Lo primero que salta a la vista es que los sucesos se han reubicado: en lugar del pueblo gallego de Merlo nos ubicamos en la localidad ficticia del País Vasco llamada Ura. Esto es importante por varios motivos: parte de los diálogos se dan en euskera y es preciso guiarse por los subtítulos, pero además también le permite a la serie beneficiarse de la belleza del Parque Natural de Gorbeia y de localidades como Urdaibai y Barrika.

Aunque cambiemos las coordenadas espaciales, lo que se mantiene es la sensación asfixiante de una comunidad pequeña en la que todo el mundo es juzgado y en la que, asimismo, cada cual tiene sus secretos escondidos de la mirada de los demás. Y esto es realmente importante para el desarrollo de la trama y las revelaciones de las que se nos va haciendo partícipes como espectadores.

Otro de los aspectos que ha cambiado en la adaptación televisiva son los plazos temporales: en la serie Infamia la desaparición de las niñas se dio veinte años atrás, en lugar de veinticinco, lo que permite jugar con la cuenta atrás antes de que que prescriba el caso y le da un nuevo impulso a la investigación paralela de la protagonista. Sea como fuere, el punto fuerte de la narración no es el ritmo, dado que los capítulos son muy largos (rondan la hora de duración) y los giros de guión están muy dispersos.

Secretos, mentiras y medias verdades

Tras una dolorosa ruptura que desencadena una crisis existencial importante, Emma Cruz decide mudarse con su madre. Es una mujer joven atormentada por la muerte de su hermana en la infancia que ejerce ahora como abogada y profesora y hace gala de unas sólidas convicciones morales. De modo que, cuando es conocedora de la desaparición de dos niñas dos décadas atrás su curiosidad profesional la lleva a indagar en las investigaciones previas y a buscar nueva información que permita la resolución del caso, antes de que la justicia le de carpetazo.

Cuando consigue por fin ganarse la confianza de la madre de las niñas y acceder a los archivos, empieza a hacerse una composición de lugar que pondrá sobre ella una diana: hay demasiados intereses ocultos entre aquellos que ven amenazado su statu quo y no quieren que se desentierre el pasado.

Por su parte la propia Emma tiene que cargar con los fantasmas de sus recuerdos y tomar decisiones sobre su futuro inmediato mientras trata de recomponer su relación con su madre, que a duras penas consigue comunicarse con ella.

Infamia traslada la sensación de que es una adaptación algo inflada: o bien necesitaba menos capítulos o podría funcionar mejor como una película. Como decíamos al comienzo de este análisis, las revelaciones tardan en llegar y las sospechas sobre determinados personajes se van alimentando de manera recurrente, lo que hace que se le vean un poco las costuras a la historia antes de tiempo, incluso para quienes no hayan leído previamente la novela.

Por otra parte, el ritmo moroso le resta eficiencia a la atmósfera claustrofóbica en la que hay un componente muy fuerte de violencia sistémica y social contra las mujeres, abusos en el entorno de la Iglesia y un drama maternofilial latente.

Se apoya en la competente dirección de actores de Agustina Macri y un reparto en el que ellas son especialmente brillantes: Susana Abaitua, Eva Llorach o Ane Gabarain componen personajes complejos, difíciles y marcados de una forma u otra por el silencio y una soledad muy íntima. A falta de conocer si el desenlace está a la altura del desarrollo, Infamia juega con buenas cartas aunque le habría venido bien más soltura narrativa.

En unas recientes publicaciones en redes sociales calificó sus cuatro años al frente de DC Studios como "difíciles, por decirlo con suavidad", señalando que no disfrutó la naturaleza corporativa del puesto. También se disculpó con su esposa, Jennifer Holland, por el tiempo personal que el cargo le ha arrebatado y mencionó cómo ha estado sufriendo por la obligación de dividir su atención en proyectos que no le apasionaban artísticamente.

Ha expresado su alivio por volver a centrarse en la escritura y la dirección de proyectos y, de hecho, ha confirmado el estreno de Man of Tomorrow para el verano de 2027 y que ha sido contratado para escribir un nuevo proyecto de DC junto a Peter Safran, a quien califica como su mejor socio y amigo.

En su repaso por los logros de su gestión, celebró el lanzamiento de Superman, Clayface, Peacemaker y Lanterns, dejando bastante claras las omisiones: Creature Commandos y Supergirl que se cuentan como dos grandes fracasos... Y hay que ser generosos para comprarle el argumento, porque el rendimiento en taquilla de Superman fue muy inferior de lo deseable. Según The Hollywood Reporter, Skydance consideró Supergirl como una "bomba masiva" (estrenada en junio de 2026, la película apenas recaudó 126 millones de dólares a nivel global frente a un presupuesto de producción de 170 millones más gastos de marketing, lo que supuso importantes pérdidas económicas y encendió las alarmas en la directiva) mientras que Superman con sus 618 millones de dólares tampoco ha logrado impresionar a los ejecutivos y en sus palabras "careció del impacto en la cultura popular" que era de esperar de una producción de tamaña magnitud.

Pero vayamos a la base del asunto... ¿De veras ha llegado a haber un proyecto de universo compartido? Porque no es eso lo que se venía percibiendo de manera externa. Proyectos independientes con pocos links temáticos y estilísticos y un enconamiento en enfocarse en personajes secundarios relegando a los grandes personajes de DC casi al olvido. Es una estrategia que parece diseñada para dirigirse a un público de nicho y no a una audiencia amplia. Puede que hubiera sido más sensato consolidar a la nueva Trinidad (Superman, Wonder Woman y Batman) o una nueva Liga de la Justicia antes de empezar a desarrollar personajes menos conocidos y hacerlos existir fuera de un contexto más amplio.

Pongamos el caso de Clayface. No es mala idea hacer una película de presentación en la que vuele por libre... si después "engancha" de alguna manera con Batman, que para eso es uno de sus archienemigos, o tienen al menos la ciudad de Gotham en común. Sin embargo, parecen haberse priorizado proyectos independientes sin visos de continuidad ni "gancho" para los espectadores. Un universo compartido supone que consigan ir más allá de su trama autoconclusiva, generar expectación e interés en la audiencia y tener cierto nivel de conexión. Esto no significa renunciar a la diversidad ni abogar por un enfoque plano... ¡Será por personajes y por tramas que se pueden adaptar! Lo que menos tolera el fandom es tener la sensación de que se le está dando, precisamente, más de lo mismo. Esa fue una de las críticas más habituales tanto a Superman como a Supergirl, que parecía que estábamos viendo otra vez Guardianes de la galaxia pero sin la frescura del original y en un tono forzado que no casaba con las expectativas respecto a DC, que se ha venido caracterizando por cierto nivel de oscuridad y por un enfoque más adulto.

En suma, no ha sido cosa de un error o dos. James Gunn no era la persona idónea para un puesto administrativo que no ha sabido congeniar con su capacidad creativa. Tampoco supo escoger una línea coherente de relatos que encajaran entre sí y, como colofón, no ha sabido abrirse al gran público. Si los cambios serán positivos o no, es muy pronto para juzgarlo pero estaba clarísimo que había que tratar de enderezar el barco. A ver si esta vez llega a puerto...

Lo mejor es que pone la película en manos de un nuevo dueto interpretativo memorable: John Malkovich en el que es, probablemente, uno de los mejores papeles de su larga y variada carrera y Sam Rockwell. Ambos hacen brillar unos diálogos y monólogos plagados de momentos brillantes y absurdos, como la vida misma.

Que la ambientación setentera no llame a nadie a engaño: lo que cuenta la película, el trasfondo y el pesimismo casi existencialista que arrastra es intercambiable con el que vivimos a día de hoy. Si hace algo más de medio siglo todo parecía ya vendido... ahora para qué contar. El guión de la película es complejo, intrincado, sabe hace uso del misterio y del factor sorpresa. Todo ello llevando al espectador de la sonrisa al borde de la lágrima casi sin solución de continuidad. McDonagh es un superdotado para mezclar tonos atrapando la atención y el seso.

La relación del queso con la democracia

Los agentes de la CIA Chris y Lee están al tanto del golpe de Estado que está a punto de darse en Chile cuando son enviados de Santiago a la isla de Pascua por su jefe de oficina MJ, aunque sin especificarle al primero el motivo del viaje.

Chris está empezando a perder la cabeza, de modo que está planeando escribir sus memorias. Mientras visitan los emblemáticos moais los veteranos compañeros se enfrentan a sus recuerdos del pasado y a las acciones planificadas por la agencia. Su vínculo, en apariencia casual, con dos estudiantes izquierdistas rebeldes les llevará a meterse en un lío.

MJ no quiere filtraciones ni mucho menos aún que se aireen algunas de las misiones más conflictivas en las que ha estado implicado Chris y todo dará un salvaje volantazo cuando se acerque el final de la estancia en la isla.

¿Recuerdas los tópicos de las pelis de espías? Ya puedes ir desechándolos todos para dejarte sorprender por Wild Horse Nine. Aquí la cosa no va de buenos y malos sino de malos y más malos todavía o de malos haciéndose pasar por buenos y de buenos haciéndose pasar por malos o, quizás, simplemente de sobrevivir al cinismo político teniendo la suerte de no estar en el punto de mira en un momento aciago. Esa es una de las mayores virtudes de una película sorprendente que en el plano ideológico puede resultar decadente pero que por desgracia nos da varias capas de realidades incómodas. Malkovich crea un personaje central en un declive que le hace ver las cosas con la claridad dolorosamente cristalina.

A nivel técnico a la película se le pueden poner algunas pegas: la fotografía lo pasa regular con la climatología de Pascua y hay también algún error de raccord reseñable, pero también es cierto que McDonagh busca composiciones de planos muy bonitas y le saca partido a los colores gracias al estrafalario vestuario de los años 70. La cinta está bien ambientada y se queda en la memoria no tanto por su aspecto (aunque en parte también) como por el trasfondo de los personajes, sus implicaciones en "eventos macro" y su experiencia. La misma que es capaz de darle pistas a la resistencia o de derrocar un gobierno legítimo refrendado en las urnas.

Wild Horse Nine habla de amistad, de traición, del peso del paso del tiempo, del agotamiento y de la necesidad de trascender de alguna forma, quizás incluso arreglando algunos de los desperfectos con los que cargan los personajes en sus pesadas mochilas. Y de abandonar el mundo con liviandad, pensando si en el cielo habrá dinosaurios o nazis y si habría sido mejor pasar más tiempo con caballos que acribillando enemigos.

En suma, como todas sus películas previas, no es sencilla, supone una ducha escocesa con fuertes contrastes tonales, pero llega a buen puerto dejando constancia de que las dos horas invertidas en la experiencia de visionado están más que justificadas. Siempre merece la pena encontrar aquello que te resta miedo a morir... sobre todo cuando sabes que el final es inminente.

En Cómo robar un banco se pone más serio de lo habitual para abordar una serie de reivindicaciones sociales que dejan claro que estamos ante un drama con grandes aspiraciones. El toque gamberro lo pone un grupo de atracadores que no solo alardean de sus gestas en redes sociales sino que, además, ofrecen tutoriales para seguir sus pasos y poner en jaque a las fuerzas del orden que andan tras ellos.

¿Qué tal le sienta a la ecuación una tonelada de cinismo? Regular, es como una mala digestión de V de Vendetta sin resistirse a unos cuantos topicazos que hacen que los personajes entren en el terreno de lo previsible y lo sensiblero. En el fondo hay mensajes muy válidos y Cómo robar un banco le toma el pulso a una sociedad cansada de estar bajo la bota de una élite privilegiada insaciable, pero después no sabe qué hacer con eso y termina en terreno pisado ya una y mil veces. Hace malabares para conjugar los dos elementos: el ritmo y el estilo visual urbano, moderno y desafiante y una serie de tragedias íntimas que escalan a nivel mucho más amplio hasta llegar a revueltas en las calles. El reto ya debía antojarse complicado desde su primera versión en papel.

Revolución para dummies

Cómo robar un banco nos presenta a una banda de ladrones especializados en dar golpes rápidos, sin víctimas y muy eficientes. Pero lo que los hace especiales de verdad es el hecho de que graban cada atraco para convertirlo en un espectáculo en sus redes sociales que les permite alcanzar una fama viral.

Aconsejan a los usuarios seguir su ejemplo, les suministran enlaces para saber dónde comprar armas, munición y máscaras y les dan consejos para huir rápido y disfrutar del proceso creando una nueva identidad en cada ocasión. Incluso apuestan por repartir parte de sus botines en causas benéficas como parte de un modus operandi de redistribución de la riqueza.

Esto termina llamando la atención de un veterano agente del FBI que encuentra en una brillante ingeniera informática a su aliada perfecta para buscar en sus vídeos información que permita dar con su paradero. Mientras la banda arriesga cada vez más para dar su gran golpe final, desafiando al poder con mensajes incendiarios y acciones colectivas, tendrán que evitar ser atrapados.

Cómo robar un banco es una película que arranca con tal dosis de energía que hace pensar con cautela en las dos horas de duración del metraje que quedan por delante porque los montajes para redes sociales de los atracadores son bastante cargantes, como un dosis ultraconcentrada de información a toda leche, con repeticiones, caricaturas, efectos de sonido y sobreimpresiones que difícilmente se sostendría sin momentos de mayor calma y desarrollo narrativo a un ritmo más lento. Recupera, eso sí, cierta dosis de humor físico, por más que el punto fuerte de la cinta sea el drama humano, familiar y social, que se esconde tras la pretendida banalización de los robos.

El gran talón de Aquiles de la película, como ya anunciábamos al comienzo, es la dificultad de sostener una historia que quiere hacer de su argumento contra el capitalismo extremo y los abusos del sistema financiero su principal objetivo pero sin perder un tono distendido que consiga atrapar a una audiencia joven y algo harta también de ver cómo la cultura del esfuerzo la defrauda en un mundo dominado por élites parásitas. La estructura de la cinta se vuelve algo repetitiva y está sobreexplicada sin saber economizar esfuerzos para llegar a un desenlace desangelado.

Estamos ante la adaptación de la novela de Virginia Feito. Se encarga, ella misma, de firmar el guión de esta película que alcanza los 104 minutos de duración y a la que, en principio, no deberíamos reprocharle por tanto que no sea fiel al material original, por más que en su traslación a la pantalla, se haya transformado notablemente.

Se presenta como una suerte de actualización de American Psycho en el siglo XIX, combinando los relatos góticos de institutrices envaradas con elementos gore, humor negro y sátira social en la medida en que expone la hipocresía, la represión sexual y la crueldad de la alta sociedad victoriana. Dialoga con la última temporada de Monstruo: La historia de Lizzie Borden aunque sin llevar su premisa tan lejos ni recrearse tanto en su extravagancia visual y temática.

A pesar de contar con solo dos largos previos en su filmografía, Wigon ha conseguido reunir un reparto de primera categoría para Victorian Psycho. A la magnética (y muy comprometida con el fantaterror) Maika Monroe se unen Jason Isaacs, Ruth Wilson o Thomasin McKenzie, todos ellos con una reconocida y solvente trayectoria interpretativa. El elenco es uno de los puntos fuertes de la cinta.

Buenos modales... y obsesión por descuartizar

Victorian Psycho nos presenta a Winifred Notty, una joven que llega como institutriz a Ensor House avalada por buenas referencias que esconden un historial bastante sombrío, en realidad.

Su labor será la de educar a los hijos del matrimonio Pounds, Drusilla y el heredero de la acaudalada fortuna familiar, Andrew, que es el niño mimado de la mansión.

Nada más poner allí un pie, Winifred sufre la crueldad del resto de los miembros del servicio además de comprobar en sus carnes la frialdad de su señora, una mujer celosa y sombría que atormenta a sus doncellas cada vez que tiene ocasión. Por su parte, su marido se ampara en su pasión por la frenología para abordarlas y tratar de aprovecharse de ellas. Pero lo peor es que el jardinero pronto reúne pruebas del turbulento pasado de la institutriz amenazándola con hacer público el escándalo si no le da una importante suma de dinero o le ofrece otro tipo de "compensación".

Bajo la fachada dócil, complaciente y atenta de Winifred se esconde algo mucho más perturbador que se abre paso cuando pierde el control y se apodera de ella una violencia irrefrenable.

Victorian Psycho es una película entretenida y articulada sobre un diseño de producción más que decente, pero peca de tratar temas bastante trillados y no saber hacer uso del factor sorpresa. La personalidad retorcida de Winifred se deja ver desde el primer instante con una dirección de actores que le compra a Monroe una serie de histrionismos que inclinan la balanza hacia el humor negro, sin terminar de rematar la faena. Tiene mala baba, pero no la suficiente como para elevar la propuesta con la originalidad que la haga perdurar en la memoria.

A nivel de mitología interna, tampoco sabe aprovechar la figura del ghoul (o gul, para quien lo prefiera) ni explicarla e forma inteligible para el espectador. Tanto es así que se ha traducido como "fantasma", que no tiene nada que ver con el demonio necrófago que se supone que habita en el interior de la protagonista y al que ella misma llama Fred. Éste es un error de base que le resta interés a la historia porque es definitorio para el clímax final y para comprender al personaje central de la historia y la misoginia que la rodea.

Habría precisado de un mayor desarrollo argumental y de unas cuantas explicaciones para encajar en la narrativa aportándole algo más que secuencias inquietantes y sustos pasajeros... a los que, por cierto, también les falta algo de hemoglobina, sin que la cinta destaque tampoco por su capacidad de conmocionar en la audiencia.

En el lado positivo, el montaje maneja muy bien con las ausencias de Winifred desatada y genera un juego de realidades paralelas satisfactorio y con ritmo.

Nintendo y Columbia Pictures (Sony) colaboran para llevar a acción real la icónica saga de Nintendo que lleva décadas fascinando a los fans. Wes Ball, el director de la trilogía de El corredor del laberinto y de El reino del planeta de los simios, está a cargo de la cinta y el reparto está compuesto por Benjamin Evan Ainsworth como Link, Bo Bragason como la princesa Zelda, Uli Latukefu como Ganondorf y Dichen Lachman como Impa. También veremos a Yvonne Strahovski, Lydia Peckham, Graeme Gilby y al difunto Sam Neill en una aparición póstuma.

El rodaje se dio por concluido en el mes abril de este mismo año tras varios meses sacándole partido a localizaciones naturales de Nueva Zelanda (Otago y Glenorchy), buscando un tono de fantasía épica y realista que se viene desde hace tiempo comparando con El señor de los anillos y dejando un año de por medio para la posproducción, un plazo bastante razonable.

Pero entonces, ¿de dónde nace la desconfianza y la sospecha de que las cosas no van como deberían ir? La cuenta oficial de la película de Nintendo en Instagram ha sido desactivada. Esto, aunque podría deberse a alguna rectificación en la estrategia promocional, también podría deberse a un ajuste más drástico en el calendario de estreno.

El otro hecho que ha desatado escepticismo es la ausencia de novedades en el Nintendo Direct dedicado a Zelda donde sin embargo sí se ofrecieron numerosos detalles de Zelda: Ocarina of Time Remake. Se esperaba un primer tráiler de la película producida por Shigeru Miyamoto (Nintendo) y Avi Arad (Arad Productions) que por el contrario jamás llegó y la única alusión a la cinta fue que se titularía The Legend of Zelda, sin más información: ni subtítulo, ni trama, ni un solo detalle significativo más.

Por ahora no tan trascendido cambios en el guión escrito por Derek Connolly y T.S. Nowlin aunque como es evidente la película podría requerir regrabaciones, algo que elevaría el coste del proyecto y podría estar asociado al temido retraso. Pero es pura especulación, no hay información oficial al respecto.

Shigeru Miyamoto ya explicó en su día los altísimos estándares a los que aspiran con esta película así como su deseo de asegurar la máxima calidad posible y tomarse el tiempo necesario en la producción para no lanzar una obra mediocre. Tiene una legión de fans a la que contentar y el remake del videojuego, de hecho, ha sido de gran éxito, así que no se contempla lanzar una película que no aspire a una calidad sobresaliente.

Por otra parte, está la competencia: las distribuidoras tienden a buscar fechas idóneas en las que la cartelera no esté disputada por grandes títulos ni las temidas franquicias. Una rectificación a tiempo puede significar sacarse de encima una fecha conflictiva que le brinde el protagonismo deseado a la cinta.

Sea como fuere, todavía no hay nada sobre la mesa y quedan algo menos de seis meses para la fecha de estreno. Puede que nos estemos precipitando y proyectando nuestros miedos con demasiada premura... o puede que, en efecto, no haya trascendido algún problema que termine por retrasar el live-action de The Legend of Zelda. Es probable que este escenario sea el más deseable siempre y cuando la calidad del proyecto sea la deseada.

Al no tener detalles hay una gran incertidumbre entre los seguidores sobre cómo adaptarán la fragmentada y extensa mitología de los distintos videojuegos de la saga, lo que hará determinante el rol que tendrá Nintendo en la supervisión creativa (similar a lo ocurrido con las películas de Super Mario).

La expectación es máxima y la audiencia cada vez más difícil de satisfacer por su alto nivel de exigencia, de modo que todas las miradas están puestas en el incierto porvenir de una de las películas más esperadas del próximo año... y la presión crece día tras día. Estaremos muy atentos para ofreceros cualquier novedad sobre ello.

Pero es que, además, también está en el punto de mira de James Gunn para explorar la posibilidad de que se una a su nuevo Universo DC. Ya ha interpretado en un par de ocasiones a Aquaman: en la serie Smallville, donde podéis verlo bien jovencito en un par de breves apariciones y prestándole su voz al personaje en la película de animación La Liga de la Justicia: La nueva frontera.

Pocos sabrán que su carrera arrancó como modelo y que una de las peores experiencias de su vida le llevaría a abandonar esa ocupación para abrazar otra pasión: la música. Llegó a publicar un álbum acústico como solista y a audicionar en American Idol y de vez en cuando ha explotado su talento en alguna producción. Canta como los ángeles.

Aunque le ha costado encontrar su camino en la interpretación, ha trabajado a las órdenes de Louis Leterrier en Fast & Furious X, a las de Guy Ritchie en El ministerio de la guerra sucia y ha triunfado a lo grande en televisión y en papeles tan celebrados como el de Máquina de guerra en el que rivaliza con John Wick por hablar poco y centrarse mucho en la acción.

Ha sido recientemente sustituido de la película Maelstrom por Keanu Reeves, precisamente, pero lo veremos en la cinta navideña El busca del saco mágico junto a Arnold Schwarzenegger y en Helldivers, que dirigirá Justin Lin. Pero seguramente uno de los proyectos que le resultarán más ilusionantes es Bad Seeds of Loving Spring, el segundo largometraje que va a dirigir y protagonizar que ya está en preproducción al igual que Counting Miracles. ¡A Alan Ritchson le queda cuerda para rato! ¡Maravilla!

Aunque es probable que muchos de vosotros esperarais a verla en abierto en abierto en La Sexta el 11 de enero de 2011. ¡Menudo impacto el de Los días transcurridos (Days Gone Bye)! Tantos años después, sigue siendo uno de los mejores valorados con una media de 9,2 en IMDb y 42.000 votaciones. No es para menos.

Quince años dan para vivir una vida entera. Precisamente aquel año estaba una Raquel Hernández más joven, recién casada, incorporándose al equipo de HobbyConsolas. ¡Dani Quesada no tenía ni una cana! En este tiempo ha cambiado nuestra forma de consumir series y las estrategias para lanzarlas no tienen absolutamente nada que ver, el mercado ha crecido, se ha segmentado y ha empezado a replegarse sobre sí mismo y la lógica interna de lo que era la adaptación de una novela gráfica se fue volviendo mucho más compleja alzando un vuelo independiente.

También ha cambiado completamente la perspectiva en el sector de la crítica. Por aquel entonces había pocos portales especializados en series, que eran productos "menores" en los que se invertía mucho menos dinero que en el cine, y la prensa centrada en los videojuegos no mostraba excesivo interés en otras áreas.

En HobbyConsolas iniciábamos un proyecto que muchos copiarían después al calor del éxito: incorporar contenidos de cine, series, cómics y entretenimiento para darle cabida precisamente a formas de ocio adyacentes a los videojuegos.

The Walking Dead recorrió el camino inverso: empezó diversificando con spin-offs y novelas que llevaron las viñetas a nuevos públicos y acabo incurriendo en el sector los videojuegos y los juegos en línea y para móviles.

Todo formaba parte del mismo proceso: comprender que no hay nichos sino vasos comunicantes y que, si amas un concepto, puedes disfrutarlo de muchas maneras diferentes. Y así la marca se fue expandiendo.

Series de televisión y Spin-offs

• The Walking Dead (Serie madre, 2010–2022)
• Fear the Walking Dead (Spin-off precuela/secuela, 2015-2023)
• The Walking Dead: World Beyond (Miniserie sobre la primera generación post-apocalíptica, 2020-2021)
• Tales of the Walking Dead (Serie antológica, 2022)
• The Walking Dead: Dead City (Centrada en Negan y Maggie, 2023-?)
• The Walking Dead: Daryl Dixon (Centrada en Daryl Dixon, 2023-2027)
• The Walking Dead: The Ones Who Live (Centrada en Rick Grimes y Michonne, 2024)

Cómics y Novelas gráficas

• The Walking Dead (Cómic original creado por Robert Kirkman y Tony Moore / Charlie Adlard, publicado desde 2003)
• Novelas y adaptaciones en prosa (como la serie de novelas de The Walking Dead escritas por Robert Kirkman y Jay Bonansinga que exploran el origen del Gobernador y otros personajes)

Videojuegos

• The Walking Dead (Telltale Games): Aclamada aventura gráfica dividida en varias temporadas (Clementine y Lee)
• The Walking Dead: Survival Instinct: Videojuego de acción en primera persona enfocado en Daryl y Merle Dixon
• The Walking Dead: Destinies: Videojuego de acción y aventura donde puedes reescribir la historia de la serie
• Juegos en línea y móviles (como The Walking Dead: Our World o The Walking Dead: All-Stars)

Merchandising y otros productos

• Figuras de acción y coleccionables (Funko Pop, estatuas de marcas como McFarlane Toys, etc.)
• Juegos de mesa (como The Walking Dead: All Out War o juegos de tablero temáticos)
• Ropa, accesorios, réplicas de armas y objetos de utilería disponibles en tiendas especializadas

Con todo el fenómeno fan generado alrededor de The Walking Dead y el lucrativo y extenso negocio que ha puesto en pie, hay algunos aspectos básicos que nunca hemos conseguido desentrañar como el origen del virus, la posibilidad de que exista una cura o el destino de algunos personajes que quedaron relegados al olvido.

Pero, de vez en cuando, yo trato de volver al primer germen, a aquel primer episodio (no conocía el cómic del que provenía en ese momento) y la sensación genuina de estar viendo algo que me imantaba a la pantalla como hacía mucho tiempo nada lo había hecho.

Rick despertando del coma para descubrir una ciudad infestada de caminantes. ¿Cuál sería el destino de la serie si en lugar de alumbrarse en 2010 cobrara vida en 2026? ¿Cómo sería la recepción crítica y la del público? ¿Habría llegado tan lejos o incluso más allá? Solo sé que añoro la fuerza de ese primer impacto y la sensación de estar al comienzo de un largo camino lleno de recodos, de momentos de alucine y también de pequeñas y grandes decepciones. Era impredecible en aquel momento saber la envergadura que alcanzaría y su grado de penetración en la cultura popular...

Ahora, cuando las cosas se hacen bien, no envejecen a pesar del paso del tiempo. Qué será de The Walking Dead a partir de 2027, es una incógnita... Daryl Dixon llega a su fin y de momento no se han anunciado novedades...

En otras palabras, somos mucho más permisivos con las licencias narrativas cuando nos metemos debajo del anchísimo paraguas de la ficción porque no nos sentimos estafados con las inexactitudes, los cambios y el relleno de información que a fin de cuentas no se puede llegar a conocer. Todo es interpretable. Encontraríamos aquí series como El cuerpo en llamas, El caso Asunta o El crimen de Pazos, que se estrenará el próximo 13 de noviembre.

Algo muy distinto es una obra documental que aspira a tener un impacto social y comunicativo, ordenar la información verificada y esclarecer hechos difícilmente asimilables que comportan un crimen real. En esta categoría encontraríamos la serie antológica de Crímenes de Carles Porta, El caso Alcàsser o El caso Asunta: Operación Nenúfar. A todas ellas se les exige un rigor muy diferente y desligarse del sensacionalismo..

Nos vamos a quedar en esta ocasión con tres series documentales del género true crime que han generado, por distintos motivos, enormes polémicas que han puesto en duda su calidad y dejan constancia la sensibilidad de la materia que exploran y la exquisitez de la que se presupone que deberían hacer gala a la hora de manejar hechos tan delicados.

En 2024 veía la luz la serie documental El rey del cachopo, compuesta por tres episodios de unos 50 minutos de duración. El título aludía al sobrenombre de César Román, condenado a 15 años de prisión por el asesinato y la profanación del cadáver de su exnovia, Heidi Paz Bulnes en el año 2018 en Madrid. A pesar de manejar información muy actualizada sobre el caso, la serie omitía algunos detalles específicos muy importantes, como la evaluación psicológica del individuo y se valía de un tono, casi paródico en algunos momentos, que contrastaba fuertemente con la gravedad del crimen machista que además le daba un protagonismo al asesino de lo más incómodo.

Un año después se estrenaría Angi: Crimen y mentira en formato de díptico. María Ángeles Molina, alias Angi, suplantó la identidad de su amiga Ana Páez con el objetivo de contratar varios seguros de vida a su nombre y cobrar importantes sumas de dinero para después asesinarla en Barcelona en 2008. La miniserie de Netflix se paralizó y retrasó de forma temporal debido a una orden judicial que incluso obligó a retirar hasta los materiales promocionales. La razón es que utilizaba imágenes previas al crimen sin el consentimiento expreso de los afectados, lo que abrió un intenso debate sobre los límites de la privacidad.

Finalmente, la más reciente es El asesino de TikTok, una miniserie estrenada este mismo año, compuesta también por dos episodios. En ella se habla de José Jurado Montilla, conocido como "Dinamita Montilla", un asesino en serie español que fue condenado en los años 80 a más de 120 años de cárcel por cuatro asesinatos brutales, si bien salió en libertad en 2013 tras la anulación de la doctrina Parot. Años después se valdría de la red social para atrapar a nuevas víctimas y tratar de salir indemne de sus crímenes.

Las críticas negativas obedecieron a distintas razones: una estructura y ritmo irregular, con mucha información redundante y documentada pobremente a través de programas de telebasura y la priorización del morbo por encima de un análisis más concienzudo de las razones que le permitieron volver a matar, además de la utilización chusca del dolor de los familiares de las personas asesinadas, por las que se muestra poca empatía.

En suma, cualquier obra requiere de un mínimo nivel de respeto y honestidad, pero cuando entra en el terreno de los crímenes reales y remueve casos tan controvertidos y escandalosos, en los que el duelo puede seguir en curso o los hecho pueden no haberse esclarecido completamente, es aún más necesario tener un inmenso cuidado a la hora de manejar la información y darle forma.

Se trata de la nueva serie internacional de Movistar Plus, disponible al completo desde ayer mismo y con un reparto muy atractivo encabezado por Jon Hamm, Giovanni Ribisi y Mireille Enos, entre otros.

Evidentemente, tener ocho horas de desarrollo en lugar de apenas un par, permite profundizar mucho más en multitud de aspectos: el contexto histórico, la evolución de los personajes, la forma en la que trabajan los medios de comunicación, el origen de las reivindicaciones del secuestrador, la idiosincrasia de las autoridades, lo intereses cruzados y un largo etcétera, pero también supone asumir el riesgo de perder la atención de los espectadores en el caso de que el montaje se relaje o la narración se detenga demasiado en los detalles menos importantes. American Hostage no es tan constante como para asegurarse esa atención de manera uniforme. Algunos capítulos son vibrantes, mientras que otros rozan cierto tedio y esto es algo que le pasa factura a la experiencia de visionado.

Cuando el periodismo es parte de la noticia

American Hostage nos desplaza a la Indianápolis de 1977 para narrarnos. la historia de Tony Kiritsis, un hombre desesperado que toda una decisión dramática. Convencido de haber sido estafado por una compañía hipotecaria, toma como rehén al ejecutivo Dick Hall, a su vez hijo del director y le coloca alrededor del cuello un dispositivo conectado a una escopeta.

Su primera exigencia es hablar en directo con Fred Heckman, una celebridad de la radio local y único interlocutor en el que confía. Lo que comienza siendo un suceso local pronto trasciende para convertirse en un fenómeno mediático de alcance nacional y es, de hecho considerado el primer acontecimiento retransmitido a tiempo real que mantuvo atrapado a todo el país, pendiente de la resolución de un hecho de tal gravedad.

Mientras atendía a la exigencia básica de informar a las millones de personas pendientes de las retransmisiones, el propio Heckman estaba siendo parte de la historia dando forma a la corriente de simpatía entre la audiencia hacia el secuestrador pero también tratando de manipularlo sutilmente para desarmarlo y conseguir liberar a Hall. Un doble juego exigente a lo largo de 63 horas interminables.

El corazón de esta historia es el hecho de que las fronteras entre periodismo y entretenimiento comenzaron a desdibujarse más que nunca desde este momento. La serie pone en valor no solo una ambientación exhaustiva para desplazarnos en el tiempo sino que logra que además se perciba como muy natural, sin excesos de impostación. En la misma dirección va la jazzística banda sonora que guía la trama en los momentos más caóticos en los que todo el mundo tiene el alma en vilo.

Otro recurso que funciona bastante bien es el de las pantallas partidas para derribar barreras físicas y darle tracción a las conversaciones entre los protagonistas, aunque a base de usarlo a menudo, se vuelve un tanto monocorde.

El gran talón de Aquiles de American Hostage es que tiene algunos problemas tonales: quiere prestarle una gran importancia al drama periodístico y bucear en las incertidumbres y los callejones sin salida a los que llegan los personajes, que en un determinado punto tienen que tomar partido por un bando para atajar la crisis pero, por el camino, la crítica a las dobleces del sistema hipotecario y a los caminos que usa el poder para abrirse paso, queda algo laxa, sin la fuerza que requería para ponerle el cascabel al gato.

Por otra parte, las comparaciones son inevitables: Bill Skarsgard daba verdadero miedo en el papel, era nitroglicerina que parecía a punto de estallar en cualquier momento y trasladaba muy bien la sensación de peligro y urgencia, algo que Ribisi no consigue ni de lejos. Su tratamiento del personaje es mucho más comedido y humano, por más que la situación sea retratada con mimo. Es probable que esta versión se acerque más a la verdad al ser menos estilizada y espectacular, pero también acusa un desarrollo alargado en demasía. Se deja ver, pero siempre con la sensación de que podría ser mucho mejor con la mitad de los episodios.

Y, de entre todos los contenidos que incluye la revista, hay un tipo en concreto que nunca ha faltado: los análisis. A fin de cuentas, ese era y sigue siendo uno de los principales motivos por los que alguien lee Hobby Consolas: para saber qué opina un grupo de profesionales sobre los juegos del momento.

Ahora bien, en estos 35 años, el medio ha sufrido enormes cambios que nos han obligado a evolucionar a la hora de hacer análisis. Uno de los más destacables es que ya no sólo publicamos los análisis de videojuegos; también hacemos críticas de películas y series.

En este artículo, Raquel Hernández Luján y Álvaro Alonso, redactores con un largo recorrido en cine y juegos dentro de Hobby Consolas, reflexionan sobre cómo ha cambiado la forma de elaborar críticas y análisis en los últimos años. Empecemos por los juegos...

Así ha cambiado los análisis de videojuegos, por Álvaro Alonso

No puedo hablar de primera mano sobre cómo se elaboraban los análisis en los inicios de la revista (aunque sabemos que muchas capturas de los primeros números eran fotos "reales" hechas a la consola o pantalla), pero, como muchos de vosotros, devoré "Hobbys" antes de entrar a formar parte de la ídem, así que tengo una buena idea sobre cómo eran las reviews antes.

Además, he vivido lo que se podría considerar como el "período de transición": cuando entré, hace ya más de doce años, PlayManía y Revista Oficial Nintendo todavía formaban parte de la editorial, así que me tocó hacer muchos contenidos para las ediciones impresas, además de para la web (llegué a tener que escribir el mismo análisis en tres versiones diferentes en varias ocasiones).

Algo que me llamó mucho la atención al principio fue que a los compañeros que ya llevaban años escribiendo para la(s) revista(s), lo de escribir en la web no les terminaba de convencer. A mí me pasaba al revés: acostumbrado a escribir en web, sin un límite de palabras, cada vez que me tocaba adaptar un análisis a cualquiera de las cabeceras suponía un auténtico dolor de muelas.

Hoy, sin embargo, les entiendo bastante bien. Las exigencias del SEO (dicho mal y pronto: el lenguaje que debes utilizar para que Google te tenga en cuenta) se han acrecentado con el paso de los años, hasta el punto de que ahora mismo los análisis se han democratizado, dificultando enormemente la creatividad al escribir. Siempre me he considerado una persona con mucha imaginación, con ganas de probar cosas nuevas y de salirme de lo establecido, pero ahora mismo eso es prácticamente imposible.

Siempre pongo como ejemplo el análisis de Elden Ring: mi idea era escribirlo con el formato de un libro de "elige tu propia aventura", con párrafos que te hiciesen saltar a otros párrafos y/o te llevasen a la muerte y vuelta a empezar. Pero eso hubiera sido un suicidio desde la "perspectiva SEO"... Por no hablar de que habría llevado muchísimo tiempo elaborar algo así.

Ese ha sido otros de los grandes cambios en la forma de analizar: yo no lo viví, pero he escuchado las historias sobre cómo hace años las compañías mandaban los juegos con muchísimo tiempo de antelación, dando de sobra para pasárselo, escribir el análisis e incluso preparar guías. Actualmente, sin embargo, si te dan una semana para pasarte el juego y publicar el análisis, da gracias. Hay excepciones, por supuesto, pero lo habitual es tener poquísimo tiempo. O, desde luego, no el suficiente para valorar como es debido obras de gran envergadura.

Y también está el tema de la extensión. Lo que hace años me parecía una bendición respecto a escribir en print, hoy me parece una espada de doble filo. Está genial no tener un límite de palabras y poder explayarte, pero a menudo eso también te incita a escribir... mucho. Demasiado. Cada vez que escribo un análisis y veo que el contador supera las dos mil palabras (o más), no puedo evitar preguntarme quién se va a leer eso. ¿Quién queda ahí fuera dispuesto a leer la opinión de un mindundi como yo sobre un videojuego? En un mundo donde el intervalo de atención del público ha caído en picado por culpa de los teléfonos móviles y las RRSS, tengo la impresión de que los análisis extensos cada vez tienen menos sentido. Puede que incluso los análisis como tal.

Pero, al mismo tiempo, ¿cómo no vas a hacer un análisis detallado? Otro de los grandes cambios respecto a la forma en que se escribían los análisis antes es el feedback inmediato. Antes podías recibir una carta de un lector enfadado pasadas unas semanas; hoy, si cometes un error o dices algo que no encaja con la narrativa que el público se ha creado sobre un videojuego, te expones a recibir cientos de comentarios minutos después de darle al botón de publicar. O a una funada antológica en Twitter.

Esto no lo puedo decir a ciencia cierta, pero tengo la impresión de que el público también se ha vuelto más exigente. Tienes que detallar absolutamente todo y tienes que ser objetivo (sic). Te están pagando por jugar al título más esperado del año con antelación, así que tu análisis tiene que ser perfecto. Y entiéndase por perfecto: decir exactamente lo que esperan oír.

Supongo que desde fuera puede parecer muy bonito y tampoco voy a engañar a nadie: sigo pensando que tengo el mejor trabajo del mundo. Pero eso no quita que los análisis sean uno de los géneros periodísticos menos agradecidos. Al menos, los mal llamados análisis de videojuegos (porque deberíamos hablar del elefante en la habitación: lo que hacemos, como en cine, son críticas).

Pero hay algo que no ha cambiado en todo este tiempo... o, al menos, estoy seguro de que hace 35 años también era así: el agradecimiento y el cariño del público, por pequeño que sea, es el motor que te impulsa a seguir dando el todo por el todo. Y así seguirá siendo en mi caso durante los próximos 35 años (aunque dudo mucho que sea capaz de teclear cuando llegue a los 72).

Así han cambiado las críticas de cine, por Raquel Hernández Luján

HobbyConsolas tiene un largo recorrido y yo me subí al proyecto cuando ya llevaba mucho tiempo en marcha. Los contenidos relativos a cine y televisión llegaron a la revista a través de la web que se llamaba HobbyNews y luego se abrieron para convertirse en un contenido recurrente allá por 2010, cuando empezamos a hacer críticas de cine y a introducirnos en el circuito de la prescripción de contenidos cinematográficos.

Primero, reseñando solo aquellas obras afines a nuestra audiencia: acción, superhéroes, adaptaciones de videojuegos y terror, sobre todo. Y poco a poco abriendo el abanico un poco más allá del cine mainstream. Aumentamos foco y volumen de trabajo.

En este tiempo, las cosas han cambiado mucho, quizás no tanto en la forma de abordar una crítica, que viene a ser más o menos la misma labor, sino en lo que se refiere al ecosistema en el que nos movemos como periodistas relacionados con el mundo de la cultura.

En primer lugar, en estos años, la profesión se ha ido resintiendo por distintos motivos: las tecnológicas no nos ayudan con sus algoritmos y sus insaciables IA, las distribuidoras están empeñadas en esconder sus películas ante la más mínima sospecha de que no serán un éxito inmediato y padecemos un fortísimo intrusismo laboral.

De modo que cada vez somos menos los que tenemos acceso a las películas con antelación, muchas de ellas tienen pases de prensa a ultima hora (hasta la tarde antes del estreno) o incluso se estrenan sin pase, se nos amordaza con embargos más restrictivos y tenemos que lidiar con no pocas trabas para hacer nuestro trabajo. El signo de los tiempos marca esta profesión como una verdadera gimkana, porque además la cascada de estrenos semanales no cesa.

Si ha habido un elemento disruptor en el sector, ese ha sido el móvil porque ha cambiado nuestra forma de trabajar por completo. Lo primero: se requiere inmediatez. Al salir de un pase ya tienes que hacer una valoración, no hay tanto tiempo para el debate y la reflexión y a veces puede llegar a ser abrumador porque tenemos una responsabilidad respecto a nuestros juicios de valor, que tienen que ser fundados y estar justificados.

Pero es que nuestros lectores también han cambiado la forma de relacionarse con nosotros y nuestro trabajo: consumen mucho más contenido en vídeo y usan sus redes sociales y agregadores de críticas para buscar información y hacerse una idea de qué es lo que les puede interesar.

Las normas en las salas de cine también se han visto alteradas en este caso por el abuso de los dispositivos móviles: es habitual que se “requisen temporalmente” antes del acceso a la sala (en los pases de prensa y preestrenos) o bien que se nos obligue a guardarlos en un sobre precintado durante las proyecciones. Y hasta se agradece…

Sí, porque ha habido pases de prensa (se presupone que solo estábamos dentro de la sala profesionales del sector) en los que ha habido quien no solo ha recibido una llamada sino que se ha puesto a hablar tranquilamente. Así que sí, las distribuidoras se protegen para que no haya grabaciones ilegales, pantallazos ni spoilers pero también cuidan de la propia experiencia de visionado, sin interrupciones molestas ni distracciones intempestivas.

Decir que la pandemia golpeó duro al sector puede parecer una obviedad pero es importante comentar que supuso un vuelco en la manera de trabajar con cambios que llegaron para quedarse. Inauguramos así la fase que llamé cariñosamente como la de las "entrevistas en chanclas" porque tuvimos acceso a ruedas de prensa, junkets y adelantos de programación a través de la red.

Los talents son ahora más accesibles y cercanos gracias a eso porque ellos mismos se han apoyado en las comodidades que nos ofrecen las tecnologías para promocionar su trabajo. Como anécdota surrealista estuve hablando con Frank Miller desde mi salón, algo que ahora no nos resulta descabellado pero que hasta ese momento, desde luego, no era la tónica. Hasta hubo experimentos para estrenar de forma directa en plataformas que no convencieron a nadie pero exploraron la posibilidad de exprimir a la "audiencia cautiva".

También se normalizó el hecho de que las distribuidoras de cine enviaran screeners. Lo ideal es ver la película como se ha concebido: en una sala, con una excelente calidad de imagen y audio, pero como no era físicamente posible, hubo que adaptarse y aún a día de hoy se nos dan, en ciertos casos, facilidades para acceder a contenidos con antelación sin tener que movernos de nuestras casas u oficinas, lo que nos facilita un poco la vida, la verdad.

La sensación general es que la industria audiovisual en su conjunto está en un proceso de transformación constante, más acelerado si cabe en estos últimos años, pero habrá que adoptar el lema de "reinvertarse o morir". A nosotros no nos falta pasión y entusiasmo y seguiremos desarrollando nuestra tarea con todo nuestro cariño el tiempo que vosotros que nos leéis queráis. Sois nuestra razón de ser y nuestros cómplices en esta aventura.

Fue una institución pública dependiente del Ministerio de Justicia creada en 1941 y disuelta en 1985 cuya finalidad oficial era la de "vigilar la moralidad de las jóvenes y apartarlas del vicio" pero que en la práctica era un órgano de represión que privaba a las mujeres de su libertad, las sometía a explotación laboral, castigos físicos y psicológicos y tratamientos psiquiátricos extremos. Peor aún era el caso de aquellas que eran madres solteras o estaban encinta, dado que se las recluía en pabellones por separado y en algunas ocasiones fueron víctimas del robo de sus bebés.

A menudo los motivos para que las familias recluyeran en estos lugares a sus hijas eran tan simples como llegar tarde a casa, usar minifaldas, asistir a manifestaciones, fumar, beber, huir de entornos familiares violentos o sencillamente ser consideradas promiscuas o díscolas. Cualquier sospecha de "desviación" era considerada con severidad.

Mozón y Guerricaechevarría componen un guión desolador que muestra las vidas rotas de distintas jóvenes que solo encuentran consuelo y esperanza las unas en las otras, articulando planes de fuga y alimentando un sueño de libertad que se antoja cada vez más lejano. En este páramo, la química entre las dos actrices principales, Zoe Bonafonte y Manuela Calle es fundamental así como la versatilidad de Adelfa Calvo convertida aquí en una arpía irredenta.

Redimiendo a las "mujeres inmorales"

En 1974 Ana es una joven barcelonesa que se escapa de casa de vez en cuando para ir a una verbena, como muchos otros muchachos de su edad. Tras una fuga nocturna en la que tiene un desengaño amoroso y bebe de más, la policía la lleva de regreso a casa, donde la esperan sus padres angustiados. Su firme moralidad les lleva a no pensárselo dos veces y deciden ingresarla en la institución especializada en "mujeres caídas o en riesgo de caer" donde le practican una exploración ginecológica que determina que "no está completa".

De esta forma es trasladada a Madrid para ser internada en un reformatorio regentado por monjas en el que es sometida a un estricto régimen disciplinario, del que no podrá zafarse hasta la mayoría de edad, que en esos momentos estaba fijada en los 21 años.

Obligada a vestir uniforme, trabajar en distintas tareas como limpieza, cocina y talleres de costura y ensamblaje de piezas de sol a sol, pronto congenia con Sole, una compañera de alegría contagiosa que siempre saca fuerzas para disfrutar de algún acto de rebeldía. Esa amistad será un faro en la oscuridad para Ana, aunque también la llevará a atravesar dificultades por encararse a la madre superiora, que irá incrementando la brutalidad de sus represalias.

Ruega por nosotras es una película muy bien documentada y ambientada en los impases finales de los años 70. Pero sobre todo destaca por su capacidad para meterte en la piel de las jóvenes obligadas a "reformarse" dejando constancia de las experiencias que atravesaban una vez que sus familias se desentendían de ellas y las dejaban en manos de la institución. La película toma el nombre de uno de los ensayos escritos por Consuelo García del Cid, víctima de la crueldad del Patronato y pionera en las investigaciones sobre él pero tiene también un germen que procede de libros de investigación, documentos de archivo, tesis doctorales, piezas documentales y el testimonio de muchas mujeres que pasaron por estos lugares que bien habrían podido servir de inspiración para El cuento de la criada, relatando de primera mano el infierno al que fueron sometidas y sobre todo la disrupción que supuso en su desarrollo en un momento en el que justamente estaban abriéndose a la vida.

En el plano técnico, Monzón trabaja con muchos de sus colaboradores habituales que realizan una labor impecable: destacan Balter Gallart en el diseño de producción, Vinyet Escobar en el vestuario, Carles Gusi como director de fotografía y Roque Baños en la música original.

Ruega por nosotras es una película dura porque indaga en unos episodios muy oscuros de nuestra historia reciente, pero que no se recrea en el tormento ni resulta gratuita en el tratamiento de la violencia, ya sea física, verbal o psicológica.

Ésta es una de sus virtudes, puesto que habría sido fácil cargar las tintas o incluso poner el foco en casos más extremos: recordemos sin ir más lejos la trágica muerte de Inmaculada Valderrama en 1983, eje central de la serie documental de tres capítulos El Patronato, de estreno en La 1 de RTVE y RTVE Play el mismo 6 de noviembre y también del libro Inmaculada. La muerte que precipitó el final del Patronato, escrito por Marta García Carbonell, Esther López Barceló y María Palau Galdón.

Casualmente, sus trabajos más relevantes y celebrados han sido en series de televisión, no en vano debutó en Héroes en 2009 para pasar luego por Mentes criminales, Chase y Sensación de vivir: La nueva generación. Más tarde llegarían Anatomía de Grey, Pequeñas mentirosas o Todo es una mierda, en la que por fin tuvo ocasión de tener un personaje con mayor protagonismo.

Pero si hablamos de los mejores papeles de la carrera de Sydney Sweeney es imprescindible hablar de su personaje Eden Spencer en la segunda temporada de El cuento de la criada. El carácter extremadamente dramático de este papel secundario, marcó de alguna forma su carrera puesto que le permitió demostrar su capacidad para generar genuina empatía en la audiencia. Se trataba de una joven devota que era obligada a contraer matrimonio. La tragedia se desataba cuando trataba de huir con su amante. ¡Cómo nos ha hecho sufrir esta serie siempre!

Poco después llegaría Heridas abiertas, un thriller dramático de muchos octanos donde también destacaría en el papel de Alice, la joven con la que la protagonista Camille Preaker (Amy Adams) coincide durante su estancia en un centro psiquiátrico en el arranque de la narración y con la que comparte un historial muy turbio de autolesiones.

Sydney Sweeney volvería a brillar en la primera temporada de The White Lotus interpretando el papel de Olivia Mossbacher, una estudiante universitaria de la generación Z inteligente, cínica y con muchas dobleces que mantenía con su mejor amiga una relación repleta de tensión y juegos de poder que se desataban en un viaje de lujo a Hawai. Su actuación en esta miniserie de HBO le valió una nominación a los premios Primetime Emmy... pero es que, además sería una doble nominación dado que también se reconocería su labor en Euphoria dando vida a Cassie Howard.

Cassie es, en pocas palabras, uno de esos papeles que marca una carrera interpretativa para siempre. Y eso que la serie fue desnaturalizándose y perdiendo el foco temporada a temporada. Sea como fuere y a pesar de una evolución bastante tortuosa, Sweeney siempre ha defendido su rol en la ficción con uñas y dientes y no ha dudado en llevarlo todo tan lejos como ha considerado necesario su creador, Sam Levinson.

Una carrera cinematográfica por explotar

¿Y qué hay del cine? Pues no es difícil darse cuenta, revisando la filmografía de la actriz, de que no ha tenido entre sus manos papeles de la misma intensidad y proyección. Es la razón de que decidiera protagonizar Christy, una cinta con la que no obtuvo el reconocimiento que ella esperaba a pesar de su transformación física y su apuesta por un cambio de registro radical.

Para completar nuestro ranking con el top de los 5 mejores papeles de Sydney Sweeney nos vamos a desplazar en el tiempo hasta el año 2023 para hablaros de Reality. Se trata de un intenso drama basado en hechos reales donde interpreta a la excontratista de la Agencia de Seguridad Nacional de los Estados Unidos interrogada por el FBI. Fue muy aplaudido por la crítica y tiene la nota más alta en Metacritic, un 84/100.

Pero, como ya adelantábamos al comienzo, no tiene previsto levantar el pie del acelerador. En 2027 la veremos al menos en tres nuevas películas: Custom of the Country, Gundam y El secreto de la asistenta. Pero también planea caminar en los zapatos de Kim Novak en Scandalous!, dar vida a la nueva Katrina Van Tassel en el remake de Sleepy Hollow y encarnar a la nueva Barbarella. Y están en fase de preproducción dos proyectos más: The Caretaker y Split Fiction. Así que, quién sabe, puede que tengamos que actualizar este listado en breve...

No se trata de un apagón generalizado, sino del inicio de las emisiones en Ultra Alta Definición (UHD/4K) mediante el estándar DVB-T2 y una reorganización de la oferta actual de canales.

De este modo, las cadenas principales como La 1 UHD, La 2 UHD, Antena 3 UHD y Telecinco UHD comenzarán a emitir en esta resolución superior de manera simultánea (simulcast) con sus versiones en Alta Definición.

Además, Radio Nacional de España implementará un servicio pionero en la TDT que incluirá subtítulos y lengua de signos en pantalla para personas con discapacidad auditiva, una magnífica noticia para hacer llegar su oferta a una mayor audiencia, poniendo en práctica políticas tan importantes como la de atención a la diversidad, esenciales en un servicio público.

Entre las novedades más destacadas, se producirá el lanzamiento de La Séptima, un nuevo canal estatal que iniciará sus emisiones en formato HD dentro del múltiple MPE5. El proyecto televisivo está impulsado por el productor y ejecutivo audiovisual José Miguel Contreras y cuenta con el periodista Javier Ruiz como director editorial. Todo su contenido será de producción propia, por lo que apostará por un formato continuo de actualidad, conversación, debate y análisis informativo en vivo.

¿Habrá que resintonizar?

Dependerá de cual sea el sistema que utilices para ver la televisión en tu hogar. Si lo haces mediante plataformas de fibra u operadores como Movistar, Vodafone u Orange, no tienes que hacer nada, ya que el operador actualizará la parrilla automáticamente.

En principio, el cambio tampoco debería afectar a los usuarios de antenas colectivas: no requiere modificaciones en la instalación de los edificios.

La recomendación general para el resto de los usuarios que dan desde el Ministerio de Transición Digital es realizar una búsqueda automática de canales desde el menú de ajustes del televisor a partir de las 8 h. del 5 de noviembre. A continuación hay que guardar los cambios y comprobar que todos los canales aparecen correctamente. Quien lo desee, puede ordenar nuevamente la lista de canales según sus preferencias.

¿Puede haber complicaciones? Si sigue sin recibirse algún servicio, se aconseja consultar a la comunidad de propietarios, administrador de fincas o empresa instaladora de telecomunicaciones.

¿Qué hay de la compatibilidad con los equipos? Nadie se va a quedar sin televisión, pero la oferta más completa requerirá teles preparadas para la recepción de la nueva señal.

Los televisores antiguos (solo DVB-T) seguirán sintonizando los canales tradicionales en Alta Definición (HD), pero no detectarán las nuevas señales. Para verlas, se necesitará un sintonizador externo compatible con DVB-T2, es decir, con la señal de segunda generación y calidad superior.

Los televisores que sean compatibles podrán sintonizar tanto los canales HD actuales como las nuevas señales en 4K, accediendo a la oferta completa.

¿Problemas? Sigue las instrucciones de la página oficial y no te pierdas nada.

Solo hay que echar un vistazo a lo que está por llegar: Godzilla Minus Zero, la secuela de Godzilla Minus One ya está agitando los cines, pero también está ya disponible el cortometraje Godzilla 2: Shinjuku Burning.

El 26 de marzo de 2027 llegará la sexta entrega del MonsterVerse de Legendary Pictures y Warner Bros. dirigida en esta ocasión por Grant Sputore: Godzilla x Kong: Supernova. Ojo porque la trama enfrentará a Godzilla y a King Kong contra una amenaza cósmica que incluye la presencia de SpaceGodzilla, el doppelgänger alienígena maligno de Godzilla. El reparto humano contará con Dan Stevens, Kaitlyn Dever. Jack O'Connell, Matthew Modine y la aparición póstuma de Sam Neill.

Toho, por su parte, ja anunciado un ambicioso plan estratégico que promete compartir con el modelo de Hollywood: el Godzilla World. Se trata del proyecto de un universo compartido de proyectos y spin-offs de Godzilla en Japón.

Si nos pasamos a la pantalla pequeña tenemos que hablar de Monarch que, independientemente de que obtenga una tercera temporada, tendrá una precuela centrada en Lee Shaw, el personaje interpretado por Wyatt Russell que se ambientará en el contexto de la Guerra Fría de los años 80, explorando la posibilidad de que la Unión Soviética hubiera desatado a un nuevo titán y dándole así a Godzilla la oportunidad de aparecer por sus fueros.

También hay una serie de animación en producción con la que se planea expandir la mitología del kaiju, aunque sin fecha de estreno oficial confirmada por el momento.

IDW por su parte lanzará Godzilla versus Everything, un crossover de cómics que se expandirá por múltiples universos. El lanzamiento está previsto para marzo de 2027, seguramente para arropar el estreno de Supernova. Y en el mundo del videojuego llegará como novedad Godzilla: Defense Force X. Tampoco puede faltar a la cita LEGO con un nuevo set que hará las delicias de los coleccionistas.

La popularidad de Godzilla no hace más que crecer en su lugar de origen, que sigue honrando su legado respetando algunas reglas sagradas y también en occidente, donde seguimos descubriendo nuevas facetas de la riquísima mitología del Titán Alfa.

Así que sí, va a seguir dando el espectáculo en los cines y seguirá siendo el Rey de los Monstruos durante mucho, mucho tiempo. Es más, ha tenido tantas iteraciones y arcos narrativos que reversionarlos para traerlos a la actualidad puede ser un ejercicio de creatividad de lo más estimulante. Gojira y sus células G permiten tener un campo de experimentación que se antoja infinito.

Por partes: el 5 de noviembre de 2026 a las 8 de la mañana, hora peninsular, la Televisión Digital Terrestre (TDT) en España experimentará una importante evolución técnica con el inicio de las emisiones en Ultra Alta Definición (UHD/4K) mediante el estándar DVB-T2 que se saldará con una reorganización de la oferta actual de canales.

Si consumes televisión mediante plataformas de fibra u operadores como Movistar, Vodafone u Orange, no tienes que hacer nada, ya que el operador actualizará la parrilla automáticamente. Los usuarios de antenas colectivas tampoco van a necesitar hacer cambios en la instalación de los edificios.

El Ministerio de Transición Digital recomienda al resto de los usuarios que realicen una búsqueda automática de canales desde el menú de ajustes del televisor a partir de las 8 h. del 5 de noviembre. A continuación, hay que guardar los cambios y comprobar que todos los canales aparecen correctamente. Quien lo desee, puede ordenar nuevamente la lista de canales según sus preferencias.

¿Cuáles son los nuevos canales que empiezan a operar?

La TDT recibirá cinco canales nuevos. Cuatro de ellos ya son bien conocidos, pero seránlas versiones en 4K de algunas cadenas principales, que tendrán por nombre: La 1 UHD, La 2 UHD, Antena 3 UHD y Telecinco UHD.

El quinto canal y la verdadera novedad será La Séptima que, eso sí, empezará a operar tres horas más tarde, a partir de las 12 de la mañana del próximo 5 de noviembre.

Nadie se va a quedar sin televisión porque no se va a interrumpir el servicio, pero la oferta más completa requerirá televisores preparados para la recepción de la nueva señal.

Los antiguos (solo DVB-T) seguirán sintonizando los canales tradicionales en Alta Definición (HD), pero no detectarán las nuevas señales. Para verlas, se necesitará un sintonizador externo compatible con DVB-T2, es decir, con la señal de segunda generación y calidad superior.

Como punto de partida, la película quiere presentarle el personaje a una nueva audiencia, que es más que probable que no esté familiarizada con su universo ficcional. Y a tal efecto, se ha optado por la actualización de la historia y de su aspecto. Adiós a la animación 2D y hola a la hibridación de estilos, texturas y técnicas de animación, con el 3D como protagonista absoluto.

El gato con sombrero tiene un problema de base de compleja resolución: necesita ser atractiva para el público infantil sin soltar al adulto. La complejidad del guión y las casi dos horas de duración de la película no ayudan a afrontarlo.

Pasarlo bien sin liarla parda

Gato es uno de los trabajadores más controvertidos del Instituto para la Institución de la Imaginación y la Inspiración. Su labor, básicamente, es la de sacar a los niños del tedio para hacer que disfruten de su tiempo libre alejándose de las dichosas pantallas pero casi siempre acaba reventando el Liómetro y desatando el caos.

Tanto es así, que su jefe le da un ultimátum: será enviado por última vez a un hogar para animar a Gabby y Sebastian, dos hermanos que están pasando una crisis importante. Tendrá que conseguir que superen sus dificultades, pero sin que las cosas se desmadren demasiado... o perderá su sombrero mágico y quedará relegado a vulgar minino.

Pero es superior a las fuerzas de Gato: irá directamente al almacén al que se le ha prohibido entrar para hacerse con un artilugio capaz de destruir la continuidad espaciotemporal y, aunque ayudará a los niños a afrontar la nueva etapa que se les abre, también invocará la presencia de un monstruo aterrador.

El gato con sombrero se parece mucho a propuestas que hemos visto antes: os puede traer a la cabeza una amalgama de cintas como Bebé jefazo, Rompe, Ralph, Del revés o incluso Monstruos S. A. De este modo, la audiencia puede sentirse ante algo relativamente nuevo por su distancia en el tiempo (la última adaptación fue la muy olvidable en acción real de 2003 en la que tanto se criticó a Mike Myers), sin perder la sensación de familiaridad con conceptos, situaciones y hasta un enfoque de personajes que ya ha manejado antes. Así que, por decirlo de alguna manera, recorre el camino inverso de muchas de las producciones más exitosas de animación de los últimos tiempos, que buscan reforzar su identidad como La isla olvidada o Wildwood en busca de un estándar asequible que deja de lado la personalidad de la obra original. Ojo, que la empresa habría sido más compleja sin optar por este atajo, pero también más honesta y sólida.

Aquí encontramos varios tópicos recurrentes: hogar con padre ausente, drama ante una mudanza no deseada y mundo de fantasía, magia y diversión al rescate. Solo que el sentido del humor está más ausente de lo esperado y el entendimiento entre adultos y niños está muy forzado por una trama con agujeros importantes. Se notan las reescrituras de guión y los parches para llegar a puerto.

La película luce espectacular y se le pueden poner pocas pegas a nivel técnico: el diseño de los personajes se ajusta a lo que se pretende y a grandes rasgos "entra por el ojo" pero también da la sensación de ser una cinta sin alma, muchos escalones por debajo de lo que se podía esperar de ella en originalidad y fidelidad a la obra de referencia.

La moraleja está ahí al final: hay que aprender a aceptar el presente, superar los miedos y no pretender vivir en el pasado para poder avanzar. Por desgracia, la propia digestión que ha hecho esta película de esta idea central es algo indigesta. Los peques disfrutarán con las travesuras de Gato y con el festival de color, pero tienen complicado seguir y comprender la narración y los adultos mirarán el reloj en más de una ocasión.

Según las métricas oficiales de la plataforma, la película acumula 172,1 millones de visualizaciones globales. Este rendimiento la sitúa oficialmente en la posición número 3 del Top 10 histórico de las películas en inglés más vistas de la historia de Netflix. ¡Un hito impresionante!

Se lanzó el 13 de diciembre de 2024 logrando 42 millones de visualizaciones en sus primeros días (el mejor debut en su momento), pero además del boom inmediato ha mantenido el puesto a lo largo de los años. Solo tiene por encima Las guerreras k-pop y Alerta roja, así que son palabras mayores.

Una película de acción al estilo más clásico

El argumento de Equipaje de mano discurre por enterno durante la víspera de Navidad (Nochebuena) en el concurrido Aeropuerto Internacional de Los Ángeles. La historia nos presenta a Ethan Kopek, un joven agente de la TSA (Administración de Seguridad en el Transporte).

Su turno se convierte en una pesadilla cuando un misterioso y frío pasajero lo chantajea: si Ethan no permite pasar un paquete peligroso a través del escáner para introducirlo en un vuelo comercial, la vida de varias personas correrá peligro inminente.

Uno de los mayores atractivos de Equipaje de mano, más allá de su intrigante premisa principal, es el repartazo con el que cuenta. Encabezado por el camaleónico Taron Egerton que se acompaña de Jason Bateman, Sofía Carson o Dean Norris.

Con una duración de 119 minutos y un presupuesto que ronda los 47 millones de dólares puede decirse que la inversión quedó más que amortizada. Se convirtió en la producción cinematográfica más vista de Netflix durante la segunda mitad de 2024, manteniéndose en el Top 1 global y liderando las listas en más de 88 países simultáneamente, Crítica y audiencia, sin embargo, parecen diferir a la hora de alcanzar un acuerdo respecto a su calidad. En Metacritic la media se sitúa en un 6,9 mientras que los usuarios se quedan en un 5,8.

Además, se han desplazado los estrenos de Aniquilación (Adam Wingard), en manos de Diamond Films y de El hombre que desafió el rey (Peter Greengrass), que DeAPlaneta ha decidido estrenar en 2027 para dejarla respirar.

La cuestión es que últimamente ésta es una práctica muy habitual y a veces nos deja a la audiencia con las ganas de ver proyectos muy esperados. Como nota curiosa, la cancelación de Coyote vs. ACME que acabó estrenándose por medio de otra distribuidora y va a lanzar su candidatura a los Óscar como mejor película de animación... toma ya. Y pensar que casi nos quedamos sin verla...

Para comprender estas prácticas, hay que tener en cuenta muchas variables. Decidir la mejor fecha de estreno para una película es un galimatías en primer lugar. Las pequeñas producciones tratan de huir de los blockbusters que absorben muchas salas y la atención masiva del público pero hay otros muchos condicionantes entre una competencia feroz: periodos vacacionales, promociones como la Fiesta del Cine, el público objetivo de cada propuesta, los tiempos necesarios para promocionarla... A los costes de producción se suman los de márketing y distribución así que si se espera un fracaso estrepitoso a veces se considera más beneficiosa la cancelación y el archivo del proyecto para declararlo como pérdidas fiscales y soslayar el riesgo de hacer más grande el agujero.

Pero entre todos los criterios ha aparecido uno más: hay que alimentar las plataformas digitales propias y no solo con películas hechas en la casa, también se puede conseguir un recorrido comercial muy exitoso en streaming. Por desgracia esto redunda en ocasiones en ventanas de exhibición más cortas en salas comerciales e incluso en una relativa desincentivación de la asistencia del público, que se reserva para películas-evento y prefiere consumir películas en casa, de manera más cómoda.

En resumidas cuentas, estamos viviendo una transformación profunda del modelo de negocio y el recorrido comercial de una película puede variar mucho (y ser positivo incluso) gracias a decisiones como moverlas del calendario, estrenarlas directamente en plataforma o no esperar a que se diluya el interés para tenerlas pronto disponibles en digital. Solo los casos más extremos requieren cirugía, pero generan una situación muy desagradable en la audiencia, decepcionada por no poder juzgar por sí misma si habría valido la pena invertir su dinero en ella. A fin de cuentas, hay hasta malas películas míticas que se han convertido en clásicos. ¿O no?

Además, solo hace falta echarle un ojo a sus próximos proyectos para darse cuenta de que sus pasiones guían muchas de sus decisiones artísticas. Lo veremos en Los inmortales, le prestará su voz a un personaje en Warhammer 40K y también aparecerá en Voltron. ¡Es un nostálgico!

Es probable que gran parte del público desconozca la vena friki de Angelina Jolie, que fue la primera y memorable Lara Croft de carne y hueso y ha ido alimentando a lo largo de los años su afición a las espadas, cuchillos, dagas históricas y otras armas blancas. Al parecer su afición afloró cuando tenía 12 años debido a que solía ir con su madre a ferias renacentistas. Le interesan las antigüedades y es muy estricta respecto a la seguridad, aunque también he demostrado tener una gran destreza manejando navajas mariposa.

Michael B. Jordan es otra caja de sorpresas. El actor, que gran éxito, es un verdadero apasionado de la cultura japonesa y un ávido consumidor de manga y anime. Entre sus series favoritas están Naruto, Dragon Ball o Bleach. En más de una ocasión, además, ha dicho haber incorporado alguna referencia a sus trabajos.

Margot Robbie es una Potterhead de manual así que es una gran fanática de las novelas y las películas de Harry Potter... imaginamos que está deseando ver la nueva serie y que, mientras tanto, sigue disfrutado también de su otra gran afición: el cómic y, más concretamente, todo lo relacionado con Harley Quinn, un papel que le sienta como anillo al dedo y que ha interpretado ya en múltiples ocasiones.

Daniel Radcliffe, precisamente el actor que dio vida a Harry Potter y ya no es un niño, sino un hombre hecho y derecho tiene una fuerte vena warsie. Además de conocer todos los entresijos de la saga Star Wars le gusta mucho la literatura fantástica además de tener una nutrida colección de objetos relacionados con la ciencia ficción.

La otra gran saga de ciencia ficción por excelencia, Star Trek, tiene apasionada a Rosario Dawson, que no solo se conoce al dedillo el lore sino que además ha llegado a hablar en klingon en alguna entrevista... desde luego, eso es insuperable y demuestra la cantidad de tiempo que le ha dedicado a su pasión.

Por último, señalaremos a Keanu Reeves, que además de disfrutar de lo lindo de la cultura japonesa tras ver obras maestras como Akira o Ghost in the Shell. Siempre dice que su serie favorita es Cowboy Bebop e incluso coescribió las novelas gráficas BRZRKR junto a Matt Kindt. No acaba ahí la cosa: dedicó bastante tiempo en su día a la restauración de libros y a día de hoy es un obseso de las motocicletas. ¡Igual que Norman Reedus! Disfrutan muchísimo de lo que la experiencia de ir en moto les proporciona: paz mental, el viento en la cara y conexión con la naturaleza.

Y hasta aquí nuestro repaso de actores de éxito con aficiones frikis. La lista es muy larga, pero probablemente hoy hayáis descubierto algo nuevo de algunos de los rostros recurrentes en carteleras.

Vamos primero a los datos y luego a lo que podemos extraer de ellos. Si atendemos a los resultados publicados en el tercer trimestre de 2026 (Q3) los ingresos globales siguen siendo estupendos: 51.100 millones de dólares que suponen una subida del 13% interanual.

Sin embargo, la cotización en bolsa ha caído un 30% en lo que va de año, más de un 50% por debajo de su máximo histórico de 2025. La razón parece ser una reacción negativa de cara a las previsiones para final de año. A excepción de un puñado de títulos como Orgullo y prejuicio, Ray Gunn, Las nuevas desventuras de Cliff Booth y la temporada final de Emily en París, no se esperan contenidos especialmente exitosos en la plataforma y casi todos ellos se harán esperar hasta diciembre.

Las grandes IPs de la plataforma que han sido hasta ahora buques insignia y contenidos-evento como Stranger Things, El juego del calamar o La casa de papel parecen completamente drenadas y aún no se ha conseguido dar con un "relevo" capaz de permear con la misma fuerza en la cultura popular.

Apenas unos días antes del anuncio de los datos, Netflix vivió un enorme terremoto en su estructura. El 6% de su plantilla fue despedida en lo que parecía un esfuerzo por optimizar costes. Esto implicaba cerca de 1.000 puestos de trabajo y su mayor ajuste de personal desde 2022. Las áreas más afectadas fueron producto, tecnología, recursos humanos, asuntos jurídicos y negocio publicitario. La onda expansiva impactó de lleno incluso en la cúpula. Bela Bajaria fue sustituida por Peter Rice (exejecutivo de Disney) como director de contenidos (Chief Content Officer) en lo que se define como "un vuelco a la calidad creativa" y se anunció la salida de Dan Lin (director del departamento de cine, artífice de proyectos como Frankenstein o Narnia).

Tampoco parece halagüeña la nueva estrategia para atrapar la atención del público, sobre todo en el mercado estadounidense. Las horas de visualización por suscriptor y mes han ido cayendo de las 66 a las 49 en los últimos tres años y la respuesta es bastante pobre: diversificar a nuevos nichos como los eventos deportivos o, peor aún, entretenimiento interactivo para frenar la amenaza de TikTok y YouTube que se están erigiendo en líderes en entretenimiento (y adicción) de masas. La competencia es mucho mayor, la presión aumenta y el rendimiento de venta por publicidad es menor. Un escenario muy hostil en el que la agregación de contenidos de terceros mediante acuerdo de licencia es fundamental para sobrevivir.

La principal preocupación de los inversores es la publicidad: la persecución de las cuentas compartidas y el crecimiento masivo de usuarios ha tocado techo y el plan con anuncios es clave pero el despliegue se ha visto empañado por retrasos en el lanzamiento de las herramientas tecnológicas de segmentación publicitaria. Con estos mimbres, ya sabemos que en 2027 tendremos que echarnos las manos al bolsillo.

El objetivo va a ser escalar la base de usuarios que migren al plan con anuncios y para eso desde febrero de 2027 habrá despliegues en 9 territorios de la región EMEA (Europa, Oriente Medio y África), junto a Colombia, Perú y Nueva Zelanda. Lo que sea, con tal de mejorar la previsión de ingresos anuales por publi que en 2026 terminará rondando los 2.700 millones de dólares, por debajo de los 3.000 estimados previamente.

Atentos porque lo que sí es una novedad es que Netflix está redefiniendo sus estrategias de estreno en salas. Ya lleva mucho tiempo cortejando a grandes creadores para lanzar películas de prestigio que reporten premios, ahora parece que por fin han comprendido que el paso por las salas comerciales no es solo una fuente de ricos ingresos sino además, probablemente, la puerta de entrada a una mayor penetración en temporada de galardones.

Esperemos que el exitoso paso de La bola negra por los cines y el megaestreno que se baraja para la nueva versión de Las crónicas de Narnia sirvan para afianzar esta visión del negocio que hasta ahora solo han sabido desdeñar con estrenos limitados en salas muy insuficientes.

La película ha sido presentada en el marco incomparable del Festival de Cine de Sitges y con el director Carles Torrens y sus protagonistas dando el pistoletazo de salida a la icónica Zombie Walk.

Como punto de partida, es interesante señalar que la trama no sigue los eventos de la novela original de Manel Loureiro sino que el guionista Ángel Agudo ha puesto en pie una historia nueva, con ecos en la realidad, como pasaba con la primera película.

Que nadie espere una traslación directa de Días oscuros, la segunda novela de la saga publicada en 2010 sino más bien una historia más pegada al mundo en el que vivimos hoy. Si El principio del fin de algún modo se percibía como profética respecto a la pandemia de COVID-19, en ésta hay un trasfondo que puede recordar a la gestión de la DANA de 2024 en Valencia o la crisis migratoria de Ceuta, con un fuerte varapalo a la clase política a la que se muestra con un tono satírico descacharrante.

De entre los muertos

¿Es necesario haber visto la primera película o revisitarla para comprender el punto de partida de ésta? En verdad no, porque el prólogo ya nos pone en antecedentes narrándonos a vuelapluma el arranque de la pandemia y sus consecuencias incluyendo la militarización de la población civil y el hecho de que las Islas Canarias se hayan convertido en el último refugio en Europa libre del virus TSJ.

Apocalipsis Z: Nuevo mundo nos desplaza a territorio insular para seguir la historia de Roberto, que es enrolado in extremis en una peligrosa misión especial. Su cometido será partir hacia Madrid en calidad de "notario" siendo el encargado de encontrar, clasificar y trasladar suministros vitales como armas, munición y medicamentos.

A pesar de la estricta formación de sus compañeros, las hordas de infectados pondrán a prueba sus habilidades y causarán numerosas bajas, complicándoles la tarea y enfrentándoles a dilemas morales complejos. ¿A quién deben lealtad? ¿Deben priorizar su seguridad o arriesgarlo todo para salvar lo que queda de la humanidad?

Hay muchos aciertos en Apocalipsis Z: Nuevo mundo pero sobre todo hay dos que son muy de agradecer: el casting y el montaje. Protagonizan la cinta unos solventes Carlos Alcaide y Julia Martínez pero roban el show las carismáticas Mónica López y Tamara Casellas en roles secundarios si bien es Javier Godino en su calidad de líder populista el que introduce el elemento humorístico (con mala leche) diferenciador.

También tenemos la presencia póstuma de Pedrito, el gato que cautivó a los fans de la primera entrega y que se las apaña para volver a aparecer como Lúculo, contra todo pronóstico, por última vez. También repiten José María Yazpik y Berta Vázquez en una película bastante coral y ambiciosa, que no se contenta con abordar una única cuestión.

El otro aspecto reseñable es el que va más allá de la dirección actoral: Carles Torrens sabe rodar con nervio y le pone el lazo a esa ejecución en la sala de montaje. La película apenas da respiro y aquí los infectados no forman parte del paisaje, sino que son una amenaza muy real y tangible para los protagonistas, que no tienen un segundo para relajarse.

En buena medida a Torrens le interesa mostrar cómo se produce un despliegue militar y para eso se ha documentado bien, con un exsoldado como asesor técnico que le ha permitido retratar con la mayor fidelidad posible los protocolos, usos y costumbres e incluso la terminología que se utiliza en este tipo de operaciones.

El resultado es bastante pulcro y traslada muy bien la sensación de urgencia pero también la experiencia y la forma sistemática de trabajar, siempre en equipo y con apoyos, desterrando la figura del héroe solitario.

En lineas generales, la película sabe ampliar su escala y destaca por secuencias muy multitudinarias en las que los infectados además de ser feroces se mueven a toda velocidad. Como el metraje de la película: 95 minutos que pasan un un suspiro.

Como punto de partida hay que señalar la originalidad de la propuesta no solo por lo que cuenta sino por la forma en la que se desarrolla la narración y va añadiendo nuevos giros a cual más inesperado. El guión es ingenioso y cuenta con una premisa bien desarrollada en la que todas las piezas terminan encajando.

Por su factura técnica y la calidad del reparto, habría merecido mucho la pena un estreno en salas, aunque hubiese sido limitado, como tiene Netflix por costumbre. Por desgracia, no va a ser posible disfrutarla en pantalla grande, pero es probable que tenga un gran éxito en la plataforma porque una vez que arranca va como un tiro.

Un retorcido atraco

Como cada mañana, el director de una sucursal bancaria se dirige a su trabajo soslayando los reproches de los vecinos. El contexto social es desolador si tenemos en cuenta que Colisión se desarrolla tras las consecuencias de la terrible crisis económica de 2008 que se saldó con el colapso de las cajas de ahorros, desahucios, deudas impagables para pequeños ahorradores y personas corrientes y un impúdico rescate a la banca.

Tres enmascarados irrumpen en la sucursal de forma violenta y le obligan a abrir la cámara acorazada, pero no logran encontrar lo que van buscando. Terminan saliendo a toda prisa con aquello que pueden cargar y se meten en un vehículo en el que un compinche les espera. Pero pronto surge entre ellos la suspicacia y empiezan a pelear hasta que otro coche se estampa contra ellos sacándolos de la carretera.

A partir de ese momento, los dados están en el aire. ¿Qué pasaría si en dicho accidente muriera uno de ellos? Aunque creemos haber sido testigos de un simple atraco fallido, lo cierto es que cada uno de ellos tiene sus propios motivos para querer ajustar cuentas con el banco, pero también una agenda oculta de la que no son partícipes los demás. Los espectadores iremos descubriendo todos los secretos, medias verdades y miedos que componen una historia compleja pero también de lo más intrigante.

La palabra que mejor define Colisión es "sorpresa". En la primera media hora de desarrollo de la película, que alcanza las dos horas en total, ya tenemos un buen número de giros de guión que van cambiando la percepción de los hechos y haciendo que varíen nuestras expectativas.

Pero la película no se detiene ahí, en cada nueva iteración de un futuro posible, sigue añadiendo nuevas capas, información de la que nos habían dado pistas previamente aunque no le habíamos prestado demasiada atención y reformulando para que podamos hacernos una composición de lugar final.

Es una película rodada con nervio y buen pulso que se beneficia de muy buenas interpretaciones. Tenemos aquí a Laia Costa, Luis Zahera, Álvaro Cervantes, Karra Elejalde, Tamar Novas y Lluís Homar. Y todos ellos sostienen sus papeles con solvencia.

Los apartados técnicos también funcionan bien: efectos especiales, foto, puesta en escena y demás. Pocas pegas en este sentido para una película que respira sin problemas y no tiene problemas de verosimilitud gracias a diálogos naturales e interpretaciones frescas.

La trama engancha y está muy bien alambicada para ir aportando novedades de manera paulatina sin que se resquebraje la coherencia interna del relato. Eso sí, no da descanso: es importante mantener atención a cada detalle porque todo tiene sentido, aunque se descubra más adelante. Y lo mejor es que de vez en cuando aflora un cierto humor negro que no deja de incidir en la crítica social. Así que sí, Colisión es una película entretenida que funciona por sí misma pero que además tiene sello de identidad y trasfondo. Es un ejercicio muy logrado de retorcer un clásico como es el relato de "cacos y polis".

La película debutó en el mercado estadounidense el 23 de octubre con una nota extremadamente baja (apenas 27% de críticas positivas en Rotten Tomatoes).

Ante el fracaso en la recepción crítica de la cinta, Sony redujo a más de la mitad las salas previstas para su estreno pasando de 1.900 a apenas 850 cines que se ha saldado con una paupérrima recaudación de 550.000 dólares en los tres días de su primer fin de semana.

Ha supuesto el promedio por pantalla más bajo de cualquier tipo de estreno nacional protagonizado por Jenna Ortega, hasta ahora un imán para la taquilla, cuyas cintas más exitosas han sido, por este orden, Iron Man 3 (2013), Beetlejuice Beetlejuice (2024) e Insidious: Capítulo 2 (2022).

La consecuencia directa es que Sony Pictures ha decidido cancelar el estreno en salas de cine de Klara y el sol en España. La idea es hacer una operación quirúrgica para minimizar pérdidas (al menos en algunos territorios), debido a las bajísimas expectativas comerciales, los problemas de producción y las malas críticas que ha recibido en Estados Unidos.

Hay que tener en cuenta que la adaptación ya acumulaba, como punto de partida, un año de retraso en su lanzamiento. A eso hay que sumar la agitada postproducción en la que se eliminaron por completo del montaje final todas las escenas de Simon Baker, quien interpretaba al padre de la familia protagonista. Las razones que han trascendido han sido meramente creativas, por el bien el ritmo y la narrativa de la película, y no han supuesto un conflicto personal entre Waititi y el intérprete, que lo encajó con profesionalidad.

Pero entonces, ¿cuándo y dónde podremos ver Klara y el sol? Si todo va por el cauce habitual, tras su estreno digital podría incorporarse al catálogo de Prime Video, aunque aún no hay nada confirmado de manera oficial.

Sorprende la hostilidad con la que se ha recibido sabiendo que es una película basada en una obra muy apreciada que reflexiona sobre la relación de la tecnología y la humanidad. La sinopsis anuncia que conoceremos a Klara, una "amiga artificial" que anhela encontrar el hogar perfecto. Cuando conoce a Josie, ambas sienten que son almas gemelas. Josie tiene una relación complicada con su madre pero ambas tienen muchas cosas en común: han sufrido una gran pérdida y están heridas pero encuentran la una en la otra el apoyo para sanar.

El paso del tiempo haría que esta historia real pasara a formar parte del ideario colectivo como amenaza para los niños a los que se pretendía amedrentar pero habrá quien descubra, viendo la película, que estamos ante una suerte de true crime patrio que quiere examinar por una parte a un personaje tan perturbador como éste, aparentemente inofensivo pero letal, pero también reivindicar a sus víctimas, mujeres que no han encontrado el mismo eco en el tiempo que el asesino.

A tal efecto la película cuenta con dos intérpretes de primera fila como son Patricia López Arnaiz y Antonio de la Torre, perfectamente caracterizados e interpretando papeles antagónicos. Ella representa la razón, la educación y lo correcto; él la pulsión, la incultura y el crimen. Ella busca la verdad, él salir indemne. Pero la película no cae en un maniqueismo barato.

También vemos las vulnerabilidades de ambos que los convierten en personajes tridimensionales: el exceso de rectitud de ella la ha llevado a encerrarse en sí misma y a ser cruel en su juicio hacia los demás y él, a pesar de ser un monstruo, quiere a su hijo Tomás, que es lo único que le quita el sueño.

No hace falta recurrir a la fantasía para generar pavor

Sacamantecas recupera la inquietante historia de Juan Díaz de Garayo, que sembró el pánico en la zona de Vitoria acabando con la vida de mujeres a las que agredía, violaba, abría en canal y cercenaba en algunas ocasiones. La película tiene la elegancia de mostrarlo en acción solo en una ocasión dejando la cámara inmóvil y observando desde lejos, evitando así entrar en excesivos detalles y mostrando respeto por las víctimas.

El resto de la historia se vale de la perspectiva de un personaje ficticio creado ex profeso para la película: Ángela Berrosteguieta, que regresa para enterrar a su hermana y con el que de nuevo se reclama atención para una comunidad puesta en jaque en la que las familias de las agredidas no eran escuchadas ni tenidas en cuenta. Es quien toma las riendas de la investigación por su cuenta cuando sus peticiones son desatendidas.

Pío Pinedo, jefe de los alguaciles, se enfrenta a la falta de personal y a la presión de las autoridades, que prefieren ocultar la creciente ola de asesinatos. Son tiempos convulsos y no se destinan recursos a estos casos que afectan mujeres muy humildes de estamentos bajos.

Sacamantecas no busca en absoluto al nicho de películas como El hombre del saco o semejantes. Es una cinta de prestigio, seria, áspera y rodada con medios que quiere aproximarse a la realidad tanto como sea posible. Examina la barbarie de la guerra y su impacto en la sociedad y no se arredra cuando tiene que mostrar cadáveres calcinados, cuerpos exangües o la destrucción más cruel, que es la que enfrenta a hermanos contra hermanos.

Por el camino, secuencias multitudinarias, pero también una dirección artística muy bien documentada en interiores intimistas; un diseño de vestuario digno de ganar el Goya; una fotografía que se ciñe a las convenciones de la iluminación de la época y una banda sonora que junto a todo lo anterior ayuda a crear una ambientación atmosférica, tétrica pero también cotidiana en una España dejada de la mano de dios que habrá cambiado mucho en algunos aspectos, pero sigue cautiva de algunas de las realidades que aquí se retratan.

En resumidas cuentas, Sacamantecas es una gratísima sorpresa y una película que no hemos visto venir. Resulta sobrecogedora e impactante y es de las que no se olvidan con facilidad. Nuestro consejo es verla en versión original, dado que ha sido rodada en euskera de la época y castellano. Merece mucho la pena ver el esfuerzo realizado por ambientar la cinta y ver también el conflicto social que suponía el manejo de la lengua.

Takashi Yamakazi dejo el listón muy alto como guionista, director y supervisor de efectos especiales incluso para sí mismo y ahora nos ofrece un espectáculo completamente diferente, sin interés alguno por repetir fórmulas e introduciendo más elementos fantásticos y dramáticos a la ecuación.

Primera advertencia: que nadie espere una secuela al uso, aunque hay algunos personajes que vuelvan caras conocidas en papeles protagonistas. Ni la estructura de la película, ni sus implicaciones políticas, ni siquiera los combates y las secuencias más contundentes guardan parecido con la cinta anterior. Es fácil que el arranque pille completamente por sorpresa incluso a los ávidos fans que estén deseando reencontrarse con Godzilla.

Se agradece la ingente dosis de originalidad y la búsqueda de nuevos caminos para llegar a los espectadores, que van a encontrar situaciones, adiciones a la trama y recursos narrativos nuevos para enriquecer un relato que trasciende los tópicos habituales. Pero por otra parte, da la sensación de que con su ampliación de escala y su ambición argumental Godzilla Minus Zero no consigue encontrar un equilibrio entre todos sus elementos. Al menos a nivel emocional, es menos efectiva que su predecesora, como vamos a explicaros sin incurrir en spoilers.

Godzilla tiene compañía

Godzilla Minus Zero se ambienta en el año 1949, dos años después de que el monstruo asolara el país y por tanto parte de una situación bastante desesperada en la que la esperanza se va a esfumar muy rápido.

La Segunda Guerra Mundial dejó a Japón en la ruina absoluta, y el ataque previo de Godzilla hundió al país dejándolo en un estado aún más crítico (de ahí el concepto de "números negativos" del título).

Tras un enorme esfuerzo colectivo, la sociedad japonesa empieza a recuperar una aparente normalidad aunque los huérfanos abundan y los escombros forman parte del panorama cotidiano.

En este contexto, el expiloto kamikaze Koichi Shikishima (Ryunosuke Kamiki), Noriko Oishi (Minami Hamabe) y la pequeña Akiko intentan rehacer sus vidas y superar los traumas del pasado. Sin embargo, un fuerte sentimiento de culpa por haber sobrevivido siguen marcando su día a día y aumenta su nivel de compromiso por hacer del mundo un lugar mejor.

Justo cuando la población logra aferrarse a una frágil esperanza de recuperación, una nueva y devastadora catástrofe irrumpe sin previo aviso. Las pruebas nucleares realizadas en el Pacífico vuelven a alterar a las criaturas de las profundidades y solo los científicos más preparados van a poder hacerles frente ideando estratagemas muy elaboradas.

Kenji Noda (Hidetaka Yoshioka) y Sosaku Tachibana (Munetaka Aoki), se unen a nuevas figuras como el veterano biólogo Kanji Murakami (Min Tanaka), un hombre marcado por las secuelas psicológicas de la guerra, para organizar una desesperada resistencia y frenar la destrucción.

Como decíamos, uno de los cambios que impone esta secuela es que lo lleva todo mucho más lejos, de manera que la puesta en escena es muy espectacular. El Godzilla que aparece aquí es mucho más grande (alcanzando cerca de los 100 metros de altura) y cuenta con un diseño más angular, musculoso, con grandes púas en los hombros y placas dorsales imponentes cuya aparición suele ir acompañada de la colosal banda sonora que anuncia un eventual ataque. También sus poderes se han magnificado y por tanto es mucho más letal.

En general, todo lo que atañe a las secuencias de acción es la parte más disfrutable de la película, mientras que los dramas humanos resultan algo menos interesantes o, al menos, más endebles que los de la primera entrega, sin alcanzar un excesivo nivel de profundidad.

El reparto humano es también bastante más amplio y divide los frentes de atención sin orden ni concierto: hay una reivindicación de una meteoróloga del grupo de científicos por una parte, una denuncia del horror de las familias rotas por la desgracia por otra, una nada disimulada crítica a la prepotencia estadounidense y una respuesta heroica que no termina de convencer tanto porque se percibe menos como un esfuerzo colectivo y más como una solución desesperada.

Ni las pérdidas impactan como deberían ni la resolución de la historia es la más acertada. Con todo, la película es entretenidísima pero queda lejos de las cotas de calidad de alcanzó Godzilla Minus One, más equilibrada y conmovedora. Es loable el intento de hacer algo diferente pero el guión no está a la altura de a dirección y de los magníficos efectos especiales que tienen su único punto débil en la plasmación del fuego.

Alex Huston y Eleanor Wilson escriben y dirigen esta adaptación que transforma una trágica fábula en una pícara sátira narrada por episodios en la que vemos la evolución de los personajes y la forma en la que van madurando a raíz de una serie de sucesos fantásticos. Para mantener el tono pegado a sus raíces culturales se echa mano de recursos variados como que los personajes se refieran unos a otros por su profesión y jamás por un nombre de pila, dando pistas también de su estatus social o que se recurra a un tono que recuerda a un cuento retorcido con moraleja.

Cuenta con varios atractivos que van más allá de la originalidad de la propuesta. En primer lugar, el reparto, liderado por Olivia Colman, un Alexander Skarsgård muy caracterizado y secundarios maravillosos como Peter Dinklage o Elisabeth Debicki, que compone aquí a una retorcida y petulante villana. Richard E. Grant hace una breve aparición muy divertida como doctor.

En boca de todos

Wicker hace honor a la máxima "pueblo pequeño, infierno grande". La pescadera de una localidad costera es una mujer marginada y objeto de burla permanente por su aspecto descuidado y el olor que conlleva su oficio. Eso la lleva a vivir apartada, pendiente de sus quehaceres y sin grandes sobresaltos ni alicientes. Se ve abocada a una vida de soledad tras quedar huérfana de forma temprana y una juventud desdichada, siempre pendiente de ganarse su sustento.

El día que asiste a una boda, una tradición la señala como la siguiente para casarse. Las mofas son más crueles que nunca, pero despiertan cierta ansia de venganza en ella. Cansada de su situación, decide visitar a un artesano local que se dedica a hacer cestas al que le entrega todos sus ahorros a cambio de un audaz encargo: quiere que le fabrique un marido de mimbre.

Un mes más tarde, su inminente marido la espera en el altar y poco después se convierte en la comidilla del lugar. La pescadera jamás llegó a pensar que su marido de mimbre pudiera llegar a despertar tantos deseos y envidias en su entorno, pero menos aún que pudiera ser un compañero tan leal, un espectacular amante y un sincero apoyo en el día a día.

Wicker nos lleva a realizar un doble viaje: uno introspectivo, de descubrimiento por parte de la protagonista (genial el casting de Olivia Colman que es capaz de mostrar tanto una enorme vulnerabilidad como perplejidad, enfado, celos y un variado registro de emociones) y otro colectivo en la medida en que se ve la reacción de la comunidad: las redes relacionales, la envidia y el desafío al orden establecido que pone en jaque el precario equilibrio del ecosistema hasta ese momento.

En este punto es preciso señalar lo importantes que son los personajes secundarios. El atribulado artesano interpretado por Peter Dinklage está alterado por tener que tomar decisiones éticamente cuestionables como crear vida jugando a ser dios pero es también un individuo que permite introducir cierto humor negro al ser él mismo un renegado fuera del pacto social por ser enano, gay y ostracista.

Luego está la reina del baile: una Elisabeth Debicki tan deslumbrante como maliciosa que no duda en manipular a su entorno para conseguir sus fines.

La puesta en escena de la Wicker es magistral, contando con unos efectos especiales realmente buenos para crear ese hombre de mimbre que cruje al caminar y deja pasar la luz a través de las cañas que lo conforman. Su aspecto físico combina prótesis especiales y animatrónica y ha obligado a Skarsgård a portar un traje que le cubría todo el cuerpo. Un verdadero desafío para él que se parece un poco al que afrontó en la serie Matabot, aunque en este caso el esfuerzo físico ha debido ser especialmente costoso.

Destaca también la fotografía de Lol Crawley, que sentó cátedra con su trabajo en The Brutalist. Aquí su inspiración es claramente pictórica sacándole partido a la luz natural en exteriores y a la de las velas en interiores que pueden recordar al costumbrismo rural de Brueghel.

Otro rasgo identitario de la película es el vestuario, del que se encargan Tóth András Dániel y Godena-Juhász Attila. Impresiona cómo toda esa suma de detalles y la mucha artesanía que abunda en la película ayudan a crear una atmósfera tan particular. Wicker es una cinta de lo más curiosa con capacidad de impacto argumental y visual.

A tal efecto deja un claro cliffhanger con sorpresa final (ojo a la pareja de actores que se encargan del doblaje de dos personajes fundamentales) que se une a un desenlace de lo más enigmático.

Lo primero que puede decirse de ella es que es una película muy atípica y nada convencional que mete en la coctelera un puñado de géneros distintos: arranca como cine policial y luego va saltando de la ciencia ficción, a la comedia absurda, con acción a espuertas y tiene hasta ecos de neowestern y terror cósmico. Vamos, que todo cabe en una cinta en la que sus protagonistas son inasequibles al desaliento y su guionista y director un eficaz prestidigitador para mantener el interés de principio a fin.

En Hope no pierden la esperanza

En la localidad coreana de Hope están bajo mínimos: se han desviado recursos para combatir un gran incendio forestal y el jefe del puesto policial Bum-seok tiene que buscar ayuda en amigos, familiares y reservistas para esclarecer una serie de extraños incidentes que se dan en la zona.

En primer lugar, aparece una res muerta y bloqueando la carretera que tiene varias heridas de enorme tamaño. No saben si el depredador es un oso o un tigre escapado del zoo, pero la situación es muy extraña e invita a una investigación más profunda.

Los lugareños se lanzan a buscar a la bestia con los escasos recursos con los que cuentan mientras él ve cómo ha ido causando estragos: tiene la fortaleza necesaria como para arrojar vehículos contra sus perseguidores, parece inmune a las balas y está causando destrozos allá por donde pasa.

Por fortuna, en el momento más vulnerable, se le unirá la agente Sung-ae, una mujer capaz y bien provista de un verdadero arsenal de armas, junto al voluntario Sung-ki que intenta descubrir en el corazón del bosque si se trata de un solo individuo o de varios.

Hope es una de esas películas que te hacen salir del cine despeinado. Tiene un ritmo bestial que no cesa, sabe gestar expectativas y mantener la tensión narrativa durante mucho tiempo y nunca suelta al espectador, aunque lo que le ofrezca vaya por un lado que desafía completamente lo esperable o, al menos, lo rudimentario.

El director asume muchos riesgos... o, más bien, podría decirse que los abraza sin pudor en un ejercicio que parece haberle divertido tanto como conseguirá divertir a la audiencia. Ha creado una película desafiante, muy festivalera (normal que haya sido Sitges el marco ideal para estrenarla en España, aunque fuera de concurso) y ambiciosa a partes iguales porque sabe a "primer episodio" por más que sea un verdadero viaje de acontecimientos y revelaciones.

En otras palabras, sería una pena que no desarrollara su mitología en una continuación, aunque la montaña rusa de acción ya queda más que bien amortizada en esta película.

Ojo, que el CGI tiene el potencial de "echar para atrás" a más de uno (sobre todo al final) pero a cambio regala una serie de secuencias espectaculares rodadas a plena luz del día en las que la dirección artística, el trabajo de los especialistas y la originalidad de los movimientos de cámara, los encuadres y la planificación de rodaje son para quitarse el sombrero. Puede traeros a la cabeza la película The Host, de la que se podrçia decir que es deudora espiritual.

¿Es perfecta? Ni por asomo. ¿Una obra de arte? Tiene la capacidad para brillar en algunos momentos, siendo desternillante, estremecedora o un divertimento de lo más satisfactorio, pero no es el culmen ni debería nadie aproximarse a ella con esa idea, a menos que quiera decepcionarse sin remedio.

Desde luego, las traviesas ovejitas moldeadas en arcilla son, muy probablemente, las estrellas del estudio por razones obvias. La oveja Shaun: Misión calabaza es el tercer largometraje estrenado en cines tras La oveja Shaun: La película (2015) y La oveja Shaun: Granjaguedón (2019) además del mediometraje disponible en Netflix: El vuelo antes de Navidad, las dos series de animación y cortometrajes especiales.

Con esta película no solo se constata la buena salud de la saga sino la capacidad que tienen los personajes de la granja de Mossy Bottom para seguir siendo tan divertidos como entrañables.

Punto extra: es una película plenamente recomendable para todos los públicos lo cual no solo abre el abanico al target más amplio sino que, además, le saca jugo a un sentido del humor que puede gustar tanto a grandes como a pequeños porque apela a sketches sencillos pero muy funcionales. El metraje está jalonado de homenajes al cine de todos los tiempos: hay gags de momias, fantasmas, científicos locos al estilo Víctor Frankenstein, momentos que apelan al cine de monstruos de Universal y a películas que son clásicos de la ciencia ficción como Regreso al futuro. Así que comparte con películas como Minions & Monsters el amor por el séptimo arte.

Shaun y la ciencia casera

Una semana antes de la llegada de Halloween, Shaun y sus amigas ovinas han conseguido engañar al granjero para crear un huerto clandestino de calabazas. Su idea es decorarlas y organizar un fiestón en el cobertizo, pero un desafortunado accidente se salda con su destrucción.

El tiempo apremia y la desazón es grande, pero Shaun idea un plan in extremis. Con la ayuda de un viejo manual de "ciencia casera" hace acopio de toda clase de artilugios para crear una sustancia creceplantas. Con apenas una gota vertida sobre una de las pocas semillas que le queda aparece un nuevo cultivo que no para de crecer.

Lo que parecía una solución casi mágica se convertirá en un problema cuando el granjero desaparezca y se descubra que una enorme bestia peluda, similar a un Bigfoot, merodea por las inmediaciones de Mossingham.

La oveja Shaun: Misión calabaza es fiel al espíritu de la saga: no hay diálogos, aunque todos los personajes son muy expresivos, y la acción se sigue sin problema de gag a gag en una sucesión de chascarrillos simpatiquísimos. Humor blanco pero bien afinado con alguna pulla puntual a lo ciegos que nos vuelven las tecnologías al entorno o la vacuidad de quien busca fama en las redes sociales.

Ya el propio arranque de la película, con las ovejas despertando como zombis y marcándose el Thriller de Michael Jackson, es de traca. A partir de ahí, un no parar durante la hora y media de metraje en un episodio largo especial de Halloween que cumple con las expectativas.

Hay una cualidad casi perenne de La oveja Shaun y, en general, en todas las películas de Aardman: funcionan muy bien porque los personajes son todos tan humanos como si en vez de arcilla fueran de carne y hueso. Hasta el fácil identificarse con los animales, lo que le confiere la capacidad de ser imperecedera.

Está repleta de humor, desarrolla una incipiente historia de amor entre el granjero y la veterinaria (una nueva adición que rezuma carima) y tiene referencias a la cultura pop muy bien hilvanadas. Es tan ingeniosa como tierna y no duda en darle momentos a cada uno de los integrantes de la granja: desde el perro guardián hasta las gallinas, los cerdos o la cabra. Una mezcla bien unificada para alumbrar una cinta de lo más recomendable que será la opción favorita para las familias que busquen risas y buen rollo con el toque especiado de la temática halloweenesca. Nadie va a pasar miedo, pero el cachondeo está garantizado.

El único "pero" que se le puede poner a La oveja Shaun: Misión calabaza es un final algo precipitado que deja con ganas de más. A los habitantes de Mossy Bottom les queda combustible para rato, así que de alguna manera es motivo de celebración.

Sin ir más lejos ha concatenado el estreno de la segunda temporada de The Gentlemen en Netflix con la segunda temporada de MobLand: Tierra de mafiosos en SkyShowtime... pero es que entre tanto llegaba a los cines la película En la zona gris. ¿Todos sus trabajos tienen el mismo rendimiento? Por supuesto que no: su filmografía tiene momentos álgidos y otros menos brillantes pero lo que es indiscutible es que ha forjado un sello personal, sobre todo alrededor de uno de sus géneros favoritos. Hablamos de la comedia criminal, generalmente ambientada en los bajos fondos de Londres.

Su peculiar sentido del humor se conjuga con una puesta en escena dinámica, unos montajes vertiginosos, líneas de diálogo mordaces, personajes carismáticos y, a menudo, enrevesadas tramas que se cierran de forma inesperada, a veces, hasta brillante.

Sus detractores señalan que, aunque sabe reinventarse, es algo repetitivo y que busca siempre un impacto estético por encima de la calidad de las historias que narra. Lo tachan incluso de "videoclipero", y ahí quedan películas como Rey Arturo para atestiguar lo que le va la marcha.

El arranque de su carrera, a finales de los años 90 fue espectacular y luego ha tenido una evolución irregular. Nadie vio venir que sería el encargado de la versión en acción real de Aladdin, con un estilo que no "le pegaba" demasiado. De manera que... ¿quién puede reprocharle que vuelva al género y el tono que mejor le sienta?

Si seguimos un orden ascendente, hay un amplio consenso en que su película más floja es Regresión, un thriller algo tramposo sobre sectas satánicas y paranoias colectivas que, pese a tener como protagonistas a Emma Watson e Ethan Hawke no consiguió encandilar ni a público ni a crítica.

A pesar de ser su película más reciente, El cautivo también ha tenido una recepción mixta. Aunque rindió bien en taquilla y fue una cinta muy valiente, la dramatización de una etapa muy concreta de la vida de Cervantes unida a una fuerte carga metalingüística y homoerótica escocieron en los sectores más puritanos que se llevaron las manos a la cabeza.

En 2019 lanzó Mientras dure la guerra, volviendo al cine español tras su paso por Hollywood. En esta película retrataba los últimos meses de vida de Miguel de Unamuno durante el estallido de la Guerra Civil. Era un drama sobrio, contundente, dialéctico y centrado en el conflicto intelectual de la época que se alzó con 5 premios Goya.

Es evidente que a Amenábar hay figuras que le fascinan y parte de esa admiración se ha ido plasmando den sus películas. Es el caso de Hipatia de Alejandría en Ágora, una cinta que comparte muchos aspectos con la anterior como la denuncia del fanatismo y la plasmación de un momento de crisis humanista que desemboca en destrucción y un cambio de paradigma. La calidad del diseño de producción y las interpretaciones está fuera de toda duda.

Ojo al debut de Amenábar cuando aún no había terminado la carrera y que rodó en la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense (en la que yo misma me licenciaría después, por cierto). Tesis es una ópera prima sensacional que deja constancia de que una gran idea y mucho talento pueden aflorar para alumbrar una película con pocos medios. Ya nos dio muchas pistas del cineasta que podría llegar a ser en 1996: ¡7 premios Goya se llevó!

Llegamos al top 3 de la filmografía de Amenábar y ya es difícil discernir cuáles son sus mejores películas porque son las tres espectaculares. Nos vamos a quedar en 1997 para hablar de Abre los ojos, aquella perturbadora película de ciencia ficción en la que volvió a trabajar con su amigo Eduardo Noriega y en la que vimos la Gran Vía cortada al tráfico. La mezcla de elementos de la película hace que a día de hoy tenga un eco brutal, que la hizo víctima de un remake que no estaba a la altura de la original: Vanilla Sky.

En 2001 filmaría obra de sus obras más celebradas: Los otros, contando con una maravillosa y memorable Nicole Kidman como protagonista principal. Su atmosférica película de cine de terror gótico se destacaría con 8 premios Goya y nos dejaría giros dramáticos espectaculares grabados en la retina para siempre.

Y, finalmente, Mar adentro, el drama protagonizado por un sensacional Javier Bardem. Obra cumbre de su carrera con la que conseguiría 14 premios Goya y el Óscar a mejor película de habla no inglesa. Un mazazo contundente que convirtió a los espectadores en un mar de lágrimas al contar la historia real de Ramón Sampedro.

Como bonus podemos recomendaros la serie La fortuna. Amenábar es un cineasta y no suele incursionar en la pequeña pantalla, es de hecho su única serie, pero también es muy recomendable porque unió su talento al de Paco Roca. ¡Maravilla!

Mientras esperamos, nerviositos, la llegada de la séptima temporada en 2027, ya ha sido renovada por una octava que verá la luz en 2028. Es lo bueno de contar con un material de base establecido (las novelas de Mick Herron) y un reparto liderado por un grande como Gary Oldman.

Pero, ¿qué información hay disponible acerca de lo que está por venir? Os resumimos todo lo que sabemos de la temporada 7 de Slow Horses.

Nos remitimos a la fuente original, la propia Apple TV para repasar el comunicado en el que se anunció y que dice así: "En la séptima temporada, Lamb y sus Slow Horses se lanzan a la caza para encontrar y neutralizar a un topo en el corazón del gobierno británico antes de que pueda derrumbar el Estado. La séptima temporada es una adaptación de la novela Bad Actors, de la serie literaria Slough House de Mick Herron".

Si analizamos el avance que aparece al final del último episodio de la sexta temporada, también tenemos pistas sobre lo que está por llegar. Comienza con Standish preguntándole a Lamb si ha sabido algo de River. "Sí, curiosamente, me llegó una postal. 'El tiempo es estupendo en el más allá. Puestas de sol de infarto. Besos y abrazos'”, respondió Lamb.

A continuación, Taverner explica: "El jefe del GRU, Vassily Rasnikov, llegó a territorio británico sin previo aviso", lo que significa que el final de la trama de la sexta temporada no está tan bien atado como todos esperaban. "Ese hombre envió un escuadrón de la muerte para asesinar a cuatro de mis chicos", dice Lamb, confirmando que su cuenta tampoco se ha saldado todavía.

Ese es el link con la sexta temporada, pero la trama de la séptima promete por sí misma. Arranca con un enorme escándalo político en Londres. Sophie Delaney desaparece sin dejar rastro alguno y es una figura muy controvertida dado que ejerce como superpronosticadora de Downing Street, una especialista encargada de asesorar al Primer Ministro y predecir cómo reaccionará el electorado ante las medidas del gobierno,

Recuperaremos Claude Whelan, el exdirector del MI5 que fue defenestrado en entregas anteriores y que ahora deberá lidiar con su rival y actual jefa del servicio, Diana Taverner. La investigación de Whelan empieza a apuntar peligrosamente hacia el propio corazón del Regent’s Park (la sede del MI5), destapando manejos turbios de políticos, lobistas y agentes de desinformación... uno de los males de nuestros días.

La ineptitud burocrática, el humor negro y las maniobras de supervivencia serán la tónica en una historia que cuenta conspiraciones al más alto nivel. Lamb y sus "caballos lentos" deben desenredar una red de mentiras donde los verdaderos "actores malos" que tanto daño hacen no son solo los espías rusos o los traidores clásicos, sino los propios políticos y tecnócratas que dirigen el país.

El reparto se va a ver sustancialmente cambiado, por motivos obvios. Ya se han hecho públicos cinco nuevos fichajes aunque, eso sí, no sabemos qué papeles interpretarán en la ficción.

Los nuevos rostros confirmados para la serie de espías, con los que podéis ir familiarizándoos son:

¿Qué hay de la fecha de estreno de Slow Horses 7? A falta de datos, podemos aventurar que si se sigue el mismo patrón de las tres últimas temporadas podría estrenarse en el otoño de 2027, pero esto está por confirmarse.

Lo que está claro es que se acerca el final, lenta e inexorablemente y que en el momento en el que se hayan adaptado todas las novelas habrá que ver si se le da una continuidad o se llega al desenlace definitivo. De momento hay tantas incógnitas que despejar que cuesta hacerse a la idea de algo así.

De la dirección se encarga Albert Pintó cuya incursión anterior en el thriller fue con la cinta Tierra de nadie. Aquí repite Luis Zahera, un actor superdotado con una versatilidad interpretativa imponente que es creíble en cualquier rol que se le asigne. Y el que aquí le toca, fácil no es.

Está acompañado por un elenco inmejorable que incluye lo más granado del panorama: Luis Callejo, Ana Wagener, Irene Escolar, Roberto Álamo, José Manuel Poga, Inma Cuesta, María Romanillos o Jordi Mollá, entre otros. Un relicario de talento patrio que convierte la película en una pieza muy coral.

Venganza

La película Leones en invierno arranca de manera muy trágica con el atropello de una joven de madrugada que se saldará con su muerte y la fuga del conductor, aunque las pistas que deja tras de sí teniendo en cuenta que conduce un poco común deportivo dorado de alta gama son demasiadas y señalan rápidamente a un culpable. Él es José Luis Dávila (alias Bacoy), un policía que se encuentra infiltrado en una banda de narcotraficantes y al huir para no poner en riesgo su tapadera, desata una reacción en cadena de consecuencias imprevisibles.

El padre de la víctima, roto de dolor, ve con desconsuelo cómo la policía parece encubrir al responsabl,e lo que le lleva a un descenso a los infiernos. No le queda más remedio que "despertar al león" para cobrarse una venganza personal por su cuenta.

Resulta que el esposo, padre y honrado trabajador Alejandro tiene un pasado inquietante: fue un líder ultrasur cuarenta años atrás y ante la pasividad policial no duda en retomar el contacto con los que fueran sus amigos. Uno de ellos es ahora policía mientras que el otro en un yonqui venido a menos.

En su ansia por encontrar al responsable de su pérdida y exponer la verdad, destapará todo un mundo de corrupción, abusos y crimen organizado. Una tras otra irá cruzando todas las líneas rojas e internándose en una senda sin retorno que le acercará a su objetivo pero le alejará de la esencia de quien era.

Leones en invierno es, esencialmente, una película de venganza en la que se retrata la violencia extrema de la que solo es capaz de echar mano el ser humano en sus peores momentos. El tono crudo y el ritmo vertiginoso de la novela se traslada a la pantalla con una sensación de urgencia y visceralidad que se imprime en cada plano. Todo es exacerbado: el dolor del padre, la depravación del entorno del conductor fugado y la miseria física y moral de los bajos fondos.

Así se traslada a la fotografía también, heredera del cine noir pero con un aspecto más sucio y menos estilizado: abundan los planos nocturnos, las luces de neón, los altos contrastes y una sordidez dolorosa.

Leones en invierno no muestra a héroes ni a villanos, sino que todos los personajes son de alguna manera artífices de su propia desdicha: desde el padre desamparado hasta el infiltrado acorralado. Todos tienen hilos que los mueven (el dinero, la rabia o el instinto de supervivencia.) y se enfrentan a dilemas morales tremendos que amenazan con destruirlos.

Quizás ese es el principal eje argumental de la historia: es una reflexión acerca de la fragilidad de la civilización, que es casi una máscara hueca que se cae cuando golpea la tragedia de una manera tan salvaje, recuperando los más bajos instintos que operan de manera inmediata desatando el caos.

Por lo demás Leones en invierno es como un chute de café triple: condensa las 400 páginas de la novela en un metraje muy intenso (que no corto, porque roza las dos horas de duración) pero poco sutil en la construcción de los diálogos y la explicitud de algunas agresiones (aquí qué bien hizo los deberes El castillo) en el que no hay espacio para respirar. Todo es grave, áspero, desagradable y vehemente al 200%, a excepción quizás del papel que interpreta Inma Cuesta, que supone el "anclaje humano" al ofrecer un leve contraste dramático muy de agradecer por resultar más verosímil y cercano a la realidad. Abróchense los cinturones.

Nos presentan una historia muy curiosa y que se desenvuelve de forma sorprendente para los espectadores, en la que hay una voluntad manifiesta de "darle caña" a la hipocresía de la sociedad, independientemente el estamento al que se pertenezca.

Para ello tenemos a Antonio de la Torre y Alexandra Jiménez en estado de gracia, haciendo gala de una gran química en un constante duelo interpretativo en el que ambos juegan a ser lo que no son. Aquí median las apariencias, las aspiraciones personales y la proyección de una vida que nada tiene que ver con la realidad. En suma, cómo cada cual se vende ante su entorno para ser deseable y sentirse bien en la mentira. Ambos son, de alguna manera, lo mismo, a pesar de pertenecer a clases distintas.

Quien quiere, puede

Don Leandro es un marqués de rancio abolengo que vive en un palacete familiar del centro de Madrid... pero no en las lujosas habitaciones de las que dispone, sino en el sótano, muy preocupado por haber perdido su posición privilegiada.

De tiempos mejores solo conserva a su mayordomo, que padece sus cambios de humor y le sustenta incluso con su precaria pensión mientras él alquila el espacio para rodajes de películas y spots publicitarios.

La única salida que ve para salir de la miseria y pagar la costosa boda de su hija es vender el decadente inmueble, pero le faltan candidatos para esta empresa en un momento en el que las viviendas en la capital sufren el peso de la especulación inmobiliaria y es un activo tóxico difícil de sacarse de encima.

La ocasión se le presenta en bandeja de plata cuando se interesa por el palacete Sofía Carrington, una atareada empresaria a la que trata de echarle el lazo desesperadamente. A medida que van conociéndose, el juego de la negociación se torna en seducción y ambos se dan cuenta de que tienen más cosas en común de las que desearían.

Grande de España bebe de la tradición de la picaresca tan propia de esta España nuestra: tiene una fuerte vena berlanguiana pero sin renunciar a poner en contexto la sensación de decadencia generalizada. La nobleza se ha venido abajo y los que estaban abajo están más abajo todavía. En este contexto las apariencias son lo primordial, la fantasía hecha realidad es la de convertirse en lo que uno aspira en un retorcido cuento en el que el hada madrina no entra en cuadro.

Leandro quiere ser "grande de España" y finge ansioso estar esperando la llamada del rey cuando en verdad no tiene dónde caerse muerto. A Sofía no la engaña porque le ve muy rápido las costuras, pero está obnubilada por una vida de lujos de cuna de la que ella nunca ha podido disfrutar. Y entre pillos anda el juego.

Grande de España funciona mejor cuanto más se cachondea de ambos, ya sea por separado o juntos y es más laxa cuando deja la caricatura (impagable los sketches del robo de la cartera o del Toisón de Oro) y empieza a tratarlos con más humanidad. El chiste está en las huidas hacia delante y en las decisiones absurdas con tal de mantener una obvia patraña. Son dos miserables a los que les acabas cogiendo cariño a media que se reconocen el uno espejado en el otro.

Le hace bien el formato: los episodios cortos facilitan un visionado rápido y el tono cómico hace que sea una apuesta muy apetecible, sobre todo en estos tiempos en los que la política rezonga en el barro y conviene desconectar un rato de la realidad.

Lo justo es ir por partes y analizar la película en sí misma antes de ponerla en contexto en ese universo ficcional más grande al que pertenece, de modo que en primer lugar hablaremos de los aciertos y tropiezos de la película que se suma a la oleada de cine de terror corporal que viene arrasando desde hace un tiempo. La trama "se la pone botando" si tenemos en cuenta que nos lleva a recuperar a uno de los antagonistas más célebres de Batman como es Cara de barro que ha tenido en otras ocasiones un tratamiento memorable, como es el caso de Batman: la serie animada (un must see para quien no haya tenido el placer de verla y la quiera descubrir).

Mike Flanagan ya ha dejado claro en trabajos como Carrie que no tiene la voluntad de repetir fórmulas conocidas y aquí, donde actúa como guionista junto a Hossein Hamini, se ciñe a esta máxima de nuevo si bien es James Watkins (director de Eden Lake, La mujer de negro o No hables con extraños) el responsable del acabado final.

Algo más que una crisis de identidad

Matt Hagen es un actor que vive un momento dulce cuando es nominado al Óscar. Proviene de la parte más pobre de Gotham y ha tenido que luchar durante mucho tiempo para triunfar, de modo que, cuando acaricia por fin el éxito, se siente imparable.

Por desgracia, un violento encontronazo con la mafia local lo deja desfigurado y a merced de la prensa amarillista que no duda en mancillar su honor y presentarlo como un monstruo. Desahuciado por los médicos después de varias operaciones de cirugía extrema, está a punto de tirar la toalla cuando descubre un tratamiento vanguardista experimental con nanopartículas guiadas por IA que consigue devolverle su aspecto original.

Al poco tiempo deja de surtir efecto, lo que le llevará a inyectarse una dosis mucho más elevada de la que le correspondería. Esto le afecta de maneras que no puede llegar a predecir: su tejido adquiere la capacidad de regenerarse y sus emociones afectan a su aspecto al punto de que consigue convertirse en cualquier otra persona clonando su aspecto y su voz. Herramientas más que suficientes para entrar en una destructiva espiral de venganza que llegará a destruirlo por completo y a llevarle a preguntarse quién es en realidad.

Ahora que entramos en la crítica de Clayface de lleno podemos decir que es una película que cumple con las expectativas: juega en el terreno del body horror y la angustia psicológica más que en el de la acción o la adaptación comiquera en sí, pero no le hace ascos a las clásicas "películas de origen" del villano de DC.

Por desgracia, el marco no es tan sólido como habría sido deseable. La ciudad de Gotham que nos presentan es sucia, pobre y sufre el peso de la corrupción, pero ni la iluminación ni la ambientación nos llevan al concepto clásico de la ciudad en el que imperan unas enormes desigualdades sociales. Le falta entidad propia, textura y credibilidad.

Llegados a este punto es imprescindible explicar que Clayface es una película que temporalmente se desarrolla antes de los eventos de Superman y Creature Commandos (según ha explicado el propio James Gunn) y que discurre de forma completamente independiente respecto a las películas de The Batman de Matt Reeves. Solo sabemos que volveremos a ver al personaje en futuros proyectos pero no en cuáles ni si el plazo de tiempo será más o menos largo así que es difícil saber hasta qué punto será influyente en los planes del estudio.

Sí es digna de elogio la interpretación del actor galés Tom Rhys Harries a quien habíamos visto en El regreso de Ulises y que lleva con talento la evolución del personaje, incluso cuando el guión hace que se comporte de manera errática o que sus acciones adopten un carisma volcánico de una manera fulgurante. Advertimos de que puede herir sensibilidades y que como poco, en varias ocasiones la audiencia va a estar muy tentada de taparse los ojos con las manos y mirar solo desde un resquicio entre los dedos. Vamos, que no es para estómagos sensibles y los efectos especiales y las transiciones están muy bien articulados.

En resumidas cuentas, Clayface no es una película perfecta, pero sí la mejor hasta la fecha de las que conforman esta nueva etapa a pesar de estar cimentada sobre un gigante con pies (y rostro) de barro. Puede dar muchísimo juego y necesita, cuanto antes, encontrarse con su Batman. Máxima curiosidad por saber cuándo se producirá el enfrentamiento.

La forma de afrontar el texto es especialmente atrevida en un momento en el que cualquier relato ambientado en una época colindante con la regencia británica corre riesgo de verse sometido a una bridgertonización que está en las antípodas de lo que nos plantea esta película.

Muy al contrario, lejos de dejarse llevar por la corriente, se plantea como una adaptación muy fiel a la novela, con una puesta en escena tremendamente natural y un casting excepcional, en el que brillan de forma muy especial Daisy Edgar-Jones y George MacKay. Del mismo modo, es importante la omnipresencia de la naturaleza en una historia que discurre sin prisas y en la que el entorno rural es el que prima la mayor parte del tiempo.

Noche y día

Sentido y sensibilidad narra la historia de la familia Dashwood. Tras el fallecimiento del padre de familia, la ley de la época dictaba que la herencia debía recaer en el hijo varón, que en este caso es del primer matrimonio, de modo que la señora Dashwood y sus tres hijas Elinor, Marianne y la joven Margaret deben abandonar su residencia de Norland en Sussex e instalarse en una modesta casa de campo en Devonshire donde son acogidas por unos parientes lejanos y de modales mucho menos refinados.

Elinor y Marianne no pueden ser más diferentes la una a la otra. Elinor se enamora de Edward Ferrars, el cuñado de su hermanastro, pero decide ocultar sus sentimientos y regirse con discreción y compostura.

Su hermana Marianne es una mujer apasionada, extrovertida y enamorada de la vida que sucumbe a los encantos del apuesto John Willoughby, un excelente bailarín con el que comparte aficiones y las ganas de disfrutar de la vida, ignorando al coronel Brandon, un pretendiente más maduro y centrado.

Juntas y a pesar de tener visiones tan distintas de lo que desean del futuro, tendrán que pasar por problemas económicos y sentimentales, resolviendo su porvenir de la manera más razonable mientras aprenden duras lecciones de vida,

Sentido y sensibilidad es una de esas películas que envejecerá muy bien porque es bastante atemporal en su planteamiento y no busca traer el relato al presente sino algo tan complicado y honesto como ponerlo en pie tal cual es, sin complicar su lectura ni añadirle capas adicionales. Comparte un gran parecido con la sensibilidad de la que hizo gala Chloé Zhao en Hamnet y enamorará con facilidad a quienes busquen un reducto de autenticidad en un género tocado de muerte por la moda de los salvajes anacronismos.

Ya hemos hablado de Edgar-Jones y MacKay, que gozan de una química envidiable y sustentan buena parte de la narración, pero sería injusto no darle al resto del reparto su parcela de reconocimiento, comenzando por la polifacética actriz irlandesa Fiona Shaw a la que hemos visto en Andor, Hermanas hasta la muerte o Presunto inocente y con la jovencísima Bodhi Rae Breathnach que debutó precisamente en Hamnet.

Esta nueva versión de Sentido y sensibilidad disgustará a quienes se empeñen en hacer comparaciones con la versión de Lee o, peor aún, quienes pretendan encontrar una lectura contemporánea de la novela de Austen. Pero ese es justo su gran encanto: quiere honrar el material original, mostrar las relaciones afectivas (tanto intrafamiliares como románticas) con visos de verosimilitud y no se deja un solo renglón sin adaptar, incluyendo el duelo final.

En suma, Sentido y sensibilidad es una película preciosa: bien ejecutada e interpretada, con ideas cinematográficas, altísimos valores de producción y y un particular sello autoral que convierten a Oakley no ya en un talento emergente sino consolidado al que seguirle la pista de aquí en adelante en lo que se antoja un prometedor futuro.

Su sello es el de llevar la animación en stop-motion siempre un poco más lejos y esto es algo que podemos certificar simplemente viendo los datos: se trata de la película más larga filmada hasta la fecha valiéndose de esta técnica (132 minutos de metraje) y para Travis Knight, su director, es uno de esos trabajos que marcan una vida entera.

Desde la distribuidora nos facilitan las siguientes marcas: 231 semanas de producción, 132 decorados físicos, 142.000 caras fabricadas para dar expresión a los personajes, 233 marionetas hechas a mano y más de 1.000 artistas y artesanos trabajando codo con codo para alumbrar una película de una envergadura insólita que parte como favorita, por su nivel de complejidad, para convertirse en la próxima ganadora de la preciada estatuilla dorada en el apartado de mejor película de animación.

Naturaleza y humanismo

Laika ha escogido Las crónicas de Wildwood como material de origen de su nuevo trabajo. Se trata de una novela escrita por Colin Meloy e ilustrada por Carson Ellis que vio la luz en 2011 y tiene como punto de partida la apacible vida de una joven llamada Prue.

Su mundo sufre un vuelco cuando su hermano es raptado por una bandada de cuervos que se lo llevan volando al Territorio Impenetrable, un espeso y peligroso espacio forestal al que nadie antes ha llegado... o al menos, del que nadie ha logrado regresar.

Con ayuda de su leal compañero Curtis, Prue encontrará el valor para internarse en un bosque plagado de criaturas guerreras, seres sobrenaturales y oscuros personajes que distan de ser lo que parecen.

A medida que se desarrolla su aventura descubren que ese mundo está siendo amenazado y son testigos de cómo se desata una batalla por liberar la tierra encantada. Si quieren salvar al pequeño Mac y proteger su futuro, tendrán que asumir grandes riesgos.

Todas las películas son un logro colectivo pero ésta lo es de una forma abrumadora no solo por la ingente cantidad de talento reunido para ponerla en pie sino por el amor a lo artesano que se respira desde el primer instante. Hasta la localización en Oregón, Es una verdadera obra maestra de su género que no se detiene ni en los títulos de crédito finales, otra exquisita muestra de amor por la animación 2D y stop-motion, los personajes y la relación de amor que les une.

Los movimientos de cámara, la iluminación, el gusto por el detalle, la banda sonora y, por supuesto, el diseño de personajes y sus movimientos son, sin ambages, sobresalientes... por no decir que una verdadera fantasía hecha realiad, Al punto de que en ocasiones es fácil olvidar que estás viendo una película "de muñecos". Las expresiones faciales, la suavidad y la naturalidad con la que se suceden, los movimientos oculares... A todo ello hay que añadirle el apoyo del CGI sobre todo a la hora de crear los espacios naturales infinitos de una enorme belleza que sirven de marco a la acción que se desarrolla en Wildwood.

Podría decirse que en su conjunto es una carta de amor escrita para los enamorados del arte y la creación dado que se dan cita toda clase de artesanos: equipos de costura, corte y confección al servicio del figurinismo, maquetadores, iluminadores, diseñadores, animadores, modeladores y un larguísimo etcétera... Todos rindiendo a un nivel de excelencia increíble. Hasta el enclave de Portland, en Oregón, le va a la producción como anillo al dedo si tenemos en cuenta que es la ciudad natal de Travis Knight y que la localidad tiene una relación íntima con los oficios de la artesanía, fabricantes independientes y talleres prácticos.

Por no hablar de la música folk, otro de los ejes de la película, que cuenta con los tres temas musicales inéditos de The Decemberists, entre los que se incluye "The Better Part of Bravery" (la canción que suena en los créditos de cierre).

Solo una apreciación: ligamos animación a infancia con una facilidad pasmosa cuando en realidad una película como Wildwood se dirige más bien a un público juvenil por sus dosis de violencia y su explicitud, que puede herir sensibilidades. Si la novela se dirigía a un público entre 9 y 14 años, la película está recomendada para mayores de 12 años.

En ocasiones, esto ha supuesto aceptar papeles relativamente pequeños en grandes producciones, como fue el paso de su participación en Oppenheimer. Aceptó una controvertida y breve participación solo por el hecho de trabajar con Christopher Nolan y después llegaría el rol de Irulan en Dune: Parte 2.

Pero uno de los aspectos más interesantes de su periplo es el hecho de que siempre ha sabido intercalar proyectos comerciales con obras de corte más independiente. Yelena Belova en el UCM, sí, pero también protagonista de series como La chica del tambor o Al este del Edén, de cintas como Mujercitas, Midsommar o El prodigio.

¿Las próximas citas? Son inminentes: a mediados de diciembre volveremos a verla en Vengadores: Doomsday y Dune Parte 3. También están en preproducción otros dos proyectos suyos: 42.6 Years y The Midnight Library. ¡Larga vida a esta excelente actriz!

La película más versionada es la italiana Perfectos desconocidos, de Paolo Genovese con hasta 28 remakes que incluyen uno español que está entre las películas mejor valoradas dirigidas por Álex de la Iglesia.

Pero hoy vamos a poner el foco en las películas españolas que han tenido remakes estadounidenses, siempre con un resultado por debajo del original. Las razones son variadas: falta de alma, de identidad visual o sencillamente de discurso. Hay que tener en cuenta que las películas son hijas de su tiempo y a menudo de sus coordenadas espaciales, lo que hace que desarraigarlas les cambie el sabor.

El caso más emblemático es el de Abre los ojos de 1997. El remake Vanilla Sky de 2001 no solo cambió el título sino que destrozó la esencia de la película, considerada la gran obra maestra de Alejandro Amenábar. A pesar de contar con un gran presupuesto, la dirección de Cameron Crowe y el protagonismo de Tom Cruise, esta adaptación diluyó la atmósfera desconcertante y existencialista de la cinta original, algo que ni la presencia de Penélope Cruz en ambas películas pudo arreglar.

No desplazamos en el tiempo hasta el año 2008, momento en el que vio la luz Quarantine, remake de [REC], que se había estrenado el año anterior. Ojo, porque como decíamos al principio cuando algo funciona, la industria no pierde el tiempo. Esta vez la idea fue hacer lo que podríamos calificar como una copia plano por plano. Sin embargo, esta cinta se quedó muy lejos del trabajo de Jaume Balagueró y Paco Plaza. La dirección de John Erick Dowdle se consideró genérica y el tramo final de la cinta original relacionado con posesiones demoníacas fue sustituido por una explicación de ciencia ficción convencional mucho menos contundente, restándole gran parte del terror psicológico.

Cambiamos ahora de género para hablar de Secret in Their Eyes, que se estrenó en 2015, seis años después de que triunfara la producción hispanoargentina El secreto de sus ojos, que se alzó con el Óscar a mejor película de habla no inglesa y le reportó un enorme éxito a Juan José Campanella. El remake se quedó lejísimos de sus objetivos: no encandiló ni a la crítica ni al público porque despojó a la historia original de su identidad cultural y su contexto sociopolítico, simplificó sus personajes y cambió el peso dramático de su emotivo final. El resultado fue una fría acogida y un gran descontento por una adaptación muy inferior a lo esperado.

En 2023 verían la luz dos remakes igual de fallidos. Por una parte, Retribution, que no le hizo justicia a El desconocido, la cinta de Dani de la Torre de 2015. En este caso el tenso thriller social centrado en la desesperación de un director de banco extorsionado por las preferentes bancarias se transformó en una película de acción ligera y unidimensional diseñada para el Liam Neeson cuya carrera se había convertido ya en una serie de fotocopias sin alma. Se cambiaron las motivaciones del villano y la profunda angustia de la versión española fue reemplazada por explosiones tontas y una tonelada de clichés.

También vería la luz Champions, el remake de la película de Javier Fesser Campeones de 2018. Dirigida por Bobby Farrelly y protagonizada por Woody Harrelson, cayó en una estructura mucho más predecible y sentimentalista, perdiendo la espontaneidad y el humor gamberro de la original. Seamos sinceros: guste más o guste menos, el humor y el sello autoral de Fesser es imposible de imitar.

Hasta aquí nuestro resumen de remakes estadounidenses de películas españolas que no alcanzaron a las originales. No hay tantas entre las que elegir porque, afortunadamente, no es una práctica tan común. Lo que deja esta práctica de manifiesto es que la idea de explotar comercialmente una buena idea es muy tentadora.

Hablamos además de una producción chilena que no escatima a la hora de reunir a un amplio reparto internacional en el que se dan cita talentos de Chile, Mexico, Argentina y España. El reparto está encabezado por Alfonso Herrera, Nicole Wallace, Dolores Fonzi, Fernanda Castillo, Eduard Fernández y Maribel Verdú, entre otros.

El equipo creativo cuenta con la propia autora junto a Eva Longoria y Courtney Saladino como productoras ejecutivas, consolidando así un proyecto que combina el indudable atractivo del prestigio literario de Allende con la ambición por llegar a un amplísimo mercado audiovisual de la mano de Prime Video.

Bienvenidos a un relato intergeneracional

La casa de los espíritus gira en torno a la familia Trueba cuyo destino queda sellado desde que Esteban conoce a Rosa del Valle, la primogénita de una clan algo especial. Su hermana pequeña, Clara del Valle, tiene habilidades sobrenaturales que le permiten anticipar los acontecimientos, mover objetos con la mente e incluso percibir la huella del pasado en los lugares donde han ocurrido desgracias.

La historia se desarrolla en un país latinoamericano claramente inspirado en el Chile del siglo XX abordando así las distintas etapas de los cambios políticos y las tensiones sociales de la época: desde la lucha de clases hasta la reivindicación del sufragio femenino a los que se añade una dimensión más íntima centrada en el hogar y otro tipo de tensiones como la sexual que jalonan todo el relato.

La idea es la de tejer un tapiz de varias generaciones para comprender, desde una perspectiva femenina, el peso del paso del tiempo y el patrón de las relaciones que se van forjando. En este sentido, son las descendientes de Clara, Blanca y Alba, quienes terminan siendo el reflejo de la evolución de los acontecimientos y de las transformaciones sociopolíticas del país.

A esta nueva adaptación de La casa de los espíritus le asisten dos grandes aciertos: apostar por un producto de calidad identitario, rodado en castellano con un plantel extenso y talentoso y una ambición por lanzar una adaptación fiel con una apuesta visual propia.

La fotografía, muy saturada, crea un halo de misterio e incide en resaltar la paleta de colores en la cual el verde y el azul son los claros vencedores y ayudan a crear toda una serie de sensaciones en los espectadores que van de la esperanza a la tristeza. Es uno de los elementos que además sirve para introducir a los espectadores en ese realismo mágico que combina lo sobrenatural y lo cotidiano con total naturalidad.

Sin lugar a dudas uno de sus principales atractivos es el de contar con un reparto amplísimo en el que se dan cita muchos grandes nombres, aunque también talentos incipientes que se combinan sin aparente esfuerzo (aunque sea un poco imposible no andar fijándose en los acentos de cada cual y en su adecuación al registro que se les impone en cada momento).

El paso del tiempo impone saltos en la línea temporal y distintos rostros para personajes que maduran ante nuestros ojos. Todo este progreso es bastante orgánico y está bien construido para que nadie se pierda por el camino. Y no es fácil, pero las transiciones temporales son elegantes, precisas y no dejan lugar a dudas de lo que está sucediendo.

Puede que no sea una serie perfecta, con algunos momentos valle y un tímido arranque que nos hace dudar del tono en un principio, pero una vez que arranca, la fuerza de las letras impulsa los valores de producción de la serie, que es un producto audiovisual tan respetuoso y bien cuidado que es imposible resistirse a su encanto.

Nuestro consejo: no os la perdáis. Merece la pena dedicarle el tiempo y es, sin lugar a dudas, una adaptación más que digna.

El secreto del éxito de esta historia es contar con Lucía Caraballo como principal protagonista. La actriz, que también cosechó un gran éxito con la serie Animal, da vida a un personaje impredecible, descarado y muy refrescante que tiene la capacidad para resultar divertido al máximo. Por desgracia, la réplica se la da un actor mucho más limitado respecto a su vis cómica: Alejandro Speitzer, que por comparación resulta excesivamente soso.

Por fortuna, los secundarios acuden al rescate: Leonor Watling, David Lorente y Víctor Clavijo aderezan una historia en la que hay tanto espacio para el humor como para la acción.

En busca de la combinación idónea

Laura es dinamita pura: no le gusta seguir las reglas y tiene la capacidad de salir siempre por la tangente. Conoce a Nacho de forma fortuita en un vuelo de regreso a Madrid y tiene un flechazo instantáneo, aunque él parece ser justo todo lo contrario a ella: ordenado, tranquilo y alérgico a su espontaneidad.

Sin embargo, cuando llegan a la cinta transportadora para recoger su equipaje, Laura le propone un juego: si sale primero su maleta tendrán una cita, si no, se dirán adiós para siempre como perfectos desconocidos. Con tal de conseguir su objetivo, Laura coge la maleta anterior a la de Nacho, sin saber qué hay en su interior ni quién es su dueño.

Unas horas después empiezan a ser perseguidos por terroristas, la policía y el CNI. Mientras huyen a la desesperada irán descubriendo muchas cosas el uno acerca del otro, pequeños y grandes secretos que no atrevían a confesar y que decidirán si están hechos el uno para el otro o habría sido mejor que nunca se hubieran conocido.

La maleta tiene todos los ingredientes de cualquier comedia romántica al uso: equívocos, encuentros y desencuentros y un par de personajes en principio antitéticos entre los que hay una fuerte atracción. Pero, por fortuna, se reviste de muchas más cosas.

Hay una trama policial, hay secundarios bien esbozados y descacharrantes como "el binomio" de policías formada por Watling y Lorente y un tono cómico muy refrescante que hace imposible contener más de dos carcajadas. Así que al tira y afloja amoroso hay que añadirle persecuciones, disparos, secuestros y la posibilidad de un atentado en el aeropuerto contando con tanto con la ejemplaridad como con la ineficacia del cuerpo de la policía. Como decíamos, esto va de contrastes.

El hecho de que haya momentos en los que la acción toma las riendas implica cierto nivel de efectos especiales que funcionan razonablemente bien. Que nadie espere un John Wick, pero cuando hay disparos y bajas sí que estamos al nivel de Noche de juegos. Y mola.

Respecto al ritmo, arranca de una manera tan frenética que se resiente de un cierto parón antes de enfilar el último tercio. Justo en el momento en que Caraballo deja de liderar la historia para dar pie a una narración más coral. Hasta ese punto su personaje es el vector que atraviesa la película de principio a fin marcando el compás.

En resumidas cuentas, La maleta cumple su función. Ni revoluciona el género ni es un nuevo anodino episodio dentro de la serie de pelis de "chico conoce a chica", algo muy de agradecer.

Proveerá a los espectadores de un divertido entretenimiento en el que solo chirría algo más de violencia de la habitual en una cinta que parecía destinada a ser más blanca. Solo por eso es una película no recomendada para menores de 12 años, lo que puede disuadir a un sustancioso grupo de espectadores de acudir al cine.

La película es una aventura de supervivencia extrema, sí; busca ser lo más verosímil que puede a nivel de puesta en escena, recreando el interior del cachalote, también, pero en realidad centra su interés verdadero en el drama familiar desarrollando la historia de un hombre que necesita reconciliarse con su fallecido padre.

Las interpretaciones son uno de los puntos fuertes de la película, con Austin Abrams (Resident Evil) demostrando una vez más que es un actor con registro al que es posible tomar en serio cuando se le ve sufrir. Y Josh Brolin, una vez más, dando el do de pecho. El otro aspecto singular de esta producción es la recreación del interior de la criatura, que nos lleva a experimentar, junto con el protagonista, una fuerte sensación de claustrofobia. Los efectos especiales son dignos de elogio aunque aquí también tengamos muchos reparos como la luz en el interior del cachalote, los gases tóxicos o la capacidad para sobrevivir a los cambios de presión, etc.

Abrazar el pasado para poder soltarlo

Mitt Gardiner decide poner fin a su vida antes de que una enfermedad lo deje postrado en la cama. Como viejo lobo de mar, lo hace arrojándose a las aguas con peso, lo que hace imposible recuperar su cadáver. Un año después, su hijo Jay sigue siendo incapaz de abrir la carta de suicidio que dejó a su nombre.

Sintiendo que le debe a su familia algo más que un ataúd vacío, Jay decide volver a hacer submarinismo para tratar de encontrarlo, aunque las cosas no salen como él espera. Cree ver su calavera en una fosa pero cuando se interna en ella descubre la presencia de un gigantesco calamar gigante que está siendo asediado por un impresionante cachalote.

Arrastrado por las corrientes que generan en su pugna, Jay es engullido junto al calamar cuando apenas le quedan 45 minutos de aire en el tanque. La única guía que tendrá para tratar de liberarse serán los recuerdos de su padre, con las instrucciones que solía darle con su habitual rudeza.

¿Puntos a favor de Whalefall? El del conflicto paternofilial, sin duda, por lo bien que retrata la incomunicación en la familia, la incapacidad de padre e hijo para expresarse su amor y la necesidad de cerrar el duelo para poder avanzar.

En este plano estamos ante una película seria, humana y que trata de encontrar en la naturaleza una cierta fuente de paz. A su manera, es una película bonita.

Por otra parte, son muy acertados los efectos especiales y las interpretaciones, como ya hemos señalado. Pero quizás su mayor mérito es el hecho de que no de pie a un solo instante de aburrimiento a pesar de la sencillez de lo que propone.

No todo le sale bien al director, con solo dos títulos en su filmografía, Espontánea y Nadie te salvará. De hecho, es probable que peque de sobreexplicar algunas situaciones que no solo se habrían entendido sin necesidad de subrayados sino que funcionarían a otro nivel, de una manera más poética, acorde al tono intimista que busca la historia.

Así que Whalefall es una película bastante sorprendente. Lejos de las apariencias, no es una bobada que busque entretener al público acostumbrado a cintas de acción del estilo de Megalodón y tampoco es su objetivo una audiencia que se sienta atraída por el cine de catástrofes per se.

La idea es, más bien, narrar una historia extrema en la que no es tan importante la verosimilitud de lo que se cuenta como el resultado en la evolución del personaje central.

Tengamos en cuenta que la novela fue galardonada con el Alex Award en 2024, elegida como uno de los mejores thrillers del año por The New York Times y finalista del Los Angeles Times Book Prize en 2023. Es evidente que esta adaptación quiere ser algo más que una película de suspense para alojarse un tiempo en nuestra memoria y lo consigue en algunos aspectos. Dependiendo del momento vital en el que te llegue puede resonar más o menos en tu interior, lo que está claro es que no va a dejar a nadie indiferente.

De ahí la avalancha de remakes, seis en total, que incluyen una versión italiana, una francesa, una suiza, otra coreana y otra más checa.

La última en sumarse a la lista es la estadounidense La invitación, que cuenta con Olivia Wilde en la dirección y en uno de los papeles protagonistas junto a Seth Rogen, Penélope Cruz y el esquivo Edward Norton que tan poco se prodiga en los últimos tiempos (no lo veíamos en cines desde que dio vida a Pete Seeger en A Complete Unknown en 2024).

La realidad vs. la apariencia

El punto de partida de la historia es exactamente el mismo: Joe y Angela atraviesan una crisis de pareja derivada de un paulatino alejamiento entre ambos. Lo normal es que discutan acaloradamente y que, por desgracia, les cueste llegar a acuerdos. Él se siente estancado y siempre está de mal humor, ella se aburre y busca nuevos estímulos.

Con la intención de romper esa racha de ostracismo y exorcizar el bloqueo que padecen, Angela invita a cenar a sus fogosos vecinos de arriba, Pina y Hawk, a quienes quiere deslumbrar por encima de todo incluso saliendo de su área de confort. Pero Joe no está por la labor porque, de hecho, está harto de los ruidos que hace la pareja de madrugada y quiere más bien poner en su conocimiento su disgusto.

A duras penas, Angela intenta contener a su marido mientras que la realidad se impone a lo largo de la velada. Lo que Joe y Angela desconocen es que sus ruidosos y misteriosos vecinos también tienen algo que decirles y es algo que va a poner de manifiesto más que nunca la debilidad de las costuras que sustentan su viciada relación de pareja.

La invitación se beneficia de una Penélope Cruz que casi se echa a cuestas el peso de la película y es la que le aporta un mayor toque de pimienta. Los lances entre Olivia Wilde y Seth Rogen no están mal y Edward Norton interpreta un rol coqueto, pero sin conseguir ser el cataclísmico agente del caos que era Alberto San Juan en la cinta original.

Por lo demás, el guión coescrito por Rashida Jones y Will McCormack le añade a esta película dos cuestiones que le aportan un sabor distintivo. Por una parte, una mayor dosis de dramatismo. Es una película, la mayor parte del tiempo, bastante taciturna, sobre todo en su tercio final, algo que se refleja asimismo en la fotografía y el vestuario. Se agradece el dinamismo de la puesta en escena, los cambios en el tono y el ritmo... aunque por contraste quede bastante plana en el desenlace.

En cualquier caso, es una buena decisión haber rodado en 35 mm. porque el celuloide le aporta una textura especial a una película que habla de intimidad, de relaciones humanas y de expectativas vitales, sin abandonar un sencillo apartamento. La calidez que aporta el formato es clave en este sentido.

Y, por otra parte, quizás la adición más importante, es la de un parlamento que pone en pie la propia Cruz en el cual habla de la forma en la que se ignora el deseo femenino sobre todo a partir de una determinada edad y lo que supone para una mujer sentirse plena y sexualmente activa. Es importante por lo que supone y por lo poco habitual que es visibilizar una realidad así. Como decíamos, es su personaje por su enfoque y por el despliegue de momentazos que concatena, el que brilla con más fuerza. De hecho es, por así decirlo, el personaje dinamizador de la trama.

En resumen, La invitación es una buena película, pero nada como disfrutar de la original. Tenéis Sentimental, completamente gratis, en RTVE Play: juzgad por vosotros mismos.

Ojo, porque el género aún nos tiene reservados algunos estrenos en cines bien interesantes como Boiúna, Clayface, Leviticus, Aniquilación, Sacamantecas, Victorian Psycho o Crawler además del nuevo capítulo del Poohniverse Pinocho desatado.

Pero hoy vamos a centrarnos en las películas que ya están disponibles en plataformas digitales bien sea como parte de la oferta del catálogo vía suscripción o bien en alquiler por un precio adicional. La buena noticia es que están la mayoría de las películas más potentes del año, a excepción de estrenos recientes que aún están rindiendo en cartelera o que han terminado su carrera en el circuito hace muy poco tiempo como Resident Evil en el primer caso o Insidious: Fuera del más allá en el segundo.

¿Qué podéis ver cómodamente en casa? HBO Max os dará acceso directo a películas como Backrooms o Te van a matar. La primera ha despertado el interés por la adaptación de los creepypasta y también ha demostrado que no hace falta un gran presupuesto para conseguir un excelente rendimiento en taquilla. La segunda es más bien una película de acción con toques gore que procura un entretenimiento salvaje.

Disney Plus es el hogar de Psycho Killer, una película que cuenta con Georgina Campbell, la estrella de Barbarian, como protagonista. Y se mueve en un terreno mucho más oscuro.

Por su parte, Prime Video lanzará el 30 de octubre un estreno directo a platatorma que es imprescindible para los amantes del cine de infectados: Apocalipsis Z: Nuevo mundo.

El resto de los títulos están disponibles en alquiler y son algunos de los bombazos del género del año. Tiene la corona Obsession, pero también son títulos muy interesantes Hokum y El pasajero nocturno.

¿Y qué hay de las risas? El tándem Samara Weaving-Kathryn Newton es el encargado de ofrecerlas en Noche de bodas 2, disponible en Disney Plus. Y con esta recopilación de títulos solo nos queda desearos un tétrico Halloween. ¡Felices pesadillas!

Si bien hemos disfrutado de títulos como No hay otra opción, Scarlet o The Furious, que han pasado un poco de puntillas por las carteleras, aún nos quedan unos meses apasionantes en los que vamos a poder ver cine asiático de gran calidad.

La primera en llegar es la propuesta de ciencia-ficción Kakeru (Sheep in the Box) de Hirokazu Koreeda en próximo 16 de octubre. La pregunta que tratará de contestar esta película es si la tecnología será capaz algún día de devolvernos a nuestros seres queridos. Plantea que en un futuro próximo haya humanoides creados con inteligencia artificial en reemplazo de personas fallecidas.

Cambiamos de registro para hablaros de la cinta coreana de animación Exorcism Chronicles: The Beginning que llegará también el 16 de octubre en plena Sppoky Season. Se trata de un estreno tardío dado que la producción data de 2024 que nos llevará a seguir la historia de un monje que quiere proteger a un niño del mal absoluto.

Un amor posible llegará de forma muy limitada a salas comerciales antes de recalar el 6 de noviembre en Netflix, Se trata de un drama romántico dirigido por Lee Chang-Dong. Esta cinta coreana de 164 minutos de duración viene con críticas muy positivas el Gran Premio del Jurado de Venecia como aval.

Hay espacio también para el thriller de la mano de Kiyoshi Kurosawa en El samurái y el prisionero que toma como base la novela de Honobu Yonezawa. Nos desplazamos al Japón feudal para seguir un curioso whodunit de época.

La acción la pondrá Hope, propuesta coreana de Na Hong-jin que no teme abrazar temas apocalípticos mientras ofrece un espectáculo de primera a lo largo de sus más de dos horas y media de metraje. Se estrenará el 30 de octubre con el objetivo de exprimir el fin de semana de Halloween.

La esperada Godzilla Minus Zero, la película más larga de la saga, verá la luz el 6 de noviembre inaugurando un mes más exiguo en estrenos de cine asiático. La producción japonesa es una continuación directa de Godzilla Minus One que tratará de recuperar el equilibrio entre drama humano y el cine de monstruos.

La violinista se estrenará ya el 13 de noviembre y es una verdadera rareza. Se trata de una coproducción de Singapur, España e Italia que se ha alzado con dos prestigiosos premios en el Festival de Annecy: mejor largometraje y mejor música original.

China nos traerá otra propuesta de animación el mismo día de estreno, aunque en un registro my diferente: Bonnie Bears: Salto al futuro se desarrolla en un mundo postapocalíptico en el que la humanidad está prácticamente aniquilada.

Habrá que esperar hasta el 11 de diciembre para poder ver otro estreno de cine asiático en cartelera. Será la japonesa We Are Aliens coproducida por Francia y en un tono de drama intimista que retrata la fragilidad de las relaciones en la adolescencia.

Comparte fecha de estreno con la coreana The Day She Returns del cineasta Hong Sang-soo que, en esta ocasión, realiza un ejercicio de estilo rodando en blanco y negro y sacándole punta a una premisa metalingüística.

Y hasta aquí podemos leer. Es cierto que 2026 no nos ha deparado grandes estrenos asiáticos, pero también hay que tener en cuenta que a veces tardan muchísimo en llegar a nuestro territorio. Estaremos pendientes de lo que está por llegar para que no os perdáis ningún título imprescincible.