fear no busca tanto reescribir el material original (algo que hace por el motivo tan obvio de que necesita actualizar el relato y de paso proporcionarle algo de intriga a los espectadores) como generar una experiencia sensorial intensa.

Es algo que demuestra desde el primer plano, echando mano de la ominosa banda sonora original y de un tratamiento de la imagen muy especial, como si fueran negativos coloreados. La metáfora es clara y el aspecto tan amenazador como inquietante: las vidas de estas personas van a dar un giro total que les llevará de la estabilidad y el privilegio al abismo.

Uno de los puntos fuertes de la miniserie es el reparto. La transformación física de Bardem es en sí misma bastante imponente e iremos explorando el origen y evolución de su personaje a lo largo de flashbacks en blanco y negro de su paso por la cárcel y su vida familiar. Los cambios como decíamos, son sustanciosos para componer una historia con bastantes diferencias y margen de sorprender a la audiencia, por tanto.

Amy Adams y Patrick Wilson tienen una química excepcional y una elegancia intrínseca que le sienta como un guante a sus personajes, además de funcionar a las mil maravillas por constraste con la fuerza bruta y la rotundidad de los gestos de su carismático antagonista.

La historia, no obstante, requiere paciencia. Aunque se trata de una miniserie hablamos de diez episodios que rozan la hora de duración de manera que hay mucho margen para desarrollar muy bien la historia e irse centrando en cada personaje, pero también se perciben algunas redundancias algo molestas, como la facilidad con la que cualquiera se mete en la casa de la pareja protagonista. Tiene capacidad de impacto y secuencias muy meritorias, pero quizás no necesitaba extenderse tanto.

Lo que deja claro Cape Fear es que las buenas historias pueden contarse de maneras muy distintas y van a seguir encogiéndonos el ombligo. Y que viva Bardem, que borda cada papel que hace, incluso cuando tiene que medirse con leyendas de la industria.

El crimen me interesa cuando se estudia con respeto; ese en el que el romanticismo va adherido a la investigación y no a la deificación de figuras absolutamente terroríficas.

El cuerpo en llamas, El caso Asunta o hasta el hit de Jeffrey Dahmer de Ryan Murphy. No es una novedad el interés social por lo criminal —hace décadas que las historias de Sucesos eran el éxito de más de un medio—.

Hasta que el morbo criminal se convierte en fenómeno pop y se olvida de las víctimas. Y aquí es donde 33 días, la primera ficción de Carles Porta creada para Atresplayer se mete en un terreno apasionante, incómodo y peligrosísimo.

Según cuenta el propio Porta, es el director general de Atresmedia el que viene con la idea de convertir su investigación, por primera vez, en ficción. Es el primer caso de Crims en TV3: una historia basada en Brito y Picatoste, una suerte de uróboros a una carrera dedicada al True Crime.

33 días la dirige Anaïs Pareto con guión para sus seis episodios de 30 minutos de Javier Olivares, creador de El Ministerio del Tiempo, junto a Jordi Calafí. El salto a la ficción conlleva ese riesgo: el de perder el rigor, la pulcritud, la enseña.

«Hola a tothom, soc Carles Porta». Una vida dedicada al True Crime; un programa, Crims, convertido en bandera de un género; y un autor que empezó su carrera desde el rigor periodístico y la investigación hasta ser una de sus voces más reconocidas.

Después de tener acceso a sus dos primeros episodios antes del estreno oficial, 33 días apunta a ser el punto de partida de una prolífica actualidad de ficción para el que muchos consideran el rey del True Crime.

Una anti-buddy movie criminal

La serie reconstruye con todas sus licencias la fuga de dos presos, ahora Calatrava (Julián Villagrán) y Prieto (José Manuel Poga), de la cárcel de Ponent en Lleida. Un caso del 2001 que durante más de un mes tuvo a los Mossos d'Esquadra a juicio social y televisivo.

El cambio de nombres no es sólo cosmética. Es parte de la responsabilidad del autor y una necesidad de honestidad para adentrarse en la intimidad de unos personajes, ahora sí, ficcionados. Porque, como él mismo reclama, «la realidad ya la hemos contado».

Calatrava y Prieto se apodan «Duende» y «Cuervo» mutuamente, casi como un romantasy juvenil —que te voy a reconocer me hizo saltar el bombín y entrecerrar los ojos—. Pero es lo que hace funcionar la serie con una claridad inmediata: la relación que da sentido a la historia.

Uno es el tímido, ligeramente resabiado, dedicado al hurto menor. El otro es el peligroso, el visceral, el animal. Encontrarse los lleva a que cada uno tire del otro hacia su propio camino; es una especie de anti-buddy movie criminal.

A Calatrava le conceden su primer permiso y se tuerce el destino, porque el Duende se siente incómodo lejos de su Cuervo y decide ayudarlo a escapar de la cárcel... rompiendo por completo sus límites hasta disparar de gravedad a dos Mossos d'Esquadra.

Dos hombres escapando de la justicia, pero no unidos por la luminosidad de colegueo del género, sino por una mezcla de dependencia, violencia, idealización, pérdida del sentido y una homosexualidad subrepticia que cuelan entre gestos, silencios y miradas.

La serie se mete precisamente ahí, en la intimidad de sus personajes. Se permite más licencias personales que Asunta; de ahí la cosmética que hablaba hace unas líneas.

Sus creadores entienden que la ficción no puede sostenerse sólo en los hechos. La fuga existe, la persecución ya fue contada, los titulares siguen ahí. La serie necesita esa grieta emocional para imaginar aquello que los documentos no pudieron demostrar.

Y el sello Porta se lleva su muesca. Porque debes añadir capas de emoción a algo que su naturaleza pide que sea aséptico. Necesitas generar empatía con los personajes, con el mínimo resquicio humano al que agarrarte. En ficción aceptamos, pero aquí hay un eco que resuena con la realidad.

Este es el pantano del True Crime. Porque al dramatizar, han tenido que elegir, después interpretar y, finalmente, juzgar. Y esto, llevado al producto de plataforma, al tráiler, la promoción... deja de ser memoria periodística para ser, inevitablemente, consumo.

Del rigor de Crims al riesgo de la ficción

En la diferencia de personalidades de los dos protagonistas juega un papel fundamental la interpretación de Villagrán y Poga. Los hacen terrenales, hasta llegas a comprenderlos. Convierten el horror en una figura dramática reconocible, casi icónica.

Aquí aparece el gran peligro y el aspecto más criticado del género: encumbrar a figuras terroríficas hasta convertirlas en personajes de culto. Pero 33 días no arranca con esa misma maldad comercial ni con material tan escabroso como los casos de Dahmer o Asunta.

Villagrán y Poga forman una dupla sorprendentemente magnética. Los episodios de media hora tienen buen pulso; hay ritmo, tensión, sensación de persecución contenida y evitan someternos a una acumulación de densidad narrativa lapidaria en los dos primeros episodios.

La acción se la lleva la evolución de sus protagonistas en su relación. Sus miradas de orgullo y de autorreconocimiento en el otro. La investigación, al menos en estos dos episodios, evita despistarnos de esta intimidad.

Además, Porta deja sus marcas: tenemos imágenes de informativos reales intercaladas, sumarios y una estructura de reconstrucción de los hechos hasta con entrevistas posteriores a cámara que son un homenaje directo al lenguaje de Crims.

La serie crea un híbrido: no es una dramatización completamente libre, tampoco una docuficción rígida. Es un recuerdo permanente de que aquello ocurrió, pero que lo que estás viendo no lo es. El formato es su válvula de escape.

El riesgo de inventar —la necesidad de inventar— lleva a que la línea de la realidad se desdibuja y puede perderse el tono, incluso el sentido. Puede crear culpables, emitir juicios que se harán comerciales y dañar el anonimato.

33 días se cubre las espaldas reconociendo el problema y haciendo el formato más evidente. La dirección, de momento, se interesa más por el pulso que por la trascendencia y esto será una virtud o una limitación según los ojos del que mire.

Tanto el guión como la dirección y la fotografía nos llevan a una historia centrada en el naturalismo, alejada de la estilización o la sensualidad de casos como el de El cuerpo en llamas. Hay más barro y menos viralidad.

La banda sonora es lo que menos me convence. Hay escenas íntimas dentro de la celda en las que dirección y guión apuntan en una dirección, pero la música apunta en una más oscura, generando contradicción a la ternura contaminada que pretenden plasmar en su historia.

Ahora bien, ¿qué aporta realmente 33 días respecto al caso de Crims? Llegas a más público, pero ¿con qué resultado? Y no vamos a negar la mayor del dinero. El estudio de su relación, las consecuencias, el reconocimiento incómodo de su humanidad...

Son aspectos que deben trascender más allá de los primeros episodios y que dependerán de su evolución, igual que cuánto puedan sostenerse los dos perfiles sin que la dinámica se vuelva repetitiva.

El resultado es prometedor e incómodo. Mantiene ese afán de encontrar humanidad donde está lleno de filos punzantes, con dos protagonistas ciertamente inspirados y una ejecución que me ha tenido pegado a la pantalla durante los dos episodios.

Queda por ver cuánto pueden asustar los fantasmas del género y cómo transitan el complejo valle de la doble moral. Pero fuera máscaras, 33 días lo tiene todo para convertirse en un nuevo hito del True Crime español.

La originalidad, calidad y heterogeneidad de propuestas es tanta que hace posible un buen número de parodias que nos van a remitir a lo más florido del género. Pero también hay películas ajenas sobre las que se hace humor, de brocha más o menos gorda como es el caso de Las guerreras K-pop (sorpresón y cumbre de la peli) o Michael (que daba para más, honestamente, pero con la que no se han atrevido).

Los Wayans se ríen de todo y de todos: de los arhivos Epstein, del movimiento woke, del #MeToo, del #BlackLivesMatter, del asalto al Capitolio y suma y sigue mientras van cachondeándose de algunas de las joyas de los últimos tiempos: desde Déjame salir hasta La sustancia pasando por M3gan, Terrifier, El sótano de Ma, Destino final, Sinners, Longlegs, Weapons y, por supuesto, contando con la parodia de Scream como el hilo conductor. Todo queda en casa, en Paramount, así que no hay dolor.

Las risas están aseguradas si tenemos en cuenta cómo se radiografía el morro que le echa la industria a la hora de seguir explotando franquicias y acuñando conceptos como "recuelas" que aquí son ya "reinicuelas" o dándonos el cambiazo con los actores en función de las necesidades comerciales.

La buena noticia es que el guión de esta loca Scary Movie es lo suficientemente afilado como para meterle también cuchilladas a la propia saga con un montón de bromas meta que hacen alusión directa a las partes 3 y 4 (las más flojas) o la participación de Charlie Sheen en la 5.

¿Que también hay mucho humor alrededor del consumo de sustancias recreativas? Pues sí, pero eso era de esperar, ¿no es cierto? Por aquí pulula mucha marihuana, pero también calmantes, antidepresivos, analgésicos, opiáceos y hasta gelatinas divertidas proporcionadas por el trasunto de Ma.

Sujétame el porro

Con la incorrección política por bandera, Scary Movie arranca con Martes siendo apuñalada por Ghostface. Su hermana y su madre, muy preocupadas, intentarán zafarse del tópico del interés amoroso culpable mientras se unen al equipo jóvenes y veteranos de la franquicia para descubrir la identidad del asesino.

Ni que decir tiene que los problemas maternofiliales que vimos en Scream 7 son una constante así como las bromas sobre las reglas del slasher o la búsqueda de los nuevos "cuatro protas". Las revelaciones finales son bastante mejores que las de la "película seria", eso sí.

No faltan las bromas sexuales, el lenguaje florido y las muchas y abundantes fumadas de sus protagonistas algunos de los cuales van de colocón en colocón (ya sabes, Shorty y sus cosas, con un directo que acaba en decapitación y cameos que lo mismo al público patrio no le resultan tan familiares y le restarán impacto a ciertos momentos).

Tampoco falta a la cita la crítica mordaz al propio sistema de Hollywood y su lógica demoledora de no premiar el cine de terror, de ningunear el cine indie o de distinguir el "humor elevado" en las antípodas del que se exhibe aquí.

Al final Scary Movie demuestra una valentía inusitada a la hora de romper esquemas que es muy de agradecer porque sobrepasa las expectativas. Es cierto que tiene buen material con el que jugar, pero digamos que, de manera extra, se complica la vida para sacarte la carcajada sin que fuera necesario.

Ojo a la promoción de la peli, que ha sabido encaramarse al éxito reciente de Backrooms con algún teaser inspirado en el fenómeno y que por desgracia no ha aterrizado en el metraje final. Y ojo también a las escenas postcréditos que son dos y bastante disfrutonas: una pone en el foco una obra reciente de Robert Eggers (haciendo burla también del "terror elevado") y la otra continúa un poco más la historia alternativa de Longlegs.

En suma, tiene los mimbres para contentar a quienes vayan al cine sin excesivas expectativas pero conocen bien el género y se deja poco en el tintero. Ojalá más protagonismo para Anna Faris, que queda un poco opacada entre tantos miembros del reparto.

La película es un bombazo al otro lado del charco y está revolucionando el cine de terror de bajo presupuesto encontrando a su público objetivo en la audiencia joven, como le ha ocurrido también a Obsession. Esto deja claro que hay ganas de ver cosas nuevas, alejadas de franquicias e IPs ultraexplotadas y que, cuanto más cautivadoras sean para la imaginación, mejor.

Antes de profundizar un poco en el análisis de la película, merece la pena comprender qué es lo que hace que la premisa principal sea tan inquietante y para eso hay que pararse a pensar en los espacios liminales o, lo que es lo mismo, los lugares de tránsito o umbrales. Se pueden definir como portales o zonas de paso para ir de un lugar a otro.

En el caso de las "puertas traseras", atravesar ese umbral lleva a un lugar en el cual se da una arquitectura imposible y por tanto un fenómeno de extrañeza espacial, como de laberinto sin fin. Es un lugar perturbador porque cuanto más se explora más parece ampliarse, de modo que en él no rige la lógica de la física, como si pudiera contener todo el universo en su interior, paradógicamente.

En un plano existencial extraño

En los años 90 Clark regenta una tienda de muebles que no atraviesa su mejor momento. A pesar de sus intentos por anunciarse por televisión para reflotar el negocio, no consigue nuevos clientes ni aliviar tampoco su frustración por su reciente divorcio que le lleva a vivir en la propia tienda, la mayor parte del tiempo alcoholizado.

Cuando descubre que sus facturas de la luz se han disparado, contrata a un técnico para que revise la instalación eléctrica de la tienda, descubriendo así dos fusibles que parecen no conectar con nada. Sin embargo, cuando se queda a solas, descubre una zona de la pared del sótano que es capaz de atravesar y le lleva a una serie de estancias amarillas que se extienden hasta el infinito, conectándose unas a otras.

Muy alterado, acude a su terapeuta, a la que hace partícipe de su descubrimiento tan entusiasmado como impaciente por seguir explorando el lugar. Ella, que conoce bien los problemas que está atravesando y su tozudez para cambiar sus rutinas o incluso de reconocer los errores que le han conducido a su estado actual, recela y solo un tiempo después de que desaparezca se decide a visitarlo en su lugar de trabajo, donde encuentra el portal.

Parsons tiene la audacia de transformar un fenómeno nacido en Internet en una película con muchas capas de significado con la cual consigue sorprender. Llama la atención su capacidad para crear atmósferas inquietantes y opresivas con esos pasillos repletos de estancias, con el zumbido de luces fluorescentes uniformes e intrigantes muebles apilados cuando no fagocitados por el propio suelo, como si quisiera absorberlos.

Juego, set y partido para la dirección artística, que traslada esa sensación de extrañeza y a la vez familiaridad tan característica.

Pero sobre todo, destaca cómo juega con aspectos metafóricos como lo que supone alimentarse de recuerdos o perderse en una memoria difusa que va desvirtuando la realidad hasta que no es reconocible.

Backrooms tiene un punto de originalidad muy peculiar, a pesar de que permite establecer paralelismos con películas o series muy famosas. Podría ser un episodio de La dimensión desconocida, por ejemplo, y también convertirse en el arranque de una franquicia de terror existencial, menos basada en jumpscares y más pegada a esos miedos atávicos y ancestrales relativos a la posibilidad de perderse, de adentrarse en lo desconocido o de enfrentarse a la falta de lógica espacial.

Tiene sentido y funciona por sí misma, pero también despierta suficiente curiosidad como para poder continuar en un futuro no muy lejano. Kane Parsons ha dejado caer que está trabajando en ideas interesantes que servirían de continuación y, ya dentro de este laberinto argumental, va a ser imposible resistirse a la tentación de seguir explorando las backrooms.

Cada día nace un listo, como insinúa su título, es una comedia que bebe de manera directa de la picaresca y nos lleva a navegar por ambientes muy distintos: de las élites sociales, que roban a manos llenas, a los bajos fondos donde operan a menor escala exóticos estafadores y pillos de todo tipo.

El nexo será un buscavidas entrañable, con cierta querencia por la coca y una mujer que le vuelve loco, al que da vida Hugo Silva en un papel que nos remite a otros trabajos como el de Nasdrovia o Marbella. Le sienta como anillo al dedo y transmite la diversión que ha debido imperar en un rodaje en el que se nota que ha habido margen para la improvisación dejando fluir al reparto.

Pero eso no es óbice para señalar el talentazo de Arantxa Echevarría para la dirección, con una cuidadísima puesta en escena y una planificación de rodaje exquisita: la composición de planos, los movimientos de cámara y la elegancia formal de esta apuesta dan buena cuenta de su natural olfato para sacarle partido a su nutrido elenco y exprimir las posibilidades del lenguaje cinematográfico.

No hay género pequeño para una directora tan grande, que remite, en clave patria y cambiando muchos códigos, al cine de los hermanos Coen o al caos de películas como Snatch, cerdos y diamantes.

Quien roba a un ladrón...

Cada día nace un listo nos presenta a Toni Lomas, un cantante venido a menos que se conforma con vivir al día y soñar con volver a los brazos de Malena, el amor de su vida, pero, para su desgracia, tiene una fuerte deuda que saldar. Por eso, cuando su adinerado colega Junior le ofrece la ocasión de robar para él una obra de arte, no se lo piensa dos veces.

Toni lo intenta por su cuenta, pero le falta la pericia necesaria y comete la torpeza de pedirle ayuda a Mari que a su vez se pone en contacto con "El gallego". Pronto queda claro que cada cual tiene sus propios intereses, de modo que formarán un equipo muy poco cohesionado para dar el golpe.

Entre tanto, la madre de Junior, Carmen, tendrá que lidiar con su reciente viudedad y con el pufo que le ha dejado su marido mientras intenta meter en cintura a su hijo y sacarse de encima a un nuevo pretendiente.

Entre las virtudes de la película destaca la variedad de personajes y el carácter coral de la historia. El protagonista indiscutible es el personaje de Hugo Silva, que se caracteriza por el descaro y por un carisma torpón muy simpático, que sabe explotar sobre el escenario al ritmo de la música de Tom Jones (ahí es nada, hay que tener buena voz para defender el papel y lo hace de lujo).

Pero además, como decíamos más arriba, va a ser el puente entre la clase alta y las mafias del escalafón social más bajo. El oxímoron da pie a la hilaridad cuando vemos a los personajes fuera de su área de confort colisionando por un fin común: sacar pasta. Porque aunque el chorizo se vista de seda, chorizo se queda.

Desde Sofía Otero hasta Susi Sánchez, la película está habitada por personajes de todas las edades, a cual más espabilado y voraz por salirse con la suya con la excepción de Toni Lomas, que es casi más un intermediario de intereses ajenos y es capaz de sobrevivir dándole la vuelta a los calzoncillos sin pensar en el mañana.

Cada día nace un listo cuenta con un diseño de producción solvente y no duda a la hora de dejar que los roles se extremen para darles empaque. Es un soplo de aire fresco en un género que en estos momentos no goza de un momento particularmente brillante. Deja constancia de que se puede sorprender y hacer comedia adulta sin complejos.

En sus más de cuarenta años la saga ha dado lugar a cómics, novelas, series de animación y una primera película de imagen real. De casi todo ese material bebe He-Man y los Masters del Universo, dando lugar a una versión con identidad propia… Pero que no siempre tiene claro lo que quiere ser.

Nicholas Galitzine es el heroico He-Man, acompañado por Camila Mendes como Teela, Idris Elba (Man-At-Arms), Jared Leto (Skeletor) y un reparto de actores notables. Ellos son los Masters del Universo, dispuestos a conquistar la taquilla al grito de “POR EL PODER DE GRAYSKULL”.

Bienvenidos a Eternia

Eternia, el corazón del cosmos, está en peligro. Skeletor lanza un despiadado ataque para hacerse con el trono y la Espada de Poder, que se custodia en el Castillo de Grayskull. Ante unas fuerzas imparables, la reina Marlena toma la más difícil de las decisiones: enviar a su hijo pequeño, Adam, a su mundo natal, llevando consigo la espada para regresar algún día.

Es así como el niño llega a la Tierra, pero pierde la espada por el camino. Comienza una vida difícil, en la que siempre le toman por loco cuando habla de reinos mágicos, gatos parlantes y guerreros imposibles. Pero él nunca pierde la fe en sus recuerdos, ni siquiera al ser adulto.

Cuando está a punto de desistir, un acontecimiento inesperado le devolverá a su mundo natal, ahora asolado por Skeletor. Solo él puede liberarlos al convertirse en He-Man, el héroe más poderoso de Eternia, pero necesitará la ayuda de un grupo de pintorescos guerreros.

Ver el arranque de Masters del Universo como fan es sentir una emoción incomparable. La historia de Eternos, la presentación de Eternia, reconocer a personajes como Man-At-Arms, el rey Keldor (un estupendo James Purefoy) o la dramática fuga del pequeño Adam consiguen poner la piel de gallina.

Es evidente que Knights y los guionistas quieren reflejar la épica de la saga, que tan bien han plasmado las series de Netflix y los cómics. Y sí, el humor es consustancial a Masters del Universo, con momentos brillantes como la “explicación” de los nombres de los personajes. Las bromas están muy presentes… Demasiado presentes. Me explico.

Aunque recuerda a Thor: Ragnarok, a veces se acerca más a Love & Thunder. También remite a la primera cinta de Sonic, con un héroe que llega a la Tierra escapando de una amenaza en otro mundo. Unas semejanzas que tienen los chistes como Talón de Aquiles.

La mayoría de momentos intensos de la película están subrayados con bromitas, que a veces se producen cada pocos segundos. Una sobreabundancia que satura, pero que, sobre todo, impide “respirar” a escenas que lo necesitan. Y es una pena, porque las secuencias más épicas y libres de chistecitos son muy, MUY memorables. De igual modo, es una gozada ver a Ram-Man, Fisto, Mekaneck y Cringer, junto con lugares como Grayskull o la Montaña Serpiente.

Pero existen claroscuros. Galitzine está soberbio como Adam y aporta una humanidad y una bondad muy especiales al papel, el cual logra deconstruir el arquetipo de He-Man como "héroe machote de los 80”. De nuevo, no habrían hecho falta chistes para subrayarlo, ya que crea una versión única y carismática del protagonista.

Camila Mendes e Idris Elba sacan petróleo de sus roles, e incluso el resto de participantes logra brillar; sin embargo, la Evil-Lyn de Alison Brie y Morena Baccarin como La Hechicera son personajes de cartón, con una profundidad nula, muy alejadas de las versiones de Masters del Universo: Revelación, sin ir más lejos.

Es Skeletor quien mejor ejemplifica lo que trato de exponer. Hay momentos en los que es terrible y amenazador… Para inmediatamente después, caer en las bufonadas. Está más cerca de la versión de Filmation que de sus últimas encarnaciones.

La película transpira cierto temor a asustar a los niños u ofrecerles una mínima complejidad, algo que hace de menos a la inteligencia de los espectadores más jóvenes. Ellos también pueden entender y disfrutar películas con algo más de profundidad, como las cintas de Marvel.

Los responsables de la película quieren contentar al mayor número posible de espectadores, pero al hacerlo, tropiezan como adaptación. Los chavales de ahora juegan a Roblox y no conocen a los Masters del Universo; mientras que los fans veteranos no son los críos de hace décadas.

Estas personas han crecido, al igual que sus gustos y, por extensión, la propia saga. Masters del Universo ya no es la serie infantil de los 80, sino que se ha expandido para dotar de entidad a sus personajes y su mundo. Algo que la película roza con la punta de los dedos… Para al instante, hacer una pedorreta.

Toda esta perorata no echa por tierra el resultado. Es una peli con un ritmo magnífico, escenas memorables, divertida a rabiar y con una música estupenda. Incluso se permite deconstruir el típico “combate final de héroe contra villano” (con elementos de humor, cómo no).

Además, fans hay tantos como gustos. Los más puristas puede que tuerzan el morro, pero otros muchos celebrarán el espíritu camp de esta adaptación. Y todos aquellos que no conozcan la saga van a disfrutar con uno de los estrenos más divertidos del año. ¡Atentos a las dos escenas postcréditos!

Esta ucronía, como cualquier otra, se basa en un enorme "¿qué pasaría si...?". La cuestión es que ahora sí que tenemos marcada una hoja de ruta gracias a la serie madre, de manera que conocemos el hilo temporal y la capacidad de impacto a nivel "macro", se ha perdido.

Ya sabemos cuál será la deriva de los acontecimientos. Conscientes de ello, Ben Nedivi, Matt Wolpert y Roland D. Moore no intentan ni repetir fórmula ni esquemas narrativos sino acurrucarse un nivel por debajo para desarrollar las intrahistorias que no llegan a la prensa, la de las mujeres y hombres que padecen un régimen político que da medallas en privado para luego requisarlas o que mata para tapar sus errores, por el simple hecho de que no puede reconocer que los ha cometido.

Es menos una serie de ciencia ficción y más un thriller de espías, que entronca con la narrativa de la serie original en muchos puntos pero se desenvuelve por libre, marcando a los protagonistas entre bambalinas. El acercamiento estético es el esperado: una fotografía mucho más desaturada y fría junto con una puesta en escena en la misma onda con localizaciones en las que la arquitectura brutalista impone su lógica de severidad y ausencia de ornamento.

Lo que no sabías que había sucedido

Ciudad de las estrellas nos presenta el programa espacial ruso, a cargo del diseñador jefe interpretado por Rhys Ifans. La Unión Soviética acaba de dar un golpe sobre la mesa colocando a uno de sus cosmonautas como el pionero en pisar la Luna y arruinando así los planes de Estados Unidos de llevar la delantera.

Su siguiente movimiento será que la primera mujer en hacer lo propio, vuelva a enarbolar un discurso a favor del "modo de vida marxista-leninista".

Lo que desconocen los y las cosmoautas es que todas y cada una de sus conversaciones son espiadas y monitorizadas para evitar filtraciones, traiciones y cualquier conato de disidencia. Las sospechas son tantas y tan cruciales que pueden llegar a arruinar una carrera por prometedora que sea y entre tanto, hay un equipo bien engrasado de funcionarios encargados de las escuchas telefónicas, los informes y los reportes delatores.

¿Tiene Ciudad de las Estrellas la misma fuerza que tuvo en sus orígenes Para toda la humanidad? Ni por asomo. Hemos visto ya muchos relatos, pegados a la realidad en esta línea y, por desgracia, la ficción solo emula lo que ya conocemos en otro contexto.

Tampoco tiene el ritmo, la fuerza ni personajes tan carismáticos. Sin embargo, funciona por sí misma y con su propia lógica gracias sobre todo a interpretaciones muy solventes como las de Agnes O'Casey, Anna Maxwell Martin, Alice Englert y Adam Nagaitis, además del ya nombrado Rhys Ifans.

Como poco, incluso los espectadores interesados necesitarán darse un tiempo para asimilar en cambio de lenguaje audiovisual y de registro para entrar en este otro lado del Telón de Acero, mucho menos atractivo y estimulante para los sentidos pero que se va cociendo a fuego lento para enganchar de otra manera, desde una austeridad muy medida para que sean los personajes los que nos interesen mientras los vemos caminar sobre un alambre, haciendo malabares para no caer al vacío.

Ciudad de las Estrellas es intensa y tiene potencial, aunque viendo el punto de partida y lo envarado que está el argumento, es fácil pensar que su recorrido será más breve y servirá más de complemento a lo que ya conocemos que de trampolín para una ficción que se desarrolle a largo plazo.

Dirige Gabe Ibáñez, responsable de Hierro y Autómata que ha encontrado en televisión un refugio creativo donde ir desarrollando su carrera en los últimos tiempos con series como Express o El silencio. Ahora se interna en el género policial en una película algo laxa y taciturna en el tono que, a pesar de contar con un reparto muy interesante, no consigue evitar un buen número de lugares comunes heredados del audiovisual estadounidense.

Esto le resta sabor local y contrasta con la ambientación principal de Barcelona, aguando las señas identitarias que podrían haberle dado al proyecto una mayor personalidad. La trama tampoco resulta particularmente original y presenta un desarrollo algo farragoso a pesar de su sencillez.

Un punto de partida intrigante

Lucía está a punto de tomar una de esas decisiones que marcarán un antes y un después en su vida: decide hablar y delatar a una serie de integrantes de la policía nacional corruptos a cambio de protección. Justo antes de eso se reúne con una mujer en unos baños públicos, a la que le pasa un papel con un comodín, en el caso de que las cosas no salgan como espera. Todo puede torcerse y es consciente del enorme riesgo que corre.

Meses después, la agente Ripoll se reincorpora al cuerpo de los mossos d'esquadra tras una tragedia personal que la ha mantenido fuera de onda por un tiempo. A pesar de que anímicamente sigue muy tocada, le encargan el caso de una mujer que ha aparecido en un contenedor del puerto de Barcelona, con signos de haber sido torturada e incapaz de recordar siquiera quién es.

Los primeros indicios apuntan a una red de trata de blancas puesto que ha sido drogada con una sustancia para inhibir su voluntad y ha pasado por un infierno de maltrato y violencia. A Ripoll se unirá Zárate, de la policía nacional, con cuya ayuda deberá descubrir por qué ha sido atacada de manera tan salvaje.

Viendo la premisa inicial de La desconocida lo normal es esperar una propuesta con bastante acción y ritmo. Nuestra protagonista sigue estando en el foco de sus atacantes por la información que esconde en su memoria, que irá volviendo a ella de manera gradual, de modo que estamos ante una película de persecuciones, peleas cuerpo a cuerpo y bastante adrenalina.

Sin embargo, hay algunas decisiones creativas que contribuyen a "bajar" revoluciones. La primera de ellas es el momento personal que atraviesa la encargada del caso, interpretada por Candela Peña. Es un personaje muy aplacado, que desluce un poco por una dirección actoral que no le permite a la actriz salir del "modo depresión" en ningún momento. Su historia se desarrolla en dos planos: el profesional y el personal, que interfiere de vez en cuando en su percepción de la realidad y en sus decisiones. De esta forma, basculamos entre el thriller policial y el drama familiar.

Éste es uno de los muchos clichés de la película, que también echa mano de investigaciones de asuntos internos y de villanos con pocos matices, conocidos desde el principio y sin mucha posibilidad por tanto de sorprender a la audiencia en la resolución.

La desconocida es una película entretenida que podría haber resultado de mayor impacto de haberse centrado en la trama realmente descorazonadora que es la de la trata de blancas, por la que pasa un poco de puntillas, sin ser capaz de detenerse a mostrar el calvario por el que pasan mujeres de todo el mundo tratadas peor que si fueran ganado, víctimas de toda clase de abusos. Tampoco hay un acercamiento al modus operandi de las mafias que operan para explotarlas.

Eso sí, el episodio que nos ocupa en el día de hoy, no te creas que está a muy buen nivel... Aunque la mayoría de capítulos están siendo maravillosos, la calidad hoy brillará por su ausencia.

Y es que, el capítulo 50 tuvo una animación y un dibujo de niveles paupérrimos. Además, el villano tampoco fue demasiado impresionante, aunque se lo puso difícil a Goku y Pan.

¡Pero la última palabra la tienes tú! Puede que este episodio sí que te convenza, así que ya nos comentarás en redes sociales tu opinión. ¡Empezamos!

Tras la derrota de Ryan Shinron y la purificación de su zona, Goku y Pan se dirigen hacia su próximo objetivo gracias a Giru. Una vez llegan a su destino, se topan con una ciudad completamente desierta, hasta que, de repente, aparecen unas masas viscosas de color rosa.

Al parecer, son capaces de absorber la electricidad de toda la ciudad, alimentando el poder de... ¡Uh Shinron, el nuevo dragón oscuro que hace acto de presencia! De hecho, los saiyans no pueden con él, ya que es capaz de hacer rebotar todos los ataques con su cuerpo. ¡Ni siquiera el Kame Hame Ha x10 del Super Saiyan 4 le hace mella!

Pese a todo, Uh Shinron no es capaz de acabar con los saiyans, así que absorbe toda la energía de los alrededores hasta convertirse en un monstruo gigantesco. Gracias a su nuevo tamaño, es capaz de atrapar a Goku y Pan con gran facilidad.

¿Su objetivo? Electrocutarlos con su Trueno de Dragón, ¡y vaya si lo consigue! De hecho, los dos saiyans quedan totalmente inconscientes tras sus soberbios ataques, hasta que...

¡Comienza a caer una lluvia torrencial! Gracias al capricho de la naturaleza, Uh Shinron es electrocutado, incapaz de reducir su grandísimo tamaño a tiempo. Su derrota es realmente cruda, e incluso Pan empieza a sentir pena por él.

Sin embargo, todavía tienen que recuperar la Bola de Dragón, y cuando Pan se acerca a él... ¡Intenta atraparla con su masa viscosa! Afortunadamente, Goku está muy atento y le lanza un Kame Hame Ha que lo remata para siempre, consiguiendo la segunda Bola de Dragón de la aventura.

¡CURIOSIDADES!

1- En cierto momento del episodio, al igual que ocurrió con el anterior, el dragón oscuro nos desvela cuál fue el deseo que le dio a luz. ¡Nada más y nada menos que la resurrección de Goku en la Saga de los Saiyans!

Y en ese mismo instante, el episodio recrea algunas escenas de dicha saga con un dibujo totalmente nuevo, acorde al de este episodio, mostrando una calidad muy pobre.

2- ¿Te ha recordado a alguien la forma "blandiblú" de Uh Shinron? En efecto, es un calco de Buyon, el temible monstruo de la Red Ribbon al que se enfrentó Goku en los orígenes de la serie.

No solo se parece a nivel físico, con ese color rosa, sino también a nivel de ataques. Aparte de descargas eléctricas, Buyon también era capaz de neutralizar los ataques con su cuerpo.

¿Qué te ha parecido este episodio de Dragon Ball GT? ¿Te ha despertado nuestra misma opinión o realmente te gusta cómo lo desempeñaron?

Por nuestra parte, la semana que viene regresaremos con una nueva entrega de la serie. ¡Y ya te avisamos que será un capitulazo, tanto a nivel técnico como argumental! ¡Kai, Kai!

Es tan frágil que cuesta agarrarla sin romperla. Como un sueño contado al despertar, uno importante, pero del que no encuentras forma de contárselo a alguien sin que pierda la magia o el sentido. Y así le ha pasado al debut en la dirección de Travolta.

Su primera película es, de principio a fin, para él. Sus filias, sus sueños, sus pasiones. Nostalgia llevada al cine como ejercicio de autosatisfacción naif, extraidealizada y familiar, con la que rinde homenaje a una parte concreta de sí mismo: el niño y la idealización.

La película adapta una novela de 1997 también del propio Travolta, actúan su hija Ella Bleu Travolta y varios de sus hermanos, con su guión, su dirección, su producción y su propia voz en off como narrador. A falta de ser también tramoyista, es un guiso sólo para él.

La edad dorada de la aviación comercial

Ven a volar conmigo sigue a Jeff, un niño de ocho años obsesionado con los aviones, que viaja hasta Los Ángeles con su madre, una actriz superviviente, en busca de una oportunidad prometida.

La película está ambientada en esa edad dorada estadounidense de la aviación comercial que se representa con devoción religiosa; es un absoluto relicario de sueños de su infancia.

Para el viaje, Jeff y su madre viajarán en un vuelo nocturno de hélice repleto de escalas. La mayor aventura imaginable para la mente de un niño en la que te tendrás que sumergir para sentir algo de emoción narrativa.

Es una premisa hermosa. Una experiencia completamente ordinaria para un adulto que un niño convierte en una epopeya íntima. La magia de descubrir la vida; eso es lo que Travolta intenta capturar y encerrar en los apenas 60 minutos que dura la película.

Sobre el papel, inapelable. Sentado en el sofá, como parte del catálogo Apple TV, se hace dolorosamente anodina. No es por el nicho —que, por supuesto, tiene mucha más base nacional estadounidense—, es por incapacidad para transmitir su entusiasmo.

Cuando recuerdo mi etapa en la universidad, siempre hablo de mi profesor de Guión Cinematográfico. A mí ya me apasionaba el cine. Me gustaban las historias y me gustaba escribir. Pero fueron él y su pasión enceguecedora quienes despertaron en mí —y en todos mis compañeros— un interés inesperado por la construcción narrativa.

No era predisposición: simplemente genio y pasión. Negar la segunda competiría entre osadía y estupidez; es la primera la que la hace incapaz de transmitir el cariño, la dulzura o la ilusión infantil que intenta proyectar y con la que debe transportarnos.

Lo que Travolta ha creado es una dulce fábula kitsch que sobrevive al amparo de Clark Shotwell, su protagonista. Ésta es la parte a reconocer: la de llevar a un niño a ese punto de interpretación nostálgico que nos recuerde a historias con las que Chris Columbus llenaba los salones familiares.

Pero es la fotografía de Paul de Lumen el aspecto más destacado del debut de Travolta. No por profundidad, sino por ser capaz de entender la idea casi de álbum familiar del director y ayudarla a expresarse.

Utilizando la luz como método para acercarnos al filtro retro y, a la vez, suavizar el mundo, mostrándolo en los ojos de un niño para el que no existe amenaza real y todo parece bañado por la calidez de una postal antigua.

Hay mucho detenimiento en detalles materiales como práctica fetichista que, apoyándose en el diseño de producción, ayudan de forma esencial para construir el tejido de la película.

La cámara de Travolta insiste en los pequeños planos y en mantenerse estática, como ese niño que observa sin querer despertarse. Sus movimientos son más contemplativos que narrativos. Quiere confiar en la imagen... pero abusa de la voz en off.

Su voz autoral tiene que quedar tan patente que la narración se vuelve excesiva. Subraya demasiado. Explica demasiado. Deja muy pocas oportunidades para que existan resortes creados por su audiencia y la experiencia se vuelve aburridamente dirigida.

El artefacto travoltiano

Ven a volar conmigo nos lleva a viajar por el interior sentimental de John Travolta. Entre moquetas vintage, vajillas de aerolínea, uniformes cautivadores y la voz del propio director explicando, con la emoción del niño que señala sus juguetes favoritos, por qué todo aquello es importante.

Para transmitir pasión se necesita algo más que insistencia y adoración nostálgica. Hace falta un complejísimo carisma que falta en la película; una mirada que, como Spielberg en Los Fabelman, sea capaz de situarse desde fuera.

Es un proyecto a la vez sencillo y excéntrico, un autorregalo para su legado que, decía al principio, me cuesta valorar. Porque no recomendaría la película y, a la vez, la puntuación siempre será injusta.

Porque como artefacto travoltiano es... fascinante. Es ciertamente honesta, tierna y revela a un Travolta profundamente sentimental, embelesado por los recuerdos y por una idea de elegancia estadounidense que ya no existe y que quizá nunca existió como él recuerda.

Tras su paso por el Festival de Málaga, donde se alzó con el Premio ASECAN a la Mejor Ópera Prima, recala en las salas comerciales dejando claro que no tiene ningún interés por seguir la hoja de ruta de otras películas centradas en remontadas sobrehumanas o grandes redenciones sino en la compleja psique de una mujer que, expuesta a un enorme estrés, tiene un problema de salud grave que la pone en un grave peligro.

La película, rodada en versión original catalana en Barcelona y Zaragoza, es escasa en diálogos y rica en lenguaje cinematográfico. La dirección de fotografía de la película se ha confiado en Gina Ferrer García, conocida por éxitos como 20.000 especies de abejas y Sorda.

La sobriedad de la puesta en escena y el retrato íntimo de la protagonista son dos de los puntos fuertes de una película reflexiva y muy humana que intenta arrojar luz sobre una realidad que muchas veces no se visibiliza: cómo la presión puede romper a las personas y cómo esas personas tienen que trabajar para tratar de recomponerse y aprender de la experiencia. Y esa es la recompensa: no la fama o un título, la lucha interna por la autoaceptación.

Si no corres para llegar a algún sitio, corres para huir

Corredora nos presenta a Cris, una joven muy motivada que vive en un Centro de Alto Rendimiento y está a punto de presentarse a una importante carrera donde puede llegar a lo más alto a nivel nacional. Metódica y perfeccionista está en el mejor momento físico de su entrenamiento, rindiendo al máximo.

Sin embargo, poco a poco se va resintiendo a otros niveles: siente celos patológicos hacia sus compañeras, cree que hablan mal de ella a sus espaldas, que entran en su habitación a hurtadillas y que incluso le roban el material. Las cosas van de mal en peor hasta que tiene un brote psicótico: llama a su padre para que vaya a recogerla y empieza a destrozar su cuarto hasta que su entrenador empieza a aporrear su puerta angustiado y ella toda una decisión que podría costarle la vida.

Los dramas deportivos suelen centrarse muy a menudo en historias de superación personal y, de alguna manera, de grandes logos inspiradores que ven en la competitividad un elemento positivo para la consecución de los objetivos.

Durante el arranque de la película, de hecho, parece que ese es el enfoque de Corredora pero nada más lejos. Pronto se distancia introduciendo en su discurso muchas otras variables como el coste personal de obviar la salud mental en los entrenamientos de los CAR o incluso en las consecuencias físicas directas de los tratamientos para hacer frente a los síntomas asociados a un desorden psiquiátrico.

Excelente elección de casting la de la debutante Alba Sáez que no solo tiene las condiciones físicas para encarnar a un personaje con unas cualidades atléticas sino que además transmite todo ese conflicto interior de tener que buscar motivaciones más allá del éxito para seguir adelante y encontrar un equilibrio personal.

Al ser una película parca en palabras hablan más sus acciones que sus diálogos, de manera que será trabajo de los espectadores interpretar cómo y por qué hace lo que hace. Esto requiere un esfuerzo de atención extra: no es una película fácil, indulgente ni de ritmo trepidante, que se centre en mostrar la adrenalina de las carreras.

El plano deportivo, en sí mismo, es más bien una excusa argumental para hablar de los conflictos que se articulan a su alrededor: el altísimo nivel de exigencia física y emocional, el coste personal de una entrega total, la barrera entre la presión dirigida a un objetivo y la que puede romper a una persona que atraviesa un momento frágil, etc.

Corredora tampoco es una película de grandes alardes técnicos: intenta pegarse a la realidad tanto como es posible de modo que si has asistido a alguna prueba de atletismo vas a reconocer todos los pasos previos al inicio de la carrera y a su desarrollo. Pero no vas a estar pendiente de los pies de la protagonista sino de lo que puede esta pasando por su cabeza. De ahí la angustia de una película que juega con el tira y afloja que hay a su alrededor y no sabes cómo puede terminar...

Lo primero que hay que destacar es que ambos protagonistas están fantásticos: Zendaya habla con los ojos y pasa por todo un abanico de emociones a lo largo de la película mientras que Robert Pattinson confirma su talento irrefutable para encarnar personajes torpes e imprudentes con una cierta vena cómica (mejor aprovechada que en la excesiva Mickey 17).

Ellos son los principales focos del conflicto, pero están bien arropados por actrices secundarias como Alana Haim o Hailey Gates que representan polos muy opuestos en su relación con los personajes pero contribuyen a agravar la situación de forma muy clara.

¿Conoces a tu pareja?

El drama nos presenta a una pareja ideal: Charlie se queda prendado de Emma de manera instantánea cuando la ve por primera vez leyendo en una cafetería y se decide a presentarse aunque sea echando mano de una pequeña mentirijilla.

Tras un pequeño equívoco comienzan una relación estable que se desarrolla como cabría esperar: dando pasos poco a poco hasta consolidarse. Esto lleva a Charlie a pedirle matrimonio y a preparar el esperado enlace. Al escribir sus votos, se deshace en elogios hacia ella, una mujer que le ha inspirado a ser mejor persona y con la que se siente en deuda, con cierto complejo de inferioridad, incluso. Llega a expresar que ni siquiera podría concebir la vida sin ella.

Las tornas cambiarán cuando el día en el que estén haciendo la cata del menú para el convite en compañía de unos amigos y con un vinito de por medio, una conversación inocente se transforme en una confesión devastadora. La pregunta que da origen al problema es: ¿qué es lo peor que has hecho en la vida? Y una de las respuestas equivaldrá a una bomba nuclear para el inminente enlace al dinamitar la confianza que había entre los dos y obtener una recepción gélida por parte de su entorno inmediato.

La idea central de la película y su desarrollo son impecables: Borgli maneja muy bien el factor sorpresa y exprime la situación consiguiendo armar momentos hilarantes en el tira y afloja que se produce en la relación. En este sentido, uno de los puntos fuertes de la película es el montaje, que ayuda a crear un ritmo narrativo que se acelera cuando es preciso y se ralentiza para detenerse en lo importante.

El drama también pone sobre la mesa unas cuantas cuestiones relativas a la salud mental y la escasa por no decir inexistente sensibilidad de la sociedad hacia las personas vulnerables de uno u otro modo. El espectador se verá enfrentado así a sus propias contradicciones y forzado a pensar qué haría en el lugar de los personajes, qué es lo peor que ha hecho en su vida y si realmente sería siquiera capaz de confesarlo en voz alta.

Más aún, ¿define lo peor que hemos hecho en nuestras vidas quiénes somos hoy y cómo deben tratarnos los demás? ¿Qué clase de castigo o redención nos liberaría de la culpa? ¿Se puede amar de verdad a alguien sin conocer todos sus secretos o la verdadera muestra de amor es compartirlos y esperar una aceptación plena?

No es lo mismo mentir que omitir premeditadamente una verdad incómoda, del mismo modo que hay comportamientos que son inadecuados pero están normalizados y otros que por el contrario se han demonizado e imponen una lacra indeleble a pesar del paso del tiempo.

El guión de El drama es audaz, tiene un buen balance de humor y drama y está bien armado (este juego de palabras se comprenderá después de ver la película), con momentos descacharrantes y otros que hacen que la sonrisa se te quede congelada en la cara. Por desgracia, el desenlace es menos arriesgado y vira a un terreno más cómodo de transitar para una audiencia generalista. La sensación es que la película va de más a menos, una verdadera pena porque tiene ideas muy interesantes y está ejecutada con solvencia.

Estamos ante una de las ideas más brillantes de toda la obra, y Toei Animation la ejecutó bastante bien, aunque podrían haberlo hecho mucho mejor si todos los Guerreros Z hubieran participado en las batallas contra los dragones. ¡Al menos Goku tuvo compañía!

Y es que, para localizar las Bolas de Dragón que se encuentran incrustadas en los dragones malignos, Pan apareció junto a Giru para echarle un cable a su abuelo. ¡Ahora sí puede comenzar el último viaje de la serie!

Y así, llegamos a una extraña aldea que ya está sufriendo los estragos de uno de los dragones, el cual está envenenando toda la zona. ¿Será Goku capaz de derrotar a esta amenaza con la ayuda de su nieta?

¡Por fin llegó la hora de enfrentarnos el primer dragón oscuro de la serie! Y se trata, nada más y nada menos, que de Ryan Shinron, un dragón que juega realmente sucio, tanto o más como la ciénaga en la que se desarrolla el combate.

Y ojo, no te creas que Goku lleva la voz cantante. En realidad, es su nieta Pan la que opta por luchar contra el dragón, dejándolo contra las cuerdas. Aunque la diferencia de nivel es clara, Pan empieza a sentir cómo se van anulando poco a poco sus fuerzas...

¡Y lo mismo le ocurre a Goku, que no es capaz ni de convertirse en Super Saiyan! Poco después, Ryan Shinron desvela que todo es debido a la energía negativa que emana de la zona pantanosa, la cual ha sido envenenada por el propio dragón.

Es más, cuando ve que sus adversarios están fuera de combate, Ryan Shinron tira a Goku y Pan al lago para dejar que se ahogen en esa charca venenosa. ¡Pero no está todo perdido! El bueno de Giru, que no se ve afectado por la energía negativa, encuentra un manantial fresco, libre de todo veneno, por lo que arrastra a Goku y Pan hasta allí:

Gracias a la jugada de Giru, Goku lanza un Kame Hame Ha para subir a la superficie, ya liberado de la energía negativa que había contaminado su cuerpo. Así, une sus fuerzas con Pan para asestar un Kame Hame Ha conjunto.

¿El resultado? Ryan Shinron termina destrozado y los saiyans consiguen la primera Bola de Dragón de su viaje. ¿Cuán fuerte será el próximo dragón oscuro al que se tengan que enfrentar?

¡CURIOSIDADES!

1- A mitad del episodio, Ryan Shinron desvela que nació fruto del deseo que Goku realizó en la Saga de la Red Ribbon. ¿Lo recuerdas?

En efecto, hablamos de la resurrección de Bora, el padre de Upa. Curiosamente, en el episodio vemos escenas de la primera serie de la franquicia para ilustrar este momento, sin retocar, tal y como se emitieron en los años 80:

2- En este episodio también descubrimos lo que ocurre cuando un dragón oscuro es derrotado. ¡En primer lugar, el cielo vuelve a su estado normal, neutralizándose las auroras boreales!

Y por otro lado, la Bola de Dragón se restaura y vuelve a brillar como el primer día de su creación. ¡Ya solo quedan 6 más!

¿Qué te ha parecido el episodio 49 de Dragon Ball GT? ¿Recordabas esta curiosa entrega de la serie o no te sonaba de nada este dragón oscuro?

No te vayas muy lejos, pues la semana que viene regresaremos con otra bestia que será dura de roer. Eso sí, ya te avisamos que el dibujo del capítulo 50 dejará mucho que desear... ¡Kai, Kai!

A estas alturas de la película habrá muchos espectadores que se lleven las manos a la cabeza y piensen que lo han visto todo en el universo Spider-Man... ¡Pues se equivocan! Estamos en buenas manos: las de Phil Lord y Chris Miller, muy familiarizados con el superhéroe como demostraron en Spider-Man: Un nuevo universo y que ya demostraron un amor por el cine y un dominio de los géneros muy especial en la serie The Afterparty cuyas dos temporadas se pueden disfrutar en Apple TV.

Aquí amplifican su ejercicio de estilo desde la producción y lo llevan a sus últimas consecuencias echando mano de todas las herramientas a su alcance: fotografía, encuadres, atmósfera, diálogos, interpretaciones. Y tienen remando a favor de obra a un cinéfilo de pro como es nuestro querido Nic Cage, bien contenido desde la dirección y a Oren Uziel al frente del proyecto.

Un superhéroe en reivención

Spider-Noir es una serie live-action que se basa en el cómic de Marvel Spider-Man Noir. Nos presenta a Ben Reilly, un investigador privado prácticamente arruinado que trata de salir adelante en la ciudad de Nueva York en los años 30. Una produnda tragedia personal le llevó a abandonar su alter ego de La Araña, la figura enmascarada con la que defendía a los inocentes del mal.

Para su desgracia su antagonista Silvermane parece tener algo muy peligroso entre manos que va a obligarlo a enfrentarse a su pasado y a desempolvar su disfraz: la ciudad solo cuenta con él para salvarse del caos.

Por todo lo leído en el arranque de esta crítica habrá quien piense que Spider-Noir corre el riesgo de quedarse en una carcasa bonita. Es decir, que puede estar bien planificada en el plano visual y cojear por tener un guión endeble, pero resulta que ese no es el caso. Funciona muy bien gracias a un reparto inspirado y comprometido en el que brilla con luz propia un Brendan Gleeson que da miedo (otra recomendación: versión original de forma preferente, por favor, para disfrutar de su talentazo).

Y a todo eso: el festín para los sentidos, la historia bien encauzada y desarrollada hay que añadir que no es una serie repetitiva. Sí, oirás ciertos leit motiv del personaje original, Spider-Man, pero de ningún modo tendrás la sensación de cierto hartazgo de estar viendo "más de lo mismo". Todas las variaciones de este universo tienen un puntito familiar pero a la vez una diferenciación lo suficientemente interesante como para despertar curiosidad y mantener a los espectadores pendientes de la pantalla.

En cierta manera, es un soplo de aire fresco: sí, es una serie de superhéroes; sí, es una variación de un personaje hiperexplotado y sí, tiene factores de riesgo importantes que asume con mucha valentía. Lo bueno es que todo se conjuga para llevar el proyecto a buen puerto y lo confieso: me lo he pasado como una niña con zapatos nuevos.

¡Ah! Y ojo a los títulos de crédito iniciales no son solo un resumen de lo que depara la serie y una fuente de referencias a películas y series míticas sino otro homenaje fabuloso al lenguaje audiovisual del cine negro y una GOZADERA absoluta.

Casi cuadrando su debut con el cierre de la temporada 1 de Marshals: Una historia de Yellowstone, que termina la semana que viene, Kayce Dutton (Luke Grimes) le pasa las riendas a su hermana, Beth (Kelly Reilly) y a Rip Wheeler (Cole Hauser). Su destino tras los eventos del final de Yellowstone es el principal atractivo del spin-off.

Una serie que ya llega con su ración de drama entre bambalinas. Chad Feehan, showrunner de la temporada 1 y creador de facto de la serie, fue despedido por conflictos con las estrellas de Rancho Dutton y no volverá para la temporada 2. Taylor Sheridan siempre puede montar este purasangre, pero el hombre bastantes compromisos tiene ya.

Pero ese es un problema para los vaqueros del futuro. Hoy en HobbyCine, te traemos nuestra crítica de los cuatro primeros episodios de Rancho Dutton, el nuevo spin-off de Yellowstone.

El drama siempre acecha a los Dutton

Como ya sucediera con Marshals: Una historia de Yellowstone, Rancho Dutton parte de una calamidad que sobreviene a Beth y Rip. Sin embargo, a diferencia de lo sucedido con el spin-off de Kayce, esta vez no se siente como una patada en el estómago tras el final de la serie original.

No voy a entrar en detalles para no arruinarte la serie, pero las circunstancias empujarán a este matrimonio que vimos evolucionar en Yellowstone a dejar atrás Montana. Texas espera con una oportunidad de comenzar de nuevo... o de encontrar nuevos desafíos.

Esencialmente, Rancho Dutton va a invertir la premisa de Yellowstone; ahora, Rip y Beth son los recién llegados. En la región a la que se mudan hay varios ranchos, pero uno destaca por encima de todos y tiene una matriarca feroz, Beulah Jackson (Annette Bening) al frente.

Igual que John Dutton III (Kevin Costner) tenía sus raíces metidas hasta lo más profundo de Montana, Beulah las tiene en esa región texana. Y al igual que los Dutton, la familia Jackson es... peculiar. Quizá tenga demasiadas similitudes con los Dutton al comienzo de la serie original.

En cualquier caso, ya sabrás que Rip y Beth no son de los que se amedrentan fácilmente. Tarde o temprano se armará la marimorena en esta contienda ranchera.

Los episodios de Rancho Dutton cumplen con el patrón de entre 45 y 55 minutos, aproximadamente; es suficiente para saciar el apetito neowestern semanal. En estas cosas no suele haber problema con las series de Taylor Sheridan.

Rancho Dutton respeta la tradición de Yellowstone

Experimentar con Yellowstone es algo que se antoja necesario y, si me apuras, interesante. Marshals lo ha intentado al mezclar la historia de Kayce con una serie procedimental. Como base, es interesante, pero luego han hecho casi todo mal.

Eso no sucede en Rancho Dutton. Este spin-off coge todos los elementos que funcionaban en Yellowstone y te los da bien colocaditos. La batalla de poder es la trama central, claro, pero luego tenemos esas historias más pequeñas que, poco a poco, aportan y expanden el trasfondo de los personajes y hacen que nos encariñemos, o quizá odiemos, a ciertos tipejos.

No faltan los personajes pintorescos ni esas escenas reflexivas sobre la vida rural estadounidense y esos contrastes entre las grandes ciudades y las zonas ganaderas.

Y por supuesto que hay dramita ranchero, que es por lo que has venido. Las vicisitudes del día a día en el rancho, el trabajo de vaquero y los desafíos que afrontan en una industria tan encantadora como competitiva son la sangre que mueve esta serie.

Quítate el sombrero ante este repartazo

Técnicamente, Rancho Dutton cumple con lo esperado. Su fotografía no es tan encantadora como en The Madison, pese a correr a cargo de Christina Alexandra Voros, pero tampoco lo necesita. Brian Tyler y Breton Vivian se encargan de la música, por lo que el hilo conductor con Yellowstone no desaparece.

Pero es el elenco donde hay que aplaudir con más ganas. Kelly Reilly y Cole Hauser se meten de nuevo en la piel de sus personajes como si jamás hubieran dejado de interpretarlos. Mejor que en la temporada final de Yellowstone, si se me permite.

Finn Little también regresa como Carter, aunque ya no es un niño; por si esa barbita que se nos ha dejado no es suficiente indicativo. Qué rápido crecen. El actor tiene su propia subtrama y, afortunadamente, no se trata de un pegote intrascendente como la de Ainsley Norris (Michelle Randolph) en Landman: Un negocio crudo ni hace de adolescente siempre enfadado como Tate Dutton (Brecken Merrill) en Marshals.

La de Carter es una historia que resuena con la trama principal, haciéndola relevante. No es especialmente innovadora, pero nada lo es en realidad en Rancho Dutton. Esto sería muy malo si no se hubiera sabido llevar adecuadamente.

Tenemos también a Annette Bening como Beulah Jackson, un papel que, pese a ser típico, es llevado con maestría por la actriz nominada a cinco Óscar. Además, Beulah no es una villana sin matices, sino que la serie le otorga un trasfondo de personaje ambiguo.

Y luego está Ed Harris. El Hombre de Negro de Westworld vuelve a ponerse sombrero (y gorra) con un papel que, por ahora, es secundario, pero que roba escenas cada vez que aparece.

Los cuatro primeros episodios de Rancho Dutton sientan las bases de lo que está por venir, al tiempo que van desarrollando a los nuevos personajes para que nos sintamos cómodos con ellos. Mejora en todo a Marshals: Una historia de Yellowstone.

Hasta la esencia de John Dutton está mucho más presente en esta serie que en la de Kayce, a pesar de no transcurrir en Montana. Rancho Dutton sí parece un spin-off de Yellowstone, y ni siquiera necesita recordárnoslo de forma descarada.

SkyShowtime estrena este viernes 22 de mayo Rancho Dutton con todo lo que hizo grande al Universo Yellowstone de nuevo en la pantalla.

Con Lou Llobel y Jacob Scipio liderando el elenco, la trama de la cinta sigue a Maddie y Tyler, una pareja que decide dar un vuelco en su forma de vivir y se lanza a la carretera emprendiendo una vida en su furgoneta mientras recorren el país.

Durante su aventura, se topan por la noche con un brutal accidente de tráfico. Al parar a comprobar qué ha pasado, ven cómo el conductor parece ser arrastrado por algo al interior del vehículo. Pero, cuando se acercan, solo ven el cadáver del conductor y nadie más a su alrededor. Aparentemente.

Pronto se dan cuenta de que, lo que parecía ser un aislado accidente, en realidad forma parte de algo mucho más siniestro. Debido a que pararon a atender el vehículo accidentado, ahora se han convertido en el objetivo de una terrible y mortífera entidad demoníaca conocida como "El Pasajero", que no se detendrá ante nada hasta acabar con la vida de la feliz pareja.

El pasajero nocturno, ideal para los amantes del cine de terror

Reconozco que, cuando me encargaron la crítica de esta película, el nombre de André Øvredal me sonaba de oídas por algunas noticias que he publicado sobre sus trabajos, pero aún no había visto nada de su filmografía.

Para familiarizarme un poco con su estilo, me puse el otro día la que consideran que es su película mejor valorada, La autopsia de Jane Doe. Y, por lo que vi, parece que es un director que sabe jugar muy bien sus cartas con el terror creando mucha tensión y angustia.

A falta de ver el resto de sus largometrajes, esa misma sensación es la que se me ha quedado tras ver El pasajero nocturno. Desde el minuto es una película que te mantiene en vilo y pegado al asiento, con muchos momentos de lo más inquietantes y espeluznantes que rematan con muy buenos sustos. Aunque te huelas la tostada desde hace rato, el brinco en el asiento lo acabas pegando.

Como la entidad ataca de noche, la mayor parte de la película transcurre en la oscuridad plena que rodea a las carreteras secundarias. Øvredal juega muy bien con ese elemento, pues no sabes de qué manera aparecerá El pasajero.

Por supuesto, esta atmósfera espeluznante no funcionaría en pantalla de no ser por la interpretación de sus actores. Mención especial merece Lou Llobell, que se come la pantalla con sus expresiones de auténtico terror durante las escenas más angustiosas, hasta el punto de meterte en sus huesos y sentir esas mismas sensaciones.

Sin entrar en muchos detalles, hay una escena nocturna en un parking que es toda una delicia para los que les gusta pasarlo mal viendo películas de terror. Una secuencia que es mucho más impactante e inquietante si la ves en el cine, pues el sonido también es un elemento clave, no solo por los sustos, sino por cómo te envuelve durante los momentos más tensos de la cinta.

No obstante, si tengo que ponerle alguna pega, sería el último acto. Ojo, el final me ha gustado, pero hay algunos momentos que me han chirriado un poco.

Lo más notorio sería que da un giro demasiado brusco para dar paso a ese acto final, dejando a un lado ese desarrollo a fuego lento para ir a saco con el desenlace.

Pero también hay ciertas situaciones que me han parecido un tanto inverosímiles (dentro de los protagonistas humanos, se entiende), al menos por cómo se da a entender en pantalla. No quiero profundizar para no destripar nada revelador, pero es posible que te deje esa misma sensación cuando lo veas.

A pesar de estos ligeros inconvenientes, si ya estás familiarizado con el cine de André Øvredal, seguro que lo gozarás con El pasajero nocturno. Si no, a poco que te guste el género de terror, quedarás igualmente encantado con la película, por lo que no dudes y ve corriendo al cine a verla. Si te atreves, claro.

Nada más arrancar es evidente que la serie tiene muchas y variadas deudas: con películas como el ET de Steven Spielberg (ojo a la banda sonora y su utilización) o la serie La dimensión desconocida y con películas más cercanas en el tiempo como Vivarium o No te preocupes querida.

La originalidad de la propuesta radica no solo en el mix de géneros con comedia, drama, terror y ciencia ficción sino en el hecho de que los protagonistas sean personas mayores, justo como El club del crimen de los jueves, solo que aquella supo crear sensaciones mucho más favorables.

Las razones son variadas: era una película con sólida base literaria y guión bien articulado, con un reparto engrasado a las mil maravillas, que tenía química, se ajustaba a los roles y generaba una camaradería cómica muy especial. En el caso de The Boroughs hay intérpretes que funcionan (destacan Denis O'Hare y Clarke Peters) y otros que no terminan congeniar con el resto o a los que les falta carisma desde su concepción.

Además les toca defender un libreto que no necesita en absoluto ocho episodios de entre 40 y 50 minutos de duración para lo que necesita contar. Uno de sus claros defectos es el de dar un golpe de efecto al comienzo y al final de cada episodio, alimentando el resto con mucho relleno y con incógnitas que no aspiramos a resolver.

Pueblo pequeño, infierno grande

Sam Cooper acaba de quedarse viudo y está a punto de convertirse en uno de los nuevos residentes de The Boroughs, una urbanización idílica en la que pasar sus solitarios días en compañía de otras personas de su edad jugando al golf, yendo a la piscina y disfrutando de la vida.

Sin embargo, él no está por la labor de dejarse llevar: aún sufre por la ausencia de su esposa y no siente que encaje en el lujoso complejo situado en pleno desierto de Nuevo Mexico, lejos de todo.

Sus vecinos le darán una cálida bienvenida, pero pronto les golpeará la desgracia mientras emergen amenazas desconcertantes en plena noche. Será el momento de que Sam haga gala de sus conocimientos de ingeniero para aliarse con sus compañeros y descubrir qué se oculta detrás del aparentemente perfecto vecindario.

Un producto 100% Duffer

El sello de los hermanos en la producción es inconfundible porque llevan muchas de las ideas de Stranger Things a esta nueva serie. En primer lugar lo más obvio: la creación de un grupo de héroes improbables que en lugar de ser niños son septuagenarios.

En segundo lugar, la nostalgia: de nuevo hay interferencias entre los fenómenos sobrenaturales que experimentan los personajes y los aparatos analógicos. Esa misma vertiente melancólica se trasluce en las muchas referencias narrativas, visuales y sonoras que nos remiten a obras previas, como las que hemos apuntado al principio.

Pero The Boroughs también está impregnada de algunos de sus peores defectos como creadores: demasiado CGI para los efectos especiales, agujeros en la historia con subtramas que se quedan en el aire, mucho impacto inicial y cliffhanger y poca sustancia a fin de cuentas.

Es una serie entretenida, tiene un arranque muy prometedor, pero le falta coherencia interna y sentido del humor. Incluso desarrollo de personajes, para despertar la empatía de los espectadores y trasladar sensación de grupo. Hay una serie extraordinaria dentro de ésta, pero habría requerido el arrojo de innovar un poco más y recortar lo redundante e innecesario.

Este es un nuevo thriller protagonizado por dos estrellas televisivas indiscutibles como son la actriz canadiense Tatiana Maslany que nos volvió locos de remate con Orphan Black y el australiano Murray Bartlett que tanto nos hizo disfrutar en la primera temporada de The White Lotus.

Destacan dos aspectos importantes de esta serie: por un lado el ritmo vertiginoso al que se desenvuelve, con momentos de puro delirio en el que el montaje es una obra de orfebrería y por otro lado los toques de humor en una historia en la que late de fondo un drama familiar que pone de relieve las dificultares para mantener la custodia de una menor cuando el nivel de ingresos es inferior al del excónyuge si tiene acceso a una batería de insaciables abogados.

La historia funciona porque el elenco, como decíamos, es excepcional y los problemas a los que se enfrentan no caen lejos de la realidad: la soledad, el hartazgo, la presión, la búsqueda de soluciones fáciles y la manera en la que los estafadores se aprovechan de la gente corriente que se convierte, como dicen aquí, en un "imán para los problemas". Habrá quien recuerde películas como Solo las bestias viendo esta serie, aunque estilísticamente esté en las antípodas.

Más allá del sexo online

En los últimos tiempos nos estamos acostumbrando a ver cómo ciertas series y películas presentan las plataformas de sexo online como fuentes de satisfacción mutua para trabajadores y clientes (ahí está la visión cómica de Euphoria y la amable de Margo tiene problemas de dinero, por poner ejemplos bien recientes). Esta serie habla de algunos de los riesgos que puede entrañar su uso y la forma en la que se pueden aprovechar las vulnerabilidades que generan.

Todo comienza cuando Paula Sanders, una periodista divorciada en plena batalla legal con su exmarido para retener consigo a su hija, empieza a pasar cada vez más tiempo online con un joven llamado Trevor con el que mantiene relaciones sexuales virtuales de forma esporádica previo pago.

Un buen día, en medio de una conversación a través de sus webcams, es atacado de forma muy violenta, algo que ella se apresura a grabar y denunciar a la policía.

La inspectora a cargo del caso le recomienda ser cauta y no creer nada de lo que ha visto, porque todo apunta a una estafa online de tipo romance scam. En efecto, empieza a recibir llamadas exigiéndole dinero a cambio de un rescate que irán subiendo de tono hasta que se decida a investigar por sí misma.

Satisfacción garantizada consta de 10 episodios de unos 35 minutos de duración en los cuales hay muchas vueltas de tuerca y una minuciosa dosificación de la información para mantener el misterio de los personajes, que cada vez generan una mayor curiosidad. Son las ventajas de irlos revelando poco a poco, sin pausa pero sin prisa, a medida que se desarrolla la historia.

A su vez, plantea ciertas cuestiones generacionales muy interesantes como el sexo en la madurez fuera de las convenciones sociales y la ingenuidad a la hora de hacer uso de las nuevas tecnologías en la que es fácil incurrir cuando no se tienen dobles intenciones. Pero nada es lo que parece a simple vista, las sorpresas son constantes en una serie que nunca se detiene, que juega con las expectativas de los espectadores y de la protagonista misma en un apasionante thriller de esos que te dejan exhausto.

Traslada a la perfección la sensación de urgencia, de paranoia y de tensión de una persona que se siente contra las cuerdas. Con estos mimbres, ¿quién se resiste a levantar la mano del mando?

Se trata de Victoria Martín, reconocida humorista, locutora de radio, guionista, escritora y actriz a la que hemos visto recientemente en Entrepreneurs o Rafaela y su loco mundo, por ejemplo, pero que también es asidua a Ilustres ignorantes donde ha compartido mesa con Marc Giró o Fernando Tejero.

Debutó, y esto es interesante, en su propia serie Válidas, junto a Carolina Iglesias y ha sido la ganadora de dos premios Ondas por Estirando el chicle y Malas Personas. En 2024 lanzó su primera novela, Se tiene que morir mucha gente, basada en un guión para televisión que nadie le compró en su día y que ahora adapta a serie para la plataforma, con seis capítulos de unos 25 minutos de duración en los que describe la amistad entre tres mujeres que atraviesan un momento de crisis personal y existencial importante.

La historia quiere dinamitar los tópicos sobre la sororidad y la pujante manía de idealizar la amistad femenina para explorar relaciones mucho más imperfectas y realistas basadas en sentimientos complejos como la envidia, la camaradería, la confianza y el hartazgo. Vamos, lo que conforma una amistad real y experimentamos a diario aunque, eso sí, a tope de intensidad, sin miedo a la corrección política ni a molestar a la audiencia.

Uno de sus principales atractivos es que no se ha visto obligada a prescindir de nada: los tacos, las situaciones extremas y sus dinámicas provocadoras e irónicas están presentes con todas sus consecuencias, le pese a quien le pese, dejando constancia de su sello personal para la comedia.

Hija, eres un cuadro

Bárbara es guionista en el late night No te hagas líos que está al borde de la cancelación por la pérdida de audiencia y la falta de talento del equipo, que ha dejado de creer en su trabajo. Atraviesa, según ella, una profunda depresión que la ha convertido en una verdadera adicta a los ansiolíticos que consume sin cesar, como si fueran caramelos.

Convive con Maca, su amiga desde la infancia, que quiere ganarse la vida como actriz, pero entre tanto trabaja como camarera. Un buen día, Elena, la tercera en discordia, contactará con ellas para invitarlas a su casoplón, donde dará a conocer el sexo del bebé del que está embarazada.

A punto de salir de cuentas, tiene una revelación: vive en una jaula de oro y quiere abandonar a su marido sexagenario, mudándose a vivir con ellas y dejando atrás un mundo de apariencias e hipocresías del que se ha hartado.

Es la gota que colma el vaso de Bárbara, que mantiene consigo misma abundantes y dolorosas conversaciones en la que se desprecia y ningunea sin descanso. Si su vida está patas arriba, ¿cómo va a ayudar a Elena? ¿La aguantará la fiel Maca?

Se tiene que morir mucha gente echa mano de un recurso estupendo, que es externalizar la conciencia (y la mala baba) de la protagonista, que se le aparece en forma de sí misma siendo una niña.

Si Anna Castillo (Su majestad) está estupenda, como suele ser costumbre, acompañarla de una irreverente y elocuente Sofía Otero (que brilló con luz propia en su debut en 20.000 especies de abejas) es una decisión perfecta de casting. Ambas tienen mucha química en pantalla y se complementan de maravilla en un trabajo a dos bandas en el que por una parte vemos cómo se comporta el personaje y por otra lo que piensa en realidad con esos apartes tan burros.

Completan el reparto femenino principal Macarena García, Laura Weissmahr y Alba Galocha. Todas ellas defendiendo papeles complicados de mujeres sujetas a fuertes contradicciones y que, sin embargo, tienen que aprender a convivir consigo mismas y con sus decisiones, aunque a veces no puedan ser más desacertadas.

Como venimos expresando desde el principio, probablemente el humor de Se tiene que morir mucha gente no sea del gusto de todo el mundo: tiene su parte escatológica, su retranca feminista y una valentía a veces kamikaze a la hora de denunciar cómo nos dejamos llevar pero es todo tan nítido y está servido de una forma tan honesta que es difícil no entrar.

Rezuma impostura, acidez y deja ver el talento de Victoria Martín para hablar de cuestiones que conoce de primera mano, como demuestra en toda la parte metatelevisiva de la creación del late night y el periplo de la protagonista como guionista.

En Lucasfilm escogieron a los personajes de la serie que cimentó la incursión de la franquicia en Disney+ para que dieran el salto a la gran pantalla. The Mandalorian dividió con su temporada 3, pero las dos primeras son de lo mejorcito que ha hecho Star Wars en la era Disney. La elección tenía lógica desde el punto de vista comercial.

Al frente de la fiesta tenemos a Jon Favreau, creador de The Mandalorian y director de películas supertaquilleras como El libro de la selva o El rey león. Por no mentar el hecho de que fue quien sentó las bases del Universo Cinematográfico de Marvel con Iron Man en 2008.

Así que vamos a ver qué nos han preparado Favreau, Dave Filoni y compañía. Hoy en HobbyCine, te traemos nuestra crítica de The Mandalorian and Grogu. Aunque solemos incluir sección con spoilers en nuestra cobertura de series de Star Wars, en el caso de la película no lo haremos y los trataremos de forma independiente. Así que lee sin miedo.

Una historia sencilla

Uno de los handicaps con los que parte The Mandalorian and Grogu es el hecho de que llevamos tres temporadas (y esos episodios de El libro de Boba Fett) viendo el desarrollo de los personajes. Esto hace que el listón para la nueva película esté muy alto.

The Mandalorian and Grogu parte tiempo después de los eventos de la temporada 3 de The Mandalorian. Din Djarin y Grogu han regresado a su vida de cazarrecompensas, pero ahora priorizan los trabajos para la Nueva República. Eso supone que, principalmente, se dedican a dar caza a esos señores de la guerra que pretenden restaurar el Imperio Galáctico.

Uno de esos encargos se retorcerá en exceso y meterá a nuestros héroes en un berenjenal del que no será tan fácil salir. El vínculo entre Din Djarin y Grogu será clave para que puedan salir airosos de una disputa que Lucasfilm lleva unos años cocinando entre bambalinas.

The Mandalorian and Grogu no es una película larga, apenas 2 horas y 10 minutos si contamos los títulos de crédito. Esto es de agradecer. Por un lado, ha evitado que su "modesto" presupuesto (se estima que ha sido de 166 millones de dólares) acuse una película demasiado larga; por el otro, multiplica las sesiones que se pueden ofrecer en salas.

Volviendo a lo narrativo, la sencillez de la historia es, probablemente, uno de los aspectos más problemáticos de The Mandalorian and Grogu. Vas a leer varias veces cómo nos quejamos de eso, así que no te asustes.

Espectáculo audiovisual para camuflar una historia menor

Si The Mandalorian and Grogu hace que tengas sentimientos encontrados, es lo normal. La película tiene lo mejor y lo peor de Star Wars y lo condensa en 2 horas. Eso no es fácil de asimilar. Han pasado semanas desde que la vi en el pase de prensa y aún lidio con un debate interior sobre ciertos aspectos.

De acción estamos servidos. The Mandalorian and Grogu no para desde su mismo comienzo. Jon Favreau se asegura de que la película tenga un poquito de todo: persecuciones, combate de naves, duelos cuerpo a cuerpo o luchas por sobrevivir contra monstruos.

Visualmente es muy atractiva. La película se beneficia de varios cambios de entorno, como merece todo largometraje de Star Wars, por lo que no se hace monótona. David Klein, que ya trabajó en El libro de Boba Fett y Star Wars: Tripulación perdida, cumple sobradamente con su labor de director de foto.

La huella de Phil Tippett se nota a lo largo de la película, dando ese carisma de los efectos prácticos a las criaturas que vemos en pantalla. Pero a veces no queda tan bien esta combinación entre CGI y marionetas.

El mejor ejemplo es el animatrónico de Grogu cuando tiene que hacer movimientos rápidos que no quedan demasiado realistas ante la cámara. Es un trabajo difícil, pero deja entender por qué George Lucas descartó la marioneta de Yoda en la trilogía de las precuelas en favor de CGI, previendo las escenas de acción del gran maestro.

Y el tres veces ganador del Óscar, Ludwig Göransson, mantiene bien alto el listón musical con su banda sonora. Como imaginarás, es bastante continuista con la serie de Disney+.

Pero todo este espectáculo no consigue ocultar que The Mandalorian and Grogu cuenta una historia que, a todas luces, es menor. Ya no digo que sea menor en comparación con otras películas de la saga, a excepción de Han Solo: Una historia de Star Wars, es que es menor incluso que el legado de la propia serie.

Puede que la temporada 3 de The Mandalorian sea divisiva, pero su escala real (y relevancia galáctica) es superior a lo que nos espera en la nueva película.

Esto me hizo retroceder a principios de 2024, cuando se anunció por primera vez la película. En su momento, y desde entonces me he repetido varias veces en HobbyCine, recalqué la importancia que tiene contar una historia que justifique que estos personajes tengan una aventura en solitario en la gran pantalla. Si vas a contar algo que, en cierto modo, es rutina en la serie, cuéntamelo en la serie.

Pues ese temor, a mi parecer, se cumple en The Mandalorian and Grogu. No es un desastre, pero sí una oportunidad perdida. Cierto es que la película nace de una necesidad. Las huelgas de Hollywood en 2023 truncaron los planes de la temporada 4 y Jon Favreau reescribió casi toda la historia para encajarla en un largometraje.

Desgraciadamente, la intrascendencia general de esta aventura es un punto negativo para The Mandalorian and Grogu. Insisto en que no es que te vayas a aburrir, pero como fan de Star Wars esperaba algo más.

¿Hace falta ver la serie para entender The Mandalorian and Grogu?

Pregunta legítima es esa de la necesidad de haber visto The Mandalorian. Sí y no. Puedes ver perfectamente The Mandalorian and Grogu sin hacer los deberes y no vas a estar más perdido que un wampa en Tatooine, pero te va a faltar algo.

Los 24 episodios de The Mandalorian y esos capítulos de El libro de Boba Fett en los que Boba Fett era un secundario construyen la relación del Clan de dos (Din Djarin y Grogu). Aunque lo puedes dar por sentado porque la mercadotecnia de Disney se ha encargado de dejar claro que son uña y carne, no será lo mismo.

Entender el vínculo entre ambos será importante en el tramo más "tranquilo" de The Mandalorian and Grogu. Aunque la película se ha concebido para poder ser disfrutada de manera independiente, venir de las series le da un plus de emotividad.

Aciertos y rarezas en el elenco

Una cosa que me ha gustado mucho de los créditos de apertura de The Mandalorian and Grogu es que se honre a los actores a los que vamos a ver más tiempo encarnando a Din Djarin. Solemos hablar de Pedro Pascal todo el rato, pero en realidad él pone la voz y solo se enfunda la armadura de beskar cuando toca quitarse el casco.

Que se incluye en esos créditos a los dobles de acción Brendan Wayne y Lateef Crowder hace justicia a un trabajo que llevan años realizando, aunque para muchos pase inadvertido.

Luego está Martin Scorsese, un cameo que me habría gustado descubrir DESPUÉS de ver la película. Sabiendo quién es tras el anuncio a bombo y platillo, me parece un cameo de voz inflado.

Y hablando de voces... The Mandalorian and Grogu cuenta con Jeremy Allen White (The Bear) como Rotta el hutt, Apestosito para los fans de The Clone Wars. No caí en la cuenta de un detalle hasta que, hablando con compañeros críticos, destacaron lo absurdo que es fichar a un actor conocido para un personaje que, por su naturaleza, necesita que le modulen la voz.

Los hutt tienen un tipo de voz muy particular y apenas parece que se trate de la estrella de The Bear en versión original.

Sigourney Weaver suma otra saga de ciencia ficción a la lista y, aunque su papel es secundario, aporta esa confianza en una reina del género que solo actrices como ella pueden brindar.

Star Wars necesita encontrar nuevas historias que contar

Como conclusión, no puedo decir que The Mandalorian and Grogu sea la película que devolverá la gloria a Star Wars. Desgraciadamente, se siente demasiado como un producto. Casi toda la saga lo es, ojo, pero generalmente encontraban una motivación especial para hacernos ir al cine.

En el caso de la película de Jon Favreau, más allá de disfrutar de los efectos especiales y la experiencia prémium que ofrecen salas IMAX y demás formatos, no hay más que rascar.

Resulta irónico que el principal problema de The Mandalorian and Grogu sea venir de una de las series más espectaculares de Star Wars en Disney+. El listón estaba muy alto y hacía falta una historia potente para superarlo, y esta no lo es.

Seguramente vas a escuchar mucho que "es un capítulo largo", porque lo es. Es la mejor manera de definirlo. ¿Lo que pasa tendrá trascendencia de cara al futuro de la franquicia? No lo sé. Solo hay un par de flecos de los que tirar, en apariencia.

¿Merece la pena verla en cines? Sí, porque visualmente es espectacular, pero lo mismo se podría aplicar a algunos episodios de la serie. Pero no esperes que narrativamente vaya a ser más que un popurrí de fan service. Y puedes creerme cuando digo que ojalá me hubiera equivocado con aquella primera impresión.

A Star Wars le hace falta explorar nuevos horizontes, y eso pasa por empezar a explorar otras épocas más alejadas de la Saga Skywalker y las sobreexplotadas eras de la Guerra Civil Galáctica y la Nueva República. Ahora mismo, el proyecto que más me interesa es la película de James Mangold sobre el descubrimiento de la Fuerza; y ni siquiera tengo claro que vaya a salir adelante.

The Mandalorian and Grogu se estrena en cines este jueves 21 de mayo. No es una mala película, pero tampoco un gran regreso para Star Wars. Sobre temas de spoilers, hablaremos pronto.

Kang Eun-Kyung regresa a Netflix como creadora de Los SUPERfrikis después de haber tanteado el terreno de los superpoderes en la serie Una familia atípica, pero en lugar de hacer que sus personajes pierdan sus habilidades especiales, aquí las van descubriendo y explorando.

Está lejos de ser una revolución para el género, pues toca muchos lugares comunes que ya hemos visto en producciones de este estilo, con bastantes reminiscencias a X-Men, sólo que aquí se presentan además sin demasiada gracia, y no porque falte comedia.

Basta con ver la portada de la nueva serie coreana de Netflix para darse cuenta de que la historia va a apostar por un tono muy desenfadado, y así es una parte considerable de la producción.

Su trío protagonista, encabezado por la actriz Park Eun-bin, es el que se lleva gran parte del peso narrativo y cómico, al presentarnos a unos personajes inadaptados que adquieren superpoderes y deciden buscar ayuda en un funcionario encarnado por Cha Eun-woo que ya domina los suyos, adoptándolo como maestro en esta nueva etapa de sus vidas.

Este grupo lleva la sobreactuación a unos límites ridículos en sus interpretaciones, desde gestuales hasta físicas, tirando mucho de slapstick antes que ofrecer un humor más enfocado en el diálogo.

Los SUPERfrikis es casi una serie de Marvel, casi

Es curioso descubrir cómo en origen este proyecto nació inspirado por unos cómics de Stan Lee sobre un grupo superheróico de segunda y el científico loco que los creó, antes de que la productora de Los SUPERfrikis decidiera sacar la serie adelante como una propiedad intelectual original.

Pero algo queda del poso Marvel en ella: la ambición. Despojada del humor macarra y los chistes constantes que predominan en las series y películas del UCM, esta apuesta es mucho más infantil, menos trepidante y con una dirección visual pobre que no se ajusta a lo que quiere contar.

Como casi todas las producciones que se realizan en la actualidad, ésta se encuentra también oscura y desaturada sin más motivo que el de seguir la uniformidad visual que impone Netflix en las especificaciones técnicas para los contenidos que lanza, así que quizá sea algo injusto echarle toda la culpa a la propia serie aunque mate su identidad.

Tal vez también exista alguna otra excusa para explicar su maquillaje criminal, mientras los efectos especiales se limitan a ser cumplidores para sostener las necesarias secuencias de acción que se van volviendo cada vez más habituales a medida que avanza la trama.

Además hay una progresión en el tono pues, con la introducción del grupo antagónico, Los SUPERfrikis busca un contrapunto que se inclina hacia el drama, queriendo igual tomarse más en serio a sí misma para hablar de experimentación infantil, y buscar algo de profundidad en dilemas morales y con la representación de la religión.

Si bien antes mencionaba X-Men, por aquello de los grupos de personas mutantes buscando crear comunidad, viniendo de Netflix incluso un paralelismo con Stranger Things podría ser más preciso, ya que esa serie del mismo modo fue haciéndose más oscura según descubríamos cómo su principal villano también era sometido a torturas en un laboratorio de niño.

Pero aún con sus buenas intenciones, no hay nada que la haga funcionar. Ni siquiera la mezcla de flashbacks y flashforwards para impostar su complejidad consiguen hacer que su guion sorprenda, y resulta fácil adelantarse a las tramas que propone, incluido el evidente giro romántico en la relación de sus protagonistas.

Todo ello por no hablar de la inconsistencia en sus tiempos, con episodios irregulares que se alargan más de la cuenta hasta un insufrible capítulo final que se excede hasta la hora y media de duración creyéndose la tercera temporada de Good Omens.

Los SUPERfrikis no consigue ningún objetivo de los que se propone, ni ser divertida, ni ser enrevesada, ni hacerte conectar con sus personajes, y aún así parece que Netflix tenía ciertas expectativas con ella, pues al menos la estrenó doblada al castellano.

Eso sí, desde que Los SUPERfrikis pisó la plataforma de streaming el pasado viernes 15 de mayo, lanzando sus ocho episodios, Netflix no ha logrado hacer que la propuesta conecte con la audiencia global y, por ahora, sigue fuera del Top 10 de las series de habla no inglesa más vistas del momento. ¿Casualidad? No lo creo.

Good Omens presenta su tercera y última temporada reconvertida en película-evento; una suerte de requiem que barre los restos de algo que fue tremendamente especial.

Las polémicas que rodean a Neil Gaiman añaden una capa más de incomodidad a un resultado que, despojado de todo contexto, sigue siendo poco funcional... aunque recuerde parte de lo que un día fue en su última secuencia.

De aquellos polvos, estos lodos: Crowley (David Tennant) y Aziraphale (Michael Sheen) han visto su despedida reducida a un único episodio de apenas noventa minutos. Y el poco tiempo que tiene, lo desaprovecha.

Good Omens ya no parece infinita

La tercera temporada de Good Omens retoma la historia con un golpe de efecto narrativo salvaje a todas luces: el Segundo Advenimiento, el regreso del hijo de Dios, en medio de la separación entre ángel y demonio protagonistas.

Aziraphale ha ascendido en la jerarquía celestial para introducir una reforma que haga que los ángeles vuelvan a preocuparse por todos inspirado por las intenciones de Crowley, que se queda en la Tierra derrotado, beodo y emocionalmente devastado.

Pero la segunda venida de Cristo, para cualquiera que esté poco pendiente de la tradición cristiana, marca, precisamente, un nuevo apocalipsis: el del fin de los tiempos. El de la corrección y la cordura del juicio final.

Aquí viene el gran problema estructural del episodio de despedida: mientras la serie, de pura lógica, sigue creciendo en dimensiones filosóficas y morales, visual y narrativamente se va encerrando poco a poco entre espacios reducidos y un par de calles londinenses.

El resultado es algo casi teatral. Cuatro escenarios en rotación que cámara y efectos especiales intentan exprimir como si de una compañía cultural independiente se tratase. Pero no en el buen sentido.

La grandilocuencia de su historia se estampa con sus limitaciones visuales. Donde debería aparecer intimidad, aparece artificio, contradiciendo su propia identidad.

Un daño mortal para una serie con la personalidad de Good Omens. Porque su propuesta siempre ha vivido, precisamente, entre lo íntimo y lo cósmico. Como una buddy movie romántica disfrazada de sátira religiosa absurda a lo Book of Mormon.

Pero esta vez el equilibrio de esa balanza tan peligrosa se rompe y el universo pierde dimensión. Cielo e Infierno ya no parecen estructuras eternas, sino ridículas oficinas que sólo fingen grandeza metafísica.

Duele, precisamente, porque la serie venía de construir una identidad visual poderosa desde su lenguaje visual barroco y teatralizado. Lo contaba cuando vi su segunda temporada: Good Omens vive de la exageración plástica y de la química de sus protagonistas.

La sonrisa amarga de Crowley y Aziraphale

No hay temporada sin Tennant y Sheen. De hecho, no habría serie sin ellos. Son el refugio ante el juicio final.

Crowley sigue caminando como si la existencia le debiera dinero. Aziraphale vuelve a tener ese don casi imposible de convertir la bondad en una personalidad carismática.

Puedes hacer la prueba de su química: pon este episodio-película final a alguien que jamás haya visto la serie. Se quedará por su historia. Por ellos dos. Como todos nosotros. Y lamentará lo atropellado que es el final.

Se nota constantemente que había material para una temporada canónica y que han amputado tramas completas; hasta el propio Cristo himself se convierte en un Macguffin.

Piensa sólo en el potencial que tiene, per se, la idea de traer a Jesús al presente para elevar la sátira en una época en la que Dios vuelve a vender discos. Pero Good Omens 3 no tiene tiempo para todo.

El ingenio y la personalidad heredada de Pratchett siguen ahí, latiendo, pero se nota la ausencia de una dirección creativa y narrativa clara. Contaminada externa, interna y, sobre todo, emocionalmente, la serie agoniza hasta desaparecer.

La tercera temporada de Good Omens asume que su historia nunca fue sobre el apocalipsis. Era de ellos, Crowley y Aziraphale. Y, quizá, por eso consigue emocionar en su final.

No he podido disfrutar de esta despedida. Sus dos primeras temporadas servían de refugio emocional entre tanta copia de producto. Pero el final dibuja una sonrisa amarga.

La honestidad emocional en la interpretación de Tennant y Sheen es la que hace justicia por los personajes y su historia. La que da algo de alivio entre tanta decepción.

Esta despedida no hace justicia a todo el ingenio visual, narrativo y sentimental que convirtió a Good Omens en una rareza maravillosa. Pero sí hace algo de justicia por Crowley y Aziraphale. Visto lo visto, era lo único que realmente podía salvarse.

La semana pasada le tocó el turno a Mickey, el hermano de Carmy en The Bear en el episodio especial titulado Gary, que se lanzó por sorpresa como preludio a la temporada final y esta semana desembarcamos en la psique de un Frank Castle que ha tocado fondo en The Punisher: One Last Kill y lucha con sus fantasmas internos: recuerdos pesadillescos y una grave crisis de identidad.

Lo primero que hay que decir es que el nivel de compromiso del actor con su personaje, de nuevo, es bestial: lo da todo para que comprendamos el calvario por el que está pasando y carga con el peso protagonista en todo momento, pero llama la atención que sea Frank quien aún no haya aceptado que es The Punisher y lo asuma plenamente.

Éste era uno de los reproches críticos más habituales a la serie y que aquí vuelve como un boomerang de nuevo para volver a ser la piedra angular del episodio... cuando ya debería estar bastante superado, tiempo ha tenido.

Bien se avisa al comienzo de la emisión que se trata de una historia creada para el público adulto y que contiene violencia explícita que puede herir la sensibilidad de los espectadores. Nunca un descargo de responsabilidad estuvo tan justificado porque la sangre no tarda en empezar a fluir, aunque quizás sea aún más desconcertante y perturbador ver el grado de enajenación mental del que hace gala, que le lleva incluso a autolesionarse.

No habrá paz para los malvados

Castle aborda una etapa de deconstrucción tratando de encontrar un propósito pacífico que le aleje del contexto de la venganza criminal asfixiante del que intenta escapar mientras lidia con sus demonios internos y los momentos más traumáticos de su vida anterior.

Sus planes se vienen abajo cuando Ma Gnucci (fabulosa y aterradora Judith Light), líder de una poderosa organización criminal y una de las enemigas más implacables de The Punisher le pone precio a su cabeza para vengar la muerte de sus hijos.

Esto provocará que criminales y asesinos a sueldo aterroricen a su comunidad asaltando comercios locales y obligándolo a retomar las armas y rehacerse para limpiar las calles. Al final, estamos (otra vez) ante una historia de origen del personaje y una nueva carta de presentación.

The Punisher: One Last Kill es, en suma, un paseo por el infierno y un escaparate de lo que podría llegar a salir de una película centrada en el personaje (con otros conflictos, se entiende). Incluso a pesar de los defectos propios de un mediometraje aislado, que es demasiado corto como para desarrollar una historia compleja y saciar a la audiencia fiel y demasiado largo si no hay un guión firme que hilvane bien el relato, demuestra que nos queda mucho por ver aún.

Regresará de forma inminente en el próximo paso de la Fase 6 del UCM, concretamente en Spider-Man: Brand New Day, así que tendremos ocasión de reencontrarnos con el antihéroe de Marvel el 31 de julio en salas de cine, aunque no con el peso específico deseado en la trama.

Y la razón es obvia: las historias centradas en Peter Parker aspiran a una audiencia amplia mientras que el grado de salvajismo y crudeza del entorno de Castle tiene un encaje complicado por su enfoque mucho más realista e implacable (hasta la sangre está bien conseguida).

A las pruebas nos atenemos: vamos a encontrar violencia física de todos los colores alejada de la estilización de John Wick y más próxima al aspecto de The Raid con malos marrulleros y una pugna por proteger a los inocentes de su destrucción a sus manos improvisando como mejor puede. Aquí se sienten los golpes y las heridas abiertas y no hay resquicio para un entretenimiento liviano ni divertido: no hay reglas, pero sí cargas onerosas.

En general, los ocho episodios (el último de una hora y veinte minutos de duración) se antojan demasiados y excesivamente largos para una trama bastante sencilla que a menudo recala en el mismo reiterativo y subrayado mensaje de que hay que "abrazar la vida".

Por lo demás, se redobla la apuesta por un diseño de producción ambicioso en el que se le saca mucho partido a las localizaciones de rodaje, especialmente Donostia y Sevilla, con su toque ecléctico y hasta kitsch (hacer a Inma Cuesta cantar "Every Breath You Take" versión chillout en una fiesta flamenca debería estar penado con cárcel, como meter a Marta Nieto en un salto de cama con la chaquetilla de un traje de luces en plan erótico).

Un Robin Hood hedonista

Mientras Berlín y Damián empiezan a planificar sus próximos movimientos, entran en contacto con el duque de Málaga, que les hace un encargo de lo más peculiar: robar para él la famosa pintura del maestro Leonardo da Vinci conocida como La dama del armiño. A pesar de ser el epítome del egocentrismo, la propuesta choca de frente con los principios de un enamorado del arte como Berlín que se siente hasta ofendido por su desfachatez y sospecha que no es la primera vez que el duque se hace con obras de arte de manera fraudulenta.

Su plan es, en primer lugar, aceptar las condiciones y, en segundo lugar, reunir a la banda para engañarlo y robarle todo su arsenal que creen que tiene a buen recaudo en su propia finca. Robar a su cliente usando su propio dinero, en pocas palabras.

Las cosas no están especialmente bien engrasadas entre los miembros del equipo. Keila y Bruce, que han iniciado una relación más seria, pasan por una tremenda crisis cuando Keila conoce a otra persona y empieza a dudar sobre su futuro y Cameron y Roi han roto de manera definitiva al punto de que apenas se dirigen la palabra.

Por su parte, Berlín va a conocer a la explosiva Candela, una carterista caradura enamorada de los placeres de la vida por la que va a perder la cabeza y que terminará formando parte de la banda por derecho propio gracias a su desparpajo y saber hacer.

Mucho enredo y poca chicha: esta segunda temporada de las aventuras de Andrés de Fonollosa hace que se sientan mucho más los altibajos narrativos porque en su voluntad de desmarcarse de la temporada anterior y hasta de la serie madre, los volantazos son tremendos.

Cualquier viso de verosimilitud salta por los aires con personajes esbozados a golpe de sentencias impactantes pero que, en el fondo, tienen muy difuminadas sus motivaciones. Da la sensación de que todo vale y de que, a su vez, todo da lo mismo.

Pero el principal foco está puesto en las pasiones: romances, infidelidades, desencuentros y hasta revelaciones de último momento que le dan una gruesa capa de almíbar a una serie que se dispersa demasiado en esta ocasión antes de llegar al "truco final".

De los nuevos fichajes, claramente el de Inma Cuesta es el más acertado: la actriz pone toda la carne en el asador y se aprecia que ha disfrutado de la experiencia de rodaje, aunque su personaje sea puro cliché de mujer de sangre caliente que tanto vende fuera de nuestras fronteras. Berlín y la dama del armiño está pensada para contentar al público internacional de principio a fin con todas sus excentricidades, mestizajes y tópicos españoles (recordemos que La casa de papel rompió moldes siendo la serie de habla no inglesa más vista de Netflix).

De este modo, el regusto que deja es de cierto nivel de hartazgo: esta saga pide reposo y, en caso de volver, con un discurso un poco más trascendente y menos frases engoladas.