Es decir, Secrets of Strixhaven no va ha hecho tanto ruido como otros sets tan populares como los de Magic Final Fantasy, Magic El Señor de los Anillos, Assassin's Creed, Fallout, Doctor Who o Dungeons & Dragons, pero no por eso, Magic The Gathering Secrets of Strixhaven deja de ser un set interesante.

Un set que llega después de Magic Lorwyn Eclipsado, sin olvidar los sets de 2025, como Tarkir, Aetherdrift, Edge of Eternities o Innistrad Remastered, y que en esta ocasión nos invitará a elegir entre una de las cinco escuelas en nuestro segundo año en Strixhaven.

Como en anteriores ocasiones, vamos a contarte todo lo que debes saber de Magic Strixhaven, empezando por la explicación de todas las nuevas mecánicas y novedades que llegan bajo el caparazón de este set, y por supuesto, las que para nosotros son las mejores cartas.

Recuerda que los mazos de inicio, commander, sets y sobres sueltos ya están disponibles en numerosas tiendas especializadas, además de Game o Amazon, y que están a la venta desde finales de abril, que fue la fecha oficial de lanzamiento.

Las nuevas mecánicas de Magic Secrets of Strixhaven

Como siempre, creémos que la mejor manera de adentrarte en este nuevo set es, primero, repasando todas las nuevas mecánicas que introduce Magic Secrets of Strixhaven, con las que las partidas llegan a ofrecer nuevas situaciones y posibilidades, gracias a estas nuevas acciones.

Paradigma:

Esta mecánica la veremos en conjuros, y nos permite volver a castear el hechizo al principio de cada una de nuestras rondas sin pagar su coste de maná.

Preparada:

La carta esta dividida en dos partes una con sus efectos normales y un conjuro que solo podrás lanzar en caso de que la carta este preparada; también puedes volver a lanzar la parte del hechizo si cumples los requisitos para que la carta esté preparada.

Incrementar:

Siempre que lances un hechizo con coste de maná mas alto que la carta que has usado le podrás poner a la carta contadores +1/+1 con esta mecánica.

Opus:

Siempre que lances un instantáneo o conjuro, se disparará una habilidad y si además has gastado cinco o más manás para lanzar un hechizo, también se lanzará otro efecto.

Las 10 mejores cartas de Magic Secrets of Strixhaven

Con las nuevas mecánicas ya explicadas, vamos con las que, para nosotros, son las 10 mejores cartas de Magic Secrets of Strixhaven, la nueva expansión de Magic The Gathering.

10. Germination Practicum

Es un conjuro de coste de maná tres incoloros y dos verdes y sus efectos son:

• Coloca dos contadores +1/+1 sobre cada criatura que controlas.
• ​Paradigma

9. Flashback

Es un conjuro con coste de maná uno rojo con el siguiente efecto:

• La carta de instantáneo o conjuro objetivo en tu cementerio gana la habilidad de retrospectiva hasta el final del turno. El coste de retrospectiva es igual a su coste de maná.

8. Cauldron of Essence

Es un artefacto con coste de maná un incoloro, uno negro y uno verde y sus efectos son:

• Siempre que una criatura que controlas muera, cada oponente pierde 1 vida y tú ganas 1 vida.
• ​Pagar un incoloro, uno negro y uno verde más girar la carta: Sacrifica una criatura: Regresa la carta de criatura objetivo de tu cementerio al campo de batalla. Activa solo como un conjuro.

7. Erode

Es un conjuro de coste un maná blanco y su efecto es:

• Destruye la criatura o planeswalker objetivo. Su controlador puede buscar en su biblioteca una carta de tierra básica, ponerla en el campo de batalla girada y luego barajar.

6. Flow State

Es un conjuro de coste un maná incoloro y uno azul y su efecto es:

• Mira las tres primeras cartas de tu biblioteca. Pon una de ellas en tu mano y las otras dos en la parte inferior de tu biblioteca, en cualquier orden. Si hay una carta de instantáneo y una carta de conjuro en tu cementerio, en su lugar, pon dos de ellas en tu mano y las otras dos en la parte inferior de tu biblioteca, en cualquier orden.

5. Decorum Dissertation

Es un conjuro de coste tres incoloros y dos manás negros y sus efectos son:

• El jugador objetivo roba dos cartas y pierde 2 vidas.
• ​Paradigma

4. Witherbloom, the Balancer

Es una criatura con coste de maná seis incoloros un maná negro y uno verde, tiene una fuerza y resistencia de cinco y sus efectos son:

• Afinidad por las criaturas (Este hechizo cuesta menos coste de lanzamiento por cada criatura que controlas.)
• ​Volar, toque mortal
• ​Los hechizos instantáneos y de hechicería que lances tienen afinidad por las criaturas.

3. Professor Dellian Fel

Es un planeswalker legendario con coste de maná dos incoloros, uno negro y uno verde, entra con cinco contadores de lealtad y sus efectos son:

• +2: Ganas 3 vidas.
• ​0: Robas una carta y pierdes 1 vida.
• ​−3: Destruye la criatura objetivo.
• ​−6: Obtienes un emblema con “Siempre que ganes vida, el oponente objetivo pierde esa cantidad de vida”.

2. Emeritus of Ideation

Es una criatura con coste de maná tres incoloros y dos manás azules, tiene una fuerza y resistencia de cinco y sus efectos son:

• Volar, Rebatir 2.
• ​Esta criatura entra preparada.
• ​Siempre que esta criatura ataque, puedes exiliar ocho cartas de tu cementerio. Si lo haces, esta criatura se prepara.
• Recuerdo ancestral (Pagar un maná azul, Instantáneo ): El jugador objetivo roba tres cartas.

1. Emeritus of Woe

Es una criatura con coste tres incoloros y un maná negro, tiene una fuerza de cinco y una resistencia de cuatro y sus efectos son:

• Esta criatura entra preparada.
• ​Al comienzo de tu paso final, si dos o más criaturas murieron este turno, esta criatura se vuelve preparada.
• ​Tutor demoniaco (Pagar un maná incoloro y uno negro, Conjuro: Busca una carta en tu biblioteca, ponla en tu mano y luego baraja.

Con esto llegamos al final de nuestra selección de mejores cartas de Magic Secrets of Strixhaven y todo lo que debes saber para disfrutar al máximo de esta nueva expansión del popular juego de cartas.

De hecho para el actor Luis Merlo habría que dejar claro cuáles son esos límites, pues como trabajador de La que se avecina, considera que no es una serie que deba ver un público infantil:

"De La que se avecina, los niños de siete, ocho y nueve años se saben los diálogos. Si tuviera un hijo no sé si le dejaría ver esta serie con siete años, no lo tengo claro", confesaba en una entrevista.

Y no porque la serie no sea de suficiente calidad, sino porque Merlo considera que es demasiado "políticamente incorrecta" para que un niño pequeño pueda verla. "La que se avecina es una serie de género farsa, es un guiñol, una exageración tremebunda. Y creo además que no podría empezar a hacerse ahora porque es muy políticamente incorrecta", reconocía el actor.

Merlo ha dado vida a Bruno, uno de los vecinos de Contubernio 49, que es donde se desarrollan los nuevos capítulos de la conocida serie.

La que se avecina vs Aquí no hay quien viva

Pese a que Aquí no hay quien viva es la serie "matriz" de La que se avecina, ambas ficciones han tomado caminos muy distintos en su paso por televisión, por lo que Luis Merlo no considera que se puedan comparar para definir cuál es mejor y cuál es peor.

"Aquí no hay quien viva era una comedia con humanidad, una ternura y una afectividad que estaba muy patente, y La que se avecina es una serie mucho más macarra y cuya afectividad está latente, está ahí abajo. Eso no significa que crea que La que se avecina haya dañado el humor", ha explicado el intérprete.

Otros artículos interesantes:

Y no será un proyecto cualquiera, sino el imponente Templo Expiatorio de la Sagrada Familia, la gran basílica diseñada por Antoni Gaudi que, esperamos, no nos lleve tanto tiempo construir en LEGO; más que nada porque las obras empezaron hace 144 años...

De momento no es una noticia oficial, pero proviene de uno de los filtradores más fiables del sector, Brick Tap, quien también comparte algunos detalles del set, como su presunta fecha de lanzamiento, el 1 de julio de 2026, y su número de piezas, 12.060.

Otro aspecto a destacar es el rango de precios que se maneja para este set de LEGO de la Sagrada Familia. Venimos de esa Estrella de la Muerte de 999,99 € y, naturalmente, la mente nos lleva a pensar en más de 1.000 € para este set de LEGO Architecture, que tiene más de 3.000 piezas más que el de Star Wars. Pero no, sugieren que el precio será de 599,99 €.

Termina la Sagrada Familia de una santa vez gracias a LEGO

Esas 12.060 piezas de LEGO del set de la Sagrada Familia lo convertirían en el más grande lanzado por el fabricante danés, por encima del Mapa del Mundo de 2021 (11.695 piezas).

Si se confirma el precio, LEGO demostrará cómo se inflan los costes cuando un set pertenece a una franquicia. No es que se les eche la culpa, ojo, que ellos tienen que pagar regalías a Disney (en el caso de Star Wars).

Aunque el templo real de la Sagrada Familia aún no está terminado, un sueño que todavía no se ha visto cumplido en Barcelona, tú sí podrás terminar el set y tener todo un patrimonio de la humanidad de la UNESCO en tu colección. Y si tienes piezas por ahí, puedes montar unas cuantas grúas y te queda la estampa real al 100 %.

El set de la Sagrada Familia de LEGO aún no ha sido anunciado oficialmente, pero es un regalo prometedor para todo fan de la arquitectura, aunque las yemas de los pulgares nos duelen con solo pensar en todas esas piezas que toca apretar.

Ese ha sido el caso de sets tan populares como los de Magic Final Fantasy, Magic El Señor de los Anillos, Assassin's Creed, Fallout, Doctor Who o Dungeons & Dragons, y por eso, Teenage Mutant Ninja Turtles x Magic The Gathering era también un lanzamiento bastante esperado por los fans.

Por el retrovisor se van alejando ya los sets que se lanzaron en 2025, como Tarkir, Aetherdrift, Edge of Eternities o Innistrad Remastered, y en esta ocasión las cartas de Magic toman la forma de las Tortugas Ninja y usan su conocida fuerza para proteger las calles de Shredder y los mutantes que desatan el caos.

Como en anteriores ocasiones, vamos a contarte todo lo que debes saber de Magic Tortugas Ninja, destacando las que para nosotros son las mejores cartas y explicando todas las nuevas mecánicas y novedades que llegan bajo el caparazón de este set.

Recuerda que los mazos de inicio, commander, sets y sobres sueltos ya están disponibles en numerosas tiendas especializadas, además de Game o Amazon, y que están a la venta desde hoy 8 de marzo de 2026, que es la fecha oficial de lanzamiento.

Las nuevas mecánicas de Magic Teenage Mutant Ninja Turtles

La mejor manera de adentrarnos en este nuevo set es, primero, repasando todas las nuevas mecánicas que introduce Magic Tortugas Ninja, el segundo set de 2026, con el que las partidas ofrecerán nuevas situaciones y posibilidades, gracias a estas nuevas acciones.

Asociación

Las criaturas con esta habilidad podrán hacer puntos de daño como crear fichas …etc. Si hay mas de una criatura con asociación, se disparan a la vez.

Mutágeno

Este tipo de ficha nuevo es un artefacto que, pagando un maná incoloro, girándolo y sacrificándolo, pones un contador +1/+1 en una criatura que controlas.

Las 10 mejores cartas de Magic Tortugas Ninja

Con las nuevas mecánicas ya detalladas, vamos con las que, para nosotros, son las 10 mejores cartas de Magic Teenage Mutant Ninja Turtles, la nueva expansión de Magic The Gathering.

10. The Cloning of Shredder

Es un encantamiento con un coste de cuatro manás incoloros y dos manás negros, y sus efectos son:

• I — Exilia la carta de criatura objetivo de tu cementerio. Crea una ficha que es una copia de ella, excepto que no es legendaria y es un Mutante además de sus otros tipos.
• II, III — Crea una ficha que es una copia de una carta exiliada con esta Saga, excepto que no es legendaria y es un Mutante además de sus otros tipos.

9. South Wind Avatar

Es una criatura con un coste de tres maná incoloros y un maná negro, tiene una fuerza de tres y una resistencia de cuatro y sus efectos son:

• Toque mortal.
• Siempre que otra criatura que controlas muera, ganas vidas igual a su resistencia.
• ​Cada vez que ganes vida, cada oponente pierde 1 vida.

8. Michelangelo, Weirdness to 11

Es una criatura legendaria con coste de un maná incoloro y un maná verde, tiene una fuerza y resistencia de uno y sus efectos son:

• Cuando Miguel Ángel entre, crea una ficha de mutágeno.
• ​Si uno o más contadores +1/+1 fueran a ser puestos sobre una criatura que controlas, en su lugar se ponen sobre ella esa misma cantidad de contadores +1/+1 más uno.

7. Dark Leo & Shredder

Es una criatura legendaria con coste de un maná blanco y uno negro, tiene una fuerza de uno y una resistencia de tres y sus efectos son:

• Los ninjas atacantes que controlas tienen toque mortal.
• ​Siempre que Leo Oscuro y Shredder inflijan daño de combate a un jugador, crea una ficha de criatura Ninja negra 1/1. Si controlas cinco o más Ninjas, ese jugador pierde la mitad de su vida, redondeado hacia arriba.

6. Leonardo, Sewer Samurai

Es una criatura legendaria con coste de tres maná incoloros y un maná blanco, tiene una fuerza y resistencia de tres y sus efectos son:

• Infiltración: Dos incoloros y dos manás blancos.
• ​Dañar dos veces
• ​Durante tu turno, puedes lanzar hechizos de criatura con fuerza o resistencia 1 o menos desde tu cementerio. Si lanzas un hechizo de esta forma, esa criatura entra con un contador de finalidad sobre ella.

5. Technodrome

Es una criatura artefacto con coste de dos maná incoloros, tiene una fuerza y resistencia de tres y sus efectos son:

• Alcance, Arrollar
• Esta criatura no puede atacar ni bloquear a menos que su poder sea 6 o mayor.
• Girar: Sacrificar otro artefacto: Roba una carta. Pon un contador +1/+1 sobre esta criatura.

4. Cool but Rude

Es un encantamiento que cuesta un maná incoloro y un maná rojo y sus efectos son:

• Siempre que ataques, puedes descartar una carta. Si lo haces, roba una carta.
• ​Pagar un maná incoloro y uno rojo: Nivel 2: Cada vez que descartas una carta, esta Clase inflige 2 puntos de daño a cada oponente.
• ​Pagar un maná incoloro y uno rojo: Nivel 3: Cuando esta Clase alcance el nivel 3, busca en tu biblioteca una carta, ponla en tu mano, baraja y luego descarta una carta al azar.

3. Donatello, Mutant Mechanic

Es una criatura legendaria con un coste de tres manás incoloros y un maná azul, tiene una fuerza de tres y una resistencia de cinco y sus efectos son:

• Girar: Pon tres contadores +1/+1 sobre el artefacto objetivo que controlas. Si no es una criatura, se convierte en una criatura Robot 0/0, además de sus otros tipos. Activa solo como conjuro.
• ​Siempre que un artefacto que controlas sea puesto en un cementerio desde el campo de batalla, si tenía contadores sobre él, pon esos contadores sobre hasta un artefacto o criatura objetivo que controles.

2. Super Shredder

Es una criatura legendaria con un coste de un maná incoloro y un maná negro, tiene una fuerza y resistencia de uno y sus efectos son:

• Amenaza.
• Siempre que otro permanente abandone el campo de batalla, pon un contador +1/+1 sobre Super Shredder.

1. Krang, Utrom Warlord

Es una criatura artefacto legendaria con un coste de nueve manás incoloros, tiene una fuerza y resistencia de nueve y sus efectos son:

• Volar, Arollar, Indestrucible y Prisa.
• ​Otras criaturas artefacto que controlas tienen las habilidades de volar, arrollar, indestructible y prisa.

Y con esto, llegamos al final de nuestra selección de mejores cartas de Magic Teenage Mutant Ninja Turtles y todo lo que debes saber para disfrutar al máximo de esta nueva expansión del popular juego de cartas.

El primero de los relatos de Dunk y Egg ha terminado, pero su historia no. Quedan muchas andanzas caballerescas por recorrer, pese a que George R.R. Martin no haya acabado de escribirlas. Esto no ha pasado desapercibido a los guionistas de El caballero de los Siete Reinos.

Es sabido que el reconocido escritor tiene la manía de no terminar lo que empieza. Vientos de Invierno está aparcado, Sangre y Fuego también y solamente tenemos tres historias de Dunk y Egg (pese a que tiene unas cuantas más en mente).

George R.R. Martin no acaba lo que empieza. Y esto ha servido para que la serie lance una pulla (creemos que amistosa intención) al novelista estadounidense. ¿Te has dado cuenta de cierta frase pronunciada justo en el momento correcto?

El caballero de los Siete Reinos no falla el lanzazo contra George R.R. Martin

¡Atención a los spoilers! En el último episodio de El Caballero de los Siete Reinos asistimos al momento de la muerte de Ser Arlan del Árbol de la Moneda, pero en ese emotivo final (tomado con cierto humor), el viejo personaje suelta una curiosa frase a Duncan antes de fallecer: "Un verdadero caballero siempre termina una historia".

Esa mordaz frase no ha pasado desapercibida a los fans de Juego de Tronos y de la obra literaria del escritor. En foros como Reddit se ha señalado que está bastante claro que es una burla a la mala costumbre que tiene Martin de no terminar ninguna de las sagas que empieza.

Obviamente, esto no parece estar tirado a mala uva, ya que el escritor ha señalado que este es su episodio favorito y es evidente que ha supervisado el proyecto. Aún así, está bien ver que la espinita clavada de muchos fans sirve para hacer un poco de comedia.

En cuanto a las novedades que nos ha dejado el final de la serie, ya se ha confirmado que El caballero de los Siete Reinos temporada 2 tendrá lugar en una localización clave de Juego de Tronos. ¿Con ganas de ver la próxima aventura del caballero y su escudero?

La guerra de Vietnam, la de Independencia, la eterna Segunda Guerra Mundial... todo conflictos bélicos, por lo que sea. Uno de ellos es la Guerra Fría. No como hecho histórico cerrado, sino como parque temático.

Un imaginario colectivo reciclable que se ha convertido, como el resto de ejemplos, en un género en sí mismo. Estados Unidos contra Rusia. Capitalismo contra comunismo. Y en Occidente la tostada siempre cae del mismo lado.

Ponies entra en este terreno. La nueva serie disponible en SkyShowtime está protagonizada por una exquisitamente encantadora Emilia Clarke y su deslenguada compañera Haley Lu Richardson que nos introducen en Rusia como Personas sin Intéres (Person Of No Interest). Los PONIES.

Creada por Susanna Fogel y David Iserson, Ponies juega con este mito desgastado de la narrativa fílmica, suavizándolo con humor y una pátina feminista amable. Una serie que te acompaña con la misma comodidad que el sofá, pero sin obligarte a despertar en ningún momento.

La tostada que siempre cae por la mantequilla

Entonces, ¿de qué va Ponies? Son dos mujeres estadounidenses en el Moscú de finales de los 70 que, sobre el papel, no pintan absolutamente nada. Son parte de la coartada de sus maridos, que sí son espías de la CIA.

Son las esposas, las acompañantes silenciosas. Personas de no interés. Hasta que sus maridos mueren en un vuelo en circunstancias extrañas y deciden dejar de ser personajes secundarios de otras vidas para convertirse en espías protagonistas.

Aquí un detalle importante: Ponies no quiere competir con el cine de espionaje denso y hasta paranoico de The Americans o las adaptaciones de John Le Carré. No hay tanto de ideologías —más allá de lo inevitable—, sino de iconografía.

Moscú es la jaula de las protagonistas y la KGB el tigre con el que les tocará bregar durante la primera temporada de la serie. La base es la misma. Pero la serie no quiere incomodar; te recuerda que estás en casa.

Reconoces el tablero y sus reglas; todo se dibuja bajo una capa de ligereza amparada por el arquetipo de la elegancia heroica del espionaje de la CIA frente a la despiadada e implacable crueldad de la KGB.

Fogel y Iserson escriben aquí una narrativa medida con inteligencia real. Su trayectoria ha orbitado alrededor de personajes femeninos que se mueven en terrenos tradicionalmente masculinos, utilizando el humor como palanca para romper algunas dinámicas.

El espía que me plantó (2018) o Súper empollonas (2019), más allá de su resultado, sembraron las bases de lo que es hoy Ponies: una serie que rebaja asperezas, mantiene su planteamiento feminista y lo desarrolla de forma amable, accesible y, lo más importante en el código actual, exportable.

Porque la serie también presentará su clásica némesis: un ruso de semblante casi vampiresco, rubio y de cara alargada con un fetiche por las ropas oscuras al que da vida Artjom Gilz. Pero el equilibrio es brillante.

Ponies navega entre las expectativas del género con una ligereza basada en el humor realmente agradable. Es, con distancia evidente, la misma dinámica sobre la que hablaba hace poco de Puñales por la espalda; una segunda generación del thriller que se permite bromear consigo mismo.

El conflicto histórico sigue siendo el motor narrativo, pero el humor y su temática feminista aportan las notas de dulzor que dejan la jugada a remate del delantero. Y Emilia Clarke y Haley Lu Richardson no fallan.

Espías para la era del streaming

Si Ponies funciona —y lo hace— es gracias a su casting. Clarke y Richardson son pura química en pantalla.

La primera construye a su personaje desde la dulzura, el gesto mínimo y la ya icónica sonrisa de cejas que introduce tanta inocencia como inseguridad. Su arco es el más reconocible: de la contención al empoderamiento.

Richardson es puro contraste. Twila, compañera en el espionaje de Bea (Emilia Clarke), es todo energía física y verbal. Ella permite a la serie relajarse, reírse de si misma, y ofrecerte un punto de identificación menos idealizado.

Juntas pueden protagonizar tu momento de placer culpable. De sofá-porque-hoy-no-me-apetece-moverme. Que te pedirá que abraces los estereotipos, que te dejes llevar... porque ya tienes el trabajo hecho.

La serie no necesita explicar ni justificar la disposición del tablero. Desde la brutalidad latente de la KGB, pasando por una sociedad rusa ultramachista o la camaradería proletaria como caricatura moral.

Es un pacto contigo, parte del contrato. Uno que funciona, pero que como discurso cultural es perezoso. Su objetivo, al fin y al cabo, no es revisar el mito, sino usarlo como colchón narrativo. No le vayas a pedir peras al olmo.

Ponies es una serie que te deja verla con gusto. Entretenida, agradable, sostenida por dos protagonistas que elevan el material y que en otras manos podría ser ciertamente olvidable.

No esperes una gran odisea del espionaje, ni una revisión del género, ni siquiera un discurso feminista hipermarcado o reflexivo. Ni quiere ni puede marcar tendencia, pero cumple lo que promete: una experiencia cómoda, bien interpretada y narrativamente eficaz. Hoy se elige sonreir.

Además, entretener a los más pequeños de la casa nunca es fácil, así que disfrutar en familia es lo más recomendable. Puedes probar con estos 15 juegos de mesa con campañas que puedes jugar en cooperativo.

Otra posibilidad es que te lleves los 7 juegos de mesa más pequeños a tu casa del pueblo, para así blindarte de la lluvia (o incluso la nieve) durante el fin de semana.

Un factor importante siempre es el precio, por eso ya repasamos los mejores juegos de mesa disponibles por menos de 50 euros, aunque ahora vamos a destacar las mejores opciones para jugar con niños a un precio asequible.

Aunque hace unos cuantos años elaboramos una lista de juegos de mesa apropiados para niños y niñas, en esta ocasión nos vamos a centrar en títulos más recientes que buscan sorprender a grandes y pequeños.

Estos son los 10 juegos de mesa para jugar con niños que no son los de siempre, cuestan poco y te salvarán de los días de frío.

• Bubble Stories
• Dobble
• Fantasma Blitz
• Funny Forest
• Monster Kit
• Pesky Island
• Toy Battle
• Virus MARVEL
• Zampa Monstruos
• ¡Tiburón!

Bubble Stories

• Jugadores: 1-2.
• ​Duración de las partidas: 10 minutos.
• ​Autores: Matthew Dunstan / Simon Douchy.
• ​Editora: Blue Orange / Maldito Games.
• Año de lanzamiento: 2021.
• Comprar Bubble Stories

Un sencillo juego de mesa ideal para disfrutar con los peques, que llama la atención por el colorido diseño de sus cartas. Bubble Stories tiene hasta tres ediciones distintas, pero la mejor es la original.

La mecánica de juego es simple, pero efectiva: cada jugador escoge una carta de burbuja, que se ambienta en un mundo concreto, y debe reunir la mayor cantidad de cartas de estrellas antes que su rival.

Al acabar, das el salto a otra carta de burbuja, y así sucesivamente hasta llegar al final de la partida. Debes abrir muy bien los ojos en Bubble Stories, porque algunas estrellas están muy bien escondidas. También puedes probar sus variantes, Bubble Stories Contes y Bubble Stories Vacances.

Dobble

• Jugadores: 2-8.
• ​Duración de las partidas: 15 minutos.
• ​Autores: Denis Blanchot / Jacques Cottereau / Guillaume Gille-Naves / Igor Polouchine.
• ​Editora: Blue Orange / Zygomatic.
• Año de lanzamiento: 2009 (primera edición).
• Comprar Dobble

¿Quién no ha oído hablar de Dobble? Es uno de los juegos de mesa más populares de nuestro país, todo un clásico de las reuniones familiares, y, además, es muy apropiado para niños y niñas por su sencilla propuesta.

Dobble es un juego de observación que consiste en encontrar el único símbolo que coincide entre dos cartas. Tendrás que afinar la vista y ser muy rápido si quieres ganar, porque el ritmo de las partidas es frenético.

Recomendamos la edición original, aunque hay montones de variantes temáticas, desde Dobble Harry Potter hasta Dobble Marvel, pasando por Dobble Star Wars y muchas otras. Prueba la que más te llame la atención.

Fantasma Blitz

• Jugadores: 2-8.
• ​Duración de las partidas: 20 minutos.
• ​Autores: Jacques Zeimet / Doris Matthaüs / Gabriela Silveira.
• ​Editora: Zoch Verlag / DEVIR.
• Año de lanzamiento: 2010 (primera edición).
• Comprar Fantasma Blitz

Todo un clásico de los juegos de mesa infantiles, que también puede ser tremendamente divertido para los adultos. Incluso existe una edición 2.0. (la más común en tiendas), pero su versión original ha sido reeditada en varias ocasiones.

Fantasma Blitz es un juego de observación protagonizado por el fantasma Balduin, que ha hecho fotos de todos los objetos que quiere hacer desaparecer. El problema es que la cámara está encantada, así que las fotos no representan cada objeto con precisión.

Para ganar, tendrás que identificar correctamente el mayor número de objetos en las cartas, que coincidan con el diseño real del objeto (hay un total de 5 figuras). Las reglas son cambiantes, ya que, en ocasiones, habrá que coger el objeto que no aparezca en la carta en cuestión.

Funny Forest

• Jugadores: 2-4.
• ​Duración de las partidas: 10-30 minutos.
• ​Autores: Lucía Molina / Dany Molero.
• ​Editora: Cayro.
• Año de lanzamiento: 2014.
• Comprar Funny Forest

Nunca explorar un bosque fue tan divertido como en Funny Forest, un amable juego de mesa que es perfecto para los más pequeños del hogar. Además, es uno de los mejores juegos de mesa hechos en España en los últimos tiempos.

Funny Forest tiene dos modos de juego, competitivo y cooperativo por parejas. En la piel de diferentes animales, tienes que reunir la mayor cantidad de alimentos para formar un gran banquete, pero ya te avisamos que no es tan fácil como suena.

Para conseguir los alimentos, tendrás que superar diversas pruebas y desafíos. Funny Forest no es un juego para vagos, y es que exige que te muevas en todo momento a la hora de completar cada reto.

Monster Kit

• Jugadores: 1-10.
• ​Duración de las partidas: 10 minutos.
• ​Autores: Manuel Sánchez Montero.
• ​Editora: Tranjis Games.
• Año de lanzamiento: 2016.
• Comprar Monster Kit

Los monstruos suelen dar miedo a los peques, pero este juego de mesa hecho en España demuestra todo lo contrario. Monster Kit es divertidísimo y, además, representa un gran papel como herramienta pedagógica.

Los jugadores (un máximo de 10) se convierten en alumnos y alumnas del hechicero Mórlat, que propone el siguiente examen: crear el mejor monstruo posible, sea el más poderoso, el más feo o incluso el más adorable.

Con la ayuda de diferentes clases de cartas, el objetivo es crear el monstruo que acumula mayor cantidad de puntos. Existen hasta 100.000 variantes posibles, que puedes recrear al superar operaciones matemáticas, pruebas de habilidad y otros desafíos. ¿Te ves preparado?

Pesky Island

• Jugadores: 2-4.
• ​Duración de las partidas: 10-30 minutos.
• ​Autores: Lucía Molina / Dany Molero.
• ​Editora: Cayro.
• Año de lanzamiento: 2025.
• Comprar Pesky Island

Una épica aventura pirata te espera en Pesky Island, uno de los mejores juegos de mesa españoles de 2025, cuyo tablero es, literalmente, la isla que exploraremos durante toda la partida, en busca de piedras preciosas.

Su propuesta de juego es sencilla: hay que buscar todas las gemas que están repartidas por la isla antes que tus rivales, y, por el camino, evitar que los piratas y la temible Calavera (el enemigo más temible) te las roben.

Pesky Island es un juego de mesa ideal para pasar una tarde lluviosa de invierno, de fácil acceso para los más pequeños y muy adictivo para los adultos. Es de los creadores de Funny Forest, así que la calidad está asegurada.

Toy Battle

• Jugadores: 2.
• ​Duración de las partidas: 15 minutos.
• ​Autores: Paolo Mori / Alessandro Zucchini / Paul Mafayon.
• ​Editora: Repos Production.
• Año de lanzamiento: 2025.
• Comprar Toy Battle

La guerra de los juguetes ha comenzado en Toy Battle, uno de los mejores juegos de mesa de 2025. Esta vez estamos ante un juego de uno contra uno, que nos convierte en generales de dos ejércitos de juguetes... dispuestos a todo.

En tierra, mar, aire y espacio, los dos ejércitos de juguetes se medirán en intensas batallas, con mecánicas ''a lo Risk'', pero más sencillas, mediante el uso de cartas. Trae hasta 4 tableros (con 8 terrenos), 16 medallas y 48 tropas.

La partida termina cuando llegas al cuartel general del rival, o conquistas todos los sectores del terreno. Un wargame accesible para niños y adultos, muy colorido y que asegura muchas horas de diversión.

Virus MARVEL

• Jugadores: 2-5.
• ​Duración de las partidas: 20 minutos.
• ​Autores: Domingo Cabrero / Carlos López / Santi Santiesteban.
• ​Editora: Tranjis Games.
• Año de lanzamiento: 2024.
• Comprar Virus MARVEL

Una variante del popular juego Virus, que se basa enteramente en los personajes de Marvel. Si bien el Virus original también es una gran opción, quizá los héroes y heroínas de Marvel sean más llamativos para jugar con peques.

La mecánica de Virus MARVEL es la siguiente: cada jugador tiene tres cartas de inicio, y su objetivo es completar el grupo de 4 héroes y heroínas, evitando cualquier carta de villano mediante las cartas de poder.

Pero, como en el juego base, cada jugador también puede arruinar la partida del resto mandando cartas de villano, y evitando así que completen su grupo. Gana el jugador que completa primero su equipo de héroes.

Zampa Monstruos

• Jugadores: 2-4.
• ​Duración de las partidas: 15-30 minutos.
• ​Autores: Andreas Wilde / JocArt.
• ​Editora: Lucky Duck Games / DEVIR.
• Año de lanzamiento: 2021.
• Comprar Zampa Monstruos

A medio camino entre juego de mesa tradicional y app de móviles, Zampa Monstruos es un ''todo en uno'' que encantará a los peques. Parece un juego de mesa al uso, pero la mecánica de juego de cartas implica el uso de una app móvil al mismo tiempo.

Los monstruos del desván están hambrientos, y no queremos que se enfaden. La única solución es preparar una buena comida, así que tendrás que estudiar los gustos de cada uno (y su color) para elaborar un rico plato en la aplicación.

¡Ojo con poner vitaminas en el menú! Los monstruos las odian, así que procura cocinar lo que ellos quieran. Zampa Monstruos no es el típico juego de mesa, y eso es de agradecer, al igual que la variedad de modos entre Historia (con 12 capítulos en total) y Fiesta.

¡Tiburón!

• Jugadores: 2-7.
• ​Duración de las partidas: 10-20 minutos.
• ​Autores: Dave Chalker.
• ​Editora: Robot Martini / Synapses Games / Asmodee.
• Año de lanzamiento: 2007 (primera edición).
• Comprar ¡Tiburón!

No, no tiene nada que ver con la mítica película de Steven Spielberg, pero el juego de mesa creado por Dave Chalker también está protagonizado por un tiburón... de plástico. Pero no te confíes, porque pega unos bocados de cuidado.

Un máximo de 7 jugadores tendrán que sobrevivir al temible escualo en una bañera, tentando a la suerte y empleando con cabeza las diferentes cartas de nadador. ¿Serás capaz de sobrevivir hasta el final de la partida?

¡Tiburón! es todo un clásico de los juegos de mesa infantiles, cuya nueva edición es perfecta para adentrar a los más pequeños en este mundillo. Ah, una última cosa: los adultos también pueden pasarlo mal, así que estáis avisados.

Estos son algunos de los mejores juegos de mesa que puedes disfrutar con niños y niñas, pero, por supuesto, no son los únicos. También deberías probar clásicos como Primer Frutal, Monos Locos o Halli Galli.

Si se trata de partirse de risa, puedes conocer los juegos de mesa más divertidos y locos en ese sentido, pero también las mejores opciones para poner a prueba la destreza y habilidad de tu hijo o hija.

¿Conocías estos 10 juegos de mesa perfectos para jugar con niños y niñas? No solo son apropiados para grandes y pequeños, sino que, además, puedes conseguirlos a precios asequibles en cualquier tienda.

Hemos visto multitud de colaboraciones entre Nintendo y LEGO: desde los sets de Super Mario Bros, hasta el primer set del Árbol Deku de Zelda (o el ya anunciado con la batalla entre Link y Ganon de Ocarina of Time), los adorables dioramas de Animal Crossing, o los primeros LEGO Pokémon.

La subsaga Mario Kart también ha dado el salto a los bloques de LEGO, con un primer set con Mario en su icónico kart, Donkey Kong & DK Jumbo, Bebé Mario y Bebé Luigi, o el set filtrado del Caparazón con Pinchos.

Era lógico que uno de los personajes más icónicos de la franquicia también tuviera su propio LEGO, así que Nintendo ha presentado el nuevo set de LEGO Mario Kart con un breve teaser en Twitter/X.

El teaser solo dura 10 segundos, pero son suficientes para adivinar cómo será el siguiente set de los juegos de conducción de Super Mario Bros.

Eso sí, por ahora no hay imágenes oficiales, precio ni fecha de lanzamiento, aunque es de esperar que llegue este 2026 para conmemorar el 40º aniversario de la saga.

Luigi se apunta a la fiesta LEGO de Nintendo

Con el escueto mensaje ''Se corre en familia'', Nintendo ha confirmado la llegada de un nuevo set de la colección LEGO Mario Kart, todavía sin fecha ni otros detalles concretos.

Si vemos detenidamente el teaser, podemos ver la figura LEGO Icon de Mario Kart... pero, de pronto, aparece un segundo personaje a su lado. Ese mono de color verde es inconfundible, ¿verdad?

Mario gira la cabeza, y aparece el logo de LEGO Mario Kart. En otras palabras, LEGO ''Luigi Kart'' va a ser una realidad, y es posible que también se adapten otros personajes de la saga de conducción.

Dado que se está celebrando el 40º aniversario de Mario, es muy posible que el set se lance después de los ya anunciados sets de LEGO Pokémon, entre marzo y los meses de verano, aprovechando el tirón de Mario Kart World.

Después de Luigi, sería un placer que Bowser, Peach o Yoshi tuvieran sus propios LEGO, incluso en forma de diorama como si estuviéramos en una carrera de Mario Kart.

¿Te comprarás el set de LEGO Mario Kart con Luigi? Por ahora, no tiene fecha de lanzamiento ni más detalles, pero siempre es un placer acompañar al hermano de Mario en sus aventuras... y carreras.

Más allá de Duncan o Egg, esta historia muestra personalidades variopintas. Una de las que más ha llamado la atención en el capítulo de El caballero de los Siete Reinos ha sido Lyonel Baratheon, "Tormentalegre", pero hay otro enigmático personaje que ha suscitado muchas preguntas.

Nos referimos al hombre borracho que se encontraba Dunk al poco de llegar a la posada cercana a Vado Ceniza. Ese misterioso personaje es mucho más de lo que aparenta, por si no había quedado claro con la frase que le dedica al protagonista antes de desaparecer.

Con aire amenazante, el desaliñado comensal le dice a Dunk que ha soñado con él y que no se acerque. Son palabras demasiado crípticas para quedar en un segundo plano, que ganan aún más peso después de verse el dragón que lleva la moneda con la que paga dicho sujeto.

Pues bien, por si tenías la duda, este personaje es mucho más que un borracho de taberna. En estos relatos, las apariencias engañan... y mucho. A partir de aquí, encontrarás algunos spoilers sobre la serie de HBO Max y el relato "El caballero errante" de Martin, que retratan este momento de una manera muy similar.

¿Quién es el borracho del primer episodio de El Caballero de los Siete Reinos?

¿Quién es este personaje? Nos encontramos ante el príncipe Daeron Targaryen o "Daeron el Borracho", el primer hijo del rey Maekar Targaryen, interpretado en la serie por el actor Henry Ashton.

Ojo, no confundir con Daeron Targaryen, hijo de Viserys y Alicent Hightower (al que esperamos ver en la tercera temporada de La Casa del Dragón). Este Daeron que nos ocupa es posterior y se trata de un soñador, heredero de uno de los dones más peculiares de la casa.

No entraremos en mucho más, pero este personaje es más importante de lo que parece por padecer de sueños proféticos, que en este caso, están asociados a la figura de Duncan. ¿Qué ocurrirá en relación a este extraño encuentro entre ambos? Pronto lo sabremos.

Y este no es el único personaje curioso. El primer episodio también ha presentado una conexión directa con otra de las figuras más extrañas de Juego de Tronos. Hablamos de Manfred Dondarrion, antepasado de Beric Dondarrion, personaje que llegó a morir siete veces.

Y es que esta segunda temporada de Fallout estará muy relacionada con la queridísima entrega de Obsidian. Fallout New Vegas va a ser el eje central y el primer episodio lo ha dejado claro. La serie ha resuelto un misterio del juego que llevaba 15 años atormentando a los fans.

Obviamente, aquí vamos a hablar de spoilers de la serie y, en menor medida, del videojuego. Si no has visto nada, será mejor que no consultes las siguientes líneas, en donde comentaremos qué gran incógnita se le ha resuelto a los fans de Fallout New Vegas.

Fallout temporada 2 ya aclara misterios de New Vegas

Durante años y años, los jugadores de New Vegas se han preguntado dónde estaba, qué y cómo era el refugio 24. Uno de los grandes atractivos de la franquicia siempre ha sido el morbo por conocer qué experimentos se realizaban en cada refugio y el 24, siempre fue un paréntesis.

El motivo del misterio es que en los archivos de New Vegas se pudo encontrar un mono del refugio 24. El lugar nunca apareció en el juego, lo que generó infinidad de teorías sobre si estaría en el contenido recortado del título... Pues bien, las dudas ya han sido aclaradas.

Durante el primer episodio, Lucy y el necrófago dan con este famoso refugio 24 y descubren qué era lo que había en su interior. Las instalaciones parecen hacer sido un lugar experimental dedicado a desarrollar tecnología de control mental.

El metraje lo deja claro cuando ocurren ciertos acontecimientos relacionados con chips implantados en el cerebro. Además, todo este misterio queda engalanado con la presencia de presuntos comunistas dentro del refugio (a juzgar por sus indumentarias).

Todo lo visto sigue presentando ese macabro y satírico estilo de la saga que la serie tan bien ha recreado en pantalla. Esta es solo una de las primeras curiosidades que nos deja la temporada 2 de Fallout. No perderemos detalle a nada de lo que pueda ir llegando.

Adaptar un libro en una película no siempre es fácil y muchas veces se toman ciertas libertades creativas a la hora de plasmar la historia. Sin embargo, hay veces que se pasan de la raya y lo único en común entre una película y su libro es el título, algo que Stephen King conoce muy bien.

Es por todos sabido que el escritor siempre ha estado muy descontento con la adaptación que realizó Stanley Kubrick de El Resplandor. Sin embargo, hubo otra adaptación mucho peor que llevó a Stephen King a entablar una demanda contra el estudio.

Stephen King demandó al estudio responsable de El cortador de césped por no tener nada que ver con su obra

Estrenada en 1992, El cortador de césped (The Lawnmower Man) es una película dirigida por Brett Leonard y protagonizada por Pierce Brosnan que supuestamente adaptaba el libro de Stephen King. Sin embargo, la trama no tenía absolutamente nada que ver con la novela.

En el libro, un hombre llamó a un profesional para cortar un césped demasiado grande, pero el trabajador resultó ser un sátiro al servicio del antiguo dios griego. Como resultado, el protagonista fue sacrificado por una cortadora de césped y su cortacésped rojo que cobró vida.

Por su parte, la trama de la película sigue a un científico que realizó experimentos con el cortacésped de la discordia y le dio súper inteligencia y superpoderes y entró en la realidad virtual.

Debido al escaso parecido con su obra, Stephen King demandó a New Line Cinema, el estudio responsable de la película, solicitando que se retirara su nombre del título, ya que originalmente la cinta se titulaba Stephen King's The Lawnmower Man.

En la demanda, el escritor alegó que la película "no tenía ningún parecido significativo" con su historia, aparte del título y una breve escena de dos minutos, fallando el tribunal a favor de King.

A pesar de ello, en 1994 New Line Cinema continuó lanzando cintas con el nombre del autor en la carátula, por lo que un juez federal dictaminó que la compañía estaba en desacato al tribunal y le dio 30 días para cumplir o por el contrario tendría que hacer frente a una multa de 10.000 dólares por día.

Finalmente, el estudio acabó cumpliendo y el nombre de Stephen King quedó retirado de su "adaptación" cinematográfica para alivio del autor, ya que la película fue un rotundo fracaso y, como es evidente, tampoco quería que su nombre estuviera asociado a ello.

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Hay ocasiones en las que su trabajo conjunto no es tan bueno tras las cámaras como sí es delante de ellas. Y uno de los mejores ejemplos para esto es la película de Hook, dirigida por Steven Spielberg y protagonizada por Julia Roberts como Campanilla.

Una dupla que no se ha vuelto a repetir porque el director no ha querido, tal y como él mismo dejó claro en una entrevista en 1992 en el programa 60 minutos. "Fue un encuentro desafortunado para los dos trabajar juntos, pero creo que Julia es una gran actriz", reconocía Spielberg que dejaba claro su postura sobre volver a trabajar con ella: "no". 

De hecho, no solo el director quedó espantado con la actitud de la actriz durante el rodaje de Hook, sino también el resto del equipo de la película, que llegó a llamarla por el mote de "Tinkerhell [una mezcla entre el nombre de Campanilla (Tinkerbell) y la palabra "hell" (Infierno)]. No obstante, también hay que entender la situación personal de la actriz en aquel momento. 

Pues después de haber anunciado muy públicamente su compromiso con el actor Kiefer Sutherland, Roberts tuvo que cancelar la boda tan solo unos días antes de que se celebrara el compromiso tras pillar al actor con una bailarina con la que le estaba engañando. Una situación que provocó que Julia Roberts pasara un momento personal muy complicado durante el rodaje de Hook.

Roberts, sorprendida con las declaraciones de Spielberg 

Años más tarde, Julia Roberts fue preguntada por las declaraciones del director en una entrevista para Vanity Fair en la que la actriz reconoció que se había sorprendido mucho con las palabras de Spielberg, que no se esperaba para nada. "Cuando vi la entrevista, estaba tan sorprendida que mis ojos casi se salen de las órbitas".

"No me lo podía creer. No podía creer que esta persona que conocía y en la que confiaba no saliese en mi defensa. Fue una lección muy dura de aprender. Fue la primera vez en la que sentí que me habían traicionado", reconocía Julia Roberts, que tampoco ha querido trabajar de nuevo con Steven Spielberg. 

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Aunque el nombre de Amazon Fire TV recuerda siempre al mismo dispositivo, en realidad Fire TV es una línea de dispositivos de streaming desarrollados por Amazon. Todos estos dispositivos se conectan a la entrada HDMI de tu televisor, pero tienen diferencias significativas.

El primer dongle se lanzó en 2014 y desde entonces, el dispositivo se ha ido renovando. Siempre ha destacado por tener un tamaño pequeño, similar al de un USB, y ser muy fácil de usar gracias a su mando a distancia y su control por voz gracias a Alexa. Esto, junto a su precio, convierte al Fire TV Stick en un gadget imprescindible en tu hogar.

Pero ¿cuál elegir? Actualmente hay cuatro modelos principales para elegir: los modelos clásicos y uno más diferente con forma de cubo, llamado Fire TV Cube. A continuación te contamos en qué se diferencian estos modelos, cuál es el mejor y cuál debes comprar.

1. ¿Qué es Amazon Fire TV Stick y para qué sirve?
2. Todos los modelos de Fire TV Stick en 2025 (y el Fire TV Cube)
3. Diferencias entre modelos: Fire TV Stick Lite, 4K, 4K Max y Cube
4. ¿Cuál es el mejor Fire TV Stick para ti? (comparativa rápida)
5. Cómo instalar y configurar tu Fire TV Stick paso a paso
6. Apps imprescindibles para Fire TV Stick

¿Qué es Amazon Fire TV Stick y para qué sirve?

El Fire TV Stick es un pequeño dispositivo de streaming creado por Amazon que se conecta al puerto HDMI de tu televisor. Con él puedes transformar cualquier televisor tradicional en una Smart TV, siempre que tenga conexión a internet.

Gracias al Fire TV Stick, puedes acceder a plataformas de streaming como Netflix, Prime Video, Disney+, HBO Max, YouTube o Movistar Plus+, entre muchas otras. También permite instalar apps para ver la TDT en directo, escuchar música con Spotify o incluso jugar a juegos en la nube.

La gran ventaja del Fire TV Stick es su facilidad de uso. Solo necesitas conectarlo al HDMI, enlazarlo con tu red WiFi y empezar a explorar. Todo se maneja con un mando a distancia incluido, que en la mayoría de modelos incluye control por voz con Alexa.

Es una solución ideal si tu tele no tiene sistema operativo inteligente o si el sistema que incluye se ha quedado anticuado o limitado. También es perfecto para una segunda tele en casa, para llevar de viaje o incluso para regalar.

Resumen para vaguetes: el Fire TV Stick convierte tu televisión en una puerta de entrada a todo el entretenimiento digital, sin necesidad de cambiar de televisor. Y todo, por un precio muy inferior al de otros dispositivos similares.

Todos los modelos de Fire TV Stick en 2025 (y el Fire TV Cube)

Amazon ofrece una gama de dispositivos Fire TV que se adaptan a distintos perfiles de usuario. Todos permiten acceder a las mismas apps y servicios, pero difieren en rendimiento, resolución y funciones extra.

Actualmente, la gama incluye cuatro opciones principales: Fire TV Stick HD (3ª generación, lanzado en 2024), Fire TV Stick 4K, Fire TV Stick 4K Max (2ª gen, lanzado en 2023) y el más avanzado, el Fire TV Cube (3ª generación).

El modelo HD es el más básico, ideal para quienes solo necesitan streaming en Full HD sin extras. Luego están los modelos 4K y 4K Max, que ofrecen resolución 4K Ultra HD y mejores prestaciones para quienes tienen televisores más recientes. El Max incluye mejoras en conectividad y rendimiento que lo hacen más fluido.

Por último, el Fire TV Cube es el dispositivo más potente de la familia. Integra funciones de altavoz Alexa y tiene un procesador mucho más rápido. Es ideal para quienes quieren lo mejor en velocidad, calidad y control por voz.

Diferencias entre modelos: Fire TV Stick Lite, 4K, 4K Max y Cube

Aunque todos los Fire TV Stick sirven para lo mismo (ver contenido en streaming) hay diferencias importantes que conviene tener en cuenta antes de comprar.

El Fire TV Stick HD solo reproduce contenido en Full HD (1080p) y tiene menor almacenamiento y memoria RAM. Es suficiente si tienes un televisor sencillo y solo quieres ver contenido de forma ocasional.

Si tienes un televisor 4K, lo mínimo recomendable es el Fire TV Stick 4K, que reproduce contenido en Ultra HD y soporta formatos HDR como Dolby Vision o HDR10+. El rendimiento general también es mejor.

El Fire TV Stick 4K Max va un paso más allá: tiene mejor procesador, más RAM y es compatible con WiFi 6 y 6E. Esto se traduce en una navegación más fluida y tiempos de carga más rápidos, especialmente útil si usas muchas apps o juegas en la nube.

El Fire TV Cube, por su parte, es una mezcla entre Fire TV y altavoz Alexa. Tiene un rendimiento muy superior, puertos adicionales (como Ethernet), y responde a comandos de voz incluso con la tele apagada. Ideal para usuarios avanzados.

Para que lo veas de un vistazo, te dejamos con una pequeña tabla que resume las especificaciones de cada uno: 

¿Cuál es el mejor Fire TV Stick para ti?

Elegir el mejor Fire TV Stick depende sobre todo de tu televisor y de cómo vayas a usar el dispositivo. Aquí va una guía rápida para ayudarte a decidir.

Si tienes un televisor antiguo o de gama baja, y solo buscas lo básico, el Fire TV Stick HD es más que suficiente. Para quienes tienen un televisor 4K y quieren aprovecharlo al máximo, el Fire TV Stick 4K es la elección lógica. Buena calidad de imagen, sonido avanzado y acceso a todas las plataformas.

¿Vas a jugar con servicios como Luna o usar el Fire TV intensivamente? Entonces apuesta por el 4K Max. Su potencia extra y la compatibilidad con WiFi 6 lo hacen ideal para uso intensivo.

Y si quieres lo mejor de lo mejor, con control total por voz, máxima velocidad y funciones domóticas, el Fire TV Cube es tu mejor aliado.

Cómo instalar y configurar tu Fire TV Stick paso a paso

Instalar el Fire TV Stick es tan sencillo que lo puedes tener todo listo en menos de cinco minutos, incluso si no eres muy tecnológico.

1. Primero, conecta el Fire TV Stick al puerto HDMI del televisor. Usa el cable USB y el adaptador de corriente incluidos para enchufarlo a la luz. Algunos televisores pueden alimentarlo por USB, pero se recomienda usar la toma de corriente.
2. Enciende la tele y selecciona la entrada HDMI correspondiente. Verás que el Fire TV Stick arranca y te pedirá que emparejes el mando. Solo tienes que mantener pulsado un botón durante unos segundos.
3. Después, selecciona tu red WiFi e introduce la contraseña. El Fire TV descargará las actualizaciones necesarias y te pedirá que inicies sesión con tu cuenta de Amazon (o que crees una).

A partir de ahí, ya podrás instalar apps, personalizar tu pantalla de inicio y activar funciones como el control por voz con Alexa. Si tienes un modelo compatible, también podrás sincronizarlo con tu tele para controlar el volumen y el encendido.

Apps imprescindibles para Fire TV Stick

Una vez configurado, toca instalar las apps que convierten tu Fire TV Stick en un centro de entretenimiento completo. Algunas son casi obligatorias.

Para empezar, plataformas de streaming como Netflix, Prime Video, Disney+, Max, Apple TV+ o Filmin son las más utilizadas. Puedes iniciar sesión en todas tus cuentas y acceder directamente desde el menú.

Si ves contenido en directo, hay apps como Tivify, Pluto TV o RTVE Play, que te permiten ver canales nacionales sin antena. También tienes opciones como Atresplayer o MiTele si sueles seguir sus programas.

Para música, no puede faltar Spotify o Amazon Music, y si quieres usar el tele como pantalla secundaria, puedes instalar YouTube, Twitch o Plex para reproducir tus propios archivos.

Los gamers también pueden aprovechar Amazon Luna o GeForce Now, plataformas de juego en la nube que funcionan sorprendentemente bien en los modelos más potentes.

Y si quieres personalizar aún más tu Fire TV, puedes probar apps como Downloader (para instalar APKs), Analiti (para medir la conexión WiFi) o VLC para reproducir cualquier tipo de archivo.

Sly ha demostrado ser un actor con el que no siempre es fácil tratar. La estrella de Rocky se catapultó a la fama al escribir y protagonizar la primera película del púgil de Filadelfia. Pero antes de subirse al ring, Sylvester Stallone ya había hecho sus pinitos en otros proyectos.

Si hablamos de rivalidades a lo largo de la carrera de Sly, la que mantuvo con Arnold Schwarzenegger durante más de un cuarto de siglo es la que primero nos viene a la mente, pero no es la única.

En 1974, por ejemplo, el actor y otra estrella que más tarde emergería como galán de Hollywood, Richard Gere, desataron todos los círculos del infierno en el rodaje de Días felices.

El pollo que hizo que Sylvester Stallone lograse que Richard Gere dejase Días felices

En una ronda de preguntas y respuestas en Ain't it Cool, allá por 2006, Sylvester Stallone rememoró la mala relación que él y Richard Gere mantuvieron en el rodaje de la película.

"Sí, la parte original de Chico, que fue interpretado por Perry King, se suponía que sería interpretada por Richard Gere, pero nunca congeniamos. Se pavoneaba con su chaqueta de motero como si fuera el caballero más malote de la mesa redonda.

Un día, durante una improvisación, me agarró, estábamos simulando una escena de pelea, y se dejó llevar un poco. Le dije calmadamente que se relajara, pero él estaba completamente en el personaje y era imposible de tratar.

Luego, en un ensayo en Coney Island, llegó la hora del almuerzo, así que decidimos tomarnos un descanso, y el único lugar cálido era en el asiento trasero de un Toyota. Estaba comiendo un perrito caliente y él se subió con medio pollo cubierto de mostaza con grasa casi goteando del envoltorio de aluminio.

Dije: “Esa cosa va a gotear por todas partes”. Él dijo: “No te preocupes por eso”. Le dije: "Si se pone en mis pantalones, te enteras". Procedió a morder el pollo y un pequeño río grasiento de mostaza aterrizó en mi muslo.

Le di un codazo en la cabeza y básicamente lo empujé fuera del auto. El director tuvo que tomar una decisión: uno de nosotros tenía que irse. A Richard le enseñaron la puerta e incluso hoy, sigue resentido conmigo".

Un rodaje ya es un escenario con mucha tensión, prisas y contratiempos: tener a dos protagonistas enzarzados en una pelea eterna no es algo con lo que los directores quieran lidiar.

Sylvester Stallone y Richard Gere tuvieron gran éxito en sus carreras, pero pudieron echarlas por tierra antes de despegar por su comportamiento en el set de aquella película.

Aunque normalmente son los ejecutivos de los estudios los que ponen freno a las salidas de tono de los directores en las películas, la saga ha volvió a demostrar con Fast X que no sigue las reglas habituales del cine. Mientras Louis Leterrier, director de la décima entrega, tenía dudas sobre si incluir una escena muy desagradable, fue la directora de Universal quien la aprobó. 

Dicha escena corresponde a un momento con Hernan Reyes, el personaje interpretado por Jason Momoa, en el que el villano mantiene una conversación con dos de sus secuaces muertos mientras le pinta las uñas a uno de los cadáveres. Un momento que no convenció demasiado al público que vio la película las primera veces. 

"Queríamos mostrar a Dante tras las puertas, que se viese que está loco y es retorcido. No es solo una actuación", explicó su director a The Hollywood Reporter, así que grabamos la escena pero creímos que se quedaría como u extra en el DVD o en una próxima versión del director. Al principio testeamos la película sin incluirla, pero después empezamos a meterla".

"Las reacciones eran muy distintas, unos espectadores la odiaban y a otros les encantaba. La verdad es que fue gracias a la directora de Universal, Donna Langley, que la incluyésemos en la versión final pues cuando la vio nos dijo: "Me encanta. Me encanta la locura de esa escena", y con su Ok seguimos adelante", reconocía Leterrier.

Fast & Furious X fue la pipa de la paz para Dwayne Johnson 

Además de ser el director de la décima película de la saga, Louis Leterrier también tiene el honor de ser la persona que consiguió que Dwayne Johnson y Vin Diesel firmasen la paz y el primero decidiese volver a la saga principal de la franquicia de coches. O más bien fue Fast & Furious X la responsable. "Nos conocimos hace unos meses y nos prometimos que teníamos que trabajar juntos".

"Entonces tuve esta idea y se la presenté al estudio y después al equipo de Dwayne. Le dije: "Ven a ver la película, lo primero es que te guste". Así que vino a ver la película y le encantó. Así empezamos a hablar, todo fue muy fácil. No podía pensar en terminar la franquicia sin Dwayne Johnson y Gal Gadot", aseguraba Leterrier, el director de Fast & Furious X, ya en cines. 

Hace tiempo compartimos con vosotros la anécdota de Friends en la que Bruce Willis se negaba categóricamente a besar a Jennifer Aniston.

Pero la protagonista de Friends no fue la única que causó ese efecto en el prolífico actor. Jessica Alba, con quien Bruce Willis compartió elenco en Sin City, también vio al mismísimo John McClane empequeñecer ante la perspectiva de besarse con ella.

La actriz lo rememoró en una entrevista con Showbeez CheatSheet, donde destacó cómo fue la reacción de su coprotagonista en el rodaje de la película de 2005.

¿Por qué era reacio Bruce Willis a los besos?

Jessica Alba destacó que Bruce Willis llegó a proponer cambios a Robert Rodriguez, director de Sin City, para no tener que besarse con ella en el set.

"Para mi fue algo fácil. He dado muchos besos en pantalla. Teníamos este gran beso romántico, y se suponía que sería como un gran, épico y hermoso beso.

Finalmente, llegamos a esa escena: Bruce está sentado y yo voy a besarlo cuando él dice: '¿Y sí me levanto y me alejo y ella corre detrás de mí?'. Se lo decía a Robert [Rodriguez] cuando estábamos filmando. Y Robert dijo: '¿Qué?'"

A pesar de estas anécdotas de Sin City y Friends, Bruce Willis ha tenido algunos besos memorables en la gran pantalla. Incluso recordamos el beso con otro hombre que tuvo en una de las escenas de la película de 1997, Chacal.

¿Los motivos reales por los que Bruce Willis prefiere que Hans Gruber resucite para volver a enfrentarse a él antes que tener escenas románticas? Solo él lo sabe. Pero eso no nos quita estas anécdotas tan divertidas.

La serie supuso  el salto a la fama de Jim Parsons, el actor que da vida a Sheldon Cooper en The Big Bang Theory y que fue en gran medida responsable de su final cuando decidió dejar de interpretar al personaje.

Pero Sheldon fue, durante 12 años, el motor de The Big Bang Theory hasta niveles que no sabríamos explicar. Su personalidad compulsiva y su dominio casi absoluto de todo tema de conversación científico o friki solo era comparable con su nula capacidad de relacionarse socialmente con nadie.

Dentro de sus muchas manías, el personaje destacó por dos de ellas: el "¡Zas! En toda la boca", y su peculiar forma de llamar a la puerta, el famoso "toc, toc, toc, Penny".

Improvisación legendaria en el set de The Big Bang Theory

El origen de aquel peculiar modo de llamar a la puerta que llegaría en la temporada 2 de The Big Bang Theory no está en el guion de la serie. Tampoco fue improvisación del actor, aunque Jim Parsons se apoderase de él durante años para repetir el gag.

A través de The Big Bang Theory: The Definitive, Inside Story of the Epic Hit Series, el libro de Jessica Radloff, el productor de la serie, Lee Aronsohn, rememora cómo surgió la idea de esa forma compulsiva de llamar a la puerta que, con los años, vería su origen como un trauma de la infancia de Sheldon.

"Era una de esas situaciones en que la dirección escénica era 'Sheldon llama a la puerta', responde Penny. Dije: '¿Qué pasa si él hace esto?' Y demostré que en lugar de un golpe y Penny abre la puerta, fueran tres golpes. Mostraba la obsesión compulsiva de Sheldon.

A la gente le gustan los patrones, así que nos divertimos un poco con Sheldon una vez que se estableció el gag. Hubo una vez que llamó a su puerta dos veces, y en la segunda ella abría la puerta, ¡y Sheldon no pudo continuar! Luchó y luchó y luchó y finalmente tuvo que volver a la puerta y hacer el toc, toc, toc, Penny".

Sheldon Cooper se convirtió por derecho propio en todo un icono popular, al igual que lo hizo The Big Bang Theory. La serie terminó en 2019, después de más de una década de situaciones hilarantes para este grupo de amigos no tan superdotado en relaciones sociales como en otros campos.

La película de John McTiernan supuso el salto de Bruce Willis al cine de acción. Su reputación como actor de telenovelas era diametralmente opuesta a lo que sería su papel como John McClane.

Su físico tampoco encajaba con el de las estrellas de acción de la época, y fue algo que Arnold Schwarzenegger, en su momento de "engorilamiento" con éxitos como Terminator, Conan, el bárbaro o Depredador, no dudó en hacérselo saber.

Tal y como recuerdan en el libro The Triumphs, Flops, and Feuds of Hollywood's Kings of Carnage, de Nick de Semlyen (a través de Geo News), el futuro Gobernador de California tuvo un encuentro con Bruce Willis donde trató de vaticinar el fracaso del actor en el cine de acción.

Arnold Schwarzenegger no veía a Bruce Willis en el cine de acción

Los dos actores coincidieron en un restaurante donde Arnold Schwarzenegger no dudó en abordar al protagonista de Jungla de cristal.

"¿Sabes por qué nunca serás una estrella de acción? Tienes brazos de palillo", alegó el actor austríaco, señalando sus brazos campeones de certámenes de fisicoculturismo durante años.

Pero Arnold Schwarzenegger se equivocó de lleno. Puede que su físico y el de Bruce Willis no sean iguales ni de lejos, pero Jungla de cristal abrió una puerta al actor que nunca se cerró. Películas como El quinto elemento, El último Boy Scout, RED o Armageddon, consagraron a Willis como una estrella de acción por derecho propio.

Ambos actores han mantenido una amistad durante años, y han trabajado juntos en la saga de Los mercenarios, de Sylvester Stallone. Arnold Schwarzenegger incluso compartió conmovedoras palabras cuando Bruce Willis anunció su retirada por sus problemas de salud.

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No sabemos cómo se ha portado el karma contigo en todo este tiempo, pero sí nos consta que Earl, el personaje de Jason Lee, las pasó canutas a lo largo de la serie para intentar compensar el mal que había hecho a lo largo de su vida. Eso sí, gracias a la ayuda de su hermano Randy, interpretado por Ethan Suplee, sus aventuras fueron algo más llevaderas... ¡O no!

Para descubrirlo, te aconsejamos que le eches un vistazo a la serie, pues tienes las cuatro temporadas disponibles en Disney+, con una veintena de episodios cada una. ¡Tienes disfrute y risas aseguradas para rato!

Aunque estamos ante una sitcom a priori de manual, la crítica que vemos a la sociedad americana es realmente dramática, haciendo de la serie un producto bastante singular y valiente, con algunas escenas en las que reina lo absurdo. Por cierto, hablando de nostalgia, una pequeña promo de La Sexta en la época:

Y ahora, lo que estabas deseando ver, el aspecto actual de las estrellas de Me llamo Earl. Resulta que Jaime Pressly, actriz que interpretó a Joy en la serie, compartió unas fotos que son oro puro para los fans de esta comedia. 

Tal y como hemos recogido en la galería de más abajo, vemos al gran trío protagonista en la actualidad: en la izquierda tienes a Earl, a mano derecha al bueno de Randy, y mediando entre ellos nos encontramos a Joy. ¡Qué ganas teníamos de ver a estos actores juntos de nuevo! 

¿Qué te han parecido las fotografías? ¿Ha cambiado mucho el trío protagonista o los ves igual que hace 15 años? ¿Te molaría verles de regreso en una nueva temporada de la serie o Me llamo Earl ya no puede dar más de sí?

Aunque las fotografías nos han alegrado el día, hemos echado en falta la aparición del famoso Hombre Cangrejo, otro de los grandes protagonistas de la serie encarnado por Eddie Steeples. ¿Sabías que una de sus últimas apariciones tuvo lugar en Solo en casa 5, interpretando a uno de los ladrones? Quién te ha visto y quén te ve, Hombre Cangrejo. 

Sin embargo, Steven Spielberg quería un actor diferente para encarnar a James Ryan. El candidato elegido fue Matt Damon, que todavía no era muy popular y que tan sólo tenía una decena de películas estrenadas.  

Matt Damon fue elegido inicialmente porque presentaba el aspecto de un estadounidense promedio y porque no era muy conocido. En palabras del propio Steven Spielberg, era un “un actor desconocido con un look All-American”. 

Pero en 1997 Matt Damon estrenó El indomable Will Hunting de Gus Van Sant, un largometraje que impulsaría la carrera de Matt Damon haciendo que el intérprete dejara de ser un don nadie en el mundo del cine y por cuya actuación estuvo nominado a los Óscar.

Matt Damon hizo que Steven Spielberg cambiara sus planes en Salvar al soldado Ryan

La visión que tenía Steven Spielberg de Matt Damon y del soldado Ryan cambió por completo después del éxito de El indomable Will Hunting, así que planeó una estrategia con la que ayudar al intérprete a que se sintiera como el personaje al que debía interpretar.

Todo el elenco de Salvar al soldado Ryan se tuvo que someter a un duro entrenamiento militar para que comprendieran lo que era ser un soldado. Todo el mundo fue incapaz de completar el entrenamiento, y hasta pensaron en renunciar.

Todo el elenco excepto Matt Damon, quien estuvo exento de realizar la tarea por orden de Steven Spielberg, para que el resto de intérpretes estuvieran resentidos ante el trato especial que recibía el nominado al Óscar y pudiera reflejarse mejor ese sentimiento en pantalla.

Más adelante la veríamos haciendo algún cameo en otras series de televisión, actuando en un par de obras de teatro o apareciendo como invitada en ciertos programas, pero su vida actual está bastante alejada de la actuación. 

Qué fue de Isabel Aboy

Isabel Alejandra Aboy Ferrer nació en Madrid, en 1982, y con tan solo 13 años empezó a actuar en la serie Médico de familia (1995), creada por Emilio Aragón y Daniel Écija, y emitida en la cadena española de Telecinco. Aunque su éxito posterior haría que acabara traspasando las fronteras nacionales y fuera adaptada en otros territorios.

La serie de Telecinco nos contaba la historia del doctor Nacho Martín, interpretado por Emilio Aragón, un médico de familia viudo y con tres hijos que intentaba rehacer su vida familiar, en la que también veíamos envueltos a su sobrino adolescente, a su padre y a la asistenta.

En ella, Isabel Aboy encarnaba a María, la hija mayor de Nacho, y estuvo interpretando a este personaje durante los cinco años que duró la serie, que terminó de emitirse en 1999, alcanzando las nueve temporadas y los casi 120 episodios.

Un tiempo después de la finalización de Médico de familia, Isabel Aboy entró en el reparto de Periodistas (1998), en la que también participaron Emilio Aragón y Daniel Écija, y que igualmente se emitía en Telecinco. 

En este caso, la actriz de Médico de familia no empezó a trabajar en Periodistas desde el principio, sino que se unió a la serie en su penúltima temporada, para dar vida al personaje de la becaria Berta Rocha. 

A lo largo de sus nueve temporadas y 120 capítulos, que se estuvieron emitiendo hasta 2002, Periodistas nos narraba las aventuras y desventuras de un grupo de periodistas de la sección Local del diario Crónica Universal, con sede en Madrid. 

Además de Isabel Aboy, la serie también contó con otros grandes nombres de la televisión nacional como José Coronado, Elena Ballesteros, Belén Rueda o Álex Angulo, por poner algunos ejemplos.

Isabel Aboy, de actriz en una serie de médicos a psicóloga 

Tras finalizar Periodistas, Isabel Aboy empezó a alejarse del mundo de la interpretación para centrarse en su otra carrera profesional, curiosamente relacionada con la serie que le hizo saltar a la fama, pues se enfoca en el sector de la salud. 

Se sacó la carrera de Psicología en la Universidad Complutense de Madrid, y posteriormente hizo un Máster en Terapia Familiar Sistémica y consiguió la diplomatura en Terapia de Pareja, Sexologías y Sistema Familiar.

Sin embargo, como ya apuntábamos en la introducción, la antigua actriz de Periodistas ha seguido apareciendo públicamente en varios espacios desde entonces, tanto en televisión como en teatro. 

Un ejemplo es la obra de teatro Historia de una vida (2004), en la que actuó junto con su antigua compañera de Médico de familia Luisa Martín, que en la serie interpretaba a Juani. Y posteriormente le siguió La mujer que se parecía a Marilyn (2007), en la que también estaba involucrado otro compañero de aquella serie, Antonio Valero.

El mismo año en el que se estrenó La mujer que se parecía a Marilyn, Isabel Aboy hizo además un cameo en la serie Yo soy Bea de Telecinco, apareciendo en un episodio en el papel de una modelo. Y, más recientemente, en 2017, la pudimos ver en un capítulo de Centro médico, de La 1.

Pero el medio que nos ha recordado con más fuerza que Isabel Aboy seguía aquí ha sido el de los programas de televisión. Desde sus inicios en la televisión durante el siglo pasado, hasta hace un par de años, la antigua María Martín Soller ha vuelto de vez en cuando a los platós.

La hemos visto en programas como: Crónicas marcianas de Telecinco, Lo + Plus de Canal Plus, Arucitys de City TV, El Club de TV3, Password de Cuatro, o ¡Qué tiempo tan feliz! de Telecinco. 

Igualmente apareció en 2018 en el programa de Telecinco de Bertín Osborne titulado Mi casa es la tuya, en la que diferentes celebridades compartían una charla con el presentador español y descubríamos cómo estaba siendo su situación actual. En el episodio dedicado a Lydia Bosch, Bertín Osborne reunía 19 años después al reparto de Médico de familia.

Pasapalabra de Antena 3 también ha sido un programa de referencia para Isabel Aboy, al que ha acudido en varias ocasiones para ponerse a prueba. La primera de ellas fue en 2005, y la más reciente en 2021.

Isabel Aboy en la actualidad

Atrás quedaron los tiempos de Isabel Aboy en Médico de familia y Periodistas, pero si la nostalgia llama a tu puerta y quieres volver a disfrutar de estas dos emblemáticas series de finales de los noventa, las plataformas de streaming son la respuesta. 

Médico de familia está disponible en Netflix y Prime Video, con todos los episodios y todas las temporadas, para que puedas disfrutar de ellas a la carta. Por su parte, Periodistas también puede verse en streaming al completo, gracias al catálogo de Amazon Prime Video.

Ahora que ya sabes lo que fue de Isabel Aboy, te invitamos a descubrir a otras celebridades como Santi Rodríguez, el frutero de la serie Siete Vidas que actualmente se dedica al teatro o Mariano Mariano, el recordado humorista de Crónicas marcianas y otros tantos programas.

Cada semana publicaremos nuevas historias de otras actrices y actores míticos cuyas vidas también dieron un giro inesperado como en el caso de Isabel Aboy, la actriz de Médico de familia que ahora es psicóloga.

El anuncio ha sido doble, ya que la organización ha aprovechado para confirmar el primer invitado de la San Diego Comic-Con de Malága, que no será otro que el mismísimo Jim Lee, el presidente, editor y director creativo de DC, que se convierte así en el primer nombre confirmado de las más de 300 horas de contenido previstas para la feria.

Para quien no conozca su trayectoria, Jim Lee es una leyenda viva del cómic, un maestro del trazo dinámico y la mente creativa que da forma al Universo DC, además de acumular numerosos reconocimientos, entre ellos un premio Harvey y un Inkpot. Además, en 2024 ingresó en el Salón de la Fama del Cómic Will Eisner. Casi nada.

En 1992, fundó su propia productora, WildStorm Productions, y cofundó Image Comics, una potente editorial de cómics que rápidamente se convirtió en la tercera más grande de Norteamérica. También fue una pieza clave en el relanzamiento del Universo DC con The New 52, la audaz renovación que reinventó sus historias para una nueva generación de fans.

En cuanto a la nueva remesa de entradas para San Diego Comic-Con Málaga, se pondrán a la venta a través de VivaTicket y mantendrán el mismo precio, 50 euros más gastos de gestión, con el mismo proceso de compra. Para garantizar un acceso justo y evitar la reventa, todas las entradas serán personales e intransferibles.

Además, la organización también se ha confirmado que el precio de próximas ediciones será de 80 euros por día. No han sido los únicos anuncios de hoy. También se ha adelantado que durante las próximas semanas se revelará la ubicación de las Fanzones para que los fans puedan realizar el intercambio de sus entradas de manera escalonada, evitando colas innecesarias 

Por último, los organizadores también han incidido que, durante las próximas semanas, se irán desvelando muchos más detalles, desde más invitados y contenido, al mapa del recinto o cómo llegar a él. Puedes seguir las novedades tanto aquí en Hobby Consolas como en la web oficial.

Unos anuncios que llegan poco después de que FACUA interpusiera una denuncia a la organización de la feria, aunque por una práctica que han tildado de abusiva, relacionada con la prohibición de introducir comida y bebida en el recinto. Desde aquí, os seguiremos contando todas las novedades que surjan sobre la San Diego Comic-Con Málaga.

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Una de las más sorprendentes, sin duda, es la inclusión de Marisa Tomei como la Tía May de este Peter Parker. 

Y no solo porque interprete a una tía May joven y moderna, sino también porque en ninguna de las tres películas del Spider-Man de Holland ha aparecido el tío Ben, aunque eso no significa que le haya faltado intereses amorosos a la familiar de Peter Parker, pues hemos visto cómo ha tenido su aventura con el ayudante de Iron Man, Happy Hogan.

No obstante, esta no es la idea de relación amorosa que tenía Tomei para su personaje en la saga del trepamuros. Tal como ella misma ha revelado, le hubiese gustado que la Tía May tuviera una pareja mujer, e incluso tenía pensado en quien podría inspirarse.

"Hubo un momento, antes de que apareciese la historia de Happy, en la que pensé: "Quizá debería estar con una mujer". Porque Ben se ha ido y ella debería estar con alguien así que estuvimos hablando de ello. De hecho, quería que Amy Pascal de Sony fuese mi novia. Le dije, "nadie tiene que saber que eres tú, solo estar en la escena y que se entendiese el subtexto", explicaba Tomei a Geeks of Color.

Pero parece que la idea no prosperó demasiado entre los ejecutivos de Marvel y Sony que prefirieron ir a lo tradicional juntando a May con Happy Hogan, al que interpreta John Favreau, al que seguramente muchos fans de Spider-Man habrán envidiado.

Spider-Man: No Way Home, la última película del trepamuros ya está en los cines mientras que ya se está desarrollando la que sería la cuarta película con Tom Holland como Peter Parker. 

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Tras un capítulo 6 en donde tuvimos una emotiva vuelta al pasado, este último episodio de The Last of Us temporada 2 adapta el tercer día en Seattle presentando unos cuantos cambios respecto al videojuego.

Si bien el episodio no cierra ninguna trama, ni concluye la historia de Ellie, ni la de Abby, termina con un cliffhanger ligeramente distinto a lo que sucedía en este punto del juego, y que apunta a que Abby asumirá un protagonismo mayor en la tercera temporada.

Pero no adelantemos acontecimientos. Sin más dilación, vamos a repasar todo lo que nos ha dejado este capítulo sobre la mesa, para que no te pierdas ningún detalle.

Porque, aunque muchas cosas han cambiado, no faltan los guiños y referencias a The Last of Us Parte 2. Como cada semana, ha llegado el momento de repasar las principales diferencias y los easter eggs del capítulo 7 de The Last of Us temporada 2.

Todas las diferencias y easter eggs de The Last of Us capítulo 7

La serie del momento en Max ha dejado grandes momentos, pero también unos cuantos altibajos, algo que ejemplifica muy bien este último episodio. Antes de entrar en materia, quedas avisado y avisada de que aquí va a haber SPOILERS de la serie y del juego.

El capítulo nos ha desvelado el conflicto más importante que veremos en la temporada 3 mucho antes de tiempo, pero también ha rebajado la brutalidad de una de sus escenas más dramáticas con un poso más emocional, si cabe. Echemos una ojeada a todo:

En una página del diario de Ellie en el juego se puede ver escrito que Jesse y Dina no pueden saber lo que hizo Joel en el hospital de Salt Lake City para salvar a Ellie. Sin embargo, en la serie, Ellie le revela todo a Dina tras su llegada al teatro.

Esta es una conversación que siempre quedó "pendiente" en el juego. Una vez más, la serie vuelve a tomarse libertades narrativas respecto a la información que traslada a los espectadores y a los personajes de la trama.

Tras esa escena, vemos como Dina le entrega por fin su distinguida pulsera a Ellie para que la proteja. En el juego esto ocurría antes de que Ellie partiera en busca de Tommy al vecindario de Hillcrest (bastante antes que aquí).

Esta pulsera de la buena suerte ya generó todo tipo de teorías al final del juego hace unos años y fue uno de los cebos de los que se sirvió Naughty Dog para ocultar el verdadero conflicto de la trama del juego. ¿Te fijaste en la cinemática de lanzamiento en la que Ellie llevaba la pulsera?

Mientras Jesse y Ellie buscan a Tommy, vemos como la pareja atraviesa las calles de Seattle (o lo que queda de ellas) y un plano general muestra hábilmente, al fondo, un enorme rascacielos destruido junto a una grúa.

Cualquiera que haya jugado al título de Naughty Dog tendrá muy presente ese edificio. Esa grúa roja recuerda mucho a la tensa sección que teníamos que superar con Abby más adelante. Sin duda, no parece una mera coincidencia.

Jesse tiene un gran protagonismo durante todo el episodio y pese a que la escena de la separación o discusión con Ellie es prácticamente calcada al juego, la serie se toma un respiro para que conozcamos más al personaje.

A su llegada a la librería, la pareja charla sobre las consecuencias de que Dina esté embarazada y Jesse nos deja claro que es un buenazo y una persona muy centrada en fomentar el bienestar común. También se desvela que tuvo un "rollito" con una nómada que pasó por Jackson.

El cambio más sustancial que tiene lugar durante el episodio es que la serie ya ha adelantado el conflicto más importante de la temporada 3. Si bien el juego apenas hacía mención, en la serie ya se ha revelado el asalto a la isla en la que viven los Serafitas.

Primero con la conversación con Isaac y después con una extraña escena en la que Ellie naufraga en dicha localización antes de llegar al acuario, el equipo creativo ha presentado lo que será el foco de toda la trama de los Lobos de ahora en adelante.

En el juego, los Serafitas nunca colgaron a Ellie y ella nunca llegó a la isla. Sin duda, esta escena ha generado cantidad de comentarios, ya que se siente metida con calzador para anticipar lo que podría haberse revelado mucho más adelante.

La serie ha querido ser más dramática que el juego, pero también algo más light con el asesinato de Mel y Owen. El momento que pedíamos ver sí o sí hace unos días no ha faltado a su cita, pero el show de Max ha rebajado el tono que vimos en TLOU Parte 2.

En el juego vimos como Ellie disparaba a Owen primero y luego forcejeaba y acuchillaba en la garganta a Mel, que moría entre estertores. Owen trataba de revelar que estaba embarazada, pero Ellie le encañonaba directamente al cuello presionando la herida.

Después se revelaba el giro, que aquí es el mismo, salvo que Mel es alcanzada de refilón por el disparo que le propina Ellie a Owen. Ella se desploma pidiendo a Ellie que le saque al niño con la navaja. La escena es menos violenta, pero busca hurgar en la psique de quien la ve.

Hay que señalar, que la escena del teatro en la que Abby sorprende a todo el mundo es muy similar a lo visto en el material original, pero es cierto que aquí Ellie no le revela que ella es inmune. El espectador ya conoce todo lo que rodea a ambas y la sorpresa se pierde.

La súbita muerte de Jesse (incluso su conversación previa quitando peso al asunto), los golpes a Tommy y la elección de los planos son igualitos a lo visto en el juego. No obstante, se escucha el sonido de un disparo antes del fundido a negro, cosa que no ocurría en el juego.

Al contrario que en el juego (que primero mete el flashback de Abby sobre su padre), en la adaptación televisiva se nos presentan los primeros instantes del gran cambio en la trama de The Last of Us Parte 2: la presentación de Abby y la vuelta al pasado, al primer día en Seattle con la llegada de Ellie.

Lo cierto es que este reinicio es prácticamente calcado al del juego, presentando la enorme infraestructura de los WFL con un estadio completo lleno de cultivos y ganado. Esta era una de las escenas que más sorprendían a los jugadores en su momento.

Con esto concluye nuestro último repaso a las referencias y diferencias de la segunda temporada de The Last of Us. ¿Qué te han parecido los guiños y los grandes cambios que se han introducido a lo largo de todos estos capítulos.

En caso de que quieras echar la vista atrás, a los capítulos de la primera temporada, aquí están todas las diferencias entre la serie de The Last of Us en MAX y el videojuego, divididas por episodios. Abby aún tiene leña que cortar.

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Y si eso que espero no está en el episodio 7 de The Last of Us entonces podré hablar de decepción y, en cierto modo, de fracaso. Se han tomado decisiones bastante cuestionables adaptando el juego, errores de continuidad y otros fallos, pero hay algo sumamente importante que, sí o sí, debe estar... y que no he visto hasta el momento.

Por ahora, la dirección que se ha tomado con Ellie es lo que más me ha decepcionado. El asunto va más allá de la interpretación Bella Ramsey o su parecido físico. Mi problema es cómo se ha enfocado todo el camino hasta llegar a este final.

El gran problema de The Last of Us temporada 2

Desde el episodio 1, nunca me he creído a la nueva Ellie de la serie (salvo en ESA escena), pero es más culpa del guion y de una cuestionable dirección de actores, que parece no haber entendido de qué iba The Last of Us Parte 2.

Los dos primeros días en Seattle los he sentido más como una excursión de dos adolescentes enamoradas que un sangriento viaje de venganza. Apenas hemos visto la transformación de Ellie tras la pérdida de Joel, un cambio que era el motor del primer gran acto del juego. Ese es el gran problema de esta adaptación.

Si bien vimos algo de brutalidad cuando se perpetró el asesinato de Nora, que el penúltimo capítulo de la temporada se haya centrado en todos los flashbacks pendientes más "sensibleros", ha hecho que todo se detenga, cortándose en seco la transformación del personaje.

Nos queda por ver todo el tercer día de Seattle y la escena que cambiaba por completo a Ellie y nuestra visión sobre ella. El segmento del acuario es fundamental para entender la deriva de la protagonista y para comenzar a empatizar con una Abby que ha sido un fantasma hasta el momento.

Entro en spoilers del juego. El momento en el que acababas con Mel y Owen y descubrías lo que esta primera ocultaba, se convertía en una de las secuencias más brutales y dramáticas del juego.

Aquí es donde el jugador o jugadora empezaba a pensarse si todo esto merecía la pena. Porque matar a Nora se sentía como una venganza "justa" (ya que ella acababa provocando a Ellie), pero con Mel, el tono cambiaba por completo.

Necesito que esa escena esté calcada en la serie y que se ahonde mucho en las consecuencias, que el momento previo se tome su tiempo para que nada reviente el casi perfecto ritmo que nos conducía hasta allí. No obstante, tengo un mal presentimiento.

Queda que Ellie se oponga a Dina y a Jesse y mucho me temo que el recorrido al acuario puede quedar en un segundo plano. Además, tras esto también deberíamos tener el gran final de la temporada, en el que se espera ver el choque frontal entre Ellie y Abby en el teatro.

Es importantísimo que la serie sepa empezar a separar a la audiencia de Ellie justo a tiempo para este desenlace del primer acto, porque si no, toda la parte de Abby podría perder peso (aunque revelando lo de su padre, ya lo ha hecho)... lo que condenaría a la serie por completo.

Por ello, en la escena del acuario no se pueden cometer errores. La serie no puede irse por las ramas (como ya ha hecho en más de una ocasión) y debe buscar la máxima similitud posible si quiere recuperar el terreno perdido respecto a la narrativa del juego. Necesito ver de nuevo el cruel mundo de esta saga.

The Last of Us temporada 1 supo cuando añadir y cuando no mientras representaba con crueldad el viaje hasta Jackson, pero todo lo que llevamos desde que se estrenaron los nuevos episodios genera muchísimas dudas de cara al nuevo final que va a tener la serie, visto lo visto.

Ojalá el último episodio que se emitirá este lunes, logre sorprendernos y solucione el cómo se ha presentado el conflicto de Ellie. Eso o que directamente Neil Druckmann decida volar libre y cambie por completo la historia.

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Neil Druckmann ha tomado el mando de la dirección de este episodio 6 de la serie para adaptar varios de los fashbacks más importantes del juego. The Last of Us Parte 2 los introducía intercalados, pero aquí los hemos tenido todos de golpe.

La gran producción de Max se lanza a por su recta final que anticipa un desenlace que se puede tornar un tanto precipitado debido a este episodio, que eso sí, nos ha dejado con algunos de los momentos más emotivos de la serie.

Hay cambios, casi tantos como en pasados episodios, así que volvemos para repasar las principales diferencias y los easter eggs del capítulo 6 de The Last of Us temporada 2 respecto al juego original. Avisado y avisada quedas de que aquí va a haber SPOILERS.

Todas las diferencias y easter eggs de The Last of Us capítulo 6

Este capítulo se centra en recopilar una serie de flashbacks que el juego nos iba dejando en cada uno de los días que Ellie y Dina pasaban en Seattle. Por lo tanto, hemos vuelto a reencontrarnos con Pedro Pascal antes de que decidiera hacerse... jugador de golf.

No obstante, la serie se toma una serie de importantes libertades, cambia mucho la estructura del propio juego de Naughty Dog y resuelve uno de los mayores misterios que había planteado la temporada 2 de The Last of Us hasta el momento.

Tras un capítulo 4 y un capítulo 5 con mucha acción, las emociones se han disparado con la "reunión" entre Joel y Ellie. Repasemos todo lo que nos ha dado la serie y aquello también puede haber generado polémica entre los fans del juego.

Conociendo el pasado de Joel

El capítulo 6 de The Last of Us temporada 2 ha empezado con una escena completamente inédita (algo a lo que ya nos ha acostumbrado la serie a cada semana). En esta ocasión, hemos podido conocer a Joel y a Tommy de niños.

Esta primera escena es completamente inédita y ofrecía algo de contexto sobre por qué Joel es así en su madurez. Su padre (policía) le pagaba cuando era pequeño, pese a ser perfectamente consciente de que no es manera de educar a un hijo.

Esto nos permite tener algo más de información sobre el querido personaje, pero sirve más como primer punto para lo que luego será un cierre de episodio cargado de sentimiento. ¿Qué te ha parecido esta escena única de Joel?

Hasta el infinito y más allá

El episodio se desplaza muchos años después, concretamente un año más tarde de la llegada de Ellie y Joel a Jackson tras el gran final de la primera temporada. Una de las escenas más emotivas del juego era recreada con gran tino en este episodio.

La visita al museo de ciencias con motivo del cumpleaños de Ellie es prácticamente calcada al flashback que el juego nos arrojaba en el día 1 de Seattle. Ellie y el T-Rex, el "viaje" en la cápsula espacial mientras Ellie escucha la cinta con el audio del lanzamiento... todo estaba calcado.

Error de continuidad

Antes de la visita, Joel le entrega a Ellie una tarta (hecha por Seth) y le regala una guitarra. A diferencia que en el juego, es Joel quien toca unos acordes de Future Days de Pearl Jam. Aquí el juego acierta (por poco) con el tema, pero la serie tiene un grave error de continuidad.

Y es que, el disco de Pearl Jam, Lightning Bolt, en el que está esta bonita canción, se grabó en el año 2013. Por lo tanto, es una metedura de pata haberla introducido, ya que el Día del Brote en la serie se cambió al año 2003...

Así que en el universo de la serie de The Last of Us, Future Days nunca se llegó a grabar... A no ser que el cordyceps firmase con el grupo e hiciese de distribuidora, lo que vemos bastante complicado. Eso o Joel compuso la canción.

Por otra parte, la escena pretende conectar con el momento en el que Ellie empieza a entonar esa misma canción en el teatro de Seattle. Un emotivo momento, aunque inexacto, sí seguimos el canon de la serie y no del juego.

El tatuaje

El siguiente flashback avanza en el tiempo y podría guardar algo de relación con el que experimentamos en el juego en el día 2 de Seattle (que empieza con la práctica de tiro de Ellie y Tommy) y que viene a reflejar el distanciamiento de la adolescente con Joel.

Lo cierto es que esta nueva escena nos presenta otro importante momento para la protagonista (que nunca se llegó a ver en el juego). Esta secuencia muestra cómo Cat (novia de Ellie) le hace el famoso tatuaje en el brazo, que servía para ocultar la mordedura.

También hay otros cambios como la visita de Joel a Gail para saber más sobre el motivo que lleva a Ellie a dibujar polillas. No obstante, la gran diferencia del episodio 6 de The Last of Us está reservada para los compases finales.

Lo que le pasó a Eugene

Y es que también hemos podido saber cómo murió Eugene, el marido de la psicoterapeuta Gail al que se hacía referencia vagamente en el juego y que en la serie ha tenido un mayor protagonismo. Este flashback además, tiene una función adicional.

Más allá de mostrarnos lo frío que puede llegar a ser Joel, también viene a cubrir otro flashback que salía en el juego. Y es que en The Last of Us Parte 2 volvíamos a visitar el hospital de Salt Lake City en donde Joel masacró a los Luciérnagas para salvar a Ellie.

En esta escena se veía como Joel contaba la verdad a Ellie, hasta el punto de hacer que ella tomará distancias para siempre. En la serie las consecuencias son las mismas, pero de una forma más directa y con otro ejemplo de la brutalidad de Joel.

Llega... LA ESCENA

El final del episodio es otro flashback, uno sumamente importante. De hecho, esta escena es la más importante del juego... y la última. La serie asume muchos riesgos al dejárnosla en este episodio, ya que su contenido era el gran giro de efecto del juego.

Efectivamente, ya sabemos por qué Ellie reacciona de una forma tan vengativa a la muerte de Joel pese a estar enfadada con él. Y es que, después de que Joel se enfrentará a Seth en el baile de Año Nuevo tratando de defender a las chicas, Ellie habló con él.

Esta última escena del juego nos revela que Ellie decidió perdonar a Joel, lo que te rompe aún más el corazón. En la serie, los diálogos son calcados, salvo que es aquí y no en el flashback del hospital, donde Joel confiesa la verdad.

Por tanto, a nivel emocional, la serie gana mucho peso, pero haber añadido esta escena ahora puede restar todo el impacto que generaba el juego al final, con un momento tremendamente importante que te dejaba sin palabras. ¿Qué opinas de esta decisión? Está claro que tendremos otro final.

Y con esto cerramos el repaso a las referencias y diferencias del capítulo 6 de la segunda temporada de The Last of Us. ¿Qué opinas sobre los cambios? ¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Piensas que el guion acierta tanto como el juego?

En caso de que quieras echar la vista atrás, a los capítulos de la primera temporada, aquí están todas las diferencias entre la serie de The Last of Us en MAX y el videojuego, divididas por episodios. Queda un episodio para que acabe The Last of Us temporada 2, Seattle Día 3.

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La serie de Max continúa con la adaptación de uno de los videojuegos más importantes de los últimos años y tras haber revivido el momento más impactante de una manera ligeramente distinta, toca seguir repasando las diferencias y easter eggs de The Last of Us temporada 2 capítulo 4 respecto al juego.

El capítulo 3 de la temporada 2 nos dejó unos cuantos parecidos y diferencias criticadas, pero fue más transitorio. Sin embargo, la trama de la serie aumenta su ritmo con un capítulo 4 que no ha dado un respiro a los fans. Ojo, las próximas líneas contienen SPOILERS.

Todas las diferencias y easter eggs de The Last of Us capítulo 4

La serie de Craig Mazin y Neil Druckmann ha ofrecido un cuarto episodio bastante fiel al juego, repleto de detalles y escenas de acción, terror y romance. Grandes revelaciones, cambios inesperados... no ha faltado casi de nada.

Después de que Ellie y Dina iniciaran su viaje de venganza, la llegada a Seattle no ha defraudado, presentando más conflictos y expandiendo la trama hacia nuevos horizontes que también fuimos conociendo en el juego hace años.

Isaac, líder de WLF

El primer gran cambio, o la primera libertad creativa que se toma la serie en este capítulo cuatro lo tenemos al inicio. Un flashback nos presenta a Isaac Dixon. El líder de WLF (Washington Fuerte y Libre) es un sargento de F.E.D.R.A. que protagoniza una inesperada traición contra sus propios hombres.

El personaje interpretado por el gran Jeffrey Wright ha recibido un nuevo origen en la serie (ya que sobre el pasado de Isaac en el juego no teníamos muchos datos) y nos ha dejado con otro momento único en donde se ha destapado como un "mandamás" inmisericorde.

En esa escena, además, se ha introducido nuevos personajes, como Hanrahan, a quien da vida Alanna Ubach (Una Rubia Muy Legal o la serie Euphoria) que será una miembro de alto rango de WLF. No es el único caso: también podemos ver a Josh Peck (le recordaréis por Oppenheimer), que da vida a uno de los soldados de F.ED.R.A. que acompañan a Isaac.

La escena de la tortura a un serafita prisionero también ha sido todo un momentazo (aunque este ya estaba en el juego cuando conocíamos a Isaac con Abby). No obstante, esta escena se enmarca dentro de un nuevo contexto, y es mucho más salvaje, explícita y reveladora en la serie.

Take on me

Uno de los momentos más emocionales del juego ha regresado casi de forma calcada. La versión cover del himno "Take on me" de A-Ha que nos regaló Ellie ha reaparecido bajo el mismo escenario que en el juego, esa tienda de música completamente devorada por la maleza.

Puede que algunos jugadores de The Last of Us Parte 2 nunca hayan visto este momento si no exploraron a fondo Seattle, ya que era una cinamática completamente opcional ubicada en una de las zonas secundarias de la gran urbe.

La ciudad también ha quedado bien representada con sus rascacielos (uno de ellos era otra zona jugable, el banco), las farmacias Weston y el paso de Ellie y Dina por Capitol Hill, el corazón LGTBI+ de Seattle, con un inocente comentario hacia la bandera arcoíris que también procede del juego.

Contactando con los serafitas

El pasado capítulo ya nos dejó presentada a la otra facción que habita en Seattle, pero los serafitas fueron cazados como ovejas por los lobos. Sin embargo, en este capítulo 4 de The Last of Us hemos visto cómo se las gastan los fanáticos religiosos.

Al igual que en el juego, la torre de radio se ha convertido en una macabra estampa del conflicto entre los Scars y WLF. Los cadáveres colgantes con las tripas sacadas están directamente extraídos de la obra de Naughty Dog.

Incluso hemos tenido un momento de sigilo que recreaba la gran jugabilidad que presentaba el juego, con Ellie y Dina cooperando para acabar con los soldados WLF sin que las pillen... Aunque aquí la cosa cambia y todo se precipita mucho más.

Todos al tren

Los infectados también ha tenido su ración de protagonismo con otra escena directamente extraída del material original. Si has jugado, seguro que recuerdas el tenso momento de la estación de tren abandonada con las bengalas rojas de los WLF.

Los soldados que buscan a Ellie y a Dina son atacados por una horda de infectados (algo que podías provocar en el juego) y la tensa huida de la pareja de Jackson se lleva de calle el momento más estresante del capítulo... que provoca un importante cambio.

La mordidita

En el juego, Ellie y Dina atraviesan una zona de esporas con máscaras. La de Ellie resultada dañada e inhala las esporas, lo que la habría infectado. En la serie, debido a que el cordyceps parece tener vida propia mediante los zarcillos, la única vía de propagación son las mordeduras.

Así que, la serie hace un importante cambio mostrando como Ellie se sacrifica por Dina de una manera diferente. A Ellie la muerde una infectada al poner su brazo en medio para que Dina no reciba el "bocao", lo que nos lleva a la última gran escena.

Otra obra de teatro

Años después, volvemos a entrar en el famoso teatro que hace de base de operaciones para Ellie y Dina. La tensión es palpable entre ellas (obviamente), pero Ellie le revela que es inmune. Conmocionada, Dina también suelta otra bomba: está embarazada de Jesse.

La tensión sexual acumulada entre ambas se libera y las dos protagonizan un momento muy esperado por los fans de la pareja en el juego. Ellie y Dina se acuestan, tal y como sucede muuucho antes en el juego, en una de las escenas más recordadas, que cronológicamente debía haber sucedido en el capítulo 2, pero que los cambios en la serie han retrasado.

Y es que la serie había mantenido a los espectadores en vilo, aguantando el momento, pero Naughty Dog nos dejó claro que la relación iba en serio casi desde el inicio, con esa famosa conversación de ambas fumando marihuana en plena ventisca.

Tras esto, también tenemos una referencia al juego, con la radio revelando dónde puede estar Nora (una de las amigas de Abby) y un plano general casi calcado al del título de 2020. Esto no ha hecho más que empezar...

Y con esto cerramos el repaso a los easter eggs y diferencias del cuarto capítulo de la segunda temporada de The Last of Us. ¿Qué opinas sobre los cambios? ¿Qué te ha parecido el episodio? Por si te saltaste algo, aquí puedes repasar las diferencias y referencias del primer episodio.

En caso de que quieras viajar más en el pasado, a los capítulos de la primera temporada, aquí están todas las diferencias entre la serie de The Last of Us en MAX y el videojuego, divididas por capítulos. Nos espera Seattle, Día 2.

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Siguiendo la tónica de la pasada temporada y de capítulos previos, el capítulo 3 de The Last of Us nos ha dado unas cuantas diferencias respecto al videojuego y otros tantos easter eggs dedicados a los mayores fans de la obra de Naughty Dog.

Si bien ha sido un episodio de transición, este marca el inicio del verdadero viaje de Ellie y de la trama principal de la serie y el videojuego, y aunque aun quedan dudas sobre cómo se terminará de adaptar la historia del juego a la serie, cada vez parece más clara cuál va a ser la fórmula.

Así que, son más dilación, vamos a repasar todo lo que nos ha dejado este capítulo sobre la mesa, para que no te pierdas ningún detalle.

Evidentemente, a partir de aquí comienzan los spoilers sobre la serie y The Last of Us Parte 2, por lo que, si prefieres no conocer las conexiones y diferencias entre ambas obras, mejor será que no sigas leyendo las siguientes líneas.

Todas las diferencias y easter eggs de The Last of Us capítulo 3

Hemos tenido un capítulo bastante completito, aunque sin la acción del anterior episodio. En Jackson no ha habido apagón, pero sí que se han sentido los efectos de otro desastre importante.

Ellie inicia su viaje de venganza y se han presentado nuevas e importantes facciones que tendrán un papel clave más adelante, que por supuesto, también estaban representadas en el juego.

El primer gran cambio ha tenido lugar en la propia intro de la serie. Ya no vemos las siluetas de Ellie y Joel. La baja de este segundo ha dejado sola a la joven, que ahora tendrá que recurrir a otros personajes para continuar con su camino en este hostil mundo.

La serie también presenta otra gran diferencia con respecto al juego y es que se ahonda más en el trauma que está experimentando Ellie tras la muerte de Joel. Por ejemplo, tenemos "sesión de control" por parte de Gail con Ellie, algo que no pasaba en el juego.

Por otra parte, también se muestra la situación de Jackson tras el ataque y cómo el pueblo batalla por recomponerse. Tommy sigue ganado protagonismo y peso como personaje. Aún queda mucho que contar sobre el hermano de Joel.

El buzón de Joel Miller y el jardín de su casa aparecen llenos de flores, algo que ya vimos en el juego de una manera similar, pero hay muchas más referencias en esta secuencia en la que Ellie vuelve al hogar y recuerda a su fiel acompañante.

La escena en la que abre la caja roja es prácticamente calcada y hay cantidad de pequeños easter eggs, como las tallas de madera de búhos de Joel o un sombrero que parece ser el del flashback del museo (emotivo momento que casi seguro veremos más adelante).

Ellie también huele la ropa de Joel (algo que los fans del juego seguro que también recuerdan) y vemos cómo ya ha adoptado un estilo y apariencia mucho más similar al que luce en el juego. 

Una de las facciones más importantes de The Last of Us Parte 2 se ha mostrado antes de tiempo en la serie. Este tercer capítulo nos deja con un primer vistazo a los serafitas, la secta conocida también como "Scars" (por las cicatrices en sus mejillas).

Un padre y su pequeña hija tienen una charla sobre los rituales y creencias de este grupo y hay algún que otro easter egg, como que la niña tenga el mismo peinado que el de Yara (personaje que conoceremos más adelante). 

La masacre posterior perpetrada por "Los lobos" contra el grupo también es un indicativo de las rencillas que hay en Seattle entre ambos grupos armados. Y Ellie y Dina van a meterse de lleno en esa guerra...

Otro gran cambio con respecto al juego es el consejo vecinal que decide si se envía una partida de hombres a Seattle para vengar a Joel o no. También hay otro curioso detalle que es el de Seth (personaje homófobo que había insultado a Ellie y a Dina) ayudando a ambas a salir de Jackson.

Primero, Seth se muestra a favor de la venganza con un agresivo discurso en el consejo y luego le entrega su rifle a Ellie al salir de la ciudad. Esta "redención" del personaje no ha gustado a los fans del juego, aunque sí a Neil Druckmann, director y showrunner de la serie.

Algunos usuarios ha protestado en redes como Twitter opinando que la escena blanquea al personaje: "¿Por qué hacemos que Seth defienda a Joel? Es un intolerante, no debería tener ninguna maldita redención. Esto me molesta muchísimo", comenta uno de los muchos fans que han mostrado su indignación.

Sin embargo, en el podcast The Last of Us, Neil Druckmann decía: "Seth sabe que lo que le hicieron a Joel estuvo mal y que quienes lo hicieron deben pagar, o serán los siguientes. Me encanta".

Por su parte, Craig Mazin añadía: "Esto sucede a veces en la vida: alguien que creemos que es lo opuesto a nosotros de repente se convierte en un reflejo de nosotros. Nos hace cuestionar esos instintos".

Hay otros easter eggs bastante más simpáticos en toda esta secuencia, como la frase que le dice Dina a Ellie cuando esta se coloca el revolver en el trasero, "no te vueles el culo", que es lo mismo que le dijo Joel en la primera temporada.

Dina también le comenta que se quite las Converse y se busque unas botas para ir más cómoda antes de viajar a Seattle, en una clara referencia al juego, en el que Ellie siempre lleva esas zapatillas de calle puestas.

La tumba de Joel se encuentra en un lugar mucho más bucólico que en el juego y cuando Ellie la visita nos deja un momento que puede que algunos fans no hayan pillado. ¿Por qué deja unos granos de café ante la lápida?

Esto no es un guiño a la obra original, sino a la primera temporada de la serie. La "metareferencia" hace un homenaje a la escena en la que Ellie prueba el café de Joel (uno de los placeres culpables del personaje), uno de los primeros momentos de conexión entre ambos.

La llegada a Seattle a lomos de Shimmer es muy similar a la del juego, que se corresponde con la gran zona abierta que cambia la jugabilidad de The Last of Us Parte 2, pero hay otros cambios como la revelación de que "los Lobos" son mucho más temibles de lo que se esperan Ellie y Dina. El despliegue de tropas de los lobos es más grande que en el juego. 

También vemos una zona importante de la ciudad que seguro que los fans del juego recuerdan. Manny anda vigilando el terreno desde la torre de radio, un área jugable que nos dejará unas cuantas incógnitas más adelante.

Hasta aquí el repaso a los easter eggs y diferencias del tercer capítulo de la segunda temporada de The Last of Us. ¿Qué opinas sobre los cambios? ¿Qué te ha parecido el episodio? No dudes en repasar las diferencias y referencias del primer episodio.

En caso de que quieras repasar anteriores capítulos de la primera temporada, aquí están todas las diferencias entre la serie de The Last of Us en MAX y el videojuego, divididas por capítulos. El camino de la venganza acaba de empezar.

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De hecho, recientemente, los responsables de The Last of Us han explicado por qué la secuencia más polémica es menos violenta que en el juego, pero el showrunner de la serie de Max ha dejado claro que aún nos quedan más horrores por ver.

Craig Mazin, ha adelantado otro traumático momento para Ellie en una entrevista con The Hollywood Reporter y se nos ocurren unas cuantas escenas vistas en el juego de Naughty Dog que pegan mucho con sus palabras.

The Last of Us se guarda varias escenas traumáticas en la manga

"Le tenía miedo, no me gustaba y no quería que hiciera lo que estaba haciendo", declara Mazin recordando una escena que aún está por venir. Al parecer la actuación de Bella Ramsey le dejó huella en ese misterioso momento.

"La miro y me parte el corazón", añadía el creador del show. ¿De qué escena habla? Como decimos, aún quedan muchos momentos absolutamente devastadores que dejaron a los jugadores sin palabras en 2020 y que podrían replicarse.

Esta entrevista también nos servía para saber qué es lo que más trabas pone a Ramsey a la hora de dar vida a Ellie. "Me cuesta mucho llorar en las escenas. Se me sale una lágrima, pero eso es diferente a llorar", reconocía.

Las críticas contra la actriz han sido muy numerosas tras el estreno de estos dos primeros capítulos, pero su actuación también ha convencido a muchos fans, especialmente al adaptar esos momentos tan duros del videojuego.

En la entrevista, Mazin defendía el trabajo de Ramsey. "No me interesa el aspecto físico, sino la madurez emocional y el cambio de personalidad. He visto a Bella crecer y empezar a encontrar su propio camino... Y siento eso plenamente en Ellie", comentaba.

¿Qué te está pareciendo la serie? Como sabes, el segundo capítulo de The Last of Us temporada 2 muestra el momento más polémico del juego con cambios, pero no es la única diferencia... y las hemos repasado todas.

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Después de haber recopilado las principales diferencias y guiños del primer capítulo de la serie que adapta el juego de Naughty Dog, toca hacer lo propio con este segundo episodio.

¿Cuáles son las mayores diferencias entre el capítulo 2 de The Last of Us temporada 2 y el videojuego en el que se basa? ¿Qué easter eggs han introducido Neil Druckmann y compañía en esta ocasión?

Por supuesto, que sepas que a partir de ahora hablaremos sin tapujos y mencionaremos unos cuantos spoilers de la serie y también del juego. Así que, lee bajo tu propia responsabilidad. Avisado quedas...

Evidentemente, lo primero que hay que mencionar es que este capítulo 2 de The Last of Us ha adaptado el momento más polémico e impactante de todo el juego. Si bien el primer episodio nos dejó con la espina clavada, en este ya la han terminado de meter hasta la médula espinal.

El asesinato de Joel a manos de Abby ha sido representando con bastante fidelidad a la obra original, aunque ha habido algunos cambios importantes dentro del guion que han desatado el mayor contraste entre serie y juego hasta el momento.

Si bien es cierto que, como espectadores, ya conocíamos las motivaciones de Abby y sus intenciones con Joel, el show televisivo ha sido bastante fiel en su primer encuentro. El momento en el que Joel salva a Abby tras sobrevivir ella misma a una de las situaciones más estresantes es prácticamente calcado.

La valla atestada de infectados y la posterior avalancha "humana" de estos persiguiendo al dueto es muy fiel, pero las acciones de Abby en su búsqueda de venganza hacen que toda esa horda vire hacia Jackson, lo que provoca una de las escenas más bestias de la serie.

La batalla de Jackson

La gran diferencia del capítulo es una batalla campal por la supervivencia. Una horda de infectados (con tambaleante incluido) ataca los muros del asentamiento libre. Es tal el número de infectados, que es complicado no encontrar paralelismos con otro exclusivo de PlayStation, el recordado Days Gone y sus hordas. 

El despliegue de medios de la producción de Max se nota al representar con mucho detenimiento algo que nunca vimos en el juego. Por un momento, hemos tenido la sensación de estar viendo uno de esos episodios inolvidables de Juego de Tronos.

La defensa de los residentes está muy bien organizada, con estrategias como arrojar barriles incendiarios o disponer de tiradores en los tejados. Sin duda, uno de los momentos más grandilocuentes de la serie.

Eugene, la ventisca y Dina "viéndolo" todo

Mientras el asalto tiene lugar, el refugio de montaña recibe por fin a todos sus huéspedes. Salvo que hay una diferencia. Joel y Dina son los que salvan a Abby y la devuelven sana y salva. En esta escena, era Tommy el que acompañaba a su hermano en el juego.

Por lo tanto, la serie prescinde de uno de los momentos más bonitos y tiernos entre Ellie y Dina cuando se refugian de la ventisca en el garaje lleno de marihuana. Aquí es Jesse quien la acompaña y se introduce una nueva referencia a Eugene, el Luciérnaga asesinado por Joel.

Este ya apareció mencionado en el juego, pero es Gail (la psicóloga) quien lo introdujo en la serie, en el primer episodio. En este segundo capítulo no se revela por qué Joel mata a Eugene, pero todo apunta a que vamos a tener un flashback en algún futuro episodio.

Así que, al acompañar Dina a Joel, es ella la que conoce a todos los lobos y compañeros de Abby (antes de que la seden por completo, otra diferencia con el juego). No es un cambio especialmente radical, pero lo mismo puede tener consecuencias más adelante.

Hoyo en... ¿uno?

Y llegamos al clímax del episodio... a ESE momento. La muerte de Joel está representada con una gran fidelidad (incluso Abby repite unas cuantas frases), aunque el ligero cambio que se introduce puede impactar más o menos dependiendo del espectador y sus gustos.

Abby le llega a contar a Joel por qué le ha ido a buscar. Gracias a esta confesión sabemos que el padre de Abby era el médico al que Joel mató a sangre fría mientras trataba de salvar a Ellie antes de la operación. Esta revelación tarda mucho más en producirse dentro del juego.

Además, también hay un cambio en la forma. El famoso palo de golf hace acto de presencia, pero la muerte de Joel (ya con Ellie mirando) se produce de una manera distinta. En lugar de un fuerte golpe final en el cráneo, Abby clava el palo de hierro roto en el cuello de Joel.

No obstante, pese a las diferencias, también hemos tenido unos cuantos easter eggs y momentos que hacen clara referencia al juego. ¿Cuáles has visto? Por aquí te dejamos los que hemos pillado nosotros por el momento...

Los sandwiches de Seth o el flashback de Abby

Además de la escena de la verja con Abby, este segundo capítulo nos ha dejado con otros momentos muy fieles, como la disculpa de Seth tras los insultos homófobos a Ellie y Dina en el baile o el flashback de Abby en el hospital de Salt Lake City.

Momento "lanzallamas"

También ha habido momentos "muy de videojuego". Uno de los mejores ha sido cuando Tommy ha tenido que acabar con un tambaleante usando un lanzallamas. La escena es una que ha podido vivir cualquiera en The Last of Us Parte 2... Atrapados y acabando con la amenaza en el último instante.

La canción de Ellie

I walk through the valley of the shadow of death. ¿Te suena? Se trata de la "canción de Ellie", "Through the Valley". Este tema musical que suena al final del episodio es el mismo que sirvió para presentar el juego en su primer tráiler en el E3 de 2016.

Ashley Johnson (Ellie) vuelve a ponernos los pelos de punta con esta sombría letra que tanto nos recuerda a ese particular encuentro entre Ellie y Joel en la cinemática de The Last of Us Parte 2. ¿Qué has sentido al volver a escucharla?

Con esto terminamos el repaso a los easter eggs y diferencias del segundo capítulo de la segunda temporada de The Last of Us. ¿Qué te ha parecido el gran momento final? ¿Mejor que en el juego, peor o simplemente... diferente?

En caso de que quieras repasar anteriores capítulos de la primera temporada, aquí están todas las diferencias entre la serie de The Last of Us en MAX y el videojuego, divididas por capítulos. El camino de la venganza acaba de empezar.

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La secuela aún sigue fresca en nuestra memoria (gracias a la reciente llegada de The Last of Us Parte 2 Remastered en PC y el anuncio de la edición Completa), pero aquí te vamos a dejar un buen resumen con todo lo que nos ha dejado este primer capítulo y que puedes haber pasado por alto.

Toca recopilar cuáles han sido las principales diferencias entre el primer episodio de The Last of Us temporada 2 y el juego de Naughty Dog, así como todas las referencias que han dejado Craig Mazin y Neil Druckmann para los jugadores y jugadoras.

Por supuesto, a continuación vas a encontrar una buena cantidad de spoilers, así que ten cuidado si no has visto el primer capítulo o aún no has jugado al juego. Dicho esto, vamos con todos los easter eggs de The Last of Us Temporada 2 Capítulo 1 y las diferencias entre serie y juego.

Todos los easter eggs de The Last of Us Temporada 2 Capítulo 1

La temporada dos ha arrancado con un episodio de 58 minutos, casi una hora, en la que se recrean muchos eventos del juego, otros se han alterado e incluso ha habido tiempo para introducir un nuevo tipo de infectado y otros cambios respecto al juego...

El cuarto de Ellie nos ha dejado cantidad de referencias a elementos conocidos por muchos fans. Hemos visto el diario en el que escribe, lleno de garabatos y apuntes, la navaja (que Marlene le entregó, ya que pertenecía a su madre) o el mítico tatuaje que se hizo para camuflar la mordedura.

Además, también encontramos cantidad de pequeños detalles, como un póster de Savage Starlight, la serie de cómics que tanto apasiona a Ellie. Más evidente es el mimo con el que se ha retratado la guitarra, con todo su simbolismo... y simbología. 

La serie también ha puesto un especial énfasis en presentar a Shimmer, caballo que tuvo un impacto tremendo en la jugabilidad de The Last of Us Parte 2 al poder recorrer zonas abiertas con él. 

Lo cierto es que es calcado al del juego, con un tono pardo y esa característica línea blanca en la cabeza. También se ha dejado claro que Shimmer es una yegua, tal y como lo era en el juego.

The Last of Us no sería tan grande sin el talento de Gustavo Santaolalla, compositor de la banda sonora. Los acordes del banjo que todos tenemos grabados a fuego son obra suya y, al igual que en el juego, Santaolalla se ha colado en Jackson.

El compositor ha aparecido brevemente tocando en la fiesta de fin de año. Se trata de un claro guiño al juego, ya que este también aparecía, aunque fuera del edificio. Todo un detalle meterle dentro, que en Wyoming hace una buena "rasca".

El easter egg mejor introducido en el primer capítulo ha sido un guiño directo a uno de los primeros rompecabezas del juego. Una vez Dina y Ellie entran en el supermercado abandonado, la segunda ve un cartel en donde aparecen los empleados del mes.

Esto conecta con un puzle en el que había que abrir una caja fuerte mediante un código que era la fecha establecida en el marco de empleado del mes. La pista estaba en leer una nota dentro del supermercado, donde una trabajadora le daba clave para resolver la combinación.

Además, el perro que tanto cautivó a los fans en su momento también ha tenido su dosis de protagonismo con primer plano incluido.

¡Cuidado, acechadores!

La pesadilla de todos los que jugamos a The Last of Us Parte 2 ha regresado. Los acechadores fueron nuevos infectados que se introdujeron para dar un desafío extra tras The Last of Us Parte 1 y en la serie no han tardado en aparecer.

La tensa escena deja claro el patrón de ataque de estos acechadores (que son una etapa intermedia entre los corredores y los chasqueadores). ¡Qué listos y que auténtico dolor de muelas eran en el juego! Aún quedan más sorpresas de este tipo.

Curtis y Viper aparecen mencionados varias veces en el episodio. Se trata de una nueva referencia a la saga de películas de los años ochenta que Joel veía (y que ya fue referenciada en la primera temporada gracias a Sarah).

En esta ocasión, Dina le dice a Ellie que se parece a Curtis y Viper y luego Jesse también lo menciona antes de que la pareja salga de patrulla en busca de infectados rezagados.

El temazo "Little Sadie" de Crooked Still ha vuelto a resonar con fuerza, tal y como lo hizo en la escena del baile de fin de año en el juego (que precedió a la revelación del gameplay de The Last of Us Parte 2 en el E3 2018). 

Sin duda, aquí la serie ha querido regarnos un momento completamente fiel al videojuego, casi plano por plano. Los diálogos, las acciones de los personajes, todo es igual que en el juego... Salvo el empujón de Joel, aquí Pedro Pascal le ha metido una buena al homófobo.

Todas las diferencias de The Last of Us Temporada 2 Capítulo 1

Pese a estos guiños y la fidelidad de muchos momentos con el material original que el videojuego ponía sobre la mesa, no faltan también otros muchos aspectos que marcan distancias entre ambos medios. Estas son los grandes cambios que la serie ha introducido respecto al videojuego en este primer capítulo.

El primer gran cambio de la serie tiene lugar en el mismo instante en el que comienza el episodio. The Last of Us ha presentado a Abby (Kaitlyn Dever) y a varios de sus compañeros (como Owen) revelando que van a por Joel, algo que el juego se reservaba hasta cierto momento.

La característica coleta de Abby no ha faltado, aunque es mucho más menuda en la serie. Por otro lado, ya se ha dejado claro que la narrativa de la serie pretende seguir otros derroteros visto este "flashback" que aparecía en el juego mucho más adelante. 

Si te preguntas por qué se ha presentado de una manera tan diferente a Abby, en una entrevista con GamesRadar, Craig Mazin ha intentado dejarlo claro, buscando la empatía del espectador desde un primer momento:

"Pensamos que era importante no guardarnos esas cartas, para que supieras quién era, qué había sucedido y qué quería, como mínimo. Así podríamos, en cierto modo, al menos conectar con ella hasta el punto de no confundirnos con quién era".

La práctica de tiro de Ellie y Tommy es una escena que pudimos disfrutar en el juego más adelante (en otoño y no en invierno) y que no esperábamos encontrar de primeras en este episodio; pero que deja constancia del papel que tendrá el hermano de Joel y la relación de este con la protagonista.

¿Recuerdas esta sección en el juego? Con el rifle de presión en mano tocaba abatir infectados desde la distancia, calculando la caída de la bala. Por primera vez en la saga, lo de acabar con los infectados se sentía más como un juego que como una aterradora experiencia. 

Parece que vamos a tener otro conflicto extra que nunca llegamos a ver en el juego. La aparición de zarcillos en una tubería de Jackson deja claro que aquí se está cociendo el inicio de un nuevo arco narrativo que puede amenazar a toda la población de la ciudad.

¿Son esos zarcillos una llamada para el ataque masivo de una horda contra el recinto? Desde luego, esto es algo que destacaría enormemente si se produce y marcaría una diferencia más que notable con el juego de Naughty Dog.

La segunda temporada de la serie sigue el ejemplo de la primera y nos ha presentado otra trágica historia. De la mano de Gail, la psicoterapeuta que trata a Joel (nueva integrante), hemos podido profundizar ligeramente en otro personaje al que solo se le mencionaba de pasada: Eugene.

El personaje interpretado por Catherine O'Hara deja claro que su marido fue asesinado por Joel, pero en el juego se relata como Eugene fue un Luciérnaga que sirvió con Tommy dejando atrás a su esposa e hijo por la causa. Es más, en el juego se menciona que Eugene falleció a causa de un derrame cerebral.

El capítulo nos ha dejado escenas que nunca vimos en el juego. Las más importantes después de la sesión de terapia sería la presentación de Dina con una curiosa conversación con Joel o el momento en el que podemos ver al consejo de Jackson.

María y Tommy lideran lo que parece ser el gobierno vecinal y los showrunners vuelven a dar profundidad al universo de la serie presentando a algunos de sus integrantes (se ven ciertos roces con algunos). Quizá esto de juego en el futuro.

Si bien Jesse es clavado, la serie ha presentado a Cat, la ex-novia de Ellie (y quien le hizo el tatuaje del brazo) que solamente aparecía en una entrada del diario de esta. Cat en el juego es descrita como una "mujer asiática llena de tatuajes", pero aquí tiene un aspecto muy diferente.

Adicionalmente, tenemos a Benjamín, el hijo de Tommy y María, muchacho que no vimos en el juego. También aparecen otros personajes, como el hombre contra el que pelea Ellie al comienzo, o los "vaqueros" que salen de patrulla.

Y hasta aquí el repaso a los easter eggs y diferencias de este primer capítulo de la segunda temporada de The Last of Us. ¿Qué te ha parecido esta primera toma de contacto como regreso al universo de la saga?

En caso de que quieras repasar anteriores capítulos de la primera temporada, aquí están todas las diferencias entre la serie de The Last of Us en MAX y el videojuego, divididas por capítulos. Y recuerda, cuando estés perdido en la oscuridad, busca la luz.

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Las leyendas que han ido dando forma a esta franquicia cinematográfica serán las grandes protagonistas de Karate Kid: Legends y por ello, la cinta dirigida por Jonathan Entwistle, va a contar con otras grandes figuras... aunque no del kárate, sino del deporte rey.

Marcelo Vieira y Rafa Márquez, estrellas mundiales del fútbol ya retiradas, han protagonizado un nuevo spot promocional para la película recordando los viejos tiempos y el duro entrenamiento. Las dos leyendas de la redonda fichan por Karate Kid: Legends.

Karate Kid: Legends se rodea de leyendas

El lateral izquierdo brasileño, que militó tantos años en el Real Madrid y el defensa central mexicano, que lideró a su selección y al F.C. Barcelona durante siete temporadas, se han presentado ante el mundo con motivo de la celebración del partido Leyendas del 13 de abril en el Estadio Nemesio Diez.

Ambas leyendas han repasado sus vivencias en este spot para que vayamos entrando en materia de cara al estreno de la película, centrada en fusionar los dos universos de la saga bajo una nueva historia que comenzará con una tragedia familiar.

Tras esto, Li Fong (Ben Wang) abandonará Pekín para instalarse en Nueva York con su madre. Tratando de encajar, Li se presentará a una competición de kárate y para mejorar recurrirá a un conocido profesor de kung fu, el Sr. Han (Jackie Chan) y a Daniel LaRusso (Ralph Macchio).

Además de Macchio, Chan y Wang, el reparto de la película incluye a otras caras conocidas como Joshua Jackson, Sadie Stanley, Ming-Na Wen, Shaunette Renée Wilson, Wyatt Oleff, Aramis Knight, Jennifer-Lynn Christie y Emile Pazzano.

Como ves, la leyenda de la saga seguirá creciendo este 2025 ahora que Cobra Kai ha terminado en Netflix. Recuerda, Karate Kid: Legends se estrena en exclusiva el próximo 8 de agosto en los cines españoles. Toca dar cera y pulir cera.

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Fortiche y Riot han ofrecido un último baile en forma de videoclip oficial de Ma Meilleure Ennemie, uno de los grandes "hits" de la banda sonora de Arcane, la canción que hizo llorar a todo el mundo.

El estudio de animación francés creador de la serie de Netflix ha lanzado un videoclip oficial para el potente y emotivo tema de Stromae, Pomme en donde nos hemos reencontrado con Jinx y Ekko.

Arcane nos deja un último vídeo gracias a Ma Meilleure Ennemie

Con imágenes de la serie, pero con nuevas interacciones entre ambos personajes, el videoclip de Ma Meilleure Ennemie refuerza la tragedia amorosa que Jinx y Ekko experimentaron al final de Arcane.

El capítulo 7 de Arcane temporada 2 nos dejó una escena tan triste como preciosa, en donde Ekko tuvo que abandonar a una alternativa Powder para poder salvar su realidad tras un bello baile animado de forma especial.

Y es que Fortiche decidió animar esta danza a cuatro fotogramas por segundo, una referencia a los cuatro segundos que Ekko puede viajar en el tiempo sin correr riesgos. Un guiño fantástico por parte de Fortiche a todo lo creado previamente.

El videoclip rescata los mejores momentos entre ambos campeones. Ekko vuelve a presentar las prendas que llevaba en la batalla entre ambos durante el séptimo capítulo de la primera temporada, por ejemplo. 

Ma Meilleure Ennemie es una de las canciones más bonitas de toda la serie ambientada en el universo de League of Legends y ya ha recibido millones de reproducciones en las principales plataformas. ¿Qué te parece este videoclip?

Respecto a Arcane, la serie ha terminado, pero hay nuevas producciones en camino. De hecho, la nueva cinemática de League of Legends no anticipa una nueva serie tras Arcane, según Riot, pero hay tres puntos clave que parecen decir lo contrario.

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Hemos recibido miles de votos emitidos por los lectores y lectoras de HobbyConsolas.com y la edición impresa de revista. Y hoy hemos reunido a toda la industria del videojuego y del entretenimiento para entregarles estos codiciados galardones, únicos en su especie, en el auditorio de UDIT, la Universidad de Diseño y Tecnología de Madrid.

Una gala que ha estado conducida por nuestro compañero Javier Abad y que ha sido la primera que celebramos en nuestra nueva casa, el grupo editorial Henneo, del que forman parte diarios como 20 Minutos o El Heraldo de Aragón y publicaciones como Cinemanía.

En este marco hemos reunido a todas las grandes compañías de videojuegos, contenidos digitales, productos y de entretenimiento, entre ellas PlayStation, Nintendo, Microsoft, Netflix, Disney o Warner, para hacerles entrega de sus respectivos galardones.

Esta edición de los Hobby Premios nos ha dejado con Astro Bot como el GOTY de los lectores de HobbyConsolas en 2024 o Deadpool y Lobezno y Fallout como mejor película y serie, respectivamente.

En el ámbito de consolas es PS5, junto a sus hermanas PS5 Slim y PS5 Pro quien se ha llevado el gato el agua en el premio a mejor plataforma de videojuegos de 2024, mientras que por la parte de HobbyCine tenemos a Netflix proclamándose como la mejor plataforma de streaming.

Debajo de estas líneas puedes encontrar la lista con todos los ganadores de los Hobby Premios de 2024 en las diferentes categorías. ¿Qué te parecen los resultados?

HobbyCine: todos los ganadores de los Hobby Premios 2024

• Mejor serie de comedia y animación: Fallout
• Mejor serie de drama, acción y terror: Shōgun
• Mejor serie española: La que se avecina (Temporada 15)
• Mejor serie: Shōgun
• Mejor película de comedia y animación: Deadpool y Lobezno
• Mejor película de drama, acción y terror: Dune: Parte 2
• Mejor película española: La infiltrada
• Mejor película: Deadpool y Lobezno
• Mejor plataforma de streaming: Netflix

Videojuegos: todos los ganadores de los Hobby Premios 2024

• Mejor accesorio gaming: LG UltraGear OLED DualMode 32GS95UE
• Mejor PC Gaming: Lenovo Legion Pro 5 Gen 8
• Mejor Juego Nintendo Switch: The Legend of Zelda: Echoes of Wisdom
• Mejor juego PlayStation: Astro Bot
• Mejor Juego Xbox: Indiana Jones y el Gran Círculo
• Mejor Juego PC: Elden Ring: Shadow of the Erdtree
• Mejor videojuego de desarrollo español: Neva
• Mejor plataforma de videojuegos: PS5, PS5 Slim y PS5 Pro
• Mejor compañía del año: Nintendo
• Mejor juego absoluto: Astro Bot

Premios especiales de las redacciones

• Premio Especial Better Capitalism: OXO Museo del videojuego
• Premio Especial Trayectoria Profesional: Roberto Yeste, Head of PR/Partnerships/Content & New Business PlayStation IBAM
• Premio Especial CEO Insider: Oscar del Moral (Plaion)

Por último, pero no por ello menos importante, también se otorgó el Premio Especial número 400 de Hobby Consolas a GAME, quien no ha faltado puntualmente a su cita con la revista en los primeros 400 meses que se ha publicado. Un premio único, para celebrar también uno de los números más especiales de la revista, que está actualmente agotado.

Para cerrar esta edición solo nos queda dar la enhorabuena a todos los galardonados. Y recordar que solo quedan 11 meses para que en 2026 podamos volver a celebrar una nueva edición de los Hobby Premios, y podamos votar y elegir entre todos los juegos, películas, series, plataformas y servicios favoritos de los lectores de HobbyConsolas.

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El inicio de la temporada 2025 de League of Legends ha quedado marcado por una espectacular cinemática que ha seguido el estilo artístico de Arcane, lo que ha hecho que muchos fans empiecen a pensar que esto no es una mera coincidencia

No han sido pocos los que han apuntado que esta cinemática es la continuación de Arcane y un anticipo de lo que está por llegar en materia de series del universo de Runeterra. Sin embargo...

La cinemática de League of Legends no anticipa una nueva serie tras Arcane, pero...

Sin embargo, uno de los responsables de Riot Games ha querido dejar claro que la nueva cinemática no está preparando la llegada de una serie de League of Legends tras Arcane. El director de League Studio, Andrei Van Roon, conocido como RiotMiddler en Reddit lo expresaba así:

Hemos usado una variedad de diferentes estilos cinematográficos a lo largo de los años y seguiremos variando, en lo que respecta al estilo de animación de Arcane en la cinemática.

En este caso en particular, dado que se siguen ciertos eventos de Arcane, sentimos que contar con Fortiche para este estilo tendría mucho sentido, apuntaba el directivo antes dejar claro que esto no implica otras cosas.

Con respecto a la intención de la cinemática, nuestro objetivo era establecer algunos temas para Noxus para la temporada y una línea argumental que continuará este año en el juego/alrededor de los materiales del juego (no un programa de televisión, para ser claros).

Ahora viene el segundo "sin embargo". Y es que hay varios detalles y puntos clave de la cinemática que parecen decir lo contrario. ¿Cuáles son? El primero y más evidente sucede al final de la cinemática, donde LeBlanc y Vladimir mencionan directamente lo ocurrido en Piltover.

Esto es clave porque deja claro que el canon de League of Legends se está posando sobre los cimientos que ha erigido la serie de Fortiche. Los miembros de la Rosa Negra (mencionada en Arcane) planean algo y en algún momento tendremos que saber qué es.

El segundo punto es que Fortiche se ha "molestado" en crear los modelos animados al estilo de la serie de campeones muy conocidos de Noxus, como son Darius, Elise, Katarina, LeBlanc o el propio Vladimir; pero se han guardado otros clave como Swain, por ejemplo.

Esto enlaza con el tercer punto clave, que es que hay en marcha un spin off animado de Noxus. El puente entre este show y Arcane parece ser Mel Medarda (nuevo personaje del MOBA), pero Riot Games parece estar poniendo mucho esfuerzo en mostrar al mundo el tirón de la región imperial.

Nuevos aspectos visuales para varios campeones o una Grieta del Invocador con temática noxiana bien podrían significar que la compañía quiere cuidar al máximo su universo y todos los productos relacionados con ello.

No son más que especulaciones de los fans, pero hemos visto como la campaña de promoción de Arcane dentro y fuera del juego ha evolucionado mucho desde la primera temporada. El marketing de la serie para su último arco ha sido enorme en comparación...

¿Podríamos estar calentando para la siguiente serie con esta temática de Noxus? Solo queda esperar para conocer los esperanzadores planes de Riot. De momento, ya sabemos que ciertos personajes de Arcane podrían aparecer en las futuras series de League of Legends, según su creador.

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El discurso de apertura en el CES 2025 ha servido para conocer las novedades de la división PlayStation en lo que respecta al sector audiovisual. El director de PlayStation Productions, Asad Qizilbash, y el presidente de Screen Gems, Ashley Brucks han desvelado sus planes.

Tras conocer que Ghost of Tsushima tendrá un anime, también se ha anunciado que dos de las franquicias más populares de PlayStation van a contar con su propia adaptación. Helldivers 2 y Horizon Zero Dawn tendrán su película, cada una.

Horizon y Helldivers 2 nos llevarán al cine

Si bien no se han ofrecido mayores detalles, ya se sabe quién se encargará de los proyectos. Por un lado, Sony Pictures está trabajando en una adaptación de Helldivers 2, mientras que Columbia Pictures y PlayStation Productions están en las "primeras etapas" para Horizon Zero Dawn.

Recordamos que ambas sagas están de actualidad. Helldivers 2 es uno de los juegos más populares de PS5 y PC y Horizon se ha renovado aprovechando el lanzamiento de PS5 Pro con Horizon Zero Dawn Remastered y con LEGO Horizon Adventures.

Parece que Aloy por fin encontrará el camino hacia el cine después de que el proyecto de hacer una serie de su primer juego con Netflix no llegara a producirse. ¿Qué te parece la noticia? ¿Habrá semejanzas entre Starship Troopers y Helldivers en el cine?

No es lo único que se ha revelado, ya que The Last of Us también ha revelado el mes de estreno de su temporada 2 en Max con un nuevo teaser que anticipa más tensos momentos vistos en The Last of Us Parte 2 hace unos años.

Desde luego, parece que Sony quiere acompañar a sus sagas con todo tipo de puestas en escena. Este mismo año se estrenará Ghost of Yotei, que también irá ligado al nuevo anime. Lo transmedia vuelve a llevarse.

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Pese a que Nintendo ya confirmó que hay una película de The Legend of Zelda en producción, los guionistas de Sonic the Hedgehog 3 se han ofrecido a dar forma a una de las historias más queridas dentro de la saga, la de The Legend of Zelda: The Wind Waker.

El título lanzado para GameCube y que más tarde recibió una versión en HD para Wii U tiene un estilo inconfundible y es una de las historias que más entusiasman a Pat Casey y Josh Miller, guionistas de las películas de Sonic the Hedgehog.

¿Más películas de The Legend of Zelda?

En una entrevista con IGN, se les preguntó qué les gustaría adaptar de cara al futuro y hubo varios nombres encima de la mesa. "Creo que otra respuesta fácil que podemos responder porque la película ya está en marcha y nosotros todavía no la estamos haciendo sería un Zelda"

Miller añadía: "Recuerdo que siempre que jugábamos a Wind Waker, siempre decíamos, hombre, quiero decir, probablemente sería raro si hicieran una película de Zelda para empezar con Wind Waker en lugar del más clásico Hyrule. Pero a los dos nos encantó Wind Waker y es tan cinematográfico". 

"Tal vez podamos hacer un spin-off de Wind Waker", comentaba el guionista. Eso sí, también se mencionaron otros grandes juegos. Pat Casey habló de Golden Axe como "otro buen juego multijugador de Genesis". 

Por supuesto, estas declaraciones no quieren decir que se esté haciendo una película de Wind Waker. Recordamos que ya hay una cinta de Zelda en producción y pese a que los detalles son escasos, es de esperar que sea más general y adapte un Hyrule más clásico.

¿Qué sabemos sobre esto? Lo último que se ha comentado es que la película live action de The Legend of Zelda se estrenará antes de 2030, confirmaba Nintendo en su último informe financiero. ¿Te gustaría ver Wind Waker en Switch antes de la llegada de Nintendo Switch 2?

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La ópera prima de Ironwood Studios se suma así a los futuros proyectos basados en videojuegos, un ámbito que fue reconocido en la gala de The Game Awards con el premio a Fallout como Mejor Adaptación.

No obstante, adaptar el concepto de Pacific Drive a la pequeña pantalla exige un talento muy elevado, y nadie mejor para ello que James Wan, el maestro del terror moderno.

James Wan se ocupará de llevar Pacific Drive a la televisión

Atomic Monster, la productora de James Wan, ha conseguido los derechos de adaptación de Pacific Drive con el fin de crear una serie televisiva sobre el juego, tal y como informa Variety.

Junto con Wan, la serie contará con Michael Clear y Rob Hackett como productores ejecutivos, todos ellos de Atomic Monster, en colaboración con The Menagerie Productions.

El proyecto está aún en una fase embrionaria, por lo que de momento se desconoce en qué plataforma podremos disfrutar de esta serie.

Será además una adaptación de lo más inusual: el título original es un survival horror en primera persona, en el que nuestro vehículo sirve a la vez como arma y protagonista.

Por si ese concepto no fuese lo bastante novedoso, Pacific Drive añade a su fórmula elementos roguelite, supervivencia extrema, búsqueda de recursos y una base que podemos mejorar.

La originalidad ha calado entre jugadores y crítica, con varios premios para Pacific Drive e incluso una nominación al Mejor Indie de Debut en The Game Awards 2024, premio que finalmente fue para Balatro.

James Wan es sin duda el más indicado para un proyecto tan peculiar, tras demostrar su versatilidad entre géneros: además de crear el Warrenverso de terror, también ha firmado las dos películas de Aquaman.

La adaptación de Pacific Drive será además la segunda gran serie de terror de Atomic Monster, que hace poco estrenaba Teacup en SkyShowtime.

Por si eso fuera poco, la productora de James Wan prepara una nueva serie de Robocop para Amazon, la adaptación en imagen real de Gárgolas (para Disney+) y un reboot de Los Munsters titulado 1313.

Pacific Drive tendrá competencia, ya que se han puesto en marcha las segundas temporadas de The Last of Us (que llegará en 2025) y Fallout.

Asimismo, en el futuro veremos una adaptación de Mass Effect en Prime Video, a donde también ha de llegar la serie de God of War. No será por falta de series basadas en videojuegos, ¿verdad?

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Christian Linke, showrunner y máximo responsable de Arcane, ha estado hablando sobre ello en una entrevista con TechRadar. Por supuesto, las críticas negativas de los fans han llegado hasta él y este asegura que “entiende” las quejas.

“Necesitamos escuchar y aprender de ello”, aseguraba Linke sobre el tema. El directivo dejaba claro que son conscientes de que esta serie va a dirigida a los fans de todo el mundo y no solo a ellos mismos y que eso supone un gran esfuerzo.

El creador de Arcane entiende las críticas

Fortiche y Riot Games están “haciendo esto para un público de personas, no solo para nosotros mismos”, señalaba. “Por un lado, a la gran mayoría de las personas parece gustarles cómo está, lo cual es genial. También hay algunas personas que dicen que es apresurado y que hay demasiadas cosas sucediendo, y lo entiendo”.

El cocreador de Arcane entendía que los espectadores y espectadoras que "sintonizaron para ver la segunda temporada, después de haber amado la primera, podrían haberse sentido decepcionadas". El motivo es ese ritmo más lento que enarbola la primera temporada. 

“Sí, lo cambiamos para la segunda temporada. Queríamos hacer las cosas un poco diferentes en la segunda temporada. Así que sí, lo entiendo, lo respeto y quiero aprender de eso”, mientras apuntaba que parte del problema es que la serie solo tiene dos temporadas.

“Creo que parte del problema es que es un síntoma de que  Arcane tiene dos temporadas de duración. Es un aprendizaje para los que estamos haciendo esto y queremos aprender de ello. No queremos hacer algo que sea chocante, así que todo esto es parte del proceso de aprendizaje”.

Desde luego, el final de la temporada 2 y de la serie se siente precipitado y rompe mucho con la esencia de Arcane hasta el momento. Así hemos valorado el acto 3 en HobbyConsolas: Arcane cierra con un arco apresurado que en ciertos momentos traiciona a la propia naturaleza de la serie, pero que sigue enarbolando una calidad técnica, audiovisual e interpretativa sobresaliente.

Eso sí, ya ha quedado claro que el equipo de Arcane piensa mantener la calidad con los futuros spin-offs de la serie, porque habrá muchas más historias ambientadas en el universo de League of Legends de cara al futuro.

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Lo que me fatigó durante el arranque Dune: Parte II se ha convertido en absoluto gozo en Dune: La profecía, la nueva serie de Warner Bros. en Max. Motivado, además de por sus imágenes, por su banda sonora: con una precisión salvaje, kudos a Volker Bertelmann (aka Hauschka), construye un ambiente sonoro lleno matices oscuros y modernos absolutamente memorables que te transportan a un mundo donde sabes que las reglas no son humanas.

La serie está basada en Sisterhood of Dune, la novela original de Brian Herbert, hijo del padre de Dune, Frank Herbert. Es decir, no forma parte de esa saga de seis libros con los que Frank Herbert se elevó entre la comunidad literaria llevándose los dos honores más grandes de la ciencia ficción: el Premio Hugo y el Premio Nébula.

Vista la dimensión global que ha adquirido la saga tras su relanzamiento en los cines bajo el atractivo carisma de Timothée Chalamet, la nueva serie de Max ha apostado por reforzar su aura de misticismo con los rostros de Emily Watson (Chernobyl), Travis Fimmel (Ragnar en Vikingos) y Mark Strong (el estoico Archie de RocknRolla).

Dune: La profecía nos lleva 10.000 años antes de los eventos que conocemos en las películas. Vamos a presuponer que no has leído la saga de Frank Herbert, que es para lo que estamos aquí. No hay Paul Atreides, no hay Timothée Chalamet, aunque sí que habrá coqueteos con los gusanos gigantes.

La historia tiene a las Bene Gesserit como protagonistas. Una hermandad de mujeres, una «sisterhood», esta vez con más precisión en el término original para describir las raíces sobre las que se nutre la historia.

Una orden, un culto, una secta que teje y manipula los hilos del Imperio. Porque Dune: La profecía respira con la intriga palaciega que tanto entusiasmó en Juego de tronos, pero con una perspectiva más aguda para la filosofía que para los diálogos. Y no, no es Juego de tronos sin dragones.

Valya y Tula Harkonnen (Emily Watson y Olivia Williams) heredan por el peso de su poder y de sus argucias el liderazgo de las Bene Gesserit para explicarnos cómo manipularon el destino poniendo y quitando emperadores, desarrollando genéticamente un linaje de probeta. 

Son el susurro en el oído del rey desde el planeta de Wallach IX, con su propia escuela de jóvenes peones que generación tras generación convierten en reinas del futuro tablero. Hora de entrar en materia de lo que promete el único episodio disponible de Dune: La profecía.

Más allá de Arrakis

El arranque del primer episodio es una delicia. Una voz en off conduce la narración inicial, comprimiendo la esencia de todo lo que pretende la serie en una secuencia que brilla en todos los aspectos técnicos y artísticos. 

Tiene tono literario y cobertura de tapa dura. Una gruesa, con su nombre cincelado en la portada. De cuero y con tira desgastada para marcar las páginas, protegiendo un interior a la vez lejano y fascinante. Muy a lo El señor de los anillos: La comunidad del anillo. Y muy de videojuego, como las presentaciones de Medievil o de las razas de World of Warcraft.

Voy a reconocer que, en medio del embrujo que me produce una voz en off bien interpretada, pensé que su tono, a la vez grandilocuente y misterioso, a la vez íntimo en susurros, es una herramienta técnicamente sencilla que tanto podría aprovechar el futuro cinematográfico de Star Wars.

Entre los paisajes de Budapest y Jordania, la serie recoge el testigo de la siempre cautivadora mirada de Denis Villeneuve, que produce la serie, para ofrecernos un universo colosal, épico e hipnótico que podría colarse en una galería de fotogramas para hacer el deleite de cualquier amante al género.

Los decorados se alejan de los sistemas 360 que tanto bien hicieron a Mandalorian para construir un ambiente virtual que rodea a los actores y hace físicas sus imágenes digitales mediante pantallas LED gigantescas que cubren toda la sala.

Aunque el método, y para muestra el botón que comentábamos, es un absoluto deleite de fotorrealismo, en Dune: La profecía han mezclado el CGI con decorados prácticos, construyendo los escenarios. No hay Volume, ni StageCraft; hay mucho de realidad, lo que potencia el toque artesanal con el que con tanto gusto arranca el primer episodio.

Este trabajo, además de la BSO que se echa a la espalda todo el volumen de la serie, queda perfectamente remendado por el estupendo trabajo de montaje que empasta perfectamente con la obra madre de la que deriva.

Narrativamente, algunos fragmentos pueden ser tan farragosos como una tormenta de arena. Especialmente en el conflicto del matrimonio arreglado, la interferencia de las Bene Gesserit y las dudas del Emperador.

Adaptar Dune no es empresa pequeña. Han trabajado en el guión para simplificar y reducir la abrumadora construcción de su universo en conceptos condensados más funcionales: las envidias por el poder y la jerarquía, la división de clases o la fragilidad de la voluntad humana y su propia contradicción.

Elementos que veremos pivotar entre sus personajes principales, con la rebelde Princesa Ynez (Sarah-Sofie Boussina) siendo el punto de inflexión para la escuela de las Bene Gesserit; o el misterioso Desmond Hart (Travis Fimmel) que viene a enfrentarse al poder de las brujas.

Presta más atención al subtexto de las tramas que a la brutalidad explícita, lo que hace que entre en un peligroso duelo de equilibrio entra la construcción del mundo y el entretenimiento práctico que muchos esperarán por su etiqueta comercial.

Parte de ello es la herencia del potencial de las Bene Gesserit, que hace de la serie un testimonio de cómo las historias de poder pueden ser narradas no desde la fuerza física, sino a través del conocimiento, la paciencia y la manipulación sutil. Un terreno en el que Emily Watson fluye con la misma astucia que su personaje.

Es un juego de estrategia en un mundo de brutales jerarquías masculinas, redefiniendo el concepto de liderazgo como algo profundamente cerebral y colectivo, sin idealizar métodos que demuestran que incluso el poder femenino puede ser tan cuestionable como cualquier otra forma de control.

Dune no es Juego de tronos (ni falta que hace)

Vamos a aburrirnos de leer comparaciones con Juego de tronos. Como ha pasado infinidad de veces desde ese final que nos arrebató parte de la nostalgia y el clickbait grita desesperado por atención. Sí, hay casas rivales, hay política, hay amenazas veladas y traiciones por el poder. Las historias épicas sobre familias y reinos son tan viejas como la religión.

Juego de tronos no inventó la rueda, pero definitivamente supo hacerla girar como nadie. El mayor peligro de la comparación con Dune: La profecía, sin embargo, lo han hecho directamente en la propia promoción de la serie. 

"Cualquier cosa puede pasar", se escucha en entrevistas. La tendencia vaga y desesperada por introducir una sorpresa que, en la mayoría de los casos que se ha utilizado comercialmente, ha acabado en desastre. Que le pregunten a Emilia Clarke.

La intriga, el carisma y el hechizo que hipnotizó con fervor fanático a millones de espectadores por la obra de George R.R. Martin no fue la arbitrariedad ni el caos. Cada elemento venía respaldado por un trabajo narrativo que cumplía en verosimilitud y en necesidad para sus personajes.

El primer episodio de Dune: La profecía es exquisitamente prometedor. No tengo la menor duda. Pero la peligrosa sombra que se cierne sobre su desarrollo es que "cualquier cosa pueda pasar" para ocupar un hueco que no es el suyo.

Hay muchas reflexiones acerca de la densidad de la serie, o incluso de sus tramas políticas y la poca claridad de su universo. Tal vez esa sea la verdadera profecía que Dune pone sobre la mesa: si no podemos concentrarnos en el arte, ¿qué futuro nos espera?

Se sienta en su mesa, su amiga de batalla. Puede que la única. En la oficina hace frío, pero no del que cala los huesos, sino del que congela las emociones. Allí persiguen el fraude al Estado, tan aletargados como embriagados por la apatía funcionarial.

Dibujar a un inspector de Hacienda basado en los prejuicios, ya lo veis, tiene poco de complicado. Pero estas líneas aplastarían al peso cualquier opción de convertirlas en una ficción interesante. Y por eso tiene tanto mérito lo que Diego San José ha creado con Celeste, la nueva serie de Movistar Plus+ protagonizada por Carmen Machi.

Sin medias tintas ni mascaradas, la serie se sumerge en la persecución de Celeste (Andrea Bayardo), una popular cantante latina que estaría defraudando a Hacienda al asegurar que no reside en España, evadiendo así sus impuestos. Sara Santano (Carmen Machi) retrasará su jubilación para demostrar que, como mínimo, ha pasado 184 días en el país. Y le sale a pagar.

Es como suena: la serie está inspirada en la terna de Shakira y la fiscalía española, con las idas y venidas de la Audiencia Nacional que acabarían con la colombiana pagando 14,5 millones de euros para evitar una pena de 8 años de prisión y el doble de dinero. La suegra, la prensa y la deuda en Hacienda. Faltaba la película —en este caso, la serie—.

Un tema delicado que en otras manos podría volverse terriblemente soporífero. Pero el guión, bebiendo del costumbrismo que con tanto equilibrio elevó a Vota Juan, construye una historia inspirada en el morbo con una interesante reflexión sobre la identidad laboral, la ambición y la soledad.

En seis capítulos de 30 minutos, de los que ya están disponibles los dos primeros en la plataforma, San José hace respirar el drama que había mantenido en el pecho de sus comedias (Ocho apellidos vascos, Fe de etarras) para ofrecer una mezcla entre el thriller, el drama y la comedia más vulnerable.

Has leído bien: 30 minutos. El género parece enterrado en ficciones que necesitan rellenar los 60 minutos para aumentar el tiempo de visionado de las plataformas, y es otra de las razones de su éxito: cada minuto, como un café Espresso, viene perfectamente condensado en su dosis.

Las inspectoras ya no lloran, las inspectoras capturan

Sobre la vida de todo autónomo y empresario se cierne la aterradora sombra del inspector de Hacienda. No es el caso de Amancio Ortega o de la propia Shakira; los mortales padecemos un terror casi infantil, como si del Hombre del saco se tratase, a ser investigados y sufrir las consecuencias de nuestro propio desconocimiento.

La burocracia de España es lo que tiene; tengas o no conocimiento de causa, el peso de la ley caerá sobre ti si asomas el cogote por debajo de la cama. Pero tú, al fin y al cabo, sólo eres un peón más. El verdadero juego empieza cuando se mueven los alfiles. Cuando el encargo lleva cinco ceros.

Eso es lo que consigue que Sara Santano decida embarcarse en una nueva persecución. Un último baile. Quiere redimirse de aquella antigua batalla perdida contra un futbolista «del Madrid», aunque también sirva de distracción para no ahogarse en la soledad de su casa ahora que su marido no está.

Reconvertida en una especie de Terminator del fisco, Carmen Machi ofrece una lección magistral de equilibrio dramático. La serie coquetea constantemente con nuestro sonrojo y nuestra vergüenza ajena en situaciones que, paradójicamente, son tan naturales como el vermú de aperitivo en Madrid.

Es una superheroína a la española, llena de grises que podrían hacerte odiarla si la realidad te aplastase como una de sus víctimas fiscales. Es adusta, más sociable de lo que ella misma se demuestra, determinada e involuntariamente divertida. Esto último es el toque cómico que pincelan Diego San José y su equipo como marca de autor. Y cuánto se lo agradezco.

No esperes romperte la tripa a carcajadas. Celeste es una serie de sonrisas inesperadas mientras sus personajes y sus diálogos hacen que te mires con los demás, si ves la serie acompañado, buscando la complicidad del costumbrismo que tan bien entra cuando se hace con criterio.

Pero no vayamos a llevarnos a engaño: muchos estarán aquí por el morbo. Sí, también tú, que miras de reojo a ese familiar que veía Sálvame, aunque sea por echarte unas risas. Porque esta reconstrucción de la polémica fiscal de Shakira será una de las pocas ocasiones en las que verás con buenos ojos una inspección de Hacienda. Y, créeme, te relamerás con cada día sumado al calendario de los 184.

Junto a Machi también brilla Manolo Solo como el fotógrafo que también tuvo mejores días de gloria y ahora vive de los pellizcos menos reconfortantes de perseguir a famosos, consiguiendo con muchísima elegancia convertirse en el descargo humorístico más evidente de la serie.

Toda la ambientación de la serie, sus decorados y el vestuario potencian esa dualidad de lecturas que ofrece la serie. La del morbo y la comedia sobre la amargura del personaje, y también la de su reflexión, por ligera que pueda parecer, sobre la pérdida de identidad tras la jubilación.

Celeste va a buscarte como un viejo amigo que no ha perdido su habilidad para darte alguna bofetada de realidad entre viejas historias de risas. Una historia que te atrapa con su red costumbrista y te recuerda que todos nos enfrentamos en algún momento a la soledad y la pérdida de la rutina.

Sara sigue adelante. Renegando de las ideas de su hija de buscar amistades, pero intentándolo a pesar de todo. Porque sigue viva. Y hasta que encuentre una nueva, la oficina, la rutina y la caza de Celeste serán su yesca.

La relación entre ambas, por distante y silenciosa que parezca, es un núcleo emocional de la serie. Celeste no es sólo su ratón, es un espejo en el que detesta mirarse. Su piel, su éxito, su autoridad. Una mujer que no parece pedir disculpas por lo que quiere, por lo que ha conseguido, mientras Sara ha sido siempre una pieza más en el engranaje de un sistema frío.

Entre post-its con fechas, presentaciones de carné de inspectora que hincharían de orgullo al mismísimo Robocop y ralis inesperados junto a algún «paparazzo», la investigación se desarrollará de forma tan brillante que sólo faltan los Estopa para terminar de apuntalar una de las mejores series españolas del año.

Fortiche se ha animado a desatar el poder de lo arcano de una manera algo inesperada, haciendo que la propia naturaleza de la serie vire hacia nuevos derroteros nunca antes vistos. Arcane muta hacia lo metafísico, mientras sana las heridas del pasado.

Solamente quedan tres episodios para que termine la segunda temporada... y con ello la serie se despida para siempre. ¿Qué planea Riot Games para su universo? Arcane puede estar plantando la semilla de lo que está por venir.

Lo cierto es que los dos primeros capítulos de este segundo acto nos han dejado el cierre casi completo a uno de los arcos más importantes de la serie. Sin embargo, el último ha supuesto un cambio... que puede generar cierta controversia.

He tenido que ver varias veces cada capítulo y pese a que la primera impresión fue algo negativa, a cada visionado, la serie me volvía a atrapar un poquito más. ¿Cómo? Pues te lo cuento en esta crítica de Arcane temporada 2 acto 2.

Arcane cierra profundas heridas familiares

Fortiche repite una de las jugadas que mejor le han salido en anteriores actos y fuerza un cambio de ritmo que separa lo visto en los tres anteriores episodios, que terminaban con una Caitlyn comandando a una belicosa Piltover.

La serie no se molesta en transmitir el arduo proceso de "pacificación" de Zaun y tira a la cara del espectador una nueva realidad dentro de la ciudad subterránea. La guerra ha terminado y el yugo de Piltover asfixia a los habitantes de Zaun.

La trama vuelve a profundizar en Jinx, que continúa evolucionando mientras empieza a dejarse entrever que las viejas rencillas cada vez importan menos. Hay un cambio en el personaje y es de agradecer que no se estanque. La agilidad y frescura marca de la casa no faltan a su cita.

Mientras tanto, las intrigas políticas que llevamos viendo durante toda la producción de Netflix van mermando poco a poco y dan paso a otro tipo de interrogantes relacionados con Noxus y ese misterioso grupo denominado como "Rosa Negra".

No hay respuestas, pero sí muchas dudas sobre lo que busca la organización mágica. Aunque esta trama parece ser solo una mecha que comienza a prender y que amenaza con reventar todo por los aires en el cierre de la próxima semana.

El verdadero motor de este segundo arco es una suerte de vuelta al pasado, a cuando Vi y Powder aún eran unas crías que correteaban bajo la protectora sombra de Vander. Los episodios por fin cierran (o parecen cerrar) las heridas entre las dos hermanas.

Tras un combate apoteósico, ambas se reencuentran bajo un nuevo contexto impulsado por un nuevo campeón, que sufre un rediseño para confirmar una de las teorías más establecidas por los fans de League of Legends. El lobo ha regresado.

Sin entrar en spoilers, la presentación del personaje es tremendamente fiel a la identidad del campeón en el juego, pero puede que algunos jugadores sientan que "ese no es el W****** que conozco". Aun así, la transformación es impresionante.

Y hablando de transformaciones... Vi teñida de negro es absolutamente espectacular. Escenas como el arranque del quinto episodio dejan muy claro por qué Arcane es una de las mejores series del momento. No hay sorpresas, pero da gusto cómo Fortiche inicia cada capítulo.

En general, los dos primeros episodios ofrecen una buena ración de sentimentalismo, sirviéndose de un flashback que pone los pelos de punta y momentos a cámara lenta en los que cada plano supera al anterior, mientras se sustentan en una banda sonora capaz sacarte un par de lágrimas.

Y después de un emotivo reencuentro, Arcane cambia. El final del quinto episodio te deja con una ceja levantada. Viktor y su trama entran dando un portazo. Sin duda, este es uno de los momentos que más pueden pillarte por sorpresa.

La búsqueda de lo arcano vira hacia divinos derroteros

Sin demasiadas tramas políticas, más allá de Ambessa dando guerra y luchando por sobrevivir, Arcane se lía la manta a la cabeza para cambiar de tercio y pasarse a lo esotérico con un Viktor que trasciende al papel de divinidad apoyado en la iconografía de lo sectario y comunal.

El núcleo hex del que tanto hemos visto en el pasado, ya nos mostró lo que era la primera fase en la transformación del científico, pero el sexto episodio de esta temporada hace que todo vaya mucho más allá... hacia un plano casi metafísico.

Este segundo acto de Arcane ofrece una nueva visión de lo grande que puede ser el universo de Runeterra. Piltover y Zaun son solo una pequeña "mancha" dentro de un mundo en donde cualquier cosa es posible. Esa mayor proyección puede no gustar a todo el mundo.

La trama de la comunidad "hippie" de Viktor y el inicio de esa confrontación con Jayce crece de forma inesperada hasta un punto algo peligroso que amenaza con llevarse por delante todo lo que se ha construido previamente la serie, más asentada en los conflictos terrenales.

Sin embargo, el resultado final será el que dicte sentencia. De momento, lo que queda claro es que el Heraldo de las Máquinas (así se le conoce en el juego de Riot Games) ha recibido un curioso lavado de cara que puede tornarse en cualquier cosa.

Además, este último capítulo ofrece un nuevo giro para Caitlyn, que vuelve a reencontrarse con su "pastelito"; algo que puede llevarnos al punto de partida inicial en el que estaba el personaje antes de esta segunda temporada. Ese cambio de actitud no llega a entenderse tanto como el primero.

Lo que también puede acusar algo de cansancio es la repetición de una fórmula espectacular, pero cuyo uso acaba por ser demasiado predecible. Todos los capítulos pecan de tener una conclusión algo sensiblera recurriendo a un tema musical emotivo y al uso de ciertos recursos cinematográficos.

Por suerte, el guion no flaquea y sigue dejando claro que esta serie tiene calidad par dar y regalar. Eso sí, recomiendo ver este segundo acto con calma para asimilar todo. Pese a algunas reticencias, no puedo dejar de pensar en cómo va a terminar todo esto. Arcane no parece temerle a nada.

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Pues lo cierto es que pese a que Teemo ha vuelto a aparecer en una pintada, otro personaje muy reconocido por los jugadores y jugadoras de League of Legends ha estado presente en el episodio tres de Arcane. ¿Quién? Solo hay que notar la brisa.

Efectivamente, Janna, la conocida support con ventosos poderes, ha aparecido en la serie de una forma bastante inteligente, ya que no lo ha hecho en persona, pero los creadores de Arcane han introducido a la campeona con gran mimo.

Una campeona de League of Legends aparece en Arcane

Antes del enfrentamiento entre Vi y Jinx llegan a un templo que pertenece a un benévolo espíritu del viento. Este no es otro que Janna, personaje que lleva muchos años como campeona de League of Legends y es muy utilizado en el rol de apoyo.

Los vientos de Janna protegen de los gases tóxicos a los habitantes de Zaun y esto queda patente durante este último episodio del primer acto de Arcane temporada 2. De hecho, en un mural de piedra se puede ver a Janna. ¿Quién es esta campeona? Esta es la descripción oficia de Riot Games: 

Janna es un antiguo y misterioso espíritu del viento que ha aparecido para proteger a los desfavorecidos de Zaun. Aunque su presencia a menudo se revela en forma de una ráfaga refrescante o una furiosa tempestad, también puede manifestarse en su etérea figura material para alentar a los desamparados. 

Durante eones, Janna ha sido testigo del alzamiento y la caída de incontables civilizaciones. En todo ese tiempo, se ha mantenido fiel a su propósito de ofrecer ayuda a todo el que la necesite. ¿Tendrá Janna un papel relevante más allá de esta fugaz aparición?

¿Qué te está pareciendo la serie hasta el momento? La mención a Janna ha sido toda una sorpresa, aunque los fans seguimos esperando la aparición de cierto lobito que ya se ha insinuado más de una vez en la serie...

Si disfrutas con el universo del MOBA de Riot Games puede que la siguiente noticia no te guste tanto y es que la compañía ha cancelado un "Smash Bros." de League of Legends.

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La complejidad narrativa y el mimo audiovisual que quedó plasmado en cada capítulo han mantenido a Arcane por encima de otras adaptaciones como Dragon Age: Absolución o Tomb Raider - La leyenda de Lara Croft. Arcane juega en las grandes ligas y tiene la intención de seguir haciéndolo. 

Riot Games no ha sucumbido al hype y ha dado tiempo al estudio de animación francés Fortiche para que entregue una segunda y última temporada a la altura de las expectativas. La espera ha concluido y es hora de volver a Runeterra con estos tres episodios que componen el primer acto.

En mi crítica al tercer acto de Arcane, que cerró la primera temporada hace tres años, señalé que la serie había conseguido cautivar a todo el mundo por ser mucho más grande y ambiciosa de lo que cualquier fan del videojuego hubiera podido imaginar.

La partida no había hecho más que comenzar, dije. Y desde el primer fotograma, del primer capítulo, del primer acto de Arcane temporada 2 queda claro que Fortiche y Riot Games quieren seguir jugando... sin perder ni un solo segundo.

Arcane con "A" de ambición 

La partida de League of Legends continúa y de qué forma. Arcane arranca justo dónde nos dejó Jinx, con el consejo de Piltover sumido en el más absoluto caos; pero el ritmo solo se permite unos pocos minutos de metraje para descansar. 

Piltover y Las Líneas se lamen las heridas en una realidad en donde ambos bandos quieren su trozo del pastel, generando que la brecha entre los buenos y los malos se desdibuje por completo. Las intrigas políticas de los de arriba y abajo son el motor que mueve la narrativa de este primer acto.

La sombra de la guerra amenaza con volar todo por los aires mientras se deja claro que aquello que esperábamos del regreso de Arcane se va a cumplir, multiplicado por dos. El tercer capítulo de este acto inicial no deja lugar a dudas: esto va a ser muy grande.

Porque no olvidemos cómo se llama esta serie... Lo arcano aún debe descifrarse y mientras las batallas por el poder se desencadenan, todo lo relacionado con el Hextech gana importancia hasta un punto que no esperas, generando en el proceso una avalancha de incógnitas.

Y mientras unos se pegan y otros investigan, Arcane hace lo que mejor se le da, entrelazar todo mediante unos personajes que crecen, evolucionan y cambian. Pese a que no ha habido descanso, Fortiche no se para a tomar aliento y da a todo el plantel la presencia en pantalla que merece.

Tenemos más conflictos, alianzas, nuevos secundarios con gancho gracias al tremendo poder creativo del universo de Runeterra y se profundiza en el propio "core" de la región de Piltover y Zaun, mientras se ofrecen referencias y guiños a los fans del LoL.

El duelo entre Vi y Jinx se mantiene engrasado, dejando un par de momentos para el recuerdo, pero es Caitlyn quien se crece como personaje. La tiradora gana mucha complejidad y se sacude el polvo para reivindicarse como personaje principal... muy principal.

Hailee Steinfeld como Vi, Ella Purnell, que repite en el papel Jinx, tras triunfar en otra sobresaliente adaptación como ha sido Fallout, y Katie Leung dando vida a Caitlyn siguen aportando un enorme empaque a sus campeonas, que también disfrutan de un doblaje al castellano excelente.

Lo único que puede llegar a generar cierta inquietud en el espectador son las dudas que causa ese nuevo arco más centrado en la magia y menos en todo lo que ha desarrollado la serie ya, pero este primer acto parece asentar bien las bases de lo que está por venir. ¿Dará tiempo a atar todo?

Por poner otro "pero", el grupo que se forma en torno a Vi y Caitlyn parece tener una gran importancia al comienzo del acto, pero el guion rápidamente se deshace del resto de personajes para seguir centrándose en las campeonas... al menos, de momento.

Animación y sonido al servicio del espectáculo

Por supuesto, lo que ha aupado a Arcane a la posición de éxito en la que se encuentra la serie ahora mismo no es solo una buena trama, sino también el uso de un exquisito lenguaje cinematográfico capitaneado por una animación llena de personalidad y arrojo.

El color vuelve a impregnar cada plano. Fortiche busca ser convencional cuando toca, pero no se conforma y repite jugada trazando bellos cuadros llenos de simetrías y trasteando con momentos mucho más experimentales.

Y no hablo solo de planos, sino de una animación cambiante que busca dejarnos con escenas como la lucha que protagonizaron Ecko y Jinx en el puente. Arcane temporada 2 cuenta con esto y no tiene miedo a cambiar y a probarse con escenas de estética "comiquera" o a carboncillo.

Cierto es que ese factor sorpresa y disruptor de la primera temporada se ha perdido, pero este acto presenta grandes momentos, especialmente cuando la acción toma el control. Aquí es donde la serie vuelve a exhibir todo su músculo técnico con auténticas virguerías y coreografías.

Estas quedan engalanadas con una banda sonora cañera llena de ritmo, "beats a todo trapo" y con ese toque macarra e industrial que tan bien pega con la estética barriobajera de Las Líneas. Woodkid vuelve con un nuevo tema potentísimo y Heavy is the Crown llega con una cover marca de la casa.

Los momentos en donde Arcane es más Arcane son constantes y están llenos de iconografía, aunque puede que la repetición en la fórmula quite peso a algunos de ellos. Por suerte, la narrativa no pierde fuelle, pese a buscar los focos del más puro espectáculo en varias ocasiones.

La espera ha merecido la pena

La segunda temporada de la serie de Netflix se ha hecho de rogar, pero después de haber visto los tres primeros episodios hay que dejar claro que la espera ha merecido la pena. Arcane ha vuelto bajo la misma apariencia con la que se despidió.

Pese a que un acto inicial puede pecar de conservador para asentar las bases de lo que está por venir con un inicio algo más lento, Arcane temporada 2 no arranca, sino que continúa pisando el acelerador como si estos tres últimos años no hubieran tenido lugar.

Esto no es un primer acto de una segunda temporada, esto es un cuarto acto de una serie que en su conjunto promete ser mucho más grande y ambiciosa de lo que esperábamos... y eso que ya íbamos avisados. Arcane ha vuelto. Que la partida continúe.

Recuerdo ser apenas un adolescente y entrar cada día a buscar si había nueva entrada del blog. Este hombre vivía en Galicia cuando empezó la pandemia que acabó con la especie humana convertida en muertos vivientes salvajemente hambrientos. En retornados. En zombis, vaya.

Podía ser el formato blog por novedad, la temática en un mercado menos saturado de aquellos tiernos «dosmiles» o, simplemente, la narrativa. Pero lo que más me enganchó de Apocalipsis Z, la historia original de zombis que empezó en un blog en internet hasta convertirse en novela —y vender más de 500.000 ejemplares— fue su identidad.

Manel Loureiro empezó a escribir su historia lejos del gramaje del papel; su lienzo fue internet. Casi 20 años después, sus zombis llegan también en el formato más visual: Prime Video España estrena Apocalipsis Z: El principio del fin. Y la imaginación se hizo carne, vísceras y sudor.

La película de Prime Video nos lleva a un mundo distópico que abre inesperadas cicatrices con ese terrorífico 2020 que cuando el autor escribió la historia tanto sonaba a ficción. Hasta que no lo fue.

Basada en la novela original, pero adaptada a nuestra mediática y no menos espinosa realidad post-covid, el guión de Ángel Agudo nos cuenta la historia de Manel (Francisco Ortiz), un joven gallego que se ve forzado al aislamiento con su gato Lúculo tras el estallido de una pandemia que convierte a las personas en feroces e irracionales criaturas.

El virus empezó en Rusia, llegó a Europa y ya ha asolado el mundo. Lo que una vez, cuando leía las primeras líneas blog y novela, fue imaginación, ahora es paradójica y dolorosamente recuerdo con su evidente distancia.

Manel tendrá que sobrevivir a los zombis, sí. Pero su supervivencia llega en primer grado por el alimento, la bebida... y el hombre. Es una nueva vuelta de tuerca al concepto de Soy leyenda y El último hombre vivo (Boris Sagal, 1971), ahora en España.

Decía que lo que me enganchó de esta historia fue su identidad. España es el escenario: sus formas, sus manierismos, los razonamientos del personaje y las reacciones de su gente, son también míos. Y tuyos. No hay lazo comparable en el terreno de la imaginación a entender a tu protagonista, y aquí lo tenemos en bandeja de plata.

Ese marco inmejorable se convierte en un festín para cualquier amante del género en nuestro país. Película y libro se cogen de la mano, aún con sus licencias, en ese primer tramo de acercamiento. 

Pero toda su identidad, aquella que hace latir su frescura, se desvanece al cierre entre clichés comerciales del género que ofrecen una triste recompensa: convertirla, precisamente, en «una más de zombis».

Huelga decir, como habrás imaginado, que fui uno de esos lectores primigenios de blog y novela. También que cualquier persona que vierta su opinión sobre cualquier película y diga ser objetivo, se llevará el título de mentiroso. No querría yo ser esto último.

Así que voy a intentar analizar Apocalipsis Z: El principio del fin desde ambos papeles: el del neófito en la película y el del pesado que te recomienda el libro. Para ti es el resultado.

De la intimidad del blog al espectáculo en pantalla

La película arranca por todo lo alto, con Manel enfrentándose a la salvaje realidad de una España que va camino del mismo precipicio que el resto del mundo. Será el propio Manel Loureiro el que despierte la primera sonrisa del lector con un cameo como presentador de las noticias.

Francisco Ortiz da vida a un Manel que no podría ser físicamente mejor opción para el papel. Un joven ágil y despierto, pero, sobre todo, una persona absolutamente normal. Con sus incongruencias y sus momentos débiles. Porque Manel perdió a su pareja en un accidente de tráfico y el dolor por la pérdida le sacude por oleadas tan duras como ineludibles.

La película hace un gran esfuerzo inicial por establecer los lazos afectivos del protagonista: su pasado y la culpa arrastrada por una familia que nunca pudo ser, y su hermana, que vive lejos de su Galicia natal.

El recorrido por Galicia dejará el pulpo y las mariscadas por hordas de zombis y survival horror. En el fondo, Miña terra galega tira mucho, incluso si eres un muerto viviente.

Con sus licencias, pero respetando el concepto original, el tramo inicial en el que Manel tendrá que adaptarse y entender su nuevo mundo funciona. Cuando tiene que buscar comida, se encontrará con otra superviviente que necesitará su ayuda para subsistir durante las primeras semanas.

No voy a dar más información precisa a partir de aquí, así que puedes respirar tranquilo si todavía tienes la película pendiente. Este tramo, sin embargo, es imprescindible para entender por qué Apocalipsis Z: El principio del fin dinamita la base tan carismática con la que revolucionó el género en España.

Durante su viaje de salvación, Manel tendrá que proteger al pequeño Lúculo en escenas de acción que te harán saltar, como a su protagonista, de la inquietante calma del silencio al desenfreno del apocalipsis con decenas de criaturas que avanzan imparables a por tu pescuezo.

Los zombis de Apocalipsis Z, que en el género hemos conocido en multitud de fórmulas, son «de los que corren». Y lo hacen de verdad. A pesar de que la novela original hablaba de su velocidad, parece que la película ha querido apretar algunas tuercas más en pos de la acción más palomitera.

Esta dinámica es una primera pista del enfoque de la adaptación al cine: la película de Amazon Prime se despega del escenario íntimo, reflexivo y tan angustiante que transmite la novela de Manel Loureiro. España seguirá siendo el escenario, pero, superado el primer acto, la historia picoteará de los clichés del género para darle un espíritu más comercial y, sobre todo, global.

Es una decisión, definitivamente. La novela original me hizo partir con la expectativa de un cine más independiente, con lazos estrechos a la tierra que nos une. Quizás esperaba encontrarme más 28 días después (Danny Boyle, 2002) o La noche devora el mundo (Dominique Rocher, 2018) y menos Amanecer de los muertos (Zack Snyder, 2004).

La propia película pide inicialmente esa opresión atmosférica al marcar el carácter y las preocupaciones del personaje que en el libro se hacen palpables en las reflexiones del diario. 

El Manel de Amazon no comete errores, no se tuerce el tobillo en un mal gesto y es absolutamente determinado. Y esa falta de humanidad y la crudeza que lo rodea era un aspecto identitario exquisito del material original.

Sea como fuere, el camino elegido es el del héroe de acción clásico también del género y el resultado se hace carne en el clímax de la película. Tranquilos, sigue vigente la promesa de no entrar en más detalles.

Hasta llegar a él, su camino seguirá siendo un entretenido y obligatoriamente veloz recorrido por el verdadero depredador de la historia: el ser humano. Plantea una gama de grises inicial que es enriquecedora para algunos de los personajes, pero, como decía, termina abocada al maniqueísmo genérico. Más socorrido... y sí, sencillo.

Carles Torrens, director de la película, estimula esa visión frenética en las siempre complicadas escenas de acción, acompañado de un reparto que funciona sin tener un gran espacio para desarrollarse más allá del propio protagonista.

Aún con un par de diálogos y escenas que te harán torcer el gesto por no tener la misma precisión que el resto del metraje —una pareja metida con calzador para decirte con poca sutileza lo mucho que puede cambiarnos el caos, las incongruencias con las armas y su paso de puntillas por las terribles consecuencias para uno de los personajes—, la película tiene hechuras para aportar al género.

Entre la autenticidad y la corriente comercial

Después de digerir las emociones de las expectativas y las consecuencias de la adaptación al cine comercial, Apocalipsis Z: El principio del fin es una entretenida propuesta para los amantes del género que no brilla con el fulgor de su punto de partida.

No tiene la complicidad historia-espectador de la novela; consecuencia en parte de la imagen, pero también de lo mucho que aparta al espectador de la naturaleza tan genuina y torpe, como todos nosotros, de su protagonista.

Ese crecimiento podría tener mayor justificación en una segunda parte que promete el anticipable —y eso da exactamente lo mismo— final de la película, que nos deja a las puertas de la secuela. Pero la fragilidad y la misericordia humanas, temas también de libro y película, quedan diluidas al servicio de la espectacularidad.

Qué problema, pensará alguno. Y así es. Es una gran noticia para el género en la sección patria, y también lo es para la plataforma. No quita que esperaré poder volver al apocalipsis en una secuela que todavía tiene que firmarse.

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Pero, ¿Billy Crystal en un thriller psicológico? Apple TV+, tienes mi atención. El mismo de las icónicas galas de los Oscar en las que presentaba las películas metiéndose en sus escenas y que desde hace unos años parecía haber desaparecido del mapa, vuelve al redil con una nueva faceta interpretativa.

Apple TV+ estrena Before, una serie de diez episodios de entre 30 y 40 minutos que mezcla el thriller psicológico con ligeras —y también entraba el superlativo— briznas de terror.

La multinacional tecnológica sigue arriesgando con sus contenidos después de liderar el mejor estreno del thriller en series de ficción de los últimos años (según los datos de Filmaffinity) con su fabulosa Separación (Severance, 2022), o híbridos que ya son leyenda como Ted Lasso. Vamos, que miedo no les falta. Y presupuesto, tampoco.

Before tiene a Eli Adler (Billy Crystal), un psiquiatra infantil, como protagonista. Vive atrapado en el duelo por la muerte de su esposa que todavía forma parte literal de su vida. Sí, literal y físicamente. Eli tendrá conversaciones con su mujer ya fallecida a quien ve como a Bruce Willis en El sexto sentido.

Pero en casa del herrero, cuchillo de palo. Eli también se somete a terapia para enfrentarse a la soledad y el dolor, evitando cualquier conversación sobre su esposa fallecida con su terapeuta.

A su terapia llega Noah, un niño traumatizado con una personalidad oscura muy particular que tiene visiones extrañas y corruptas, sobre quien Eli parece proyectar su propio dolor para encontrar respuestas. Es el pie al mundo del psicoanálisis y la exploración sobrenatural, para terminar en un laberinto de percepciones distorsionadas con pocas pistas y menos ayudas narrativas.

Decía que Apple TV+ parece tener poco miedo. No es la única; Before es una propuesta que arriesga en la hipervisibilidad más macabra y efectista, como una suerte de La caída de la Casa Usher desprovista de profundidad, paradójicamente, psicológica.

Un laberinto de efectismo visual

La serie arranca con un soberbio mimo al abecé del género: un hombre trastornado por la pérdida y la culpa, un sonido hueco y una dirección de fotografía inquietante, oscura, que quiere alimentar la atmósfera opresiva protegiendo en exceso las sombras.

Eli tiene un sueño recurrente: caminando como un zombi por una piscina vacía, se lanza una y otra vez desde el trampolín al suelo hasta romperse todos los huesos. A su vez, Noah, el niño con quien trabaja, se enfrenta despierto a una presencia negra y líquida que lo vuelve extremadamente agresivo.

En el piloto, el trabajo narrativo es el de trazar paralelismos entre niño y adulto, entre paciente y terapeuta, para resolver las incógnitas y el dolor comunes que palpitan en el interior de ambos. Los dos necesitan ayuda, pero los dos se niegan a aceptar una mano tendida y tendrán que refugiarse en su compleja conexión.

En el apartado interpretativo, Billy Crystal encaja en su nueva faceta. Su parte en el casting quiere marcar la dualidad entre el hombre corrompido por la oscuridad, pero también el del profesional cuya lógica se burla de sus propias idas de olla.

Te pasarás la serie esperando un susto que nunca va a llegar. Before coquetea amenazante con el terror, y su fotografía no ayuda a evitarlo abusando en exceso de reducir la exposición hasta incomodar su visionado.

Pero es una promesa incumplida. Cada episodio está salpicado por visiones sobrenaturales inquietantes que se entremezclan con la realidad como una serpiente hasta convertirse en un plano común. 

Quiere ser una disrupción psicológica inteligente mostrando una separación de la mente y el cuerpo con representaciones físicas de dolores intangibles, y acaba reduciendo su significado al efectismo genérico sin que haya nada particularmente memorable en su propuesta.

Es un género complicado, extremadamente manido y muy socorrido en el streaming actual, pero vive a merced de su carisma. La maldición de Bly Manor hizo de su identidad la terrorífica visión de Mike Flanagan, su creador; The Sinner la encontró en su sórdida imaginación y Before quiere hacerlo con sus visiones.

Esa oscuridad que busca responder con creatividad no se traduce en profundidad emocional. La oportunidad es convertirla en el motor de su lenguaje visual, pero el resultado es el inverso: hay más interés por el impacto visual que por explorar el trauma de manera genuina.

Apple TV+ sigue arriesgando en sus propuestas y pocas pegas pueden ponerse a su producción, pero no siempre gana el que arriesga. Sus diez episodios engordarán las horas de visionado de la plataforma, lastrando una historia que habría ganado la fluidez que le falta en el formato película.

Before es una promesa de thriller psicológico de principio a fin. El puzle de realidades distorsionadas que construye es ambicioso y peca de mostrarse más inteligente de lo que demuestra ser narrativamente, esperando que la confusión y la duda sean el néctar de sus espectadores.

No puedo considerarla una apuesta «mala», en este yugo constante que vivimos quienes opinamos sobre cine en el que nunca aparecen los grises. La serie de Apple TV+ es una apuesta de la que esperaba más sabiendo del bagaje de la plataforma; no ha sido esta vez, pero el trabajo puede ser funcional como contenido menor de su catálogo.

Armored Core, Sifu, Spelunky, Mega Man o The Outer Worlds serán algunos de los títulos que veremos en forma de historias originales, dentro de una antología donde también tendrá cabida el fallido Concord.

Detrás de Secret Level está Tim Miller, responsable de Love, Death & Robots y director de la primera película de Deadpool. Toda una garantía de calidad, que se une además al lujo reparto de voces que tendrá el juego.

Así es el casting de estrellas que tendrá Secret Level

Un nuevo tráiler de Secret Level se ha filtrado a Telegram antes de ser retirado de inmediato por infracción de derechos; no sin antes haber llamado la atención por los detalles que desvela.

Lo más llamativo es que el vídeo destapaba la lista completa de actores que participan en la serie, y entre ellos hay varios pesos pesados de Hollywood:

• Arnold Schwarzenegger
• Kevin Hart
• Keanu Reeves
• Heaven Hart
• Temuera Morrison
• Ariana Greenblatt
• Emily Swallow
• Gabriel Luna
• Ricky Whittle
• Patrick Schwarzenegger
• Merle Dandridge
• Claudia Doumit
• Adewale Akinnuoye-Agbaje
• Clive Standen
• Laura Bailey
• Michael Beach

Arnold Schwarzenegger es experto en adaptaciones del calibre de Conan o Batman, y además le acompaña su hijo Patrick. 

Junto a ‘Terminator’ también destacan Kevin Hart (a quien hace poco vimos en Borderlands) y Temuera Morrison de El Libro de Boba Fett, otro veterano en películas y series de ciencia-ficción.

Hay que hacer una mención especial a la actriz Laura Bailey, una profesional del doblaje de videojuegos que ganó un BAFTA por su papel de Abby en The Last of Us: Parte II.

Más llamativo  es el caso de Clive Standen. Es la voz de Titus en Warhammer 40,000: Space Marine 2, y ya se ha confirmado que repetirá personaje en el episodio de Secret Level dedicado al juego.

Secret Level se estrenará menos dos meses después que New World: Aeternum en PS5, Xbox Series X/S y PC. Se trata de la evolución del juego estrella de Amazon, y también va a formar parte de la serie.

En el segmento dedicado al juego conoceremos a un héroe petulante, incapaz de reconocer el valor del resto de guerreros de Aeternum hasta que una serie de acontecimientos lo cambien todo.

Este episodio de Secret Level va en sintonía con el tono más humorístico que tendrá New World: Aeternum. También jugará con un concepto clave del juego: la muerte no es permanente y los protagonistas vuelven a la vida una y otra vez.

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Incluso aunque no seas aficionado a la animación japonesa, es bastante probable que estos últimos días hayas oído hablar de Dan Da Dan, pues hasta el mismísimo Hideo Kojima se ha deshecho en halagos hacia su primer capítulo. O, simplemente, puede que las coloridas imágenes de su opening te hayan llamado la atención; desde luego, es de los que entran por los ojos.

En cualquier caso, si te estás preguntando por qué todo el mundo se ha vuelto loco con una serie que mezcla ideas que aparentemente no tienen nada que ver entre sí, como son alienígenas, espíritus, romance o perder las partes íntimas, entonces has venido al lugar adecuado. 

En esta crítica, te contamos todo lo que necesitas saber de Dan Da Dan y por qué deberías ver el primer episodio (si no lo has hecho ya).

Amar en tiempos de espíritus y aliens: crítica de DAN DA DAN episodio 1

Dan Da Dan nos cuenta la historia de Momo Ayase y "Oculto", dos estudiantes de instituto que no pueden ser más diferentes: ella es una chica extrovertida que ansía encontrar a su propio Ken Takakura (actor japonés con aura de tipo duro) y cree en los espíritus, mientras que él es un friki introvertido, sin amigos y apasionado de todo lo que tenga que ver con los ovnis y las conspiraciones.

Cuando se conocen, sus personalidades no tardan en chocar, lo que les lleva a proponerse un reto: Momo debe colarse en un edificio abandonado donde se rumorea que se han producido abducciones para demostrar que los alienígenas no existen, y Oculto debe hacer lo propio en un túnel donde se dice que habitan espíritus. Y, como imaginarás, a partir de ahí todo se desmadra.

Este primer episodio de Dan Da Dan cubre los eventos del capítulo uno del manga, sirviendo como introducción para los personajes y la premisa de la historia, todo con un ritmo envidiable que nos deja con ganas de ver el segundo en cuanto acaba.

Por el momento, la adaptación de Science Saru está siendo muy respetuosa, que suele ser una de las mayores preocupaciones con esta clase de obras, recreando con absoluta fidelidad las páginas de la obra original. De hecho, los pocos cambios o escenas añadidas son para bien, pues le dan más dinamismo a la acción.

Y hablando de acción… la animación es sin ningún tipo de duda el punto fuerte de Dan Da Dan. En parte no es ninguna sorpresa, pues todos los trabajos de este estudio japonés han estado a un nivel altísimo, pero han sabido trasladar a la perfección el dibujo del manga y su colorido estilo. 

En especial, hay que destacar las exageradas expresiones faciales de los protagonistas; divertidísimas, y las escenas de carrera a toda velocidad; una auténtica pasada que nos hace frotarnos las manos pensando en lo que está por venir. Cruzamos los dedos para que no se repita lo de Uzumaki y a partir del segundo capítulo la animación decaiga.

Y ya que estamos con el primer episodio, no podemos dejar de hablar del sensacional opening, con la canción Otonoke del dúo Creepy Nuts, con un estilo extravagante y reconfortante que casa a la perfección los temas que trata la historia (y el nombre del grupo no podía ser más apropiado). 

El opening, por cierto, ha sido dirigido por Abel Góngora, que ha hecho un trabajo inmenso y hace que nos sintamos muy orgullosos al ver lo lejos que un español ha llegado en el mundo de la animación japonesa.

En cuanto a las voces, destacan, como no podía ser de otra manera, los dos protagonistas: Shion Wakayama, seiyū de Momo, suena exactamente como habíamos imaginado su voz en nuestra cabeza. Mientras que Natsuki Hanae lo hace de maravilla en el papel de Oculto, como ya es habitual (es Falco en Shingeki no Kyojin, Tanjiro en Kimetsu no Yaiba, el protagonista de Metaphor…). 

Nos ha alegrado muchísimo el pequeño cameo de Mayumi Tanaka, seiyū de Luffy (One Piece), como la Turbovieja. Su voz es inconfundible, pero logra darle un toque espeluznante que pone los pelos de punta.

Y ya que estamos, también hay que destacar el doblaje al castellano de Dan Da Dan, con Joel Gómez Jiménez como Oculto e Irene Arévalo como Momo. Aunque solemos ver anime en versión original, lo hacen tan bien que nos hemos animado a darle una oportunidad a la versión doblada. Y hay que reconocer que lo han clavado.

Eso nos lleva a hablar de la magnífica traducción al español realizada por Iván Fraile Ramos. El tono juvenil y humorístico de Dan Da Dan se presta mucho a usar un lenguaje moderno, con expresiones coloquiales, y sobra decir que ha hecho un gran trabajo adaptando las frases originales, dejándonos perlitas tan de aquí como «dadme mimitos», «que te folle un pez» o «me tienes hasta la polla».

Y ya para terminar, la banda sonora también es todo un acierto, haciendo uso de melodías muy animadas de corte electrónico que encajan a la perfección.

En definitiva: si todavía no has visto el primer episodio de Dan Da Dan, ya estás tardando. A menos que prefieras esperar a que estén todos disponibles, claro, porque no veas lo duro que está siendo aguantar hasta el siguiente… Vamos a echarle una ojeada al manga para hacerlo más llevadero.

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Lo cierto es que esto ya se comentó en 2020 en un informe que señalaba que Overwatch y Diablo tendrán sus propias series de animación y que llegarían a Netflix en un futuro. Sin embargo, el tiempo ha pasado y no sabemos nada. ¿Qué ha ocurrido?

Mientras que Dragon's Dogma o Dragon Age sí que han encontrado su hueco en Netflix con series propias, los populares nombres de Activision Blizzard no lo han hecho. El periodista Jason Schreier ha compartido algo de información al respecto.

Diablo y Overwatch no llegarán a Netflix

Aparte de volver a confirmar que se estaban realizando series de animación de Diablo, Overwatch... y StarCraft, también apuntaba el motivo por el que no han visto la luz. Al parecer, todo se debe a un problema legal entre Netflix y Activision Blizzard.

En una demanda impuesta en California en 2020 (vía Variety), Activision Blizzard llevó a Netflix a los tribunales por “interferencia intencional con un contrato” y “competencia desleal", todo ello relacionado con el director financiero Spencer Neumann. 

Al parecer, Neumann fue director financiero de Activision Blizzard hasta 2018, pero Netflix lo acabó contratando. Por ello, Activision Blizzard demandó a Netflix señalando que “está involucrada en una campaña de años de contrataciones ilegales de ejecutivos de los competidores de Netflix".

Este habría sido el detonante por el cual ambas empresas habrían dejado de colaborar en este ilusionante proyecto de adaptación. ¿Veremos en algún momento a Diablo u Overwatch llevados a la pequeña o gran pantalla?

Pues ojo, porque tras el éxito de Fallout en Amazon Prime Video, el jefe de la saga Diablo tiene claro que el ARPG "podría llevarse bien" a la TV. Mientras esperamos a una respuesta, toca disfrutar del Infierno de nuevo con Diablo IV Vessel of Heatred, la inminente expansión.

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Para hacer más amena la espera, The Last of Us temporada 2 ya ha estrenado el teaser trailer y lo cierto es que se han desvelado cantidad de detalles. Ha habido vistazos a Abby, Dina y muchos más personajes inéditos en la serie hasta ahora.

Por supuesto, el tráiler también ha hecho referencia a la tensa relación entre Joel y Ellie tras el final de la primera temporada, pero lo más impactante ha sido un sutil easter egg... que te va a dejar con la piel de gallina al conocerlo. OJO A LOS SPOILERS.

La brutal referencia dentro del tráiler de The Last of Us temporada 2

La referencia o guiño al momento más dramático del juego no es visual, sino sonora. En un determinado momento del tráiler, se introduce un efecto de vacío sonoro que refuerza la tensión del metraje. Sin embargo, esto es mucho más de lo que podría parecer.

Ese mismo efecto y audio es el que se escucha cuando... AVISO DE SPOILER... Ellie está retenida por el grupo de Seattle al comienzo del juego. Ese efecto auditivo es el que se produce en el juego cuando Joel muere. Igualito, clavado.

Aquí tienes la comparativa que deja claro que nada de lo que hay en la serie es una coincidencia y que todo apunta a que esta segunda temporada va a ser tremendamente fiel a lo que vimos en The Last of Us Parte 2 hace cuatro años.

¿Qué te parece este emocional y descorazonador guiño? Si quieres hacer más amena la espera, siempre puedes echar una ojeada a nuestro especial de la serie, donde ya repasamos las diferencias entre la serie y el videojuego, capítulo por capítulo.

Estamos deseando que The Last of Us se estrene para poder ofrecerte más contenido como durante la primera temporada, en donde repasábamos los principales easter eggs y referencias que Druckmann y su equipo metieron. 

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