Te puede gustar más o menos el Episodio I de Star Wars, pero es innegable que una de las escenas más icónicas de toda la película es la carrera de vainas. Por eso a nadie le sorprendió que en 1999 se lanzase un videojuego de conducción arcade centrado en la competición de alta velocidad: Star Wars Episodio I: Racer.

La sorpresa fue que era muy buen juego, especialmente en un época en la que los títulos basados en películas tendían a no brillar por su calidad. A rebufo de su éxito se lanzaron otros dos videojuegos: una versión para máquinas recreativas y una secuela, Star Wars Racer Revenge, que se quedó bastante lejos de la línea de meta.

Y ahora, 27 años después, Fuse Games, un equipo formado por antiguos miembros de Criterion, autores de grandes obras de la velocidad como Burnout o Need For Speed, nos proponen volver a subir a la vaina (o a otras vehículos) para disfrutar de las carreras más vertiginosas de toda la galaxia. Así es Star Wars: Galactic Racer.

Impresiones de Star Wars: Galactic Racer

Star Wars: Galactic Racer cuenta con cuatro modos de juego distintos: campaña para un jugador, escenarios, arcade y multijugador.

En el modo campaña nos ponemos en papel de Shade, un misterioso piloto que se une a la Liga Galáctica del Borde Exterior para derrocar al malvado Kestar Bool, quien amenaza con hacerse con el control de la competición.

El modo campaña es toda una curiosidad, pues además de contar una historia en el sentido tradicional, está diseñado de manera que sea altamente rejugable y cada partida sea diferente. De ahí que Star Wars: Galactic Racer tenga cierta filosofía roguelike.

Cuando iniciamos la campaña entramos dentro de la Liga y, para progresar, podemos elegir entre diferentes tipos de eventos, como carreras tradicionales, carreras de prueba a bordo de vehículos experimentales o carreras de eliminación.

Al superar eventos vamos cambiando de planeta, visitando lugares como Jakuu, Lantaana o Ando Prime, cada uno con sus características propias. Y también obtenemos mejoras para los vehículos y tokens de la Liga, necesarios para competir.

El objetivo es llegar a la carrera de competición final, en la que nos enfrentamos a Kestar Bool, con el mejor vehículo posible. Pero si por el camino fracasamos muchas veces y nos quedamos sin tokens, la Liga termina para nosotros y tendremos que empezar otra desde el principio.

Curiosamente, en el modo campaña no manejamos las vainas de carreras, pero podemos elegir entre tres vehículos diferentes: el aerodeslizador terrestre, la moto aerodeslizadora y el aerodeslizador skim.

Y no sólo la elección de vehículo es importante: también debemos escoger entre 14 estilos de conducción distintos, cada uno con ventajas y habilidades únicas. Eso sí, muchos de los estilos o incluso las ventajas que confieren, han de ser desbloqueados mientras jugamos.

También podemos equipar hasta tres favores, que vienen a ser pequeñas ayudas que también mejoran a medida que superamos eventos con ellos equipados.

Incluso podemos personalizar la apariencia de Shade mediante diferentes opciones para atuendos, cascos e incluso voces. Y diréis: ¿para que quiero personalizar la apariencia del piloto si apenas lo voy a ver? Pues porque en Star Wars: Galactic Racer también podemos visitar el paddock, controlando a Shade en tercera persona para hablar con otros pilotos o visitar tiendas. Un pequeño detalle que contribuye a sumergirnos aún más en la trama.

Pero hablemos de las carreras, que es lo que verdaderamente importa. Dependiendo del vehículo y, justo antes de empezar la carrera, tenemos unos breves segundos para introducir una serie de comandos, a modo de QTE. Si lo hacemos a tiempo, podemos empezar con un extra de aceleración y/o protección de los escudos, que nunca viene mal.

Además de esto, el juego también nos invita a pisar el acelerador y mantenerlo en determinados niveles mientras se da la señal de salida para empezar con ventaja.

Ya dentro de las propias carreras, la sensación de velocidad es sencillamente espectacular, acompañada por un apartado gráfico de infarto y un diseño de audio de otra galaxia.

Y se nota claramente que es un juego de los autores de Burnout en detalles como el efecto a cámara lenta y la destrucción que se genera cuando hacemos que un rival se estrelle... o cuando la diñamos nosotros. Por suerte, tenemos tres "vidas" que podemos agotar antes de fracasar por completo.

Además, si se produce una colisión que no es mortal, tenemos una pequeña oportunidad para sobrevivir a través de otro QTE similar a la recarga activa de juegos como la saga Gears.

Además, como en el juego original, los circuitos incluyen atajos que nos pueden ayudar a rebañar unos cuantos segundos por vuelta.

Tras superar eventos obtenemos recompensas pero, siguiendo esa filosofía roguelike de la que hablábamos antes, en muchos casos debemos elegir con qué recompensa o mejora nos quedamos. Esto ayuda a que nos sintamos como pilotos que empiezan desde lo más bajo y van mejorando a medida que se desarrolla la competición.

Además, aunque fracasemos y tengamos que empezar de nuevo, los diferentes tipos de vehículos se pueden mejorar de forma permanente. También desbloqueamos nuevas piezas para los vehículos que pueden aparecer en siguientes partidas, tanto como recompensa como para comprar en las tiendas. De esta manera, cada vez que lo intentemos tendremos más posibilidades de llegar al final y alzarnos con la victoria.

El planeta donde tiene lugar la carrera también es muy importante, pues algunos tienen sus propias características. Por ejemplo, en el frío Ando Prime, al deslizarnos sobre pistas de hielo el vehículo se va congelando, lo que da lugar a problemas de funcionamiento. En estos casos, los circuitos cuentan con zonas que desprenden calor y reducen el medidor de congelamiento, pero en mitad de una vertiginosa carrera con otros once participantes, pasar por el arco térmico es más fácil de decir que de hacer.

Hasta ahora hemos hablado sobre el modo campaña, pero si queréis disfrutar de las carreras de vainas más clásicas, en el modo arcade podemos competir en circuitos tan legendarios como Mos Espa controlando a personajes igualmente legendarios como Sebulba o Ben Qadinaros.

Y ni siquiera hemos hablado de los escenarios o el modo multijugador. En otras palabras: Star Wars: Galactic Racer promete muchísimas horas de contenido de calidad y, sobre todo, velocidad. Lo que hemos visto hasta ahora nos ha convencido firmemente de que estamos ante un digno sucesor del primer juego de carreras de vainas.

Como diría el piloto más joven que se alzó con la copa de Boonta Eve: now THIS is pod racing.

Haber escogido estos dos juegos no parece casualidad, pues pese a ser títulos muy diferentes, ambos tienen algo en común: ya contaron con remakes en Nintendo 3DS. Aunque, siendo justos, estas versiones en 3D se ajustan mejor a lo que entendemos por remasterización, más que remake. Es solo una de las cosas que vamos a ver en este análisis de Star Fox para Nintendo Switch 2.

Porque el regreso de Fox McCloud se puede considerar un "remake"... aunque uno extremadamente fiel, ya que, aunque hay cambios y novedades, la experiencia a la hora de jugar es prácticamente la misma que en Nintendo 64.

Pero no me quiero precipitar. En esta review de Star Fox para Nintendo Switch 2 me voy a centrar en los siguientes aspectos.

• El gameplay de Star Fox
• Nivel de dificultad de Star Fox
• ¿Cuántas horas de juego dura Star Fox?
• Cuánto cuesta Star Fox y dónde puedes jugarlo
• La opinión de Hobby Consolas de Star Fox
• Nota: lo mejor y lo peor de Star Fox

Jugabilidad y gameplay de Star Fox en Nintendo Switch 2

Si le echasteis horas al original, ya sabéis lo que tenemos aquí: Star Fox es un shooter sobre raíles en el que nos ponemos en el papel de Fox McCloud, líder del escuadrón de mercenarios interestelares conocido como Star Fox, quienes se embarcan en una misión para liberar el sistema Lylat de las garras del malvado Andross.

En la mayoría de niveles controlamos el Arwing, un caza estelar capaz de realizar disparos láser, lanzar bombas y ejecutar maniobras de esquiva, como el mítico tonel (do a barrel roll!). Pero también hay fases concretas en las que pilotamos otros vehículos, como el tanque Landmaster o el submarino Blue Marine.

Las fases son uno de los puntos fuertes de Star Fox, pues dependiendo de nuestras acciones en combate, podemos tomar rutas alternativas en el mapa estelar que nos llevan a visitar otras localizaciones completamente distintas. E incluso dentro de una misma fase, a veces también se presenta la opción de tomar caminos diferentes, cada uno con sus pros y sus contras. Ahora bien, los niveles son exactamente los mismos que había en el juego original; ni uno más, ni uno menos.

La gran novedad de la campaña es que cuenta con numerosas secuencias de vídeo, tanto antes como durante como después de las misiones. De esta manera, se amplía enormemente la historia respecto al juego original, permitiéndonos conocer mejor a los personajes y sus motivaciones y dejándonos algunas escenas bastante espectaculares.

Por poner un ejemplo, este remake empieza con una secuencia de vídeo en la que vemos cómo Pigma traiciona a James McCloud, padre de Fox, un suceso clave que tiene lugar antes de los acontecimientos de la historia principal y que en el juego original era un simple diálogo.

Además, al superar misiones vamos desbloqueando entradas en el holovisor, que nos ofrecen descripciones detalladas sobre personajes, lugares, enemigos, etc. y permiten profundizar aún más en el trasfondo de la saga Star Fox.

Este remake de Star Fox también incluye el modo desafío, que se introdujo en Star Fox 3D, pero con importantes cambios. En lugar de tener que conseguir puntuaciones para obtener medallas, aquí cada fase nos propone una serie de retos (doce en total por cada fase; seis para el modo normal y seis para el modo experto), como destruir enemigos específicos o completar la misión dentro de un límite de tiempo. Son desafíos que nos permiten exprimir al máximo cada nivel, mostrándonos cosas que quizás desconocíamos, y están claramente pensados para los jugadores que se saben el juego al dedillo.

En cuanto a la jugabilidad, el remake de Star Fox mantiene intacto e incluso expande el estilo arcade del original: a lo largo de los niveles podemos recoger power-ups para mejorar la barra de escudo o aumentar la potencia de los disparos, y al final de cada nivel podemos ver un desglose detallado con nuestro desempeño. Porque en este remake, además de la puntuación, podemos ver estadísticas como el porcentaje de aciertos.

El control, como en el juego original, es una absoluta maravilla e incluso ha mejorado. Controlar el Arwing es realmente sencillo y apenas requiere unos pocos botones, pero hacerlo bien ya es otro cantar, especialmente si aspiramos a obtener las medallas en todos los niveles. Lo único que ha cambiado es la forma en que se realizan ciertos movimientos, como el rizo o el cambio de sentido, pues ahora basta con pulsar un botón (aunque, si lo preferís, se puede activar el esquema original).

Y dado que se trata de una de las funciones estrella de Nintendo Switch 2, el remake de Star Fox también incluye control mediante el modo ratón, aunque es un tanto particular: si lo tenemos activado y colocamos el Joy-Con derecho sobre una superficie plana, el juego cambia automáticamente a la vista desde la cabina, donde podemos usar la mirilla para apuntar con gran precisión.

El modo ratón también forma parte de una de las novedades de este remake: el cooperativo. Dos jugadores pueden colaborar, ya sea a través de una misma consola o mediante el Game Share, para controlar el Arwing. El piloto usa el Joy-Con izquierdo de forma tradicional para maniobrar la nave, mientras que el artillero usa el Joy-Con derecho en modo ratón para apuntar y disparar.

El modo multijugador versus también está de vuelta pero, como sucedía con el modo desafío, hay bastantes cambios: dos equipos formados por cuatro jugadores se enfrentan en una de las tres misiones disponibles. Cada misión tiene objetivos distintos, como capturar zonas o recuperar cargamento, y son todas francamente entretenidas, pues incluyen power-ups que no aparecen en la campaña, como un poderosísimo rayo. Se puede jugar contra otros jugadores en línea, pero lo bueno de este modo es que también admite GameShare (con hasta tres amigos que se encuentren cerca) o incluso en solitario contra la CPU.

Como extra adicional, el remake de Star Fox también incluye avatares que podemos desbloquear para usar en GameChat, permitiéndonos adoptar la apariencia de los héroes y villanos del juego o usar accesorios inspirados en Star Fox, como las orejas de Fox o el pico de Falco.

La gran renovación de este remake la encontramos en el apartado audiovisual, que ha sido hecho de cero y aprovecha el hardware de Nintendo Switch 2 para poner en pantalla unos efectos visuales muy espectaculares, especialmente en lo que se refiere a los escenarios. El diseño de los personajes puede chocar al principio, pero te acostumbras rápido y está en sintonía con el diseño "marionetil" del juego para Super Nintendo.

Los temas de la banda sonora también han sido recreados y reorquestados, y suenan todos de fábula, en particular la melodía principal y el tema de los combates contra jefe. Dado que este remake refuerza la faceta narrativa, los diálogos también cuentan todos con voces en castellano, donde hay que destacar a Mario García (voz habitual de Spider-Man en español) como voz de Fox McCloud.

¿Es difícil Star Fox?

Como la versión de 3DS, el remake de Star Fox incluye tres niveles de dificultad: fácil, normal y experto. En el primero se añaden varias facilidades, como que los camaradas caídos no se pierden entre misiones o los enemigos infligen poco daño, pero no se obtienen récords ni medallas.

El modo normal ofrece una experiencia de juego equilibrada, pero sí conocéis bien el título de Nintendo 64 o el de 3DS, no vais a tener problemas para superar la mayoría de rutas. Porque, como en el juego original, dependiendo de la ruta que sigamos, la dificultad cambia drásticamente. Y si con eso no tenéis suficiente, al conseguir todas las medallas en la campaña se desbloquea el modo experto.

En este modo, los enemigos son más agresivos, hacen más daño y su disposición es diferente, a menudo apareciendo en mayor número para complicar más las cosas. Además, tanto nuestro Airwing como el de los acompañantes sufre más daño, por lo que todas las misiones ofrecen un auténtico desafío sólo apto para los pilotos más hábiles.

¿Cuántas horas dura la historia de Star Fox?

Llegamos al que sin duda va a ser el aspecto más discutido de Star Fox para Nintendo Switch 2: su duración. Dado que no se han añadido nuevos niveles a la campaña, una partida completa puede llevarnos aproximadamente una hora, incluso menos si somos hábiles a los mandos.

Pero sería muy injusto valorar Star Fox en base a la duración de una única partida, pues es un juego diseñado para ser rejugado múltiples veces a través de sus diferentes rutas. Para que os hagáis una idea, una partida se compone de siete niveles... pero hay quince en total, lo que equivale a 25 rutas diferentes.

Es más, es muy probable que la primera vez que juguéis ni siquiera saquéis el final verdadero (de hecho, el juego ahora incluye una escena de vídeo para dejarnos claro que la historia puede tener otro final).

Teniendo eso en cuenta y, si además os proponéis conseguir todas las medallas, la duración de Star Fox se va sin problemas a las 10 o 12 horas.

Este remake coge esa misma idea y la lleva a un nuevo nivel gracias al modo desafío, un modo pensado específicamente para rejugar las fases una y otra vez tratando de completar todos los retos. Es un modo particularmente complicado (especialmente en modo experto), por lo que aquí tenéis otras 10 horas (o más) de juego.

Y tampoco nos podemos olvidar del multijugador cooperativo y competitivo, que siempre suma horas extra. En el caso del competitivo, habría estado bien tener más opciones, pues sólo tres modos de juego y todos ellos en mapas fijos, sabe a poco. Pero es un rato entretenido.

Vamos, que no se puede decir que Star Fox sea un juego corto ni mucho menos, pero es un título pensado para jugadores dispuestos a exprimirlo al máximo.

Precio y plataformas

El remake de Star Fox para Nintendo Switch 2 se lanza el 25 de junio de 2026 a un precio recomendado de 49,99€, tanto en formato físico como digital.

En el caso de la edición física y, al tratarse de un juego propio de Nintendo, Star Fox viene completo en el cartucho (en otras palabras: no es una de las temidas Game-Key Cards).

Zorro viejo, nave nueva

Esto es bastante sencillo: si te gustó Star Fox 64 o Star Fox 3D, es complicado que no te guste este nuevo Star Fox para Nintendo Switch 2.

Y es complicado porque, a nivel jugable, sigue siendo el mismo juego. Es decir, por definición se trata de un remake: el apartado audiovisual se ha rehecho -se ve de lujo- y las nuevas escenas de vídeo hacen que la historia sea más emocionante y los personajes tengan más profundidad.

Pero a la hora de ponernos a los mandos y jugar la campaña, no hay apenas novedades que lo diferencien de sus predecesores. De nuevo: sí, escenas de vídeo, pero no olvidemos que Star Fox está diseñado para ser rejugado, de manera que por muy chulas que sean, vais a terminar saltando las escenas en futuras partidas.

Esta era una oportunidad perfecta para añadir algún nivel nuevo o incluso algún cambio jugable interesante, pero Nintendo ha optado por ir a lo seguro con el regreso del zorro. Sabiendo cómo es la Gran N, no me extrañaría que esto sea fruto de no querer mancillar uno de sus juegos más legendarios, preservando la experiencia para que las nuevas generaciones puedan disfrutarlo tal y como era, bajo una nueva capa de pintura. Aunque ahora es inevitable preguntarse si el remake de Ocarina seguirá esta misma línea...

Lo que sí está claro es que era un juegazo en Nintendo 64 y 3DS y, gracias a esa jugabilidad atemporal, este remake de Star Fox para Nintendo Switch 2 también lo es.

El juego se pondrá a la venta en dos ediciones diferentes, Standard y Ultimate. Esta última incluye toda clase de contenidos adicionales: desde ropa y tatuajes para personalizar por completo el aspecto de Jason y Lucía, los dos protagonistas de GTA 6, hasta vehículos y armas para hacernos la vida más fácil (y divertida) en Vice City.

Además, también conocemos cuáles serán los extras por reservar GTA VI, cuándo empieza la precarga e incluso detalles sobre la edición física... que no suenan especialmente bien. Vamos a verlo todo.

GTA VI: precio oficial de lanzamiento, todas las ediciones, extras por reserva, detalles sobre el formato físico y fecha de precarga

Esta nueva oleada de información sobre GTA VI, horas antes de que se abran las reservas del juego más esperado de 2026, ha estado centrada principalmente en los contenidos de la dos ediciones.

La página oficial del juego de Rockstar nos permite conocer todos los detalles sobre la Ultimate Edition, que será la edición más cara del juego.

Así que vamos con la pregunta del millón: ¿cuánto cuesta GTA VI? Por fin tenemos la respuesta. En el caso de la Standard Edition, GTA VI costará 79,99€. Mientras que la Ultimate Edition de GTA VI asciende a 99,99€. Se confirma así, finalmente, que el juego "base" no costará 100€, como se venía rumoreando, aunque supone un aumento de 10€ respecto al precio de lanzamiento de GTA V.

En la nota de prensa facilitada a medios como Hobby Consolas, Rockstar también ofrece más detalles sobre el juego.

Todas las personas que reserven GTA 6 antes del 20 de noviembre, obtendrán acceso al pack Vintage Vice City, una serie de contenidos para personalizar el aspecto de los protagonistas con un estilo ochentero que inevitablemente nos recuerda a nuestro querido GTA Vice City.

Si reserváis en edición digital, os conviene saber que la precarga de GTA VI empieza el 12 de noviembre, permitiendo tener el juego listo para jugar el día del lanzamiento.

Ahora bien, sobre la edición en disco, Rockstar dice textualmente: "La versión física de Grand Theft Auto VI incluirá un código de descarga dentro de la caja". Con esto, queda claro que GTA 6 no incluirá el juego en disco tradicional.

Es muy probable que tengamos nuevos detalles a lo largo del día, puede que incluso el tercer tráiler de GTA VI. Lo que parece seguro y definitivo es que no habrá más retrasos: GTA VI se pondrá la venta el 19 de noviembre para PS5 y Xbox Series X|S.

Veníamos de Batman: Arkham Asylum, título con el que sorprendieron a propios y extraños por su enorme calidad, hasta el punto de ser considerado como el mejor juego de superhéroes de la historia. Sólo superado, quizás, por su secuela: Batman: Arkham City, con el que se consolidaron como uno de los estudios más potentes del momento.

Aun no estando desarrollado por Rocksteady, no podemos olvidarnos de Batman: Arkham Origins, precuela realizada por Warner Bros. Montreal (quienes más tarde se encargarían de Gotham Knights) que narraba los inicios de esta versión virtual del cruzado enmascarado y muchos fans recuerdan con gran cariño.

En otras palabras: el listón estaba MUY alto. Y aunque no podemos decir que Batman: Arkham Knight tuviese mala recepción (ostenta una nota media de 87 en Metacritic, que no es moco depavo, y en esta santa casa lo valoramos muy positivamente; podéis comprobarlo en nuestro análisis de Batman Arlham Knight), su lanzamiento fue bastante accidentado.

El protagonismo que se le dio al Batmóvil, el icónico vehículo del personaje que hacía su debut en esta entrega, no terminó de convencer a los jugadores. A eso hay que sumarle la versión de PC, desarrollada por Iron Galaxy, cuyo lanzamiento fue, hablando mal y pronto, un completo desastre.

Esto provocó que los años posteriores al lanzamiento, la percepción general de Batman: Arkham Knight no fuese la ideal. Sin embargo y, como se suele decir, el tiempo pone a cada uno en su lugar.

Batman: Arkham Knight, un prodigio técnico que sigue sorprendiendo 11 años después de su lanzamiento

Con el paso del tiempo y, a medida que más gente ha ido descubriendo Batman: Arkham Knight, la percepción ha ido cambiando. Se trata de un titulo que mantiene el mismo nivel de calidad que los demás juegos de la trilogía en todos los aspectos: jugabilidad, narrativa, banda sonora, misiones secundarias, diseño de Gotham, villanos...

Se pueden entender las críticas hacia el Batmóvil, pero eso no lo convierte en un mal juego ni mucho menos. Y, por supuesto, se trata de una conclusión a la altura para el Batman (y el Joker) de Rocksteady.

Pero, curiosamente, uno de los aspectos por los que es más recordado (y por el que es habitual toparse con imágenes de Batman Arkham Knight en Redes Sociales) es su apartado visual.

La iluminación de Gotham, con esas luces de neón que le dan cierto toque cyberpunk, la densidad de la lluvia, la demencial recreación del agua... Con los juegos previos, en Rocksteady habían demostrado ser auténticos maestros de la atención al detalle, pero con Batman Arkham Knight se superaron a sí mismos.

Se han hecho (y se siguen haciendo) muchos vídeos comparando los gráficos de títulos recientes con los de Batman Arkham Knight y todo el mundo coincide: el juego del Caballero Oscuro sigue siendo un auténtico prodigio técnico.

Pero, ¿cómo lo logró Rocksteady? ¿Cómo consiguieron que un juego que hoy cumple 11 años se siga viendo mejor que muchos títulos actuales, aun no contado con versión mejorada para PS5 y Xbox Series X|S? La respuesta es sencilla: en lugar de adoptar un nuevo motor gráfico o pasarse a la siguiente versión, siguieron trabajando con el que ya dominaban.

Porque, como Batman: Arkham Asylum y Batman: Arkham City, Batman: Arkham Knight usa el motor gráfico Unreal Engine 3. Concretamente, una versión modificada por Rocksteady para beneficiarse de las specs mejoradas de PS4 y Xbox One... pero UE3 al fin y al cabo.

Es más, Arkham Knight es probablemente el juego que más se acerca a lo que prometía el motor cuando fue anuncido. ¿Recordáis la famosa demo de Samaritan, presentada en 2011?

Hay una lección muy importante aquí de la que muchos estudios podrían tomar nota, especialmente viendo los quebraderos de cabeza que Unreal Engine 5 ha dado esta generación: a veces, en lugar de apostar por una nueva tecnología que se desconoce, es mejor ceñirse a lo que ya se domina para obtener mejores resultados.

Y fuera de los motores gráficos, esto se puede aplicar también a la forma de trabajar de los estudios, pues una práctica muy común dentro de la industria son los puestos temporales: personas contratadas para roles específicos que, una vez concluido el desarrollo, se ven obligadas a abandonar el estudio.

De ahí que, en muchos casos, el equipo que se encarga del desarrollo pueda ser muy diferente de una entrega a otra, aun tratándose de la misma saga... y con todos los problemas que esto conlleva.

Justo hace unos días, Naoki Hamaguchi, director de Final Fantasy VII Revelation, destacaba durante nuestra entrevista que haber mantenido el mismo equipo ha sido uno de los principales motivos por los que han logrado lanzar una de las trilogía mejor valoradas de los últimos años con tan poco tiempo de diferencia entre juego y juego.

Volviendo de nuevo al hombre murciélago, Batman: Arkham Knight es la prueba definitiva de todo esto. Un juego hecho con pasión por un equipo que llevaba desde 2009 perfeccionando sus habilidades. Pues no sólo mantuvieron el motor gráfico; director, productores, programadores, artistas, compositores... Muchos miembros del equipo estuvieron presentes durante toda la trilogía.

Sólo así se culmina una obra que aun hoy, 11 años después de su lanzamiento, sigue dejándonos con la boca abierta.

En lugar de volver a apostar por los turnos, Team Asano nos propone un juego de acción en tiempo real con componentes RPG y su característico estilo visual HD-2D, inspirado en sagas como The Legend of Zelda o Secret of Mana.

Y no cabe duda de que este equipo tiene duende (o hada, más bien) pues el resultado, aun con algunos peros, es una pequeña joyita que encandilará a los amantes de este tipo de aventuras con sabor a clásico.

• El gameplay de The Adventures of Elliot: The Millenium Tales
• Nivel de dificultad de The Adventures of Elliot: The Millenium Tales
• ¿Cuántas horas de juego dura The Adventures of Elliot: The Millenium Tales?
• Cuánto cuesta The Adventures of Elliot: The Millenium Tales y dónde puedes jugarlo
• La opinión de Hobby Consolas de The Adventures of Elliot: The Millenium Tales
• Nota: lo mejor y lo peor de The Adventures of Elliot: The Millenium Tales

Jugabilidad y gameplay de The Adventures of Elliot: The Millenium Tales en PS5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch 2 y PC

La historia nos pone en el papel de Elliot, un afamado aventurero que se embarca en un viaje para salvar el reino de Huther. Pero lo que parecía otra aventura más, se acaba transformando en un periplo que abarca más de mil años. Por suerte, Elliot traba amistad con Faie, una simpática hada que hace las veces de guía y apoyo mágico.

Un aventurero, un reino en peligro y un hada como compañera de viaje. Es inevitable acordarse de The Legend of Zelda, algo que sucede también cuando nos ponemos a los mandos: la perspectiva aérea y los combates en tiempo real nos recuerdan a las entregas clásicas de la saga de Nintendo.

Y no es lo único, pues también tenemos que recolectar cuatro fragmentos para aumentar la salud. Incluso se puede apreciar cierta influencia de las entregas más recientes, pues hay una serie de santuarios repartidos por todo el mundo que nos recompensan con dichos fragmentos tras superar la prueba que aguarda en su interior.

Pero, como veremos a continuación, Elliot también tiene muchas ideas de cosecha propia y otras que beben de algunas sagas JRPG "de la casa".

El combate es uno de los grandes protagonistas de The Adventures of Elliot. Tenemos en total siete armas, de las cuales podemos llevar dos equipadas en todo momento, pero podemos cambiar entre todas al vuelo a través de un ágil menú. El juego plantea situaciones en las que cada arma tiene su utilidad, por lo que solemos alternar entre todas a menudo.

Por supuesto, no falta un escudo para defendernos de los ataques, aunque cuenta con un medidor de resistencia que se vacía rápidamente con cada bloqueo, dejándonos vendidos si abusamos de él. Por suerte, también podemos conseguir un útil movimiento de desvío que facilita mucho las cosas.

Los elementos RPG están muy ligados al combate, pues pese a que aquí no hay experiencia ni niveles, en Elliot tenemos las magicitas. Se trata de cristales que podemos equipar de forma independiente en cada arma (dentro de un límite) y añaden toda clase de ventajas; algunas son cosas sencillas, como mayor daño crítico o reducción del tiempo de carga, pero también hay cosas muy interesantes, como añadir daño de hielo o generar fuegos artificiales. Esto nos permite crear builds o incluso sinergías entre distintos tipos de armas. Nos ha sorprendido gratamente este sistema, pues es muy versátil y es entretenido trastear con las diferentes opciones...

Pero creemos que al combate de The Adventures of Elliot le falta algo a nivel mecánico. El principal problema es que todas las armas cuentan con una única animación de ataque y ataque cargado. Y esto, a la larga, provoca que la acción se vuelva un tanto monótona e incluso algo "machacabotónica". La buena variedad de armas y los efectos de las magicitas ayudan a paliarlo, pero habría estado bien tener más animaciones o incluso desbloquear nuevos movimientos.

Faie también nos ayuda en combate atacando a los enemigos y, más importante aún, con sus poderes mágicos. Estas habilidades, que vamos aprendiendo a lo largo del juego, son útiles también a la hora de desplazarnos y resolver puzles. Y, si las aprovechamos bien, pueden dar mucho juego, especialmente a la hora de esquivar los ataques enemigos.

Pero, curiosamente, los poderes de Faie no son obligatorios para progresar en la aventura. Este es uno de los aspectos más curiosos de The Adventures of Elliot: el juego nos da una sorprendente libertad para movernos por su mundo prácticamente desde el principio. Y aunque a veces nos vamos a topar con "bloqueos argumentales", es posible colarse antes de tiempo en mazmorras principales o incluso encontrar las armas de nivel más alto.

Y no sólo nos da mucha libertad, también sabe incentivar la exploración: a poco que exploremos una zona, el mapa del overworld nos señala lugares de interés, como mazmorras opcionales o cofres, de manera que siempre queremos salirnos del camino principal para conseguir algo nuevo o entrar en esa cueva que acaba de aparecer en el mapa para ver qué encontramos en su interior.

Y no olvidemos lo más importante: The Adventures of Elliot tiene lugar a través de cuatro eras, lo que se traduce en cuatro mapas diferentes para explorar. Es inevitable acordarse de Chrono Trigger a raíz de esta mecánica, pues viajar entre las distintas épocas es tan sencillo como abrir el mapa, buscar un punto de viaje rápido en la era que nos interesa y presionar un botón.

Es una idea muy molona, especialmente a nivel narrativo, pues cada era cuenta con sus propias tramas y personajes. Y aunque no es su objetivo principal, ciertas acciones que llevamos a cabo, como completar misiones secundarias, pueden tener repercusiones en las eras futuras.

Sin embargo, en lo referente a los viajes en el tiempo, Elliot tiene bastante margen de mejora. El principal problema es que las diferencias entre los mapas de las distintas eras no son demasiado pronunciadas, así que en lugar de tener la sensación de visitar cuatro civilizaciones distintas, tenemos la impresión de explorar cuatro mapas con pequeñas variaciones.

Esto afecta también a las mazmorras, de las cuales hay muchísimas repartidas por las cuatro eras, pero su diseño se repite habitualmente. Incluso aunque la estructura de una mazmorra cambie, hay muchos patrones que se repiten... Y en algunos casos incluso llegamos a ver la misma mazmorra, sin ningún cambio, en varias eras.

El diseño de niveles de las mazmorras tampoco es demasiado destacable, ni siquiera en el caso de las principales. Haciendo la inevitable comparación con los Zelda, aquí no hay ninguna mazmorra que resulte memorable o que vayamos a recordar por sus puzles y combates.

Lo que sí nos ha sorprendido de The Adventures of Elliot son las misiones secundarias. Su número es relativamente reducido, pero esto se debe a que su calidad es muy superior a lo que estamos acostumbrados: en lugar de contar historias insulsas o para rellenar, todas aportan algo a nivel argumental y nos permiten conocer mejor a los personajes secundarios, ampliando sus historias. Además, la recompensa por completarlas suelen ser accesorios, un tipo de objeto realmente útil, así que vais a querer hacerlas todas.

En cuanto al apartado visual, The Adventures of Elliot: The Millenium Tales hace uso de la técnica conocida como HD-2D que popularizó el propio Team Asano, y que consiste en combinar personajes pixelados con escenarios 3D, dándole a la imagen un aspecto retro pero con un estilo moderno. Y no hay fallo: es una maravilla visual.

Nos ha llamado la atención que en Elliot parece haber menos elementos realizados con pixel-art (por lo general sólo personajes y enemigos), mientras que los escenarios tienen un efecto "a lo PS1", con texturas a baja resolución que imitan los gráficos de aquella época. Y la verdad es que el resultado es muy bueno. Desde luego, nosotros lo preferimos frente al 3D más plano y sin filtros que usaban los escenarios de los remakes de los tres primeros Dragon Quest.

Se nota que Team Asano son los pioneros de este estilo, pues Elliot también tiene algunos detalles muy chulos, cómo la manera en que juega con la cámara haciendo zooms, inclinándola o rotándola para darle dinamismo a la acción. O el efecto cilíndrico de los escenarios, que genera la sensación de estar recorriendo un mundo esférico en todo momento.

Por su parte, la banda sonora también es un trabajo de gran nivel, compuesta por melodías de corte fantástico y tono épico que tocan múltiples estilos para ajustarse a las diferentes épocas temporales. No tiene un estilo tan cañero como los Octopath, pero es una banda sonora que captura a la perfección la magia de las grandes aventuras.

¿Es difícil The Adventures of Elliot: The Millenium Tales?

The Adventures of Elliot: The Millenium Tales cuenta con cuatro niveles de dificultad: fácil, normal, difícil y extrema. Y dado que en las demos el nivel normal nos pareció demasiado facilón, hemos estado jugando en todo momento en difícil y nos ha parecido una gran experiencia.

En esta dificultad, tanto los enemigos normales como los jefes ofrecen un buen nivel de desafío, obligándonos a jugar bien y a tirar de pociones curativas continuamente para sobrevivir. Es más, este es un aspecto en el que Elliot supera a los Zelda: los enfrentamientos contra los jefes tienen mecánicas propias y a menudo requieren acciones concretas, pero no resultan tan obvios e incluso sabiendo lo que hay que hacer, siguen siendo todo un desafío. Nos han gustado mucho.

Como sucede con los escenarios, Elliot también tiende a reciclar jefes, repitiendo enemigos finales en mazmorras opcionales. La diferencia es que es un reciclaje bien hecho, pues incluso cuando el enemigo es el mismo, los patrones de ataque cambian drásticamente, incorporando mecánicas nuevas que hacen que el combate sea muy distinto.

Morir en The Adventures of Elliot también tiene su miga, pues al caer podemos pagar a Faie para que nos reviva en el acto. Ahora bien, cuanto más morimos en un mismo combate, mayor es el precio por resucitar. Puede parecer una mecánica rota, pero nada más lejos de la realidad; la economía del mundo de Elliot está muy bien medida y siempre hay cosas interesantes en las que invertir tules, así que cada vez que nos vemos obligados a resucitar o perdemos el bonus de las cadenas de enemigos derrotados, duele el bolsillo que da gusto.

Todo esto, insistimos, en el nivel de dificultad difícil. Si tenéis experiencia en esta clase de juegos y queréis sacar partido de todas las mecánicas de Elliot, os recomendamos encarecidamente esta dificultad (o "extrema", si os gusta sufrir de verdad).

¿Cuántas horas dura la historia de The Adventures of Elliot: The Millenium Tales?

Completar la historia de The Adventures of Elliot puede llevarnos entre 20 y 30 horas de juego. Ahora bien, si os gusta explorar, hacéis misiones secundarias, buscáis a los 50 gatos y os enfrentáis a algunos de los retos más complicados que esconde la aventura, su duración puede aumentar hasta las 50 horas.

Además, no podemos olvidarnos de que también incluye un pequeño componente multijugador: un segundo jugador puede tomar el control de Faie para sacar partido de sus poderes mágicos, echando así un cable a Elliot. Hay un poder en particular que parece especialmente pensado para esto.

No es el modo cooperativo más trabajado del mundo, pero es una opción que se agradece, pues convierte un juego single player en una experiencia que pueden disfrutar dos personas.

Precio y plataformas disponibles

The Adventures of Elliot: The Millenium Tales se lanza el 18 de junio de 2026 para PS5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch 2 y PC a un precio de 69,99€.

Está disponible tanto en formato digital como formato físico, pero tened en cuenta que la versión de Switch 2 es una Game-Key Card.

Un Elliot al Pasado

Si alguien tuvo dudas de Team Asano al cambiar los turnos por la acción en tiempo real, con The Adventures of Elliot han quedado totalmente despejadas. Con este nuevo trabajo han demostrado que son un estudio todoterreno capaces de todo lo que les echen.

Y tras Bravely Default, Octopath Traveler, Triangle Strategy, Live a Live y los remakes de Dragon Quest, The Adventures of Elliot es la enésima prueba de que en este equipo hay auténticos expertos a la hora de construir experiencias RPG que evocan las sensaciones de los clásicos de la edad de oro del género.

Y no lo decimos por la faceta audiovisual (aunque, evidentemente, también), sino por sus mecánicas jugables, historia y personajes. The Adventures of Elliot tiene mucho de los Zelda clásicos, sí, pero también una buena ración de Chrono Trigger y, por encima de todo, el toque "mágico" de este estudio de Square Enix.

The Adventures of Elliot tiene cosas a mejorar, desde luego, pero deja tan buen sabor de boca que, al final, pesan mucho más los aspectos positivos que los negativos. Y cuando apenas hemos terminado de saborear Elliot, ya tenemos en el horizonte el próximo trabajo de Team Asano, Final Fantasy Resonance, que promete convertirse en otro clásico de los JRPG. La verdad es que los fans del género estamos viviendo un momento glorioso.

Así, ya os hemos contado algunas de las cosas que nos ha contado, como por qué Revelation ha sido la palabra elegida para la tercera parte, o que no habrá crianza de chocobos. Pero la entrevista con el director de Final Fantasy VII Revelation dio para mucho más...

Aquí os vamos a contar otras cuantas cosas, como las razones por las que Sefirot ha cambiado de actor de doblaje, si el Revelation tendrá demo y por qué han tardado menos tiempo en esta tercera parte.

HC: Se ha confirmado que hay un nuevo actor de doblaje para Sephiroth en la versión inglesa. Creo que se llama Travis Willingham, así que, sí, tengo curiosidad por saber qué ha pasado o por qué se decidió cambiar de actor de doblaje.

Naoki Hamaguchi: Cuando los fans se enamoran de un personaje, creo que los actores de doblaje, los miembros del reparto y sus interpretaciones tienen una conexión muy estrecha con él. Creo que sí, creo que desempeñan un papel muy importante en eso.

Así que, como creador, como director de la serie del remake de Final Fantasy VII, tenía el deseo de seguir trabajando con los mismos actores de doblaje a lo largo de toda la serie, pero ya sabes que pueden pasar muchas cosas con los actores de doblaje, y aunque no es habitual, no es raro que veamos a los miembros del reparto pasando por muchas situaciones diferentes y trabajando en proyectos distintos.

En el caso de Sephiroth, esta vez hubo un problema, sucedieron muchas cosas que nos impidieron contar de nuevo con el mismo actor de doblaje, pero con la nueva interpretación de Travis William, creo que hizo un trabajo increíble como Sephiroth, y creo que los fans se volverán a enamorar del nuevo Sephiroth.

HC: Sed sinceros conmigo: ¿qué tipo de magia negra estáis haciendo para tener el juego listo para todas las plataformas tan solo tres años después de Rebirth? Porque eso es una locura.

Bueno, ante todo, técnicamente, Revelation aún no ha salido a la venta. Seguimos haciendo todo lo posible por mantener esa fecha de "primavera de 2027" y para que no haya retrasos, así que seguimos trabajando muy duro en el desarrollo para asegurarnos de que vamos a cumplir esa fecha.

Pero en cuanto a por qué hemos sido capaces de hacer esto, o por qué somos capaces de tener al menos ese objetivo, creo que se debe simplemente a nuestro equipo de desarrollo, que tiene un talento increíble y que ha sido capaz de hacer esto realidad. Así que, de verdad, me quito el sombrero ante ellos por ello. Y siento un gran respeto por los miembros de mi equipo por eso.

Un factor importante que me gustaría mencionar, sin embargo, es el hecho de que pudimos retener a la mayoría de los miembros del equipo principal durante todo el desarrollo de los tres títulos, es decir, desde Remake, pasando por Rebirth y llegando a Revelation; ya sabes, incluyéndome a mí mismo, el equipo de desarrollo principal pudo participar en la creación de estos tres títulos.

Ese fue, de nuevo, un factor que contribuyó enormemente a que esta línea temporal fuera posible, y, hablando específicamente del periodo de tres años que duró el desarrollo de Revelation, uno de los aspectos innegociables para que pudiéramos lograrlo fue, de nuevo, retener a los miembros del equipo de desarrollo principal entre Rebirth y Revelation, y poder llevar a cabo una transición fluida que nos permitiera comenzar el desarrollo de Revelation inmediatamente después de Rebirth.

Hablando específicamente de Revelation, empecé a tener —o, perdón, se me ocurrieron— ideas concretas sobre la dirección que quería darle a la tercera parte aproximadamente un año antes del lanzamiento de Rebirth, así que, en cuanto a la cronología, así fue como sucedió.

Aproximadamente un año después de eso, ya se podía jugar a una versión preliminar de la compilación de Final Fantasy VII Revelation, así que creo que factores como ese realmente influyeron y nos permitieron lanzar este título AAA en solo tres años, así que, de nuevo, solo quiero dar las gracias a mi equipo por ello.

HC: tanto Final Fantasy VII Remake como FFVII Rebirth han tenido una demo antes del lanzamiento, así que, ¿podemos esperar también una demo para Revelation?

En cuanto a una demo para el público, eso aún está totalmente por decidir; de hecho, la planificación está a punto de comenzar ahora mismo. Así que, de nuevo, nosotros... sí, la verdad es que no podemos... no tenemos una respuesta concreta al respecto.

Sin embargo, sí que queremos ofrecer demos jugables y eventos, así que... Pero, bueno, eso está en gran parte por decidir a día de hoy, pero si surge la oportunidad, nos gustaría ofrecer demos jugables en quioscos y eventos de videojuegos más adelante.

Y con esto, hemos llegado al final de nuestra entrevista con Naoki Hamaguchi, en la que también nos ha respondido a una de las grandes dudas sobre las que han debatido los fans de FFVII.

Y precisamente, desde que se lanzó Final Fantasy VII Remake, ha habido mucho debate sobre su intención. Lo lógico es pensar que se trata de una recreación del juego original (un remake, vaya), pero la gran cantidad de cambios argumentales que incluye cada título ha llevado a muchos fans a pensar que, en realidad, la trilogía Remake actúa como secuela del Final Fantasy VII original.

Y dado que tuvimos la oportunidad de charlar con Naoki Hamaguchi, co-director de la trilogía, y que Final Fantasy VII Revelation aspira a responder todas las dudas, aprovechamos la ocasión para preguntarle al respecto. Esto fue lo que nos contó.

¿Es la trilogía Final Fantasy VII Remake una secuela del juego original? El director de Revelation responde

Hobby Consolas: desde el lanzamiento de Final Fantasy VII Remake, ha habido muchos debates sobre si la trilogía es en realidad una secuela del Final Fantasy 7 original. No vamos a preguntarte si es así (salvo que quieras contárnoslo, claro), pero nos gustaría saber si Revelation pondrá fin al debate.

Naoki Hamaguchi: en primer lugar, en cuanto a tu pregunta sobre si la saga Remake es una secuela del Final Fantasy VII original o no, obviamente creo que es mejor no responder ni confirmar ni desmentir nada por ahora, ya que lanzaremos Revelation, el capítulo final, el próximo año.

Lo que sí puedo decir es que el concepto general, la idea tras la saga Final Fantasy VII Remake, es crear un nuevo mundo, una nueva narrativa de Final Fantasy VII que incluya todos los elementos mostrados previamente en los spin-off de FFVII.

En ese sentido, si la saga Final Fantasy VII Remake tiene conexiones o vínculos con la historia original de FFVII... es una pregunta difícil. Porque la respuesta es sí y no, ambas respuestas son posibles.

Personalmente, como director de la saga Remake, mi enfoque no está tanto en cómo Revelation conecta con los otros títulos y con el original, sino más bien en cómo podemos ofrecer una conclusión satisfactoria para la saga. Especialmente considerando que el año que viene se celebra el 30 aniversario.

Así que lo único que puedo decir por ahora es que espero que los fans tengan ganas de descubrir la gran revelación que hay al final de la historia y las respuestas que les vamos a brindar.

Pues ya lo veis, parece que Final Fantasy VII Revelation hará honor a su nombre y revelará la respuesta a todas nuestra preguntas cuando llegue a PS5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch 2 y PC en 2027.

Mientras tanto, os recordamos que podéis leer el resto de preguntas que le hicimos a Naoki Hamaguchi durante la entrevista, como el significado tras la palabra Revelation o los motivos por los que no habrá crianza de chocobos.

Además del tráiler de presentación, pudimos ver algunas de las novedades jugables que incluirá este último capítulo, como el desplazamiento a bordo del barco volador o la acción controlando a los dos nuevos personajes: Vincent Valentine y Cid Highwind.

Y dado que tuvimos la oportunidad de hablar con su director, Naoki Hamaguchi, no quisimos desaprovechar la oportunidad para preguntarle por una de característica del juego original que no ha estado presente ni en Final Fantasy VII Remake ni en Final Fantasy VII Rebirth: la crianza de chocobos.

Esto fue lo que nos contó.

El director de Final Fantasy VII Revelation confirma que no habrá crianza de chocobos y nos desvela una novedad en exclusiva

Hobby Consolas: un elemento que no ha estado ni en Remake ni en Rebirth ha sido la crianza de chocobos, ¿lo veremos en FFVII Revelation? Y si la respuesta es sí, ¿será tan complicado conseguir al chocobo dorado como en el original?

Naoki Hamaguchi: respondiendo a tu pregunta, no habrá crianza de chocobos en Revelation. En su lugar, va a adoptar un formato un poco diferente. En Final Fantasy VII Revelation los jugadores tendrán acceso a un único chocobo, su nombre es Piko, y va a ser la pieza central de todo lo relacionado con los chocobos.

Funcionará de la siguiente manera: los jugadores tendrán acceso a Piko durante todo el juego y, a medida que progresen, el chocobo subirá de nivel y desbloqueará más habilidades. Así que en lugar de tener la misma característica de crianza del juego original, decidimos tomar un enfoque diferente. No es que no pudiéramos añadir la crianza, es solo que, de nuevo, por reiterar, decidimos tomar un enfoque diferente con los chocobos.

Así que, de nuevo, a medida que avanzas en el juego principal tu chocobo Piko desbloquea más y más habilidades, y eventualmente podrás cruzar el océano, saltar sobre las montañas e incluso volar por el cielo, así que la idea es concentrar todas las diferentes habilidades de los chocobos en un único chocobo.

Y esto que voy a decir no lo he compartido con ningún otro medio, así que será la primera vez que lo desvelo: la opción de cambiar apariencia también se aplicará al chocobo, a Piko. Creo que en Rebirth tu chocobo solo era amarillo, pero en Revelation tendrás una variedad de opciones de color y apariencia diferentes para Piko. Así que espero que los fans lo esperen con ganas.

Así que ya lo veis, no tendremos crianza de chocobos en Final Fantasy VII Revelation, pero en su lugar podremos "entrenar" y personalizar la apariencia de Piko, al que seguro que le acabamos cogiendo mucho cariño.

Muy pronto seguiremos publicando el resto de la entrevista con Naoki Hamaguchi, mientras tanto os recordamos que nos hablo sobre por qué eligieron "Revelation" como título para esta tercera y última parte de Final Fantasy VII Remake.

Para quien no lo conozca, se trata de la quinta entrega de la saga Rhythm Paradise (o Rhythm Heaven, en Japón) y es la primera que llega a Nintendo Switch, pues el último juego, Rhythm Paradise Megamix, se lanzó para 3DS en 2016. Sí, hace diez añitos.

La saga es conocida por sus minijuegos, que nos obligan a seguir el ritmo de la música... pero también por su irreverente sentido del humor. Y ya os podemos decir que la nueva entrega para Nintendo Switch y Switch 2 no ha perdido ni un ápice de ritmo ni de gracia.

Pudimos probarlo hace unas semanas y por aquí os contamos cómo fue la experiencia.

Impresiones de Rhythm Paradise Groove para Nintendo Switch y Switch 2

La jugabilidad de Rhythm Paradise Groove nop puede ser más sencilla: basta con pulsar el botón o botones indicados al ritmo de la música. Ahora bien, el ritmo es distinto en cada minijuego y dentro de un mismo minijuego pueden surgir variaciones para complicarnos las cosas.

Todos van además acompañados por una pista visual en forma de divertidas secuencias animadas, aunque muchas veces es mejor no mirar la pantalla y fiarse únicamente del oído.

Por ejemplo, el primer minijuego que probamos nos mostraba a una suerte de criaturas esféricas que saltaban a través de un aro. Bastaba con pulsar el botón A en el momento adecuado, pero era mucho más fácil decirlo que hacerlo, pues la perspectiva hacía que fuese complicado saber cuándo saltar.

Por suerte, todos los minijuegos de Rhythm Paradise Groove cuentan con un breve tutorial antes de empezar que nos permite entrar con cierta idea de lo que nos vamos a encontrar. Y, al terminar, nos dan una valoración para saber qué tal lo hemos hecho.

Que por cierto, la voz que se encarga de guiarnos es artificial, generada por un sistema de texto a voz, similar a lo que hemos podido ver recientemente en Tomodachi Life: Una Vida de Ensueño. La gracia aquí es que termina cada frase con un divertido "chimpón".

Volviendo a los minijuegos, también probamos uno muy divertido en el que cuatro seres antropomórficos cantaban bajo la lluvia, y de nosotros dependía abrir el paraguas al ritmo de la música. Así como otro en el que cuatro matrioshkas gatunas se desplazaban saltando y dando volteretas y teníamos que intentar imitar los movimientos del grupo a la perfección.

Pero sin duda el minijuego más llamativo de la sesión fue el RPG, por llamarlo de alguna manera, pues se trataba de un minijuego en el que combatíamos contra monstruos usando diferentes hechizos en el papel de una joven de pelo azul.

Este era sin duda el minijuego más elaborado, pues cada hechizo requería distintas pulsaciones de botones que por supuesto debíamos introducir al ritmo. Al ir ganando combates los hechizos subían de nivel, pero también los enemigos, por lo que no bastaba sólo con atacar, también era fundamental curarse.

La verdad es que fue toda una sorpresa encontrarse con un minijuego con cierto grado de profundidad en comparación con el resto.

Pero las sorpresas no acabaron ahí, pues también pudimos probar dos de los minijuegos multijugador que incluye Rhythm Paradise Groove. Se trata de minijueos que podemos jugar en modo local en compañía de entre dos y cuatro jugadores.

En esta sesión, pudimos probar el que está protagonizado por los guardaespaldas ninja, quienes deben cortar una flecha en pleno vuelo, y cuya canción fue sin duda la más pegadiza que escuchamos... aunque también nos pareció el minijuego más difícil de todos (no dimos ni una).

El segundo era más sencillo: sentados a una mesa, debíamos coger el trozo de tarta en el momento en que el reloj marcase las tres en punto. Y quien lo hiciese con más exactitud, se lo llevaba. Este se nos dio bastante mejor, hasta el punto de que conseguimos alzarnos con la victoria tras atrapar la tarta tres veces.

Como podéis ver, todos los minijuegos de Rhythm Paradise Groove son tan únicos como divertidos. Y lo mejor de todo es que hay muchísimos: alrededor de 80 nuevos minijuegos para un jugador y 30 multijugador.

Sobra decir que nos lo pasamos de fábula con Rhythm Paradise Groove, pues es un juego que, pese a su sencillez, atrapa, divierte y te tiene meneando la cabeza al ritmo de su pegadiza música. Y no hay que olvidarse del enorme potencial que tiene en reuniones de amigos.

Si vosotros también queréis sentir el ritmo, recordad que Rhythm Paradise Groove llega a Nintendo Switch y Nintendo Switch 2 el 2 de julio de 2026. No se nos ocurre un mejor juego para animar el veranito.

Naoki Hamaguchi, co-director de Final Fantasy VII Remake, Final Fantasy VII Rebirth y esta tercera parte, fue el encargado de subir al escenario para hacer los honores. Y apenas unos días después, Hobby Consolas ha tenido la oportunidad hablar con Hamaguchi en exclusiva para España y hacerle unas cuantas preguntas sobre esta esperada tercera parte.

En este primer "episodio", podéis descubrir lo que nos contó cuando le preguntamos por el significado tras la palabra "Revelation".

El significado tras "Revelation": entrevista con Naoki Hamaguchi, director de la saga Final Fantasy VII Remake

Hobby Consolas: tras tanto tiempo deseando conocer el subtítulo de la tercera parte, nuestra pregunta es... ¿por qué Revelation? ¿Puedes explicarnos el significado y los motivos que os llevaron a escoger esa palabra?

Naoki Hamaguchi: en todos los juegos de la saga de remakes de Final Fantasy VII (Remake, Rebirth y Revelation), el encargado de decidirlo fue nuestro director creativo, Tetsuya Nomura. Y, para este último juego, teníamos varias opciones, así que se las presentamos a Nomura y él fue quien tomó la decisión final y eligió Revelation.

La palabra Revelation tiene mucho peso, podría significar que estás descubriendo algo, estás revelando algo. Pero cuando lo contemplas desde la perspectiva del equipo de desarrollo, incluyéndome a mí, que hemos trabajado los últimos 10 años en la serie de remakes de Final Fantasy VII, no sólo significa que nos acercamos a la línea de meta, sino también que vamos a proporcionar respuestas a muchos de los cabos sueltos y las preguntas que quedaron en el aire.

Y teniendo en cuenta los dos títulos anteriores, Rebirth y Remake, creo que tenía mucho sentido usar Revelation para el tercero. Por eso, para mí, creo que fue una gran elección.

Estos días, Naoki Hamaguchi ha estado concediendo entrevistas a medios de todo el mundo, lo que nos ha permitido conocer detalles muy interesantes sobre Final Fantasy VII Revelation.

Por ejemplo, ya sabemos que Ciudad de Huesos, una de las localizaciones del Final Fantasy VII original, no estará en el remake. En esa misma entrevista, también habla sobre la posible conexión de Revelation con la película Adevnt Children.

Muy pronto publicaremos el resto de la entrevista, así que permaneced muy atentos si queréis saber todo lo que nos contó el director de Final Fantasy VII Revelation.

Justo antes de eso, también han dado una gran alegría a los fans de esta saga JRPG anunciando las Nintendo Switch 2 Edition de Xenoblade Chronicles, Xenoblade Chronicles 2 y Xenoblade Chronicles 3, además de nuevo contenido para todos ellos.

Pero vamos a lo que nos ocupa: Xenoblade Gensesis. El nuevo juego de Monolith Soft ha sido presentado con un extenso tráiler que nos dejo infinidad de detalles, así como su ventana de lanzamiento. Veámoslo.

Primer tráiler de Xenoblade Genesis, el nuevo juego de Monolith Soft para Nintendo Switch 2

Como decimos, Xenoblade Genesis ha tenido un gran protagonismo durante el Nintendo Direct. Este primer tráiler ha servido como presentación tanto para la historia y los personajes como algunas de las novedades jugables.

Como augura su título, todo apunta a que se trata de una historia de orígenes para la saga Xenoblade, ambientado mucho antes que el resto de juegos. En palabras de Nintendo, se trata de "un nuevo inicio para la saga".

Esto se puede apreciar bien en su ambientación, que parece apostar por un estilo más medieval en contrapartida con la ciencia ficción habitual de la saga Xenobade. A continuación podéis ver el primer tráiler:

Xenoblade Genesis nos llevará hasta la academia de Leukos en el papel de una nueva protagonista. Blandirá una espada con una piedra especial de nombre Anima capaz de grabar los recuerdos. Parece que tendrá una gran importancia para la historia.

Por supuesto, no faltarán los escenarios de un tamaño gigantesco y hermosa factura, aunque este tráiler confirma que también podremos movernos a lomos de monturas animales.

Pero lo más importantes es que Xenoblade Genesis llegará a Nintendo Switch 2 en 2027.

¿Qué os ha parecido este primer tráiler de Xenoblade Genesis? Recordad que podéis estar al tanto de todos los anuncios del evento gracias a nuestro resumen del Nintendo Direct 2026.

Además, podéis conocer los detalles de todo lo que se ha anunciado, como The Legend of Zelda Ocarina of Time, Kingdom Hearts 4 (y los tres primeros), las Switch 2 Edition de la trilogía Xenoblade Chronicles, Final Fantasy Resonance, Nintendo Switch Sports Resort, The Duskbloods, Fire Emblem: Fortune's Weave, los desafíos de Nintendo Switch Online o los Joy-Con 2 de nuevos colores..

Ha sido sin duda uno de los grandes bombazos del evento, pues se trata de una de las entregas de la saga Zelda más queridas, lanzado originalmente para Nintendo 64 y considerado uno de los mejores juegos de la historia (si no el mejor) gracias a sus revolucionarias mecánicas.

Si queréis un buen chute de nostalgia, os dejamos por aquí al análisis de The Legend of Zelda: Ocarina of Time tal y como se publicó en el número 87 de la revista Hobby Consolas.

Vamos a ver su teaser tráiler de presentación y repasar todas las novedades anunciadas, entre ellas la ventana de lanzamiento y plataformas de Ocarina of Time Remake.

The Legend of Zelda: Ocarina of Time Remake anunciado para Nintendo Switch 2: primer teaser tráiler, fecha y todos los detalles

Cabe recordar que Zelda Ocarina of Time ya tuvo un remake en 2011, lanzado para Nintendo 3DS, pero lo que han mostrado en esta ocasión se ajusta mejor a lo que entendemos por remake actualmente: el apartado visual se ha remodelado por completo.

Una vez más, nos pondremos en la piel de Link, el joven Kokiri que se embarca en un viaje junto al hada Navi para salvar a la princesa Zelda y el reino de Hyrule de las garras de Ganondorf. Un viaje que le lleva a través del tiempo y en el que cobran una especial importancia tanto la ocarina que da nombre al juego como la legendaria Espada Maestra.

A continuación, podéis ver el tráiler de anuncio de The Legend of Zelda: Ocarina of Time Remake:

Y como podéis ver al final del tráiler, el remake de Ocarina of Time se lanza para Nintendo Switch 2 en 2026,. No han dado una fecha exacta, pero al menos no tendremos que esperar mucho para revivir este clásico entre clásicos.

Nintendo parece estar apostando por un regreso a las sensaciones de la época de Nintendo 64, pues no olvidemos que este mismo año, dentro de sólo unos meses, también podremos jugar al remake del mítico Star Fox.

¿Qué os ha parecido el primer vistazo a Zelda Ocarina of Time Remake? Recordad que si queréis estar al tanto de todos los anuncios del evento, los hemos recogidos en nuestro resumen del Nintendo Direct de junio de 2026.

Además, podéis conocer los detalles de todo lo que se ha anunciado, como Kingdom Hearts 4 (y los tres primeros), Xenoblade Genesis (y las Switch 2 Edition de la trilogía Xenoblade Chronicles), Final Fantasy Resonance, Nintendo Switch Sports Resort, The Duskbloods, Fire Emblem: Fortune's Weave, los desafíos de Nintendo Switch Online o los Joy-Con 2 de nuevos colores.

Recordemos que el juego fue anunciado durante la presentación de Nintendo Switch 2, en abril de 2025, y, desde entonces, no habíamos vuelto a tener noticias suyas.

El nuevo tráiler de The Duskbloods publicado durante el Nintendo Direct no sólo nos ofrece un nuevo vistazo a su jugabilidad y mecánicas, sino que también revela uno de los datos más importantes: una prueba de juego cerrada. Vamos a verlo.

Nuevo tráiler de The Duskbloods: el exclusivo de FromSoftware para Nintendo Switch 2 anuncia prueba de juego cerrada

Por si no lo conocíais, The Duskbloods es una nueva IP de FromSoftware, el estudio japonés responsables de Demon's Souls, Dark Souls, Bloodborne, Sekiro y Elden Ring. Se trata además de un juego dirigido por Hidetaka Miyazaki, director del estudio y padre de sus obras más emblemáticas.

Con The Duskbloods, sin embargo, entran en "terreno desconocido": se trata de un título multijugador para hasta 8 jugadores que combina PVP (jugador contra jugador) y PVE (jugador contra entorno), así como elementos RPG. Esta idea va acompañada por una arrebatadora estética de corte oscuro y gótico que inevitablemente recuerda a Bloodborne.

Echadle un ojo al tráiler presentado durante el Nintendo Direct:

Como podéis ver al final, The Duskbloods contará con una prueba de juego cerrada este mismo verano de 2026. Por ahora no han dado más detalles, pero estaremos atentos.

¿Qué os ha parecido el nuevo tráiler de The Duskbloods? ¿Le daréis una oportunidad al nuevo trabajo de FromSoftware e Hidetaka Miyazaki?

Recordad que estamos cubriendo el evento y podéis estar al tanto de todos los anuncios gracias a nuestro resumen del Nintendo Direct celebrado en junio de 2026.

Además, podéis conocer los detalles de todo lo que se ha anunciado, como The Legend of Zelda Ocarina of Time, Kingdom Hearts 4 (y los tres primeros), Xenoblade Genesis (y las Switch 2 Edition de la trilogía Xenoblade Chronicles), Final Fantasy Resonance, Nintendo Switch Sports Resort, Fire Emblem: Fortune's Weave, los desafíos de Nintendo Switch Online o los Joy-Con 2 de nuevos colores.

El juego desarrollado por Evil Empire, el estudio francés responsable de Dead Cells, nos ha dejado un gameplay que ha revelado novedades jugables muy interesantes, así como uno de los datos más importantes: el nombre de su protagonista.

Además, con este tráiler se ha confirmado su fecha de lanzamiento... pero hay una mala noticia para los usuarios de Nintendo Switch. Vamos a verlo.

El nuevo tráiler de Castlevania: Belmont's Curse confirma fecha de lanzamiento y el nombre de su protagonista

En este nuevo tráiler de Castlevania: Belmont's Curse hemos vuelto a contemplar algunos de los escenarios, enemigos y jefes que han aparecido en anteriores vistazos, pero también se han dejado ver varias novedades muy interesantes.

Tenemos, por ejemplo, un vistazo en profundidad al mapa, que vuelve a confirmar de manera no-oficial que el nuevo Castlevania apuesta por un desarrollo estilo metroidvania.

Además, también se ha mostrado una suerte de sistema de cartas que, a priori, recuerda a lo visto en Castlevania Circle of the Moon, el primero de los juegos lanzados para Game Boy Advance.

Además, este tráiler ha estado muy centrado en la protagonista de Castlevania: Belmont's Curse. No sólo hemos escuchado su voz por primera vez, sino que también se ha desvelado su nombre: Rose Belmont.

El nuevo tráiler de Castlevania: Belmont's Curse finalmente confirma la fecha de lanzamiento para el 15 de octubre de 2026, día en el que llegará a PS5, Xbox Series X|S y PC.

Sin embargo, en el tráiler oficial subido a bilibili, podemos apreciar que la versión para Nintendo Switch no tiene fecha confirmada, señalando únicamente que llegará en 2026. Conviene recordad que, por el momento, no se ha anunciado una versión de Castlevania: Belmont's Curse para Nintendo Switch 2.

Podéis descubrir todos los anuncios en nuestro resumen del Xbox Games Showcase 2026, con novedades de Persona 6, Fable, Gears of War E-Day, Spyro a Realm Beyond, Senua, Crazy Taxi World Tour, Persona 4 Revival, Metro 2039, el modo DMZ de Call of Duty Modern Warfare 4, la nueva edición limitada de Xbox Series X25, Clockwork Revolution, Resonance: A Plague Tale Legacy o Wo Long 2: Wings of Ember.

Y, para celebrarlo, uno de los anuncios más gordos de todo el evento ha sido la nueva edición limitada de Xbox Series X. Su nombre es Xbox Series X25 y, si habéis sido fans de la marca desde sus inicios, no vais a poder evitar soltar una lagrimilla cuando la veáis.

A continuación os dejamos el tráiler que ha enseñado para presentar este nuevo modelo y los detalles que se conocen por el momento.

Así es Xbox Series X25: la nostálgica Edición Limitada de la consola que ningún fan querrá perderse

Hace cosas de 25 años, Microsoft se metía de lleno en el mundo de las consolas lanzando la primera Xbox, una máquina muy recordada que sin duda cambió la industria de los videojuegos y supuso el pistoletazo de salida para la marca Xbox.

Si bien el modelo original era de color negro, una de las variantes más populares y recordadas era la Xbox de color verde realizada con materiales translúcidos. Seguro que no la habéis olvidado.

Pues Microsoft ha decidido dedicarle un homenaje a ese modelo particular con la nueva Xbox Series X25. Echadle un vistazo a su tráiler de presentación y lo entenderéis:

Como podéis ver, esta nueva consola Xbox también está realizada en color verde y materiales translúcidos, tanto el mando como la torre. Además, ambos cuentan también con un logo del 25 aniversario de Xbox.

Como detalle, los botones del mando también tiene el color completo (en lugar de sólo las letras) y el botón de encendido desprende una luz verde. Es preciosa, ¿verdad?

Y lo mejor de todo es que, si os interesa, no habrá que esperar demasiado: la Xbox Series X25 Edición Limitada estará disponible en noviembre de 2026, y también será posible hacerse con el mando por separado. Por el momento no han dado precios.

No obstante Resonance no ha sido el único anuncio del evento. Podéis descubrir todas las novedades en nuestro resumen del Xbox Games Showcase 2026, con novedades de Persona 6, Fable, Gears of War E-Day, Spyro a Realm Beyond, Senua, Crazy Taxi World Tour, Persona 4 Revival, Metro 2039, el modo DMZ de Call of Duty Modern Warfare 4, Clockwork Revolution, Resonance: A Plague Tale Legacy, Castlevania: Belmont's Curse o Wo Long 2: Wings of Ember.

La compañía japonesa Atlus ha estado muy presente en el evento, pues minutos antes también han mostrado un nuevo tráiler con fecha de lanzamiento de Persona 4 Revival, el remake de esta querida entrega.

Pero sin duda el plato fuerte del evento ha sido Persona 6. Había rumores de que lo veríamos, pero eso no quita que haya sido toda una sorpresa. Veamos el tráiler y repasemos todas las novedades que nos deja.

Primer teaser tráiler de Persona 6: la saga JRPG de Atlus apuesta por un cambio de tono

Y ya os advertimos que el teaser de Persona 6 es muy breve... tanto que uno de los aspectos más llamativos es su logo, en color verde.

Ahora bien, si prestamos atención se pueden extraer muchos detalles del tráiler de Persona 6. Para empezar y, como se rumoreaba, parece que esta nueva entrega va a apostar por un estilo detectivesco y un tono más oscuro, siguiendo la línea de clásicos del cine como Se7en.

En el tráiler podemos ver lo que parece ser un cementerio, repleto de lápidas y coronado por una enorme estatua sin cabeza bajo la lluvia. La sombra de una mano parece extenderse en dirección a la estatua... Y a continuación se suceden una serie de imágenes que gritan "asesino en serie" a los cuatro vientos. Miradlo por vosotros mismos:

Y finalmente tenemos, por supuesto, el logo de Persona 6. De nuevo, pese a ser "sólo un logo", también nos deja datos interesantes: la tipografía es muy distinta a lo que estamos acostumbrados a ver en la saga Persona, apostando por un estilo más sobrio.

Y luego está el color verde, que se rumoreaba que será el "color principal de esta entrega, lo que confirmaría algunos de los detalles filtrados sobre esta nueva entrega.

De hecho, la información oficial de la página en la tienda de Xbox reza lo siguiente: "Con más de 30 millones de unidades vendidas en todo el mundo, la saga de Persona ha definido la narrativa de los juegos de rol para una generación entera. Ahora, tras de años de expectativa, por fin llega la nueva entrega".

"Persona 6 presenta una audaz historia nueva que incluye todos los elementos característicos de la saga. La emblemática combinación de una vida diaria entrañable y aventuras sobrenaturales cargadas de adrenalina está de regreso. Ahora, con una historia nueva e independiente de las demás entregas, y un nuevo elenco de personajes. Ya sea que hayas jugado a todos los títulos de la saga o que esta sea tu primera experiencia en el universo de Persona, estás en el lugar indicado."

"Libera tu Persona. Forja vínculos irrompibles. Despierta el poder de tu Persona, una manifestación de tu fuerza interior más profunda, y conoce a otros que también poseen esta habilidad extraordinaria. Cada relación que desarrollas te hace más fuerte. Cada vínculo que forjas se convierte en un arma contra la oscuridad que acecha en el interior."

"Vive una vida doble en el Japón actual. Adáptate al ritmo de la vida diaria en la escuela y forja amistades, busca el amor y crea recuerdos para toda la vida. Sin embargo, algo oscuro acecha bajo la superficie de las calles conocidas y los vecindarios tranquilos: rumores extraños, mitos urbanos inquietantes e incidentes siniestros que solo tú y tus aliados pueden resolver."

Por último, tenemos la confirmación de las plataformas: Persona 6 llegará a PS5, Xbox Series X|S y PC, y estará disponible desde el día de lanzamiento en Game Pass. Por el momento no tenemos fecha (ni ventana) de lanzamiento, así que toca esperar... pero algo nos dice que no lo veremos como mínimo hasta 2027.

Podéis descubrir todos los anuncios del evento de Xbox en nuestro resumen del Xbox Games Showcase 2026. Además, también os hemos contado todas las novedades de Fable, Gears of War E-Day, Spyro a Realm Beyond, Senua, Crazy Taxi World Tour, Persona 4 Revival, Metro 2039, el modo DMZ de Call of Duty Modern Warfare 4, la nueva edición limitada de Xbox Series X25, Clockwork Revolution, Resonance: A Plague Tale Legacy, Castlevania: Belmont's Curse o Wo Long 2: Wings of Ember.

Y no sólo: este tráiler, cargado de gameplay y novedades, también ha confirmado la fecha de lanzamiento de Persona 4 Revival en PS5, Xbox Series X|S y PC. Vamos a verlo y a hablar sobre todas las novedades.

Nuevo tráiler de Persona 4 Revival y fecha de lanzamiento

El tráiler de Persona 4 Revival mostrado durante el Xbox Games Showcase 2026 nos ha dejado un vistazo a los apartados más importantes del juego: desde las renovadas escenas de estilo anime, hasta los diálogos, la exploración o por supuesto los combates, que siguen apostando por los turnos.

En este tráiler hemos podido apreciar las mejoras en el apartado visual, así como algunas de las novedades que se han incluido para agilizar y mejorar los enfrentamientos. Todo apunta a Persona 4 Revival seguirá una línea muy parecida a lo visto en Persona 3 Reload.

Y como podéis ver al final del tráiler, también tenemos fecha de lanzamiento: Perosna 4 Revival llega a PS5, Xbox Series X|S y PC el 18 de febrero de 2027. Además, estará disponible desde el día de lanzamiento en Game Pass.

Podéis descubrir todos los anuncios del evento en nuestro resumen del Xbox Games Showcase 2026. Además, también os hemos contado todas las novedades de Persona 6, Fable, Gears of War E-Day, Spyro a Realm Beyond, Senua, Crazy Taxi World Tour, Metro 2039, el modo DMZ de Call of Duty Modern Warfare 4, la nueva edición limitada de Xbox Series X25, Clockwork Revolution, Resonance: A Plague Tale Legacy, Castlevania: Belmont's Curse o Wo Long 2: Wings of Ember.

La esperada nueva entrega de esta legendaria saga RPG, creada originalmente por Lionhead y desarrollada ahora los autores de Forza, ha estado muy presente en los últimos eventos de Xbox.

Y aunque inicialmente lo esperábamos para este mismo año, este nuevo tráiler ha confirmado su fecha de lanzamiento definitiva a principios de 2027.

Y, por supuesto, también nos ha dejado un nuevo vistazo al mundo de Albion, así como el regreso de ciertas caras muy conocidas.

Nuevo tráiler de Fable, el RPG de Playground Games, que confirma fecha de lanzamiento en 2027

Comparado con los anteriores tráileres, este sin ninguna duda ha sido el más oscuro y épico hasta la fecha.

Todo el vídeo ha estado centrado en Isabel, la villana de este nuevo Fable que, además, interpreta la actriz Hayley Atwell (quien seguramente ios sonará por ser Peggy Carter en el Universo Cinematográfico de Marvel).

Por supuesto tampoco ha faltado una buena ración de humor, muy característico en la saga Fable. Vamos a ver el nuevo tráiler de Fable:

Como podéis ver el final del vídeo nos deja dos grandes revelaciones. La primera es que Jack of Blades, el gran antagonista del primer Fable, está de vuelta en esta nueva entrega.

Y la segunda es la fecha de lanzamiento definitiva: Fable llega a PS5, Xbox Series X|S y PC el 23 de febrero de 2027, lo que sin duda va a animar mucho las cosas a principios del año que viene.

¿Qué os ha parecido el tráiler? Podéis descubrir todos los anuncios del evento de Xbox en nuestro resumen del Xbox Games Showcase 2026. Además, también os hemos contado todas las novedades de Persona 6, Gears of War E-Day, Spyro a Realm Beyond, Senua, Crazy Taxi World Tour, Persona 4 Revival, Metro 2039, el modo DMZ de Call of Duty Modern Warfare 4, la nueva edición limitada de Xbox Series X25, Clockwork Revolution, Castlevania: Belmont's Curse, Resonance: A Plague Tale Legacy o Wo Long 2: Wings of Ember.

Para quien no lo recuerde, el estudio nos dejó A.O.T.: Wings of Freedom en 2016 y A.O.T. 2 en 2018, cubriendo ambos juegos una parte importante de la historia del mangaka Hajime Isayama.

Sin embargo, y pese a que se lanzó el DLC Final Battle para el segundo juego, no habíamos podido disfrutar del final de Attack on Titan en videojuego... hasta ahora.

Vamos a ver el primer tráiler de Attack on Titan 3 y repasar todo lo que sabemos hasta el momento.

Primer tráiler de Attack on Titan 3, el juego de Omega Force que recrea el final del manganime

El tráiler de Attack on Titan 3 nos deja unas cuantas secuencias extraidas directamente del final de la obra, pero recreadas en formato videojuego (así que si todavía no sabéis cómo acaba... mejor no miréis).

También podemos ver que se recupera la jugabilidad de las entregas anteriores, de manera que podremos controlar a diferentes personajes de las fuerzas de la humanidad equipadas con el ODM, lo que nos permitirá movernos alrededor de los titanes para esquivar sus ataques y buscar el momento exacto para golpear su nuca.

Eren, Mikasa, Armin, Levi... Todos los personajes principales aparecen en el tráiler y garantizan un final de proporciones épicas.

No han dado muchos más detalles sobre Attack on Titan 3, pero nos han invitado a estar muy pendientes, pues dentro de muy poco, concretamente el próximo 1 de julio, tendrá lugar el próximo "informe del cuerpo de reconocimiento".

Lo que sí sabemos son las plataformas: Attack on Titan 3 llegará a PS5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch 2 y PC.

Si queréis estar al tanto de todos los anuncios, recordad que podéis echarle un ojo a nuestro resumen del Summer Game Fest 2026, que ya nos ha dejado bombazos como el anuncio de Final Fantasy VII Revelation, Resident Evil Veronica, fecha de Stranger than Heaven, Gen Atlas, Monster Hunter Wilds Ascendance, Crossfire, Alien Isolation 2, Clutch, Virtua Fighter Crossroads, Chronicles Medieval, Blood of the Dawnwalker, Stellar Blade Bloodrain o Attack on Titan 3, entre otros.

Naoki Hamaguchi, director de la trilogía, ha sido el encargado de subir al escenario para ofrecernos no sólo el primer tráiler de la tercera y última entrega, sino también un vistazo en profundidad a algunas de las novedades jugables.

Sin más dilación, veamos todas las novedades que el evento nos ha dejado sobre Final Fantasy VII Revelation.

Primer tráiler de Final Fantasy VII Revelation: tercer y último juego de la trilogía FF7 Remake

En primer lugar, hemos podido ver un primer tráiler de Final Fantasy VII Revelation en el que se han mostrado tanto secuencias pertenecientes al juego original como otras completamente nuevas, todas relacionadas con la épica conclusión de esta trilogía.

Y luego han llegado las novedades, pues también se ha mostrado mucho gameplay de Final Fantasy VII Revelation: será posible bajar del Highwind, el barco volador de Final Fantasy VII, lanzándonos al vacío mientras sobrevolamos el mundo abierto, que han descrito como mucho más grande que el de Final Fantasy VII Rebirth.

Y no podía faltar un vistazo a Vincent Valentine y Cid Highwind, los dos personajes que faltaban por unirse al grupo y que, por supuesto contarán con su propia jugabilidad en combate. Ambos son muy prometedores.

Una de las grandes novedades de Final Fantasy VII revelation es la posibilidad de equipar diferentes atuendos, lo que cambia por completo el aspecto de los personajes, así como sus habilidades.

También se han centrado mucho en las Armas, los poderosos enemigos que actuaban como superjefes en el juego original. Parece que en FFVII Revelation tendrán todavía más presencia y protagonismo.

Y quizás el datos que más ha sorprendido: Final Fantasy VII Revelation se lanza AL MISMO TIEMPO en PS5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch 2 y PC en primavera de 2027. ¿Cómo os habéis quedado?

Recordad que podéis estar al tanto de todos los anuncios gracias a nuestro resumen del Summer Game Fest 2026, que ya nos ha dejado bombazos como el anuncio de Resident Evil Veronica, fecha de Stranger than Heaven, Gen Atlas, Blood of the Dawnwalker, Monster Hunter Wilds Ascendance, Crossfire, Alien Isolation 2, Clutch, Virtua Fighter Crossroads, Stellar Blade Bloodrain, Chronicles Medieval o Attack on Titan 3, entre otros.

Para quien no los conozca, That's No Moon es un estudio compuesto por veteranos de la industria que anteriormente trabajaron en Naughty Dog (Uncharted, The Last of Us) e Infinity Ward (Call of Duty), por lo que había mucha expectación ante su primer trabajo.

Y parece que no han defraudado, pues el primer tráiler de Crossfire ha dejado a todo el mundo con la boca abierta. Vamos a verlo y a repasar todos los detalles.

Primer tráiler de Crossfire, el juego de That's No Moon

Crossfire nos lleva a vivir el viaje de Layla Qassem y Delroy Cross, dos soldados de bandos rivales que se ven obligados a forjar una frágil alianza para sobrevivir.

Uno de los aspectos a los que más importancia le han dado es su innovador sistema de coberturas, llamado cobertura adaptativa.

Gracias a este sistema, el movimiento del personaje se ajusta al tamaño del terreno, lo que nos dará una ventaja táctica que tendremos que usar para sobrevivir a intensos tiroteos en tercera persona,

Según explica, hasta una sola bala puede ser letal, por lo que Crossfire nos obligará a ser extremadamente cuidadosos, apostando por una jugabilidad muy realista.

Por el momento no han dado fecha de lanzamiento, pero se ha confirmado que Crossfire llegará a PS5, Xbox Series X|S y PC. ¿Qué os ha parecido el primer tráiler del juego?

Y si queréis estar al tanto de todos los anuncios, no dudéis en echarle un ojo a nuestro resumen del Summer Game Fest 2026, que ya nos ha dejado bombazos como el anuncio de Resident Evil Veronica o Final Fantasy VII Revelation, además de la fecha de Stranger than Heaven, Gen Atlas, Monster Hunter Wilds Ascendance, Stellar Blade Bloodrain, Virtua Fighter Crossroads, Chronicles Medieval, Blood of the Dawnwalker, Clutch, Alien Isolation 2 o Attack on Titan 3, entre otros.

Se trata de la secuela del survival horror lanzado originalmente en 2014 y vuele a estar producido por SEGA y desarrollado por Creative Assembly.

Hace unas semanas, el equipo publicó un breve teaser en Redes Sociales y, ahora, han publicado el primer tráiler de Alien: Isolation 2 que, además de dejarnos varios detalles importantes sobre esta secuela, también ha confirmado las plataformas de lanzamiento. Vamos a verlo.

Primer tráiler de Alien: Isolation 2 y plataformas confirmadas

Uno de los aspectos que deja claro este tráiler y que ya sospechábamos por el teaser, es que en la secuela de Alien: Isolation se acabaron los espacios cerrados de la estación Sevastopol.

En Alien: Isolation 2, una parte importante de la acción se desarrollará al aire libre, lo que sin duda pondrá sobre la mesa nuevas mecánicas jugables y complicará aún más las cosas a la hora de sobrevivir contra el xenomorfo.

En el tráiler también podemos ver la tecnología retrofuturista de la saga Alien (y de Alien: Isolation), así como elementos icónicos del primer juego como el lanzallamas, las bengalas, los sintéticos...

...y el xenomorfo.

Y aunque el tráiler no lo dice explícitamente, los comentarios que escuchamos parecen confirmar que la protagonista de Alien: Isolation 2 volverá a ser Amanda Ripley, protagonista de la primera entrega.

No tenemos muchos más detalles, pero el final del tráiler nos deja con una confirmación importante: Alien: Isolation 2 se lanzará para PS5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch 2 y PC.

No tenemos fecha, pero sus creadores aseguran que llegará pronto.

Para estar al tanto de todas las novedades del evento, no dudéis en echarle un vistazo a nuestro resumen del Summer Game Fest 2026, que ya nos ha dejado bombazos como el anuncio de Resident Evil Veronica, Final Fantasy VII Revelation, fecha de Stranger than Heaven, Gen Atlas, Stellar Blade Bloodrain, Monster Hunter Wilds Ascendance, Blood of the Dawnwalker, Crossfire, Clutch, Virtua Fighter Crossroads, Chronicles Medieval o Attack on Titan 3, entre otros.

Es más, si atendemos a las fechas, Gothic se lanzó un año antes que The Elder Scrolls: Morrowind, que está considerado como uno de los mejores y más importantes RPGs de todos los tiempos. Y sobra decir que, aun siendo muy distintos, el juego del estudio alemán no tiene nada que envidiarle.

El remake de Gothic corre a cargo de Alkimia Interactive, un estudio de Barcelona, aunque entre sus filas se encuentran algunos de los desarrolladores del juego original.

Tras pasar unas cuantas horas sumergidos en su mundo y descubriendo por las malas que los orcos no se andan con tonterías, vamos a ver qué tal les ha quedado.

El análisis de Gothic 1 Remake para PS5, Xbox Series X|S y PC de Hobby Consolas:

• El gameplay de Gothic 1 Remake
• Nivel de dificultad de Gothic 1 Remake
• ¿Cuántas horas de juego dura Gothic 1 Remake?
• Cuánto cuesta Gothic 1 Remake y dónde puedes comprarlo
• La opinión de Hobby Consolas de Gothic 1 Remake
• Nota: lo mejor y lo peor de Gothic 1 Remake

Jugabilidad y gameplay de Gothic 1 Remake

Para empezar, la premisa de Gothic 1 Remake es de lo más interesante: debido a la cruenta guerra contra los orcos, el rey de un reino de fantasía medieval decide obligar a todos los reos de las prisiones a excavar un preciado mineral con el que forjar poderosas armas.

Unos magos crean una "burbuja" protectora alrededor de la zona de excavación para que ningún prisionero pueda escapar, pero un sabotaje provoca que todo el mundo -magos incluidos- se quede atrapado dentro de la cúpula mágica. Los prisioneros no tardan en amotinarse y hacerse con el control del interior... y el mineral.

Nosotros nos ponemos en el papel de un prisionero que acaba de ser lanzado al interior de la cúpula-prisión, que es el mundo abierto en el que tiene lugar Gothic 1 Remake.

Y uno de los aspectos más llamativos, tanto del juego original como de esta revisión, es que empezamos la aventura de cero. Y diréis: «bueno, pues como en casi todos los RPG». Pero no: aquí es real a más no poder.

Somos unos don nadie cuya palabra frente a otros prisioneros y, no digamos ya guardias o magos, no vale absolutamente nada. No estamos equipados con armas, e incluso aunque nos hagamos con una espada desgastada o un hacha que se cae a pedazos, somos tan débiles que incluso una rata topo puede matarnos de dos mordiscos. Y como se nos ocurra enfrentarnos a una amenaza mayor, como un lobo u otra persona, vamos a acabar muertos o, peor aún, siendo desvalijados.

Por supuesto tampoco tenemos dinero ni comida ni ropa en condiciones ni un atisbo de magia. Las primeras horas de Gothic son realmente duras y pueden echar para atrás a muchísimos jugadores. Luego hablaremos más sobre la dificultad, pues en ese aspecto el remake añade novedades interesantes, pero es importante dejar esto claro para que nadie se lleve un disgusto: tened en cuenta que las primeras horas son más de hablar, de ir conociendo a personajes, tomando decisiones, descubriendo quién manda dentro de la cúpula, eligiendo a cuál de las tres facciones nos unimos, a qué enemigos podemos enfrentarnos y de cuáles debemos huir como alma que lleva el diablo. Es, por así decirlo, uno de los RPGs más realistas que existen a la hora de hacer empezar desde lo más bajo.

Y pese a lo duro y frustrante que puede resultar en esas primeras horas, si somos pacientes y perseveramos, la sensación de progreso en Gothic no tiene parangón. Pasar de morir de un golpe contra cualquier enemigo a derrotar a un orco (sudando lo suyo) por primera vez, es algo indescriptible.

Pero todo eso ya era así en el juego original, ¿qué es lo que ha cambiado a nivel jugable en este remake? Pues incontables cosas, tantas... que es imposible listarlas todas. Lo más importante es que ahora es un juego mucho más amigable en todos los aspectos: el control tanto al desplazarnos como al combatir, el inventario, la forma de interactuar con el mundo... Todo se ha renovado y modernizado.

Ahora bien, tiene ciertos elementos que, aun no siendo heredados del juego original, le dan un toque muy añejo y hacen que este remake se sienta más como un juego que podría haber sido lanzado hace unos diez años. Por poner un ejemplo: cuando tenemos el arma desenfundada, para interactuar con NPCs y objetos, debemos realizar una combinación de botones... y os podéis imaginar lo fácil que es olvidarse de esto y acabar propinándole un espadazo a alguien.

Uno de los añadidos que más se agradecen es el glosario. Se trata, como su nombre indica, de un compendio con información detallada sobre prácticamente todo, desde mecánicas jugables hasta consejos para progresar. Al ir conociendo personajes, el glosario se actualiza con sus fichas, algo que es realmente útil dada la importancia que tienen los distintos NPCs en este juego.

Ahora bien, incluso en este aspecto, el remake de Gothic deja un sabor de boca muy añejo. Aun pudiendo conseguir un mapa en el que poner indicadores o tener una forma de seguir las misiones, el juego NUNCA nos da las cosas hechas ni nos señala dónde debemos ir.

Puede que nos pidan que robemos el cofre de una persona, algo que ya de por sí es complicado porque el minijuego de las ganzúas es de todo menos fácil y si nos pillan infraganti adiós muy buenas... Pero, además, buena suerte descubriendo cuál de las tres casas con cofres en su interior es la que buscamos. También puede que nos pidan que vayamos a una colina en busca de setas, pero buena suerte descubriendo dónde está esa colina, aun con las (vagas) indicaciones que nos dan. Y todo esto mientras tienes a un pesadísimo NPC que te sigue a todas partes y no deja de darte la tabarra para poner a prueba tu paciencia (bastante aguanté antes de quemarlo vivo con una antorcha).

Pero son esa clase de cosas lo que hacen que Gothic sea un juego con tanto encanto. Además, como RPG también incluye muchas posibilidades, pues además de la progresión del personaje, que podemos moldear a nuestro gusto centrándonos en diferentes estadísticas, armas, magia o sigilo, también tenemos un montón de sistema como combos de combate, cocina, forja, caza, extracción de minerales, fabricación, comercio e incluso drogas. Es un juego completísimo.

Y dado que estamos ante un remake, el apartado audiovisual también ha experimentado una importante mejora. A nivel gráfico se ve bastante bien, especialmente los escenarios, que nos dejan estampas muy chulas, pero en lo referente a las animaciones volvemos a tener esa sensación de juego que se podía haber lanzado hace diez años, pues son todas muy robóticas.

Además, en consola (PS5, que es donde lo hemos jugado), el juego no incluye ajustes visuales que permitan elegir entre gráficos y rendimiento y se mueve a 30fps. La banda sonora no es particularmente destacable, pero los diálogos han sido todo regrabados usando un guion revisado que es más fiel al del juego original. Y dada la cantidad de diálogos que hay en Gothic, hay que aplaudir el enorme trabajo que han hecho.

El gran problema de este remake de Gothic es, paradójicamente, el mismo problema que tuvo el juego original cuando se lanzó: tiene muchos bugs. A lo largo de nuestra partida nos hemos topado con toda clase de problemas, desde cosas sin demasiada importancia, como NPCs flotando... hasta otras menos graciosas como misiones que se han roto y no hemos podido continuar o cuelgues que nos han hecho perder bastante progreso.

Hablamos de un juego muy grande, un RPG con muchos diálogos, NPCs con rutinas y reacciones, diferentes caminos tanto para misiones secundarias como la historia principal, toneladas de objetos, armas, sistemas... Así que es comprensible cierto grado de error, pero ahora mismo recomendaríamos esperar un tiempo antes de jugar.

Porque hoy mismo se ha publicado un nuevo parche de cerca de cuatro gigas que probablemente corrige unas cuantas cosas, pero entre que ha llegado hoy (el día que se publica el análisis) y que han mandado el juego con poquísimo tiempo de antelación, no hemos tenido tiempo de probarlo.

¿Es difícil Gothic 1 Remake?

Como decíamos antes, una de las gran novedades del remake de Gothic está relacionada con la dificultad. En lugar de tener una única dificultad sin posibilidad de cambios, como el original, este remake incluye cuatro opciones diferentes: fácil, Gothic, difícil y personalizada.

La dificultad Gothic vendría a ser el equivalente a normal, ofreciendo un desafío moderado e índices de progreso justos... Pero ya os avisamos que es un juego brutalmente difícil si no tenéis mucha paciencia.

Independientemente de la dificultad, también podemos activar un ajuste que ayuda a la dificultad del combate y la muerte permanente para quien quiera la experiencia más hardcore posible.

¿Cuántas horas dura la historia de Gothic 1 Remake?

Si el juego original ya ofrecía una cantidad considerable de contenido, el remake de Gothic 1 lo amplía añadiendo nuevas localizaciones y ampliando otras, nuevas misiones para los distintos campamentos, nuevo contenido que profundiza en los orcos y su cultura... Y ciertas cosas que estaban planeadas para el juego original pero no pudieron ser implementadas por falta de tiempo y recursos.

De esta manera, una partida de Gothic 1 Remake puede llevarnos entre 40 y 50 horas de duración. Ahora bien, el juego cambia bastante en función de a cuál de los tres campamentos nos unamos, por lo que es muy rejugable y ofrece aún más horas a quienes quieran exprimirlo al máximo.

Precio y plataformas disponibles

Gothic 1 Remake se lanza para PS5, Xbox Series y PC el 5 de junio de 2026 (es decir: hoy) a un precio recomendado de 59,99€, tanto en formato físico como digtal,

Además, al hacernos con el remake, nos llevamos de regalo Gothic Classic, un port del juego original a plataformas actuales.

Un remake a la altura del clásico... pero que necesita más tiempo en la forja

El remake de Gothic es uno de los RPGs más duros que os podéis echar a la cara, tiene mecánicas y un apartado visual que parecen de hace diez años y es una experiencia que requiere una paciencia enorme.

Y eso es, precisamente, lo que hace que sea tan especial.

El equipo de Alkimia Interactive ha conseguido renovar Gothic, modernizando sus controles y apartado audiovisual, así como añadiendo una gran cantidad de novedades y contenido, y, al mismo tiempo, han conseguido que en todo momento se sienta como una experiencia añeja y fiel a la obra original.

Está claro que no es un juego para todo el mundo, igual que no lo era el original, pero los RPGs (los videojuegos, en general) de los últimos años se han ablandado y Gothic 1 Remake nos pega un buen hostiazo de realidad desde los primeros minutos que nos recuerda cómo solían ser los juegos antes.

Así que si sois la clase de jugadores que valora que no se lo den todo hecho, tenéis la suficiente paciencia para explorar cada rincón, hablar con todos los NPCs, guardar partida continuamente para evitar sustos desagradables y apreciáis un sistema de progresión fiel a la realidad... vais a gozar de Gothic 1 Remake.

Pero seguramente no se esperaban el efecto que ha tenido sobre la comunidad. Tasha Seversky, una piloto de pelo rosa que forma parte del escuadrón conocido como Wings of Theve, se ha convertido en la nueva "waifu" de los jugadores gracias a su llamativo diseño.

Estos últimos días, las redes se han llenado de comentarios de jugadores dispuestos a protegerla a toda costa o que se comprarán el juego sólo por ella.

Nosotros tuvimos la oportunidad de jugar a Ace Combat 8: Wings of Theve hace una semanas (¿a qué esperáis para leer nuestras impresiones?) y por supuesto también nos llamó la atención el diseño de Tasha, así que aprovechamos la ocasión para preguntar a sus responsables al respecto.

Tasha Seversky, la piloto de pelo rosa de Ace Combat 8, es la nueva "waifu" de los jugadores

Manabu Shimomoto y Kazutoki Kono, dos de los máximos responsables de Ace Combat 8: Wings of Theve, estuvieron en el evento de preview donde pudimos jugar cuatro horas a la nueva entrega.

Al preguntarles por el llamativo diseño de Tasha, que se sale de los cánones de las historias de guerra, esto fue lo que nos contaron:

"Es genial escuchar comentarios así, porque haber creado un personaje que no es lo que se suele ver en las operaciones del ejército significa que hemos tenido éxito", explicaba Kazutoki Kono, director de la saga Ace Combat.

"Tasha no es una oficial del ejército. Y cuando el equipo y yo hablamos con los directores y con [Sunao] Katabuchi, pensamos que todos los compañeros del escuadrón podían ser oficiales de la FCU, pero que sería más interesante tener también la perspectiva de un civil entre ellos. Así que Tasha es una civil que ofrece una perspectiva diferente y una forma distinta de ver las cosas"

"Pero eso a veces también pone a Tasha en una posición complicada, así que puede que también tenga que enfrentarse a desafíos diferentes por ella misma"

Ya lo veis, parece que Tasha va a ser un personaje que va a dar mucho juego dentro de la historia de Ace Combat 8. Desde luego, en nuestra sesión de juego, fue uno de los acompañantes más carismáticos. ¿Seguirá gozando de la misma popularidad cuando el juego llegue a las tiendas?

Recordad que Ace Combat 8: Wings of Theve se lanza el próximo 2 de octubre, pero podéis empezar a jugar a partir del 29 de septiembre si os hacéis con la Edición Deluxe.

Hace unas semanas, Bandai Namco me invitó a un evento en París en el que pude probar Ace Combat 8: Wings of Theve, la nueva entrega para PS5, Xbox Series X|S y PC que se lanza el 2 de octubre. Además de jugar unas cuantas misiones, también pude charlar con dos de sus grandes responsables, Manabu Shimomoto y Kazutoki Kono.

Y puedo decir que todo lo que había oído sobre Ace Combat se queda corto; esto es lo más épico que he jugado en mi vida. Hipérboles aparte, salí absolutamente flipado de esta primera toma de contacto y ahora no puedo esperar para volver a pilotar uno de esos flamantes aviones de combate.

Así que, si como yo nunca os habéis atrevido a meteros en la saga, en estas impresiones de Ace Combat 8 espero convenceros para que le deis una oportunidad y acabéis tan desquiciados como yo (esto último es opcional).

Impresiones de Ace Combat 8: Wings of Theve para PS5, Xbox Series X|S y PC

Vale, abrochaos el cinturón porque primero voy a hablar de la historia: el juego tiene lugar 10 años después de los acontecimientos de AC7 y nos pone en el papel de un soldado de Theve, la capital de la Federación Central de USEA, una nación que ha sido invadida por las fuerzas de la República de Sotoa. Y aun sin muchos conocimientos en eso de pilotar cazas, nos vemos obligados a unirnos a un legendario grupo de pilotos conocido como Wings of Theve (o las Alas de Theve).

¿Qué pasa? Que esto en realidad es mentira; los miembros del escuadrón no son ases del aire. Pero la guerra de la información en las RRSS ha hecho creer a todo el mundo que este escuadrón está formado por pilotos curtidos que no tienen rival, infundiendo terror en las fuerzas de Sotoa y convirtiéndolos en un símbolo de esperanza para Theve.

No puedo entrar en más detalles sobre la historia, pero os puedo decir que Ace Combat 8 empieza MUY fuerte. En particular, me ha gustado cómo han aprovechado la guerra entre estas naciones ficticias para tratar temas y reflejar conflictos muy reales (y muy actuales), como todo lo relacionado con el control de la información.

Los personajes secundarios que nos acompañan durante las misiones también son muy interesantes, especialmente los tres secundarios principales. Son personajes con un diseño muy "japonés", en el buen sentido; tienen un look y unas personalidades muy marcadas, lo que los hace memorables y carismáticos desde el minuto uno.

Si hablo tanto de la historia es porque es uno de los aspectos que más me ha sorprendido de Ace Combat 8; no esperaba sentirme tan involucrado en lo que cuenta, ni que las misiones tuviesen auténticos momentazos de infarto a merced de su narrativa.

Pero a la hora de jugar tampoco se queda atrás; reconozco que al principio me daba un poco de vértigo (nunca mejor dicho), porque desde fuera parece que te vas a enfrentar a unos controles complicadísimos, pero nada más lejos de la realidad.

La saga Ace Combat se caracteriza por su sistema de control arcade, así que manejar cualquiera de los aviones no tiene ningún misterio (hacerlo bien... ya es otro historia). Es más, incluso me atreví con los controles de experto, que te dan mucha más flexibilidad sobre todo a la hora de hacer giros.

Además, Ace Combat 8 será la primera entrega que incluya un modo entrenamiento, perfecto tanto si sois nuevos en la saga como yo o veteranos que lleváis mucho tiempo sin pilotar.

Al ir progresando en las misiones, iban entrando en juego más elementos a tener en cuenta. ¿Intentas esquivar los misiles con un giro en el último momento o gastas las preciadas bengalas para quitártelos de encima rápidamente? ¿Te escondes entre las nubes para evitar el fuego enemigo... pese a que eso puede suponer que el avión sufra fallos por congelación si te quedas demasiado tiempo? ¿Ahorras la munición de las armas especiales usando la siempre fiable pero poco precisa ametralladora? Enseguida me di cuenta de que, pese a lo accesibles que son sus controles, estamos hablando de juegos que requieren mucha técnica.

Y no sólo a los mandos; antes de cada misión también hay una importante capa de gestión. Podemos invertir los puntos que vamos obteniendo en una suerte de árbol de habilidades para comprar nuevas armas, equipo e incluso nuevas aeronaves (hay cerca de 30, divididas en cuatro tipos diferentes). Antes de cada misión, debemos decidir cuidadosamente las armas especiales que llevaremos, en función de si nos vamos a enfrentar a enemigos aéreos o terrestres. Y, además, también podemos escoger las aeronaves de nuestros compañeros o incluso darles órdenes y tomar decisiones en mitad del combate.

Durante esta sesión de juego, también tuve la ocasión de enfrentarme a dos vehículos especiales, que vienen a cumplir el papel de jefes en Ace Combat 8. El primero era un gigantesco acorazado terrestre, armado con un cañón de riel que como te pillase te mandaba directo a la pantalla de Game Over. Era una batalla muy espectacular que además tenía lugar en mitad de una ciudad. Y a medida que el acorazado se desplazaba, iban pasando... cosas que hacían que la intensidad de la misión fuese en aumento.

En el segundo enfrentamiento había que dar caza a unas aeronaves de transporte que eran invisibles a los radares, por lo que en primer lugar había que encontrarlas entre un mar de nubes siguiendo su rastro de contrails. Esto ya hacía que fuese una misión muy particular, pero, además, en cierto punto, aparecía un escuadrón de veteranos rivales, conocido como la Unidad Sombra para complicar la cosas. Estos enemigos son muy complicados de abatir -los más complicados en esta sesión de preview, sin duda- y siempre vienen precedidos por una pegadiza melodía que se caracteriza por su coro de voces.

Lo cierto es que la banda sonora es otro de los aspectos que más me sorprendieron de Ace Combat 8; y no sólo porque esté compuesta por melodías increíblemente épicas que te meten de lleno en la acción, sino también por cómo la utilizan a nivel narrativo. Por ejemplo, en una misión, el miembro del equipo más melómano ponía una canción de su grupo favorito para que la escuchase todo el escuadrón... y esta se convertía en la banda sonora de la misión.

A nivel visual, Ace Combat 8: Wings of Theve también me pareció un verdadero espectáculo. En parte lo tiene fácil, porque surcar los cielos a toda velocidad, contemplando ese océano de azul infinito o bajo la luz del atardecer, ya te garantiza unas estampas alucinantes. Pero es que además tiene detallitos visuales muy chulos, como el efecto al atravesar las nubes, los reflejos en las cabinas de las aeronaves enemigas (que por cierto ayudan a localizarlas en las fases con baja visibilidad) o ver a los soldados enemigos eyectando cuando los derribas.

Así que se podría decir que llegue a esta sesión de prueba de Ace Combat 8 sin conocer la saga, y salí convertido en un piloto dispuesto a difundir la palabra de los cielos.

Salvando las distancias, me ha recordado a los Armored Core, por aquello de estar dividido en misiones en las que se dan todo tipo de situaciones y cada una te obliga a elegir y cambiar el equipo para adaptarte a lo que te enfrentas. Bueno, por eso... y porque en ambas sagas pilotas enormes armazones de metal mientras disparas misiles.

Pero me ha gustado muchísimo el foco que Ace Combat 8: Wings of Theve pone en la narrativa, pues fue lo que dio lugar a momentos en los que hice "lock in", como dicen los jóvenes hoy en día, y me sentí como un auténtico héroe de los cielos, esquivando misiles, derribando enemigos y luchado para darle esperanza al pueblo.

No sé si con todo esto habré convencido a los que, como yo hace unas semanas, están dudosos de meter la patita en la saga Ace Combat. Lo que sí es que ahora mismo mi único objetivo es llegar con vida al 2 de octubre para volver a tocar el cielo.

Este esperadísimo juego de terror y acción ha sido una de las grandes estrellas del evento gracias a un tráiler completamente nuevo que combinaba escenas de la historia con jugabilidad pura y dura.

Y ya os advertimos que no es un tráiler para estómagos sensibles: contiene desmembramientos, perforaciones, criaturas grotescas y sangre a borbotones. Gore en toda regla, vaya.

Vamos a verlo y a repasar todas las novedades (si os atrevéis).

Nuevo tráiler gameplay de ILL, el esperado juego de terror para PS5, Xbox Series X|S y PC

ILL es un juego desarrollado por Team Clout, con el apoyo de Mundfish (creadores de Atomic Heart) mediante su incubadora, Mundfish Powerhouse.

ILL no solo es un shooter de acción en primera persona, sino también un survival horror al más puro estilo Resident Evil o Silent Hill. Esto implica que los puzles, la exploración y la gestión de los recursos limitados serán el pan de cada día en este juego.

Aspectos como el inventario limitado, enemigos que no se pueden matar (como el xenomorfo de Alien Isolation o Mr. X de Resident Evil 2 Remake) o la mecánica de mutación de los enemigos nos recuerdan que estamos ante un juego de terror puro y duro.

A continuación podéis ver el nuevo tráiler gameplay de ILL:

¿Qué os ha parecido? Desde luego, cada vez tiene mejor pinta, y eso que muchos dudaban de la veracidad del proyecto en un inicio.

Eso sí, todavía tendremos que esperar para echarle el guante, pues ILL tiene fijada su ventana de lanzamiento en 2027.

Mientras esperamos, no olvidéis echarle un vistazo a todas las novedades del evento con nuestro resumen del State of Play.

Y lo han hecho con un nuevo y espectacular tráiler que nos deja un nuevo vistazo a la historia y la jugabilidad de esta octava entrega, así como varios detalles muy interesantes... como una jugosa bonificación por reserva que ningún fan de la saga querrá perderse.

vamos a ver el tráiler, repasar toda las novedades presentadas y por supuesto comentar la fecha de "despegue".

Anunciada la fecha de lanzamiento de Ace Combat 8: Wings of Theve para PS5, Xbox Series X|S y PC

Para quien no lo sepa, Ace Combat 8: Wings of Theve es el nuevo juego dentro de esta saga legendaria saga, que este mismo año celebra su 30 aniversario. Sigue la estela de Ace Combat 7: Skies Unknown, una de las entregas más exitosas con más de 7 millones de unidades a la venta.

La historia de Ace Combat 8: Wings of Theve tiene lugar 10 años después de los acontecimientos de AC7, y nos sumerge de lleno en el conflicto entre la República de Sotoa y la Federación Central de Usea, llevándonos a surcar los cielos como parte de un escuadrón conocido como Wings of Theve.

A continuación podéis ver el nuevo tráiler, presentado durante el State of Play:

Y, como podéis ver, Ace Combat 8: Wings of Theve se pone a la venta el 2 de octubre de 2026. Ahora bien, si os hacéis con la Deluxe Edition, podréis empezar a jugar unos días antes, el 29 de septiembre.

La cosa no acaba ahí, pues quienes adquieran Ace Combat 8: Wings of Theve Deluxe Edition se llevan también un port de Ace Combat ZERO: The Belkan War, una de las entregas más queridas, lanzado originalmente para PS2. Nada mal, ¿verdad?

Esto no ha sido lo único que se ha anunciado. El State of Play de junio de 2026 nos ha dejado cantidad de novedades, entre ellos, la presentación de God of War Laufey, un nuevo vistazo a Marvel Lobezno, el retraso de Tomb Raider Legacy of Atlantis a 2027, novedades Silent Hill Townfall, la fecha y demo de Onimusha Way of the Sword o impresiones Rayman Legends Retold, entre otros muchas sorpresas y anuncios.

Durante el evento, hemos podido ver un nuevo tráiler que, además de nuevos detalles de la aventura, nos ha dejado con uno de los datos más relevantes: su fecha de lanzamiento.

Vamos a ver el nuevo tráiler, repasar todas las novedades y comentar la fecha de lanzamiento de Silent Hill: Townfall.

Silent Hill: Townfall desvela su fecha de lanzamiento en PS5 y PC con un nuevo tráiler

Por si no lo conocíais, Silent Hill: Townfall es un spin-off de la saga de terror de Konami, que llega siguiendo la estela del remake de Silent Hill 2 y Silent Hill f. Esta entrega la desarrolla Screen Burn Interactive bajo el paraguas de Annapurna Games.

Cambiamos el ya mítico pueblo de Maine y la aldea de Ebisugaoka por la Escocia de 1996, pues esta aventura se ambienta en la isla de St. Amelia, un gélido y neblinoso lugar que oculta algo desde el principio.

El protagonista es Simon Ordell, un hombre que se ve arrastrado a St. Amelia para ''arreglar las cosas''. Lo que no sabe es que este pueblo costero está completamente vacío, sumido en una profunda niebla. Aquí podéis ver el nuevo tráiler:

Como podéis ver, Silent Hill: Townfall llega a PS5 y PC el 24 de septiembre de 2026, así que no tendremos que esperar mucho para volver a este pueblo de pesadilla.

¿Qué os ha parecido el nuevo tráiler? ¿Volveréis a Silent Hill en septiembre? Esto no ha sido lo único que se ha anunciado. El State of Play de junio de 2026 nos ha dejado cantidad de novedades, entre ellos, la presentación de God of War Laufey, un nuevo vistazo a Marvel Lobezno, el retraso de Tomb Raider Legacy of Atlantis a 2027, novedades sobre Ace Combat 8: Wings of Theve, la fecha y demo de Onimusha Way of the Sword o impresiones Rayman Legends Retold, entre otros muchas sorpresas y anuncios.

El juego acaba de ser presentado (aunque puede que ya hubieseis oído algo por ahí...), pero en Hobby Consolas no sólo hemos tenido la oportunidad de verlo a puerta cerrada, sino también de jugarlo durante cerca de dos horas y conocer un gran número de detalles.

Por si queda alguien que no lo conocía todavía, Rayman Legends se lanzó en 2013 y está considerado una obra maestra de los juegos de plataformas.

Paradójicamente, también fue el último Rayman de la saga principal, así que vamos a ver qué tal está este remake, cuánto cambia y si es capaz de justificar su existencia.

Impresiones de Rayman Legends Retold, el remake 3D de una obra maestra de los juegos de plataformas

Y reconozco que cuando me dijeron que iba a jugar a un remake 3D de Rayman Legends, no puede evitar arquear una ceja. Para empezar porque estamos hablando de un juego con estilo artístico 2D, que precisamente son los que mejor suelen envejecer (si es que envejecen) y, además, de un juego de plataformas de scroll lateral, que es otro género que por lo general aguanta muy bien el paso del tiempo.

Durante la presentación previa a la sesión de juego nos dieron muchos detalles importantes, como que se trata de un juego desarrollado por Ubisoft Montpellier (autores del Rayman Legends original y del magnífico Prince of Persia: The Lost Crown) en colaboración con Ubisoft Milan.

En cuanto a las novedades de este remake, tenemos por supuesto el apartado gráfico, que ha sido realizado usando el Snowdrop Engine (el mismo que utilizan juegos como The Division o Star Wars Outlaws).

Además de recrear todos los niveles del juego original, Rayman Legends Retold también incluye nuevas fases 3D a lomos de dragones que describieron como "una atracción de un parque de atracciones".

También se han incluido nuevos niveles musicales, que fueron uno de los aspectos más celebrados del juego original, así como un sexto mundo completamente nuevo: la Tierra de los No-tan-muertos. Este mundo incluirá cinco niveles, un jefe, una nueva habilidad (el poder de la luz) y un nuevo final para la aventura.

En lo sonoro también hay novedades importantes, pues ahora todos los personajes tienen voces y hablan tanto durante los diálogos y las escenas de vídeo, como cuando los controlamos. En esta sesión de prueba eran voces en inglés, pero conociendo a Ubisoft, seguro que el juego final llegará con voces en castellano.

La banda sonora también se ha ampliado, y para ello han contado tanto con Christophe Héral, compositor de Rayman Origins y Rayman Legends, como con Grant Kirkhope, otra leyenda de la música de videojuegos que ha participado en muchísimos proyectos, desde Donkey Kong 64 hasta Mario + Rabbids.

Todo esto suena muy bien, pero ¿qué tal está a la hora de jugar? Pues tengo que admitir que Rayman Legends Retold me impresionó mucho. Para empezar, todas esas dudas que tenía sobre el apartado visual se despejaron de un plumazo, pues el juego se ve absolutamente precioso y no tiene nada que envidiar a las mejores películas de animación.

Los escenarios tienen un enorme nivel de detalle, especialmente los fondos, los protagonistas y los enemigos rebosan vida gracias a las nuevas animaciones y el salto a las 3D permite hacer cambios de perspectiva que dan mucho juego. Soy firme defensor del estilo 2D, pero ahora mismo no sabría con cuál de los dos quedarme.

En lo jugable no encontré grandes cambios, aunque, siendo justos, tampoco es que lo necesitase, porque, como decía al principio, Rayman Legends sigue siendo una obra maestra de los plataformas, lo que significa que en ese aspecto este remake también es una maravilla.

Un pequeño cambio que me ha gustado bastante es que se ha sustituido la galería de cuadros para seleccionar niveles del original por un mapamundi desde el que accedemos a los distintos mundos. Y dentro de ellos, además de seleccionar el nivel que queramos, podemos encontrar unos cuantos secretillos escondidos. Además de ser un cambio muy chulo a nivel visual, me dio la impresión de que la selección de niveles está mucho mejor organizada que en el juego original.

No pude probar el mundo nuevo, pero sí pude jugar dos niveles a lomos de dragones. Y puedo decir que no mentían al describirlos como atracciones: se trata de fases con una jugabilidad a lo shooter sobre raíles, en las que vamos disparando bolas de fuego y esquivando toda clase de obstáculos para evitar que los Lums que llevamos junto a nosotros se caigan (es decir, que para obtener la puntuación máxima, hay que superarlas sin que nos toquen).

Lo impresionante y lo que les da ese toque de atracción, es que el escenario va cambiando a medida que progresa la fase y vamos viendo situaciones nuevas, zonas nuevas... e incluso momentos de infarto en los que el dragón cae en picado a toda velocidad o cambios de perspectiva que transforman la fase en un shoot'em up de scroll lateral.

Son muy divertidas y muy espectaculares, pero quizás lo más importantes es que, pese a ofrecer un nuevo tipo de jugabilidad, no desentonan con el resto del juego.

Así que después de esta sesión tengo que reconocer que Rayman Legends Retold me ha convencido. Siendo honesto, habría preferido una entrega completamente nueva, pero este remake se ve tan bonito e incluye novedades tan interesantes, que es imposible resistirse a volver a completarlo al 100%.

Además, he dejado para el final el que quizás sea el dato más interesante y el que va a hacer que incluso lo que aún tenéis dudas... dejéis de tenerlas: Rayman Legends Retold se lanza para PS5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch 2 y PC el 1 de octubre a un precio de 39,99€. Por ese precio, yo ni me lo pienso.

Pero parece que en Nintendo se han puesto serios y han decidido que el nombre de Fox McCloud no puede caer en el olvido. Tras ese celebrado cameo en Super Mario Galaxy: La Película, el zorro y su equipo regresan con Star Fox para Nintendo Switch 2.

Y se llama Star Fox a secas porque se trata de un remake del juego de Nintendo 64, que a su vez ya tuvo un remake en Nintendo 3DS. Hace unos días nos acercamos a las oficinas de Nintendo para probarlo, así que vamos a ver qué novedades incluye y qué nos pareció.

Impresiones de Star Fox para Nintendo Switch 2

Concretamente, pudimos jugar los tres primeros niveles de la aventura, trastear con los avatares y probar los modos multijugador cooperativo y competitivo.

Y lo primero que hay que decir es que pese a tratarse del segundo remake de Star Fox 64, el nuevo juego de Nintedo Switch 2 encaja mejor con lo que entendemos actualmente por remake: hay muchas escenas de vídeo nuevas, principalmente antes de cada misión, pero también durante las propias misiones.

Estas escenas de vídeo incluyen diálogos que expanden en gran medida la historia del juego original, permitiéndonos conocer mejor a los protagonistas e implicarnos aún más en el conflicto del sistema Lylat.

Además, como ya sucedió con el juego de 3DS, el nuevo Star Fox está doblado al castellano, así que es una gozada poder escuchar a Fox, Peppy, Falco, Slippy y el resto de personajes en español. Por no hablar de que, de esta manera, no debemos apartar la mirada de la acción en ningún momento para oír sus comentarios.

Y como se espera de todos los remakes, también hay una importante mejora gráfica. Siendo completamente honestos, a nosotros también nos chocó el nuevo diseño por el que se ha apostado para los personajes cuando vimos el tráiler de anuncio, pero tras jugar durante unos minutos te acabas acostumbrando y la verdad es que no desentonan en absoluto.

También ayuda el hecho de que Star Fox para Nintendo Switch 2 se ve realmente bien a la hora de la verdad, que es cuando nos ponemos a los mandos del Arwing. Todos los niveles que jugamos fueron un auténtico espectáculo visual: desde los mares y las montañas de Corneria hasta las llanuras heladas (al estilo Hoth) de Fichina, sin olvidarnos del peligroso cinturón de asteroides de Meteo. Han capturado a la perfección la identidad del juego original, transformándola en uno de los títulos más punteros de Switch 2.

Curiosamente, donde menos cambios notamos fue en lo relativo a la jugabilidad. Si jugasteis a Star Fox 64 o Star Fox 64 3D, ya sabéis exactamente lo que vais a encontrar aquí y no vais a tener problemas para conseguir grandes puntuaciones, salvar a los compañeros en los momentos de apuro y encontrar las rutas opcionales.

Los únicos cambios que hemos advertido son que el esquema de control se ha modificado ligeramente para que realizar acciones como el giro completo sean más sencillas, y que ahora al terminar cada misión se muestran estadísticas detalladas, como el nivel de precisión al disparar.

Queda por ver si habrá alguna novedad de peso en este sentido (nuevas misiones o misiones ampliadas, ¿quizás?), pero está claro que en ese aspecto han ido a lo seguro. Y, siendo justos, el control y las mecánicas de Star Fox 64 siguen siendo tan buenas a día de hoy, que realmente no necesitaba demasiados cambios.

En cuanto a los avatares, una de las novedades de este remake, utilizan la cámara de Nintendo Switch 2 para seguir nuestros movimientos y mostrarnos en pantalla como si fuésemos uno de los personajes de la aventura. Había muchos entre los que elegir, así como otros tantos bloqueados que probablemente se desbloquearán al superar niveles y retos. Y no sólo personajes, también era posible mantener nuestra imagen y aplicarle accesorios, como las orejas de Fox o el pico de Falco. Una opicón perfecta para sacar al "furro" que todos llevamos dentro.

Por su parte, el modo multijugador cooperativo nos permite superar los niveles de la aventura en compañía de otro jugador, tomando ambos el control del mismo Arwing: uno se encarga del movimiento y otro de apuntar y disparar. Para este modo, cada jugador utiliza un Joy-Con, por lo que no se necesitan mandos adicionales. Además, el artillero debe usar el mando en modo ratón.

Pero el plato fuerte es sin ninguna duda el multijugador competitivo. Aquí, dos equipos formados por cuatro pilotos cada uno se enfrentan en combate en mapas completamente nuevos. El objetivo es capturar zonas, quedándonos el mayor tiempo posible en su interior, mientras derribamos a los rivales y recogemos power-ups.

Y tenemos que decir que fue toda una sorpresa: se trata de un modo realmente divertido que encaja a la perfección con las mecánicas de Star Fox. Echamos dos partidas, pero nos quedamos con ganas de seguir jugando. Ya avisamos que los piques están asegurados.

Llegados a este punto, imaginamos que la pregunta que ronda la mente de muchos es si este remake de Star Fox era necesario, especialmente viendo que la jugabilidad y los niveles son exactamente los mismos. Y pensándolo fríamente... tiene todo el sentido del mundo.

Nintendo necesita que las nuevas generaciones conozcan a Fox McCloud y la saga Star Fox, pero seguramente sea complicado convencerlos de jugar a un título de Nintendo 64. Mientras que acceder al de Nintendo 3DS... es bastante complicado.

Lógicamente, desde nuestra posición, habríamos preferido un nuevo Star Fox, pero recuperar la mejor entrega de todas, ampliada y mejorada, es la opción ideal para lograr que el zorro alce el vuelo de nuevo.

Porque sigue siendo un juegazo... y buena prueba de ello fue que nos quedamos con tantas ganas de seguir jugando, que nada más llegar a casa echamos unas partidas a Star Fox 64 (está en Nintendo Switch Online, por si os interesa).

Lo bueno es que no habrá que esperar mucho, pues el remake de Star Fox para Nintendo Switch 2 despega el 25 de junio.

De nuevo, apuestan por un título en el que se respira aroma retro en todos los aspectos. Pero si Shovel Knight bebía de los plataformas 2D de la época de los 8 bits, Mina toma como principal inspiración dos sagas muy diferentes: las entregas de The Legend of Zelda para Game Boy y Game Boy Color y la saga Castlevania.

En todos estos años, Yacht Club Games ha seguido haciendo juegos, aunque siempre de carácter menor y relacionados con la IP que los dio a conocer. Así que cualquiera pensaría que, después de tanto tiempo, puede que el estudio haya perdido su magia. O que, quizás, han salido tantos juegos imitando -precisamente- el estilo retro de Shovel Knight, que lo tienen muy complicado para sobresalir.

Pero nada más lejos de la realidad: podemos decir sin miedo que Mina the Hollower es una nueva joya indie y uno de los mejores juegos de 2026.

Y os voy a contar por qué lo es en este análisis de Mina the Hollower para PS5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch, Nintendo Switch 2 y PC, en el que me voy a centrar en estos aspectos:

• El gameplay de Mina the Hollower
  
• Nivel de dificultad de Mina the Hollower
• ¿Cuántas horas de juego dura Mina the Hollower?
• Cuánto cuesta Mina the Hollower y dónde puedes jugarlo
• La opinión de Hobby Consolas de Mina the Hollower
• Nota: lo mejor y lo peor de Mina the Hollower

Jugabilidad y gameplay de Mina the Hollower en PS5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch, Nintendo Switch 2 y PC

La historia nos pone en el papel de Mina, una ratona, inventora y vaciadora que vuelve a Tenebrosa para reparar los siete generadores de chispas que permitieron que la sociedad floreciese en la isla.

Si habéis jugado a Zelda Link's Awakening, Oracle of Ages u Oracle of Seasons, en seguida os vais a sentir como en casa, pues Mina sigue al dedillo el estilo de dichos títulos: los gráficos, la perspectiva, el movimiento y el control del personaje... O el propio hecho de tener que completar siete mazmorras para superar la aventura.

De la saga Castlevania, Mina the Hollower toma la ambientación gótica pero colorida, las subarmas, que son útiles tanto al combatir como al explorar, y, por supuesto, el látigo, que es el arma predilecta de Mina.

Y digo predilecta porque hay cinco armas principales diferentes, cada una con un estilo de juego muy distinto y con posibilidad de aprender nuevos ataques a lo largo de la aventura. Esto ya es un pequeño indicativo de que Mina the Hollower no se limita a copiar lo que hicieron los que vinieron antes, sino que añade toneladas de elementos de cosecha propia.

El más destacable sin ninguna duda es la mecánica que da nombre al juego: el soterramiento. Mina puede sumergirse bajo tierra durante unos breves segundos, una acción que tiene muchas aplicaciones jugables y hace que el combate y la exploración sean muy entretenidos.

Bajo tierra, Mina se desplaza más deprisa, así que es un movimiento esencial para esquivar ataques o colocarnos a la espalda de los enemigos. Además, al emerger, la distancia de salto aumenta, así que debemos usar este movimiento para alcanzar lugares a los que no se llega con un salto normal.

Pero la clave está en que el juego nos propone continuamente mecánicas diferentes para sacar partido de las acciones. Este es uno de los aspectos más brillantes de Mina y cualquier cosa que diga se queda corta comparada con la cantidad de cosas diferentes que incluye. Por ejemplo, en una misma región, hay muelles de impulso, viento que dificulta el desplazamiento, cosechadoras que nos impiden el paso y rayos (y pararrayos).

Mina the Hollower es así TODO el tiempo: siempre hay algo que no habías visto antes, algo que te invita a pensar cómo sacar partido de las acciones y herramientas a tu disposición y algo que te hace maravillarte con la capacidad de inventiva que tienen en Yacht Club Games. Es sencillamente imposible aburrirse.

Otra de las claves de Mina the Hollower es su densidad. Porque cada pantalla o habitación está repleta de secretos y cosas por hacer, hasta el punto de que inicialmente puede resultar un tanto abrumador. Me ha pasado (y no pocas veces a lo largo del juego) que creía que ya lo había hecho y conseguido todo en una ubicación y, de repente, al volver a pasar por allí, he advertido un hueco por el que podía soterrarme o una pared que aún no había destruido.

Y de nuevo, Mina the Hollower es así TODO el tiempo. Es un juego a rebosar de contenido, pero contenido de calidad. Por eso quieres hacerlo y verlo todo; porque además de entretenido, todo lo que consigues como recompensa es útil. Todo. Y hay muchísimos tipos de recompensas diferentes.

Ya hemos hablado sobre las armas principales, pero también hay muchísimas subarmas (todas distintas), hay mejoras que añaden nuevas funcionalidades, llaves que abren cerraduras por todo el mundo, una colección de peces, jefes opcionales, minijuegos... Incluso te alegras de conseguir huesos, que son la moneda de Isla Tenebrosa, pues la economía está muy bien medida y hay muchas cosas interesantes para comprar.

Pero sobre todo hay que destacar los abalorios, que son objetos que se equipan y tienen toda clase de efectos con peso sobre la jugabilidad, llegando incluso a modificar el movimiento de Mina y permitiéndonos llegar a lugares que de otra forma serían inalcanzables. Pues hay un total de 60.

Mina the Hollower también es un juego fantástico en lo que a diseño y progresión se refiere. Existe un orden recomendado para completar los objetivos principales de la historia, pero no tenemos por qué seguirlo; si somos hábiles, podemos colarnos en las zonas que en teoría están pensadas para ser completadas más tarde. Es más, incluso hay una tienda que nos permite conseguir algunos de los objetos más avanzados del juego antes de tiempo... pero pagando un mayor precio por ellos. Esto puede dar mucho juego de cara a próximas partidas.

Y eso nos lleva a hablar de los modificadores. Hay una cantidad absurda de ellos y alteran toda clase de aspectos, llegando incluso a cambiar por completo la forma de jugar. Algunos están pensados para hacer el juego más fácil, otros para hacerlo más accesible, más difícil o más divertido, como aumentar el tamaño de Mina, que la fuente de los diálogos sean jeroglíficos o que desaparezcan los sistemas de progresión si no nos gusta el componente RPG. Las opciones son sencillamente inmensas; es como tener en nuestras manos una herramienta para modificar el juego a nuestro gusto.

También hay que destacar el exquisito gusto que tiene a la hora de guiarnos y enseñarnos a jugar. Porque Mina the Hollower no nos lleva de la manita en ningún momento, pero nos sugiere nuevos objetivos (tanto principales como opcionales) de una manera muy elegante: a través de periódicos que se van actualizando al progresar.

Y el aprendizaje se realiza también de una forma muy natural e intuitiva. Es muy satisfactorio, por ejemplo, regresar a Ossex (la ciudad principal) tras cumplir uno de los objetivos principales, y darte cuenta de que a esa casa cerrada, que pensabas que se abriría como parte de la historia, en realidad se accede de una manera muy ingeniosa. En Mina no hay habilidades obligatorias para avanzar ni tutoriales que rompen el ritmo; es el conocimiento que vas adquiriendo mediante el uso de sus mecánicas lo que te va abriendo todas las puertas.

Y si aun así nos atascamos en algún punto o no entendemos algo, el juego incluye un elaboradísimo manual de instrucciones in-game. Está dividido en diferentes secciones que cubren desde la historia y los personajes hasta los controles y los jefes, tiene imágenes para ilustrar cada apartado, consejos... Me niego a llamarlo manual digital, porque en lugar de la cutrez habitual, aquí se puede apreciar un mimo y un cariño inmensos.

El único aspecto donde Mina the Hollower no brilla con la misma intensidad es la historia. Es bastante sencilla y predecible, aunque también muy divertida; es capaz de sacarnos unas cuantas carcajadas. Pero si tuviese una mejor historia y un lore más trabajado, hablaríamos de una obra maestra en lugar de un juego buenísimo. Y el potencial está ahí: tiene un elenco de personajes muy variopinto y memorable, algunos tan carismáticos como desternillantes. Curiosamente, el final de la historia me ha gustado mucho, precisamente, por no ser el típico de esta clase de juegos.

En cuanto al apartado audiovisual, Mina the Hollower vuelve a apostar por el estilo retro en ambos frentes. Pero que su estética de juego de Game Boy no os engañe: aquí hay un trabajo enorme, como demuestran chulísimos detalles visuales como la iluminación, los reflejos de los charcos, las transparencias, las trabajadas animaciones de los colosales jefes o el espectacular efecto de rotación durante las fases de ascenso a los generadores.

Es sin duda un juego que entra fácilmente por los ojos... y por los oídos, pues sus melodías chiptune son todas maravillosas y vais a seguir tarareándolas incluso después de dejar de jugar.

¿Es difícil Mina the Hollower?

Y si es un juego retro en todos los aspectos, la dificultad no podía ser menos: Mina the Hollower es bastante difícil y se muere muy a menudo. Yo, desde luego, he muerto más de 60 veces y me he cagado en todo otras tantas.

Debido a cómo están pensadas algunas de sus mecánicas, como el plasma para recuperar vida o las chispas que dejamos cuando caemos, al principio puede parecer un poco injusto. Además, está diseñado como los juegos de antaño: exige precisión pixel perfect y no hay i-frames al esquivar.

Pero Mina the Hollower nos da las herramientas para que podamos facilitar las cosas y salir airosos de todas las situaciones. Si algo se nos hace muy cuesta arriba, podemos acumular huesos para mejorar el ataque, la defensa o el daño que hacen las subarmas, así como descubrir poderosas combinaciones de abalorios.

Al final te acabas acostumbrando a su elevado nivel de desafío, de hecho he llegado a echar en falta algo más de dificultad en algunos jefes. Y si no nos convence, los modificadores nos permiten alterar distintos aspectos para moldear la dificultad a nuestro gusto, haciendo que sea un paseo por el parque... o el infierno sobre la tierra.

¿Cuántas horas dura la historia de Mina the Hollower?

En mi caso, he tardado 31 horas en llegar a los créditos de Mina the Hollower con un 95% de juego completado. En otras palabras: he explorado cada rincón y hecho todo el contenido secundario que he podido.

Una vez superada la aventura se desbloquea el modo nueva partida+, en el que se conservan la mayoría de objetos y mejoras y se incrementa la dificultad, entre otros cambios. Hay un total de siete ciclos de partidas+, y cada uno hace cambios en la progresión y la dificultad para que la experiencia no sea exactamente igual.

Y, de nuevo, no podemos olvidarnos de los modificadores. Con ellos, las posibilidades son prácticamente infinitas y cada partida puede ser diferente.

Precio y plataformas disponibles

Mina the Hollower se lanza el 29 de mayo para PS5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch, Nintendo Switch 2 y PC a un precio recomendado de 19,99€... lo que podríamos empezar a denominar como "marcarse un Silksong".

Porque ofrecer semejante cantidad de contenido de calidad a ese precio no se diferencia demasiado de presentarse en las oficinas de Yacht Club Games y atracarlos a punta de pistola.

Por el momento se trata de un lanzamiento sólo en digital, pero el estudio ya ha confirmado que planean lanzar Mina the Hollower en formato físico en un futuro.

Una "mina" de oro

Por si no ha quedado ya suficientemente claro, lo digo directamente: Mina the Hollower es un juegarral de mucho cuidado, pasa directamente a ser un nuevo clásico de la escena independiente y es uno de los imprescindibles de 2026.

Es de esos juegos que, cuando llegan a tu vida, la ocupan por completo y no puedes parar hasta exprimirlo al máximo. En mi caso ha sido exactamente así y reconozco que hacía ya un tiempo que un juego no me atrapaba de semejante manera.

Pero cómo no va a enamorar cuando tiene tantas buenas ideas, mecánicas diferentes cada dos por tres, un diseño exquisito, toneladas de secretos... Y cada paso es una prueba fehaciente de que sus creadores se han dejado el alma y han puesto un cariño que ya no es habitual en la industria.

Decían en Yacht Club Games que para ellos Mina es un todo o nada: si no vende bien, el estudio se va a pique. Y, honestamente, con esa calidad y ese precio de lanzamiento... yo también. Si este juego no triunfa y vende millones, perderé por completo la fe en la humanidad.

Así que, por favor os lo pido, no hagáis que pierda la fe.

Recordemos que en 2024 lanzaron Mea Culpa, el DLC que marcaba el regreso de la icónica espada de Penitente. Pero, si habéis completado este contenido descargable, ya sabéis que había ciertas cosas que quedaron en el aire... y fuera de su prisión de cristal.

Y pese a que no hay confirmación oficial, durante los últimos meses The Game Kitchen ha soltado varias pistas que dejan claro que algo nuevo y relacionado con Blasphemous 2 está en camino.

Vamos a repasar las tres pistas que han desvelado hasta el momento y por qué algunos fans creen que podría tratarse de un pequeño homenaje a la saga Castlevania.

Blasphemous 2 podría recibir un segundo DLC con homenaje a la saga Castlevania

La primera pista data de hace unos meses, cuando, de la nada, aparecieron en Steam cinco nuevos y misteriosos logros para Blasphemous 2.

Los logros tienen descripciones enigmáticas que parecen contar una historia (probablemente relacionada con este supuesto nuevo DLC) y actualmente es imposible conseguirlos en el juego.

Pero lo más interesantes es que The Game Kitchen siguió exactamente este modus operandi con Mea Culpa, el primer DLC para Blasphemous 2, publicando una serie de logros como teaser de lo que se avecinaba.

Por si esto no fuese ya suficiente indicio, Enrique Cabeza, director creativo, director de arte y guionista de Blasphemous y Blasphemous 2, también ha caldeado el ambiente publicando dos teasers en sus redes sociales.

El primero el 8 de abril, en el que se puede apreciar una imagen del juego, pero mostrando una zona que no se parece a ninguna zona de Blasphemous 2 (¿es eso el Ángel Caído del Retiro?) y a Penitente con un aspecto diferente, lo que podría indicar que el juego recibirá skins, como lo hizo su predecesor.

El segundo teaser es de hace sólo unos días, y se trata de una imagen de arte conceptual en la que podemos ver a un personaje que comparte la sangre que brota de sus heridas, provocada por unas estacas de color azul, con una figura envuelta en sábanas que se encuentra dentro de un sarcófago de cristal.

Se trata de una imagen completamente nueva, que no ha aparecido en ninguno de los libros de arte publicados hasta la fecha, así que no es descabellado pensar que se trata de otro teaser del DLC de Blasphemous 2.

Pero quizás lo más interesante es que, en la primera imagen, Penitente porta un arma que no se parece a ninguna de las cuatro que actualmente podemos utlizar en Blasphemous 2.

Aunque es difícil discernir de qué se trata exactamente, muchos piensan que es nada más y nada menos que un látigo, y desde luego su forma encaja con la de este tipo de arma. Sería sin duda todo un homenaje a Castlevania, saga que ha servido como inspiración para Blasphemous (y que contará con una nueva entrega este mismo año).

¿Tendremos DLC a lo Castlevania para Blasphemous 2 este mismo año? Por el momento, quedamos a la espera del anuncio oficial o nuevos teasers.

Y muy pronto podremos disfrutar de su nuevo trabajo: The Adventures of Elliot: The Millenium Tales, un título que sigue la línea de sus últimos trabajos, pero apuesta por una jugabilidad que combina acción y aventura con elementos RPG.

Hace unas semanas tuvimos la oportunidad de probarlo (tenéis unas impresiones recién salidas del horno) y hoy se ha publicado por sorpresa una nueva demo que nos permite transferir el progreso al juego final.

Y, además, hemos tenido la oportunidad de entrevistar a Naofumi Matsushita, su productor. Esto fue lo que nos contó.

Entrevistamos a Naofumi Matsushita, productor de The Adventures of Elliot: The Millenium Tales

Hobby Consolas: The Adventures of Elliot nos recuerda a juegos clásicos de sagas como The Legend of Zelda o Ys, ¿podrías contarnos cuáles han sido las principales inspiraciones al diseñarlo?

Naofumi Matsushita: me honra que te recuerde a tales obras maestras. Durante el desarrollo, nos inspiramos en la propia herencia action RPG de Square Enix, como la saga Mana, particularmente la versión para Game Boy de Final Fantasy Adventure.

La saga Mana fue pionera al combinar elementos RPG con combates en tiempo real, consiguiendo un equilibro entre la emoción del gameplay de acción y la narrativa memorable de un RPG. Ese equilibrio se acerca a la idea principal que nos propusimos conseguir con este título.

Construyendo sobre esa idea, añadimos elementos únicos como la belleza visual del estilo HD-2D, que es una especialidad de nuestro equipo, así como una acompañante hada controlable y una historia centrada en los viajes en el tiempo. El resultado es un juego que ofrece una experiencia distintiva construida alrededor del equilibrio entre simplicidad y desafío.

HC: ¿podrías decirnos cuál es la duración estimada de The Adventures of Elliot: The Millenium Tales?

NM: alrededor de 30 y 50 horas. Pero creo que depende del nivel de dificultad que sea desafiante para ti, y de cuánto quieras sumergirte en la exploración y los minijuegos.

HC: ¿podrías explicarnos cómo funcionan las cuatro eras? ¿Si haces algo en el pasado, afecta al resto de eras como en Chrono Trigger?

NM: la Era de la Protección: una época en la que la gene vivía en relativa calma gracias a las bendiciones del hechizo Protector de Heuria. Elliot vive en esta era y dentro de la historia marca el punto de inicio de la narrativa, comúnmente conocido como "la actualidad".

La Era de la Reconstrucción: una época en la que la civilización ha colapsado y la humanidad se encuentra al borde de la extinción. Debido a la desaparición de la magia, la gente vive bajo la amenaza constante de tribus de bestias y luchan a diario para sobrevivir.

La Era de la Magia: el período de la historia de la humanidad en el que la civilización floreció gracias a la magia. Ascensores propulsados por magia y criaturas mágicas son habituales, y la gente disfruta vidas más opulentas y elegantes que durante la Era de la Protección.

La Era del Despertar: una época previa a que la humanidad adquiriese poderes mágicos. Durante esta era, las razas primordiales vivían en pequeños asentamientos, cooperando unos con otros para sobrevivir. También se enfrentaban a amenazas constantes de las tribus de bestias, y la vida era tan dura como modesta.

Asano-san ha trabajado extensivamente en RPGs a lo largo de los años, y siempre ha creído que el pasado juega un papel crucial en la narrativa. A partir de la idea de permitir a los jugadores experimentar el pasado, nació el concepto de una historia que lleva a los jugadores a través de diferentes eras gracias a la Puerta del Tiempo. Como resultado, en lugar de explorar cada rincón del mundo, esta historia se centra en desentrañar la historia de una sola nación dentro de una región específica.

Como he mencionado, la idea principal es permitir a los jugadores experimentar el pasado de primera mano, así que alterar la historia en sí no es el objetivo principal. Imagino que puede haber ciertas expectativas ante una historia de viajes en el tiempo como esta, pero me encantaría que los jugadores pudieran descubrir cómo se desarrolla por ellos mismos a medida que progresen en el juego.

HC: ¿puedes contarnos más de los gatos en The Adventures of Elliot? Dado que además de coleccionarlos es posible alimentarlos, parece que os encantan los gatos (no nos quejamos; a nosotros también).

NM: Asano-san es una persona de gatos, pero el director de desarrollo, Fukebaru-san, y yo somos personas de perros. Dicho esto, queríamos entender la mentalidad de los amantes de los gatos, así que asignamos la función "Coleccionar Gatos" a los miembros del equipo de desarrollo que son amantes de los gatos.

Comparados con los perros, los gatos se funden de manera natural con una gran variedad de entornos, lo que los hace particularmente idóneos para esta función. Espero que los jugadores disfruten encontrando y coleccionándolos todos a través de cada era.

HC: muchos jugadores del Bravely Default original no pueden evitar desconfiar de Faie debido a lo que pasó con Airy. Así que... ¿podemos fiarnos de ella? ¿Qué le dirías a esos jugadores? Además, ¿sería posible reducir la frecuencia de sus comentarios? Algunos piensan que haba demasiado.

NM: yo también soy fan de Bravely Default, y como fui productor de la versión remasterizada en HD, entiendo perfectamente cómo te sientes (ríe). Me encantaría que jugaras y lo vieras todo de primera mano, incluyendo si se puede confiar en Faie.

Además, con respecto a la frecuencia con la que habla Faie, hemos incluido una opción en la versión de preview que permite a los jugadores reducirla. Fue una sugerencia que también recibimos de la demo de anuncio, así que ya la hemos implementado en el juego.

HC: al jugar a The Adventures of Elliot durante el último evento de preview, sentimos que el juego era muy abierto, como si fuese fácil perderse en su mundo (nos parece algo bueno), pero nos preguntamos si será también así en el juego final o si era algo específico de esa versión de prueba.

NM: la versión que preparamos para la preview está diseñada para que los jugadores experimenten una parte del juego completo, así que, en cuanto a contenido, es exactamente igual que la versión final. Me alegra mucho que la hayáis disfrutado.

HC: creemos que el diseño de Elliot es muy carismático, con su sombrero y bufanda rojos. ¿Podrías hablarnos sobre cómo surgió?

NM: dado que el concepto de un aventurero y su hada acompañante ya estaba establecido, diseñamos ambos personajes en paralelo. El diseño de Faie se concretó un poco antes, y cuando nos centramos en el protagonista, partimos de la idea del atuendo que usaría un aventurero y a partir de ahí desarrollamos.

Bravely Default también incluye aventureros, aunque como parte de su sistema de puntos de guardado, lo que nos sirvió de inspiración. Le pedimos a Ikushima-san, el diseñador de personajes, que creara muchas ilustraciones para nosotros. Incluso nos sugirió varios sombreros diferentes para Elliot.

HC: a raíz del feedback que os dieron tras la primera demo, se anunció que The Adventures of Elliot contaría con diferentes niveles de dificultad. ¿Crees que la dificultad más difícil satisfará a los jugadores que busquen un desafío?

NM: incluimos varios niveles de dificultad y, en particular, añadimos un modo fácil para que los jugadores que no se sientan cómodos con los juegos de acción no eviten el título simplemente por su género. En el modo fácil, los precios de compra de objetos también se reducen, lo que debería dejar a los jugadores con algo de dinero extra.

Al luchar contra jefes, incluso si te derrotan, puedes pagarle a Faie para que te reviva al instante y volver a intentarlo tantas veces como quieras, así que creo que ofrece una experiencia cómoda. Cuando te enfrentes a enemigos difíciles, recomiendo llevar bastante dinero contigo.

Por otro lado, para los jugadores que confían en sus habilidades, recomiendo personalmente el modo difícil. En particular, la incorporación del daño por contacto de los enemigos supone un cambio importante respecto al modo normal y los inferiores. Tendrás que prestar mucha atención a tu posicionamiento y luchar manteniendo la distancia con los enemigos, lo que, en mi opinión, te permitirá experimentar plenamente el concepto "sencillo pero desafiante" del juego. ¡Seguro que te resultará muy gratificante! También puedes cambiar la dificultad en los puntos de guardado, así que te animo a ajustarla libremente cuando quieras.

Además, cuando Faie esté disponible en el juego, podrás acceder al modo multijugador local para dos jugadores. Si tienes familiares o amigos cerca, te recomiendo encarecidamente que lo pruebes. Quién sabe, quizás incluso consigas derrotar a los jefes más difíciles sin rendirte si lucháis juntos.

HC: Elliot usa el mismo estilo HD-2D que los juegos de la saga Octopath Traveler, que luce alucinante, pero nos preguntamos si ha habido alguna mejora visual o técnica, sobre todo si tenemos en cuenta que Elliot se lanza para PS5, Xbox Series X|S, PC y Nintendo Switch 2, pero no para Nintendo Switch 1.

NM: el atractivo del estilo visual HD-2D reside en el uso de fondos 3D, que crean una sensación de profundidad en los mapas y entornos, aunque los personajes sean 2D. Uno de los principales retos fue encontrar la manera de combinar esta fortaleza con la jugabilidad de acción 2D.

En los juegos de acción 2D basados en píxeles, la pantalla puede verse fácilmente dominada por el plano terrestre del mapa, lo que dificulta que los jugadores perciban profundidad tridimensional y hace que los gráficos parezcan algo planos. En este título, sobre todo en el mapa principal, adoptamos un enfoque de "redoble de tambores", curvando el mapa hacia el fondo para que el terreno distante sea visible.

Al incorporar técnicas originales para maximizar aún más el rango visible, logramos crear una experiencia que transmite una fuerte sensación de profundidad sin dejar de ser un juego de acción 2D. Esta fue también un área a la que dedicamos una cantidad significativa de tiempo para ajustar cuidadosamente los detalles en estrecha colaboración con el estudio de desarrollo. Creo que este aspecto fue posible gracias al alto rendimiento del hardware de Nintendo Switch 2.

HC: ¿podrías darnos más detalles sobre el modo cooperativo? Sabemos que otro jugador puede controlar a Faie, pero ¿habrá más mecánicas jugables relacionadas con esto?

NM: los roles de Elliot y Faie son los mismos en el modo cooperativo para dos jugadores que en el modo para un jugador. Elliot puede atacar alternando entre dos armas equipadas, a elegir entre siete tipos diferentes, y también puede realizar acciones como defenderse, saltar, nadar y lanzar objetos. Faie, por otro lado, no recibe daño de los enemigos. Además de los ataques normales, puede usar cinco hechizos diferentes, incluyendo Ignición, que prende fuego a los enemigos, y Teletransporte, que teletransporta a Elliot a su ubicación.

En el modo para un jugador, el movimiento de Faie se controla normalmente con el joystick analógico derecho, mientras que los hechizos se lanzan con el botón asignado a la magia. Sin embargo, en el modo para dos jugadores, estas acciones pueden ser controladas libremente por un segundo jugador usando su propio mando, compartiendo así acciones que normalmente realizaría un solo jugador.

Como decía antes, es una opción incluida para quienes tienen familiares o amigos cerca. El juego está diseñado principalmente como una experiencia para un jugador, aunque también permite a los jugadores disfrutar de la aventura juntos localmente.

Y hasta aquí nuestra entrevista a Naofumi Matsushita, productor de The Adventures of Elliot: the Millenium Tales. Os recordamos que el juego se lanza para PS5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch 2 y PC el próximo 18 de junio de 2026.

Y eso hicimos hace unas semanas, gracias a un evento en el que pudimos probar este llamativo action RPG que tanto recuerda a los The Legend of Zelda clásicos y a los juegos de la saga Ys.

Durante aproximadamente hora y media, pudimos jugar a una nueva demostración de The Adventures of Elliot en la que estaban implementadas las mejoras que sus responsables han incluido utilizando como referencia el feedback de los usuarios.

Os contamos todo lo que necesitáis saber y qué nos pareció en estas impresiones de The Adventures of Elliot: The Millenium Tales.

Impresiones de The Adventures of Elliot: The Millenium Tales

The Adventures of Elliot nos pone en el papel del héroe homónimo, quien se embarca en un misión para salvar a la princesa del reino. Una premisa tan clásica como su propuesta jugable, que recuerda en gran medida a los Zelda clásicos gracias a su acción, puzles, perspectiva aérea y acompañante feérica.

Al contrario que en Octopath y los últimos juegos de Team Asano, aquí combatimos en tiempo real contra los enemigos usando diferentes tipos de armas y poderes, bloqueamos ataques con el escudo (parry incluido) y exploramos el mundo con bastante libertad.

De hecho, en esta demostración nos sorprendió bastante lo abierto que estaba el escenario, pudiendo ir a prácticamente cualquier parte del mapa... si averiguábamos cómo, pues había un gran número de localizaciones que nos obligaban a atravesar cavernas y descubrir atajos secretos para alcanzarlas.

Ahora bien, Elliot también es un juego que hace honor al "RPG" dentro de "action RPG" a través de mecánicas como la magicita, cristales que se equipan para modificar los atributos de Elliot y nos permiten personalizar el estilo de juego dependiendo de nuestras preferencias.

Como decíamos, esta demostración ya tenía implementadas una serie de mejoras respecto a la demo original, siendo las más evidentes el aumento de velocidad en el desplazamiento o los nuevos atajos para las armas. Esta última, en particular, hacía que el combate fuese mucho satisfactorio, permitiéndonos equipar diferentes utensilios de una forma más ágil e intuitiva.

En ese sentido, además, pudimos probar varias novedades, como una lanza con un mayor alcance, un hacha para ataques lentos y poderosos o una hoz con cadena para ataques que cubren una gran zona alrededor de Elliot. En total habrá siete armas diferentes.

Explorando el mundo durante esta demostración también pudimos encontrar versiones mejoradas de algunas de las armas. Además de un cambio de aspecto y mayor daño, también añaden la posibilidad de realizar potentes ataques cargados (con un efecto zoom muy molón).

En esta demostración también pudimos probar dos nuevos poderes de Faie, el hada que acompaña a Elliot en sus aventuras. Además de la carrera que ya estaba en la demo original, aquí teníamos una bola de fuego que servía tanto para dañar a los enemigos como para encender ciertas antorchas, así como un teletransporte útil tanto al combatir como al explorar.

Como pasa con las armas, podemos encontrar mejoras para estos poderes. Por ejemplo, el nivel 2 del teletransporte provocaba que Elliot se volviese invisible durante unos segundos justo después de teletransportarse, pudiendo así pillar desprevenidos a los enemigos para hacerles mucha pupa.

Todos estos elementos, combinados, dan lugar a una jugabilidad que es todo un derroche de diversión y variedad. Por ejemplo, la primera mazmorra que recorrimos en esta demostración nos llevaba a resolver puzles conectando haces de luz, todo ello mientras explorábamos diferentes estancias, sorteábamos trampas y derrotábamos enemigos, para finalmente culminar con el enfrentamiento contra un jefe.

Otra de las novedades de esta preview respecto a la demo original era la posibilidad de seleccionar el nivel de dificultad. Estuvimos jugando en la dificultad normal y la verdad es que no tuvimos demasiados problemas para progresar o derrotar al jefe, así que es probable que los jugadores que busquen un desafío deban seleccionar la dificultad difícil desde un principio.

Esta demostración tenía lugar además en la Era de la Reconstrucción, una de las cuatro que visitamos en el juego. Cambiar de era era tan sencillo como acceder al mapa y seleccionar otra. Por ahora no tenemos muy claro cómo funciona este sistema; por ejemplo, no sabemos si los cambios que realicemos en una era pasada pueden afectar a las futuras. Ahora bien, parece que los mapas van a sufrir cambios drásticos entre unas eras y otras, lo que sin duda hará que la exploración sea más emocionante.

Y por supuesto, no podemos irnos sin mencionar el apartado visual, que hace uso del estilo HD-2D que se ha convertido en la seña de identidad de Team Asano. Como de costumbre, se combinan escenarios 3D con personajes y otros elementos 2D, lo que le confiere ese aspecto de clásico modernizado que tanto nos gusta. También hay que destacar el diseño artístico de los diferentes personajes, que es una auténtica pasada y lo podemos apreciar bien durante las conversaciones.

Ahora es cuando normalmente hablaríamos de los puntos negativos, pero la verdad es que The Adventures of Elliot es de esos juegos a los que cuesta encontrarle pegas. Lo único que lamentamos es no haber tenido más tiempo para seguir explorando, pues la hora y media que jugamos se pasó volando. Eso y que sólo pudimos encontrar un gato.

En definitiva, si ya le teníamos ganas a The Adventures of Elliot: The Millenium Tales, ahora creemos que tiene potencial para convertirse en un juego muy especial, sobre todo si os gustan los títulos de acción y aventura con estilo clásico. Su combinación de combates, puzles y gráficos HD-2D funciona como un reloj suizo y no podemos esperar para volver a echarle el guante. Elliot llegará a PS5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch 2 y PC el próximo 18 de junio.

Si habéis prestado atención a los tráileres e imágenes que han ido publicando, seguro que ya lo sospechabais. Aun así, yo no podía evitar sentir cierta reticencia porque... vale, los juegos de LEGO están muy bien y siempre son auténticas fantasías en cuanto a referencias y contenido, pero no dejan de ser juegos para niños.

Y no os voy a mentir: LEGO Batman: El Legado del Caballero Oscuro también es un juego para niños. Sin embargo, es el LEGO en el que más se nota que sus responsables también han pensado en los fans adultos... y, más concretamente, en los fans de la saga Arkham.

El análisis de LEGO Batman: El Legado del caballero Oscuro para PS5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch 2 y PC de Hobby Consolas:

• El gameplay de LEGO Batman: El Legado del caballero Oscuro
• Nivel de dificultad de LEGO Batman: El Legado del caballero Oscuro
• ¿Cuántas horas de juego dura LEGO Batman: El Legado del caballero Oscuro?
• Cuánto cuesta LEGO Batman: El Legado del caballero Oscuro y dónde puedes jugarlo
• La opinión de Hobby Consolas de LEGO Batman: El Legado del caballero Oscuro
• Nota: lo mejor y lo peor de LEGO Batman: El Legado del caballero Oscuro

Jugabilidad y gameplay de LEGO Batman: El Legado del caballero Oscuro

LEGO Batman: El Legado del Caballero Oscuro nos pone en el papel de Bruce Wayne el multimillonario que... no, tranquilos que no os voy a contar quién es Batman porque eso ya lo sabéis.

La historia del juego, sin embargo, hace un repaso a toda la trayectoria del Caballero Oscuro utilizando como base sus películas: desde las más clásicas, como Batman (la de 1989) y Batman Returns, hasta algunas de las más vilipendiadas, como Batman Forever y Batman y Robin.

Por supuesto, la trilogía de Nolan también tiene un gran protagonismo, así como The Batman, su aparición más reciente en la pantalla grande.

De esta manera, seguimos el viaje del joven Bruce desde que acompañó a sus padres aquel fatídico día en el Callejón del Crimen, hasta convertirse en el cruzado enmascarado de Gotham y formar su propia Bat-familia.

Ahora bien, el juego no es una recreación exacta ni pretende serlo: asistimos y participamos en algunos de los momentos más icónicos de las películas, pero en muchos casos se entremezclan unos con otros y todo está bañado siempre por el característico humor LEGO.

Es un sentido del humor para niños, de ahí que a veces se pase de tontorrón, pero muchas otras es capaz de arrancarnos una buena carcajada. El hecho de ser un juego para niños también implica que las partes más crudas (concretamente: las muertes) se han suavizado bastante, pero me ha sorprendido que se hayan mantenido ciertos "interrogatorios"... al estilo LEGO, claro.

Y la cosa no va sólo de películas: el juego también tiene partes dedicadas a la magnífica serie animada de televisión y, por supuesto, a la saga Arkham. Es más, la sección Arkham me parece de lo mejor de todo el juego.

En otras palabras: estamos ante un título que celebra el legado del Caballero Oscuro acudiendo a todos los materiales posibles. Porque basta una mirada a cualquier parte de Gotham para encontrar alguna referencia a villanos, acontecimientos, cómics o cualquier clase de easter egg que sólo los más bat-fans van a reconocer.

Puestos a pedir, lo único que he echado un poco en falta para cubrir el cupo de momentos icónicos de Batman, ha sido algún nivel centrado en La Broma Asesina y el arco de Capucha Roja. Y también que como es un juego que picotea de todas partes, de algunas te quedas con ganas de más. Desde luego, no me habría importado ver más niveles dedicados a la película de El Caballero Oscuro o a la saga Arkham.

Y precisamente la saga Arkham ha sido la principal influencia para la jugabilidad de LEGO Batman: El Legado del Caballero Oscuro. Si habéis jugado a cualquiera de los títulos de Rocksteady, en seguida lo vais a ver: el sistema de combate con contraataques y derribos, las secciones de depredador (infiltración) columpiándonos por las alturas, la exploración de la ciudad ya sea planeando o a bordo del Batmóvil, el modo detective, los gadgets... Se respira Arkham en cada pieza de este LEGO Batman.

Es más, fue toda una sorpresa descubrir en los créditos que Rocksteady ha colaborado en el desarrollo de este juego. No sé hasta qué punto, pero desde luego eso explica muchas cosas.

Lógicamente, todo está simplificado para hacerlo más sencillo y accesible para niños, así que tampoco esperéis el mismo nivel de profundidad. Por poner un ejemplo, el sigilo es completamente opcional; si te pillan, aquí no pasa nada porque te puedes liar a tortas y ya está.

Ahora bien, dentro de lo que son los juegos de LEGO, este me parece con bastante diferencia el que más huye de esa simpleza que a menudo los caracteriza. Luego hablaremos sobre el tema de la dificultad, donde encontramos novedades, pero para que os hagáis una idea, en los combates se combinan diferentes tipos de enemigos que requieren estrategias diferentes (como en los Arkham), hay árboles de habilidades con los que desbloqueamos nuevas acciones de combate, sigilo y exploración (como en los Arkham) y podemos mejorar los gadgets para que ganen nuevos efectos (como en los Arkham).

Eso sí, como el juego sigue el viaje de Batman desde sus inicios, las habilidades clave se consiguen de manera gradual. Esto tiene un efecto negativo sobre las primeras horas y los primeros niveles, donde peca de ser excesivamente simple y puede generar una impresión errónea. Porque pasadas unas horas y conseguidas las habilidades más icónicas de Batman, el juego gana enteros.

Además de todo esto y, como es habitual en todos los juegos de LEGO, aquí no manejamos únicamente a Batman, sino que a o largo de la aventura vamos desbloqueando a nuevos bat-aliados.

Y pasa algo muy curioso: al haberse centrado tanto en Batman y su mito, el número de personajes se ha reducido bastante si lo comparamos con los anteriores LEGO Batman o con otros juegos como LEGO Avengers o LEGO Star Wars. Y sin embargo... es un acierto.

Porque mientras que en esos juegos los personajes se dividían en "clases" entre las que realmente no existían demasiados cambios jugables, aquí los personajes tienen diferencias muy marcadas. Todos tienen dos gadgets únicos, útiles tanto al explorar como al combatir y cuentan con su propio árbol de habilidades, así como con una serie de acciones específicas para resolver los rompecabezas que plantea el juego.

Entiendo que haya gente para la que esto pueda suponer un paso atrás, pues venimos de juegos en los que podíamos controlar a toda la galería de héroes y villanos de DC, pero creo que haber reducido el número de personajes para enriquecerlos a nivel jugable ha sido una gran idea.

Porque el resultado es una jugabilidad muy entretenida. Siempre estamos haciendo cosas diferentes y utilizando distintos tipos de mecánicas, por sencillas que sean. Y mola mucho la manera en que debemos combinar las habilidades de varios personajes para superar ciertos puzles o combates contra jefe

En cuanto a la estructura, LEGO Batman: El Legado del Caballero Oscuro apuesta por niveles clásicos para recrear los momentos más recordados de las películas y un mundo abierto para que podamos fliparnos explorando Gotham.

Los niveles siguen la fórmula habitual de anteriores LEGO, de manera que son fases lineales a través de las que progresamos superando combates y resolviendo rompecabezas que muchas veces requieren usar piezas de LEGO para salir de un apuro. Por supuesto, también esconden unos cuantos coleccionables, e irónicamente, debido al modo detective, conseguir el 100% en cada nivel es más fácil que en la mayoría de juegos LEGO.

La ciudad de Gotham, por su parte, está dividida en diferentes distritos, cada uno compuesto por calles, edificios y otros lugares sacados del bat-lore. Pero se trata de un mundo abierto en todos los sentidos, que podemos recorrer tanto usando diferentes vehículos, como el gancho y el planeo con capa al más puro estilo Arkham.

No es la primera vez que un LEGO apuesta por un mundo abierto, pero sí es la primera que se siente como un mundo abierto real, en lugar de como un escenario adaptado a las necesidades de las piezas. Hasta el punto de que es muy divertido moverse por la ciudad; me he sorprendido a mí mismo evitando el viaje rápido para poder recorrer las calles con el Batmóvil a toda velocidad o buscando crímenes mientras sobrevolaba los rascacielos... como en un Arkham.

En cuanto al apartado visual, se puede apreciar una mejora respecto a los anteriores trabajos de Traveller's Tales: la calidad de los modelos, la iluminación, los efectos de la lluvia, el número de piezas en pantalla...

Lógicamente, hablamos de un juego de LEGO, así que tampoco es el título más puntero de la generación, pero eso no quita que se vea muy bien. En particular, hay que destacar la fantástica recreación de Gotham, con su noche perpetua y sus luces de neón. De nuevo, es difícil no ver la influencia de los Arkham, pues esta Gotham recuerda especialmente a la de Arkham Knight.

La banda sonora está compuesta tanto por temas originales como por las emblemáticas melodías de las diferentes películas y series de televisión. La única y notable ausencia es el tema principal de la trilogía de Nolan, que imagino que no está por algún lío de derechos y licencias. Es una lástima, porque si esos niveles ya de por sí son de lo mejorcito del juego, la banda sonora de Hans Zimmer los habría hecho el doble de épicos.

Con el doblaje al castellano tengo sentimientos encontrados. Vaya por delante que es un doblaje muy bueno hecho por auténticos profesionales del sector, pero creo que la elección de voces para algunos de los personajes principales no ha sido del todo acertada.

Lo que más choca desde el principio es que se haya prescindido de Claudio Serrano, quien se había convertido en la voz habitual del Caballero Oscuro. En su lugar, escuchamos a Manuel Gimeno, la voz de Robert Pattinson en español, así que os podéis hacer una idea de a qué se debe el cambio. Y ojo que hace un trabajo fenomenal y te acabas acostumbrando, pero es llamativo que no sean ni una ni dos, sino varias las voces que no encajan con los personajes... al menos, de primeras.

¿Es difícil LEGO Batman: El Legado del Caballero Oscuro?

Como decía hace varios párrafos, hay una novedad importante en lo relativo a la dificultad, pues LEGO Batman: El Legado del Caballero Oscuro es el primer LEGO que cuenta con distintos niveles de dificultad, tres para ser más exactos: clásica, cruzado enmascarado y caballero oscuro.

Yo he jugado en todo momento en esta última, que sería el equivalente al modo difícil, en el que contamos con vidas limitadas, mayor presencia de enemigos y mayor frecuencia de aparición de enemigos de tipo avanzado.

Y ya os aviso que aun en esta dificultad sigue sin ser un juego difícil y os lo vais a pasar sin morir y sin demasiados problemas, pero se agradece mucho ese extra de desafío que anima a sacar partido de las mecánicas que incorpora el juego, algo que no se puede decir de los anteriores LEGO (te estoy mirando a ti, La Saga Skywalker).

Y, de nuevo, es un detalle que demuestra que sus responsables no sólo han pensando en el público infantil al diseñar esta entrega.

¿Cuántas horas dura la historia de LEGO Batman: El Legado del Caballero Oscuro?

En mi caso, superar la historia de LEGO Batman: El Legado del Caballero Oscuro me ha llevado 17 horas y 20 minutos con un 57,91% de juego completado. He dedicado unas cuantas horas a explorar el mundo abierto y realizar actividades opcionales, pero eso no quita que la historia principal sea relativamente larga, al menos para esta clase de juegos.

Y por supuesto hay contenido opcional para aburrir: además de los coleccionables de los niveles principales, la ciudad de Gotham está llena de actividades diferentes: acertijos de enigma, animales extraviados, desafíos de combate, carreras contra el crono a bordo del Batmóvil...

Lo mejor de todo es que muchas de estas actividades y coleccionables nos invitan a utilizar a todos los personajes para resolver ingeniosos rompecabezas.

Por si eso fuera poco, LEGO Batman: El Legado del Caballero Oscuro también nos permite personalizar la Batcueva con los trofeos que vamos obteniendo, así como admirar la colección de trajes y vehículos desbloqueados, que por cierto hay muchísimos (especialmente trajes) y además podemos alterar su color.

Y para rematar, tampoco podemos desdeñar el hecho de que toda la aventura se puede completar en compañía de un segundo jugador en cooperativo local.

Quizás, si lo comparamos con otros títulos de LEGO, y nos centramos en lo necesario para alcanzar el 100% de juego, El Legado del Caballero Oscuro sea algo más corto. Pero, como contrapartida, la forma en que está estructurado hace que conseguir ese 100% sea más apetecible y mucho menos tedioso. Personalmente, lo prefiero así.

Precio y plataformas disponibles

LEGO Batman: El Legado del Caballero Oscuro se lanza el 22 de mayo de 2026 para PS5, Xbox Series X|S y PC a un precio recomendado de 69,99€. A Nintendo Switch 2 llegará más tarde, en una fecha todavía por determinar.

El juego está disponible tanto en forma físico como digital y, en ambos casos, se distribuyen dos ediciones: Estándar y Deluxe. Esta última incluye el juego, el pack de la Trilogía de Arkham, el pack de Batman del Futuro, el pack Música de Fiesta, la Colección Caótica y acceso anticipado de 3 días por un precio de 89,99€.

Batman: Arkham en miniatura

Siempre me pasa lo mismo con los juegos de LEGO: los cojo con muchas ganas y los disfruto hasta terminarlos, pero cuando estoy jugando me doy cuenta de que probablemente ya estoy mayor para esta clase de juegos. Porque son muy básicos, son fáciles y, en definitiva, son para niños. Por eso, incluso aunque sean una fantasía en cuanto a personajes, localizaciones y contenido, nunca terminan de satisfacerme del todo.

Al menos... hasta ahora. Porque LEGO Batman: El Legado del Caballero Oscuro sí que ha logrado llenarme. No sólo por ser una celebración de todo lo que tiene que ver con el Caballero Oscuro, por su fantástica recreación de Gotham o por sus múltiples mejoras jugables inspiradas en la saga Arkham, sino sobre todo por ser el juego en el que Traveller's Tales ha ido más allá de la simpleza habitual de estos títulos... hasta donde las piezas se lo han permitido.

Porque ser un juego de LEGO es al mismo tiempo una ventaja y una desventaja: tienen el sentido humor y la libertad para hacer lo que les dé la gana sin que ningún fan se lleve las manos a la cabeza por saltarse el canon, pero al mismo tiempo están muy restringidos en todos los frentes. En este juego, puedes sentir claramente que los devs querían hacer un nuevo Arkham, pero en muchos aspectos se han tenido que contener para no pasarse de complejos.

Y aun con esas restricciones, han conseguido hacer un juego fantástico. Porque cuando estás sobrevolando la ciudad, escuchas la radio de la policía avisando de que se está cometiendo un delito y caes a toda velocidad en mitad de un grupo de criminales, que salen despedidos debido a la fuerza del impacto y el miedo que tu simple presencia les provoca, lo único que puedes pensar es: "soy el p*to Batman".

La primera temporada no fue especialmente bien recibida ni por la crítica ni por el público, aunque eso no impidió que tuviese un efecto muy positivo sobre los juegos, disparando las ventas de Devil May Cry 5 (que ya supera los 10 millones de unidades vendidas).

Así que no es de extrañar que Capcom haya dado luz verde a esta temporada 2 de Devil May Cry (y probablemente a alguna más...). Ahora bien, ¿han corregido los problemas de la primera o sigue siendo un atentado contra los personajes y la historia de los juego?

Vamos a descubrirlo... aunque probablemente ya os imagináis la respuesta por el titular.

Crítica de Devil May Cry: Temporada 2, la serie de Netflix basada en el juego de Capcom

Esta temporada retoma la acción justo donde lo dejó la primera, con Dante congelado y los humanos iniciando un asalto contra el reino demoníaco de Makai.

Sin embargo y, como ya adelantaba el final de la primera temporada, Vergil, el hermano gemelo de Dante que se creía muerto, entra en escena para animar las cosas. De esta manera y, como sucede en los juegos, el conflicto entre los hermanos y su pasado copa un gran protagonismo esta segunda temporada.

Pero no es lo único, pues el número 2 no hace únicamente referencia a que se trate de la segunda temporada de la serie: se han recuperado bastantes elementos de Devil May Cry 2, como el villano, Arius, y la trama para encontrar las Arcana y revivir al demonio Argosax.

Ahora bien, si conocéis los juegos, es probable que esto ya os huela a chamusquina, pues Devil May Cry 2 es infamemente conocido por ser una secuela que no estuvo a la altura de su predecesor; se lo considera el peor juego de la saga con mucha diferencia.

Cualquiera con dos dedos de frente habría preferido adaptar cualquier otra cosa... pero estamos hablando de Adi Shankar, quien ya demostró una prepotencia y una falta de respeto total por la historia de los juegos, así que en esta segunda temporada ha vuelto a hacer, simple y llanamente, lo que le ha dado la gana.

De nuevo, tenemos a personajes clave como Dante, Lady o Vergil que están desdibujados y no son ni una sombra de lo que vemos en los juegos. Eso en el mejor de los casos, porque en el peor nos encontramos con que no han entendido en absoluto su personalidad y forma de actuar.

También vuelven personajes originales como el comandante de DARKCOM, Blaines (que tristemente ya no interpreta Kevin Conroy), así como otros nuevos, como la pequeña Matilda, pero su presencia aporta poco o nada, con escenas que llegan a dar vergüenza ajena y parecen más bien un capricho de los guionistas.

En general, todo lo que tiene que ver con la trama y los personajes está más bien al nivel de un fanfic que de una serie hecha por guionistas profesionales.

El fanservice está fatalmente implementado, y sólo sirve para generar la impresión de que su responsable ha descubierto Devil May Cry a través de los memes en lugar de jugando a los videojuegos. Una buena prueba de ello es la implementación de las melodías licenciadas, de las que abusa de forma indiscriminada, como si pensase que por colar una canción de Evanescence va a conseguir arreglar todo lo demás.

El caso más sangrante son las innecesarias dosis de romance, que demuestran (una vez más) que Shankar no entiende ni un poco los personajes que tiene entre manos.

Además, sigue siendo incomprensible que una serie basada en un juego de origen japonés y ambientación gótica se esfuerce por americanizarlo todo; con eso, además de perder su identidad, lo único que consiguen es que Dante parezca un superhéroe de Marvel (chistes incluidos) en lugar de un cazademonios.

Al menos, en esta temporada se quitan de encima la trama política... tras varios episodios. Vaya por delante que no me molesta que se traten esta clase de temas, pues, de hacerlo bien, pueden enriquecer la obra. Pero tanto en la primera temporada como aquí, asistimos a una crítica muy burda, que se siente más como una declaración de rebeldía pueril que como una auténtica crítica hacia los Estados Unidos.

Lo mismo se puede decir de los villanos, pues de nuevo se les intenta dar un trasfondo para que sintamos pena por ellos (y por supuesto fracasan estrepitosamente en el intento).

Lo único que salva de la quema a esta segunda temporada de Devil May Cry es la animación, que por lo general es decente y nos deja con algunas peleas bastante espectaculares, aunque vuelve a abusar del 3D cuando aparecen en pantalla demonios.

Eso y que una vez aceptas que esto no tiene nada que ver con los juegos y apagas el cerebro por completo, se convierte en el clásico entretenimiento que te salva una tarde de aburrimiento pero del que no recordarás nada en dos meses.

Y oye, si sirve para que más gente conozca los juegos y Capcom se anime a hacer Devil May Cry 6... me doy con un canto en los dientes.

Por si no os habéis enterado de lo que ha pasado (cuánto os envidio), os lo resumo rápidamente: Mixtape es un juego profundamente narrativo, tiene una jugabilidad que no entraña ningún tipo de desafío y se puede completar en unas tres horas. Pero, para un gran número de usuarios, ninguno de esos elementos encaja con las excelentes valoraciones que ha recibido por parte de la prensa especializada.

Todo esto ha degenerado en la ya desgraciadamente habitual espiral de odio en Redes Sociales, donde estos últimos días se han podido ver muchas publicaciones criticando (de forma despectiva) sus mecánicas jugables o incluso a la editora, Annapurna Interactive.

Curiosamente, el caso de Mixtape ha servido para destapar algo que ya sospechaba desde hace mucho tiempo: todas estas cuentas que viven de vomitar odio (y que están ahí siempre que hay alguna polémica) pertenecen a gente que jugar... juega más bien poco.

Mixtape es el perfecto detector de turistas de los videojuegos

Esto es lo que coloquialmente se conoce como turista: alguien que va de entendido sobre un tema, pero cuyos conocimientos son en realidad muy escasos.

Con Mixtape esto ha sido especialmente evidente, pues una de las críticas más habituales por parte de estas cuentas de "odiadores" profesionales va dirigida hacia su jugabilidad, compuesta por una serie de secciones diferentes: en algunas hay que patinar esquivando coches, en otras basta con correr y en otras... asistimos a un "duelo" de lenguas.

Pese a sus diferentes mecánicas jugables, todas estas secciones tienen algo en común: no ofrecen ningún tipo de desafío; es más, en algunos casos, si fallamos, el juego rebobina automáticamente para que podamos seguir con la partida como si no hubiese pasado nada.

Esto, que tanto molesta, no es nuevo ni muchísimo menos: The Walking Dead, Life is Strange, Firewatch, To the Moon, The Stanley Parable, Immortality... La lista de títulos en los que la jugabilidad se hace a un lado para profundizar en la faceta narrativa es inmensa y eso no ha impedido que hayan sido muy bien valorados. What Remains of Edith Finch está considerado uno de los mejores juegos independientes de la historia, se ha llevado incontables premios... y su jugabilidad consiste principalmente en andar.

Pero no lo saben porque no lo han jugado, igual que tampoco han jugado a Mixtape. Estos turistas no han prestado atención a la industria del videojuego durante los últimos diez años.

Y ni siquiera hace falta irse tan lejos, pues también están diciendo que el juego ha salido de la nada, buscando conspiraciones y culpables en Annapurna y sus anteriores proyectos... cuando Mixtape ha estado presente en algunos de los eventos de videojuegos más importantes, como el Xbox Games Showcase 2024 o el Summer Game Fest 2025. Y lo mismo se puede decir del estudio responsable, Beethoven & Dinosaur, que no ha salido de la nada precisamente: en 2021 nos regalaron The Artful Escape, otro juego que también tuvo críticas excelentes. Pero no lo saben... porque son unos turistas.

El colmo de todo esto ha sido ver que los autodenominados "anti-woke", que casualmente suelen ser sospechosos habituales en esto del turisteo, se han inventado cosas como que Mixtape es un juego con contenido LGTBI+... cuando está protagonizado por tres adolescentes heterosexuales (lo de que la gente no sepa qué son las etiquetas de Steam, lo dejamos para otro día).

Lo más triste es que todos estos discursos de odio están provocando que cualquier tipo de discusión o crítica con sentido muera a los pocos segundos. Porque por supuesto que Mixtape no es un juego perfecto y no pasa nada por señalar sus aspectos negativos... como el hecho de que sea una oda a los 90 que representa de una forma bastante mejorable los 90.

Al final, el problema es el mismo de siempre: hay un ego y una inmadurez desmesuradas en esta industria. Hay gente (demasiada) que cree que los videojuegos giran a su alrededor. Y hay gente (demasiada) incapaz de entender que a alguien le puede gustar algo que ellos detestan. Y viceversa.

Eso y las redes sociales, especialmente Twiter, donde los discursos de odio de todo tipo corren como la pólvora y sólo sirven para alimentar discusiones sin fundamento alguno cuyo único objetivo es generar interacciones que den de comer a estos turistas.

Como dijo un buen tipo: "estoy cansado, jefe".

Uno de esos proyectos es por supuesto la secuela de Lies of P, que tiene al estudio completamente centrado en su desarrollo. Pero la cosa no acaba ahí, pues también están trabajando en un survival horror de ciencia ficción, un juego de rol narrativo y otro soulslike.

Pero no todo son buenas noticias, pues una oferta de trabajo publicada recientemente en la página oficial de Neowiz, la editora de Lies of P, ha generado preocupación entre los jugadores.

Según mencionan en dicha oferta, está buscando a un "Creador de IA" que se encargue, entre otras cosas, de generar arte conceptual usando herramientas de inteligencia artificial.

Round8 está buscando a un "Creador de IA" para sus próximos juegos

"Como organización artística colaborativa, buscamos expertos que aprovechen la tecnología de IA generativa para maximizar la eficiencia del proceso de producción artística e innovar la calidad visual de los juegos. Buscamos compañeros valiosos que combinen la creatividad de los artistas con la productividad de la IA para construir el flujo de trabajo artístico único e inigualable de Round8 Studio" se puede leer en la oferta de trabajo.

¿Qué supone esto? Pues que la persona encargada tendrá como responsabilidad crear arte conceptual usando herramientas de IA generativa como Stable Diffusion o Midjourney, integrar herramientas de IA en los flujos de trabajo artísticos existentes para reducir el tiempo de producción o identificar las últimas tendencias en IA generativa, entre otras cosas.

Lógicamente, las reacciones de los jugadores no se han hecho esperar; muchos se han mostrado muy decepcionados con el estudio, llegando a afirmar que no les apoyarán en sus próximos proyectos.

Algunos también han señalado la ironía de que la historia de Lies of P trate sobre una marioneta que encuentra su identidad a través de experiencias humanas.

¿Quizás la reacción de los jugadores les haga cambiar de idea como sucedió hace unos meses con el nuevo Divinity y las declaraciones del CEO de Larian? Por el momento, ni Round8 ni Neowiz se han hecho eco ni hna publicado declaraciones al respecto, y la oferta sigue publicada en la página.

Más concretamente sobre el personaje de Jackie y, más concretamente todavía, un detalle que hace que su arco argumental sea más triste, si cabe.

Seguramente muchos ya lo conocéis, pues no es nuevo en absoluto, y ya estáis calentando los dedos para publicar un comentario diciendo "a buenas horas te enteras".

Pero me ha parecido un detalle tan increíble y tan fácil de pasar por alto, que creo que merece la pena que más gente lo sepa. Además, hay un bug que impide que funcione, así que también existe la posibilidad de que os lo hayáis perdido por completo.

Por eso y porque me estoy replanteando echar otra partida sólo para escucharlo.

Hay un detalle en Cyberpunk 2077 que es muy fácil pasar por alto y que hace que la historia de Jackie sea (aún) más triste

Si habéis jugado a Cyberpunk 2077, ya sabréis que Jackie muere durante las primeras horas de partida. A estas alturas es difícil considerarlo spoiler, pues el juego de CD Projekt va camino de cumplir seis años a la venta (algo menos en Nintendo Switch 2)... y el propio estudio reveló su destino en uno de los tráileres que publicaron antes del lanzamiento.

Pese al poco tiempo que V y Jackie pasan juntos (al menos desde nuestra perspectiva), el merc nacido y criado en Heywood deja una huella imborrable gracias a su carácter bonachón. Incluso es posible asistir a un emotivo entierro que sirve como cierre para su personaje (si elegimos enviarle el cuerpo a su madre).

O al menos eso es lo que creía, pues resulta que Jackie no abandona la mente de V en ningún momento. Después de su muerte y, en distintos puntos del juego, es posible llamar a su número de teléfono.

Lógicamente no obtenemos respuesta, pero V decide dejarle mensajes de voz a su amigo poniéndole al día sobre los últimos acontecimientos de su vida.

En total hay cinco mensajes opcionales, todos ellos tras puntos clave de la aventura (tras conocer a Takemura o tras el mentado funeral).

La última llamada tiene lugar justo antes de Nocturno Op. 55 Nº 1, la última misión principal de la historia, y es probablemente la más desgarradora y la que mejor demuestra lo mucho que Jackie significaba para V.

Si no queréis empezar otra partida o habéis sufrido el bug que impide escuchar estos mensajes de voz, podéis ver los cinco en este vídeo.

¿Conocíais este detalle de Cyberpunk 2077? Yo no, desde luego, y ha hecho que aprecie aún más a este chum.

Tanto el primer Dishonored (lanzado originalmente en 2012 para PS3, Xbox 360 y PC) como su secuela fueron muy celebrados en su momento, siendo ambos considerados como algunos de los mejores juegos jamás realizados (ambos ostentan una nota media de 88 en Metacritic), especialmente entre los seguidores de los immersive sim. Si queréis saber lo que dijimos de ellos, echadle un vistazo a nuestros análisis de Dishonored y Dishonored 2.

Y pese a que no parece que la saga tenga previsto regresar de ninguna manera, estos días ha experimentado un repunte de popularidad en distintas Redes Sociales que ha llevado a muchos jugadores (nosotros incluidos) a clamar por Dishonored 3.

¿Cómo han conseguido Corvo y Emily, dos sigilosos asesinos con poderes sobrenaturales, volver a hacer ruido después de tanto tiempo?

La saga Dishonored experimenta un repunte de popularidad y los jugadores piden Dishonored 3

Lo cierto es que todo esto se debe a una imagen, publicada por el usuario de Twitter @itsmebelb hace dos días, el pasado 26 de abril.

Se trata de una "simple" captura del primer Dishonored en la que se pueden apreciar los muelles de Dunwall bajo la luz de la luna, junto a la frase: «este juego tiene tanto estilo, tío».

Pero el mundo de las Redes Sociales y sus algoritmos son inescrutables, así que la imagen no ha tardado en volverse viral y generar toda una ola de amor hacia la saga Dishonored.

Si habéis visitado Twitter estos últimos dos días, seguro que os habéis topado con alguna publicación que destacaba aspectos de ambos juegos, como la enorme libertad que dan los poderes a la hora de afrontar las misiones, su excepcional diseño artístico y de niveles (nunca agradeceremos lo suficiente el trabajo de Viktor Antonov)... o el magistral nivel con viajes en el tiempo de Dishonored 2, por supuesto.

La cosa se ha viralizado hasta tal punto que la cuenta oficial de Arkane Studios ha comentado la publicación con un "gracias por jugar". Raphaël Colantonio, director y co-creador de Dishonored, también ha aprovechado la ocasión para agradecer que se siga jugando a Dishonored a día de hoy.

No cabe duda de que ambos son juegos muy especiales, y buena prueba de ello es el gran cariño que tantísimos jugadores les profesan o el elevado número de mensajes que piden el regreso de la saga con un Dishonored 3.

Lo cierto es que sus creadores han comentado en varias ocasiones que están abiertos a la idea y no pierden la esperanza de poder volver a este apasionante mundo algún día, incluso aunque no entre dentro de sus planes más próximos.

¿Quizás este repunte de popularidad sirva para que los engranajes del regreso de Corvo y Emily se pongan en marcha? Nosotros seguiremos escuchando la canción del ballenero borracho, por si las moscas...

El primero es que se trata de un sucesor espiritual de Star Wars Episodio I Racer, el mítico juego de carreras de vainas lanzado originalmente para Nintendo 64 y PC.

El segundo es que lo desarrolla Fuse Games, un estudio compuesto por antiguos integrantes de Criterion Games, responsables de algunas de las mejores entregas de sagas como Need For Speed y Burnout, lo que garantiza una sensación de velocidad sin igual.

Y el tercero es que Ben Quadinaros está de vuelta y será uno de los corredores del juego. Bromas aparte, estos días se ha filtrado la fecha de lanzamiento de Star Wars Galactic Racer. Os contamos cuándo podréis poneros al volante de los vehículos más rápidos de la galaxia.

Fecha de lanzamiento de Star Wars: Galactic Racer y contenidos de la Edición Deluxe filtrados a través de Steam

La culpa la ha tenido Steam, que a través de la ficha de Star Wars: Galactic Racer ha desvelado que el juego llega a tiendas el próximo 6 de octubre.

Al no haber habido una comunicación oficial por parte de sus responsables, sería fácil pensar que se trata de una fecha errónea... si no fuera porque, además de la fecha, también se les han "escapado" los contenidos de la Edición Deluxe de Star Wars: Galactic Racer, imágenes incluidas.

Todos estos detalles ya han desaparecido de la ficha oficial del juego en Steam, pero gracias a Wario64 podéis verlo a continuación:

Como se puede apreciar en las imágenes, Star Wars Galactic Racer llega a PS5, Xbox Series X|S y PC el 6 de octubre. La Edición Deluxe incluirá tres vehículos exclusivos, un patrón de color deluxe, un banner de jugador deluxe, un libro de arte digital y tres eventos arcade únicos. En formato físico, además, esta Deluxe Edition incluirá un steelbook con funda.

Además, al reservar el juego nos llevamos un patrón de color (distinto según la plataforma para la que reservemos el juego) y un banner de jugador.

Y esa es toda la información que podemos extraer de la metedura de pata de Steam, pues aspectos como el precio de Star Wars Galactic Racer todavía se desconocen. ¿Quizás el anuncio oficial está planeado para un evento próximo... como el rumoreado State of Play? Estaremos atentos.

Y todo apunta a que el próximo juego que se unirá al selecto club de "ports milagrosos para Nintendo Switch 2" es Final Fantasy VII Rebirth.

De momento, Capcom es uno de los estudios que más están apostando y sacando partido de la consola híbrida; venimos de los excepcionales ports de Resident Evil Requiem y Pragmata. Tampoco podemos olvidarnos de CD Projekt y su Cyberpunk 2077, que se lanzó junto a la consola.

Y por supuesto está Square Enix, que nos sorprendió con el port de Final Fantasy VII Remake Intergrade y ahora pretenden sorprendernos aún más con el de su secuela: Final Fantasy VII Rebirth para Nintendo Switch 2.

Hemos tenido la oportunidad de jugar durante cerca de una hora y os contamos qué nos ha parecido.

Impresiones de Final Fantasy VII Rebirth para Nintendo Switch 2

Antes de empezar, es importante señalar que esta preview tuvo lugar en todo momento en modo portátil. Nos habría gusta ver Final Fantasy VII Rebirth en TV, porque ya sabéis que suele haber alguna diferencia técnica, pero no pudo ser en esta ocasión.

Pero tampoco nos vamos a quejar pues, al final, esta clase de títulos lucen aún más cuando los jugamos en las palmas de nuestras manos.

Pese al buen trabajo que hicieron llevando Final Fantasy VII Remake a Nintendo Switch 2, muchos teníamos nuestras dudas sobre si lograrían alcanzar el mismo nivel con Rebirth.

Porque no olvidemos que esta segunda parte de la "trilogía Remake" tiene lugar en mundo abierto... Bueno, técnicamente son varios escenarios abiertos, pero su tamaño y contenido es tal, que es inevitable clasificarlo como juego de mundo abierto.

Por suerte, la preview tenía lugar poco después de que Cloud y el resto de miembros de Avalancha llegan al pueblo de Kalm. Es decir, que no tuvimos que jugar el prólogo de la aventura, lo que nos ahorró mucho tiempo.

Hicimos esta parte a toda prisa para poder salir a mundo abierto cuanto antes, pero ya advertimos una serie de cosas. En líneas generales, el juego se ve y se mueve fenomenal; funciona a 30fps y visualmente es difícil apreciar grandes diferencias con la versión de PS5.

Es obvio que habrán tenido que hacer sacrificios; probablemente se haya reducido la calidad de las texturas. Pero insistimos en que al jugar en modo portátil y, sin tener al lado otra versión para comparar, las diferencias son prácticamente inapreciables.

El único aspecto donde notamos un pequeño bajón es el pelo de los personajes, en el que se pueden apreciar unos dientes de sierra bastante llamativos. También notamos algunas ralentizaciones, aunque, curiosamente, sólo tuvieron lugar durante algunos diálogos.

En cualquier caso, avanzamos corriendo por las calles de Kalm, saltando tutoriales y evitando partidas de Sangre de la Reina (otra vez será) hasta que los soldados de Shinra nos "invitaron amablemente" a abandonar la ciudad por la puerta de atrás. Por una vez, le dimos las gracias a Rufus.

Y nos complace poder decir que Final Fantasy VII Rebirth en Nintendo Switch 2 aguanta el tipo igual de bien en mundo abierto. Desde luego, nosotros no notamos ningún tipo de ralentización; el rendimiento se mantuvo estable en todo momento, ya estuviésemos simplemente corriendo por el enorme escenario o combatiendo contra dos o más enemigos al mismo tiempo.

Es posible, eso sí, que aquí se noten un poco más esos sacrificios visuales de los que hablábamos antes, afectando a elementos como las texturas de los escenarios o la distancia de dibujado. Pero, de nuevo, sin tener otra versión del juego con la que comparar al lado, es muy difícil hablar de grandes diferencias.

Lo que sí podemos deciros es que es uno de esos juegos que, cuando los tenemos en las manos, cuesta creer que se estén moviendo con semejante soltura en una consola portátil. Impresiona y mucho ver a Cloud y compañía recorrer esos escenarios tan abiertos en la "pequeña" pantalla de Nintendo Switch 2.

Lógicamente esto no dejan de ser las primeras horas de partida y todavía está por ver qué tal se comporta el juego en las zonas más avanzadas, pero si logran estar al mismo nivel que esta demostración, no nos cabe duda de que estamos ante otro port milagroso para la consola híbrida... y puede que incluso uno de los juegos más potentes de todo el catálogo.

No tendremos que esperar mucho para descubrirlo, pues Final Fantasy VII Rebirth tiene previsto su lanzamiento para el próximo 3 de junio de 2026.

¿Lo mejor de todo? Ya puedes comprobarlo por ti mismo: Square Enix ha lanzado una demo gratuita de Final Fantasy VII Rebirth que está disponible tanto para Nintendo Switch 2 como para consolas Xbox. El progreso de esta demo se conservará en el juego final y, además, te llevas un amuleto moguri y otros objetos de regalo.

Y la sigue al milímetro, pues volvemos a encontrarnos ante un título con estilo arcade, mecánicas bullet hell, desarrollo roguelite, narrativa serpenteante, temática sci-fi oscura y gran exigencia a los mandos.

Por supuesto, también presenta numerosos cambios y novedades, pero son tantas sus similitudes que, en este análisis de Saros, va a ser inevitable compararlos continuamente.

Además, Returnal es uno de los juegos que mejor sabor de boca nos dejó de todo el catálogo de PS5, así que también es inevitable preguntarse ¿logra Saros superarlo... o han volado tan cerca del sol que se han quemado? Vamos a descubrirlo.

El análisis de Saros para PS5 de Hobby Consolas:

• El gameplay de Saros
• Nivel de dificultad de Saros
• ¿Cuántas horas de juego dura Saros?
• Cuánto cuesta Saros y dónde puedes jugarlo
• La opinión de Hobby Consolas de Saros
• Nota: lo mejor y lo peor de Saros

Jugabilidad y gameplay de Saros en PS5

Saros nos pone en el papel de Arjun Devraj, responsable de seguridad de la Echelon IV, una expedición enviada al planeta Carcosa para descubrir qué sucedió con las anteriores. Allí, además de toda clase de criaturas alienígenas hostiles, un ominoso eclipse está provocando alteraciones sobre el terreno, la fauna... y el propio Arjun, que vuelve a la vida tras cada muerte como si no hubiera pasado nada.

De esta manera, Saros nos propone explorar Carcosa mientras nos enfrentamos a los enemigos que nos salen al paso haciendo uso principalmente de armas de fuego y esquivando las oleadas de proyectiles que pueden llegar a cubrir toda la pantalla, teniendo que volver a empezar "desde el principio" cada vez que morimos.

Uno de los cambios más llamativos de Saros respecto a Returnal tiene que ver precisamente con la progresión y el desarrollo "rogue", que aquí es más "lite" que "like". Al morir, conservamos una parte importante de lucenita, un recurso que se utiliza para desbloquear mejoras permanentes, como mayor salud o energía. De esta manera, las muertes duelen menos porque siempre que echamos otra partida, lo hacemos siendo más fuertes.

Es también un buen recurso para generar sensación de progresión y sin duda ayudará a los jugadores menos hábiles a no quedarse atascados (demasiado). Pero, como veremos luego al hablar de la dificultad, conocer los patrones de ataque de los enemigos, especialmente frente a los jefes, sigue siendo muy importante.

Otro cambio es que la exploración prácticamente ha desaparecido: en Returnal, al recorrer un nivel era habitual volver hacia atrás usando teletransportes para coger una mejora de salud que habíamos dejado para más tarde o abrir puertas usando las llaves que íbamos consiguiendo.

En Saros, sin embargo, ese backtracking se ha eliminado de la ecuación; siempre avanzamos hacia delante, salvo para tomar desvíos opcionales que acaban en un callejón sin salida. En muchos casos, incluso se cierra el camino por detrás de nosotros, impidiendo que demos la vuelta.

Reconozco que me gustaba el componente de exploración de Returnal, pero tengo que admitir que este cambio ha logrado que las partidas de Saros sean mucho más ágiles, algo muy importante en un roguelite. Además, aquí han aprendido la lección y podemos cerrar el juego cuando queramos y retomarlo desde ese mismo punto... salvo frente a los jefes, como es lógico.

Saros también es un poco "más Hades", pues hay un HUB al que volvemos tras cada muerte y donde podemos hablar con una serie de personajes que siempre tienen algo nuevo que decir. Esto tiene como consecuencia que sea un juego menos misterioso; la historia y la ambientación tienen el mismo rollito inquietante, pero los personajes y las conversaciones le quitan ese aura de misterio y esa sensación de soledad que tenía su predecesor. Haciendo una comparación cinéfila: si Returnal era Alien, Saros es Horizonte Final.

Esto también supone que sea un juego más narrativo que su predecesor, aunque no por ello apuesta por una narración tradicional; como Returnal, Saros cuenta una historia deliberadamente confusa, con mucho subtexto y metáforas xenomórficas para reflejar problemas humanos. Así que, claramente, no va a ser del gusto de todos los paladares.

De hecho, llama la atención encontrarse con un título tan narrativo... pero que a la hora de jugar es puro arcade. Jugabilidad al grano y sin contemplaciones.

Y la jugabilidad es sin ningún tipo de duda el aspecto más brillante de todo Saros. Si en Returnal ya era evidente que Housemarque es un estudio especializado en los shoot'em up, con Saros directamente hablamos de lo más parecido que se ha hecho a Ikaruga dentro de los juegos de acción en tercera persona.

Porque la idea es en esencia la misma que en el legendario juego de naves de Treasure: proyectiles de distintos colores a los que nos enfrentamos de diferentes maneras.

Están los proyectiles azules, los más básicos de todos, los cuales podemos evitar tanto atravesándolos con la esquiva como bloqueándolos con el escudo. Pero es buena idea hacer esto último, pues así se repone la energía que utilizan las potentes armas secundarias.

Luego están los proyectiles amarillos, que también se pueden atravesar esquivando, pero si los bloqueamos con el escudo (o, directamente, nos comemos un impacto), generan una corrupción que reduce la salud máxima.

Y por último están los proyectiles rojos, que no se pueden ni esquivar ni bloquear. En su lugar, para estos proyectiles se han sacado de la manga un parry; sí, sí, como lo leéis: en Saros se le puede hacer parry a las balas. Y mola y es tan satisfactorio como os estáis imaginando.

Las armas de Saros también ofrecen muy buena variedad y mecánicas interesantes. Tenemos pistolas, rifles de asalto, escopetas, ballestas de energía, lanzadores de chakram... Pero la gracia es que cada arma plantea un estilo de juego diferente. Por ejemplo, las escopetas causan un gran daño de aturdimiento y, cuando los enemigos están aturdidos, es buena idea acercarse para finiquitarlos con un ataque cuerpo a cuerpo.

Por si eso no fuese suficiente, han metido dos modificadores que podemos encontrar de manera aleatoria en las armas. Por un lado está el modificador de precisión; en Saros, la gran mayoría de armas tienen un apuntado semi-automático, de manera que no hace falta apuntar de forma exacta al enemigo para acertarle. Sin embargo, las armas con el modificador de precisión, sustituyen ese semi-apuntado por una mayor potencia de fuego.

Y luego están las armas corruptas, cuyo daño aumenta a medida que lo hace la corrupción de los proyectiles amarillos que nos afecta. En otras palabras: en Saros, como en todo buen roguelike o roguelite, estamos continuamente tomando decisiones y sopesando ventajas frente a inconvenientes. Porque también hay artefactos corruptos, similares a los parásitos de Returnal. Y en todos los niveles se puede activar un eclipse que, además de cambiar el escenario, complica bastante las cosas, pero también abre nuevos caminos. Decisiones, decisiones y más decisiones.

Como en Returnal, también hay una serie de habilidades permanentes que nos invitan a revisitar niveles para acceder a localizaciones que antes eran inalcanzables. No todas son habilidades de desplazamiento, pero las que sí lo son dan lugar a secciones de plataformeo tan espectaculares como desafiantes. De hecho, no sé qué esperan en Housemarque para hacer un juego de plataformas.

Y como no podía ser de otra manera, todas estas mecánicas jugables, con una filosofía tan arcade, explotan durante los combates contra jefes. Si habéis jugado a Returnal ya sabéis que ese era uno de los puntos fuertes de la aventura y me complace poder decir que en ese aspecto, Housemarque no ha defraudado ni un ápice: Saros tiene algunos de los mejores combates contra jefe que he vivido en esta generación de consolas. Son un festival de balas con el que Saros se gana a pulso la etiqueta bullet hell, su puesta en escena es un espectáculo que va in crescendo con cada fase y requieren un dominio y unos reflejos que nos hacen sentir como auténticos dioses del mando.

Eso sí, hay algo que me ha descolocado un poco: pese a que el número de jefes de Saros es mayor que el de su predecesor, hay un par que son un bajón importante respecto a los demás. El propio juego es consciente de esto, pues ni siquiera los presenta con una escena de vídeo, pero resulta llamativo que aun así los traten como jefes de final de fase. En cualquier caso y, como ya digo, Saros va sobrado de jefes espectaculares, así que tampoco lo considero un gran problema.

Y ya que hablamos de espectáculo y puesta en escena, hablemos ahora del apartado audiovisual de Saros. Y aquí también se puede apreciar que Housemarque es un estudio con raíces arcade que prioriza la jugabilidad por encima de cualquier cosa, pues no temen sacrificar la calidad de los modelos de los personajes, para poner en pantalla cientos de elementos moviéndose al mismo tiempo sin que el framerate se resienta lo más mínimo.

Y ojo, porque aun no siendo el juego más puntero del catálogo de PS5, he quemado el botón de hacer capturas con Saros. La culpa la tiene sin ninguna duda la dirección artística, especialmente en lo relativo a los escenarios. Porque además de tener biomas muy variados, el juego nos deja continuamente con impresionantes vistas de paisajes alienígenas siempre rematados por un eclipse de una belleza aterradora.

Saros también saca gran partido de todas las características de PS5: prácticamente no tiene tiempos de carga, ni al iniciar partida ni al cambiar de escenario, y los gatillos adaptativos cuentan con dos niveles de presión muy bien implementados para los distintos tipos de disparo.

¿Es difícil Saros?

Saros es un juego bastante complicado. No incluye niveles de dificultad, aunque sí opciones de accesibilidad para facilitar las cosas a quienes lo necesitan (por ejemplo, es posible cambiar el color de los diferentes tipos de proyectiles).

Y dado que es difícil y es un roguelite, se muere muy a menudo, especialmente frente a los jefes, que nos obligan a conocer bien los patrones de ataque de cada una de sus fases para lograr derrotarlos... lo cual suele requerir unas cuantas partidas.

Pero diría que Saros es algo más sencillo que Returnal, seguramente debido al apuntado semi-automático y a las mejoras permanentes que se pueden desbloquear para fortalecer las estadísticas del personaje.

Insisto en que aun así es un juego complicado, pero si no os parece suficiente, Saros también cuenta con un sistema de modificadores carcosianos que nos permiten activar ventajas y desventajas para cambiar las reglas de la partida y complicar las cosas a niveles extremos.

¿Cuántas horas dura la historia de Saros?

Depende mucho de nuestra habilidad a los mandos, pero diría que completar Saros puede llevar entre 15 y 20 horas. En mi caso ha estado más cerca de las 20.

Pero una vez completada la historia todavía quedan cosas por hacer: hay un gran número de coleccionables que aportan contexto y trasfondo narrativo, ayudando a entender mejor lo que sucedió en Carcosa antes de la llegada de Arjun.

Saros también incluye un post-juego que nos invita a seguir echando partidas una vez concluida la historia, así que si queréis hacerlo y verlo todo, podéis sumarle unas 10 horas más.

Y lo más importante de todo: es un roguelite, así que incluso cuando ya no tiene nada nuevo que ofrecer, su jugabilidad arcade y mecánicas aleatorias invitan a echarse una partidita tonta de vez en cuando.

Precio y plataformas diponibles

Saros se pone a la venta el 30 de abril por un precio recomendado de 79,99€ tanto en edición física como digital.

También se encuentra disponible una Edición Digital Deluxe que incluye el juego, la armadura Astra, la armadura Onryo, la armadura Midgard y acceso anticipado de 48 horas por un precio de 89,99€.

El día que Ícaro voló cerca del sol... y vivió para contarlo

Cuando empecéis a jugar a Saros, vais a pensar «esto es igual que Returnal». Y no nos vamos a engañar: Saros se podría haber llamado Returnal 2 sin ningún problema.

Personalmente, habría preferido que Housemarque hiciese algo diferente, en lugar de un juego que es una secuela de su último trabajo en todo menos en nombre.

¿Es eso malo? En absoluto. Returnal es de esos juegos que te dejan un sabor de boca que va mejorando con el paso del tiempo (y, con suerte, Saros también), así que estar ante una secuela es muy bueno.

Aun así, siento que Saros se queda por debajo en ciertos aspectos. El principal problema tiene que ver con su historia y narrativa. Vaya por delante que me gusta la historia de Saros y cómo está contada, incluso aunque se pierda el misterio y la sensación de soledad que tenía Returnal. Pero esta clase de historia y narrativa no encajan con un juego tan... videojuego. Tan arcade. Tan de pegar tiros y ganar puntos.

Y precisamente en lo que a jugabilidad se refiere, Saros hace que Returnal parezca una beta.

No vais a encontrar un juego de disparos en tercera persona con mecánicas mejor diseñadas, ni en esta generación... ni seguramente en ninguna otra.

Y, al final, eso es lo que más valoro de Saros; que jugablemente es una absoluta maravilla. Así que se podría decir que Housemarque ha volado cerca del sol y no sólo no se han quemado, sino que le han hecho un parry al propio sol.

Esta tercera entrega (para nosotros segunda, pues el original para Nintendo DS nunca salió de Japón) nos propone gestionar una isla habitada por Mii, los simpáticos avatares que nacieron en Wii.

Así dicho puede no sonar muy distinto de Animal Crossing, pero en Tomodachi Life las interacciones entre los Mii son las grandes protagonistas, regalándonos momentazos tan surrealistas como desternillantes.

Tras haber pasado un buen puñado de horas en la isla viviendo una vida de ensueño, en este análisis os contamos todo lo que necesitáis saber y si merece la pena darle una oportunidad.

El análisis de Tomodachi Life: Una Vida de Ensueño para Nintendo Switch de HobbyConsolas:

• El gameplay de Tomodachi Life: Una Vida de Ensueño
• Nivel de dificultad de Tomodachi Life: Una Vida de Ensueño
• ¿Cuántas horas de juego dura Tomodachi Life: Una Vida de Ensueño?
• Cuánto cuesta Tomodachi Life: Una Vida de Ensueño y dónde puedes jugarlo
• La opinión de HobbyConsolas de Tomodachi Life: Una Vida de Ensueño
• Nota: lo mejor y lo peor de Tomodachi Life: Una Vida de Ensueño

Jugabilidad y gameplay de Tomodachi Life: Una Vida de Ensueño en Nintendo Switch

Tomodachi Life: Una Vida de Ensueño nos convierte en los responsables de gestionar una isla y las vidas de sus habitantes.

Representados por un par de manos humanas (cuyo aspecto podemos personalizar), debemos ir añadiendo nuevos Mii y hacer todo lo posible para tenerlos contentos: desde remodelar la isla... hasta interferir en sus relaciones personales.

Así que empecemos hablando, cómo no, de los Mii. Podemos crearlos de cero o importar los que ya tengamos en nuestra Nintendo Switch, aunque siempre merece la pena darles unos retoques mediante el editor de Mii del propio juego, pues incluye numerosas novedades de personalización.

No busca ser el editor más completo y profundo del mundo, pero hay suficientes opciones para que los fans más mañosos puedan hacer auténticas virguerías (como ya han demostrado gracias a la demo). Y es tan sencillo e intuitivo, que hasta alguien negado para estas cosas como yo se atreve a crear sus propios Mii con resultados bastante decentes.

Una de las novedades de Tomodachi Life: Una Vida de Ensueño respecto a sus predecesores es que el género de los Mii puede ser masculino, femenino o no binario, mientras que el interés romántico puede ser cualquiera de ellos... o todos.

Es una buena prueba de cómo han cambiado los tiempos y, en particular, de cómo ha evolucionado Nintendo en políticas de género. De ser criticados por no incluir relaciones del mismo género en el Tomodachi de 3DS... a dar rienda suelta al amor libre para todos, todas y todes. Y el juego gana enteros de esa manera.

Porque no nos engañemos: a Tomodachi Life se viene por el salseo. La gracia del juego es crear a amigos, compañeros de trabajo, personajes de ficción, famosos, etc. y ver qué pasa cuando los juntas en una isla. Los Mii pueden forjar amistades de por vida, irse a vivir juntos, discutir, enfadarse, enamorarse, envejecer o incluso tener hijos.

Ahí es donde encontramos otra novedad importante de esta entrega, y sin duda la que los fans más van a agradecer: mientras que en otros Tomodachi las interacciones entre los Mii eran fruto del azar, en Una Vida de Ensueño podemos participar activamente en el proceso.

El ejemplo más básico es coger a un Mii (literalmente) y llevarlo junto a otro para que entablen conversación y se conozcan, pero hay muchas otras interacciones que podemos "forzar" para que la relación se desarrolle. Ahora bien, eso no garantiza que nuestro "shippeo" favorito llegue a buen puerto.

Porque cada Mii tiene una personalidad (que nosotros decidimos al crearlos ajustando una serie de aspectos), y podemos afinarla aún más regalándoles peculiaridades al subir de nivel, que van desde muletillas al hablar hasta elegir la forma en que saludan, caminan o comen.

Todo esto ya es de por sí realmente divertido; nada como ver a dos personas conocidas comportándose como lo harían en la vida real o hablando sobre un tema de conversación que nosotros hemos introducido. Por poner un ejemplo, en mi isla Miyamoto y Aonuma se hicieron amigos hablando sobre The Legend of Zelda.

Pero, además, el juego se las apaña para hacer que nos partamos de risa poniendo a los Mii en situaciones cada cual más surrealista que la anterior. Es un juego desternillante, nos hemos reídos a carcajadas.

También tiene un ritmo fantástico, pues constantemente estamos desbloqueando novedades, tanto relacionadas con los Mii y su personalización, como con la propia isla. A esto también hay que sumarle los diferentes tipos de minijuegos que los Mii nos proponen de vez en cuando. O los sueños, que de nuevo son puro surrealismo. Vamos, que es difícil aburrirse en Tomodachi Life: Una Vida de Ensueño.

Además, para evitar que nos agobiemos con el elevado número de opciones al que tenemos acceso y para que vayamos probando cosas nuevas, son los propios Mii quienes nos "guían" con sus solicitudes. Está muy bien pensando.

En cuanto a las opciones relativas a la isla, este nuevo Tomodachi Life también trae varias novedades, siendo la principal la posibilidad de alterar y personalizar la forma de la isla. Igual que sucede con los Mii, es un proceso realmente sencillo que realizamos "pintando" sobre una cuadrícula. E igual que sucede con los Mii, es probable que no tardemos en ver auténticas obras maestras de la arquitectura virtual de la mano de los jugadores más habilidosos.

Es una decisión incomprensible, eso sí, que no se lance una Nintendo Switch 2 Edition de Tomodachi Life: Una Vida de Ensueño, pues es la clase de juego que aprovecharía a las mil maravillas la funcionalidad del modo ratón.

Sí aprovecha la pantalla táctil para ciertas cosas (como la creación/edición de Mii), pero a la hora de personalizar la isla o de crear maquillajes y diseñar objetos, donde se utiliza un editor estilo "Paint", el modo ratón habría facilitado muchísimo las cosas.

Esto nos lleva a hablar también del apartado audiovisual, que no es uno de sus puntos fuertes. Y vaya por delante que tampoco es su intención, pues el encanto del juego está en sus diseños sencillos y caricaturescos, pero se antoja extraño jugar a un título tan poco exigente desde un punto de vista gráfico que no llega a los 60 fps, sentimiento que se refuerza si lo jugamos en Nintendo Switch 2.

Dentro de la parcela sonora, lo que más destaca sin duda son las voces, generadas de manera artificial con un sistema de texto a voz. En cualquier otro juego esto sería una cutrez, pero se trata de una seña de identidad de los Tomodachi y uno de los motivos que hacen que los Mii tengan tantísima personalidad. Además, y como todo, podemos alterar distintos aspectos, como el tono o la cadencia, hasta encontrar lo que buscamos para cada personaje.

¿Es difícil Tomodachi Life: Una Vida de Ensueño?

Dado la clase de juego que es, no podemos hablar en términos de dificultad sobre Tomodachi Life: Una Vida de Ensueño.

Aquí no hay desafíos a superar ni partes en las que nos vayamos a quedar atascados por no ser lo suficientemente hábiles; el progreso se realiza simplemente jugando, interactuando con los Mii y llevando a cabo acciones en la isla.

Es un juego pensado para trastear y observar y, como tal, tampoco cuenta con niveles de dificultad.

¿Cuántas horas dura la historia de Tomodachi Life: Una Vida de Ensueño?

De la misma manera, también es complicado hablar sobre duración con Tomodachi Life: Una Vida de Ensueño. Es decir, el juego tiene unos créditos como tal, es posible llegar a desbloquear absolutamente todo y no tener nada nuevo que hacer.

Pero, como decía hace varios párrafos, aquí la gracia es el salseo. Ver cómo hacen su vida los Mii, interferir para ver sus reacciones, relacionarlos con otros personajes... Si lo vemos así, Tomodachi Life: Una Vida de Ensueño es un juego infinito.

E incluso si nos cansamos, podemos traer nuevos Mii a la isla para darle alegría y alterar por completo las relaciones. Un poco de salseo nunca mató a nadie.

Precio y plataformas disponibles

Tomodachi Life: Una Vida de Ensueño se lanza para Nintendo Switch el próximo 16 de abril a un precio de 59,99€ tanto en formato físico como digital.

Como explicábamos antes, se trata de un juego nativo de la primera Nintendo Switch. Por ahora, no se ha anunciado una versión mejorada para Nintendo Switch 2 y, si lo jugamos en esta consola, no vamos a notar ningún tipo de cambio o mejora (salvo que activemos la recién añadida opción "mejora del modo portátil" que permite jugar a los juegos de Switch 1 en modo portátil como si estuviésemos en TV).

Tomodachi significa amigo, amiga o amigue

Es bastante obvio, pero Tomodachi Life: Una Vida de Ensueño es un juego para un tipo muy concreto de jugadores. Porque aun siendo un simulador social y teniendo unos cuantos elementos en común, no es la clase de juego que podrías recomendarle a ciegas a un amante de Animal Crossing.

¿Para quién es, entonces, Tomodachi Life: Una Vida de Ensueño? Pues para quienes disfrutan más con la faceta social: contemplando cómo las relaciones se crean y se desarrollan (o destruyen) dentro de un entorno en el que (casi) todo es posible.

Supongo que en Nintendo lo saben, porque no deja de ser extraño que se ponga a la venta poco después de Pokémon Pokopia y no mucho después de la actualización para Switch 2 de Animal Crossing: New Horizons, ambos juegos con un público objetivo muy similar pero, como ya digo, también muy diferente.

Así que esto es muy sencillo: ¿os mola la idea de jugar a ser dioses con las relaciones de vuestros amigos y queréis echaros unas buenas risas mientras lo hacéis? ¿Queréis ver al Tío Bruno y a Choche casándose en una ceremonia oficiada por Dani Quesada? Pues entonces no busquéis más: aquí está vuestro nuevo juego favorito.

Sin embargo, desde hace ya unos años (más concretamente desde 2022, cuando Square Enix vendió Cristal Dynamics y Eidos a Embracer) se ha estado fraguando un regreso de entre los no-muertos.

El primer paso fue la remasterización de Soul Reaver y Soul Reaver 2 por obra y gracia de Aspyr, en 2024. Y el segundo, hace escasas semanas, fue la remasterización de la ya mencionada última entrega de la saga, Legacy of Kain: Defiance.

Y ahora, 23 años después, estamos al fin ante un juego completamente nuevo dentro de la saga: Legacy of Kain: Ascendance. Tras haberle hincado el diente, os contamos si se trata de una resurrección a la altura de la saga.

El análisis de Legacy of Kain: Ascendance para PS5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch, Nintendo Switch 2 y PC de HobbyConsolas:

• El gameplay de Legacy of Kain: Ascendance
• Nivel de dificultad de Legacy of Kain: Ascendance
• ¿Cuántas horas de juego dura Legacy of Kain: Ascendance?
• Cuánto cuesta Legacy of Kain: Ascendance y dónde puedes jugarlo
• La opinión de HobbyConsolas de Legacy of Kain: Ascendance
• Nota: lo mejor y lo peor de Legacy of Kain: Ascendance

Jugabilidad y gameplay de Legacy of Kain: Ascendance en PS5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch, Nintendo Switch 2 y PC

Antes de empezar, es importante aportar algo de contexto para entender algunas de las decisiones (argumentales, principalmente) de Legacy of Kain: Ascendance.

En 2024, se abrió un Kickstarter para ayudar a financiar una novela gráfica dentro de este apasionante universo. Bautizada como Legacy of Kain: Soul Reaver - The Dead Shall Rise, actuaría como precuela para el primer Soul Reaver.

Sin embargo, cuando el cómic (en versión digital) llegó a las manos de los fans, fue una gran decepción para muchos: en lugar de centrarse en Kain, Raziel o cualquiera de los personajes ya establecidos, su historia gira en torno a a Elaleth, un personaje completamente nuevo... y la hermana de Raziel.

Pero el verdadero problema es que el cómic reescribe la historia (en ocasiones, contradiciendo el canon original de los juegos) para introducir a Elaleth en varios puntos de la narrativa, convirtiéndola en la responsable de algunos de los momentos más icónicos de toda la saga. Reconozco que no he leído el cómic, pero puedo entender perfectamente por qué hay tanta gente cabreada con el personaje de Elaleth.

Esto no parece haber intimidado a Crystal Dynamics, porque lejos de echarse para atrás, en Legacy of Kain: Ascendance nos cuentan de nuevo los orígenes de Raziel, desde su pasado como guerrero Sarafan hasta su transformación en vampiro por los colmillos de Kain... pero con la presencia de su hermana en muchos pasos del camino, dándole un nuevo enfoque (y significado, en muchos casos) a la historia.

Siendo justos, Ascendance hace un buen trabajo a la hora de introducir a Elaleth y hacerla partícipe de los acontecimientos clave de la saga (aunque de primeras y, sin haber leído el cómic, se echa en falta algo más de contexto). La trama no es perfecta y preferiría que los nuevos guionistas hubiesen optado por contar una historia nueva en lugar de enredar el canon original, pero tampoco puedo decir que me haya dejado mal sabor de boca.

En lo jugable, Legacy of Kain: Ascendance también propone algo diferente: se trata de un juego de acción con desplazamiento horizontal y gráficos pixel-art. Hoy en día la gran mayoría de juegos con esta propuesta son metroidvanias, pero Ascendance apuesta por un desarrollo muy clásico en todos los sentidos, con niveles lineales que debemos superar en orden.

Y precisamente, Legacy of Kain: Ascendance es un juego que pedía a gritos apostar por el estilo metroidvania. Es decir, hablamos de una saga de vampiros (*ejem* Castlevania *ejem*) con varios juegos que, a grandes rasgos, son metroidvanias en 3D (especialmente el primer Soul Reaver).

Aun así, este desarrollo tan clasicote, con niveles y coleccionables, no me ha disgustado en absoluto porque Legacy of Kain: Ascendance se apoya principalmente sobre la acción y la narrativa, y en esos dos aspectos hace las cosas bastante bien.

El combate es uno de los puntos fuertes de la aventura, adaptando al entorno 2D la acción de los juegos 3D. De esta manera y, dependiendo de a qué personaje controlemos, muchos de los enemigos deben ser rematados con el botón triángulo para derrotarlos definitivamente.

Porque aún no lo he dicho, pero en Legacy of Kain: Ascedance controlamos a cuatro personajes diferentes: Elaleth, Raziel (guerrero Sarafan), Kain y Raziel (vampiro). Y dependiendo de a quién controlemos, la jugabilidad cambia: en el caso de los vampiros, su salud se va reduciendo poco a poco, así que debemos absorber la sangre de los enemigos para que la sed no nos consuma. Además, cada uno tiene sus particularidades: por ejemplo, Elaleth puede volar, mientras que Kain puede atravesar paredes.

Por su parte, Raziel (cuando todavía es humano) debe quemar a los vampiros enemigos para que no resuciten y puede utilizar un poderoso ataque de fuego para ventilarse a unos cuantos de golpe.

Las sensaciones a los mandos son bastante buenas; el combate es satisfactorio y, dado que es un juego muy corto (luego hablamos de esto), no hay tiempo para que se haga tedioso o repetitivo. Ahora bien, hay algunas decisiones de control inexplicables que ensombrecen la experiencia, como hacer que el personaje se detenga cuando atacamos en el aire o la sensación de caminar constantemente sobre hielo.

Curiosamente, en ciertos puntos de la aventura, el juego cambia completamente de tercio y nos muestra a los personajes con gráficos 3D imitando el estilo de los juegos de la primera PlayStation. Ahora bien, no esperéis una jugabilidad similar; estas fases son una suerte de puzles con mucho énfasis en la narrativa.

Y, como decía antes, ese es el otro aspecto destacable de Legacy of Kain: Ascendance: es un juego muy narrativo, con muchos diálogos que conservan esa escritura tan dramática y teatral de los originales y un buen puñado de coleccionables que inciden en el lore de Nosgoth.

Al tratarse de un juego de acción 2D, estos momentos tan narrativos pueden romper el ritmo de la aventura. Pero si sois fans de este universo, seguramente lo vais a saber apreciar.

También me gustaría destacar tanto la traducción al español, que adapta muy bien el lenguaje y las expresiones utilizadas, como las voces y la banda sonora.

En el caso de las voces, han traído de vuelta a algunos de los principales actores y actrices de doblaje de los juegos originales, como Michael Bell (Raziel), Simon Templeman (Kain), Anna Gunn (Ariel) y Richard Doyle (Moebius). Nosotros siempre recordaremos su doblaje al castellano, pero las interpretaciones de los actores ingleses fueron (y son) magníficas. Así que escucharlos en un juego nuevo es una maravilla.

Y la banda sonora me ha sorprendido muy gratamente, pues logra combinar con mucho acierto el característico estilo de Soul Reaver con sonidos más rápidos y modernos que encajan mejor con este tipo de juego. No hay muchas melodías, pero las que hay son todas tremendamente épicas.

No puedo decir lo mismo del apartado gráfico, que cumple sin más. En los últimos años, el listón del pixel-art se ha elevado por las nubes, así que choca ver el bajo nivel de detalle y las animaciones poco trabajadas de Legacy of Kain: Ascendance.

¿Es difícil Legacy of Kain: Ascendance?

Legacy of Kain: Ascendance cuenta con cinco niveles de dificultad: historia, fácil, normal, difícil y pesadilla. Jugando en la dificultad normal es un juego desafiante, en el que se muere a menudo. Aunque esa dificultad es otro de los motivos que le dan un sabor tan añejo.

Y si morir muchas veces no es lo vuestro, el nivel de dificultad "historia" os permite jugar sin sufrir daño para poder disfrutar de la trama sin complicación alguna.

¿Cuántas horas dura la historia de Legacy of Kain: Ascendance?

Llegamos al que sin duda será el punto más polémico de Legacy of Kain: Ascendance: su duración. El juego se puede completar de principio a fin en unas 3 horas, incluso menos si sois hábiles a los mandos.

Hay algún coleccionable y objetos ocultos en los niveles, pero no se trata de un título especialmente rejugable salvo que queráis probar nuevos niveles de dificultad o, simplemente, volver a disfrutar de la historia.

Esto tiene su explicación o... al menos, eso creo. Pero os lo cuento en el siguiente apartado.

Precio y plataformas disponibles

Legacy of Kain: Ascendance se lanza el 31 de marzo de 2026 para PS5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch, Nintendo Switch 2 y PC a un precio recomendado de 19,99€.

Ahora bien, si os hacéis con la Colección Corazón de la Oscuridad de Legacy of Kain: Defiance Remastered (44,99€), se incluye Ascendance como extra.

En ningún momento lo han promocionado como tal (tampoco lo han promocionado mucho, que digamos...), pero me da la impresión de que Legacy of Kain: Ascendance es un juego pequeño y de bajo presupuesto pensado más como extra para quienes compren la remasterización... que como el ansiado regreso de la saga.

La moneda cae de canto

Tengo sentimientos encontrados con Legacy of Kain: Ascendance. Creo que la saga se merecía mucho más. Incluso aunque sea un proyecto pequeño, se podría haber hecho un juego de este estilo con muchísima más calidad.

Estamos hablando de una saga que necesita por todos los medios captar la atención de nuevo público para sobrevivir, y un título tan pobre en la mayoría de aspectos no le va a hacer ningún bien. Teniendo en cuenta la popularidad del género metroidvania, lo tenían cantado para hacer algo mucho más interesante y llamativo.

Y eso por no hablar de que el precio se antoja elevado teniendo en cuenta su escasa duración y demás aspectos.

Pero, al mismo tiempo, no puedo evitar alegrarme de volver a este universo. De ver nuevo material de este universo. Y de volver a escuchar esas voces tan icónicas (en el caso de Michael Bell hablamos de una persona de 87 años que vuelve para prestarle su voz a Raziel).

Soy consciente de que me estoy conformando con migajas, de que esto se podría haber hecho mil veces mejor y de que la saga Legacy of Kain merece mucho más... pero voy a elegir pensar que esto es sólo un nuevo paso hacia un futuro donde tendremos una nueva entrega como dios manda.

Pero el pasado 18 de marzo a las 23:00, exactamente 24 horas antes de que se pusiese a la venta, terminó el embargo y muchos medios de prensa y streamers publicaron sus análisis tras jugarlo en profundidad.

Las reacciones fueron dispares: algunos lo calificaron como una obra maestra, mientras que otros lo consideraron un juego irregular. En estos momentos, tiene una nota media de 78 en Metacritic.

A mí me tocó analizarlo para esta santa casa y me pareció un juego con muchísimo potencial, pero lastrado por un gran número de problemas (control, historia, narrativa, puzles, jefes...) que lo alejan de la excelencia. Os dejo por aquí mi análisis de Crimson Desert por si le queréis echar un ojo.

Sin embargo, a los pocos días de ponerse a la venta, las reacciones del público han sido muy diferentes: basta con darse una vuelta por Twitter para encontrarse con comentarios de usuarios que están disfrutando enormemente del juego, preguntándose cómo es posible que la prensa lo calificase tan mal o asegurando que nunca hay que fiarse de los análisis y sus notas.

A esto hay que sumarle los comentarios de ciertos streamers, que han echado leña al fuego diciendo cosas como que Crimson Desert es un juego "anti-prensa" porque somos malísimos jugando y vamos deprisa y corriendo para sacar los análisis cuanto antes.

Y después de varios días leyendo muchos comentarios bastante feos, algunos dirigidos directamente hacia mí, se me han hinchado las... yemas de los dedos y creo que tengo que aclarar unas cuantas cosas. Dará exactamente igual lo que diga, porque la gente seguirá pensando que "prensa mala", pero si al menos sirve para que una sola persona entre en razón, me doy con un canto en los dientes.

Empecemos por lo básico: el Crimson Desert al que estáis jugando, no es el Crimson Desert al que jugamos en el análisis.

Pearl Abyss montó un servidor de Discord en el estaban metidas todas las personas encargadas de analizar el juego. La idea era que se utilizase en caso de quedarnos atascados o tener problemas técnicos, pero a los pocos días eso era prácticamente un foro en el que la gente compartía sus opiniones sin ningún tipo de filtro, quejas sobre el diseño del juego incluidas.

Lo bueno es que, a raíz de eso, y viendo que muchos de los que estábamos en el Discord nos quejábamos de aspectos en común, como la dificultad de ciertos jefes, los problemas de espacio en el inventario o la escasez de puntos de viaje rápido, Pearl Abyss lanzó un parche que corregía algunos de esos problemas EN MITAD del proceso de análisis. Llevo más de doce años analizando videojuegos y nunca había visto nada igual.

Después de la publicación de los análisis y coincidiendo con el lanzamiento, llegó otro parche que añadió incluso más mejoras y cambios. Pensaréis que no puede haber cambiado tanto, pero tras haber realizado el análisis en PC, ahora he empezado una partida en PS5 y siento que estoy jugando a otro juego.

La cantidad de mejoras de calidad de vida respecto a lo que jugué hace unas semanas es enorme. Por poner un ejemplo, en la partida de review, para poder viajar rápidamente al campamento había que superar una serie de pasos de lo más enrevesados. Tanto, que una de las primeras guías de Crimson Desert que publicamos fue la de cómo desbloquear el viaje rápido al campamento. Pero ahora, tras la última actualización, tenéis un conveniente punto de teletransporte junto al campamento que podéis desbloquear como cualquier otro. No sois conscientes de la cantidad de paseos tontos que os habéis ahorrado. De nada.

Pero lo que ha hecho que me lleve las manos a la cabeza ha sido el Demonio del Juncal. Se trata de uno de los primeros jefes de la aventura y uno de los que más dolores de cabeza (y manos) nos dio a quienes analizamos Crimson Desert. Yo conseguí derrotarlo gastando una cantidad absurda de píldoras de palmera (las "vidas" de Crimson Desert), pero me pareció un combate frustrante y mal diseñado, especialmente la segunda fase.

Hoy he llegado a ese enfrentamiento en PS5 y... Digamos que ahora entiendo por qué tanta gente dice "pues Crimson Desert no es tan difícil como aseguraban los análisis". La segunda fase original del combate era un asco, había que derribar cuatro tótems mientras el demonio y sus clones no te dejaban respirar; no importaba cuánto esquivases o bloqueases, te atacaban y tiraban al suelo constantemente. Ahora, sin embargo, puedes evitar sus ataques fácilmente y completar la fase sin despeinarte.

Otro ejemplo: poco después de derrotar al Demonio del Juncal, hay que solucionar un rompecabezas para un enano. Es algo realmente sencillo: debes alinear tres símbolos en una torre para que el horno vuelva a funcionar. ¿Problema? En la versión que analizamos, al mover las ruedas en las que están grabados los símbolos, había que alinearlos de manera exacta; si uno de los símbolos estaba desviado medio milímetro... no obtenías respuesta alguna del artefacto. Fue exactamente lo que me pasó a mí, así que di por hecho que antes de poder hacer eso debía resolver los demás puzles que hay en la zona. Estuve más de dos horas dando vueltas y probando cosas, hasta que uno de los miembros de Pearl Abyss consiguió ayudarme.

Hoy he probado eso mismo en PS5, con el juego actualizado a la última versión, y cuando los símbolos pasan por el punto central, la rueda se detiene y escuchas un sonido característico.

Seguramente estéis pensando que soy un quejica. Es una lástima que no se pueda "downgradear" Crimson Desert a la versión que analizamos, porque quizás así entenderíais por qué a muchos nos dejó un sabor de boca agridulce. Y también puede que así, en vez de reíros de mi habilidad a los mandos, descubráis que el agarre que hacen los enemigos (ese que requiere un QTE para zafarse) era un mierdón antes de que lo cambiasen. De nuevo: de nada.

Y que no se me malinterprete: creo que es fantástico que estén escuchando todas las quejas y actuando a la velocidad del rayo para pulir Crimson Desert al máximo.

Sólo hay un pequeño problemilla: mi análisis y el de muchas otras personas ha quedado obsoleto. Es más, alguien que no esté informado sobre el tema y lo lea ahora, puede pensar que mentí, que me lo inventé o que directamente no he jugado.

No es el primer juego que cambia drásticamente mediante parches (cómo olvidar Cyberpunk 2077 o la nueva versión de Starfield), pero la rapidez con la que ha sucedido en el caso de Crimson Desert ha evidenciado que existe un problema con los análisis.

Y muchos pensaréis: "sacad los análisis más tarde y listo". En primer lugar, desde una perspectiva puramente analítica es un suicidio y, en segundo, ¿cuándo estamos completamente seguros de que un juego está terminado? En todo caso y, aunque suponga un esfuerzo extra, lo más viable sería publicar un "reanálisis" pasado un tiempo.

Al final, el verdadero problema son los usuarios, streamers, pseudo-influencers y regurgitadores de contenido que han aprovechado la tesitura para echar mierda sobre el trabajo de las personas que analizamos Crimson Desert. Porque, seamos honestos, está de moda criticar a la prensa. Señalar al que hace un análisis y decir que "es un manco" o "no tiene ni puta idea" genera clicks; el odio genera interacciones.

La realidad es que en prensa estamos tan especializados como el que más. ¿Acaso hace falta recordar que nos pasamos al jefe final del DLC de Elden Ring antes de que lo parcheasen porque los jugadores se quejaron? Y en cuanto a lo de "jugáis deprisa y corriendo", lógicamente no puedo hablar por todo el mundo, pero cualquiera que me conozca un poco sabe que soy la antítesis de eso. Incluso cuando juego para analizar, que se supone que tienes que ir más rápido, me paro a oler las flores y a hacer todas las secundarias. Siempre que comparo tiempos con otros colegas del gremio, mis contadores superan por mucho los de los demás. Así que a otro con esos cuentos.

Al final, todo este asunto sólo ha servido para demostrar la inmadurez que sigue habiendo en esta industria, así como el inmenso ego que tienen muchos usuarios, incapaces de tolerar las opiniones que no encajan con las suyas. Y mientras la industria y su público no maduren, no podemos pretender que los videojuegos se consideren un arte.

Si os gusta explorar y sois afortunados, cabe la posibilidad de que os topéis con estas armas sin ayuda alguna. Pero si sois de los que quieren hacerlo y verlo todo o, simplemente, queréis que no haya ningún jefe capaz de toseros en Crimson Desert, habéis venido al lugar adecuado.

En esta guía, vamos a explicaros cómo conseguir cinco de las mejores espadas de Crimson Desert a los pocos minutos de empezar a jugar. Vamos allá.

Cómo conseguir 5 de las mejores espadas de Crimson Desert al principio del juego

1. Espadón de Balton

Si os gustan las espadas grandes y tradicionales, podéis conseguir el Espadón de Balton prácticamente en cuanto os suelten en Hernand.

Lo único que debéis hacer es ir hasta el puesto comercial de la Hoja Dorada, situado al sur de la ciudad, y buscar en los alrededores un altar (esos en los que suele haber un artefacto del abismo).

Entre las ofrendas, encontraréis este fantástico espadón a dos manos.

2. Semblante vacuo

¿Os gustan las katanas? Pues entonces esto os interesa. Dirigíos al sur, hasta la zona donde tiene lugar el enfrentamiento contra el Demonio del Juncal, y buscad una cascada al Este.

Por si no lo sabéis, muchas cascadas de Crimson Desert esconden secretos al otro lado; un pequeño pilar de piedras frente a la cascada es la señal de que al otro lado espera un tesoro. Para atravesar la cascada, eso sí, debéis ejecutar el movimiento Apuñalar (R1 + Triánulo en PS5) para atravesar el torrente de agua.

En el caso que nos ocupa, tras atravesar la cascada, llegaréis a una pequeña cueva con un cofre. En su interior os espera semblante vacuo, una espectacular katana y una de las mejores armas de Crimson Desert.

3. Gladius de legionario

Y si os va el estilo romano, justo al norte de Hernand podéis conseguir la increíble gladius de legionario.

Lo único que debéis hacer es dirigiros a la localización que señalamos en el mapa y resolver un sencillísimo puzle para abrir la puerta.

¿De verdad necesitáis que os digamos la solución? Vaaaale, está bien: debéis encender las dos velas que sujeta la estatua (manteniendo pulsado cuadrado estando cerca de cada una) y voilà! la puerta se abrirá y podréis recoger esta increíble espada.

4. Espada hwando

La siguiente espada es probablemente la que más rápido podéis conseguir al empezar a jugar, pero vais a tener que recurrir al hurto... Pero a quién queremos engañar; robar en Crimson Desert es tan sencillo y tiene tan pocas repercusiones, que sería una tontería no hacerlo.

Dirigíos a la mansión Emblema de león, en la parte norte de la ciudad de Hernand. Concretamente, a la armería que se encuentra a mano izquierda (mirando desde la puerta de entrada principal).

Los guardias no os dejarán pasar, pero podéis colaros en su interior por cualquiera de las ventanas. Y tranquilos, porque aún haciéndolo delante de sus narices no dirán nada. Una vez dentro, buscad el cofre, poneos la máscara de ladrón y robad la flamante espada hwando.

5. Portador de la oscuridad

Hemos dejado para el final esta espada por dos motivos: el primero es que se trata de la más complicada de conseguir de la lista con bastante diferencia. Y el segundo... es que se trata indiscutiblemente de una de las mejores armas de todo Crimson Desert.

Para conseguir la espada Portador de la oscuridad, debéis ir hacia el norte. Y cuando decimos "ir hacia el norte", nos referimos a prácticamente alcanzar el punto más al norte de todo el mapa de Pywel.

Es desde luego un camino largo y arduo: vais a tener que recorrer muchos kilómetros a caballo, escalar montañas y esquivar zonas plagadas de enemigos de alto nivel. Aun así, llegar hasta el santuario de los eriales blancos donde espera la espada es relativamente fácil, e incluso un jugador que acabe de empezar puede lograrlo.

Una vez alcancéis el destino y, después de recuperar el aliento, lo único que tendréis que hacer es buscar un esqueleto gigante; no tiene pérdida.

En su boca, encontraréis la espada portador de la oscuridad, un temible espadón a dos manos del que no os vais a querer separar en todo el juego.

Y aunque en Crimson Desert hay una gigantesca variedad de sets de armas y armaduras con los que proteger y personalizar a Kliff al máximo, hay uno en concreto que seguramente vais a querer conseguir cuanto antes.

Se trata del set de placas de sombras gélidas, apodado cariñosamente como "armadura Nazgûl" por su parecido con las que visten los temibles seres de El Señor de los Anillos.

Conseguir esta armadura en Crimson Desert no es nada fácil, pero existe un método relativamente sencillo para conseguir muchas de sus piezas desde el inicio de la aventura. Vamos a verlo.

Cómo conseguir la armadura de placas de sombras gélidas y la lanza de almas en Crimson Desert

El método principal para hacerse con el set de placas de sombras gélidas en Crimson Desert consiste en superar una misión secundaria que culmina con el enfrentamiento contra un dificilísimo jefe, más complicado incluso que el jefe final de la historia.

Sin embargo, tres de las piezas de este set están también en Pywel, esperando a que las encontréis. Así que si queréis llevar las pintas de un Nazgûl desde el principio de la aventura, esto es lo que debéis hacer.

En primer lugar vamos a por las botas, que se encuentran en la cueva de Garrahelada, situada al Oeste de Hernand (la ciudad inicial del juego). Si seguís el río, no tendréis problemas para encontrarla, pero os dejamos su ubicación exacta en el mapa:

Esta cueva se encuentra tras una cascada; por si aún no lo sabéis, muchas cascadas de Crimson Desert esconden tesoros al otro lado, pero, para poder atravesar el torrente de agua, debéis realizar el movimiento Apuñalar (R1 + Triángulo en PS5). Aseguraos de estar lo suficientemente cerca de la cascada, o de lo contrario os quedaréis cortos y Kliff sufrirá daño.

Dentro encontraréis un cofre y, en su interior, el calzado de placas de sombras gélidas.

A continuación, vamos a buscar la capa. Para ello, debemos dirigirnos al norte, hasta las Ruinas de Hohenmark. Es buena idea llevar equipo y comida para resistir la escarcha, pues se trata de una zona donde las bajas temperaturas limitarán la resistencia de Kliff para correr y escalar. Podéis ver la ubicación exacta en el mapa a continuación:

Pero, en lugar de una cascada, ahora lo que debéis buscar es una suerte de edificio algo más alto que el resto de los que se pueden encontrar por la zona.

En el tejado de este edifico, veréis una sección que parece estar hecha de otro material; esto es en realidad una pared oculta. Sí, en Crimson Desert también hay paredes ocultas. Para descubrirlas, basta con apuntar con el farol y, al iluminarlas, veréis el símbolo de la naturaleza (la hoja) en color azul.

Esto también es una pista de lo que debéis hacer parar abrirla: agachaos justo encima de la pared y pulsad el botón de palmeo para que Kliff lo realice hacia abajo. De esta manera, la pared dará la vuelta y accederéis a una estancia secreta.

Dentro encontraréis un cofre y, en su interior, la capa de placas de sombras gélidas.

Y, en último lugar, vamos a por la armadura. Esta se encuentra no muy lejos de la capa, al norte de la ubicación anterior, cerca de la torre vigía del Monte Nieveterna.

Se trata de una ubicación tomada por enemigos que, si estáis al principio del juego, os pueden reventar (hablando mal y pronto), así que procurad evitarlos. Podéis ver la ubicación exacta en el mapa:

Lo bueno es que no tenéis que acercaros demasiado a la torre, así que los enemigos no podrán veros. Cerca de la torre, tenéis que buscar un saliente en el que hay una puerta cerrada y una antorcha apagada.

Como seguramente ya estáis imaginando, para abrir la puerta hay que encender la antorcha; basta con acercarse y mantener el botón Cuadrado (en PS5) para que Kliff chasqueé los dedos y salten chispas..

Tras la puerta os espera un cofre y, en su interior, la armadura de placas de sombras gélidas.

Desgraciadamente, tanto el casco como los guanteletes sólo se pueden conseguir derrotando el enemigo que mencionábamos al principio. Aun así, tener estas tres piezas de armadura desde el principio del juego va a facilitaros mucho las cosas (además de lucir un aspecto muy molón)

Pero, si queréis tener aún más pinta de Nazgûl, muy cerca de la última ubicación podéis encontrar una de las mejores lanzas de Crimson Desert, la lanza de almas.

Concretamente, se encuentra dentro de una cueva que hay justo donde está la "H" de Hernand. Esta es la localización exacta:

Ahora bien, os advertimos que esto va a ser más complicado. Porque, más que una cueva, se trata de un estructura de varios pisos plagada de enemigos de alto nivel.

La lanza de almas no tiene pérdida; se encuentra en el segundo piso del lugar. Podéis entrar corriendo, avanzar en línea recta, lanzaros al vacío y planear para llegar a su ubicación. Ahora bien, no podréis interactuar con la lanza hasta derrotar a todos los enemigos cercanos, así que si estáis al principio del juego, aseguraos de llevar suministros de comida y píldoras de palmera.

Con un poco de suerte y, si no llamáis la atención de muchos enemigos, podréis derrotarlos y haceros con la lanza de almas, una de las mejores armas de Crimson Desert.

Para quien no la conozca, la saga Tomodachi nació en Nintendo DS con un juego conocido como Tomodachi Collection que, desgraciadamente, nunca se lanzó fuera de Japón. Sí lo hizo su secuela, Tomodachi Life para Nintendo 3DS, que con su particular estilo logró conquistar a millones de jugadores.

Porque pese a que son simuladores sociales que nos permiten gestionar una isla, al más puro estilo Animal Crossing, la clave de la saga Tomodachi es que se centra en las relaciones entre los Mii, los simpáticos avatares de las consolas Nintendo. Algo como Los Sims, pero con un característico sentido del humor que da pie a situaciones (y relaciones) tan absurdas como desternillantes.

En estas impresiones, os contamos cómo han sido nuestras primeras horas de juego y os traemos los cotilleos más candentes.

Impresiones de Tomodachi Life: Una Vida de Ensueño para Nintendo Switch

Tomodachi Life: Una Vida de Ensueño nos convierte en el ¿responsable? ¿dirigente? ¿mandamás? ¿dios todopoderoso? de una pequeña isla en mitad del océano. Y, como tal, nuestra primera tarea consiste en poblarla con un Mii.

Podemos tanto importar los que tengamos almacenados en la consola, como crear los nuestros propios desde cero. El editor de Miis que incluye Tomodachi Life: Una Vida de Ensueño cuenta con bastantes más opciones de personalización que el editor básico, así que es buena utilizarlo incluso aunque ya tengamos alguno creado para afinar aún más su aspecto.

En este sentido, tenemos bastantes opciones: distintos de formas para la cara, cejas, ojos, nariz y labios, un montón de peinados diferentes, posibilidad de alterar el cuerpo y la altura, accesorios... Además, al crear al Mii, también tenemos que elegir su personalidad asignando puntos en diferentes facetas.

Aquí encontramos una novedad importante de Tomodachi Life: Una Vida de Ensueño respecto a las anteriores entregas: tanto al escoger sexo como interés romántico, podemos seleccionar entre hombre, mujer o no binario. Los anteriores juegos no permitían tener relaciones del mismo sexo, pero en esta entrega Nintendo se ha renovado por completo. Al escoger interés romántico, por cierto, también podemos seleccionar varios... o ninguno.

Con nuestro primer Mii ya en la isla, toca ponerse manos a la obra para tenerlo contento. Los Miis tienen distintos tipos de necesidades: pueden aburrirse o tener hambre, pero también les puede entrar hipo o caerse al suelo. Ahí es donde entramos nosotros y nuestras manos gigantes (cuyo aspecto también podemos personalizar), ayudando al Mii con sencillos pero entretenidos minijuegos.

Aquí hay que destacar los menús de Tomodachi Life: Una Vida de Ensueño pues son muy ágiles e intuitivos; con apenas un par de pulsaciones de botones nos permiten encontrar fácilmente al Mii que estamos buscando o acceder a todas las opciones de edición, construcción y personalización. Por lo general, todos los juegos de Nintendo suelen sobresalir en este aspecto, pero nunca está de más señalarlo.

Otra posibilidad a la hora de cubrir las necesidades de un Mii es hacer que otro Mii se encargue; esa es otra de las grandes novedades de Tomodachi Life: Una Vida de Ensueño: en lugar de depender del azar para que dos Miis entablen amistad (o algo más), aquí podemos coger a un Mii y llevarlo hasta la posición de otro para que se conozcan, charlen, jueguen... y muchas otras opciones.

Ahora bien, eso no siempre garantiza los resultados esperados. Si no escogemos el tema de conversación adecuado según su personalidad, puede que la cosa no cuaje en un principio y nos toque "picar piedra" para que dos Miis tengan una buena relación.

Aquí es donde realmente está toda la miga de Tomodachi Life: Una Vida de Ensueño: la enorme cantidad de posibles interacciones que se pueden dar entre los Mii, todas las situaciones en las que nos los podemos encontrar... La gracia del juego es crear Miis basados en personas conocidas, ya sean amigos, familiares, compañeros de trabajo o, por qué no decirlo, también gente que no nos cae muy allá, y dejar que pase cualquier cosa en nuestra particular "Isla de las Tentaciones".

Las situaciones que se pueden llegar a dar son desternillantes, especialmente cuando escuchamos a los Miis hablar con esa particular voz robótica (cuyo tono y cadencia también podemos personalizar). Y por supuesto las relaciones amorosas son la "salsa" del juego; nada cómo ver a dos amigos que son como el agua y el aceite enamorándose y yéndose a vivir juntos... o incluso teniendo hijos.

Fuera de las relaciones entre los Miis, Tomodachi Life: Una Vida de Ensueño también nos da muchas opciones de personalización, ya sea construyendo nuevos edificios que añaden nuevas opciones, personalizando la ropa de los Mii y su aspecto, ampliando la isla construyendo caminos o incluso utilizando un editor estilo "Paint" para crear nuestras propias obras de arte. No llega al nivel de Animal Crossing, pero desde luego no está escaso de opciones.

Lo que sí hay que destacar es cómo, en estas primeras horas, se van añadiendo continuamente nuevas mecánicas que le dan un ritmo fantástico a Tomodachi Life: Una Vida de Ensueño. Es imposible aburrirse.

Además, en este sentido, también tiene ideas muy inteligentes, como que recopilemos dinero mientras estamos fuera del juego. De esta manera, siempre que volvemos a la partida pasadas unas horas, vamos a tener la posibilidad de comprar algo nuevo.

Otra de las novedades de esta entrega son los sueños: cuando los Miis duermen, podemos colarnos en sus sueños. Aquí es donde han aprovechado para desatar todo el surrealismo y el sentido del humor de la saga, pues los espacios oníricos en los que nos los encontramos son siempre una sorpresa. Además, siempre tienen alguna recompensa, así que merece la pena "espiar" los sueños de nuestros Miis.

Por el momento, Tomodachi Life: Una Vida de Ensueño está siendo una de las sorpresas más agradables del año. Habrá que ver si es capaz de mantener esta magia durante el resto de partida, pero ahora mismo estamos deseando volver a la isla para descubrir en qué nuevos líos se han metido nuestros Miis. Si vosotros también estáis ansiosos por un poco de salseo, recordad que el próximo 16 de abril la isla abre sus puertas.

Se trata del primer juego de los autores de Halo y Destiny como parte de PlayStation Studios, lo que desde su anuncio suscitó bastantes dudas debido a la mala racha que la compañía atraviesa a raíz de los juegos como servicio; la cancelación de múltiples proyectos y el fracaso estrepitoso de Concord aún pesan en la conciencia del público.

Personalmente, Marathon nunca me llamó demasiado; he sido un ferviente jugador de Destiny (hasta la "última" expansión...), pero la idea de un extraction shoter con énfasis en el PVP no me atraía en absoluto. Es más, no había probado este género tan de moda hasta ahora. Ni siquiera el éxito de Arc Raiders había conseguido suscitar mi interés.

Pero nunca debimos dudar de Bungie. Con Marathon, el estudio ha vuelto a demostrar que no importa cuál sea el envoltorio, porque siguen siendo los mejores en lo que suyo: hacer juegos de tiros con ambientación sci-fi y un embriagador estilazo audiovisual.

El análisis de Marathon para PS5, Xbox Series X|S y PC de HobbyConsolas:

• El gameplay de Marathon
• Nivel de dificultad de Marathon
• ¿Cuántas horas de juego dura Marathon?
• Cuánto cuesta Marathon y dónde puedes jugarlo
• La opinión de HobbyConsolas de Marathon
• Nota: lo mejor y lo peor de Marathon

Jugabilidad y gameplay de Marathon en PS5, Xbox Series X|S y PC

Marathon tiene lugar 99 años después de los sucesos del primer juego (lanzado originalmente en 1994 para ordenadores Mac) y nos lleva hasta el planeta Tau Ceti IV.

Nosotros nos ponemos en el papel de Corredores; personas que han desechado sus cuerpos físicos y viven traspasando su conciencia a cuerpos biosintéticos.

Utilizando estos Armazones, debemos infiltrarnos en el planeta para recopilar datos y recursos, descubrir qué paso con la Marathon -la nave que representaba el futuro de la humanidad y con la que se perdió todo contacto-, enfrentarnos a las fuerzas de la UESC y otros Corredores... y lograr evacuar con vida.

La propuesta es de por sí muy interesante, planteado un futuro de corte cyberpunk que, pese a su colorida estética (de la que hablaremos más adelante), trata cuestiones decadentes y filosóficas, como la propia idea de tener acceso a la inmortalidad a costa de que nuestra conciencia pertenezca a una compañía.

La historia de este nuevo Marathon se ha enfocado de una forma bastante interesante: los contactos de las distintas facciones son nuestro principal sustento narrativo, mediante diálogos que revelan nuevos detalles sobre Tau Ceti y el universo de Marathon cada vez que completamos contratos prioritarios (lo que vendrían a ser misiones principales).

La historia está pensada para no estorbar demasiado, pero quien quiera profundizar pueda hacerlo mediante toneladas de lore que desbloqueamos al cumplir ciertos requisitos (usar un Armazón específico, acceder a un mapa, eliminar a otro Corredor...). Y cumplen a las mil maravillas su función, porque todo lo que se cuenta es interesantísimo. Han conseguido que me interese por la historia (y quiera jugar) a los títulos originales.

A nivel jugable, sin embargo, el nuevo Marathon sólo se parece a sus predecesores en que también es un juego de disparos en primera persona. Esto es un extraction shooter, así que el objetivo de las partidas, que tienen un máximo de 25 minutos de duración, es hacer acopio de loot y realizar la extracción. O, en caso de haber aceptado algún contrato, intentar cumplir los objetivos designados.

La clave es que si morimos, todo el contenido que tengamos en el inventario se pierde. Y creedme: se muere. En Marathon se muere constantemente. Y no sólo por culpa de los jugadores rivales, que no tienen ningún tipo de piedad y disparan antes de preguntar (esto no es Arc Raiders; aquí no sirve de nada gritar: don't shoot!), sino también por los robots de la UESC.

Estos enemigos tienen una de las IA más avanzadas y puñeteras que he visto en un juego de disparos en primera persona, hasta el punto de que es habitual confundir a los robots con jugadores rivales. Su forma de moverse, las estrategias que siguen para acorralarnos... Están absurdamente bien programados para ser letales.

Una de las principales críticas hacia Marathon tiene que ver con la información en pantalla, que es cierto que puede desorientar, especialmente al navegar por los menús y gestionar tanto el inventario como el depósito.

Personalmente, no creo que haya ningún problema con la interfaz de usuario. En realidad, Marathon explica bastante bien las cosas e incluso cuando algo no nos queda claro, todos los menús incluyen un desplegable con información relevante que nos enseña todo lo que necesitamos saber en cada caso.

El verdadero "problema" es que Marathon es un mundo completamente nuevo; hay muchos conceptos y mecánicas que debemos estudiar si queremos reconocer con rapidez lo que hace cada objeto y empezar a movernos con agilidad por cada pestaña. Incluso aunque hayamos jugado a otros extraction shooter, Marathon requiere cierto nivel de dedicación por nuestra parte para disfrutarlo.

Todo esto, unido a su dificultad extrema y al hecho de perder todo lo puesto al morir, supone una gran barrera de entrada que puede tirar para atrás a muchos jugadores, en especial durante las primeras horas. En el Server Slam tuve varias rachas de derrotas que me desanimaron y me hicieron creer que el juego no era para mí.

Pero Marathon tiene algo; honestamente, no sé qué es. Puede que sea el chute de endorfinas de lograr una extracción con éxito. Puede que sea la satisfacción de darle la vuelta a una trifulca, derrotando a todo el equipo rival y reviviendo victoriosamente a los aliados. Puede que sea su inspirador estilo audiovisual. O puede que sea el gunplay de Bungie, que como de costumbre está elaborado con una fórmula mágica que activa nuevas sinapsis en nuestro cerebro cada vez que apretamos el gatillo.

No sé qué es, pero cada vez que terminas una partida, independientemente de si acaba en extracción o eliminación, quieres echar otra. Es un efecto muy similar al de los roguelike/roguelite. Porque... ¿por qué no echar otra? Puede que en esta consigamos pillar desprevenido a un equipo que iba bien preparado y nos llevemos un loot buenísimo por la cara. O puede que tengamos suerte y no nos encontremos con nadie. Y a unas malas, si nos vuelven a matar, vamos con el kit de financiación y así no perdemos nada. En Marathon, la victoria es embriagadora y la muerte no es desalentadora. Esa debe ser la clave.

Por supuesto, todo esto no se sustenta si no tienes buena variedad jugable, y ahí es donde entran en juego los Armazones y los mapas. Actualmente, hay siete Armazones, cada uno con un estilo jugable muy diferente: agresividad, velocidad, reconocimiento, sigilo...

Y, pese a sus diferencias, ningún Armazón se siente mejor o peor que el resto; han logrado un equilibrio perfecto que tiene como consecuencia que quieras jugar con todos. Además, en mi caso, que no soy especialmente hábil en el enfrentamiento directo, está genial que existan armazones como Triaje (el médico), que sirve como apoyo y ayuda a sentirse (y ser) útil para el grupo.

Mención especial para Rook. Este Armazón está pensado para partidas en solitario (al elegirlo, el grupo se cierra y no podemos invitar a otros jugadores) y hace que Marathon se transforme en otro juego; uno en el que el sonido de los pasos de otros jugadores puede hacer que el corazón se te salga por la boca. Jugar con Rook da más miedo que Resident Evil Requiem y no lo digo ni medio en broma.

En cuanto a los mapas, en estos momentos hay cuatro. Puede parecer poco, pero no lo es tanto cuando todos están tan condenadamente bien diseñados. Como pasa con los armazones, los cuatro mapas son distintos e invitan a probar diferentes estrategias. El perímetro, el mapa inicial, es un lugar enorme repleto de estructuras de todo tipo y oportunidades para librar escaramuzas. La ciénaga, con sus explanadas al aire libre, es el paraíso de los francotiradores. El puesto de avanzada es el infierno sobre la tierra; un lugar donde llueve fuego a intervalos que obliga a los jugadores a refugiarse en interiores... dando pie a salvajes combates en espacios cerrados.

Y el Crioarchivo... El Crioarchivo es una absoluta locura a todos los niveles. Se trata de una actividad endgame, pensada sólo para los jugadores que ya han invertido una buena ración de horas en Marathon (es necesario haber alcanzado el nivel 25 y haber desbloqueado todas las facciones). Además, el Crioarchivo sólo "abre" los fines de semana y es obligatorio acceder con un inventario valorado en 5000 créditos o más.

Y tras haber echado unas cuantas partidas y haber conseguido extraer en varias ocasiones, puedo decir sin miedo que es uno de los mejores mapas que se han creado nunca para un shooter multijugador. En el Crioarchivo confluyen todos los aspectos clave de Marathon, pero multiplicados por mil; el mapa goza de un diseño intrincandísimo, con multitud de espacios diferentes, pasillos, alturas, conductos de ventilación y todo tipo de zonas perfectas para emboscadas.

Cuenta además con mecánicas de juego únicas, como el daño por congelación, las baterías que hay que recargar o la necesidad de ir aumentando el nivel de seguridad para acceder a nuevas cámaras del Crioarchivo, culminando en el enfrentamiento contra el Compilador S'pht en la cámara 7.

Es a grandes rasgos como un incursión de Destiny (puzles y partes de plataformeo incluidas), con la gran diferencia de que al ser un extraction shooter hay mucho más en juego y todo es más intenso... especialmente la huida. Mirad, yo entiendo que si no habéis seguido Marathon o no os llama lo más mínimo, esto que voy a decir suene a exageración, pero he vivido uno de los momentos más increíbles en un videojuego en ese mapa.

Sobrevivir por los pelos a un tiroteo contra una escuadra enemiga que nos arrinconó en una habitación, logra activar la extracción, correr como locos tratando de encontrar el punto de huida mientras los disparos de los robots de la UESC silbaban a nuestro alrededor y finalmente conseguir escapar en el tiempo de descuento, lanzándonos desde un quinto piso para caer en el lugar exacto. Hacía muchísimo tiempo que no experimentaba semejante cúmulo de emociones en un videojuego.

Además, Bungie ha arriesgado muchísimo con esto, porque estamos hablando de una actividad que requiere mucha habilidad a los mandos y una gran inversión de tiempo. Muy pocos jugadores van a lograr completarlo en su totalidad (yo, directamente, ni me planteo ver al jefe). Y aunque habrá gente que vea esto como algo negativo, hay que entenderlo como una suerte de examen; aquí es donde se demuestra todo lo que has aprendido en el resto de mapas de Marathon. Además y, como ya he explicado, eso no quita que se pueda disfrutar enormemente del Crioarchivo.

Esto es lo que hace tan especial al mapa... y al propio Marathon; en lugar de hacer un juego diseñado en un laboratorio siguiendo las últimas tendencias para gustar a todo el mundo y conseguir monetización rápida, Bungie ha elegido hacer un juego despiadado y del que mucha gente va a salir con el rabo entre las piernas tras un par de partidas. Un juego pensado sólo para unos pocos chalados... y esos chalados nos lo estamos gozando.

También es importante hablar sobre los contratos, que vienen a ser las misiones de Marathon. Salvo casos puntuales, la mayoría de objetivos consisten en visitar puntos del mapa, activar un terminal o recoger varias unidades de un objeto. No suena apasionante y en la práctica no lo es; al final, todo se resume en explorar una zona hasta encontrar el icono verdoso. Sin embargo, tienen un aspecto de lo más inteligente: estos objetivos sirven para reunir a los jugadores en puntos calientes, lo que da pie a encontronazos y hace que las misiones sean mucho más emocionantes. No sólo por el riesgo de encontrarte a otro equipo, sino también por al posibilidad de toparte con una escuadra que esté haciendo lo mismo que tú... y tenga en su inventario el objeto que necesitas.

Para concluir este apartado, hablemos de la faceta audiovisual. La dirección artística suele ser uno de los puntos fuertes de los juegos de Bungie, pero en Marathon está a otro nivel: han huido de los excesos que suelen predominar dentro de la ciencia ficción y el cyberpunk para apostar por un estilo colorido y minimalista que transmite a la perfección el mensaje de "inmortalidad manufacturada". El resultado es sencillamente increíble; no se ha visto nada igual. Es la clase de estilo artístico que crea una nueva tendencia.

Destaca en especial el diseño de los Armazones, pero también el de todos y cada uno de los representantes de las facciones (entre los que hay algún guiño a juegos míticos de Bungie).

Con la banda sonora sucede algo parecido, pues han apostado por sonidos electrónicos que parecen traídos del futuro y se quedan grabados en el tímpano. Las partidas son tan tensas que muchas veces las melodías pasan a un segundo plano, pero al escucharlas fuera del juego se encuentran auténticas maravillas. Estos últimos días, cuando no estaba jugando a Marathon, esataba escuchando la banda sonora de Marathon.

¿Es difícil Marathon?

Creo que ya ha quedado bastante claro, pero, por si acaso, lo vuelvo a repetir: sí, Marathon es condenadamente difícil. Cuando no te mata otro Corredor, te mata un robot de la UESC. O una torreta automática. O una planta venenosa. O el daño por caída. En este juego, todo está diseñado para matarte.

Y no, no hay niveles de dificultad. La única forma de "facilitar" el juego es adquirir conocimiento, mejorar poco a poco, encontrar un grupo de amigos con los que te compenetres bien... o tener la suerte de que el matchmaking te empareje con dos dioses el mando.

¿Cuántas horas dura la historia de Marathon?

Dado que se trata de un extraction shooter, no tiene mucho sentido hablar de la duración de Marathon. Porque, ¿cuándo se considera que lo hemos terminado? ¿Al cumplir todos los contratos prioritarios de cada facción? ¿Al alcanzar el nivel 100 en el pase de recompensas? Si fuese así, estaríamos hablando de cientos de horas.

Pero la realidad es que Marathon es infinito y dura hasta que nos cansemos, algo que tarde o temprano podría pasar... Si no fuese porque Bungie va a seguir nutriendo el juego de contenido.

La hoja de ruta de Marathon nos deja claros los planes para la primera temporada: además del ya mencionado Crioarchivo, se sumará un modo ranked, nuevos eventos, nuevas armas y nuevos implantes.

La temporada 2, que empezará en junio y terminará en agosto, traerá al juego un nuevo Armazón de Corredor, un nuevo sistema (¿?) y un nuevo mapa que promete darle una vuelta de tuerca muy interesante a los combates con zonas de oscuridad. Y la temporada 3 estará activa de agosto a noviembre, pero por el momento no hay más detalles.

Precio y plataformas disponibles

Marathon está disponible desde el 5 de marzo de 2026 para PS5, Xbox Series X|S y PC por un precio recomendado de 39,99€ en edición estándar.

La edición deluxe incluye el juego y, además, un cupón para el pase de recompensas, 200 de SEDA (la moneda premium del juego), objetos cosméticos de arma y objetos cosméticos de corredor por un precio de 59,99€.

En ambos casos se trata de una edición en formato digital; no existe una edición física de Marathon.

Escapar me convertirá en dios

Mucha gente daba por muerto a Marathon antes incluso de ponerse a la venta. Y hasta cierto punto no es de extrañar, pues lanzar un juego como servicio en el estado actual de la industria parece una decisión terrible. Pero Bungie siempre da en el blanco.

El apartado audiovisual de otra galaxia, el lore que te invita a meterte de cabeza en la madriguera del conejo y el gunplay que te masajea los pulgares estaban cantados, pero no esperaba que todo eso fuese a encajar tan bien con la fórmula extraction shooter. Bungie ha encontrado la receta mágica para crear un juego que, como se suele decir, es un auténtico vicio.

Un vicio que, además, tiene una ventaja muy importante sobre Destiny: Marathon es perfecto para partidas rápidas. Quien quiera dedicarle muchas horas para desbloquear contenido interesante puede hacerlo, y quien quiera simplemente echar un par de partidas en sus ratos muertos, también. Si mantienen esta tendencia, Marathon puede ser un juego al que vuelves después de tres temporadas sin tocarlo y no te sientas como Gandalf al entrar en Moria.

Al mismo tiempo, lo nuevo de Bungie también tiene una importante desventaja sobre Destiny, exactamente el mismo problema que tenía Elden Ring: Nightreign: en compañía de amigos es la mejor experiencia del mundo... pero con randoms pierde muchos puntos.

Y, evidentemente, todavía tiene margen de mejora. Se puede pulir la legibilidad de los menús para no desorientar tanto de primeras. Se pueden mejorar los objetivos de los contratos principales para que sean más estimulantes.

Es muy complicado augurar el futuro de Marathon. Desde luego, ahora mismo los números son bastante esperanzadores para tratarse de un extraction shooter que lo tenía todo en contra. No creo que llegue a los niveles de Arc Raiders y tampoco creo que esa fuese la intención, viendo su enfoque hardcore.

No sé cuánto va a durar Marathon; no sé si en tres meses el número de jugadores habrá descendido o si, por el contrario, alcanzará una estabilidad y se mantendrá en el tiempo. Tampoco sé cuánto voy a durar yo; no sé si me cansaré de jugar en unas semanas o si, como con Destiny, volveré con el lanzamiento de cada nueva expansión.

Lo que sí sé es que quiero echar otra partida más.