Durante más de tres horas pudimos volver a ponernos en el papel del nuevo protagonista, Musashi Miyamoto, en una sesión que nos permitió descubrir muchas novedades sobre el nuevo Onimusha que sin duda van a alegrar a los fans de los juegos originales.

Y no sólo eso: también pudimos probar la versión de Onimusha: Way of the Sword para Nintendo Switch 2. Vamos, que fue una sesión de lo más completa.

En estas impresiones, os contamos qué nos ha parecido tras esta nueva toma de contacto y qué tal se ve (y se mueve) en la consola híbrida. Pero ya os aviso que Capcom ha "cocinado" y cualquier duda que pudiese quedar tras probar la demo ha sido despejada con un único, veloz y certero movimiento de katana.

Impresiones de Onimusha: Way of the Sword

La demostración tenía lugar justo donde termina la demo, es decir, después del combate contra Sasaki Ganryu. Y desde el minuto uno se podían apreciar mejoras respecto a la demo.

Algunas eran cosas sencillas, como que, por defecto, el bloqueo estaba asignado al gatillo L1 en lugar de al botón 'cuadrado'. Que vale que en la demo se podía cambiar, pero me pareció una decisión muy extraña; el bloqueo en L1 se siente mucho más cómodo y natural a los mandos.

Luego hablaremos también sobre el tema de la dificultad, que fue uno de los aspectos más criticados de la demo por ser excesivamente sencilla, pero tengo que decir que, desde un primer momento y durante toda la sesión, sentí que el juego era más desafiante y a menudo tuve que recurrir a objetos curativos para sobrevivir.

Tras progresar un poco conseguí una importante mejora: el arco Oni. Se trata de un arma a larga distancia que ha estado presente en todos los Onimusha, pero en Way of the Sword su manejo es algo distinto: basta con mantener pulsado el botón R2 para sacarlo y apuntar usando una retícula, mientras que las flechas son infinitas, así que no hace falta preocuparse por la munición.

Como es obvio, el arco es especialmente útil cuando nos enfrentamos a enemigos voladores o si vemos a un grupo de Genma bajo nosotros, pero también hay elementos del escenario a los que podemos disparar para liquidar a varios enemigos de un plumazo y hubo que sacarle partido para progresar, resolviendo a flechazos una serie de puzles ambientales.

No tuve que avanzar demasiado para enfrentarme al primer jefe de esta demostración: Daidara, un Genma protegido por armadura y armado con una maza casi tan grande como su cuerpo.

Este combate resaltó uno de los aspectos más interesantes de Onimusha: Way of the Sword: la interacción con el escenario. Daidara podía destrozar elementos del entorno, y fue muy sorprendente descubrir de manera fortuita que su enorme arma se podía quedar enganchada a los paneles de madera que había repartidos por la arena de combate, lo que nos daba unos breves segundos para atizarle sin miedo. Del mismo modo, si atacábamos las partes de su cuerpo protegidas por armadura, podíamos romperla para hacerle así más daño. De esta forma, Way of the Sword no sólo invita a jugar siendo prudentes y haciendo parrys y esquivas, también es importante el posicionamiento para ganar ventaja frente a los jefes.

Tras lograr derrotar a Daidara y avanzar un poco más, llegamos a una zona abierta. Hasta este punto, todo había sido bastante lineal, como en la demo pública, pero aquí Onimusha: Way of the Sord nos llevó hasta un mapa de tamaño medio con varios objetivos que podíamos completar en cualquier orden. Es más, podíamos activar una luz que nos guíaba hasta los objetivos.

Ojo, no penséis en un mundo abierto ni nada por el estilo; era un escenario con libertad de movimiento, pero su diseño apostaba por diferentes rutas, zonas de interior, tejados, atajos que primero había que desbloquear y similares.

De hecho, agradecí mucho este cambio, pues la exploración cobró un mayor protagonismo; en lugar de ir a por los objetivos marcados, era posible explorar la zona en busca de materiales y otros objetos interesantes. También era habitual encontrarse con grupos de Genma a los que podíamos ignorar o elegir cómo afrontar; de nuevo, destacó el uso del entorno, pudiendo, por ejemplo, coger un carro para arrollar a los enemigos.

A veces, también nos topábamos con aldeanos en apuros y, al ayudarlos, nos recompensaban con ofrendas, un material necesario para mejorar el equipo. Pues en esta parte abierta también se desbloquearon una serie de sistemas que no habíamos visto todavía y que son "muy Onimusha".

Como en las entregas previas, podíamos usar tanto las almas rojas como distintos materiales para mejorar la vestimenta (la defensa), la katana (el ataque) o el guantelete Oni (la velocidad de absorción de almas) de Musashi. Además, también podemos equipar amuletos que otorgan distintos beneficios y se pueden mejorar (con las mentadas ofrendas). Incluso desbloqueamos distintos trajes para el protagonista, pudiendo cambiar su vestimenta y capa. Como curiosidad, cada vez que tenemos los materiales necesarios para mejorar algo, un mensaje en pantalla nos lo avisa; un buen detalle.

Pero la cosa no termina ahí, pues descubrimos que Onimusha: Way of the Sword también incluye un árbol de habilidades en el que podemos invertir distintos recursos para ganar o mejorar las acciones de combate. Cosas como el desvío (L1 + X) o el modo ígneo que aparecen en la demo, son en realidad habilidades desbloqueables; quizás por eso sentimos desde un primer momento que el juego era más desafiante.

Y por supuesto también era posible mejorar y aprender nuevas técnicas relacionadas con el bloqueo y el Issen, uno de los movimientos característicos de los Onimusha.

Todo este conjunto de mejoras y desbloqueables dan más sentido a la exploración, pues los recursos necesarios para aumentar las habilidades de Musashi se pueden encontrar si exploramos a fondo los escenarios y nos enfrentamos a algunos de sus desafíos opcionales.

En esta sección también desbloqueamos un nuevo armamento Oni, que son una clase de armas especiales que actúan de forma similar a la magia de los anteriores Onimusha. De hecho, el arma no era otra que una espada de doble filo que creaba torbellinos, similar al arma de viento de los juegos originales. Y, de nuevo, volvimos a comprobar la importancia de la interacción con los escenarios: si usábamos el ataque cerca de una antorcha, se transformaba en un dañino tornado de fuego.

Mientras explorábamos la zona abierta también nos topamos con una cara conocida entre los enemigos: los bazuu, unos lagartos con pinchos que ruedan a toda velocidad. La gracia es que en Onimusha: Way of the Sword, si bloqueamos su ataque en el momento justo, salen despedidos contra otros Genma cual peonza, lo que los convierte en un recurso tan peligroso como útil durante los combates.

Lo cierto es que me lo estaba pasando tan bien en esta zona que me habría gustado explorar más, pero el tiempo apremiaba, así que completé los objetivos principales y llegué al siguiente jefe: Rasho-gan, un Genma que se hacía pasar por dios y atendía las plegarias de los habitantes de formas muy macabras.

Su diseño visual es chulísimo, con un montón de brazos cubriendo su cuerpo. Y el combate me pareció uno de los puntos álgidos de la sesión, pues tenía un gran repertorio de movimientos que invitaba a sacar partido de todas las habilidades de Musashi: el parry, la esquiva... incluso el arco.

Además, el combate ofrecía un nivel de desafío bastante interesante. Sin ser dificilísimo, era la clase de jefe que te obliga a conocer bien sus mecánicas y puede que mueras en los primeros intentos, pero, cuando le pillas el truco, le puedes derrotar sin demasiados problemas... aunque eso no hizo que el combate fuese menos intenso.

Tras derrotarle, conseguimos una nueva habilidad que transformaba los brazos de Musashi y les daba aspecto de Onimusha. Esta habilidad se utilizaba pulsando al mismo tiempo los botones triángulo y círculo y, como el arco, tenía usos tanto dentro como fuera del combate. En combate, servía para romper la defensa de los enemigos con escudo o que se protegían más de la cuenta, mientras que también se usaba para destrozar unas barreras demoníacas que impedían el acceso a ciertas zonas.

Todo apunta a que a lo largo de Onimusha: Way of the Sword iremos obteniendo más habilidades de este estilo, invitándonos a regresar sobre nuestros pasos para abrir caminos que antes estaban bloqueados, como era el caso de estos poderosos brazos.

Gracias a la nueva habilidad, pudimos entrar a una sección de la zona abierta en la que era necesario navegar a través de una miasma carmesí, lo que nos obligaba a buscar a toda prisa escaleras con las que subir a los tejados para recuperar el aire. Sobra decir que no era buena idea luchar contra los Genma en mitad de la niebla.

Al destrozar unas protuberancias con forma de flor, logramos despejar la zona e ir abriéndonos camino hasta el final de la sesión, que concluía con el tercer jefe: Byakue. A diferencia de los anteriores enemigos, se trataba de una criatura que destacaba por su enorme velocidad y ataques impredecibles. Fue un combate de lo más intenso que logré superar al primer intento, pero con la vida bajo mínimos y habiendo agotado todos los objetos curativos.

Terminada la demo principal, que jugamos en PS5, llegó el momento de probar la versión de Onimusa: Way of the Sword para Nintendo Switch 2. En este caso, la prueba tenía lugar en un espacio de entrenamiento donde podemos practicar las distintas mecánicas de combate y volver a enfrentarnos a los jefes ya derrotados. Señalar también que sólo pudimos probarlo en modo portátil.

Y todo apunta a que va a ser una versión muy sólida, como ya lo fueron Resident Evil Requiem y Pragmata en Nintendo Switch 2. Se ve realmente bien, aun con los inevitables sacrificios realizados para "encajarlo" en la consola híbrida. Lo más destacable es que, al contrario que los otros dos juegos de Capcom, Onimusha incluye dos modos visuales: uno nos permite desbloquear el framerate y el otro lo fija a 30fps.

Me sentí más cómodo con el primero, principalmente por haber pasado tres horas jugando a 60fps en la versión de PS5, pero el hecho de que esta prueba estuviese confinada a un espacio cerrado me hace sospechar que el rendimiento podría resentirse en las zonas abiertas (aunque puede que exista alguna mejoría al jugar en modo TV; tendremos que esperar a la versión final para ver qué tal rinde en todos los formatos y versiones).

También hay que destacar que la versión de Onimusha para Nintendo Switch 2 nos da la opción de jugar usando controles por movimiento, pudiendo mover el Joy-Con derecho en distintas direcciones para realizar ataques rápidos y fuertes, así como apuntar el arco Oni usando el giroscopio. No es el método de control más preciso (en el caso de la katana), pero siempre se agradece que den estas opciones.

No me puedo ir sin destacar dos aspectos de Onimusha: Way of the Sword: por un lado, las animaciones de Musashi. Si habéis jugado a la demo ya lo habéis visto, pero es una absoluta chaladura lo que Capcom ha hecho con el samurái; la cantidad de animaciones diferentes que tiene el personaje, dependiendo de su posición respecto al enemigo, es gigantesca (uno nunca se cansa de verle bloquear ataques que llegan por la espalda).

Y lo mismo aplica a las animaciones faciales: Musashi es muy expresivo, algo que se refleja constantemente en su rostro con toda clase de convincentes gestos, así como con otros detalles como las gotas de sudor que lo recorren cuando se esfuerza. Es tan realista que, por momentos, parece que estemos viendo a una persona de verdad... más concretamente, a Toshiro Mifune, el legendario actor japonés en el que se basa su cara.

Y el otro aspecto a destacar... es el propio Musashi. En esta sesión quedó claro que es un personaje que destila carisma, es bastante sinvergüenza y un poco graciosete, pero también es muy noble y siempre está dispuesto a defender a los inocentes. Es complicado llenar el hueco de protagonista en sagas como Onimusha (y si no, que se lo digan a Jubei Yagyu), pero creo que Musashi va a estar a la altura y va a gustar mucho.

Lo único que no termina de convencerme de Onimusha: Way of the Sword es el diseño visual de los escenarios; los veo muy grises, muy apagados, lo que les confiere un aspecto un poco aburrido. Y me sorprende porque un Japón feudal con samuráis, demonios y magia da pie a hacer escenarios más potentes y llamativos.

En cualquier caso, esto no deja de ser una pequeña parte del juego, así que Onimusha: Way of the Sword todavía tiene la oportunidad de sorprendernos en ese y otros muchos aspectos.

Ya "estaba dentro" de esta nueva entrega y no necesitaban convencerme, pero, tras jugar a esta demostración, Capcom ha conseguido lo imposible: que esté deseando que se pasen las vacaciones para poder desenfundar la katana de nuevo.

No es la primera vez que el estudio japonés se aleja de los monstruos de bolsillo para presentar algo completamente diferente; seguro que muchos recordáis títulos como Giga Wrecker o esa joyita para GBA de nombre Drill Dozer.

Sin embargo, Beast of Reincarnation es sin ninguna duda el juego más ambicioso de Game Freak fuera de la saga Pokémon y toda una declaración de intenciones de lo que son capaces de hacer cuando no tienen la presión de The Pokémon Company tras sus espaldas.

Ahora bien, pese a que su propuesta action RPG con claras influencias de juegos como Sekiro o Nier era muy prometedora, Beast of Reincarnation se queda lejos de la grandeza.

• El gameplay de Beast of Reincarnation
• Nivel de dificultad de Beast of Reincarnation
• ¿Cuántas horas de juego dura Beast of Reincarnation?
• Cuánto cuesta Beast of Reincarnation y dónde puedes jugarlo
• La opinión de Hobby Consolas de Beast of Reincarnation
• Nota: lo mejor y lo peor de Beast of Reincarnation

Jugabilidad y gameplay de Beast of Reincarnation en PS5, Xbox Series X|S y PC

La historia nos transporta hasta el año 4026, a un Japón postapocalíptico donde una misteriosa corrupción está transformando a los seres vivos en mutantes sedientos de sangre conocidos como malefactos.

Nosotros nos ponemos en el papel de Emma, una joven contaminada pero capaz de absorber la corrupción, que se embarca en un viaje para derrotar a los Nushi, malefactos con un poder casi divino. Por suerte, no está sola: le acompaña Koo, un enorme lobo blanco que sufre la misma aflicción.

Sin entrar en más detalles, tanto la ambientación, como la historia, como la banda sonora de Beast of Reincarnation están claramente inspirados en la saga Nier... hasta tal punto que, por momentos, parece que estemos ante una nueva entrega.

No llega a los niveles de decadencia y brillantez de los juegos de Yoko Taro, ni tiene personajes tan memorables y bien escritos, pero como sustituto mientras esperamos por un nuevo Nier (si es que eso pasa algún día...) cumple con creces.

Y en lo jugable, la inspiración más que evidente de Beast of Reincarnation es Sekiro: Shadows Die Twice. El combate da especial importancia al parry, pudiendo acabar con los enemigos con una única y limpia ejecución si rellenamos su barra de postura bloqueando los ataques en el momento preciso.

Sin embargo, aquí el parry tiene otro uso muy importante: al bloquear ataques, obtenemos puntos florales que nos permiten utilizar las habilidades de Koo. El tiempo transcurre a cámara lenta cuando las seleccionamos y son útiles para aprovechar las debilidades elementales de los enemigos, dándole un toque muy RPG a la acción de Beast of Reincarnation.

Es una idea muy interesante que invita aún más a sacar partido de un movimiento tan arriesgado como el parry, si bien aquí la ventana para realizarlo es bastante más generosa que en otros juegos. También tiene otras ideas muy llamativas, como la forma en que se utilizan las plantas y las flores para desplazarnos por los escenarios y ganar ventaja sobre los enemigos.

Por desgracia, Beast of Reincarnation hace aguas en todo lo demás. Para empezar, al combate le falta sensación de pegada; los efectos sonoros y visuales hacen que el parry y las ejecuciones, que deberían ser las acciones más satisfactorias de todo el juego, sean flojos de narices.

En general, todo lo que tiene que ver con la jugabilidad acusa una importante falta de finura y solidez. Beast of Reincarnation transmite continuamente sensación de tosquedad debido a las animaciones bruscas de Emma y un sistema de colisiones mal programado que nos deja a menudo con personajes atravesando suelos y paredes.

Pero el mayor problema son los controles: son muy bastos e imprecisos, tanto al desplazarse como al combatir. Esto, en un juego que trata de imitar a Sekiro, ya es un error grave, pero, para empeorarlo, en muchas ocasiones no responden como deberían. Y por no responden, quiero decir que pulsas un botón y Emma no hace nada. Os podéis imaginar lo frustrante que es cuando estás intentando curarte en mitad de un combate y el personaje no obedece tus pulsaciones.

Tampoco ayuda el que se abuse de ciertos patrones de ataque que pueden ser muy frustrantes, como los combos de golpes que parecen no tener fin o los ataques sucesivos que te "encierran" dentro de la cadena sin posibilidad de defenderte (aunque esto último puede deberse a lo que comentaba sobre la pésima respuesta de los controles).

A la hora de explorar también encontramos unos cuantos problemas. El mundo de Beast of Reincarnation está divido en una serie de mapas independientes, todos ellos de un tamaño considerable tanto a lo ancho como a lo alto. Los mapas están diseñados de tal manera que explorarlos resulta complicado, pues cuesta hacerse una idea de la disposición exacta del terreno.

Pero esto en realidad da un poco igual, porque el olfato de Koo va marcando todos los elementos de interés en cuanto nos acercamos, de manera que, al final, más que explorar los escenarios, lo que hacemos es perseguir iconos. Y, para empeorarlo, los mapas son todos muy parecidos a nivel visual, así que vais a tener la sensación de estar explorando continuamente zonas con mucha hierba y algún edificio derrumbado.

La falta de variedad también afecta a la estructura de Beast of Reincarnation, pues sigue casi siempre el mismo patrón: llegar a una zona, encontrar al Nushi, pelear, perseguirlo, pelear de nuevo y vuelta a empezar. Así que ni los sistemas RPG para personalizar a Emma y a Koo, ni las habilidades que vamos desbloqueando, ni las mecánicas de cocina y gestión de ingredientes evitan que Beast of Reincarnation se vuelva repetitivo tras unas cuantas horas.

Y, como ya imaginaréis, el apartado visual tampoco es su punto fuerte. Ya hemos hablado sobre las animaciones bruscas y los problemas del sistema de colisiones, pero, en general, se trata de un juego que a nivel técnico está muy por debajo de los estándares de la actual generación en todos los apartados.

La dirección artística logra redimirlo, pues los escenarios postapocalípticos devorados por la naturaleza y la especial importancia que tienen las flores como elemento temático, nos dejan algunas estampas muy bellas. Pero eso no quita que sea un juego muy flojo en lo técnico al que incluso le cuesta mantener los 60fps en el modo rendimiento.

¿Es difícil Beast of Reincarnation?

Beast of Reincarnation cuenta con tres niveles de dificultad: historia, normal y difícil. El juego nos deja claro a la hora de elegir dificultad que ha sido concebido con el desafío en mente y por eso nos recomiendan jugar en normal (o difícil), pero si se nos hace cuesta arriba podemos cambiar a otra dificultad en cualquier momento.

Y no mienten: jugando en normal, Beast of Reincarnation es un juego bastante complicado en el que se muere muy a menudo. Los enemigos pueden mandar a Emma al otro barrio con tres o cuatro espadazos y no es fácil escapar con vida cuando consiguen rodearnos.

Por suerte, el juego pone a nuestra disposición un gran número de herramientas para facilitarnos la vida: katanas con diferentes efectos, armaduras, un sistema de minerales con distintos atributos, modificadores para las técnicas florales... y un árbol de habilidades, tanto para Emma como para Koo, con toda clase de mejoras desbloqueables. No es posible controlar a Koo directamente, pero podemos equiparle con diferentes habilidades y objetos para personalizar su comportamiento en combate.

De esta manera, si jugamos bien nuestras cartas y explotamos las debilidades de los enemigos, podemos facilitar en gran medida los enfrentamientos... O, al menos, la mayoría, pues hay combates contra Nushi que pueden ser un verdadero infierno incluso en la dificultad normal.

¿Cuántas horas dura la historia de Beast of Reincarnation?

Si vamos "a piñón", podemos llegar a los créditos de Beast of Reincarnation en unas 25-30 horas.

Ahora bien, si decidimos explorar a fondo los escenarios en busca de todos los objetos y enfrentarnos a los desafíos opcionales, la duración puede ascender hasta las 40 o 50 horas, dependiendo también de nuestra habilidad a los mandos.

Precio y plataformas disponibles

Beast of Reincarnation se lanza para PS5, Xbox Series X|S y PC el 4 de agosto de 2026, tanto en formato físico como digital, a un precio de 59,99€. También está disponible sin coste adicional a través de Games Pass desde el día del lanzamiento.

Una muchacha y su perro

Beast of Reincarnation es un juego de siete. Sé que esto suena muy mal pero también es la mejor forma de entender fácilmente lo que tenemos aquí. Porque no es un mal juego, pero tampoco es una obra maestra.

En Game Freak probablemente se han pasado de ambiciosos, porque hacer un Sekiro-like no es fácil en absoluto y, menos aún, cuando no estás acostumbrado a diseñar esta clase de juegos. Se agradece la intención y desde luego han demostrado que son capaces de grandes cosas, pero quizás deberían haber apostado por una propuesta más realista dentro de sus capacidades.

Al final, Beast of Reincarnation se sostiene por su ambientación e historia. Yo me lo he "fumado" con mucho gusto precisamente por eso... y porque la combinación de jugabilidad a lo Sekiro con el rollito Nier es la clase de "pitch" que parece hecho pensando en mí, pero soy consciente de que se trata de un juego con numerosas carencias.

Un juego de siete. Que aunque suene despectivo, es un tipo de juego que desgraciadamente ya no se destila tanto. Y digo desgraciadamente porque, aun no siendo una obra que te vaya a cambiar la vida, si llega en el momento justo y el lugar adecuado, te puede hacer disfrutar más que cualquier 10/10. Así que ojalá más juegos de siete como Beast of Reincarnation.

La verdad es que han conseguido dar completamente en el clavo con esta nueva propuesta, que mantiene las señas de identidad de los anteriores Splatoon, pero está enfocada principalmente para un jugador.

Y digo que han conseguido dar en el clavo porque a mí, personalmente, siempre me ha llamado mucho la saga Splatoon, pero soy un jugador tradicional que prefiere aventuras narrativas y no me va mucho la competición multijugador, así que nunca me había sumergido en estas tintas.

Splatoon Raiders parece diseñado con esa idea en mente: atraer a nuevos jugadores y, de paso, ofrecer una vuelta de tuerca a los veteranos. Y como vamos a ver a lo largo de este análisis de Splatoon Raiders para Nintendo Switch 2, puedo decir sin miedo que tiene éxito en ambos casos y se destapa como una de las sorpresas más refrescante del verano.

• El gameplay de Splatoon Raiders
• Nivel de dificultad de Splatoon Raiders
• ¿Cuántas horas de juego dura Splatoon Raiders?
• Cuánto cuesta Splatoon Raiders y dónde puedes jugarlo
• La opinión de Hobby Consolas de Splatoon Raiders
• Nota: lo mejor y lo peor de Splatoon Raiders

Jugabilidad y gameplay de Splatoon Raiders en Nintendo Switch 2

Tras descubrir que un desplazamiento tectónico ha provocado la aparición de las legendarias islas Espiralita, Megan, Angie y Rayan, el trío que compone el Clan Surimi, ponen rumbo al lugar bajo la promesa de gloria y riquezas. Pero, nada más llegar, sufren un accidente y se quedan varados... aunque eso no frena sus ganas de lanzarse a la caza de tesoros.

Nosotros interpretamos al piloto del helicóptero, más conocido como mecanista por su habilidad para la mecánica, cuya apariencia podemos personalizar eligiendo, entre otras cosas, si es un inkling o un octoling.

Con esta premisa, Splatoon Raiders nos propone realizar incursiones en busca de tesoros mientras nos enfrentamos a los Salmónidos y descubrimos el misterio que se esconde en las islas.

Esto se traslada al plano jugable manteniendo las mecánicas habituales de la saga Splatoon, es decir: disparos en tercera persona que dan una especial importancia a cubrir los escenarios de tinta, pues actúa como sistema de coberturas. Sin embargo, en lugar de enfrentamientos multijugador, Raiders está estructurado por niveles y tiene espíritu roguelite y estilo looter shooter.

No es la primera vez que Splatoon coquetea con estos géneros, pues no olvidemos que La Cara del Orden, el DLC para Splatoon 3, fue una experiencia roguelite para un jugador. Era un fantástico DLC, así que no es de extrañar que Nintendo haya cogido esa propuesta y la haya llevado un paso más allá.

Porque si detestáis cosas como los niveles generados de forma aleatoria o lo de perder todo al morir, tranquilos porque Splatoon Raiders no es esa clase de juego. La cosa funciona así: abrimos el mapa de las islas, elegimos una misión, vamos hasta allí, liquidamos a todos los Salmónidos que nos salgan al paso, conseguimos el tesoro y de vuelta a la base. Y así, vamos desbloqueando nuevas misiones y avanzando en la historia.

Todos los niveles donde se desarrollan las misiones tienen una estructura fija, nada de elementos aleatorios. Eso sí, hay diferentes tipos: en algunas basta con avanzar hasta el final, pero también hay misiones que consisten en reunir una cantidad determinada de espiralita o misiones en las que tenemos que reunir caviar rojo dentro de un límite de tiempo para progresar. Y, por supuesto, también hay enfrentamientos contra jefe.

Pero, como en los roguelike/roguelite, las misiones se caracterizan también por ser muy cortitas, con una duración que suele estar entre los 5 y los 10 minutos. Esta es una de las claves de Splatoon Raiders, pues al ser partidas tan rápidas, siempre quieres echar otra. Es un "una más y lo dejo" de manual (y todos sabemos que es mentira y nunca lo dejas).

Antes de hacer una incursión, debemos elegir la equipación que vamos a llevar, pues no podemos cambiarla en mitad de una misión. La equipación se refiere al arma principal, el tanque de tinta y sus artilugios, las reliquias y el acompañante.

En cuanto a las armas, hay once tipos en total, todos de sobra conocidos si habéis jugado a los anteriores Splatoon: lanzatintas, rodillos, derramatics, tintralladoras, paratintas, brochas, acromatizadores... Dentro de cada tipo, además, hay variantes con diferentes efectos: más alcance, mejor cadencia, mayor cargador... Vamos que hay una enorme variedad de armas; más de 100 en total. Y algo que personalmente me ha gustado mucho es que, dado que estamos varados en unas islas, todas las armas están realizadas de forma improvisada con objetos cotidianos, como botellas de plástico, flotadores, hojas de palmera o incluso petacas de metal.

Por su parte, el tanque y los artilugios son uno de los aspectos más importantes a la hora de combatir. Hay tres tanques diferentes y a grandes rasgos actúan como la clase de nuestro personaje: un tanque está enfocado a la velocidad, otro a hacer daño y otro a jugar de forma estratégica. Dependiendo del tanque elegido, podemos equipar diferentes artilugios, que son poderosas habilidades con un pequeño cooldown. Si habéis jugado a otros looter shooters, como Destiny o la saga Borderlands, seguro que esto de las habilidades os suena; está clarísimo que la inspiración viene de ahí.

Pues a su vez, los artilugios se pueden personalizar con modificadores de todo tipo que alteran su comportamiento: desde aumentar su potencia y alcance, hasta añadir efectos como quemar o congelar a los Salmónidos.

Por último tenemos las reliquias, que son efectos pasivos, y el acompañante, que puede ser Megan, Angie o Rayan. Independientemente de a quién elijamos, siempre nos acompaña a bordo de un robot que nos apoya con fuego de cobertura y que nos permite propulsarnos con un salto realmente útil para alcanzar lugares lejanos, escapar del fuego enemigo... o para pillar a los Salmónidos voladores. Además de eso, cada uno de los tres personajes comparte con nosotros su técnica secreta, que viene a ser el ataque definitivo... y otra herencia de los looter shooter.

Como veis, hay un buen grado de opciones y personalización, pero lo mejor de todo es que Splatoon Raiders nos invita continuamente a cambiar el equipo y probar cosas diferentes. Por ejemplo, al derrotar Salmónidos o como premio por superar misiones, obtenemos nuevas armas, que se clasifican según su nivel y bajo un sistema de rareza que determina sus potenciadores, de manera que continuamente encontramos algo mejor que vamos a querer probar en la siguiente misión.

También se cambia habitualmente de artilugios, pues todos tienen efectos muy diferentes y hay que saber utilizarlos correctamente. Los modificadores que podemos añadirles también se pueden obtener de forma aleatoria y también tienen rangos y rarezas, así que es otro elemento que contribuye a probar y combinar.

Sucede lo mismo con los tanques y los acompañantes: al llevarlos equipados, mejoran y ganan nuevas habilidades, e incluso hay misiones que debemos completar tres veces, una con cada tanque, si queremos conseguir todas sus recompensas.

Y esto es un aspecto muy a tener en cuenta y una decisión de diseño muy habitual tanto en los roguelike como en los looter shooter: de por sí, hay un número decente de misiones en Splatoon Raiders, pero todas están pensadas para que las repitamos. Y, de nuevo, juega con esta idea de una forma muy inteligente, pues al ir progresando, podemos volver a realizar las misiones ya superadas en dificultad picante, lo que provoca que haya más enemigos y más poderosos, pero también nuevas recompensas.

Y diréis, "uf, a mí es que eso de repetir misiones me acaba cansando", pero vuelvo a lo de antes: son misiones cortitas, el juego siempre te invita a probar cosas nuevas y, lo más importante de todo: es Splatoon. Y eso conlleva que después de más de 20 horas, sigas pasándotelo pipa disparando chorros de tinta y nadando a toda pastilla en forma de sepia o calamar.

Se dice poco, pero todos los Splatoon (incluido Raiders) tienen un gunplay (¿inkplay?) muy satisfactorio. Pese a que las armas que usamos parezcan de juguete, todas son una gozada a los mandos, especialmente si jugamos usando el giroscopio. Cubrir de tinta los escenarios provoca una satisfacción que es difícil de describir (el sistema de recreación y comportamiento de líquidos es una pasada) y el efecto "pop" que se produce al reventar enemigos genera algo que sólo se puede describir como adicción.

Y hablando de enemigos, algo que me gusta mucho es lo bien definido que está cada tipo. Todos tienen un comportamiento específico y un rol en combate, de manera que cada vez que nos metemos en una refriega, lo primero que debemos hacer es reconocer el terreno para ir primero a por los que pueden suponer un problema a la larga, como los Salmónidos que potencian a sus compañeros o los que se dedican a cubrir el terreno de babas (que viene a ser su tinta). También hay enemigos que tienen puntos débiles, por lo que no basta con disparar a lo loco, a veces también hay que apuntar bien o incluso esperar al momento adecuado para disparar.

Y aun con lo importante que es la estrategia, los combates son siempre frenéticos y caóticos; estamos continuamente moviéndonos de un lado para otro, ya sea a pie o nadando en tinta, escalando paredes, llamando al robot para saltar por los aires, deslizándonos por cables... Y todo esto mientras oleadas de Salmónidos nos abruman por todas partes. Inevitablemente, en ocasiones, se monta tal caos en pantalla que no entiendes nada de lo que está pasando y no te queda más remedio que disparar a ciegas y rezar para encontrar un charco de tinta donde esconderte.

Y aunque el foco en Splatoon Raiders es la campaña para un jugador, Nintendo no se ha olvidado de los fans de las anteriores entregas y también se ha incluido un modo multijugador cooperativo. Consiste en ofrecer ayuda o solicitarla, pudiendo así afrontar casi todas las misiones en grupos de hasta cuatro jugadores. Eso sí, el número y el poder de los enemigos aumenta para ajustarse, así como las recompensas obtenidas.

Estuve echando un par de partidas con otros jugadores y está bien, es entretenido, pero durante la campaña principal no hubo ningún momento en el que sintiese la necesidad de pedir ayuda para completar algo. Repito: durante la campaña principal. Porque, como veremos a continuación, Splatoon Raiders tiene mucho más que ofrecer.

¿Es difícil Splatoon Raiders?

Hay tres niveles de dificultad en Splatoon Raiders entre los que podemos alternar desde el menú de opciones: viajante, buscatesoros y superviviente. El juego nos deja claro que la dificultad sólo afecta a la potencia enemiga, así que las recompensas son las mismas en todas las dificultades.

Independientemente de la dificultad que elijamos, en Splatoon Raiders la dificultad la rige ante todo el nivel de nuestro personaje. Todas las misiones tienen un nivel recomendado y, si estamos en el mismo o por encima, los Salmónidos nos van a dar menos problemas. Mientras que si estamos por debajo... ya os podéis imaginar lo que pasa.

Yo he jugado en todo momento en buscatesoros, que sería el equivalente a la dificultad normal, y ha habido unas cuantas misiones que me han dado algún quebradero de cabeza. Pero no por no tener el nivel necesario, sino porque el equipo que llevaba no era el adecuado o no lo estaba usando correctamente. Esto sucede sobre todo en las misiones que tienen un tiempo límite, pues son las más complicadas y en las que hay que demostrar verdadera habilidad, pero también en una serie de misiones especiales en las que nos dan un equipo por defecto y nos obligan a superar desafíos con él.

Y como ya he explicado antes, además de los tres niveles de dificultad "base", las misiones cuentan a su vez con versiones más complicadas en dificultad picante. Y la cosa no acaba ahí en lo relativo a la dificultad, pero no estoy seguro de que me dejen decir más sobre el tema... así que mejor me callo.

¿Cuántas horas dura la historia de Splatoon Raiders?

Completar la campaña principal de Splatoon Raiders puede llevar entre 20 y 25 horas. Así ha sido en mi caso, que he jugado completando todas las misiones del nivel en el que estaba en ese momento, así como recogiendo todos los coleccionables y completando sus misiones asociadas.

Ahora bien y, como suele suceder en esta clase de juegos, una vez concluidos los créditos da comienzo el post-juego. Y hay que decir que incluso en ese aspecto Splatoon Raiders hace las cosas muy bien. No me permiten ser muy específico sobre los contenidos del post-juego, así que sólo diré que se desbloquean un gran número de novedades muy interesantes en todos los frentes que invitan a seguir jugando, así como una serie de desafíos con una dificultad endiablada.

Tal es la dificultad de estos desafíos, que creo que es aquí donde realmente tiene sentido el multijugador cooperativo de Splatoon Raiders. Que a ver, siempre estará el típico loco que se los haga en solitario, sin morir y sin recibir ni un golpe, pero yo he probado unas cuantas veces y aun superando el nivel recomendado no he estado cerca de oler la victoria.

Con todo esto, lo que quiero decir es que en Splatoon Raiders hay juego para rato una vez concluida la historia. Así que si lo que propone os convence, tenéis para más de 20, 30 y, probablemente, incluso 50 horas.

Lo único que he echado en falta han sido más opciones cosméticas. Quizás sea cosa mía, pero siempre me ha parecido que la moda y el estilo tenían una gran importancia dentro del universo Splatoon, y si bien aquí hay un buen puñado de trajes desbloqueables, al final todos son variaciones de los tres mismos conjuntos.

Y quiero recalcar que, pese a tratarse de un juego con niveles, recursos y materiales necesarios para mejorar cosas, durante la campaña principal el grindeo y el farmeo son inexistentes si completamos las misiones "en orden". Donde sí que hay farmeo y grindeo es en el post-juego, pero ahí tiene todo el sentido.

Precio y plataformas disponibles

Splatoon Raiders se lanza el 23 de julio de 2026 para Nintendo Switch 2 por un precio recomendado de 49,99€ en formato digital y 59,99€ en formato físico.

La buena noticia es que al tratarse de un juego de Nintendo no se trata de una Game-Key Card; el juego al completo viene en el cartucho.

La piscina de tinta de la que nos vas a querer salir este verano

Si no me equivoco, Splatoon Raiders es el primer looter shooter de Nintendo. Porque Switch y Switch 2 han tenido juegos de este subgénero de estudios third party, pero creo que la Gran N nunca se había atrevido a hacer un juego propio con estas características.

Y, para tratarse del primero, sorprende lo bien que lo han hecho. Porque hablamos de un subgénero complicado en el que es muy fácil meter la gamba y agotar rápido la fórmula o no ofrecer suficientes incentivos para seguir jugando. Pero no es el caso de Splatoon Raiders; Nintendo se ha sacado de la manga un juego que es puro vicio. Siempre quieres completarlo todo, encontrarlo todo y seguir jugando para completar más y encontrar más.

También es cierto que la IP ha ayudado mucho: Splatoon es la clase de saga que se presta muchísimo a la experimentación y con este Raiders han conseguido refrescar la fórmula y crear algo nuevo que atraerá tanto a veteranos como, sobre todo, a jugadores que no se habían atrevido a dar el salto (como yo).

Pero ya os advierto que, si os metéis en esta pozo de tinta, va a ser muy complicado escapar.

Por si habéis pasado los últimos meses durmiendo dentro de un ataúd en las oscuras mazmorras de un castillo, os alegrará saber que este nuevo Castlevania corre a cargo de Evil Empire, el estudio francés que trabajó en las actualizaciones post-lanzamiento de Dead Cells y en esa joya infravalorada llamada The Rogue Prince of Persia.

Y qué mejor sitio para probar un Castlevania que la ciudad de París, conocida por sus catedrales de estilo gótico, sus catacumbas repletas de huesos y sus bebedores de... vino.

Hasta allí fuimos, invitados por Konami, para jugar durante cerca de tres horas a Castlevania: Belmont's Curse y entrevistar a sus responsables. En estas impresiones os contamos qué nos ha parecido.

Impresiones de Castlevania: Belmont's Curse

Castlevania: Belmont's Curse actúa como secuela de los otros dos juegos "malditos" de la saga: Dracula's Curse, lanzado originalmente para NES, y Curse of Darkness, lanzado para PS2 y Xbox. De esta manera, nos ponemos en el papel de Rose Belmont, hija de Trevor Belmont y Sypha Belnades.

Rose se dirige a París junto a su padre para atender la petición de ayuda del obispo, pues la ciudad está sufriendo el ataque de las fuerzas de la oscuridad. Pero, nada más llegar, descubren que la situación es mucho peor de lo que esperaban y deciden tomar caminos diferentes.

Así comienza la aventura y así empezó nuestra sesión de juego, que nos permitió disfrutar de las tres primeras horas de la historia y enfrentarnos a los tres primeros jefes de Castlevania: Belmont's Curse.

Y antes de empezar a hablar de la jugabilidad, hay que volver a dejar claro un punto importante: Castlevania: Belmont's Curse NO es un roguelike. Se trata de una entrega con jugabilidad 2D (2.5D, más bien) tradicional, similar a títulos como Symphony of the Night o las trilogías para GBA y Nintendo DS (que es un metroidvania, vaya).

Ahora bien, Belmont's Curse también presenta un buen puñado de novedades interesantes que refrescan está fórmula tan conocida.

Desde el momento en que nos pusimos a los mandos, quedó patente un control muy fino y un combate contundente; acabar con las huestes de la oscuridad era muy satisfactorio, pudiendo realizar combos de varios ataques con el arma principal y una esquiva direccional muy útil para evitar el daño enemigo.

Arma principal que, en estos primeros minutos de juego, se trataba de una espada. Rose será una Belmont, pero todavía no se ha ganado el derecho a utilizar el legendario látigo Vampire Killer...

Ahora bien, como en las entregas "metroidvaniescas" de la saga, el armamento de Rose va aumentando a medida que progresamos en la aventura: en total, hay siete familias de armas diferentes en Castlevania: Belmont's Curse. Eso sí, aquí las armas no se obtienen como loot aleatorio de los enemigos, sino que se consiguen al superar ciertos hitos o encontrándolas en puntos concretos del mapa.

En esta demostración pudimos probar cinco: una espada, unos nudillos, un mandoble, una lanza y una combinación de espada y escudo. Además de tener animaciones de combate diferentes, cada arma tiene sus particularidades. Por ejemplo, los nudillos hacen más daño cuantos más golpes propinamos, mientras que la lanza cuenta con un ataque a distancia perfecto para librarse de enemigos voladores.

El desplazamiento también tendrá un gran papel en Castlevania: Belmont's Curse, algo que quedó claro tras desbloquear la primera habilidad: el látigo arcano. Se trataba de una habilidad que nos permitía balancearnos usando puntos de agarre (inevitable no acordarse del legendario Super Castlevania IV), así como acercarnos rápidamente a los enemigos para realizar un satisfactorio ataque de continuación que cambiaba dependiendo del arma equipada.

Y la segunda habilidad no se quedaba atrás, pues se trataba de una luz sagrada que servía para desviar los ataques enemigos (sí, un parry) y para hacer que unas superficies de aspecto cristalino apareciesen o desapareciesen. Esto dio lugar a fases de plataformeo muy interesantes (y desafiantes) en las que debíamos combinar saltos, saltos contra las paredes y movimientos de agarre con el látigo mientras hacíamos aparecer y desaparecer estas superficies.

Pero los genes de Sypha Belnades son poderosos en Rose, de ahí que la magia también sea un elemento muy importante en Castlevania: Belmont's Curse, sustituyendo a las subarmas habituales de la saga. Tenemos un botón asociado para realizar hechizos que consumen maná, que se recarga al realizar ataques contra los enemigos (los míticos "corazoncitos" de otras entregas no están aquí presentes, me temo).

Y aquí es donde entra en juego una de las novedades más interesantes de este nuevo Castlevania: los arcanos. Se trata de una baraja de cartas de tarot que acompaña a Rose desde el principio y que actúa como sistema de magia y como guía para progresar en la aventura.

Inicialmente, los naipes están en blanco, pero al progresar van revelando las imágenes de los jefes que debemos derrotar. En esta demostración, mostraban de forma parcial las imágenes de los tres primeros rivales a abatir y, tras derrotarlos, se reveló su imagen por completo... y obtuvimos el hechizo asociado.

Como pasa con las armas, cada hechizo es único y sólo podemos llevar uno equipado al mismo tiempo. Además, los hechizos se pueden mejorar mediante las llamadas obras de misericordia: se trata de desafíos que nos invitan a realizar ciertas acciones como, por ejemplo, desviar un número determinado de ataques con la luz sagrada o dar con lugares ocultos del mapa. Al cumplir esos desafíos, obtenemos puntos que podemos usar para mejorar los efectos de cada hechizo, pudiendo elegir entre varias opciones.

Por cierto, al derrotar a los jefes no sólo se obtiene su hechizo y/o habilidad, sino que también pasan a acompañar a Rose en su viaje. No en cuerpo presente, pero sí de viva voz, actuando como una suerte de compañeros de aventura que ofrecen información... o tocan las narices, dependiendo de su nivel de maldad. No sabemos si este será el caso con todos los jefes del juego (aunque, de ser así, quizás sería un poco too much), pero desde luego los tres primeros pasan a ser "voces dentro de su cabeza".

Las cartas de tarot también recogen pistas que vamos encontrando al explorar, a menudo recibidas de las espectrales manos de espíritus que se ocultan en las calles de París. Estas pistas pueden ayudarnos a dar con la localización de los jefes, pero también pueden ser consejos para derrotarlos o evitar algunos de sus ataques más peligrosos. Por ejemplo, una de las pistas relacionadas con el segundo jefe servía para descubrir un atajo para llegar a ella más fácilmente, algo que resultaba especialmente útil si nos derrotaba y debíamos volver a repetir el enfrentamiento.

Lo mejor de todo es que estas pistas, si bien útiles, son completamente opcionales. ¿Ese atajo que acabamos de mencionar? Nosotros lo encontramos ANTES de que nos diesen la pista. Y también puede suceder que lleguemos al jefe sin haber encontrado todas las pistas asociadas (encontramos tres de las cuatro disponibles para el tercer jefe, y eso que exploramos el mapa a fondo...). Es un sistema que parece buscar contentar a dos tipos de jugadores: por un lado, supone un aliciente para explorar bien los mapas, ayudándonos a encontrar el camino y facilitando los combates contra jefe... pero los veteranos o quienes no quieran ayudas pueden ignorarlo por completo sin que los perjudique.

Porque aún no lo hemos dicho, pero fiel a anteriores juegos de la saga, Castlevania: Belmont's Curse no nos da las cosas hechas. Si bien el orden para derrotar a los tres primeros jefes parecía ser fijo, era muy fácil perderse y tuvimos que recurrir al mapa muy a menudo para consultar nuestra ubicación y descubrir cómo progresar. Había rutas alternativas, zonas opcionales, secretos, muros quebrados (que, curiosamente, se reponían al descansar), paredes ilusorias...

De igual manera, nos pareció un juego en el que es fácil morir si no nos andamos con ojo. Comparado con las entregas más hardcore de Castlevania, aquí hablamos de un nivel de desafío medio (y no parece que vaya a contar con diferentes niveles de dificultad), pero hubo desafíos que nos llevaron unos cuantos intentos y la dificultad de los jefes fue aumentando de manera progresiva.

Castlevania: Belmont's Curse también conserva pequeños elementos RPG heredados de anteriores entregas. Al derrotar enemigos y encontrar ciertas estatuas, Rose adquiere experiencia y sube de nivel, mejorando así su ataque y su defensa. Además, si exploramos bien podemos encontrar unos libros que mejoran una de las dos estadísticas.

También es posible aumentar la barra de salud o la de maná reuniendo cuatro fragmentos, y contamos con tres espacios para equipar reliquias; objetos que nos confieren distintos tipos de mejora. Con tantos objetos coleccionables interesantes, nos resultó imposible no pararse a explorar a conciencia los escenarios.

Un detalle bastante curioso: contamos con tres curas para restaurar salud que se reponen cuando descansamos en los puntos de control o si las encontramos al derrotar enemigos o romper candelabros. Pero si tenemos las curas al máximo y encontramos otra, esta se suma de forma provisional al total. No sabemos si habrá un tope, pero en nuestra partida llegamos a tener cinco.

Castlevania: Belmont's Curse también nos ha convencido con su apartado visual, que destaca gracias al uso tan pronunciado del color y le confiere a cada escenario un aspecto muy llamativo. Las animaciones de Rose son geniales y muy fluidas, y también nos han gustado pequeños detalles, como que el camino al tercer jefe estuviese "señalado" por elementos del escenario o los cambios que se iban produciendo en la pantalla de carga al progresar en el juego.

Lo único que no nos termina de convencer es el estilo artístico de los personajes, que se pasa de "limpio" para tratarse de Castlevania. Un arte como el de la portada del juego, realizada por el legendario Katsuya Terada, le habría sentado muchísimo mejor. A nivel gráfico también hemos notado que le faltaba algo de trabajo, pues a veces se producían unos saltos de cámara un poco raros, pero tampoco es algo que nos preocupe en exceso dado que aún tienen tiempo para pulir asperezas de aquí al lanzamiento.

Realmente, en esta sesión de juego sólo le hemos encontrado dos pegas: la primera es que para columpiarnos con el látigo arcano, debemos apuntar manualmente inclinando el stick en la dirección exacta del punto de agarre. Y cuando decimos exacta es exacta; nos fuimos directos contra los pinchos en muchas ocasiones por no apuntar correctamente. Y dado que es algo que hacemos continuamente para desplazarnos o incluso durante los combates, no le vendría mal un sistema de apuntado semi-automático que no requiera tanta precisión.

La segunda pega es un poco más personal, pero hemos echado en falta algún tema musical más animado. Vaya por delante que la banda sonora sonaba de fábula, muy en la línea de los anteriores juegos de Evil Empire, pero la saga Castlevania siempre nos ha dejado auténticos temazos y, en particular, la melodía del primer nivel suele ser una de las más memorables y animadas de cada entrega. Mientras que aquí han apostado por un tema más calmado. ¡Queremos escuchar algo más marchoso para dar caza a la noche!

Pero que estas pequeñas pegas no os lleven a una idea equivocada: gozamos de estas tres horas de Castlevania: Belmont's Curse una barbaridad, tanto que nos quedamos con unas ganas locas de seguir jugando y pasamos los días posteriores al evento rememorando la partida... O quizás nos pasa como a Rose y escuchamos voces en nuestra cabeza, quién sabe.

En cualquier caso, Castlevania: Belmont's Curse se lanza para PS5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch y PC el 15 de octubre, porque, finalmente, a la consola híbrida también llega el mismo día que al resto de plataformas. Justo a tiempo para pasar un Halloween de miedo.

Preparad el ajo y las estacas, porque seguro que nos van a hacer falta.

Porque es así: no recuerdo cuándo fue la última vez que un juego logró sorprenderme de semejante manera. Aunque, siendo justos... ¿cómo no iba a hacerlo? La propuesta es una absoluta locura: un juego de trenes que corren a toda velocidad y hacen skateboarding en un Japón distópico, con estética anime y clara inspiración de sagas como Jet Set Radio y Tony Hawk's Pro Skater.

Denshattack! podría haberse contentado con ser eso; una pequeña locura, una curiosidad que llamase mucho la atención por su extravagante propuesta. Pero lo que ha logrado el equipo de Undercoders va a hacer que peguéis saltos en el asiento, os va a dejar con la boca abierta cada dos por tres y os va a recordar por qué, pese a todo, seguimos jugando a videojuegos. En otras palabras: es un tremendo melocotonazo.

Todos a bordo del tren, porque empieza nuestro análisis de Denshattack! para PS5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch 2 y PC.

• El gameplay de Denshattack!
• Nivel de dificultad de Denshattack!
• ¿Cuántas horas de juego dura Denshattack!?
• Cuánto cuesta Denshattack! y dónde puedes jugarlo
• La opinión de Hobby Consolas de Denshattack!
• Nota: lo mejor y lo peor de Denshattack​!

Jugabilidad y gameplay de Denshattack! en PS5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch 2 y PC

Una catástrofe climática ha obligado a los habitantes de Japón a recluirse en ciudades-cúpula para sobrevivir... o eso es lo que la corporación Miraido ha hecho creer a la población; en el exterior, las personas que no han podido permitirse un hogar en las cúpulas se han acostumbrado a vivir entre ruinas abandonadas, aprovechando el sistema ferroviario para todas sus necesidades y provocando así el nacimiento de Denshattack: un deporte que lleva a los conductores más temerarios a realizar toda clase de trucos y otras locuras en vertiginosas carreras por las vías de Japón.

El juego nos cuenta la historia de Emi, una joven repartidora de ramen con un talento innato para los trenes. Cuando conoce a Fernando, un fotógrafo que recorre la región, se embarca en un viaje para convertirse en la mejor denshattacker y, de paso, derrocar a la malvada corporación Miraido.

Sobre el papel, la jugabilidad de Denshattack! no puede ser más sencilla: una vez ponemos el motor de la locomotora en marcha, el vehículo avanza por la vía de manera automática, siempre hacia delante y a toda velocidad.

Nosotros tenemos control a la hora de cambiar de vía o saltar si vemos un bloqueo, driftear en las curvas para no descarrilar y por supuesto aprovechar los momentos en el aire para realizar trucos, mediante un sistema de movimientos de joystick similar al visto en la saga skate. de EA.

Una de las claves de Denshattack! es que al ir progresando en el juego, se van introduciendo más y más mecánicas que añaden capas de complejidad, permitiendo que el jugador se exprese y dando más control sobre las vías... y fuera de ellas.

Pronto estamos usando el tren como si de una tabla de skate se tratase para grindar barandillas, hacer wallrides, prolongar los combos de trucos con manuals o incluso salirnos de las vías para hacer loopings. Hay muchas más mecánicas, pero prefiero no decir más de la cuenta porque una parte importante de la experiencia es ir descubriéndolas.

Y sí, se podría decir que Denshattack! es un juego de skate sobre raíles. Dicho así puede sonar simple, pero ya os advierto que vais a necesitar muy buenos reflejos; todo se desarrolla a tal velocidad y hay tantos estímulos en pantalla, que es realmente fácil estamparse o salirse de las vías. De hecho, esa es una de las pocas pegas que le puedo poner a Denshattack!; hay momentos en los que la pantalla está tan saturada y todo va tan rápido, que cuesta ver con claridad los obstáculos del recorrido.

Pero también tiene su gracia, pues si alguien que no conoce Denshattack! nos ve jugar, probablemente no entenderá absolutamente nada de lo que está sucediendo en pantalla... mientras que nosotros habremos entrado "en la zona".

Y lejos de estar limitados por las vías, han sabido aprovechar muy bien la idea para meter toda clase de locuras, utilizando las mecánicas de formas muy inesperadas y sorprendentes.

Por ejemplo, una de las habilidades más importantes de Emi es el Yaoyorozudo, que sería el equivalente a conseguir el special en un Tony Hawk. La diferencia es que aquí, al alcanzar la puntuación necesaria, aparecen nuevos carriles, barandillas, túneles, etc. caracterizados por los colores del arcoíris. Me parece una ideaza, porque te invita a jugar encadenando trucos para aumentar tus opciones durante el recorrido. Y además, da pie a momentos muy espectaculares.

Los niveles también presentan diferentes modalidades de juego. Los básicos consisten en ir del punto A al punto B, consiguiendo la puntuación más alta por el camino. Pero también hay niveles que consisten en competir contra otros denshattakers, superando varias vueltas a un mismo recorrido, niveles en los que hay que alcanzar la mayor puntuación posible dentro de un tiempo determinado o incluso niveles "abiertos", en los que tenemos que cumplir una serie de objetivos que podemos acometer en el orden que prefiramos.

Cada nivel cuenta también con una serie de desafíos, desde cosas comunes, como superarlos en el menor tiempo posible, sin estrellarnos o alcanzando la puntuación máxima, hasta retos únicos de cada nivel que nos permiten apreciar mejor el gran trabajo que hay detrás de cada uno de ellos. Hay un total de 67 niveles en Denshattack!

Y cumplir todos estos retos es un auténtico vicio; los niveles son todos tan rápidos y espectaculares que es inevitable querer repetirlos una y otra vez hasta conseguirlo todo (o casi, porque no es fácil sacar todas las medallas de oro). Además, también hay objetos coleccionables en cada nivel que se pueden usar para comprar artículos de personalización o nuevos modelos de tren con diferentes habilidades.

Todo esto alcanza el punto álgido en los combates contra jefe. Porque sí, Denshattack! también tiene combates contra jefe y son un puñetero espectáculo a todos los niveles: puesta en escena, mecánicas, banda sonora... Desde que tengo el juego en mis manos, he repetido varios de estos combates y no sólo para conseguir la medalla de oro, sino simplemente porque MOLAN. Molan muchísimo.

En estos combates es donde se utilizan las mecánicas de formas más inesperadas, con auténticas idas de olla que hacen que Denshattack! se transforme en... otros juegos. Y siempre que crees que ya lo has visto todo y que es imposible que te sorprendan, se sacan de la manga una idea aún más chalada que la anterior. Y esto es así hasta el mismísimo nivel final; es un juego que no para de crecerse.

En los combates contra jefe también es donde mejor se puede apreciar el espíritu anime que impregna la propuesta, con situaciones absurdamente épicas que no desentonarían en un shonen de peleas de mechas.

Y hablando de anime, no faltan toda clase de referencias a series y películas: Dragon Ball, Studio Ghibli, Initial D... Pero, por encima de todo, Denshattack! es una oda a la cultura japonesa. El juego nos lleva a recorrer las principales islas de Japón, desde Kyūshū hasta Hokkaidō, pasando por diferentes prefecturas y visitando lugares tan icónicos como el monte Fuji o el cruce de Shibuya, entre muchos otros. Y, por el camino, también hay tiempo para conocer tradiciones milenarias o incluso disfrutar de momentos de tranquilidad en un onsen.

Esa es una de las cosas que más me gustan de Denshattack!; no se limita a ser una sucesión de niveles en los que hacer trucos para ganar puntos. Aquí, cada recorrido cuenta una historia; siempre hay una excusa narrativa para estar ahí, y mientras vuelas por las vías a toda velocidad, se generan situaciones a las que te tienes que enfrentar para llegar hasta el final. Y tanto la historia como el elenco de personajes -muy carismáticos- que vamos conociendo, logran que nos impliquemos y que juguemos también para saber qué va a pasar a continuación.

Y cuando todo eso confluye, cuando el diseño de los niveles, las mecánicas utilizadas de formas originales, las situaciones que se plantean, el punto en que se encuentra la historia y, por supuesto, la banda sonora, se ponen de acuerdo para alcanzar el clímax, es inevitable que se te pongan los pelos de punta. Me ha pasado en varias ocasiones mientras jugaba, con el mando en las manos, una sonrisa en los labios y pensando: «madre mía, cómo mola Denshattack!»

Y como no podía ser de otra manera, Denshattack! también derrocha estilazo audiovisual. En lo referente a los gráficos, se aprecia la influencia de Jet Set Radio, haciendo uso del cel-shading y un estilo inspirado en la cultura urbana, el mundo del grafiti, tribus como las Gyaru, la moda Lolita o las bandas juveniles de Japón.

Para acomodarse a semejante variedad de estilos e influencias, la banda sonora incluye temas musicales de todos los géneros que os podáis imaginar, eso sí, caracterizados por tener un tremendo estilazo. Han contado con una enorme gama de artistas, entre los que destacan Andrew One, Sean Bialo, Tee Lopes (el celebrado compositor de Sonic Mania y otros títulos recientes de SEGA) o incluso Shoji Meguro y Lotus Juice, el rapero habitual de la saga Persona.

Pero creo que la mejor forma de describir la banda sonora sería decir que "Denshattack! suena a SEGA". Hay muchísimos temas que podrían ser perfectamente parte de un Sonic, un Jet Set Radio o un juego de Dreamcast. Es una banda sonora increíble y os garantizo que muchas canciones las vais a querer volver a escuchar fuera del juego.

¿Es difícil Denshattack!?

Denshattack! no incluye diferentes niveles de dificultad y, por lo general, no se puede decir que sea un juego muy difícil... aunque depende de lo que aspiréis a conseguir.

A medida que avanzamos en la historia, la dificultad va en aumento, llegando a exigir que dominemos todas las mecánicas, conozcamos los entresijos de los circuitos y tengamos unos reflejos de lince.

Ahora bien, es un juego muy generoso en lo que a checkpoints se refiere, de manera que cada vez que nos estrellamos o nos salimos de las vías, aparecemos unos metros antes del accidente. De ahí que incluso superar los niveles más complicados sea una cuestión de insistir más que de habilidad a los mandos.

Pero todo eso es siempre que os limitéis a terminar los niveles y ya. Porque si pretendéis completar todos los retos, encontrar todos los coleccionables y conseguir todas las medallas de oro... ahí la cosa cambia por completo.

Yo lo he intentado y ya os digo que no es fácil en absoluto. Sólo el hecho de tener que completar todos los niveles sin estrellarse ya es toda una hazaña, y algunos requisitos de puntuaciones os van a obligar a mantener la cadena de combos durante todo el recorrido. Además, algunos de los coleccionables están realmente bien escondidos o requieren triquiñuelas endemoniadas, como tener que activar el Yaoyorozudo muy pronto para tener acceso a rutas alternativas.

En otras palabras: quien quiera dificultad la va a encontrar de sobra, pero se trata de un enfoque muy arcade, ideado para que repitamos los niveles una y otra vez hasta dominarlos por completo.

Es particularmente satisfactorio volver a los niveles iniciales tras haber terminado el juego, y descubrir que ahora podemos superarlos con los ojos cerrados.

¿Cuántas horas dura la historia de Denshattack!?

Y esto, cómo no, nos lleva a hablar de la duración de Denshattack! Como sucede con la dificultad, si os contentáis con terminar los niveles una vez, completar la historia os puede llevar entre 6 y 8 horas.

Pero si tratáis de superar los retos, encontrar coleccionables y conseguir medallas de oro, la duración de Denshattack! aumenta considerablemente.

En mi caso, ya llevo más de 15 horas de juego y todavía me quedan más de la mitad de medallas de oro por conseguir y unos cuantos coleccionables por encontrar.

Es una duración estupenda, especialmente si tenemos en cuenta el siguiente punto.

Precio y plataformas disponibles

Denshattack! se lanza el 15 de julio de 2026 para PS5, Xbox Series X|S (también en Game Pass), Nintendo Switch 2 y PC a un precio recomendado de 19,99€.

Puede que el "efecto Silksong" haya tenido algo que ver, pero desde luego un juego tan original, con tanta calidad y con ese nivel de contenido es sencillamente irrechazable a ese precio.

Para este análisis he jugado a la versión de PS5, que va como un tiro, pero también hemos podido trastear un rato con la versión de Denshattack! para Nintendo Switch 2 y tres cuartos de lo mismo: va muy fluida, a 60fps estables y sin ralentizaciones (en los primeros niveles, al menos), así que es una opción más que recomendable, pues al ser un juego de partidas rápidas encaja muy bien con el concepto híbrido de Switch.

Por el momento, Denshattack! sólo estará disponible en formato digital, pero es la clase de juego que tiene todas las papeletas para llegar en formato físico en un futuro no muy lejano, especialmente si tiene éxito (cruzo los dedos para que así sea).

Menos cháchara y más Denshattack!

Creo que todos estamos de acuerdo en que los videojuegos son algo muy pasional, tanto desde el lado de los jugadores como el de los creadores. Pero tal y como están las cosas ahora mismo, especialmente dentro de la industria AAA, toda esa pasión se diluye a través de decisiones que han sido tomadas en un despacho por "corbatas".

Quizás ese sea el verdadero motivo por el que Denshattack! embiste con semejante fuerza. Puedes sentir en cada píxel que sus creadores se lo estaban pasando como enanos cuando lo desarrollaban y que no ha habido nadie que bajase las barreras para detener este tren. La luz del semáforo estaba siempre en verde, dando vía libre a cualquier locura que pasase por sus cabezas.

Y ese sentimiento se traslada al mando y a la persona que lo sostiene. Es así de sencillo. No hacen falta presupuestos millonarios, sólo ideas originales y libertad para llevarlas a cabo. Menos mal que existen los indies y menos mal que existen estudios como Undercoders, porque si no... hace tiempo que me habría bajado de este tren.

Y, sobre todo, menos mal que existe este tremendo melocotonazo. Adoro Denshattack!

Hasta allí se han acercado varios miembros del equipo, entre ellos David Jaumandreu (dirección del juego y producción ejecutiva) y Àngel Beltran (producción y programación principal), para hablarnos sobre el arduo proceso hasta encontrar un publisher, anécdotas sobre el desarrollo o las muchas influencias tras su estilo visual y banda sonora.

Tras concluir la presentación y, como es habitual en esta clase de eventos, ha tenido lugar el turno de preguntas. Pero antes de que cualquiera de los asistentes levantase la mano, el propio David Jaumandreu se ha adelantado y ha despejado la duda que todos teníamos en mente: ¿habrá edición física de Denshattack!?

Denshattack! podría contar con edición física y sus responsables ya sueñan con sus contenidos

Después del anuncio de PlayStation que fue como un terremoto para la industria, es inevitable pensar (más) en las ediciones físicas. Y especialmente en el caso de Denshattack!; un título de trenes que hacen skateboard bajo un estilo audiovisual tan potente es la clase de juego que queremos tener en nuestra estantería, ya sea en cartucho o en disco (o en ambos).

«Ojalá» ha confesado el director de Denshattack!. Al estudio le encantaría, pero por ahora no hay nada confirmado y todo dependerá de la recepción del juego.

Ahora bien, tienen muchas ideas en caso de que la edición física de Denshattack! sea una realidad. Como, por ejemplo, una edición que incluya como extra los fanzines que podemos desbloquear dentro del juego, pero en formato físico.

O una edición que incluya una versión en miniatura del Beppu Star, el tren que conduce la protagonista de Denshattack!. O por supuesto una edición que incluya la banda sonora, dado que se trata de uno de los aspectos más cuidados de la aventura (hay cerca de 80 canciones, más de 4 horas de música).

Como veis no faltan ideas ni ganas de tener esta pequeña locura en las manos (literalmente), pero ahora todo depende del apoyo que reciba a partir de mañana, cuando se ponga a la venta.

Aunque... algo nos dice que a Denshattack! le va a ir MUY bien. Quizás sea porque se trata de una idea con muchísimo potencial, por el entusiasmo que transmite su equipo... o porque ya lo hemos jugado (y terminado) y muy pronto podremos contaros qué nos ha parecido.

Pero estamos seguro de nadie va a querer perder este tren.

Lo cierto es que ha habido un gran número de juegos de Sword Art Online (el último en 2024), pero la gran mayoría no ha brillado por su calidad. Sin embargo, en este se puede apreciar claramente la intención de Bandai Namco por hacer algo más ambicioso... probablemente el juego más ambicioso de Sword Art Online.

Y buena prueba de ello es su título, Echoes of Aincrad, porque Sword Art Online es un pequeño subtítulo que nos avisa de donde nos estamos metiendo realmente. Creo que de esta manera lo que intentan es atraer a seguidores de los JRPG que no conocen el universo de SAO... y desde luego conmigo ha dado resultado.

Ahora bien, pese a las buenas intenciones, Echoes of Aincrad se queda lejos de ser un gran juego... aunque eso no ha evitado que me haya enganchado de forma inexplicablemente compulsiva. Os lo explico (o lo intento) en esta review de Echoes of Aincrad para PS5, PC y Xbox Series X|S.

• El gameplay de Echoes of Aincrad: Sword Art Online
• Nivel de dificultad de Echoes of Aincrad: Sword Art Online
• ¿Cuántas horas de juego dura Echoes of Aincrad: Sword Art Online?
• Cuánto cuesta Echoes of Aincrad: Sword Art Online y dónde puedes jugarlo
• La opinión de Hobby Consolas de Echoes of Aincrad: Sword Art Online
• Nota: lo mejor y lo peor de Echoes of Aincrad: Sword Art Online

Jugabilidad y gameplay de Echoes of Aincrad: Sword Art Online en PS5, Xbox Series X|S y PC

Echoes of Aincrad nos lleva a participar tanto en la beta como en el lanzamiento de Sword Art Online, un VRMMORPG que se convierte en una trampa mortal cuando su creador atrapa a todos los participantes en su interior, obligándoles a superar el juego si quieren volver a sus vidas reales. En otras palabras, tiene lugar justo al principio de la historia principal, así que es un punto de entrada perfecto si no conocéis la serie.

La gracia es que en lugar de ponernos en el papel de Kirito, el protagonista de SAO, Echoes of Aincrad nos permite crear a nuestro propio personaje y personalizar su apariencia (a partir de cierto punto) con un editor bastante parco en opciones, pero que cumple su cometido.

Así que si bien conocemos e incluso entablamos amistad con algunos de los personajes más conocidos de Sword Art Online, la historia de Echoes of Aincrad va por otros derroteros y presenta a un grupo de personajes completamente nuevo.

Desarrollar y mantener un juego multijugador masivo en línea es muy costoso, así que Bandai Namco ha optado por simular la experiencia a través de un JRPG de acción para un único jugador. Quizás haya gente a la que esto le parezca una estupidez, pero personalmente siempre me ha atraído mucho la idea de un falso MMORPG, probablemente porque en su día estuve obsesionado con la saga .hack y, hace no tanto, también con esa joyita llamada CrossCode.

Pero aquí es donde empiezan los problemas de Echoes of Aincrad. La sensación de estar en un MMORPG está muy poco lograda; en las ciudades, los NPCs deambulan como zombies y sólo podemos interactuar con el herrero, la dependienta de la tienda y el ocasional personaje que nos encarga una misión secundaria. Fuera de las ciudades es peor todavía, pues nunca nos cruzamos con nadie salvo con monstruos.

Así que más que un MMORPG simulado, Echoes of Aincrad parece un JRPG como cualquier otro. Y me parece incomprensible, pues juegos como los mencionados .hack o CrossCode (que ya tienen unos cuantos añitos), conseguían generar la falsa ilusión de estar jugando a un título online con trucos tan sencillos como poner a otros jugadores corretando por ahí.

La estructura de Echoes of Aincrad también es un problema, pues aunque las imágenes pueden llevar a pensar que se trata de un juego de mundo abierto, en realidad no lo es.

Echoes of Aincrad es un juego con una estructura dividida en misiones y cada misión, ya sea principal o secundaria, se desarrolla dentro de una zona delimitada. Es una idea bastante extraña, pues tal y como está diseñado el mapa general, resulta muy raro no poder salir de la ciudad y explorar libremente.

Y ojo, me parece bien que los mapas no sean las típicas explanadas que ya hemos visto en tropecientos juegos de mundo abierto; lo que tenemos aquí son niveles, con diferentes rutas, alturas y atajos, diseñados a lo grande y con la intención de que los exploremos hasta dar con el punto que revela el mapa de la zona, lo cual no siempre es fácil. Y eso me gusta.

El problema es que explorarlos es una experiencia muy frustrante. Continuamente te topas con obstáculos que te obligan a dar vueltas sin sentido y restringen tu libertad de movimiento, como que no puedas dejarte caer desde una posición elevada, que sólo puedas usar el viaje rápido desde los puntos designados o que, si te sales de la zona habilitada para esa misión, el juego te diga "por aquí no se puede ir".

Al final te acabas acostumbrando a este diseño arcaico, pero no deja de ser muy frustrante, especialmente si quieres recoger todo el contenido de cada mapa. Durante las primeras 30 horas, a mi me dio por limpiar todas las zonas en todas las misiones y ya os lo aviso: es un coñazo y no merece la pena.

Es un coñazo porque, tal y como está diseñado, te acabas pegando unas pateadas de un lado para otro que no tienen ningún tipo de sentido. Si hubiera un contador de pasos en Echoes of Aincrad, estoy convencido de que ya superaría por mucho a la mayoría de juegos. Y no merece la pena porque tampoco hay mucho que ver: sólo cofres cuyo contenido es inútil en el 90% de los casos, materiales, muy de vez en cuando hay objetos que activan misiones secundarias... y por supuesto enemigos. Muchos enemigos.

E incluso aunque paséis de limpiar los mapas, Echoes of Aincrad presenta otro problema importante: las misiones siguen siempre la misma estructura. Ir a una localización, explorarla hasta encontrar el punto o puntos que revelan el mapa y enfrentarse a un jefe. Es así siempre.

El único cambio se produce cuando la misión tiene lugar en una mazmorra, pero en estos casos el diseño de los mapas se genera de forma aleatoria. Y aunque hay diferentes tipos de mazmorras desde un punto de vista visual, su estructura es tremendamente repetitiva; vais a ver salas con los mismos patrones continuamente. Uno de los momentos más frustrantes de todo el juego tuvo lugar cuando me hicieron superar una de estas mazmorras (que normalmente tienen dos pisos) y, en la siguiente misión, tuve que volver a explorar exactamente la misma mazmorra... pero esta vez en lugar de dos pisos eran cuatro. Y no, en este caso no estoy hablando de algo opcional; esto forma parte de la historia principal. Y hablando de cosas que se repiten... la variedad de enemigos, especialmente jefes, deja bastante que desear.

Llegados a este punto os preguntaréis: ¿tiene Echoes of Aincrad: Sword Art Online algo que merezca la pena? Y la respuesta es sí; el combate es bastante entretenido... aunque también tiene varios "peros".

La acción es directa, satisfactoria y muy vistosa, estilo hack'n slash. Hay seis armas diferentes, una gran variedad de habilidades de espada (las mismas que dan nombre al juego) muy espectaculares y un sistema de acompañantes que, si bien no es demasiado profundo, da pie a acciones como esquivas y bloqueos perfectos o ataques de apoyo y definitivos. También hay una mecánica bastante interesante que consiste en cercenar partes del cuerpo de los enemigos para, por ejemplo, impedir que vuelen o evitar que bloqueen ataques, pero está un tanto desaprovechada. Eso sí, hay que reconocer que cuesta cansarse de ver los desmembramientos a cámara lenta.

Echoes of Aincrad tiene toques de soulslike, apreciables en aspectos como la gestión de la energía en combate o el crecimiento del personaje distribuyendo puntos en diferentes estadísticas. También hay un sistema de fabricación, mejora y síntesis de armas que está bastante bien; no es la cosa más original ni más compleja del mundo, pero en combinación con el loot que dejan caer los enemigos constantemente, se genera un bucle jugable que engancha bastante e invita a trastear con las diferentes posibilidades.

Por eso resulta incomprensible que en Echoes of Aincrad no sea posible cambiar de arma ni de equipo en mitad de una misión; para hacerlo, estamos obligados a volver a una ciudad. Como muchas otras decisiones del juego, parece una idea que sólo está diseñada con el objetivo de hacernos perder el tiempo.

Pero eso no es lo peor; lo peor del combate de Echoes of Aincrad es que el 80% de los ataques enemigos tiran a nuestro personaje al suelo. No os hacéis una idea de lo insufrible que puede llegar a ser, especialmente cuando coinciden en pantalla varios enemigos y tan rápido como nos estamos levantado... nos vuelven a tirar.

La sensación de estar perdiendo el tiempo también la he sentido con la historia, pues a pesar de que el universo de Sword Art Online implica un planteamiento interesante, los nuevos personajes apenas tienen desarrollo y cuesta mucho empatizar. Eso cuando no se olvidan directamente de ellos.

Pero la historia tiene otros problemas más graves: resulta demasiado previsible, hay incongruencias argumentales y, pese a tener un ritmo lentísimo... de repente se acaba y nos deja a medias.

El apartado audiovisual tampoco es uno de los fuertes de Echoes of Aincrad: Sword Art Online. Han apostado por un estilo gráfico cel-shading, que siempre entra muy bien por los ojos y es fiel al anime, pero las animaciones de los personajes están muy poco trabajadas, algo que se evidencia sobre todo durante los diálogos.

La variedad visual también es muy escasa, pues aunque podemos explorar dos pisos (mapas) con ambientaciones muy diferentes, apenas se aprecian cambios dentro de las zonas que los componen, lo que provoca la impresión de recorrer siempre los mismos escenarios. Y la banda sonora está bien como acompañamiento durante la exploración y los combates, pero no hay ninguna melodía que destaque y acaba pasando a un segundo plano.

¿Es difícil Echoes of Aincrad: Sword Art Online?

Echoes of Aincrad: Sword Art Online cuenta con cuatro niveles de dificultad: fácil, normal, difícil y muy difícil. Si no nos convence la dificultad elegida, podemos cambiar a otra desde los cofres en los que distribuimos los puntos de nivel y cambiamos el equipo.

Precisamente eso hice, pues empecé jugando en normal y, me estaba pareciendo tan excesivamente fácil, que decidí animar un poco las cosas probando la dificultad difícil. Y así se quedó durante el resto del juego; en esa dificultad, Echoes of Aincrad sigue sin ser el juego más difícil del mundo, pero al menos te obliga a estar pendiente de lo que haces.

Eso sí, a medida que avanza la historia hay unos cuantos jefes que suponen un pico de dificultad importante, tanto que por momentos parece que estás jugando a Dark Souls. Y en ocasiones se les va la mano con las oleadas de enemigos y lo único que podemos hacer es ver cómo arrollan a nuestro personaje sin posibilidad alguna de respuesta.

Ahora bien, la dificultad tiene trampa: en la gran mayoría de misiones, el nivel de los enemigos escala en relación al de nuestro personaje, por lo que no importa demasiado si se nos va la mano subiendo de nivel. Sólo hay un tipo de misión en las que el nivel de los enemigos es fijo, pero son muy puntuales.

Además de los distintos niveles de dificultad, Echoes of Aincrad cuenta con dos modos de juego: estándar y juego mortal. Este último es el modo realista, por así decirlo, pues como sucede en Sword Art Online, si morimos... la partida se acaba y tendremos que empezar de cero con otro personaje.

¿Cuántas horas dura la historia de Echoes of Aincrad: Sword Art Online?

Es complicado calcular la duración exacta de Echoes of Aincrad, pero diría que yendo a piñón se puede completar la historia principal en unas 30 o 40 horas. En mi caso, han sido cerca de 60.

Porque si decidimos hacer misiones secundarias y, sobre todo, explorar a fondo todos los mapas, la duración se puede ir sin problemas a las 70 u 80 horas.

Puede que incluso más, pues una vez terminado el juego todavía queda el post-juego, que a grandes rasgos consiste en superar una mazmorra en diferentes niveles de dificultad, con nuevas mecánicas con toques de roguelike y un nuevo tipo de objeto de equipo como premio. Y ya os aviso que superar todos los niveles y lo que espera al final no es nada fácil.

Aunque, como ya he dicho, si decidís ir a por el 100% os vais a hartar de correr de un lado para otro (a mí todavía me duele el pulgar izquierdo de tenerlo tantas horas haciendo presión sobre el joystick).

Precio y plataformas disponibles

Echoes of Aincrad: Sword Art Online se lanza el 10 de julio de 2026 tanto en formato físico como digital.

En el caso de la edición física, su precio recomendado es de 69,99€. Mientras que en digital tenemos tres opciones distintas: edición estándar, que incluye los mismos contenidos y tiene el mismo precio que la edición física; edición deluxe, que incluye el juego, contenido descargable del pack de expansión, un paquete de inicio y desbloqueo anticipado del modo de juego mortal por un precio de 89,99€; y edición ultimate, que incluye el juego, contenido descargable del pack de expansión, un paquete de inicio, desbloqueo anticipado del modo de juego mortal, las botas aleteantes y túnicas aleteantes y una aplicación digital, separada del juego principal, que incluye un libro de arte, banda sonora y la película de animación Unanswered//Butterfly. Todo ello por 109,99€.

Además, es importante señalar que podéis jugar de forma gratuita a la demo de Echoes of Aincrad, que corresponde al prólogo del juego (la beta de Sword Art Online) y ofrece entre 5 y 6 horas de juego.

Sword Art Offline

Tengo la certeza de que Echoes of Aincrad tenía mucho potencial. Con más tiempo de desarrollo, trabajo y, probablemente, dinero invertido, de aquí podría haber salido un JRPG de acción de gran nivel, capaz de conquistar tanto a amantes de Sword Art Online como a gente que no ha visto ni un capítulo del anime en su vida.

Por desgracia, tiene demasiados problemas en demasiados frentes como para recomendárselo a cualquiera de los dos grupos. Pero, pese a todo... he seguido jugando.

Ni yo me lo explico, porque muchas veces he sentido que estaba perdiendo el tiempo y que debería haberlo dedicado a otra cosa. Pero he seguido jugando.

Quizás sea porque el universo que plantea es muy interesante y las ganas de un nuevo .hack son fuertes; quizás sea porque esperaba encontrar algo bueno en algún momento; o quizás sea porque el combate y el bucle jugable son muy entretenidos. Pero el caso es que pese a sus muchos y evidentes problemas, he seguido jugando a Echoes of Aincrad.

...y lo peor es que en cuanto termine de escribir este análisis voy a seguir haciéndolo.

Por si no lo conocéis, se trata de un evento dedicado a la música de videojuegos japoneses donde se celebrará un concierto en directo en el que compositores emblemáticos tocarán algunas de sus melodías más queridas.

Japan Sound Quest acogerá como invitado estrella a Nobuo Uematsu, y contará también con la participación de otras dos leyendas de la música de videojuegos: Kumi Tanioka y Noriyuki Iwadare.

Os dejamos todos los detalles a continuación.

Ya a la venta las entradas para Japan Sound Quest, el evento que ningún amante de la música de los JRPG debería perderse

Japan Sound Quest tendrá lugar el próximo 18 de diciembre de 2026 en el Roig Arena de Valencia (España). Las entradas para el evento están a la venta desde el 30 de junio, así que si os interesa asistir ya estáis tardando en haceros con ella desde este enlace.

Como decimos, el cabeza de cartel es Nobuo Uematsu, legendario compositor de la saga Final Fantasy y de juegos como Chrono Trigger, Lost Odyssey, The Last Story y un largo etcétera. Además, por primera vez en España, estará acompañado por su banda, TIKI.

Japan Sound Quest también acogerá conciertos de Kumi Tanioka, compositora de Final Fantasy Crystal Chronicles, y Noriyuki Iwadare, compositor de Grandia y Phoenix Wright: Ace Attorney.

Se trata sin duda de una ocasión única, un evento muy especial que ningún amante de los videojuegos y, en especial, de las bandas sonoras de los juegos de rol japoneses debería perderse.

Así que lo recordamos una vez más: el próximo 18 de diciembre de 2026 tenéis una cita en el Roig Arena de Valencia para disfrutar de la música de Nobuo Uematsu, Kumi Tanioka y Noriyuki Iwadare en Japan Soun Quest.

Bajo el lema "Game sube de nivel", han empezado a calentar motores de cara a este gran anuncio que se producirá próximamanete.

Por el momento no han revelado demasiada información, pero por aquí os traemos todos los detalles sobre lo que promete ser la nueva era de la tienda de videojuegos.

Game sube de nivel: una gran novedad llegará muy pronto a la tienda de videojuegos trayendo consigo una nueva vera

Este anuncio deja especialmente claro que este "algo" en el que han estado trabajando tiene que ver con los clientes.

Aseguran que la idea no ha nacido en un despacho, sino gracias a una encuesta que hicieron a los usuarios más fieles hace meses para saber qué querían para el futuro de Game.

Según sus propias palabras, se trata de algo que los clientes pidieron... y van a subir de nivel para darles todo eso y mucho más. Y no tendremos que esperar muo para saber de qué se trata: el gran anuncio tendrá lugar el 8 de julio de 2026, es decir, exactamente dentro de una semana,

Por el momento no pueden ofrecer más detalles al respecto, pero han preparado un microsite especial donde podemos apuntarnos para descubrir la nueva era de Game en cuanto se produzca el anuncio oficial y estar al tanto de todas las novedades que llegarán a la tienda.

¿Alguna idea de lo que puede ser este gran anuncio? ¿Qué novedades os gustaría ver en Game? La semana que viene, en cuanto tengamos más detalles, os los haremos llegar.

Te puede gustar más o menos el Episodio I de Star Wars, pero es innegable que una de las escenas más icónicas de toda la película es la carrera de vainas. Por eso a nadie le sorprendió que en 1999 se lanzase un videojuego de conducción arcade centrado en la competición de alta velocidad: Star Wars Episodio I: Racer.

La sorpresa fue que era muy buen juego, especialmente en un época en la que los títulos basados en películas tendían a no brillar por su calidad. A rebufo de su éxito se lanzaron otros dos videojuegos: una versión para máquinas recreativas y una secuela, Star Wars Racer Revenge, que se quedó bastante lejos de la línea de meta.

Y ahora, 27 años después, Fuse Games, un equipo formado por antiguos miembros de Criterion, autores de grandes obras de la velocidad como Burnout o Need For Speed, nos proponen volver a subir a la vaina (o a otras vehículos) para disfrutar de las carreras más vertiginosas de toda la galaxia. Así es Star Wars: Galactic Racer.

Impresiones de Star Wars: Galactic Racer

Star Wars: Galactic Racer cuenta con cuatro modos de juego distintos: campaña para un jugador, escenarios, arcade y multijugador.

En el modo campaña nos ponemos en papel de Shade, un misterioso piloto que se une a la Liga Galáctica del Borde Exterior para derrocar al malvado Kestar Bool, quien amenaza con hacerse con el control de la competición.

El modo campaña es toda una curiosidad, pues además de contar una historia en el sentido tradicional, está diseñado de manera que sea altamente rejugable y cada partida sea diferente. De ahí que Star Wars: Galactic Racer tenga cierta filosofía roguelike.

Cuando iniciamos la campaña entramos dentro de la Liga y, para progresar, podemos elegir entre diferentes tipos de eventos, como carreras tradicionales, carreras de prueba a bordo de vehículos experimentales o carreras de eliminación.

Al superar eventos vamos cambiando de planeta, visitando lugares como Jakuu, Lantaana o Ando Prime, cada uno con sus características propias. Y también obtenemos mejoras para los vehículos y tokens de la Liga, necesarios para competir.

El objetivo es llegar a la carrera de competición final, en la que nos enfrentamos a Kestar Bool, con el mejor vehículo posible. Pero si por el camino fracasamos muchas veces y nos quedamos sin tokens, la Liga termina para nosotros y tendremos que empezar otra desde el principio.

Curiosamente, en el modo campaña no manejamos las vainas de carreras, pero podemos elegir entre tres vehículos diferentes: el aerodeslizador terrestre, la moto aerodeslizadora y el aerodeslizador skim.

Y no sólo la elección de vehículo es importante: también debemos escoger entre 14 estilos de conducción distintos, cada uno con ventajas y habilidades únicas. Eso sí, muchos de los estilos o incluso las ventajas que confieren, han de ser desbloqueados mientras jugamos.

También podemos equipar hasta tres favores, que vienen a ser pequeñas ayudas que también mejoran a medida que superamos eventos con ellos equipados.

Incluso podemos personalizar la apariencia de Shade mediante diferentes opciones para atuendos, cascos e incluso voces. Y diréis: ¿para que quiero personalizar la apariencia del piloto si apenas lo voy a ver? Pues porque en Star Wars: Galactic Racer también podemos visitar el paddock, controlando a Shade en tercera persona para hablar con otros pilotos o visitar tiendas. Un pequeño detalle que contribuye a sumergirnos aún más en la trama.

Pero hablemos de las carreras, que es lo que verdaderamente importa. Dependiendo del vehículo y, justo antes de empezar la carrera, tenemos unos breves segundos para introducir una serie de comandos, a modo de QTE. Si lo hacemos a tiempo, podemos empezar con un extra de aceleración y/o protección de los escudos, que nunca viene mal.

Además de esto, el juego también nos invita a pisar el acelerador y mantenerlo en determinados niveles mientras se da la señal de salida para empezar con ventaja.

Ya dentro de las propias carreras, la sensación de velocidad es sencillamente espectacular, acompañada por un apartado gráfico de infarto y un diseño de audio de otra galaxia.

Y se nota claramente que es un juego de los autores de Burnout en detalles como el efecto a cámara lenta y la destrucción que se genera cuando hacemos que un rival se estrelle... o cuando la diñamos nosotros. Por suerte, tenemos tres "vidas" que podemos agotar antes de fracasar por completo.

Además, si se produce una colisión que no es mortal, tenemos una pequeña oportunidad para sobrevivir a través de otro QTE similar a la recarga activa de juegos como la saga Gears.

Además, como en el juego original, los circuitos incluyen atajos que nos pueden ayudar a rebañar unos cuantos segundos por vuelta.

Tras superar eventos obtenemos recompensas pero, siguiendo esa filosofía roguelike de la que hablábamos antes, en muchos casos debemos elegir con qué recompensa o mejora nos quedamos. Esto ayuda a que nos sintamos como pilotos que empiezan desde lo más bajo y van mejorando a medida que se desarrolla la competición.

Además, aunque fracasemos y tengamos que empezar de nuevo, los diferentes tipos de vehículos se pueden mejorar de forma permanente. También desbloqueamos nuevas piezas para los vehículos que pueden aparecer en siguientes partidas, tanto como recompensa como para comprar en las tiendas. De esta manera, cada vez que lo intentemos tendremos más posibilidades de llegar al final y alzarnos con la victoria.

El planeta donde tiene lugar la carrera también es muy importante, pues algunos tienen sus propias características. Por ejemplo, en el frío Ando Prime, al deslizarnos sobre pistas de hielo el vehículo se va congelando, lo que da lugar a problemas de funcionamiento. En estos casos, los circuitos cuentan con zonas que desprenden calor y reducen el medidor de congelamiento, pero en mitad de una vertiginosa carrera con otros once participantes, pasar por el arco térmico es más fácil de decir que de hacer.

Hasta ahora hemos hablado sobre el modo campaña, pero si queréis disfrutar de las carreras de vainas más clásicas, en el modo arcade podemos competir en circuitos tan legendarios como Mos Espa controlando a personajes igualmente legendarios como Sebulba o Ben Qadinaros.

Y ni siquiera hemos hablado de los escenarios o el modo multijugador. En otras palabras: Star Wars: Galactic Racer promete muchísimas horas de contenido de calidad y, sobre todo, velocidad. Lo que hemos visto hasta ahora nos ha convencido firmemente de que estamos ante un digno sucesor del primer juego de carreras de vainas.

Como diría el piloto más joven que se alzó con la copa de Boonta Eve: now THIS is pod racing.

Haber escogido estos dos juegos no parece casualidad, pues pese a ser títulos muy diferentes, ambos tienen algo en común: ya contaron con remakes en Nintendo 3DS. Aunque, siendo justos, estas versiones en 3D se ajustan mejor a lo que entendemos por remasterización, más que remake. Es solo una de las cosas que vamos a ver en este análisis de Star Fox para Nintendo Switch 2.

Porque el regreso de Fox McCloud se puede considerar un "remake"... aunque uno extremadamente fiel, ya que, aunque hay cambios y novedades, la experiencia a la hora de jugar es prácticamente la misma que en Nintendo 64.

Pero no me quiero precipitar. En esta review de Star Fox para Nintendo Switch 2 me voy a centrar en los siguientes aspectos.

• El gameplay de Star Fox
• Nivel de dificultad de Star Fox
• ¿Cuántas horas de juego dura Star Fox?
• Cuánto cuesta Star Fox y dónde puedes jugarlo
• La opinión de Hobby Consolas de Star Fox
• Nota: lo mejor y lo peor de Star Fox

Jugabilidad y gameplay de Star Fox en Nintendo Switch 2

Si le echasteis horas al original, ya sabéis lo que tenemos aquí: Star Fox es un shooter sobre raíles en el que nos ponemos en el papel de Fox McCloud, líder del escuadrón de mercenarios interestelares conocido como Star Fox, quienes se embarcan en una misión para liberar el sistema Lylat de las garras del malvado Andross.

En la mayoría de niveles controlamos el Arwing, un caza estelar capaz de realizar disparos láser, lanzar bombas y ejecutar maniobras de esquiva, como el mítico tonel (do a barrel roll!). Pero también hay fases concretas en las que pilotamos otros vehículos, como el tanque Landmaster o el submarino Blue Marine.

Las fases son uno de los puntos fuertes de Star Fox, pues dependiendo de nuestras acciones en combate, podemos tomar rutas alternativas en el mapa estelar que nos llevan a visitar otras localizaciones completamente distintas. E incluso dentro de una misma fase, a veces también se presenta la opción de tomar caminos diferentes, cada uno con sus pros y sus contras. Ahora bien, los niveles son exactamente los mismos que había en el juego original; ni uno más, ni uno menos.

La gran novedad de la campaña es que cuenta con numerosas secuencias de vídeo, tanto antes como durante como después de las misiones. De esta manera, se amplía enormemente la historia respecto al juego original, permitiéndonos conocer mejor a los personajes y sus motivaciones y dejándonos algunas escenas bastante espectaculares.

Por poner un ejemplo, este remake empieza con una secuencia de vídeo en la que vemos cómo Pigma traiciona a James McCloud, padre de Fox, un suceso clave que tiene lugar antes de los acontecimientos de la historia principal y que en el juego original era un simple diálogo.

Además, al superar misiones vamos desbloqueando entradas en el holovisor, que nos ofrecen descripciones detalladas sobre personajes, lugares, enemigos, etc. y permiten profundizar aún más en el trasfondo de la saga Star Fox.

Este remake de Star Fox también incluye el modo desafío, que se introdujo en Star Fox 3D, pero con importantes cambios. En lugar de tener que conseguir puntuaciones para obtener medallas, aquí cada fase nos propone una serie de retos (doce en total por cada fase; seis para el modo normal y seis para el modo experto), como destruir enemigos específicos o completar la misión dentro de un límite de tiempo. Son desafíos que nos permiten exprimir al máximo cada nivel, mostrándonos cosas que quizás desconocíamos, y están claramente pensados para los jugadores que se saben el juego al dedillo.

En cuanto a la jugabilidad, el remake de Star Fox mantiene intacto e incluso expande el estilo arcade del original: a lo largo de los niveles podemos recoger power-ups para mejorar la barra de escudo o aumentar la potencia de los disparos, y al final de cada nivel podemos ver un desglose detallado con nuestro desempeño. Porque en este remake, además de la puntuación, podemos ver estadísticas como el porcentaje de aciertos.

El control, como en el juego original, es una absoluta maravilla e incluso ha mejorado. Controlar el Arwing es realmente sencillo y apenas requiere unos pocos botones, pero hacerlo bien ya es otro cantar, especialmente si aspiramos a obtener las medallas en todos los niveles. Lo único que ha cambiado es la forma en que se realizan ciertos movimientos, como el rizo o el cambio de sentido, pues ahora basta con pulsar un botón (aunque, si lo preferís, se puede activar el esquema original).

Y dado que se trata de una de las funciones estrella de Nintendo Switch 2, el remake de Star Fox también incluye control mediante el modo ratón, aunque es un tanto particular: si lo tenemos activado y colocamos el Joy-Con derecho sobre una superficie plana, el juego cambia automáticamente a la vista desde la cabina, donde podemos usar la mirilla para apuntar con gran precisión.

El modo ratón también forma parte de una de las novedades de este remake: el cooperativo. Dos jugadores pueden colaborar, ya sea a través de una misma consola o mediante el Game Share, para controlar el Arwing. El piloto usa el Joy-Con izquierdo de forma tradicional para maniobrar la nave, mientras que el artillero usa el Joy-Con derecho en modo ratón para apuntar y disparar.

El modo multijugador versus también está de vuelta pero, como sucedía con el modo desafío, hay bastantes cambios: dos equipos formados por cuatro jugadores se enfrentan en una de las tres misiones disponibles. Cada misión tiene objetivos distintos, como capturar zonas o recuperar cargamento, y son todas francamente entretenidas, pues incluyen power-ups que no aparecen en la campaña, como un poderosísimo rayo. Se puede jugar contra otros jugadores en línea, pero lo bueno de este modo es que también admite GameShare (con hasta tres amigos que se encuentren cerca) o incluso en solitario contra la CPU.

Como extra adicional, el remake de Star Fox también incluye avatares que podemos desbloquear para usar en GameChat, permitiéndonos adoptar la apariencia de los héroes y villanos del juego o usar accesorios inspirados en Star Fox, como las orejas de Fox o el pico de Falco.

La gran renovación de este remake la encontramos en el apartado audiovisual, que ha sido hecho de cero y aprovecha el hardware de Nintendo Switch 2 para poner en pantalla unos efectos visuales muy espectaculares, especialmente en lo que se refiere a los escenarios. El diseño de los personajes puede chocar al principio, pero te acostumbras rápido y está en sintonía con el diseño "marionetil" del juego para Super Nintendo.

Los temas de la banda sonora también han sido recreados y reorquestados, y suenan todos de fábula, en particular la melodía principal y el tema de los combates contra jefe. Dado que este remake refuerza la faceta narrativa, los diálogos también cuentan todos con voces en castellano, donde hay que destacar a Mario García (voz habitual de Spider-Man en español) como voz de Fox McCloud.

¿Es difícil Star Fox?

Como la versión de 3DS, el remake de Star Fox incluye tres niveles de dificultad: fácil, normal y experto. En el primero se añaden varias facilidades, como que los camaradas caídos no se pierden entre misiones o los enemigos infligen poco daño, pero no se obtienen récords ni medallas.

El modo normal ofrece una experiencia de juego equilibrada, pero sí conocéis bien el título de Nintendo 64 o el de 3DS, no vais a tener problemas para superar la mayoría de rutas. Porque, como en el juego original, dependiendo de la ruta que sigamos, la dificultad cambia drásticamente. Y si con eso no tenéis suficiente, al conseguir todas las medallas en la campaña se desbloquea el modo experto.

En este modo, los enemigos son más agresivos, hacen más daño y su disposición es diferente, a menudo apareciendo en mayor número para complicar más las cosas. Además, tanto nuestro Airwing como el de los acompañantes sufre más daño, por lo que todas las misiones ofrecen un auténtico desafío sólo apto para los pilotos más hábiles.

¿Cuántas horas dura la historia de Star Fox?

Llegamos al que sin duda va a ser el aspecto más discutido de Star Fox para Nintendo Switch 2: su duración. Dado que no se han añadido nuevos niveles a la campaña, una partida completa puede llevarnos aproximadamente una hora, incluso menos si somos hábiles a los mandos.

Pero sería muy injusto valorar Star Fox en base a la duración de una única partida, pues es un juego diseñado para ser rejugado múltiples veces a través de sus diferentes rutas. Para que os hagáis una idea, una partida se compone de siete niveles... pero hay quince en total, lo que equivale a 25 rutas diferentes.

Es más, es muy probable que la primera vez que juguéis ni siquiera saquéis el final verdadero (de hecho, el juego ahora incluye una escena de vídeo para dejarnos claro que la historia puede tener otro final).

Teniendo eso en cuenta y, si además os proponéis conseguir todas las medallas, la duración de Star Fox se va sin problemas a las 10 o 12 horas.

Este remake coge esa misma idea y la lleva a un nuevo nivel gracias al modo desafío, un modo pensado específicamente para rejugar las fases una y otra vez tratando de completar todos los retos. Es un modo particularmente complicado (especialmente en modo experto), por lo que aquí tenéis otras 10 horas (o más) de juego.

Y tampoco nos podemos olvidar del multijugador cooperativo y competitivo, que siempre suma horas extra. En el caso del competitivo, habría estado bien tener más opciones, pues sólo tres modos de juego y todos ellos en mapas fijos, sabe a poco. Pero es un rato entretenido.

Vamos, que no se puede decir que Star Fox sea un juego corto ni mucho menos, pero es un título pensado para jugadores dispuestos a exprimirlo al máximo.

Precio y plataformas

El remake de Star Fox para Nintendo Switch 2 se lanza el 25 de junio de 2026 a un precio recomendado de 49,99€, tanto en formato físico como digital.

En el caso de la edición física y, al tratarse de un juego propio de Nintendo, Star Fox viene completo en el cartucho (en otras palabras: no es una de las temidas Game-Key Cards).

Zorro viejo, nave nueva

Esto es bastante sencillo: si te gustó Star Fox 64 o Star Fox 3D, es complicado que no te guste este nuevo Star Fox para Nintendo Switch 2.

Y es complicado porque, a nivel jugable, sigue siendo el mismo juego. Es decir, por definición se trata de un remake: el apartado audiovisual se ha rehecho -se ve de lujo- y las nuevas escenas de vídeo hacen que la historia sea más emocionante y los personajes tengan más profundidad.

Pero a la hora de ponernos a los mandos y jugar la campaña, no hay apenas novedades que lo diferencien de sus predecesores. De nuevo: sí, escenas de vídeo, pero no olvidemos que Star Fox está diseñado para ser rejugado, de manera que por muy chulas que sean, vais a terminar saltando las escenas en futuras partidas.

Esta era una oportunidad perfecta para añadir algún nivel nuevo o incluso algún cambio jugable interesante, pero Nintendo ha optado por ir a lo seguro con el regreso del zorro. Sabiendo cómo es la Gran N, no me extrañaría que esto sea fruto de no querer mancillar uno de sus juegos más legendarios, preservando la experiencia para que las nuevas generaciones puedan disfrutarlo tal y como era, bajo una nueva capa de pintura. Aunque ahora es inevitable preguntarse si el remake de Ocarina seguirá esta misma línea...

Lo que sí está claro es que era un juegazo en Nintendo 64 y 3DS y, gracias a esa jugabilidad atemporal, este remake de Star Fox para Nintendo Switch 2 también lo es.

El juego se pondrá a la venta en dos ediciones diferentes, Standard y Ultimate. Esta última incluye toda clase de contenidos adicionales: desde ropa y tatuajes para personalizar por completo el aspecto de Jason y Lucía, los dos protagonistas de GTA 6, hasta vehículos y armas para hacernos la vida más fácil (y divertida) en Vice City.

Además, también conocemos cuáles serán los extras por reservar GTA VI, cuándo empieza la precarga e incluso detalles sobre la edición física... que no suenan especialmente bien. Vamos a verlo todo.

GTA VI: precio oficial de lanzamiento, todas las ediciones, extras por reserva, detalles sobre el formato físico y fecha de precarga

Esta nueva oleada de información sobre GTA VI, horas antes de que se abran las reservas del juego más esperado de 2026, ha estado centrada principalmente en los contenidos de la dos ediciones.

La página oficial del juego de Rockstar nos permite conocer todos los detalles sobre la Ultimate Edition, que será la edición más cara del juego.

Así que vamos con la pregunta del millón: ¿cuánto cuesta GTA VI? Por fin tenemos la respuesta. En el caso de la Standard Edition, GTA VI costará 79,99€. Mientras que la Ultimate Edition de GTA VI asciende a 99,99€. Se confirma así, finalmente, que el juego "base" no costará 100€, como se venía rumoreando, aunque supone un aumento de 10€ respecto al precio de lanzamiento de GTA V.

En la nota de prensa facilitada a medios como Hobby Consolas, Rockstar también ofrece más detalles sobre el juego.

Todas las personas que reserven GTA 6 antes del 20 de noviembre, obtendrán acceso al pack Vintage Vice City, una serie de contenidos para personalizar el aspecto de los protagonistas con un estilo ochentero que inevitablemente nos recuerda a nuestro querido GTA Vice City.

Si reserváis en edición digital, os conviene saber que la precarga de GTA VI empieza el 12 de noviembre, permitiendo tener el juego listo para jugar el día del lanzamiento.

Ahora bien, sobre la edición en disco, Rockstar dice textualmente: "La versión física de Grand Theft Auto VI incluirá un código de descarga dentro de la caja". Con esto, queda claro que GTA 6 no incluirá el juego en disco tradicional.

Es muy probable que tengamos nuevos detalles a lo largo del día, puede que incluso el tercer tráiler de GTA VI. Lo que parece seguro y definitivo es que no habrá más retrasos: GTA VI se pondrá la venta el 19 de noviembre para PS5 y Xbox Series X|S.

Veníamos de Batman: Arkham Asylum, título con el que sorprendieron a propios y extraños por su enorme calidad, hasta el punto de ser considerado como el mejor juego de superhéroes de la historia. Sólo superado, quizás, por su secuela: Batman: Arkham City, con el que se consolidaron como uno de los estudios más potentes del momento.

Aun no estando desarrollado por Rocksteady, no podemos olvidarnos de Batman: Arkham Origins, precuela realizada por Warner Bros. Montreal (quienes más tarde se encargarían de Gotham Knights) que narraba los inicios de esta versión virtual del cruzado enmascarado y muchos fans recuerdan con gran cariño.

En otras palabras: el listón estaba MUY alto. Y aunque no podemos decir que Batman: Arkham Knight tuviese mala recepción (ostenta una nota media de 87 en Metacritic, que no es moco depavo, y en esta santa casa lo valoramos muy positivamente; podéis comprobarlo en nuestro análisis de Batman Arlham Knight), su lanzamiento fue bastante accidentado.

El protagonismo que se le dio al Batmóvil, el icónico vehículo del personaje que hacía su debut en esta entrega, no terminó de convencer a los jugadores. A eso hay que sumarle la versión de PC, desarrollada por Iron Galaxy, cuyo lanzamiento fue, hablando mal y pronto, un completo desastre.

Esto provocó que los años posteriores al lanzamiento, la percepción general de Batman: Arkham Knight no fuese la ideal. Sin embargo y, como se suele decir, el tiempo pone a cada uno en su lugar.

Batman: Arkham Knight, un prodigio técnico que sigue sorprendiendo 11 años después de su lanzamiento

Con el paso del tiempo y, a medida que más gente ha ido descubriendo Batman: Arkham Knight, la percepción ha ido cambiando. Se trata de un titulo que mantiene el mismo nivel de calidad que los demás juegos de la trilogía en todos los aspectos: jugabilidad, narrativa, banda sonora, misiones secundarias, diseño de Gotham, villanos...

Se pueden entender las críticas hacia el Batmóvil, pero eso no lo convierte en un mal juego ni mucho menos. Y, por supuesto, se trata de una conclusión a la altura para el Batman (y el Joker) de Rocksteady.

Pero, curiosamente, uno de los aspectos por los que es más recordado (y por el que es habitual toparse con imágenes de Batman Arkham Knight en Redes Sociales) es su apartado visual.

La iluminación de Gotham, con esas luces de neón que le dan cierto toque cyberpunk, la densidad de la lluvia, la demencial recreación del agua... Con los juegos previos, en Rocksteady habían demostrado ser auténticos maestros de la atención al detalle, pero con Batman Arkham Knight se superaron a sí mismos.

Se han hecho (y se siguen haciendo) muchos vídeos comparando los gráficos de títulos recientes con los de Batman Arkham Knight y todo el mundo coincide: el juego del Caballero Oscuro sigue siendo un auténtico prodigio técnico.

Pero, ¿cómo lo logró Rocksteady? ¿Cómo consiguieron que un juego que hoy cumple 11 años se siga viendo mejor que muchos títulos actuales, aun no contado con versión mejorada para PS5 y Xbox Series X|S? La respuesta es sencilla: en lugar de adoptar un nuevo motor gráfico o pasarse a la siguiente versión, siguieron trabajando con el que ya dominaban.

Porque, como Batman: Arkham Asylum y Batman: Arkham City, Batman: Arkham Knight usa el motor gráfico Unreal Engine 3. Concretamente, una versión modificada por Rocksteady para beneficiarse de las specs mejoradas de PS4 y Xbox One... pero UE3 al fin y al cabo.

Es más, Arkham Knight es probablemente el juego que más se acerca a lo que prometía el motor cuando fue anuncido. ¿Recordáis la famosa demo de Samaritan, presentada en 2011?

Hay una lección muy importante aquí de la que muchos estudios podrían tomar nota, especialmente viendo los quebraderos de cabeza que Unreal Engine 5 ha dado esta generación: a veces, en lugar de apostar por una nueva tecnología que se desconoce, es mejor ceñirse a lo que ya se domina para obtener mejores resultados.

Y fuera de los motores gráficos, esto se puede aplicar también a la forma de trabajar de los estudios, pues una práctica muy común dentro de la industria son los puestos temporales: personas contratadas para roles específicos que, una vez concluido el desarrollo, se ven obligadas a abandonar el estudio.

De ahí que, en muchos casos, el equipo que se encarga del desarrollo pueda ser muy diferente de una entrega a otra, aun tratándose de la misma saga... y con todos los problemas que esto conlleva.

Justo hace unos días, Naoki Hamaguchi, director de Final Fantasy VII Revelation, destacaba durante nuestra entrevista que haber mantenido el mismo equipo ha sido uno de los principales motivos por los que han logrado lanzar una de las trilogía mejor valoradas de los últimos años con tan poco tiempo de diferencia entre juego y juego.

Volviendo de nuevo al hombre murciélago, Batman: Arkham Knight es la prueba definitiva de todo esto. Un juego hecho con pasión por un equipo que llevaba desde 2009 perfeccionando sus habilidades. Pues no sólo mantuvieron el motor gráfico; director, productores, programadores, artistas, compositores... Muchos miembros del equipo estuvieron presentes durante toda la trilogía.

Sólo así se culmina una obra que aun hoy, 11 años después de su lanzamiento, sigue dejándonos con la boca abierta.

En lugar de volver a apostar por los turnos, Team Asano nos propone un juego de acción en tiempo real con componentes RPG y su característico estilo visual HD-2D, inspirado en sagas como The Legend of Zelda o Secret of Mana.

Y no cabe duda de que este equipo tiene duende (o hada, más bien) pues el resultado, aun con algunos peros, es una pequeña joyita que encandilará a los amantes de este tipo de aventuras con sabor a clásico.

• El gameplay de The Adventures of Elliot: The Millenium Tales
• Nivel de dificultad de The Adventures of Elliot: The Millenium Tales
• ¿Cuántas horas de juego dura The Adventures of Elliot: The Millenium Tales?
• Cuánto cuesta The Adventures of Elliot: The Millenium Tales y dónde puedes jugarlo
• La opinión de Hobby Consolas de The Adventures of Elliot: The Millenium Tales
• Nota: lo mejor y lo peor de The Adventures of Elliot: The Millenium Tales

Jugabilidad y gameplay de The Adventures of Elliot: The Millenium Tales en PS5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch 2 y PC

La historia nos pone en el papel de Elliot, un afamado aventurero que se embarca en un viaje para salvar el reino de Huther. Pero lo que parecía otra aventura más, se acaba transformando en un periplo que abarca más de mil años. Por suerte, Elliot traba amistad con Faie, una simpática hada que hace las veces de guía y apoyo mágico.

Un aventurero, un reino en peligro y un hada como compañera de viaje. Es inevitable acordarse de The Legend of Zelda, algo que sucede también cuando nos ponemos a los mandos: la perspectiva aérea y los combates en tiempo real nos recuerdan a las entregas clásicas de la saga de Nintendo.

Y no es lo único, pues también tenemos que recolectar cuatro fragmentos para aumentar la salud. Incluso se puede apreciar cierta influencia de las entregas más recientes, pues hay una serie de santuarios repartidos por todo el mundo que nos recompensan con dichos fragmentos tras superar la prueba que aguarda en su interior.

Pero, como veremos a continuación, Elliot también tiene muchas ideas de cosecha propia y otras que beben de algunas sagas JRPG "de la casa".

El combate es uno de los grandes protagonistas de The Adventures of Elliot. Tenemos en total siete armas, de las cuales podemos llevar dos equipadas en todo momento, pero podemos cambiar entre todas al vuelo a través de un ágil menú. El juego plantea situaciones en las que cada arma tiene su utilidad, por lo que solemos alternar entre todas a menudo.

Por supuesto, no falta un escudo para defendernos de los ataques, aunque cuenta con un medidor de resistencia que se vacía rápidamente con cada bloqueo, dejándonos vendidos si abusamos de él. Por suerte, también podemos conseguir un útil movimiento de desvío que facilita mucho las cosas.

Los elementos RPG están muy ligados al combate, pues pese a que aquí no hay experiencia ni niveles, en Elliot tenemos las magicitas. Se trata de cristales que podemos equipar de forma independiente en cada arma (dentro de un límite) y añaden toda clase de ventajas; algunas son cosas sencillas, como mayor daño crítico o reducción del tiempo de carga, pero también hay cosas muy interesantes, como añadir daño de hielo o generar fuegos artificiales. Esto nos permite crear builds o incluso sinergías entre distintos tipos de armas. Nos ha sorprendido gratamente este sistema, pues es muy versátil y es entretenido trastear con las diferentes opciones...

Pero creemos que al combate de The Adventures of Elliot le falta algo a nivel mecánico. El principal problema es que todas las armas cuentan con una única animación de ataque y ataque cargado. Y esto, a la larga, provoca que la acción se vuelva un tanto monótona e incluso algo "machacabotónica". La buena variedad de armas y los efectos de las magicitas ayudan a paliarlo, pero habría estado bien tener más animaciones o incluso desbloquear nuevos movimientos.

Faie también nos ayuda en combate atacando a los enemigos y, más importante aún, con sus poderes mágicos. Estas habilidades, que vamos aprendiendo a lo largo del juego, son útiles también a la hora de desplazarnos y resolver puzles. Y, si las aprovechamos bien, pueden dar mucho juego, especialmente a la hora de esquivar los ataques enemigos.

Pero, curiosamente, los poderes de Faie no son obligatorios para progresar en la aventura. Este es uno de los aspectos más curiosos de The Adventures of Elliot: el juego nos da una sorprendente libertad para movernos por su mundo prácticamente desde el principio. Y aunque a veces nos vamos a topar con "bloqueos argumentales", es posible colarse antes de tiempo en mazmorras principales o incluso encontrar las armas de nivel más alto.

Y no sólo nos da mucha libertad, también sabe incentivar la exploración: a poco que exploremos una zona, el mapa del overworld nos señala lugares de interés, como mazmorras opcionales o cofres, de manera que siempre queremos salirnos del camino principal para conseguir algo nuevo o entrar en esa cueva que acaba de aparecer en el mapa para ver qué encontramos en su interior.

Y no olvidemos lo más importante: The Adventures of Elliot tiene lugar a través de cuatro eras, lo que se traduce en cuatro mapas diferentes para explorar. Es inevitable acordarse de Chrono Trigger a raíz de esta mecánica, pues viajar entre las distintas épocas es tan sencillo como abrir el mapa, buscar un punto de viaje rápido en la era que nos interesa y presionar un botón.

Es una idea muy molona, especialmente a nivel narrativo, pues cada era cuenta con sus propias tramas y personajes. Y aunque no es su objetivo principal, ciertas acciones que llevamos a cabo, como completar misiones secundarias, pueden tener repercusiones en las eras futuras.

Sin embargo, en lo referente a los viajes en el tiempo, Elliot tiene bastante margen de mejora. El principal problema es que las diferencias entre los mapas de las distintas eras no son demasiado pronunciadas, así que en lugar de tener la sensación de visitar cuatro civilizaciones distintas, tenemos la impresión de explorar cuatro mapas con pequeñas variaciones.

Esto afecta también a las mazmorras, de las cuales hay muchísimas repartidas por las cuatro eras, pero su diseño se repite habitualmente. Incluso aunque la estructura de una mazmorra cambie, hay muchos patrones que se repiten... Y en algunos casos incluso llegamos a ver la misma mazmorra, sin ningún cambio, en varias eras.

El diseño de niveles de las mazmorras tampoco es demasiado destacable, ni siquiera en el caso de las principales. Haciendo la inevitable comparación con los Zelda, aquí no hay ninguna mazmorra que resulte memorable o que vayamos a recordar por sus puzles y combates.

Lo que sí nos ha sorprendido de The Adventures of Elliot son las misiones secundarias. Su número es relativamente reducido, pero esto se debe a que su calidad es muy superior a lo que estamos acostumbrados: en lugar de contar historias insulsas o para rellenar, todas aportan algo a nivel argumental y nos permiten conocer mejor a los personajes secundarios, ampliando sus historias. Además, la recompensa por completarlas suelen ser accesorios, un tipo de objeto realmente útil, así que vais a querer hacerlas todas.

En cuanto al apartado visual, The Adventures of Elliot: The Millenium Tales hace uso de la técnica conocida como HD-2D que popularizó el propio Team Asano, y que consiste en combinar personajes pixelados con escenarios 3D, dándole a la imagen un aspecto retro pero con un estilo moderno. Y no hay fallo: es una maravilla visual.

Nos ha llamado la atención que en Elliot parece haber menos elementos realizados con pixel-art (por lo general sólo personajes y enemigos), mientras que los escenarios tienen un efecto "a lo PS1", con texturas a baja resolución que imitan los gráficos de aquella época. Y la verdad es que el resultado es muy bueno. Desde luego, nosotros lo preferimos frente al 3D más plano y sin filtros que usaban los escenarios de los remakes de los tres primeros Dragon Quest.

Se nota que Team Asano son los pioneros de este estilo, pues Elliot también tiene algunos detalles muy chulos, cómo la manera en que juega con la cámara haciendo zooms, inclinándola o rotándola para darle dinamismo a la acción. O el efecto cilíndrico de los escenarios, que genera la sensación de estar recorriendo un mundo esférico en todo momento.

Por su parte, la banda sonora también es un trabajo de gran nivel, compuesta por melodías de corte fantástico y tono épico que tocan múltiples estilos para ajustarse a las diferentes épocas temporales. No tiene un estilo tan cañero como los Octopath, pero es una banda sonora que captura a la perfección la magia de las grandes aventuras.

¿Es difícil The Adventures of Elliot: The Millenium Tales?

The Adventures of Elliot: The Millenium Tales cuenta con cuatro niveles de dificultad: fácil, normal, difícil y extrema. Y dado que en las demos el nivel normal nos pareció demasiado facilón, hemos estado jugando en todo momento en difícil y nos ha parecido una gran experiencia.

En esta dificultad, tanto los enemigos normales como los jefes ofrecen un buen nivel de desafío, obligándonos a jugar bien y a tirar de pociones curativas continuamente para sobrevivir. Es más, este es un aspecto en el que Elliot supera a los Zelda: los enfrentamientos contra los jefes tienen mecánicas propias y a menudo requieren acciones concretas, pero no resultan tan obvios e incluso sabiendo lo que hay que hacer, siguen siendo todo un desafío. Nos han gustado mucho.

Como sucede con los escenarios, Elliot también tiende a reciclar jefes, repitiendo enemigos finales en mazmorras opcionales. La diferencia es que es un reciclaje bien hecho, pues incluso cuando el enemigo es el mismo, los patrones de ataque cambian drásticamente, incorporando mecánicas nuevas que hacen que el combate sea muy distinto.

Morir en The Adventures of Elliot también tiene su miga, pues al caer podemos pagar a Faie para que nos reviva en el acto. Ahora bien, cuanto más morimos en un mismo combate, mayor es el precio por resucitar. Puede parecer una mecánica rota, pero nada más lejos de la realidad; la economía del mundo de Elliot está muy bien medida y siempre hay cosas interesantes en las que invertir tules, así que cada vez que nos vemos obligados a resucitar o perdemos el bonus de las cadenas de enemigos derrotados, duele el bolsillo que da gusto.

Todo esto, insistimos, en el nivel de dificultad difícil. Si tenéis experiencia en esta clase de juegos y queréis sacar partido de todas las mecánicas de Elliot, os recomendamos encarecidamente esta dificultad (o "extrema", si os gusta sufrir de verdad).

¿Cuántas horas dura la historia de The Adventures of Elliot: The Millenium Tales?

Completar la historia de The Adventures of Elliot puede llevarnos entre 20 y 30 horas de juego. Ahora bien, si os gusta explorar, hacéis misiones secundarias, buscáis a los 50 gatos y os enfrentáis a algunos de los retos más complicados que esconde la aventura, su duración puede aumentar hasta las 50 horas.

Además, no podemos olvidarnos de que también incluye un pequeño componente multijugador: un segundo jugador puede tomar el control de Faie para sacar partido de sus poderes mágicos, echando así un cable a Elliot. Hay un poder en particular que parece especialmente pensado para esto.

No es el modo cooperativo más trabajado del mundo, pero es una opción que se agradece, pues convierte un juego single player en una experiencia que pueden disfrutar dos personas.

Precio y plataformas disponibles

The Adventures of Elliot: The Millenium Tales se lanza el 18 de junio de 2026 para PS5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch 2 y PC a un precio de 69,99€.

Está disponible tanto en formato digital como formato físico, pero tened en cuenta que la versión de Switch 2 es una Game-Key Card.

Un Elliot al Pasado

Si alguien tuvo dudas de Team Asano al cambiar los turnos por la acción en tiempo real, con The Adventures of Elliot han quedado totalmente despejadas. Con este nuevo trabajo han demostrado que son un estudio todoterreno capaces de todo lo que les echen.

Y tras Bravely Default, Octopath Traveler, Triangle Strategy, Live a Live y los remakes de Dragon Quest, The Adventures of Elliot es la enésima prueba de que en este equipo hay auténticos expertos a la hora de construir experiencias RPG que evocan las sensaciones de los clásicos de la edad de oro del género.

Y no lo decimos por la faceta audiovisual (aunque, evidentemente, también), sino por sus mecánicas jugables, historia y personajes. The Adventures of Elliot tiene mucho de los Zelda clásicos, sí, pero también una buena ración de Chrono Trigger y, por encima de todo, el toque "mágico" de este estudio de Square Enix.

The Adventures of Elliot tiene cosas a mejorar, desde luego, pero deja tan buen sabor de boca que, al final, pesan mucho más los aspectos positivos que los negativos. Y cuando apenas hemos terminado de saborear Elliot, ya tenemos en el horizonte el próximo trabajo de Team Asano, Final Fantasy Resonance, que promete convertirse en otro clásico de los JRPG. La verdad es que los fans del género estamos viviendo un momento glorioso.

Así, ya os hemos contado algunas de las cosas que nos ha contado, como por qué Revelation ha sido la palabra elegida para la tercera parte, o que no habrá crianza de chocobos. Pero la entrevista con el director de Final Fantasy VII Revelation dio para mucho más...

Aquí os vamos a contar otras cuantas cosas, como las razones por las que Sefirot ha cambiado de actor de doblaje, si el Revelation tendrá demo y por qué han tardado menos tiempo en esta tercera parte.

HC: Se ha confirmado que hay un nuevo actor de doblaje para Sephiroth en la versión inglesa. Creo que se llama Travis Willingham, así que, sí, tengo curiosidad por saber qué ha pasado o por qué se decidió cambiar de actor de doblaje.

Naoki Hamaguchi: Cuando los fans se enamoran de un personaje, creo que los actores de doblaje, los miembros del reparto y sus interpretaciones tienen una conexión muy estrecha con él. Creo que sí, creo que desempeñan un papel muy importante en eso.

Así que, como creador, como director de la serie del remake de Final Fantasy VII, tenía el deseo de seguir trabajando con los mismos actores de doblaje a lo largo de toda la serie, pero ya sabes que pueden pasar muchas cosas con los actores de doblaje, y aunque no es habitual, no es raro que veamos a los miembros del reparto pasando por muchas situaciones diferentes y trabajando en proyectos distintos.

En el caso de Sephiroth, esta vez hubo un problema, sucedieron muchas cosas que nos impidieron contar de nuevo con el mismo actor de doblaje, pero con la nueva interpretación de Travis William, creo que hizo un trabajo increíble como Sephiroth, y creo que los fans se volverán a enamorar del nuevo Sephiroth.

HC: Sed sinceros conmigo: ¿qué tipo de magia negra estáis haciendo para tener el juego listo para todas las plataformas tan solo tres años después de Rebirth? Porque eso es una locura.

Bueno, ante todo, técnicamente, Revelation aún no ha salido a la venta. Seguimos haciendo todo lo posible por mantener esa fecha de "primavera de 2027" y para que no haya retrasos, así que seguimos trabajando muy duro en el desarrollo para asegurarnos de que vamos a cumplir esa fecha.

Pero en cuanto a por qué hemos sido capaces de hacer esto, o por qué somos capaces de tener al menos ese objetivo, creo que se debe simplemente a nuestro equipo de desarrollo, que tiene un talento increíble y que ha sido capaz de hacer esto realidad. Así que, de verdad, me quito el sombrero ante ellos por ello. Y siento un gran respeto por los miembros de mi equipo por eso.

Un factor importante que me gustaría mencionar, sin embargo, es el hecho de que pudimos retener a la mayoría de los miembros del equipo principal durante todo el desarrollo de los tres títulos, es decir, desde Remake, pasando por Rebirth y llegando a Revelation; ya sabes, incluyéndome a mí mismo, el equipo de desarrollo principal pudo participar en la creación de estos tres títulos.

Ese fue, de nuevo, un factor que contribuyó enormemente a que esta línea temporal fuera posible, y, hablando específicamente del periodo de tres años que duró el desarrollo de Revelation, uno de los aspectos innegociables para que pudiéramos lograrlo fue, de nuevo, retener a los miembros del equipo de desarrollo principal entre Rebirth y Revelation, y poder llevar a cabo una transición fluida que nos permitiera comenzar el desarrollo de Revelation inmediatamente después de Rebirth.

Hablando específicamente de Revelation, empecé a tener —o, perdón, se me ocurrieron— ideas concretas sobre la dirección que quería darle a la tercera parte aproximadamente un año antes del lanzamiento de Rebirth, así que, en cuanto a la cronología, así fue como sucedió.

Aproximadamente un año después de eso, ya se podía jugar a una versión preliminar de la compilación de Final Fantasy VII Revelation, así que creo que factores como ese realmente influyeron y nos permitieron lanzar este título AAA en solo tres años, así que, de nuevo, solo quiero dar las gracias a mi equipo por ello.

HC: tanto Final Fantasy VII Remake como FFVII Rebirth han tenido una demo antes del lanzamiento, así que, ¿podemos esperar también una demo para Revelation?

En cuanto a una demo para el público, eso aún está totalmente por decidir; de hecho, la planificación está a punto de comenzar ahora mismo. Así que, de nuevo, nosotros... sí, la verdad es que no podemos... no tenemos una respuesta concreta al respecto.

Sin embargo, sí que queremos ofrecer demos jugables y eventos, así que... Pero, bueno, eso está en gran parte por decidir a día de hoy, pero si surge la oportunidad, nos gustaría ofrecer demos jugables en quioscos y eventos de videojuegos más adelante.

Y con esto, hemos llegado al final de nuestra entrevista con Naoki Hamaguchi, en la que también nos ha respondido a una de las grandes dudas sobre las que han debatido los fans de FFVII.

Y precisamente, desde que se lanzó Final Fantasy VII Remake, ha habido mucho debate sobre su intención. Lo lógico es pensar que se trata de una recreación del juego original (un remake, vaya), pero la gran cantidad de cambios argumentales que incluye cada título ha llevado a muchos fans a pensar que, en realidad, la trilogía Remake actúa como secuela del Final Fantasy VII original.

Y dado que tuvimos la oportunidad de charlar con Naoki Hamaguchi, co-director de la trilogía, y que Final Fantasy VII Revelation aspira a responder todas las dudas, aprovechamos la ocasión para preguntarle al respecto. Esto fue lo que nos contó.

¿Es la trilogía Final Fantasy VII Remake una secuela del juego original? El director de Revelation responde

Hobby Consolas: desde el lanzamiento de Final Fantasy VII Remake, ha habido muchos debates sobre si la trilogía es en realidad una secuela del Final Fantasy 7 original. No vamos a preguntarte si es así (salvo que quieras contárnoslo, claro), pero nos gustaría saber si Revelation pondrá fin al debate.

Naoki Hamaguchi: en primer lugar, en cuanto a tu pregunta sobre si la saga Remake es una secuela del Final Fantasy VII original o no, obviamente creo que es mejor no responder ni confirmar ni desmentir nada por ahora, ya que lanzaremos Revelation, el capítulo final, el próximo año.

Lo que sí puedo decir es que el concepto general, la idea tras la saga Final Fantasy VII Remake, es crear un nuevo mundo, una nueva narrativa de Final Fantasy VII que incluya todos los elementos mostrados previamente en los spin-off de FFVII.

En ese sentido, si la saga Final Fantasy VII Remake tiene conexiones o vínculos con la historia original de FFVII... es una pregunta difícil. Porque la respuesta es sí y no, ambas respuestas son posibles.

Personalmente, como director de la saga Remake, mi enfoque no está tanto en cómo Revelation conecta con los otros títulos y con el original, sino más bien en cómo podemos ofrecer una conclusión satisfactoria para la saga. Especialmente considerando que el año que viene se celebra el 30 aniversario.

Así que lo único que puedo decir por ahora es que espero que los fans tengan ganas de descubrir la gran revelación que hay al final de la historia y las respuestas que les vamos a brindar.

Pues ya lo veis, parece que Final Fantasy VII Revelation hará honor a su nombre y revelará la respuesta a todas nuestra preguntas cuando llegue a PS5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch 2 y PC en 2027.

Mientras tanto, os recordamos que podéis leer el resto de preguntas que le hicimos a Naoki Hamaguchi durante la entrevista, como el significado tras la palabra Revelation o los motivos por los que no habrá crianza de chocobos.

Además del tráiler de presentación, pudimos ver algunas de las novedades jugables que incluirá este último capítulo, como el desplazamiento a bordo del barco volador o la acción controlando a los dos nuevos personajes: Vincent Valentine y Cid Highwind.

Y dado que tuvimos la oportunidad de hablar con su director, Naoki Hamaguchi, no quisimos desaprovechar la oportunidad para preguntarle por una de característica del juego original que no ha estado presente ni en Final Fantasy VII Remake ni en Final Fantasy VII Rebirth: la crianza de chocobos.

Esto fue lo que nos contó.

El director de Final Fantasy VII Revelation confirma que no habrá crianza de chocobos y nos desvela una novedad en exclusiva

Hobby Consolas: un elemento que no ha estado ni en Remake ni en Rebirth ha sido la crianza de chocobos, ¿lo veremos en FFVII Revelation? Y si la respuesta es sí, ¿será tan complicado conseguir al chocobo dorado como en el original?

Naoki Hamaguchi: respondiendo a tu pregunta, no habrá crianza de chocobos en Revelation. En su lugar, va a adoptar un formato un poco diferente. En Final Fantasy VII Revelation los jugadores tendrán acceso a un único chocobo, su nombre es Piko, y va a ser la pieza central de todo lo relacionado con los chocobos.

Funcionará de la siguiente manera: los jugadores tendrán acceso a Piko durante todo el juego y, a medida que progresen, el chocobo subirá de nivel y desbloqueará más habilidades. Así que en lugar de tener la misma característica de crianza del juego original, decidimos tomar un enfoque diferente. No es que no pudiéramos añadir la crianza, es solo que, de nuevo, por reiterar, decidimos tomar un enfoque diferente con los chocobos.

Así que, de nuevo, a medida que avanzas en el juego principal tu chocobo Piko desbloquea más y más habilidades, y eventualmente podrás cruzar el océano, saltar sobre las montañas e incluso volar por el cielo, así que la idea es concentrar todas las diferentes habilidades de los chocobos en un único chocobo.

Y esto que voy a decir no lo he compartido con ningún otro medio, así que será la primera vez que lo desvelo: la opción de cambiar apariencia también se aplicará al chocobo, a Piko. Creo que en Rebirth tu chocobo solo era amarillo, pero en Revelation tendrás una variedad de opciones de color y apariencia diferentes para Piko. Así que espero que los fans lo esperen con ganas.

Así que ya lo veis, no tendremos crianza de chocobos en Final Fantasy VII Revelation, pero en su lugar podremos "entrenar" y personalizar la apariencia de Piko, al que seguro que le acabamos cogiendo mucho cariño.

Muy pronto seguiremos publicando el resto de la entrevista con Naoki Hamaguchi, mientras tanto os recordamos que nos hablo sobre por qué eligieron "Revelation" como título para esta tercera y última parte de Final Fantasy VII Remake.

Para quien no lo conozca, se trata de la quinta entrega de la saga Rhythm Paradise (o Rhythm Heaven, en Japón) y es la primera que llega a Nintendo Switch, pues el último juego, Rhythm Paradise Megamix, se lanzó para 3DS en 2016. Sí, hace diez añitos.

La saga es conocida por sus minijuegos, que nos obligan a seguir el ritmo de la música... pero también por su irreverente sentido del humor. Y ya os podemos decir que la nueva entrega para Nintendo Switch y Switch 2 no ha perdido ni un ápice de ritmo ni de gracia.

Pudimos probarlo hace unas semanas y por aquí os contamos cómo fue la experiencia.

Impresiones de Rhythm Paradise Groove para Nintendo Switch y Switch 2

La jugabilidad de Rhythm Paradise Groove nop puede ser más sencilla: basta con pulsar el botón o botones indicados al ritmo de la música. Ahora bien, el ritmo es distinto en cada minijuego y dentro de un mismo minijuego pueden surgir variaciones para complicarnos las cosas.

Todos van además acompañados por una pista visual en forma de divertidas secuencias animadas, aunque muchas veces es mejor no mirar la pantalla y fiarse únicamente del oído.

Por ejemplo, el primer minijuego que probamos nos mostraba a una suerte de criaturas esféricas que saltaban a través de un aro. Bastaba con pulsar el botón A en el momento adecuado, pero era mucho más fácil decirlo que hacerlo, pues la perspectiva hacía que fuese complicado saber cuándo saltar.

Por suerte, todos los minijuegos de Rhythm Paradise Groove cuentan con un breve tutorial antes de empezar que nos permite entrar con cierta idea de lo que nos vamos a encontrar. Y, al terminar, nos dan una valoración para saber qué tal lo hemos hecho.

Que por cierto, la voz que se encarga de guiarnos es artificial, generada por un sistema de texto a voz, similar a lo que hemos podido ver recientemente en Tomodachi Life: Una Vida de Ensueño. La gracia aquí es que termina cada frase con un divertido "chimpón".

Volviendo a los minijuegos, también probamos uno muy divertido en el que cuatro seres antropomórficos cantaban bajo la lluvia, y de nosotros dependía abrir el paraguas al ritmo de la música. Así como otro en el que cuatro matrioshkas gatunas se desplazaban saltando y dando volteretas y teníamos que intentar imitar los movimientos del grupo a la perfección.

Pero sin duda el minijuego más llamativo de la sesión fue el RPG, por llamarlo de alguna manera, pues se trataba de un minijuego en el que combatíamos contra monstruos usando diferentes hechizos en el papel de una joven de pelo azul.

Este era sin duda el minijuego más elaborado, pues cada hechizo requería distintas pulsaciones de botones que por supuesto debíamos introducir al ritmo. Al ir ganando combates los hechizos subían de nivel, pero también los enemigos, por lo que no bastaba sólo con atacar, también era fundamental curarse.

La verdad es que fue toda una sorpresa encontrarse con un minijuego con cierto grado de profundidad en comparación con el resto.

Pero las sorpresas no acabaron ahí, pues también pudimos probar dos de los minijuegos multijugador que incluye Rhythm Paradise Groove. Se trata de minijueos que podemos jugar en modo local en compañía de entre dos y cuatro jugadores.

En esta sesión, pudimos probar el que está protagonizado por los guardaespaldas ninja, quienes deben cortar una flecha en pleno vuelo, y cuya canción fue sin duda la más pegadiza que escuchamos... aunque también nos pareció el minijuego más difícil de todos (no dimos ni una).

El segundo era más sencillo: sentados a una mesa, debíamos coger el trozo de tarta en el momento en que el reloj marcase las tres en punto. Y quien lo hiciese con más exactitud, se lo llevaba. Este se nos dio bastante mejor, hasta el punto de que conseguimos alzarnos con la victoria tras atrapar la tarta tres veces.

Como podéis ver, todos los minijuegos de Rhythm Paradise Groove son tan únicos como divertidos. Y lo mejor de todo es que hay muchísimos: alrededor de 80 nuevos minijuegos para un jugador y 30 multijugador.

Sobra decir que nos lo pasamos de fábula con Rhythm Paradise Groove, pues es un juego que, pese a su sencillez, atrapa, divierte y te tiene meneando la cabeza al ritmo de su pegadiza música. Y no hay que olvidarse del enorme potencial que tiene en reuniones de amigos.

Si vosotros también queréis sentir el ritmo, recordad que Rhythm Paradise Groove llega a Nintendo Switch y Nintendo Switch 2 el 2 de julio de 2026. No se nos ocurre un mejor juego para animar el veranito.

Naoki Hamaguchi, co-director de Final Fantasy VII Remake, Final Fantasy VII Rebirth y esta tercera parte, fue el encargado de subir al escenario para hacer los honores. Y apenas unos días después, Hobby Consolas ha tenido la oportunidad hablar con Hamaguchi en exclusiva para España y hacerle unas cuantas preguntas sobre esta esperada tercera parte.

En este primer "episodio", podéis descubrir lo que nos contó cuando le preguntamos por el significado tras la palabra "Revelation".

El significado tras "Revelation": entrevista con Naoki Hamaguchi, director de la saga Final Fantasy VII Remake

Hobby Consolas: tras tanto tiempo deseando conocer el subtítulo de la tercera parte, nuestra pregunta es... ¿por qué Revelation? ¿Puedes explicarnos el significado y los motivos que os llevaron a escoger esa palabra?

Naoki Hamaguchi: en todos los juegos de la saga de remakes de Final Fantasy VII (Remake, Rebirth y Revelation), el encargado de decidirlo fue nuestro director creativo, Tetsuya Nomura. Y, para este último juego, teníamos varias opciones, así que se las presentamos a Nomura y él fue quien tomó la decisión final y eligió Revelation.

La palabra Revelation tiene mucho peso, podría significar que estás descubriendo algo, estás revelando algo. Pero cuando lo contemplas desde la perspectiva del equipo de desarrollo, incluyéndome a mí, que hemos trabajado los últimos 10 años en la serie de remakes de Final Fantasy VII, no sólo significa que nos acercamos a la línea de meta, sino también que vamos a proporcionar respuestas a muchos de los cabos sueltos y las preguntas que quedaron en el aire.

Y teniendo en cuenta los dos títulos anteriores, Rebirth y Remake, creo que tenía mucho sentido usar Revelation para el tercero. Por eso, para mí, creo que fue una gran elección.

Estos días, Naoki Hamaguchi ha estado concediendo entrevistas a medios de todo el mundo, lo que nos ha permitido conocer detalles muy interesantes sobre Final Fantasy VII Revelation.

Por ejemplo, ya sabemos que Ciudad de Huesos, una de las localizaciones del Final Fantasy VII original, no estará en el remake. En esa misma entrevista, también habla sobre la posible conexión de Revelation con la película Adevnt Children.

Muy pronto publicaremos el resto de la entrevista, así que permaneced muy atentos si queréis saber todo lo que nos contó el director de Final Fantasy VII Revelation.

Justo antes de eso, también han dado una gran alegría a los fans de esta saga JRPG anunciando las Nintendo Switch 2 Edition de Xenoblade Chronicles, Xenoblade Chronicles 2 y Xenoblade Chronicles 3, además de nuevo contenido para todos ellos.

Pero vamos a lo que nos ocupa: Xenoblade Gensesis. El nuevo juego de Monolith Soft ha sido presentado con un extenso tráiler que nos dejo infinidad de detalles, así como su ventana de lanzamiento. Veámoslo.

Primer tráiler de Xenoblade Genesis, el nuevo juego de Monolith Soft para Nintendo Switch 2

Como decimos, Xenoblade Genesis ha tenido un gran protagonismo durante el Nintendo Direct. Este primer tráiler ha servido como presentación tanto para la historia y los personajes como algunas de las novedades jugables.

Como augura su título, todo apunta a que se trata de una historia de orígenes para la saga Xenoblade, ambientado mucho antes que el resto de juegos. En palabras de Nintendo, se trata de "un nuevo inicio para la saga".

Esto se puede apreciar bien en su ambientación, que parece apostar por un estilo más medieval en contrapartida con la ciencia ficción habitual de la saga Xenobade. A continuación podéis ver el primer tráiler:

Xenoblade Genesis nos llevará hasta la academia de Leukos en el papel de una nueva protagonista. Blandirá una espada con una piedra especial de nombre Anima capaz de grabar los recuerdos. Parece que tendrá una gran importancia para la historia.

Por supuesto, no faltarán los escenarios de un tamaño gigantesco y hermosa factura, aunque este tráiler confirma que también podremos movernos a lomos de monturas animales.

Pero lo más importantes es que Xenoblade Genesis llegará a Nintendo Switch 2 en 2027.

¿Qué os ha parecido este primer tráiler de Xenoblade Genesis? Recordad que podéis estar al tanto de todos los anuncios del evento gracias a nuestro resumen del Nintendo Direct 2026.

Además, podéis conocer los detalles de todo lo que se ha anunciado, como The Legend of Zelda Ocarina of Time, Kingdom Hearts 4 (y los tres primeros), las Switch 2 Edition de la trilogía Xenoblade Chronicles, Final Fantasy Resonance, Nintendo Switch Sports Resort, The Duskbloods, Fire Emblem: Fortune's Weave, los desafíos de Nintendo Switch Online o los Joy-Con 2 de nuevos colores..

Ha sido sin duda uno de los grandes bombazos del evento, pues se trata de una de las entregas de la saga Zelda más queridas, lanzado originalmente para Nintendo 64 y considerado uno de los mejores juegos de la historia (si no el mejor) gracias a sus revolucionarias mecánicas.

Si queréis un buen chute de nostalgia, os dejamos por aquí al análisis de The Legend of Zelda: Ocarina of Time tal y como se publicó en el número 87 de la revista Hobby Consolas.

Vamos a ver su teaser tráiler de presentación y repasar todas las novedades anunciadas, entre ellas la ventana de lanzamiento y plataformas de Ocarina of Time Remake.

The Legend of Zelda: Ocarina of Time Remake anunciado para Nintendo Switch 2: primer teaser tráiler, fecha y todos los detalles

Cabe recordar que Zelda Ocarina of Time ya tuvo un remake en 2011, lanzado para Nintendo 3DS, pero lo que han mostrado en esta ocasión se ajusta mejor a lo que entendemos por remake actualmente: el apartado visual se ha remodelado por completo.

Una vez más, nos pondremos en la piel de Link, el joven Kokiri que se embarca en un viaje junto al hada Navi para salvar a la princesa Zelda y el reino de Hyrule de las garras de Ganondorf. Un viaje que le lleva a través del tiempo y en el que cobran una especial importancia tanto la ocarina que da nombre al juego como la legendaria Espada Maestra.

A continuación, podéis ver el tráiler de anuncio de The Legend of Zelda: Ocarina of Time Remake:

Y como podéis ver al final del tráiler, el remake de Ocarina of Time se lanza para Nintendo Switch 2 en 2026,. No han dado una fecha exacta, pero al menos no tendremos que esperar mucho para revivir este clásico entre clásicos.

Nintendo parece estar apostando por un regreso a las sensaciones de la época de Nintendo 64, pues no olvidemos que este mismo año, dentro de sólo unos meses, también podremos jugar al remake del mítico Star Fox.

¿Qué os ha parecido el primer vistazo a Zelda Ocarina of Time Remake? Recordad que si queréis estar al tanto de todos los anuncios del evento, los hemos recogidos en nuestro resumen del Nintendo Direct de junio de 2026.

Además, podéis conocer los detalles de todo lo que se ha anunciado, como Kingdom Hearts 4 (y los tres primeros), Xenoblade Genesis (y las Switch 2 Edition de la trilogía Xenoblade Chronicles), Final Fantasy Resonance, Nintendo Switch Sports Resort, The Duskbloods, Fire Emblem: Fortune's Weave, los desafíos de Nintendo Switch Online o los Joy-Con 2 de nuevos colores.

Recordemos que el juego fue anunciado durante la presentación de Nintendo Switch 2, en abril de 2025, y, desde entonces, no habíamos vuelto a tener noticias suyas.

El nuevo tráiler de The Duskbloods publicado durante el Nintendo Direct no sólo nos ofrece un nuevo vistazo a su jugabilidad y mecánicas, sino que también revela uno de los datos más importantes: una prueba de juego cerrada. Vamos a verlo.

Nuevo tráiler de The Duskbloods: el exclusivo de FromSoftware para Nintendo Switch 2 anuncia prueba de juego cerrada

Por si no lo conocíais, The Duskbloods es una nueva IP de FromSoftware, el estudio japonés responsables de Demon's Souls, Dark Souls, Bloodborne, Sekiro y Elden Ring. Se trata además de un juego dirigido por Hidetaka Miyazaki, director del estudio y padre de sus obras más emblemáticas.

Con The Duskbloods, sin embargo, entran en "terreno desconocido": se trata de un título multijugador para hasta 8 jugadores que combina PVP (jugador contra jugador) y PVE (jugador contra entorno), así como elementos RPG. Esta idea va acompañada por una arrebatadora estética de corte oscuro y gótico que inevitablemente recuerda a Bloodborne.

Echadle un ojo al tráiler presentado durante el Nintendo Direct:

Como podéis ver al final, The Duskbloods contará con una prueba de juego cerrada este mismo verano de 2026. Por ahora no han dado más detalles, pero estaremos atentos.

¿Qué os ha parecido el nuevo tráiler de The Duskbloods? ¿Le daréis una oportunidad al nuevo trabajo de FromSoftware e Hidetaka Miyazaki?

Recordad que estamos cubriendo el evento y podéis estar al tanto de todos los anuncios gracias a nuestro resumen del Nintendo Direct celebrado en junio de 2026.

Además, podéis conocer los detalles de todo lo que se ha anunciado, como The Legend of Zelda Ocarina of Time, Kingdom Hearts 4 (y los tres primeros), Xenoblade Genesis (y las Switch 2 Edition de la trilogía Xenoblade Chronicles), Final Fantasy Resonance, Nintendo Switch Sports Resort, Fire Emblem: Fortune's Weave, los desafíos de Nintendo Switch Online o los Joy-Con 2 de nuevos colores.

El juego desarrollado por Evil Empire, el estudio francés responsable de Dead Cells, nos ha dejado un gameplay que ha revelado novedades jugables muy interesantes, así como uno de los datos más importantes: el nombre de su protagonista.

Además, con este tráiler se ha confirmado su fecha de lanzamiento... pero hay una mala noticia para los usuarios de Nintendo Switch. Vamos a verlo.

El nuevo tráiler de Castlevania: Belmont's Curse confirma fecha de lanzamiento y el nombre de su protagonista

En este nuevo tráiler de Castlevania: Belmont's Curse hemos vuelto a contemplar algunos de los escenarios, enemigos y jefes que han aparecido en anteriores vistazos, pero también se han dejado ver varias novedades muy interesantes.

Tenemos, por ejemplo, un vistazo en profundidad al mapa, que vuelve a confirmar de manera no-oficial que el nuevo Castlevania apuesta por un desarrollo estilo metroidvania.

Además, también se ha mostrado una suerte de sistema de cartas que, a priori, recuerda a lo visto en Castlevania Circle of the Moon, el primero de los juegos lanzados para Game Boy Advance.

Además, este tráiler ha estado muy centrado en la protagonista de Castlevania: Belmont's Curse. No sólo hemos escuchado su voz por primera vez, sino que también se ha desvelado su nombre: Rose Belmont.

El nuevo tráiler de Castlevania: Belmont's Curse finalmente confirma la fecha de lanzamiento para el 15 de octubre de 2026, día en el que llegará a PS5, Xbox Series X|S y PC.

Sin embargo, en el tráiler oficial subido a bilibili, podemos apreciar que la versión para Nintendo Switch no tiene fecha confirmada, señalando únicamente que llegará en 2026. Conviene recordad que, por el momento, no se ha anunciado una versión de Castlevania: Belmont's Curse para Nintendo Switch 2.

Podéis descubrir todos los anuncios en nuestro resumen del Xbox Games Showcase 2026, con novedades de Persona 6, Fable, Gears of War E-Day, Spyro a Realm Beyond, Senua, Crazy Taxi World Tour, Persona 4 Revival, Metro 2039, el modo DMZ de Call of Duty Modern Warfare 4, la nueva edición limitada de Xbox Series X25, Clockwork Revolution, Resonance: A Plague Tale Legacy o Wo Long 2: Wings of Ember.

Y, para celebrarlo, uno de los anuncios más gordos de todo el evento ha sido la nueva edición limitada de Xbox Series X. Su nombre es Xbox Series X25 y, si habéis sido fans de la marca desde sus inicios, no vais a poder evitar soltar una lagrimilla cuando la veáis.

A continuación os dejamos el tráiler que ha enseñado para presentar este nuevo modelo y los detalles que se conocen por el momento.

Así es Xbox Series X25: la nostálgica Edición Limitada de la consola que ningún fan querrá perderse

Hace cosas de 25 años, Microsoft se metía de lleno en el mundo de las consolas lanzando la primera Xbox, una máquina muy recordada que sin duda cambió la industria de los videojuegos y supuso el pistoletazo de salida para la marca Xbox.

Si bien el modelo original era de color negro, una de las variantes más populares y recordadas era la Xbox de color verde realizada con materiales translúcidos. Seguro que no la habéis olvidado.

Pues Microsoft ha decidido dedicarle un homenaje a ese modelo particular con la nueva Xbox Series X25. Echadle un vistazo a su tráiler de presentación y lo entenderéis:

Como podéis ver, esta nueva consola Xbox también está realizada en color verde y materiales translúcidos, tanto el mando como la torre. Además, ambos cuentan también con un logo del 25 aniversario de Xbox.

Como detalle, los botones del mando también tiene el color completo (en lugar de sólo las letras) y el botón de encendido desprende una luz verde. Es preciosa, ¿verdad?

Y lo mejor de todo es que, si os interesa, no habrá que esperar demasiado: la Xbox Series X25 Edición Limitada estará disponible en noviembre de 2026, y también será posible hacerse con el mando por separado. Por el momento no han dado precios.

No obstante Resonance no ha sido el único anuncio del evento. Podéis descubrir todas las novedades en nuestro resumen del Xbox Games Showcase 2026, con novedades de Persona 6, Fable, Gears of War E-Day, Spyro a Realm Beyond, Senua, Crazy Taxi World Tour, Persona 4 Revival, Metro 2039, el modo DMZ de Call of Duty Modern Warfare 4, Clockwork Revolution, Resonance: A Plague Tale Legacy, Castlevania: Belmont's Curse o Wo Long 2: Wings of Ember.

La compañía japonesa Atlus ha estado muy presente en el evento, pues minutos antes también han mostrado un nuevo tráiler con fecha de lanzamiento de Persona 4 Revival, el remake de esta querida entrega.

Pero sin duda el plato fuerte del evento ha sido Persona 6. Había rumores de que lo veríamos, pero eso no quita que haya sido toda una sorpresa. Veamos el tráiler y repasemos todas las novedades que nos deja.

Primer teaser tráiler de Persona 6: la saga JRPG de Atlus apuesta por un cambio de tono

Y ya os advertimos que el teaser de Persona 6 es muy breve... tanto que uno de los aspectos más llamativos es su logo, en color verde.

Ahora bien, si prestamos atención se pueden extraer muchos detalles del tráiler de Persona 6. Para empezar y, como se rumoreaba, parece que esta nueva entrega va a apostar por un estilo detectivesco y un tono más oscuro, siguiendo la línea de clásicos del cine como Se7en.

En el tráiler podemos ver lo que parece ser un cementerio, repleto de lápidas y coronado por una enorme estatua sin cabeza bajo la lluvia. La sombra de una mano parece extenderse en dirección a la estatua... Y a continuación se suceden una serie de imágenes que gritan "asesino en serie" a los cuatro vientos. Miradlo por vosotros mismos:

Y finalmente tenemos, por supuesto, el logo de Persona 6. De nuevo, pese a ser "sólo un logo", también nos deja datos interesantes: la tipografía es muy distinta a lo que estamos acostumbrados a ver en la saga Persona, apostando por un estilo más sobrio.

Y luego está el color verde, que se rumoreaba que será el "color principal de esta entrega, lo que confirmaría algunos de los detalles filtrados sobre esta nueva entrega.

De hecho, la información oficial de la página en la tienda de Xbox reza lo siguiente: "Con más de 30 millones de unidades vendidas en todo el mundo, la saga de Persona ha definido la narrativa de los juegos de rol para una generación entera. Ahora, tras de años de expectativa, por fin llega la nueva entrega".

"Persona 6 presenta una audaz historia nueva que incluye todos los elementos característicos de la saga. La emblemática combinación de una vida diaria entrañable y aventuras sobrenaturales cargadas de adrenalina está de regreso. Ahora, con una historia nueva e independiente de las demás entregas, y un nuevo elenco de personajes. Ya sea que hayas jugado a todos los títulos de la saga o que esta sea tu primera experiencia en el universo de Persona, estás en el lugar indicado."

"Libera tu Persona. Forja vínculos irrompibles. Despierta el poder de tu Persona, una manifestación de tu fuerza interior más profunda, y conoce a otros que también poseen esta habilidad extraordinaria. Cada relación que desarrollas te hace más fuerte. Cada vínculo que forjas se convierte en un arma contra la oscuridad que acecha en el interior."

"Vive una vida doble en el Japón actual. Adáptate al ritmo de la vida diaria en la escuela y forja amistades, busca el amor y crea recuerdos para toda la vida. Sin embargo, algo oscuro acecha bajo la superficie de las calles conocidas y los vecindarios tranquilos: rumores extraños, mitos urbanos inquietantes e incidentes siniestros que solo tú y tus aliados pueden resolver."

Por último, tenemos la confirmación de las plataformas: Persona 6 llegará a PS5, Xbox Series X|S y PC, y estará disponible desde el día de lanzamiento en Game Pass. Por el momento no tenemos fecha (ni ventana) de lanzamiento, así que toca esperar... pero algo nos dice que no lo veremos como mínimo hasta 2027.

Podéis descubrir todos los anuncios del evento de Xbox en nuestro resumen del Xbox Games Showcase 2026. Además, también os hemos contado todas las novedades de Fable, Gears of War E-Day, Spyro a Realm Beyond, Senua, Crazy Taxi World Tour, Persona 4 Revival, Metro 2039, el modo DMZ de Call of Duty Modern Warfare 4, la nueva edición limitada de Xbox Series X25, Clockwork Revolution, Resonance: A Plague Tale Legacy, Castlevania: Belmont's Curse o Wo Long 2: Wings of Ember.

Y no sólo: este tráiler, cargado de gameplay y novedades, también ha confirmado la fecha de lanzamiento de Persona 4 Revival en PS5, Xbox Series X|S y PC. Vamos a verlo y a hablar sobre todas las novedades.

Nuevo tráiler de Persona 4 Revival y fecha de lanzamiento

El tráiler de Persona 4 Revival mostrado durante el Xbox Games Showcase 2026 nos ha dejado un vistazo a los apartados más importantes del juego: desde las renovadas escenas de estilo anime, hasta los diálogos, la exploración o por supuesto los combates, que siguen apostando por los turnos.

En este tráiler hemos podido apreciar las mejoras en el apartado visual, así como algunas de las novedades que se han incluido para agilizar y mejorar los enfrentamientos. Todo apunta a Persona 4 Revival seguirá una línea muy parecida a lo visto en Persona 3 Reload.

Y como podéis ver al final del tráiler, también tenemos fecha de lanzamiento: Perosna 4 Revival llega a PS5, Xbox Series X|S y PC el 18 de febrero de 2027. Además, estará disponible desde el día de lanzamiento en Game Pass.

Podéis descubrir todos los anuncios del evento en nuestro resumen del Xbox Games Showcase 2026. Además, también os hemos contado todas las novedades de Persona 6, Fable, Gears of War E-Day, Spyro a Realm Beyond, Senua, Crazy Taxi World Tour, Metro 2039, el modo DMZ de Call of Duty Modern Warfare 4, la nueva edición limitada de Xbox Series X25, Clockwork Revolution, Resonance: A Plague Tale Legacy, Castlevania: Belmont's Curse o Wo Long 2: Wings of Ember.

La esperada nueva entrega de esta legendaria saga RPG, creada originalmente por Lionhead y desarrollada ahora los autores de Forza, ha estado muy presente en los últimos eventos de Xbox.

Y aunque inicialmente lo esperábamos para este mismo año, este nuevo tráiler ha confirmado su fecha de lanzamiento definitiva a principios de 2027.

Y, por supuesto, también nos ha dejado un nuevo vistazo al mundo de Albion, así como el regreso de ciertas caras muy conocidas.

Nuevo tráiler de Fable, el RPG de Playground Games, que confirma fecha de lanzamiento en 2027

Comparado con los anteriores tráileres, este sin ninguna duda ha sido el más oscuro y épico hasta la fecha.

Todo el vídeo ha estado centrado en Isabel, la villana de este nuevo Fable que, además, interpreta la actriz Hayley Atwell (quien seguramente ios sonará por ser Peggy Carter en el Universo Cinematográfico de Marvel).

Por supuesto tampoco ha faltado una buena ración de humor, muy característico en la saga Fable. Vamos a ver el nuevo tráiler de Fable:

Como podéis ver el final del vídeo nos deja dos grandes revelaciones. La primera es que Jack of Blades, el gran antagonista del primer Fable, está de vuelta en esta nueva entrega.

Y la segunda es la fecha de lanzamiento definitiva: Fable llega a PS5, Xbox Series X|S y PC el 23 de febrero de 2027, lo que sin duda va a animar mucho las cosas a principios del año que viene.

¿Qué os ha parecido el tráiler? Podéis descubrir todos los anuncios del evento de Xbox en nuestro resumen del Xbox Games Showcase 2026. Además, también os hemos contado todas las novedades de Persona 6, Gears of War E-Day, Spyro a Realm Beyond, Senua, Crazy Taxi World Tour, Persona 4 Revival, Metro 2039, el modo DMZ de Call of Duty Modern Warfare 4, la nueva edición limitada de Xbox Series X25, Clockwork Revolution, Castlevania: Belmont's Curse, Resonance: A Plague Tale Legacy o Wo Long 2: Wings of Ember.

Para quien no lo recuerde, el estudio nos dejó A.O.T.: Wings of Freedom en 2016 y A.O.T. 2 en 2018, cubriendo ambos juegos una parte importante de la historia del mangaka Hajime Isayama.

Sin embargo, y pese a que se lanzó el DLC Final Battle para el segundo juego, no habíamos podido disfrutar del final de Attack on Titan en videojuego... hasta ahora.

Vamos a ver el primer tráiler de Attack on Titan 3 y repasar todo lo que sabemos hasta el momento.

Primer tráiler de Attack on Titan 3, el juego de Omega Force que recrea el final del manganime

El tráiler de Attack on Titan 3 nos deja unas cuantas secuencias extraidas directamente del final de la obra, pero recreadas en formato videojuego (así que si todavía no sabéis cómo acaba... mejor no miréis).

También podemos ver que se recupera la jugabilidad de las entregas anteriores, de manera que podremos controlar a diferentes personajes de las fuerzas de la humanidad equipadas con el ODM, lo que nos permitirá movernos alrededor de los titanes para esquivar sus ataques y buscar el momento exacto para golpear su nuca.

Eren, Mikasa, Armin, Levi... Todos los personajes principales aparecen en el tráiler y garantizan un final de proporciones épicas.

No han dado muchos más detalles sobre Attack on Titan 3, pero nos han invitado a estar muy pendientes, pues dentro de muy poco, concretamente el próximo 1 de julio, tendrá lugar el próximo "informe del cuerpo de reconocimiento".

Lo que sí sabemos son las plataformas: Attack on Titan 3 llegará a PS5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch 2 y PC.

Si queréis estar al tanto de todos los anuncios, recordad que podéis echarle un ojo a nuestro resumen del Summer Game Fest 2026, que ya nos ha dejado bombazos como el anuncio de Final Fantasy VII Revelation, Resident Evil Veronica, fecha de Stranger than Heaven, Gen Atlas, Monster Hunter Wilds Ascendance, Crossfire, Alien Isolation 2, Clutch, Virtua Fighter Crossroads, Chronicles Medieval, Blood of the Dawnwalker, Stellar Blade Bloodrain o Attack on Titan 3, entre otros.

Naoki Hamaguchi, director de la trilogía, ha sido el encargado de subir al escenario para ofrecernos no sólo el primer tráiler de la tercera y última entrega, sino también un vistazo en profundidad a algunas de las novedades jugables.

Sin más dilación, veamos todas las novedades que el evento nos ha dejado sobre Final Fantasy VII Revelation.

Primer tráiler de Final Fantasy VII Revelation: tercer y último juego de la trilogía FF7 Remake

En primer lugar, hemos podido ver un primer tráiler de Final Fantasy VII Revelation en el que se han mostrado tanto secuencias pertenecientes al juego original como otras completamente nuevas, todas relacionadas con la épica conclusión de esta trilogía.

Y luego han llegado las novedades, pues también se ha mostrado mucho gameplay de Final Fantasy VII Revelation: será posible bajar del Highwind, el barco volador de Final Fantasy VII, lanzándonos al vacío mientras sobrevolamos el mundo abierto, que han descrito como mucho más grande que el de Final Fantasy VII Rebirth.

Y no podía faltar un vistazo a Vincent Valentine y Cid Highwind, los dos personajes que faltaban por unirse al grupo y que, por supuesto contarán con su propia jugabilidad en combate. Ambos son muy prometedores.

Una de las grandes novedades de Final Fantasy VII revelation es la posibilidad de equipar diferentes atuendos, lo que cambia por completo el aspecto de los personajes, así como sus habilidades.

También se han centrado mucho en las Armas, los poderosos enemigos que actuaban como superjefes en el juego original. Parece que en FFVII Revelation tendrán todavía más presencia y protagonismo.

Y quizás el datos que más ha sorprendido: Final Fantasy VII Revelation se lanza AL MISMO TIEMPO en PS5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch 2 y PC en primavera de 2027. ¿Cómo os habéis quedado?

Recordad que podéis estar al tanto de todos los anuncios gracias a nuestro resumen del Summer Game Fest 2026, que ya nos ha dejado bombazos como el anuncio de Resident Evil Veronica, fecha de Stranger than Heaven, Gen Atlas, Blood of the Dawnwalker, Monster Hunter Wilds Ascendance, Crossfire, Alien Isolation 2, Clutch, Virtua Fighter Crossroads, Stellar Blade Bloodrain, Chronicles Medieval o Attack on Titan 3, entre otros.

Para quien no los conozca, That's No Moon es un estudio compuesto por veteranos de la industria que anteriormente trabajaron en Naughty Dog (Uncharted, The Last of Us) e Infinity Ward (Call of Duty), por lo que había mucha expectación ante su primer trabajo.

Y parece que no han defraudado, pues el primer tráiler de Crossfire ha dejado a todo el mundo con la boca abierta. Vamos a verlo y a repasar todos los detalles.

Primer tráiler de Crossfire, el juego de That's No Moon

Crossfire nos lleva a vivir el viaje de Layla Qassem y Delroy Cross, dos soldados de bandos rivales que se ven obligados a forjar una frágil alianza para sobrevivir.

Uno de los aspectos a los que más importancia le han dado es su innovador sistema de coberturas, llamado cobertura adaptativa.

Gracias a este sistema, el movimiento del personaje se ajusta al tamaño del terreno, lo que nos dará una ventaja táctica que tendremos que usar para sobrevivir a intensos tiroteos en tercera persona,

Según explica, hasta una sola bala puede ser letal, por lo que Crossfire nos obligará a ser extremadamente cuidadosos, apostando por una jugabilidad muy realista.

Por el momento no han dado fecha de lanzamiento, pero se ha confirmado que Crossfire llegará a PS5, Xbox Series X|S y PC. ¿Qué os ha parecido el primer tráiler del juego?

Y si queréis estar al tanto de todos los anuncios, no dudéis en echarle un ojo a nuestro resumen del Summer Game Fest 2026, que ya nos ha dejado bombazos como el anuncio de Resident Evil Veronica o Final Fantasy VII Revelation, además de la fecha de Stranger than Heaven, Gen Atlas, Monster Hunter Wilds Ascendance, Stellar Blade Bloodrain, Virtua Fighter Crossroads, Chronicles Medieval, Blood of the Dawnwalker, Clutch, Alien Isolation 2 o Attack on Titan 3, entre otros.

Se trata de la secuela del survival horror lanzado originalmente en 2014 y vuele a estar producido por SEGA y desarrollado por Creative Assembly.

Hace unas semanas, el equipo publicó un breve teaser en Redes Sociales y, ahora, han publicado el primer tráiler de Alien: Isolation 2 que, además de dejarnos varios detalles importantes sobre esta secuela, también ha confirmado las plataformas de lanzamiento. Vamos a verlo.

Primer tráiler de Alien: Isolation 2 y plataformas confirmadas

Uno de los aspectos que deja claro este tráiler y que ya sospechábamos por el teaser, es que en la secuela de Alien: Isolation se acabaron los espacios cerrados de la estación Sevastopol.

En Alien: Isolation 2, una parte importante de la acción se desarrollará al aire libre, lo que sin duda pondrá sobre la mesa nuevas mecánicas jugables y complicará aún más las cosas a la hora de sobrevivir contra el xenomorfo.

En el tráiler también podemos ver la tecnología retrofuturista de la saga Alien (y de Alien: Isolation), así como elementos icónicos del primer juego como el lanzallamas, las bengalas, los sintéticos...

...y el xenomorfo.

Y aunque el tráiler no lo dice explícitamente, los comentarios que escuchamos parecen confirmar que la protagonista de Alien: Isolation 2 volverá a ser Amanda Ripley, protagonista de la primera entrega.

No tenemos muchos más detalles, pero el final del tráiler nos deja con una confirmación importante: Alien: Isolation 2 se lanzará para PS5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch 2 y PC.

No tenemos fecha, pero sus creadores aseguran que llegará pronto.

Para estar al tanto de todas las novedades del evento, no dudéis en echarle un vistazo a nuestro resumen del Summer Game Fest 2026, que ya nos ha dejado bombazos como el anuncio de Resident Evil Veronica, Final Fantasy VII Revelation, fecha de Stranger than Heaven, Gen Atlas, Stellar Blade Bloodrain, Monster Hunter Wilds Ascendance, Blood of the Dawnwalker, Crossfire, Clutch, Virtua Fighter Crossroads, Chronicles Medieval o Attack on Titan 3, entre otros.

Es más, si atendemos a las fechas, Gothic se lanzó un año antes que The Elder Scrolls: Morrowind, que está considerado como uno de los mejores y más importantes RPGs de todos los tiempos. Y sobra decir que, aun siendo muy distintos, el juego del estudio alemán no tiene nada que envidiarle.

El remake de Gothic corre a cargo de Alkimia Interactive, un estudio de Barcelona, aunque entre sus filas se encuentran algunos de los desarrolladores del juego original.

Tras pasar unas cuantas horas sumergidos en su mundo y descubriendo por las malas que los orcos no se andan con tonterías, vamos a ver qué tal les ha quedado.

El análisis de Gothic 1 Remake para PS5, Xbox Series X|S y PC de Hobby Consolas:

• El gameplay de Gothic 1 Remake
• Nivel de dificultad de Gothic 1 Remake
• ¿Cuántas horas de juego dura Gothic 1 Remake?
• Cuánto cuesta Gothic 1 Remake y dónde puedes comprarlo
• La opinión de Hobby Consolas de Gothic 1 Remake
• Nota: lo mejor y lo peor de Gothic 1 Remake

Jugabilidad y gameplay de Gothic 1 Remake

Para empezar, la premisa de Gothic 1 Remake es de lo más interesante: debido a la cruenta guerra contra los orcos, el rey de un reino de fantasía medieval decide obligar a todos los reos de las prisiones a excavar un preciado mineral con el que forjar poderosas armas.

Unos magos crean una "burbuja" protectora alrededor de la zona de excavación para que ningún prisionero pueda escapar, pero un sabotaje provoca que todo el mundo -magos incluidos- se quede atrapado dentro de la cúpula mágica. Los prisioneros no tardan en amotinarse y hacerse con el control del interior... y el mineral.

Nosotros nos ponemos en el papel de un prisionero que acaba de ser lanzado al interior de la cúpula-prisión, que es el mundo abierto en el que tiene lugar Gothic 1 Remake.

Y uno de los aspectos más llamativos, tanto del juego original como de esta revisión, es que empezamos la aventura de cero. Y diréis: «bueno, pues como en casi todos los RPG». Pero no: aquí es real a más no poder.

Somos unos don nadie cuya palabra frente a otros prisioneros y, no digamos ya guardias o magos, no vale absolutamente nada. No estamos equipados con armas, e incluso aunque nos hagamos con una espada desgastada o un hacha que se cae a pedazos, somos tan débiles que incluso una rata topo puede matarnos de dos mordiscos. Y como se nos ocurra enfrentarnos a una amenaza mayor, como un lobo u otra persona, vamos a acabar muertos o, peor aún, siendo desvalijados.

Por supuesto tampoco tenemos dinero ni comida ni ropa en condiciones ni un atisbo de magia. Las primeras horas de Gothic son realmente duras y pueden echar para atrás a muchísimos jugadores. Luego hablaremos más sobre la dificultad, pues en ese aspecto el remake añade novedades interesantes, pero es importante dejar esto claro para que nadie se lleve un disgusto: tened en cuenta que las primeras horas son más de hablar, de ir conociendo a personajes, tomando decisiones, descubriendo quién manda dentro de la cúpula, eligiendo a cuál de las tres facciones nos unimos, a qué enemigos podemos enfrentarnos y de cuáles debemos huir como alma que lleva el diablo. Es, por así decirlo, uno de los RPGs más realistas que existen a la hora de hacer empezar desde lo más bajo.

Y pese a lo duro y frustrante que puede resultar en esas primeras horas, si somos pacientes y perseveramos, la sensación de progreso en Gothic no tiene parangón. Pasar de morir de un golpe contra cualquier enemigo a derrotar a un orco (sudando lo suyo) por primera vez, es algo indescriptible.

Pero todo eso ya era así en el juego original, ¿qué es lo que ha cambiado a nivel jugable en este remake? Pues incontables cosas, tantas... que es imposible listarlas todas. Lo más importante es que ahora es un juego mucho más amigable en todos los aspectos: el control tanto al desplazarnos como al combatir, el inventario, la forma de interactuar con el mundo... Todo se ha renovado y modernizado.

Ahora bien, tiene ciertos elementos que, aun no siendo heredados del juego original, le dan un toque muy añejo y hacen que este remake se sienta más como un juego que podría haber sido lanzado hace unos diez años. Por poner un ejemplo: cuando tenemos el arma desenfundada, para interactuar con NPCs y objetos, debemos realizar una combinación de botones... y os podéis imaginar lo fácil que es olvidarse de esto y acabar propinándole un espadazo a alguien.

Uno de los añadidos que más se agradecen es el glosario. Se trata, como su nombre indica, de un compendio con información detallada sobre prácticamente todo, desde mecánicas jugables hasta consejos para progresar. Al ir conociendo personajes, el glosario se actualiza con sus fichas, algo que es realmente útil dada la importancia que tienen los distintos NPCs en este juego.

Ahora bien, incluso en este aspecto, el remake de Gothic deja un sabor de boca muy añejo. Aun pudiendo conseguir un mapa en el que poner indicadores o tener una forma de seguir las misiones, el juego NUNCA nos da las cosas hechas ni nos señala dónde debemos ir.

Puede que nos pidan que robemos el cofre de una persona, algo que ya de por sí es complicado porque el minijuego de las ganzúas es de todo menos fácil y si nos pillan infraganti adiós muy buenas... Pero, además, buena suerte descubriendo cuál de las tres casas con cofres en su interior es la que buscamos. También puede que nos pidan que vayamos a una colina en busca de setas, pero buena suerte descubriendo dónde está esa colina, aun con las (vagas) indicaciones que nos dan. Y todo esto mientras tienes a un pesadísimo NPC que te sigue a todas partes y no deja de darte la tabarra para poner a prueba tu paciencia (bastante aguanté antes de quemarlo vivo con una antorcha).

Pero son esa clase de cosas lo que hacen que Gothic sea un juego con tanto encanto. Además, como RPG también incluye muchas posibilidades, pues además de la progresión del personaje, que podemos moldear a nuestro gusto centrándonos en diferentes estadísticas, armas, magia o sigilo, también tenemos un montón de sistema como combos de combate, cocina, forja, caza, extracción de minerales, fabricación, comercio e incluso drogas. Es un juego completísimo.

Y dado que estamos ante un remake, el apartado audiovisual también ha experimentado una importante mejora. A nivel gráfico se ve bastante bien, especialmente los escenarios, que nos dejan estampas muy chulas, pero en lo referente a las animaciones volvemos a tener esa sensación de juego que se podía haber lanzado hace diez años, pues son todas muy robóticas.

Además, en consola (PS5, que es donde lo hemos jugado), el juego no incluye ajustes visuales que permitan elegir entre gráficos y rendimiento y se mueve a 30fps. La banda sonora no es particularmente destacable, pero los diálogos han sido todo regrabados usando un guion revisado que es más fiel al del juego original. Y dada la cantidad de diálogos que hay en Gothic, hay que aplaudir el enorme trabajo que han hecho.

El gran problema de este remake de Gothic es, paradójicamente, el mismo problema que tuvo el juego original cuando se lanzó: tiene muchos bugs. A lo largo de nuestra partida nos hemos topado con toda clase de problemas, desde cosas sin demasiada importancia, como NPCs flotando... hasta otras menos graciosas como misiones que se han roto y no hemos podido continuar o cuelgues que nos han hecho perder bastante progreso.

Hablamos de un juego muy grande, un RPG con muchos diálogos, NPCs con rutinas y reacciones, diferentes caminos tanto para misiones secundarias como la historia principal, toneladas de objetos, armas, sistemas... Así que es comprensible cierto grado de error, pero ahora mismo recomendaríamos esperar un tiempo antes de jugar.

Porque hoy mismo se ha publicado un nuevo parche de cerca de cuatro gigas que probablemente corrige unas cuantas cosas, pero entre que ha llegado hoy (el día que se publica el análisis) y que han mandado el juego con poquísimo tiempo de antelación, no hemos tenido tiempo de probarlo.

¿Es difícil Gothic 1 Remake?

Como decíamos antes, una de las gran novedades del remake de Gothic está relacionada con la dificultad. En lugar de tener una única dificultad sin posibilidad de cambios, como el original, este remake incluye cuatro opciones diferentes: fácil, Gothic, difícil y personalizada.

La dificultad Gothic vendría a ser el equivalente a normal, ofreciendo un desafío moderado e índices de progreso justos... Pero ya os avisamos que es un juego brutalmente difícil si no tenéis mucha paciencia.

Independientemente de la dificultad, también podemos activar un ajuste que ayuda a la dificultad del combate y la muerte permanente para quien quiera la experiencia más hardcore posible.

¿Cuántas horas dura la historia de Gothic 1 Remake?

Si el juego original ya ofrecía una cantidad considerable de contenido, el remake de Gothic 1 lo amplía añadiendo nuevas localizaciones y ampliando otras, nuevas misiones para los distintos campamentos, nuevo contenido que profundiza en los orcos y su cultura... Y ciertas cosas que estaban planeadas para el juego original pero no pudieron ser implementadas por falta de tiempo y recursos.

De esta manera, una partida de Gothic 1 Remake puede llevarnos entre 40 y 50 horas de duración. Ahora bien, el juego cambia bastante en función de a cuál de los tres campamentos nos unamos, por lo que es muy rejugable y ofrece aún más horas a quienes quieran exprimirlo al máximo.

Precio y plataformas disponibles

Gothic 1 Remake se lanza para PS5, Xbox Series y PC el 5 de junio de 2026 (es decir: hoy) a un precio recomendado de 59,99€, tanto en formato físico como digtal,

Además, al hacernos con el remake, nos llevamos de regalo Gothic Classic, un port del juego original a plataformas actuales.

Un remake a la altura del clásico... pero que necesita más tiempo en la forja

El remake de Gothic es uno de los RPGs más duros que os podéis echar a la cara, tiene mecánicas y un apartado visual que parecen de hace diez años y es una experiencia que requiere una paciencia enorme.

Y eso es, precisamente, lo que hace que sea tan especial.

El equipo de Alkimia Interactive ha conseguido renovar Gothic, modernizando sus controles y apartado audiovisual, así como añadiendo una gran cantidad de novedades y contenido, y, al mismo tiempo, han conseguido que en todo momento se sienta como una experiencia añeja y fiel a la obra original.

Está claro que no es un juego para todo el mundo, igual que no lo era el original, pero los RPGs (los videojuegos, en general) de los últimos años se han ablandado y Gothic 1 Remake nos pega un buen hostiazo de realidad desde los primeros minutos que nos recuerda cómo solían ser los juegos antes.

Así que si sois la clase de jugadores que valora que no se lo den todo hecho, tenéis la suficiente paciencia para explorar cada rincón, hablar con todos los NPCs, guardar partida continuamente para evitar sustos desagradables y apreciáis un sistema de progresión fiel a la realidad... vais a gozar de Gothic 1 Remake.

Pero seguramente no se esperaban el efecto que ha tenido sobre la comunidad. Tasha Seversky, una piloto de pelo rosa que forma parte del escuadrón conocido como Wings of Theve, se ha convertido en la nueva "waifu" de los jugadores gracias a su llamativo diseño.

Estos últimos días, las redes se han llenado de comentarios de jugadores dispuestos a protegerla a toda costa o que se comprarán el juego sólo por ella.

Nosotros tuvimos la oportunidad de jugar a Ace Combat 8: Wings of Theve hace una semanas (¿a qué esperáis para leer nuestras impresiones?) y por supuesto también nos llamó la atención el diseño de Tasha, así que aprovechamos la ocasión para preguntar a sus responsables al respecto.

Tasha Seversky, la piloto de pelo rosa de Ace Combat 8, es la nueva "waifu" de los jugadores

Manabu Shimomoto y Kazutoki Kono, dos de los máximos responsables de Ace Combat 8: Wings of Theve, estuvieron en el evento de preview donde pudimos jugar cuatro horas a la nueva entrega.

Al preguntarles por el llamativo diseño de Tasha, que se sale de los cánones de las historias de guerra, esto fue lo que nos contaron:

"Es genial escuchar comentarios así, porque haber creado un personaje que no es lo que se suele ver en las operaciones del ejército significa que hemos tenido éxito", explicaba Kazutoki Kono, director de la saga Ace Combat.

"Tasha no es una oficial del ejército. Y cuando el equipo y yo hablamos con los directores y con [Sunao] Katabuchi, pensamos que todos los compañeros del escuadrón podían ser oficiales de la FCU, pero que sería más interesante tener también la perspectiva de un civil entre ellos. Así que Tasha es una civil que ofrece una perspectiva diferente y una forma distinta de ver las cosas"

"Pero eso a veces también pone a Tasha en una posición complicada, así que puede que también tenga que enfrentarse a desafíos diferentes por ella misma"

Ya lo veis, parece que Tasha va a ser un personaje que va a dar mucho juego dentro de la historia de Ace Combat 8. Desde luego, en nuestra sesión de juego, fue uno de los acompañantes más carismáticos. ¿Seguirá gozando de la misma popularidad cuando el juego llegue a las tiendas?

Recordad que Ace Combat 8: Wings of Theve se lanza el próximo 2 de octubre, pero podéis empezar a jugar a partir del 29 de septiembre si os hacéis con la Edición Deluxe.

Hace unas semanas, Bandai Namco me invitó a un evento en París en el que pude probar Ace Combat 8: Wings of Theve, la nueva entrega para PS5, Xbox Series X|S y PC que se lanza el 2 de octubre. Además de jugar unas cuantas misiones, también pude charlar con dos de sus grandes responsables, Manabu Shimomoto y Kazutoki Kono.

Y puedo decir que todo lo que había oído sobre Ace Combat se queda corto; esto es lo más épico que he jugado en mi vida. Hipérboles aparte, salí absolutamente flipado de esta primera toma de contacto y ahora no puedo esperar para volver a pilotar uno de esos flamantes aviones de combate.

Así que, si como yo nunca os habéis atrevido a meteros en la saga, en estas impresiones de Ace Combat 8 espero convenceros para que le deis una oportunidad y acabéis tan desquiciados como yo (esto último es opcional).

Impresiones de Ace Combat 8: Wings of Theve para PS5, Xbox Series X|S y PC

Vale, abrochaos el cinturón porque primero voy a hablar de la historia: el juego tiene lugar 10 años después de los acontecimientos de AC7 y nos pone en el papel de un soldado de Theve, la capital de la Federación Central de USEA, una nación que ha sido invadida por las fuerzas de la República de Sotoa. Y aun sin muchos conocimientos en eso de pilotar cazas, nos vemos obligados a unirnos a un legendario grupo de pilotos conocido como Wings of Theve (o las Alas de Theve).

¿Qué pasa? Que esto en realidad es mentira; los miembros del escuadrón no son ases del aire. Pero la guerra de la información en las RRSS ha hecho creer a todo el mundo que este escuadrón está formado por pilotos curtidos que no tienen rival, infundiendo terror en las fuerzas de Sotoa y convirtiéndolos en un símbolo de esperanza para Theve.

No puedo entrar en más detalles sobre la historia, pero os puedo decir que Ace Combat 8 empieza MUY fuerte. En particular, me ha gustado cómo han aprovechado la guerra entre estas naciones ficticias para tratar temas y reflejar conflictos muy reales (y muy actuales), como todo lo relacionado con el control de la información.

Los personajes secundarios que nos acompañan durante las misiones también son muy interesantes, especialmente los tres secundarios principales. Son personajes con un diseño muy "japonés", en el buen sentido; tienen un look y unas personalidades muy marcadas, lo que los hace memorables y carismáticos desde el minuto uno.

Si hablo tanto de la historia es porque es uno de los aspectos que más me ha sorprendido de Ace Combat 8; no esperaba sentirme tan involucrado en lo que cuenta, ni que las misiones tuviesen auténticos momentazos de infarto a merced de su narrativa.

Pero a la hora de jugar tampoco se queda atrás; reconozco que al principio me daba un poco de vértigo (nunca mejor dicho), porque desde fuera parece que te vas a enfrentar a unos controles complicadísimos, pero nada más lejos de la realidad.

La saga Ace Combat se caracteriza por su sistema de control arcade, así que manejar cualquiera de los aviones no tiene ningún misterio (hacerlo bien... ya es otro historia). Es más, incluso me atreví con los controles de experto, que te dan mucha más flexibilidad sobre todo a la hora de hacer giros.

Además, Ace Combat 8 será la primera entrega que incluya un modo entrenamiento, perfecto tanto si sois nuevos en la saga como yo o veteranos que lleváis mucho tiempo sin pilotar.

Al ir progresando en las misiones, iban entrando en juego más elementos a tener en cuenta. ¿Intentas esquivar los misiles con un giro en el último momento o gastas las preciadas bengalas para quitártelos de encima rápidamente? ¿Te escondes entre las nubes para evitar el fuego enemigo... pese a que eso puede suponer que el avión sufra fallos por congelación si te quedas demasiado tiempo? ¿Ahorras la munición de las armas especiales usando la siempre fiable pero poco precisa ametralladora? Enseguida me di cuenta de que, pese a lo accesibles que son sus controles, estamos hablando de juegos que requieren mucha técnica.

Y no sólo a los mandos; antes de cada misión también hay una importante capa de gestión. Podemos invertir los puntos que vamos obteniendo en una suerte de árbol de habilidades para comprar nuevas armas, equipo e incluso nuevas aeronaves (hay cerca de 30, divididas en cuatro tipos diferentes). Antes de cada misión, debemos decidir cuidadosamente las armas especiales que llevaremos, en función de si nos vamos a enfrentar a enemigos aéreos o terrestres. Y, además, también podemos escoger las aeronaves de nuestros compañeros o incluso darles órdenes y tomar decisiones en mitad del combate.

Durante esta sesión de juego, también tuve la ocasión de enfrentarme a dos vehículos especiales, que vienen a cumplir el papel de jefes en Ace Combat 8. El primero era un gigantesco acorazado terrestre, armado con un cañón de riel que como te pillase te mandaba directo a la pantalla de Game Over. Era una batalla muy espectacular que además tenía lugar en mitad de una ciudad. Y a medida que el acorazado se desplazaba, iban pasando... cosas que hacían que la intensidad de la misión fuese en aumento.

En el segundo enfrentamiento había que dar caza a unas aeronaves de transporte que eran invisibles a los radares, por lo que en primer lugar había que encontrarlas entre un mar de nubes siguiendo su rastro de contrails. Esto ya hacía que fuese una misión muy particular, pero, además, en cierto punto, aparecía un escuadrón de veteranos rivales, conocido como la Unidad Sombra para complicar la cosas. Estos enemigos son muy complicados de abatir -los más complicados en esta sesión de preview, sin duda- y siempre vienen precedidos por una pegadiza melodía que se caracteriza por su coro de voces.

Lo cierto es que la banda sonora es otro de los aspectos que más me sorprendieron de Ace Combat 8; y no sólo porque esté compuesta por melodías increíblemente épicas que te meten de lleno en la acción, sino también por cómo la utilizan a nivel narrativo. Por ejemplo, en una misión, el miembro del equipo más melómano ponía una canción de su grupo favorito para que la escuchase todo el escuadrón... y esta se convertía en la banda sonora de la misión.

A nivel visual, Ace Combat 8: Wings of Theve también me pareció un verdadero espectáculo. En parte lo tiene fácil, porque surcar los cielos a toda velocidad, contemplando ese océano de azul infinito o bajo la luz del atardecer, ya te garantiza unas estampas alucinantes. Pero es que además tiene detallitos visuales muy chulos, como el efecto al atravesar las nubes, los reflejos en las cabinas de las aeronaves enemigas (que por cierto ayudan a localizarlas en las fases con baja visibilidad) o ver a los soldados enemigos eyectando cuando los derribas.

Así que se podría decir que llegue a esta sesión de prueba de Ace Combat 8 sin conocer la saga, y salí convertido en un piloto dispuesto a difundir la palabra de los cielos.

Salvando las distancias, me ha recordado a los Armored Core, por aquello de estar dividido en misiones en las que se dan todo tipo de situaciones y cada una te obliga a elegir y cambiar el equipo para adaptarte a lo que te enfrentas. Bueno, por eso... y porque en ambas sagas pilotas enormes armazones de metal mientras disparas misiles.

Pero me ha gustado muchísimo el foco que Ace Combat 8: Wings of Theve pone en la narrativa, pues fue lo que dio lugar a momentos en los que hice "lock in", como dicen los jóvenes hoy en día, y me sentí como un auténtico héroe de los cielos, esquivando misiles, derribando enemigos y luchado para darle esperanza al pueblo.

No sé si con todo esto habré convencido a los que, como yo hace unas semanas, están dudosos de meter la patita en la saga Ace Combat. Lo que sí es que ahora mismo mi único objetivo es llegar con vida al 2 de octubre para volver a tocar el cielo.

Este esperadísimo juego de terror y acción ha sido una de las grandes estrellas del evento gracias a un tráiler completamente nuevo que combinaba escenas de la historia con jugabilidad pura y dura.

Y ya os advertimos que no es un tráiler para estómagos sensibles: contiene desmembramientos, perforaciones, criaturas grotescas y sangre a borbotones. Gore en toda regla, vaya.

Vamos a verlo y a repasar todas las novedades (si os atrevéis).

Nuevo tráiler gameplay de ILL, el esperado juego de terror para PS5, Xbox Series X|S y PC

ILL es un juego desarrollado por Team Clout, con el apoyo de Mundfish (creadores de Atomic Heart) mediante su incubadora, Mundfish Powerhouse.

ILL no solo es un shooter de acción en primera persona, sino también un survival horror al más puro estilo Resident Evil o Silent Hill. Esto implica que los puzles, la exploración y la gestión de los recursos limitados serán el pan de cada día en este juego.

Aspectos como el inventario limitado, enemigos que no se pueden matar (como el xenomorfo de Alien Isolation o Mr. X de Resident Evil 2 Remake) o la mecánica de mutación de los enemigos nos recuerdan que estamos ante un juego de terror puro y duro.

A continuación podéis ver el nuevo tráiler gameplay de ILL:

¿Qué os ha parecido? Desde luego, cada vez tiene mejor pinta, y eso que muchos dudaban de la veracidad del proyecto en un inicio.

Eso sí, todavía tendremos que esperar para echarle el guante, pues ILL tiene fijada su ventana de lanzamiento en 2027.

Mientras esperamos, no olvidéis echarle un vistazo a todas las novedades del evento con nuestro resumen del State of Play.

Y lo han hecho con un nuevo y espectacular tráiler que nos deja un nuevo vistazo a la historia y la jugabilidad de esta octava entrega, así como varios detalles muy interesantes... como una jugosa bonificación por reserva que ningún fan de la saga querrá perderse.

vamos a ver el tráiler, repasar toda las novedades presentadas y por supuesto comentar la fecha de "despegue".

Anunciada la fecha de lanzamiento de Ace Combat 8: Wings of Theve para PS5, Xbox Series X|S y PC

Para quien no lo sepa, Ace Combat 8: Wings of Theve es el nuevo juego dentro de esta saga legendaria saga, que este mismo año celebra su 30 aniversario. Sigue la estela de Ace Combat 7: Skies Unknown, una de las entregas más exitosas con más de 7 millones de unidades a la venta.

La historia de Ace Combat 8: Wings of Theve tiene lugar 10 años después de los acontecimientos de AC7, y nos sumerge de lleno en el conflicto entre la República de Sotoa y la Federación Central de Usea, llevándonos a surcar los cielos como parte de un escuadrón conocido como Wings of Theve.

A continuación podéis ver el nuevo tráiler, presentado durante el State of Play:

Y, como podéis ver, Ace Combat 8: Wings of Theve se pone a la venta el 2 de octubre de 2026. Ahora bien, si os hacéis con la Deluxe Edition, podréis empezar a jugar unos días antes, el 29 de septiembre.

La cosa no acaba ahí, pues quienes adquieran Ace Combat 8: Wings of Theve Deluxe Edition se llevan también un port de Ace Combat ZERO: The Belkan War, una de las entregas más queridas, lanzado originalmente para PS2. Nada mal, ¿verdad?

Esto no ha sido lo único que se ha anunciado. El State of Play de junio de 2026 nos ha dejado cantidad de novedades, entre ellos, la presentación de God of War Laufey, un nuevo vistazo a Marvel Lobezno, el retraso de Tomb Raider Legacy of Atlantis a 2027, novedades Silent Hill Townfall, la fecha y demo de Onimusha Way of the Sword o impresiones Rayman Legends Retold, entre otros muchas sorpresas y anuncios.

Durante el evento, hemos podido ver un nuevo tráiler que, además de nuevos detalles de la aventura, nos ha dejado con uno de los datos más relevantes: su fecha de lanzamiento.

Vamos a ver el nuevo tráiler, repasar todas las novedades y comentar la fecha de lanzamiento de Silent Hill: Townfall.

Silent Hill: Townfall desvela su fecha de lanzamiento en PS5 y PC con un nuevo tráiler

Por si no lo conocíais, Silent Hill: Townfall es un spin-off de la saga de terror de Konami, que llega siguiendo la estela del remake de Silent Hill 2 y Silent Hill f. Esta entrega la desarrolla Screen Burn Interactive bajo el paraguas de Annapurna Games.

Cambiamos el ya mítico pueblo de Maine y la aldea de Ebisugaoka por la Escocia de 1996, pues esta aventura se ambienta en la isla de St. Amelia, un gélido y neblinoso lugar que oculta algo desde el principio.

El protagonista es Simon Ordell, un hombre que se ve arrastrado a St. Amelia para ''arreglar las cosas''. Lo que no sabe es que este pueblo costero está completamente vacío, sumido en una profunda niebla. Aquí podéis ver el nuevo tráiler:

Como podéis ver, Silent Hill: Townfall llega a PS5 y PC el 24 de septiembre de 2026, así que no tendremos que esperar mucho para volver a este pueblo de pesadilla.

¿Qué os ha parecido el nuevo tráiler? ¿Volveréis a Silent Hill en septiembre? Esto no ha sido lo único que se ha anunciado. El State of Play de junio de 2026 nos ha dejado cantidad de novedades, entre ellos, la presentación de God of War Laufey, un nuevo vistazo a Marvel Lobezno, el retraso de Tomb Raider Legacy of Atlantis a 2027, novedades sobre Ace Combat 8: Wings of Theve, la fecha y demo de Onimusha Way of the Sword o impresiones Rayman Legends Retold, entre otros muchas sorpresas y anuncios.

El juego acaba de ser presentado (aunque puede que ya hubieseis oído algo por ahí...), pero en Hobby Consolas no sólo hemos tenido la oportunidad de verlo a puerta cerrada, sino también de jugarlo durante cerca de dos horas y conocer un gran número de detalles.

Por si queda alguien que no lo conocía todavía, Rayman Legends se lanzó en 2013 y está considerado una obra maestra de los juegos de plataformas.

Paradójicamente, también fue el último Rayman de la saga principal, así que vamos a ver qué tal está este remake, cuánto cambia y si es capaz de justificar su existencia.

Impresiones de Rayman Legends Retold, el remake 3D de una obra maestra de los juegos de plataformas

Y reconozco que cuando me dijeron que iba a jugar a un remake 3D de Rayman Legends, no puede evitar arquear una ceja. Para empezar porque estamos hablando de un juego con estilo artístico 2D, que precisamente son los que mejor suelen envejecer (si es que envejecen) y, además, de un juego de plataformas de scroll lateral, que es otro género que por lo general aguanta muy bien el paso del tiempo.

Durante la presentación previa a la sesión de juego nos dieron muchos detalles importantes, como que se trata de un juego desarrollado por Ubisoft Montpellier (autores del Rayman Legends original y del magnífico Prince of Persia: The Lost Crown) en colaboración con Ubisoft Milan.

En cuanto a las novedades de este remake, tenemos por supuesto el apartado gráfico, que ha sido realizado usando el Snowdrop Engine (el mismo que utilizan juegos como The Division o Star Wars Outlaws).

Además de recrear todos los niveles del juego original, Rayman Legends Retold también incluye nuevas fases 3D a lomos de dragones que describieron como "una atracción de un parque de atracciones".

También se han incluido nuevos niveles musicales, que fueron uno de los aspectos más celebrados del juego original, así como un sexto mundo completamente nuevo: la Tierra de los No-tan-muertos. Este mundo incluirá cinco niveles, un jefe, una nueva habilidad (el poder de la luz) y un nuevo final para la aventura.

En lo sonoro también hay novedades importantes, pues ahora todos los personajes tienen voces y hablan tanto durante los diálogos y las escenas de vídeo, como cuando los controlamos. En esta sesión de prueba eran voces en inglés, pero conociendo a Ubisoft, seguro que el juego final llegará con voces en castellano.

La banda sonora también se ha ampliado, y para ello han contado tanto con Christophe Héral, compositor de Rayman Origins y Rayman Legends, como con Grant Kirkhope, otra leyenda de la música de videojuegos que ha participado en muchísimos proyectos, desde Donkey Kong 64 hasta Mario + Rabbids.

Todo esto suena muy bien, pero ¿qué tal está a la hora de jugar? Pues tengo que admitir que Rayman Legends Retold me impresionó mucho. Para empezar, todas esas dudas que tenía sobre el apartado visual se despejaron de un plumazo, pues el juego se ve absolutamente precioso y no tiene nada que envidiar a las mejores películas de animación.

Los escenarios tienen un enorme nivel de detalle, especialmente los fondos, los protagonistas y los enemigos rebosan vida gracias a las nuevas animaciones y el salto a las 3D permite hacer cambios de perspectiva que dan mucho juego. Soy firme defensor del estilo 2D, pero ahora mismo no sabría con cuál de los dos quedarme.

En lo jugable no encontré grandes cambios, aunque, siendo justos, tampoco es que lo necesitase, porque, como decía al principio, Rayman Legends sigue siendo una obra maestra de los plataformas, lo que significa que en ese aspecto este remake también es una maravilla.

Un pequeño cambio que me ha gustado bastante es que se ha sustituido la galería de cuadros para seleccionar niveles del original por un mapamundi desde el que accedemos a los distintos mundos. Y dentro de ellos, además de seleccionar el nivel que queramos, podemos encontrar unos cuantos secretillos escondidos. Además de ser un cambio muy chulo a nivel visual, me dio la impresión de que la selección de niveles está mucho mejor organizada que en el juego original.

No pude probar el mundo nuevo, pero sí pude jugar dos niveles a lomos de dragones. Y puedo decir que no mentían al describirlos como atracciones: se trata de fases con una jugabilidad a lo shooter sobre raíles, en las que vamos disparando bolas de fuego y esquivando toda clase de obstáculos para evitar que los Lums que llevamos junto a nosotros se caigan (es decir, que para obtener la puntuación máxima, hay que superarlas sin que nos toquen).

Lo impresionante y lo que les da ese toque de atracción, es que el escenario va cambiando a medida que progresa la fase y vamos viendo situaciones nuevas, zonas nuevas... e incluso momentos de infarto en los que el dragón cae en picado a toda velocidad o cambios de perspectiva que transforman la fase en un shoot'em up de scroll lateral.

Son muy divertidas y muy espectaculares, pero quizás lo más importantes es que, pese a ofrecer un nuevo tipo de jugabilidad, no desentonan con el resto del juego.

Así que después de esta sesión tengo que reconocer que Rayman Legends Retold me ha convencido. Siendo honesto, habría preferido una entrega completamente nueva, pero este remake se ve tan bonito e incluye novedades tan interesantes, que es imposible resistirse a volver a completarlo al 100%.

Además, he dejado para el final el que quizás sea el dato más interesante y el que va a hacer que incluso lo que aún tenéis dudas... dejéis de tenerlas: Rayman Legends Retold se lanza para PS5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch 2 y PC el 1 de octubre a un precio de 39,99€. Por ese precio, yo ni me lo pienso.

Pero parece que en Nintendo se han puesto serios y han decidido que el nombre de Fox McCloud no puede caer en el olvido. Tras ese celebrado cameo en Super Mario Galaxy: La Película, el zorro y su equipo regresan con Star Fox para Nintendo Switch 2.

Y se llama Star Fox a secas porque se trata de un remake del juego de Nintendo 64, que a su vez ya tuvo un remake en Nintendo 3DS. Hace unos días nos acercamos a las oficinas de Nintendo para probarlo, así que vamos a ver qué novedades incluye y qué nos pareció.

Impresiones de Star Fox para Nintendo Switch 2

Concretamente, pudimos jugar los tres primeros niveles de la aventura, trastear con los avatares y probar los modos multijugador cooperativo y competitivo.

Y lo primero que hay que decir es que pese a tratarse del segundo remake de Star Fox 64, el nuevo juego de Nintedo Switch 2 encaja mejor con lo que entendemos actualmente por remake: hay muchas escenas de vídeo nuevas, principalmente antes de cada misión, pero también durante las propias misiones.

Estas escenas de vídeo incluyen diálogos que expanden en gran medida la historia del juego original, permitiéndonos conocer mejor a los protagonistas e implicarnos aún más en el conflicto del sistema Lylat.

Además, como ya sucedió con el juego de 3DS, el nuevo Star Fox está doblado al castellano, así que es una gozada poder escuchar a Fox, Peppy, Falco, Slippy y el resto de personajes en español. Por no hablar de que, de esta manera, no debemos apartar la mirada de la acción en ningún momento para oír sus comentarios.

Y como se espera de todos los remakes, también hay una importante mejora gráfica. Siendo completamente honestos, a nosotros también nos chocó el nuevo diseño por el que se ha apostado para los personajes cuando vimos el tráiler de anuncio, pero tras jugar durante unos minutos te acabas acostumbrando y la verdad es que no desentonan en absoluto.

También ayuda el hecho de que Star Fox para Nintendo Switch 2 se ve realmente bien a la hora de la verdad, que es cuando nos ponemos a los mandos del Arwing. Todos los niveles que jugamos fueron un auténtico espectáculo visual: desde los mares y las montañas de Corneria hasta las llanuras heladas (al estilo Hoth) de Fichina, sin olvidarnos del peligroso cinturón de asteroides de Meteo. Han capturado a la perfección la identidad del juego original, transformándola en uno de los títulos más punteros de Switch 2.

Curiosamente, donde menos cambios notamos fue en lo relativo a la jugabilidad. Si jugasteis a Star Fox 64 o Star Fox 64 3D, ya sabéis exactamente lo que vais a encontrar aquí y no vais a tener problemas para conseguir grandes puntuaciones, salvar a los compañeros en los momentos de apuro y encontrar las rutas opcionales.

Los únicos cambios que hemos advertido son que el esquema de control se ha modificado ligeramente para que realizar acciones como el giro completo sean más sencillas, y que ahora al terminar cada misión se muestran estadísticas detalladas, como el nivel de precisión al disparar.

Queda por ver si habrá alguna novedad de peso en este sentido (nuevas misiones o misiones ampliadas, ¿quizás?), pero está claro que en ese aspecto han ido a lo seguro. Y, siendo justos, el control y las mecánicas de Star Fox 64 siguen siendo tan buenas a día de hoy, que realmente no necesitaba demasiados cambios.

En cuanto a los avatares, una de las novedades de este remake, utilizan la cámara de Nintendo Switch 2 para seguir nuestros movimientos y mostrarnos en pantalla como si fuésemos uno de los personajes de la aventura. Había muchos entre los que elegir, así como otros tantos bloqueados que probablemente se desbloquearán al superar niveles y retos. Y no sólo personajes, también era posible mantener nuestra imagen y aplicarle accesorios, como las orejas de Fox o el pico de Falco. Una opicón perfecta para sacar al "furro" que todos llevamos dentro.

Por su parte, el modo multijugador cooperativo nos permite superar los niveles de la aventura en compañía de otro jugador, tomando ambos el control del mismo Arwing: uno se encarga del movimiento y otro de apuntar y disparar. Para este modo, cada jugador utiliza un Joy-Con, por lo que no se necesitan mandos adicionales. Además, el artillero debe usar el mando en modo ratón.

Pero el plato fuerte es sin ninguna duda el multijugador competitivo. Aquí, dos equipos formados por cuatro pilotos cada uno se enfrentan en combate en mapas completamente nuevos. El objetivo es capturar zonas, quedándonos el mayor tiempo posible en su interior, mientras derribamos a los rivales y recogemos power-ups.

Y tenemos que decir que fue toda una sorpresa: se trata de un modo realmente divertido que encaja a la perfección con las mecánicas de Star Fox. Echamos dos partidas, pero nos quedamos con ganas de seguir jugando. Ya avisamos que los piques están asegurados.

Llegados a este punto, imaginamos que la pregunta que ronda la mente de muchos es si este remake de Star Fox era necesario, especialmente viendo que la jugabilidad y los niveles son exactamente los mismos. Y pensándolo fríamente... tiene todo el sentido del mundo.

Nintendo necesita que las nuevas generaciones conozcan a Fox McCloud y la saga Star Fox, pero seguramente sea complicado convencerlos de jugar a un título de Nintendo 64. Mientras que acceder al de Nintendo 3DS... es bastante complicado.

Lógicamente, desde nuestra posición, habríamos preferido un nuevo Star Fox, pero recuperar la mejor entrega de todas, ampliada y mejorada, es la opción ideal para lograr que el zorro alce el vuelo de nuevo.

Porque sigue siendo un juegazo... y buena prueba de ello fue que nos quedamos con tantas ganas de seguir jugando, que nada más llegar a casa echamos unas partidas a Star Fox 64 (está en Nintendo Switch Online, por si os interesa).

Lo bueno es que no habrá que esperar mucho, pues el remake de Star Fox para Nintendo Switch 2 despega el 25 de junio.

De nuevo, apuestan por un título en el que se respira aroma retro en todos los aspectos. Pero si Shovel Knight bebía de los plataformas 2D de la época de los 8 bits, Mina toma como principal inspiración dos sagas muy diferentes: las entregas de The Legend of Zelda para Game Boy y Game Boy Color y la saga Castlevania.

En todos estos años, Yacht Club Games ha seguido haciendo juegos, aunque siempre de carácter menor y relacionados con la IP que los dio a conocer. Así que cualquiera pensaría que, después de tanto tiempo, puede que el estudio haya perdido su magia. O que, quizás, han salido tantos juegos imitando -precisamente- el estilo retro de Shovel Knight, que lo tienen muy complicado para sobresalir.

Pero nada más lejos de la realidad: podemos decir sin miedo que Mina the Hollower es una nueva joya indie y uno de los mejores juegos de 2026.

Y os voy a contar por qué lo es en este análisis de Mina the Hollower para PS5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch, Nintendo Switch 2 y PC, en el que me voy a centrar en estos aspectos:

• El gameplay de Mina the Hollower
  
• Nivel de dificultad de Mina the Hollower
• ¿Cuántas horas de juego dura Mina the Hollower?
• Cuánto cuesta Mina the Hollower y dónde puedes jugarlo
• La opinión de Hobby Consolas de Mina the Hollower
• Nota: lo mejor y lo peor de Mina the Hollower

Jugabilidad y gameplay de Mina the Hollower en PS5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch, Nintendo Switch 2 y PC

La historia nos pone en el papel de Mina, una ratona, inventora y vaciadora que vuelve a Tenebrosa para reparar los siete generadores de chispas que permitieron que la sociedad floreciese en la isla.

Si habéis jugado a Zelda Link's Awakening, Oracle of Ages u Oracle of Seasons, en seguida os vais a sentir como en casa, pues Mina sigue al dedillo el estilo de dichos títulos: los gráficos, la perspectiva, el movimiento y el control del personaje... O el propio hecho de tener que completar siete mazmorras para superar la aventura.

De la saga Castlevania, Mina the Hollower toma la ambientación gótica pero colorida, las subarmas, que son útiles tanto al combatir como al explorar, y, por supuesto, el látigo, que es el arma predilecta de Mina.

Y digo predilecta porque hay cinco armas principales diferentes, cada una con un estilo de juego muy distinto y con posibilidad de aprender nuevos ataques a lo largo de la aventura. Esto ya es un pequeño indicativo de que Mina the Hollower no se limita a copiar lo que hicieron los que vinieron antes, sino que añade toneladas de elementos de cosecha propia.

El más destacable sin ninguna duda es la mecánica que da nombre al juego: el soterramiento. Mina puede sumergirse bajo tierra durante unos breves segundos, una acción que tiene muchas aplicaciones jugables y hace que el combate y la exploración sean muy entretenidos.

Bajo tierra, Mina se desplaza más deprisa, así que es un movimiento esencial para esquivar ataques o colocarnos a la espalda de los enemigos. Además, al emerger, la distancia de salto aumenta, así que debemos usar este movimiento para alcanzar lugares a los que no se llega con un salto normal.

Pero la clave está en que el juego nos propone continuamente mecánicas diferentes para sacar partido de las acciones. Este es uno de los aspectos más brillantes de Mina y cualquier cosa que diga se queda corta comparada con la cantidad de cosas diferentes que incluye. Por ejemplo, en una misma región, hay muelles de impulso, viento que dificulta el desplazamiento, cosechadoras que nos impiden el paso y rayos (y pararrayos).

Mina the Hollower es así TODO el tiempo: siempre hay algo que no habías visto antes, algo que te invita a pensar cómo sacar partido de las acciones y herramientas a tu disposición y algo que te hace maravillarte con la capacidad de inventiva que tienen en Yacht Club Games. Es sencillamente imposible aburrirse.

Otra de las claves de Mina the Hollower es su densidad. Porque cada pantalla o habitación está repleta de secretos y cosas por hacer, hasta el punto de que inicialmente puede resultar un tanto abrumador. Me ha pasado (y no pocas veces a lo largo del juego) que creía que ya lo había hecho y conseguido todo en una ubicación y, de repente, al volver a pasar por allí, he advertido un hueco por el que podía soterrarme o una pared que aún no había destruido.

Y de nuevo, Mina the Hollower es así TODO el tiempo. Es un juego a rebosar de contenido, pero contenido de calidad. Por eso quieres hacerlo y verlo todo; porque además de entretenido, todo lo que consigues como recompensa es útil. Todo. Y hay muchísimos tipos de recompensas diferentes.

Ya hemos hablado sobre las armas principales, pero también hay muchísimas subarmas (todas distintas), hay mejoras que añaden nuevas funcionalidades, llaves que abren cerraduras por todo el mundo, una colección de peces, jefes opcionales, minijuegos... Incluso te alegras de conseguir huesos, que son la moneda de Isla Tenebrosa, pues la economía está muy bien medida y hay muchas cosas interesantes para comprar.

Pero sobre todo hay que destacar los abalorios, que son objetos que se equipan y tienen toda clase de efectos con peso sobre la jugabilidad, llegando incluso a modificar el movimiento de Mina y permitiéndonos llegar a lugares que de otra forma serían inalcanzables. Pues hay un total de 60.

Mina the Hollower también es un juego fantástico en lo que a diseño y progresión se refiere. Existe un orden recomendado para completar los objetivos principales de la historia, pero no tenemos por qué seguirlo; si somos hábiles, podemos colarnos en las zonas que en teoría están pensadas para ser completadas más tarde. Es más, incluso hay una tienda que nos permite conseguir algunos de los objetos más avanzados del juego antes de tiempo... pero pagando un mayor precio por ellos. Esto puede dar mucho juego de cara a próximas partidas.

Y eso nos lleva a hablar de los modificadores. Hay una cantidad absurda de ellos y alteran toda clase de aspectos, llegando incluso a cambiar por completo la forma de jugar. Algunos están pensados para hacer el juego más fácil, otros para hacerlo más accesible, más difícil o más divertido, como aumentar el tamaño de Mina, que la fuente de los diálogos sean jeroglíficos o que desaparezcan los sistemas de progresión si no nos gusta el componente RPG. Las opciones son sencillamente inmensas; es como tener en nuestras manos una herramienta para modificar el juego a nuestro gusto.

También hay que destacar el exquisito gusto que tiene a la hora de guiarnos y enseñarnos a jugar. Porque Mina the Hollower no nos lleva de la manita en ningún momento, pero nos sugiere nuevos objetivos (tanto principales como opcionales) de una manera muy elegante: a través de periódicos que se van actualizando al progresar.

Y el aprendizaje se realiza también de una forma muy natural e intuitiva. Es muy satisfactorio, por ejemplo, regresar a Ossex (la ciudad principal) tras cumplir uno de los objetivos principales, y darte cuenta de que a esa casa cerrada, que pensabas que se abriría como parte de la historia, en realidad se accede de una manera muy ingeniosa. En Mina no hay habilidades obligatorias para avanzar ni tutoriales que rompen el ritmo; es el conocimiento que vas adquiriendo mediante el uso de sus mecánicas lo que te va abriendo todas las puertas.

Y si aun así nos atascamos en algún punto o no entendemos algo, el juego incluye un elaboradísimo manual de instrucciones in-game. Está dividido en diferentes secciones que cubren desde la historia y los personajes hasta los controles y los jefes, tiene imágenes para ilustrar cada apartado, consejos... Me niego a llamarlo manual digital, porque en lugar de la cutrez habitual, aquí se puede apreciar un mimo y un cariño inmensos.

El único aspecto donde Mina the Hollower no brilla con la misma intensidad es la historia. Es bastante sencilla y predecible, aunque también muy divertida; es capaz de sacarnos unas cuantas carcajadas. Pero si tuviese una mejor historia y un lore más trabajado, hablaríamos de una obra maestra en lugar de un juego buenísimo. Y el potencial está ahí: tiene un elenco de personajes muy variopinto y memorable, algunos tan carismáticos como desternillantes. Curiosamente, el final de la historia me ha gustado mucho, precisamente, por no ser el típico de esta clase de juegos.

En cuanto al apartado audiovisual, Mina the Hollower vuelve a apostar por el estilo retro en ambos frentes. Pero que su estética de juego de Game Boy no os engañe: aquí hay un trabajo enorme, como demuestran chulísimos detalles visuales como la iluminación, los reflejos de los charcos, las transparencias, las trabajadas animaciones de los colosales jefes o el espectacular efecto de rotación durante las fases de ascenso a los generadores.

Es sin duda un juego que entra fácilmente por los ojos... y por los oídos, pues sus melodías chiptune son todas maravillosas y vais a seguir tarareándolas incluso después de dejar de jugar.

¿Es difícil Mina the Hollower?

Y si es un juego retro en todos los aspectos, la dificultad no podía ser menos: Mina the Hollower es bastante difícil y se muere muy a menudo. Yo, desde luego, he muerto más de 60 veces y me he cagado en todo otras tantas.

Debido a cómo están pensadas algunas de sus mecánicas, como el plasma para recuperar vida o las chispas que dejamos cuando caemos, al principio puede parecer un poco injusto. Además, está diseñado como los juegos de antaño: exige precisión pixel perfect y no hay i-frames al esquivar.

Pero Mina the Hollower nos da las herramientas para que podamos facilitar las cosas y salir airosos de todas las situaciones. Si algo se nos hace muy cuesta arriba, podemos acumular huesos para mejorar el ataque, la defensa o el daño que hacen las subarmas, así como descubrir poderosas combinaciones de abalorios.

Al final te acabas acostumbrando a su elevado nivel de desafío, de hecho he llegado a echar en falta algo más de dificultad en algunos jefes. Y si no nos convence, los modificadores nos permiten alterar distintos aspectos para moldear la dificultad a nuestro gusto, haciendo que sea un paseo por el parque... o el infierno sobre la tierra.

¿Cuántas horas dura la historia de Mina the Hollower?

En mi caso, he tardado 31 horas en llegar a los créditos de Mina the Hollower con un 95% de juego completado. En otras palabras: he explorado cada rincón y hecho todo el contenido secundario que he podido.

Una vez superada la aventura se desbloquea el modo nueva partida+, en el que se conservan la mayoría de objetos y mejoras y se incrementa la dificultad, entre otros cambios. Hay un total de siete ciclos de partidas+, y cada uno hace cambios en la progresión y la dificultad para que la experiencia no sea exactamente igual.

Y, de nuevo, no podemos olvidarnos de los modificadores. Con ellos, las posibilidades son prácticamente infinitas y cada partida puede ser diferente.

Precio y plataformas disponibles

Mina the Hollower se lanza el 29 de mayo para PS5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch, Nintendo Switch 2 y PC a un precio recomendado de 19,99€... lo que podríamos empezar a denominar como "marcarse un Silksong".

Porque ofrecer semejante cantidad de contenido de calidad a ese precio no se diferencia demasiado de presentarse en las oficinas de Yacht Club Games y atracarlos a punta de pistola.

Por el momento se trata de un lanzamiento sólo en digital, pero el estudio ya ha confirmado que planean lanzar Mina the Hollower en formato físico en un futuro.

Una "mina" de oro

Por si no ha quedado ya suficientemente claro, lo digo directamente: Mina the Hollower es un juegarral de mucho cuidado, pasa directamente a ser un nuevo clásico de la escena independiente y es uno de los imprescindibles de 2026.

Es de esos juegos que, cuando llegan a tu vida, la ocupan por completo y no puedes parar hasta exprimirlo al máximo. En mi caso ha sido exactamente así y reconozco que hacía ya un tiempo que un juego no me atrapaba de semejante manera.

Pero cómo no va a enamorar cuando tiene tantas buenas ideas, mecánicas diferentes cada dos por tres, un diseño exquisito, toneladas de secretos... Y cada paso es una prueba fehaciente de que sus creadores se han dejado el alma y han puesto un cariño que ya no es habitual en la industria.

Decían en Yacht Club Games que para ellos Mina es un todo o nada: si no vende bien, el estudio se va a pique. Y, honestamente, con esa calidad y ese precio de lanzamiento... yo también. Si este juego no triunfa y vende millones, perderé por completo la fe en la humanidad.

Así que, por favor os lo pido, no hagáis que pierda la fe.

Recordemos que en 2024 lanzaron Mea Culpa, el DLC que marcaba el regreso de la icónica espada de Penitente. Pero, si habéis completado este contenido descargable, ya sabéis que había ciertas cosas que quedaron en el aire... y fuera de su prisión de cristal.

Y pese a que no hay confirmación oficial, durante los últimos meses The Game Kitchen ha soltado varias pistas que dejan claro que algo nuevo y relacionado con Blasphemous 2 está en camino.

Vamos a repasar las tres pistas que han desvelado hasta el momento y por qué algunos fans creen que podría tratarse de un pequeño homenaje a la saga Castlevania.

Blasphemous 2 podría recibir un segundo DLC con homenaje a la saga Castlevania

La primera pista data de hace unos meses, cuando, de la nada, aparecieron en Steam cinco nuevos y misteriosos logros para Blasphemous 2.

Los logros tienen descripciones enigmáticas que parecen contar una historia (probablemente relacionada con este supuesto nuevo DLC) y actualmente es imposible conseguirlos en el juego.

Pero lo más interesantes es que The Game Kitchen siguió exactamente este modus operandi con Mea Culpa, el primer DLC para Blasphemous 2, publicando una serie de logros como teaser de lo que se avecinaba.

Por si esto no fuese ya suficiente indicio, Enrique Cabeza, director creativo, director de arte y guionista de Blasphemous y Blasphemous 2, también ha caldeado el ambiente publicando dos teasers en sus redes sociales.

El primero el 8 de abril, en el que se puede apreciar una imagen del juego, pero mostrando una zona que no se parece a ninguna zona de Blasphemous 2 (¿es eso el Ángel Caído del Retiro?) y a Penitente con un aspecto diferente, lo que podría indicar que el juego recibirá skins, como lo hizo su predecesor.

El segundo teaser es de hace sólo unos días, y se trata de una imagen de arte conceptual en la que podemos ver a un personaje que comparte la sangre que brota de sus heridas, provocada por unas estacas de color azul, con una figura envuelta en sábanas que se encuentra dentro de un sarcófago de cristal.

Se trata de una imagen completamente nueva, que no ha aparecido en ninguno de los libros de arte publicados hasta la fecha, así que no es descabellado pensar que se trata de otro teaser del DLC de Blasphemous 2.

Pero quizás lo más interesante es que, en la primera imagen, Penitente porta un arma que no se parece a ninguna de las cuatro que actualmente podemos utlizar en Blasphemous 2.

Aunque es difícil discernir de qué se trata exactamente, muchos piensan que es nada más y nada menos que un látigo, y desde luego su forma encaja con la de este tipo de arma. Sería sin duda todo un homenaje a Castlevania, saga que ha servido como inspiración para Blasphemous (y que contará con una nueva entrega este mismo año).

¿Tendremos DLC a lo Castlevania para Blasphemous 2 este mismo año? Por el momento, quedamos a la espera del anuncio oficial o nuevos teasers.

Y muy pronto podremos disfrutar de su nuevo trabajo: The Adventures of Elliot: The Millenium Tales, un título que sigue la línea de sus últimos trabajos, pero apuesta por una jugabilidad que combina acción y aventura con elementos RPG.

Hace unas semanas tuvimos la oportunidad de probarlo (tenéis unas impresiones recién salidas del horno) y hoy se ha publicado por sorpresa una nueva demo que nos permite transferir el progreso al juego final.

Y, además, hemos tenido la oportunidad de entrevistar a Naofumi Matsushita, su productor. Esto fue lo que nos contó.

Entrevistamos a Naofumi Matsushita, productor de The Adventures of Elliot: The Millenium Tales

Hobby Consolas: The Adventures of Elliot nos recuerda a juegos clásicos de sagas como The Legend of Zelda o Ys, ¿podrías contarnos cuáles han sido las principales inspiraciones al diseñarlo?

Naofumi Matsushita: me honra que te recuerde a tales obras maestras. Durante el desarrollo, nos inspiramos en la propia herencia action RPG de Square Enix, como la saga Mana, particularmente la versión para Game Boy de Final Fantasy Adventure.

La saga Mana fue pionera al combinar elementos RPG con combates en tiempo real, consiguiendo un equilibro entre la emoción del gameplay de acción y la narrativa memorable de un RPG. Ese equilibrio se acerca a la idea principal que nos propusimos conseguir con este título.

Construyendo sobre esa idea, añadimos elementos únicos como la belleza visual del estilo HD-2D, que es una especialidad de nuestro equipo, así como una acompañante hada controlable y una historia centrada en los viajes en el tiempo. El resultado es un juego que ofrece una experiencia distintiva construida alrededor del equilibrio entre simplicidad y desafío.

HC: ¿podrías decirnos cuál es la duración estimada de The Adventures of Elliot: The Millenium Tales?

NM: alrededor de 30 y 50 horas. Pero creo que depende del nivel de dificultad que sea desafiante para ti, y de cuánto quieras sumergirte en la exploración y los minijuegos.

HC: ¿podrías explicarnos cómo funcionan las cuatro eras? ¿Si haces algo en el pasado, afecta al resto de eras como en Chrono Trigger?

NM: la Era de la Protección: una época en la que la gene vivía en relativa calma gracias a las bendiciones del hechizo Protector de Heuria. Elliot vive en esta era y dentro de la historia marca el punto de inicio de la narrativa, comúnmente conocido como "la actualidad".

La Era de la Reconstrucción: una época en la que la civilización ha colapsado y la humanidad se encuentra al borde de la extinción. Debido a la desaparición de la magia, la gente vive bajo la amenaza constante de tribus de bestias y luchan a diario para sobrevivir.

La Era de la Magia: el período de la historia de la humanidad en el que la civilización floreció gracias a la magia. Ascensores propulsados por magia y criaturas mágicas son habituales, y la gente disfruta vidas más opulentas y elegantes que durante la Era de la Protección.

La Era del Despertar: una época previa a que la humanidad adquiriese poderes mágicos. Durante esta era, las razas primordiales vivían en pequeños asentamientos, cooperando unos con otros para sobrevivir. También se enfrentaban a amenazas constantes de las tribus de bestias, y la vida era tan dura como modesta.

Asano-san ha trabajado extensivamente en RPGs a lo largo de los años, y siempre ha creído que el pasado juega un papel crucial en la narrativa. A partir de la idea de permitir a los jugadores experimentar el pasado, nació el concepto de una historia que lleva a los jugadores a través de diferentes eras gracias a la Puerta del Tiempo. Como resultado, en lugar de explorar cada rincón del mundo, esta historia se centra en desentrañar la historia de una sola nación dentro de una región específica.

Como he mencionado, la idea principal es permitir a los jugadores experimentar el pasado de primera mano, así que alterar la historia en sí no es el objetivo principal. Imagino que puede haber ciertas expectativas ante una historia de viajes en el tiempo como esta, pero me encantaría que los jugadores pudieran descubrir cómo se desarrolla por ellos mismos a medida que progresen en el juego.

HC: ¿puedes contarnos más de los gatos en The Adventures of Elliot? Dado que además de coleccionarlos es posible alimentarlos, parece que os encantan los gatos (no nos quejamos; a nosotros también).

NM: Asano-san es una persona de gatos, pero el director de desarrollo, Fukebaru-san, y yo somos personas de perros. Dicho esto, queríamos entender la mentalidad de los amantes de los gatos, así que asignamos la función "Coleccionar Gatos" a los miembros del equipo de desarrollo que son amantes de los gatos.

Comparados con los perros, los gatos se funden de manera natural con una gran variedad de entornos, lo que los hace particularmente idóneos para esta función. Espero que los jugadores disfruten encontrando y coleccionándolos todos a través de cada era.

HC: muchos jugadores del Bravely Default original no pueden evitar desconfiar de Faie debido a lo que pasó con Airy. Así que... ¿podemos fiarnos de ella? ¿Qué le dirías a esos jugadores? Además, ¿sería posible reducir la frecuencia de sus comentarios? Algunos piensan que haba demasiado.

NM: yo también soy fan de Bravely Default, y como fui productor de la versión remasterizada en HD, entiendo perfectamente cómo te sientes (ríe). Me encantaría que jugaras y lo vieras todo de primera mano, incluyendo si se puede confiar en Faie.

Además, con respecto a la frecuencia con la que habla Faie, hemos incluido una opción en la versión de preview que permite a los jugadores reducirla. Fue una sugerencia que también recibimos de la demo de anuncio, así que ya la hemos implementado en el juego.

HC: al jugar a The Adventures of Elliot durante el último evento de preview, sentimos que el juego era muy abierto, como si fuese fácil perderse en su mundo (nos parece algo bueno), pero nos preguntamos si será también así en el juego final o si era algo específico de esa versión de prueba.

NM: la versión que preparamos para la preview está diseñada para que los jugadores experimenten una parte del juego completo, así que, en cuanto a contenido, es exactamente igual que la versión final. Me alegra mucho que la hayáis disfrutado.

HC: creemos que el diseño de Elliot es muy carismático, con su sombrero y bufanda rojos. ¿Podrías hablarnos sobre cómo surgió?

NM: dado que el concepto de un aventurero y su hada acompañante ya estaba establecido, diseñamos ambos personajes en paralelo. El diseño de Faie se concretó un poco antes, y cuando nos centramos en el protagonista, partimos de la idea del atuendo que usaría un aventurero y a partir de ahí desarrollamos.

Bravely Default también incluye aventureros, aunque como parte de su sistema de puntos de guardado, lo que nos sirvió de inspiración. Le pedimos a Ikushima-san, el diseñador de personajes, que creara muchas ilustraciones para nosotros. Incluso nos sugirió varios sombreros diferentes para Elliot.

HC: a raíz del feedback que os dieron tras la primera demo, se anunció que The Adventures of Elliot contaría con diferentes niveles de dificultad. ¿Crees que la dificultad más difícil satisfará a los jugadores que busquen un desafío?

NM: incluimos varios niveles de dificultad y, en particular, añadimos un modo fácil para que los jugadores que no se sientan cómodos con los juegos de acción no eviten el título simplemente por su género. En el modo fácil, los precios de compra de objetos también se reducen, lo que debería dejar a los jugadores con algo de dinero extra.

Al luchar contra jefes, incluso si te derrotan, puedes pagarle a Faie para que te reviva al instante y volver a intentarlo tantas veces como quieras, así que creo que ofrece una experiencia cómoda. Cuando te enfrentes a enemigos difíciles, recomiendo llevar bastante dinero contigo.

Por otro lado, para los jugadores que confían en sus habilidades, recomiendo personalmente el modo difícil. En particular, la incorporación del daño por contacto de los enemigos supone un cambio importante respecto al modo normal y los inferiores. Tendrás que prestar mucha atención a tu posicionamiento y luchar manteniendo la distancia con los enemigos, lo que, en mi opinión, te permitirá experimentar plenamente el concepto "sencillo pero desafiante" del juego. ¡Seguro que te resultará muy gratificante! También puedes cambiar la dificultad en los puntos de guardado, así que te animo a ajustarla libremente cuando quieras.

Además, cuando Faie esté disponible en el juego, podrás acceder al modo multijugador local para dos jugadores. Si tienes familiares o amigos cerca, te recomiendo encarecidamente que lo pruebes. Quién sabe, quizás incluso consigas derrotar a los jefes más difíciles sin rendirte si lucháis juntos.

HC: Elliot usa el mismo estilo HD-2D que los juegos de la saga Octopath Traveler, que luce alucinante, pero nos preguntamos si ha habido alguna mejora visual o técnica, sobre todo si tenemos en cuenta que Elliot se lanza para PS5, Xbox Series X|S, PC y Nintendo Switch 2, pero no para Nintendo Switch 1.

NM: el atractivo del estilo visual HD-2D reside en el uso de fondos 3D, que crean una sensación de profundidad en los mapas y entornos, aunque los personajes sean 2D. Uno de los principales retos fue encontrar la manera de combinar esta fortaleza con la jugabilidad de acción 2D.

En los juegos de acción 2D basados en píxeles, la pantalla puede verse fácilmente dominada por el plano terrestre del mapa, lo que dificulta que los jugadores perciban profundidad tridimensional y hace que los gráficos parezcan algo planos. En este título, sobre todo en el mapa principal, adoptamos un enfoque de "redoble de tambores", curvando el mapa hacia el fondo para que el terreno distante sea visible.

Al incorporar técnicas originales para maximizar aún más el rango visible, logramos crear una experiencia que transmite una fuerte sensación de profundidad sin dejar de ser un juego de acción 2D. Esta fue también un área a la que dedicamos una cantidad significativa de tiempo para ajustar cuidadosamente los detalles en estrecha colaboración con el estudio de desarrollo. Creo que este aspecto fue posible gracias al alto rendimiento del hardware de Nintendo Switch 2.

HC: ¿podrías darnos más detalles sobre el modo cooperativo? Sabemos que otro jugador puede controlar a Faie, pero ¿habrá más mecánicas jugables relacionadas con esto?

NM: los roles de Elliot y Faie son los mismos en el modo cooperativo para dos jugadores que en el modo para un jugador. Elliot puede atacar alternando entre dos armas equipadas, a elegir entre siete tipos diferentes, y también puede realizar acciones como defenderse, saltar, nadar y lanzar objetos. Faie, por otro lado, no recibe daño de los enemigos. Además de los ataques normales, puede usar cinco hechizos diferentes, incluyendo Ignición, que prende fuego a los enemigos, y Teletransporte, que teletransporta a Elliot a su ubicación.

En el modo para un jugador, el movimiento de Faie se controla normalmente con el joystick analógico derecho, mientras que los hechizos se lanzan con el botón asignado a la magia. Sin embargo, en el modo para dos jugadores, estas acciones pueden ser controladas libremente por un segundo jugador usando su propio mando, compartiendo así acciones que normalmente realizaría un solo jugador.

Como decía antes, es una opción incluida para quienes tienen familiares o amigos cerca. El juego está diseñado principalmente como una experiencia para un jugador, aunque también permite a los jugadores disfrutar de la aventura juntos localmente.

Y hasta aquí nuestra entrevista a Naofumi Matsushita, productor de The Adventures of Elliot: the Millenium Tales. Os recordamos que el juego se lanza para PS5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch 2 y PC el próximo 18 de junio de 2026.

Y eso hicimos hace unas semanas, gracias a un evento en el que pudimos probar este llamativo action RPG que tanto recuerda a los The Legend of Zelda clásicos y a los juegos de la saga Ys.

Durante aproximadamente hora y media, pudimos jugar a una nueva demostración de The Adventures of Elliot en la que estaban implementadas las mejoras que sus responsables han incluido utilizando como referencia el feedback de los usuarios.

Os contamos todo lo que necesitáis saber y qué nos pareció en estas impresiones de The Adventures of Elliot: The Millenium Tales.

Impresiones de The Adventures of Elliot: The Millenium Tales

The Adventures of Elliot nos pone en el papel del héroe homónimo, quien se embarca en un misión para salvar a la princesa del reino. Una premisa tan clásica como su propuesta jugable, que recuerda en gran medida a los Zelda clásicos gracias a su acción, puzles, perspectiva aérea y acompañante feérica.

Al contrario que en Octopath y los últimos juegos de Team Asano, aquí combatimos en tiempo real contra los enemigos usando diferentes tipos de armas y poderes, bloqueamos ataques con el escudo (parry incluido) y exploramos el mundo con bastante libertad.

De hecho, en esta demostración nos sorprendió bastante lo abierto que estaba el escenario, pudiendo ir a prácticamente cualquier parte del mapa... si averiguábamos cómo, pues había un gran número de localizaciones que nos obligaban a atravesar cavernas y descubrir atajos secretos para alcanzarlas.

Ahora bien, Elliot también es un juego que hace honor al "RPG" dentro de "action RPG" a través de mecánicas como la magicita, cristales que se equipan para modificar los atributos de Elliot y nos permiten personalizar el estilo de juego dependiendo de nuestras preferencias.

Como decíamos, esta demostración ya tenía implementadas una serie de mejoras respecto a la demo original, siendo las más evidentes el aumento de velocidad en el desplazamiento o los nuevos atajos para las armas. Esta última, en particular, hacía que el combate fuese mucho satisfactorio, permitiéndonos equipar diferentes utensilios de una forma más ágil e intuitiva.

En ese sentido, además, pudimos probar varias novedades, como una lanza con un mayor alcance, un hacha para ataques lentos y poderosos o una hoz con cadena para ataques que cubren una gran zona alrededor de Elliot. En total habrá siete armas diferentes.

Explorando el mundo durante esta demostración también pudimos encontrar versiones mejoradas de algunas de las armas. Además de un cambio de aspecto y mayor daño, también añaden la posibilidad de realizar potentes ataques cargados (con un efecto zoom muy molón).

En esta demostración también pudimos probar dos nuevos poderes de Faie, el hada que acompaña a Elliot en sus aventuras. Además de la carrera que ya estaba en la demo original, aquí teníamos una bola de fuego que servía tanto para dañar a los enemigos como para encender ciertas antorchas, así como un teletransporte útil tanto al combatir como al explorar.

Como pasa con las armas, podemos encontrar mejoras para estos poderes. Por ejemplo, el nivel 2 del teletransporte provocaba que Elliot se volviese invisible durante unos segundos justo después de teletransportarse, pudiendo así pillar desprevenidos a los enemigos para hacerles mucha pupa.

Todos estos elementos, combinados, dan lugar a una jugabilidad que es todo un derroche de diversión y variedad. Por ejemplo, la primera mazmorra que recorrimos en esta demostración nos llevaba a resolver puzles conectando haces de luz, todo ello mientras explorábamos diferentes estancias, sorteábamos trampas y derrotábamos enemigos, para finalmente culminar con el enfrentamiento contra un jefe.

Otra de las novedades de esta preview respecto a la demo original era la posibilidad de seleccionar el nivel de dificultad. Estuvimos jugando en la dificultad normal y la verdad es que no tuvimos demasiados problemas para progresar o derrotar al jefe, así que es probable que los jugadores que busquen un desafío deban seleccionar la dificultad difícil desde un principio.

Esta demostración tenía lugar además en la Era de la Reconstrucción, una de las cuatro que visitamos en el juego. Cambiar de era era tan sencillo como acceder al mapa y seleccionar otra. Por ahora no tenemos muy claro cómo funciona este sistema; por ejemplo, no sabemos si los cambios que realicemos en una era pasada pueden afectar a las futuras. Ahora bien, parece que los mapas van a sufrir cambios drásticos entre unas eras y otras, lo que sin duda hará que la exploración sea más emocionante.

Y por supuesto, no podemos irnos sin mencionar el apartado visual, que hace uso del estilo HD-2D que se ha convertido en la seña de identidad de Team Asano. Como de costumbre, se combinan escenarios 3D con personajes y otros elementos 2D, lo que le confiere ese aspecto de clásico modernizado que tanto nos gusta. También hay que destacar el diseño artístico de los diferentes personajes, que es una auténtica pasada y lo podemos apreciar bien durante las conversaciones.

Ahora es cuando normalmente hablaríamos de los puntos negativos, pero la verdad es que The Adventures of Elliot es de esos juegos a los que cuesta encontrarle pegas. Lo único que lamentamos es no haber tenido más tiempo para seguir explorando, pues la hora y media que jugamos se pasó volando. Eso y que sólo pudimos encontrar un gato.

En definitiva, si ya le teníamos ganas a The Adventures of Elliot: The Millenium Tales, ahora creemos que tiene potencial para convertirse en un juego muy especial, sobre todo si os gustan los títulos de acción y aventura con estilo clásico. Su combinación de combates, puzles y gráficos HD-2D funciona como un reloj suizo y no podemos esperar para volver a echarle el guante. Elliot llegará a PS5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch 2 y PC el próximo 18 de junio.

Si habéis prestado atención a los tráileres e imágenes que han ido publicando, seguro que ya lo sospechabais. Aun así, yo no podía evitar sentir cierta reticencia porque... vale, los juegos de LEGO están muy bien y siempre son auténticas fantasías en cuanto a referencias y contenido, pero no dejan de ser juegos para niños.

Y no os voy a mentir: LEGO Batman: El Legado del Caballero Oscuro también es un juego para niños. Sin embargo, es el LEGO en el que más se nota que sus responsables también han pensado en los fans adultos... y, más concretamente, en los fans de la saga Arkham.

El análisis de LEGO Batman: El Legado del caballero Oscuro para PS5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch 2 y PC de Hobby Consolas:

• El gameplay de LEGO Batman: El Legado del caballero Oscuro
• Nivel de dificultad de LEGO Batman: El Legado del caballero Oscuro
• ¿Cuántas horas de juego dura LEGO Batman: El Legado del caballero Oscuro?
• Cuánto cuesta LEGO Batman: El Legado del caballero Oscuro y dónde puedes jugarlo
• La opinión de Hobby Consolas de LEGO Batman: El Legado del caballero Oscuro
• Nota: lo mejor y lo peor de LEGO Batman: El Legado del caballero Oscuro

Jugabilidad y gameplay de LEGO Batman: El Legado del caballero Oscuro

LEGO Batman: El Legado del Caballero Oscuro nos pone en el papel de Bruce Wayne el multimillonario que... no, tranquilos que no os voy a contar quién es Batman porque eso ya lo sabéis.

La historia del juego, sin embargo, hace un repaso a toda la trayectoria del Caballero Oscuro utilizando como base sus películas: desde las más clásicas, como Batman (la de 1989) y Batman Returns, hasta algunas de las más vilipendiadas, como Batman Forever y Batman y Robin.

Por supuesto, la trilogía de Nolan también tiene un gran protagonismo, así como The Batman, su aparición más reciente en la pantalla grande.

De esta manera, seguimos el viaje del joven Bruce desde que acompañó a sus padres aquel fatídico día en el Callejón del Crimen, hasta convertirse en el cruzado enmascarado de Gotham y formar su propia Bat-familia.

Ahora bien, el juego no es una recreación exacta ni pretende serlo: asistimos y participamos en algunos de los momentos más icónicos de las películas, pero en muchos casos se entremezclan unos con otros y todo está bañado siempre por el característico humor LEGO.

Es un sentido del humor para niños, de ahí que a veces se pase de tontorrón, pero muchas otras es capaz de arrancarnos una buena carcajada. El hecho de ser un juego para niños también implica que las partes más crudas (concretamente: las muertes) se han suavizado bastante, pero me ha sorprendido que se hayan mantenido ciertos "interrogatorios"... al estilo LEGO, claro.

Y la cosa no va sólo de películas: el juego también tiene partes dedicadas a la magnífica serie animada de televisión y, por supuesto, a la saga Arkham. Es más, la sección Arkham me parece de lo mejor de todo el juego.

En otras palabras: estamos ante un título que celebra el legado del Caballero Oscuro acudiendo a todos los materiales posibles. Porque basta una mirada a cualquier parte de Gotham para encontrar alguna referencia a villanos, acontecimientos, cómics o cualquier clase de easter egg que sólo los más bat-fans van a reconocer.

Puestos a pedir, lo único que he echado un poco en falta para cubrir el cupo de momentos icónicos de Batman, ha sido algún nivel centrado en La Broma Asesina y el arco de Capucha Roja. Y también que como es un juego que picotea de todas partes, de algunas te quedas con ganas de más. Desde luego, no me habría importado ver más niveles dedicados a la película de El Caballero Oscuro o a la saga Arkham.

Y precisamente la saga Arkham ha sido la principal influencia para la jugabilidad de LEGO Batman: El Legado del Caballero Oscuro. Si habéis jugado a cualquiera de los títulos de Rocksteady, en seguida lo vais a ver: el sistema de combate con contraataques y derribos, las secciones de depredador (infiltración) columpiándonos por las alturas, la exploración de la ciudad ya sea planeando o a bordo del Batmóvil, el modo detective, los gadgets... Se respira Arkham en cada pieza de este LEGO Batman.

Es más, fue toda una sorpresa descubrir en los créditos que Rocksteady ha colaborado en el desarrollo de este juego. No sé hasta qué punto, pero desde luego eso explica muchas cosas.

Lógicamente, todo está simplificado para hacerlo más sencillo y accesible para niños, así que tampoco esperéis el mismo nivel de profundidad. Por poner un ejemplo, el sigilo es completamente opcional; si te pillan, aquí no pasa nada porque te puedes liar a tortas y ya está.

Ahora bien, dentro de lo que son los juegos de LEGO, este me parece con bastante diferencia el que más huye de esa simpleza que a menudo los caracteriza. Luego hablaremos sobre el tema de la dificultad, donde encontramos novedades, pero para que os hagáis una idea, en los combates se combinan diferentes tipos de enemigos que requieren estrategias diferentes (como en los Arkham), hay árboles de habilidades con los que desbloqueamos nuevas acciones de combate, sigilo y exploración (como en los Arkham) y podemos mejorar los gadgets para que ganen nuevos efectos (como en los Arkham).

Eso sí, como el juego sigue el viaje de Batman desde sus inicios, las habilidades clave se consiguen de manera gradual. Esto tiene un efecto negativo sobre las primeras horas y los primeros niveles, donde peca de ser excesivamente simple y puede generar una impresión errónea. Porque pasadas unas horas y conseguidas las habilidades más icónicas de Batman, el juego gana enteros.

Además de todo esto y, como es habitual en todos los juegos de LEGO, aquí no manejamos únicamente a Batman, sino que a o largo de la aventura vamos desbloqueando a nuevos bat-aliados.

Y pasa algo muy curioso: al haberse centrado tanto en Batman y su mito, el número de personajes se ha reducido bastante si lo comparamos con los anteriores LEGO Batman o con otros juegos como LEGO Avengers o LEGO Star Wars. Y sin embargo... es un acierto.

Porque mientras que en esos juegos los personajes se dividían en "clases" entre las que realmente no existían demasiados cambios jugables, aquí los personajes tienen diferencias muy marcadas. Todos tienen dos gadgets únicos, útiles tanto al explorar como al combatir y cuentan con su propio árbol de habilidades, así como con una serie de acciones específicas para resolver los rompecabezas que plantea el juego.

Entiendo que haya gente para la que esto pueda suponer un paso atrás, pues venimos de juegos en los que podíamos controlar a toda la galería de héroes y villanos de DC, pero creo que haber reducido el número de personajes para enriquecerlos a nivel jugable ha sido una gran idea.

Porque el resultado es una jugabilidad muy entretenida. Siempre estamos haciendo cosas diferentes y utilizando distintos tipos de mecánicas, por sencillas que sean. Y mola mucho la manera en que debemos combinar las habilidades de varios personajes para superar ciertos puzles o combates contra jefe

En cuanto a la estructura, LEGO Batman: El Legado del Caballero Oscuro apuesta por niveles clásicos para recrear los momentos más recordados de las películas y un mundo abierto para que podamos fliparnos explorando Gotham.

Los niveles siguen la fórmula habitual de anteriores LEGO, de manera que son fases lineales a través de las que progresamos superando combates y resolviendo rompecabezas que muchas veces requieren usar piezas de LEGO para salir de un apuro. Por supuesto, también esconden unos cuantos coleccionables, e irónicamente, debido al modo detective, conseguir el 100% en cada nivel es más fácil que en la mayoría de juegos LEGO.

La ciudad de Gotham, por su parte, está dividida en diferentes distritos, cada uno compuesto por calles, edificios y otros lugares sacados del bat-lore. Pero se trata de un mundo abierto en todos los sentidos, que podemos recorrer tanto usando diferentes vehículos, como el gancho y el planeo con capa al más puro estilo Arkham.

No es la primera vez que un LEGO apuesta por un mundo abierto, pero sí es la primera que se siente como un mundo abierto real, en lugar de como un escenario adaptado a las necesidades de las piezas. Hasta el punto de que es muy divertido moverse por la ciudad; me he sorprendido a mí mismo evitando el viaje rápido para poder recorrer las calles con el Batmóvil a toda velocidad o buscando crímenes mientras sobrevolaba los rascacielos... como en un Arkham.

En cuanto al apartado visual, se puede apreciar una mejora respecto a los anteriores trabajos de Traveller's Tales: la calidad de los modelos, la iluminación, los efectos de la lluvia, el número de piezas en pantalla...

Lógicamente, hablamos de un juego de LEGO, así que tampoco es el título más puntero de la generación, pero eso no quita que se vea muy bien. En particular, hay que destacar la fantástica recreación de Gotham, con su noche perpetua y sus luces de neón. De nuevo, es difícil no ver la influencia de los Arkham, pues esta Gotham recuerda especialmente a la de Arkham Knight.

La banda sonora está compuesta tanto por temas originales como por las emblemáticas melodías de las diferentes películas y series de televisión. La única y notable ausencia es el tema principal de la trilogía de Nolan, que imagino que no está por algún lío de derechos y licencias. Es una lástima, porque si esos niveles ya de por sí son de lo mejorcito del juego, la banda sonora de Hans Zimmer los habría hecho el doble de épicos.

Con el doblaje al castellano tengo sentimientos encontrados. Vaya por delante que es un doblaje muy bueno hecho por auténticos profesionales del sector, pero creo que la elección de voces para algunos de los personajes principales no ha sido del todo acertada.

Lo que más choca desde el principio es que se haya prescindido de Claudio Serrano, quien se había convertido en la voz habitual del Caballero Oscuro. En su lugar, escuchamos a Manuel Gimeno, la voz de Robert Pattinson en español, así que os podéis hacer una idea de a qué se debe el cambio. Y ojo que hace un trabajo fenomenal y te acabas acostumbrando, pero es llamativo que no sean ni una ni dos, sino varias las voces que no encajan con los personajes... al menos, de primeras.

¿Es difícil LEGO Batman: El Legado del Caballero Oscuro?

Como decía hace varios párrafos, hay una novedad importante en lo relativo a la dificultad, pues LEGO Batman: El Legado del Caballero Oscuro es el primer LEGO que cuenta con distintos niveles de dificultad, tres para ser más exactos: clásica, cruzado enmascarado y caballero oscuro.

Yo he jugado en todo momento en esta última, que sería el equivalente al modo difícil, en el que contamos con vidas limitadas, mayor presencia de enemigos y mayor frecuencia de aparición de enemigos de tipo avanzado.

Y ya os aviso que aun en esta dificultad sigue sin ser un juego difícil y os lo vais a pasar sin morir y sin demasiados problemas, pero se agradece mucho ese extra de desafío que anima a sacar partido de las mecánicas que incorpora el juego, algo que no se puede decir de los anteriores LEGO (te estoy mirando a ti, La Saga Skywalker).

Y, de nuevo, es un detalle que demuestra que sus responsables no sólo han pensando en el público infantil al diseñar esta entrega.

¿Cuántas horas dura la historia de LEGO Batman: El Legado del Caballero Oscuro?

En mi caso, superar la historia de LEGO Batman: El Legado del Caballero Oscuro me ha llevado 17 horas y 20 minutos con un 57,91% de juego completado. He dedicado unas cuantas horas a explorar el mundo abierto y realizar actividades opcionales, pero eso no quita que la historia principal sea relativamente larga, al menos para esta clase de juegos.

Y por supuesto hay contenido opcional para aburrir: además de los coleccionables de los niveles principales, la ciudad de Gotham está llena de actividades diferentes: acertijos de enigma, animales extraviados, desafíos de combate, carreras contra el crono a bordo del Batmóvil...

Lo mejor de todo es que muchas de estas actividades y coleccionables nos invitan a utilizar a todos los personajes para resolver ingeniosos rompecabezas.

Por si eso fuera poco, LEGO Batman: El Legado del Caballero Oscuro también nos permite personalizar la Batcueva con los trofeos que vamos obteniendo, así como admirar la colección de trajes y vehículos desbloqueados, que por cierto hay muchísimos (especialmente trajes) y además podemos alterar su color.

Y para rematar, tampoco podemos desdeñar el hecho de que toda la aventura se puede completar en compañía de un segundo jugador en cooperativo local.

Quizás, si lo comparamos con otros títulos de LEGO, y nos centramos en lo necesario para alcanzar el 100% de juego, El Legado del Caballero Oscuro sea algo más corto. Pero, como contrapartida, la forma en que está estructurado hace que conseguir ese 100% sea más apetecible y mucho menos tedioso. Personalmente, lo prefiero así.

Precio y plataformas disponibles

LEGO Batman: El Legado del Caballero Oscuro se lanza el 22 de mayo de 2026 para PS5, Xbox Series X|S y PC a un precio recomendado de 69,99€. A Nintendo Switch 2 llegará más tarde, en una fecha todavía por determinar.

El juego está disponible tanto en forma físico como digital y, en ambos casos, se distribuyen dos ediciones: Estándar y Deluxe. Esta última incluye el juego, el pack de la Trilogía de Arkham, el pack de Batman del Futuro, el pack Música de Fiesta, la Colección Caótica y acceso anticipado de 3 días por un precio de 89,99€.

Batman: Arkham en miniatura

Siempre me pasa lo mismo con los juegos de LEGO: los cojo con muchas ganas y los disfruto hasta terminarlos, pero cuando estoy jugando me doy cuenta de que probablemente ya estoy mayor para esta clase de juegos. Porque son muy básicos, son fáciles y, en definitiva, son para niños. Por eso, incluso aunque sean una fantasía en cuanto a personajes, localizaciones y contenido, nunca terminan de satisfacerme del todo.

Al menos... hasta ahora. Porque LEGO Batman: El Legado del Caballero Oscuro sí que ha logrado llenarme. No sólo por ser una celebración de todo lo que tiene que ver con el Caballero Oscuro, por su fantástica recreación de Gotham o por sus múltiples mejoras jugables inspiradas en la saga Arkham, sino sobre todo por ser el juego en el que Traveller's Tales ha ido más allá de la simpleza habitual de estos títulos... hasta donde las piezas se lo han permitido.

Porque ser un juego de LEGO es al mismo tiempo una ventaja y una desventaja: tienen el sentido humor y la libertad para hacer lo que les dé la gana sin que ningún fan se lleve las manos a la cabeza por saltarse el canon, pero al mismo tiempo están muy restringidos en todos los frentes. En este juego, puedes sentir claramente que los devs querían hacer un nuevo Arkham, pero en muchos aspectos se han tenido que contener para no pasarse de complejos.

Y aun con esas restricciones, han conseguido hacer un juego fantástico. Porque cuando estás sobrevolando la ciudad, escuchas la radio de la policía avisando de que se está cometiendo un delito y caes a toda velocidad en mitad de un grupo de criminales, que salen despedidos debido a la fuerza del impacto y el miedo que tu simple presencia les provoca, lo único que puedes pensar es: "soy el p*to Batman".

La primera temporada no fue especialmente bien recibida ni por la crítica ni por el público, aunque eso no impidió que tuviese un efecto muy positivo sobre los juegos, disparando las ventas de Devil May Cry 5 (que ya supera los 10 millones de unidades vendidas).

Así que no es de extrañar que Capcom haya dado luz verde a esta temporada 2 de Devil May Cry (y probablemente a alguna más...). Ahora bien, ¿han corregido los problemas de la primera o sigue siendo un atentado contra los personajes y la historia de los juego?

Vamos a descubrirlo... aunque probablemente ya os imagináis la respuesta por el titular.

Crítica de Devil May Cry: Temporada 2, la serie de Netflix basada en el juego de Capcom

Esta temporada retoma la acción justo donde lo dejó la primera, con Dante congelado y los humanos iniciando un asalto contra el reino demoníaco de Makai.

Sin embargo y, como ya adelantaba el final de la primera temporada, Vergil, el hermano gemelo de Dante que se creía muerto, entra en escena para animar las cosas. De esta manera y, como sucede en los juegos, el conflicto entre los hermanos y su pasado copa un gran protagonismo esta segunda temporada.

Pero no es lo único, pues el número 2 no hace únicamente referencia a que se trate de la segunda temporada de la serie: se han recuperado bastantes elementos de Devil May Cry 2, como el villano, Arius, y la trama para encontrar las Arcana y revivir al demonio Argosax.

Ahora bien, si conocéis los juegos, es probable que esto ya os huela a chamusquina, pues Devil May Cry 2 es infamemente conocido por ser una secuela que no estuvo a la altura de su predecesor; se lo considera el peor juego de la saga con mucha diferencia.

Cualquiera con dos dedos de frente habría preferido adaptar cualquier otra cosa... pero estamos hablando de Adi Shankar, quien ya demostró una prepotencia y una falta de respeto total por la historia de los juegos, así que en esta segunda temporada ha vuelto a hacer, simple y llanamente, lo que le ha dado la gana.

De nuevo, tenemos a personajes clave como Dante, Lady o Vergil que están desdibujados y no son ni una sombra de lo que vemos en los juegos. Eso en el mejor de los casos, porque en el peor nos encontramos con que no han entendido en absoluto su personalidad y forma de actuar.

También vuelven personajes originales como el comandante de DARKCOM, Blaines (que tristemente ya no interpreta Kevin Conroy), así como otros nuevos, como la pequeña Matilda, pero su presencia aporta poco o nada, con escenas que llegan a dar vergüenza ajena y parecen más bien un capricho de los guionistas.

En general, todo lo que tiene que ver con la trama y los personajes está más bien al nivel de un fanfic que de una serie hecha por guionistas profesionales.

El fanservice está fatalmente implementado, y sólo sirve para generar la impresión de que su responsable ha descubierto Devil May Cry a través de los memes en lugar de jugando a los videojuegos. Una buena prueba de ello es la implementación de las melodías licenciadas, de las que abusa de forma indiscriminada, como si pensase que por colar una canción de Evanescence va a conseguir arreglar todo lo demás.

El caso más sangrante son las innecesarias dosis de romance, que demuestran (una vez más) que Shankar no entiende ni un poco los personajes que tiene entre manos.

Además, sigue siendo incomprensible que una serie basada en un juego de origen japonés y ambientación gótica se esfuerce por americanizarlo todo; con eso, además de perder su identidad, lo único que consiguen es que Dante parezca un superhéroe de Marvel (chistes incluidos) en lugar de un cazademonios.

Al menos, en esta temporada se quitan de encima la trama política... tras varios episodios. Vaya por delante que no me molesta que se traten esta clase de temas, pues, de hacerlo bien, pueden enriquecer la obra. Pero tanto en la primera temporada como aquí, asistimos a una crítica muy burda, que se siente más como una declaración de rebeldía pueril que como una auténtica crítica hacia los Estados Unidos.

Lo mismo se puede decir de los villanos, pues de nuevo se les intenta dar un trasfondo para que sintamos pena por ellos (y por supuesto fracasan estrepitosamente en el intento).

Lo único que salva de la quema a esta segunda temporada de Devil May Cry es la animación, que por lo general es decente y nos deja con algunas peleas bastante espectaculares, aunque vuelve a abusar del 3D cuando aparecen en pantalla demonios.

Eso y que una vez aceptas que esto no tiene nada que ver con los juegos y apagas el cerebro por completo, se convierte en el clásico entretenimiento que te salva una tarde de aburrimiento pero del que no recordarás nada en dos meses.

Y oye, si sirve para que más gente conozca los juegos y Capcom se anime a hacer Devil May Cry 6... me doy con un canto en los dientes.

Por si no os habéis enterado de lo que ha pasado (cuánto os envidio), os lo resumo rápidamente: Mixtape es un juego profundamente narrativo, tiene una jugabilidad que no entraña ningún tipo de desafío y se puede completar en unas tres horas. Pero, para un gran número de usuarios, ninguno de esos elementos encaja con las excelentes valoraciones que ha recibido por parte de la prensa especializada.

Todo esto ha degenerado en la ya desgraciadamente habitual espiral de odio en Redes Sociales, donde estos últimos días se han podido ver muchas publicaciones criticando (de forma despectiva) sus mecánicas jugables o incluso a la editora, Annapurna Interactive.

Curiosamente, el caso de Mixtape ha servido para destapar algo que ya sospechaba desde hace mucho tiempo: todas estas cuentas que viven de vomitar odio (y que están ahí siempre que hay alguna polémica) pertenecen a gente que jugar... juega más bien poco.

Mixtape es el perfecto detector de turistas de los videojuegos

Esto es lo que coloquialmente se conoce como turista: alguien que va de entendido sobre un tema, pero cuyos conocimientos son en realidad muy escasos.

Con Mixtape esto ha sido especialmente evidente, pues una de las críticas más habituales por parte de estas cuentas de "odiadores" profesionales va dirigida hacia su jugabilidad, compuesta por una serie de secciones diferentes: en algunas hay que patinar esquivando coches, en otras basta con correr y en otras... asistimos a un "duelo" de lenguas.

Pese a sus diferentes mecánicas jugables, todas estas secciones tienen algo en común: no ofrecen ningún tipo de desafío; es más, en algunos casos, si fallamos, el juego rebobina automáticamente para que podamos seguir con la partida como si no hubiese pasado nada.

Esto, que tanto molesta, no es nuevo ni muchísimo menos: The Walking Dead, Life is Strange, Firewatch, To the Moon, The Stanley Parable, Immortality... La lista de títulos en los que la jugabilidad se hace a un lado para profundizar en la faceta narrativa es inmensa y eso no ha impedido que hayan sido muy bien valorados. What Remains of Edith Finch está considerado uno de los mejores juegos independientes de la historia, se ha llevado incontables premios... y su jugabilidad consiste principalmente en andar.

Pero no lo saben porque no lo han jugado, igual que tampoco han jugado a Mixtape. Estos turistas no han prestado atención a la industria del videojuego durante los últimos diez años.

Y ni siquiera hace falta irse tan lejos, pues también están diciendo que el juego ha salido de la nada, buscando conspiraciones y culpables en Annapurna y sus anteriores proyectos... cuando Mixtape ha estado presente en algunos de los eventos de videojuegos más importantes, como el Xbox Games Showcase 2024 o el Summer Game Fest 2025. Y lo mismo se puede decir del estudio responsable, Beethoven & Dinosaur, que no ha salido de la nada precisamente: en 2021 nos regalaron The Artful Escape, otro juego que también tuvo críticas excelentes. Pero no lo saben... porque son unos turistas.

El colmo de todo esto ha sido ver que los autodenominados "anti-woke", que casualmente suelen ser sospechosos habituales en esto del turisteo, se han inventado cosas como que Mixtape es un juego con contenido LGTBI+... cuando está protagonizado por tres adolescentes heterosexuales (lo de que la gente no sepa qué son las etiquetas de Steam, lo dejamos para otro día).

Lo más triste es que todos estos discursos de odio están provocando que cualquier tipo de discusión o crítica con sentido muera a los pocos segundos. Porque por supuesto que Mixtape no es un juego perfecto y no pasa nada por señalar sus aspectos negativos... como el hecho de que sea una oda a los 90 que representa de una forma bastante mejorable los 90.

Al final, el problema es el mismo de siempre: hay un ego y una inmadurez desmesuradas en esta industria. Hay gente (demasiada) que cree que los videojuegos giran a su alrededor. Y hay gente (demasiada) incapaz de entender que a alguien le puede gustar algo que ellos detestan. Y viceversa.

Eso y las redes sociales, especialmente Twiter, donde los discursos de odio de todo tipo corren como la pólvora y sólo sirven para alimentar discusiones sin fundamento alguno cuyo único objetivo es generar interacciones que den de comer a estos turistas.

Como dijo un buen tipo: "estoy cansado, jefe".

Uno de esos proyectos es por supuesto la secuela de Lies of P, que tiene al estudio completamente centrado en su desarrollo. Pero la cosa no acaba ahí, pues también están trabajando en un survival horror de ciencia ficción, un juego de rol narrativo y otro soulslike.

Pero no todo son buenas noticias, pues una oferta de trabajo publicada recientemente en la página oficial de Neowiz, la editora de Lies of P, ha generado preocupación entre los jugadores.

Según mencionan en dicha oferta, está buscando a un "Creador de IA" que se encargue, entre otras cosas, de generar arte conceptual usando herramientas de inteligencia artificial.

Round8 está buscando a un "Creador de IA" para sus próximos juegos

"Como organización artística colaborativa, buscamos expertos que aprovechen la tecnología de IA generativa para maximizar la eficiencia del proceso de producción artística e innovar la calidad visual de los juegos. Buscamos compañeros valiosos que combinen la creatividad de los artistas con la productividad de la IA para construir el flujo de trabajo artístico único e inigualable de Round8 Studio" se puede leer en la oferta de trabajo.

¿Qué supone esto? Pues que la persona encargada tendrá como responsabilidad crear arte conceptual usando herramientas de IA generativa como Stable Diffusion o Midjourney, integrar herramientas de IA en los flujos de trabajo artísticos existentes para reducir el tiempo de producción o identificar las últimas tendencias en IA generativa, entre otras cosas.

Lógicamente, las reacciones de los jugadores no se han hecho esperar; muchos se han mostrado muy decepcionados con el estudio, llegando a afirmar que no les apoyarán en sus próximos proyectos.

Algunos también han señalado la ironía de que la historia de Lies of P trate sobre una marioneta que encuentra su identidad a través de experiencias humanas.

¿Quizás la reacción de los jugadores les haga cambiar de idea como sucedió hace unos meses con el nuevo Divinity y las declaraciones del CEO de Larian? Por el momento, ni Round8 ni Neowiz se han hecho eco ni hna publicado declaraciones al respecto, y la oferta sigue publicada en la página.

Más concretamente sobre el personaje de Jackie y, más concretamente todavía, un detalle que hace que su arco argumental sea más triste, si cabe.

Seguramente muchos ya lo conocéis, pues no es nuevo en absoluto, y ya estáis calentando los dedos para publicar un comentario diciendo "a buenas horas te enteras".

Pero me ha parecido un detalle tan increíble y tan fácil de pasar por alto, que creo que merece la pena que más gente lo sepa. Además, hay un bug que impide que funcione, así que también existe la posibilidad de que os lo hayáis perdido por completo.

Por eso y porque me estoy replanteando echar otra partida sólo para escucharlo.

Hay un detalle en Cyberpunk 2077 que es muy fácil pasar por alto y que hace que la historia de Jackie sea (aún) más triste

Si habéis jugado a Cyberpunk 2077, ya sabréis que Jackie muere durante las primeras horas de partida. A estas alturas es difícil considerarlo spoiler, pues el juego de CD Projekt va camino de cumplir seis años a la venta (algo menos en Nintendo Switch 2)... y el propio estudio reveló su destino en uno de los tráileres que publicaron antes del lanzamiento.

Pese al poco tiempo que V y Jackie pasan juntos (al menos desde nuestra perspectiva), el merc nacido y criado en Heywood deja una huella imborrable gracias a su carácter bonachón. Incluso es posible asistir a un emotivo entierro que sirve como cierre para su personaje (si elegimos enviarle el cuerpo a su madre).

O al menos eso es lo que creía, pues resulta que Jackie no abandona la mente de V en ningún momento. Después de su muerte y, en distintos puntos del juego, es posible llamar a su número de teléfono.

Lógicamente no obtenemos respuesta, pero V decide dejarle mensajes de voz a su amigo poniéndole al día sobre los últimos acontecimientos de su vida.

En total hay cinco mensajes opcionales, todos ellos tras puntos clave de la aventura (tras conocer a Takemura o tras el mentado funeral).

La última llamada tiene lugar justo antes de Nocturno Op. 55 Nº 1, la última misión principal de la historia, y es probablemente la más desgarradora y la que mejor demuestra lo mucho que Jackie significaba para V.

Si no queréis empezar otra partida o habéis sufrido el bug que impide escuchar estos mensajes de voz, podéis ver los cinco en este vídeo.

¿Conocíais este detalle de Cyberpunk 2077? Yo no, desde luego, y ha hecho que aprecie aún más a este chum.

Tanto el primer Dishonored (lanzado originalmente en 2012 para PS3, Xbox 360 y PC) como su secuela fueron muy celebrados en su momento, siendo ambos considerados como algunos de los mejores juegos jamás realizados (ambos ostentan una nota media de 88 en Metacritic), especialmente entre los seguidores de los immersive sim. Si queréis saber lo que dijimos de ellos, echadle un vistazo a nuestros análisis de Dishonored y Dishonored 2.

Y pese a que no parece que la saga tenga previsto regresar de ninguna manera, estos días ha experimentado un repunte de popularidad en distintas Redes Sociales que ha llevado a muchos jugadores (nosotros incluidos) a clamar por Dishonored 3.

¿Cómo han conseguido Corvo y Emily, dos sigilosos asesinos con poderes sobrenaturales, volver a hacer ruido después de tanto tiempo?

La saga Dishonored experimenta un repunte de popularidad y los jugadores piden Dishonored 3

Lo cierto es que todo esto se debe a una imagen, publicada por el usuario de Twitter @itsmebelb hace dos días, el pasado 26 de abril.

Se trata de una "simple" captura del primer Dishonored en la que se pueden apreciar los muelles de Dunwall bajo la luz de la luna, junto a la frase: «este juego tiene tanto estilo, tío».

Pero el mundo de las Redes Sociales y sus algoritmos son inescrutables, así que la imagen no ha tardado en volverse viral y generar toda una ola de amor hacia la saga Dishonored.

Si habéis visitado Twitter estos últimos dos días, seguro que os habéis topado con alguna publicación que destacaba aspectos de ambos juegos, como la enorme libertad que dan los poderes a la hora de afrontar las misiones, su excepcional diseño artístico y de niveles (nunca agradeceremos lo suficiente el trabajo de Viktor Antonov)... o el magistral nivel con viajes en el tiempo de Dishonored 2, por supuesto.

La cosa se ha viralizado hasta tal punto que la cuenta oficial de Arkane Studios ha comentado la publicación con un "gracias por jugar". Raphaël Colantonio, director y co-creador de Dishonored, también ha aprovechado la ocasión para agradecer que se siga jugando a Dishonored a día de hoy.

No cabe duda de que ambos son juegos muy especiales, y buena prueba de ello es el gran cariño que tantísimos jugadores les profesan o el elevado número de mensajes que piden el regreso de la saga con un Dishonored 3.

Lo cierto es que sus creadores han comentado en varias ocasiones que están abiertos a la idea y no pierden la esperanza de poder volver a este apasionante mundo algún día, incluso aunque no entre dentro de sus planes más próximos.

¿Quizás este repunte de popularidad sirva para que los engranajes del regreso de Corvo y Emily se pongan en marcha? Nosotros seguiremos escuchando la canción del ballenero borracho, por si las moscas...

El primero es que se trata de un sucesor espiritual de Star Wars Episodio I Racer, el mítico juego de carreras de vainas lanzado originalmente para Nintendo 64 y PC.

El segundo es que lo desarrolla Fuse Games, un estudio compuesto por antiguos integrantes de Criterion Games, responsables de algunas de las mejores entregas de sagas como Need For Speed y Burnout, lo que garantiza una sensación de velocidad sin igual.

Y el tercero es que Ben Quadinaros está de vuelta y será uno de los corredores del juego. Bromas aparte, estos días se ha filtrado la fecha de lanzamiento de Star Wars Galactic Racer. Os contamos cuándo podréis poneros al volante de los vehículos más rápidos de la galaxia.

Fecha de lanzamiento de Star Wars: Galactic Racer y contenidos de la Edición Deluxe filtrados a través de Steam

La culpa la ha tenido Steam, que a través de la ficha de Star Wars: Galactic Racer ha desvelado que el juego llega a tiendas el próximo 6 de octubre.

Al no haber habido una comunicación oficial por parte de sus responsables, sería fácil pensar que se trata de una fecha errónea... si no fuera porque, además de la fecha, también se les han "escapado" los contenidos de la Edición Deluxe de Star Wars: Galactic Racer, imágenes incluidas.

Todos estos detalles ya han desaparecido de la ficha oficial del juego en Steam, pero gracias a Wario64 podéis verlo a continuación:

Como se puede apreciar en las imágenes, Star Wars Galactic Racer llega a PS5, Xbox Series X|S y PC el 6 de octubre. La Edición Deluxe incluirá tres vehículos exclusivos, un patrón de color deluxe, un banner de jugador deluxe, un libro de arte digital y tres eventos arcade únicos. En formato físico, además, esta Deluxe Edition incluirá un steelbook con funda.

Además, al reservar el juego nos llevamos un patrón de color (distinto según la plataforma para la que reservemos el juego) y un banner de jugador.

Y esa es toda la información que podemos extraer de la metedura de pata de Steam, pues aspectos como el precio de Star Wars Galactic Racer todavía se desconocen. ¿Quizás el anuncio oficial está planeado para un evento próximo... como el rumoreado State of Play? Estaremos atentos.