Jesse cede el testigo a su hermano Dylan para invertir las tornas. Esta vez es ella la que está desaparecida y él quien debe buscarla, además de lidiar con un buen marrón.

El siseo que puso la Casa Inmemorial patas arriba parece haber escapado hasta la ciudad, pero lo más grave parece ser la Pauta, un extraño fenómeno que está duplicando y distorsionando todo lo que toca.

Antes de desaparecer, Jesse dejó a Dylan un arma muy extraña: el Aberrante. Esta se puede transformar en un mazo, unos puñales o una guadaña (o lo que Dylan quiera, en esencia) a voluntad, así que Dylan comienza a recorrer las calles con él, mientras se enfrenta a una buena ensalada de problemas.

Ha de dar con Jesse, escuchar las extrañas voces de El Consejo en su cabeza y, de propina, acabar con los Resonantes, unos poderosos seres mutados a partir de simples humanos por culpa de la Pauta.

Saca la guadaña a pasear

Así, mientras que el juego original se basaba sobre todo en el uso de nuestra arma a distancia, aquí los combates son más cuerpo a cuerpo, más a lo hack and slash, aunque nuestros ataques pueden tener un alcance bien lejano.

Nuestro objetivo es recorrer la ciudad, que es un entorno más abierto que el del primer juego, para investigar lo sucedido e ir avanzando en las misiones de la trama principal.

Como la urbe ha sido pautada, es decir, deformada, hemos de explorar, en primer lugar, con muchos saltos y plataformeo, para sortear toda clase de abismos y edificios imposibles.

Por suerte, las habilidades sobrehumanas de Dylan le permiten levitar unos instantes, ejecutar un doble salto y propulsarse hace delante, lo que será fundamental no solo para el habitual “plataformeo”, sino también en los combates.

Estos, como decimos, se basan en el uso del Aberrante. Podemos elegir entre tres formas base para el ataque de combos (más adelante podremos desbloquear las otras formas), varias formas más para ataques más pesados y, finalmente, una forma más para remates. Además, todas estas formas se pueden ir modificando poco a poco para que tengas efectos pasivos extra.

Así, podemos tener combates en los que damos latigazos, golpeamos con el mazo y rematamos con una hélice que haga daño acumulativo, a la vez que fintamos los ataques enemigos.

Al avanzar en la trama, conseguimos movimientos especiales, que dependen de nuestra barra de energía, la cual se recupera a base de usar ataques normales.

Estos movimientos especiales son claves para la estrategia y van desde lanzar proyectiles hasta activar daño de fuego unos segundos o incluso invocar monstruos de apoyo que nos ayuden.

Marcar bien el ritmo y las pautas de ataque es fundamental por tres motivos. Primero, porque nuestra salud no se regenera sola, hemos de eliminar enemigos para recuperar un poco.

Segundo, porque si agotamos la resistencia de uno de ellos podemos llevar a cabo una ejecución, lo que nos llevará unos segundos al estado de Dominancia. En él, hacemos bastante más daño al resto de enemigos.

El tercer elemento a tener en cuenta es que hay enemigos normales y pesados. Seguirán aparecido normales hasta que acabemos con todos los pesados, que por supuesto son más resistentes.

El GPS no te servirá aquí

Como veis, hay bastante miga al combatir, a lo que hay que añadir la exploración.

El primer Control ya era un juego complejo en ese sentido y, de hecho, era fácil llegar a perderse o, simplemente, no saber qué hacer a continuación.

Aquí tenemos dos tazas de eso, ya que en muchas ocasiones Dylan tendrá que enfrentarse a anomalías gravitacionales y correr por las paredes o por el techo, al más puro estilo de la película Origen.

También hemos de cumplir otras tareas como transportar cargas eléctricas a unos acumuladores para activar interruptores, enfrentarnos a paredes o plataformas que desaparecen, distorsiones temporales, cornisas lejanas a las que solo llegamos al desbloquear ciertos movimientos...

Vamos, que solo para explorar el mapeado vais a tener que dar muuuucho al coco y pensar más allá de la tridimensionalidad tradicional porque, al ir avanzando, puede que os toque saltar y que en pleno salto lo que antes era izquierda y derecha se convierta en arriba y abajo.

Siempre hay algún tipo de pista, ya sea por efectos de luz o algún detalle del escenario, pero habrá que observar bien tanto lo que vemos como el mapa y, esta vez sí, el minimapa durante la partida.

Estos dan una orientación general, pero que un objetivo esté delante de vosotros en el mapa no significa que necesariamente haya que ir en línea recta. Quizá haya que ir por una estación de metro, o dar un rodeo por azoteas cercanas porque el camino esté bloqueado...

Esa sensación de tener que buscarnos la vida para dar con el objetivo puede resultar realmente frustrante en ocasiones, pero también forma parte del encanto de una experiencia donde lo normal es lo paranormal.

Taxi hacia lo desconocido

Esto es especialmente evidente en los montones de misiones secundarias que podemos encontrar: eliminar monstruos imposibles o frenar objetos poseídos, resolver puzzles basados en pistas del escenario o incluso viajar a mundos alternativos en los que hemos de escudriñar bien los objetos para dar con la solución.

Nuestro favorito es el taxi que puede aparecer en los lugares más insólitos y nos lleva a una calle distorsionada, pero también podéis incontrar máquinas recreativas que nos proponen desafíos de parkour o un perrete que parece perdido por algún motivo...

Hay mucho por superar si os queréis desviar de la historia principal, a lo que hay que añadir decenas y decenas de textos que dan información sobre la trama, diálogos en los que podemos elegir qué responder para ver cómo reaccionan los aliados y un espacio de gestión llamado La Brecha, al que podemos viajar siempre que no estemos en combate.

Allí, podemos canjear los puntos de experiencia y objetos conseguidos por habilidades nuevas para Dylan, más movimientos para el Aberrante o incluso objetos que podemos colocar en nuestro inventario para ganar ciertas ventajas, como más resistencia a ataques de moho. Sí, vais a ver mucho moho en el juego...

Cuántas horas dura Control Resonant. ¿Es un juego difícil?

Todo esto hace que la aventura vuelva a colocarse en una marca cercana a las 40 horas, si nos entretenemos con algunas secundarias, aunque completar el juego con el 100% de tareas puede llevar mucho más.

Como supondréis, es una experiencia bastante difícil, tanto por la exploración tan atípica que nos propone como por los propios combates: los enemigos tienen un nivel concreto y, si nosotros no hemos subido lo suficiente, pueden ser muy, muy difíciles de superar.

Aunque no hay modos de dificultad como tal, sí podemos, desde las opciones, activar el modo Asistido. En él, podemos configurar al detalle la fuerza los enemigos, la nuestra o incluso activar la inmortalidad, aunque todo esto viene quitado por defecto, claro.

El modo Asistido solo sirve para los combates, no podemos activar ayudas para la exploración, así que ahí hemos de valernos por nosotros mismos.

No intente sintonizar su televisor

Como decíamos, esa es parte del encanto de un juego que, sin duda, tiene en su ambientación su principal valor.

Con Control Resonant os tenéis que preparar para calles imposibles, mundos casi oníricos en los que las formas se multiplican hasta el infinito, estaciones en los que los metros se mueven en todas direcciones y formas pautadas que parecen sacadas de un caleidoscopio.

Es realmente fascinante ver cada nueva ocurrencia que nos presentan tantos los escenarios como los enemigos, desde un “autobús fantasma” hasta el punto fuerte, los Resonantes, los cuales muestran unos diseños que asombrarían a Escher o Dalí.

Ese surrealismo de edificios infinitos y ciudades boca abajo se complementa con una historia que, dentro de su rareza, esta vez se explica mejor que en el primer juego.

Además, se mezcla con la historia personal de Dylan y Jesse, que se nos aparece en ciertas misiones especiales y da pie a momentos realmente duros y emotivos.

Todo esto no impactaría igual sin un apartado visual a la altura. Aquí la estrella es el diseño artístico, por supuesto, pero los gráficos lo representan todo con eficacia gracias a distorsiones, efectos de luz, deformaciones... Los escenarios intimidan al principio y asombran después, mientras que los personajes se quedan más a medio camino.

Como en el primer juego, los modelos de personajes, incluido el protagonista, son extraños, como cabezones y no especialmente expresivos, mientras que el diseño de monstruos sí es mucho más convincente, especialmente en el caso de los Resonantes.

Las animaciones de combate sí consiguen su efecto de contundencia muy bien y son fundamentales para que las luchas sean tan fluidas como espectaculares.

En el caso de PS5 y Xbox, podemos elegir entre modo Calidad o Rendimiento, siendo el primero mucho más recomendable porque la acción va notablemente más fluida.

Hay algunos casos de ralentizaciones, que por lo que hemos podido averiguar con compañeros de la prensa, no se dan por ejemplo en un PC de gama media.

Hablando de PC, lo hemos podido probar también en portátiles tipo Steam Deck, en concreto en ROG Xbox Ally X y debajo de estas líneas lo podéis ver en movimiento...

Como podéis ver, se mueve de manera perfecta a 60 fps durante todo el tiempo, con una resolución de 1080p y un nivel de calidad que, si bien no es el máximo, luce bastante bien en una portátil de estas características. Sin duda, una gran alternativa donde jugarlo.

El apartado sonoro, al margen de esas melodías tan bien escogidas por Remedy como siempre, mejora gracias a un doblaje al castellano que, esta vez, sí que es bueno. Actores que se meten muy bien en la piel de los personajes y expresiones muy bien adaptadas a nuestro idioma ayudan mucho a sumergirnos en la atmósfera.

Lamentablemente, también nos hemos topado con varios casos en los que los diálogos pasaban de golpe a estar en inglés, voces que no cargaban o subtítulos que ocupaban por error toda la pantalla.

Seguramente todo eso tenga solución con parches y, en cualquier caso, solo nos ha pasado unas pocas veces a lo largo de la aventura, pero son elementos que manchan un poco la experiencia.

La opinión de Hobby Consolas sobre Control Resonant

En resumen, tal y como pasó con el primer juego, Control Resonant es una experiencia singular, valiente y, en muchas ocasiones, extremadamente original en su ambientación y diseño, hasta el punto de que su mundo puede llegar a apasionaros.

También es cierto que arrastra fallos técnicos en varios elementos y que las misiones más avanzadas pueden llegar a ser un quebradero de cabeza, en nuestra opinión, excesivo, pero no cabe duda de que tiene una personalidad llamativa y poderosa.

Eso sí, después de jugar Control Resonant no queremos ver un cubo de Rubik, al menos, en un par de años. Tenemos las neuronas agotadas...

Sea como sea, está claro que su historia tiene muchos personajes involucrados y, algunos de ellos, podrían dar pie a acontecimientos muy relevantes de cara al futuro.

Os recordamos que la historia de Marvel: Lobezno tiene lugar en un universo diferente al tradicional de Marvel (es decir, el 616) y se supone que estamos en la misma "franja" que la presentada en los juegos de Spider-man.

Por eso, la relación entre ciertos personajes y su origen puede resultaros algo confusa, ya que no es igual que en los cómics. Tras los créditos de cierre, hay una nueva revelación que podría dar pie a un segundo juego, un DLC...

A continuación os vamos a explicar qué quiere decir esa escena postcréditos, pero ojo, lógicamente vienen spoilers tanto de esos segundos finales del juego como del propio cierre de la aventura.

El significado de la escena postcréditos de Marvel: Lobezno

Para entender el significado de esa escena, hay que explicar el propio final del juego Marvel: Lobezno. Si recordáis, conseguimos derrotar a Essex (convertido ya en Mister Siniestro) pero, en su última jugarreta, "atraviesa" la mente de Logan, ayudado por La Voz.

Esto hace que la mirada de Logan cambie y se vuelva azulada, como en esos flashbacks violentos que tenía. Por pura fuerza de voluntad, Logan consigue resistirse un tiempo, pero reconoce ante Jean que es demasiado fuerte.

Jean, convertida en Fénix, le "extirpa" ese deseo de matar, pero como ella misma la explica, la muerte forma parte de él, no solo por esa "posesión", así que librarle de La Voz también lo priva de sus recuerdos. Tendrá que empezar de cero.

¿Qué estaba poseyendo a Logan? Básicamente, la voluntad de Apocalipsis, la verdadera mente en la sombra. Esos ojos azules (igual que tuvo Walter, cuando se convirtió en Sasquatch) indican que se estaban convirtiendo en Jinetes de Apocalipsis, en sus siervos directos.

Si conocéis los cómics, sabréis que Apocalipsis, probablemente el mutante más poderoso que ha existido jamás, suele poseer a ciertos individuos (el propio Logan lo sufrió en las viñetas) para que cumplan sus cometidos. En este caso, logan se había convertido en el jinete Muerte, pero Jean lo libró de ese destino.

Después de los créditos, vemos que Dientes de Sable había sobrevivido (seguramente, por una mezcla de su factor curativo y la intervención de Apocalipsis) y también tenía esos intensos ojos azules.

Al encontrar a la misteriosa silueta, esta dice que el tiempo de la Muerte había quedado atrás, que es el momento de la guerra.

Lo que nos quiere decir esto es que Dientes de Sable se convierte en el nuevo Jinete, en Guerra, para continuar el plan de Apocalipsis. Con ese cliffhanger, nos quedamos con la duda de qué sucederá a continuación.

Os recordamos que normalmente son cuatro jinetes: Muerte, Guerra, Peste y Hambre. ¿Veremos a más mutantes tomando el rol de esos jinetes en el futuro? Mientras eso sucede, no dejéis de leer nuestro análisis de Marvel: Lobezno.

En este reportaje, recopilamos algunos de los easter eggs y homenajes más curiosos que hemos encontrado en el juego de PS5.

Sidney Green, el mutante de cuatro ojos
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Tras los primeros compases, revisar las taquillas en la mansión de Essex, Logan recuerda a varios compañeros de batalla. Entre ellos, está un tal Sidney, con un casco muy particular. Es Sidney Green, alias Onyxx, un mutante con cuatro ojos y una piel dura como la roca.

Alchemax, la otra corporación maligna

Cuando nos movemos por las calles de Tokio en Marvel: Lobezno, vemos montones de carteles publicitarios. Entre las numerosas vallas destacan las amarillas de Alchemax, que seguro que os suena.

Es una de las corporaciones más peligrosas de Marvel, especialmente en el universo futuro de Marvel 2099, cuando hacen la vida imposible a Miguel O'Hara.

Dazzler, una heroína que da el cante

En el bar de Madripur vemos un cartel de Dazzler en concierto. Es una mutante que convierte el sonido en rayos de energía y... sí, es cantante. Su diseño original era bastante "setenteto", pero hoy día es más moderno.

A modo de broma, Logan comenta que "lo que hacía antes era mejor", como suele pasar con las grandes estrellas.

Puck, el paisano de Lobezno

Al avanzar el juego, una vez las calles comienzan a estar infestadas de guardias, hemos de buscar un poco por los callejones laterales para un encontrar un graffitti que reza “Puck estuvo aquí”.

Puck es un miembro de Alpha Flight y paisano canadiense de Lobezno. No es exactamente un mutante, sino un humano muy entrenado que, por avatares de la vida e "invasiones corporales" tiene un condición física algo singular.

Craig Goodman, un entrañable homenaje de Insomniac

Este huevo de Pascua es más particular y sentido. Al explorar los muros de Madripur podemos encontrar un curioso mural con este rostro.

Se trata de Craig Goodman, un artista de Insomniac que falleció de cáncer cerebral hace unos años. De hecho, ese mismo mural también se puede ver en Marvel's Spider-man 2.

Unos libros con mucho jugo

La biblioteca de Essex también tiene algún homenaje, como el libro Scarlet in Glory, referencia a uno de los cómics más importantes de X-Men.

Hay otro que claramente alude a Spider-man, incluso con el símbolo. Aunque existe una serie de tomos de Venom que se llaman exactamente igual ("Along Came the Spider") puede que sea casualidad, ya que es una expresión común en inglés por una nana que también se usó, por ejemplo, en la película La hora de la araña.

Las últimas noticias, siempre en el Daily Bugle

A veces, al explorar, nos topamos con ediciones del Daily Bugle, el periódico en el que trabaja Peter Parker, alias Spider-man, lo que ya parece dar una conexión más directa con los otros juegos de Insomniac.

Por cierto, Lobezno, como buen canadiense, reivindica el hockey frente a la victoria del último partido de béisbol.

Strange Tales, los cómics de toda la vida

En la guarida de Sanguijuela vemos números reales de Strange Tales, unos populares cómics que Marvel lanzó en los 50 y 60 y que contaban historias sobre monstruos y ciencia ficción.

Su presencia fue tan importante que, por ejemplo, fue en sus páginas donde nació el personaje de Dr. Strange o Doctor Extraño.

El meme de Lobezno melancólico

El archiconocido meme de Lobezno melancólico se homenajea por duplicado, tanto al tumbarnos en la Cabaña de Pesadilla para ver misiones previas (ojo, esperad unos segundos y descubriréis lo que observa Logan en la imagen) como en forma de marco para el modo foto.

También hay marcos que homenajean a algunas de las portadas de los cómics, por supuesto.

William Stryker, la pesadilla de los mutantes

Aunque el humano más "odiamutantes" del juego es claramente Bolivar Trask, no es el único megalómano de este universo.

Al explorar un poco, podemos dar con un libro llamado “Mi guerra” de William Stryker. Es uno de los mayores enemigos de los mutantes y está dispuesto a erradicarlos por culpa de lo que le sucedió a su hijo. Bien podría haber sido el villano de este juego.

Un héroe icónico, mon ami

En el bar de Madripur también encontramos una nota de “pagaré” en un naipe, firmado por un tal Remy Lebeau.

Como muchos fan sabréis, es el nombre real de Gambito, uno de los X-Men más conocidos...y todo un tahur a la hora de jugar a las cartas.

Y hasta aquí llega nuestro repaso a 11 huevos de Pascua y curiosidades que podéis encontrar en el juego Marvel: Lobezno... pero estamos seguros de que hay más secretillos por ahí.

¿Habéis cazado vosotros otras referencias que se nos hayan escapado? Dejadlas en los comentarios para que podamos hincarles... las garras.

Por suerte, detrás del proyecto se encuentran los chicos de Insomniac Games, responsables de joyas como los Resistance, Sunset Overdrive o, claro, los magníficos juegos de Spider-man.

Sin embargo, y a pesar de que comparte universo, el juego de Marvel: Lobezno no se basa en tomar la plantilla de las aventuras del trepamuros y darles un aspecto nuevo.

Aquí tenemos una historia construida desde cero para sorprender en muchos aspectos y un desarrollo que, sin hacerla desaparecer del todo, roba protagonismo a la exploración para cederlo a la acción y al espectáculo.

El argumento nos lleva a un mundo en el que existen los mutantes pero los X-Men nunca se han creado.

En él, Logan vive como un salvaje en el bosque hasta que es encontrado por Nathaniel Essex, el líder de un grupo mutante que busca ayudar a sus semejantes a tener el sitio que merecen en el mundo.

Cuando la mega corporación del humano Bolivar Trask los pone contra las cuerdas, Lobezno tendrá que emprender un viaje por diferentes entornos, desde Madripoor hasta Tokio, para averiguar la verdadera amenaza.

Además de cruzarse con mutantes muy conocidos por los fans de Marvel como Dientes de Sable, Omega Rojo o Mística, su principal compañera de viaje será una poderosa Jean Grey.

Un héroe con garra

El sistema de juego, como decíamos, se centra más en la acción, por lo que muchas de las misiones se basan en avanzar por escenarios más bien lineales mientras damos caña a los guardias de seguridad, desde cosechadores (humanos armados y mejorados cibernéticamente) hasta centinelas o los ninjas de La Mano.

Cuando toca pelear, la dinámica busca sacar partido a esa ferocidad propia de Lobezno. Así, con cuadrado ejecutamos ataques normales, con triángulo nos lanzamos hacia el enemigo más cercano, con X saltamos y con círculo fintamos. L1 nos sirve para hacer un parry, lo que deja al atacante expuesto un instante.

Al avanzar un poco, desbloqueamos ataques especiales que podemos asignar a L2 más un botón, desde un rodillazo a la cara hasta un movimiento circular que os sacará de más de una emboscada.

Hay otro par de utilidades que podremos vincular más adelante al gatillo derecho, pero lo más importante durante toda la partida es el sistema de furia. Hay un medidor para ello, dividido en 3 tramos, que se van llenando a medida que golpeamos a los enemigos.

En el primer tramo, la salud se recupera muy lentamente, gracias al famoso factor curativo de Lobezno. Cuando pasamos al segundo, hacemos más daño, nos curamos algo más y, si nos quitan toda la salud, podemos levantarnos una vez más para seguir luchando.

El tercer tramo es devastador y nos convierte en una bestia casi descontrolada, capaz de acabar con los enemigos de un plumazo. Este tramo suele durar muy poco y, para mantenerlo a flote, hemos de realizar ejecuciones potentes sin parar o se disipará.

Así, las peleas se suelen resolver a base de saltar a por alguien, atacar, fintar o hacer parry e ir acumulando rabia o ataques especiales (que se regeneran con el tiempo) para los momentos más peliagudos.

Algunos enemigos tendrán barra de resistencia, así que habrá que ejecutar una buena dosis de parry para mermarla.

Si todo esto os hace pensar que el juego recuerda a otros clásicos como God of War, estáis en lo cierto. Los combates tienen ese “sabor Kratos” en muchos momentos, pero también es cierto que en Insomniac buscan sus propios trucos.

Por un lado, hay un montón de ejecuciones contextuales, desde golpear la cabeza de alguien contra un objeto hasta empalarlo o arrojarlo a un foso de metal fundido.

Y es que, si algo llama la atención de los combates de Lobezno, es lo bestias que son, con amputaciones, garras atravesando cráneos y sangre a borbotones. Logan no se anda con chiquitas, tronco.

A pesar de ello y de que, visto desde fuera, puede parecer que todo es un aporreo de botones a lo loco, hay una dinámica muy sutil, casi instintiva, como corresponde al personaje, a la hora de pelear. Realmente te sientes una bestia poderosa capaz de arrasar con todo cuando sabes dirigir bien la furia.

El sigilo del carcayú

Para acabar con los enemigos, también hay muchos tramos en los que podemos recurrir a la infiltración: Logan andará a hurtadillas automáticamente y podremos atacar por la espalda o desde una posición elevada para eliminarlos de un golpe.

En nuestra sesión de preview con el juego os contamos nuestras dudas con este sistema, ya que podemos saltárnoslo en cualquier momento y dar caña cara a cara, ya que somos tan poderosos.

Tras probar el juego hasta el final, esa sensación de “tampoco hacía falta” no desaparece del todo, pero reconocemos que hacer de depredador que ataca por sorpresa es una sensación muy satisfactoria.

Además, hay otros tramos en los que la acción tiene una dinámica especial, como frenéticas misiones en moto o, sí, varios momentos en los que la acción recurre a quick time events.

Con esto último tenemos la opinión dividida. Por un lado, suponen todo un espectáculo visual (luego volveremos a eso), pero por otro, a nivel jugable nos han parecido bastante sosos, con secuencias de botones muy tibias y tiempo excesivo para ejecutarlas, lo que les resta tensión.

Eso nos lleva a otros tramos que tampoco nos parecen bien rematados, como las tan traídas y llevadas secuencias de persecución.

En varios momentos del juego, hay que correr y saltar mientras perseguimos a alguien y, aunque no es cierto lo que se dice en Internet de que basta con pulsar un botón y avanzar, como jugadores las sentimos como un mero trámite narrativo, no como un desafío interesante a la hora de jugar.

Y no es porque siempre queramos estar repartido estopa. De hecho, hay otros momentos en los que la dinámica nos propone explorar tramos algo más abiertos, dejarnos impregnar del ambiente de Japón o los bosques de Canadá y oye, solo por el ambientillo y lo bien recreado que está todo, se agradece.

Incluso hay algún que otro puzzle pequeño basado en usar teclados basándonos en los rastros que detecta Lobezno o algún pequeño tramo de espionaje mientras vamos disfrazados con la icónica identidad de Parche.

Sinceramente, nos parece que tramos como ese último son especialmente interesantes y no se aprovechan lo suficiente. Sí, los combates son sin duda lo mejor del juego y coincidimos en que no es necesario aquí crear un juego abierto completamente, pero esos tramitos se podían haber exprimido más.

Busca, Lobeznito, busca

En cualquier caso, hay muchos otros entretenimientos en la experiencia. Por un lado, siguiendo con la tradición de Spidey, tenemos decenas de trajes para desbloquear, desde los que se obtienen de forma normal en el juego hasta otros especiales que homenajean la serie de dibujos de X-Men, Arma X o cualquier otra variante que se os ocurra.

Incluso tenemos montones de skins para las garras, aunque ni estas ni los propios trajes dan ninguna ventaja o habilidad especial. Simplemente, mola verlos en movimiento.

Para desbloquearlos, hemos de buscar cajas de suministros por todo el mapeado y gastar los puntos obtenidos en el traje que prefiramos (al comprar varios, recibimos una mejora permanente de salud), pero no son los únicos coleccionables.

También hay botellas de whisky que nos cuentan una pequeña historia sobre el pasado de Lobezno y, sobre todo, 14 cabañas de pesadilla.

Estas últimas son portales especiales que encontramos en los escenarios (tranquilos, suelen aparecer cerca de nosotros, no hay que buscar mucho) que, una vez atravesados, nos llevan a una prueba especial en la que hemos de superar desafíos contra reloj.

Estos pueden ser desafíos muy rápidos de parkour o las llamadas tribulaciones, una especie de modo horda en el que superar oleadas de enemigos cada vez más difíciles.

Sin duda, las cabañas son un acierto, con retos muy intensos y un rango de recompensas según nuestra puntuación muy interesantes. Hay trajes especiales para desbloquear, pero también puntos de adaptación.

Estos últimos, que también se obtienen con las botellas de whisky, permiten activar nuevas cadenas en nuestro ADN o, lo que es lo mismo, huecos para asignar ventajas pasivas, como más tiempo para ejecutar los parry o una mayor intimidación en los enemigos.

Además de estas cadenas, vamos subiendo de nivel al superar retos y esto nos da puntos de técnicas.

Se trata de pequeños movimientos que podemos incorporar a los combos (lanzar a un enemigo, ejecutar un movimiento aéreo, etc) o bien esos ataques especiales que mencionábamos antes y que podemos asignar al gatillo derecho.

Como veis, hay bastantes extras por descubrir, a lo que hay que añadir los típicos guiños made in Insomniac, como un modo foto que vuelve a ser una maravilla, ya sea por colocar a Logan con la pose, expresión, luz o filtro que nos apetezca, sino también por unos marcos llenos de referencias a los cómics o incluso a los memes de Internet.

Y, por supuesto, a lo largo del juego también hay montones de grafitis, objetos y referencias a personajes de Marvel que no son importantes para la trama, pero que harán sacar una sonrisa a los más conocedores del lore marvelita.

Vamos, que la ambientación está muy cuidada, como es costumbre, a lo que hay que añadir un apartado técnico soberbio.

Gráficos de adamantium

Al jugar en una PS5 estándar, tenemos el modo calidad y rendimiento. Como siempre, os recomendamos modo rendimiento porque la fluidez de los 60 frames por segundo es evidente, pero es cierto que hay ciertos momentos en los que el modo calidad llega a ser alucinante al alcanzar una mayor resolución.

Y es que el nivel de detalle gráfico es casi enfermizo. Desde los escenarios llenos de objetos y bien iluminados hasta la forma en que el traje y el cuerpo de Lobezno se van desgarrando a medida que pelea, pasando por otros detalles como la cantidad de objetos destructibles, efectos de partículas o unos reflejos en tiempo real (debe de ser el juego con más espejos por minuto de la Historia) realmente pasmosos, que sacan un partido muy superior al de otros juegos al hardware de la consola.

Todo esto, junto a unos movimientos de cámara y unos cambios de plano tremendamente espectaculares y cinematográficos, además de una captura de movimiento y un modelado facial para todos los personajes excelentes.

Llegados a este punto, toca hablar de cierta polémica que ha habido estos días en cuanto al diseño de los personajes.

Por un lado, sí, es cierto que la mirada de Lobezno a veces parece un poco de “cachorrito”, pero cuando toca apretar dientes y pasar a la acción, el resultado es incontestable, arrollador.

Con respecto al resto de personajes, no estamos para nada de acuerdo con unas críticas que, sinceramente, creemos que vienen de quienes han visto un plano suelto o un frame de los mismos.

Mística, Essex o Jean Grey tienen un gran equilibrio entre parecer sacados de un cómic y demostrar realismo, con diseños que sí, son sexis, pero con un aire más moderno.

Es cierto que la Dama Mortal que vemos aquí es más vieja que la de los cómics, pero incluso eso tiene su explicación en el juego.

Recordad, estamos en un universo diferente al 616 de Marvel y aquí hay elementos de los personajes que solo podréis entender al jugar. Hay mucha tela que cortar...

De hecho, por si tenéis la duda, os aclaramos que no es imprescindible profundizar en el lore de Marvel para entender el juego, pero ayuda bastante, especialmente en el tramo final, cuando empiezan a darse revelaciones y giros de guion bastante potentes.

Hay referencias a personajes que es conveniente conocer previamente para comprender del todo, aunque también es verdad que accediendo a la pausa podemos ver una galería de personajes relevantes que se va actualizando con explicaciones muy esclarecedoras a medida que avanza el juego.

El apartado sonoro también está a una gran altura, con melodías contundentes que, sobre todo, se ven apoyadas por unas voces magníficas. La versión en castellano cuenta, como era de esperar, con Gabriel Jiménez, voz de Lobezno en las películas, además de otras grandes voces como Lorenzo Beteta.

Insomniac suele sacar partido a las funciones únicas de PS5 y aquí lo notamos con sonidos de todo tipo en el altavoz de Dualsense cuando Lobezno está rastreando pistas o cuando algunas voces asaltan nuestra cabeza.

A eso se une un super concienzudo uso de la vibración háptica, ya sea en golpes más potentes o en cosas tan sutiles como un par de vibraciones cuando Lobezno se cruje el cuello.

Dificultad de Marvel: Lobezno. ¿Cuántas horas dura el juego?

¿Qué hay de la dificultad del juego? Podemos escoger entre cinco niveles diferentes, siendo el tercero el que se recomienda por defecto. En ese nivel, los desafíos de combate están a la altura de las circunstancias, lo que hará que muráis alguna que otra vez, pero no se trata de un juego especialmente difícil, más bien al revés.

Superar los grados más altos de las Cabañas de pesadilla ya es otra historia y necesitaréis, efectivamente, ser “el mejor que hay”.

Llegar al final de la aventura os llevará unas 20 horas, a lo que habría que sumar algún tiempo de exploración para encontrar todos los coleccionables y, además, un modo Nueva Partida+ en el que heredamos algunas de las mejoras.

Por cierto, el final tiene una escena postcréditos muuuuy inquietante y, además, si conseguís superar todas las Puertas de pesadilla encontraréis una más que da pie a una escena muy interesante para el que quiera conocer toda la historia a fondo.

La opinión de Hobby Consolas sobre Marvel: Lobezno

En conjunto, Marvel: Lobezno es todo un disfrute. A nivel técnico hay pocos juegos que se le acerquen y su sentido del espectáculo superheróico está a un nivel altísimo, apoyado en el hecho de que esta aventura es más violenta y descarnada que otras del género.

El tratamiento de los héroes y villanos es estupendo, los guiones están muy bien hilados y realmente os engancharéis a la relación entre ciertos personajes.

Y, a nivel jugable, pelear es tan salvaje y divertido como esperábamos. Es verdad que otros elementos de la experiencia no nos han satisfecho tanto, como las persecuciones, el hecho de que agradeciera ser un poquito más abierto o las “coreografías” de los quick time events. A fin de cuentas, estamos en 2026 y algunos de estos ingredientes podrían tender algo más de profundidad o factor sorpresa.

Dicho esto, con Marvel: Lobezno no vamos a hacer “mutis por el foro”: es una estupenda aventura de acción a la que bien merece hincar las garras esta temporada... nene.

Si habéis visto algún tráiler, no os habrá dejado indiferente. Primero, por su estética, un expreso homenaje a los animes de finales de los 70 y los años 80.

Y segundo, por su propuesta jugable: no se puede superar esta aventura en solitario, es necesario hacerlo con un segundo jugador, cooperando para avanzar.

Los juegos de Josef Fares como A Way Out o It Takes Two ya habían apostado por ello, pero Orbitals tiene su propia dinámica y ambientación, que lo convierten en una experiencia capaz de poneros a prueba en un momento y haceros rodar de la risa en otro.

El argumento bebe de las aventuras espaciales tan propias de la época. Maki y Omura son dos jóvenes amigos que viven en una colonia espacial.

Están entre los pocos supervivientes de un cataclismo ocurrido 15 años atrás y ahora han de encontrar una serie de reactores para escapar de una enorme tormenta cósmica.

Unos space cowboys

Esto provoca que tengamos que movernos en cuatro ámbitos jugables. Por un lado, recorriendo la estación espacial, mientras hablamos con sus habitantes, interactuamos con las mascotas o probamos algún minijuego.

Por otro lado, dentro de nuestra nave, donde encontramos algunas herramientas para recoger y decidimos quién pilotará y quién usará el cañón de artillería.

Después, toca precisamente eso: manejar la nave por el espacio para alcanzar el siguiente objetivo.

Al hacerlo, de nuevo manejamoss a Maki y Omura por separado para visitar extraños mundos (desde eriales congelados hasta verdes vergeles) en los que se nos reta a tramos de plataformeo, exploración y muchos puzzles.

Normalmente, esos puzzles se basan en usar algunas de las cuatro herramientas que vamos consiguiendo: un cañón de agua, un láser concentrado, un gancho y un extraño rayo capaz de poseer ciertas entidades.

Aunque las zonas interactivas suelen estar bien marcadas (asas amarillas para el gancho, un icono de agua para el cañón, etc.), tenemos que dar bien al coco para entender cómo seguir avanzando, con el componente extra de que los niveles se han de superar cooperando sí o sí.

Así, puede que a uno le toque desplegar una plataforma para que el otro avance y pulse un interruptor, cargar un robot a distancia con el rayo tras un cristal mientras el otro lo acompaña en paralelo, manejar de forma remota un robot que genere un escudo al compañero...

Las combinaciones son enormes y, en muchos casos, extremadamente originales, lo que hará que os maravilléis por partida doble: primero, porque a alguien se le haya ocurrido un puzzle así; y segundo, porque vosotros hayáis entendido a la vez cómo hay que seguir avanzando.

Todo esto lleva a situaciones frenéticas y rocambolescas en las que la vida de uno de los personajes dependerá del otro jugador y un fallito haga que caiga al vacío mientras el “culpable” se parta de risa.

La leyenda de los héroes galácticos

Lo bueno es que tenemos “vidas” infinitas y nuestros personajes reaparecen siempre en el último tramo a superar (nada de repetir secuencias interminables de saltos y puzzles), por lo que no resulta frustrante atascarse ligeramente en una zona.

El ritmo es muy variado, con momentos en los que vemos la acción en pantalla partida, otros en los que vemos a ambos personajes en profundidad y en una sola pantalla...

Además, hay tramos que se basan en pruebas musicales para seguir el ritmo, duelos contra jefes finales... Nunca sabes qué nuevo desafío te va a esperar a continuación.

De propina, suele haber pequeñas bromitas como animales con los que interactuar o algunos minijuegos para desbloquear cuando volvamos de una misión, lo que nos puede llevar a pequeños desafíos competitivos para distraernos.

Cómo se juega en cooperativo a Orbitals

¿Y de qué forma pueden participar dos? El sistema más evidente es mediante un cooperativo online, si los dos jugadores tienen su propia Switch 2 y el juego (o el segundo tiene un pase de amigo, que es gratuito); pero también se puede usar Gameshare, para que el segundo jugador no necesite tener el juego, solo su consola. Esto se puede aprovechar online pero también en local.

Lo interesante de esto es que, como Gameshare se basa en streamear la partida, el segundo jugador no necesita tener una Switch 2, le basta con una Switch 1 y podrá jugar sin problema. Por último, también es posible jugar en local en una sola consola, usando cada jugador un par de joy-con.

Por si queda alguna duda: no, no hay forma alguna de jugar en solitario, ya que todo el juego está diseñado para superarse en compañía.

Los desafíos van desde lo simple y divertido hasta algunos más avanzados que van a requerir vuestra habilidad tanto moviéndoos rápido como dándole al coco, a veces sobre la marcha.

Nunca llega a ser excesivamente difícil, pero algunos desafíos os pueden llevar vaaaarios reintentos, especialmente a la hora de coordinaros con el compañero para superar una determinada secuencia en orden.

Hablar, ya sea via Gamechat o “en vivo”, es fundamental para ponerse de acuerdo en la estrategia. Superar el juego Orbitals lleva cerca de 10 horas, así que tendréis tiempo para acostumbraros a vuestros “tics” jugables.

Lo cierto es que Orbitals ayuda mucho a que la experiencia sea aún más divertida gracias a su apartado técnico y ambientación.

Miyazaki estaría orgulloso: los gráficos de Orbitals

Como decíamos, la influencia estética bebe claramente de los años 70 y 80 (también algo de los 90), con evidentes referencias a las obras de Studio Ghibli, pero también guiños por aquí y por allá a otras obras: correr como Arale en Doctor Slump, diseños inspirados en los de Rumiko Takahashi...

Incluso se ha contado con una leyenda como Hidetoshi Yoshida, un veterano de hitos como Bubblegum Crisis o Patlabor, para ayudar con el diseño y el storyboard del juego, y de las numerosas escenas de vídeo, creadas a base de animación tradicional, se ha encargado Studio Massket, responsables del video de ending de Cyberpunk Edgerunners, entre otras obras.

El resultado es una estética auténtica, que huye de un estilo amerimanga impostado y realmente se percibe como algo extraído de tres o cuatro décadas atrás.

Al margen de las escenas de vídeo, los gráficos usan, como era de esperar, un fuerte cel-shading combinado con filtros de granulado y aberración cromática que dan un cierto tono “degradado” a la estética, como se estuviéramos viendo una animación antigua.

Pero no se trata solo de trucos superficiales: las animaciones de los protagonistas y los personajes que encuentran están cuidadosamente exageradas para dar ese aire de animación desatada, viva, de los animes clásicos.

Los escenarios también están plagados de detalles, animalillos en movimiento e influencia ciberpunk.

La única pega puede darse en algunos momentos en los que buscar el siguiente objetivo puede ser algo engorroso en pantalla partida, pero el conjunto compensa con creces el problema.

El apartado sonoro no se queda atrás, con un tema principal del juego cantado por Mami Akuyama, toda una leyenda para los seguidores de Gundam.

Las voces están magníficamente dobladas al castellano, con el enorme acierto de colocar en los roles protagonistas a Clara Schwarze e Iván Priego, voces de Akane y Ranma chico en el reciente remake de esa serie. Incluso se permiten algunas florituras como dar un contundente acento catalán a uno de los personajes que vamos encontrando en el juego.

La opinión de Hobby Consolas sobre Orbitals

Todo esto ayuda a que entren mejor los numerosos comentarios y chascarrillos de los héroes mientras superan obstáculos o se respawnean tras una muerte, lo que hace que la experiencia en su conjunto sea muy desenfadada y llena de humor blanquito.

Hay momentos para el drama y el misterio, sí, pero la aventura tiene un tono muy familiar.

Así, Orbitals se convierte en una de las mayores alegrías recientes para Switch 2 y es una muestra más de que no hay nada como el trabajo más artesanal. Se nota cuando un juego está hecho desde el cariño y pensando en el jugador y, en ese sentido, esta experiencia está en otra órbita.

La historia de esta Captain Tsubasa 2 arranca donde lo dejó el juego anterior, para que el artista antes conocido como Oliver Atom y los demás se enfrenten al arco World Youth del manga.

Eso implica que el protagonismo pasa a ser de las selecciones nacionales juveniles. Aunque hay algún partido a nivel “solo Japón”, lo importante llega cuando nos enfrentemos a titanes como Brasil o la Alemania de Schneider.

El desarrollo de estos partidos de fútbol ha cambiado un poco con la nueva entrega, pero lo esencial permanece.

Eso implica que el realismo se va a por tabaco, los futbolistas se pasan más tiempo saltando por los aires que corriendo y los goles pirotécnicos están a la orden del día.

Y ninguno los podrá detener

Nosotros controlamos al jugador de nuestro equipo que tenga la posesión, o al más próximo al rival que la tenga.

Cuando atacamos, tenemos un botón para correr, uno de acción potente, uno para regate, uno para pasar y otro para disparar. También hay un botón para habilidades especiales, pero luego veremos eso.

En defensa no hay mucho cambio, solo que el botón de acción potente sirve para atacar con toda la fuerza al rival y robarle el balón y el de regate pasa a ser para intentar un robo más rápido.

Aunque esta dinámica de que un futbolista vaya a por otro y este último esquive ya estaba en el juego previo, aquí se vuelve más relevante al tener que cuidar el timing de la acción potente al máximo cuando tengamos el balón.

En vez de intentar alejarnos o pasar a un compañero, lo más útil suele ser pulsar el botón para ir a por el rival.

De esta forma, haremos alguna jugada llamativa (depende del jugador) para derribar o despistar al contrario y seguiremos adelante con el balón.

Si lo logramos, acumularemos “jugadas encadenadas” y el medidor de uso de nuestro super disparo crecerá. Cuantas más jugadas encadenemos, más efectivos serán nuestros movimientos.

Ahora bien, puede que el rival ataque en el momento justo o lo haga desde un ángulo inesperado y nos robe la pelota mientras nos lanza por los aires y rompe la cadena. Tranquilos, aquí no hay ni faltas, ni tarjetas, ni na. El árbitro tiene mejores cosas que hacer.

Este constante “duelo” entre quien tiene la posesión y su rival más cercano es el verdadero pilar de los partidos y quien lo domine (en conjunción con los pases y tiros, claro) será el amo del partido.

Es una propuesta interesante y muy intensa, pero que se puede volver un poco desesperante en duelos con alguien (la CPU en los partidos más avanzados, mismamente) que tenga bien dominado su uso en ataque, porque robarle el balón se vuelve prácticamente imposible.

Jugador, pase por portería

El otro gran cambio está en los momentos de tirar a puerta. Podéis pulsar ligeramente el botón de disparo y probar suerte, pero irá siempre a las manos del portero.

Lo realmente necesario es dejar el botón pulsado para que la barra correspondiente crezca hasta el área de disparo. Una vez ahí, soltáis y se desatará una mini escena con más espectáculo que 2 Kamehamehas seguidos.

De nuevo, el portero tiene una barra de resistencia que se va agotando con cada parada (lo que hace que se vuelva más fácil meterle un gol), pero con cada tiro se activa un minijuego. Hay que elegir una dirección con el stick izquierdo.

Si la dirección de atacante y portero coinciden, este último hará una parada perfecta y perderá poca salud.

También puede ser una parada normal o una mala (si el portero marca la dirección opuesta a la del atacante) y ahí perderá mucha salud. Cuando el portero pierda demasiada salud, la pelota entrará.

Con ciertos tiros potentes, podremos incluso traspasar la red y generar un Break, lo que hace que la barra de salud del portero sea más pequeña el resto del partido.

¿Qué superpoder tendrás hoy?

Esto nos lleva a las habilidades de los futbolistas. Cada miembro del equipo tendrá 5 habilidades clave: entrada al rival, regate, tiro aéreo (después de que alguien cuelgue un balón elevado), tiro y supertiro.

Cada una de estas 5 categorías puede tener un movimiento diferente en función del jugador y cada movimiento tendrá una nota que puede ser E, D, C, B, A, S, SS o incluso SSS para las más potentes.

Los tiros, como hemos dicho, se ejecutan al cargar lo suficiente el botón de disparo. Para los super tiros, hemos de acumular suficientes acciones exitosas durante el partido.

Cuando el medidor del super tiro se haya llenado, podremos ejecutarlo pulsando un gatillo. Ni que decir tiene que hará mucha más pupa al portero rival.

Lo interesante es que dentro de la categoría Supertiro el jugador puede tener un movimiento que no sea estrictamente un disparo a puerta.

Puede ser un super pase que haga volar a los rivales cercanos cuando el balón aterrice o un bestial placaje capaz de recorrer medio campo, por ejemplo.

Formar un equipo que tenga variedad en estas habilidades es crucial para hacerse con la victoria.

En la categoría de super tiros también podemos tener disparos combinados que impliquen a dos o incluso tres jugadores.

Son una pasada, pero claro, se necesita que dos o tres jugadores se asignen el mismo movimiento a la vez, por lo que reducimos nuestra variedad de opciones.

Por cierto, también podemos asignar movimientos propios de un portero. En ese momento, el juego nos preguntará si queremos avanzar y cambiar la posición de nuestro avatar a portero o cancelar.

Por último, tenemos las jugadas milagrosas y las paradas milagrosas. Las primeras son tiros requetehiperbólicos en los que tooodo el equipo colabora para meter un gol atómico que es imparable. Las segundas son lo opuesto: una parada imposible cuando todo esté en contra.

Tanto unas como otras se dan automáticamente cuando se cumplen ciertas circunstancias en el partido y que se den o no depende en buena medida del azar, por lo que no podemos depositar nuestra confianza en ellas. Si suceden... mejor que mejor.

Al margen de todo esto y solo en el modo Historia, a veces nos topamos con eventos especiales en medio del partido que replican momentos clave del manga, como jugadas únicas o discursos importantes de los jugadores.

Esto, por un lado, da mucha vidilla al desarrollo con circunstancias que quizá no veíamos venir, pero a la vez pueden suponer un problema, porque provocan parones importantes.

Cuando se da un caso así, la acción se detiene, vemos una pantalla de carga de un par de sgundos con el logo del juego, luego la escena, luego otra carga y volvemos al juego.

Cuando es de higos a brevas no pasa nada, pero hay partidos en los que se pueden dar dos o incluso tres escenas seguidas, lo que puede llegar a desesperar al más pintado.

Por suerte, podemos desconectar estos “eventos” antes de cada partido. No será tan épico, pero al menos jugaremos del tirón.

Ya que estamos, hablemos de los modos, empezando por ese Historia, que es el principal. A diferencia de la entrega anterior, aquí no hay una trama para seguir el manga y otra en la que forjemos una carrera con nuestro avatar. En su lugar, se ha integrado todo.

Básicamente, seguimos la historia del World Youth con un avatar que creamos nosotros (eligiendo complexión, rostro, peinado y, después, los movimientos que haga de entre los que hayamos desbloqueado), desde los humildes comienzos en Japón hasta la batalla final contra Brasil.

Además, se han diseñado algunos duelos especiales entre selecciones y un par de recorridos extra en los que vemos qué pasaría si Tsubasa y su equipo se enfrentaran a otros combinados nacionales, como EEUU o... sí, también España, ole. Al derrotar a cada rival lo desbloquearemos para el modo Versus.

Protagonista tú

El componente RPG del juego anterior se ha diluido mucho y ya no conseguimos items de mejora. Lo único que vamos alterando son los movimientos que asignamos tanto a ciertos jugadores como a nuestro avatar dentro de las categorías que mencionábamos antes.

Se puede subir de nivel con la experiencia acumulada en cada partido, pero solo nos sirve para ganar una moneda virtual que luego explicaremos.

En cada partido de la Historia hay objetivos secundarios, como hacer un número de paradas o regates. Si los cumplimos, tras el partido podremos ver subcapítulos opcionales en los que los jugadores hablan entre sí o echan un partidillo de entrenamiento.

La recompensa por ver esto pueden ser nuevas habilidades para asignar o una mejora en el rendimiento de los jugadores que no sean el avatar.

Como veis, el funcionamiento es bastante simple y habrá a quien le decepcione que la dinámica se haya simplificado, aunque por otra parte esto nos permite avanzar en la trama de forma más directa.

Los últimos partidos del modo Historia son realmente duros, con unos porteros más resistentes que Hulk y acometidas constantes.

Si os desespera, podéis bajar la dificultad a fácil y aun así, avanzaréis igual que en Normal o en Difícil. No es que nosotros lo hayamos hecho, nos lo ha dicho un amigo. Superarlo todo nos ha llevado algo más de 10 horas.

Al margen de esto modo Historia, tenemos un modo Entrenamiento (para partidos de prueba o bien un tutorial de jugadas), el modo Colección (en el que repasamos las melodías y vídeos desbloqueados, además de ver fichas rápidas de los personajes) y el ya citado modo Versus.

El Versus puede ser local contra otro jugador o la CPU o bien online, en partidas privadas o públicas.

Al ganar en partidas públicas podremos ir aumentando nuestro rango para la tarjeta de jugador. Lamentablemente, el modo online no estaba disponible en el momento de hacer este análisis.

Lo que si os podemos decir es que el Versus local es muy divertido cuando las “fuerzas” están igualadas. Habrá que ver después de jugar muchos partidos seguidos pero en los primeros compases cualquiera pilla el truco rápido a la dinámica y os podéis echar unas buenas risas.

El problema es que fuera de estos modos no queda casi nada. Un juego como este, tan basado en el Mundial, pedía a gritos un modo torneo, tanto local como online.

También faltan más opciones de configuración para duelos sueltos, como la duración de los partidos (que invariablemente duran cerca de 10 minutos) o la formación de los equipos, que sí se puede cambiar en el modo Historia.

España contra el Tiro del Tigre

Lo que sí podemos cambiar en Versus es la posibilidad de gol de oro en la prórroga y, claro, elegir estadio (la variedad es pequeña, aunque todos son muy espectaculares) y equipo.

En total, tenemos 22 equipos nacionales más otros cinco locales, lo que da un muy correcto total de 27, cada uno con sus particularidades y movimientos únicos.

Siempre que naveguemos por los menús del juego, podemos acceder con Start al multimenú, que nos permite configurar las opciones de juego, ver las últimas noticias online o comprar con el dinero virtual ganado nuevos peinados para el jugador personalizado, más balones o melodías.

Incomprensiblemente, no podemos comprar ni nuevas equipaciones, ni personajes o equipos, estadios, por ejemplo.

Mucho nos tememos que eso pueda llegar a ofrecerse a cambio de dinero real en la Store de cada consola, pues ya está anunciado el inevitable pase de temporada.

En cuanto al apartado técnico, se vuelve a usar Unreal Engine para unos gráficos que apenas aportan detalle nuevo respecto a la primera parte, pero a la que se le saca más partido gracias a las constantes escenas especiales y los nuevos súper disparos.

Ver el Tiro Raiju de Mark Lender... digo Hyuga en acción es una verdadera pasada.

Los detalles como los cambios de expresión del portero según el tipo de parada que haga o los destrozos en el campo (que puede hasta arder o electrificarse) con los disparos más top hacen que el conjunto, dentro de sus aspiraciones, sea muy espectacular.

Por supuesto, al cabo de un tiempo se pierde cierto factor sorpresa al repetirse los movimientos de un mismo equipo, pero no se puede negar la fidelidad a la estética tanto del manga como del anime de Campeones.

En el apartado sonoro, las voces en las escenas de corte y de los jugadores están solo en japonés, mientras que el narrador se puede poner en japonés o en inglés.

El narrador se repite bastante, pero sí mola escuchar que los jugadores van diciendo el nombre del compañero al que pasan o cómo gritan con sus chuts más potentes.

Lógicamente, echamos en falta que haya voces en castellano (algo que los juegos de anime de Bandai Namco no nos suelen dar nunca, tristemente), pero reconocemos que los menús y subtítulos están muy bien adaptados a nuestro idioma, como expresiones muy divertidas en los diálogos e incluso “licencias” muy acertadas, como llamar La Roja a la selección española o mencionar que esta se especializa en el tiquitaca.

Hay buena selección de melodías para desbloquear y elegir, si bien solo suena una (la que elijamos) durante el partido, otra durante el gol de oro...

La opinión de Hobby Consolas sobre Captain Tsubasa 2

En conjunto, Captain Tsubasa 2 es un más que digno homenaje a las aventuras futboleras en las que se basa, que puede llegar a emocionar en según que partidos y que se disfruta mucho más contra otra persona.

Eso sí, también satura con sus constantes interrupciones y con el exceso de hipérboles visuales en las jugadas, hasta el punto de que hay veces en las que no sabes ni dónde estás. Es un poco como la fabada: asombra a los sentidos, pero que hay que disfrutarlo en dosis controladas.

Se trata de la cuarta entrega canónica de los videojuegos y, de nuevo con 4A Games al mando, pretenden volver a las raíces más viscerales y angustiosas de la serie. Por un lado, hay una estrategia de atraer fans a una experiencia que distingue a la serie Metro de otros shooters.

Por otra, dado que 4A Games es de Ucrania, quieren reflejar los horrores reales de la guerra que ellos han vivido (algo común en otros desarrolladores como los de The Sinking City 2) en un título que nos hable de las consecuencias de estos conflictos, de lo que se pierde por el camino.

Para que tengáis más contexto, esta entrega nos lleva aún más lejos en el devastado futuro postnuclear y presenta un nuevo protagonista, el Extranjero (llamado simplemente Spartan en el juego), que después de haber conseguido labrarse una vida fuera del metro de Moscú, ha de regresar, traumatizado por un motivo que aún desconocemos.

Allí, tendrá que enfrentarse a las fuerzas del Novoreich, un nuevo poder fáctico comandado por el icónico Hunter, que parece haberse vuelto majareta del todo. Ellos han impuesto un falso ambiente de conformismo entre los supervivientes, que balbucean palabras de gloria mientras todo se viene abajo a su alrededor.

Próxima estación: desesperación

La demo que nosotros hemos probado arrancaba en la estación de Sevastopolskaya. Allí, llegamos a un acuerdo con el líder de la estación para que, a cambio de cierta información, nosotros nos encarguemos de la banda de delincuentes de Kaban, en una base militar abandonada en la superficie.

Así, hemos de salir de la zona segura de la estación, atravesar peligrosos túneles, salir al exterior y entrar en la base, preferentemente con sigilo, para acabar con estos maleantes.

Los primeros compases nos sirven para familiarizarnos con una seña de identidad de Metro: las bases en las que otros supervivientes te cuentan su vida.

Allí podemos ver cómo algunos intentan autoconvencerse de que están fenomenal, otros te dan algo de contexto sobre la situación...

También hay lugares clave como una armería donde recibir nuevos “juguetes” o mejorar lo que tenemos.

Quizá esta parte es la que menos nos ha impactado, en parte porque estaba taaan saturada de gente que nos hablaba que resultaba demasiado inverosímil, pero ya se nos da una pista de cómo de impactantes serán los modelados y la iluminación en el juego.

El alucinante 4A Engine

La verdadera chicha empieza nada más dejar atrás las puertas blindadas de la base. Al recorrer el primer túnel del metro, no puedes evitar decir “guau”.

Por un lado, por la sensación claustrofóbica de estar solo, a oscuras, en un entorno realmente amenazante, pero sobre todo por el apoteósico despliegue gráfico.

La iluminación, con algunos rayos de luz colándose en las rendijas, las telarañas moviéndose con el frágil viento, las fugas de agua goteando, las sombras...

Todo tiene un nivel de detalle alucinante, que se ve potenciado por el nunca suficientemente valorado apartado sonoro: cómo el eco, tanto de los enemigos en la sombra como de nuestros aparatos, suena de forma muy diferente según el túnel, por ejemplo.

Llegados a este punto, tenemos que comentar que nosotros hemos jugado la preview gracias a una clave de Nvidia GeForce Now que nos ha facilitado la compañía, por lo que ha sido una experiencia por streaming, vinculada a un ordenador a la última.

En ese sentido, aún tenemos que ver cómo se verá en consola o en un ordenador más modesto, pero las sensaciones en un PC “a tope de power” son de lo mejorcito que hemos visto nunca a nivel técnico.

Siguiendo con la jugabilidad, por aquí nos encontramos con los primeros mutantes enemigos, que ya sacan a relucir el estilo de gunplay tan propio de Metro.

Tenemos balas más que suficientes para defendernos, pero los enemigos son muy fieros y no paran de moverse, así que hay que tener la sangre fría.

Todas las armas tienen un disparo secundario más limitado, como proyectiles incendiaros que causan mucho daño, lo que hemos de combinar con cabeza con los elementos arrojadizos, desde cuchillos hasta bombas de todo tipo.

Además, atacar a los enemigos por sorpresa para eliminarlos de un plumazo es fundamental en varias ocasiones, por lo que hemos de vigilar movernos agachados y usar la luz de nuestra linterna solo cuando sea imprescindible.

No os preocupéis, tengo un mechero

A eso hay que sumar el uso de nuestros gadgets, que son más numerosos que nunca. Como siempre, lo prioritario es tener nuestra máscara puesta siempre que estemos en zonas contaminadas (lo que es el 90% del tiempo) y cambiar los filtros cuando el contador nos avise.

Esto es importante cuando salimos al exterior y nos encontramos un entorno más “abierto” (tampoco es una locura en ese sentido, porque los cráteres y los vehículos destrozados ya nos delimitan el camino) y hemos de calcular bien qué camino seguir, si buscar la ruta más directa o entretenernos con edificios secundarios.

Aquí también saca músculo el motor gráfico propio de 4A Games, al mostrar unos entornos abiertos llenos de detalles, desde zonas inundadas hasta edificios derruidos donde vemos extrañas criaturas moverse al fondo.

El tiempo de oxígeno restante y otros elementos, como la brújula o si los enemigos nos pueden ver se consulta girando la mano izquierda, para que toda la información del juego sea diegética (es decir, no aparezcan indicadores superpuestos, todo lo que vemos nosotros es lo que ve el personaje) y la inmersión sea total.

Lo mismo sucede con la tableta, que sirve para consultar el mapa y los objetivos de misión. Pero claro, si la consultamos, estamos expuestos al enemigo...

Todos estos elementos ya estaban en los juegos previos, pero en esta entrega se hace hincapié en otras utilidades como una lámpara UV, con la que podemos buscar pistas ocultas para cajas fuertes o incluso dar con enemigos que se estén escondiendo.

También tenemos un modo de visión nocturna para movernos por las zonas más oscuras sin llamar la atención.

Para rematar, tenemos un soplete con el que cortar ciertas zonas protegidas o cargas de pared, que podemos detonar junto a ciertos muros debilitados para abrir nuevos caminos.

Como veis, hay muchos elementos que tener en cuenta, además de que, para fabricar más existencias de munición, kits de salud, arrojadizos o filtros, podemos parar en cualquier momento, abrir la mochila y crear lo que necesitemos a partir de los “ingredientes” que hayamos encontrado por el camino.

Para esta demo, estábamos bien abastecidos de todo, pero como supondréis uno de los elementos distintivos de esta serie es la sensación de supervivencia extrema, de tener que buscarte la vida constantemente para seguir adelante, mientras vigilas que tu oxígeno, tu salud y tu munición aguanten.

Eso, por no hablar de las zonas radiactivas, de las que nos avisa el contador Geiger y de las que hay que huir como de la peste.

Tener en cuenta todo esto en los controles y en el propio avance puede intimidar un poco al principio, pero una vez nos acostumbramos, la sensación de aventura y desafío son geniales.

Infiltración nuclear

Eso llega a un nuevo nivel cuando nos acercamos a la base enemiga y hemos que ir despachando a los vigilantes, desde francotiradores hasta simples soldados que patrullan una zona.

Por supuesto, podemos entrar a las bravas y disparar a todo lo que se mueva, pero las posibilidades de que nos den para el pelo son muy altas.

Por eso, lo mejor es buscar una entrada alternativa en una brecha de un muro y, con sigilo ir acabando con patrulleros por la espalda, apagando luces del escenario para que pierdan referencias y estando muy atentos al sonido para que, cuando hablen, tengamos mejor referencia de dónde están. La experiencia de ser un depredador en un entorno así de hostil nos ha parecido bestial.

Por el camino, también tenemos tiempo de visitar otras zonas inundadas, infestadas de unos mutantes humanoides muy, muy duros de pelear, incluso unos extraños ¿crustáceos? Con unos caparazones muy resistentes.

Pero claro, hay que tener cuidado porque en las zonas de agua las armas basadas en fuego apenas sirven de nada...

La obsesión por el detalle del juego ayuda mucho a que nos metamos en la experiencia, desde los “momentos congelados” que nos cuentan historias de gente ya fallecida de un plumazo hasta pequeñas ayudas jugables como la inclinación de la llama del mechero, que nos insinúa qué camino habría que seguir.

Incluso hemos de limpiar el visor de nuestra máscara tras una refriega o acudir a un banco de trabajo para quitar la suciedad de las armas, de forma que recuperen su efectividad.

La belleza de la devastación

Todos esos ingredientes hacen extra temibles nuestras visitas a entornos secundarios (pero llenos de recompensas) como un ultramarinos, un hotel o una guardería devastada que os va a poner los pelos de punta.

Cuando empezamos a jugar, nos sentimos algo incómodos por todo lo que se nos “pide”, pero cuando la demo acaba de golpe al llegar a contemplar cierto escenario, lo que nos pide el cuerpo es decir “¿ya? ¡quiero más!”

Metro 2039 es, por ahora, una de las experiencias más intensas del año, tanto por su rendimiento técnico como por su atmósfera opresiva, que quizá no sea para todo el mundo, pero recompensa a los que le echen valor. Aún queda para su lanzamiento en febrero de 2027, pero nosotros ya hemos comprado el bono para visitar su estación con extra de radiación.

Y aquí estamos, en 2026, dispuestos a dar la bienvenida a Metal Gear Solid Master Collection Vol. 2 para PS5, Xbox Series X/S, Switch, Switch 2 y PC.

Este nuevo esfuerzo de Konami por relanzar sus franquicias estrella (ya tenemos en el horizonte ese Silent Hill Townfall) viene después de que el Volumen 1 nos trajera los tres primeros Metal Gear Solid, los 2 Metal Gear de MSX, las Special Missions, las VR Missions y Metal Gear Solid Integral, además de los dos Metal Gear lanzados en NES.

Son diez títulos en total (además del contenido extra), frente a los... solo tres juegos de este Volumen 2, separados en otros tantos ejecutables por separado en nuestra consola.

Esto, a las claras, ya nos predispone a que este nuevo recopilatorio salga peor parado, aunque hay que reconocerle un par de virtudes importantes.

La primera y más notoria es que nos permita jugar en todas las plataformas actuales a Metal Gear Solid 4, un juego que no había tenido conversión alguna desde que se lanzó en PS3 allá por 2008.

Eso, ya de por sí, es motivo de celebración, porque se trata de un juegarral menos conocido en la franquicia que sus predecesores, así que ahora todo el mundo podrá disfrutarlo, independientemente de la plataforma.

Ahora profundizaremos en él, pero también queremos celebrar que los otros dos juegos incluidos, Metal Gear Peace Walker y Metal Gear Solid Ghost Babel, tienen algunas mejoras respecto a sus versiones originales.

Ghost Babel, una serpiente en Game Boy

Metal Gear Solid Ghost Babel fue el primer (y único) lanzamiento de la serie para Game Boy Color y aquí aparece dentro del ejecutable “Contenido adicional” que se instala en la consola cuando descargamos el recopilatorio.

Lógicamente, su desarrollo es mucho más simple que el de juegos más recientes, también algo más fácil porque el comportamiento de los guardias es mucho más limitado.

Sin embargo, tanto su historia como su desarrollo directo funcionan muy bien a día de hoy y supone un buen nexo jugable entre los originales de MSX y lo que aportó el primer Metal Gear Solid.

Como decíamos, aquí sí se han aplicado algunas mejoras en la emulación.

Para empezar, el mapeo de controles es mucho más cómodo que en el original (a fin de cuentas, Game Boy solo tenía dos botones, además de Select y Start), por lo que ejecutar acciones como agacharnos o atacar es mucho más natural aquí. Además, podemos remapear los controles con otras asignaciones, si queremos.

Por otro lado, hay algunas opciones gráficas con las que trastear: podemos usar una relación de aspecto estándar, píxel perfect o 16:9, aunque con esta última los gráficos se distorsionan, lógicamente.

También se incluye un filtro de suavizado que, sinceramente, emborrona demasiado la imagen y queda feo. Eso sí, funciona bien en conjunción con la otra opción gráfica, la de filtro de pantalla, que da un aire de “matriz de puntos” que recuerda a las sensaciones originales de Game Boy.

Por último, tenemos una útil opción de rebobinado por si nos “cazan” en un momento inoportuno y queremos una nueva oportunidad. Tan útil (y común en este tipo de experiencias emuladas) resulta que nos preguntamos por qué demonios solo está disponible en este juego.

Ah, curiosidad extra: podemos jugar a la versión occidental o la japonesa, por si queréis practicar vuestro hiragana.

Metal Gear Solid Peace Walker, infiltración sin fronteras

En el caso de Metal Gear Solid Peace Walker, no tenemos el juego original de PSP lanzado en 2010, sino la HD Edition que llegó a PS3 allá por 2012 (en Europa).

Esa versión HD mejoró las texturas y la resolución, además de aumentar mucho el frame rate, y de propina nos permitía controlar la cámara con el stick derecho, lo que dio un enorme plus de comodidad.

Aquí tenemos eso mismo, aunque lógicamente las cifras varían según la plataforma. Así, la versión más “débil”, la de Switch, alcanza 720p, mientras que en las otras consolas tenemos hasta 4K, pero con el truco de que es un escalado desde 1080p.

¿De verdad no puede una PS5 o una Series X renderizar un juego así en 4K de forma nativa?

Para los más puristas, existe la opción de mostrar el juego en su aspecto original, aunque lógicamente luce mejor con el otro modo.

Con respecto al juego en sí, en su momento fue uno de los mejores, si no el mejor juego de PSP (un señor 94 le dimos en Hobby Consolas) y lo cierto es que aguanta muy bien el tipo, tanto por su control, ya muy refinado, como por su ritmo e historia, que resulta fundamental para entender el legado de Big Boss.

Aquí sí hay modo online

Un detalle muy interesante es que podemos aprovechar el multijugador online que ya estaba en el original.

Por un lado, el Co-ops, que nos permite superar misiones de la historia juntos (hasta 4 personas). Esto da una enorme capa de estrategia al juego, ya que podemos revivir a aliados caídos, cooperar para tender trampas a los enemigos...

Desde la icónica Mother Base podemos entrar también al Versus Ops, un modo competitivo para hasta 6 jugadores en el que se lucha por ganar en una serie de minijuegos.

Aquí, las versiones de Switch y Switch 2 salen ganando, ya que también pueden aprovechar estos modos en modo wireless local y, además, los usuarios de ambas consolas pueden juntarse para jugar, mientras que en el resto de plataformas no hay crossplay.

Reconocemos que es un buen detalle que hayan mantenido estas opciones online para esta nueva entrega, porque puede dar mucha vidilla al juego. Lo sorprendente es que eso mismo no suceda con Metal Gear Solid 4.

Metal Gear Solid 4: un juegazo, pero a solas

Si recordáis, con este juego se incluía el “starter pack” de Metal Gear Online, un muy ambicioso modo que permitía partidas Deathmatch, de rescate, de defensa de base y mucho más, para hasta 16 jugadores. Nada de eso se ha incluido aquí, así que las únicas opciones online están en Peace Walker.

De hecho, MGS 4 tampoco aporta ninguna opción de trasteo gráfico, ni siquiera los habituales modo fidelidad o rendimiento. Todo está tal cual era en el original.

Lo interesante es que, en el caso de PS5 y Series X, este juego, que es más exigente gráficamente, sí corre a 4K nativos y 60 fps, lo que nos da una pista de que con Peace Walker se ha partido “a lo bruto” de la versión PS3.

¿Y qué hay del juego en sí? Pues, como decíamos antes, es un pedazo de título. Le dimos un 96 de nota, allá por 2008, incluye varios de los mejores momentos de toda la franquicia (cierto duelo final es memorable hasta decir basta), está plagado de easter eggs, “kojimadas” y referencias y se juega muy, muy bien.

Si os lo pasasteis en su momento, no vais a encontrar nada nuevo (bueno, parece que alguna referencia a PS3 ha desaparecido). Con todo, habiendo pasado 18 añazos (da vértigo pensarlo) desde su lanzamiento, seguro que habrá muchas bondades que re-descubriréis en una nueva ronda.

Lo único criticable es la gigantesca cantidad de diálogos, escenas e interrupciones, llamativos incluso para un juego del tío Kojima, pero puede ser una cuestión de gustos...

A nivel gráfico hay algunos detalles que inevitablemente nos dicen que estamos ante un juego de hace dos generaciones de consolas, pero con todo y con eso, el diseño artístico y los valores de producción dan sopas con honda a más de un juego reciente.

Unos extras para los más "patriot" de Konami

El resto del contenido no es demasiado sorprendente, pero los fans más hardcore de Metal Gear tienen para bucear muchas horas.

Por un lado, un reproductor de música con las melodías de Peace Walker y MGS 4 que, curiosamente, está en ese Contenido adicional donde encontramos Ghost Babel.

Por otro, el guion completo de los diálogos de estos juegos, incluidas las conversaciones de códec, así que tenéis más páginas que en un libro de George R.R. Martin.

Por otro, el Master Book también de Peace Walker y MGS 4, que suponen unas completísimas enciclopedias de todos los acontecimientos, personajes y lore del universo Metal Gear, con especial hincapié, lógicamente, en estos dos títulos.

Es una gozada bucear en sus reflexiones sobre la importancia de The Boss, The Patriots, Zero y todo lo demás.

Eso sí, tanto los guiones como estás enciclopedias están en inglés, así que, si no domináis el idioma, os llevaréis un buen chasco.

A modo de consuelo, tenéis el Diccionario dentro del propio juego de Metal Gear Solid 4, que sí está en castellano, al igual que toda la aventura (las voces están en inglés, claro), para enteraros de todo lo fundamental.

Por cierto, los textos y menús de Peace Walker también están en castellano, mientras que los de Ghost Babel están solo en inglés. Aunque sean muchas líneas de texto, habría estado muy bien adaptar al castellano este juego, ya que los diálogos y comunicaciones por códec son numerosos.

Cuántas horas dura Metal Gear Solid Master Collection Vol.2. ¿Es difícil?

Llega la hora de echar cuentas. Aunque la cantidad de contenido de este Volumen 2 es bastante inferior a la del Volumen 1, eso no significa que os vayan a faltar horas de diversión.

Para que os hagáis una idea, superar Metal Gear Solid 4 os puede llevar cerca de 20 horas; otras 18 para Peace Walker (sin contar sus contenidos extra online); y unas 6 horas más para Ghost Babel. Por cierto, tiene una especie de “nueva partida” con desafíos más difíciles.

Vamos, que tenéis más de 40 horas de infiltración, sin contar los documentos extra que os contamos antes.

¿Qué hay de la dificultad? Ghost Babel tiene cuatro niveles. El segundo (Normal) es razonablemente asequible, aunque las calificaciones para superar cada nivel pueden ser bastante duras si tardáis demasiado... No os asustéis si califican vuestra actuación de “terrible”.

En cuanto a Peace Walker, la jugabilidad es cómoda y la infiltración no da muchos problemas si usáis bien todas vuestras cartas (ah, la legendaria caja del amor), pero algunos jefes finales pueden ser bastaaaaante puñeteros.

Por su parte, Metal Gear Solid 4 tiene cuatro niveles de dificultad, siendo el tercero el equivalente al Normal de Europa. Es algo más sencillo que las entregas previas de MGS, especialmente en lo relacionado con el combate.

La opinión de Hobby Consolas sobre Metal Gear Solid Master Collection Vol. 2

A la hora de dar un veredicto final, lo hacemos más pensando en el pack en sí que en la calidad intrínseca de los juegos.

Cada uno, a su estilo y teniendo en cuenta la consola para la que se concibió, es muy bueno. De hecho, los tres están entre lo mejor del catálogo de sus respectivos formatos.

Ahora bien, el pack es otra historia. No es malo, pero se podría haber aspirado a mucho más. Si han decidido cercenar el Volumen 1 para meter estos tres juegos en un Volumen 2 aparte... ¿no podían aprovechar para meter otros juegos que siguen sin aprovecharse?

Nos referimos por ejemplo a los dos Metal Gear Ac!d, Portable Ops... o qué demonios, Metal Gear Rising. A fin de cuentas, estamos pagando 49,99 euros por 3 juegos que tienen dos décadas a sus espaldas o más.

A eso se unen numerosos errores en los textos en castellano, no ya en los juegos, sino en los diferentes menús del recopilatorio. Da la sensación de que la labor de recopilación, sin ser catastrófica, no está a la altura de unos juegos tan legendarios.

Ya ni hablamos de haber incluido otros extras nuevos como entrevistas con Hideo Kojima, David Hayter o Yoji Shinkawa, que entendemos que no estará el horno para bollos. Pero por pedir...

Con todo y con eso, este Metal Gear Solid Master Collection Vol. 2 nos parece un recopilatorio imprescindible para los fans más acérrimos de Snake (otros quizá lo encuentren bastante más intrascendente), así como para los que quieran tener una porción de la era dorada de Konami, esa en la que el tío más duro del campo de batalla se podía esconder bajo una caja de cartón.

Ellos tienen su sede en Kiev y, durante la invasión rusa, tomaron la decisión de cambiar el enfoque de su serie The Sinking City para tener más esperanzas de rentabilizar el proyecto, si querían tener alguna esperanza.

Así, de una aventura de investigación en mundo abierto con algunos momentos de acción se pasó al polo opuesto: un survival horror moderno, similar a lo visto en los últimos Resident Evil o Silent Hill, en el que son fundamentales la acción y la exploración de un mapeado más delimitado.

La ambientación tiene nuevos protagonistas y ciudad. Esta vez viajamos a Arkham, una antaño próspera ciudad de Nueva Inglaterra que desde hace meses está asediada por una lluvia de origen desconocido.

Allí, Calvin, un aventurero obsesionado con lo oculto, se esfuerza por traer de vuelta a Faye, su novia, cuyo cuerpo parece sumido en un extraño trance después de que un ritual saliera mal. Nuestro objetivo es recorrer una ciudad condenada a desaparecer para encontrar una cura para Faye.

Pero claro, como el juego se ambienta en el universo concebido por H.P. Lovecraft, hay fuerzas mucho más poderosas, cósmicas y temibles, tomando partido en la trama. ¿Hay alguna esperanza?

Si no está roto, no lo arregles

El sistema de juego se basa sin pudor en lo visto, por ejemplo, en el remake de Resident Evil 4. Controlamos a Calvin siempre en tercera persona, armados en principio con una simple pistola.

Los caminos que podemos recorrer son muy lineales, pero poco a poco llegaremos a entornos (como un hospital o una lonja) que tienen varias plantas, convenientemente cerradas con llaves u objetos especiales.

Como suele pasar en estos juegos, buena parte de la diversión está en investigar tanto los escenarios como los mapas que encontramos para entender desde dónde acceder a la siguiente planta para desbloquear una puerta, dar con el item necesario que nos haga avanzar, etc.

En un guiño al juego anterior, hay varios momentos en los que nos movemos en barca con motor para llegar a diferentes puntos de la ciudad.

Eso sí, no esperéis una exploración llena de rutas secretas, solo se trata de dar con el camino adecuado al siguiente punto clave, lo que generalmente implica desbloquear ciertos portones.

Desperdigados por el juego hay montones de documentos, divididos en dos categorías. Por un lado, “cartas perdidas”, que sirven simplemente para dar contexto sobre la historia.

Por otro, pistas, que sirven para resolver puzzles, tanto opcionales como obligatorios para que avance la trama.

Esto nos lleva al apartado de investigación, un elemento que se hereda del juego previo pero que aquí tiene un carácter mucho más opcional. En cualquier momento, podemos pulsar un botón para entrar a nuestro “palacio de la mente” y ver todas las pistas encontradas.

Las pistas están clasificadas por familias. Si encontramos y unimos todas las pistas de una misma familia (suelen ser grupos de 2 ó 3 pistas), obtendremos puntos de mejora, que ahora explicaremos.

Al iniciar la partida, podemos escoger si la resolución de puzzles es más compleja o “relajada”, lo que implica que se nos indica más claramente con colores a qué grupo pertenece cada texto que encontramos (si son pistas reales o simplemente contexto, vaya).

Como decimos, en la mayoría de los casos resolver esas investigaciones es solo un plus para obtener puntos de mejora, aunque suelen facilitarnos mucho avanzar.

Pero claro, también hay puzzles que se basan en encontrar combinaciones de candados y alguno más ingenioso que nos obliga a buscar objetos ocultos tras paredes, por ejemplo. Ninguno es súper difícil, pero os tocará darle al coco, como es de esperar.

Aún así, como decíamos, el principal protagonismo es para la acción. Toda la ciudad está invadida por unos seres parasitarios, los slither. Son unos gusanos que pueden entrar en los cuerpos de personas muertas para poseerlos y hacer que nos ataquen.

La forma de resolver los duelos es clara: disparamos a estos “peones”, preferentemente en las pústulas, para hacerles más daño.

Reaccionan de forma diferente a si les disparamos en la cabeza o las piernas (lo que los puede dejar arrodillados un tiempo prudencial) y sus cuerpos se van deteriorando con cada ataque.

Cuando un “peón” cae, los slither pueden intentar huir a un nuevo huésped, así que hemos de correr para darles un pisotón y acabar con ellos.

Eso da una capa de tensión extra, porque no paramos de obsesionarnos con ver si hay gusanejos intentando reptar hacia un nuevo enemigo.

Es algo intenso porque tenemos munición muy, muy limitada y en el cuerpo a cuerpo solo tenemos un ataque muy simple, por lo que hemos de saber cuándo huir o cuándo pulsar el botón de finta si tenemos las de perder.

Al avanzar, encontraremos monstruosidades más duras de pelar, que son más “estrategas” que en el juego previo y saben zafarse cuando vamos a por ellas.

Por suerte, más adelante obtenemos otras armas, como una escopeta, un rifle o incluso un lanzagranadas, todas ellas con munición igualmente escasa, si bien cada arma se puede mejorar hasta dos veces con los correspondientes items para darles más capacidad de munición o más estabilidad, por ejemplo.

El inventario que te saca de tus casillas

El problema, además de la escasez de munición, es que tanto esta como las propias armas, además de las llaves y otros objetos, ocupan casillas en el inevitable inventario, uno que es pequeñísimo al comienzo.

A base de investigar con calma podemos encontrar mejoras que dan más casillas al inventario, pero casi siempre hemos de economizar a tope qué encontramos y qué descartamos.

Esto sucede especialmente al encontrar ingredientes de fabricación, otro elemento que también teníamos en el original. Es posible encontrar hierbas sin tratar, chatarra y demás que, al mezclarse (algo que podemos hacer en cualquier momento) pueden dar pie a items de sanación o munición.

Pero claro, cuando los huecos del inventario escasean, a veces tocará plantearse descartar alguno de ellos...

¿No hay forma de guardar para luego estos objetos? Por supuesto, ya que aquí también encontramos el tópico de las salas seguras en las que no pueden entrar los enemigos y siempre hay un baúl para guardar objetos (que “viajan” de una sala segura a otra), un punto para guardar partida y una mesa para usar los puntos de mejora.

Los puntos de mejora se canjean por ventajas, llamadas talentos, como hacer más daño cuerpo a cuerpo o fabricar más munición de golpe.

Si fabricáis suficientes ventajas de grado bajo, se abrirá la opción de ventajas de grado medio, luego las de alto y finalmente las especiales, que solo están disponibles tras pasarnos el juego.

Al principio solo tenemos dos huecos para asignarnos mejoras, pero si invertimos un buen montón de puntos podemos abrir más huecos.

Hacer tooodo esto implica usar un montón de puntos de mejora, que son difíciles de encontrar en el juego y se obtienen más bien al resolver investigaciones, así que intentar obtenerlos aumentará bastante vuestro tiempo de juego.

Cuántas horas dura The Sinking City 2. ¿Es difícil?

Hablando del tema, la aventura se supera en unas doce horas de media (doce y cuarto, nos ha llevado a nosotros), lo que es algo inferior a lo habitual en estos juegos, pero más que suficiente para tener una experiencia satisfactoria.

Sobre todo, porque hay un modo Nueva Partida+ interesante (llamado aquí Ex Oblivione) y más difícil, en el que heredamos las mejoras obtenidas, además de que podemos gastar los puntos de Eldritch obtenidos en el juego (al superar duelos clave, completar desafíos como eliminar a un número de enemigos, etc.) para tener mejoras como munición infinita, amén de cambios estéticos en los personajes. Los puntos también se pueden gastar en cualquier momento en bocetos del juego.

Hay cuatro niveles de dificultad. La intermedia (la segunda), ofrece unos combates razonablemente intensos, sobre todo por el equilibrio que hay que cumplir en el uso de la munición. Moriréis alguna vez, pero es un desarrollo bastante justo.

Como veis, el esquema jugable no es muy original y prefiere ir sobre seguro con los cánones del género, lo cual tiene sentido al tener en cuenta la situación actual del mercado y que es el primer survival del estudio.

No puedes escapar del cosmos

Pero claro, el gran atractivo de un juego así está en la ambientación. Como decimos, el apoyo en la mitología de Cthulhu y el resto de seres cósmicos es total, con mensajes como la pérdida de esperanza, la locura o el reino onírico, además de la presencia de monstruosidades propias de ese bestiario, desde los profundos hasta... más cosas que mejor no decimos.

Si no estáis muy familiarizados con este lore, quizá os resulten algo confusos los primeros compases del juego, pero poco a poco os iréis sumergiendo en un contexto tan descorazonador como irresistible, hasta culminar un tramo final que ofrece algunas imágenes realmente potentes antes de que salten los créditos.

El apartado visual, que mejora razonablemente lo visto en el primer The Sinking City, se esfuerza en estar a la altura de esa ambientación, con algunos resultados más convincentes que otros.

Tanto el diseño como el modelado del protagonista es bastante soso, lo que hace que nos cueste sentirnos identificados con él.

Lógicamente, al ser un equipo más pequeño, la expresividad de los personajes no puede equiparse a la de una bestia como Resident Evil Requiem, por ejemplo, pero se mantiene el tipo.

Donde mejor luce es en el modelado de ciertos secundarios más monstruosos, además de unos escenarios que muestran a la perfección la decadencia de la ciudad, junto con otros momentos más fantásticos que sacan a relucir la iluminación del motor.

Efectos como los de agua o fuego tampoco son nada del otro jueves, pero el juego se las ingenia para sumergirnos en la ambientación con constantes gotas de lluvia mojando nuestra “cámara” o un buen uso de la sutil vibración háptica para simular ese mismo goteo, en el caso de PS5.

Eso sí, como siempre, nos toca recomendaros que en las opciones gráficas, en el caso de consola, escojáis el modo Rendimiento por encima de Fidelidad. Este último aumenta la resolución, pero se queda en 30 fps en el caso de PS5 estándar, mientras que Rendimiento apunta casi siempre a los 60.

Hemos tenido algunos casos en los que el juego se “congelaba” por unos instantes, lo que nos puede dejar vendidos en ciertos duelos. Esperemos que se corrija con un parche de lanzamiento.

El sonido nos presenta voces bastante convincentes, pero solo en inglés. Los subtítulos y menús están muy bien adaptados al castellano. Las melodías, por su parte, cumplen bien en la tarea de llevarnos a un mundo entre lo onírico y lo ruinoso.

La opinión de Hobby Consolas sobre The Sinking City 2

En conjunto, este es un título que busca ir sobre seguro, lo cual no es necesariamente malo.

Si os van los survival clásicos, vais a quedar muy satisfechos, especialmente por esa ambientación que va calando como el agua en nuestro interés.

Hay defectos técnicos que denotan que el juego no llega a la categoría AAA, pero lo suplen en buena medida con la narrativa y el diseño artístico.

Y, aunque estrictamente es algo ajeno al juego y no lo hemos tenido en cuenta para la nota, creemos que merece un aplauso el esfuerzo de sacar adelante un proyecto así de ambicioso en un contexto tan adverso. Así pues, dad una oportunidad a The Sinking City 2. Dad una oportunidad al horror cósmico.

Aunque aún no conocemos la fecha exacta (ni siquiera el mes), Square-Enix ha confirmado en un nuevo tráiler que el juego llegará en el tramo final del año que viene, por lo que nos queda algo más de doce meses de espera para disfrutar de la nueva aventura de Sora.

En cuanto al tráiler en sí, nos muestra a Sora compartiendo aventura con el entrañable Miguel, el protagonista de la película Coco, en ese mundo de Muertos que parece ideal para visitar en un juego como Kingdom Hearts. Por supuesto, el pizpireto Héctor también hará acto de presencia.

El tráiler termina con lo que promete ser una potente batalla en Quadratum, ese mundo más realista y urbano que ya pudimos ver en tráilers previos y que se inspira claramente en la Shibuya real.

¿Qué otros mundos habrá en Kingdom Hearts IV?

En el vídeo también hemos podido ver a Mickey o a Hades. ¿Significa eso que volveremos al mundo de Hércules? Y claro, la pregunta: ¿viajaremos DE UNA VEZ a un mundo de Star Wars, como tanto piden los fans?

Por cierto, no es la única novedad relacionada con Kingdom Hearts que hemos tenido en este D23 de 2026, ya que se ha confirmado una serie de anime inspirada en los juegos que promete ser todo un caballo de batalla para Disney Plus, con el mismísimo Tetsuya Nomura implicado.

Por ahora, el hype va aumentando con Kingdom Hearts IV, gracias a esa ventana de lanzamiento para finales de 2027 y un breve gameplay que ha bastado para dejarnos "un poco looooocooooos" (léase esto cantando de forma desafinada, claro).

En esta entrevista, nos habla del proceso de desarrollo, las referencias que han tomado e incluso... ¿su personaje ficticio ideal para protagonizar un videojuego?

Está claro que este Marvel's Wolverine es un título muy diferente en muchos aspectos a los anteriores Marvel's Spider-man, a pesar de que compartan universo superheroico.

En la video entrevista que podéis ver un poco más arriba, Marcus nos explica cómo cambia eso el desarrollo de un videojuego así de ambicioso, además de otras facetas que tuvieron en cuenta desde el minuto uno.

Por ejemplo, ¿es posible crear un juego protagonizado por Logan sin violencia descarnada o forma parte de la naturaleza del personaje? ¿Hasta qué punto podían incluir referencias a otros personajes de Marvel sin que el juego perdiera su verdadero foco?

Un nuevo universo

Teniendo en cuenta el legado de Insomniac Games con títulos como Sunset Overdrive o, aún más atrás en el tiempo, con la franquicia Ratchet and Clank, su preparación para un juego de acción como este estaba más que asegurada.

Ahora bien, ¿cómo mantienen la cabeza fría a raíz de la presión de encargarse del juego más importante de PlayStation en esta temporada reciente? También nos hablan de ello en el vídeo.

Si os ha picado el gusanillo de Wolverine después de ver la entrevista, recordad que también tenéis nuestro avance de Marvel: Lobezno recién salido del horno. Y, por supuesto, tendremos las garras afiladas para verlo a fondo en cuanto llegue el análisis, de cara a su lanzamiento el 15 de septiembre de 2026.

Recientemente, tuvimos ocasión de viajar a Los Ángeles, a la sede de Insomniac, para probar durante unas horas el juego, hablar con sus desarrolladores y entender mejor el argumento de una de las aventuras más ambiciosas del año.

Por poneros en contexto, Marvel: Lobezno nos lleva a un mundo en el que los X-Men no existen y el bueno de Logan forma parte de Team X, un equipo de choque que busca rescatar mutantes de las garras del megalómano Bolivar Trask.

En su equipo están Mística o Dientes de Sable. Cuando colabora con este último, son imparables, pero bien sabréis que sus caracteres chocan más pronto que tarde...

En nuestro camino, nos topamos con muchos rostros conocidos, desde facciones como los ninjas de la mano hasta personajes como Jean Grey o Sanguijuela, con un especial protagonismo en el argumento general para Nathaniel Essex.

Es un personaje que, como sabrán los marvelitas, acaban convirtiéndose en un poderosísimo villano. Sin embargo, aquí es una víctima más de Trask... ¿Por dónde irán los tiros?

Lobeznos por el mundo

Nuestra sesión de juego se dividió en varios tramos. El primero tenía lugar en la isla de Talambang, precisamente en la misión para rescatar a Essex.

Aquí nos comenzamos a hacer con un par de dinámicas fundamentales del juego que, recordemos, será mucho más lineal que los Marvel's Spider-man y estará muy orientado a la acción.

Por un lado, tenemos el sistema de combos, uno de los aspectos que más nos han gustado del juego. Aunque no habrá una fijación de objetivo como tal, con triángulo más una dirección saltaremos automáticamente sobre el enemigo más cercano, lo que nos servirá para encadenar ataques como una fiera desbocada.

Cuadrado servirá para los ataques normales, pero si lo encadenamos tras un bloqueo con L1, podremos ejecutar “finishers” bestiales. También podremos esquivar con círculo.

De ahí pasamos a un momento para esprintar mientras esquivamos los ataques enemigos, algo que veremos en varias ocasiones en el juego y que sirven para sacar músculo gráfico, como luego veremos.

La clave está en la rabia

También se nos enseña a forzar el factor curativo cuando estemos contra las cuerdas, a base de machacar el botón cuadrado. Con Lobezno no se acaba así como así...

Lo interesante es que, para tener esta habilidad de, digamos, “resucitar”, hemos de acumular el medidor de rabia, que se llena a base de atacar, hasta el nivel 2. En ese nivel, además, los ataques se vuelven mucho más bestias.

Existe un nivel 3, en el que el factor curativo es más efectivo y los ataques son auténticas apisonadoras, pero esa rabia no durará eternamente...

Uno de los elementos en los que más hincapié se hizo en la sesión de juego fue la faceta de infiltración, que estará presente a menudo.

Como depredador que es, Logan puede usar las hierbas altas o los espacios elevados para acercarse sigilosamente a sus enemigos y acabar con ellos por sorpresa, lo que nos dará una ventaja estratégica.

Gracias a sus sentidos agudizados, podremos resaltar a los enemigos próximos e incluso seguir rastros de olor en momentos determinados. Esta faceta de infiltración aún nos genera ciertas dudas, por un motivo claro: en cualquier momento, podemos pasar a la acción y acabar con los enemigos a las bravas.

Y claro, Lobezno es tan poderoso en el cuerpo a cuerpo que... ¿para qué perder el tiempo siendo sigilosos? Veremos si más adelante hay tramos en los que la infiltración marque la diferencia.

Volviendo al combate, poco a poco ganaremos habilidades especiales como el ataque tornado, con el que giramos entre varios enemigos. Estas habilidades supondrán un respiro importante cuando todo se llene de guardias, pero hay que esperar un tiempo de recarga tras cada uso.

También podremos ejecutar ataques contextuales, ya sea rematando a un rival contra una pared o vehículo o, por ejemplo, ejecutando un ataque combinado cuando Dientes de Sable esté cerca. Bestial y muy divertido.

Por supuesto, habrá enemigos que requieran “tratamientos” especiales como dar una patada inicial para desequilibrar sus escudos, movernos sin factor curativo cuando usen ciertos inhibidores o una esquiva para no comernos un escopetazo a bocajarro.

En otros momentos, los enemigos nos clavarán una espada o una flecha. Podremos tener varias en el cuerpo mientras seguimos peleando, pero sinos clavan suficientes... bye-bye.

Cuadrar esas “coreografías” en peleas multitudinarias será importante, pero lo cierto es que, siguiendo el espíritu visceral del personaje, llegas a pelear casi por instinto en muchas ocasiones, saltando de un enemigo a otro mientras ellos no paran de chillar desesperados, lo que es enormemente satisfactorio.

A medida que acumulemos experiencia, podremos desbloquear nuevas habilidades, como ataques que nos sanen un poco o bloquear disparos mientras corremos.

Enemigos más grandes que un edificio

Tras aprender todo lo necesario del combate llegamos al momento que más nos gustó de esta sesión de juego: el combate contra un gigantesco prototipo de Centinela.

Al tratarse de una especie de jefe final, su resistencia era enorme y hay que ir mermando su coraza antes de ejecutar ciertos QTEs específicos que hagan avanzar el combate. Todo ello nos recordó irremediablemente a duelos como el del Coloso de Rodas en God of War 2. Sí, este Lobezno tiene algo de Kratos...

La aventura tendrá más dinámicas de juego. En una partida posterior, en Madripoor, pudimos explorar el bar y charlar con algunos secundarios para conocer mejor su contexto, incluyendo una furibunda discusión con Dientes de Sable.

Allí nos adentramos en nuestra primera Puerta de Pesadilla. Se tratará de desafíos secundarios que podremos hallar en diferentes momentos del juego y que nos retarán a eliminar un número de enemigos, superar una gymkana en un tiempo determinado...

Desde la Cabaña de Pesadilla podremos acceder a los desafíos ya superados para mejorar nuestra calificación o ver los recuerdos de Logan que hayamos desbloqueado, ya que buena parte de la historia tendrá que ver con recuperar nuestro pasado...

También ganaremos adaptaciones, ventajas pasivas como poder ejecutar ciertos ataques antes.

Como veis, el desarrollo será directo y muy fácil de asimilar, con un enorme foco en la acción que sienta de maravilla al personaje.

Sacando todo el poder (mutante) de PS5

En cuanto al apartado visual, hay que reconocer que lo que vimos, jugado en una PS5 Pro, por cierto, lucía de escándalo: efectos de partículas, iluminación, reflejos...

Es una pasada pasar de un tramo de acción a otro mientras la cámara busca el ángulo más bestia para las ejecuciones. Como era de esperar, el juego es muy, muy bestia en las ejecuciones, aunque ya han aclarado que habrá opción de desconectar el gore para quien lo desee.

Para colmo, la captura de movimiento con actores de primer nivel (ahí tendremos a Troy Baker como Essex, por ejemplo), tanto para rostros como para coreografías, se notará en unas escenas muy cinematográficas.

Por supuesto, tenemos que hablar de la polémica en torno a si el propio Logan se ve demasiado “blandito” en su rostro.

Es verdad que a nosotros mismos nos chocó su mirada de “cachorrito” en ciertos momentos, pero precisamente se trata de momentos en los que el personaje se permite ser vulnerable e intimar con sus compañeros. Cuando toca pasar a la acción, la mandíbula se desencaja y la furia sale a relucir como era de esperar.

El diseño de personajes es espectacular y nos han gustado especialmente Mística y Omega Rojo, al que también nos tocará enfrentarnos en más de un momento.

Ah, por si os lo preguntabais: sí, tuvimos ocasión de cotillear los menús y habrá un porrón de trajes para desbloquear al estilo Insomniac, con algunas referencias comiqueras muy, muy insider.

A todo eso hay que añadir los detalles gráficos por aquí y por allá, desde las referencias marvelitas para los más avispados (algún póster de Dazzler hemos visto, por ejemplo) hasta el espectáculo de los edificios gigantes de Madripoor.

El sonido también estará a un gran nivel. En Insomniac, nos mostraron cómo remezclan música y efectos para optimizar la experiencia incluso en Dolby Atmos y el resultado es muy contundente. ¡Cómo sonaban los bajos en la lucha contra el Centinela!

La opinión de Hobby Consolas sobre Marvel: Lobezno... por ahora

En conjunto, las sensaciones que nos deja Marvel: Lobezno tras probarlo son las de que estamos ante un juego clásico, que va al grano de contarnos su historia y llevarnos a momentos de acción muy lineal y centrada en combos, sin complejos en cuanto a mostrar sangre... o lo que se tercie.

No va a reinventar la rueda ni lo pretende, sino que busca emociones directas y espectáculo y en eso vamos a ir más que servidos.

Quizá se podrían pulir cosas como una cámara algo cercana de más que nos impide hacernos una idea más precisa del combate o esa infiltración que corta algo el ritmo, pero estamos seguros de que solo hemos visto la punta del iceberg.

Será el 15 de septiembre de 2026 cuando saquemos de verdad las garras con este Marvel: Lobezno para confirmar que, como parece, Logan es el mejor en lo que hace.

Esto llega en una nueva etapa de bonanza del género, después de que iconos como Yuzo Koshiro estén apostando por proyectos pequeños pero espectaculares como Earthion.

Toaplan ya no existe, pero el creador del Truxton original, Masahiro Yuge, ha regresado con una nueva entrega que busca llevar el ADN del juego a... eso, al extremo.

El objetivo es el mismo de siempre: superar niveles de scroll vertical con nuestra nave, mientras nos asedian cientos de enemigos y miles de disparos. Al término de cada recorrido, un enorme y durísimo jefe final.

Por suerte, nuestra nave puede encontrar varias mejoras. Por un lado, items que aumenten nuestra velocidad varias veces. Por otro, un aumento de potencia de disparo (hasta 3).

It's on like Truxton

Muy ocasionalmente, podemos usar una versión mejorada del disparo (su energía se recarga con el tiempo) y dar con alguna vida extra o más bombas para lanzar en los momentos más desesperados, pero el elemento estrella son los modificadores de disparo.

Se nos permite cambiar entre 5 tipos de disparo si encontramos el icono correspondiente, lo que hace que nuestra nave cambie de color.

Tenemos un disparo "periférico" para corta distancia, el icónico Truxton Beam que arrasa en línea recta, el láser que abarca casi toda la pantalla, uno disperso hace delante y nuestro favorito, una lluvia de disparos que persiguen al objetivo más cercano.

A pesar de que nuestros disparos son tremendamente potentes, la retahíla de enemigos es inclemente: algunos lanzan más proyectiles al explotar, otros nos persiguen, otros son realmente resistentes...

En los duelos contra los jefes finales sus incontables disparos parecen ser la definición de "bullet hell".

Como pasaba en el original, si nos matan (para lo que basta con un solo impacto, claro), no retomamos con la siguiente vida desde el mismo punto, sino que hemos de retroceder al último checkpoint, lo que puede implicar repetir un tramo importante del nivel.

Niveles que, por cierto, son bastante largos, así que hemos de armarnos de paciencia y habilidad para superarlos. Eso sí, una vez lo logramos, la sensación de satisfacción es enorme.

Esto es porque, vale, las fases son complicadísimas, pero también son justas, siempre que entendamos la "coreografía" que hay que llevar a cabo para disparar y esquivar.

Una vez terminamos los niveles, obtenemos una puntuación final en función del tiempo tardado, el número de enemigos eliminados... Ya que es un juego con espíritu arcade, nos tienta a superar nuestras puntuaciones, aunque a veces con sobrevivir ya nos bastará a muchos.

Modos de juego en Truxton Extreme

A la hora de superar los desafíos, podemos empezar por el modo Heart Starter. Es una especie de modo fácil en el que podemos morir infinitas veces, lo que nos sirve para acostumbrarnos a la dinámica de juego. Eso sí, solo podemos jugar en el primer nivel.

Después, encontramos los modos Arcade, Team e Historia. El Arcade habla por sí solo: hay que superar todos los niveles en orden hasta perder las vidas.

En el Team, dos jugadores pueden cooperar a la vez de forma local para superar los niveles, lo que facilita mucho la vida. Eso sí, comparten vidas y bombas.

El modo estrella es Historia. Hay que superar los mismos niveles, pero antes y después de los mismos vemos unos cómics animados que nos narran la historia de los Tatsujin (el nombre japonés de esta franquicia, por cierto) los híbridos de humano y máquina que han de librar a la tierra de la amenaza alienígena.

Lo que no esperábamos es que estos cómics (o mangas, mejor dicho) nos fueran a apasionar tanto. Sus historias, aunque simples, están protagonizadas por personajes muy shonen que son testigos de giros de guion muy importantes, que nos hablan de detalles de ciencia ficción a lo Interstellar y de la verdadera naturaleza humana.

El modo Historia está protagonizado por 3 personajes. Hay, digamos, 3 rutas, cada una con un protagonista. Al principio solo podemos acceder a la primera, pero a medida que superamos sus 6 niveles podemos acceder a otros tantos protagonizados por los otros 2 personajes.

El quinto nivel de cada personaje es único, con un desarrollo completamente diferente, mientras que el sexto es el mismo para todos, pero con cada nueva ruta la dificultad se dispara una barbaridad, sobre todo en el jefe final.

Ir superando las rutas también desbloquea otras ventajas, como la posibilidad de tener más bombas y vidas en cada partida, modelos 3D de las naves para ver en un museo o un modo extrañísimo llamado Pipiruville, una especie de "criadero" de los Pipiru, unos seres mascota que se dieron a conocer en el icónico Zero Wing.

Por tanto, hay una parte razonable de contenido por desbloquear, pero el núcleo y lo que os entretendrá de verdad son los desafíos del modo historia, que os costará más de un reintento.

Como decíamos, a pesar de su dificultad, su estupendo diseño de niveles os hará volver a por más. Y todo ello, por un precio de unos 35 euros en formato físico (esperamos que un pelín menos en digital).

A eso se une un apartado visual que quizá choca al principio por sus gráficos modelados en 3D pero con desarrollo 2D, pero que poco a poco nos va conquistando con su colorido y los diseños sencillos pero sólidos de los enemigos, especialmente con los monstruosos aspectos de los jefes.

Además, se hace bastante hipnótico ver cómo las decenas de disparos inundan la pantalla y comprobar cómo acabamos superando por instinto los niveles. Todo ello, coronado por supuesto por la icónica "explosión calavera" de nuestras bombas.

La banda sonora también es muy importante. El propio Masahiro Yuge, que además de programador es compositor, se ha encargado de unas melodías estupendas, que mezclan efectos clásicos con música electrónica y reminiscencias de los chips de sonido de 16 bits.

La opinión de Hobby Consolas sobre Truxton Extreme

Vamos, que en general nos ha gustado mucho la experiencia. Solo echamos en falta un multijugador online. Lo único que obtenemos al conectarnos a internet es un ranking online, pero ojo, solo podemos subir a él nuestras puntuaciones si jugamos con las opciones por defecto.

En conjunto, Truxton Extreme es una experiencia hardcore e intensa, que encantará a los pilotos de vieja escuela y que recompensa a los pacientes. Ya solo falta que alguien se lance a por un Thunder Force nuevo y seremos felices del todo.

A diferencia del anterior remaster llamado Halo: Anniversary, esta vez tenemos un remake con todas las de la ley de ese juego original, una entrega crucial para entender cómo son los shooters subjetivos de hoy día.

A pesar de estar reconstruido desde cero y aunque luego veremos los numerosos cambios incluidos, el desarrollo general es idéntico al que vivimos en 2001.

Metidos en el casco del Jefe Maestro, hemos de escapar primero del ataque a la nave Pilar of Autumn, para luego sumergirnos en la lucha para detener a las fuerzas de El Pacto, que quieren desatar todo el poder de una extraña estructura llamada Halo.

Aunque el juego es de sobra conocido, vamos a daros unas pinceladas rápidas, porque a fin de cuentas el hecho de que por fin aterrice en PlayStation puede servir de excusa para que algunos se adentren en la franquicia por primera vez.

Su núcleo de juego se centra en el disparo en vista subjetiva, pudiendo llevar solo dos armas cada vez, lo que nos obliga a elegir con estrategia en las numerosas ocasiones en las que podemos intercambiar nuestro arsenal.

Además de ello, podemos usar granadas y mejoras temporales como invisibilidad o escudo, pero esto último es mucho más escaso.

De mayor quiero ser Spartan

Si bien ahora es algo incluso manido en los shooters, en su momento fue bastante revolucionario que la salud del Jefe Maestro se restaura sola si nos mantenemos lejos de los disparos, así que no hay que buscar medikits ni nada parecido.

Otro elemento muy interesante es que hay varios tramos en los que nos alejamos del desarrollo “pasillesco” y pasamos a entornos bastante más abiertos, generalmente porque habrá vehículos a nuestra disposición, desde los simpáticos jeeps Warthog hasta un potentísimo tanque Scorpion o naves de El Pacto. En estos tramos, la cámara pasa a ser alejada.

Por último, la narrativa es fundamental en el juego, para que conozcamos la evolución en la lucha de las facciones y a personajes tan carismáticos como el sargento Johnson. Esto hace que el tono vaya flirteando con el drama, la acción bélica más clásica e incluso el terror.

Como decimos, todo esto ya estaba en el original y hace de él un clásico hasta nuestros días, pero, ¿qué novedades aporta Halo: Campaign Evolved?

John-117, más enriquecido que nunca

A nivel de contenido, el añadido más potente es un prólogo, con acontecimientos que tienen lugar un año antes de los de Halo.

Se divide en 3 capítulos extra (la campaña principal son 10 capítulos), que tienen una dificultad algo alta, así que quizá os convenga jugarlos cuando ya os hayáis fogueado con la campaña.

En cualquier caso, estos tres capítulos están muy bien planteados, con nuevos personajes que tienen un arco narrativo muy épico y nuevas sorpresas jugables, incluyendo algún vehículo muy, muy top que mejor no os desvelamos.

Durante la campaña en sí, hay algunas pequeñas novedades muy agradecidas, como la posibilidad de usar armas que no estaban disponibles en el juego original, como la icónica espada de energía.

Los vehículos también se han retocado. Así, ahora podemos no solo reventar un tanque Wraith de un granadazo como siempre, sino que también podemos montarnos en él.

La IA enemiga, que ya era la bomba en el original, aquí se ha retocado para que parezca aún más inmersiva. Sigue siendo muy divertido ver cómo los grunts huyen despavoridos cuando muere un líder o cómo otros enemigos se reposicionan para buscar cobertura o huir de granadas.

El otro gran cambio es el modo Campaña Remix. Cuando encontremos 3 calaveras a lo largo del juego, desbloquearemos este modo. ¿Que qué son las calaveras, decís?

Se trata de modificadores que podemos encontrar en cualquier lugar del mapeado. Si los activamos, podemos activar ventajas de munición, provocar que los enemigos sean más duros de pelar o efectos más divertidos como que las explosiones sean mucho más bestias.

En esta ocasión, tenemos más calaveras que nunca, hasta 42, y si las juntamos en la Campaña Remix, podemos volver a jugar capítulos ya superados con efectos extra, como que aparezcan enemigos que, narrativamente, no deberían estar ahí.

Es un modo muy loco que, lógicamente, rompe el equilibrio del juego, pero que merece la pena probar por pura diversión y “trasteo”.

Hablando de novedades con las calaveras, una fundamental se llama Perspectiva y, básicamente, nos permite jugar la campaña en tercera persona. Todo un puntazo.

La "barrera" de la cuenta de usuario

En cuanto a modos, en consolas es posible recuperar la campaña en pantalla partida para dos jugadores y tanto en ellas como en PC, esta campaña también se puede disfrutar en multijugador online para hasta cuatro usuarios.

En ese sentido, aquí tenemos una pega: todos los jugadores necesitan tener una cuenta Microsoft para jugar, aunque estén, por ejemplo, en una PS5.

Incluso en modo pantalla partida, el segundo jugador también la necesita, lo que puede ser un poco engorroso y nos muestra cómo hemos empeorado en ciertas cosas con el paso de los años. En el juego original, bastaba con conectar un segundo mando, y a jugar.

Eso sí, para el online se permite juego cruzado y la progresión cruzada, de tal forma que uno de PS5 colabore con uno de Xbox Series X, por ejemplo. ¡Eso es muy bonito, oigan!

Por último, un añadido muy chulo para amantes de la creación de contenido es el modo Machinima, que regresa a partir del 28 de julio y que se podrá usar al vuelo, sin necesidad de calaveras.

Como recordaréis los veteranos, esto permite usar el motor y los personajes del juego para crear vuestros propios vídeos en los que los personajes se mueven como queráis, dialogan, etc.

Hay quien hubiera preferido el modo Teatro de Halo 3, pero oye, es un punto que se agradece.

La campaña original dura entre 8 y 10 horas, que puede parecer poco para los estándares actuales, pero al combinarse con las calaveras, las misiones extra, el Remix y el resto de añadidos, además de los 4 niveles de dificultad (desde fácil hasta Legendaria) os da diversión para muuucho tiempo.

Por supuesto, también hay que hablar del motor gráfico. Hemos pasado a Unreal Engine 5, lo que se nota tanto en el modelado de los personajes, enormemente más detallado que el original, en unos escenarios con más elementos y, sobre todo, en una iluminación mucho más contundente y ambiental.

Los contraluces y los brillos al fondo, combinados con escenas de corte con nueva captura de movimiento y las características explosiones de colores del juego, dan pie a una experiencia de ciencia ficción muy característica y atractiva.

Quizá no sea el juego máaaas potente del momento, pero luce muy bien y con una fluidez muy sólida, al menos en el modo Rendimiento.

Hemos jugado en una PS5 estándar (en PS5 Pro, es compatible con PSSR) y, además de ese modo, podemos activar el modo Calidad, que se nota particularmente en el aumento de resolución, pero que sacrifica bastante la fluidez del frame rate. Una vez más, os recomendamos claramente el Rendimiento.

Por cierto, nos ha pasado en un par de ocasiones que, al haber muchos enemigos en pantalla, estos han reducido drásticamente sus cuadros de animación, además de que el frame rate bajara algo.

Es una sensación extrañísima que esperamos que se pueda resolver con una futura actualización, pero que, como decimos, solo nos ha ocurrido un par de veces.

En cuanto al sonido, vuelve un estupendo doblaje al castellano, con las mismas voces que recordaréis del original, y unas melodías épicas remasterizadas que ambientan a la perfección.

En el caso de PS5, además de ofrecerse Audio 3D, el altavoz de Dualsense usa algunos efectos vinculados a la interfaz, como la recarga del escudo, además de una vibración que por supuesto está también disponible en el resto de plataformas. Los gatillos adaptativos se notan especialmente en la recarga de armas como la escopeta.

La opinión de Hobby Consolas sobre Halo: Campaign Evolved

Así pues, ¿merece la pena tanto si jugasteis el original como si la experiencia os pilla de nuevas? Sinceramente, creemos que en ambos casos la respuesta es sí, siempre que tengáis claro que el “núcleo” es el mismo que hace 25 años.

Aun así, ha pasado tanto tiempo y audiovisualmente ha cambiado tanto que se siente como algo fresco, sobre todo porque nos recuerda lo revolucionario que fue en su momento.

Halo: Campaign Evolved es, sobre todo, una celebración de un juego que marcó un antes y un después en el genero, pero también es una experiencia por derecho propio que puede mirar de tú a tú a los grandes titanes actuales del shooter. No es perfecto y se podría pulir en varios aspectos, pero las peripecias originales del Jefe Maestro siguen calando tanto como un sarcasmo de Cortana.

Ahora, el Trading Card Game de Cyberpunk prepara su estreno para finales de 2026 y nosotros ya hemos podido ver un codiciado Alpha Kit, que solo unos pocos afortunados de la prensa recibieron.

En el vídeo que tienes encima de este párrafo, te mostramos este pack especial para prensa.

Como suele pasar últimamente con este tipo de productos, una vez llegó a sus receptores, brotaron algunas ediciones a precio de oro (por encima de los 3000 euros) en plataformas de venta de segunda mano.

El hype por este juego de cartas de Cyberpunk no es pequeño, después de que su campaña en Kickstarter haya sido una de las más exitosas de todos los tiempos, superando sin problema los 12 millones de dólares en su financiación. Casi nada.

Cuándo se lanza Cyberpunk TCG

Aunque los que hayan apadrinado la campaña de crowdfunding recibirán el juego algo antes, la idea es que el lanzamiento oficial de Cyberpunk TCG tenga lugar a partir del 30 de septiembre de 2026 y será ahí cuando empiece la verdadera locura.

Además de que las cartas son muy coleccionables por la estética (WeirdCo ha incluido montones de ilustraciones oficiales de CD Projekt Red), la dinámica de juego es relativamente más sencilla que la de otros Trading Card Games, por lo que muchos podrían animarse no solo a acumular cartas, sino también a jugar.

Una vez más, queremos dar las gracias a nuestro amigo "Santa Claus Jr." por cedernos para el vídeo este espectacular Alpha Kit de Cyberpunk TCG. Tú sí que eres del futuro.

A grandes rasgos, la historia que se nos cuenta aquí es la misma. Encarnamos a Edward Kenway, el abuelo de Connor, prota de Assassin's Creed III, que fue un destacado pirata del siglo XVIII. A diferencia de otros juegos de aquella época, aquí los asesinos juegan un papel más secundario e “inspiracional”, pero eso no impide que su Credo sea fundamental en la trama.

Nuestro objetivo es recorrer las islas del Caribe durante esta era dorada de la piratería, mientras amasamos fortunas, forjamos alianzas con figuras icónicas como Barbanegra y buscamos el paradero del Observatorio, un recóndito lugar que parece albergar tecnología de los Isu.

También como en el original, la jugabilidad se divide en dos partes: la primera son los tramos en los que vamos a pie y hacemos lo habitual: trepar por tejados, seguir a nuestros objetivos, escondernos y dar matarile tanto a decenas de incautos soldados como a los odiosos templarios.

La segunda parte son las partes de navegación. Al timón de nuestro barco Jackdaw, recorremos los mares caribeños mientras descubrimos islas, encontramos zonas de pesca de fieros tiburones o ballenas, buscamos barcos hundidos o, claro, participamos en cruentas batallas navales, la salsa de esta entrega, con los abordajes como colofón de unos pirotécnicos enfrentamientos.

La mayoría de las misiones se recorren a pie, pero las batallas en barco tienen un papel crucial, no solo por su espectacularidad, sino porque hemos de prepararnos para ellas.

Echemos el ancla al factor RPG

Si recordáis, este juego era de la etapa, digamos, “clásica” de Assassin's, así que no hay subidas de nivel como en Shadows o Valhalla. Edward es poderoso desde el principio, aunque lógicamente vamos ganando algunas armas y nos vamos topando con enemigos que requieren estrategias especiales.

Podemos conseguir muchas armas y trajes nuevos, sí, que van desde pequeños cambios de color hasta homenajes a otros juegos como AC III, pero no alteran ni mejoran de forma importante nuestro rendimiento, ni se dividen en partes de armadura.

Las armas sí pueden mejorar algo el daño y pueden tener algún efecto extra, como encadenar una estocada con un disparo.

De juegos posteriores se hereda la posibilidad de tener hasta dos amuletos que den algún “buff” a la jugabilidad, como poder atacar mejor a enemigos grandes.

El barco sí que requiere invertir dinero y materiales en mejoras, si queremos enfrentarnos a los fortines y navíos más contundentes, que tienen una capacidad de fuego que ríase usted de la Estrella de la Muerte.

En cualquier caso, la forma en la que ganamos dinero y mejoras se siente mucho más natural que en los juegos más recientes y, a poco que invirtáis algo de tiempo en tareas secundarias que os otorguen recursos, no os encontraréis en esos molestos momentos de atasco en los que suele tocar tener que farmear a tope mejoras. Aquí todo es más “orgánico”, por decirlo así.

A fin de cuentas, las actividades secundarias forman parte del ADN de los Assassin's y aquí hay bastante variedad: caza de animales para obtener mejoras en nuestro arsenal, innumerables cofres del tesoro por descubrir, estelas mayas que encontramos al resolver sencillos puzzles, algún que otro juego de mesa para hacer una parada en el camino...

Y sí, también la famosa búsqueda de partituras para las salomas que canta nuestra tripulación mientras navegamos.

Todo esto ya estaba en el original y tampoco tendría mucho sentido ir al detalle fino de las actividades, por lo que vamos a centrarnos en las novedades de este remake.

Aprovechando los nuevos vientos

A nivel jugable, se ha buscado un híbrido entre la jugabilidad original y ese estilo más cercano al hack and slash de los juegos recientes.

El resultado son unos combates que usan un solo botón para los ataques y otro para cubrirnos. Si pulsamos este último en el momento justo, haremos parrys que pueden romper la defensa del rival y permitirnos ejecutarlos de un plumazo.

Esto da pie a combates muuuucho más rápidos y satisfactorios, especialmente cuando nos hacemos con la pistola y podemos combinar disparos y estocadas. Al currárnoslo, podremos llevar a cabo varias ejecuciones seguidas, usar a rivales como escudos humanos y más.

Además, con el gatillo derecho podemos llevar a cabo acciones rápidas como patadas que desequilibren o empujones que rompan el “muro” de los enemigos más brutos.

Hablando de enemigos, se ha añadido una nueva categoría, un bestiajo armado con un trabuco que vemos en los tramos más avanzados, usar las esquivas aquí es crucial.

En cualquier caso, y sin que sean la quintaesencia de la acción, los combates han mejorado mucho al fusionar lo mejor de dos formas de entender la jugabilidad Assassin's.

En la parte de infiltración hay dos mini novedades interesantes. Primero, ahora obtenemos la cuerda con dardo antes, así que podemos usar la herramienta casi desde el principio para atraer enemigos a nosotros... o para ahorcarlos.

Por otro lado, ahora nos podemos agachar en cualquier parte, no solo en la hierba alta, por lo que la jugabilidad a escondidas se vuelve mucho más apetecible ahora.

Pensando en los momentos frustrantes del original, los desarrolladores han resuelto los momentos en los que seguimos a alguien para que, si nos detectan, no haya desincronización, sino que nos toque pelear para resolverlo.

Cuando exploramos, a la tradicional vista de águila se une esa “observación” con el gatillo a la que nos han acostumbrado juegos como Shadows, por lo que es mucho más fácil encontrar el objetivo principal de cada misión, marcado con un punto azulado.

Ganando calidad de vida

También heredamos de juegos recientes la guía, que podemos activar en cualquier momento para que nos indique el camino más rápido a los objetivos marcados en el mapa general.

Esto facilita mucho la exploración, en conjunto con la brújula que sustituye al mini mapa, aunque para buscar los tesoros más difíciles aún tendréis que currároslo por vuestra cuenta.

En cuanto al Jackdaw, se han añadido mejoras como disparos secundarios que hemos de desbloquear, con efectos tan bestias como ataques incendiaros de nuestros cañones de andanadas.

Una mini tarea simpática es la nueva búsqueda de mascotas para el barco, que pueden ser gatos o monos. No sirven para nada, pero es gracioso verlos acompañarnos y aparecer en sitios inesperados.

Del mismo modo, se han creado 3 nuevos oficiales de apoyo para el barco, que son opcionales, pero que ayudan mucho.

Por ejemplo, el llamado Padre nos otorgará un bestial ataque de embestida frontal. Para desbloquearlos, hay que superar sus misiones correspondientes en el mapa.

De hecho, el último de ellos se desbloquea en el postjuego, después de haber superado todas las misiones principales.

No son las únicas novedades de contenido. En nuestra mansión de Gran Inagua, podremos ayudar al mayordomo a buscar cuadros por todo el mundo, que nos ayuden a decorar la mansión, lo que incluso nos puede otorgar algún traje extra.

Esto se une a las tareas de mejorar el pueblo con nuevas tiendas o administrar la Flota de Kenway con misiones en segundo plano que nos den algo de dinero o mercancías con las que comerciar. Esto era una companion app para móvil en el original, pero aquí se ha integrado en el juego.

También hay alguna misión extra que profundiza en la importancia de Barbanegra y Stede Bonnet en la vida de Edward. La verdad es que son muy emotivas.

Por supuesto, el gran cambio en este sentido es la desaparición tanto del DLC dedicado a Adéwále como de los tramos del presente que, en cualquier caso, eran recordados como de los más extraños y sosos de la saga.

A cambio, se han creado unos desgarros en el Animus, cuatro misiones especiales en las que indagamos de forma bastante surrealistas en escenarios tipo “¿qué hubiera pasado si...?” relacionados con Edward. ¿Y si no hubiera abandonado a su esposa, por ejemplo?

Aunque nos da rabia que no se explore el presente como tal, lo cierto es que estos tramos son muy atractivos y recuperan esa esencia Animus más tradicional de la franquicia.

A eso, hay que añadir que el juego se integra en el Animus Hub que ya vimos en los lanzamientos más recientes, por lo que podemos encontrar en el mapa tanto anomalías temporales como llaves, que al igual que en Shadows nos permiten desbloquear premios como mascotas o trajes especiales.

Además, podemos encontrar fragmentos de información sobre el presente diseminados por todo el mapa, que van desde pistas que relacionan esta aventura con Assassin's Creed Shadows (si os pasasteis la última expansión gratuita del juego ya supondréis por qué) hasta crípticos mensajes o un gracioso tráiler que vincula la vida de Edward con una película a lo Piratas del Caribe.

Cuántas horas dura Assassin's Creed Black Flag y cuánto cuesta

El resultado es una aventura muy grande, pero sin volverse descomunal como sucedía con Shadows o Valhalla.

Para que os hagáis una idea, nosotros hemos buscado una buena cantidad de coleccionables y secundarias y nos hemos pasado el juego en 31 horas, a lo que habría que añadir el pequeño postjuego de la búsqueda del tercer ayudante de cubierta.

Su precio recomendado es de 59,99 euros en la edición estándar, aunque estos primeros días se puede conseguir por unos 10 euros menos.

Cómo no, hay que hablar también del apartado visual, que trece años de distancia con el original y el uso del motor Anvil más reciente marcan la diferencia.

Y vaya si se nota, activar las atalayas para un vistazo panorámico o caminar por las calles de Kingston o La Habana, el nivel de detalle e inmersión son maravillosos, tanto por el número de personas y detalles en movimiento como por unas texturas en HD y una iluminación global magistral, que hace que el paso del día al atardecer sea de postal.

Postal que, de hecho, podéis “inmortalizar” con el modo foto, que vuelve con las mismas funciones que en Shadows y que permite tomar unos planos geniales en pleno combate o si, por ejemplo, pillamos al vuelo unos delfines o una ballena saliendo del mar.

En ese sentido, los paisajes submarinos, especialmente en los tramos en los que usamos la campana de inmersión, son una maravilla, con corales, medusas gigantes y sí, puñeteros tiburones dándonos caza.

Las escenas de corte, movidas en tiempo real, profundizan en el detalle facial y en una expresividad magnífica gracias a la nueva captura de movimiento. Ver a Barbanegra intimidar a los demás es una gozada.

A nivel de sonido, regresan las estupendas voces en castellano del original, con algunas líneas grabadas para el nuevo contenido y melodías que van desde lo épico hasta lo más emotivo, especialmente con ciertas canciones cerca del final del juego.

Por cierto, vuelven todas las salomas y se añaden algunas nuevas, incluida una que es un huevo de Pascua para fans de la saga. En el caso de PS5, DualSense aporta vibración y sonidos por el altavoz para los tramos de acción.

La opinión de Hobby Consolas sobre Assassin's Creed Black Flag

En conjunto, Assassin's Creed Black Flag Resynced es una experiencia muy, muy sólida, que nos ha emocionado más de lo que esperábamos (los secundarios de esta entrega están entre lo mejor de la saga) y que mantiene un gran espectáculo en todo momento.

Pero si os lo preguntáis, todo esto no impide que haya cierta sensación de déjà vu si jugasteis el original, que lógicamente reducen bastante el factor sorpresa.

A eso se unen otros problemillas menores como ciertos abordajes en los que cuesta distinguir a quien atacamos, que algunas misiones se hayan vuelto más fáciles con tantos añadidos jugables o pequeños defectillos en la generación de reflejos en las panorámicas de las atalayas.

Con todo, Edward Kenway vuelve a protagonizar una aventura que roza lo sobresaliente, llena de emociones, secretos, espectáculo, ron y gallinas a las que dar de comer. Pirata sí, pero con corazón.

De hecho, la pasión de muchos por el deporte rey seguramente se inició con el anime original, conocido como Oliver y Benji o Campeones en España. Un anime que se vuelve a homenajear, con todo su espectáculo y tiros nucleares en este juego.

La acción continúa tras lo sucedido en Rise of New Champions. Tsubasa y los demás ya forman parte de la selección nacional juvenil y van a iniciar el mundial de esa categoría, por lo que hemos de acompañarlos hasta la esperada final.

Para dar una mayor inmersión a la experiencia, hemos de crear a nuestro propio jugador, dándole el look y físico que queramos, para que se una como fichaje de última hora de la selección japonesa, aunque a lo largo del partido también podremos controlar al resto de personajes.

En esta ocasión, veremos 22 selecciones nacionales diferentes y 110 personajes controlables, cada uno con su estilo y tiros especiales.

Parece que solo habrá un modo historia central, orientado en este mundial, aunque cada “capítulo” tendrá escenas y desafíos extra que podremos acometer si queremos, para desbloquear ventajas como más títulos para nuestra tarjeta de jugador o movimientos nuevos.

En los movimientos, precisamente, tendremos parte de las novedades. Por supuesto, volverán clásicos como el Tiro del Tigre de Mark Lender... perdón, de Kojiro Hyuga, pero todos se han renovado y, además, se añaden muchos otros que no son disparos a puerta.

Así, ganarán mucho protagonismo los movimientos especiales para fintar a los defensas o también para defender, con acometidas bestiales que tendrán sus propios minicortes animados y que dan más variedad y ritmo a los partidos. Esto último era una de las principales críticas del juego original y aquí es evidente que han tomado nota.

Otro cambio muy importante está en los tiros a puerta. Cuando lancemos uno de los trallazos marca de la casa, tendremos un pequeño quick time event en el que deberemos marcar la dirección del tiro.

El portero hará lo propio. Si ambas direcciones coinciden, el portero hará una parada perfecta y no perderá mucha resistencia, pero si las direcciones varían, las paradas podrán ser correctas o malas.

Eso no garantiza necesariamente un gol, pero mermará más o menos la resistencia del portero. Cuando esta sea muy baja, lo tendremos mucho más claro para marcar.

Al margen de los goles, avanzar por el terreno de juego también gana en espectáculo.

Ahora, muchos jugadores tendrán jugadas especiales no solo ofensivas, sino también de apoyo como fintas increíbles o placajes bestiales que podrán recorrer medio campo.

El medidor de resistencia de cada jugador es fundamental. Así, podremos cargar energía para intentar robar un balón desde bastante distancia, pero nos costará más resistencia, por ejemplo.

Si ejecutamos los movimientos, tanto ofensivos como defensivos con la posición y el timing correctos, perderemos menos resistencia.

El estadio vibra con la emoción...

Aunque los partidos son muy arcade, el posicionamiento de los jugadores es clave, por lo que si jugamos bien nuestras cartas, podremos ejecutar un pase cinematográfico dentro del área, una interceptación a varios metros de altura o incluso un espectacular gol en el que toooodo el equipo acabe entrando en la portería. Ni Goku Ultra Instinto, oigan.

Las jugadas más potentes, llamadas “milagrosas”, solo se podrán ejecutar cuando se den circunstancias muy concretas en el partido, como que se haya marcado un determinado número de goles.

A esta constante hipérbole jugable se une un apartado técnico que también prioriza el espectáculo por encima de todo.

No ha cambiado mucho respecto al primer juego, pero ver las líneas cinéticas, las explosiones y las expresiones desgarradas de los jugadores con cada tiro especial hacen que, irremediablemente, te flipes mucho.

Nuestras primeras sensaciones son que el ritmo de los partidos ha mejorado, ahora es más claro a quién podemos atacar o pasar y, sobre todo, los jugadores dosifican mejor su resistencia, lo que hace que el ritmo mejore.

El 28 de agosto será el verdadero pitido inicial de un Captain Tsubasa II que pretende darnos más emoción que el tiro combinado de Oliver y Tom Baker.

Ahora, regresa con Dead or Alive 6 Last Round para PS5, Xbox Series X/S y PC... y el resultado es bastante descafeinado, como ahora veremos.

Como si de una especie de edición GOTY se tratara, más que un nuevo juego, este Last Round es una suerte de relanzamiento del Dead Or Alive 6 original, con ligerísimos cambios (no esperéis luchadores o escenarios nuevos) y una doble estrategia comercial.

Por un lado, tenemos la ya conocida edición Core Fighters, una versión gratuita que incluye unos pocos personajes y la mayoría de modos de juego, pero sin el modo Historia.

Por otro lado, la verdadera novedad es esta edición Last Round, que reúne 29 luchadores (los 24 originales más 5 que llegaron después vía DLC) y todos los modos originales.

Fuera del paquete se quedan solo Mai Shiranui y Kula Diamond como luchadoras invitadas de King of Fighters, que se pueden adquirir aparte, aunque es posible pelear contra ellas aun sin haberlas comprado.

Todos los modos son idénticos a los vistos en 2019: Historia, DOA Central con su vestuario y galería de contenido, modo Misiones, Lucha en modo Arcade, Supervivencia o Contrarreloj, Versus local, práctica y modo online, que solo incluye partidas informales o rankeadas.

Es justo decir que solo con estas opciones ya hay diversión para rato, especialmente con unos modos práctica y misiones que nos permiten pulir nuestra técnica con decenas de desafíos que van desde lo sencillito hasta lo muy pro.

Además, con los desafíos podemos desbloquear nuevos trajes y conseguir dinero para peinados y gafas. En esta edición, se incluyen 5 trajes nuevos para 6 personajes.

Pero tened claro que todo el contenido de estos modos es idéntico al visto hace 7 años, incluyendo los episodios de un modo historia que tiene su gracia por sus escenitas de corte, pero cuyo argumento es un poco simplón y, repetimos, el mismo de antaño.

Un modo foto muy matón

La única novedad de peso está en un nuevo modo foto dentro de DOA Central que, la verdad, es super completo.

Nos permite recolocar a los luchadores donde deseemos, avanzar frame a frame por los movimientos que queramos, variar la cámara o la expresión de los rivales, añadir efecto mojado o de nieve...

En un juego con poses tan estéticas como este, mola dedicar el tiempo a buscar la instantánea perfecta.

A nivel técnico, también estamos ante el mismo título, aunque se ha optimizado para esta generación de consola. Esto se nota principalmente en la iluminación, porque es cierto que el juego ya se movía y lucía muy bien en la generación PS4.

Hasta aquí podemos leer, porque todo lo demás es igual. Eso implica que tenemos un juego con una curva de entrada muy simple y directa, que con unos pocos botones permite que los novatos disfruten a tope, pero que esconde una inteligente dinámica “triángular”.

Ya sabéis, los golpes vencen a las llaves, las llaves vencen a los agarres y los agarres vencen a los golpes). Los golpes críticos dan una capa de espectáculo que facilita que cualquiera se anime a luchar. Un apartado técnico de lo más cumplidor hace el resto.

¿Para quién es este Dead or Alive 6 Last Round?

En otras palabras, si en su momento no disfrutasteis de Dead or Alive 6, aquí tenéis una propuesta muy sólida, que no llega a la profundidad de bestias como Street Fighter 6 o Mortal Kombat 1, pero que cumple muy bien.

Ahora bien, si ya tenéis el original, no merece la pena pagar los 39,99 euros que cuesta, ya que no se actualiza automáticamente a esta nueva versión. Eso sí, permite importar la mayoría de datos de salvado y contenidos extra (como trajes) adquiridos años atrás.

Dead or Alive 6 Last Round es un juego muy correcto, con algún que otro destello de brillantez y una apuesta segura si os perdisteis las últimas entregas, pero desde luego a la hora de modernizarse no se lo han tomado muy... a pecho. ¿Este chiste se puede hacer en 2026?

Las expectativas eran altas tras haberse completado el ciclo de un Xenoverse 2 absolutamente descomunal y capaz de abarcar la práctica totalidad del lore de Dragon Ball. ¿Cómo reinventar una fórmula que, al basarse en los viajes en el tiempo, ya parecía tenerlo todo amarrado?

Tras un tráiler cinematográfico, ha llegado el momento de ver algo de gameplay real.

Las porciones de jugabilidad que nos ha mostrado Bandai-Namco se centran sobre todo en eso, en cómo se juega, porque ya habrá tiempo de profundizar en la historia.

Por ahora, lo poco que sabemos del argumento es que tendrá lugar en el año 1000, es decir, más de 100 años después del epílogo de Dragon Ball GT.

Como en el juego anterior, tendremos que crear a nuestro nuevo protagonista, que podrá ser chico o chica y de diferentes razas. A raíz de lo visto en el gameplay, vuelven a aparecer la raza humana, la saiyan, la namekiana, la de Freezer y la majin al estilo Bu.

Tendremos un compañero dentro de la llamada patrulla GS (o Gran Saiyaman), que por lo que parece velará por el bien del espacio-tiempo al estilo de lo visto con los patrulleros del juego anterior.

Ese compañero será Brett y, aunque su ropa recuerda a la del Yamcha original, será alguien completamente nuevo, apoyado por el mismísimo Gamma-1 de la película Super Hero y por una Bulma ya madurita que parece tener mucho que ver con este proyecto. Tratándose de ella, todo es posible.

Lo que también sabemos es que el centro de la acción tendrá lugar en la llamada New City, aunque el presentador del evento insistía en llamarla West City (¿será una versión reconstruida?) como la icónica ciudad del manga.

Allí tendremos nuestra habitación, desde la que podemos cambiar el aspecto del protagonista, y lo que parece ser un edificio de apartamentos, donde interactuaremos con personajes icónicos del anime. En esta demo tuvimos un rápido vistazo al Vegeta de la saga saiyan y a Trunks del Futuro.

El símbolo de Capsule Corporation estaba por todos lados e incluso vemos máquinas expendedoras de las mismas, por lo que seguramente la icónica empresa del doctor Brief tendrá que ver con la trama.

Es de esperar que todo este entorno nos servirá también de hub para interactuar con otros jugadores que estén conectados online.

Todo está conectado

Está claro que tendremos que seguir los pasos de Goku y sus compañeros a través de los actos principales de la cronología de Dragon Ball, pero nosotros forjaremos nuestro propio camino, con un concepto como espina dorsal de este juego: la conexión.

Sus desarrolladores se refieren a ella como la base de nuestra relación como jugadores con el juego, pero también entre los personajes.

¿Cuál será nuestro objetivo? ¿Qué amenaza principal tendremos en el juego? Aún no lo sabemos, pero sí hemos podido ver cómo será la lucha contra enemigos clásicos. En concreto, el Broly de la película de Dragon Ball Super.

El sistema de lucha volverá a basarse en formar equipos de hasta cuatro patrulleros.

Aunque no se han dado muchos detalles, al poder elegir esos patrulleros personalizados, será posible crear un equipo más equilibrado que en el pasado, en función de los puntos fuertes de cada uno.

Mientras nosotros controlamos a nuestro personaje principal, podremos ejecutar, además de combos básicos (habrá un botón para ataque normal, otro para ataque fuerte y un gatillo para perseguir al rival), cuatro súper ataques basados en los que hayamos aprendido de personajes icónicos. Ya sabéis, el Kamehameha, el Galick Cannon...

Cada ataque tendrá un icono para aclarar si se basa en energía, cuerpo a cuerpo... Además, pueden tener un mini icono vinculado a efectos secundarios, como drenar energía al rival.

Si restamos suficiente ki al enemigo, este entrará en estado de ruptura de ki, por lo que se volverá más vulnerable por unos instantes a un ataque demoledor.

Volviendo a los súper ataques, podremos volver a usarlos tras unos segundos de “enfriamiento” y además podemos acortar ese tiempo si usamos el botón de carga de energía, a riesgo de volvernos vulnerables a ataques rivales.

Peleas con más alma

Nuestros súper ataques estarán vinculados al gatillo derecho, mientras que con el izquierdo podremos ejecutar un Ultimate Attack como un Super Kamehameha que abarque un área muy amplia.

Con ese gatillo también podremos desencadenar las novedades de esta entrega: el Soul Assist y el Soul Switch.

En el caso del Soul Assist, un personaje icónico (Vegeta, en el ejemplo que hemos visto), lanzará un único ataque de apoyo y luego se marchará. Si atacáis a la vez, el efecto puede ser muy contundente.

Pero lo mejor será el Soul Switch: si lo activamos, nuestro personaje si intercambiará por unos segundos por el personaje icónico que hayamos asignado. En esta demo, vemos a Trunks, por ejemplo.

Al hacer estos intercambios, nuestra salud se restaurará y podremos ejecutar toda la gama de movimientos del personaje en cuestión, aprovechando también sus estadísticas de lucha.

Para dar una capa más de estrategia, podremos elegir si usamos el Soul Switch o, en el caso de que la raza del personaje sea compatible, una transformación, que también restaurará nuestra salud.

Así, si somos de raza saiyan podremos pasar a super saiyan 1 o incluso a super saiyan 3, que era con lo que acababa la demo.

Otro elemento importante será el uso de la guardia. No se trata solo de cubrirnos a saco cuando venga un ataque, sino que, si logramos una guardia perfecta justo cuando vamos a ser golpeados, recuperaremos una buena porción de ki.

Cuando sean los enemigos los que ataquen, hay que fijarse bien en el área que abarcan.

Por ejemplo, una bestia parda como Broly podrá arrasar con todo lo que pille en muchos metros a la redonda, así que habrá que aprovechar elementos del escenario como los bloques de hielo para ganar cobertura.

Una vez superemos cada misión, obtendremos puntos de experiencia, zenis y equipo. Por supuesto, cada misión tendrá sus propios requisitos y objetivos extra para ganar un plus de recompensa.

Así pues, hay algunas novedades en el gameplay, pero el estilo de juego es muy similar al del juego previo. ¿Qué hay del apartado técnico?

Estos gráficos necesitan entrenamiento

Lo poco que hemos podido ver por ahora no es particularmente impresionante. Los modelos de personajes y sus animaciones recuerdan mucho a los de Xenoverse 2, un juego que, recordemos, tiene ya una década a sus espaldas. Después de juegos como Sparking! ZERO, esperábamos algo más.

Los movimientos del personaje protagonista parecen bastante robóticos y ese Vegeta que hemos podido vislumbrar en el cuartel general estaba desproporcionado, con un cuerpo que ni parecía suyo. Todo esto parece bastante anticuado, pero es cierto que quedan aún muchos meses para el lanzamiento y tienen tiempo de sobra para pulir los gráficos.

En el lado positivo, algunas animaciones durante los ataques más contundentes, como el super Kamehameha y el ataque final de Broly sí que llaman más la atención y reconocemos que nos encanta el diseño de la ciudad principal, llena de edificios futuristas a lo Toriyama y coches voladores al fondo. Estamos deseando ver qué puede dar de sí este nuevo entorno y pasar volando entre sus edificios.

Una nueva era se avecina con Dragon Ball Xenoverse 3 en 2027 y, con ella, Bandai Namco y Dimps nos quieren hacer soñar con las batallas más épicas de Goku. Ojalá esta vez sí que tengamos la batalla más épica de todas, la de Bacterian.

Si recordáis, hace un tiempo vimos Tomb Raider para Switch 2 y lo cierto es que el resultado era más que convincente y algo parecido sucede con esta secuela. A fin de cuentas, estamos hablando de un juego que, atención, tiene 11 años ya y que originalmente se concibió para Xbox One, PS4... e incluso Xbox 360.

Pero eso no quita que sea un juegazo, con una narrativa y una espectacularidad visual que siguen asombrando a día de hoy, por lo que la experiencia vuelve a ser de lo más recomendable en Switch 2.

Ya que estaban, la versión que nos presentan es la 20 Year Celebration lanzada en su momento para PS4, que incluye todos los contenidos descargables que se fueron lanzando. ¡Y no son pocos!

Además de la campaña principal, tenemos el modo Resistencia (hay que aguantar en el bosque buscando tesoros, pero también vigilando que Lara se mantenga caliente y se alimente), Baba Yaga (una historia extra llena de momentos psicodélicos) y El despertar de la fría oscuridad, un extra del modo Expediciones en el que sobrevivimos a zombis y saboteamos torres.

Bienvenidos a la Mansión Croft

A todo eso, hay que añadir los extras específicos de la edición 20 aniversario, como la Mansión Croft (que incluye un modo de exploración llamado Lazos de sangre y uno basado en el combate y el terror llamado La pesadilla de Lara), el modo Resistencia cooperativo, la dificultad Superviviente extrema (sin autoguardados) y un porrón de skins desbloqueadas desde el principio.

Con todo esto tenéis decenas y decenas de horas de entretenimiento de calidad, tal y como ya os comentamos en su momento con el análisis de Rise of the Tomb Raider Edición 20 Aniversario. Además, se vende rebajado a 29,99 euros (con 3 euros de descuento en los primeros días), así que es asequible.

La versión Switch 2 de Rise of the Tomb Raider aporta como extra la posibilidad de usar el control tipo ratón, lo cual se agradece especialmente en unos tiroteos en los que los sticks no dan toda la precisión que nos gustaría de cara al apuntado, aunque este puede ser automático en la dificultad más baja. Aún así, hemos notado algo de input lag con el control con ratón.

También tenemos la opción de usar el giroscopio (pero no parece funcionar bien de lanzamiento, ¿quizá está pendiente de parche?) y la pantalla táctil para movernos por los menús.

Lara Croft vuelve a lucir pelazo

Ahora bien, ¿qué tal rinde a nivel técnico? Pues resulta tan satisfactorio como en la entrega previa. Algunos efectos como el del (sedoso) pelo de Lara con el sistema TressFX, la nieve o el agua están prácticamente igual.

Donde más se puede notar es en la resolución, que es algo inferior si comparamos con las versiones más recientes de Xbox Series X o PS5, además de un frame rate que no es para nada inestable, pero que se queda un poco por encima de los 30 frames por segundo. Ojalá fueran 60, sí, pero cumple bien.

Otros efectos menores, como ciertos reflejos en el hielo, también se quedan por el camino, pero la iluminación está a un gran nivel y en las escenas de corte, que aquí se integran con la propia acción, todo luce de maravilla.

En una tele grande se disfruta perfectamente, pero es verdad que conceptualmente parece más adaptado al modo portátil, donde la diferencia de resolución es prácticamente imperceptible.

Por supuesto, también regresa el magnífico doblaje original al castellano, fundamental para una atmósfera en la que Lara no para de animarse a sí misma para salir adelante...

En conjunto, esta versión del juego tiene un acabado más que correcto, con algunos efectos que superan a los del juego previo (como el pelo), pero que curiosamente falla en lo que podría ser su seña de distinción: las opciones especiales de control.

Es una buena experiencia y está a rebosar de contenido, así que si queréis disfrutarlo especialmente en modo portátil o buscáis revivir una de las mejores aventuras de la generación pasada, Rise of the Tomb Raider es un buen tesoro a desenterrar.

Nosotros hemos podido jugar un par de capítulos de la campaña en Xbox Series X y ya os podemos constatar que el desarrollo general es idéntico al del juego original.

Desde el momento en que el Jefe Maestro aterriza en la playa, nos sentimos como en casa con un sistema de jugabilidad que se ajusta como un guante al mando de la consola.

Aunque el desarrollo es casi idéntico, aquí se incorporan elementos que llegarían en entregas posteriores, como el abordaje de vehículos enemigos, por lo que variedad es total: podemos usar torretas enemigas contra ellos, participar en escaramuzas con otros soldados, sabotear tanques plantando una granada, montar en un banshee...

Todo esto funciona tan bien como el primer día. La jugabilidad de Halo, basada en esa recarga automática de salud del Jefe y en el uso de solo dos armas en el arsenal cada vez, hace que la experiencia sea tan dinámica como estratégica, sobre todo cuando toca enfrentarse a enemigos tan correosos como los Hunters.

Para la ocasión, se han incorporado 9 armas procedentes de Halo posteriores, con lo que la variedad está asegurada. Por fin podemos usar la espada de energía desde el primer juego.

Un halo de novedad

Como se trata de un remake, los niveles y enemigos se han reconstruido desde cero, pero con una enorme fidelidad a lo que era el juego original, tanto en el comportamiento de los personajes como en el diseño de los escenarios.

También regresan las famosas calaveras, que podemos encontrar en diferentes puntos del mapa y nos permiten activar toda clase de efectos en el juego, desde explosiones más fuertes hasta munición infinita, enemigos más duros o incluso ver las partes de disparo en tercera persona.

En esta demo especial del Summer Game Fest había varias calaveras desbloqueadas, pero donde mejor podemos comprobar sus efectos es en el nuevo modo Campaña Remix, que también estaba disponible.

Aunque podemos jugar la campaña como siempre (en sus dificultades fácil, normal, difícil y legendaria), el nuevo modo Remix permite que activemos toda clase de cambios en el desarrollo de los niveles y que incluso nos topemos de bruces con armas y enemigos que no deberían estar ahí, como los flood en la playa.

Este modo es más loco y sirve para “reinventar” la experiencia normal, de tal forma que la rejugabilidad se dispara.

Pero no es el único cambio de esta nueva entrega, ya que también tendremos 3 capítulos inéditos que sirven a modo de precuela y que están protagonizados tanto por el Jefe Maestro como por el sargento Johnson. No hemos podido jugar aún esos niveles, pero el tráiler de este Summer Game Fest ya nos ha dado algunas pistas.

Por supuesto, también será posible el modo cooperativo online para cuatro jugadores. Podremos incluso hacer crossplay con PC y PS5, lo que aumenta mucho las posibilidades de encontrar compañero de partida. Y si quieres más nostalgia, en consolas hay modo a pantalla partida para dos jugadores.

Una armadura más reluciente para el Jefe Maestro

¿Qué hay del rendimiento técnico? Aquí es donde más se notan las novedades, por supuesto. Pasamos a Unreal Engine 5 para mostrar unas batallas constantemente salpicadas de efectos de iluminación y sombreado y explosiones de las que no paran de saltar partículas.

Aunque esta entrega tiene muchos momentos en el interior de grandes estructuras alienígenas, donde más se nota el cambio es en exteriores, donde las montañas y el mar se compaginan con los enemigos y los vehículos en movimiento.

Cuando conseguimos reventar un wraith en mitad de los tiroteos o cuando hay que pelear en la corta distancia contra un élite es cuando más decimos “guau, esto sí que es una generación actual”.

No es que sea el juego más potente visualmente del momento, pero el apartado gráfico luce detallado y colorido.

También se han creado nuevas escenas de corte entre misiones que usan captura de movimiento, algo que allá por 2001 era un concepto relativamente marciano. Ver a Cortana y al resto de personajes con este detalle siempre es un placer.

A nivel de sonido, las melodías se han remasterizado y desde esta demo ya hemos podido jugar en español con las voces de siempre. Sigue siendo muy divertido escuchar a los grunts ponerse gallitos primero y gritar desesperados cuando nos imponemos.

Nos quedamos con las ganas de probar la versión PS5 para ver si se añaden mejoras de Dualsense como la comunicación por radio en el altavoz. Ya se verá...

En conjunto, Halo Campaign Evolved nos presenta sensaciones encontradas, pero todas positivas. Es como estar jugando al original, pero a la vez los pequeños cambios aquí y allá hacen que asumamos como que “siempre estuvieron allí” las novedades que incorporaron los juegos posteriores.

Por ahora, a nivel técnico nos parece más que cumplidor, pero es en esa jugabilidad tan rotunda donde está su punto fuerte. No sé cómo lo veis vosotros, pero de cara a su lanzamiento el 28 de julio yo... “necesito un arma”.

En realidad, la propuesta no os pillará de nuevas si sois seguidores de Nintendo, ya que es una especie de fusión entre los Wario Ware y aquel Atrapacaras que venía en la memoria de nuestras 3DS.

A grandes rasgos, Pictonico! es un recopilatorio de microjuegos, de esos que hay que resolver en un par de segundos como máximo.

Al igual que pasa en Wario Ware, todos tienen una temática loca y que juega con ese humor absurdo tan japonés, pero en esta ocasión la gracia está en que todos se basan en nuestras fotos.

Dependiendo de los permisos que demos, el juego puede acceder a nuestros álbumes de fotos del móvil al completo, aunque también podemos decirle que solo use ciertas fotografías (sí, también puede coger imágenes de vuestra carpeta de Whatsapp, por ejemplo), por si no queremos ver la cara del jefe en la partida.

El título reconoce dónde hay rostros y los coloca donde corresponda en cada minijuego, para que nos veamos sorbiendo un batido, disfrazados de bebé, bailando con un tutú...

Incluso aprovecha fotos donde no haya rostros claros para ciertos minijuegos en los que, por ejemplo, hay que construir un puzzle rápido.

Cómo se divide Pictonico! y cuánto cuesta

Aunque la descarga de Pictonico! es gratuita, los minijuegos se agrupan por volúmenes. El Volumen 1 cuesta 7,99 euros y trae 30 minijuegos. El Volumen 2 aporta otros 30 y cuesta 5,99, para que nos sea más fácil "picar".

A la hora de ponernos a jugar, tenemos 3 modos principales. Por un lado, Niveles. En él, tenemos 20 niveles, cada uno de ellos con 10 microjuegos que hay que superar del tirón. Disponemos de 3 vidas (vamos, que podemos fallar 3 veces) antes del Game Over.

Lógicamente, los microjuegos se acaban repitiendo, sobre todo si solo tenemos el Volumen 1, pero su dificultad va aumentando con cada nivel y, además, los microjuegos tienen variantes en lo que se muestra o en los movimientos que hay que hacer.

Todos los microjuegos se superan con sencillos controles táctiles, ya sea tocando algo, arrastrando o haciendo pinza para hacer un zoom.

Al superar ciertos niveles, desbloqueamos pequeños extras, como un mayor nivel de dificultad para otros modos. Y ojo, que en dificultad alta el ritmo es absolutamente frenético...

El siguiente modo es Dispara y juega: si no quieres usar las fotos de la memoria del móvil, puedes hacerte una o varias fotos al vuelo (lo cual sirve también para que juegues junto a alguien del que no tuvieras fotos en memoria) y lanzarte a por varios microjuegos.

Por último tenemos Frenesí, una especie de modo Supervivencia en el que hemos de superar tantos microjuegos seguidos como podamos.

Por último, podemos repasar todos los microjuegos desbloqueados o entrar en el modo 10 al azar... para eso, para superar 10 microjuegos al azar.

Cachondeo exprés

Hagas lo que hagas, el enfoque es participar en algo rápido, para echarte unas risas al esperar el autobús y poco más.

Lo cierto es que, incluso cuando ya has visto los microjuegos del primer volumen, te pueden seguir haciendo gracia al cargar nuevas fotos que no te esperabas.

A nivel técnico, el juego es muy simple y busca una estética cómica y directa para que todo el mundo se anime a participar, pero usa pequeños trucos como deformar las caras para que parezca que lloramos, que nos alegramos, etc.

Además, carga los microjuegos al instante, junto con las fotos, por lo que no hay tiempos de espera. Eso sí, para agilizar el proceso, no para de cargar fotos en segundo plano siempre que estamos en los menús del juego.

Si sois como nosotros, que literalmente tenemos miles de fotos en memoria, esto puede provocar que el juego chupe batería que da gusto.

¿Y hay alguna trampa a nivel de gasto extra? No, por suerte en Nintendo son muy transparentes con esto y el único gasto real son, por ahora, los dos volúmenes de microjuegos (suponemos que llegarán más en el futuro).

Existe una moneda dentro del juego, que ganamos al superar partidas y sirve para dos cosas: para continuar si perdemos antes de terminar un nivel o para sacar las Fotofortunas, una especie de cromos virtuales "motivacionales". No sirven para nada, pero podéis compartirlos con los amigos en redes sociales y son graciosos.

En conjunto, Pictonico! es un divertimento sencillo y directo que entiende la plataforma en la que se lanza. Es verdad que el efecto novedad solo dura un par de días y que quizá el precio sea demasiado elevado (sobre todo, si van a lanzar más volúmenes), pero es un poco como las pipas: es algo tan bobo y tan rápido que siempre apetece ponerse un ratito.

Aunque ya se sabía bastante sobre él desde hace varios meses (fue una de las sorpresas de la serie de animación Secret Level), por fin hemos podido ver un gameplay extendido de Exodus durante el Future Games Show del Summer Game Fest 2026.

Las similitudes con las aventuras del comandante Shepard son evidentes desde el principio. En este juego de rol de acción viajamos miles de años al futuro, los humanos tuvieron que huir de una Tierra moribunda. Se han asentado en una galaxia lejana, pero ahora su supervivencia vuelve a estar contra las cuerdas.

Nosotros controlamos a Jun Aslan, el llamado Itinerante (podemos elegir que sea chico o chica), un humano que proviene de una familia de aventureros y que tiene la posibilidad de interactuar con los dispositivos y las ruinas de una civilización perdida llamada los Celestials.

Acompañados de otros aventureros, hemos de alejarnos de nuestro hogar para lograr un nuevo futuro.

Decidir es una cuestión de tiempo

Pero algo nos juega en contra: la dilatación temporal. Al alejarnos mucho, lo que para nosotros puede suponer minutos o horas, para nuestros seres queridos “en casa” supone años de diferencia, al estilo de lo que vimos en la película Interstellar.

Esto servirá para aumentar la tensión durante las decisiones morales, que no podían faltar en un juego de este tipo.

Habrá algunas más “pequeñas”, pero otras darán pie a consecuencias que se prolongarán durante años o décadas. ¿Qué nos encontraremos al regresar a nuestro hogar cuando hayamos tomado según qué decisiones?

Por supuesto, la relación con nuestros compañeros será clave. En función de cómo actuemos, podremos mejorar nuestra afinidad con ellos e incluso iniciar romances. Bueno, no con todos.

Por ejemplo, no será posible con Salt, ya que se trata de... un pulpo inteligente metido en una armadura.

Del mismo modo que la ambientación de Mass Effect giraba mucho en torno a las especies alienígenas, aquí tendremos muchos tipos de animales “despertados”, que han desarrollado una inteligencia equiparable a la humana... o superior, si preguntáis a Salt. Está claro que esto dará pie a un lore muy interesante y a numerosos momentos de humor.

Combates en equipo

Cuando toca pasar al combate, no solo disponemos de nuestras armas y habilidades especiales. En función de qué dos personajes nos acompañen, podremos desencadenar otros trucos como barreras temporales o cañonazos especiales.

Los cambios de arma y habilidad vuelven a efectuarse con una rueda de selección que ralentiza bastante el combate pero no lo pausa.

También podemos ejecutar ataques por sorpresa que acaben con el rival de un plumazo, aprovechar efectos pasivos como daño de fuego y romper armadura o, cuando toca saltar, balancearnos con una “cuerda láser” y generar plataformas al vuelo gracias a nuestro misterioso guantelete.

Por lo que hemos podido ver en el gameplay del Future Games Show, los combates siguen una estructura muy clásica de “posiciónate, esquiva los ataques enemigos y busca su punto débil para darlo todo ahí”, en los que hemos de estar muy atentos tanto a la barra de salud como al tiempo de recarga de cada habilidad.

De nuevo, todo muy Mass Effect, pero a un nivel técnico que está a años luz, si se nos permite la expresión.

Desde luego, uno de los elementos que más nos han llamado la atención de este nuevo gameplay es la calidad visual, tanto de los escenarios como de los efectos de partículas, la iluminación o, sobre todo, los personajes.

Estos juegos de rol suelen ser muy amplios y la expresividad de los personajes paga el precio, pero en lo que hemos visto por ahora no tienen nada que envidiar a un juego AAA más lineal, tanto en el nivel de detalle como en las muecas que hacen.

Otro aspecto muy interesante es comprobar cómo van cambiando las ciudades y entornos conocidos cuando regresemos en diferentes momentos del día... o muchos años después.

Los desarrolladores ya han dejado claro que los cambios por dilatación temporal y las decisiones que llevan aparejados serán cruciales en el avance del juego, pero que nos “enseñarán” a entenderlos al principio de la aventura y, cuando vayan a llegar, avisarán para que el jugador pueda empezar a formarse su estrategia sobre lo que hacer.

Por cierto, parece que se van a rodear de actores de primer nivel para dar voz a los personajes. Por ejemplo, un misterioso ¿mentor? llamado C.C. Orlev tendrá la voz de Matthew McConaughey, protagonista, precisamente, de Interstellar.

Mirar al pasado para afrontar el futuro

El otro gran elemento argumental será el misterio en torno a los Proteanos... perdón, en torno a los Celestials, lo que crearon en el pasado y el porqué de su desaparición.

Todo ello, conjugado con reflexiones en torno a por qué tuvimos que abandonar la Tierra y qué hacía tan especial a ese planeta para convertirse en cuna de la civilización humana.

Ya lo veis, Exodus no se llevará un premio por su originalidad, pero nos encanta que tome todos los ingredientes de los clásicos de la ciencia-ficción y construya una epopeya que ya se vaticina intensa y descomunal.

Visitaremos planetas, forjaremos alianzas, pelearemos un montón y tomaremos algunas decisiones de las que seguro nos arrepentiremos en algún caso. Para nosotros, Exodus ya es uno de los títulos más potentes para el arranque de 2027. Ojalá pudiéramos jugar nosotros también con el tiempo para verlo acabado.

Además de presentarse en el evento presentado por Geoff Keighley, nosotros pudimos echar un vistazo a su jugabilidad unos días antes.

Como sabréis, el aspecto principal de Chronicles Medieval, además de seguir la trayectoria de nuestro personaje desde ser un don nadie durante la Guerra de los Cien Años hasta comandar ejércitos, es precisamente el transcurso de la batalla.

Por un lado, hemos de distribuir a las tropas antes de iniciar el ataque. Así, es importante saber dónde colocar a los arqueros, la caballería o los soldados (cada uno tiene sus puntos fuertes, su alcance y sus desventajas), pero a la vez hemos de participar en la contienda.

Así, en cualquier momento podemos controlar a nuestro personaje para combatir, pero a la vez podemos dar órdenes al vuelo para que un grupo se repliegue o adopte otra estrategia en tiempo real.

La idea es aunar la intensidad de los juegos de batallas masivas a lo musou con la profundidad de un juego de estrategia clásico. Además, el juego es totalmente descarnado y explícito, por lo que viviremos lo cruento de aquellas batallas en nuestras carnes.

Es más, la intensidad de la batalla afectará a la moral y el rendimiento de los soldados.

Si vamos ganando, su moral se incrementará, pero si damos órdenes equivocadas o las cosas se tuercen, los soldados podrán pasar a perder la confianza, hasta el punto de llegar a desertar y huir despavoridos.

Preguntamos a los desarrolladores cuánto porcentaje de la experiencia de juego ocuparán las batallas y, aunque no querían "comprometerse" a dar una cifra exacta, calculaban que supondrían cerca del 50% del tiempo de partida.

Más allá de las batallas en Chronicles Medieval

Cuando no estamos en el campo de batalla, podremos visitar nuestros pueblos, entrar en tabernas, visitar minas o buscar a ladrones mercenarios con los que cuajar algún tipo de trato.

Trabajar las relaciones con otras personas o grupos será fundamental para construir un ejército potente. Además, si cumplimos ciertas tareas en un plazo de tiempo determinado podemos conseguir recompensas como dinero.

Otro aspecto interesante serán los bandos disponibles. Hasta ahora, sabíamos que podríamos jugar con Inglaterra y Francia, pero se acaba de anunciar que el Sacro Imperio Romano también estará disponible.

Nuestro objetivo será elegir un bando, empezar desde cero e ir construyendo el ejército, no solo a base de combatir, sino también de forjar alianzas y construir una reputación que pueda ser tan respetada como temida.

Lo interesante es que no habrá una forma "correcta" de hacerlo. Los desarrolladores quieren que cada jugador tome su propio camino, tomando sus propias decisiones.

De hecho, desde Raw Power Games insisten mucho en que la libertad de los jugadores es crucial en el juego, tanto a la hora de lanzarnos a una partida como al crear nuevo contenido.

Aunque esta ambientación medieval será la espina dorsal del título, quieren y animan a que cualquiera modee el juego para crear experiencias más personalizadas.

Desde luego, los pequeños retales de gameplay que hemos visto dan cuenta de lo intenso de las batallas, con un ritmo que nos ha gustado. Siendo sinceros, nos parece que la calidad visual mostrada está bien, pero ha supuesto cierto "downgrade" respecto a lo que insinuaba el tráiler del año pasado.

Quizá el nivel de detalle visual no sea el más top del momento, pero hay que tener en cuenta que el juego pretende mostrar cientos de soldados en movimiento a la vez, reaccionando a nuestras órdenes, así que hay que priorizar que todo eso se mueva de forma fluida.

Y, en cualquier caso, seguimos estando en una fase muy temprana del desarrollo y hay mucho margen para pulir.

La idea es que en este mismo 2026 llegue el early access para usuarios de Steam y se tendrá muy en cuenta el feedback que den para retocar el juego final.

El juego usará Unreal Engine 5 y la tecnología Asgard, una herramienta propia de Raw Power Games diseñada para concebir juegos a gran escala.

Aunque se trata del juego inicial del estudio, en él participan veteranos de franquicias como The Witcher, Assassin's Creed o Cyberpunk 2077, así que están acostumbrados a proyectos mastodónticos.

Así pues, Chronicles Medieval puede convertirse en un híbrido de rol y estrategia que os haga adorar más que nunca la Edad Media. Estaremos atentos a ese inicio del early access, desde la comodidad de nuestros monitores planos. ¡Brujería!

Si quieres conocer todo lo revelado en el evento de hoy, no dudes en echar una ojeada al resumen del Summer Game Fest 2026, que ya nos ha dejado bombazos como el anuncio de Resident Evil Veronica, Final Fantasy VII Revelation, Stellar Blade Bloodrain, fecha de Stranger than Heaven, Gen Atlas, Blood of the Dawnwalker, Monster Hunter Wilds Ascendance, Crossfire, Alien Isolation 2, Clutch, Virtua Fighter Crossroads o Attack on Titan 3, entre otros.

En la actualidad, Sasaki-san sigue en activo y ha participado como asesor en 4PGP, un juego de carreras claramente inspirado en clásicos poligonales como Virtua Racing, que quiere recuperar la sencillez y diversión directa de esa época.

"Hay algo atemporal en unos controles sencillos, metas claras, una estética colorida y una jugabilidad que antepone la diversión", comenta Jonathan Marole, director del juego.

4PGP salió hace poco en Switch y llegará a PS5 y PC el 11 de junio. Para celebrarlo, hemos podido compartir un par de preguntas con Kenji Sasaki, para que nos cuente cuál es la clave de unos juegos tan directos y "sinceros" como estos. Aquí podéis leer lo que nos ha contado:

¿Qué tipo de información has aportado al desarrollo del juego? ¿Cuál es el consejo más importante que puedas dar a los desarrolladores noveles?

Me uní como asesor especial para aportar sugerencias de mejora. También di ideas y conceptos visuales para varios elementos como la interfaz de usuario. Igualmente, he dirigido la música del juego.

En cuanto a consejos para nuevos diseñadores, creo que, como la tecnología ha hecho que todo sea tan accesible, se ha vuelto común que la gente quede satisfecha con trabajo que está incompleto.

Creo que es importante hacer un buen uso de las herramientas que tienes a tu disposición, a la vez que creas un estilo y voz creativa que sean inconfundiblemente tuyos.

Hoy día, hay más oportunidades que nunca para compartir tu trabajo con el mundo. Creo que una de las experiencias más valiosas es concebir por completo un juego y ponerlo en las manos de los jugadores. Repetir este proceso y aprender de él te ayudará muchísimo como creador.

¿Qué era lo más complicado a la hora de diseñar un juego de éxito en los años 90, en materia de tecnología y diseño? ¿Los retos son diferentes hoy? ¿Y qué echas de menos de esa era?

En los 90, éramos pioneros en muchos sentidos. Casi no había predecesores de los que aprender y teníamos muy pocos recursos o materiales de referencia. Nuestro proceso de desarrollo se basaba en ensayo y error.

Como no teníamos herramientas especializadas ni entornos de desarrollo disponibles, cuando faltaba algo, teníamos que crear nuestra propia solución. Formaba parte del trabajo.

Hoy día, el desarrollo de juegos se ha vuelto mucho más accesible gracias a las diferentes herramientas de desarrollo, el middleware y la inteligencia artificial. Aún así, creo que haber superado esos retos del pasado es una de las razones por las que he podido seguir estando implicado durante tanto tiempo en esta industria tan competitiva y cambiante.

Otra gran diferencia es Internet. Ahora, hay mucha menos distancia entre los desarrolladores y los jugadores, lo cual puede ser una ventaja y un problema.

Cuando hay que conseguir feedback externo, puede ser difícil distinguir entre una crítica constructiva y el mero ruido.

Si estás intentando crear algo único, es fácil dejarse llevar por el flujo constante de opiniones y comentarios. Debido a eso, ideas que pueden comenzar siendo osadas y rompedoras, se vuelven más y más convencionales por el camino.

Ya lo veis, tener ideas claras y conformar un diseño sin complejos que anteponga la diversión sigue siendo tan importante ahora como hace 30 años. ¿Conseguirá el juego 4PGP emular esas sensaciones? El 11 de junio lo podréis comprobar en PS5 y PC.

Como recordaréis, esta editorial británica es responsable de libros de altísima calidad sobre la historia de los videojuegos, desde sus compendios visuales hasta títulos más de ensayo y recopilación como The Games That Weren't.

En su momento, ya lanzaron un libro sobre The King of Fighters, pero ahora toca el repaso a Fatal Fury o Garou Densetsu, en su versión japonesa.

En el vídeo que tenéis aquí arriba, os damos un vistazo rápido al libro para que os hagáis una idea de la enorme calidad visual y de impresión que ofrece.

Eso sí, como suele pasar con estos libros, hay dos problemas irremediablemente aparejados. Por un lado, el libro está solo en inglés, lo que puede suponer una barrera para muchas personas, por mucho que este libro sea más visual que otros.

Cuánto cuesta Fatal Fury The Ultimate History

Por otro lado, tenemos el problema del precio: 56 euros, a lo que habría que sumar gastos de envío desde Reino Unido si lo compráis directamente en su web. Por suerte, también se puede conseguir en negocios como Amazon, lo que ahorrará gastos de envío.

Seguramente, con algo de paciencia, el libro puede terminar adaptado a nuestro mercado, como hizo Héroes de Papel con Go Straight: La guía definitiva de los beat 'em ups (que acabó llegando en castellano), pero no es algo que esté garantizado.

En cualquier caso, este Fatal Fury / Garou Densetsu The Ultimate History es un imprescindible para todo fan del retro, del pixel art o de esta serie de lucha tan carismática. ¡Como para quitarse la gorra de la emoción!

La aventura nos pone en la piel de un policía que llega a un hospital abandonado donde parecen haberse dado unos disturbios. Una vez llega allí, descubre que extrañas y monstruosas entidades pueblan el lugar. Para colmo, comienza a tener visiones sobre lo que parece ser su vida personal...

El desarrollo, que es el primero del equipo Emberflight Games (literalmente, cuatro desarrolladores recién salidos de la universidad), no es particularmente original y nos hace recorrer en vista subjetiva o, mejor dicho, desde la perspectiva angular de la cámara policial del protagonista, un entorno lineal con algunos desvíos que dan coleccionables y munición extra.

Sí, decimos munición porque, aunque el juego arranca al más puro estilo Outlast (estamos solos ante el peligro y solo podemos huir o escondernos), más adelante conseguimos una pistola y una escopeta que podemos usar contra determinados enemigos.

Incluso hay unos pocos bancos de trabajo en los que invertir los tornillos encontrados en mejorar las armas con más daño, una mira láser, etc.

Aún así, hay un par de “entidades” (un humanoide con muchos brazos y una jaula llena de deformidades) que nos persiguen en varios tramos del juego y a las que nos toca dar esquinazo, como es de rigor en este tipo de juegos.

Para esas ocasiones hay armarios en los que escondernos, aunque también podemos agacharnos tras mesas y, quizá aquí viene lo más original del juego, mantener pulsado un botón para mantener la respiración y evitar así que el monstruo nos oiga.

Que tu aliento no te delate

Si corremos, tendremos menos margen para respirar y, por supuesto, solo podemos hacer esto durante unos segundos.

Además de estos tramos más orientados a la acción, hay algunos puzzles basados en encontrar números ocultos para un teclado, girar válvulas en un orden correcto, etc. De nuevo, no son nada del otro jueves, pero aportan tramos entretenidos de investigación.

Algunos de estos puzzles no son imprescindibles para avanzar, sino que nos abren caminos alternativos con pequeñas recompensas... y puede que algún logro.

Este desarrollo está salpicado por una historia que se va volviendo más surrealista a medida que avanzamos, con tramos en los que el escenario cambia a lo The Evil Within o Layers of Fear y las imprescindibles notas que nos dan contexto sobre lo sucedido.

Cuánto dura It Reaches y cuánto vale

Esta historia, que recuerda a la de otros clásicos del survival horror subjetivo (no os diremos cuales para no spoilear, que tiene giritos), ofrece algunos momentos realmente duros, pero el problema es que el juego es tan corto que no da mucho tiempo a empatizar.

De media, dura 5 horas, pero puede que tardéis menos si los monstruos no os matan demasiado (hay abundantes checkpoints, por cierto). Esto en sí mismo no es malo, ya que el juego cuesta 15 euros y habrá quien prefiera algo así, directo y al grano.

El problema es que a esta brevedad se unen una buena retahíla de problemas técnicos que lastran bastante la experiencia y que evidencian la falta de experiencia de los desarrolladores.

El más relevante es una bajísima fluidez gráfica. Normalmente, no alcanza los 30 frames por segundo en una PS5 estándar, que es donde lo hemos probado, y hay momentos en los que llega a afectar a la jugabalidad.

Esto se ve acompañado de unos subtítulos minúsculos, seguramente los más pequeños que hemos visto nunca en un videojuego.

Aunque los textos están en español (las voces, en inglés), se ven taaaaan, pero taaaan pequeños que nos ha costado leerlos en una tele de 65 pulgadas. Además, hay algún error de traducción como escribir “prensa Start” en vez de “presiona Start”.

Por otro lado, nos hemos topado con errores como atascos de los enemigos o incluso alguna ocasión en la que nos han matado antes de completar una tarea y, al cargar el checkpoint, resulta que nos la dan por superada. Bueno, pues gracias.

La opinión de Hobby Consolas sobre It Reaches

Es una pena, porque es cierto que sobre el papel el juego cumple con lo que uno espera de un juego de terror indie, pero quizá se atreve con más de lo que puede abarcar.

La estética bodycam, con la distorsión de lente y la aberración cromática, da un plus de ambientación, pero realmente no aporta nada a la trama o a lo jugable.

En conjunto, It Reaches es una correctita primera incursión de este equipo en el mundo de los juegos de terror, pero después de ver apuestas indie como Madison o Luto esto se queda bastante atrás en lo técnico y lo jugable.

Si os va mucho el género, podéis darle una oportunidad. A fin de cuentas. ¿a quién no le va a gustar un amasijo de brazos persiguiéndole? Uno se siente como en un Zara recién abierto.

Este juego nació originalmente como un proyecto de hacer muñecos artesanales, pero sus creadores, Authentic Remixes, vieron su potencial para ser un videojuego. Tras años de desarrollo y un primer estadio como juego pixel art, el proyecto va tomando forma definitiva.

Como veremos, se trata de un enorme homenaje a los tiempos dorados de los juegos de acción y plataformas 2D. Nuestro protagonista es Kidbash, un héroe que ha perdido la memoria y no sabe bien cuál es su destino.

Tras despertar en una villa en ruinas, se propone ayudar a sus habitantes a reconstruirla y hallar su verdadero propósito cómo héroe.

El desarrollo recuerda, en esencia, a clásicos como Wonder Boy, combinado con las fórmulas de Mega Man o Kirby, entro otros.

Como se trata de un roguelike, comenzamos siempre desde el pueblo para ir abriéndonos paso por territorio enemigo.

Cada cierto tiempo, hemos de elegir ruta, que al ser superada nos dará una recompensa: más salud, mejoras en el arma...

Uno más en la moda roguelike

En las primeras partidas, solo podemos equiparnos con una espada y un cañón al estilo Mega Man, pero más adelante conseguimos bombas arrojadizas o unos guantes de boxeo.

Al ir atacando enemigos, se llenará nuestro medidor de "mezcla" que, al estar competo, permite unos segundos de ataque con armas combinadas. Eso puede dar pie, por ejemplo, a unos gigantescos shurikens.

Con cada mini mejora en los tramos de la aventura, podemos llegar a tener ataques como ondas expansivas o bolas de fuego al estilo Super Mario Bros (incluso con el mismo efecto de sonido), pero esas mejoras se perderán si nos matan y hemos de volver a la villa.

Los desafíos combinan tanto plataformas como acción, así que es tan importante esquivar los pinchos de paredes y suelo como atacar a los enemigos según convenga: esquivar y anular a los que disparan, atacar por la espalda a los que tienen escudo...

A veces, nos tocarán combates contra jefes finales o incluso minijuegos al más puro estilo Game & Watch, además de desafíos por parte de los habitantes del pueblo que pueden desbloquear mejoras para Kidbash.

Toda la jugabilidad se asimila al vuelo por la familiaridad con los clásicos del género (rebotadores, saltos de pared en pared, zonas de agua...) y esto se ve potenciado por una estética clara y bien bonita.

Kidbash, tan duro como la plastilina

El estilo visual se inspira en la técnica claymation (animación con plastilina) para presentar unos enemigos y escenarios que no tienen nada que envidiar a los de juegos recientes como Yoshi and the Mysterious Book.

El propio héroe es una especie de mezcla entre Mega Man y los diseños "super deformed" de los primeros Final Fantasy. Las referencias a clásicos no acaban ahí: las mejoras entre niveles tienen la forma de cartuchos de Famicom, la imagen principal tiene un mosaico de cuadros blancos al estilo Master System...

Pero, más allá de lo referencial, lo bueno es que el juego se controla de forma intuitiva y muy cómoda desde el primer momento. Hay salto, disparo, espadazo, ataque Mix... y poco más. Hay poco que asimilar para un desarrollo que va creciendo a medida que avanzamos.

Por supuesto, como suele pasar con los roguelikes, nos preocupa que a la larga el arranque de cada partida se vuelva algo tedioso, pero por ahora las primeras partidas dan una sensación de descubrimiento y avance que te hacen querer probar más y más.

En cualquier caso, el juego aún está en una fase algo temprana del desarrollo y la demo que hemos podido probar estaba algo verde, con varios cuelgues.

Hay mucho margen para pulir, ya que el lanzamiento se espera para principios de 2027, ahora con la recién renacida Acclaim como distribuidora.

Kidbash Super Legend quiere ser el nuevo héroe del retro y el roguelike y, desde luego, nuestro interés ya lo ha conquistado. El estilo plastilina no nos había interesado tanto desde los mejores episodios de Pingu.

Durante nuestra sesión de pruebas en las oficinas de Ubisoft, pudimos probar el arranque del juego, con Edward Kenway cruzando su camino con un Assassin que le dará un nuevo objetivo en su vida pirata.

Desde ahí, pudimos disfrutar de un tramo más libre en La Habana, para después saltar a una misión de Lucy Baldwin (una de los tres nuevos acompañantes en nuestro barco) y muchos momentos navales incluyendo los recordados momentos con la campana de inmersión o la toma de fortines de los malvados españoles.

Nos quedamos con las ganas de probar son los nuevos momentos en el presente, que cambiarán drásticamente respecto a lo que vimos en el juego original y se centrarán más en el propio Edward, aun conectando la experiencia con el Animus. ¿Cómo? Aún no lo sabemos...

Fregando la cubierta del Jackdaw

Antes de lanzarnos a unas valoraciones más pormenorizadas, vamos a resumir qué novedades aporta este remake de Assassin's Creed Black Flag.

A nivel de contenido, tendremos 6 horas extra gracias a más misiones y un nuevo capítulo que atará ciertos cabos no “contemplados” en el original. Este nuevo capítulo, llamado “Un mundo sin oro”, tendrá 8 misiones y llegará después del final del juego.

Además de todas las que había originalmente, tendremos nuevas islas y playas para explorar, lo que dará pie a un mapeado más denso y con más recompensas.

En nuestra guarida, habrá nuevas misiones secundarias y dos personajes nuevos.

Como ya os comentamos en nuestro anterior avance, a esto hay que añadir el reclutamiento para el barco o la posibilidad de conseguir mascotas para el mismo, entre otros pequeños extras.

La propia dinámica de juego también se ha refinado. No os asustéis, que aquí no habrá subidas de nivel ni los combates se basarán en DPS. Se ha mantenido el estilo original de las luchas, pero añadiendo algo de fluidez.

Así, será importante hacer parry cuando nos ataquen con un aura azul (mientras que tocará esquivar los de aura roja), lo cual puede mermar la nueva barra de defensa enemiga y dejarlos indefensos para un ataque definitivo por nuestra parte.

Los parrys perfectos lograrán eso de un solo golpe, lo que nos permitirá encadenar varias ejecuciones seguidas, con armas blancas o la pistola. Incluso podremos enlazar combos con el icónico dardo con cuerda, que ahora desbloquearemos antes en el juego.

En cuanto a las espadas, estarán divididas en tres categorías: estoque, sable y espada con pistola. Esto dará más versatilidad a unos combates en los que, por cierto, no usaremos la hoja oculta, que quedará reservada a los asesinatos sigilosos y por sorpresa.

Para los enemigos más correosos, será útil el nuevo botón de ataque potente o hacer un barrido que los tire al suelo, pero también podremos aprovechar las acciones contextuales como empujar contra un muro y otras zonas interactivas.

No va a haber un árbol de habilidad con el que desbloquear movimientos, todo estará a nuestro alcance casi desde el principio. Eso sí, como el juego busca que nos lo “curremos”, los enemigos no caerán siempre en las mismas trampas y se nos penalizará, por así decirlo, si aporreamos botones y repetimos movimientos.

La clave estará en movernos de forma fluida y, sobre todo, acostumbrarnos a la nueva dinámica de parry para eliminar a los rivales de forma más eficiente.

Un elemento que sí se añade de las dinámicas de combate más recientes serán los amuletos, que nos podrán dar ventajas pasivas como sanarnos un poco al hacer parry.

La interfaz de inventario al pausar la partida será muy parecida a la de AC Shadows, pero algo simplificada, al no haber subidas de nivel.

En cuanto a los enemigos, no hay demasiados cambios en el plantel, pero se añade un nuevo tipo de personaje pesado, que usará un trabuco y granadas.

Volviendo a hundir la flota

Cuando toca agarrar el timón del barco, las batallas navales también se han remodelado.

Ahora, todas las armas tendrán un ataque secundario. También tendremos un ataque rápido y, cuando toque mermar los puntos débiles con los falconetes, bastará con apuntar bien un instante, en vez de superar un QTE como en el original.

Todo esto dará más variedad a las batallas navales, pero su esencia será la misma: según la posición de la cámara, atacaremos con un tipo de arma u otra, prestando especial atención al mortero para los ataques a larga distancia.

La meteorología afectará no solo a la distancia a la que nos ven los barcos rivales, sino al propio manejo del nuestro. Nos hemos topado con algunos momentos de oleaje bien encrespado y, claro, tendremos descargas eléctricas que habrá que evitar para no llevarnos un susto.

En cuanto al parkour, dispondremos de movimientos laterales y una transición más fluida entre maniobras, además de la incorporación de tirolinas para salvar algunas distancias largas.

Por último, tenemos la infiltración, que ahora nos permite agacharnos para ser sigilosos siempre que queramos (antes esto solo pasaba en ciertas zonas como la hierba alta) o aprovechar las inclemencias meteorológicas para que sea más difícil localizarnos.

Por supuesto, usar los dardos enloquecedores, las campanas o las bombas de humo supondrá una diferencia crucial para salir airosos de estas zonas, sobre todo si hacemos un uso inteligente del dardo con cuerda.

Volviendo a la climatología, esto último nos lleva a la que es, sin duda, la diferencia más notoria de esta entrega, el salto gráfico. Black Flag Resynced usará la última versión del motor Anvil, que ya tuvimos en Assassin's Creed Shadows y, creednos, es algo que se nota.

Si os van los “palabros”, hay dos grandes novedades en ese sentido. Por un lado, los micropolígonos, que añaden “capas” de detalle a medida que nos acercamos a cada zona.

Por otro, la Atmos Tech (no confundir con Dolby Atmos), que está ahí para generar cambios atmosféricos en tiempo real: lluvia, viento o tormentas se sucederán mientras surcamos los mares o, como decíamos, mientras nos infiltramos.

Como era de esperar, otros elementos como la física del agua del mar (no tanto en elementos como cascadas, la verdad) o la iluminación global, amén de nuevas capturas de movimiento o incluso microdiálogos entre los NPCs hacen que la sensación de inmersión sea muy superior.

En nuestra sesión de juego, lo notamos sobre todo en el arranque, cuando vemos una majestuosa playa llena de vegetación y movimiento. Es realmente una gozada visual, algo que también se nota al visitar ciudades coloridas como La Habana o en nuestro paseo por Nasáu.

Lo que más placentero nos ha resultado ha sido entrar en el barco, izar las velas mientras nuestra tripulación se mueve por la cubierta y alejar la cámara cuando ganamos velocidad para disfrutar de los detalles mientras navegamos. Estamos deseando verlo en una pantalla bien grande, es impresionante.

Asimismo, lanzarse del barco al mar y bucear donde queramos, bajo las coloridas aguas caribeñas, es un pequeño placer en sí mismo, así que explorar libremente para dar con pequeñas islas donde encontremos secretillos escondidos.

Esta mejora notoria también se da en los rostros y movimientos de los personajes durante las numerosas escenas de corte, movidas en tiempo real.

Edward ahora se parece mucho más al actor que lo interpreta y el grado de expresividad es total, pero sin duda nos quedamos con un Barbanegra que realmente intimida durante sus diálogos. Por cierto, desde Ubi nos han confirmado que volverá el doblaje original en castellano.

Tanto Barbanegra como el simpático Stede Bonnet tendrán más contenido en el juego, para profundizar en sus historias.

Las bajas del viaje

Eso sí, el contenido DLC destinado a Adéwalé, llamado Grito de Libertad, ha desaparecido del juego, al igual que el multijugador, porque en palabras de los desarrolladores, querían centrarse en la trama de Edward Kenway.

Lo del multiplayer lo entendemos más, pero quitar el DLC a estas alturas nos parece algo feo.

Y ya que entramos en el terreno de cosas que no nos gustan, hay dos elementos que nos han cortado un pelín el rollo en esta sesión de preview.

Por un lado, tenemos los desafíos secundarios que ya estaban en el original y que aquí se mantienen sin cambios aparentes. Si recordáis, tareas como la búsqueda de salomas (habrá nuevas en esta entrega) persiguiéndolas por los tejados, se hacía algo pesadete, al igual que los eventos en los que liberar a presos.

Aquí todo eso sigue igual y, más de una década después, es quizá más evidente que “engordan” el tiempo de juego pero no divierten, son más bien algo rutinario.

Ojo, que es genial que en juegos abiertos así haya desafíos chiquititos y secundarios para dar variedad, pero estos parecen herederos de un tiempo en el que aún éramos “impresionables”.

Otras tareas secundarias, como las de inmersión rodeados de tiburones, los contratos de asesinato o las del lanzamiento de arpones sí que siguen molando por su ritmo y la tensión que nos generan.

Donde más potencial hay es en esas misiones nuevas como la de la liberación de nuevos compañeros, que incluyen momentos de infiltración muy intensa, seguidos de fuertes batallas navales para escapar.

Además, los nuevos acompañantes darán ventajas extra al barco, que os recordamos que podemos “tunear” a nuestro gusto, así que habrá mucho espacio para el trasteo.

Tampoco nos han convencido los combates cuando abordamos los barcos. Esto, que debería ser un momento cumbre de la experiencia, se vuelve un jaleo al haber tantas personas peleando a la vez, sin que entiendas bien quién es quien, especialmente en tormentas o con el humo alrededor.

Como el sistema de lucha ahora intenta evitar que ataquemos al tun-tun, se vuelve bastante confuso, por lo que al final acabas optando por hundir el barco y hasta luego, Mari Carmen.

La opinión de Hobby Consolas sobre Flack Flag Resynced... por ahora

Llegados a este punto, y teniendo en cuenta que la inmensa mayoría del desarrollo será igual al original, hay que volver a la pregunta que todos nos estamos haciendo desde que se empezó a hablar de este Resynced: ¿es un remake “con todas las de la ley”? ¿Merecerá la pena volver a él si ya lo jugamos en el pasado?

El jurado hobbyconsolero todavía está deliberando sobre esto, pero hay que tener en cuenta que apenas hemos jugado 3 horas, por ahora. Habrá que esperar al juego final, que llega el 9 de julio, para sacar conclusiones más claras.

Lo que sí es evidente desde ya es que el juego es una maravilla visual y que, si en su momento no lo disfrutaste, esta experiencia es una de las más interesantes que ha dado la franquicia hasta ahora, así que blanco y en botella... de ron.

Para el resto, esos veteranos del Jackdaw, permaneced atentos a Hobby Consolas, porque en su momento os presentaremos nuestro análisis de Assassin's Creed Black Flag Resynced, una aventura enorme, vistosa... y con todo el sabor del Caribe, papi.

Aunque en años más recientes hemos tenido otras entregas (igualmente fallidas) como Bubsy Paws of Fire, esta nueva entrega quiere tomar el relevo de aquel nefasto Bubsy 3D que se estrelló en la época de PlayStation y del que incluso se ríen los desarrolladores ahora.

Así, Bubsy 4D quiere recuperar la gloria de las plataformas 3D, un género que está más desatendido ahora que en épocas pasadas, lo que podría darle una oportunidad "miauravillosa" de brillar. Veamos si lo consigue...

De tomar el relevo de Accolade para el desarrollo se encarga el estudio indie Fabraz, responsables de la muy interesante franquicia de Demon Turf, con los que este título comparte similitudes. Pero su experiencia en plataformas 3D no ha bastado para que el minino remonte el vuelo...

El argumento lleva a Bubsy, que es consciente de que ya ha vivido muchas aventuras, a perseguir a un grupo de ovejas chifladas que ha robado todos los ovillos de oro y, de propina, ha vuelto aún más majaretas a los woolies.

Nuestro objetivo es viajar a tres planetas, con cinco fases cada uno, para recuperar los ovillos y derrotar a los tres ovejunos jefes que los protegen.

Aunque solo controlamos a Bubsy, podemos hablar con los secundarios habituales, como sus sobrinos o el ratón Virgil, que lanzan constantes pullas en torno a que el protagonista es algo lelo.

El desarrollo es propio de un plataformas 3D heredero de clásicos como Super Mario Galaxy. Controlamos a Bubsy en tercera persona para, en cada nivel, encontrar el ovillo dorado. Por el camino, recolectamos ovillos normales o planos.

Con los ovillos normales, podemos comprar trajes nuevos en nuestra nave, que sirve a modo de hub. Los trajes solo aportan cambios estéticos, pero algunos muy curiosos, como uno que parodia a Sonic u otro que nos da el look terrible que tuvo el gato en Bubsy 3D.

Con los planos podemos ganar ventajas como más salud o movimientos nuevos que nos permiten saltar de forma más fluida.

El control de Bubsy toma movimientos clásicos de la mascota. Podemos ejecutar varios saltos seguidos, pulsar un gatillo para lanzarnos hacia delante y otro para planear.

Si mantenemos el salto pulsado, Bubsy se impulsa algo en el aire y, si lo combinamos con lo demás, podemos llegar lejísimos.

Sin embargo, como el juego quiere ser tan "cartoon", estos movimientos provocan que Bubsy haga muchos aspavientos y movimientos que cuesta prever, lo que ocasiona que cueste mucho calcular dónde vamos a aterrizar.

Para ayudar a los saltos 3D, hay una opción para que una retícula nos indique bien dónde vamos a caer.

Hay que echarle muchas bolas

En otros tramos, podemos correr a cuatro patas, saltar de pared en pared o incluso engancharnos a ciertas superficies para trepar, pero la novedad más curiosa consiste en convertirnos en "bola de pelo" para ir a toda velocidad, rebotar y dejarnos caer por gigantescos toboganes.

Es un añadido que se agradece, porque aporta mucha variedad jugable, pero a la vez se convierte en un gran problema, porque los niveles no acaban de tener claro qué escala quieren tener.

Como las zonas para bajar por los tubos han de ser muy largas para "justificar" la velocidad de la bola, hay tramos que se hacen extrañamente largos y deslabazados con el resto.

Lo ideal es que siempre vayamos transformados en bola por ahí, pero si el control es muy impreciso, podemos pasar a modo "normal" en cualquier momento.

Es verdad que a veces vemos flechas que nos indican el camino a seguir, pero los escenarios quedan tan dispersos que a veces cuesta entender qué camino seguir. Que la cámara a veces se mueva de manera errática tampoco ayuda...

Es una pena, porque, cuando funciona, el juego es divertido y su control nos invita a explorar y lanzarnos a alturas que parecen imposibles.

Tiene momentos en los que recuerda a los clásicos de las plataformas y es muy satisfactorio, pero choca con el resto de tramos frustrantes.

Eso sí, no hay vidas. Tenemos un número de golpes y, si los agotamos, volvemos al inicio del nivel o al último checkpoint visitado. No son muy comunes, pero menos es nada...

Cuánto dura Bubsy 4D y cuánto vale

Completar todos los niveles os puede llevar unas seis horas. Con ello, llegaréis al final del juego, pero puede que os quedéis en torno al 60% de compleción.

El resto, claro, consiste en entrar en el área de entrenamiento para practicar movimientos, encontrar el resto de items coleccionables y en superar algunas carreras contrarreloj. Teniendo en cuenta que el juego vale 19,99 euros, no "duele" tanto que dure poco.

Además, el juego también tiene una edición física para Nintendo Switch y Switch 2, a un precio de 39,99 euros y 49,99 euros, respectivamente. Aparte de una caja especial con relieve y una copia física del juego (que incluye manual y carátula reversible), también incluye un póster y un libro de arte (tamaño caja de Nintendo Switch).

Lo cierto es que, una vez completado, tampoco es que uno se sienta super tentado a continuar, porque más allá de algún traje curioso (y por un modo 9 vidas para jugones hardcore, en el que solo podemos recibir 9 golpes antes del game over), el resto no motiva a trastear.

Puede ser por esos problemas jugables o porque, sinceramente, el juego es bastante feo buena parte del tiempo.

Es una pena, porque al arrancar el primer nivel, piensas "vaya, esto no está tan mal", gracias al colorido y la imaginación de un escenario hecho de instrumentos de costura.

Mientras lo controlamos, algunas animaciones de Bubsy son divertidas y muy de dibujos animados... Pero ahí acaba todo.

Para empezar, el nivel de detalle visual de Bubsy o el resto de personajes es bajísimo y las muecas que hace durante las escenas de vídeo intentan ser cómicas, pero quedan bastante toscas para un juego de 2026... O de hace 20 años, si me apuras.

Las animaciones de Jak 2 en PS2 tenían más detalle y, de propina, el propio diseño de la mascota es feo, como desproporcionado.

Por otro lado, aunque la idea de que cada planeta sea "temática" de costura, papelería e informática es divertida, no hay mucho más que rascar y esas 3 ambientaciones se repiten una y otra vez.

Da la sensación de que se ha incluido en el juego la mitad de lo que estaba planeado... Los enemigos son limitadísimos y derrotarlos no da ninguna recompensa, así que es mejor esquivarlos y punto.

El sonido es más interesante. Las voces de Bubsy son bastante graciosas y no para de hacer referencias que rompen la cuarta pared, en plan "el que haya diseñado el checkpoint como un arenero para gatos se creerá muy gracioso".

Lamentablemente, esas frases durante la partida solo están en inglés y sin subtítulos, así que muchos se perderán la gracia.

Otros diálogos si tienen, al menos, subtítulos en castellano, lo que nos permite leer algunas bromas como que nunca digan bien el nombre de Bubsy o que él mismo se considere un héroe de serie B.

La opinión de Hobby Consolas sobre Bubsy 4D

Ojo aquí porque lo mejor del juego es, sin duda, su música, obra de Fat Bard y que mezcla ritmos urbanos, algo de jazz y toques cartoon que quedan de fábula en la experiencia.

El resto del juego es una experiencia con buenas intenciones, pero que no podemos calificar más que como mediocre. Sinceramente, nos temíamos que fuera terrible, pero reconocemos que tiene algunos momentos jugables y ciertas "gracietas" que te hacen sonreír.

Aun así, después de que el género de las plataformas 3D haya tenido exponentes recientes como Sonic x Shadow Generations o Donkey Kong Bananza, este Bubsy 4D se queda, una vez más, como un minino con muy pocas uñas.

El sábado 16 y el domingo 17 de mayo está teniendo lugar esta feria donde es posible encontrar tiendas de consolas y juegos antiguos, decenas y decenas de máquinas recreativas, consolas, microordenadores, exposiciones, coloquios...

Uno de los platos fuertes de este año es la presencia de Yoko Shimomura (compositora de las bandas sonoras de Street Fighter II o Kingdom Hearts) y Michiru Yamane (compositora de Castlevania), que están firmando juegos y haciéndose fotos con los fans.

Pero también hay una magnífica exposición sobre el origen de las primeras consolas, las guerras de marcas en Japón o Gunpei Yokoi, gracias al Museu del Videojoc de Catalunya.

Entre nuestros rincones favoritos, no puede faltar el área de recreativas de Arcade Planet, que este año ha traído algunas rarezas como la curiosísima máquina holográfica Holosseum.

Retro Barcelona es popular... y se nota

Para los que quieren ir de compras, este año hay muchos más puestos, tanto de juegos como de marchandising y, sobre todo, de artesanía, lo que sirve para que muchos creadores emergentes den a conocer sus productos únicos.

Es cierto que, al avanzar la mañana del sábado, ha habido algo de saturación de gente, especialmente en las tiendas, lo que hacía difícil poder ver bien el género, pero ha medida que ha avanzado el día la experiencia ha sido mucho más desahogada.

Muy atentos, porque pronto os daremos más vídeos en profundidad sobre Retro Barcelona 2026, un sitio donde no solo te diviertes, sino que aprendes un montón gracias al expertise de muchos de los expositores. Atentos a nuestro canal de Youtube...

Hace unos meses, Hobby Consolas pudo visitar el set de filmación en Praga, República Checa. Es allí donde los artesanos detrás de esta película convirtieron parte de las calles de la ciudad en los recovecos de Raccoon City o unos enormes estudios en un hospital o hasta unas alcantarillas.

Ahora que el tráiler de Resident Evil ya se ha hecho público, os podemos contar cómo fue esa visita.

Aunque en ese momento Zach Creggler (responsable también de Weapons o Barbarian) no pudo estar presente, sí que pudimos entrevistarle unas semanas después.

En cualquier caso, al hablar con el personal del set de rodaje, ya quedaba claro que su sello y su pasión por los clásicos del cine van a estar muy presentes.

La preproducción de Resident Evil

Los primeros elementos que vimos tenían que ver con el diseño de preproducción, desde bocetos de los monstruos (Zach hace storyboard de toooda la película en los primeros pasos de esta etapa) y estancias hasta maquetas de los edificios que visitará el protagonista, que reproducían con asombroso detalle las ventanas, sillas o cualquier otro elemento.

Nos contaron que estas maquetas son fundamentales para diseñar los momentos de acción. Así, pueden definir mejor la posición de la cámara o de los actores.

En esos bocetos también había vistazos a los huevos de Pascua que el director quiere introducir en la película. Aunque la inspiración principal estará en el Resident Evil 2 clásico, habrá guiños a otros juegos, desde los logos de empresas hasta las sencillas hierbas verdes, pasando por criaturas más propias de Resident Evil 4 y 6.

A la hora de diseñar criaturas, se han inspirado en registros médicos reales, que mostraban mutaciones e infecciones severas, para da run aspecto más "realista".

Una característica importante de esta película será su apuesta tajante por los efectos especiales tradicionales.

La artesanía de Legacy Effects

Sí, habrá efectos digitales cuando sea estrictamente necesario, pero la mayoría de los monstruos que veremos en el filme serán estrictamente animatrónicos. Para ello, se ha contado con Legacy Effects, auténticos veteranos de los efectos especiales tradicionales.

De hecho, el cofundador de Legacy creó la empresa en 2008, después de trabajar mucho tiempo junto al legendario Stan Winston (trabajaron juntos en películas como Terminator, Aliens: el regreso o Parque Jurásico)

Desde el punto de vista creativo, lo comparan a James Gunn o Guillermo del Toro, en el sentido de que tiene una idea muy clara de cuál será el resultado final a nivel estético y funcional.

Al visitar el taller de Legacy, uno no puede evitar alucinar. Sin contaros mucho en qué consisten las criaturas (van a ser, seguramente, el punto más comentado de la película, por su diseño), nos mostraron decenas de muestras, cada una en diferente estado de "deformidad" y, delante de nosotros, con unos mandos, movían sus ojos, manos... Llegaba a intimidar.

Estas criaturas se moverán por una mezcla de mecanismos neumáticos y radiocontrol. A diferencia de los años 70 u 80, cuando todo se modelaba a mano, ahora las criaturas se modelan en 3D en un ordenador y luego se imprimen para colocarles los mecanismos.

Otros rostros y personajes también se pueden ver apoyados por el modelado 3D. Para ello, contaban con una sala cilíndrica llena de cámaras que fotografían a los modelos de todos los ángulos, para a partir de ahí generar un modelo en el ordenador.

Pero claro, se trata de criaturas pequeñas, "fáciles" de imprimir. Los monstruos más grandes se han modelado a mano.

"Habrá a quien le pueda chocar que se dedique tanto trabajo a algo que va a verse 45 segundos en pantalla, pero merece la pena, se van a ver genial", nos comentaba, a colación de uno de los monstruos más impresionantes de la película.

"Todo el mundo sabe qué es una pantalla verde. Nuestro objetivo es que, cuando veas los efectos en pantalla, no sepas bien cómo se han hecho, pero te los creas", continuaba.

Esto afecta a los propios actores. Desde su perspectiva, tener a una criatura delante que de verdad los toque o les lance líquido (ejem) va a ayudar a que sus reacciones sean más creíbles.

Dado que hay criaturas tan diferentes con toda clase de texturas, reconocen que han tenido que ser "un poco MacGyver" para dar con soluciones físicas, mezclas que proporcionaran la textura adecuada. Su presencia ha tenido que ser intensa y constante a lo largo de toda la película.

"El mayor desafío era llegar a los plazos tan ajustados. Para muchas cosas necesitarías 8 meses y solo tienes 2", nos comentan. Dado que tenían tanto que hacer de una manera artesanal, la creatividad y la experiencia previa han sido cruciales.

"Pero también fue importante que Zach tuviera tan claro lo que quería y fuera tan amable explicando las modificaciones que veía necesarias".

Edificios monstruosos

La propia construcción del espacio también es importante. El jefe de prducción nos contaba cómo Zach ha querido insistir mucho en cómo funcionan los sustos y el miedo en la película, cómo el movimiento de cámara o las linternas han de contribuir a ello de una forma similar a como lo hacen los videojuegos de Resident Evil.

Por eso, uno de los sets más importantes tendrá lugar en un tramo de alcantarilla que será un homenaje a ese mismo segmento del juego Resident Evil 3.

Dentro de un plató, construyeron una enorme alcantarilla que pudimos visitar. Al pasar una curva, se revela una de las abominaciones más impresionantes de la película.

No os contamos mucho en qué consiste, pero es impresionante que un "bicho" así de grande se mueva a base de cables y mandos a través de trampillas.

De hecho, tuvieron que levantar todo el set sobre una base de acero para que aguantara bien y, justo bajo la "criatura", crearon hueco para que hasta 6 manipuladores muevan su rostro, sus ojos y articulaciones con soltura.

Aunque las dimensiones de ese set impresionaban, no era lo más grande que habían construido para la película.

Como sabréis, buena parte de la acción tenía lugar en un hospital, que poco a poco va siendo invadido por los estragos del virus T.

Pues bien, construyeron una fachada entera de edificio, 3 plantas completas, con cornisas derruidas, cables colgando y demás, para uno de los momentos en los que el protagonista ha de pasar.

Es una pena que no podamos mostraros imágenes, porque las dimensiones impresionan.

Pero más sorprendente aún es el hecho de que, para una escena, han construido desde cero dos huecos de ascensor con sus correspondientes elevadores, completamente funcionales.

Llegados a ese punto, teníamos que preguntarles: ¿por qué ese nivel de detalle, cuando se podría resolver en buena medida de forma digital? Ellos nos comentaron que la textura de la imagen, las sensaciones no son las mismas. El director quería que el escenario fuera "tangible". Y estamos de acuerdo.

La otra pregunta era evidente: ¿los productores, encargados de soltar el dinero, no pusieron pegas a construcciones así de faraónicas?

Ellos nos comentaron que no, que han tenido carta blanca para hacer lo que estimaran. En estos tiempos de crisis empresariales y dinero medido con cuentagotas, suena a toda una liberación.

Aunque todos estos sets impresionaban, la construcción de la que estaban más orgullosos tenía lugar dentro de una enorme habitación del hospital. Sin contaros demasiado de qué irá esa escena, toda la sala estaba llena de unos extraños huevos gigantes, rojos y brillante.

Cuidando los detalles "virales"

Dentro de esos huevos, se podía ver cómo se movían criaturas en gestación, todo ello de forma "artesanal". El suelo estaba lleno de una sustancia viscosa. ¿Sangre? ¿Otra cosa? El espectador no podrá percibir esto, pero el olor a látex y a productos químicos era muy chocante.

Además de la labor de artesanía al crear individualmente cada uno de estos "props", está el trabajo extra de repetir tomas. Como el suelo estaba lleno de líquido, con cada toma había que repasar detalles como las pisadas que quedan en ese líquido, para que haya "raccord" entre planos. Un trabajo muy minucioso.

Una vez más, el jefe de producción nos insistió: Zach está OBSESIONADO con los juegos de Resident y quería capturar tanto la acción como, sobre todo, la sensación de miedo e indefensión que se siente en buena parte de esas aventuras.

Es una pena que no podamos, por motivos lógicos, mostraros fotos de todo esto que os comentamos, pero sin intención de pelotear, de verdad creemos que va a ser una producción que mezclará muy bien la "vieja escuela" con nuevas tecnologías y que, sobre todo, querrá ser al material original.

La película de Resident Evil se estrenará el 18 de septiembre dde 2026 y será entonces cuando podáis comprobar todo lo que os contamos... y participar de nuestras pesadillas, por supuesto.

Se trata del quinto juego de The Dark Pictures (ya sin el "Anthology" desde los tiempos de The Devil in Me), sexto si tenemos en cuenta el más experimental Switchback VR.

Este podría considerarse el arranque de la segunda temporada de juegos, aunque los desarrolladores ya prefieren no dividirlo de esa manera para no confundir a los jugadores y simplemente lo denominan "A Dark Pictures Game".

Como todos los juegos de la serie, el objetivo es guiar a un grupo de cinco personajes a través de una trama en la que hemos de tomar decisiones críticas (¿huir o ayudar al compañero? ¿disparar o no hacerlo?), superar quick time events y explorar el entorno.

Todo esto puede llevar a la muerte de uno o varios personajes, pero la historia siempre seguirá avanzando... con las consecuencias de nuestros actos, claro.

La ambientación rompe con todo lo visto anteriormente en la serie y nos lleva al futuro y al espacio, a varios años luz de la Tierra.

Con una trama que bebe claramente de clásicos de la ciencia ficción como Alien y La Cosa, seguimos los pasos de unos colonos que, a bordo de la Cassiopeia, están a punto de llegar al planeta Tau Ceti f, que quieren terraformar para dar un nuevo hogar a los habitantes de un planeta tierra que agoniza.

Cuando se acercan a la órbita, un meteorito choca con el casco de la nave y, con él, viaja algo. Algo... orgánico. Así arranca la historia de un juego en el que nuestros compañeros se comportan de forma extraña y seres cada vez más monstruosos invaden los pasillos de la nave. ¿En quién confiar? ¿Cuál es la naturaleza de la amenaza?

Aunque a lo largo de la historia principal controlamos a cinco personajes, la principal protagonista, Young, está interpretada por Lashana Lynch, Maria Rambeau en pelis del UCM como The Marvels.

Ella es la “estrella invitada” de esta entrega, mientras que el resto de personajes tienen rostros ya conocidos de juegos previos como Little Hope, pero curiosamente su captura de movimiento y voces corren a cargo de nuevos actores (una medida de Supermassive para abaratar costes de la creación de nuevos modelos 3D).

Si sois veteranos de The Dark Pictures, quizá choque ver los mismos rostros una y otra vez, pero por otro lado da un tono cohesionado e inquietante al conjunto, un poco en la línea de la serie American Horror Story.

Más allá de esta curiosidad, ¿qué mantiene y qué novedades aporta esta entrega? Un cambio importante (y un tanto decepcionante, la verdad) es la ausencia del Conservador, ese narrador que nos daba crípticas pistas y “juzgaba” cómo jugábamos en los juegos previos.

Eso quita encanto a la experiencia, pero tiene su explicación: el actor que le ponía rostro, Tony Pankhurst, falleció en 2024.

Como decíamos, dado que es otro actor el que da voz y movimiento al personaje, podrían haber seguido con ello, pero entendemos que por respeto al rostro original han decidido descartarlo.

En la base jugable, es similar al último título, The Devil in Me. Nos movemos en tercera persona y podemos manejar la cámara a nuestro alrededor para explorar mejor. Cuando estemos cerca de algún elemento interactivo o personaje, un icono nos lo indicará.

Cambiando las normas de The Dark Pictures

Para que sea más sencillo, al pulsar arriba en la cruceta veremos dónde está nuestro siguiente destino, aunque puede que para llegar a él haya que buscar la forma de abrir una puerta, colocar una plataforma, etc.

Esto se consigue con dos herramientas nuevas del juego. Por un lado, una pulsera multiusos que activará a distancia ciertos interruptores.

Por otra, una palanca electrificada que nos servirá tanto para abrir puertas mediante un sencillo minijuego como para zafarnos de un enemigo una sola vez (tras eso, necesita unos segundos de recarga).

Además, tenemos un escáner que permite ver a los enemigos tras cualquier obstáculo por unos instantes, además de señalar el cableado que vaya por dentro de las paredes y conecte mecanismos útiles.

Este escáner será crucial en los momentos en los que nos toque escondernos.

Mientras que en juegos anteriores esto solía resolverse pulsando con el ritmo adecuado en las tensísimas secuencias de cardiograma (elemento que ha desaparecido aquí), en esta ocasión seremos nosotros quienes deberemos mover con cuidado al personaje de un parapeto a otro mientras un monstruo nos busca.

Esto da un soplo de aire fresco a la franquicia y nos obliga a observar bien el escenario mientras buscamos la forma de abrirnos paso sin que nos atrape nuestro perseguidor... pero lo cierto es que las escenas en sí no son ningún prodigio, a poco que tengáis experiencia en juegos de infiltración.

Los monstruos siguen patrones muy básicos y delimitados, siempre se mueven por el mismo sitio y con los mismos tiempos. Se agradece el esfuerzo por cambiar, pero más de una década después de Alien Isolation, esto se queda algo corto.

Otro elemento que desaparece son las imágenes premonitorias propias de juegos previos. Aquí no habrá pistas sobre los momentos en los que podamos morir... ni sobre futuros juegos de la saga.

Sí habrá coleccionables sobre entregas previas, pero solo en la edición Deluxe. Ah, y podemos hallar mensajes y grabaciones que ayudan a entender la verdad detrás de la trama.

Tampoco habrá un medidor de nuestra relación con el resto de compañeros, pero sí que tendremos algunas comunicaciones “a lo whatsapp” que nos darán pistas sobre cómo van las cosas y tres medidores por personaje (del tipo “optimismo”, “liderazgo”, etc.) que, si aumentan los suficiente, desbloquearán nuevas rutas narrativas para él.

No hay marcha atrás... ¿o sí?

Y en las rutas es, precisamente, donde está el cambio más interesante de esta entrega: la pantalla de puntos de inflexión.

En cualquier momento, podremos pausar la partida para chequear un diagrama que nos muestra la ruta que hemos seguido, las decisiones que hemos tomado o los QTEs que hemos superado, pero también podremos ver (sin mucho detalle, claro), otros caminos que podríamos haber tomado.

Esto, además de útil, resulta bastante instructivo para entender cómo se articula la narración en un juego de este tipo, pero lo más interesante es que podremos “rebobinar” al punto de inflexión que queramos. Así, si por ejemplo un personaje muere, podremos rebobinar hasta el inicio de ese evento para intentarlo de nuevo.

En los primeros compases del juego, esta oportunidad es útil y directa, pero más adelante puede que una muerte sea fruto de un punto de inflexión que tuvo lugar muy atrás y no sepamos bien a qué se debe, por lo que igual nos toca rebobinar bastante.

En cualquier caso, si queremos una experiencia más tensa y “hardcore”, podemos jugar en modo Superviviente, en el que las muertes son permanentes y no hay oportunidad de reintentar nada; hay que apechugar con las consecuencias, como ha pasado siempre con Supermassive.

La presencia de los puntos de inflexión y la forma en que se nos muestran durante la partida sí nos parecen un refinamiento interesante de lo que teníamos hasta ahora.

Esto multiplica la rejugabilidad y nuestras ganas de probar alternativas dentro de una experiencia que, de una forma lineal, se queda en unas 6 horas de partida.

Otra cosa es que, estando ya en el último tercio del juego, haya ciertas revelaciones que puedan parecer forzadas y que, a la postre, mermen un poco nuestras ganas de reintentar los puntos de inflexión, porque se cambia bastante nuestra, digamos, perspectiva de la partida.

No queremos decir mucho más, ya lo entenderéis si lo probáis. Desde luego, en lo narrativo hay alguna pirueta un tanto arriesgada.

Más acertado (y, en cierto modo, sustitutivo de esas premoniciones) nos parece el uso de flashforwards, pequeños saltos hacia delante en la trama, que nos hacen tomar decisiones sobre elementos que tendrán lugar varias horas después, para luego volver a llevarnos al “presente”. Curioso, en un juego de este tipo.

A nivel jugable, por cierto, tenemos que destacar también el multijugador. Con un solo mando y de forma local, podemos hacer que hasta cinco jugadores se turnen en el control de uno o varios personajes.

Esto es algo que ya estaba en juegos previos y que resulta muy entretenido. No tenemos aún multijugador online, aunque los desarrolladores dicen que lo incorporarán con una futura actualización.

Gráficos y sonido de Directive 8020

En el apartado técnico, se nota el salto a Unreal Engine 5, especialmente en los elementos de iluminación de los tétricos pasillos de la nave.

Ahora, las luces y sombras funcionan mejor para dar ambiente, mientras que el modelado y la animación con captura de movimiento de los personajes nos parece al mismo nivel de siempre.

En los tiempos de Until Dawn esta tecnología de captura de movimiento era lo más de lo más, pero aquí parece “estancada” en ciertos elementos, como el hecho de que a veces los rostros sean demasiado inexpresivos mientras el cuerpo gesticula un montón.

En cualquier caso, la mayoría del tiempo hay una gran sensación de fotorrealismo y el nivel de detalle en la piel o los ojos es realmente convincente.

En el caso de PS5 estándar, que es donde hemos podido jugar, el juego nos permite elegir entre modo calidad o rendimiento.

Una vez más, es mejor optar por el modo rendimiento, porque apenas se notan diferencias y la acción va mucho más fluida. Aún así, puede que notéis algún parón pequeño en ciertas escenas.

En PS5 Pro, el juego aprovecha el PSSR y, sobre todo, el ray tracing para mostrarnos tanto efectos de sombras como reflejos (en los cascos de los protas, por ejemplo) que mejoran la inmersión.

Las voces vuelven a estar en castellano con un muy buen doblaje, como es costumbre en la saga. Tenemos algunos actores reconocibles, como Javier Gámir, la voz de Marcus Fenix en Gears of War.

Las comunicaciones por radio y algunos efectos de sonido (como cristales que alerten a los monstruos) se oyen a través del altavoz de DualSense. Las melodías acompañan bien y, una vez más, recuerdan a clásicos como Alien o Atmósfera Cero.

La opinión de Hobby Consolas sobre Directive 8020

Una vez llegamos al final de la campaña, tras unos cardiacos episodios finales, la sensación es extraña.

Hay momentos muy emocionantes, sobre todo cuando dudamos sobre quién es humano y quién un doble malvado al estilo La Cosa, y los personajes están bien descritos; los secretos que nos oculta buena parte del juego son valientes, pero algo no acaba de conectar del todo.

Quizá es que el juego no sabe bien si aferrarse a los fundamentos de The Dark Pictures o lanzarse del todo a por un concepto de infiltración y terror más libre, por lo que parece quedar a medio camino. Hay algunas dinámicas que tenían potencial de llegar más lejos, pero no acaban de usarse a fondo.

En cualquier caso, Directive 8020 una experiencia interesante, con algunas ideas valientes, que agradará a los fans de la ciencia ficción de los 70 y 80, además de los que disfruten devanándose los sesos sobre haber tomado la decisión correcta. A mí me pasó al probar el salmorejo de manzana. Qué necesidad había...

Aunque SEGA y Ryu Ga Gotoku Studio ya habían dado algunos detalles del título, no ha sido hasta esta noche, con la presentación oficial en el evento de Xbox, que hemos podido conocer bien la historia y jugabilidad de Stranger Than Heaven.

El productor, el director y los actores del juego han dado detalles muy jugosos sobre una aventura que abarcará 50 años de la historia de Japón en el siglo XX, a través de una doble óptica muy curiosa: la de dos inmigrantes y la de la música.

El protagonista de Stranger than Heaven será Makoto Daito, el hijo de un estadounidense y una japonesa que vive sus primeros años en EEUU castigado por la discriminación.

Ser un mestizo era algo muy chocante. Sus padres mueren cuando él es muy joven, por lo que decide colarse de polizón en un barco y empezar de cero en Japón.

El juego arrancará en 1915, cuando el barco llega a Kokura, Fukuoka. El dueño del barco, Orpehus, siente curiosidad por Makoto, que al hablar inglés y japonés puede serle útil en sus contrabandos. Lo convierte en su ayudante y, a partir de ahí, Makoto comienza a forjar un destino en Japón.

Pero en el barco había otro polizón: Yu Shinjo, otro joven aún más ambicioso, que se convierte en amigo de por vida de Makoto (al que ve como una especie de hermano mayor), pero que quiere crear su propio camino. Yu no busca adaptarse a Japón, quiere cambiar el país, moldearlo según sus proyectos.

Así, Stranger Than Heaven seguirá durante 50 años la trayectoria de ambos personajes y cómo evoluciona su amistad, siempre desde la óptica de Makoto.

El protagonista tiene un talento innato para la música, por lo que pronto comenzará a invertir en el show business: de cantante, pasará a ser un empresario que cree sus propios shows y desde su local interactuará con las mafias de la zona, artistas... y las ambiciones de Yu.

La trama tendrá lugar en cinco entornos diferentes. Como ya hemos dicho, en 1915 visitaremos Fukuoka, una zona industrial del Japón occidental. No había mucho entretenimiento, solo trabajo, así que la gente se distraía con la bebida, el juego y la prostitución.

De ahí saltaremos a 1929 en Kure, Hiroshima. Era una ciudad dominada por la industria pesada y los astilleros y era un punto de encuentro para culturas de muchos países. En esa época, el cine comienza a despuntar en Japón y la Yakuza gana mucho peso.

El siguiente capítulo tiene lugar en 1943 en Minami, Osaka. Allí se emplazaba uno de los distritos de entretenimiento más importantes de Japón. A medida que la cultura extranjera cala en la japonesa, la Yakuza va aumentando sus tentáculos.

El cuarto lugar será Atami, Shizuoka, en 1951. Era un destino turístico muy poblado, por lo que habrá muchas oportunidades para Makoto.

Por último, en 1965, viajaremos al conocido Kamurocho, en Shinjuku. Allí se revelará un gran secreto...

Como veis, Stranger Than Heaven difiere de los Yakuza en que se atreve a abarcar muchas décadas seguidas en un solo juego, pero también en cómo aborda la trama desde la cultura popular y desde la asimilación cultural como motor de Japón. Será tanto una historia del país como de estos dos personajes.

A nivel jugable, el título retoma los esquemas de Yakuza: será una aventura abierta en tercera persona, en la que podemos explorar, acceder a minijuegos, pelear e ir avanzando en la trama.

Aún no se han mostrado demasiados minijuegos, pero los que se han mostrado ya dan una idea de la variedad que cabe esperar en los títulos del estudio: apostar con dados, naipes, galerías de tiro...

Busca la música en cualquier parte

También habrá dinámicas secundarias muy interesantes que tendrán que ver con la música. Por un lado, habrá que "capturar" sonidos del día a día que Makoto detecte.

Como tiene un oído musical muy fino, podremos pulsar un botón para recordar ritmos, desde el sonido de una locomotora, animales, herramientas... hasta ronquidos.

Luego, puede hablar con compositores para que mezclen esos sonidos y den lugar a melodías que puedan triunfar. Original, ¿no?

Más adelante, también tendremos que gestionar nuestros locales. Esto pasará por colocar carteles publicitarios para atraer la atención de clientes, decidir qué músicos colocar en una actuación y dónde posicionarlos o, claro, fichar a esos músicos o a nuevas cantantes.

La dinámica de reclutar talentos para el show nos llevará a conocer personajes secundarios muy importantes, como Takashi, un yakuza cuyo talento oculto es el piano, algo que aprovechará Makoto para granjearse la amistad del mismísimo clan Tojo. ¿Veremos ahí un punto de conexión directa con la saga Yakuza?

Otros personajes importantes serán Cordell, que parece vinculado con Orpheus, y Suzy, una cantante occidental que quiere actuar en el escenario más grande de Ginza.

El ritmo de los puñetazos

Vale, la música está muy bien, pero también habrá que pasar a la otra "acción". Las peleas, como era de esperar, serán muy comunes y tendrán una dinámica que romperá con juegos anteriores, en pos de un mayor realismo... dentro de lo que cabe.

El control será en tiempo real y empleará un enfoque curioso, usaremos los gatillos y shoulder buttons para controlar individualmente cada extremidad de Makoto.

Así, en el caso de Xbox, serán LB y LT los que controlen la mano y la pierna izquierda, respectivamente, mientras que RB y RT harán lo propio con las extremidades derechas.

Esto nos servirá para tener un mayor control, sobre todo cuando peleemos con varios enemigos a la vez. Podremos agarrar a uno y golpearlo contra el otro, pulsar ambas manos a la vez para ejecutar una presa...

Como es común con RGG, habrá muchas acciones contextuales según la parte del escenario donde ataquemos: podremos estrellar a alguien contra una pared, lanzarnos rodando con él escaleras abajo...

También podremos protegernos con una mano y atacar con otra o dejar pulsado un botón para lanzar un ataque cargado, siempre que usemos el timing correcto. Será posible conseguir la habilidad de noquear a rivales de un golpe.

Igualmente podremos usar un montón de armas, desde elementos tradicionales japoneses como katanas hasta mazos, puñales, martillos...

Se nos invitará ir a tiendas para adquirir nuevas armas, mejorarlas o incluso usar ingredientes para crear ornamentos que den nuevas características a esas "herramientas".

Para rematar, habrá duelos especiales a bordo de un coche en marcha, huidas mientras un tren nos persigue, peleas acompañados de otro personaje... Vamos, que la acción será mucha y variada.

Los cabeza de cartel de Stranger Than Heaven

¿Y qué tal lucirá el juego? La presentación que hemos visto estaba bastante fragmentada, así que era difícil hacerse una idea del nivel técnico, pero parece que estará ligeramente por encima de lo visto en los Like a Dragon (mención especial para la iluminación mejorada) pero con la variedad que otorgará un argumento de 50 años en 5 entornos diferentes.

Lo que sí sabemos es que habrá un montón de artistas interpretando a los personajes principales. De Makoto se encargará Dean Fujioka (cantante y actor, conocido por los live action de Full Metal Alchemist).

De Suzy se encargará Tori Kelly, una cantante que además interpretará el tema principal del juego.

Y ojo, que para Orpheus tendremos a Snoop Dogg que, como sabréis, además de tener mucho cariño a su amiga María es un jugón de cuidado que ya ha participado en otros proyectos gamer.

Cómo no, la música tendrá un gran protagonismo en el juego, con una banda sonora que ya nos ha insinuado un ambiente muy jazzero y de modas de la primera mitad de siglo. ¡Hasta hemos visto una actuación muy "hispana" con castañuelas y todo!

Así, Stranger Than Heaven promete ser el siguiente paso evolutivo en la maravillosa trayectoria de Ryu Ga Gotoku Studio. Quedan muchas dudas aún (¿habrá presencia del humor? ¿qué otras actividades haremos? ¿qué "heredaremos de una era a otra?) pero ya habrá tiempo de despejarlas poco a poco.

Por ahora, lo percibimos como una de las aventuras más prometedoras de los próximos meses (os recordamos que llegará en invierno a PS5, Xbox Series X/S, PC y Game Pass en día 1) y declaramos sin miedo que el show debe continuar.

La primera película de Mortal Kombat tuvo críticas muy dispares, principalmente por su guion, pero funcionó bien en taquilla y en HBO Max, lo que ayudó a seguir adelante con una secuela más grande en cuanto a personajes y trama.

La promesa de que Johnny Cage debía ser la estrella de este nuevo show se ha cumplido, gracias al fichaje de un Karl Urban (Carnicero en The Boys) que sembró dudas: ¿no es demasiado mayor para el papel?

El resultado, en ese sentido, es satisfactorio, gracias por un lado al carisma del propio Karl (que aporta mucho humor y presencia) y por otro, por la decisión de mostrar a un Johnny que está a medio camino del visto en Mortal Kombat 11 (maduro y con su pasado cinematográfico atrás) y el tradicional.

Tan importante o más que Johnny es Kitana, interpretada por Adeline Rudolph (Hellboy: El hombre retorcido). Este es el personaje con el lore mejor explorado, gracias a su vinculación con Jade (Tati Gabrielle, Intergalactic) y, claro, con Shao Kahn, el gran villano de esta entrega.

De interpretar a Kahn se encarga el gigantesco culturista Martyn Ford, cuya presencia en pantalla, con casco y armadura, nos hace decir "guau, es igual o incluso mejor que en los juegos".

Sin duda, ese es el punto más fuerte de la película: su representación visual absolutamente fiel a las entregas más recientes, desde el reboot de los juegos en 2011. Que se atrevan a trasladar bien a un personaje tan raro como Noob Saibot es digno de elogio.

Esto se ve en los movimientos, en los trajes e incluso en los escenarios. Es una gozada presenciar las luchas en lo más profundo del Foso o en la icónica piscina de ácido.

Sí, hay veces en las que el croma y el CGI "cantan" de más, pero el ritmo es tan rápido y las referencias son tantas que lo pasaréis bien emulando el meme de Leonardo Di Caprio señalando a la tele. Ojo, sobre todo, al genial cameo que nos cuelan en la primera mitad.

Test your might

Los propios combates van más allá de lo visto en la primera película (en la que fueron criticados por ser muy entrecortados) y aquí vemos coreografías de artes marciales más trabajadas, sobre todo cuando hay expertos del género como Lewis Tan en pantalla.

Un aliado inesperado de estos momentos es el sonido: si veis la película en una sala con buen surround, fliparéis con los atronadores efectos y la música.

Esta ambición en la producción tiene cierta contrapartida en el guion. Por un lado, la película cae en un error que, siendo honestos, también tienen los juegos: la presencia del necromante Quan Chi garantiza que cualquier pueda resucitar.

Esto sirve para que regresen algunos personajes para duelos muy top, la verdad (la pelea de Liu Kang contra cierto conocido es una chulada), pero también quita emoción, porque sabes que ninguna muerte tiene por qué ser definitiva.

Por otro lado, al haber tantos héroes y villanos en la trama, es inevitable que algunos queden más diluidos.

En concreto, la presencia de Shang Tsung está totalmente desperdiciada y, aunque Baraka está muy bien representado en acción, quizá lo muestran de manera excesivamente cómica.

Lógicamente, hay que dejarse llevar por el guion sin darle demasiadas vueltas, porque todo es una excusa para encadenar un combate con otro, pero agradecemos precisamente la falta de complejos a la hora de representar los juegos como lo que son, una mezcolanza divertida de artes marciales, fantasía, gore y humor.

Los Fatalities vuelven a ser tan salvajes y explícitos como cabría esperar y la mayoría de las peleas en general consiguen dar en la diana. Sin querer spoilear, cierto personaje icónico de la saga vuelve a tener aquí una presencia arrolladora que levanta las expectativas.

La opinión de Hobby Consolas sobre la película Mortal Kombat II

Así, Mortal Kombat 2 es lo que uno espera de una película de este tipo: más ambiciosa, más espectacular y, también, algo más dispersa, pero el viaje merece la pena en una buena sala de cine, siempre que no os lo toméis demasiado en serio.

¿Habrá una película de Mortal Kombat 3? El final de esta deja suficientes tramas abiertas como para que así sea, pero eso dependerá de algo más poderoso que los Dioses Antiguos: que la taquilla acabe diciendo "get over here!!" a partir del estreno el 8 de mayo.

Zach, que ha ganado una gran popularidad gracias a sus películas Barbarian y Weapons, es un fan confeso de los juegos y, en esta entrevista, compartió con otros compañeros de la prensa internacional y nosotros muchas claves. Ahora que se ha mostrado el primer teaser, podemos contároslas.

¿Qué le apasiona de los juegos? ¿Por qué las películas previas no funcionaron? ¿Qué elementos de la serie van a estar aquí? Estos y muchos otros detalles, en una entrevista que, no sabemos a vosotros, pero a nosotros nos ha aumentado el hype. Que lo disfrutéis:

Esta película parece querer reproducir las sensaciones de desasosiego y tensión cuando juegas a Resident Evil por primera vez. ¿Fue ese el catalizador inicial del proyecto?

Sí, he jugado a los juegos un montón, me han calado mucho. Tienen una naturaleza muy cinematográfica: nos presentan unos personajes en un viaje en el que parece que el mundo está en su contra.

Lo que más me gusta de los juegos es la sensación de amenaza constante, porque no sabes lo que va a haber a continuación y tienes la sensación de que nunca tienes balas suficientes. No hay tiroteos enormes, sino que tienes que ir dosificando la acción poco a poco. Esa es la esencia del survival horror para mí.

La idea era poder formar parte de Resident Evil y ubicarme en lo que rodea principalmente a Resident Evil 2, lo que pasó en esa terrible noche, pero en una historia paralela, manteniendo el tono y el ritmo de los juegos.

El personaje Gladys de tu anterior película Weapons ha tenido un gran impacto cultural. ¿Esperas que algún personaje de esta nueva película vaya a ofrecer un impacto similar?

No lo sé. Fue un momento alucinante con Amy (Madigan, la actriz de Gladys) y no esperábamos que fuera a impactar tanto. Creo que estaría autoengañándome si creyera que iba a poder recrear algo así. ¿Quién sabe?

En cualquier caso, hay adversarios muy únicos en esta película, muy divertidos y nunca antes vistos por el público. Pero siguen pareciendo propios del mundo de los juegos, la idea es que encajen en Resident Evil aun siendo nuevos. Veremos cómo reacciona la gente.

En realidad, creo que será Austin (Abrams, que interpreta a Bryan, el protagonista) el que conecte más con el público. Para mí, lo interesante de la película es que él representa un "avatar" de cómo sería yo si estuviera dentro de un juego de Resident Evil.

No se me dan bien las armas, fallo el 99% de los tiros. Creo que será divertido seguir los pasos de alguien que no parece un soldado de élite. Creo que la gente disfrutará de esa perspectiva.

Muchos directores de terror suelen tener un vínculo también con la comedia. ¿Crees que este va a ser también un caso así?

Sí, ambos estilos se basan en jugar bien con los tiempos y el tono para obtener una respuesta del público. Un solo fotograma puede marcar la diferencia en que un chiste conecte o no.

El tiempo que he trabajado en comedia me ha servido para entrenar esos "músculos" y dar con la fórmula. Esto me sirve en el terror, donde si uso esto y lo mezclo con lo otro... bum, lo tengo.

Quería que sintieras que estás viviendo los videojuegos.

Los juegos de Resident Evil alternan entre la perspectiva en primera y tercera persona. ¿Las has usado como un punto de referencia al diseñar una escena?

Por supuesto, hay algo de primera persona, pero lo que más me gusta es la tercera persona. De hecho, te agradezco la pregunta, porque es algo importante para mí.

Hice un storyboard de toda la película antes de lanzarme al grueso de la misma. Aquí tengo varios storyboards y abras la página que abras verás un plano potente en tercera persona (nos muestra unos ejemplos). Quería que sintieras que estás viviendo el juego: el héroe se mueve y la cámara le sigue; luego va a otro lado y la cámara se ajusta...

Incluso cuando nos estamos moviendo en un hospital normal al inicio de la película uso el lenguaje de los videojuegos. La cámara se fija en lo que se fija el personaje. Uso el vocabulario que los juegos han establecido para contar la historia.

A veces paso a primera persona; otras veces uso un estilo más tradicional cuando, por ejemplo, los personajes están teniendo una conversación, pero quería empaparme de la inmersión que siento cuando estoy con los juegos. ¿Por qué no iba a usar su lenguaje? Si en realidad es muy cinematográfico.

Creo que los fans de los juegos se van a sentir representados.

Cuando te embarcaste en el proyecto, ¿te encargaron que abordaras algún juego en concreto o tenías vía libre para hacer algo nuevo?

En realidad no se me ofreció hacer algo de la franquicia. Mi socio de la productora me dijo: "¿hay algún videojuego que te gustaría adaptar?" El único que quería era Resident Evil, pero estaba seguro de que no me iban a dejar ir a por él. Pero pensamos "bueno, vamos a averiguarlo".

Antes de reunirme con Constantin Films (la productora que tiene los derechos) ya tenía la historia pensada. Fue rápido, porque en realidad es una historia muy simple. Hice una llamada de Zoom con ellos y les dije "chicos, sé que para vosotros esta es vuestra joya de la corona", les presenté la historia y dije "este es mi enfoque de lo que hacer. Si os gusta, genial. Si no, no pasa nada".

La verdad es que no hubo mucha resistencia. En cualquier caso, no fue algo que me ofrecieran. Se me ocurrió a mí y llamé a su puerta y aquí estamos.

¿En algún momento consideraste que el protagonista fuera alguien de los videojuegos, como Chris, Jill o Leon o siempre has querido que fuera alguien nuevo?

No, siempre quise que fuera así. Cuando leo un libro y hacen una película sobre él, siempre pienso "por favor, que no lo estropeen". Y amo estos juegos tal y como son.

Si hacen una adaptación con Leon, pensaría "no estropeéis a mi Leon. Él es así, no quiero que me lo arruinen". No considero que contar otra historia paralela suponga una violación del universo Resident, porque los juegos lo hacen muy a menudo.

El séptimo o el octavo tienen muchos saltos. Si quiero rendir homenaje a los juegos, mi idea es hacer una historia que se sienta como una partida con ellos, pero que no invada la narrativa de Leon. Quiero que él siga siendo como es. Creo que es el enfoque más respetuoso que podía adoptar.

Has comentado que habrá muchos huevos de Pascua para los fans. ¿Cómo has equilibrado su presencia sin que suponga un problema para los que no conocen los videojuegos?

Si no conoces las referencias, te van a pasar de largo y no te harán perder el tiempo. La película no va a tener diálogos sobre cosas que solo pasan en el juego. Son más bien detalles como una habitación que tiene una máquina de escribir al fondo. Los que conocen los juegos reconocerán su estética. Los que no, pensarán "¿qué importancia tiene? Es solo una máquina de escribir".

Hay muchos objetos que vienen del lore de los juegos y, claro, el ritmo también está extraído de ellos. Si no los conoces, no será algo que te marque la diferencia. Por ejemplo, el héroe empezará con una sencilla pistola, luego conseguirá una escopeta... Todos los jugadores reconocerán esa progresión y los demás no notarán nada.

Por tanto, no es algo que vaya a lastrar a los que no conozcan los juegos, pero los que los hayan probado podrán "verlos" en la película.

¿Qué tal ha sido trabajar con Shay Hatten (guionista de la saga John Wick) en el guion? ¿Hay elementos de John Wick en la película?

No, no hay elementos de John Wick (ríe). Pero me encanta Shay, es una persona con la que es muy sencillo trabajar. Sacamos adelante el guion tan rápido porque en cuanto entra en la sala fluye la inspiración. Nunca he escrito nada tan rápido, porque Shay es una persona muy divertida y servicial.

¿Has tenido que pelear con Sony o Constantin a la hora de meter ciertos monstruos o elementos en la película?

No he tenido que pelear con nadie para esta película. Me han dejado dirigirla a donde quería. Sinceramente, con quien siento más compromiso es con las personas que aman los juegos. Es a ellos a quien de verdad quiero satisfacer.

Como proyecto, quizá este sea el más ambicioso que has tenido que abordar. ¿Ha habido imprevistos o circunstancias más complejas que en el pasado?

Sí, nunca he utilizado tantos efectos especiales. tanto físicos como digitales. Me he dado cuenta de que la película se hace principalmente en la preproducción.

Ya lo sabía por Barbarian y Weapons, pero la preproducción de esta requería tanta concentración e intensa... Hay un clímax cada cinco minutos, hay que organizar muchos "set pieces" que tienen muchísimo trabajo.

Básicamente, he tenido que aprender a hacer diez películas de terror y acción diferentes y meterlas en una sola.

Algunas secuencias fueron enormemente intimidantes por la cantidad de efectos visuales que requerían. Por suerte, he trabajado con los mejores. Hemos tenido a Legacy (un estudio de efectos especiales muy reputado en Hollywood) para los efectos físicos. Hemos tenido a Weta, que hacen los mejores efectos digitales del mundo.

Hemos trabajado juntos. Yo nunca había hecho algo así, pero ellos lo habían hecho cien veces, así que yo era algo así como el estudiante, abierto a las estupendas ideas de los demás.

No sé si he contestado a tu pregunta, pero lo resumiré diciendo que ha sido muuuy difícil (ríe).

En nuestra visita al taller de Legacy, vimos algunas criaturas únicas. ¿Parte de la diversión de dirigir una película como esta radica en esa faceta de crear cosas locas?

Sí, la verdad es que tengo algunos monstruos favoritos. Quería que la gente percibiera que tenemos nuevos enemigos, nuevas criaturas que podrían estar en los juegos, que no violan sus normas, pero que no se hubieran visto nunca.

También quería que fuera coherente con que han sido creados por culpa del virus T. Me gustó mucho Resident Evil Village, pero me decepcionó que se cambiara tanto el concepto de los enemigos. Era demasiado "mágico" para mí.

Pero también me pasa con los clásicos. Cuando ves a Némesis con una gabardina, piensas... ¿de dónde la ha sacado? En ese sentido, quería que la sensación fuera de algo más "creíble".

Dado que la película gira en torno al incidente de Raccoon City, ¿hay juegos que hayas querido evitar referenciar? Por ejemplo, no hablar de Resident Evil 4 o 5.

Bueno, mi favorito es Resident Evil 4, pero creo que la película ha de girar en torno a RE 2. Es difícil hacer que Praga (la ciudad donde se ha rodado) parezca Raccoon City, así que ha habido que usar muchos efectos y delimitar muy bien qué partes de la ciudad vemos.

El producto final nos va a hacer ver Raccoon City... pero como me gusta tanto Resident Evil 4, tenía que meter algunos huevos de Pascua.

Por ejemplo, para la hierba verde, he usado las macetas que vemos en ese juego. Tenía que darme ese pequeño homenaje, porque es el juego de la saga al que más horas he dedicado.

Los escenarios parecen contar una parte importante de la historia. ¿Tendrán un peso equivalente al de los personajes?

Sí, sin duda. Era uno de los objetivos de la película. Cada ubicación tiene su propio tono, historia y adversario a batir. Es algo que me encanta de los juegos: pasas de un entorno hostil a otro. Y eso mismo queríamos trasladar aquí, desde luego.

El teaser nos muestra al protagonista llamando desde una cabaña en el campo. ¿Empezamos desde ahí o es que la historia tiene algunos desvíos?

Sí, los tiene. La película empieza en un hospital, luego tiene una zona en las montañas y de ahí pasamos a Raccoon City porque el protagonista ha de entregar algo. Ha de recorrer a pie el camino, hasta meterse en lo más profundo de la ciudad.

Así pues, podríamos decir que la historia divide su ambientación entre lo rural y lo urbano.

Está claro que te has inspirado en los videojuegos, pero... ¿hay inspiración también de otras películas?

Me encanta cómo San Raimi juega con la cámara de forma alocada, así que hay elementos así en la película.

Las películas dan pie a otras películas y esta no es una excepción. Si tuviera que enumerar otras películas de las que he "robado"... No podría decirlas todas, pero vienen a la cabeza El hijo de Saúl, quizá 1917 en cuanto al ritmo... Hay un montón.

Las películas originales de Resident Evil no me parecían de terror.

Hablando de inspiraciones... Las películas previas de Resident Evil no fueron bien recibidas. ¿Aprendiste algunas lecciones de ellas en cuanto a qué elementos evitar?

No las he visto nunca. Las únicas lecciones que podría aprender llegarían a partir de lo que vi en sus tráilers. Y, sinceramente, la razón por la que no las vi es porque no me recordaban en nada a los juegos. Era muy evidente que no eran los juegos.

No eran para mí. A lo mejor eran geniales, no tengo ni idea, pero a mí no me interesaban. Creo que lo que hace geniales los juegos es su perspectiva individual y su ritmo, pero esas películas no me parecían de terror.

Creo que esa es la lección: mira de frente a los juegos, no quieras hacer Matrix. Así lo sentí yo.

¿Tenías a Austin en mente para el papel protagonista desde el principio?

Escribí la historia antes de rodar Weapons. No tenía a Austin en mente, pero cuando rodamos Weapons nos lo pasamos en grande. Es un actor excepcional y fue una experiencia genial.

Cuando supe que íbamos adelante con Resident Evil, llamé a Austin inmediatamente, le mandé el texto y, hablando por teléfono me dijo "claro, vamos allá". No hubo que pensarlo.

¿Cómo equilibraste la proporción de crear tu propia historia y dar a los fans lo que esperan?

Va a ser todo mi propia historia porque salió de mi cabeza, pero no intento crear algo que sea "una película con el sello Zach Cregger", sino que quiero hacer una película de Resident Evil.

Quiero hacer mi homenaje, mi celebración de los juegos de Resident Evil. Todo lo que hago, el único objetivo, es rendirles homenaje. Por ello, todo será una mezcla natural de mis gustos, mis sensibilidades y mi lenguaje, pero todo ello en servicio a ese homenaje.

Recordad, la película de Resident Evil llegará en septiembre de 2026. La pesadilla de Raccoon City está a punto de resucitar...

Este es el tercer juego de esta colección digital, después de Real Bout Fatal Fury 2 y Kizuna Encounter.

Si sois seguidores de los juegos de SNK (y de ADK, en este caso) sabréis que esta fue la cuarta y última entrega de la serie (en realidad, era la tercera "evolución" de World Heroes 2). Era el título más completo por número de luchadores y detalle visual, pero carecía del modo Death Match de la segunda parte.

Hace unos años, el juego se relanzó en consolas actuales dentro de la línea ACA Neo Geo, pero en esta ocasión recibimos una versión que entra en la línea Premium Selection de SNK. ¿Qué implica esto? Que trae algunos extras de lo más jugosos.

Por un lado, ofrece juego online con rollback netcode, que además de proporcionar partidas individuales, permite organizar torneos. Podemos organizar lobbys de hasta 9 jugadores y practicar mientras esperamos el siguiente round.

Por otro, un modo práctica que permite mostrar los inputs para dominar mejor los ataques especiales.

Para rematar, hay una pequeña galería con unas decenas de ilustraciones del juego, incluyendo la nueva de grupo que se ha creado para este relanzamiento, además de las cinemáticas de los personajes con los que hayamos superado el modo Arcade. ¡Ah! Y logros para desbloquear.

El resto es lo habitual: el ya citado modo Arcade y Versus local, tanto contra la CPU como contra otro jugador.

De aborígenes chalados y vikingos trastornados

Desde luego, no es la ristra de opciones más completa del mundo, pero los personajes y los combates ya hacen que la experiencia merezca la pena.

World Heroes Perfect es un título muy de vieja escuela en el sentido de que, aunque es posible enlazar combos, se basa mucho en combates rápidos donde los ataques especiales son fundamentales.

Hay 3 puñetazos y 3 patadas por luchador, que se combinan con movimientos del tipo "cuarto de círculo y botón" para esos golpes.

Y esa es la gracia: cada contendiente se basa en una figura histórica pasada por un particular filtro cómico: el orondo vikingo Erik se inspira en Erik el rojo; Muscle Power es un homenaje a Hulk Hogan... y claro, Rasputín no merece presentación.

Todos ejecutan movimientos muy locos, como ondas con forma de barco pirata, pigmeos fantasma...

Además de esos ataques especiales, tenemos versiones súper mucho más contundentes y, sobre todo, los Desperation Attacks que dieron fama a esta entrega.

Estos últimos solo se pueden ejecutar cuando nos queda poca salud y tenemos la barra Hero (que se carga al atacar) llena, lo que libera unos movimientos loquísimos, desde presas que desencadenan explosiones nucleares hasta el archiconocido Macizo del Amor de Rasputín.

Cada personaje es un mundo, pero quizá puedan parecer pocos para los tiempos que corren: 16 contendientes, a los que se suman dos luchadores que estaban ocultos originalmente: el musculoso Neo Dio y Gokuu, inspirado en el cuento Viaje al Oeste.

Como remate, un personaje que solo aparecía como jefe en la versión de los 90, Zeus, aquí también es controlable.

Tiene pocos movimientos especiales y no tiene final al pasarnos el juego, pero es una bestia parda en movimiento. Así, una cifra final de 19 contendientes no está nada mal.

El humor de las peleas se traslada a los gráficos, empezando por unos sprites algo pequeños pero muy expresivos, coloridos y caricaturescos. ¡Nos encanta ver a Mudman haciendo el ganso!

Lo mismo sucede con los escenarios, que por la temática "histórica" del juego mezcla el Japón Feudal con los volcánicos orígenes del planeta o el antiguo Egipto, todos llenos de color y personajes en movimiento.

No hay demasiadas opciones de configuración: podemos colocar unas scanlines de diferente intensidad y un filtro de suavizado, además de una opción de sincronización vertical y un filtro de parpadeo.

En realidad, es mejor desconectarlos para que la imagen no genere cierto ghosting que resulta incómodo.

La opinión de Hobby Consolas sobre World Heroes Perfect

En general, está claro que este juego está más orientado a los nostálgicos, los curiosos del pasado y a los que quieran una experiencia online ligera, porque no puede competir en dinámica y variedad con un Fatal Fury City of the Wolves o Street Fighter 6, por ejemplo.

Por lo que ofrece, su precio de 19,99 euros (aunque estos primeros días está algo rebajado) es un pelín exagerado, aunque no cabe duda de que sus combates son tan efectivos como simpáticos.

World Heroes Perfect sigue siendo uno de los juegos más divertidos de la era Neo Geo y enfrentar al loco Brocken contra el excéntrico Fuuma es tan satisfactorio y estético como siempre. Solo con pensar que pudiera llegar una nueva entrega para la futura Neo Geo AES+ se nos hace la boca gaseosa.

Como sabréis, Hobby Consolas nació en 1991 (estamos a punto de celebrar nuestro 35 aniversario, de hecho), así que fuimos testigos privilegiados del reinado de la Neo Geo original como "Rolls-Royce de las consolas".

Ya en 1992, en el número 8 de la revista, se analizó en Hobby Consolas el primer juego de Neo Geo, que en esta ocasión fue Magician Lord. Sí, es uno de los "10 elegidos" que estarán en el catálogo inicial de Neo Geo AES+.

Magician Lord era un arcade de plataformas y acción como muchos otros que había en la época, pero tenía un par de peculiaridades. Por un lado, la potencia de la tecnología de SNK y Neo Geo en arcades daba pie a unos gráficos bastante detallados y coloridos.

Es cierto que en ese aspecto ha envejecido peor que otros y se nota que era uno de los títulos tempranos de la compañía, antes de que llegara a cotas más altas en la acción lateral con títulos como los Sengoku. De hecho, en realidad Magician Lord databa de 1990.

El otro aspecto llamativo es que podíamos transformarnos en criaturas diferentes. ¿Pasar de mago a bestia... o a ninja? Claro que sí, vivan los 90.

El análisis de Magician Lord en Hobby Consolas

La review de Magician Lord corrió a cargo de Marcos García "The Elf", todo un experto en Japón y en las tecnologías punta del momento, que le otorgó una señora nota de 95.

Visto con la perspectiva del tiempo, está claro que la nota fue demasiado alta, pero también hay que entender la perspectiva de esa época: juegos como Metal Slug o King of Fighters no iban a llegar hasta dentro de bastante tiempo, así que ese juego era bastante impresionante en el momento.

¿Será Magician Lord el primero de muchos otros juegos que lleguen al catálogo de Neo Geo AES+, quizá incluso de nueva hornada? Estamos deseando que nos vuelva a golpear The 100 Mega Shock.

En realidad, su propuesta no tiene mucho de novedoso y bebe claramente de ideas jugables como las de los últimos Mortal Kombat, combinadas con la dinámica tag team de juegos como Dragon Ball FighterZ.

A nivel argumental, Invincible VS crea una historia nueva, ubicada temporalmente al final de la temporada 3 de la serie.

Mark, Atom Eve e incluso un buen grupo de viltrumitas hostiles se ven envueltos en un extraño misterio: unos luchadores se transforman en otros y los campos de batalla también “mutan” sin que nadie sepa por qué...

Esta excusa argumental (luego hablaremos más) sirve para que creemos equipos de 3 luchadores a partir de un plantel de 18 personajes, desde héroes como Allen the Alien hasta villanos como Conquest o Thula, siendo el personaje “diferente” Cecil.

En la “realidad” no aguantaría ni un puñetazo de Nolan, pero tiene gracia verlo usar sus armas aquí. En cuanto a escenarios, hay hasta 15 para elegir, pero hay que ir desbloqueando algunos.

Además, se ha creado para el juego a Ella Mental, una especie de “homenaje” de Tormenta de los X-Men. El propio Robert Kirkman creará un cómic sobre ella.

La dinámica, como decimos, es de duelo por equipos. En cualquier momento, podemos cambiar a otro luchador de nuestro trío para que el que estuviera primero recupere un pelín de salud.

Hay normas, claro: tenemos que estar en posición neutral para el cambio y hay que esperar unos pocos segundos de “recarga” tras cada cambio.

Incluso podemos ejecutar una asistencia puntual que rompa el combo del rival o bien efectuar el relevo atacando para pillarle por sorpresa. Cuando los tres luchadores del equipo pierdan, se acaba el combate.

Otra posibilidad es que se acabe el tiempo, lo que nos lleva a una ronda de muerte súbita en la que solo se puede contar con el luchador que tenga activo cada equipo en ese momento.

Piensa, Mark, piensa... y pelea

El esquema general de movimientos es muy parecido para todos: hay un botón de golpe suave, uno medio y uno fuerte, para ir enlazando combos. El cuarto botón frontal es para ataques especiales. Dependiendo de la dirección que pulsemos, se hará un ataque especial u otro.

Además, si encadenamos combos con los botones correctos, podemos dar pie a autocombos que rematen en un super ataque, algo que está muy de moda últimamente.

Si pulsamos un gatillo a la vez que el ataque especial, este tendrá una versión potenciada, más dañina. Tenemos un medidor de potencia con 3 niveles que se van recargando poco a poco.

Por supuesto, también hay un medidor para súper ataques, que se carga al atacar o recibir golpes. Tenemos dos súper ataques que gastan una barra y uno definitivo que gasta 3 y puede mermar cerca de media barra de salud al rival.

Sabiendo estos conceptos básicos hay suficiente para lanzarnos a los combates, aunque una vez nos especialicemos más podemos ejecutar contras que rompan el ritmo del rival o incluso lanzarlo a un nuevo escenario de un golpe.

Como supondréis, el juego es tan bestia y sangriento como la serie. Aunque no hay fatalities como tal, si derrotáis al rival con un ataque contundente podréis arrancarle la cabeza o hacerlo estallar en pedazos.

A la hora de elegir modos de juego, la oferta no es especialmente apabullante, pero cumple por los pelos.

Tenemos un modo Historia en el que se desarrolla ese argumento que os comentábamos y que sirve para que veamos combates con todos los personajes. A veces, en este modo, habrá combates individuales, pero no es algo que podamos replicar en el resto de modos.

La historia cuenta con escenas de corte que mantienen la estética del juego, pero imitando ese estilo de animación con menor tasa de frames de la serie. Son bastante espectaculares, pero breves.

De hecho, el modo Historia se puede superar en menos de dos horas, aunque si apostáis por las dificultades más altas (hay cuatro: fácil, normal, difícil y viltrumita) os costará sudar bastante tinta.

Fuera de la Historia, tenemos Versus, tanto local (ya sea contra la CPU o contra otra persona) como online. El online permite partidas rankeadas, informales o personalizadas.

En los primeros combates que tuvimos, la cosa todavía era “asumible” porque todo el mundo se estaba habituando al sistema de combate, pero ya empeizan a verse jugadores muy “pro” que enlazan combos larguísimos.

Fuera de eso, el único modo jugable que queda es el entrenamiento, además de un tutorial que nos enseña todos los pormenores del combate.

Pidamos más variedad a la Coalición de Planetas

No hay modo torneo, ni supervivencia, ni contrarreloj, lo que hace que la oferta se quede un poco justita para los tiempos que corren.

De hecho, el plantel de luchadores tampoco es especialmente amplio, que digamos (huele a DLCs para el futuro), si bien es cierto que cada uno se siente diferente en cuanto a su velocidad, alcance o estrategia.

Las opciones no son tampoco especialmente numerosas. En el combate, por ejemplo, solo podemos ajustar el tiempo y la dificultad, pero no el número de luchadores o el hándicap (¿empezar con menos salud? ¿con más o menos medidor de poder?), como en otros juegos.

Si queréis trastear un poco con el coleccionismo, hay un apartado de extras muy goloso, que nos muestra accesorios para nuestra tarjeta de jugador (icono, fondo, marco...), una galería de bocetos, melodías o incluso portadas del cómic que hemos de ir desbloqueando.

En el terreno audiovisual, el juego hace un muy buen papel. Los gráficos, como era de esperar, apuestan por un cel shading algo más detallado en el uso del color que lo que vemos en la serie.

Los personajes tienen una expresividad suficiente y, aunque está claro que se quedan bastante por debajo de bestias como Street Fighter 6 o Mortal Kombat 1, ver cómo se van hiriendo, cómo se destrozan los escenarios o cómo los ataques más brutos dan pie a efectos especiales hace que la experiencia sea muy amena visualmente.

Quizá resulte chocante que el gameplay vaya a 60 fps sólidos y para las escenas de corte, como decíamos, se haya optado por una estética menos fluida. Está claro que es una decisión “artística”, más que técnica, pero hace un contraste algo forzado.

Las voces están solo en inglés (con subtítulos bien adaptados al castellano), pero cuentan con varios de los actores de la serie, incluyendo a J.K. Simmons como Omni Man o Gillian Jacobs como Atom Eve.

Las melodías tiene un aire urbano y épico que cuadran muy bien con el concepto del juego. Aunque no hay ninguna especialmente memorable, seguro que acabáis tarareando la del menú principal del juego.

La opinión de Hobby Consolas sobre Invincible VS

En conjunto, este es un juego de lucha que homenajea muy bien el material del que parte y que ofrece algunos combates tan brutos como divertidos, pero que se queda algo flojo en su oferta tanto técnica como, sobre todo, de contenido. También es verdad que la edición estándar se vende por 49,99 euros, lo que no está nada mal.

El panorama de los fighting games es más duro que Thragg ahora mismo y este Invincible VS, que claramente se quiere orientar a los torneos online, necesitaría más músculo para destacar, pero no cabe duda de que, si quieres acción directa y llena de vísceras, con este título tendrás una experienca... INVENCIBLE (léase esto pensando en la cabecera de la serie).

Total Chaos es un juego de Trigger Happy y Apogee (de hecho, arrancó originalmente como un mod de Doom 2) que se lanzó el año pasado en PC, PS5 y Xbox Series X/S.

Su propuesta inicial no se aleja demasiado de otros juegos de terror de "menor presupuesto", pero su forma de jugar sí tiene una personalidad marcada.

Nosotros somos un guardacostas sin nombre que recibe una llamada de socorro y acaba en una extraña isla, donde se ubica Fort Oasis. Allí, se va sumergiendo en una espiral de visiones extrañas, antiguos ritos y monstruos que no le dan tregua.

En su núcleo, es una aventura de terror en vista subjetiva (como los Outlast originales, por ejemplo), pero que combina en la fórmula tanto la acción como el crafteo de forma casi constante.

En todo momento, podemos llevar equipada un arma principal y un arma arrojadiza, además de armadura.

Las armas suelen ser cuerpo a cuerpo, como picos o tuberías, pero más adelante se consiguen escasas armas de fuego.

Este equipo acaba rompiéndose con el uso, así que hemos de encontrar nuevo o bien juntar "ingredientes" para fabricar armas en los razonablemente comunes bancos de trabajo. Los planos de fabricación nos ayudan a saber qué ingredientes mezclar.

Cuando el hambre aprieta

Currarnos la supervivencia es crucial, no solo para crear armas nuevas. También podemos encontrar un pequeño fogón portátil para cocinar la carne en mal estado que nos sirva de alimento, por ejemplo.

Y es que, además de nuestra barra de salud general, tenemos un medidor de hambre, otro de desangramiento y otro de energía.

Así, si nos pinchamos con un estimulante para darnos más energía (lo que puede hacer que ataquemos más eficazmente), quizá nos provoque un pequeño desangramiento; si comemos comida en mal estado, nos quitará algo de hambre, pero restará salud... Lo pilláis, ¿no?

Esto, que puede sonar un poco estresante como concepto, no es para tanto a la hora de la verdad (se tarda bastante en acumular hambre, por ejemplo), pero sirve para dar un equilibrio a la jugabilidad que nos obliga a estar muy atentos a nuestras "necesidades".

Ahí juega un papel crucial nuestro inventario, que se distribuye por casillas al estilo Resident Evil, pero es muy amplio.

Eso sí, navegar por él puede ser algo lento y farragoso con el control tradicional (los cuatro botones de control del joy-con izquierdo), por lo que es mucho más cómodo usar el modo ratón que os decíamos antes.

De hecho, la acción no se detiene al acceder al inventario (vemos cómo el prota accede a su mochila), por lo que nos podemos quedar vendidos ante enemigos. Eso sí, podemos asignar algunos accesos rápidos para, por ejemplo, curarnos al vuelo si estamos en plena lucha.

Como podéis suponer, esta dinámica de juego (que está sazonada con algunos puzzles del tipo "gira objetos para abrir una puerta" y bastante exploración) ya es suficiente para meternos tensión en el cuerpo, pero el apartado audiovisual también juega un gran papel.

Gráficos y sonido de Total Chaos: oscuridad inclemente

Los gráficos nos presentan unos escenarios sórdidos y grises, decadentes, donde a veces se nos presentan escenas crueles e incluso visiones que van a más y que nos hacen dudar de nuestra cordura: personas retorcidas sufriendo, espectros, monstruosas arañas...

La iluminación juega con las luces parpadeantes, las penumbras y la oscuridad de forma muy espeluznante pero, a veces, está todo tan rematadamente oscuro que hasta cuesta orientarse.

Esto es especialmente puñetero por el hecho de que las fuentes de la interfaz son muy pequeñas, así que en el modo portátil puede costar orientaros un poco.

El juego es consciente de ello y de hecho ofrece varios modos para forzar la iluminación, pero queda raro así.

Este esquema visual, que funcionaba bien en PC, no acaba de estar rematado en Switch 2.

Se juega en 1080p en modo tele y 720p en modo sobremesa, algo que la consola puede manejar sin problema a pesar de las numerosas texturas en HD, pero eso no evita que haya muuuchos bajones en el frame rate, tanto en modo calidad como en rendimiento.

Esto incomoda mucho durante la exploración, pero es cierto que en pleno combate no tienes tiempo para fijarte.

Aún así, después de haber visto joyas como Resident Evil Requiem o Pragmata en esta consola, está claro que aquí el rendimiento gráfico se podía haber optimizado mucho más.

El sonido se esfuerza mucho en meternos tensión en el cuerpo, con efectos ambientales por doquier que nos sugieren carnes retorciéndose, voces en la distancia y, en definitiva, un mal rollo muy efectivo.

Esto se une a la voz del protagonista que, aunque no habla, sí manifiesta mucho el esfuerzo, el pavor y el sufrimiento, lo que ayuda mucho a la inmersión.

Por cierto, el juego tiene un tema principal y uno final compuestos por el legendario Akira Yamaoka. Sí, el de Silent Hill, casi nada.

Aunque, como decíamos, el prota no habla, sí se oyen algunos mensajes grabados y transmisiones por radio, que solo están en inglés, con subtítulos y textos en español latino.

Opinión de Hobby Consolas sobre Total Chaos

Llegados a este punto, ya tendréis claro que Total Chaos da unas de cal y otras de arena.

Tiene elementos muy, muy interesantes, como el citado elemento sonoro o ciertos enemigos especiales que nos persiguen y dan un montón de miedo.

Pero también es verdad que los enemigos "normales" son repetitivos y algo bobalicones o que esas irregularidades gráficas que comentábamos lastran bastante la experiencia en esta versión.

Con todo, es una aventura interesante y con una duración bien ajustada (cerca de nueve horas, además de una Nueva Partida+ que añade un final nuevo y un enemigo perseguidor), que apelará a los que quieran una experiencia con un puntito hostil.

No revolucionará lo que das por sentado en una aventura de terror, pero Total Chaos te dará más de un buen susto y... ¿quién sabe? Con tanto crafteo, igual activa tu vena "bricomaniaca".

Pero claro, se trata del regreso de uno de los juegos más interesantes de la franquicia y la gente estaba ávida de información.

Nosotros por fin hemos podido ver este regreso de Edward Kenway y a grandes rasgos os podemos decir que sí, que todo lo que se había filtrado es cierto. Pero mejor levemos anclas y veamos con más detalle esta aventura pirata "remakeada".

Mismo barco, diferente cubierta

Lo primero que hay que puntualizar es que se trata exactamente del mismo juego: mismo guion, mismos personajes y mismo desarrollo, pero adaptando, lógicamente, el rendimiento técnico a los tiempos actuales.

No olvidemos que el Black Flag original aún llegó en la generación PS3-360 y fue un juego de lanzamiento para PS4 y Xbox One, así que ya ha llovido un poquito.

Ubisoft ha utilizado su versión más reciente del motor Anvil para presentar un nivel a la altura de lo visto en Assassin's Creed Shadows.

Texturas en HD, mucho más detalle en los escenarios y una iluminación mejorada marcarán la diferencia con el pasado, con especial mención a los paisajes, la exploración submarina y las secuencias de navegación, que eran uno de los puntos fuertes del original.

Muchos elementos gráficos, como las animaciones faciales, se han reconstruido mediante nueva captura de movimiento. Para ello, el actor original de Edward Kenway ha regresado y presta tanto su voz en inglés como sus movimientos.

A nivel de sonido, se volverá a contar con Woodkid, un "viejo amigo" de la franquicia, que creará un tema reimaginado inspirado en el juego.

Pero claro, estamos en 2026 y uno podría pensar, “¿qué menos que todo esto para un remake?” Pues sí, la verdad, pero lógicamente también encontramos cambios en lo narrativo, sin tener que cambiar todos los acontecimientos del juego de 2013.

¿Cómo lo han conseguido? Añadiendo tres nuevos oficiales a nuestro barco, el Jackdaw. Así, a Adewale y compañía se unen Lucy Baldwin, el Padre y “Difunto” Smith. Cada uno de ellos tendrá sus misiones secundarias narrativas, que revelarán su historia.

Si nos ganamos su confianza y los reclutamos, podremos usar sus habilidades especiales en el barco. Así, por ejemplo, “Difunto” Smith tiene un doble disparo para el cañón de andanada.

Además, el gran favorito del juego aparte de Edward, Barbanegra, tendrá nuevos arcos narrativos, algo que también pasará con Stede.

Por último, veremos alguna escena nueva con Caroline, la mujer de Edward, escrita por Darby McDevitt, uno de los responsables más reputados de la franquicia. La idea es poder ahondar algo más en cabos sueltos del lore de Edward, sin que se modifique la historia original.

Lo importante es el Capitán

Los desarrolladores han insistido mucho en que el juego se va a centrar en la historia de Edward en el Caribe. Vamos, que quieren que la faceta narrativa sea muy importante, hasta el punto de que en la presentación dijeron “esto no va a ser un RPG”.

Toda una declaración de intenciones frente a los que temían que se fuera a adoptar el estilo de juego que empezó con la era Origins, con subidas de nivel y gestión de los pertrechos, pero parece que no va a ser así.

Ahora bien, si esto va a girar en torno a Edward, ¿qué pasa con el DLC de Adewale, el multijugador o los tramos en el presente?

Por lo visto, ni el DLC Grito de Libertad ni el multijugador se van a incluir en el juego... y QUEREMOS CREER que no llegarán más adelante como extras de pago, porque con Ubi nunca se sabe. En principio, parece que buscan una experiencia centrada en el juego base.

Respecto a los tramos del presente, resulta que, para nuestra sorpresa, sí que estarán, pero cambiados.

Aún no hemos podido verlos y los detalles que han dado son vagos, pero parece que el replanteamiento viene del hecho de que el Black Flag original llegó justo después del gran cliffhanger de Desmond en Assassin's Creed III y que, en pleno 2026, no tenía sentido enfocar la historia en ese punto.

Nosotros nos permitimos añadir que el presente de Black Flag fue uno de los más raros y criticados en su momento, con su gameplay en vista subjetiva...

En cualquier caso, parece que esos tramos estarán relacionados con el propio Edward, de alguna manera. Los han descrito como “grietas del presente”, momentos centrados en la lucha interna del personaje. Veremos en qué se convierte eso...

Pasando a la jugabilidad, como decíamos, los pilares serán los mismos que en AC IV, pero se incorporarán algunas de las mejoras que han llegado en los lanzamientos posteriores.

Los cambios jugables de Black Flag Resynced

El sistema de combate se ha rediseñado para que la acción sea más fluida. Así, tendremos combos con espadas dobles, pistolas, hoja oculta o el dardo con cuerda más dinámicos, en los que se busca poder enlazar mejor las “respuestas” a varios enemigos que nos ataquen a la vez.

En ese sentido, parecía inevitable que se incorporaran dinámicas de parry.

Así, ejecutar un parry perfecto dejará al enemigo con la defensa bajada y podremos matarlo al instante, lo que nos permitirá encadenar hasta cuatro muertes.

Por supuesto, también podremos usar las paredes y los objetos del escenario para ejecutar ataques especiales que noqueen al enemigo.

El parkour es otro elemento que ha recibido una actualización, con la idea de que tenga un ritmo más constante.

Esto se quiere conseguir, sobre todo, con los impulsos hacia atrás y laterales, para que aprovechemos las paredes de las casas para movernos mejor

Si pasamos al sigilo, el principal cambio está en que ya no tendremos que depender tanto de escondernos en esquinas o arbustos. Ahora podremos acercarnos agachados a un guardia despistado para darle matarile.

Las misiones consistentes en seguir a alguien, una tradicional patata caliente de la saga, se han modificado.

En el original, si te detectaban, suponía una desincronización directa. Ahora, si te ven, el “perseguido” reaccionará y tendremos que pelear para salir del atolladero.

Para terminar, y como era de esperar, los momentos navales también se han retocado. Nuestro barco, el Jackdaw, ahora tendrá más potencia de fuego y dispondremos de nuevas mejoras de disparo para cada arma.

Además, el clima dinámico y s olas afectarán mucho al manejo del barco y al comportamiento de los rivales, por lo que se espera que estas batallas, sin duda uno de los elementos más divertidos del original, aquí sean todavía más impactantes.

Los más cantarines agradecerán que se mantengan las salomas originales y que, además, se hayan incorporado otras nuevas para los momentos de travesía.

Pero el GRAN cambio del juego es que... ¡ahora podremos tener una mascota en el barco! Habrá posibilidad de elegir entre un gatete o un mono. Vale, no es el gran cambio, pero mola. Habría molado más poder tener un ornitorrinco, por cuestiones que me niego a explicar, pero mola.

Como veis, se han retocado muchos elementos por aquí y por allá. Basta con ver las comparativas gráficas para darse cuenta de que, un juego que tenía un gran nivel en 2013, se ve ahora mucho mejor a todos los niveles.

Primeras impresiones de Hobby Consolas sobre Black Flag Resynced

La pregunta que muchos se harán es... ¿basta todo esto para justificar que el nuevo abanderado de Ubisoft (nunca mejor dicho) sea un “simple” remake? A fin de cuentas, salvo esos cambios de la historia que os comentamos, se trata del mismo juego...

En nuestra opinión, ha pasado suficiente tiempo, más de una década, para que volver a encarnar al indomable Edward merezca la pena, tanto si jugasteis al original como si no.

Sobre todo, estamos deseando ver qué han hecho con la faceta del presente como hasta qué punto las luchas navales son un nuevo hito, después de que Skull & Bones, que recordemos, fue un proyecto que nació a partir de este juego, no haya sido el éxito esperado.

El lanzamiento de Black Flag Resynced será el 9 de julio de 2026, a un precio de 59,99 euros para la edición estándar. Ahí podremos izar las velas para comprobar lo bien que navega este navío y... que me aspen si no estamos deseando comprobarlo. Arrrrr.

El anuncio hace solo unos días, acompañado del inicio de la campaña de reserva, está siendo todo un éxito y tanto la edición estándar, como la aniversario (¡como la especial, con todos los juegos en lote!) están siendo reservadas en grandes cantidades.

Pero claro, como suele pasar últimamente con cualquier cosa que llama al gran público y que pueda oler vagamente a "unidades limitadas", el debate en webs y redes sociales empieza a girar en torno a los especuladores.

Ya no solo porque vaya a haber gente que adquiera esta nueva consola y los juegos para revenderlos (al estilo de los palomiteros de Yoshi) sino, sobre todo, por la gente que tiene el hardware y los juegos originales de los 90 y quieran aprovechar el regreso de la marca para venderlos aún más caros...

Otros usuarios están publicando en redes un mensaje en sentido contrario: que ojalá esto sirva para que el precio de esos juegos clásicos baje, ahora que va a haber alternativas, y los especuladores se coman con patatas su inversión.

Más allá de que crea que esos precios vayan a subir o no (supongo que, de variar, subirán, porque los "nuevos cartuchos", aun siendo compatibles, son otra cosa), me da mucha rabia que una noticia tan bonita para los fans del retro acabe emponzoñándose con este tema.

Soy coleccionista de retro desde hace mucho tiempo. De hecho, la primera consola que compré cuando quise empezar una colección "grande" fue una Neo Geo japonesa. ¿Quién no iba a quererla, si era el sueño de todos nosotros en los 90?

¿Qué es coleccionismo? ¿Y tú me lo preguntas? Coleccionismo eres tú

Ahora estoy mucho más moderado, pero durante unos años me gasté bastante pasta en juegos y hardware retro, desde "simples" cartuchos de Master System hasta locuras como una 64DD o una Bandai Pippin.

A base de ir trabajando la colección, he tenido alguna cosa duplicada o que finalmente no he querido y siempre, siempre, la vendo por debajo del "precio de mercado" en canales como Wallapop o eBay.

No lo digo para parecer un alma caritativa y un ejemplo de virtud. Es que, simplemente, me da rabia que tengamos que pasar por el aro de especulaciones y precios que, en muchos casos, son totalmente artificiales, para ver si cuela.

Pues mi granito de arena no va a formar parte de esa rueda, lo siento. Entiendo, lo digo de verdad, que haya gente que coleccione no para jugar, sino para tener, para completar setups.

Incluso que haya gente que quiera juegos para tenerlos expuestos y no jugarlos. No es mi caso, pero bueno, si pasa con los sellos o las monedas...

Llevo bastante tiempo en esto del coleccionismo como para estar convencido de que los juegos son para jugarlos y disfrutarlos.

Pero para que los disfrute la mayor cantidad de gente posible, que ya bastantes penurias pasamos en los 80 y 90 para conseguir uno o dos juegos al año.

Que en 2026 esté a punto de ver una película "en condiciones" de Masters del Universo, otra de Street Fighter y que Neo Geo se convierta en algo asequible físicamente me parece un premio precioso para nuestros niños del pasado, que siguen ahí, dentro de nosotros.

En realidad, es posible disfrutar de esos juegos de muchas formas, y más baratas, desde los descargables ACA Neo Geo, que están en todas las plataformas, hasta el reciente mando de SNK que os mostramos hace poco.

Es cierto que, al ser en formato físico y con compatibilidad con los viejos cartuchos, esto está a otro nivel, un poco como pasó con Atari 2600+.

Lo importante es que da igual como juguéis, la clave está en disfrutar de los juegos.

Siempre pongo el mismo ejemplo: puede que la emulación de Retron 5 tenga un ligero lag o no sea tan exacta como el FPGA. Pero si puedo disfrutar bien de mis cartuchos del pasado, bienvenida sea.

Yo soy de la opinión de que, si nos volvemos muy locos mirando el detalle tan fino, no estamos disfrutando de verdad. Y, para mí, los juegos son eso: una vía de escape, de diversión y, a veces, de arte e inspiración.

Por eso, yo digo: bienvenida Neo Geo AES+, ojalá seas la primera de muchas y ojalá muchos puedan disfrutar de lo que antiguamente solo estaba reservado para la familia Sandoval.

Después de financiarse para la 16 bits de SEGA en formato físico, ahora se lanza en digital para estas plataformas, pero la experiencia es exactamente la misma que se concibió en Mega Drive.

Así, se trata de un shooter 2D (un matamarcianos de toda la vida) que continúa el legado de clásicos como Thunder Force IV o Hellfire.

Nuestro objetivo es superar seis niveles (más uno final) divididos en 3 áreas temáticas: fantasía, futuro e invasión alienígena, cada uno de ellos coronado por el correspondiente y gigantesco jefe final.

Con cada enemigo derrotado, obtenemos un número de medallas. Podemos canjear estas medallas al principio de cada nivel por mejoras para la nave: mejor disparo, que los enemigos ataquen menos, una vida extra...

Elige a tu héroe

Nuestra nave tiene un ataque normal, un ataque a corta distancia y las limitadísimas bombas que afectan a toda la pantalla.

Al iniciar un nivel, hemos de elegir qué nave usamos, de entre las tres disponibles.

Knight es una especie de caballero volador que dispara frontalmente. No hace demasiado daño, pero tiene el ataque a corta distancia más potente. Gold tiene un disparo frontal muy potente.

Por último, Gladius tiene un disparo débil, pero que abarca casi toda la pantalla, así que es la nave más recomendable para los novatos.

Además de elegir nave y mejora, podemos escoger en qué nivel empezar. Por defecto, hay 3 niveles disponibles de entre los 6 "base".

Según la ruta y la nave que escojáis y lo bien que lo hagáis en la partida (no solo morir poco, sino también encontrar una llave oculta en cada nivel), accederéis a diferentes finales.

Y claro, como supondréis, salir airosos no es fácil. Los niveles se dividen en varias sub-áreas y todas tienen una intensidad de naves y disparos tremenda.

Es necesario tener muy buenos reflejos e ir aprendiendo los patrones de movimiento de los enemigos.

Es normal no durar más de una fase o dos en las primeras partidas, para que os hagáis una idea. Y no hay continuaciones... Los jefes finales son muy puñeteros, por lo que es recomendable guardarnos las bombas para ellos.

Desde el menú de opciones podemos facilitarnos un poco la vida. Aunque no hay selección de dificultad como tal, sí podemos modificar el número de vidas (hasta 4), de bombas y el porcentaje de medallas que perdemos si nos matan.

Aunque optimicéis vuestras ventajas a tope, el juego siempre será difícil, pero no injusto. Es cuestión de práctica y de ir memorizando el esquema de cada nivel.

Sacó el jugo a Mega Drive

A nivel técnico, el juego es realmente sorprendente, sobre todo si tenemos en cuenta que está diseñado para la "vetusta" Mega Drive.

Lo primero que llama la atención es el exuberante colorido de todos los niveles, que va cambiando sin parar y adorna desde castillos propios de Castlevania hasta pesadillas de bio-terror más propias de R-Type.

Hay un muy buen trabajo de scroll parallax para los fondos y los diseños de los enemigos, potentes y surrealistas, dan un aire de "fantasía comiquera" muy de los 80 al conjunto.

De hecho, el conjunto está tan lleno de detalle y color, que podéis perder de vista vuestra nave en ocasiones, pero es parte del encanto visual del juego.

Quizá queda un peldaño por debajo de bestias como Thunder Force IV o el próximo Earthion (curioso, aquí ha sido al revés: primero ha llegado a consolas modernas y luego lo hará a Mega Drive), pero es de lo mejorcito que puede ofrecer el hardware de la consola y luce muy bien en plataformas modernas.

La música también está a un muy buen nivel y saca partido a las tripas del Yamaha de Mega Drive para presentar una variedad muy divertida de melodías.

En el caso de este hardware reciente, podemos escoger la resolución (hasta 1080p) y proporción cuadrada o 16:9, pero ya sabemos que esta no suele ser la mejor opción. Hubiera estado bien algún filtro de scanlines o de deformación CRT, pero qué se le va a hacer.

La opinión de Hobby Consolas sobre ZPF

En conjunto, ZPF es un juego que va al grano, para quien quiera acción de shooter de siempre a un razonable precio de 10 euros. Es bonito, es tan duro de pelar como cabe esperar y ofrece bastante rejugabilidad con sus varios finales.

Hubiera agradecido más contenido (una galería, modo para dos jugadores...), pero si lo que quieres es aniquilar enemigos como en los años 90, estas naves te harán volar alto.

Hemos podido conocer de antemano los primeros detalles de un juego que, como decimos, tiene mucho de "real". Sus desarrolladores cuentan que, aunque empezó de una forma muy distinta, la llegada del COVID en 2020 y la guerra de Ucrania cambiaron el enfoque del juego.

A fin de cuentas, aunque el juego vuelve a tener lugar en los túneles del metro de Moscú, muchos de los responsables del mismo son ucranianos y han querido aportar su punto de vista.

Por eso, han querido plasmar esa sensación de opresión, desesperanza y locura en el juego, que prometen será el más oscuro (narrativamente hablando) de todos los que se han lanzado, al margen del terror psicológico que es inherente a la serie y que aquí regresará.

Así, su idea es que el juego nos haga reflexionar sobre las consecuencias de la guerra, el silencio cómplice de quien no hace nada por remediarla y el precio de la libertad.

El argumento nos pondrá en la piel de un nuevo personaje, apodado El Desconocido, que escapó de los claustrofóbicos túneles del metro pero, acosado por extrañas visiones, se ve en la necesidad de regresar bajo tierra.

Por cierto, el Desconocido tendrá muchos diálogos en esta ocasión, porque se busca que nos sintamos más vinculados al protagonista.

En medio de todo está el Novoreich, un ejército fascista que quiere tomar el control absoluto. A la cabeza del mismo, ejerciendo de Führer, está el mismísimo Hunter, que recordaréis de juegos previos y de las novelas de Dmitry Glukhovsky.

El Novoreich ha unificado a todas las facciones que viven bajo tierra y promete al pueblo que conseguirán un mundo exterior libre de contaminación, pero en realidad los tienen engañados con su propaganda y en condiciones precarias.

¿Cómo será el juego en sí? Desde 4A Games quieren ser muy fieles a su fórmula de siempre, así que prometen una experiencia intensa y "muy Metro", únicamente para un jugador, en la que la acción se mezcle con la toma de decisiones.

Tendremos que valorar bien en quién confiamos y a quién ayudamos, porque nunca podremos estar seguros de por dónde vendrá la siguiente puñada trapera. En un mundo sin esperanza... ¿a quién te aferras?

Esa narrativa tan hostil también se verá representada en lo que llaman los "momentos congelados". Cada vez que visitemos una estancia o área nueva, si nos fijamos en los detalles, veremos una "historia" de lo que allí pasó, los dramas que se vivieron.

Como veis, el guion será muy importante, pero los responsables no se duermen en los laureles y prometen un rendimiento visual apabullante, gracias a su última versión del motor propio 4A.

Han recogido el testigo de Metro Exodus y, a partir de ahí, han mejorado el motor para presentar, sobre todo, una iluminación con path tracing especialmente potente.

En el tráiler de Metro 2039 que podéis ver en este artículo tenemos un primer vistazo al juego. Es una mezcla de jugabilidad y escenas movidas con el propio motor en tiempo real. Si de verdad se ve así, con ese detalle, iluminación y efectos... ¡menuda pintaza!

El lanzamiento de Metro 2039 en PS5, Xbox Series X/S y PC se espera para el próximo invierno, sin una fecha más concreta. Por ahora, su terror, historia y atmósfera prometen volver a dejarnos helados... y radiactivos perdidos.

La historia nos lleva a un futuro distópico en el que la sociedad separa a los “parias” con un gigantesco muro. La mastodóntica corporación Fénix es responsable de parte de esta escisión de clases.

En ella, el experto en ordenadores Warren sufre un accidente que fusiona su cuerpo con la consciencia de REACH, un superordenador.

Con REACH en el control del cuerpo, deberemos buscar la forma de regresar a la ciudad y separar ambos entes. Por el camino, descubriremos cómo Fénix y su entramado son más siniestros de lo que creíamos...

Lo que te espera es... otro mundo

El desarrollo, como decíamos, recuerda inevitablemente a los clásicos de Delphine Software o al citado Prince of Persia. Por un lado, tenemos plataformeo 2D basado en saltar de una cornisa a otra, balancearnos en postes o arrastrar objetos para poder llagar a un saliente.

A unos saltos que hay que dar con precisión se unen habilidades que vamos adquiriendo, como engancharnos con un pico a paredes en mal estado o incluso impulsarnos con nuestra pistola en corrientes de aire para llegar más lejos.

Esa pistola, que de hecho es importante en la trama, es también la protagonista de los combates, que son numerosos e intensos.

A grandes rasgos, tenemos un botón para esquivar, uno para combos “normales” y otro para contraatacar cuando el rival tenga una marca amarilla sobre él. Si es roja, solo podemos esquivar.

Con nuestros combos, se va cargando la energía de la pistola, lo que nos permite ejecutar un tiro capaz de dejar para el arrastre a cualquiera.

A medida que avanzamos, conseguimos habilidades nuevas, como romper la defensa de enemigos blindados, devolver un disparo rival o ejecutar una potente onda de choque.

Estas peleas hacen fluir nuestra adrenalina porque suelen ser multitudinarias y no nos dejan un segundo de respiro.

A medida que ganamos más habilidades, se vuelven más interesantes, pero quizá son algo repetitivas en ocasiones y atacamos casi con el “piloto automático” puesto.

REACH, el acróbata

En el caso de las zonas de salto, también supone cierto problema la precisión del control, sobre todo con el gancho, porque hay veces en las que si no pulsamos en el momento exacto, caeremos al vacío. Por suerte, hay muchos checkpoints.

Lo interesante de los saltos es que suelen tener mucho de puzzles, así que hemos de buscar objetos para impulsarnos, batería para activar máquinas que nos abran el camino... Observar el escenario y darle al coco es parte de la diversión.

Esos puzzles también tienen lugar en otras partes más centradas en la exploración, ya sea con objetos del entorno o hablando con otros personajes.

Las conversaciones a veces sirven para que avance la trama sin más, pero en otros momentos habrá varias opciones para elegir.

No es que haya bifurcaciones en la trama, pero sí podemos acceder a algunos desafíos secundarios para ayudar a personas en el campamento que sirve de entreacto.

Al cumplir esas tareas, podemos conseguir mejoras de salud o una mayor efectividad en nuestra pistola-porra.

Incluso podemos acceder a un curioso salón recreativo en el que se van desbloqueando máquinas clásicas a las que podemos jugar y que homenajean a iconos como Frogger o Space Invaders o, en cualquier momento, acceder a un dispositivo portátil para leer documentos, repasar objetivos o, más adelante, hackear terminales.

Replaced es un espectáculo visual

Sin lugar a dudas, la ambientación es el punto fuerte de Replaced. Por un lado, gracias a la historia, que habla de las diferencias sociales, de la ambición de las grandes corporaciones... y también de la calidad humana de algunas personas.

Hay algunos personajes, como el descerebrado pero noble Tempestad o el propio REACH, que van evolucionando de forma muy interesante con la historia y saben “implicarnos”.

Por otro lado, el apartado gráfico es valiente, elegante y atractivo. Es una especie de estilo 2.5D HD, como el que hemos visto en juegos de rol como Octopath Traveler, pero aún más intenso.

Todos los personajes son sprites de muy baja resolución pero, a la vez, estupendamente animados. Estos se insertan en entornos 3D de texturas también de resolución baja, lo que da un efecto buscado de nostalgia e inquietud.

Todo esto se mezcla con una paleta de colores y unos efectos de iluminación contundentes y espectaculares, pero sobre todo con una cámara dinámica que no teme a los zooms más bestias, a jugar con la profundidad de campo o las rotaciones. El resultado es una magnífica mezcla de tridimensionalidad y efecto 2D.

Es verdad que, a veces, la presentación está tan estilizada por la iluminación que cuesta ver lo que toca a continuación (¿dónde está el siguiente asidero? ¿dónde estoy yo en el combate a contraluz?), pero la mayoría del tiempo resulta muy satisfactorio.

El sonido usa los típicos efectos base para los diálogos, sin voces digitalizadas (los subtítulos están muy bien adaptados al castellano, por cierto, con expresiones muy graciosas como “equilicuá”).

Las melodías usan tonos de sintetizador, tan propios del cyberpunk para dar ritmo cuando toca y un ambiente más reflexivo en los “descansos”.

La opinión de Hobby Consolas de Replaced

Esta mezcla audiovisual, junto a la narrativa, hace que queramos saber más y más de un juego que no es super largo (dura cerca de las nueve horas), pero que da la cantidad justa de lo que buscamos en una aventura de este tipo.

En conjunto, Replaced es un título cuya jugabilidad no presenta nada especialmente rompedor, pero que funciona bien y que, sobre todo, está rodeado de un magnífico envoltorio y de una historia tan clásica como efectiva. El futuro ha llegado... y resulta que era en 2,5D.

Así, con un tonito de locutor radiofónico, podríamos “vender” este nuevo juego de Fumi Games, que llamó la atención de los fans con sus tráilers cartoon y que por fin se pone a la venta.

Básicamente, Mouse: P.I. For Hire es un boomer shooter (es decir, un juego de disparos en vista subjetiva con reglas claras y directas, como los juegos de los 90) con un doble giro.

Por un lado, está envuelto en una historia de detectives clásica del cine noir: policías corruptos, femmes fatales, conspiraciones que se enredan...

Pero claro, aquí en vez de humanos tenemos ratones y, dado que el juego se ambienta en unos ficticios años 30, la aventura es en blanco y negro y con una estética de dibujos animados clásica que tira fuertemente del estilo “rubber hose”: todo es muy “elástico” y los brazos y piernas se contorsionan como mangueras, en la línea de Popeye o Betty Boop.

Para rizar aún más el rizo, los gráficos van a saco con el estilo boomer shooter tradicional y mezclan fondos tridimensionales a base de polígonos con personajes, armas e items creados con sprites 2D de toda la vida, que además se han dibujado a mano, frame a frame.

Es inevitable acordarse del maravilloso Cuphead en ese sentido, pero aquí la apuesta se radicaliza por el estilo blanco y negro y su concepto algo más violento. Incluso podemos “degradar” la calidad audiovisual si queremos para que parezca una producción clásica.

Los problemas son cosa mía

La historia nos pone en la piel de Jack Pepper, un veterano de guerra reconvertido en detective privado que ha de recorrer los bajos fondos de Ratoburgo para destapar un entramado de corruptelas y el misterio detrás de la desaparición de las musarañas en la ciudad.

Solemos partir de una zona “neutral”, la calle donde Jack tiene su oficina. Ahí podemos consultar nuestro tablón para colocar las pistas (fotos, documentos, etc.) que hayamos encontrado.

Jack coloca automáticamente las pistas y, a veces, hemos de pulsar un botón para deducir el siguiente paso. Un poco a lo Alan Wake II, pero más simple.

Cerca de la oficina, tenemos una tienda para comprar munición y otros objetos, un taller en el que mejorar nuestras armas con los planos que hayamos encontrado y un bar en el que hablar con algunos personajes.

A base de rellenar el tablón y hablar con nuestros contactos, se activan nuevas misiones. Si nos montamos en nuestro coche, podemos viajar al lugar de la misión y es ahí cuando empieza cada nivel de acción.

Una vez en harina, el esquema recuerda a clásicos como Doom o Rise of the Triad. Avanzamos por los niveles disparando a todos los matones que nos encontremos, recogiendo items de munición, armadura o sanación y buscamos la forma de abrir la siguiente puerta, ya sea con la llave correspondiente o despejando de enemigos la zona.

El diseño de niveles también se inspira en los clásicos a la hora de presentar muchas zonas ocultas y atajos, lo que hace que explorar sea muy satisfactorio.

Además, a medida que avanzamos en la trama desbloqueamos algunas habilidades nuevas, como balancearnos en ganchos o planear como un helicóptero gracias a nuestra cola.

No olvidéis que esto es muy cartoon, por lo que la cola también sirve para el típico minijuego de forzar cerraduras, en el que hemos de pasarla por los pernos para abrir.

Además, los escenarios suelen estar llenos de trampas para usar a nuestro favor, como barriles explosivos, congelantes o hasta objetos que podemos tirar encima de los enemigos para aplastarlos.

¿Y qué hay de nuestro arsenal? Pues contando nuestros puños, tenemos 12 armas diferentes, que van desde imprescindibles como una escopeta o ametralladora hasta armas más locas como un rayo congelante. Hay un arma que no se consigue avanzando en la campaña, sino superando un desafío especial.

A veces, podemos encontrar ataques especiales, como dar efecto de fuego a los disparos, hacer que nuestros dedos lancen proyectiles o volvernos “berserker” y dar puñetazos a diestro y siniestro, con brazacos al estilo Popeye.

Además de combatir y buscar los items imprescindibles, la exploración nos sirve para hallar items coleccionables, como periódicos que dan contexto de la trama, viñetas de un cómic, unas escasísimas figuras de ratón o cromos de beisbol.

Estos últimos sirven para un minijuego en el bar, en el que hemos de batear o hacer de pitcher por turnos.

Las reglas son sencillísimas y se basan en tener un número superior en nuestra carta que en la del rival. Si superamos el minijuego, obtenemos una chapa. Si conseguimos 20... sorpresita.

Duración y dificultad de Mouse: P.I. For Hire

Si os dedicáis a explorar los escenarios, trastear con el minijuego y demás, la experiencia os llevará unas 12 ó 13 horas. Podemos elegir entre tres niveles de dificultad.

En la intermedia, el desafío es interesante, pero no os resultará tan duro como en otros juegos, principalmente porque suele haber munición e items de sanación de sobra. Aún así, alguna que otra vez moriréis...

En lo referente a la exploración, podemos valernos por nosotros mismos y buscar las pistas del escenario, pero si estamos perdidos, podemos activar una útil brocha que “marca” el camino a seguir para el siguiente paso clave.

A nivel técnico, Mouse es una muestra perfecta de cómo un estudio pequeño como son los polacos de Fumi Games sabe medir cómo sacar partido a sus recursos para crear una personalidad propia.

Los gráficos llaman la atención desde el primer segundo y el estilo animado a mano de los sprites mezcla lo gore (hay muertes muy bestias) con lo “cuqui” gracias a un diseño impecable y lleno de bromas.

Encontraréis homenajes a otros clásicos de la animación, a películas como Indiana Jones, a videojuegos como Pitfall, Resident Evil o el propio Doom...

Pero lejos de ser una simple “sopa de referencias”, el juego crea su propio lore con personajes carismáticos, facciones enfrentadas y, claro, referencias ratoniles y humor por aquí y por allá.

Los monólogos interiores de Jack tienen frases tan divertidas como “todo se vino abajo más rápido que un trozo de mozzarella en una fondue” o “ese mensaje crítpico me marcó. Entonces me dí cuenta: no sabía qué significaba críptico”.

Eso nos lleva al apartado sonoro, que casi tiene el mismo protagonismo que el gráfico en este caso. Las voces están solo en inglés, pero con actores de primer nivel.

Jack corre a cargo del gran Troy Baker, Joel en The Last of Us, que le da un tono duro, pero cómico cuando toca. Textos y subtítulos están en un perfecto castellano que adapta muy bien a nuestro idioma los constantes juegos de palabras.

La música, como no podía ser de otra forma, se basa en potentes piezas de jazz clásico, swing y demás estilos propios de los años 30, con un ritmo que se os va a quedar en la cabeza durante muchos días.

Incluso los efectos de sonido molan, con efectos cartoon muy graciosos para los saltos o los ataques.

Precio y ediciones de Mouse: P.I. For Hire

Mouse: P.I. For Hire se ha lanzado en formato digital para todas las plataformas (PS5, PC, Xbox Series X|S y Nintendo Switch 2, a un precio de 29,99 euros en todas ellas..

Y desde el 10 de julio, unos meses después del lanzamiento, también está disponible en formato físico para PS5 y Nintendo Switch 2, donde cuesta 34,95 y 44,95 euros respectivamente (por si tenías alguna duda, por el precio, sí, en Switch 2 NO es una Tarjeta Llave).

La opinión de Hobby Consolas sobre Mouse

Así, Mouse es un juego cargado de personalidad, muy cómodo de jugar y que siempre te invita a probar más, aunque no esté exento de defectos.

Por un lado, las partes en las que se basa más en el plataformeo, principalmente en la segunda mitad de la campaña, no acaban de ser tan redondas como el estupendo gunplay.

Algunos saltos, sobre todo los basados en balancearnos con ganchos, no siempre responden con la precisión que deberían.

Además,da la sensación de que no se aprovechan dinámicas como el tablón de pistas, que es muy lineal o el mapa de la ciudad por el que movemos el coche, en el que hubiera encontrado buscar más secretos o curiosidades.

Y quizá, solo quizá, los diálogos son excesivamente largos. Sí, es ta es una historia detectivesca, pero cortan un poco el ritmo.

En cualquier caso, Mouse P.I. For Hire da de sobre lo que promete: acción directa y desinhibida, que se pilla al vuelo y que resulta doblemente disfrutona por esa mezcla de artesanía y humor que os hará soltar más de una carcajada.

Si quieres acción de la siempre, con estilo como nunca, no busques más, detective: aquí disfrutarás más que con un buen gouda.

Gracias a ellos, hemos podido hablar con Damon E. Nee, director senior de diseño de producto en Mattel, para que nos cuente cómo es el proceso de crear las nuevas figuras basadas en la película y qué sintió al visitar el rodaje.

Por un lado, estas figuras basadas en la película de Masters del Universo entran en la línea Chronicles, más orientada al coleccionismo, y se ponen a la venta en primavera. Por otro lado está la línea Kids, más orientada al publíco jovencito que quiera jugar.

Hobby Consolas: ¿Nos puedes resumir cómo es el proceso de diseñar figuras así? Qué pasos hay que seguir, cuántas semanas o meses pasan hasta terminarlas...

Damon: Todo empieza al recibir el material visual del estudio. Normalmente, suele ser un art conceptual prematuro. Con eso, podemos entender qué quiere hacer el estudio con el personaje, qué elementos son cruciales para el diseño del personaje, como ropa y accesorios.

A partir de ahí, consideramos cómo trasladar el diseño de personaje a una figura de acción. Esto incluye discusiones sobre el diseño de articulaciones y, en algunos casos, qué elementos de juego queremos incluir.

En ese punto, esperamos tener acceso a más elementos visuales finales para hacer los ajustes necesarios... y con eso estamos listos para pasar al modelado. Tras unas sesiones de revisión, mandamos los archivos 3D y creamos nuestro primer modelo. Lo revisamos a fondo para comprobar su estética y funcionamiento y hacemos los cambios finales.

Hobby Consolas: ¿Cuál es la diferencia principal entre diseñar juguetes basados en una película de imagen real, frente a otras líneas de Masters of the Universe? Entendemos que crear caras parecidas será especialmente complejo en estos casos...

Damon: La clave está en ser fieles al material original. Ya se trate de trasladar un gran retrato de un actor, representar con fidelidad un producto vintage o reinterpretar un personaje, tienes que investigar a fondo el material visual.

Hobby Consolas: ¿A quién va dirigida esta línea de juguetes? ¿Se ha diseñado para atraer a los "veteranos", a los coleccionistas, a nuevos usuarios...?

Damon: Tenemos todo tipo de público en mente, con productos pensadas para cada estrato demográfico. Tenemos un segmento para niños muy sólido con figuras de acción, vehículos y juguetes para disfrazarse que capturen la imaginación de nuevos fans.

También hay figuras para el coleccionista de hoy, que son más detalladas, con mucha flexibilidad para las poses y muy fieles a la película.

HC: ¿Tuvisteis ocasión de ver la película (o, al menos, una versión inacabada) para poder afinar todos los detalles? ¿Qué opináis de lo que visteis?

Damon: Unos pocos de nosotros fuimos muy afortunados al visitar las oficinas de producción y los estudios de grabación en los que estaba teniendo lugar la filmación.

Pudimos ver de primera mano los trajes y las armas y adentrarnos en las salas del Castillo de Grayskull. Fue increíblemente inspirador y nos dio un sentido muy claro tanto del tono como de la amplitud de la película y, además, nos sirvió para tener más imágenes de referencia.

HC: Hemos visto Tiktoks de los actores disfrutando junto a sus figuras de acción. Como diseñadores, ¿qué sentís al ver momentos así?

Damon: Es muy gratificante ver que los actores de la película aprueben los esfuerzos del equipo. Puedes ver los minúsculos detalles que hemos incluido en sus representaciones.

HC: Mattel ofrece una gran variedad de figuras de MOTU, tenemos la película, un videojuego a la vuelta de la esquina... ¿Dirías que vivimos la época más importante de los Masters desde los 80? ¿Cómo te hace sentir?

Damon: Desde luego, es una época importante para esta franquicia tan grande. ¡Vamos a dar la bienvenida a una nueva generación de seguidores que conocerán estos personajes e historias por primera vez en su vida!

El lanzamiento de Starfield en PlayStation 5 tiene lugar hoy, 7 de abril de 2026 y, con él, las otras versiones se ven beneficiadas de suculentos cambios. Por un lado, la actualización gratuita Free Lanes, que añade un montón de novedades, especialmente en la calidad de vida.

Por otro, la expansión Terran Armada, esta sí de pago, incorpora nuevas misiones, personajes y ubicaciones.

Pero, antes de todo esto, expliquemos qué es Starfield, cómo se juega y cuál es su argumento general, ya que para muchos de vosotros se tratará de una experiencia nueva.

La historia y la ambientación de Starfield

La historia nos lleva a un lejano futuro en el que la Tierra es un lugar yermo y la Humanidad ha colonizado el espacio.

Nosotros somos un minero (nosotros le ponemos nombre, aspecto y trasfondo) que por casualidad toca un extraño artefacto en una excavación.

Ese artefacto le hace tener incomprensibles visiones que podrían alterar la naturaleza de lo que conocemos sobre el Universo.

Apoyados por la organización Constelación, tendremos que recorrer decenas de planetas para, entre otras cosas, descubrir qué son esos artefactos, cuál es su objetivo y cómo encajamos nosotros en todo ello.

Pero claro, por el camino nos toparemos con montones de facciones enfrentadas, nuevos aliados, giros inesperados y muchas batallas espaciales.

Y es que, a grandes rasgos y como ya se ha comentado hasta la saciedad, Starfield es una especie de Fallout en el espacio, pero con sus propias reglas.

Podemos jugar tanto en primera como en tercera persona (con dos vistas diferentes en este último caso) para explorar, dialogar o atacar cuando toque.

Hay dos posibles escenarios: en la superficie de los planetas o a bordo de nuestra nave espacial.

Explorando el espacio

A diferencia de No Man's Sky, aquí no podemos pasar del espacio exterior a un planeta “del tirón”, hay que pasar por una mini pantalla de carga.

Pero no os preocupéis, porque la profundidad tanto en los planetas como en el espacio es enorme.

En el espacio, también disponemos de vista desde la cabina o desde fuera de la nave y no solo hemos de desplazarla o disparar, sino que también controlamos cuánta energía derivamos a cada función: escudos, disparos, motor gravitacional para saltar de un sistema solar a otro...

Esto es muy estratégico, porque nos permite, por ejemplo, ser muy agresivos en combate a cambio de sacrificar la defensa o bien saltar al “hiperespacio” antes de lo normal para huir de una batalla en la que tengamos las de perder.

Lo interesante es que, aunque empezamos con una nave “básica”, a base de superar misones, explorar o acumular dinero, podemos conseguir muchas otras naves,cada una con su aspecto, módulos y prestaciones, e incluso podemos modificarlas y agrandarlas en un astillero para crear, básicamente, lo que queramos.

En la superficie de los planetas, encontramos ciudades para hablar con sus habitantes, zonas desiertas en las que usar nuestro escáner para descubrir materiales o restos de antiguas civilizaciones o animales salvajes, algunos pacíficos y otros hostiles.

Cuando hablemos con otras personas, podremos comerciar, encontrar nuevos aliados que nos acompañen en la nave o a pie o, claro, acometer misiones que nos den puntos de experiencia y nos ayuden a subir de nivel.

Los diálogos se resuelven al “estilo Bethesda”, eligiendo entre varias opciones, algunas bastante destroyer y, a veces, dependerá de nuestro trasfondo o lo que hayamos descubierto previamente las líneas de diálogo disponibles.

En ciertos momentos, podemos intentar convencer a alguien de algo, con un sencillo minijuego en el que “apostamos” por argumentos más arriesgados o bien vamos sobre seguro con propuestas sencillas que no nos hagan perder turnos de habla.

Por supuesto, más pronto que tarde nos tocará pasar a la acción y, a lo largo del juego encontraremos decenas, cientos de armas diferentes, con munición balística, energética, etc.

Las armas se pueden ir modificando en bancos de trabajo para añadir miras telescópicas, daño elemental, un cargador mejorado o cualquier otra variante que se os ocurra, lo que da pie a miles de combinaciones.

Es posible asignar un uso rápido de armas en la cruceta para que podamos pasar de una a otra al vuelo.

En esos accesos rápidos también podemos asignar items de sanación o, atención, nuestros poderes, que ganamos a medida que superamos algunos templos especiales diseminados por todo el Universo.

Estos poderes nos permiten hacer levitar a todos los enemigos o ralentizar el tiempo, por ejemplo, aunque requieren un tiempo de recarga.

A todo esto, hay que unir el casco, traje y mochila propulsora que tengamos equipados, lo que nos puede permitir ser más resistentes, mejorar nuestra infiltración para atacar por sorpresa, etc.

Por si fuera poco, la propia naturaleza de cada planeta también afecta: así, algunos tendrán una gravedad más ligera para que podamos saltar más, otros pueden presentar un frío extremo que nos afecte...

Al subir de nivel, podemos mejorar características que afecten al combate, como mejor uso de armas concretas o más salud, o bien otras facetas como la posibilidad de robar, convencer mejor en los diálogos o que nuestra mochila propulsora sea más eficiente.

Además, si vamos cumpliendo tareas, desbloquearemos nuevas líneas de mejora al subir de nivel.

Todo esto hace que los combates sean muy intensos y apasionantes y que siempre estemos descubriendo entornos nuevos sobre los que actuar, ya sea hackeando terminales para que una torreta ataque a nuestros enemigos o viéndonos rodeados por guardias que nos pongan contra las cuerdas.

Para explorar necesitas labia

Lo mismo sucede con los diálogos, llenos de líneas memorables y de personajes carismáticos, como suele ser costumbre en la compañía. Incluso aparece el icónico “fan apasionado” que vimos en juegos previos como los Elder Scrolls.

A base de dialogar, conseguiremos aliados para siempre, romances o rivales encarnizados, en un juego cuyas ramificaciones argumentales son gigantescas.

Pero claro, en un juego basado en visitar los rincones del universo, la exploración de los planetas es crucial.

Este quizá fue siempre el punto menos potente (que no malo) de Starfield, ya que muchos planetas pueden parecer excesivamente “inertes”, sin mucho por ver, aunque usemos nuestro escáner de mano para recopilar info sobre minerales y demás.

Por supuesto, hay muchos otros que tienen colonias humanas, animales o secretos por descubrir, pero es cierto que hay cierta irregularidad en este apartado. Esto se ha resuelto en buena medida con las actualizaciones que luego veremos.

Gráficos y sonido en Starfield

Esto nos lleva al apartado técnico que, como también suele pasar con Bethesda es capaz de maravillas y facetas más “meh”.

Algunos planetas son totalmente majestuosos y explorarlos os dejará embelesados, ya sea por la iluminación, la estética, los detalles por aquí y por allá... Es realmente mágico dejarse llevar por la visita a un planeta desconocido en un rincón remoto del universo.

Igualmente, hay asentamientos humanos llenos de vida, con un rollito de ciencia ficción ochentera que resulta apasionante. Callejear y dialogar con personajes de todo tipo hará que las horas se os pasen volando.

Pero, en la otra cara de la moneda, hay muchos personajes con un nivel de detalle demasiado acartonado y robótico, amén de planetas que no tienen demasiado que ofrecer en lo visual.

Todo ello, con unas melodías memorables que nos hacen pensar en lo apasionante de investigar lo desconocido del espacio.

El contraste se salda claramente a favor de las experiencias positivas e incluso apasionantes, pero, entre los cientos (sí, cientos) de planetas y lunas que podemos visitar, no todo es igual de potente...

En cualquier caso, como ya estaréis suponiendo, el juego es absolutamente descomunal y está lleno de secretos y nuevas dinámicas por descubrir.

Podréis pasar decenas de horas explorando y aún solo habréis visto la punta del iceberg, tanto de lo jugable como de la trama.

Si os gustan los juegos de rol al estilo de la compañía o la exploración espacial, bucear en su variedad de naves, armas, personajes, entornos y misiones realmente os quitará el sueño.

Sí, hay algunos bugs por aquí y por allá (¿qué juego de estas dimensiones no los tiene?) y ciertas facetas técnicas, como la expresividad de algunos secundarios, podrían ser mejores, pero la sensación general es que no querréis parar de jugar, de conocer la intrincada y divertida historia, o de conseguir sus variadas armas.

PS5 y más allá: un nuevo amanecer para el hombre

Todo esto es un vistazo muy general a un juego que ya nos pareció sobresaliente en 2023, pero ahora llega el momento de ver las novedades que llegan tanto a PS5 como a Xbox y PC.

Primero, nos vamos a centrar en facetas específicas de PS5, que orbitan (nunca mejor dicho) en el uso de DualSense. Por un lado, las comunicaciones por radio se pueden escuchar a través del altavoz del mando, lo que da un puntito de inmersión.

Por otro, la iluminación del panel táctil es particularmente útil, porque nos ayuda a detectar muy claramente cuándo nos estamos quedando sin salud, algo que muchas veces pasamos por alto en el fragor de la batalla.

Además, hay ciertos atajos de los menús asignados a movimientos rápidos en el panel táctil.

El resto es similar a lo que vimos en Xbox Series X: podemos activar un modo gráfico más detallado o con mejor rendimiento e intentar forzar o 30 o 60 fps (esto, dependiendo de la tele, puede dar algún problema de “tearing” con la sincronización vertical).

Así entramos en las mejoras comunes a todas las versiones. Una fundamental, casi desde el lanzamiento del juego, es el menú de creaciones.

Bethesda quiso desde un principio que la comunidad participara diseñando mods de todo tipo para el juego y podemos acceder a ellos directamente desde el menú principal, también en PS5.

También está disponible el DLC de pago Espacio Fracturado, que llegó en 2024 y resultó ser excesivamente irregular.

Lo que llega ahora de nuevas para todos son esas dos expansiones que mencionábamos antes.

Por un lado, tenemos Terran Armada, que nos mete de lleno en una lucha contra la Armada Terrana y que incorpora la dinámica de las incursiones, batallas aleatorias que pueden tener lugar durante nuestra exploración del espacio y que podemos evitar o bien acometer para superar desafíos más duros de lo normal.

Como se trata de un contenido aparte y de pago, no queremos hacer demasiado hincapié en él dentro de este análisis general de Starfield.

Lo que sí da para mucha tinta es la actualización gratuita Free Lanes que, como decíamos, mejora para bien muchas facetas de la calidad de vida.

Su mejora más notoria está en el modo Crucero, cuando manejamos nuestra nave. Hasta ahora, solo podíamos tener la nave quieta para explorarla a pie o bien sentarnos en la cabina y pilotarla.

Ahora podemos activar en cualquier momento un “piloto automático” que nos lleve a nuestro siguiente destino.

Esto nos permite explorar la nave mientras esta se desplaza, para hablar con la tripulación o hacer ajustes.

Lógicamente, es más rápido “saltar” al siguiente destino y punto, pero esto mejora la inmersión en la exploración espacial y, además, puede dar pie a encuentros con otras naves... que pueden ser enemigas, claro.

Si nos vamos al menú de opciones, encontramos un puñado de selecciones nuevas que personalizan la experiencia de juego a nuestro gusto.

Por un lado, cuánto daño hacemos nosotros o cuánto hacen los enemigos; cuánto curan los items de sanación; hasta qué punto el daño ambiental de un planeta nos afecta; cómo de efectivos son los disparos de la nave...

Además, ahora ciertos enemigos legendarios pueden tener efectos especiales como sanar a los enemigos, hacer que sus aliados sean más fuertes cuando ellos mueran...

Podemos mitigar esos efectos o bien aumentarlos si queremos un desafío más duro. También podemos ajustar el autoapuntado para que sea más automático o manual.

Modificar algunas de estas opciones afectará a los puntos de experiencia obtenidos. Así, si nos ponemos las cosas algo más fáciles, puede que ganemos un 2% menos de experiencia, por ejemplo.

Cuando estamos explorando planetas, una opción muy útil es colocar un puesto de avanzada, una “base”, desde la que añadir mesas de trabajo, cofres para guardar objetos y más. Podemos crear puestos realmente complejos y trabajdos.

Esto ya estaba en el juego original, pero ahora esos cofres “teletransportan” entre sí los objetos almacenados, para que no tengamos que volver a una base concreta y buscar cierto objeto.

Otra mejora es el vehículo saltador lunar, que nos permite recorrer los planetas más rápido y casi, casi volando, gracias a sus comodísimos propulsores.

En el apartado del coleccionismo, podemos conseguir mascotas para nuestra base o, atención, recolectar figuras de acción vintage. Hay 27 figuras diferentes, con su blíster y todo y hasta podemos conseguir dioramas o estanterías para colocarlas.

No es solo por el placer de tenerlas, sino porque pueden aportar ventajas pasivas en combate y, claro, tienen un valor muy alto si queremos venderlas...

Un cambio fundamental es el recurso exótico llamado X-Tech. Son muy difíciles de encontrar, pero con ellos podemos mejorar las armas, equipo y naves, incluso a un nivel legendario que no era posible hasta ahora.

Free Lanes igualmente aporta novedades en los aliados. Por un lado, Muria, uno de los NPCs más queridos por los fans (y uno de los personajes más misteriosos del juego), ahora se puede reclutar para nuestra nave.

También se añade a Modelo G, un robotito muy simpático que nos puede seguir más como mascota que como aliado en combate, porque su efectividad en las peleas es más cómica que otra cosa.

Terran Armada incorpora al robot Delta a nuestra tripulación, pero como decíamos esa es una expansión de pago.

En cuanto a escenarios, se añade la enorme estación de Anchorpoint para hablar con montones de personajes, los cuales dan pie a muchas misiones nuevas.

Igualmente, podemos hacernos con una fastuosa mansión en un asteroide, para que nos sirve de residencia y sea, así, el bien más preciado de todo el juego.

Cuánto dura Starfield y cuánto cuesta

El juego original necesitaba, como mínimo, unas 30 horas para llegar al final, pero a poco que te liaras con secundarias y a buscar objetos, esa cifra podía subir fácilmente hasta las 50 ó 60 horas.

Con todo el contenido nuevo, podéis pasar de las 100 horas sin problema si vais a por todo. Teniendo en cuenta que la edición normal pasa a costar 49,99 euros en todas las plataformas y la Premium se coloca en 69,99 euros, la relación calidad/precio está más que justificada.

Como muchos sabréis, el juego tiene una magnífica Nueva Partida+ tras superarlo y, sin querer dar muchos detalles a los que no lo conozcáis para no spoilear, una novedad interesante de Free Lanes están en cómo es posible trasladar la inmensa mayoría de objetos de la partida original a esta nueva partida.

Otras mejoras menores, como una mejor explicación de los recursos que tenemos y dónde conseguirlos (algo que resultaba algo mareante en el juego original, dada su amplitud) hacen que, en conjunto, la experiencia de juego sea mucho más cómoda y directa.

La opinión de Hobby Consolas sobre Starfield en 2026

Nos siguen faltando algunos elementos, como un mapa o brújula en algunos planetas o estaciones espaciales más enrevesados (la “ruta” que muestra el escáner de mano no siempre funciona), pero en general toda la experiencia es ahora más cómoda y completa.

Starfield es, así, uno de los juegos de rol más amplios, ambiciosos y satisfactorios que podéis encontrar y, gracias a todas estas mejoras, ahora loe s más, lo juguéis en la plataforma que lo juguéis.

Vale, ciertas facetas gráficas parecen anticuadas (sobre todo, si lo comparamos con bestias recientes como Crimson Desert) y, tras tres años, ha perdido algo de factor sorpresa, pero tiene algo de agujero negro: te atrapa sin que puedas remediarlo, gracias a su narrativa, personajes y variedad de contenido.

Su gunplay se vuelve muy enganchante a medida que dominamos las armas y volvernos más poderosos hace que queramos explorar más y más.

Si lo jugaste en su momento, quizá las novedades te parezcan algo más anecdóticas, pero aún así el juego en sí mismo sigue hipnotizando con sus bifurcaciones y sorpresas por descubrir. Si hasta ahora no lo habías jugado... Amigo, entonces con Starfield te espera el despegue de tu vida.

Ya hemos podido ver los episodios 1 y 2 de la temporada 5 de The Boys y aquí os contamos sin spoilers qué podéis esperar de este arranque para el gran final.

A diferencia de otras temporadas, esta vez no se busca atrapar la atención del público con un evento bestiajo que sirva de declaración de intenciones (olvidaos de Herogasm), sino que estos episodios están sirviendo para colocar las piezas, que no son pocas, sobre el tablero.

Eso no significa que no haya sorpresas ni las salvajadas propias de esta serie de Prime Video. Por un lado, vamos a encontrarnos con revelaciones de lo más interesantes y, por otro, va a haber momentos de puro humor salvaje y sexual, como es de rigor.

Tenemos algunos personajes nuevos cuya concepción es totalmente delirante y burra (en el buen sentido), pensados puramente para el gag.

Make Vought great again

Pero ojo, que también tenemos incorporaciones más potentes, como el predicador Oh Father, que ya vimos en los comics y que aquí promete ser un aliado crucial en la estrategia de Patriota.

Una estrategia que, una vez más, sirve de sátira del mundo real, especialmente de una Estados Unidos "presa" del colectivo MAGA y de esa facilidad que tiene el país para convertir en márketing hasta la más descarnada de las masacres.

La guerra de los supes es más ideológica que nunca, con gran protagonismo de las redes sociales y las psicosis actuales, como la obsesión por la IA y los deep fakes.

Pero, por supuesto, la batalla también es física y ya en estos dos primeros episodios vamos a ver muchos momentos de acción multitudinaria, a tope de superpoderes y puñetazos a cara de perro.

El macguffin de esta temporada, como era de esperar, es ese virus que podría ser la clave para hacer frente a Patriota y del que se habló mucho de la serie spin-off Gen V.

Si no la habéis visto, no hay que preocuparse, porque solo se habla de forma superficial de sus acontecimientos y personajes (al menos, por ahora). Todo lo fundamental queda claro siguiendo los episodios.

Con lo que sí va a haber conexión es con las temporadas iniciales de la serie, pues se nota que los guionistas buscan "cerrar círculos" con algunos personajes, lo que seguramente os aporte nostalgia. A fin de cuentas, ya han pasado casi 7 añazos desde que arrancó The Boys...

En cuanto a los personajes, el Patriota de Antony Starr vuelve a brillar como un personaje desquiciado, impredecible y siempre a punto de estallar, sin que sus aliados más cercanos sepan qué esperar. ¿Os suena de la realidad?

Kimiko (Karen Fukuhara) o Frenchie (Tomer Capone) también recuperan fuerza, pero está claro que el Carnicero de Karl Urban sigue siendo el ¿héroe? más poliédrico y gris de todos, representando sin duda la otra cara de la moneda que es Patriota.

El episodio 2 acaba con un cliffhanger de lo más interesante, lo que hace casi imposible predecir hacia dónde se encaminará el clímax de la serie.

Clímax que, como ya han dicho sus responsables, no pretende ser algo mega potente en materia de presupuesto a lo Juego de Tronos, sino que seguramente apueste por algo impactante en su propia línea. Desde luego, la espera se pone más atractiva que nunca...

Como decíamos, en estos dos primeros episodios no hemos vista que nos haya volado la cabeza como en temporadas previas (es verdad que la propia serie ya se ha puesto el listón alto), pero sí se percibe que algo gordo se está fraguando.

Así pues, seguiremos muy atentos a la temporada 5 de The Boys, porque lo mejor está, seguro, por llegar. Y eso que lo que ya tenemos sobre la mesa es más contundente que un discurso patriótico de Dinamita.