Hay bajas muy importantes, odios enconados que reciben nuevo combustible y movimientos muy relevantes en el tablero del juego del poder. En suma, un buen balance de acción, tragedia y avance de los acontecimientos.

En líneas generales, da la sensación de que el ritmo moroso y la fotografía mohína de la segunda temporada han quedado atrás: es tiempo de golpes sobre la mesa, resolución de tramas y de destrucción, tal y como es de esperar en una guerra civil del calado de la Danza de dragones.

Resumen de La casa del dragón 3x02

El segundo episodio de la tercera temporada de La casa del dragón arranca justo a continuación de lo que vimos la semana pasada. Vemos el cadáver de Jace flotando en las aguas, a los dragones supervivientes pasando a fuego a la flota de la Triarquía y posteriormente a los hombres de Corlys cargando el cadáver para conducirlo hasta su madre.

Baela anuncia que han ganado la batalla pero Rhaenyra tiene que afrontar la muerte de su hijo. Está entre iracunda y profundamente apesadumbrada al punto que el comandante de la Guardia Real se confiesa culpable y le pide pagar con su vida. Ella dice que todos la han traicionado pero pero que matarlo no le devolverá a su hijo. Abraza su cadáver y llora desconsoladamente.

La batalla no cesa en el frente donde Alyn busca a Corlys sin éxito temiendo que haya muerto.

Rhaena pide a asilo a lady Jeyne Arryn, que se lo deniega, sabiendo ya de la muerte de Jace. Rhaena trata entonces de negociar con los dragones: le dice que Vhagar está suelta y Robaovejas vive en el valle. Jeyne se lo piensa...

Daemon recibe a Simon Strong en las Tierras de los Ríos: le lleva un mensaje de la reina donde le informa de la muerte de Jace. Lo anuncia y dice que partirá a Desembarco del Rey para reclamar el Trono de Hierro para Rhaenyra. Les pide a los demás ir a Harrenal y ser el brazo ejecutor, sin flaquear.

Antes de partir tiene una última conversación con Alys Ríos que reclama para sí Harrenhal. Dice que ha servido a todos cuantos han pasado por allí sin saber cuidarlo y que ella lo haría mejor. Él le dice que no tiene corona, título ni esposo noble y que por tanto no le corresponde, aunque podría procurarle otra recompensa. Ella no está interesada y le grita que se vaya y no vuelva por allí.

Mientras Baela y Alyn conversan sobre Corlys, Addam sigue buscándolo a lomos de Bruma. Lo avista entre los restos del naufragio. Cuando la Serpiente Marina ve el tamaño del desastre dice que si eso es una victoria espera no ver otra igual. Luego le dice a Alyn que no tiene nada que darle, salvo su apellido. Él considera que es más valioso que una montaña de oro.

Larys y Aegon consiguen zafarse del carro en el que estaban siendo conducidos a Rocadragón. Deciden poner rumbo a Reposo del Grajo donde piensan que Cole tendrá tropas fieles que les darán cobijo.

Alicent va en busca del comandante Luthor Largent. Le dice que Rhaenyra va a volver a reclamar el trono.

Daemon se reúne con los nuevos jinetes. Explican que Aemond no apareció y que se fueron, igual que Addam, que ha ido a reunirse con Baela. Él los considera unos inútiles y les alecciona, pero a la vez los considera necesarios.

Daemon se reúne con Gusano Blanco para ponerse al día. Le sorprende que Rhaenyra confíe en la palabra de Alicent. Mientras conversan, reciben la noticia de que Vhagar ha salido de Desembarco del Rey.

Entre tanto Alicent quiere hablar con sir Soren en privado para tratar de preparar el terreno. Hay mucha crispación y le piden tener la reunión con cautela.

Daemon va a ver a Rhaenyra que está destrozada y le dice que estaba allí el dragón Robaovejas con un jinete desconocido que causó la muerte de Jace. Quiere que lo encuentren. Le anuncia de Vhagar ha abandonado Desembarco del Rey. Ella está dolida por poder sentarse en un trono a costa de la vida de sus hijos. Daemon le dice que en Harrenhal vio a una mujer de cabellos plateados con dragones, que era la profecía de la Canción de hielo y fuego.

Jasper Wylde va a ver a Alicent y la acusa de haber tenido relaciones con Criston. Forcejean y cuando está a punto de forzarla aparece Orwyle y ordena detenerlo. Ella le dice que está en deuda con él.

Rhaenyra y Daemon deciden ir a Desembarco del Rey escoltados por sus nuevos jinetes. Mysaria le entrega a Rhaenyra la corona y le pide que recuerde quién le ha sido leal. La idea es tomar la ciudad lo más rápido posible y luego encargarse de Vhagar.

Alicent le anuncia a Helaena que Rhaenyra está en camino y que van a abrirles las puertas para entregar las armas sin violencia. A continuación van a hablar con las tropas encargadas de la defensa de la ciudad y les piden que no ataquen a los dragones de los Negros.

Criston ve pasar a Vhagar y pone a los suyos en marcha a Harrenhal, a donde se dirige el dragón. Nada más llegar, Aemond pasa a fuego y espada a todos cuantos encuentra.

Simon Strong y su hijo lo esperan en el interior. Aemond pide enfrentarse a Daemon, pero Simon le dice que el ejército se ha retirado. Lo mata ahí mismo junto a su hijo. Pero Alys Ríos aparece detrás de él: está herido. Se arrastra hasta ella pidiéndole ayuda antes de desplomarse.

Los dragones de Rhaenyra llegan Desembarco del Rey sin encontrar oposición. En la ciudad cunde el pánico. Alicent y Helaena preparan su retirada. Daemon acaba con los últimos fieles a los Verdes y Rhaenyra llega hasta el salón del trono. Allí se ven entre dos frentes, pero Luthor reconoce a Daemon como capitán de los capas doradas y pide a la guardia real que entregue las armas. Daemon pide que se prenda a todos los Hightower y Rhaenyra que se lleve ante él a Aegon el usurpador para ajustar cuentas.

Daemon va en busca de Alicent y Helaena pero ellas han huido. Quiere un castigo ejemplar para Orwyle pero él se ofrece otra cabeza que le puede interesar más: la de lord Jasper. También le comunican que lord Larys le ha dejado un regalo: al mismísimo Otto Hightower. Lo conduce hasta el salón del trono donde Rhaenyra tiene que ajusticiarlo para convertirse en reina porque Aegon se ha fugado. Él pide que lo mate Daemon para ahorrarle el sufrimiento de que sea ella, pero Rhaenyra le corta la cabeza y Daemon decapita a Jasper.

Rhaenyra, dejando huellas de sangre en el suelo, asciende al trono de hierro y se sienta en él, aún temblando.

Alicent y Helaena son apresadas y llevadas ante ella. Alicent ve el cadáver de su padre y dirige una mirada iracunda a Rhaneyra.

La ruptura del pacto

El diseño de producción de la serie está a la altura para ofrecer abundantes planos de dragones, secuencias multitudinarias y encontronazos en todos los frentes sin renunciar al drama íntimo y personal de dos mujeres enfrentadas que sostienen los pilares emocionales de la serie.

En La casa del dragón siempre tenemos la sensación de que ellas, Rhaenyra y Alicet, no son las responsables últimas de sus actos y de que su enfrentamiento es casi forzado y antinatural, abocadas por las circunstancias, las represalias o el deber de contrarrestar las acciones de los demás.

Aquí las tenemos frente a frente como nunca antes: Alicent se ha mantenido fiel al pacto que ambas hicieron de rendir la ciudad sin violencia alguna pero Rhaenyra, arrastrada por el dolor de la muerte de Jace y de la búsqueda de legitimidad para alcanzar el trono, ha matado al padre de Alicent al no encontrar a Aegon. Estamos ante uno de los puntos álgidos de la serie, donde se ven las consecuencias directas de que los Negros hayan ido ganando en varios frentes. Lo que la serie debe seguir explorando es el precio de la victoria y cómo el conflicto va a seguir arrasando en todos los frentes.

Las opiniones contrapuestas también se han dejado notar en la redacción de HobbyConsolas, donde los debates entre los compañeros son apasionados. ¿La serie consigue remontar por fin con un poco más de garra o no deja de meter la pata?

En la bancada de la acusación, tenemos a Javier Cazallas que cree que la irrupción de los Stark es pobre y se ha quedado con ganas de ver más de la Batalla del Gaznate. En la defensa, una servidora, Raquel Hernández, subraya la mejoría técnica y narrativa respecto a la segunda temporada, que nos dejó sin clímax.

De momento, el estreno de La casa del dragón se ha saldado con un bajón importante de audiencia, algo que deja ver cierto desinterés o quizás muchas ofertas interesantes que opacan a las plataformas de streaming, algo probable si tenemos en cuenta que estamos en plena temporada de blockbusters cinematográficos.

Estamos solamente ante el arranque de la tercera temporada y nos quedan otros siete episodios por ver. La emisión del segundo es, de hecho inminente. ¿Mantendrá el nivel o se relajará? Te lo contaremos puntualmente en nuestro resumen y análisis del episodio 3x02 mañana mismo. ¡No te lo pierdas!

En realidad, ahora la serie es más coral que nunca y se esfuerza mucho por hacerle justicia a todos los personajes dedicándoles al menos un instante de gloria, por así decirlo.

Si estás familiarizado con el concepto de "episodio botella" comprenderás muy rápido que lo que ha hecho Chris Storer (y seguramente le ha facilitado las cosas para conseguir llevar a cabo una producción bastante rápida) es una suerte de "temporada botella".

La quinta y última tanda de episodios de The Bear transcurre casi en su totalidad en el restaurante con sus personajes atrapados por una tormenta récord que dispara los problemas a los que tienen que enfrentarse a medida que explotan cañerías, se hunden techos y se vacía la despensa antes de "la última cena". El crono ya se paró en la cuarta temporada, así que solo queda saltar sin red para darlo todo a la desesperada y cruzar los dedos para que la embarcación no se vaya a pique.

La intención es mostrar una vez más ese caos adictivo que hace que puedas enamorarte del sonido de la cocina, del ambiente del sala o del color desplegado en un plato que empieza a degustarse a través de la mirada antes de rozar el paladar... y que cuando fluye, es como una coreografía perfecta que no lucha contra el reloj sino que se pliega ante él con gracia y armonía.

Es un nuevo chute de amor a la gastronomía y al exigente mundo de la restauración, con un punto álgido, el séptimo episodio, en el que a cualquiera le rugirán las tripas al ver las delicias que desfilan por la pantalla.

Como siempre, estamos ante un viaje sensorial de primera categoría, de manera que cuando la narración se vuelve pesadillesca, casi sentimos que se nos eriza el vello mientras que cada mirada, apunte o cruce de palabras es significativo entre unos personajes atrapados entre la pasión por la cocina y las implacables facturas.

Pero, ¿estamos ante un desenlace satisfactorio? A nivel emocional sí y, por fortuna, también en el plano narrativo gracias a la agilidad del montaje y la ductilidad del formato: arrancamos con episodios de 22-25 minutos y terminamos con dos de una hora. Tras dos temporadas anteriores bastante lentas, esta quinta parece tener más claro que no hay tiempo para ensimismarse demasiado. Esto no es un obstáculo para la evolución de nuestros protagonistas puesto que todos ellos deben asumir sus nuevas posiciones y los retos propios de un futuro incierto. Y a veces este paso es tan sencillo como confiar y no imponerse frenos.

El mensaje primordial, que viene subrayándose desde la primera temporada, es que un gran restaurante no es mérito de un hábil chef sino un esfuerzo compartido por un equipo en el que todas las piezas están bien engrasadas: hay compromiso, aprendizaje, solidaridad, comprensión y muchos, muchos, muchos cálculos.

Tan importante es contar con una buena materia prima como tratar a los compañeros con respeto, dejar al cliente satisfecho y cuadrar las cuentas al final del día. Y no podemos soslayar el tema de la identidad: cada viaje, reunión familiar o costumbre arraigada, es una fuente de inspiración para dar forma a platos que tratan de atrapar un concepto y contar una historia. Las raíces van a estar muy presentes en un final que es un principio, en realidad, porque "los osos" son una familia que sigue unida a pesar de todo.

A nivel técnico esta temporada final destaca por una estética continuista pero quizás más estilizada todavía: la luz busca crear distintos ambientes y sensaciones y el montaje crear una tensión constante, que también se nos traslada a través de los sonidos, aunque no vamos a tocar techo, sino que nos vamos a quedar en un registro más moderado (y tolerable) que en otras ocasiones.

La principal novedad es que esta vez además, se abre paso un sentido del humor más entrañable que nos recuerda qué nos enamoró de los personajes, qué los hace especiales y por qué los echaremos de menos. El octavo y último episodio es ya el que los saca de la botella y los devuelve a la vida real, un epílogo abierto, como la vida misma. En suma, The Bear 5 se merece una reseña de cinco tenedores.

Así que en esta ocasión Pierre Coffin ha llevado la historia mucho más allá de lo que lo hizo en 2017 y 2022 con Los minions y Minions: El origen de Gru. Estas criaturitas amarillas habían demostrado ser personajes secundarios robaescenas y tener un encanto propio sensacional, pero necesitaban un poco de ayuda para abarcar la duración de un largo sin sufrir un poco.

Aquí dejan claro que pueden cargar con todo el peso de la historia: son unos magníficos protagonistas, independientes de cualquier villano. Pueden llevar la batuta porque son entrañables e incorregibles a pesar de expresarse en minionés. Total... ya les entendemos sin problema.

Pura diversión, pero con más capas

Minions & Monsters arranca con una visita guiada a los estudios de cine, donde los visitantes descubren cómo, tras un largo periplo buscando un amo al que servir, los minions acabaron en Los Ángeles, donde algunos de ellos descubrieron el mundo del cine y se enamoraron de su lenguaje.

Con la firme convicción de rodar su propia película, acuden a un afamado director para que les asesore. Su principal consejo es que crean en ellos mismos y cuenten con un buen monstruo si van a crear una película de monstruos. Así, recurrirán a la magia para invocar a una criatura llamada Miranda, "la devoradora de mundos" que va a desatar el caos.

Mientras tanto, los demás encuentran un nuevo villano al que seguir: el robot extraterrestre Dort, que planea destruir la Tierra y subyugar a los terrícolas... hasta que se queda prendado de una joven sufragista y decide aplazar su misión.

De primeras hay que reconocerle a Minions & Monsters la virtud de ser la mejor y más redonda de las tres películas centradas en estos personajes. Como decíamos al comienzo, porque en ella se independizan de Gru y son los motores principales de la acción y en segundo lugar porque ofrecen un verdadero tour por la Historia del Cine repleto de referencias, personajes, escenas icónicas reimaginadas "en amarillo" e incluso pinceladas musicales en una banda sonora también muy rica en influencias y matices.

También es una película caótica y desordenada... como sus propios protagonistas. Los gags se suceden a toda velocidad en una historia aguda, muy graciosa y bien rematada con altas dosis de metalenguaje, que te lleva a reír a mandíbula batiente en más de una ocasión.

Como es evidente, es una película que no le va a cambiar la vida a nadie, pero tampoco lo pretende: lo que sí es su objetivo, más que logrado, es ser fresca, original, divertida a rabiar y un placer para grandes y pequeños cuyo ritmo es irrefrenable.

Ellos seguramente no pillarán muchos guiños porque les faltará bagaje audiovisual, pero ahí estará el placer cinéfilo de hacerles descubrir a Charlie Chaplin, a Buster Keaton, a Méliès, los monstruos de Universal, el western, el cine negro, las joyas de Orson Welles y tantísimos otros hitos del cine que Pierre Coffin recorre escribiendo una carta de amor insospechadamente emotiva y simpática que no habríamos esperado a priori encontrar aquí. ¡Hasta está presente George Lucas y se menciona al icono Keanu Reeves!

Atención a la riqueza de planos, a la sensibilidad para poner en pie estilos e hilvanar situaciones, porque es un torrente constante de ideas. Minions & Monsters es una película muy ligera que se estrena en el momento ideal, en pleno verano, como reclamo para las familias y tiene todos los ingredientes para encajar en el público más amplio posible. La grata sorpresa es que esta vez van a salir todos satisfechos y bien saciados del cine. Funciona como un tiro y aunque a veces parezca que está a punto de perder las riendas, consigue llegar a una conclusión satisfactoria. ¡Qué gozada!

Pero, ¿es necesario estar al día antes de ir al cine? ¿Es imprescindible o recomendable haber visto alguna película o serie previa para comprenderla o captar matices?

Lo cierto es que no. La película dirigida por Craig Gillespie no depende de ninguna película o serie anterior. Aunque David Corenswet hace acto de presencia en un momento dado, la naturaleza de la relación entre ambos y el distanciamiento que hay entre ellos queda bien explicado en la propia película.

Mientras que Kal-El "ama" la Tierra y la considera su hogar, Kara Zor-El, su prima, no siente lo mismo. Ella echa en falta a su familia y el hogar en el que creció, Argo, una pequeña parte de Krypton que se salvó del cataclismo que acabó con el planeta. Allí nació, creció y encontró a Krypto, que representa para ella el único vínculo activo con su pasado.

Respecto a los retos que la heroína debe superar en Supergirl, también se afrontan en la cinta. En primer lugar, lo más importante, es sobreponerse a esos sentimientos negativos que la llevan a actuar de manera imprudente y autodestructiva. Ese es el corazón de la película. Y se plantea en base a la ayuda que le presta a Ruthye, una joven que ha perdido a su familia a manos de un sanguinario bandolero llamado Krem y que se convierte en su protegida además de un reflejo de sí misma por todo lo que comparten.

En suma, Supergirl es una película independiente. Por su naturaleza expositiva, puede considerarse una película de origen que funciona como spin-off de Superman, pero sin depender argumentalmente de ninguna narración previa. Es autoexplicativa y autoconclusiva y deja a Kara Zor-El preparada para lo que sea que esté por venir dentro de la narrativa de la franquicia.

Supergirl es una película bastante peculiar, con una protagonista cuyo comportamiento nada tiene que ver con el de una superheroína. Es una mujer desarraigada, en busca de un propósito vital y su lugar en el mundo, que lidia con un fuerte resentimiento. Esto la lleva a tener una conducta evasiva. Así que, aquellos amantes de los cómics que busquen una versión apegada a sus lecturas, se van a sorprender con muchos e importantes cambios respecto a Woman of Tomorrow.

Lo más descorazonador no es solo la falta de equilibrio del proyecto, sino la descarada fusión de referencias de otros universos ficcionales con entidad propia: aquí hay ideas prestadas de Star Wars, de Mad Max, de X-Men y, por supuesto, como no podía ser de otra manera, un enfoque de blockbuster que entronca con el espíritu gamberrete de Guardianes de la galaxia aunque con un sentido del humor mucho menos eficiente.

En suma, es una película que parece no tener ideas propias o no tener intención al menos de arriesgarse a desarrollarlas. Aquí Supergirl es un antiheroína fuera del sistema y solo empieza a materializarse su potencial en el último tramo de la película, cuando al fin la acción también tiene algo de enjundia.

De Krypton a la Tierra

Kara Zor-El vive de resaca en resaca en su nave con Krypto, su fiel compañero de aventuras. Frecuenta planetas con soles rojos donde el alcohol le hace más efecto, aunque esté caminando constantemente al borde del precipicio y poniéndose en peligro porque solo puede tratar de mitigar el dolor que siente.

Un buen día, mientras está de farra, irrumpe en el bar Ruthye, una joven cuya familia ha sido masacrada por el bandolero Krem, en busca de ayuda. Su objetivo es darle caza y matarlo con una de las armas forjadas por su padre, un famoso herrero. Aunque al principio Kara no piensa que esa sea su batalla, cuando Krem envenena a Krypto despierta su furia. Solo tendrá tres días para darle caza y recuperar el antítodo antes de que su mejor amigo sucumba a una parálisis mortal.

A medida que Kara y Ruthye pasan tiempo juntas, se dan cuenta de las cosas que tienen en común: no solo haber perdido a sus familias sino tener que salir adelante solas en un mundo hostil y adoptar decisiones que pueden marcar sus vidas para siempre.

Uno de los aspectos más decepcionantes de Supergirl es que no se aprecia el sello de su autor. Craig Gillespie viene de dirigir películas como Yo, Tonya, Cruella o Golpe a Wall Street además de haber estado involucrado en la dirección de series como Pam & Tommy o Vicios ocultos. No hay nada en esta película que nos recuerde ni remotamente a su estilo: parece estar hecha con piloto automático.

¿Es Milly Alcock una buena Supergirl? Ha llevado al personaje al extremo que le han pedido y es una actriz con rango interpretativo, pero es difícil empatizar con ella durante al menos dos tercios de la película en los que se limita a tratar de desembarazarse de su protegida y escurrir el bulto. Es dura sí, pero también egoísta y amargada, con un resentimiento profundo que manifiesta por medio de conductas autodestructivas. Huele a vómito y pis de perro, así que es difícil cogerle el pulso.

La estructura narrativa se repite en varias ocasiones, lo que unido a la estética feísta de la película (todo parece sucio, antiestético y asqueroso, como el propio villano al que encarna Matthias Schoenaerts, más plano que el papel de calcar) no ayuda a entrar en la historia.

No todo son pegas: hay al menos dos facetas en las que la película cumple: la primera de ellas es el flashback de Krypton en el que se explica la creación de Argo y la dolorosa despedida de Kara de su hogar y su familia. Es también el momento en el que se explica el vínculo entre ella y Krypto, promoviendo que se comprenda mejor su interés en recuperarlo a toda costa.

La segunda es la irrupción de Jason Momoa como Lobo, el gran alivio cómico de esta historia y probablemente de los pocos lances humorísticos que funciona a pleno rendimiento.

Estamos ante una película de terror que retuerce el leit motiv clásico ya de La pata de mono, aquel relato breve que William Wymark Jacobs escribió en 1902. Cuidado con lo que deseas, porque puede hacerse realidad y salir mal, pero que muy mal. Por más que pasen los años, la fórmula ha encontrado mil y un acomodos en la ficción pero es especialmente eficiente en esta película porque subvierte además las clásicas reglas del género de la comedia romántica.

Así que puedes disfrutarla como película de terror tal cual o darle una pensada extra y sorprenderte con la brutal denuncia que hace de las relaciones tóxicas, codependientes y destructivas en las que un miembro de la pareja asfixia a otro: falta de espacio, celos, miedo al abandono, manipulación, presencia constante y amenazas a herirse a uno mismo o a otros. Hay una fina línea que separa el amor de la obsesión, como dice la canción.

Esclava de su deseo

Bear está enamorado de su compañera del trabajo Nikki pero nunca encuentra el momento ni las palabras adecuadas para declararle sus sentimientos. Una noche, al llegar a casa, encuentra a su gata muerta y encima Nikki le escribe para decirle que va a dejar su puesto.

De forma fortuita, encontrará un artículo en una tienda esotérica que llamará su atención: se trata de una rama de sauce que, según prometen las instrucciones, cumplirá el deseo que formule quien la rompa en dos pedazos. Desesperado, se decidirá a pedir que Nikki le ame más que a nadie en el mundo.

Ella empieza entonces a manifestar un comportamiento muy extraño: parece interesada en él pero también tiene arrebatos en los que le rechaza. ¿Está Nikki enamorada o solo sometida por un embrujo incomprensible? ¿Hasta dónde están ambos dispuestos a llegar para mantener una relación?

Obsession es el caso arquetípico de una película de bajo presupuesto que logra enganchar al público con una premisa sencilla. ¿Es la mejor película de terror del año? No, pero hay que reconocer que sí genera momentos de genuino desconcierto y lleva su premisa hasta el final.

Dicho lo cual, la película tiene una deuda gigante con la actriz Inde Navarrette: ella es el corazón de la historia. Su forma de sonreír, de gesticular, de moverse e incluso de permanecer estática es increíble. Exhibe un registro interpretativo muy extenso que le permite componer un personaje impredecible y por tanto muy perturbador que genera tensión con su mera presencia.

Barker además explota con acierto las bajas luces y los fuertes contraste lumínicos que suelen dejar su rostro en penumbra, con sus ojos como dos tenues lucecitas revoloteando en la oscuridad.

En lo que se refiere al diseño de producción, se aprecia que es austero: solo unas pocas localizaciones y un puñado de personajes pueblan la historia de Obsession. Da la sensación de no necesitar mucho más para despertar emociones en la audiencia. Tiene momentos de dejarte ojiplático, otros de reír y otros de abrir la caja de los truenos para reflexionar sobre qué es lo que normalizamos respecto a las relaciones románticas y qué es oscuro, enfermizo y debería preocuparnos.

En suma, no dejará a nadie indiferente aunque habrá quien encuentre excesivos los últimos giros de guión, cuando la trama ya se vuelve loca de remate. Quizás sin menos golpes de timón, simplemente contando como es una relación con una persona posesiva que abusa de manera emocional del otro, lo aísla de su entorno, restringe su autonomía y ejerce un estricto control de su vida, ya habría estado servida una película de terror bárbara.

La sangre y la escatología son un mero adorno y un doble looping para darle un empaque más comercial de cara sobre todo al público joven, que la encontrará así más atractiva. Bien está si hacen la lectura correcta de la historia... que pasa por darle la vuelta al punto de vista. Y eso descoloca de verdad: no sabemos qué debemos sentir respecto al protagonista, que parece ser la víctima cuando es en realidad quien está sometiendo de facto a su amor platónico, que sabe bien que no le ama en realidad. ¡Todo mal!

Sin complicaciones, eso sí: 91 minutos de metraje con todo lo necesario para hacernos pasar un buen rato y un actor que sabe sacarle jugo a sus vis cómica y física derrochando carisma de nuevo en el rol de "pasaba por aquí y se ha liado pardísima".

Como es de imaginar teniendo en cuenta la elección del título la idea con la que juega la película es con la falta de normalidad de un pueblo llamado Normal en el que la violencia va a arrasar con todo.

El guión está impregnado de un humor negro bastante crudo a veces que de forma soslayada introduce algún que otro mensaje político y social. Pero son solo pinceladas: aquí venimos a ver tortas y tiros y vamos a disfrutar de tiros y tortas. ¡Yuhu!

Qué difícil se ponen las cosas a veces

Normal comienza con un ajuste de cuentas en el seno de un clan yakuza de Osaka. Después de cobrarse varias víctimas, el líder manda a sus hombres a un remoto pueblo de Minnesota donde podrán operar con impunidad. Un tiempo después, el sheriff de Normal aparece muerto en extrañas circunstancias y se busca a un sustituto provisional.

Ese hombre es Ulysses Richardson, un tipo que tiene la firme intención de no meterse en líos y dejar pasar los días sin esforzarse demasiado. Carga con sus propios demonios y además se ha separado de su esposa Penny a la que llama a menudo para contarle cómo le va, aunque ella no llega a descolgar el teléfono y él se consuela con dejarle mensajes en el buzón de voz.

Cuando una pareja de forasteros decide atracar el banco de la ciudad, terminan haciendo público el secreto del éxito del lugar, activando una reacción en cadena. Por una parte, los habitantes de Normal no están interesados en que el dinero deje de fluir y por otro lado, la yakuza recibe la alerta y envía a un nutrido grupo de matones para acabar con la amenaza a sus negocios.

Ulysses se verá obligado en un última instancia a tomar partido dejando de lado sus fantasmas y luchando por sobrevivir en una despiadada pugna con... ¡todo el mundo!

Bob Odenkirk es el corazón de la película, volviendo a encarnar a alguien que parece ser un hombre tranquilo transformado en héroe por necesidad, como en Nadie, pero en esta ocasión, está muy bien acompañado por secundarios estupendos como Lena Headey (Gunpowder Milkshake,), Henry Winkler (Black Adam), Brendan Fletcher (Noche de paz) o Jess McLeod (Alguien está mintiendo).

Por lo demás, la historia no oculta sus referentes, con Fargo de los Coen como eje, pero también un regustillo estupendo a cintas de acción similares a las que reta en determinados momentos por su toque gore, en comparación más bestia, y sus momentos de intriga internos que se saldan con algún susto que otro y giros de guión muy locos: desde el rastro rojo en la nieve que lleva a un alce hasta esa comida en la que una botella de champán da una sorpresa fúnebre que abre un camino sin retorno.

En general, es una película con bastante mala leche que combina bien géneros aunque quizás la traca final se hace esperar un poco más de lo deseable. Con todo es una propuesta honesta, bien planteada, que da lo que promete y no pretende ser más que eso: un entretenimiento por momentos hilarante en el que es fácil perder la cuenta de las víctimas que suelen caer de formas tan exageradas como jocosamente pringosas.

Como Wheatley dedica buena parte del metraje inicial a llevarnos de paseo por Normal, ya sabemos de antemano dónde están los alijos de armas, los explosivos y la colección de armas más exquisita donde se desarrollará un tiroteo espectacular. Satisface las expectativas que genera y, qué demonios, no nos importaría ver de nuevo a este Ulysses pasando por otra odisea...

El capítulo, escrito por Ryan Condal y dirigido por Lori Peristere nos provee del clímax de la segunda temporada que nos escamotearon en su día.

Va de menos a más para construir un crescendo emocional de lo más interesante e introduce importantes novedades que van desde lo más obvio (ciertos cambios en la melodía de apertura) hasta otros que se alejan de Fuego y sangre. La serie tiene su propia lógica y la reclama para sorprender a los espectadores, incluso a los más informados.

Resumen de La casa del dragón 3x01

Rhaena encuentra al dragón Robaovejas y lo monta entre gritos, a la desesperada.

Aemond busca a su hermano, el príncipe que huye junto a lord Larys. Está muy dolorido y reniega de su ayuda pero ellos quieren buscar protección y tienen que renegar del que llaman “el usurpador” y jurar lealtad a Rhaenyra Targaryen. Cuando Aegon se niega a hincar la rodilla, Larys le delata ante los guardias solicita que los entreguen como prisioneros.

Rhaenyra sopesa con su hijo la oferta de Alicent de derrocar al rey y tomar el trono sin derramamiento de sangre. Luego habla con el consejo y le cuenta la situación: Aemond tiene previsto ir a Harrenhal a lomos de Vhagar y piensa que Alicent será fiel a su palabra y le abrirá la Fortaleza Roja para tomar el poder. Acuerdan tomar la ciudad en dos días a pesar de la reticencia de la mayoría de los miembros del consejo.

Alicent es conducida a la sala del trono, donde encuentra sentado a Aemond. Él le dice que ha huido con Larys y que es más estúpido que cobarde, lo que ha impedido que se vaya a Harrenhal. Le dice que Ormund Hightower está de camino como refuerzo con 15.000 soldados y que la Triarquía romperá el bloqueo con su flota tres veces mayor que la de la Serpiente.

Daemon está en el frente en una matanza y han hecho retroceder a los Lannister con éxito. Se les unen las tropas Stark, que son leales a Rhaenyra y le entregan la cabeza del líder de los Lannister como prueba de lealtad.

Criston no tiene interés de honrar su juramento de caballero. El horror y caos que circunda a sus tropas le han hecho tirar la toalla.

Ulf cuenta su historia al resto de los jinetes mientras esperan a Aemond que, como sabemos no se unirá a ellos como estaba previsto.

El vuelo de Robaovejas termina con Rhaena cayendo estrepitosamente al suelo pero su relación se va a afianzando, cuando el dragón le lleva alimento.

Alicent le recrimina a Healena que Aemond siga allí y escribe una misiva como si fuera el rey para que se le entregue a Ormund.

Corlys Velaron convoca a su hijo Alyn para contarle la estrategia de enviar cinco barcos para tomar Desembarco del rey donde piensan que no encontrarán oposición. Su reunión se termina de manera prematura cuando avistan los 350 barcos de la Triarquía. Se disponen a formar para la batalla mientras que Jason Lannister, consejero naval, trata de trazar una estrategia para atenuar la amenaza de los dragones. Los planes de la Triarquía son muy diferentes: pasan por desestabilizar a Corlys atacando su castillo.

Ormund recibe el mensaje que Alicent ha escrito en nombre de Aemond: rompe el sello real en el que le dice que acampen y esperen órdenes. Se supone que él se les unirá en tres días. También le informan de que Aegon ha muerto, pero a él tanto le da un rey que otro.

Alicent intenta persuadir a Aemond para que vaya a Harrenhal con la excusa de que esté a salvo. A pesar de sus tretas él es muy reticente pero termina aceptando y besando a su madre en los labios. Le dice que celebrará un banquete en el salón de Harren el negro con la cabeza de su tío en una pica.

Rhaenyra es informada de la batalla en el Gaznate y se decide a ir ella misma al frente. Su hijo pide a la guardia que la retenga y decide ir en su lugar junto a Baela.

En el Gaznate la batalla se recrudece con barcos en llamas y los arqueros de Corlys haciendo estragos. Le dicen que han visto el barco insignia de Lohar (Puño de Perra) y pide que les vean. Ella lidera la batalla pero aceptó unirse a la batalla para acabar con la Serpiente por motivos personales puesto que lleva 20 años diezmando a los suyos.

Corlys planea ir al paso de Rocadragón a pesar de la marea baja con la idea de que encalle allí Lohar y así su flota quedará descabezada. Entre tanto Jacaerys y Baela llegan hasta los barcos de la Triarquía. Vermax es alcanzado por un arpón que le lanza Lohar. Danza Lunar lo libera pero el dragón está herido y se retiran.

Rhaenyra monta en cólera y se muestra muy decepcionada con su Guardia Real y con su hijo.

Ya en el paso Corlys da instrucciones para que puedan pasar: es un lugar muy estrecho y acaba llevando él el navio. Lohar pide que lo sigan. Van muy justos, pero Corlys consigue pasar. Confía en que Lohar encallará en los dientes del paso, así que pide volver al Gaznate a la batalla.

Lohar no se da por vencida, pide aligerar la carga y consigue salvar el paso. Su navío es más rápido así que Corlys se prepara para un enfrentamiento inminente mientras ve su castillo en llamas. Lohar ataca con todas sus fuerza para abordar el barco. Se desata una batalla campal.

Rhaena ataca con Robaovejas pero no consigue que el dragón obedezca sus órdenes y termina atacando a las tropas de forma indiscriminada, atacando a los barcos de Corlys.

Lohar y Corlys se enfrentan cara a cara pero del cae al agua y es Alyn quien se encarga de acabar con ella.

Cuando Baela y Jacaerys tratan de detener a Rhaena, los dragones se enfrentan entre ellos. Robaovejas está fuera de control. Vermax vuelve a ser alcanzado por una flecha. Cae al agua y se ahoga. Jacaerys consigue zafarse de la montura y empieza a nadar para ponerse a salvo, pero las flechas de los enemigos lo alcanzan y acaban con él.

Al fin, toda la carne en el asador

Nos ha costado llegar hasta aquí, probablemente demasiado. Si la segunda temporada de La casa del dragón te decepcionó, la tercera arranca de manera que podrás reconciliarte con ella y esto no es decir cualquier cosa porque ahora sí, por fin, da la sensación de que la producción está a la altura de las expectativas y ¡pasan cosas! ¡Todo el tiempo! ¡Relevantes!

Aunque al comienzo del capítulo aún hay cierta reordenación de "fichas" en el tablero de juego, estrategias que se truncan y traiciones palaciegas, no se echa nada en falta: hay riesgo, hay batallas relevantes, hay bajas dolorosas, dragones en liza y, en suma, el caos desatado que tanto esperábamos ver.

Como declaración de intenciones aparece un dragón desde el mismo comienzo (Robadragones) y se aprecia más ritmo en la narración, cubriendo todos los frentes, presentando personajes y permitiendo que el dinamismo impregne el relato. Todo es relevante, cada decisión puede ser un triunfo o marcar una dolorosa derrota y así es como se escribe la Historia de Poniente... con fuego y sangre.

Se agradece un poco más de pasión y de sentido del espectáculo, para variar y aún nos queda la segunda parte del díptico que se completará la semana que viene con la emisión del episodio 3x02.

El imaginario creado por Steven Spielberg en base a la novela de Michael Crichton tenía una fuerte base científica que se conjugaba muy bien con el sentido de gran show pero poco a poco las historias de la saga se han ido volviendo más y más inverosímiles.

Además, son películas carísimas. Esta misma semana hemos sabido que Jurassic Wold: Dominion fue la película más cara de la Historia, superando incluso a Star Wars: El despertar de la fuerza.

La culpa de que el presupuesto se encareciera mucho más de lo esperado fue la crisis sanitaria generada por el COVID-19 que ralentizó el rodaje e incrementó los costes. Pero sea como fuere hablamos de las películas más onerosas de la industria y no conseguir unos beneficios mínimos puede poner en jaque a los estudios por poderosos que sean.

El objetivo es volver a dar en la diana con la octava entrega de Jurassic World revalidando la sólida taquilla de Rebirth pero encandilando esta vez también a la crítica, que valorará una historia emocionalmente más satisfactoria y que no tire tanto de nostalgia y ecos del pasado. La pelota está en su tejado, toca esperar que hayan tomado nota, como así parece.

Tras alcanzar un pico histórico en 2024 con cerca de 68 estrenos, las principales plataformas globales como Disney Plus, Netflix, Max (ya renombrada HBO Max) o Prime Video han reducido la cantidad de producciones originales y han recortado los presupuestos para series de gama alta. Y ya empieza a notarse con un goteo más espaciado de estrenos de series españolas.

El reducto de la producción nacional es (por ahora) Movistar Plus, Atresplayer y SkyShowtime, si bien esto es algo que podría cambiar a corto plazo.

Durante cerca de una década, Movistar ha estado desarrollando una estrategia enfocada en series españolas de prestigio con más de 40 estrenos: arrancó en 2017 con La zona y ha contado con verdaderos pepinazos como La peste, Arde Madrid, Hierro, La línea invisible, Antidisturbios, La unidad, El inmortal, Apagón, Marbella, Poquita fe, Querer, Los años nuevos... Enfoque multigénero, centrado en visiones de autor y con la calidad por bandera, reclutando lo más florido de la interpretación patria.

Este pequeño oasis creativo podría estar en peligro inminente, como ya empezó a entreverse con el cese de Domingo Corral como responsable de ficción y entretenimiento de Movistar Plus por parte del consejo de administración de Telefónica en 2025. Este movimiento fue muy criticado en el sector y el origen de una carta donde más de 150 profesionales de la industria, entre ellos Javier Bardem, Pedro Almodóvar, Penélope Cruz o Rodrigo Sorogoyen, apoyaban el desempeño de Domingo Corral en el cargo y expresaban su preocupación por el futuro.

Veremos cómo se siguen desarrollando los acontecimientos, pero de momento, esto ha traído consigo un efecto dominó: Fran Araújo, que abandonó su cargo como productor ejecutivo y fue uno de los grandes responsables del auge del departamento de ficción original y Guillermo Farré, hasta ahora responsable del área de cine original y cine español de la compañía han sigo las siguientes piezas en caer, lo que no dibuja un futuro muy halagúeño...

Tengamos en cuenta que muchas de las series exitosas que han sido lanzadas en estos años han sido creadas por cineastas de renombre y cine y televisión han sido vasos comunicantes.

HBO Max también acusó la pérdida de Miguel Salvat como Director de Producción Original y Ficción de HBO España si tenemos en cuenta que dio luz verde a proyectos tan apasionantes y celebrados como Patria, 30 monedas, ¡García! o Pobre diablo. Qué duda cabe que los proyectos son fruto de equipos creativos guiados por personas capaces y si ausencia, se nota.

En fin, si recuperamos la foto global, por una parte estamos viendo una estabilización del mercado del streaming que conlleva una ralentización de estrenos: se priorizan la calidad y la garantía de éxito (encargando nuevas temporadas de títulos que se sabe que funcionan bien) antes que la novedad y la cantidad, que siempre conlleva más esfuerzo y riesgo económico. La cuestión es si el balance es equilibrado y el mercado no entra en bucle, como le ha venido pasando al cine con una sobreexplotación preocupante. Repetir fórmulas agota.

Por otra parte, el mercado de la series que se emiten en abierto sigue siendo muy potente. Puede que el enfoque sea muy distinto, con productos pensados para audiencias menos segmentadas y producciones que van más "a salto de mata" pensando en la longevidad y atrapar a las audiencias, pero está claro que sigue siendo una competencia directa que detrae recursos y atención de los espectadores.

Lo que ahora es una ligera reducción de estrenos, probablemente se convertirá con el paso del tiempo en una visible desaceleración y es una verdadera pena si tenemos en cuenta las capacidades demostradas por los profesionales de la industria, delante y detrás de las cámaras. Con suerte se reabsorberá el talento y seguiremos disfrutando de sus obras, sea en una u otra casa.

Estamos ante una película bonita y optimista pero no edulcorada ni sentimentaloide que no juzga a sus personajes, muy humanos, sino que se esfuerza en tener una visión integradora de lo importante que es experimentar la vida, sin más, con aciertos y equivocaciones. Gozar de una libertad indispensable para el desarrollo de la personalidad propia y para romper lazos de dependencia que no son sanos.

La puesta en escena es muy natural, de modo que no hay grandes artificios y las interpretaciones buscan esa línea de continuidad siendo muy orgánicas, con diálogos fluidos y conversaciones que podrían formar parte del día a día cotidiano de cualquiera.

¿Y ahora qué?

Tras someterse a una mastectomía y a un tratamiento con quimioterapia, Nora puede decir que ha superado el cáncer, lo que no impide que tenga que acudir a revisiones periódicas para llevar un seguimiento. Le aterra la posibilidad de una recaída en un momento en el que solo tiene ganas de comerse el mundo: volver a trabajar, explorar nuevas conexiones y disfrutar de los grandes y pequeños placeres.

Esto la lleva a un conflicto interno importante: por un lado tiene una relación madura, estable y tranquila con Tom, pero se va a cruzar en su camino Max, un joven bailarín de poco más de veinte años, desprejuiciado e insistente que quiere seducirla a toda costa.

Sus naturalezas opuestas hacen que comprenda que con quien tiene que reconciliarse no es con uno ni con otro sino consigo misma para darse la oportunidad de ser feliz. Para eso tendrá que ser honesta sobre su deseo y sus necesidades y abrazar los cambios. La enfermedad la ha transformado física y emocionalmente: ahora es más inestable, quizás, pero irá encontrando el rumbo.

Clotet fija mucho su atención en el aspecto físico de los cambios por los que pasa su personaje y desde el primer instante muestra tanto su pecho sano como la cicatriz del extirpado. Como decíamos, la clave es la naturalidad: el día a día de una mujer de su edad (y después de haber pasado por un proceso así especialmente) es hacerse controles mamarios y revisiones médicas.

Del mismo modo se retrata su intimidad sexual: desde el deseo hasta los desvelos pensando si no estará equivocándose al tomar ciertas decisiones... todo ello con mucho sentido del humor y dejarse arrastrar por morbo innecesario. Es una película bastante explícita, pero con una finalidad que trasciende los actos físicos en sí para profundizar en la psique de la protagonsista.

A nivel interpretativo, Viva es una película bien ajustada con un abanico de personajes lo suficientemente rico como para ver distintas formas de ver el mundo.

En el plano técnico destaca una fotografía tan luminosa como el propio libreto con una luz cálida y una especial utilización del color que viene a reivindicar la fuerza, la vitalidad, la energía, la pasión... Es el momento por el que pasa nuestra protagonista que se lanza por un trampolín en su vida privada pero también en el trabajo recuperando la ambición y las ganas de salir adelante dando a conocer su trabajo y poniéndose a sí misma en valor.

Se trata de una coproducción de Suecia, Islandia y Estonia que nos remite al subgénero del terror geriátrico que ya exploraron películas como La ley de Jenny Pen o La visita, por poner dos ejemplos emblemáticos.

En el caso que nos ocupa, en realidad los estragos del paso del tiempo se toman como un marco que define la historia, que en realidad está centrada en el hogar y cómo las relaciones entre padres e hijos definen la identidad de estos últimos y pueden llegar a infligirles una herida irreparable.

Cuando el hogar solo trae malos recuerdos

Habitación Nº13 nos presenta a Joel en un momento muy delicado de su vida. Tras haber estado evitando hacerse cargo de su madre, Monika empieza a demostrar un comportamiento errático, terrores nocturnos y un descuido físico importante. La solución será ingresarla en una residencia de ancianos especializada donde puedan darle la atención que no tiene en su casa, en la que vive sola desde que se quedó viuda.

El tránsito es complicado, de modo que Joel pide que lleven a su cuarto algunas de sus pertenencias como su aparador o un cuadro que le regaló su padre y sirven para hacer más acogedor el lugar. Sin embargo, ella sigue aterrada temiendo haber abandonado al fantasma de su difunto esposo, un maltratador que jamás toleró la homosexualidad de su hijo y que, de alguna forma inexplicable, parece haber vuelto para atormentarlos a ambos.

Joel encontrará una aliada de forma fortuita: la que fuera su mejor amiga de la infancia, Nina, trabaja en la residencia y es una profesional implicada en el bienestar de sus pacientes.

Habitación Nº13 no es una película que busque ser efectista ni abuse de CGI. Por el contrario, se vale de una atmósfera bastante fría para definir los espacios y huye de los grandes sobresaltos al espectador: hay algún que otro susto pero lo que da mal rollo no es eso, sino lo que atenta contra la dignidad de las personas y las expone.

En líneas generales es bastante sobria y trata de perturbar a la audiencia de otras maneras más apoyadas en la dirección de actores. Destaca por encima del resto el trabajo de Anki Lidén que traslada la sensación de vulnerabilidad que rezuma su personaje, hostigado por lo que parece ser el fantasma de su marido cuando éste la posee. La actriz se mueve como pez en el agua basculando de una personalidad a otra con un lenguaje corporal inequívoco: a veces parece indefensa, otras amenazadora y esa dicotomía es en la que se mueve su hijo que no sabe si compadecerse de ella o temerla.

La senectud es un personaje más en la película: los fallos de memoria, los bucles temporales, las conductas fluctuantes, el deterioro físico y cognitivo son variables que activan el factor sorpresa y nos llevan a estar en guardia durante todo el visionado. Nunca sabes por dónde pueden salir los personajes (ni siquiera cuál es la personalidad que les guía) y eso eriza el vello de la nuca en más de una ocasión.

En suma, Habitación Nº13 es una película sobria que toma como excusa todas estas cuestiones para desarrollar un discurso sobre los malos tratos en el hogar y sobre la importancia de la familia escogida que es aquella con la que uno puede ser uno mismo sin miedo a represalias. No es habitual encontrar este tipo de ideas en una película de terror sencilla, pero cala bastante por la crudeza con la que se expone este argumento.

Entre las influencias de esta nueva serie que encontraréis en Netflix está bastante clara la de El fugitivo, si bien en esta ocasión nos encontramos con una trama policiaca adicional menos atractiva que la principal. En líneas generales, sigue una estructura bastante arquetípica en este género televisivo y se aviene a lo esperable.

Estamos ante una miniserie de ocho capítulos de unos 45 minutos de duración de media bastante adictivos y plagados de giros de guión destinados a mantener el interés pero también a hacer la historia lo suficientemente enrevesada como para exigir cierto grado de atención y no solo poner el "piloto automático". Eso no impide que haya algún momento predecible o que cierta información sea redundante, pero por fortuna, no impide que se espolee la curiosidad del espectador.

Escapando del pasado

David Burroughs cumple una condena de cadena perpetua tras haber sido hallado culpable de la muerte de su hijo cinco años atrás, a pesar de las endebles pruebas en su contra.

El veredicto fue como una bola de demolición de su vida porque todo el mundo le dio la espalda entonces: su esposa, que ha rehecho su vida con otro hombre y está embarazada y toda su familia. Tampoco goza de excesivas simpatías dentro de la cárcel, donde se le considera un apestado por haber matado a un niño.

Sin embargo, un día, la que fuera su cuñada, Rachel Mills, le hace una visita con una información desconcertante: una fotografía de un niño con la edad que tendría ahora su hijo y una marca de nacimiento en el rostro exactamente igual a la suya. Su instinto periodístico se dispara y empieza a investigar a la empresa detrás del evento en el que se tomó la fotografía mientras que David, con la ayuda de varios cómplices, decide fugarse de la prisión, limpiar su nombre y encontrar a su hijo.

El punto de partida de Te encontraré no puede ser más intrigante y adictivo: no hay una cuenta atrás, pero sí una huida permanente y palos en las ruedas para evitar que salga a la luz la verdad, en la que hay implicados muchos intereses cruzados.

Al fondo laten cuestiones como qué significa ser padre, una idea que se explora desde el vínculo afectivo padre-hijo de la familia separada y también a través del lazo paternofilial de los agentes del FBI implicados en la resolución del caso (una subtrama al fin y al cabo que no termina de cuajar y sirve más de distracción que otra cosa).

Donde más lagunas podemos encontrar es en las secuencias de acción, algo torpes en su planificación y materialización: la audacia del FBI brilla por su ausencia y los agentes implicados en la investigación parecen estar siempre encogidos de hombros ante lo que se van encontrando.

A Te encontraré le sobran unos cuantos episodios: sería una miniserie más eficiente prescindiendo de información repetitiva. Incluso con las vueltas que da, al espectador avezado le será sencillo adelantarse al desenlace y verá cómo a algunos "loops narrativos" se les ve el plumero. Se deja ver, no obstante, entretiene y cuenta con intérpretes solventes para defender la historia. La pena es que siempre tenemos la sensación de que le falta un punch de intensidad dramática y que, de hecho, el elenco daba para más.

No reinventa el género ni añade nada nuevo, pero cual novela ligera veraniega es una digna distracción que se suma al nutrido catálogo de adaptaciones de Coben. No es la mejor, desde luego, pero honra su sentido del espectáculo y la forma en la que suele poner a sus personajes contra las cuerdas.

Creada por Katie Dippold, coproductora de una serie maravillosa como Parks & Recreation, se vale de una curiosísima mezcla de drama, terror y comedia que hace que el espectador nunca pueda relajarse del todo en el sofá. Es una incomodidad hilarante y a veces salvaje que hace un recorrido por todos y cada uno de los leit motiv del horror: del slasher al subgénero zombi pasando por casas encantadas, payasos asesinos, fantasmas, posesiones y aquelarres.

Uno de los aspectos más interesantes a reseñar es el elenco, con Matthew Rhys (Perry Mason) como cabeza de cartel y un puñado de actores maravillosos acompañándolo: Kate O'Flynn (My Lady Jane), Stephen Root (Barry) o Jeff Hiller (Pluribus), entre otros.

¿De qué va esta pequeña locura?

La maldición de Widow's Bay se compone de diez episodios cortos de entre 35 y 45 minutos de duración. Nos desplaza a una remota isla de Nueva Inglaterra en la que hay muchas historias locales espeluznantes relacionadas con eventos catastróficos y misterios no resueltos. Todo un folklore truculento que, junto a la climatología y las adversidades para alcanzar tierra, hacen que sea un paraje bastante inhóspito plagado de personas algo oscuras.

El alcalde Loftis es un hombre escéptico que vive allí con su hijo adolescente y trata de sacar el lugar adelante a nivel económico al menos atrayendo a turistas a la isla, de manera que se dispone a apaciguar las habladurías haciendo frente a los mitos personalmente.

Para su desgracia, pronto descubrirá que lo que allí sucede no es normal y que no son simples leyendas urbanas sino toda una serie de acontecimientos que hunden sus raíces en el pasado y que pueden salpicarles de forma directa a todos ellos.

Lo que comienza siendo una suerte de sátira sobre una anodina oficina, los trámites burocráticos y un tipo desesperado por vender una postal de su isla que no se corresponde demasiado con la realidad, acabará convirtiéndose en un relicario de misterios a cual más perturbador que el anterior justo cuando estén inundados de turistas.

Lo chulo de la serie, lo que la diferencia y hace especial, es el hecho de que sin ser antológica en cada episodio vaya recalando en un subgénero diferente. Se siente la influencia de los relatos de Stephen King, de series como La dimensión desconocida o Twin Peaks, de películas como Tiburón o famosos slashers como Halloween y los giros de guión nos van llevando de un lado a otro tirando de forma constante del factor sorpresa. En pocas palabras, nunca sabes por dónde te va a arrear un buen susto, sacarte una carcajada o tocarte la patata. Es una combinación arriesgada que no siempre funciona (la efectividad de cada episodio es algo irregular) pero muy gratificante cuando consigue que salten chispas.

Widow's Bay es un destino vacacional para los amantes del terror en todas sus vertientes, un tren de la bruja que decanta los placeres de enfrentarte a un buen misterio. Estamos ante una de esas raras series que marcan un antes y un después y tienen la capacidad de seguir creciendo limando algunos pequeños defectillos.

Además está espoleando constantemente nuestra curiosidad y ganas de saber más sobre la mitología de la isla: cada detalle cuenta y el guión es esfuerza en engarzar todas las pistas que nos van dando hasta llegar a una conclusión muy intrigante.

En resumen, ¿merece la pena? Vaya que sí, pero hay que entrar en esta serie con un poco de fe y la mente abierta. Si te dejas llevar por la marea hasta arribar a sus tormentosas costas te quedarás atrapado.

Con estos mimbres, no es difícil anticipar que la serie se repone en el arranque de la tercera temporada con un episodio épico que restablece la ilusión de los espectadores. Como si por fin saliera de su interminable letargo. Es harina de otro costal si el nivel va a mantenerse hasta el final de la temporada o si la serie optará por el viejo truco de darnos lo mejor al comienzo y al final con un desarrollo más lento entre platos fuertes.

Sea como fuere, el primer episodio dura 72 minutos, lo que lo convierte en el tercer episodio con mayor duración de La casa del dragón hasta la fecha, solo por detrás de La reina que siempre fue, el final de la temporada 2 que alcanzó los 84 minutos (prueba de que a veces "menos es más") y del episodio 6 de la temporada 2, Plebeyos, que duró 77 minutos.

El fuego con fuego se combate

De momento, no podemos entrar en excesivos detalles, pero es obvio que la serie arranca donde nos dejó ofreciendo al fin la famosa Batalla del Gaznate, uno de los conflictos navales más cruentos y salvajes de la historia de Poniente en el que chocan las flotas de la Triarquía (del bando de los "Verdes") y las de la Casa Velaryon (leal a los "Negros"). Éste es el punto de partida de una temporada que se centrará (según parece) mucho menos en las intrigas palaciegas y abordará por fin la guerra civil Targaryen conocida como la Danza de los Dragones, aunque sea ya un poco al límite de la paciencia de los espectadores, cansados de ver cómo se ha estirado el chicle hasta ahora.

La espera ha merecido la pena, pero hay que reconocer que los dos primeros episodios de esta nueva entrega habrían sido el desenlace perfecto... ¡en su momento! Ahora sirven más bien de reinicio de una serie que necesitaba con urgencia salir de su ensimismamiento para abordar la parte más física y desoladora de la trama.

Y, cuidado, porque el hecho de que le "deba" tanto al espectador le añade un pequeño problema que puede incorporar y resolver o irse agravando según pasen las semanas: La casa del dragón finalizará con su cuarta entrega si los planes se ajustan a lo establecido, así que se le acumulan los hitos por los que tiene que pasar. El acelerón se va a notar bastante y también se va a intensificar la sensación de que la trama tiene que pasar por todos los checkbox del manual. De ahí que también se vaya a ir desligando de la letra impresa... necesita ofrecer un cierto margen de sorpresa.

A grandes rasgos veremos a Rhaenyra (Emma D'Arcy) tomando el control de Desembarco del Rey, a Alicent (Olivia Cooke) dar un viraje importante, duras batallas, nuevos jinetes (fantástico el fichaje de James Norton) y el caos habitual provocado por el individualismo del Rey Aemond (Ewan Mitchell) y un fugitivo Aegon II (Tom Glynn-Carney).

La pimienta de esta salsa es el revanchismo entre los dos grupos encabezados por dos actrices en estado de gracia que se dejan la piel en este show televisivo. El pulso entre D'Arcy y Cooke alcanza nuevas cotas aunque el libreto les sigue imponiendo una suerte de coraza respecto a sus propias decisiones. Se percibe cierta reticencia a hacerlas plenamente responsables de sus acciones, siempre dependen de errores ajenos, fallos de cálculo o factores externos. Pero es comprensible que se busque de algún modo cuidar la esencia humana del conflicto.

La casa del dragón adopta un punto de partida antibelicista: muestra con detalle la contienda, pero como escaparate de la brutalidad y muestra del poder destructivo del dolor y el resentimiento enquistado. Esto es lo que ha sido cociendo a fuego extralento en las dos temporadas anteriores y aquí vamos a seguir explorando.

A partir de este momento os iremos ofreciendo el resumen y análisis de cada episodio pormenorizadamente cada lunes, momento en el que tendremos nuestra cita semanal en HBO Max. ¡Cruzamos los dedos para que esta vez la temporada sea mucho más redonda!

Se trata de un drama emocional que muestra la hipocresía, los dobles raseros y las dinámicas de poder, que no solo se basan en el nivel de influencia o la clase social sino también en las propias relaciones personales, en la dependencia emocional y la presión sexual.

Entre los dos protagonistas principales se establece una disputa, un tira y afloja que deja entrever el peso de la mirada externa a la relación, los temidos juicios de valor y la manipulación para conseguir los objetivos deseados. Sirve además de metáfora, a la postre, de las relaciones entre Estados Unidos y Mexico: qué espera una nación de la otra y qué puede llegar a obtener cuando se rompe la cuerda. Se concreta así no solo la ruptura de la frontera física entre ambos países sino también la transgresión de todos los límites posibles: el social, el familiar, el hogar y finalmente la dignidad física y psicológica.

Del vino y las rosas a la hiel y las espinas

Fernando es un prometedor bailarín de danza clásica que sueña con labrarse una carrera y obtener reconocimiento internacional. A tal efecto se la juega cruzando la frontera pasando un calvario con la idea de obtener el amparo de su amante Jennifer, una filántropa muy bien asentada en la alta sociedad con la que espera reencontrarse.

Su relación es volcánica y las cosas siguen el curso que se espera: pronto su talento es recompensado con un papel protagonista en la nueva función que prepara el American Ballet Theatre de Nueva York, pero Fernando no tiene la Green Card y tiene que andarse con cuidado porque a efectos prácticos es un inmigrante ilegal.

Jennifer tiene muchos reparos en formalizar su relación puesto que su padre y su hermano no tienen constancia de ella y teme represalias. Además él es significativamente más joven que ella, lo que despierta sus celos con facilidad. Cuando se siente en peligro decide hacer lo menos esperado para proteger el futuro de ambos y la relación que han construido.

Dreams sorprende por su crudeza: la relación de los dos personajes es muy física pero parece destinada solo a funcionar dentro de su propia burbuja. Todo lo que excede el círculo de la intimidad se ve comprometido por el cruce de intereses que hay entre ambos. Él quiere desarrollar su talento sin injerencias, pero es consciente de que necesita conquistar al público estadounidense para llegar a lo más alto; ella quiere a su amante solo para ella y bajo sus propias normas y restricciones.

Hay por tanto una dependencia entre ellos que va de lo sexual a lo social y lo económico de tal manera que la relación está muy viciada y ambos son muy crueles y muy capaces de hacerse daño mutuamente. Seremos por tanto testigos de una degradación paulatina y brutal de lo que en principio podía parecer amor.

Franco además es tremendamente gráfico en las escenas de índole sexual, dejando poco a la imaginación y mostrando mucho la tensión física entre ambos personajes, que primero juegan a seducirse e imponerse y terminan valiéndose del sexo como arma de degradación y sometimiento con tremenda violencia. Vaya por delante que hay escenas que pueden herir la sensibilidad de los espectadores. La idea es hacer pensar a los espectadores, pero el viaje es tortuoso y desagradable a más no poder.

La danza es vehicular en esta historia, no solo por la profesión del protagonista sino porque las secuencias íntimas también están coreografiadas con mimo, como si de un baile se tratara. Y aquí hay que quitarse el sombrero para hablar de Isaac Hernández que da el tipo bailando pero también interpretando un papel muy demandante a nivel físico e actoral. Dreams habla de la perversión del sueño americano, de planes que se rompen para siempre y de la crueldad de la que es capaz el ser humano. Agria como la hiel, deja mal cuerpo y muchas reflexiones incómodas en el aire.

Él ha trabajado creando prótesis, efectos de maquillaje y toda clase de efectos especiales para las grandes películas y series de Hollywood labrándose una larga carrera internacional plagada de éxitos y trabajando en Los Ángeles, Londres o Nueva Zelanda antes de volver a afincarse en Madrid. El gran hito fue ganar el premio Emmy por The Mandalorian, trofeo que guarda a buen recaudo.

Hemos visitado su taller de Gabinete Effects para que nos cuente qué se siente al trabajar en superproducciones de este calibre, cómo es una jornada de trabajo en ellas y, claro, para que nos muestre cómo crea la magia de los efectos especiales en su taller. ¡Menuda historia tiene detrás!

Realiza, entre otros proyectos, prótesis, caracterización FX, animatrónicos, diseño conceptual, escaneado e impresión 3D y diseño de vestuario especial... Ya sabemos que el diablo está en los detalles y aquí hay mucha alquimia para que todo llegue a buen puerto de una forma que se tiene que percibir como muy natural y fluida.

Está claro: de Madrid al cielo... pero pasando por Vallecas primero. Agradecemos a Pepe Mora su cercanía, amabilidad y generosidad a la hora de hablarnos de su pasión y de los entresijos de una industria que nos hace muy felices, en gran parte, gracias al nivel detallismo y artesanía al que trabajan profesionales como él, a veces incluso de manera remota.

La serie, creada por José Manuel Lorenzo y escrita por David Moreno, Diego Sotelo y Raúl López Matesanz ha sido dirigida por David Ulloa y Rafa Montesinos. Alex García y Teresa Riott lideran magistralmente el nutrido reparto de la tercera y última temporada.

También repiten Marcel Borrás, Iván Massagué, María Hervás, Irene Esser, Jon Kortajarena y Gonzalo de Castro. A ellos se unen nuevos rostros como los de Carlos Scholz, Pablo Molinero, Gala Bichir, Olaya Caldera y Pepe Lorente.

La trama nos lleva a dar un salto en el tiempo: dejamos atrás los convulsos años 90 para aterrizar en 2004 con el euro ya establecido, los reality shows colándose de forma masiva en los hogares de millones de españoles y nuevas formas de mover la mercancía por parte de una banda renovada que abraza los cambios.

Jose está retirado y centrado en su hija Sheila, que ha dado un buen estirón. Dejó hace tiempo el imperio del narcotráfico en manos de la Rubia que lidera la banda sin recurrir a la violencia y ha ido creando nuevas relaciones comerciales.

Por desgracia, ese periodo apacible de aparente paz va a dinamitarse con un aparatoso tiroteo en plena calle. Para comprender el origen de una reacción tan visceral tendremos que poner el foco tres días antes, cuando Jose contactó con Rober en Miami y este último decidió regresar a España con el pequeño Sebas, dejando plantada a su madre.

Un soplo a la policía compromete un cargamento de dos toneladas de coca, lo que lleva a la Rubia a contactar con Jose y a él a estar de nuevo en el ojo del huracán: alguien lo quiere muerto o entre rejas a pesar de estar fuera del negocio. Regresan los fantasmas del pasado y un cruce de intereses va a ponerlo todo patas arriba.

Los seis nuevos episodios de El inmortal son de pata negra de verdad: la serie retoma sus enseñas características con diálogos ágiles y naturales, una historia alambicada al detalle en la que los frentes están bien definidos y los arcos narrativos que quedan sellados aunque eso conlleve que nos despidamos de algunos personajes muy queridos por la audiencia.

En este sentido, el guión es valiente y va con todo, sin miedo a cortar por lo sano cuando es necesario. Y no recurre a aquello de hacer un último episodio de doble duración ni nada parecido: se atiene a sus episodios de 45 minutos sin que eso le reste interés.

El inmortal ya supo crecer en su segunda temporada y en esta tercera mantiene muy bien el tipo. A la serie le sienta bien añadir nuevos fichajes y complicar el relato con conflictos de intereses cruzados que exploran tanto la faceta del narcotráfico y la corrupción policial como los problemas personales y afectivos de los protagonistas que se agravan cuando entra en juego la descendencia.

Mención especial a Teresa Riott que adquiere una gran relevancia en esta tercera tanda de episodios y está memorable en un rol que deja ver vulnerabilidades pero también una enorme fortaleza de líder implacable.

Nada que objetar al diseño de producción: tan ambicioso cuando debe serlo como ajustado a las necesidades de una historia en la que hay distintas localizaciones, estallidos de violencia y una muestra de lo que se puede hacer con mucho dinero, porque nuestros personajes de mueven en un tren de vida en el que nada les falta. Es cierto que no hay grandes alardes, pero tampoco son necesarios: el balance el positivo sin necesidad de dejar a los espectadores ojipláticos.

En resumidas cuentas, El inmortal sabe despedirse en esta tercera temporada. Se agradece el salto temporal, aunque las dos temporadas precedentes estuvieron muy bien ambientadas, porque pone a los personajes en perspectiva y permite ver los cambios en la idiosincrasia y los "modos de hacer las cosas" derivadas del cambio de milenio.

Algo más preocupante es la deriva de Movistar Plus y su catálogo de producción propia de ficción (tanto de series como de cine). A medida que vayan desembarcando en la plataforma los proyectos que ya estaban definidos y en producción habrá que ver qué derroteros estratégicos adopta puesto que está perdiendo nombres de gran prestigio asociados como Guillermo Farré, Fran Araújo o Domingo Corral. Estaremos atentos a lo que nos depare el futuro en el que tendremos que irnos adaptando a los cambios...

El guardián del árbol de alcanfor recala asimismo en aspectos muy arraigados en el folklore japonés como la visita a santuarios naturales a los que se les atribuyen poderes sobrenaturales, la comunicación intergeneracional o el miedo a las maldiciones, toda una serie de aspectos que se tratan con total naturalidad y que, de primeras, pueden resultar algo chocantes.

Superado el primer tramo de la película, algo árido por su lento desarrollo y por este pequeño shock cultural, la película empieza a coger vuelto hasta llegar a un desenlace muy emocionante en el que el director apuesta también por una animación más abstracta y rica en matices. E

s una cinta de 114 minutos de duración, de modo que se hace de rogar hasta llegar a puerto. Eso sí, cuando lo hace, es con grandes dosis de emotividad que no dejarán a nadie indiferente.

Recuperar la esencia para salir adelante

El guardián del árbol de alcanfor nos presenta a nuestro protagonista, Reito, en uno de sus peores momentos personales. La pérdida prematura de sus padres le ha abocado a una vida solitaria, pero todo empeora cuando pierde su trabajo tras ser acusado injustamente de un robo.

Esto le llevará a frecuentar malas compañías que lo llevarán directo a cometer una imprudencia y de ahí, a la cárcel. Literalmente pierde toda esperanza, al punto de que se desentiende de su futuro, tomando decisiones importantes al azar, como si le diera lo mismo avanzar en una dirección o en la opuesta. En pocas palabras: pierde todo propósito.

Si situación da un giro cuando recibe la visita de un abogado que representa a un poderoso imperio familiar. Él le ofrece una salida, pero con una condición inamovible: que se convierta en el guardián del árbol de alcanfor.

A pesar de la enorme lista de tareas que esto conlleva: mantener limpio el templo, desear a los peregrinos que sus oraciones sean escuchadas y mantener el orden en el lugar, en realidad no tiene ni idea de cómo funcionan las cosas. Lo irá descubriendo poco a poco a medida que vaya estrechando lazos con la mujer que lo ha contratado y comprendiendo la fuerza del legado familiar que trasciende las barreras del tiempo.

El guardián del árbol de alcanfor conjuga momentos muy contemplativos con otros más movidos en los que la acción adquiere un mayor protagonismo. El montaje es bastante abrupto, lo que hace que el ritmo sea irregular y la trama a veces un poco complicada de seguir, pero en su tercio final solidifica las ideas de tal manera que todo cobra un sentido muy especial.

El árbol de alcanfor está relacionado con conceptos como la sanación, la purificación, la longevidad y la protección espiritual. Gracias a su resina de aroma penetrante (que aquí se transforma en velas), ha sido considerado sagrado en culturas orientales durante siglos de tal manera que representa la conexión profunda y mística entre lo natural y lo divino, de ahí que en este caso se convierta en un puente intergeneracional y también, de alguna manera, en el enclave en el que se conserva la memoria del pasado.

Justo esa es la esencia que nuestro protagonista Reiko necesita recuperar para superar su crisis identitaria y existencial y empezar a tomar decisiones conscientes de cara a su futuro, lo que convierte todo el relato en un camino iniciático hacia la adultez.

La película desarrolla con mucho acierto la colisión de valores que se da a día de hoy en los países desarrollados: se apuesta por lo novedoso y por toda clase de actualizaciones para mejorar nuestras vidas pero nunca se debe perder de vista el aprendizaje acumulado por los antepasados y sus sabias enseñanzas porque ellos marcan el camino correcto.

Por lo demás, ya advertimos a los espectadores que encontrarán momentos de explosión emocional muy intensos y que es recomendable no dejarse los pañuelos en casa. Hay que tener el corazón de piedra para no emocionarse con el desenlace.

Si a todo esto le añadimos un elenco que funciona de maravilla, está servida una experiencia cinematográfica de lo más recomendable. Es además una de esas historias que llegan sin hacer excesivo ruido ni levantando expectativas descomunales, lo que obra en su favor, porque las puedes descubrir y degustar sin haber estado precedida de alardes promocionales.

Se beneficia, como decíamos, de unos personajes para los cuales el sonido es crucial, así que la banda sonora de la película va mucho más allá de las músicas que se escuchan y que de por sí son brillantes.

Pero para que eso funcione, es esencial contar asimismo con un elenco "bien afinado". En este sentido, Leo Woodall (Núremberg) da el tipo perfectamente para el rol principal y su relación de camaradería y paterno-filial (aunque sin consanguinidad) con Dustin Hoffman es otra baza ganadora.

Haciendo "click"

Harry Horowitz es un veterano afinador de pianos amante del jazz que trabaja con Niki, un leal y talentoso aprendiz que en su día fue un virtuoso del piano. Por desgracia, padece hiperacusia, una rara enfermedad que le hace percibir los sonidos a un volumen atronador. Esto le obliga a llevar tapones en los oídos constantemente, pero a su vez le permite también ser hipersensible a las variaciones del sonido, lo que le convierte en un afinador excepcionalmente perceptivo.

De forma casual, se percata de que ese mismo don puede utilizarlo para abrir cajas fuertes de dial. Cuando Niki descubre las deudas que arrastra Harry y que pueden llevarlo a la ruina, decide empezar a usarlo en su provecho para ganar dinero fácilmente y deprisa, pero a costa de rodearse de gente muy peligrosa y de poner en peligro la incipiente relación amorosa que entabla con una joven compositora.

Su mayor fortaleza es asimismo su mayor debilidad, así que tiene que tener cuidado si no quiere perder sus oídos para siempre.

Un talento único es una película con un encanto propio derivado del diseño de personajes y de la forma en la que evoluciona su historia. Los diálogos tienen un punto encantador que hace que te encariñes con los personajes (están tratados con una gran humanidad y no se esconden sus imperfecciones) y el montaje le imprime ritmo a las secuencias haciendo que los momentos de mayor tedio pasen por delante de nuestros ojos a toda velocidad.

No es lo habitual, pero aquí el principal antagonista es el sonido. Concretamente el ruido y el estruendo, se convierten en una amenaza tremenda, lo que le permite al guión jugar con la tensión narrativa en situaciones más o menos cotidianas. Lo que para una persona normal solo es una leve molestia, para nuestro protagonista puede ser un verdadero tormento. Y Woodall lo transmite de una manera muy creíble echando mano de su natural talento interpretativo.

Respecto a los diálogos hay alguna que otra chanza de difícil traducción que puede perderse en la versión en castellano (el juego de palabras entre tuner=afinador y tuna=atún por la afición del personaje de Hoffman a ese pescado, que seguramente pasará a ser "atunador" o algo parecido).

Se agradece especialmente no solo que la propuesta sea en general bastante agradable e ingeniosa, sino que se utilice con inteligencia el lenguaje cinematográfico para darle empaque a los momentos álgidos de la historia, ya sean de corte romántico, intrigante o giros de guión. Siempre va a ser la música o el sonido el detonante de la acción.

Un talento único es una de esas películas que deja buen sabor de boca por el mero hecho de no abrazar estereotipos ni echarse en brazos de lugares comunes: tiene su dosis de romance sin caer en lo empalagoso, su parte dramática sin meterle los dedos en los ojos a los espectadores y una porción de thriller que mantiene el interés de principio a fin aunque a veces se distraiga ligeramente en su desarrollo. Mal menor porque la película llega a puerto y no decepciona.

¿Es perfecta? No. ¿Es su mejor película? Tampoco. Pero es una de las más honestas y de las que entroncan de manera más íntima con sus creencias. Un trabajo muy personal alimentado por sus señas de identidad, guiños a sus películas y, por decirlo de algún modo, el último trazo con el que cierra un círculo que estaba abierto desde Encuentros en la tercera fase, sin ser demasiado obvia.

Es más, tiene todo lo que puedes esperar de una película escrita y dirigida por Steven Spielberg: plantea el fenómeno alien no como una amenaza sino como aquello que podría unirnos en un asombro colectivo y hacernos desarrollar la empatía que no tenemos por nuestros semejantes. Hay aventura (y trenes), conexión, una banda sonora compuesta por John Williams que acompaña toda la diatriba de los personajes y mucho corazón. La sensación es de plácida nostalgia, como si estuviéramos viendo una película de los años 90, más que de los tiempos que corren. Le sienta bien al relato, igual que su toque naíf correspondiente.

Si has mirado el cielo con curiosidad, es tu película

El día de la revelación arranca presentándonos a Margaret Fairchild, que se encarga de la sección del tiempo en una televisión local. Cuando un pájaro se cuela en su apartamento experimenta una transformación y empieza a manifestar un comportamiento extraño: tiene la capacidad de leer la mente de las personas a las que observa con atención e incluso puede hablar cualquier lengua.

Su intuición la lleva a buscar al doctor Daniel Kellner quien cuenta con abundante material confidencial que quiere sacar a la luz y está siendo perseguido por una corporación cuyo fin es evitarlo a toda costa. Por fortuna también tiene en su poder un artefacto temible que puede tener distintas aplicaciones: desde ser un arma hasta crear ilusiones.

Pero, ¿qué es lo que une a Kellner y Fairchild? ¿Serán capaces de mostrarle a todo el mundo la realidad que solo ellos conocen?

No vamos a adelantar ni un ápice de información más porque uno de los encantos de El día de la revelación es llegar al visionado con la mirada lo más limpia posible. Pero sí hay que dejar claro que la película "se moja" hasta sus últimas consecuencias y, si bien deja margen para que los espectadores de alguna manera completen el puzle, pone toda la carne en el asador para conseguir un fuerte impacto emocional en la audiencia.

El guión juega con muchos ingredientes: el choque de dos facciones contrapuestas en intereses, elementos fantásticos, viajes al pasado y sobre todo, una mirada hacia atrás para recopilar algunos de los puntos álgidos en lo referente al fenómeno OVNI o FANI como se conoce hoy día. Lo que plantea es un tremendo: What if...? ¿Y si todos los grandes eventos de avistamientos fueran reales? ¿Y si se le llevara escamoteando información esencial a la opinión pública desde hace décadas? ¿Y si los extraterrestres no vinieran a aplastarnos como si fuésemos cucarachas sino con propósitos nobles?

Spielberg dosifica muy bien la información y la reviste de aventura de manera tal que la película es, en sí misma, muy entretenida, más allá de las reflexiones a las que nos invita a sumarnos de lo que supondría algo así para nosotros como especie dominante en la faz de la Tierra, para nuestros sistemas de creencias o nuestro futuro.

Entre las fortalezas del guión está el hecho de que se ambiente en un panorama geopolítico tan convulso como el que atravesamos a día de hoy, con la permanente sensación de estar al borde de un conflicto armado internacional de gran calibre. Pocas cosas podrían detener en seco el mundo como descubrir que no estamos solos.

De interpretaciones, va sobrada de talento: Emily Blunt, Josh O'Connor y Colin Firth conforman el núcleo duro pero ojo también a Eve Hewson y a Colman Domingo en dos papeles secundarios bestiales.

Ya hemos podido hablaros largo y tendido de las virtudes de Hokum y El pasajero nocturno. Pronto llegará el turno de Backrooms, pero aún quedan en el horizonte otras propuestas que merecen nuestra atención.

La más llamativa del combo es sin lugar a dudas Obsession, todo un fenómeno en la taquilla estadounidense que está desmarcándose con una recaudación sensacional al otro lado del charco. Va a convertirse en una de las películas más rentables de la historia y deja claro que no es tan importante tener un enorme presupuesto como contar con una idea original y un reparto a la altura para ponerlo en pie. ¡Aunque en el fondo sea una variación de un clásico de terror!

Aún nos queda por comentar el terror geriátrico de Habitación nº 13, el misterio del Vuelo 298 y, como ya adelantábamos al comienzo, un prometedor spin-off que promete cumplir con las expectativas como Posesión infernal: En llamas.

¿Y qué hay de las series? Poned atención a Apple TV donde podéis disfrutar de El misterio de Widow's Bay, con una combinación extravagante de terror y un humor de lo más peculiar. ¡Felices pesadillas!

En un ecosistema en el que cierta ligereza se recibió con los brazos abiertos supo desdramatizar y enganchar a la audiencia con una propuesta muy fresca, gozosamente retro y con una buena dosis de descaro insolente. Luminosa y divertida, marcó una nueva senda en el momento más oportuno.

Eran los tiempos en los que el soufflé de los superhéroes estaba en su punto álgido: había propuestas de todos los colores e hibridaciones de géneros que funcionaban francamente bien en taquilla. Hasta el mundo de la interpretación se veía absorbido por la tendencia: muy pocos se resistían a la exposición y los beneficios derivados de aparecer en una película "de mallas y capas", por más que las pantallas verdes fueran un verdadero incordio para la mayoría de ellos.

A día de hoy, heredar un reino audiovisual como el de DC es un regalo envenenado, tanto o más que echarse a la espalda una mochila de piedras. En primer lugar, como decíamos, porque el contexto ha cambiado.

Hemos pasado de la "fatiga" al total "hartazgo" del mundo de los superhéroes. Eso no significa que no haya margen para conquistar a la audiencia en momentos puntuales, pero parece improbable, por no decir imposible, que volvamos a movernos en el mismo contexto de éxitos concatenados que en la época dorada del UCM.

La estrategia de Gunn parece ser otra muy distinta, de hecho: su idea es apelar a fans muy puros y ofrecerles un caramelo bien disfrutón con su puntito iconoclasta. Derribar expectativas, en suma, pero poniendo sobre la mesa aspectos que hasta ahora no se habían visto.

Por ahora, esto lo ha logrado con su Superman y Creature Commandos aunque diviviendo a críticos y fans, muchos de los cuales lo consideramos un arranque bastante débil para la "nueva era". La próxima en llegar será Supergirl, que debutó en Superman y ahora será la protagonista de su propio largometraje. Y el tono parece continuista.

Hasta aquí, estaremos de acuerdo en que, como poco, ha renovado el aire del universo DC, rompiendo por completo con eras anteriores como la de Donner y la de Snyder. El gran escollo es que su visión colorista, desenfadada y a veces abiertamente cafre, no llega al público general del mismo modo. El sentido del humor de James Gunn es muy peculiar y probablemente funciona mejor con personajes secundarios o menos relevantes (he ahí su Escuadrón Suicida), mientras que choca mucho con otros más mainstream de los que los espectadores esperan cierto peso específico y menos gracietas.

Hemos pasado de la oscuridad, rotundidad y ansia de trascendencia de la era Snyder al polo opuesto y la pregunta que flota en el ambiente es durante cuánto tiempo se sostendrá esta apuesta o, dicho con otras palabras, si Gunn tendrá la capacidad de sorprender con propuestas diferentes, más maduras e incluso tétricas. La prueba de fuego será Clayface, con James Watkins como director.

La sensación es que, más que renovar el Universo DC, lo que ha hecho ha sido llevárselo a otro terreno, más humano y mundano; menos sólido y grave. Hay que esperar a que se asiente el polvo de la demolición antes de ver qué se va gestando.

Por ahora, tiene más sentido el recorrido de los productos televisivos que los cinematográficos, pero solo hemos podido ver un esbozo entre escombros y parece un dejà vu de lo que hizo en su era Marvel que aplicado a ciertos personajes funciona solo regular. Tiempo al tiempo.

A ese primigenio concepto se fueron añadiendo capas y niveles sucesivamente bajo la premisa de pensar qué pasaría si quedaras atrapado en un lugar así, situado en una suerte de dimensión alternativa a la que se accedería mediante un portal (generalmente una pared no sólida) que no permite volver atrás, lo que se conoce como hacer noclip.

Descifrando el enigma

Si el desconcierto por estar viviendo una experiencia sobrenatural siniestra no fuera suficiente y la angustia claustrofóbica de buscar una salida en un espacio imposible, sin iluminación natural ni salida conocida no te pone los pelos de punta de por sí, espera a descubrir que podrías estar siendo acechado por algún tipo de criatura innominable.

En Backrooms se dan cita muchas ideas no del todo originales pero sí con alicientes extra: el laberinto como metáfora de la locura, como en El resplandor; el escape room extremo en el que o sales o mueres como en Cube; la disociación de la realidad en lugares pretendidamente asépticos pero extraños como en Separación; el enfrentamiento a la soledad, a la privación sensorial, a presencias extrañas...

Las referencias son muchas, pero el planteamiento es bastante novedoso para una película de terror en la que cada detalle cuenta en el que la atmósfera inmersiva y siniestra lo hace todo. ¡Además del found footage, de por si siempre desconcertante!

Las dos perspectivas que manejamos como espectadores desde el principio (a partir de aquí vienen spoilers sobre Backrooms) son las de Clark y su terapeuta, Mary. ¿Qué sabemos de ellos? Clark lidia con mucha frustración por una carrera de aquitecto truncada, regenta un negocio ruinoso, es un hombre separado que guarda un enorme rencor hacia su expareja porque le echó de su casa (que según él, sigue pagando) y tiene un problema grave de soledad y alcoholismo.

Mary, por su parte, es una psicóloga cuya carrera gira en torno a la premisa de "abrir una ventana hacia el interior" y "romper los bucles en los que todos nos terminamos retroalimentando recorriendo los mismos caminos".

Pero más allá de aquello de conocerse a uno mismo y dinamitar dinámicas tóxicas como revivir constantemente el pasado, ella lidia con su propio trauma. Y es que antes de que su casa fuese demolida, vivía con una madre enferma a medio camino entre el síndrome de Diógenes y la obsesión paranoide.

Con las ventanas tapadas con papel de periódico, la luz del salón era amarillenta, como la de las backrooms y tenía prohibido salir fuera, donde acechaban "monstruos" apilando los muebles contra la puerta para evitar que entraran. Un calvario similar al de esa realidad alternativa.

Pero entonces, ¿las backrooms son una traslación de la psique de los protagonistas? Ahí entra el debate. Cuando Mary entra mediante la pared del sótano de la tienda de muebles (único punto de acceso que conocemos) descubre que Clark se ha hecho fuerte allí, alimentándose de las "personas" que habitan en el lugar y son copias imperfectas de otras reales que en su momento se debieron cruzar con él (se las denomina Still Lifes y son entidades de origen desconocido que apenas interactún y cuando lo hacen es de forma imprevisible).

Clark considera que ha encontrado su lugar, en el mundo y habla de ese entorno como un sitio en el que está todo lo que fue, es y será. Pero distorsionado, del mismo modo que cuando uno accede a un recuerdo una y otra vez y va cambiando pequeños detalles. Mujeres con varios rostros, hombres con tres narices, objetos espejados, otros hundidos en el suelo... Esos Still Lifes parecen casi autómatas que se activan solo cuando aparece el superyo de Clark, un pirata como el que él interpreta en los anuncios de televisión, pero de gran tamaño que termina devorándolo a él mismo y persiguiendo a Mary.

Así es como ella, es su huida desesperada, acaba encontrando un nuevo lugar, que se corresponde a la entrada de la tienda y la lleva hasta los científicos que han ido dejando aparatos electrónicos como cámaras, aparatos de radio y cables para estudiar las anomalías.

Un tal Phil que se identifica como uno de los empleados de una empresa de aparatos de resonancia magnética (Async) le explica que cambió su trabajo por éste para realizar una serie de experimentos en el complejo que aún no llegan a entender y que no está en su mano dejarla libre. Cuando le hacen a ella las pruebas médicas aparece una versión de sí misma defectuosa dentro de las backrooms.

Como es evidente, uno de los atractivos de esta película es no dejar cerrado del todo el misterio y dejar cabos sueltos con el propósito de estimular el interés de la audiencia, así que no hay respuestas rotundas a la pregunta de cómo interpretar la película. Lo que queda claro es que en ese lugar se absorben, imitan y distorsionan los recuerdos y los traumas de los personajes...

Exactamente como hace la IA generativa, por otra parte, cuando mezcla conceptos para crear algo supuestamente nuevo (habréis visto manos de seis dedos, personas con tres piernas o con varias orejas en algún fotomontaje cutre).

No sabemos si el discurso final de Parsons irá por ahí, pero sí que ha aclarado en distintas entrevistas algunos puntos relevantes: no es un purgatorio espiritual ni una simulación digital, sino una falla en la realidad. Qué la crea y cuáles son sus consecuencias últimas está aún por desvelarse.

Hoy llega el episodio final de la segunda temporada de Vicios ocultos, va estrenando cada semana nuevos episodios de La maldición de Widow's Bay, Satisfacción garantizada y Ciudad de las estrellas y tiene un catálogo envidiable que va a seguir alimentando en las próximas semanas y meses con la segunda temporada de Sugar y la tercera de Silo, entre otras novedades en ciernes.

A todo lo anterior unirá en breve la miniserie de diez episodios Cape Fear, creada por Nick Antosca, que viene de producir la divertidísima serie Chucky y de dirigir series de televisión de terror tan celebradas como Channel Zero o Into the Dark. Cuenta con la producción de Martin Scorsese y Steven Spielberg, que son palabras mayores.

Para los despistados, Cape Fear está inspirada en la película homónima de Scorsese de 1991 (un remake de la película de 1962, que a su vez se basaba en la novela de John D. MacDonald de 1957 The Executioners). Interpretaron al principal villano, Max Cady, Robert Mitchum y Robert de Niro en dos trabajos memorables y mil veces referenciados y/o parodiados.

Ahora le toca el turno a un Javier Bardem que ha sabido recoger el guante y llevarse al personaje a un terreno muy distinto gracias a un guión que cambia muchos aspectos de la historia y de su desarrollo concreto.

El juego del gato y el ratón

Cape Fear arranca con la liberación de un preso 17 años después de su encarcelamiento, una vez que se le exonera de toda culpa. Estaba acusado de haber asesinado a su esposa embarazada y por aquel entonces, el fiscal y su abogada defensora no pudieron evitar la condena.

Poco después, Anna y Tom formalizaron su relación y contrajeron matrimonio empezando una nueva etapa en sus vidas. Por si fuera poco, lideran una empresa que se dedica a ayudar a salir de la cárcel a presos demostrando su inocencia... solo que no han tenido nada que ver con este caso concreto.

La noticia de la excarcelación de Max Cady les sienta como un jarro de agua fría y no tardan en sentirse acosados en su propio hogar mientras que sus hijos, Natalie y Zach, empiezan a rebelarse. Cada vez son más vulnerables y están más desconectados de sus padres, que lidian con los fantasmas del pasado de forma desigual.

La serie Cape Fear no busca tanto reescribir el material original (algo que hace por el motivo tan obvio de que necesita actualizar el relato y de paso proporcionarle algo de intriga a los espectadores) como generar una experiencia sensorial intensa.

Es algo que demuestra desde el primer plano, echando mano de la ominosa banda sonora original y de un tratamiento de la imagen muy especial, como si fueran negativos coloreados. La metáfora es clara y el aspecto tan amenazador como inquietante: las vidas de estas personas van a dar un giro total que les llevará de la estabilidad y el privilegio al abismo.

Uno de los puntos fuertes de la miniserie es el reparto. La transformación física de Bardem es en sí misma bastante imponente e iremos explorando el origen y evolución de su personaje a lo largo de flashbacks en blanco y negro de su paso por la cárcel y su vida familiar. Los cambios como decíamos, son sustanciosos para componer una historia con bastantes diferencias y margen de sorprender a la audiencia, por tanto.

Amy Adams y Patrick Wilson tienen una química excepcional y una elegancia intrínseca que le sienta como un guante a sus personajes, además de funcionar a las mil maravillas por constraste con la fuerza bruta y la rotundidad de los gestos de su carismático antagonista.

La historia, no obstante, requiere paciencia. Aunque se trata de una miniserie hablamos de diez episodios que rozan la hora de duración de manera que hay mucho margen para desarrollar muy bien la historia e irse centrando en cada personaje, pero también se perciben algunas redundancias algo molestas, como la facilidad con la que cualquiera se mete en la casa de la pareja protagonista. Tiene capacidad de impacto y secuencias muy meritorias, pero quizás no necesitaba extenderse tanto.

Lo que deja claro Cape Fear es que las buenas historias pueden contarse de maneras muy distintas y van a seguir encogiéndonos el ombligo. Y que viva Bardem, que borda cada papel que hace, incluso cuando tiene que medirse con leyendas de la industria.

Cuenta con un reparto bárbaro con el que hemos podido hablar de los personajes que pueblan la película, pero también de los modos de trabajar porque pide a gritos dejar que se desaten en el set de rodaje con improvisaciones constantes... al menos por parte de muchos de los integrantes del reparto porque otros, como Belén Rueda, han estado más constreñidos por exigencias del guión.

Cada día nace un listo está protagonizada por Hugo Silva en el rol de un cantante venido a menos que vive al día y no puede evitar pisar todos los charcos que se le ponen por delante. Cuando le encargan el robo de un cuadro de valor incalculable echa mano de sus contactos de la calle, articulando así una suerte de banda disfuncional en la que hay demasiados intereses cruzados.

Con su buena pátina de sátira social y repartiendo estopa en todas direcciones, la película deja claro que la única diferencia entre los ladrones de alta cuna y los de baja estofa es la cantidad de dinero que son capaces de birlar. Y así nos lo han hecho saber los principales integrantes de un elenco coral que le saca buen partido al juego de constrastes que propone la narración.

Cada día nace un listo llega hoy a las salas comerciales y nuestra recomendación es que no la dejéis pasar.

La originalidad, calidad y heterogeneidad de propuestas es tanta que hace posible un buen número de parodias que nos van a remitir a lo más florido del género. Pero también hay películas ajenas sobre las que se hace humor, de brocha más o menos gorda como es el caso de Las guerreras K-pop (sorpresón y cumbre de la peli) o Michael (que daba para más, honestamente, pero con la que no se han atrevido).

Los Wayans se ríen de todo y de todos: de los arhivos Epstein, del movimiento woke, del #MeToo, del #BlackLivesMatter, del asalto al Capitolio y suma y sigue mientras van cachondeándose de algunas de las joyas de los últimos tiempos: desde Déjame salir hasta La sustancia pasando por M3gan, Terrifier, El sótano de Ma, Destino final, Sinners, Longlegs, Weapons y, por supuesto, contando con la parodia de Scream como el hilo conductor. Todo queda en casa, en Paramount, así que no hay dolor.

Las risas están aseguradas si tenemos en cuenta cómo se radiografía el morro que le echa la industria a la hora de seguir explotando franquicias y acuñando conceptos como "recuelas" que aquí son ya "reinicuelas" o dándonos el cambiazo con los actores en función de las necesidades comerciales.

La buena noticia es que el guión de esta loca Scary Movie es lo suficientemente afilado como para meterle también cuchilladas a la propia saga con un montón de bromas meta que hacen alusión directa a las partes 3 y 4 (las más flojas) o la participación de Charlie Sheen en la 5.

¿Que también hay mucho humor alrededor del consumo de sustancias recreativas? Pues sí, pero eso era de esperar, ¿no es cierto? Por aquí pulula mucha marihuana, pero también calmantes, antidepresivos, analgésicos, opiáceos y hasta gelatinas divertidas proporcionadas por el trasunto de Ma.

Sujétame el porro

Con la incorrección política por bandera, Scary Movie arranca con Martes siendo apuñalada por Ghostface. Su hermana y su madre, muy preocupadas, intentarán zafarse del tópico del interés amoroso culpable mientras se unen al equipo jóvenes y veteranos de la franquicia para descubrir la identidad del asesino.

Ni que decir tiene que los problemas maternofiliales que vimos en Scream 7 son una constante así como las bromas sobre las reglas del slasher o la búsqueda de los nuevos "cuatro protas". Las revelaciones finales son bastante mejores que las de la "película seria", eso sí.

No faltan las bromas sexuales, el lenguaje florido y las muchas y abundantes fumadas de sus protagonistas algunos de los cuales van de colocón en colocón (ya sabes, Shorty y sus cosas, con un directo que acaba en decapitación y cameos que lo mismo al público patrio no le resultan tan familiares y le restarán impacto a ciertos momentos).

Tampoco falta a la cita la crítica mordaz al propio sistema de Hollywood y su lógica demoledora de no premiar el cine de terror, de ningunear el cine indie o de distinguir el "humor elevado" en las antípodas del que se exhibe aquí.

Al final Scary Movie demuestra una valentía inusitada a la hora de romper esquemas que es muy de agradecer porque sobrepasa las expectativas. Es cierto que tiene buen material con el que jugar, pero digamos que, de manera extra, se complica la vida para sacarte la carcajada sin que fuera necesario.

Ojo a la promoción de la peli, que ha sabido encaramarse al éxito reciente de Backrooms con algún teaser inspirado en el fenómeno y que por desgracia no ha aterrizado en el metraje final. Y ojo también a las escenas postcréditos que son dos y bastante disfrutonas: una pone en el foco una obra reciente de Robert Eggers (haciendo burla también del "terror elevado") y la otra continúa un poco más la historia alternativa de Longlegs.

En suma, tiene los mimbres para contentar a quienes vayan al cine sin excesivas expectativas pero conocen bien el género y se deja poco en el tintero. Ojalá más protagonismo para Anna Faris, que queda un poco opacada entre tantos miembros del reparto.

La película es un bombazo al otro lado del charco y está revolucionando el cine de terror de bajo presupuesto encontrando a su público objetivo en la audiencia joven, como le ha ocurrido también a Obsession. Esto deja claro que hay ganas de ver cosas nuevas, alejadas de franquicias e IPs ultraexplotadas y que, cuanto más cautivadoras sean para la imaginación, mejor.

Antes de profundizar un poco en el análisis de la película, merece la pena comprender qué es lo que hace que la premisa principal sea tan inquietante y para eso hay que pararse a pensar en los espacios liminales o, lo que es lo mismo, los lugares de tránsito o umbrales. Se pueden definir como portales o zonas de paso para ir de un lugar a otro.

En el caso de las "puertas traseras", atravesar ese umbral lleva a un lugar en el cual se da una arquitectura imposible y por tanto un fenómeno de extrañeza espacial, como de laberinto sin fin. Es un lugar perturbador porque cuanto más se explora más parece ampliarse, de modo que en él no rige la lógica de la física, como si pudiera contener todo el universo en su interior, paradógicamente.

En un plano existencial extraño

En los años 90 Clark regenta una tienda de muebles que no atraviesa su mejor momento. A pesar de sus intentos por anunciarse por televisión para reflotar el negocio, no consigue nuevos clientes ni aliviar tampoco su frustración por su reciente divorcio que le lleva a vivir en la propia tienda, la mayor parte del tiempo alcoholizado.

Cuando descubre que sus facturas de la luz se han disparado, contrata a un técnico para que revise la instalación eléctrica de la tienda, descubriendo así dos fusibles que parecen no conectar con nada. Sin embargo, cuando se queda a solas, descubre una zona de la pared del sótano que es capaz de atravesar y le lleva a una serie de estancias amarillas que se extienden hasta el infinito, conectándose unas a otras.

Muy alterado, acude a su terapeuta, a la que hace partícipe de su descubrimiento tan entusiasmado como impaciente por seguir explorando el lugar. Ella, que conoce bien los problemas que está atravesando y su tozudez para cambiar sus rutinas o incluso de reconocer los errores que le han conducido a su estado actual, recela y solo un tiempo después de que desaparezca se decide a visitarlo en su lugar de trabajo, donde encuentra el portal.

Parsons tiene la audacia de transformar un fenómeno nacido en Internet en una película con muchas capas de significado con la cual consigue sorprender. Llama la atención su capacidad para crear atmósferas inquietantes y opresivas con esos pasillos repletos de estancias, con el zumbido de luces fluorescentes uniformes e intrigantes muebles apilados cuando no fagocitados por el propio suelo, como si quisiera absorberlos.

Juego, set y partido para la dirección artística, que traslada esa sensación de extrañeza y a la vez familiaridad tan característica.

Pero sobre todo, destaca cómo juega con aspectos metafóricos como lo que supone alimentarse de recuerdos o perderse en una memoria difusa que va desvirtuando la realidad hasta que no es reconocible.

Backrooms tiene un punto de originalidad muy peculiar, a pesar de que permite establecer paralelismos con películas o series muy famosas. Podría ser un episodio de La dimensión desconocida, por ejemplo, y también convertirse en el arranque de una franquicia de terror existencial, menos basada en jumpscares y más pegada a esos miedos atávicos y ancestrales relativos a la posibilidad de perderse, de adentrarse en lo desconocido o de enfrentarse a la falta de lógica espacial.

Tiene sentido y funciona por sí misma, pero también despierta suficiente curiosidad como para poder continuar en un futuro no muy lejano. Kane Parsons ha dejado caer que está trabajando en ideas interesantes que servirían de continuación y, ya dentro de este laberinto argumental, va a ser imposible resistirse a la tentación de seguir explorando las backrooms.

Cada día nace un listo, como insinúa su título, es una comedia que bebe de manera directa de la picaresca y nos lleva a navegar por ambientes muy distintos: de las élites sociales, que roban a manos llenas, a los bajos fondos donde operan a menor escala exóticos estafadores y pillos de todo tipo.

El nexo será un buscavidas entrañable, con cierta querencia por la coca y una mujer que le vuelve loco, al que da vida Hugo Silva en un papel que nos remite a otros trabajos como el de Nasdrovia o Marbella. Le sienta como anillo al dedo y transmite la diversión que ha debido imperar en un rodaje en el que se nota que ha habido margen para la improvisación dejando fluir al reparto.

Pero eso no es óbice para señalar el talentazo de Arantxa Echevarría para la dirección, con una cuidadísima puesta en escena y una planificación de rodaje exquisita: la composición de planos, los movimientos de cámara y la elegancia formal de esta apuesta dan buena cuenta de su natural olfato para sacarle partido a su nutrido elenco y exprimir las posibilidades del lenguaje cinematográfico.

No hay género pequeño para una directora tan grande, que remite, en clave patria y cambiando muchos códigos, al cine de los hermanos Coen o al caos de películas como Snatch, cerdos y diamantes.

Quien roba a un ladrón...

Cada día nace un listo nos presenta a Toni Lomas, un cantante venido a menos que se conforma con vivir al día y soñar con volver a los brazos de Malena, el amor de su vida, pero, para su desgracia, tiene una fuerte deuda que saldar. Por eso, cuando su adinerado colega Junior le ofrece la ocasión de robar para él una obra de arte, no se lo piensa dos veces.

Toni lo intenta por su cuenta, pero le falta la pericia necesaria y comete la torpeza de pedirle ayuda a Mari que a su vez se pone en contacto con "El gallego". Pronto queda claro que cada cual tiene sus propios intereses, de modo que formarán un equipo muy poco cohesionado para dar el golpe.

Entre tanto, la madre de Junior, Carmen, tendrá que lidiar con su reciente viudedad y con el pufo que le ha dejado su marido mientras intenta meter en cintura a su hijo y sacarse de encima a un nuevo pretendiente.

Entre las virtudes de la película destaca la variedad de personajes y el carácter coral de la historia. El protagonista indiscutible es el personaje de Hugo Silva, que se caracteriza por el descaro y por un carisma torpón muy simpático, que sabe explotar sobre el escenario al ritmo de la música de Tom Jones (ahí es nada, hay que tener buena voz para defender el papel y lo hace de lujo).

Pero además, como decíamos más arriba, va a ser el puente entre la clase alta y las mafias del escalafón social más bajo. El oxímoron da pie a la hilaridad cuando vemos a los personajes fuera de su área de confort colisionando por un fin común: sacar pasta. Porque aunque el chorizo se vista de seda, chorizo se queda.

Desde Sofía Otero hasta Susi Sánchez, la película está habitada por personajes de todas las edades, a cual más espabilado y voraz por salirse con la suya con la excepción de Toni Lomas, que es casi más un intermediario de intereses ajenos y es capaz de sobrevivir dándole la vuelta a los calzoncillos sin pensar en el mañana.

Cada día nace un listo cuenta con un diseño de producción solvente y no duda a la hora de dejar que los roles se extremen para darles empaque. Es un soplo de aire fresco en un género que en estos momentos no goza de un momento particularmente brillante. Deja constancia de que se puede sorprender y hacer comedia adulta sin complejos.

Esta ucronía, como cualquier otra, se basa en un enorme "¿qué pasaría si...?". La cuestión es que ahora sí que tenemos marcada una hoja de ruta gracias a la serie madre, de manera que conocemos el hilo temporal y la capacidad de impacto a nivel "macro", se ha perdido.

Ya sabemos cuál será la deriva de los acontecimientos. Conscientes de ello, Ben Nedivi, Matt Wolpert y Roland D. Moore no intentan ni repetir fórmula ni esquemas narrativos sino acurrucarse un nivel por debajo para desarrollar las intrahistorias que no llegan a la prensa, la de las mujeres y hombres que padecen un régimen político que da medallas en privado para luego requisarlas o que mata para tapar sus errores, por el simple hecho de que no puede reconocer que los ha cometido.

Es menos una serie de ciencia ficción y más un thriller de espías, que entronca con la narrativa de la serie original en muchos puntos pero se desenvuelve por libre, marcando a los protagonistas entre bambalinas. El acercamiento estético es el esperado: una fotografía mucho más desaturada y fría junto con una puesta en escena en la misma onda con localizaciones en las que la arquitectura brutalista impone su lógica de severidad y ausencia de ornamento.

Lo que no sabías que había sucedido

Ciudad de las estrellas nos presenta el programa espacial ruso, a cargo del diseñador jefe interpretado por Rhys Ifans. La Unión Soviética acaba de dar un golpe sobre la mesa colocando a uno de sus cosmonautas como el pionero en pisar la Luna y arruinando así los planes de Estados Unidos de llevar la delantera.

Su siguiente movimiento será que la primera mujer en hacer lo propio, vuelva a enarbolar un discurso a favor del "modo de vida marxista-leninista".

Lo que desconocen los y las cosmoautas es que todas y cada una de sus conversaciones son espiadas y monitorizadas para evitar filtraciones, traiciones y cualquier conato de disidencia. Las sospechas son tantas y tan cruciales que pueden llegar a arruinar una carrera por prometedora que sea y entre tanto, hay un equipo bien engrasado de funcionarios encargados de las escuchas telefónicas, los informes y los reportes delatores.

¿Tiene Ciudad de las Estrellas la misma fuerza que tuvo en sus orígenes Para toda la humanidad? Ni por asomo. Hemos visto ya muchos relatos, pegados a la realidad en esta línea y, por desgracia, la ficción solo emula lo que ya conocemos en otro contexto.

Tampoco tiene el ritmo, la fuerza ni personajes tan carismáticos. Sin embargo, funciona por sí misma y con su propia lógica gracias sobre todo a interpretaciones muy solventes como las de Agnes O'Casey, Anna Maxwell Martin, Alice Englert y Adam Nagaitis, además del ya nombrado Rhys Ifans.

Como poco, incluso los espectadores interesados necesitarán darse un tiempo para asimilar en cambio de lenguaje audiovisual y de registro para entrar en este otro lado del Telón de Acero, mucho menos atractivo y estimulante para los sentidos pero que se va cociendo a fuego lento para enganchar de otra manera, desde una austeridad muy medida para que sean los personajes los que nos interesen mientras los vemos caminar sobre un alambre, haciendo malabares para no caer al vacío.

Ciudad de las Estrellas es intensa y tiene potencial, aunque viendo el punto de partida y lo envarado que está el argumento, es fácil pensar que su recorrido será más breve y servirá más de complemento a lo que ya conocemos que de trampolín para una ficción que se desarrolle a largo plazo.

Dirige Gabe Ibáñez, responsable de Hierro y Autómata que ha encontrado en televisión un refugio creativo donde ir desarrollando su carrera en los últimos tiempos con series como Express o El silencio. Ahora se interna en el género policial en una película algo laxa y taciturna en el tono que, a pesar de contar con un reparto muy interesante, no consigue evitar un buen número de lugares comunes heredados del audiovisual estadounidense.

Esto le resta sabor local y contrasta con la ambientación principal de Barcelona, aguando las señas identitarias que podrían haberle dado al proyecto una mayor personalidad. La trama tampoco resulta particularmente original y presenta un desarrollo algo farragoso a pesar de su sencillez.

Un punto de partida intrigante

Lucía está a punto de tomar una de esas decisiones que marcarán un antes y un después en su vida: decide hablar y delatar a una serie de integrantes de la policía nacional corruptos a cambio de protección. Justo antes de eso se reúne con una mujer en unos baños públicos, a la que le pasa un papel con un comodín, en el caso de que las cosas no salgan como espera. Todo puede torcerse y es consciente del enorme riesgo que corre.

Meses después, la agente Ripoll se reincorpora al cuerpo de los mossos d'esquadra tras una tragedia personal que la ha mantenido fuera de onda por un tiempo. A pesar de que anímicamente sigue muy tocada, le encargan el caso de una mujer que ha aparecido en un contenedor del puerto de Barcelona, con signos de haber sido torturada e incapaz de recordar siquiera quién es.

Los primeros indicios apuntan a una red de trata de blancas puesto que ha sido drogada con una sustancia para inhibir su voluntad y ha pasado por un infierno de maltrato y violencia. A Ripoll se unirá Zárate, de la policía nacional, con cuya ayuda deberá descubrir por qué ha sido atacada de manera tan salvaje.

Viendo la premisa inicial de La desconocida lo normal es esperar una propuesta con bastante acción y ritmo. Nuestra protagonista sigue estando en el foco de sus atacantes por la información que esconde en su memoria, que irá volviendo a ella de manera gradual, de modo que estamos ante una película de persecuciones, peleas cuerpo a cuerpo y bastante adrenalina.

Sin embargo, hay algunas decisiones creativas que contribuyen a "bajar" revoluciones. La primera de ellas es el momento personal que atraviesa la encargada del caso, interpretada por Candela Peña. Es un personaje muy aplacado, que desluce un poco por una dirección actoral que no le permite a la actriz salir del "modo depresión" en ningún momento. Su historia se desarrolla en dos planos: el profesional y el personal, que interfiere de vez en cuando en su percepción de la realidad y en sus decisiones. De esta forma, basculamos entre el thriller policial y el drama familiar.

Éste es uno de los muchos clichés de la película, que también echa mano de investigaciones de asuntos internos y de villanos con pocos matices, conocidos desde el principio y sin mucha posibilidad por tanto de sorprender a la audiencia en la resolución.

La desconocida es una película entretenida que podría haber resultado de mayor impacto de haberse centrado en la trama realmente descorazonadora que es la de la trata de blancas, por la que pasa un poco de puntillas, sin ser capaz de detenerse a mostrar el calvario por el que pasan mujeres de todo el mundo tratadas peor que si fueran ganado, víctimas de toda clase de abusos. Tampoco hay un acercamiento al modus operandi de las mafias que operan para explotarlas.

Solo podemos empezar por Constantino Romero, con esa voz profunda e inconfundible que lo mismo transmitía la contundencia de Arnold Scharzenegger en Terminator 2 como la calidez de un padre tan paciente como severo como Mufasa en El rey león.

Joaquín Hinojosa también hizo un trabajo sensacional doblando a Jack Nicholson en su papel de Jack Torrance en El resplandor y guiándonos en su descenso a la locura y Ramón Langa le dio a Bruce Willis un carácter increíble como John McLane en Jungla de cristal.

Uno de los casos más emblemáticos de doblaje excepcional es el de la película El club de la lucha... Pero, más allá de las grandes voces, que son muchas y muy variadas, el doblaje también se utiliza para marcar una mayor expresividad, tomándose a veces licencias audaces que consiguen reforzar la comicidad. Es el caso de Kung Fu Sion, en la que se añadieron acentos regionales, jerga y giros lingüísticos osados e hilarantes.

También hay actores que llevan taaaaanto tiempo asociados a ciertos personajes que no los concebimos de otra manera: sus identidades se han fusionado. Es el caso por ejemplo de Florentino Fernández que ha hecho suyos los personajes de Po en Kung Fu Panda o de Gru en la saga Mi villano favorito.

Tenemos la inmensa suerte de haber contado con profesionales indiscutibles del doblaje y con una escuela que no para de reclutar talento para seguir en la brecha. Aprovecho mi pequeña atalaya para lanzarle una puñalada al doblaje con IA y señalar el flaco favor que se hace la industria tirando por tierra la calidad al tomar un atajo que tanto daño le hace a los especialistas en este campo.

Tras su paso por el Festival de Málaga, donde se alzó con el Premio ASECAN a la Mejor Ópera Prima, recala en las salas comerciales dejando claro que no tiene ningún interés por seguir la hoja de ruta de otras películas centradas en remontadas sobrehumanas o grandes redenciones sino en la compleja psique de una mujer que, expuesta a un enorme estrés, tiene un problema de salud grave que la pone en un grave peligro.

La película, rodada en versión original catalana en Barcelona y Zaragoza, es escasa en diálogos y rica en lenguaje cinematográfico. La dirección de fotografía de la película se ha confiado en Gina Ferrer García, conocida por éxitos como 20.000 especies de abejas y Sorda.

La sobriedad de la puesta en escena y el retrato íntimo de la protagonista son dos de los puntos fuertes de una película reflexiva y muy humana que intenta arrojar luz sobre una realidad que muchas veces no se visibiliza: cómo la presión puede romper a las personas y cómo esas personas tienen que trabajar para tratar de recomponerse y aprender de la experiencia. Y esa es la recompensa: no la fama o un título, la lucha interna por la autoaceptación.

Si no corres para llegar a algún sitio, corres para huir

Corredora nos presenta a Cris, una joven muy motivada que vive en un Centro de Alto Rendimiento y está a punto de presentarse a una importante carrera donde puede llegar a lo más alto a nivel nacional. Metódica y perfeccionista está en el mejor momento físico de su entrenamiento, rindiendo al máximo.

Sin embargo, poco a poco se va resintiendo a otros niveles: siente celos patológicos hacia sus compañeras, cree que hablan mal de ella a sus espaldas, que entran en su habitación a hurtadillas y que incluso le roban el material. Las cosas van de mal en peor hasta que tiene un brote psicótico: llama a su padre para que vaya a recogerla y empieza a destrozar su cuarto hasta que su entrenador empieza a aporrear su puerta angustiado y ella toda una decisión que podría costarle la vida.

Los dramas deportivos suelen centrarse muy a menudo en historias de superación personal y, de alguna manera, de grandes logos inspiradores que ven en la competitividad un elemento positivo para la consecución de los objetivos.

Durante el arranque de la película, de hecho, parece que ese es el enfoque de Corredora pero nada más lejos. Pronto se distancia introduciendo en su discurso muchas otras variables como el coste personal de obviar la salud mental en los entrenamientos de los CAR o incluso en las consecuencias físicas directas de los tratamientos para hacer frente a los síntomas asociados a un desorden psiquiátrico.

Excelente elección de casting la de la debutante Alba Sáez que no solo tiene las condiciones físicas para encarnar a un personaje con unas cualidades atléticas sino que además transmite todo ese conflicto interior de tener que buscar motivaciones más allá del éxito para seguir adelante y encontrar un equilibrio personal.

Al ser una película parca en palabras hablan más sus acciones que sus diálogos, de manera que será trabajo de los espectadores interpretar cómo y por qué hace lo que hace. Esto requiere un esfuerzo de atención extra: no es una película fácil, indulgente ni de ritmo trepidante, que se centre en mostrar la adrenalina de las carreras.

El plano deportivo, en sí mismo, es más bien una excusa argumental para hablar de los conflictos que se articulan a su alrededor: el altísimo nivel de exigencia física y emocional, el coste personal de una entrega total, la barrera entre la presión dirigida a un objetivo y la que puede romper a una persona que atraviesa un momento frágil, etc.

Corredora tampoco es una película de grandes alardes técnicos: intenta pegarse a la realidad tanto como es posible de modo que si has asistido a alguna prueba de atletismo vas a reconocer todos los pasos previos al inicio de la carrera y a su desarrollo. Pero no vas a estar pendiente de los pies de la protagonista sino de lo que puede esta pasando por su cabeza. De ahí la angustia de una película que juega con el tira y afloja que hay a su alrededor y no sabes cómo puede terminar...

Lo primero que hay que destacar es que ambos protagonistas están fantásticos: Zendaya habla con los ojos y pasa por todo un abanico de emociones a lo largo de la película mientras que Robert Pattinson confirma su talento irrefutable para encarnar personajes torpes e imprudentes con una cierta vena cómica (mejor aprovechada que en la excesiva Mickey 17).

Ellos son los principales focos del conflicto, pero están bien arropados por actrices secundarias como Alana Haim o Hailey Gates que representan polos muy opuestos en su relación con los personajes pero contribuyen a agravar la situación de forma muy clara.

¿Conoces a tu pareja?

El drama nos presenta a una pareja ideal: Charlie se queda prendado de Emma de manera instantánea cuando la ve por primera vez leyendo en una cafetería y se decide a presentarse aunque sea echando mano de una pequeña mentirijilla.

Tras un pequeño equívoco comienzan una relación estable que se desarrolla como cabría esperar: dando pasos poco a poco hasta consolidarse. Esto lleva a Charlie a pedirle matrimonio y a preparar el esperado enlace. Al escribir sus votos, se deshace en elogios hacia ella, una mujer que le ha inspirado a ser mejor persona y con la que se siente en deuda, con cierto complejo de inferioridad, incluso. Llega a expresar que ni siquiera podría concebir la vida sin ella.

Las tornas cambiarán cuando el día en el que estén haciendo la cata del menú para el convite en compañía de unos amigos y con un vinito de por medio, una conversación inocente se transforme en una confesión devastadora. La pregunta que da origen al problema es: ¿qué es lo peor que has hecho en la vida? Y una de las respuestas equivaldrá a una bomba nuclear para el inminente enlace al dinamitar la confianza que había entre los dos y obtener una recepción gélida por parte de su entorno inmediato.

La idea central de la película y su desarrollo son impecables: Borgli maneja muy bien el factor sorpresa y exprime la situación consiguiendo armar momentos hilarantes en el tira y afloja que se produce en la relación. En este sentido, uno de los puntos fuertes de la película es el montaje, que ayuda a crear un ritmo narrativo que se acelera cuando es preciso y se ralentiza para detenerse en lo importante.

El drama también pone sobre la mesa unas cuantas cuestiones relativas a la salud mental y la escasa por no decir inexistente sensibilidad de la sociedad hacia las personas vulnerables de uno u otro modo. El espectador se verá enfrentado así a sus propias contradicciones y forzado a pensar qué haría en el lugar de los personajes, qué es lo peor que ha hecho en su vida y si realmente sería siquiera capaz de confesarlo en voz alta.

Más aún, ¿define lo peor que hemos hecho en nuestras vidas quiénes somos hoy y cómo deben tratarnos los demás? ¿Qué clase de castigo o redención nos liberaría de la culpa? ¿Se puede amar de verdad a alguien sin conocer todos sus secretos o la verdadera muestra de amor es compartirlos y esperar una aceptación plena?

No es lo mismo mentir que omitir premeditadamente una verdad incómoda, del mismo modo que hay comportamientos que son inadecuados pero están normalizados y otros que por el contrario se han demonizado e imponen una lacra indeleble a pesar del paso del tiempo.

El guión de El drama es audaz, tiene un buen balance de humor y drama y está bien armado (este juego de palabras se comprenderá después de ver la película), con momentos descacharrantes y otros que hacen que la sonrisa se te quede congelada en la cara. Por desgracia, el desenlace es menos arriesgado y vira a un terreno más cómodo de transitar para una audiencia generalista. La sensación es que la película va de más a menos, una verdadera pena porque tiene ideas muy interesantes y está ejecutada con solvencia.

Será el ganador de dos premios Óscar Tom Hanks quien se haga cargo de la narración de la docuserie que ofrecerá en Canal Historia a partir del 26 de mayo.

Y viene demostrando un especial interés por la materia desde hace mucho tiempo. A nivel interpretativo dio vida al capitán John Miller en Salvar al soldado Ryan en 1998. Es una de las películas bélicas mejor valoradas de todos los tiempos gracias a la impecable realización de Spielberg y su preocupación por la verosimilitud del conflicto que le llevó a reunir unos estándares de producción muy elevados.

También dio vida al capitán Ernest Krause en Greyhound. Enemigos bajo el mar, haciendo frente a submarinos alemanes en la Batalla del Atlántico. Repetirá rol en la secuela, ya en marcha.

Pero probablemente, su colaboración con Steven Spielberg en la producción de las series Hermanos de sangre, The Pacific y Los amos del aire, sea su contribución más decisiva al panorama audiovisual en esta materia, por el nivel de profundidad con la que exploraron historias humanas por tierra, mar y aire. No hay duda de que es un abanderado ideal, comprometido con la divulgación de la Historia.

Si nos centramos en el cine, el primer título que salta a la vista es La desconocida, la nueva película de Gabe Ibáñez que cuenta con un reparto de lujo encabezado por Candela Peña, Ana Rujas, Manolo Solo y Kira Miró, entre otros. Se trata de la adaptación de la novela homónima de Rosa Montero y Olivier Truc y se estrenará el día 5 de junio.

La detective Anna Ripoll es asignada para investigar el enigmático caso de una mujer que aparece amordazada y maniatada sin ser capaz de recordar nada. Junto al oficial Quique Zárate se embarcarán en una carrera a contrarreloj por descubrir la identidad de esta misteriosa mujer y los secretos ocultos en su memoria.

El mismo 5 de junio también estará disponible Mexico 86, escrita y dirigida por Gabriel Ripstein y protagonizada por Diego Luna, Karla Souza y Diego Jiménez Cacho. Se trata de una comedia futbolística que nos llevará a revivir el Mundial del 86 recalando en un hecho real que aquí es ficcionado. Y la fecha está muy bien estipulada si tenemos en cuenta que tan solo unos días después, el 11 de junio en concreto, se inaugurará del Mundial 2026 en el Estadio Azteca con el México vs Sudáfrica.

La película seguirá a Martín de la Torre, un trasunto de Rafael del Castillo que tuvo un papel determinante para el fútbol mexicano... al menos hasta que se desató el escándalo unos años más tarde.

¡Cambiamos de tercio! ¿Te apetece una comedia picante? Es el turno de Jennifer López y Brett Goldstein, que lo pondrán todo patas arriba en Turbulencias en la oficina. La película, dirigida por Ol Parker, se estrena también el 5 de junio, cuenta con un guión escrito por el propio Goldstein junto a Joe Kelly y nos hará replantearnos los clásicos códigos deontológicos del ámbito empresarial.

J Lo da vida a la exigente directora ejecutiva de una compañía área llamada Air Cruz en la cual los romances en la oficina están terminantemente prohibidos... hasta que aparece por allí un atractivo abogado que tiene que trabajar para ella y cambie su perspectiva sobre las relaciones en el trabajo.

El reparto incluye a Betty Gilpin, Bradley Whitford y al veterano Edward James Olmos.

También hay espacio para la comedia romántica más al uso, de la mano de la guionista y directora Leah McKendrick. El 19 de junio serán Zoey Deutch y Nick Robinson los que sean tocados por la varita mágica del amor aunque las circunstancias para que lleguen a conocerse sean algo rocambolescas. Hablamos de Mensajes de voz para Isabelle.

Ella da vida a Jill, una mujer que lidia con la muerte de su hermana dejándole mensajes en el buzón de voz. Es una manera de seguir sintiéndola cerca y a la vez de consolarse con la idea de que de alguna forma la sigue acompañando en su vida, de manera que le narra su caótica vida en San Francisco... hasta que el número es reasignado sin previo aviso y sus confesiones empiezan a llegarle a un agente inmobiliario de Austin.

Ojo a los secundarios, que se dejan ver por aquí Nick Offerman, Gil Bellows o Clara Bravo.

El 26 de junio, para cerrar nuestra selección, se estrenará Hermanito. una comedia dirigida por Matt Spicer y protagonizada por John Cena y Eric André.

El primero es un agente inmobiliario con una vida bien organizada al que se le tuercen los planes cuando reaparece su hermano pequeño, un tipo excéntrico que lo sacará de su zona de confort y pondrá a prueba su paciencia.

Estamos ante una buddy movie familiar de manual, cuyo encanto reside en el carisma enfrentado de los dos actores principales, aunque también veremos por aquí a Michelle Monaghan, a Steven Singer o a Christopher Meloni.

Y así, con un sentido del humor que nos recuerda al de Primos lejanos, os dejamos hasta la próxima. Esperamos que encontréis títulos interesantes entre las películas que Netflix lanzará en junio. Al menos, hay que reconocer que hay variedad.

A estas alturas de la película habrá muchos espectadores que se lleven las manos a la cabeza y piensen que lo han visto todo en el universo Spider-Man... ¡Pues se equivocan! Estamos en buenas manos: las de Phil Lord y Chris Miller, muy familiarizados con el superhéroe como demostraron en Spider-Man: Un nuevo universo y que ya demostraron un amor por el cine y un dominio de los géneros muy especial en la serie The Afterparty cuyas dos temporadas se pueden disfrutar en Apple TV.

Aquí amplifican su ejercicio de estilo desde la producción y lo llevan a sus últimas consecuencias echando mano de todas las herramientas a su alcance: fotografía, encuadres, atmósfera, diálogos, interpretaciones. Y tienen remando a favor de obra a un cinéfilo de pro como es nuestro querido Nic Cage, bien contenido desde la dirección y a Oren Uziel al frente del proyecto.

Un superhéroe en reivención

Spider-Noir es una serie live-action que se basa en el cómic de Marvel Spider-Man Noir. Nos presenta a Ben Reilly, un investigador privado prácticamente arruinado que trata de salir adelante en la ciudad de Nueva York en los años 30. Una produnda tragedia personal le llevó a abandonar su alter ego de La Araña, la figura enmascarada con la que defendía a los inocentes del mal.

Para su desgracia su antagonista Silvermane parece tener algo muy peligroso entre manos que va a obligarlo a enfrentarse a su pasado y a desempolvar su disfraz: la ciudad solo cuenta con él para salvarse del caos.

Por todo lo leído en el arranque de esta crítica habrá quien piense que Spider-Noir corre el riesgo de quedarse en una carcasa bonita. Es decir, que puede estar bien planificada en el plano visual y cojear por tener un guión endeble, pero resulta que ese no es el caso. Funciona muy bien gracias a un reparto inspirado y comprometido en el que brilla con luz propia un Brendan Gleeson que da miedo (otra recomendación: versión original de forma preferente, por favor, para disfrutar de su talentazo).

Y a todo eso: el festín para los sentidos, la historia bien encauzada y desarrollada hay que añadir que no es una serie repetitiva. Sí, oirás ciertos leit motiv del personaje original, Spider-Man, pero de ningún modo tendrás la sensación de cierto hartazgo de estar viendo "más de lo mismo". Todas las variaciones de este universo tienen un puntito familiar pero a la vez una diferenciación lo suficientemente interesante como para despertar curiosidad y mantener a los espectadores pendientes de la pantalla.

En cierta manera, es un soplo de aire fresco: sí, es una serie de superhéroes; sí, es una variación de un personaje hiperexplotado y sí, tiene factores de riesgo importantes que asume con mucha valentía. Lo bueno es que todo se conjuga para llevar el proyecto a buen puerto y lo confieso: me lo he pasado como una niña con zapatos nuevos.

¡Ah! Y ojo a los títulos de crédito iniciales no son solo un resumen de lo que depara la serie y una fuente de referencias a películas y series míticas sino otro homenaje fabuloso al lenguaje audiovisual del cine negro y una GOZADERA absoluta.

Nada más arrancar es evidente que la serie tiene muchas y variadas deudas: con películas como el ET de Steven Spielberg (ojo a la banda sonora y su utilización) o la serie La dimensión desconocida y con películas más cercanas en el tiempo como Vivarium o No te preocupes querida.

La originalidad de la propuesta radica no solo en el mix de géneros con comedia, drama, terror y ciencia ficción sino en el hecho de que los protagonistas sean personas mayores, justo como El club del crimen de los jueves, solo que aquella supo crear sensaciones mucho más favorables.

Las razones son variadas: era una película con sólida base literaria y guión bien articulado, con un reparto engrasado a las mil maravillas, que tenía química, se ajustaba a los roles y generaba una camaradería cómica muy especial. En el caso de The Boroughs hay intérpretes que funcionan (destacan Denis O'Hare y Clarke Peters) y otros que no terminan congeniar con el resto o a los que les falta carisma desde su concepción.

Además les toca defender un libreto que no necesita en absoluto ocho episodios de entre 40 y 50 minutos de duración para lo que necesita contar. Uno de sus claros defectos es el de dar un golpe de efecto al comienzo y al final de cada episodio, alimentando el resto con mucho relleno y con incógnitas que no aspiramos a resolver.

Pueblo pequeño, infierno grande

Sam Cooper acaba de quedarse viudo y está a punto de convertirse en uno de los nuevos residentes de The Boroughs, una urbanización idílica en la que pasar sus solitarios días en compañía de otras personas de su edad jugando al golf, yendo a la piscina y disfrutando de la vida.

Sin embargo, él no está por la labor de dejarse llevar: aún sufre por la ausencia de su esposa y no siente que encaje en el lujoso complejo situado en pleno desierto de Nuevo Mexico, lejos de todo.

Sus vecinos le darán una cálida bienvenida, pero pronto les golpeará la desgracia mientras emergen amenazas desconcertantes en plena noche. Será el momento de que Sam haga gala de sus conocimientos de ingeniero para aliarse con sus compañeros y descubrir qué se oculta detrás del aparentemente perfecto vecindario.

Un producto 100% Duffer

El sello de los hermanos en la producción es inconfundible porque llevan muchas de las ideas de Stranger Things a esta nueva serie. En primer lugar lo más obvio: la creación de un grupo de héroes improbables que en lugar de ser niños son septuagenarios.

En segundo lugar, la nostalgia: de nuevo hay interferencias entre los fenómenos sobrenaturales que experimentan los personajes y los aparatos analógicos. Esa misma vertiente melancólica se trasluce en las muchas referencias narrativas, visuales y sonoras que nos remiten a obras previas, como las que hemos apuntado al principio.

Pero The Boroughs también está impregnada de algunos de sus peores defectos como creadores: demasiado CGI para los efectos especiales, agujeros en la historia con subtramas que se quedan en el aire, mucho impacto inicial y cliffhanger y poca sustancia a fin de cuentas.

Es una serie entretenida, tiene un arranque muy prometedor, pero le falta coherencia interna y sentido del humor. Incluso desarrollo de personajes, para despertar la empatía de los espectadores y trasladar sensación de grupo. Hay una serie extraordinaria dentro de ésta, pero habría requerido el arrojo de innovar un poco más y recortar lo redundante e innecesario.

Este es un nuevo thriller protagonizado por dos estrellas televisivas indiscutibles como son la actriz canadiense Tatiana Maslany que nos volvió locos de remate con Orphan Black y el australiano Murray Bartlett que tanto nos hizo disfrutar en la primera temporada de The White Lotus.

Destacan dos aspectos importantes de esta serie: por un lado el ritmo vertiginoso al que se desenvuelve, con momentos de puro delirio en el que el montaje es una obra de orfebrería y por otro lado los toques de humor en una historia en la que late de fondo un drama familiar que pone de relieve las dificultares para mantener la custodia de una menor cuando el nivel de ingresos es inferior al del excónyuge si tiene acceso a una batería de insaciables abogados.

La historia funciona porque el elenco, como decíamos, es excepcional y los problemas a los que se enfrentan no caen lejos de la realidad: la soledad, el hartazgo, la presión, la búsqueda de soluciones fáciles y la manera en la que los estafadores se aprovechan de la gente corriente que se convierte, como dicen aquí, en un "imán para los problemas". Habrá quien recuerde películas como Solo las bestias viendo esta serie, aunque estilísticamente esté en las antípodas.

Más allá del sexo online

En los últimos tiempos nos estamos acostumbrando a ver cómo ciertas series y películas presentan las plataformas de sexo online como fuentes de satisfacción mutua para trabajadores y clientes (ahí está la visión cómica de Euphoria y la amable de Margo tiene problemas de dinero, por poner ejemplos bien recientes). Esta serie habla de algunos de los riesgos que puede entrañar su uso y la forma en la que se pueden aprovechar las vulnerabilidades que generan.

Todo comienza cuando Paula Sanders, una periodista divorciada en plena batalla legal con su exmarido para retener consigo a su hija, empieza a pasar cada vez más tiempo online con un joven llamado Trevor con el que mantiene relaciones sexuales virtuales de forma esporádica previo pago.

Un buen día, en medio de una conversación a través de sus webcams, es atacado de forma muy violenta, algo que ella se apresura a grabar y denunciar a la policía.

La inspectora a cargo del caso le recomienda ser cauta y no creer nada de lo que ha visto, porque todo apunta a una estafa online de tipo romance scam. En efecto, empieza a recibir llamadas exigiéndole dinero a cambio de un rescate que irán subiendo de tono hasta que se decida a investigar por sí misma.

Satisfacción garantizada consta de 10 episodios de unos 35 minutos de duración en los cuales hay muchas vueltas de tuerca y una minuciosa dosificación de la información para mantener el misterio de los personajes, que cada vez generan una mayor curiosidad. Son las ventajas de irlos revelando poco a poco, sin pausa pero sin prisa, a medida que se desarrolla la historia.

A su vez, plantea ciertas cuestiones generacionales muy interesantes como el sexo en la madurez fuera de las convenciones sociales y la ingenuidad a la hora de hacer uso de las nuevas tecnologías en la que es fácil incurrir cuando no se tienen dobles intenciones. Pero nada es lo que parece a simple vista, las sorpresas son constantes en una serie que nunca se detiene, que juega con las expectativas de los espectadores y de la protagonista misma en un apasionante thriller de esos que te dejan exhausto.

Traslada a la perfección la sensación de urgencia, de paranoia y de tensión de una persona que se siente contra las cuerdas. Con estos mimbres, ¿quién se resiste a levantar la mano del mando?

Se trata de Victoria Martín, reconocida humorista, locutora de radio, guionista, escritora y actriz a la que hemos visto recientemente en Entrepreneurs o Rafaela y su loco mundo, por ejemplo, pero que también es asidua a Ilustres ignorantes donde ha compartido mesa con Marc Giró o Fernando Tejero.

Debutó, y esto es interesante, en su propia serie Válidas, junto a Carolina Iglesias y ha sido la ganadora de dos premios Ondas por Estirando el chicle y Malas Personas. En 2024 lanzó su primera novela, Se tiene que morir mucha gente, basada en un guión para televisión que nadie le compró en su día y que ahora adapta a serie para la plataforma, con seis capítulos de unos 25 minutos de duración en los que describe la amistad entre tres mujeres que atraviesan un momento de crisis personal y existencial importante.

La historia quiere dinamitar los tópicos sobre la sororidad y la pujante manía de idealizar la amistad femenina para explorar relaciones mucho más imperfectas y realistas basadas en sentimientos complejos como la envidia, la camaradería, la confianza y el hartazgo. Vamos, lo que conforma una amistad real y experimentamos a diario aunque, eso sí, a tope de intensidad, sin miedo a la corrección política ni a molestar a la audiencia.

Uno de sus principales atractivos es que no se ha visto obligada a prescindir de nada: los tacos, las situaciones extremas y sus dinámicas provocadoras e irónicas están presentes con todas sus consecuencias, le pese a quien le pese, dejando constancia de su sello personal para la comedia.

Hija, eres un cuadro

Bárbara es guionista en el late night No te hagas líos que está al borde de la cancelación por la pérdida de audiencia y la falta de talento del equipo, que ha dejado de creer en su trabajo. Atraviesa, según ella, una profunda depresión que la ha convertido en una verdadera adicta a los ansiolíticos que consume sin cesar, como si fueran caramelos.

Convive con Maca, su amiga desde la infancia, que quiere ganarse la vida como actriz, pero entre tanto trabaja como camarera. Un buen día, Elena, la tercera en discordia, contactará con ellas para invitarlas a su casoplón, donde dará a conocer el sexo del bebé del que está embarazada.

A punto de salir de cuentas, tiene una revelación: vive en una jaula de oro y quiere abandonar a su marido sexagenario, mudándose a vivir con ellas y dejando atrás un mundo de apariencias e hipocresías del que se ha hartado.

Es la gota que colma el vaso de Bárbara, que mantiene consigo misma abundantes y dolorosas conversaciones en la que se desprecia y ningunea sin descanso. Si su vida está patas arriba, ¿cómo va a ayudar a Elena? ¿La aguantará la fiel Maca?

Se tiene que morir mucha gente echa mano de un recurso estupendo, que es externalizar la conciencia (y la mala baba) de la protagonista, que se le aparece en forma de sí misma siendo una niña.

Si Anna Castillo (Su majestad) está estupenda, como suele ser costumbre, acompañarla de una irreverente y elocuente Sofía Otero (que brilló con luz propia en su debut en 20.000 especies de abejas) es una decisión perfecta de casting. Ambas tienen mucha química en pantalla y se complementan de maravilla en un trabajo a dos bandas en el que por una parte vemos cómo se comporta el personaje y por otra lo que piensa en realidad con esos apartes tan burros.

Completan el reparto femenino principal Macarena García, Laura Weissmahr y Alba Galocha. Todas ellas defendiendo papeles complicados de mujeres sujetas a fuertes contradicciones y que, sin embargo, tienen que aprender a convivir consigo mismas y con sus decisiones, aunque a veces no puedan ser más desacertadas.

Como venimos expresando desde el principio, probablemente el humor de Se tiene que morir mucha gente no sea del gusto de todo el mundo: tiene su parte escatológica, su retranca feminista y una valentía a veces kamikaze a la hora de denunciar cómo nos dejamos llevar pero es todo tan nítido y está servido de una forma tan honesta que es difícil no entrar.

Rezuma impostura, acidez y deja ver el talento de Victoria Martín para hablar de cuestiones que conoce de primera mano, como demuestra en toda la parte metatelevisiva de la creación del late night y el periplo de la protagonista como guionista.

Tan notoria es su decisión de cortar por lo sano de una vez por todas que ni siquiera regresó para prestarle su voz al personaje animado de Eleven en Stranger Things: Relatos del 85.

A pesar de que era un papel muy exigente eso no ha impedido que haya participado en el rodaje de películas como Godzilla, Godzilla vs. Kong, Damsel, Estado eléctrico o la saga Enola Holmes, que regresará el 1 de julio a las carteleras con su tercera entrega.

Ahora, con la agenda más despejada, tiene por delante un surtido menú de proyectos que van a llevarla del drama en The Thing About the Jellyfish, al thriller vía The Girl's I've Been recalando de paso por la comedia romántica de tintes fantásticos Just Picture It.

Netflix no obstante seguirá siendo su casa. Para la plataforma de streaming está creando la serie Prism en la cual da vida a una mujer con la capacidad para comunicarse con los espíritus y debe combatir una aparición masiva de fantasmas antes de que impere el caos. También sacará adelante la película Los 19 escalones, basada en su propia novela en la que habla sobre las experiencias vitales de su abuela durante la Segunda Guerra Mundial.

La actriz, casada desde 2024 y deseosa de ser recordada por algo más que su papel de Once, tiene toda su carrera por delante para seguir demostrando su valía. Por el momento, ha pegado el estirón también a nivel profesional y sus proyectos son variados en género, intenciones y planteamiento así que estamos deseando ver cómo se desenvuelve.

Hablamos esta semana de propiedades intelectuales superpotentes a nivel de penetración en el mercado nacional e internacional. Dan acceso a un jugoso rendimiento y por tanto, a priori, seguir explotándolos solo puede significar engordar sus números... ¿O hemos llegado al punto de saturación absoluto?

Veamos unos números para aclararlo: La que se avecina, que estrenará este año su temporada 27 superando los 210 episodios, fue una continuación espiritual de Aquí no hay quien viva.

Un reparto coral y en constante movimiento la ha mantenido a flote a pesar de los vaivenes e incluso una mudanza masiva (recordemos que se reflotó después de quedar cerrada). El humor políticamente incorrecto y a veces absurdo, tipo 13 Rue del percebe, la sátira mordaz y personajes estereotipados y bien pertrechados de coletillas y su propio modus operandi ha mantenido la popularidad durante mucho, mucho tiempo.

Por otra parte, no estamos ante un producto exigente sino puramente evasivo. Hay quien se engancha a ella de manera ocasional y no tiene excesivos problemas para seguir la trama porque, a fin de cuentas, aporta sketches situacionales en su mayor parte y las tramas generales son solo un marco con pocas variaciones. ¡Hasta hemos tenido un especial western en cines! La pregunta es: ¿todavía da de sí? ¿No pide a gritos ya un descanso?

Parece que el humor es uno de esos géneros que todo lo puede cuando se da con la fórmula precisa. Y los hermanos Caballero la han encontrado ya en unas cuantas ocasiones, pero tienen en esta serie un buque insignia que ha llenado muchísimas horas de parrillas de programación de canales principales y secundarios. No estaría mal dejar la serie cuando aún sigue despertando pasiones en lugar de estirarla de manera artificial, mermada de sus protagonistas principales y, por qué no decirlo, al borde del sinsentido.

En el caso de La casa de papel, el éxito es tan bestial más allá de nuestras fronteras que es muy difícil resistir la tentación de drenarle el encanto por medio de spin-offs y productos derivados, aunque sean de personajes que nos generen cierta ambivalencia. La esencia es la misma, aunque se retuerza con giros de guión en apariencia imposibles o con dobles saltos de tirabuzón en el desarrollo de unos personajes que nunca fueron precisamente creíbles.

Aún no se ha estrenado Berlín y la dama del armiño y ya nos están amenazando con una continuación imprecisa. El límite lo va a imponer la audiencia: mientras renten, podemos estar seguros de que seguirán dándole forma a nuevas historias con una fórmula similar. Lo malo es que entre tanto, ese talento no se estará invirtiendo en crear algo nuevo y distinto, puede que mejor o peor pero que al menos se diferencie un poco de lo ya conocido. Es una pequeña tragedia...

Como es evidente una de las razones por las que se aglutinan muchos fichajes de calidad en torno a un proyecto de estas características es asegurarse una audiencia amplia: interesar a distintas franjas de edad y llamar la atención de distintos públicos objetivos.

Es una maniobra interesante porque además nos permite disfrutar de combinaciones de artistas que, al menos sobre papel, resultan de lo más interesantes. Pero luego, toca lidiar con los giros de guión, darle a cada cual su momento de brillar en pantalla para que no se perciba la decisión de casting como una mera excusa publicitaria y llevar la trama a puerto. Y ahí ya los resultados son muy desiguales.

El talento delante de la cámara requiere también una labor de dirección actoral muy potente detrás de ella porque, como en una orquesta, puedes tener a grandes músicos con sus instrumentos bien afinados pero luego llega el momento de combinarlos para crear una melodía.

Tomando como ejemplo El homenaje, uno de los principales problemas a los que se enfrenta la ficción es la tremenda distancia que se percibe en los flashbacks respecto al flujo temporal de la actualidad con interpretaciones tan distintas de personajes que no guardan parecido entre sí que cuesta seguir la trama. Y es que es fácil que se resienta algo tan básico como la claridad expositiva cuando hay una galería voluminosa de personajes. Hay que poder identificarlos, comprender las relaciones de parentesco que hay entre ellos y sobre todo las dinámicas de poder e intereses que dinamizan la acción.

Otra dificultad derivada de las multitudes es mantener la verosimilitud. Cada integrante del reparto necesita unas instrucciones precisas: comprender a su personaje, sus motivaciones y trasfondo y eso es complicado cuando se cuelan elementos extravagantes en la puesta en escena como caracterizaciones algo forzadas o histrionismos que desentonan por contraste. Cuantos más actores y actrices en juego, más posibilidades de que aparezcan guerras de ego y riesgo por tanto de que se descompense el relato. Porque cada cual tiene su propio método y forma de interpretar y es lícito y hasta deseable que así sea.

A todo lo anterior hay que sumar un eje más: es el de la intencionalidad. En un whodunit el guionista debe esconder bien las pistas para mantener el interés pero no resultar tramposo; en un drama se busca conmover; en una comedia despertar como poco simpatía, si no carcajadas, etc.

Así que la labor de casting es un reto increíble porque son necesarios intérpretes adecuados pero no en exceso encasillados, o pierdes el factor sorpresa. Y hay que combinarlos con verdadera astucia para lograr el efecto deseado exprimiendo su talento.

Y, por último, las expectativas. Un reparto estelar en una producción coral dispara el hype hasta las nubes: ¡a ver cómo se las apaña Doomsday para satisfacer a los fans! Es fácil dejar insatisfecho a alguien a quien, desde el cartel, le has prometido una experiencia de cinco estrellas.

Admitamos que el reparto sigue siendo, por encima de cualquier otra cuestión, el principal reclamo para dedicarle el tiempo a una película o serie a día de hoy, sobre todo con la actual saturación del mercado. Pero primero hay que tener una historia que sea como poco buena y luego ponerle cara a los integrantes de esa buena historia. Recorrer el camino a la inversa solo puede generar decepción.

La semana pasada le tocó el turno a Mickey, el hermano de Carmy en The Bear en el episodio especial titulado Gary, que se lanzó por sorpresa como preludio a la temporada final y esta semana desembarcamos en la psique de un Frank Castle que ha tocado fondo en The Punisher: One Last Kill y lucha con sus fantasmas internos: recuerdos pesadillescos y una grave crisis de identidad.

Lo primero que hay que decir es que el nivel de compromiso del actor con su personaje, de nuevo, es bestial: lo da todo para que comprendamos el calvario por el que está pasando y carga con el peso protagonista en todo momento, pero llama la atención que sea Frank quien aún no haya aceptado que es The Punisher y lo asuma plenamente.

Éste era uno de los reproches críticos más habituales a la serie y que aquí vuelve como un boomerang de nuevo para volver a ser la piedra angular del episodio... cuando ya debería estar bastante superado, tiempo ha tenido.

Bien se avisa al comienzo de la emisión que se trata de una historia creada para el público adulto y que contiene violencia explícita que puede herir la sensibilidad de los espectadores. Nunca un descargo de responsabilidad estuvo tan justificado porque la sangre no tarda en empezar a fluir, aunque quizás sea aún más desconcertante y perturbador ver el grado de enajenación mental del que hace gala, que le lleva incluso a autolesionarse.

No habrá paz para los malvados

Castle aborda una etapa de deconstrucción tratando de encontrar un propósito pacífico que le aleje del contexto de la venganza criminal asfixiante del que intenta escapar mientras lidia con sus demonios internos y los momentos más traumáticos de su vida anterior.

Sus planes se vienen abajo cuando Ma Gnucci (fabulosa y aterradora Judith Light), líder de una poderosa organización criminal y una de las enemigas más implacables de The Punisher le pone precio a su cabeza para vengar la muerte de sus hijos.

Esto provocará que criminales y asesinos a sueldo aterroricen a su comunidad asaltando comercios locales y obligándolo a retomar las armas y rehacerse para limpiar las calles. Al final, estamos (otra vez) ante una historia de origen del personaje y una nueva carta de presentación.

The Punisher: One Last Kill es, en suma, un paseo por el infierno y un escaparate de lo que podría llegar a salir de una película centrada en el personaje (con otros conflictos, se entiende). Incluso a pesar de los defectos propios de un mediometraje aislado, que es demasiado corto como para desarrollar una historia compleja y saciar a la audiencia fiel y demasiado largo si no hay un guión firme que hilvane bien el relato, demuestra que nos queda mucho por ver aún.

Regresará de forma inminente en el próximo paso de la Fase 6 del UCM, concretamente en Spider-Man: Brand New Day, así que tendremos ocasión de reencontrarnos con el antihéroe de Marvel el 31 de julio en salas de cine, aunque no con el peso específico deseado en la trama.

Y la razón es obvia: las historias centradas en Peter Parker aspiran a una audiencia amplia mientras que el grado de salvajismo y crudeza del entorno de Castle tiene un encaje complicado por su enfoque mucho más realista e implacable (hasta la sangre está bien conseguida).

A las pruebas nos atenemos: vamos a encontrar violencia física de todos los colores alejada de la estilización de John Wick y más próxima al aspecto de The Raid con malos marrulleros y una pugna por proteger a los inocentes de su destrucción a sus manos improvisando como mejor puede. Aquí se sienten los golpes y las heridas abiertas y no hay resquicio para un entretenimiento liviano ni divertido: no hay reglas, pero sí cargas onerosas.

En general, los ocho episodios (el último de una hora y veinte minutos de duración) se antojan demasiados y excesivamente largos para una trama bastante sencilla que a menudo recala en el mismo reiterativo y subrayado mensaje de que hay que "abrazar la vida".

Por lo demás, se redobla la apuesta por un diseño de producción ambicioso en el que se le saca mucho partido a las localizaciones de rodaje, especialmente Donostia y Sevilla, con su toque ecléctico y hasta kitsch (hacer a Inma Cuesta cantar "Every Breath You Take" versión chillout en una fiesta flamenca debería estar penado con cárcel, como meter a Marta Nieto en un salto de cama con la chaquetilla de un traje de luces en plan erótico).

Un Robin Hood hedonista

Mientras Berlín y Damián empiezan a planificar sus próximos movimientos, entran en contacto con el duque de Málaga, que les hace un encargo de lo más peculiar: robar para él la famosa pintura del maestro Leonardo da Vinci conocida como La dama del armiño. A pesar de ser el epítome del egocentrismo, la propuesta choca de frente con los principios de un enamorado del arte como Berlín que se siente hasta ofendido por su desfachatez y sospecha que no es la primera vez que el duque se hace con obras de arte de manera fraudulenta.

Su plan es, en primer lugar, aceptar las condiciones y, en segundo lugar, reunir a la banda para engañarlo y robarle todo su arsenal que creen que tiene a buen recaudo en su propia finca. Robar a su cliente usando su propio dinero, en pocas palabras.

Las cosas no están especialmente bien engrasadas entre los miembros del equipo. Keila y Bruce, que han iniciado una relación más seria, pasan por una tremenda crisis cuando Keila conoce a otra persona y empieza a dudar sobre su futuro y Cameron y Roi han roto de manera definitiva al punto de que apenas se dirigen la palabra.

Por su parte, Berlín va a conocer a la explosiva Candela, una carterista caradura enamorada de los placeres de la vida por la que va a perder la cabeza y que terminará formando parte de la banda por derecho propio gracias a su desparpajo y saber hacer.

Mucho enredo y poca chicha: esta segunda temporada de las aventuras de Andrés de Fonollosa hace que se sientan mucho más los altibajos narrativos porque en su voluntad de desmarcarse de la temporada anterior y hasta de la serie madre, los volantazos son tremendos.

Cualquier viso de verosimilitud salta por los aires con personajes esbozados a golpe de sentencias impactantes pero que, en el fondo, tienen muy difuminadas sus motivaciones. Da la sensación de que todo vale y de que, a su vez, todo da lo mismo.

Pero el principal foco está puesto en las pasiones: romances, infidelidades, desencuentros y hasta revelaciones de último momento que le dan una gruesa capa de almíbar a una serie que se dispersa demasiado en esta ocasión antes de llegar al "truco final".

De los nuevos fichajes, claramente el de Inma Cuesta es el más acertado: la actriz pone toda la carne en el asador y se aprecia que ha disfrutado de la experiencia de rodaje, aunque su personaje sea puro cliché de mujer de sangre caliente que tanto vende fuera de nuestras fronteras. Berlín y la dama del armiño está pensada para contentar al público internacional de principio a fin con todas sus excentricidades, mestizajes y tópicos españoles (recordemos que La casa de papel rompió moldes siendo la serie de habla no inglesa más vista de Netflix).

De este modo, el regusto que deja es de cierto nivel de hartazgo: esta saga pide reposo y, en caso de volver, con un discurso un poco más trascendente y menos frases engoladas.