Efectivamente, hablamos de La bola negra, la cinta dirigida con maestría por Javier Calvo y Javier Ambrossi, siguiendo la obra de Alberto Conejero y la inconclusa de Lorca, casi nada. ¿El resultado?

Un exitazo de taquilla que ha superado los 5,5 millones de entradas en nuestro país. Igual estos números no te dicen nada, pero le queda a uno clarísimo cuando comprueba que ha superado la taquilla de Spider-Man: Brand New Day y La Odisea en España.

Como podrás imaginar, el futuro inmediato de la cinta de los Javis es más que prometedor en los cines extranjeros. Es más, acaba de llegar a Estados Unidos y la película está causando auténtico furor, pero antes de seguir, te dejamos el tráiler para que veas el nivel del que estamos hablando:

¿Qué te ha parecido? Ya te aseguramos que al público norteamericano le está encantando. En su primer fin de semana se convirtió en el segundo mejor estreno de una película de habla no inglesa, y desde el 30 de octubre al 1 de noviembre, se hizo con casi 420 millones de dólares.

La demanda está siendo tan ingente en el país de las barras y las estrellas que han tomado la decisión de ampliar las salas, así que este mismo fin de semana se proyectará en 465 cines de EE. UU. Además, ha trascendido la cifra total de recaudación por aquellos lares, y la verdad es que...

Estaríamos hablando de más de 1,3 millones de dólares para La bola negra en EE. UU, una absoluta salvajada que deja en muy buen lugar a nuestro cine. Con estos números, uno no puede dejar de pensar en el potencial Óscar que se podría llevar el filme.

¿Crees que la Academia dará el paso y terminará aportando el broche de oro a la obra de los Javis o nos dejarán con la miel en los labios? Estamos a escasos meses de salir de dudas.

Fue una institución pública dependiente del Ministerio de Justicia creada en 1941 y disuelta en 1985 cuya finalidad oficial era la de "vigilar la moralidad de las jóvenes y apartarlas del vicio" pero que en la práctica era un órgano de represión que privaba a las mujeres de su libertad, las sometía a explotación laboral, castigos físicos y psicológicos y tratamientos psiquiátricos extremos. Peor aún era el caso de aquellas que eran madres solteras o estaban encinta, dado que se las recluía en pabellones por separado y en algunas ocasiones fueron víctimas del robo de sus bebés.

A menudo los motivos para que las familias recluyeran en estos lugares a sus hijas eran tan simples como llegar tarde a casa, usar minifaldas, asistir a manifestaciones, fumar, beber, huir de entornos familiares violentos o sencillamente ser consideradas promiscuas o díscolas. Cualquier sospecha de "desviación" era considerada con severidad.

Mozón y Guerricaechevarría componen un guión desolador que muestra las vidas rotas de distintas jóvenes que solo encuentran consuelo y esperanza las unas en las otras, articulando planes de fuga y alimentando un sueño de libertad que se antoja cada vez más lejano. En este páramo, la química entre las dos actrices principales, Zoe Bonafonte y Manuela Calle es fundamental así como la versatilidad de Adelfa Calvo convertida aquí en una arpía irredenta.

Redimiendo a las "mujeres inmorales"

En 1974 Ana es una joven barcelonesa que se escapa de casa de vez en cuando para ir a una verbena, como muchos otros muchachos de su edad. Tras una fuga nocturna en la que tiene un desengaño amoroso y bebe de más, la policía la lleva de regreso a casa, donde la esperan sus padres angustiados. Su firme moralidad les lleva a no pensárselo dos veces y deciden ingresarla en la institución especializada en "mujeres caídas o en riesgo de caer" donde le practican una exploración ginecológica que determina que "no está completa".

De esta forma es trasladada a Madrid para ser internada en un reformatorio regentado por monjas en el que es sometida a un estricto régimen disciplinario, del que no podrá zafarse hasta la mayoría de edad, que en esos momentos estaba fijada en los 21 años.

Obligada a vestir uniforme, trabajar en distintas tareas como limpieza, cocina y talleres de costura y ensamblaje de piezas de sol a sol, pronto congenia con Sole, una compañera de alegría contagiosa que siempre saca fuerzas para disfrutar de algún acto de rebeldía. Esa amistad será un faro en la oscuridad para Ana, aunque también la llevará a atravesar dificultades por encararse a la madre superiora, que irá incrementando la brutalidad de sus represalias.

Ruega por nosotras es una película muy bien documentada y ambientada en los impases finales de los años 70. Pero sobre todo destaca por su capacidad para meterte en la piel de las jóvenes obligadas a "reformarse" dejando constancia de las experiencias que atravesaban una vez que sus familias se desentendían de ellas y las dejaban en manos de la institución. La película toma el nombre de uno de los ensayos escritos por Consuelo García del Cid, víctima de la crueldad del Patronato y pionera en las investigaciones sobre él pero tiene también un germen que procede de libros de investigación, documentos de archivo, tesis doctorales, piezas documentales y el testimonio de muchas mujeres que pasaron por estos lugares que bien habrían podido servir de inspiración para El cuento de la criada, relatando de primera mano el infierno al que fueron sometidas y sobre todo la disrupción que supuso en su desarrollo en un momento en el que justamente estaban abriéndose a la vida.

En el plano técnico, Monzón trabaja con muchos de sus colaboradores habituales que realizan una labor impecable: destacan Balter Gallart en el diseño de producción, Vinyet Escobar en el vestuario, Carles Gusi como director de fotografía y Roque Baños en la música original.

Ruega por nosotras es una película dura porque indaga en unos episodios muy oscuros de nuestra historia reciente, pero que no se recrea en el tormento ni resulta gratuita en el tratamiento de la violencia, ya sea física, verbal o psicológica.

Ésta es una de sus virtudes, puesto que habría sido fácil cargar las tintas o incluso poner el foco en casos más extremos: recordemos sin ir más lejos la trágica muerte de Inmaculada Valderrama en 1983, eje central de la serie documental de tres capítulos El Patronato, de estreno en La 1 de RTVE y RTVE Play el mismo 6 de noviembre y también del libro Inmaculada. La muerte que precipitó el final del Patronato, escrito por Marta García Carbonell, Esther López Barceló y María Palau Galdón.

Con Bárbara Lennie (Los renglones torcidos de Dios, Amarga Navidad) y Carmen Machi (Amor de madre, Celeste) al frente del elenco, la cinta aborda un asesinato que parece guardar relación con la muerte de un niño a manos de seis menores que tuvo lugar hace más de dos décadas.

A través de un comunicado de prensa, el servicio de transmisión ha anunciado el comienzo del rodaje de Brutal en Madrid y ha presentado la primera imagen oficial de la película con sus protagonistas, la cual puedes encontrar en el encabezado de este contenido.

Qué podemos esperar en Brutal, el nuevo thriller del director de Leones en invierno

La trama de la nueva película de Netflix arranca con un desgarrador suceso que tuvo lugar en 1999, cuando seis menores mataron a un niño, pero ninguno de ellos cumplió condena por el crimen perpetrado.

24 años después, la inspectora Álex Lazkano (Bárbara Lennie) se topa con un asesinato tan brutal como inexplicable que le pone tras la pista de un pasado que muchos preferirían mantener enterrado.

La investigación conduce hasta Ágata (Carmen Machi), una mujer de apariencia entrañable cuya calma podría ocultar algo mucho más oscuro. "¿Hasta cuándo se puede ocultar la verdad? Y, ¿a qué estarías dispuesto para que nunca saliera a la luz?", detalla su sinopsis.

El elenco de la película se completa con Tristán Ulloa (El caso Asunta), Marta Nieto (Berlín y la dama del armiño), Luis Callejo (Tarde para la ira), Javier Godino (Altas capacidades) y Javier Beltrán (El inocente).

Brutal se estrenará próximamente en el catálogo de Netflix. ¿Qué te parece la premisa de la nueva película de Albert Pintó con Bárbara Lennie y Carmen Machi?

Con un impresionante elenco encabezado por Eduard Fernández (Anatomía de un instante), la cinta sigue a un hombre que entra en una comisaría en la mañana de Nochebuena para confesar un crimen y explicar por qué le llevó a hacerlo.

Para ir abriendo boca, el servicio de transmisión ha presentado el primer teaser de En nombre de otro, el cual puedes echar un ojo a través del vídeo que te dejamos a continuación.

Así es En nombre de otro, el prometedor thriller de Netflix

La trama de la nueva película de Oriol Paulo arranca en la mañana de Nochebuena, donde un hombre entra en una comisaría y confiesa a las autoridades que ha matado a dos personas... o quizá tres.

Sin embargo, detrás de su confesión se esconde una pregunta más difícil de contestar: por qué ha decidido entregarse ahora y qué pretende con su confesión. A partir de ese momento, su relato no tarda en vincularse a otro crimen que parecía cerrado, y cuya resolución escapa a toda lógica.

"Con En nombre de otro me interesaba construir un thriller que, más allá de la intriga, tuviera el peso emocional de una tragedia. Una historia en la que la culpa, el dolor y la necesidad de encontrar respuestas terminan arrastrando a los personajes hacia la erosión de sus propios principios morales", ha explicado Paulo a través de un comunicado compartido por Netflix.

Junto al tráiler, la plataforma ha presentado las primeras imágenes oficiales de En nombre de otro, las cuales te agrupamos en la siguiente galería.

Aparte de Eduard Fernández, completan el elenco de la cinta Mario Casas (Zeta), Blanca Suárez (La huella del mal), Nicolás Francella (La casa de los espíritus) y Alexandra Jiménez (53 domingos).

En nombre de otro se estrena en el catálogo de Netflix el próximo 11 de diciembre de 2026. ¿Qué te ha parecido este primer avance de la película?

La película sigue a un grupo de atracadores que, en plena crisis económica, perpetran un golpe en un banco madrileño que pronto se convierte en una sucesión de eventos impredecibles. Poco a poco, lo que debía ser una misión rápida se convierte en una lucha por la supervivencia repleta de engaños que pueden terminar con ellos en prisión... o algo peor.

El elenco de la película incluye a Laia Costa, Karra Elejalde, Luis Zahera, Álvaro Cervantes, Tamar Novas, Lluís Homar, Adriana Ozores, Luz Valdenebro, Víctor Duplá, Jorge Cabrera, Ismael Martínez, Alba Fontecha e Imma Sancho.

El estreno de Colisión ha sido un exitazo para Netflix en España, donde ha escalado a la primera posición del Top 10 de películas durante el fin de semana. Pero según los datos de FlixPatrol (vía Men's Journal), ese mismo éxito se ha repetido a nivel internacional.

Los atracos españoles vuelven a triunfar en Netflix

La película de Daniel Sánchez Arévalo no solo se impone en su fin de semana de estreno, sino que lo hace en Halloween, una jornada en la que el cine de terror acostumbra a ser lo más visto en este tipo de plataformas.

De hecho, Colisión supera a filmes como Weapons, de Zach Cregger, o al thriller de secuestros Animales, de Ben Affleck, consolidándose como la película más vista de Netflix durante estos días. Pronto veremos las cifras oficiales de la plataforma.

Puede que este éxito de Colisión derive en cierto modo de una asociación temática con La casa de papel, la serie española más exitosa de Netflix que, como sabrás, se centra en atracos que se complican cosa mala.

Sea como fuere, Colisión constituye un nuevo éxito para Netflix España, que ya trabaja en el nuevo proyecto de Daniel Sánchez Arévalo, Chapapote.

Dani de la Torre (La Unidad, El desconocido) estrenó el pasado mes de marzo su nuevo thriller de acción con temática de espionaje. De la Torre coescribe el guion en colaboración con Oriol Paulo y Jordi Vallejo.

La película cosechó un éxito interesante en el catálogo de Prime Video, pues es la cinta española más vista en la plataforma durante el último año. Vamos, que era cuestión de tiempo que se planteasen una secuela, pues el personaje de Zeta se planteó como una suerte de James Bond español.

Y dicho y hecho. Prime Video acaba de confirmar que el rodaje de Zeta 2 ha dado comienzo esta semana en Tailandia, donde las cosas se van a poner interesantes para el personaje de Mario Casas.

Zeta 2 busca subir el nivel en Prime Video

Dani de la Torre regresa como director de la secuela, que coescribirá junto a Oriol Paulo, quien también repite como guionista. Lideran el elenco Mario Casas y Luis Zahera en sus respectivos papeles como el agente Zeta y Ancares.

Vuelven también al reparto Nora Navas y Christian Tappan. Por otro lado, se incorporan Silvia Alonso, Luna Gallego, Jan Buxaderas, Julen Katzy y Pablo Riguero. Esta es la sinopsis de Zeta 2:

"Zeta vuelve. En el sudeste asiático, una redada antidroga atrapa a un grupo de turistas españoles que juran ser inocentes. Encerrados en una prisión sin salida legal, el CNI activa a su mejor agente. Su misión: infiltrarse, investigar y descubrir qué se esconde realmente detrás de la operación, antes de que la verdad desaparezca con ellos".

Con el rodaje de Zeta 2 ya en marcha, puede que la secuela llegue a Prime Video en la segunda mitad de 2027, siempre que no haya contratiempos que demoren la nueva aventura de Mario Casas y Luis Zahera.

Y es que en España tenemos tendencia a ir más al cine a ver nuestras comedias que nuestro cine de autor o dramático. Incluso películas más visuales y espectaculares, como los numerosos thrillers de acción que se han ido estrenando, reciben menos atención que unas buenas risotadas.

En cierto modo, es normal. Usamos el cine para evadirnos durante un rato de una realidad que cada día gusta menos y, durante esa hora y media o dos horas, preferimos reír a llorar con las desgracias de otros, ficticias o no.

Pero eso nos deja un panorama peculiar en la taquilla de la última década, prácticamente dominada por las comedias y, generalmente, con un nombre destacado en ellas: Santiago Segura.

Hoy en HobbyCine vamos a repasar las películas españolas más taquilleras de la última década, destacando la que mayor recaudación ha obtenido cada año desde 2016, según los datos del Ministerio de Cultura.

Una década dominada sin miramientos por la comedia

Retrocedemos, pues, hasta 2016, cuando tenemos la única película puramente dramática de la lista hasta que llegó La bola negra. Ese año se estrenó Un monstruo viene a verme, la magnífica película de fantasía de J. A. Bayona que, además de un gran guion, se vio beneficiada por un reparto internacional espectacular.

La película recaudó 26,1 millones de euros hace una década, colándose en el top 10 de películas españolas más taquilleras de todos los tiempos.

El reinado de la comedia comenzó en 2017, aunque con el matiz de ser de animación. Tadeo Jones 2: El secreto del rey Midas lograba ese año una taquilla de 17,9 millones, suficientes para superar al bueno de Álex de la Iglesia y su Perfectos desconocidos.

En 2018 tuvimos comedia dramática gracias a Javier Fesser y su entrañable película deportiva Campeones, que se llevó 19 millones de euros de taquilla.

Llegamos a 2019, donde se inicia la primera parte del reinado de Santiago Segura con la comedia que generaría una de sus sagas más exitosas: Padre no hay más que uno. La primera entrega recaudó 14,2 millones de euros.

2020 fue el año de la pandemia y de las salas de cine cerradas, pero Santiago Segura fue inmune con Padre no hay más que uno 2: La llegada de la suegra, que ganó 12,9 millones a pesar de las circunstancias.

El año siguiente hubo un ligero cambio. Santiago Segura siguió su reinado, pero esta vez con otra secuela, A todo tren: Destino Asturias. El viajecito ganó 8,4 millones de euros. Ese fue un año flojillo.

Padre no hay más que uno 3 remontó en 2022 con 15,6 millones de euros y se convirtió en la más taquillera de la saga hasta la fecha.

En 2023 hubo cambio de guardia. Álvaro Fernández Armero logró la película más taquillera del año con Ocho apellidos marroquís, que ganó 12,5 millones de euros.

Pero Santiago Segura regresaría con su saga millonaria. Padre no hay más que uno 4 ganó 13,4 millones en 2024, y Padre no hay más que uno 5 arañó exactamente la misma cifra (redondeada) en 2025.

Segura habría arrasado este 2026 con Torrente presidente y sus 28,1 millones de euros ganados en taquilla, pero Los Javis se han beneficiado del fenómeno de La bola negra, que lleva 28,6 millones ganados mientras escribimos estas líneas, aunque probablemente abandone la cartelera con una cifra más alta.

La comedia española es el principal motor de la industria cinematográfica, para lo bueno y para lo malo. Es el género que más mueve al público hacia las salas de cine, aunque a veces nos da una alegría que nuestros cineastas logren cambiar ese patrón.

Como punto de partida hay que señalar la originalidad de la propuesta no solo por lo que cuenta sino por la forma en la que se desarrolla la narración y va añadiendo nuevos giros a cual más inesperado. El guión es ingenioso y cuenta con una premisa bien desarrollada en la que todas las piezas terminan encajando.

Por su factura técnica y la calidad del reparto, habría merecido mucho la pena un estreno en salas, aunque hubiese sido limitado, como tiene Netflix por costumbre. Por desgracia, no va a ser posible disfrutarla en pantalla grande, pero es probable que tenga un gran éxito en la plataforma porque una vez que arranca va como un tiro.

Un retorcido atraco

Como cada mañana, el director de una sucursal bancaria se dirige a su trabajo soslayando los reproches de los vecinos. El contexto social es desolador si tenemos en cuenta que Colisión se desarrolla tras las consecuencias de la terrible crisis económica de 2008 que se saldó con el colapso de las cajas de ahorros, desahucios, deudas impagables para pequeños ahorradores y personas corrientes y un impúdico rescate a la banca.

Tres enmascarados irrumpen en la sucursal de forma violenta y le obligan a abrir la cámara acorazada, pero no logran encontrar lo que van buscando. Terminan saliendo a toda prisa con aquello que pueden cargar y se meten en un vehículo en el que un compinche les espera. Pero pronto surge entre ellos la suspicacia y empiezan a pelear hasta que otro coche se estampa contra ellos sacándolos de la carretera.

A partir de ese momento, los dados están en el aire. ¿Qué pasaría si en dicho accidente muriera uno de ellos? Aunque creemos haber sido testigos de un simple atraco fallido, lo cierto es que cada uno de ellos tiene sus propios motivos para querer ajustar cuentas con el banco, pero también una agenda oculta de la que no son partícipes los demás. Los espectadores iremos descubriendo todos los secretos, medias verdades y miedos que componen una historia compleja pero también de lo más intrigante.

La palabra que mejor define Colisión es "sorpresa". En la primera media hora de desarrollo de la película, que alcanza las dos horas en total, ya tenemos un buen número de giros de guión que van cambiando la percepción de los hechos y haciendo que varíen nuestras expectativas.

Pero la película no se detiene ahí, en cada nueva iteración de un futuro posible, sigue añadiendo nuevas capas, información de la que nos habían dado pistas previamente aunque no le habíamos prestado demasiada atención y reformulando para que podamos hacernos una composición de lugar final.

Es una película rodada con nervio y buen pulso que se beneficia de muy buenas interpretaciones. Tenemos aquí a Laia Costa, Luis Zahera, Álvaro Cervantes, Karra Elejalde, Tamar Novas y Lluís Homar. Y todos ellos sostienen sus papeles con solvencia.

Los apartados técnicos también funcionan bien: efectos especiales, foto, puesta en escena y demás. Pocas pegas en este sentido para una película que respira sin problemas y no tiene problemas de verosimilitud gracias a diálogos naturales e interpretaciones frescas.

La trama engancha y está muy bien alambicada para ir aportando novedades de manera paulatina sin que se resquebraje la coherencia interna del relato. Eso sí, no da descanso: es importante mantener atención a cada detalle porque todo tiene sentido, aunque se descubra más adelante. Y lo mejor es que de vez en cuando aflora un cierto humor negro que no deja de incidir en la crítica social. Así que sí, Colisión es una película entretenida que funciona por sí misma pero que además tiene sello de identidad y trasfondo. Es un ejercicio muy logrado de retorcer un clásico como es el relato de "cacos y polis".

El paso del tiempo haría que esta historia real pasara a formar parte del ideario colectivo como amenaza para los niños a los que se pretendía amedrentar pero habrá quien descubra, viendo la película, que estamos ante una suerte de true crime patrio que quiere examinar por una parte a un personaje tan perturbador como éste, aparentemente inofensivo pero letal, pero también reivindicar a sus víctimas, mujeres que no han encontrado el mismo eco en el tiempo que el asesino.

A tal efecto la película cuenta con dos intérpretes de primera fila como son Patricia López Arnaiz y Antonio de la Torre, perfectamente caracterizados e interpretando papeles antagónicos. Ella representa la razón, la educación y lo correcto; él la pulsión, la incultura y el crimen. Ella busca la verdad, él salir indemne. Pero la película no cae en un maniqueismo barato.

También vemos las vulnerabilidades de ambos que los convierten en personajes tridimensionales: el exceso de rectitud de ella la ha llevado a encerrarse en sí misma y a ser cruel en su juicio hacia los demás y él, a pesar de ser un monstruo, quiere a su hijo Tomás, que es lo único que le quita el sueño.

No hace falta recurrir a la fantasía para generar pavor

Sacamantecas recupera la inquietante historia de Juan Díaz de Garayo, que sembró el pánico en la zona de Vitoria acabando con la vida de mujeres a las que agredía, violaba, abría en canal y cercenaba en algunas ocasiones. La película tiene la elegancia de mostrarlo en acción solo en una ocasión dejando la cámara inmóvil y observando desde lejos, evitando así entrar en excesivos detalles y mostrando respeto por las víctimas.

El resto de la historia se vale de la perspectiva de un personaje ficticio creado ex profeso para la película: Ángela Berrosteguieta, que regresa para enterrar a su hermana y con el que de nuevo se reclama atención para una comunidad puesta en jaque en la que las familias de las agredidas no eran escuchadas ni tenidas en cuenta. Es quien toma las riendas de la investigación por su cuenta cuando sus peticiones son desatendidas.

Pío Pinedo, jefe de los alguaciles, se enfrenta a la falta de personal y a la presión de las autoridades, que prefieren ocultar la creciente ola de asesinatos. Son tiempos convulsos y no se destinan recursos a estos casos que afectan mujeres muy humildes de estamentos bajos.

Sacamantecas no busca en absoluto al nicho de películas como El hombre del saco o semejantes. Es una cinta de prestigio, seria, áspera y rodada con medios que quiere aproximarse a la realidad tanto como sea posible. Examina la barbarie de la guerra y su impacto en la sociedad y no se arredra cuando tiene que mostrar cadáveres calcinados, cuerpos exangües o la destrucción más cruel, que es la que enfrenta a hermanos contra hermanos.

Por el camino, secuencias multitudinarias, pero también una dirección artística muy bien documentada en interiores intimistas; un diseño de vestuario digno de ganar el Goya; una fotografía que se ciñe a las convenciones de la iluminación de la época y una banda sonora que junto a todo lo anterior ayuda a crear una ambientación atmosférica, tétrica pero también cotidiana en una España dejada de la mano de dios que habrá cambiado mucho en algunos aspectos, pero sigue cautiva de algunas de las realidades que aquí se retratan.

En resumidas cuentas, Sacamantecas es una gratísima sorpresa y una película que no hemos visto venir. Resulta sobrecogedora e impactante y es de las que no se olvidan con facilidad. Nuestro consejo es verla en versión original, dado que ha sido rodada en euskera de la época y castellano. Merece mucho la pena ver el esfuerzo realizado por ambientar la cinta y ver también el conflicto social que suponía el manejo de la lengua.

Se trata del primer thriller realizado por el cineasta, quien ha reunido para ello a un elenco de lujo encabezado por Laia Costa (El maestro que prometió el mar), Karra Elejalde (Tierra de nadie) y Luis Zahera (Animal).

Para abrir boca, la plataforma ha presentado el tráiler oficial de Colisión, el cual puedes echar un ojo a través del vídeo que te dejamos a continuación.

Qué podemos esperar en Colisión, el interesante thriller de Netflix

Su trama arranca con un grupo de atracadores que, en plena crisis económica, irrumpe en un banco de Madrid y desencadena una serie de acontecimientos imprevisibles.

Pronto vemos que nada es lo que parece y, lo que en principio parece simplemente un robo más, enseguida se convierte en una partida de engaños, miedo y supervivencia, donde cada decisión cuenta, cada gesto esconde algo y todos buscan escapar de algo más que de la cárcel.

Aparte de Laia Costa, Karra Elejalde y Luis Zahera, el elenco de la película se completa con Tamar Novas (Caminando con el diablo), Álvaro Cervantes (Sorda), Lluís Homar (Forastera), Jorge Cabrera (Cronos), Alba Fontecha (Soy una buena persona) e Imma Sancho (Se tiene que morir mucha gente).

Colisión se estrena en el catálogo de Netflix el próximo viernes 30 de octubre de 2026. ¿Qué te ha parecido el tráiler de la nueva película de Daniel Sánchez Arévalo?

Leopoldo Alas "Clarín" publicó en 1884 la que es considerada como la obra cumbre de la literatura española realista. Es un libro extenso que toca muchísimos temas sociales, políticos y religiosos, incluso antes de que estos cobrasen total relevancia en el panorama nacional.

Ya existen dos adaptaciones de la novela. En 1974, Gonzalo Suárez se atrevió a condensar la historia en una película de hora y media que hizo lo que pudo por atrapar la atmósfera de la novela de Clarín. En 1995, Fernando Méndez-Leite y RTVE convirtieron el relato en una miniserie de tres episodios que tuvo mucho mejor rendimiento.

Ahora, Netflix quiere probar suerte de nuevo con el formato cinematográfico a través de una "versión contemporánea" de La Regenta que dirigirá Mar Coll (Salve María, No me gusta conducir). Coll también coescribe el guion en colaboración con Anna R. Costa y Diego Vega.

Netflix ya ha iniciado el rodaje de la nueva versión de La Regenta

La película ya ha comenzado su rodaje y Netflix ha aprovechado para anunciar su elenco principal. Ester Expósito liderará el reparto como Ana Ozores, la Regenta. La acompañan Oriol Pla (Fermín de Pas), Vito Sanz (Víctor Quintanar), Borja Luna (Álvaro Mesía), Clara Ingold (Petra), Carlos González (Frígilis), Ana Torrent (doña Paula), Itsaso Arana (Visitación) y Gonzalo de Castro (Ripamilán). Esta es la sinopsis oficial:

"Ana Ozores, la Regenta, vive un matrimonio cómodo pero vacío junto a Víctor Quintanar, en la asfixiante Vetusta, donde todo se sabe y todo se juzga. Bella e insatisfecha, Ana busca un sentido a su vida que su entorno no le permite alcanzar.

Sin pretenderlo, se convierte en el centro de dos obsesiones enfrentadas. Lo que comienza como una crisis íntima se convierte en un pulso silencioso entre el deseo, la fe y el poder social, donde cada gesto de Ana es observado, juzgado y utilizado por quienes la rodean".

Aunque La Regenta es una obra especialmente densa como para adaptar en un largometraje de duración tradicional, veremos cómo es la propuesta contemporánea de Netflix a medida que se acerque su fecha de estreno.

De la dirección se encarga Albert Pintó cuya incursión anterior en el thriller fue con la cinta Tierra de nadie. Aquí repite Luis Zahera, un actor superdotado con una versatilidad interpretativa imponente que es creíble en cualquier rol que se le asigne. Y el que aquí le toca, fácil no es.

Está acompañado por un elenco inmejorable que incluye lo más granado del panorama: Luis Callejo, Ana Wagener, Irene Escolar, Roberto Álamo, José Manuel Poga, Inma Cuesta, María Romanillos o Jordi Mollá, entre otros. Un relicario de talento patrio que convierte la película en una pieza muy coral.

Venganza

La película Leones en invierno arranca de manera muy trágica con el atropello de una joven de madrugada que se saldará con su muerte y la fuga del conductor, aunque las pistas que deja tras de sí teniendo en cuenta que conduce un poco común deportivo dorado de alta gama son demasiadas y señalan rápidamente a un culpable. Él es José Luis Dávila (alias Bacoy), un policía que se encuentra infiltrado en una banda de narcotraficantes y al huir para no poner en riesgo su tapadera, desata una reacción en cadena de consecuencias imprevisibles.

El padre de la víctima, roto de dolor, ve con desconsuelo cómo la policía parece encubrir al responsabl,e lo que le lleva a un descenso a los infiernos. No le queda más remedio que "despertar al león" para cobrarse una venganza personal por su cuenta.

Resulta que el esposo, padre y honrado trabajador Alejandro tiene un pasado inquietante: fue un líder ultrasur cuarenta años atrás y ante la pasividad policial no duda en retomar el contacto con los que fueran sus amigos. Uno de ellos es ahora policía mientras que el otro en un yonqui venido a menos.

En su ansia por encontrar al responsable de su pérdida y exponer la verdad, destapará todo un mundo de corrupción, abusos y crimen organizado. Una tras otra irá cruzando todas las líneas rojas e internándose en una senda sin retorno que le acercará a su objetivo pero le alejará de la esencia de quien era.

Leones en invierno es, esencialmente, una película de venganza en la que se retrata la violencia extrema de la que solo es capaz de echar mano el ser humano en sus peores momentos. El tono crudo y el ritmo vertiginoso de la novela se traslada a la pantalla con una sensación de urgencia y visceralidad que se imprime en cada plano. Todo es exacerbado: el dolor del padre, la depravación del entorno del conductor fugado y la miseria física y moral de los bajos fondos.

Así se traslada a la fotografía también, heredera del cine noir pero con un aspecto más sucio y menos estilizado: abundan los planos nocturnos, las luces de neón, los altos contrastes y una sordidez dolorosa.

Leones en invierno no muestra a héroes ni a villanos, sino que todos los personajes son de alguna manera artífices de su propia desdicha: desde el padre desamparado hasta el infiltrado acorralado. Todos tienen hilos que los mueven (el dinero, la rabia o el instinto de supervivencia.) y se enfrentan a dilemas morales tremendos que amenazan con destruirlos.

Quizás ese es el principal eje argumental de la historia: es una reflexión acerca de la fragilidad de la civilización, que es casi una máscara hueca que se cae cuando golpea la tragedia de una manera tan salvaje, recuperando los más bajos instintos que operan de manera inmediata desatando el caos.

Por lo demás Leones en invierno es como un chute de café triple: condensa las 400 páginas de la novela en un metraje muy intenso (que no corto, porque roza las dos horas de duración) pero poco sutil en la construcción de los diálogos y la explicitud de algunas agresiones (aquí qué bien hizo los deberes El castillo) en el que no hay espacio para respirar. Todo es grave, áspero, desagradable y vehemente al 200%, a excepción quizás del papel que interpreta Inma Cuesta, que supone el "anclaje humano" al ofrecer un leve contraste dramático muy de agradecer por resultar más verosímil y cercano a la realidad. Abróchense los cinturones.

Con Patricia López Arnaiz (Los domingos), Antonio de la Torre (Los Tigres) y Josean Bengoetxea (La isla de los faisanes) liderando el elenco, la cinta aborda el caso real del Sacamantecas, quien es considerado como el primer asesino en serie de España.

Para ir abriendo boca, Buena Vista International ha lanzado el tráiler oficial de Sacamantecas, el cual puedes echar un ojo a través del vídeo que te dejamos un poco más abajo.

Qué podemos esperar en Sacamantecas

Ubicada durante la Tercera Guerra Carlista, la trama de la película sigue la historia de Ángela Berrosteguieta (Patricia López Arnaiz), una mujer que regresa a Vitoria para enterrar a su hermana, víctima de un peligroso asesino en serie al que se le conoce como el Sacamantecas.

Con cada vez más mujeres asesinadas, Ángela decide buscar por su cuenta la justicia que le privan las autoridades, que prefieren ocultar la creciente ola de asesinatos.

Pronto se da cuenta que Juan Díaz de Garayo, un campesino analfabeto, es el responsable de los crímenes, por lo que no parará hasta demostrar su culpabilidad de los hechos.

El elenco de la película se completa con Eneko Sagardoy (Karmele), Haizea Carneros (Todas las lunas), Luis Callejo (El cautivo), Urko Olazabal (Reina Roja), Fernando Albizu (Sujétame el cubata), Miguel Iriarte (Singular) e Isabel Gaudí (Escándalo, relato de una obsesión), entre otros.

La cinta es una producción de Olmo Figueredo González-Quevedo y David Pérez Sañudo para La Claqueta PC y Amania Films, en coproducción con la belga Caviar, con la participación de EITB, RTVE y Prime Video, con el apoyo del ICAA, el Gobierno Vasco, el Ayuntamiento de Vitoria-Gasteiz y la Diputación Foral de Álava, con el patrocinio de Fundación Vital, y con la colaboración de Crea SGR y Fiare Banca Ética.

Sacamantecas se estrena en las salas de cine el próximo 6 de noviembre de 2026. ¿Qué te ha parecido el tráiler de la película?

La última película de Paulo fue Los renglones torcidos de Dios, aunque ha colaborado con Netflix posteriormente en la miniserie Última noche en Tremor. Ahora, regresa con una nueva historia que el propio Oriol Paulo también escribe y que es de esas que juegan al despiste.

En nombre de otro es una historia ambientada en Navidad y que se centra en un extraño crimen que irá enrevesándose cada vez más a medida que avanza la trama.

El elenco reunido por Paulo para la película cuenta con Eduard Fernández, Mario Casas, Blanca Suárez, Nicolás Francella y Alexandra Jiménez, que este año hace triplete en Netflix con Gracias, equipo y 53 domingos.

El thriller español regresa a Netflix este otoño

Netflix ha anunciado oficialmente la fecha de estreno de En nombre de otro, que llegará a la plataforma el próximo 11 de diciembre. Para celebrar el anuncio, se ha lanzado el póster oficial de la película, puedes encontrarlo a continuación, junto con la sinopsis:

"En la mañana de Nochebuena, un hombre entra en una comisaría y confiesa haber matado a dos personas... o tres. Pero detrás de su confesión se esconde una pregunta más difícil de contestar: por qué ha decidido entregarse ahora y qué pretende con su confesión.

A partir de ahí, su relato no tarda en vincularse a otro crimen que parecía cerrado, y cuya resolución escapa de toda lógica".

En nombre de otro promete ofrecer varios giros cuando llegue a Netflix el próximo 11 de diciembre de 2026. ¿Qué te parece la propuesta del regreso de Oriol Paulo a los largometrajes?

El secreto del éxito de esta historia es contar con Lucía Caraballo como principal protagonista. La actriz, que también cosechó un gran éxito con la serie Animal, da vida a un personaje impredecible, descarado y muy refrescante que tiene la capacidad para resultar divertido al máximo. Por desgracia, la réplica se la da un actor mucho más limitado respecto a su vis cómica: Alejandro Speitzer, que por comparación resulta excesivamente soso.

Por fortuna, los secundarios acuden al rescate: Leonor Watling, David Lorente y Víctor Clavijo aderezan una historia en la que hay tanto espacio para el humor como para la acción.

En busca de la combinación idónea

Laura es dinamita pura: no le gusta seguir las reglas y tiene la capacidad de salir siempre por la tangente. Conoce a Nacho de forma fortuita en un vuelo de regreso a Madrid y tiene un flechazo instantáneo, aunque él parece ser justo todo lo contrario a ella: ordenado, tranquilo y alérgico a su espontaneidad.

Sin embargo, cuando llegan a la cinta transportadora para recoger su equipaje, Laura le propone un juego: si sale primero su maleta tendrán una cita, si no, se dirán adiós para siempre como perfectos desconocidos. Con tal de conseguir su objetivo, Laura coge la maleta anterior a la de Nacho, sin saber qué hay en su interior ni quién es su dueño.

Unas horas después empiezan a ser perseguidos por terroristas, la policía y el CNI. Mientras huyen a la desesperada irán descubriendo muchas cosas el uno acerca del otro, pequeños y grandes secretos que no atrevían a confesar y que decidirán si están hechos el uno para el otro o habría sido mejor que nunca se hubieran conocido.

La maleta tiene todos los ingredientes de cualquier comedia romántica al uso: equívocos, encuentros y desencuentros y un par de personajes en principio antitéticos entre los que hay una fuerte atracción. Pero, por fortuna, se reviste de muchas más cosas.

Hay una trama policial, hay secundarios bien esbozados y descacharrantes como "el binomio" de policías formada por Watling y Lorente y un tono cómico muy refrescante que hace imposible contener más de dos carcajadas. Así que al tira y afloja amoroso hay que añadirle persecuciones, disparos, secuestros y la posibilidad de un atentado en el aeropuerto contando con tanto con la ejemplaridad como con la ineficacia del cuerpo de la policía. Como decíamos, esto va de contrastes.

El hecho de que haya momentos en los que la acción toma las riendas implica cierto nivel de efectos especiales que funcionan razonablemente bien. Que nadie espere un John Wick, pero cuando hay disparos y bajas sí que estamos al nivel de Noche de juegos. Y mola.

Respecto al ritmo, arranca de una manera tan frenética que se resiente de un cierto parón antes de enfilar el último tercio. Justo en el momento en que Caraballo deja de liderar la historia para dar pie a una narración más coral. Hasta ese punto su personaje es el vector que atraviesa la película de principio a fin marcando el compás.

En resumidas cuentas, La maleta cumple su función. Ni revoluciona el género ni es un nuevo anodino episodio dentro de la serie de pelis de "chico conoce a chica", algo muy de agradecer.

Proveerá a los espectadores de un divertido entretenimiento en el que solo chirría algo más de violencia de la habitual en una cinta que parecía destinada a ser más blanca. Solo por eso es una película no recomendada para menores de 12 años, lo que puede disuadir a un sustancioso grupo de espectadores de acudir al cine.

La cinta es remake de la película francesa Radin (más conocida por estos lares como Manual de un tacaño) que dirigió Fred Cavayé en 2016. En esta ocasión, la nueva versión está dirigida por Oriol Pérez Alcaraz (La casa nostra) bajo el guion de Eric Navarro (Viaje de fin de curso: Mallorca) y Natalia Durán (A muerte).

A través de un comunicado de prensa, Netflix ha anunciado el inicio de rodaje de Rata y ha compartido la primera imagen oficial de la película, la cual puedes echar un vistazo a continuación.

Qué podemos esperar en Rata, la nueva apuesta de Netflix por el cine español

La trama de la cinta gira en torno a Federico, un hombre tacaño a más no poder cuya cartera de gastos tiene controlada al milímetro.

Sin embargo, todo se trastoca cuando entra en su vida sin previo aviso Laura, una hija de cuya existencia desconocía por completo. Será la joven la que trate de encauzar a su tacaño padre a un nuevo rumbo mientras intenta emparejarle con una mujer llamada Valentina.

"Federico (Paco León) cuenta los minutos de ducha, los vatios y hasta los suspiros. Su vida de tacaño, perfectamente controlada, salta por los aires cuando aparece Laura (Alícia Falcó), la hija que no sabía que tenía.

Dispuesta a arruinar su milimétrico sistema de ahorro y a emparejarlo con Valentina (Miren Ibarguren), Laura le demostrará que hay cosas que no tienen precio", comparte la sinopsis de la película.

Por el momento no hay fijada una fecha para el estreno de Rata en Netflix, aunque se espera que llegue en algún momento del próximo 2027. ¿Qué te parece la premisa de la nueva película con Paco León y Miren Ibarguren?

El niño, la nueva película de Netflix basada en la novela homónima de Fernando Aramburu, parte de esa tragedia para contarnos una dura historia sobre el luto y cómo sobrellevar la pérdida de un niño de forma tan trágica.

Después de 13 años centrándose en series como Los Farad o La línea invisible, Mariano Barroso regresa a la dirección de largometrajes con El niño. Su última película fue Todas las mujeres, de 2013.

En el reparto de El niño encontraremos a Belén Cuesta, Karra Elejalde, Raquel Ferri, Pep Ambròs, Leire Berrocal, Marco Ibarra, Elena Sáenz y Asier Tartás.

Netflix profundiza en la tragedia de Ortuella

El niño ha lanzado su tráiler oficial, al tiempo que Netflix confirma la fecha de estreno de la película en cines el 13 de noviembre, antes de que la película llegue al catálogo de la plataforma el 27 del mismo mes. Puedes ver el tráiler a continuación, junto con la sinopsis oficial:

"El 23 de octubre de 1980, una gigantesca explosión de gas mató a 50 niños y 3 adultos en el colegio público de Ortuella, Vizcaya. Este suceso, que conmocionó al pueblo vasco y a toda España, afectó y cambió las vidas de muchas familias como la de Nicasio.

Este octogenario que acostumbra a subir los jueves al cementerio de Ortuella para visitar la tumba de su nieto, uno de los muchos niños que fallecieron en aquella tragedia".

El niño llegará a los cines españoles el 13 de noviembre para calificar de cara a los Goya. Dos semanas después, el 27 de noviembre, aterrizará en Netflix.

Basada en la saga literaria de Manel Loureiro, la trama de la primera entrega nos presenta una España asolada por un virus mundial similar a la rabia que transforma a la gente en criaturas agresivas de aspecto parecido a los zombis.

Bajo este escenario conocemos a Manel, un joven afligido por la muerte de su mujer en un accidente que, bajo la recomendación de su hermana, trata de reunirse con ella en Canarias.

Pero cuando el plan fracasa, se da cuenta que la única salida es construir una fortaleza en su casa para tratar de sobrevivir al apocalipsis.

Sin embargo, pronto él y su gato Lúculo se verán obligados a abandonar el lugar y hacer un viaje de supervivencia por España donde irán conociendo diversos compañeros de aventuras que les serán de gran ayuda.

De qué trata Apocalipsis Z: Nuevo mundo

Por su parte, la secuela nos muestra cómo, tras los eventos de la primera entrega, ahora las Islas Canarias son el último refugio de Europa tras el brote del virus TSJ, pero todavía quedan asuntos pendientes por realizar en la península.

Cuando una misión especial parte hacia la península en busca de suministros vitales, un joven llamado Roberto se une al equipo con dudosas intenciones.

Pronto, la peligrosa operación se transforma en una carrera desesperada por la supervivencia, y el grupo se encontrará entre hordas de infectados y lealtades divididas.

La cinta cuenta en su reparto con José María Yazpik (Futuro desierto), Carlos Alcaide (La agencia), Mónica López (Cronos), Julia Martínez (La luz), Berta Vázquez (Pequeños calvarios), Tamara Casellas (Morir no siempre sale bien), Santiago Vaca Narvaja (La sociedad de la nieve) y Javier Godino (Adiós Madrid), entre otros.

Apocalipsis Z: Nuevo mundo se estrena en el catálogo de Prime Video el próximo 30 de octubre de 2026. ¿Qué te ha parecido el nuevo tráiler de la película?

Los Javis sorprenden con su propia La bola negra, su obra más madura hasta la fecha: una reflexión emotiva sobre la homosexualidad a lo largo del tiempo desde la perspectiva de dos familiares separados por las circunstancias, la vergüenza y el miedo y unidos por la ficción: esas páginas que completan la historia de un joven que se niega a sí mismo, como tantas otras personas arrojadas a los márgenes de la historia por ser distintas.

La película es compleja e irregular, con momentos de enorme virtuosismo poético y otros que se antojan gratuitos y aportan en verdad poco al trasfondo, que es la material verdaderamente conmovedor de la narración. Sus cerca de dos horas y media de duración y sus abundantes excesos, con una recreación constante en los cuerpos desnudos y secuencias casi oníricas, hacen que se diluya un poco el impacto de los hechos y la gravedad de la materia tratada.

No falta nada pero quizás sí sobran más de dos cosas que ponen de relieve la ambición voraz de estos dos creadores que se suben a lomos de gigantes para realizar un trabajo interesantísimo de "arqueología emocional", desenterrando tanto historias de amor como cadáveres que quedaron enterrados en las cunetas o en la nieve, pasando frío. Es una reivindicación de la memoria histórica pero también, de algún modo de la "memoria queer".

Las referencias estilísticas están por doquier, con alusión directa a uno de sus pilares: Pedro Almodóvar (El Deseo produce) e indirecta con esa breve muestra de una cortina de cristales azules que hacen que se active en nuestra mente el recuerdo del marco de fotos de La flor de mi secreto, metáfora entonces de la ruptura y nueva vuelta de tuerca para esa forma, el círculo, que tantas veces se repite en el metraje en obras de arte que muestran agujeros en el pecho, en claraboyas rotas que nos remiten a la gelidez de la nieve y en la caída de cientos de orbes negros que avanzan un destino trágico.

"El corazón de un maricón es un océano de secretos"

Alberto es un historiador que trabaja en su tesis doctoral cuando recibe la noticia de que su abuelo ha fallecido y le ha dejado algo que solo él puede recoger. Emprende viaje a Cantabria donde descubre de qué se trata. Así conocerá la historia de un hombre ausente en su vida pero con el que comparte más cosas de las que había llegado a sospechar.

En 1937 su abuelo pasó a formar parte del bando sublevado después de que su pueblo fuera tiroteado. Así terminaría siendo el guardián de un soldado republicano abatido en el frente que, como muchos otros, sería atendido para poder ser interrogado y después fusilado. De una manera fortuita, los hilos del destino se tejerían para que gracias a aquel encuentro, sobreviviera la obra de teatro de Lorca.

La bola negra es el segundo largometraje de "Los Javis" después de su debut en 2017 con La llamada y se puede decir que han tenido en el mundo de la televisión una escuela que les ha llevado a dar el estirón. Paquita Salas, Veneno, Cardo, La Mesías e incluso el documental Pedro x Javis les han llevado a experimentar con las formas, el lenguaje audiovisual y esa memoria queer de la que hablábamos teniendo siempre en el foco la reivindicación de la libertad y la diversidad.

De nuevo ahora ese es el eje fundamental, al intentar calar en la piel de ese personaje ideado por Lorca, Carlos, que se duele de no haber podido siquiera empezar a vivir antes de recibir el estigma que le aboca al ostracismo.

También revisitan el musical aunque brevemente con las apariciones de una Penélope Cruz que se come la cámara con su desparpajo y su dominio del escenario.

Con sus altibajos y una forma muy ecléctica (también en la magnífica banda sonora que apuntala el recorrido emocional de los personajes), La bola negra es un soplo de aire fresco en más de un sentido. Podría funcionar mucho mejor con un montaje más contenido y centrado pero, a pesar de contar con un epílogo algo estirado y de pasar de momentos sublimes a otros menos ampulosos, hay que reconocerle su valor artístico y su voluntad transgresora. Al discurso no se le puede quitar una coma, pero algo de contención a veces, una insinuación, una cierta sutileza, es más elocuente que otros medios más directos de interpelar al espectador. Ojalá El cautivo hubiera recibido una acogida solo parecida, tienen más en común de lo que parece.

Bajo la dirección de Carles Torrens (Sky Rojo, Emergo, Animal de compañía), la trama de la primera entrega tiene lugar en una España asolada por un virus mundial similar a la rabia que transforma a la gente en criaturas agresivas de aspecto similar a los zombis.

Con esta premisa se nos presenta a Manel, un joven afligido por la muerte de su mujer en un accidente que, bajo la recomendación de su hermana, trata de reunirse con ella en Canarias.

Pero cuando el plan fracasa, se da cuenta que la única salida es construir una fortaleza en su casa para tratar de sobrevivir al apocalipsis.

Sin embargo, pronto él y su gato Lúculo se verán obligados a abandonar el lugar y hacer un viaje de supervivencia por España donde irán conociendo diversos compañeros de aventuras que les serán de gran ayuda.

Para abrir boca (nunca mejor dicho), el servicio de transmisión ha lanzado el primer teaser de Apocalipsis Z: Nuevo mundo, el cual puedes echar un ojo a través del vídeo que te dejamos a continuación.

Qué podemos esperar en Apocalipsis Z: Nuevo mundo

De nuevo con Carles Torrens en la dirección, la trama de la cinta tiene lugar después de los eventos de la anterior entrega. Ahora las Islas Canarias son el último refugio de Europa tras el brote del virus TSJ, pero aún quedan asuntos pendientes por realizar en la península.

Cuando una misión especial parte hacia la península en busca de suministros vitales, Roberto se une al equipo con dudosas intenciones. Pronto, la peligrosa operación se transforma en una carrera desesperada por la supervivencia, y el grupo se encontrará entre hordas de infectados y lealtades divididas.

El elenco de la cinta cuenta en esta ocasión con José María Yazpik (Futuro desierto), Carlos Alcaide (La agencia), Mónica López (Cronos), Julia Martínez (La luz), Berta Vázquez (Pequeños calvarios), Tamara Casellas (Morir no siempre sale bien), Santiago Vaca Narvaja (La sociedad de la nieve) y Javier Godino (Adiós Madrid), entre otros.

Apocalipsis Z: Nuevo mundo será presentada en el Festival de Cine Fantástico de Sitges el próximo 10 de octubre de 2026, y estará disponible en el catálogo de Prime Video a partir del 30 de octubre. ¿Qué te ha parecido este primer avance de la película?

Rodrigo Sorogoyen con El ser querido, Alauda Ruiz de Azúa con Los domingos y Los Javis (Javier Ambrossi y Javier Calvo) con La bola negra eran los finalistas en la preselección final.

Pero esto es como Los inmortales: solo puede quedar uno. La Academia ha anunciado oficialmente que La bola negra será la película que represente los intereses del cine español en la 99.ª ceremonia de entrega de los Óscar, programada para el 14 de marzo en el Dolby Theatre de Los Ángeles. Será la última edición de dos dígitos de los casi centenarios galardones.

La película ya disfruta de bastante proyección internacional, lo que la hacía más elegible para representar a España. La bola negra les valió a los Javis el premio a la Mejor dirección en el pasado Festival Internacional de Cine de Cannes, donde también estuvo nominada a la Palma de Oro.

La bola negra va a los Óscar 2027

La película de los Javis es una adaptación de la obra de Alberto Conejero que, a su vez, se basa en una idea de Federico García Lorca. Sigue a tres hombres de diferentes épocas conectados a través del tiempo por la sexualidad y el deseo, el dolor y la herencia.

En el elenco encontramos a Guitarricadelafuente, Miguel Bernardeau, Carlos González, Penélope Cruz, Glenn Close, Milo Quifes, Lola Dueñas, Yenesi, Julio Torres, Lorenzo Zurzolo, Antonio de la Torre y Natalia de Molina, entre otros.

Por supuesto, este es solo el primer paso de La bola negra hacia el Óscar. La película de los Javis aún tiene que colarse en las listas cortas de la Academia de Hollywood y luego recibir la nominación final. Las listas cortas empezarán a ver la luz a mediados de diciembre, mientras que el anuncio de los nominados está previsto para el 21 de enero de 2027.

Seguiremos con interés el proceso de nominación para ver si La bola negra llega hasta la lista final y si los Javis estarán en el Dolby Theatre en marzo de 2027 para, con suerte, subir a recoger una estatuilla. La película se estrena en cines la semana que viene, el 25 de septiembre.

El humor, heredero de la tradición de Berlanga, tira de retrato de costumbres, mostrando distintos estereotipos que van a ver cómo todo se tambalea: la líder, el pelota, el veterano que acaricia con la yema de los dedos la jubilación anticipada... Todo un ecosistema muy familiar, a nuestro pesar, en el que la honestidad y valores como el trabajo en equipo parecen una chanza cuando se ponen a prueba de veras.

Que comiencen los juegos del hambre

Olga acaba de reincorporarse a su trabajo tras agotar su baja por maternidad: está llena de energía y ávida de conseguir un preciado ascenso pero las cosas no van a desarrollarse como ella desea.

Tío Mochales, su empresa, atraviesa ciertos problemas: hace años era líder en el sector del queso local, pero en la actualidad apenas consigue mantener las apariencias. La última gran idea de la directora es organizar un retiro rural obligatorio con la excusa de fomentar los valores de la compañía en el pueblo donde se fundó la firma.

No obstante, al poco de llegar, ella y sus compañeros descubren que todo era una trampa para obligarlos a competir entre ellos: se avecinan despidos y lo que prometía ser una escapada motivadora se va a convertir en una enorme piscina de barro en la que las traiciones, los rumores y las trampas sacarán lo peor de todos ellos.

Gracias, equipo es una película que aborda temas de rabiosa actualidad como la precariedad laboral, el lenguaje engañoso de los departamentos de recursos humanos y radiografía el clima empresarial cuando se enrarece a la vista de recortes de personal. Aquí no hay glamour ni grandes despachos, sino una oficina destartalada que huele a rancio y se asemeja bastante más al día da día de las pymes españolas. Especialmente acertadas e hilarantes resultan las descripciones de los trabajadores a los que se evalúa por un sistema de colores y las supuestas necesidades de una compañía en apuros para salir del fango.

Cuidado, que las críticas se lanzan en todas direcciones y hay espacio para darle caña a todo dios, siempre desde el humor: a los perfiles dañinos de currantes que se acomodan en su puesto sin más aliciente que sacar tajada, aquellos que buscan medrar a toda costa, sin escrúpulos a la hora de obtener beneficios y pisar cabezas o quienes deciden saltarse las normas a la torera, por no hablar de los que tienen cogido el puesto con los dientes y están dispuestos a vender hasta a su abuela para mantenerse en una posición de privilegio. Reciben también lo suyo los sindicalistas y los que rehúyen del sindicato como de la peste. Y de paso hay también hay una reflexión sobre cómo afecta la maternidad a la carrera profesional de las mujeres y la carga adicional que supone tener que estar permanentemente demostrando su valía... ergo hay reflexiones sobre la conciliación y la asunción de roles sociales por descontado.

La verdad es que hay momentos que podrían haber salido del lápiz de Ibáñez en los que se retrata la miseria humana con una comprensión y un recochineo muy reconocible. ¿Es la película más ingeniosa del año? Pues no, pero no es menos cierto que tiene poco de entretenimiento inofensivo y más de realidad dolorosa de lo que nos gustaría tener que admitir.

La película le saca partido al reparto, que se ajusta bastante bien a sus respectivos roles: Maribel Verdú, Alexandra Jiménez, Pedro Casablanc, Blanca Martínez y Raúl Tejón ponen en pie el núcleo duro de la historia pero Pepe Viyuela y Saturnino García asoman en un par de momentos gamberros que son memorables.

El director de películas como Solo regresa a la dirección de largos tras ocho años de ausencia en los que ha estado más centrado en series como Dime tu nombre o documentales como el soberbio El desafío: ETA. Stuven también coescribe el guion junto a Santiago Lallana y César de Nicolás.

El nido sigue a Marta, el personaje de Jenner, una madre que ha desarrollado un pánico atroz por el mundo exterior y se ha obsesionado con proteger a su madre y su hijo en la casa familiar; quieran ellos o no. La inesperada llegada de un hombre al lugar desata en ella su lado más agresivo.

Además de Michelle Jenner, a quien escuchábamos hace nada en Tadeo Jones y la lámpara maravillosa, El nido cuenta en su elenco con Luisa Gavasa, Pablo Derqui, Dylan Radley y Morgan Symes.

Michelle Jenner no se anda con chiquitas en El nido

Con El nido a puntito de estrenarse en los cines de toda España, en HobbyCine te traemos en exclusiva una escena de la película para que veas lo que pasa si entras en casa de Marta sin que ella te dé permiso; y no te lo va a dar.

La escena refleja la llegada de Velasco al hogar de la familia, que tiene un extraño sistema de raíles por todo el suelo. A pesar de la calma y tranquilidad que intenta transmitir mientras busca señales de vida, no es capaz de aplacar a Marte, que aprovecha la ocasión en cuanto se presenta para dejarlo fuera de combate.

A priori, la situación puede parecer lógica, pero habiendo visto más de la película, entiendes que el personaje de Michelle Jenner ha llevado a límites extremos su obsesión con proteger a sus familiares. Claro que la situación se volverá aún más extraña.

Si quieres saber cuánto más, ya sabes: desde mañana puedes ver El nido en cines y descubrir si hay motivos para que Michelle Jenner se encierre en casa y viva como en el siglo XIX.

En esta ocasión, la plataforma ha decidido estrenar la cinta en las salas de cines antes de ser incorporada al catálogo del servicio de transmisión, pues apunta a ser uno de los títulos favoritos de cara a próximas entregas de premios.

Para abrir boca, la gran N ha lanzado el póster y las primeras imágenes oficiales de El niño, las cuales te agrupamos a través de la siguiente galería.

Qué podemos esperar en El niño, la nueva apuesta de Netflix por el cine español

Protagonizada por Belén Cuesta (La trinchera infinita, La casa de papel) y Karra Elejalde (Ocho apellidos vascos, Mientras dure la guerra), la trama de esta película dramática está basada en hechos reales y sigue la historia de Mariaje y Nicasio, madre y abuelo de uno de los niños que fallecieron en la explosión de gas en un pueblo de Vizcaya en octubre de 1980.

"Esta tragedia conmocionó a ese pueblo y a toda España, y cambió sus vidas para siempre. En un viaje marcado por emociones inesperadas, Mariaje y Nicasio buscan y encuentran su propia forma de superar la pérdida", detalla su sinopsis.

El elenco de la cinta se completa con Pep Ambròs (El cuerpo en llamas), Raquel Ferri (Los renglones torcidos de Dios), Joan Solé (Nos vemos en otra vida), y Alex Infantes (El cuco de cristal).

El niño se estrena en las salas de cine el próximo 13 de noviembre de 2026, y estará disponible en el catálogo de Netflix a partir del 27 de noviembre. ¿Qué te ha parecido este primer vistazo de la película?

Una puesta de largo clásica ya después de haber ido completando hitos en la dirección como directora de segunda unidad o ayudante de dirección de cuatro proyectos cortos previos.

Estamos ante una película atmosférica en la que cada pequeño detalle o gesto está medido para provocar un impacto en el espectador. Es una cinta sutil, reposada y de ritmo pausado en el que la calidez y frialdad de las estancias nos da mucha información sobre el estado de ánimo de los personajes y donde las apariciones no tienen la finalidad de ser tenebrosas sino solo la insinuación de una presencia que se hace notar igualmente por su defecto: el sabor de una receta que no se puede replicar, la costura sin rematar o el aroma que queda como rastro final en un vestido en el armario.

Hay quien hace cine y hay quien hace poesía: Aleñar combina ambas artes apoyándose en la interpretación de Zoe Stein, una musa peculiar que a sus 26 años sigue dando bien en cámara como adolescente y cuyo personaje transforma su duelo en un juego de espejos que potencialmente puede parecer malsano y abre una puerta hacia lo perturbador.

Papeles como el de Mantícora la posicionaban en un lugar similar. Algo tiene esta actriz que embelesa incluso desde el mutismo. El otro pilar de la película es el veterano Lluís Homar que explora la vulnerabilidad de su personaje con verdadera destreza.

Un verano diferente

Catalina y su hermana visitan a sus abuelos en la playa y disfrutan del sol, los paseos en kayak y del apacible paso del tiempo cocinando y haciendo escapadas. Es un verano luminoso en el que las vistas desde su casa son espectaculares.

Una noche, al volver a casa, Catalina encuentra el cadáver de su abuela tirado al pie de las escaleras y queda en estado de shock, sin saber qué hacer. Toca asimilar su ausencia, acompañar a su abuelo y recibir a su consternada madre, que tensa mucho las relaciones familiares.

Un gesto fortuito como ponerse uno de sus vestidos, será el detonante de que Catalina pase a ocupar el espacio de su abuela provocando un terremoto emocional en su entorno que, por una parte, la echa mucho de menos pero, por otra, lo siente como algo enfermizo y antinatural.

Forastera no es una película de extensos diálogos ni afectada banda sonora, sino que se mueve en el terreno de la levedad y la sutileza. Asimilamos un simple reflejo que flota por toda la casa como esa alma que se niega a retirarse para siempre por sentir que aún pertenece al lugar del que ha partido de improviso.

Lo mismo sucede con el presentimiento que aflora en un fluorescente que parpadea o en un pensamiento furtivo que nos hace teer una tragedia. Es fácil comprender la frustración de ese último postre atesorado en papel de film elaborado por unas manos que ya no están ni estarán más.

Forastera es una colección de sensaciones humanas que no son fáciles de trasladar sin palabras. Su principal valor es ser muy evocadora desde una tremenda sencillez y saber tocar teclas muy profundas sin grandes artificios.

Aquí no es necesario hacer uso de efectos especiales para hablar de fantasmas como tampoco hay necesidad alguna de hacerlo desde el temor o la angustia. Muy al contrario, la película propone un viaje interno hacia la búsqueda de la identidad y la superación de la pérdida con un duelo que no se basa en derramar lágrimas sino en recuperar la memoria. El espectador tendrá que decidir cuánto hay de sobrenatural en este proceso o si se trata simplemente de una simbiosis psicológica.

Por el camino, la directora demuestra su ingenio moviendo la cámara de manera insinuante y proponiendo breves instantes de lo que solo podemos definir como destellos de magia en los que "sentimos" que los personajes no están solos.

Esta coproducción entre México y España nace de la colaboración entre Huevocartoon Producciones y 3Doubles Producciones, con los directores de Huevos en Corto: Las animaciones clásicas al cine, Rodolfo Riva-Palacio Alatriste y Gabriel Riva Palacio Alatriste.

Gungo y los juegos cavernícolas nos lleva a la Edad de Piedra, una época marcada por la vida de la humanidad en clanes cerrados donde, con frecuencia, había que disputarse el liderazgo. De modo que la fuerza bruta era uno de los requisitos indispensables para que no te comieran vivo (y con la fauna que había, lo de "comer" es literal).

Se ha confirmado que la versión para España contará con la voz de Mikecrack (Miguel Bernal) para uno de los personajes, junto a él estarán Dagar, Rubén Uría y Nacho Donado.

Los juegos más desafiantes de la prehistoria

En HobbyCine tenemos el gusto de compartir contigo en exclusiva un nuevo póster de Gungo y los juegos cavernícolas para que te vayas familiarizando con los personajes de la peli. Te lo dejamos a continuación, junto con la sinopsis oficial:

"Gungo es considerado el cavernícola más débil de la tribu, pero como es el hijo del jefe, cree que tiene el futuro asegurado y que no debe demostrar su valía de ninguna manera. Sin embargo, es traicionado por un grupo de rebeldes que quieren usurpar el poder y es expulsado a tierras inhóspitas donde no hay nada.

Para sobrevivir y desenmascarar el complot en su contra, deberá encontrar su verdadera fortaleza interna, liderar a un grupo de inadaptados y competir en los brutales Juegos Cavernícolas, reservados para los más fuertes. Porque cuando tocas fondo… solo queda picar piedra para subir poco a poco".

Podrás saber si Gungo logra encontrar su fuerza interior a partir del 30 de octubre, cuando Gungo y los juegos cavernícolas llegue a los cines de toda España.

Y no lo hace desde un modo amable como el de la serie El pueblo sino que deja completamente al margen al humor para desarrollar una historia en la que se muestra la importancia de los lazos de dependencia entre los individuos entre los que hay una suerte de mentalidad de colmena con un líder y un grupo en el cual cada uno tiene unas funciones muy bien delimitadas.

Es una obra de ficción pero a la que le preocupa el factor antropológico de modo que se retratan usos y costumbres, algo que permea la banda sonora y la puesta en escena de la película. También se deja notar a nivel argumental en la medida en que los personajes están "atrapados" sin la posibilidad de relacionarse con el exterior con libertad y con un estricto control de sus comunicaciones.

Reparto coral, atmósfera asfixiante y una historia que no te lo da todo mascado sino que te invita a recomponer el pasado de los protagonistas para hacerte una idea de cuál es su presente.

El bien común

Nos desplazamos a una aldea aislada de la Comunidad Valenciana en la que un grupo de personas vive de manera voluntaria y autónoma. Se trata de un asentamiento autosostenible en el que cada miembro tiene unas funciones bien definidas de tal manera que todos son imprescindibles para mantener el equilibrio.

Sin embargo, alguien ha querido boicotear la comunidad matando a un cordero y arrojándolo al aljibe del que se extrae agua potable. La contaminación les obliga a desechar esta forma de obtener agua, teniendo que desplazarse varios kilómetros hasta el río para obtenerla.

La solución es reclutar a Lluc, un ingeniero de caminos que se encuentra en horas bajas y accede a pasar allí unos meses hasta canalizar el agua del río hasta una fuente en el pueblo. Lo que en principio le parece una suerte de paraíso terrenal formado por individuos que se apoyan unos en otros por un bien común, pronto se torna una realidad muy distinta con abusos de poder y una malsana relación entre los distintos integrantes de una comunidad podrida. La pregunta es: ¿conseguirá salir de ella? ¿A qué precio?

En un mundo hiperconectado en el que estamos tan pendientes de la realidad como del plano digital en el que gestionamos nuestra reputación y cultivamos nuestras relaciones sociales, se nos propone hablar de la convivencia en su estrato más primigenio, restando de la ecuación al móvil y todo lo que trae consigo: redes sociales, medios de comunicación, respuestas fáciles obtenidas mediante IA...

Enjambre nos habla de "echarse al monte" dejando de lado las comodidades y garantías de la civilización: no hay hospital, no hay policía, no hay más que un grupo de personas que se dotan a sí mismas de unas normas para tratar de salir adelante. Es una versión utópica de la existencia que solo puede funcionar a base de la renuncia individual y un gran espíritu de sacrificio pero que parece también conllevar los mismos problemas que el "sistema" pero a pequeña escala.

La película se desarrolla mediante una mirada externa de un testigo que ingresa por propia voluntad y con un fin determinado o, lo que es lo mismo, una visita con fecha de expiración. Hasta que se enreda en el enjambre y empieza a tejer sus propias relaciones. Buenas interpretaciones, por cierto, encabezadas por Pablo Molinero y Cristina Fernández Pintado pero entre las que también destacan las de Pablo Derqui, Gloria March o Jordi Aguilar.

El debate está servido: bajo la trama principal que sigue la historia del protagonista, está el sustrato más interesante que nos invita a la reflexión sobre el poder y la libertad individual, el papel protector (que no paternalista) del Estado que debería defendernos de los abusos y promover la igualdad social y, sobre todo, la forma en la que nos hemos ido separando de la naturaleza hasta encontrarla casi como una extraña en nuestras vidas.

Toda una serie de cuestiones muy interesantes y pertinentes que enriquecen la historia y pueden llegar a ser incluso más interesantes que la resolución misma de la aventura. Lo mismo Enjambre tiene también alma de documental, sobre el que se ha superpuesto la capa del thriller casi como excusa para existir....

Se hacen cargo del guion Cristóbal Garrido y Adolfo Valor, creadores, precisamente, de La vida breve y Días mejores. Esta vez, toman una situación digna de un episodio de The Office: una sesión de team building que contrasta con una inminente ronda de despidos en una compañía.

Como buena comedia sobre el lugar de trabajo, Gracias, equipo presentará a un variopinto grupo de empleados, cada cual con su propia situación personal y profesional, que afrontan de maneras muy dispares la propuesta de la compañía.

El elenco estelar de la película de Netflix incluye a Alexandra Jiménez (53 domingos), Maribel Verdú (El problema final), Pedro Casablanc (Salvador), Raúl Tejón (Machos Alfa), Ismael Fritschi (Infiesto), Blanca Martínez (Todas las veces que nos enamoramos), Víctor Rebull (La reina del sur), Saturnino García (Los años nuevos) y Pepe Viyuela (Aída y vuelta).

Netflix arranca el curso con un poco de team building

Con el estreno de Gracias, equipo a poco más de dos semanas, Netflix España y Zeta Studios han lanzado el tráiler oficial de la película para ir calentando el ambiente. Puedes encontrarlo a continuación, y también la sinopsis oficial:

"La empresa Tío Mochales fue, hace años, la reina indiscutible del queso español. Hoy es una empresa algo oxidada que intenta mantener el tipo. Su última gran idea: organizar un team building rural en el pueblo donde la empresa se fundó.

Pero lo que debía ser un retiro para reconectar con ‘los valores de siempre’, se convierte en una encerrona cuando descubren que se vienen despidos, y muchos.

Lo que prometía ser una escapada motivacional se convierte en una batalla campal de peloteo, traiciones y filtraciones. Una comedia negra sobre oficinas en decadencia, directivas sin escrúpulos y trabajadores que ya no están para perder el tiempo en las moderneces de los team buildings".

Gracias, equipo llega a Netflix el 11 de septiembre con una propuesta divertida para hacernos pasar un buen rato. Pero no en plan team building; sino un buen rato de verdad.

Hablamos hoy de esta cuarta entrega en formato de largometraje, que es la más satisfactoria hasta la fecha gracias a un sentido del humor algo más depurado, una historia enternecedora que emociona mucho más que las anteriores y un diseño de los personajes muy acertado.

De alguna manera da la sensación de que busca menos la aprobación internacional (esos galones ya los tenía ganados puesto que el personaje ha tenido una proyección muy amplia) y se centra más en la historia en sí y en la construcción de los personajes. El resultado es una mejora notable en todos los aspectos y por tanto da pie a una grata experiencia de visionado.

Tadeo madura y viaja en el tiempo

Tadeo, Sara, Oli y Momia forman una curiosa familia, aunque la llegada de la pequeña haya desplazado a Momia y lo lleve francamente mal.

Mientras están de vacaciones en Londres, siguen la pista de un objeto único como es la lámpara maravillosa de Las mil y una noches dentro de la cual vive encerrada una genia que concede tres deseos a aquel que la frote y la haga emerger de su escondite.

Cuando Momia pide, en un ataque de celos, regresar al pasado para revivir la época en que era joven y adorado por todos, desata también un problema temporal: Tadeo y Sara tienen que evitar que Momia cambie el curso de la Historia y llevarlos a todos de vuelta a su época intactos. Pero ésta no será una tarea fácil y pondrá a prueba el espíritu de sacrificio de todos ellos.

El regustillo cinéfilo de Tadeo Jones queda más patente que nunca con una introducción que enlaza con las producciones que Alfred Hitchcock presentaba con su plano de perfil, parodiado por Belzoni, pero también cuenta con un festival de referencias que nos llevan de Mad Max a Regreso al futuro pasando por Titanic y Parque Jurásico o, por supuesto, Aladdin.

El objeto mágico, la lámpara maravillosa, dará pie no solo a toda la aventura como claro motor del conflicto principal, sino también a apariciones estelares como la de un Cristóbal Colón muy especial que cuenta con la voz de Carlos Latre en el doblaje (y que hace doblete, por cierto, al hacerse cargo de un Belzoni que aparcará los letreros para hablar por primera vez). De la genia de la lámpara se hace cargo, con muchísimo sentido del humor, la gran Petra Martínez, uno de los mayores aciertos de una película que conjuga muy bien los elementos que pueden hacer gracia a los peques y otros destinados a un público más maduro.

Aunque el mix de arqueología, datos históricos y fantasía sea a veces un verdadero gazpacho, Tadeo Jones y la lámpara maravillosa consigue superar un hito introduciendo algunos aspectos que a día de hoy nos preocupan e incomodan como el intrusismo de la tecnología o la amenaza de la IA como suplantadora de las habilidades humanas, sin descuidar el humor ni hacer trastabillar el arco narrativo principal.

La excusa es un viaje en el tiempo de consecuencias tremendas, pero el corazón lo ponen los lazos de amor y amistad que unen a los personajes y los hacen inseparables, por más que se interponga entre ellos el paso de tiempo. Atentos a los créditos finales, que también tienen su miga.

Enrique Gato demuestra con esta película su infinito amor por un personaje con el que lleva conviviendo más de dos décadas y que se ha convertido en el más fiel de sus compañeros. Los guionistas Manuel Burque y Josep Gatell refinan la fórmula y consiguen que las referencias patrias convivan con mayor armonía con el espíritu de aventura de una película que lo tiene todo para triunfar en esta recta final del verano.

Si comparten algo más es la entrega absoluta de sus respectivos repartos a las visiones de sus directores, materia de interés para ambas películas en la medida en que los protagonistas son, asimismo, directores de cine que pasan la realidad por el tamiz de la ficción. Y hasta ahí las concomitancias: ni el trasfondo, ni la forma, ni el tono o las implicaciones emocionales se parecen en absoluto.

Rodrigo Sorogoyen, experto en crear escenas de alta tensión, se desmarca con una película muy amarga, compuesta por desencuentros, silencios densos, miradas no correspondidas y conversaciones vagas que al espectador le toca recomponer como un puzle para hacerse su propia composición de lugar.

Con estos mimbres ya se apreciará que estamos ante una película difícil en la que es tan importante lo que se dice como lo que se calla, que exige atención constante y pone el foco principalmente en los dos personajes principales interpretados con maestría por Javier Bardem y Victoria Luengo.

Debajo de todas las máscaras

Esteban Martínez es un exitoso director de cine con dos premios Óscar y una larga carrera dedicada a su pasión por filmar. Con el paso del tiempo se ha convertido en una leyenda no solo por su talento en el set de rodaje sino también por un pasado marcado por la violencia y los excesos.

Su nuevo proyecto, una historia de amor y traición en el Sáhara colonial de 1932, le lleva a contactar con su hija, una joven actriz de la que lleva alejado más de una década. Su primer encuentro es algo tenso: ella no sabe qué contestar a su oferta de relanzar su carrera haciéndose cargo de uno de los roles protagonistas y claramente tienen recuerdos muy distintos de su infancia.

Tras aceptar el papel y desplazarse a Fuerteventura para el rodaje, tendrán que convivir en el set durante más tiempo del que han estado juntos nunca. Por una parte esto les llevará a tener una complicidad y cercanía inusitada, pero por otra dará pie a que se reabran viejas heridas y sus egos choquen dinamitando el ambiente colaborativo de un trabajo tan coral como el del cine.

El ser querido es una de esas obras que ponen en valor el cine dentro del cine: muestra cómo interfiere la esfera de lo personal en el plano profesional sobre todo con unas dinámicas de poder tan rígidas como las que exige un rodaje en el que todo está supeditado en última instancia al director, que tan fácilmente puede convertirse en un cacique.

De manera transversal la película toca aspectos que son de gran interés para el propio Javier Bardem: desde la situación del Sáhara hasta su conflictiva relación con los medios de comunicación, más interesados en la vida personal de su personaje que en su trayectoria profesional, algo que ha vivido en sus carnes y le ha llevado a establecer muchos cortafuegos.

Por desgracia El ser querido tiene un problema gigantesco: es fácil entusiasmarse con la forma en que se está narrada porque Sorogoyen maneja la puesta en escena, los tiempos y la cámara como pocos directores pero no consigue emocionarnos ni, peor aún, comprender por qué se emocionan los personajes que pueblan esta historia en su tramo final.

Se entienden los conflictos, hay interesantes lances dialécticos entre los protagonistas y por momentos se mastica la tensión, pero la película deja cierta sensación de quedar inconclusa por no poder o no saber cómo resolver la ecuación. Como es marca personal del director, aboga por los diálogos naturales y la búsqueda de la verosimilitud, pero esta vez parece un poco más impostado de la cuenta echando mano de recursos que terminan incluso tornándose contraproducentes como los abundantes primerísimos primeros planos o los cambios de formato y color.

Tocamos hueso, entramos en el trauma de ella y los remordimientos de él pero da la sensación de que la película está cociendo a fuego lento un clímax que no llega nunca y queda por tanto bastante fría en el apartado emocional.

El ser querido habla de la trascendencia del cine y de cómo queda inmortalizado para siempre a la vez que lo hace la propia experiencia personal de quienes atraviesan el periplo de filmarlo, pero aquí no llegamos a ver en qué se traduce esa vivencia ni si llega a ser en verdad a ser trascendente para quienes la han pasado. Así que es hasta difícil saber cómo se supone que tenemos que sentirnos dos horas y cuarto después de entrar en el cine. Confusos, seguro.

El cineasta madrileño se atreve con todo tipo de formatos y géneros, lo que le ha llevado a producir auténticas joyas tanto en la gran pantalla como en la pequeña.

En esta ocasión nos vamos a centrar exclusivamente en películas y series que hayan tenido a Rodrigo Sorogoyen como director, excluyendo, por tanto, cortometrajes -donde también ha sido premiado- y documentales.

Eso sí, no incluimos de momento El ser querido en este listado, que se estrena en unos días y todavía tiene muy pocos votos.

Hoy, en HobbyCine, destacamos todas las películas y series de Rodrigo Sorogoyen y las ordenamos de peor a mejor en función de su valoración en FilmAffinity.

Vida loca

Incluso los reyes Midas del audiovisual tienen tropiezos, y uno de los cosechados por Rodrigo Sorogoyen fue en 2011 con Vida loca, una sitcom que no duró más de una temporada.

Mediaset se creció con este tipo de series gracias al fenómeno de La que se avecina, y sacó adelante la historia de una pareja de divorciados que tratan de seguir adelante en San Sebastián con sus respectivas nuevas familias, aunque con la constante presencia de sus "ex".

Lo que no fue constante fue la tendencia en audiencia de la serie, que se fue hundiendo en Telecinco hasta que Mediaset determinó que con los 20 episodios de la temporada 1 fue suficiente.

Vida loca fue fruto de una época en la que Sorogoyen desarrolló un gusto intenso por las series de comedia, aunque el 2,0 de nota que tiene en FilmAffinity disuade a cualquiera de darle un tiento.

Rabia

Un tono más serio llegó en 2015 con otra serie, Rabia, que se emitió en Cuatro y que contó con ocho episodios que casi pudieron ser una premonición de la pandemia de coronavirus.

Pero a la serie le faltó impulso y se quedó en un modesto 3,6 que, en parte, se debe a que su temática se alineó con The Walking Dead, que venía de su mejor momento.

Impares e Impares Premium

Como decimos, Rodrigo Sorogoyen prueba de todo, y los sketches no se libran. En 2008, se unió a Peris Romano para lanzar Impares, una serie sobre una agencia para buscar pareja donde los clientes son de lo más variopinto.

Duró dos temporadas en antena 3, y luego dio lugar a su secuela, Impares premium, cuya premisa es igual, pero la agencia se dedica a la terapia de parejas ya establecidas.

La serie original se llevó un 4,4 en FilmAffinity, mientras que su secuela se quedó a las puertas de igualar la nota, con un 4,3 de media. Ya estamos cerca del aprobado raspado.

En casa

Hablábamos antes de la pandemia de coronavirus, y es algo que tanto Rodrigo Sorogoyen como otros cineastas y estrellas del panorama nacional tuvieron que lidiar.

Con el mundo casi parado, Sorogoyen forma parte del equipo y el elenco de En casa, una serie que aborda la cuarentena desde diferentes géneros.

En encierro obligatorio al que se vio sometida la población en 2020 es el contexto general de la serie, pero no impidió a sus implicados ser creativos con algunas historias muy locas.

Sus cinco episodios se emitieron en la entonces HBO, que hoy ya es Max. Con un 5,1, En casa es la primera entrada de nuestra lista que aprueba según los usuarios de FilmAffinity, aunque por poquito.

La pecera de Eva

Cuatro temporadas y más de 200 episodios duraron las consultas de la doctora Eva Padrón (Alexandra Jiménez) en Telecinco, ayudando a adolescentes a superar distintos problemas.

Rodrigo Sorogoyen fue uno de los directores de La pecera de Eva entre 2010 y 2011, con el ritmo de producción frenético propio de las teleseries, como era el caso.

Al igual que En casa, La pecera de Eva se queda con un 5,1 de media en FilmAffinity, pero ya empezamos a meternos en la parte seria de nuestra lista.

Historias para no dormir

¿Echabas en falta el terror? No te preocupes, que ya ha llegado con otra de las series estrella que han contado con Rodrigo Sorogoyen como director.

Nos referimos a Historias para no dormir, donde el director se encargó del brillante episodio El doble para llevar una buena ración de escalofríos al catálogo de Prime Video.

Historias para no dormir ostenta un 5,2 en FilmAffinity, pero si nos ceñimos al episodio de Rodrigo Sorogoyen en cuestión, se queda ligeramente por debajo, con un 5,7. Si el capítulo hubiese sido una foto fija viendo llegar los impuestos… uff, eso sí que quita el sueño.

Frágiles

Seguimos escalando en el listado con Frágiles, la serie de Telecinco que se emitió entre 2012 y 2013 y que tuvo 16 episodios repartidos en dos temporadas.

Santi Millán interpretaba a un fisioterapeuta que, además de aplicar los cuidados físicos al cuerpo, ayudaba psicológicamente por su convicción de que cuerpo, mente y alma están intrínsecamente conectados.

Un 5,5 de nota media en FilmAffinity deja a Frágiles a las puertas de las palabras mayores en la base de datos, porque allí, a partir de un 6, es entrar en las grandes ligas.

8 citas

El debut de Rodrigo Sorogoyen como director fue, de hecho, una codirección con quien sería su socio en Impares, Peris Romano: 8 citas.

De hecho, la película de 2008 tiene muchos elementos en común con la serie que no tardarían en desarrollar, pues narra los vaivenes del amor a través de ocho historias diferentes.

El estelar elenco incluyó a Fernando Tejero, Belén Rueda, Verónica Echegui, Jordi Vilches, Raúl Arévalo, Ana Wagener, Miguel Ángel Solá, Arturo Valls, Melani Olivares, José Luis García Pérez, Belén López, Cecilia Freire y Adriana Ozores, entre otros.

Un 5,6 en FilmAffinity no es mala nota para un debutante, especialmente tratándose de una comedia romántica, que suelen ser más difíciles de puntual al alza.

Madre

Superamos el 6 de nota media con Madre, que recibió la nominación al Goya al Mejor guion adaptado, aunque no ganó, pero le queda el consuelo de que el cortometraje que sirve de base para la historia sí se llevó el premio anteriormente.

Este drama sobre una madre que sigue anclada en la pérdida de su hijo en una playa francesa conquistó al público y casi se lleva otro galardón a casa.

No fue el caso, pero un 6,1 en FilmAffinity es ya un premio por sí solo, aunque no lo puedas poner en una vitrina —salvo que imprimas un pantallazo, claro—.

Apagón

Por desgracia sabemos muy bien lo catastrófico que puede ser un desastre natural, sobre todo si tenemos en cuenta que no todo el mundo reacciona del mismo modo a estas situaciones.

Movistar Plus+ contó con Rodrigo Sorogoyen como uno de los directores de la muy recomendable Apagón, una miniserie en la que una tormenta solar deja sin luz al mundo entero.

El madrileño dirigió el episodio titulado Negación, el piloto de Apagón, en el que la información facilitada a los servicios de emergencia llega tan lentamente que la gestión de un accidente ferroviario es solo un problema de muchos que están por venir.

El conjunto de la serie tiene un 6,4 de nota media en FilmAffinity, mientras que el episodio de Sorogoyen se eleva hasta el 7,2.

Stockholm

Volvemos al cine y retrocedemos a 2013, cuando Rodrigo Sorogoyen estreno Stockholm, un drama romántico que nos hace ver con temor esas noches locas que se inician con un "chico conoce a chica", o viceversa.

Javier Pereira y Aura Garrido protagonizaron este filme en el que el día después de un encuentro discotequero resulta ser lo contrario a lo que ambos personajes esperaban. Con un 6,5 en FilmAffinity, no les fue tan mal, ¿no?

Que Dios nos perdone

Además de ser lo que decimos cuando vamos a hacer algo que puede liarla parda, Que Dios nos perdone es el título del fabuloso thriller neo-noir que Sorogoyen estrenó en 2016.

Dos inspectores deben hallar a un potencial asesino en serie en medio de un Madrid abrasador, con el 15-M y una inminente visita del papa de telón de fondo.

Que Dios nos perdone fue un éxito que valió muchos elogios a Rodrigo Sorogoyen, seis nominaciones a los Goya, con una convertida, y un 7,1 en FilmAffinity.

El Reino

Si algo se te da bien, no lo hagas solo una vez. En 2018, Rodrigo Sorogoyen dirigió El Reino, un thriller político que bien podría ser el reflejo de una realidad que se resiste a abandonarnos.

De las 13 nominaciones a los Goya que cosechó, El Reino se llevó siete galardones, incluido el de Mejor Director para Sorogoyen.

Naturalmente, esto se ve reflejado en la nota media de El Reino en FilmAffinity, donde ostenta un 7,3 entre los usuarios de la plataforma.

As bestas

¿Otro Goya al Mejor Director? Venga. En 2022, Sorogoyen estrenó otra joyita de las buenas que arrasó en los Premios de la Academia Española: As bestas.

Esta disputa entre una pareja de franceses afincados en Galicia y sus vecinos en una aldea del interior dio muchísimo de qué hablar.

De las 17 nominaciones que recibió para los Goya, As bestas convirtió nueve, incluyendo el citado galardón a la dirección para Sorogoyen.

Y para galardón el tercer puesto en nuestro listado, gracias al 7,6 que la película de 2022 mantiene en FilmAffinity.

Los años nuevos

Fue una sensación en su estreno y emocionó a muchos espectadores con una historia ante todo generacional.

Se trata de Los años nuevos, un drama que sigue a una pareja que se conoce en Nochevieja y cuya vida cambia radicalmente. Ambos tienen una relación muy estrecha con el primer y el último día del año, y la serie nos cuenta su evolución a lo largo de una década.

Los años nuevos ostenta actualmente un 7,6 en FilmAffinity, la segunda mejor valoración obtenida por una obra de Rodrigo Sorogoyen.

Antidisturbios

Rodrigo Sorogoyen e Isabel Peña ya habían demostrado su prolífica colaboración en películas como El Reino o Que Dios nos perdone, pero en 2020 la llevaron a Movistar Plus+ con la sobresaliente Antidisturbios. Que se lleva la corona en este ranking.

En seis episodios, la serie nos detalla los sucesos en los que un desalojo termina en tragedia y en una investigación compleja del equipo antidisturbios implicado.

Un 7,9 de nota media en FilmAffinity ha mantenido a Antidisturbios en lo más alto del listado de Rodrigo Sorogoyen… al menos de momento

Como hemos dicho, Rodrigo Sorogoyen es uno de esos directores españoles que hay que tener en el radar siempre, porque nunca se sabe con qué nos sorprenderá próximamente.

Enrique Gato regresa como director de esta nueva entrega en la que la familia de Tadeo y Sara ha aumentado con la llegada de su pequeña. Gato ha dirigido las tres entregas anteriores de la saga, además de los dos cortometrajes previos con los que dio a conocer al personaje que él mismo creó.

Han sido ya tres grandes aventuras para este albañil que, por una curiosa confusión, terminó convertido en un intrépido arqueólogo inspirado por uno de los mayores héroes del cine. Sí, claro que nos referimos a Indy.

Manuel Burque y Josep Gatell firman el guion de Tadeo Jones y la lámpara maravillosa, que vuelve a contar con las voces de Óscar Barberán, Michelle Jenner, Luis Posada y Ana Esther Alborg. Además, se incorporan Petra Martínez y Carlos Latre.

Tadeo Jones deberá lidiar con los celos de su hijo no oficial

Para ir preparando el regreso de la saga de animación española más popular, en HobbyCine te traemos una escena en exclusiva de Tadeo Jones y la lámpara maravillosa. Vemos que a Momia no le ha sentado nada bien la llegada de Oli, la hija de Tadeo y Sara. La pequeña ahora copa la atención de sus papis, que tienen menos tiempo para las excentricidades de Momia.

A continuación te dejamos la escena, junto con la sinopsis oficial de Tadeo Jones y la lámpara maravillosa:

"Tadeo y Sara son ahora padres de Olimpia (Oli), una adorable e intrépida niña de dos años. Y Momia no lleva nada bien haber dejado de ser el centro de atención. Mientras están de vacaciones en Londres, Sara sigue la pista hacia un objeto único: la lámpara maravillosa de Las mil y una noches.

Momia, presa de los celos, pide un deseo: viajar en el tiempo hasta el momento en que era joven y todos le querían. Tadeo y Sara tienen que unir fuerzas para evitar que Momia cambie el curso de la historia y traer al grupo (Jeff, Belzoni y Ramona incluidos) de vuelta a casa, a su época.

Esta nueva aventura los llevará a cruzar el océano Atlántico desde Perú hasta Grecia, y de allí a lo más profundo de Oriente Medio, hasta la misma cueva de Ali Babá y los cuarenta ladrones".

Recuerda que el próximo miércoles 26 de agosto tienes una cita en tu cine con la aventura trotamundos que nos propone Tadeo Jones y la lámpara maravillosa.

En esta ocasión, con Días de agosto, se adentra en el terreno del drama familiar de la mano de un guión escrito por el debutante David Sueiro. Aunque es una película elegante que quiere explorar los sentimientos y la parte más física del amor: el sexo, da la sensación de tener poco que contar más allá de un embrollo familiar que se gesta a fuego lento y parece no ir a ninguna parte.

Sirve, y eso es algo que hace muy bien, para congelar la sensación del verano en el tiempo y esa aparición voluptuosa del deseo macerada en el calor estival que comparte, por ejemplo, con cintas como Call Me by Your Name.

Tiene una factura técnica cuidada, planos subacuáticos bonitos (y metafóricos, que vienen a explorar lo prohibido), una fotografía firmada por el talentoso Dani Salo y, en líneas generales, intenta zafarse de lo chabacano y lo hortera, aunque no siempre lo consiga. Por desgracia, lo que no logra es presentar una historia con demasiada profundidad argumental.

Erotismo en tiempos de esterilización

Juan y Gabriela son una joven pareja de enamorados que, tras acabar las clases de la universidad, se van al chalet de la playa de la familia de él a pasar el verano. Son felices en su burbuja y desearían poder alargar esa sensación de libertad durante todo el tiempo posible.

Sus planes se tuercen cuando Fernando, el padre de Juan, aparece allí sin previo aviso con su nueva pareja. Mónica es una mujer mucho más joven que él y hace surgir rápidamente tensiones en la dinámica familiar. En primer lugar porque su madre también aparece por allí, pero es que además los roces entre el padre y el hijo complican la convivencia del día a día.

El salto generacional se deja sentir, así como una pasión secreta que aflora en el momento más inadecuado, precipitando un efecto dominó. Nada tendrá que ver el comienzo del verano con el fin, cuando Juan cierre las puertas del chalet antes de regresar a la rutina.

Hemos pasado del hartazgo (con el efecto Élite) a la casi ausencia del sexo en el cine. No solo es ya raro ver escenas de sexo explícitas, sino que apenas hay afectividad entre los personajes: besos, caricias... intimidad, en útima instancia.

Esta película tiene la rara cualidad de ser valiente en este sentido y no temer a la sensación de caer en el ridículo por ello, es más, es más vemos la primera relación sexual a los cinco minutos de empezar el metraje. Tampoco tiene reparo en tirar de clichés: roces eléctricos, miradas de embelesamiento y mentiras arriesgadas. El problema es que tampoco parece haber una hoja de ruta para que eso sea algo significativo.

Aunque el reparto cuenta con actores veteranos como Maggie Civantos, Roberto Álamo y Pilar Castro, se centra más bien en la efervescencia de la sexualidad del joven protagonista, interpretado por un Pau Simón algo insípido al que habíamos visto antes en dos series como Nudes y El refugio atómico. Funciona bien en cámara, tiene el atractivo físico, pero le siguen faltando muchas tablas para lograr que los diálogos fluyan con naturalidad y que los conflictos tengan alguna verosimilitud. Algo mejor se desempeña Berta Galo, con una trayectoria más dilatada en televisión.

Días de agosto es una película que se conforma con convertirse en su desenlace en un telefilm bien filmado, casi de lujo, con varios giros de guión forzados que repentinamente acaban con la tensión narrativa y hacen moverse a los personajes por un terreno algo incoherente. Es una pena que el guión no llegue a dejarse desbordar o a estallar de una manera mas sorpresiva. El final es tan endeble que te hace cuestionarte si el viaje mereció la pena.

Creado por Ian Fleming, James Bond es uno de los personajes más icónicos de la literatura y el cine británicos. Convertido en todo un símbolo nacional, el agente del MI6 ha afrontado todo tipo de aventuras a lo largo de seis décadas.

Pero, claro, 61 años de saga cinematográfica dan para que varios actores interpreten al prolífico espía en las 27 películas de la saga, 25 de EON Productions y 2 de otros estudios.

Hoy, en Hobby Consolas, vamos a clasificar a los siete actores que han interpretado a James Bond en el cine de "peor" a mejor, una clasificación que es, más o menos, unánime.

David Niven

Columbia Pictures trató de sacar provecho al auge de James Bond en los 60 con Casino Royale, una película que, si bien ha mejorado un poco con los años, hizo falta un remake para mejorarla mucho.

David Niven protagonizó esta primera excepción de James Bond ajeno a EON Productions y, bueno, hizo lo que pudo, pero está muy lejos de ser el mejor.

George Lazenby

Después de 5 películas lideradas por Sean Connery y del estreno de Casino Royale, convertirse en James Bond fue todo un desafío para la única película que protagonizó George Lazenby como el agente 007.

Pero el actor australiano hizo todo lo posible por hacer suyo el derecho a vestir el esmoquin y conducir el Aston Martin en 007 al servicio secreto de su Majestad.

El tiempo ha hecho justicia a su interpretación como James Bond, pero sigue siendo una isla en un océano en el que gobiernan fuerzas escocesas con muchísima fuerza.

George Lazenby fue un digno agente 007, a pesar de que esté cerca del farolillo rojo en nuestra clasificación.

Roger Moore

Junto con Sean Connery, Roger Moore comparte el honor de ser el actor que más películas de James Bond ha protagonizado: siete en total.

El actor tomó el manto en Vive y deja morir, allá por 1973, y lo ocupó 12 años, hasta Panorama para matar, de 1985. La calidad de su actuación fue muy variada, dejando registros brillantes y otros que, bueno, si los olvidas, nadie te culpará.

Pero Roger Moore demostró que había James Bond más allá de Sean Connery, a pesar de no ser el sucesor natural del escocés.

Timothy Dalton

Dicen que, lo bueno, si breve, dos veces bueno. Timothy Dalton solo interpretó a James Bond en dos ocasiones a finales de los años ochenta.

El actor protagonizó 007: Alta Tensión y 007: Licencia para matar, dos películas que encarrilaron un cambio notable en la franquicia.

La iteración del agente 007 de Timothy Dalton comenzó a ver mayores destellos de acción antes incluso de que el público estuviese preparado para esa evolución.

Fue pionero en muchos aspectos, además de mostrar a un James Bond más realista, humano y oscuro en ocasiones.

Pierce Brosnan

El fin de la Guerra Fría fue un importante marcador para la saga de James Bond en la década de los noventa.

Pierce Brosnan consiguió capear la era de cambios con una suerte de regreso a la fórmula del agente 007 original, pero modernizada. Fue un digno conductor del Aston Martin y un gran puente entre un pasado donde el MI6 tenía muy claro quiénes eran el enemigo y una era más ambigua.

Daniel Craig

Tras el paso de Brosnan por el papel, Daniel Craig asumió el manto ante el desafío de mantener la franquicia frente al auge de su competencia más feroz, con sagas como Misión imposible comiéndole terreno.

Pero el actor no solo aceptó el desafío, sino que elevó el pabellón y entregó una iteración que, para muchos, es la mejor de la franquicia desde sus inicios y que dejó un listón altísimo a su sucesor tras despedirse en Sin tiempo para morir.

Sean Connery

Lo hemos mencionado varias veces durante el artículo, y por una buena razón. Sean Connery es la génesis del James Bond cinematográfico.

Es curioso que un actor que despreciaba lo que representaba el personaje en muchos aspectos, sea el más querido entre una gran mayoría de fans de la saga.

Sus seis películas de los años sesenta siguen siendo algunas de las entregas más queridas, además de su película de 1983, Nunca digas nunca jamás, que trajo de regreso al James Bond original, aunque fuese en una producción de Warner, y no de EON Productions.

Ponerse el traje y conducir el Aston Martin de James Bond no es algo que esté al alcance de cualquiera. Estos siete actores lo dieron todo para convertir al personaje en uno de los más importantes del cine británico y, en mayor o menor medida, han dejado su firma en su legado.

Bajo el guion de Sofía Cuenca (Musarañas, Culpa tuya, Tabula rasa), la adaptación cinematográfica cuenta con la dirección de Óscar Pedraza, que supone el primer largometraje para el cineasta tras haber participado en producciones como Patria, Sky Rojo o La noche más larga.

Para abrir boca, el servicio de transmisión ha presentado el tráiler de Enfrentados: Marfil, el cual puedes echar un ojo a través del vídeo que te dejamos un poco más abajo.

Qué podemos esperar en Enfrentados: Marfil, lo nuevo de Prime Video

Con Ester Expósito (El talento) y Hugo Diego García (La sustancia) liderando el reparto, la trama de la cinta sigue la historia de Marfil Cortés, hija de un poderoso empresario cuya perfecta vida en Nueva York da un brusco giro cuando un día es asaltada en Central Park.

Para evitar que se repita un suceso similar, su padre contrata como guardaespaldas a Sebastián Moore, un joven de lo más enigmático. Al principio sus personalidades chocan, ya que ella no está interesada en tener a un guardaespaldas que esté encima de ella a todas horas.

Sin embargo, como suele ocurrir, el roce hace el cariño, y a Marfil ya no le importa tanto que Sebastián se ponga encima de ella (tanto figurada como literalmente), por lo que pronto surge una importante atracción entre ellos.

"Marfil Cortés (Ester Expósito), la hija de un poderoso empresario español, ve como su perfecta vida en Nueva York da un vuelco cuando es repentinamente secuestrada y liberada sin aparente explicación. Su padre decide entonces contratar al enigmático Sebastián Moore (Hugo Diego García) como guardaespaldas.

Forzados a pasar cada minuto juntos y aunque inicialmente choquen por el espíritu indomable de ella y el carácter reservado de él, surgirá una irremediable atracción entre ambos. Al volver a España, con las amenazas intensificándose, deberán moverse en un mundo donde nadie es quien dice ser y nada es lo que parece", explica la sinopsis de la película.

Completan el elenco de la cinta Lluís Homar (Forastera), Eric Masip (La vida breve), Pablo Molinero (La viuda negra), Leander Vyvey (El fantasma de mi mujer) y Joaquín Ferrerira (Coppola, el representante), entre otros.

Enfrentados: Marfil se estrena en el catálogo de Prime Video el próximo 9 de septiembre de 2026. ¿Qué te ha parecido el tráiler de la nueva película con Ester Expósito y Hugo Diego García?

Pero, por alguna razón, la comedia sigue fijándose en este fenómeno como fuente de chanza: lo hizo Machos alfa con un éxito atronador poniendo de manifiesto las contradicciones de la sociedad moderna y lo intenta ahora El último mono, contraponiendo a este fenómeno el de la misandria o el mal llamado "hembrismo" que presupone a la mujer superior al hombre y replica el discurso de odio pero en dirección contraria.

La famosa "guerra de sexos" que ha sido motor de tantas comedias resulta ahora algo peor que un cliché manoseado: es un punto de partida de mal gusto muy alejado de los criterios básicos de la diversión.

Tomarse a guasa la transexualidad y la identidad de género, equiparar el machismo al feminismo o burlarse de las "técnicas para ligar" de los mal llamados gurús que incluyen entre ellas la intoxicación etílica o la exhibición de su olor corporal son algunos de los pecados capitales de una película que no tiene mordiente y prefiere arrojarse en los salvadores brazos de la fórmula de la comedia romántica para no profundizar en unas aguas bien turbias.

Ojo, El último mono parece tener buenas intenciones y querer verbalizar y hasta poner de manifiesto la simpleza del razonamiento de muchas personas respecto a estas cuestiones pero, por desgracia, no tiene ni el ingenio ni el arrojo de ser pedagógica ni divertida desde la irreverencia. Por el contrario, se queda en la exposición y se lava las manos con un romance tan forzado y poco creíble que solo consigue restarle enteros.

Pet and men friendly

Alejandro es un gurú de la seducción que arrasa en redes sociales y en los simposium que organiza para hombres que creen que la sociedad les margina y que las mujeres les desprecian por no ser suficientemente machos.

De forma análoga, Mariela es una escritora y cómica que denuncia a tipos como Alejandro, su principal rival en redes sociales y el epítome de todo lo que detesta en los hombres de lo que considera una sociedad enferma.

El fin de semana previo a las manifestaciones feministas del 8M Alejandro anuncia a los suyos que va a conseguir lo nunca visto: seducir a la mujer más chunga y antipática del mundo y en tiempo récord, justo antes de que ella se disponga a abrir la jornada.

El último mono es una película bien rodada y que cuenta con una producción acorde a sus necesidades: nada se le puede reprochar en el plano técnico ni tampoco en las labores de casting. Susasa Abaitua y Juan Dávila tienen buena química en pantalla y parecen habérselo pasado bien durante el rodaje, dejando que ese buen rollo quede reflejado en el resultado final.

Los problemas de la película derivan principalmente del guión de Joaquín Oristrell y Yolanda García Serrano que, a pesar de sus ímprobos esfuerzos por levantar la faceta humorística de El último mono, manejan dinamita sin guantes y tratan de contener la explosión refugiándose en lugares comunes.

Al final, la trama es tan previsible como bobalicona y carente de verosimilitud, sin profundizar en problemas muy serios que quedan aquí infantilizados y con una incapacidad manifiesta para despertar carcajadas con algo de jocosidad. Si eliges un tema como éste, no puede ser para terminar construyendo un relato tan plano.

Pero ¿sirve para pasar el rato? Con las expectativas muy ajustadas sí, pero cuanto más pienses en ella, más posibilidades tendrás de enfadarte, sobre todo si para ti éste es un tema sensible. No está el horno para bollos, como se suele decir.

La comedia es uno de los géneros más complicados de abordar porque requiere de una gran inteligencia para manejar sus resortes, descolocar al público y ofrecerle una lectura que le rompa los esquemas. Si quieres que te vuelen la cabeza échale un ojo a De puntillas en HBO Max. Ese si es un viaje con curvas.

Nacido en Algeciras el 11 de enero de 1964, Manuel Jesús Fernández Serrano, más conocido por su nombre artístico Manolo Solo, comenzó a meter el pie en la industria en los años 90 como actor de doblaje, siendo muy conocido su paso por Dragon Ball prestando su voz a Tao Pai Pai, aunque también encarnó a otros personajes de la franquicia como Mr. Popo, Gregory o, más recientemente, el Dios de la Destrucción Beerus.

Le empezamos a poner cara a través de series como Compañeros, El comisario o Cuéntame cómo pasó, donde tuvo papeles menores. Con el paso de los años, poco a poco fue ganando notoriedad hasta convertirse en uno de los mejores actores de nuestro país.

Adiós a Manolo Solo, uno de los intérpretes más destacados del cine español

Sin duda el momento en el que se consagró con su faceta artística fue en 2016 con el thriller Tarde para la ira, el debut en la dirección de Raúl Arévalo donde se llevó el Goya a Mejor actor de reparto por su papel como Santi.

A partir de ese momento, la cosa fue cada vez más en ascenso para el intérprete, participando en producciones para la gran y pequeña pantalla como La zona, El guardián invisible, El buen patrón, 30 monedas, Cerrar los ojos o Una quinta portuguesa, por mencionar algunas.

Uno de sus trabajos más recientes ha sido en la miniserie de Movistar Plus+ Anatomía de un instante, donde interpretó a Gutiérrez Mellado. El pasado 5 de junio pudimos ver una de las últimas actuaciones de Solo en La desconocida, película de intriga original de Netflix donde comparte cartel con Candela Peña, Ana Rujas, Pol López y Kira Miró.

Queda pendiente una última película protagonizada por Manolo Solo, Aquí, un drama dirigido por Tiago Guedes cuya trama adapta la novela de J.M. Coertzee presentando un mundo distópico donde la memoria ha sido borrada y se impone la conformidad en la sociedad.

Desde la redacción de Hobby Cine queremos transmitir nuestro más sentido pésame a los familiares y amigos de Manolo Solo. Se va un gran actor que nos deja un rico legado de películas y series con las que le recordaremos por siempre jamás. Descanse en paz.

En 2024, José Luis Ucha (Suckers, Khuda-Yana) estrenó Superthings Rivals of Kaboom, Kazoom Power, una serie basada en el imaginario de MagicBox en el que un grupo de chavales se convierten en superhéroes para salvar el mundo de Kaboom, donde objetos cotidianos que deberían ser inanimados cobran vida y se alinean como héroes o villanos.

La serie se convirtió en un fenómeno infantil entre los peques y, ahora, Víctor Monigote (La gallina Turuleca) llevará la aventura a las salas de cine para intentar replicar el éxito en la gran pantalla. Carlos Bleycher, Beatriz Iso, Eva Pérez Misa y Diego López se encargan de dar forma al guion.

Filmax ha destacado dos incorporaciones al elenco de Superthings: La película. Por un lado, tendremos a Brays Efe (Paquita Salas), que prestará voz a Coin Coin, un superthing con forma de monedero, y Ana Morgade (Días mejores) como Lockdown, una caja fuerte también convertida en superthings. Ambos se consideran los mayores ladrones del universo.

Superthings busca dar la sorpresa en cines

El tráiler de Superthings: La película muestra cómo los tres héroes humanos se meten en un lío del que no podrán escapar. Pronto el destino de un mundo que ni imaginaban dependerá de ellos. Aquí va la sinopsis:

"Mía, Kai y Finn, tres amigos de sexto de primaria, descubren por accidente un fragmento de Kazoom que fusiona Normalópolis, su gris y ordenada ciudad, con Kaboom City, el disparatado universo de los Superthings, donde los objetos cotidianos han cobrado vida convertidos en superhéroes y villanos.

De la noche a la mañana, su mundo se llena de poderes, rivalidades imposibles y aventuras fuera de control. Convertidos en los Kazoom Kids, deberán enfrentarse a Mr. King, un villano decidido a hacerse con el poder del Kazoom. Para detenerlo, tendrán que confiar en su amistad, su ingenio y su valentía… y descubrir que, juntos, son mucho más fuertes".

Superthings: La película se estrena en cines el 23 de octubre y es un buen plan para los peques mientras los mayores pueden disfrutar de la temporada de Halloween.

Porque la gente tiene imaginación. Mucha imaginación. Y nuestra civilización es, sobre todo, esto: historias. El pizzagate, los Illuminati, el reemplazo de Avril Lavigne. Es imposible no dejarse caer en el pozo divertidísimo de seres que pestañean en horizontal.

Para una tarde, no más. No quieras terminar encerrado en tu propia imaginación. No vayas a terminar como el nuevo personaje de José Coronado.

De ahí que la nueva original española de Netflix me provocase ese chispazo inicial de interés. Los creyentes, dirigida por Roger Gual y escrita por Carlos Montero y Darío Madrona (creadores de Élite) que ya está en el top 1 de la plataforma.

Coronado, además, se reencuentra con Montero tras Legado para presentarnos a un hombre que parece haberse desvanecido dentro de sí mismo mientras Stéphanie Magnin trata de reconocer cuánto queda vivo de su padre.

Los creyentes es una historia en la que tienes que creer para caer en su pozo de conspiraciones en espiral. Porque, aún con sus aciertos, a sus 104 minutos les f alta intensidad, identidad y una revelación menos evidente para convertirse, precisamente, en una conspiración que nos ocupe algo más de una tarde.

El principio y fin de una conspiración

Ruth (Stéphanie Magnin) lleva un par de años alejada de su familia viviendo en Berlín hasta que una llamada de su padre, Martín (José Coronado), la obliga a volver. Su madre ha muerto en un supuesto accidente doméstico. Y cuando vuelve ya no queda nada de ninguno de los dos.

Martín se ha vuelto más serio, más agresivo. Hosco, sería la palabra. Su madre había intentado advertirla antes de morir: ya no es el hombre que conocía. Ruth se encontrará con un desconocido a quien no sabe creer... y comienza a dudar del accidente.

Aquí sus creadores comienzan el juego de la desconfianza. Ruth no cree en Martín. Martín tampoco confía en Ruth. Y tú, como espectador, tampoco terminarás de creerte a ninguno de los dos. Una parte es gracias a que Magnin y Coronado salvan la historia, la otra es un defecto de fondo y forma.

La conspiranoia funciona como acelerante de un thriller doméstico sobre una familia rota. Buscar en ella un ensayo exhaustivo sobre la posverdad sería exigirle una película que no pretende ser... a excepción de su escena final.

Tampoco quiero caer en el error de pedirle a Los creyentes que profundice en el fenómeno de la conspiración a pesar de que lo instrumentalice para construir tensión; el objetivo es más reducido... y tampoco la exime de una evidente falta de ritmo.

Roger Gual construye la imagen de la película alrededor de primeros planos sobre Ruth y Martín. Esta estrategia le funcionó de perlas con 7 años —primera película española producida por Netflix, por cierto—; elimina el espacio de sus dos protagonistas para encerrarlos visualmente en su relación sin estar nunca juntos, sino enfrentados.

De hecho, siempre sospecharemos junto a Ruth. Compartiremos su perspectiva desde una posición subjetiva, con la distancia de quien juzga a quien ha perdido la cabeza en vez de tratar de entender para salvarlo de su propia prisión mental.

Pero toda la expresividad que encuentra en el espacio reducido, en las miradas y en los diálogos, se pierde en la acción. Hay una escena concreta en una caída de uno de sus personajes que destruye el flujo natural de la historia para ser un mero mecanismo narrativo que nos lleve al clímax.

Es el resumen de Los creyentes: encuentra su mejor momento en los diálogos, pero se vuelve harto repetitiva por abusar de ellos y no recupera ritmo cuando pasa a la acción, sino que la vuelve peliculera hasta para una película.

Y también tiene grandes aciertos. La fotografía, los escenarios, la poderosísima y frágil habitación que esconde Martín tras el cerrojo de su puerta que no podría ser más esclarecedora es dolorosa por triste y por real son buenas muestras de su cine.

Evitar la estilización de la conspiranoia trabajando con tonalidades frías y una luz que endurece el entorno asturiano consigue que veamos el extremismo y la locura como un villano que entra sin hacer ruido en una página de Facebook o en una sucesión infinita de fake news por TikTok.

Un daño que sí es real: lo vimos con las muertes asociadas a bulos durante la pandemia, en la fiebre antivacunas, en el negacionismo de la ciencia en toda su generalidad y en las gafas amarillas promocionadas por federaciones del deporte.

Hemos abandonado la era de las fake news para entrar en la de las hate news; nuestra sociedad se nutre del odio, sin importar las fuentes, las consecuencias ni la verdad.

Ahora las mentiras vuelan como una plaga bíblica a la que sólo faltaba el apoyo de las herramientas digitales generativas. Aquí es donde la película de Netflix aparece dolorosamente a tiempo, pero con menos acierto del necesario.

Un final que deja de creer en la duda

Los creyentes no busca activamente ser una crítica social a través de su temática y ese es su mayor debe, viendo su última escena. Compone un thriller que mantienen vivo sus protagonistas y que nos abandona cuando la dirección hacia la que avanza resulta demasiado evidente.

El final es, de hecho, su saeta. Un clímax precipitado y aparatoso que sabe a poco y abandona la contención psicológica para abandonarse a mecanismos que la hacen bajar peldaños como thriller.

Y es ciertamente incómodo, porque la idea que lanzan al aire en su última escena presenta una idea mucho más dolorosa: la de esquivar al conspiranoico encerrado en una cámara de eco para descubrir al padre débil y deprimido que es, desde el primer instante, un hombre perdido... bajo la conspiración que su propia hija había creado.

Pero la película apenas acaricia esa simetría. Quiero darle valor por interesarse en el tema, por buscar ese pequeño resquicio de verdad y crítica dentro del entretenimiento comercial. Sin embargo, toda su temática termina convertida en lo que temía desde el principio: un medio para un fin.

La cinta ha arrasado en el Festival de Cannes, recibiendo una inusitada ovación de 16 minutos por parte del público, augurando un nuevo éxito para los cineastas.

En aras de seguir abriendo boca, Movistar Plus ha presentado el tráiler oficial de La bola negra, el cual puedes echar un ojo a través del vídeo que te dejamos a continuación.

Qué podemos esperar en La bola negra, lo nuevo de Los Javis

La trama de la cinta explora la vida de tres hombres homosexuales de diferentes épocas, 1932, 1937 y 2017, cuyas historias están entrelazadas por la sexualidad y el deseo, el dolor y la herencia.

"La bola negra narra las vidas interconectadas de tres hombres en tres épocas distintas. Tres existencias íntimamente ligadas por la sexualidad y el deseo, el dolor y la herencia; y una de las últimas obras, inacabada, de Federico García Lorca", comparte su sinopsis.

El reparto de la película cuenta con Guitarricadelafuente (Amarga Navidad), Miguel Bernardeau (Zorro), Carlos González (Maricón perdido), Lola Dueñas (Bird Box Barcelona), Penélope Cruz (En los márgenes), Antonio de la Torre (Los Tigres), Natalia de Molina (Superestar), Mona Martínez (La deuda), Albert Pla (Escape) y Glenn Close (Puñales por la espalda: De entre los muertos), entre otros.

La bola negra se estrena en las salas de cine el 25 de septiembre de 2026, y posteriormente estará disponible de forma exclusiva en Movistar Plus+. ¿Qué te ha parecido el tráiler de la nueva película de Los Javis?

Se trata del debut como director de largometrajes de Diego Núñez Irigoyen, que se encargará de llevar a la pantalla la historia concebida por Adolfo Valor y Cristóbal Garrido.

Una historia que, por desgracia, no es tan ficticia como nos gustaría. Una empresa en horas bajas organiza un evento para, presuntamente, elevar la moral y cimentar un futuro prometedor. La realidad es que el plan es hacer una ronda de despidos sin piedad.

En el reparto de Gracias, equipo encontraremos a Alexandra Jiménez, Maribel Verdú, Pedro Casablanc Raúl Tejón, Ismael Fritschi, Blanca Martínez, Víctor Rebull, Saturnino García y Pepe Viyuela.

Una comedia sobre las maniobras más rastreras del mundo empresarial

Netflix acaba de anunciar que Gracias, equipo se estrenará exclusivamente en su catálogo el próximo 11 de septiembre. La serie producida por Zeta Studios deja un avance con algunos de sus personajes y las primeras imágenes. Puedes ver todo a continuación, y también te dejamos la sinopsis:

"Tío Mochales fue, hace años, la reina indiscutible del queso español. Hoy es una empresa algo oxidada, que intenta mantener el tipo. Su última gran idea: organizar un team building rural en el pueblo donde la empresa se fundó.

Pero lo que debía ser un retiro para reconectar con 'los valores de siempre' se convierte en una encerrona cuando descubren que se vienen despidos, y muchos. Lo que prometía ser una escapada motivacional se convierte en una batalla campal de peloteo, traiciones y filtraciones.

Una comedia negra sobre oficinas en decadencia, directivas sin escrúpulos y trabajadores que ya no están para perder el tiempo en las moderneces de los teambuildings".

Recuerda: Gracias, equipo se estrena en Netflix el 11 de septiembre. Si no puedes asistir, ponte en contacto con Recursos Humanos.

Viene precedida por un gran éxito en la taquilla ítala con más de un millón de espectadores y 4,7 millones de euros de recaudación, lo que la convierte en un fantástico reclamo para una industria, la de la comedia española, algo falta de ideas propias en los últimos años a la par que ávida de pelotazos en en un mercado siempre interesado en un público lo más amplio posible.

El secreto de la receta que nos propone esta película es el de analizar, con mucho sentido del humor y además con un tono de comedia muy blanca y asequible para grandes y pequeños, la relación que tenemos con la descendencia a día de hoy. Estamos ante una sátira social que expone las diferencias que hay entre las parejas que deciden tener hijos y las que no, cómo se juzgan unos a otros y cómo podrían tener todos un poco de empatía.

Hora de poner los pies en el suelo

Tres de más nos presenta a Julia y Ernesto, una pareja de triunfadores en la vida. Ambos tienen carreras envidiables, él en la alta cocina, ella como creativa publicitaria y la llama de la pasión nunca se ha extinguido gracias al hecho de que tienen todo el tiempo del mundo para ellos dos. Decidieron no tener hijos, de forma que viajan a menudo, pueden darse todos los caprichos que desean y no tienen mayores complicaciones.

Un buen día, unos familiares les piden quedarse a cargo de sus hijos durante un par de horas y ellos, que piensan que es pan comido, los dejan a su aire... con catastrófico resultado. Iracundos, les echan de su casa con una frase que se queda en el aire: "Ojalá supierais lo que es tener hijos".

A la mañana siguiente, descubren, desconcertados, que no están solos. No hay uno, ni dos sino tres niños durmiendo en su casa y no tienen ni idea de dónde han salido. Tras descartar que se trate de una broma pesada, descubren, muy a su pesar, que están en una suerte de realidad alternativa y que les va a tocar lidiar con dos peques y una adolescente.

Tampoco ostentan los cargos que tenían en principio, así que mientras descubren de dónde han salidos los críos (y cómo librarse de ellos) nos les va a quedar más remedio que atenderlos y aprender algo de esta cura de humildad de origen mágico por si no son capaces de volver a la realidad.

Tres de más cuenta con varios talismanes. El primero de ellos, ya lo hemos comentado: es una historia que funciona (información contrastada) y apunta al público de masas pero además tiene un buen casting, con química envidiable, encabezado por Kira Miró y Salva Reina, pareja en la vida real desde 2022, cuando se conocieron en el rodaje de Todos lo hacen.

Con esta película se consolidan en este género y rezuman complicidad (faltaría más). Ya participaron en otro remake familiar de concepto similar como fue ¿Quién es quién? y aquí dejan claro que lo suyo es coser y cantar.

Por lo demás, es una película que no necesita grandes alardes técnicos y se vale bien del reparto, en el que también los secundarios y los niños son fundamentales. Funciona bien en términos generales gracias a la dirección de Mar Olid, más afinada que en sus comedias anteriores Al otro barrio y Sin cobertura. Y de paso señala lo pros y los contras de tener hijos haciendo que todos aprendan (y aprendamos) en el proceso. Nada como caminar en los zapatos de otros para comprender su punto de vista.

Emocionante sin producir picos de glucosa, traslada bien el mensaje de que tener hijos tiene un coste que va más allá del monetario, pero que merece la pena pagarlo.

La mala noticia es que esta película hace aguas desde el principio. El primer impacto al ver el cartel y el reparto escogido con Gorka Otxoa en el centro, es pensar que estaremos ante una comedia de situación desternillante en la que habrá muchos malentendidos y giros de guión bastante locos. Y sí, pero no.

A pesar de sus concentrados 80 y pico minutos de duración, es una película con muchos problemas de tono que no se decide a la hora de abrazar un mensaje: quiere ser divertida pero recala en el drama para explorar temas que son del todo ajenos a la comedia como la el fin del amor, la soledad de largo recorrido, la infidelidad y hasta la libertad individual para tomar decisiones propias.

Cumpleaños infeliz

El mismísimo día de su cumpleaños, Ernesto recibe los papeles del divorcio para firmarlos y poner fin a su larga relación con Laura, el amor de su vida. Por suerte, su mejor amigo Rober está a su lado para acompañarlo y hacerle olvidar las penas.

Su plan es ir a su apartamento de la playa a celebrar la onomástica creando nuevos recuerdos en el que hasta hace poco era un lugar especial para la pareja, pero las cosas se complican cuando ven a Laura con Osvaldo, el vecino del apartamento contiguo.

En un rapto kamikaze, Ernesto les invita a ambos a tomar una copa con la excusa de la celebración para poner a Laura celosa con su nueva y apasionada novia. Pero el problema es que... se lo acaba de inventar. Así, Rober se arriesgará a organizar una fiesta improvisada y a llevar allí a uno de sus match: Toñi, para que finja estar enamoradísima de su mejor amigo.

Cuando ella se entera de que la están utilizando decide que, al menos, la experiencia le va a servir para su carrera de actriz. Así, Toñi se convertirá en María Antonia y actuará como una verdadera bomba de relojería en una situación de por sí incómoda para todos.

Con estos mimbres y este reparto, sobre todo el tándem Gorka Otxoa en un rol similar al que hace en Machos alfa y Adrián Lastra, con una vis cómica y una naturalidad natas, es normal que Ni contigo ni sin mí genere expectativas de comedia de enredo.

Sin embargo, el guión titubea para internarse en otros temas sin demasiado éxito. Demasiado afectada cuando pretende ponerse seria pero sin romper lo suficiente en el terreno del humor como para que el viaje merezca la pena.

Especialmente fuera de tono se encuentra Manuela Vellés, no por falta de talento interpretativo sino por carecer de una batuta precisa en la dirección: su personaje está siempre muy pasado de rosca sin encontrar el rumbo ni el discurso: ¿quiere personificar de algún modo la libertad y el desenfreno? ¿Es simplemente una agente del caos que consigue lo opuesto a lo que se propone? ¿De dónde nacen sus afectos? La construcción de los personajes dista de ser rica en matices.

La química entre el reparto también es desigual, pero es que las situaciones que atraviesan no ayudan a aclarar nada, pueden pasar de un tono afectado a un gag más estridente o ponerse a bailar sin que medie ninguna lógica. Es por todo ello que a pesar de su exigua duración, la película se hace algo larga y no termina de despertar las esperadas carcajadas.

A nivel técnico es una película que va bastante justita: aunque solo cuenta con un par de localizaciones y apenas necesita una puesta en escena funcional, no da la sensación de ser una producción cuidada al milímetro ni aporta ninguna idea cinematográfica que la distinga. En suma, tiene muchas papeletas para resultar decepcionante.

La nota amarga es que las plataformas se lo están tomando con más calma y, aunque hay algún estreno destacado que repasaremos, no son de los contenidos más esperados del verano.

Pero siempre puedes refugiarte en los episodios semanales de La casa del dragón en HBO Max, La agencia en SkyShowtime o Cape Fear y Silo en Apple TV, entre otros.

Hoy, en HobbyCine, te traemos nuestro repaso a algunas de las mejores películas y series de estreno que llegan a España durante la semana comprendida entre el 13 y el 19 de julio de 2026.

Posesión infernal: En llamas (viernes 17 de julio)

Empezamos con un poquito de terror, porque esta semana regresa a los cines una de las sagas más cañeras del género con Posesión infernal: En llamas.

Sébastien Vanicek dirige y coescribe este spin-off de la saga nacida de manos de Sam Raimi, en el que una mujer, de luto tras perder a su marido, busca consuelo en la soledad, solo acompañada por sus suegros.

Un retiro a una tranquila y recóndita casa de la familia termina convirtiéndose en una reunión infernal cuando se leen esas palabrejas del Necronomicón que siempre terminan igual: liándola parda.

Souheila Yacoub, Tandi Wright, Hunter Doohan, Luciane Buchanan, Erroll Shand, Maud Davey, George Pullar, Greta van den Brink, Victory Ndukwe y Keanu Karim conforman el elenco principal de la película.

Ni contigo ni sin ti (viernes 17 de julio)

Si lo que buscas es un rato ameno y echarte algunas risas, hay una ración de cine español que lleva tu nombre en Ni contigo y sin ti.

María Ruiz debuta como directora de largometrajes con una comedia romántica aparentemente sencilla en cuanto a su premisa. Ernesto arrastra una depresión tras romper con su novia y decide pasar su cumpleaños en la casa de la playa junto a un amigo. Para su desgracia, la nueva novia de su vecino playero no es otra que su ex.

En el elenco de Ni contigo ni sin ti encontrarás a Gorka Otxoa, Adrián Lastra, Manuela Vellés, Cristina Maisonnave e Iván Sánchez.

La Odisea (viernes 17 de julio)

El plato fuerte de la semana y uno de los grandes estrenos del mes y del año es, sin lugar a dudas, La Odisea.

Christopher Nolan regresa a los cines tras coronarse con Oppenheimer con una adaptación del legendario poema épico de Homero.

La historia de cómo Odiseo tardó una década en regresar a su hogar en Ítaca tras guerrear en Troya (durante otra década) está llena de momentos icónicos que Nolan ha capturado en el primer largometraje filmado íntegramente con cámaras IMAX.

Y naturalmente, el elenco está a la altura: Matt Damon, Tom Holland, Anne Hathaway, Robert Pattinson, Zendaya, Charlize Theron, Lupita Nyong'o, Jon Bernthal, Ben Safdie, John Leguizamo, Elliot Page, Himesh Patel, Bill Irwin, Samantha Morton y Mia Goth.

El halcón (miércoles 15 de julio)

En lo que respecta a las series, Will Ferrell llega a Netflix con El halcón, un buen sustitutivo de Terminagolf 2, que llegaba a la plataforma por estas fechas el año pasado.

Lonnie Hawkins fue un as del golf hace décadas, pero ahora está acabado. Sin embargo, se niega a retirarse antes de completar los últimos nueve hoyos de su carrera, aunque su exmujer y su hijo creen que no tiene nada que hacer.

Además de Ferrell, El halcón está protagonizada por Molly Shannon, Jimmy Tatro, Fortune Feimster, Luke Wilson, Chris Parnell, Katelyn Tarver, David Hornsby y Chelsea Gilligan.

Lucky (jueves 16 de julio)

Y terminamos en Apple TV con Lucky, la miniserie en la que Anya Taylor-Joy se convierte en Jason Statham. Perdón... es que estaba a huevo.

Lucky ha pasado su juventud como una criminal, pero está decidida a dejar atrás esa vida. Por desgracia, ese cambio requiere ampararse una vez más en su oscuro pasado para poder, irónicamente, liberarse de él.

Junto a Taylor-Joy, Lucky está protagonizada por Drew Starkey, Annette Bening, Aunjanue Ellis-Taylor, Timothy Olyphant, Clifton Collins Jr., Mo McRae, Quinn Aune, Mika McCalla y Aadyn Encalarde.

Recuerda que un buen estreno te puede ayudar a escapar del calor durante un rato, ya sea en el cine o en casa. ¿Hay algo en los estrenos de esta semana que te atraiga especialmente?

Con este panorama tan reñido, competir es muy difícil y el cine español se reserva sus dos grandes pelotazos para finales del verano. Tendremos que esperar hasta el 26 de agosto para poder disfrutar de El ser querido, la nueva película de Rodrigo Sorogoyen, y Tadeo Jones y la lámpara maravillosa, cuarta entrega de la saga de animación de Enrique Gato.

En ambos casos la diana no está solo puesta en el mercado local sino que se busca traspasar fronteras y conquistar al público internacional como ha pasado con los títulos anteriores de ambos directores. De ahí que no podamos considerarlas tanto "películas estacionales" sino apuestas a medio plazo que esperan aguantar muchas semanas en cartelera y tener una alta tasa de penetración en países vecinos.

Entre tanto, no estamos huérfanos del todo: aunque el cine-evento toma la delantera y no consta entre las habilidades de nuestra industria invertir en grandes superproducciones con las que hacerse un hueco en este panorama (las películas más taquilleras de lo que va de año no llegan ni a 7 millones de euros de presupuesto), sí que hay algunas cintas que se van estrenando tímidamente con el afán de hacerse con un pellizco de la recaudación.

Son comedias que apuestan por rostros muy reconocibles: Antonio Resines y Quim Gutiérrez en Haciendo amigos, Gorka Otxoa y Marta Etura en Ni contigo ni sin mí, Salva Reina y Kira Miró en Tres de más o Juan Dávila y Susana Abaitua en El último mono.

El resto de los estrenos españoles del verano son o bien documentales o bien dramas algo kamikazes que llegan sin el apoyo de grandes nombres pero con la vocación de hacerse un huequecito. En su mayor parte son incluso debuts en los que no hay depositadas grandes esperanzas siendo por tanto lo que podemos considerar estrenos residuales que, en sí, ya tienen el mérito de haber llegado al circuito comercial.

Y que esto último no se entienda como un reproche o un insulto, sino todo lo contrario: es toda una hazaña y de facto es el apartado en el que vamos a encontrar una mayor calidad cinematográfica.

Id cogiéndole la matrícula a Ana Serret (Apuntes para una ficción consentida), a Bàrbara Farré (Mala bestia), a Ana Graciani (La ventana abierta) y a Estel Díaz (A fuego) porque no creo que sea casual que se apueste por ellas en momentos complicados y, a la postre, nos están presentando a una nueva generación de directoras de cine este verano, listas para incorporarse al circuito y presentarnos nuevas historias y formas de narrar. Bienvenidas sean y larga vida a sus carreras, en las que tendremos puesto el ojo.