Los Javis sorprenden con su propia La bola negra, su obra más madura hasta la fecha: una reflexión emotiva sobre la homosexualidad a lo largo del tiempo desde la perspectiva de dos familiares separados por las circunstancias, la vergüenza y el miedo y unidos por la ficción: esas páginas que completan la historia de un joven que se niega a sí mismo, como tantas otras personas arrojadas a los márgenes de la historia por ser distintas.

La película es compleja e irregular, con momentos de enorme virtuosismo poético y otros que se antojan gratuitos y aportan en verdad poco al trasfondo, que es la material verdaderamente conmovedor de la narración. Sus cerca de dos horas y media de duración y sus abundantes excesos, con una recreación constante en los cuerpos desnudos y secuencias casi oníricas, hacen que se diluya un poco el impacto de los hechos y la gravedad de la materia tratada.

No falta nada pero quizás sí sobran más de dos cosas que ponen de relieve la ambición voraz de estos dos creadores que se suben a lomos de gigantes para realizar un trabajo interesantísimo de "arqueología emocional", desenterrando tanto historias de amor como cadáveres que quedaron enterrados en las cunetas o en la nieve, pasando frío. Es una reivindicación de la memoria histórica pero también, de algún modo de la "memoria queer".

Las referencias estilísticas están por doquier, con alusión directa a uno de sus pilares: Pedro Almodóvar (El Deseo produce) e indirecta con esa breve muestra de una cortina de cristales azules que hacen que se active en nuestra mente el recuerdo del marco de fotos de La flor de mi secreto, metáfora entonces de la ruptura y nueva vuelta de tuerca para esa forma, el círculo, que tantas veces se repite en el metraje en obras de arte que muestran agujeros en el pecho, en claraboyas rotas que nos remiten a la gelidez de la nieve y en la caída de cientos de orbes negros que avanzan un destino trágico.

"El corazón de un maricón es un océano de secretos"

Alberto es un historiador que trabaja en su tesis doctoral cuando recibe la noticia de que su abuelo ha fallecido y le ha dejado algo que solo él puede recoger. Emprende viaje a Cantabria donde descubre de qué se trata. Así conocerá la historia de un hombre ausente en su vida pero con el que comparte más cosas de las que había llegado a sospechar.

En 1937 su abuelo pasó a formar parte del bando sublevado después de que su pueblo fuera tiroteado. Así terminaría siendo el guardián de un soldado republicano abatido en el frente que, como muchos otros, sería atendido para poder ser interrogado y después fusilado. De una manera fortuita, los hilos del destino se tejerían para que gracias a aquel encuentro, sobreviviera la obra de teatro de Lorca.

La bola negra es el segundo largometraje de "Los Javis" después de su debut en 2017 con La llamada y se puede decir que han tenido en el mundo de la televisión una escuela que les ha llevado a dar el estirón. Paquita Salas, Veneno, Cardo, La Mesías e incluso el documental Pedro x Javis les han llevado a experimentar con las formas, el lenguaje audiovisual y esa memoria queer de la que hablábamos teniendo siempre en el foco la reivindicación de la libertad y la diversidad.

De nuevo ahora ese es el eje fundamental, al intentar calar en la piel de ese personaje ideado por Lorca, Carlos, que se duele de no haber podido siquiera empezar a vivir antes de recibir el estigma que le aboca al ostracismo.

También revisitan el musical aunque brevemente con las apariciones de una Penélope Cruz que se come la cámara con su desparpajo y su dominio del escenario.

Con sus altibajos y una forma muy ecléctica (también en la magnífica banda sonora que apuntala el recorrido emocional de los personajes), La bola negra es un soplo de aire fresco en más de un sentido. Podría funcionar mucho mejor con un montaje más contenido y centrado pero, a pesar de contar con un epílogo algo estirado y de pasar de momentos sublimes a otros menos ampulosos, hay que reconocerle su valor artístico y su voluntad transgresora. Al discurso no se le puede quitar una coma, pero algo de contención a veces, una insinuación, una cierta sutileza, es más elocuente que otros medios más directos de interpelar al espectador. Ojalá El cautivo hubiera recibido una acogida solo parecida, tienen más en común de lo que parece.

Bajo la dirección de Carles Torrens (Sky Rojo, Emergo, Animal de compañía), la trama de la primera entrega tiene lugar en una España asolada por un virus mundial similar a la rabia que transforma a la gente en criaturas agresivas de aspecto similar a los zombis.

Con esta premisa se nos presenta a Manel, un joven afligido por la muerte de su mujer en un accidente que, bajo la recomendación de su hermana, trata de reunirse con ella en Canarias.

Pero cuando el plan fracasa, se da cuenta que la única salida es construir una fortaleza en su casa para tratar de sobrevivir al apocalipsis.

Sin embargo, pronto él y su gato Lúculo se verán obligados a abandonar el lugar y hacer un viaje de supervivencia por España donde irán conociendo diversos compañeros de aventuras que les serán de gran ayuda.

Para abrir boca (nunca mejor dicho), el servicio de transmisión ha lanzado el primer teaser de Apocalipsis Z: Nuevo mundo, el cual puedes echar un ojo a través del vídeo que te dejamos a continuación.

Qué podemos esperar en Apocalipsis Z: Nuevo mundo

De nuevo con Carles Torrens en la dirección, la trama de la cinta tiene lugar después de los eventos de la anterior entrega. Ahora las Islas Canarias son el último refugio de Europa tras el brote del virus TSJ, pero aún quedan asuntos pendientes por realizar en la península.

Cuando una misión especial parte hacia la península en busca de suministros vitales, Roberto se une al equipo con dudosas intenciones. Pronto, la peligrosa operación se transforma en una carrera desesperada por la supervivencia, y el grupo se encontrará entre hordas de infectados y lealtades divididas.

El elenco de la cinta cuenta en esta ocasión con José María Yazpik (Futuro desierto), Carlos Alcaide (La agencia), Mónica López (Cronos), Julia Martínez (La luz), Berta Vázquez (Pequeños calvarios), Tamara Casellas (Morir no siempre sale bien), Santiago Vaca Narvaja (La sociedad de la nieve) y Javier Godino (Adiós Madrid), entre otros.

Apocalipsis Z: Nuevo mundo será presentada en el Festival de Cine Fantástico de Sitges el próximo 10 de octubre de 2026, y estará disponible en el catálogo de Prime Video a partir del 30 de octubre. ¿Qué te ha parecido este primer avance de la película?

Rodrigo Sorogoyen con El ser querido, Alauda Ruiz de Azúa con Los domingos y Los Javis (Javier Ambrossi y Javier Calvo) con La bola negra eran los finalistas en la preselección final.

Pero esto es como Los inmortales: solo puede quedar uno. La Academia ha anunciado oficialmente que La bola negra será la película que represente los intereses del cine español en la 99.ª ceremonia de entrega de los Óscar, programada para el 14 de marzo en el Dolby Theatre de Los Ángeles. Será la última edición de dos dígitos de los casi centenarios galardones.

La película ya disfruta de bastante proyección internacional, lo que la hacía más elegible para representar a España. La bola negra les valió a los Javis el premio a la Mejor dirección en el pasado Festival Internacional de Cine de Cannes, donde también estuvo nominada a la Palma de Oro.

La bola negra va a los Óscar 2027

La película de los Javis es una adaptación de la obra de Alberto Conejero que, a su vez, se basa en una idea de Federico García Lorca. Sigue a tres hombres de diferentes épocas conectados a través del tiempo por la sexualidad y el deseo, el dolor y la herencia.

En el elenco encontramos a Guitarricadelafuente, Miguel Bernardeau, Carlos González, Penélope Cruz, Glenn Close, Milo Quifes, Lola Dueñas, Yenesi, Julio Torres, Lorenzo Zurzolo, Antonio de la Torre y Natalia de Molina, entre otros.

Por supuesto, este es solo el primer paso de La bola negra hacia el Óscar. La película de los Javis aún tiene que colarse en las listas cortas de la Academia de Hollywood y luego recibir la nominación final. Las listas cortas empezarán a ver la luz a mediados de diciembre, mientras que el anuncio de los nominados está previsto para el 21 de enero de 2027.

Seguiremos con interés el proceso de nominación para ver si La bola negra llega hasta la lista final y si los Javis estarán en el Dolby Theatre en marzo de 2027 para, con suerte, subir a recoger una estatuilla. La película se estrena en cines la semana que viene, el 25 de septiembre.

El humor, heredero de la tradición de Berlanga, tira de retrato de costumbres, mostrando distintos estereotipos que van a ver cómo todo se tambalea: la líder, el pelota, el veterano que acaricia con la yema de los dedos la jubilación anticipada... Todo un ecosistema muy familiar, a nuestro pesar, en el que la honestidad y valores como el trabajo en equipo parecen una chanza cuando se ponen a prueba de veras.

Que comiencen los juegos del hambre

Olga acaba de reincorporarse a su trabajo tras agotar su baja por maternidad: está llena de energía y ávida de conseguir un preciado ascenso pero las cosas no van a desarrollarse como ella desea.

Tío Mochales, su empresa, atraviesa ciertos problemas: hace años era líder en el sector del queso local, pero en la actualidad apenas consigue mantener las apariencias. La última gran idea de la directora es organizar un retiro rural obligatorio con la excusa de fomentar los valores de la compañía en el pueblo donde se fundó la firma.

No obstante, al poco de llegar, ella y sus compañeros descubren que todo era una trampa para obligarlos a competir entre ellos: se avecinan despidos y lo que prometía ser una escapada motivadora se va a convertir en una enorme piscina de barro en la que las traiciones, los rumores y las trampas sacarán lo peor de todos ellos.

Gracias, equipo es una película que aborda temas de rabiosa actualidad como la precariedad laboral, el lenguaje engañoso de los departamentos de recursos humanos y radiografía el clima empresarial cuando se enrarece a la vista de recortes de personal. Aquí no hay glamour ni grandes despachos, sino una oficina destartalada que huele a rancio y se asemeja bastante más al día da día de las pymes españolas. Especialmente acertadas e hilarantes resultan las descripciones de los trabajadores a los que se evalúa por un sistema de colores y las supuestas necesidades de una compañía en apuros para salir del fango.

Cuidado, que las críticas se lanzan en todas direcciones y hay espacio para darle caña a todo dios, siempre desde el humor: a los perfiles dañinos de currantes que se acomodan en su puesto sin más aliciente que sacar tajada, aquellos que buscan medrar a toda costa, sin escrúpulos a la hora de obtener beneficios y pisar cabezas o quienes deciden saltarse las normas a la torera, por no hablar de los que tienen cogido el puesto con los dientes y están dispuestos a vender hasta a su abuela para mantenerse en una posición de privilegio. Reciben también lo suyo los sindicalistas y los que rehúyen del sindicato como de la peste. Y de paso hay también hay una reflexión sobre cómo afecta la maternidad a la carrera profesional de las mujeres y la carga adicional que supone tener que estar permanentemente demostrando su valía... ergo hay reflexiones sobre la conciliación y la asunción de roles sociales por descontado.

La verdad es que hay momentos que podrían haber salido del lápiz de Ibáñez en los que se retrata la miseria humana con una comprensión y un recochineo muy reconocible. ¿Es la película más ingeniosa del año? Pues no, pero no es menos cierto que tiene poco de entretenimiento inofensivo y más de realidad dolorosa de lo que nos gustaría tener que admitir.

La película le saca partido al reparto, que se ajusta bastante bien a sus respectivos roles: Maribel Verdú, Alexandra Jiménez, Pedro Casablanc, Blanca Martínez y Raúl Tejón ponen en pie el núcleo duro de la historia pero Pepe Viyuela y Saturnino García asoman en un par de momentos gamberros que son memorables.

El director de películas como Solo regresa a la dirección de largos tras ocho años de ausencia en los que ha estado más centrado en series como Dime tu nombre o documentales como el soberbio El desafío: ETA. Stuven también coescribe el guion junto a Santiago Lallana y César de Nicolás.

El nido sigue a Marta, el personaje de Jenner, una madre que ha desarrollado un pánico atroz por el mundo exterior y se ha obsesionado con proteger a su madre y su hijo en la casa familiar; quieran ellos o no. La inesperada llegada de un hombre al lugar desata en ella su lado más agresivo.

Además de Michelle Jenner, a quien escuchábamos hace nada en Tadeo Jones y la lámpara maravillosa, El nido cuenta en su elenco con Luisa Gavasa, Pablo Derqui, Dylan Radley y Morgan Symes.

Michelle Jenner no se anda con chiquitas en El nido

Con El nido a puntito de estrenarse en los cines de toda España, en HobbyCine te traemos en exclusiva una escena de la película para que veas lo que pasa si entras en casa de Marta sin que ella te dé permiso; y no te lo va a dar.

La escena refleja la llegada de Velasco al hogar de la familia, que tiene un extraño sistema de raíles por todo el suelo. A pesar de la calma y tranquilidad que intenta transmitir mientras busca señales de vida, no es capaz de aplacar a Marte, que aprovecha la ocasión en cuanto se presenta para dejarlo fuera de combate.

A priori, la situación puede parecer lógica, pero habiendo visto más de la película, entiendes que el personaje de Michelle Jenner ha llevado a límites extremos su obsesión con proteger a sus familiares. Claro que la situación se volverá aún más extraña.

Si quieres saber cuánto más, ya sabes: desde mañana puedes ver El nido en cines y descubrir si hay motivos para que Michelle Jenner se encierre en casa y viva como en el siglo XIX.

En esta ocasión, la plataforma ha decidido estrenar la cinta en las salas de cines antes de ser incorporada al catálogo del servicio de transmisión, pues apunta a ser uno de los títulos favoritos de cara a próximas entregas de premios.

Para abrir boca, la gran N ha lanzado el póster y las primeras imágenes oficiales de El niño, las cuales te agrupamos a través de la siguiente galería.

Qué podemos esperar en El niño, la nueva apuesta de Netflix por el cine español

Protagonizada por Belén Cuesta (La trinchera infinita, La casa de papel) y Karra Elejalde (Ocho apellidos vascos, Mientras dure la guerra), la trama de esta película dramática está basada en hechos reales y sigue la historia de Mariaje y Nicasio, madre y abuelo de uno de los niños que fallecieron en la explosión de gas en un pueblo de Vizcaya en octubre de 1980.

"Esta tragedia conmocionó a ese pueblo y a toda España, y cambió sus vidas para siempre. En un viaje marcado por emociones inesperadas, Mariaje y Nicasio buscan y encuentran su propia forma de superar la pérdida", detalla su sinopsis.

El elenco de la cinta se completa con Pep Ambròs (El cuerpo en llamas), Raquel Ferri (Los renglones torcidos de Dios), Joan Solé (Nos vemos en otra vida), y Alex Infantes (El cuco de cristal).

El niño se estrena en las salas de cine el próximo 13 de noviembre de 2026, y estará disponible en el catálogo de Netflix a partir del 27 de noviembre. ¿Qué te ha parecido este primer vistazo de la película?

Una puesta de largo clásica ya después de haber ido completando hitos en la dirección como directora de segunda unidad o ayudante de dirección de cuatro proyectos cortos previos.

Estamos ante una película atmosférica en la que cada pequeño detalle o gesto está medido para provocar un impacto en el espectador. Es una cinta sutil, reposada y de ritmo pausado en el que la calidez y frialdad de las estancias nos da mucha información sobre el estado de ánimo de los personajes y donde las apariciones no tienen la finalidad de ser tenebrosas sino solo la insinuación de una presencia que se hace notar igualmente por su defecto: el sabor de una receta que no se puede replicar, la costura sin rematar o el aroma que queda como rastro final en un vestido en el armario.

Hay quien hace cine y hay quien hace poesía: Aleñar combina ambas artes apoyándose en la interpretación de Zoe Stein, una musa peculiar que a sus 26 años sigue dando bien en cámara como adolescente y cuyo personaje transforma su duelo en un juego de espejos que potencialmente puede parecer malsano y abre una puerta hacia lo perturbador.

Papeles como el de Mantícora la posicionaban en un lugar similar. Algo tiene esta actriz que embelesa incluso desde el mutismo. El otro pilar de la película es el veterano Lluís Homar que explora la vulnerabilidad de su personaje con verdadera destreza.

Un verano diferente

Catalina y su hermana visitan a sus abuelos en la playa y disfrutan del sol, los paseos en kayak y del apacible paso del tiempo cocinando y haciendo escapadas. Es un verano luminoso en el que las vistas desde su casa son espectaculares.

Una noche, al volver a casa, Catalina encuentra el cadáver de su abuela tirado al pie de las escaleras y queda en estado de shock, sin saber qué hacer. Toca asimilar su ausencia, acompañar a su abuelo y recibir a su consternada madre, que tensa mucho las relaciones familiares.

Un gesto fortuito como ponerse uno de sus vestidos, será el detonante de que Catalina pase a ocupar el espacio de su abuela provocando un terremoto emocional en su entorno que, por una parte, la echa mucho de menos pero, por otra, lo siente como algo enfermizo y antinatural.

Forastera no es una película de extensos diálogos ni afectada banda sonora, sino que se mueve en el terreno de la levedad y la sutileza. Asimilamos un simple reflejo que flota por toda la casa como esa alma que se niega a retirarse para siempre por sentir que aún pertenece al lugar del que ha partido de improviso.

Lo mismo sucede con el presentimiento que aflora en un fluorescente que parpadea o en un pensamiento furtivo que nos hace teer una tragedia. Es fácil comprender la frustración de ese último postre atesorado en papel de film elaborado por unas manos que ya no están ni estarán más.

Forastera es una colección de sensaciones humanas que no son fáciles de trasladar sin palabras. Su principal valor es ser muy evocadora desde una tremenda sencillez y saber tocar teclas muy profundas sin grandes artificios.

Aquí no es necesario hacer uso de efectos especiales para hablar de fantasmas como tampoco hay necesidad alguna de hacerlo desde el temor o la angustia. Muy al contrario, la película propone un viaje interno hacia la búsqueda de la identidad y la superación de la pérdida con un duelo que no se basa en derramar lágrimas sino en recuperar la memoria. El espectador tendrá que decidir cuánto hay de sobrenatural en este proceso o si se trata simplemente de una simbiosis psicológica.

Por el camino, la directora demuestra su ingenio moviendo la cámara de manera insinuante y proponiendo breves instantes de lo que solo podemos definir como destellos de magia en los que "sentimos" que los personajes no están solos.

Esta coproducción entre México y España nace de la colaboración entre Huevocartoon Producciones y 3Doubles Producciones, con los directores de Huevos en Corto: Las animaciones clásicas al cine, Rodolfo Riva-Palacio Alatriste y Gabriel Riva Palacio Alatriste.

Gungo y los juegos cavernícolas nos lleva a la Edad de Piedra, una época marcada por la vida de la humanidad en clanes cerrados donde, con frecuencia, había que disputarse el liderazgo. De modo que la fuerza bruta era uno de los requisitos indispensables para que no te comieran vivo (y con la fauna que había, lo de "comer" es literal).

Se ha confirmado que la versión para España contará con la voz de Mikecrack (Miguel Bernal) para uno de los personajes, junto a él estarán Dagar, Rubén Uría y Nacho Donado.

Los juegos más desafiantes de la prehistoria

En HobbyCine tenemos el gusto de compartir contigo en exclusiva un nuevo póster de Gungo y los juegos cavernícolas para que te vayas familiarizando con los personajes de la peli. Te lo dejamos a continuación, junto con la sinopsis oficial:

"Gungo es considerado el cavernícola más débil de la tribu, pero como es el hijo del jefe, cree que tiene el futuro asegurado y que no debe demostrar su valía de ninguna manera. Sin embargo, es traicionado por un grupo de rebeldes que quieren usurpar el poder y es expulsado a tierras inhóspitas donde no hay nada.

Para sobrevivir y desenmascarar el complot en su contra, deberá encontrar su verdadera fortaleza interna, liderar a un grupo de inadaptados y competir en los brutales Juegos Cavernícolas, reservados para los más fuertes. Porque cuando tocas fondo… solo queda picar piedra para subir poco a poco".

Podrás saber si Gungo logra encontrar su fuerza interior a partir del 30 de octubre, cuando Gungo y los juegos cavernícolas llegue a los cines de toda España.

Y no lo hace desde un modo amable como el de la serie El pueblo sino que deja completamente al margen al humor para desarrollar una historia en la que se muestra la importancia de los lazos de dependencia entre los individuos entre los que hay una suerte de mentalidad de colmena con un líder y un grupo en el cual cada uno tiene unas funciones muy bien delimitadas.

Es una obra de ficción pero a la que le preocupa el factor antropológico de modo que se retratan usos y costumbres, algo que permea la banda sonora y la puesta en escena de la película. También se deja notar a nivel argumental en la medida en que los personajes están "atrapados" sin la posibilidad de relacionarse con el exterior con libertad y con un estricto control de sus comunicaciones.

Reparto coral, atmósfera asfixiante y una historia que no te lo da todo mascado sino que te invita a recomponer el pasado de los protagonistas para hacerte una idea de cuál es su presente.

El bien común

Nos desplazamos a una aldea aislada de la Comunidad Valenciana en la que un grupo de personas vive de manera voluntaria y autónoma. Se trata de un asentamiento autosostenible en el que cada miembro tiene unas funciones bien definidas de tal manera que todos son imprescindibles para mantener el equilibrio.

Sin embargo, alguien ha querido boicotear la comunidad matando a un cordero y arrojándolo al aljibe del que se extrae agua potable. La contaminación les obliga a desechar esta forma de obtener agua, teniendo que desplazarse varios kilómetros hasta el río para obtenerla.

La solución es reclutar a Lluc, un ingeniero de caminos que se encuentra en horas bajas y accede a pasar allí unos meses hasta canalizar el agua del río hasta una fuente en el pueblo. Lo que en principio le parece una suerte de paraíso terrenal formado por individuos que se apoyan unos en otros por un bien común, pronto se torna una realidad muy distinta con abusos de poder y una malsana relación entre los distintos integrantes de una comunidad podrida. La pregunta es: ¿conseguirá salir de ella? ¿A qué precio?

En un mundo hiperconectado en el que estamos tan pendientes de la realidad como del plano digital en el que gestionamos nuestra reputación y cultivamos nuestras relaciones sociales, se nos propone hablar de la convivencia en su estrato más primigenio, restando de la ecuación al móvil y todo lo que trae consigo: redes sociales, medios de comunicación, respuestas fáciles obtenidas mediante IA...

Enjambre nos habla de "echarse al monte" dejando de lado las comodidades y garantías de la civilización: no hay hospital, no hay policía, no hay más que un grupo de personas que se dotan a sí mismas de unas normas para tratar de salir adelante. Es una versión utópica de la existencia que solo puede funcionar a base de la renuncia individual y un gran espíritu de sacrificio pero que parece también conllevar los mismos problemas que el "sistema" pero a pequeña escala.

La película se desarrolla mediante una mirada externa de un testigo que ingresa por propia voluntad y con un fin determinado o, lo que es lo mismo, una visita con fecha de expiración. Hasta que se enreda en el enjambre y empieza a tejer sus propias relaciones. Buenas interpretaciones, por cierto, encabezadas por Pablo Molinero y Cristina Fernández Pintado pero entre las que también destacan las de Pablo Derqui, Gloria March o Jordi Aguilar.

El debate está servido: bajo la trama principal que sigue la historia del protagonista, está el sustrato más interesante que nos invita a la reflexión sobre el poder y la libertad individual, el papel protector (que no paternalista) del Estado que debería defendernos de los abusos y promover la igualdad social y, sobre todo, la forma en la que nos hemos ido separando de la naturaleza hasta encontrarla casi como una extraña en nuestras vidas.

Toda una serie de cuestiones muy interesantes y pertinentes que enriquecen la historia y pueden llegar a ser incluso más interesantes que la resolución misma de la aventura. Lo mismo Enjambre tiene también alma de documental, sobre el que se ha superpuesto la capa del thriller casi como excusa para existir....

Se hacen cargo del guion Cristóbal Garrido y Adolfo Valor, creadores, precisamente, de La vida breve y Días mejores. Esta vez, toman una situación digna de un episodio de The Office: una sesión de team building que contrasta con una inminente ronda de despidos en una compañía.

Como buena comedia sobre el lugar de trabajo, Gracias, equipo presentará a un variopinto grupo de empleados, cada cual con su propia situación personal y profesional, que afrontan de maneras muy dispares la propuesta de la compañía.

El elenco estelar de la película de Netflix incluye a Alexandra Jiménez (53 domingos), Maribel Verdú (El problema final), Pedro Casablanc (Salvador), Raúl Tejón (Machos Alfa), Ismael Fritschi (Infiesto), Blanca Martínez (Todas las veces que nos enamoramos), Víctor Rebull (La reina del sur), Saturnino García (Los años nuevos) y Pepe Viyuela (Aída y vuelta).

Netflix arranca el curso con un poco de team building

Con el estreno de Gracias, equipo a poco más de dos semanas, Netflix España y Zeta Studios han lanzado el tráiler oficial de la película para ir calentando el ambiente. Puedes encontrarlo a continuación, y también la sinopsis oficial:

"La empresa Tío Mochales fue, hace años, la reina indiscutible del queso español. Hoy es una empresa algo oxidada que intenta mantener el tipo. Su última gran idea: organizar un team building rural en el pueblo donde la empresa se fundó.

Pero lo que debía ser un retiro para reconectar con ‘los valores de siempre’, se convierte en una encerrona cuando descubren que se vienen despidos, y muchos.

Lo que prometía ser una escapada motivacional se convierte en una batalla campal de peloteo, traiciones y filtraciones. Una comedia negra sobre oficinas en decadencia, directivas sin escrúpulos y trabajadores que ya no están para perder el tiempo en las moderneces de los team buildings".

Gracias, equipo llega a Netflix el 11 de septiembre con una propuesta divertida para hacernos pasar un buen rato. Pero no en plan team building; sino un buen rato de verdad.

Hablamos hoy de esta cuarta entrega en formato de largometraje, que es la más satisfactoria hasta la fecha gracias a un sentido del humor algo más depurado, una historia enternecedora que emociona mucho más que las anteriores y un diseño de los personajes muy acertado.

De alguna manera da la sensación de que busca menos la aprobación internacional (esos galones ya los tenía ganados puesto que el personaje ha tenido una proyección muy amplia) y se centra más en la historia en sí y en la construcción de los personajes. El resultado es una mejora notable en todos los aspectos y por tanto da pie a una grata experiencia de visionado.

Tadeo madura y viaja en el tiempo

Tadeo, Sara, Oli y Momia forman una curiosa familia, aunque la llegada de la pequeña haya desplazado a Momia y lo lleve francamente mal.

Mientras están de vacaciones en Londres, siguen la pista de un objeto único como es la lámpara maravillosa de Las mil y una noches dentro de la cual vive encerrada una genia que concede tres deseos a aquel que la frote y la haga emerger de su escondite.

Cuando Momia pide, en un ataque de celos, regresar al pasado para revivir la época en que era joven y adorado por todos, desata también un problema temporal: Tadeo y Sara tienen que evitar que Momia cambie el curso de la Historia y llevarlos a todos de vuelta a su época intactos. Pero ésta no será una tarea fácil y pondrá a prueba el espíritu de sacrificio de todos ellos.

El regustillo cinéfilo de Tadeo Jones queda más patente que nunca con una introducción que enlaza con las producciones que Alfred Hitchcock presentaba con su plano de perfil, parodiado por Belzoni, pero también cuenta con un festival de referencias que nos llevan de Mad Max a Regreso al futuro pasando por Titanic y Parque Jurásico o, por supuesto, Aladdin.

El objeto mágico, la lámpara maravillosa, dará pie no solo a toda la aventura como claro motor del conflicto principal, sino también a apariciones estelares como la de un Cristóbal Colón muy especial que cuenta con la voz de Carlos Latre en el doblaje (y que hace doblete, por cierto, al hacerse cargo de un Belzoni que aparcará los letreros para hablar por primera vez). De la genia de la lámpara se hace cargo, con muchísimo sentido del humor, la gran Petra Martínez, uno de los mayores aciertos de una película que conjuga muy bien los elementos que pueden hacer gracia a los peques y otros destinados a un público más maduro.

Aunque el mix de arqueología, datos históricos y fantasía sea a veces un verdadero gazpacho, Tadeo Jones y la lámpara maravillosa consigue superar un hito introduciendo algunos aspectos que a día de hoy nos preocupan e incomodan como el intrusismo de la tecnología o la amenaza de la IA como suplantadora de las habilidades humanas, sin descuidar el humor ni hacer trastabillar el arco narrativo principal.

La excusa es un viaje en el tiempo de consecuencias tremendas, pero el corazón lo ponen los lazos de amor y amistad que unen a los personajes y los hacen inseparables, por más que se interponga entre ellos el paso de tiempo. Atentos a los créditos finales, que también tienen su miga.

Enrique Gato demuestra con esta película su infinito amor por un personaje con el que lleva conviviendo más de dos décadas y que se ha convertido en el más fiel de sus compañeros. Los guionistas Manuel Burque y Josep Gatell refinan la fórmula y consiguen que las referencias patrias convivan con mayor armonía con el espíritu de aventura de una película que lo tiene todo para triunfar en esta recta final del verano.

Si comparten algo más es la entrega absoluta de sus respectivos repartos a las visiones de sus directores, materia de interés para ambas películas en la medida en que los protagonistas son, asimismo, directores de cine que pasan la realidad por el tamiz de la ficción. Y hasta ahí las concomitancias: ni el trasfondo, ni la forma, ni el tono o las implicaciones emocionales se parecen en absoluto.

Rodrigo Sorogoyen, experto en crear escenas de alta tensión, se desmarca con una película muy amarga, compuesta por desencuentros, silencios densos, miradas no correspondidas y conversaciones vagas que al espectador le toca recomponer como un puzle para hacerse su propia composición de lugar.

Con estos mimbres ya se apreciará que estamos ante una película difícil en la que es tan importante lo que se dice como lo que se calla, que exige atención constante y pone el foco principalmente en los dos personajes principales interpretados con maestría por Javier Bardem y Victoria Luengo.

Debajo de todas las máscaras

Esteban Martínez es un exitoso director de cine con dos premios Óscar y una larga carrera dedicada a su pasión por filmar. Con el paso del tiempo se ha convertido en una leyenda no solo por su talento en el set de rodaje sino también por un pasado marcado por la violencia y los excesos.

Su nuevo proyecto, una historia de amor y traición en el Sáhara colonial de 1932, le lleva a contactar con su hija, una joven actriz de la que lleva alejado más de una década. Su primer encuentro es algo tenso: ella no sabe qué contestar a su oferta de relanzar su carrera haciéndose cargo de uno de los roles protagonistas y claramente tienen recuerdos muy distintos de su infancia.

Tras aceptar el papel y desplazarse a Fuerteventura para el rodaje, tendrán que convivir en el set durante más tiempo del que han estado juntos nunca. Por una parte esto les llevará a tener una complicidad y cercanía inusitada, pero por otra dará pie a que se reabran viejas heridas y sus egos choquen dinamitando el ambiente colaborativo de un trabajo tan coral como el del cine.

El ser querido es una de esas obras que ponen en valor el cine dentro del cine: muestra cómo interfiere la esfera de lo personal en el plano profesional sobre todo con unas dinámicas de poder tan rígidas como las que exige un rodaje en el que todo está supeditado en última instancia al director, que tan fácilmente puede convertirse en un cacique.

De manera transversal la película toca aspectos que son de gran interés para el propio Javier Bardem: desde la situación del Sáhara hasta su conflictiva relación con los medios de comunicación, más interesados en la vida personal de su personaje que en su trayectoria profesional, algo que ha vivido en sus carnes y le ha llevado a establecer muchos cortafuegos.

Por desgracia El ser querido tiene un problema gigantesco: es fácil entusiasmarse con la forma en que se está narrada porque Sorogoyen maneja la puesta en escena, los tiempos y la cámara como pocos directores pero no consigue emocionarnos ni, peor aún, comprender por qué se emocionan los personajes que pueblan esta historia en su tramo final.

Se entienden los conflictos, hay interesantes lances dialécticos entre los protagonistas y por momentos se mastica la tensión, pero la película deja cierta sensación de quedar inconclusa por no poder o no saber cómo resolver la ecuación. Como es marca personal del director, aboga por los diálogos naturales y la búsqueda de la verosimilitud, pero esta vez parece un poco más impostado de la cuenta echando mano de recursos que terminan incluso tornándose contraproducentes como los abundantes primerísimos primeros planos o los cambios de formato y color.

Tocamos hueso, entramos en el trauma de ella y los remordimientos de él pero da la sensación de que la película está cociendo a fuego lento un clímax que no llega nunca y queda por tanto bastante fría en el apartado emocional.

El ser querido habla de la trascendencia del cine y de cómo queda inmortalizado para siempre a la vez que lo hace la propia experiencia personal de quienes atraviesan el periplo de filmarlo, pero aquí no llegamos a ver en qué se traduce esa vivencia ni si llega a ser en verdad a ser trascendente para quienes la han pasado. Así que es hasta difícil saber cómo se supone que tenemos que sentirnos dos horas y cuarto después de entrar en el cine. Confusos, seguro.

El cineasta madrileño se atreve con todo tipo de formatos y géneros, lo que le ha llevado a producir auténticas joyas tanto en la gran pantalla como en la pequeña.

En esta ocasión nos vamos a centrar exclusivamente en películas y series que hayan tenido a Rodrigo Sorogoyen como director, excluyendo, por tanto, cortometrajes -donde también ha sido premiado- y documentales.

Eso sí, no incluimos de momento El ser querido en este listado, que se estrena en unos días y todavía tiene muy pocos votos.

Hoy, en HobbyCine, destacamos todas las películas y series de Rodrigo Sorogoyen y las ordenamos de peor a mejor en función de su valoración en FilmAffinity.

Vida loca

Incluso los reyes Midas del audiovisual tienen tropiezos, y uno de los cosechados por Rodrigo Sorogoyen fue en 2011 con Vida loca, una sitcom que no duró más de una temporada.

Mediaset se creció con este tipo de series gracias al fenómeno de La que se avecina, y sacó adelante la historia de una pareja de divorciados que tratan de seguir adelante en San Sebastián con sus respectivas nuevas familias, aunque con la constante presencia de sus "ex".

Lo que no fue constante fue la tendencia en audiencia de la serie, que se fue hundiendo en Telecinco hasta que Mediaset determinó que con los 20 episodios de la temporada 1 fue suficiente.

Vida loca fue fruto de una época en la que Sorogoyen desarrolló un gusto intenso por las series de comedia, aunque el 2,0 de nota que tiene en FilmAffinity disuade a cualquiera de darle un tiento.

Rabia

Un tono más serio llegó en 2015 con otra serie, Rabia, que se emitió en Cuatro y que contó con ocho episodios que casi pudieron ser una premonición de la pandemia de coronavirus.

Pero a la serie le faltó impulso y se quedó en un modesto 3,6 que, en parte, se debe a que su temática se alineó con The Walking Dead, que venía de su mejor momento.

Impares e Impares Premium

Como decimos, Rodrigo Sorogoyen prueba de todo, y los sketches no se libran. En 2008, se unió a Peris Romano para lanzar Impares, una serie sobre una agencia para buscar pareja donde los clientes son de lo más variopinto.

Duró dos temporadas en antena 3, y luego dio lugar a su secuela, Impares premium, cuya premisa es igual, pero la agencia se dedica a la terapia de parejas ya establecidas.

La serie original se llevó un 4,4 en FilmAffinity, mientras que su secuela se quedó a las puertas de igualar la nota, con un 4,3 de media. Ya estamos cerca del aprobado raspado.

En casa

Hablábamos antes de la pandemia de coronavirus, y es algo que tanto Rodrigo Sorogoyen como otros cineastas y estrellas del panorama nacional tuvieron que lidiar.

Con el mundo casi parado, Sorogoyen forma parte del equipo y el elenco de En casa, una serie que aborda la cuarentena desde diferentes géneros.

En encierro obligatorio al que se vio sometida la población en 2020 es el contexto general de la serie, pero no impidió a sus implicados ser creativos con algunas historias muy locas.

Sus cinco episodios se emitieron en la entonces HBO, que hoy ya es Max. Con un 5,1, En casa es la primera entrada de nuestra lista que aprueba según los usuarios de FilmAffinity, aunque por poquito.

La pecera de Eva

Cuatro temporadas y más de 200 episodios duraron las consultas de la doctora Eva Padrón (Alexandra Jiménez) en Telecinco, ayudando a adolescentes a superar distintos problemas.

Rodrigo Sorogoyen fue uno de los directores de La pecera de Eva entre 2010 y 2011, con el ritmo de producción frenético propio de las teleseries, como era el caso.

Al igual que En casa, La pecera de Eva se queda con un 5,1 de media en FilmAffinity, pero ya empezamos a meternos en la parte seria de nuestra lista.

Historias para no dormir

¿Echabas en falta el terror? No te preocupes, que ya ha llegado con otra de las series estrella que han contado con Rodrigo Sorogoyen como director.

Nos referimos a Historias para no dormir, donde el director se encargó del brillante episodio El doble para llevar una buena ración de escalofríos al catálogo de Prime Video.

Historias para no dormir ostenta un 5,2 en FilmAffinity, pero si nos ceñimos al episodio de Rodrigo Sorogoyen en cuestión, se queda ligeramente por debajo, con un 5,7. Si el capítulo hubiese sido una foto fija viendo llegar los impuestos… uff, eso sí que quita el sueño.

Frágiles

Seguimos escalando en el listado con Frágiles, la serie de Telecinco que se emitió entre 2012 y 2013 y que tuvo 16 episodios repartidos en dos temporadas.

Santi Millán interpretaba a un fisioterapeuta que, además de aplicar los cuidados físicos al cuerpo, ayudaba psicológicamente por su convicción de que cuerpo, mente y alma están intrínsecamente conectados.

Un 5,5 de nota media en FilmAffinity deja a Frágiles a las puertas de las palabras mayores en la base de datos, porque allí, a partir de un 6, es entrar en las grandes ligas.

8 citas

El debut de Rodrigo Sorogoyen como director fue, de hecho, una codirección con quien sería su socio en Impares, Peris Romano: 8 citas.

De hecho, la película de 2008 tiene muchos elementos en común con la serie que no tardarían en desarrollar, pues narra los vaivenes del amor a través de ocho historias diferentes.

El estelar elenco incluyó a Fernando Tejero, Belén Rueda, Verónica Echegui, Jordi Vilches, Raúl Arévalo, Ana Wagener, Miguel Ángel Solá, Arturo Valls, Melani Olivares, José Luis García Pérez, Belén López, Cecilia Freire y Adriana Ozores, entre otros.

Un 5,6 en FilmAffinity no es mala nota para un debutante, especialmente tratándose de una comedia romántica, que suelen ser más difíciles de puntual al alza.

Madre

Superamos el 6 de nota media con Madre, que recibió la nominación al Goya al Mejor guion adaptado, aunque no ganó, pero le queda el consuelo de que el cortometraje que sirve de base para la historia sí se llevó el premio anteriormente.

Este drama sobre una madre que sigue anclada en la pérdida de su hijo en una playa francesa conquistó al público y casi se lleva otro galardón a casa.

No fue el caso, pero un 6,1 en FilmAffinity es ya un premio por sí solo, aunque no lo puedas poner en una vitrina —salvo que imprimas un pantallazo, claro—.

Apagón

Por desgracia sabemos muy bien lo catastrófico que puede ser un desastre natural, sobre todo si tenemos en cuenta que no todo el mundo reacciona del mismo modo a estas situaciones.

Movistar Plus+ contó con Rodrigo Sorogoyen como uno de los directores de la muy recomendable Apagón, una miniserie en la que una tormenta solar deja sin luz al mundo entero.

El madrileño dirigió el episodio titulado Negación, el piloto de Apagón, en el que la información facilitada a los servicios de emergencia llega tan lentamente que la gestión de un accidente ferroviario es solo un problema de muchos que están por venir.

El conjunto de la serie tiene un 6,4 de nota media en FilmAffinity, mientras que el episodio de Sorogoyen se eleva hasta el 7,2.

Stockholm

Volvemos al cine y retrocedemos a 2013, cuando Rodrigo Sorogoyen estreno Stockholm, un drama romántico que nos hace ver con temor esas noches locas que se inician con un "chico conoce a chica", o viceversa.

Javier Pereira y Aura Garrido protagonizaron este filme en el que el día después de un encuentro discotequero resulta ser lo contrario a lo que ambos personajes esperaban. Con un 6,5 en FilmAffinity, no les fue tan mal, ¿no?

Que Dios nos perdone

Además de ser lo que decimos cuando vamos a hacer algo que puede liarla parda, Que Dios nos perdone es el título del fabuloso thriller neo-noir que Sorogoyen estrenó en 2016.

Dos inspectores deben hallar a un potencial asesino en serie en medio de un Madrid abrasador, con el 15-M y una inminente visita del papa de telón de fondo.

Que Dios nos perdone fue un éxito que valió muchos elogios a Rodrigo Sorogoyen, seis nominaciones a los Goya, con una convertida, y un 7,1 en FilmAffinity.

El Reino

Si algo se te da bien, no lo hagas solo una vez. En 2018, Rodrigo Sorogoyen dirigió El Reino, un thriller político que bien podría ser el reflejo de una realidad que se resiste a abandonarnos.

De las 13 nominaciones a los Goya que cosechó, El Reino se llevó siete galardones, incluido el de Mejor Director para Sorogoyen.

Naturalmente, esto se ve reflejado en la nota media de El Reino en FilmAffinity, donde ostenta un 7,3 entre los usuarios de la plataforma.

As bestas

¿Otro Goya al Mejor Director? Venga. En 2022, Sorogoyen estrenó otra joyita de las buenas que arrasó en los Premios de la Academia Española: As bestas.

Esta disputa entre una pareja de franceses afincados en Galicia y sus vecinos en una aldea del interior dio muchísimo de qué hablar.

De las 17 nominaciones que recibió para los Goya, As bestas convirtió nueve, incluyendo el citado galardón a la dirección para Sorogoyen.

Y para galardón el tercer puesto en nuestro listado, gracias al 7,6 que la película de 2022 mantiene en FilmAffinity.

Los años nuevos

Fue una sensación en su estreno y emocionó a muchos espectadores con una historia ante todo generacional.

Se trata de Los años nuevos, un drama que sigue a una pareja que se conoce en Nochevieja y cuya vida cambia radicalmente. Ambos tienen una relación muy estrecha con el primer y el último día del año, y la serie nos cuenta su evolución a lo largo de una década.

Los años nuevos ostenta actualmente un 7,6 en FilmAffinity, la segunda mejor valoración obtenida por una obra de Rodrigo Sorogoyen.

Antidisturbios

Rodrigo Sorogoyen e Isabel Peña ya habían demostrado su prolífica colaboración en películas como El Reino o Que Dios nos perdone, pero en 2020 la llevaron a Movistar Plus+ con la sobresaliente Antidisturbios. Que se lleva la corona en este ranking.

En seis episodios, la serie nos detalla los sucesos en los que un desalojo termina en tragedia y en una investigación compleja del equipo antidisturbios implicado.

Un 7,9 de nota media en FilmAffinity ha mantenido a Antidisturbios en lo más alto del listado de Rodrigo Sorogoyen… al menos de momento

Como hemos dicho, Rodrigo Sorogoyen es uno de esos directores españoles que hay que tener en el radar siempre, porque nunca se sabe con qué nos sorprenderá próximamente.

Enrique Gato regresa como director de esta nueva entrega en la que la familia de Tadeo y Sara ha aumentado con la llegada de su pequeña. Gato ha dirigido las tres entregas anteriores de la saga, además de los dos cortometrajes previos con los que dio a conocer al personaje que él mismo creó.

Han sido ya tres grandes aventuras para este albañil que, por una curiosa confusión, terminó convertido en un intrépido arqueólogo inspirado por uno de los mayores héroes del cine. Sí, claro que nos referimos a Indy.

Manuel Burque y Josep Gatell firman el guion de Tadeo Jones y la lámpara maravillosa, que vuelve a contar con las voces de Óscar Barberán, Michelle Jenner, Luis Posada y Ana Esther Alborg. Además, se incorporan Petra Martínez y Carlos Latre.

Tadeo Jones deberá lidiar con los celos de su hijo no oficial

Para ir preparando el regreso de la saga de animación española más popular, en HobbyCine te traemos una escena en exclusiva de Tadeo Jones y la lámpara maravillosa. Vemos que a Momia no le ha sentado nada bien la llegada de Oli, la hija de Tadeo y Sara. La pequeña ahora copa la atención de sus papis, que tienen menos tiempo para las excentricidades de Momia.

A continuación te dejamos la escena, junto con la sinopsis oficial de Tadeo Jones y la lámpara maravillosa:

"Tadeo y Sara son ahora padres de Olimpia (Oli), una adorable e intrépida niña de dos años. Y Momia no lleva nada bien haber dejado de ser el centro de atención. Mientras están de vacaciones en Londres, Sara sigue la pista hacia un objeto único: la lámpara maravillosa de Las mil y una noches.

Momia, presa de los celos, pide un deseo: viajar en el tiempo hasta el momento en que era joven y todos le querían. Tadeo y Sara tienen que unir fuerzas para evitar que Momia cambie el curso de la historia y traer al grupo (Jeff, Belzoni y Ramona incluidos) de vuelta a casa, a su época.

Esta nueva aventura los llevará a cruzar el océano Atlántico desde Perú hasta Grecia, y de allí a lo más profundo de Oriente Medio, hasta la misma cueva de Ali Babá y los cuarenta ladrones".

Recuerda que el próximo miércoles 26 de agosto tienes una cita en tu cine con la aventura trotamundos que nos propone Tadeo Jones y la lámpara maravillosa.

En esta ocasión, con Días de agosto, se adentra en el terreno del drama familiar de la mano de un guión escrito por el debutante David Sueiro. Aunque es una película elegante que quiere explorar los sentimientos y la parte más física del amor: el sexo, da la sensación de tener poco que contar más allá de un embrollo familiar que se gesta a fuego lento y parece no ir a ninguna parte.

Sirve, y eso es algo que hace muy bien, para congelar la sensación del verano en el tiempo y esa aparición voluptuosa del deseo macerada en el calor estival que comparte, por ejemplo, con cintas como Call Me by Your Name.

Tiene una factura técnica cuidada, planos subacuáticos bonitos (y metafóricos, que vienen a explorar lo prohibido), una fotografía firmada por el talentoso Dani Salo y, en líneas generales, intenta zafarse de lo chabacano y lo hortera, aunque no siempre lo consiga. Por desgracia, lo que no logra es presentar una historia con demasiada profundidad argumental.

Erotismo en tiempos de esterilización

Juan y Gabriela son una joven pareja de enamorados que, tras acabar las clases de la universidad, se van al chalet de la playa de la familia de él a pasar el verano. Son felices en su burbuja y desearían poder alargar esa sensación de libertad durante todo el tiempo posible.

Sus planes se tuercen cuando Fernando, el padre de Juan, aparece allí sin previo aviso con su nueva pareja. Mónica es una mujer mucho más joven que él y hace surgir rápidamente tensiones en la dinámica familiar. En primer lugar porque su madre también aparece por allí, pero es que además los roces entre el padre y el hijo complican la convivencia del día a día.

El salto generacional se deja sentir, así como una pasión secreta que aflora en el momento más inadecuado, precipitando un efecto dominó. Nada tendrá que ver el comienzo del verano con el fin, cuando Juan cierre las puertas del chalet antes de regresar a la rutina.

Hemos pasado del hartazgo (con el efecto Élite) a la casi ausencia del sexo en el cine. No solo es ya raro ver escenas de sexo explícitas, sino que apenas hay afectividad entre los personajes: besos, caricias... intimidad, en útima instancia.

Esta película tiene la rara cualidad de ser valiente en este sentido y no temer a la sensación de caer en el ridículo por ello, es más, es más vemos la primera relación sexual a los cinco minutos de empezar el metraje. Tampoco tiene reparo en tirar de clichés: roces eléctricos, miradas de embelesamiento y mentiras arriesgadas. El problema es que tampoco parece haber una hoja de ruta para que eso sea algo significativo.

Aunque el reparto cuenta con actores veteranos como Maggie Civantos, Roberto Álamo y Pilar Castro, se centra más bien en la efervescencia de la sexualidad del joven protagonista, interpretado por un Pau Simón algo insípido al que habíamos visto antes en dos series como Nudes y El refugio atómico. Funciona bien en cámara, tiene el atractivo físico, pero le siguen faltando muchas tablas para lograr que los diálogos fluyan con naturalidad y que los conflictos tengan alguna verosimilitud. Algo mejor se desempeña Berta Galo, con una trayectoria más dilatada en televisión.

Días de agosto es una película que se conforma con convertirse en su desenlace en un telefilm bien filmado, casi de lujo, con varios giros de guión forzados que repentinamente acaban con la tensión narrativa y hacen moverse a los personajes por un terreno algo incoherente. Es una pena que el guión no llegue a dejarse desbordar o a estallar de una manera mas sorpresiva. El final es tan endeble que te hace cuestionarte si el viaje mereció la pena.

Creado por Ian Fleming, James Bond es uno de los personajes más icónicos de la literatura y el cine británicos. Convertido en todo un símbolo nacional, el agente del MI6 ha afrontado todo tipo de aventuras a lo largo de seis décadas.

Pero, claro, 61 años de saga cinematográfica dan para que varios actores interpreten al prolífico espía en las 27 películas de la saga, 25 de EON Productions y 2 de otros estudios.

Hoy, en Hobby Consolas, vamos a clasificar a los siete actores que han interpretado a James Bond en el cine de "peor" a mejor, una clasificación que es, más o menos, unánime.

David Niven

Columbia Pictures trató de sacar provecho al auge de James Bond en los 60 con Casino Royale, una película que, si bien ha mejorado un poco con los años, hizo falta un remake para mejorarla mucho.

David Niven protagonizó esta primera excepción de James Bond ajeno a EON Productions y, bueno, hizo lo que pudo, pero está muy lejos de ser el mejor.

George Lazenby

Después de 5 películas lideradas por Sean Connery y del estreno de Casino Royale, convertirse en James Bond fue todo un desafío para la única película que protagonizó George Lazenby como el agente 007.

Pero el actor australiano hizo todo lo posible por hacer suyo el derecho a vestir el esmoquin y conducir el Aston Martin en 007 al servicio secreto de su Majestad.

El tiempo ha hecho justicia a su interpretación como James Bond, pero sigue siendo una isla en un océano en el que gobiernan fuerzas escocesas con muchísima fuerza.

George Lazenby fue un digno agente 007, a pesar de que esté cerca del farolillo rojo en nuestra clasificación.

Roger Moore

Junto con Sean Connery, Roger Moore comparte el honor de ser el actor que más películas de James Bond ha protagonizado: siete en total.

El actor tomó el manto en Vive y deja morir, allá por 1973, y lo ocupó 12 años, hasta Panorama para matar, de 1985. La calidad de su actuación fue muy variada, dejando registros brillantes y otros que, bueno, si los olvidas, nadie te culpará.

Pero Roger Moore demostró que había James Bond más allá de Sean Connery, a pesar de no ser el sucesor natural del escocés.

Timothy Dalton

Dicen que, lo bueno, si breve, dos veces bueno. Timothy Dalton solo interpretó a James Bond en dos ocasiones a finales de los años ochenta.

El actor protagonizó 007: Alta Tensión y 007: Licencia para matar, dos películas que encarrilaron un cambio notable en la franquicia.

La iteración del agente 007 de Timothy Dalton comenzó a ver mayores destellos de acción antes incluso de que el público estuviese preparado para esa evolución.

Fue pionero en muchos aspectos, además de mostrar a un James Bond más realista, humano y oscuro en ocasiones.

Pierce Brosnan

El fin de la Guerra Fría fue un importante marcador para la saga de James Bond en la década de los noventa.

Pierce Brosnan consiguió capear la era de cambios con una suerte de regreso a la fórmula del agente 007 original, pero modernizada. Fue un digno conductor del Aston Martin y un gran puente entre un pasado donde el MI6 tenía muy claro quiénes eran el enemigo y una era más ambigua.

Daniel Craig

Tras el paso de Brosnan por el papel, Daniel Craig asumió el manto ante el desafío de mantener la franquicia frente al auge de su competencia más feroz, con sagas como Misión imposible comiéndole terreno.

Pero el actor no solo aceptó el desafío, sino que elevó el pabellón y entregó una iteración que, para muchos, es la mejor de la franquicia desde sus inicios y que dejó un listón altísimo a su sucesor tras despedirse en Sin tiempo para morir.

Sean Connery

Lo hemos mencionado varias veces durante el artículo, y por una buena razón. Sean Connery es la génesis del James Bond cinematográfico.

Es curioso que un actor que despreciaba lo que representaba el personaje en muchos aspectos, sea el más querido entre una gran mayoría de fans de la saga.

Sus seis películas de los años sesenta siguen siendo algunas de las entregas más queridas, además de su película de 1983, Nunca digas nunca jamás, que trajo de regreso al James Bond original, aunque fuese en una producción de Warner, y no de EON Productions.

Ponerse el traje y conducir el Aston Martin de James Bond no es algo que esté al alcance de cualquiera. Estos siete actores lo dieron todo para convertir al personaje en uno de los más importantes del cine británico y, en mayor o menor medida, han dejado su firma en su legado.

Bajo el guion de Sofía Cuenca (Musarañas, Culpa tuya, Tabula rasa), la adaptación cinematográfica cuenta con la dirección de Óscar Pedraza, que supone el primer largometraje para el cineasta tras haber participado en producciones como Patria, Sky Rojo o La noche más larga.

Para abrir boca, el servicio de transmisión ha presentado el tráiler de Enfrentados: Marfil, el cual puedes echar un ojo a través del vídeo que te dejamos un poco más abajo.

Qué podemos esperar en Enfrentados: Marfil, lo nuevo de Prime Video

Con Ester Expósito (El talento) y Hugo Diego García (La sustancia) liderando el reparto, la trama de la cinta sigue la historia de Marfil Cortés, hija de un poderoso empresario cuya perfecta vida en Nueva York da un brusco giro cuando un día es asaltada en Central Park.

Para evitar que se repita un suceso similar, su padre contrata como guardaespaldas a Sebastián Moore, un joven de lo más enigmático. Al principio sus personalidades chocan, ya que ella no está interesada en tener a un guardaespaldas que esté encima de ella a todas horas.

Sin embargo, como suele ocurrir, el roce hace el cariño, y a Marfil ya no le importa tanto que Sebastián se ponga encima de ella (tanto figurada como literalmente), por lo que pronto surge una importante atracción entre ellos.

"Marfil Cortés (Ester Expósito), la hija de un poderoso empresario español, ve como su perfecta vida en Nueva York da un vuelco cuando es repentinamente secuestrada y liberada sin aparente explicación. Su padre decide entonces contratar al enigmático Sebastián Moore (Hugo Diego García) como guardaespaldas.

Forzados a pasar cada minuto juntos y aunque inicialmente choquen por el espíritu indomable de ella y el carácter reservado de él, surgirá una irremediable atracción entre ambos. Al volver a España, con las amenazas intensificándose, deberán moverse en un mundo donde nadie es quien dice ser y nada es lo que parece", explica la sinopsis de la película.

Completan el elenco de la cinta Lluís Homar (Forastera), Eric Masip (La vida breve), Pablo Molinero (La viuda negra), Leander Vyvey (El fantasma de mi mujer) y Joaquín Ferrerira (Coppola, el representante), entre otros.

Enfrentados: Marfil se estrena en el catálogo de Prime Video el próximo 9 de septiembre de 2026. ¿Qué te ha parecido el tráiler de la nueva película con Ester Expósito y Hugo Diego García?

Pero, por alguna razón, la comedia sigue fijándose en este fenómeno como fuente de chanza: lo hizo Machos alfa con un éxito atronador poniendo de manifiesto las contradicciones de la sociedad moderna y lo intenta ahora El último mono, contraponiendo a este fenómeno el de la misandria o el mal llamado "hembrismo" que presupone a la mujer superior al hombre y replica el discurso de odio pero en dirección contraria.

La famosa "guerra de sexos" que ha sido motor de tantas comedias resulta ahora algo peor que un cliché manoseado: es un punto de partida de mal gusto muy alejado de los criterios básicos de la diversión.

Tomarse a guasa la transexualidad y la identidad de género, equiparar el machismo al feminismo o burlarse de las "técnicas para ligar" de los mal llamados gurús que incluyen entre ellas la intoxicación etílica o la exhibición de su olor corporal son algunos de los pecados capitales de una película que no tiene mordiente y prefiere arrojarse en los salvadores brazos de la fórmula de la comedia romántica para no profundizar en unas aguas bien turbias.

Ojo, El último mono parece tener buenas intenciones y querer verbalizar y hasta poner de manifiesto la simpleza del razonamiento de muchas personas respecto a estas cuestiones pero, por desgracia, no tiene ni el ingenio ni el arrojo de ser pedagógica ni divertida desde la irreverencia. Por el contrario, se queda en la exposición y se lava las manos con un romance tan forzado y poco creíble que solo consigue restarle enteros.

Pet and men friendly

Alejandro es un gurú de la seducción que arrasa en redes sociales y en los simposium que organiza para hombres que creen que la sociedad les margina y que las mujeres les desprecian por no ser suficientemente machos.

De forma análoga, Mariela es una escritora y cómica que denuncia a tipos como Alejandro, su principal rival en redes sociales y el epítome de todo lo que detesta en los hombres de lo que considera una sociedad enferma.

El fin de semana previo a las manifestaciones feministas del 8M Alejandro anuncia a los suyos que va a conseguir lo nunca visto: seducir a la mujer más chunga y antipática del mundo y en tiempo récord, justo antes de que ella se disponga a abrir la jornada.

El último mono es una película bien rodada y que cuenta con una producción acorde a sus necesidades: nada se le puede reprochar en el plano técnico ni tampoco en las labores de casting. Susasa Abaitua y Juan Dávila tienen buena química en pantalla y parecen habérselo pasado bien durante el rodaje, dejando que ese buen rollo quede reflejado en el resultado final.

Los problemas de la película derivan principalmente del guión de Joaquín Oristrell y Yolanda García Serrano que, a pesar de sus ímprobos esfuerzos por levantar la faceta humorística de El último mono, manejan dinamita sin guantes y tratan de contener la explosión refugiándose en lugares comunes.

Al final, la trama es tan previsible como bobalicona y carente de verosimilitud, sin profundizar en problemas muy serios que quedan aquí infantilizados y con una incapacidad manifiesta para despertar carcajadas con algo de jocosidad. Si eliges un tema como éste, no puede ser para terminar construyendo un relato tan plano.

Pero ¿sirve para pasar el rato? Con las expectativas muy ajustadas sí, pero cuanto más pienses en ella, más posibilidades tendrás de enfadarte, sobre todo si para ti éste es un tema sensible. No está el horno para bollos, como se suele decir.

La comedia es uno de los géneros más complicados de abordar porque requiere de una gran inteligencia para manejar sus resortes, descolocar al público y ofrecerle una lectura que le rompa los esquemas. Si quieres que te vuelen la cabeza échale un ojo a De puntillas en HBO Max. Ese si es un viaje con curvas.

Nacido en Algeciras el 11 de enero de 1964, Manuel Jesús Fernández Serrano, más conocido por su nombre artístico Manolo Solo, comenzó a meter el pie en la industria en los años 90 como actor de doblaje, siendo muy conocido su paso por Dragon Ball prestando su voz a Tao Pai Pai, aunque también encarnó a otros personajes de la franquicia como Mr. Popo, Gregory o, más recientemente, el Dios de la Destrucción Beerus.

Le empezamos a poner cara a través de series como Compañeros, El comisario o Cuéntame cómo pasó, donde tuvo papeles menores. Con el paso de los años, poco a poco fue ganando notoriedad hasta convertirse en uno de los mejores actores de nuestro país.

Adiós a Manolo Solo, uno de los intérpretes más destacados del cine español

Sin duda el momento en el que se consagró con su faceta artística fue en 2016 con el thriller Tarde para la ira, el debut en la dirección de Raúl Arévalo donde se llevó el Goya a Mejor actor de reparto por su papel como Santi.

A partir de ese momento, la cosa fue cada vez más en ascenso para el intérprete, participando en producciones para la gran y pequeña pantalla como La zona, El guardián invisible, El buen patrón, 30 monedas, Cerrar los ojos o Una quinta portuguesa, por mencionar algunas.

Uno de sus trabajos más recientes ha sido en la miniserie de Movistar Plus+ Anatomía de un instante, donde interpretó a Gutiérrez Mellado. El pasado 5 de junio pudimos ver una de las últimas actuaciones de Solo en La desconocida, película de intriga original de Netflix donde comparte cartel con Candela Peña, Ana Rujas, Pol López y Kira Miró.

Queda pendiente una última película protagonizada por Manolo Solo, Aquí, un drama dirigido por Tiago Guedes cuya trama adapta la novela de J.M. Coertzee presentando un mundo distópico donde la memoria ha sido borrada y se impone la conformidad en la sociedad.

Desde la redacción de Hobby Cine queremos transmitir nuestro más sentido pésame a los familiares y amigos de Manolo Solo. Se va un gran actor que nos deja un rico legado de películas y series con las que le recordaremos por siempre jamás. Descanse en paz.

En 2024, José Luis Ucha (Suckers, Khuda-Yana) estrenó Superthings Rivals of Kaboom, Kazoom Power, una serie basada en el imaginario de MagicBox en el que un grupo de chavales se convierten en superhéroes para salvar el mundo de Kaboom, donde objetos cotidianos que deberían ser inanimados cobran vida y se alinean como héroes o villanos.

La serie se convirtió en un fenómeno infantil entre los peques y, ahora, Víctor Monigote (La gallina Turuleca) llevará la aventura a las salas de cine para intentar replicar el éxito en la gran pantalla. Carlos Bleycher, Beatriz Iso, Eva Pérez Misa y Diego López se encargan de dar forma al guion.

Filmax ha destacado dos incorporaciones al elenco de Superthings: La película. Por un lado, tendremos a Brays Efe (Paquita Salas), que prestará voz a Coin Coin, un superthing con forma de monedero, y Ana Morgade (Días mejores) como Lockdown, una caja fuerte también convertida en superthings. Ambos se consideran los mayores ladrones del universo.

Superthings busca dar la sorpresa en cines

El tráiler de Superthings: La película muestra cómo los tres héroes humanos se meten en un lío del que no podrán escapar. Pronto el destino de un mundo que ni imaginaban dependerá de ellos. Aquí va la sinopsis:

"Mía, Kai y Finn, tres amigos de sexto de primaria, descubren por accidente un fragmento de Kazoom que fusiona Normalópolis, su gris y ordenada ciudad, con Kaboom City, el disparatado universo de los Superthings, donde los objetos cotidianos han cobrado vida convertidos en superhéroes y villanos.

De la noche a la mañana, su mundo se llena de poderes, rivalidades imposibles y aventuras fuera de control. Convertidos en los Kazoom Kids, deberán enfrentarse a Mr. King, un villano decidido a hacerse con el poder del Kazoom. Para detenerlo, tendrán que confiar en su amistad, su ingenio y su valentía… y descubrir que, juntos, son mucho más fuertes".

Superthings: La película se estrena en cines el 23 de octubre y es un buen plan para los peques mientras los mayores pueden disfrutar de la temporada de Halloween.

Porque la gente tiene imaginación. Mucha imaginación. Y nuestra civilización es, sobre todo, esto: historias. El pizzagate, los Illuminati, el reemplazo de Avril Lavigne. Es imposible no dejarse caer en el pozo divertidísimo de seres que pestañean en horizontal.

Para una tarde, no más. No quieras terminar encerrado en tu propia imaginación. No vayas a terminar como el nuevo personaje de José Coronado.

De ahí que la nueva original española de Netflix me provocase ese chispazo inicial de interés. Los creyentes, dirigida por Roger Gual y escrita por Carlos Montero y Darío Madrona (creadores de Élite) que ya está en el top 1 de la plataforma.

Coronado, además, se reencuentra con Montero tras Legado para presentarnos a un hombre que parece haberse desvanecido dentro de sí mismo mientras Stéphanie Magnin trata de reconocer cuánto queda vivo de su padre.

Los creyentes es una historia en la que tienes que creer para caer en su pozo de conspiraciones en espiral. Porque, aún con sus aciertos, a sus 104 minutos les f alta intensidad, identidad y una revelación menos evidente para convertirse, precisamente, en una conspiración que nos ocupe algo más de una tarde.

El principio y fin de una conspiración

Ruth (Stéphanie Magnin) lleva un par de años alejada de su familia viviendo en Berlín hasta que una llamada de su padre, Martín (José Coronado), la obliga a volver. Su madre ha muerto en un supuesto accidente doméstico. Y cuando vuelve ya no queda nada de ninguno de los dos.

Martín se ha vuelto más serio, más agresivo. Hosco, sería la palabra. Su madre había intentado advertirla antes de morir: ya no es el hombre que conocía. Ruth se encontrará con un desconocido a quien no sabe creer... y comienza a dudar del accidente.

Aquí sus creadores comienzan el juego de la desconfianza. Ruth no cree en Martín. Martín tampoco confía en Ruth. Y tú, como espectador, tampoco terminarás de creerte a ninguno de los dos. Una parte es gracias a que Magnin y Coronado salvan la historia, la otra es un defecto de fondo y forma.

La conspiranoia funciona como acelerante de un thriller doméstico sobre una familia rota. Buscar en ella un ensayo exhaustivo sobre la posverdad sería exigirle una película que no pretende ser... a excepción de su escena final.

Tampoco quiero caer en el error de pedirle a Los creyentes que profundice en el fenómeno de la conspiración a pesar de que lo instrumentalice para construir tensión; el objetivo es más reducido... y tampoco la exime de una evidente falta de ritmo.

Roger Gual construye la imagen de la película alrededor de primeros planos sobre Ruth y Martín. Esta estrategia le funcionó de perlas con 7 años —primera película española producida por Netflix, por cierto—; elimina el espacio de sus dos protagonistas para encerrarlos visualmente en su relación sin estar nunca juntos, sino enfrentados.

De hecho, siempre sospecharemos junto a Ruth. Compartiremos su perspectiva desde una posición subjetiva, con la distancia de quien juzga a quien ha perdido la cabeza en vez de tratar de entender para salvarlo de su propia prisión mental.

Pero toda la expresividad que encuentra en el espacio reducido, en las miradas y en los diálogos, se pierde en la acción. Hay una escena concreta en una caída de uno de sus personajes que destruye el flujo natural de la historia para ser un mero mecanismo narrativo que nos lleve al clímax.

Es el resumen de Los creyentes: encuentra su mejor momento en los diálogos, pero se vuelve harto repetitiva por abusar de ellos y no recupera ritmo cuando pasa a la acción, sino que la vuelve peliculera hasta para una película.

Y también tiene grandes aciertos. La fotografía, los escenarios, la poderosísima y frágil habitación que esconde Martín tras el cerrojo de su puerta que no podría ser más esclarecedora es dolorosa por triste y por real son buenas muestras de su cine.

Evitar la estilización de la conspiranoia trabajando con tonalidades frías y una luz que endurece el entorno asturiano consigue que veamos el extremismo y la locura como un villano que entra sin hacer ruido en una página de Facebook o en una sucesión infinita de fake news por TikTok.

Un daño que sí es real: lo vimos con las muertes asociadas a bulos durante la pandemia, en la fiebre antivacunas, en el negacionismo de la ciencia en toda su generalidad y en las gafas amarillas promocionadas por federaciones del deporte.

Hemos abandonado la era de las fake news para entrar en la de las hate news; nuestra sociedad se nutre del odio, sin importar las fuentes, las consecuencias ni la verdad.

Ahora las mentiras vuelan como una plaga bíblica a la que sólo faltaba el apoyo de las herramientas digitales generativas. Aquí es donde la película de Netflix aparece dolorosamente a tiempo, pero con menos acierto del necesario.

Un final que deja de creer en la duda

Los creyentes no busca activamente ser una crítica social a través de su temática y ese es su mayor debe, viendo su última escena. Compone un thriller que mantienen vivo sus protagonistas y que nos abandona cuando la dirección hacia la que avanza resulta demasiado evidente.

El final es, de hecho, su saeta. Un clímax precipitado y aparatoso que sabe a poco y abandona la contención psicológica para abandonarse a mecanismos que la hacen bajar peldaños como thriller.

Y es ciertamente incómodo, porque la idea que lanzan al aire en su última escena presenta una idea mucho más dolorosa: la de esquivar al conspiranoico encerrado en una cámara de eco para descubrir al padre débil y deprimido que es, desde el primer instante, un hombre perdido... bajo la conspiración que su propia hija había creado.

Pero la película apenas acaricia esa simetría. Quiero darle valor por interesarse en el tema, por buscar ese pequeño resquicio de verdad y crítica dentro del entretenimiento comercial. Sin embargo, toda su temática termina convertida en lo que temía desde el principio: un medio para un fin.

La cinta ha arrasado en el Festival de Cannes, recibiendo una inusitada ovación de 16 minutos por parte del público, augurando un nuevo éxito para los cineastas.

En aras de seguir abriendo boca, Movistar Plus ha presentado el tráiler oficial de La bola negra, el cual puedes echar un ojo a través del vídeo que te dejamos a continuación.

Qué podemos esperar en La bola negra, lo nuevo de Los Javis

La trama de la cinta explora la vida de tres hombres homosexuales de diferentes épocas, 1932, 1937 y 2017, cuyas historias están entrelazadas por la sexualidad y el deseo, el dolor y la herencia.

"La bola negra narra las vidas interconectadas de tres hombres en tres épocas distintas. Tres existencias íntimamente ligadas por la sexualidad y el deseo, el dolor y la herencia; y una de las últimas obras, inacabada, de Federico García Lorca", comparte su sinopsis.

El reparto de la película cuenta con Guitarricadelafuente (Amarga Navidad), Miguel Bernardeau (Zorro), Carlos González (Maricón perdido), Lola Dueñas (Bird Box Barcelona), Penélope Cruz (En los márgenes), Antonio de la Torre (Los Tigres), Natalia de Molina (Superestar), Mona Martínez (La deuda), Albert Pla (Escape) y Glenn Close (Puñales por la espalda: De entre los muertos), entre otros.

La bola negra se estrena en las salas de cine el 25 de septiembre de 2026, y posteriormente estará disponible de forma exclusiva en Movistar Plus+. ¿Qué te ha parecido el tráiler de la nueva película de Los Javis?

Se trata del debut como director de largometrajes de Diego Núñez Irigoyen, que se encargará de llevar a la pantalla la historia concebida por Adolfo Valor y Cristóbal Garrido.

Una historia que, por desgracia, no es tan ficticia como nos gustaría. Una empresa en horas bajas organiza un evento para, presuntamente, elevar la moral y cimentar un futuro prometedor. La realidad es que el plan es hacer una ronda de despidos sin piedad.

En el reparto de Gracias, equipo encontraremos a Alexandra Jiménez, Maribel Verdú, Pedro Casablanc Raúl Tejón, Ismael Fritschi, Blanca Martínez, Víctor Rebull, Saturnino García y Pepe Viyuela.

Una comedia sobre las maniobras más rastreras del mundo empresarial

Netflix acaba de anunciar que Gracias, equipo se estrenará exclusivamente en su catálogo el próximo 11 de septiembre. La serie producida por Zeta Studios deja un avance con algunos de sus personajes y las primeras imágenes. Puedes ver todo a continuación, y también te dejamos la sinopsis:

"Tío Mochales fue, hace años, la reina indiscutible del queso español. Hoy es una empresa algo oxidada, que intenta mantener el tipo. Su última gran idea: organizar un team building rural en el pueblo donde la empresa se fundó.

Pero lo que debía ser un retiro para reconectar con 'los valores de siempre' se convierte en una encerrona cuando descubren que se vienen despidos, y muchos. Lo que prometía ser una escapada motivacional se convierte en una batalla campal de peloteo, traiciones y filtraciones.

Una comedia negra sobre oficinas en decadencia, directivas sin escrúpulos y trabajadores que ya no están para perder el tiempo en las moderneces de los teambuildings".

Recuerda: Gracias, equipo se estrena en Netflix el 11 de septiembre. Si no puedes asistir, ponte en contacto con Recursos Humanos.

Viene precedida por un gran éxito en la taquilla ítala con más de un millón de espectadores y 4,7 millones de euros de recaudación, lo que la convierte en un fantástico reclamo para una industria, la de la comedia española, algo falta de ideas propias en los últimos años a la par que ávida de pelotazos en en un mercado siempre interesado en un público lo más amplio posible.

El secreto de la receta que nos propone esta película es el de analizar, con mucho sentido del humor y además con un tono de comedia muy blanca y asequible para grandes y pequeños, la relación que tenemos con la descendencia a día de hoy. Estamos ante una sátira social que expone las diferencias que hay entre las parejas que deciden tener hijos y las que no, cómo se juzgan unos a otros y cómo podrían tener todos un poco de empatía.

Hora de poner los pies en el suelo

Tres de más nos presenta a Julia y Ernesto, una pareja de triunfadores en la vida. Ambos tienen carreras envidiables, él en la alta cocina, ella como creativa publicitaria y la llama de la pasión nunca se ha extinguido gracias al hecho de que tienen todo el tiempo del mundo para ellos dos. Decidieron no tener hijos, de forma que viajan a menudo, pueden darse todos los caprichos que desean y no tienen mayores complicaciones.

Un buen día, unos familiares les piden quedarse a cargo de sus hijos durante un par de horas y ellos, que piensan que es pan comido, los dejan a su aire... con catastrófico resultado. Iracundos, les echan de su casa con una frase que se queda en el aire: "Ojalá supierais lo que es tener hijos".

A la mañana siguiente, descubren, desconcertados, que no están solos. No hay uno, ni dos sino tres niños durmiendo en su casa y no tienen ni idea de dónde han salido. Tras descartar que se trate de una broma pesada, descubren, muy a su pesar, que están en una suerte de realidad alternativa y que les va a tocar lidiar con dos peques y una adolescente.

Tampoco ostentan los cargos que tenían en principio, así que mientras descubren de dónde han salidos los críos (y cómo librarse de ellos) nos les va a quedar más remedio que atenderlos y aprender algo de esta cura de humildad de origen mágico por si no son capaces de volver a la realidad.

Tres de más cuenta con varios talismanes. El primero de ellos, ya lo hemos comentado: es una historia que funciona (información contrastada) y apunta al público de masas pero además tiene un buen casting, con química envidiable, encabezado por Kira Miró y Salva Reina, pareja en la vida real desde 2022, cuando se conocieron en el rodaje de Todos lo hacen.

Con esta película se consolidan en este género y rezuman complicidad (faltaría más). Ya participaron en otro remake familiar de concepto similar como fue ¿Quién es quién? y aquí dejan claro que lo suyo es coser y cantar.

Por lo demás, es una película que no necesita grandes alardes técnicos y se vale bien del reparto, en el que también los secundarios y los niños son fundamentales. Funciona bien en términos generales gracias a la dirección de Mar Olid, más afinada que en sus comedias anteriores Al otro barrio y Sin cobertura. Y de paso señala lo pros y los contras de tener hijos haciendo que todos aprendan (y aprendamos) en el proceso. Nada como caminar en los zapatos de otros para comprender su punto de vista.

Emocionante sin producir picos de glucosa, traslada bien el mensaje de que tener hijos tiene un coste que va más allá del monetario, pero que merece la pena pagarlo.

La mala noticia es que esta película hace aguas desde el principio. El primer impacto al ver el cartel y el reparto escogido con Gorka Otxoa en el centro, es pensar que estaremos ante una comedia de situación desternillante en la que habrá muchos malentendidos y giros de guión bastante locos. Y sí, pero no.

A pesar de sus concentrados 80 y pico minutos de duración, es una película con muchos problemas de tono que no se decide a la hora de abrazar un mensaje: quiere ser divertida pero recala en el drama para explorar temas que son del todo ajenos a la comedia como la el fin del amor, la soledad de largo recorrido, la infidelidad y hasta la libertad individual para tomar decisiones propias.

Cumpleaños infeliz

El mismísimo día de su cumpleaños, Ernesto recibe los papeles del divorcio para firmarlos y poner fin a su larga relación con Laura, el amor de su vida. Por suerte, su mejor amigo Rober está a su lado para acompañarlo y hacerle olvidar las penas.

Su plan es ir a su apartamento de la playa a celebrar la onomástica creando nuevos recuerdos en el que hasta hace poco era un lugar especial para la pareja, pero las cosas se complican cuando ven a Laura con Osvaldo, el vecino del apartamento contiguo.

En un rapto kamikaze, Ernesto les invita a ambos a tomar una copa con la excusa de la celebración para poner a Laura celosa con su nueva y apasionada novia. Pero el problema es que... se lo acaba de inventar. Así, Rober se arriesgará a organizar una fiesta improvisada y a llevar allí a uno de sus match: Toñi, para que finja estar enamoradísima de su mejor amigo.

Cuando ella se entera de que la están utilizando decide que, al menos, la experiencia le va a servir para su carrera de actriz. Así, Toñi se convertirá en María Antonia y actuará como una verdadera bomba de relojería en una situación de por sí incómoda para todos.

Con estos mimbres y este reparto, sobre todo el tándem Gorka Otxoa en un rol similar al que hace en Machos alfa y Adrián Lastra, con una vis cómica y una naturalidad natas, es normal que Ni contigo ni sin mí genere expectativas de comedia de enredo.

Sin embargo, el guión titubea para internarse en otros temas sin demasiado éxito. Demasiado afectada cuando pretende ponerse seria pero sin romper lo suficiente en el terreno del humor como para que el viaje merezca la pena.

Especialmente fuera de tono se encuentra Manuela Vellés, no por falta de talento interpretativo sino por carecer de una batuta precisa en la dirección: su personaje está siempre muy pasado de rosca sin encontrar el rumbo ni el discurso: ¿quiere personificar de algún modo la libertad y el desenfreno? ¿Es simplemente una agente del caos que consigue lo opuesto a lo que se propone? ¿De dónde nacen sus afectos? La construcción de los personajes dista de ser rica en matices.

La química entre el reparto también es desigual, pero es que las situaciones que atraviesan no ayudan a aclarar nada, pueden pasar de un tono afectado a un gag más estridente o ponerse a bailar sin que medie ninguna lógica. Es por todo ello que a pesar de su exigua duración, la película se hace algo larga y no termina de despertar las esperadas carcajadas.

A nivel técnico es una película que va bastante justita: aunque solo cuenta con un par de localizaciones y apenas necesita una puesta en escena funcional, no da la sensación de ser una producción cuidada al milímetro ni aporta ninguna idea cinematográfica que la distinga. En suma, tiene muchas papeletas para resultar decepcionante.

La nota amarga es que las plataformas se lo están tomando con más calma y, aunque hay algún estreno destacado que repasaremos, no son de los contenidos más esperados del verano.

Pero siempre puedes refugiarte en los episodios semanales de La casa del dragón en HBO Max, La agencia en SkyShowtime o Cape Fear y Silo en Apple TV, entre otros.

Hoy, en HobbyCine, te traemos nuestro repaso a algunas de las mejores películas y series de estreno que llegan a España durante la semana comprendida entre el 13 y el 19 de julio de 2026.

Posesión infernal: En llamas (viernes 17 de julio)

Empezamos con un poquito de terror, porque esta semana regresa a los cines una de las sagas más cañeras del género con Posesión infernal: En llamas.

Sébastien Vanicek dirige y coescribe este spin-off de la saga nacida de manos de Sam Raimi, en el que una mujer, de luto tras perder a su marido, busca consuelo en la soledad, solo acompañada por sus suegros.

Un retiro a una tranquila y recóndita casa de la familia termina convirtiéndose en una reunión infernal cuando se leen esas palabrejas del Necronomicón que siempre terminan igual: liándola parda.

Souheila Yacoub, Tandi Wright, Hunter Doohan, Luciane Buchanan, Erroll Shand, Maud Davey, George Pullar, Greta van den Brink, Victory Ndukwe y Keanu Karim conforman el elenco principal de la película.

Ni contigo ni sin ti (viernes 17 de julio)

Si lo que buscas es un rato ameno y echarte algunas risas, hay una ración de cine español que lleva tu nombre en Ni contigo y sin ti.

María Ruiz debuta como directora de largometrajes con una comedia romántica aparentemente sencilla en cuanto a su premisa. Ernesto arrastra una depresión tras romper con su novia y decide pasar su cumpleaños en la casa de la playa junto a un amigo. Para su desgracia, la nueva novia de su vecino playero no es otra que su ex.

En el elenco de Ni contigo ni sin ti encontrarás a Gorka Otxoa, Adrián Lastra, Manuela Vellés, Cristina Maisonnave e Iván Sánchez.

La Odisea (viernes 17 de julio)

El plato fuerte de la semana y uno de los grandes estrenos del mes y del año es, sin lugar a dudas, La Odisea.

Christopher Nolan regresa a los cines tras coronarse con Oppenheimer con una adaptación del legendario poema épico de Homero.

La historia de cómo Odiseo tardó una década en regresar a su hogar en Ítaca tras guerrear en Troya (durante otra década) está llena de momentos icónicos que Nolan ha capturado en el primer largometraje filmado íntegramente con cámaras IMAX.

Y naturalmente, el elenco está a la altura: Matt Damon, Tom Holland, Anne Hathaway, Robert Pattinson, Zendaya, Charlize Theron, Lupita Nyong'o, Jon Bernthal, Ben Safdie, John Leguizamo, Elliot Page, Himesh Patel, Bill Irwin, Samantha Morton y Mia Goth.

El halcón (miércoles 15 de julio)

En lo que respecta a las series, Will Ferrell llega a Netflix con El halcón, un buen sustitutivo de Terminagolf 2, que llegaba a la plataforma por estas fechas el año pasado.

Lonnie Hawkins fue un as del golf hace décadas, pero ahora está acabado. Sin embargo, se niega a retirarse antes de completar los últimos nueve hoyos de su carrera, aunque su exmujer y su hijo creen que no tiene nada que hacer.

Además de Ferrell, El halcón está protagonizada por Molly Shannon, Jimmy Tatro, Fortune Feimster, Luke Wilson, Chris Parnell, Katelyn Tarver, David Hornsby y Chelsea Gilligan.

Lucky (jueves 16 de julio)

Y terminamos en Apple TV con Lucky, la miniserie en la que Anya Taylor-Joy se convierte en Jason Statham. Perdón... es que estaba a huevo.

Lucky ha pasado su juventud como una criminal, pero está decidida a dejar atrás esa vida. Por desgracia, ese cambio requiere ampararse una vez más en su oscuro pasado para poder, irónicamente, liberarse de él.

Junto a Taylor-Joy, Lucky está protagonizada por Drew Starkey, Annette Bening, Aunjanue Ellis-Taylor, Timothy Olyphant, Clifton Collins Jr., Mo McRae, Quinn Aune, Mika McCalla y Aadyn Encalarde.

Recuerda que un buen estreno te puede ayudar a escapar del calor durante un rato, ya sea en el cine o en casa. ¿Hay algo en los estrenos de esta semana que te atraiga especialmente?

Con este panorama tan reñido, competir es muy difícil y el cine español se reserva sus dos grandes pelotazos para finales del verano. Tendremos que esperar hasta el 26 de agosto para poder disfrutar de El ser querido, la nueva película de Rodrigo Sorogoyen, y Tadeo Jones y la lámpara maravillosa, cuarta entrega de la saga de animación de Enrique Gato.

En ambos casos la diana no está solo puesta en el mercado local sino que se busca traspasar fronteras y conquistar al público internacional como ha pasado con los títulos anteriores de ambos directores. De ahí que no podamos considerarlas tanto "películas estacionales" sino apuestas a medio plazo que esperan aguantar muchas semanas en cartelera y tener una alta tasa de penetración en países vecinos.

Entre tanto, no estamos huérfanos del todo: aunque el cine-evento toma la delantera y no consta entre las habilidades de nuestra industria invertir en grandes superproducciones con las que hacerse un hueco en este panorama (las películas más taquilleras de lo que va de año no llegan ni a 7 millones de euros de presupuesto), sí que hay algunas cintas que se van estrenando tímidamente con el afán de hacerse con un pellizco de la recaudación.

Son comedias que apuestan por rostros muy reconocibles: Antonio Resines y Quim Gutiérrez en Haciendo amigos, Gorka Otxoa y Marta Etura en Ni contigo ni sin mí, Salva Reina y Kira Miró en Tres de más o Juan Dávila y Susana Abaitua en El último mono.

El resto de los estrenos españoles del verano son o bien documentales o bien dramas algo kamikazes que llegan sin el apoyo de grandes nombres pero con la vocación de hacerse un huequecito. En su mayor parte son incluso debuts en los que no hay depositadas grandes esperanzas siendo por tanto lo que podemos considerar estrenos residuales que, en sí, ya tienen el mérito de haber llegado al circuito comercial.

Y que esto último no se entienda como un reproche o un insulto, sino todo lo contrario: es toda una hazaña y de facto es el apartado en el que vamos a encontrar una mayor calidad cinematográfica.

Id cogiéndole la matrícula a Ana Serret (Apuntes para una ficción consentida), a Bàrbara Farré (Mala bestia), a Ana Graciani (La ventana abierta) y a Estel Díaz (A fuego) porque no creo que sea casual que se apueste por ellas en momentos complicados y, a la postre, nos están presentando a una nueva generación de directoras de cine este verano, listas para incorporarse al circuito y presentarnos nuevas historias y formas de narrar. Bienvenidas sean y larga vida a sus carreras, en las que tendremos puesto el ojo.

Del libreto se encarga en esta ocasión Marta González de Vega, coguionista de la saga Padre no hay más que uno además de actriz recurrente, si bien no parte de una idea original, sino de una película de la que ésta es un remake casi encubierto: Un p'tit truc en plus, de 2024 (es casi un reto encontrar la referencia en los títulos de crédito donde aparece de forma fugaz).

No es un detalle baladí porque la película dirigida por Artus le valió una nominación a mejor ópera prima en los premios César de hace dos años además de ser el mayor éxito de la taquilla francesa de ese año con 10 millones de espectadores.

Sea como fuere, la película es sencilla en su premisa en la que no caben demasiadas sorpresas, pero bastante entretenida en su desarrollo y sobre todo con un valor esencial a la hora realizar una cierta labor educativa y de visibilización.

Dos pillos y un destino

Tras cometer un atraco un tanto surrealista en una joyería, un padre y su hijo se ven acorralados por la policía. Su única manera de huir de la ciudad será aprovechar un malentendido.

Eva, la monitora de un grupo de personas con discapacidad, confunde a Félix con Ángel, uno de sus alumnos, y Antonio se hace pasar por su cuidador con la única voluntad de entrar en el autobús y desvanecerse para las autoridades. Lo que desconocen es que se dirigen a un retiro creativo de una semana, donde se verán obligados a claudicar ante las exigencias del grupo, que rápidamente se percata de que Félix no tiene ninguna discapacidad y son sometidos a un chantaje constante.

Para su desgracia, no será la única dificultad a la que se enfrenten: tendrán que reconstruir su relación paternofilial mientras calman a los mafiosos que les exigen la entrega del botín del robo.

Haciendo amigos es una película con buenas intenciones que se beneficia de la vis cómica del conjunto y en especial de la química que hay entre Antonio Resines y un Quim Gutiérrez que funciona de maravilla en el rol que tiene que defender de perdedor resignado. Buena parte del metraje se designa a esclarecer y recomponer la relación que les une en un guiño a la clásica subtrama del cine anglosajón del padre ausente (del que en su día se cachondeó el propio Resines en un anuncio memorable).

También hay que nombrar a Mari Carmen Lara, que debuta junto a compañeros como Israel Romero, María Masián, Pablo Márquez, Mario Navarro, Christofer Ortiz, Juan Fernández, Curro Fire y Ana Mencía.

Y tenemos que añadir los cameos, que son muy reseñables, entre los que destaca la dupla de Pantomima Full, David Guapo o Camela, interpretando un tema creado ex profeso para la película.

Eso sí, Haciendo amigos no consigue evitar caer en lugares comunes pareciendo una suerte de Campeones 3 con algunos personajes calcados aunque sin la soltura de Fesser en el montaje, pero al menos no pierde el sentido del humor ni se regodea en excesivos sentimentalismos.

La audiencia puede esperar una película bastante blanca, con una pincelada de romance y algunos enredos/malentendidos además de un par de momentos musicales tan kitsch como simpáticos. De hecho es en su tercio final, cuando se vuelve más loca, cuando mejor funciona.

En suma, tiene los mimbres para hacer una buena entrada en taquilla, aprovechando el impás veraniego entre blockbusters con actores de reclamo y una historia que sin grandes complicaciones se puede envolver en la bandera de la defensa de la diversidad con su toque pedagógico. No reinventa la rueda ni es de visionado imprescindible, pero respira humanidad y sabe exprimir sus puntos fuertes.

Este verano, la plataforma roja amplía la tendencia con Los creyentes, la nueva película de Roger Gual (El desorden que dejas) que supone la primera reunión de los creadores de Élite, Carlos Montero y Darío Madrona, que también ejercen como productores ejecutivos en colaboración con Diego Betancor.

La película profundiza en la complicada relación de una mujer con su padre, de quien empieza a sospechar por su comportamiento errático y agresivo.

José Coronado regresa a Netflix tras participar en series como La chica de nieve 2: El juego del alma o Legado. Estará acompañado por Stéphanie Magnin, Fanny Gautier y Alberto Olmo.

El thriller español sigue siendo prioritario en Netflix

Netflix ha lanzado el tráiler oficial de Los creyentes, que genera una atmósfera de intriga y obsesión en torno al personaje de José Coronado. Puedes verlo a continuación, junto con la sinopsis oficial de la película de Netflix:

"Ruth (Stéphanie Magnin), una mujer de 30 años que lleva un tiempo distanciada de su familia, regresa a casa cuando su madre muere en extrañas circunstancias. Allí se reencuentra con su padre, Martín (Jose Coronado), que desde la jubilación parece haberse convertido en un tipo gruñón, agresivo y creyente en una siniestra teoría de la conspiración que le obsesiona.

La relación entre los dos es tan tensa, y el comportamiento de él tan errático, que Ruth comienza a sospechar que Martín pudo ser el responsable de la muerte de su madre. ¿Es posible que esté compartiendo techo con un asesino?"

Los creyentes se estrenará en Netflix el próximo 24 de julio de 2026, así que es una buena opción para ver en vacaciones.

Claudia Pinto, directora de La distancia más larga o Las consecuencias, está al timón de esta película que se basa en una idea de Luis Moreno. Ambos se hacen cargo de dar forma al guion.

Morir no siempre sale bien cuenta la historia de dos familias marcadas por una muerte, aunque no necesariamente por el dolor. Ambas familias buscan el control del cadáver por motivos económicos.

En el elenco de Morir no siempre sale bien encontrarás a Tamara Casellas, Ana Wagener, Juan Carlos Vellido, Paula Muñoz, Raúl Prieto, Daniel Pérez Prada, Carmen Arrufat, Pau Durà, Jorge Motos y Roberto Hoyo.

Deshacerse de un cadáver no es tan fácil como parece

Con el estreno de Morir no siempre sale bien programado para este viernes, en HobbyCine te traemos una escena en exclusiva de la película para ir abriendo boca. Te lo dejamos a continuación, junto con la sinopsis oficial:

"El marido y el hermano de Rosario se han quedado sin trabajo tras un despido improcedente. Para pagar sus deudas, deciden secuestrar el cadáver de su jefe y pedir un rescate. Pero Inés, la adinerada mujer del muerto, y sus hijos tienen otros planes.

A pesar de pertenecer a mundos totalmente distintos, ambas familias se verán obligadas a intercambiar mucho más que un cuerpo. Porque, ¿quién dijo que la felicidad era gratis? ¿y qué precio estamos dispuestos a pagar por ella?"

Si tienes ganas de echarte unas risas en el cine este fin de semana, recuerda que Morir no siempre sale bien se estrena este viernes 26 de junio en las salas españolas.

Estamos ante una película bonita y optimista pero no edulcorada ni sentimentaloide que no juzga a sus personajes, muy humanos, sino que se esfuerza en tener una visión integradora de lo importante que es experimentar la vida, sin más, con aciertos y equivocaciones. Gozar de una libertad indispensable para el desarrollo de la personalidad propia y para romper lazos de dependencia que no son sanos.

La puesta en escena es muy natural, de modo que no hay grandes artificios y las interpretaciones buscan esa línea de continuidad siendo muy orgánicas, con diálogos fluidos y conversaciones que podrían formar parte del día a día cotidiano de cualquiera.

¿Y ahora qué?

Tras someterse a una mastectomía y a un tratamiento con quimioterapia, Nora puede decir que ha superado el cáncer, lo que no impide que tenga que acudir a revisiones periódicas para llevar un seguimiento. Le aterra la posibilidad de una recaída en un momento en el que solo tiene ganas de comerse el mundo: volver a trabajar, explorar nuevas conexiones y disfrutar de los grandes y pequeños placeres.

Esto la lleva a un conflicto interno importante: por un lado tiene una relación madura, estable y tranquila con Tom, pero se va a cruzar en su camino Max, un joven bailarín de poco más de veinte años, desprejuiciado e insistente que quiere seducirla a toda costa.

Sus naturalezas opuestas hacen que comprenda que con quien tiene que reconciliarse no es con uno ni con otro sino consigo misma para darse la oportunidad de ser feliz. Para eso tendrá que ser honesta sobre su deseo y sus necesidades y abrazar los cambios. La enfermedad la ha transformado física y emocionalmente: ahora es más inestable, quizás, pero irá encontrando el rumbo.

Clotet fija mucho su atención en el aspecto físico de los cambios por los que pasa su personaje y desde el primer instante muestra tanto su pecho sano como la cicatriz del extirpado. Como decíamos, la clave es la naturalidad: el día a día de una mujer de su edad (y después de haber pasado por un proceso así especialmente) es hacerse controles mamarios y revisiones médicas.

Del mismo modo se retrata su intimidad sexual: desde el deseo hasta los desvelos pensando si no estará equivocándose al tomar ciertas decisiones... todo ello con mucho sentido del humor y dejarse arrastrar por morbo innecesario. Es una película bastante explícita, pero con una finalidad que trasciende los actos físicos en sí para profundizar en la psique de la protagonsista.

A nivel interpretativo, Viva es una película bien ajustada con un abanico de personajes lo suficientemente rico como para ver distintas formas de ver el mundo.

En el plano técnico destaca una fotografía tan luminosa como el propio libreto con una luz cálida y una especial utilización del color que viene a reivindicar la fuerza, la vitalidad, la energía, la pasión... Es el momento por el que pasa nuestra protagonista que se lanza por un trampolín en su vida privada pero también en el trabajo recuperando la ambición y las ganas de salir adelante dando a conocer su trabajo y poniéndose a sí misma en valor.

La trama de la cinta nos lleva a la España del principios de los años 70, una época en la que el franquismo aún estaba firmemente arraigado en la sociedad.

Bajo este escenario, un grupo de chicas muy jóvenes decide abrirse paso jugando al fútbol en un país que no contempla su lugar en el deporte. Pero pronto encuentran un inesperado aliado en un promotor deportivo que ve futuro en esta lucha.

"Juntos, y contra todo pronóstico, desafiarán al sistema y pondrán la primera piedra de una lucha que cambiará para siempre la historia del fútbol femenino en España", detalla su sinopsis.

Conoce los entresijos de Pioneras. Solo querían jugar

Con la película recién estrenada en cines, desde Filmax nos han ofrecido en exclusiva un clip de Pioneras. Solo querían jugar en el que se ofrece un rápido vistazo tras las cámaras mostrando cómo se hizo la reivindicativa película.

En el vídeo (el cual puedes encontrar un poco más arriba), su directora, Marta Díaz de Lope Díaz, y parte del elenco principal comparten las claves de la cinta y abordan las historias reales de algunos de los personajes que aparecen en ella.

Pioneras. Solo querían jugar se encuentra en las salas de cine desde el 5 de junio de 2026. ¿Qué te parece este vistazo tras las cámaras de la película?

No solo a nivel internacional, en el terreno patrio hay unas cuantas series y películas que se han ganado los elogios entre la crítica y el público.

Con motivo de tal acontecimiento, el servicio de transmisión ha presentado las próximas novedades nacionales que irán llegando al catálogo de Prime Video, desde continuaciones de sus producciones más punteras a la llegada de nuevos títulos originales.

Qué está por venir en el catálogo de Prime Video a nivel nacional, desde la nueva temporada de Reina Roja a Enfrentados: Marfil

Prime Video ha celebrado un evento en Madrid para conmemorar el décimo aniversario de la llegada de la plataforma de streaming a España, donde han participado estrellas de la talla de Hugo Silva, Ester Expósito, Mario Casas o Anna Castillo.

"Hace diez años desembarcamos en España y poco después dimos nuestros primeros pasos produciendo películas, series y programas aquí. Hoy, las producciones españolas no solo están conquistando al público local en España, sino que también ocupan un lugar destacado en nuestros rankings globales de contenido de habla no inglesa semana tras semana, y eso no es casualidad: es el resultado de apostar por el talento local, por historias auténticas que funcionan aquí primero y después viajan al mundo.

Con los nuevos proyectos que presentamos hoy como Si los muertos hablaran o Cuando solo quedemos nosotros seguimos reforzando nuestro ya excepcional catálogo de producciones en España", ha declarado Nicole Clemens, Vice President and Head of International Originals at Prime Video and Amazon MGM Studios.

Dentro de las novedades anunciadas cabe destacar la temporada 2 de Reina Roja, la cual adaptará la novela Loba Negra de Juan Gómez-Jurado y llegará a la plataforma el 2 de octubre de 2026.

Por otro lado, en vista del éxito de Zeta, Prime Video ha decidido dar luz verde a una secuela de la película, la cual traerá de regreso a Dani de la Torre en la dirección y a Mario Casas y Luis Zahera encabezando una vez más el elenco. Todavía no hay fecha de estreno confirmada.

De igual modo, también tendremos próximamente Apocalipsis Z: Un nuevo mundo, secuela de la película de terror Apocalipsis Z: El principio del fin que continuará adaptando los libros de Manel Loureiro. Carles Torrens vuelve a dirigir el proyecto junto a un elenco formado por Carlos Alcaide, Julia Martínez y Mónica López, Tamara Casellas y Santiago Vaca Narvaja.

En cuanto a nuevas producciones, Prime Video ha presentado Enfrentados: Marfil, la primera película de la dilogía dramática que adapta las novelas de Mercedes Ron y cuenta con Ester Expósito y Hugo Diego García al frente del elenco. Se estrenará el 9 de septiembre de 2026 a nivel mundial.

Y esto es solo un aperitivo de todo lo que está por venir: La que se avecina, Sin gluten, Hechos probados, Haciendo amigos, Su Majestad, Perfectos mentirosos, Mataleón, Si los muertos hablaran, Cuando solo quedemos nosotros o Citas Barcelona son algunos de los títulos que se estrenarán o regresarán con nuevos episodios al catálogo de Prime Video. ¿Qué te parece el plantel de novedades nacionales que prepara la plataforma?

Con Javier Bardem (Cape Fear, F1: La película, Dune: Parte dos) y Victoria Luengo (Reina Roja, La habitación de al lado, Antidisturbios) al frente del reparto, la cinta aborda el reencuentro de un director de cine con su hija actriz en el rodaje de su nueva película, regresando viejas heridas que nunca terminaron de cicatrizar.

Para abrir boca, Movistar Plus ha lanzado el tráiler oficial de El ser querido, el cual puedes echar un ojo a través del vídeo que te dejamos un poco más abajo.

Qué podemos esperar en El ser querido, la nueva propuesta cinematográfica de Movistar Plus

La trama de lo nuevo de Rodrigo Sorogoyen gira en torno a Esteban Martínez (Javier Bardem), un reputado director de cine con un pasado conflictivo que se dispone a rodar su nueva película.

Para su próximo proyecto, Esteban decide darle un papel a su hija Emilia (Victoria Luengo), a la que hace tiempo que no ve, con la excusa de relanzar su estancada carrera como actriz.

Si bien la convivencia en el set entre ambos fomenta una cercanía entre padre e hija que no habían compartido en años, también provoca la reapertura de viejas heridas que nunca cicatrizaron del todo.

El elenco de la cinta se completa con Raúl Arévalo (Por cien millones), Marina Foïs (El jurado), Mourad Ouani (Nos vemos en otra vida), Raúl Prieto (El homenaje), Melina Matthews (Pizza Movies), Nuria Prims (Forastera), Pablo Gómez-Pando (La luz), Malena Villa (El llanto) y Didier Maes (Lucky Luke).

El ser querido se estrena en las salas de cine el próximo 26 de agosto de 2026. ¿Qué te ha parecido el tráiler de la nueva película de Rodrigo Sorogoyen con Javier Bardem y Victoria Luengo?

Tras el final de He-Man y los Masters del universo, aparece una escena post-créditos en la que la reina Marlena está junto a Duncan mirando el paisaje y le dice que había perdido la esperanza en que regresaran su hijo Adam y su hija Adora. Duncan el responde que, tal vez, Adora también regrese.

Entonces aparece en pantalla una espada similar a la Espada del Poder de Adam, y el plano se aleja para revelar que la empuña una mujer con capa y corona. Cuando le preguntan si es Adora, ella responde que ya no, y se confirma que es She-Ra, la hermana de Adam.

La secuela de He-Man y los Masters del universo estará protagonizada por She-Ra

Travis Knight, el director de He-Man y los Masters del universo, explicó a través de una reciente entrevista con el medio ScreenRant su interés por explorar a fondo la mitología de este universo, ya que no sabía si podría regresar a él en un futuro. Por eso no quiso dejar “nada fuera” e introdujo todo lo que pudo en la película, incluida a Adora.

“La hermana de Adam siempre ha sido una parte muy importante de la franquicia”, aseguró Travis Knight. “Si tenemos la suerte de contar otra historia en este universo, ella tendría un papel muy, muy importante en otra película”. El cineasta confirma así a She-Ra como coprotagonista de la secuela de He-Man y los Masters del universo, si llega a hacerse realidad.

Cuenta con un reparto bárbaro con el que hemos podido hablar de los personajes que pueblan la película, pero también de los modos de trabajar porque pide a gritos dejar que se desaten en el set de rodaje con improvisaciones constantes... al menos por parte de muchos de los integrantes del reparto porque otros, como Belén Rueda, han estado más constreñidos por exigencias del guión.

Cada día nace un listo está protagonizada por Hugo Silva en el rol de un cantante venido a menos que vive al día y no puede evitar pisar todos los charcos que se le ponen por delante. Cuando le encargan el robo de un cuadro de valor incalculable echa mano de sus contactos de la calle, articulando así una suerte de banda disfuncional en la que hay demasiados intereses cruzados.

Con su buena pátina de sátira social y repartiendo estopa en todas direcciones, la película deja claro que la única diferencia entre los ladrones de alta cuna y los de baja estofa es la cantidad de dinero que son capaces de birlar. Y así nos lo han hecho saber los principales integrantes de un elenco coral que le saca buen partido al juego de constrastes que propone la narración.

Cada día nace un listo llega hoy a las salas comerciales y nuestra recomendación es que no la dejéis pasar.

Cada día nace un listo, como insinúa su título, es una comedia que bebe de manera directa de la picaresca y nos lleva a navegar por ambientes muy distintos: de las élites sociales, que roban a manos llenas, a los bajos fondos donde operan a menor escala exóticos estafadores y pillos de todo tipo.

El nexo será un buscavidas entrañable, con cierta querencia por la coca y una mujer que le vuelve loco, al que da vida Hugo Silva en un papel que nos remite a otros trabajos como el de Nasdrovia o Marbella. Le sienta como anillo al dedo y transmite la diversión que ha debido imperar en un rodaje en el que se nota que ha habido margen para la improvisación dejando fluir al reparto.

Pero eso no es óbice para señalar el talentazo de Arantxa Echevarría para la dirección, con una cuidadísima puesta en escena y una planificación de rodaje exquisita: la composición de planos, los movimientos de cámara y la elegancia formal de esta apuesta dan buena cuenta de su natural olfato para sacarle partido a su nutrido elenco y exprimir las posibilidades del lenguaje cinematográfico.

No hay género pequeño para una directora tan grande, que remite, en clave patria y cambiando muchos códigos, al cine de los hermanos Coen o al caos de películas como Snatch, cerdos y diamantes.

Quien roba a un ladrón...

Cada día nace un listo nos presenta a Toni Lomas, un cantante venido a menos que se conforma con vivir al día y soñar con volver a los brazos de Malena, el amor de su vida, pero, para su desgracia, tiene una fuerte deuda que saldar. Por eso, cuando su adinerado colega Junior le ofrece la ocasión de robar para él una obra de arte, no se lo piensa dos veces.

Toni lo intenta por su cuenta, pero le falta la pericia necesaria y comete la torpeza de pedirle ayuda a Mari que a su vez se pone en contacto con "El gallego". Pronto queda claro que cada cual tiene sus propios intereses, de modo que formarán un equipo muy poco cohesionado para dar el golpe.

Entre tanto, la madre de Junior, Carmen, tendrá que lidiar con su reciente viudedad y con el pufo que le ha dejado su marido mientras intenta meter en cintura a su hijo y sacarse de encima a un nuevo pretendiente.

Entre las virtudes de la película destaca la variedad de personajes y el carácter coral de la historia. El protagonista indiscutible es el personaje de Hugo Silva, que se caracteriza por el descaro y por un carisma torpón muy simpático, que sabe explotar sobre el escenario al ritmo de la música de Tom Jones (ahí es nada, hay que tener buena voz para defender el papel y lo hace de lujo).

Pero además, como decíamos más arriba, va a ser el puente entre la clase alta y las mafias del escalafón social más bajo. El oxímoron da pie a la hilaridad cuando vemos a los personajes fuera de su área de confort colisionando por un fin común: sacar pasta. Porque aunque el chorizo se vista de seda, chorizo se queda.

Desde Sofía Otero hasta Susi Sánchez, la película está habitada por personajes de todas las edades, a cual más espabilado y voraz por salirse con la suya con la excepción de Toni Lomas, que es casi más un intermediario de intereses ajenos y es capaz de sobrevivir dándole la vuelta a los calzoncillos sin pensar en el mañana.

Cada día nace un listo cuenta con un diseño de producción solvente y no duda a la hora de dejar que los roles se extremen para darles empaque. Es un soplo de aire fresco en un género que en estos momentos no goza de un momento particularmente brillante. Deja constancia de que se puede sorprender y hacer comedia adulta sin complejos.

Esta será la primera de dos entregas que el director Óscar Pedraza (Patria) llevará a cabo bajo el guion de Sofía Cuenca (Culpa tuya), con Ester Expósito (El talento) y Hugo Diego García (La sustancia) al frente del elenco.

A través de un comunicado de prensa, el servicio de transmisión ha confirmado el próximo estreno de Enfrentados: Marfil en su catálogo para este mismo año.

De qué trata Enfrentados: Marfil, la nueva propuesta española de Prime Video

La trama de esta cinta dramática gira en torno a Marfil Cortés, hija de un poderoso empresario cuya perfecta vida en Nueva York da un brusco giro cuando es secuestrada y liberada de forma repentina sin explicación aparente.

Debido a este suceso, su padre contrata como guardaespaldas a Sebastián Moore, un joven de lo más enigmático. Aunque al principio sus personalidades chocan, pronto surge una importante atracción entre Sebastián y Marfil.

"Marfil Cortés, la hija de un poderoso empresario español, ve como su perfecta vida en Nueva York da un vuelco cuando es repentinamente secuestrada y liberada sin aparente explicación. Su padre decide entonces contratar al enigmático Sebastián Moore como guardaespaldas.

Forzados a pasar cada minuto juntos y aunque inicialmente choquen por el espíritu indomable de ella y el carácter reservado de él, surgirá una irremediable atracción entre ambos. Al volver a España, con las amenazas intensificándose, deberán moverse en un mundo donde nadie es quien dice ser y nada es lo que parece", comparte su sinopsis.

Aparte de Ester Expósito y Hugo Diego García, conforman el reparto de la cinta Lluís Homar (Forastera), Eric Masip (La vida breve), Pablo Molinero (La viuda negra), Leander Vyvey (El fantasma de mi mujer) y Joaquín Ferrerira (Coppola, el representante), entre otros.

Enfrentados: Marfil se estrena en el catálogo de Prime Video en algún momento del próximo mes de septiembre de 2026. ¿Qué te parece la premisa de la nueva película de la plataforma con Ester Expósito y Hugo Diego García?

Dirige Gabe Ibáñez, responsable de Hierro y Autómata que ha encontrado en televisión un refugio creativo donde ir desarrollando su carrera en los últimos tiempos con series como Express o El silencio. Ahora se interna en el género policial en una película algo laxa y taciturna en el tono que, a pesar de contar con un reparto muy interesante, no consigue evitar un buen número de lugares comunes heredados del audiovisual estadounidense.

Esto le resta sabor local y contrasta con la ambientación principal de Barcelona, aguando las señas identitarias que podrían haberle dado al proyecto una mayor personalidad. La trama tampoco resulta particularmente original y presenta un desarrollo algo farragoso a pesar de su sencillez.

Un punto de partida intrigante

Lucía está a punto de tomar una de esas decisiones que marcarán un antes y un después en su vida: decide hablar y delatar a una serie de integrantes de la policía nacional corruptos a cambio de protección. Justo antes de eso se reúne con una mujer en unos baños públicos, a la que le pasa un papel con un comodín, en el caso de que las cosas no salgan como espera. Todo puede torcerse y es consciente del enorme riesgo que corre.

Meses después, la agente Ripoll se reincorpora al cuerpo de los mossos d'esquadra tras una tragedia personal que la ha mantenido fuera de onda por un tiempo. A pesar de que anímicamente sigue muy tocada, le encargan el caso de una mujer que ha aparecido en un contenedor del puerto de Barcelona, con signos de haber sido torturada e incapaz de recordar siquiera quién es.

Los primeros indicios apuntan a una red de trata de blancas puesto que ha sido drogada con una sustancia para inhibir su voluntad y ha pasado por un infierno de maltrato y violencia. A Ripoll se unirá Zárate, de la policía nacional, con cuya ayuda deberá descubrir por qué ha sido atacada de manera tan salvaje.

Viendo la premisa inicial de La desconocida lo normal es esperar una propuesta con bastante acción y ritmo. Nuestra protagonista sigue estando en el foco de sus atacantes por la información que esconde en su memoria, que irá volviendo a ella de manera gradual, de modo que estamos ante una película de persecuciones, peleas cuerpo a cuerpo y bastante adrenalina.

Sin embargo, hay algunas decisiones creativas que contribuyen a "bajar" revoluciones. La primera de ellas es el momento personal que atraviesa la encargada del caso, interpretada por Candela Peña. Es un personaje muy aplacado, que desluce un poco por una dirección actoral que no le permite a la actriz salir del "modo depresión" en ningún momento. Su historia se desarrolla en dos planos: el profesional y el personal, que interfiere de vez en cuando en su percepción de la realidad y en sus decisiones. De esta forma, basculamos entre el thriller policial y el drama familiar.

Éste es uno de los muchos clichés de la película, que también echa mano de investigaciones de asuntos internos y de villanos con pocos matices, conocidos desde el principio y sin mucha posibilidad por tanto de sorprender a la audiencia en la resolución.

La desconocida es una película entretenida que podría haber resultado de mayor impacto de haberse centrado en la trama realmente descorazonadora que es la de la trata de blancas, por la que pasa un poco de puntillas, sin ser capaz de detenerse a mostrar el calvario por el que pasan mujeres de todo el mundo tratadas peor que si fueran ganado, víctimas de toda clase de abusos. Tampoco hay un acercamiento al modus operandi de las mafias que operan para explotarlas.

De hecho, se trata de una de las figuras más importantes de nuestro país, pues hablamos de la primera mujer que se graduó en Dirección de Cine en España, allá por 1962, la gran Josefina Molina. Por si no lo sabías, se trata de la pionera de nuestro cine español.

Para que te hagas una idea de la dimensión de esta directora cordobesa, fue una profesional que se valió de todos los medios posibles para contar sus historias, luchando siempre por ser fiel a su estilo. De hecho, fue reconocida con el Goya de Honor en 2012 y terminó siendo patrona de honor de la Fundación Academia de Cine.

Quizás, una de las claves de su cine fue la lucha de sus personajes femeninos contra la opresión, una temática que siempre estaba presente en sus películas. Así, el espectador solía encontrarse con una heroína que tenía que ganarse un sitio en un mundo hostil para con la mujer, tal y como hizo Josefina en su propia vida.

¿Y con qué película saltó al cine? Pues fue un lejano 1973, con la adaptación de Vera, un cuento cruel, con actores ilustres al frente como Fernando Fernán-Gómez, Alfredo Mayo y Julieta Serrano.

Sin embargo, la cinta más recordada de Josefina Molina siempre será Función de noche, estrenada en 1981 y protagonizada por Lola Herrera y Daniel Dicenta. Eso sí, no te pienses que fue una película convencional, ya que se marcó una producción a caballo entre la ficción y el documental, con el fracaso del matrimonio como tema central.

¿Qué te ha parecido esta gran figura de nuestro cine español? ¿Conocías los logros y largometrajes de Josefina Molina?

Desde Hobby Cine, nos sumamos a las condolencias y al recuerdo de esta gran pionera de nuestro cine, la cual nos ha dejado hoy a la edad de 89 años. Que descanse en paz y brille con intensidad en el firmamento del séptimo arte.

Tras su paso por el Festival de Málaga, donde se alzó con el Premio ASECAN a la Mejor Ópera Prima, recala en las salas comerciales dejando claro que no tiene ningún interés por seguir la hoja de ruta de otras películas centradas en remontadas sobrehumanas o grandes redenciones sino en la compleja psique de una mujer que, expuesta a un enorme estrés, tiene un problema de salud grave que la pone en un grave peligro.

La película, rodada en versión original catalana en Barcelona y Zaragoza, es escasa en diálogos y rica en lenguaje cinematográfico. La dirección de fotografía de la película se ha confiado en Gina Ferrer García, conocida por éxitos como 20.000 especies de abejas y Sorda.

La sobriedad de la puesta en escena y el retrato íntimo de la protagonista son dos de los puntos fuertes de una película reflexiva y muy humana que intenta arrojar luz sobre una realidad que muchas veces no se visibiliza: cómo la presión puede romper a las personas y cómo esas personas tienen que trabajar para tratar de recomponerse y aprender de la experiencia. Y esa es la recompensa: no la fama o un título, la lucha interna por la autoaceptación.

Si no corres para llegar a algún sitio, corres para huir

Corredora nos presenta a Cris, una joven muy motivada que vive en un Centro de Alto Rendimiento y está a punto de presentarse a una importante carrera donde puede llegar a lo más alto a nivel nacional. Metódica y perfeccionista está en el mejor momento físico de su entrenamiento, rindiendo al máximo.

Sin embargo, poco a poco se va resintiendo a otros niveles: siente celos patológicos hacia sus compañeras, cree que hablan mal de ella a sus espaldas, que entran en su habitación a hurtadillas y que incluso le roban el material. Las cosas van de mal en peor hasta que tiene un brote psicótico: llama a su padre para que vaya a recogerla y empieza a destrozar su cuarto hasta que su entrenador empieza a aporrear su puerta angustiado y ella toda una decisión que podría costarle la vida.

Los dramas deportivos suelen centrarse muy a menudo en historias de superación personal y, de alguna manera, de grandes logos inspiradores que ven en la competitividad un elemento positivo para la consecución de los objetivos.

Durante el arranque de la película, de hecho, parece que ese es el enfoque de Corredora pero nada más lejos. Pronto se distancia introduciendo en su discurso muchas otras variables como el coste personal de obviar la salud mental en los entrenamientos de los CAR o incluso en las consecuencias físicas directas de los tratamientos para hacer frente a los síntomas asociados a un desorden psiquiátrico.

Excelente elección de casting la de la debutante Alba Sáez que no solo tiene las condiciones físicas para encarnar a un personaje con unas cualidades atléticas sino que además transmite todo ese conflicto interior de tener que buscar motivaciones más allá del éxito para seguir adelante y encontrar un equilibrio personal.

Al ser una película parca en palabras hablan más sus acciones que sus diálogos, de manera que será trabajo de los espectadores interpretar cómo y por qué hace lo que hace. Esto requiere un esfuerzo de atención extra: no es una película fácil, indulgente ni de ritmo trepidante, que se centre en mostrar la adrenalina de las carreras.

El plano deportivo, en sí mismo, es más bien una excusa argumental para hablar de los conflictos que se articulan a su alrededor: el altísimo nivel de exigencia física y emocional, el coste personal de una entrega total, la barrera entre la presión dirigida a un objetivo y la que puede romper a una persona que atraviesa un momento frágil, etc.

Corredora tampoco es una película de grandes alardes técnicos: intenta pegarse a la realidad tanto como es posible de modo que si has asistido a alguna prueba de atletismo vas a reconocer todos los pasos previos al inicio de la carrera y a su desarrollo. Pero no vas a estar pendiente de los pies de la protagonista sino de lo que puede esta pasando por su cabeza. De ahí la angustia de una película que juega con el tira y afloja que hay a su alrededor y no sabes cómo puede terminar...

Gabe Ibáñez (Hierro, El ministerio del Tiempo) dirige este thriller policial en el que Lara Sendim adapta la novela negra de Rosa Montero y Olivier Truc.

El hallazgo de una mujer sin identificar da paso a una investigación en la que la policía no solo deberá indagar la identidad de la víctima, sino protegerla de nuevos ataques contra su persona.

Candela Peña (El caso Asunta) encabeza el trío protagonista que conforma con Ana Rujas (Cardo) y Pol López (La furgo). Completan el elenco Manolo Solo, Kira Miró, Esther Noya y Pilar Nogales.

Netflix lleva el thriller español a los cines antes de llegar a streaming

Con motivo del estreno en salas de La desconocida este viernes 29 de mayo, Netflix ha lanzado el tráiler final de la película para que podamos empaparnos en la trama antes de disfrutar de esta intriga constante en la gran pantalla. Lo tienes a continuación, junto con la sinopsis oficial:

"Una mujer (Ana Rujas) es hallada por la policía dentro de un contenedor en el puerto de Barcelona, amordazada y maniatada. Incapaz de recordar su identidad, es trasladada al hospital, donde su vida vuelve a estar en peligro tras un intento de asesinato.

La detective Anna Ripoll (Candela Peña) es asignada para investigar este enigmático caso junto al oficial Quique Zárate (Pol López). Juntos se embarcarán en una carrera a contrarreloj por descubrir la identidad de esta misteriosa mujer y los secretos ocultos en su memoria".

Las respuestas a todas las incógnitas que deja la premisa de La desconocida llegarán a partir del viernes 29 de mayo, cuando la película llegue a los cines españoles. Si prefieres esperar a verla en Netflix, tendrás que esperar al viernes 5 de junio.

Protagonizada por, entre otros, Bárbara Lennie (Los Tigres), Leonardo Sbaraglia (Bird Box Barcelona), Aitana Sánchez-Gijón (Respira), Patrick Criado (La virgen roja), Victoria Luengo (Reina Roja), Milena Smit (La chica de nieve), Quim Gutiérrez (Los aitas), Carmen Machi (Aída y vuelta) y Rossy de Palma (Día de caza), la trama de esta cinta dramática narra la alternancia de dos historias.

La primera gira en torno a Elsa, una directora de publicidad cuya madre fallece durante un largo puente del mes de diciembre de 2004. La segunda tiene lugar en 2025 y sigue a Raúl, un guionista y director que está escribiendo un guion de una película.

Amarga Navidad llega a Movistar Plus este verano

La nueva película de Pedro Almodóvar es uno de los tres títulos de Movistar Plus+ que compiten en la Sección Oficial del Festival de Cannes 2026, cuya edición está teniendo lugar en estos momentos.

Ayer mismo se proyectó Amarga Navidad en el festival y su recepción fue colosal por parte del público, que dedicó una gran y extensa ovación a la cinta, tal como indica el servicio de transmisión a través de un comunicado de prensa.

Aprovechando la cobertura de la película en el Festival de Cannes, la compañía ha anunciado que Amarga Navidad estará disponible en el catálogo de Movistar Plus en exclusiva a partir del próximo 10 de julio de 2026, por lo que muy pronto podrás disfrutar de lo nuevo de Almodóvar en caso de que no tuvieras ocasión de verlo en el cine.

Nacho La Casa (Ozzy, La gira) regresa a la silla de director para abordar un drama basado en la galardonada novela de Alejandro Palomas, Premio Nacional de Literatura Infantil y Juvenil. Juan Apolo y Nacho La Casa se encargan de adaptar la historia a guion cinematográfico.

La historia nos meterá en un colegio para, a través de los ojos de una psicóloga, desentrañar el misterio de un niño recién llegado que parece ocultar algo tras una excesiva felicidad.

Macarena García lidera el elenco de Un hijo, acompañada por Hugo Silva, Ian Cortegoso, Jesús Carroza, Javier Aguayo, Chema del Barco, Silvia Larrauri, Daniel Mantero, Esther Noya, Eva Tirado y Tania Watson.

Un drama cargado de empatía

Con el estreno en cines de Un hijo programado para este viernes 15 de mayo, en HobbyCine te traemos una escena de la película de Nacho La Casa en la que María, la psicóloga interpretada por Macarena García, conoce al pequeño Guille, a quien da vida Ian Cortegoso. Puedes ver la escena a continuación, además de la sinopsis de la película:

"María, una psicóloga escolar sin experiencia, intuye que tras la aparente felicidad de un niño de 8 años recién llegado al colegio se esconde un secreto de imprevisibles consecuencias. Para descubrirlo, deberá descifrar lo que la mente de Guille traduce en dibujos y, además, enfrentarse a la intransigencia de su padre".

Aunque esta escena no presenta al personaje, Hugo Silva dará vida al padre de Guille. Como destaca la sinopsis, la intromisión de María en sus vidas no le va a hacer ninguna gracia.

Si te apetece un poco de drama ibérico, recuerda que Un hijo llega a las salas de cine españolas este viernes 15 de mayo.

El actor aprovecha la ola de personajes irreverentes y moralmente ambiguos en la que ya lleva un tiempo subido, con ejemplos como Marbella. Esta vez, dará vida a un tipo al que se le acabaron sus 15 minutos de fama y se ha quedado con una mano delante y otra detrás.

Echevarría coescribe el guion de Cada día nace un listo junto a Patricia Campo. Ambas le han brindado a la historia cierto toque a las comedias negras de Guy Ritchie, como Snatch. Cerdos y diamantes, pero con toque español.

Además de Hugo Silva, Cada día nace un listo cuenta con un reparto estelar que incluye a Susi Sánchez, Dafne Fernández, Jaime Olías, Ginés García Millán, Diego Anido, Belén Rueda, Pedro Casablanc y Gonzalo de Castro.

Hugo Silva solo tenía que robar un cuadro

A menos de un mes para el estreno en cines de Cada día nace un listo, Atresmedia Cine ha lanzado el tráiler oficial de la película de Arantxa Echevarría, que deja claro su tono desenfadado. Puedes verlo a continuación, junto a la sinopsis oficial:

"Toni Lomas alcanzó la fama cuando participó en un exitoso talent show. Ahora no tiene donde caerse muerto. Su situación cambia cuando Malena, un amor del pasado, le pone en contacto con Junior, el hijo de un rico empresario, para que robe un valioso cuadro de la casa familiar. Para llevar a cabo el golpe, Toni buscará dos aliados: la Mari y el Gallego, formando un equipo en el que cada uno persigue sus propios intereses".

Como vemos en el tráiler, lo que tenía que ser un trabajito limpio y sin complicaciones termina siendo un marrón con muchas personas intentando sacar tajada y un "rescate" que no deja de subir.

Cada día nace un listo llega a los cines españoles el próximo 5 de junio, con Hugo Silva y compañía dispuestos a hacernos pasar un rato divertido.

Ni la puesta en escena ni la iluminación contribuyen a esclarecer nada: es así y son lentejas, si las quieres las comes y si no, las dejas.

Si esta falta de concisión es alarmante y nos mantiene despistados desde el arranque (¿se deberá al rodaje en Buenos Aires?), más confuso es aún el desarrollo del guión: ¿quiere ser una película de "casa encantada"? ¿Es una suerte de cuento infantil sobre brujas y presencias malignas como Nosferatu? ¿Quiere mirarse en el espejo de Venus?

Tiene una crisis de identidad importante por no saber conjugar el plano sobrenatural con el real ni tener demasiado claro adónde quiere llegar con su premisa, en la que la baza ganadora habría sido jugar con espectador metiendo la imaginación de los niños y/o la paranoia de la madre.

Lo que más escuece es que tenga un reparto tan bueno y a la vez tan desaprovechado. No lo decimos solo por Maribel Verdú, a la que hemos visto recientemente dando vida a Tránsito Soto en La casa de los espíritus sino también por Sofía Otero, que debutó en 20.000 especies de abejas o por Zorion Eguileor, obvio.

Voces de ultratumba y noches toledanas

Isabel y sus dos hijos encuentran un inmueble muy amplio en un edificio noble que ha albergado a figuras ilustres en el pasado a un precio asequible pero, eso sí, con unas condiciones peculiares. Las arrendadoras exigen dar el visto bueno a la operación y comprobar que son "gente de bien". Para ello es obligatorio responder a toda clase de preguntas personales. Es una oferta que Isabel no puede dejar pasar y accede a sus deseos.

Una vez instalados en su nuevo hogar, las situaciones inquietantes no se hacen esperar: desde los respiraderos de la calefacción central empiezan a emanar gritos, susurros y amenazas que parecen provenir del piso inferior que pertenece, precisamente, a las tres ancianas dueñas del inmueble.

Las noches empiezan a ser cada vez más inquietantes y a perturbar el descanso de Isabel que tiene dificultades para concentrarse en el trabajo e incluso para mantenerse despierta. Entre tanto, sus hijos, sin supervisión adulta, idearán un plan propio para terminar con la situación al considerar que deben proteger a su madre.

Bajo tus pies es un batiburrillo de ideas que no parecen tener clara la meta. En cualquier caso es una película de miedo que no llega ni a generar inquietud y un drama familiar que se sostiene a duras penas habida cuenta de que nunca llega a constatar a qué se debe la ausencia del padre ni a generar una relación materno-filial creíble.

En lo formal también dista de ser perfecta: todas las noches parecen ser de luna llena con habitaciones muy iluminadas, fallos de raccord notorios y una vaga concepción del espacio. Este último punto que bien podría ser intencional si tenemos en cuenta la deriva narrativa, tampoco se aprovecha con acierto para generar escalofríos. El montaje es otro problema recurrente que se salda con fundidos a negro que entorpecen la fluidez del discurso.

Por una parte es repetitiva; por otra, las secuencias parecen inconexas, con una indecisión desconcertante para desarrollar el argumento. Eso sí recala en todos y cada uno de los clichés del género dejando constancia del momento amargo por el que pasa la industria patria para desarrollar proyectos de terror de buena calidad. Parece mentira de dónde venimos y dónde estamos ahora. Hacía tiempo que 94 minutos no se hacían tan largos...

Viviendo en un piso, ¿quién no tiene un vecino ruidoso? Da igual si es el que empieza a hacer obras a horas intempestivas, los que deciden compartir su fogosidad romántica con el resto del vecindario, el que ensaya con un instrumento musical o los que se pasan el día peleándose. Vivir en comunidad conlleva ruido.

Claro que para Isabel, el personaje de Maribel Verdú, sus ruidos vecinales son solo un síntoma de un mal mayor que está a punto de convertir su vida en un infierno.

Además de la actriz ganadora de dos Goya, Bajo tus pies también cuenta en su reparto con Sofía Otero, Ibai Atanes, Urko Olazabal, Zorion Eguileor, Sandra Ferrús y Erik Probanza.

Temerás a tus vecinos con la nueva película de Maribel Verdú

Con el estreno en cines de Bajo tus pies programado para este viernes 8 de mayo, en HobbyCine tenemos el gusto de compartir contigo una escena en exclusiva de la película, que llega de la mano de los productores de El hoyo.

Un relajante baño se ve interrumpido por los estremecedores gritos del piso de debajo del de Isabel (Verdú). No es la primera vez y ya está harta, por lo que sale al rellano a exigir que las residentes paren de una vez.

Para que tengas más contexto, te dejamos la sinopsis oficial de Bajo tus pies, donde verás que la pesadilla de Maribel Verdú va mucho más allá de ruidos molestos:

"Isabel se muda con sus dos hijos a un edificio muy prestigioso con un alquiler asequible, pero un sistema de admisión peculiar. Una vez aceptados e instalados en su nuevo hogar, tres vecinas ancianas que viven en el piso de abajo le darán un vuelco a sus vidas".

Haz una obra, Isabel. Combate el fuego con fuego. Bajo tus pies llega a los cines este viernes con una historia escalofriante y Maribel Verdú de regreso al terror.