No hay una única respuesta que justifique el hecho de que este director que actualmente tiene 88 años y tres proyectos entre manos no haya obtenido el éxito deseado con sus últimas producciones.

Su último éxito incontestable fue The Martian en 2015 cuando se hizo con más de 630 millones de dólares, con un margen de ganancia muy alto respecto al presupuesto de 150.

A partir de ahí, por desgracia, no ha llegado a conseguir la rentabilidad deseada: Alien: Covenant marcó el inicio de una debacle que continuaría después con Todo el dinero del mundo, El último duelo, La casa Gucci, Gladiator II y Napoleón. El último y estrepitoso fracaso ha sido La constelación del perro, adaptación de la novela homónima de Peter Heller con la que apenas ha conseguido reunir 37,5 millones de euros.

Otro revés para Ridley Scott: perder los derechos de Blade Runner y por tanto quedar al margen de nuevos proyectos vinculados a la franquicia. A pesar de ser el arquitecto de una de las películas fundamentales del género de ciencia ficción de todos los tiempos, nada le une ya a lo que veremos en el futuro como la serie de Prime Video Blade Runner 2099.

¿Va eso a frenar su creatividad? Por supuesto que no: ya trabaja al menos en tres nuevas producciones. Por una parte, el biopic de los Bee Gees titulado You Should Be Dancing. Por otra, la adaptación de La isla del tesoro que estará protagonizada por Hugh Jackman y, por último, ha declarado recientemente que le gustaría regresar a la saga Alien con una nueva precuela centrada en el androide David al que dio vida Michael Fassbender.

Ridley Scott es versátil, no se ha dedicado a vivir de las rentas haciendo refritos de sus éxitos pasados. Incluso cuando ha regresado a universos ficcionales ya conocidos ha tratado de arriesgar y presentar algo nuevo y es un trabajador incansable que sigue dibujando plano a plano todas sus películas. No todo le sale bien, pero al menos lo intenta, busca nuevos retos y no duda en incorporar nuevos talentos a su cartera de intérpretes.

La peor película de Ridley Scott siempre será mejor que la mayoría de las producciones que llegan a las carteleras... así que, ¡larga vida a su manera de entender el cine! ¡Es uno de los veteranos en activo!

Entre las novedades a destacar, el hecho de que se haya escogido como protagonista a una "creadora de contenido" real que se ve envuelta en una pesadilla cuando empieza a ser hostigada. Ella es la influencer británica Chiara King y la película, que claramente busca tirón comercial, se titula The Influencer Project.

En esta versión ficticia de sí misma, interpreta a una influencer de belleza y moda que viaja a Copenhague con un séquito de documentalistas empeñados en mostrar la vida detrás de la fama de Internet. Mientras las cámaras captan cada uno de sus gestos, un acosador obsesivo empieza a rastrear sus movimientos de tal manera que la cinta utiliza variados recursos para seguir la trama: teléfonos, interacciones en aplicaciones móviles, avisos en línea... Todo lo necesario para crear una historia de metraje encontrado en la era de la eclosión de las redes sociales.

The Influencer Project cuenta con una total implicación personal por parte de Chiara King porque de alguna forma se inspira en experiencias reales por las que ha pasado: "El acoso que se muestra en la película es algo que Chiara conoce de primera mano, y eso se nota en su interpretación", afirmó Hale en un comunicado oficial sobre la película.

"Pude recurrir a mi propia experiencia para aportar honestidad a la interpretación, al tiempo que exploraba lo que significa recuperar la sensación de control. Estoy increíblemente orgullosa de lo que hemos creado, y estoy deseando que el público vea la película y nos acompañe en este viaje", expresó la debutante actriz. Será también la ópera prima del director danés Mike Nybroe.

El estreno de The Influencer Project está previsto para el 2 de octubre en Estados Unidos y para el 16 de octubre en el Reino Unido e Irlanda.

En España aún no cuenta con una distribuidora y se desconoce cuándo verá la luz. Eso sí, Sánchez y Hale también están implicados en el reboot de El proyecto de la bruja de Blair, dirigido en esta ocasión por el youtuber de terror Dylan Clark.

El resultado es positivo, aunque alejado de la calidad de la obra en letra impresa. Está bien, cumple con su cometido, es entretenida y traslada las ideas de una manera correcta, pero no pasa de ahí en un momento creativo en el que la novela policiaca centrada en descubrir al autor de un crimen ha pasado por un momento de tal eclosión que es difícil aportar algo nuevo.

Las virtudes del proyecto son muchas: el diseño de producción es rico, el elenco cuenta con grandes nombres como Jose Coronado, Maribel Verdú o María Valverde y, en líneas generales, se ve que hay detrás de la cámara alguien que ama el cine de Hitchcock y tiene un bagaje cinéfilo, pero por desgracia también se aprecia cierta falta de personalidad. A la fotografía le falta textura, el tono necesitaría falta algo de sordidez y oscuridad y es muy fácil anticiparse al resultado. Va sobrada de vestuario y recreación histórica pero sería de agradecer más pegada en los diálogos y una ambientación más misteriosa.

Aunque hay voluntad de buscar el factor sorpresa con cambios respecto a la novela, la serie no tiene la capacidad de reflexionar sobre los engranajes mismos del whodunit ni de dialogar con la obra de Doyle y sus temas recurrentes.

Una isla y un asesino

En la primavera de 1959, trece personas quedan aisladas por un fuerte temporal en un islote próximo a Mallorca. Entre ellos está Basil, un actor retirado que encarnó durante años la versión televisiva de Sherlock Holmes así como un productor cinematográfico que le ofrece un papel en su nueva película y el escritor de novelas policiacas Francisco Foxá, que pronto se convierte en su mano derecha.

Ninguno de ellos puede llegar a imaginar lo que está a punto de ocurrir en el hotel de lujo en el que se alojan. Elisa Mander, una bellísima y coqueta turista de origen inglés aparece muerta en el interior de una habitación cerrada con llave en lo que parece en primera instancia un macabro suicidio.

Sin embargo, los años de experiencia interpretando el papel del famoso detective llevan a Basil a examinar la escena llegando a la conclusión de que se trata de un elaborado asesinato. Las malas condiciones meteorológicas impiden las comunicaciones con el exterior y los nervios están a flor de piel en una calma tensa que se prorroga durante un tiempo e irá obligando a la directora del alojamiento a tomar medidas cada vez más restrictivas.

Urge dar con el asesino antes de que vuelva a actuar y Basil va a ser quien, sin pretenderlo, cargue con el peso de hacerlo.

El problema final arranca con un inconveniente de base que salta a la vista al primer instante: no tiene bien definida su identidad. Aunque se mueve en un entorno cosmopolita, con personas de clase alta, la forma de hablar de los personajes y sus nombres mismos parecen muy forzados. Hay una tremenda falta de naturalidad en los diálogos que le resta verosimilitud a la trama y el reparto, compuesto por veteranos y nuevas promesas, empasta solo regular.

Con los mimbres de los que se vale la narración, debería funcionar entonces de manera encapsulada, entrando en el concepto sin más y en cierta manera lo hace, pero sin ser capaz de aportar nada nuevo a la ecuación que convierta a El problema final en una serie que sobresalga entre otras historias semejantes.

Al ser tan luminosa, parece querer apuntar hacia el terreno de Puñales por la espalda pero no tiene ni los giros de guión ni el sentido del humor de las películas de Rian Johnson. En pocas palabras, da la sensación de que le falta ambición para romper el molde o para buscar una diferenciación que habría sido capital para embaucar a la audiencia. Solo con tener a Jose Coronado como gran reclamo, Netflix se va a asegurar las visualizaciones, pero los lectores de la novela probablemente queden un poco defraudados.

Decimos esto porque el pastor alemán que da vida a su perro de combate, Odín en la ficción, Uber en la realidad, le roba más de una secuencia en la que el espectador estará más pendiente del futuro del can que de la suya. Solo le hace falta hablar... o mejor dicho, no le hace falta hablar para que comprendamos lo que quiere expresar. Magnífico trabajo de adiestramiento y dirección para captar miradas y momentos increíbles.

En este sentido la película explota de maravilla el vínculo tan especial de cariño, lealtad e incluso identificación que se puede llegar a generar entre una persona y su fiel compañero canino. También es una película que sirve para reivindicar el valor de los perros que sirven a intereses como salvar vidas aunque en esta cuestión entra también en un terreno algo farragoso. A fin de cuentas, ¿quién los convierte en un arma en primera instancia para entrar en combate?

Entraremos más adelante en esta cuestión para desarrollarla un poco más porque, por más que la campaña promocional de la película abunde en un supuesto trasfondo animalista, colisiona con contradicciones que saltan a la vista muy pronto.

Aunque la historia se ambienta en Alaska, la película ha sido filmada principalmente en Nueva Zelanda y éste no es un detalle baladí porque el entorno natural salvaje es un personaje más en una historia de supervivencia extrema en la que cada recodo del camino procura nuevos obstáculos y sorpresas. Honestamente, las localizaciones quitan el hipo: es una película que cuenta con un marco natural de una enorme belleza.

Síndrome de estrés postraumático y naturaleza salvaje

En el corazón de la bestia nos presenta al oficial de las Fuerzas Especiales James Belmont y su perro de combate Odín, ambos retirados, cuando tratan de superar los traumáticos y perturbadores recuerdos del pasado disfrutando de un viaje en solitario en las montañas de Alaska.

Los días pasan plácidos mientras pescan juntos, descansan y disfrutan de las espectaculares puestas de sol. Sin embargo, un día, cuando Belmont surca el cielo en su avioneta, sufre un ataque al corazón que les lleva a estrellarse en el bosque. Ambos salen heridos pero no tienen más remedio que tratar de sanar para recuperar el rumbo y llegar de nuevo a la civilización.

Para su desgracia, se han apartado bastante de la ruta y van a tener que superar manglares, empinadas crestas, barrancos y rápidos además del ataque de perros salvajes. Con unos recursos menguantes y al límite de sus fuerzas, serán el mayor apoyo el uno para el otro.

Aunque arranca de una manera muy realista, En el corazón de la bestia obliga al espectador a suspender su incredulidad en más de una ocasión, sobre todo cuando ambos personajes se enfrentan a amenazas insalvables, pero aquí entra en acción aquello del "soldado americano indestructible".

Un individuo normal hubiera muerto diez veces pero el patriotismo, el honor y las fuerzas sobrehumanas siempre pueden exagerarse un poco más para aumentar el mito.

Ojo, porque Brad Pitt se deja la piel en el papel. Su compromiso con la ficción es muy fuerte y el vínculo que crea con el perro parece del todo real, eso nadie se lo quita.

Como ya esbozábamos más arriba, ideológicamente la película plantea un problema de inconsistencia brutal. En esta ocasión, el hombre y el perro están pasando por un momento vital semejante: pesadillas, estado de alerta permanente, insomnio, angustia e intensos momentos de malestar físico y emocional debido a las heridas de la guerra. Con una importante diferencia: el humano tenía consciencia y posibilidad de elección, el perro no. Así que es bastante más fácil empatizar con este último por el hecho de que es una víctima en todos los sentidos.

¿Se podría decir que es una película antibelicista? No llega tan lejos por ese trasfondo patriotero que tanto le sobra, pero sí denuncia el alto coste físico y emocional que conlleva la vida militar y no solo para las personas. Si hubieran enfocado al personaje principal como alguien que renegara de su vida pasada con todas sus consecuencias (y hubieran prescindido de algún momento CGI del todo innecesario), sería una película mucho más redonda.

De ella destaca su espíritu iconoclasta, su estética punk y su capacidad de que todo sea maleable y ecléctico. Desde los tiros de cámara, con exagerados escorzos hasta el estilo de animación, que pasa de la animación en 3D al lenguaje del anime o a la introducción de fragmentos de imagen real con pasajes en 2D. Todo cabe en una película de desborda imaginación y amor por el cine sin perder nunca el foco de sus personajes principales.

Best Friends Forever

Jo y Raissa se conocen cuando están esperando una reprimenda en la puerta del director del colegio. A partir de ese momento se volverán inseparables y pasarán todo su tiempo libre juntas, disfrutando de las historias de la abuela de Jo sobre Nakali, la "isla olvidada", un lugar mágico en el que residen demonios, duendes, sirénidos y espíritus protectores de la naturaleza.

A medida que van creciendo, el vínculo que las une se fortalece y van creando toda una serie de recuerdos juntas que atesoran en las pulseras que intercambiaron el primer día con charms que les sirven de recordatorio.

Ya siendo adultas, sus caminos empiezan a separarse: Raissa consigue plaza en Caltech y decide emigrar a Estados Unidos mientras que Jo prefiere evitar la presión y vivir al día. Cuando deciden pasar la noche más memorable de su vida justo antes de que salga el vuelo de Raissa, descubren el portal mágico que las transportará a Nakali. Pero al despertar sus recuerdos se han desvanecido y tendrán que descubrir cómo volver a su mundo reconstruyendo su periplo nocturno.

Hay películas de animación que han supuesto un cambio radical, un punto de inflexión y no retorno que ha hecho posible el nuevo salto que supone La isla olvidada. Hablamos de Spider-Man: Un nuevo universo, Ninja Turtles: Caos mutante, Los Mitchell contra las máquinas o Nimona. No es lo que cuentan sino cómo lo cuentan: hasta qué punto ponen sobre la mesa nuevas estrategias narrativas, mezclan técnicas de animación y buscan formas de expresión que les permitan vehicular sus mensajes. De todas ellas bebe esta película pero sin renunciar tampoco a una estructura más clásica de trasfondo que recuerda a clásicos de siempre de Disney de viajes iniciáticos o aclamadas cintas más recientes como Vaiana o Coco. Si en aquellas se homenajeaba a los ancestros y a los muertos y había un túnel de acceso a su mundo, aquí lo hay al de la mitología filipina, terreno fértil y muy versátil en el que arraigar el relato.

Ambas comparten unos rasgos identitarios muy fuertes aunque hablen de temas universales: en este caso, la amistad. Hasta comparten el guiño al equipo de producción en los títulos de crédito finales. En Coco estaban los seres queridos que habían fallecido, aquí los mejores amigos de las personas que han ideado y confeccionado una película tan especial: un toque humano precioso y emotivo.

Redundamos en la humanidad porque a esto se suma una nueva advertencia final que probablemente se convertirá en tendencia: La isla olvidada no se podrá utilizar para entrenar a la IA. Celebremos que los creadores protejan sus obras y el fruto de un arduo y laborioso trabajo, sobre todo cuando tiene un carácter disruptor y suponen una vuelta de tuerca para el género como es el caso.

La secuela recupera esta historia como origen de una nueva aventura, pero yerra a la hora de trasladar al espectador las mismas vibraciones. Por una parte, se ha perdido el efecto de la novedad y, por otra, la cinta tiene varios giros finales a cuál más inverosímil, por no hablar de los abundantes fallos de raccord que le restan credibilidad a momentos clave de la aventura en sí.

La localización de rodaje es muy atractiva, con el ficticio Monte Kwan como escenario principal. Las protagonistas se embarcan en la experiencia extrema de recorrer una pasarela de tablones suspendida a más de 1.200 metros de altura. La fuente de inspiración para la producción fueron los peligrosos senderos y pasarelas de granito del Monte Hua (Mount Huang) en la provincia de Shaanxi, en China aunque el rodaje tuvo lugar en Tailandia.

Un paseo por las nubes... con el corazón a mil

Tras perder a su intrépida hermana Shiloh, Jax Hunter, que tiene un carácter completamente distinto, trata de deshacerse de sus dolorosos recuerdos. De ese modo conoce a Luce, una amiga de Shiloh que le inocula una idea audaz: seguir su diario de destinos soñados y hacer realidad juntas su próximo deseo como forma de honrar su memoria.

Esto las lleva a viajar a Tailandia, donde necesitarán contratar a un guía experto en el terreno pero que opere al margen de la ley porque las rutas de acceso están en muy mal estado y las autoridades prohiben el acceso.

Contra toda lógica se verán a sí mismas recorriendo los peligrosos tablones que recorren el monte Kwan, hasta que un alud de piedras las deje a su suerte, varadas en una zona intransitable e incomunicadas.

Jax tendrá que luchar contra todos sus miedos, el vértigo, la fatiga e incluso las alucinaciones para tratar de salir adelante en una pugna contra su propia naturaleza que la hará comprender mejor a su hermana y respetarla más que nunca.

Las expectativas le juegan una mala pasada a Fall 2: Deadpoint que no logra estar a la altura de su predecesora (valga el juego de palabras fácil) aunque cuente con un reparto comprometido y más medios a su disposición.

Harriet Slater destaca en el rol de Jax, pero esta secuela se asienta sobre una estructura muy parecida a la original que dinamita algunos recursos ya gastados y enhebra demasiadas secuencias inverosímiles y carentes de continuidad espacial.

Es habitual que se falseen las distancias y los recursos con los que cuentan las protagonistas y que realicen alguna que otra proeza increíble, sobre todo para un personaje como Jax, al que nos presentan como la antítesis del espíritu aventurero (y suicida) de su hermana. Hay un montaje paralelo que funciona particularmente mal conectando infancia y actualidad y dejando claro que hay que hacer un poder para no salirse de la película. Ni el guión es muy solvente ni la mano en la dirección de Michael y Peter Spierig es firme.

Fall 2 mantiene el interés hasta el final y es entretenida, incluso aunque no logre evitar caer en algunos lugares comunes con ciertos giros de guión finales no solo innecesarios sino carentes de la más mínima lógica.

La buena noticia es que de este paso en falso no habrá consecuencias directas: habrá Fall 3 y de ella esperamos una calidad mucho mejor. Capstone Studios y Lionsgate dieron luz verde simultáneamente al desarrollo de la segunda y la tercera entrega de esta franquicia de supervivencia y Scott Mann regresará tanto en el rol de guionista como en el de director en Fall 3, así que ¡esperemos que nos salve del precipicio!

Los Javis sorprenden con su propia La bola negra, su obra más madura hasta la fecha: una reflexión emotiva sobre la homosexualidad a lo largo del tiempo desde la perspectiva de dos familiares separados por las circunstancias, la vergüenza y el miedo y unidos por la ficción: esas páginas que completan la historia de un joven que se niega a sí mismo, como tantas otras personas arrojadas a los márgenes de la historia por ser distintas.

La película es compleja e irregular, con momentos de enorme virtuosismo poético y otros que se antojan gratuitos y aportan en verdad poco al trasfondo, que es la material verdaderamente conmovedor de la narración. Sus cerca de dos horas y media de duración y sus abundantes excesos, con una recreación constante en los cuerpos desnudos y secuencias casi oníricas, hacen que se diluya un poco el impacto de los hechos y la gravedad de la materia tratada.

No falta nada pero quizás sí sobran más de dos cosas que ponen de relieve la ambición voraz de estos dos creadores que se suben a lomos de gigantes para realizar un trabajo interesantísimo de "arqueología emocional", desenterrando tanto historias de amor como cadáveres que quedaron enterrados en las cunetas o en la nieve, pasando frío. Es una reivindicación de la memoria histórica pero también, de algún modo de la "memoria queer".

Las referencias estilísticas están por doquier, con alusión directa a uno de sus pilares: Pedro Almodóvar (El Deseo produce) e indirecta con esa breve muestra de una cortina de cristales azules que hacen que se active en nuestra mente el recuerdo del marco de fotos de La flor de mi secreto, metáfora entonces de la ruptura y nueva vuelta de tuerca para esa forma, el círculo, que tantas veces se repite en el metraje en obras de arte que muestran agujeros en el pecho, en claraboyas rotas que nos remiten a la gelidez de la nieve y en la caída de cientos de orbes negros que avanzan un destino trágico.

"El corazón de un maricón es un océano de secretos"

Alberto es un historiador que trabaja en su tesis doctoral cuando recibe la noticia de que su abuelo ha fallecido y le ha dejado algo que solo él puede recoger. Emprende viaje a Cantabria donde descubre de qué se trata. Así conocerá la historia de un hombre ausente en su vida pero con el que comparte más cosas de las que había llegado a sospechar.

En 1937 su abuelo pasó a formar parte del bando sublevado después de que su pueblo fuera tiroteado. Así terminaría siendo el guardián de un soldado republicano abatido en el frente que, como muchos otros, sería atendido para poder ser interrogado y después fusilado. De una manera fortuita, los hilos del destino se tejerían para que gracias a aquel encuentro, sobreviviera la obra de teatro de Lorca.

La bola negra es el segundo largometraje de "Los Javis" después de su debut en 2017 con La llamada y se puede decir que han tenido en el mundo de la televisión una escuela que les ha llevado a dar el estirón. Paquita Salas, Veneno, Cardo, La Mesías e incluso el documental Pedro x Javis les han llevado a experimentar con las formas, el lenguaje audiovisual y esa memoria queer de la que hablábamos teniendo siempre en el foco la reivindicación de la libertad y la diversidad.

De nuevo ahora ese es el eje fundamental, al intentar calar en la piel de ese personaje ideado por Lorca, Carlos, que se duele de no haber podido siquiera empezar a vivir antes de recibir el estigma que le aboca al ostracismo.

También revisitan el musical aunque brevemente con las apariciones de una Penélope Cruz que se come la cámara con su desparpajo y su dominio del escenario.

Con sus altibajos y una forma muy ecléctica (también en la magnífica banda sonora que apuntala el recorrido emocional de los personajes), La bola negra es un soplo de aire fresco en más de un sentido. Podría funcionar mucho mejor con un montaje más contenido y centrado pero, a pesar de contar con un epílogo algo estirado y de pasar de momentos sublimes a otros menos ampulosos, hay que reconocerle su valor artístico y su voluntad transgresora. Al discurso no se le puede quitar una coma, pero algo de contención a veces, una insinuación, una cierta sutileza, es más elocuente que otros medios más directos de interpelar al espectador. Ojalá El cautivo hubiera recibido una acogida solo parecida, tienen más en común de lo que parece.

Lo cierto es que del verano de 2026 se hablará durante mucho tiempo. Ya se ha consolidado como el más taquillero de la Historia aupando a Christopher Nolan al tercer puesto de los directores más taquilleros solo por debajo de Steven Spielberg y James Cameron y a Brand New Day como la tercera en el ranking con Avatar y Vengadores: Endgame por delante. Ojo, porque Vengadores: Doomsday apunta maneras con una preventa de entradas descomunal y podría arrebatarle el puesto a todas o alguna de ellas. Lo sabremos a partir del 18 de diciembre.

El top 5 a día de hoy está así:

1. Avatar (2009) - 2.923 millones de dólares
2. Vengadores: Endgame (2019) - 2.799 millones de dólares
3. Spider-Man: Brand New Day (2026) - 2.408 millones de dólares y subiendo
4. Avatar: El sentido del agua (2022) - 2.320 millones de dólares
5. Titanic (1997) - 2.264 millones de dólares

¿Por qué hay tantas películas actuales en este ranking? El precio de las entradas es mucho más caro cuando hablamos de proyecciones en 3D o IMAX, algunas de las experiencias premium que han incrementado los ingresos de taquilla de estas películas, al margen de la permanencia en salas y las fuertes campañas de marketing que las han arropado.

Si tuviéramos en cuenta el ajuste de la inflación, habría variaciones significativas:

1. Lo que el viento se llevó (1939) - 3.700 - 4.400 millones de dólares
2. Avatar (2009) - 3.300 - 4.000 millones de dólares
3. Star Wars Episodio IV: Una nueva esperanza (1977) - 3.500 - 3.790 millones de dólares
4. Titanic (1997) - 3.100 - 3.650 millones de dólares
5. Vengadores: Endgame (2019) - 2.900 - 3.350 millones de dólares

¿Qué películas habéis ido a ver al cine varias veces? ¿Os gustaría que Brand New Day escalara aún más puestos o se colara en el top 5 ajustado a la inflación?

La codirectora de la saga Matrix concedió una entrevista a Variety, en la que arremetió contra JK Rowling: "Ella está financiando el genocidio trans. JK Rowling financia el genocidio trans, y punto. Así que, si apoyas Harry Potter estás apoyando el genocidio trans".

La lógica del argumento es sencilla: si sigue obteniendo beneficios de su trabajo, destinará parte de esos recursos a sus actividades políticas y están muy definidas, así que apoyar sus productos (de cualquier índole: libros, películas, series, parques temáticos, merchandising, etc.) es financiar de manera indirecta esta idosincrasia.

Su enfrentamiento con el colectivo transexual comenzó a finales de 2019 por diversas declaraciones en redes sociales y se ha intensificado de forma progresiva, convirtiéndola en una de las figuras más visibles del sector del feminismo radical que excluye a las mujeres trans (conocido como TERF). Por el contrario, activistas y defensores de los derechos humanos señalan que sus declaraciones son tránsfobas, promueven el odio y deshumanizan a las personas transgénero.

Ya en mayo de 2025 puso en marcha el JK Rowling Women's Fund, un "fondo de apoyo legal para mujeres que defienden sus derechos basados en el género".

La pregunta que todos nos hacemos ahora es la de siempre: ¿Separamos a la autora de la obra? ¿Debería cada cual ser consecuente con su manera de pensar y por tanto penalizar o premiar a Rowling en función de la ideología? No hay respuestas sencillas a problemas complejos.

La cuestión es peliaguda porque, independientemente del posicionamiento respecto al colectivo trans, también es cierto que no sería la exclusiva beneficiaria o perjudicada por el rendimiento de la serie basada en Harry Potter. Se repite el patrón de 2023 cuando se llamó al boicot del juego Hogwarts Legacy.

Por desgracia, esto produce un cisma en el fandom en el que muchos seguidores sienten un conflicto moral entre el cariño por la obra y el rechazo a las posturas de la creadora: qué pesa más dependerá muchísimo de los valores de cada uno y de su implicación personal en la polémica de fondo. Pero lo más triste de todo es que es un tema recurrente.

Hasta qué punto se verá afectada la serie por toda esta cuestión va a ser algo casi imposible de cuantificar, máxime si tenemos en cuenta otros problemas, también muy graves, que está atravesando la producción de la serie como el retraso del rodaje derivado de guiones aún por finalizar y graves implicaciones económicas para Warner Bros. y para el equipo.

Por no hablar de otras polémicas derivada de los cambios impuestos en la serie que incomodarán a los más puristas que esperan una ampliación fiel o ciertos aspectos filtrados que han desatado las mofas en redes sociales. De lo que será imposible zafarse es de la comparativa con las películas que tanto y tan duramente ha criticado la propia Rowling por desavenencias con el reparto anterior.

Salga a la luz como y cuando lo haga, la serie Harry Potter y la piedra filosofal aún promete llenar muchos titulares.

Sin embargo, a veces es bueno saber cuándo retirarse para hacerlo con la cabeza bien alta. La primera temporada de Stranger Things: Relatos del 85 ofrecía algo nuevo: un portal, valga el símil, de entrada a un universo ficcional para el público más joven, una animación que nos permitía recuperar a los protagonistas a unas edades más amables y nuevas aventuras en un interludio fuera del canon oficial de la serie madre. Tenía su parte de disparate, pero también su gracia reingresar en un terreno que creíamos ya perdido.

La segunda temporada no solo no iguala a la primera en encanto sino que termina de drenarle la magia a Hawkins. Convierte a los personajes en pequeños superhéroes con dosis de acción excesivas y mete mucho ruido y mucho neón en un panorama imposible. Da la sensación de que la serie se ha quedado con la carcasa y la ha rellenado de un montón de nada, porque en realidad todos los acontecimientos e incluso la adición de nuevos personajes sabemos que no repercuten en el futuro de este grupo de muchachos. Ergo la serie pasa por delante de nuestros ojos sin pena ni gloria, a sabiendas de que, por más dramatismo que le quieran meter, todos ellos saldrán indemnes incluso de la amenaza más exacerbada. Y no se repara en espectacularidad: persecuciones, explosiones, enfrentamientos cuerpo a cuerpo con nuevas criaturas... En animación, además, no hay límites.

Flores, duendes, liches, golems y el Mundo del Revés al acecho

La segunda temporada de Stranger Things: Relatos del 85 pone al grupo en un aprieto cuando sus integrantes tienen que realizar un trabajo de historia sobre el fundador del pueblo: Samuel Hawkins. Indagar en el pasado les llevará al bosque y a la mina del pueblo, donde yace un cadáver que les dará importantes pistas de que quizás, en esta ocasión, no es del todo cierta la leyenda que les han contado. El problema es que les persigue un fantasma cuya naturaleza desconocen.

Del mismo modo, San Valentin se acerca y Mike busca la forma ideal de declararse a Ce mientras que la relación de Lucas y Max pasa por un bache importante.

Nikki ya es un miembro de pleno derecho del CIH (Club de Investigadores de Hawkins) fundado por Dustin y se pondrá las pilas para descubrir qué hay detrás de unas extrañas flores bioluminiscentes que, además de hermosas, son también peligrosas, como descubre cuando decide recolectarlas para venderlas como regalo romántico.

El mayor problema que tiene la segunda temporada de Relatos del 85 es que está abocada a la irrelevancia y tampoco se esmera demasiado por desarrollar a los personajes. En realidad, opta por cometer el mismo problema que tuvo en su día la serie original: aumenta la escala sin hacer la misma apuesta desde el guión. La aventura se torna demasiado larga y previsible porque conocemos todos los resortes que se van a tocar y la resolución es más de lo mismo. Con Stranger Things llueve sobre mojado: no es una cuestión de ampliar sino de enriquecer y, una vez agotado el recurso de la novedad de la primera temporada, ésta habría necesitado de más alicientes para brillar.

Aunque la calidad de la animación es realmente una verdadera pasada y la serie entra por los ojos, el misterio de esta temporada no es tan interesante como para justificar ocho episodios completos (por breves que sean) ni tantas misiones secundarias de relleno. Incluso se echa en falta más trabajo en equipo y camaradería coral, que venía siendo uno de los pilares de la ficción.

Muchas secuencias clave se repiten una y otra vez resultando repetitivas y restándole impacto al desarrollo de la historia, que se hace algo aburrida. Veredicto final: necesita mejorar.

Aviso a navegantes: no es una historia de guerra al uso, porqque no se desarrolla en su mayor parte en el frente. Estamos ante un drama de despachos en el que se desarrolla una contrarreloj desde el primer instante, algo que obra en su favor porque le mete nervio a un metraje que sabe exprimir la tensión con maestría.

Nos situamos 72 horas antes del llamado Día D, fórmula utilizada por los Aliados en la Segunda Guerra Mundial para referirse al 6 de junio de 1944, momento en que se activaría la Operación Overlord, que consistía en llevar a cabo un gran desembarco en las playas de Normandía con el fin de abrir un nuevo frente en Europa Occidental y liberar a los territorios europeos ocupados por la Alemania nazi.

La complejidad logística era enorme y mayor aún la necesidad de evitar cualquier filtración de información, lo que conllevaba la retención del personal militar, el corte de comunicaciones con la población civil e interminables cálculos que pasaban por la distracción de os enemigos, con tanques inflables y el lanzamiento de dummies que simulaban ser paracaidistas y de la colocación de las tropas reales en posición. El adversario a batir iba a estar sobre sus cabezas: el tiempo.

El cine como reparación de lo que la memoria pasa por alto

Tiempo de victoria nos sitúa en un momento de alta tensión: toca decidir el momento exacto que será más propicio para el desembarco y el comandante supremo de las fuerzas aliadas, Dwight David "Ike" Eisenhower (Brendan Fraser) tiene previsto que se produzca el día 5 de junio basándose en las previsiones de su meteorólogo de confianza, Irving Krick.

Pero es una decisión tan importante que se le encarga al capitán James Stagg (Andrew Scott), jefe del servicio meteorológico británico, elaborar un pronóstico alternativo. Llega a las oficinas como un elefante a una cacharrería, imponiendo su estricta metodología y desafiando creencias arraigadas.

Unas condiciones climáticas adversas podrían arruinar la mayor invasión marítima de la historia, mientras que cualquier retraso podría suponer que los servicios de inteligencia alemanes descubran sus intenciones y echen por tierra el plan. Eisenhower deberá tomar la decisión que determine el destino de la Segunda Guerra Mundial.

Tiempo de victoria es una de esas películas bien armadas y documentadas que le aportan algo al espectador: el viaje emocional de los personajes, cuyas vidas están ficcionadas, pero también toda una serie de datos y curiosidades que hacen que el relato sea apasionante y además resuene en la actualidad. En un momento en el que, más que nunca, hay que reivindicar el método científico y a las personas que dan la cara por él, poner en su sitio a James Stagg y su labor para persuadir a Eisenhower de retrasar el Día D es de ley.

Adicionalmente, la película cuenta con unos valores de producción ajustados a las necesidades de la narración: la recreación histórica es fiel a la época y la fotografía le saca partido a luz y los planos de los cielos. Sin caer en el didactismo, la película

Las interpretaciones no van a la zaga: brilla especialmente Andrew Scott como principal protagonista pero está muy bien acompañado por Kerry Condon, Damian Lewis o Chris Messina en roles secundarios. Brendan Fraser se esfuerza, pero es difícil ver en él a Eisenhower, en gran parte por el desajuste físico respecto al personaje: Fraser es mucho más corpulento. Para lo que quiere contar la película, esto es un mal menor, pero puede ser una distracción para los más puristas.

Lo interesante es que aporta mucha información sobre un elemento que fue capital para un momento que definiría el resultado de la guerra y por tanto el orden mundial que derivó de ahí. Tan sencilo y tan complejo como la meteorología, que podría haber echado por tierra el trabajo de muchos meses de ensayos y preparaciones. Y hace justicia a los implicados, poniendo nombre y apellidos a las personas que, desde los despachos, decidieron el curso de instante crucial.

Lo que sí es impecable es el trabajo de casting. El trío protagonista está formado por Eiza González, Henry Cavill y Jake Gyllenhaal mientras que ejercen de antagonistas Rosamund Pike, Caros Bardem y Fisher Stevens. A ellos añadimos un par de caras conocidas como son el noruego Kristofer Hivju (sí, el imponente Tormund de Juego de tronos) o al irlandés Emmett J. Scanlan a quien recordaréis por su participación en series como Gangs of ondon o MobLand. Un genial plantel interpretativo que rezuma carisma.

Los amantes de la acción, probablemente la encuentren bastante escasa a pesar de la duración de la cinta, que ronda los 98 minutos de metraje. Reclama paciencia hasta su último tercio, cuando al fin llega al punto álgido... quizás demasiado tarde para retener la atención de la audiencia. La única conclusión que se puede sacar de aquí es que Ritchie cada vez rueda más proyectos, pero se implica menos en ellos o, al menos, no da la sensación de poner toda la carne en el asador, como solía hacer antes, a la hora de idear las historias.

Plan de fuga

En la zona gris nos presenta a una implacable negociadora que se la juega con elaboradas estrategias para acorralar a sus contrincantes. Ella es Rachel Wild (Eiza González), una abogada especializada en recuperar fortunas ocultas o robadas que operan en los márgenes de la legalidad, lo que se considera "la zona gris".

Cuando su mentor es asesinado al intentar cobrar una deuda de 1.000 millones de dólares a un peligroso oligarca llamado Manny Salazar (Carlos Bardem), Rachel decide ir tras el dinero por su cuenta, asumiendo un enorme grado de exposición.

Para salir indemne de tan arduas negociaciones, recluta a dos expertos en extracciones y operaciones encubiertas, Sid (Henry Cavill) y Bronco (Jake Gyllenhaal), quienes idean un plan estratégico para infiltrarse en la isla fuertemente protegida de Salazar y sacarla de allí logrando su ansiado objetivo.

Uno de los principales problemas de esta película radica en su historia, que se antoja de lo más enrevesada pero a la vez se pretende presentar de forma sencilla. Esto hace que al espectador medio le cueste entrar en el argumento, que termina aceptando por el mero espectáculo.

Por desgracia, el guión no te hace partícipe de la historia ni juega a la ambigüedad, a pesar de lo que sugiere el título. Simplemente hay que aceptar que las cosas son como son y salen como salen "porque sí". Los diálogos pretendidamente afilados se convierten en un galimatías que se acaba resolviendo a golpe de un ingenio algo inaccesible.

A la producción no le faltan medios pero encuentra un enorme escollo en un arranque y nudo repleto de explicaciones que hacen que buena parte del metraje se convierta en un terreno muy denso (demasiado denso) para lo que la película quiere contar.

Los tiros, las persecuciones y las explosiones llegan en el tramo final y pagan el cheque de confianza que le expedimos a Guy Ritchie, pero para entonces ya estamos con la lengua fuera.

En la zona gris tiene su parte disfrutona, pero hay que cruzar el desierto para alcanzarla, en pocas palabras. Por lo demás se presenta como un thriller elegante, con interpretaciones solventes y , como decíamos, todos los medios a disposición de unos personajes a los que no puedes querer ni odiar, solo desearles que sean el mal menor.

Ya se ha disculpado con los fans de los videojuegos antes del estreno por no incluir a los personajes originales, porque su cinta volará por libre para contar una historia distinta.

Pero los espectadores ya están familiarizados con este tipo de licencias debido al trabajo de Paul WS Anderson, director de la saga que encumbró a Milla Jovovich como la eterna Alice de su franquicia cinematográfica Resident Evil.

Teniendo en cuenta el bajo nivel de las adaptaciones que han visto la luz hasta la fecha, salvamos de la hoguera un par de cintas, pero no más. Las de animación CGI, que con todos sus peros y un envejecer bastante terrible estaban más próximas al espíritu de los videojuegos en tono y enfoque de los personajes y la segunda entrega de la saga de Jovovich, que al menos tenía referencias relevantes.

¿Cuáles son vuestras pelis favoritas de Resident Evil y cuáles os escocieron especialmente? ¿Hay esperanzas respecto a lo que nos traerá Zach Cregger el próximo 18 de septiembre?

Como suele decirse, "que nos quiten lo bailao", pero duele mucho que no se reconozca la calidad y la viabilidad de un proyecto tan interesante.

A regañadientes, tendremos que contarlo con un fracaso en la filmografía de Nicolas Cage pero, desde luego, no por demérito de su trabajo, puesto que nos ha entregado una fascinante interpretación en imagen real de The Spider y sobre todo del tipo tras la máscara, Ben Reilly.

Sea como fuere, el actor está curtido en mil batallas: se le ha elevado a los altares por su participación en ciertas películas tanto como se le ha defenestrado por otras. Y lo curioso es que, por una vez, todos tienen razón porque es uno de esos actores tan capaces de volar tanto como de hundirse en el fango y por tanto cuenta con una filmografía de lo más ecléctica.

Muy sonoro fue también el fracaso de aquella película de Superman que Tim Burton contempló dirigir contando con él como protagonista. Nos encantaría decir que se quitó la espinita con el breve cameo que hizo el personaje en The Flash, pero ni de lejos fue así, quedó más bien como una broma. Dijo haberse sentido confundido por el resultado final: elogió al director Andy Muschietti, pero criticó fuertemente el uso de tecnologías como la IA para rejuvenecerlo y el CGI con el que se alteró lo que él había rodado inicialmente.

A pesar de ello, admitió que le pareció satisfactorio ver finalmente al personaje en pantalla tras la cancelación de Superman Lives... porque le puede su amor por el cine y por el personaje.

No podemos decir que Cage esté pasando por un mal momento creativo en 2026 porque sigue compaginando proyectos mainstream con otros más autorales, siempre buscando sus límites y con una capacidad tremenda para reírse de sí mismo. Probablemente los peores papeles de su carrera (y sus mayores fracasos de taquilla) obedecen a su famosa crisis financiera, momento vital en el que no decía que no a nada.

Allá por el año 2009 pasó de ostentar una fortuna estimada en 150 millones de dólares a enfrentarse a una ruina económica total. Acosado por deudas masivas y el fisco estadounidense, tomó una decisión arriesgada: se negó a declararse en bancarrota y decidió aceptar casi cualquier guión que le caía en las manos.

En total filmaba entre 4 y 6 películas al año de todo pelaje, de modo que este periodo de su vida nos dejó títulos como Outcast, Left Behind, Arsenal, Primal, Between Worlds o Grand Island. Aquí os dejo un recopilatorio de las peores películas de Nicolas Cage solo apto para valientes.

La recuperación económica vino a salvarnos de seguir viéndolo desperdiciar su talento y carisma. El 2022 confirmó haber saldado sus deudas durante la promoción de la divertidísima El insoportable peso de un talento descomunal y luego irían llegando los frutos. Películas mucho más memorables como Pig, Longlegs y Dream Scenario. Quedaba atrás una época oscura en su carrera y se daba pistoletazo de salida a otra mucho más efervescente y luminosa en la que por fin discriminaría propuestas para dedicarse solo a las que le ofrecen un reto.

El humor, heredero de la tradición de Berlanga, tira de retrato de costumbres, mostrando distintos estereotipos que van a ver cómo todo se tambalea: la líder, el pelota, el veterano que acaricia con la yema de los dedos la jubilación anticipada... Todo un ecosistema muy familiar, a nuestro pesar, en el que la honestidad y valores como el trabajo en equipo parecen una chanza cuando se ponen a prueba de veras.

Que comiencen los juegos del hambre

Olga acaba de reincorporarse a su trabajo tras agotar su baja por maternidad: está llena de energía y ávida de conseguir un preciado ascenso pero las cosas no van a desarrollarse como ella desea.

Tío Mochales, su empresa, atraviesa ciertos problemas: hace años era líder en el sector del queso local, pero en la actualidad apenas consigue mantener las apariencias. La última gran idea de la directora es organizar un retiro rural obligatorio con la excusa de fomentar los valores de la compañía en el pueblo donde se fundó la firma.

No obstante, al poco de llegar, ella y sus compañeros descubren que todo era una trampa para obligarlos a competir entre ellos: se avecinan despidos y lo que prometía ser una escapada motivadora se va a convertir en una enorme piscina de barro en la que las traiciones, los rumores y las trampas sacarán lo peor de todos ellos.

Gracias, equipo es una película que aborda temas de rabiosa actualidad como la precariedad laboral, el lenguaje engañoso de los departamentos de recursos humanos y radiografía el clima empresarial cuando se enrarece a la vista de recortes de personal. Aquí no hay glamour ni grandes despachos, sino una oficina destartalada que huele a rancio y se asemeja bastante más al día da día de las pymes españolas. Especialmente acertadas e hilarantes resultan las descripciones de los trabajadores a los que se evalúa por un sistema de colores y las supuestas necesidades de una compañía en apuros para salir del fango.

Cuidado, que las críticas se lanzan en todas direcciones y hay espacio para darle caña a todo dios, siempre desde el humor: a los perfiles dañinos de currantes que se acomodan en su puesto sin más aliciente que sacar tajada, aquellos que buscan medrar a toda costa, sin escrúpulos a la hora de obtener beneficios y pisar cabezas o quienes deciden saltarse las normas a la torera, por no hablar de los que tienen cogido el puesto con los dientes y están dispuestos a vender hasta a su abuela para mantenerse en una posición de privilegio. Reciben también lo suyo los sindicalistas y los que rehúyen del sindicato como de la peste. Y de paso hay también hay una reflexión sobre cómo afecta la maternidad a la carrera profesional de las mujeres y la carga adicional que supone tener que estar permanentemente demostrando su valía... ergo hay reflexiones sobre la conciliación y la asunción de roles sociales por descontado.

La verdad es que hay momentos que podrían haber salido del lápiz de Ibáñez en los que se retrata la miseria humana con una comprensión y un recochineo muy reconocible. ¿Es la película más ingeniosa del año? Pues no, pero no es menos cierto que tiene poco de entretenimiento inofensivo y más de realidad dolorosa de lo que nos gustaría tener que admitir.

La película le saca partido al reparto, que se ajusta bastante bien a sus respectivos roles: Maribel Verdú, Alexandra Jiménez, Pedro Casablanc, Blanca Martínez y Raúl Tejón ponen en pie el núcleo duro de la historia pero Pepe Viyuela y Saturnino García asoman en un par de momentos gamberros que son memorables.

Es indudable que uno de los principales puntos de interés es reunir de nuevo a las hermanas Owens, Gillian y Sally: Nicole Kidman y Sandra Bullock parecen habérselo pasado bien en un universo ficcional en el que se sienten cómodas, de hecho, ejercen además productoras del proyecto. Pero es que el reparto también cuenta con las veteranas Stockard Channing y Dianne Wiest.

Las sorpresas vienen por los nuevos fichajes, las hijas de Sally, roles de los que se hacen cargo Maisie Williams (con un exiguo papel que no le pega demasiado) y Joey King, más presente en la cinta. Entre los nuevos intereses amorosos de las protagonistas encontramos asimismo a Lee Pace (Fundación) y a Xolo Maridueña (Blue Beetle).

La cuestión está en que el tono de Prácticamente magia 2 (como sucedía ya en la primera entrega) es muy voluble: pasa de la comedia al drama y del drama a la intriga en un abrir y cerrar de ojos. A nivel técnico, tiene todos los problemas que se puedan llegar a imaginar, desde fallos de raccord, hasta problemas de montaje, efectos especiales de baratillo y planos que no están siquiera enfocados. Ni siquiera siendo muy permisivos los espectadores pasarán por el aro con facilidad.

De vuelta a casa

¿No tienes reciente un visionado de Prácticamente magia? No te apures, porque su secuela arranca recordando el origen de la maldición de la familia Owens: las mujeres del linaje no pueden enamorarse, porque si lo hacen sus parejas están abocadas a un trágico desenlace.

Cuando enterró a su segundo marido, Sally renunció a la magia y decidió criar a sus dos hijas al margen de su poder. Antonia y Kylie son tan distintas como las propias Gillian y Sally. La primera está a punto de convertirse en una brillante doctora mientras que la segunda, además de cursar sus estudios, ha encontrado al hombre de su vida: Gideon.

Una vez que su relación alcanza un nuevo nivel, la desgracia se cierne sobre él y es víctima de un atropello que lo deja en coma. Esto propiciará que Kylie descubra la maldición y emprenda un viaje a contrarreloj al origen mismo de su familia, en Inglaterra, donde una antepasada fue quemada en la hoguera.

La finalidad última es salvar la vida de Gideon y su única pista, un misterioso libro cuya información más relevante está sellada con magia. Sally tendrá pues que "desbloquear" sus poderes para salvar a su hija y a su prometido antes de que sea demasiado tarde.

A pesar de querer ser una cinta de relevo generacional, Prácticamente magia 2 deja con ganas de ver más a las veteranas, llega algo tarde para las titulares y da la sensación de no ser capaces de "pasar el testigo" a las nuevas incorporaciones, carentes del carisma de las anteriores.

El guión va dando tumbos con serios problemas para avanzar en la medida en que no tiene demasiado que contar ni sabe con qué rellenar tanto espacio. A los diálogos les falta chispa, a la película en general empaque visual y solo justifica su existencia por la pura nostalgia que, en esta ocasión, no está a la altura.

Quizás habría encontrado cierta redención ahondando en el humor, que es el terreno en el que parecen moverse con más soltura los personajes y uno de los pocos puntos de interés de una película que por lo demás se antoja interminable. Es probable que solo le encuentren la poesía los amantes acérrimos del cine de los 90, que se sentirán de nuevo cómodos en la sala por revisitar un universo que les resulta confortable. El resto del espectro de audiencia tiene papeletas para salir escaldado del visionado.

De oönskade (Los no deseados) del escritor Rasmus Lindgren encuentra de este modo una iteración distinta pero muy interesante, sostenida en buenas interpretaciones y protegiendo el núcleo duro de la historia que, por una parte, supone una crítica bestial a la escasez de medios de la enseñanza pública (aparentemente un tema universal como han demostrado desde el humor series como Colegio Abbott o películas como Los buenos profesores, por poner otros ejemplos de tono dispar) y por otra una aproximación desde la sátira a los problemas endémicos que arrastra el exceso de proteccionismo y han conseguido que incluso maestros con vocación sean incapaces de disfrutar de su profesión, menos aún ejercerla con garantías.

Bad Apples es interesante en fondo y forma y se vale de una potente metáfora visual, la de la manzana podrida, para dejar constancia de que un solo alumno puede boicotear a toda una clase y volver loca a su maestra dejándola sin margen de maniobra para poder ejercer la enseñanza, independientemente de su vocación. Pero, asimismo, recala en otra importante cuestión: el fracaso escolar, la falta de detección de problemas graves y la tendencia del sistema a ser o bien una apisonadora o mirar hacia otro lado, sin capacidad para integrar a alumnos problemáticos.

Enseñar y aprender en el siglo XXI

María es profesora de primera en una escuela que lleva a su clase a una fábrica de sidra de excursión. Siguiendo la tónica habitual, uno de sus alumnos sobresale por su mal comportamiento y llega incluso a detener la producción. Danny es un chico violento, rebelde y caótico que le resulta cada vez más incontrolable hasta agredir a una de sus compañeras y romperle un brazo.

Viendo que es incapaz de rectificar ni de pedir siquiera disculpas, sin un solo atisbo de arrepentimiento, María opta por una decisión controvertida: decide llevárselo a casa y encerrarlo en el desván, al menos hasta que se calme.

Después los días empiezan a pasar y descubre que su clase empieza a prosperar: tiene el tiempo necesario para el resto de sus alumnos, les sacan partido a las horas de clase y toda la comunidad, padres y docentes están encantados por el nuevo clima en el aula. Esto complica sobremanera la situación de María, en constante pugna consigo misma: ¿debería confesar y liberar a Danny? ¿Qué hará si alguien más lo descubre?

Bad Apples cuenta una historia pertinente y con giros que la hacen muy interesante como reflexión pero sobre todo se apoya en muy buenas interpretaciones. Destacan las de los jóvenes Eddie Waller (Danny) y Nia Brown (Pauline) y sobre todo la de nuestra protagonista Saoirse Ronan que pasa de la desesperación a la depresión y de ahí a tomar medidas desesperadas hasta empezar a remontar y llegar a mostrarse exultante. Todo un arco dramático que la actriz afronta desde una expresiva contención, sacándole todo el jugo a esta maestra contra las cuerdas.

El guión no se corta tampoco a la hora de exponer cómo el sistema educativo tiene que absorber todo el impacto de las familias desestructuradas que pretenden que sea la escuela la que reencauce a niños desatendidos, en el mejor de los casos.

Respecto a la forma que adopta Bad Apples hay que hablar también de la destreza de Jonatan Etzler para explotar la olla a presión en que se convierte el aula así como los momentos más apacibles y satisfactorios en los que todo se desenvuelve con fluidez. La fotografía desaturada y la puesta en escena austera contribuyen a restarle al colegio su halo de idealización de la enseñanza mostrando la cruda realidad cuando hay dificultades graves y la falta de apoyo, cuando no extrema soledad, de profesores sin respaldo alguno a los que se arroja a los leones (léase padres indignados y alumnos desatados).

No se pone aquí en duda el compromiso de los docentes sino antes al contrario, la frustración derivada de no contar con las herramientas necesarias para poder maniobrar y también la de los alumnos cuya vergüenza por no poder estar al nivel mínimo les lleva a extremar su carácter conflictivo. Si yo no puedo aprender, nadie lo hará.

En suma, se vale de un humor negro muy particular para señalar problemas reales y hacernos reflexionar sobre qué clase de sociedad queremos construir a futuro.

Una puesta de largo clásica ya después de haber ido completando hitos en la dirección como directora de segunda unidad o ayudante de dirección de cuatro proyectos cortos previos.

Estamos ante una película atmosférica en la que cada pequeño detalle o gesto está medido para provocar un impacto en el espectador. Es una cinta sutil, reposada y de ritmo pausado en el que la calidez y frialdad de las estancias nos da mucha información sobre el estado de ánimo de los personajes y donde las apariciones no tienen la finalidad de ser tenebrosas sino solo la insinuación de una presencia que se hace notar igualmente por su defecto: el sabor de una receta que no se puede replicar, la costura sin rematar o el aroma que queda como rastro final en un vestido en el armario.

Hay quien hace cine y hay quien hace poesía: Aleñar combina ambas artes apoyándose en la interpretación de Zoe Stein, una musa peculiar que a sus 26 años sigue dando bien en cámara como adolescente y cuyo personaje transforma su duelo en un juego de espejos que potencialmente puede parecer malsano y abre una puerta hacia lo perturbador.

Papeles como el de Mantícora la posicionaban en un lugar similar. Algo tiene esta actriz que embelesa incluso desde el mutismo. El otro pilar de la película es el veterano Lluís Homar que explora la vulnerabilidad de su personaje con verdadera destreza.

Un verano diferente

Catalina y su hermana visitan a sus abuelos en la playa y disfrutan del sol, los paseos en kayak y del apacible paso del tiempo cocinando y haciendo escapadas. Es un verano luminoso en el que las vistas desde su casa son espectaculares.

Una noche, al volver a casa, Catalina encuentra el cadáver de su abuela tirado al pie de las escaleras y queda en estado de shock, sin saber qué hacer. Toca asimilar su ausencia, acompañar a su abuelo y recibir a su consternada madre, que tensa mucho las relaciones familiares.

Un gesto fortuito como ponerse uno de sus vestidos, será el detonante de que Catalina pase a ocupar el espacio de su abuela provocando un terremoto emocional en su entorno que, por una parte, la echa mucho de menos pero, por otra, lo siente como algo enfermizo y antinatural.

Forastera no es una película de extensos diálogos ni afectada banda sonora, sino que se mueve en el terreno de la levedad y la sutileza. Asimilamos un simple reflejo que flota por toda la casa como esa alma que se niega a retirarse para siempre por sentir que aún pertenece al lugar del que ha partido de improviso.

Lo mismo sucede con el presentimiento que aflora en un fluorescente que parpadea o en un pensamiento furtivo que nos hace teer una tragedia. Es fácil comprender la frustración de ese último postre atesorado en papel de film elaborado por unas manos que ya no están ni estarán más.

Forastera es una colección de sensaciones humanas que no son fáciles de trasladar sin palabras. Su principal valor es ser muy evocadora desde una tremenda sencillez y saber tocar teclas muy profundas sin grandes artificios.

Aquí no es necesario hacer uso de efectos especiales para hablar de fantasmas como tampoco hay necesidad alguna de hacerlo desde el temor o la angustia. Muy al contrario, la película propone un viaje interno hacia la búsqueda de la identidad y la superación de la pérdida con un duelo que no se basa en derramar lágrimas sino en recuperar la memoria. El espectador tendrá que decidir cuánto hay de sobrenatural en este proceso o si se trata simplemente de una simbiosis psicológica.

Por el camino, la directora demuestra su ingenio moviendo la cámara de manera insinuante y proponiendo breves instantes de lo que solo podemos definir como destellos de magia en los que "sentimos" que los personajes no están solos.

Hubo un tiempo en que en España hacíamos algo parecido. Ahí están Los santos inocentes, El abuelo, El perro del hortelano o La Celestina. Pero de un tiempo a esta parte hay un verdadero temor a asumir riesgos y más aún al "blockbuster de época". La razón es obvia: son producciones muy caras si se quieren hacer bien que requieren una enorme inversión para contar con un diseño acorde a los estándares actuales aunque existe siempre la posibilidad de innovar en la forma y echarle un poco más de imaginación para hacer algo más arriesgado.

Pienso ahora por ejemplo en La tragedia de Macbeth y cómo a veces menos es más si está medido al milímetro, (aunque he saltado a una producción estadounidense, valga como ejemplo de reinvención satisfactoria).

Los dos ejemplos más emblemáticos de éxito en Francia son los de Los tres mosqueteros y El conde de Montecristo que han renacido para convertirse en verdaderos blockbusters de acción en los que se conjuga la intriga política y el espectáculo visual. Es decir, que no se ha "sacrificado" su hondura ni su mensaje sino que se ha "aliñado" con aspectos que hacen esas historias estimulantes para el gran público.

Otro de los aspectos que podrían imitarse en el caso de los éxitos de la cinematografía francesa reciente, es la posibilidad de crear universos cinematográficos interconectados. La productora Pathé concibió de esta manera un verdadero ecosistema de películas que dialogan entre ellas y permiten crear la ansiada estructura episódica de "series de películas" que tienen una audiencia interesada garantizada.

En España tenemos todo un filón en el Siglo de Oro con la novela picaresca. No sería descabellado por tanto estructurar algo similar con El Buscón de Quevedo, Lazarillo de Tormes o las Novelas ejemplares de Cervantes. El propio Quijote podría ser la base para una serie de películas fascinante.

Ojo, porque también hemos disfrutado de adaptaciones excepcionales como Las ilusiones perdidas de Honoré de Balzac que casi se transformó en un thriller en 2021. Y aquí tenemos también un rico ecosistema literario que clama por una nueva vida en pantalla grande como La Regenta de Leopoldo Alas "Clarín", Fortunata y Jacinta de Galdós o Los pazos de Ulloa de Emilia Pardo Bazán.

En muchas ocasiones el gran escollo a salvar es interesar al público joven en obras clásicas. Y aquí la cinematografía francesa ha sabido hacer algo a las mil maravillas: atraer a intérpretes de altura como Pierre Niney, Eva Green, Vincent Cassel o Benjamin Voisin (que, por cierto, también protagonizó El extranjero). Y trabajar los diálogos de manera que se conserva la elegancia de los textos originales sin que resulten plomizos para las nuevas generaciones.

Finalmente, no vendría mal un poco de apoyo institucional adicional. Ya existen incentivos fiscales, pero podría crearse una línea de financiación adicional para proyectos que pongan en valor el impresionante legado literario de nuestro pasado que, como casi todo en esta vida, a veces se apreciamás fuera que dentro de nuestras fronteras.

No hay que descartar ninguna vía: ni la "glamourosa" de los festivales de cine internacionales ni la masiva de las plataformas de streaming. Cuando una obra es buena tiene muchas vidas y todas ellas van encaminadas al mismo objetivo: que la gente la vea y la disfrute.

Arrancaremos con el estreno de La bola negra el 25 de septiembre. La cinta ha sido preseleccionada para representar a España en los Óscar junto a Los domingos y El ser querido. De la nueva película de los Javis se llevan haciendo eco los medios internacionales como Variety desde hace semanas y la acogida de los académicos ha sido muy cálida confirmando que será uno de los títulos de los que más se hablará de forma inminente.

Mucho ojo a Penélope Cruz, cuyo papel en la película ha sido muy alabado, porque hace doblete con La invitación, de estreno el 16 de octubre. El remake estadounidense de Sentimental, de Cesc Gay, que adaptaba a su vez la obra de teatro Los vecinos de arriba le da a la actriz un papel sensacional que desarrolla con verdadero talento y saber hacer.

Seguimos hablando de cintas favoritas en la temporada de galardones porque la nueva película del estudio Laika, Wildwood, vendrá pisando fuerte el 23 de octubre. La trabajosa técnica de la animación en stop-motion es el motor de una adaptación literaria muy esperada en la que se ha estado trabajando sin descanso durante cinco años. Si se confirma la duración de 140 minutos estaremos ante la película más larga en este particular formato.

Es difícil destacar solo dos cintas más, pero completaremos el quinteto con Clayface, que competirá con la anterior el 23 de octubre y Godzilla Minus Zero, que verá la luz el 6 de noviembre.

En el primer caso vamos a ver desarrollado a uno de los principales antagonistas de Batman, protagonista de un episodio doble de Batman: La serie animada que está entre los más celebrados. Pero su importancia no radica solo en su desempeño por sí misma sino en el cambio de tercio temático, dado que abordará el terror corporal que tan de moda está y tiene una función estratégica de redefinir el futuro del Universo DC de James Gunn después del fracaso estrepitoso de Supergirl.

Godzilla: Minus Zero tendrá por delante el reto de recompensar a quienes gozamos de Godzilla: Minus One. La esperadísima secuela retomará la historia con un salto temporal de dos años hacia el futuro y se consolidará como la película más larga de la saga dedicada al kaiju.

Hemos escogido las cinco películas más interesantes que se estrenarán en otoño, pero hay muchas más que reclamarán nuestra atención: Digger, El precio de la red, El hombre que desafió al rey, Hope o Los juegos del hambre: Amanecer en la cosecha se sumarán a una jugosa oferta comercial con opciones para todos los públicos. Así es un gusto "la vuelta al cole". Y ojo, que a fin de año tendremos desenvainando las espadas los dos grandes títulos de final de año: Vengadores: Doomsday y Dune Parte Tres.

Ya comentamos a propósito de la primera temporada que se percibía como un producto menor respecto a la película. Ahora podemos asegurar que la línea es continuista en este sentido: no estamos ante el mejor Guy Ritchie.

Sin embargo, ya nos hemos familiarizado con la galería de personajes y con el tono de la serie, que en esta ocasión apunta más alto, casi a hermanarse con El padrino y a abrazar el juego de contrastes entre los lujos, privilegios y supuesto acervo de la aristocracia y las familias de gánsteres, sicarios y personajes arribistas que amenazan con su caos el aparente orden que los primeros proponen... siempre a beneficio de sus abultados bolsillos.

Lo primero que hay que señalar es que la historia da muchas vueltas y a veces se recrea demasiado en subtramas que no van a ninguna parte.

A este director venía acompañándole un sello autoral caracterizado por la mezcla de humor negro, diálogos elocuentes y secuencias de acción estilizadas pero, de un tiempo a esta parte, le cuesta encontrar el balance entre estos ingredientes y ofrece cada vez menos de lo que nos gusta. Es decir que se recrea en el envoltorio pero mengua lo que mete dentro de él. A la serie The Gentlemen le falta algo de garra, que no violencia.

Por otra parte, recala en los mismos problemas que ya vimos en la primera temporada: los personajes son bastante ásperos y al protagonista, Theo James, le falta registro interpretativo. Da el tipo, sin lugar a dudas, y cumple tanto en el apartado de la acción como en el del estilismo, parte fundamental para un personaje adinerado y engreído como es el duque, pero su arco de evolución es la piedra de toque de toda la temporada y no alcanza a mostrar todo el rango de emociones que son necesarias para generar una respuesta empática en la audiencia.

Le falta carisma, no proyecta y se lo siguen comiendo con patatas otros intérpretes que tiene a su alrededor, desde Kaya Scodelario hasta Ray Winstone.

Por lo demás la segunda temporada de The Gentlemen se detiene bastante en las vidas sentimentales de los protagonistas y se recrea en tensiones sexuales no resueltas a la par que estira una relación cuyo final es muy fácil adivinar. El factor sorpresa juega en contra de una temporada que se percibe de bisagra y que, de alguna forma, se las apaña para dar un rodeo gigantesco para dejarnos en la rampa de salida de nuevo. Para eso aparta a uno de los personajes principales del foco dejándolo casi en el olvido para retomarlo al final.

En fin, a pesar de las muchas pegas que se le pueden poner a la serie, la puesta en escena sigue siendo impecable. Pocas pegas se le pueden poner al montaje y al trabajo del director en sí mismo.

En verdad lo que más chirría es el guión en sí mismo, el diseño de los personajes, la cantidad de relleno de la historia y ciertos clichés que se cuelan incluso en los diálogos, a los que les falta chispa.

La sofisticación enfrentada al mundo criminal hace tiempo que dejó de ser original y definitivamente la serie sufre para mantener el interés en los personajes, que ni son tan verosímiles como para despertar una reflexión sobre la realidad ni tan fascinantes como para sustentar los soliloquios delirantes del personaje de Giancarlo Esposito.

Esta comedia de origen canadiense escrita y dirigida por John Francis Daley (Dungeons & Dragons) y Jonathan Goldstein (Noche de juegos) aterriza en la plataforma de streaming Apple TV mañana 4 de septiembre y lo hace tirando de un particular sentido del humor y de una chanza constante de Top Gun. Pero ojo, es una comedia de altos vuelos, rodada con presupuesto y cierto nivel de ambición en lo relativo a efectos especiales y diseño de producción.

El resultado es un producto muy digno que no es el colmo de la originalidad pero procura 110 minutos de sana distracción. Destaca por las enérgicas coreografías de acción (con alguna secuencia rodada en reversa incluso, que consigue "movimientos imposibles" que desafían a la lógica), implacables persecuciones y un sentido del espectáculo bien depurado que da sus frutos.

Dos hombres y un destino

El protagonista de Mayday es Troy Kelly, conocido popularmente como "Assassin", un teniente de la marina estadounidense algo temerario pero también muy eficiente, siempre dispuesto a ayudar a sus compañeros, por imposible que parezca la misión que tiene por delante.

Después de demostrar su heroísmo realizando una maniobra muy arriesgada, es seleccionado para llevar a cabo una delicada misión secreta en territorio ruso. Nos situamos cronológicamente a finales de los 80, en plena Guerra Fría, de modo que no es pan comido y los riesgos son muy altos.

Para su desgracia, queda atrapado en las líneas enemigas, lo que parece su final. Sin embargo tendrá la suerte de conocer a Nikolai Ustinov, un rudo exagente de la KGB enamorado de la cultura estadounidense con el que creará una inesperada alianza que será su última esperanza para salir vivo de allí.

Mayday parte de una idea divertida que es cachondearse de los tópicos de Top Gun, algo que han hecho ya cientos de series y películas desde Los Simpson hasta Hot Shots! pero aquí la idea no es llevar la propuesta hasta el extremo del humor absurdo sino utilizar esos cimientos para construir un thriller de acción en clave de buddy movie. Aquí opera el juego de contrastes con la colaboración inédita de un marine estadounidense y un exagente de la KGB que se echan un pulso el uno al otro.

En una película de estas características es esencial que funcionen dos cosas: la química entre los protagonistas y la fluidez de la acción. A la habitual verborrea de Ryan Reynolds le sienta muy bien la parca interpretación de un Kenneth Branagh que sigue en forma y rezumando carisma así que la película cumple con ese primer requisito de maravilla. Hasta se podría decir que en más de una ocasión le roba protagonismo al Reynolds.

Pero es que además Mayday hace que luzcan sus 150 millones de presupuesto, bien invertidos en persecuciones trepidantes, secuencias de vuelo y peleas cara a cara que no suenan a más de lo mismo.

Los aficionados al cine de acción van a encontrar aquí varios momentos en los que regocijarse e incluso dar marcha atrás para volver a disfrutar de ellos. La acción es ágil, ingeniosa, muy física y cuenta con un equipo de especialistas de primera línea, de modo tal que supone un gran disfrute.

Menos inspirada y original resulta la trama que, para sorpresa de nadie, a pesar de tener algún impás puntual de crítica social pronto se decanta por el habitual panfleto en un tono muy amable hacia los Estados Unidos.

Si como espectador consigues quitar el foco de esta cuestión, es una película bastante disfrutona, simpática y entretenida. Tres razones que la habrían hecho lo suficientemente atractiva como para llegar al circuito de las salas comerciales y no habría sido difícil que destacara si tenemos en cuenta la delgada oferta después de la oleada de blockbusters veraniegos.

En la concepción de la historia, basada en un relato del propio director, hay un puñado de referencias que se captan al primer parpadeo: desde ¿Quién puede matar a un niño? del maestro Chicho Ibáñez Serrador hasta clásicos del terror como Los pájaros o éxitos recientes que incluyen a Black Phone y hasta a Weapons . Incluso se puede ver en ella una tibia émula de Terrifier.

¿Aporta algo nuevo, sorprendente o memorable? Rotundamente no. Si vas a verla al cine, que sea por las risas y te que aproveche mientras dure.

Sirope de sangre y toppings de vísceras

Apenas quedan tres días lectivos para que arranquen de forma oficial las vacaciones de verano en un idílico pueblecito en el que cada cual está haciendo sus planes: los adolescentes hacer pellas, los abusones pegar palizas y los demás tratar de sobrevivir acelerando las pedaladas en sus bicicletas.

En este contexto conocemos al joven Jared, un muchacho con intolerancia a la lactosa que es el único que se queda sin probar los deliciosos helados de una furgoneta ambulante que llega con muchos y exóticos sabores y un heladero que, valga la redundancia, le hiela la sangre.

A medida que sus amigos y compañeros los prueban, comienzan a manifestar un comportamiento extraño, como si fueran víctimas de un sortilegio: se obsesionan con una serie de dibujos protagonizada por la mascota de la empresa de helados y una pegadiza cancioncilla que precede a una verdadera masacre. Solo un pequeño grupo de supervivientes parecen quedar libres del embrujo y tendrán que buscar la manera de revertirlo aunque para ello tendrán que indagar en el pasado del pueblo y destapar un desgraciado episodio de la historia local.

Dulce sabor a muerte (menos obvia en su título original Ice Cream Man) podría funcionar mejor como corto o bien como película de terror si se le hubiera echado un poco de cariño. Es, de hecho, un punto de partida clásico ya la de la figura del adulto que capta y pervierte a los menores para aprovecharse de ellos y/o someterlos al imperio del mal. Tampoco es que la figura del "heladero asesino" sea nueva: se ha explotado en películas y videojuegos previos y cuenta con el encanto de mezclar lo infantil con el humor negro y la perversión de la violencia descarnada.

Desgraciadamente, en su tramo final la película se resiente por el abuso de la redundancia (hay un límite a la tolerancia al oxímoron de la purpurina asesina) y por una serie de explicaciones y sobreexplicaciones menos lúdicas de lo preceptivo.

Dulce sabor a muerte tiene su gracia, qué duda cabe, y hay formas de morir ingeniosas, sorprendentes y brutales que te sacan una carcajada puntual, pero a la película le falta hondura (y presupuesto) para provocar escalofríos y también ideas genuinas que lleven la trama a algún sitio. Para el momento en el que salen los créditos finales ya queda claro que la trama se había agotado bastantes minutos atrás.

Hay otros dos defectos importantes en esta producción: que van desde la precaria puesta en escena hasta las interpretaciones no profesionales de muchos de los niños que aparecen en pantalla sin pasar por alto algunas decisiones creativas como tirar de una IA muy cantosa en momentos puntuales como la de la avalancha infantil desde el columpio.

Y es una pena porque uno de los valores que parecía estar en el origen del proyecto era el uso de maquillaje, protésicos y efectos especiales manuales, de carácter artesanal. Obviamente no juega en la liga del realismo extremo, pero hay algunas secuencias muy meritorias (la decapitación, por ejemplo) que no necesitan para nada el recurso de la IA que en lugar de sumar, le resta valor a la película.

Se emplea algo mejor en secuencias animadas que se inspiran en películas de animación de los años 20 y compiten en macabro sentido del humor con Rasca y Pica así como en la creación de los créditos finales, con diseños de logotipos curiosos, si bien es decepcionante haber descubierto que las declaraciones iniciales del creador de que eran producto de su trabajo y el de diseñadores profesionales, no fueron del todo ciertas. Si al menos hubiera valido la pena el viaje...

Y no lo hace desde un modo amable como el de la serie El pueblo sino que deja completamente al margen al humor para desarrollar una historia en la que se muestra la importancia de los lazos de dependencia entre los individuos entre los que hay una suerte de mentalidad de colmena con un líder y un grupo en el cual cada uno tiene unas funciones muy bien delimitadas.

Es una obra de ficción pero a la que le preocupa el factor antropológico de modo que se retratan usos y costumbres, algo que permea la banda sonora y la puesta en escena de la película. También se deja notar a nivel argumental en la medida en que los personajes están "atrapados" sin la posibilidad de relacionarse con el exterior con libertad y con un estricto control de sus comunicaciones.

Reparto coral, atmósfera asfixiante y una historia que no te lo da todo mascado sino que te invita a recomponer el pasado de los protagonistas para hacerte una idea de cuál es su presente.

El bien común

Nos desplazamos a una aldea aislada de la Comunidad Valenciana en la que un grupo de personas vive de manera voluntaria y autónoma. Se trata de un asentamiento autosostenible en el que cada miembro tiene unas funciones bien definidas de tal manera que todos son imprescindibles para mantener el equilibrio.

Sin embargo, alguien ha querido boicotear la comunidad matando a un cordero y arrojándolo al aljibe del que se extrae agua potable. La contaminación les obliga a desechar esta forma de obtener agua, teniendo que desplazarse varios kilómetros hasta el río para obtenerla.

La solución es reclutar a Lluc, un ingeniero de caminos que se encuentra en horas bajas y accede a pasar allí unos meses hasta canalizar el agua del río hasta una fuente en el pueblo. Lo que en principio le parece una suerte de paraíso terrenal formado por individuos que se apoyan unos en otros por un bien común, pronto se torna una realidad muy distinta con abusos de poder y una malsana relación entre los distintos integrantes de una comunidad podrida. La pregunta es: ¿conseguirá salir de ella? ¿A qué precio?

En un mundo hiperconectado en el que estamos tan pendientes de la realidad como del plano digital en el que gestionamos nuestra reputación y cultivamos nuestras relaciones sociales, se nos propone hablar de la convivencia en su estrato más primigenio, restando de la ecuación al móvil y todo lo que trae consigo: redes sociales, medios de comunicación, respuestas fáciles obtenidas mediante IA...

Enjambre nos habla de "echarse al monte" dejando de lado las comodidades y garantías de la civilización: no hay hospital, no hay policía, no hay más que un grupo de personas que se dotan a sí mismas de unas normas para tratar de salir adelante. Es una versión utópica de la existencia que solo puede funcionar a base de la renuncia individual y un gran espíritu de sacrificio pero que parece también conllevar los mismos problemas que el "sistema" pero a pequeña escala.

La película se desarrolla mediante una mirada externa de un testigo que ingresa por propia voluntad y con un fin determinado o, lo que es lo mismo, una visita con fecha de expiración. Hasta que se enreda en el enjambre y empieza a tejer sus propias relaciones. Buenas interpretaciones, por cierto, encabezadas por Pablo Molinero y Cristina Fernández Pintado pero entre las que también destacan las de Pablo Derqui, Gloria March o Jordi Aguilar.

El debate está servido: bajo la trama principal que sigue la historia del protagonista, está el sustrato más interesante que nos invita a la reflexión sobre el poder y la libertad individual, el papel protector (que no paternalista) del Estado que debería defendernos de los abusos y promover la igualdad social y, sobre todo, la forma en la que nos hemos ido separando de la naturaleza hasta encontrarla casi como una extraña en nuestras vidas.

Toda una serie de cuestiones muy interesantes y pertinentes que enriquecen la historia y pueden llegar a ser incluso más interesantes que la resolución misma de la aventura. Lo mismo Enjambre tiene también alma de documental, sobre el que se ha superpuesto la capa del thriller casi como excusa para existir....

Hemos tenido películas de terror muy potentes, ciencia ficción de la mano de Spielberg en El día de la revelación, el apocalipsis de Ridley Scott en La constelación el perro, películas de animación que han funcionado como un tiro como Toy Story 5 o Minions y Monsters... En fin, un lujo de verano.

Especial mención a la barbaridad de pasta que ha amasado Spider-Man: Brand New Day entrando en el selecto club de producciones que han superado los 2.000 millones de recaudación a nivel mundial y el mayor éxito hasta la fecha para Sony Pictures. Y, por supuesto a La Odisea de Nolan, que roza los 1.500 y ha aupado al director al top 3 de los más taquilleros de todos los tiempos, solo por debajo de Steven Spielberg y James Cameron.

Y esto está lejos de terminar... de aquí a las Navidades nos esperan no pocas sorpresas pero todas ellas desembocarán en un duelo comercial bestial: el de la tercera entrega de Dune y Vengadores: Doomsday. Ambas películas esperan alcanzar grandes hitos de taquilla y tienen por delante colmar las ambiciones de sus creadores.

Por una parte Dune: Parte Tres ha de hacer justicia a El Mesías de Dune y por otra parte espera recibir muchísima más atención en el circuito de los galardones donde las dos anteriores no se han visto tan recompensadas como era de esperar. ¿Estamos ante un fenómeno similar al de El señor de los anillos? Esperemos que sí.

Los hermanos Russo han recibido un buen balón de oxígeno con la cálida acogida de la última aventura de Spidey pero se traen entre manos un mash-up que da vértigo: Vengadores, X-Men, Los 4 Fantásticos, los wakandianos... y el dr. Doom encarnado por un Robert Downey Jr. que pasa de ser el héroe más amado al villano más odiado. Es un circo de muchas pistas que hace que se tema por el equilibrio y la estructura narrativa.

El primer lance, el de la exclusividad de las salas IMAX en Estados Unidos, ha dado por vencedor a Villeneuve. Pero Disney no ha tardado en responder con la creación de su sello de certificación premium llamado Infinity Vision.

Solo podemos esperar para ver cómo se desarrolla la venta anticipada de entradas en la que ambas parecen estar arrasando y, por supuesto, para comprobar el desempeño final de dos de los títulos más esperados del año. ¡Qué Navidades más fabulosas nos esperan!

Esta lección se la tiene bien aprendida el británico Jason Statham que a lo largo de los últimos años parece estar sólidamente establecido en el panorama audiovisual con papeles intercambiables entre sí. Suele dar vida a tipos fuera de la ley pero de conducta irreprochable que utilizan sus habilidades para proteger a los débiles. ¿Es un cliché? Desde luego que sí, pero funciona y lo tiene muy claro porque invierte en los proyectos en los que participa.

Amén de que vivimos un claro relevo generacional, con muchas estrellas retiradas o en declive: hay un nicho claro de audiencia que sigue demandando tipos duros arreglando el mundo a golpes.

Para ser honesta, me gusta más la combinación de la acción con otros elementos como el humor, de ahí que disfrute tanto de sagas como la de John Wick con un rico imaginario propio y más aún si es un humor un poco absurdo o estrambótico, de ahí que la líder indiscutible de mi lista de pelis favoritas de Jason Statham sea Snatch, cerdos y diamantes, dirigida por Guy Ritchie en el año 2000.

Es una de esas películas irrepetibles que cruza la comedia criminal con un reparto genial y bastante mala uva. Su otra gran virtud es tener al Ritchie primigenio a los mandos, cuando le imprimía a sus narraciones un ritmo frenético gracias a un montaje sobresaliente y constante juego con el espectador cómplice.

Un par de años después, en 2002 llegaría el título que lo consolidaría como héroe de acción... y ya no ha vuelto a quitarse la capa. Hablamos de Transporter. Verlo rompiendo las reglas autoimpuestas y en persecuciones repletas de velocidad colmaba un menú bien apetitoso.

Llegarían después algunas más bastante memorables como The Italian Job o Crank: Veneno en la sangre en la que se seguirían explotando sus destrezas pero la que más me sorprendió fue Espías, ya en 2015, quizás por hacerlo salir de su área de confort. Abrazaba aquí la comedia con una divertidísima Melissa McCarthy en una parodia del género descacharrante... buen trabajo el de Paul Feig sacándole partido en un género diferente, aunque parece obvio que no ha querido seguir por ahí.

La saga Megalodón intentó arrastrarlo de nuevo a las aguas de la comedia ligera de tono distendido y autoconsciente, pero él parece más cómodo con una pistola en la mano ajustando cuentas con fuertes dosis de violencia. A él le sale rentable y a nosotros nos gusta, así que no le vamos a poner demasiadas pegas... si acaso una: que no tema añadirle novedades al cóctel.

Tenemos aquí a pesos pesados como Robert De Niro o Michael Keaton pero también al actor de moda Adam Scott (Separación, Hokum), a Michelle Monaghan o a Owen Teague a quien veremos en Life Is Strange.

El punto de partida, por tanto, no puede ser más apetecible, si bien también puede herir sensibilidades: estamos ante un relato que aborda la pederastia, el asesinato de niños y es bastante retorcida en general, contando con algunas imágenes de alto impacto como cadáveres y cautiverios forzosos.

Arranca in media res, con la policía peinando una zona boscosa en la que se halla un cadáver, así que la rueda no tarda en girar y a partir de ahí entramos en un tren de la bruja repleto de revelaciones y giros de guión.

La historia se repite

Susurran tu nombre nos presenta a la familia Kennedy: Tom y su hijo Jake se mudan a la ciudad en la que pasó su infancia su esposa, recientemente fallecida. Es donde reside además su padre, un expolicía que lleva veinte años retirado y con quien no tienen ninguna relación.

Peter Willis fue el encargado de atrapar y meter entre rejas a Frank Carter conocido popularmente como The Whisper Man. Su modus operandi, muy inquietante, consistía en cortejar a niños que se sentían solos o tenían malas relaciones con sus padres para convencerlos de abandonar su hogar. Ya en cautiverio, grababa cintas en las que confesaban cómo se sentían que hacía llegar a sus familias poco antes de abusar de ellos y matarlos, ocultando siempre sus rostros.

Cuando Jake desaparece en extrañas circunstancias, Tom no tiene más remedio que contactar con su padre. Las desapariciones de niños vuelven a repetirse pero, con el principal sospechoso atrapado, solo puede tratarse de un cómplice o un imitador. Arranca una contrarreloj por encontrar al pequeño y destapar la identidad de su captor.

Susurran tu nombre es, en su corazón, un drama acerca de las relaciones paternofiliales rotas y/o retorcidas por diversas razones. Una llamada de atención de que los monstruos que acechan se alimentan de esos lazos disfuncionales que llegan a tal extremo que pueden desembocar en un abandono voluntario del hogar.

El problema de la película no es que no sepa lo que quiere contar sino que resulta bastante tramposa en su desarrollo y pierde muy pronto su verosimilitud: son demasiadas coincidencias y hay que hacerle muchas concesiones a la ficción para cuadrar las piezas del puzle. Esto llama la atención si tenemos en cuenta que el propio Alex North ha formado parte del equipo de guionistas de la película: por qué ha prescindido de la lógica más básica en ciertos momentos, escapa a la comprensión.

Por otra parte, Susurran tu nombre no se decide en el tono que quiere adoptar: a veces quiere ser una película de terror (y ahí había potencial, se nota que a Ashcroft le interesa y se percibe cierta influencia de películas como Black Phone), a veces se decanta por el thriller policial (endeble) y donde mejor funciona o al menos consigue poner los pelos de punta es en el apartado del drama familiar y el crimen psicopático. La resolución es... horrible, en pocas palabras.

También flojean dos apartados primordiales en una cinta de estas características: la banda sonora, a veces demasiado ausente y otras sin fuerza alguna y un montaje más fluido. Los cortes son abruptos, los cambios de escenario también y aunque puntualmente se haga uso de un montaje paralelo para crear expectación, al relato le falta soltura.

El principal escollo en cualquier caso, es que llega a su punto álgido dejando muchos cabos sueltos. Es chocante por su nivel de brutalidad, pero no termina de ofrecer explicaciones que encajen.

Mide bastante bien los tiempos para cultivar la curiosidad de los espectadores y, aunque tarda en llegar al meollo de la cuestión (por evidentes carencias presupuestarias que también se plasman en unos efectos digitales bastante modestos), termina mojándose. No tiene la resolución más original del mundo y hasta roza la comedia involuntaria, con una mala digestión de clásicos de culto de terror y ciencia ficción, pero también es verdad que te mantiene alerta todo el tiempo y que se pasa volando, valga el juego de palabras.

El mérito inicial es de los hermanos Duffer, creadores de Stranger Things, cuyo cortometraje The Vessel ha sido el punto de partida para la creación de esta cinta cuyo guión final es obra de Stephen Susco (Do Not Enter).

Tormentas de colores y fenómenos inexplicables

Black Box tiene una estructura circular: arranca con el clásico "metraje encontrado" de una grabación en la que un hombre está a punto de hacer una gran revelación y de ahí saltamos al pasado para ver cómo ha llegado hasta ese momento. Él es Jeremy, un doctor viudo que está a punto de embarcarse en el Vuelo 298 que cubre la ruta de Nueva Orleans a Seattle. Se desplaza, precisamente, con el cadáver de su esposa en la bodega, atormentado por recuerdos dolorosos y en pleno duelo. Aunque pronto todo eso será la menor de sus preocupaciones.

A bordo viajan también una madre y su hija, un molesto tipo en primera clase que se comporta como un niño malcriado y un anciano que al poco de iniciar el viaje empieza a encontrarse mal. Por desgracia, lo que tiene parece contagioso porque pronto otros pasajeros y parte de la tripulación empieza a experimentar un sangrado inusual, dolores de cabeza y otros síntomas preocupantes.

Además una tormenta eléctrica gigantesca parece surgir de la nada restándole visión a los pilotos y desencadenando una serie de fenómenos extraños: luces de colores, zarandeos y sacudidas. ¿Está siendo el pasaje presa de una alucinación colectiva o están siendo asediados por fuerzas que no pueden comprender?

¿Quién está al timón? Black Box ha sido dirigida por el poco prolífico Steven Quale, responsable de películas como Destino final 5 o En el ojo de la tormenta. El resultado es una película funcional, que entra fácil por los ojos, aunque no tiene en verdad ningún ingrediente que la haga memorable a medio plazo.

Sí que escuece un poco la sensación de que había ideas de las que tenían potencial para helarle la sangre a la audiencia, más allá del respingo de turno por la clásica imagen de alto impacto con trallazo de sonido, pero termina transitando por la senda de tantas otras películas ya vistas de temática similar.

Por el camino, como decíamos, entretiene, te mantiene en tensión pero no consigue resolver con solvencia. De largo el final es lo que peor funciona de una cinta pasable que no le va a cambiar a nadie la vida, pero desde luego despierta curiosidad.

Se agradece que los intérpretes se lo tomen bastante en serio, sobre todo el protagonista, Tom Brittney, a quien veremos próximamente también en Fall 2: Deadpoint. Pulula por aquí también la joven Molly Belle Wright, especialista ya en catástrofes aéreas a la que hemos visto en la reciente (y también muy veraniega) En mar abierto. Esperemos que la chiquilla no le coja miedo a volar... La audiencia desde luego, no creo que salga del cine con excesivos agobios porque la verosimilitud se pierde muy pronto para abrazar el relato de supervivencia extrema con el plus del componente claustrofóbico de estar confinados en un avión. La idea está bastante trillada, ojalá el guión no se olvidara de algunos cabos sueltos y la producción hubiera contado con más medios. Habría tenido más ocasiones de destacar.

En primer lugar hay que alabar la valentía del octogenario director que sigue en plena forma, porque la historia sigue en su mayor parte el torrente de pensamiento del protagonista. Y esto no ha tratado de replicarse a través de una voz de off, que podría haber sido un recurso facilón, sino a través de puro lenguaje cinematográfico (y añadiendo más acción y diálogos, claro está). Tanto la preciosa banda sonora de la película como los paseos en avioneta, nos dan información clave de cómo se siente el protagonista: esperanzado, sobrepasado, expectante... Seguimos su viaje compartiendo sus sensaciones.

Lo mejor del asunto es que a pesar de los cambios, el corazón de la novela está intacto: los arcos emocionales de los personajes, la profunda humanidad que destila el texto, la forma en la que defiende que se preserve la civilización incluso cuando todo se viene abajo...

Después del desastre

Bangley, Hig y su perro Jasper salen adelante en un aeropuerto abandonado en Erie, Colorado, después de que una epidemia haya esquilmado masivamente a la población. El primero es un experto en armas y supervivencia obsesionado con mantener limpio el perímetro mientras que el segundo se encarga de llevar suministros a la base, pilotando para ello una vieja avioneta en la que carga tanto como puede.

A priori tienen todo lo que pueden necesitar: víveres, electricidad, agua y comida suficientes como para vivir despreocupados. Sin embargo, periódicamente reciben la visita de asaltantes violentos a los que Bangley abate con su arsenal de armas.

Para Hig, obsesionado con el recuerdo de su esposa, esto no es vivir sino subsistir reaccionando a las amenazas, de modo que decide poner rumbo a Grand Junction, el lugar del que procede una señal de radio que lleva años detectando. Es el momento de descubrir si hay algo más allá de Erie para él y de saber si queda un reducto de humanidad en un mundo devastado.

Lo que hace especial la novela (cuya lectura os recomiendo encarecidamente) y también la película es su sensibilidad a la hora de abordar cómo se siente el personaje principal. En ciertos momentos se podría decir que La constelación del perro destila poesía y que tanto su relación con sus recuerdos como con la naturaleza, el arte o los vestigios de lo que pudo llamar en el pasado felicidad componen un retrato de ese fuego interior que quería preservar el padre al que interpretaba Viggo Mortensen en La carretera.

En cierto modo ambos relatos comparten muchos elementos, pero estamos ante una película terca en señalar que aún queda bondad, belleza y esperanza a pesar de la desolación impuesta por la enfermedad y la escasez de recursos.

Mención especial para el espectacular casting de La constelación del perro en el que brillan con luz propia tanto el grandullón Jacob Elordi que tan bien casa con "Big Hig" como el carismático Bangley al que da vida Josh Brolin. Menos oportunidades tienen de sobresalir Guy Pearce, Margaret Qualley o Benedict Wong, a pesar de parecer cómodos con sus personajes.

Definitivamente a Allison Janney no la vimos venir (es todo un sorpresón), en un papel creado ex profeso para la película para uno de sus segmentos más esperpénticos y alejados de la novela que casi nos traslada al universo de Blade Runner en un abrir y cerrar de ojos. ¿Le hacía falta a la historia? La verdad es que no, pero ¡qué demonios!, es un giro que le aporta un toque de color muy particular. No es la única excentricidad porque los ataques de los carroñeros, una suerte de tribu de fanáticos destructivos nos pueden desplazar casi al nuevo universo de 28 años después de Danny Boyle. Bestial cómo está rodado el asalto nocturno con cámara térmica y un aspecto visual muy comiquero.

Pero, recapitulemos, lo que nos ata a la historia son los personajes y es fácil enamorarse de ellos y acompañarlos hasta el final.

Hablamos hoy de esta cuarta entrega en formato de largometraje, que es la más satisfactoria hasta la fecha gracias a un sentido del humor algo más depurado, una historia enternecedora que emociona mucho más que las anteriores y un diseño de los personajes muy acertado.

De alguna manera da la sensación de que busca menos la aprobación internacional (esos galones ya los tenía ganados puesto que el personaje ha tenido una proyección muy amplia) y se centra más en la historia en sí y en la construcción de los personajes. El resultado es una mejora notable en todos los aspectos y por tanto da pie a una grata experiencia de visionado.

Tadeo madura y viaja en el tiempo

Tadeo, Sara, Oli y Momia forman una curiosa familia, aunque la llegada de la pequeña haya desplazado a Momia y lo lleve francamente mal.

Mientras están de vacaciones en Londres, siguen la pista de un objeto único como es la lámpara maravillosa de Las mil y una noches dentro de la cual vive encerrada una genia que concede tres deseos a aquel que la frote y la haga emerger de su escondite.

Cuando Momia pide, en un ataque de celos, regresar al pasado para revivir la época en que era joven y adorado por todos, desata también un problema temporal: Tadeo y Sara tienen que evitar que Momia cambie el curso de la Historia y llevarlos a todos de vuelta a su época intactos. Pero ésta no será una tarea fácil y pondrá a prueba el espíritu de sacrificio de todos ellos.

El regustillo cinéfilo de Tadeo Jones queda más patente que nunca con una introducción que enlaza con las producciones que Alfred Hitchcock presentaba con su plano de perfil, parodiado por Belzoni, pero también cuenta con un festival de referencias que nos llevan de Mad Max a Regreso al futuro pasando por Titanic y Parque Jurásico o, por supuesto, Aladdin.

El objeto mágico, la lámpara maravillosa, dará pie no solo a toda la aventura como claro motor del conflicto principal, sino también a apariciones estelares como la de un Cristóbal Colón muy especial que cuenta con la voz de Carlos Latre en el doblaje (y que hace doblete, por cierto, al hacerse cargo de un Belzoni que aparcará los letreros para hablar por primera vez). De la genia de la lámpara se hace cargo, con muchísimo sentido del humor, la gran Petra Martínez, uno de los mayores aciertos de una película que conjuga muy bien los elementos que pueden hacer gracia a los peques y otros destinados a un público más maduro.

Aunque el mix de arqueología, datos históricos y fantasía sea a veces un verdadero gazpacho, Tadeo Jones y la lámpara maravillosa consigue superar un hito introduciendo algunos aspectos que a día de hoy nos preocupan e incomodan como el intrusismo de la tecnología o la amenaza de la IA como suplantadora de las habilidades humanas, sin descuidar el humor ni hacer trastabillar el arco narrativo principal.

La excusa es un viaje en el tiempo de consecuencias tremendas, pero el corazón lo ponen los lazos de amor y amistad que unen a los personajes y los hacen inseparables, por más que se interponga entre ellos el paso de tiempo. Atentos a los créditos finales, que también tienen su miga.

Enrique Gato demuestra con esta película su infinito amor por un personaje con el que lleva conviviendo más de dos décadas y que se ha convertido en el más fiel de sus compañeros. Los guionistas Manuel Burque y Josep Gatell refinan la fórmula y consiguen que las referencias patrias convivan con mayor armonía con el espíritu de aventura de una película que lo tiene todo para triunfar en esta recta final del verano.

Si comparten algo más es la entrega absoluta de sus respectivos repartos a las visiones de sus directores, materia de interés para ambas películas en la medida en que los protagonistas son, asimismo, directores de cine que pasan la realidad por el tamiz de la ficción. Y hasta ahí las concomitancias: ni el trasfondo, ni la forma, ni el tono o las implicaciones emocionales se parecen en absoluto.

Rodrigo Sorogoyen, experto en crear escenas de alta tensión, se desmarca con una película muy amarga, compuesta por desencuentros, silencios densos, miradas no correspondidas y conversaciones vagas que al espectador le toca recomponer como un puzle para hacerse su propia composición de lugar.

Con estos mimbres ya se apreciará que estamos ante una película difícil en la que es tan importante lo que se dice como lo que se calla, que exige atención constante y pone el foco principalmente en los dos personajes principales interpretados con maestría por Javier Bardem y Victoria Luengo.

Debajo de todas las máscaras

Esteban Martínez es un exitoso director de cine con dos premios Óscar y una larga carrera dedicada a su pasión por filmar. Con el paso del tiempo se ha convertido en una leyenda no solo por su talento en el set de rodaje sino también por un pasado marcado por la violencia y los excesos.

Su nuevo proyecto, una historia de amor y traición en el Sáhara colonial de 1932, le lleva a contactar con su hija, una joven actriz de la que lleva alejado más de una década. Su primer encuentro es algo tenso: ella no sabe qué contestar a su oferta de relanzar su carrera haciéndose cargo de uno de los roles protagonistas y claramente tienen recuerdos muy distintos de su infancia.

Tras aceptar el papel y desplazarse a Fuerteventura para el rodaje, tendrán que convivir en el set durante más tiempo del que han estado juntos nunca. Por una parte esto les llevará a tener una complicidad y cercanía inusitada, pero por otra dará pie a que se reabran viejas heridas y sus egos choquen dinamitando el ambiente colaborativo de un trabajo tan coral como el del cine.

El ser querido es una de esas obras que ponen en valor el cine dentro del cine: muestra cómo interfiere la esfera de lo personal en el plano profesional sobre todo con unas dinámicas de poder tan rígidas como las que exige un rodaje en el que todo está supeditado en última instancia al director, que tan fácilmente puede convertirse en un cacique.

De manera transversal la película toca aspectos que son de gran interés para el propio Javier Bardem: desde la situación del Sáhara hasta su conflictiva relación con los medios de comunicación, más interesados en la vida personal de su personaje que en su trayectoria profesional, algo que ha vivido en sus carnes y le ha llevado a establecer muchos cortafuegos.

Por desgracia El ser querido tiene un problema gigantesco: es fácil entusiasmarse con la forma en que se está narrada porque Sorogoyen maneja la puesta en escena, los tiempos y la cámara como pocos directores pero no consigue emocionarnos ni, peor aún, comprender por qué se emocionan los personajes que pueblan esta historia en su tramo final.

Se entienden los conflictos, hay interesantes lances dialécticos entre los protagonistas y por momentos se mastica la tensión, pero la película deja cierta sensación de quedar inconclusa por no poder o no saber cómo resolver la ecuación. Como es marca personal del director, aboga por los diálogos naturales y la búsqueda de la verosimilitud, pero esta vez parece un poco más impostado de la cuenta echando mano de recursos que terminan incluso tornándose contraproducentes como los abundantes primerísimos primeros planos o los cambios de formato y color.

Tocamos hueso, entramos en el trauma de ella y los remordimientos de él pero da la sensación de que la película está cociendo a fuego lento un clímax que no llega nunca y queda por tanto bastante fría en el apartado emocional.

El ser querido habla de la trascendencia del cine y de cómo queda inmortalizado para siempre a la vez que lo hace la propia experiencia personal de quienes atraviesan el periplo de filmarlo, pero aquí no llegamos a ver en qué se traduce esa vivencia ni si llega a ser en verdad a ser trascendente para quienes la han pasado. Así que es hasta difícil saber cómo se supone que tenemos que sentirnos dos horas y cuarto después de entrar en el cine. Confusos, seguro.

No es solo que el argumento y desarrollo de esta propuesta resulte descabellado sino que no se sostendría ante un escrutinio mínimamente exigente de la lógica más básica... Ahora bien, ¿a quién le importa eso? La cinta vende una peli de acción de Jason Statham así que ya sabemos qué vamos a ver: es una cinta honesta hasta la médula que da lo que promete, sin más.

Después de Beekeeper, A Working Man o Shelter la fórmula está más que refinada. Statham de nuevo se yergue como defensor de los oprimidos, leal protector y reparador de injusticias. El tío lo tiene clarísimo y produce sus propias películas en base a una plantilla que siempre suele recaudar pasta y deja intacta su imagen beatífica y paternalista (aunque por supuesto su medio sea la violencia más burra del mundo). Insistimos en este punto: sabemos lo que vamos a ver, de modo que es difícil que algo de esto nos incomode.

Lo mejor del asunto es que este héroe es como un recortable: le puedes cambiar el traje, que es intercambiable con cualquiera de sus papeles anteriores y, a su vez, es "serielizable", así que cada nueva película que saca es susceptible que convertirse en una franquicia con secuelas ad infinitum. En verdad Statham ha dado con la fórmula del éxito.

Un asesinato, un polizón, una carga delicada y un motín abordo

El motín arranca presentándonos a Cole Reed, un fiel guardaespaldas que lleva años protegiendo a un empresario a punto de retirarse para dejarle su negocio naviero a su único hijo. La noche en que celebra ese traspaso de poder y los logros de una larga carrera sin un solo borrón, es emboscado y asesinado por un grupo de policías corruptos y Reed es acusado injustamente de ser un sicario sin escrúpulos.

Esto le llevará a buscar respuestas y las encontrará entre los papeles de uno de los asaltantes, que estaba a punto de embarcarse en uno de los buques mercantes de la compañía. Reed suplanta su identidad y se cuela en él como polizón.

De forma paralela, Angie Ellis es convocada para cubrir la baja de un compañero y se embarca de manera inesperada en el último momento. Aún desconoce que el extraño que va en el barco será su mejor baza para conservar la vida cuando se ponga de manifiesto la operación que la tripulación se trae entre manos.

Statham hace lo suyo y lo hace muy bien. No precisa de grandes líneas de guión pero tiene un papel físico que maneja con solvencia y Jean-François Richet sabe imprimirle nervio y vistosidad a las secuencias de acción jugando con la perspectiva, los tiros de cámara y las ópticas. Así que cada vez que nuestro héroe se descuelga por un tubo, una cuerda o una cornisa, ahí está él para sacarle jugo a las imágenes. El barco de mercancías se convierte en un patio de recreo repleto de recovecos, tuberías, objetos contundentes y punzantes que se aprovechan siempre que hay ocasión.

Como hemos dicho desde el comienzo, El motín no es una película en la que importe tanto la lógica del guión como la lógica de la industria. Que nadie espere un gran argumento, giros de guión con revelaciones desbordantes de ingenio o grandes dosis de originalidad, porque no va por ahí en absoluto.

En suma, no le va a volar los sesos a nadie, no hará que se detenga el mundo ni busca hacerse hueco en la carrera a los grandes premios del cine, pero si podría recoger un galardón a la autoconsciencia: tiene clara cuál es su liga y quién es su público y lo deja saciado.

Asumiendo la adaptación de La constelación del perro, el libro de 2012 de Peter Heller, lo vuelve a hacer. Es una novela de carácter intimista que roza lo poético y nos sumerge en el torrente de pensamiento de un hombre que lo ha perdido todo tras una pandemia letal. Es, en suma, un superviviente por fuera, parapetado en un hangar junto a Bangley, un exmilitar con el que no comparte nada, y un resiliente por dentro, preocupado por no perder la humanidad que queda en su interior en tiempos salvajes. En suma, no es la clásica novela que al leer pienses que sea fácilmente exportable al lenguaje audiovisual.

A pesar de eso, Scott ha reunido a un elenco formidable encabezado por Jacob Elordi, que ha terminado quedándose un papel que al principio iba a recaer en Paul Mescal. El rodaje de la tetralogía de Los Beatles de Sam Mendes le complicó la agenda.

Le acompañan Margaret Qualley, Allison Janey, Guy Pearce, Josh Brolin y Benedict Wong. Un gran dream team al que estamos deseando ver en acción.

Con una duración de 100 minutos, La constelación del perro, con el sello de Ridley Scott, asaltará la cartelera el 26 de agosto. Preparaos para una película que lleva como lema: "El fin del mundo fue solo el principio". ¿Qué esperáis de esta propuesta? ¡Os leo!

Ya nos ha quedado cristalino que las alegrías no van a venir por la letra impresa, porque George R. R. Martin está estancado con la escritura de Vientos de invierno y pasando por un momento personal bien delicado, así que el futuro que nos ilusiona va a estar en la pequeña pantalla y, por primera vez, en la de los cines también.

Una de las historias más potentes y esperadas, es la de Aegon el Conquistador, que va a verse amplificada por un estreno en salas que puede darle al proyecto la magnitud que se merece. A fin de cuentas es una queja recurrente cuando se analiza La casa del dragón la escasa presencia de los dragones y también cierta dejadez respecto a los elementos fantásticos de la saga, mucho menos desarrollados que en Juego de tronos.

La conquista de Aegon, de hecho, va a recalar en una de las historias fundacionales de este universo ficcional, al que se recurre de manera constante: Aegon I Targaryen, conocido como Aegon el Conquistador o Aegon el Dragón, fue el fundador de la dinastía Targaryen y el primer rey de los Siete Reinos de Poniente gobernando durante 37 años. Su gran gesta fue la de unificar un continente antes dividido en siete reinos en conflicto constante. Para consolidar su autoridad, ordenó forjar el Trono de Hierro utilizando las espadas derretidas de sus enemigos vencidos, un símbolo de que el poder debe generar incomodidad y un potente recordatorio de su potente mando, indivisible.

Las otras citas que tenemos marcadas en el calendario son con la segunda temporada de El caballero de los Siete Reinos en 2027 y la temporada final de La casa del dragón en 2028. A la serie ya no le va a quedar más remedio que abrazar la parte más trágica de la Danza de dragones, así que tendrá que lidiar con los cambios que ha ido introduciendo respecto a la crónica Fuego y sangre y echar el resto para mostrar la brutal Segunda Batalla de Tumbleton con numerosas bajas, una victoria con sabor a derrota y un cambio de poder en el Trono de Hierro.

Dunk y Egg nos acompañarán, al menos, durante una tercera temporada que esperamos en 2028 en principio pero, más allá de eso, tendrá que ser Martin quien aporte nuevo material para que sigamos sus aventuras.

El resto de los proyectos siguen en la inopia porque no sabemos si saldrán adelante todavía.

En acción real, hay noticias de la adaptación de Diez mil barcos, que se ambientaría unos mil años antes de la obra original para narrar la historia de la reina guerrera Nymeria y el pueblo de los Rhoynar en su huida por mar hacia Dorne tras enfrentarse al Imperio Valyrio.

También se está trabajando en el episodio piloto de Los Nueve Viajes, que será una serie de animación para HBO Max centrada en la figura de Corlys Velaryon. Gracias a ese recorrido, la Serpiente Marina consiguió que su casa fuera la más rica de Poniente, muy por encima de la de los Lannister. Si sale adelante será el primer producto oficial en este formato y, sin haber visto nada, es difícil pronosticar si saldrá adelante. ¡Cuántas otras series se han desechado antes a pesar de partir de buenas ideas!

El salto al cine es lo más emocionante que podemos esperar, por su importancia y por su magnitud. El fichaje de Beau Willimon, el guionista de Andor, nos da fuertes esperanzas de una obra a la altura de las circunstancias.

Pero eso no implica renunciar al legado, de hecho, veremos a todas las entidades sobrenaturales que nos presentaron en películas previas y muchas más y nos hablarán de cómo cuando una puerta en el Más Allá se cierra, otra se abre, comunicando el plano de la realidad con las almas de las personas fallecidas que moran en esa suerte de purgatorio junto a demonios puros que buscan robar los cuerpos de los vivos.

James Wan le cede el testigo de la dirección de Insidious: Fuera del Más Allá a Jacob Chase (Come Play), artífice asimismo del guión en base a una historia escrita por David Leslie Johnson en la que se recogen dos hilos argumentales fundamentales: las relaciones materno-filiales y el terror en su máxima expresión. El diseño de sonido, los sensaciones jumpcares y sobre todo secuencias muy bien planificadas y dosificadas hacen de esta película un tren de la bruja sensacional.

El Más Allá a pleno rendimiento

Insidious: Fuera del Más Allá nos presenta a Gemma, una joven madre que cría a su hija en solitario en la casa en la que pasó una infancia desgraciada a cuenta del estado de su salud de su progenitora, Ingrid.

Con la esperanza de transformarla en un hogar, se empeña en educar a Maya de una forma muy distinta, apoyándola y tratando de evitar cometer los errores que Ingrid en el pasado. Pero las cosas se torcerán cuando Gemma descubra que unos nuevos vecinos se han mudado al vecindario y la están acosando.

De forma paralela descubre que puede desplazarse al Más Allá y no solo como una soñadora, también como una portadora capaz de llevar al plano de la realidad a los entes que allí moran.

Cuando los demonios se dan cuenta de su poder, no hay vuelta atrás: tendrá de defender a su hija de los terrores del plano astral con la ayuda inestimanle de Elise Rainier y de una joven cuyo cuerpo ha conseguido utilizar como receptáculo.

A estas alturas es fácil pensar en el desgaste que puede haber acumulado la saga después de cinco películas previas, pero lo cierto es que Chase consigue arrugarnos el ombligo desde el mismo arranque de la película gracias a una secuencia inicial malrollera a más no poder. Así que no, la cinta no se hace de rogar y muy pronto nos sumerge en una atmósfera opresiva con la presencia de esas entidades ominosas que acechan y además tienen un elaborado plan para liberarse de sus cadenas.

Lin Shaye regresa a su papel luminoso convirtiéndose en el faro en la oscuridad para la protagonista una vez más y consiguiendo ser un verdadero alivio con su mera presencia.

Pero, como decíamos más arriba, esto no va solo de portales bidireccionales al Más Allá y de ver cómo se resquebrajan las fronteras entre los vivos y los muertos, va también de personajes cuyo arco emocional queda muy bien delimitado gracias a la experiencia paranormal.

Es decir, que la película sabe explotar el miedo a quedar atrapado, a la claustrofobia, a los temores infantiles más básicos como el sentirse desamparado y solo y abordar a la vez un calvario familiar que amenaza con repetirse y requiere enfrentarse al pasado para poder sanar.

El nuevo villano que corre a cargo de Sam Spruell, Cyrus, es también un acierto por su cualidad de líder sectario y alborotador de masas de almas.

Sabe hacértelo pasar mal cuando es necesario, juega de maravilla con la repugnancia y maneja muy bien los tiempos para darte el sobresalto en el momento más adecuado. Los fans del terror tienen una cita insoslayable con Insidious: Fuera del Más Allá y, avisamos, las visitas al dentista nunca volverán a ser iguales...

Repasamos esta semana los cinco que más nos han volado la cabeza: desde la confesión pública de Rhaenyra de la profecía de Canción de hielo y fuego hasta la escasa presencia de los dragones y la desaparición instantánea de Caraxes en un momento clave.

La queja acerca del desaprovechamiento táctico de los dragones en esta serie es, de hecho, una constante desde su comienzo. La dosificación de su presencia en La casa del dragón se debe obviamente a lo carísimo que es verlos aparecer en pantalla pero en esta tercera temporada, en plena guerra civil es imperdonable cómo Vhagar está desaparecida y a la mayoría de ellos solo se les ve de lejos. Pero sobre todo claman al cielo las inconsistencias como el hecho de que Caraxes rinda la fortaleza y a continuación se esfume dejando a su jinete a su suerte.

Tan molesto o más que esta cuestión es que Rhaenyra desde el trono y Alicent desde su encierro (que rompe una vez más) sean tan poco determinantes para la trama. Reaccionan ante lo que les sucede pero rara vez son el motor de la acción. El viaje de Alicent a Harrenhal es especialmente infructuoso y casi roza la negligencia por dejar a su suerte a Helaena, sabiendo que es una soñadora con visiones proféticas, que está encinta, que no se está alimentando y que ha perdido la fe en todo lo que la rodea. ¡Además de que queda en manos de una Rhaenyra cada vez más peligrosa!

El personaje de Helaena inspira una lástima bestial, pero la serie hace una de las suyas y nos escamotea el momento de su muerte: si nos paramos a pensar cuántas cosas han sucedido fuera de cámara en esta serie nos daremos cuenta de que hay verdadero pavor a enfrentar ciertas situaciones de frente, algo que distancia a La casa del dragón de Juego de tronos.

El tono del encuentro entre Aemond y a Aegon también es bastante extraño. Dábamos por sentado que se odiarían a muerte y el choque sería muy violento, pero se salda con una bofetada y una alianza exprés en la que Aemond no tarda en postrarse a los pies de su hermano y ceder a acompañarlo bajo su estandarte para recuperar el trono a Desembarco del Rey. Encima los perdemos de vista desde ese momento.

¡Vuestro turno! ¿Qué es lo que más os ha gustado o subyugado de esta temporada 3 de La casa del dragón? ¿Ha colmado el desenlace vuestras expectativas o solo en parte?

En su opinión eso tiene que ver con que no es una persona que levante la voz en el desempeño de sus funciones como director, lo que no le resta autoridad. A continuación contó lo que definió como "una historia legendaria".

En 1993 vería la luz la película Un mundo perfecto en la que además de dirigir la película la protagonizaba con Kevin Costner que por aquel entonces tenía 38 años. "Estaba pasando por, digamos, su ascenso a la fama y quizá se le había subido un poco a la cabeza, ya sabes, bla, bla, bla, pero estaban rodando Un mundo perfecto y, al parecer, por alguna razón, no quería salir de su caravana".

La reacción de su padre no se hizo esperar y fue bastante expeditivo mandándolo a casa, a pesar de que estaba previsto que Costner apareciera en la escena en la que estaban trabajando ese día. A él simplemente se le comunicó que el director la había cambiado. En verdad decidió usar un doble de cuerpo con la ropa del actor para continuar el trabajo sin perder tiempo dándole una lección importante: el ritmo de una producción no puede detenerse por nadie.

Después de que le pidieran que abandonara el plató aquel día, Scott comentó: "Creo que al día siguiente ya estaba en el plató, listo para empezar".

Scott ya había hablado en otras ocasiones de cómo el hecho de crecer con un padre famoso había influido en su ética de trabajo y en su forma de comportarse en el plató, y señaló que, mientras crecía, había sido testigo de "algunos comportamientos en este sector que resultan chocantes".

"Quiero decir, hay que felicitar a mi padre, porque hizo un trabajo realmente bueno protegiéndonos de todo eso y manteniéndonos muy al margen de la vida pública", comentó. "No vivíamos en Los Ángeles, vivíamos en Carmel. Era una vida muy… tan normal como podía ser, en el sentido de que él nos decía: 'No, solo tenéis que ser niños normales y aprender cómo funciona el mundo'".

La casuística es infinita pero hoy me he quedado con cinco adaptaciones que fueron muy insatisfactorias para aquellos que estábamos familiarizados con las novelas que sirvieron de punto de partida. Son todas relativamente recientes y nos dejaron con ganas de más o, al menos, de algo mejor.

Arrancamos nuestro repaso por El perfume: Historia de un asesino, película que vio la luz en 2006. No es que la película sea mala, ni mucho menos, sino que la novela de Patrick Süskind es excepcional y realiza un viaje sensorial a la mente de un retorcido asesino sibarita de los aromas aquejado de una hiperosmia muy complicada de trasladar a la pantalla.

Saltamos hasta el año 2013 para hablaros de El juego de Ender. La adaptación de Gavin Hood contó con un repartazo: estuvo protagonizada por Asa Butterfield y Hailee Steinfeld, pero también trabajaron en ella Harrison Ford, Viola Davis o Ben Kingsley. Un lujazo.

El problema no fue el reparto sino la adaptación de la novela de Orson Scott Card, que elidió buena parte de su parte más compleja, sometiéndola a un reduccionismo y simplificación bastante molestos. La espectacularización también obró en su contra haciendo que el sufrimiento de los personajes no pareciera real y por tanto fuese difícil empatizar con ellos.

¡Menudo chasco nos llevamos con La torre oscura! Cierto es que el reto era bien complicado, pero intentar condensar miles de páginas en hora y media de metraje fue un pecado que dejó fuera de la película partes clave de la mitología de la obra de Stephen King (y eso que estaba repleta de huevos de pascua). Una pena si tenemos en cuenta que estaban aquí dos pesos pesados como Idris Elba y Matthew McConaughey.

Apenas un año después, nos quedamos bien descolocados con la adaptación de Un pliegue en el tiempo. No es una novela que tenga la calidad de las anteriores pero si se le da una puesta en escena directamente kitsch es muy difícil entrar en su premisa. La película desaprovecha buenas ideas que eran fáciles de exportar al cine y opta por servir una ensalada que a nivel visual es... terrible. Su mayor problema: el enfoque. Demasiado oscura para peques; demasiado cursi para adolescentes. En suma, no supieron escoger el target.

La última adaptación que hemos metido en este saco es la película Artemis Fowl. Dirigía un grande como Kenneth Branagh, verdadero especialista en adaptaciones siendo fiel a los textos originales a veces y volando por libre otras. Ahí están sus películas basadas en obras de Shakespeare, su Frankenstein o sus cintas dirigidas y protagonizadas por él como Hercules Poirot, que son una maravilla. Vamos, que del tema sabe. Pero en 2020, no le salió bien la tarea de trasladar a la gran pantalla la obra de Eoin Colfer.

Recabó críticas crueles como la de "peor película de fantasía juvenil de la Historia" y todo porque no supo captar el aura del carismático antihéroe criminal del libro. Ni siquiera el repartazo, en el que estaban Judi Dench y Colin Farrell y Josh Gad, consiguió elevar la propuesta.

Y hasta aquí nuestro repaso de cinco novelas que no le sacaron rendimiento al material original. De paso os sirven como recomendaciones para leer este verano. ¿Qué mejor compañía que la de un buen libro?

Aún no sabíamos hasta qué punto iban a evolucionar los personajes y las tramas desplegando distintas amenazas y poniendo siempre en contexto a los caminantes, que terminarían siendo más un problema de fondo que el tema principal de la serie.

No es fácil decantar lo mejor de un universo ficcional tan amplio y rico que cuenta con 11 temporadas a sus espaldas y un buen puñado de spin-offs, que aquí os resumimos:

Recopilando los mejores momentos, o al menos los que creo que nos han marcado más a los espectadores, habría que incluir algunos episodios clave de la serie madre:

• 2x07 - Sophia sale del granero convertida en caminante dejando atrás cualquier esperanza de rescatarla y marcando de alguna forma le pérdida de la inocencia del grupo.

• ​2x12 - Carl dispara a Shane ya convertido para salvar a Rick, suponiendo un antes y un después para el personaje.

• 3x04 - Lori muere tras una cesárea de emergencia en la prisión: es un capítulo de una enorme crudeza emocional para Rick que se enfrenta al nacimiento de Judith pero también a una pérdida irreparable.

• 4x14 - Carol ejecuta a Lizzie tras poner en riesgo al grupo. Es un episodio de alto impacto.

• 5x01 - Carol hace explotar el santuario caníbal de Terminus y rescata al grupo. Además de ser un arranque de temporada espectacular redefine a Carol que pasa de ser una víctima a ejecutora implacable.

• 6x09 - La horda rompe los muros de Alejandría y el grupo tiene que luchar durante una interminable noche para sobrevivir. Supone una exaltación de la catarsis colectiva y la fuerza del grupo frente a la adversidad.
• 6x16 y 7x01 - La ejecución de Abraham y Glenn que marca un punto de giro en la serie y un abandono masivo por parte del fandom, traumatizado por la violencia y la pérdida de dos personajes muy queridos.
• 8x09 - La muerte de Carol tras ser mordido por para proteger a un desconocido. Supone una triste despedida que hace que se desvanezca el soñado futuro pacífico que anhelan los supervivientes.
• 9x05 - La desaparición de Rick Grimes, que había sido el gran protagonista y personaje vehicular de la serie desde su arranque. Marca una redefinición de la franquicia, que se vuelve más coral que nunca a partir de ese momento.
• 9x15 - Irrupción de los Susurradores: Daryl, Carol y Michonne descubren la brutal frontera marcada con diez cabezas clavadas en picas, incluyendo las de Enid, Tara y Henry.
• 10x22 - La gran humanización de un personaje tan brutal como Negan, confirmando su pasado doloroso por la dramática pérdida de su esposa Lucille.
• 11x24 - Con sus luces y sus sombras, es el desenlace oficial de la serie: se centra en la batalla final contra Pamela Milton, la lucha por salvar La Mancomunidad de una gran horda y emotivos momentos de despedida entre los personajes principales.

Respecto a los spin-offs, han sido muy variados y han tenido distintas ambiciones: desde desarrollar historias en otras comunidades hasta expandir el lore de la serie madre, propiciar esperados encuentros entre personajes e incluso abrir nuevos horizontes viajando a otras ciudades y continentes. Los formatos en sí han sido muy variados, desde longevas series, hasta miniseries autoconclusivas pasando incluso por una antología de relatos.

Pocas han sido más esperadas y emocionantes como The Ones Who Live con la reunión de Michonne y Rick primero la caída del imperio de la República Militar Cívica después y el abrazo de Rick a Judith y CJ para terminar, aunque ha sido la serie centrada en Daryl Dixon (uno de los personajes más queridos y carismáticos de la serie original, creado exprofeso para el show televisivo y encarnado en el genial Norman Reedus) la que ha hecho recalar al universo zombi en España. Como espectadora me encantaría ver una reunión de Rick y Daryl.

En fin, son tantos los momentos a revindicar: el bombardeo nuclear de Texas en Fear the Walking Dead, peleas memorables con momentos brutales como cuando Rick se corta la mano en The Ones Who Live, villanos bestiales como el Gobernador, Negan, Gareth, Alpha, etc., descubrimientos, encrucijadas morales y reflexiones filosóficas que daría para escribir un libro. ¿Cuáles son vuestros momentos favoritos o los que consiguieron helaros la sangre?

En esta ocasión, con Días de agosto, se adentra en el terreno del drama familiar de la mano de un guión escrito por el debutante David Sueiro. Aunque es una película elegante que quiere explorar los sentimientos y la parte más física del amor: el sexo, da la sensación de tener poco que contar más allá de un embrollo familiar que se gesta a fuego lento y parece no ir a ninguna parte.

Sirve, y eso es algo que hace muy bien, para congelar la sensación del verano en el tiempo y esa aparición voluptuosa del deseo macerada en el calor estival que comparte, por ejemplo, con cintas como Call Me by Your Name.

Tiene una factura técnica cuidada, planos subacuáticos bonitos (y metafóricos, que vienen a explorar lo prohibido), una fotografía firmada por el talentoso Dani Salo y, en líneas generales, intenta zafarse de lo chabacano y lo hortera, aunque no siempre lo consiga. Por desgracia, lo que no logra es presentar una historia con demasiada profundidad argumental.

Erotismo en tiempos de esterilización

Juan y Gabriela son una joven pareja de enamorados que, tras acabar las clases de la universidad, se van al chalet de la playa de la familia de él a pasar el verano. Son felices en su burbuja y desearían poder alargar esa sensación de libertad durante todo el tiempo posible.

Sus planes se tuercen cuando Fernando, el padre de Juan, aparece allí sin previo aviso con su nueva pareja. Mónica es una mujer mucho más joven que él y hace surgir rápidamente tensiones en la dinámica familiar. En primer lugar porque su madre también aparece por allí, pero es que además los roces entre el padre y el hijo complican la convivencia del día a día.

El salto generacional se deja sentir, así como una pasión secreta que aflora en el momento más inadecuado, precipitando un efecto dominó. Nada tendrá que ver el comienzo del verano con el fin, cuando Juan cierre las puertas del chalet antes de regresar a la rutina.

Hemos pasado del hartazgo (con el efecto Élite) a la casi ausencia del sexo en el cine. No solo es ya raro ver escenas de sexo explícitas, sino que apenas hay afectividad entre los personajes: besos, caricias... intimidad, en útima instancia.

Esta película tiene la rara cualidad de ser valiente en este sentido y no temer a la sensación de caer en el ridículo por ello, es más, es más vemos la primera relación sexual a los cinco minutos de empezar el metraje. Tampoco tiene reparo en tirar de clichés: roces eléctricos, miradas de embelesamiento y mentiras arriesgadas. El problema es que tampoco parece haber una hoja de ruta para que eso sea algo significativo.

Aunque el reparto cuenta con actores veteranos como Maggie Civantos, Roberto Álamo y Pilar Castro, se centra más bien en la efervescencia de la sexualidad del joven protagonista, interpretado por un Pau Simón algo insípido al que habíamos visto antes en dos series como Nudes y El refugio atómico. Funciona bien en cámara, tiene el atractivo físico, pero le siguen faltando muchas tablas para lograr que los diálogos fluyan con naturalidad y que los conflictos tengan alguna verosimilitud. Algo mejor se desempeña Berta Galo, con una trayectoria más dilatada en televisión.

Días de agosto es una película que se conforma con convertirse en su desenlace en un telefilm bien filmado, casi de lujo, con varios giros de guión forzados que repentinamente acaban con la tensión narrativa y hacen moverse a los personajes por un terreno algo incoherente. Es una pena que el guión no llegue a dejarse desbordar o a estallar de una manera mas sorpresiva. El final es tan endeble que te hace cuestionarte si el viaje mereció la pena.

Sabe dónde colocar la cámara, crear tensión, insuflarle ritmo a sus producciones y suele colaborar además con intérpretes muy interesantes. En su último proyecto, Cuenta atrás, el reparto es sin lugar a dudas uno de sus mayores puntos fuertes.

Aaron Taylor-Johnson, Theo James, Sam Worthington y Gugu Mbatha-Raw son cuatro pesos pesados con presencia y dotes interpretativas puestas en esta ocasión al servicio de una historia que peca de sobreexplicaciones que alargan el metraje de más.

El punto de partida y el desarrollo, no obstante, sí que consiguen enganchar a la audiencia con facilidad: es una película de atracos, sí, pero también un plan retorcido jalonado de violencia y medias verdades que se van desvelando poco a poco. Espolea la curiosidad por encajar las piezas pero se aletarga de más a la hora de resolver dando unas explicaciones finales en las que no necesitaba detenerse tanto.

Tic, tac...

Cuenta atrás nos desplaza a una zona en obras en Paddington, el corazón de Londres. En medio de una excavación rutinaria, aparece un objeto enterrado que para de inmediato los trabajos en la zona e impone un protocolo muy estricto: una bomba sin detonar de la Segunda Guerra Mundial.

La idea del guión, escrito por Ben Hopkins, se inspira precisamente en las noticias derivadas de la aparición de este tipo de artefactos en Reino Unido, sobre todo en las grandes ciudades que recibieron bombardeos más intensos, con el enorme riesgo que suponen.

A partir de ahí, entra en juego la ficción. La policía establece un perímetro de seguridad y se pone en contacto con el equipo de artificieros que tienen que decidir si proceder a una detonación controlada minimizando el daño o bien a desactivar la bomba in situ y transportarla a un lugar seguro.

En la zona acordonada y supuestamente desalojada, no obstante, hay un grupo que tiene un jugoso plan: aprovechar la situación para cometer un espectacular robo pasando desapercibidos como trabajadores de los servicios de emergencias.

Cuenta atrás es una película correcta que entrega una aventura interesante, aunque sufra en su tercio final al tomar algunas decisiones que le restan verosimilitud a la trama. Sobre todo al comienzo, la historia juega muy bien con las expectativas de la audiencia contraponiendo la "zona caliente" en la que los artificieros están constantemente lidiando con la adrenalina y la tensión propia de enfrentarse a un peligro de muerte y la "zona fría" en la que los ladrones ponen en marcha un plan articulado salirse con la suya intentando no ser vistos o en última instancia pasando desapercibidos.

Esta misma idea se traslada incluso a la fotografía con la bomba a pleno sol y los artificieros sudando la gota gorda y los cacos agazapados en las sombras, entre tonalidades frías que evocan a cierto nivel de intelectualización a la hora de abordar su tarea.

En ambos casos, nos hallamos con dos puntos muy físicos en los que hay riesgo constante y conflictos de intereses que paulatinamente veremos cómo se conjugan. El tercer polo es el de la policía, que parece ir siempre unos cuantos pasos por detrás a pesar de contar con medios y experiencia.

Está claro que Cuenta atrás no es perfecta, pero sí tiene un diseño de producción acorde a las necesidades de la narración y con los mimbres imprescindibles para levantar expectativas: reparto, dirección, ideas... podría ser mucho más redonda siendo simplemente más corta o bien añadiéndole una capa de complejidad extra a un final que se torna bastante insulso una vez que están todas las cartas sobre la mesa.

El pulso del director está presente pero le ha faltado decisión en la sala de montaje para terminar de bordar la tarea. Con todo y con eso, sirve un entretenimiento bastante digno, pero hemos visto ya tantas pelis de polis y ladrones que siempre se le exige mucho a este género, no basta solo con cambiar las reglas del atraco: hay que culminarlo asombrando al público de alguna manera.

De nuevo esta tanda de episodios consta de ocho, lo que nos emplaza al 16 de septiembre para la emisión del último de ellos. Y ojo, que en el mes de mayo, ya fue renovada por una quinta entrega que dará un nuevo salto para adaptar Oblígame (Make Me), la vigésima novela de la colección centrada en Jack Reacher. La veremos el año que viene.

Antes de eso, los incondicionales de este universo ficcional tendrán una nueva producción de la que disfrutar: el spin-off Neagley, que llegará para tomar el relevo en septiembre con Maria Sten como protagonista y el reincidente Nick Santora a los mandos,

Punto de partida: un suicidio en el que nada encaja

La temporada 4 de Reacher arranca con un encuentro fortuito en el metro de madrugada. Jack sospecha del comportamiento de una mujer que viaja en su mismo vagón, casi vacío.

Echando mano de las reglas de conducta que aprendió en el ejército para identificar a potenciales terroristas suicidas a punto de atentar, detecta a una pasajera que atraviesa una crisis de ansiedad y esconde un objeto. Sin embargo, para su sorpresa lo que porta es un revólver con el que acaba con su vida.

Ser testigo de este hecho le hará verse involucrado en una espiral de violencia e intereses cruzados en la que aflorarán secretos del Pentágono y los trapos sucios de un influyente congresista, candidato a la presidencia.

Los aficionados a la serie podrán gozar de un nuevo placer culpable... más culpable que nunca si cabe. Lo mejor y lo peor de la serie se amplifica en una entretenida temporada en la que no fallan las espectaculares peleas cuerpo a cuerpo y la explotación del físico de nuestro protagonista sin un ápice de pudor y con toneladas de testosterona.

Reacher 4 ofrece un banquete de virtudes incontestables: ahí está el fornido Alan Ritchson sacándole brillo a sus músculos en escenas de acción estupendas y a su hierática expresión cuando le toca vacilar de su entrenamiento como expolicía militar y tirarle pullas al cretino de turno que infravalora su entrenamiento y su sólido posicionamiento ético. Siempre es de agradecer que a pesar de todo se mantenga cierto sentido del humor.

El carisma del actor es uno de los pilares fundamentales de la serie que tan cómodamente se viene echando a la espalda (literalmente) desde hace años. Le está sirviendo de trampolín, de hecho, para nuevos proyectos.

Sin embargo, el guión se percibe algo flojo de más esta vez. No es que el trasunto político-militar no sea interesante, sino que da la sensación de que la serie avanza con el piloto automático puesto, con poco margen para las sorpresas. Esta vez los cliffhanger no funcionan tan bien para espolear la curiosidad de los espectadores, aunque siguen siendo un recurso habitual.

Santora sabe lo que le funciona y le saca jugo, a veces con verdadera caradura (sirva como ejemplo la nueva trama romántica con alguna que otra secuencia que da algo de vergüenza ajena), pero justo por eso, no arriesga demasiado y es fácil adelantarse a los acontecimientos.

¿Exceso de autoconsciencia? Puede ser: es complicado innovar cuando sabes que tocando ciertos resortes vas a obtener éxito. La serie ha cogido inercia, algo en principio positivo pero que puede llegar a pasarle factura por llevarla a morir de éxito. Solo el tiempo lo dirá, pero es probable que necesite plantearse abordar ciertos cambios para dar el estirón y no estancarse en una frágil comodidad.

Lo primero que hay que tener en cuenta es que es una película ligera de verano, ideal para ser estrenada a mediados de agosto. Lo siguiente que hay que hacer es advertir a la audiencia de que el tono puede llegar a ser bastante duro con algunas secuencias impactantes. En España ha sido calificada como no recomendada para menores de doce años de forma muy acertada... aunque a ver quién se deja en casa a los niños teniendo en cuenta el factor DINOSAURIO. Hacedme caso, ahorradles el trauma a los peques y dejadlos en casa porque aquí no aparecen de forma amigable y buenrollista, sino que son depredadores y dan canguelo.

A favor de la película reman un montón de cosas, como la banda sonora de Michael Giachino que nos pone en "modo Spielberg" desde el minuto uno con una banda sonora perfecta para una cinta de aventuras de estas características. La historia se desarrolla en 1982 así que toda la ambientación, el vestuario, peluquería, vehículos, atrezzo y guiños (anuncios, música, usos y costumbres) nos van a remitir a una especie de idealización ochentera de un barrio residencial muy cómodo de habitar... hasta que se produce un hecho extraordinario.

Atajo al pasado

El final de Oak Street nos lleva a un apacible barrio suburbano en el que vive una familia en crisis. Aunque se quieren mucho, Denise y Greg no terminan de reencauzar su relación: se ocultan cosas el uno al otro y no encuentran el momento de comunicarles a sus hijos que quizás estén mejor separados que juntos.

Sin embargo, no van a tener ocasión de pensar demasiado porque empiezan a sucederse una serie de fenómenos atmosféricos que derivan en un acontecimiento insólito.

Cuando una increíble tormenta desemboca en unos flashazos intermitentes, se va la luz y empiezan a aparecer criaturas gigantes: de súbito el barrio se ve asediado por seres prehistóricos y las tranquilas vidas de los Platt se transforman en una lucha por la supervivencia extrema mientras tratan de comprender cómo y por qué ha podido suceder algo así.

Aunque desde el comienzo hemos hablado de las virtudes de esta película, me he reservado dos para comentarlas con más profusión. Una de ellas es el acertado reparto en el que destacan especialmente Anne Hathaway (atareadísima en un año en el que ha encadenado un buen puñado de estrenos heterogéneos dando cuenta de su talento y versatilidad) e Ewan McGregor, que da vida a un padre sencillo y corriente, totalmente desvinculado del topicazo del héroe testosterónico de manual, pero también del perdedor cobarde. Esto hace que sea fácil empatizar con los personajes y seguir su historia tomándoles cierto cariño. También le da candor a las relaciones familiares, que oscilan entre la ternura y emotividad que reina cuando la unión es el factor fundamental para salir adelante.

En buena medida, uno de los grandes atractivos de El final de Oak Street es la narrativa inesperada: no sigue fórmula predeterminada ni siquiera en la exposición de la información. Es algo que está presente desde la concepción de los personajes que se salen del molde haciendo que el factor sorpresa rinda de maravilla. En pocas palabras, se las ingenia para llevarte por donde menos esperas.

Por lo demás se mueve mejor en el terreno del thriller de aventuras y del drama familiar que cuando aflora el humor, algo tosco. Es una película simpática, pero también a veces cruda en exceso (hay sangre, amputaciones, cadáveres, etc.) moviéndose muy rápido de una tesitura a otra.

El final de Oak Street cuenta asimismo con un apartado de efectos especiales excepcional: la integración de las criaturas con los personajes reales roza la perfección y hace sentir la intensidad de su periplo sintiendo de veras que están en riesgo de muerte.

La fotografía de Mike Gioulakis y el uso de técnicas cinematográficas clásicas (como el enfoque simultáneo split diopter) le dan una capa de "cine artesanal" bien chula. Agradará a quienes disfrutan de ver y rever películas como Tiburón, Los Goonies, Los bicivoladores o, por supuesto, la saga Parque Jurásico con un toque más retorcido.

¿Va a suponer una revolución en el panorama audiovisual? Puede que no, pero es una película con sello autoral, una sana nostalgia y carácter que tiene una clara vocación comercial. Se agradece que a pesar de ello no sea más de lo mismo... máxime en una temporada de estrenos en la que hay tanta facilidad para lanzar refritos.

La expectación era máxima puesto que nuestro mayor miedo es que nos quedáramos de nuevo sin un clímax final, a las puertas de la la Primera Batalla de Ladera o Batalla de Tumbleton.

La buena noticia es que la serie cumple y nos entrega ese momento al final del capítulo, la mala es que la narrativa dista de ser la ideal y que la escritura del guión es a menudo confusa, poco congruente y carente de la emoción que esperábamos de una historia de tal envergadura.

El principal escollo: los dragones. Lo analizaremos más despacio después de ofreceros el resumen del capítulo más largo de esta tercera temporada, que se extiende hasta los 75 minutos de duración.

Resumen de La casa del dragón 3x08

La casa del dragón 3x08 arranca cuando Rhaenyra va a ver a Daemon muy alterada para informale de la reaparición de Aegon y Fuegosolar. Su poder está más en duda que nunca y ella tiene un brote de ansiedad. Daemon le habla en alto valyrio para decirle que, por el contrario, es su momento y debe alzarse. Ella se recompone y ordena que Hugh haga guardia en Pozo Dragón y que Daemon vaya a Ladera y registre casa por casa terminando con todos los Hightower. Cuando acabe con Ormund y Daeron, Aegon salga de su escondite y ella misma acabará con él.

Baela quiere ir a rescatar a su abuelo Corlys y desafía a Rhaenrya, que está convencida de que ella y Addam deberían quedarse allí. Alyn convoca a los hombres de Marcaderiva ante los que se presenta como el sucesor designado de la casa Velaryon para convertirse en el futuro Señor de las Mareas: deben defender el reino.

Ormund se prepara para la batalla. Le pide a Daeron que se arrodille para ser nombrado caballero antes de ser coronado. Lo nombra ser Daeron el audaz tras hacer su juramento.

Ulf hace su parte en las tabernas donde anuncia que Daemon no se atreverá a usar a Caraxes porque Rhaneyra lo tiene dominado. La reina tiene un motivo más de preocupación porque Helaena no come nada y temen por su embarazo. Ella pide ser ungida reina en el Gran Septo de manera inmediata. Gusano Blanco recibe una invitación a marcharse a Pentos donde podrá instalarse con criados y comodidades.

Helaena contempla a Mysaria marchar y justo antes de partir le dice que no se fíe de la reina, que Aegon sigue vivo y que teme al hijo que está gestando, que jamás la dejará marchar.

Aemond despierta y descubre que Alicent le había envenenado. Se considera un malasangre que carga con una maldición. Alys le habla de la historia de Harrenhal. Cómo el dragón Balerion pasó a fuego el castillo para acabar con los Harren. Sin embargo, un niño con quemaduras sobrevivió. Su madre trató de salvarlo pero todo fue inútil a pesar de que incluso recurrió al saber ancestral y a los seres que habitaban en el bosque (¿los hijos del bosque?). Cuando el niño murió ella quiso seguirlo pero descubrió que ella estaba maldita y condenada a vivir en las tierras de los Ríos. Aemond se sobresalta porque eso sucedió hace más de cien años, pero la besa.

Rhaenyra va a ver a Helaena y le dice que debe comer. Le pregunta si sabe si trae un niño o una niña, pero no responde. La reina le pregunta si la cree capaz de hacerle daño y Helaena le pregunta si cree que estar viva es lo mismo que no estar muerta. Luego le dice que todo en lo que cree es feo, que el castillo es feo y ella también. Rhaenyra solo le responde que o come o la obligará a hacerlo., algo de lo que se encargan los guardias.

Addam y Alyn se enfrentan. El primero cree que Rhaenyra está perdiendo la cabeza porque ha encerrado a Baela en una mazmorra y no está dispuesta a liberar a Corlys. Alyn solo quiere cumplir con su deber y no está dispuesto a traicionarla.

Ormund tiene una estrategia que le ha ocultado incluso a Daeron: apuesta a niños en las almenas y está esperando al dragón de Ulf, que no hace acto de presencia. Cuando aparece Caraxes, las tropas de los Negros casi saborean la victoria. Gwayne saca a Corlys de su mazmorra y lo lleva ante Daemon para canjearlo a cambio de la paz. Él propone que dividan las tierras y que Daeron reine en Antigua. Corlys argumenta a favor de esta idea: le dice a Daemon que una mujer no puede reinar y que Daeron puede servir a Rhaenyra. El problema es el resurgir de Aegon, algo de Corlys desconocía. Daemon opta por la guerra, aplastar a los Hightower y rechazar un acuerdo de paz.

Mysaria aprovecha un descuido para zafarse y huir. Rhaneyra está siendo escoltada junto a su heredero Joffrey para ser ungida por el Septón Supremo.

Aegon se presenta sobre Fuegosolar en Harrenhal y encuentra a Aemond postrado: él estaba convencido de que estaba muerto y le suplica perdón. Aegon le abofetea, le insulta llamándole usurpador y cabrón pero él esta en shock. Le presenta a Alys como su prometida. Aegon le dice a su hermano que buscarán a Vhagar para ir a Ladera, acabar con Ormund y Daeron y luego volar a Desembarco del Rey para recuperar el trono con su estandarte y que solo así quizás le perdone la vida.

Daemon delimita la estrategia para tomar el castillo cuando le informan de que Ormund ha utilizado a los niños para ponerlos en primera plana y socavar así la autoridad moral de la reina. Él cree que contarán con Ulf y Ala de plata en la retaguardia y que en unas horas controlarán la situación.

Cuando Rhaenyra se presenta en el Septo Supremo. El septón, una vez más, le niega ser ungida y ella lo declara traidor. Alyn lo mata y Rhaneyra se presenta ante el pueblo para decirles que fue proclamada sucesora por Viserys y que su reinado estaba predestinado por una profecía que hablaba de una oscuridad más allá de los muros de Invernalia. Solo los dragones pueden salvaguardar al reino. Ella dice que es el príncipe que fue prometido y que será quien ilumine el camino.

Daemon arenga a las tropas pidiéndoles que no tengan piedad alguna con los Hightower y que los maten a todos. Los norteños se disponen a atacar mientras los niños pasan pavor en las almenas.

Un hombre informa a Ormund de que la propuesta de paz de Daeron no ha dado fruto, él no sabía que había tratado de negociar liberando a Corlys.

Los norteños tratan de sobrepasar las defensas del castillo mientras son abatidos por flechas, agua y aceite hirviendo, catapultas... Consiguen entrar por la muralla sur y empiezan a imponerse.

Daemon es informado de la ausencia de Ulf: no está con su dragón. En su lugar aparece Vermithor, de debería estar en Desembarco del Rey. Llama a Caraxes y se abre paso con él. Luego entra con las tropas a caballo. Los norteños buscan al rey mientras Roderick Dustin quiere encargarse de Ormund él mismo.

Ormund por su parte tiene que sacar a Ulf de la taberna y decirle que se monte en su dragón, que prácticamente los ha condenado.

Gwayne va en busca de Daeron, que está a punto de subir en su dragón. Gwayne le pide que no luche por el ego de Ormund, que se ponga a salvo. Entre tanto aparece Ulf y ataca a las tropas de los Negros decantando la contienda a favor de los Verdes y frenando a Daeron.

Roderick carga contra Ormund y él le corta el brazo. Entonces Roderick le clava un cuchillo en el culo y le dice que "así follan en el norte". Ulf los pasa a fuego a ambos. El destrozo provocado por el dragón genera una serie desprendimientos y los escombros caen sobre Daemon que no puede creer que está pasando. A pesar de que todo parece perdido, sale y sigue matando a los hombres que salen a su paso. Corlys lo alcanza y le dice que Ulf los ha traicionado y deben batirse en retirada.

Gwayne sobrevive y se arrastra para buscar a Ormund, que está muerto. Hugh también encuentra muerta a su esposa.

De regreso a la fortaleza, Rhaenyra es informada de la derrota en Ladera. Alicent está a salvo lejos de la contienda y es testigo de un extraño fenómeno cuando un montón de mariposas salen volando de manera simultánea: es el anuncio del final de Helaena, que se ha suicidado. Rhaenyra observa el tapiz que había completado antes de morir en el que se la ve en el trono en llamas empuñando la espada. Cierra las contraventanas: Desembarco del Rey es ahora el lugar más peligroso de Poniente.

Un final caótico en el que no está toda la carne en el asador

La forma de presentar la información en este último capítulo es, como poco, algo extraña. Al haber delatado la estrategia de Ormund llevándose a Ulf a su terreno, estaba cantado que ese sería el punto de inflexión de la batalla. De modo que, en aras de crear cierta tensión, se alarga su aparición y se coquetea con la idea de que no llegue ni a presentarse en Ladera.

Uno de los escollos de este episodio final es que resulta muy poco inteligente y orgánico cómo se desarrolla el conflicto. Si tienes un dragón como Caraxes, lo normal es que lo montes de principio a fin, no que cambies la montura por la de un caballo y dejes tu principal activo atrás cuando de hecho hay dragones atacando a tus aliados y tus tropas. En general el ritmo de la contienda es muy irregular y la mera presencia de Daemon en la Batalla de Tumbleton es rara, no tiene mucha lógica.

Lo mismo sucede con el resto de los personajes principales. Que la reunión de Aegon y Aemond se salde con una bofetada, es un ejercicio de escritura especialmente vago. Se ve la evolución de los personajes, en eso estaremos de acuerdo: Aegon se ha embrutecido mientras que Aemond ha madurado pero dejar ahí los personajes colgados sin darles más propósito es de lo más insatisfactorio.

La serie trata de buscar el enlace con Juego de tronos de una forma muy discursiva y también algo antinatural: Rhaenyra escoge el peor momento para dirigirse al pueblo y hablarles de la profecía de la canción de hielo y fuego que la hace parecer una iluminada al autoproclamarse "el príncipe que fue prometido".

Aunque lo más molesto es que ella nunca llegue a participar activamente en ninguna confrontación: Rhaenyra y Alicent son agentes pasivos durante toda la temporada. En su caso, para más INRI, da órdenes que nadie cumple y exhibe una preocupante falta de poder, salvo por la excepción de la lealtad de Alyn. Helaena y el niño que estaba engendrando es otro personaje echado a perder en una tercera tanda de episodios que ha ido claramente de más a menos.

El esfuerzo de la producción está ahí para hacer lucir la batalla mostrando sus entresijos e intérpretes como James Norton (Ormund Hightower) y Tommy Flanaghan (Roderick Dustin) lo han dado todo en sus respectivos papeles. Ojalá este último y el resto de los norteños hubieran tenido un mayor desarrollo antes de llegar a ese lance final, que habría resultado así más emocionante.

En resumidas cuentas La casa del dragón 3x08 es un episodio con enjundia, entretenido pero muy alejado del nivel de las grandes contiendas que hemos visto en este universo por la carencia de visión espacial y el montaje paralelo de distintas historias que no concuerdan entre sí. En el horizonte lejano, la cuarta y última temporada de La casa del dragón tendrá que mojarse mucho más para darles un destino a los personajes principales y, en la mayoría de los casos, será trágico.

Hasta ese momento, la película más taquillera del año era Toy Story 5, que ya había superado el millón de recaudación a nivel mundial.

Pero la buena noticia no es solo monetaria, es también estratégica a un nivel mucho más amplio. Después del fracaso estrepitoso de Supergirl y de que no pocos proyectos de superhéroes hayan cumplido expectativas por la mínima, supone un impulso fabuloso para la Fase 6 del UCM de cara al estreno de Vengadores: Doomsday y Vengadores: Secret Wars porque, como mínimo, está claro que sigue concitando el interés de la audiencia.

Pero, ¿qué ha hecho tan bien esta película para conectar con la gente? Lo primero adoptar un tono más maduro, con un Spider-Man más humano que nunca y sometido a una situación con la que es fácil empatizar.

Su vulnerabilidad es parte de su encanto y si a eso le añadimos la enérgica dirección de Destin Daniel Cretton, el carisma del reparto (genial la incorporación de Sadie Sink) y el buen sabor que deja la película queda bastante claro que estaba todo de frente para triunfar.

¿Conseguirá Doomsday igualar o superar la recaudación de Brand New Day? ¿Qué tiene el trepamuros que tanto nos gusta en cualquiera de sus versiones? ¡Os espero en los comentarios!

A menudo ponemos el foco en qué verán: en la calificación por edades, en los valores que defienden las películas y la impronta que pueden dejar en ellos los relatos a las que les demos acceso. Esto es básico, por supuesto, y un ejercicio de supervisión que no debemos dejar de hacer nunca, pero también es importante el cómo se desarrollan estas experiencias en función de cada momento de su desarrollo y sus necesidades específicas, que varían en función de cada niño.

Vaya por delante que ya hay cines que han ido apostando por las llamadas "sesiones teta", normalmente de carácter matinal y destinadas a progenitores con niños lactantes. Es decir, que estas proyecciones intentan ser "amigables" y favorecer a las familias para que puedan conciliar el ocio y el cuidado de los niños.

Esta iniciativa original surgió en España gracias al impulso de matronas y enfermeras de centros de salud, y actualmente la ofrecen de forma periódica diversas cadenas y salas independientes contando con algunas características muy interesantes:

• Horarios y precios especiales
• Espacios adaptados para poder dejar los carritos en una zona en la que no dificultan el paso
• ​Acceso fácil a cambiadores
• ​Ambiente social de empatía y comprensión (a nadie le molesta un llanto, un balbuceo o un movimiento respetuoso por la sala)
• ​Luz tenue para facilitar los traslados en caso de necesitar atender a los bebés, alimentarlos o cambiarlos
• Volumen suave para evitar molestias en los oídos de los lactantes
• ​Temperatura regulada para que ni el aire acondicionado ni la calefacción generen corrientes de aire ni haya molestias

Ahora bien, si nos centramos en los pequeñines no ya como seres dependientes sino como espectadores, hay dos grandes mejoras que vengo echando de menos, como madre, espectadora y prescriptora de experiencias para mi propia hija, desde hace mucho tiempo.

La primera de ellas es que tengan acceso al cine en igualdad de condiciones a cualquier otro espectador: pagan su entrada y merecen disfrutar igual que los demás, así que... ¡que haya alzadores suficientes! Cuando eso no sucede se dan dos situaciones a cuál peor: que el niño se quede hundido en la butaca y termine aburriéndose, de modo tal que acabará distrayéndose sin hacerle caso a la pantalla e incordiando a todo el mundo que esté alrededor o que trepe a uno de sus padres o adultos de referencia, con resultado similar al anterior.

La otra cuestión también es bastante básica, pero nunca parece tenerse en cuenta: la sensibilidad de los niños al sonido es muy diferente a la de los adultos. Debería estar muy bien calibrado para evitarles molestias y no hay que tener un doctorado para darse cuenta de que en la mayoría de las ocasiones se pasa de la raya: los niños salen de la sala hiperestimulados, hablando a gritos, con dificultades para oír, zumbidos o un pitido constante e incluso piden tapones para amortiguar los ruidos antes de entrar en la sala porque ya saben lo que se les viene encima.

Se considera que el volumen del cine es excesivo para los niños si se llegan a superar los 80-85 decibelios (dB) de forma continua, aunque las salas comerciales alcanzan a menudo picos de hasta 100 dB y nos dejan atronados incluso a los adultos.

Como estoy echando casi la carta a los Reyes Magos pediría una tercera mejora, que es la que veo más complicada de cuadrar: que se favoreciera el visionado de las películas en versión original en los pases de películas infantiles. La mayoría de las proyecciones en VO en salas comerciales están destinadas a público adulto y se dan en pases tardíos. Pero ellos también tienen derecho a educar el oído en otros idiomas y es algo vital de hecho en sus primeras etapas de desarrollo.

Hasta aquí puedo leer... ellos son el futuro y nosotros los encargados de que sea el mejor posible así que a ver si hay suerte, estas líneas caen delante de los ojos adecuados y empezamos a ponernos manos a la obra.

El guionista de Buena suerte, pásalo bien, no mueras abandona aquí el tono gamberrete y la sátira mordiente para componer otro tipo de relato, con una mayor dosis de dramatismo y el fantasma de la pandemia de COVID-19 planeando sobre el arranque.

Todos conocemos esa historia, es casi como si nos leyeran un cuento por el que nuestros ojos ya han pasado antes: la paz inicial, la vuelta a la vida "analógica", el racionamiento de comida, la incertidumbre por no saber del todo qué sucede fuera ni cuál es la amenaza y cómo puede penetrar en el refugio... La parte no amenazadora es preciosa: el estrechamiento de los lazos familiares, la afloración de la creatividad y la recuperación del paso del tiempo.

Pero estamos ante una película de terror apocalíptica y ciencia ficción y la contraparte debe producir angustia, pesadillas y un desconcierto total. La cita inicial ya nos da una pista de por dónde irán los tiros: por la parte acuática de nuestro planeta, que supera con creces la extensión del territorio terrestre.

Resiliencia e ingenio

La última casa nos presenta a una familia compuesta por Ann, Jason y sus dos hijos, Ruth y Graham. Un día cualquiera, poco antes de las vacaciones de Navidad se desata una descomunal tormenta que los servicios meteorológicos no habían conseguido predecir y eso marca el final de una era.

A partir de ese momento quedan encerrados en el interior de la casa, al igual que el resto de sus vecinos. Puertas y ventanas quedan atrancadas, los cristales no pueden romperse y ni siquiera pueden excavar un túnel levantando el suelo.

Desconocen qué clase de fuerza es la que los condena a semejante encierro, así que se disponen a sobrevivir racionando los alimentos y tratando de cultivar sus propias verduras y hortalizas pero el paso inexorable del tiempo hace que los recursos vayan menguando a la vez que va tomando forma la amenaza exterior.

Llegados a un determinado punto no tendrán más remedio que tratar de escapar renunciando al único lugar que les había ofrecido seguridad.

Recién salida del horno, ya está disponible en Netflix la película La última casa, que se beneficia muchísimo de ese punto de partida con el que la audiencia enganchará inmediatamente y de la calidad de las interpretaciones dado que la película la sostienen casi en solitario el cuarteto protagonista, pero sobre todo los progenitores.

Wagner Moura y Greta Lee defienden el relato con uñas y dientes y de paso ponen en pie una enorme metáfora en la que la casa representa una pecera a la inversa, es decir, el espacio seco en medio de los recurrentes diluvios.

Como en otras películas de terror como Nunca te sueltes hay también una lectura de que el hogar es un espacio de tan apacible como desquiciante si se convierte en una imposición permanente,

Sin embargo, La última casa da un viraje sustancial en el último tercio de la película y se sacude las consideraciones filosóficas para llegar a un desenlace bastante menos interesante de lo que cabía esperar. Al final rehúye la posibilidad de plantear un conflicto mayor y termina de una manera simplona, con una estructura circular un una voz en off sosilla.

Por lo demás es una cinta bien construida, con tensión argumental y que se desarrolla a buen ritmo a lo largo de sus 110 minutos de metraje. Leterrier sabe cómo exprimir el espacio y dónde poner la cámara para valerse de recursos que son hasta poéticos. Los efectos especiales son correctos para la pequeña pantalla y la cinta es entretenida para pasar una tarde con la certeza de que no te dará demasiado en lo que pensar.

Mero entretenimiento que, la verdad, daba para más, pero que cumple de todas formas por la mínima. ¿Merece la pena? Depende de tu nivel de aburrimiento este verano. No te va a cambiar la vida, pero tiene cierto encanto.

Por desgracia, los tres siguientes nos llevaron de vuelta a la casilla de salida: los personajes parecían de nuevo estancados, las tramas encerradas en las intrigas palaciegas, densos diálogos y vagas pistas y el grueso de la Danza de dragones sin hacer acto de presencia aún... El séptimo episodio ha supuesto cierta dinamización, como si la serie cogiera carrerilla antes del capítulo final pero... ¿esta vez sí habrá cénit narrativo o estamos abocados a un nuevo coitus interruptus?

Ya sabemos que en 2028 la cuarta temporada tendrá que cerrar la trama de manera decisiva así que es hora de echar toda la carne en el asador. No es momento de llorar por los cambios, sino de asumirlos, encajarlos y ver a dónde nos llevan. Luego habrá que juzgar si el esfuerzo ha merecido la pena o no. Por el momento las quejas sobre el ritmo de la narración y el escaso desarrollo de ciertos personajes están sobre la mesa.

Entre tanto, la espera. El capítulo 3x08 de La casa del dragón se extenderá a lo largo de 75 minutos y el avance oficial y los giros finales del 3x07 ya nos permiten avanzar algunos de los momentos cumbre que queremos ver. Pero, claro, siempre nos queda margen para la desconfianza teniendo en cuenta que el tráiler de la midseason anunciaba mucha acción y se ha dejado caer con cuentagotas.

Los guionistas de esta serie deberían reflexionar bien fuerte sobre esa manía suya de dejarlo todo para el último momento... una cosa es dejar un cliffhanger que estimule la curiosidad de la audiencia y otra muy distinta hacerla sentir como si le hubieran tomado el pelo.

Dicho lo cual, ¿qué queremos ver? Desde luego no un tráiler extendido de la temporada 4 sino la Primera Batalla de Tumbleton, con la traición de los jinetes Ulf y Hugh pasando al bando de los Verdes y permitiendo que sus dragones, Vermithor y Ala de Plata, arrasasen la localidad.

También esperamos el resurgir de Aegon ahora que cuenta con su poderoso dragón; que Aemond entre de nuevo en liza y Rhaenyra se vea contra las cuerdas de veras. Movimiento, a fin de cuentas, y que los 75 minutos no pretendan alargar innecesariamente una trama que no tiene tiempo que perder y debería estar en su punto más emocionante.

Esperemos que puedan pagar los cheques expedidos porque de lo contrario no sé quién estará frente al televisor dentro de dos años. La tercera temporada ya ha acusado el golpe del descenso de la audiencia y todavía a estas alturas tiene que demostrar que va a cumplir las expectativas.