El género superheróico siempre se ha enfocado bastante en la propia condición superheróica de sus protagonistas, mostrando aspectos como el despertar de sus habilidades o las amenazas a las que deben hacer frente con ellas. Al menos así ha sido en el cine.

Las series de televisión, en cambio, han conseguido ir más allá. Se han dado cuenta de que la gente con superpoderes puede ser simplemente el vehículo para contarnos una historia de cualquier género. Véase Agatha, ¿quién si no?, que es una serie de brujas, o She-Hulk: Abogada Hulka, que es un drama judicial.

Del mismo modo, también hay otra tendencia cada vez más habitual dentro del superheróico, como es la de poner en el foco de la acción a personajes que ya tienen una edad, algo que acaban de hacer con éxito producciones como Spider Noir.

Aunque todos esos ejemplos sean de Marvel, porque lleva más tiempo explorando las posibilidades expresivas del género en la pequeña pantalla, DC no se ha querido quedar atrás.

Y por eso ahora nos ofrece con Linternas una propuesta muy parecida a la de los casos anteriores, estrenando en HBO Max una serie de policías pero que está protagonizada por superhéroes con diferentes rangos de edad.

La serie de Linterna Verde se introduce en el thriller

Linternas nos introduce desde su primer episodio en una dinámica muy familiar, con Hal Jordan -encarnado por Kyle Chandler- como una suerte de policía en los últimos años de su carrera que debe tutelar a su nuevo compañero, el recién llegado al cuerpo John Stewart -interpretado por Aaron Pierre-.

Juntos comienzan a investigar un asesinato que ha ocurrido en el corazón de Estados Unidos, en la remota ciudad de Rushville ubicada en Nebraska. Y para ello se valen de la ayuda de Kerry, la sheriff local encarnada por Kelly Macdonald.

Si no fuera porque Hal Jordan es en realidad un Linterna Verde, Linternas sería una serie de policías de lo más convencional. Pero claro, lo de ser una fuerza del bien intergaláctica complica un poco la trama y hace que ésta se expanda más allá de las fronteras de nuestro mundo.

Eso sí, el componente superheróico que termina por dar forma a la producción se convierte en un elemento más para configurar esta serie de policías que es, en realidad de lo más mundana en casi todos sus apartados.

No por casualidad cuenta con Chris Mundy como showrunner, el responsable de series como Ozark, True Detective o Mentes criminales, que ha impregnado a la serie de DC de su buen hacer en el terreno de los thrillers policiales.

Esto hace que la producción se sienta muy terrenal y que se adapte a los ritmos propios del género, con diferentes grados de acierto.

Para empezar, la serie es bastante oscura tanto en su paleta como en su argumento, tomándose muy en serio a sí misma, y limitando el humor al que nace de los propios chascarrillos que puedan tener los personajes entre sí.

Al contrario que algunas series de policías, en las que un episodio es el equivalente a un caso nuevo, Linternas aborda un único misterio que se va desentrañando a medida que avanzan sus capítulos.

En ellos se entremezclan un par de líneas temporales principales claves en la trama, junto con algunos episodios o fragmentos de ellos que, a modo de flashbacks, nos permiten adentrarnos en la historia de origen de sus protagonistas.

El Universo DC está encontrando su lugar en la televisión

Por desgracia para quienes busquen algo más de acción, el aderezo fantástico resulta demasiado contenido, y es que no tiene cabida la pirotecnia visual cuando la historia que se está intentando contar se encuentra en un marco tan cotidiano.

Salvo por un episodio en el que podemos ver una situación más límite, la épica tarda demasiado en llegar. Además, apenas hay enfrentamientos, y las criaturas alienígenas en pantalla quedan relegadas a dejarse entrever de manera breve o parcialmente oculta.

Al final, todo se presenta desde un desarrollo más bien lento, muy centrado en la investigación y en los diálogos, aunque adolece de un vicio muy común en las series de televisión: es reiterativa, repitiendo conversaciones o sobreexplicando aspectos obvios.

Algo de lo que no me puedo quejar habiendo visto la serie en versión original sin subtítulos mientras se abre a una mitología muy de nicho, pero que tal vez demuestre sus aspiraciones para poder ser disfrutada por cualquier persona de manera independiente a su relación con DC.

Un apartado del que no puede desligarse, pues al fin y al cabo Linternas no deja de ser una pieza más en el entramado del nuevo Universo DC creado por James Gunn y Peter Safran, que tiene la obligación cansina, al igual que lo hace el UCM, a que absolutamente todas las producciones estén conectadas de alguna manera.

El resultado acaba siendo una mezcla con potencial pero que no rompe esquemas en el thriller y que se queda corta cuando llega la hora de demostrar por qué Hal y John no son una pareja de policías cualquiera.

Linternas se estrenará en HBO Max el próximo lunes 17 de agosto. La serie contará con un total de ocho capítulos de unos 50 minutos de duración, que se irán lanzando de manera semanal en la plataforma de streaming.

En esta ocasión, con Días de agosto, se adentra en el terreno del drama familiar de la mano de un guión escrito por el debutante David Sueiro. Aunque es una película elegante que quiere explorar los sentimientos y la parte más física del amor: el sexo, da la sensación de tener poco que contar más allá de un embrollo familiar que se gesta a fuego lento y parece no ir a ninguna parte.

Sirve, y eso es algo que hace muy bien, para congelar la sensación del verano en el tiempo y esa aparición voluptuosa del deseo macerada en el calor estival que comparte, por ejemplo, con cintas como Call Me by Your Name.

Tiene una factura técnica cuidada, planos subacuáticos bonitos (y metafóricos, que vienen a explorar lo prohibido), una fotografía firmada por el talentoso Dani Salo y, en líneas generales, intenta zafarse de lo chabacano y lo hortera, aunque no siempre lo consiga. Por desgracia, lo que no logra es presentar una historia con demasiada profundidad argumental.

Erotismo en tiempos de esterilización

Juan y Gabriela son una joven pareja de enamorados que, tras acabar las clases de la universidad, se van al chalet de la playa de la familia de él a pasar el verano. Son felices en su burbuja y desearían poder alargar esa sensación de libertad durante todo el tiempo posible.

Sus planes se tuercen cuando Fernando, el padre de Juan, aparece allí sin previo aviso con su nueva pareja. Mónica es una mujer mucho más joven que él y hace surgir rápidamente tensiones en la dinámica familiar. En primer lugar porque su madre también aparece por allí, pero es que además los roces entre el padre y el hijo complican la convivencia del día a día.

El salto generacional se deja sentir, así como una pasión secreta que aflora en el momento más inadecuado, precipitando un efecto dominó. Nada tendrá que ver el comienzo del verano con el fin, cuando Juan cierre las puertas del chalet antes de regresar a la rutina.

Hemos pasado del hartazgo (con el efecto Élite) a la casi ausencia del sexo en el cine. No solo es ya raro ver escenas de sexo explícitas, sino que apenas hay afectividad entre los personajes: besos, caricias... intimidad, en útima instancia.

Esta película tiene la rara cualidad de ser valiente en este sentido y no temer a la sensación de caer en el ridículo por ello, es más, es más vemos la primera relación sexual a los cinco minutos de empezar el metraje. Tampoco tiene reparo en tirar de clichés: roces eléctricos, miradas de embelesamiento y mentiras arriesgadas. El problema es que tampoco parece haber una hoja de ruta para que eso sea algo significativo.

Aunque el reparto cuenta con actores veteranos como Maggie Civantos, Roberto Álamo y Pilar Castro, se centra más bien en la efervescencia de la sexualidad del joven protagonista, interpretado por un Pau Simón algo insípido al que habíamos visto antes en dos series como Nudes y El refugio atómico. Funciona bien en cámara, tiene el atractivo físico, pero le siguen faltando muchas tablas para lograr que los diálogos fluyan con naturalidad y que los conflictos tengan alguna verosimilitud. Algo mejor se desempeña Berta Galo, con una trayectoria más dilatada en televisión.

Días de agosto es una película que se conforma con convertirse en su desenlace en un telefilm bien filmado, casi de lujo, con varios giros de guión forzados que repentinamente acaban con la tensión narrativa y hacen moverse a los personajes por un terreno algo incoherente. Es una pena que el guión no llegue a dejarse desbordar o a estallar de una manera mas sorpresiva. El final es tan endeble que te hace cuestionarte si el viaje mereció la pena.

Sabe dónde colocar la cámara, crear tensión, insuflarle ritmo a sus producciones y suele colaborar además con intérpretes muy interesantes. En su último proyecto, Cuenta atrás, el reparto es sin lugar a dudas uno de sus mayores puntos fuertes.

Aaron Taylor-Johnson, Theo James, Sam Worthington y Gugu Mbatha-Raw son cuatro pesos pesados con presencia y dotes interpretativas puestas en esta ocasión al servicio de una historia que peca de sobreexplicaciones que alargan el metraje de más.

El punto de partida y el desarrollo, no obstante, sí que consiguen enganchar a la audiencia con facilidad: es una película de atracos, sí, pero también un plan retorcido jalonado de violencia y medias verdades que se van desvelando poco a poco. Espolea la curiosidad por encajar las piezas pero se aletarga de más a la hora de resolver dando unas explicaciones finales en las que no necesitaba detenerse tanto.

Tic, tac...

Cuenta atrás nos desplaza a una zona en obras en Paddington, el corazón de Londres. En medio de una excavación rutinaria, aparece un objeto enterrado que para de inmediato los trabajos en la zona e impone un protocolo muy estricto: una bomba sin detonar de la Segunda Guerra Mundial.

La idea del guión, escrito por Ben Hopkins, se inspira precisamente en las noticias derivadas de la aparición de este tipo de artefactos en Reino Unido, sobre todo en las grandes ciudades que recibieron bombardeos más intensos, con el enorme riesgo que suponen.

A partir de ahí, entra en juego la ficción. La policía establece un perímetro de seguridad y se pone en contacto con el equipo de artificieros que tienen que decidir si proceder a una detonación controlada minimizando el daño o bien a desactivar la bomba in situ y transportarla a un lugar seguro.

En la zona acordonada y supuestamente desalojada, no obstante, hay un grupo que tiene un jugoso plan: aprovechar la situación para cometer un espectacular robo pasando desapercibidos como trabajadores de los servicios de emergencias.

Cuenta atrás es una película correcta que entrega una aventura interesante, aunque sufra en su tercio final al tomar algunas decisiones que le restan verosimilitud a la trama. Sobre todo al comienzo, la historia juega muy bien con las expectativas de la audiencia contraponiendo la "zona caliente" en la que los artificieros están constantemente lidiando con la adrenalina y la tensión propia de enfrentarse a un peligro de muerte y la "zona fría" en la que los ladrones ponen en marcha un plan articulado salirse con la suya intentando no ser vistos o en última instancia pasando desapercibidos.

Esta misma idea se traslada incluso a la fotografía con la bomba a pleno sol y los artificieros sudando la gota gorda y los cacos agazapados en las sombras, entre tonalidades frías que evocan a cierto nivel de intelectualización a la hora de abordar su tarea.

En ambos casos, nos hallamos con dos puntos muy físicos en los que hay riesgo constante y conflictos de intereses que paulatinamente veremos cómo se conjugan. El tercer polo es el de la policía, que parece ir siempre unos cuantos pasos por detrás a pesar de contar con medios y experiencia.

Está claro que Cuenta atrás no es perfecta, pero sí tiene un diseño de producción acorde a las necesidades de la narración y con los mimbres imprescindibles para levantar expectativas: reparto, dirección, ideas... podría ser mucho más redonda siendo simplemente más corta o bien añadiéndole una capa de complejidad extra a un final que se torna bastante insulso una vez que están todas las cartas sobre la mesa.

El pulso del director está presente pero le ha faltado decisión en la sala de montaje para terminar de bordar la tarea. Con todo y con eso, sirve un entretenimiento bastante digno, pero hemos visto ya tantas pelis de polis y ladrones que siempre se le exige mucho a este género, no basta solo con cambiar las reglas del atraco: hay que culminarlo asombrando al público de alguna manera.

De nuevo esta tanda de episodios consta de ocho, lo que nos emplaza al 16 de septiembre para la emisión del último de ellos. Y ojo, que en el mes de mayo, ya fue renovada por una quinta entrega que dará un nuevo salto para adaptar Oblígame (Make Me), la vigésima novela de la colección centrada en Jack Reacher. La veremos el año que viene.

Antes de eso, los incondicionales de este universo ficcional tendrán una nueva producción de la que disfrutar: el spin-off Neagley, que llegará para tomar el relevo en septiembre con Maria Sten como protagonista y el reincidente Nick Santora a los mandos,

Punto de partida: un suicidio en el que nada encaja

La temporada 4 de Reacher arranca con un encuentro fortuito en el metro de madrugada. Jack sospecha del comportamiento de una mujer que viaja en su mismo vagón, casi vacío.

Echando mano de las reglas de conducta que aprendió en el ejército para identificar a potenciales terroristas suicidas a punto de atentar, detecta a una pasajera que atraviesa una crisis de ansiedad y esconde un objeto. Sin embargo, para su sorpresa lo que porta es un revólver con el que acaba con su vida.

Ser testigo de este hecho le hará verse involucrado en una espiral de violencia e intereses cruzados en la que aflorarán secretos del Pentágono y los trapos sucios de un influyente congresista, candidato a la presidencia.

Los aficionados a la serie podrán gozar de un nuevo placer culpable... más culpable que nunca si cabe. Lo mejor y lo peor de la serie se amplifica en una entretenida temporada en la que no fallan las espectaculares peleas cuerpo a cuerpo y la explotación del físico de nuestro protagonista sin un ápice de pudor y con toneladas de testosterona.

Reacher 4 ofrece un banquete de virtudes incontestables: ahí está el fornido Alan Ritchson sacándole brillo a sus músculos en escenas de acción estupendas y a su hierática expresión cuando le toca vacilar de su entrenamiento como expolicía militar y tirarle pullas al cretino de turno que infravalora su entrenamiento y su sólido posicionamiento ético. Siempre es de agradecer que a pesar de todo se mantenga cierto sentido del humor.

El carisma del actor es uno de los pilares fundamentales de la serie que tan cómodamente se viene echando a la espalda (literalmente) desde hace años. Le está sirviendo de trampolín, de hecho, para nuevos proyectos.

Sin embargo, el guión se percibe algo flojo de más esta vez. No es que el trasunto político-militar no sea interesante, sino que da la sensación de que la serie avanza con el piloto automático puesto, con poco margen para las sorpresas. Esta vez los cliffhanger no funcionan tan bien para espolear la curiosidad de los espectadores, aunque siguen siendo un recurso habitual.

Santora sabe lo que le funciona y le saca jugo, a veces con verdadera caradura (sirva como ejemplo la nueva trama romántica con alguna que otra secuencia que da algo de vergüenza ajena), pero justo por eso, no arriesga demasiado y es fácil adelantarse a los acontecimientos.

¿Exceso de autoconsciencia? Puede ser: es complicado innovar cuando sabes que tocando ciertos resortes vas a obtener éxito. La serie ha cogido inercia, algo en principio positivo pero que puede llegar a pasarle factura por llevarla a morir de éxito. Solo el tiempo lo dirá, pero es probable que necesite plantearse abordar ciertos cambios para dar el estirón y no estancarse en una frágil comodidad.

Lo primero que hay que tener en cuenta es que es una película ligera de verano, ideal para ser estrenada a mediados de agosto. Lo siguiente que hay que hacer es advertir a la audiencia de que el tono puede llegar a ser bastante duro con algunas secuencias impactantes. En España ha sido calificada como no recomendada para menores de doce años de forma muy acertada... aunque a ver quién se deja en casa a los niños teniendo en cuenta el factor DINOSAURIO. Hacedme caso, ahorradles el trauma a los peques y dejadlos en casa porque aquí no aparecen de forma amigable y buenrollista, sino que son depredadores y dan canguelo.

A favor de la película reman un montón de cosas, como la banda sonora de Michael Giachino que nos pone en "modo Spielberg" desde el minuto uno con una banda sonora perfecta para una cinta de aventuras de estas características. La historia se desarrolla en 1982 así que toda la ambientación, el vestuario, peluquería, vehículos, atrezzo y guiños (anuncios, música, usos y costumbres) nos van a remitir a una especie de idealización ochentera de un barrio residencial muy cómodo de habitar... hasta que se produce un hecho extraordinario.

Atajo al pasado

El final de Oak Street nos lleva a un apacible barrio suburbano en el que vive una familia en crisis. Aunque se quieren mucho, Denise y Greg no terminan de reencauzar su relación: se ocultan cosas el uno al otro y no encuentran el momento de comunicarles a sus hijos que quizás estén mejor separados que juntos.

Sin embargo, no van a tener ocasión de pensar demasiado porque empiezan a sucederse una serie de fenómenos atmosféricos que derivan en un acontecimiento insólito.

Cuando una increíble tormenta desemboca en unos flashazos intermitentes, se va la luz y empiezan a aparecer criaturas gigantes: de súbito el barrio se ve asediado por seres prehistóricos y las tranquilas vidas de los Platt se transforman en una lucha por la supervivencia extrema mientras tratan de comprender cómo y por qué ha podido suceder algo así.

Aunque desde el comienzo hemos hablado de las virtudes de esta película, me he reservado dos para comentarlas con más profusión. Una de ellas es el acertado reparto en el que destacan especialmente Anne Hathaway (atareadísima en un año en el que ha encadenado un buen puñado de estrenos heterogéneos dando cuenta de su talento y versatilidad) e Ewan McGregor, que da vida a un padre sencillo y corriente, totalmente desvinculado del topicazo del héroe testosterónico de manual, pero también del perdedor cobarde. Esto hace que sea fácil empatizar con los personajes y seguir su historia tomándoles cierto cariño. También le da candor a las relaciones familiares, que oscilan entre la ternura y emotividad que reina cuando la unión es el factor fundamental para salir adelante.

En buena medida, uno de los grandes atractivos de El final de Oak Street es la narrativa inesperada: no sigue fórmula predeterminada ni siquiera en la exposición de la información. Es algo que está presente desde la concepción de los personajes que se salen del molde haciendo que el factor sorpresa rinda de maravilla. En pocas palabras, se las ingenia para llevarte por donde menos esperas.

Por lo demás se mueve mejor en el terreno del thriller de aventuras y del drama familiar que cuando aflora el humor, algo tosco. Es una película simpática, pero también a veces cruda en exceso (hay sangre, amputaciones, cadáveres, etc.) moviéndose muy rápido de una tesitura a otra.

El final de Oak Street cuenta asimismo con un apartado de efectos especiales excepcional: la integración de las criaturas con los personajes reales roza la perfección y hace sentir la intensidad de su periplo sintiendo de veras que están en riesgo de muerte.

La fotografía de Mike Gioulakis y el uso de técnicas cinematográficas clásicas (como el enfoque simultáneo split diopter) le dan una capa de "cine artesanal" bien chula. Agradará a quienes disfrutan de ver y rever películas como Tiburón, Los Goonies, Los bicivoladores o, por supuesto, la saga Parque Jurásico con un toque más retorcido.

¿Va a suponer una revolución en el panorama audiovisual? Puede que no, pero es una película con sello autoral, una sana nostalgia y carácter que tiene una clara vocación comercial. Se agradece que a pesar de ello no sea más de lo mismo... máxime en una temporada de estrenos en la que hay tanta facilidad para lanzar refritos.

La expectación era máxima puesto que nuestro mayor miedo es que nos quedáramos de nuevo sin un clímax final, a las puertas de la la Primera Batalla de Ladera o Batalla de Tumbleton.

La buena noticia es que la serie cumple y nos entrega ese momento al final del capítulo, la mala es que la narrativa dista de ser la ideal y que la escritura del guión es a menudo confusa, poco congruente y carente de la emoción que esperábamos de una historia de tal envergadura.

El principal escollo: los dragones. Lo analizaremos más despacio después de ofreceros el resumen del capítulo más largo de esta tercera temporada, que se extiende hasta los 75 minutos de duración.

Resumen de La casa del dragón 3x08

La casa del dragón 3x08 arranca cuando Rhaenyra va a ver a Daemon muy alterada para informale de la reaparición de Aegon y Fuegosolar. Su poder está más en duda que nunca y ella tiene un brote de ansiedad. Daemon le habla en alto valyrio para decirle que, por el contrario, es su momento y debe alzarse. Ella se recompone y ordena que Hugh haga guardia en Pozo Dragón y que Daemon vaya a Ladera y registre casa por casa terminando con todos los Hightower. Cuando acabe con Ormund y Daeron, Aegon salga de su escondite y ella misma acabará con él.

Baela quiere ir a rescatar a su abuelo Corlys y desafía a Rhaenrya, que está convencida de que ella y Addam deberían quedarse allí. Alyn convoca a los hombres de Marcaderiva ante los que se presenta como el sucesor designado de la casa Velaryon para convertirse en el futuro Señor de las Mareas: deben defender el reino.

Ormund se prepara para la batalla. Le pide a Daeron que se arrodille para ser nombrado caballero antes de ser coronado. Lo nombra ser Daeron el audaz tras hacer su juramento.

Ulf hace su parte en las tabernas donde anuncia que Daemon no se atreverá a usar a Caraxes porque Rhaneyra lo tiene dominado. La reina tiene un motivo más de preocupación porque Helaena no come nada y temen por su embarazo. Ella pide ser ungida reina en el Gran Septo de manera inmediata. Gusano Blanco recibe una invitación a marcharse a Pentos donde podrá instalarse con criados y comodidades.

Helaena contempla a Mysaria marchar y justo antes de partir le dice que no se fíe de la reina, que Aegon sigue vivo y que teme al hijo que está gestando, que jamás la dejará marchar.

Aemond despierta y descubre que Alicent le había envenenado. Se considera un malasangre que carga con una maldición. Alys le habla de la historia de Harrenhal. Cómo el dragón Balerion pasó a fuego el castillo para acabar con los Harren. Sin embargo, un niño con quemaduras sobrevivió. Su madre trató de salvarlo pero todo fue inútil a pesar de que incluso recurrió al saber ancestral y a los seres que habitaban en el bosque (¿los hijos del bosque?). Cuando el niño murió ella quiso seguirlo pero descubrió que ella estaba maldita y condenada a vivir en las tierras de los Ríos. Aemond se sobresalta porque eso sucedió hace más de cien años, pero la besa.

Rhaenyra va a ver a Helaena y le dice que debe comer. Le pregunta si sabe si trae un niño o una niña, pero no responde. La reina le pregunta si la cree capaz de hacerle daño y Helaena le pregunta si cree que estar viva es lo mismo que no estar muerta. Luego le dice que todo en lo que cree es feo, que el castillo es feo y ella también. Rhaenyra solo le responde que o come o la obligará a hacerlo., algo de lo que se encargan los guardias.

Addam y Alyn se enfrentan. El primero cree que Rhaenyra está perdiendo la cabeza porque ha encerrado a Baela en una mazmorra y no está dispuesta a liberar a Corlys. Alyn solo quiere cumplir con su deber y no está dispuesto a traicionarla.

Ormund tiene una estrategia que le ha ocultado incluso a Daeron: apuesta a niños en las almenas y está esperando al dragón de Ulf, que no hace acto de presencia. Cuando aparece Caraxes, las tropas de los Negros casi saborean la victoria. Gwayne saca a Corlys de su mazmorra y lo lleva ante Daemon para canjearlo a cambio de la paz. Él propone que dividan las tierras y que Daeron reine en Antigua. Corlys argumenta a favor de esta idea: le dice a Daemon que una mujer no puede reinar y que Daeron puede servir a Rhaenyra. El problema es el resurgir de Aegon, algo de Corlys desconocía. Daemon opta por la guerra, aplastar a los Hightower y rechazar un acuerdo de paz.

Mysaria aprovecha un descuido para zafarse y huir. Rhaneyra está siendo escoltada junto a su heredero Joffrey para ser ungida por el Septón Supremo.

Aegon se presenta sobre Fuegosolar en Harrenhal y encuentra a Aemond postrado: él estaba convencido de que estaba muerto y le suplica perdón. Aegon le abofetea, le insulta llamándole usurpador y cabrón pero él esta en shock. Le presenta a Alys como su prometida. Aegon le dice a su hermano que buscarán a Vhagar para ir a Ladera, acabar con Ormund y Daeron y luego volar a Desembarco del Rey para recuperar el trono con su estandarte y que solo así quizás le perdone la vida.

Daemon delimita la estrategia para tomar el castillo cuando le informan de que Ormund ha utilizado a los niños para ponerlos en primera plana y socavar así la autoridad moral de la reina. Él cree que contarán con Ulf y Ala de plata en la retaguardia y que en unas horas controlarán la situación.

Cuando Rhaenyra se presenta en el Septo Supremo. El septón, una vez más, le niega ser ungida y ella lo declara traidor. Alyn lo mata y Rhaneyra se presenta ante el pueblo para decirles que fue proclamada sucesora por Viserys y que su reinado estaba predestinado por una profecía que hablaba de una oscuridad más allá de los muros de Invernalia. Solo los dragones pueden salvaguardar al reino. Ella dice que es el príncipe que fue prometido y que será quien ilumine el camino.

Daemon arenga a las tropas pidiéndoles que no tengan piedad alguna con los Hightower y que los maten a todos. Los norteños se disponen a atacar mientras los niños pasan pavor en las almenas.

Un hombre informa a Ormund de que la propuesta de paz de Daeron no ha dado fruto, él no sabía que había tratado de negociar liberando a Corlys.

Los norteños tratan de sobrepasar las defensas del castillo mientras son abatidos por flechas, agua y aceite hirviendo, catapultas... Consiguen entrar por la muralla sur y empiezan a imponerse.

Daemon es informado de la ausencia de Ulf: no está con su dragón. En su lugar aparece Vermithor, de debería estar en Desembarco del Rey. Llama a Caraxes y se abre paso con él. Luego entra con las tropas a caballo. Los norteños buscan al rey mientras Roderick Dustin quiere encargarse de Ormund él mismo.

Ormund por su parte tiene que sacar a Ulf de la taberna y decirle que se monte en su dragón, que prácticamente los ha condenado.

Gwayne va en busca de Daeron, que está a punto de subir en su dragón. Gwayne le pide que no luche por el ego de Ormund, que se ponga a salvo. Entre tanto aparece Ulf y ataca a las tropas de los Negros decantando la contienda a favor de los Verdes y frenando a Daeron.

Roderick carga contra Ormund y él le corta el brazo. Entonces Roderick le clava un cuchillo en el culo y le dice que "así follan en el norte". Ulf los pasa a fuego a ambos. El destrozo provocado por el dragón genera una serie desprendimientos y los escombros caen sobre Daemon que no puede creer que está pasando. A pesar de que todo parece perdido, sale y sigue matando a los hombres que salen a su paso. Corlys lo alcanza y le dice que Ulf los ha traicionado y deben batirse en retirada.

Gwayne sobrevive y se arrastra para buscar a Ormund, que está muerto. Hugh también encuentra muerta a su esposa.

De regreso a la fortaleza, Rhaenyra es informada de la derrota en Ladera. Alicent está a salvo lejos de la contienda y es testigo de un extraño fenómeno cuando un montón de mariposas salen volando de manera simultánea: es el anuncio del final de Helaena, que se ha suicidado. Rhaenyra observa el tapiz que había completado antes de morir en el que se la ve en el trono en llamas empuñando la espada. Cierra las contraventanas: Desembarco del Rey es ahora el lugar más peligroso de Poniente.

Un final caótico en el que no está toda la carne en el asador

La forma de presentar la información en este último capítulo es, como poco, algo extraña. Al haber delatado la estrategia de Ormund llevándose a Ulf a su terreno, estaba cantado que ese sería el punto de inflexión de la batalla. De modo que, en aras de crear cierta tensión, se alarga su aparición y se coquetea con la idea de que no llegue ni a presentarse en Ladera.

Uno de los escollos de este episodio final es que resulta muy poco inteligente y orgánico cómo se desarrolla el conflicto. Si tienes un dragón como Caraxes, lo normal es que lo montes de principio a fin, no que cambies la montura por la de un caballo y dejes tu principal activo atrás cuando de hecho hay dragones atacando a tus aliados y tus tropas. En general el ritmo de la contienda es muy irregular y la mera presencia de Daemon en la Batalla de Tumbleton es rara, no tiene mucha lógica.

Lo mismo sucede con el resto de los personajes principales. Que la reunión de Aegon y Aemond se salde con una bofetada, es un ejercicio de escritura especialmente vago. Se ve la evolución de los personajes, en eso estaremos de acuerdo: Aegon se ha embrutecido mientras que Aemond ha madurado pero dejar ahí los personajes colgados sin darles más propósito es de lo más insatisfactorio.

La serie trata de buscar el enlace con Juego de tronos de una forma muy discursiva y también algo antinatural: Rhaenyra escoge el peor momento para dirigirse al pueblo y hablarles de la profecía de la canción de hielo y fuego que la hace parecer una iluminada al autoproclamarse "el príncipe que fue prometido".

Aunque lo más molesto es que ella nunca llegue a participar activamente en ninguna confrontación: Rhaenyra y Alicent son agentes pasivos durante toda la temporada. En su caso, para más INRI, da órdenes que nadie cumple y exhibe una preocupante falta de poder, salvo por la excepción de la lealtad de Alyn. Helaena y el niño que estaba engendrando es otro personaje echado a perder en una tercera tanda de episodios que ha ido claramente de más a menos.

El esfuerzo de la producción está ahí para hacer lucir la batalla mostrando sus entresijos e intérpretes como James Norton (Ormund Hightower) y Tommy Flanaghan (Roderick Dustin) lo han dado todo en sus respectivos papeles. Ojalá este último y el resto de los norteños hubieran tenido un mayor desarrollo antes de llegar a ese lance final, que habría resultado así más emocionante.

En resumidas cuentas La casa del dragón 3x08 es un episodio con enjundia, entretenido pero muy alejado del nivel de las grandes contiendas que hemos visto en este universo por la carencia de visión espacial y el montaje paralelo de distintas historias que no concuerdan entre sí. En el horizonte lejano, la cuarta y última temporada de La casa del dragón tendrá que mojarse mucho más para darles un destino a los personajes principales y, en la mayoría de los casos, será trágico.

El guionista de Buena suerte, pásalo bien, no mueras abandona aquí el tono gamberrete y la sátira mordiente para componer otro tipo de relato, con una mayor dosis de dramatismo y el fantasma de la pandemia de COVID-19 planeando sobre el arranque.

Todos conocemos esa historia, es casi como si nos leyeran un cuento por el que nuestros ojos ya han pasado antes: la paz inicial, la vuelta a la vida "analógica", el racionamiento de comida, la incertidumbre por no saber del todo qué sucede fuera ni cuál es la amenaza y cómo puede penetrar en el refugio... La parte no amenazadora es preciosa: el estrechamiento de los lazos familiares, la afloración de la creatividad y la recuperación del paso del tiempo.

Pero estamos ante una película de terror apocalíptica y ciencia ficción y la contraparte debe producir angustia, pesadillas y un desconcierto total. La cita inicial ya nos da una pista de por dónde irán los tiros: por la parte acuática de nuestro planeta, que supera con creces la extensión del territorio terrestre.

Resiliencia e ingenio

La última casa nos presenta a una familia compuesta por Ann, Jason y sus dos hijos, Ruth y Graham. Un día cualquiera, poco antes de las vacaciones de Navidad se desata una descomunal tormenta que los servicios meteorológicos no habían conseguido predecir y eso marca el final de una era.

A partir de ese momento quedan encerrados en el interior de la casa, al igual que el resto de sus vecinos. Puertas y ventanas quedan atrancadas, los cristales no pueden romperse y ni siquiera pueden excavar un túnel levantando el suelo.

Desconocen qué clase de fuerza es la que los condena a semejante encierro, así que se disponen a sobrevivir racionando los alimentos y tratando de cultivar sus propias verduras y hortalizas pero el paso inexorable del tiempo hace que los recursos vayan menguando a la vez que va tomando forma la amenaza exterior.

Llegados a un determinado punto no tendrán más remedio que tratar de escapar renunciando al único lugar que les había ofrecido seguridad.

Recién salida del horno, ya está disponible en Netflix la película La última casa, que se beneficia muchísimo de ese punto de partida con el que la audiencia enganchará inmediatamente y de la calidad de las interpretaciones dado que la película la sostienen casi en solitario el cuarteto protagonista, pero sobre todo los progenitores.

Wagner Moura y Greta Lee defienden el relato con uñas y dientes y de paso ponen en pie una enorme metáfora en la que la casa representa una pecera a la inversa, es decir, el espacio seco en medio de los recurrentes diluvios.

Como en otras películas de terror como Nunca te sueltes hay también una lectura de que el hogar es un espacio de tan apacible como desquiciante si se convierte en una imposición permanente,

Sin embargo, La última casa da un viraje sustancial en el último tercio de la película y se sacude las consideraciones filosóficas para llegar a un desenlace bastante menos interesante de lo que cabía esperar. Al final rehúye la posibilidad de plantear un conflicto mayor y termina de una manera simplona, con una estructura circular un una voz en off sosilla.

Por lo demás es una cinta bien construida, con tensión argumental y que se desarrolla a buen ritmo a lo largo de sus 110 minutos de metraje. Leterrier sabe cómo exprimir el espacio y dónde poner la cámara para valerse de recursos que son hasta poéticos. Los efectos especiales son correctos para la pequeña pantalla y la cinta es entretenida para pasar una tarde con la certeza de que no te dará demasiado en lo que pensar.

Mero entretenimiento que, la verdad, daba para más, pero que cumple de todas formas por la mínima. ¿Merece la pena? Depende de tu nivel de aburrimiento este verano. No te va a cambiar la vida, pero tiene cierto encanto.

Pero, por alguna razón, la comedia sigue fijándose en este fenómeno como fuente de chanza: lo hizo Machos alfa con un éxito atronador poniendo de manifiesto las contradicciones de la sociedad moderna y lo intenta ahora El último mono, contraponiendo a este fenómeno el de la misandria o el mal llamado "hembrismo" que presupone a la mujer superior al hombre y replica el discurso de odio pero en dirección contraria.

La famosa "guerra de sexos" que ha sido motor de tantas comedias resulta ahora algo peor que un cliché manoseado: es un punto de partida de mal gusto muy alejado de los criterios básicos de la diversión.

Tomarse a guasa la transexualidad y la identidad de género, equiparar el machismo al feminismo o burlarse de las "técnicas para ligar" de los mal llamados gurús que incluyen entre ellas la intoxicación etílica o la exhibición de su olor corporal son algunos de los pecados capitales de una película que no tiene mordiente y prefiere arrojarse en los salvadores brazos de la fórmula de la comedia romántica para no profundizar en unas aguas bien turbias.

Ojo, El último mono parece tener buenas intenciones y querer verbalizar y hasta poner de manifiesto la simpleza del razonamiento de muchas personas respecto a estas cuestiones pero, por desgracia, no tiene ni el ingenio ni el arrojo de ser pedagógica ni divertida desde la irreverencia. Por el contrario, se queda en la exposición y se lava las manos con un romance tan forzado y poco creíble que solo consigue restarle enteros.

Pet and men friendly

Alejandro es un gurú de la seducción que arrasa en redes sociales y en los simposium que organiza para hombres que creen que la sociedad les margina y que las mujeres les desprecian por no ser suficientemente machos.

De forma análoga, Mariela es una escritora y cómica que denuncia a tipos como Alejandro, su principal rival en redes sociales y el epítome de todo lo que detesta en los hombres de lo que considera una sociedad enferma.

El fin de semana previo a las manifestaciones feministas del 8M Alejandro anuncia a los suyos que va a conseguir lo nunca visto: seducir a la mujer más chunga y antipática del mundo y en tiempo récord, justo antes de que ella se disponga a abrir la jornada.

El último mono es una película bien rodada y que cuenta con una producción acorde a sus necesidades: nada se le puede reprochar en el plano técnico ni tampoco en las labores de casting. Susasa Abaitua y Juan Dávila tienen buena química en pantalla y parecen habérselo pasado bien durante el rodaje, dejando que ese buen rollo quede reflejado en el resultado final.

Los problemas de la película derivan principalmente del guión de Joaquín Oristrell y Yolanda García Serrano que, a pesar de sus ímprobos esfuerzos por levantar la faceta humorística de El último mono, manejan dinamita sin guantes y tratan de contener la explosión refugiándose en lugares comunes.

Al final, la trama es tan previsible como bobalicona y carente de verosimilitud, sin profundizar en problemas muy serios que quedan aquí infantilizados y con una incapacidad manifiesta para despertar carcajadas con algo de jocosidad. Si eliges un tema como éste, no puede ser para terminar construyendo un relato tan plano.

Pero ¿sirve para pasar el rato? Con las expectativas muy ajustadas sí, pero cuanto más pienses en ella, más posibilidades tendrás de enfadarte, sobre todo si para ti éste es un tema sensible. No está el horno para bollos, como se suele decir.

La comedia es uno de los géneros más complicados de abordar porque requiere de una gran inteligencia para manejar sus resortes, descolocar al público y ofrecerle una lectura que le rompa los esquemas. Si quieres que te vuelen la cabeza échale un ojo a De puntillas en HBO Max. Ese si es un viaje con curvas.

La serie se zanja de manera satisfactoria aunque también dejando la sensación de que podría haber continuado sin ningún problema: la fábrica de ideas de los guionistas sigue a pleno rendimiento y los personajes no daban sensación de fatiga. Es más, el último capítulo tiene como una suerte de "acelerón" para tratar de cerrar todas las subtramas.

Es más, la cancelación parece haber sido una decisión de la plataforma de streaming, no de la productora Contubernio de modo que la mudanza de Movistar Plus a Netflix parece haber salido rana en esta ocasión. Al menos han conseguido encajar un desenlace que se siente como tal.

One day, one BOOM!

La cuarta temporada de Muertos SL sigue desarrollando el conflicto entre Dámaso y Chemi. El primero, que lleva intentando hacerse con el puesto de director desde el fallecimiento del dueño, sigue desesperado ante el fuelle de Chemi que lo adelanta por la derecha para hacerse temporalmente con el cargo, con la idea de "dejar su importa en el sector funerario".

Entre tanto, Nieves seguirá en su puesto de limpiadora manteniéndose en un segundo plano; Morales tratará de mantener contento a Dámaso en sus aspiraciones profesionales aunque sus formas sean arteras; Olivia y Abel estarán centrados en sus respectivas vidas amorosas y Manuela tendrá por delante el reto de descifrar la maldición que parece pender sobre ella desde el accidente que la llevó a pasar varios minutos muerta.

Por el camino conoceremos prácticas funerarias exóticas como la sepultura de miembros, los seizenso, los funerales a mascotas y nuestro incombustible Chemi se planteará ofrecer hasta la criogenización en el catálogo de servicios de la Funeraria Torregrosa.

Como en las tres primeras temporadas, en esta cuarta la serie se define por su tono desenfadado y la velocidad de los gags. Es sorprendente que consiga seguir moviéndose con soltura al filo de la navaja aportando un humor desternillante en una área temática tan peliaguda que a veces roza el tabú social y a la vez desarrolle las vidas personales de sus personajes y sus aspiraciones en la vida.

Muertos SL mantiene un ritmo trepidante en su temporada final así como la creación de situaciones superabsurdas pero a la vez hilarantes. Y ahí Chemi sigue siendo el rey con sus excéntricas propuestas laborales destinadas a incrementar la producción de la plantilla como si se tratara de las oficinas de una startup de Silicon Valley: desde la implantación de una siesta obligatoria hasta la creación de un equipo de baloncesto para crear "sinergias" con otros comercios del barrio.

Todo lo relativo a este personaje es pura diversión por estar fuera de contexto; sus ideas revolucionarias un delirio absoluto y la forma en la que Diego Martín lo interpreta, de traca, con toda su terminología anglosajona, su preocupación por la inclusión social, la responsabilidad social corporativa y la tonelada de zarandajas que recaen sobre cualquier empresa pero que, definitivamente, no encajan en un tanatorio.

Mención especial para el cameo de Petra Martínez en el quinto episodio, que es uno de los más graciosos de esta tanda final.

Las bromas internas también tienen su momento: nosotros nunca sabremos que es una potuga, pero Dámaso y Morales, al menos, sí.

Réquiem por una serie que nos ha hecho reír durante cuatro años y que podría haber dado más de sí. En el horizonte, otro final: en 2027 se estrenará la sexta y última temporada de Machos alfa. Antes, este mismo año se estrenará la temporada 17 de La que se avecina, la serie más longeva de los hermanos Caballero y a partir de ahí iremos descubriendo qué nuevas sorpresas tienen para la audiencia.

Visions ha contado con algunos episodios alucinantes, como El duelo, de Kamikaze Dōga, que nos presentó al Rōnin o El noveno jedi, de Production I.G, que se saltaba bastante el enfoque antológico y establecía los cimientos para una historia más grande.

Y lo han conseguido. Después de tener un segundo episodio en el Volumen 3 de Star Wars Visions, titulado Jedi número 9: Hija de la esperanza, Lucasfilm dio luz verde a una temporada completa para expandir la historia de Lah Kara.

Y a por ella vamos hoy en HobbyCine, pues te traemos nuestra crítica de Star Wars Visions presenta: La jedi número 9, que acaba de llegar a Disney+.

Aunque no haremos spoilers argumentales de la serie, sí hablaremos con libertad de los dos episodios de Star Wars Visions que conducen a ella. Te recomendamos verlos antes de continuar.

Una galaxia donde los Jedi son vestigios del pasado

Vamos a recopilar un poco antes de meternos en materia. La serie se ambienta en la galaxia mucho después de que la Orden Jedi se extinguiera. Sin embargo, aún quedan usuarios de la Fuerza que quieren restaurarla, como el margrave Juro, quien encargó a un maestro forjador que crease sables de luz para los candidatos a jedi.

Pero todo se torció cuando los esbirros de Nawaam, un señor de la guerra que quiere evitar los planes de Juro, capturan al forjador. Pero antes de ser apresado, Lah Zhima entrega las espadas forjadas a su hija, Lah Kara, que tiene una fuerte conexión con la fuerza.

Kara será emboscada en la reunión de aspirantes a jedi, pero saldrá airosa con algo de ayuda y emprenderá una aventura para rescatar a su padre.

En el Volumen 3, el episodio es menos trascendente, aunque sí interesante de ver. Kara queda atrapada en una nave a la deriva al separarse de sus amigos. Se enfrentará a más cazarrecompensas y con un droide que se convierte en un valiente aliado.

Pero Star Wars Visions presenta: La jedi número 9 parte del primer episodio que hemos resumido; el segundo no es imprescindible para entender la historia. En cualquier caso, puedes considerar ambos capítulos de Star Wars Visions como los dos primeros de esta serie.

Ahora, Kara y sus aliados buscan más ayuda en una galaxia dividida y en la que todos miran por sí mismos. Muchos miran con recelo a quienes veneran el código jedi y, en general, hay un germen perfecto para que el lado oscuro eche raíces.

Nos esperan ocho episodios trepidantes que, en cierto modo, podríamos dividir en dos partes; una primera más rutinaria y la segunda en la que las cosas empiezan a ponerse serias (y la serie mejora). Cada episodio ronda los 25 minutillos.

Lo mejor es que no tenemos relleno intrascendente. Todo en Star Wars Visions presenta: La jedi número 9 contribuye de un modo u otro a la trama. Eso me lleva a la siguiente sección, donde seré menos optimista.

Podría ser muchísimo más original

Recordemos un detalle clave de Star Wars Visions: la serie no transcurre en el canon oficial de Star Wars. Puede hacer uso de eventos y elementos, pero no afectarán al desarrollo de lo que vemos en las películas, series, novelas, cómics y videojuegos que sí están en el canon.

Puede parecer un hándicap, pero fue una decisión que responde al objetivo de la serie, que es experimentar. Al quedar fuera del canon, los creativos pueden dar forma a historias que vulneren las normas establecidas en Star Wars.

Así que mi pregunta básica es: ¿por qué Star Wars Visions presenta: La jedi número 9 no lo hace?

En muchas ocasiones, la serie se conforma con calcar elementos del canon, sean diálogos, eventos o todo tipo de situaciones. Los episodios están plagados de clichés de Star Wars. No pasa nada cuando es algún "dan farrik" juguetón en boca de algún personaje o algún guiño, pero cuando se trata de aspectos argumentales importantes, sí es un problema.

Y aquí sucede. Lo que me decepciona de Star Wars Visions presenta: La jedi número 9 es lo condicionada que está por el canon, cuando no debería. La aventura se convierte en una suerte de trilogía de las secuelas en algunos momentos, con unos actos muy marcados y reconocibles.

Es, precisamente, cuando la serie se aparta de las convenciones, cuando realmente despierta mi interés. El concepto que le dan al sable de luz y sus colores está muy bien. Quizá habría sido mejor profundizar en algo como eso en lugar de convertir la trama en algo tan mainstream.

Es mejorable, pero sabe jugar sus cartas

Los duelos se desarrollan de forma espectacular y, aunque no alcanzan el grado de animación de Star Wars: Maul - Señor de las sombras, se nota que en Production I.G saben lo que hacen. Eso también se aplica a las batallas espaciales, otro elemento fundamental en Star Wars; aunque Andor nos demostró que, con poquita cosa, también vale.

El villano es soso con avaricia, pero cumple a la hora de generar esa aura enigmática a su alrededor. Lo más positivo es que es un personaje cuyas intenciones son difíciles de leer. Sabes que es malo y que hay que pararle los pies, pero su naturaleza no lo hace un personaje estereotipado como los sith.

Aunque Star Wars Visions presenta: La jedi número 9 podría haber sido mejor si hubiera optado por la originalidad, no es una serie desagradable de ver y mejora en su segundo tramo, aunque cueste dejar de ver cómo adaptan constantemente situaciones de la saga para repetir historias.

¿Tendrá temporada 2? Dejaré que termines Star Wars Visions presenta: La jedi número 9 en Disney+ para opinar sobre eso. Hasta entonces, que la Fuerza te acompañe.

Ese nuevo reto no es otro que el de el fútbol femenino en todas sus vertientes: sus rasgos distintivos, la dificultad que entraña financiarlo, movilizar a la afición, los anunciantes y los medios de comunicación y poner en valor el talento de las deportistas que lo practican.

Esto implica, claro está, un cambio importante en las caras que veremos en esta temporada, compuesta de nuevo por diez episodios de los que nos han dejado ver cinco a la prensa especializada.

Cambiamos el vestuario masculino por el femenino y por tanto tenemos muchas novedades en el reparto: Tanya Reynolds, Jude Mack, Faye Marsay, Rex Hayes, Aisling Sharkey y Abbie Hern se unen al elenco original compuesto por Jason Sudeikis, Hannah Waddingham y Brett Goldstein, además de Juno Temple, Brendan Hunt y Jeremy Swift.

Aplausos para la directora de casting Theo Park porque ha conseguido fichar a actrices muy interesantes a nivel deportivo e interpretativo. Y con un recast importante: el hijo de Ted Lasso, ya más mayor, ha recaído en el actor Grant Feely (conocido por encarnar al joven Luke Skywalker en la serie Obi-Wan Kenobi) que reemplaza a Gus Turner en el papel de Henry.

Algunas cosas nunca cambian; otras definitivamente lo hacen

Ted ha dado un giro a su vida dejando atrás el mundo del fútbol cuando Rebecca, Leslie y Keeley se presentan en Kansas para llevarle una oferta muy interesante: entrenar al equipo femenino de segunda división que están tratando de lanzar. Como punto de partida tendrán que fichar a una jugadora delantera además de crear ambiente de equipo.

Esto le llevará a proponerle a su exesposa y su hijo una mudanza a Londres, algo que ambos reciben con entusiasmo. De regreso al Richmond conocerá a la entrenadora Alice Chilton, una mujer con su propia historia como deportista y unas metas muy claras para el equipo que no se lo pondrá fácil a Lasso. Beard también tiene que superar la sanción impuesta por Roy antes de volver al terreno de juego.

Por su parte, Rebecca y Keely unen fuerzas para poner de relieve el trabajo de sus atletas, pero además tienen sus vidas sentimentales patas arriba: la primera atraviesa dificultades con Matthijs (interpretado por el actor neerlandés Matteo van der Grijn) mientras que Keely y Roy seguirán manteniendo un tira y afloja peculiar.

Lo primero que hay que decir de Ted Lasso 4 es que la serie vuelve de una forma bastante orgánica y mantiene lo que siempre ha gustado tanto a la audiencia, la fusión de comedia y mensajes importantes, añadiendo un nuevo contexto que es muy rico en matices y apreciaciones. Mientras que en el fútbol masculino todo parece hecho, en el femenino todo está por hacer y representa un verdadero desafío empresarial para el club, que arriesga de forma decisiva, y para los personajes, que tienen que amoldarse a una nueva realidad.

Por lo demás, la serie no baja el pistón en los lances deportivos con golazos, paradones, estrategias en el campo y mucha tensión. Sigue percibiéndose como una serie con un guión sensible al desarrollo emocional de los personajes, enriquecedora, tierna incluso en muchas ocasiones, pero sin perder su sentido del humor y la garra en el terreno de juego.

Al final, la misión de un entrenador es crear conciencia de equipo, conseguir que las jugadoras en este caso, estén cómodas, atendidas en el plano físico y psicológico, sean valoradas como se merecen y tengan oportunidad de brillar. Ya sabemos que Lasso no es un tipo resultadista sino centrado en el crecimiento personal y del grupo.

Con Ted Lasso todo es posible: lo vimos colarse en el anuncio de la SuperBowl y hasta en el intermedio de la final del mundial de fútbol recientemente y ha obrado el milagro para uno de sus actores: Cristo Fernández, el actor que encarnó a Dani Rojas ha debutado en el fútbol profesional. Así que parece que es cierto eso de que "el fútbol da la vida". Nuestro consejo: no os perdáis la cuarta temporada de la serie, no decepciona.

Mar abierto no es una película de serie B, descuidada en el terreno de los efectos especiales o que busque un tono hilarante. Quiere ser una cinta razonablemente realista, con una puesta en escena cuidada, imágenes de alto impacto e historias humanas de superación.

Sin embargo, tiene algunos problemas de base: personajes estereotipados muy explotados, escasa credibilidad de los acontecimientos, una fotografía extrañamente luminosa que delata el rodaje en tanques de agua... Y, por encima de todo lo anterior, muy poca originalidad.

Cine de catástrofes + Survival horror

En mar abierto nos presenta a los variopintos pasajeros de un vuelo intercontinental de Los Ángeles a Shanghái que están a punto de embarcar. Entre ellos, una pareja en crisis, los miembros de un equipo deportivo, unos hermanastros que no se llevan bien y el clásico tipo insoportable y egoísta que desespera a las azafatas.

En mitad del vuelo se produce una explosión en la bodega que deriva en un fallo del motor lo que obliga a los pilotos a realizar una maniobra de emergencia descendiendo hasta amerizar en una zona de aguas poco profundas. Esto destroza la nave y deja diseminados a los supervivientes en una amplia zona entre los restos del fuselaje.

Por si fuera poco, las aguas están infestadas de tiburones grises que atacan en grupo, haciendo descender aún más sus posibilidades de salir con vida, mientras esperan un improbable rescate con el riesgo de acabar en mar abierto.

En mar abierto cuenta con un reparto interesante, muy buenos efectos especiales y cierto nivel en sus aspiraciones estéticas. Por desgracia, carece de un guión con ideas propias y se dedica más bien a coleccionar clichés que hacen que sea muy fácil adelantarse a los acontecimientos. Apenas hay en ella rastros de originalidad y esto hace que el nexo entre la audiencia y las historias de las personas que nos cuentan sea muy endeble.

En este sentido, la parte de cine catastrofista funciona mejor que la segunda de supervivencia extrema, que se antoja más boba (personajes tomando decisiones pésimas, retrasando algo tan obvio como coger chalecos salvavidas y balsas salvavidas, haciendo uso de móviles mojados que funcionan sin problemas...).

Al comienzo está mejor ambientada, tiene más ritmo y las secuencias de mayor impacto, como las de la explosión, las averías y el destrozo de la aeronave en pleno vuelo. Los tiburones son sencillamente demasiado voraces e inteligentes.

¿Es entretenida? Sín duda. ¿Tiene aspiraciones comerciales? El timing para el estreno es el adecuado; las posibilidades de éxito, escasas. No solo por el hecho de que esté compitiendo en una liga muy complicada, ahora que Spider-Man: Brand New Day y La Odisea están pegando fuerte sino porque tanto la animación como el terror siguen cosechando un éxito bestial copando el 10 de la taquilla nacional.

Hacerse un hueco es de por sí difícil, hacerlo además con una propuesta tan plana más todavía y da especial rabia porque En mar abierto tiene como decíamos un reparto bastante majo con Ben Kingsley en un papel pequeño y Aaron Eckhart como principal reclamo. También tienen roles destacados Angus Sampson (Tucker en la saga Insidious) y la pequeña Molly Belle Wright a quien también veremos en un avión en problemas en Black Box: Vuelo 298.

En pocas palabras a la película le falta pegada y factor diferencial aunque en su descargo hay que decir que en los impases finales tiene algún momento emocionante y cierra varias subtramas con acierto, más allá de las más obvias que se adivinan al poco de empezar.

Después de haber ignorado bastantea los dragones, casi siempre relegados a un segundo plano y con breves apariciones desde que tuvieron sus lances en la Batalla del Gaznate, aquí aparecen para marcar una diferencia.

Es más, la propia naturaleza ardiente de los Targaryen también se deja ver con la ensoñación de Aemond y el inesperado affaire de la reina, que por cierto no está refrendado por la letra impresa (no aparece ni en la crónica y formaba parte del guión de la serie) sino que surgió en el propio set de rodaje y a buen seguro generará cierta controversia.

La casa del dragón 3x07 ha sido escrito por Philippa Goslett y Zenzele Price y dirigido por Nina López-Corrado y ha visto la luz en HBO Max el 3 agosto.

Resumen de La casa del dragón 3x07

El capítulo arranca con una visión de Helaena. Rhaenyra la despierta: no encuentran a su madre y no se sabe nada de ella. La reina le dice que puede ser una soñadora y ella le confirma que a veces tiene visiones. La última de una yegua gris. Rhaenyra le pregunta por Daemon y por el desenlace de la contienda en Ladera. Quiere saber si vencerá por voluntad de los dioses.

Aemond entre tanto entrena en Harrenhal pero sigue algo débil. Alicent se presenta ante él y elogia su astucia por haberse quedado allí escondido. Aemond pensaba que lo habían abandonado. Cuando pregunta por Aegon, Alicent le dice que estará muerto y le dice que cree haberle fallado. Alicent se le insinúa y él se echa sobre ella. Cuando se da cuenta, es en realidad Alys Ríos, que busca quedarse encinta. La aparta de él y sale precipitadamente de la estancia, entonces ve llegar a su madre.

Los Stark con la cabeza de Criston Cole en una poca avanzan inexorables, Ormund, no obstante, no está especialmente preocupado porque dice tener un as en la manga.

Daemon se presenta ante Jeyne Arryn preguntando por Rhaena pero ella ya ha partido. Ella quiere delatarla ante Rhaenyra porque se siente muy expuesta aunque él consigue una prórroga de un día para buscarla por su cuenta.

Alicent le presenta a Aemond a Adrian, su protector y guía, que le ha conducido hasta Harrenhal. Le ofrece su mano, pero a continuación lo mata. La excusa que le da a su madre es que no confía en los desconocidos pero de facto con esta acción la deja desamparada y a su merced.

Corlys cena con Ormund y Daeron. Con su presencia allí Ormund quiere evitar que los soldados de Marcaderiva acudan a Desembarco del Rey y cunda el caos. Daeron cree que el verdadero problema son los Lobos de Invierno yendo hacia Ladera. Cuando Ormund empieza a hacer sus consideraciones sobre el salvajismo de los Targaryen, Corlys pide regresar a su celda. Daeron habla con Gwayne y le expone sus temores a estar siendo manipulado por un demente que los llevará al matadero. Se siente impotente y contrariado, sin saber cómo actuar.

El Consejo de los Negros es un desastre: Corlys está en paradero desconocido, las arcas prácticamente vacías y Rhaenyra desesperada.

Addam y Baela llevan información sobre Robaovejas y su jinete a la reina, que responde muy agitada. Se pone de manifiesto que Daemon le ha mentido y Mysaria le expone de manera muy vehemente que es capaz de cosas mucho peores.

Larys, Aegon y Tyland prosiguen su viaje. Encuentran a familias a la fuga en su camino hacia Poza de la Doncella. Un ejército marcha hacia allí: los Mooton, fieles a Rhaneyra. Les sugieren dar la vuelta y, de hecho, no pueden hacer otra cosa que regresar a Reposo del Grajo porque hay un verdadero éxodo.

Alicent le pregunta a Aemond cómo se conocieron él y Alys. No comprende quién es ni por qué ha decidido quedarse con ella. Aunque él se siente como un rey en Harrenhal con su propia reina y a punto de generar una nueva dinastía, Alicent le expone que Rhaenyra es la reina y que tiene seis dragones en su poder. Alys se siente amenazada por Alicent: ve que sus intenciones no son claras y cree que ha ido hasta allí para hacerle daño a su hijo. Aemond no le hace caso y cree ciegamente en ella. Alicent entre tanto aprovecha su soledad para hacerse con la daga de Adrian y ve las flores azules que crecen por los alrededores.

De vuelta a Reposo del Grajo, hay una nueva estampida: Larys propone que Tyland se entregue puesto que es a él a quien buscan para que Aegon y él puedan escapar. Aegon decide que no va a a huir más, les dicen que hagan lo que quieran y que lo que hará será plantarles cara. Tyland decide quedarse con él y Larys pone como excusa que es un tullido y no supondrá diferencia en la batalla para partir, no sin antes decir que se ocupará de que se le recuerde en las canciones.

Daemon va en busca de Rhaena: Caraxes y Robaovejas están a punto de enzarzarse. Ella quiere saldar su deuda con Rhaenyra encontrando a Vhagar pero en su aventura ha delatado su posición.

La reina y Addam se presentan de improviso. Cuando ve a Rhaena, Rhaenyra no puede creerlo. Robaovejas está fuera de control y arma una trifulca entre los dragones. Syrax es herido, pero huye con Rhaneyra y Rhaena, mientras Caraxes ataca a Robaovejas, que huye malherido.

Mysaria planea recibir a los suplicantes en lugar de la reina y sus antiguas amistades le recuerdan que no está en el lugar que le corresponde. Ella se defiende diciendo que desde su posición puede defender mejor a los que no tienen nada.

Alicent va a ver a Aemond que le dice que es consciente de que no le gusta a Alys. Le propone irse pero antes le ofrece “vino especiado” para que pueda dormir bien, como cuando era niño. Aemond le confiesa que intentó matar a Aegon.

Daemon va a disculparse con su esposa: le dice a Rhaenyra que se vio obligado a ayudar a Rhaena. Por su parte, Baela le dice a su hermana Rhaena que es un nuevo comienzo.

Alyn recibe un paquete con el dedo de su padre, que aún lleva el sello de su casa como prueba de autenticidad.

Aemond se desploma ante Alys mientras Alicent huye. Mientras tanto Helaena tiene un sueño: que da a luz y monta a un dragón con el que pasa a fuego el Trono de Hierro. Su visión incluye un eclipse solar mientras juega con los niños en el bosque y se acerca un invierno amenazante.

Rhaenyra pide el consejo de Mysaria, con quien está decepcionada: seguir su consejo para parecerse a Viserys no la ha llevado a donde quería. Mysaria le dice lo que quiere oír: que será reina durante muchos años y que es digna del trono, validando a sí su ego herido por la mentira de Daemon. La besa en los labios y a continuación se acuestan juntas.

En la noche, Aegon y Tyland reciben la visita de las tropas que piden lealtad a Rhaenyra. Aegon se presenta como el heredero de Viserys, ungido por el septón supremo. Los jinetes retroceden asustados porque tras él se yergue su dragón, Fuegosolar. Le ordena expulsar fuego y destroza a los Mooton.

Ormund se reúne ante el fuego con Ulf y le habla del incidente con Daemon cuando le pegó ante todo el mundo. Le dice que sabe lo que vale y que no es un mero títere. Ulf quiere un título y un castillo como Colmenar. Ormund le ofrece Marcaderiva y ser el señor de las mareas.

Rumbo al desenlace

El capítulo 3x07 de La casa del dragón marca un punto de inflexión positivo para la serie en la medida en que parece recuperar el pulso narrativo: pasan cosas aunque no parezca capaz de evitar que sean las conversaciones entre los personajes las que lideren la serie. Y esto llega a ser especialmente cansino en algunos momentos. Es un recurso utilizado tan profusamente que está desgastadísimo.

Otro de los aspectos a señalar es la tendencia al uso de elipsis para generar efecto sorpresa. Es algo artero pero, en general, es la forma que adoptan los planes de Ormund que siempre tiene una estrategia oculta como puede ser haber atrapado a Corlys o su soborno a Ulf. El personaje interpretado por James Norton es sin lugar a dudas el elemento más desestabilizador de una temporada de ritmo desigual pero que siempre toma impulso con su presencia.

De largo, lo más llamativo es que, al fin, los dragones tienen apariciones importantes. Por un lado por el conflicto que hay entre ellos, amenazados por el salvaje Robaovejas y, por otro, porque el refrendo de Fuegosolar cambia las tornas en favor de Aegon, abandonado por Larys.

Las licencias son la tónica en una narrativa que está contra las cuerdas por las distancias que ha tomado respecto a la crónica Fuego y sangre. También parecen aflorar elementos fantásticos que hasta ahora apenas habían tenido cabida como los sueños proféticos y las visiones oníricas de Helaena que tiene un especial vínculo con Sueñafuego y la capacidad de ver el futuro. Recordemos que aún tiene que dar a luz a su hijo menor, Maelor, aunque en la cronología de la serie este evento va ya bastante retrasado, como tantos otros que parecen congelados en el tiempo.

Sea como fuere, todo está ya dispuesto para el episodio final de esta tercera temporada que veremos el próximo 10 de agosto.

Lo vas a decir tú cuando veas el episodio que vamos a analizar en el día de hoy, una auténtica obra de arte de calidad cinematográfica. ¿Recuerdas qué ocurrió en la entrega 59 de la serie?

Para ubicarte un poco, el episodio anterior nos dejó con el corazón en un puño, pues Goku, pese a haber desbloqueado un nivel superior del Super Saiyan 4, vio cómo Ih Shinron se comió todas las Bolas de Dragón. ¿El resultado?

Lo vas a ver a continuación, pero ya te adelantamos que el último dragón oscuro desplegará el poder más grande de la serie jamás visto en un villano. ¡Qué miedo que da!

Para que te hagas una idea del nuevo poder de Ih Shinron, el dragón maligno ha aumentado su fuerza por diez, una auténtica exageración si tenemos en cuenta el nivel que ya tenía de antemano. Así, se pone a jugar con la familia y amigos de Goku, dejándolos fuera de juego en segundos.

Además, el Super Saiyan 4, que había desbloqueado un nivel superior, también sufre de lo lindo y poco puede hacer contra él. Es más, tras recuperarse de la ceguera, Goku le asesta un Puño del Dragón a bocajarro, ¡pero ni por esas logra vencer a Ih Shinron, que ahora conoce las técnicas de los otros dragones oscuros y puede regenerarse!

Como estás viendo en las capturas que hemos realizado, la calidad visual de este capítulo es de auténtico cine y no exagerábamos cuando te lo decíamos al princpio del análisis. El caso es que, viéndose contra las cuerdas...

¡Goku planea inmolarse utilizando todo su ki, al igual que hizo Vegeta contra Majin Buu! Una decisión demasiada temeraria, sobre todo si tenemos en cuenta que el dragón se podría regenerar... Por suerte, el príncipe de los saiyans aparece en el último instante con buenas noticias.

Gracias a Bulma, han desarrollado una máquina que potencia las ondas brut capaces de desbloquear el poder más absoluto de los saiyans. ¿El plan? Apuntar a Vegeta con la máquina para que desbloquee toda su fuerza. ¡Y vaya si lo consigue!

Aunque primero se transforma en Ohzaru y parece haber perdido la cordura, el bueno de Vegeta estaba simplemente bromeando. Como tiene un poder tan grande, a diferencia de su Ohzaru del pasado, logra canalizar toda esa fuerza para alcanzar el Super Saiyan 4, tal y como hizo Goku. ¡Y no solo eso, le confiesa a su eterno rival que solo podrán vencer a Ih Shinron si se fusionan!

¡CURIOSIDADES!

1- Vegeta perdió su cola saiyan hace muchos años. De hecho, en Dragon Ball GT tampoco la tiene, pero cuando recibe de lleno las ondas brut de la máquina de Bulma...

¡Le sale el rabo de golpe! Te dejamos la captura del momento. El saiyan, como puedes ver, no lo pasó tan mal como Goku para recuperar su rabo:

2- ¿Y de qué color son los ojos del Super Saiyan 4 de Vegeta? Pues son verdes, aunque el episodio nos lleva a cierta confusión, tal y como puedes ver abajo.

En una de las tomas, vemos los ojos de color amarillo, exactamente como los de Goku en dicho nivel de poder. Y después, cuando cambian de plano, los vuelve a tener verdes, su color habitual en este estado de cuarto nivel:

Y hasta aquí esta obra de arte de episodio. ¿Qué os ha parecido esta entrega? ¿La recordabas con esta calidad o te ha sorprendido sobremanera?

Si te has quedado con ganas de saber qué pasará, el domingo que viene regresaremos con el análisis del próximo capítulo. ¡No dejes que te lo cuenten! ¡Kai, Kai!

Vamos primero con los pros y luego con los contras para hacer un correcto balance de una temporada repleta de detalles que merecen ser comentados. Lo primero que hay que decir y dejar que vaya por delante es que el trabajo de Lauren Cohan y Jeffrey Dean Morgan sigue meriendo la pena, aunque los giros de guión den la sensación a veces de no tener realmente claro a dónde se quiere llevar a los personajes.

Bien por el fichaje de Jimmi Simpson, solvente intérprete a quien también veremos muy pronto en la segunda temporada de Materia oscura. Es una de las novedades bienvenidas de forma incontestable.

Lo que nos toca explorar en esta ocasión es una tregua en la animadversión entre ambos lo que por una parte allana el terreno a un acercamiento, a veces más cariñoso de lo deseable, que va a chocar de plano con las expectativas de muchos espectadores veteranos... Ya ha empezado a encender críticas airadas en redes sociales. Y se entiende.

De hecho, la dirección que sigue la trama es justo la opuesta a la que sugería el final de la segunda temporada, con una vuelta de tuerca inicial que dejará a más de dos de piedra.

Lo más destacable de esta temporada, que va a constar de 8 nuevos episodios emitidos a razón de uno por semana vía AMC+ hasta su desenlace el próximo 14 de septiembre, es que se permite hacer cosas tan inusuales como un episodio (el sexto) que nos ofrece una realidad alternativa... Ojo, porque no termina de ser redondo del todo, pero es un soplo de aire fresco. Sorprende porque, a pesar del cambio de escenario, hasta ahora, la trama de este spin-off se había centrado, como tradicionalmente ha sido la tónica en la serie madre, en derrotar a un líder malvado de una facción adversaria, ya fuera el Croata, Bruegel o Dama.

Este tipo de experimentaciones, poco o nada habituales, permiten explorar las relaciones de los personajes desde un prisma diferente pero sobre todo dan oxígeno a la claustrofóbica trama. Aportan calidez, color, sorpresa. Es la parte positiva, claro. La negativa es que a veces es mejor hacer los experimentos con gaseosa: la escritura del guión podría haber sido más precisa porque Dead City no deja de distanciarse del material original.

Es casi como si más allá de algunos detonantes obvios e insoslayables como la muerte de Glenn la brecha argumental cada vez se abriera más entre ambos universos ficcionales. Vamos, que se agradecen las sorpresas, pero más se agradecerían si fueran del todo coherentes y no llevaran a contradicciones en la continuidad... El mismo empeño en construir una comunidad en Manhattan olvida la existencia de la Commonwealth, sin ir más lejos.

A todo lo anterior hay que añadir otras dos chinas en el zapato: retomamos la queja habitual de que los caminantes apenas suponen una amenaza, salvando alguna secuencia de alta tensión efímera, y que la credibilidad del apocalipsis está más perdida que nunca, cuando vemos a los personajes tan limpitos, con electricidad y hasta echándose una partida en la PlayStation (uf). Pero es que el ritmo de la serie también es desigual: arranca muy despacio, casi desarmando las dos primeras temporadas a cada paso, para luego pisar el acelerador.

Irrumpe también ahora un humor desaforado que no habíamos visto antes y que sigue la línea de romper clichés y cautivar a la audiencia de otras maneras. Es otra forma de experimentación que sale regular aunque de nuevo se agradece que se prueben nuevas fórmulas para expandir un universo que lleva 15 años en antena.

Con todo, es como si Dead City atravesara un crisis de identidad: no tiene claro el rumbo, quiere retrotraernos a algunos aspectos de The Walking Dead muy reconocibles pero a la vez hace borrón y cuenta nueva de una manera que llega a traicionar a veces su legado así que es difícil pillarle el punto.

Seguramente tenga mayor poder de atracción para nuevos espectadores: los que hemos seguido esto desde sus inicios tenemos más motivos de queja o, como poco, razones para estar preocupados por las inconsistencias que detectamos a la primera... Lo mismo necesitan actualizar la biblia de los guionistas, ese documento previo en el que se recogen los eventos canónicos para mantener la continuidad...

Ojo, porque su versatilidad es encomiable y aún nos queda verla en, al menos, dos producciones más este mismo año: El final de Oak Street y Verity dejando constancia de su plasticidad interpretativa y su insaciable apetito por abordar proyectos del todo distintos entre sí.

Mother Mary es una película de originalidad exótica y, a su vez, de una ambición bestial. Nos devuelve al David Lowery desconcertante que se dio a conocer con A Ghost Story y siguió cosechando éxito con El caballero verde y lo hace desarrollando una nueva historia de fantasmas poética, hermosa en su plasmación visual, muy poética y no demasiado asequible para el espectador medio. Tiene el potencial de resultar pretenciosa y extraña, aunque justo en sus ínfulas es donde radica su magnética excentricidad.

Quién eres dentro y fuera del escenario

Mary es una demiurga del pop que arrasa en multitudinarios conciertos pero que pasa por una crisis creativa después de percatarse del grave error de haber abandonado a su estilista y amiga Sam.

Por eso va a su encuentro, con una disculpa por delante y un encargo: que prepare para ella el último atuendo que lucirá en su inminente concierto, el final de su gira.

Sam se muestra reacia, todavía dolida por la separación, pero termina accediendo cuando comprende que su capacidad creadora sigue en comunión con la de la cantante.

Definir el género al que se adscribe Mother Mary es casi imposible. Tiene tanto de thriller psicológico como de película de terror pero es también una historia sobrenatural y un musical que dialoga con The Eras Tour de Taylor Swift (clarísima inspiración), con todo lo que ello conlleva a nivel de diseño artístico.

Todo acompaña: interpretaciones de primer nivel, un texto arriesgado, una puesta en escena sensacional, un vestuario exquisito y pertinente y la banda sonora compuesta por Charli XCX y Jack Antonoff que busca crear experiencias musicales casi místicas, en línea con la imagen que desprende una Anne Hathaway que se transmuta en el escenario.

No hay una única manera de interpretar Mother Mary y eso es algo que hace de la película una propuesta especialmente interesante. ¿Es una reflexión sobre la fama y la identidad? Sin duda, pero también habla de la conexión íntima entre dos personas que hace surgir la chispa del éxito.

El personaje artístico de la diva de la canción Mother Mary que da título a la película no es simplemente una cantante y bailarina excepcional sino una figura que surge de la simbiosis con la imagen que proyecta que está asociada de forma indeleble a la iconografía de la virgen María cruzada con la de Juana de Arco: capas, aureolas, fragmentos de armaduras...

Y, por lo tanto le debe tanto a su estilista como a su propia voz. Esto no va del vestido que envuelve a la artista para hacerla brillar sino de cómo lo que porta la define y delimita.

Mother Mary es una película de sensaciones, de momentos líricos y experiencias místicas asociadas al arte, especialmente al proceso creativo. No es para todos los paladares, se aleja de los estándares del cine comercial y no busca contentar a nadie sino despertar reflexiones profundas zarandeando al espectador y llevándolo por donde menos espera. Hay que estar preparado para hacer este viaje y dejarse llevar: si te resistes, se rompe el embrujo.

Lo intentaron en 2022 con la discreta Vindicators 2, con Los Vindicadores. Repitieron en 2024 con Rick y Morty: El anime, esa especie de broma existencial a la que todavía están buscando sentido. Pero hoy, muchachos, han superado el reto de la caja.

Sólo hacía falta poner la voz de Keith David como protagonista, recuperar a uno de los secundarios más carismáticos de la serie original y voilá: la primera temporada de Presidente Curtis es una escandalosa metralleta de estupideces en la que refugiarse de nuestra propia realidad.

La nueva serie de HBO de los creadores de Rick y Morty ha lanzado esta semana su primer episodio, El Piloto. Una promesa que llega corriendo, gritando y encadenando tantas referencias a la cultura popular que no deja respiro. Literalmente. Y no estoy abusando del término.

Con diez episodios de alrededor de los veinte minutos y estreno semanal, te recomiendo que veas lo nuevo de Adult Swim tal y como está pautado. Como si te lo prescribiese tu médico de cabecera. ¿Que podrías esperar a tener toda la temporada para hacer una maratón? Sí. ¿Que te puede provocar un derrame cerebral por saturación? Ni lo dudes.

Es la primera vez que me encuentro con una cadencia de estrenos semanal y me parece una medida de prevención sanitaria. En unas líneas me lo agradecerás.

Un presidente a la altura de Estados Unidos

Andre Curtis nació en Rick y Morty como contrapunto institucional de lo que es Rick Sánchez. Tiene en su mano ejércitos, satélites, laboratorios secretos y la autoridad del que fuese el país más poderoso del mundo. El chiste estaba que su poder no está en quién es, sino en lo que tiene.

Con su propio espacio acaban con el agujero negro de carisma que es Rick y le permiten respirar para encontrar una audiencia que lo estaba esperando. Con Presidente Curtis, Dan Harmon y James Siciliano dicen que buscan algo más cercano a Expediente X o La Búsqueda. Y yo te digo, una vez más, Ultrasecretos.

Es parte del drama de los spin-offs. Si la experiencia es demasiado lejana al original, pierdes. Si es idéntica, pierdes. Así Better Call Saul transformó el drama criminal de Breaking Bad en una exquisita tragedia íntima sobre la identidad y El Show de Cleveland calcó la mecánica de Padre de Familia hasta eliminar el sentido de su existencia.

La nueva serie de la franquicia pertenece visualmente a Rick y Morty sin disimulo. El humor tiene el mismo gusto por lo grotesco, el descaro y el sarcasmo, incluso su estructura parte de ideas igualmente estúpidas. Pero su terreno de juego sí ofrece una diferencia contextual más centrada en la aventura y lo paranormal que es donde querían llegar Harmon y Siciliano.

Tanto confían en el resultado que desde Adult Swim ya han dado luz verde a su renovación para una segunda temporada. Parecía que el universo de Justin Roiland estaba confinado a funcionar con Solar Opposites o, incluso, en su periferia de influencia —véase Ultrasecretos—.

En realidad sólo necesitaban un presidente más cuerdo para los Estados Unidos para triunfar con un spin-off. Y sí, el Presidente Curtis es un tarado de época.

La serie recoge el motor creativo y sarcástico de Rick y Morty, pero le instala siete turbos, acorta todas las marchas y revienta el escape desde la salida como si fuese el mismísimo Dominic Toretto: los diálogos machacan como una taladradora el ritmo de cada episodio hasta el punto que ni la generación TikTok va a tener opción de sacar el móvil.

De verdad, es absolutamente incesante. Hasta agotador. Aún así, es complicado llenar hasta tal punto el metraje y mantener sus ejecuciones cómicas ilesas.

Te vas a reír de un chiste y te vas a perder el siguiente, y da exactamente igual. Sólo que su velocidad verbal te puede llevar al dolor de cabeza; nada que el doomscrolling no te haya provocado antes.

Por eso su animación mantiene la misma sencillez casi industrial de este tipo de series. Un dibujo aparentemente sencillo, pero con una densidad de diseños, accesorios y fondos que hacen las veces de una segunda línea cómica en la que sólo repararás si te fijas. Es su contraste al exceso.

El heredero inesperado de Ultrasecretos

Mencionaba antes la —dolorosa— cancelación de Ultrasecretos, que poco o nada tiene que ver con Rick y Morty al margen de las comparaciones, y tiene una gran importancia para el público de Presidente Curtis.

Porque la primera, de Netflix, combinaba historia, cultura de internet y detalles absurdamente específicos que parecen estar utilizando para escribir el nuevo spin-off.

Véase el episodio piloto. Un bebé lunar enviado al espacio como una especie de superdescendiente de Kennedy, hasta donde escribiré para evitarte el destripe. Tienes la fascinación conspirativa de la CIA y el asesinato más famoso de un Presidente de Estados Unidos, el montaje del alunizaje con referencias a Kubrick, hasta la red flag de la astrología.

Presidente Curtis utiliza explicaciones ridículamente específicas que funcionan con coherencia para los que vivimos en internet: el villano del primer episodio no es malo por las barbaridades de sus actos, sino porque tiene demasiado de Leo en su carta astral.

Y como este, viendo el martillo pilón de ideas de la serie, hay un sinfín de detalles sólo en su primer episodio como la ruleta de castigos de la CIA (donde, por cierto, se puede leer "Run 4chan", esta gente se ha pasado internet).

Es decir, el spin-off de Rick y Morty comparte temáticamente lo que funcionaba del no spin-off de Rick y Morty. Lo esperable sería abrazar en su segunda temporada esta inspiración de modo absoluto para que podamos tener lo mejor de ambos mundos, ocupando el hueco de una y rascando la picadura de la original.

El principal riesgo es cómo de elástica será la fórmula cuando casi la totalidad del carisma de la serie está exclusivamente en Curtis y no en sus acompañantes... y cuándo caerá en la repetición.

Presidente Curtis encuentra algo que los anteriores derivados no habían conseguido: una razón para existir fuera de Rick y Morty.

Protagonizan el veterano Christian Clavier y Rayane Bensetti y en ella se ofrece una combinación de humor, crítica a los abusos de poder en el entorno laboral y peli de robos... aunque patas arriba, porque esta pareja no quiere cometer uno sino reponer lo hurtado antes de que les pillen.

Con esta simpática premisa y mucho oficio por parte de Clavier, que se marca dos papeles bien reconocibles (el de cerrajero caradura y el de madre desmemoriada) se monta una verdadera buddy movie que funciona muy bien sin reinventar la rueda. Ambos protagonistas no pueden ser más diferentes y eso marca uno de los tantos definitivos en la historia, que se desarrolla en hora y media yendo al grano y apoyándose en el carisma de estos dos antitéticos personajes condenados a colaborar.

Si pagas en efectivo, te ahorras el IVA

Atrapa el millón nos presenta a Stan, un comprometido ejecutivo de una empresa cementera, dispuesto a sacrificarlo todo por un preciado ascenso a jefe de operaciones que ponga a su alcance la sucesión de su jefe. Sin embargo, su ambición se ve lastrada por un error provocado por su archienemigo en la oficina, lo que deriva en un despido fulminante.

Ofuscado y abatido, toma la decisión de sacar de la caja fuerte un maletín con un millón de euros de dinero negro que estaba destinado a entregarse como mordida gracias a la consecución de una licitación de obra pública y largarse con su novia, a la que también anima a dejar su trabajo y mandarlo todo al carajo. A fin de cuentas, nadie podrá denunciarlos por haberse llevado un dinero que, en teoría, no existe.

Sin embargo, en plena escapada, recibe la llamada de su jefe muy arrepentido de haberlo despedido y dispuesto a facilitarle la ansiada promoción. Su problema será, a partir de ese momento, reponer el maletín sustraído antes de que nadie lo note, para lo cual echará mano de Hippolyte, un cerrajero acostumbrado a inflar las facturas y sacarle los cuartos a sus clientes que regenta el negocio "La llave de la felicidad".

Dos hombres y un destino

Atrapa el millón es una película de entretenimiento pasajero que casa a la perfección con el momento en el que llega a la cartelera: ofrece una evasión poco exigente con el espectador, llamado a pasar un buen rato si se acerca a la sala sin excesivas pretensiones.

El tono es ligero, la puesta en escena adecuada y los intérpretes hacen lo que se espera de ellos: comedia de situación, con Clavier como principal reclamo.

No es una película que reinvente la comedia ni aporte excesivas novedades, pero tampoco se le exige más de lo que da: despierta sonrisas, deja buen sabor de boca y tiene todos los mimbres para convertirse en una feel good movie simpática y apacible aunque le toque lidiar en cartelera con un miura como Spider-Man que se lo va a poner muy difícil para hacer caja en nuestro país.

Atrapa el millón adopta la forma del cachondeo con abundantes giros de guión, sí, pero no se abstiene de lanzar algún que otro recadito: retratar la mafia de las empresas y la forma en la que manipulan a sus empleados haciéndolos correr detrás de una zanahoria es uno de ellos y señalar la hipocresía imperante en todas partes, otro bien grande.

Desde el currito de a pie que trata de colarte cien euros extra hasta el alto ejecutivo acostumbrado a las mordidas y los tratos fuera del despacho: al final todos forman parte de una picaresca destinada a amontonar dinero echándole morro a la vida, así que hay cierta justicia poética en el desenlace.

El Universo Cinematográfico de Marvel se reactiva en la gran pantalla con el regreso de Tom Holland después de casi un lustro desde la última vez que encarnó a Peter Parker en la gran pantalla. El querido superhéroe está más solo que nunca, pero la ciudad de Nueva York sigue necesitándolo para evitar que el mal prevalezca.

Jon Watts da un paso atrás tras Spider-Man: No Way Home, cediendo el testigo de la dirección a un cineasta que ya es veterano en Marvel Destin Daniel Cretton, director de Shang-Chi y la leyenda de los Diez Anillos y cocreador de Wonder Man.

Con el Universo Cinematográfico de Marvel en plena crisis de identidad y apuntando hacia un reinicio suave tras Vengadores: Doomsday y Vengadores: Secret Wars es el momento de comprobar si el trepamuros sigue siendo inmune a la fatiga del cine de superhéroes.

Hoy, en Hobby Cine, te traemos nuestra crítica de Spider-Man: Brand New Day, que tramará su red de telarañas en las salas de cine de todo el mundo a partir de hoy, 29 de julio de 2026.

Nueva York ha olvidado a Peter Parker, pero él no olvida proteger Nueva York

Empecemos con un pequeño repaso a la premisa. Después de los eventos de No Way Home, encontramos a un Peter Parker taciturno que se contenta con una vida anónima mientras, con la capucha puesta, todos lo conocen, aunque nadie recuerde los grandes sacrificios que hizo en el pasado por la ciudad.

Esa distancia con su antigua vida incluye a MJ (Zendaya) y Ned (Jacob Batalon), quienes han seguido con sus vidas, ajenos a que antaño fueron inseparables del héroe más grande de Nueva York.

Pero una nueva amenaza acecha en la ciudad; un mal imposible de atrapar, pues es capaz de controlar las mentes de los demás y hacer que cumplan su voluntad. El caos está servido y puede que Spider-Man, en plena "pubertad", sea el único capaz de aplacar esa amenaza.

Tendremos casi 2 horas y media de Spider-Man: Brand New Day para comprobar si Peter Parker es capaz de salvar Nueva York una vez más, aunque le hará falta una ayudita.

Spider-Man madura como superhéroe

El Spider-Man de Tom Holland ya es la iteración en acción real que más aventuras ha vivido en la gran pantalla. Más allá de sus filmes "en solitario", lo hemos visto formando equipo con los personajes más poderosos de Tierra-616.

Pero todo eso no vale de nada en Spider-Man: Brand New Day, que va a mostrar al Spider-Man más capaz, pero al Peter Parker más vulnerable. Sí, incluso más que en No Way Home, cuando estuvo expuesto.

El guion de Chris McKenna y Erik Sommers le brinda al personaje de Tom Holland una madurez muy necesaria para esta iteración, y lo hace a través de diferentes personajes. Obviamente, MJ y Ned desempeñan una función clave en ese aspecto, pero Peter también se verá espoleado por el personaje de Sadie Sink en más de un sentido.

No, no te voy a decir a quién interpreta Sink, pero sí diré que la estrella de Stranger Things cumple con creces a través de un recurso narrativo que, pese a estar muy trillado, sigue siendo muy funcional.

Pero Spider-Man necesita un personaje que, en muchos sentidos, se ha echado de menos en las anteriores películas, pese a estar presente. Nueva York vuelve a ser una pieza fundamental en la aventura del trepamuros. La Gran Manzana vuelve a ser una entidad viva que arropa al personaje y nos devuelve de un plumazo a la esencia comiquera que hizo grande a Spidey.

El humor que siempre acompaña a Spider-Man se ve aderezado por algunos momentos cargados de emotividad y que reflejan cómo ha cambiado la vida de Peter Parker desde que era aquel chavalín que le cayó en gracia a Tony Stark. Ese crisol de emociones es el espinazo de la película y la interpretación de Holland hace que sea facilísimo empatizar con él.

La acción sube de nivel

Spider-Man: Brand New Day hace que se note muchísimo la mano de Destin Daniel Cretton a la hora de afrontar las historias de acción. Los combates son épicos y frenéticos, con secuencias a cámara lenta que harían feliz a Zack Snyder, pero estas en los momentos más efectivos.

Pero el toque de Cretton va más allá. Hay secuencias subjetivas de Spidey recorriendo la ciudad que te convierten por un instante en el justiciero de Nueva York.

La película deja pocas zonas valle; de hecho, solo considero así un pequeño tramo, y contribuye satisfactoriamente a cerrar una etapa importante. Por lo demás, es una historia trepidante que casi no nos da respiro.

Mención adicional a la banda sonora original de Michael Giacchino, que una vez más nos mece con sus melodías y juega con cada escena para convertir la música en una especie de personaje más. Algo como lo que sucede con Nueva York.

El Universo Cinematográfico de Marvel necesita más historias como Spider-Man: Brand New Day; cartas de amor a los cómics que, pese a actualizarse y adaptarse dentro de la narrativa de la franquicia, no sacan a los personajes de sus personalidades.

La película demuestra que el humor se puede dosificar sin que tenga que ser el hilo conductor de la historia, algo que muchos guiones de los últimos años parecen no comprender. Que un popurrí de chistes funcionase con Guardianes de la Galaxia no implica que todo tenga que ser así.

Spider-Man permanece fiel a su esencia y, como resultado, sus aventuras siguen siendo un éxito. Spider-Man: Brand New Day es una película muy entretenida, divertida y emotiva. Es el tipo de enfoque que necesita Marvel en este momento y el elenco está muy entregado, lo que contribuye a que las piezas encajen a la perfección.

Si aún estás pensando si ver en cines Spider-Man: Brand New Day, te la podemos recomendar sin temor a equivocarnos (siempre hay cierto margen de error en función de los gustos, claro). Spider-Man es más grande que nunca y eso merece ser visto en una sala de cine.

La casa del dragón 3x06 ha sido escrito por David Hancock y Shyam Popat y dirigido por Loni Peristere y, a grandes rasgos, cuenta con muy poca acción, como sucedió en el 3x04 y el 3x05. Así que ya podemos dejar claro que el tráiler de la midseason fue bastante engañoso y/o que las grandes bazas se reservan para el final con el ánimo de no dejarnos de nuevo sin clímax, como pasó con la segunda temporada.

Sea como fuere la serie sufre mucho con estas decisiones porque pierde un ritmo que es indispensable para mantener el interés y la implicación emocional de la audiencia.

Resumen de La casa del dragón 3x06

El capítulo empieza con las tropas de Criston Cole llegando a un campamento de los Tully que ha sido atacado. Encuentran a los ribereños abatidos y el lugar destrozado. Pero resulta que estaban fingiendo estar muertos y se les echan encima, lo que les da la ventaja del factor sorpresa.

Después de una encarnizada lucha, salen adelante pero la batalla en realidad está a punto de empezar porque los Stark se aproximan y son muy numerosos. Cole ata el pañuelo de Alicent en su espada antes de ser abatido por las flechas de los enemigos. Después sus hombres caen ante los Stark.

Alicent y Helaena son halladas en los túneles mientras Daemon expone ante el consejo sus quejas por las muertes de los capas doradas. Alyn propone responder ultraje con prudencia. Rhaenyra decide enviar asesinos a Ladera para atacar a Ormund y Daeron, que son el foco del problema, y dejar en manos de Daemon el tema de los capas doradas.

Ulf y Hugh hablan mientras siguen custodiando la ciudad con sus dragones. Coinciden en que sus vidas no han mejorado por el hecho de ser jinetes de la reina, luego se separan. Hugh se queda allí mientras que Ulf parte a Desembarco del Rey a desfogarse.

Alicent recibe la visita de Rhaenyra y va al grano: le dice que Helaena está encinta. Eso explica su plan de fuga porque si tiene un varón puede disputarle el poder a la reina. Se lo comunica a Mysaria que le dice que no sabía nada. Ella toma represalias contra una de las sirvientas para guardar las apariencias.

Daemon reúne a sus hombres pero la mayoría deciden desertar. Él los considera unos cobardes y les afea su comportamiento diciéndoles que deberían sentir verguënza y que se arrepentirán cuando sea demasiado tarde.

Alyn informa a su padre de los ataques de Ormund y le pide más hombres. Corlys sigue resentido con Rhaenyra, pero informa a Alyn de lo que ha ido indagando al interrogar a los piratas: que Tyland Lannister sobrevivió a la batalla del Gaznate y se dirige a Reposo del Grajo.

Larys y Aegon entierran al que había sido su señor y se proponen tomar un navío hacia Braavos. La idea es pasar desapercibidos y aprovisionarse.

Aemond empieza a planear marcharse y recuperar a Vhagar pero Alys le propone hacerse pasar por muerto hasta la primavera, sanar completamente y sembrar el caos a su regreso. Le explica que han puesto precio a su cabeza pero él no se siente seguro. Ella argumenta que la dragona parece estar dándole permiso para esconderse.

La jinete de Robaovejas, Rhaena, informa a Jeyne Arryn de que ha visto a Bailarina lunar, la dragona de Baela, volando hacia Roble de Hierro y estuvo tentada de hablar con su hermana. Ella le dice que no vuelva a retarla exponiendo su posición puesto que le dio asilo. La trata con violencia y le dice que la próxima vez, será la última.

Alyn informa a Baela de sus negociaciones con su padre, pero parece que solo quiere escapar de todo, igual que Daemon. Baela y Alyn se besan y deciden olvidarlo todo y dejarse llevar.

Ormund recibe a Gwayne pero no quiere seguir sus consejos, tiene sus propios planes: poner al pueblo en contra de la “usurpadora” y esperar a pelear en su terreno. Considera que un Hightower vale lo mismo que tres Tully. Cree que las grandes casas se pondrán de su lado. Ormund le dice a Daeron que acompañe a Gwayne a sus aposentos y que tome un baño, insinuando jocosamente que debe tener cuidado porque es gay. Cuando se quedan a solas Daeron le habla a Gwayne de sus miedos: que Ormund solo lo ha nombrado rey porque no puede serlo él mismo y que se siente traicionado por su partida. Le pide que no vuelva a dejarlo y le pregunta por su madre.

Helaena deja de comer y apenas habla, pero le dice a Alicent que sabe qe Mysaria estaba informada del plan y está dolida por esa mentira.

Alys le muestra a Aemond cinco huevos de dragón que corresponden a la nidada de Fuegoensueño, la dragona de su antepasada Rhaena Targaryen, que fue a Harrenhal tras la muerte de su hija. Ella desea el regreso de su dinastía a la fortaleza. Aemond piensa que está maldito y que todo lo que toca se marchita. Ella se siente de forma parecida, está cansada de estar sola y desea una vida mejor. Le dice que ella será la Dama del Agua y él el señor dragón que la apoyará. Se besan con la promesa de que sus hijos serán príncipes igual que él.

Rhaenyra recibe las quejas del pueblo y son muchas: la muerte de los capas doradas los deja expuestos y no dejan de pasar penurias. Abandona el lugar entre gritos.

Daemon coge a uno de los hombres infiltrados de Ormund y lo interroga: le dice que son incontables y que no aceptarán nunca a Rhaenyra. Luego se cruza con Ulf que debería estar de guardia en la fortaleza con Hugh. Su descaro se salda con una amenaza: si regresa a la ciudad le sacará los ojos.

Cansado de esperar, Hugh decide infiltrarse haciéndose pasar por un mercader con el ánimo de encontrar a su familia.

Ormund es informado de la visita de un enviado de la casa Baratheon: Arrion, primo de Borros. Le dice que su casa jura lealtad al nuevo rey y propone una alianza con su casa ofreciendo a sus banderizos. Le presentan a Daeron y en ese momento Gwayne se echa sobre ellos y los mata uno a uno. Le explica a Ormund que Arrion no es ese hombre, que son asesinos enviados a matar al rey. Ormund, después de vomitar copiosamente, se disculpa con Gwayne y le agradece haber actuado bien.

Hugh se reúne con su esposa Kat, que le daba por muerto. Le cuenta que mataron a su hermano y él que le nombraron caballero y que reclamó un dragón. Kat le dice que le han pasado muchas cosas y que le habría necesitado junto a ella. Ahora ya es tarde y no lo reconoce. No se irá con él abandonando a su familia.

Alicent le pide a Rhaenyra que no mantenga a Helaena retenida y que puede ofrecerle algo a cambio de que así sea: sabe dónde está Aemond. Le dice que está en Harrenhal a cambio de dejarlas marchar. Su fuente son las visiones de Helaena, porque es una soñadora. Rhaenyra le dice que, si es verdad, quiere asegurarse de atraparlo. Quiere enviar a un solo soldado con alguien en quien confíe, es decir, usarla a ella de cebo.

Helaena no quiere quedarse sola. Le pregunta de quién fue el deseo de casarla con su hermano. Alicent le dice que de su padre pero que ella no se lo reprochó porque prefería tenerla cerca. Vuelve a comer y Alicent le promete regresar y ponerla en libertad antes de partir.

Rhaenyra recibe un mensaje de un soldado de Ladera: “pega a este perro y te morderá la mano”. Entre tanto los hombres de Corlys son asediados por hombres enviados por Ormund.

Amenazas en ciernes, aguas calmas

La casa del dragón nos emplaza a una nueva espera, con todos los personajes en diáspora y golpes estratégicos entre los dos bandos, bastante torpes, que alejan la acción. De hecho, cada vez que puede aproximarse una batalla, el guión de la serie parece rehuir expresamente mostrar la contienda como demuestra una vez más cortando justo en el momento en el que los Stark están a punto de aplastar a los hombres de Cole, que rima con el final del episodio en el que las tropas a las que Corlys Velaryon acaba de arengar, son rodeadas por enemigos.

El innecesario estiramiento de ciertas tramas termina por restarle impacto emocional a ciertos momentos que deberían ser álgidos, mientras que otras más relevantes que han sido ignoradas encuentran ahora menos espacio en el que desarrollarse, a menudo a golpe de diálogos muy poco sutiles.

En pocas palabras: la serie necesita mejorar y abordar una remontada espectacular si quiere dejar buen sabor de boca con los dos episodios que restan. Le falta pasión en el frente (menuda forma de desaprovechar una vez más a los Stark) y hasta en las relaciones románticas con Alyn y Baela como epítome de la sosería más extrema.

Porque la gente tiene imaginación. Mucha imaginación. Y nuestra civilización es, sobre todo, esto: historias. El pizzagate, los Illuminati, el reemplazo de Avril Lavigne. Es imposible no dejarse caer en el pozo divertidísimo de seres que pestañean en horizontal.

Para una tarde, no más. No quieras terminar encerrado en tu propia imaginación. No vayas a terminar como el nuevo personaje de José Coronado.

De ahí que la nueva original española de Netflix me provocase ese chispazo inicial de interés. Los creyentes, dirigida por Roger Gual y escrita por Carlos Montero y Darío Madrona (creadores de Élite) que ya está en el top 1 de la plataforma.

Coronado, además, se reencuentra con Montero tras Legado para presentarnos a un hombre que parece haberse desvanecido dentro de sí mismo mientras Stéphanie Magnin trata de reconocer cuánto queda vivo de su padre.

Los creyentes es una historia en la que tienes que creer para caer en su pozo de conspiraciones en espiral. Porque, aún con sus aciertos, a sus 104 minutos les f alta intensidad, identidad y una revelación menos evidente para convertirse, precisamente, en una conspiración que nos ocupe algo más de una tarde.

El principio y fin de una conspiración

Ruth (Stéphanie Magnin) lleva un par de años alejada de su familia viviendo en Berlín hasta que una llamada de su padre, Martín (José Coronado), la obliga a volver. Su madre ha muerto en un supuesto accidente doméstico. Y cuando vuelve ya no queda nada de ninguno de los dos.

Martín se ha vuelto más serio, más agresivo. Hosco, sería la palabra. Su madre había intentado advertirla antes de morir: ya no es el hombre que conocía. Ruth se encontrará con un desconocido a quien no sabe creer... y comienza a dudar del accidente.

Aquí sus creadores comienzan el juego de la desconfianza. Ruth no cree en Martín. Martín tampoco confía en Ruth. Y tú, como espectador, tampoco terminarás de creerte a ninguno de los dos. Una parte es gracias a que Magnin y Coronado salvan la historia, la otra es un defecto de fondo y forma.

La conspiranoia funciona como acelerante de un thriller doméstico sobre una familia rota. Buscar en ella un ensayo exhaustivo sobre la posverdad sería exigirle una película que no pretende ser... a excepción de su escena final.

Tampoco quiero caer en el error de pedirle a Los creyentes que profundice en el fenómeno de la conspiración a pesar de que lo instrumentalice para construir tensión; el objetivo es más reducido... y tampoco la exime de una evidente falta de ritmo.

Roger Gual construye la imagen de la película alrededor de primeros planos sobre Ruth y Martín. Esta estrategia le funcionó de perlas con 7 años —primera película española producida por Netflix, por cierto—; elimina el espacio de sus dos protagonistas para encerrarlos visualmente en su relación sin estar nunca juntos, sino enfrentados.

De hecho, siempre sospecharemos junto a Ruth. Compartiremos su perspectiva desde una posición subjetiva, con la distancia de quien juzga a quien ha perdido la cabeza en vez de tratar de entender para salvarlo de su propia prisión mental.

Pero toda la expresividad que encuentra en el espacio reducido, en las miradas y en los diálogos, se pierde en la acción. Hay una escena concreta en una caída de uno de sus personajes que destruye el flujo natural de la historia para ser un mero mecanismo narrativo que nos lleve al clímax.

Es el resumen de Los creyentes: encuentra su mejor momento en los diálogos, pero se vuelve harto repetitiva por abusar de ellos y no recupera ritmo cuando pasa a la acción, sino que la vuelve peliculera hasta para una película.

Y también tiene grandes aciertos. La fotografía, los escenarios, la poderosísima y frágil habitación que esconde Martín tras el cerrojo de su puerta que no podría ser más esclarecedora es dolorosa por triste y por real son buenas muestras de su cine.

Evitar la estilización de la conspiranoia trabajando con tonalidades frías y una luz que endurece el entorno asturiano consigue que veamos el extremismo y la locura como un villano que entra sin hacer ruido en una página de Facebook o en una sucesión infinita de fake news por TikTok.

Un daño que sí es real: lo vimos con las muertes asociadas a bulos durante la pandemia, en la fiebre antivacunas, en el negacionismo de la ciencia en toda su generalidad y en las gafas amarillas promocionadas por federaciones del deporte.

Hemos abandonado la era de las fake news para entrar en la de las hate news; nuestra sociedad se nutre del odio, sin importar las fuentes, las consecuencias ni la verdad.

Ahora las mentiras vuelan como una plaga bíblica a la que sólo faltaba el apoyo de las herramientas digitales generativas. Aquí es donde la película de Netflix aparece dolorosamente a tiempo, pero con menos acierto del necesario.

Un final que deja de creer en la duda

Los creyentes no busca activamente ser una crítica social a través de su temática y ese es su mayor debe, viendo su última escena. Compone un thriller que mantienen vivo sus protagonistas y que nos abandona cuando la dirección hacia la que avanza resulta demasiado evidente.

El final es, de hecho, su saeta. Un clímax precipitado y aparatoso que sabe a poco y abandona la contención psicológica para abandonarse a mecanismos que la hacen bajar peldaños como thriller.

Y es ciertamente incómodo, porque la idea que lanzan al aire en su última escena presenta una idea mucho más dolorosa: la de esquivar al conspiranoico encerrado en una cámara de eco para descubrir al padre débil y deprimido que es, desde el primer instante, un hombre perdido... bajo la conspiración que su propia hija había creado.

Pero la película apenas acaricia esa simetría. Quiero darle valor por interesarse en el tema, por buscar ese pequeño resquicio de verdad y crítica dentro del entretenimiento comercial. Sin embargo, toda su temática termina convertida en lo que temía desde el principio: un medio para un fin.

Además, estamos ante los últimos compases de vida de Goku, ya que cuando lleguemos al capítulo final, tendremos que decir adiós a nuestro saiyan en una de las entregas más tristes de la historia del anime. ¡No estamos preparados para eso!

Y todo ello dice mucho del rival al que se está enfrentando Goku desde el capítulo 57 de Dragon Ball GT. ¡Es el último de los dragones oscuros, Ih Shinron, el monstruo más fuerte al que se ha enfrentado nuestro saiyan en toda su vida!

Las consecuencias de esta batalla serán fatales para nuestro protagonista. Al menos, su familia y amigos estarán presentes en el último combate de nuestro héroe. ¿Estás listo para adentrarte en el episodio 58 de la serie?

Goku, que perdió la visión por culpa de San Shinron, ha quedado fuera de combate ante el brutal ataque de Ih Shinron. ¡Es más, ha perdido hasta el estado de Super Saiyan 4!

Por suerte, su familia y amigos acuden a su rescate, antes de que el dragón oscuro le diera el golpe de gracia. Aunque la situación es grave, Gohan, Goten y Trunks desatan su máximo poder para cedérselo a Goku, de manera que pueda recuperar la energía y superar el límite del Super Saiyan 4.

Por desgracia, Ih Shinron no tiene ganas de esperar, así que derrota a Goten, Gohan y Trunks de un solo golpe. Eso sí, escapan de una muerte segura gracias a Goku y su Shunkanido, que al haber recuperado parte de sus fuerzas, consigue salvar a los suyos.

¡Pero todavía necesita más energía! Así, vuelven a transmitirle todo el ki, mientras Uub hace de escudo humano protegiendo el ritual de los saiyans. ¡Ahora sí parece que Goku ha conseguido superar el límite del Super Saiyan 4!

El malvado Ih Shinron comprueba que, efectivamente, este Goku sí se puede considerar una amenaza. Es más, el saiyan termina poniendo contra las cuerdas al dragón, que recibe un Kame Hame Ha x10 del que sale muy mal parado.

No obstante, Ih Shinron no ha sido derrotado por completo, y cuando los saiyans cantaban victoria, el dragón se come todas las Bolas de Dragón, aumentando exponencialmente su poder. La situación es muy grave y parece que no hay nada que puedan hacer frente a esta bestia maligna.

¡CURIOSIDADES!

1- ¿Recuerdas el atuendo que vistió Gohan cuando se enfrentó a Súper Buu? Efectivamente, le pidió a Kibito que le hiciera una versión del traje de su padre.

Pues bien, en este episodio, volvemos a ver a Gohan con el traje de Goku de Dragon Ball Z, pero a diferencia del que vimos en la Saga de Buu, en esta ocasión lo luce con el kanji GO de Namek. ¡Esto sí es un homenaje a su padre en toda regla!

2- Cuando Goku supera el límite del Super Saiyan 4 gracias a la energía del resto de los saiyans, escuchamos algo curioso... ¡el grito feroz del Ohzaru!

Y no solo eso, también nos presentan en pantalla la cabeza del Ohzaru, tal y como puedes ver justo en nuestra captura. Una vez más, vemos la conexión estrecha entre este nivel de Super Saiyan y el alma Ohzaru de Goku.

¿Qué te ha parecido este nuevo episodio de Dragon Ball GT? ¿Crees que Goku, con su poder extremo, podrá hacer frente al renovado Ih Shinron?

Ya queda muy poco para que terminemos de analizar esta preciosa serie, así que no te pierdas nuestros análisis cada domingo. ¡No dejes que te lo cuenten! ¡Kai, Kai!

Durante estos años, nos han acompañado series como El joven Sheldon, la precuela que profundiza en la infancia de Sheldon Cooper en Texas, y El primer matrimonio de Georgie y Mandy, un spin-off que rompe casi por completo con The Big Bang Theory para centrarse en el hermano mayor de Shelly.

Con Sheldon sobreexplotado, era hora de abrir el melón por otro lado, así que Chuck Lorre, Zak Penn y Bill Prady han dado forma a Stuart no consigue salvar el universo, que deja el entorno de las sitcoms para convertirse en una comedia de ciencia ficción multiversal con cuatro nuevos protagonistas. Bueno, no tan nuevos, que los conocemos a todos.

Hoy, en HobbyCine, te traemos nuestra crítica de Stuart no consigue salvar el universo, que acaba de desembarcar en HBO Max. Enfocaremos la crítica en el primer episodio.

Una misión: salvar todos los universos

La premisa del nuevo spin-off de The Big Bang Theory parte de un experimento fallido de Sheldon y Leonard. Stuart Bloom, el dueño de la tienda de cómics de Pasadena, está presente durante la hecatombe y se convierte en una especie de piedra angular de la que dependerá el destino de su universo... y de todos los demás.

Ante la necesidad de resolver el desaguisado, Stuart se lanza a la misión que le encomienda su yo de otra realidad. Por suerte, encontrará la valiosa ayuda de su colega y mejor cliente Bert, de su novia Denise y de Barry Kripke, el antiguo némesis de Sheldon.

Aunque Stuart no consigue salvar el universo no está atada por las restricciones televisivas convencionales, nos esperan episodios cortitos. El primero es de los más largos, unos 26 minutillos, pero tendremos varios capítulos de apenas 18 minutos.

Esto es bueno y malo a la vez. Por un lado, la serie nos ahorra relleno insulso, pero hay escenas que se sienten incompletas y se podrían haber beneficiado de un mejor desarrollo.

Cuatro improbables protagonistas

Hay un aspecto clave que hay que comprender para no llevarse un chasco con Stuart no consigue salvar el universo: esencialmente, son los mismos personajes de The Big Bang Theory. Te puede parecer una tontería, pero el cambio de género provoca un contraste raruno que puede jugar en contra de la experiencia.

Los personajes de The Big Bang Theory, y eso incluye a Stuart (Kevin Sussman), Denise (Lauren Lapkus), Bert (Brian Posehn) y Barry (John Ross Bowie) tienen interpretaciones exageradas y, en muchas ocasiones, inverosímiles.

Eso no es un problema en The Big Bang Theory, pero cuando encontramos algunas situaciones que presenta Stuart no consigue salvar el universo, la cosa cambia.

El equipo trata de contar una historia tan caótica como Todo a la vez en todas partes o Doctor Strange en el multiverso de la locura, pero tiene personajes que nacieron y se desarrollaron en una comedia de situación.

Así que a veces parece que estamos viendo una distopía loca como Future Man o Idiocracia. No es algo malo, pero hace falta acostumbrarse al cambio. Y también hay que tener en cuenta que esta es una historia continua, aunque cada episodio tendrá su propia minihistoria.

De momento, diré que el mejor es Bert. Sigue viviendo en su mundo, pero las aportaciones que hace terminan siendo, con frecuencia, las más valiosas.

Necesita encontrar su tono

La idea de Stuart no consigue salvar el universo no es mala y el elenco hace todo lo que puede por lucirse, pero necesitan que el público haga ejercicio para quitarles la etiqueta de secundarios, y eso va a costar.

Muchos efectos de la serie te van a parecer casposos para estar en 2026, pero tengo la impresión de que es algo deliberado; una suerte de homenaje a la ciencia ficción clásica. Claro que habría agradecido que las escenas de acción no fuesen tan forzadas.

¿Hay sorpresas? Pues claro. Hay muchos guiños de los que no pienso hablar, porque estropearía la experiencia. Ya habrá tiempo para comentarlos.

Stuart no consigue salvar el universo arranca bien. Va a haber momentos de bajón en la serie, pero en general es un buen entretenimiento. Será interesante ver si logra encontrar su propio público para dejar de depender tan desesperadamente de The Big Bang Theory. Cada viernes tendremos más progresos con los nuevos episodios en HBO Max.

Durante siglos, la arqueología se ha centrado en mostrarle al público general un retrato muy específico y sesgado del pasado, enfocado en rescatar el modo de vida de las clases altas de la sociedad e ignorando a la gente de a pie que constituía la mayor parte de la población.

Del mismo modo, el papel de la mujer también ha sido dejado de lado, muchas veces confundiendo su auténtico rol en el grupo, condenándola a situarse en una posición secundaria.

El arqueólogo Mikel Herrán ya explicó esta problemática a través de sus publicaciones relatando cómo “la gente que podía leer y escribir” representaba “una parte muy pequeña de la población”, que nos ha dejado sus escritos hechos “por o para la élite”, reflejando “una forma de ver el mundo bastante concreta: la del que manda”.

A su vez, “seguimos arrastrando los sesgos” de los primeros historiadores, “señores de bien de finales del siglo XIX y principios del XX” que han impuesto su forma de entender las épocas anteriores: “Mientras unas presencias se asumen”, como la masculina, “otras se tienen que demostrar”.

Siguiendo esta línea de pensamiento, Pompeya antes del desastre quiere huir de todo eso y de otros problemas comunes que se ha encontrado la arqueología en la divulgación de sus hallazgos durante tanto tiempo, poniendo el foco sobre dos personas reales que habitaron Pompeya durante la erupción del Vesuvio y una que estuvo en la ciudad cercana de Herculano.

La primera, el joven Avianius, un humilde aprendiz de herrero. La segunda, Julia Felix, la adinerada dueña de una casa de baños. Y la tercera, un pretoriano cuyo nombre no ha sobrevivido al paso del tiempo.

Entre el documental y la ficción

Sin llegar a ser por completo una serie de ficción, Pompeya antes del desastre termina haciéndose más amena que un documental al uso por cómo juega con la narrativa y su estructura.

Así, la parte que transcurre en el presente casi parece una serie de investigación orquestada por Tom Hiddleston, que se mezcla con una faceta más pura de documental a través de las intervenciones de especialistas.

Pero luego este apartado se fusiona mediante efectivos juegos visuales y sonoros con la ficción que elabora una cuidada recreación histórica de los pasos que siguieron sus tres protagonistas intentando salvarse de la catástrofe, desde una hora antes de que el volcán entrara en erupción hasta que las cenizas consumieran a las últimas personas supervivientes.

Todo ello aderezado con un par de cuentas atrás desde el mismo arranque de la serie hasta su final para acrecentar el suspense y el dramatismo, al que acompaña una tan sentida interpretación de Tom Hiddleston, que por momentos parece impostada.

Viajando a la Pompeya más auténtica

Como si a Tom Hiddleston se le hubiera quedado una espinita clavada desde que visitó aquella ciudad congelada en cenizas de adolescente, la miniserie de Disney Plus lo convierte en una suerte de detective que trata de desentrañar un gran misterio: cómo fueron las vidas de esas tres personas que protagonizan su relato.

Primero indagando en quiénes eran, sus nombres, sus conexiones familiares. Preguntas a las que puede dar respuesta gente experta en la materia desde ángulos como la arqueología o la psicología.

Luego tratando de entender las motivaciones personales que las impulsaron a huir, o a quedarse donde estaban. Y, por último, descubrir su paradero una vez terminada la catástrofe. Algo que los nuevos avances tecnológicos aplicados al estudio arqueológico facilitan, al recoger datos de múltiples yacimientos permitiendo crear lazos y árboles genealógicos.

Pero es justo el segundo punto el más interesante de todos, siendo también el que le da sentido a la existencia de esta serie. La evidencia pura puede dejar para la posteridad fechas, nombres, objetos. Pero falta lo más importante, algo que conecte todos esos hallazgos.

No hay una única respuesta válida para saber lo que pasó de verdad. Por eso la historia se ha contado de varias maneras a lo largo del tiempo según quién estuviera detrás de ella. Porque, al fin y al cabo, nadie estuvo ahí para verlo, así que son la imaginación y las hipótesis las que logran rellenar todos esos espacios que quedan entre los restos de un puzle formado por un ídolo y un collar.

Pompeya antes del desastre, con Tom Hiddleston se estrena en Disney Plus el jueves 23 de julio, como una miniserie de tres episodios de unos 45 minutos de duración por capítulo.

Si hemos estado hablando intensivamente de la nueva ola de cine de terror que está llevando al público joven a las salas de cine, es probable que esta película también caiga en su área de interés aunque solo sea por la alarmante pérdida de peso de buena parte de las figuras de la alfombra roja y el pifostio (perdonad el vulgarismo) que están ocasionando los fármacos inhibidores del apetito creando cadáveres andantes.

Vaya por delante que no es para estómagos sensibles y que muchas secuencias en las que se ve a la protagonista darse atracones de comida basura son tan asquerosas que hacen que The Whale parezca un paseo por las nubes... quizá os traigan a la cabeza las famosas secuencias de la tenia de La hermanastra fea.

Tiene, de hecho, muchas fuentes de inspiración recientes de las que beber. Es una cinta que se puede ligar al argumento de La sustancia al poner de manifiesto las contradicciones de una sociedad de consumo que te empuja a alimentarte de forma poco saludable mientras te exige un cuerpo perfecto para triunfar.

También habrá quien encuentre similitudes con series como The Beauty, con la decantación de una fórmula casi mágica para perder peso y conseguir "la mejor versión de uno mismo". Y todas ellas tienen de alguna forma la vista puesta en El retrato de Dorian Gray: en otro lienzo se asoma el pecado que la protagonista comete.

En busca del cuerpo perfecto

Hana es una estudiante de medicina con una fuerte dismorfia corporal que la lleva a tratar de adelgazar siguiendo a influencers en redes sociales y sus locas teorías.

Sin embargo, cuando se reencuentra con una amiga del instituto que ha dado un cambio radical, decide someterse a un tratamiento tan absurdo como macabro: tomar unas pastillas cuyo principal compuesto son cenizas humanas.

A partir de ese momento, Hana comienza a ser acosada por una presencia que se va haciendo cada vez más poderosa: un fantasma hambriento que la impulsa a comer cada vez más. El problema es que hay una relación inversa entre lo que ingiere y su peso: cuanto más se atiborra, más adelgaza, de modo que entra en una espiral problemática.

El principal problema que tiene Insaciable es el exceso de ideas y no decantarse del todo por ninguna de ellas. Es una película de terror corporal pero también es una película fantástica que recala en el folklore japonés y los "fantasmas hambrientos", seres atormentados por deseos voraces que aquí vienen a representar, metafóricamente, la adicción de la protagonista que no es otra cosa que la forma que encuentra para llenar su vacío emocional y quizás también acallar la culpa de no ser capaz de ayudar a su padre.

Se mezclan aquí un montón de discursos contradictorios como los que la propia sociedad lanza al respecto en un momento en el que no hay manera ya ni siquiera de tener claro qué es tener una dieta saludable

Se pone al descubierto el body shaming, pero también los riesgos de la delgadez extrema, el peligro de las dietas milagrosas, los compuestos farmacológicos de dudosa procedencia y la hipocresía del entorno, que a fin de cuentas valora y venera una belleza que a veces no es más que una cáscara vacía bajo la cual se esconden problemas realmente serios.

Insaciable tiene maneja un montón de conceptos pero no termina de conjugarlos con la suficiente astucia como para elevarle al espectador las pulsaciones. Se toma demasiado tiempo para llegar a un clímax final predecible, muestra demasiado al fantasma en cuestión, lanza algunas hipótesis incoherentes... Midori Francis, la protagonista, se entrega al papel, eso sí, y la fotografía busca retratar de la manera más inmisericorde posible los momentos en los que se atiborra. Pero es una cinta más asquerosa que inquietante y eso que maneja conceptos que sin necesidad de entrar en el terreno fantástico resultan pavorosos.

El episodio 3x05 escrito por Phillippa Goslett y dirigido por Nina López-Corrado ya está disponible en HBO Max y deja constancia de que la serie necesita poner toda la carne en el asador si no quiere acabar con la paciencia de unos espectadores ávidos ya de resoluciones.

Resumen del episodio 3x05

Los Negros tienen dificultades para llegar a Ladera porque encuentran puentes quemados que les dificultan el paso. Los norteños quieren dar caza al ejército de Criston Cole, pero su campamento en atacado de improviso y termina envuelto en llamas.

Alys Ríos recibe a más soldados en Harrenhal que buscan a Aemond. Ella les habla de los fantasmas de quienes construyeron la fortaleza para Harren el Cruel. Desata una visión que les hace huir y después va a ver a Aemond, presa de pesadillas.

Orwyle va a ver a Alicent para llevarle una pócima abortiva a Helaena. Ella no quiere tomarla, pero Alicent le dice que debe hacerlo porque podría ser un varón heredero de Aegon y rival de Joffrey y la propia Rhaenyra. Helaena dice que ha visto a Aemond en Harrenhal “ardiendo sin fuego” y rechaza el remedio y le dice a Alicent que es suyo a pesar de todo.

La tropas de Cregan Stark han cruzado el Tridente y cunde el pánico ante la posibilidad de que algún mercenario se autoproclame señor de Harrenhal. Rhaenyra preside un Consejo caliente: no encuentran a Aemond, los disturbios en la ciudad se saldan con las vidas de varios capas doradas y un nuevo miembro alucina con la falta de poder de Rhaenyra, que se siente cuestionada por un pueblo que muestra oposición a su reinado. Le comunican a Rhaenyra que Joffrey ha regresado, pero ella posterga ir a verlo considerando que estará cansado. La última vez que lo vimos en la serie, estaba en el Valle de Arryn y fue testigo del primer avistamiento de Robaovejas.

Aegon y Larys continúan debatiendo qué hacer: él quiere poner rumbo de Harrenhal. Quiere encontrar a Aemond y matarlo aún a costa de morir en el intento.

Alicent recibe la visita de Mysaria y le pide explicaciones sobre la pócima que le ha dado Orwyle. Le hace creer que es para ella porque tuvo un amante tras Viseras y hace el teatro de tomársela.

Daemon intenta poner paz en la ciudad entre la gente de Lecho de pulgas y los capas doradas. Aparecen varios nuevos cadáveres. Los artífices de esas muertes están en contacto con Ormund. Él sigue instruyendo a Daeron y le habla de Meria Martell, el sapo amarillo de Dorne, una mujer bendecida por la estrategia militar aunque con pobres atributos de belleza. Le habla de cómo gracias a su ingenio consiguió doblegar a las huestes que quisieron atacarla en su castillo fingiendo que estaba vacío. Daeron se muestra confundido y no comprende si es un ejemplo de coraje o villanía. Ormund le dice que Dorne ha seguido sin doblegarse desde entonces. El joven gana la partida de Cyvasse a la que estaban jugando mientras charlaban y le enfuerce, así que se disculpa. Pero Ormund le dice que jamás se disculpe por vencer y le muestra una moneda con su rostro que será el símbolo de su resistencia al poder de Rhaenyra.

Alicent le propone a Helaena que se marchen aprovechando los disturbios y la falta de guardias y la ausencia de Baela. Ella quiere llevarse a su hija pero Alicent cree que es mejor que se quede porque Rhaenyra no le haría daño. Helaena dice que sabe cuando está mintiéndole y desecha la idea de momento.

Baela y Addam siguen buscando a Aemond rastreando a Vhagar. Él sigue en Harrenhal como estuvo antes Daemon, a medio camino entre malos sueños y echando en falta a Vhagar. Alys le informa de que Rhaenyra es ahora reina y que Aegon podría haber muerto. Aemond le cuenta que de pequeño le atormentaba.

Aegon le cuenta a Larys que siempre le apartaban de los torneos y Aemond los ganaba. Considera que era un mimado al que le daban siempre ventaja. Larys le dice que deje de lloriquear y flagelarse, que era el primogénito con un dragón magnífico pero también un borracho mediocre incapaz de aprovechar su ventaja. Le expone que fue un rey horrible y un hombre horrible también.

Rhaenyra recibe la visita de Daemon que le habla de los capas doradas muertos y destripados. Ella cree que tiene un enemigo dentro de sus filas y que los dioses le dan la espalda. Él cree que es un poco ilusa si pensaba que todo sería fácil y que no debe olvidar que es una mujer, lo que siempre va a despertar más suspicacias. Ella quiere encontrar a Aemond y sigue pensando que se gesta una revuelta contra su reinado. Él cree que está cansada y ella que no hace honor a las canciones que hay en su nombre.

El ejército de Cole se enfrentan a problemas en su avance cuando los caballos empiezan a caer. Siguen a pie, tratando de ganarles dos días a los Tully a pesar de lo penoso de su travesía campo a través. Encuentran la huella de Vhagar.

A su pesar, Aegon regresa al campamento y le dice a Larys que contrate un barco. Se les une un poderoso aliado: Tyland Lannister. Les propone huir y Aegon mata al que era su señor diciéndole que le llame “alteza”.

Alicent y Helaena se disfrazan de sirvientas para huir pero Mysaria las pilla y además sabe que es esta última la que está embarazada. Alicent trata de tentarla para que no sea fiel a Rhaenyra, que es caprichosa y leal a Daemon. Le propone simplemente callar para tener el favor de los Hightower en el futuro.

Más hombres llegan a Harrenhal en busca de Aemond. Alys les dice que no estaá allí y que nunca estuvo allí. Aemond sale de improviso y acaba con todos ellos pasándolos por su espada.

Daemon arenga a los capas doradas para que sigan haciendo los mismos sacrificios para fundar la nueva Valyria con todos los reinos unificados. Le informan de que tienen a un hombre al que se dispone a torturar para sacarle toda la información posible. Confiesa que actúa en nombre de Daeron a quien considera su rey. Lo matan.

Cuando Cole llega al río se encuentra un panorama decepcionante: los ribereños han cruzado y han quemado el puente. Le propone a Gwayne cruzar en balsa y presentarle batalla atacando de frente, pero han perdido muchos hombres. Le parece lanzarse a una muerte segura. Prefiere eso a regresar desahuciado porque quiere hacer honor a su fama de inquebrantable sin servir a nadie, solo por ser fiel a sí mismo y para que se canten canciones en su nombre que lleguen a oídos de la mismísima Alicent. Gwayne abandona mientras él arenga a las tropas antes del ataque.

Daemon le dice a Rhaneyra que Daeron ha sido declarado rey por Ormund en la clandestinidad. La prueba es la moneda con su rostro.

Helaena y Alicent abren un pasadizo por el que huyen, pero el camino está tapiada y pierden la luz. Entre tanto Daemon encuentra una imagen dantesca de los capas doradas sentados ante una mesa y destripados con un mensaje: “Festín para los traidores”.

¿Dónde está la tensión narrativa?

El episodio 3x05 de La casa del dragón es, en pocas palabras, aburrido, oscuro, redudante y lento. Y la serie no debería darse el lujo ya a estas alturas de presentar un ejercicio de escritura tan vago y una trama tan diluida. No le queda crédito para seguir estirando historias como la de Harrenhal, que recuerda mucho al periplo de Daemon con Alys Ríos y sobre todo para seguir sacando conejos de la chistera como el regreso de Joffrey por la puerta de atrás.

Si los tres primeros episodios formaron un bloque compacto repleto de emociones, giros y decisiones creativas frescas, desde el episodio anterior solo encontramos retrocesos olvidando la presencia de los dragones, mareando a personajes clave y tratando de tapar agujeros de guión cuya importancia aumenta por el tremendo descuido de subtramas muy importantes.

Lo más sangrante es que las dos principales estrategas de ambos bandos, Rhaenyra y Alicent, estén perdiendo pie no en base a sus propias decisiones sino a causa de cómo han sido ideados sus personajes, reaccionando a su entorno de una manera bastante improvisada y sin visión a futuro.

En suma, La casa del dragón necesita mejorar: no da lo que promete en el nudo de la temporada y sigue postergando ad infinitum ciertos choques que son muy necesarios para dar forma a la historia de Poniente.

De verdad, no estamos exagerando, así que acomódate para revivir una de las entregas más bestiales de los Guerreros Z. ¿Quién dijo que esta serie de Toei Animation no estaba a la altura del manga de Akira Toriyama?

Solamente tienes que ponerte a ver el episodio 57 de Dragon Ball GT para comprobar que estás ante una obra de arte. Y si te dijéramos que se trata de un capítulo con una calidad cinematográfica, tampoco estaríamos exagerando ni un ápice.

Una pena que tan solo dure 20 minutos, ya que el espectador se queda con ganas de más, especialmente, por su alta carga dramática. ¿Estás listo para adentrarte en los compases más oscuros de la serie?

El episodio arranca con Goku Super Saiyan 4 dándole una paliza a San Shinron, uno de los dragones oscuros más rastreros de todo el elenco. Fíjate si tiene mala uva, que utiliza tanto a Pan como a su propio hermano, Suu Shinron, como escudos contra Goku.

Pese a ello, el saiyan sigue llevando la delantera, y justo cuando San Shinron pide clemencia... ¡el dragón le acuchilla los ojos con uno de sus gélidos ataques, dejando a Goku totalmente ciego! Aunque la situación pinta realmente mal, el saiyan se arma de valor y atraviesa el estómago de San Shinron de un puñetazo, ejecutándolo posteriormente con un impresionante Puño del Dragón apuntando al suelo:

Estamos ante un golpe de gracia presentado como una auténtica obra de arte. No obstante, parece que Goku es incapaz de recuperar la visión, así que San Shinron acuerda aplazar su combate hasta que esté en plenas facultades.

Desafortunadamente, el dragón de la Sushinchu de su abuelo recibe dos disparos de ki por la espalda, sacrificándose mientras protege el cuerpo de Goku. La escena es realmente dantesca, y es en ese momento cuando se desvela la aparición de Ih Shinron, el último dragón oscuro y el más poderoso de todos.

En cuestión de segundos, Goku recibe una paliza histórica en la que el espectador siente cada golpe gracias a una animación y unos efectos de sonido sobrecogedores. A todo esto hay que sumar la ceguera de Goku, que sigue patente durante toda la afrenta.

La carga dramática no para de intensificarse, y todo cobra un sentido terrorífico cuando Pan recupera la consciencia y contempla a su abuelo, boca abajo y sin conocimiento, colgando de un poste de metal que le ha perforado la pierna. Esto es Dragon Ball GT, una serie de órdago.

¡CURIOSIDADES!

1- ¿Sabías que en este episodio nuestro Goku también termina congelado a manos de San Shinron? Sin embargo, dicha técnica de congelación ya no surte efecto.

Segundos después de congelarse, el saiyan destroza el hielo sin la ayuda de nadie. ¿Pero cómo es posible? Goku desvela que, justo antes de ser congelado, levantó instintivamente una barrera de ki, pues su cuerpo memoriza las técnicas de sus adversarios cuando se ve sometido a ellas.

2- Y aquí tenemos otro aspecto curioso del episodio, y es que Suu Shinron se saca de la nada una botella medicinal para curarle la ceguera al saiyan (aunque el objeto termina destrozado por Ih Shinron y no puede utilizarlo).

La verdad es que no sabemos de dónde sale esta botella, pero nos recuerda a las tinajas que vemos en la Torre de Karín o el Palacio de Kami Sama, ¿no crees? Un misterio que quedó sin resolver.

Y así llegamos al final del análisis de este impresionante episodio de Dragon Ball GT. ¿Qué te ha parecido? ¿Tú también lo recordabas tan alucinante como nosotros?

Como te has quedado en vilo y quieres saber cómo continuará la trama, el domingo que viene seguiremos analizando el próximo episodio. ¡No dejes que te lo cuenten! ¡Kai, Kai!

Está tras ella el cineasta Anthony Marciano que hace honor a su apellido y a veces no parece de este planeta, simplemente por la forma tan humana de componer a unos personajes entrañables de los que te enamoras desde un primer instante porque son falibles, tridimensionales y derrochan una simpatía singular. Es fácil empatizar con ellos e incluso identificarse con lo que les ocurre.

Una de las razones es que tienen referentes reales sólidos: Bouna Ndiaye y Jérémy Medjana, dos soñadores que pelearon con uñas y dientes para convertirse en los agentes franceses más influyentes de la NBA después de un larguísimo periplo tratando de hacer su negocio viable y de endeudarse hasta las cejas para lograrlo, poniendo en jaque incluso sus relaciones personales.

Un largo camino cuesta arriba

Jérémy y Bouna se conocen en una cancha de baloncesto: ambos son jugadores retirados y tienen una pasión común por el deporte, así que pronto empiezan a pensar cómo poner eso al servicio de sus carreras. La idea es convertirse en agentes de deportistas incipientes pero en cuanto uno de ellos despunta, se lo llevan otros con más experiencia y tablas en la NBA. En pocas palabras, son dos desconocidos aunque pueden ofrecer dos factores diferenciales: un trato mucho mucho más cercano y una lengua común.

Al principio intentan asociarse a otras figuras más asentadas, pero pronto se dan cuenta de que en esta profesión hay mucho caradura. Así que emprenden el camino más largo: entrenar a jugadores con buena predisposición y habilidades (son excelentes ojeadores), aprender inglés, conseguir apoyos e invertir en su negocio a pesar de que sea muy deficitario.

Las deudas llegan a estrangularlos, pero siempre encuentran la manera de seguir adelante para no tirar la toalla y tratar de alcanzar sus objetivos... Al menos, hasta que uno de los jugadores por lo que más han apostado, les da la espalda, haciendo peligrar su castillo de naipes.

El sueño americano es una película que no edulcora la realidad, aunque sí la trate con sentido del humor. Incluso en los momentos más dramáticos, la construcción de los personajes es tan buena, que consigue mantener un tono muy agradable. Ayuda intuir en todo momento que el final será amable y, además emocionante a tope. Es cierto que el clímax es efímero, pero muy satisfactorio, enlazando además con imágenes reales tanto de la pareja protagonista como de algunos de sus fichajes estrella (muy bueno el punto de las camisas vaqueras).

Si la película funciona así de bien es gracias, fundamentalmente, a la escritura de guión y a los dos cómicos franceses de culto que lo ponen en pie: Raphaël Quenard (Yannick) y Jean-Pascal Zadi (El juicio del perro). Además de tener una química magnífica en pantalla, sus personajes están trazados con esmero para ser complementarios. Uno es cuadriculado, diligente y obstinado; el otro es creativo, intuitivo y extrovertido. Juntos forman un tándem ideal, así que en cierta manera estamos ante una buddy movie deportiva en la que el todo es más que la suma de las partes.

Aunque es una película de superación personal porque ambos tienen que por delante una carrera de obstáculos en la que no paran de derribar barreras (idiomáticas, protocolarias, financieras, etc.), El sueño americano no es una película facilona, que busque la lágrima fácil o se ampare en estereotipos manoseados. Marciano juega bien con los momentos de microsuspense, con los deadline de los protagonistas y los pulsos emocionales pero sin forzar la máquina.

No te vende la idea de que conseguir llegar a la meta sea fácil o que todo el mundo lo logre, no es un libro de autoayuda de Paulo Coelho, por fortuna. Así que es, en resumen, una buena idea ir al cine a disfrutarla por sí misma y los valores que desprende. Es inspiradora, divertida y asequible para todos los públicos.

La actriz también está acreditada como productora ejecutiva, dando cuenta de una mayor implicación que va más allá de la meramente interpretativa y fortalece su vínculo con la plataforma de streaming donde también lanzó la película El abismo secreto.

El creador es Jonathan Tropper, que viene de encargarse del guión de series tan interesantes como See, Warrior o Vicios ocultos que ya ha sido renovada para una tercera temporada.

Se trata de la adaptación de la novela homónima de Marissa Stapley de 2021 y es por tanto una historia que se siente bastante fresca aunque tire de algunos clichés de género en ciertas ocasiones.

Afortunada en el juego, desafortunada en el amor

Lucky se desenvuelve en dos planos temporales: el pasado y el presente. Después de ser abandonada por su marido en Las Vegas, Lucky no tiene más remedio que huir del FBI, que iba tras sus talones por la enorme cantidad de dinero que él se ha llevado consigo y, aún peor, de los hombres de Priscilla, los que les hicieron el encargod e robarlo.

Con el único apoyo de su padre desde la prisión y sus consejos (mantente despierta, mira a tu alrededor, no confíes en nadie y mantén el control), ella tendrá que valerse por sí misma para descubrir qué hizo que todo se torciera recordando cómo se ideó el plan y tratando de averiguar quién se la ha jugado.

Los espectadores pueden esperar una serie de atracos con abundantes persecuciones y mucha acción, pero también una reflexión sobre el legado familiar y la redención, de modo que tiene más capas de lo que puede parecer en un principio.

A su favor reman las actuaciones principales, muy comprometidas, con Taylor-Joy como principal reclamo comercialal pero también con otros intérpretes de primera fila como Annette Benning saliendo de su área de confort, Timothy Olyphant, Clifton Collin Jr. o Aunjanue Ellis-Taylor poniendo toda la carne en el asador.

El punto débil es la forma que tiene de alargar una historia que sin lugar a dudas podría desarrollarse en la mitad de tiempo ganando así soltura y verosimilitud. La historia es interesante y deja varias dudas flotando en el aire que espolean la curiosidad del espectador pero también da muchas vueltas sobre sí misma hasta deshacer la madeja y poner las cartas sobre la mesa.

Apple TV ha lanzado los dos primeros episodios de Lucky e irá soltando uno nuevo cada semana hasta completar la emisión el próximo 19 de agosto. Para quien no pueda esperar a conocer la resolución, el plan es sencillo: abrir el libro y dedicarle una lectura estival, que se antoja un buen plan habida cuenta del talento de Stapley para sacar adelante una trama adictiva que ha sido muy bien valorada por sus lectores.

Ojo a dos elementos clave: los elevados valores de producción a los que Apple TV nos tiene acostumbrados y la banda sonora, que añade mucha información a lo que sucede en pantalla. Imposible no subrayar la calidad del tema principal interpretado por Fiona Apple y de los títulos de crédito iniciales que dan cuenta del ritmo trepidante de la serie pero también de algunos de los conflictos que veremos desarrollarse a lo largo de la serie como esa soledad impuesta para la protagonista en su huida constante, la violencia a la que se enfrenta y también la fuerza de la fortuna en el devenir de su aventura.

Para empezar, marca un hito importante al ser la primera película de ficción rodada íntegramente con cámaras de película IMAX, formato por el que Nolan lleva apostando desde el año 2008 cuando lo usó por primera vez en el rodaje de El caballero oscuro. Por aquel entonces apenas fueron 28 minutos de metraje. En El caballero oscuro renace serían 72 minutos, en Interstellar 66, en Dunquerque 79, en Tenet 76 y en Oppenheimer 75. Nolan ha ido impulsando así un formato del que está enamorado con 172 minutos de metraje en esta ocasión, es decir, la película completa.

Ahora bien, como espectadores, toca hacer los deberes para poder verla en las mejores condiciones posibles y, de entrada, tengo una mala noticia: en España no hay ni un solo cine que proyecte IMAX en 70 mm... Al menos hasta que los Palafox de Zaragoza abran sus puertas el 17 de julio, justo a tiempo para el estreno de la película. El único proyector de este tipo que hay aquí se encuentra en l'Hemisfèric de Valencia y solo proyecta documentales educativos en su cúpula.

¿Cuáles son las mejores opciones de visionado en España? La primera sería la de IMAX láser con sus 12 canales de sonido y una relación de aspecto 1.90:1. y la segunda en 70 mm. con sonido DTS y relación de aspecto 2.20:1. Éstas son las opciones:

• Palafox (Zaragoza) 70mm e IMAX (se inaugura con la proyección de La Odisea)
• Cine Paz (Madrid) 70mm
• Aragonia (Zaragoza) 70mm
• Cines ABC Park (Valencia) 70mm
• Kinépolis Valencia (Valencia) IMAX
• Phenomena (Barcelona) 70mm
• Kinépolis Ciudad de la Imagen (Madrid) IMAX
• Cinesa Diagonal Mar (Barcelona) IMAX

Como evidentemente no todo el mundo va a poder hacer esta cabriola para verla, hay una tercera opción, que tampoco es mala: buscar una sala con pantalla panorámica y proyector láser, con sonido Dolby Atmos a poder ser (aunque Nolan no echa mano de esta tecnología se supone que mejorará la experiencia de visionado).

Habrá quien piense que por qué tanta turra con el formato... Pues bien, porque siempre, pero especialmente en esta ocasión, define el producto final y su recepción por parte del público. Lo primero es que no hay rollos de 70 mm. que superen las 3 horas de metraje, razón por la cual hay mucha tijera... ¡Y se nota!

A veces el montaje es tan picado que parece más un tráiler o anticipo de lo que veremos más adelante que la película en sí, y eso que sabemos que a Nolan no le gustan las narraciones lineales y suele jugar con los planos temporales.

De manera sorprendente también hace que echemos de menos algunas cosas. Sí, el metraje se pasa volando, la película es satisfactoria cuando no excelente, rozando la locura en ciertos pasajes como el de Polifemo, el de los lestrigones o el de Circe con unos apabullantes efectos prácticos, pero de alguna manera queda la sensación de que había más que ha quedado fuera del corte final. Queríamos ver a los dioses, queríamos acercarnos a las sirenas, queríamos taaaantas cosas que no caben en 3 horas. Así de simple.

Nolan apuesta fuerte por su visión dándolo todo en un rodaje que ha sido muy exigente para sus equipos humanos y técnicos, con decisiones creativas importantes como la de escoger formato, diseño de sonido, localizaciones naturales, etc. Pura artesanía con visión muy amplia.

El largo camino a casa

La película traslada la epopeya del periplo de Odiseo hasta regresar a Ítaca tras la finalización de la guerra de Troya: diez años durante los cuales tuvo que lidiar con una enorme penitencia: el designio de los dioses, las supersticiones de sus hombres, las criaturas que encontraba en sus escalas para conseguir víveres y el cargo de conciencia derivado del engaño con el que, en nombre de Atenea, consiguieron introducir el famoso caballo en la ciudad y rendir sus defensas.

Hay varios aspectos que han generado una enorme controversia antes del estreno de la película: desde el uso del lenguaje hasta la elección de un reparto diverso (en el vídeo sobre estas letras lo desglosamos). Nada chirría verdaderamente en pantalla: el casting se ajusta a las necesidades del guión y sí, hay muchas licencias estilísticas, pero todo rema a favor de la historia.

Su talón de Aquiles es el clímax final, máxime para quienes hayan visto una película que pasó de puntillas por las salas el año pasado pero que supo trasladar de una manera exquisita el último tramo de esta historia: El regreso de Ulises.

Pero lo que sí lanza con la certeza de una flecha es el mensaje de que en algunos momentos de la Historia se viene abajo la civilización, arrecia la destrucción y el resultado es imprevisible. Ahí está la potentísima conexión de la película con nuestra rabiosa actualidad: la advertencia da escalofríos. Nolan no nos está hablando solo de las aventuras de un héroe que no se siente como tal sino de nosotros mismos en un momento en el que los valores están siendo decapitados ante nuestros ojos.

Su trama nos lleva al Detroit de los años 70 para conocer la historia de John Miller, un humilde y romántico hombre de clase trabajadora que es incriminado por un despiadado gángster llamado Reynolds.

Esto provoca que John sea enviado a prisión y su novia Sophia termine cayendo en las garras de Reynolds. Pero, cuando nuestro protagonista logra salir de la cárcel, desatará una vorágine de venganza contra todos los que le hicieron daño mientras intenta recuperar a su novia.

Una imagen vale más que mil palabras

Si bien la trama puede estar algo trillada, Motor City tiene una narrativa particular que la hace especial, pues es una película en la que no hay diálogos más allá de unas líneas sueltas, centrándose todo a nivel visual con una estética pulp que hará las delicias entre los amantes de lo retro.

Curiosamente, a pesar de lo que pueda parecer en el tráiler, la cinta tiene su acción condensada principalmente en el tercer acto y, salvo el arranque (que no deja de ser un adelanto de lo que está por venir) y algún momento puntual, el resto del metraje es para presentar a los personajes y desarrollar su argumento.

Esto puede suponer un palo para aquellos que esperaban acción desenfrenada de principio a fin. Pero, si eres paciente, tendrás tu recompensa, pues no se corta un pelo a la hora de abordar sus secuencias más trepidantes, donde la violencia es elevada a su máxima expresión.

No obstante, hay que reconocer que Potsy Ponciroli logra mantener muy bien la trama y la tensión entre los personajes sin recurrir a los diálogos, acompañándolo con una escenografía y una banda sonora impresionantes, la cual ha sido realizada por el ganador del Grammy Jack White (quien además es el cantante y guitarrista de la célebre banda de rock The White Stripes).

John Berg, presidente de la productora de la película, Stampede Ventures, describió Motor City como una cinta que se encuentra "a caballo entre una ópera, un vídeo musical y una película de acción". Y desde luego no le falta razón.

Por supuesto, esto no sería posible sin su elenco, donde, si bien todos hacen un buen papel, sin duda quienes más destacan son Alan Ritchson, Shailene Woodley y Ben Foster, el trío principal de la trama.

Sin embargo, a pesar de estar muy bien narrada, reconozco que se me hizo pesada ciertas partes de la película, pues tarda un poco en entrar en materia. Aun así, por lo general se disfruta mucho de la cinta a lo largo de sus 103 minutos de duración gracias a los elementos anteriormente citados.

Desde luego, si eres un amante del cine de acción y la cultura pulp, Motor City te va a dejar muy buen sabor de boca cuando la película aterrice en las salas de cine de España a partir del 24 de julio de 2026. ¡No te arrepentirás de verla en la gran pantalla!

Viene precedida por un gran éxito en la taquilla ítala con más de un millón de espectadores y 4,7 millones de euros de recaudación, lo que la convierte en un fantástico reclamo para una industria, la de la comedia española, algo falta de ideas propias en los últimos años a la par que ávida de pelotazos en en un mercado siempre interesado en un público lo más amplio posible.

El secreto de la receta que nos propone esta película es el de analizar, con mucho sentido del humor y además con un tono de comedia muy blanca y asequible para grandes y pequeños, la relación que tenemos con la descendencia a día de hoy. Estamos ante una sátira social que expone las diferencias que hay entre las parejas que deciden tener hijos y las que no, cómo se juzgan unos a otros y cómo podrían tener todos un poco de empatía.

Hora de poner los pies en el suelo

Tres de más nos presenta a Julia y Ernesto, una pareja de triunfadores en la vida. Ambos tienen carreras envidiables, él en la alta cocina, ella como creativa publicitaria y la llama de la pasión nunca se ha extinguido gracias al hecho de que tienen todo el tiempo del mundo para ellos dos. Decidieron no tener hijos, de forma que viajan a menudo, pueden darse todos los caprichos que desean y no tienen mayores complicaciones.

Un buen día, unos familiares les piden quedarse a cargo de sus hijos durante un par de horas y ellos, que piensan que es pan comido, los dejan a su aire... con catastrófico resultado. Iracundos, les echan de su casa con una frase que se queda en el aire: "Ojalá supierais lo que es tener hijos".

A la mañana siguiente, descubren, desconcertados, que no están solos. No hay uno, ni dos sino tres niños durmiendo en su casa y no tienen ni idea de dónde han salido. Tras descartar que se trate de una broma pesada, descubren, muy a su pesar, que están en una suerte de realidad alternativa y que les va a tocar lidiar con dos peques y una adolescente.

Tampoco ostentan los cargos que tenían en principio, así que mientras descubren de dónde han salidos los críos (y cómo librarse de ellos) nos les va a quedar más remedio que atenderlos y aprender algo de esta cura de humildad de origen mágico por si no son capaces de volver a la realidad.

Tres de más cuenta con varios talismanes. El primero de ellos, ya lo hemos comentado: es una historia que funciona (información contrastada) y apunta al público de masas pero además tiene un buen casting, con química envidiable, encabezado por Kira Miró y Salva Reina, pareja en la vida real desde 2022, cuando se conocieron en el rodaje de Todos lo hacen.

Con esta película se consolidan en este género y rezuman complicidad (faltaría más). Ya participaron en otro remake familiar de concepto similar como fue ¿Quién es quién? y aquí dejan claro que lo suyo es coser y cantar.

Por lo demás, es una película que no necesita grandes alardes técnicos y se vale bien del reparto, en el que también los secundarios y los niños son fundamentales. Funciona bien en términos generales gracias a la dirección de Mar Olid, más afinada que en sus comedias anteriores Al otro barrio y Sin cobertura. Y de paso señala lo pros y los contras de tener hijos haciendo que todos aprendan (y aprendamos) en el proceso. Nada como caminar en los zapatos de otros para comprender su punto de vista.

Emocionante sin producir picos de glucosa, traslada bien el mensaje de que tener hijos tiene un coste que va más allá del monetario, pero que merece la pena pagarlo.

La mala noticia es que esta película hace aguas desde el principio. El primer impacto al ver el cartel y el reparto escogido con Gorka Otxoa en el centro, es pensar que estaremos ante una comedia de situación desternillante en la que habrá muchos malentendidos y giros de guión bastante locos. Y sí, pero no.

A pesar de sus concentrados 80 y pico minutos de duración, es una película con muchos problemas de tono que no se decide a la hora de abrazar un mensaje: quiere ser divertida pero recala en el drama para explorar temas que son del todo ajenos a la comedia como la el fin del amor, la soledad de largo recorrido, la infidelidad y hasta la libertad individual para tomar decisiones propias.

Cumpleaños infeliz

El mismísimo día de su cumpleaños, Ernesto recibe los papeles del divorcio para firmarlos y poner fin a su larga relación con Laura, el amor de su vida. Por suerte, su mejor amigo Rober está a su lado para acompañarlo y hacerle olvidar las penas.

Su plan es ir a su apartamento de la playa a celebrar la onomástica creando nuevos recuerdos en el que hasta hace poco era un lugar especial para la pareja, pero las cosas se complican cuando ven a Laura con Osvaldo, el vecino del apartamento contiguo.

En un rapto kamikaze, Ernesto les invita a ambos a tomar una copa con la excusa de la celebración para poner a Laura celosa con su nueva y apasionada novia. Pero el problema es que... se lo acaba de inventar. Así, Rober se arriesgará a organizar una fiesta improvisada y a llevar allí a uno de sus match: Toñi, para que finja estar enamoradísima de su mejor amigo.

Cuando ella se entera de que la están utilizando decide que, al menos, la experiencia le va a servir para su carrera de actriz. Así, Toñi se convertirá en María Antonia y actuará como una verdadera bomba de relojería en una situación de por sí incómoda para todos.

Con estos mimbres y este reparto, sobre todo el tándem Gorka Otxoa en un rol similar al que hace en Machos alfa y Adrián Lastra, con una vis cómica y una naturalidad natas, es normal que Ni contigo ni sin mí genere expectativas de comedia de enredo.

Sin embargo, el guión titubea para internarse en otros temas sin demasiado éxito. Demasiado afectada cuando pretende ponerse seria pero sin romper lo suficiente en el terreno del humor como para que el viaje merezca la pena.

Especialmente fuera de tono se encuentra Manuela Vellés, no por falta de talento interpretativo sino por carecer de una batuta precisa en la dirección: su personaje está siempre muy pasado de rosca sin encontrar el rumbo ni el discurso: ¿quiere personificar de algún modo la libertad y el desenfreno? ¿Es simplemente una agente del caos que consigue lo opuesto a lo que se propone? ¿De dónde nacen sus afectos? La construcción de los personajes dista de ser rica en matices.

La química entre el reparto también es desigual, pero es que las situaciones que atraviesan no ayudan a aclarar nada, pueden pasar de un tono afectado a un gag más estridente o ponerse a bailar sin que medie ninguna lógica. Es por todo ello que a pesar de su exigua duración, la película se hace algo larga y no termina de despertar las esperadas carcajadas.

A nivel técnico es una película que va bastante justita: aunque solo cuenta con un par de localizaciones y apenas necesita una puesta en escena funcional, no da la sensación de ser una producción cuidada al milímetro ni aporta ninguna idea cinematográfica que la distinga. En suma, tiene muchas papeletas para resultar decepcionante.

Desde 2013, los productores de la franquicia han buscado realizadores que aporten nuevas perspectivas, además de mantener las claves de la saga. Ocurrió con la película de Fede Álvarez y también con Posesión Infernal: El Despertar, pero nunca antes ha sido tan patente como con En llamas.

Sébastien Vaniček (Vermin: La plaga) ha gozado de total libertad para escribir y dirigir una cinta que bien podría formar parte del Nuevo Extremismo Francés, al tiempo que es fiel al legado de Posesión Infernal. Es además innovadora y fresca, con una historia magnífica, muy emocional… Y sorprendentemente realista en los temas que toca.

De posesiones infernales y relaciones dañinas

Alice (Souheila Yacoub) dejó atrás Francia por amor a Will (George Pullar), pero ese idilio está roto, debido al carácter abusivo de él. A pesar del apoyo del hermano de Will, Joseph (Hunter Doohan) y de su novia Thya (Luciane Buchanan), la joven se siente atrapada. Y entonces llega la repentina muerte de su esposo.

Tras obligarse a asistir al funeral, Alice ha de lidiar con su familia política, formada por Susan (Tandi Wright), la madre de Will; el padre, Edgar (Erroll Shand) y la abuela, Polly (Maude Davey). Los reproches más crueles no tardan en aflorar, pero algo peor se aproxima: han despertado a los demonios del Libro de los Muertos, que quieren conseguir un objeto escondido en casa de los Pryce.

El prólogo de En llamas es un clásico de la saga, con una grabación que habla del Necronomicón y los terribles peligros que alberga; pero esa es una de las pocas concesiones formales que Vaniček hace. Su visión de Posesión Infernal es única, sostenida sobre una historia donde las emociones son las grandes protagonistas. Por encima incluso de los Deadites.

Sin desmerecer en absoluto la magnífica trilogía de Sam Raimi, es innegable que las películas originales tendían más al slapstick y la diversión truculenta, con personajes que, exceptuando a Ash Williams, eran poco más que esbozos. En cambio, En llamas construye unos protagonistas tridimensionales, entre los que destacan Susan y, sobre todo, Alice.

Muchas veces, el cine de terror oscila entre las heroínas que lo son “porque sí” o la visión machista de hacerlas carne de cañón. Vaniček, en cambio, muestra personajes femeninos complejos y se sirve de ellos para plasmar una relación tormentosa, de una forma tan fidedigna que conectará con muchas personas. A menudo, las rupturas no son nada sencillas y las víctimas llevan consigo una mochila muy pesada, en la que también entran unos familiares que añaden toxicidad.

Alice ha de enfrentarse a sus propios demonios y a otros de carne y hueso, estableciendo un paralelismo que ilustra lo difícil que puede ser escapar de una situación así en la realidad. Nunca antes en Posesión Infernal tuvimos una historia de este alcance; pero tocar temas muy relevantes no implica renunciar a la esencia de la serie.

Preparaos para las secuencias más intensas de la franquicia, con alguna que os pondrá la piel de gallina y superando incluso a las de cintas como Cuando acecha la maldad. Dichas escenas se benefician de la creatividad del director, que subvierte los clichés del género y de la propia saga, al tiempo que ofrece tiros de cámara rompedores y toda clase de soluciones visuales.

Como manda la tradición, el humor también está presente a través de los demonios, varias situaciones e incluso pinceladas de costumbrismo (atentos a lo que sucede en el funeral). Amplía además el lore de Posesión Infernal por medio de nuevas referencias, así como conexiones con entregas previas y más sorpresas.

Si amas Posesión Infernal, te espera una cinta con todos los ingredientes de la saga, llevados al extremo para sostener un guion sobresaliente. Y si simplemente eres fan del terror y buscas una película con entidad propia, En llamas llega muy lejos en cuanto a gore y brutalidad se refiere, pero es sobre todo magistral en los temas que trata. ¡Ojo, que hay dos escenas postcréditos!

Independientemente de las justificaciones que se le den al espectador, de los cambios respecto a la crónica impuestos por la ficción televisiva, este cuarto episodio se siente como un paso atrás en la medida en que el tono vuelve a ser bastante laxo. Bastante parece haber sobre la mesa con el hecho de tener que lidiar con los agujeros de guión, que aquí se evidencian de una forma bestial.

La casa del dragón 3x04 ha sido escrito por David Hancock y dirigido por Clare Kilner y deja varias dudas en el aire de difícil respuesta. Por más que algunos de los cambios que ha hecho la serie hayan sido positivos y hasta cuenten con el beneplácito de George R. R. Martin, en el caso que nos ocupa, la realidad es muy distinta.

Resumen del 3x04 de La casa del dragón

Las tropas de lord Ormund Hightower, compuestas por 15.000 hombres, llegan a Ladera y empiezan a ocupar las casas de los comerciantes amenazando su tranquilidad.

Recibe un cuervo Borros Baratheon. Sin noticias de Harrenhal, temen no poder resistir, necesitan a Vaghar. Cuando Rhaenyra toma cartas en el asunto se ve maniatada: decide sacar de allí a los invasores casa por casa, no puede enviar dragones porque arrasaría a un pueblo fiel a la corona. También le dice a Orwyle que podrá formar parte de su consejo y seguir encargándose de los cuervos si se mantiene siendo útil pero estará supervisado por Mysaria. Ella le aconseja que nombre un responsable de la moneda. Rhaneyra pide que investiguen a Torrhen Manderly y que si es apto él y Daemon se ocupen del dinero.

Rhaenyra indaga sobre la relación de Ormund y Daeron: quiere saber más de él. Alicent le dice que le entregó al niño siendo muy pequeño porque quería que fuera educado como un Hightower. Le cuenta que es un hombre culto pero cruel y le cuenta cuál es su talón de Aquiles: Ormund es inusualmente sensible a los olores.

Corlys Velaryon no quiere volver al consejo para ser la mano de Rhaenyra porque sigue molesto por no haberle permitido legitimar a sus hijos, así que le dice a su hijo Alyn que le sustituya en el consejo.

Aegon y Larys encuentran a Fuegosolar en su camino a Reposo del Grajo. Aegon percibe que sigue vivo, pero el dragón no se mueve. Continúan su camino, no exento de problemas mientras tratan de mantenerse en la clandestinidad.

El ejército de Criston Cole llega a Harrenhal: allí pregunta por Aemond y por los Strong. Solo queda allí Alys Ríos que le cuenta de que el príncipe se ha marchado tras tomar la fortaleza, que los Strong están muertos y que Desembarco del rey ha caído, con Rhaenyra ya ocupando el trono. La primera idea es enviar un cuervo a Ladera para unir fuerzas con Ormund pero Cole no está de acuerdo con Gwayne: su plan será impedir que los ribereños lleguen a la capital. Decide atacar hombre a hombre, sin dragones, de improviso y amparados por la noche.

Rhaenyra recibe a Alyn, que le lleva la excusa de Corlys de haber salido a la mar a terminar con los cabos suelos de la Triarquía.

Los hombres de Ormund no tardan en imponerse en Ladera. Hugh Martillo pide permiso para unirse a Ulf en la vigilancia de Ladera. Ormund recibe las quejas de Garrick de Sotomayor por tratar de forzar a Kat, la esposa de Hugh y romperle el brazo a otra. Ormund le impone la sanción de ser castrado y que se le parta un brazo. Con este castigo ejemplar quiere demostrarle a Daeron la firmeza que debe mostrar.

En Desembarco del rey empiezan a aparecer pintadas en la que puede leerse “Reina de los bastardos”. Es una manera de deslegitimarla y también de incitarla.

Rhaenyra quiere saber cuál es el peso especifico de los Hightower en la fe y están muy estrechamente ligados a ella. Le duele que el Septón Supremo se negara a ungirla reina pero por el momento no contempla enfrentarse a una fuerza que considera demasiado fuerte. Orwyle le explica que los Hightower siempre se han alineado con la religión pero que ésta no se liga directamente a ninguna casa si bien los Targaryen son considerados como una especie de herejes por su ligazón con los dragones,

Daemon va al Valle, donde es recibido por Jeyne Arryn. Le reclama los hombres que negoció a cambio de un dragón. Ella le dice que era un ejemplar demasiado pequeño y que parecía una broma. Daemon le explica que en realidad quiere oro y lo consigue: lo carga en Caraxes, pero el dragón se muestra inestable y lo conduce a una cueva. Allí están Rhaena y Robaovejas. Él le dice que Rhaenyra está convencida de que es culpable de la muerte de Jace y que debería estar con sus hijos en Pentos. Le propone seguir el primer plan y fingir que no ha pasado nada o regresar a Desembarco del Rey pero ella rehúsa, solo quiere seguir con su dragón, aunque sea salvaje: cree haber encontrado su lugar en el mundo. Daemon le advierte que Rhaneyra le dará caza si llega a enterarse.

Ormund recibe noticias de Gwayne de que Aemond no va a ir a Ladera y que él tampoco lo hará. Eso le encoleriza. Cuando Rhaenyra indaga se entera de que Ormund siempre ha gobernado Antigua como si fuera su propio reino y que no contestaba a Otto cuando le escribía.

Ulf le pide a Rhaenyra varios favores para sus amigos de taberna. Ella le ordena que deje de frecuentar esos lugares porque ahora pone en juego a la corona. Él le dice que la insultan y la llaman “la reina de los bastardos” tomándola por una reina cruel. Pide a los capas doradas que atrapen a los responsables.

Aegon tiene que tomar un trabajo haciéndose cargo de las letrinas. Larys le pide que siga amparándose en el anonimato y que así será una leyenda. Sin embargo, al quedarse sin comida después del turno, saca su orgullo a relucir. Su señor, Janos, le obliga a besarle los pies si quiere vivir.

Daemon llega al consejo con una calavera quemada y el dinero de Jeyne. Dice que trae justicia y que es el cadáver del jinete de Robaovejas. Ella quiere saber quién es y cómo pudo domar a un dragón salvaje. Daemon le dice que el dragón huyó sin jinete. Pero ella quería mirar a los ojos al asesino de su hijo. El dinero es mejor recibido y se utilizará para sustentar al vulgo.

Rhaenyra informa a Alicent de que los soldados van Antigua con los restos de su padre y le entrega el anillo de Viserys. Helaena está encinta.

Aunque ha sido criado como un Hightower, Daeron se ha encariñado con Tessarion. Ormund le pide que traicione a sus hermanos y ocupe el trono. Y además debe aprender a impartir la ley, así que le obliga a matar al hombre que denunció a su soldado. Él cumple sus órdenes clavándole una espada. Ormund anuncia: “Ahora empieza todo”.

Efecto bola de nieve

La casa del dragón, como decíamos, atraviesa turbulencias. Tenemos por un lado la irrupción, bienvenida, de un personaje culto y taimado como Ormund Hightower. A Daeron se le ha incorporado a la ficción de una forma un tanto abrupta, después de haber sido solo nombrado en las dos temporadas anteriores y, además, con una apariencia que ha desatado especulaciones en torno a los posibles cambios que hará la serie respecto a su origen. Hasta aquí podemos leer, pero hay que reconocer que la jugada sale razonablemente bien como estrategia sorpresa de Alicent y los Verdes.

Lo que parece más preocupante es el hecho de que la serie tenga que explicarnos ahora el origen del embarazo de Helaena... porque se ha omitido completamente la presencia de su hermano Maelor y éste personaje era vehicular para toda una trama propia. El lío en el linaje de las dos principales casas que ha generado la serie se agrava así un poco más y complica una respuesta fácil como en el anterior caso. No se pueden sacar dos conejos de la chistera así, con lo que estamos abocados a ver cómo nos sorprenden. La solución a este enigma no será fácil ni bienvenida por los fans más puristas que ven a la serie alejarse de la letra impresa.

Más inconvenientes: si los tres episodios anteriores estaban bien pertrechados de emociones, giros y momentos memorables, este cuarto es mucho más plano y carente de personalidad propia. Volvemos a sentir un paso atrás en el tono y el ritmo lo que, unido a las abundantes inconsistencias argumentales hace que salga bastante debilitado. Por supuesto, quedan aún cuatro episodios para ver cómo evoluciona la serie. Recordad que tenéis a vuestra disposición el calendario de La casa del dragón para saber el día y hora a partir del cual estarán disponibles todos y cada uno de ellos.

Y es que, no nos quedan muchas semanas más de análisis, ya que la serie terminará en el capítulo 64. ¿Nos vas a echar de menos los domingos?

Eso sí, puede que esta tristeza no nos dure mucho, ya que igual tenemos suerte y podemos analizar los episodios semanales de Dragon Ball Super: Beerus, la nueva serie anime de Goku que se estrenará en octubre. ¡El mundo de los Guerreros Z no para!

Y ahora, vamos con lo que has venido a ver... ¡El episodio de Dragon Ball GT en el que Goku lo pasó muy mal con los hermanos del fuego y el hielo!

De entrada, el capítulo comienza con una de las batallas más esperadas: ¡Goku Super Saiyan 4 contra Suu Shinron! Estamos ante uno de los combates más nobles y ardientes de la serie.

De hecho, Goku tiene la oportunidad de aniquilar por la espalda al dragón maligno, pero le perdona la vida porque Suu Shinron no mató a Pan cuando pudo hacerlo. En cualquier caso, el saiyan le advierte que, la próxima vez, irá con todo.

Sin embargo, cuando retoman el combate, una onda de energía de color azul impacta contra Goku, congelando su brazo... ¡Se trata de San Shinron, el dragón maligno del hielo que resulta ser el hermano del dragón del fuego!

Ahora bien, no vayas a pensar que este dragón es tan noble como su hermano. ¡Nada que ver! San Shinron le ha dado una paliza a Pan, dejándola inconsciente, y quiere hacer lo propio con Goku, en esta ocasión, congelándolo de arriba a abajo.

Una vez congelado, San Shinron le pide a su hermano que le dé el golpe de gracia a Goku, aunque se niega al no ser una victoria justa. Después de una pequeña afrenta fraternal, Suu Shinron termina cediendo y ejecuta su ataque final.

No obstante, en realidad lo que hace es descongelar a Goku con su ataque ardiente, enfureciendo a su hermano. Ahora sí, se avecina un combate a muerte entre Goku y San Shinron. ¿Quién vencerá? ¿Y qué pasará con Suu Shinron, el dragón maligno de naturaleza noble?

¡CURIOSIDADES!

1- ¿Sabías que esta es la tercera vez que Goku termina congelado en un combate? La primera vez fue en la película El más fuerte del mundo, contra uno de los secuaces de Willow.

Por otro lado, no hace mucho lo vimos congelado en Dragon Ball GT, en las profundidades del infierno. Y ahora, terminó de esta guisa por San Shinron:

2- Y para cerrar, esto que te voy a contar ahora te resultará de lo más curioso. En las imágenes promocionales de este capítulo de Dragon Ball GT, se nos presentó un Suu Shinron muy diferente ejecutando el golpe de gracia a Goku.

Lo puedes ver en la primera imagen de más abajo. Sin embargo, en la versión final del episodio, el que todos vimos en nuestra televisión, Suu Shinron y su ataque aparecieron con otro acabado cromático y diferentes efectos de luz. Mira la comparativa:

¿Qué te ha parecido nuestro análisis? ¿Recordabas este episodio? ¿Conocías esta curiosidad que te hemos explicado al final?

Si te has quedado con ganas de más, no te pierdas nuestras noticias diarias sobre la obra maestra de Akira Toriyama en Hobby Cine. ¡Kai, Kai!

Desde su serie de imagen real al próximo remake del anime, la franquicia ha calado hondo entre los usuarios de la gran N, captando a un público menos familiarizado con el mundillo que ya se ha enganchado a las aventuras de Luffy y los Sombrero de Paja.

Ahora, el servicio de transmisión acaba de incorporar a su catálogo One Piece: Heroínas, un nuevo spin-off que adapta la novela homónima de Jun Esaka.

El libro recopila diversas historias autoconclusivas enfocadas en algunos de los personajes femeninos más populares en el manga de Eiichirô Oda. En este episodio especial, la trama se centra en Nami, la timonel de la banda pirata de los Sombrero de Paja.

Todo comienza con una batalla en la que Luffy y su tripulación se enfrentan a una banda pirata de ladrones que trata de robar sus tesoros. Cuando Nami se une a la disputa, sufre un pequeño percance por culpa de los zapatos que lleva.

Como se supone que los zapatos, por muy elegantes que sean, están diseñados para el combate, la pirata acude a la tienda a poner una reclamación. Es entonces cuando entra en escena Lebno, el diseñador jefe, y le ofrece hacer de nuevo los zapatos a cambio de que ella participe en su desfile de moda, por lo que termina aceptando.

Sin embargo, Nami también se embarca en otra importante misión relacionada con el desfile, donde le echará una mano (o cien) su compañera Nico Robin.

Un divertido especial para complementar el anime

Como suele ocurrir con este tipo de producciones, One Piece: Heroínas es un especial que sirve para complementar el visionado del anime, pues no ofrece nada revelador de cara a la trama principal.

A cambio, nos ofrece una historia divertida en la que da más presencia a personajes que, por muy integrantes de los Sombrero de Paja que sean, suelen tener un rol más secundario en la serie original.

Todo ello con un estilo de animación completamente nuevo con los diseños de Takashi Kojima y bajo la dirección de Haruka Kamatani.

Pero, si bien la novela recoge ocho historias recopiladas en dos volúmenes, por el momento Netflix tan solo ha lanzado el primer episodio, por lo que te va a saber a poco dada su corta duración.

Además, aunque he comentado que el especial no es relevante para la trama principal, sí que incluye ciertos elementos que obligan al espectador a ir bien avanzado con el manga o la serie de anime.

Por lo se muestra, la trama de esta historia se ubicaría en la cronología del manga como mínimo tras el arco de Whole Cake Island, pues se desvelan ciertas mejoras que consigue Nami en su estilo de combate. Y hasta aquí puedo leer.

No obstante, si vas al día con la obra o no te importan estos spoilers menores, y buscas algo rápido y ameno de ver, con One Piece: Heroínas pasarás un rato de lo más entretenido. Y ojo, que en los créditos parece dejar caer quién será la protagonista del próximo especial...

Hemos empezado esta crítica por la anécdota, pero es la única concesión que vamos a hacer antes de hablar de esta coproducción de Reino Unido, Irlanda y Chipre dirigida por Morgan Matthews y escrita por Malcolm Campbell.

El material original que ha servido de base al libreto es la aclamada novela Charlie and Me: 421 Miles from Home de Mark Lowery, publicada en 2018. Una de esas historias de paso a la madurez en la que el reparto brilla con especial fuerza. Y no solo por los dos personajes ya anunciados, sino por el conjunto y la química que hay entre todos ellos, contando incluso a secundarios que apenas llegan a abrir la boca, como Nana.

Es una película muy conmovedora gracias a un giro bestial a mitad de la cinta que tiene el potencial de dejar descolocada a la audiencia, pero que está bien justificado a nivel argumental. A 500 millas de casa se beneficia de un montaje paralelo de dos planos temporales distintos para sembrar la duda y el interés en la audiencia mientras esconde un poco sus cartas. El tiempo necesario para crear un alto impacto emocional y girar las tornas de lo que pensábamos que estaba sucediendo en pantalla.

Rumbo a la reconciliación

Finn recuerda con añoranza los momentos en los que su familia aún estaba unida y eso era cuando pasaban tiempo con sus abuelos en Dingle. También tiene grabado en la memoria el momento en el que nació su hermano Charlie, prematuro y con algunos problemas de salud, aunque al final tan enérgico y vivaracho que los deja sin aliento.

Cuando escucha a sus padres discutir y planear una separación, toma la decisión de regresar con su abuelo a Dingle, donde vive solo después de que sus padres le hayan retirado la palabra y su Nana haya sido ingresada en una residencia de ancianos por su avanzada demencia.

Al ser menor de edad y no disponer de muchos ahorros, el dinero es un agobio constante para él pero también la responsabilidad de viajar con su hermano, que queda atrapado por error en un autobús. Por suerte, Finn conocerá a Kait, una cantante callejera que se apiadará de sus circunstancias y le acompañará en su periplo para reunirse con su familia y, con suerte, sanar sus heridas.

A 500 millas de casa se configura como una road movie porque el detonante de la acción es la huida del hogar y el periplo en autobús, barco, coche y hasta caballo hasta llegar al punto de destino pero el corazón de la historia es la reunificación familiar y el paso a la madurez. El hecho por tanto de pasar página y conseguir hacer efectiva una reconciliación basada primero en la aceptación del pasado, en la compasión y la empatia. Tender puentes, en resumidas cuentas, para poder avanzar hacia el futuro.

Se trata de un relato muy humano y afectivamente intenso a la hora de mostrar las relaciones entre hermanos y entre padres e hijos de distintas generaciones.

Irlanda es un personaje más: la luz, los paisajes, la forma de ser de la gente (ese superpoder del que habla Maise Williams que se basa en ayudar a los demás hasta más allá del deber), las pintas en el bar, las canciones tradicionales, la música improvisada...

Preciosa la banda sonora, por cierto, que hace algo más que acompañar la historia, sumándole capas de significado y empaque emocional a una narración de por sí conmovedora.

Puede que A 500 millas de casa no sea la película que salte a primera vista a los ojos en una temporada en la que el cine de animación y los blockbusters reinan en la cartelera, pero merece mucho la pena y deja buen sabor de boca.

Pero hoy nos ocupa, como decíamos, la versión que mezcla animación e imagen real y acaba de aterrizar en cines: Vaiana vuelve a las salas encarnada en la debutante Catherine Laga'aia, que da el do de pecho interpretando las canciones de su personaje y también imprimiéndole la energía característica que desprende.

La historia no se separa ni medio milímetro de la de la cinta original, aunque alarga algún pasaje musical y cuenta con más humor metalingüístico mofándose del debate de si es una princesa o no por el hecho de ser la hija del jefe de la isla polinesia de Motunui. Por lo demás, el meollo de la narración sigue siendo la recuperación de la tradición viajera de sus ancestros y la necesidad de salir del área de confort para poder ser felices sin perder el rumbo al regresar a un hogar que no sea ya una cárcel franqueada por el arrecife.

Un reto complicado

Vaiana se ha criado escuchando las historias de su abuela en las que le cuenta los mitos de su tierra y cómo el semidiós Maui robó y perdió el corazón de la isla Te Fiti condenando al archipiélago a la ruina.

Cuando las cosechas empiezan a agostarse y la pesca escasea, la joven tiene que abrazar el pasado aventurero de sus ancestros (aun a costa de contravenir las advertencias de su cauteloso padre) para superar los limites de la isla y tratar de restaurar el orden natural, buscando para ello a Maui y recuperando su anzuelo mágico que le permitirá volver a usar su habilidad para el polimorfismo.

Como sucedió antes con Lilo y Stitch, la película Vaiana se enfrentaba a un reto enorme a nivel visual, al tener que congraciar imagen real con animaciones muy distintas entre sí. Por un lado, la de los seres que se integran con los humanos como son Púa, Hei Hei, los Kakamora, Tamatoa, Te Kā o Te Fiti, que tienen tratamiento de animación 3D y CGI y por otra parte, las animaciones en 2D que sirven para poner en pie los mitos y para dar color y humor a la aventura, como es el caso del tatuaje de Maui, inspirado en el arte tradicional polinesio y maorí conocido como Tā Moko. Esta segunda faceta es de largo la que mejor funciona porque el contraste aporta capas mientras que la combinación presenta graves problemas.

Como es natural, tal y como hicieron las cintas animadas, hay un reclamo hacia el legado artístico del lugar que se pone de manifiesto tanto en el diseño de vestuario como el atrezzo, las formas y costumbres, las danzas y los ritmos de las canciones. Hay un especial ahínco en rendir homenaje al folclore y las señas culturales, razón por la cual se ha trabajado con un equipo de asesores encargados de garantizar el respeto a las tradiciones polinesias y evitar estereotipos simplistas.

También a la hora de escoger al reparto se ha tenido en cuenta la ascendencia de sus integrantes: Catherine Lagaʻaia es una actriz australiana de raíces polinesias, Dwayne Johnson de ascendencia samoana, John Tui es neozelandés de ascendencia maorí, Frankie Adams es samoana y Rena Owen una veterana actriz maorí. Son detalles que honran la idea de querer buscar verosimilitud... aunque luego tengas un luminoso número musical protagonizado por un cangrejo gigante y cantarín.

Vaiana no aporta nada esencialmente nuevo a una historia que ya conocíamos aunque cumplirá con las expectativas de los fans que se asomen a la pantalla. Se nota que Dwayne Johnson se lo ha pasado pipa rodando la película: aunque las prótesis hayan sido un calvario, disimula bien. Los mayores problemas provienen de la integración de la animación e incluso del diseño de los personajes no humanos, bastante más feos que los de las cintas animadas.

Del libreto se encarga en esta ocasión Marta González de Vega, coguionista de la saga Padre no hay más que uno además de actriz recurrente, si bien no parte de una idea original, sino de una película de la que ésta es un remake casi encubierto: Un p'tit truc en plus, de 2024 (es casi un reto encontrar la referencia en los títulos de crédito donde aparece de forma fugaz).

No es un detalle baladí porque la película dirigida por Artus le valió una nominación a mejor ópera prima en los premios César de hace dos años además de ser el mayor éxito de la taquilla francesa de ese año con 10 millones de espectadores.

Sea como fuere, la película es sencilla en su premisa en la que no caben demasiadas sorpresas, pero bastante entretenida en su desarrollo y sobre todo con un valor esencial a la hora realizar una cierta labor educativa y de visibilización.

Dos pillos y un destino

Tras cometer un atraco un tanto surrealista en una joyería, un padre y su hijo se ven acorralados por la policía. Su única manera de huir de la ciudad será aprovechar un malentendido.

Eva, la monitora de un grupo de personas con discapacidad, confunde a Félix con Ángel, uno de sus alumnos, y Antonio se hace pasar por su cuidador con la única voluntad de entrar en el autobús y desvanecerse para las autoridades. Lo que desconocen es que se dirigen a un retiro creativo de una semana, donde se verán obligados a claudicar ante las exigencias del grupo, que rápidamente se percata de que Félix no tiene ninguna discapacidad y son sometidos a un chantaje constante.

Para su desgracia, no será la única dificultad a la que se enfrenten: tendrán que reconstruir su relación paternofilial mientras calman a los mafiosos que les exigen la entrega del botín del robo.

Haciendo amigos es una película con buenas intenciones que se beneficia de la vis cómica del conjunto y en especial de la química que hay entre Antonio Resines y un Quim Gutiérrez que funciona de maravilla en el rol que tiene que defender de perdedor resignado. Buena parte del metraje se designa a esclarecer y recomponer la relación que les une en un guiño a la clásica subtrama del cine anglosajón del padre ausente (del que en su día se cachondeó el propio Resines en un anuncio memorable).

También hay que nombrar a Mari Carmen Lara, que debuta junto a compañeros como Israel Romero, María Masián, Pablo Márquez, Mario Navarro, Christofer Ortiz, Juan Fernández, Curro Fire y Ana Mencía.

Y tenemos que añadir los cameos, que son muy reseñables, entre los que destaca la dupla de Pantomima Full, David Guapo o Camela, interpretando un tema creado ex profeso para la película.

Eso sí, Haciendo amigos no consigue evitar caer en lugares comunes pareciendo una suerte de Campeones 3 con algunos personajes calcados aunque sin la soltura de Fesser en el montaje, pero al menos no pierde el sentido del humor ni se regodea en excesivos sentimentalismos.

La audiencia puede esperar una película bastante blanca, con una pincelada de romance y algunos enredos/malentendidos además de un par de momentos musicales tan kitsch como simpáticos. De hecho es en su tercio final, cuando se vuelve más loca, cuando mejor funciona.

En suma, tiene los mimbres para hacer una buena entrada en taquilla, aprovechando el impás veraniego entre blockbusters con actores de reclamo y una historia que sin grandes complicaciones se puede envolver en la bandera de la defensa de la diversidad con su toque pedagógico. No reinventa la rueda ni es de visionado imprescindible, pero respira humanidad y sabe exprimir sus puntos fuertes.

La casa del dragón 3x03, escrito por Sara Hess y dirigido por Clare Kilner sigue la buena racha de la serie con un gran manejo de la tensión narrativa y un montaje dinámico que precipita los acontecimientos consiguiendo entroncar asimismo con la herencia de Juego de tronos con la que establece algunos vasos comunicantes muy interesantes.

Los motivos que hacen el trono incómodo

El capítulo 3x03 de La casa del dragón arranca con Lord Ormund Hightower dirigiéndose a Daemon, flanqueado por tres dragones. Atraviesa sus tropas a caballo y él le anuncia que Rhaenyra está en el trono y Otto ha muerto. Le propone regresar a Antigua y seguir su vida en paz ahora que ya no tiene aliados. Ormund claudica e hinca la rodilla. Jura lealtad a Rhaenyra.

Antes de que parta, le pide que Daeron, su protegido, le sea entregado. El hijo pequeño de Viserys y Alicent, sobrino de Daemon, acaba así en sus manos, “de regreso a su casa”.

Rhaenyra recibe a Daemon con las noticias y su rehén. Ella quiere ser coronada lo antes posible, organizar un desfile y torneos. Quiere ser una buena reina aunque ya empieza a sentir el peso de la corona.

Le presentan a Daeron. Le dice que es su media hermana y que es ahora un prisionero que será tratado en función de su comportamiento y docilidad. Daemon le dice que debería matarlo. Pronto Coryls le da una mala noticia: han saqueado las arcas, solo quedan fondos para un par de semanas. El oro ha desaparecido y eso cambia los planes: el pueblo sufre y aunque Rhaenyra quiere una coronación que la valide en el poder, es mala idea organizar fastos en medio de una hambruna y saqueos. Mysaria le aconseja esperar.

Lo siguiente que le preocupa es encontrar a Aemond y a Robaovejas, pero primero tiene que atender asuntos más mundanos: el castillo está infestado de ratas y los problemas se acumulan.

Rhaenyra va a ver a Alicent para preguntarle dónde está el oro de la corona, pero ella solo sabe que se lo llevó si consejero de la moneda. Alicent le dice que aunque no sabe dónde están ni tenía idea de que vaciarían las arcas, Aegon no puede gobernar porque está maltrecho a causa de las quemaduras y que puede declararlo impostor si Larys intenta que reclame el trono.

Rhaenyra comprende que trate de proteger a su hijo, pero le dice que solo las liberará cuando encuentre a Aemond y no haya ya pretendientes al trono. Le dice que las tratará con dignidad en su encierro.

La estrategia de Rhaenyra será anunciar que han encontrado a Aegon muerto y le encarga a Mysaria tantear al servicio para reemplazar a los fieles a los Hightower. No sabe qué hacer con Daeron al ser su medio hermano. También manda buscar a Elinda Massey, su dama de compañía.

Rhaenyra quiere ser ungida ya que no puede ser coronada, pero no tiene manera de probar la muerte de Aegon y la fe se opone a los dragones, criaturas que considera nacidas de la magia negra y la lujuria. El septón le recomienda no enemistarse con la fe si no quiere romper lo que une al pueblo.

Corlys le presenta a Alyn a Rhaenyra en una cena en la que le dice que ha decidido reclamar a sus hijos y nombrar a Alyn heredero (para sorpresa de Addam, también presente). Le pide a Rhaneyra que los legitime como Velaryon.

Rhaenyra empieza a ver a Jace por todas partes, mientras se enfrenta a nuevos retos, como atender a los suplicantes en su trono de hierro. Justo antes de tener su primera ronda de contactos, le viene el periodo. Los dragones causan estragos porque necesitan alimentarse mientras que los nobles acumularon riquezas dejando a los pobres al borde del precipicio. La presión aumenta sobre Rhaenyra, que ha llegado al trono como defensora del pueblo y ahora tiene que satisfacer unas altas expectativas. Mysaria y Daemon chocan constantemente y ella está perdida. Mysaria le pregunta que si no sabe qué hacer piense qué haría su padre. Así que decide dar un banquete.

Reúne e impone sobrenombre a sus tres jinetes Ulf el Blanco, Hugh el Martillo y Addam de la Quilla. Daemon los nombra caballeros. Juran lealtad a su soberana y a la corona. Hugh le pide a Rhaenyra sustento para su familia ella le promete hacerlo en cuanto consiga situarse y él encuentre a su esposa.

Alicent va a verla a sus aposentos: quiere que los restos de Otto vayan a Antigua para reposar allí. Rhaenyra le pide consejo, pero los problemas son muchos y la escasez de recursos complica la situación.

Finalmente, Rhaenyra celebra el banquete para darse a conocer ante los nobles pero todo dista mucho de las expectativas: la reina les sirve ratas y les reprocha hayan acumulado riquezas mientras el pueblo pasaba hambre. Luego les anuncia que sus capas doradas están saqueando sus casas para hacerse con lo que acumularon indignamente en momentos de necesidad.

Torrhen Manderly se presenta ante Rhaenyra y la felicita por una jugada maestra aunque le advierte que el pueblo no olvidará que fue su bloqueo el que los dejó sin pan. Ella le pide a Daemon que vuele al Valle para que Jeyne pague en monedas lo que lo aportó en tropas. Él le espeta que tiene mucho poder con seis dragones, que podría tomar Dorne, Essos, las Ciudades Libres. Le dice que puede tener un reino inexpugnable que heredarán sus hijos, ser como dioses, como dice la profecía. Rhaenyra se opone a su visión megalómana, tiene miedo: su padre decía que el poder de los dragones no era para los hombres. Prefiere asentar su poder en Desembarco del Rey y no pecar de ambiciosa. Le recuerda que debe matar a Aeron, pero no lo hace.

Rhaenyra busca el apoyo del pueblo, que la aclama y aplaude mientras ella les entrega alimentos. Mysaria le dice que será su unción, sin necesidad del septón.

Corlys insiste en que Rhaenyra legitime a sus hijos. Él lo ha perdido todo y está muy enfadado pero a ella le supondría un problema y se lo niega hasta estar establecida. Pero él le grita que todos sus hijos han sido bastardos e incluso Jace murió siendo un bastardo.

Rhaneyra va a ver a Alicent para anunciarle que tiene a Daeron y que planea enviarlo al muro para formar parte de la Guardia de la Noche, aunque conserve el título. Rhaenyra permite que se despidan pero cuando se reúnen se da cuenta de que no se conocen. Ormund sigue teniendo a a Daeron, la ha engañado y le ha dado un farsante con el pelo decolorado en su lugar.

Las noticias no se hacen esperar: las tropas de Ormund han tomado la Ladera y ahora ella tiene un dilema: si se enfrenta a él, quemará a su propio pueblo, si no hace nada, dejará avanzar al enemigo. Termina contemplando el fuego mientras arde el escudo de los Hightower: tiene que tomar decisiones.

Menor impacto, mayor tensión

La casa del dragón 3x03 se vale de dos recursos para crear una sensación de inquietud constante: la banda sonora y la metáfora de las ratas que asolan la Fortaleza Roja. Por una parte, en el plano auditivo se nos subraya cada input de información que perturba a Rhaenyra: desde los encontronazos con Daemon, cuya visión del poder es radicalmente distinta, hasta el engaño de Ormund y la tentación del fuego. Recordemos que es una Targaryen con cierta tendencia innata a sucumbir a cambios de humor abruptos y que se está tensando mucho la cuerda.

A ella lo que más le importa es guardar las apariencias, como demuestra orquestando el saqueo a los nobles y el reparto de comida entre la gene humilde, evitando reconocer a los hijos de Corlys, anunciando la muerte de Aegon o manteniendo la calma para no decapitar a Daeron.

Sin embargo, cada pequeña decisión que toma es un error fatal: se pone en contra a la corte, enciende la ira de Corlys, desoye a Daemon y no consigue su objetivo de parecer una reina legítima ante Poniente, con el agravante de que Ormund no es fiel a su palabra de caballero. Aunque quizás la mayor de las indignidades es la de proclamar la muerte de Aegon por encontrarse en paradero desconocido. Reinar sobre una mentira, le pasará factura más pronto que tarde.

Este capítulo, más reposado en el terreno de la acción, prepara el terreno para nuevos encontronazos dejando claro que el bando de los Verdes aún tiene mucho que decir y que el tiempo que han permanecido en el poder han aprendido muchas cosas que a Rhaenyra se le escapan. "Has llegado lejos, pero sigues sin saber quién eres", le ha espetado Daemon en una conversación crucial. Y así es, no alcanza a ver la panorámica completa ni a tomar las riendas del todo además de estar gestando muchos enemigos internos. Las ratas son pequeñas pero si se multiplican sin control pueden imponer el caos.

Y ojo, que te lo vamos a justificar totalmente. En cuanto empieces a leer nuestra crítica lo comprenderás todo al instante. ¿Recuerdas dónde lo dejamos?

La semana pasada, Goku terminó el capítulo transformándose en Super Saiyan 4 para librar su combate contra el dragón de su querida Sushinchu. ¡Uno de los combates más ardientes de la serie está a punto de empezar!

Por desgracia, el episodio 55 supuso todo un jarro de agua fría, pues nos privaron de dicha afrenta por la cara, metiendo un episodio recopilatorio con escenas recicladas de... ¡Dragon Ball Z!

Básicamente, el episodio pausa la batalla de Goku para ponernos en situación con Vegeta. El príncipe de los saiyans decide ir en busca de los dragones oscuros, pero Bulma le para los pies para desvelarle algo.

Antes de ello, vemos al saiyan recordar sus batallas frente a Goku, destacando un buen reciclaje de escenas de la Saga de los Saiyans hasta el despertar del Super Saiyan en Namek. ¡Mira!

Sin duda, una vida en la que siempre ha estado por detrás de Goku, remando a contracorriente. Incluso recuerda cómo sucumbió al influjo de Babidí para aumentar su poder y así intentar igualar la balanza.

Sin embargo, también recuerda el momento en el que aceptó que Goku era el número 1 en el planeta de los Kaioshin. Un punto de inflexión que le hizo cambiar su perspectiva evolutiva.

En el episodio Vegeta nos deja claro que su objetivo cambió en aquel momento. Ya no quería alcanzar a Goku, sino descubrir realmente cuáles son sus límites, centrándose únicamente en él.

Y aquí es cuando Bulma le desvela la buena nueva. Gracias a sus investigaciones y las grabaciones del planeta Tsufur, ha creado una máquina generadora de ondas Brutz capaces de convertirlo en un Super Saiyan 4 o incluso más. ¡Veremos si les sale bien la jugada!

¡CURIOSIDADES!

1- Una curiosidad que nos deja el episodio radica en disfrutar de momentazos de Dragon Ball Z con la banda sonora original de Dragon Ball GT. ¡Lo cierto es que funciona de lujo!

Nada más que por eso, ya merece la pena echarle un vistazo a este capítulo, pues pocos alicientes más vas a encontrar. ¿Recuerdas esta escena?

2- Bulma comenta una clave muy curiosa sobre la transformación de Vegeta Baby en Ohzaru. Si no llega a ser por el bloqueo de las células de Baby, ¡se habría podido transformar en Super Saiyan 4 en el planeta Tsufur!

¿Y si Baby hubiera dado con esa clave? ¿Te imaginas cómo habría sido el aspecto del tsufur en Super Saiyan 4?

Y así llegamos al final de la entrega de esta semana. Después de este episodio recopilatorio, la serie solo irá para arriba hasta su desenlace apoteósico.

Ya queda menos para terminar este viaje con Dragon Ball GT, el cual llegará a su conclusión a finales de verano. ¡Kai, Kai!

La película se estrena hoy directamente en Netflix sin pasar por los cines, lo que nos priva de disfrutar de la preciosa isla de Malta en la que se han llevado a cabo las principales tomas que ambientan la historia. Así, lucen de maravilla históricas calles y fortificaciones de la capital, La Valeta, así como la antigua ciudad amurallada de Mdina, Mellieħa y Attard. Bien por el marco, no tan bien por el argumento.

Enola Holmes 3 se inspira de manera muy libre en la tercera novela de la saga de Nancy Springer titulada El caso de los extraños ramos de flores, si bien desarrolla al menos dos tramas originales principales que no aparecen en el libro como es el matrimonio de Enola con Lord Tewkerbury y la misteriosa desaparición de Sherlock. En verdad, poco tiene que ver...

Síntomas de fatiga para una historia que daba para más

Enola Holmes 3 nos emplaza al enlace nupcial de nuestra protagonista, a punto de contraer matrimonio con Lord Tewkesbury en Malta, donde él pasó parte de su infancia junto a su familia.

A pesar de sus sentimientos, Enola duda hasta el último instante sobre su decisión hostigada por los recuerdos de su madre en los que la instaba a ser libre e independiente. Cuando por fin se decide a poner rumbo a la iglesia, arrancan sus problemas: su carruaje empieza a ser perseguido por un jinete enmascarado y se ve obligada a defenderse, destrozando su vestido.

Contra todo pronóstico, ese hombre no es otro que el doctor Watson, que quiere informarla de la desaparición de Sherlock Holmes. De este modo, planta a Tewkesbury en el altar y se dispone a investigar para encontrar el rastro que le lleve hasta su hermano.

Por el camino se tropezará con una misteriosa mujer, con los diarios encriptados de su hermano y una serie de pistas que no sabe cómo interpretar pero que solo ella será capaz de encajar para encontrarle a él y a la madre del que iba a ser su esposo, también desaparecida en extrañas circunstancias.

Todos los ingredientes de las películas de Enola Holmes las encontrarás de nuevo en esta tercera entrega: un montaje visualmente muy atractivo y ágil, siluetas a modo de recortables, rupturas constantes de la cuarta pared, acción y aventuras en las que la protagonista se reivindica a sí misma y de paso busca salir de la sombra de su talentoso hermano.

Sin embargo, esta vez el desarrollo de la historia es algo pobre con revelaciones justificadas sobre la marcha, se deja sentir cierta fatiga y desprende un aroma a despedida del personaje.

Contribuye a ello que la saga cinematográfica se haya apresurado tanto con la trama romántica (que, por cierto, ni siquiera existe en las novelas) y que meta la quinta marcha en el proceso de maduración de la protagonista. Le resta asimismo cierta ligereza humorística que resultaba muy refrescante en el origen del personaje.

Y, para colmo de males, la película se pliega de manera constante sobre sí misma para introducir flashbacks de las dos anteriores, como temiendo que el espectador se pierda o, peor aún, que necesite imágenes complementarias para darle empaque emocional a una trama algo insulsa.

Se queda algo corta también la inclusión, algo forzada, de Sherlock y una exposición de la información que nos lleva a anticipar el desenlace de manera prematura. Pocos sobresaltos en una cinta bastante predecible de la que esperamos justo eso, que nos sorprenda y suponga una bocanada de aire fresco.

El fichaje de Himesh Pattel (a quien pronto veremos en La Odisea) para dar ida a Watson y el enfoque que se le ha dado al personaje, tampoco aporta demasiado en una película varios peldaños por debajo de su predecesora que da la sensación de haber sufrido en la sala de montaje. Siempre nos quedará Malta y la preciosa luz que la baña...

A pesar de las diferencias con las novelas superventas escritas por Hugh Howey bajo el título Crónicas del silo la serie ha sabido distanciarse lo suficiente para mantener la esencia de la historia introduciendo nuevos personajes, tramas y giros argumentales que nos sorprenden incluso a los lectores.

El pilar fundamental es la magnética Rebecca Ferguson a la que se une un segundo eje (externo ya al silo) que es el actor australiano Ashley Zuckerman, un congresista que se verá involucrado en acontecimientos muy graves y que ya hizo acto a de aparición al final de la segunda temporada.

El fichaje es perfecto y viene acompañado de toda una serie de nuevos personajes que se desenvolverán en el exterior en un periodo temporal anterior. Destacan Rebecca Henwick, Laura Innes, Jessica Brown Findlay, Morven Christie, Reed Birney, Matt Craven y Colin Hanks.

El origen

La tercera temporada de Silo arranca con nuestra valiente Juliette Nichols totalmente desubicada. A pesar de haber sobrevivido a la limpieza y haber regresado con vida, pasan meses sin que consiga recordar nada de lo ocurrido, para desesperación de sus antiguos compañeros de mecánica.

El silo 18 trata de recuperarse de la rebelión, emprendiendo toda clase de reformas, tanto estructurales como a nivel político, pero son más estéticas que reales. A Juliette, que es ahora alcaldesa, se le escamotea información importante de su paso por el exterior y de la muerte de Bernard mientras se la somete a un borrado de memoria químico.

Tiempo atrás, el congresista Daniel Keene y la periodista Helen Drew empiezan a tirar del hilo de una investigación que les arrastra hasta un punto de no retorno y que involucra a las fuerzas armadas y al gobierno. Aún no saben hasta qué punto van a dar forma al futuro de la humanidad tratando de modificar los recuerdos de los supervivientes a eventos traumáticos y de poner en pie un sistema autosuficiente y regulado ante una amenaza mortal.

La tercera temporada de Silo, además de desarrollar de forma paralela dos historias distintas y ofrecer explicaciones de cuáles son los detonantes para la construcción de los silos, tiene que servir de trampolín a la cuarta y última temporada en la que convergerán todas las líneas argumentales.

Son diez episodios que expanden aún más la de por sí extensa galería de personajes y nos sumergen en un mundo que hasta ahora desconocíamos y con el que los encargados de hacer valer el Pacto han perdido en realidad el nexo. De tal manera que todos los personajes a su modo, están dando buscando la verdad a tientas en la oscuridad.

Resulta particularmente fascinante cómo el guión de la serie busca los vasos comunicantes para hacerle llegar la información a los espectadores y que vayan atando cabos. A fin de cuentas, la estructura de la segunda novela y su gran giro es imposible de trasladar a la pantalla, solo puede funcionar de modo literario. La estrategia aquí es otra, entrelazar las tramas de la segunda y la tercera novela y así de paso no dejarnos huérfanos de Juliette, pero el impacto emocional se alcanza de todos modos.

Las interpretaciones y la forma en la que el elenco interpela a los espectadores con su periplo vital gana intensidad en una temporada más enfocada que la anterior en la que no hay descanso gracias al montaje paralelo de los dos planos temporales. Se resuelven muchas dudas respecto al estallido del apocalipsis y lo que lo causó y se amplía la mitología de los refugios y su construcción, con una zambullida importante en la ciencia ficción pura y dura.

Se agradece además que sigamos el proceso de los protagonistas para ir desvelando cada misterio sin perder tensión narrativa ni dinamismo argumental.

Todo ello con unos valores de producción como siempre excelentes que hacen que la monumental escala que requiere la serie esté al servicio de la historia.

Se sigue trasladando la sensación de claustrofobia y desconcierto de los protagonistas mientras que algunas tramas secundarias que no provienen de la letra impresa sino que obedecen a concesiones a la ficción sí que pueden llegar a percibirse como algo más superfluas o menos subyugadoras.

Mal menor para una serie que alcanza con esta tercera temporada su cénit y prepara el doble salto mortal final. La espera esta vez será más dura que nunca.

Son innumerables las versiones que nos han llegado a través de la literatura, el teatro, el cine y la televisión del arquero encapuchado, defensor de los oprimidos y los pobres que saqueaba a quienes drenaban a los humildes para devolverles lo que legítimamente era suyo en un acto de justicia poética y como acto de rebeldía hacia el poder.

En La muerte de Robin Hood la visión de este hombre en su senectud es muy distinta: está cansado y carga en su conciencia con muchos crímenes irreparables. No solo no es un santo sino que es muy consciente del dolor que ha ido esparciendo y vuelve a él cual boomerang.

En busca de la redención a una vida de pillaje y muerte

En La muerte de Robin Hood conocemos a un hombre lastrado por una soledad amarga, tratando de lidiar con las consecuencias de una vida repleta de crímenes y asesinatos. Es como un lobo herido tratando de sobrevivir a toda costa como un salvaje en la naturaleza.

Asediado por enemigos que quieren darle caza para vengar a familiares o amigos a los que ha ido exterminando, termina gravemente herido en una sangrienta batalla que lo pone al filo de la navaja.

Aunque está al borde de la muerte, es conducido a un misterioso castillo en el que encuentra la forma de reconciliarse con su pasado gracias a una enigmática mujer, la hermanada Brigid, una curandera que carga con sus propias heridas, que le ofrece la oportunidad de redimir su violento pasado antes de exhalar su último aliento.

La película ofrece una visión muy amarga y solitaria de hombre al que siempre nos han presentado como un héroe popular y muy blanco. Sarnoski no tiene remilgos a la hora de mostrar su lado más desagradable, violento y brutal.

No queda nada del mito amable y esa es una de las cosas que más se agradece de una historia que no edulcora la violencia ni los encontronazos cuerpo a cuerpo en los que no hay código entre caballeros sino voluntad de destruir al contrincante sea como sea. Las batallas son bestiales e hiperrealistas y en concreto a Robin Hood no hay voluntad de exonerarlo de su culpa, solo si acaso aceptarla y afrontar sus consecuencias.

Estamos por tanto ante un relato irreverente que se aleja de la norma y reimagina a un hombre consumido por el remordimiento. Hugh Jackman realiza una de las interpretaciones más honestas, complejas y antipáticas de su carrera, que le traerá a los espectadores a la cabeza su papel en Logan aunque en este caso el planteamiento del personaje sea particularmente hostil y hosco, en las antípodas del príncipe de los ladrones que tan edulcorado ha estado en otras ocasiones. Lidia con el desencanto, como reza el cartel: "No era un héroe".

La idea no es ser fiel a la historia del arquero de Sherwood, irrastreable y escurridizo a más no poder en las leyendas, sino hacer una reflexión sobre la naturaleza humana, la necesidad de hacer las paces con el pasado y quizás hacer del mundo un lugar mejor abandonándolo con cierta dignidad aceptando que es muy probable que la tradición oral le diera una pátina de ficción importante a un personaje idolatrado.

Ojo a la química con una Jodie Comer como siempre excepcional que le da una profundidad al personaje inusitada. Da vida a una mujer muy compleja que se construye más desde los silencios y las miradas que desde las palabras. El guión explora una serie de conexiones que van más allá de lo que los diálogos solo podrían subrayar innecesariamente.

La muerte de Robin Hood, a pesar de sus muchas virtudes, patina en una cuestión fundamental: pierde fuerza a medida que avanza el metraje. Empieza tan fuerte que sorprende el cambio de tono y lo que le cuesta llegar al desenlace final.

Lo que resulta brillante cuando no embriagador es el trabajo de fotografía de Pat Scola que nos devuelve unos bosques tan bellos como tenebrosos así como interiores austeros pero iluminados con na destreza singular. Hay planos que son para enmarcar.

Hay bajas muy importantes, odios enconados que reciben nuevo combustible y movimientos muy relevantes en el tablero del juego del poder. En suma, un buen balance de acción, tragedia y avance de los acontecimientos.

En líneas generales, da la sensación de que el ritmo moroso y la fotografía mohína de la segunda temporada han quedado atrás: es tiempo de golpes sobre la mesa, resolución de tramas y de destrucción, tal y como es de esperar en una guerra civil del calado de la Danza de dragones.

Resumen de La casa del dragón 3x02

El segundo episodio de la tercera temporada de La casa del dragón arranca justo a continuación de lo que vimos la semana pasada. Vemos el cadáver de Jace flotando en las aguas, a los dragones supervivientes pasando a fuego a la flota de la Triarquía y posteriormente a los hombres de Corlys cargando el cadáver para conducirlo hasta su madre.

Baela anuncia que han ganado la batalla pero Rhaenyra tiene que afrontar la muerte de su hijo. Está entre iracunda y profundamente apesadumbrada al punto que el comandante de la Guardia Real se confiesa culpable y le pide pagar con su vida. Ella dice que todos la han traicionado pero pero que matarlo no le devolverá a su hijo. Abraza su cadáver y llora desconsoladamente.

La batalla no cesa en el frente donde Alyn busca a Corlys sin éxito temiendo que haya muerto.

Rhaena pide a asilo a lady Jeyne Arryn, que se lo deniega, sabiendo ya de la muerte de Jace. Rhaena trata entonces de negociar con los dragones: le dice que Vhagar está suelta y Robaovejas vive en el valle. Jeyne se lo piensa...

Daemon recibe a Simon Strong en las Tierras de los Ríos: le lleva un mensaje de la reina donde le informa de la muerte de Jace. Lo anuncia y dice que partirá a Desembarco del Rey para reclamar el Trono de Hierro para Rhaenyra. Les pide a los demás ir a Harrenal y ser el brazo ejecutor, sin flaquear.

Antes de partir tiene una última conversación con Alys Ríos que reclama para sí Harrenhal. Dice que ha servido a todos cuantos han pasado por allí sin saber cuidarlo y que ella lo haría mejor. Él le dice que no tiene corona, título ni esposo noble y que por tanto no le corresponde, aunque podría procurarle otra recompensa. Ella no está interesada y le grita que se vaya y no vuelva por allí.

Mientras Baela y Alyn conversan sobre Corlys, Addam sigue buscándolo a lomos de Bruma. Lo avista entre los restos del naufragio. Cuando la Serpiente Marina ve el tamaño del desastre dice que si eso es una victoria espera no ver otra igual. Luego le dice a Alyn que no tiene nada que darle, salvo su apellido. Él considera que es más valioso que una montaña de oro.

Larys y Aegon consiguen zafarse del carro en el que estaban siendo conducidos a Rocadragón. Deciden poner rumbo a Reposo del Grajo donde piensan que Cole tendrá tropas fieles que les darán cobijo.

Alicent va en busca del comandante Luthor Largent. Le dice que Rhaenyra va a volver a reclamar el trono.

Daemon se reúne con los nuevos jinetes. Explican que Aemond no apareció y que se fueron, igual que Addam, que ha ido a reunirse con Baela. Él los considera unos inútiles y les alecciona, pero a la vez los considera necesarios.

Daemon se reúne con Gusano Blanco para ponerse al día. Le sorprende que Rhaenyra confíe en la palabra de Alicent. Mientras conversan, reciben la noticia de que Vhagar ha salido de Desembarco del Rey.

Entre tanto Alicent quiere hablar con sir Soren en privado para tratar de preparar el terreno. Hay mucha crispación y le piden tener la reunión con cautela.

Daemon va a ver a Rhaenyra que está destrozada y le dice que estaba allí el dragón Robaovejas con un jinete desconocido que causó la muerte de Jace. Quiere que lo encuentren. Le anuncia de Vhagar ha abandonado Desembarco del Rey. Ella está dolida por poder sentarse en un trono a costa de la vida de sus hijos. Daemon le dice que en Harrenhal vio a una mujer de cabellos plateados con dragones, que era la profecía de la Canción de hielo y fuego.

Jasper Wylde va a ver a Alicent y la acusa de haber tenido relaciones con Criston. Forcejean y cuando está a punto de forzarla aparece Orwyle y ordena detenerlo. Ella le dice que está en deuda con él.

Rhaenyra y Daemon deciden ir a Desembarco del Rey escoltados por sus nuevos jinetes. Mysaria le entrega a Rhaenyra la corona y le pide que recuerde quién le ha sido leal. La idea es tomar la ciudad lo más rápido posible y luego encargarse de Vhagar.

Alicent le anuncia a Helaena que Rhaenyra está en camino y que van a abrirles las puertas para entregar las armas sin violencia. A continuación van a hablar con las tropas encargadas de la defensa de la ciudad y les piden que no ataquen a los dragones de los Negros.

Criston ve pasar a Vhagar y pone a los suyos en marcha a Harrenhal, a donde se dirige el dragón. Nada más llegar, Aemond pasa a fuego y espada a todos cuantos encuentra.

Simon Strong y su hijo lo esperan en el interior. Aemond pide enfrentarse a Daemon, pero Simon le dice que el ejército se ha retirado. Lo mata ahí mismo junto a su hijo. Pero Alys Ríos aparece detrás de él: está herido. Se arrastra hasta ella pidiéndole ayuda antes de desplomarse.

Los dragones de Rhaenyra llegan Desembarco del Rey sin encontrar oposición. En la ciudad cunde el pánico. Alicent y Helaena preparan su retirada. Daemon acaba con los últimos fieles a los Verdes y Rhaenyra llega hasta el salón del trono. Allí se ven entre dos frentes, pero Luthor reconoce a Daemon como capitán de los capas doradas y pide a la guardia real que entregue las armas. Daemon pide que se prenda a todos los Hightower y Rhaenyra que se lleve ante él a Aegon el usurpador para ajustar cuentas.

Daemon va en busca de Alicent y Helaena pero ellas han huido. Quiere un castigo ejemplar para Orwyle pero él se ofrece otra cabeza que le puede interesar más: la de lord Jasper. También le comunican que lord Larys le ha dejado un regalo: al mismísimo Otto Hightower. Lo conduce hasta el salón del trono donde Rhaenyra tiene que ajusticiarlo para convertirse en reina porque Aegon se ha fugado. Él pide que lo mate Daemon para ahorrarle el sufrimiento de que sea ella, pero Rhaenyra le corta la cabeza y Daemon decapita a Jasper.

Rhaenyra, dejando huellas de sangre en el suelo, asciende al trono de hierro y se sienta en él, aún temblando.

Alicent y Helaena son apresadas y llevadas ante ella. Alicent ve el cadáver de su padre y dirige una mirada iracunda a Rhaneyra.

La ruptura del pacto

El diseño de producción de la serie está a la altura para ofrecer abundantes planos de dragones, secuencias multitudinarias y encontronazos en todos los frentes sin renunciar al drama íntimo y personal de dos mujeres enfrentadas que sostienen los pilares emocionales de la serie.

En La casa del dragón siempre tenemos la sensación de que ellas, Rhaenyra y Alicet, no son las responsables últimas de sus actos y de que su enfrentamiento es casi forzado y antinatural, abocadas por las circunstancias, las represalias o el deber de contrarrestar las acciones de los demás.

Aquí las tenemos frente a frente como nunca antes: Alicent se ha mantenido fiel al pacto que ambas hicieron de rendir la ciudad sin violencia alguna pero Rhaenyra, arrastrada por el dolor de la muerte de Jace y de la búsqueda de legitimidad para alcanzar el trono, ha matado al padre de Alicent al no encontrar a Aegon. Estamos ante uno de los puntos álgidos de la serie, donde se ven las consecuencias directas de que los Negros hayan ido ganando en varios frentes. Lo que la serie debe seguir explorando es el precio de la victoria y cómo el conflicto va a seguir arrasando en todos los frentes.

En efecto, Dragon Ball GT, una de las producciones anime más criticadas, y tal como puedes apreciar en nuestros análisis semanales, dichos comentarios negativos no tienen mucha razón de ser. Ahora bien, el episodio de hoy...

Deja bastante que desear, sinceramente. Hablamos del capítulo 54, una entrega en la que Goku y Pan se enfrentaron a un nuevo dragón oscuro que guardaba más de un as bajo la manga.

No obstante, el dibujo no acompañó durante este episodio, por no hablar de un combate bastante insulso en el que Goku se comportó como un auténtico cobarde. En fin, ¿estás preparado para este esperpento?

El capítulo arranca con la localización de una nueva Bola de Dragón por parte de Giru, o mejor dicho, la captación de un nuevo dragón oscuro. En esta ocasión, se trata de Suu Shinron, un monstruo surgido a partir del deseo de rejuvenecimiento de Piccolo Daimaoh.

Y sí, tal y como su propio nombre indica, este dragón alberga la Shushinchu, la mítica esfera del abuelo de Goku. Con esta premisa, está claro que este dragón será duro de pelar. ¡De hecho, deja a Pan inconsciente con un solo golpe! Y a Goku tampoco se lo pone nada fácil con sus ataques ardientes:

Para que te hagas una idea, Suu Shinron puede llegar a los 6000 grados de temperatura, los mismos de la superficie del sol. Así, mientras Goku se comporta como un cobarde, escapando todo el rato de su rival, otro dragón aparece entre las sombras, dejando fuera de combate a Giru para secuestrar a Pan.

Nuestro saiyan es ajeno a todo esto, pues está demasiado centrado en su combate. Tras dejar atrás su cobardía, decide contraatacar y atisba el punto débil de Suu Shinron, una suerte de lente con la que filtra sus ataques ardientes. ¡De este modo, lanza un Taiyo Ken directamente a la lente, cegando al dragón!

Ahora sí, parece que la primera fase del combate ha terminado. Después de una afrenta llena de comedia fallida, los guerreros se ponen serios y desatan su auténtico poder.

Por un lado, Suu Shinron destroza la película que le rodea el cuerpo para desvelar su auténtica forma, aflorando todo el calor que irradia su interior. Por otro lado, Goku hace lo propio transformándose en Super Saiyan 4. ¡Por fin la cosa se pondrá interesante!

¡CURIOSIDADES!

1- El episodio nos deja otra nota curiosa, aunque ya habíamos visto algo parecido en el pasado. ¡Hablamos de Giru y su relación con Pan!

Cuando el robot se queda mirando a Pan mientras duerme, se empieza a sonrojar al ver lo preciosa que está la saiyan durmiendo. ¿Le hará tilín a nuestro querido robot?

2- Pan, al comienzo del capítulo, comenta una cosa realmente curiosa. Resulta que, desde el despliegue de los dragones oscuros por toda la Tierra, ya no se puede ver el sol en el planeta.

Esta suerte de infección planetaria, fruto de la energía negativa de los dragones oscuros, ha desencadenado consecuencias como la ocultación del sol. Entonces, ¿de dónde viene la luz que cubre toda la Tierra?

Y así terminamos el análisis de esta nueva entrega de Dragon Ball GT. ¿Te esperabas esta crítica por nuestra parte? ¿Le habrías puesto más nota a este episodio?

La verdad es que es un capítulo que me despierta mucha nostalgia, pero sinceramente, no estuvo a la altura de lo que debería haber sido, especialmente en el punto en el que nos encontramos. ¡Kai, Kai!

Así que esta semana llega Hermanito, la nueva película de Matt Spicer (Ingrid Goes West) con guion de Andrew Mogel y Jarrad Paul (Di que sí).

Es una comedia ligera sobre la hermandad, por si su título no lo deja claro, y llega sin grandes pretensiones más allá de entretenernos durante algo más de una hora y media. La cuestión es saber si logra su objetivo, lo supera o se queda a medias.

Hoy, en HobbyCine, te traemos nuestra crítica de Hermanito, la nueva comedia estelar de Netflix.

Una premisa que huele a añeja

Antes de meternos en materia, hagamos un repaso rápido a la trama de Hermanito. La película se centra en Rudd (John Cena), un tipo que ha construido una vida de ensueño: una familia preciosa, una empresa próspera... La única pega es que siempre ha sentido algo de envidia por su hermano mayor.

Por otro lado, está Marcus, un hombre que fue "apadrinado" como hermano pequeño por Rudd hace décadas y que está a punto de regresar a su vida. Claro que Marcus es un agente del caos que pone patas arriba todo lo que toca, aunque tiene un corazón de oro.

En esencia, Hermanito juega la carta de meter un elemento de agitación en lo que parece un entorno tranquilo. Sin embargo, al profundizar en la vida de Rudd, vemos que tras la fachada hay muchas grietas que amenazan con hacer que todo se venga abajo, incluso antes de la llegada de Marcus.

Hermanito cuenta con una historia funcional, aunque poco innovadora. Adam Sandler, por ejemplo, hizo suya esta mecánica de ser un agente explosivo en películas como Mr. Deeds, Terminagolf o Ejecutivo agresivo. Eric André tiene un personaje al que es imposible odiar, aunque a veces es bastante cargante.

Una química tibia, pero que cumple

John Cena no saca especial partido a su faceta cómica en esta película, pues Hermanito le obliga a asumir el papel de la parte seria que ve cómo su mundo perfecto se tambalea. Aun así, el veterano de la WWE tiene algunos momentos divertidos, como sus primeros pasos en un programa de la tele.

Eric André va más a tiro hecho. Él tiene sobrada experiencia en la comedia y se mueve como pez en el agua para dar vida al encantador, aunque peculiar, Marcus. Como decía antes, a veces resulta algo cargante, pues los momentos cómicos acaban volviéndose tan exagerados que acaban por perder la gracia.

En tándem no terminan de conectar. Se nota que ambos se esfuerzan por aportar ese vínculo y esa compenetración en pantalla, pero no les sale del todo. Eso provoca que, al llegar al momento emocional de Hermanito, las escenas no sean redondas del todo.

Puede ser un problema de ritmo o de montaje, pero me da la impresión de que proviene de esa incapacidad para forjar esa fusión entre dos actores que hace que su química en pantalla se desate. Hay a quienes les sale de forma natural, como George Clooney y Brad Pitt, pero en este caso, no funciona del todo.

En el elenco también tenemos a Michelle Monaghan como la esposa de Rudd, Deirdre. Es un papel secundario pero fundamental para hacer avanzar la trama; la actriz de Misión imposible cumple con creces. Christopher Meloni es el hermano mayor de Rudd, Josh, un elemento muy divertido en las escenas en las que aparece.

Los hijos de Rudd y Deirdre, Cory (Bryce Gheisar) y Shane (Pilot Bunch) son la cosa más aburrida que te puedes echar en cara, enrareciendo bastante sus apariciones. Muy secotes, hasta cuando intentan no serlo.

Entretenida, pero olvidable

Por desgracia, la historia de Hermanito es la de tantas películas que llegan a Netflix: te hará pasar un rato entretenido, pero la semana que viene quizá ni recuerdes de qué iba.

No es especialmente graciosa, aunque tiene un par de escenas que te pueden arrancar una sonrisilla. Su momento tierno funciona, aunque no terminen de casar sus dos protagonistas.

Es totalmente predecible. A pocas comedias de este tipo que hayas visto, casi te sabrás el guion al dedillo. Si buscas algo novedoso, esta no es tu peli, pero cumplirá si simplemente necesitas un rato de desconexión.

Posiblemente se trata de una comedia que habría funcionado mejor si se hubiera trazado para un público más familiar, pero al llenarla de lenguaje malsonante y momentos subidos de tono, se enfoca en un público que pide algo más que cuatro chistes e interpretaciones exageradas.

En fin, por no alargarnos más: Hermanito no es ningún desastre, pero dista mucho de ser una buena película. Para escapar del calor sin sufrir un ataque de tedio, la cinta de Netflix con John Cena y Eric André cumple.

En realidad, ahora la serie es más coral que nunca y se esfuerza mucho por hacerle justicia a todos los personajes dedicándoles al menos un instante de gloria, por así decirlo.

Si estás familiarizado con el concepto de "episodio botella" comprenderás muy rápido que lo que ha hecho Chris Storer (y seguramente le ha facilitado las cosas para conseguir llevar a cabo una producción bastante rápida) es una suerte de "temporada botella".

La quinta y última tanda de episodios de The Bear transcurre casi en su totalidad en el restaurante con sus personajes atrapados por una tormenta récord que dispara los problemas a los que tienen que enfrentarse a medida que explotan cañerías, se hunden techos y se vacía la despensa antes de "la última cena". El crono ya se paró en la cuarta temporada, así que solo queda saltar sin red para darlo todo a la desesperada y cruzar los dedos para que la embarcación no se vaya a pique.

La intención es mostrar una vez más ese caos adictivo que hace que puedas enamorarte del sonido de la cocina, del ambiente del sala o del color desplegado en un plato que empieza a degustarse a través de la mirada antes de rozar el paladar... y que cuando fluye, es como una coreografía perfecta que no lucha contra el reloj sino que se pliega ante él con gracia y armonía.

Es un nuevo chute de amor a la gastronomía y al exigente mundo de la restauración, con un punto álgido, el séptimo episodio, en el que a cualquiera le rugirán las tripas al ver las delicias que desfilan por la pantalla.

Como siempre, estamos ante un viaje sensorial de primera categoría, de manera que cuando la narración se vuelve pesadillesca, casi sentimos que se nos eriza el vello mientras que cada mirada, apunte o cruce de palabras es significativo entre unos personajes atrapados entre la pasión por la cocina y las implacables facturas.

Pero, ¿estamos ante un desenlace satisfactorio? A nivel emocional sí y, por fortuna, también en el plano narrativo gracias a la agilidad del montaje y la ductilidad del formato: arrancamos con episodios de 22-25 minutos y terminamos con dos de una hora. Tras dos temporadas anteriores bastante lentas, esta quinta parece tener más claro que no hay tiempo para ensimismarse demasiado. Esto no es un obstáculo para la evolución de nuestros protagonistas puesto que todos ellos deben asumir sus nuevas posiciones y los retos propios de un futuro incierto. Y a veces este paso es tan sencillo como confiar y no imponerse frenos.

El mensaje primordial, que viene subrayándose desde la primera temporada, es que un gran restaurante no es mérito de un hábil chef sino un esfuerzo compartido por un equipo en el que todas las piezas están bien engrasadas: hay compromiso, aprendizaje, solidaridad, comprensión y muchos, muchos, muchos cálculos.

Tan importante es contar con una buena materia prima como tratar a los compañeros con respeto, dejar al cliente satisfecho y cuadrar las cuentas al final del día. Y no podemos soslayar el tema de la identidad: cada viaje, reunión familiar o costumbre arraigada, es una fuente de inspiración para dar forma a platos que tratan de atrapar un concepto y contar una historia. Las raíces van a estar muy presentes en un final que es un principio, en realidad, porque "los osos" son una familia que sigue unida a pesar de todo.

A nivel técnico esta temporada final destaca por una estética continuista pero quizás más estilizada todavía: la luz busca crear distintos ambientes y sensaciones y el montaje crear una tensión constante, que también se nos traslada a través de los sonidos, aunque no vamos a tocar techo, sino que nos vamos a quedar en un registro más moderado (y tolerable) que en otras ocasiones.

La principal novedad es que esta vez además, se abre paso un sentido del humor más entrañable que nos recuerda qué nos enamoró de los personajes, qué los hace especiales y por qué los echaremos de menos. El octavo y último episodio es ya el que los saca de la botella y los devuelve a la vida real, un epílogo abierto, como la vida misma. En suma, The Bear 5 se merece una reseña de cinco tenedores.

Haciendo honor al título de la cinta, sus protagonistas se disponen a realizar las mayores locuras jamás vistas en la franquicia (y ya es decir, visto lo visto hasta ahora) donde vuelven a jugarse el tipo.

Aunque no demasiado, ya que la película tan solo muestra algunos sketches actuales que mezclan con los momentos más memorables de la franquicia para homenajear los más de 25 años que han estado haciendo el cabra.

Un bonito homenaje que deleitará a los fans

Se nota que Johnny Knoxville y compañía ya están mayores para hacer estas cosas, por lo que en esta ocasión apenas realizan acrobacias para enfocar la cinta en un recorrido por la franquicia.

No obstante, aún tienen cuerpo para aguantar algunos golpes (como bien se demuestra en los créditos de apertura) y nos deleitan con varios momentos tan dolorosos como en ocasiones nauseabundos.

De la parte novedosa, sin duda lo más destacado es Larry, el robot cuya voz pone Adam Ray y que lanza las ocurrencias más graciosas al tiempo que participa en los sketches de la cinta golpeando a Johnny Knoxville en sus partes o realizando un examen de próstata a Steve-O lubricando su dedo con mantequilla de cacahuete.

Por supuesto, también hay hueco para los gags más escatológicos marca de la casa que, como de costumbre, no son aptos para estómagos sensibles. Mi recomendación es que vayas a ver la película con el estómago vacío.

Dentro de la parte del recopilatorio recuperan muchos momentos memorables, aunque algunos ya los hemos visto en la última película, Jackass Forever, como cuando Johnny Knoxville es embestido por un toro (y que casi no lo cuenta) o la tronchante broma emulando El silencio de los corderos que hizo pasarlo mal a casi todo el grupo.

Pero lo mejor de esa parte son los sketches inéditos que nunca se llegaron a emitir. La película arranca con el primer "gag" que realizó Johnny Knoxville para Jackass y que MTV prohibió su emisión. Y con razón, porque telita querer arrancar así un programa de televisión (ya lo entenderás cuando lo veas).

Por supuesto, a estas alturas está claro que Jackass: Lo mejor para el final es una película que está hecha expresamente para los fans, pues a día de hoy resulta difícil (aunque no imposible) que alguien se enganche con este tipo de humor tan particular.

Incluso yo, que he sido fan de la franquicia (aunque tampoco un fan acérrimo) me ha dado bastante reparo contemplar ciertos momentos de la cinta (en especial los más escatológicos). Pero en el fondo no he podido evitar seguir disfrutando como un enano de las delirantes ocurrencias de sus protagonistas. "Placer culpable" lo llaman.

Al final Jackass: Lo mejor para el final cumple con su objetivo, que no es otro que entretener a sus seguidores y rendir homenaje a toda la saga cerrando con una secuencia final digna de recordar.

En el fondo, uno no puede evitar emocionarse como Johnny Knoxville al ver que esta película es el desenlace definitivo y que ya no volveremos a verles hacer locuras. Aunque, como se suele decir, nunca digas nunca más y, quién sabe, igual Knoxville nos sorprende dirigiendo a una nueva generación de colgados en un futuro.