Después del regreso triunfal de la saga con Ace Combat 7: Skies Unknown en 2019 (la entrega más exitosa hasta la fecha), la compañía japonesa nos propone volver a surcar los cielos y librar intensos combates aéreos en el mundo de Strangereal.

Y aunque el gran atractivo de Ace Combat son los cazas de combate y los enfrentamientos de altos vuelos, la historia vuelve a ser uno de los aspectos más destacados de esta octava entrega, dejándonos con auténticos momentazos que os van a poner los pelos de punta.

Pero si nunca habéis jugado a un Ace Combat, la idea de ponerse a los mandos de un caza puede dar mucho vértigo. Pero con este análisis de Ace Combat 8: Wings of Theve esperamos conseguir que tanto veteranos como -sobre todo- novatos se atrevan a despegar... porque estamos sin ninguna duda ante una de las experiencias más épicas de 2026.

• El argumento y el gameplay de Ace Combat 8: Wings of Theve
• Nivel de dificultad de Ace Combat 8: Wings of Theve
• ¿Cuántas horas de juego dura Ace Combat 8 Wings of Theve?
• Cuánto cuesta Ace Combat 8: Wings of Theve y dónde puedes jugarlo
• La opinión de Hobby Consolas de Ace Combat 8: Wings of Theve
• Nota: lo mejor y lo peor de Ace Combat 8: Wings of Theve

Historia y jugabilidad de Ace Combat 8: Wings of Theve en PS5, Xbox Series X|S y PC

Ace Combat 8: Wings of Theve tiene lugar diez años después de los acontecimientos de la séptima entrega y nos sumerge de lleno en el conflicto entre las naciones de Usea y Sotoa. Nosotros nos ponemos en el papel de un piloto que se ve obligado a ocupar la posición de Rex, el "as" del escuadrón Joker de las fuerzas de Usea, más conocidos como Wings of Theve.

Uno de los temas más interesantes que trata la trama tiene que ver con el poder de las redes sociales y el papel tan importante que pueden jugar en una guerra. Porque ni nuestro personaje ni los otros tres miembros del escuadrón Joker acumulan un gran recuento de bajas en el conflicto. El caso más claro es el de Tasha (la joven de pelo rosa de la que se ha enamorado Internet), una civil muy hábil pilotando aviones pero que nunca ha derribado a un enemigo en combate. Sin embargo, una "campaña" minuciosamente orquestada en RRSS ha aumentado su reputación al nivel de las mayores leyendas, convirtiéndolos en un foco de esperanza para las fuerzas aliadas... y en el mayor rival de los Sotoanos.

Esto plantea situaciones y cuestiones tan interesantes como de rabiosa actualidad, demostrando que la información es poder en la era moderna y hasta qué punto se puede moldear la opinión pública cuando hay alguien que controla el relato. Si sois fans de los trabajos de Hideo Kojima, es muy probable que todo esto os suene (especialmente si habéis jugado a Metal Gear Solid 2). Y lo cierto es que me he acordado en no pocas ocasiones de la saga Metal Gear mientras jugaba a Ace Combat 8: Wings of Theve. Para empezar porque es una historia profundamente militar con ligeros toques de ciencia ficción y un estilo exagerado propio de la animación japonesa, pero también porque se mete en temas políticos, hay personajes que nunca tienes claro de qué bando están, giros de guion que te dejan del revés y también un elemento sobrenatural que sobrevuela constantemente la narrativa.

Y sé lo que estáis pensando: ¿movidas sobrenaturales en mi juego de aviones con un trasfondo inspirado en el mundo real? Pero ya os aviso que sobre el papel puede sonar chocante, pero en la práctica funciona realmente bien. Porque es un elemento que no distrae, pues no está presente de una forma tangible, y aporta un punto de vista trágico y filosófico a todo lo que sucede, dotando a la trama de una sorprendente profundidad. Yo, desde luego, vine a Ace Combat 8 por los combates aéreos y, al final, me he quedado por las interesantes reflexiones sobre la vida que plantea su historia.

Otro aspecto que quiero destacar sobre la historia (y ya termino) son las escenas de vídeo. Por primera vez en la saga Ace Combat, asistimos a los acontecimientos desde una perspectiva en primera persona. Esto se traduce en secuencias de una calidad soberbia en las que tenemos control sobre la cámara y, en momentos puntuales, debemos pulsar el botón indicado para llevar a cabo ciertas acciones. Es una cosa extremadamente sencilla, pero funciona muy bien de cara a sumergirnos en el papel del personaje protagonista.

Y ahora sí, hablemos de los aviones... es decir, de la jugabilidad de Ace Combat 8: Wings of Theve. Si nunca os habéis metido en la saga, la palabra "simulador" puede imponer cierto respeto, pero los Ace Combat se caracterizan por su control estilo arcade (fácil de aprender, pero difícil de dominar), y esta octava entrega no es una excepción.

Como suele ser habitual, hay dos esquemas de control: estándar y experto. Honestamente, os recomiendo que escojáis este último, incluso aunque no hayáis jugado a Ace Combat en vuestra vida. Es un esquema de control con el que es más fácil desorientarse, pero también da mucha más flexibilidad a la hora de controlar los cazas. Y no vais a tardar nada en acostumbraros.

En el resto de aspectos jugables, Ace Combat 8 es un título bastante conservador, un problema que arrastra la saga desde sus inicios. Siendo justos, es muy difícil innovar en este aspecto salvo que les dé por añadir otro tipo de vehículos o fases jugables controlando al piloto a pie, por ejemplo. Y me parece digno de elogio que en los más de 30 años que tiene la saga, sus responsables se hayan mantenido siempre firmes a la idea de hacer un juego de combates aéreos, ni más ni menos. Eso sí, refinando con cada entrega la jugabilidad.

De ahí que sea tan satisfactorio controlar cualquiera de los más de 30 aviones que incluye Ace Combat 8. Y eso, por no hablar de la magnífica sensación de impacto cada vez que un misil da en el blanco. Pura endorfina.

Y aunque la mecánica principal sea siempre librar combates aéreos, Ace Combat 8: Wings of Theve se las apaña para no ser repetitivo en ningún momento. La clave está en las misiones, pues cada una plantea objetivos muy diferentes: localizar aviones de transporte entre una acumulación de nubes, derribar un gigantesco acorazado terrestre en mitad de una ciudad, encontrar a los barcos espía ocultos entre una flota de navíos, volar bajo para evitar los radares enemigos... Nunca deja de sorprender la enorme variedad de situaciones que plantea.

Y también se las apaña para que cada fase se sienta diferente a nivel visual, algo muy complicado si tenemos en cuenta que es un aspecto en el que están bastante limitados. Pero Ace Combat 8 juega con el terreno, la hora y el clima para lograr que nunca veamos dos veces el mismo cielo.

Mientras volamos, tanto nuestros aliados como los enemigos mantienen diálogos. A veces, incluso nos hacen preguntas o nos proponen cambios en la estrategia de combate que podemos aceptar o rechazar. Y dado que Ace Combat 8 llega con voces en inglés y japonés, debemos leer los subtítulos que se muestran en la parte superior de la pantalla para enterarnos de lo que dicen.

Esto representa el que para mí es el mayor problema de Ace Combat 8, pues dado que es un juego que requiere que estemos pendientes de muchas cosas al mismo tiempo, pararse a leer los subtítulos es un lujo que rara vez podemos permitirnos. Y sin embargo es esencial, pues los objetivos de las misiones pueden cambiar en cualquier momento y, si no estamos atentos a lo que nos dicen, significa el fracaso. Es especialmente frustrante en las misiones de escolta, porque si no estamos pendientes de los enemigos prioritarios que debemos derrotar para que no hieran a nuestros aliados, vamos a escuchar por radio quejas y gritos de dolor sin tener ni idea de qué estamos haciendo mal.

Por eso también es especialmente importante prestar mucha atención al briefing que hay antes de cada misión, donde se explican los objetivos que debemos cumplir y los enemigos a los que nos vamos a enfrentar. Porque no todo es librar combates en Ace Combat 8; antes de despegar, debemos determinar cuál de los cuatro tipos de aviones es más conveniente, escoger las armas especiales más efectivas teniendo en cuenta si vamos a pelear contra enemigos aéreos, terrestres o navales, seleccionar los cazas de nuestros acompañantes y equipar piezas de avión para obtener ventajas en los aspectos que más nos interesen. Para todo esto contamos con el llamado árbol de aviones, donde podemos ir desbloqueando nuevos modelos, armas y piezas por un módico precio.

Además de esto, durante las misiones podemos dar sencillas órdenes a los miembros del escuadrón Joker que pueden jugar un papel determinarte según la situación.

Y hay puntos durante las misiones en las que todos los elementos de Ace Combat 8: Wings of Theve alcanzan la mayor altitud posible y confluyen para dar lugar a lo que me gusta llamar "momentos videojuego". Suceden cuando llegas a una parte muy emocionante de la historia, en lo jugable te están proponiendo una situación increíble, visualmente te plantan unas vistas que cuesta creérselo y de fondo empieza a sonar la melodía más épica que has escuchado en tu vida. Y tú estás ahí, sujetando el mando, con la mandíbula por los suelos y los pelos de punta ante semejante espectáculo. Pues Ace Combat 8 tiene esta clase de momentos videojuego a patadas.

Porque aún no lo he dicho, pero a nivel audiovisual también es un juego muy potente. Los cielos y las nubes de Ace Combat 8 rozan el fotorrealismo, gracias a una iluminación que a ciertas horas del día os va a dejar sin palabras, y hay multitud de detalles visuales muy llamativos, como la resistencia del viento sobre el fuselaje o los distintos tipos de explosiones según el armamento utilizado. Y el nivel de detalle de las ciudades, los edificios y, en general, todo lo que está a ras de suelo, ha aumentado considerablemente respecto a lo visto en Ace Combat 7.

Pero, como no podía ser de otra manera, los cazas se llevan la palma; no soy un gran conocedor del mundo de los aviones de combate, pero estoy seguro de que los mayores expertos van a disfrutar muchísimo viendo cómo se han recreado con total fidelidad algunas de las aeronaves más punteras, tanto por fuera como por dentro, pues uno de los tres tipos de vista nos permite jugar desde la cabina y apreciar su interior con todo lujo de detalles. Además, los aviones acumulan suciedad y daños a medida que progresamos en la historia (pero no os preocupéis, porque se pueden limpiar).

También hay que destacar lo bien que se ha aprovechado la vibración háptica del DualSense de PS5, pues podemos sentir en nuestras manos todos los giros del avión y los impactos de los misiles en distintas zonas del mando y con distintos niveles de intensidad.

¿Y qué os puedo decir de la banda sonora de Ace Combat 8? Pues que es gloriosa, épica, muy variada e incluso se utiliza con fines narrativos en ciertos puntos para dar lugar a auténticos momentazos. Os aseguro que vais a querer escucharla fuera del juego... y que vais a terminar tarareando la melodía que precede la llegada del escuadrón Shadow.

¿Es difícil Ace Combat 8: Wings of Theve?

Ace Combat 8 incluye cuatro niveles de dificultad: novato (historia), piloto, veterano y élite. Yo he jugado en todo momento en piloto, que sería el equivalente a la dificultad normal, y aun no siendo un juego especialmente complicado, ha habido algunas misiones que se me han atragantado y me han costado lo suyo. También ha habido misiones que he fracasado unas cuantas veces... sobre todo cuando se trataba de escoltar a aliados.

Pero si sois veteranos de la saga o, simplemente, buscáis un buen desafío desde el principio, seguramente os interese más elegir la dificultad veterano (o élite, si no le tenéis miedo a nada).

¿Cuántas horas dura la historia de Ace Combat 8: Wings of Theve?

Completar las 30 misiones de las que se compone la historia de Ace Combat 8: Wings of Theve puede llevar entre 15 y 20 horas, dependiendo de nuestra habilidad a los mandos. No es un juego especialmente rejugable en el sentido clásico de la palabra, pero hay misiones que molan tanto que vais a querer repetirlas. Si queréis exprimirlo al máximo, podéis ir a por el rango S en todas las misiones o sacar todas las medallas (esto último es muy complicado; hay algunas muy puñeteras).

Además de la historia, tenemos un modo entrenamiento para familiarizarnos con las mecánicas de juego, un modo misión libre para jugar las misiones sin ningún tipo de restricción y un modo vuelo libre en el que podemos sobrevolar con tranquilidad cualquiera de los cielos del juego mientras escuchamos nuestras canciones favoritas de la banda sonora.

Pero el modo que sin duda más horas de juego adicionales nos puede aportar es Ace Combat Online. Este modo es una bestia en sí mismo; tiene su propia progresión independiente de la campaña, editor de avatares, bases aéreas donde se pueden reunir hasta 100 jugadores, modos cooperativos y competitivos, misiones especiales por tiempo limitado, una sala donde podemos jugar a títulos clásicos de Bandai Namco (¡Pac-Man!)... Por tener, tiene hasta un pase de batalla.

Hay mucho trabajo detrás del nuevo Ace Combat Online; es un salto de gigante si lo comparamos con el de Ace Combat 7 y se puede apreciar un esfuerzo para que tenga recorrido, pero, como es habitual, la última palabra la tendrá la comunidad de jugadores.

Precio y plataformas disponibles

Ace Combat 8: Wings of Theve se lanza el 2 de octubre para PS5, Xbox Series X|S y PC. La edición estándar tiene un precio de 79,99€, tanto en formato físico como digital.

También hay una Edición Deluxe, disponible únicamente en formato digital, que da acceso al juego tres días antes del lanzamiento. Además, hay dos ediciones exclusivas de PC: Joker Flight Pack y Premium Joker Flight Pack.

Por último, pero no por ello menos importante, todas las ediciones incluyen como extra Ace Combat Zero: The Belkan War, un port para consolas actuales del juego lanzado en 2006 para PS2.

Drama de altos vuelos

Ace Combat es una de esas sagas a las que cuesta bastante entrar. Porque estamos hablando de un género de nicho... y un nicho muy específico como son los aviones de combate. Así que salvo que seamos aficionados a la aviación, es complicado que alguien logre convencernos para dar el salto.

Pero gracias a su apasionante historia (que, insisto, si os gusta Metal Gear, os va a flipar seguro) y unos controles arcade que cualquiera puede disfrutar sin necesidad de sacarse el carnet de aviador, Ace Combat 8 logra alzarse como un juego altamente recomendable para cualquier tipo de jugador.

Lo único que se le puede echar en cara es que, con esta octava entrega, han jugado sobre seguro. No es de extrañar, viendo el éxito que tuvo Ace Combat 7, así que han querido retener a todos los jugadores que se subieron en la última entrega. Y eso no quita que estemos ante una experiencia aún más refinada pero igualmente épica (o incluso más).

Y yo me quedo justo con eso, porque en lo que llevamos de año no ha habido ningún otro juego que me haya hecho vivir momentos tan épicos, momentos que me han puesto los pelos de punta y momentos en los que cuesta creer que seas tú quien está a los mandos.

Y son esa clase de momentos los que nos recuerdan por qué seguimos jugando.

Si esto os ha generado algún tipo de duda sobre su calidad, podéis estar tranquilos porque en Hobby Consolas hemos vuelto a jugar a Rayman Legends Retold durante unas cuantas horas... y os aseguramos que sigue apuntando altísimo.

En esta ocasión, además de poder probar varios niveles del meridiano de la aventura (entre ellos algún jefe), pudimos jugar algunos de los niveles en la Tierra de los Muertos Muy Vivos, que son completamente nuevos y han sido creados de cero para este remake.

Y, por si no fuera suficiente, también pudimos jugar un rato a Rayman Origins: Enhanced Edition. Os lo contamos todo en estas impresiones.

Impresiones de Rayman Legends Retold y Rayman Origins: Enhanced Edition

Concretamente, la primera parte de esta sesión de prueba tuvo lugar en Fiesta de los Muertos, el nombre que recibe el tercer mundo de Rayman Legends Retold. Allí, pudimos jugar los los niveles "Podrido y estropeado", "Qué patosos", "Macarena", "Pato a la guacamola", "Con salsas y a lo loco", "Lucha libre y pies en polvorosa", "Lucha de gigantes" y "El mariachi más chachi".

Si habéis jugado al Rayman Legends original, habréis notado que son tanto niveles ya conocidos... como algunos completamente nuevos.

Los niveles antiguos son recreaciones bastante fidedignas en lo que a diseño y mecánicas se refiere, pero remozados con gráficos 3D. Como ya os contamos en las impresiones previas, pese a que el apartado visual 2D del juego original es eterno, con Rayman Legends Retold han conseguido que se vea de maravilla y, por momentos, no sabríamos con cuál de los dos quedarnos. En estos niveles, en particular, lucen muy bien la comida y algunos cambios de cámara en momentos puntuales.

Y aunque no es una novedad, también queremos destacar los niveles en los que jugamos con Rayman (o cualquiera de los otros personajes) convertido en pato. Dada su movilidad reducida en este estado, Murphy nos acompaña y ayuda mediante originales mecánicas jugables: en el caso de "Qué patosos", abre camino a través de la comida cuando se lo ordenamos, mientras que en "Pato a la guacamola" crea plataformas de guacamole que sirven para progresar o para evitar el daño.

"Lucha de gigantes" tampoco es un nivel nuevo, pero nos sirvió para ver qué tal lucen los jefes en este remake de Rayman Legends. El combate sigue siendo muy divertido y desafiante, nos llevó unos cuantos intentos superarlo. Pero lo más destacable son las nuevas escenas de vídeo de apertura y final para el enfrentamiento.

Por cierto, en esta sesión también pudimos utilizar algunos de los nuevos trajes que incluye este remake (basados en juegos recientes de Ubisoft, como Assassin's Creed Shadows o Assassin's Creed Black Flag Resynced, entre muchas otras), así como jugar con el nuevo doblaje en español, que le sienta de maravilla.

También comprobamos que los nuevos escenarios que actúan como selector de niveles no sólo son bonitos; también incluyen algún secretillo. Por ejemplo, en el de Fiesta de los Muertos, podíamos encontrar los fragmentos de una llave para abrir un cofre.

Pero hablemos de los niveles nuevos. En primer lugar, tuvimos "Con salsas y a lo loco", que es uno de los niveles donde controlamos a un dragón con una jugabilidad estilo shooter sobre raíles. Son fases muy intensas y espectaculares, diseñadas como si del recorrido de una montaña rusa se tratase. A medida que progresamos, el escenario va cambiando y asistimos a distintas situaciones de lo más desternillantes. Pero lo más importante es que pese a proponer una jugabilidad muy diferente, encajan de maravilla con el resto de niveles de Rayman Legends Retold.

La otra gran novedad que pudimos ver en este mundo fue uno de los nuevos niveles musicales. Porque como seguramente ya sabréis, fueron uno de los aspectos más celebrados del juego original y Ubisoft ha creado algunos completamente nuevos para la ocasión. "El mariachi más chachi", basado en la canción "Eye of the Tiger", no es nuevo pero sigue siendo una gozada. El que sí es nuevo es "Macarena"... y no hace falta que os digamos qué canción protagoniza este divertidísimo nivel.

La siguiente parte de la demostración nos llevó hasta La Concha de Hierro, cuarto mundo de Rayman Legends Retold. Aquí pudimos jugar los niveles "La isla hinchable misteriosa", "Una mansión muy profunda" y "Estación de in-filtrado". Son todos niveles que ya estaban en el juego original, así que lo único que vamos a decir es que siguen siendo muy divertidos, tienen mecánicas muy ingeniosas y la recreación con el nuevo estilo visual es fantástica, especialmente el juego de luces que tanta importancia tiene en estas fases.

Y tras esto nos dirigimos a la Tierra de los Muertos Muy Vivos, donde pudimos probar dos de los nuevos niveles creados para Rayman Legends Retold. Como su nombre indica, se trata de un lugar oscuro y tétrico, por suerte Rayman y compañía cuentan con una nueva habilidad: el poder de la luz.

Estos nos permite disparar bolas de luz que tienen diferentes efectos. Por ejemplo, pueden hacer que unas enredaderas espinosas se aparten o crezcan para permitirnos llegar más lejos. El efecto sólo dura unos segundos, así que debemos actuar con rapidez para aprovecharlo. Además, algunos enemigos de estos niveles son inmunes a los ataques normales, pero podemos usar el poder de la luz para paralizarlos y, a continuación, derrotarlos con los golpes básicos. Y en el caso de los enemigos de mayor tamaño, es necesario cargar el disparo para conseguir derrotarlos.

Aunque fue una toma de contacto breve con una de las mayores novedades del remake, nos sirvió para confirmar lo más importante: los nuevos niveles en la Tierra de los Muertos Muy Vivos encajan a la perfección con los del título original, hasta el punto de que si jugásemos a Rayman Legends Retold sin haber jugado a Rayman Legends, pensaríamos que estos niveles formaban parte de la obra original. Tenemos muchas ganas de ver cómo son el resto de niveles que Ubisoft se ha sacado de la manga.

Y, para concluir, pudimos jugar a Rayman Origins: Enhanced Edition, una versión mejorada del predecesor de Rayman Legends. En este caso no hay una mejora visual tan drástica, pero se muestra a resolución 4K e incluye varias mejoras de calidad de vida y todos los extras y coleccionables de la versión de PS Vita, así como algunos nuevos para esta versión.

¿Lo mejor de todo? Rayman Origins: Enhaced Edition viene "de regalo" con todas las ediciones de Rayman Legends Retold. Y teniendo en cuenta que la edición estándar cuesta 39,99€, nos estamos llevando a casa dos obras maestras de los juegos de plataformas a precio reducido. Lo que viene siendo una ganga, vaya.

Así que sí, va a tocar esperar un poco más para echarle el guante al regreso (por partida doble) de Rayman, concretamente hasta el 3 de diciembre. Pero tras esta nueva toma de contacto tenemos más claro que nunca que la espera va a merecer la pena.

Desde hace ya unos cuantos años, la saga Fire Emblem se ha convertido en uno de los principales activos de la Gran N, como bien demuestra el tremendo exitazo de Fire Emblem: Three Houses y, en menor medida, Fire Emblem Engage.

Fortune's Weave viene dispuesto a repetir el éxito de sus predecesores y, aunque a primera vista puede parecer que comparte muchas similitudes con Three Houses, lo cierto es que estamos ante una entrega sorprendentemente rompedora en muchos aspectos... empezando por su mapa, inspirado nada menos que en la península ibérica.

Hablamos de esto y mucho más en nuestro análisis de Fire Emblem: Fortune's Weave para Nintendo Switch 2.

• El gameplay de Fire Emblem: Fortune's Weave
• Nivel de dificultad de Fire Emblem: Fortune's Weave
• ¿Cuántas horas de juego dura Fire Emblem: Fortune's Weave?
• Cuánto cuesta Fire Emblem: Fortune's Weave y dónde puedes jugarlo
• La opinión de Hobby Consolas de Fire Emblem: Fortune's Weave
• Nota: lo mejor y lo peor de Fire Emblem: Fortune's Weave

Jugabilidad y gameplay de Fire Emblem: Fortune's Weave en Nintendo Switch 2

La historia nos lleva hasta Dagsion, capital del reino de Dagda, donde cada año se celebran los Juegos Heroicos, una serie de combates en el interior de un coliseo al más puro estilo gladiadores en la antigua Roma.

En esta ocasión, la trama se divide en cuatro rutas protagonizadas por personajes diferentes: Cai, Dietrich, Theodora y Leda. Los cuatro aspiran a convertirse en vencedores de los Juegos Heroicos, cada uno por motivos muy diferentes... Y aunque este es el conflicto principal durante una buena parte de la aventura, desde el minuto uno el juego nos deja claro que la historia tiene otras aspiraciones.

A primera vista puede parece que Fortune's Weave es un título muy continuista, que sigue la estela de Three Houses para replicar su éxito. Sin embargo, en cuanto progresamos un poco, queda claro que en Intelligent Systems han arriesgado bastante, presentando un planteamiento y, sobre todo, una estructura muy diferente no sólo a la de Three Houses, sino a la de toda la saga Fire Emblem.

Buena prueba de ello es que aquí la elección de ruta no nos limita en absoluto; si nos cansamos de un personaje o simplemente queremos ver cómo son los demás, podemos alternar entre las diferentes rutas cada vez que tenemos "tiempo libre".

Esto se debe a que la estructura de Fire Emblem: Fortune's Weave es bastante particular. Entre combate y combate de los Juegos Heroicos, tenemos los llamados momentos de tiempo libre, secciones en las que debemos prepararnos para la siguiente batalla participando en toda clase de actividades: comprar nuevo equipo en las tiendas, entrenar las competencias con las distintas armas, servir en los templos para ganarnos el favor de los dioses, comer con otro personajes y hacer regalos para fortalecer el vínculo y así poder reclutarlos... Y por supuesto realizar misiones secundarias.

Es más, hay una serie de acciones que son exclusivas de cada protagonista. Por ejemplo, con Cai podemos cultivar en el mapamundi y cuidar de las monturas en el establo. De esta manera, no sólo la historia y los acontecimientos cambian en cada ruta, sino también la jugabilidad. Hay algunas batallas que "coinciden" en varias rutas, pero son casos concretos y en general han logrado que haya muchos elementos para diferenciarlas bien.

De entre todas las actividades disponibles las más interesantes son sin duda los desvíos: se trata de misiones opcionales que encargan algunos de los personajes más relevantes de la historia y que, además de poder afectar en el devenir de los acontecimientos, plantean situaciones de combate únicas... e incluso nos permiten controlar a algunas de las unidades más poderosas (y molonas) de todo el juego.

La mayoría de actividades se realizan en Dagsion, la capital, pero podemos salir al mapamundi para explorar como en el resto de Fire Emblem, visitando así otras localizaciones, encontrando mercaderes, participando en escaramuzas, etc. Ahora bien, una vez concluyen los turnos del tiempo libre, debemos volver a Dagsion para librar el siguiente combate de historia.

La idea no es mala, y desde luego la cantidad de actividades diferentes es enorme (y a medida que avanzamos y sube el nivel de prestigio, van apareciendo nuevas); hay tantas cosas a tener en cuenta que al principio me abrumó un poco y, en ocasiones, me ha costado llevar la cuenta de todo.

El problema es que estas secciones acaban resultando muy cansinas y consumen muchísimo tiempo (tiempo real, de nuestras vidas). Tanto, que si decidís implicaros y aprovechar bien todas las opciones, vais a sentir que no avanzáis nada en la historia y pasáis más tiempo realizando este trabajo de gestión. Por suerte, Fire Emblem: Fortune's Weave incluye una opción para "automatizar" el proceso: desde las posadas, podemos realizar tareas automáticas que hacen que los turnos se consuman mientras nuestras unidades entrenan para subir de nivel.

Y está bien porque así se evitan esos problemas de ritmo, pero personalmente el hecho de que algo sea tan cansino que prefieras automatizarlo antes que involucrarte en sus mecánicas me parece señal de que algo falla.

Y sucede algo parecido también con otra de las novedades de Fire Emblem: Fortune's Weave: las batallas rápidas. En ciertos puntos del mapa, podemos explorar pequeñas mazmorras de una forma más tradicional, controlando al personaje en tercera persona y librando batallas que recuerdan a los combates por turnos de otros JRPG. Pero como sucede con los momentos de tiempo libre, estos combates se acaban volviendo cansinos y terminas recurriendo a la opción "batalla automática" para pasarlos cuanto antes. Es más, las batallas rápidas que forman parte de la historia incluyen la opción de omitirlas por completo... Es como si no confiasen en lo que han hecho.

Ahora bien, superado cierto punto de cada ruta el juego pega un cambio importante y adopta la estructura de un Fire Emblem tradicional, desechando las secciones de tiempo libre y centrándose en las batallas a gran escala. Y desde luego es un cambio que se agradece, pues el juego (y, sobre todo, la historia) arranca de verdad y ya no suelta el acelerador hasta el explosivo acto final.

El problema aquí es que este es también el punto donde las cuatro rutas se unifican, así que aunque tenemos la posibilidad de jugarlo con los cuatro personajes, en esencia es hacer exactamente lo mismo (mismas batallas) pero con diferentes unidades. De ahí que, una vez más, el juego incluya una opción para "omitir", permitiéndonos saltar esta parte y pasar directamente a la "chicha" de la historia.

En lo relativo a los combates como tal no tengo ninguna queja: siguen siendo tan buenos como de costumbre e incluso mejores. Hay novedades muy interesantes, como las técnicas de ignición que son únicas para cada personaje, cuentan con efectos muy diferentes y pueden darle la vuelta al combate si las usamos adecuadamente. También hay nuevas unidades gigantes, como los elefantes de combate, que dan muchísimo juego y hacen que las batallas sean todo un espectáculo.

En general, las batallas han subido mucho el nivel de espectáculo gracias a las animaciones de combate: tomando buena nota de lo visto en Fire Emblem Engage, los encontronazos entre dos unidades gozan en Fortune's Weave de una fluidez asombrosa, sin importar la clase a la que pertenecen o los movimientos que utilizan; es una gozada ver cómo atacan y esquivan tres, cuatro e incluso más veces sin cortes ni parones. Fijaos si son buenas las animaciones de combate, que hay momentos de la historia que recurren a ellas para ilustrar secuencias de acción.

Además de esto, se puede apreciar una mejora visual a todos los niveles en esta entrega, fruto del hardware de Nintendo Switch 2. La más evidente tiene que ver con la resolución, dejando atrás los horribles dientes de sierra de Three Houses y ofreciendo una imagen muy limpia, algo que se aprecia especialmente en los modelos de los personajes. Las localizaciones que podemos explorar en tercera persona (como Dagsion) no destacan por su nivel de detalle, pero el foco del juego son las batallas y ahí brilla con mucha fuerza.

Y la banda sonora, como de costumbre, es gloriosa. Hay una gran cantidad de melodías memorables, destacando las de cada protagonista y, por supuesto, el tema principal de Fire Emblem: Fortune's Weave. Además, la mayoría de canciones tienen un toque "flamenco" que les sienta de maravilla.

¿Es difícil Fire Emblem: Fortune's Weave?

Fire Emblem: Fortune's Weave incluye dos ajustes que afectan a la dificultad: en primer lugar, tenemos el nivel de dificultad como tal, que determina lo desafiantes que son los combates; podemos elegir entre normal y difícil. Y, después, debemos elegir entre modo novato y modo clásico. En este último, cuando las unidades caen en combate, desaparecen y no las podemos volver a utilizar (aunque no mueren como tal).

Yo he jugado en dificultad normal y modo clásico y, aunque al principio los combates me estaban pareciendo demasiado fáciles, al ir progresando la cosa se complica bastante y en algunos casos he tenido que perder unidades (jamás olvidaré vuestro sacrificio sacrificio).

Ahora bien, en la dificultad normal, podemos usar la opción de retroceder turnos durante el combate (la bendición de la diosa Fortuna) de manera gratuita, algo que facilita enormemente las cosas. Pero eso no quita que haya combates muy complicados en los que, aun pudiendo "rebobinar" sin límites, sea complicado salir con vida de ciertas situaciones.

Si os parece que está ayuda es "too much", os alegrará saber que en la dificultad difícil retroceder no sale gratis y os lo vais a tener que pensar muy bien. Es sí, tened en cuenta que si empezáis una partida en normal, no es posible cambiar a difícil (pero sí al revés).

¿Cuántas horas dura la historia de Fire Emblem: Fortune's Weave?

La duración de Fire Emblem: Fortune's Weave depende en gran medida de cómo juguemos. Por ejemplo, completar una ruta yendo a piñón (es decir, pasando de contenido secundario y usando las tareas automáticas desde las posadas) os puede llevar unas 20 horas. Mientras que si realizáis contenido secundario, la duración asciende a unas 40-45 horas... por ruta. Es decir, que hablamos de 80 horas jugando rápido y 160 o más si nos entretenemos.

Pero tras superar una (o varias rutas) todavía queda mucho juego por delante, así que independientemente de cómo lo afrontéis, Fire Emblem: Fortune's Weave ofrece cientos de horas de juego.

Precio y plataformas disponibles

Fire Emblem: Fortune's Weave se lanza el 17 de septiembre para Nintendo Switch 2, tanto en formato físico como digital.

La edición digital tiene un precio oficial de 69,99€, mientras que en formato físico tiene un recio recomendado de 79,99€. Al tratarse de un título desarrollado por un estudio first party de Nintendo, el juego viene completo en cartucho y no se trata de una de las temidas Game-Key Card.

Además de la edición estándar, también hay una edición coleccionista apodada Fire Emblem: Fortune's Wave Dagdan Collecton que incluye el juego, caja de coleccionista, steelbook, libro de arte, tarjetas de arte y mapa de Dagda por un precio de 109,99€. Buena suerte encontrándola, eso sí, pues está agotada en todas partes.

Fortuna audaces iuvat

Reconozco que me ha costado bastante conectar con la propuesta de Fire Emblem: Fortune's Weave (y con algunos de sus personajes protagonistas), aunque al final lo he conseguido.

Su gran problema es que, tal y como está planteado, se acaba volviendo muy repetitivo. Y aunque incluye formas de paliarlo, que el propio juego te dé opciones para automatizar ciertos aspectos o, directamente, omitirlos me dice que incluso sus responsables saben que hay algo que no termina de funcionar.

Pero también valoro profundamente que Intelligent Systems no se haya limitado a hacer "Three Houses 2" y en su lugar hayan optado por ofrecer una experiencia diferente dentro de la saga Fire Emblem. Incluso aunque no siempre se acierte, hacen falta más estudios que se atrevan a correr riesgos con sus grandes sagas. Como siempre digo, prefiero un juego con problemas pero con alma antes que uno diseñado en un laboratorio para gustar a todo el mundo.

Desde luego, no se puede negar que su estructura es, cuando menos, particular. Y probablemente habrá gente a la que se le atragante... Pero si sois unos "comidos" de la estrategia que disfrutan de la gestión minuciosa y el min-maxing para conseguir el mejor ejército posible, aquí tenéis un SRPG tremendo y un pozo de horas. Bueno, más que un pozo... un caldero.

Eternal Anima ha sido presentado durante el último Nintendo Direct para sorpresa de los fans del género, pues su propuesta nos recuerda a los grandes juegos de rol japoneses.

Pero lo mejor de todo ha sido descubrir que detrás de este proyecto se encuentran algunos de los mayores pesos pesados del JRPG. Vamos a ver el primer tráiler de Eternal Anima y repasar todos los detalles anunciados a continuación.

Primer tráiler de Eternal Anima, un JRPG hecho por veteranos del género y "dedicado a los fans"

Empecemos por lo básico: Eternal Anima se lanzará para PS5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch 2 y PC. Y si os recuerda a los clásicos del género, es porque detrás del proyecto se encuentran auténticos veteranos.

Su director es Katsuhisa Higuchi, quien ha trabajado en juegos como Final Fantasy II–V y XI, Chrono Trigger, Chrono Cross, Xenogears, Lost Odyssey y Monster Hunter Stories 1 y 2; el responsable de la base de la historia es Keisuke Makino, quien ha trabajado en Persona 5 y Metaphor: ReFantazio; y el guion corre a cargo de Kazushige Nojima, quien también participó en Final Fantasy VII, VIII, X, XIII y Kingdom Hearts. Vamos, que es toda una reunión de estrellas.

A continuación podéis ver el primer tráiler de Eternal Anima:

Según reza la descripción, Eternal Anima evoca el espíritu de los JRPGs lanzados entre finales de 1990 y principios de los 2000, apostando por una ambiciosa narrativa con viajes en el tiempo, un apartado visual moderno y combates por turnos con un toque estratégico.

Esto último hace referencia a que el protagonista, Wade, tiene la habilidades de prever el futuro, de manera que podemos anticiparnos a los movimientos de los enemigos en combate. Además, también será posible viajar en el tiempo, visitando distintas eras y conociendo a toda clase de personajes.

Eternal Anima tiene previsto su lanzamiento el 4 de marzo de 2027 y ya han confirmado que se lanzará en formato físico, pudiendo hacernos con una edición especial que incluye libro de arte, banda sonora y otros extras. Echadle un vistazo:

¿Qué os ha parecido Eternal Anima? Si queréis estar al tanto de todos los anuncios, no olvidéis echarle un ojo a nuestro resumen del Nintendo Direct.

El primer Kingdom Come: Deliverance se lanzó para la primera Nintendo Switch, así que los fans de la Gran N van a tener la posibilidad de saber cómo continúa la historia de Henry en esta secuela.

Repasemos todas las novedades y veamos el primer tráiler de Kingdom Come: Deliverance 2 en Nintendo switch 2.

Kingdom Come: Deliverance 2 Royal Edition anunciado para Nintendo Switch 2

Por si no lo sabíais, Kingdom Come: Deliverance 2 es un RPG que apuesta por el realismo y nos lleva hasta el reino de Bohemia. Al contrario que en otros juegos, en esta aventura es necesario tomarse las cosas en serio: comer, dormir, incluso limpiarse la sangre antes de hablar con NPCs.

Esto se aplica también el combate, que destaca por ser direccional (tanto al atacar como defenderos) y ofrece un gran número de opciones y movimientos.

Si bien el primer Kingdom Come: Deliverance era un tanto tosco, esta segunda parte logró mejorar la fórmula sin por ello perder su encanto. ¿El resultado? Uno de los mejores juegos de la historia.

Y ahora, será posible disfrutar de Kingdom Come: Deliverance 2 Royal Edition en cualquier parte con Nintendo Switch 2.

o han dado muchos detalles al respecto, pero el tráiler ya nos muestra un adelanto de cómo se ve la aventura de Henry en la consola híbrida. Y la verdad es que no luce nada más.

Eso sí, todavía queda esperar un poco, pues Kingdom Come: Deliverance 2 Royal Edition tiene previsto su lanzamiento en Nintendo Switch 2 en 2027.

Y si quieres conocer todas las novedades anunciadas por la gran N, no dudes en checkear nuestro resumen del Nintendo Direct del 9/9/2026 con todos los anuncios y juegos de Nintendo Switch 2 revelados o todos los anuncios más importantes como El profesor Layton y el Nuevo Mundo a vapor, Monster Hunter Wilds, actualización de Mario Kart World, Metroid Ravenous, Star Fox Adventure en Switch Online, Kirby and the World Beyond, Kingdom Come Deliverance 2, Stage Fright o los ports de Resident Evil 2,3 y 4 para la consola.

El evento nos ha dejado el título oficial de la película live-action de The Legend of Zelda, así como un vistazo a una Nintendo Switch 2 y mando Pro edición especial de Zelda, nuevos amiibo y más. Pero todos los focos estaban puestos sobre "Ocarina Remake".

Tras el breve teaser que sirvió para anunciarlo durante el Nintendo Direct celebrado en junio, la Gran N ha sacado nos ha ofrecido el primer vistazo en profundidad a su jugabilidad, mostrando los cambios que podemos esperar del remake de Zelda Ocarina of Time.

Este Direct también nos ha dejado información muy relevante, como su fecha de lanzamiento y precio oficial en España. Lo repasamos todo a continuación.

Primer gameplay de The Legend of Zelda: Ocarina of Time Remake para Nintendo Switch 2, fecha de lanzamiento, precio oficial y cambios jugables

The Legend of Zelda: Ocarina of Time es un remake para Nintendo Switch 2 del juego que se lanzó originalmente para Nintendo 64 en 1998.

Se trata de todo un clásico, un título pionero en muchos aspectos que a día de hoy muchos siguen considerando el "mejor juego de todos los tiempos" debido a su impacto y legado en la industria.

Este remake acerca el juego a nuevas generaciones y veteranos por igual, modernizando la fórmula de una forma similar a lo visto en el remake de Star Fox hace apenas unos meses.

Os dejamos a continuación el primer tráiler gameplay de The Legend of Zelda: Ocarina of Time Remake en Nintendo Switch 2.

Entre los cambios más destacables, ahora hay un botón dedicado para saltar. El acceso a los objetos ha cambiado y es similar a lo visto en Breath of the Wild/Tears of the Kingdom. Link puede esprintar si rodamos y mantenemos pulsado el botón. El tiempo transcurre en las ciudades (no sólo en la campiña de Hyrule). Es posible tocar la ocarina usando el altavoz de Switch 2. Y ahora las escenas de vídeo cuentan con voces, incluido doblaje al español.

Además de este vistazo a la jugabilidad, Nintendo también ha revelado la fecha de lanzamiento del remake de Zelda Ocarina of Time; estará disponible el 5 de noviembre de 2026 para Nintendo Switch 2 a un precio de 59,99€ en formato digital, tal y como se había filtrado horas antes.

¿Qué os ha parecido el primer gameplay del remake de Ocarina of Time? ¿Vais a revivir este clásico en Nintendo Switch 2? Recordad que la cosa no ha terminado y mañana tenemos otra cita, a la misma hora, para ver el Nintendo Direct centrado en juego que llegarán a la consola híbrida.

En nuestro análisis de Hell is Us os contábamos que era "el juego más valiente de 2025" debido, entre otros motivos, a la confianza que deposita en el jugador para progresar, resolver puzles y tratar temas delicados, como los horrores de la guerra.

No fueron poco los jugadores que también alabaron el trabajo de Rogue Factor, de ahí que podamos decir sin miedo que Hell is Us es una joya oculta y a menudo se lo vea en listas de "juegos tapado de 2025".

Hell is Us llegará muy pronto a Nintendo Switch 2 y, coincidiendo con el lanzamiento, sus responsables han anunciado una importante actualización de contenido.

Hell is Us se actualizará para corregir uno de sus grandes problemas el mismo día que llega a Nintendo Switch 2

Como sabemos desde hace un tiempo, Hell is Us se lanza para Nintendo Switch 2 el próximo 8 de octubre, permitiendo que los jugadores de la consola híbrida pueden descubrir todas sus bondades en cualquier parte.

Ahora bien, Rogue Factor no sólo ha estado trabajando en esta nueva versión; como desvelaron hace unos días, el mismo 8 de octubre Hell is Us recibirá una gran actualización en el resto de plataformas.

No han ofrecido demasiados detalles al respecto... excepto uno: se añadirán al juego 10 nuevos tipos de caminantes huecos, el nombre que reciben los enemigos en Hell is Us. Además, en el breve teaser que acompaña al anuncio, ya podemos ver a algunos de estos nuevos enemigos:

Y, si habéis jugado, ya sabéis que se trata de una novedad muy relevante. Uno de los aspectos más criticados de Hell is Us fue su escasa variedad de enemigos, así que esta actualización viene para poner solución a dicho problema.

¿Qué otros cambios y novedades incluirá esta actualización para Hell is Us? Sólo queda un mes para descubrirlo.

Porque sus responsables, el estudio francés Rogue Factor, lo describen como un juego sin mapa ni marcadores, que no nos lleva de la manita y nos obliga a prestar mucha atención al entorno para avanzar y descubrir sus secretos. Pero también insisten en que no es un soulslike… pese a que basta un vistazo a sus combates para darse cuenta de que la influencia Souls está ahí.

Así que empecé a jugar pensando que iba a encontrarme con el enésimo soulslike (y no lo digo como algo malo; me los fumo todos con mucho gusto), pero, sin embargo, la sorpresa ha sido mayúscula: Hell is Us tiene un poco de Souls, desde luego, pero también tiene un poco de Resident Evil e incluso un poco de The Legend of Zelda.

Y aunque esta curiosa combinación no está exenta de problemas, el resultado es una de las experiencias más estimulantes y sorprendentes de todo 2025.

El análisis de Hell is Us para PS5, Xbox Series X|S y PC en Hobby Consolas:

• La historia de Hell is US
• El gameplay de Hell is Us
• La exploración de Hell is Us
• Nivel de dificultad de Hell is Us
• ¿Cuántas horas de juego dura Hell is Us?
• Cuánto cuesta Hell is Us y dónde puedes jugarlo
• La opinión de HobbyConsolas de Hell is Us
• Nota: lo mejor y lo peor de Hell is Us

Historia y narrativa de Hell is Us

Hell is Us nos pone en el papel de Remi, un ex-militar que decide volver a Hadea, el país donde nació, para encontrar a sus padres. ¿Problema? Hadea lleva años aislado del resto del mundo y, actualmente, se encuentra en mitad de una guerra civil entre dos facciones con diferentes creencias religiosas… pero los mismos métodos salvajes.

Por si eso no fuera suficiente, por todo el país también han empezado a aparecer unas inquietantes criaturas sin rostro que atacan a todo el que se ponga por delante y son inmunes a las armas convencionales, provocando que Hadea y sus habitantes estén sumidos en el más absoluto caos.

La narrativa es sin duda uno de los aspectos más trabajados de Hell is Us, con un lore sorprendentemente profundo en el que han tenido en cuenta prácticamente de todo: desde las numerosas regiones que componen Hadea, hasta las costumbres de sus habitantes o los acontecimientos sociales, políticos y religiosos que han moldeado el país en toda su historia.

Pese a que para alguien como yo el gran reclamo de Hell is Us era la ciencia ficción (la idea de pelear contra criaturas inexplicables en un entorno postapocalíptico), me ha sorprendido descubrir que el conflicto bélico, la parte realista, tiene aún más importancia y resulta igual (o más) interesante.

Y digo realista porque no hay que ser ningún lince para ver las similitudes que existen entre los palomistas y los sabinianos, las facciones conservadora y progresista que presenta el mundo de Hell is Us, y los conflictos que abren nuestros telediarios todos los días.

Porque otro de los aspectos más sorprendentes de Hell is Us es su crudeza: el juego no tiene reparos a la hora de retratar los horrores de la guerra, mostrando ejecuciones en plena calle, cuerpos chamuscados, extremidades amputadas, mujeres violadas en sus propias casas o niños colgando de los árboles. No es un juego para estómagos sensibles.

Y no todo es guerra, el juego también tiene una buena dosis de intriga y misterio, dando especial importancia a las sociedades secretas y las conspiraciones, e incluso una pizca de terror fruto de sus inquietantes enemigos y lugares inexplicables para la mente humana a los que nos lleva la historia.

Tiene también un rollito raruno, pero raruno en el buen sentido: he visto comparaciones con los trabajos de Kojima, pero yo diría que está más cerca de los últimos juegos de Remedy, Control y Alan Wake 2.

Y pensaréis que todo eso está genial (y lo está), pero presenta un pequeño gran problema: Hell is Us depende fuertemente de la predisposición que tenga el jugador para sumergirse en su narrativa. Para disfrutarlo como es debido, hay que empaparse de su mundo, leer diarios, prestar atención a lo que nos cuentan y, en general, tomárselo con mucha calma.

He disfrutado de todo este proceso porque el juego está muy bien escrito (no sólo los diálogos, también todos los diarios, mails y grabaciones que encontramos), pero me imagino que muchos ya estaréis resoplando ante la idea de tener que andar leyendo documentos.

Y no me extrañaría que mucha gente lo abandone a las pocas horas, especialmente teniendo en cuenta que Hell is Us tampoco se corta a la hora de “vomitar” nombres de personajes históricos, regiones y costumbres religiosas completamente ficticios. Una jerga que tiene sentido dentro de su universo, pero para eso el jugador debe haber superado antes el “período de aprendizaje”.

Además, pese a que la construcción de mundos es soberbia, la trama principal se queda a medio gas; logra mantener nuestro interés durante la mayor parte del tiempo, pero para mí gusto no han sabido rematarla satisfactoriamente. Así que si alguien jugase limitándose a seguir el camino principal, se estaría perdiendo lo mejor a nivel narrativo de Hell is Us.

Jugabilidad y gameplay de Hell is Us en PS5, Xbox Series X|S y PC

Hablemos ahora de la jugabilidad, porque también tiene su miga. Hell is Us combina acción, exploración y puzles, todo ello con el añadido de no contar con mapa ni indicadores en pantalla que señalen la dirección en la que debemos ir o lo que debemos hacer a continuación.

La acción es donde se pueden apreciar claramente los elementos Souls, como la gestión de energía al atacar y esquivar, los diferentes tipos de armas y su comportamiento, el inventario para usar objetos en combate o incluso la presencia de un parry (con una ventana bastante generosa, todo sea dicho).

Que vale que ninguno de estos elementos es exclusivo de los soulslike, pero la forma en que se han implementado es exactamente la misma que estamos acostumbrados a ver en este subgénero. Sus creadores han llegado a decir que Hell is Us es un hack'n slash, pero honestamente lo que hay aquí se parece infinitamente más a un Dark Souls que a un Devil May Cry, por citar dos ejemplos.

Ahora bien, el combate de Hell is Us también incorpora dos elementos bastante llamativos: el primero es que al perder salud, la barra de resistencia también se reduce. En otras palabras: cuanta menos vida tenemos, menos ataques y esquivas podemos realizar antes de que el personaje se agote.

Esto, que puede sonar un poco excesivo, va ligado al segundo elemento: después de atacar, podemos pulsar el botón R1 en el momento adecuado para que el personaje recupere salud equivalente al daño realizado. Es una mecánica calcada al pulso de ki de la saga Nioh, con la particularidad de que aquí nos permite curarnos sin necesidad de gastar objetos.

Pese a todo esto, el combate de Hell is Us es lo más flojo de todo el conjunto debido a varios problemas importantes. Por un lado, está la variedad de armas: hay cuatro tipos diferentes, pero el repertorio de movimientos es bastante limitado y siempre el mismo dentro de cada tipo, lo que en esencia significa que en Hell is Us sólo hay cuatro armas.

Se intenta compensar con un gran repertorio de habilidades que molan bastante, especialmente las que están asociadas al dron, pero no logran evitar que el sistema de combate que se presenta en las primeras horas apenas evolucione en toda la aventura.

Y lo mismo sucede con los enemigos: pese a que hay variantes e intentan darles un toque diferente a través de unas extrañas entidades de colores que debemos derrotar antes de poder hacer daño al huésped (o huéspedes), al final te quedas con la sensación de pelear siempre contra los tres mismos tipos de humanoides pálidos.

Hay un sistema de mejora de armas que parece complejo en un inicio, con cuatro tipos de emociones diferentes que cambian la forma de las armas y sus efectos… Pero pronto todo eso cae en saco roto. Yo desde luego no he notado gran diferencia entre hacer daño de terror o de éxtasis, y al final me he decantado por las emociones (o los colores, más bien) que tenían asociadas las habilidades más útiles.

Es más, los elementos RPG de Hell is Us son bastante reducidos: el personaje no gana experiencia, ni sube de nivel, ni hay que preocuparse (demasiado) por estadísticas. Lo más importante a tener en cuenta es el nivel de las armas, que aumenta con el uso, y el del equipo defensivo para estar bien protegidos.

Pero antes de desdeñarlo como un juego con mal combate, creo que hay que tener algo en mente: mientras que en los soulslike el combate y los elementos RPG son el engranaje principal de la jugabilidad, en Hell is Us es sólo una parte, pues la exploración y los puzles tiene el mismo protagonismo.

Y teniendo esto en cuenta, diría que el combate, pese a no ser el punto fuerte de Hell is Us, cumple con creces.

Exploración y puzles de Hell is Us

Así que veamos qué pasa con la exploración. Efectivamente, en Hell is Us no hay mapa, ni indicadores; en lugar de eso, debemos entablar diálogos con NPCs para obtener información, seguir las indicaciones que descubrimos y deducir soluciones a través de objetos y pistas visuales.

De primeras, esto causa mucha impresión; en las primeras horas de juego, temía salirme del camino por si me perdía en los escenarios. Sin embargo, la cosa tiene truco: toda la información relevante para progresar, queda convenientemente anotada en una PDA que podemos consultar en cualquier momento. Y, por lo general, nos lo dan todo bastante mascadito.

Lógicamente, de nosotros depende interpretar correctamente esa información. Por ejemplo, si nos dicen que el lugar que buscamos se encuentra al suroeste pasadas unas colinas, nos tocará sacar la brújula y prestar atención al escenario para orientarnos. Pero aun con esto es bastante difícil perderse.

Esto se debe también a la estructura de juego, que es bastante curiosa. Pese a que lo describen como un título de mundo semiabierto (no tengo muy claro lo que eso quiere decir), la realidad es que Hell is Us está dividido en escenarios. Hay un gran número y la mayoría son de tamaño medio, ni muy grandes ni muy pequeños. De ahí que sea complicado perderse.

Los escenarios se van desbloqueando al progresar en la historia, pero el orden en el que lo hacen depende de los objetivos que decidamos perseguir. Es posible viajar entre todos ellos con bastante libertad, de hecho es muy común volver a escenarios ya visitados, pues las soluciones a muchos enigmas se suelen esconder en otras partes de Hadea.

Pero lo mejor es su variedad: hay escenarios al aire libre en los que podemos encontrar bosques, iglesias, lagos, ruinas ocultas... Pero también hay escenarios que consisten en un pueblo en llamas o que se desarrollan al completo en el interior de un edificio gubernamental. En todos estos casos el diseño de niveles está muy trabajado, pero donde brilla con más fuerza es en las mazmorras.

Porque, sí, Hell is Us también tiene mazmorras: gigantescos calabozos con un diseño más cerrado pero muy intrincado que visitamos como parte del camino principal. Y es inevitable acordarse de The Legend of Zelda al hablar de ellas, porque comparten muchos elementos: suelen tener una temática principal, están llenas de enemigos, esconden toda clase de acertijos y, por supuesto, al final nos espera un jefe. No hay muchas, pero las he disfrutado todas una barbaridad.

Y ahora es buen momento para hablar de la tercera pata que compone la jugabilidad de Hell is Us: los puzles. Todo el desarrollo está salpicado por rompecabezas de mayor o menor complejidad; hay cosas sencillas, como dar con la llave que abre una cerradura, pero también muchas que te obligan a comprobar detenidamente toda la información que tienes a tu alcance, ya sean diarios, objetos o incluso elementos del escenario, para encontrar la solución. Y hay puzles muy ingeniosos.

Es inevitable acordarse de la saga Resident Evil, tanto por los constantes acertijos como por la ambientación espeluznante. Vamos, si cambiásemos los combates cuerpo a cuerpo por tiroteos, Hell is Us no se diferenciaría mucho de un survival horror.

Gracias a la exploración no guiada y los puzles, han logrado que tengamos en todo momento la sensación de estar desenterrando secretos, descubriendo lugares que llevaban siglos abandonados y encontrando tesoros olvidados. Y sobra decir que es una sensación muy satisfactoria.

Para concluir este apartado, quiero dedicarle unas líneas a la parcela audiovisual. Hell is Us no es un juego que destaque en exceso en lo técnico, pero logra dejarnos a menudo con estampas dignas de captura gracias a su potente dirección artística.

Hadea tiene localizaciones realmente preciosas, como pueblos idílicos en lo alto de una colina o una imponente montaña a la orilla de un lago, que se funden de manera grotesca con los horrores de la guerra y con las estructuras de estilo límbico que se pueden encontrar por todo el país. Es como estar al mismo tiempo en una zona de guerra y un planeta alienígena.

Un elemento que me ha llamado mucho la atención es la interfaz de la PDA, que hace gala de un estilo retrofuturista muy similar al de Returnal, con esa tipografía verde y carácter sobrio. Y es algo que se aplica también a la banda sonora: sin ser especialmente destacable, las melodías con sintetizador funcionan muy bien dentro del contexto de Hell is Us y recuerdan al juego de Housemarque.

Lo que sí hay que destacar son las voces, pues la mayoría de personajes están sorprendentemente bien actuados. Pero, por encima de todo, me ha alegrado mucho volver a escuchar en un papel protagonista la rasgada voz de Elias Toufexis, que interpretó a Adam Jensen en las últimas entregas de Deus Ex.

¿Es difícil Hell is Us?

Hell is Us cuenta con tres niveles de dificultad entre los que se puede cambiar en cualquier momento: indulgente, equilibrada e implacable. Y ya en el nivel medio es un juego bastante desafiante; es especialmente importante saber gestionar los grupos de enemigos, pues la ventaja numérica es una de sus mayores armas frente a nosotros y, si nos rodean, es complicado sobrevivir.

Además, los enemigos se mueven de formas extrañas y tienen patrones impredecibles que hacen que sea muy complicado saber cuándo van a atacar... o continuar atacando. Al principio me resultaba molesto, pero me he terminado acostumbrando y creo que es hasta necesario, pues de lo contrario sería muy sencillo abusar de la mecánica de recuperación de vida.

Como curiosidad, en Hell is Us no hay penalización por morir... salvo que queramos que así sea. Por defecto viene desactivada, pero en el menú encontramos una opción que provoca que perdamos la experiencia acumulada de las armas y los fragmentos obtenidos, además de hacer que los enemigos reaparezcan cuando nos derrotan.

Y dada la importancia que tienen los puzles, también hay que hablar de su dificultad. Reconozco que no soy muy fan de los rompecabezas y que no se me dan especialmente bien, pero aun así no me he atascado demasiado.

Eso sí, requieren que prestemos mucha atención, que exploremos hasta el último rincón y que lo leamos todo con detenimiento, así que, como ya decía antes, Hell is Us no es un juego para impacientes. Pero esa es precisamente la gracia: sentir que el único marcador que nos guía y nos ayuda a progresar es nuestro propio ingenio.

¿Cuántas horas dura la historia de Hell is Us?

Pese a ser un juego de carácter AA, Hell is Us incluye una sorprendente cantidad de contenido. Calculo que la historia principal se puede completar en entre 25 y 30 horas, pero son números muy volátiles que dependen de nuestra habilidad para darle al mando y al coco.

Además, fuera del camino principal hay muchas cosas por hacer y secretos por descubrir: buenas obras para ayudar a los habitantes de Hadea, misterios regionales, cámaras secretas, bucles temporales... Y aunque el juego tampoco nos guía en ese aspecto, desde la PDA podemos hacer un seguimiento de todo el contenido opcional.

Ahora bien, mucho ojo porque hay unas cuantas misiones secundarias que, si no se completan a tiempo, se dan por fracasadas. Esto puede ser un poco molesto, pues dado que el juego no da demasiadas indicaciones, es muy fácil pasar por alto lugares, NPCs u objetos, y al hacerlo, estar fallando misiones sin saberlo.

Habría estado bien que Hell is Us contase con la posibilidad de crear diferentes partidas guardadas dentro de un mismo archivo para evitar esto.

Precio y plataformas disponibles

Hell is Us se lanza para PS5, Xbox Series X|S y PC el 4 de septiembre de 2025 a un precio recomendado de 59,99€, tanto en físico como en digital.

En ambos formatos, existen dos ediciones: la edición estándar, que incluye el juego, y la edición deluxe, que incluye el juego, 72 horas de acceso anticipado, tres packs cosméticos, banda sonora y libro de arte digitales, un código secreto in-game y una steelbook (en el caso de la edición física) por un precio de 79,99€.

El infierno es para los valientes

Hell is Us es uno de los juegos más valientes de todo 2025 por muchos motivos. Teniendo en cuenta que vivimos en una era en la que los desarrolladores se ven obligados a recurrir a trucos burdos, como la infame pintura amarilla, es muy valiente que este equipo se haya atrevido a crear un juego que confía plenamente en las capacidades de la persona que está al otro lado de la pantalla.

Muchas de sus decisiones de diseño también son un ejercicio de valentía, como la forma que tiene de retratar los horrores de la guerra (sin recrearse, pero también sin cortarse ni un pelo), el confiar en la predisposición de los jugadores para extraer y asimilar su narrativa o esconder una gran parte de contenido (contenido de calidad) para que sólo lo encuentre quien lo busque de verdad.

Y eso por no hablar de que se lanza el que probablemente sea el peor día de 2025. Mientras que otros estudios han huido despavoridos del "día S", en Rogue Factor han decidido seguir adelante con la fecha prevista aun a sabiendas de que mucha gente estará jugando a otra cosa.

Es una verdadera lástima, porque su mezcla de acción con elementos Souls, exploración no guiada, puzles a lo Resident Evil y mazmorras a lo Zelda me ha terminado conquistando. Si tuviese más variedad de enemigos y armas y hubiesen rematado mejor la trama principal, estaríamos ante un juego sobresaliente.

Y aun con esos defectos, ha sido uno de los juegos que más me han enganchado en lo que va de año, y eso son palabras mayores teniendo en cuenta la cantidad de juegazos que llevamos.

Así que espero de corazón haber sido capaz de transmitir lo mucho que me ha gustado Hell is Us y que eso os anime a darle una oportunidad, sea ahora o dentro de un tiempo. Yo ya os he dado las pistas, ahora depende de vosotros seguirlas y abrir la puerta para descubrir este tesoro.

Pero más importante aún ha sido la revelación de su fecha de lanzamiento definitiva. Sí, ya sabemos el día exacto que Final Fantasy VII Revelation llega a consolas y PC.

Además de eso, desde hoy ya se puede reservar Final Fantasy VII Revelation en las diferentes tiendas. Y ojo porque aquí también hay novedades... empezando por el primer vistazo a su espectacular edición coleccionista y el anuncio de dos contenidos descargables post-lanzamiento. Lo repasamos todo a continuación.

Final Fantasy VII Revelation ya tiene fecha de lanzamiento: anunciadas también edición coleccionista y DLCs post-lanzamiento

Empecemos por el dato más importante: Final Fantasy VII Revelation se lanza el 8 de abril de 2027 para PS5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch 2 y PC, tanto en formato físico como digital.

Después de revelar la fecha, se ha mostrado un extenso gameplay cargado de novedades. Podemos sobrevolar el mundo a bordo del Highwind, el barco volador, ver el lugar o las actividades que nos interesan desde el aire, y lanzarnos de cabeza a la acción, sin tiempos de carga. Y si ya hemos visitado alguna localización, podemos omitir el proceso usando el viaje rápido.

Además, es posible combatir a lomos de Piko, el chocobo que nos acompaña y va ganando habilidades a medida que nosotros lo hacemos

También se ha desvelado el funcionamiento de sistema FITS, similar a los trabajos clásicos de la saga Final Fantasy. En total habrá cuatro FITIS disponibles: guerrero, caballero, mago e invocador.

Al explorar, podemos cambiar de personaje en cualquier momento. Controlando a Yufiie, nos han mostrado Wutai, una de las nuevas localizaciones de esta entrega. Entre las nuevas actividades de esta entrega, podremos fotografiar gatos. También tendremos un gancho para movernos ágilemte por los tejados y llegar a sitios elevados.

No faltarán las misiones secundarias, donde podremos toparnos con personajes de FFVII Compilation en las misiones secundarias, como Cissnei (de FFVII Crisis Core). Dependiendo de qué personaje realice la una misión pueden pasar cosas diferentes; en la que se muestra, debían elegir entre Vincent o Cid

Queen's Blood, el enretenido juego de cartas, también está de vuelta. En Final Fantasy VII Revelation estará asociado a una historia con Red XIII.

Y hasta ahí las novedades del gameplay, ahora vamos con el resto de anuncios, que no son poca cosa.

Para empezar, ya es posible reservar Final Fantasy VII revelation en las distintas tiendas. Y si os habéis perdido cualquier de las entregas anteriores podéis estar tranquilos, pues también se ha anunciado un paco con los tres juegos de la Trilogía Remake.

Eso no es todo: Square Enix ha anunciado una espectacular edición coleccionista de Final Fantasy VII Revelation a través de su tienda oficial. Esta edición incluye una figura de Cloud, Zack y Sefirot, entre otras cosas muchas cosas, y tiene un precio de 389,99€.

Por cierto, si planeáis haceros con la versión de FFVII Revelation para Nintendo Switch 2, os interesa saber que en formato físico será una Gme-Key Card. Requerirá una descarga de 130GB.

Pero ojo, porque todavía hay más: echando un vistazo a la recién publicada página del juego en Steam, podemos ver que hay planeados dos DLCs de historia post-lanzamiento para Final Fantasy VII Revelation. El primero estará centrado en Sefirot y el segundo en Vincent y los turcos. Ambos llegarán entre invierno de 2027 y primavera de 2028.

¡Y eso es todo! ¿Qué os han parecido todas las novedades presentadas de Final Fantasy VII Revelation?

Estos días, el JRPG de los creadores de Persona ha estado haciendo ruido, pues se ha podido jugar y ver en movimiento la versión de Nintendo Switch 2 en Gamescom, la feria de videojuegos de Colonia (junto a otros juegos como 007: First Light, Dragon's Dogma 2 o Mega Man : Dual Override).

Y, quienes han tenido la ocasión de aprobarlo, hablan de un port sólido que se mueve a 60fps, con alguna caída ocasional.

Ahora bien, el anuncio de la apertura de las reservas ha traído consigo otra gran noticia: el precio de lanzamiento de Metpahor: ReFantazio en Nintendo Switch 2.

Metahpor: ReFantazio ya se puede reservar en Nintendo Switch 2 y se lanza a precio reducido

Como podemos ver si acedemos a la Nintendo eShop estadounidense, Metaphor: ReFantazio se lanza a 39,99$. Si bien no podemos confirmarlo al 100% hasta que se abran las reservas también en la eShop de España, es probable que su precio sea de 39,99€.

Sin duda una gran noticia para quienes no han podido disfrutar de este magnífico JRPG... así como para quienes quieran volver a hacerlo e la consola híbrida.

Además de la edición estándar, también es posible reservar otras dos ediciones con contenido adicional: Metaphor: ReFantazio Guidebook Edition, valorada en 49,99$, y Metaphor: ReFantazio Atlus 35th Digital Anniversary Edition, valorada en 69,99$.

Conviene señalar que Metaphor: ReFantazio también se lanzará en formato físico, aunque por el momento sólo se ha confirmado en Japón. Ahora bien, se tratará de una Game-Key Card.

¿Qué os parece el precio de Metaphor: ReFantazio en Nintendo Switch 2? Estaremos atentos por si hay alguna novedad en la Eshop de España. Recordad también que el JRPG de Atlus llegará a la consola híbrida el próximo 12 de noviembre.

La compañía japonesa ha traído a los guerreros Oni de vuelta al escenario poco a poco a través de remasterizaciones de las primeras entregas (ya están tardando en hacer lo propio con la tercera), pero esta Capcom en estado de gracia, que sólo este año ha lanzado Resident Evil Requiem, Pragmata y Monster Hunter Stories 3, se ha atrevido con un juego completamente nuevo.

Ahora bien, en todo este tiempo desde que se lanzó el último Onimusha (Dawn of Dreams para, ojo, PlayStation 2), ha habido muchos juegos de samuráis y muy buenos. Por haber, hay incluso una saga que salvando las distancias ha servido como heredero espiritual; sí, hablo de Nioh. Este mismo año, de hecho, hemos tenido Nioh 3.

Así que, ¿puede Capcom traer de vuelta a sus samuráis y demostrar que su katana sigue siendo la más afilada de todas? Vamos a descubrirlo en este análisis de Onimusha: Way of the Sword.

• El gameplay de Onimusha: Way of the Sword
• Nivel de dificultad de Onimusha: Way of the Sword
• ¿Cuántas horas de juego dura Onimusha: Way of the Sword?
• Cuánto cuesta Onimusha: Way of the Sword y dónde puedes jugarlo
• La opinión de Hobby Consolas de Onimusha: Way of the Sword
• Nota: lo mejor y lo peor de Onimusha: Way of the Sword

Historia, gameplay y gráficos de Onimusha: Way of the Sword

Creo que Capcom ha tenido muy presente esto último que acabo de comentar, pues Onimusha: Way of the Sword supone borrón y cuenta nueva para la saga a todos los niveles... empezando por la historia.

Nos ponemos en el papel de Miyamoto Musashi, un samurái muy diestro con la katana que acaba en posesión de un guantelete Oni habitado por el espíritu de una misteriosa dama. A regañadientes, Musashi se enfrenta a los Genma para salvar Kioto, todo ello mientras lidia con su viejo rival, Sasaki Ganryu, quien también se ha hecho con un guantelete.

Como veis, hay elementos temáticos compartidos, como el guantelete Oni o los Genma, pero Way of the Sword cuenta una historia con personajes nuevos y sin conexiones con los anteriores juegos. Dicho de otro modo: se han asegurado de que cualquier jugador pueda disfrutar de esta entrega sin conocimientos previos.

Y aunque a la historia le cuesta lo suyo arrancar, lo cierto es que me ha terminado gustando mucho. No tanto por la historia en sí, que es bastante tópica, sino sobre todo por los personajes... empezando por el propio Musashi. Porque tiene muchísima personalidad: es un sinvergüenza de mucho cuidado y hasta un poco tontorrón, pero tiene una evolución muy chula a lo largo del juego; es un personajazo.

Y los secundarios no se quedan atrás. En particular, me han gustado mucho los villanos, porque son la clase de enemigos que se ganan a pulso que los odies; son crueles, despiadados y están bastante, bastante locos. Ganryu mola muchísimo, pero ojito con Dokyo... y con el otro gran villano de la historia. Todos derrochan carisma.

Me ha sorprendido gratamente que, en ciertos puntos, Onimusha: Way of the Sword abraza por completo su lado más turbio y terrorífico, con escenas que son directamente de película de terror. El expertise acumulado con la saga Resident Evil se tenía que notar de alguna manera.

Y también me ha gustado mucho que el juego adapte un buen puñado de historias y leyendas del folclore japonés, entrelazándolas con el lore propio de la saga y acompañándolas por unas ilustraciones de estilo tradicional que no me importaría colgar en mi cuarto.

Como decía, Onimusha: Way of the Sword también se reinventa a sí mismo en el resto de apartados, así que no esperéis la misma jugabilidad hack'n slash de las anteriores entregas.

En su lugar, Capcom ha apostado por un gameplay que replica las sensaciones de un auténtico combate de samuráis, donde es más importante esperar al momento clave y realizar la acción exacta que liarse a espadazos sin contemplaciones.

Es inevitable acordarse de Sekiro por la importancia que tienen los parrys en Onimusha: Way of the Sword, o la barra de postura que, una vez vaciada, nos permite acabar con los enemigos de forma espectacular. Pero, al mismo tiempo, es un sistema de combate completamente distinto; aquí no basta con bloquear cadenas de ataques en el momento preciso, hay que bloquear en el momento preciso Y con el parry adecuado... porque hay unos cuantos tipos: parry para ataques de espada, parry para ataques desarmados, parry para ataques imbloqueables, parry para contraataques...

Y aunque dicho así puede parecer que el combate está demasiado orientado a los parrys, en Onimusha: Way of the Sword también hay muchas opciones ofensivas a nuestra disposición, empezando por los ataques rápidos y fuertes, pero también podemos aprovechar los objetos del escenario o a los propios enemigos, utilizar los armamentos Oni que actúan como la magia de entregas previas, usar el arco para detener ataques o golpear puntos débiles, esperar al último momento para liberar una cadena de Issens...

Puede parecer sencillo durante las primeras horas (algo que también afecta a la dificultad), pero a medida que progresamos y van entrando en juego más mecánicas, el combate de Onimusha: Way of the Sword va ganando profundidad hasta convertirse en algo sencillamente espectacular.

Una vez que le pillas el punto y empiezas a responder con soltura a cada tipo de ataque, saliendo indemne de los encuentros, cortando a los Genma por la mitad y guardando la katana en su saya con toda la chulería de Musashi... Es tan satisfactorio que cuesta describirlo con palabras. Lo único que puedo deciros es que no creo que me canse jamás de los combates de Onimusha: Way of the Sword. Cada vez que me apetezca un poco de acción samurái, voy a volver a este juego para liquidar a unos cuantos Genma. Es así de bueno.

Y todavía no he hablado de la mejor parte: los jefes. Todas las bondades del sistema de combate explotan en unos enfrentamientos que son un soberano espectáculo a todos los niveles, desde la puesta en escena de cada combate hasta las mecánicas específicas de cada enfrentamiento. Porque todos incluyen acciones especiales que sólo se activan bajo condiciones concretas, como meter un flechazo en un momento exacto o clavar una cadena de parrys. Para que os hagáis una idea, hay jefes que he derrotado y, cuando he vuelto a luchar contra ellos mediante la función de revancha, he descubierto cosas nuevas que no vi la primera vez. Son una auténtica pasada.

La única pega que le puedo poner al combate no tiene que ver con el sistema como tal (que insisto; es buenísimo), sino con los enemigos: le habría venido bien una mayor variedad. Hay unos cuantos tipos de enemigos diferentes, pero el grueso suelen ser espadachines humanoides. Están divididos en distintas clases y tienen diferentes comportamientos, pero a la larga se acusa cierta repetición.

El caso más sangrante, sin embargo, es el de dos minijefes que se repiten hasta la saciedad: Byakue y Dohatsu-ten. Y ojo que son enemigos muy molones con combates alucinantes, pero a la quinta o sexta vez que los ves, es inevitable cansarse.

Fuera de los combates, Onimusha: Way of the Sword también presenta muchos cambios. Aquí es importante recordar que los tres primeros Onimusha adoptaban el estilo de los Resident Evil clásicos, con cámaras fijas, puzles e incluso controles tipo tanque.

Capcom ha decidido modernizar la fórmula y, para hacerlo, han apostado por un desarrollo que alterna entre dos tipos de mapas: niveles completamente lineales y un único escenario abierto al que volvemos continuamente, el este de Kioto.

Los niveles lineales son... pues eso, niveles muy lineales en los que es prácticamente imposible perderse. A veces hay alguna situación diferente o algún puzle, pero no son demasiado creativos y si tardas más de un minuto en resolverlos, el guantelete te da la pista. Hay un par de excepciones en las que el diseño de niveles es un poco más complejo e incluso se intenta volver a ese estilo survival horror de los juegos originales, pero siguen siendo niveles por los que se avanza en línea recta.

Y me temo que el este de Kioto no es mucho mejor. Se trata, hablando mal y pronto, de un mundo abierto genérico. Y mirad, no me molesta que Onimusha apueste por ese estilo de juego, pero si me vas a meter un escenario abierto, al menos hazlo interesante. O, como mínimo, bonito. Porque te cansas muy rápido de recorrer las mismas calles y ver las mismas casas, todo cubierto por una niebla que le da un aspecto tremendamente monótono a la ciudad.

Hay algunas actividades opcionales: misiones de recadero (que por no tener, no tienen ni diálogos hablados), misiones de Lady Murasaki (que son algo más interesantes) e incluso coleccionables en forma de simpáticos perretes, pero ninguna de estas actividades es demasiado estimulante. Al final, las haces por puro completismo y porque el juego mola, básicamente.

Y, para concluir esta sección, toca hablar del apartado audiovisual. Capcom lleva años demostrando la versatilidad del RE Engine con todo tipo de juegos y Onimusha: Way of the Sword no es la excepción.

Lo que más destaca, sin ninguna duda, son las animaciones tanto faciales como de combate. Musashi es un tipo muy expresivo y eso se refleja en algunas de las mejores animaciones faciales que he visto jamás, por no decir las mejores. Los movimientos de su cara, basada en la del legendario actor Toshiro Mifune, replican con total fidelidad desde los gestos más exagerados hasta los más sutiles. El resto de personajes secundarios también tienen unas magníficas animaciones faciales, con especial mención de nuevo para los villanos. Son tan buenas que, a su lado, los NPCs de las misiones secundarias parecen sacados de juegos de otra generación.

Las animaciones de combate no se quedan atrás, empezando por su número: solo para los movimientos de parry existen más de 300 tipos de animaciones diferentes, en función de la posición del enemigo respecto a Musashi, el tipo de ataque o la distancia que los separa. Esto se traduce en que la acción fluye con un dinamismo como nunca antes se había visto en otro videojuego, sin cortes o saltos extraños entre unos movimientos y otros. Nunca te cansas de verlo en movimiento.

Aquí hay tal cantidad de trabajo que me mareo sólo de pensarlo, pues también hay que tener en cuenta las animaciones contextuales con el escenario y, sobre todo, las animaciones específicas de cada jefe, pues la forma en que Musashi bloquea los ataques cambia para adaptarse al tamaño y el arma de su enemigo. Incluso hay distintas animaciones según el tipo de parry que usamos contra los jefes o animaciones únicas según la parte del cuerpo que atacamos al vaciar su barra de resistencia. Este es otro de los motivos que hacen que el combate sea tan satisfactorio.

Y probablemente también sea el motivo por el que otras áreas del apartado visual no están tan trabajadas. Y sí, de nuevo, son los escenarios. Su principal problema es que la mayoría son bastante aburridos desde una perspectiva visual, algo que me sorprende mucho teniendo en cuenta el juego que puede dar la combinación de Japón y fantasía oscura, como ya hemos visto en muchos otros trabajos.

Ojo que con esto no quiero decir que el juego se vea mal; Onimusha: Way of the Sword se ve fenomenal y, además, cuenta con un buen número de opciones gráficas para personalizar la experiencia. En PS5 base, tenemos modo calidad y modo rendimiento, posibilidad de bloquear el framerate (a 60, 40 o 30, dependiendo del modo elegido) y compatibilidad con pantallas de 120hz. Ahora bien, algo más de variedad y "vidilla" en los escenarios no le habría sentado mal.

¿Es difícil Onimusha: Way of the Sword?

La demo de Onimusha: Way of the Sword despertó cierta preocupación debido a su escasa dificultad. Y si bien las primeras horas de juego son bastante facilonas, me complace poder decir que la aventura se va complicando que da gusto.

Hay dos niveles de dificultad, historia y acción, así como un tercero que se desbloquea tras terminar el juego por primera vez. Acción, que sería el equivalente a la dificultad normal, ofrece un grado elevado de desafío; a medida que la historia progresa y se van introduciendo nuevos tipos de enemigos, los combates empiezan a ponernos contra las cuerdas.

Y lo mismo se puede decir de los jefes; puede que los primeros no parezcan muy complicados, pero pronto empiezan a aparecer rivales que os van a hacer sudar la gota gorda, requiriendo unos cuantos intentos y dominio de sus ataques para tumbarlos. Vamos, que se muere a menudo en el nuevo Onimusha.

Eso sí, al pelear contra grupos de enemigos, siguen manteniendo esa extraña tendencia a atacar por turnos. De primeras choca bastante, pero te acabas acostumbrando y creo que se trata de una decisión deliberada, pues tal como está planteado el sistema de combate, si nos abrumasen con ataques podría convertirse en una experiencia muy frustrante.

¿Cuántas horas dura la historia de Onimusha: Way of the Sword?

Si nos centramos en completar la historia y sólo la historia, Onimusha: Way of the Sword tiene una duración de entre 15 y 20 horas. Mientras que si realizamos todo el contenido secundario, la duración aumenta a unas 30/35 horas.

Una vez completado el juego, se desbloquea una nueva dificultad y la posibilidad de jugar en modo nueva partida plus, en el que conservamos la mayor parte del progreso y mejoras obtenidas.

Precio y plataformas

Onimusha: Way of the Sword se lanza el 4 de septiembre para PS5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch 2 y PC tanto en formato físico como digital.

Las versiones de PS5 y Xbox tienen un precio de 79,99€ (edición estándar), mientras que la de Switch 2 tiene un precio de 69,99€, pero se trata de una Game-Key Card.

Vivir es sufrir

Os voy a contar un secreto: mi primer Onimusha fue el tercero. Lo compré sin saber gran cosa sobre la saga, pero la promesa de combates samuráis en el París moderno y Jean Reno matando demonios con un látigo y una pistola era demasiado buena como para rechazarla.

Nunca olvidaré contemplar esa espectacular secuencia CGI inicial, con el Requiem de Mozart reventando los altavoces mientras Samanosuke se enfrentaba a Gargant en uno de duelos de espada más alucinantes que han visto estos ojos.

Pero luego empecé a jugar... y lo que me encontré estaba bastante alejado del espectáculo de esa secuencia de vídeo. Vaya por delante que me encanta Onimusha 3, es uno de mis juegos favoritos y le tengo mucho cariño, pero el gameplay no fue lo que esperaba.

Y ahora, más de 20 años después, Capcom lo ha conseguido. Han hecho un Onimusha en el que los combates son exactamente eso; duelos de espada alucinantes con unas coreografías que ya quisiese Hollywood.

Esto les ha obligado a reinventar la saga casi por completo. Puedo entender que haya jugadores veteranos que no casen con este nuevo estilo de juego. Y desde luego hay margen de mejora, pero igual que Resident Evil se reinventó y hoy celebramos su actual fórmula, Onimusha también necesitaba evolucionar para adaptarse a los tiempos que corren. Transformarse, más bien.

Para mí la clave es que si le enseñase este juego al Álvaro que alucinaba con la intro de Onimusha 3, sé de buena tinta que lo fliparía en colores. Casi tanto... como lo estoy flipando en 2026.

Tras sufrir un retraso sobre la fecha de estreno inicial (estaba previsto para 2025) debido a problemas de rendimiento, el juego está por fin listo para llegar a la consola híbrida.

Nintendo Switch 2 no deja de sorprendernos con sus versiones de juegos que ya se han lanzado en otras plataformas; hace apenas unas semanas, otro gran soulslike, el magnífico Lies of P: Complete Edition, llegaba a la consola con muy buenos resultados. Y qué decir del apoyo que está recibiendo por parte de third parties como Capcom.

Así que en este análisis de Elden Ring: Tarnished Edition vamos a ver si el tiempo extra de desarrollo ha dado sus frutos y FromSoftware ha logrado trasladar toda la magia de las Tierras Intermedias a Nintendo Switch 2.

• El gameplay de Elden Ring: Tarnished Edition
• Nivel de dificultad de Elden Ring: Tarnished Edition
• ¿Cuántas horas de juego dura Elden Ring: Tarnished Edition?
• Cuánto cuesta Elden Ring: Tarnished Edition y dónde puedes jugarlo
• La opinión de Hobby Consolas de Elden Ring: Tarnished Edition
• Nota: lo mejor y lo peor de Elden Ring: Tarnished Edition

Jugabilidad y gameplay de Elden Ring: Tarnished Edition

Elden Ring: Tarnished Edition es la versión más completa de la obra hasta la fecha: incluye el juego original y la expansión Shadow of the Erdtree, así como varios extras que llegarán también al resto de plataformas en forma de DLC.

No voy a meterme demasiado a hablar sobre Elden Ring y Shadow of the Erdtree. En primer lugar, porque hablamos de uno de los juegos más populares de los últimos años y, en segundo, porque para eso ya tenéis los análisis que me curré en su momento; echadles un ojo si queréis saber lo que dije de ambos.

En su lugar, aquí me voy a centrar en las particularidades de la versión para Nintendo Switch 2... empezando por su apartado gráfico. Y tengo que decir que Elden Ring: Tarnished Edition se ve realmente bien en la consola híbrida. Tanto que es muy difícil distinguirlo del resto de versiones, salvo que tengáis herramientas de medición... o un ojo biónico.

Puede que haya una ligera reducción gráfica en cosas como la distancia de dibujado o el número de elementos en pantalla, pero cuando estéis jugando no lo vais a notar.

Vale que Elden Ring no es un juego especialmente puntero en lo que a gráficos se refiere (nunca ha sido el fuerte de FromSoftware), pero no deja de ser muy impresionante contemplar la magnitud de las Tierras Intermedias en una consola portátil, especialmente cuando llegamos a una zona nueva y nos dan la bienvenida unas vistas espectaculares (qué bien se le dan esos momentos a FromSoftware).

¿Y qué pasa con el rendimiento? Como decía al principio, este fue el principal motivo del retraso del juego; hace exactamente un año, la prensa pudo probarlo en Gamescom y sus impresiones no fueron demasiado buenas.

Pero me alegra poder decir que el tiempo extra de "cocinado" ha merecido la pena: Elden Ring: Tarnished Edition se mueve a 30fps que son por lo general bastante estables. Y digo por lo general porque sí, a veces se pueden apreciar algunas ralentizaciones, especialmente al recorrer el mundo abierto, pero son puntuales.

Curiosamente, he puesto el juego a prueba en distintas situaciones complicadas, como peleas contra un gran número de enemigos diferentes o enfrentamientos contra rivales de gran tamaño y ataques exigentes (como un dragón), y la versión de Elden Ring para Nintendo Switch 2 lo ha movido todo sin despeinarse en ambos casos.

Quizás habría estado bien que se incluyese algún tipo de opción visual para ajustar la calidad de imagen a nuestras preferencias, pero, en cualquier caso y, teniendo en cuenta el estado en que se encontraba hace más de un año, creo que podemos hablar sin miedo de una gran versión para Nintendo Switch 2. Otra gran versión para Nintendo Switch 2.

En cuanto a los extras que incluye Elden Ring: Tarnished Edition, tenemos dos nuevas clases a la hora de crear a nuestro personaje al empezar partida, varios sets de armadura nuevos y aspectos cosméticos para alterar la apariencia de Torrentera.

No son una locura de añadidos, pero se agradece el detalle de incluir alguna novedad para darle aún más vidilla a esta versión. Me gusta, además, que todos estos nuevos objetos y apariencias hay que encontrarlos; no se desbloquean desde el principio porque sí (salvo, obviamente, las dos clases nuevas).

Por último, también quiero comentar que me ha parecido notar que la fijación de enemigos funciona peor que en el resto de versiones. Cuando hay grupos de enemigos, la cámara parece priorizar a los que se encuentran más lejos de nuestro personaje y le cuesta centrarse en los que tenemos más cerca. Comento esto un poco de tapadillo porque no puedo confirmar al 100% que sea un problema de esta versión, pero me ha pasado en unas cuantas ocasiones, así que no puede tratarse de un fallo puntual.

¿Es difícil Elden Ring: Tarnished Edition?

Como suele ser costumbre en los juegos del estudio, Elden Ring: Tarnished Edition es un juego difícil con un único nivel de dificultad que no es posible cambiar. Ahora bien, dentro de los trabajos ás recientes de FromSoftware, Elden Ring es el soulslike que más opciones y herramientas nos da para sortear el muro de la dificultad.

Al desarrollarse en un gigantesco mundo abierto, tenemos la posibilidad de explorar para hacernos más fuertes, encontrando nuevas armas, armaduras y hechizos, materiales para mejorar los que ya tenemos, objetos que amplían la curación... y por supuesto subir de nivel.

Elden Ring cuenta además con un sistema de invocaciones que en el peor de los casos pueden darnos unos segundos de respiro... y en el mejor pueden trivializar por completo los enfrentamientos (lágrima mimética, ejem).

En Shadow of the Erdtree la dificultad funciona de una manera un tanto diferente: dado que el DLC está pensado para jugadores expertos, se introduce un nuevo tipo de objeto conocido como fragmentos del Árbol Umbrío que mejoran el ataque y la negación de daños de nuestto personaje siempre que permanezcamos en el Reino de las Sombras (la ubicación donde tiene lugar el DLC).

Es un recurso muy inteligente que nos invita a explorar hasta el último recoveco si queremos hacernos más fuertes (porque llegado cierto punto, el nivel de nuestro personaje deja de ser tan importante).

¿Cuántas horas dura la historia de Elden Ring: Tarnished Edition?

Es complicado medir la duración de un juego tan enorme como Elden Ring; cada jugador tendrá una experiencia diferente y el número de horas variará drásticamente. Una partida yendo a tiro hecho puede estar entre las 60 y las 80 horas, pero lo normal es que Elden Ring no baje de las 100 horas de duración.

Y eso sin contar Shadow of the Erdtree, que añade otras 40-60 horas de juego. En resumen: si queréis completarlo, más os vale pillar unas buenas vacaciones (o tener mucho tiempo libre).

Precio y plataformas disponibles

Elden Ring: Tarnished Edition se lanza para Nintendo Switch 2 el 28 de agosto a un precio recomendado de 79,99€, tanto en formato físico como digital. Un precio un pelín caro si tenemos en cuenta que tanto el juego base como la expansión tienen ya más de dos años.

Además, en el caso de la edición física, se trata de una Game-Key Card, de manera que el juego no viene incluido en el cartucho y requiere una descarga. Ocupa 41GB, por cierto.

Las comparaciones son odiosas pero, una vez más, es inevitable fijarse en el reciente Lies of P: Complete Edition, que también incluye el juego, el DLC y varios extras a 69,99 y con todo en el cartucho. Es una pena que un juegazo de la talla de Elden Ring no consiga estar a la altura en ese aspecto.

Por su parte, los contenidos extra de esta edición también llegan al resto de versiones de Elden Ring en forma de DLC, apodado Tarnished Pack y a un precio de 4,99€. Y vale que no es muy caro, pero teniendo en cuenta los contenidos que son, creo que esto tendría que haber sido gratuito.

El Sinluz brilla en Nintendo Switch 2

Si nos ceñimos a todo lo que tiene que ver con el juego en sí, es imposible no recomendar Elden Ring: Tarnished Edition, especialmente si sois usuarios fieles de Nintendo y esta va a ser vuestra primera experiencia con el juego de FromSoftware.

Estamos ante el soulslike definitivo, un juego monstruoso que, junto a su magistral DLC, ofrece cientos y cientos de horas de juego de la mayor calidad. La versión para Nintendo Switch 2, además, es muy digna; se ve muy bien y tiene un rendimiento bastante estable.

El problema viene si atendemos al resto de aspectos que rodean al lanzamiento: precio elevado, juego en formato Game-Key Card y un DLC que debería haber sido gratuito para el resto de versiones.

En cualquier caso, hablamos de Elden Ring. Es poner un pie en las Tierras Intermedias y quedar atrapados por la luz del Árbol Aureo. Tenía previsto jugar lo justo y necesario para este análisis, pero he acabado completamente enganchado otra vez. Fue un juegazo descomunal hace cuatro años... y lo sigue siendo como el primer día.

Naoki Hamaguchi, director de esta tercera y última entrega de la trilogía Final Fantasy VII Remake, ha sido el encargado de presentar el nuevo tráiler del esperado juego.

Además, también ha desvelado su ventana de lanzamiento... y es incluso antes de lo que esperábamos. Vamos a repasar todas las novedades de Final Fantasy VII Revelation en Gamescom.

Nuevo tráiler de Final Fantasy VII Revelation centrado en las Armas y desvelada su ventana de lanzamiento

El nuevo tráiler de Final Fantasy VII Revelation está protagonizado por uno de los elementos más recordados del juego original: las Armas, gigantescas criaturas biológica liberadas por el planeta para enfrentarse a los peligros que lo ponen en riesgo.

En el Final Fantasy VII original, la mayoría de Armas actuaban como súperjefes opcionales, pero parece que en Revelation tendrán un mayor protagonismo, abrazando su lado "kaiju".

En este tráiler podemos ver al grupo formado por Cloud, Tifa y compañía librando varios combates contra las majestuosas criaturas, ya sea a pie o a bordo del Highwind. Van a dejarnos momentos muy espectaculares, de eso no cabe ninguna duda.

Pero más importante aún que este nuevo tráiler ha sido la revelación de que Final Fantasy VII Revelation estará disponible para PS5, Xbox Series, Nintendo Switch 2 y PC en primavera de 2027. Ya sabíamos que llegaría el año que viene, pero esto sirve para acotar aún más su fecha de lanzamiento.

¿Qué os ha parecido el nuevo tráiler de Final Fantasy VII Revelation? Recordad que podéis estar al tanto de todos los anuncios del evento a través de nuestro resumen de Gamescom ONL 2026.

Este nuevo tráiler nos ha mostrado un nuevo vistazo tanto a la historia como a la jugabilidad de este esperado título de acción que se inspira en la leyenda del Rey Arturo y los caballeros de la mensa redonda.

Y, quizás más importante, también ha confirmado a la nueva actriz que dará vida a Gwendolyn, protagonista de al aventura. Vemos el nuevo tráiler de Tides of Annihilation y repasemos todos los detalles desvelados.

Nuevo tráiler de Tides of Annihilation: el hack'n slash confirma a la nueva actriz que interpreta a Gwendolyn

Tides of Annihilation nos pone en el papel de Gwendoyn, una joven que lucha contra criatura de otra dimensión a través de las ruinas de un Londres para encontrar el santo grial. Por suerte, no está sola: puede invocar a los caballeros de la mesa redonda para que le echen un cable en combate.

Cuando fue anunciado, se desveló que Gewndolyn estaría interpretada por al actriz Jennifer English, conocida principalmente por ser la voz de Shadowheart (Baldur's Gate 3) y Maelle (Clair Obscur: Expedition 33). Sin embargo, hace unos meses English anunció que abandonaba el proyecto por motivos personales.

El nuevo tráiler de Tides of Annihilation ha confirmado a la nueva actriz que dará vida al personaje: se trata de Angela Sant'Albano, a quien hemos podido escuchar este mismo año en Resident Evil Requiem como Grace Ashcroft.

Por su parte y pese al cambio de voz, el juego sigue teniendo una pinta espectacular y promete ser todo un regreso a los hack'n slash de antaño.

¿Qué os ha parecido el nuevo tráiler de Tides of Annihilation? Recordad que podéis estar al tanto de todos los anuncios del evento mediante nuestro resumen de Gamescom ONL 2026.

Y las comparaciones con Elden Ring y Monster Hunter no se han hecho esperar, especialmente debido a su estética y fragmentos de jugabilidad.

Veamos hasta qué punto se parece Nodus Fall a Elden Ring y Monster Hunter en su primer tráiler y detalles desvelados en su anuncio oficial.

Primer tráiler de Nodus Fall, el nuevo juego de HoYoverse que recuerda a Elden Ring y Monster Hunter

Empecemos por lo básico: Nodus Fall es un juego de acción cooperativo que nos pone en el papel de un Tejedor/a, personajes que deben acabar con los dioses en un mundo en ruinas.

Si bien a nivel visual es imposible no pensar en Elden Ring debido al diseño de su mundo y enemigos gigantescos, lo cierto es que a nivel jugable parece que la propuesta de HoYoverse está mas cerca de Monster Hunter; en el tráiler, podemos ver a los tejedores uniendo fuerzas para derrotar a varias de estas criaturas legendarias.

Por el momento no se han ofrecido muchos más detalles sobre Nodus Fall (ni plataformas ni fecha, aunque podemos asumir que llegará a consolas y PC como el resto de juegos de HoYoverse). Lo que sí han desvelado es que Nodus fall está realizado con el motor Unreal Engine 5.

¿Qué os ha parecido el primer tráiler de Nodus Fall? Recordad que podéis estar al tanto de todos los anuncios con nuestro resumen de Gamescom ONL 2026.

Pero si no habéis sido seleccionados para el Network Test o simplemente queréis saber con antelación qué esperar del nuevo trabajo de los autores de Dark Souls, Bloodborne, Sekiro y Elden Ring, habéis venido al lugar adecuado.

Porque Hobby Consolas fue uno de los pocos medios en todo el mundo que tuvo la oportunidad de asistir a una sesión de prueba de The Duskbloods en Japón, nada menos que en las oficinas de FromSoftware. Durante dos días pudimos probar en profundidad el juego exclusivo de Switch 2, concretamente, la misma prueba de red que estará disponible a partir de mañana.

Por si eso no lo convirtiese ya en una ocasión muy especial, también tuvimos la oportunidad de entrevistar a su director, Hidetaka Miyazaki, padre del subgénero soulslike y una de las figuras más importantes e influyentes de la industria del videojuego en la última década. Miyazaki resolvió todas las dudas que nos quedaron tras jugar y, además, desveló varias cosas muy interesantes que no vais a ver en el Network Test.

Y lo más importante que resolvió tanto esta sesión de juego como el propio Miyazaki, es la duda que seguro que muchos tenéis: ¿cómo puede un juego orientado al PvP convencer a todos esos seguidores de los Souls que prefieren evitar el combate contra otros jugadores? (Y entre los que, por cierto, me incluyo).

Pues muy sencillo: en The Duskbloods, puedes ganar partidas ignorando por completo al resto de participantes y, a grandes rasgos, jugando exactamente como jugarías a otros títulos de From. ¿Como es eso posible? Vamos a descubrirlo en estas impresiones.

Los Conversos de Sangre y la historia de The Duskbloods

The Duskbloods nos pone en el papel de un Converso de Sangre, individuos con habilidades sobrehumanas arrastrados desde distintas épocas para enfrentarse en batallas a muerte de las que sólo puede salir un vencedor.

Los Conversos vienen a ser las clases de The Duskbloods. En la prueba que jugamos (y en el Network Test) hay un total de seis personajes diferentes, pero nos confirmaron que habrá más de diez Conversos de Sangre en la versión final.

Al venir de distintos puntos en el tiempo, los Conversos exhiben apariencias y poderes de lo más variopintos, de ahí que haya un personaje que parece sacado de la época victoriana, pero también una guerrera de estilo oriental, un buzo steampunk o un noble... que se transforma en velociraptor.

Todos los Conversos de Sangre cuentan con un arma para ataques físicos, otra para ataques a distancia y varias habilidades con un pequeño tiempo de espera tras su uso. Además, todos pueden realizar triples saltos, esquivas aéreas y no consumen aguante al atacar; dentro de la fórmula Souls, The Duskbloods es sin ninguna duda el juego con mayor movilidad de todos los realizados por FromSoftware.

Además y, como su nombre ya insinúa, todos los Conversos tiene la capacidad de beber la sangre de sus enemigos. Se trata del habitual movimiento de ejecución de los juegos de From, con la particularidad de que en The Duskbloods, además de hacer mucho daño, también recupera salud. Y no sólo eso; si bebemos la sangre de los enemigos controlados por la máquina, estos pasan a estar bajo nuestras órdenes y nos ayudan en combate.

Como ya veis, todos los personajes comparten una serie de elementos en común, pero a la hora de jugar cada Converso es un mundo y se siente muy distinto a los mandos. Por poner un ejemplo, uno tiene una espada y una pistola automática, mientras que otro tiene un hacha y un hechizo de fuego a modo de lanzallamas. También hay un Converso que es básicamente un francotirador, otro que sería el equivalente al clásico hechicero, otro que puede recuperar salud tras recibir daño al más puro estilo Bloodborne, otro que puede tomar el control de varios enemigos de golpe... En fin, ya os hacéis una idea de que hay mucha variedad y para todos los gustos. Y aunque en esta sesión todos los personajes tenían un equipo "fijo", Miyazaki nos contó que en la versión final del juego será posible personalizar las armas y las habilidades de los Conversos.

Tras jugar con todos ellos, hubo un par que destacaron por encima de los demás, pero creo que es muy pronto para hablar de parches de equilibrio porque ya sabemos cómo funcionan las cosas en estos juegos; mañana, la gente descubre algo nuevo y el personaje que parecía más flojo se convierte en el más roto de todos.

No voy a meterme demasiado en temas de lore porque, sencillamente, no hubo tiempo para ponerse a leer todas las descripciones, pero si sois fans de la forma con la que los juegos de From afrontan la narrativa, podéis estar tranquilos porque The Duskbloods sigue exactamente la misma línea. De hecho, nos contaron que las historias de los personajes progresarán de una forma similar a lo visto en Elden Ring: Nightreign.

El propio Miyazaki ha sido el principal responsable de la creación de este nuevo universo y sus personajes, así que el sello de calidad está más que garantizado. En el pasado, Miyazaki ha confesado ser un gran fan de Sueño del Fevre, la novela de vampiros y barcos de vapor escrita por George R.R. Martin. Y viendo lo que propone The Duskbloods, no sería descabellado pensar que el nipón está usando la obra del escritor como principal fuente de inspiración.

La importancia de la Virtud: así son las partidas de The Duskbloods

Pero "dejémonos de historias" y habemos de lo importante: cómo se juega a The Duskbloods. En las partidas, denominadas "Batallas Crepusculares", ocho jugadores se enfrentan todos contra todos en un mismo y enorme mapa.

El mapa donde jugamos, apodado "Ciudad Lowanro", se componía de zonas muy diferentes: desde calles de estilo victoriano hasta grandes catedrales (campanario incluido), pasando por pantanos, catacumbas y cloacas. Lo mejor de todo es que, pese a su gran tamaño, bastaron un par de partidas para hacernos una buena idea de la disposición del mapa y empezar a movernos con soltura, demostrando una vez más que FromSoftware tiene los mejores diseñadores de niveles de todo el sector. Y esto es sólo un mapa, pues también nos confirmaron que en la versión final del juego habrá tres mapas distintos.

Cada partida se compone de tres fases diferentes y una ronda final en la que los tres mejores jugadores luchan a muerte en un espacio reducido para alzarse con la victoria.

A lo largo de cada fase, vamos obteniendo experiencia y subiendo de nivel, así como mejorando las habilidades, desbloqueando nuevas o incluso otorgándole efectos de estado a las armas. Vamos, que viene a ser la experiencia habitual de un juego de From, condensada en partidas de unos 30-40 minutos.

El PvP es el corazón de The Duskbloods, de eso no cabe ninguna duda, pues el objetivo principal es ser el último jugador en pie. Pero el nuevo juego de FromSoftware está diseñado de tal manera que puedes alcanzar la ronda final sin haber cruzado espadas con ningún otro Converso.

Y aquí es donde entra en juego el sistema de Virtud. A grandes rasgos, se trata de un sistema de puntos; matar a otros jugadores da puntos, por supuesto, pero también hay muchas otras cosas que otorgan Virtud... y no todas implican enfrentarse a Conversos.

Por ejemplo, en ciertos lugares de los mapas hay unas llamas de color morado que otorgan puntos de Virtud al primer jugador que interactúa con ellas. También se obtiene Virtud por ser el jugador que más monstruos y objetos ha recogido durante la partida. Y si pelamos y derrotamos a un Intruso, que es el nombre que reciben los jefes en The Duskbloods, también obtenemos puntos de Virtud.

Y al final, eso es lo más importante. No ser el jugador más hábil en el PvP o el que más Conversos ha derrotado, sino el que más puntos tiene. De ahí que sea posible plantarse en la ronda final sin haber matado a ningún otro jugador.

Es más, aunque el PvP es importante, The Duskbloods incluye una serie de mecánicas de juego que están precisamente pensadas para que las partidas no se conviertan en batallas campales.

En cualquier momento, cuando vemos a otro jugador, podemos mandarle una petición para forjar una alianza. Alianza que suele ser beneficiosa para ambos de cara a conseguir Virtud y que se mantiene hasta la ronda final (en caso de llegar), donde los amigos pasan a ser inevitablemente enemigos... Aunque, al ser un duelo de tres jugadores, nada ni nadie impide que dos de ellos vayan a por el tercero para convertir la fase final en un auténtico uno contra uno.

El propio juego promueve las alianzas mediante los Estigmas, un sistema que afecta a la relación con otros jugadores marcando un objetivo opcional desde el inicio de la partida; en algunos casos, nos marca a otro jugador como nuestra Némesis y, si logramos derrotarlo, obtenemos puntos extra de Virtud. Pero, en otros casos, el Estigma puede invitarnos a buscar a otro jugador para proponerle una alianza o, incluso, en el caso del llamado "Almas gemelas", el objetivo es encontrar a nuestro/a amante y proponerle matrimonio... hincada de rodilla y flores incluidas.

Los jefes de The Duskbloods también tienen un importante componente cooperativo, porque cuando cualquier jugador entabla combate contra un Intruso, todos los jugadores de la partida son informados y pueden desplazarse inmediatamente hasta el lugar para trata de derrotar al jefe. Son rivales bastante duros para un solo jugador, pero las recompensas por vencerlos suelen merecer la pena, de ahí que sea importante unir fuerzas con otros Conversos...

...pero también con NPCs, pues The Duskbloods incluye un sistema similar a las invocaciones de ceniza de Elden Ring. En todas las partidas, hay una serie de puntos desde los que podemos solicitar los servicios de una criatura que nos acompaña en todo momento e incluso sube de nivel y gana nuevas habilidades al combatir a nuestro lado. Estas criaturas pueden estar centradas en el ataque o en el apoyo y se clasifican según una tier list, de manera que hay algunas bastante más útiles que otras. Me parece una idea muy de juego multijugador clásico, algo así como encontrar el lanzacohetes en Quake.

Como ya estáis viendo, hay mucho que procesar en The Duskbloods. Es indudablemente un juego de FromSoftware, pero hay una cantidad enorme de nuevas ideas y sistemas que debemos conocer a la perfección si queremos tener alguna oportunidad de ganar. Ya os advierto que durante las primeras partidas es inevitable sentirse un poco perdidos ante tantas ideas nuevas y no tener muy claro si estamos haciendo lo correcto para progresar.

De hecho y, como ya pasaba en Nightreign, The Duskbloods es la clase de juego donde el conocimiento y la toma de decisiones sobre la marcha son clave. Debemos analizar la partida constantemente para determinar si nos interesa subir de nivel para ser más fuertes o "farmear" puntos de Virtud para no quedarnos atrás, así como decidir qué fuentes de puntos de Virtud son las que más nos interesan en función de nuestra posición en el mapa, fase en la que nos encontramos, tiempo hasta que termine y puntos del resto de jugadores. Hay mucha estrategia en todo momento.

Y uno de los aspectos más interesantes es lo rápido que pueden cambiar las cosas en mitad de una partida. Puede que terminemos la primera fase en última posición y, en las siguientes, le demos la vuelta por completo a la situación y nos coloquemos en primera (es verídico; me pasó en varias ocasiones).

Esto se debe a que las partidas también añaden un componente multijugador con un toque más clásico en forma de Rituales y Eventos. Los Rituales tienen lugar al final de la segunda y tercera fase y son arenas de combate donde los jugadores pueden entrar para conseguir un gran número de puntos de Virtud de dos formas distintas: eliminando a otros jugadores o reclamando y protegiendo zonas designadas. Como veis, tenemos de nuevo la dos opciones: PvP o PvE. Y lo mejor de todo es que no estamos obligados a participar en el Ritual; hubo ocasiones en las que iba tan sobrado de puntos, que preferí quedarme fuera, a lo mío, en lugar de entrar a la contienda que se celebraba en su interior.

Por su parte, los Eventos animan las cosas en las fases finales añadiendo situaciones muy diferentes. Una carta de tarot (con ilustraciones chulísimas, por cierto), nos avisa de lo que nos vamos a encontrar; puede que sea una lluvia de estrellas, que caen en puntos concretos del mapa y otorgan puntos de Virtud al jugador que las recoge y conserva hasta la siguiente fase. Puede que sea una plaga de esferas de sangre, unas criaturas que, al ser derrotadas, mejoran las habilidades de nuestro personaje. O puede que el evento consista en que todos los Conversos empiezan la fase con un mando en su inventario que permite solicitar un ataque aéreo sobre otros jugadores.

Probablemente, otra de las grandes preguntas que muchos tenéis en la cabeza tiene que ver con el apartado técnico de The Duskbloods... Y tengo que decir que me ha sorprendido muy gratamente en este aspecto. Han conseguido trasladar la fidelidad visual de los últimos juegos del estudio a Nintendo Switch 2 manteniendo un buen nivel de rendimiento. Es difícil determinar los números exactos a ojo, pero diría que se mueve en torno a los 40fps sin caídas pronunciadas en modo TV (no fue posible jugar en portátil).

Eso sí, hay un detalle que de primeras choca bastante: existe una especie de retardo al saltar, como si hubiese input lag al pulsar el botón de salto. Puede resultar un poco molesto, pero tras varias partidas te acabas acostumbrando. Y, lo que es más importante: estoy convencido de que se trata de una decisión deliberada, pues el resto de acciones no presentan ningún tipo de input lag.

Lo que más destaca del apartado visual, como de costumbre, es la dirección artística, apostando por un estilo oscuro inspirado en el Londres victoriano que por momentos nos hace sentir como si estuviéramos de vuelta en Yharnam. La imponente arquitectura de los edificios y las puestas de sol consiguieron dejarnos con la boca abierta.

El Sueño del Fevre de Hidetaka Miyazaki

Entiendo que The Duskbloods pueda dar un poco de vértigo e incluso generar algo de rechazo entre los habituales de los Souls. Como decía al principio, yo no soy la clase de jugador que busca el PvP en estos juegos. Y, como yo, muchos de los allí presentes compartían este sentimiento... incluido Miyazaki. Pero, tras dos días jugando, cualquier atisbo de duda o rechazo se ha disipado por completo. The Duskbloods ofrece tantas opciones y formas distintas de progresar, que tiene potencial para conquistar a todos los jugadores de los Souls, independientemente de sus preferencias al jugar.

Es más, mi mayor pega con el juego era que la ronda final de las partidas fuese un jugador contra jugador contra jugador. Me parecía un poco extraño que se diesen tantas posibilidades para llegar hasta ahí sin enfrentarse a nadie... y que al final todo se resolviese en un combate de pura habilidad. Pero, de nuevo, Hidetaka Miyazaki tenía la respuesta: si bien es así en la prueba de red, en la versión final de The Duskbloods habrá varios tipos de ronda final, siendo una de las variantes un combate contra un jefe (distinto a los Intrusos) en el que los tres finalistas unirán fuerzas como colofón para la partida. Como en Nightreign, vaya.

La gran diferencia y la gran ventaja que le veo a The Duskbloods frente al juego multijugador de Elden Ring, es que aquí no es indispensable tener a un par de amigos con los que jugar. Al revés: la experiencia, al tener un carácter competitivo, es más divertida con desconocidos.

Y las sensaciones habituales de los Souls se ven potenciadas: esa euforia que todos hemos sentido al derrotar a un jefe, aquí es aún más intensa por el hecho de ser un juego multijugador. Mentiría si dijese que no llegué a todas las rondas finales con las manos temblando de emoción y nervios. Y cuando conseguí alzarme vencedor, fue como ver a España ganar el mundial.

Pero lo mejor que puedo decir ahora mismo de The Duskbloods es que tras dos días muy intensos jugando, salí de las oficinas de FromSoftware deseando echar otra partida. Menos mal que mañana por fin voy a poder hacerlo... y vosotros también.

Tras dos días muy intensos en las oficinas de FromSoftware probando a fondo la misma prueba de red que estará disponible mañana en Nintendo Switch 2, llegó el momento de hablar con su creador. Los responsables de Nintendo guiaron al grupo, compuesto por diez periodistas de medios europeos, hasta la sala donde nos esperaba.

Por algún motivo (probablemente por tratarse de una figura de la talla de Miyazaki), esperaba una presentación repleta de fanfarria para dar paso a la ronda de preguntas... pero no fue así. Miyazaki nos esperaba sentado tras una gran mesa, acompañado únicamente por su traductor y figuras hiperdetalladas de Nito, el Rey Sin Nombre y Malenia.

La entrevista empezó sin demasiados preámbulos, tocando prácticamente a una pregunta por cabeza y siguiendo el orden en el que nos habíamos sentado. Mientras esperaba a que llegase mi turno, recordé todas esas historias que le definen como una persona tímida. Miyazaki no mantenía el contacto visual al hablar; en su lugar, contemplaba distintos puntos del techo, como si buscase la inspiración en las estrellas del firmamento que tanto le fascinan.

Y, cuando alguien hacía el intento de hablarle en japonés, siempre se le escapaba una risa nerviosa que, lejos de sonar jocosa, resultaba halagüeña. Tanto su forma de expresarse como sus respuestas transmitían una humildad que nunca esperarías de alguien que se encuentra en lo más alto de la industria.

Pero lo más fascinante fue escuchar sus respuestas en tiempo real, adaptándose con soltura a preguntas que trataban temas muy distintos, encontrando soluciones inteligentes sobre la marcha a los problemas que le planteábamos y dejándonos perlas de sabiduría que sólo pueden tener cabida en la mente de un visionario.

A continuación, podéis leer una transcripción de la entrevista con todas las preguntas y las respuestas de Miyazaki en el mismo orden que se realizaron. Espero que disfrutéis leyéndole tanto como yo escuchándole.

Entrevista a Hidetaka Miyazaki, presidente de FromSoftware y director de The Duskbloods

Multiplayer.it: ¿por qué es The Duskbloods el juego adecuado para FromSoftware en este momento y por qué habéis elegido Nintendo Switch 2 como plataforma?

Para responder a tu primera pregunta: no es algo en lo que haya pensado en profundidad. Creo que, si miramos atrás —quizás hasta la época de Demon's Souls—, siempre hemos explorado elementos en línea, como los pactos y las relaciones entre jugadores. Sin embargo, en un juego centrado en la experiencia para un solo jugador, hay muchas cosas que no se pueden asimilar o resolver con fluidez dentro de esas limitaciones. Hemos hecho muchos intentos desde entonces, pero algunas cosas simplemente no encajaban; por ejemplo, ciertos elementos no terminaban de cuadrar en Elden Ring. Así que The Duskbloods podría ser una vía para dar salida, a nivel personal, a todas esas ideas que siempre he querido probar en un entorno en línea.

En cuanto a por qué elegimos Nintendo Switch 2: bueno, la idea inicial del juego se la propuse a Nintendo yo mismo hace ya varios años, durante una de nuestras reuniones de colaboración; ellos se mostraron muy receptivos y entusiasmados con nuestras ideas, y así fue como comenzó la planificación del proyecto. A mitad del desarrollo supimos del hardware de Nintendo Switch 2, y esta resultaba mucho más adecuada para la clase de aspectos de comunicación en línea y las ideas que teníamos para el juego en red. Así que surgió una gran oportunidad para cambiar el rumbo y orientar el desarrollo hacia Switch 2.

IGN Dinamarca: los personajes tienen nombres interesantes, provenientes de distintos idiomas. ¿Podrías hablar un poco sobre su trasfondo o la historia de donde vienen? ¿Quizás provienen de lugares fuera de nuestro propio mundo?

Es posible que en la prueba de red no haya muchos elementos relacionados con el trasfondo. Aun así, gracias por haberlo mencionado. Es un aspecto en el que nos estamos centrando de cara a la versión final del juego, y esperamos que los jugadores descubran mucho sobre estos personajes. Como bien dices, todos ellos han sido creados con sus propios trasfondos, personalidades y contextos; además, existen numerosas relaciones entre los Conversos de Sangre y sus familias de sangre, sus lazos sanguíneos. Así que esperamos que los jugadores vayan descubriendo estas historias y los trasfondos de los personajes a medida que jueguen.

En cuanto al volumen de texto y trasfondo, creo que es muy comparable a nuestros juegos anteriores. Así que, a medida que desbloquees más información sobre estos personajes y descubras más detalles de la trama, habrá muchísimo que indagar y disfrutar; descubrir las conexiones entre los Conversos de Sangre y sus historias es algo muy hermoso. La narrativa es un poco diferente en esta ocasión.

Ron de Países Bajos (periodista de videojuegos freelance): estaba un poco nervioso al principio porque, por lo general, el PvP y el multijugador no son los motivos por los que disfruto de los juegos de FromSoftware. Por eso me preguntaba si estás nervioso ante la posibilidad de dividir a la base de fans o por cómo atraer a jugadores como yo. Aunque, a decir verdad, el juego me ha gustado.

Personalmente, creo que hay muchas formas distintas de jugar y la razón principal para jugar no es necesariamente participar en combates PvP, sino lograr la victoria al final. Por tanto, debemos idear diversas maneras de alcanzar ese triunfo. Depende de cada jugador decidir cómo llegar a esa etapa final. Existen muchos elementos de "role play" y queda en manos del jugador cómo expresarse, cómo comportarse en el entorno y cómo interactuar con los demás usuarios. Creo que hay mucho margen para que cada persona encuentre su propia forma de divertirse dentro de ese sistema y ese marco; la tarea de transmitir esto a los jugadores recaerá en el equipo de marketing y en nuestros amigos de Nintendo durante los próximos meses.

Eurogamer Alemania: ¿se verá influenciado el matchmaking por el comportamiento de los jugadores? Por ejemplo, ¿se adaptará a los distintos estilos de juego para crear partidas más equilibradas entre jugadores centrados en el PvP y aquellos centrados en el PvE? ¿Lo tuvo el equipo en cuenta durante el proceso de diseño del emparejamiento?

Si bien las builds y el equipamiento de los jugadores son fijos en la versión de la prueba de red que jugaste, el juego final incorpora un elemento importante: la personalización del jugador. Podrás personalizar a tu Converso de Sangre, así como las armas y habilidades que este lleva a cada partida. Uno de estos aspectos de personalización consiste, de hecho, en elegir qué eventos prefieres; es decir, qué eventos te gustaría que aparecieran. Por ejemplo, uno de ellos podría hacer que la fase final sea una batalla contra un jefe en lugar de un enfrentamiento a tres bandas. El matchmaking tendrá en cuenta estas preferencias y tendencias para agrupar a jugadores con gustos similares.

Quizás hayas visto las cartas del tarot que giran tras completar ciertas fases: ahí es donde entra en juego el sistema de eventos. Parte de la personalización del personaje consistirá precisamente en elegir tus preferencias al respecto; el juego tomará nota de dichas preferencias y de cómo te desempeñas durante esos eventos, y utilizará esa información para gestionar el matchmaking.

VGC: me gustaría saber si podrías hablarnos un poco sobre el sistema de Virtud y cómo se diseñó para potenciar diferentes estilos de juego. Has comentado que no eres muy aficionado al PvP, así que, ¿podrías explicar cómo lo diseñasteis y equilibrasteis para fomentar una gran variedad de opciones a la hora de jugar y tener éxito?

Por supuesto, empecé sin ser un gran aficionado al PvP; ese es sin duda un aspecto importante de la cuestión. Pero, al mismo tiempo, el PvP es sólo una de las formas de acumular Virtud y lograr la victoria. Básicamente, queríamos crear un sistema que ofreciera muchas vías distintas para ganar: ya sea explorando el mapa y el entorno, participando en PvE, enfrentándose a otros jugadores en duelos individuales o consiguiendo Virtud por otros medios. Depende del jugador decidir su estrategia y cómo desarrollar a su personaje. El sistema de Virtud se diseñó precisamente para fomentar esa diversidad en cuanto a estrategias y personalización de la build del personaje.

No soy muy bueno en el PvP en general, y durante el desarrollo del juego me di cuenta de que no se me daba demasiado bien, así que tuvimos que explorar otras formas de expresarme y de plantar cara a los demás jugadores. Fue una experiencia divertida.

Game Two: ya que has mencionado las primeras conversaciones con Nintendo sobre The Duskbloods, tengo curiosidad por saber cuánto se ha adaptado la idea inicial a raíz de cosas que notaste durante el desarrollo. ¿Podrías dar algún ejemplo de aspectos que hayan cambiado o que ahora sean distintos a las ideas originales que tenías?

Diría que no hubo cambios importantes respecto a la propuesta y las ideas originales que planteamos junto a Nintendo; los tres pilares fundamentales del juego se mantuvieron: en primer lugar, la narrativa en un entorno multijugador online; en segundo lugar, el sistema de Virtud y las diversas formas de obtenerla; y en tercer lugar, el sistema de Estigmas, que define cómo interactúan los jugadores entre sí.

En cuanto a los cambios significativos durante el desarrollo, creo que el más destacado fue la estética del juego. Al principio, cerca de la fase de concepto, experimentamos con personajes de proporciones muy reducidas —de unas tres cabezas de altura— y un estilo más cercano al manga; obviamente, eso cambió considerablemente a lo largo del desarrollo.

Pero tal vez sea un tema que me gustaría explorar en otra ocasión.

GRY Online: debido al sistema de Estigmas, el juego puede depender en gran medida de la cooperación. Sin embargo, al tratarse de una función multijugador, depende naturalmente de otros jugadores. He visto en la configuración del juego que podemos ajustar las preferencias de matchmaking para decidir si queremos jugar con personas de nuestra misma habilidad y rango, o no. Mi pregunta es: parece que dependemos mucho de las acciones de los demás. Si alguien decide abandonar la sesión mientras está vinculado a nuestro Estigma —o viceversa—, ¿no nos dejaría eso en desventaja? Aunque el juego ofrece varias formas de ganar Virtud, ¿podría haber jugadores que se vean imposibilitados de obtenerla a través de estos Estigmas en tales situaciones? Por ejemplo, recuerdo haber jugado en una partida con un personaje que tenía el "Estigma del amor"; si no hay ningún otro personaje compatible con eso, no puedo ganar virtud mediante el Estigma, ya que la mecánica no funciona. ¿Tenéis alguna solución para los jugadores que no puedan realizar las actividades de su Estigma?

Sin duda, como bien señalas, es un punto muy válido; y creo que en la versión de la prueba de red, tal vez las soluciones a este tipo de problemas no resulten del todo evidentes. Es algo que abordaremos analizando los datos de la prueba de red y buscando soluciones de cara al lanzamiento. En cuanto a una desconexión técnica pura, creo que habrá una forma de solucionarlo y compensar al jugador en desventaja —quizás otorgándole Virtud adicional o algo similar— si su compañero se desconecta. Si el compañero simplemente no colabora —y esto es algo que, de nuevo, tendremos que analizar con los datos—, pero se niega a aceptar tus flores, podría haber una opción para decir: "bueno, hasta aquí hemos llegado", pasar a la ofensiva y eliminar los obstáculos que tienes delante para superar esa parte de esa manera. Así que, potencialmente, podríamos preparar algo al respecto.

Lamentablemente, este tipo de correcciones no llegará a tiempo para la prueba de red. Pero es algo que nos encantaría considerar; es un problema muy interesante, pero creemos que cambios de este tipo podrían resultar beneficiosos para la versión final si se producen durante la partida. Imagina, por ejemplo, que la parte que entrega las flores decide cancelar el contrato: la otra parte, la que debía recibirlas, recibiría el aviso correspondiente. Algo tipo: «ahora te está dando caza tu antiguo prometido». Es algo romántico a su manera.

Eurogamer Portugal: ¿cuáles fueron los principales desafíos al crear un juego PvP y mantener ese diseño visual tan rico y hermoso? Porque en los juegos para un solo jugador puedes detenerte a contemplar los detalles, algo que no resulta tan fácil en medio de una acción tan intensa; pero tengo la sensación de que, desde el mismo momento en que apareces en el mapa, disfrutas de una vista panorámica preciosa. ¿Cuál fue vuestra forma de abordarlo?

Sí, como bien dices, en esencia es un juego PvP. Es un título competitivo y uno de nuestros objetivos al crearlo fue determinar cómo contar una historia y crear una narrativa convincente dentro de un entorno PvP —un entorno competitivo—. Creo que es un ámbito que pocos desarrolladores están explorando, y ahí es quizá donde podemos aprovechar nuestras fortalezas narrativas. En medio de todo esto, el juego combina elementos aleatorios con otros fijos o "casi fijos"; creemos que son precisamente esos elementos "casi fijos" de The Duskbloods los que nos permiten expresarnos y explicar el porqué de las cosas: qué hace un personaje en un lugar concreto o por qué un objeto específico se encuentra en un sitio determinado. Estos elementos narrativos son prácticamente constantes en The Duskbloods, y así es como damos forma a la narrativa y a la estética del juego.

Hobby Consolas: hay una historia muy conocida sobre unos desconocidos que te ayudaron cuando tu coche se quedó atrapado en la nieve que fue lo que inspiró el multijugador de los Souls. ¿Hay una historia similar o alguna otra experiencia que haya inspirado el PvPvE de The Duskbloods?

En primer lugar, creo que parte de esa historia y de esa inspiración sigue existiendo en The Duskbloods. Creo que se traslada al diseño de este juego desde una perspectiva filosófica: esos vínculos efímeros con otros jugadores y la forma en que se crean lazos temporales en medio de un entorno hostil. Me parece que es un aspecto interesante de nuestros juegos y algo en lo que hemos podido centrarnos en The Duskbloods.

En cuanto a qué ha inspirado específicamente The Duskbloods, creo que gran parte proviene de los juegos de rol. En mi época de estudiante solía jugar muchos juegos de rol, juegos de rol de mesa y juegos de tablero en los que interpretabas a un personaje concreto; y creo que, por encima de todo, esos elementos relacionados con el personaje se encuentran en el diseño de The Duskbloods.

Cuando solía jugar a estos juegos —los juegos de rol de mesa—, como sabes, parte de la experiencia consistía en diseñar un personaje e interpretarlo; al hacerlo, lanzabas los dados para determinar ciertos aspectos de dicho personaje. Pero para mí, eso no bastaba. Yo quería decidirlo todo sobre los personajes y sus relaciones, más allá de lo que dictaran los dados. Así que creo que muchas de aquellas ideas que tuve al jugar a esos juegos han acabado en The Duskbloods.

3DJuegos: The Duskbloods evoca recuerdos de Dark Souls III y Bloodborne; es algo que me encanta de tus juegos porque uno se comunica con el otro. Por eso, me gustaría saber qué elementos de anteriores juegos has decidido incorporar en este nuevo título. Me parece un aspecto interesante, ya que creo que el juego encaja muy bien con el estilo de Nintendo: transmite una energía que, en ciertos aspectos, recuerda a una mezcla entre Mario Kart y Smash Bros. Y creo que tienes un plan maestro en tus juegos con toda esa interconexión. Así pues, quisiera saber cómo has decidido qué elementos incluir y combinar, y si vamos a ver a Parches en el juego.

Sí, en cuanto al diseño —y creo que el apartado artístico juega un papel fundamental en ello—, gran parte de mis obras utilizan como tema principal la decadencia o ruina de estos mundos; es un hilo conductor común en estos juegos. Me gusta retratar ese «fin de una era», por así decirlo. The Duskbloods no es una excepción: situar la acción en lo que llamamos el «ocaso de la humanidad» es un motor de diseño clave, ya que ese ocaso actúa como metáfora del fin de los tiempos, del crepúsculo de la humanidad. Así, una de las zonas puede presentar una estética gótica —o reflejar el final de la era gótica victoriana—, mientras que otros mapas podrían representar otro tipo de fin de los tiempos. Este concepto recorre las distintas zonas y sus aspectos más destacados, influyendo decisivamente en el trabajo de los artistas. Quería que tuvieran presente esa idea, dejando en sus manos la forma de plasmar esa temática del fin de los tiempos en cada una de las áreas.

Ron de Países Bajos (periodista de videojuegos freelance): ¿cómo juegas a este juego? ¿Te resulta divertido? ¿Qué consejo le darías a gente como nosotros?

Personalmente, el juego me parece muy divertido y, aunque a estas alturas mis reflejos y mis nervios ya no son lo que eran, hay muchas otras formas con las que puedo disfrutar de The Duskbloods; por ejemplo, aprovechando las situaciones en mi favor. Me gusta moverme con sigilo, observar el campo de batalla y atacar mientras otros luchan, o bien alejarme de los combates para ganar Virtud de otras maneras; también disfruto interviniendo como tercero en discordia para sembrar el caos y simplemente fastidiar a los demás jugadores. Creo que el sigilo es la mejor estrategia dadas las opciones que ofrece el juego.

Así que analizaremos la situación y haremos ajustes en ciertas áreas del juego de cara al futuro. Creo que es un aspecto que merece la pena explorar. Es la faceta que más disfruto: actuar con sigilo, jugar a mi favor y utilizar a otros jugadores como recurso; por eso intentaremos facilitar esto de diversas maneras. Quizás sea posible transformarse en objeto y engañar a los demás jugadores de otras formas. Pero es un aspecto que voy a examinar y retocar. Es algo que otros jugadores con un estilo similar podrán esperar con ilusión. Puede que otros miembros del equipo piensen distinto, pero haré todo lo posible por impulsar estos cambios.

Y hasta aquí la entrevista con Hidetaka Miyazaki. Recordad que también podéis leer nuestras impresiones de The Duskbloods tras jugarlo en profundidad y que, si habéis sido seleccionados, mañana podréis jugarlo a través de la prueba de red que se celebrará en Nintendo Switch 2.

Intelligent Systems se estrena en la consola híbrida con un juego que aspira a repetir (y puede que incluso superar) el tremendo exitazo de Fire Emblem: Three Houses.

Por eso no es de extrañar que esta nueva entrega incluya unas cuantas conexiones con el juego para la primera Nintendo Switch, como que tengan lugar en el mismo mundo, la historia esté dividida en rutas o la siempre ominosa presencia de la diosa Sothis.

Sin embargo, desde los primeros minutos, Fire Emblem: Fortune's Weave deja claro que es un juego muy rompedor... y no sólo respecto a Three Houses. Acompañadnos al coliseo, porque empiezan los Juegos Heroicos.

Impresiones de Fire Emblem: Fortune's Weave para Nintendo switch 2

Esta entrega tiene uno de los comienzos más desoladores que se recuerdan en la saga Fire Emblem: las fuerzas del inframundo han arrasado el Imperio Dagdano y los pocos supervivientes que quedan están contra las cuerdas.

La diosa Sothis decide intervenir para impedir el desastre, y ahí es donde entra en juego Eshmel, el/la protagonista de Fire Emblem: Fortune's Weave, cuya apariencia podemos personalizar con un sencillo editor.

Este inicio, además de oscuro, también incluye una serie de elementos sorprendentemente tecnológicos para tratarse de un Fire Emblem. No voy a entrar mucho en detalles, pero si visteis el último Direct os podéis imaginar por dónde van... los tiros.

El poder de nuestro personaje no es suficiente para salvar el día, por suerte la diosa Fortuna ofrece una solución: viajar al pasado para cambiar el destino de cuatro almas que podrían ser determinantes para obtener la victoria.

Y así es como Fire Emblem: Fortune's Weave nos da a elegir entre cuatro rutas diferentes, cada una protagonizada por un personaje: Cai, Dietrich, Theodora y Leda.

Todos vienen de lugares diferentes, tienen relaciones con personajes distintos y motivaciones propias, pero comparten algo en común: los cuatro participan en los Juegos Heroicos, una suerte de combate de gladiadores que se celebra en Dagsion y que promete cumplir cualquier deseo de su vencedor.

Cada ruta tiene historias muy diferentes, tanto en lo que se cuenta como en el tono. Por poner un ejemplo, la ruta de Cai suele tener un estilo más ligero y cercano al shōnen, mientras que la de Dietrich es más oscura y sería equiparable a un seinen.

Ahora bien, Fire Emblem: Fortune's Weave introduce una importante novedad en este aspecto: en ciertos puntos, podemos cambiar a cualquiera de las otras rutas. De esta manera, no estamos obligados a completar el juego con un personaje y saltar al siguiente, sino que podemos ir avanzando en paralelo a través de las diferentes historias. Lo cual, me parece un puntazo.

Los cambios de ruta se pueden realizar en lo que se conoce como las fases de tiempo libre; son momentos en los que, como su nombre indica, tenemos tiempo libre hasta el siguiente combate de los Juegos Heroicos.

Sin embargo, el tiempo no es infinito; tenemos una serie de días que se van consumiendo al realizar determinadas acciones, así que hay que elegir bien en qué los gastamos. Y ya os advierto que la cantidad de actividades diferentes que se pueden realizar puede ser abrumadora.

Sólo en Dagsion, que es la capital del imperio y actúa como una suerte de HUB, podemos celebrar banquetes para mejorar el nivel de apoyo de las unidades, ayudar en los templos de los dioses, realizar exámenes de aptitud para mejorar las clases, participar en combates de entrenamiento, ver combates como parte del público y, por supuesto, reclutar nuevas unidades.

Y, si lo deseamos, también podemos salir de Dagsion para explorar el Imperio Dagdano. Aquí, el gameplay adopta un estilo más cercano al de los Fire Emblem clásicos, moviéndonos por distintas localizaciones del mapa y pudiendo cruzarnos con enemigos para librar escaramuzas, encontrarnos con mercaderes, etc.

Pero aquí también hay una importante novedad: ciertas localizaciones se pueden explorar de forma directa, controlando al protagonista de la ruta en cuestión. Y en estas secciones, el sistema de combate cambia a las llamadas "batallas rápidas", que son una suerte de combates por turnos.

Ojo, que eso no quiere decir que de repente Fire Emblem se transforme en Final Fantasy, pues estas batallas tienen sus propias particularidades y no funcionan exactamente igual que los combates por turnos que estamos acostumbrados a ver en otros juegos.

Pero no se puede negar que el hecho de explorar mazmorras, recoger materiales y librar este tipo de combates es lo más cerca que ha estado la saga Fire Emblem del estilo de los JRPG clásicos. Además, funciona realmente bien dentro de la propuesta de Fortune's Weave, pues supone un agradable cambio de aires entre todas las batallas estratégicas.

¿Y qué os podemos decir de las batallas estratégicas? Pues que siguen siendo tan buenas como de costumbre. Se mantienen los elementos habituales, como el desplazamiento a través de una cuadrícula, las características del terreno, los distintos tipos de unidades y armas, las técnicas de combate...

Una de las novedades jugables en este sentido son las Técnicas de Ignición, ataques únicos que pueden realizar los protagonistas de cada ruta. Son habilidades muy poderosas, pero, para utilizarlas, se consumen los puntos de salud del personaje, por lo que no se puede abusar de ellas.

Por ejemplo, la Técnica de Ignición de Cai es una bola de fuego que puede afectar a varios enemigos, mientras que la de Dietrich es un útil teletransporte que le permite moverse con gran agilidad por el campo de batalla.

Además, al realizar Técnicas de Ignición varias veces, los personajes entran en un estado conocido como Supraignición que mejora sus atributos, por lo que son un recurso realmente útil si se utiliza con cabeza.

Aquí me gustaría destacar la fluidez de las animaciones, especialmente cuando las unidades entran en combate. Fue uno de los aspectos más destacados de Fire Emblem: Engage y aquí han mantenido el mismo nivel de dinamismo, encadenando esquivas y ataques con una fluidez que le confiere a los combates un enorme nivel de espectáculo.

En general, en Fire Emblem: Fortune's Weave se puede apreciar un gran salto visual respecto a las últimas entregas. Gracias a la potencia de Nintendo Switch 2, la calidad de la imagen ha mejorado considerablemente, especialmente en lo que a resolución se refiere (se acabaron los molestos dientes de sierra), y también se puede apreciar un incremento en el nivel de detalle de todos los modelos.

Esto va de la mano de la gran variedad temática que presenta esta entrega, con uno de los elencos de personajes más diversos que se han visto no sólo en la saga Fire Emblem, sino en los JRPG en general.

Parece que Nintendo le ha cogido cariño a la Península Ibérica, pues Fortune's Weave incluye un gran número de localizaciones y elementos claramente inspirados por lugares de España. Esto se aprecia también en la banda sonora, que tiene un toque flamenco. El tema principal, por cierto, es buenísimo y no vais a parar de tararearlo. La verdad, no sé a qué esperamos para empezar a llamarlo Fire Emblem "Españita".

Otro elemento que está de vuelta en Fire Emblem: Fortune's Weave es la posibilidad de dar marcha atrás en el tiempo durante una batalla, esta vez, por obra y gracia de la diosa Fortuna. Un auténtico salvavidas (a veces, literalmente) si cometemos algún error, pero su uso está limitado a la arena divina que se va reponiendo al progresar en la historia.

Esto nos lleva a hablar de la dificultad, que sigue la línea de las últimas entregas: podemos elegir entre normal y experto, así como entre casual y clásico. Esto último determina cómo funciona la muerte; si elegimos clásico, cuando una unidad cae en combate desaparece para siempre.

Por último, pero no por ello menos importante, también hay que mencionar que Fire Emblem: Fortune's Weave es compatible con el modo ratón de Nintendo Switch 2, algo que le viene como anillo al dedo dado su carácter estratégico. Es un modo sorprendentemente cómodo y bien planteado, hasta el punto de que se puede jugar de esta manera usando un único Joy-Con; incluso si no os convence este tipo de control, os recomiendo que le deis una oportunidad.

Y hasta aquí nuestras impresiones de Fire Emblem: Fortune's Weave. Aunque llevamos ya muchas horas de partida, sentimos que apenas hemos avanzado. Ese sentir es general y constante; cuanto más jugamos, mayor es la sensación de estar ante un juego enorme en todos los aspectos. Si sigue por este camino, es muy probable que acabe superando a Three Houses.

Si no queréis perderos ningún combate de los Juegos Heroicos, recordad que Fire Emblem: Fortune's Weave se lanza para Nintendo Switch 2 el próximo 17 de septiembre.

Durante más de tres horas pudimos volver a ponernos en el papel del nuevo protagonista, Musashi Miyamoto, en una sesión que nos permitió descubrir muchas novedades sobre el nuevo Onimusha que sin duda van a alegrar a los fans de los juegos originales.

Y no sólo eso: también pudimos probar la versión de Onimusha: Way of the Sword para Nintendo Switch 2. Vamos, que fue una sesión de lo más completa.

En estas impresiones, os contamos qué nos ha parecido tras esta nueva toma de contacto y qué tal se ve (y se mueve) en la consola híbrida. Pero ya os aviso que Capcom ha "cocinado" y cualquier duda que pudiese quedar tras probar la demo ha sido despejada con un único, veloz y certero movimiento de katana.

Impresiones de Onimusha: Way of the Sword

La demostración tenía lugar justo donde termina la demo, es decir, después del combate contra Sasaki Ganryu. Y desde el minuto uno se podían apreciar mejoras respecto a la demo.

Algunas eran cosas sencillas, como que, por defecto, el bloqueo estaba asignado al gatillo L1 en lugar de al botón 'cuadrado'. Que vale que en la demo se podía cambiar, pero me pareció una decisión muy extraña; el bloqueo en L1 se siente mucho más cómodo y natural a los mandos.

Luego hablaremos también sobre el tema de la dificultad, que fue uno de los aspectos más criticados de la demo por ser excesivamente sencilla, pero tengo que decir que, desde un primer momento y durante toda la sesión, sentí que el juego era más desafiante y a menudo tuve que recurrir a objetos curativos para sobrevivir.

Tras progresar un poco conseguí una importante mejora: el arco Oni. Se trata de un arma a larga distancia que ha estado presente en todos los Onimusha, pero en Way of the Sword su manejo es algo distinto: basta con mantener pulsado el botón R2 para sacarlo y apuntar usando una retícula, mientras que las flechas son infinitas, así que no hace falta preocuparse por la munición.

Como es obvio, el arco es especialmente útil cuando nos enfrentamos a enemigos voladores o si vemos a un grupo de Genma bajo nosotros, pero también hay elementos del escenario a los que podemos disparar para liquidar a varios enemigos de un plumazo y hubo que sacarle partido para progresar, resolviendo a flechazos una serie de puzles ambientales.

No tuve que avanzar demasiado para enfrentarme al primer jefe de esta demostración: Daidara, un Genma protegido por armadura y armado con una maza casi tan grande como su cuerpo.

Este combate resaltó uno de los aspectos más interesantes de Onimusha: Way of the Sword: la interacción con el escenario. Daidara podía destrozar elementos del entorno, y fue muy sorprendente descubrir de manera fortuita que su enorme arma se podía quedar enganchada a los paneles de madera que había repartidos por la arena de combate, lo que nos daba unos breves segundos para atizarle sin miedo. Del mismo modo, si atacábamos las partes de su cuerpo protegidas por armadura, podíamos romperla para hacerle así más daño. De esta forma, Way of the Sword no sólo invita a jugar siendo prudentes y haciendo parrys y esquivas, también es importante el posicionamiento para ganar ventaja frente a los jefes.

Tras lograr derrotar a Daidara y avanzar un poco más, llegamos a una zona abierta. Hasta este punto, todo había sido bastante lineal, como en la demo pública, pero aquí Onimusha: Way of the Sord nos llevó hasta un mapa de tamaño medio con varios objetivos que podíamos completar en cualquier orden. Es más, podíamos activar una luz que nos guíaba hasta los objetivos.

Ojo, no penséis en un mundo abierto ni nada por el estilo; era un escenario con libertad de movimiento, pero su diseño apostaba por diferentes rutas, zonas de interior, tejados, atajos que primero había que desbloquear y similares.

De hecho, agradecí mucho este cambio, pues la exploración cobró un mayor protagonismo; en lugar de ir a por los objetivos marcados, era posible explorar la zona en busca de materiales y otros objetos interesantes. También era habitual encontrarse con grupos de Genma a los que podíamos ignorar o elegir cómo afrontar; de nuevo, destacó el uso del entorno, pudiendo, por ejemplo, coger un carro para arrollar a los enemigos.

A veces, también nos topábamos con aldeanos en apuros y, al ayudarlos, nos recompensaban con ofrendas, un material necesario para mejorar el equipo. Pues en esta parte abierta también se desbloquearon una serie de sistemas que no habíamos visto todavía y que son "muy Onimusha".

Como en las entregas previas, podíamos usar tanto las almas rojas como distintos materiales para mejorar la vestimenta (la defensa), la katana (el ataque) o el guantelete Oni (la velocidad de absorción de almas) de Musashi. Además, también podemos equipar amuletos que otorgan distintos beneficios y se pueden mejorar (con las mentadas ofrendas). Incluso desbloqueamos distintos trajes para el protagonista, pudiendo cambiar su vestimenta y capa. Como curiosidad, cada vez que tenemos los materiales necesarios para mejorar algo, un mensaje en pantalla nos lo avisa; un buen detalle.

Pero la cosa no termina ahí, pues descubrimos que Onimusha: Way of the Sword también incluye un árbol de habilidades en el que podemos invertir distintos recursos para ganar o mejorar las acciones de combate. Cosas como el desvío (L1 + X) o el modo ígneo que aparecen en la demo, son en realidad habilidades desbloqueables; quizás por eso sentimos desde un primer momento que el juego era más desafiante.

Y por supuesto también era posible mejorar y aprender nuevas técnicas relacionadas con el bloqueo y el Issen, uno de los movimientos característicos de los Onimusha.

Todo este conjunto de mejoras y desbloqueables dan más sentido a la exploración, pues los recursos necesarios para aumentar las habilidades de Musashi se pueden encontrar si exploramos a fondo los escenarios y nos enfrentamos a algunos de sus desafíos opcionales.

En esta sección también desbloqueamos un nuevo armamento Oni, que son una clase de armas especiales que actúan de forma similar a la magia de los anteriores Onimusha. De hecho, el arma no era otra que una espada de doble filo que creaba torbellinos, similar al arma de viento de los juegos originales. Y, de nuevo, volvimos a comprobar la importancia de la interacción con los escenarios: si usábamos el ataque cerca de una antorcha, se transformaba en un dañino tornado de fuego.

Mientras explorábamos la zona abierta también nos topamos con una cara conocida entre los enemigos: los bazuu, unos lagartos con pinchos que ruedan a toda velocidad. La gracia es que en Onimusha: Way of the Sword, si bloqueamos su ataque en el momento justo, salen despedidos contra otros Genma cual peonza, lo que los convierte en un recurso tan peligroso como útil durante los combates.

Lo cierto es que me lo estaba pasando tan bien en esta zona que me habría gustado explorar más, pero el tiempo apremiaba, así que completé los objetivos principales y llegué al siguiente jefe: Rasho-gan, un Genma que se hacía pasar por dios y atendía las plegarias de los habitantes de formas muy macabras.

Su diseño visual es chulísimo, con un montón de brazos cubriendo su cuerpo. Y el combate me pareció uno de los puntos álgidos de la sesión, pues tenía un gran repertorio de movimientos que invitaba a sacar partido de todas las habilidades de Musashi: el parry, la esquiva... incluso el arco.

Además, el combate ofrecía un nivel de desafío bastante interesante. Sin ser dificilísimo, era la clase de jefe que te obliga a conocer bien sus mecánicas y puede que mueras en los primeros intentos, pero, cuando le pillas el truco, le puedes derrotar sin demasiados problemas... aunque eso no hizo que el combate fuese menos intenso.

Tras derrotarle, conseguimos una nueva habilidad que transformaba los brazos de Musashi y les daba aspecto de Onimusha. Esta habilidad se utilizaba pulsando al mismo tiempo los botones triángulo y círculo y, como el arco, tenía usos tanto dentro como fuera del combate. En combate, servía para romper la defensa de los enemigos con escudo o que se protegían más de la cuenta, mientras que también se usaba para destrozar unas barreras demoníacas que impedían el acceso a ciertas zonas.

Todo apunta a que a lo largo de Onimusha: Way of the Sword iremos obteniendo más habilidades de este estilo, invitándonos a regresar sobre nuestros pasos para abrir caminos que antes estaban bloqueados, como era el caso de estos poderosos brazos.

Gracias a la nueva habilidad, pudimos entrar a una sección de la zona abierta en la que era necesario navegar a través de una miasma carmesí, lo que nos obligaba a buscar a toda prisa escaleras con las que subir a los tejados para recuperar el aire. Sobra decir que no era buena idea luchar contra los Genma en mitad de la niebla.

Al destrozar unas protuberancias con forma de flor, logramos despejar la zona e ir abriéndonos camino hasta el final de la sesión, que concluía con el tercer jefe: Byakue. A diferencia de los anteriores enemigos, se trataba de una criatura que destacaba por su enorme velocidad y ataques impredecibles. Fue un combate de lo más intenso que logré superar al primer intento, pero con la vida bajo mínimos y habiendo agotado todos los objetos curativos.

Terminada la demo principal, que jugamos en PS5, llegó el momento de probar la versión de Onimusa: Way of the Sword para Nintendo Switch 2. En este caso, la prueba tenía lugar en un espacio de entrenamiento donde podemos practicar las distintas mecánicas de combate y volver a enfrentarnos a los jefes ya derrotados. Señalar también que sólo pudimos probarlo en modo portátil.

Y todo apunta a que va a ser una versión muy sólida, como ya lo fueron Resident Evil Requiem y Pragmata en Nintendo Switch 2. Se ve realmente bien, aun con los inevitables sacrificios realizados para "encajarlo" en la consola híbrida. Lo más destacable es que, al contrario que los otros dos juegos de Capcom, Onimusha incluye dos modos visuales: uno nos permite desbloquear el framerate y el otro lo fija a 30fps.

Me sentí más cómodo con el primero, principalmente por haber pasado tres horas jugando a 60fps en la versión de PS5, pero el hecho de que esta prueba estuviese confinada a un espacio cerrado me hace sospechar que el rendimiento podría resentirse en las zonas abiertas (aunque puede que exista alguna mejoría al jugar en modo TV; tendremos que esperar a la versión final para ver qué tal rinde en todos los formatos y versiones).

También hay que destacar que la versión de Onimusha para Nintendo Switch 2 nos da la opción de jugar usando controles por movimiento, pudiendo mover el Joy-Con derecho en distintas direcciones para realizar ataques rápidos y fuertes, así como apuntar el arco Oni usando el giroscopio. No es el método de control más preciso (en el caso de la katana), pero siempre se agradece que den estas opciones.

No me puedo ir sin destacar dos aspectos de Onimusha: Way of the Sword: por un lado, las animaciones de Musashi. Si habéis jugado a la demo ya lo habéis visto, pero es una absoluta chaladura lo que Capcom ha hecho con el samurái; la cantidad de animaciones diferentes que tiene el personaje, dependiendo de su posición respecto al enemigo, es gigantesca (uno nunca se cansa de verle bloquear ataques que llegan por la espalda).

Y lo mismo aplica a las animaciones faciales: Musashi es muy expresivo, algo que se refleja constantemente en su rostro con toda clase de convincentes gestos, así como con otros detalles como las gotas de sudor que lo recorren cuando se esfuerza. Es tan realista que, por momentos, parece que estemos viendo a una persona de verdad... más concretamente, a Toshiro Mifune, el legendario actor japonés en el que se basa su cara.

Y el otro aspecto a destacar... es el propio Musashi. En esta sesión quedó claro que es un personaje que destila carisma, es bastante sinvergüenza y un poco graciosete, pero también es muy noble y siempre está dispuesto a defender a los inocentes. Es complicado llenar el hueco de protagonista en sagas como Onimusha (y si no, que se lo digan a Jubei Yagyu), pero creo que Musashi va a estar a la altura y va a gustar mucho.

Lo único que no termina de convencerme de Onimusha: Way of the Sword es el diseño visual de los escenarios; los veo muy grises, muy apagados, lo que les confiere un aspecto un poco aburrido. Y me sorprende porque un Japón feudal con samuráis, demonios y magia da pie a hacer escenarios más potentes y llamativos.

En cualquier caso, esto no deja de ser una pequeña parte del juego, así que Onimusha: Way of the Sword todavía tiene la oportunidad de sorprendernos en ese y otros muchos aspectos.

Ya "estaba dentro" de esta nueva entrega y no necesitaban convencerme, pero, tras jugar a esta demostración, Capcom ha conseguido lo imposible: que esté deseando que se pasen las vacaciones para poder desenfundar la katana de nuevo.

No es la primera vez que el estudio japonés se aleja de los monstruos de bolsillo para presentar algo completamente diferente; seguro que muchos recordáis títulos como Giga Wrecker o esa joyita para GBA de nombre Drill Dozer.

Sin embargo, Beast of Reincarnation es sin ninguna duda el juego más ambicioso de Game Freak fuera de la saga Pokémon y toda una declaración de intenciones de lo que son capaces de hacer cuando no tienen la presión de The Pokémon Company tras sus espaldas.

Ahora bien, pese a que su propuesta action RPG con claras influencias de juegos como Sekiro o Nier era muy prometedora, Beast of Reincarnation se queda lejos de la grandeza.

• El gameplay de Beast of Reincarnation
• Nivel de dificultad de Beast of Reincarnation
• ¿Cuántas horas de juego dura Beast of Reincarnation?
• Cuánto cuesta Beast of Reincarnation y dónde puedes jugarlo
• La opinión de Hobby Consolas de Beast of Reincarnation
• Nota: lo mejor y lo peor de Beast of Reincarnation

Jugabilidad y gameplay de Beast of Reincarnation en PS5, Xbox Series X|S y PC

La historia nos transporta hasta el año 4026, a un Japón postapocalíptico donde una misteriosa corrupción está transformando a los seres vivos en mutantes sedientos de sangre conocidos como malefactos.

Nosotros nos ponemos en el papel de Emma, una joven contaminada pero capaz de absorber la corrupción, que se embarca en un viaje para derrotar a los Nushi, malefactos con un poder casi divino. Por suerte, no está sola: le acompaña Koo, un enorme lobo blanco que sufre la misma aflicción.

Sin entrar en más detalles, tanto la ambientación, como la historia, como la banda sonora de Beast of Reincarnation están claramente inspirados en la saga Nier... hasta tal punto que, por momentos, parece que estemos ante una nueva entrega.

No llega a los niveles de decadencia y brillantez de los juegos de Yoko Taro, ni tiene personajes tan memorables y bien escritos, pero como sustituto mientras esperamos por un nuevo Nier (si es que eso pasa algún día...) cumple con creces.

Y en lo jugable, la inspiración más que evidente de Beast of Reincarnation es Sekiro: Shadows Die Twice. El combate da especial importancia al parry, pudiendo acabar con los enemigos con una única y limpia ejecución si rellenamos su barra de postura bloqueando los ataques en el momento preciso.

Sin embargo, aquí el parry tiene otro uso muy importante: al bloquear ataques, obtenemos puntos florales que nos permiten utilizar las habilidades de Koo. El tiempo transcurre a cámara lenta cuando las seleccionamos y son útiles para aprovechar las debilidades elementales de los enemigos, dándole un toque muy RPG a la acción de Beast of Reincarnation.

Es una idea muy interesante que invita aún más a sacar partido de un movimiento tan arriesgado como el parry, si bien aquí la ventana para realizarlo es bastante más generosa que en otros juegos. También tiene otras ideas muy llamativas, como la forma en que se utilizan las plantas y las flores para desplazarnos por los escenarios y ganar ventaja sobre los enemigos.

Por desgracia, Beast of Reincarnation hace aguas en todo lo demás. Para empezar, al combate le falta sensación de pegada; los efectos sonoros y visuales hacen que el parry y las ejecuciones, que deberían ser las acciones más satisfactorias de todo el juego, sean flojos de narices.

En general, todo lo que tiene que ver con la jugabilidad acusa una importante falta de finura y solidez. Beast of Reincarnation transmite continuamente sensación de tosquedad debido a las animaciones bruscas de Emma y un sistema de colisiones mal programado que nos deja a menudo con personajes atravesando suelos y paredes.

Pero el mayor problema son los controles: son muy bastos e imprecisos, tanto al desplazarse como al combatir. Esto, en un juego que trata de imitar a Sekiro, ya es un error grave, pero, para empeorarlo, en muchas ocasiones no responden como deberían. Y por no responden, quiero decir que pulsas un botón y Emma no hace nada. Os podéis imaginar lo frustrante que es cuando estás intentando curarte en mitad de un combate y el personaje no obedece tus pulsaciones.

Tampoco ayuda el que se abuse de ciertos patrones de ataque que pueden ser muy frustrantes, como los combos de golpes que parecen no tener fin o los ataques sucesivos que te "encierran" dentro de la cadena sin posibilidad de defenderte (aunque esto último puede deberse a lo que comentaba sobre la pésima respuesta de los controles).

A la hora de explorar también encontramos unos cuantos problemas. El mundo de Beast of Reincarnation está divido en una serie de mapas independientes, todos ellos de un tamaño considerable tanto a lo ancho como a lo alto. Los mapas están diseñados de tal manera que explorarlos resulta complicado, pues cuesta hacerse una idea de la disposición exacta del terreno.

Pero esto en realidad da un poco igual, porque el olfato de Koo va marcando todos los elementos de interés en cuanto nos acercamos, de manera que, al final, más que explorar los escenarios, lo que hacemos es perseguir iconos. Y, para empeorarlo, los mapas son todos muy parecidos a nivel visual, así que vais a tener la sensación de estar explorando continuamente zonas con mucha hierba y algún edificio derrumbado.

La falta de variedad también afecta a la estructura de Beast of Reincarnation, pues sigue casi siempre el mismo patrón: llegar a una zona, encontrar al Nushi, pelear, perseguirlo, pelear de nuevo y vuelta a empezar. Así que ni los sistemas RPG para personalizar a Emma y a Koo, ni las habilidades que vamos desbloqueando, ni las mecánicas de cocina y gestión de ingredientes evitan que Beast of Reincarnation se vuelva repetitivo tras unas cuantas horas.

Y, como ya imaginaréis, el apartado visual tampoco es su punto fuerte. Ya hemos hablado sobre las animaciones bruscas y los problemas del sistema de colisiones, pero, en general, se trata de un juego que a nivel técnico está muy por debajo de los estándares de la actual generación en todos los apartados.

La dirección artística logra redimirlo, pues los escenarios postapocalípticos devorados por la naturaleza y la especial importancia que tienen las flores como elemento temático, nos dejan algunas estampas muy bellas. Pero eso no quita que sea un juego muy flojo en lo técnico al que incluso le cuesta mantener los 60fps en el modo rendimiento.

¿Es difícil Beast of Reincarnation?

Beast of Reincarnation cuenta con tres niveles de dificultad: historia, normal y difícil. El juego nos deja claro a la hora de elegir dificultad que ha sido concebido con el desafío en mente y por eso nos recomiendan jugar en normal (o difícil), pero si se nos hace cuesta arriba podemos cambiar a otra dificultad en cualquier momento.

Y no mienten: jugando en normal, Beast of Reincarnation es un juego bastante complicado en el que se muere muy a menudo. Los enemigos pueden mandar a Emma al otro barrio con tres o cuatro espadazos y no es fácil escapar con vida cuando consiguen rodearnos.

Por suerte, el juego pone a nuestra disposición un gran número de herramientas para facilitarnos la vida: katanas con diferentes efectos, armaduras, un sistema de minerales con distintos atributos, modificadores para las técnicas florales... y un árbol de habilidades, tanto para Emma como para Koo, con toda clase de mejoras desbloqueables. No es posible controlar a Koo directamente, pero podemos equiparle con diferentes habilidades y objetos para personalizar su comportamiento en combate.

De esta manera, si jugamos bien nuestras cartas y explotamos las debilidades de los enemigos, podemos facilitar en gran medida los enfrentamientos... O, al menos, la mayoría, pues hay combates contra Nushi que pueden ser un verdadero infierno incluso en la dificultad normal.

¿Cuántas horas dura la historia de Beast of Reincarnation?

Si vamos "a piñón", podemos llegar a los créditos de Beast of Reincarnation en unas 25-30 horas.

Ahora bien, si decidimos explorar a fondo los escenarios en busca de todos los objetos y enfrentarnos a los desafíos opcionales, la duración puede ascender hasta las 40 o 50 horas, dependiendo también de nuestra habilidad a los mandos.

Precio y plataformas disponibles

Beast of Reincarnation se lanza para PS5, Xbox Series X|S y PC el 4 de agosto de 2026, tanto en formato físico como digital, a un precio de 59,99€. También está disponible sin coste adicional a través de Games Pass desde el día del lanzamiento.

Una muchacha y su perro

Beast of Reincarnation es un juego de siete. Sé que esto suena muy mal pero también es la mejor forma de entender fácilmente lo que tenemos aquí. Porque no es un mal juego, pero tampoco es una obra maestra.

En Game Freak probablemente se han pasado de ambiciosos, porque hacer un Sekiro-like no es fácil en absoluto y, menos aún, cuando no estás acostumbrado a diseñar esta clase de juegos. Se agradece la intención y desde luego han demostrado que son capaces de grandes cosas, pero quizás deberían haber apostado por una propuesta más realista dentro de sus capacidades.

Al final, Beast of Reincarnation se sostiene por su ambientación e historia. Yo me lo he "fumado" con mucho gusto precisamente por eso... y porque la combinación de jugabilidad a lo Sekiro con el rollito Nier es la clase de "pitch" que parece hecho pensando en mí, pero soy consciente de que se trata de un juego con numerosas carencias.

Un juego de siete. Que aunque suene despectivo, es un tipo de juego que desgraciadamente ya no se destila tanto. Y digo desgraciadamente porque, aun no siendo una obra que te vaya a cambiar la vida, si llega en el momento justo y el lugar adecuado, te puede hacer disfrutar más que cualquier 10/10. Así que ojalá más juegos de siete como Beast of Reincarnation.

La verdad es que han conseguido dar completamente en el clavo con esta nueva propuesta, que mantiene las señas de identidad de los anteriores Splatoon, pero está enfocada principalmente para un jugador.

Y digo que han conseguido dar en el clavo porque a mí, personalmente, siempre me ha llamado mucho la saga Splatoon, pero soy un jugador tradicional que prefiere aventuras narrativas y no me va mucho la competición multijugador, así que nunca me había sumergido en estas tintas.

Splatoon Raiders parece diseñado con esa idea en mente: atraer a nuevos jugadores y, de paso, ofrecer una vuelta de tuerca a los veteranos. Y como vamos a ver a lo largo de este análisis de Splatoon Raiders para Nintendo Switch 2, puedo decir sin miedo que tiene éxito en ambos casos y se destapa como una de las sorpresas más refrescante del verano.

• El gameplay de Splatoon Raiders
• Nivel de dificultad de Splatoon Raiders
• ¿Cuántas horas de juego dura Splatoon Raiders?
• Cuánto cuesta Splatoon Raiders y dónde puedes jugarlo
• La opinión de Hobby Consolas de Splatoon Raiders
• Nota: lo mejor y lo peor de Splatoon Raiders

Jugabilidad y gameplay de Splatoon Raiders en Nintendo Switch 2

Tras descubrir que un desplazamiento tectónico ha provocado la aparición de las legendarias islas Espiralita, Megan, Angie y Rayan, el trío que compone el Clan Surimi, ponen rumbo al lugar bajo la promesa de gloria y riquezas. Pero, nada más llegar, sufren un accidente y se quedan varados... aunque eso no frena sus ganas de lanzarse a la caza de tesoros.

Nosotros interpretamos al piloto del helicóptero, más conocido como mecanista por su habilidad para la mecánica, cuya apariencia podemos personalizar eligiendo, entre otras cosas, si es un inkling o un octoling.

Con esta premisa, Splatoon Raiders nos propone realizar incursiones en busca de tesoros mientras nos enfrentamos a los Salmónidos y descubrimos el misterio que se esconde en las islas.

Esto se traslada al plano jugable manteniendo las mecánicas habituales de la saga Splatoon, es decir: disparos en tercera persona que dan una especial importancia a cubrir los escenarios de tinta, pues actúa como sistema de coberturas. Sin embargo, en lugar de enfrentamientos multijugador, Raiders está estructurado por niveles y tiene espíritu roguelite y estilo looter shooter.

No es la primera vez que Splatoon coquetea con estos géneros, pues no olvidemos que La Cara del Orden, el DLC para Splatoon 3, fue una experiencia roguelite para un jugador. Era un fantástico DLC, así que no es de extrañar que Nintendo haya cogido esa propuesta y la haya llevado un paso más allá.

Porque si detestáis cosas como los niveles generados de forma aleatoria o lo de perder todo al morir, tranquilos porque Splatoon Raiders no es esa clase de juego. La cosa funciona así: abrimos el mapa de las islas, elegimos una misión, vamos hasta allí, liquidamos a todos los Salmónidos que nos salgan al paso, conseguimos el tesoro y de vuelta a la base. Y así, vamos desbloqueando nuevas misiones y avanzando en la historia.

Todos los niveles donde se desarrollan las misiones tienen una estructura fija, nada de elementos aleatorios. Eso sí, hay diferentes tipos: en algunas basta con avanzar hasta el final, pero también hay misiones que consisten en reunir una cantidad determinada de espiralita o misiones en las que tenemos que reunir caviar rojo dentro de un límite de tiempo para progresar. Y, por supuesto, también hay enfrentamientos contra jefe.

Pero, como en los roguelike/roguelite, las misiones se caracterizan también por ser muy cortitas, con una duración que suele estar entre los 5 y los 10 minutos. Esta es una de las claves de Splatoon Raiders, pues al ser partidas tan rápidas, siempre quieres echar otra. Es un "una más y lo dejo" de manual (y todos sabemos que es mentira y nunca lo dejas).

Antes de hacer una incursión, debemos elegir la equipación que vamos a llevar, pues no podemos cambiarla en mitad de una misión. La equipación se refiere al arma principal, el tanque de tinta y sus artilugios, las reliquias y el acompañante.

En cuanto a las armas, hay once tipos en total, todos de sobra conocidos si habéis jugado a los anteriores Splatoon: lanzatintas, rodillos, derramatics, tintralladoras, paratintas, brochas, acromatizadores... Dentro de cada tipo, además, hay variantes con diferentes efectos: más alcance, mejor cadencia, mayor cargador... Vamos que hay una enorme variedad de armas; más de 100 en total. Y algo que personalmente me ha gustado mucho es que, dado que estamos varados en unas islas, todas las armas están realizadas de forma improvisada con objetos cotidianos, como botellas de plástico, flotadores, hojas de palmera o incluso petacas de metal.

Por su parte, el tanque y los artilugios son uno de los aspectos más importantes a la hora de combatir. Hay tres tanques diferentes y a grandes rasgos actúan como la clase de nuestro personaje: un tanque está enfocado a la velocidad, otro a hacer daño y otro a jugar de forma estratégica. Dependiendo del tanque elegido, podemos equipar diferentes artilugios, que son poderosas habilidades con un pequeño cooldown. Si habéis jugado a otros looter shooters, como Destiny o la saga Borderlands, seguro que esto de las habilidades os suena; está clarísimo que la inspiración viene de ahí.

Pues a su vez, los artilugios se pueden personalizar con modificadores de todo tipo que alteran su comportamiento: desde aumentar su potencia y alcance, hasta añadir efectos como quemar o congelar a los Salmónidos.

Por último tenemos las reliquias, que son efectos pasivos, y el acompañante, que puede ser Megan, Angie o Rayan. Independientemente de a quién elijamos, siempre nos acompaña a bordo de un robot que nos apoya con fuego de cobertura y que nos permite propulsarnos con un salto realmente útil para alcanzar lugares lejanos, escapar del fuego enemigo... o para pillar a los Salmónidos voladores. Además de eso, cada uno de los tres personajes comparte con nosotros su técnica secreta, que viene a ser el ataque definitivo... y otra herencia de los looter shooter.

Como veis, hay un buen grado de opciones y personalización, pero lo mejor de todo es que Splatoon Raiders nos invita continuamente a cambiar el equipo y probar cosas diferentes. Por ejemplo, al derrotar Salmónidos o como premio por superar misiones, obtenemos nuevas armas, que se clasifican según su nivel y bajo un sistema de rareza que determina sus potenciadores, de manera que continuamente encontramos algo mejor que vamos a querer probar en la siguiente misión.

También se cambia habitualmente de artilugios, pues todos tienen efectos muy diferentes y hay que saber utilizarlos correctamente. Los modificadores que podemos añadirles también se pueden obtener de forma aleatoria y también tienen rangos y rarezas, así que es otro elemento que contribuye a probar y combinar.

Sucede lo mismo con los tanques y los acompañantes: al llevarlos equipados, mejoran y ganan nuevas habilidades, e incluso hay misiones que debemos completar tres veces, una con cada tanque, si queremos conseguir todas sus recompensas.

Y esto es un aspecto muy a tener en cuenta y una decisión de diseño muy habitual tanto en los roguelike como en los looter shooter: de por sí, hay un número decente de misiones en Splatoon Raiders, pero todas están pensadas para que las repitamos. Y, de nuevo, juega con esta idea de una forma muy inteligente, pues al ir progresando, podemos volver a realizar las misiones ya superadas en dificultad picante, lo que provoca que haya más enemigos y más poderosos, pero también nuevas recompensas.

Y diréis, "uf, a mí es que eso de repetir misiones me acaba cansando", pero vuelvo a lo de antes: son misiones cortitas, el juego siempre te invita a probar cosas nuevas y, lo más importante de todo: es Splatoon. Y eso conlleva que después de más de 20 horas, sigas pasándotelo pipa disparando chorros de tinta y nadando a toda pastilla en forma de sepia o calamar.

Se dice poco, pero todos los Splatoon (incluido Raiders) tienen un gunplay (¿inkplay?) muy satisfactorio. Pese a que las armas que usamos parezcan de juguete, todas son una gozada a los mandos, especialmente si jugamos usando el giroscopio. Cubrir de tinta los escenarios provoca una satisfacción que es difícil de describir (el sistema de recreación y comportamiento de líquidos es una pasada) y el efecto "pop" que se produce al reventar enemigos genera algo que sólo se puede describir como adicción.

Y hablando de enemigos, algo que me gusta mucho es lo bien definido que está cada tipo. Todos tienen un comportamiento específico y un rol en combate, de manera que cada vez que nos metemos en una refriega, lo primero que debemos hacer es reconocer el terreno para ir primero a por los que pueden suponer un problema a la larga, como los Salmónidos que potencian a sus compañeros o los que se dedican a cubrir el terreno de babas (que viene a ser su tinta). También hay enemigos que tienen puntos débiles, por lo que no basta con disparar a lo loco, a veces también hay que apuntar bien o incluso esperar al momento adecuado para disparar.

Y aun con lo importante que es la estrategia, los combates son siempre frenéticos y caóticos; estamos continuamente moviéndonos de un lado para otro, ya sea a pie o nadando en tinta, escalando paredes, llamando al robot para saltar por los aires, deslizándonos por cables... Y todo esto mientras oleadas de Salmónidos nos abruman por todas partes. Inevitablemente, en ocasiones, se monta tal caos en pantalla que no entiendes nada de lo que está pasando y no te queda más remedio que disparar a ciegas y rezar para encontrar un charco de tinta donde esconderte.

Y aunque el foco en Splatoon Raiders es la campaña para un jugador, Nintendo no se ha olvidado de los fans de las anteriores entregas y también se ha incluido un modo multijugador cooperativo. Consiste en ofrecer ayuda o solicitarla, pudiendo así afrontar casi todas las misiones en grupos de hasta cuatro jugadores. Eso sí, el número y el poder de los enemigos aumenta para ajustarse, así como las recompensas obtenidas.

Estuve echando un par de partidas con otros jugadores y está bien, es entretenido, pero durante la campaña principal no hubo ningún momento en el que sintiese la necesidad de pedir ayuda para completar algo. Repito: durante la campaña principal. Porque, como veremos a continuación, Splatoon Raiders tiene mucho más que ofrecer.

¿Es difícil Splatoon Raiders?

Hay tres niveles de dificultad en Splatoon Raiders entre los que podemos alternar desde el menú de opciones: viajante, buscatesoros y superviviente. El juego nos deja claro que la dificultad sólo afecta a la potencia enemiga, así que las recompensas son las mismas en todas las dificultades.

Independientemente de la dificultad que elijamos, en Splatoon Raiders la dificultad la rige ante todo el nivel de nuestro personaje. Todas las misiones tienen un nivel recomendado y, si estamos en el mismo o por encima, los Salmónidos nos van a dar menos problemas. Mientras que si estamos por debajo... ya os podéis imaginar lo que pasa.

Yo he jugado en todo momento en buscatesoros, que sería el equivalente a la dificultad normal, y ha habido unas cuantas misiones que me han dado algún quebradero de cabeza. Pero no por no tener el nivel necesario, sino porque el equipo que llevaba no era el adecuado o no lo estaba usando correctamente. Esto sucede sobre todo en las misiones que tienen un tiempo límite, pues son las más complicadas y en las que hay que demostrar verdadera habilidad, pero también en una serie de misiones especiales en las que nos dan un equipo por defecto y nos obligan a superar desafíos con él.

Y como ya he explicado antes, además de los tres niveles de dificultad "base", las misiones cuentan a su vez con versiones más complicadas en dificultad picante. Y la cosa no acaba ahí en lo relativo a la dificultad, pero no estoy seguro de que me dejen decir más sobre el tema... así que mejor me callo.

¿Cuántas horas dura la historia de Splatoon Raiders?

Completar la campaña principal de Splatoon Raiders puede llevar entre 20 y 25 horas. Así ha sido en mi caso, que he jugado completando todas las misiones del nivel en el que estaba en ese momento, así como recogiendo todos los coleccionables y completando sus misiones asociadas.

Ahora bien y, como suele suceder en esta clase de juegos, una vez concluidos los créditos da comienzo el post-juego. Y hay que decir que incluso en ese aspecto Splatoon Raiders hace las cosas muy bien. No me permiten ser muy específico sobre los contenidos del post-juego, así que sólo diré que se desbloquean un gran número de novedades muy interesantes en todos los frentes que invitan a seguir jugando, así como una serie de desafíos con una dificultad endiablada.

Tal es la dificultad de estos desafíos, que creo que es aquí donde realmente tiene sentido el multijugador cooperativo de Splatoon Raiders. Que a ver, siempre estará el típico loco que se los haga en solitario, sin morir y sin recibir ni un golpe, pero yo he probado unas cuantas veces y aun superando el nivel recomendado no he estado cerca de oler la victoria.

Con todo esto, lo que quiero decir es que en Splatoon Raiders hay juego para rato una vez concluida la historia. Así que si lo que propone os convence, tenéis para más de 20, 30 y, probablemente, incluso 50 horas.

Lo único que he echado en falta han sido más opciones cosméticas. Quizás sea cosa mía, pero siempre me ha parecido que la moda y el estilo tenían una gran importancia dentro del universo Splatoon, y si bien aquí hay un buen puñado de trajes desbloqueables, al final todos son variaciones de los tres mismos conjuntos.

Y quiero recalcar que, pese a tratarse de un juego con niveles, recursos y materiales necesarios para mejorar cosas, durante la campaña principal el grindeo y el farmeo son inexistentes si completamos las misiones "en orden". Donde sí que hay farmeo y grindeo es en el post-juego, pero ahí tiene todo el sentido.

Precio y plataformas disponibles

Splatoon Raiders se lanza el 23 de julio de 2026 para Nintendo Switch 2 por un precio recomendado de 49,99€ en formato digital y 59,99€ en formato físico.

La buena noticia es que al tratarse de un juego de Nintendo no se trata de una Game-Key Card; el juego al completo viene en el cartucho.

La piscina de tinta de la que nos vas a querer salir este verano

Si no me equivoco, Splatoon Raiders es el primer looter shooter de Nintendo. Porque Switch y Switch 2 han tenido juegos de este subgénero de estudios third party, pero creo que la Gran N nunca se había atrevido a hacer un juego propio con estas características.

Y, para tratarse del primero, sorprende lo bien que lo han hecho. Porque hablamos de un subgénero complicado en el que es muy fácil meter la gamba y agotar rápido la fórmula o no ofrecer suficientes incentivos para seguir jugando. Pero no es el caso de Splatoon Raiders; Nintendo se ha sacado de la manga un juego que es puro vicio. Siempre quieres completarlo todo, encontrarlo todo y seguir jugando para completar más y encontrar más.

También es cierto que la IP ha ayudado mucho: Splatoon es la clase de saga que se presta muchísimo a la experimentación y con este Raiders han conseguido refrescar la fórmula y crear algo nuevo que atraerá tanto a veteranos como, sobre todo, a jugadores que no se habían atrevido a dar el salto (como yo).

Pero ya os advierto que, si os metéis en esta pozo de tinta, va a ser muy complicado escapar.

Por si habéis pasado los últimos meses durmiendo dentro de un ataúd en las oscuras mazmorras de un castillo, os alegrará saber que este nuevo Castlevania corre a cargo de Evil Empire, el estudio francés que trabajó en las actualizaciones post-lanzamiento de Dead Cells y en esa joya infravalorada llamada The Rogue Prince of Persia.

Y qué mejor sitio para probar un Castlevania que la ciudad de París, conocida por sus catedrales de estilo gótico, sus catacumbas repletas de huesos y sus bebedores de... vino.

Hasta allí fuimos, invitados por Konami, para jugar durante cerca de tres horas a Castlevania: Belmont's Curse y entrevistar a sus responsables. En estas impresiones os contamos qué nos ha parecido.

Impresiones de Castlevania: Belmont's Curse

Castlevania: Belmont's Curse actúa como secuela de los otros dos juegos "malditos" de la saga: Dracula's Curse, lanzado originalmente para NES, y Curse of Darkness, lanzado para PS2 y Xbox. De esta manera, nos ponemos en el papel de Rose Belmont, hija de Trevor Belmont y Sypha Belnades.

Rose se dirige a París junto a su padre para atender la petición de ayuda del obispo, pues la ciudad está sufriendo el ataque de las fuerzas de la oscuridad. Pero, nada más llegar, descubren que la situación es mucho peor de lo que esperaban y deciden tomar caminos diferentes.

Así comienza la aventura y así empezó nuestra sesión de juego, que nos permitió disfrutar de las tres primeras horas de la historia y enfrentarnos a los tres primeros jefes de Castlevania: Belmont's Curse.

Y antes de empezar a hablar de la jugabilidad, hay que volver a dejar claro un punto importante: Castlevania: Belmont's Curse NO es un roguelike. Se trata de una entrega con jugabilidad 2D (2.5D, más bien) tradicional, similar a títulos como Symphony of the Night o las trilogías para GBA y Nintendo DS (que es un metroidvania, vaya).

Ahora bien, Belmont's Curse también presenta un buen puñado de novedades interesantes que refrescan está fórmula tan conocida.

Desde el momento en que nos pusimos a los mandos, quedó patente un control muy fino y un combate contundente; acabar con las huestes de la oscuridad era muy satisfactorio, pudiendo realizar combos de varios ataques con el arma principal y una esquiva direccional muy útil para evitar el daño enemigo.

Arma principal que, en estos primeros minutos de juego, se trataba de una espada. Rose será una Belmont, pero todavía no se ha ganado el derecho a utilizar el legendario látigo Vampire Killer...

Ahora bien, como en las entregas "metroidvaniescas" de la saga, el armamento de Rose va aumentando a medida que progresamos en la aventura: en total, hay siete familias de armas diferentes en Castlevania: Belmont's Curse. Eso sí, aquí las armas no se obtienen como loot aleatorio de los enemigos, sino que se consiguen al superar ciertos hitos o encontrándolas en puntos concretos del mapa.

En esta demostración pudimos probar cinco: una espada, unos nudillos, un mandoble, una lanza y una combinación de espada y escudo. Además de tener animaciones de combate diferentes, cada arma tiene sus particularidades. Por ejemplo, los nudillos hacen más daño cuantos más golpes propinamos, mientras que la lanza cuenta con un ataque a distancia perfecto para librarse de enemigos voladores.

El desplazamiento también tendrá un gran papel en Castlevania: Belmont's Curse, algo que quedó claro tras desbloquear la primera habilidad: el látigo arcano. Se trataba de una habilidad que nos permitía balancearnos usando puntos de agarre (inevitable no acordarse del legendario Super Castlevania IV), así como acercarnos rápidamente a los enemigos para realizar un satisfactorio ataque de continuación que cambiaba dependiendo del arma equipada.

Y la segunda habilidad no se quedaba atrás, pues se trataba de una luz sagrada que servía para desviar los ataques enemigos (sí, un parry) y para hacer que unas superficies de aspecto cristalino apareciesen o desapareciesen. Esto dio lugar a fases de plataformeo muy interesantes (y desafiantes) en las que debíamos combinar saltos, saltos contra las paredes y movimientos de agarre con el látigo mientras hacíamos aparecer y desaparecer estas superficies.

Pero los genes de Sypha Belnades son poderosos en Rose, de ahí que la magia también sea un elemento muy importante en Castlevania: Belmont's Curse, sustituyendo a las subarmas habituales de la saga. Tenemos un botón asociado para realizar hechizos que consumen maná, que se recarga al realizar ataques contra los enemigos (los míticos "corazoncitos" de otras entregas no están aquí presentes, me temo).

Y aquí es donde entra en juego una de las novedades más interesantes de este nuevo Castlevania: los arcanos. Se trata de una baraja de cartas de tarot que acompaña a Rose desde el principio y que actúa como sistema de magia y como guía para progresar en la aventura.

Inicialmente, los naipes están en blanco, pero al progresar van revelando las imágenes de los jefes que debemos derrotar. En esta demostración, mostraban de forma parcial las imágenes de los tres primeros rivales a abatir y, tras derrotarlos, se reveló su imagen por completo... y obtuvimos el hechizo asociado.

Como pasa con las armas, cada hechizo es único y sólo podemos llevar uno equipado al mismo tiempo. Además, los hechizos se pueden mejorar mediante las llamadas obras de misericordia: se trata de desafíos que nos invitan a realizar ciertas acciones como, por ejemplo, desviar un número determinado de ataques con la luz sagrada o dar con lugares ocultos del mapa. Al cumplir esos desafíos, obtenemos puntos que podemos usar para mejorar los efectos de cada hechizo, pudiendo elegir entre varias opciones.

Por cierto, al derrotar a los jefes no sólo se obtiene su hechizo y/o habilidad, sino que también pasan a acompañar a Rose en su viaje. No en cuerpo presente, pero sí de viva voz, actuando como una suerte de compañeros de aventura que ofrecen información... o tocan las narices, dependiendo de su nivel de maldad. No sabemos si este será el caso con todos los jefes del juego (aunque, de ser así, quizás sería un poco too much), pero desde luego los tres primeros pasan a ser "voces dentro de su cabeza".

Las cartas de tarot también recogen pistas que vamos encontrando al explorar, a menudo recibidas de las espectrales manos de espíritus que se ocultan en las calles de París. Estas pistas pueden ayudarnos a dar con la localización de los jefes, pero también pueden ser consejos para derrotarlos o evitar algunos de sus ataques más peligrosos. Por ejemplo, una de las pistas relacionadas con el segundo jefe servía para descubrir un atajo para llegar a ella más fácilmente, algo que resultaba especialmente útil si nos derrotaba y debíamos volver a repetir el enfrentamiento.

Lo mejor de todo es que estas pistas, si bien útiles, son completamente opcionales. ¿Ese atajo que acabamos de mencionar? Nosotros lo encontramos ANTES de que nos diesen la pista. Y también puede suceder que lleguemos al jefe sin haber encontrado todas las pistas asociadas (encontramos tres de las cuatro disponibles para el tercer jefe, y eso que exploramos el mapa a fondo...). Es un sistema que parece buscar contentar a dos tipos de jugadores: por un lado, supone un aliciente para explorar bien los mapas, ayudándonos a encontrar el camino y facilitando los combates contra jefe... pero los veteranos o quienes no quieran ayudas pueden ignorarlo por completo sin que los perjudique.

Porque aún no lo hemos dicho, pero fiel a anteriores juegos de la saga, Castlevania: Belmont's Curse no nos da las cosas hechas. Si bien el orden para derrotar a los tres primeros jefes parecía ser fijo, era muy fácil perderse y tuvimos que recurrir al mapa muy a menudo para consultar nuestra ubicación y descubrir cómo progresar. Había rutas alternativas, zonas opcionales, secretos, muros quebrados (que, curiosamente, se reponían al descansar), paredes ilusorias...

De igual manera, nos pareció un juego en el que es fácil morir si no nos andamos con ojo. Comparado con las entregas más hardcore de Castlevania, aquí hablamos de un nivel de desafío medio (y no parece que vaya a contar con diferentes niveles de dificultad), pero hubo desafíos que nos llevaron unos cuantos intentos y la dificultad de los jefes fue aumentando de manera progresiva.

Castlevania: Belmont's Curse también conserva pequeños elementos RPG heredados de anteriores entregas. Al derrotar enemigos y encontrar ciertas estatuas, Rose adquiere experiencia y sube de nivel, mejorando así su ataque y su defensa. Además, si exploramos bien podemos encontrar unos libros que mejoran una de las dos estadísticas.

También es posible aumentar la barra de salud o la de maná reuniendo cuatro fragmentos, y contamos con tres espacios para equipar reliquias; objetos que nos confieren distintos tipos de mejora. Con tantos objetos coleccionables interesantes, nos resultó imposible no pararse a explorar a conciencia los escenarios.

Un detalle bastante curioso: contamos con tres curas para restaurar salud que se reponen cuando descansamos en los puntos de control o si las encontramos al derrotar enemigos o romper candelabros. Pero si tenemos las curas al máximo y encontramos otra, esta se suma de forma provisional al total. No sabemos si habrá un tope, pero en nuestra partida llegamos a tener cinco.

Castlevania: Belmont's Curse también nos ha convencido con su apartado visual, que destaca gracias al uso tan pronunciado del color y le confiere a cada escenario un aspecto muy llamativo. Las animaciones de Rose son geniales y muy fluidas, y también nos han gustado pequeños detalles, como que el camino al tercer jefe estuviese "señalado" por elementos del escenario o los cambios que se iban produciendo en la pantalla de carga al progresar en el juego.

Lo único que no nos termina de convencer es el estilo artístico de los personajes, que se pasa de "limpio" para tratarse de Castlevania. Un arte como el de la portada del juego, realizada por el legendario Katsuya Terada, le habría sentado muchísimo mejor. A nivel gráfico también hemos notado que le faltaba algo de trabajo, pues a veces se producían unos saltos de cámara un poco raros, pero tampoco es algo que nos preocupe en exceso dado que aún tienen tiempo para pulir asperezas de aquí al lanzamiento.

Realmente, en esta sesión de juego sólo le hemos encontrado dos pegas: la primera es que para columpiarnos con el látigo arcano, debemos apuntar manualmente inclinando el stick en la dirección exacta del punto de agarre. Y cuando decimos exacta es exacta; nos fuimos directos contra los pinchos en muchas ocasiones por no apuntar correctamente. Y dado que es algo que hacemos continuamente para desplazarnos o incluso durante los combates, no le vendría mal un sistema de apuntado semi-automático que no requiera tanta precisión.

La segunda pega es un poco más personal, pero hemos echado en falta algún tema musical más animado. Vaya por delante que la banda sonora sonaba de fábula, muy en la línea de los anteriores juegos de Evil Empire, pero la saga Castlevania siempre nos ha dejado auténticos temazos y, en particular, la melodía del primer nivel suele ser una de las más memorables y animadas de cada entrega. Mientras que aquí han apostado por un tema más calmado. ¡Queremos escuchar algo más marchoso para dar caza a la noche!

Pero que estas pequeñas pegas no os lleven a una idea equivocada: gozamos de estas tres horas de Castlevania: Belmont's Curse una barbaridad, tanto que nos quedamos con unas ganas locas de seguir jugando y pasamos los días posteriores al evento rememorando la partida... O quizás nos pasa como a Rose y escuchamos voces en nuestra cabeza, quién sabe.

En cualquier caso, Castlevania: Belmont's Curse se lanza para PS5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch y PC el 15 de octubre, porque, finalmente, a la consola híbrida también llega el mismo día que al resto de plataformas. Justo a tiempo para pasar un Halloween de miedo.

Preparad el ajo y las estacas, porque seguro que nos van a hacer falta.

Porque es así: no recuerdo cuándo fue la última vez que un juego logró sorprenderme de semejante manera. Aunque, siendo justos... ¿cómo no iba a hacerlo? La propuesta es una absoluta locura: un juego de trenes que corren a toda velocidad y hacen skateboarding en un Japón distópico, con estética anime y clara inspiración de sagas como Jet Set Radio y Tony Hawk's Pro Skater.

Denshattack! podría haberse contentado con ser eso; una pequeña locura, una curiosidad que llamase mucho la atención por su extravagante propuesta. Pero lo que ha logrado el equipo de Undercoders va a hacer que peguéis saltos en el asiento, os va a dejar con la boca abierta cada dos por tres y os va a recordar por qué, pese a todo, seguimos jugando a videojuegos. En otras palabras: es un tremendo melocotonazo.

Todos a bordo del tren, porque empieza nuestro análisis de Denshattack! para PS5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch 2 y PC.

• El gameplay de Denshattack!
• Nivel de dificultad de Denshattack!
• ¿Cuántas horas de juego dura Denshattack!?
• Cuánto cuesta Denshattack! y dónde puedes jugarlo
• La opinión de Hobby Consolas de Denshattack!
• Nota: lo mejor y lo peor de Denshattack​!

Jugabilidad y gameplay de Denshattack! en PS5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch 2 y PC

Una catástrofe climática ha obligado a los habitantes de Japón a recluirse en ciudades-cúpula para sobrevivir... o eso es lo que la corporación Miraido ha hecho creer a la población; en el exterior, las personas que no han podido permitirse un hogar en las cúpulas se han acostumbrado a vivir entre ruinas abandonadas, aprovechando el sistema ferroviario para todas sus necesidades y provocando así el nacimiento de Denshattack: un deporte que lleva a los conductores más temerarios a realizar toda clase de trucos y otras locuras en vertiginosas carreras por las vías de Japón.

El juego nos cuenta la historia de Emi, una joven repartidora de ramen con un talento innato para los trenes. Cuando conoce a Fernando, un fotógrafo que recorre la región, se embarca en un viaje para convertirse en la mejor denshattacker y, de paso, derrocar a la malvada corporación Miraido.

Sobre el papel, la jugabilidad de Denshattack! no puede ser más sencilla: una vez ponemos el motor de la locomotora en marcha, el vehículo avanza por la vía de manera automática, siempre hacia delante y a toda velocidad.

Nosotros tenemos control a la hora de cambiar de vía o saltar si vemos un bloqueo, driftear en las curvas para no descarrilar y por supuesto aprovechar los momentos en el aire para realizar trucos, mediante un sistema de movimientos de joystick similar al visto en la saga skate. de EA.

Una de las claves de Denshattack! es que al ir progresando en el juego, se van introduciendo más y más mecánicas que añaden capas de complejidad, permitiendo que el jugador se exprese y dando más control sobre las vías... y fuera de ellas.

Pronto estamos usando el tren como si de una tabla de skate se tratase para grindar barandillas, hacer wallrides, prolongar los combos de trucos con manuals o incluso salirnos de las vías para hacer loopings. Hay muchas más mecánicas, pero prefiero no decir más de la cuenta porque una parte importante de la experiencia es ir descubriéndolas.

Y sí, se podría decir que Denshattack! es un juego de skate sobre raíles. Dicho así puede sonar simple, pero ya os advierto que vais a necesitar muy buenos reflejos; todo se desarrolla a tal velocidad y hay tantos estímulos en pantalla, que es realmente fácil estamparse o salirse de las vías. De hecho, esa es una de las pocas pegas que le puedo poner a Denshattack!; hay momentos en los que la pantalla está tan saturada y todo va tan rápido, que cuesta ver con claridad los obstáculos del recorrido.

Pero también tiene su gracia, pues si alguien que no conoce Denshattack! nos ve jugar, probablemente no entenderá absolutamente nada de lo que está sucediendo en pantalla... mientras que nosotros habremos entrado "en la zona".

Y lejos de estar limitados por las vías, han sabido aprovechar muy bien la idea para meter toda clase de locuras, utilizando las mecánicas de formas muy inesperadas y sorprendentes.

Por ejemplo, una de las habilidades más importantes de Emi es el Yaoyorozudo, que sería el equivalente a conseguir el special en un Tony Hawk. La diferencia es que aquí, al alcanzar la puntuación necesaria, aparecen nuevos carriles, barandillas, túneles, etc. caracterizados por los colores del arcoíris. Me parece una ideaza, porque te invita a jugar encadenando trucos para aumentar tus opciones durante el recorrido. Y además, da pie a momentos muy espectaculares.

Los niveles también presentan diferentes modalidades de juego. Los básicos consisten en ir del punto A al punto B, consiguiendo la puntuación más alta por el camino. Pero también hay niveles que consisten en competir contra otros denshattakers, superando varias vueltas a un mismo recorrido, niveles en los que hay que alcanzar la mayor puntuación posible dentro de un tiempo determinado o incluso niveles "abiertos", en los que tenemos que cumplir una serie de objetivos que podemos acometer en el orden que prefiramos.

Cada nivel cuenta también con una serie de desafíos, desde cosas comunes, como superarlos en el menor tiempo posible, sin estrellarnos o alcanzando la puntuación máxima, hasta retos únicos de cada nivel que nos permiten apreciar mejor el gran trabajo que hay detrás de cada uno de ellos. Hay un total de 67 niveles en Denshattack!

Y cumplir todos estos retos es un auténtico vicio; los niveles son todos tan rápidos y espectaculares que es inevitable querer repetirlos una y otra vez hasta conseguirlo todo (o casi, porque no es fácil sacar todas las medallas de oro). Además, también hay objetos coleccionables en cada nivel que se pueden usar para comprar artículos de personalización o nuevos modelos de tren con diferentes habilidades.

Todo esto alcanza el punto álgido en los combates contra jefe. Porque sí, Denshattack! también tiene combates contra jefe y son un puñetero espectáculo a todos los niveles: puesta en escena, mecánicas, banda sonora... Desde que tengo el juego en mis manos, he repetido varios de estos combates y no sólo para conseguir la medalla de oro, sino simplemente porque MOLAN. Molan muchísimo.

En estos combates es donde se utilizan las mecánicas de formas más inesperadas, con auténticas idas de olla que hacen que Denshattack! se transforme en... otros juegos. Y siempre que crees que ya lo has visto todo y que es imposible que te sorprendan, se sacan de la manga una idea aún más chalada que la anterior. Y esto es así hasta el mismísimo nivel final; es un juego que no para de crecerse.

En los combates contra jefe también es donde mejor se puede apreciar el espíritu anime que impregna la propuesta, con situaciones absurdamente épicas que no desentonarían en un shonen de peleas de mechas.

Y hablando de anime, no faltan toda clase de referencias a series y películas: Dragon Ball, Studio Ghibli, Initial D... Pero, por encima de todo, Denshattack! es una oda a la cultura japonesa. El juego nos lleva a recorrer las principales islas de Japón, desde Kyūshū hasta Hokkaidō, pasando por diferentes prefecturas y visitando lugares tan icónicos como el monte Fuji o el cruce de Shibuya, entre muchos otros. Y, por el camino, también hay tiempo para conocer tradiciones milenarias o incluso disfrutar de momentos de tranquilidad en un onsen.

Esa es una de las cosas que más me gustan de Denshattack!; no se limita a ser una sucesión de niveles en los que hacer trucos para ganar puntos. Aquí, cada recorrido cuenta una historia; siempre hay una excusa narrativa para estar ahí, y mientras vuelas por las vías a toda velocidad, se generan situaciones a las que te tienes que enfrentar para llegar hasta el final. Y tanto la historia como el elenco de personajes -muy carismáticos- que vamos conociendo, logran que nos impliquemos y que juguemos también para saber qué va a pasar a continuación.

Y cuando todo eso confluye, cuando el diseño de los niveles, las mecánicas utilizadas de formas originales, las situaciones que se plantean, el punto en que se encuentra la historia y, por supuesto, la banda sonora, se ponen de acuerdo para alcanzar el clímax, es inevitable que se te pongan los pelos de punta. Me ha pasado en varias ocasiones mientras jugaba, con el mando en las manos, una sonrisa en los labios y pensando: «madre mía, cómo mola Denshattack!»

Y como no podía ser de otra manera, Denshattack! también derrocha estilazo audiovisual. En lo referente a los gráficos, se aprecia la influencia de Jet Set Radio, haciendo uso del cel-shading y un estilo inspirado en la cultura urbana, el mundo del grafiti, tribus como las Gyaru, la moda Lolita o las bandas juveniles de Japón.

Para acomodarse a semejante variedad de estilos e influencias, la banda sonora incluye temas musicales de todos los géneros que os podáis imaginar, eso sí, caracterizados por tener un tremendo estilazo. Han contado con una enorme gama de artistas, entre los que destacan Andrew One, Sean Bialo, Tee Lopes (el celebrado compositor de Sonic Mania y otros títulos recientes de SEGA) o incluso Shoji Meguro y Lotus Juice, el rapero habitual de la saga Persona.

Pero creo que la mejor forma de describir la banda sonora sería decir que "Denshattack! suena a SEGA". Hay muchísimos temas que podrían ser perfectamente parte de un Sonic, un Jet Set Radio o un juego de Dreamcast. Es una banda sonora increíble y os garantizo que muchas canciones las vais a querer volver a escuchar fuera del juego.

¿Es difícil Denshattack!?

Denshattack! no incluye diferentes niveles de dificultad y, por lo general, no se puede decir que sea un juego muy difícil... aunque depende de lo que aspiréis a conseguir.

A medida que avanzamos en la historia, la dificultad va en aumento, llegando a exigir que dominemos todas las mecánicas, conozcamos los entresijos de los circuitos y tengamos unos reflejos de lince.

Ahora bien, es un juego muy generoso en lo que a checkpoints se refiere, de manera que cada vez que nos estrellamos o nos salimos de las vías, aparecemos unos metros antes del accidente. De ahí que incluso superar los niveles más complicados sea una cuestión de insistir más que de habilidad a los mandos.

Pero todo eso es siempre que os limitéis a terminar los niveles y ya. Porque si pretendéis completar todos los retos, encontrar todos los coleccionables y conseguir todas las medallas de oro... ahí la cosa cambia por completo.

Yo lo he intentado y ya os digo que no es fácil en absoluto. Sólo el hecho de tener que completar todos los niveles sin estrellarse ya es toda una hazaña, y algunos requisitos de puntuaciones os van a obligar a mantener la cadena de combos durante todo el recorrido. Además, algunos de los coleccionables están realmente bien escondidos o requieren triquiñuelas endemoniadas, como tener que activar el Yaoyorozudo muy pronto para tener acceso a rutas alternativas.

En otras palabras: quien quiera dificultad la va a encontrar de sobra, pero se trata de un enfoque muy arcade, ideado para que repitamos los niveles una y otra vez hasta dominarlos por completo.

Es particularmente satisfactorio volver a los niveles iniciales tras haber terminado el juego, y descubrir que ahora podemos superarlos con los ojos cerrados.

¿Cuántas horas dura la historia de Denshattack!?

Y esto, cómo no, nos lleva a hablar de la duración de Denshattack! Como sucede con la dificultad, si os contentáis con terminar los niveles una vez, completar la historia os puede llevar entre 6 y 8 horas.

Pero si tratáis de superar los retos, encontrar coleccionables y conseguir medallas de oro, la duración de Denshattack! aumenta considerablemente.

En mi caso, ya llevo más de 15 horas de juego y todavía me quedan más de la mitad de medallas de oro por conseguir y unos cuantos coleccionables por encontrar.

Es una duración estupenda, especialmente si tenemos en cuenta el siguiente punto.

Precio y plataformas disponibles

Denshattack! se lanza el 15 de julio de 2026 para PS5, Xbox Series X|S (también en Game Pass), Nintendo Switch 2 y PC a un precio recomendado de 19,99€.

Puede que el "efecto Silksong" haya tenido algo que ver, pero desde luego un juego tan original, con tanta calidad y con ese nivel de contenido es sencillamente irrechazable a ese precio.

Para este análisis he jugado a la versión de PS5, que va como un tiro, pero también hemos podido trastear un rato con la versión de Denshattack! para Nintendo Switch 2 y tres cuartos de lo mismo: va muy fluida, a 60fps estables y sin ralentizaciones (en los primeros niveles, al menos), así que es una opción más que recomendable, pues al ser un juego de partidas rápidas encaja muy bien con el concepto híbrido de Switch.

Por el momento, Denshattack! sólo estará disponible en formato digital, pero es la clase de juego que tiene todas las papeletas para llegar en formato físico en un futuro no muy lejano, especialmente si tiene éxito (cruzo los dedos para que así sea).

Menos cháchara y más Denshattack!

Creo que todos estamos de acuerdo en que los videojuegos son algo muy pasional, tanto desde el lado de los jugadores como el de los creadores. Pero tal y como están las cosas ahora mismo, especialmente dentro de la industria AAA, toda esa pasión se diluye a través de decisiones que han sido tomadas en un despacho por "corbatas".

Quizás ese sea el verdadero motivo por el que Denshattack! embiste con semejante fuerza. Puedes sentir en cada píxel que sus creadores se lo estaban pasando como enanos cuando lo desarrollaban y que no ha habido nadie que bajase las barreras para detener este tren. La luz del semáforo estaba siempre en verde, dando vía libre a cualquier locura que pasase por sus cabezas.

Y ese sentimiento se traslada al mando y a la persona que lo sostiene. Es así de sencillo. No hacen falta presupuestos millonarios, sólo ideas originales y libertad para llevarlas a cabo. Menos mal que existen los indies y menos mal que existen estudios como Undercoders, porque si no... hace tiempo que me habría bajado de este tren.

Y, sobre todo, menos mal que existe este tremendo melocotonazo. Adoro Denshattack!

Hasta allí se han acercado varios miembros del equipo, entre ellos David Jaumandreu (dirección del juego y producción ejecutiva) y Àngel Beltran (producción y programación principal), para hablarnos sobre el arduo proceso hasta encontrar un publisher, anécdotas sobre el desarrollo o las muchas influencias tras su estilo visual y banda sonora.

Tras concluir la presentación y, como es habitual en esta clase de eventos, ha tenido lugar el turno de preguntas. Pero antes de que cualquiera de los asistentes levantase la mano, el propio David Jaumandreu se ha adelantado y ha despejado la duda que todos teníamos en mente: ¿habrá edición física de Denshattack!?

Denshattack! podría contar con edición física y sus responsables ya sueñan con sus contenidos

Después del anuncio de PlayStation que fue como un terremoto para la industria, es inevitable pensar (más) en las ediciones físicas. Y especialmente en el caso de Denshattack!; un título de trenes que hacen skateboard bajo un estilo audiovisual tan potente es la clase de juego que queremos tener en nuestra estantería, ya sea en cartucho o en disco (o en ambos).

«Ojalá» ha confesado el director de Denshattack!. Al estudio le encantaría, pero por ahora no hay nada confirmado y todo dependerá de la recepción del juego.

Ahora bien, tienen muchas ideas en caso de que la edición física de Denshattack! sea una realidad. Como, por ejemplo, una edición que incluya como extra los fanzines que podemos desbloquear dentro del juego, pero en formato físico.

O una edición que incluya una versión en miniatura del Beppu Star, el tren que conduce la protagonista de Denshattack!. O por supuesto una edición que incluya la banda sonora, dado que se trata de uno de los aspectos más cuidados de la aventura (hay cerca de 80 canciones, más de 4 horas de música).

Como veis no faltan ideas ni ganas de tener esta pequeña locura en las manos (literalmente), pero ahora todo depende del apoyo que reciba a partir de mañana, cuando se ponga a la venta.

Aunque... algo nos dice que a Denshattack! le va a ir MUY bien. Quizás sea porque se trata de una idea con muchísimo potencial, por el entusiasmo que transmite su equipo... o porque ya lo hemos jugado (y terminado) y muy pronto podremos contaros qué nos ha parecido.

Pero estamos seguro de nadie va a querer perder este tren.

Lo cierto es que ha habido un gran número de juegos de Sword Art Online (el último en 2024), pero la gran mayoría no ha brillado por su calidad. Sin embargo, en este se puede apreciar claramente la intención de Bandai Namco por hacer algo más ambicioso... probablemente el juego más ambicioso de Sword Art Online.

Y buena prueba de ello es su título, Echoes of Aincrad, porque Sword Art Online es un pequeño subtítulo que nos avisa de donde nos estamos metiendo realmente. Creo que de esta manera lo que intentan es atraer a seguidores de los JRPG que no conocen el universo de SAO... y desde luego conmigo ha dado resultado.

Ahora bien, pese a las buenas intenciones, Echoes of Aincrad se queda lejos de ser un gran juego... aunque eso no ha evitado que me haya enganchado de forma inexplicablemente compulsiva. Os lo explico (o lo intento) en esta review de Echoes of Aincrad para PS5, PC y Xbox Series X|S.

• El gameplay de Echoes of Aincrad: Sword Art Online
• Nivel de dificultad de Echoes of Aincrad: Sword Art Online
• ¿Cuántas horas de juego dura Echoes of Aincrad: Sword Art Online?
• Cuánto cuesta Echoes of Aincrad: Sword Art Online y dónde puedes jugarlo
• La opinión de Hobby Consolas de Echoes of Aincrad: Sword Art Online
• Nota: lo mejor y lo peor de Echoes of Aincrad: Sword Art Online

Jugabilidad y gameplay de Echoes of Aincrad: Sword Art Online en PS5, Xbox Series X|S y PC

Echoes of Aincrad nos lleva a participar tanto en la beta como en el lanzamiento de Sword Art Online, un VRMMORPG que se convierte en una trampa mortal cuando su creador atrapa a todos los participantes en su interior, obligándoles a superar el juego si quieren volver a sus vidas reales. En otras palabras, tiene lugar justo al principio de la historia principal, así que es un punto de entrada perfecto si no conocéis la serie.

La gracia es que en lugar de ponernos en el papel de Kirito, el protagonista de SAO, Echoes of Aincrad nos permite crear a nuestro propio personaje y personalizar su apariencia (a partir de cierto punto) con un editor bastante parco en opciones, pero que cumple su cometido.

Así que si bien conocemos e incluso entablamos amistad con algunos de los personajes más conocidos de Sword Art Online, la historia de Echoes of Aincrad va por otros derroteros y presenta a un grupo de personajes completamente nuevo.

Desarrollar y mantener un juego multijugador masivo en línea es muy costoso, así que Bandai Namco ha optado por simular la experiencia a través de un JRPG de acción para un único jugador. Quizás haya gente a la que esto le parezca una estupidez, pero personalmente siempre me ha atraído mucho la idea de un falso MMORPG, probablemente porque en su día estuve obsesionado con la saga .hack y, hace no tanto, también con esa joyita llamada CrossCode.

Pero aquí es donde empiezan los problemas de Echoes of Aincrad. La sensación de estar en un MMORPG está muy poco lograda; en las ciudades, los NPCs deambulan como zombies y sólo podemos interactuar con el herrero, la dependienta de la tienda y el ocasional personaje que nos encarga una misión secundaria. Fuera de las ciudades es peor todavía, pues nunca nos cruzamos con nadie salvo con monstruos.

Así que más que un MMORPG simulado, Echoes of Aincrad parece un JRPG como cualquier otro. Y me parece incomprensible, pues juegos como los mencionados .hack o CrossCode (que ya tienen unos cuantos añitos), conseguían generar la falsa ilusión de estar jugando a un título online con trucos tan sencillos como poner a otros jugadores corretando por ahí.

La estructura de Echoes of Aincrad también es un problema, pues aunque las imágenes pueden llevar a pensar que se trata de un juego de mundo abierto, en realidad no lo es.

Echoes of Aincrad es un juego con una estructura dividida en misiones y cada misión, ya sea principal o secundaria, se desarrolla dentro de una zona delimitada. Es una idea bastante extraña, pues tal y como está diseñado el mapa general, resulta muy raro no poder salir de la ciudad y explorar libremente.

Y ojo, me parece bien que los mapas no sean las típicas explanadas que ya hemos visto en tropecientos juegos de mundo abierto; lo que tenemos aquí son niveles, con diferentes rutas, alturas y atajos, diseñados a lo grande y con la intención de que los exploremos hasta dar con el punto que revela el mapa de la zona, lo cual no siempre es fácil. Y eso me gusta.

El problema es que explorarlos es una experiencia muy frustrante. Continuamente te topas con obstáculos que te obligan a dar vueltas sin sentido y restringen tu libertad de movimiento, como que no puedas dejarte caer desde una posición elevada, que sólo puedas usar el viaje rápido desde los puntos designados o que, si te sales de la zona habilitada para esa misión, el juego te diga "por aquí no se puede ir".

Al final te acabas acostumbrando a este diseño arcaico, pero no deja de ser muy frustrante, especialmente si quieres recoger todo el contenido de cada mapa. Durante las primeras 30 horas, a mi me dio por limpiar todas las zonas en todas las misiones y ya os lo aviso: es un coñazo y no merece la pena.

Es un coñazo porque, tal y como está diseñado, te acabas pegando unas pateadas de un lado para otro que no tienen ningún tipo de sentido. Si hubiera un contador de pasos en Echoes of Aincrad, estoy convencido de que ya superaría por mucho a la mayoría de juegos. Y no merece la pena porque tampoco hay mucho que ver: sólo cofres cuyo contenido es inútil en el 90% de los casos, materiales, muy de vez en cuando hay objetos que activan misiones secundarias... y por supuesto enemigos. Muchos enemigos.

E incluso aunque paséis de limpiar los mapas, Echoes of Aincrad presenta otro problema importante: las misiones siguen siempre la misma estructura. Ir a una localización, explorarla hasta encontrar el punto o puntos que revelan el mapa y enfrentarse a un jefe. Es así siempre.

El único cambio se produce cuando la misión tiene lugar en una mazmorra, pero en estos casos el diseño de los mapas se genera de forma aleatoria. Y aunque hay diferentes tipos de mazmorras desde un punto de vista visual, su estructura es tremendamente repetitiva; vais a ver salas con los mismos patrones continuamente. Uno de los momentos más frustrantes de todo el juego tuvo lugar cuando me hicieron superar una de estas mazmorras (que normalmente tienen dos pisos) y, en la siguiente misión, tuve que volver a explorar exactamente la misma mazmorra... pero esta vez en lugar de dos pisos eran cuatro. Y no, en este caso no estoy hablando de algo opcional; esto forma parte de la historia principal. Y hablando de cosas que se repiten... la variedad de enemigos, especialmente jefes, deja bastante que desear.

Llegados a este punto os preguntaréis: ¿tiene Echoes of Aincrad: Sword Art Online algo que merezca la pena? Y la respuesta es sí; el combate es bastante entretenido... aunque también tiene varios "peros".

La acción es directa, satisfactoria y muy vistosa, estilo hack'n slash. Hay seis armas diferentes, una gran variedad de habilidades de espada (las mismas que dan nombre al juego) muy espectaculares y un sistema de acompañantes que, si bien no es demasiado profundo, da pie a acciones como esquivas y bloqueos perfectos o ataques de apoyo y definitivos. También hay una mecánica bastante interesante que consiste en cercenar partes del cuerpo de los enemigos para, por ejemplo, impedir que vuelen o evitar que bloqueen ataques, pero está un tanto desaprovechada. Eso sí, hay que reconocer que cuesta cansarse de ver los desmembramientos a cámara lenta.

Echoes of Aincrad tiene toques de soulslike, apreciables en aspectos como la gestión de la energía en combate o el crecimiento del personaje distribuyendo puntos en diferentes estadísticas. También hay un sistema de fabricación, mejora y síntesis de armas que está bastante bien; no es la cosa más original ni más compleja del mundo, pero en combinación con el loot que dejan caer los enemigos constantemente, se genera un bucle jugable que engancha bastante e invita a trastear con las diferentes posibilidades.

Por eso resulta incomprensible que en Echoes of Aincrad no sea posible cambiar de arma ni de equipo en mitad de una misión; para hacerlo, estamos obligados a volver a una ciudad. Como muchas otras decisiones del juego, parece una idea que sólo está diseñada con el objetivo de hacernos perder el tiempo.

Pero eso no es lo peor; lo peor del combate de Echoes of Aincrad es que el 80% de los ataques enemigos tiran a nuestro personaje al suelo. No os hacéis una idea de lo insufrible que puede llegar a ser, especialmente cuando coinciden en pantalla varios enemigos y tan rápido como nos estamos levantado... nos vuelven a tirar.

La sensación de estar perdiendo el tiempo también la he sentido con la historia, pues a pesar de que el universo de Sword Art Online implica un planteamiento interesante, los nuevos personajes apenas tienen desarrollo y cuesta mucho empatizar. Eso cuando no se olvidan directamente de ellos.

Pero la historia tiene otros problemas más graves: resulta demasiado previsible, hay incongruencias argumentales y, pese a tener un ritmo lentísimo... de repente se acaba y nos deja a medias.

El apartado audiovisual tampoco es uno de los fuertes de Echoes of Aincrad: Sword Art Online. Han apostado por un estilo gráfico cel-shading, que siempre entra muy bien por los ojos y es fiel al anime, pero las animaciones de los personajes están muy poco trabajadas, algo que se evidencia sobre todo durante los diálogos.

La variedad visual también es muy escasa, pues aunque podemos explorar dos pisos (mapas) con ambientaciones muy diferentes, apenas se aprecian cambios dentro de las zonas que los componen, lo que provoca la impresión de recorrer siempre los mismos escenarios. Y la banda sonora está bien como acompañamiento durante la exploración y los combates, pero no hay ninguna melodía que destaque y acaba pasando a un segundo plano.

¿Es difícil Echoes of Aincrad: Sword Art Online?

Echoes of Aincrad: Sword Art Online cuenta con cuatro niveles de dificultad: fácil, normal, difícil y muy difícil. Si no nos convence la dificultad elegida, podemos cambiar a otra desde los cofres en los que distribuimos los puntos de nivel y cambiamos el equipo.

Precisamente eso hice, pues empecé jugando en normal y, me estaba pareciendo tan excesivamente fácil, que decidí animar un poco las cosas probando la dificultad difícil. Y así se quedó durante el resto del juego; en esa dificultad, Echoes of Aincrad sigue sin ser el juego más difícil del mundo, pero al menos te obliga a estar pendiente de lo que haces.

Eso sí, a medida que avanza la historia hay unos cuantos jefes que suponen un pico de dificultad importante, tanto que por momentos parece que estás jugando a Dark Souls. Y en ocasiones se les va la mano con las oleadas de enemigos y lo único que podemos hacer es ver cómo arrollan a nuestro personaje sin posibilidad alguna de respuesta.

Ahora bien, la dificultad tiene trampa: en la gran mayoría de misiones, el nivel de los enemigos escala en relación al de nuestro personaje, por lo que no importa demasiado si se nos va la mano subiendo de nivel. Sólo hay un tipo de misión en las que el nivel de los enemigos es fijo, pero son muy puntuales.

Además de los distintos niveles de dificultad, Echoes of Aincrad cuenta con dos modos de juego: estándar y juego mortal. Este último es el modo realista, por así decirlo, pues como sucede en Sword Art Online, si morimos... la partida se acaba y tendremos que empezar de cero con otro personaje.

¿Cuántas horas dura la historia de Echoes of Aincrad: Sword Art Online?

Es complicado calcular la duración exacta de Echoes of Aincrad, pero diría que yendo a piñón se puede completar la historia principal en unas 30 o 40 horas. En mi caso, han sido cerca de 60.

Porque si decidimos hacer misiones secundarias y, sobre todo, explorar a fondo todos los mapas, la duración se puede ir sin problemas a las 70 u 80 horas.

Puede que incluso más, pues una vez terminado el juego todavía queda el post-juego, que a grandes rasgos consiste en superar una mazmorra en diferentes niveles de dificultad, con nuevas mecánicas con toques de roguelike y un nuevo tipo de objeto de equipo como premio. Y ya os aviso que superar todos los niveles y lo que espera al final no es nada fácil.

Aunque, como ya he dicho, si decidís ir a por el 100% os vais a hartar de correr de un lado para otro (a mí todavía me duele el pulgar izquierdo de tenerlo tantas horas haciendo presión sobre el joystick).

Precio y plataformas disponibles

Echoes of Aincrad: Sword Art Online se lanza el 10 de julio de 2026 tanto en formato físico como digital.

En el caso de la edición física, su precio recomendado es de 69,99€. Mientras que en digital tenemos tres opciones distintas: edición estándar, que incluye los mismos contenidos y tiene el mismo precio que la edición física; edición deluxe, que incluye el juego, contenido descargable del pack de expansión, un paquete de inicio y desbloqueo anticipado del modo de juego mortal por un precio de 89,99€; y edición ultimate, que incluye el juego, contenido descargable del pack de expansión, un paquete de inicio, desbloqueo anticipado del modo de juego mortal, las botas aleteantes y túnicas aleteantes y una aplicación digital, separada del juego principal, que incluye un libro de arte, banda sonora y la película de animación Unanswered//Butterfly. Todo ello por 109,99€.

Además, es importante señalar que podéis jugar de forma gratuita a la demo de Echoes of Aincrad, que corresponde al prólogo del juego (la beta de Sword Art Online) y ofrece entre 5 y 6 horas de juego.

Sword Art Offline

Tengo la certeza de que Echoes of Aincrad tenía mucho potencial. Con más tiempo de desarrollo, trabajo y, probablemente, dinero invertido, de aquí podría haber salido un JRPG de acción de gran nivel, capaz de conquistar tanto a amantes de Sword Art Online como a gente que no ha visto ni un capítulo del anime en su vida.

Por desgracia, tiene demasiados problemas en demasiados frentes como para recomendárselo a cualquiera de los dos grupos. Pero, pese a todo... he seguido jugando.

Ni yo me lo explico, porque muchas veces he sentido que estaba perdiendo el tiempo y que debería haberlo dedicado a otra cosa. Pero he seguido jugando.

Quizás sea porque el universo que plantea es muy interesante y las ganas de un nuevo .hack son fuertes; quizás sea porque esperaba encontrar algo bueno en algún momento; o quizás sea porque el combate y el bucle jugable son muy entretenidos. Pero el caso es que pese a sus muchos y evidentes problemas, he seguido jugando a Echoes of Aincrad.

...y lo peor es que en cuanto termine de escribir este análisis voy a seguir haciéndolo.

Por si no lo conocéis, se trata de un evento dedicado a la música de videojuegos japoneses donde se celebrará un concierto en directo en el que compositores emblemáticos tocarán algunas de sus melodías más queridas.

Japan Sound Quest acogerá como invitado estrella a Nobuo Uematsu, y contará también con la participación de otras dos leyendas de la música de videojuegos: Kumi Tanioka y Noriyuki Iwadare.

Os dejamos todos los detalles a continuación.

Ya a la venta las entradas para Japan Sound Quest, el evento que ningún amante de la música de los JRPG debería perderse

Japan Sound Quest tendrá lugar el próximo 18 de diciembre de 2026 en el Roig Arena de Valencia (España). Las entradas para el evento están a la venta desde el 30 de junio, así que si os interesa asistir ya estáis tardando en haceros con ella desde este enlace.

Como decimos, el cabeza de cartel es Nobuo Uematsu, legendario compositor de la saga Final Fantasy y de juegos como Chrono Trigger, Lost Odyssey, The Last Story y un largo etcétera. Además, por primera vez en España, estará acompañado por su banda, TIKI.

Japan Sound Quest también acogerá conciertos de Kumi Tanioka, compositora de Final Fantasy Crystal Chronicles, y Noriyuki Iwadare, compositor de Grandia y Phoenix Wright: Ace Attorney.

Se trata sin duda de una ocasión única, un evento muy especial que ningún amante de los videojuegos y, en especial, de las bandas sonoras de los juegos de rol japoneses debería perderse.

Así que lo recordamos una vez más: el próximo 18 de diciembre de 2026 tenéis una cita en el Roig Arena de Valencia para disfrutar de la música de Nobuo Uematsu, Kumi Tanioka y Noriyuki Iwadare en Japan Soun Quest.

Bajo el lema "Game sube de nivel", han empezado a calentar motores de cara a este gran anuncio que se producirá próximamanete.

Por el momento no han revelado demasiada información, pero por aquí os traemos todos los detalles sobre lo que promete ser la nueva era de la tienda de videojuegos.

Game sube de nivel: una gran novedad llegará muy pronto a la tienda de videojuegos trayendo consigo una nueva vera

Este anuncio deja especialmente claro que este "algo" en el que han estado trabajando tiene que ver con los clientes.

Aseguran que la idea no ha nacido en un despacho, sino gracias a una encuesta que hicieron a los usuarios más fieles hace meses para saber qué querían para el futuro de Game.

Según sus propias palabras, se trata de algo que los clientes pidieron... y van a subir de nivel para darles todo eso y mucho más. Y no tendremos que esperar muo para saber de qué se trata: el gran anuncio tendrá lugar el 8 de julio de 2026, es decir, exactamente dentro de una semana,

Por el momento no pueden ofrecer más detalles al respecto, pero han preparado un microsite especial donde podemos apuntarnos para descubrir la nueva era de Game en cuanto se produzca el anuncio oficial y estar al tanto de todas las novedades que llegarán a la tienda.

¿Alguna idea de lo que puede ser este gran anuncio? ¿Qué novedades os gustaría ver en Game? La semana que viene, en cuanto tengamos más detalles, os los haremos llegar.

Te puede gustar más o menos el Episodio I de Star Wars, pero es innegable que una de las escenas más icónicas de toda la película es la carrera de vainas. Por eso a nadie le sorprendió que en 1999 se lanzase un videojuego de conducción arcade centrado en la competición de alta velocidad: Star Wars Episodio I: Racer.

La sorpresa fue que era muy buen juego, especialmente en un época en la que los títulos basados en películas tendían a no brillar por su calidad. A rebufo de su éxito se lanzaron otros dos videojuegos: una versión para máquinas recreativas y una secuela, Star Wars Racer Revenge, que se quedó bastante lejos de la línea de meta.

Y ahora, 27 años después, Fuse Games, un equipo formado por antiguos miembros de Criterion, autores de grandes obras de la velocidad como Burnout o Need For Speed, nos proponen volver a subir a la vaina (o a otras vehículos) para disfrutar de las carreras más vertiginosas de toda la galaxia. Así es Star Wars: Galactic Racer.

Impresiones de Star Wars: Galactic Racer

Star Wars: Galactic Racer cuenta con cuatro modos de juego distintos: campaña para un jugador, escenarios, arcade y multijugador.

En el modo campaña nos ponemos en papel de Shade, un misterioso piloto que se une a la Liga Galáctica del Borde Exterior para derrocar al malvado Kestar Bool, quien amenaza con hacerse con el control de la competición.

El modo campaña es toda una curiosidad, pues además de contar una historia en el sentido tradicional, está diseñado de manera que sea altamente rejugable y cada partida sea diferente. De ahí que Star Wars: Galactic Racer tenga cierta filosofía roguelike.

Cuando iniciamos la campaña entramos dentro de la Liga y, para progresar, podemos elegir entre diferentes tipos de eventos, como carreras tradicionales, carreras de prueba a bordo de vehículos experimentales o carreras de eliminación.

Al superar eventos vamos cambiando de planeta, visitando lugares como Jakuu, Lantaana o Ando Prime, cada uno con sus características propias. Y también obtenemos mejoras para los vehículos y tokens de la Liga, necesarios para competir.

El objetivo es llegar a la carrera de competición final, en la que nos enfrentamos a Kestar Bool, con el mejor vehículo posible. Pero si por el camino fracasamos muchas veces y nos quedamos sin tokens, la Liga termina para nosotros y tendremos que empezar otra desde el principio.

Curiosamente, en el modo campaña no manejamos las vainas de carreras, pero podemos elegir entre tres vehículos diferentes: el aerodeslizador terrestre, la moto aerodeslizadora y el aerodeslizador skim.

Y no sólo la elección de vehículo es importante: también debemos escoger entre 14 estilos de conducción distintos, cada uno con ventajas y habilidades únicas. Eso sí, muchos de los estilos o incluso las ventajas que confieren, han de ser desbloqueados mientras jugamos.

También podemos equipar hasta tres favores, que vienen a ser pequeñas ayudas que también mejoran a medida que superamos eventos con ellos equipados.

Incluso podemos personalizar la apariencia de Shade mediante diferentes opciones para atuendos, cascos e incluso voces. Y diréis: ¿para que quiero personalizar la apariencia del piloto si apenas lo voy a ver? Pues porque en Star Wars: Galactic Racer también podemos visitar el paddock, controlando a Shade en tercera persona para hablar con otros pilotos o visitar tiendas. Un pequeño detalle que contribuye a sumergirnos aún más en la trama.

Pero hablemos de las carreras, que es lo que verdaderamente importa. Dependiendo del vehículo y, justo antes de empezar la carrera, tenemos unos breves segundos para introducir una serie de comandos, a modo de QTE. Si lo hacemos a tiempo, podemos empezar con un extra de aceleración y/o protección de los escudos, que nunca viene mal.

Además de esto, el juego también nos invita a pisar el acelerador y mantenerlo en determinados niveles mientras se da la señal de salida para empezar con ventaja.

Ya dentro de las propias carreras, la sensación de velocidad es sencillamente espectacular, acompañada por un apartado gráfico de infarto y un diseño de audio de otra galaxia.

Y se nota claramente que es un juego de los autores de Burnout en detalles como el efecto a cámara lenta y la destrucción que se genera cuando hacemos que un rival se estrelle... o cuando la diñamos nosotros. Por suerte, tenemos tres "vidas" que podemos agotar antes de fracasar por completo.

Además, si se produce una colisión que no es mortal, tenemos una pequeña oportunidad para sobrevivir a través de otro QTE similar a la recarga activa de juegos como la saga Gears.

Además, como en el juego original, los circuitos incluyen atajos que nos pueden ayudar a rebañar unos cuantos segundos por vuelta.

Tras superar eventos obtenemos recompensas pero, siguiendo esa filosofía roguelike de la que hablábamos antes, en muchos casos debemos elegir con qué recompensa o mejora nos quedamos. Esto ayuda a que nos sintamos como pilotos que empiezan desde lo más bajo y van mejorando a medida que se desarrolla la competición.

Además, aunque fracasemos y tengamos que empezar de nuevo, los diferentes tipos de vehículos se pueden mejorar de forma permanente. También desbloqueamos nuevas piezas para los vehículos que pueden aparecer en siguientes partidas, tanto como recompensa como para comprar en las tiendas. De esta manera, cada vez que lo intentemos tendremos más posibilidades de llegar al final y alzarnos con la victoria.

El planeta donde tiene lugar la carrera también es muy importante, pues algunos tienen sus propias características. Por ejemplo, en el frío Ando Prime, al deslizarnos sobre pistas de hielo el vehículo se va congelando, lo que da lugar a problemas de funcionamiento. En estos casos, los circuitos cuentan con zonas que desprenden calor y reducen el medidor de congelamiento, pero en mitad de una vertiginosa carrera con otros once participantes, pasar por el arco térmico es más fácil de decir que de hacer.

Hasta ahora hemos hablado sobre el modo campaña, pero si queréis disfrutar de las carreras de vainas más clásicas, en el modo arcade podemos competir en circuitos tan legendarios como Mos Espa controlando a personajes igualmente legendarios como Sebulba o Ben Qadinaros.

Y ni siquiera hemos hablado de los escenarios o el modo multijugador. En otras palabras: Star Wars: Galactic Racer promete muchísimas horas de contenido de calidad y, sobre todo, velocidad. Lo que hemos visto hasta ahora nos ha convencido firmemente de que estamos ante un digno sucesor del primer juego de carreras de vainas.

Como diría el piloto más joven que se alzó con la copa de Boonta Eve: now THIS is pod racing.

Haber escogido estos dos juegos no parece casualidad, pues pese a ser títulos muy diferentes, ambos tienen algo en común: ya contaron con remakes en Nintendo 3DS. Aunque, siendo justos, estas versiones en 3D se ajustan mejor a lo que entendemos por remasterización, más que remake. Es solo una de las cosas que vamos a ver en este análisis de Star Fox para Nintendo Switch 2.

Porque el regreso de Fox McCloud se puede considerar un "remake"... aunque uno extremadamente fiel, ya que, aunque hay cambios y novedades, la experiencia a la hora de jugar es prácticamente la misma que en Nintendo 64.

Pero no me quiero precipitar. En esta review de Star Fox para Nintendo Switch 2 me voy a centrar en los siguientes aspectos.

• El gameplay de Star Fox
• Nivel de dificultad de Star Fox
• ¿Cuántas horas de juego dura Star Fox?
• Cuánto cuesta Star Fox y dónde puedes jugarlo
• La opinión de Hobby Consolas de Star Fox
• Nota: lo mejor y lo peor de Star Fox

Jugabilidad y gameplay de Star Fox en Nintendo Switch 2

Si le echasteis horas al original, ya sabéis lo que tenemos aquí: Star Fox es un shooter sobre raíles en el que nos ponemos en el papel de Fox McCloud, líder del escuadrón de mercenarios interestelares conocido como Star Fox, quienes se embarcan en una misión para liberar el sistema Lylat de las garras del malvado Andross.

En la mayoría de niveles controlamos el Arwing, un caza estelar capaz de realizar disparos láser, lanzar bombas y ejecutar maniobras de esquiva, como el mítico tonel (do a barrel roll!). Pero también hay fases concretas en las que pilotamos otros vehículos, como el tanque Landmaster o el submarino Blue Marine.

Las fases son uno de los puntos fuertes de Star Fox, pues dependiendo de nuestras acciones en combate, podemos tomar rutas alternativas en el mapa estelar que nos llevan a visitar otras localizaciones completamente distintas. E incluso dentro de una misma fase, a veces también se presenta la opción de tomar caminos diferentes, cada uno con sus pros y sus contras. Ahora bien, los niveles son exactamente los mismos que había en el juego original; ni uno más, ni uno menos.

La gran novedad de la campaña es que cuenta con numerosas secuencias de vídeo, tanto antes como durante como después de las misiones. De esta manera, se amplía enormemente la historia respecto al juego original, permitiéndonos conocer mejor a los personajes y sus motivaciones y dejándonos algunas escenas bastante espectaculares.

Por poner un ejemplo, este remake empieza con una secuencia de vídeo en la que vemos cómo Pigma traiciona a James McCloud, padre de Fox, un suceso clave que tiene lugar antes de los acontecimientos de la historia principal y que en el juego original era un simple diálogo.

Además, al superar misiones vamos desbloqueando entradas en el holovisor, que nos ofrecen descripciones detalladas sobre personajes, lugares, enemigos, etc. y permiten profundizar aún más en el trasfondo de la saga Star Fox.

Este remake de Star Fox también incluye el modo desafío, que se introdujo en Star Fox 3D, pero con importantes cambios. En lugar de tener que conseguir puntuaciones para obtener medallas, aquí cada fase nos propone una serie de retos (doce en total por cada fase; seis para el modo normal y seis para el modo experto), como destruir enemigos específicos o completar la misión dentro de un límite de tiempo. Son desafíos que nos permiten exprimir al máximo cada nivel, mostrándonos cosas que quizás desconocíamos, y están claramente pensados para los jugadores que se saben el juego al dedillo.

En cuanto a la jugabilidad, el remake de Star Fox mantiene intacto e incluso expande el estilo arcade del original: a lo largo de los niveles podemos recoger power-ups para mejorar la barra de escudo o aumentar la potencia de los disparos, y al final de cada nivel podemos ver un desglose detallado con nuestro desempeño. Porque en este remake, además de la puntuación, podemos ver estadísticas como el porcentaje de aciertos.

El control, como en el juego original, es una absoluta maravilla e incluso ha mejorado. Controlar el Arwing es realmente sencillo y apenas requiere unos pocos botones, pero hacerlo bien ya es otro cantar, especialmente si aspiramos a obtener las medallas en todos los niveles. Lo único que ha cambiado es la forma en que se realizan ciertos movimientos, como el rizo o el cambio de sentido, pues ahora basta con pulsar un botón (aunque, si lo preferís, se puede activar el esquema original).

Y dado que se trata de una de las funciones estrella de Nintendo Switch 2, el remake de Star Fox también incluye control mediante el modo ratón, aunque es un tanto particular: si lo tenemos activado y colocamos el Joy-Con derecho sobre una superficie plana, el juego cambia automáticamente a la vista desde la cabina, donde podemos usar la mirilla para apuntar con gran precisión.

El modo ratón también forma parte de una de las novedades de este remake: el cooperativo. Dos jugadores pueden colaborar, ya sea a través de una misma consola o mediante el Game Share, para controlar el Arwing. El piloto usa el Joy-Con izquierdo de forma tradicional para maniobrar la nave, mientras que el artillero usa el Joy-Con derecho en modo ratón para apuntar y disparar.

El modo multijugador versus también está de vuelta pero, como sucedía con el modo desafío, hay bastantes cambios: dos equipos formados por cuatro jugadores se enfrentan en una de las tres misiones disponibles. Cada misión tiene objetivos distintos, como capturar zonas o recuperar cargamento, y son todas francamente entretenidas, pues incluyen power-ups que no aparecen en la campaña, como un poderosísimo rayo. Se puede jugar contra otros jugadores en línea, pero lo bueno de este modo es que también admite GameShare (con hasta tres amigos que se encuentren cerca) o incluso en solitario contra la CPU.

Como extra adicional, el remake de Star Fox también incluye avatares que podemos desbloquear para usar en GameChat, permitiéndonos adoptar la apariencia de los héroes y villanos del juego o usar accesorios inspirados en Star Fox, como las orejas de Fox o el pico de Falco.

La gran renovación de este remake la encontramos en el apartado audiovisual, que ha sido hecho de cero y aprovecha el hardware de Nintendo Switch 2 para poner en pantalla unos efectos visuales muy espectaculares, especialmente en lo que se refiere a los escenarios. El diseño de los personajes puede chocar al principio, pero te acostumbras rápido y está en sintonía con el diseño "marionetil" del juego para Super Nintendo.

Los temas de la banda sonora también han sido recreados y reorquestados, y suenan todos de fábula, en particular la melodía principal y el tema de los combates contra jefe. Dado que este remake refuerza la faceta narrativa, los diálogos también cuentan todos con voces en castellano, donde hay que destacar a Mario García (voz habitual de Spider-Man en español) como voz de Fox McCloud.

¿Es difícil Star Fox?

Como la versión de 3DS, el remake de Star Fox incluye tres niveles de dificultad: fácil, normal y experto. En el primero se añaden varias facilidades, como que los camaradas caídos no se pierden entre misiones o los enemigos infligen poco daño, pero no se obtienen récords ni medallas.

El modo normal ofrece una experiencia de juego equilibrada, pero sí conocéis bien el título de Nintendo 64 o el de 3DS, no vais a tener problemas para superar la mayoría de rutas. Porque, como en el juego original, dependiendo de la ruta que sigamos, la dificultad cambia drásticamente. Y si con eso no tenéis suficiente, al conseguir todas las medallas en la campaña se desbloquea el modo experto.

En este modo, los enemigos son más agresivos, hacen más daño y su disposición es diferente, a menudo apareciendo en mayor número para complicar más las cosas. Además, tanto nuestro Airwing como el de los acompañantes sufre más daño, por lo que todas las misiones ofrecen un auténtico desafío sólo apto para los pilotos más hábiles.

¿Cuántas horas dura la historia de Star Fox?

Llegamos al que sin duda va a ser el aspecto más discutido de Star Fox para Nintendo Switch 2: su duración. Dado que no se han añadido nuevos niveles a la campaña, una partida completa puede llevarnos aproximadamente una hora, incluso menos si somos hábiles a los mandos.

Pero sería muy injusto valorar Star Fox en base a la duración de una única partida, pues es un juego diseñado para ser rejugado múltiples veces a través de sus diferentes rutas. Para que os hagáis una idea, una partida se compone de siete niveles... pero hay quince en total, lo que equivale a 25 rutas diferentes.

Es más, es muy probable que la primera vez que juguéis ni siquiera saquéis el final verdadero (de hecho, el juego ahora incluye una escena de vídeo para dejarnos claro que la historia puede tener otro final).

Teniendo eso en cuenta y, si además os proponéis conseguir todas las medallas, la duración de Star Fox se va sin problemas a las 10 o 12 horas.

Este remake coge esa misma idea y la lleva a un nuevo nivel gracias al modo desafío, un modo pensado específicamente para rejugar las fases una y otra vez tratando de completar todos los retos. Es un modo particularmente complicado (especialmente en modo experto), por lo que aquí tenéis otras 10 horas (o más) de juego.

Y tampoco nos podemos olvidar del multijugador cooperativo y competitivo, que siempre suma horas extra. En el caso del competitivo, habría estado bien tener más opciones, pues sólo tres modos de juego y todos ellos en mapas fijos, sabe a poco. Pero es un rato entretenido.

Vamos, que no se puede decir que Star Fox sea un juego corto ni mucho menos, pero es un título pensado para jugadores dispuestos a exprimirlo al máximo.

Precio y plataformas

El remake de Star Fox para Nintendo Switch 2 se lanza el 25 de junio de 2026 a un precio recomendado de 49,99€, tanto en formato físico como digital.

En el caso de la edición física y, al tratarse de un juego propio de Nintendo, Star Fox viene completo en el cartucho (en otras palabras: no es una de las temidas Game-Key Cards).

Zorro viejo, nave nueva

Esto es bastante sencillo: si te gustó Star Fox 64 o Star Fox 3D, es complicado que no te guste este nuevo Star Fox para Nintendo Switch 2.

Y es complicado porque, a nivel jugable, sigue siendo el mismo juego. Es decir, por definición se trata de un remake: el apartado audiovisual se ha rehecho -se ve de lujo- y las nuevas escenas de vídeo hacen que la historia sea más emocionante y los personajes tengan más profundidad.

Pero a la hora de ponernos a los mandos y jugar la campaña, no hay apenas novedades que lo diferencien de sus predecesores. De nuevo: sí, escenas de vídeo, pero no olvidemos que Star Fox está diseñado para ser rejugado, de manera que por muy chulas que sean, vais a terminar saltando las escenas en futuras partidas.

Esta era una oportunidad perfecta para añadir algún nivel nuevo o incluso algún cambio jugable interesante, pero Nintendo ha optado por ir a lo seguro con el regreso del zorro. Sabiendo cómo es la Gran N, no me extrañaría que esto sea fruto de no querer mancillar uno de sus juegos más legendarios, preservando la experiencia para que las nuevas generaciones puedan disfrutarlo tal y como era, bajo una nueva capa de pintura. Aunque ahora es inevitable preguntarse si el remake de Ocarina seguirá esta misma línea...

Lo que sí está claro es que era un juegazo en Nintendo 64 y 3DS y, gracias a esa jugabilidad atemporal, este remake de Star Fox para Nintendo Switch 2 también lo es.

El juego se pondrá a la venta en dos ediciones diferentes, Standard y Ultimate. Esta última incluye toda clase de contenidos adicionales: desde ropa y tatuajes para personalizar por completo el aspecto de Jason y Lucía, los dos protagonistas de GTA 6, hasta vehículos y armas para hacernos la vida más fácil (y divertida) en Vice City.

Además, también conocemos cuáles serán los extras por reservar GTA VI, cuándo empieza la precarga e incluso detalles sobre la edición física... que no suenan especialmente bien. Vamos a verlo todo.

GTA VI: precio oficial de lanzamiento, todas las ediciones, extras por reserva, detalles sobre el formato físico y fecha de precarga

Esta nueva oleada de información sobre GTA VI, horas antes de que se abran las reservas del juego más esperado de 2026, ha estado centrada principalmente en los contenidos de la dos ediciones.

La página oficial del juego de Rockstar nos permite conocer todos los detalles sobre la Ultimate Edition, que será la edición más cara del juego.

Así que vamos con la pregunta del millón: ¿cuánto cuesta GTA VI? Por fin tenemos la respuesta. En el caso de la Standard Edition, GTA VI costará 79,99€. Mientras que la Ultimate Edition de GTA VI asciende a 99,99€. Se confirma así, finalmente, que el juego "base" no costará 100€, como se venía rumoreando, aunque supone un aumento de 10€ respecto al precio de lanzamiento de GTA V.

En la nota de prensa facilitada a medios como Hobby Consolas, Rockstar también ofrece más detalles sobre el juego.

Todas las personas que reserven GTA 6 antes del 20 de noviembre, obtendrán acceso al pack Vintage Vice City, una serie de contenidos para personalizar el aspecto de los protagonistas con un estilo ochentero que inevitablemente nos recuerda a nuestro querido GTA Vice City.

Si reserváis en edición digital, os conviene saber que la precarga de GTA VI empieza el 12 de noviembre, permitiendo tener el juego listo para jugar el día del lanzamiento.

Ahora bien, sobre la edición en disco, Rockstar dice textualmente: "La versión física de Grand Theft Auto VI incluirá un código de descarga dentro de la caja". Con esto, queda claro que GTA 6 no incluirá el juego en disco tradicional.

Es muy probable que tengamos nuevos detalles a lo largo del día, puede que incluso el tercer tráiler de GTA VI. Lo que parece seguro y definitivo es que no habrá más retrasos: GTA VI se pondrá la venta el 19 de noviembre para PS5 y Xbox Series X|S.

Veníamos de Batman: Arkham Asylum, título con el que sorprendieron a propios y extraños por su enorme calidad, hasta el punto de ser considerado como el mejor juego de superhéroes de la historia. Sólo superado, quizás, por su secuela: Batman: Arkham City, con el que se consolidaron como uno de los estudios más potentes del momento.

Aun no estando desarrollado por Rocksteady, no podemos olvidarnos de Batman: Arkham Origins, precuela realizada por Warner Bros. Montreal (quienes más tarde se encargarían de Gotham Knights) que narraba los inicios de esta versión virtual del cruzado enmascarado y muchos fans recuerdan con gran cariño.

En otras palabras: el listón estaba MUY alto. Y aunque no podemos decir que Batman: Arkham Knight tuviese mala recepción (ostenta una nota media de 87 en Metacritic, que no es moco depavo, y en esta santa casa lo valoramos muy positivamente; podéis comprobarlo en nuestro análisis de Batman Arlham Knight), su lanzamiento fue bastante accidentado.

El protagonismo que se le dio al Batmóvil, el icónico vehículo del personaje que hacía su debut en esta entrega, no terminó de convencer a los jugadores. A eso hay que sumarle la versión de PC, desarrollada por Iron Galaxy, cuyo lanzamiento fue, hablando mal y pronto, un completo desastre.

Esto provocó que los años posteriores al lanzamiento, la percepción general de Batman: Arkham Knight no fuese la ideal. Sin embargo y, como se suele decir, el tiempo pone a cada uno en su lugar.

Batman: Arkham Knight, un prodigio técnico que sigue sorprendiendo 11 años después de su lanzamiento

Con el paso del tiempo y, a medida que más gente ha ido descubriendo Batman: Arkham Knight, la percepción ha ido cambiando. Se trata de un titulo que mantiene el mismo nivel de calidad que los demás juegos de la trilogía en todos los aspectos: jugabilidad, narrativa, banda sonora, misiones secundarias, diseño de Gotham, villanos...

Se pueden entender las críticas hacia el Batmóvil, pero eso no lo convierte en un mal juego ni mucho menos. Y, por supuesto, se trata de una conclusión a la altura para el Batman (y el Joker) de Rocksteady.

Pero, curiosamente, uno de los aspectos por los que es más recordado (y por el que es habitual toparse con imágenes de Batman Arkham Knight en Redes Sociales) es su apartado visual.

La iluminación de Gotham, con esas luces de neón que le dan cierto toque cyberpunk, la densidad de la lluvia, la demencial recreación del agua... Con los juegos previos, en Rocksteady habían demostrado ser auténticos maestros de la atención al detalle, pero con Batman Arkham Knight se superaron a sí mismos.

Se han hecho (y se siguen haciendo) muchos vídeos comparando los gráficos de títulos recientes con los de Batman Arkham Knight y todo el mundo coincide: el juego del Caballero Oscuro sigue siendo un auténtico prodigio técnico.

Pero, ¿cómo lo logró Rocksteady? ¿Cómo consiguieron que un juego que hoy cumple 11 años se siga viendo mejor que muchos títulos actuales, aun no contado con versión mejorada para PS5 y Xbox Series X|S? La respuesta es sencilla: en lugar de adoptar un nuevo motor gráfico o pasarse a la siguiente versión, siguieron trabajando con el que ya dominaban.

Porque, como Batman: Arkham Asylum y Batman: Arkham City, Batman: Arkham Knight usa el motor gráfico Unreal Engine 3. Concretamente, una versión modificada por Rocksteady para beneficiarse de las specs mejoradas de PS4 y Xbox One... pero UE3 al fin y al cabo.

Es más, Arkham Knight es probablemente el juego que más se acerca a lo que prometía el motor cuando fue anuncido. ¿Recordáis la famosa demo de Samaritan, presentada en 2011?

Hay una lección muy importante aquí de la que muchos estudios podrían tomar nota, especialmente viendo los quebraderos de cabeza que Unreal Engine 5 ha dado esta generación: a veces, en lugar de apostar por una nueva tecnología que se desconoce, es mejor ceñirse a lo que ya se domina para obtener mejores resultados.

Y fuera de los motores gráficos, esto se puede aplicar también a la forma de trabajar de los estudios, pues una práctica muy común dentro de la industria son los puestos temporales: personas contratadas para roles específicos que, una vez concluido el desarrollo, se ven obligadas a abandonar el estudio.

De ahí que, en muchos casos, el equipo que se encarga del desarrollo pueda ser muy diferente de una entrega a otra, aun tratándose de la misma saga... y con todos los problemas que esto conlleva.

Justo hace unos días, Naoki Hamaguchi, director de Final Fantasy VII Revelation, destacaba durante nuestra entrevista que haber mantenido el mismo equipo ha sido uno de los principales motivos por los que han logrado lanzar una de las trilogía mejor valoradas de los últimos años con tan poco tiempo de diferencia entre juego y juego.

Volviendo de nuevo al hombre murciélago, Batman: Arkham Knight es la prueba definitiva de todo esto. Un juego hecho con pasión por un equipo que llevaba desde 2009 perfeccionando sus habilidades. Pues no sólo mantuvieron el motor gráfico; director, productores, programadores, artistas, compositores... Muchos miembros del equipo estuvieron presentes durante toda la trilogía.

Sólo así se culmina una obra que aun hoy, 11 años después de su lanzamiento, sigue dejándonos con la boca abierta.

En lugar de volver a apostar por los turnos, Team Asano nos propone un juego de acción en tiempo real con componentes RPG y su característico estilo visual HD-2D, inspirado en sagas como The Legend of Zelda o Secret of Mana.

Y no cabe duda de que este equipo tiene duende (o hada, más bien) pues el resultado, aun con algunos peros, es una pequeña joyita que encandilará a los amantes de este tipo de aventuras con sabor a clásico.

• El gameplay de The Adventures of Elliot: The Millenium Tales
• Nivel de dificultad de The Adventures of Elliot: The Millenium Tales
• ¿Cuántas horas de juego dura The Adventures of Elliot: The Millenium Tales?
• Cuánto cuesta The Adventures of Elliot: The Millenium Tales y dónde puedes jugarlo
• La opinión de Hobby Consolas de The Adventures of Elliot: The Millenium Tales
• Nota: lo mejor y lo peor de The Adventures of Elliot: The Millenium Tales

Jugabilidad y gameplay de The Adventures of Elliot: The Millenium Tales en PS5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch 2 y PC

La historia nos pone en el papel de Elliot, un afamado aventurero que se embarca en un viaje para salvar el reino de Huther. Pero lo que parecía otra aventura más, se acaba transformando en un periplo que abarca más de mil años. Por suerte, Elliot traba amistad con Faie, una simpática hada que hace las veces de guía y apoyo mágico.

Un aventurero, un reino en peligro y un hada como compañera de viaje. Es inevitable acordarse de The Legend of Zelda, algo que sucede también cuando nos ponemos a los mandos: la perspectiva aérea y los combates en tiempo real nos recuerdan a las entregas clásicas de la saga de Nintendo.

Y no es lo único, pues también tenemos que recolectar cuatro fragmentos para aumentar la salud. Incluso se puede apreciar cierta influencia de las entregas más recientes, pues hay una serie de santuarios repartidos por todo el mundo que nos recompensan con dichos fragmentos tras superar la prueba que aguarda en su interior.

Pero, como veremos a continuación, Elliot también tiene muchas ideas de cosecha propia y otras que beben de algunas sagas JRPG "de la casa".

El combate es uno de los grandes protagonistas de The Adventures of Elliot. Tenemos en total siete armas, de las cuales podemos llevar dos equipadas en todo momento, pero podemos cambiar entre todas al vuelo a través de un ágil menú. El juego plantea situaciones en las que cada arma tiene su utilidad, por lo que solemos alternar entre todas a menudo.

Por supuesto, no falta un escudo para defendernos de los ataques, aunque cuenta con un medidor de resistencia que se vacía rápidamente con cada bloqueo, dejándonos vendidos si abusamos de él. Por suerte, también podemos conseguir un útil movimiento de desvío que facilita mucho las cosas.

Los elementos RPG están muy ligados al combate, pues pese a que aquí no hay experiencia ni niveles, en Elliot tenemos las magicitas. Se trata de cristales que podemos equipar de forma independiente en cada arma (dentro de un límite) y añaden toda clase de ventajas; algunas son cosas sencillas, como mayor daño crítico o reducción del tiempo de carga, pero también hay cosas muy interesantes, como añadir daño de hielo o generar fuegos artificiales. Esto nos permite crear builds o incluso sinergías entre distintos tipos de armas. Nos ha sorprendido gratamente este sistema, pues es muy versátil y es entretenido trastear con las diferentes opciones...

Pero creemos que al combate de The Adventures of Elliot le falta algo a nivel mecánico. El principal problema es que todas las armas cuentan con una única animación de ataque y ataque cargado. Y esto, a la larga, provoca que la acción se vuelva un tanto monótona e incluso algo "machacabotónica". La buena variedad de armas y los efectos de las magicitas ayudan a paliarlo, pero habría estado bien tener más animaciones o incluso desbloquear nuevos movimientos.

Faie también nos ayuda en combate atacando a los enemigos y, más importante aún, con sus poderes mágicos. Estas habilidades, que vamos aprendiendo a lo largo del juego, son útiles también a la hora de desplazarnos y resolver puzles. Y, si las aprovechamos bien, pueden dar mucho juego, especialmente a la hora de esquivar los ataques enemigos.

Pero, curiosamente, los poderes de Faie no son obligatorios para progresar en la aventura. Este es uno de los aspectos más curiosos de The Adventures of Elliot: el juego nos da una sorprendente libertad para movernos por su mundo prácticamente desde el principio. Y aunque a veces nos vamos a topar con "bloqueos argumentales", es posible colarse antes de tiempo en mazmorras principales o incluso encontrar las armas de nivel más alto.

Y no sólo nos da mucha libertad, también sabe incentivar la exploración: a poco que exploremos una zona, el mapa del overworld nos señala lugares de interés, como mazmorras opcionales o cofres, de manera que siempre queremos salirnos del camino principal para conseguir algo nuevo o entrar en esa cueva que acaba de aparecer en el mapa para ver qué encontramos en su interior.

Y no olvidemos lo más importante: The Adventures of Elliot tiene lugar a través de cuatro eras, lo que se traduce en cuatro mapas diferentes para explorar. Es inevitable acordarse de Chrono Trigger a raíz de esta mecánica, pues viajar entre las distintas épocas es tan sencillo como abrir el mapa, buscar un punto de viaje rápido en la era que nos interesa y presionar un botón.

Es una idea muy molona, especialmente a nivel narrativo, pues cada era cuenta con sus propias tramas y personajes. Y aunque no es su objetivo principal, ciertas acciones que llevamos a cabo, como completar misiones secundarias, pueden tener repercusiones en las eras futuras.

Sin embargo, en lo referente a los viajes en el tiempo, Elliot tiene bastante margen de mejora. El principal problema es que las diferencias entre los mapas de las distintas eras no son demasiado pronunciadas, así que en lugar de tener la sensación de visitar cuatro civilizaciones distintas, tenemos la impresión de explorar cuatro mapas con pequeñas variaciones.

Esto afecta también a las mazmorras, de las cuales hay muchísimas repartidas por las cuatro eras, pero su diseño se repite habitualmente. Incluso aunque la estructura de una mazmorra cambie, hay muchos patrones que se repiten... Y en algunos casos incluso llegamos a ver la misma mazmorra, sin ningún cambio, en varias eras.

El diseño de niveles de las mazmorras tampoco es demasiado destacable, ni siquiera en el caso de las principales. Haciendo la inevitable comparación con los Zelda, aquí no hay ninguna mazmorra que resulte memorable o que vayamos a recordar por sus puzles y combates.

Lo que sí nos ha sorprendido de The Adventures of Elliot son las misiones secundarias. Su número es relativamente reducido, pero esto se debe a que su calidad es muy superior a lo que estamos acostumbrados: en lugar de contar historias insulsas o para rellenar, todas aportan algo a nivel argumental y nos permiten conocer mejor a los personajes secundarios, ampliando sus historias. Además, la recompensa por completarlas suelen ser accesorios, un tipo de objeto realmente útil, así que vais a querer hacerlas todas.

En cuanto al apartado visual, The Adventures of Elliot: The Millenium Tales hace uso de la técnica conocida como HD-2D que popularizó el propio Team Asano, y que consiste en combinar personajes pixelados con escenarios 3D, dándole a la imagen un aspecto retro pero con un estilo moderno. Y no hay fallo: es una maravilla visual.

Nos ha llamado la atención que en Elliot parece haber menos elementos realizados con pixel-art (por lo general sólo personajes y enemigos), mientras que los escenarios tienen un efecto "a lo PS1", con texturas a baja resolución que imitan los gráficos de aquella época. Y la verdad es que el resultado es muy bueno. Desde luego, nosotros lo preferimos frente al 3D más plano y sin filtros que usaban los escenarios de los remakes de los tres primeros Dragon Quest.

Se nota que Team Asano son los pioneros de este estilo, pues Elliot también tiene algunos detalles muy chulos, cómo la manera en que juega con la cámara haciendo zooms, inclinándola o rotándola para darle dinamismo a la acción. O el efecto cilíndrico de los escenarios, que genera la sensación de estar recorriendo un mundo esférico en todo momento.

Por su parte, la banda sonora también es un trabajo de gran nivel, compuesta por melodías de corte fantástico y tono épico que tocan múltiples estilos para ajustarse a las diferentes épocas temporales. No tiene un estilo tan cañero como los Octopath, pero es una banda sonora que captura a la perfección la magia de las grandes aventuras.

¿Es difícil The Adventures of Elliot: The Millenium Tales?

The Adventures of Elliot: The Millenium Tales cuenta con cuatro niveles de dificultad: fácil, normal, difícil y extrema. Y dado que en las demos el nivel normal nos pareció demasiado facilón, hemos estado jugando en todo momento en difícil y nos ha parecido una gran experiencia.

En esta dificultad, tanto los enemigos normales como los jefes ofrecen un buen nivel de desafío, obligándonos a jugar bien y a tirar de pociones curativas continuamente para sobrevivir. Es más, este es un aspecto en el que Elliot supera a los Zelda: los enfrentamientos contra los jefes tienen mecánicas propias y a menudo requieren acciones concretas, pero no resultan tan obvios e incluso sabiendo lo que hay que hacer, siguen siendo todo un desafío. Nos han gustado mucho.

Como sucede con los escenarios, Elliot también tiende a reciclar jefes, repitiendo enemigos finales en mazmorras opcionales. La diferencia es que es un reciclaje bien hecho, pues incluso cuando el enemigo es el mismo, los patrones de ataque cambian drásticamente, incorporando mecánicas nuevas que hacen que el combate sea muy distinto.

Morir en The Adventures of Elliot también tiene su miga, pues al caer podemos pagar a Faie para que nos reviva en el acto. Ahora bien, cuanto más morimos en un mismo combate, mayor es el precio por resucitar. Puede parecer una mecánica rota, pero nada más lejos de la realidad; la economía del mundo de Elliot está muy bien medida y siempre hay cosas interesantes en las que invertir tules, así que cada vez que nos vemos obligados a resucitar o perdemos el bonus de las cadenas de enemigos derrotados, duele el bolsillo que da gusto.

Todo esto, insistimos, en el nivel de dificultad difícil. Si tenéis experiencia en esta clase de juegos y queréis sacar partido de todas las mecánicas de Elliot, os recomendamos encarecidamente esta dificultad (o "extrema", si os gusta sufrir de verdad).

¿Cuántas horas dura la historia de The Adventures of Elliot: The Millenium Tales?

Completar la historia de The Adventures of Elliot puede llevarnos entre 20 y 30 horas de juego. Ahora bien, si os gusta explorar, hacéis misiones secundarias, buscáis a los 50 gatos y os enfrentáis a algunos de los retos más complicados que esconde la aventura, su duración puede aumentar hasta las 50 horas.

Además, no podemos olvidarnos de que también incluye un pequeño componente multijugador: un segundo jugador puede tomar el control de Faie para sacar partido de sus poderes mágicos, echando así un cable a Elliot. Hay un poder en particular que parece especialmente pensado para esto.

No es el modo cooperativo más trabajado del mundo, pero es una opción que se agradece, pues convierte un juego single player en una experiencia que pueden disfrutar dos personas.

Precio y plataformas disponibles

The Adventures of Elliot: The Millenium Tales se lanza el 18 de junio de 2026 para PS5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch 2 y PC a un precio de 69,99€.

Está disponible tanto en formato digital como formato físico, pero tened en cuenta que la versión de Switch 2 es una Game-Key Card.

Un Elliot al Pasado

Si alguien tuvo dudas de Team Asano al cambiar los turnos por la acción en tiempo real, con The Adventures of Elliot han quedado totalmente despejadas. Con este nuevo trabajo han demostrado que son un estudio todoterreno capaces de todo lo que les echen.

Y tras Bravely Default, Octopath Traveler, Triangle Strategy, Live a Live y los remakes de Dragon Quest, The Adventures of Elliot es la enésima prueba de que en este equipo hay auténticos expertos a la hora de construir experiencias RPG que evocan las sensaciones de los clásicos de la edad de oro del género.

Y no lo decimos por la faceta audiovisual (aunque, evidentemente, también), sino por sus mecánicas jugables, historia y personajes. The Adventures of Elliot tiene mucho de los Zelda clásicos, sí, pero también una buena ración de Chrono Trigger y, por encima de todo, el toque "mágico" de este estudio de Square Enix.

The Adventures of Elliot tiene cosas a mejorar, desde luego, pero deja tan buen sabor de boca que, al final, pesan mucho más los aspectos positivos que los negativos. Y cuando apenas hemos terminado de saborear Elliot, ya tenemos en el horizonte el próximo trabajo de Team Asano, Final Fantasy Resonance, que promete convertirse en otro clásico de los JRPG. La verdad es que los fans del género estamos viviendo un momento glorioso.

Así, ya os hemos contado algunas de las cosas que nos ha contado, como por qué Revelation ha sido la palabra elegida para la tercera parte, o que no habrá crianza de chocobos. Pero la entrevista con el director de Final Fantasy VII Revelation dio para mucho más...

Aquí os vamos a contar otras cuantas cosas, como las razones por las que Sefirot ha cambiado de actor de doblaje, si el Revelation tendrá demo y por qué han tardado menos tiempo en esta tercera parte.

HC: Se ha confirmado que hay un nuevo actor de doblaje para Sephiroth en la versión inglesa. Creo que se llama Travis Willingham, así que, sí, tengo curiosidad por saber qué ha pasado o por qué se decidió cambiar de actor de doblaje.

Naoki Hamaguchi: Cuando los fans se enamoran de un personaje, creo que los actores de doblaje, los miembros del reparto y sus interpretaciones tienen una conexión muy estrecha con él. Creo que sí, creo que desempeñan un papel muy importante en eso.

Así que, como creador, como director de la serie del remake de Final Fantasy VII, tenía el deseo de seguir trabajando con los mismos actores de doblaje a lo largo de toda la serie, pero ya sabes que pueden pasar muchas cosas con los actores de doblaje, y aunque no es habitual, no es raro que veamos a los miembros del reparto pasando por muchas situaciones diferentes y trabajando en proyectos distintos.

En el caso de Sephiroth, esta vez hubo un problema, sucedieron muchas cosas que nos impidieron contar de nuevo con el mismo actor de doblaje, pero con la nueva interpretación de Travis William, creo que hizo un trabajo increíble como Sephiroth, y creo que los fans se volverán a enamorar del nuevo Sephiroth.

HC: Sed sinceros conmigo: ¿qué tipo de magia negra estáis haciendo para tener el juego listo para todas las plataformas tan solo tres años después de Rebirth? Porque eso es una locura.

Bueno, ante todo, técnicamente, Revelation aún no ha salido a la venta. Seguimos haciendo todo lo posible por mantener esa fecha de "primavera de 2027" y para que no haya retrasos, así que seguimos trabajando muy duro en el desarrollo para asegurarnos de que vamos a cumplir esa fecha.

Pero en cuanto a por qué hemos sido capaces de hacer esto, o por qué somos capaces de tener al menos ese objetivo, creo que se debe simplemente a nuestro equipo de desarrollo, que tiene un talento increíble y que ha sido capaz de hacer esto realidad. Así que, de verdad, me quito el sombrero ante ellos por ello. Y siento un gran respeto por los miembros de mi equipo por eso.

Un factor importante que me gustaría mencionar, sin embargo, es el hecho de que pudimos retener a la mayoría de los miembros del equipo principal durante todo el desarrollo de los tres títulos, es decir, desde Remake, pasando por Rebirth y llegando a Revelation; ya sabes, incluyéndome a mí mismo, el equipo de desarrollo principal pudo participar en la creación de estos tres títulos.

Ese fue, de nuevo, un factor que contribuyó enormemente a que esta línea temporal fuera posible, y, hablando específicamente del periodo de tres años que duró el desarrollo de Revelation, uno de los aspectos innegociables para que pudiéramos lograrlo fue, de nuevo, retener a los miembros del equipo de desarrollo principal entre Rebirth y Revelation, y poder llevar a cabo una transición fluida que nos permitiera comenzar el desarrollo de Revelation inmediatamente después de Rebirth.

Hablando específicamente de Revelation, empecé a tener —o, perdón, se me ocurrieron— ideas concretas sobre la dirección que quería darle a la tercera parte aproximadamente un año antes del lanzamiento de Rebirth, así que, en cuanto a la cronología, así fue como sucedió.

Aproximadamente un año después de eso, ya se podía jugar a una versión preliminar de la compilación de Final Fantasy VII Revelation, así que creo que factores como ese realmente influyeron y nos permitieron lanzar este título AAA en solo tres años, así que, de nuevo, solo quiero dar las gracias a mi equipo por ello.

HC: tanto Final Fantasy VII Remake como FFVII Rebirth han tenido una demo antes del lanzamiento, así que, ¿podemos esperar también una demo para Revelation?

En cuanto a una demo para el público, eso aún está totalmente por decidir; de hecho, la planificación está a punto de comenzar ahora mismo. Así que, de nuevo, nosotros... sí, la verdad es que no podemos... no tenemos una respuesta concreta al respecto.

Sin embargo, sí que queremos ofrecer demos jugables y eventos, así que... Pero, bueno, eso está en gran parte por decidir a día de hoy, pero si surge la oportunidad, nos gustaría ofrecer demos jugables en quioscos y eventos de videojuegos más adelante.

Y con esto, hemos llegado al final de nuestra entrevista con Naoki Hamaguchi, en la que también nos ha respondido a una de las grandes dudas sobre las que han debatido los fans de FFVII.

Y precisamente, desde que se lanzó Final Fantasy VII Remake, ha habido mucho debate sobre su intención. Lo lógico es pensar que se trata de una recreación del juego original (un remake, vaya), pero la gran cantidad de cambios argumentales que incluye cada título ha llevado a muchos fans a pensar que, en realidad, la trilogía Remake actúa como secuela del Final Fantasy VII original.

Y dado que tuvimos la oportunidad de charlar con Naoki Hamaguchi, co-director de la trilogía, y que Final Fantasy VII Revelation aspira a responder todas las dudas, aprovechamos la ocasión para preguntarle al respecto. Esto fue lo que nos contó.

¿Es la trilogía Final Fantasy VII Remake una secuela del juego original? El director de Revelation responde

Hobby Consolas: desde el lanzamiento de Final Fantasy VII Remake, ha habido muchos debates sobre si la trilogía es en realidad una secuela del Final Fantasy 7 original. No vamos a preguntarte si es así (salvo que quieras contárnoslo, claro), pero nos gustaría saber si Revelation pondrá fin al debate.

Naoki Hamaguchi: en primer lugar, en cuanto a tu pregunta sobre si la saga Remake es una secuela del Final Fantasy VII original o no, obviamente creo que es mejor no responder ni confirmar ni desmentir nada por ahora, ya que lanzaremos Revelation, el capítulo final, el próximo año.

Lo que sí puedo decir es que el concepto general, la idea tras la saga Final Fantasy VII Remake, es crear un nuevo mundo, una nueva narrativa de Final Fantasy VII que incluya todos los elementos mostrados previamente en los spin-off de FFVII.

En ese sentido, si la saga Final Fantasy VII Remake tiene conexiones o vínculos con la historia original de FFVII... es una pregunta difícil. Porque la respuesta es sí y no, ambas respuestas son posibles.

Personalmente, como director de la saga Remake, mi enfoque no está tanto en cómo Revelation conecta con los otros títulos y con el original, sino más bien en cómo podemos ofrecer una conclusión satisfactoria para la saga. Especialmente considerando que el año que viene se celebra el 30 aniversario.

Así que lo único que puedo decir por ahora es que espero que los fans tengan ganas de descubrir la gran revelación que hay al final de la historia y las respuestas que les vamos a brindar.

Pues ya lo veis, parece que Final Fantasy VII Revelation hará honor a su nombre y revelará la respuesta a todas nuestra preguntas cuando llegue a PS5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch 2 y PC en 2027.

Mientras tanto, os recordamos que podéis leer el resto de preguntas que le hicimos a Naoki Hamaguchi durante la entrevista, como el significado tras la palabra Revelation o los motivos por los que no habrá crianza de chocobos.

Además del tráiler de presentación, pudimos ver algunas de las novedades jugables que incluirá este último capítulo, como el desplazamiento a bordo del barco volador o la acción controlando a los dos nuevos personajes: Vincent Valentine y Cid Highwind.

Y dado que tuvimos la oportunidad de hablar con su director, Naoki Hamaguchi, no quisimos desaprovechar la oportunidad para preguntarle por una de característica del juego original que no ha estado presente ni en Final Fantasy VII Remake ni en Final Fantasy VII Rebirth: la crianza de chocobos.

Esto fue lo que nos contó.

El director de Final Fantasy VII Revelation confirma que no habrá crianza de chocobos y nos desvela una novedad en exclusiva

Hobby Consolas: un elemento que no ha estado ni en Remake ni en Rebirth ha sido la crianza de chocobos, ¿lo veremos en FFVII Revelation? Y si la respuesta es sí, ¿será tan complicado conseguir al chocobo dorado como en el original?

Naoki Hamaguchi: respondiendo a tu pregunta, no habrá crianza de chocobos en Revelation. En su lugar, va a adoptar un formato un poco diferente. En Final Fantasy VII Revelation los jugadores tendrán acceso a un único chocobo, su nombre es Piko, y va a ser la pieza central de todo lo relacionado con los chocobos.

Funcionará de la siguiente manera: los jugadores tendrán acceso a Piko durante todo el juego y, a medida que progresen, el chocobo subirá de nivel y desbloqueará más habilidades. Así que en lugar de tener la misma característica de crianza del juego original, decidimos tomar un enfoque diferente. No es que no pudiéramos añadir la crianza, es solo que, de nuevo, por reiterar, decidimos tomar un enfoque diferente con los chocobos.

Así que, de nuevo, a medida que avanzas en el juego principal tu chocobo Piko desbloquea más y más habilidades, y eventualmente podrás cruzar el océano, saltar sobre las montañas e incluso volar por el cielo, así que la idea es concentrar todas las diferentes habilidades de los chocobos en un único chocobo.

Y esto que voy a decir no lo he compartido con ningún otro medio, así que será la primera vez que lo desvelo: la opción de cambiar apariencia también se aplicará al chocobo, a Piko. Creo que en Rebirth tu chocobo solo era amarillo, pero en Revelation tendrás una variedad de opciones de color y apariencia diferentes para Piko. Así que espero que los fans lo esperen con ganas.

Así que ya lo veis, no tendremos crianza de chocobos en Final Fantasy VII Revelation, pero en su lugar podremos "entrenar" y personalizar la apariencia de Piko, al que seguro que le acabamos cogiendo mucho cariño.

Muy pronto seguiremos publicando el resto de la entrevista con Naoki Hamaguchi, mientras tanto os recordamos que nos hablo sobre por qué eligieron "Revelation" como título para esta tercera y última parte de Final Fantasy VII Remake.

Para quien no lo conozca, se trata de la quinta entrega de la saga Rhythm Paradise (o Rhythm Heaven, en Japón) y es la primera que llega a Nintendo Switch, pues el último juego, Rhythm Paradise Megamix, se lanzó para 3DS en 2016. Sí, hace diez añitos.

La saga es conocida por sus minijuegos, que nos obligan a seguir el ritmo de la música... pero también por su irreverente sentido del humor. Y ya os podemos decir que la nueva entrega para Nintendo Switch y Switch 2 no ha perdido ni un ápice de ritmo ni de gracia.

Pudimos probarlo hace unas semanas y por aquí os contamos cómo fue la experiencia.

Impresiones de Rhythm Paradise Groove para Nintendo Switch y Switch 2

La jugabilidad de Rhythm Paradise Groove nop puede ser más sencilla: basta con pulsar el botón o botones indicados al ritmo de la música. Ahora bien, el ritmo es distinto en cada minijuego y dentro de un mismo minijuego pueden surgir variaciones para complicarnos las cosas.

Todos van además acompañados por una pista visual en forma de divertidas secuencias animadas, aunque muchas veces es mejor no mirar la pantalla y fiarse únicamente del oído.

Por ejemplo, el primer minijuego que probamos nos mostraba a una suerte de criaturas esféricas que saltaban a través de un aro. Bastaba con pulsar el botón A en el momento adecuado, pero era mucho más fácil decirlo que hacerlo, pues la perspectiva hacía que fuese complicado saber cuándo saltar.

Por suerte, todos los minijuegos de Rhythm Paradise Groove cuentan con un breve tutorial antes de empezar que nos permite entrar con cierta idea de lo que nos vamos a encontrar. Y, al terminar, nos dan una valoración para saber qué tal lo hemos hecho.

Que por cierto, la voz que se encarga de guiarnos es artificial, generada por un sistema de texto a voz, similar a lo que hemos podido ver recientemente en Tomodachi Life: Una Vida de Ensueño. La gracia aquí es que termina cada frase con un divertido "chimpón".

Volviendo a los minijuegos, también probamos uno muy divertido en el que cuatro seres antropomórficos cantaban bajo la lluvia, y de nosotros dependía abrir el paraguas al ritmo de la música. Así como otro en el que cuatro matrioshkas gatunas se desplazaban saltando y dando volteretas y teníamos que intentar imitar los movimientos del grupo a la perfección.

Pero sin duda el minijuego más llamativo de la sesión fue el RPG, por llamarlo de alguna manera, pues se trataba de un minijuego en el que combatíamos contra monstruos usando diferentes hechizos en el papel de una joven de pelo azul.

Este era sin duda el minijuego más elaborado, pues cada hechizo requería distintas pulsaciones de botones que por supuesto debíamos introducir al ritmo. Al ir ganando combates los hechizos subían de nivel, pero también los enemigos, por lo que no bastaba sólo con atacar, también era fundamental curarse.

La verdad es que fue toda una sorpresa encontrarse con un minijuego con cierto grado de profundidad en comparación con el resto.

Pero las sorpresas no acabaron ahí, pues también pudimos probar dos de los minijuegos multijugador que incluye Rhythm Paradise Groove. Se trata de minijueos que podemos jugar en modo local en compañía de entre dos y cuatro jugadores.

En esta sesión, pudimos probar el que está protagonizado por los guardaespaldas ninja, quienes deben cortar una flecha en pleno vuelo, y cuya canción fue sin duda la más pegadiza que escuchamos... aunque también nos pareció el minijuego más difícil de todos (no dimos ni una).

El segundo era más sencillo: sentados a una mesa, debíamos coger el trozo de tarta en el momento en que el reloj marcase las tres en punto. Y quien lo hiciese con más exactitud, se lo llevaba. Este se nos dio bastante mejor, hasta el punto de que conseguimos alzarnos con la victoria tras atrapar la tarta tres veces.

Como podéis ver, todos los minijuegos de Rhythm Paradise Groove son tan únicos como divertidos. Y lo mejor de todo es que hay muchísimos: alrededor de 80 nuevos minijuegos para un jugador y 30 multijugador.

Sobra decir que nos lo pasamos de fábula con Rhythm Paradise Groove, pues es un juego que, pese a su sencillez, atrapa, divierte y te tiene meneando la cabeza al ritmo de su pegadiza música. Y no hay que olvidarse del enorme potencial que tiene en reuniones de amigos.

Si vosotros también queréis sentir el ritmo, recordad que Rhythm Paradise Groove llega a Nintendo Switch y Nintendo Switch 2 el 2 de julio de 2026. No se nos ocurre un mejor juego para animar el veranito.

Naoki Hamaguchi, co-director de Final Fantasy VII Remake, Final Fantasy VII Rebirth y esta tercera parte, fue el encargado de subir al escenario para hacer los honores. Y apenas unos días después, Hobby Consolas ha tenido la oportunidad hablar con Hamaguchi en exclusiva para España y hacerle unas cuantas preguntas sobre esta esperada tercera parte.

En este primer "episodio", podéis descubrir lo que nos contó cuando le preguntamos por el significado tras la palabra "Revelation".

El significado tras "Revelation": entrevista con Naoki Hamaguchi, director de la saga Final Fantasy VII Remake

Hobby Consolas: tras tanto tiempo deseando conocer el subtítulo de la tercera parte, nuestra pregunta es... ¿por qué Revelation? ¿Puedes explicarnos el significado y los motivos que os llevaron a escoger esa palabra?

Naoki Hamaguchi: en todos los juegos de la saga de remakes de Final Fantasy VII (Remake, Rebirth y Revelation), el encargado de decidirlo fue nuestro director creativo, Tetsuya Nomura. Y, para este último juego, teníamos varias opciones, así que se las presentamos a Nomura y él fue quien tomó la decisión final y eligió Revelation.

La palabra Revelation tiene mucho peso, podría significar que estás descubriendo algo, estás revelando algo. Pero cuando lo contemplas desde la perspectiva del equipo de desarrollo, incluyéndome a mí, que hemos trabajado los últimos 10 años en la serie de remakes de Final Fantasy VII, no sólo significa que nos acercamos a la línea de meta, sino también que vamos a proporcionar respuestas a muchos de los cabos sueltos y las preguntas que quedaron en el aire.

Y teniendo en cuenta los dos títulos anteriores, Rebirth y Remake, creo que tenía mucho sentido usar Revelation para el tercero. Por eso, para mí, creo que fue una gran elección.

Estos días, Naoki Hamaguchi ha estado concediendo entrevistas a medios de todo el mundo, lo que nos ha permitido conocer detalles muy interesantes sobre Final Fantasy VII Revelation.

Por ejemplo, ya sabemos que Ciudad de Huesos, una de las localizaciones del Final Fantasy VII original, no estará en el remake. En esa misma entrevista, también habla sobre la posible conexión de Revelation con la película Adevnt Children.

Muy pronto publicaremos el resto de la entrevista, así que permaneced muy atentos si queréis saber todo lo que nos contó el director de Final Fantasy VII Revelation.

Justo antes de eso, también han dado una gran alegría a los fans de esta saga JRPG anunciando las Nintendo Switch 2 Edition de Xenoblade Chronicles, Xenoblade Chronicles 2 y Xenoblade Chronicles 3, además de nuevo contenido para todos ellos.

Pero vamos a lo que nos ocupa: Xenoblade Gensesis. El nuevo juego de Monolith Soft ha sido presentado con un extenso tráiler que nos dejo infinidad de detalles, así como su ventana de lanzamiento. Veámoslo.

Primer tráiler de Xenoblade Genesis, el nuevo juego de Monolith Soft para Nintendo Switch 2

Como decimos, Xenoblade Genesis ha tenido un gran protagonismo durante el Nintendo Direct. Este primer tráiler ha servido como presentación tanto para la historia y los personajes como algunas de las novedades jugables.

Como augura su título, todo apunta a que se trata de una historia de orígenes para la saga Xenoblade, ambientado mucho antes que el resto de juegos. En palabras de Nintendo, se trata de "un nuevo inicio para la saga".

Esto se puede apreciar bien en su ambientación, que parece apostar por un estilo más medieval en contrapartida con la ciencia ficción habitual de la saga Xenobade. A continuación podéis ver el primer tráiler:

Xenoblade Genesis nos llevará hasta la academia de Leukos en el papel de una nueva protagonista. Blandirá una espada con una piedra especial de nombre Anima capaz de grabar los recuerdos. Parece que tendrá una gran importancia para la historia.

Por supuesto, no faltarán los escenarios de un tamaño gigantesco y hermosa factura, aunque este tráiler confirma que también podremos movernos a lomos de monturas animales.

Pero lo más importantes es que Xenoblade Genesis llegará a Nintendo Switch 2 en 2027.

¿Qué os ha parecido este primer tráiler de Xenoblade Genesis? Recordad que podéis estar al tanto de todos los anuncios del evento gracias a nuestro resumen del Nintendo Direct 2026.

Además, podéis conocer los detalles de todo lo que se ha anunciado, como The Legend of Zelda Ocarina of Time, Kingdom Hearts 4 (y los tres primeros), las Switch 2 Edition de la trilogía Xenoblade Chronicles, Final Fantasy Resonance, Nintendo Switch Sports Resort, The Duskbloods, Fire Emblem: Fortune's Weave, los desafíos de Nintendo Switch Online o los Joy-Con 2 de nuevos colores..

Ha sido sin duda uno de los grandes bombazos del evento, pues se trata de una de las entregas de la saga Zelda más queridas, lanzado originalmente para Nintendo 64 y considerado uno de los mejores juegos de la historia (si no el mejor) gracias a sus revolucionarias mecánicas.

Si queréis un buen chute de nostalgia, os dejamos por aquí al análisis de The Legend of Zelda: Ocarina of Time tal y como se publicó en el número 87 de la revista Hobby Consolas.

Vamos a ver su teaser tráiler de presentación y repasar todas las novedades anunciadas, entre ellas la ventana de lanzamiento y plataformas de Ocarina of Time Remake.

The Legend of Zelda: Ocarina of Time Remake anunciado para Nintendo Switch 2: primer teaser tráiler, fecha y todos los detalles

Cabe recordar que Zelda Ocarina of Time ya tuvo un remake en 2011, lanzado para Nintendo 3DS, pero lo que han mostrado en esta ocasión se ajusta mejor a lo que entendemos por remake actualmente: el apartado visual se ha remodelado por completo.

Una vez más, nos pondremos en la piel de Link, el joven Kokiri que se embarca en un viaje junto al hada Navi para salvar a la princesa Zelda y el reino de Hyrule de las garras de Ganondorf. Un viaje que le lleva a través del tiempo y en el que cobran una especial importancia tanto la ocarina que da nombre al juego como la legendaria Espada Maestra.

A continuación, podéis ver el tráiler de anuncio de The Legend of Zelda: Ocarina of Time Remake:

Y como podéis ver al final del tráiler, el remake de Ocarina of Time se lanza para Nintendo Switch 2 en 2026,. No han dado una fecha exacta, pero al menos no tendremos que esperar mucho para revivir este clásico entre clásicos.

Nintendo parece estar apostando por un regreso a las sensaciones de la época de Nintendo 64, pues no olvidemos que este mismo año, dentro de sólo unos meses, también podremos jugar al remake del mítico Star Fox.

¿Qué os ha parecido el primer vistazo a Zelda Ocarina of Time Remake? Recordad que si queréis estar al tanto de todos los anuncios del evento, los hemos recogidos en nuestro resumen del Nintendo Direct de junio de 2026.

Además, podéis conocer los detalles de todo lo que se ha anunciado, como Kingdom Hearts 4 (y los tres primeros), Xenoblade Genesis (y las Switch 2 Edition de la trilogía Xenoblade Chronicles), Final Fantasy Resonance, Nintendo Switch Sports Resort, The Duskbloods, Fire Emblem: Fortune's Weave, los desafíos de Nintendo Switch Online o los Joy-Con 2 de nuevos colores.

Recordemos que el juego fue anunciado durante la presentación de Nintendo Switch 2, en abril de 2025, y, desde entonces, no habíamos vuelto a tener noticias suyas.

El nuevo tráiler de The Duskbloods publicado durante el Nintendo Direct no sólo nos ofrece un nuevo vistazo a su jugabilidad y mecánicas, sino que también revela uno de los datos más importantes: una prueba de juego cerrada. Vamos a verlo.

Nuevo tráiler de The Duskbloods: el exclusivo de FromSoftware para Nintendo Switch 2 anuncia prueba de juego cerrada

Por si no lo conocíais, The Duskbloods es una nueva IP de FromSoftware, el estudio japonés responsables de Demon's Souls, Dark Souls, Bloodborne, Sekiro y Elden Ring. Se trata además de un juego dirigido por Hidetaka Miyazaki, director del estudio y padre de sus obras más emblemáticas.

Con The Duskbloods, sin embargo, entran en "terreno desconocido": se trata de un título multijugador para hasta 8 jugadores que combina PVP (jugador contra jugador) y PVE (jugador contra entorno), así como elementos RPG. Esta idea va acompañada por una arrebatadora estética de corte oscuro y gótico que inevitablemente recuerda a Bloodborne.

Echadle un ojo al tráiler presentado durante el Nintendo Direct:

Como podéis ver al final, The Duskbloods contará con una prueba de juego cerrada este mismo verano de 2026. Por ahora no han dado más detalles, pero estaremos atentos.

¿Qué os ha parecido el nuevo tráiler de The Duskbloods? ¿Le daréis una oportunidad al nuevo trabajo de FromSoftware e Hidetaka Miyazaki?

Recordad que estamos cubriendo el evento y podéis estar al tanto de todos los anuncios gracias a nuestro resumen del Nintendo Direct celebrado en junio de 2026.

Además, podéis conocer los detalles de todo lo que se ha anunciado, como The Legend of Zelda Ocarina of Time, Kingdom Hearts 4 (y los tres primeros), Xenoblade Genesis (y las Switch 2 Edition de la trilogía Xenoblade Chronicles), Final Fantasy Resonance, Nintendo Switch Sports Resort, Fire Emblem: Fortune's Weave, los desafíos de Nintendo Switch Online o los Joy-Con 2 de nuevos colores.

El juego desarrollado por Evil Empire, el estudio francés responsable de Dead Cells, nos ha dejado un gameplay que ha revelado novedades jugables muy interesantes, así como uno de los datos más importantes: el nombre de su protagonista.

Además, con este tráiler se ha confirmado su fecha de lanzamiento... pero hay una mala noticia para los usuarios de Nintendo Switch. Vamos a verlo.

El nuevo tráiler de Castlevania: Belmont's Curse confirma fecha de lanzamiento y el nombre de su protagonista

En este nuevo tráiler de Castlevania: Belmont's Curse hemos vuelto a contemplar algunos de los escenarios, enemigos y jefes que han aparecido en anteriores vistazos, pero también se han dejado ver varias novedades muy interesantes.

Tenemos, por ejemplo, un vistazo en profundidad al mapa, que vuelve a confirmar de manera no-oficial que el nuevo Castlevania apuesta por un desarrollo estilo metroidvania.

Además, también se ha mostrado una suerte de sistema de cartas que, a priori, recuerda a lo visto en Castlevania Circle of the Moon, el primero de los juegos lanzados para Game Boy Advance.

Además, este tráiler ha estado muy centrado en la protagonista de Castlevania: Belmont's Curse. No sólo hemos escuchado su voz por primera vez, sino que también se ha desvelado su nombre: Rose Belmont.

El nuevo tráiler de Castlevania: Belmont's Curse finalmente confirma la fecha de lanzamiento para el 15 de octubre de 2026, día en el que llegará a PS5, Xbox Series X|S y PC.

Sin embargo, en el tráiler oficial subido a bilibili, podemos apreciar que la versión para Nintendo Switch no tiene fecha confirmada, señalando únicamente que llegará en 2026. Conviene recordad que, por el momento, no se ha anunciado una versión de Castlevania: Belmont's Curse para Nintendo Switch 2.

Podéis descubrir todos los anuncios en nuestro resumen del Xbox Games Showcase 2026, con novedades de Persona 6, Fable, Gears of War E-Day, Spyro a Realm Beyond, Senua, Crazy Taxi World Tour, Persona 4 Revival, Metro 2039, el modo DMZ de Call of Duty Modern Warfare 4, la nueva edición limitada de Xbox Series X25, Clockwork Revolution, Resonance: A Plague Tale Legacy o Wo Long 2: Wings of Ember.

Y, para celebrarlo, uno de los anuncios más gordos de todo el evento ha sido la nueva edición limitada de Xbox Series X. Su nombre es Xbox Series X25 y, si habéis sido fans de la marca desde sus inicios, no vais a poder evitar soltar una lagrimilla cuando la veáis.

A continuación os dejamos el tráiler que ha enseñado para presentar este nuevo modelo y los detalles que se conocen por el momento.

Así es Xbox Series X25: la nostálgica Edición Limitada de la consola que ningún fan querrá perderse

Hace cosas de 25 años, Microsoft se metía de lleno en el mundo de las consolas lanzando la primera Xbox, una máquina muy recordada que sin duda cambió la industria de los videojuegos y supuso el pistoletazo de salida para la marca Xbox.

Si bien el modelo original era de color negro, una de las variantes más populares y recordadas era la Xbox de color verde realizada con materiales translúcidos. Seguro que no la habéis olvidado.

Pues Microsoft ha decidido dedicarle un homenaje a ese modelo particular con la nueva Xbox Series X25. Echadle un vistazo a su tráiler de presentación y lo entenderéis:

Como podéis ver, esta nueva consola Xbox también está realizada en color verde y materiales translúcidos, tanto el mando como la torre. Además, ambos cuentan también con un logo del 25 aniversario de Xbox.

Como detalle, los botones del mando también tiene el color completo (en lugar de sólo las letras) y el botón de encendido desprende una luz verde. Es preciosa, ¿verdad?

Y lo mejor de todo es que, si os interesa, no habrá que esperar demasiado: la Xbox Series X25 Edición Limitada estará disponible en noviembre de 2026, y también será posible hacerse con el mando por separado. Por el momento no han dado precios.

No obstante Resonance no ha sido el único anuncio del evento. Podéis descubrir todas las novedades en nuestro resumen del Xbox Games Showcase 2026, con novedades de Persona 6, Fable, Gears of War E-Day, Spyro a Realm Beyond, Senua, Crazy Taxi World Tour, Persona 4 Revival, Metro 2039, el modo DMZ de Call of Duty Modern Warfare 4, Clockwork Revolution, Resonance: A Plague Tale Legacy, Castlevania: Belmont's Curse o Wo Long 2: Wings of Ember.

La compañía japonesa Atlus ha estado muy presente en el evento, pues minutos antes también han mostrado un nuevo tráiler con fecha de lanzamiento de Persona 4 Revival, el remake de esta querida entrega.

Pero sin duda el plato fuerte del evento ha sido Persona 6. Había rumores de que lo veríamos, pero eso no quita que haya sido toda una sorpresa. Veamos el tráiler y repasemos todas las novedades que nos deja.

Primer teaser tráiler de Persona 6: la saga JRPG de Atlus apuesta por un cambio de tono

Y ya os advertimos que el teaser de Persona 6 es muy breve... tanto que uno de los aspectos más llamativos es su logo, en color verde.

Ahora bien, si prestamos atención se pueden extraer muchos detalles del tráiler de Persona 6. Para empezar y, como se rumoreaba, parece que esta nueva entrega va a apostar por un estilo detectivesco y un tono más oscuro, siguiendo la línea de clásicos del cine como Se7en.

En el tráiler podemos ver lo que parece ser un cementerio, repleto de lápidas y coronado por una enorme estatua sin cabeza bajo la lluvia. La sombra de una mano parece extenderse en dirección a la estatua... Y a continuación se suceden una serie de imágenes que gritan "asesino en serie" a los cuatro vientos. Miradlo por vosotros mismos:

Y finalmente tenemos, por supuesto, el logo de Persona 6. De nuevo, pese a ser "sólo un logo", también nos deja datos interesantes: la tipografía es muy distinta a lo que estamos acostumbrados a ver en la saga Persona, apostando por un estilo más sobrio.

Y luego está el color verde, que se rumoreaba que será el "color principal de esta entrega, lo que confirmaría algunos de los detalles filtrados sobre esta nueva entrega.

De hecho, la información oficial de la página en la tienda de Xbox reza lo siguiente: "Con más de 30 millones de unidades vendidas en todo el mundo, la saga de Persona ha definido la narrativa de los juegos de rol para una generación entera. Ahora, tras de años de expectativa, por fin llega la nueva entrega".

"Persona 6 presenta una audaz historia nueva que incluye todos los elementos característicos de la saga. La emblemática combinación de una vida diaria entrañable y aventuras sobrenaturales cargadas de adrenalina está de regreso. Ahora, con una historia nueva e independiente de las demás entregas, y un nuevo elenco de personajes. Ya sea que hayas jugado a todos los títulos de la saga o que esta sea tu primera experiencia en el universo de Persona, estás en el lugar indicado."

"Libera tu Persona. Forja vínculos irrompibles. Despierta el poder de tu Persona, una manifestación de tu fuerza interior más profunda, y conoce a otros que también poseen esta habilidad extraordinaria. Cada relación que desarrollas te hace más fuerte. Cada vínculo que forjas se convierte en un arma contra la oscuridad que acecha en el interior."

"Vive una vida doble en el Japón actual. Adáptate al ritmo de la vida diaria en la escuela y forja amistades, busca el amor y crea recuerdos para toda la vida. Sin embargo, algo oscuro acecha bajo la superficie de las calles conocidas y los vecindarios tranquilos: rumores extraños, mitos urbanos inquietantes e incidentes siniestros que solo tú y tus aliados pueden resolver."

Por último, tenemos la confirmación de las plataformas: Persona 6 llegará a PS5, Xbox Series X|S y PC, y estará disponible desde el día de lanzamiento en Game Pass. Por el momento no tenemos fecha (ni ventana) de lanzamiento, así que toca esperar... pero algo nos dice que no lo veremos como mínimo hasta 2027.

Podéis descubrir todos los anuncios del evento de Xbox en nuestro resumen del Xbox Games Showcase 2026. Además, también os hemos contado todas las novedades de Fable, Gears of War E-Day, Spyro a Realm Beyond, Senua, Crazy Taxi World Tour, Persona 4 Revival, Metro 2039, el modo DMZ de Call of Duty Modern Warfare 4, la nueva edición limitada de Xbox Series X25, Clockwork Revolution, Resonance: A Plague Tale Legacy, Castlevania: Belmont's Curse o Wo Long 2: Wings of Ember.

Y no sólo: este tráiler, cargado de gameplay y novedades, también ha confirmado la fecha de lanzamiento de Persona 4 Revival en PS5, Xbox Series X|S y PC. Vamos a verlo y a hablar sobre todas las novedades.

Nuevo tráiler de Persona 4 Revival y fecha de lanzamiento

El tráiler de Persona 4 Revival mostrado durante el Xbox Games Showcase 2026 nos ha dejado un vistazo a los apartados más importantes del juego: desde las renovadas escenas de estilo anime, hasta los diálogos, la exploración o por supuesto los combates, que siguen apostando por los turnos.

En este tráiler hemos podido apreciar las mejoras en el apartado visual, así como algunas de las novedades que se han incluido para agilizar y mejorar los enfrentamientos. Todo apunta a Persona 4 Revival seguirá una línea muy parecida a lo visto en Persona 3 Reload.

Y como podéis ver al final del tráiler, también tenemos fecha de lanzamiento: Perosna 4 Revival llega a PS5, Xbox Series X|S y PC el 18 de febrero de 2027. Además, estará disponible desde el día de lanzamiento en Game Pass.

Podéis descubrir todos los anuncios del evento en nuestro resumen del Xbox Games Showcase 2026. Además, también os hemos contado todas las novedades de Persona 6, Fable, Gears of War E-Day, Spyro a Realm Beyond, Senua, Crazy Taxi World Tour, Metro 2039, el modo DMZ de Call of Duty Modern Warfare 4, la nueva edición limitada de Xbox Series X25, Clockwork Revolution, Resonance: A Plague Tale Legacy, Castlevania: Belmont's Curse o Wo Long 2: Wings of Ember.

La esperada nueva entrega de esta legendaria saga RPG, creada originalmente por Lionhead y desarrollada ahora los autores de Forza, ha estado muy presente en los últimos eventos de Xbox.

Y aunque inicialmente lo esperábamos para este mismo año, este nuevo tráiler ha confirmado su fecha de lanzamiento definitiva a principios de 2027.

Y, por supuesto, también nos ha dejado un nuevo vistazo al mundo de Albion, así como el regreso de ciertas caras muy conocidas.

Nuevo tráiler de Fable, el RPG de Playground Games, que confirma fecha de lanzamiento en 2027

Comparado con los anteriores tráileres, este sin ninguna duda ha sido el más oscuro y épico hasta la fecha.

Todo el vídeo ha estado centrado en Isabel, la villana de este nuevo Fable que, además, interpreta la actriz Hayley Atwell (quien seguramente ios sonará por ser Peggy Carter en el Universo Cinematográfico de Marvel).

Por supuesto tampoco ha faltado una buena ración de humor, muy característico en la saga Fable. Vamos a ver el nuevo tráiler de Fable:

Como podéis ver el final del vídeo nos deja dos grandes revelaciones. La primera es que Jack of Blades, el gran antagonista del primer Fable, está de vuelta en esta nueva entrega.

Y la segunda es la fecha de lanzamiento definitiva: Fable llega a PS5, Xbox Series X|S y PC el 23 de febrero de 2027, lo que sin duda va a animar mucho las cosas a principios del año que viene.

¿Qué os ha parecido el tráiler? Podéis descubrir todos los anuncios del evento de Xbox en nuestro resumen del Xbox Games Showcase 2026. Además, también os hemos contado todas las novedades de Persona 6, Gears of War E-Day, Spyro a Realm Beyond, Senua, Crazy Taxi World Tour, Persona 4 Revival, Metro 2039, el modo DMZ de Call of Duty Modern Warfare 4, la nueva edición limitada de Xbox Series X25, Clockwork Revolution, Castlevania: Belmont's Curse, Resonance: A Plague Tale Legacy o Wo Long 2: Wings of Ember.

Para quien no lo recuerde, el estudio nos dejó A.O.T.: Wings of Freedom en 2016 y A.O.T. 2 en 2018, cubriendo ambos juegos una parte importante de la historia del mangaka Hajime Isayama.

Sin embargo, y pese a que se lanzó el DLC Final Battle para el segundo juego, no habíamos podido disfrutar del final de Attack on Titan en videojuego... hasta ahora.

Vamos a ver el primer tráiler de Attack on Titan 3 y repasar todo lo que sabemos hasta el momento.

Primer tráiler de Attack on Titan 3, el juego de Omega Force que recrea el final del manganime

El tráiler de Attack on Titan 3 nos deja unas cuantas secuencias extraidas directamente del final de la obra, pero recreadas en formato videojuego (así que si todavía no sabéis cómo acaba... mejor no miréis).

También podemos ver que se recupera la jugabilidad de las entregas anteriores, de manera que podremos controlar a diferentes personajes de las fuerzas de la humanidad equipadas con el ODM, lo que nos permitirá movernos alrededor de los titanes para esquivar sus ataques y buscar el momento exacto para golpear su nuca.

Eren, Mikasa, Armin, Levi... Todos los personajes principales aparecen en el tráiler y garantizan un final de proporciones épicas.

No han dado muchos más detalles sobre Attack on Titan 3, pero nos han invitado a estar muy pendientes, pues dentro de muy poco, concretamente el próximo 1 de julio, tendrá lugar el próximo "informe del cuerpo de reconocimiento".

Lo que sí sabemos son las plataformas: Attack on Titan 3 llegará a PS5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch 2 y PC.

Si queréis estar al tanto de todos los anuncios, recordad que podéis echarle un ojo a nuestro resumen del Summer Game Fest 2026, que ya nos ha dejado bombazos como el anuncio de Final Fantasy VII Revelation, Resident Evil Veronica, fecha de Stranger than Heaven, Gen Atlas, Monster Hunter Wilds Ascendance, Crossfire, Alien Isolation 2, Clutch, Virtua Fighter Crossroads, Chronicles Medieval, Blood of the Dawnwalker, Stellar Blade Bloodrain o Attack on Titan 3, entre otros.

Naoki Hamaguchi, director de la trilogía, ha sido el encargado de subir al escenario para ofrecernos no sólo el primer tráiler de la tercera y última entrega, sino también un vistazo en profundidad a algunas de las novedades jugables.

Sin más dilación, veamos todas las novedades que el evento nos ha dejado sobre Final Fantasy VII Revelation.

Primer tráiler de Final Fantasy VII Revelation: tercer y último juego de la trilogía FF7 Remake

En primer lugar, hemos podido ver un primer tráiler de Final Fantasy VII Revelation en el que se han mostrado tanto secuencias pertenecientes al juego original como otras completamente nuevas, todas relacionadas con la épica conclusión de esta trilogía.

Y luego han llegado las novedades, pues también se ha mostrado mucho gameplay de Final Fantasy VII Revelation: será posible bajar del Highwind, el barco volador de Final Fantasy VII, lanzándonos al vacío mientras sobrevolamos el mundo abierto, que han descrito como mucho más grande que el de Final Fantasy VII Rebirth.

Y no podía faltar un vistazo a Vincent Valentine y Cid Highwind, los dos personajes que faltaban por unirse al grupo y que, por supuesto contarán con su propia jugabilidad en combate. Ambos son muy prometedores.

Una de las grandes novedades de Final Fantasy VII revelation es la posibilidad de equipar diferentes atuendos, lo que cambia por completo el aspecto de los personajes, así como sus habilidades.

También se han centrado mucho en las Armas, los poderosos enemigos que actuaban como superjefes en el juego original. Parece que en FFVII Revelation tendrán todavía más presencia y protagonismo.

Y quizás el datos que más ha sorprendido: Final Fantasy VII Revelation se lanza AL MISMO TIEMPO en PS5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch 2 y PC en primavera de 2027. ¿Cómo os habéis quedado?

Recordad que podéis estar al tanto de todos los anuncios gracias a nuestro resumen del Summer Game Fest 2026, que ya nos ha dejado bombazos como el anuncio de Resident Evil Veronica, fecha de Stranger than Heaven, Gen Atlas, Blood of the Dawnwalker, Monster Hunter Wilds Ascendance, Crossfire, Alien Isolation 2, Clutch, Virtua Fighter Crossroads, Stellar Blade Bloodrain, Chronicles Medieval o Attack on Titan 3, entre otros.

Para quien no los conozca, That's No Moon es un estudio compuesto por veteranos de la industria que anteriormente trabajaron en Naughty Dog (Uncharted, The Last of Us) e Infinity Ward (Call of Duty), por lo que había mucha expectación ante su primer trabajo.

Y parece que no han defraudado, pues el primer tráiler de Crossfire ha dejado a todo el mundo con la boca abierta. Vamos a verlo y a repasar todos los detalles.

Primer tráiler de Crossfire, el juego de That's No Moon

Crossfire nos lleva a vivir el viaje de Layla Qassem y Delroy Cross, dos soldados de bandos rivales que se ven obligados a forjar una frágil alianza para sobrevivir.

Uno de los aspectos a los que más importancia le han dado es su innovador sistema de coberturas, llamado cobertura adaptativa.

Gracias a este sistema, el movimiento del personaje se ajusta al tamaño del terreno, lo que nos dará una ventaja táctica que tendremos que usar para sobrevivir a intensos tiroteos en tercera persona,

Según explica, hasta una sola bala puede ser letal, por lo que Crossfire nos obligará a ser extremadamente cuidadosos, apostando por una jugabilidad muy realista.

Por el momento no han dado fecha de lanzamiento, pero se ha confirmado que Crossfire llegará a PS5, Xbox Series X|S y PC. ¿Qué os ha parecido el primer tráiler del juego?

Y si queréis estar al tanto de todos los anuncios, no dudéis en echarle un ojo a nuestro resumen del Summer Game Fest 2026, que ya nos ha dejado bombazos como el anuncio de Resident Evil Veronica o Final Fantasy VII Revelation, además de la fecha de Stranger than Heaven, Gen Atlas, Monster Hunter Wilds Ascendance, Stellar Blade Bloodrain, Virtua Fighter Crossroads, Chronicles Medieval, Blood of the Dawnwalker, Clutch, Alien Isolation 2 o Attack on Titan 3, entre otros.

Se trata de la secuela del survival horror lanzado originalmente en 2014 y vuele a estar producido por SEGA y desarrollado por Creative Assembly.

Hace unas semanas, el equipo publicó un breve teaser en Redes Sociales y, ahora, han publicado el primer tráiler de Alien: Isolation 2 que, además de dejarnos varios detalles importantes sobre esta secuela, también ha confirmado las plataformas de lanzamiento. Vamos a verlo.

Primer tráiler de Alien: Isolation 2 y plataformas confirmadas

Uno de los aspectos que deja claro este tráiler y que ya sospechábamos por el teaser, es que en la secuela de Alien: Isolation se acabaron los espacios cerrados de la estación Sevastopol.

En Alien: Isolation 2, una parte importante de la acción se desarrollará al aire libre, lo que sin duda pondrá sobre la mesa nuevas mecánicas jugables y complicará aún más las cosas a la hora de sobrevivir contra el xenomorfo.

En el tráiler también podemos ver la tecnología retrofuturista de la saga Alien (y de Alien: Isolation), así como elementos icónicos del primer juego como el lanzallamas, las bengalas, los sintéticos...

...y el xenomorfo.

Y aunque el tráiler no lo dice explícitamente, los comentarios que escuchamos parecen confirmar que la protagonista de Alien: Isolation 2 volverá a ser Amanda Ripley, protagonista de la primera entrega.

No tenemos muchos más detalles, pero el final del tráiler nos deja con una confirmación importante: Alien: Isolation 2 se lanzará para PS5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch 2 y PC.

No tenemos fecha, pero sus creadores aseguran que llegará pronto.

Para estar al tanto de todas las novedades del evento, no dudéis en echarle un vistazo a nuestro resumen del Summer Game Fest 2026, que ya nos ha dejado bombazos como el anuncio de Resident Evil Veronica, Final Fantasy VII Revelation, fecha de Stranger than Heaven, Gen Atlas, Stellar Blade Bloodrain, Monster Hunter Wilds Ascendance, Blood of the Dawnwalker, Crossfire, Clutch, Virtua Fighter Crossroads, Chronicles Medieval o Attack on Titan 3, entre otros.

Es más, si atendemos a las fechas, Gothic se lanzó un año antes que The Elder Scrolls: Morrowind, que está considerado como uno de los mejores y más importantes RPGs de todos los tiempos. Y sobra decir que, aun siendo muy distintos, el juego del estudio alemán no tiene nada que envidiarle.

El remake de Gothic corre a cargo de Alkimia Interactive, un estudio de Barcelona, aunque entre sus filas se encuentran algunos de los desarrolladores del juego original.

Tras pasar unas cuantas horas sumergidos en su mundo y descubriendo por las malas que los orcos no se andan con tonterías, vamos a ver qué tal les ha quedado.

El análisis de Gothic 1 Remake para PS5, Xbox Series X|S y PC de Hobby Consolas:

• El gameplay de Gothic 1 Remake
• Nivel de dificultad de Gothic 1 Remake
• ¿Cuántas horas de juego dura Gothic 1 Remake?
• Cuánto cuesta Gothic 1 Remake y dónde puedes comprarlo
• La opinión de Hobby Consolas de Gothic 1 Remake
• Nota: lo mejor y lo peor de Gothic 1 Remake

Jugabilidad y gameplay de Gothic 1 Remake

Para empezar, la premisa de Gothic 1 Remake es de lo más interesante: debido a la cruenta guerra contra los orcos, el rey de un reino de fantasía medieval decide obligar a todos los reos de las prisiones a excavar un preciado mineral con el que forjar poderosas armas.

Unos magos crean una "burbuja" protectora alrededor de la zona de excavación para que ningún prisionero pueda escapar, pero un sabotaje provoca que todo el mundo -magos incluidos- se quede atrapado dentro de la cúpula mágica. Los prisioneros no tardan en amotinarse y hacerse con el control del interior... y el mineral.

Nosotros nos ponemos en el papel de un prisionero que acaba de ser lanzado al interior de la cúpula-prisión, que es el mundo abierto en el que tiene lugar Gothic 1 Remake.

Y uno de los aspectos más llamativos, tanto del juego original como de esta revisión, es que empezamos la aventura de cero. Y diréis: «bueno, pues como en casi todos los RPG». Pero no: aquí es real a más no poder.

Somos unos don nadie cuya palabra frente a otros prisioneros y, no digamos ya guardias o magos, no vale absolutamente nada. No estamos equipados con armas, e incluso aunque nos hagamos con una espada desgastada o un hacha que se cae a pedazos, somos tan débiles que incluso una rata topo puede matarnos de dos mordiscos. Y como se nos ocurra enfrentarnos a una amenaza mayor, como un lobo u otra persona, vamos a acabar muertos o, peor aún, siendo desvalijados.

Por supuesto tampoco tenemos dinero ni comida ni ropa en condiciones ni un atisbo de magia. Las primeras horas de Gothic son realmente duras y pueden echar para atrás a muchísimos jugadores. Luego hablaremos más sobre la dificultad, pues en ese aspecto el remake añade novedades interesantes, pero es importante dejar esto claro para que nadie se lleve un disgusto: tened en cuenta que las primeras horas son más de hablar, de ir conociendo a personajes, tomando decisiones, descubriendo quién manda dentro de la cúpula, eligiendo a cuál de las tres facciones nos unimos, a qué enemigos podemos enfrentarnos y de cuáles debemos huir como alma que lleva el diablo. Es, por así decirlo, uno de los RPGs más realistas que existen a la hora de hacer empezar desde lo más bajo.

Y pese a lo duro y frustrante que puede resultar en esas primeras horas, si somos pacientes y perseveramos, la sensación de progreso en Gothic no tiene parangón. Pasar de morir de un golpe contra cualquier enemigo a derrotar a un orco (sudando lo suyo) por primera vez, es algo indescriptible.

Pero todo eso ya era así en el juego original, ¿qué es lo que ha cambiado a nivel jugable en este remake? Pues incontables cosas, tantas... que es imposible listarlas todas. Lo más importante es que ahora es un juego mucho más amigable en todos los aspectos: el control tanto al desplazarnos como al combatir, el inventario, la forma de interactuar con el mundo... Todo se ha renovado y modernizado.

Ahora bien, tiene ciertos elementos que, aun no siendo heredados del juego original, le dan un toque muy añejo y hacen que este remake se sienta más como un juego que podría haber sido lanzado hace unos diez años. Por poner un ejemplo: cuando tenemos el arma desenfundada, para interactuar con NPCs y objetos, debemos realizar una combinación de botones... y os podéis imaginar lo fácil que es olvidarse de esto y acabar propinándole un espadazo a alguien.

Uno de los añadidos que más se agradecen es el glosario. Se trata, como su nombre indica, de un compendio con información detallada sobre prácticamente todo, desde mecánicas jugables hasta consejos para progresar. Al ir conociendo personajes, el glosario se actualiza con sus fichas, algo que es realmente útil dada la importancia que tienen los distintos NPCs en este juego.

Ahora bien, incluso en este aspecto, el remake de Gothic deja un sabor de boca muy añejo. Aun pudiendo conseguir un mapa en el que poner indicadores o tener una forma de seguir las misiones, el juego NUNCA nos da las cosas hechas ni nos señala dónde debemos ir.

Puede que nos pidan que robemos el cofre de una persona, algo que ya de por sí es complicado porque el minijuego de las ganzúas es de todo menos fácil y si nos pillan infraganti adiós muy buenas... Pero, además, buena suerte descubriendo cuál de las tres casas con cofres en su interior es la que buscamos. También puede que nos pidan que vayamos a una colina en busca de setas, pero buena suerte descubriendo dónde está esa colina, aun con las (vagas) indicaciones que nos dan. Y todo esto mientras tienes a un pesadísimo NPC que te sigue a todas partes y no deja de darte la tabarra para poner a prueba tu paciencia (bastante aguanté antes de quemarlo vivo con una antorcha).

Pero son esa clase de cosas lo que hacen que Gothic sea un juego con tanto encanto. Además, como RPG también incluye muchas posibilidades, pues además de la progresión del personaje, que podemos moldear a nuestro gusto centrándonos en diferentes estadísticas, armas, magia o sigilo, también tenemos un montón de sistema como combos de combate, cocina, forja, caza, extracción de minerales, fabricación, comercio e incluso drogas. Es un juego completísimo.

Y dado que estamos ante un remake, el apartado audiovisual también ha experimentado una importante mejora. A nivel gráfico se ve bastante bien, especialmente los escenarios, que nos dejan estampas muy chulas, pero en lo referente a las animaciones volvemos a tener esa sensación de juego que se podía haber lanzado hace diez años, pues son todas muy robóticas.

Además, en consola (PS5, que es donde lo hemos jugado), el juego no incluye ajustes visuales que permitan elegir entre gráficos y rendimiento y se mueve a 30fps. La banda sonora no es particularmente destacable, pero los diálogos han sido todo regrabados usando un guion revisado que es más fiel al del juego original. Y dada la cantidad de diálogos que hay en Gothic, hay que aplaudir el enorme trabajo que han hecho.

El gran problema de este remake de Gothic es, paradójicamente, el mismo problema que tuvo el juego original cuando se lanzó: tiene muchos bugs. A lo largo de nuestra partida nos hemos topado con toda clase de problemas, desde cosas sin demasiada importancia, como NPCs flotando... hasta otras menos graciosas como misiones que se han roto y no hemos podido continuar o cuelgues que nos han hecho perder bastante progreso.

Hablamos de un juego muy grande, un RPG con muchos diálogos, NPCs con rutinas y reacciones, diferentes caminos tanto para misiones secundarias como la historia principal, toneladas de objetos, armas, sistemas... Así que es comprensible cierto grado de error, pero ahora mismo recomendaríamos esperar un tiempo antes de jugar.

Porque hoy mismo se ha publicado un nuevo parche de cerca de cuatro gigas que probablemente corrige unas cuantas cosas, pero entre que ha llegado hoy (el día que se publica el análisis) y que han mandado el juego con poquísimo tiempo de antelación, no hemos tenido tiempo de probarlo.

¿Es difícil Gothic 1 Remake?

Como decíamos antes, una de las gran novedades del remake de Gothic está relacionada con la dificultad. En lugar de tener una única dificultad sin posibilidad de cambios, como el original, este remake incluye cuatro opciones diferentes: fácil, Gothic, difícil y personalizada.

La dificultad Gothic vendría a ser el equivalente a normal, ofreciendo un desafío moderado e índices de progreso justos... Pero ya os avisamos que es un juego brutalmente difícil si no tenéis mucha paciencia.

Independientemente de la dificultad, también podemos activar un ajuste que ayuda a la dificultad del combate y la muerte permanente para quien quiera la experiencia más hardcore posible.

¿Cuántas horas dura la historia de Gothic 1 Remake?

Si el juego original ya ofrecía una cantidad considerable de contenido, el remake de Gothic 1 lo amplía añadiendo nuevas localizaciones y ampliando otras, nuevas misiones para los distintos campamentos, nuevo contenido que profundiza en los orcos y su cultura... Y ciertas cosas que estaban planeadas para el juego original pero no pudieron ser implementadas por falta de tiempo y recursos.

De esta manera, una partida de Gothic 1 Remake puede llevarnos entre 40 y 50 horas de duración. Ahora bien, el juego cambia bastante en función de a cuál de los tres campamentos nos unamos, por lo que es muy rejugable y ofrece aún más horas a quienes quieran exprimirlo al máximo.

Precio y plataformas disponibles

Gothic 1 Remake se lanza para PS5, Xbox Series y PC el 5 de junio de 2026 (es decir: hoy) a un precio recomendado de 59,99€, tanto en formato físico como digtal,

Además, al hacernos con el remake, nos llevamos de regalo Gothic Classic, un port del juego original a plataformas actuales.

Un remake a la altura del clásico... pero que necesita más tiempo en la forja

El remake de Gothic es uno de los RPGs más duros que os podéis echar a la cara, tiene mecánicas y un apartado visual que parecen de hace diez años y es una experiencia que requiere una paciencia enorme.

Y eso es, precisamente, lo que hace que sea tan especial.

El equipo de Alkimia Interactive ha conseguido renovar Gothic, modernizando sus controles y apartado audiovisual, así como añadiendo una gran cantidad de novedades y contenido, y, al mismo tiempo, han conseguido que en todo momento se sienta como una experiencia añeja y fiel a la obra original.

Está claro que no es un juego para todo el mundo, igual que no lo era el original, pero los RPGs (los videojuegos, en general) de los últimos años se han ablandado y Gothic 1 Remake nos pega un buen hostiazo de realidad desde los primeros minutos que nos recuerda cómo solían ser los juegos antes.

Así que si sois la clase de jugadores que valora que no se lo den todo hecho, tenéis la suficiente paciencia para explorar cada rincón, hablar con todos los NPCs, guardar partida continuamente para evitar sustos desagradables y apreciáis un sistema de progresión fiel a la realidad... vais a gozar de Gothic 1 Remake.