Además de presentarse en el evento presentado por Geoff Keighley, nosotros pudimos echar un vistazo a su jugabilidad unos días antes.

Como sabréis, el aspecto principal de Chronicles Medieval, además de seguir la trayectoria de nuestro personaje desde ser un don nadie durante la Guerra de los Cien Años hasta comandar ejércitos, es precisamente el transcurso de la batalla.

Por un lado, hemos de distribuir a las tropas antes de iniciar el ataque. Así, es importante saber dónde colocar a los arqueros, la caballería o los soldados (cada uno tiene sus puntos fuertes, su alcance y sus desventajas), pero a la vez hemos de participar en la contienda.

Así, en cualquier momento podemos controlar a nuestro personaje para combatir, pero a la vez podemos dar órdenes al vuelo para que un grupo se repliegue o adopte otra estrategia en tiempo real.

La idea es aunar la intensidad de los juegos de batallas masivas a lo musou con la profundidad de un juego de estrategia clásico. Además, el juego es totalmente descarnado y explícito, por lo que viviremos lo cruento de aquellas batallas en nuestras carnes.

Es más, la intensidad de la batalla afectará a la moral y el rendimiento de los soldados.

Si vamos ganando, su moral se incrementará, pero si damos órdenes equivocadas o las cosas se tuercen, los soldados podrán pasar a perder la confianza, hasta el punto de llegar a desertar y huir despavoridos.

Preguntamos a los desarrolladores cuánto porcentaje de la experiencia de juego ocuparán las batallas y, aunque no querían "comprometerse" a dar una cifra exacta, calculaban que supondrían cerca del 50% del tiempo de partida.

Más allá de las batallas en Chronicles Medieval

Cuando no estamos en el campo de batalla, podremos visitar nuestros pueblos, entrar en tabernas, visitar minas o buscar a ladrones mercenarios con los que cuajar algún tipo de trato.

Trabajar las relaciones con otras personas o grupos será fundamental para construir un ejército potente. Además, si cumplimos ciertas tareas en un plazo de tiempo determinado podemos conseguir recompensas como dinero.

Otro aspecto interesante serán los bandos disponibles. Hasta ahora, sabíamos que podríamos jugar con Inglaterra y Francia, pero se acaba de anunciar que el Sacro Imperio Romano también estará disponible.

Nuestro objetivo será elegir un bando, empezar desde cero e ir construyendo el ejército, no solo a base de combatir, sino también de forjar alianzas y construir una reputación que pueda ser tan respetada como temida.

Lo interesante es que no habrá una forma "correcta" de hacerlo. Los desarrolladores quieren que cada jugador tome su propio camino, tomando sus propias decisiones.

De hecho, desde Raw Power Games insisten mucho en que la libertad de los jugadores es crucial en el juego, tanto a la hora de lanzarnos a una partida como al crear nuevo contenido.

Aunque esta ambientación medieval será la espina dorsal del título, quieren y animan a que cualquiera modee el juego para crear experiencias más personalizadas.

Desde luego, los pequeños retales de gameplay que hemos visto dan cuenta de lo intenso de las batallas, con un ritmo que nos ha gustado. Siendo sinceros, nos parece que la calidad visual mostrada está bien, pero ha supuesto cierto "downgrade" respecto a lo que insinuaba el tráiler del año pasado.

Quizá el nivel de detalle visual no sea el más top del momento, pero hay que tener en cuenta que el juego pretende mostrar cientos de soldados en movimiento a la vez, reaccionando a nuestras órdenes, así que hay que priorizar que todo eso se mueva de forma fluida.

Y, en cualquier caso, seguimos estando en una fase muy temprana del desarrollo y hay mucho margen para pulir.

La idea es que en este mismo 2026 llegue el early access para usuarios de Steam y se tendrá muy en cuenta el feedback que den para retocar el juego final.

El juego usará Unreal Engine 5 y la tecnología Asgard, una herramienta propia de Raw Power Games diseñada para concebir juegos a gran escala.

Aunque se trata del juego inicial del estudio, en él participan veteranos de franquicias como The Witcher, Assassin's Creed o Cyberpunk 2077, así que están acostumbrados a proyectos mastodónticos.

Así pues, Chronicles Medieval puede convertirse en un híbrido de rol y estrategia que os haga adorar más que nunca la Edad Media. Estaremos atentos a ese inicio del early access, desde la comodidad de nuestros monitores planos. ¡Brujería!

Si quieres conocer todo lo revelado en el evento de hoy, no dudes en echar una ojeada al resumen del Summer Game Fest 2026, que ya nos ha dejado bombazos como el anuncio de Resident Evil Veronica, Final Fantasy VII Revelation, Stellar Blade Bloodrain, fecha de Stranger than Heaven, Gen Atlas, Blood of the Dawnwalker, Monster Hunter Wilds Ascendance, Crossfire, Alien Isolation 2, Clutch, Virtua Fighter Crossroads o Attack on Titan 3, entre otros.

En la actualidad, Sasaki-san sigue en activo y ha participado como asesor en 4PGP, un juego de carreras claramente inspirado en clásicos poligonales como Virtua Racing, que quiere recuperar la sencillez y diversión directa de esa época.

"Hay algo atemporal en unos controles sencillos, metas claras, una estética colorida y una jugabilidad que antepone la diversión", comenta Jonathan Marole, director del juego.

4PGP salió hace poco en Switch y llegará a PS5 y PC el 11 de junio. Para celebrarlo, hemos podido compartir un par de preguntas con Kenji Sasaki, para que nos cuente cuál es la clave de unos juegos tan directos y "sinceros" como estos. Aquí podéis leer lo que nos ha contado:

¿Qué tipo de información has aportado al desarrollo del juego? ¿Cuál es el consejo más importante que puedas dar a los desarrolladores noveles?

Me uní como asesor especial para aportar sugerencias de mejora. También di ideas y conceptos visuales para varios elementos como la interfaz de usuario. Igualmente, he dirigido la música del juego.

En cuanto a consejos para nuevos diseñadores, creo que, como la tecnología ha hecho que todo sea tan accesible, se ha vuelto común que la gente quede satisfecha con trabajo que está incompleto.

Creo que es importante hacer un buen uso de las herramientas que tienes a tu disposición, a la vez que creas un estilo y voz creativa que sean inconfundiblemente tuyos.

Hoy día, hay más oportunidades que nunca para compartir tu trabajo con el mundo. Creo que una de las experiencias más valiosas es concebir por completo un juego y ponerlo en las manos de los jugadores. Repetir este proceso y aprender de él te ayudará muchísimo como creador.

¿Qué era lo más complicado a la hora de diseñar un juego de éxito en los años 90, en materia de tecnología y diseño? ¿Los retos son diferentes hoy? ¿Y qué echas de menos de esa era?

En los 90, éramos pioneros en muchos sentidos. Casi no había predecesores de los que aprender y teníamos muy pocos recursos o materiales de referencia. Nuestro proceso de desarrollo se basaba en ensayo y error.

Como no teníamos herramientas especializadas ni entornos de desarrollo disponibles, cuando faltaba algo, teníamos que crear nuestra propia solución. Formaba parte del trabajo.

Hoy día, el desarrollo de juegos se ha vuelto mucho más accesible gracias a las diferentes herramientas de desarrollo, el middleware y la inteligencia artificial. Aún así, creo que haber superado esos retos del pasado es una de las razones por las que he podido seguir estando implicado durante tanto tiempo en esta industria tan competitiva y cambiante.

Otra gran diferencia es Internet. Ahora, hay mucha menos distancia entre los desarrolladores y los jugadores, lo cual puede ser una ventaja y un problema.

Cuando hay que conseguir feedback externo, puede ser difícil distinguir entre una crítica constructiva y el mero ruido.

Si estás intentando crear algo único, es fácil dejarse llevar por el flujo constante de opiniones y comentarios. Debido a eso, ideas que pueden comenzar siendo osadas y rompedoras, se vuelven más y más convencionales por el camino.

Ya lo veis, tener ideas claras y conformar un diseño sin complejos que anteponga la diversión sigue siendo tan importante ahora como hace 30 años. ¿Conseguirá el juego 4PGP emular esas sensaciones? El 11 de junio lo podréis comprobar en PS5 y PC.

Como recordaréis, esta editorial británica es responsable de libros de altísima calidad sobre la historia de los videojuegos, desde sus compendios visuales hasta títulos más de ensayo y recopilación como The Games That Weren't.

En su momento, ya lanzaron un libro sobre The King of Fighters, pero ahora toca el repaso a Fatal Fury o Garou Densetsu, en su versión japonesa.

En el vídeo que tenéis aquí arriba, os damos un vistazo rápido al libro para que os hagáis una idea de la enorme calidad visual y de impresión que ofrece.

Eso sí, como suele pasar con estos libros, hay dos problemas irremediablemente aparejados. Por un lado, el libro está solo en inglés, lo que puede suponer una barrera para muchas personas, por mucho que este libro sea más visual que otros.

Cuánto cuesta Fatal Fury The Ultimate History

Por otro lado, tenemos el problema del precio: 56 euros, a lo que habría que sumar gastos de envío desde Reino Unido si lo compráis directamente en su web. Por suerte, también se puede conseguir en negocios como Amazon, lo que ahorrará gastos de envío.

Seguramente, con algo de paciencia, el libro puede terminar adaptado a nuestro mercado, como hizo Héroes de Papel con Go Straight: La guía definitiva de los beat 'em ups (que acabó llegando en castellano), pero no es algo que esté garantizado.

En cualquier caso, este Fatal Fury / Garou Densetsu The Ultimate History es un imprescindible para todo fan del retro, del pixel art o de esta serie de lucha tan carismática. ¡Como para quitarse la gorra de la emoción!

La aventura nos pone en la piel de un policía que llega a un hospital abandonado donde parecen haberse dado unos disturbios. Una vez llega allí, descubre que extrañas y monstruosas entidades pueblan el lugar. Para colmo, comienza a tener visiones sobre lo que parece ser su vida personal...

El desarrollo, que es el primero del equipo Emberflight Games (literalmente, cuatro desarrolladores recién salidos de la universidad), no es particularmente original y nos hace recorrer en vista subjetiva o, mejor dicho, desde la perspectiva angular de la cámara policial del protagonista, un entorno lineal con algunos desvíos que dan coleccionables y munición extra.

Sí, decimos munición porque, aunque el juego arranca al más puro estilo Outlast (estamos solos ante el peligro y solo podemos huir o escondernos), más adelante conseguimos una pistola y una escopeta que podemos usar contra determinados enemigos.

Incluso hay unos pocos bancos de trabajo en los que invertir los tornillos encontrados en mejorar las armas con más daño, una mira láser, etc.

Aún así, hay un par de “entidades” (un humanoide con muchos brazos y una jaula llena de deformidades) que nos persiguen en varios tramos del juego y a las que nos toca dar esquinazo, como es de rigor en este tipo de juegos.

Para esas ocasiones hay armarios en los que escondernos, aunque también podemos agacharnos tras mesas y, quizá aquí viene lo más original del juego, mantener pulsado un botón para mantener la respiración y evitar así que el monstruo nos oiga.

Que tu aliento no te delate

Si corremos, tendremos menos margen para respirar y, por supuesto, solo podemos hacer esto durante unos segundos.

Además de estos tramos más orientados a la acción, hay algunos puzzles basados en encontrar números ocultos para un teclado, girar válvulas en un orden correcto, etc. De nuevo, no son nada del otro jueves, pero aportan tramos entretenidos de investigación.

Algunos de estos puzzles no son imprescindibles para avanzar, sino que nos abren caminos alternativos con pequeñas recompensas... y puede que algún logro.

Este desarrollo está salpicado por una historia que se va volviendo más surrealista a medida que avanzamos, con tramos en los que el escenario cambia a lo The Evil Within o Layers of Fear y las imprescindibles notas que nos dan contexto sobre lo sucedido.

Cuánto dura It Reaches y cuánto vale

Esta historia, que recuerda a la de otros clásicos del survival horror subjetivo (no os diremos cuales para no spoilear, que tiene giritos), ofrece algunos momentos realmente duros, pero el problema es que el juego es tan corto que no da mucho tiempo a empatizar.

De media, dura 5 horas, pero puede que tardéis menos si los monstruos no os matan demasiado (hay abundantes checkpoints, por cierto). Esto en sí mismo no es malo, ya que el juego cuesta 15 euros y habrá quien prefiera algo así, directo y al grano.

El problema es que a esta brevedad se unen una buena retahíla de problemas técnicos que lastran bastante la experiencia y que evidencian la falta de experiencia de los desarrolladores.

El más relevante es una bajísima fluidez gráfica. Normalmente, no alcanza los 30 frames por segundo en una PS5 estándar, que es donde lo hemos probado, y hay momentos en los que llega a afectar a la jugabalidad.

Esto se ve acompañado de unos subtítulos minúsculos, seguramente los más pequeños que hemos visto nunca en un videojuego.

Aunque los textos están en español (las voces, en inglés), se ven taaaaan, pero taaaan pequeños que nos ha costado leerlos en una tele de 65 pulgadas. Además, hay algún error de traducción como escribir “prensa Start” en vez de “presiona Start”.

Por otro lado, nos hemos topado con errores como atascos de los enemigos o incluso alguna ocasión en la que nos han matado antes de completar una tarea y, al cargar el checkpoint, resulta que nos la dan por superada. Bueno, pues gracias.

La opinión de Hobby Consolas sobre It Reaches

Es una pena, porque es cierto que sobre el papel el juego cumple con lo que uno espera de un juego de terror indie, pero quizá se atreve con más de lo que puede abarcar.

La estética bodycam, con la distorsión de lente y la aberración cromática, da un plus de ambientación, pero realmente no aporta nada a la trama o a lo jugable.

En conjunto, It Reaches es una correctita primera incursión de este equipo en el mundo de los juegos de terror, pero después de ver apuestas indie como Madison o Luto esto se queda bastante atrás en lo técnico y lo jugable.

Si os va mucho el género, podéis darle una oportunidad. A fin de cuentas. ¿a quién no le va a gustar un amasijo de brazos persiguiéndole? Uno se siente como en un Zara recién abierto.

Este juego nació originalmente como un proyecto de hacer muñecos artesanales, pero sus creadores, Authentic Remixes, vieron su potencial para ser un videojuego. Tras años de desarrollo y un primer estadio como juego pixel art, el proyecto va tomando forma definitiva.

Como veremos, se trata de un enorme homenaje a los tiempos dorados de los juegos de acción y plataformas 2D. Nuestro protagonista es Kidbash, un héroe que ha perdido la memoria y no sabe bien cuál es su destino.

Tras despertar en una villa en ruinas, se propone ayudar a sus habitantes a reconstruirla y hallar su verdadero propósito cómo héroe.

El desarrollo recuerda, en esencia, a clásicos como Wonder Boy, combinado con las fórmulas de Mega Man o Kirby, entro otros.

Como se trata de un roguelike, comenzamos siempre desde el pueblo para ir abriéndonos paso por territorio enemigo.

Cada cierto tiempo, hemos de elegir ruta, que al ser superada nos dará una recompensa: más salud, mejoras en el arma...

Uno más en la moda roguelike

En las primeras partidas, solo podemos equiparnos con una espada y un cañón al estilo Mega Man, pero más adelante conseguimos bombas arrojadizas o unos guantes de boxeo.

Al ir atacando enemigos, se llenará nuestro medidor de "mezcla" que, al estar competo, permite unos segundos de ataque con armas combinadas. Eso puede dar pie, por ejemplo, a unos gigantescos shurikens.

Con cada mini mejora en los tramos de la aventura, podemos llegar a tener ataques como ondas expansivas o bolas de fuego al estilo Super Mario Bros (incluso con el mismo efecto de sonido), pero esas mejoras se perderán si nos matan y hemos de volver a la villa.

Los desafíos combinan tanto plataformas como acción, así que es tan importante esquivar los pinchos de paredes y suelo como atacar a los enemigos según convenga: esquivar y anular a los que disparan, atacar por la espalda a los que tienen escudo...

A veces, nos tocarán combates contra jefes finales o incluso minijuegos al más puro estilo Game & Watch, además de desafíos por parte de los habitantes del pueblo que pueden desbloquear mejoras para Kidbash.

Toda la jugabilidad se asimila al vuelo por la familiaridad con los clásicos del género (rebotadores, saltos de pared en pared, zonas de agua...) y esto se ve potenciado por una estética clara y bien bonita.

Kidbash, tan duro como la plastilina

El estilo visual se inspira en la técnica claymation (animación con plastilina) para presentar unos enemigos y escenarios que no tienen nada que envidiar a los de juegos recientes como Yoshi and the Mysterious Book.

El propio héroe es una especie de mezcla entre Mega Man y los diseños "super deformed" de los primeros Final Fantasy. Las referencias a clásicos no acaban ahí: las mejoras entre niveles tienen la forma de cartuchos de Famicom, la imagen principal tiene un mosaico de cuadros blancos al estilo Master System...

Pero, más allá de lo referencial, lo bueno es que el juego se controla de forma intuitiva y muy cómoda desde el primer momento. Hay salto, disparo, espadazo, ataque Mix... y poco más. Hay poco que asimilar para un desarrollo que va creciendo a medida que avanzamos.

Por supuesto, como suele pasar con los roguelikes, nos preocupa que a la larga el arranque de cada partida se vuelva algo tedioso, pero por ahora las primeras partidas dan una sensación de descubrimiento y avance que te hacen querer probar más y más.

En cualquier caso, el juego aún está en una fase algo temprana del desarrollo y la demo que hemos podido probar estaba algo verde, con varios cuelgues.

Hay mucho margen para pulir, ya que el lanzamiento se espera para principios de 2027, ahora con la recién renacida Acclaim como distribuidora.

Kidbash Super Legend quiere ser el nuevo héroe del retro y el roguelike y, desde luego, nuestro interés ya lo ha conquistado. El estilo plastilina no nos había interesado tanto desde los mejores episodios de Pingu.

Durante nuestra sesión de pruebas en las oficinas de Ubisoft, pudimos probar el arranque del juego, con Edward Kenway cruzando su camino con un Assassin que le dará un nuevo objetivo en su vida pirata.

Desde ahí, pudimos disfrutar de un tramo más libre en La Habana, para después saltar a una misión de Lucy Baldwin (una de los tres nuevos acompañantes en nuestro barco) y muchos momentos navales incluyendo los recordados momentos con la campana de inmersión o la toma de fortines de los malvados españoles.

Nos quedamos con las ganas de probar son los nuevos momentos en el presente, que cambiarán drásticamente respecto a lo que vimos en el juego original y se centrarán más en el propio Edward, aun conectando la experiencia con el Animus. ¿Cómo? Aún no lo sabemos...

Fregando la cubierta del Jackdaw

Antes de lanzarnos a unas valoraciones más pormenorizadas, vamos a resumir qué novedades aporta este remake de Assassin's Creed Black Flag.

A nivel de contenido, tendremos 6 horas extra gracias a más misiones y un nuevo capítulo que atará ciertos cabos no “contemplados” en el original. Este nuevo capítulo, llamado “Un mundo sin oro”, tendrá 8 misiones y llegará después del final del juego.

Además de todas las que había originalmente, tendremos nuevas islas y playas para explorar, lo que dará pie a un mapeado más denso y con más recompensas.

En nuestra guarida, habrá nuevas misiones secundarias y dos personajes nuevos.

Como ya os comentamos en nuestro anterior avance, a esto hay que añadir el reclutamiento para el barco o la posibilidad de conseguir mascotas para el mismo, entre otros pequeños extras.

La propia dinámica de juego también se ha refinado. No os asustéis, que aquí no habrá subidas de nivel ni los combates se basarán en DPS. Se ha mantenido el estilo original de las luchas, pero añadiendo algo de fluidez.

Así, será importante hacer parry cuando nos ataquen con un aura azul (mientras que tocará esquivar los de aura roja), lo cual puede mermar la nueva barra de defensa enemiga y dejarlos indefensos para un ataque definitivo por nuestra parte.

Los parrys perfectos lograrán eso de un solo golpe, lo que nos permitirá encadenar varias ejecuciones seguidas, con armas blancas o la pistola. Incluso podremos enlazar combos con el icónico dardo con cuerda, que ahora desbloquearemos antes en el juego.

En cuanto a las espadas, estarán divididas en tres categorías: estoque, sable y espada con pistola. Esto dará más versatilidad a unos combates en los que, por cierto, no usaremos la hoja oculta, que quedará reservada a los asesinatos sigilosos y por sorpresa.

Para los enemigos más correosos, será útil el nuevo botón de ataque potente o hacer un barrido que los tire al suelo, pero también podremos aprovechar las acciones contextuales como empujar contra un muro y otras zonas interactivas.

No va a haber un árbol de habilidad con el que desbloquear movimientos, todo estará a nuestro alcance casi desde el principio. Eso sí, como el juego busca que nos lo “curremos”, los enemigos no caerán siempre en las mismas trampas y se nos penalizará, por así decirlo, si aporreamos botones y repetimos movimientos.

La clave estará en movernos de forma fluida y, sobre todo, acostumbrarnos a la nueva dinámica de parry para eliminar a los rivales de forma más eficiente.

Un elemento que sí se añade de las dinámicas de combate más recientes serán los amuletos, que nos podrán dar ventajas pasivas como sanarnos un poco al hacer parry.

La interfaz de inventario al pausar la partida será muy parecida a la de AC Shadows, pero algo simplificada, al no haber subidas de nivel.

En cuanto a los enemigos, no hay demasiados cambios en el plantel, pero se añade un nuevo tipo de personaje pesado, que usará un trabuco y granadas.

Volviendo a hundir la flota

Cuando toca agarrar el timón del barco, las batallas navales también se han remodelado.

Ahora, todas las armas tendrán un ataque secundario. También tendremos un ataque rápido y, cuando toque mermar los puntos débiles con los falconetes, bastará con apuntar bien un instante, en vez de superar un QTE como en el original.

Todo esto dará más variedad a las batallas navales, pero su esencia será la misma: según la posición de la cámara, atacaremos con un tipo de arma u otra, prestando especial atención al mortero para los ataques a larga distancia.

La meteorología afectará no solo a la distancia a la que nos ven los barcos rivales, sino al propio manejo del nuestro. Nos hemos topado con algunos momentos de oleaje bien encrespado y, claro, tendremos descargas eléctricas que habrá que evitar para no llevarnos un susto.

En cuanto al parkour, dispondremos de movimientos laterales y una transición más fluida entre maniobras, además de la incorporación de tirolinas para salvar algunas distancias largas.

Por último, tenemos la infiltración, que ahora nos permite agacharnos para ser sigilosos siempre que queramos (antes esto solo pasaba en ciertas zonas como la hierba alta) o aprovechar las inclemencias meteorológicas para que sea más difícil localizarnos.

Por supuesto, usar los dardos enloquecedores, las campanas o las bombas de humo supondrá una diferencia crucial para salir airosos de estas zonas, sobre todo si hacemos un uso inteligente del dardo con cuerda.

Volviendo a la climatología, esto último nos lleva a la que es, sin duda, la diferencia más notoria de esta entrega, el salto gráfico. Black Flag Resynced usará la última versión del motor Anvil, que ya tuvimos en Assassin's Creed Shadows y, creednos, es algo que se nota.

Si os van los “palabros”, hay dos grandes novedades en ese sentido. Por un lado, los micropolígonos, que añaden “capas” de detalle a medida que nos acercamos a cada zona.

Por otro, la Atmos Tech (no confundir con Dolby Atmos), que está ahí para generar cambios atmosféricos en tiempo real: lluvia, viento o tormentas se sucederán mientras surcamos los mares o, como decíamos, mientras nos infiltramos.

Como era de esperar, otros elementos como la física del agua del mar (no tanto en elementos como cascadas, la verdad) o la iluminación global, amén de nuevas capturas de movimiento o incluso microdiálogos entre los NPCs hacen que la sensación de inmersión sea muy superior.

En nuestra sesión de juego, lo notamos sobre todo en el arranque, cuando vemos una majestuosa playa llena de vegetación y movimiento. Es realmente una gozada visual, algo que también se nota al visitar ciudades coloridas como La Habana o en nuestro paseo por Nasáu.

Lo que más placentero nos ha resultado ha sido entrar en el barco, izar las velas mientras nuestra tripulación se mueve por la cubierta y alejar la cámara cuando ganamos velocidad para disfrutar de los detalles mientras navegamos. Estamos deseando verlo en una pantalla bien grande, es impresionante.

Asimismo, lanzarse del barco al mar y bucear donde queramos, bajo las coloridas aguas caribeñas, es un pequeño placer en sí mismo, así que explorar libremente para dar con pequeñas islas donde encontremos secretillos escondidos.

Esta mejora notoria también se da en los rostros y movimientos de los personajes durante las numerosas escenas de corte, movidas en tiempo real.

Edward ahora se parece mucho más al actor que lo interpreta y el grado de expresividad es total, pero sin duda nos quedamos con un Barbanegra que realmente intimida durante sus diálogos. Por cierto, desde Ubi nos han confirmado que volverá el doblaje original en castellano.

Tanto Barbanegra como el simpático Stede Bonnet tendrán más contenido en el juego, para profundizar en sus historias.

Las bajas del viaje

Eso sí, el contenido DLC destinado a Adéwalé, llamado Grito de Libertad, ha desaparecido del juego, al igual que el multijugador, porque en palabras de los desarrolladores, querían centrarse en la trama de Edward Kenway.

Lo del multiplayer lo entendemos más, pero quitar el DLC a estas alturas nos parece algo feo.

Y ya que entramos en el terreno de cosas que no nos gustan, hay dos elementos que nos han cortado un pelín el rollo en esta sesión de preview.

Por un lado, tenemos los desafíos secundarios que ya estaban en el original y que aquí se mantienen sin cambios aparentes. Si recordáis, tareas como la búsqueda de salomas (habrá nuevas en esta entrega) persiguiéndolas por los tejados, se hacía algo pesadete, al igual que los eventos en los que liberar a presos.

Aquí todo eso sigue igual y, más de una década después, es quizá más evidente que “engordan” el tiempo de juego pero no divierten, son más bien algo rutinario.

Ojo, que es genial que en juegos abiertos así haya desafíos chiquititos y secundarios para dar variedad, pero estos parecen herederos de un tiempo en el que aún éramos “impresionables”.

Otras tareas secundarias, como las de inmersión rodeados de tiburones, los contratos de asesinato o las del lanzamiento de arpones sí que siguen molando por su ritmo y la tensión que nos generan.

Donde más potencial hay es en esas misiones nuevas como la de la liberación de nuevos compañeros, que incluyen momentos de infiltración muy intensa, seguidos de fuertes batallas navales para escapar.

Además, los nuevos acompañantes darán ventajas extra al barco, que os recordamos que podemos “tunear” a nuestro gusto, así que habrá mucho espacio para el trasteo.

Tampoco nos han convencido los combates cuando abordamos los barcos. Esto, que debería ser un momento cumbre de la experiencia, se vuelve un jaleo al haber tantas personas peleando a la vez, sin que entiendas bien quién es quien, especialmente en tormentas o con el humo alrededor.

Como el sistema de lucha ahora intenta evitar que ataquemos al tun-tun, se vuelve bastante confuso, por lo que al final acabas optando por hundir el barco y hasta luego, Mari Carmen.

La opinión de Hobby Consolas sobre Flack Flag Resynced... por ahora

Llegados a este punto, y teniendo en cuenta que la inmensa mayoría del desarrollo será igual al original, hay que volver a la pregunta que todos nos estamos haciendo desde que se empezó a hablar de este Resynced: ¿es un remake “con todas las de la ley”? ¿Merecerá la pena volver a él si ya lo jugamos en el pasado?

El jurado hobbyconsolero todavía está deliberando sobre esto, pero hay que tener en cuenta que apenas hemos jugado 3 horas, por ahora. Habrá que esperar al juego final, que llega el 9 de julio, para sacar conclusiones más claras.

Lo que sí es evidente desde ya es que el juego es una maravilla visual y que, si en su momento no lo disfrutaste, esta experiencia es una de las más interesantes que ha dado la franquicia hasta ahora, así que blanco y en botella... de ron.

Para el resto, esos veteranos del Jackdaw, permaneced atentos a Hobby Consolas, porque en su momento os presentaremos nuestro análisis de Assassin's Creed Black Flag Resynced, una aventura enorme, vistosa... y con todo el sabor del Caribe, papi.

Aunque en años más recientes hemos tenido otras entregas (igualmente fallidas) como Bubsy Paws of Fire, esta nueva entrega quiere tomar el relevo de aquel nefasto Bubsy 3D que se estrelló en la época de PlayStation y del que incluso se ríen los desarrolladores ahora.

Así, Bubsy 4D quiere recuperar la gloria de las plataformas 3D, un género que está más desatendido ahora que en épocas pasadas, lo que podría darle una oportunidad "miauravillosa" de brillar. Veamos si lo consigue...

De tomar el relevo de Accolade para el desarrollo se encarga el estudio indie Fabraz, responsables de la muy interesante franquicia de Demon Turf, con los que este título comparte similitudes. Pero su experiencia en plataformas 3D no ha bastado para que el minino remonte el vuelo...

El argumento lleva a Bubsy, que es consciente de que ya ha vivido muchas aventuras, a perseguir a un grupo de ovejas chifladas que ha robado todos los ovillos de oro y, de propina, ha vuelto aún más majaretas a los woolies.

Nuestro objetivo es viajar a tres planetas, con cinco fases cada uno, para recuperar los ovillos y derrotar a los tres ovejunos jefes que los protegen.

Aunque solo controlamos a Bubsy, podemos hablar con los secundarios habituales, como sus sobrinos o el ratón Virgil, que lanzan constantes pullas en torno a que el protagonista es algo lelo.

El desarrollo es propio de un plataformas 3D heredero de clásicos como Super Mario Galaxy. Controlamos a Bubsy en tercera persona para, en cada nivel, encontrar el ovillo dorado. Por el camino, recolectamos ovillos normales o planos.

Con los ovillos normales, podemos comprar trajes nuevos en nuestra nave, que sirve a modo de hub. Los trajes solo aportan cambios estéticos, pero algunos muy curiosos, como uno que parodia a Sonic u otro que nos da el look terrible que tuvo el gato en Bubsy 3D.

Con los planos podemos ganar ventajas como más salud o movimientos nuevos que nos permiten saltar de forma más fluida.

El control de Bubsy toma movimientos clásicos de la mascota. Podemos ejecutar varios saltos seguidos, pulsar un gatillo para lanzarnos hacia delante y otro para planear.

Si mantenemos el salto pulsado, Bubsy se impulsa algo en el aire y, si lo combinamos con lo demás, podemos llegar lejísimos.

Sin embargo, como el juego quiere ser tan "cartoon", estos movimientos provocan que Bubsy haga muchos aspavientos y movimientos que cuesta prever, lo que ocasiona que cueste mucho calcular dónde vamos a aterrizar.

Para ayudar a los saltos 3D, hay una opción para que una retícula nos indique bien dónde vamos a caer.

Hay que echarle muchas bolas

En otros tramos, podemos correr a cuatro patas, saltar de pared en pared o incluso engancharnos a ciertas superficies para trepar, pero la novedad más curiosa consiste en convertirnos en "bola de pelo" para ir a toda velocidad, rebotar y dejarnos caer por gigantescos toboganes.

Es un añadido que se agradece, porque aporta mucha variedad jugable, pero a la vez se convierte en un gran problema, porque los niveles no acaban de tener claro qué escala quieren tener.

Como las zonas para bajar por los tubos han de ser muy largas para "justificar" la velocidad de la bola, hay tramos que se hacen extrañamente largos y deslabazados con el resto.

Lo ideal es que siempre vayamos transformados en bola por ahí, pero si el control es muy impreciso, podemos pasar a modo "normal" en cualquier momento.

Es verdad que a veces vemos flechas que nos indican el camino a seguir, pero los escenarios quedan tan dispersos que a veces cuesta entender qué camino seguir. Que la cámara a veces se mueva de manera errática tampoco ayuda...

Es una pena, porque, cuando funciona, el juego es divertido y su control nos invita a explorar y lanzarnos a alturas que parecen imposibles.

Tiene momentos en los que recuerda a los clásicos de las plataformas y es muy satisfactorio, pero choca con el resto de tramos frustrantes.

Eso sí, no hay vidas. Tenemos un número de golpes y, si los agotamos, volvemos al inicio del nivel o al último checkpoint visitado. No son muy comunes, pero menos es nada...

Cuánto dura Bubsy 4D y cuánto vale

Completar todos los niveles os puede llevar unas seis horas. Con ello, llegaréis al final del juego, pero puede que os quedéis en torno al 60% de compleción.

El resto, claro, consiste en entrar en el área de entrenamiento para practicar movimientos, encontrar el resto de items coleccionables y en superar algunas carreras contrarreloj. Teniendo en cuenta que el juego vale 19,99 euros, no "duele" tanto que dure poco.

Además, el juego también tiene una edición física para Nintendo Switch y Switch 2, a un precio de 39,99 euros y 49,99 euros, respectivamente. Aparte de una caja especial con relieve y una copia física del juego (que incluye manual y carátula reversible), también incluye un póster y un libro de arte (tamaño caja de Nintendo Switch).

Lo cierto es que, una vez completado, tampoco es que uno se sienta super tentado a continuar, porque más allá de algún traje curioso (y por un modo 9 vidas para jugones hardcore, en el que solo podemos recibir 9 golpes antes del game over), el resto no motiva a trastear.

Puede ser por esos problemas jugables o porque, sinceramente, el juego es bastante feo buena parte del tiempo.

Es una pena, porque al arrancar el primer nivel, piensas "vaya, esto no está tan mal", gracias al colorido y la imaginación de un escenario hecho de instrumentos de costura.

Mientras lo controlamos, algunas animaciones de Bubsy son divertidas y muy de dibujos animados... Pero ahí acaba todo.

Para empezar, el nivel de detalle visual de Bubsy o el resto de personajes es bajísimo y las muecas que hace durante las escenas de vídeo intentan ser cómicas, pero quedan bastante toscas para un juego de 2026... O de hace 20 años, si me apuras.

Las animaciones de Jak 2 en PS2 tenían más detalle y, de propina, el propio diseño de la mascota es feo, como desproporcionado.

Por otro lado, aunque la idea de que cada planeta sea "temática" de costura, papelería e informática es divertida, no hay mucho más que rascar y esas 3 ambientaciones se repiten una y otra vez.

Da la sensación de que se ha incluido en el juego la mitad de lo que estaba planeado... Los enemigos son limitadísimos y derrotarlos no da ninguna recompensa, así que es mejor esquivarlos y punto.

El sonido es más interesante. Las voces de Bubsy son bastante graciosas y no para de hacer referencias que rompen la cuarta pared, en plan "el que haya diseñado el checkpoint como un arenero para gatos se creerá muy gracioso".

Lamentablemente, esas frases durante la partida solo están en inglés y sin subtítulos, así que muchos se perderán la gracia.

Otros diálogos si tienen, al menos, subtítulos en castellano, lo que nos permite leer algunas bromas como que nunca digan bien el nombre de Bubsy o que él mismo se considere un héroe de serie B.

La opinión de Hobby Consolas sobre Bubsy 4D

Ojo aquí porque lo mejor del juego es, sin duda, su música, obra de Fat Bard y que mezcla ritmos urbanos, algo de jazz y toques cartoon que quedan de fábula en la experiencia.

El resto del juego es una experiencia con buenas intenciones, pero que no podemos calificar más que como mediocre. Sinceramente, nos temíamos que fuera terrible, pero reconocemos que tiene algunos momentos jugables y ciertas "gracietas" que te hacen sonreír.

Aun así, después de que el género de las plataformas 3D haya tenido exponentes recientes como Sonic x Shadow Generations o Donkey Kong Bananza, este Bubsy 4D se queda, una vez más, como un minino con muy pocas uñas.

El sábado 16 y el domingo 17 de mayo está teniendo lugar esta feria donde es posible encontrar tiendas de consolas y juegos antiguos, decenas y decenas de máquinas recreativas, consolas, microordenadores, exposiciones, coloquios...

Uno de los platos fuertes de este año es la presencia de Yoko Shimomura (compositora de las bandas sonoras de Street Fighter II o Kingdom Hearts) y Michiru Yamane (compositora de Castlevania), que están firmando juegos y haciéndose fotos con los fans.

Pero también hay una magnífica exposición sobre el origen de las primeras consolas, las guerras de marcas en Japón o Gunpei Yokoi, gracias al Museu del Videojoc de Catalunya.

Entre nuestros rincones favoritos, no puede faltar el área de recreativas de Arcade Planet, que este año ha traído algunas rarezas como la curiosísima máquina holográfica Holosseum.

Retro Barcelona es popular... y se nota

Para los que quieren ir de compras, este año hay muchos más puestos, tanto de juegos como de marchandising y, sobre todo, de artesanía, lo que sirve para que muchos creadores emergentes den a conocer sus productos únicos.

Es cierto que, al avanzar la mañana del sábado, ha habido algo de saturación de gente, especialmente en las tiendas, lo que hacía difícil poder ver bien el género, pero ha medida que ha avanzado el día la experiencia ha sido mucho más desahogada.

Muy atentos, porque pronto os daremos más vídeos en profundidad sobre Retro Barcelona 2026, un sitio donde no solo te diviertes, sino que aprendes un montón gracias al expertise de muchos de los expositores. Atentos a nuestro canal de Youtube...

Hace unos meses, Hobby Consolas pudo visitar el set de filmación en Praga, República Checa. Es allí donde los artesanos detrás de esta película convirtieron parte de las calles de la ciudad en los recovecos de Raccoon City o unos enormes estudios en un hospital o hasta unas alcantarillas.

Ahora que el tráiler de Resident Evil ya se ha hecho público, os podemos contar cómo fue esa visita.

Aunque en ese momento Zach Creggler (responsable también de Weapons o Barbarian) no pudo estar presente, sí que pudimos entrevistarle unas semanas después.

En cualquier caso, al hablar con el personal del set de rodaje, ya quedaba claro que su sello y su pasión por los clásicos del cine van a estar muy presentes.

La preproducción de Resident Evil

Los primeros elementos que vimos tenían que ver con el diseño de preproducción, desde bocetos de los monstruos (Zach hace storyboard de toooda la película en los primeros pasos de esta etapa) y estancias hasta maquetas de los edificios que visitará el protagonista, que reproducían con asombroso detalle las ventanas, sillas o cualquier otro elemento.

Nos contaron que estas maquetas son fundamentales para diseñar los momentos de acción. Así, pueden definir mejor la posición de la cámara o de los actores.

En esos bocetos también había vistazos a los huevos de Pascua que el director quiere introducir en la película. Aunque la inspiración principal estará en el Resident Evil 2 clásico, habrá guiños a otros juegos, desde los logos de empresas hasta las sencillas hierbas verdes, pasando por criaturas más propias de Resident Evil 4 y 6.

A la hora de diseñar criaturas, se han inspirado en registros médicos reales, que mostraban mutaciones e infecciones severas, para da run aspecto más "realista".

Una característica importante de esta película será su apuesta tajante por los efectos especiales tradicionales.

La artesanía de Legacy Effects

Sí, habrá efectos digitales cuando sea estrictamente necesario, pero la mayoría de los monstruos que veremos en el filme serán estrictamente animatrónicos. Para ello, se ha contado con Legacy Effects, auténticos veteranos de los efectos especiales tradicionales.

De hecho, el cofundador de Legacy creó la empresa en 2008, después de trabajar mucho tiempo junto al legendario Stan Winston (trabajaron juntos en películas como Terminator, Aliens: el regreso o Parque Jurásico)

Desde el punto de vista creativo, lo comparan a James Gunn o Guillermo del Toro, en el sentido de que tiene una idea muy clara de cuál será el resultado final a nivel estético y funcional.

Al visitar el taller de Legacy, uno no puede evitar alucinar. Sin contaros mucho en qué consisten las criaturas (van a ser, seguramente, el punto más comentado de la película, por su diseño), nos mostraron decenas de muestras, cada una en diferente estado de "deformidad" y, delante de nosotros, con unos mandos, movían sus ojos, manos... Llegaba a intimidar.

Estas criaturas se moverán por una mezcla de mecanismos neumáticos y radiocontrol. A diferencia de los años 70 u 80, cuando todo se modelaba a mano, ahora las criaturas se modelan en 3D en un ordenador y luego se imprimen para colocarles los mecanismos.

Otros rostros y personajes también se pueden ver apoyados por el modelado 3D. Para ello, contaban con una sala cilíndrica llena de cámaras que fotografían a los modelos de todos los ángulos, para a partir de ahí generar un modelo en el ordenador.

Pero claro, se trata de criaturas pequeñas, "fáciles" de imprimir. Los monstruos más grandes se han modelado a mano.

"Habrá a quien le pueda chocar que se dedique tanto trabajo a algo que va a verse 45 segundos en pantalla, pero merece la pena, se van a ver genial", nos comentaba, a colación de uno de los monstruos más impresionantes de la película.

"Todo el mundo sabe qué es una pantalla verde. Nuestro objetivo es que, cuando veas los efectos en pantalla, no sepas bien cómo se han hecho, pero te los creas", continuaba.

Esto afecta a los propios actores. Desde su perspectiva, tener a una criatura delante que de verdad los toque o les lance líquido (ejem) va a ayudar a que sus reacciones sean más creíbles.

Dado que hay criaturas tan diferentes con toda clase de texturas, reconocen que han tenido que ser "un poco MacGyver" para dar con soluciones físicas, mezclas que proporcionaran la textura adecuada. Su presencia ha tenido que ser intensa y constante a lo largo de toda la película.

"El mayor desafío era llegar a los plazos tan ajustados. Para muchas cosas necesitarías 8 meses y solo tienes 2", nos comentan. Dado que tenían tanto que hacer de una manera artesanal, la creatividad y la experiencia previa han sido cruciales.

"Pero también fue importante que Zach tuviera tan claro lo que quería y fuera tan amable explicando las modificaciones que veía necesarias".

Edificios monstruosos

La propia construcción del espacio también es importante. El jefe de prducción nos contaba cómo Zach ha querido insistir mucho en cómo funcionan los sustos y el miedo en la película, cómo el movimiento de cámara o las linternas han de contribuir a ello de una forma similar a como lo hacen los videojuegos de Resident Evil.

Por eso, uno de los sets más importantes tendrá lugar en un tramo de alcantarilla que será un homenaje a ese mismo segmento del juego Resident Evil 3.

Dentro de un plató, construyeron una enorme alcantarilla que pudimos visitar. Al pasar una curva, se revela una de las abominaciones más impresionantes de la película.

No os contamos mucho en qué consiste, pero es impresionante que un "bicho" así de grande se mueva a base de cables y mandos a través de trampillas.

De hecho, tuvieron que levantar todo el set sobre una base de acero para que aguantara bien y, justo bajo la "criatura", crearon hueco para que hasta 6 manipuladores muevan su rostro, sus ojos y articulaciones con soltura.

Aunque las dimensiones de ese set impresionaban, no era lo más grande que habían construido para la película.

Como sabréis, buena parte de la acción tenía lugar en un hospital, que poco a poco va siendo invadido por los estragos del virus T.

Pues bien, construyeron una fachada entera de edificio, 3 plantas completas, con cornisas derruidas, cables colgando y demás, para uno de los momentos en los que el protagonista ha de pasar.

Es una pena que no podamos mostraros imágenes, porque las dimensiones impresionan.

Pero más sorprendente aún es el hecho de que, para una escena, han construido desde cero dos huecos de ascensor con sus correspondientes elevadores, completamente funcionales.

Llegados a ese punto, teníamos que preguntarles: ¿por qué ese nivel de detalle, cuando se podría resolver en buena medida de forma digital? Ellos nos comentaron que la textura de la imagen, las sensaciones no son las mismas. El director quería que el escenario fuera "tangible". Y estamos de acuerdo.

La otra pregunta era evidente: ¿los productores, encargados de soltar el dinero, no pusieron pegas a construcciones así de faraónicas?

Ellos nos comentaron que no, que han tenido carta blanca para hacer lo que estimaran. En estos tiempos de crisis empresariales y dinero medido con cuentagotas, suena a toda una liberación.

Aunque todos estos sets impresionaban, la construcción de la que estaban más orgullosos tenía lugar dentro de una enorme habitación del hospital. Sin contaros demasiado de qué irá esa escena, toda la sala estaba llena de unos extraños huevos gigantes, rojos y brillante.

Cuidando los detalles "virales"

Dentro de esos huevos, se podía ver cómo se movían criaturas en gestación, todo ello de forma "artesanal". El suelo estaba lleno de una sustancia viscosa. ¿Sangre? ¿Otra cosa? El espectador no podrá percibir esto, pero el olor a látex y a productos químicos era muy chocante.

Además de la labor de artesanía al crear individualmente cada uno de estos "props", está el trabajo extra de repetir tomas. Como el suelo estaba lleno de líquido, con cada toma había que repasar detalles como las pisadas que quedan en ese líquido, para que haya "raccord" entre planos. Un trabajo muy minucioso.

Una vez más, el jefe de producción nos insistió: Zach está OBSESIONADO con los juegos de Resident y quería capturar tanto la acción como, sobre todo, la sensación de miedo e indefensión que se siente en buena parte de esas aventuras.

Es una pena que no podamos, por motivos lógicos, mostraros fotos de todo esto que os comentamos, pero sin intención de pelotear, de verdad creemos que va a ser una producción que mezclará muy bien la "vieja escuela" con nuevas tecnologías y que, sobre todo, querrá ser al material original.

La película de Resident Evil se estrenará el 18 de septiembre dde 2026 y será entonces cuando podáis comprobar todo lo que os contamos... y participar de nuestras pesadillas, por supuesto.

Se trata del quinto juego de The Dark Pictures (ya sin el "Anthology" desde los tiempos de The Devil in Me), sexto si tenemos en cuenta el más experimental Switchback VR.

Este podría considerarse el arranque de la segunda temporada de juegos, aunque los desarrolladores ya prefieren no dividirlo de esa manera para no confundir a los jugadores y simplemente lo denominan "A Dark Pictures Game".

Como todos los juegos de la serie, el objetivo es guiar a un grupo de cinco personajes a través de una trama en la que hemos de tomar decisiones críticas (¿huir o ayudar al compañero? ¿disparar o no hacerlo?), superar quick time events y explorar el entorno.

Todo esto puede llevar a la muerte de uno o varios personajes, pero la historia siempre seguirá avanzando... con las consecuencias de nuestros actos, claro.

La ambientación rompe con todo lo visto anteriormente en la serie y nos lleva al futuro y al espacio, a varios años luz de la Tierra.

Con una trama que bebe claramente de clásicos de la ciencia ficción como Alien y La Cosa, seguimos los pasos de unos colonos que, a bordo de la Cassiopeia, están a punto de llegar al planeta Tau Ceti f, que quieren terraformar para dar un nuevo hogar a los habitantes de un planeta tierra que agoniza.

Cuando se acercan a la órbita, un meteorito choca con el casco de la nave y, con él, viaja algo. Algo... orgánico. Así arranca la historia de un juego en el que nuestros compañeros se comportan de forma extraña y seres cada vez más monstruosos invaden los pasillos de la nave. ¿En quién confiar? ¿Cuál es la naturaleza de la amenaza?

Aunque a lo largo de la historia principal controlamos a cinco personajes, la principal protagonista, Young, está interpretada por Lashana Lynch, Maria Rambeau en pelis del UCM como The Marvels.

Ella es la “estrella invitada” de esta entrega, mientras que el resto de personajes tienen rostros ya conocidos de juegos previos como Little Hope, pero curiosamente su captura de movimiento y voces corren a cargo de nuevos actores (una medida de Supermassive para abaratar costes de la creación de nuevos modelos 3D).

Si sois veteranos de The Dark Pictures, quizá choque ver los mismos rostros una y otra vez, pero por otro lado da un tono cohesionado e inquietante al conjunto, un poco en la línea de la serie American Horror Story.

Más allá de esta curiosidad, ¿qué mantiene y qué novedades aporta esta entrega? Un cambio importante (y un tanto decepcionante, la verdad) es la ausencia del Conservador, ese narrador que nos daba crípticas pistas y “juzgaba” cómo jugábamos en los juegos previos.

Eso quita encanto a la experiencia, pero tiene su explicación: el actor que le ponía rostro, Tony Pankhurst, falleció en 2024.

Como decíamos, dado que es otro actor el que da voz y movimiento al personaje, podrían haber seguido con ello, pero entendemos que por respeto al rostro original han decidido descartarlo.

En la base jugable, es similar al último título, The Devil in Me. Nos movemos en tercera persona y podemos manejar la cámara a nuestro alrededor para explorar mejor. Cuando estemos cerca de algún elemento interactivo o personaje, un icono nos lo indicará.

Cambiando las normas de The Dark Pictures

Para que sea más sencillo, al pulsar arriba en la cruceta veremos dónde está nuestro siguiente destino, aunque puede que para llegar a él haya que buscar la forma de abrir una puerta, colocar una plataforma, etc.

Esto se consigue con dos herramientas nuevas del juego. Por un lado, una pulsera multiusos que activará a distancia ciertos interruptores.

Por otra, una palanca electrificada que nos servirá tanto para abrir puertas mediante un sencillo minijuego como para zafarnos de un enemigo una sola vez (tras eso, necesita unos segundos de recarga).

Además, tenemos un escáner que permite ver a los enemigos tras cualquier obstáculo por unos instantes, además de señalar el cableado que vaya por dentro de las paredes y conecte mecanismos útiles.

Este escáner será crucial en los momentos en los que nos toque escondernos.

Mientras que en juegos anteriores esto solía resolverse pulsando con el ritmo adecuado en las tensísimas secuencias de cardiograma (elemento que ha desaparecido aquí), en esta ocasión seremos nosotros quienes deberemos mover con cuidado al personaje de un parapeto a otro mientras un monstruo nos busca.

Esto da un soplo de aire fresco a la franquicia y nos obliga a observar bien el escenario mientras buscamos la forma de abrirnos paso sin que nos atrape nuestro perseguidor... pero lo cierto es que las escenas en sí no son ningún prodigio, a poco que tengáis experiencia en juegos de infiltración.

Los monstruos siguen patrones muy básicos y delimitados, siempre se mueven por el mismo sitio y con los mismos tiempos. Se agradece el esfuerzo por cambiar, pero más de una década después de Alien Isolation, esto se queda algo corto.

Otro elemento que desaparece son las imágenes premonitorias propias de juegos previos. Aquí no habrá pistas sobre los momentos en los que podamos morir... ni sobre futuros juegos de la saga.

Sí habrá coleccionables sobre entregas previas, pero solo en la edición Deluxe. Ah, y podemos hallar mensajes y grabaciones que ayudan a entender la verdad detrás de la trama.

Tampoco habrá un medidor de nuestra relación con el resto de compañeros, pero sí que tendremos algunas comunicaciones “a lo whatsapp” que nos darán pistas sobre cómo van las cosas y tres medidores por personaje (del tipo “optimismo”, “liderazgo”, etc.) que, si aumentan los suficiente, desbloquearán nuevas rutas narrativas para él.

No hay marcha atrás... ¿o sí?

Y en las rutas es, precisamente, donde está el cambio más interesante de esta entrega: la pantalla de puntos de inflexión.

En cualquier momento, podremos pausar la partida para chequear un diagrama que nos muestra la ruta que hemos seguido, las decisiones que hemos tomado o los QTEs que hemos superado, pero también podremos ver (sin mucho detalle, claro), otros caminos que podríamos haber tomado.

Esto, además de útil, resulta bastante instructivo para entender cómo se articula la narración en un juego de este tipo, pero lo más interesante es que podremos “rebobinar” al punto de inflexión que queramos. Así, si por ejemplo un personaje muere, podremos rebobinar hasta el inicio de ese evento para intentarlo de nuevo.

En los primeros compases del juego, esta oportunidad es útil y directa, pero más adelante puede que una muerte sea fruto de un punto de inflexión que tuvo lugar muy atrás y no sepamos bien a qué se debe, por lo que igual nos toca rebobinar bastante.

En cualquier caso, si queremos una experiencia más tensa y “hardcore”, podemos jugar en modo Superviviente, en el que las muertes son permanentes y no hay oportunidad de reintentar nada; hay que apechugar con las consecuencias, como ha pasado siempre con Supermassive.

La presencia de los puntos de inflexión y la forma en que se nos muestran durante la partida sí nos parecen un refinamiento interesante de lo que teníamos hasta ahora.

Esto multiplica la rejugabilidad y nuestras ganas de probar alternativas dentro de una experiencia que, de una forma lineal, se queda en unas 6 horas de partida.

Otra cosa es que, estando ya en el último tercio del juego, haya ciertas revelaciones que puedan parecer forzadas y que, a la postre, mermen un poco nuestras ganas de reintentar los puntos de inflexión, porque se cambia bastante nuestra, digamos, perspectiva de la partida.

No queremos decir mucho más, ya lo entenderéis si lo probáis. Desde luego, en lo narrativo hay alguna pirueta un tanto arriesgada.

Más acertado (y, en cierto modo, sustitutivo de esas premoniciones) nos parece el uso de flashforwards, pequeños saltos hacia delante en la trama, que nos hacen tomar decisiones sobre elementos que tendrán lugar varias horas después, para luego volver a llevarnos al “presente”. Curioso, en un juego de este tipo.

A nivel jugable, por cierto, tenemos que destacar también el multijugador. Con un solo mando y de forma local, podemos hacer que hasta cinco jugadores se turnen en el control de uno o varios personajes.

Esto es algo que ya estaba en juegos previos y que resulta muy entretenido. No tenemos aún multijugador online, aunque los desarrolladores dicen que lo incorporarán con una futura actualización.

Gráficos y sonido de Directive 8020

En el apartado técnico, se nota el salto a Unreal Engine 5, especialmente en los elementos de iluminación de los tétricos pasillos de la nave.

Ahora, las luces y sombras funcionan mejor para dar ambiente, mientras que el modelado y la animación con captura de movimiento de los personajes nos parece al mismo nivel de siempre.

En los tiempos de Until Dawn esta tecnología de captura de movimiento era lo más de lo más, pero aquí parece “estancada” en ciertos elementos, como el hecho de que a veces los rostros sean demasiado inexpresivos mientras el cuerpo gesticula un montón.

En cualquier caso, la mayoría del tiempo hay una gran sensación de fotorrealismo y el nivel de detalle en la piel o los ojos es realmente convincente.

En el caso de PS5 estándar, que es donde hemos podido jugar, el juego nos permite elegir entre modo calidad o rendimiento.

Una vez más, es mejor optar por el modo rendimiento, porque apenas se notan diferencias y la acción va mucho más fluida. Aún así, puede que notéis algún parón pequeño en ciertas escenas.

En PS5 Pro, el juego aprovecha el PSSR y, sobre todo, el ray tracing para mostrarnos tanto efectos de sombras como reflejos (en los cascos de los protas, por ejemplo) que mejoran la inmersión.

Las voces vuelven a estar en castellano con un muy buen doblaje, como es costumbre en la saga. Tenemos algunos actores reconocibles, como Javier Gámir, la voz de Marcus Fenix en Gears of War.

Las comunicaciones por radio y algunos efectos de sonido (como cristales que alerten a los monstruos) se oyen a través del altavoz de DualSense. Las melodías acompañan bien y, una vez más, recuerdan a clásicos como Alien o Atmósfera Cero.

La opinión de Hobby Consolas sobre Directive 8020

Una vez llegamos al final de la campaña, tras unos cardiacos episodios finales, la sensación es extraña.

Hay momentos muy emocionantes, sobre todo cuando dudamos sobre quién es humano y quién un doble malvado al estilo La Cosa, y los personajes están bien descritos; los secretos que nos oculta buena parte del juego son valientes, pero algo no acaba de conectar del todo.

Quizá es que el juego no sabe bien si aferrarse a los fundamentos de The Dark Pictures o lanzarse del todo a por un concepto de infiltración y terror más libre, por lo que parece quedar a medio camino. Hay algunas dinámicas que tenían potencial de llegar más lejos, pero no acaban de usarse a fondo.

En cualquier caso, Directive 8020 una experiencia interesante, con algunas ideas valientes, que agradará a los fans de la ciencia ficción de los 70 y 80, además de los que disfruten devanándose los sesos sobre haber tomado la decisión correcta. A mí me pasó al probar el salmorejo de manzana. Qué necesidad había...

Aunque SEGA y Ryu Ga Gotoku Studio ya habían dado algunos detalles del título, no ha sido hasta esta noche, con la presentación oficial en el evento de Xbox, que hemos podido conocer bien la historia y jugabilidad de Stranger Than Heaven.

El productor, el director y los actores del juego han dado detalles muy jugosos sobre una aventura que abarcará 50 años de la historia de Japón en el siglo XX, a través de una doble óptica muy curiosa: la de dos inmigrantes y la de la música.

El protagonista de Stranger than Heaven será Makoto Daito, el hijo de un estadounidense y una japonesa que vive sus primeros años en EEUU castigado por la discriminación.

Ser un mestizo era algo muy chocante. Sus padres mueren cuando él es muy joven, por lo que decide colarse de polizón en un barco y empezar de cero en Japón.

El juego arrancará en 1915, cuando el barco llega a Kokura, Fukuoka. El dueño del barco, Orpehus, siente curiosidad por Makoto, que al hablar inglés y japonés puede serle útil en sus contrabandos. Lo convierte en su ayudante y, a partir de ahí, Makoto comienza a forjar un destino en Japón.

Pero en el barco había otro polizón: Yu Shinjo, otro joven aún más ambicioso, que se convierte en amigo de por vida de Makoto (al que ve como una especie de hermano mayor), pero que quiere crear su propio camino. Yu no busca adaptarse a Japón, quiere cambiar el país, moldearlo según sus proyectos.

Así, Stranger Than Heaven seguirá durante 50 años la trayectoria de ambos personajes y cómo evoluciona su amistad, siempre desde la óptica de Makoto.

El protagonista tiene un talento innato para la música, por lo que pronto comenzará a invertir en el show business: de cantante, pasará a ser un empresario que cree sus propios shows y desde su local interactuará con las mafias de la zona, artistas... y las ambiciones de Yu.

La trama tendrá lugar en cinco entornos diferentes. Como ya hemos dicho, en 1915 visitaremos Fukuoka, una zona industrial del Japón occidental. No había mucho entretenimiento, solo trabajo, así que la gente se distraía con la bebida, el juego y la prostitución.

De ahí saltaremos a 1929 en Kure, Hiroshima. Era una ciudad dominada por la industria pesada y los astilleros y era un punto de encuentro para culturas de muchos países. En esa época, el cine comienza a despuntar en Japón y la Yakuza gana mucho peso.

El siguiente capítulo tiene lugar en 1943 en Minami, Osaka. Allí se emplazaba uno de los distritos de entretenimiento más importantes de Japón. A medida que la cultura extranjera cala en la japonesa, la Yakuza va aumentando sus tentáculos.

El cuarto lugar será Atami, Shizuoka, en 1951. Era un destino turístico muy poblado, por lo que habrá muchas oportunidades para Makoto.

Por último, en 1965, viajaremos al conocido Kamurocho, en Shinjuku. Allí se revelará un gran secreto...

Como veis, Stranger Than Heaven difiere de los Yakuza en que se atreve a abarcar muchas décadas seguidas en un solo juego, pero también en cómo aborda la trama desde la cultura popular y desde la asimilación cultural como motor de Japón. Será tanto una historia del país como de estos dos personajes.

A nivel jugable, el título retoma los esquemas de Yakuza: será una aventura abierta en tercera persona, en la que podemos explorar, acceder a minijuegos, pelear e ir avanzando en la trama.

Aún no se han mostrado demasiados minijuegos, pero los que se han mostrado ya dan una idea de la variedad que cabe esperar en los títulos del estudio: apostar con dados, naipes, galerías de tiro...

Busca la música en cualquier parte

También habrá dinámicas secundarias muy interesantes que tendrán que ver con la música. Por un lado, habrá que "capturar" sonidos del día a día que Makoto detecte.

Como tiene un oído musical muy fino, podremos pulsar un botón para recordar ritmos, desde el sonido de una locomotora, animales, herramientas... hasta ronquidos.

Luego, puede hablar con compositores para que mezclen esos sonidos y den lugar a melodías que puedan triunfar. Original, ¿no?

Más adelante, también tendremos que gestionar nuestros locales. Esto pasará por colocar carteles publicitarios para atraer la atención de clientes, decidir qué músicos colocar en una actuación y dónde posicionarlos o, claro, fichar a esos músicos o a nuevas cantantes.

La dinámica de reclutar talentos para el show nos llevará a conocer personajes secundarios muy importantes, como Takashi, un yakuza cuyo talento oculto es el piano, algo que aprovechará Makoto para granjearse la amistad del mismísimo clan Tojo. ¿Veremos ahí un punto de conexión directa con la saga Yakuza?

Otros personajes importantes serán Cordell, que parece vinculado con Orpheus, y Suzy, una cantante occidental que quiere actuar en el escenario más grande de Ginza.

El ritmo de los puñetazos

Vale, la música está muy bien, pero también habrá que pasar a la otra "acción". Las peleas, como era de esperar, serán muy comunes y tendrán una dinámica que romperá con juegos anteriores, en pos de un mayor realismo... dentro de lo que cabe.

El control será en tiempo real y empleará un enfoque curioso, usaremos los gatillos y shoulder buttons para controlar individualmente cada extremidad de Makoto.

Así, en el caso de Xbox, serán LB y LT los que controlen la mano y la pierna izquierda, respectivamente, mientras que RB y RT harán lo propio con las extremidades derechas.

Esto nos servirá para tener un mayor control, sobre todo cuando peleemos con varios enemigos a la vez. Podremos agarrar a uno y golpearlo contra el otro, pulsar ambas manos a la vez para ejecutar una presa...

Como es común con RGG, habrá muchas acciones contextuales según la parte del escenario donde ataquemos: podremos estrellar a alguien contra una pared, lanzarnos rodando con él escaleras abajo...

También podremos protegernos con una mano y atacar con otra o dejar pulsado un botón para lanzar un ataque cargado, siempre que usemos el timing correcto. Será posible conseguir la habilidad de noquear a rivales de un golpe.

Igualmente podremos usar un montón de armas, desde elementos tradicionales japoneses como katanas hasta mazos, puñales, martillos...

Se nos invitará ir a tiendas para adquirir nuevas armas, mejorarlas o incluso usar ingredientes para crear ornamentos que den nuevas características a esas "herramientas".

Para rematar, habrá duelos especiales a bordo de un coche en marcha, huidas mientras un tren nos persigue, peleas acompañados de otro personaje... Vamos, que la acción será mucha y variada.

Los cabeza de cartel de Stranger Than Heaven

¿Y qué tal lucirá el juego? La presentación que hemos visto estaba bastante fragmentada, así que era difícil hacerse una idea del nivel técnico, pero parece que estará ligeramente por encima de lo visto en los Like a Dragon (mención especial para la iluminación mejorada) pero con la variedad que otorgará un argumento de 50 años en 5 entornos diferentes.

Lo que sí sabemos es que habrá un montón de artistas interpretando a los personajes principales. De Makoto se encargará Dean Fujioka (cantante y actor, conocido por los live action de Full Metal Alchemist).

De Suzy se encargará Tori Kelly, una cantante que además interpretará el tema principal del juego.

Y ojo, que para Orpheus tendremos a Snoop Dogg que, como sabréis, además de tener mucho cariño a su amiga María es un jugón de cuidado que ya ha participado en otros proyectos gamer.

Cómo no, la música tendrá un gran protagonismo en el juego, con una banda sonora que ya nos ha insinuado un ambiente muy jazzero y de modas de la primera mitad de siglo. ¡Hasta hemos visto una actuación muy "hispana" con castañuelas y todo!

Así, Stranger Than Heaven promete ser el siguiente paso evolutivo en la maravillosa trayectoria de Ryu Ga Gotoku Studio. Quedan muchas dudas aún (¿habrá presencia del humor? ¿qué otras actividades haremos? ¿qué "heredaremos de una era a otra?) pero ya habrá tiempo de despejarlas poco a poco.

Por ahora, lo percibimos como una de las aventuras más prometedoras de los próximos meses (os recordamos que llegará en invierno a PS5, Xbox Series X/S, PC y Game Pass en día 1) y declaramos sin miedo que el show debe continuar.

La primera película de Mortal Kombat tuvo críticas muy dispares, principalmente por su guion, pero funcionó bien en taquilla y en HBO Max, lo que ayudó a seguir adelante con una secuela más grande en cuanto a personajes y trama.

La promesa de que Johnny Cage debía ser la estrella de este nuevo show se ha cumplido, gracias al fichaje de un Karl Urban (Carnicero en The Boys) que sembró dudas: ¿no es demasiado mayor para el papel?

El resultado, en ese sentido, es satisfactorio, gracias por un lado al carisma del propio Karl (que aporta mucho humor y presencia) y por otro, por la decisión de mostrar a un Johnny que está a medio camino del visto en Mortal Kombat 11 (maduro y con su pasado cinematográfico atrás) y el tradicional.

Tan importante o más que Johnny es Kitana, interpretada por Adeline Rudolph (Hellboy: El hombre retorcido). Este es el personaje con el lore mejor explorado, gracias a su vinculación con Jade (Tati Gabrielle, Intergalactic) y, claro, con Shao Kahn, el gran villano de esta entrega.

De interpretar a Kahn se encarga el gigantesco culturista Martyn Ford, cuya presencia en pantalla, con casco y armadura, nos hace decir "guau, es igual o incluso mejor que en los juegos".

Sin duda, ese es el punto más fuerte de la película: su representación visual absolutamente fiel a las entregas más recientes, desde el reboot de los juegos en 2011. Que se atrevan a trasladar bien a un personaje tan raro como Noob Saibot es digno de elogio.

Esto se ve en los movimientos, en los trajes e incluso en los escenarios. Es una gozada presenciar las luchas en lo más profundo del Foso o en la icónica piscina de ácido.

Sí, hay veces en las que el croma y el CGI "cantan" de más, pero el ritmo es tan rápido y las referencias son tantas que lo pasaréis bien emulando el meme de Leonardo Di Caprio señalando a la tele. Ojo, sobre todo, al genial cameo que nos cuelan en la primera mitad.

Test your might

Los propios combates van más allá de lo visto en la primera película (en la que fueron criticados por ser muy entrecortados) y aquí vemos coreografías de artes marciales más trabajadas, sobre todo cuando hay expertos del género como Lewis Tan en pantalla.

Un aliado inesperado de estos momentos es el sonido: si veis la película en una sala con buen surround, fliparéis con los atronadores efectos y la música.

Esta ambición en la producción tiene cierta contrapartida en el guion. Por un lado, la película cae en un error que, siendo honestos, también tienen los juegos: la presencia del necromante Quan Chi garantiza que cualquier pueda resucitar.

Esto sirve para que regresen algunos personajes para duelos muy top, la verdad (la pelea de Liu Kang contra cierto conocido es una chulada), pero también quita emoción, porque sabes que ninguna muerte tiene por qué ser definitiva.

Por otro lado, al haber tantos héroes y villanos en la trama, es inevitable que algunos queden más diluidos.

En concreto, la presencia de Shang Tsung está totalmente desperdiciada y, aunque Baraka está muy bien representado en acción, quizá lo muestran de manera excesivamente cómica.

Lógicamente, hay que dejarse llevar por el guion sin darle demasiadas vueltas, porque todo es una excusa para encadenar un combate con otro, pero agradecemos precisamente la falta de complejos a la hora de representar los juegos como lo que son, una mezcolanza divertida de artes marciales, fantasía, gore y humor.

Los Fatalities vuelven a ser tan salvajes y explícitos como cabría esperar y la mayoría de las peleas en general consiguen dar en la diana. Sin querer spoilear, cierto personaje icónico de la saga vuelve a tener aquí una presencia arrolladora que levanta las expectativas.

La opinión de Hobby Consolas sobre la película Mortal Kombat II

Así, Mortal Kombat 2 es lo que uno espera de una película de este tipo: más ambiciosa, más espectacular y, también, algo más dispersa, pero el viaje merece la pena en una buena sala de cine, siempre que no os lo toméis demasiado en serio.

¿Habrá una película de Mortal Kombat 3? El final de esta deja suficientes tramas abiertas como para que así sea, pero eso dependerá de algo más poderoso que los Dioses Antiguos: que la taquilla acabe diciendo "get over here!!" a partir del estreno el 8 de mayo.

Zach, que ha ganado una gran popularidad gracias a sus películas Barbarian y Weapons, es un fan confeso de los juegos y, en esta entrevista, compartió con otros compañeros de la prensa internacional y nosotros muchas claves. Ahora que se ha mostrado el primer teaser, podemos contároslas.

¿Qué le apasiona de los juegos? ¿Por qué las películas previas no funcionaron? ¿Qué elementos de la serie van a estar aquí? Estos y muchos otros detalles, en una entrevista que, no sabemos a vosotros, pero a nosotros nos ha aumentado el hype. Que lo disfrutéis:

Esta película parece querer reproducir las sensaciones de desasosiego y tensión cuando juegas a Resident Evil por primera vez. ¿Fue ese el catalizador inicial del proyecto?

Sí, he jugado a los juegos un montón, me han calado mucho. Tienen una naturaleza muy cinematográfica: nos presentan unos personajes en un viaje en el que parece que el mundo está en su contra.

Lo que más me gusta de los juegos es la sensación de amenaza constante, porque no sabes lo que va a haber a continuación y tienes la sensación de que nunca tienes balas suficientes. No hay tiroteos enormes, sino que tienes que ir dosificando la acción poco a poco. Esa es la esencia del survival horror para mí.

La idea era poder formar parte de Resident Evil y ubicarme en lo que rodea principalmente a Resident Evil 2, lo que pasó en esa terrible noche, pero en una historia paralela, manteniendo el tono y el ritmo de los juegos.

El personaje Gladys de tu anterior película Weapons ha tenido un gran impacto cultural. ¿Esperas que algún personaje de esta nueva película vaya a ofrecer un impacto similar?

No lo sé. Fue un momento alucinante con Amy (Madigan, la actriz de Gladys) y no esperábamos que fuera a impactar tanto. Creo que estaría autoengañándome si creyera que iba a poder recrear algo así. ¿Quién sabe?

En cualquier caso, hay adversarios muy únicos en esta película, muy divertidos y nunca antes vistos por el público. Pero siguen pareciendo propios del mundo de los juegos, la idea es que encajen en Resident Evil aun siendo nuevos. Veremos cómo reacciona la gente.

En realidad, creo que será Austin (Abrams, que interpreta a Bryan, el protagonista) el que conecte más con el público. Para mí, lo interesante de la película es que él representa un "avatar" de cómo sería yo si estuviera dentro de un juego de Resident Evil.

No se me dan bien las armas, fallo el 99% de los tiros. Creo que será divertido seguir los pasos de alguien que no parece un soldado de élite. Creo que la gente disfrutará de esa perspectiva.

Muchos directores de terror suelen tener un vínculo también con la comedia. ¿Crees que este va a ser también un caso así?

Sí, ambos estilos se basan en jugar bien con los tiempos y el tono para obtener una respuesta del público. Un solo fotograma puede marcar la diferencia en que un chiste conecte o no.

El tiempo que he trabajado en comedia me ha servido para entrenar esos "músculos" y dar con la fórmula. Esto me sirve en el terror, donde si uso esto y lo mezclo con lo otro... bum, lo tengo.

Quería que sintieras que estás viviendo los videojuegos.

Los juegos de Resident Evil alternan entre la perspectiva en primera y tercera persona. ¿Las has usado como un punto de referencia al diseñar una escena?

Por supuesto, hay algo de primera persona, pero lo que más me gusta es la tercera persona. De hecho, te agradezco la pregunta, porque es algo importante para mí.

Hice un storyboard de toda la película antes de lanzarme al grueso de la misma. Aquí tengo varios storyboards y abras la página que abras verás un plano potente en tercera persona (nos muestra unos ejemplos). Quería que sintieras que estás viviendo el juego: el héroe se mueve y la cámara le sigue; luego va a otro lado y la cámara se ajusta...

Incluso cuando nos estamos moviendo en un hospital normal al inicio de la película uso el lenguaje de los videojuegos. La cámara se fija en lo que se fija el personaje. Uso el vocabulario que los juegos han establecido para contar la historia.

A veces paso a primera persona; otras veces uso un estilo más tradicional cuando, por ejemplo, los personajes están teniendo una conversación, pero quería empaparme de la inmersión que siento cuando estoy con los juegos. ¿Por qué no iba a usar su lenguaje? Si en realidad es muy cinematográfico.

Creo que los fans de los juegos se van a sentir representados.

Cuando te embarcaste en el proyecto, ¿te encargaron que abordaras algún juego en concreto o tenías vía libre para hacer algo nuevo?

En realidad no se me ofreció hacer algo de la franquicia. Mi socio de la productora me dijo: "¿hay algún videojuego que te gustaría adaptar?" El único que quería era Resident Evil, pero estaba seguro de que no me iban a dejar ir a por él. Pero pensamos "bueno, vamos a averiguarlo".

Antes de reunirme con Constantin Films (la productora que tiene los derechos) ya tenía la historia pensada. Fue rápido, porque en realidad es una historia muy simple. Hice una llamada de Zoom con ellos y les dije "chicos, sé que para vosotros esta es vuestra joya de la corona", les presenté la historia y dije "este es mi enfoque de lo que hacer. Si os gusta, genial. Si no, no pasa nada".

La verdad es que no hubo mucha resistencia. En cualquier caso, no fue algo que me ofrecieran. Se me ocurrió a mí y llamé a su puerta y aquí estamos.

¿En algún momento consideraste que el protagonista fuera alguien de los videojuegos, como Chris, Jill o Leon o siempre has querido que fuera alguien nuevo?

No, siempre quise que fuera así. Cuando leo un libro y hacen una película sobre él, siempre pienso "por favor, que no lo estropeen". Y amo estos juegos tal y como son.

Si hacen una adaptación con Leon, pensaría "no estropeéis a mi Leon. Él es así, no quiero que me lo arruinen". No considero que contar otra historia paralela suponga una violación del universo Resident, porque los juegos lo hacen muy a menudo.

El séptimo o el octavo tienen muchos saltos. Si quiero rendir homenaje a los juegos, mi idea es hacer una historia que se sienta como una partida con ellos, pero que no invada la narrativa de Leon. Quiero que él siga siendo como es. Creo que es el enfoque más respetuoso que podía adoptar.

Has comentado que habrá muchos huevos de Pascua para los fans. ¿Cómo has equilibrado su presencia sin que suponga un problema para los que no conocen los videojuegos?

Si no conoces las referencias, te van a pasar de largo y no te harán perder el tiempo. La película no va a tener diálogos sobre cosas que solo pasan en el juego. Son más bien detalles como una habitación que tiene una máquina de escribir al fondo. Los que conocen los juegos reconocerán su estética. Los que no, pensarán "¿qué importancia tiene? Es solo una máquina de escribir".

Hay muchos objetos que vienen del lore de los juegos y, claro, el ritmo también está extraído de ellos. Si no los conoces, no será algo que te marque la diferencia. Por ejemplo, el héroe empezará con una sencilla pistola, luego conseguirá una escopeta... Todos los jugadores reconocerán esa progresión y los demás no notarán nada.

Por tanto, no es algo que vaya a lastrar a los que no conozcan los juegos, pero los que los hayan probado podrán "verlos" en la película.

¿Qué tal ha sido trabajar con Shay Hatten (guionista de la saga John Wick) en el guion? ¿Hay elementos de John Wick en la película?

No, no hay elementos de John Wick (ríe). Pero me encanta Shay, es una persona con la que es muy sencillo trabajar. Sacamos adelante el guion tan rápido porque en cuanto entra en la sala fluye la inspiración. Nunca he escrito nada tan rápido, porque Shay es una persona muy divertida y servicial.

¿Has tenido que pelear con Sony o Constantin a la hora de meter ciertos monstruos o elementos en la película?

No he tenido que pelear con nadie para esta película. Me han dejado dirigirla a donde quería. Sinceramente, con quien siento más compromiso es con las personas que aman los juegos. Es a ellos a quien de verdad quiero satisfacer.

Como proyecto, quizá este sea el más ambicioso que has tenido que abordar. ¿Ha habido imprevistos o circunstancias más complejas que en el pasado?

Sí, nunca he utilizado tantos efectos especiales. tanto físicos como digitales. Me he dado cuenta de que la película se hace principalmente en la preproducción.

Ya lo sabía por Barbarian y Weapons, pero la preproducción de esta requería tanta concentración e intensa... Hay un clímax cada cinco minutos, hay que organizar muchos "set pieces" que tienen muchísimo trabajo.

Básicamente, he tenido que aprender a hacer diez películas de terror y acción diferentes y meterlas en una sola.

Algunas secuencias fueron enormemente intimidantes por la cantidad de efectos visuales que requerían. Por suerte, he trabajado con los mejores. Hemos tenido a Legacy (un estudio de efectos especiales muy reputado en Hollywood) para los efectos físicos. Hemos tenido a Weta, que hacen los mejores efectos digitales del mundo.

Hemos trabajado juntos. Yo nunca había hecho algo así, pero ellos lo habían hecho cien veces, así que yo era algo así como el estudiante, abierto a las estupendas ideas de los demás.

No sé si he contestado a tu pregunta, pero lo resumiré diciendo que ha sido muuuy difícil (ríe).

En nuestra visita al taller de Legacy, vimos algunas criaturas únicas. ¿Parte de la diversión de dirigir una película como esta radica en esa faceta de crear cosas locas?

Sí, la verdad es que tengo algunos monstruos favoritos. Quería que la gente percibiera que tenemos nuevos enemigos, nuevas criaturas que podrían estar en los juegos, que no violan sus normas, pero que no se hubieran visto nunca.

También quería que fuera coherente con que han sido creados por culpa del virus T. Me gustó mucho Resident Evil Village, pero me decepcionó que se cambiara tanto el concepto de los enemigos. Era demasiado "mágico" para mí.

Pero también me pasa con los clásicos. Cuando ves a Némesis con una gabardina, piensas... ¿de dónde la ha sacado? En ese sentido, quería que la sensación fuera de algo más "creíble".

Dado que la película gira en torno al incidente de Raccoon City, ¿hay juegos que hayas querido evitar referenciar? Por ejemplo, no hablar de Resident Evil 4 o 5.

Bueno, mi favorito es Resident Evil 4, pero creo que la película ha de girar en torno a RE 2. Es difícil hacer que Praga (la ciudad donde se ha rodado) parezca Raccoon City, así que ha habido que usar muchos efectos y delimitar muy bien qué partes de la ciudad vemos.

El producto final nos va a hacer ver Raccoon City... pero como me gusta tanto Resident Evil 4, tenía que meter algunos huevos de Pascua.

Por ejemplo, para la hierba verde, he usado las macetas que vemos en ese juego. Tenía que darme ese pequeño homenaje, porque es el juego de la saga al que más horas he dedicado.

Los escenarios parecen contar una parte importante de la historia. ¿Tendrán un peso equivalente al de los personajes?

Sí, sin duda. Era uno de los objetivos de la película. Cada ubicación tiene su propio tono, historia y adversario a batir. Es algo que me encanta de los juegos: pasas de un entorno hostil a otro. Y eso mismo queríamos trasladar aquí, desde luego.

El teaser nos muestra al protagonista llamando desde una cabaña en el campo. ¿Empezamos desde ahí o es que la historia tiene algunos desvíos?

Sí, los tiene. La película empieza en un hospital, luego tiene una zona en las montañas y de ahí pasamos a Raccoon City porque el protagonista ha de entregar algo. Ha de recorrer a pie el camino, hasta meterse en lo más profundo de la ciudad.

Así pues, podríamos decir que la historia divide su ambientación entre lo rural y lo urbano.

Está claro que te has inspirado en los videojuegos, pero... ¿hay inspiración también de otras películas?

Me encanta cómo San Raimi juega con la cámara de forma alocada, así que hay elementos así en la película.

Las películas dan pie a otras películas y esta no es una excepción. Si tuviera que enumerar otras películas de las que he "robado"... No podría decirlas todas, pero vienen a la cabeza El hijo de Saúl, quizá 1917 en cuanto al ritmo... Hay un montón.

Las películas originales de Resident Evil no me parecían de terror.

Hablando de inspiraciones... Las películas previas de Resident Evil no fueron bien recibidas. ¿Aprendiste algunas lecciones de ellas en cuanto a qué elementos evitar?

No las he visto nunca. Las únicas lecciones que podría aprender llegarían a partir de lo que vi en sus tráilers. Y, sinceramente, la razón por la que no las vi es porque no me recordaban en nada a los juegos. Era muy evidente que no eran los juegos.

No eran para mí. A lo mejor eran geniales, no tengo ni idea, pero a mí no me interesaban. Creo que lo que hace geniales los juegos es su perspectiva individual y su ritmo, pero esas películas no me parecían de terror.

Creo que esa es la lección: mira de frente a los juegos, no quieras hacer Matrix. Así lo sentí yo.

¿Tenías a Austin en mente para el papel protagonista desde el principio?

Escribí la historia antes de rodar Weapons. No tenía a Austin en mente, pero cuando rodamos Weapons nos lo pasamos en grande. Es un actor excepcional y fue una experiencia genial.

Cuando supe que íbamos adelante con Resident Evil, llamé a Austin inmediatamente, le mandé el texto y, hablando por teléfono me dijo "claro, vamos allá". No hubo que pensarlo.

¿Cómo equilibraste la proporción de crear tu propia historia y dar a los fans lo que esperan?

Va a ser todo mi propia historia porque salió de mi cabeza, pero no intento crear algo que sea "una película con el sello Zach Cregger", sino que quiero hacer una película de Resident Evil.

Quiero hacer mi homenaje, mi celebración de los juegos de Resident Evil. Todo lo que hago, el único objetivo, es rendirles homenaje. Por ello, todo será una mezcla natural de mis gustos, mis sensibilidades y mi lenguaje, pero todo ello en servicio a ese homenaje.

Recordad, la película de Resident Evil llegará en septiembre de 2026. La pesadilla de Raccoon City está a punto de resucitar...

Este es el tercer juego de esta colección digital, después de Real Bout Fatal Fury 2 y Kizuna Encounter.

Si sois seguidores de los juegos de SNK (y de ADK, en este caso) sabréis que esta fue la cuarta y última entrega de la serie (en realidad, era la tercera "evolución" de World Heroes 2). Era el título más completo por número de luchadores y detalle visual, pero carecía del modo Death Match de la segunda parte.

Hace unos años, el juego se relanzó en consolas actuales dentro de la línea ACA Neo Geo, pero en esta ocasión recibimos una versión que entra en la línea Premium Selection de SNK. ¿Qué implica esto? Que trae algunos extras de lo más jugosos.

Por un lado, ofrece juego online con rollback netcode, que además de proporcionar partidas individuales, permite organizar torneos. Podemos organizar lobbys de hasta 9 jugadores y practicar mientras esperamos el siguiente round.

Por otro, un modo práctica que permite mostrar los inputs para dominar mejor los ataques especiales.

Para rematar, hay una pequeña galería con unas decenas de ilustraciones del juego, incluyendo la nueva de grupo que se ha creado para este relanzamiento, además de las cinemáticas de los personajes con los que hayamos superado el modo Arcade. ¡Ah! Y logros para desbloquear.

El resto es lo habitual: el ya citado modo Arcade y Versus local, tanto contra la CPU como contra otro jugador.

De aborígenes chalados y vikingos trastornados

Desde luego, no es la ristra de opciones más completa del mundo, pero los personajes y los combates ya hacen que la experiencia merezca la pena.

World Heroes Perfect es un título muy de vieja escuela en el sentido de que, aunque es posible enlazar combos, se basa mucho en combates rápidos donde los ataques especiales son fundamentales.

Hay 3 puñetazos y 3 patadas por luchador, que se combinan con movimientos del tipo "cuarto de círculo y botón" para esos golpes.

Y esa es la gracia: cada contendiente se basa en una figura histórica pasada por un particular filtro cómico: el orondo vikingo Erik se inspira en Erik el rojo; Muscle Power es un homenaje a Hulk Hogan... y claro, Rasputín no merece presentación.

Todos ejecutan movimientos muy locos, como ondas con forma de barco pirata, pigmeos fantasma...

Además de esos ataques especiales, tenemos versiones súper mucho más contundentes y, sobre todo, los Desperation Attacks que dieron fama a esta entrega.

Estos últimos solo se pueden ejecutar cuando nos queda poca salud y tenemos la barra Hero (que se carga al atacar) llena, lo que libera unos movimientos loquísimos, desde presas que desencadenan explosiones nucleares hasta el archiconocido Macizo del Amor de Rasputín.

Cada personaje es un mundo, pero quizá puedan parecer pocos para los tiempos que corren: 16 contendientes, a los que se suman dos luchadores que estaban ocultos originalmente: el musculoso Neo Dio y Gokuu, inspirado en el cuento Viaje al Oeste.

Como remate, un personaje que solo aparecía como jefe en la versión de los 90, Zeus, aquí también es controlable.

Tiene pocos movimientos especiales y no tiene final al pasarnos el juego, pero es una bestia parda en movimiento. Así, una cifra final de 19 contendientes no está nada mal.

El humor de las peleas se traslada a los gráficos, empezando por unos sprites algo pequeños pero muy expresivos, coloridos y caricaturescos. ¡Nos encanta ver a Mudman haciendo el ganso!

Lo mismo sucede con los escenarios, que por la temática "histórica" del juego mezcla el Japón Feudal con los volcánicos orígenes del planeta o el antiguo Egipto, todos llenos de color y personajes en movimiento.

No hay demasiadas opciones de configuración: podemos colocar unas scanlines de diferente intensidad y un filtro de suavizado, además de una opción de sincronización vertical y un filtro de parpadeo.

En realidad, es mejor desconectarlos para que la imagen no genere cierto ghosting que resulta incómodo.

La opinión de Hobby Consolas sobre World Heroes Perfect

En general, está claro que este juego está más orientado a los nostálgicos, los curiosos del pasado y a los que quieran una experiencia online ligera, porque no puede competir en dinámica y variedad con un Fatal Fury City of the Wolves o Street Fighter 6, por ejemplo.

Por lo que ofrece, su precio de 19,99 euros (aunque estos primeros días está algo rebajado) es un pelín exagerado, aunque no cabe duda de que sus combates son tan efectivos como simpáticos.

World Heroes Perfect sigue siendo uno de los juegos más divertidos de la era Neo Geo y enfrentar al loco Brocken contra el excéntrico Fuuma es tan satisfactorio y estético como siempre. Solo con pensar que pudiera llegar una nueva entrega para la futura Neo Geo AES+ se nos hace la boca gaseosa.

Como sabréis, Hobby Consolas nació en 1991 (estamos a punto de celebrar nuestro 35 aniversario, de hecho), así que fuimos testigos privilegiados del reinado de la Neo Geo original como "Rolls-Royce de las consolas".

Ya en 1992, en el número 8 de la revista, se analizó en Hobby Consolas el primer juego de Neo Geo, que en esta ocasión fue Magician Lord. Sí, es uno de los "10 elegidos" que estarán en el catálogo inicial de Neo Geo AES+.

Magician Lord era un arcade de plataformas y acción como muchos otros que había en la época, pero tenía un par de peculiaridades. Por un lado, la potencia de la tecnología de SNK y Neo Geo en arcades daba pie a unos gráficos bastante detallados y coloridos.

Es cierto que en ese aspecto ha envejecido peor que otros y se nota que era uno de los títulos tempranos de la compañía, antes de que llegara a cotas más altas en la acción lateral con títulos como los Sengoku. De hecho, en realidad Magician Lord databa de 1990.

El otro aspecto llamativo es que podíamos transformarnos en criaturas diferentes. ¿Pasar de mago a bestia... o a ninja? Claro que sí, vivan los 90.

El análisis de Magician Lord en Hobby Consolas

La review de Magician Lord corrió a cargo de Marcos García "The Elf", todo un experto en Japón y en las tecnologías punta del momento, que le otorgó una señora nota de 95.

Visto con la perspectiva del tiempo, está claro que la nota fue demasiado alta, pero también hay que entender la perspectiva de esa época: juegos como Metal Slug o King of Fighters no iban a llegar hasta dentro de bastante tiempo, así que ese juego era bastante impresionante en el momento.

¿Será Magician Lord el primero de muchos otros juegos que lleguen al catálogo de Neo Geo AES+, quizá incluso de nueva hornada? Estamos deseando que nos vuelva a golpear The 100 Mega Shock.

En realidad, su propuesta no tiene mucho de novedoso y bebe claramente de ideas jugables como las de los últimos Mortal Kombat, combinadas con la dinámica tag team de juegos como Dragon Ball FighterZ.

A nivel argumental, Invincible VS crea una historia nueva, ubicada temporalmente al final de la temporada 3 de la serie.

Mark, Atom Eve e incluso un buen grupo de viltrumitas hostiles se ven envueltos en un extraño misterio: unos luchadores se transforman en otros y los campos de batalla también “mutan” sin que nadie sepa por qué...

Esta excusa argumental (luego hablaremos más) sirve para que creemos equipos de 3 luchadores a partir de un plantel de 18 personajes, desde héroes como Allen the Alien hasta villanos como Conquest o Thula, siendo el personaje “diferente” Cecil.

En la “realidad” no aguantaría ni un puñetazo de Nolan, pero tiene gracia verlo usar sus armas aquí. En cuanto a escenarios, hay hasta 15 para elegir, pero hay que ir desbloqueando algunos.

Además, se ha creado para el juego a Ella Mental, una especie de “homenaje” de Tormenta de los X-Men. El propio Robert Kirkman creará un cómic sobre ella.

La dinámica, como decimos, es de duelo por equipos. En cualquier momento, podemos cambiar a otro luchador de nuestro trío para que el que estuviera primero recupere un pelín de salud.

Hay normas, claro: tenemos que estar en posición neutral para el cambio y hay que esperar unos pocos segundos de “recarga” tras cada cambio.

Incluso podemos ejecutar una asistencia puntual que rompa el combo del rival o bien efectuar el relevo atacando para pillarle por sorpresa. Cuando los tres luchadores del equipo pierdan, se acaba el combate.

Otra posibilidad es que se acabe el tiempo, lo que nos lleva a una ronda de muerte súbita en la que solo se puede contar con el luchador que tenga activo cada equipo en ese momento.

Piensa, Mark, piensa... y pelea

El esquema general de movimientos es muy parecido para todos: hay un botón de golpe suave, uno medio y uno fuerte, para ir enlazando combos. El cuarto botón frontal es para ataques especiales. Dependiendo de la dirección que pulsemos, se hará un ataque especial u otro.

Además, si encadenamos combos con los botones correctos, podemos dar pie a autocombos que rematen en un super ataque, algo que está muy de moda últimamente.

Si pulsamos un gatillo a la vez que el ataque especial, este tendrá una versión potenciada, más dañina. Tenemos un medidor de potencia con 3 niveles que se van recargando poco a poco.

Por supuesto, también hay un medidor para súper ataques, que se carga al atacar o recibir golpes. Tenemos dos súper ataques que gastan una barra y uno definitivo que gasta 3 y puede mermar cerca de media barra de salud al rival.

Sabiendo estos conceptos básicos hay suficiente para lanzarnos a los combates, aunque una vez nos especialicemos más podemos ejecutar contras que rompan el ritmo del rival o incluso lanzarlo a un nuevo escenario de un golpe.

Como supondréis, el juego es tan bestia y sangriento como la serie. Aunque no hay fatalities como tal, si derrotáis al rival con un ataque contundente podréis arrancarle la cabeza o hacerlo estallar en pedazos.

A la hora de elegir modos de juego, la oferta no es especialmente apabullante, pero cumple por los pelos.

Tenemos un modo Historia en el que se desarrolla ese argumento que os comentábamos y que sirve para que veamos combates con todos los personajes. A veces, en este modo, habrá combates individuales, pero no es algo que podamos replicar en el resto de modos.

La historia cuenta con escenas de corte que mantienen la estética del juego, pero imitando ese estilo de animación con menor tasa de frames de la serie. Son bastante espectaculares, pero breves.

De hecho, el modo Historia se puede superar en menos de dos horas, aunque si apostáis por las dificultades más altas (hay cuatro: fácil, normal, difícil y viltrumita) os costará sudar bastante tinta.

Fuera de la Historia, tenemos Versus, tanto local (ya sea contra la CPU o contra otra persona) como online. El online permite partidas rankeadas, informales o personalizadas.

En los primeros combates que tuvimos, la cosa todavía era “asumible” porque todo el mundo se estaba habituando al sistema de combate, pero ya empeizan a verse jugadores muy “pro” que enlazan combos larguísimos.

Fuera de eso, el único modo jugable que queda es el entrenamiento, además de un tutorial que nos enseña todos los pormenores del combate.

Pidamos más variedad a la Coalición de Planetas

No hay modo torneo, ni supervivencia, ni contrarreloj, lo que hace que la oferta se quede un poco justita para los tiempos que corren.

De hecho, el plantel de luchadores tampoco es especialmente amplio, que digamos (huele a DLCs para el futuro), si bien es cierto que cada uno se siente diferente en cuanto a su velocidad, alcance o estrategia.

Las opciones no son tampoco especialmente numerosas. En el combate, por ejemplo, solo podemos ajustar el tiempo y la dificultad, pero no el número de luchadores o el hándicap (¿empezar con menos salud? ¿con más o menos medidor de poder?), como en otros juegos.

Si queréis trastear un poco con el coleccionismo, hay un apartado de extras muy goloso, que nos muestra accesorios para nuestra tarjeta de jugador (icono, fondo, marco...), una galería de bocetos, melodías o incluso portadas del cómic que hemos de ir desbloqueando.

En el terreno audiovisual, el juego hace un muy buen papel. Los gráficos, como era de esperar, apuestan por un cel shading algo más detallado en el uso del color que lo que vemos en la serie.

Los personajes tienen una expresividad suficiente y, aunque está claro que se quedan bastante por debajo de bestias como Street Fighter 6 o Mortal Kombat 1, ver cómo se van hiriendo, cómo se destrozan los escenarios o cómo los ataques más brutos dan pie a efectos especiales hace que la experiencia sea muy amena visualmente.

Quizá resulte chocante que el gameplay vaya a 60 fps sólidos y para las escenas de corte, como decíamos, se haya optado por una estética menos fluida. Está claro que es una decisión “artística”, más que técnica, pero hace un contraste algo forzado.

Las voces están solo en inglés (con subtítulos bien adaptados al castellano), pero cuentan con varios de los actores de la serie, incluyendo a J.K. Simmons como Omni Man o Gillian Jacobs como Atom Eve.

Las melodías tiene un aire urbano y épico que cuadran muy bien con el concepto del juego. Aunque no hay ninguna especialmente memorable, seguro que acabáis tarareando la del menú principal del juego.

La opinión de Hobby Consolas sobre Invincible VS

En conjunto, este es un juego de lucha que homenajea muy bien el material del que parte y que ofrece algunos combates tan brutos como divertidos, pero que se queda algo flojo en su oferta tanto técnica como, sobre todo, de contenido. También es verdad que la edición estándar se vende por 49,99 euros, lo que no está nada mal.

El panorama de los fighting games es más duro que Thragg ahora mismo y este Invincible VS, que claramente se quiere orientar a los torneos online, necesitaría más músculo para destacar, pero no cabe duda de que, si quieres acción directa y llena de vísceras, con este título tendrás una experienca... INVENCIBLE (léase esto pensando en la cabecera de la serie).

Total Chaos es un juego de Trigger Happy y Apogee (de hecho, arrancó originalmente como un mod de Doom 2) que se lanzó el año pasado en PC, PS5 y Xbox Series X/S.

Su propuesta inicial no se aleja demasiado de otros juegos de terror de "menor presupuesto", pero su forma de jugar sí tiene una personalidad marcada.

Nosotros somos un guardacostas sin nombre que recibe una llamada de socorro y acaba en una extraña isla, donde se ubica Fort Oasis. Allí, se va sumergiendo en una espiral de visiones extrañas, antiguos ritos y monstruos que no le dan tregua.

En su núcleo, es una aventura de terror en vista subjetiva (como los Outlast originales, por ejemplo), pero que combina en la fórmula tanto la acción como el crafteo de forma casi constante.

En todo momento, podemos llevar equipada un arma principal y un arma arrojadiza, además de armadura.

Las armas suelen ser cuerpo a cuerpo, como picos o tuberías, pero más adelante se consiguen escasas armas de fuego.

Este equipo acaba rompiéndose con el uso, así que hemos de encontrar nuevo o bien juntar "ingredientes" para fabricar armas en los razonablemente comunes bancos de trabajo. Los planos de fabricación nos ayudan a saber qué ingredientes mezclar.

Cuando el hambre aprieta

Currarnos la supervivencia es crucial, no solo para crear armas nuevas. También podemos encontrar un pequeño fogón portátil para cocinar la carne en mal estado que nos sirva de alimento, por ejemplo.

Y es que, además de nuestra barra de salud general, tenemos un medidor de hambre, otro de desangramiento y otro de energía.

Así, si nos pinchamos con un estimulante para darnos más energía (lo que puede hacer que ataquemos más eficazmente), quizá nos provoque un pequeño desangramiento; si comemos comida en mal estado, nos quitará algo de hambre, pero restará salud... Lo pilláis, ¿no?

Esto, que puede sonar un poco estresante como concepto, no es para tanto a la hora de la verdad (se tarda bastante en acumular hambre, por ejemplo), pero sirve para dar un equilibrio a la jugabilidad que nos obliga a estar muy atentos a nuestras "necesidades".

Ahí juega un papel crucial nuestro inventario, que se distribuye por casillas al estilo Resident Evil, pero es muy amplio.

Eso sí, navegar por él puede ser algo lento y farragoso con el control tradicional (los cuatro botones de control del joy-con izquierdo), por lo que es mucho más cómodo usar el modo ratón que os decíamos antes.

De hecho, la acción no se detiene al acceder al inventario (vemos cómo el prota accede a su mochila), por lo que nos podemos quedar vendidos ante enemigos. Eso sí, podemos asignar algunos accesos rápidos para, por ejemplo, curarnos al vuelo si estamos en plena lucha.

Como podéis suponer, esta dinámica de juego (que está sazonada con algunos puzzles del tipo "gira objetos para abrir una puerta" y bastante exploración) ya es suficiente para meternos tensión en el cuerpo, pero el apartado audiovisual también juega un gran papel.

Gráficos y sonido de Total Chaos: oscuridad inclemente

Los gráficos nos presentan unos escenarios sórdidos y grises, decadentes, donde a veces se nos presentan escenas crueles e incluso visiones que van a más y que nos hacen dudar de nuestra cordura: personas retorcidas sufriendo, espectros, monstruosas arañas...

La iluminación juega con las luces parpadeantes, las penumbras y la oscuridad de forma muy espeluznante pero, a veces, está todo tan rematadamente oscuro que hasta cuesta orientarse.

Esto es especialmente puñetero por el hecho de que las fuentes de la interfaz son muy pequeñas, así que en el modo portátil puede costar orientaros un poco.

El juego es consciente de ello y de hecho ofrece varios modos para forzar la iluminación, pero queda raro así.

Este esquema visual, que funcionaba bien en PC, no acaba de estar rematado en Switch 2.

Se juega en 1080p en modo tele y 720p en modo sobremesa, algo que la consola puede manejar sin problema a pesar de las numerosas texturas en HD, pero eso no evita que haya muuuchos bajones en el frame rate, tanto en modo calidad como en rendimiento.

Esto incomoda mucho durante la exploración, pero es cierto que en pleno combate no tienes tiempo para fijarte.

Aún así, después de haber visto joyas como Resident Evil Requiem o Pragmata en esta consola, está claro que aquí el rendimiento gráfico se podía haber optimizado mucho más.

El sonido se esfuerza mucho en meternos tensión en el cuerpo, con efectos ambientales por doquier que nos sugieren carnes retorciéndose, voces en la distancia y, en definitiva, un mal rollo muy efectivo.

Esto se une a la voz del protagonista que, aunque no habla, sí manifiesta mucho el esfuerzo, el pavor y el sufrimiento, lo que ayuda mucho a la inmersión.

Por cierto, el juego tiene un tema principal y uno final compuestos por el legendario Akira Yamaoka. Sí, el de Silent Hill, casi nada.

Aunque, como decíamos, el prota no habla, sí se oyen algunos mensajes grabados y transmisiones por radio, que solo están en inglés, con subtítulos y textos en español latino.

Opinión de Hobby Consolas sobre Total Chaos

Llegados a este punto, ya tendréis claro que Total Chaos da unas de cal y otras de arena.

Tiene elementos muy, muy interesantes, como el citado elemento sonoro o ciertos enemigos especiales que nos persiguen y dan un montón de miedo.

Pero también es verdad que los enemigos "normales" son repetitivos y algo bobalicones o que esas irregularidades gráficas que comentábamos lastran bastante la experiencia en esta versión.

Con todo, es una aventura interesante y con una duración bien ajustada (cerca de nueve horas, además de una Nueva Partida+ que añade un final nuevo y un enemigo perseguidor), que apelará a los que quieran una experiencia con un puntito hostil.

No revolucionará lo que das por sentado en una aventura de terror, pero Total Chaos te dará más de un buen susto y... ¿quién sabe? Con tanto crafteo, igual activa tu vena "bricomaniaca".

Pero claro, se trata del regreso de uno de los juegos más interesantes de la franquicia y la gente estaba ávida de información.

Nosotros por fin hemos podido ver este regreso de Edward Kenway y a grandes rasgos os podemos decir que sí, que todo lo que se había filtrado es cierto. Pero mejor levemos anclas y veamos con más detalle esta aventura pirata "remakeada".

Mismo barco, diferente cubierta

Lo primero que hay que puntualizar es que se trata exactamente del mismo juego: mismo guion, mismos personajes y mismo desarrollo, pero adaptando, lógicamente, el rendimiento técnico a los tiempos actuales.

No olvidemos que el Black Flag original aún llegó en la generación PS3-360 y fue un juego de lanzamiento para PS4 y Xbox One, así que ya ha llovido un poquito.

Ubisoft ha utilizado su versión más reciente del motor Anvil para presentar un nivel a la altura de lo visto en Assassin's Creed Shadows.

Texturas en HD, mucho más detalle en los escenarios y una iluminación mejorada marcarán la diferencia con el pasado, con especial mención a los paisajes, la exploración submarina y las secuencias de navegación, que eran uno de los puntos fuertes del original.

Muchos elementos gráficos, como las animaciones faciales, se han reconstruido mediante nueva captura de movimiento. Para ello, el actor original de Edward Kenway ha regresado y presta tanto su voz en inglés como sus movimientos.

A nivel de sonido, se volverá a contar con Woodkid, un "viejo amigo" de la franquicia, que creará un tema reimaginado inspirado en el juego.

Pero claro, estamos en 2026 y uno podría pensar, “¿qué menos que todo esto para un remake?” Pues sí, la verdad, pero lógicamente también encontramos cambios en lo narrativo, sin tener que cambiar todos los acontecimientos del juego de 2013.

¿Cómo lo han conseguido? Añadiendo tres nuevos oficiales a nuestro barco, el Jackdaw. Así, a Adewale y compañía se unen Lucy Baldwin, el Padre y “Difunto” Smith. Cada uno de ellos tendrá sus misiones secundarias narrativas, que revelarán su historia.

Si nos ganamos su confianza y los reclutamos, podremos usar sus habilidades especiales en el barco. Así, por ejemplo, “Difunto” Smith tiene un doble disparo para el cañón de andanada.

Además, el gran favorito del juego aparte de Edward, Barbanegra, tendrá nuevos arcos narrativos, algo que también pasará con Stede.

Por último, veremos alguna escena nueva con Caroline, la mujer de Edward, escrita por Darby McDevitt, uno de los responsables más reputados de la franquicia. La idea es poder ahondar algo más en cabos sueltos del lore de Edward, sin que se modifique la historia original.

Lo importante es el Capitán

Los desarrolladores han insistido mucho en que el juego se va a centrar en la historia de Edward en el Caribe. Vamos, que quieren que la faceta narrativa sea muy importante, hasta el punto de que en la presentación dijeron “esto no va a ser un RPG”.

Toda una declaración de intenciones frente a los que temían que se fuera a adoptar el estilo de juego que empezó con la era Origins, con subidas de nivel y gestión de los pertrechos, pero parece que no va a ser así.

Ahora bien, si esto va a girar en torno a Edward, ¿qué pasa con el DLC de Adewale, el multijugador o los tramos en el presente?

Por lo visto, ni el DLC Grito de Libertad ni el multijugador se van a incluir en el juego... y QUEREMOS CREER que no llegarán más adelante como extras de pago, porque con Ubi nunca se sabe. En principio, parece que buscan una experiencia centrada en el juego base.

Respecto a los tramos del presente, resulta que, para nuestra sorpresa, sí que estarán, pero cambiados.

Aún no hemos podido verlos y los detalles que han dado son vagos, pero parece que el replanteamiento viene del hecho de que el Black Flag original llegó justo después del gran cliffhanger de Desmond en Assassin's Creed III y que, en pleno 2026, no tenía sentido enfocar la historia en ese punto.

Nosotros nos permitimos añadir que el presente de Black Flag fue uno de los más raros y criticados en su momento, con su gameplay en vista subjetiva...

En cualquier caso, parece que esos tramos estarán relacionados con el propio Edward, de alguna manera. Los han descrito como “grietas del presente”, momentos centrados en la lucha interna del personaje. Veremos en qué se convierte eso...

Pasando a la jugabilidad, como decíamos, los pilares serán los mismos que en AC IV, pero se incorporarán algunas de las mejoras que han llegado en los lanzamientos posteriores.

Los cambios jugables de Black Flag Resynced

El sistema de combate se ha rediseñado para que la acción sea más fluida. Así, tendremos combos con espadas dobles, pistolas, hoja oculta o el dardo con cuerda más dinámicos, en los que se busca poder enlazar mejor las “respuestas” a varios enemigos que nos ataquen a la vez.

En ese sentido, parecía inevitable que se incorporaran dinámicas de parry.

Así, ejecutar un parry perfecto dejará al enemigo con la defensa bajada y podremos matarlo al instante, lo que nos permitirá encadenar hasta cuatro muertes.

Por supuesto, también podremos usar las paredes y los objetos del escenario para ejecutar ataques especiales que noqueen al enemigo.

El parkour es otro elemento que ha recibido una actualización, con la idea de que tenga un ritmo más constante.

Esto se quiere conseguir, sobre todo, con los impulsos hacia atrás y laterales, para que aprovechemos las paredes de las casas para movernos mejor

Si pasamos al sigilo, el principal cambio está en que ya no tendremos que depender tanto de escondernos en esquinas o arbustos. Ahora podremos acercarnos agachados a un guardia despistado para darle matarile.

Las misiones consistentes en seguir a alguien, una tradicional patata caliente de la saga, se han modificado.

En el original, si te detectaban, suponía una desincronización directa. Ahora, si te ven, el “perseguido” reaccionará y tendremos que pelear para salir del atolladero.

Para terminar, y como era de esperar, los momentos navales también se han retocado. Nuestro barco, el Jackdaw, ahora tendrá más potencia de fuego y dispondremos de nuevas mejoras de disparo para cada arma.

Además, el clima dinámico y s olas afectarán mucho al manejo del barco y al comportamiento de los rivales, por lo que se espera que estas batallas, sin duda uno de los elementos más divertidos del original, aquí sean todavía más impactantes.

Los más cantarines agradecerán que se mantengan las salomas originales y que, además, se hayan incorporado otras nuevas para los momentos de travesía.

Pero el GRAN cambio del juego es que... ¡ahora podremos tener una mascota en el barco! Habrá posibilidad de elegir entre un gatete o un mono. Vale, no es el gran cambio, pero mola. Habría molado más poder tener un ornitorrinco, por cuestiones que me niego a explicar, pero mola.

Como veis, se han retocado muchos elementos por aquí y por allá. Basta con ver las comparativas gráficas para darse cuenta de que, un juego que tenía un gran nivel en 2013, se ve ahora mucho mejor a todos los niveles.

Primeras impresiones de Hobby Consolas sobre Black Flag Resynced

La pregunta que muchos se harán es... ¿basta todo esto para justificar que el nuevo abanderado de Ubisoft (nunca mejor dicho) sea un “simple” remake? A fin de cuentas, salvo esos cambios de la historia que os comentamos, se trata del mismo juego...

En nuestra opinión, ha pasado suficiente tiempo, más de una década, para que volver a encarnar al indomable Edward merezca la pena, tanto si jugasteis al original como si no.

Sobre todo, estamos deseando ver qué han hecho con la faceta del presente como hasta qué punto las luchas navales son un nuevo hito, después de que Skull & Bones, que recordemos, fue un proyecto que nació a partir de este juego, no haya sido el éxito esperado.

El lanzamiento de Black Flag Resynced será el 9 de julio de 2026, a un precio de 59,99 euros para la edición estándar. Ahí podremos izar las velas para comprobar lo bien que navega este navío y... que me aspen si no estamos deseando comprobarlo. Arrrrr.

El anuncio hace solo unos días, acompañado del inicio de la campaña de reserva, está siendo todo un éxito y tanto la edición estándar, como la aniversario (¡como la especial, con todos los juegos en lote!) están siendo reservadas en grandes cantidades.

Pero claro, como suele pasar últimamente con cualquier cosa que llama al gran público y que pueda oler vagamente a "unidades limitadas", el debate en webs y redes sociales empieza a girar en torno a los especuladores.

Ya no solo porque vaya a haber gente que adquiera esta nueva consola y los juegos para revenderlos (al estilo de los palomiteros de Yoshi) sino, sobre todo, por la gente que tiene el hardware y los juegos originales de los 90 y quieran aprovechar el regreso de la marca para venderlos aún más caros...

Otros usuarios están publicando en redes un mensaje en sentido contrario: que ojalá esto sirva para que el precio de esos juegos clásicos baje, ahora que va a haber alternativas, y los especuladores se coman con patatas su inversión.

Más allá de que crea que esos precios vayan a subir o no (supongo que, de variar, subirán, porque los "nuevos cartuchos", aun siendo compatibles, son otra cosa), me da mucha rabia que una noticia tan bonita para los fans del retro acabe emponzoñándose con este tema.

Soy coleccionista de retro desde hace mucho tiempo. De hecho, la primera consola que compré cuando quise empezar una colección "grande" fue una Neo Geo japonesa. ¿Quién no iba a quererla, si era el sueño de todos nosotros en los 90?

¿Qué es coleccionismo? ¿Y tú me lo preguntas? Coleccionismo eres tú

Ahora estoy mucho más moderado, pero durante unos años me gasté bastante pasta en juegos y hardware retro, desde "simples" cartuchos de Master System hasta locuras como una 64DD o una Bandai Pippin.

A base de ir trabajando la colección, he tenido alguna cosa duplicada o que finalmente no he querido y siempre, siempre, la vendo por debajo del "precio de mercado" en canales como Wallapop o eBay.

No lo digo para parecer un alma caritativa y un ejemplo de virtud. Es que, simplemente, me da rabia que tengamos que pasar por el aro de especulaciones y precios que, en muchos casos, son totalmente artificiales, para ver si cuela.

Pues mi granito de arena no va a formar parte de esa rueda, lo siento. Entiendo, lo digo de verdad, que haya gente que coleccione no para jugar, sino para tener, para completar setups.

Incluso que haya gente que quiera juegos para tenerlos expuestos y no jugarlos. No es mi caso, pero bueno, si pasa con los sellos o las monedas...

Llevo bastante tiempo en esto del coleccionismo como para estar convencido de que los juegos son para jugarlos y disfrutarlos.

Pero para que los disfrute la mayor cantidad de gente posible, que ya bastantes penurias pasamos en los 80 y 90 para conseguir uno o dos juegos al año.

Que en 2026 esté a punto de ver una película "en condiciones" de Masters del Universo, otra de Street Fighter y que Neo Geo se convierta en algo asequible físicamente me parece un premio precioso para nuestros niños del pasado, que siguen ahí, dentro de nosotros.

En realidad, es posible disfrutar de esos juegos de muchas formas, y más baratas, desde los descargables ACA Neo Geo, que están en todas las plataformas, hasta el reciente mando de SNK que os mostramos hace poco.

Es cierto que, al ser en formato físico y con compatibilidad con los viejos cartuchos, esto está a otro nivel, un poco como pasó con Atari 2600+.

Lo importante es que da igual como juguéis, la clave está en disfrutar de los juegos.

Siempre pongo el mismo ejemplo: puede que la emulación de Retron 5 tenga un ligero lag o no sea tan exacta como el FPGA. Pero si puedo disfrutar bien de mis cartuchos del pasado, bienvenida sea.

Yo soy de la opinión de que, si nos volvemos muy locos mirando el detalle tan fino, no estamos disfrutando de verdad. Y, para mí, los juegos son eso: una vía de escape, de diversión y, a veces, de arte e inspiración.

Por eso, yo digo: bienvenida Neo Geo AES+, ojalá seas la primera de muchas y ojalá muchos puedan disfrutar de lo que antiguamente solo estaba reservado para la familia Sandoval.

Después de financiarse para la 16 bits de SEGA en formato físico, ahora se lanza en digital para estas plataformas, pero la experiencia es exactamente la misma que se concibió en Mega Drive.

Así, se trata de un shooter 2D (un matamarcianos de toda la vida) que continúa el legado de clásicos como Thunder Force IV o Hellfire.

Nuestro objetivo es superar seis niveles (más uno final) divididos en 3 áreas temáticas: fantasía, futuro e invasión alienígena, cada uno de ellos coronado por el correspondiente y gigantesco jefe final.

Con cada enemigo derrotado, obtenemos un número de medallas. Podemos canjear estas medallas al principio de cada nivel por mejoras para la nave: mejor disparo, que los enemigos ataquen menos, una vida extra...

Elige a tu héroe

Nuestra nave tiene un ataque normal, un ataque a corta distancia y las limitadísimas bombas que afectan a toda la pantalla.

Al iniciar un nivel, hemos de elegir qué nave usamos, de entre las tres disponibles.

Knight es una especie de caballero volador que dispara frontalmente. No hace demasiado daño, pero tiene el ataque a corta distancia más potente. Gold tiene un disparo frontal muy potente.

Por último, Gladius tiene un disparo débil, pero que abarca casi toda la pantalla, así que es la nave más recomendable para los novatos.

Además de elegir nave y mejora, podemos escoger en qué nivel empezar. Por defecto, hay 3 niveles disponibles de entre los 6 "base".

Según la ruta y la nave que escojáis y lo bien que lo hagáis en la partida (no solo morir poco, sino también encontrar una llave oculta en cada nivel), accederéis a diferentes finales.

Y claro, como supondréis, salir airosos no es fácil. Los niveles se dividen en varias sub-áreas y todas tienen una intensidad de naves y disparos tremenda.

Es necesario tener muy buenos reflejos e ir aprendiendo los patrones de movimiento de los enemigos.

Es normal no durar más de una fase o dos en las primeras partidas, para que os hagáis una idea. Y no hay continuaciones... Los jefes finales son muy puñeteros, por lo que es recomendable guardarnos las bombas para ellos.

Desde el menú de opciones podemos facilitarnos un poco la vida. Aunque no hay selección de dificultad como tal, sí podemos modificar el número de vidas (hasta 4), de bombas y el porcentaje de medallas que perdemos si nos matan.

Aunque optimicéis vuestras ventajas a tope, el juego siempre será difícil, pero no injusto. Es cuestión de práctica y de ir memorizando el esquema de cada nivel.

Sacó el jugo a Mega Drive

A nivel técnico, el juego es realmente sorprendente, sobre todo si tenemos en cuenta que está diseñado para la "vetusta" Mega Drive.

Lo primero que llama la atención es el exuberante colorido de todos los niveles, que va cambiando sin parar y adorna desde castillos propios de Castlevania hasta pesadillas de bio-terror más propias de R-Type.

Hay un muy buen trabajo de scroll parallax para los fondos y los diseños de los enemigos, potentes y surrealistas, dan un aire de "fantasía comiquera" muy de los 80 al conjunto.

De hecho, el conjunto está tan lleno de detalle y color, que podéis perder de vista vuestra nave en ocasiones, pero es parte del encanto visual del juego.

Quizá queda un peldaño por debajo de bestias como Thunder Force IV o el próximo Earthion (curioso, aquí ha sido al revés: primero ha llegado a consolas modernas y luego lo hará a Mega Drive), pero es de lo mejorcito que puede ofrecer el hardware de la consola y luce muy bien en plataformas modernas.

La música también está a un muy buen nivel y saca partido a las tripas del Yamaha de Mega Drive para presentar una variedad muy divertida de melodías.

En el caso de este hardware reciente, podemos escoger la resolución (hasta 1080p) y proporción cuadrada o 16:9, pero ya sabemos que esta no suele ser la mejor opción. Hubiera estado bien algún filtro de scanlines o de deformación CRT, pero qué se le va a hacer.

La opinión de Hobby Consolas sobre ZPF

En conjunto, ZPF es un juego que va al grano, para quien quiera acción de shooter de siempre a un razonable precio de 10 euros. Es bonito, es tan duro de pelar como cabe esperar y ofrece bastante rejugabilidad con sus varios finales.

Hubiera agradecido más contenido (una galería, modo para dos jugadores...), pero si lo que quieres es aniquilar enemigos como en los años 90, estas naves te harán volar alto.

Hemos podido conocer de antemano los primeros detalles de un juego que, como decimos, tiene mucho de "real". Sus desarrolladores cuentan que, aunque empezó de una forma muy distinta, la llegada del COVID en 2020 y la guerra de Ucrania cambiaron el enfoque del juego.

A fin de cuentas, aunque el juego vuelve a tener lugar en los túneles del metro de Moscú, muchos de los responsables del mismo son ucranianos y han querido aportar su punto de vista.

Por eso, han querido plasmar esa sensación de opresión, desesperanza y locura en el juego, que prometen será el más oscuro (narrativamente hablando) de todos los que se han lanzado, al margen del terror psicológico que es inherente a la serie y que aquí regresará.

Así, su idea es que el juego nos haga reflexionar sobre las consecuencias de la guerra, el silencio cómplice de quien no hace nada por remediarla y el precio de la libertad.

El argumento nos pondrá en la piel de un nuevo personaje, apodado El Desconocido, que escapó de los claustrofóbicos túneles del metro pero, acosado por extrañas visiones, se ve en la necesidad de regresar bajo tierra.

Por cierto, el Desconocido tendrá muchos diálogos en esta ocasión, porque se busca que nos sintamos más vinculados al protagonista.

En medio de todo está el Novoreich, un ejército fascista que quiere tomar el control absoluto. A la cabeza del mismo, ejerciendo de Führer, está el mismísimo Hunter, que recordaréis de juegos previos y de las novelas de Dmitry Glukhovsky.

El Novoreich ha unificado a todas las facciones que viven bajo tierra y promete al pueblo que conseguirán un mundo exterior libre de contaminación, pero en realidad los tienen engañados con su propaganda y en condiciones precarias.

¿Cómo será el juego en sí? Desde 4A Games quieren ser muy fieles a su fórmula de siempre, así que prometen una experiencia intensa y "muy Metro", únicamente para un jugador, en la que la acción se mezcle con la toma de decisiones.

Tendremos que valorar bien en quién confiamos y a quién ayudamos, porque nunca podremos estar seguros de por dónde vendrá la siguiente puñada trapera. En un mundo sin esperanza... ¿a quién te aferras?

Esa narrativa tan hostil también se verá representada en lo que llaman los "momentos congelados". Cada vez que visitemos una estancia o área nueva, si nos fijamos en los detalles, veremos una "historia" de lo que allí pasó, los dramas que se vivieron.

Como veis, el guion será muy importante, pero los responsables no se duermen en los laureles y prometen un rendimiento visual apabullante, gracias a su última versión del motor propio 4A.

Han recogido el testigo de Metro Exodus y, a partir de ahí, han mejorado el motor para presentar, sobre todo, una iluminación con path tracing especialmente potente.

En el tráiler de Metro 2039 que podéis ver en este artículo tenemos un primer vistazo al juego. Es una mezcla de jugabilidad y escenas movidas con el propio motor en tiempo real. Si de verdad se ve así, con ese detalle, iluminación y efectos... ¡menuda pintaza!

El lanzamiento de Metro 2039 en PS5, Xbox Series X/S y PC se espera para el próximo invierno, sin una fecha más concreta. Por ahora, su terror, historia y atmósfera prometen volver a dejarnos helados... y radiactivos perdidos.

La historia nos lleva a un futuro distópico en el que la sociedad separa a los “parias” con un gigantesco muro. La mastodóntica corporación Fénix es responsable de parte de esta escisión de clases.

En ella, el experto en ordenadores Warren sufre un accidente que fusiona su cuerpo con la consciencia de REACH, un superordenador.

Con REACH en el control del cuerpo, deberemos buscar la forma de regresar a la ciudad y separar ambos entes. Por el camino, descubriremos cómo Fénix y su entramado son más siniestros de lo que creíamos...

Lo que te espera es... otro mundo

El desarrollo, como decíamos, recuerda inevitablemente a los clásicos de Delphine Software o al citado Prince of Persia. Por un lado, tenemos plataformeo 2D basado en saltar de una cornisa a otra, balancearnos en postes o arrastrar objetos para poder llagar a un saliente.

A unos saltos que hay que dar con precisión se unen habilidades que vamos adquiriendo, como engancharnos con un pico a paredes en mal estado o incluso impulsarnos con nuestra pistola en corrientes de aire para llegar más lejos.

Esa pistola, que de hecho es importante en la trama, es también la protagonista de los combates, que son numerosos e intensos.

A grandes rasgos, tenemos un botón para esquivar, uno para combos “normales” y otro para contraatacar cuando el rival tenga una marca amarilla sobre él. Si es roja, solo podemos esquivar.

Con nuestros combos, se va cargando la energía de la pistola, lo que nos permite ejecutar un tiro capaz de dejar para el arrastre a cualquiera.

A medida que avanzamos, conseguimos habilidades nuevas, como romper la defensa de enemigos blindados, devolver un disparo rival o ejecutar una potente onda de choque.

Estas peleas hacen fluir nuestra adrenalina porque suelen ser multitudinarias y no nos dejan un segundo de respiro.

A medida que ganamos más habilidades, se vuelven más interesantes, pero quizá son algo repetitivas en ocasiones y atacamos casi con el “piloto automático” puesto.

REACH, el acróbata

En el caso de las zonas de salto, también supone cierto problema la precisión del control, sobre todo con el gancho, porque hay veces en las que si no pulsamos en el momento exacto, caeremos al vacío. Por suerte, hay muchos checkpoints.

Lo interesante de los saltos es que suelen tener mucho de puzzles, así que hemos de buscar objetos para impulsarnos, batería para activar máquinas que nos abran el camino... Observar el escenario y darle al coco es parte de la diversión.

Esos puzzles también tienen lugar en otras partes más centradas en la exploración, ya sea con objetos del entorno o hablando con otros personajes.

Las conversaciones a veces sirven para que avance la trama sin más, pero en otros momentos habrá varias opciones para elegir.

No es que haya bifurcaciones en la trama, pero sí podemos acceder a algunos desafíos secundarios para ayudar a personas en el campamento que sirve de entreacto.

Al cumplir esas tareas, podemos conseguir mejoras de salud o una mayor efectividad en nuestra pistola-porra.

Incluso podemos acceder a un curioso salón recreativo en el que se van desbloqueando máquinas clásicas a las que podemos jugar y que homenajean a iconos como Frogger o Space Invaders o, en cualquier momento, acceder a un dispositivo portátil para leer documentos, repasar objetivos o, más adelante, hackear terminales.

Replaced es un espectáculo visual

Sin lugar a dudas, la ambientación es el punto fuerte de Replaced. Por un lado, gracias a la historia, que habla de las diferencias sociales, de la ambición de las grandes corporaciones... y también de la calidad humana de algunas personas.

Hay algunos personajes, como el descerebrado pero noble Tempestad o el propio REACH, que van evolucionando de forma muy interesante con la historia y saben “implicarnos”.

Por otro lado, el apartado gráfico es valiente, elegante y atractivo. Es una especie de estilo 2.5D HD, como el que hemos visto en juegos de rol como Octopath Traveler, pero aún más intenso.

Todos los personajes son sprites de muy baja resolución pero, a la vez, estupendamente animados. Estos se insertan en entornos 3D de texturas también de resolución baja, lo que da un efecto buscado de nostalgia e inquietud.

Todo esto se mezcla con una paleta de colores y unos efectos de iluminación contundentes y espectaculares, pero sobre todo con una cámara dinámica que no teme a los zooms más bestias, a jugar con la profundidad de campo o las rotaciones. El resultado es una magnífica mezcla de tridimensionalidad y efecto 2D.

Es verdad que, a veces, la presentación está tan estilizada por la iluminación que cuesta ver lo que toca a continuación (¿dónde está el siguiente asidero? ¿dónde estoy yo en el combate a contraluz?), pero la mayoría del tiempo resulta muy satisfactorio.

El sonido usa los típicos efectos base para los diálogos, sin voces digitalizadas (los subtítulos están muy bien adaptados al castellano, por cierto, con expresiones muy graciosas como “equilicuá”).

Las melodías usan tonos de sintetizador, tan propios del cyberpunk para dar ritmo cuando toca y un ambiente más reflexivo en los “descansos”.

La opinión de Hobby Consolas de Replaced

Esta mezcla audiovisual, junto a la narrativa, hace que queramos saber más y más de un juego que no es super largo (dura cerca de las nueve horas), pero que da la cantidad justa de lo que buscamos en una aventura de este tipo.

En conjunto, Replaced es un título cuya jugabilidad no presenta nada especialmente rompedor, pero que funciona bien y que, sobre todo, está rodeado de un magnífico envoltorio y de una historia tan clásica como efectiva. El futuro ha llegado... y resulta que era en 2,5D.

Así, con un tonito de locutor radiofónico, podríamos “vender” este nuevo juego de Fumi Games, que llamó la atención de los fans con sus tráilers cartoon y que por fin se pone a la venta.

Básicamente, Mouse: P.I. For Hire es un boomer shooter (es decir, un juego de disparos en vista subjetiva con reglas claras y directas, como los juegos de los 90) con un doble giro.

Por un lado, está envuelto en una historia de detectives clásica del cine noir: policías corruptos, femmes fatales, conspiraciones que se enredan...

Pero claro, aquí en vez de humanos tenemos ratones y, dado que el juego se ambienta en unos ficticios años 30, la aventura es en blanco y negro y con una estética de dibujos animados clásica que tira fuertemente del estilo “rubber hose”: todo es muy “elástico” y los brazos y piernas se contorsionan como mangueras, en la línea de Popeye o Betty Boop.

Para rizar aún más el rizo, los gráficos van a saco con el estilo boomer shooter tradicional y mezclan fondos tridimensionales a base de polígonos con personajes, armas e items creados con sprites 2D de toda la vida, que además se han dibujado a mano, frame a frame.

Es inevitable acordarse del maravilloso Cuphead en ese sentido, pero aquí la apuesta se radicaliza por el estilo blanco y negro y su concepto algo más violento. Incluso podemos “degradar” la calidad audiovisual si queremos para que parezca una producción clásica.

Los problemas son cosa mía

La historia nos pone en la piel de Jack Pepper, un veterano de guerra reconvertido en detective privado que ha de recorrer los bajos fondos de Ratoburgo para destapar un entramado de corruptelas y el misterio detrás de la desaparición de las musarañas en la ciudad.

Solemos partir de una zona “neutral”, la calle donde Jack tiene su oficina. Ahí podemos consultar nuestro tablón para colocar las pistas (fotos, documentos, etc.) que hayamos encontrado.

Jack coloca automáticamente las pistas y, a veces, hemos de pulsar un botón para deducir el siguiente paso. Un poco a lo Alan Wake II, pero más simple.

Cerca de la oficina, tenemos una tienda para comprar munición y otros objetos, un taller en el que mejorar nuestras armas con los planos que hayamos encontrado y un bar en el que hablar con algunos personajes.

A base de rellenar el tablón y hablar con nuestros contactos, se activan nuevas misiones. Si nos montamos en nuestro coche, podemos viajar al lugar de la misión y es ahí cuando empieza cada nivel de acción.

Una vez en harina, el esquema recuerda a clásicos como Doom o Rise of the Triad. Avanzamos por los niveles disparando a todos los matones que nos encontremos, recogiendo items de munición, armadura o sanación y buscamos la forma de abrir la siguiente puerta, ya sea con la llave correspondiente o despejando de enemigos la zona.

El diseño de niveles también se inspira en los clásicos a la hora de presentar muchas zonas ocultas y atajos, lo que hace que explorar sea muy satisfactorio.

Además, a medida que avanzamos en la trama desbloqueamos algunas habilidades nuevas, como balancearnos en ganchos o planear como un helicóptero gracias a nuestra cola.

No olvidéis que esto es muy cartoon, por lo que la cola también sirve para el típico minijuego de forzar cerraduras, en el que hemos de pasarla por los pernos para abrir.

Además, los escenarios suelen estar llenos de trampas para usar a nuestro favor, como barriles explosivos, congelantes o hasta objetos que podemos tirar encima de los enemigos para aplastarlos.

¿Y qué hay de nuestro arsenal? Pues contando nuestros puños, tenemos 12 armas diferentes, que van desde imprescindibles como una escopeta o ametralladora hasta armas más locas como un rayo congelante. Hay un arma que no se consigue avanzando en la campaña, sino superando un desafío especial.

A veces, podemos encontrar ataques especiales, como dar efecto de fuego a los disparos, hacer que nuestros dedos lancen proyectiles o volvernos “berserker” y dar puñetazos a diestro y siniestro, con brazacos al estilo Popeye.

Además de combatir y buscar los items imprescindibles, la exploración nos sirve para hallar items coleccionables, como periódicos que dan contexto de la trama, viñetas de un cómic, unas escasísimas figuras de ratón o cromos de beisbol.

Estos últimos sirven para un minijuego en el bar, en el que hemos de batear o hacer de pitcher por turnos.

Las reglas son sencillísimas y se basan en tener un número superior en nuestra carta que en la del rival. Si superamos el minijuego, obtenemos una chapa. Si conseguimos 20... sorpresita.

Duración y dificultad de Mouse: P.I. For Hire

Si os dedicáis a explorar los escenarios, trastear con el minijuego y demás, la experiencia os llevará unas 12 ó 13 horas. Podemos elegir entre tres niveles de dificultad.

En la intermedia, el desafío es interesante, pero no os resultará tan duro como en otros juegos, principalmente porque suele haber munición e items de sanación de sobra. Aún así, alguna que otra vez moriréis...

En lo referente a la exploración, podemos valernos por nosotros mismos y buscar las pistas del escenario, pero si estamos perdidos, podemos activar una útil brocha que “marca” el camino a seguir para el siguiente paso clave.

A nivel técnico, Mouse es una muestra perfecta de cómo un estudio pequeño como son los polacos de Fumi Games sabe medir cómo sacar partido a sus recursos para crear una personalidad propia.

Los gráficos llaman la atención desde el primer segundo y el estilo animado a mano de los sprites mezcla lo gore (hay muertes muy bestias) con lo “cuqui” gracias a un diseño impecable y lleno de bromas.

Encontraréis homenajes a otros clásicos de la animación, a películas como Indiana Jones, a videojuegos como Pitfall, Resident Evil o el propio Doom...

Pero lejos de ser una simple “sopa de referencias”, el juego crea su propio lore con personajes carismáticos, facciones enfrentadas y, claro, referencias ratoniles y humor por aquí y por allá.

Los monólogos interiores de Jack tienen frases tan divertidas como “todo se vino abajo más rápido que un trozo de mozzarella en una fondue” o “ese mensaje crítpico me marcó. Entonces me dí cuenta: no sabía qué significaba críptico”.

Eso nos lleva al apartado sonoro, que casi tiene el mismo protagonismo que el gráfico en este caso. Las voces están solo en inglés, pero con actores de primer nivel.

Jack corre a cargo del gran Troy Baker, Joel en The Last of Us, que le da un tono duro, pero cómico cuando toca. Textos y subtítulos están en un perfecto castellano que adapta muy bien a nuestro idioma los constantes juegos de palabras.

La música, como no podía ser de otra forma, se basa en potentes piezas de jazz clásico, swing y demás estilos propios de los años 30, con un ritmo que se os va a quedar en la cabeza durante muchos días.

Incluso los efectos de sonido molan, con efectos cartoon muy graciosos para los saltos o los ataques.

La opinión de Hobby Consolas sobre Mouse

Así, Mouse es un juego cargado de personalidad, muy cómodo de jugar y que siempre te invita a probar más, aunque no esté exento de defectos.

Por un lado, las partes en las que se basa más en el plataformeo, principalmente en la segunda mitad de la campaña, no acaban de ser tan redondas como el estupendo gunplay.

Algunos saltos, sobre todo los basados en balancearnos con ganchos, no siempre responden con la precisión que deberían.

Además,da la sensación de que no se aprovechan dinámicas como el tablón de pistas, que es muy lineal o el mapa de la ciudad por el que movemos el coche, en el que hubiera encontrado buscar más secretos o curiosidades.

Y quizá, solo quizá, los diálogos son excesivamente largos. Sí, es ta es una historia detectivesca, pero cortan un poco el ritmo.

En cualquier caso, Mouse P.I. For Hire da de sobre lo que promete: acción directa y desinhibida, que se pilla al vuelo y que resulta doblemente disfrutona por esa mezcla de artesanía y humor que os hará soltar más de una carcajada.

Si quieres acción de la siempre, con estilo como nunca, no busques más, detective: aquí disfrutarás más que con un buen gouda.

Gracias a ellos, hemos podido hablar con Damon E. Nee, director senior de diseño de producto en Mattel, para que nos cuente cómo es el proceso de crear las nuevas figuras basadas en la película y qué sintió al visitar el rodaje.

Por un lado, estas figuras basadas en la película de Masters del Universo entran en la línea Chronicles, más orientada al coleccionismo, y se ponen a la venta en primavera. Por otro lado está la línea Kids, más orientada al publíco jovencito que quiera jugar.

Hobby Consolas: ¿Nos puedes resumir cómo es el proceso de diseñar figuras así? Qué pasos hay que seguir, cuántas semanas o meses pasan hasta terminarlas...

Damon: Todo empieza al recibir el material visual del estudio. Normalmente, suele ser un art conceptual prematuro. Con eso, podemos entender qué quiere hacer el estudio con el personaje, qué elementos son cruciales para el diseño del personaje, como ropa y accesorios.

A partir de ahí, consideramos cómo trasladar el diseño de personaje a una figura de acción. Esto incluye discusiones sobre el diseño de articulaciones y, en algunos casos, qué elementos de juego queremos incluir.

En ese punto, esperamos tener acceso a más elementos visuales finales para hacer los ajustes necesarios... y con eso estamos listos para pasar al modelado. Tras unas sesiones de revisión, mandamos los archivos 3D y creamos nuestro primer modelo. Lo revisamos a fondo para comprobar su estética y funcionamiento y hacemos los cambios finales.

Hobby Consolas: ¿Cuál es la diferencia principal entre diseñar juguetes basados en una película de imagen real, frente a otras líneas de Masters of the Universe? Entendemos que crear caras parecidas será especialmente complejo en estos casos...

Damon: La clave está en ser fieles al material original. Ya se trate de trasladar un gran retrato de un actor, representar con fidelidad un producto vintage o reinterpretar un personaje, tienes que investigar a fondo el material visual.

Hobby Consolas: ¿A quién va dirigida esta línea de juguetes? ¿Se ha diseñado para atraer a los "veteranos", a los coleccionistas, a nuevos usuarios...?

Damon: Tenemos todo tipo de público en mente, con productos pensadas para cada estrato demográfico. Tenemos un segmento para niños muy sólido con figuras de acción, vehículos y juguetes para disfrazarse que capturen la imaginación de nuevos fans.

También hay figuras para el coleccionista de hoy, que son más detalladas, con mucha flexibilidad para las poses y muy fieles a la película.

HC: ¿Tuvisteis ocasión de ver la película (o, al menos, una versión inacabada) para poder afinar todos los detalles? ¿Qué opináis de lo que visteis?

Damon: Unos pocos de nosotros fuimos muy afortunados al visitar las oficinas de producción y los estudios de grabación en los que estaba teniendo lugar la filmación.

Pudimos ver de primera mano los trajes y las armas y adentrarnos en las salas del Castillo de Grayskull. Fue increíblemente inspirador y nos dio un sentido muy claro tanto del tono como de la amplitud de la película y, además, nos sirvió para tener más imágenes de referencia.

HC: Hemos visto Tiktoks de los actores disfrutando junto a sus figuras de acción. Como diseñadores, ¿qué sentís al ver momentos así?

Damon: Es muy gratificante ver que los actores de la película aprueben los esfuerzos del equipo. Puedes ver los minúsculos detalles que hemos incluido en sus representaciones.

HC: Mattel ofrece una gran variedad de figuras de MOTU, tenemos la película, un videojuego a la vuelta de la esquina... ¿Dirías que vivimos la época más importante de los Masters desde los 80? ¿Cómo te hace sentir?

Damon: Desde luego, es una época importante para esta franquicia tan grande. ¡Vamos a dar la bienvenida a una nueva generación de seguidores que conocerán estos personajes e historias por primera vez en su vida!

El lanzamiento de Starfield en PlayStation 5 tiene lugar hoy, 7 de abril de 2026 y, con él, las otras versiones se ven beneficiadas de suculentos cambios. Por un lado, la actualización gratuita Free Lanes, que añade un montón de novedades, especialmente en la calidad de vida.

Por otro, la expansión Terran Armada, esta sí de pago, incorpora nuevas misiones, personajes y ubicaciones.

Pero, antes de todo esto, expliquemos qué es Starfield, cómo se juega y cuál es su argumento general, ya que para muchos de vosotros se tratará de una experiencia nueva.

La historia y la ambientación de Starfield

La historia nos lleva a un lejano futuro en el que la Tierra es un lugar yermo y la Humanidad ha colonizado el espacio.

Nosotros somos un minero (nosotros le ponemos nombre, aspecto y trasfondo) que por casualidad toca un extraño artefacto en una excavación.

Ese artefacto le hace tener incomprensibles visiones que podrían alterar la naturaleza de lo que conocemos sobre el Universo.

Apoyados por la organización Constelación, tendremos que recorrer decenas de planetas para, entre otras cosas, descubrir qué son esos artefactos, cuál es su objetivo y cómo encajamos nosotros en todo ello.

Pero claro, por el camino nos toparemos con montones de facciones enfrentadas, nuevos aliados, giros inesperados y muchas batallas espaciales.

Y es que, a grandes rasgos y como ya se ha comentado hasta la saciedad, Starfield es una especie de Fallout en el espacio, pero con sus propias reglas.

Podemos jugar tanto en primera como en tercera persona (con dos vistas diferentes en este último caso) para explorar, dialogar o atacar cuando toque.

Hay dos posibles escenarios: en la superficie de los planetas o a bordo de nuestra nave espacial.

Explorando el espacio

A diferencia de No Man's Sky, aquí no podemos pasar del espacio exterior a un planeta “del tirón”, hay que pasar por una mini pantalla de carga.

Pero no os preocupéis, porque la profundidad tanto en los planetas como en el espacio es enorme.

En el espacio, también disponemos de vista desde la cabina o desde fuera de la nave y no solo hemos de desplazarla o disparar, sino que también controlamos cuánta energía derivamos a cada función: escudos, disparos, motor gravitacional para saltar de un sistema solar a otro...

Esto es muy estratégico, porque nos permite, por ejemplo, ser muy agresivos en combate a cambio de sacrificar la defensa o bien saltar al “hiperespacio” antes de lo normal para huir de una batalla en la que tengamos las de perder.

Lo interesante es que, aunque empezamos con una nave “básica”, a base de superar misones, explorar o acumular dinero, podemos conseguir muchas otras naves,cada una con su aspecto, módulos y prestaciones, e incluso podemos modificarlas y agrandarlas en un astillero para crear, básicamente, lo que queramos.

En la superficie de los planetas, encontramos ciudades para hablar con sus habitantes, zonas desiertas en las que usar nuestro escáner para descubrir materiales o restos de antiguas civilizaciones o animales salvajes, algunos pacíficos y otros hostiles.

Cuando hablemos con otras personas, podremos comerciar, encontrar nuevos aliados que nos acompañen en la nave o a pie o, claro, acometer misiones que nos den puntos de experiencia y nos ayuden a subir de nivel.

Los diálogos se resuelven al “estilo Bethesda”, eligiendo entre varias opciones, algunas bastante destroyer y, a veces, dependerá de nuestro trasfondo o lo que hayamos descubierto previamente las líneas de diálogo disponibles.

En ciertos momentos, podemos intentar convencer a alguien de algo, con un sencillo minijuego en el que “apostamos” por argumentos más arriesgados o bien vamos sobre seguro con propuestas sencillas que no nos hagan perder turnos de habla.

Por supuesto, más pronto que tarde nos tocará pasar a la acción y, a lo largo del juego encontraremos decenas, cientos de armas diferentes, con munición balística, energética, etc.

Las armas se pueden ir modificando en bancos de trabajo para añadir miras telescópicas, daño elemental, un cargador mejorado o cualquier otra variante que se os ocurra, lo que da pie a miles de combinaciones.

Es posible asignar un uso rápido de armas en la cruceta para que podamos pasar de una a otra al vuelo.

En esos accesos rápidos también podemos asignar items de sanación o, atención, nuestros poderes, que ganamos a medida que superamos algunos templos especiales diseminados por todo el Universo.

Estos poderes nos permiten hacer levitar a todos los enemigos o ralentizar el tiempo, por ejemplo, aunque requieren un tiempo de recarga.

A todo esto, hay que unir el casco, traje y mochila propulsora que tengamos equipados, lo que nos puede permitir ser más resistentes, mejorar nuestra infiltración para atacar por sorpresa, etc.

Por si fuera poco, la propia naturaleza de cada planeta también afecta: así, algunos tendrán una gravedad más ligera para que podamos saltar más, otros pueden presentar un frío extremo que nos afecte...

Al subir de nivel, podemos mejorar características que afecten al combate, como mejor uso de armas concretas o más salud, o bien otras facetas como la posibilidad de robar, convencer mejor en los diálogos o que nuestra mochila propulsora sea más eficiente.

Además, si vamos cumpliendo tareas, desbloquearemos nuevas líneas de mejora al subir de nivel.

Todo esto hace que los combates sean muy intensos y apasionantes y que siempre estemos descubriendo entornos nuevos sobre los que actuar, ya sea hackeando terminales para que una torreta ataque a nuestros enemigos o viéndonos rodeados por guardias que nos pongan contra las cuerdas.

Para explorar necesitas labia

Lo mismo sucede con los diálogos, llenos de líneas memorables y de personajes carismáticos, como suele ser costumbre en la compañía. Incluso aparece el icónico “fan apasionado” que vimos en juegos previos como los Elder Scrolls.

A base de dialogar, conseguiremos aliados para siempre, romances o rivales encarnizados, en un juego cuyas ramificaciones argumentales son gigantescas.

Pero claro, en un juego basado en visitar los rincones del universo, la exploración de los planetas es crucial.

Este quizá fue siempre el punto menos potente (que no malo) de Starfield, ya que muchos planetas pueden parecer excesivamente “inertes”, sin mucho por ver, aunque usemos nuestro escáner de mano para recopilar info sobre minerales y demás.

Por supuesto, hay muchos otros que tienen colonias humanas, animales o secretos por descubrir, pero es cierto que hay cierta irregularidad en este apartado. Esto se ha resuelto en buena medida con las actualizaciones que luego veremos.

Gráficos y sonido en Starfield

Esto nos lleva al apartado técnico que, como también suele pasar con Bethesda es capaz de maravillas y facetas más “meh”.

Algunos planetas son totalmente majestuosos y explorarlos os dejará embelesados, ya sea por la iluminación, la estética, los detalles por aquí y por allá... Es realmente mágico dejarse llevar por la visita a un planeta desconocido en un rincón remoto del universo.

Igualmente, hay asentamientos humanos llenos de vida, con un rollito de ciencia ficción ochentera que resulta apasionante. Callejear y dialogar con personajes de todo tipo hará que las horas se os pasen volando.

Pero, en la otra cara de la moneda, hay muchos personajes con un nivel de detalle demasiado acartonado y robótico, amén de planetas que no tienen demasiado que ofrecer en lo visual.

Todo ello, con unas melodías memorables que nos hacen pensar en lo apasionante de investigar lo desconocido del espacio.

El contraste se salda claramente a favor de las experiencias positivas e incluso apasionantes, pero, entre los cientos (sí, cientos) de planetas y lunas que podemos visitar, no todo es igual de potente...

En cualquier caso, como ya estaréis suponiendo, el juego es absolutamente descomunal y está lleno de secretos y nuevas dinámicas por descubrir.

Podréis pasar decenas de horas explorando y aún solo habréis visto la punta del iceberg, tanto de lo jugable como de la trama.

Si os gustan los juegos de rol al estilo de la compañía o la exploración espacial, bucear en su variedad de naves, armas, personajes, entornos y misiones realmente os quitará el sueño.

Sí, hay algunos bugs por aquí y por allá (¿qué juego de estas dimensiones no los tiene?) y ciertas facetas técnicas, como la expresividad de algunos secundarios, podrían ser mejores, pero la sensación general es que no querréis parar de jugar, de conocer la intrincada y divertida historia, o de conseguir sus variadas armas.

PS5 y más allá: un nuevo amanecer para el hombre

Todo esto es un vistazo muy general a un juego que ya nos pareció sobresaliente en 2023, pero ahora llega el momento de ver las novedades que llegan tanto a PS5 como a Xbox y PC.

Primero, nos vamos a centrar en facetas específicas de PS5, que orbitan (nunca mejor dicho) en el uso de DualSense. Por un lado, las comunicaciones por radio se pueden escuchar a través del altavoz del mando, lo que da un puntito de inmersión.

Por otro, la iluminación del panel táctil es particularmente útil, porque nos ayuda a detectar muy claramente cuándo nos estamos quedando sin salud, algo que muchas veces pasamos por alto en el fragor de la batalla.

Además, hay ciertos atajos de los menús asignados a movimientos rápidos en el panel táctil.

El resto es similar a lo que vimos en Xbox Series X: podemos activar un modo gráfico más detallado o con mejor rendimiento e intentar forzar o 30 o 60 fps (esto, dependiendo de la tele, puede dar algún problema de “tearing” con la sincronización vertical).

Así entramos en las mejoras comunes a todas las versiones. Una fundamental, casi desde el lanzamiento del juego, es el menú de creaciones.

Bethesda quiso desde un principio que la comunidad participara diseñando mods de todo tipo para el juego y podemos acceder a ellos directamente desde el menú principal, también en PS5.

También está disponible el DLC de pago Espacio Fracturado, que llegó en 2024 y resultó ser excesivamente irregular.

Lo que llega ahora de nuevas para todos son esas dos expansiones que mencionábamos antes.

Por un lado, tenemos Terran Armada, que nos mete de lleno en una lucha contra la Armada Terrana y que incorpora la dinámica de las incursiones, batallas aleatorias que pueden tener lugar durante nuestra exploración del espacio y que podemos evitar o bien acometer para superar desafíos más duros de lo normal.

Como se trata de un contenido aparte y de pago, no queremos hacer demasiado hincapié en él dentro de este análisis general de Starfield.

Lo que sí da para mucha tinta es la actualización gratuita Free Lanes que, como decíamos, mejora para bien muchas facetas de la calidad de vida.

Su mejora más notoria está en el modo Crucero, cuando manejamos nuestra nave. Hasta ahora, solo podíamos tener la nave quieta para explorarla a pie o bien sentarnos en la cabina y pilotarla.

Ahora podemos activar en cualquier momento un “piloto automático” que nos lleve a nuestro siguiente destino.

Esto nos permite explorar la nave mientras esta se desplaza, para hablar con la tripulación o hacer ajustes.

Lógicamente, es más rápido “saltar” al siguiente destino y punto, pero esto mejora la inmersión en la exploración espacial y, además, puede dar pie a encuentros con otras naves... que pueden ser enemigas, claro.

Si nos vamos al menú de opciones, encontramos un puñado de selecciones nuevas que personalizan la experiencia de juego a nuestro gusto.

Por un lado, cuánto daño hacemos nosotros o cuánto hacen los enemigos; cuánto curan los items de sanación; hasta qué punto el daño ambiental de un planeta nos afecta; cómo de efectivos son los disparos de la nave...

Además, ahora ciertos enemigos legendarios pueden tener efectos especiales como sanar a los enemigos, hacer que sus aliados sean más fuertes cuando ellos mueran...

Podemos mitigar esos efectos o bien aumentarlos si queremos un desafío más duro. También podemos ajustar el autoapuntado para que sea más automático o manual.

Modificar algunas de estas opciones afectará a los puntos de experiencia obtenidos. Así, si nos ponemos las cosas algo más fáciles, puede que ganemos un 2% menos de experiencia, por ejemplo.

Cuando estamos explorando planetas, una opción muy útil es colocar un puesto de avanzada, una “base”, desde la que añadir mesas de trabajo, cofres para guardar objetos y más. Podemos crear puestos realmente complejos y trabajdos.

Esto ya estaba en el juego original, pero ahora esos cofres “teletransportan” entre sí los objetos almacenados, para que no tengamos que volver a una base concreta y buscar cierto objeto.

Otra mejora es el vehículo saltador lunar, que nos permite recorrer los planetas más rápido y casi, casi volando, gracias a sus comodísimos propulsores.

En el apartado del coleccionismo, podemos conseguir mascotas para nuestra base o, atención, recolectar figuras de acción vintage. Hay 27 figuras diferentes, con su blíster y todo y hasta podemos conseguir dioramas o estanterías para colocarlas.

No es solo por el placer de tenerlas, sino porque pueden aportar ventajas pasivas en combate y, claro, tienen un valor muy alto si queremos venderlas...

Un cambio fundamental es el recurso exótico llamado X-Tech. Son muy difíciles de encontrar, pero con ellos podemos mejorar las armas, equipo y naves, incluso a un nivel legendario que no era posible hasta ahora.

Free Lanes igualmente aporta novedades en los aliados. Por un lado, Muria, uno de los NPCs más queridos por los fans (y uno de los personajes más misteriosos del juego), ahora se puede reclutar para nuestra nave.

También se añade a Modelo G, un robotito muy simpático que nos puede seguir más como mascota que como aliado en combate, porque su efectividad en las peleas es más cómica que otra cosa.

Terran Armada incorpora al robot Delta a nuestra tripulación, pero como decíamos esa es una expansión de pago.

En cuanto a escenarios, se añade la enorme estación de Anchorpoint para hablar con montones de personajes, los cuales dan pie a muchas misiones nuevas.

Igualmente, podemos hacernos con una fastuosa mansión en un asteroide, para que nos sirve de residencia y sea, así, el bien más preciado de todo el juego.

Cuánto dura Starfield y cuánto cuesta

El juego original necesitaba, como mínimo, unas 30 horas para llegar al final, pero a poco que te liaras con secundarias y a buscar objetos, esa cifra podía subir fácilmente hasta las 50 ó 60 horas.

Con todo el contenido nuevo, podéis pasar de las 100 horas sin problema si vais a por todo. Teniendo en cuenta que la edición normal pasa a costar 49,99 euros en todas las plataformas y la Premium se coloca en 69,99 euros, la relación calidad/precio está más que justificada.

Como muchos sabréis, el juego tiene una magnífica Nueva Partida+ tras superarlo y, sin querer dar muchos detalles a los que no lo conozcáis para no spoilear, una novedad interesante de Free Lanes están en cómo es posible trasladar la inmensa mayoría de objetos de la partida original a esta nueva partida.

Otras mejoras menores, como una mejor explicación de los recursos que tenemos y dónde conseguirlos (algo que resultaba algo mareante en el juego original, dada su amplitud) hacen que, en conjunto, la experiencia de juego sea mucho más cómoda y directa.

La opinión de Hobby Consolas sobre Starfield en 2026

Nos siguen faltando algunos elementos, como un mapa o brújula en algunos planetas o estaciones espaciales más enrevesados (la “ruta” que muestra el escáner de mano no siempre funciona), pero en general toda la experiencia es ahora más cómoda y completa.

Starfield es, así, uno de los juegos de rol más amplios, ambiciosos y satisfactorios que podéis encontrar y, gracias a todas estas mejoras, ahora loe s más, lo juguéis en la plataforma que lo juguéis.

Vale, ciertas facetas gráficas parecen anticuadas (sobre todo, si lo comparamos con bestias recientes como Crimson Desert) y, tras tres años, ha perdido algo de factor sorpresa, pero tiene algo de agujero negro: te atrapa sin que puedas remediarlo, gracias a su narrativa, personajes y variedad de contenido.

Su gunplay se vuelve muy enganchante a medida que dominamos las armas y volvernos más poderosos hace que queramos explorar más y más.

Si lo jugaste en su momento, quizá las novedades te parezcan algo más anecdóticas, pero aún así el juego en sí mismo sigue hipnotizando con sus bifurcaciones y sorpresas por descubrir. Si hasta ahora no lo habías jugado... Amigo, entonces con Starfield te espera el despegue de tu vida.

Ya hemos podido ver los episodios 1 y 2 de la temporada 5 de The Boys y aquí os contamos sin spoilers qué podéis esperar de este arranque para el gran final.

A diferencia de otras temporadas, esta vez no se busca atrapar la atención del público con un evento bestiajo que sirva de declaración de intenciones (olvidaos de Herogasm), sino que estos episodios están sirviendo para colocar las piezas, que no son pocas, sobre el tablero.

Eso no significa que no haya sorpresas ni las salvajadas propias de esta serie de Prime Video. Por un lado, vamos a encontrarnos con revelaciones de lo más interesantes y, por otro, va a haber momentos de puro humor salvaje y sexual, como es de rigor.

Tenemos algunos personajes nuevos cuya concepción es totalmente delirante y burra (en el buen sentido), pensados puramente para el gag.

Make Vought great again

Pero ojo, que también tenemos incorporaciones más potentes, como el predicador Oh Father, que ya vimos en los comics y que aquí promete ser un aliado crucial en la estrategia de Patriota.

Una estrategia que, una vez más, sirve de sátira del mundo real, especialmente de una Estados Unidos "presa" del colectivo MAGA y de esa facilidad que tiene el país para convertir en márketing hasta la más descarnada de las masacres.

La guerra de los supes es más ideológica que nunca, con gran protagonismo de las redes sociales y las psicosis actuales, como la obsesión por la IA y los deep fakes.

Pero, por supuesto, la batalla también es física y ya en estos dos primeros episodios vamos a ver muchos momentos de acción multitudinaria, a tope de superpoderes y puñetazos a cara de perro.

El macguffin de esta temporada, como era de esperar, es ese virus que podría ser la clave para hacer frente a Patriota y del que se habló mucho de la serie spin-off Gen V.

Si no la habéis visto, no hay que preocuparse, porque solo se habla de forma superficial de sus acontecimientos y personajes (al menos, por ahora). Todo lo fundamental queda claro siguiendo los episodios.

Con lo que sí va a haber conexión es con las temporadas iniciales de la serie, pues se nota que los guionistas buscan "cerrar círculos" con algunos personajes, lo que seguramente os aporte nostalgia. A fin de cuentas, ya han pasado casi 7 añazos desde que arrancó The Boys...

En cuanto a los personajes, el Patriota de Antony Starr vuelve a brillar como un personaje desquiciado, impredecible y siempre a punto de estallar, sin que sus aliados más cercanos sepan qué esperar. ¿Os suena de la realidad?

Kimiko (Karen Fukuhara) o Frenchie (Tomer Capone) también recuperan fuerza, pero está claro que el Carnicero de Karl Urban sigue siendo el ¿héroe? más poliédrico y gris de todos, representando sin duda la otra cara de la moneda que es Patriota.

El episodio 2 acaba con un cliffhanger de lo más interesante, lo que hace casi imposible predecir hacia dónde se encaminará el clímax de la serie.

Clímax que, como ya han dicho sus responsables, no pretende ser algo mega potente en materia de presupuesto a lo Juego de Tronos, sino que seguramente apueste por algo impactante en su propia línea. Desde luego, la espera se pone más atractiva que nunca...

Como decíamos, en estos dos primeros episodios no hemos vista que nos haya volado la cabeza como en temporadas previas (es verdad que la propia serie ya se ha puesto el listón alto), pero sí se percibe que algo gordo se está fraguando.

Así pues, seguiremos muy atentos a la temporada 5 de The Boys, porque lo mejor está, seguro, por llegar. Y eso que lo que ya tenemos sobre la mesa es más contundente que un discurso patriótico de Dinamita.

Este juego de plataformas y puzzles es la primera obra de los franceses ZDT Studio y, con ella, nos proponen una aventura que bebe de otros clásicos pero aporta su propio enfoque.

Para que os hagáis una idea, es algo así como un cruce entre Inside, Abe's Oddysee y ese juego de la era PS2 llamado Whiplash. ¿Alguien lo recuerda?

Nosotros controlamos al pulpo Darwin, que mientras está flotando tranquilamente con su colega... ¡es abducido por un OVNI! A partir de ahí, nuestro objetivo será escapar para regresar al mar.

En nuestro periplo, visitamos una fábrica, un vertedero y algunas misteriosas instalaciones...

El manejo es siempre en 2D y Darwin tiene pocas acciones, pero habrá que sacarles partido de forma creativa para poder avanzar.

Además de caminar, puede saltar, bucear o, claro, ya que es un pulpo, adherirse a paredes y techos, lanzar tinta para tirar objetos u oscurecer el agua y quedarse quieto para camuflarse.

Lo de este pulpo es una feira, digo feria

Dado que no tenemos ningún ataque, nuestra forma de actuar consiste en sortear obstáculos y pasar desapercibidos cuando los vigilantes o animales salvajes (desde ratas hasta un pez linterna) quieran darnos caza.

Normalmente, el mero contacto con el fuego, la electricidad o cualquier otra trampa nos mata, por lo que habrá que repetir las acciones desde el último checkpoint.

Así, aunque el juego se basa mucho en puzzles del escenario (¿cómo llegar a tal sitio? ¿cómo abrir esa puerta sin que me vean?), el verdadero desafío suele estar más en llevar a cabo varios movimientos sin morir.

Los saltos suelen estar muy medidos y en muchas ocasiones tendremos poco tiempo para ejecutarlos, así que es necesario ser bastante precisos.

En otras palabras: lo más probable es que muráis muchas veces en varios puntos de la aventura, lo que a veces se hace un pelín irritante, sobre todo cuando toca repetir tramos largos.

Aunque suele haber pistas visuales sobre los siguientes pasos a dar, a veces la cámara está tan alejada o el entorno es tan oscuro que cuesta aclararse... O puede que suceda algo repentino que cambie el esquema y no nos dé tiempo a reaccionar.

A esto hay que sumar otro defectillo que complica las cosas: hay un pequeño lag entre que pulsamos un botón y saltamos, así que hay que calcular bien los tiempos. Un ligero retoque a la precisión de los controles no vendría mal.

I want to believe

A pesar de estos defectos, siempre queremos seguir jugando, por dos motivos. El primero es que la jugabilidad es muy variada y siempre estamos ante situaciones diferentes y originales, desde volar como un globo hasta disfrazarnos o pringarnos de sustancias radiactivas para ahuyentar a los enemigos.

El otro motivo es que la ambientación y la narrativa son de lo más simpáticos. El trasfondo de la invasión alienígena se va desarrollando a medida que avanza la aventura, siempre con golpes de humor y referencias a las historias pulp de los años 50.

Darwin es de lo más expresivo, a pesar de no hablar y, claro también hay referencias a películas clásicas (a ver quién detecta la de Alien) o incluso a otros juegos de Konami, desde Metal Gear hasta Frogger.

El apartado gráfico mezcla una estética cartoon con un nivel de detalle muy convincente, que juega mucho con los elementos que se mueven en profundidad y con los efectos de luz.

Hemos jugado en PS5 y podemos elegir entre modo Belleza (más detallado) o Rendimiento. Esta vez, podéis apostar por la belleza, ejem, porque la carga gráfica no es excesiva y todo se mueve con fluidez.

El sonido apenas tiene algunos efectos cómicos y minimalistas, mientras que la música ambienta de maravilla con algunas melodías jazzeras que recuerdan a películas de aventuras de los 80 como Cariño, he encogido a los niños.

Más adelante, las melodías van tomando un tono más "alienígena", así que escuchamos los típicos recursos de themerin de las películas clásicas.

La opinión de Hobby Consolas sobre Darwin's Paradox

Como suele pasar en estos casos, la aventura no es muy larga, así que se puede superar en unas 6 ó 7 horas, si os atascáis mucho (hay ayudas sugeridas durante la partida, por cierto).

Por supuesto, su precio no es muy alto: 24,99 euros, por lo que hay un equilibrio razonable entre duración y coste.

Una vez superado el juego, no hay motivos para una segunda partida, pero sí hay un par de coleccionables: documentos que dan detalles sobre la invasión alienígena y trajes para Darwin, incluyendo uno al más puro estilo Solid Snake.

En conjunto, Darwin's Paradox! es un título pequeño y sencillo en su concepto, pero que supone un desafío muy interesante y variado para amantes de las aventuras 2D. Su simpatía le hace ganar enteros, por lo que, si os van los retos duros, no dudéis en caer en sus... tentáculos.

Se trata de un curioso popurrí de juegos de los años 90 cuya temática común es la ambientación en el universo Marvel. Estrictamente, aunque se presentan 6 juegos, con versiones de diferentes plataformas, en realidad tenemos 7 juegos, como ahora veremos.

La recopilación es obra de Limited Run Games, que vuelve a apostar por su Carbon Engine para ofrecer una emulación muy cómoda y fidedigna de los juegos originales. Ya lo han usado en otros juegos clásicos como Tombi! Special Edition.

Vamos a repasar de forma general los juegos incluidos y luego sacamos algunas conclusiones:

X-Men The Arcade Game

X-Men The Arcade Game es la punta de lanza del recopilatorio y su juego estrella. Se lanzó originalmente en 1992 y destaca por unos sprites enormes y llamativos. Al estilo de otros juegos de Konami como Ninja Turtles, es un beat 'em up de avance lateral muy clásico.

Podemos jugar con Cíclope, Lobezno, Tormenta, Rondador Nocturno, Dazzler o Coloso y nos enfretamos a varios villanos clásicos, como Emma Frost o Juggernaut.

El juego presenta elementos muy espectaculares como la "visita" de gigantescos centinelas o la lucha contra Magneto, pero el catálogo de movimientos de cada personaje es muy limitado y puede volverse algo repetitivo.

Aún así, en su momento hizo furor su multijugador. Era razonablemente fácil encontrar un mueble para cuatro jugadores, pero también existía uno para 6 jugadores con pantalla súper panorámica.

Es posible jugar tanto en modo estándar como en panorámico, aunque la forma de hacerlo es algo enrevesada: al iniciar partida, escoged que vais a ser seis jugadores, aunque luego juguéis menos.

X-Men The Arcade Game es el único juego del recopilatorio que tiene posibilidad de modo online (para hasta seis jugadores, claro). Se agradece esta opción, pero no entendemos por qué el resto de juegos no la incluyen. También podemos elegir nivel.

Captain America and the Avengers

Para nosotros, este quizá sea el juego más redondo del recopilatorio. Sus gráficos, con personajes diminutos, puede que os tiren para atrás al principio, pero es el que tiene una jugabilidad más interesante y variada.

Se lanzó tanto en recreativa como en Mega Drive y, de nuevo, es un beat 'em up, esta vez a cargo de Data East. Podemos jugar con el Capi, Ojo de Halcón, Visión o Iron Man.

Aunque en un principio parece tener pocos movimientos, pronto descubrimos que hay muchos ataques especiales a base de combinar los escasos botones. Además, hay fases especiales de vuelo que lo convierten prácticamente en un shooter lateral.

Los escenarios tienen un estilo artesanal muy característico que se pierde en la versión Mega Drive, pero ambas versiones son muy jugables y tienen cooperativo a dos.

La versión de NES

Este es el "séptimo juego" al que nos referíamos. Aunque viene en el mismo "saco" que las versiones de arcade y Mega Drive, este Captain America and the Avengers es un juego completamente diferente.

Se trata de un juego de plataformas y acción en el que controlamos al Capitán América y a Ojo de Halcón en niveles de saltos bastante complejos y recolección de items.

Tanto a nivel gráfico como jugable está a un nivel más que aceptable para un juego de NES y tiene cierto grado de exploración que le da variedad.

Spider-man, Venom, Maximum Carnage

Conocido por ser uno de los cartuchos más caros para coleccionistas de Mega Drive (dado que se lanzó en un llamativo color rojo), el juego se inspiraba en la saga Matanza Máxima del trepamuros para presentarnos un beat 'em up con él y con Venom.

Más allá del interés por controlar a estos héroe y villano en la época de los 16 bits, el juego es bastante feo, tanto en la versión Mega Drive como en la de Super Nintendo, también incluida.

Los sprites son grandes, pero tanto ellos como los fondos resultan muy oscuros y las animaciones algo toscas. Podíamos lanzar telarañas y balancearnos, pero el control resultaba poco preciso.

La idea de alternar zonas en las que debíamos trepar edificios mientras evitábamos ataques era interesante, pero la ejecución deja que desear, por los torpes movimientos de Spidey.

Separation Anxiety

Al igual que el anterior, era obra de Software Creations. Aquí los sprites eran algo más pequeños, pero más coloridos y se movían más rápido. De nuevo, jugábamos con Spider-man o Venom, pero el juego igual de tedioso que el anterior.

Solo algunos momentos, como las peleas contra los simbiontes, salvan tanto a este como al juego anterior, pues ambos resultan muy repetitivos y tramposos en según qué luchas.

Eso sí, en ambos es posible activar trucos como salud infinita, lo que facilita un poco la experiencia.

Spider-man and the X-Men in Arcade's Revenge

De nuevo obra de Software Creations, pero con un giro jugable. Esta vez tenemos un juego de plataformas y acción en el que controlamos a Spidey, Lobezno, Tormenta, Cíclope, Gambito y Lobezno.

Hay que reconocer dos virtudes del juego. Por un lado, el desarrollo de los niveles es diferente en función del personaje que escojamos. Los héroes comparten vidas, así que no podemos gastarlas con uno si queremos controlar al resto.

Por otro, la banda sonora de Tim Follin está considerada una de las más cañeras de la era 16 bits, con unos temas rockeros realmente sorprendentes.

Lamentablemente, el resto es flojo. Los gráficos son muy limitados y, salvo en el caso de Tormenta, muestran a unos héroes canijos y poco imponentes. Lo peor es el control, terriblemente impreciso, especialmente en el caso de Spider-man.

El arranque, teniendo que usar al cabeza de red para buscar varios dispositivos por un extrañísimo laberinto, no es una buena carta de presentación...

Como curiosidad, este es el juego del recopilatorio con más versiones: Mega Drive, Super Nintendo, Game Gear y Game Boy. Es el mismo juego en todas ellas, pero diríamos que la versión de Game Gear es la que tiene un control más fluido. Debemos de estar chalados.

Silver Surfer

Terminamos con el que está considerado como uno de los juegos más frustrantes de NES. Controlamos a Norrin Radd en niveles tipo shooter 2D.

Al principio y al más puro estilo Mega Man, elegimos en qué orden nos enfrentamos a nuestros enemigos. Algunos proponen un nivel de avance lateral y otros son shooters verticales.

Lo peor no es que Silver Surfer se mueva como una tortuga, sino que todos los demás se mueven a toda velocidad y cualquier elemento del escenario te mata por contacto.

Si morimos, hay que repetir el nivel desde el principio. no sin antes ver un plano de Estela Plateada sufriendo, algo que como jugadores compartimos. Podéis considerarnos exagerados, pero os aseguramos que avanzar en el juego es un tormento.

¿Qué más incluye Maximum Collection?

Así pues, de los 7 juegos incluidos, podríamos considerar que 3 son buenos, dos son flojos y otros dos son MUY flojos. No sale buena media, no.

Los jugadores curiosos tienen también a su disposición una galería con artes, manuales y publicidades de los juegos. No es súper extensa, pero siempre se agradece ver estos documentos de la época.

También hay un reproductor de música y logros, incluyendo uno muy divertido por escuchar la infame frase "Welcome to die" de Magneto en el arcade de X-Men.

Durante la partida, podemos pausar para ejecutar un guardado rápido, rebobinar (algo casi imprescindible con Silver Surfer) o elegir entre proporción original, 4:3 (con marcos o no) y 16:9, lo cual estira mucho la imagen y no merece la pena.

También es posible poner un filtro CRT (o LCD, en la versión portátil de Arcade's Revenge), pero es una sola opción y no es posible modificar las líneas de escaneado o la curvatura, como sí pasa en otros recopilatorios.

En conjunto, y como recopilatorio, Marvel Maximum Collection cumple con corrección a la hora de representar los juegos clásicos. El problema son los propios juegos, que son bastante malos en su mayoría.

Su precio de 24,99 euros hace que no sea muy "doloroso" hacerse con él, pero dudamos que mantengáis el interés en los beat 'em up de Spider-man, por ejemplo. Dejaos de medias tintas e id a por los juegos arcade, ahí sí que hay buena pomada. 'Nuff said.

La primera temporada de la serie ya nos dejó un estupendo sabor de boca, pero estos nuevos episodios de Daredevil se convierten, ojo, en lo mejor que ha hecho Marvel Television desde, quizá, Bruja Escarlata y Visión.

El argumento sigue desde donde nos quedamos: Kingpin es el amo del cotarro gracias a su alcaldía en Nueva York y Matt Murdock ha asumido por completo el manto de Daredevil. Karen Page lo ayuda a buscar criminales, ya que Matt ha de permanecer en la sombra...

La interceptación de un carguero lleno de armas es la excusa para que arranque una trama apasionante en la que todos los personajes clave que conocimos de la primera temporada sean puestos a prueba.

Ese es uno de los aspectos más interesantes de estos ocho nuevos episodios: mientras que en la temporada 1 era Matt quien estaba completamente roto y perdido, ahora eso es lo que pasa con todos los demás, incluyendo el propio Wilson Fisk / Kingpin.

El UCM vuelve a emocionar

Matt representa, ahora sí que sí, la justicia ciega frente a la furia del resto, la justicia a cualquier precio, aupada por un concepto incluso más poderoso aquí; uno que solo él, gracias al legado de Foggy, es capaz de percibir: la piedad.

Es un tema tan potente aquí que va a poneros los pelos de punta en más de una ocasión. Tanto es así que nos atrevemos a decir que es la serie más emocionante de forma continua que ha hecho Marvel nunca.

Mientras la veíamos, no pudimos evitar decir "por fin, POR FIN se ha construido la temporada para que TODOS los episodios sean interesantes".

Aquí no tenemos la típica estructura de "un primer episodio súper impactante, dos o tres de relleno y uno o dos chulos para acabar".

En esta ocasión, todos los capítulos contribuyen bien a la trama general y, además, tienen un buen ritmo interno. Todos, salvo uno (por una buena razón) tienen peleas interesantes y llenas de esa violencia descarnada que caracteriza a la serie.

Otro cambio que quería el público y aquí se cumple es una mayor presencia de Daredevil, el superhéroe. La proporción Matt / Daredevil está mucho más equilibrada aquí, posiblemente porque la ciudad necesita más que nunca al enmascarado, como héroe y como símbolo.

Antes de hablar de la ciudad, un elemento crucial en el lore de Daredevil, queremos añadir que, sí, también hay momentos de juicio en los que sacar la faceta de abogado de Matt. De hecho, dan pie al que quizá sea el momento más vibrante de la serie. Y eso es decir mucho.

Nueva York, qué ciudad

Volviendo a Nueva York, está claro que la ciudad en sí es un personaje. Uno que aún no sabe bien qué opinar de las amenazas que tiene en frente, pero que será crucial en el destino de las mismas. Por un lado tenemos a Wilson Fisk, claro. Luego hablaremos de él.

Por otro lado, se presenta su nuevo "equipo de élite", la Fuerza Anti Vigilantes, que con la excusa de que los enmascarados siembran el caos en Nueva York tienen carta blanca para asaltar y detener a quien quieran.

No cabe duda de que se nota cierta "inspiración" en la polémica con ICE en EEUU y en cómo eso puede ser el catalizador de que el pueblo diga "hasta aquí hemos llegado".

Por último, tenemos a Poindexter / Bullseye, que en esta ocasión tiene aún más peso y toma el relevo de Punisher como "personaje gris", uno que a veces parece el peor de los villanos y otras veces podría ser una ayuda para evitar un mal mayor.

Sus momentos de acción, con ataques súper locos y estilosos, son de lo mejorcito de esta temporada.

También hay incorporaciones, claro. Matthew Lillard (el icónico Shaggy de Scooby-Doo) es Mister Charles, un traficante que rivaliza con Kingpin. Quizá este sea el personaje menos aprovechado de la temporada, aunque Lillard hace un estupendo trabajo.

Por otro lado, tenemos el anunciado regreso de Krysten Ritter como Jessica Jones, que funciona tan bien como siempre y aporta aún más contundencia a los momentos de acción. Buen retorno, sí señor.

Todos los actores están a un gran nivel, pero nosotros nos vamos a quedar con tres. Por supuesto, uno de ellos es un Vincent D'onofrio colosal, el cual encarna a un Kingpin que poco a poco parece estar perdiendo el control, lo que lo hace más impredecible y peligroso que nunca.

Es asombroso que consigan que, por momentos, empaticemos e incluso sintamos lástima por él, para que segundos después nos genere auténtico pavor.

Por otro lado, nos quedamos con la relación entre Buck y Daniel, dos personajes que van ganando capas y cuyas interacciones representan muy bien el drama que ha construido Kingpin a su alrededor.

Al estupendo apartado actoral se une una forma de narrar y plasmar lo narrado muy cohesionada, incluyendo alguno de esos planos secuencia marca de la casa.

La temporada 2 de Daredevil Born Again da en la diana

Las facetas más espectaculares como las peleas (reiteramos, tan burras como siempre) o los trucos para representar cómo Daredevil "siente" las amenazas se unen a unos efectos de iluminación sensacionales, que juegan con los colores y las proporciones de plano para impregnarnos de la atmósfera.

El "nuevo" traje negro de Daredevil se contagia de los rojos de la estancia o los azules de las sirenas de policía y así se construyen unas imágenes impactantes. Una gozada.

Todo esto desemboca en un episodio final absolutamente maravilloso, en el que miraréis con los ojos como platos cómo demonios va a terminar de explotar todo esto.

Los acontecimientos dejan mucho margen para una temporada 3 de Daredevil Born Again y, a poco que se acerquen a lo experimentado aquí, tendremos calidad en Disney Plus para rato. ¿Cómo van a superar esto? No tengo más preguntas, Señoría.

Hoy día, Milestone es conocida por sus simuladores de velocidad como los Moto GP, pero el nuevo Screamer es algo diferente, tanto a esos juegos actuales como a su homónimo de 1995.

Aquí tenemos un juego de fantasía, con velocidades y choques imposibles, un esquema de control con personalidad y una ambientación que bebe de los RPG japoneses.

Screamers, arranquen sus motores

La ambientación nos lleva a un mundo con cierto toque futurista en el que controlamos a diferentes pilotos llamados screamers, con coches capaces de alcanzar velocidades increíbles, activar turbos y, gracias a un componente llamado Echo, explotar y regenerarse al instante.

Aunque hay un trío de corredores protagonistas, los Green Reapers, en realidad controlaremos a la mayoría del resto de corredores a lo largo del modo Campaña. Todo, dentro de una historia llena de traumas del pasado, confabulaciones y organizaciones secretas...

A la hora de jugar, Screamer tiene un estilo propio que hace que su curva de dificultad sea un poco empinada.

Por supuesto, el objetivo base es dar vueltas a circuitos e intentar llegar los primeros, pero a veces los requisitos pueden ir más allá.

El sistema de control tiene una capa "estándar" que se reconoce al instante: un gatillo para acelerar y uno para frenar.

A partir de ahí, comienzan las diferencias, pues con el stick izquierdo dirigimos el coche y con el derecho, derrapamos.

Así, es común tener que colocar los dos sticks en direcciones opuestas al llegar a las curvas, algo que requiere cierta práctica para no pasarnos de derrape, sobre todo cuando toca recurrir un poco al freno.

Los derrapes no funcionan como en Mario Kart o como en Ridge Racer, no sirven para correr más, pero hay que tenerlos muy bien medidos para no quedarnos atrás.

Dificultad: carreras que te harán sudar

Además, los coches tienen marchas semiautomáticas: cuando aceleran lo suficiente como para cambiar de marcha, no lo harán solos, sino que el medidor correspondiente se pondrá amarillo y el mando vibrará para "pedirnos" que pulsemos el botón de cambio de marcha.

Esto es más estratégico de lo que parece, porque el momento justo en que cambios de marcha hará que velocidad pegue un pequeño subidón y, además, aumentará nuestro medidor de SYNC. El SYNC también aumentará si nos mantenemos en velocidad punto.

¿Y qué es esto del SYNC? Se trata de una especie de "acumulador de energía" que, cuando está lo suficientemente lleno, nos permite ejecutar un Impulso (un turbo, vaya) que multiplica la velocidad por unos instantes.

Este Impulso se activa mediante un sencillo quick time event. Si pulsamos el botón en el momento justo, el impulso será mucho más largo.

La cosa no acaba ahí: activar los Impulsos hace que suba nuestra barra de Entropía, que sería algo así como la energía ofensiva.

Cuando está lo suficientemente alta, podemos ejecutar un movimiento de ataque que nos lanza como un ariete contra los rivales cercanos.

Si conseguimos impactar contra ellos, explotarán y perderán un tiempo precioso de carrera, pero gracias a la "magia" del juego reaparecerán en marcha justo en el punto donde fueron eliminados.

Acertar en una eliminación hace que nuestro medidor de SYNC crezca, lo que nos da nuevos turbos...

Como veis, hay mucha estrategia en las carreras, hasta el punto de que podemos activar escudos temporales cuando se nos avise de que alguien nos quiere embestir.

Por último, podemos activar el Overdrive, un estado especial en el que tenemos turbo constante y acabamos con todo el que toquemos pero, pasados unos segundos, cualquier choque contra un borde de la pista hará que explotemos nosotros y perdamos la energía acumulada.

Cambios de marcha, derrapes, Impulsos, Overdrive, ataques... Hay que estar atentos a muchos elementos en carrera, a lo que hay que añadir, lógicamente, el propio trazado y el resto de corredores.

Al principio, los circuitos son algo más simples para que vayamos pillando el tranquillo a la mecánica, pero a medida que avanzamos por las decenas de trazados, veremos algunos que son auténticas pesadillas de giros constantes y curvas cerradísimas.

Cada rival, una personalidad diferente

Los corredores controlados por la IA no se quedan atrás y suelen ser extremadamente eficientes, así que sudaréis tinta en las primeras carreras para llegar a los primeros puestos. Ya sabéis, en Milestone no son famosos por presentarnos paseos por el campo...

De hecho, todos los pilotos tienen su vehículo, personalidad y habilidades propios: uno es capaz de ejecutar dos Impulsos seguidos, otro gana más SYNC si embiste a cambio de explotar si no embiste, otro no tiene Overdrive pero sí Impulsos más largos...

Los líderes suelen ser más rápidos pero difíciles de dominar, mientras que los "miembros rasos" se basan más en las maniobras de ataque.

Si las carreras os abruman, hay montones de opciones de accesibilidad, desde bajar la dificultad de la IA (aún así, no serán moco de pavo) hasta acelerar de forma automática, tener asistencia en los derrapes o desconectar la resistencia de los gatillos adaptativos en el caso de PS5.

Una configuración curiosa nos permite reducir la velocidad de las carreras hasta el 50%. Y es que la velocidad es TAN VERTIGINOSA al 100% que llega a impresionar.

A medida que poco a poco asimiléis las reglas y el ritmo del juego, descubriréis que, sí, es duro y no vale para que alguien se eche una partida rápida sin conocerlo, pero resulta realmente adictivo y emocionante, una vez lo "domamos".

Chocar lateralmente no tiene por qué frenar mucho el coche nunca vais a volcar un vehículo, así que hay que dejarse llevar por las velocidades imposibles y una física, digamos, generosa.

Modos de juego en Screamer

El catálogo de modos de juego cumple muy bien. El principal, llamado El Torneo, es una especie de modo Historia con cuatro capítulos divididos en decenas de "episodios" cada uno. Cada uno de estos episodios puede consistir en un diálogo entre los personajes, un vídeo o una carrera.

Las carreras del modo Historia pueden tener un desarrollo tradicional o bien proponer objetivos especiales: pasar por un número de checkpoints, derrapar durante X segundos...

O bien ganar la carrera a los puntos con nuestro equipo: llegar en buena posición y eliminar rivales suma puntos.

Aquí es donde entra ese "toque RPG japonés" que mencionaban los desarrolladores.

No es que vayáis a tener subidas de nivel o puntos de experiencia, pero sí veremos muchos diálogos de personajes con un toque muy shonen: pasados traumáticos, venganzas...

Se agradece que todos los corredores tengan un trasfondo y personalidad marcados, pero también es cierto que algunos diálogos se hacen larguíiiiisimos y algo redundantes. Se pueden saltar, claro, pero un poco de síntesis no habría venido mal.

A medida que avanzamos en el modo Historia desbloqueamos personajes y circuitos que luego podemos usar en el modo Arcade.

En este, podemos ejecutar carreras normales, contrarreloj o de checkpoints, pero también podemos personalizar la experiencia a tope: que solo corran líderes de equipo, tener Overdrive ilimitado, el número de vueltas al circuito, que no haya carga pasiva de SYNC...

Por supuesto, también hay modo multijugador, una vertiente muy agradecida en este título.

No solo hay modo online (en el que, lógicamente, no podemos reducir la velocidad de las carreras), sino también un offline a pantalla partida para hasta cuatro jugadores.

Aún no hemos podido probar la pantalla dividida para cuatro (no tenemos amigos, snif), pero la pantalla dividida en dos funciona de maravilla, con total fluidez.

Podemos correr en carreras sueltas multiplayer o entrar en una modalidad "mixtape" en la que vayamos alternando diferentes propuestas de carrera.

Ya en una faceta más "coleccionista", tenemos el taller y el modo Museo. En el primero, podemos cambiar las partes de vehículo y los colores que hayamos desbloqueado, pero solo es una alteración estética, no cambia el rendimiento.

En el Museo, podemos consultar los vídeos o las melodías que hayamos obtenido en la Historia, algunas de ellas con un fuerte aroma anime.

Gráficos y sonido en Screamer: adrenalina con óxido nitroso

Esto nos lleva al rendimiento técnico. Hemos jugado en una PS5 estándar y desde luego hay que alabar la sensación de velocidad y fluidez a la que se mueven las carreras, apoyadas una vez más en Unreal Engine.

No son los gráficos más detallados del mundo, pero su estilo artístico es muy cumplidor, especialmente en el diseño de unos vehículos muy diferentes entre sí. Ver las distorsiones y explosiones "cartoon" dan un punto extra a la emoción de las carreras.

Como era de esperar, podemos pasar de una vista exterior del vehículo a una desde el salpicadero e incluso otra más inmersiva en la que no se ve nada del coche. En esta última, la sensación de vértigo (en un buen sentido) es alucinante.

Al pausar la carrera, vemos la opción de acceder a un simpático modo foto que aplica un efecto de motion blur muy impactante cuando tomamos la instantánea.

Las escenas animadas corren a cargo de Polygon Pictures (Ghost in the Shell: Innocence) y resultan muy estilosas, si bien suelen ser bastante cortas.

El sonido mezcla unas melodías con mucho deje techno que se acaban haciendo un pelín repetitivas tras un modo Historia tan largo, pero que ambientan con efectividad.

Un dato curioso es que las voces están en el idioma original de cada corredor (inglés, japonés, italiano...) ya que pueden entenderse entre ellos con un traductor especial. Los textos sí están en castellano, claro. Tenemos algún actor de primer nivel, como Troy Baker (Joel en The Last of Us).

En el caso de PS5, hay que mencionar el uso útil del altavoz de DualSense, sobre todo para los avisos del cambio de marcha (oímos cómo el motor está revolucionado de más y "pide" cambiar), además de unos gatillos adaptativos exigentes que os van a dejar las manos tiritando.

La opinión de Hobby Consolas sobre Screamer

Como ya hemos dicho, dominar el juego os llevará un tiempo. Hay 18 corredores diferentes y 32 circuitos y superar todos los desafíos del modo Historia (incluyendo varios que son opcionales) os pueden llevar cerca de 10 horas, lo que no está nada mal para un juego de este tipo.

Así, Screamer se convierte en una muy interesante alternativa dentro del género de velocidad, una que quizá no conecte con todos por su curva de dificultad, pero que resulta muy satisfactoria y única una vez dominada. 30 años después... el que "turbo", "re-turbo".

En su momento, hubo a quien le pareció que el juego no había terminado de cuajar (sin duda, mantenía algunos de los "defectos made in Bethesda"), pero a nosotros nos fascinó su propuesta de exploración abierta.

En cualquier caso, el juego ha ido mejorando con diferentes actualizaciones y la inestimable participación de la comunidad, tanto con su feedback como con sus creaciones.

Tras el cambio de política de Microsoft hacia el enfoque de lanzar sus grandes juegos en cualquier plataforma (¿se mantendrá esto con el nuevo liderazgo de Asha Sharma?), parecía cuestión de tiempo que un peso pesado como Starfield llegara a PS5. Lo hará el 7 de abril.

El juego será el mismo que vimos en las otras plataformas, pero aprovechará las ventajas propias de DualSense: la barra de luz para mandar avisos, los gatillos adaptativos (¿para disparar y para pilotar?), el panel táctil y "más", según la nota de prensa.

Además, la versión PS5 Pro tendrá dos modos: Pro Performance, para mayor tasa de frames o Pro Visual, para mayor detalle. Aún no conocemos resolución o tasas de frames. A ver si pronto podemos hincarle el diente.

Los responsables del juego han hecho mucho hincapié en que la mayoría de las novedades provienen de las mismas peticiones de los fans, para que la experiencia sea más cómoda y variada.

Tanto la edición estándar de PS5 como la de Xbox y PC pasan a costar 49,99 euros y, además, todas las versiones reciben nuevo contenido, separado en tres grandes bloques. Veamos en qué consisten.

Terran Armada

Se trata de un nuevo contenido de pago, que ya se había filtrado meses atrás. El precio por separado rondará los 10 euros, pero los usuarios que en su momento adquirieran la edición Premium de Starfield obtendrán este DLC sin tener que pagar más.

En el argumento, los robots de la Armada Terrana parecen haber decidido que es hora de tomar el control y acabar con una amenaza tan grande como... ¿nosotros?

El DLC aportará nuevos personajes, localizaciones, enemigos, quests y recompensas.

También veremos nuevas naves para adquirir y módulos para ellas (hasta quince, según sus desarrolladores), como un camuflaje especial cuando escapemos a plena potencia o un pulso electromagnético.

Los responsables de Terran Armada aseguran haber buscado un equilibrio entre conectar la historia del DLC con la trama principal, pero sin que supongo un impedimento para los que solo tengan el juego base.

Free Lanes

Sorprendentemente, el añadido más potente es este, que será gratuito para todo el mundo. Básicamente, es una actualización para todo Starfield que añadirá mejoras por doquier a partir del feedback de los fans y de las revisiones del equipo.

La novedad que da nombre a esta actualización tiene que ver con el nuevo modo Crucero, que nos permitirá viajar libremente de un planeta a otro (eso sí, el aterrizaje seguirá "fragmentado", no se hará del tirón), siempre que estemos dentro de un mismo sistema.

Así, podremos fijar rumbo, dejar el piloto automático y disfrutar de las vistas, ya sea viendo la nave moverse desde fuera o volviendo a la tercera persona y cumpliendo tareas dentro de nuestro vehículo, mientras este se desplaza.

Habrá varias velocidades para este modo Crucero, dependiendo de la prisa que queramos darnos, por si queremos interactuar con nuestra tripulación durante el viaje. Pero también habrá encuentros en mitad del viaje, desde enemigos hasta zonas útiles, para dar variedad.

Esto es solo la punta del iceberg, ya que la actualización gratuita aporta nuevos encuentros, puntos de interés y mazmorras.

Tanto en ellos como en el resto del juego podremos encontrar la X-Tech, un nuevo recurso para mejorar naves, armas y equipo.

La X-Tech será difícil de encontrar, pero su utilidad es enorme para alcanzar nuevos rangos premium de las armas de forma rápida, incluso eligiendo qué efecto queremos agregar de entre todos los disponibles, siempre que gastemos la X-Tech necesaria.

También se ha retocado la forma en la que podemos obtener los poderes, que antes requerían tediosas visitas a los templos. Ahora, gracias a este nuevo elemento podemos desbloquearlos de forma más rápida.

Pero claro, los enemigos también se vuelven más complejos y veremos nuevos tipos de escudo, daño elemental o su ventaja "mártir": si mueren, sus compañeros se pondrán furiosos y atacarán con más contundencia.

En el apartado de vehículos, se añade el Moon Jumper, una especie de buggy con una enorme capacidad de salto (prácticamente vuela) con el que explorar superficies verticales de los planetas se volverá mucho más cómodo. Podremos personalizar su aspecto.

Igualmente será posible reclutar a nuevos personajes para nuestro equipo. Maria, uno de los secundarios más queridos por los fans, por fin podrá acceder a nuestra nave, aunque habrá que superar la correspondiente misión.

Por otro lado, tendremos el mini-bot, un robotito que se puede unir a la causa mediante una sencillísima misión. Apenas hace daño y es más bien una "mascota", pero mola tenerlo a bordo y que remate a los enemigos con sus miniataques.

Y hablando de mascotas, podremos tener nuestra propia miliballena (retocando su aspecto exterior y hasta enseñándole juegos y trucos) en nuestros puestos de avanzada de los planetas que visitemos.

Estos se han mejorado una barbaridad con nuevos diseños y una función muy útil: los depósitos compatibles entre puestos.

Podremos dejar montones de objetos en el depósito de un puesto de avanzada, viajar a otro puesto de otro planeta, abrir su depósito y allí estarán esos objetos, sin necesidad de llevarlos con nosotros ni cargarlos en la bodega de la nave. ¡Qué útil!

Aparte de todo esto, se han añadido pequeños incentivos por aquí y por allá, como una nueva mansión de lujo incrustada en un asteroide y que podremos hacer nuestra (será el objeto más cotizado del todo el juego) o, atención, figuras de acción de coleccionistas.

Podremos coleccionar estas figuras de aspecto vintage. Según las encontremos con blíster o sin él valdrán más o menos.

Además de poderlas exponer en vitrinas o incluso dioramas, tenerlas con nosotros dará ventajas a nuestro personaje durante la exploración y el combate.

Por último, la Nueva Partida+ (uno de los elementos más chulos de Starfield) ahora nos permitirá llevar algunos objetos con nosotros (al principio, 50, pero podrán ser hasta 200) a través de la Unidad, para que la experiencia sea algo más llevadera.

Alianza de Rastreadores

Esta facción llegó a Starfield allá por 2024 y nos permitía jugar como cazarrecompensas. Lejos de dar esa faceta por terminada, Bethesda actualiza desde ya el contenido al añadir nuevos contratos, misiones y recompensas para la facción.

Si ya compraste el contenido original, estas nuevas misiones son gratis. Si quieres hacerte ahora con todo el lote, te costará 700 créditos.

Y con esto llegamos al final de este repaso para todas las novedades de Starfield, tanto en PS5 como en Xbox Series X/S y PC. Hay que reconocer que Bethesda se ha puesto las pilas con el juego para que la experiencia sea ahora... estelar.

Siendo estrictos, este sería el segundo remake del juego lanzado hace más de 20 años, ya que Wii tuvo una versión que cambiaba las cámaras fijas por una cámara dinámica sobre el hombro y añadía retoques jugables a partir de las entregas posteriores de la saga.

Este Fatal Frame II toma varios de esos elementos y añade muchos propios para dar pie a una experiencia mucho más moderna y dinámica, sin sacrificar ninguno de los elementos que han hecho de este juego una experiencia terrorífica.

La mayoría de las novedades dan en el clavo, pero otras... no tanto. Os lo explicamos en este análisis de Fatal Frame II Crimson Butterfly Remake.

En primer lugar, vamos con la historia, que es idéntica a la del juego original e incluso se distribuye en los mismos capítulos. Mio y Mayu son dos hermanas que guardan un enorme vínculo emocional.

Sin saber bien cómo, se ven atraídas a un recóndito pueblo japonés, donde sus ruinosas casas recuerdan que tiempo atrás tuvieron lugar extraños rituales paranormales.

Mayu queda como hipnotizada por la presencia del pueblo, que la hace caminar hacia un destino incierto. Nosotros controlamos a Mio para, a veces, acompañar a nuestra hermana y, a veces, buscarla mientras desaparece al ser “arrastrada” por las fuerzas espirituales del pueblo.

El sistema de juego general tampoco cambia: controlamos en tercera persona a Mio y, siempre que queramos, podemos sacar la Cámara Oscura para pasar a una vista subjetiva desde la que fotografiar fantasmas o elementos del escenario.

Para poder fotografiar, necesitamos “cargar” cada disparo. Aunque el tipo de carrete más básico tiene “munición” infinita, hace poco daño. Podemos encontrar carretes más potentes, si bien son más escasos.

Como siempre, la idea es fotografiar a los fantasmas lo más cerca posible y justo cuando nos vayan a atacar para que reciban más daño, por lo que hay que equilibrar el riesgo de estar cerca de ellos y el resultado de hacerles más pupa.

Con respecto al juego original, ahora la cámara puede aprovechar la función de zoom, muy útil para atacar a distancia, y, sobre todo, el enfoque.

Fotos con exceso de enfoque

Para que la foto haga más daño, el rostro del fantasma ha de estar enfocado. Podemos usar un enfoque automático, más lento, o bien uno manual para lograr el efecto más rápido, pero a cambio de tener que ajustar la precisión nosotros.

Esto, que sobre el papel da pie a unos combates con más enjundia, puede volverse un tanto engorroso en los primeros duelos, porque los fantasmas ahora no paran de moverse y tienen ataques de todo tipo, desde proyectiles hasta fintas con contraataque.

Así pues, intentar encuadrarlos, enfocarlos y a la vez esquivar sus ataques, mientras vigilamos que estemos usando el carrete correcto, el filtro (ahora veremos eso) y que tengamos fotos disponibles puede volverse un poquito complejo, a lo que hay que añadir un elemento extra: los fantasmas ahora tienden a enfurecerse.

Cuando eso sucede, recuperan salud, se vuelven más agresivos y les hacemos menos daño. Esto, que en ciertos duelos podría haber sido un recurso sorprendente y divertido, llega a volverse irritante si no entendemos bien cómo funciona.

Hay ciertos duelos con jefes en los que se pueden enfadar varias veces seguidas y nos dejan literalmente exhaustos de tanto combatir.

Aunque el juego te cuenta mediante escuetos textos cómo hay que “operar” en esos casos, la clave está en intentar reservar los carretes más potentes para cuando los fantasmas se enfurezcan.

La idea de bajar su salud hasta un punto crítico (marcado con una línea blanca en su salud) en el que pasaremos al Momento de Obturador, en el que podemos hacer varias fotos seguidas sin gastar carrete y perderán el estado de furia.

Hobbyconsejo: justo en el momento en que se enfurecen, si consigues hacer una foto antes de que su salud crezca, podréis pasar a ese Momento de Obturador y hacerles pupa, pero es cuestión de décimas de segundo.

Otro elemento de los combates que puede frustrar es que tenemos, aparte de nuestra salud, un medidor de fuerza de voluntad.

Ese medidor nos permite correr, llevar a cabo las nuevas y super útiles esquivas (otro elemento en el que los tutoriales del juego no hacen suficiente hincapié), ejecutar ataques especiales de filtro que ahora veremos y no caer al suelo.

Esto último es clave: si se nos agota la fuerza de voluntad y un fantasma nos ataca, nos caeremos al suelo.

Si tardamos mucho en levantarnos (y creednos, Mio es frustrantemente lenta en levantarse), el fantasma intentará estrangularnos. En ese momento, pasamos a vista subjetiva y hemos de fotografiar el rostro a bocajarro o nos matará.

Podría parecer algo crítico que pase de higos a brevas, pero lo cierto es que el medidor de fuerza de voluntad baja a toda pastilla: si corremos en combate, si tocamos a los fantasmas, si nos atacan...

Para colmo, los espectros tienen un “movimiento especial” por el que se teletransportan y nos miran fijamente a la cara, lo que hace que el medidor se vacíe por completo.

La verdad es que el efecto da miedo de verdad y consigue que peguemos más de un respingo, pero es un poco tramposo porque resulta casi imposible de esquivar.

Vaya, parece que hay varias facetas del renovado combate que no nos han gustado, pero hay muchos otros elementos del mismo que casi compensan todas estas pegas.

Por un lado, tenemos los filtros que os mencionábamos antes. No son algo nuevo en los Fatal Frame / Project Zero, pero es verdad que aquí están muy bien integrados.

El filtro por defecto implica que la velocidad de carga de fotos y la capacidad de ataque sean equilibrados y tiene un movimiento especial: el flash, que no hace daño pero hace retroceder a los fantasmas, lo que nos da un respiro.

A lo largo del juego conseguimos otros tres filtros, cada uno con su velocidad de carga, alcance y daño correspondientes, que aportan movimientos especiales como cegar a los fantasmas o dañarlos mucho de cerca, como si tuvieran el “efecto escopeta” de un juego de acción.

Y es que ahí está la gracia de estos combates: aunque siguen dando miedo y mal rollo, han conseguido un ritmo más intenso y rápido que los aleja de los movimientos más robóticos de los survival clásicos y hace que tanto nosotros como los fantasmas “bailemos” en combate de una manera más fluida.

Cuando vamos asimilando la utilidad de las fintas, los movimientos propios de cada espectro y cuándo conviene usar cada filtro, los duelos se vuelven mucho más interesantes y, desde luego, mucho más dinámicos que en el juego original.

Por cierto, hemos jugado con la versión PS5 y nos ha sorprendido que no existe la posibilidad de jugar con control por movimiento de DualSense, a pesar de que juegos previos en esta consola sí lo permitían. De hecho, esa opción sólo está disponible en la versión de Switch 2.

Turismo rural con riesgos

La faceta de exploración, crucial en los Fatal Frame, también se ha renovado mucho. Además de la cámara libre, contamos con un minimapa que nos muestra las habitaciones o casas más cercanas, aunque en cualquier momento podemos acceder al mapa general.

Por cierto, se han añadido algunos momentos en los que hemos de huir de fantasmas imposibles de vencer o escondernos para que otros no nos vean y nos ataquen frontalmente. Son tramos cortos, pero aportan algo de variedad a la experiencia, sin volverse pesados.

Volviendo al mapa, este es fundamental, sobre todo cuando exploramos el interior de las casas, porque tienen un diseño muy laberíntico, lleno de paneles deslizantes y recovecos.

Aquí el juego hace un buen trabajo al darnos indicaciones sutiles con pinceladas de color cuando hay algo interactivo cerca, ya sea un objeto para recoger o rincones que fotografiar con los filtros especiales.

Uno de esos filtros nos permite seguir rastros de eventos recientes. Otro, puede hacer aparecer objetos que se perdieron. El último, elimina barreras de sangre que bloquean el paso.

El uso de los filtros en la exploración da mucho juego, ya sea para bucear en las historias secundarias de ciertos personajes, que están mucho más potenciadas en este remake, como para encontrar items.

Estos últimos pueden ser recargas para los carretes, las tradicionales hierbas medicinales para curarnos, incienso para restaurar la fuerza de voluntad, talismanes o cuentas de rosario.

Los talismanes sirven para darnos un efecto especial en combate: hacer más daño con un filtro concreto, zafarnos mejor, evitar que los fantasmas se enfaden tanto...

En la primera partida, solo podemos tener un talismán activo a la vez y es importante pausar para elegir bien el que se ajuste a cada caso.

Las cuentas de rosario sirven para mejorar la Cámara Oscura: dar mayor zoom, potenciar los efectos de un filtro o, fundamental, dar más puntos de enfoque al objetivo, lo que nos puede ayudar a hacer mucho más daño a los fantasmas.

Es importante buscar bien para hallar estas cuentas (hay decenas en el mapeado), pues mejorar la cámara ayuda muchísimo en los duelos.

Por último, al explorar podemos dar con unas tétricas muñecas gemelas. Si las fotografiamos a la vez, desbloquearemos items que podemos adquirir en los farolillos donde guardamos partida.

Los items pueden ser nuevos talismanes o bien elementos más estéticos como pegatinas para el modo foto del juego.

Podemos acceder al modo foto en cualquier momento para captar a Mio con alguna pose curiosa, cambiar el color o poner marcos de todo tipo. De nuevo, es una mera curiosidad, pero se agradece.

Por supuesto, también encontramos montoooones de libros y cartas que van aclarando la historia del juego.

Algunos son imprescindibles para avanzar y otros ayudan a entender mejor el lore del ritual del juego, el funcionamiento de la Cámara Oscura o el destino de las almas en pena que habitan el pueblo.

Aunque no estaba en el título original, se ha “heredado” de entregas posteriores el “minijuego” en el que hemos de coger un objeto del suelo lentamente, pero puede que un espectro nos ataque en ese momento. Basta con pulsar X para zafarse, pero el timing es muy ajustado y siempre consigue dar tensión.

Y por cierto, otro cambio importante es que, cuando estamos junto a Mayu, podemos darle la mano para apartarla del peligro o levantarla del suelo tras ser atacada. Esto, además, sirve para que nuestra salud y fuerza de voluntad se restauren... por la magia de la hermandad.

Dificultad de Fatal Frame II Remake y cuántas horas dura

Para rematar, tenemos algunos puzzles, bastante retocados respecto al original, basados en girar mecanismos con una configuración exacta.

Aunque se agradece mucho su presencia, no son particularmente difíciles. De hecho, lo más complejo suele ser explorar para dar con las piezas que falten en esos rompecabezas.

Con todo lo que hemos mencionado, como supondréis, Fatal Frame II es un juego que tiende a ser difícil, especialmente en los combates. No es desesperante, pero hace algunas “trampas” a favor de los fantasmas que pueden frustrar por momentos.

Eso sí, el juego nos permite cambiar la dificultad en todo momento entre tres niveles, para que no nos atasquemos sin remisión.

Además, hay ciertos autoguardados al margen de los farolillos de salvado, por lo que atrás queda eso de repetir tramos muy largos si nos matan.

Al terminar el juego, desbloqueamos la Nueva Partida+, en la que heredamos buena parte de las mejoras acumuladas, y la dificultad Pesadilla, extremadamente difícil y en la que no podemos cambiar la dificultad a posteriori.

Además del final original, se ha creado uno extra para la ocasión, por lo que hay incentivo para pasarnos la campaña más de una vez.

Campaña que, dependiendo mucho de lo que os perdáis y la de objetos extra que busquéis, puede oscilar perfectamente entre las 10 y las 20 horas, pero lo más probable es que os lleve cerca de 15.

Gráficos: una metamorfosis para la mariposa

En el plano técnico, el salto de este remake es gigantesco. Ya no solo por la cámara, sino porque los modelos, las texturas y los edificios son mucho más detallados.

Mio es mucho más expresiva (dentro de ese estilo “lacónico” tan propio de los Fatal Frame) y los efectos especiales y distorsiones cuando atacan los fantasmas quedan mucho más modernos.

La iluminación también aporta un gran salto a la hora de transmitir mal rollo.

Es verdad que ninguno de los elementos está al nivel de titanes como el ya mencionado Resident Evil Requiem en cuanto al detalle que aportan, pero dentro de la atmósfera propia tienen su encanto.

La versión de PS5, eso sí, no pasa de los 30 frames y a veces tiene algún bajoncillo puntual, pero en general rinde bien y la resolución llega a 4K. Lo mismo sucede en Xbox Series X, mientras que en Switch 2 la resolución se queda en 1080p.

En PC se puede llegar a los 60 frames por segundo y 4K con las especificaciones máximas, pero no es la mejor optimización del mundo.

Donde sí vuelve a brillar el juego es en el apartado sonoro, con melodías muy tétricas y voces de los fantasmas que os pondrán los pelos de punta. Escucharlos aullar “saaaaalvame” mientras se lanzan a estrangularnos es tan creepy como molón.

Incomprensiblemente, tampoco se aprovecha el altavoz de DualSense para esos momentos (ni para ninguno), si bien la vibración es magnífica y transmite bien cómo se nos acelera el pulso al abrir una puerta tras la que puede haber un fantasma o en las tradicionales escenas de corte en blanco y negro.

La opinión de Hobby Consolas sobre Fatal Frame II Remake

En conjunto, Fatal Frame II Remake es un agradecido regreso de una franquicia que tiene una personalidad muy marcada y que sabe dar sustos como ninguna otra en el panorama.

Nos da la sensación de que Koei Tecmo se ha pasado de frenada con ciertos elementos de los combates y puede que en general parezca hostil a ciertos usuarios, pero su misterio engancha, sus combates tienen miga y... qué demonios, no esperaríais que visitar un pueblo maldito fuera a ser un paseo por el campo, ¿no?

En lugar de controlar a Kirito o cualquier otro personaje de la historia original, aquí creamos nuestro propio avatar y lo personalizamos desde cero para forjar nuestra historia única.

Después de una decena de videojuegos, no es que el concepto sea nuevo (ya lo vimos en Integral Factor para móviles), pero aquí se nos promete un grado de personalización máximo para que nos sumerjamos en el mundo de SAO a nuestro estilo.

Así, se nos abre un mundo enorme para un solo jugador (inspirado en el primer arco de Sword Art Online), pero que recorreremos en compañía de ciertos aliados controlados por la CPU.

En la presentación online a la que hemos asistido, hemos conocido a cuatro personajes acompañantes: Iori lanza hechizos de sanación, Wyzeman se especializa en daño de rango para muchos enemigos, Argo puede localizar enemigos y tesoros y Kirito genera mucho daño a un único enemigo.

Con el acompañante que llevemos, podemos elegir que ataque por su cuenta (ideal para cuando estamos rodeados de muchos enemigos) o bien que se compagine con nosotros en el ataque a un enemigo más correoso.

Como veis, hay referencias a personajes conocidos del manganime, pero nuestro héroe se podrá forjar a nuestro estilo. Tendremos una ciudad a modo de hub desde la que podremos ir personalizando nuestro equipo, crafteando armas y conociendo NPCs.

A partir de ahí, Sword Art Online nos ofrecerá quests y subquests con las que conseguir nuevos materiales, recetas de creación y armas. También subiremos de nivel y podremos aprender nuevas técnicas de ataque.

Por supuesto, la mayoría de estas quests terminan en el correspondiente jefe final, donde deberemos dar rienda suelta a los ataques combinados de nuestro compañero y evitar efectos nocivos como el envenenamiento.

Al margen de las quests, el mundo será muy abierto y podremos explorar en busca de zonas seguras que revelen objetivos cercanos, o bien buscar áreas cerradas para desbloquearlas con las correspondientes habilidades de fuego, con bombas...

También habrá coleccionables para buscar e incluso anotaciones sobre el "lore" de Sword Art Online que nos den detalles de este enorme mundo y sus personajes.

A la hora de combatir, tan importante será atacar como dominar los movimientos de contraataque, esquiva y parry. Un parry ejecutado en el momento justo puede desencadenar un ataque mucho más letal que el habitual.

También vamos aprendiendo habilidades como la Concentración, que ralentiza ligeramente a los enemigos para que tengamos más margen de ataque.

Para hacernos una mejor idea de la jugabilidad, hemos podido ver unos 15 minutos de partida en una misión llamada The Lost Log (el diario perdido).

Allí hemos visto cómo el héroe se enfrentaba a enemigos con un aura negra (lo que da a entender que son de élite, más duros) o cómo visitaban entornos llamados Arks, los cuales custodian reliquias valiosas.

Tras derrotar al jefe correspondiente (una enorme araña, en este caso), el acceso a la reliquia se abrirá en otro punto del mapa.

Lo que hemos podido ver por ahora nos sugiere un RPG de acción muy tradicional, con todos los elementos que cabría esperar en un producto de este tipo. La acción es rápida y la alternancia con el compañero es un plus en combate, aunque a nivel visual no parecía sorprender.

Después de ver juegos de corte parecido como Beast of Reincarnation esto puede parecer algo más simple, pero es verdad que lo hemos visto en un streaming y no se podía apreciar con todo el detalle.

En cualquier caso, su dinámica de RPG de acción disfrazado de VRMMPORPG (toma ya) es directa y sencilla de asimilar, lo que podría indicar que quieren atraer a una nueva generación de fans, más allá de los seguidores de SAO de toda la vida.

Sword Art Online: Echoes of Aincrad llegará el próximo 10 de julio a consolas y PC para que os sumerjáis en este mundo en el que, si mueres en el juego, mueres en la realidad... ¡Qué estrés para estar en plenas vacaciones de verano!

Es un juego que originalmente se lanzó para PS2, Xbox y PC en 2004 (al menos, en nuestro territorio) y supuso una notable conclusión a la historia. Hobby Consolas le dio, en su momento, un 89, pero... ¿qué tal aguanta el paso del tiempo? ¿Qué novedades aporta en las consolas actuales?

Antes de nada, demos un repaso rápido a la historia. En este juego, por primera vez, podemos controlar tanto a Kain como a Raziel, pero sus tramas tienen lugar en momentos muy diferentes.

Con Kain continuamos tras los acontecimientos de Soul Reaver 2 y hemos de dar, precisamente, con Raziel, mientras que este último "despierta" 500 años después, en la época de Blood Omen, con la intención de librarse del yugo de la Segadora de Almas y del Dios Antiguo.

Zala-Kain el aventurero

A lo largo de los quince capítulos del juego, nos va tocando controlar a uno u otro.

Aunque tienen habilidades comunes, como sus combos de espada o escalar, cada personaje tiene sus matices.

Kain puede lanzar ataques telekinéticos más potentes y salta más, mientras que Raziel puede pasar al plano espectral y dota a la Segadora de poderes elementales, que vamos desbloqueando a medida que visitamos templos abandonados.

Estos poderes son cruciales, más que para pelear, para resolver ciertos acertijos de los escenarios.

A grandes rasgos, la dinámica de juego recupera lo que ya vimos en los Soul Reaver: exploramos en 3D escenarios donde nos toca superar plataformeo, lucha y puzzles, basados en abrir puertas o alcanzar zonas elevadas, ya sea con la "llave" adecuada o activando interruptores.

Estos puzzles son la parte más compleja del juego y hemos de tener la mente "abierta" para pensar si hace falta pasar al plano espectral en ese momento, mirar bien a nuestro alrededor o buscar una habilidad que aún no tengamos.

Por su parte, la lucha se basa en un "hack and slash" bastante sencillito: tenemos ataques normales, ataques más fuertes con la segadora, fintas y empujones telequinéticos.

Si perdemos salud, podemos recuperarla chupando la sangre o el alma, según toque (Kain es un vampiro y Raziel un demonio), de enemigos moribundos.

Mezclando estos elementos, podemos ejecutar algunos combos en el aire y ciertos golpes más contundentes, pero no esperéis la profundidad de títulos más recientes del género. De hecho, se puede hacer algo monótona esta faceta.

Las mejoras de Defiance Remastered

Eso sí, uno de los añadidos de este remaster ayuda mucho tanto a las luchas como a la exploración: ya no hay cámaras fijas. Ahora, hay una cámara que nos sigue por encima del hombro y que podemos rotar. ¡Mucho más cómodo!

Podemos activar cámaras desde otros ángulos, pero son mucho más incómodas. Es mejor la primera opción.

No es el único cambio, claro: tanto las texturas como los modelos de los personajes más importantes se han rehecho para que tengan una mayor resolución o más polígonos.

Lo interesante es que, simplemente pulsando el stick, podemos pasar a ver el juego con sus gráficos originales... y la diferencia es enorme, por supuesto. Mola poder comparar al vuelo.

También se ha incorporado un modo foto que podemos activar en cualquier momento. No es que tenga una burrada de opciones, pero permite tomar algunas instantáneas muy impactantes durante los combates.

Por cierto, en el juego podemos desbloquear montones de atuendos para los protagonistas, por si queréis darles un toque diferente e inspirado en el "lore" de Nosgoth.

Por lo demás, el juego es el mismo que conocimos más de 20 años atrás: idéntico desarrollo y dificultad (más en los puzzles que en los combates, en nuestra opinión) y una duración cercana a las 10 horas para la campaña.

Esto implica que se "heredan" defectos que en la época eran más comunes y perdonables, pero que hoy día pueden chirriar más, desde enemigos que se atascan hasta algún cuelgue. No es que sea super común, pero nos ha pasado un par de veces.

Pero el gran problema heredado es que regresa el doblaje original al castellano.

A algunos os entrarán sudores fríos al recordar a Tomás "me cargué Max Payne 2" Rubio, pero sí, su voz monocorde vuelve para arruinar los diálogos de Kain. Y la voz de Raziel no es mucho mejor...

Las melodías sí meten bien en ambiente, aunque a veces suenan algo descolocadas y echamos en falta efectos de sonido contundentes en ocasiones.

En cualquier caso, los gráficos sí mantienen su encanto, especialmente con la versión remaster más detallada.

Está claro que provienen de épocas pasadas y que, por ejemplo, las animaciones no tienen el detalle de un juego potente actual, pero la ambientación siniestra y mitológica resulta muy convincente, más allá de la nostalgia que puedan sentir los veteranos.

La historia, que juega con paradojas temporales, la rivalidad entre Raziel y Kain, su destino, y sobre el misterio del origen de los vampiros, también nos va atrapando más y más. Se nota la mano de la legendaria Amy Hennig, crucial en juegos como Jak 3 o los Uncharted.

La opinión de Hobby Consolas sobre Legacy of Kain Defiance Remastered

Como es lógico, el juego atraerá más a los nostálgicos que a los nuevos jugadores, porque tiene algunos elementos de diseño que pueden parecer algo toscos para los estándares actuales.

Aún así, su ambientación y propuesta de juego siguen resultando frescos y atractivos. De hecho, nos hacen desear aún más que lleguen nuevas propuestas dentro de esta franquicia (más allá de un próximo proyecto 2D), porque hay potencial de ofrecer mundos realmente impresionantes.

Legacy of Kain Defiance Remastered es un muy interesante testimonio de los cimientos que han dado pie a las aventuras actuales, pero sigue teniendo valor jugable y de diversión por sí mismo.

Quizá no pueda competir con los titanes actuales del género, pero por los 25 euros que cuesta, se le puede extraer mucha alma... o mucha sangre, según el personaje al que controléis.

Pero claro, en este punto es inevitable preguntarse: ¿hay diferencia gráfica entre las versiones de Resident Evil Requiem? ¿Se nota mucho el cambio a Switch 2 o a PC? Hemos montado esta comparativa para que lo tengáis más claro:

En el vídeo que tenéis justo arriba os mostramos cómo luce el arranque del juego, con Grace visitando el hotel Wrenwood y Leon defendiéndose de un brote zombi en plena calle.

En el caso de PS5, tenéis captura tanto en la consola estándar como en PS5 Pro. En este último caso existe la opción de activar el trazado de rayos, algo que por supuesto hemos hecho.

En lo que respecta al PC, hemos capturado usando una potente RTX 5080, configurando todo al máximo, lo que incluye el uso de path tracing. Os hemos preparado también un gameplay más largo con esta versión de PC, para que la veáis con más detalle.

En cualquier caso, podréis comprobar que todas las versiones están bastante optimizadas.

Incluso la de Switch 2, que causaba cierta incertidumbre a la propia Capcom en un principio, ha demostrado que puede estar a la altura del resto de sus "competidoras".

Independientemente del rendimiento técnico, hay que aclarar que todas las versiones son idénticas en lo jugable. La única diferencia está en la posibilidad del control por movimiento para PS5 y Switch 2.

Además, Switch 2 tiene compatibilidad con dos Amiibo, pero simplemente desbloquean unos skins para las armas, nada espectacular.

Lo que sí resulta espectacular es el juego en sí, que se convierte en uno de los mejor valorados dentro de toda la franquicia de Capcom. ¡Eso es mucho decir, que llevamos 30 años de Resident Evil!

Tras probar fórmulas rompedoras con la séptima y octava entrega y reinventar las raíces con los remakes, Capcom ha decidido dar el siguiente paso evolutivo mezclando ambas fórmulas, como vamos a ver en este análisis de Resident Evil Requiem para PS5, Nintendo Switch 2, PC y Xbox Series X|S.

El argumento nos pone en la piel de Grace, una nueva heroína cuyo trabajo en el FBI está vinculado a su pasado con su madre, Alyssa Ashcroft, una periodista que vimos en los dos RE Outbreak.

Cuando Grace va a investigar unas muertes en un hotel, se verá involucrada en un controvertido plan que pone en jaque buena parte del lore de Resident Evil.

Pero no estará sola: el legendario Leon Kennedy vuelve tras los acontecimientos de Resident Evil 6 para cruzar su camino con el de Grace, pero por motivos distintos.

Anda tras la pista de Victor Gideon, un misterioso encapuchado que parece tener vínculos con la desaparecida Umbrella y con Raccoon City. Leon tiene que dar con él antes de que la infección que lo invade vaya a más...

No os queremos dar muchos más detalles porque buena parte del encanto del juego está en su historia, llena de guiños y revelaciones. Lo importante es que esta dualidad entre Grace y Leon se traslada a la jugabilidad.

Grace es una “cerebrito”, tímida y algo traumatizada, sin experiencia en combate. Por su parte, Leon es un tanque andante.

Cómo se juega a Resident Evil Requiem

A lo largo de la campaña tenemos varios momentos protagonizados por Grace y otros tantos por Leon. Cuando jugamos con ella, la jugabilidad recuerda más a Resident Evil VII y Village (sobre todo, al primero).

Hay que evitar el combate siempre que sea posible, porque tenemos armas algo simples y munición limitada. Así, el sigilo y el crafteo de recursos son claves.

Esto nos lleva a una dinámica nueva: el extractor de sangre, con el que podemos recuperar el rojo líquido para mezclarlo con chatarra y otros "ingredientes". Así, creamos munición o incluso inyectores que hacen explotar a los infectados. Cosas del universo Resident...

Por supuesto, en otros tramos lo ideal es despistar a los enemigos que patrullen el área, ya sea pasando a hurtadillas, lanzando botellas a otro lugar para despistarlos...

Es con Grace, además, cuando nos toca resolver momentos de exploración (buscar piezas que abran puertas, baterías para dar electricidad...) y puzzles típicos de la saga.

La dinámica de estos es muy tradicional: cajas fuertes con combinaciones cuya solución está en algún documento, puertas cuya llave tiene alguien en concreto... En general, no hay que dar demasiado al coco, solo encontrar la "pieza" que nos falte.

En ese sentido, los puzzles nos han parecido algo simples de más, aunque hay unos opcionales en un ordenador que sirven para desbloquear recetas de crafteo y que sí tienen más chicha.

Lo importante, eso sí, es consultar el mapa a menudo, para ver las habitaciones que falten por visitar y los ítems que nos hayamos saltado sin recoger.

Hay un par de grandes áreas con varias "sub-áreas" en las que hemos de mantener la cabeza fría para recordar dónde estaba cada cosa y no deambular sin rumbo.

Hay pistas visuales, como las tradicionales marcas amarillas, pero se usan con más discreción que, por ejemplo, en Resident Evil 4, para que no perdamos esa sensación de exploración.

Leon, por su parte, mantiene la jugabilidad de, precisamente, RE 4, con más acción y un arsenal mucho más potente. Cuenta con escopetas o rifles de francotirador, por ejemplo, además de más movimientos cuerpo a cuerpo.

El uso del hacha de mano es crucial para atacar a los enemigos más despistados, para librarnos de un ataque a bocajarro o incluso para hacer un parry. La hoja se va estropeando, pero por suerte podemos afilarla siempre que queramos, en solo un par de segundos.

Tanto Leon como Grace tienen un maletín dividido en casillas para almacenar items, así que hay que usar el coco y guardar los menos útiles en los arcones en cuanto podamos. Eso sí, el maletín de Leon es mucho más grande. Quizá por eso tiene esos musculazos.

Leon, el profesional

Los desarrolladores son conscientes de los hitos que marcaron a los fans con Leon, así que aquí se lucen con momentazos en los que usamos una sierra mecánica... Y otros más flipados que suceden más adelante. No llegan a los "disparates" de Resident Evil 6, pero casi.

En cualquier caso, que Leon sea todo un "action hero" no significa que sus tramos sean fáciles, pues habrá varios duelos con jefes finales realmente resistentes.

En la jugabilidad de Leon también recuperamos elementos como la personalización de armas: al acumular puntos por eliminaciones, podemos canjearlos en ciertos lugares clave por una mejor cadencia de disparo, más potencia...

Todo esto contribuye a que nunca sepamos qué esperar. Los tramos de cada personaje suelen acabar en "cliffhangers" y, además, el ritmo que damos por sentado con estos cambios se ve alterado a lo largo del juego.

El contraste jugable se suma al de las personalidades: Grace está aterrada (y nos lo hace notar con sus comentarios) la mayor parte del tiempo, mientras que Leon suelta sus tradicionales chascarrillos cuando despacha a los enemigos más correosos.

Hablando de enemigos, lejos quedan los licántropos o vampiros. Volvemos a los infectados, pero con una variante muy divertida: conservan algo de consciencia de su vida pasada, lo que provoca que hagan comentarios y nos ataquen de formas muy particulares.

Incluso podemos lograr que se ataquen entre sí o usar algunas de las armas que porten en su contra. Los enemigos nos han parecido todo un acierto... y hay algún regreso que os va a dar un chute de nostalgia.

Esto, combinado con los acontecimientos y variados retos de la partida (huidas, duelos a toda velocidad, trampas a las que reaccionar por instinto...) hace que el ritmo sea muy atractivo. Pasamos de ser vulnerables a máquinas de matar casi sin darnos cuenta.

Cuántas horas dura Resident Evil Requiem y qué modos de dificultad tiene

Nos ha sorprendido que las 11 horas y 15 minutos que tardamos en pasarnos el juego se nos han hecho cortas, aunque en realidad es una duración similar a la de Village. Eso es buena señal, porque no ha habido tiempo de aburrirse. Todo tiene justificación.

Por cierto, podemos jugar en modo fácil, normal moderno o normal clásico. En este último, cuando jugamos con Grace se recupera el sistema de buscar cinta para la máquina de escribir, lo que nos permite salvar partida. Eso añade una buena capa de dificultad...

Al pasarnos el juego, desbloqueamos la dificultad Locura, en la que los enemigos son muuuuucho más resistentes y agresivos.

Y, por supuesto, hay Nueva Partida+ (en la que heredamos las armas y mejoras ya obtenidas) y un buen puñado de coleccionables: las figuras de Mr. Raccoon, tenemos monedas que desbloquean objetos jugosos en una sala especial...

Con los PE obtenidos por superar desafíos del juego, podemos adquirir nuevos trajes, armas, diseños o modelos 3D.

Eso sí, no esperéis modos tipo Mercenarios o historias complementarias, porque tiene toda la pinta de que se reservan algo de eso para futuros DLCs. Lejos quedan los juegos completos del todo...

Lo que sí se ha añadido es una interesantísima opción para alternar entre cámara en primera o tercera persona.

Por defecto, los momentos con Grace son en primera persona (para aumentar la inmersión y el terror) y los de Leon en tercera, para que pelear sea más fácil. Pero podemos cambiar eso y, por ejemplo, movernos con Leon en primera persona. Para que no haya quejas...

Además, podemos trastear con muchas variantes de jugabilidad: puntería asistida, semiasistida o manual, comandos para superar los QTEs que aparecen a veces...

La belleza de la infección: unos gráficos que impactan

Juguéis como juguéis, notaréis que el apartado visual vuelve a ser una pasada.

El RE Engine mantiene su estupenda capacidad para mostrar rostros detallados y temibles para los zombis y tremendamente expresivos para los protagonistas (bueno, Leon siempre va con el ceño fruncido), gracias también a montones de escenas con capturas de movimiento.

La iluminación vuelve a ser fundamental para aportar tensión y los efectos de explosiones, los salpicones de sangre y otros efectos especiales ayudan a que los tiroteos sean pura adrenalina.

En ese sentido, tenemos que decir que hemos jugado la mayoría del tiempo en una PS5 estándar y se veía de fábula y sin ninguna ralentización. No hay opción de modo Calidad o Rendimiento, hay un único modo en el que todo se ve tremendamente bien.

En una PS5 Pro, tenemos la opción de activar el trazado de rayos, lo que se nota mucho en reflejos de los cristales, por ejemplo. Con esa opción, el juego se mueve a 4K y 60 fps, mientras que si la desconectamos, sube a los 120 fps. Impresionante.

También hemos podido jugar en un PC con RTX 4080 y todo en Ultra y las sensaciones, especialmente gracias al uso del Path Tracing, son una pasada. Los primeros compases del juego, con Grace caminando por una calle lluviosa, son de inmersión total.

Por último, hemos podido probar la versión de Switch 2 de Resident Evil Requiem y el resultado es más que satisfactorio.

Lógicamente, al igual que pasa con las versiones de Resident Evil VII y Village, hay que hacer sacrificios: la resolución es menor, muchos objetos tienen dientes de sierra, algunas texturas están más borrosas y la iluminación no tiene el detalle del resto de versiones.

Sin embargo, la mayoría del tiempo el juego se mueve con una gran fluidez (solo notamos bajones en algunas escenas concretas) y la experiencia de juego resulta igual de intensa y casi, casi tan espectacular.

Quizá en una tele grande puedan notarse más las diferencias, pero en modo portátil se disfruta muchísimo, especialmente los tramos de terror más puro a cargo de Grace. Switch 2 vuelve a demostrar que está a la altura, esta vez con un lanzamiento simultáneo. Olé.

El apartado sonoro aporta melodías que no son particularmente memorables pero que funcionan muy bien y, eso sí, un magnífico doblaje al castellano.

Lorenzo Beteta repite como Leon y la actriz de Grace transmite a la perfección su desesperación y pavor. Ojo, porque vamos a asistir a algunos momentos realmente crueles en el juego, más allá del abundante gore que se esperaba.

Los efectos ambientales, los golpes en la distancia o los gemidos de los infectados ayudan muchísimo a la inmersión. Si jugáis en PS5, el altavoz del DualSense os trasladará el efecto de lluvia (la sensación de inmersión es estupenda) o las transmisiones por radio.

La opinión de Hobby Consolas sobre Resident Evil Requiem

Resident Evil Requiem es una experiencia intensa, que acierta al mezclar la variante de supervivencia y terror y la “blockbusteriana”, con un ritmo trepidante que no oculta guiños a los grandes hitos de la serie, especialmente un Resident Evil 2 que está muy presente aquí.

Quizá ciertos puzzles podían haber estado un pelín más trabajados o algunos villanos más desarrollados, pero el conjunto es espectacular, intenso y muy divertido.

Leon mola tanto como siempre, pero tenemos que decir que Grace ha sido todo un descubrimiento. Consigue destacar entre los héroes tradicionales de la serie por su humanidad: tiene ataques de pánico, no sabe qué hacer... Pero saca fuerzas de flaqueza para seguir.

Esa es una de las lecciones más valiosas que se aprendieron en la era "subjetiva" de Resident: que los héroes, incluso el propio Leon, tienen dudas, están cansados... Son más "frágiles", pero han de perseverar en pos de un bien mayor.

Y, como dijimos antes, buena parte del lore de la serie se va a tambalear por algunas decisiones de esta historia. Pero no nos parece algo malo, al revés.

Soltaréis algunas carcajadas con los momentos más bestias, algunos enemigos os sorprenderán e incluso puede que soltéis alguna lágrima. En definitiva, la sensación de satisfacción de Resident Evil Requiem resulta... contagiosa.

Después de que Konami demostrara cómo "remakear" el terror con Silent Hill 2, Tecmo-Koei hace lo propio con Fatal Frame II Crimson Butterfly Remake (parece que ya nos quedamos con el nombre original japonés), para PS5, Xbox Series X/S, Switch 2 y PC.

Si recordáis, el cuarto y quinto juego de la saga tuvieron remasters no hace mucho, pero ahora tenemos una reconstrucción con todas las de la ley, desde los gráficos hasta buena parte del sistema de juego.

Antes de nada, metámonos en contexto: el juego gira en torno a dos hermanas, Mio y Mayu, que al adentrarse en el pueblo de Minakami, descubren que sus oscuras casas están llenas de fantasmas vinculados a un perverso ritual del pasado.

Nosotros controlamos a Mio, pero su vínculo con Miyu, a la que hemos de buscar y perseguir durante buena parte del juego, es fundamental.

El Instagram de la muette

Por supuesto, la base de la jugabilidad se centra en el uso de la Cámara Oscura, un aparato con propiedades paranormales que puede dañar a los fantasmas con sus fotos.

Como siempre, tenemos varios tipos de carrete, lo cual altera el daño causado y el tiempo de carga de cada disparo, pero siempre podemos contar con un tipo más modesto de "munición" ilimitada.

Cuando usamos la cámara, pasamos a vista subjetiva. Esto no es nuevo, pero sí el sistema de ataque, por así decirlo, que copia lo visto en entregas más recientes. En el juego original, bastaba con encuadrar al fantasma en el círculo central.

Ahora, hemos de conseguir enfocar bien al espectro (de forma automática o manual) y lograr que se alinee con diferentes puntos de enfoque para causarle más daño.

Si le hacemos mucha pupa, podemos conseguir un Fatal Frame, una "superfoto" que lo aturda y nos permita castigarlo con alguna instantánea extra.

También podemos lanzar una foto especial que lo deje cegado (¿se puede cegar a un fantasma?) unos segundos a cambio de gastar parte de nuestra energía espiritual, que nos sirve para correr o ejecutar movimientos especiales.

Por otro lado, se ha incorporado la función de zoom para que podamos atacar espectros a mucha distancia, pero hay que tener cuidado de no dejarlo muy cerca todo el rato, porque si nos ataca un fantasma de cerca, no podremos verlo bien.

Combinar todos estos movimientos con los diferentes tipos de carretes y filtros (que pueden causar un daño más grande, desvelar objetos ocultos, etc.) es una parte de la experiencia renovada, pero también hay mucho cambio cuando no sostenemos la cámara.

Arrimando el hombro por encima del idem

Lo más evidente es que ahora nos movemos con una cámara libre (en el original teníamos cámaras fijas o semifijas) por encima del hombro, como es costumbre con los juegos de terror recientes.

Esto hace que explorar sea muuuucho más cómodo, pero también recolocarnos en combate.

Esto podría provocar que el juego se volviera demasiado fácil, pero los fantasmas son ahora mucho más cucos y no paran de moverse mientras nos atacan. El estupendo duelo de la ahogada del puente, por ejemplo, es ahora pura tensión.

De hecho, diríamos que los duelos se han vuelto más "técnicos" y, además de tener que usar la cámara con más precisión, hemos de estar muy atentos a los movimientos únicos de cada enemigo, ya sea lanzándonos objetos o apareciendo del suelo por sorpresa.

El nuevo estilo nos ha parecido un pelín áspero en los primeros compases, pero hay que reconocer que así el juego se vuelve más exigente e interesante, sin que se caiga tanto en la rutina.

Además, podemos personalizar nuestra forma de combatir colocando cuentas en la cámara que mejoren su rendimiento o usando colgantes que nos den mejoras pasivas.

En la exploración, se ha otorgado variedad mediante el uso del filtro espiritual, que nos anima a buscar muchas pistas escondidas e incluso a reunir coleccionables, como figuras de sacerdotisas "gemelas" que desbloquean nuevos items en los farolillos de salvado.

También hay un par de áreas nuevas (al margen de que todo el pueblo se haya "reconstruido") e incluso un final alternativo, además del original, que también se mantiene.

La relación con Miyu se ha retocado: ahora, cuando estemos cerca, podemos darle la mano para recuperar salud. Si ella está herida, hemos de tocarla nosotros para que se recupere.

Un filtro de modernidad

Por supuesto, el apartado visual ha recibido un gran impulso desde los tiempos de PS2 y Xbox. La iluminación, los escenarios o el modelado de las protagonistas son ahora mucho más realistas, dentro siempre de la estética tan particular de los Fatal Frame.

Puede pareceros que no ha cambiado tanto, pero es que el paso del tiempo es engañoso: ved un gameplay del juego original y descubriréis cómo la nueva versión está a años luz.

Mio es ahora mucho más expresiva (cuando se asusta, cuando está herida y cojea...) y sus gestos al pasar por ciertas zonas (moviendo cortinas, pasando a escondidas por zonas con follaje...) resultan mucho más naturales.

Así pues, el juego parece ahora mucho más moderno, pero sin sacrificar esa atmósfera hostil y tétrica del original. No es que nos dé excesivo miedo (será cosa de la edad), pero desde luego nos ha instalado el mal rollo en el cuerpo en sus primeros capítulos.

Será el 12 de marzo cuando Fatal Frame II Remake se ponga a la venta y descubramos definitivamente si su Cámara Oscura sigue siendo tan adictiva como en 2003. ¡Si es que no hay nada como lo analógico, oigan!

Y nos congratula confirmar que estamos ante un nuevo éxito para la industria patria, que llega a PS5, Xbox Series X/S y PC.

Lo de patria tiene especial relevancia, ya que Crisol tiene lugar en una especie de versión pesadillesca de nuestro país.

En esta ocasión, se llama simplemente Hispania y nosotros somos Gabriel Escudero, un soldado que viaja a la isla de Tormentosa, un lugar asediado por la lluvia constante y por unos extraños monstruos-títere.

Como seguidores acérrimos de un dios conocido como El Sol, llegamos allí con el objetivo de acabar con un culto al mar que amenaza con poner en jaque a toda la Humanidad.

El objetivo es entrar en la Catedral del mar, pero para cumplir la misión tendremos que dar con varios acólitos y líderes de la isla, cuya historia hará que todo se retuerza más y más...

Homenajea a los clásicos... ¿quieres?

El sistema de juego bebe de los shooters narrativos que tan de moda estuvieron en la generación PS3-360, desde Singularity hasta FEAR o, por supuesto, Bioshock, del que este juego adopta con mucho tino varias ideas.

Nosotros controlamos siempre en primera persona al soldado, mientras recorremos escenarios algo lineales al principio y más abiertos después.

Los encuentros con enemigos, llamados astillados, son comunes y estos son versiones amalgamadas de imágenes religiosas de Semana Santa, esculturas folklóricas y, por supuesto, elementos terroríficos.

Los enemigos reaccionan a nuestros disparos de forma muy variable: si les disparamos en la cabeza, cambiarán su forma de ataque, pero si les reventamos las piernas, se arrastrarán hasta nosotros para golpear desde abajo por sorpresa.

Pueden embestirnos a distancia o intentar ataques cuerpo a cuerpo, de los que podemos zafarnos con un rápido QTE.

Al principio, solo contamos con un cuchillo (con el que atacar y hacer parry) y una pistola para defendernos, pero más adelante conseguimos equipo más contundente como una escopeta o un rifle de francotirador.

Lo interesante no son las armas en sí, sino el original sistema de recarga: para obtener más balas, hemos de clavarnos el arma en la mano y usar nuestra propia sangre.

Lógicamente, esto nos resta salud, así que hemos de buscar el equilibrio entre no herirnos demasiado y recargar lo suficiente.

Si queremos curarnos, podemos usar jeringas de la llamada plasmarina, que nos sana bastante, o bien absorber la sangre de algunos animales muertos que encontraremos: una gallina apenas nos da un poquito, pero un cerdo es mucho más efectivo, por ejemplo.

El cuchillo pierde efectividad cuando lo usamos mucho, pero podemos restaurar su hoja con algo tan “typical spanish” como es la moto del afilador. Si tenemos gasolina para la moto, podremos usar su piedra y afilar la hoja.

No me llames Dolores, llámame "mola"

No es lo único patrio a la hora de pasar a la acción. Además de los monstruos “normales”, hay un enemigo muy especial con un nombre muy de aquí: Dolores, una fusión entre un robot y una imagen de la Virgen en Semana Santa, que parece muy cabreado con nosotros.

Como si fuera el Nemesis o Mr. X del juego, no podemos eliminarlo, solo huir de él, en varios momentos.

Además de combatir, el juego nos invita a resolver numerosos puzzles, que beben de clásicos de los videojuegos como conectar tramos de un cable eléctrico, compensar pesos en una báscula o adivinar la combinación de una caja fuerte.

Estos puzzles son numerosos y, sin ser el colmo de la originalidad, ofrecen el desafío justo y sientan como anillo al dedo a un desarrollo que en esos momentos nos recuerda a clásicos como los Silent Hill o Resident Evil.

De esa última franquicia se toma prestado otro elemento: en lugar del buhonero, aquí tenemos a la Plañidera.

Es una bruja que nos permite comprar mejoras para nuestras armas (un cargador más grande, más potencia de fuego...) o adquirir habilidades pasivas como más daño en el último disparo o menor tiempo de uso de las jeringuillas.

Para ello, hemos de encontrar el dinero del juego (los toros de plata, toma ya), acumular la energía que mana al eliminar enemigos y dar con reliquias de cuervo, unos coleccionables muy escasos.

No es lo único que podemos recopilar: también hay 8 discos de vinilo con espectaculares canciones basadas en romances clásicos y pergaminos con las llamadas páginas del Maremanto, una crónica de los acontecimientos previos a lo que sucede en el juego.

Por último, si afinamos el oído y escuchamos el graznido de un cuervo, podemos disparar a su jaula para liberarlo, lo que nos ganará un descuento de la Plañidera. Al pasarnos el juego, liberamos una galería de imágenes y modelos 3D.

Entre las diferentes misiones principales que abarcan los 4 actos del juego, podemos visitar una feria que tiene sus propias rutinas: minijuegos con los que ganar tickets que nos dan items extra o cofres que solo podemos abrir si damos con broches especiales.

También podemos escuchar lo que nos dicen los acólitos del Sol mientras avanzamos en la trama. Al principio no saben qué pensar de nosotros, pero luego...

Así pues, combate, puzzles y exploración se dan la mano en el juego. En cualquier momento, podemos consultar un mapa que, de nuevo al estilo Resident, nos indica con color azul si el área está explorada al completo o en rojo si queda algo por descubrir.

Y es que nos vamos a encontrar con montones de caminos bloqueados y puertas cerradas, para los que serán necesarios cortacadenas, llaves inglesas... Patearnos bien los recovecos del escenario para dar con la clave o incluso algún extra inesperado es fundamental.

Dificultad y duración de Crisol: Theater of Idols

La dificultad de Crisol está bastante ajustada, aunque quizá parezca un pelín fácil de más en su nivel intermedio, de los tres que hay.

Apenas hemos muerto un par de veces en todo el juego, aunque sí es verdad que algún puzzle requiere paciencia y pensar bien sus normas para “domarlo”. Así nos gustan los desafíos, sí señor.

En cualquier caso, también es posible elaborar una dificultad personalizada, en la que elijamos uno a uno los parámetros.

Superar el juego os llevará cerca de diez horas y es cierto que quizá no tiene demasiado “replay value” una vez superado, más allá de encontrar algún coleccionable que se os resistiera.

Sea como fuere, su loquísimo precio de 17,49 euros hace que la inversión esté justificada más que de sobra.

A nivel visual, el juego aprovecha las bonanzas de Unreal Engine 5 para presentar una Tormentosa oscura, tétrica, pero llena de detalles arquitectónicos y decorativos que nos meten en ambiente.

Desde suntuosas edificaciones religiosas hasta destartaladas ferias o puestos pesqueros, es imposible que un jugador español no note la conexión con lugares reales de nuestro país, ya sea en Andalucía o en Galicia.

Todo esto se ve salpimentado con carteles que homenajean productos tan nuestros como el Cola Cao o las muñecas de Mariquita Pérez, sin obviar el folklore de las corridas de toros o el flamenco.

Lejos de resultar superficial o kitsch, aquí esos ingredientes forman parte del desarrollo y del lore del juego. Es algo así como una dimensión alternativa en la que lluvia llegó a España para no irse.

Los enemigos no resultan exactamente terroríficos, pero sí muy malrolleros e inquietantes.

Sus cuerpos amalgamados, sus movimientos deliberadamente artificiales y sus rostros desencajados consiguen intimidar y, además, cada uno requiere una estrategia diferente para darles caza.

Mención especial, por supuesto, para una Dolores cuyo delirante diseño es la espina dorsal del juego.

Estamos ante un juego AA con un presupuesto modesto y el nivel de detalle visual no puede estar al mismo nivel que un Resident Evil o Alan Wake II, pero se juegan bien las cartas de las que se dispone para que nos sumerjamos (nunca mejor dicho) en la atmósfera.

El mar no olvida. Yo tampoco.

El sonido incluye doblaje al castellano (reiteramos el mérito al tratarse de un juego que se vende por menos de 20 euros) e incluye voces tan reconocibles como Henar Hernández (Ruby en Hoshi no Ko) o el mismísimo Rafael Azcárraga, Kratos en los recientes God of War.

Hay alguna voz de relleno que se nota más amateur, pero las principales consiguen proyectar esa mezcla de misterio, drama y algunas perlas de humor del juego. Mención especial de nuevo para... ya sabéis, ¿no? Dolores.

Las melodías ambientan bien y cambian dinámicamente si se acercan enemigos, con especial protagonismo para las fastuosas partituras de los duelos finales, el tema principal a base de guitarra española y esos romances que podemos escuchar en los vinilos.

Así pues, Crisol es una experiencia que, desde su modesto desarrollo, puede mirar de frente y con orgullo a los titanes del género.

No todo es redondo. Quizá la IA enemiga es algo simple (a veces se atascan, es fácil despistar a Dolores cuando nos persigue...) y que hay un exceso de “visiones de sangre” para explicar contexto que rompen algo el ritmo (aunque podemos pasar de ellas y seguir avanzando).

En conjunto, da la sensación de que estamos más bien ante un juego de la generación PS3-360, con algún truquito de Unreal Engine 5, que ante un título más reciente. Pero para nosotros eso no es algo malo, al contrario, pues adoramos esa época de boom de los shooters.

Los chicos de Vermila son conscientes de sus posibilidades (en cuanto a cantidad de personal y presupuesto) y han diseñado un juego que da en la diana con todo lo que quiere hacer, especialmente con la idea de sumergirnos en un universo propio, con su lore, reglas y misterios.

La opinión de Hobby Consolas sobre Crisol: Theater of Idols

Es inevitable dejarse arrastrar por la ambientación y querer saber más sobre una narrativa que, sí, recuerda inevitablemente a clásicos como Bioshock, pero que no se avergüenza de ello y hace suyo un drama y unos conflictos que te dejan pensando después de terminar.

Los responsables ya han dicho que quieren que Crisol sea el inicio de una franquicia y que podamos explorar los rincones de Hispania más allá de Tormentosa.

Ojalá sea así, porque con lo que ya tenemos estamos más que contentos y sabemos que con el impulso correcto pueden crear algo aún más potente.

Quizá un escocés o, qué se yo, un nepalí no conecte tanto con las referencias culturales o la sensibilidad tan española de este juego, pero desde luego, nosotros decimos viva Crisol... y olé.

El juego de Sad Cat Studios se anunció hace casi cinco años y, solo unas horas antes de que su demo se haga pública, nosotros ya hemos podido probarla y daros nuestras impresiones.

La historia de Replaced nos lleva a unos años 80 alternativos, muy distópicos y con cierto rollito cyberpunk, para ponernos en la piel de un humano y de una IA... a la vez.

La inteligencia artificial REACH se ha fusionado con el cuerpo de Warren, uno de sus cocreadores y ahora busca escapar de la malvada corporación Fénix mientras piensa la forma de volver a liberarse y frenar el avance de su tecnología desbocada.

La demo es muy corta y no da mucho tiempo a profundizar más en la historia, pero por el camino podemos ir escaneando documentos que nos dan contexto sobre el orden social y los personajes del juego.

A la hora de jugar, os puede recordar en principio a clásicos como Flashback o Prince of Persia, ya que nuestro personaje puede esprintar, saltar y trepar de forma parecida a la de aquellos juegos, pero aquí la acción y la infiltración marcan la diferencia.

A la hora de combatir, los enemigos van marcando con un icono cuándo van a golpearnos o dispararnos, por lo que hemos de encadenar nuestros golpes suaves y fuertes mientras eso no suceda, para encadenarnos con el socorrido botón de finta.

Cuando hayamos acumulado suficientes golpes, podremos lanzar un disparo y, si lo hacemos con el timing justo, podemos desencadenar una brutal ejecución a bocajarro.

Pero además de combatir, hemos de infiltrarnos para que no nos cacen. En esta demo, esa faceta se demuestra mientras caminamos agachados y unos snipers intentan detectarnos con un foco. Hay que pasar de un parapeto a otro mientras el foco no nos "vea", a lo Inside.

A veces, puede que estos enemigos nos persigan a toda pastilla, por lo que el ritmo no para de darnos sorpresas.

A eso hay que añadir los momentos de salto, ya sea entre salientes, balanceándonos en mástiles...

Saltando entre píxeles

Los controles son muy sencillos y basta con dirigir un poco al personaje para que se "adhiera" al mástil o superficie que toque, por lo que no tendréis problemas para ejecutar piruetas vistosas desde el principio.

También hay objetos móviles que tenemos que colocar en el lugar justo para llegar a plataformas elevadas, por lo que parece que la experiencia tendrá un pequeño componente de puzzle... por ahora bastante sencillito, pero ya veremos más adelante.

Otro puzzle consistía en buscar una batería con la que alimentar un terminal y así mover una plataforma. Veis por dónde van a ir los tiros, ¿no?

Por último, podemos usar nuestra "analógica" PDA para consultar los documentos desbloqueados, trastear con las opciones y más.

Y falta un ingrediente fundamental: la acción en 2,5D. En ciertos momentos, podemos pasar a otro plano de profundidad para buscar pistas o avanzar en el escenario, lo que hace que la cámara vaya jugando con diferentes encuadres que dan mucho dinamismo.

De hecho, el apartado visual llama la atención desde el primer segundo, gracias a los efectos de iluminación, los desenfoques y la gama cromática, además de unas animaciones pixel art sorprendentemente detalladas para el protagonista y los enemigos.

Por cierto, el juego viene con textos en castellano (no parece que vaya a haber voces en el juego), con expresiones que te dejan un poco descolocado como "echa el freno, Magdaleno". Bueno, son los años 80, al fin y al cabo...

La música, como no podía ser de otra forma, nos propone unos primeros temas que beben del estilo sintetizador tan propio de obras como Blade Runner.

Como decíamos, la demo que hemos probado es cortita, así que hemos visto la punto del iceberg de lo que se ha podido mostrar en los tráilers: apenas hemos entrado en un par de edificios a las afueras.

Estamos deseando llegar a grandes urbes y desencadenar todo el potencial de REACH al avanzar, cuando Replaced se lance, al fin, el 12 de marzo de 2026.

Sabes que estás frente a algo especial cuando toda la industria habla de él sin tapujos, incluso en los escenarios de conferencias, en presentaciones de otros juegos o incluso en las galas de premios que se han celebrado ya, como los Golden Joysticks.

Es algo muy poco común: pasó en su momento con Doom, más adelante con GTA... Es verdad que este juego en su núcleo no es tan revolucionario, pero quizá sí lo es. por lo que su existencia significa.

En la superficie, Clair Obscur Expedition 33 es un juego de rol por turnos razonablemente clásico. Su jugabilidad no difiere tanto de, por ejemplo, Final Fantasy X.

Sus desarrolladores, Sandfall Interactive, no solo lo saben, sino que quieren hacernos a todos partícipes de su homenaje. Esta es una de esas experiencias en las que se nota el amor por el videojuego de sus responsables.

Aparte de eso, sobre unos cimientos de eficacia probada construyen algo único: una historia diferente, ambientada en una Francia postcataclísmica.

La belleza del claroscuro

Pero este mundo en el que la muerte es cercana dista mucho de ser feo. Al revés, está impregnado de arte en todas sus manifestaciones. Su melancolía es hermosa, es onírica.

En él pululan personajes que van desde lo naif y entrañable hasta héroes enormemente humanos, contagiados por la infelicidad pero dispuestos a que sus valores (y su valor) se antepongan a todo.

Creo que Clair Obscur Expedition 33 ha llegado en el momento perfecto para, precisamente, insuflarnos esperanza a nosotros, los jugadores.

Llevamos años quejándonos de que la industria ha perdido el norte, no consigue salir de ese bucle de intentar arreglar una superproducción fallida con otra superproducción todavía más grande.

De repente, ha llegado un equipo de desarrollo relativamente pequeño y, con buena letra, han presentado sin mucho ruido una aventura que funciona de lujo en su jugabilidad (esos turnos con mucho componente de tiempo real, esa exploración) y mejor en su historia.

Ha supuesto, a la vez, un soplo de aire fresco y un bofetón de realidad: sí, una franquicia nueva puede sobresalir; sí, un juego sin multiplayer, DLCs o microtransacciones puede ser rentable; sí, una buena historia hace maravillas para poner de acuerdo a crítica y público.

Lo he comentado en otras ocasiones, en blogs y en la revista de Hobby Consolas: frente a las plantillas y el dinero fácil, hace falta valor. Sobre todo, hace falta sinceridad, contar lo que de verdad nos salga del corazón.

Este juego exuda sinceridad: puedes entrever los traumas personales que hayan inspirado la historia y, sobre todo, te empapas de esa pasión por el arte, por la historia, por los videojuegos.

Es verdad que, si nos ponemos tiquismiquis, hay juegos mucho más potentes en lo visual este año. El motor de Death Stranding 2 es una locura, incluso podría decirse que Donkey Kong Bananza se esfuerza en exprimir Switch 2.

Made in Europe

Pero aquí se compensa con un diseño artístico tremendo, muy europeo, además. Esto me parece importante, porque otro "quiste" del sector es que siempre se ambienta "a la japonesa" o "a la americana". Con la de materia prima que hay en Europa...

Los personajes también son importantes, desde el diseño de enemigos hasta los héroes. Gustave no tiene un porte espectacular, pero debajo de sus elegantes poses de batalla hay algo muy humano, que hace que se te quede marcado.

Podría seguir desglosando detalles, pero creo que el resultado es evidente y prácticamente unánime: Clair Obscur Expedition 33 merece ganar el GOTY porque es el juego que la industria necesitaba para salir de su particular "Gommage". Es el juego que tú y yo necesitábamos.

Razones a favor y en contra para que Clair Obscur Expedition 33 sea el GOTY 2025

Hay que reconocer que la competencia para ser mejor juego del año 2025 es tan dura como singular. Hay muchos juegos de corte "pequeño", indie, que pueden poner a este rival contra las cuerdas con sus singulares propuestas.

Todos tienen algo especial, pero en mi opinión, esta experiencia se queda por encima gracias a haber apostado por una estrategia, como decía antes, sincera y clara.

Razones a favor de Clair Obscur Expedition 33 para el GOTY 2025

• Representa el triunfo del desarrollo "intermedio" frente a las superproducciones sin medida.
• Su diseño artístico a nivel visual y sonoro es sobresaliente.
• Su jugabilidad, que bebe de clásicos, es una delicia para fans del RPG por turnos.
• Su narrativa y personajes te hacen pensar y te marcan como jugador.
• Dentro del género, su argumento tiene muchos elementos originales y su ambientación se sale de lo habitual.

Razones en contra de Clair Obscur Expedition 33 para el GOTY 2025

• Siendo estrictos, a nivel técnico está por debajo de otros juegos de este año.
• Su planteamiento puede parecer excesivamente deprimente para algunos jugadores.
• Salen mimos.

Clair Obscur Expedition 33 es mi GOTY de 2025 porque reúne todos los ingredientes de una aventura memorable, de esas que solo experimentas una o dos veces por generación. Emociona y divierte por igual.

Los que estéis metidos en este mundillo del retro, seguro que conocéis el historial de la compañía. No hace mucho, ellos lanzaron Analogue Pocket para disfrutar como nunca de los juegos de Game Boy.

En el pasado, también nos trajeron Mega SG, para los juegos de Mega Drive, Super NT, para los de Super Nintendo, o Analogue Duo para los de PC-Engine/Turbografx.

Esta nueva apuesta es, quizá, la más refinada de todas. No solo porque su diseño exterior sea una verdadera preciosidad (existe en color blanco, que es el que nos ha cautivado, y en negro), sino por las prestaciones que aporta.

Y es que, como recordaréis, Nintendo 64 era una consola muy potente en su época, pero estaba muy pensada para funcionar en teles de tubo, lo lógico en los 90.

Eso provoca que su imagen se vea especialmente sucia en teles modernas y, de hecho, no ayuda que la opción más habitual en la época era sacar la señal de imagen a través de vídeo compuesto con RCA.

Analogue 3D elimina de un plumazo el problema, no solo por la salida por HDMI, sino que genera de forma nativa (usa tecnología FPGA, no emulación) la señal de la consola en 4K.

Además, su menú de configuración nos permite elegir entre una imagen nítida, con scanlines o simulando a la perfección las sensaciones de una tele de tubo, de un monitor profesional o incluso de uno BVM, de calidad broadcast.

Además, podemos "juguetear" desactivando opciones como el antialiasing o el de-blur, lo que hace que los juegos adquieran una textura completamente diferente.

Por supuesto, la consola es compatible con juegos de cualquier región y tiene puertos para cuatro mandos originales de Nintendo 64, pero también podemos conectar por bluetooth mandos más modernos, como el creado por 8BitDo para la ocasión.

Vamos, que la experiencia es estupenda, pero también tiene sus pegas. Por un lado, aquí no hay opciones de guardado al vuelo de partidas ni nada parecido, solo lo que ofrecieran los juegos originalmente.

Por otro, cómo no, el precio: la consola sola (sin mando) os puede salir por unos 300 euros, a lo que hay que sumar impuestos y aranceles, al venir desde EEUU.

Vamos, que es un producto para puristas y sibaritas pero, si te lo puedes permitir, Analogue 3D es tan placentera que te hará gritar de nuevo: Nintendo Sixty Fooooour!

Pero claro, siempre ha sido un juego intrínsecamente de Microsoft. Tras otros títulos que parecían "inamovibles" como Gears of War, ahora podemos comprobar cómo rinde una bestia técnica como esta en una consola de Sony.

¿Qué tal luce en una PS5 Pro, en comparación con una Xbox Series X? Hemos volado por algunos lugares icónicos como Madrid, París o el Monte Everest y lo cierto es que las diferencias son muy pocas.

Como podéis apreciar en la comparativa, el nivel de detalle es prácticamente idéntico, aunque es cierto que la tasa de frames aguanta mejor el tipo en PS5 Pro al acercarnos a zonas muy saturadas de edificios detallados.

PS5 Pro también experimenta defectos como más artefactos y grietas al pasar cerca de ciertos ríos, aunque el juego está pensado para volar desde más altura, normalmente.

Volando por el cielo de Sony

Las novedades de PS5 se centran en las funciones extra del DualSense: comunicación de la torre de control a través de su altavoz, cambios de color del panel para indicar peligros o compatibilidad con el giroscopio. No te vuelan la cabeza, pero son un pequeño plus de inmersión.

En cualquier caso, Flight Simulator 2024 es una experiencia muy detallada y placentera lo juguéis donde lo juguéis. Eso sí, lo de que el Paseo de la Castellana solo tenga un par de coches circulando a medio día no hay quien se lo trague.

Flight Simulator 2024 llega ya el 8 de diciembre a toda la familia PS5. Si queréis conocer a fondo sus enormes posibilidades, podéis leer el análisis original que dedicamos a la versión de Xbox Series X/S.

Detrás del proyecto está Tribute Games, que ya hizo un muy buen trabajo con Ninja Turtles: Shredder's Ravenge.

El enfoque es el mismo: un juego de peleas de avance lateral en el que hasta cuatro jugadores simultáneos (local u online, con crossplay) se enfrentan a centenares de enemigos, hasta colisionar con el correspondiente jefe final de cada nivel.

El argumento nos cuenta que Annihilus, el supervillano mandamás de la Zona Negativa, ha lanzado un ataque en toda la galaxia, por lo que los héroes de dentro y fuera de la Tierra deberán tomar parte en una gran batalla contra toda clase de villanos, desde Knull hasta Thanos.

Nosotros podemos elegir entre 15 personajes diferentes, aunque cuatro de ellos se desbloquean al avanzar en el modo Historia.

Incomprensiblemente, no hay representantes de Los 4 Fantásticos o de los Inhumanos en el plantel. ¿Se los guardarán para futuros DLCs?

Así, tenemos imprescindibles como Capitán América, Spider-man o Lobezno, pero también otros más “exóticos” como Beta Ray Bill o el maravilloso Silver Surfer. ¿Se puede seguir diciendo Estela Plateada?

Aunque la mayoría de los comandos son comunes para todos (saltar, esquivar ataque principal, ataque especial, ataque definitivo), cada personaje tiene sus propios truquillos y puntos fuertes.

Así, héroes como Iron Man o Phyla-Vell pueden volar todo el tiempo que queramos, Rocket Raccoon puede golpear rebotando de un enemigo a otro, Hulka es de los pocos personajes que pueden ejecutar presas...

Dado que cada jugador lleva a dos personajes, que podemos alternar en cualquier momento, lo ideal es compaginar a uno volador con uno “de tierra”, ya que nos vamos a topar con bastantes amenazas aéreas.

Ir cambiando de uno a otro (pulsando un gatillo) es útil por varios motivos. Por un lado, los héroes pueden recuperar una pequeña proporción del daño recibido, así que es práctico tenerlos en el banquillo un momento.

Además, podemos hacer que el cambio tenga lugar con un ataque, por lo que podemos ocasionar un impacto sorpresa en el rival.

Por otro lado, es posible desencadenar un ataque definitivo con los dos personajes a la vez, lo que ocasiona un daño tremendo.

El ataque definitivo de los personajes solo se puede llevar a cabo si la barra de concentración está llena. Esta se va completando automáticamente con el paso del tiempo, aunque ocasionalmente podemos encontrar cristales que la completen al instante.

Podría hacer esto todo el día

Dependiendo del personaje, también tenemos movimientos especiales como disparar con Ghost Rider o lanzar telarañas con Spider-Man.

Normalmente, estos movimientos tienen una “munición” limitada para que no abusemos de ellos, pero esta también se recarga sola pasados unos instantes.

Combinar las habilidades de unos y otros y buscar cuáles son los que mejor se adaptan a nosotros resulta muy divertido, porque todos tienen facetas interesantes.

En el caso de que ambos personajes mueran en batalla, nos tocará reiniciar el nivel si estamos en el modo Historia.

En el caso de jugar en modo Arcade, lógicamente será Game Over y habrá que volver a empezar, como en los viejos tiempos...

Al avanzar entre los niveles, se nos dan muchas ocasiones de elegir entre dos propuestas, aunque más tarde nos tocará ir a por la descartada.

En el caso del modo Historia, aunque podemos elegir a los personajes que queramos, habrá dos “recomendados” para la misión que toque.

Si los escogemos, habrá desafíos específicos para ellos (“elimina a X enemigos con este personaje”, “derrota al jefe con este personaje”, etc.) que servirán para obtener recompensas, como ahora veremos.

Dentro de este modo Historia, tras cada misión escogemos personajes de nuevo, pero en el modo Arcade hemos de avanzar del tirón con los que escojamos al principio.

Cuánto dura Marvel Cosmic Invasion

Superar la aventura principal os puede llevar unas 3 ó 4 horas, pero lógicamente la experiencia es muy rejugable, ya sea por probar otros héroes o por superar todos los desafíos, para así obtener recompensas en forma de cubos cósmicos.

Estos cubos se pueden usar en el modo Matriz cósmica. Básicamente, es una selección de recompensas.

Dependiendo de la que decidamos desbloquear, podremos obtener nuevas paletas de colores para los personajes, melodías, información sobre personajes o modificadores del modo Arcade para hacer la experiencia algo más complicada.

Fuera de ello, tenemos el Laboratorio de héroes, una especie de glosario con los diferentes personajes del juego, para conocer mejor sus habilidades, el primer cómic en el que aparecieron, etc.

Y es que, si algo destila este juego, es un amor artesanal por los cómics en que se inspiran, además del lore de Marvel en general.

Así, sus sprites, que siguen la estética del juego de Tortugas Ninja, muestran poses que os sonarán de las viñetas, sus movimientos son muy estilosos...

Y sí, irremediablemente recuerdan a otros clásicos arcade, incluso en las escenas de corte, especialmente a la familia de Marvel vs Capcom.

Todo esto se complementa con montones de apariciones de personajes conocidos, desde MODOK hasta Galactus y, cómo no, los escenarios esconden montones de guiños para los fans, ya sea con un cartel de Control de Daños o con Forja en el nivel de Genosha.

Todo ello, bajo una estética abiertamente pixelada que busca esa nostalgia de los clásicos beat 'em up de 16 bits, pero con una paleta de colores deslumbrante. Por supuesto, podemos poner un filtro de scanlines y de deformación CRT.

A nivel sonoro, destacan las voces de los personajes, que imitan en muchos casos a los actores del UCM o de las series de animación (Tormenta suena idéntica a X-Men 97, por ejemplo) y lanzan frases muy características.

Así, Venom se queja de que no le den cerebros para comer y Hulka rompe la cuarta pared para agradecer que haya tantos cameos en el juego.

Lamentablemente, las voces están solo en inglés y las frases que sueltan en plena batalla no tienen subtítulos (no es que os vayáis a perder nada crítico para la partida), pero el resto de subtítulos y menús sí está bien adaptado al castellano.

Precio y ediciones de Marvel Cosmic Invasion

Marvel Cosmic Invasion se ha lanzado en formato digital para PS4, PS5, Nintendo Switch, Nintendo Switch 2, PC y Xbox Series X|S a un precio de 29,99 euros en todas las plataformas.

Además, desde el 17 de abril de 2026 también está disponible en formato físico para PS5, Nintendo Switch, Switch 2 y Xbox Series X|S. Por un lado, está la edición estándar, que cuesta 39,99 euros en todas la plataformas menos Switch 2, donde cuesta 49,99 euros.

Y para los coleccionistas, está la Edición Deluxe, que cuesta 59,99 euros en todas las plataformas, excepto Switch 2, donde cuesta 69,99 euros. Esa es justo la edición que os mostramos sobre estas líneas, además de la estándar de Nintendo Switch.

Esta edición de lujo contiene un precioso steelbook, además de un poster, pegatinas y una caja con tarjetones dedicados a cada uno de los personajes principales del juego.

Para verdaderos creyentes

En conjunto, Marvel Cosmic Invasion representa a la perfección lo que los fans de la vieja guardia o cualquier amante de un buen arcade puede buscar. Para nada inventa la rueda, incluso habrá quien piense que innova demasiado poco.

Pero la realidad es que hace bien todo lo que presenta, tiene un ritmo perfecto que consigue algo tan difícil como que un beat 'em up no se haga monótono, es bonito a rabiar y, en definitiva, resulta muy divertido.

Una vez más, nos toca lamentarnos de que Pete Pote de Pasta no aparezca en un juego de la Casa de las Ideas, pero por lo demás Marvel Cosmic Invasion es el beat 'em up que necesitas disfrutar ahora mismo, y mejor si puedes hacerlo con colegas. 'nuff said.

Está claro que la aventura de Naoe y Yasuke es uno de los juegos más complicados para Ubisoft, ya sea porque buena parte de los fans consideran que se aleja demasiado de la fórmula Assassin's o... bueno, esas hiperbólicas polémicas hacia el propio Yasuke.

Eso sí, la inmensa mayoría del público está de acuerdo en que a nivel técnico es uno de los juegos de mundo abierto más bonitos del panorama reciente. Es en un PC con buenas especificaciones donde más luce, claro, pero PS5 y Xbox Series X cumplen de sobra.

Así pues, ¿puede Switch 2, una consola evidentemente menos potente, con un juego de este calibre técnico? La respuesta es: sí, con matices, claro. Lógicamente, ha habido que hacer sacrificios por el camino, si bien el resultado final da bastante el pego.

Antes de seguir, queremos aclarar que no vamos a profundizar en las dinámicas de juego ni el resto de detalles de gameplay. Para eso, os animamos a leer nuestro análisis original de Assassin's Creed Shadows, pues es el mismo juego.

Yokoso de nuevo a Japón

Aquí, vamos a centrarnos en los detalles específicos de la versión para Switch 2. Por un lado, ¿es de verdad el MISMO juego que en el resto de versiones?

Sí, todo el desarrollo, los menús, las misiones... toooodo es exactamente igual y, de hecho, podéis usar Ubisoft Connect para importar la partida que tuvierais en otros sistemas, conservado el progreso, los items, las armaduras...

Eso sí, en el momento de realizar este análisis aún no estaba disponible el parche para las voces en castellano (solo estaban en inglés y japonés), pero el parche llega el 2 de diciembre.

Del mismo modo, la expansión Las garras de Awaji no estará disponible hasta enero, por lo que aún no podéis acceder a algunos contenidos como el bastón bo. Todo lo demás, sí que está.

Como muchos (lógicamente) os lo estaréis preguntando, os aclaramos que el juego llega en formato Game Key Card, incluso aunque lo compréis físico. Vamos, que hay que descargarlo sí o sí (pesa unos 65 gigas, por cierto).

La justificación de Ubisoft es que el flujo de datos es más eficiente en ese formato que leyendo de la tarjeta, por lo que así garantizan una experiencia menos "carraspeante"...

Y, en honor a la verdad, uno de los primeros aspectos que tenemos que valorar es que las cargas son bastante cortas, de apenas unos segundos, en comparación con juegos previos de Assassin's Creed.

El almacenamiento UFS 3.1 de Switch 2 aquí poco tiene que envidiar a los SSD de PS5 o Xbox Series X.

Una vez en acción, ¿qué hay del rendimiento técnico? Tanto en modo dock como portátil, Shadows se mueve a 30 frames por segundo.

La propia Ubi no ha especificado la resolución nativa que se llega a alcanzar y, aunque evidentemente es inferior al resto de versiones, el resultado es muy convincente incluso en modo dock y viéndolo en una tele de 65 pulgadas, donde hemos hecho la prueba.

El juego utliza DLSS para aumentar el nivel de detalle final gracias al apoyo de la IA. También hay compatibilidad con HDR y VRR (a pesar de que esta ventaja queda algo "forzada" en 30 frames por segundo).

Todo esto ha sido comentado por la propia Ubi y, una vez hemos probado el juego, sacamos varias conclusiones. En primer lugar, es muy, muy meritorio el nivel de detalle alcanzado sin que el frame rate se derrumbe.

Al llegar a las ciudades, vemos los mismos edificios, objetos, animales correteando, (casi) la misma cantidad de gente caminando...

Lo mismo sucede en los parajes más llenos de árboles y vegetación, donde en algunos instantes cuesta distinguir este juego de las otras versiones.

Quizá la demostración más eficiente es cuando nos sincronizamos en alguna atalaya. Ahí, la cámara gira con sorprendente suavidad (es en las panorámicas donde más suelen notarse los tirones, en este tipo de casos) y el paisaje está lleno de detalle hasta donde alcanza la vista.

¿Y dónde están los sacrificios? Por un lado, está el propio frame rate que ya hemos comentado, que, además, tiene dificultades en algunas ocasiones para mantenerse estable en los 30 frames.

En zonas más multitudinarias esa cifra baja evidentemente. No es que la cosa se vuelva injugable, ni mucho menos, pero hay algunos momentos en los que la fluidez "rasca" más de lo que nos gustaría.

La iluminación es otro elemento en el que se ha "limado". En lugar de trazado de rayos, aquí se usa una iluminación global que, aunque resulta de lo más eficiente, hace que las sombras parezcan más lavadas, menos precisas.

Luego tenemos otros elementos menores, como en menor nivel de detalle en el pelo de algunos personajes, ciertos rostros o el movimiento del follaje cuando miramos de cerca, si bien otros elementos como la simulación de ropa están intactos.

En términos objetivos, el resultado técnico de esta versión es muy satisfactorio, incluso sorprendentemente por momentos.

Eso sí, resulta mucho más recomendable jugar en modo dock. En modo portátil la imagen se vuelve algo más borrosa y, en general, la experiencia no resulta tan placentera. Aquí se notan más las "costuras".

La opinión de Hobby Consolas sobre Assassin's Creed Shadows en Switch 2: daiyobu desu

Por supuesto, el resto de versiones son superiores y habrá quien se plantee para qué demonios jugar en Switch 2 si el resto luce mejor, pero si se ve al revés ("me acabo de pillar una Switch 2 y me gustaría un juego de mundo abierto") nos parece una apuesta muy sensata.

Al margen del rendimiento técnico, hay algún elementos específico de Switch 2, como el uso de la pantalla táctil para los menús, pero nada "fancy" del tipo control por ratón o giroscopio.

Por cierto, aunque al iniciar el juego se nos lanza el Animus Hub, en el que podemos ver el acceso a otros juegos previos como Valhalla u Origins, en realidad esa utilidad está "muerta" porque esos juegos no están disponibles en Switch 2.

A cambio, el resto de novedades que llegaron para el juego original, como la Nueva Partida+, sí están disponibles de base, con lo que la cantidad de horas de juego que os esperan aquí es descomunal.

Una vez más, estamos ante una aventura de terror en vista subjetiva, pero ambientada en un paraguas muy meta que os hará gracia a los veteranos.

En este juego viajamos unos años al futuro e interpretamos a Samuel, un tester de videojuegos que vive encerrado en su apartamento y tiene experiencia de sobra con el género del miedo.

Un día, recibe el encargo de testear AILA, una nueva experiencia de realidad virtual que, según reza, es capaz de trasladar nuestros miedos y traumas personales al juego.

Como supondréis, lo que empezaba como una prueba más poco a poco se va distorsionando hasta cruzar algunas fronteras que pondrán los cimientos de Samuel contra las cuerdas.

A nivel jugable, la aventura se estructura en dos mitades. Por un lado, tenemos los tramos en los que nos movemos por el apartamento de Samuel, a modo de “descanso”.

Aquí cumplimos algunas tareas rutinarias, desde dar de comer al gato hasta decidir si tomamos café o té.

Estos descansos también sirven para cotillear el apartamento y descubrir algunas pistas sobre el pasado de Samuel, además de ver figuras coleccionables que vamos encontrando o libros de cuentos que nos dan pistas sobre lo que nos espera en las misiones principales.

El terror tiene muchas formas

¿Y de qué van esas misiones? El objetivo en cada una de ellas es ponernos el headset de realidad virtual y entrar en una experiencia de terror.

No sabemos qué nos espera a continuación, pero AILA nos da alguna pista y nos lanza de golpe a tópicos del terror: un bosque atacado por un misterioso meteorito, una mansión llena de secretos...

Aunque cada misión tiene una ambientación y temática diferentes, los pilares jugables se mantienen siempre.

Hemos de explorar, resolver algunos puzzles y enfrentarnos a las entidades monstruosas que nos ataquen, todo ello coronado por los correspondientes duelos con jefes finales.

Pero claro, según la ambientación, tendremos armas diferentes, desde una ballesta en la ambientación medieval hasta una pistola moderna en la contemporánea.

La munición no es especialmente numerosa, así que hemos de valernos de armas cuerpo a cuerpo y buscar bebidas de sanación, las cuales podemos mezclar con una planta roja para que sea más efectiva.

No es la única referencia a Resident Evil que encontraremos en el juego...

Los puzzles son numerosos y tiran de los clásicos del género (buscar llaves con un determinado emblema, cerrojos de combinación con la pista en algún lugar de la habitación, etc.).

Tienen una dificultad creciente que nunca es imposible, pero puede suponer un buen desafío en los tramos finales.

Dada la ambientación que hay, el juego a veces tira de elementos surrealistas, lo que lleva a que aparezcan objetos de repente o ciertos pasillos cambien de golpe, por lo que hemos de estar muy atentos a lo que nos rodea.

Para dar más punch a la experiencia, hay varios momentos en los que nos toca tomar decisiones morales, del tipo “¿matamos a este personaje o lo dejamos vivir?”

Tómatelo con karma

Todas estas decisiones y algunos otros elementos de la partida modifican nuestro karma, aunque el jugador no puede ver en qué punto se encuentra ese karma.

Es más bien una cuestión de sentido común. Eso lleva a ciertas ramificaciones de la historia y, a la postre, altera el final del juego que podemos presenciar. ¿Tomaremos el camino correcto en nuestra aventura?

Al margen del interés que suscitan los misterios de la trama y las decisiones morales, el juego tira bastante del terror. Por un lado, el ambiental, que es el que funciona mejor gracias a un diseño de sonido muy envolvente e inquietante.

No paramos de escuchar suelos que crujen, golpes en la distancia, lamentos detrás de una puerta...

Luego tenemos los “jump scares” o sustos súbitos, de los que se abusa en nuestra opinión y acaban resultando algo pesados y traicioneros, sobre todo cuando llevan aparejado el enfrentamiento con alguien que nos esperaba tras la puerta.

Por cierto, consejo: poned la ayuda de apuntado en las opciones, porque la puntería por defecto es bastante poco precisa.

Aparte de una atmósfera de terror variada y, en cierta medida, original al remezclar tantas ambientaciones en un solo juego, tenemos un elemento más divertido.

Es el referencial, pues como decíamos encontramos muchos guiños no solo a Resident Evil, sino también a otros clásicos como Outlast o Alan Wake. Está claro que los creadores querían homenajear su género favorito.

¿Es difícil AILA? ¿Cuánto dura?

Ciertos momentos de combate pueden ser algo más complicados que otros, así que habrá alguna ocasión en la que muráis y alguna otra en la que algún puzzle se os atragante (especialmente porque no hay mapas ni brújulas de ningún tipo).

Aún así, perseverando un poco conseguiréis avanzar en una aventura que dura unas 11 ó 12 horas.

A nivel técnico, evidentemente se nota que AILA es obra de un estudio pequeño, por lo que los escenarios no tienen el nivel de detalle de un estudio AAA.

Aún así, cumplen bien con su cometido, gracias al apoyo de efectos ambientales y la iluminación, además de un diseño artístico muy eficiente.

Los modelos de personajes no están nada mal, pero sus animaciones son extrañas y robóticas, lo que resta algo de inmersión a la experiencia.

Esto se ve compensado, como decíamos, por un apartado sonoro bastante más inquietante y conseguido que el que nos presentaron en Fobia. Las voces, eso sí, están en inglés, con subtítulos en castellano bastante bien adaptados.

En conjunto, AILA es una experiencia de terror que disfrutarán especialmente los amantes del género, gracias a sus referencias y a su esfuerzo por romper lo que damos por sentado en el género.

Jugablemente, no tiene nada novedoso y su apartado visual no puede competir con los grandes del género, pero su ambientación y su historia consiguen que caigamos en las redes de AILA.

En nuestro caso, encima, es doblemente meta. Somos probadores de juegos probando una aventura en la que somos un probador de juegos. Qué fuerte, Doc.

Por eso, hemos descargado la versión de Switch 2 y probado cómo luce el arranque de la aventura de Lara Croft en comparación con la Definitive Edition que llegó a Xbox One allá por 2014.

Como podéis ver en la comparativa de aquí arriba, hay algunas luces y algunas sombras. En lo positivo, Tomb Raider para Switch 2 tiene un frame rate constante de 60 frames por segundo (incluso en 1440p escalados para el modo sobremesa), algo que PS4 y One no igualan.

Además, el juego incluye compatibilidad con giroscopio, con pantalla táctil y con modo ratón para el control de la cámara.

Sin embargo, el juego sale perdiendo en otros aspectos. Por un lado, la iluminación es claramente inferior (se han perdido elementos de iluminación global) y otros detalles como el pelo de Lara y otros trucos atmosféricos no tienen tanto detalle.

¿Quizá se ha partido de la versión Switch, sin añadir elementos extra y a partir de ahí se ha inflado la resolución para Switch 2? Es probable, porque resulta complicado de creer que una consola como esta no sea capaz de mover con más detalle Tomb Raider, un juego de 2014...

Cinco años en los que, por supuesto, ha pasado de todo, desde una pandemia que hizo casi imposible comprar la consola durante los primeros meses, al lanzamiento de nuevos accesorios y periféricos, como el exitoso PS Portal o el mejorado PS VR2, ¿Qué mejor momento para hacer balance de los primeros cinco años de vida de PlayStation 5.

Y eso sin olvidar, por supuesto, los juegos. Empezando por Astro Bot, el GOTY de 2024 y siguiendo éxitos como God of War Ragnarok, Marvel's Spider-Man 2 o Demon's Souls Remake, entre otros, o más recientemente con la llegada de algunos de los grandes exclusivos de Xbox, como Forza Horizon 5 o Gears of War Reloaded.

Y eso que, según la directora financiera de PlayStation, solo estamos a la mitad del ciclo de vida de PS5, en parte debido al gran éxito que ha tenido PS4 durante los primeros años de vida de la nueva consola.

Por eso, creemos que la ocasión lo merece, y por eso repasamos los hitos, lo que más nos ha gustado y lo que menos en estos 5 años de PS5? Los miembros de la redacción de Hobby Consolas repasan la trayectoria de la consola de la actual consola de Sony, poniendo el foco en lo mejor, lo peor y lo que hemos echado en falta durante todo este tiempo.

PS5 y el eterno debate: ¿ha sido una generación perdida? (Alberto Lloret)

Desde su nacimiento, tanto PS5 como Xbox Series X|S se han encontrado con una situación un tanto adversa. A la pandemia, la escasez de chips, la crisis del transporte o un mercado económico mundial convulso, hay que sumarle ahora los cambios de paradigma en el desarrollo, la llegada de la IA, los aranceles... No es una situación sencilla.

Pero empecemos por el principio. Volvamos al 20 de noviembre de 2020. Aunque ha sido criticado por su descomunal tamaño, reconozco que a mí el diseño de PS5 no me disgusta y sigo usando el modelo con lector del lanzamiento (tumbado, eso sí), que no me ha dado problemas de sobrecalentamiento, ni nada raro. Si le tengo que poner una queja, es que el soporte para sujetar la consola tumbada me parece bastante endeble y tiende a soltarse a poco que la mueva.

Para mitigar algunas de las quejas, en estos 5 años Sony ha lanzado diversos chasis e incluso revisiones de las consolas, como PS5 Slim y PS5 Pro, con las que, respectivamente, ha reducido su tamaño ligeramente y mejorado su desempeño.

Como coincidiremos la gran mayoría, los grandes avances de PS5 han sido el mando Dualsense, que sigue marcando diferencias con el resto de competidores al ofrecer unas características únicas (como los gatillos adaptativos), y la incorporación de un SSD de cuarta generación, algo que ha disparado las velocidades de carga (disponible también en PC a los pocos meses).

Un hardware que ha estado arropado por un montón de accesorios, algunos de ellos realmente interesantes, como PS Portal (que acaba de recibir una importante y útil actualización), el mando Pro Dualsense Edge, la gama de cascos y auriculares Pulse, el mando Access o el mencionado visor de realidad virtual PS VR2.

Desde el punto de vista del hardware, creo que Sony ha tenido dos problemas que han afectado un poco a la percepción que muchos tienen de la consola. Por un lado, están las subidas de precio que han afectado a las consolas PS5 (aunque no han sido las únicas). Es la primera generación en la que las consolas no bajan de precio a medida que pasa el tiempo o con los rediseños, como PS5 Slim.

Claro que hay razones económicas detrás de estas subidas (como los aranceles), pero al usuario final le da igual y solo ve que comprar una consola ahora es más caro que en 2020, y si es jugador de toda la vida, es algo que nunca antes se había visto.

Por otra parte, Sony ha vuelto a incidir en errores del pasado y, por ejemplo, el apoyo a PS VR2 ha sido bastante tibio y reducido. No hay ningún estudio propio importante trabajando en él y tras el lanzamiento, casi ha hecho más Capcom por el visor, al añadir modos VR a Resident Evil Village y Resident Evil 4. Y es una pena, porque el hardware es muy bueno...

Si entramos ya en materia de juegos, creo que Sony entró en la "nueva generación" con buen pie, empezando por el detallazo de incluir gratis Astro's Playroom (la mejor demo del Dualsense posible), y siguiendo por Demon's Souls Remake o Marvel's Spider-Man Miles Morales, que parecía que iba a establecer los juegos "AA" de grandes licencias como alternativa a grandes superproducciones. Pero no.

Incluso durante los primeros años, PS5 estuvo bien arropada, con juegos como Gran Turismo 7, Horizon Forbidden West o propuestas originales, como Returnal. Pero la obsesión como los juegos como servicio, con el anhelo de crear un juego que proporcione ingresos regulares, se ha llevado parte de los esfuerzos de esta generación.

Dejando a un lado el caso de éxito de Helldivers 2, no son pocos los intentos de PlayStation por llevar sus grandes nombres al terreno de los GaaS o juegos como servicio, para acabar mordiendo el polvo: fue el caso The Last of Us Online, God of War o incluso un juego de Bend Studios Games (en lugar de dar luz verde a la secuela de Days Gone).

Esto ha hecho que Sony haya desaprovechado muchos recursos en proyectos que no han llegado a ver la luz, o si lo han hecho han sido efímeros, como Concord, en detrimento de juegos para un jugador. Sirva como ejemplo un detalle: de Naughty Dog no hemos visto todavía un juego nuevo en esta generación.

Este "vacío" de producciones propias se ha rellenado con remasters de muchos juegos, desde The Last of Us Parte 1 (remasterizado por segunda vez) y Parte 2 al mencionado Days Gone, sin olvidar remakes de juegos que no han terminado de entusiasmar, como Until Dawn, que han dejado un sabor agridulce entre los más fieles a la marca, que esperaban más novedades.

Lo curioso es que la complicada situación de Xbox ha acabado favoreciendo a PlayStation, que ha visto como una amplia selección de los juegos de su rival comercial han acabado llegando a PS5, como Indiana Jones y el Gran Círculo o el caso más paradigmático, el recién anunciado Halo Campaign Evolved.

En este contexto de lanzamientos, PlayStation parece haber corregido este rumbo en 2025, y casi todos sus estudios trabajan ya en lo que les ha hecho fuertes: las historias para un jugador... aunque es probable que tengamos que esperar algún tiempo, puede que años, hasta que podamos disfrutar de sus frutos.

Por eso, yo no catalogaría la generación de PS5 como un fracaso o la peor de la historia, aunque mucho tiene que cambiar la cosa para colarse entre las mejores. Todavía estamos a mitad de partido, y si bien los rumores de PS6 y su versión la portátil la sitúan a dos o tres años vista, todavía quedan muchas cosas interesantes por llegar, empezando por GTA 6 (que probablemente exprimirá PS5 Pro), Marvel's Wolverine o Intergalactic... más todo lo que no se ha anunciado todavía.

LO MEJOR

Si me tengo que quedar con algo de lo que llevamos de generación de PS5, tengo claro que la sensación de flipe que me dejó la primera vez que probé Astro's Playroom con el Dualsense. Es la mejor forma de venderte todo lo que puedes hacer con un nuevo hardware... y más.

¿Y qué me dices de los ridículos tiempos de carga del viaje rápido de Marvel's Spider-Man Miles Morales? ¿O de los paisajes de Ghost of Yotei? ¿Y de los buenos ratos que me ha dado Helldivers 2? ¿O meterme en el asiento del piloto en GT7 o tener a Dimitrescu a un palmo de mi cara en realidad virtual?

LO PEOR

Dejando a un lado la fallida apuesta por los juegos como servicio, que se ha llevado los recursos para hacer otro tipo de juegos y el tiempo de los grandes estudios para hacerlos, quizá lo peor haya sido la subida de precios del hardware. Es la primera generación en la que pasa y, aunque la situación económica es convulsa, y muchos componentes son ahora más caros, es la primera generación en la que esto sucede.

LO QUE HE ECHADO EN FALTA

Más allá de la escasa producción propia de los estudios de PlayStation (en 2025 solo hemos visto un juego de PlayStation Studios, Ghost of Yotei, y Death Stranding 2 no cuenta porque es de un estudio independiente), me gustaría que Sony recuperara el espíritu de la primera PlayStation y se volviera más "loca" para dar luz verde a propuestas más frescas, arriesgadas y originales.

Las grandes superproducciones están bien, pero están mejor si se complementan con juegos más pequeños, que exploten bien una idea. Puestos a pedir, que trajeran de vuelta sagas y nombres olvidados con entregas que aprovechen el hardware, como Wipeout o Ape Escape. Faltan genialidades como los juegos de Team ICO. Sony debe buscar esa creatividad que la ha hecho única en los últimos 30 años.

Juegos excelentes que no logran ocultar cierta decepción (David Rodríguez)

Ha sido en 2025 cuando por fin he recomendado a alguien comprar una PS5 por un juego en específico. Ghost of Yotei es el responsable que me ha hecho decir "solo por este juego, merece la pena la consola".

Que haya tardado cinco años desde el lanzamiento de PS5 en decir esto es un reflejo de lo que nos está dejando esta actual generación. La sensación de estar de paso ha costado mucho quitársela.

Mi compañero Alberto Lloret ha señalando acertadamente las principales tendencias que han acompañado a la consola de Sony en este lustro y, prácticamente, suscribo todo lo que ha dicho.

No siento que esta generación este siendo un fracaso y pese a que PS6 empieza a vislumbrarse en el horizonte, aun queda muuucha leña que cortar (ejem, GTA VI), pero es innegable que PS5 no ha sabido imponerse tanto y tan bien como sus hermanas mayores.

No me refiero a la competencia con Xbox Series X|S (ahora nula con Microsoft convertida en compañía third party), sino a que en muy pocos momentos se ha podido decir "menos mal que tengo una PS5".

Juegos tan potentes como God of War Ragnarok, Horizon Forbidden West o Helldivers 2 han llegado a PS4 o PC, lo que ha lastrado la imagen de hardware "premium" que había en otras generaciones. Solo unos pocos pueden considerarse exclusivos.

Siendo un jugador muy consolero, no siento que PS5 sea una consola imprescindible (a pesar de ser la generación en la que más he jugado en toda mi vida). Y dentro de eso, pese a que hemos tenido juegazos, pocos me han parecido exclusivos de esta generación.

Cuando pienso en PS5 se me viene a la mente un solo juego, Demon's Souls Remake y quizá esté solo en este barco, pero creo que ha habido muchos nombres mucho más "pintones" desde entonces. ¿Por qué no consigo tenerlos tan presentes?

No es que sea amante de los exclusivos, pero creo que eso es lo que ha hecho que una consola gane empaque frente a otras formas de ocio interactivo. Creo que la identidad de PlayStation se ha diluido un poco en estos años y es en parte por la ausencia de proyectos propios.

LO MEJOR

God of War Ragnarok, Helldivers 2, Astro Bot, Ghost of Yotei, Marvel's Spider-Man 2... Como decía, hemos tenido juegos excelentes que ya se han convertido en algunos de mis favoritos de PlayStation.

Además, PS5 nos ha traído el mando DualSense, un accesorio que sí que he llegado a sentir como "next-gen" (aunque su aplicación por parte de compañías de terceros ha sido demasiado tibia).

LO PEOR

Los bandazos que ha dado la compañía con PS5 nos han dejado sin otros tantos proyectos. Para mi, el apoyo a los juegos como servicio ha sido el mayor error de la generación.

No es una crítica a este tipo de juegos porque Arc Raiders o Helldivers 2 han demostrado que las cosas se pueden hacer bien, pero el ansia por replicar tendencias "fortniteras" ha borrado del mapa creatividad y arrojo, lo que siempre es algo negativo.

El cierre de Japan Studio en 2021 fue un duro golpe para cualquiera que ame los videojuegos y las cancelaciones han podido ser las culpables de que Santa Monica y Naughty Dog aún estén empantanadas en sus respectivos y verdaderamente esperados juegos, mientras persiguen ese ideal de "videojuego prestigioso" que tanto triunfó en PS4.

Entiendo que el mundo está como está y en cinco años hemos tenido más crisis que versiones de Skyrim, pero apostar por juegos como servicio era algo que nadie pedía. ¡Y, por favor, no quiero drift en mi DualSense! Y lo que sí pido es que la batería no me durase lo mismo que yo contra Radahn en Shadow of the Erdtree.

LO QUE HE ECHADO EN FALTA

En estos cinco años he echado muchísimo de menos a Naughty Dog, pese a haber tenido The Last of Us hasta en la sopa. También me ha faltado algo más de Bluepoint Games, maestros en eso de aprovechar la tecnología para repescar grandes obras del pasado. Llegaron pisando fuerte, pero no se les ha vuelto a ver.

Y pese a que unas cuantas sagas de PlayStation han recibido continuaciones, ojalá hubiéramos visto más de antiguos nombres ahora olvidados. Habría sido genial tener un Killzone, un Resistance... o ideas nuevas y frescas. Este 2025 ha sido un año casi en blanco. Menos mal que Sucker Punch lo ha salvado.

El insoportable peso del pasado (Daniel Quesada)

Puede que ya lo hayamos olvidado después de tanto tiempo, pero el lanzamiento de PS3 fue bastante tortuoso. Que si era carísima (lo era), que si no tenía demasiados juegos de peso, que si las conversiones salían mejor en Xbox 360...

Como recordaréis, a pesar de que 360 le comió la tostada durante buena parte de la generación, supo remontar muy bien y sus últimos años fueron excelentes.

Algo parecido pasó con PS4. Tanto ella como Xbox One tardaron en ganarse el favor del público, pero la consola de Sony supo imponerse, a pesar de batacazos como la famosa caída de PSN de 2014.

Al margen de sus propios méritos, tenía una ventaja crucial: Wii U había sido un bluff para Nintendo y Xbox One no se libraba de sus lastres (DRM, poner piedras a los que prestaran juegos, su apuesta por su "faceta TV").

Así, la consola tuvo mucho oxígeno para ofrecer montones de grandes juegos y arrasar en ventas... Hasta el punto de que sigue viva a día de hoy.

Y ahí es a donde quería llegar. Además de los múltiples problemas que han comentado mis compañeros, creo que el hecho de no haber podido "despegarnos" aún de la generación PS4-One ha pasado demasiada factura a PS5.

Como ya hemos dicho, hubo buenos motivos para ello: el COVID y la escasez de componentes hicieron que no se pudieran crear unidades de PS5, así que los desarrolladores preferían seguir creando para el parque más grande de hardware: el de PS4.

Esto ha durado casi hasta hoy y estoy seguro de que, si se hubiera roto esa tendencia tiempo atrás, PS5 habría podido destacar de otra manera. La realidad es que, a día de hoy, la media de los usuarios no notan un salto técnico relevante entre estas generaciones.

Para echar más sal a la herida, la llegada de PS5 Pro me ha parecido totalmente insustancial. Para la morterada que cuesta, he notado cambios muy poco relevantes, hasta el punto de que no me la he comprado. Y a mí me fliparon cambios como el de PS4 Pro, pero...

Volvemos a la pregunta: ¿entonces esta generación ha sido un fracaso? Yo tampoco la veo así, porque también nos ha brindado grandes cosas: soy muy defensor de la diferencia de confort que supone el SSD o lo estupendo (pero "robabaterías") que es DualSense.

A nivel de juegos, Spider-man 2, Ghost of Yotei o Astro Bot sí me parece que demuestren la potencia que busco en la generación.

Además, reconozco que me parece una consola muy cómoda para trastear con recopilatorios de clásicos, juegos retro e indies. Ya, no te gastas una talegada para jugar a eso, pero me parece un "beneficio colateral" al que he sacado mucho partido estos años.

Con todo, sí que concluyo que es la generación de PlayStation que menos me está emocionando. Creo que se ha maltratado mucho al jugador con los precios, no se ha sabido sacar verdadero partido a PS Plus... Y el diseño de PS5 es FEÍSIMO.

Al final, esto es una carrera de fondo y seguramente la consola se recordará, como es normal, más por sus últimos años, así que aún hay margen de mejora para una consola que ha errado bastante, pero que también me ha dado buenos momentos en estos años.

LO MEJOR

Poco a poco, ha cultivado un catálogo enorme, si dedicas un tiempo a buscar. DualSense es un mando que realmente marca la diferencia respecto a la competencia. El SSD y el sistema de refrigeración también hacen ver que esta es una generación más moderna.

LO PEOR

La evidencia de que la compañía no ha sabido seguir una estrategia definida (ni ella, ni casi nadie) y los feos a los usuarios, desde las subidas de precio, hasta proyectos fallidos como Concord. A nivel visual, no ha mejorado mucho respecto a PS4.

LO QUE HE ECHADO EN FALTA

Sin duda, más juegos que me emocionen de verdad y me hagan lanzarme a por la consola. También un catálogo más interesante y completo para PS VR2. ¡Vaya desperdicio, con lo que mola! Y echo de menos que Sony sea vanguardista en sus juegos, no solo hi-tech.

Hazme cambiar de opinión, Logan, por favor te lo pido (Álvaro Alonso)

Echo la vista a estos cinco últimos años junto a PS5 y todo lo que me vienen a la cabeza son cosas malas.

Para que esto no quedase demasiado negativo he tenido que esforzarme por encontrar algo bueno... pero lo único que me viene a la cabeza fue el día que estrené la consola junto al remake de Demon's Souls.

La primera impresión con el DualSense fue muy buena; tanto la vibración háptica como los gatillos adaptatitvos son una pasada y potencian las sensaciones al jugar. Si a eso le sumamos el audio 3D, todo apuntaba a que PS5 iba a llevar la experiencia sensorial a un nuevo nivel.

Y desde luego fue el caso con Demon's Souls. Siento que el mando potenciaba las virtudes jugables del remake de Bluepoint, que ya de por sí eran muchas. Y aunque tenga decisiones artísticas cuestionables, sigo considerándolo uno de los mejores juegos de PS5.

Pero no habla nada bien de la consola que, al pensar en aspectos positivos, me venga a la cabeza el primer juego que probé. Y vaya por delante que PS5 ha tenido juegos muy buenos: Marvel's Spider-Man 2, Returnal o incluso algunos de este mismo año, como Death Stranding 2 o Ghost of Yotei.

Pero no puedo quitarme de encima la sensación de que el catálogo de la consola ha dejado mucho que desear. Desde luego y, si lo comparamos con el de PS4 en sus primeros cinco años de vida, están a años luz de diferencia.

Pero, para mí, el problema no es el catálogo... sino todo lo demás. Para empezar y, por mucho que me gusten las pijaditas del DualSense, las quitaría todas si con eso se consiguiese un mando de mayor calidad.

Voy sin exagerar por el tercero, porque todos me han dado problemas de drift y los he tenido que desechar. Y qué decir de su irrisoria batería; hay que reconocer que lo han hecho genial, porque como tengo que jugar con el mando enchufado todo el día por cable, me recuerda a los tiempos de PS1 y PS2 (nótese la ironía).

También resulta increíble que a nivel usuario la consola haya sido un paso atrás respecto a PS4. ¿Cómo es posible que hayan tenido que añadir características básicas a posteriori, mediante actualizaciones? ¿O que a día de hoy sigan sin implementar los temas?

Y qué decir de su diseño visual: probablemente una de las consolas más feas e innecesariamente engorrosas que he metido en casa (cada vez que la veo me dan ganas de coger una sierra para arrancarle los "alerones"). Y me sigue alucinando que alguien pensase que era buena idea poner la ranura de discos AL REVÉS.

En fin, creo que se nota que no estoy nada contento con PS5. ¡Si incluso se me olvida continuamente que existe un modelo Pro! Y a estas alturas, después de cinco años, veo complicado salvarlo... Ojalá el juego de Lobezno me haga cambiar de idea. Insomniac, no me falles.

LO MEJOR

La vibración háptica. Los gatillos adaptativos. El audio 3D.

LO PEOR

El diseño de la consola, la ausencia de opciones que ya estaban en PS4, los problemas de drift y batería del DualSense, el mejorable catálogo...

LO QUE HE ECHADO EN FALTA

Un verdadero salto next-gen. Un mísero parche para Bloodborne.

Dispatch tiene lugar en un universo superheroico creado para la ocasión. En el juego controlamos a Robert, un humano que vivió como superhéroe gracias a su exoarmadura de Mecha Man (en un claro homenaje a los cómics de Iron Man).

Tras un fatídico combate, Robert tiene que retirarse y conformarse con ser un operador en una agencia que intenta reconvertir a villanos en héroes que salven la ciudad.

Ahí arranca la historia de verdad. Al estilo de las típicas "películas de inadaptados", hemos de intentar conformar el equipo a partir de un hombre murciélago taciturno, una chica invisible malhablada o un tipo que lanza fuego, nos odia y tiene problemas de ira.

La narración del juego se divide en 8 episodios, que de hecho se han ido lanzado de dos en dos en estas últimas semanas, pero ya están todos online y, por tanto, podéis vivir la experiencia completa.

Esta estructura episódica hace que siempre nos animemos a jugar (cada episodio dura cerca de una hora, dependiendo de cómo juguemos) y que, además, los acontecimientos estén muy bien narrados, haya sorpresas o los inevitables cliffhangers del final.

La jugabilidad se divide en dos partes. En la estratégica, tenemos un mapa de la ciudad, en el que nos van llegando llamadas de ayuda (desde derrotar a un supervillano hasta hacer cola en una cafetería) y hemos de elegir qué héroe o héroes enviamos para resolverlo.

Cada caso es diferente: si hay que desactivar una bomba, mejor mandar un héroe con inteligencia, por ejemplo. Si hay que resistir ataques, enviamos a uno con más resistencia...

Cada personaje tiene sus estadísticas propias, basadas en 6 elementos clave: inteligencia, carisma, ataque... Además, cada uno tiene su carácter y trasfondo (Malévola sabe sobre sectas y demonios, por ejemplo), que hemos de tener en cuenta en el contexto del encargo.

Dentro de ti hay una estrella. Si lo deseas...

Una vez elegimos quiénes se encargarán (podemos mandar de uno a cuatro personajes), estos tardan unos instantes en llegar, otro tanto en completar la misión y otro tanto en volver a la base y descansar.

Esto es importante porque no sabemos cuándo va a brotar el siguiente encargo y puede que nos pille con varios héroes no disponibles... Hay que administrar los tiempos.

Las misiones solo están disponibles durante unos segundos y, si no mandamos a nadie, contarán como un fracaso... Aunque es muy difícil conseguir mandar héroes a todas y cada una de ellas.

Cuando completamos la misión, toca ver el resultado: un gráfico muestra qué cualidades eran necesarias para cumplirla y cuáles hemos aportado. Sobre eso, calcula un porcentaje de éxito.

Ahí entra un poco la suerte: puede que fracasemos en una misión con un 75% de posibilidades de éxito, pero es poco probable. Una misión con un 100% de posibilidades es una éxito automático, claro.

Si fracasamos en la misión, nuestros héroes pueden perder moral y ser menos efectivos o incluso lesionarse.

¿Y si ganamos? En ese caso, acumulan experiencia, que los puede llevar a subir de nivel. Si eso pasa, podemos otorgar un punto extra a una de sus características, para ir moldeándolos a nuestro gusto.

Además, si fue una misión en equipo, puede que la sinergia entre compañeros mejore.

A medida que tanto ellos como nosotros subamos de nivel, podremos tener más ayudas: café para hacer que el tiempo de descanso sea menor, habilidades únicas para los héroes según el orden en que los coloquemos... Las posibilidades estratégicas van aumentando.

Cada episodio tiene un par de momentos de estrategia, pero lo que más vemos es la parte narrativa, construida a base de escenas de vídeo (movidas en tiempo real con un estupendo cel-shading) que van cambiando en función de nuestras decisiones.

En muchas ocasiones nos toca elegir respuestas contra reloj. Pueden ser cosas sencillas como gastar alguna broma o cosas más trascendentes: ¿despedimos a un héroe que lo ha hecho mal o le damos otra oportunidad? ¿Besamos a esa chica que parece “querer tema”?

Como supondréis, muchas de estas decisiones afectan no solo a nuestro relación con los personajes (veremos mensajes del tipo "este personaje recordará eso") sino que ramifican la historia hasta dar pie a experiencias muy dispares de una partida a otra.

El juego no pretende que intentemos averiguar la "forma correcta" de pasarnos la historia, pero sí que seamos conscientes de que nuestras decisiones alteran lo que pasa.

Aquí es donde la experiencia brilla especialmente, porque hay giros de guion muy interesantes, además de unos personajes que, al margen de sus poderes, son muy humanos: no saben expresar a veces lo que sienten, se frustran con algunas cosas que decimos, bromean...

Oh, capitán, mi capitán

Es inevitable acabar cogiendo cariño a sus historias e ir viéndolos cada vez más como personas que son como tú y como yo: tienen aspiraciones, tienen frustraciones y, claro, necesitan el contacto humano, cada uno a su manera.

Al terminar cada episodio, vemos los típicos créditos y, al lado, podemos ver estadísticas sobre cuántos jugadores han tomado las mismas decisiones que nosotros o cuánto hemos acertado enviando héroes. Resulta tan morboso como divertido comprobar esto.

Todo esto hace que nos enganchemos a su formato episódico como si fuera la mejor serie de la TV, solo que aquí nosotros elegimos el destino. No contaremos más, pero todo se encamina a un par de episodios finales que son la bomba de intensos.

Seguramente, notaréis similitudes con películas o series como Invencible. Sí, las hay. Aquí también se apela más a un público adulto, con reflexiones sobre la muerte, pero también muchas referencias sexuales y humor sobre drogas y otros vicios.

La narración tiene más de "comedia de oficina" en un principio, para ir ganando dramatismo a medida que avanzan los acontecimientos, pero siempre vemos a los personajes desde una perspectiva cercana.

En ese sentido, es fundamental el doblaje a cargo de actorazos como Aaron Paul (Breaking Bad) o Jeffrey Wright (Westworld).

Hacen un magnífico trabajo para poner voz a unas animaciones también muy humanas, aunque claro, estas voces están solo en inglés.

Los subtítulos en castellano son muy buenos, pero en una experiencia tan basada en lo que dicen los personajes, andar leyendo subtítulos puede ser un lastre para algunos jugadores.

La jugabilidad se termina de formular con algunos momentos de quick time event muy básicos (solo basados en un par de botones y el stick), pero que requieren buenos reflejos, especialmente en los momentos de pelea.

Por último, tenemos algún minijuego de hackeo en el que hemos de llevar un objeto a un nodo clave, esquivando antivirus, averiguando passwords contra reloj... Al igual que el resto de elementos, no es nada novedoso, pero todo está muy bien implementado.

Y es que Dispatch tiene un ritmo magnífico, que pasa de los momentos de tomar café por rutina a batallas a vida o muerte casi sin que nos demos cuenta y mientras nos dejamos llevar por unos diálogos magníficamente construidos.

A nivel visual, su estilo limpio y colorido hace que disfrutemos de esa fusión de comic book y realidad, gracias a unos diseños artísticos que buscan la identificación directa con los códigos de los superhéroes, con un pequeño toque de modernidad.

En definitiva, Dispatch es una de las últimas grandes sorpresas de 2025. No inventa la rueda, pero tiene tan pulido su método que es difícil no quedar enganchado de principio a fin.

Esta historia nos cuenta que no todos los héroes llevan capa y que los que la llevan también son personas. Bravo, Adhoc Studio.

A grandes rasgos, es una microconsola con todas las comodidades modernas (salida por HDMI, alimentación por USB-C...) que incluye cuatro juegos clásicos de Namco (Time Crisis, Point Blank, Steel Gunner y Steel Gunner 2), títulos que llegaron en los años 90 y que tenían un punto en común: se jugaba con ellos con pistola de luz.

Como sabréis, las antiguas light guns solo funcionaban con la tecnología de las teles antiguas, las de tubo de rayos catódicos. 

Eso hace que disfrutar con esos juegos antiguos (y, sobre todo, con esas entrañables pistolas como Zapper, Light Phaser o G-Con) sea muy complicado hoy en día, lo cual ha frustrado durante lustros a muchos fans del retro.

Ahora, estas nuevas pistolas compatibles con teles modernas se lanzan para que disfrutemos de esas sensaciones tan divertidas en el salón de casa. 

No son las únicas, porque dentro de poco se espera que llegue la pistola para teles modernas de Polymega... si es que Playmaji piensa cumplir con su palabra, después de cuatro años de espera...

Pero centrémonos en lo que nos ocupa: en este unboxing, os mostramos el Ultimate Pack de G'aim'e Time Crisis por la celebración de su 30 aniversario y, por supuesto, echamos unas partiditas.

Esta edición es la más cara (200 euros), porque incluye dos pistolas, además de pedal y varios goodies para coleccionistas, pero también existe una edición deluxe por 150 euros y una básica por 100, pero solo incluye el juego Time Crisis. Veamos qué tal funciona el invento...

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