En su lugar llevará las riendas Jeremy Latcham, un exejecutivo de Marvel que participó en la producción de películas como Iron Man, Guardianes de la Galaxia o Spider-Man: Homecoming, y ayudó a impulsar al UCM a ser la importante saga cinematográfica que es hoy día.

Aunque todavía no está del todo claro si los proyectos futuros que estaban establecidos seguirán adelante (tan solo se sabe que Man of Tomorrow y The People v. Gorilla Grodd sí se estrenarán debido a que ya se encuentran en fase de postproducción), es evidente que la compañía busca encauzar su saga de superhéroes a otra dirección. Y en parte me alegro, ya que este nuevo Universo DC, aun con sus aciertos, ha sido tan irregular como su anterior etapa.

James Gunn ha cometido tres grandes errores con su nuevo Universo DC

No puedo dar una opinión plena sobre todo el actual Universo DC, ya que me quedan aún por ver Supergirl y Clayface, pero, en general, todo lo que he visto me ha gustado bastante (mi favorita Linternas). No obstante, eso no quita que James Gunn haya cometido tres importantes errores a la hora de abordar esta nueva etapa cinematográfica.

El primero sin duda es arrastrar parte del anterior Universo DC a este reinicio, teniendo en cuenta los eventos de El Escuadrón Suicida y la temporada 1 de El Pacificador (con ciertas modificaciones para encajarla en esta nueva etapa) en lugar de comenzar cien por cien de cero.

Lo único bueno que le veo es que he podido contemplar de nuevo a John Cena como El Pacificador, aunque bien podría haber repetido papel reiniciando a su personaje y presentándolo de nuevo, pero bueno.

Lo segundo es el orden en que ha ido lanzando sus producciones, arrancando con la temporada 1 de Creature Commandos con un grupo de personajes bastante secundarios en DC. Y ojo, que la serie me pareció una gozada, pero lo ideal habría sido que su arranque oficial fuese con Superman, que al menos sí ha sido la primera incursión de esta nueva etapa en la gran pantalla.

No solo eso, sino también que la cosa se centrara en los personajes principales en lugar de los secundarios. Hemos pasado de Superman a Supergirl (un personaje dentro de lo que cabe más conocido que otros secundarios) para después sacar una película sobre Clayface, uno de los villanos de Batman, antes siquiera de mostrar al Caballero Oscuro en una película propia.

En parte entiendo que no quisiera sacar a los héroes principales desde el principio, pues está demasiado "reciente" el anterior Universo DC, pero no puedes en un reinicio de DC no meter desde el principio a personajes como Batman, Flash o Wonder Woman (sí, Batman llega a mostrarse brevemente en Creature Commandos, pero eso y nada es lo mismo).

El último, aunque no menos importante, error que ha cometido Gunn es que todas sus producciones están dirigidas únicamente a los fans de los cómics en lugar de ampliar la barrera de audiencia y englobar a todo el público posible.

Yo no soy un lector muy asiduo de DC más allá de Batman, pero conozco mucho de los personajes a raíz de otras adaptaciones previas, por lo que no me sentí perdido en este reinicio. Sin embargo, mi pareja sí se sintió más desubicada al ver Superman. Si la primera película oficial del nuevo Universo DC no sitúa al público más convencional para engancharlo a su trama, es normal que este termine perdiendo el interés de cara a futuras producciones y se resienta en la taquilla.

No solo en taquilla, en el streaming también ha habido alguna mancha, como la temporada 2 de El Pacificador, que no dejó buen sabor de boca a muchos (a mí, en cambio, sí me gustó) y tuvo una caída del 40% de audiencia con respecto a su anterior temporada.

A pesar de estos grandes errores, reconozco que tenía curiosidad por ver cómo avanzaba esta etapa de la mano de James Gunn. Ahora toca esperar a ver cómo le sienta el cambio de liderazgo a DC Studios y si por fin endereza su rumbo o continuará con la zozobra.

Este último nombre no es el de un personaje, ni el de una película. Es el de la exmujer de Johnny Depp, con quien se casó en 2015 para que un año después tuviera lugar su divorcio y, con él, uno de los mayores escándalos mediáticos de Hollywood.

Amber Heard acusó a Johnny Depp de maltrato cuando solicitó el divorcio, y luego publicó un artículo que motivó a Depp a iniciar un juicio en su contra por difamación. Pero su carrera ya se había ido deteriorando mucho antes de que arrancaran esos procesos, desde el momento en que su imagen se ensució.

Disney no tardó en apartarlo de la saga de Piratas del Caribe, que esperaba retomar algún día con una sexta película, y Warner Bros. lo eliminó del reparto de la siguiente entrega de Animales fantásticos, haciendo que su personaje pasara a ser interpretado por Mads Mikkelsen.

Durante casi una década, Johnny Depp ha dejado de pasar por nuestras pantallas, salvo algunas contadas ocasiones o a través de documentales que han repasado su relación romántica y posterior juicio con Amber Heard.

Pero esta semana Johnny Depp volverá a los cines con Scrooge y los fantasmas de la Navidad de Ti West. Como si nada hubiera pasado. Para volver a interpretar a un personaje excéntrico. Para convertirse en un viejo cascarrabias que aprende a ser buena persona. Para redimirse.

Johnny Depp no es el primero ni será el último redimido por Hollywood

Hasta hace nada, Johnny Depp estaba vetado del cine, ninguna productora quería saber de él, que se la relacionara con su nombre, pero ahora el intérprete está a punto de iniciar una nueva etapa en su carrera.

Limpio de la polémica que lo envolvió en el pasado, Hollywood le vuelve a abrir las puertas e incluso Disney se plantea su regreso como Jack Sparrow. ¿Cómo es posible? Del mismo modo que lo ha sido para tantos otros.

Will Smith le pegó una tremenda torta a Chris Rock en la gala de los Premios Óscar de 2022 cuando el comediante bromeó sobre la alopecia de su esposa, Jada Pinkett Smith, pero la academia no se tomó esa reacción como un chiste, ni la industria tampoco.

Con una mancha negra en su expediente, las producciones en las que el actor de Men in Black estaba involucrado se vieron afectadas y lo arrastraron a un período de incertidumbre profesional del que no tardó demasiado en salir.

En 2024 regresó con el carisma de siempre para Bad Boys: Ride or Die, una secuela de su mítica franquicia de Dos policías rebeldes coprotagonizada por Martin Lawrence, y todo parece apuntar a que no tardaremos en verlo regresar para otra aclamada saga con Soy leyenda 2.

Por su parte, la figura de Brad Pitt lleva envuelta en la polémica desde su divorcio con Angelina Jolie en 2019 y las acusaciones de malos tratos por parte de su exmujer hacia ella y su prole, a las que se suma la controversia por su inicio de relaciones con mujeres a las que dobla la edad.

Ignorándolo todo, Hollywood sigue ofreciéndole papeles de primera categoría como En el corazón de la bestia, donde lo vemos retratado no sólo como un héroe sino también como una persona de gran corazón dispuesta a superar todas las adversidades.

Hollywood no piensa cancelar a sus mayores estrellas

Hollywood es experta en contar historias, pero sobre todo en reescribirlas con tal de ofrecer una narrativa que sea rentable. Y no hay nada más rentable que una leyenda del cine, una estrella que reconoces al instante, de la que podrías nombrar varias películas de éxito que ha protagonizado.

Es absurdo perder eso por… una pequeñísima polémica, ¡está claro que todo el mundo es perfectamente capaz de diferenciar obra de artista! Es más, es lo que se debería hacer siempre, por norma general. Claro que a veces hace falta ayudar un poco al público a dar ese paso.

No importa lo monumental que sea la cagada, en los casos más extremos basta con apartar a los actores problemáticos del foco mediático durante una temporada, mientras exista una polémica vigente que genere más titulares que las películas en las que participen.

Entonces, cuando ya nadie hable del tema y casi ninguna persona recuerde lo que pasó, volver es pan comido. Igual recuerdas que tal o cual actor tuvo movida en su momento, pero ni siquiera eres capaz de señalar lo que ocurrió.

Lo único que sabes con absoluta certeza es que lo recuerdas con cariño porque estuvo en esa película que tanto te gustaba, y no tienes dudas de que actúa muy bien, y ahora es que va a sacar una nueva película, y volverá a ser como siempre fue. Si nos hizo sentir así de bien en su día, ¿cómo podemos cuestionar que tengan una vida cuestionable fuera de los focos?

Sus nombres siguen despertando interés, vendiendo entradas de cine, valiendo millones. Porque al final la respuesta a la única pregunta que importa está clara. Y tú, de verdad, ¿en qué piensas cuando digo Johnny Depp?

La actriz de Viuda Negra se inició muy joven en el mundo de la interpretación, siendo una actriz adolescente que protagonizó su primera película en 1996 con Manny y Lo, para más tarde actuar bajo las directrices de cineastas como Robert Redford o Joel Coen.

Su papel temprano más notable lo tuvo en Lost in Translation (2003) de Sofia Coppola, una cinta en la que ya se la empezaba a encasillar como “la otra mujer, la amante secundaria o la bomba sexual”, y eso la empujó a continuar topándose con limitaciones a la hora de encontrar otro tipo de roles que asumir en la gran pantalla, ya que no le ofrecían otras alternativas.

Woody Allen fue el siguiente cineasta que potenció esta faceta por la que Scarlett Johansson sintió aversión años después, con cintas como Match Point (2005) o Vicky Cristina Barcelona (2008) siendo dos de sus principales exponentes. “Lo que se ofrecía en ese momento para mujeres de mi edad […] era mucho más limitado que ahora”, explicó la intérprete este 2026.

Si bien había alcanzado la fama gracias a grandes directores como Michael Bay con La isla (2005) o Brian De Palma con La dalia negra (2006), el tipo de personajes a los que pudo dar vida en aquel entonces no le permitían explorar sus capacidades interpretativas.

Fue en el teatro donde descubrió “una gran manera de trabajar otros registros y salir de ese patrón”. Algo que al final pudo acabar introduciendo en el cine cuando se le ofreció la oportunidad.

Marvel cambia el destino de Scarlett Johansson en cines

Entonces llegó Marvel. Scarlett Johansson se unió al UCM en el año 2010 a través de la cinta Iron Man 2 de Jon Favreau, al ponerse en la piel de la superheroína Viuda Negra, también conocida como Natasha Romanoff.

No se libró de los trajes ajustados y de continuar llamando la atención por su físico, pero al menos había cambiado de rol en la gran pantalla mediante una heroína a la que pudo ir añadiendo capas de profundidad a lo largo de casi una década y siete películas.

Todo ello hasta que en el año 2021 se despidió del UCM como la protagonista de su propio largometraje, titulado Viuda negra, una precuela que servía para despedirnos de una Natasha que había muerto en Vengadores: Endgame (2019) y para pasarle el testigo a Florence Pugh como Yelena Belova.

Scarlett Johansson más allá de Marvel

En esos más de diez años en que Scarlett Johansson fue la estrella de Marvel, continuó apostando por el cine de autor aunque favoreciendo su introducción en la ciencia ficción.

Algo que pudo conseguir a través de propuestas como: Under the Skin (2013) de Jonathan Glazer, descrita por ella como una “joya oculta” de su filmografía, Her (2013) de Spike Jonze, en la que demostraba su sensualidad a través de la voz sin necesidad de que viéramos su figura, o Ghost in the Shell: El alma de la máquina (2017) de Rupert Sanders, con la que daba vida a un icono del anime.

Por otro lado, después de ser una actriz imprescindible para Woody Allen, se convirtió en el nuevo rostro para el cine de Wes Anderson, cuyas interpretaciones culminaron en las producciones Asteroid City (2023) y La trama fenicia (2025).

Bajo su dirección pudo sentir que combinaba su faceta como actriz de cine al tiempo que regresaba a la que tanto le gustaba como actriz de teatro, aportándole un soplo de aire fresco a su carrera.

“A Wes le entusiasma el proceso de las tomas repetitivas y lo que eso saca de ti”, declaró la antigua actriz de Marvel en 2023. “Es casi como ensayar una obra de teatro, pero todo queda grabado en vídeo, y me gusta ese tipo de trabajo”.

En 2025 también debutó como directora de su primer largometraje, La extraordinaria vida de Eleanor, un drama sobre la vejez que tuvo un recibimiento mixto: mientras unas personas señalaban que era un buen primer filme, otras decían que había entrado con mal pie en el mundo de la dirección.

Pero Scarlett Johansson sigue manteniendo una acertada filosofía de diversificar, que le permite alumbrar tanto proyectos alabados por todo el mundo, como producciones que hacen menos ruido, o blockbusters de éxito.

Tanto es así que el UCM no le cerró las puertas del Hollywood más mainstream. Al contrario, parece que le allanó el camino, puesto que el año pasado la pudimos ver como cabeza de reparto del ligero reinicio de la saga de Jurassic World con El renacer de Gareth Edwards, a cuyas futuras entregas se espera que vuelva.

Y ha cambiado a Marvel por DC para pasar a convertirse en Gilda Dent, la mujer de Harvey, en la futura secuela de The Batman de Matt Reeves, prevista para 2028. Sin olvidarnos de que este noviembre Scarlett Johansson protagoniza la cinta de animación Ray Gunn, un sueño de 30 años para Brad Bird que por fin se hace realidad.

De este modo, Scarlett Johansson es una actriz que ha sido capaz de demostrar con su filmografía que una serie de papeles no tenían por qué definir su carrera como intérprete, y que podía continuar abarcando muchos géneros y personajes con los que seguir creciendo por el camino.

En otras palabras, somos mucho más permisivos con las licencias narrativas cuando nos metemos debajo del anchísimo paraguas de la ficción porque no nos sentimos estafados con las inexactitudes, los cambios y el relleno de información que a fin de cuentas no se puede llegar a conocer. Todo es interpretable. Encontraríamos aquí series como El cuerpo en llamas, El caso Asunta o El crimen de Pazos, que se estrenará el próximo 13 de noviembre.

Algo muy distinto es una obra documental que aspira a tener un impacto social y comunicativo, ordenar la información verificada y esclarecer hechos difícilmente asimilables que comportan un crimen real. En esta categoría encontraríamos la serie antológica de Crímenes de Carles Porta, El caso Alcàsser o El caso Asunta: Operación Nenúfar. A todas ellas se les exige un rigor muy diferente y desligarse del sensacionalismo..

Nos vamos a quedar en esta ocasión con tres series documentales del género true crime que han generado, por distintos motivos, enormes polémicas que han puesto en duda su calidad y dejan constancia la sensibilidad de la materia que exploran y la exquisitez de la que se presupone que deberían hacer gala a la hora de manejar hechos tan delicados.

En 2024 veía la luz la serie documental El rey del cachopo, compuesta por tres episodios de unos 50 minutos de duración. El título aludía al sobrenombre de César Román, condenado a 15 años de prisión por el asesinato y la profanación del cadáver de su exnovia, Heidi Paz Bulnes en el año 2018 en Madrid. A pesar de manejar información muy actualizada sobre el caso, la serie omitía algunos detalles específicos muy importantes, como la evaluación psicológica del individuo y se valía de un tono, casi paródico en algunos momentos, que contrastaba fuertemente con la gravedad del crimen machista que además le daba un protagonismo al asesino de lo más incómodo.

Un año después se estrenaría Angi: Crimen y mentira en formato de díptico. María Ángeles Molina, alias Angi, suplantó la identidad de su amiga Ana Páez con el objetivo de contratar varios seguros de vida a su nombre y cobrar importantes sumas de dinero para después asesinarla en Barcelona en 2008. La miniserie de Netflix se paralizó y retrasó de forma temporal debido a una orden judicial que incluso obligó a retirar hasta los materiales promocionales. La razón es que utilizaba imágenes previas al crimen sin el consentimiento expreso de los afectados, lo que abrió un intenso debate sobre los límites de la privacidad.

Finalmente, la más reciente es El asesino de TikTok, una miniserie estrenada este mismo año, compuesta también por dos episodios. En ella se habla de José Jurado Montilla, conocido como "Dinamita Montilla", un asesino en serie español que fue condenado en los años 80 a más de 120 años de cárcel por cuatro asesinatos brutales, si bien salió en libertad en 2013 tras la anulación de la doctrina Parot. Años después se valdría de la red social para atrapar a nuevas víctimas y tratar de salir indemne de sus crímenes.

Las críticas negativas obedecieron a distintas razones: una estructura y ritmo irregular, con mucha información redundante y documentada pobremente a través de programas de telebasura y la priorización del morbo por encima de un análisis más concienzudo de las razones que le permitieron volver a matar, además de la utilización chusca del dolor de los familiares de las personas asesinadas, por las que se muestra poca empatía.

En suma, cualquier obra requiere de un mínimo nivel de respeto y honestidad, pero cuando entra en el terreno de los crímenes reales y remueve casos tan controvertidos y escandalosos, en los que el duelo puede seguir en curso o los hecho pueden no haberse esclarecido completamente, es aún más necesario tener un inmenso cuidado a la hora de manejar la información y darle forma.

En los últimos años, venimos viendo una tendencia en las noticias que llegan desde Estados Unidos sobre películas que, tras pegarse una señora torta en taquilla, llegan a formatos digitales y a streaming y se convierten en número uno. Yo mismo he sacado unas cuantas relacionadas con ello en HobbyCine y, con certeza, caerán más.

Casos como Supergirl o Masters del Universo han visto cómo su llegada a streaming y previamente a formatos de vídeo bajo demanda (VOD), destacaban al alzarse a lo más alto de los listados de venta digital o visionados de streaming.

Es una situación curiosa, porque se puede dar a entender, y no es la intención, que estas películas han salvado los muebles con esos resultados en streaming... Ni de broma.

El streaming y el formato doméstico no salvan una taquilla mediocre

No pretendo hacer sangre de los resultados de películas como las ya citadas o The Mandalorian and Grogu, Horizon: An American Saga o, más recientemente, Vaiana.

Todas ellas fallaron en taquilla por diferentes motivos, y no siempre relacionados con la calidad del filme. Mala promoción, enfoque erróneo, la crítica la pone a caer de un burro y desalienta al público potencial... No voy a entrar en esos detalles, sino en el sencillo hecho de que no se invierten cientos de millones en un largometraje para que triunfe en streaming.

Bueno, Netflix sí, pero que me aspen si algún día entiendo la estrategia cinematográfica de esa plataforma. Porque lo de gastarse 320 millones en Estado eléctrico y luego estrenarla solo en streaming es para hacérselo mirar. Luego la peli fue atroz, pero eso fue ya la puntilla.

Pero me estoy desviando del tema. Por un lado, es positivo que una película reciba atención, aunque sea tarde y con una rentabilidad muy inferior. Esto es especialmente clave para el ánimo de los implicados, por supuesto.

Sin embargo, en el plano económico no es un salvavidas en absoluto. Sí, puede que esa película se convierta en un clásico de culto con el tiempo gracias al éxito doméstico, pero es un consuelo bastante pobre, sobre todo si se forma parte de una franquicia.

Haber triunfado en digital y streaming no le va a dar a Kevin Costner el dinero necesario para completar las cuatro películas de Horizon: An American Saga. Tampoco tiene pinta de que le vaya a conceder una secuela a He-Man y los Masters del Universo, y mira que es disfrutona.

De cara a sus plataformas de streaming, estos fiascos tampoco se convierten en valores que engalanen su catálogo. Los tienen y se ven, claro, pero Apple TV no se dejó la piel promocionando Napoleón y es bastante improbable que nadie se suscriba a la plataforma solo para ver la película de Ridley Scott. Pero sí podría pasar que alguien se diera de alta para ver F1: La película.

Obviamente, el atractivo del streaming no es solo un contenido, pero seguro que entiendes por dónde voy.

El caso es que la nímia recaudación que se pueda generar en los formatos domésticos no amortiza en absoluto debacles millonarias en taquilla. Te cuento esto tanto como reflexión "en voz alta" como para que entiendas que, cuando compartimos ese tipo de noticias, es más para hacer el seguimiento a la recepción de una peli, no para decirte que se ha obrado ningún milagro y ahora es rentable.

Y es que estos casos van a seguir dándose de forma inevitable, sea buena la película en cuestión o no.

Solo hay que echar un vistazo a lo que está por llegar: Godzilla Minus Zero, la secuela de Godzilla Minus One ya está agitando los cines, pero también está ya disponible el cortometraje Godzilla 2: Shinjuku Burning.

El 26 de marzo de 2027 llegará la sexta entrega del MonsterVerse de Legendary Pictures y Warner Bros. dirigida en esta ocasión por Grant Sputore: Godzilla x Kong: Supernova. Ojo porque la trama enfrentará a Godzilla y a King Kong contra una amenaza cósmica que incluye la presencia de SpaceGodzilla, el doppelgänger alienígena maligno de Godzilla. El reparto humano contará con Dan Stevens, Kaitlyn Dever. Jack O'Connell, Matthew Modine y la aparición póstuma de Sam Neill.

Toho, por su parte, ja anunciado un ambicioso plan estratégico que promete compartir con el modelo de Hollywood: el Godzilla World. Se trata del proyecto de un universo compartido de proyectos y spin-offs de Godzilla en Japón.

Si nos pasamos a la pantalla pequeña tenemos que hablar de Monarch que, independientemente de que obtenga una tercera temporada, tendrá una precuela centrada en Lee Shaw, el personaje interpretado por Wyatt Russell que se ambientará en el contexto de la Guerra Fría de los años 80, explorando la posibilidad de que la Unión Soviética hubiera desatado a un nuevo titán y dándole así a Godzilla la oportunidad de aparecer por sus fueros.

También hay una serie de animación en producción con la que se planea expandir la mitología del kaiju, aunque sin fecha de estreno oficial confirmada por el momento.

IDW por su parte lanzará Godzilla versus Everything, un crossover de cómics que se expandirá por múltiples universos. El lanzamiento está previsto para marzo de 2027, seguramente para arropar el estreno de Supernova. Y en el mundo del videojuego llegará como novedad Godzilla: Defense Force X. Tampoco puede faltar a la cita LEGO con un nuevo set que hará las delicias de los coleccionistas.

La popularidad de Godzilla no hace más que crecer en su lugar de origen, que sigue honrando su legado respetando algunas reglas sagradas y también en occidente, donde seguimos descubriendo nuevas facetas de la riquísima mitología del Titán Alfa.

Así que sí, va a seguir dando el espectáculo en los cines y seguirá siendo el Rey de los Monstruos durante mucho, mucho tiempo. Es más, ha tenido tantas iteraciones y arcos narrativos que reversionarlos para traerlos a la actualidad puede ser un ejercicio de creatividad de lo más estimulante. Gojira y sus células G permiten tener un campo de experimentación que se antoja infinito.

En los últimos años ha habido muchas producciones de Star Wars debido a la proliferación de contenidos para Disney+. Demasiados contenidos, si me preguntas. Claro que pudo ser peor, porque Lucasfilm se ha ido cargando o "dejando morir" varios proyectos.

Algunos tenían una pinta terrible, como la trilogía de Rian Johnson de la que nadie fue capaz de dar detalles en más de un lustro, o esa película que le dieron a los creadores de Juego de tronos, hasta que se convirtieron en enemigos públicos tras el final de la serie de HBO Max y entonces no interesaba tenerlos asociados a Star Wars.

Tampoco es que me importe que se haya confirmado la cancelación de la película de Taika Waititi. No es mal director, pero su estilo y, especialmente, su humor, me cansan tras una sola película.

Pero hay algunos proyectos de Star Wars que me habría gustado mucho ver materializados, incluso alguno que es previo a la venta de Lucasfilm a Disney.

Una serie demasiado ambiciosa para su época

Y, de hecho, voy a empezar por el más antiguo, Star Wars: Underworld. El propio George Lucas quería sacar 400 episodios de alrededor de una hora de esta serie que repasaría los 19 años entre los eventos de Star Wars: Episodio III - La venganza de los sith y Star Wars: Episodio IV - Una nueva esperanza.

Lucas planificó 100 episodios, pero el proceso de compraventa de Lucasfilm se interpuso y la Casa del Ratón no quiso meterse en el berenjenal de abordar una serie que presentaba riesgos presupuestarios desde el principio.

Estuvo planificándose desde 2005, por lo que pudo haber sido la serie que revolucionaría la producción televisiva, en lugar de serlo Juego de tronos, pero su propia ambición fue lo que lastró el proyecto.

El videojuego maduro que Disney nos negó

Uno de tantos movimientos infames que hizo Disney con Star Wars fue cerrar LucasArts, la división de videojuegos de Lucasfilm. La jugada les explotó en la cara, pues cuatro años más tarde se reabrió y poco después se devolvió el nombre original, Lucasfilm Games.

Pero el daño ya estaba hecho, y fue dejarnos sin Star Wars 1313, el videojuego de acción que iba a llevarnos al infame Nivel 13 de Coruscant, el "lugar más peligroso de la galaxia", en una aventura en la que encarnaríamos a un cazarrecompensas mientras navega por ese entorno tan hostil.

Se explicó que el juego tendría un corte maduro para que lo disfrutasen los fans más veteranos. Y sí, "Star Wars es para niños", pero los niños que crecieron con la saga ya no son unos críos y no viene mal ofrecer cosas para ellos. Andor, y perdón por repetirme, lo ha demostrado. Eso y que el contenido "para niños" de hace cinco décadas está varios peldaños por encima del actual.

Y ya que estamos con videojuegos, aunque no está estrictamente cancelado... ¿qué demonios pasa con Star Wars: Caballeros de la Antigua República Remake? Un remake de ese juegazo de BioWare sería una joya si se hace bien. Se anunció a bombo y platillo en aquel directo de PlayStation y, desde entonces, todas las noticias son vagas, en el mejor de los casos.

Estas sí son las películas que buscaba

Entre la maraña de proyectos anunciados y olvidados debajo de la mesa durante estos últimos años, hay un par que me habría gustado ver hechos realidad.

El primero es la película que iba a dirigir James Mangold y que iba a explorar la historia de los primeros jedi que usaron la Fuerza. Esto ambientaría la película en un período histórico tan distante que nos podría ofrecer un estilo visual muy diferente. Pero lo de las películas de Star Wars estos últimos años tiene pinta de haber sido un desmadre importante en Lucasfilm.

Y no me habría importado ver Star Wars: Rogue Squadron, cualquiera de las versiones que estuvieron sobre la mesa. Aunque las naves siempre han sido parte fundamental de la saga, ninguna historia ha estado plenamente ligada a ellas en la gran pantalla. Una aventura del Escuadrón Pícaro habría molado.

Claro que entiendo la complejidad. Si lo quieres hacer bien, necesitas a Luke Skywalker, y Mark Hamill tiene la edad que tiene. Se podía hacer con CGI, pero no sería lo mismo. Está bien para un cameíto como en The Mandalorian, pero no quiero ver una película así.

Puede que Star Wars: Starfighter me quite ese amargor y ofrezca lo que no pudo ofrecer Rogue Squadron.

En general, Star Wars comete el error de anunciar proyectos sin ton ni son en lugar de hacerlo cuando están ya bien esbozados, aunque algunos de estos lo estaban y me da aún más rabia que no salieran a la luz. Hollywood es un mundillo extraño.

Las versiones cinematográficas de videojuegos llevan existiendo desde hace décadas, y ya en los años 90 teníamos ahí a cintas como Super Mario Bros. (1993) o Mortal Kombat (1995) intentando abrirse paso en la industria con diferentes niveles de éxito y sin terminar de dejar claro si este era un buen camino a seguir.

Con el cambio de siglo vimos otros intentos de consolidar este mercado con películas como las de Tomb Raider protagonizadas por Angelina Jolie, o la saga de Resident Evil que contaba con Milla Jovovich a la cabeza del reparto.

No obstante, comenzó a ser alrededor de la década de 2020 cuando todo cambió. Pokémon: Detective Pikachu (2019) fue el gran éxito reciente que nos mostró el potencial de seguir trasladando los títulos interactivos a la pantalla grande, y a aquel estreno le siguieron otros tan potentes como: Sonic: La película (2020) o Uncharted (2022).

Sin embargo, fue Super Mario Bros.: La película (2023) el fenómeno que estableció un nuevo mercado. La cinta se convirtió en la primera adaptación de un videojuego en superar los mil millones de dólares, y logró resarcir a Nintendo del paupérrimo intento de hacer que cobraran vida sus icónicos personajes en los 90.

Así, cada vez han sido más los estudios que han apostado por seguir llevando a los cines largometrajes basados en títulos más o menos conocidos. Porque se han dado cuenta de que hay un público queriendo disfrutar en otro medio de las historias que ya ha jugado. Y yo soy la primera, con dispares aproximaciones a estas adaptaciones.

Las adaptaciones cinematográficas de videojuegos existen por 2 motivos

Este 2026 no pude faltar a la cita para reencontrarme con el fontanero del Reino Champiñón en Super Mario Galaxy: la película tras haber visto la primera entrega y haber jugado a varios títulos de Mario con anterioridad.

Entre ellos, de niña había catado los Super Mario Galaxy que inspiraban la cinta, y tenía cierta familiaridad con el universo y sus habitantes, por lo que el largometraje podía jugar un papel de reencuentro.

En cambio, con Exit 8 me pasó justo lo contrario. Me llamó tanto la atención el concepto de la propuesta, que coqueteaba con los espacios liminales de un modo similar a la cinta de la que todo el mundo estaba hablando, Backrooms, que no pude evitar verla.

Satisfecha con lo que me ofreció, quise ir un paso más allá y descubrir de dónde venía, por eso en cuanto terminé de la cinta me hice con el juego, y poco tiempo después sufrí atravesando sus pasillos de metro cambiantes hasta dar con la salida.

Lo que yo he vivido con Super Mario Galaxy: la película y Exit 8 sintetiza lo que buscan y consiguen todas las adaptaciones de videojuegos que llegan al mercado.

Por un lado, están atrayendo a un público fiel o familiarizado con el material original del que parten, por otro, quieren acercarse a nuevas audiencias y que la película se convierta en el puente para llevarlas a ese videojuego que la inspira.

Ambas partes funcionan, porque ambas despiertan la curiosidad por la otra, al tiempo que se benefician de la bien explotada fórmula en la industria cinematográfica de construir sobre seguro.

Más vale una secuela, un remake o una adaptación, que una nueva propiedad intelectual, porque en los primeros casos ya sabes que hay gente que regresaría, mientras que el último es el más arriesgado de todos.

Diría que no hay fallos en el modelo, en esa mentalidad, y que se ha conseguido dar con una fórmula lo suficientemente efectiva como para cumplir el propósito de retroalimentación en este ámbito, haciendo que, al final, todo el mundo esté pagando para ver esas películas y jugar a esos juegos.

El futuro del cine se llama... ¿videojuego?

Los exponentes más recientes en haberse sumado a esta causa han sido Resident Evil y Street Fighter. La última adaptación de la saga de zombies ha salido airosa al contar con un director de terror de renombre a la cabeza, así como una gran pasión por los títulos de Capcom, Zach Cregger.

También nacida de Capcom, la nueva adaptación de sus juegos de lucha acaba de entrar pisando fuerte en la cartelera, aunque todavía no le ha podido hacer sombra a su rival en el género: Mortal Kombat II, que es una redundancia es sí misma. No sólo se trata de una adaptación de un videojuego, también de una secuela. Warner Bros. es brillante.

La productora ha seguido el modelo del éxito al pie de la letra, al igual que este año están haciendo estrenos como el nuevo largometraje de Mario, que lidera la taquilla en quinta posición, o la inminente cinta animada de Angry Birds, que ya va por su tercera entrega.

El futuro del cine se vislumbra cada vez mejor como un conglomerado de regurgitaciones, en el que lo que tiene más posibilidades de triunfar es lo que más casillas de la falta de originalidad tenga marcadas. Llámalo adaptación de un videojuego, llámalo secuela o, mejor, llámalo todo a la vez.

A sus 79 (Arnold) y 80 (Sly) años, ambos actores están sumidos en la etapa en la que son conscientes de que no pueden ir repartiendo estopa como en los 80, cuando su duelo interpretativo y personal llegó a su cénit.

Pese a las muchas semejanzas entre sus carreras en Hollywood, Arnold Schwarzenegger y Sylvester Stallone han potenciado siempre sus diferencias, lo que ha hecho que el público se enganchase a ellos gracias a aspectos diferentes. Ambos pueden perderse en una jungla y convertirse en un ejército de un solo hombre, sí, pero cada uno tiene su encanto personal.

El Roble Austríaco es un tipo con un carisma natural. Arnold no necesita forzar la máquina para hacerse querer, le sale solo. Le valió cuando se centró en el culturismo y luego para fraguar su próspera carrera en Hollywood. Hasta películas que, sobre el papel, son malas, como Un padre en apuros, se han convertido en clásicos gracias a ese magnetismo del Chuache.

Eso sí, no le pidas a Arnie que te escriba un guion. No sabe. El talento narrativo es uno de los que no han calado en él y siempre depende de terceros para construir personajes que aprovechen su carisma.

Por el contrario, Sylvester Stallone tradicionalmente ha caído algo peor, pero lo ha compensado con su capacidad de sentarse y crear personajes para sí mismo que se convertirían en leyendas del cine: desde Rocky Balboa a John Rambo.

Stallone y Schwarzenegger luchan por mantenerse en una industria en la que el físico lo es todo

Como decía antes, ninguno de los dos está actualmente como para hacer el cabra en un set de rodaje para filmar escenas de acción. Ya no es solo la edad, sino la enorme cantidad de lesiones que ambos han acumulado a lo largo de los años.

Debido a ello, estos dos reyes del cine de acción han optado por convertirse en lo que yo denomino "abuelos cañeros" al aceptar papeles que no son el típico cliché que hemos visto en Hollywood para personas de sus edades.

Arnold Schwarzenegger y Sylvester Stallone han probado suerte en el terreno de las series, pero aquí el Roble Austríaco falló con Fubar, que depende demasiado de la acción exagerada que rodea a su personaje. Por eso la serie no duró más de dos temporadas.

A Sly le fue mejor con Tulsa King. La serie creada por Taylor Sheridan no solo hace que su personaje, Dwight Manfredi, sea plenamente consciente de su edad, sino que lo utiliza para su enfoque narrativo.

Puede que Arnie enmiende eso en la película del rey Conan, si es que sale adelante. De ser así, encarnaría a un personaje mítico de su carrera en una etapa acorde a su edad actual.

Arnold y Sly se mantienen activos cuando otros actores se han entregado a la serie B o se han retirado

El hecho de que Arnold Schwarzenegger y Sylvester Stallone sigan fomentando sus respectivas carreras es buena muestra de lo mucho que adoran interpretar a héroes de acción ante las cámaras, aunque estos se vean mermados por el paso del tiempo.

Otros actores, como Steven Seagal o Jean-Claude Van Damme, se dejaron caer en las películas de serie B más cutrecillas. Algo similar le sucedió a Bruce Willis, aunque descubrimos hace años que no fue por gusto, sino por los síntomas de la demencia frontotemporal que empezaban a visibilizarse.

Ojo, que no son infalibles. Stallone ha protagonizado algunos bodrios como Armor o Los mercen4rios que no se los deseo ni a mi peor enemigo. Arnold, por su parte, se ha mantenido más contenido, aunque algún pestuzo como El misterio del dragón ha caído.

En palabras de Arnold Schwarzenegger, "los héroes de acción no se retiran, recargan". Desde luego, tanto él como Sylvester Stallone han abrazado esa máxima, aunque ahora siendo más conscientes de sus edades.

Por un lado, tenemos un cine superheróico de lo más potente que no para de acaparar titulares, con el remate de 2026 a finales de diciembre con Vengadores: Doomsday del UCM, pero que viene precedido este mismo octubre por Clayface de DC.

Asimismo, se vienen otros potentes estrenos fantásticos como Hechizo: Bienvenidos a Hexe de Disney en noviembre o Jumanji: Mundo abierto en diciembre. Y la ciencia ficción también arremete con fuerza con Godzilla Minus Zero y Los juegos del hambre: Amanecer en la cosecha en noviembre y, la joya de la corona, Dune: Parte Tres en diciembre.

El género fantástico como refugio

Todos ellos son estrenos que parten de sagas consolidadas, universos conocidos y cuya influencia es tan potente que cuesta ignorarlos, logrando que hagan sombra a todo lo demás. Pero, al mismo tiempo, diría que echamos la vista para otro lado a propósito.

El mundo en el que vivimos se cae a pedazos mientras en el horizonte amenazan unas elecciones, y lo último que nos apetece es ponernos un drama que nos haga pensar demasiado, y por eso preferimos recurrir al escapismo por la vía fácil que nos proporciona la ficción, cuanto más fantástica mejor.

Es cierto que ninguna película está libre de ideología, pero igual no sufrimos tanto el mensaje de cómo se impone un régimen totalitario sobre la sociedad si ese lugar se llama Panem y no existe.

Así que la visibilidad que le ofrecen las grandes campañas de márquetin a todos esos largometrajes para que llevemos escuchando hablar de ellos desde hace meses se entremezcla con nuestras ganas por aceptar sin rechistar esa oferta tan tentadora, haciendo que ignoremos lo que hay alrededor.

Los grandes estrenos de autor que llegarán en 2026

Mirando hace unos días el calendario de estrenos para lo que queda de año me sorprendió descubrir que había tantas películas que llamaban mi atención y que habían pasado desapercibidas de mi radar, algunas sabiendo que se estrenarían en un futuro próximo -aunque no sospechaba que tan inmediato- y otras que ni siquiera sabía que estaban en proyecto.

Sin alejarnos de la temática que nos ocupa en estas fechas, la cineasta finlandesa Hanna Bergholm, que me conquistó con su inquietante Ego (2022), ha regresado a los cines esta semana con Nightborn, ¡y ojalá sea tan perturbadora como su filme anterior!

A su vez, desde Australia nos llega Leviticus de Adrian Chiarella a finales de octubre, que ofrece la curiosa propuesta de convertir la experiencia homosexual de sus protagonistas en una auténtica pesadilla como una evidente metáfora que pone el foco sobre la iglesia.

En el cine internacional también se imponen las producciones coreanas, con el regreso de dos cineastas cuyos largometrajes previos se me han hecho muy pesados: Lee Chang-Dong, responsable de Burning (2018) que vuelve en octubre con Un amor posible, o Hong Sang-soo, el director de En la playa sola de noche (2017) que nos traerá El día que ella volvió en diciembre.

Luego tenemos al polaco Pawel Pawlikowski, el aclamado director de Cold War (2018), que regresa al drama ambientado en la Guerra Fría y al blanco y negro con Fatherland. Una película que desde luego no voy a ver, al igual que tampoco Ruega por nosotras, la nueva de Daniel Monzón, el director de Celda 211 (2009).

De las que sí tengo ganas son de dos cintas de autor que son inevitablemente más sonadas porque se tratan de producciones estadounidenses, aunque luego partan de una novela japonesa y de una idea original que llevaba gestándose desde hace unos 30 años.

La primera es Klara y el sol, la nueva película de Taika Waititi basada en la obra homónima de Kazuo Ishiguro, la segunda es Ray Gunn, una película de animación que Brad Bird lleva queriendo hacer desde antes de estrenar su primer largometraje en 1999, El gigante de hierro.

No es ninguna casualidad que las cintas que más me interesen de la lista sean las que más se alejen de la realidad, porque yo también necesito que el entretenimiento sea, a veces, simplemente un entretenimiento con el que poder disfrutar sin darle muchas vueltas a nada.

Antes de continuar, he de avisarte de que este artículo incluye spoilers del episodio 1 de la temporada 2 de Marshals, así como del final de la temporada 1. Si no estás al día con la serie, es mejor que la veas en SkyShowtime antes de continuar.

¿Todo listo? Pues al lío. Después de aburrirnos hasta el hastío con 13 episodios más preocupados por intentar diferenciarse de Yellowstone que por abrazar realmente el legado de la serie, Spencer Hudnut y su equipo de guionistas dieron una sorpresa interesante en el final de la temporada 1 de Marshals al dejar a dos personajes en plena emboscada y al presentar el secuestro de Tate Dutton (Brecken Merrill).

Como dije en su momento, no se me escapa la ironía de que Marshals y Rancho Dutton han generado cliffhangers casi idénticos, pero por todas las cabezas de ganado de Montana y Texas, que la serie de Beth y Rip lo desarrolle bien, porque lo de Marshals...

Según Spencer Hudnut, Marshals tiene que ser una serie procedimental porque si no, desde CBS le envían un rayo o no sé qué. Cuando el creador de la serie abordó las críticas de la temporada 1, dijo que la gente no entendía qué era Marshals, enfatizando ese enfoque de series como CSI o Ley y orden.

No, Spencer, lo entendemos bien, pero como procedimental, Marshals es un fiasco. Su personaje más carismático está fuera de lugar porque le has quitado el apoyo que lo hacía brillar; sus nuevas incorporaciones no terminan de explotar en lo que a química se refiere y los guiones dejan mucho que desear.

Marshals no funciona como procedimental. La temporada 1 lo demostró y ese cliffhanger era una puerta perfecta para elevar la serie con una larga trama continua. Pero era más fácil hacer una chapuza.

No hay nada más triste que una serie simple que trata de ser profunda

Un episodio ha durado la tensión de ese cliffhanger. Cuatro llamaditas con sus respectivas amenazas, un tinglado que tiene montado Tom Weaver (Chris Mulkey) porque patata y un plan que parecía perfecto hasta que todo el mundo actúa con unas conveniencias del guion que les falta estar redactadas en pantalla.

Ya no es que sea una resolución predecible, que lo es, o tremendamente absurda (porque ese "intento de huida" final y el consiguiente accidente mortal son tan ridículos como para tirarle algo a la tele), sino que seguimos sin ver evolución alguna en el personaje principal.

Kayce Dutton sigue siendo un lobo solitario. Son los demás los que averiguan qué ha pasado (con otro popurrí de conveniencias) y acuden a rescatarlo en una batalla que pretende ser épica, pero que hace aguas desde la coreografía hasta la propia fotografía. Hay posiciones de cámara que dejan ver tiros limpios contra Kayce cuando, supuestamente, está a cubierto.

Como decía en la crítica de la temporada 2, vi los tres primeros episodios de Marshals justo después de terminar la tercera de Lioness, una serie que, con sus carencias, que las tiene, cuida muchísimo la acción. Así que ver este episodio de Marshals fue como un castigo.

Y del modo en que se salvan Calvin (Logan Marshall-Green) y Belle (Arielle Kebbel), mejor ni hablo. En apenas tres cuartos de hora se han cargado su propio cliffhanger.

La trama del secuestro de Tate daba para un pequeño arco de varios episodios. Digo más, era la excusa perfecta para cruzar la serie con Rancho Dutton de haber querido (y de no haber tenido el mismo cliffhanger).

Una investigación más pausada habría dado un mejor desarrollo a los personajes, sin crearles dramitas personales nuevos en cada capítulo. De hecho, hasta los guionistas podrían haber aprendido a desarrollar las pistas y que estas no surgieran de debajo de una piedra fuera de cámara y entrase el "marshal de relleno 3" a informar para que la trama avance. En esencia, se han pasado la temporada 1 haciendo eso.

Y la emboscada debía haberse saldado con un herido. Pero herido de hospital, no de magulladuras y poco más. O con cualquier otro argumento que diera para soltar carrete. Pero no un tiroteo donde todos menos Cal y Belle son idiotas y se ponen a tiro en cuanto pueden.

Sí, hay limitaciones presupuestarias, de tiempo y ejecutivos de la cadena que se dedican a interferir por diversión y piensan que saben más que los equipos creativos, pero Marshals también flaquea, y mucho, en cuanto a guiones.

Y lo peor de todo, y no voy a hacer spoilers, es que la semana que viene volveremos a la rutina procedimental, lo cual no sería malo de haber una historia interesante detrás.

De momento toca seguir esperando a que alguien ponga orden en Marshals: Una historia de Yellowstone o contemplar cómo la serie sigue desperdiciando al que fue un gran personaje que ahora se ha convertido en el anfitrión de las estrellas invitadas de Barrio Sésamo... perdón, de Camp East.

Con los videojuegos solemos encontrarnos ante un punto de partida común. Gran parte de las adaptaciones que se realizan nacen de sagas consolidadas en el medio y, por tanto, ya cuentan con múltiples entregas a sus espaldas que han supuesto la creación de un universo propio en expansión.

No es lo mismo la Hyrule de The Legend of Zelda: Ocarina of Time que la de Breath of the Wild, pero hay unos conceptos, unos rincones comunes e incluso unos personajes, que vemos repetidos a lo largo de la mayoría de las entregas de la serie.

Quizá por eso no sea de extrañar que Nintendo haya decidido bautizar al primer live action de la franquicia con un sobrio The Legend of Zelda, sin un subtítulo que aluda a ninguna de las entregas previas.

Algo así como lo que hizo Fallout en televisión, como lo que hizo la última entrega de Resident Evil en cines. Eliminan las marcas identificatorias de los videojuegos porque no están basándose en un título concreto sino en todos y en ninguno al mismo tiempo.

Están creando algo único partiendo de la misma base. Podríamos decir que cada una de estas franquicias ha dado lugar a una suerte de UCM particular.

Así, muchas de estas adaptaciones toman lo que ya conocemos para contarnos una historia nueva aunque nos resulte familiar, donde se da pie a ampliar un universo que ya hemos visitado desde una perspectiva que tal vez case mejor con otro medio, permitiendo añadir una capa adicional a su narrativa.

Y quizá esa sea la mejor estrategia para hacerlo de una forma que pueda ser satisfactoria para la gente que ya ha jugado a los videojuegos originales, puesto que la alternativa es demasiado superficial.

Cómo hacer una mala película basada en un videojuego

Las adaptaciones cinematográficas de videojuegos resultan mucho más complicadas de realizar si las comparamos con, por ejemplo, las literarias, puesto que nuestra manera de relacionarnos con ambos medios es del todo opuesta.

Dentro de la atención que te pueda demandar una novela, nunca será igual tu modo de interactuar con ella que con un videojuego, en el que tienes que tomar un rol mucho más activo para hacer que progrese la historia.

Por tanto, las sensaciones que te llevas al ver trasladado un juego a una película que te hace disfrutarla de una forma pasiva es muy radical, haciendo que tengas con una experiencia tan distinta.

Por ejemplo, es imposible replicar en cines la sensación de superación que tienes tras vencer en una batalla a un jefe final en Elden Ring, un título donde la dificultad del gameplay se convierte en un factor diferenciador con respecto a otras aventuras de mundo abierto.

¿Cómo traduces esas mecánicas fuera de lenguaje interactivo? No puedes. Es imposible. Nunca vivirás eso viéndolo en la gran pantalla. Ni siquiera cuando te pongas un directo con alguien haciendo un streaming del juego.

Así que la única opción que queda a la hora de realizar la película es recoger la ambientación oscura y fantástica de ese juego, la historia fragmentada de su mundo para hacer que te adentres en su mitología, pero sacrificando el impacto real que sólo puede darte el ponerte a los mandos.

Es por ello que son tan difíciles y es tan poco habitual que las adaptaciones cinematográficas de videojuegos nos dejen buenas impresiones. Ya que en muchos casos lo que recibimos es poco más que una suerte de remake en imagen real del juego, al más puro estilo de The Last of Us.

Como en ese caso, hay muchas adaptaciones que se limitan a convertir lo mismo que ya viste en un videojuego hecho en animación 3D y con gráficos hiperrealistas en una versión idéntica con gente de carne y hueso. Solo que peor. Porque no puedes intervenir en lo que ocurre en pantalla y te reducen a ser una mera espectadora.

Yo no voy al cine a jugar a un videojuego. Pero tampoco voy ver a una extensa recopilación de cinemáticas, porque para eso ya están YouTube o Twitch. Yo voy al cine a ver cine, independientemente del formato que adapte.

Así que llegó el pasado 25 de septiembre -fecha en que aterrizaba en las salas- casi sin que me diera cuenta, cuando todo el mundo a mi alrededor empezó a hablar de ella. Incluso gente que no solía ir al cine de manera habitual decidía pagar una entrada para ver el sonado estreno.

Y es que la segunda película de Los Javis después de La llamada (2017) ha estado recibiendo mucha atención en las últimas semanas:

En el Festival de Cannes recibió una ovación de 20 minutos de aplausos y se llevó el Premio a la Mejor Dirección. Además, obtuvo los Premios del Público en los Festivales de Cine de Sídney, Toronto y San Sebastián. Y ahora se postula como firme candidata para representar a España en los Óscar.

Ante este panorama, cuando decidí mirar entradas para la semana siguiente al estreno de La bola negra en cines, me encontré con un escenario demasiado similar al que vivimos hace apenas unos meses con La Odisea de Christopher Nolan -aún en cartel-: salas hasta arriba de gente a todas horas, sin importar el cine, el día de la semana.

Javier Calvo y Javier Ambrossi han logrado con su drama sobre la obra inacaba de Federico García Lorca lo mismo que Christopher Nolan al traer de vuelta el poema épico de Homero: convertirse en un fenómeno cultural capaz de arrastrar a las masas a las salas.

La diferencia es que, en el caso de la nueva cinta de Los Javis, se ha conseguido un resultado similar sin que ni siquiera haga falta el aliciente elitista de ver una película de altísimo presupuesto en una pantalla de cine súper específica.

¿Qué tiene La bola negra para que tanta gente quiera verla?

Según mi amiga, cuando le hablé el viernes por la tarde sobre La bola negra no tenía ni idea de lo que era, pero esa misma noche se metió en TikTok y no pararon de aparecerle vídeos recomendando la película. Entonces algo hizo click para ella y para muchas personas: la cinta cuenta con diferentes atractivos para apelar a un público muy variado.

Por un lado, la carrera de Los Javis parecía en peligro cuando se anunció la ruptura de su relación sentimental, pero este estreno los consolida demostrando que su vínculo artístico sigue manteniéndose fuerte, siendo incluso capaz de alumbrar un cine español que genere conversación.

Además, la cinta cuenta en su reparto con grandes nombres como los de: Penélope Cruz, Glenn Close, Lola Dueñaso o Guitarricadelafuente, para atraer las miradas del público más mainstream.

Pero su mayor incentivo es el de poner en valor la obra de uno de nuestros mayores poetas, Federico García Lorca, así como la condición homosexual del autor tapada durante años. Del mismo modo, atrae su marco en la Guerra Civil Española que dejó heridas aún abiertas en nuestra sociedad y sigue siendo por ello un motivo habitual del cine patrio.

Si a todo ello le sumas unas reseñas excelentes por parte de la prensa especializada, a las que no tardaron en añadirse las opiniones positivas del público que se ha acercado a las salas, el boca a boca es el que termina por vender la película, con ayuda del famoso FOMO, que podríamos traducir como "miedo a perderse algo".

La bola negra se convierte en el último fenómeno cultural

Ahora todo el mundo quiere ver La bola negra porque nadie quiere quedarse fuera de la conversación sobre la película del momento, al igual que ya nos pasó con La Odisea, de la misma manera que años antes había logrado el propio Nolan con Oppenheimer (2023), que se estrenó en una suerte de llamativa competición contra la Barbie (2023) de Greta Gerwig.

Son películas que acaban convirtiéndose en un acontecimiento tan grande que dejan de ser meros estrenos para volverse un evento del que la mayoría de la sociedad quiere participar. Deja de importar tanto qué haya detrás de la producción y cobra valor lo que se genera a través de ella.

Yo al final conseguí entradas para ver La bola negra el miércoles pasado, con la sala hasta arriba de personas de todo tipo, desde la juventud hasta la tercera edad. La película lograba conectar con algo más grande que a un nicho de mercado concreto. Y, por muchos motivos, había logrado reunir en ese espacio a personas tan diferentes.

Me ocurre con rareza, pero esta vez, cuando terminó la proyección de La bola negra, casi toda la gente que llenaba las butacas a mí alrededor aplaudió durante unos cuantos segundos, remedando la interminable ovación de Cannes.

En efecto, la película de Los Javis había sido un éxito, y muchas de esas personas les contarían a otras lo entusiasmadas que habían salido de verla, impidiendo que durante días o semanas la cinta baje del podio en el que está ahora como líder en la taquilla nacional.

El resultado fue la trilogía de las secuelas; infame o bizarra, según a quién le preguntes. Para mí, fue insatisfactoria y un despropósito narrativo que maltrató de forma sistemática a los personajes sin los que Star Wars sería la franquicia que es hoy en día.

No soy de esos que van gritando por redes sociales que "Disney debería sacar del canon los episodios VII-IX", pero tampoco me verás defendiendo a capa y espada una historia que parece hecha con absoluta pereza. Las secuelas existen y puedo vivir con su existencia.

Pero preferiría vivir en un mundo en el que dar continuidad a una saga que dichas películas han masacrado no sea uno de los planes de Lucasfilm.

Hace unos días, se revelaba que Jon Watts (trilogía de Spider-Man: Homecoming) se encargará de dirigir la primera entrega de la trilogía de Star Wars de Simon Kinberg (X-Men: Días del futuro pasado). Varios medios han destacado que la película se trata del Episodio X y que la nueva trilogía será la continuación, por tanto, de la Saga Skywalker.

Deja a los Skywalker descansar en paz, Lucasfilm

Sí, ahora viene el momento de decir esa frase que alguno intentará usar para desacreditar todo lo que diga: "Rey no es una Skywalker". Narrativamente, ese arco está cerrado; mal cerrado, pero finiquitado.

Ya había una película sobre Rey (Daisy Ridley) reconstruyendo la Nueva Orden Jedi (que entiendo que se va al cajón, si esta trilogía es la continuación), y tampoco es que fuera una de las mejores ideas del mundo. Eso es lo que nos tenían que haber enseñado con Luke y Leia, pero unos flashbacks son más baratos.

No me entiendas mal, creo que Daisy Ridley lo hizo lo mejor que pudo, pero su personaje no da para más ante un guion terrible que convirtió a Rey en una amalgama de ideas mal desarrolladas. Si Kinberg se saca de la chistera un guion que logre enmendar al personaje y justificar una trilogía en condiciones para Ridley, me comeré mis palabras gustoso.

Pero eso no hace desaparecer esa sensación de que Star Wars sigue estancada en un periodo de tiempo que apenas transcurre en un solo siglo.

Uno de los lujos que traía el Universo Expandido era que exploraba muchas otras épocas, enriqueciendo el imaginario de Star Wars una barbaridad. Ahora, todo eso son vestigios para seguir explotando el conflicto entre el Imperio y la Alianza Rebelde, o el Remanente Imperial y la Nueva República... o la Primera Orden (Imperio) y la Resistencia (Rebeldes).

Si Watts va a dirigir el episodio X, Lucasfilm nos está diciendo que no tiene gente capacitada para explorar de forma original otras épocas de Star Wars.

Una lanza que estoy dispuesto a romper en favor de The Acolyte. La serie fue lo que fue, pero intentó abrir el melón desde otra era. Lo mismo es lo que espero de la película de James Mangold, si es que sigue sobre la mesa; que esa es otra, lo de los proyectos que se dejan morir.

Pero admito que volver con más Skywalker me da una pereza tremenda ahora mismo. Y mira que Star Wars: Tripulación perdida me gustó bastante; tiene sus cosas, pero al menos no era "lo mismo de siempre".

La taquilla ya ha dado un aviso

Y luego tenemos lo evidente: The Mandalorian and Grogu ha sido la película de Star Wars en acción real con peor recaudación de toda la franquicia. Din Djarin y Grogu son los protagonistas de la serie que mejor ha funcionado en Disney+, y su película ha sido un fracaso. ¿Eso no nos dice nada?

Me genera más interés Star Wars: Starfighter que este supuesto Episodio X. Y ya veremos cómo le va a la peli de Shawn Levy y Ryan Gosling el año que viene, que aún no tengo todas conmigo de que vaya a triunfar.

Por supuesto, por ahora hablamos sin saber nada con certeza absoluta. Uno de los problemas de Star Wars, y veo que Lucasfilm sigue teniéndolos bajo la nueva dirección, es que anuncia proyectos sin dar una pincelada sobre qué va a tratar.

Pero en definitiva, estaría guay que alguien en Lucasfilm dijera "basta" y empezasen a explorar otras etapas de la historia galáctica. Que sí, la Guerra Civil siempre ha tenido su encanto en Star Wars, pero está sobreexplotadísima.

No es algo definitivo, por ahora, pero el hecho de que hayan puesto sobre aviso a la plantilla no ofrece un buen panorama. El primer drama es la pérdida de empleos, claro. Nunca es un plato de buen gusto. Pero como esto es un artículo de opinión, diré que, como cliente, me hacen polvo.

La instrucción general de toda plataforma de streaming sigue siendo la misma: ser tan grandes como Netflix. Últimas noticias: no podéis, y eso es bueno en varios sentidos.

SkyShowtime se ha convertido en una plataforma con mucha personalidad gracias a numerosos contenidos que, en otras circunstancias, exigirían suscripciones a varios servicios de streaming, como Peacock y Paramount+. Oh, y ninguno de ellos presta servicio en España ni en muchos países.

De un tiempo hasta ahora, me he dado cuenta de que es rara la semana en la que no veo varias veces algún contenido de SkyShowtime. Cuando no hay alguna serie de Taylor Sheridan en activo, tenemos barrabasadas como Tierra de mafiosos, La agencia, Star Trek o joyitas como Poker Face, que aún no entiendo por qué la cancelaron en Peacock.

SkyShowtime tiene sus pegas, sí. Ya he comentado alguna vez en HobbyCine que es una de esas plataformas que prefiere licenciar contenidos antes que hacer marca. Yo lo veo un error cuando se tienen franquicias como Fast & Furious o Misión imposible, por citar un par. Son sagas que deberían estar siempre en su catálogo, aunque también las licencien a servicios como Netflix.

Hay plataformas mucho menos cuidadas que SkyShowtime

Me daría mucha rabia que, tras deliberar, Paramount y Comcast decidieran cerrar SkyShowtime y tirar cada uno por su lado. Esa alianza estratégica funciona muy bien al tener dos majors y sus respectivos servicios de streaming y filiales concentrados en una sola plataforma.

Además, creo que SkyShowtime ha tenido una curva de aprendizaje interesante. Al principio era un triunfo que llegasen películas nuevas, pero ahora tienen cierta prioridad para ello. También veo que es una plataforma que trata de tener algo interesante cada mes en la medida de lo posible.

Ya, claro, es para retener usuarios, pero no me importa pagar si recibo algo a cambio. No voy a lanzarle el dardo directo a cierta plataforma que lleva tiempo con más sombras que luces, pero parece que otros servicios de streaming no se preocupan tanto por mantener contenidos destacados mes a mes.

Si SkyShowtime cae, sobre todo si lo hace por los motivos que todos tememos (la fusión de Paramount-Warner), dudo que Comcast intente montarse un chiringuito por su lado. Ya hemos visto que pocas plataformas de streaming sacan cabeza para durar. No me cabe duda de que intentaría hacer llegar sus películas y series a través de otras plataformas, pero probablemente tocaría andar cambiando entre diferentes.

Y Paramount intentaría fusionar Paramount+ y HBO Max (madre mía, se viene otro cambio de nombre). La última fusión con Discovery+ les salió de coña; ahora el 70 % del contenido que llega cada mes son documentales. Otro hándicap para esa unión: Taylor Sheridan es el principal motor de Paramount+ y se marcha a NBCUniversal. Igual la jugada no es tan inteligente.

Hay que esperar a ver qué sucede, pero espero que SkyShowtime prospere ante esta incertidumbre y siga con nosotros. Hacen falta más plataformas como esta, que junten diferentes compañías, no crear más.

Algunas de las mayores virtudes de las series que han alimentado su catálogo en los años anteriores se basaban en la calidad narrativa de sus historias y su falta de miedo a abordar temáticas variadas, como pudimos ver en la producción basada en hechos reales Anatomía de un instante o en el drama Yakarta.

Pero además podían presumir de la ventaja que les daba a esos estrenos ser en realidad miniseries y no series convencionales: su número de episodios era limitado y por ello sus guiones estaban desarrollados para contar con un desenlace marcado desde su propio comienzo.

De este modo, huían de una de las tendencias del entretenimiento actual que más frustración producen: las series se hacen eternas, alargándose sin sentido, o se cancelan antes de que nos hayan dado un buen final.

A eso hay que sumar el interés que parecía tener la plataforma por ofrecer contenidos más limitados, sin saturar el catálogo con títulos imposibles de abarcar. Pero esta mentalidad ha cambiado en los últimos meses.

A principios de verano, Movistar Plus anunció que pretendía doblar el número de sus series Originales Movistar Plus, con el objetivo último de lograr tener en los próximos tres años un total de 26 series españolas al año, lo que supondría dos o más estrenos al mes.

Aunque parecía que el volumen de producción de series había empezado a regularse tras el boom que pegó el streaming a raíz de la pandemia, Movistar Plus pretende seguir apostando con fuerza por este tipo de contenidos. Aunque eso no signifique que vaya a acertar con su fórmula.

Movistar Plus apuesta por el continuismo

Quizá Se tiene que morir mucha gente, de Victoria Martín, haya sido una de las series más sonadas de Movistar Plus en lo que llevamos de año, pero lo hace saliéndose de la norma que impera en algunas de sus mejores producciones.

Pese a sus episodios breves de media y su buen arco autoconclusivo en el que se hacía un desarrollo progresivo de sus tres protagonistas a lo largo de sus seis capítulos, Movistar Plus renovó la producción para una segunda temporada que apunta a ser uno de los incentivos para que nos suscribamos a ella en 2027.

Ahora ya hemos dejado de hablar de chispas de creatividad sino de un regreso a las producciones clónicas y la necesidad de explotar un mercado que saben que funciona, aunque no haya una justificación narrativa sólida detrás. La calidad puede seguir siendo alta, pero lo que recibiremos ya no podrá sorprendernos.

Y es que este 2026 no sólo ha estado marcado por el comienzo de una nueva propiedad intelectual, sino también por la explotación de otras series de éxito que han sido muy aplaudidas en Movistar Plus en los últimos años, como el thriller El inmortal, protagonizada por Álex García, que ha regresado con su tercera temporada.

Mientras que otras miniseries de diferente temática que también aspiraban alto, como: Marbella. Expediente judicial, Por cien millones o Yo siempre a veces, no han llegado a conquistar del mismo modo a la audiencia si comparamos las reseñas de estos títulos en Filmaffinity con los mencionados previamente, que rozan o alcanzan el notable.

Quizá con la posibilidad de llegar a ver hasta 26 series españolas al año exista una mayor probabilidad de éxito, o tal vez esta estrategia juegue en contra de la identidad de la plataforma al cambiar su objetivo de lanzar un puñado de obras de calidad para mantener un flujo constante de estrenos sin importar la originalidad.

Todavía es pronto para responder a la pregunta de si esta será la mejor fórmula para seguir nutriendo a la plataforma. Además, el año aún no ha terminado y es posible que todavía nos deje algunas sorpresas.

Por el momento, sabemos que Movistar Plus recibirá este mismo mes la serie policíaca El castillo así como la miniserie basada en hechos reales Matar a un oso, dos ejemplos de cómo la plataforma de streaming quiere diversificar pensando en consolidar su futuro.

La codirectora de la saga Matrix concedió una entrevista a Variety, en la que arremetió contra JK Rowling: "Ella está financiando el genocidio trans. JK Rowling financia el genocidio trans, y punto. Así que, si apoyas Harry Potter estás apoyando el genocidio trans".

La lógica del argumento es sencilla: si sigue obteniendo beneficios de su trabajo, destinará parte de esos recursos a sus actividades políticas y están muy definidas, así que apoyar sus productos (de cualquier índole: libros, películas, series, parques temáticos, merchandising, etc.) es financiar de manera indirecta esta idosincrasia.

Su enfrentamiento con el colectivo transexual comenzó a finales de 2019 por diversas declaraciones en redes sociales y se ha intensificado de forma progresiva, convirtiéndola en una de las figuras más visibles del sector del feminismo radical que excluye a las mujeres trans (conocido como TERF). Por el contrario, activistas y defensores de los derechos humanos señalan que sus declaraciones son tránsfobas, promueven el odio y deshumanizan a las personas transgénero.

Ya en mayo de 2025 puso en marcha el JK Rowling Women's Fund, un "fondo de apoyo legal para mujeres que defienden sus derechos basados en el género".

La pregunta que todos nos hacemos ahora es la de siempre: ¿Separamos a la autora de la obra? ¿Debería cada cual ser consecuente con su manera de pensar y por tanto penalizar o premiar a Rowling en función de la ideología? No hay respuestas sencillas a problemas complejos.

La cuestión es peliaguda porque, independientemente del posicionamiento respecto al colectivo trans, también es cierto que no sería la exclusiva beneficiaria o perjudicada por el rendimiento de la serie basada en Harry Potter. Se repite el patrón de 2023 cuando se llamó al boicot del juego Hogwarts Legacy.

Por desgracia, esto produce un cisma en el fandom en el que muchos seguidores sienten un conflicto moral entre el cariño por la obra y el rechazo a las posturas de la creadora: qué pesa más dependerá muchísimo de los valores de cada uno y de su implicación personal en la polémica de fondo. Pero lo más triste de todo es que es un tema recurrente.

Hasta qué punto se verá afectada la serie por toda esta cuestión va a ser algo casi imposible de cuantificar, máxime si tenemos en cuenta otros problemas, también muy graves, que está atravesando la producción de la serie como el retraso del rodaje derivado de guiones aún por finalizar y graves implicaciones económicas para Warner Bros. y para el equipo.

Por no hablar de otras polémicas derivada de los cambios impuestos en la serie que incomodarán a los más puristas que esperan una ampliación fiel o ciertos aspectos filtrados que han desatado las mofas en redes sociales. De lo que será imposible zafarse es de la comparativa con las películas que tanto y tan duramente ha criticado la propia Rowling por desavenencias con el reparto anterior.

Salga a la luz como y cuando lo haga, la serie Harry Potter y la piedra filosofal aún promete llenar muchos titulares.

Una vez más, el sector del streaming demuestra que la calidad es lo que menos importa a la hora de renovar sus contenidos. Puedes tener una serie que sea más mala que la quina, pero si es baratita y se convierte en el placer culpable de los que se pasan medio episodio mirando el móvil, adelante con más.

Spider-Noir es una serie muy cuidada a nivel técnico, y no solo por el hecho de que puedas verla tanto en color vívido como en sobrio blanco y negro. Decorados, música, ambientación... Nicolas Cage nos llevó a una ciudad de Nueva York de la Gran Depresión que nos atrapa desde el minuto 1.

Pero según Amazon Prime Video, no la vio la suficiente gente, así que machetazo al canto. Ironías de la vida, a los dos días le dieron a Spider-Noir cinco (5) premios Emmy. Al menos la Academia sí valoró el trabajo invertido en la serie.

El caso es que me ha invadido una sensación de déjà vu desde el momento en que leí la noticia de la cancelación de Spider-Noir. Puede que a Nicolas Cage le parezca razonable que se ponga fin a la serie así, y es cierto que cierra sus principales flecos de forma solvente, pero está claro que había planes de más.

¿No tenéis vosotros la sensación de que esto ya ha pasado? Bueno, si ese es el caso, es perfectamente normal, pues es algo que ha sucedido no una, sino dos veces en series relacionadas con el género de superhéroes.

Watchmen y El Pingüino, los preocupantes precedentes de Spider-Noir

No vamos a decir que esto sea cosa de una sola plataforma: todas han hecho cancelaciones similares; y luego está Netflix, que parece buscar los contenidos cuya cancelación enfadará a los fans.

De hecho, los dos ejemplos que han resonado en mi mente estos días son de HBO Max, que quizá es una de las que tiene menos costumbre de masacrar sus contenidos. Algunos casos hay, pero puede ser la que menos.

Retrocedamos a 2019, cuando la serie de Watchmen de Damon Lindelof se convertía en una delicia para la crítica. Hay que decir que el público estuvo más dividido en su acogida, especialmente en algunos países.

En este caso, sucedió al revés: Watchmen se llevó 11 premios Emmy de los 26 a los que optaba, pero después se confirmaron los planes de no alterar su estatus como miniserie, aunque desde HBO habían dejado caer que querían convertirla en serie de mayor duración.

Damon Lindelof no iba a regresar, pues afirmaba que "ya había contado la historia que tenía en mente", pero había terreno para explorar más a estos oscuros personajes de Alan Moore y Dave Gibbons.

Pasaron los años y llegó otra serie de DC que fascinó a crítica y público: El Pingüino. El proyecto nació de The Batman y sirve como spin-off/secuela para Oswald "Oz" Cobb (Colin Farrell).

La temporada 1 tiene un gran cierre, pero deja un cliffhanger interesante del que se podía tirar para dar continuidad a los maquiavélicos planes del villano de Gotham.

Pero HBO Max decidió no seguir adelante con la serie a principios de 2025. Poco después, la temporada 1 de El Pingüino se llevó nueve premios Emmy de las 24 nominaciones que recibió.

Puede que Nic Cage tenga razón y cancelar Spider-Noir tras una sola temporada no sea tan dramático, sobre todo si la temporada estrenada está creada como una historia autoconclusiva, pero me sentaría mejor si estas plataformas no anunciasen este tipo de decisiones casi a la vez que lanzan contenidos de ínfima calidad como la película A la carrera de Prime Video.

Si bien la nostalgia admite muchas formas y no se presenta de la misma manera para todo el mundo, porque al final es un estado condicionado por demasiados factores personales, la temporalidad acaba siendo un buen punto en común para el público.

Recuerdo cómo la película animada Red de Pixar pegó muy fuerte en 2022 porque nos hizo darnos cuenta de algo:

La nostalgia de los 2020 ya no tiene que beber de manera necesaria de los años 80 porque la gente que creció en los 2000 es ahora mayor y empieza a recordar el pasado con ese cariño melancólico idéntico al que ha empujado a Hollywood durante décadas a rescatar el imaginario audiovisual de Steven Spielberg en sus largometrajes del siglo anterior.

Y, por eso mismo, este año hemos sido testigos de cómo han vuelto a las salas películas como Prácticamente magia (1998) o El diablo viste de Prada (2006) con sus respectivas secuelas un cuarto de lustro después.

No es casualidad. Ahora es un buen momento para regresar a ellas, para atraer a una nueva generación a los cines. Porque, y este es el elemento más importante del fenómeno, la nostalgia vende.

¿Segundas partes nunca fueron buenas?

Si la primera te gustó, lo más seguro es que quieras ir a ver la segunda. No le vas a poner muchas pegas, te va a dar lo mismo de lo que trate, quién actué. Tú conoces la base, el origen, y eso es lo único que te va a importar a la hora de lanzarte a pagar una entrada.

Y, aun así, hay un giro en este juego del que todavía no eres consciente, pero que se te va a ir desvelando a medida que aceptes el engaño de la productora que quiso traer de vuelta tu querida película de los 2000.

En su día viste aquella cinta y tenía algo que te conquistó. Se quedó grabada en tu memoria, o perdida entre el resto de tus recuerdos, pero formó parte de tu vida en algún momento que fue mejor, porque el presente siempre empora frente a lo que proyectamos sobre lo que ya pasó.

Por eso, cuando anuncian una secuela algo se despierta en tu interior: la nostalgia. Ha pasado el tiempo, ¡cuanto más mejor! De repente tienes la genuina necesidad de querer saber qué pasó después: cómo habrá envejecido esa trama, qué más se podrá contar de esos personajes, ¿habrán evolucionado o se habrán estancado después de todos estos años?

La respuesta la tienes en dos nuevas horas de película que llegan para saciar tu FOMO por estas tres décadas olvidadas... Tan solo para que te des cuenta de que, al final, te acabas quedando con la primera cuando ya has pagado por la segunda.

Y es que ha transcurrido demasiado tiempo desde que se lanzó la original. Tú ya no eres esa chavala que en su día fue al cine a ver Prácticamente magia o El diablo viste de Prada, ahora eres una señora.

Sí, te lo has pasado bien viendo la segunda parte, has recordado con cariño aquello que te gustaba entonces. Pero su historia nunca estará a la altura de la película que ya habías construido en tu cabeza sobre su posible retorno.

Eso que te hizo gracia hace 20 años o esas dinámicas que te llamaron la atención carecen de la chispa de la originalidad de entonces. Ahora ya no te gusta lo que te gustaba en aquel momento, su historia se siente como rescatar un barco que debía permanecer hundido para no corromperse fuera del océano que lo consumió.

La nostalgia te llama con una fuerza poderosa para que vuelvas a esos universos que conociste cuando todo era diferente, sin que esperes la decepción de encontrarte con que todo lo que te atraía de la secuela era lo que iba a hacer que no funcionase el reencuentro. A veces es mejor no remover el pasado, dejarlo todo como está y recordarlo con cariño sin forzar su vuelta.

Esta lección se la tiene bien aprendida el británico Jason Statham que a lo largo de los últimos años parece estar sólidamente establecido en el panorama audiovisual con papeles intercambiables entre sí. Suele dar vida a tipos fuera de la ley pero de conducta irreprochable que utilizan sus habilidades para proteger a los débiles. ¿Es un cliché? Desde luego que sí, pero funciona y lo tiene muy claro porque invierte en los proyectos en los que participa.

Amén de que vivimos un claro relevo generacional, con muchas estrellas retiradas o en declive: hay un nicho claro de audiencia que sigue demandando tipos duros arreglando el mundo a golpes.

Para ser honesta, me gusta más la combinación de la acción con otros elementos como el humor, de ahí que disfrute tanto de sagas como la de John Wick con un rico imaginario propio y más aún si es un humor un poco absurdo o estrambótico, de ahí que la líder indiscutible de mi lista de pelis favoritas de Jason Statham sea Snatch, cerdos y diamantes, dirigida por Guy Ritchie en el año 2000.

Es una de esas películas irrepetibles que cruza la comedia criminal con un reparto genial y bastante mala uva. Su otra gran virtud es tener al Ritchie primigenio a los mandos, cuando le imprimía a sus narraciones un ritmo frenético gracias a un montaje sobresaliente y constante juego con el espectador cómplice.

Un par de años después, en 2002 llegaría el título que lo consolidaría como héroe de acción... y ya no ha vuelto a quitarse la capa. Hablamos de Transporter. Verlo rompiendo las reglas autoimpuestas y en persecuciones repletas de velocidad colmaba un menú bien apetitoso.

Llegarían después algunas más bastante memorables como The Italian Job o Crank: Veneno en la sangre en la que se seguirían explotando sus destrezas pero la que más me sorprendió fue Espías, ya en 2015, quizás por hacerlo salir de su área de confort. Abrazaba aquí la comedia con una divertidísima Melissa McCarthy en una parodia del género descacharrante... buen trabajo el de Paul Feig sacándole partido en un género diferente, aunque parece obvio que no ha querido seguir por ahí.

La saga Megalodón intentó arrastrarlo de nuevo a las aguas de la comedia ligera de tono distendido y autoconsciente, pero él parece más cómodo con una pistola en la mano ajustando cuentas con fuertes dosis de violencia. A él le sale rentable y a nosotros nos gusta, así que no le vamos a poner demasiadas pegas... si acaso una: que no tema añadirle novedades al cóctel.

Las cámaras IMAX exacerban esa sensación de embrujo; es lo que debía sentir un ciudadano de la Grecia clásica ante las mastodónticas columnas y figuras de los templos: entras en territorio de dioses y tú eres una mota minúscula en el escenario. Pero en La Odisea hay algo más.

La magia de la adaptación de Nolan es que consigue materializar con naturalidad la irrealidad de las sirenas, de los gigantes o de la hechicería de Circe con una plasticidad que recuerda a la épica clásica de Ray Harryhausen, maestro de los memorables efectos especiales con stop motion de Jasón y los argonautas (Don Chaffey, 1963), entre muchas otras.

Jasón y los argonautas es una película que pude ver por primera vez cuando tenía… ¿7 u 8 años, quizás? Fue en la tele de tubo de casa de mis abuelos, junto al teléfono de disco, con los brazos apoyados en un mantel blanco bordado que me dejaría dibujos en la piel.

Cuando volví a ver la película había pasado más de una década y no recordaba absolutamente nada de ella… salvo la magia de sus efectos especiales.

Los esqueletos con espadas se habían quedado atrapados en mi memoria. Era incapaz de quitármelos de la cabeza: su forma de moverse, de luchar. Eran tan falsos y, a la vez, tan terriblemente reales. Para mí era un espectáculo hipnótico, pero, sobre todo, mágico.

Cuando volvieron a aparecer en mi cabeza mientras estaba en la sala de cine viendo La Odisea, supe que había comprado la campaña de la película: el cine hecho «de verdad», la reivindicación de los efectos prácticos y esa “reason to believe”, esa razón para creer con la que Nolan ha explicado su manera de combinar lo físico con efectos especiales.

La película-evento basada en el mito de Homero, que ya es la película con clasificación R más taquillera de la historia, ha llevado a titulares que afirman que acaba de dar en los morros a Hollywood, el CGI y la fabricación industrial de blockbusters.

La lección es más bien sencilla: el público quiere volver a ver cosas que realmente suceden delante de la cámara. Pero esa es una grandísima trampa comercial: el relato cultural y publicitario que hemos construido alrededor de lo físico.

Las redes se han llenado de reels con Tom Holland alucinando con los efectos prácticos de los cerdos, de como Jon Bernthal tiritaba empapado en el interior del caballo o de comentarios sobre los gigantes que en realidad eran trucos de cámara a lo El Señor de los Anillos. Absolutas genialidades sobre las que sacar pecho con las que nos hemos autoengañado.

Una razón para creer

La razón para creer, el equilibrio sobre el que hablaba Nolan para promocionar La Odisea, está en introducir la suficiente realidad para que aceptes la mentira. Como Spielberg en Jurassic Park, no se trata de escoger entre efectos prácticos, animatrónica o CGI: el punto dulce está en utilizar cada técnica donde mejor funciona.

Nolan lo ha hecho con Polifemo: tienes la interpretación física de Bill Irwin, marionetas, robótica y VFX para completar la ilusión. Los departamentos de efectos trabajan juntos desde el diseño, no como competencias enfrentadas. La conexión es exactamente la misma en 1993 y en 2026, que es la de proporcionar al efecto digital una realidad sobre la que apoyarse.

Los actores tienen una presencia gigantesca ante la que reaccionar, no una pantalla verde rodeada de soledad. Es la misma magia del cine desde su nacimiento: una maquinaria de trucos, transparencias, miniaturas y montaje. Eso es lo que el público disfruta aunque lo note.

Los esqueletos de Harryhausen funcionan porque están lejísimos del fotorrealismo y, aún así, mantienen intención en el movimiento y su interacción con el espacio es coherente.

Lo fantástico puede ser creíble sin ser realista. Y por eso toda la corriente comercial anti-CGI no tiene una pizca de sentido, como explica deliciosamente la serie «NO CGI is really just INVISIBLE CGI» de Jonas Ussing en su canal de The Movie Rabbit Hole —con el cine de Nolan siendo muy protagonista, por cierto—.

Si la mayoría de los que han visto cualquiera de Avatar supieran cuánto trabajo físico hay debajo del CGI, se les saltaría el bombín del susto. No se me ocurre mejor ejemplo para refutar eso de que mucho efecto especial es igual a poco trabajo humano. Que ya es curiosa la paradoja cuando ese trabajo digital es también creado por un artista real.

El arte de hacer desaparecer el CGI

¿Por qué entonces despreciamos ese trabajo? ¿Por qué alejarse de lo digital se ha convertido en reclamo comercial? Por una grandísima mentira de la que somos cómplices: un efecto práctico es muchísimo más fácil de convertir en espectáculo. La Inteligencia Artificial también está jugando su papel, pero en unas líneas llegaremos a ello.

Nos encanta ver a un tipo haciendo de McGyver construyendo una criatura, incendiando el Coliseo de Roma o gastando el PIB de Mozambique en agua para inundar un barco. Ahora, ver a alguien con una tableta gráfica… nos cuesta. No tiene el mismo glamour porque el proceso también se ha convertido en entretenimiento; que se lo digan a Greta Gerwig.

La directora de la maravillosa Barbie (2023) combinó decorados gigantescos, miniaturas, efectos prácticos, LED, pantallas azules y una cantidad salvaje de VFX: hay alrededor de 1.300 planos que pasaron por el departamento de efectos especiales. Y una vez más, a riesgo de repetirme, no hay nada de malo en ello. Incluso la directora presionó para usar el máximo posible de efectos prácticos, de ahí el resultado.

La comedia estuvo en que Barbie —y ha pasado con Top Gun, Wicked y tantas otras hasta llegar a La Odisea— se promocionó enfatizando la ausencia o minimización del CGI pese al trabajo de cientos de artistas digitales. Pero cuando se publicaron imágenes del making of… ay, amigos, menudo pastel. El mismo Ussing descubrió que habían utilizado CGI… para sustituir las pantallas azules del rodaje.

Es decir, en Barbie se utilizaron VFX para que en un vídeo de cómo se había hecho la película, pareciese que no se usaban VFX. Una paradoja llevada al ridículo que no fue culpa de los cineastas. Gerwig o Glen Pratt, que era el supervisor de VFX de la película, hablaron extensamente sobre lo importante que fueron los efectos especiales. El problema tiene un puntito más de complejidad y nos lleva de vuelta a McGyver.

La artesanía digital se ha convertido en un lastre publicitario. Mejor: la han convertido en un lastre publicitario. Un animatrónico de cinco metros rodeado de cables contra una joven artista que pasa meses delante del ordenador animando cada pelo y cada textura. No es que valoremos más el trabajo manual; es que nos resulta infinitamente más fácil reconocerlo.

El CGI terminado no porta físicamente la carga de las 300 horas que alguien invirtió en él. A esto añade el puntito romántico y de orfebrería del arte digital: cuanto mejor es el VFX, menos tienes que notarlo. Cuanto menos exista a tus ojos, mejor trabajo.

El mal CGI recibe atención porque canta. El bueno se integra, desaparece y acaba atribuido al decorado o a la fotografía de forma subrepticia. Esto a las campañas de promoción, a Instagram y a TikTok no les gusta tanto… y por eso nunca llega a ti con la positividad que merecería.

Del no-CGI al no-IA

Aquí es donde la Inteligencia Artificial cambia las reglas de la discusión, porque, en realidad, el problema tampoco era el ordenador. Un artista de VFX puede dedicar meses modelando, animando, iluminando y componiendo un único plano.

Que la herramienta sea digital, no convierte el proceso en automático. La IA generativa es, de hecho, el punto de inflexión para que el valor del esfuerzo humano digital obtenga el reconocimiento social que merece.

Aunque el marketing esté convirtiendo el conflicto en práctico contra digital, el quid del arte debería tener el foco en la procedencia y el esfuerzo. Un estudio de 2024 puso el mismo cuadro a 280 personas. A unos les decían que la idea era de una persona; a otros, que era de una lluvia de ideas de la IA. ¿Adivinamos cuál de las dos opciones obtenía mejor valoración?

Las pantallas y el CGI ocultan físicamente ese trabajo, pero sigue existiendo. En el estudio la IA generativa no es castigada por ser tecnología. La penalización es porque la creatividad ha escapado de nuestras manos.

Otro estudio de 2023 ponía etiquetas aleatorias de “creado por humanos” o “creado por IA” a las mismas obras, con las catalogadas como humanas con mejores valoraciones por la percepción de esfuerzo. Y uno de 2026 comparó obras generadas con IA que, aunque ofrecían un buen resultado estético, recibían una valoración económica inferior porque el público atribuye menos esfuerzo a su producción.

El público no juzga exclusivamente el resultado de una imagen terminada. Es el animatrónico rodeado de cables, las 300 personas activando manivelas en un set y también la chica que modelaba el movimiento de 5.000 folículos pilosos; aunque el resultado de la IA sea incluso idéntico, las personas encontramos el valor en el esfuerzo humano, en la intención y en el control creativo.

Si la IA generativa termina convirtiéndose en una herramienta que aplaque el arte humano para abaratar la producción de imágenes tan extraordinarias como las de los efectos prácticos y también las del CGI, el siguiente argumento de venta será, precisamente, renunciar a ella. Y el NO-CGI pasará a ser NO-IA.

Cuando tengamos imágenes que sean prácticamente indistinguibles de nuestra realidad generadas con todo atisbo de humanidad sacudido de ellas, pediremos exactamente lo contrario de lo que el cine ha perseguido durante décadas: descubrir el truco detrás de la magia.

Que podamos saber que detrás de la imagen había todavía alguien moviendo los esqueletos. Que todavía nos queda Harryhausen.

Hoy me toca hacer de agorero ante un problema que puedes llamar fatiga de las películas de superhéroes o, simplemente, que la gente quiere que se estrenen cosas con un mínimo de calidad. Si no es así, tendrás el cine vacío en el segundo fin de semana.

No ha ayudado la era del streaming, claro. La necesidad de que plataformas como Disney+ atraigan a suscriptores con todo tipo de series ha hecho que algunas tengan una calidad patatera que no quieras tocar ni con un puntero láser.

Pero, como digo, esta tendencia se ha visto durante años y parecía que compañías como Marvel Studios empezaban a tomar nota de que tener varias películas de estreno al año, sumando a los lanzamientos que la franquicia tiene cada pocos meses en Disney+, era contraproducente.

En 2025, Kevin Feige y su equipo explicaban que querían moderar el ritmo de lanzamientos del Universo Cinematográfico de Marvel para no saturar al público, pero ya se están saltando a la torera esa promesa.

La Fase 7 del UCM ya empieza con exceso de contenidos

Ahora mismo, toda la atención está centrada en Vengadores: Doomsday y Vengadores: Secret Wars, las dos películas que cerrarán la Fase 6 del Universo Cinematográfico de Marvel y, de paso, la Saga del Multiverso. Entre ambas no se estrenará ninguna película, lo cual es bueno, aunque sí veremos nuevas temporadas de Daredevil: Born Again, por el momento.

Lo bueno es que la serie protagonizada por Charlie Cox es lo suficientemente independiente como para no suponer problema para la historia en dos partes dirigida por los hermanos Russo.

Además, se espera que ambas películas sirvan como "reinicio suave" de la franquicia, por lo que no tendría sentido presentar o desarrollar a personajes entre Doomsday y Secret Wars si luego se pueden llevar un carpetazo.

Es en 2028 cuando Marvel vuelve a las andadas. Ahora mismo, el estudio ya tiene programados tres estrenos en salas.

En mayo, la película de los X-Men inaugura oficialmente la Fase 7 y la nueva saga del UCM en salas. Le seguirá Ghost Rider, con Ryan Gosling debutando en la franquicia en julio. Después llegará Black Panther 3 en diciembre, con David Jonsson como T'Challa II.

Son tres estrenos en cines en un año. Eso si Sony y Marvel no se lanzan a por una nueva película de Spider-Man con Tom Holland. Acaban de superar los 2.000 millones de recaudación con Spider-Man: Brand New Day... Si sucediera, serían cuatro.

Tres o cuatro películas a las que se sumarán las X series que Marvel Television tenga a bien lanzar en Disney+. Ese es un gran enigma que todavía no se ha resuelto. Por un lado, hay quienes creen que el UCM va a centrarse en la gran pantalla. Sin embargo, también hay rumores de que este otoño se va a anunciar una batería de contenidos para Disney+.

En Marvel deberían aprender de sus propios errores. Por mucho que vayamos a tener un "nuevo comienzo", no hace falta que tengamos un aluvión de contenido desde el primer momento. Es más, no hace falta que tengamos un aluvión de contenido en ningún momento.

Las prisas no son buenas consejeras y dosificar suele ser la mejor idea en estos casos. De hecho, Spider-Man: Brand New Day es un gran ejemplo de ello. Han pasado casi cinco años desde la última película del trepamuros, y está arrasando. Si hubiéramos visto la última hace solo unos meses, probablemente habría rendido menos y el público no hubiera reaccionado igual.

Pero lo mío no es más que una opinión y seguro que hay quienes opinan lo contrario: que cuanto más, mejor. Solo espero que no se repita la saturación de las compañías de posproducción, como ya pasó en el pasado. Ese festival de gazapos y efectos de baja calidad también es el resultado de estas prácticas.

Veremos si al final Marvel dosifica o si tendremos otra vez un tren de estrenos con riesgo de descarrilar.

En ella, Al Pacino daba vida a un cineasta que creaba para su próxima película a una actriz desde cero utilizando un ordenador. Metía comandos en la computadora para ajustar sus necesidades a las de la ficción.

Creaba un monstruo de Frankenstein añadiéndole el rasgo de tal intérprete, la expresión de aquella otra, para dar lugar a la actriz definitiva. Irreal pero perfecta. S1m0ne era ciencia ficción hace 25 años, ahora se llama IA.

La IA se enfrenta a dos grandes problemas

Estamos adentrándonos en una época sin originalidad, de productos clónicos. Ahora todos los carteles publicitarios son iguales, todos los microdramas generados por IA lucen idénticos, cortados por el mismo patrón, con historias reiterativas, rostros que se repiten.

La inteligencia artificial sigue ofreciendo resultados mediocres para sostener producciones hechas tan solo con ella. Su estética tan particular es fruto de un camino hacia un pulido que todavía no ha llegado pero que ya se ha convertido en algo único.

Pero, más allá de sus evidentes carencias, el mayor problema al que se enfrenta la IA es al modo en que las compañías gestionan los derechos de diferentes de artistas cuyos trabajos usan para alimentar sus bases de datos.

Ya no estamos hablando sólo de que le pidas al ChatGPT que te genere una ilustración en estilo Ghibli o Pixar a partir de una foto tuya. Hay un negocio detrás muy potente que se está lucrando del robo y de la identidad de las personas.

Y en los incipientes microdramas, consistentes en videos cortos en formato vertical pensados para ser consumidos desde el móvil a través de aplicaciones específicas o de otras más comunes como TikTok, es donde mayores estragos está causando.

Los microdramas ponen en peligro la carrera de sus protagonistas

La actriz Ashley BeLoat explicaba en una reciente entrevista con el medio Business Insider cómo ella había protagonizado un microdrama que, meses después, acabó convirtiéndose en una serie realizada con IA que estaba disponible en la misma plataforma donde estaba publicada la suya.

Pero lo que más le sorprendió fue ver protagonizándolo a una versión más sexualizada de sí misma hecha por inteligencia artificial, sin que ella hubiera firmado ningún acuerdo para que se pudiera hacer ese uso de su imagen.

El suyo no es un caso aislado, sino que se está convirtiendo en una práctica habitual en el recién nacido negocio de los microdramas, donde las productoras no suelen ofrecer ningún tipo de seguridad en sus contratos para proteger a sus intérpretes contra el uso indebido de la IA.

Este problema no es nuevo, pues desde que la IA empezó a asomar sus colmillos ya movilizó hace tres años a todo Hollywood en un intento por hacer que se regulara el uso de esa tecnología en la industria.

La cuestión es que todavía seguimos sin ser del todo conscientes de las consecuencias que puede acarrear su uso. Pero mientras intentamos averiguarlo, no existen las medidas necesarias para frenar su avance hacia una gestión segura de estas herramientas.

“Me sentí sucio y traicionado”, explicaba Evan Gambardella, otro actor de microdramas que se vio envuelto en una situación muy similar a la de Ashley BeLoat. La diferencia es que, en su caso, llegó a un punto en que el público incluso se confundía entre el intérprete original y el generado por inteligencia artificial: “Mucha gente pensó que yo era IA”.

Supongo que si creamos una ficción como S1m0ne a principios de siglo fue porque teníamos claro que queríamos que ese fuera nuestro futuro, y lo único que faltaba era encontrar los medios para hacerlo posible. Ahora que ya tenemos esos medios, aunque sigan estando lejos de ser perfectos, cabe preguntarse: ¿De verdad es esta la realidad que queremos?

Ya nos ha quedado cristalino que las alegrías no van a venir por la letra impresa, porque George R. R. Martin está estancado con la escritura de Vientos de invierno y pasando por un momento personal bien delicado, así que el futuro que nos ilusiona va a estar en la pequeña pantalla y, por primera vez, en la de los cines también.

Una de las historias más potentes y esperadas, es la de Aegon el Conquistador, que va a verse amplificada por un estreno en salas que puede darle al proyecto la magnitud que se merece. A fin de cuentas es una queja recurrente cuando se analiza La casa del dragón la escasa presencia de los dragones y también cierta dejadez respecto a los elementos fantásticos de la saga, mucho menos desarrollados que en Juego de tronos.

La conquista de Aegon, de hecho, va a recalar en una de las historias fundacionales de este universo ficcional, al que se recurre de manera constante: Aegon I Targaryen, conocido como Aegon el Conquistador o Aegon el Dragón, fue el fundador de la dinastía Targaryen y el primer rey de los Siete Reinos de Poniente gobernando durante 37 años. Su gran gesta fue la de unificar un continente antes dividido en siete reinos en conflicto constante. Para consolidar su autoridad, ordenó forjar el Trono de Hierro utilizando las espadas derretidas de sus enemigos vencidos, un símbolo de que el poder debe generar incomodidad y un potente recordatorio de su potente mando, indivisible.

Las otras citas que tenemos marcadas en el calendario son con la segunda temporada de El caballero de los Siete Reinos en 2027 y la temporada final de La casa del dragón en 2028. A la serie ya no le va a quedar más remedio que abrazar la parte más trágica de la Danza de dragones, así que tendrá que lidiar con los cambios que ha ido introduciendo respecto a la crónica Fuego y sangre y echar el resto para mostrar la brutal Segunda Batalla de Tumbleton con numerosas bajas, una victoria con sabor a derrota y un cambio de poder en el Trono de Hierro.

Dunk y Egg nos acompañarán, al menos, durante una tercera temporada que esperamos en 2028 en principio pero, más allá de eso, tendrá que ser Martin quien aporte nuevo material para que sigamos sus aventuras.

El resto de los proyectos siguen en la inopia porque no sabemos si saldrán adelante todavía.

En acción real, hay noticias de la adaptación de Diez mil barcos, que se ambientaría unos mil años antes de la obra original para narrar la historia de la reina guerrera Nymeria y el pueblo de los Rhoynar en su huida por mar hacia Dorne tras enfrentarse al Imperio Valyrio.

También se está trabajando en el episodio piloto de Los Nueve Viajes, que será una serie de animación para HBO Max centrada en la figura de Corlys Velaryon. Gracias a ese recorrido, la Serpiente Marina consiguió que su casa fuera la más rica de Poniente, muy por encima de la de los Lannister. Si sale adelante será el primer producto oficial en este formato y, sin haber visto nada, es difícil pronosticar si saldrá adelante. ¡Cuántas otras series se han desechado antes a pesar de partir de buenas ideas!

El salto al cine es lo más emocionante que podemos esperar, por su importancia y por su magnitud. El fichaje de Beau Willimon, el guionista de Andor, nos da fuertes esperanzas de una obra a la altura de las circunstancias.

Desde el auge de los servicios de streaming motivado por la pandemia, cada vez hay más competencia, con el afloramiento de infinidad de plataformas, lo que acarrea una ventaja tan grande como una gran desventaja: la oferta ahora es salvaje.

Hay muchísimos contenidos, cada vez más, que nacen para saciar nuestras ansias de ver algo nuevo y que nos den un motivo justificado para habernos suscrito a tal o cual servicio.

Pero cada plataforma ofrece los suyos propios, creando una división en las producciones audiovisuales que se vuelve inabarcable no sólo por la cantidad de opciones sino por las limitaciones respecto a los lugares en los que es posible verlas.

Este derroche constante de contenido también ha forzado a que se implanten prácticas que van en contra del beneficio del público, como las incansables cancelaciones de series que han nacido como una apuesta arriesgada fruto de la prueba y el error, enganchándonos sin sentido a unas producciones que, lo más probable, tendrán los días contados.

Y mucha suerte sería para la serie cancelada, si las cifras han sido bajas, de no desaparecer de la faz de la tierra, ya que muchas veces estas son eliminadas del catálogo y ni siquiera existe una alternativa legal por la que seguir teniendo acceso a un contenido que era exclusivo de una plataforma digital.

También se ha convertido en una práctica habitual, aunque cada vez haya más cadenas tratando de huir de ello, el lanzar las series en un solo día casi forzándote a hacerte una maratón si no te quieres quedar fuera de la conversación en redes y evitar spoilers.

Aunque al mismo tiempo hay muchas personas que se han cansado de hacer caso a los algoritmos y prefieren elegir sus propios ritmos para hacer frente a este bombardeo constante de contenido.

El objetivo es poder tener una pausa y disfrutar de verdad de una experiencia que de otro modo acaba entremezclándose con la visualización de tantas cosas a una marcha tan frenética que no tardas en olvidarlas.

El cine es el último refugio

Al final, la respuesta más fácil y evidente a esta saturación parece encontrarse en ese lugar que siempre estuvo ahí pero que habíamos empezado a olvidar en pos de la comodidad que ofrece el streaming. Y, si bien es cierto que pierdes muchas facilidades que te dan las plataformas, también ganas bastante en el resto de los aspectos.

El cine sigue siendo ese espacio seguro, al que puedes ir para sumergirte en una película sin distracciones de ningún tipo, sin interrupciones, con la mejor calidad de imagen y sonido, para que estar ahí de verdad tenga sentido, te aísle del mundo y te lance de manera directa a la ficción.

En este contexto, La Odisea parece habernos enseñado una lección muy importante. Aunque sea una excepción porque pocos largometrajes pueden considerarse un evento como el de Christopher Nolan, el filme sí ha logrado despertar una fiebre por ver un cine más auténtico.

Aquí entramos en el peliagudo terreno de los formatos, con el cineasta defendiendo a capa y espada su versión IMAX 70mm que todo el mundo se mata por ver para no decepcionar a su visión creativa.

Es por eso que, más de un mes después del estreno de la película épica de Christopher Nolan, sigue siendo casi imposible encontrar una butaca libre en las salas. Tanta afluencia ha generado el interés por ese producto más premium, más exclusivo, que en algún momento acabará llegando al streaming, pero ya no será lo mismo.

Por este motivo el cine rescata clásicos cada mes. Con la excusa de cualquier aniversario nos trae de vuelta películas antiguas, las remasteriza, nos ofrece su mejor versión, y una entrada a precio completo que no nos importa pagar porque la alternativa es demasiado desalentadora.

A veces puedes encontrar esa opción en una plataforma en la que tengas suscripción para verla en una simple tele, pero otras ni siquiera está en el catálogo de las mismas, a veces sólo la puedes encontrar en formato físico, en el peor de los casos ni siquiera eso.

Así mismo, muchas plataformas de streaming prefieren llegar antes a los cines con sus estrenos exclusivos ofreciendo sus películas o episodios especiales de series durante un período breve en la cartelera, que convierte este ocio en un eventoal que no puedes faltar.

Las salas se han terminado convirtiendo así en el último bastión para disfrutar del cine de una manera más consciente, un espacio al que la gente sigue recurriendo por diferentes motivos y como respuesta a las carencias de su contraria, el streaming.

Aún no sabíamos hasta qué punto iban a evolucionar los personajes y las tramas desplegando distintas amenazas y poniendo siempre en contexto a los caminantes, que terminarían siendo más un problema de fondo que el tema principal de la serie.

No es fácil decantar lo mejor de un universo ficcional tan amplio y rico que cuenta con 11 temporadas a sus espaldas y un buen puñado de spin-offs, que aquí os resumimos:

Recopilando los mejores momentos, o al menos los que creo que nos han marcado más a los espectadores, habría que incluir algunos episodios clave de la serie madre:

• 2x07 - Sophia sale del granero convertida en caminante dejando atrás cualquier esperanza de rescatarla y marcando de alguna forma le pérdida de la inocencia del grupo.

• ​2x12 - Carl dispara a Shane ya convertido para salvar a Rick, suponiendo un antes y un después para el personaje.

• 3x04 - Lori muere tras una cesárea de emergencia en la prisión: es un capítulo de una enorme crudeza emocional para Rick que se enfrenta al nacimiento de Judith pero también a una pérdida irreparable.

• 4x14 - Carol ejecuta a Lizzie tras poner en riesgo al grupo. Es un episodio de alto impacto.

• 5x01 - Carol hace explotar el santuario caníbal de Terminus y rescata al grupo. Además de ser un arranque de temporada espectacular redefine a Carol que pasa de ser una víctima a ejecutora implacable.

• 6x09 - La horda rompe los muros de Alejandría y el grupo tiene que luchar durante una interminable noche para sobrevivir. Supone una exaltación de la catarsis colectiva y la fuerza del grupo frente a la adversidad.
• 6x16 y 7x01 - La ejecución de Abraham y Glenn que marca un punto de giro en la serie y un abandono masivo por parte del fandom, traumatizado por la violencia y la pérdida de dos personajes muy queridos.
• 8x09 - La muerte de Carol tras ser mordido por para proteger a un desconocido. Supone una triste despedida que hace que se desvanezca el soñado futuro pacífico que anhelan los supervivientes.
• 9x05 - La desaparición de Rick Grimes, que había sido el gran protagonista y personaje vehicular de la serie desde su arranque. Marca una redefinición de la franquicia, que se vuelve más coral que nunca a partir de ese momento.
• 9x15 - Irrupción de los Susurradores: Daryl, Carol y Michonne descubren la brutal frontera marcada con diez cabezas clavadas en picas, incluyendo las de Enid, Tara y Henry.
• 10x22 - La gran humanización de un personaje tan brutal como Negan, confirmando su pasado doloroso por la dramática pérdida de su esposa Lucille.
• 11x24 - Con sus luces y sus sombras, es el desenlace oficial de la serie: se centra en la batalla final contra Pamela Milton, la lucha por salvar La Mancomunidad de una gran horda y emotivos momentos de despedida entre los personajes principales.

Respecto a los spin-offs, han sido muy variados y han tenido distintas ambiciones: desde desarrollar historias en otras comunidades hasta expandir el lore de la serie madre, propiciar esperados encuentros entre personajes e incluso abrir nuevos horizontes viajando a otras ciudades y continentes. Los formatos en sí han sido muy variados, desde longevas series, hasta miniseries autoconclusivas pasando incluso por una antología de relatos.

Pocas han sido más esperadas y emocionantes como The Ones Who Live con la reunión de Michonne y Rick primero la caída del imperio de la República Militar Cívica después y el abrazo de Rick a Judith y CJ para terminar, aunque ha sido la serie centrada en Daryl Dixon (uno de los personajes más queridos y carismáticos de la serie original, creado exprofeso para el show televisivo y encarnado en el genial Norman Reedus) la que ha hecho recalar al universo zombi en España. Como espectadora me encantaría ver una reunión de Rick y Daryl.

En fin, son tantos los momentos a revindicar: el bombardeo nuclear de Texas en Fear the Walking Dead, peleas memorables con momentos brutales como cuando Rick se corta la mano en The Ones Who Live, villanos bestiales como el Gobernador, Negan, Gareth, Alpha, etc., descubrimientos, encrucijadas morales y reflexiones filosóficas que daría para escribir un libro. ¿Cuáles son vuestros momentos favoritos o los que consiguieron helaros la sangre?

El director de Interstellar no es especialmente conocido por sus guiones intachables, ya que falla desde la creación de diálogos sobreexplicativos hasta sus aires de intelectualidad, pero al final son las mujeres de sus películas quienes acaban acaparando la atención de la crítica.

Desde sus orígenes, Nolan nunca ha prestado demasiada atención a la construcción de sus personajes femeninos. Muchas veces los ha ignorado en las tramas de sus películas, como pasó en el sonado caso de Dunkerque (2017), pero cuando los incluye no sabe cómo hacerlos tridimensionales.

En muchos casos convierte a las mujeres en arquetipos que no suelen tener la relevancia necesaria en la trama, sirviendo más como un acompañamiento para el personaje masculino que lidera la acción, como en el caso de Oppenheimer (2023).

Del mismo modo, nos encontramos con frecuencia cómo acostumbra recurrir al recurso narrativo de la esposa muerta, haciendo que sea el personaje fallecido el motor de la trama, como vimos en cintas como: Memento (2000), El truco final (El prestigio) (2006) u Origen (2010).

Por último, el fallo más llamativo de todos es que sus películas no superan el famoso test de Bechdel, popularizado por la historietista Alison Bechdel en los años 80 a través de una de sus tiras cómicas donde dos personajes debatían sobre cómo identificar si una película era machista.

Consistía en analizar si la cinta lograba superar tres escenarios: en ella debían aparecer más de dos mujeres con nombre, en algún momento debían hablar entre sí, y la conversación no debía girar en torno a un hombre.

Las dos últimas películas de Christopher Nolan tampoco aciertan

Emily Blunt, que trabajó con Christopher Nolan en Oppenheimer, aseguró en su momento que el personaje al que interpretó en la película era uno de los mejores que habían escrito para ella, llegado a defender la visión creativa del director.

“Aunque no es un papel muy extenso, tiene mucha fuerza”, argumentó. “Normalmente, creo que las mujeres en las películas tienen que ser simpáticas y cálidas, pero ella no era ninguna de las dos cosas, y él no tuvo miedo de eso y la escribió así. Simplemente me encantó”.

No obstante, aunque Oppenheimer tuviera una buena historia y el personaje de Blunt fuera interesante e incluso “fuerte”, no dejaba de estar construido alrededor de su marido y, ni que decir tiene, tampoco pasaba el test de Bechdel. Pero Nolan sigue sin solucionar el problema.

En su último largometraje, La Odisea, el cineasta se enorgullece de haber adaptado el poema de Homero tomando como referente la versión traducida al inglés por Emily Wilson en 2017, que cuestionaba algunos de los sesgos introducidos por traducciones anteriores hechas por hombres.

Sin embargo, la escritora quedó muy disgustada con el trabajo realizado por Nolan, y le dedicó un extenso artículo en el que detallaba todos los motivos por los que le parecía que el cineasta no había conseguido acertar al trasladar la obra de Homero a la gran pantalla.

Si bien admitió que había “más personajes femeninos que en la mayoría de las películas de Nolan, gracias al material original”, consideró que su representación no estaba a la altura del poema.

La divulgadora Sandra Miret coincidía en uno de sus vídeos con el desencanto de Emily Wilson, al señalar cómo “lo más irreal de la película no es el Cíclope, es que Penélope esté sola. Porque en el mito tiene 50 criadas, y en la película tiene una con la que apenas habla”.

Además, añadía que “es bastante cuestionable también que la única relación entre dos mujeres que hay en la película sea de traición y de engaño”.

Emily Wilson resumió bien el sentimiento compartido que tienen ambas ante la representación femenina en la cinta de Nolan en la siguiente frase de su texto: “A lo largo de sus andanzas, el cariñoso Odiseo se aferra a una pequeña figurita que representa a su esposa -como la peonza que sostiene Leonardo DiCaprio en Origen-; la mujer real resulta apenas más interesante”.

Tanto IMAX tanto IMAX, pero al final lo que no deja de sorprendernos es que en la actualidad y, tras años recibiendo este feedback tan concreto, Christopher Nolan no haya sido capaz de ser consciente de ello para enmendar el mayor error de su filmografía.

Y es que, pese a que es una mejor temporada que su predecesora, Ryan Condal se ha montado un fanfic capaz de acabar con la poca cordura que nos queda a quienes amamos la obra de George R.R. Martin.

Confieso que ha habido capítulos que no han estado mal del todo y que el subtexto e intenciones de La casa del dragón en esta reciente temporada eran más interesantes, pero hay muchos fallos, tramas vacías y decisiones narrativas desesperantes.

Y lo peor es que todo esto va a afectar al final, ya que esta temporada apenas ha cerrado nada. Ya huelo una nueva desilusión... Nos queda una cuarta y última temporada que apunta a repetir los mismos errores que cometió Juego de Tronos: ignorar tramas y arcos de personaje en pos de escenas efectistas en un guion apresurado.

Y es que, en su momento, las dos últimas temporadas de la superproducción de HBO pecaron de simples. Esto mismo va a suceder con La casa del Dragon, ya que veo imposible que todas sus historias, más las nuevas, se cierren de una manera satisfactoria y completa.

Y mira que no quiero centrarme en los grandes errores de pasados capítulos, como que se revele antes de tiempo la traición de Ulf, que se cuente a la reina que Aegon sigue vivo, todo lo relacionado con Alicent o que Rhaenyra ahora se crea la elegida...

La casa del dragón tiene demasiadas cuentas pendientes

Mi problema es que todo parece conducirnos hacia un overbooking de tramas, muchas de las cuales son insípidas y apenas aportan nada al conflicto general o a los personajes más importantes. Repasemos lo que tenemos pendiente hasta ahora y que podría entorpecer al discurso general de la cuarta temporada:

• Aegon anda en Harrenhal abofeteando a su hermano y aún muy lejos de Rocadragón (si es que termina yendo).
• Alicent está campando por los bosques de un lado a otro sin propósito alguno.
• ​Los "dos traidores" semillas de dragón siguen vivos y sus arcos aún están por ahí coleando (de uno no sabemos ni qué va a pasar).
  
• La trama de Desembarco del Rey aún debe continuar un buen trecho para generar más inestabilidad en el entorno de Rhaenyra.
  
• Rhaena Targaryen ha sido despojada de su dragón y tras el "importante" papel que ha tenido, debería tener un desenlace.
  
• Alyn y Addam también han contado con tramas que no se ha cerrado del todo en esta última temporada.
  
• Hay que mostrar todas las consecuencias de la Batalla de Ladera, tanto para los negros como para el bando Hightower, antes de que lleguen nuevos conflictos.
  
• La profecía ligada a Juego de Tronos debería de seguir teniendo un papel mínimamente secundario.

A todo esto hay que sumar hasta cinco momentos/batallas de suma importancia que ocurren en los últimos compases de la Danza de Dragones y que deberíamos ver, sí o sí, en la última temporada. Aunque prefiero no entrar en spoilers.

Con esas tramas menores antes mencionadas, a mi no me salen las cuentas y creo que todo va a ser sumamente atropellado. Puede que esos momentos estelares compensen, ya que el cierre que dio Martin a esta guerra civil es para quedarse con la boca abierta, pero el tibio uso que se les ha dado a los dragones en pasados episodios me hace dudar.

Además, la serie debería abordar lo que ocurre después de la Danza de Dragones, una concatenación de acontecimientos políticos sumamente importantes, con nuevos y viejos personajes, que sirve como auténtico final a este negro episodio de Poniente. Solamente eso debería ocupar una temporada de por si...

No soy nada optimista con el final de La casa del dragón y si ya hemos tenido dos temporadas bastante mediocres, no tengo demasiados motivos para confiar en una conclusión que se percibe como exigente en lo narrativo, manejo de los ritmos y con altos valores de producción.

Me da a mi que quienes buscábamos una mejor adaptación de Fuego y Sangre vamos a tener que refugiarnos en las próximas temporadas de El caballero de los Siete Reinos. Nos vemos por Poniente en 2027.

Martin era un conocido escritor entre los aficionados por sus distintas novelas de ciencia ficción, terror y algunos relatos que suelen incluir entre los mejores del género en el siglo XX. Pero su carrera ya daba lo mismo, una vez se estrenó la serie sería para todos el autor de Juego de tronos.

En todo caso, es un universo que no ha dejado de crecer y hay varios spin-off de los que se han firmado más temporadas. El universo de Canción de hielo y fuego va para largo en cuanto a producciones, queda por ver si también a nivel de calidad. No es una apuesta arriesgada, hay multitud de fans esperando esas nuevas series y no paran de decirlo en redes sociales.

Pero en mi caso voy por un camino distinto. He sido seguidor de los libros, aunque hoy día no sé si leería Vientos de invierno. Los años han pasado y no me apetece volver la saga literaria, pero si hay algo que no olvido son sus otras novelas, las que no eran de fantasía y a mí me interesaron mucho más.

Hablo, por ejemplo, de Muerte de la luz o Sueño del Fevre, dos novelas que tienen un imaginario claramente adaptable al cine. La primera es una historia de acción en un planeta de órbita errante que se aleja de su sol. Las poblaciones e infraestructuras están casi deshabitadas. Llena de nostalgia y de trama ágil, es una novela para devorar.

Sueño del Fevre es una historia de vampiros y barcos de vapor a mitad del siglo XIX. Con un contexto interesante y la mezcla de géneros tan impactante, funciona de maravilla para los fans del terror.

A veces me pregunto si Martin es un gran autor en términos de calidad, pero no tengo dudas de que es un creador de imaginarios más que atractivos. Y estas dos novelas son un gran ejemplo.

Quizá es pedir mucho que la industria se fije en lo que a uno le gusta y no en las bazas que dan como seguras para obtener beneficios, pero bueno, siempre nos queda pensar que la fama de Martin también da para que se profundice algo más en su obra, más allá de Canción de hielo y fuego.

Si estás leyendo este artículo, te animo a que busques las novelas: son entretenidas, están bien escritas y, ejem, son autoconclusivas.

A menudo ponemos el foco en qué verán: en la calificación por edades, en los valores que defienden las películas y la impronta que pueden dejar en ellos los relatos a las que les demos acceso. Esto es básico, por supuesto, y un ejercicio de supervisión que no debemos dejar de hacer nunca, pero también es importante el cómo se desarrollan estas experiencias en función de cada momento de su desarrollo y sus necesidades específicas, que varían en función de cada niño.

Vaya por delante que ya hay cines que han ido apostando por las llamadas "sesiones teta", normalmente de carácter matinal y destinadas a progenitores con niños lactantes. Es decir, que estas proyecciones intentan ser "amigables" y favorecer a las familias para que puedan conciliar el ocio y el cuidado de los niños.

Esta iniciativa original surgió en España gracias al impulso de matronas y enfermeras de centros de salud, y actualmente la ofrecen de forma periódica diversas cadenas y salas independientes contando con algunas características muy interesantes:

• Horarios y precios especiales
• Espacios adaptados para poder dejar los carritos en una zona en la que no dificultan el paso
• ​Acceso fácil a cambiadores
• ​Ambiente social de empatía y comprensión (a nadie le molesta un llanto, un balbuceo o un movimiento respetuoso por la sala)
• ​Luz tenue para facilitar los traslados en caso de necesitar atender a los bebés, alimentarlos o cambiarlos
• Volumen suave para evitar molestias en los oídos de los lactantes
• ​Temperatura regulada para que ni el aire acondicionado ni la calefacción generen corrientes de aire ni haya molestias

Ahora bien, si nos centramos en los pequeñines no ya como seres dependientes sino como espectadores, hay dos grandes mejoras que vengo echando de menos, como madre, espectadora y prescriptora de experiencias para mi propia hija, desde hace mucho tiempo.

La primera de ellas es que tengan acceso al cine en igualdad de condiciones a cualquier otro espectador: pagan su entrada y merecen disfrutar igual que los demás, así que... ¡que haya alzadores suficientes! Cuando eso no sucede se dan dos situaciones a cuál peor: que el niño se quede hundido en la butaca y termine aburriéndose, de modo tal que acabará distrayéndose sin hacerle caso a la pantalla e incordiando a todo el mundo que esté alrededor o que trepe a uno de sus padres o adultos de referencia, con resultado similar al anterior.

La otra cuestión también es bastante básica, pero nunca parece tenerse en cuenta: la sensibilidad de los niños al sonido es muy diferente a la de los adultos. Debería estar muy bien calibrado para evitarles molestias y no hay que tener un doctorado para darse cuenta de que en la mayoría de las ocasiones se pasa de la raya: los niños salen de la sala hiperestimulados, hablando a gritos, con dificultades para oír, zumbidos o un pitido constante e incluso piden tapones para amortiguar los ruidos antes de entrar en la sala porque ya saben lo que se les viene encima.

Se considera que el volumen del cine es excesivo para los niños si se llegan a superar los 80-85 decibelios (dB) de forma continua, aunque las salas comerciales alcanzan a menudo picos de hasta 100 dB y nos dejan atronados incluso a los adultos.

Como estoy echando casi la carta a los Reyes Magos pediría una tercera mejora, que es la que veo más complicada de cuadrar: que se favoreciera el visionado de las películas en versión original en los pases de películas infantiles. La mayoría de las proyecciones en VO en salas comerciales están destinadas a público adulto y se dan en pases tardíos. Pero ellos también tienen derecho a educar el oído en otros idiomas y es algo vital de hecho en sus primeras etapas de desarrollo.

Hasta aquí puedo leer... ellos son el futuro y nosotros los encargados de que sea el mejor posible así que a ver si hay suerte, estas líneas caen delante de los ojos adecuados y empezamos a ponernos manos a la obra.

No obstante, de un tiempo a esta parte, se están realizando producciones de mejor calidad que contentan tanto al fan más veterano como al que acaba de adentrarse en el mundillo.

El mejor ejemplo lo tenemos en One Piece, la serie de imagen real de Netflix que, a pesar de sus diferencias con la obra original (completamente comprensible dado su extensa duración), sabe mantener la esencia plasmada por Eiichirô Oda en el manga (también ayuda que el propio autor esté involucrado en el proyecto, las cosas como son).

Es por ello que respiré algo más aliviado tras saber que Masashi Kishimoto, creador del manga de Naruto, supervisará su adaptación cinematográfica, pues espero que sea una versión tan buena como la de One Piece.

También me da muy buena vibra el director encargado del proyecto, Destin Cretton, pues había visto previamente Shang-Chi y la leyenda de los Diez Anillos y me gustó mucho cómo había plasmado las escenas de acción, todo un homenaje a las películas míticas de artes marciales protagonizadas por Jackie Chan, Bruce Lee y otras grandes estrellas asiáticas del género.

Sin embargo, esta buena vibra se ha convertido en convicción absoluta tras contemplar la maravilla que ha realizado con su último largometraje, Spider-Man: Brand New Day.

Destin Cretton promete ser la elección perfecta para adaptar Naruto en la gran pantalla

Como buen fan de Spider-Man que soy, el pasado 29 de julio estuve en el cine a primera hora para ver Spider-Man: Brand New Day en la gran pantalla, la cual disfruté muchísimo.

Me resulta complicado hacer un ranking, porque la etapa de Tom Holland me ha encantado (y Spider-Man: No Way Home me sigue pareciendo una maravilla a pesar de sus notables agujeros de guion), pero desde luego esta entrega se encuentra entre mis predilectas.

Su director, Destin Cretton, ha tratado con mucho mimo al personaje dando al fan de toda la vida multitud de referencias a los cómics de Marvel. Y sus secuencias de acción me han dejado con la boca abierta, tirando más de efectos prácticos que de CGI y mejorando con creces lo que vi en Shang-Chi y la leyenda de los Diez Anillos y que tanto me gustó en su día.

Si continúa con ese estilo (y es de esperar que así sea), estoy convencido que el live action de Naruto será una adaptación más que excelente que rompa un poco con la maldición que se estilaba tanto en la gran pantalla. Cretton prometió que la cinta mostrará una versión muy cercana al manga de Masashi Kishimoto, por lo que espero que veamos algo similar a lo que plasma Netflix con su serie de One Piece.

Por supuesto, soy consciente de que, por muy buen director que esté demostrando ser, el proyecto puede salir rana (cuántas veces una película ha sido terriblemente mala a pesar de ser llevada por un cineasta de renombre, y a veces más por culpa de los estudios que del director...), pero quiero ser optimista y confiar en que tendremos una película de Naruto digna de ver en la gran pantalla. Y, con suerte, más entregas de Spider-Man dirigidas por Destin Cretton.

Y luego está Jason Statham, que lleva casi toda su carrera en el cine interpretando a un tipo de héroe muy específico casi de forma continua. Distintos nombres, diferentes historias y trasfondos, pero la esencia de muchos de los personajes de Jason Statham es la misma.

El actor británico tiene una clara tendencia a interpretar a veteranos muy capacitados que tratan de llevar una nueva vida. Sus personajes pueden ser exmiembros de las fuerzas especiales, antiguos agentes gubernamentales o asesinos con una larga lista de enemigos a sus espaldas.

Da igual, Jason Statham casi siempre empieza sus películas con una nueva vida que pronto se irá al garete. A veces es porque sus antiguos enemigos o aliados reaparecen y su pasado, de forma inevitable, lo alcanza. Otras es porque algo sucede que lo obliga a reconectar con sus viejos hábitos. Por ejemplo... un secuestro de alguien cercano.

Y ya está liada. A partir de ese momento, sean los motivos que sean, Jason Statham está autorizado moralmente por el público para iniciar un concierto en dolor sostenido contra la imprescindible oleada de esbirros que el villano de turno lance contra él.

Desde Transporter, casi todas las películas en solitario de Jason Statham han compartido un patrón similar que podría haber generado tedio entre los espectadores...

Pero nos encanta ver a Jason Statham repartiendo estopa

Hay algo fundamental en las historias que adoptan la mecánica del "ejército de un solo hombre". No son argumentos novedosos en absoluto; el cine de acción moderno está plagado de ejemplos: John Rambo (Acorralado), Comando, Jungla de cristal, la ya citada John Wick...

Los grandes héroes de acción saben que el público necesita disfrutar de esos personajes que se enfrentan contra todo pronóstico a una amenaza abrumadoramente superior y la superan sin necesitar superpoderes (la experiencia no es un superpoder, y lo demás son licencias creativas para hacer más disfrutonas las películas).

Es verdad que las películas de Jason Statham no tienden a ser supertaquilleras; Megalodón es una de esas curiosas excepciones, aunque ahí entran otros factores, y tampoco encaja en el tipo de historia que comento hoy. Pero de vez en cuando hay alegrías como Beekeeper: El protector, que triunfan también en el plano económico.

Vista una peli de Jason Statham, vistas todas, sí, pero hay un placer especial en verlo repartiendo más que un furgón de Amazon en Navidad en películas como A Working Man, Shelter: El protector o, este verano, El motín. Cómo me reí con la comparación con Jungla de cristal que proponía un póster hace unos días.

Jason Statham ha sabido cubrir un vacío que el cine de acción prácticamente ha relegado a la serie B y compagina sus apariciones en otros proyectos y franquicias con películas que, esencialmente, son "Jason Statham haciendo de Jason Statham", y me parece que es la mejor decisión que pudo tomar.

Esto le garantiza una base de fans que no solo ven sus taquillazos, sino que disfrutan como enanos de su sesión de apalizamiento en la gran pantalla.

Statham no necesita un universo fascinante como el de John Wick, aunque debo decir que sería una fantasía que el mundo de la Alta Mesa se encontrase con uno de los personajes de Jason Statham. Chad Stahelski, ¿a qué estás esperando?

Lejos de tener esos atractivos ecosistemas que generan una saga, aunque Beekeeper podría hacerlo, Jason Statham "empieza de cero" en cada proyecto, pero siempre hay algún espabilado que se cree en posición de aplastar a su personaje; ese suele ser su primer y peor error.

Que no quiere decir que no disfrutemos de otros tipos de héroe de acción, pero Jason Statham ha sabido leer las necesidades de un sector del público y se ha convertido en el rey a la hora de encarnar un estereotipo de héroe que, para otros, está desfasado. Gracias por seguir al pie del cañón, Jason.

Por desgracia, los tres siguientes nos llevaron de vuelta a la casilla de salida: los personajes parecían de nuevo estancados, las tramas encerradas en las intrigas palaciegas, densos diálogos y vagas pistas y el grueso de la Danza de dragones sin hacer acto de presencia aún... El séptimo episodio ha supuesto cierta dinamización, como si la serie cogiera carrerilla antes del capítulo final pero... ¿esta vez sí habrá cénit narrativo o estamos abocados a un nuevo coitus interruptus?

Ya sabemos que en 2028 la cuarta temporada tendrá que cerrar la trama de manera decisiva así que es hora de echar toda la carne en el asador. No es momento de llorar por los cambios, sino de asumirlos, encajarlos y ver a dónde nos llevan. Luego habrá que juzgar si el esfuerzo ha merecido la pena o no. Por el momento las quejas sobre el ritmo de la narración y el escaso desarrollo de ciertos personajes están sobre la mesa.

Entre tanto, la espera. El capítulo 3x08 de La casa del dragón se extenderá a lo largo de 75 minutos y el avance oficial y los giros finales del 3x07 ya nos permiten avanzar algunos de los momentos cumbre que queremos ver. Pero, claro, siempre nos queda margen para la desconfianza teniendo en cuenta que el tráiler de la midseason anunciaba mucha acción y se ha dejado caer con cuentagotas.

Los guionistas de esta serie deberían reflexionar bien fuerte sobre esa manía suya de dejarlo todo para el último momento... una cosa es dejar un cliffhanger que estimule la curiosidad de la audiencia y otra muy distinta hacerla sentir como si le hubieran tomado el pelo.

Dicho lo cual, ¿qué queremos ver? Desde luego no un tráiler extendido de la temporada 4 sino la Primera Batalla de Tumbleton, con la traición de los jinetes Ulf y Hugh pasando al bando de los Verdes y permitiendo que sus dragones, Vermithor y Ala de Plata, arrasasen la localidad.

También esperamos el resurgir de Aegon ahora que cuenta con su poderoso dragón; que Aemond entre de nuevo en liza y Rhaenyra se vea contra las cuerdas de veras. Movimiento, a fin de cuentas, y que los 75 minutos no pretendan alargar innecesariamente una trama que no tiene tiempo que perder y debería estar en su punto más emocionante.

Esperemos que puedan pagar los cheques expedidos porque de lo contrario no sé quién estará frente al televisor dentro de dos años. La tercera temporada ya ha acusado el golpe del descenso de la audiencia y todavía a estas alturas tiene que demostrar que va a cumplir las expectativas.

A pesar de partir de la misma serie, Marshals y Rancho Dutton han tomado caminos muy diferentes. La mayor perjudicada ha sido la primera, de eso que no te quepa duda.

Marshals: Una historia de Yellowstone se aleja del núcleo neowestern ganadero de la serie original para convertirse en un drama procedimental más en la línea de Walker, Texas Ranger, pero sin el atractivo de ver a Chuck Norris repartiendo patadas voladoras.

Por su parte, Rancho Dutton mantiene esa esencia de salvaguardar el legado que hizo grande a Yellowstone. Eso y que tiene un reparto que te quita el hipo. La de Rip y Beth es la serie que sí que podemos calificar como "heredera de Yellowstone" en cuanto a desarrollo y tono.

Lo que me lleva al tema de este artículo de opinión: ¿por qué demonios las dos series tienen el mismo cliffhanger al final de sus respectivas primeras temporadas?

Si no estás al día con Marshals: Una historia de Yellowstone o Rancho Dutton y vas a ver las series, te recomiendo leer el resto del artículo cuando lo hayas hecho, porque no voy a escatimar en spoilers.

¿Es que nadie supervisa los guiones de esta franquicia?

Si bien Marshals ha resultado, en buena medida, decepcionante en su primera temporada, esta terminaba prometiendo algo más retorcido. Descubrimos que Tom Weaver (Chris Mulkey) es la mente maestra detrás de los atentados que ha habido en Montana.

También se lleva a Tate Dutton (Brecken Merrill) al final de la temporada, mientras sus hombres atentan contra dos de los compañeros de Kayce. Aunque Tate va voluntariamente, Marshals da a entender que se trata de un secuestro para presionar a su padre.

Sabemos que por ahí van a ir los tiros de la temporada 2 de Marshals: Una historia de Yellowstone, gracias a las declaraciones de varios de sus protagonistas. Personalmente, creo que la serie puede mejorar si se centra en una trama más lineal en lugar del enfoque procedimental que solo conecte vagamente la historia.

No es un mal cliffhanger, pero eso no quiere decir que quiera verlo en todas las series del Universo Yellowstone. Y entonces llegó Rancho Dutton.

La serie me ha gustado mucho más en términos generales. Tiene sus cosillas, sí, pero me parece una producción mucho más cuidada y coherente que Marshals. Pero su final... en fin.

Carter (Finn Little) es un personaje que empieza bien, pero se descarría a lo largo de la temporada, sacando una vena rebelde por no conseguir sus objetivos y por la relación que entabla con Oreana Jackson (Natalie Alyn Lind).

Cuando todo se desmadra al final y salen a la luz los negocios secundarios del rancho 10 Petal, el narco que llevó a Beulah (Annette Bening), Mariano Reyes (Raoul Max Trujillo), entra en escena y pone a todos en pie de guerra.

Una de sus últimas jugadas es encontrar a Carter, que se refugiaba en la casa de Dwight (Ray McKinnon). Se les olvida explicar cómo encuentran a Carter cuando Beth no lo consigue; la única explicación plausible es a través de Miguel (Berto Colón), que estuvo allí haciendo de niñero de Oreana.

Pero a lo que voy. Rancho Dutton termina con el secuestro de Carter para presionar a Rip y Beth. ¿Te suena? Sí... es exactamente lo mismo que pasa al final de la temporada 1 de Marshals: Una historia de Yellowstone.

En principio, se trata de algo casual. Rancho Dutton fue creada por Chad Feehan, mientras que Marshals es obra de Spencer Hudnut. ¿Pero nadie supervisa estos proyectos al ser parte de una franquicia? Mínimo, Taylor Sheridan debería dar su aprobación; o su socio, David Glasser.

Que ambas series cierren con el mismo cliffhanger es una metedura de pata de libro, y solo me retractaré de esto si existe un plan maestro para juntar ambas producciones; y no tiene pinta.

Al duplicar ese recurso, lo que era un cierre esperanzador para que Marshals remonte queda deslucido. En cuanto a Rancho Dutton, al repetir una trama calcada que acabamos de ver en otra serie de la franquicia, hace que lo que venía siendo una serie potente cierre con una nota amarga.

No es que sea un drama tremendo, pero preocupa la poca originalidad que tratan de darle a dos series que prácticamente se han estrenado a la par. A ver si con Taylor Sheridan cogiendo las riendas de Rancho Dutton, estas cosas dejan de pasar.

La franquicia alcanza ahora los seis títulos con Insidious: Fuera del más allá que experimenta un cambio de paradigma que no solo tiene que ver con los nuevos rostros. Ya sabemos que Patrick Wilson está fuera definitivamente y tenemos a una nueva protagonista, Gemma, interpretada por la actriz Amelia Eve. Cambiamos por tanto de ambientación y foco principal.

Ella es en la ficción una madre joven que regresa a la casa de su infancia y descubre que puede acceder al Más Allá pero, además, tiene la capacidad de atraer espíritus al plano de la realidad. Cuando los demonios descubren este poder, lo utilizan para hacer de nuestro mundo su patio de recreo.

¡No todos los puentes están rotos! Tendremos de vuelta a la actriz Lin Shaye en su carismático papel de médium, aunque modificado para poder encajar en la narrativa. Tendrá apariciones clave para advertir a Gemma sobre la inminente catástrofe y el peligro de muerte que corren los vivos si no detiene a Cyrus, el nuevo demonio antagonista que se sumará a otros ya conocidos, si atendemos al arte promocional de la película en el que se ven las manos de, al menos, cuatro de los más emblemáticos: el demonio de la cara roja, Keyface, el hombre que no puede respirar o la novia de negro. Así que tiene pinta de que van a hacer frente común para atormentar a la pobre Gemma y a sus seres queridos.

Ojo, porque también hay incertidumbre respecto a la posible escena postcréditos: los rumores apuntan a una secuencia clave que podría dar algún tipo de información adicional de la primera película de Insidious.

Los espectadores que hemos seguido la saga desde el comienzo y sobrepasamos ya los tres lustros viendo estas películas tenemos claro lo que queremos ver: una ampliación del lore de la franquicia con la inestabilidad del portal que une los dos planos existenciales y una historia lúgubre de las que arrugan el ombligo. No en vano Insidious está en el top 10 de las películas comerciales más escalofriantes de la Historia.

La atención está puesta en Cyrus, papel que interpretará Sam Spruell y del que solo sabemos que hará gala de una fuerte manipulación psicológica y de un humor negro muy particular. De este modo se espera que su aparición sea inquietante, burlona pero también impredecible y amenazadora de veras.

Esperamos además que el diseño sea memorable, aunque lo tendrá complicado para rivalizar con el impacto que causó el demonio de la cara roja de la primera película. Por ahora solo hemos visto que tiene largos cabellos y dedos anillados y hemos sabido que Lin Shaye confesó haber tenido una reacción muy visceral e incómoda al ver al personaje por primera vez. ¡Seguramente nos sucederá lo mismo! Nos toca esperar hasta el 21 de agosto para saber si se colman nuestras expectativas.

Es una situación triste. Ya decía hace unos días que los grandes fracasos de taquilla responden a una serie de problemas que Hollywood no está sabiendo administrar y que los fandoms de las franquicias no son suficiente para poder rentabilizar una película. Y menos con los presupuestos que se manejan actualmente.

Así que pelis como Supergirl, The Mandalorian and Grogu o He-Man y los Masters del Universo, que eran los ejemplos que ponía el otro día, han sido víctimas de una mezcla de circunstancias y, en el caso de la peli de Mattel, ración de mala suerte.

Esta situación se repite en la mayoría de grandes franquicias, agravada por una flagrante falta de originalidad que se extiende por todo Hollywood, pero que parece no afectar a un género en concreto: el terror.

El terror siempre trata de aportar frescura

Antes de meterme en faena, un pequeño inciso: estoy lejos de ser fan del terror. No tengo nada en contra del género, pero no lo disfruto como pueden hacerlo compis como Raquel Hernández o Ekaitz Ortega. Dicho eso, creo que ese punto de vista le da un valor añadido a la opinión que vengo a exponer.

Y es que el terror está consiguiendo mantener el pabellón donde las grandes sagas y marcas conocidas se están pegando tortazos tremendos.

Como siempre, estoy generalizando, porque hay excepciones, pero el terror es un género que siempre parte con una baza en su favor: no cuesta tanto producir películas de miedo.

Los 200 millones se han convertido en algo habitual para los presupuestos de películas de franquicias; en terror, películas como Expediente Warren: El último rito han costado 55 millones de dólares.

Rentabilizar eso es mucho más fácil, y las entradas cuestan lo mismo para Obsessión que para las últimas películas de Marvel y DC.

Pero hay que llevar a la gente al cine, y para eso necesitas algo que genere conversación entre los fans del terror; algo que sorprenda, sea impactante y viralice.

El terror se beneficia también de esto porque ese concepto va en el ADN de toda narración de terror. Puedes contar la misma historia, pero siempre buscarás la forma de agitar al espectador de un modo que, en la medida de lo posible, no haya experimentado antes.

De este modo, sagas como Destino final se permiten regresos triunfales, pese a ser franquicias establecidas. No es una fórmula infalible, pero cuando funciona, surge la magia.

Y estos últimos años hemos visto cómo algunas películas que han costado menos de 1 millón de dólares se han convertido en fenómenos absolutos.

Terrifier 2 y su secuela, Terrifier 3, pueden ser películas que, por temática y tono, no son aptas más que para una fracción del público, pero han ganado 15,8 millones y 90,3 millones de dólares con presupuestos de 250.000 dólares y 2 millones de dólares, respectivamente.

Tienes Obsession, que ha costado 750.000 dólares y ha recaudado, agárrate, 404,4 millones. Es una barbaridad, pero no es casualidad. El terror siempre trata de diferenciarse del resto, incluso dentro del propio género.

Good Boy nos puso en la perspectiva de un perro y costó 70.000 dólares. La pelí es el caso más modesto, pero se las ingenió para ganar algo más de 8 millones en la cartelera.

Puede que la desesperación de los grandes estudios por captar al espectador fácil esté, en muchos sentidos, coartando la creatividad de otros muchos géneros. No creo que realmente sea falta de ideas, sino que se depende de tantos departamentos que dan su opinión que, al final, queda un proyecto que es la sombra de la idea inicial.

Si eres fan del terror, siempre te quedará este refugio. A veces habrá baches, pero nada te quitará ese sustico que, si se hace bien, puede ser muy rentable para quienes se dedican en cuerpo y alma al género.

Podríamos decir que se metió en el mundo de la dirección de manera algo tardía, pues su primer largometraje, Los duelistas (1977), data de cuando tenía 40 años, en tanto que cineastas como Kane Parsons están estrenando a los 20 sus primeras películas.

A pesar de su demora, en cuanto se metió de lleno en Hollywood nadie lo ha podido sacar de ahí, convirtiéndose en uno de los directores más prolíficos de nuestros tiempos.

Si bien tenemos grandes cineastas como James Cameron, que se han tomado más de una década entre el estreno de una obra maestra y la siguiente, otros como Ridley Scott se esfuerzan por sorprendernos de manera casi anual.

Tan incansable es la mente detrás de Blade Runner que el lapso de tiempo más grande que ha tenido entre un estreno y otro ha sido de cuatro años, sin que sea esa su tónica habitual, que se acerca más a la sorprendente cifra de una nueva película por año como director…

Todo ello sin tener en cuenta los múltiples proyectos paralelos que gestiona como productor a través de su sello Scott Free Productions.

¿Un loco o un genio? Un ego tan grande como su filmografía

Desde que Ridley Scott empezó esta década, lleva ya estrenadas dos series de televisión y cuatro películas -entre las que se incluyen Napoleón (2023) y Gladiator II (2024)-. Pero es que además este 2026 está a punto de lanzar la siguiente: La constelación del perro, que llegará a la cartelera el día 26 de agosto.

No se toma un descanso, pese a haber manifestado cuando estrenó la secuela de Gladiator que tenía “las rodillas delicadas” por jugar al tenis y que necesitaba ponerse inyecciones.

Se niega a tener la edad que tiene porque eso le impediría continuar con su trabajo: “No puedo ser el viejo que va tambaleándose por el plató”. Aunque quizá sea más correcto decir que su trabajo es el que logra hacer que esté así de sano por muchos años que cumpla: “Creo que en realidad es lo que me mantiene activo”.

Admitió que era una “de esas personas para las que tomarse unas vacaciones” resultaba “impensable” porque su concepto de “vacaciones” consistía en “disfrutar de un fin de semana”.

Después de eso está claro que volver a ponerse a escribir o colocarse detrás de las cámaras es su auténtico refugio. Podría decirse que es un obseso con el trabajo, o un artista enamorado de su arte, o una extraña mezcla de ambas. Porque desde luego le gusta trabajar y adora todo lo que sale de él. Hasta tal punto que ha perdido la modestia.

El año pasado, el director de Alien, el octavo pasajero afirmó que “la mayoría de las películas que “se hacen hoy en día son una mierda”, mientras que considera que las suyas con “buenísimas”, con el añadido extra de que, “además, no envejecen”.

Por si fuera poco, a medida que va nutriendo su filmografía con nuevos títulos, siempre asegura que acaba de estrenar su largometraje más sobresaliente hasta la fecha.

Ya lo hizo con su último estreno hace un par de años, y ahora repite las declaraciones en relación a La constelación del perro: “Probablemente sea la mejor película que he hecho desde Marte (The Martian)”.

A Ridley Scott le espera un futuro lleno de películas

En 2024, Ridley Scott estimaba que se había vuelto “bueno descartando” todo lo que no estaba a la altura de su cine, ya que era inviable “tener 40 proyectos en desarrollo”. En su defecto, garantizaba contar siempre con “tres o cuatro” producciones en marcha, lo que explica la cadencia casi anual de sus estrenos.

Sin incluir la inminente La constelación del perro, tan solo como director en IMDb se contemplan siete largometrajes de Ridley Scott en diferentes fases del desarrollo pendientes de estreno, entre los que se encuentran cintas como: You Should Be Dancing o La isla del tesoro.

Está claro que el retiro de Ridley Scott no llegará tarde, sino que no llegará nunca. Con 86 años sentenció que no dejaría de hacer películas hasta que estuviera en la tumba, y comparaba su situación con la de Clint Eastwood, que los 94 de aquel entonces seguía estrenando nuevas películas: “Así que todavía me quedan unos cuantos”.

Shawn Levy pasó de Marvel con Deadpool y Lobezno a Star Wars, donde en lugar de a Ryan Reynolds dirigirá a su tocayo, Ryan Gosling. Qué cosas tiene la vida, oye.

Además de la estrella de El especialista, la próxima película de Star Wars cuenta con Flynn Gray, Amy Adams, Matt Smith, Mia Goth, Simon Bird, Aaron Pierre, Jamael Westman y Daniel Ings.

El caso es que Jonathan Tropper, su guionista, ha explicado que él y Levy buscan generar la misma sensación que provocó la película original en 1977. Star Wars: Starfighter no ha sido concebida para estar interconectada con todo lo que ha precedido a su estreno. Así lo ha contado a The Playlist:

"Desde el principio, cuando Shawn y yo empezamos a hablar del proyecto, nuestro objetivo era recrear en los cines la misma sensación que teníamos de niños al ver Star Wars allá por 1977. Esa emoción de una aventura trepidante en nuevos mundos. Para nosotros, eso era fundamental. No hay barreras de conocimiento. No hace falta haber visto otras películas de Star Wars para disfrutar de esta".

The Mandalorian and Grogu tenía la misma intención que Star Wars: Starfighter

El planteamiento de Tropper es más que comprensible en una franquicia que ha estrenado tantas películas y series, pero es peligrosamente familiar. Hace solo unos meses, Jon Favreau y Dave Filoni decían exactamente lo mismo de The Mandalorian and Grogu: "una película que puede ver cualquiera sin ser fan de Star Wars".

Normalmente, este parecido haría que se me erizase el vello por la preocupación, pero The Mandalorian and Grogu y Star Wars: Starfighter son dos proyectos diferentes. De hecho, creo que este segundo tiene ciertas ventajas.

The Mandalorian and Grogu trata de ser una película asequible, pero parte de la base de estar protagonizada por dos personajes cuyo vínculo se desarrolla en la serie de Disney+, The Mandalorian. Esto le generó un doble problema: no podía desconectar de todo, pero sus intentos de hacerlo al no contar con más personajes que aportasen algo más que mero fan service.

Eso no sucede en Star Wars: Starfighter. La película de Shawn Levy cuenta con la ventaja de contar con un elenco totalmente nuevo, ambientarse en su propio rincón de la cronología (cinco años después de El ascenso de Skywalker) y no depender más que de las normas básicas de este universo para contar su historia.

La película se puede permitir hacer alguna referencia, pero no hace falta tener un códice de Star Wars para entenderla, como explica Jonathan Tropper.

¿Puede salir mal? Pues claro. Ahí tienes The Acolyte como prueba. La serie era un proyecto con toda una era inexplorada para expandirse, pero falló en aspectos básicos como la narrativa. A otros intentos, como Star Wars: Tripulación perdida, no les fue mal, aunque tiendan a caer en el olvido.

Aún es pronto para valorar abiertamente si Star Wars: Startfighter será una buena película o no; tiene muy buenos ingredientes y las intenciones son buenas. Que no dependa de otros contenidos es algo muy positivo, pero es mejor mantener la cautela por ahora.

La diferencia más evidente a nivel visual entre el IMAX y el Dolby Cinema nos la encontramos en el formato de imagen. En el IMAX las proyecciones se hacen en pantallas muy altas que tienen una gran superficie vertical, facilitando que te sumerjas en la película al ocupar una mayor parte de tu campo de visión, mientras que el Dolby Cinema utiliza uno panorámico más tradicional.

Pero, aunque sus pantallas no te envuelvan de la misma manera, los puntos fuertes del Dolby Cinema se encuentran en su imagen y sonido, que el Dolby Vision y el Dolby Atmos hacen posibles.

En estas salas puedes ver la imagen con mayor contraste, con los colores más vivos y los negros más profundos, a lo que acompaña un sonido tridimensional envolvente y butacas muy cómodas.

España no está hecha para el IMAX y el Dolby Cinema

Como has podido leer, lo que proponen tanto el IMAX como el Dolby Cinema es ofrecer una experiencia de visionado superior a la de cualquier otro cine. Eso es algo que el público general puede apreciar, aunque no siempre sepa discernir el motivo técnico que hay detrás.

El problema es que en España las opciones que tenemos para disfrutar de ambos formatos son muy reducidas, y eso también tiene un impacto sobre la audiencia.

En nuestro país tan solo existen cinco salas IMAX, estando tres de ellas en las afueras de Madrid, otra en Barcelona y la última en Mallorca. Por su parte, las salas Dolby Cinema están aún más limitadas y no hay más que una en Barcelona.

Si bien existen muchos cines que incorporan la tecnología Dolby Atmos, eso no es lo mismo a que estén equipadas con un sistema completo de Dolby Cinema.

Por tanto, ya ni siquiera estaríamos hablando de una falta de conocimiento de un formato u otro por parte de la audiencia para decantarse por estas experiencias, sino de una limitación muy fuerte de base que reduce muchísimo las posibilidades para decidir apostar por cualquiera de estos tipos de proyecciones.

Y, como siempre, a ese impedimento espacial, habría que sumarle el correspondiente incremento de precio que supone ir a una sala premium sea del tipo que sea. Siendo ya bastante sacrificado ir a un cine convencional en lugar de conformarte con Netflix.

Mi problema con el IMAX y el Dolby Cinema

Nunca me cansaré de recordar mi ejemplo con Frankenstein (2025) de Guillermo del Toro, una película que me encantó en streaming y lamenté no haber aprovechado para ver en una pantalla grande cuando tuve la oportunidad.

Y algo parecido me ocurre con el IMAX. Es un formato que siempre me ha despertado curiosidad, ante tanto cineasta obsesionado con esta tecnología. Y es que existe una diferencia aún más crucial entre el IMAX y el Dolby Cinema.

Mientras que el Dolby Cinema sirve para mejorar la experiencia de imagen y sonido de cara al público, lanzarse a ver una película concebida para IMAX es decidir formar parte del proceso creativo de una película.

Se trata de un formato específico que engloba desde la captura de la imagen durante el rodaje con sus cámaras propias, hasta el sistema de proyección en las salas, que se convierte en la pieza final de un largo desarrollo que la audiencia puede disfrutar.

Por eso películas como La Odisea son las que más sentido tienen en IMAX y no en cualquier otro cine, ya que Christopher Nolan diseñó su producción con unas características visuales en mente, con una visón autoral muy marcada.

Y un formato diferente lo único que haría sería pervertir ese concepto, al recortar la imagen para adaptarse a las pantallas panorámicas de las salas que no sean IMAX.

En cambio, no siento que me falte algo cuando voy a un cine convencional en lugar de a un Dolby Cinema, no hay nada que me haga replantearme un visionado en una sala premium -en cualquier equivalente accesible a una proyección Dolby Cinema-, puesto que sería más caro y tan sólo embellecería el resultado sin aportarme nada especial.

De todos modos, aunque siempre tenga de fondo ese pensamiento sobre el IMAX, tampoco me termino por animar a ir a un cine que dé esa posibilidad debido a los inconvenientes logísticos que ya he mencionado, por mucho que Nolan pueda insistir en que esa sea la forma óptima de ver su nueva película.

La cuestión es encontrar un equilibrio entre calidad, accesibilidad y precio. Y, hoy por hoy, ni el IMAX y ni el Dolby Cinema son buenas opciones para mí, que hagan inclinar lo suficiente la balanza hacia esa dirección.

Este se convierte también en un problema real para el resto del público, debido a la escasez de opciones y al coste adicional, haciendo que la pregunta no sea tanto si sabe distinguir entre formatos como si de verdad merecen la pena.

Así que Spaceballs 2, o Spaceballs: The New One, la secuela de La loca historia de las galaxias, es una oportunidad perfecta para hacer brillar un enfoque de la comedia que necesita una alegría en condiciones.

Para mí, como para muchos fans de Star Wars, es una parodia especial. La saga de George Lucas es el objetivo principal de las pullas de la película original, y volverá a serlo en la secuela, como ya anticipa su sinopsis.

Pero mentiría si dijera que no me suscita también algo de preocupación. Recordarás que el año pasado Agárralo como puedas tuvo su revival en cines, con Liam Neeson interpretando al hijo de Frank Drevin, que es tan desastre como su padre. La película gustó, pero se pegó un tortazo tremendo en taquilla.

Desgraciadamente, Hollywood funciona como funciona y, si este tipo de géneros no rinden adecuadamente, volverán a quedar relegados a algo casi anecdótico.

Aunque hay algo que me tiene ilusionado especialmente con Spaceballs: The New One y me hará acudir al cine a velocidad absurda el año que viene.

La fórmula perfecta no requiere Fuerza... sino Suerte

La secuela de La loca historia de las galaxias tiene una ventaja con la que, desgraciadamente, Agárralo como puedas no pudo contar. La película de Liam Neeson no pudo incluir al bueno de Leslie Nielsen, quien falleciera en 2010. Neeson se lo curra muchísimo, ojo, pero Nielsen tenía algo especial.

Pero Spaceballs 2: The New One cuenta con un montón de estrellas de la película original. Bill Pullman volverá a ser Lone Starr, Daphne Zuniga repite como la princesa Vespa (ahora reina) y hasta George Wyner y Michael Winslow volverán a interpretar al coronel Sandurz y al técnico de radar.

Claro que el mayor logro de esta secuela es doble. Primero, Spaceballs 2 contará con Mel Brooks de vuelta como Yogurt. No me cabe duda de que será un papel reducido, pues Brooks acaba de cumplir 100 añazos, pero contar con él es una maravilla inenarrable. Y luego tenemos a Rick Moranis como Casco Oscuro. El actor lleva retirado desde 2008 y solo ha tenido un par de intervenciones menores; que regrese es un logro tremendo.

Además, hay una película que, esencialmente, toma el mismo enfoque de La loca historia de las galaxias y ha conseguido un éxito importante este mismo año: Scary Movie. El compendio de parodias de películas de terror ha triunfado este año, pese a la valoración de la crítica. Spaceballs 2 puede seguir ese mismo camino.

La sinopsis que han compartido ayer, amén del resto del material promocional, como ese póster de "combing soon", también me hacen ser optimista por lo que puede ofrecer esta película si mantiene la misma mala baba a la hora de cachondearse de Star Wars y el cine de ciencia ficción.

Pero será el tráiler, cuando llegue, lo que me haga empezar a tener una idea clara de qué esperar de Spaceballs: The New One cuando llegue a los cines el próximo 23 de abril de 2027.

Más allá del mosqueo que me ha generado el tema como jugador que, sin tener nada en contra del digital como opción, prefiere ser propietario de una copia física, este tema me ha hecho pensar en cómo la era digital está derivando hacia una pérdida de calidad (y propiedad) terrible.

Es poco probable que vaya a decir algo que no sepas ya, pero es uno de los asuntos que hacen que necesites decir las cosas en voz alta. Después de 10 minutos hablándole a la pantalla, me he dado cuenta de que lo de escribir igual se me da mejor en este caso.

Como por departamento (HobbyCine) me pega más hablar de servicios de streaming, voy a tirar por ahí, pero todo lo que diga es aplicable a cualquier modo de suscripción de esos que siguen saliendo como setas para absolutamente todo.

Solo en cine y series tenemos una barbaridad de servicios de transmisión con sus respectivas suscripciones. Algunos son para temáticas más concretas, pero entre los grandes medios generalistas, Netflix, HBO Max, Prime Video, Apple TV, Disney+ y tantos otros, suman suficientes como para hacer mella en un salario mensual modesto.

Y aunque voy a generalizar, la calidad promedio de estos servicios deja mucho que desear. Por cada película o serie buena de Netflix que se lanza, llega una cantidad de relleno que no entiendo cómo alguien ha decidido financiarlo.

Es cierto que servicios como Apple TV están en su mejor momento. De ahí que diga que estoy generalizando. Sin embargo, no son pocas las plataformas que lanzan solo tres, con suerte cuatro películas o series buenas al año; el resto del tiempo sobreviven de su catálogo o de llevar estrenos que han pasado por salas a sus catálogos.

Te invito a hacer un ejercicio que quizá ya hayas hecho antes: suma todo lo que te gastas al mes en servicios de streaming y luego calcula cuánto de esos servicios usas realmente. Igual alguna sí te sale rentable, pero es muy posible que tengas más de una "suscripción por inercia".

Peor servicio que hace diez años

Cuando todo era bonanza para los servicios de streaming, las cosas parecían maravillosas. Había series exclusivas, te traían pelis y series antiguas que podías ver con facilidad... PS Plus no era obligatorio para jugar, sino una opción para tener otro tipo de ventajas. En Netflix podías compartir cuenta...

Pero la pela es la pela es una máxima que funciona en cualquier empresa, se llame Netflix o Sony. Ya no es que los precios hayan subido, que también, sino que los servicios que ofrecen son cada vez más restrictivos.

En el caso de Netflix, lo peor es que ha sido adalid del cambio para que otros servicios sigan sus mismos pasos. Ahora es muy habitual la política de no compartir cuentas y la vigilancia activa de su cumplimiento.

También vemos cada vez más servicios con publicidad. La cantidad de pasta que tiene que entrarles por los anuncios es inenarrable, pero además, los usuarios de ese plan pagan su suscripción. Doble win, doble infamia.

Eso sin contar series canceladas, que cada vez hay más, mientras se tira el dinero en otras cosas que no tienen ni medio sentido. O las licencias itinerantes, esas películas o series que están un tiempo en una plataforma y luego desaparecen para no dejar rastro.

Resulta más hiriente en algunas plataformas que son propietarias de los derechos de alguna película (Warner con El señor de los anillos, por ejemplo), pero ni siquiera eso garantiza que las películas estén siempre en HBO Max.

Todo el tema de las suscripciones para todo se empieza a convertir en un circo donde solo hay una certeza: tú pagas. De las compañías dependerá lo que ofrezcan y el tiempo durante el que lo ofrezcan. Porque recuerda la advertencia: en lo digital, y más aún con suscripciones, nada es tuyo realmente.

Si miramos los estrenos más taquilleros de este año, y las películas que más han llamado la atención en los últimos meses, estos son los dos géneros que coronan las listas.

Las películas animadas Super Mario Galaxy: la película y Toy Story 5 entran en el Top 3 de los filmes que mayor recaudación han conseguido este 2026 en cines a nivel mundial, mientras que las cintas de terror Obsession y Backrooms han entrado dentro del Top 10, consiguiendo cientos de millones de dólares cuando tenían presupuestos bajísimos.

La animación es la vía de escape más rápida

El cine nos está hablando sobre lo que buscamos como público, a lo que nos aproximamos en nuestros momentos de ocio. Decidimos pagar más de diez euros por meternos en una sala oscura en la que se nos contará una historia, pero no queremos que esa historia sea como nuestro día a día.

La realidad es demasiado convencional. La tienes en casa, al salir a la calle. Por eso nos atraen más otros mundos. Conocer la vida secreta de nuestros juguetes o vivir aventuras galácticas en universos diferentes.

Y la animación se convierte en uno de los canales más rápidos para lograr ese distanciamiento de la realidad porque, desde su propia presentación, cambia a sus personajes por dibujos animados creando una barrera con nuestro mundo, haciendo que sea más fácil viajar entre planos.

Además, en ellas casi siempre suele intervenir algún elemento que roce lo fantástico, como en el caso de Hoppers -una cinta de Pixar que también se ha colado en el Top 10 de la taquilla anual-.

En ella se señalan problemas como la deforestación, pero su protagonista puede convertirse en una castor para intentar encontrar una forma de salvar a la fauna entendiendo a los animales que pueblan la zona. Se separa de la realidad, lo justo para hacernos soñar con una mejor. Pero no siempre necesitamos irnos hacia algo más luminoso para evadirnos.

El terror triunfa como metáfora

El género del terror, en cambio, propone una solución radicalmente opuesta. Nombra tu mayor preocupación, aquello que más miedo te dé o te atormente. No tengas duda de que ya se ha hecho una película de terror sobre eso.

Podemos tirar hacia lo convencional, con monstruos o payasos asesinos. Miedos más estéticos y grotescos, circunstanciales. Pero existen otros aún mayores, con los que es más fácil conectar con la audiencia. Terrores internos, terrores tangibles que atormentan a gran parte de la población.

Si las películas de terror están triunfando ahora es porque en muchos casos hablan sobre miedos reales del presente desde un entorno más seguro, convirtiéndolos en metáfora que resultan más interesantes para acercarse a ellos que si fueran presentados de forma literal, a través de un simple largometraje dramático.

Piensa por ejemplo en cómo La sustancia (2024) exploraba en los últimos años esa angustia ante el envejecimiento o en cómo Los pecadores (2025) nos hablaba sobre el racismo. Mientras que ahora Obsession pone el foco sobre la toxicidad en el amor o Backrooms sobre habitar espacios impersonales de tránsito.

Y los próximos meses vienen cargados de propuestas diversas para seguir afrontando terrores actuales de todo tipo. El próximo 24 de julio verá la luz Insaciable, una cinta de body horror sobre la obsesión por la delgadez extrema, y a finales de octubre nos llegará Leviticus, en la que se mezcla el horror con la homofobia.

El terror puede acabar convirtiéndose en una catarsis para el público, tras experimentar dos horas intensas en una sala, ayudando a que tenga un nuevo enfoque sobre aquello que lo atormenta.

¿Evasión o reconexión?

Al final no existe ninguna película que se pueda desligar del todo de nuestra realidad, por muy fantasiosa que sea. Y tampoco es bueno que lo hagan. Porque cuanta más conexión tienen con nuestro mundo, más solida será su historia y más ganas tendremos de verla.

Quizá por eso Minions & Monsters ha sido la entrega de la saga de Gru, mi villano favorito que más alabanzas se ha llevado. Porque exploraba nuestra propia historia, dándole sentido, a través de un marco fantástico.

¿Qué gracia tendría decir que Charlie Chaplin fue un genio de la comedia pudiendo crear un encuentro ficticio con un pequeño grupo de villanos amarillos para hacer surgir esa torpeza de manera inesperada? No buscamos mentiras, sólo disfrutar más de lo que ya conocemos pero desde un ángulo distinto.

A nadie le gustan las críticas, pero nosotros decidimos cómo usarlas: para aprender de ellas y mejorar o para enfadarnos. Taylor Sheridan se ha guardado mucho durante estos años, y ha terminado estallando en pleno pódcast.

No arremetió solo contra la crítica: ejecutivos de Paramount o los guionistas del Universo Cinematográfico de Marvel se vieron atrapados por la onda expansiva de mala leche del prolífico creador de series cuando entró en modo Quentin Tarantino y no distinguía entre amigos y enemigos.

Pero yo quiero hablar de su defensa acérrima a cómo ha desarrollado un personaje de Landman: Un negocio crudo en concreto, Cami Miller, interpretada por Demi Moore. Y quiero centrarme en ello en este artículo de opinión porque servidor, como muchos otros críticos, señalamos lo infrautilizada que estaba la actriz en la temporada 1.

Encima, coincidió con una situación curiosa: Demi Moore estaba arrasando en todo el mundo con La sustancia, que le valió el Globo de Oro y el Premio de la Crítica y la nominación al Óscar o el BAFTA. Sin embargo, Landman la presentó como poco más que un personaje de relleno para respaldar el trasfondo de Morty Miller (Jon Hamm).

Cierto es que al final de la temporada cobró un poquito más de relevancia, anticipando una mayor presencia en la temporada 2. Muchos señalamos que contar con una estrella como Moore y no darle a su personaje un desarrollo apropiado era un error, pero Sheridan no está de acuerdo.

En su estallido contra la crítica especializada, el creador de Landman: Un negocio crudo argumentó que escribe como cree que debe escribir y que no lo hace para agradar a la crítica. Así fueron sus comentarios en The Bill Simmons Podcast:

"Cuando empecé a escribir, supe que no quería hacer lo que hacían los demás, que era tomar atajos y romper las reglas fundamentales de la narración porque no lograban desarrollar su historia.

En una película, se supone que debes mostrarme lo que está sucediendo. La cámara debe hacer avanzar la historia. Los diálogos deben contarme cómo se sienten los personajes de este mundo respecto a lo que está pasando, qué esperan hacer o qué desearían no haber hecho o haber hecho.

[...]Los críticos van a atacarme. Que no estoy aprovechando a Moore, que no sé escribir para mujeres, todas esas tonterías. Que voy a matar a tu marido y que tendrás que dirigir la petrolera. A los críticos les molesta muchísimo que me dé igual lo que piensen. Seré el primero en decirles que hay cosas que hago que los provocan, y esta es una de ellas. Que les den, de verdad".

Se predica con el ejemplo, Taylor Sheridan

Bueno, estoy bastante de acuerdo con la primera parte de sus comentarios: mostrar siempre es mejor que contar. Aquí viene la contradicción con la que él mismo desarticula su segunda parte.

Taylor, me sobran dedos de las manos para contar las escenas de Demi Moore en la temporada 1 de Landman. No tenían que ser escenas trascendentales, pero sí aportar trasfondo a un personaje que, eventualmente, iba a saltar al centro de la trama.

En lugar de eso, se optó por dar una cantidad de tiempo exasperante a dos personajes que, a día de hoy, con dos temporadas completas, han aportado un 1 % de relevancia a la trama principal: Angela y Ainsley (Ali Larter y Michelle Randolph).

Si las escenas de alivio cómico (a veces insertadas en el peor momento) y culto al cuerpo de estos dos personajes se hubieran reducido (ojo, no digo ni eliminado), y dado más margen al desarrollo de un personaje que sí iba a ser relevante para la trama central, la temporada 1 habría sido mucho más redonda. Y me habrías mostrado, no contado, cómo era realmente la vida de Cami más allá de tres pinceladas dispersas.

Y, francamente, creo que el propio Taylor Sheridan, aunque no lo admita y despotrique contra los críticos, sabe que tenían razón. La temporada 2 redujo el tiempo que Larter y Randolph copaban pantalla en cada episodio y desarrolló mejor a Moore, aunque en parte se debía a su mayor relevancia en los acontecimientos principales.

Yo no entré en el saco de críticos que afirmaron que Taylor Sheridan no sabe escribir personajes femeninos, porque Beth Dutton demostraba que esa afirmación es una falacia, pero sí afirmé que Demi Moore estaba infrautilizada en la temporada 1 de Landman, y me reafirmo.

Pero no me molesta que "a Taylor Sheridan le dé igual". La serie es suya y la desarrolla como quiera; es su trabajo, como el mío es señalar sus virtudes y errores cuando los detecto. Así que espero ver más virtudes que fallos en la temporada 3 de Landman: Un negocio crudo cuando llegue a SkyShowtime.

Una era el regreso de una de las mayores franquicias del cine tras casi siete años de ausencia en la gran pantalla; otra era un nuevo intento de una de las propiedades ochenteras más queridas de llegar a acción real y, por último, la segunda película de una franquicia que acaba de ser reiniciada y busca enmendar errores del pasado.

Además, si lo piensas, todas ellas tienen fandoms enormes en todo el mundo que deberían garantizar una buena base de afluencia en salas para ver las propuestas cinematográficas que ofrece cada franquicia, ¿no?

Pues no. Estamos en una época en la que las cosas difíciles de asimilar se suceden. Hace unos días era el inminente fin del formato físico en PlayStation, por ejemplo. En el caso del cine, tenemos el declive de las franquicias.

Vale, no va a ser algo tan drástico como el plan de Sony, pero Hollywood sigue sin dar con la tecla para mantener a flote sus franquicias. El propio Universo Cinematográfico de Marvel lleva años languideciendo, con honrosas excepciones. Tiene pinta de que Spider-Man: Brand New Day será una de ellas, al menos por la venta anticipada de entradas.

Aunque voy a generalizar, los estudios no están sabiendo captar nuevos fans para las franquicias. Digo más, sus intentos están fragmentando los fandoms existentes con decisiones que terminan afectando al plano creativo.

Los fans no son suficiente para mantener una franquicia actual

El caso más claro de que hace falta algo más que un fandom fiel es el de He-Man y los Masters del Universo. Por desgracia, la peli ha pasado sin pena ni gloria por las generaciones más jóvenes, que pueden ser más ajenas a los icónicos juguetes, a pesar de las producciones que hemos tenido en Netflix.

Aunque la promoción ha sido correcta, ha tenido demasiado en el foco a su público objetivo, que es normal, pero ha sido incapaz de captar a otro tipo de espectadores. Los fans de toda la vida no han sido suficiente para que la película prosperase en taquilla.

El fiasco de Star Wars tiene algo más de sentido. The Mandalorian and Grogu ha tenido una campaña promocional mal elaborada y que han intentado remontar a última hora; a la vista está que sin éxito.

Además, está el handicap de que, pese a ser parte de una franquicia, argumentalmente no aporta nada nuevo. Esto hace que no haya motivación en el público para ir a verla a los cines y prefieren esperar a que esté en streaming. Y por lo que he podido comprobar personalmente, hay muchos fans que se incluyen en ese saco.

Parte de la culpa también recae sobre la masificación de la franquicia por parte de Disney. Antes, un estreno de Star Wars era algo especial, ahora es un trámite. Y puedes creerme cuando digo que me duele horrores soltar eso.

Y aunque lo de Supergirl, por mi parte, se veía venir desde el primer tráiler, DC no deja de tener uno de los mayores fandoms del mundo. Al tratarse de una franquicia reiniciada, el Universo DC debería tener algo más de tirón, pero en DC Studios (y en última instancia Warner) están errando el tiro.

Ya no es solo el cisma generado hace ya muchos años en DC entre los seguidores de Zack Snyder y el resto. James Gunn tiene sus propios forofos y, con eso, se consigue desestabilizar la base de espectadores que deberían ir al cine casi con seguridad.

Luego están aspectos como el enfoque que le han dado y demás, pero no voy a entrar en pormenores. DC no puede permitirse tropiezos así tan pronto. Y tampoco puede andar haciendo anuncios de proyectos que se van a pasar años en el limbo hasta entrar en producción... si es que entran.

Si ya es complicado que un fandom razonablemente unido como el de Masters del Universo acuda en masa al cine, dividir con malas decisiones a nuestro público principal entra en la lista de las peores ideas que pueden tener en Hollywood. Pero en esas estamos.

A día de hoy, no hay un fandom que pueda soportar en solitario una franquicia cinematográfica. Veremos si el futuro es más prometedor o si debemos abandonar toda esperanza ante otro tipo de entretenimiento dominado por ejecutivos.

Ahora, con la maquinaria bien engrasada, se dispone a intentar repetir su jugada maestra con la versión en imagen real de Vaiana que llegará a la cartelera el mes de julio. Pero la película no se librará del mayor obstáculo al que se enfrentan siempre este tipo de producciones: hay algo extraño en ellas, en su apartado visual, que nos duele al mirarlas.

Siempre hay valle inquietante en los live action

Ocurre algo raro cuando vemos la adaptación en live action de una animación por primera vez. Algo no encaja. Es imposible que encaje. Y aún así hay un equipo detrás de esa producción que se ha empeñado mucho en forzarlo para que lo haga, de alguna manera. Y por eso nos chirría tanto.

Pongamos por caso… La Sirenita de 2023. ¿Te acuerdas de Flounder?, ¿y de Sebastián? ¡Cómo olvidarlos!, si te debieron dar pesadillas durante un año.

Los mejores amigos de Ariel sufrieron un rediseño bestial con respecto a la película original que le hizo a Disney ponerse en una encrucijada que lleva mucho tiempo resolviendo con un aporte sobredimensionado de realismo.

En el largometraje de dibujos a nadie le extrañaba que Flounder fuera un pez redondeado y de colores chillones ni que Sebastián fuera un cangrejo desproporcionado con más cabeza que cuerpo.

En cambio, en el live action parecían animales recién salidos de nuestros mares, y por el camino habían perdido tanto su encanto como su expresividad. Como resultado, nos dieron un valle inquietante de manual: eran demasiado parecidos a criaturas reales sin llegar a serlo del todo, y eso nos cortocircuita el cerebro siempre.

Vaiana, en cambio, ha decidido apostar por mantener las proporciones de personajes como Hei Hei fidedignas a la versión animada, y eso resulta chocante en otros términos.

Ya no es porque diste de lo que fue en su día ni por ser una aproximación imprecisa del animal en que se basaba. Es más, aquí ni siquiera estamos hablando de una gallina parlante. El problema es que sea una gallina cuellilarga y de ojos saltones en un mundo que atiende a lógicas diferentes.

¿Se puede hacer un buen remake en live action?

Entonces, ¿cuál es la opción correcta para hacerlo? Porque en este tipo de situaciones sólo hay dos salidas posibles: A) dejarse llevar por el absurdo o B) forzar el realismo hasta niveles extremos. Y ninguna sale bien.

La animación y la imagen real no son el mismo medio por mucho que los remakes en live action intenten hacer que converjan. Los dibujos animados tienen unos códigos propios, una forma de expresión única.

Por su naturaleza, sus personajes tienden a estar estilizados en sus diseños, a la sobreactuación en sus gestos para que notemos sus movimientos, al derroche de gesticulación. Eso explica que sea tan chocante venir de El rey león de 1994 y en 2019 encontrarte con un documental de La 2, en la que sus leones tenían que ceñirse a las restricciones de la realidad.

Así, para intentar evitar este tipo de situaciones que pongan en conflicto el mundo que puede permitirse ser más fantasioso de la animación frente al que demanda verosimilitud en la imagen real, el genio del remake de Aladdín (2019) apenas aparece en la película como un ser místico de color azul, sino que adopta las características físicas de Will Smith durante gran parte del metraje.

Mientras que Mulán cortó por lo sano en 2020 y nos dejó sin el personaje más carismático de la película: Mushu, un pequeño dragón que fue extirpado del metraje en pos del realismo, y que dejó a la audiencia igual de confusa que ver a los enanitos en Blancanieves (2025).

Porque existe un delicado equilibro que es necesario mantener en este tipo de adaptaciones. Otra dualidad más que no hace sino complicarlas, reforzando la idea de que sería mejor que no existieran.

Si copian con demasiada fidelidad el material original pueden sentirse pobres, faltas de ideas, innecesarias. Si, en cambio, alteran demasiadas cosas se convierten en una traición a los largometrajes que amamos.

Pero, aún así, aunque dieran con la tecla adecuada, aunque conjugaran todos los elementos necesarios para que no fuera ni muy realista ni muy cartoon, ni muy diferente ni muy parecida… Si fuera posible que nos entregaran el remake en imagen real perfecto… seguiría sin serlo. Porque no hay desafío más grande que el de estar a la altura de un recuerdo idealizado.

Pese al mal montaje de esta temporada 3 de La casa del dragón o que la confrontación naval también me resultó caótica en lo narrativo, lo que más me ha sacado de la serie de HBO Max ha sido la llegada a la Fortaleza Roja por parte de la reina y Daemon. Es una secuencia que no hay por donde cogerla y todo se debe a un error de hace cuatro años.

Creo que La casa del dragón olvida aquello que hizo grande a Juego de Tronos (al menos hasta antes del descalabro de sus temporadas finales) y todo comienza con la forma en la que se ha tratado a las líderes de los negros y los verdes y a la necesidad de justificar "noblemente" a cada bando. Allá por 2022, La casa del dragón tropezó por primera vez con una piedra que aún no se ha retirado del camino.

Alicent y Rhaenyra deben coger al toro por los cuernos

La actual serie peca de "buenismo" a la hora de representar a Rhaenyra y Alicent. El conflicto entre ambas está desangrando la esencia de la Danza de Dragones al mostrar a dos personajes que no dejan de enturbiar la trama con dudas, arrepentimientos y lloriqueos.

George R.R. Martin esculpe la ambición de Rhaenyra y Alicent en Fuego y Sangre de una manera mucho más directa, dejándonos a dos personajes con menos desarrollo que en la serie, pero con mayor determinación. Ambas velan por sus propios intereses de forma egoísta, como hemos visto una y otra vez en el universo de Poniente.

Y si bien hay cierta compasión entre ellas, ese pasado de amistad no emborrona la trama. Alicent hace lo que tiene que hacer al proclamar a Aegon II como rey de los Siete Reinos y, de la misma forma, Rhaenyra al ejecutar a Otto Hightower.

Las crónicas de la casa Targaryen no cometen el error de tratar de justificar los actos de cada bando. En Juego de Tronos había buenos y malos, es cierto, pero no se blanqueaban las acciones de algunos para que te intentasen caer mejor. Si se ganaban a la audiencia era a base de carisma y de acciones que iban más allá del blanco o del negro.

El problema es que la trama de conspiración de Alicent que se ha fraguado en esta tercera temporada se siente absurda, poco creíble y no es más que una pobre justificación para un personaje que podría haber llegado a ser tan admirablemente odioso como Cersei.

Como digo, todo comienza con un error. En la serie, la muerte de Viserys deja una escena en la que Alicent escucha el nombre de Aegon, lo que legitima la causa de los verdes a sus ojos y los de toda la audiencia. Ella hace lo que hace porque así se lo dijo Viserys.

Esto, obviamente, no ocurre así en el libro, en donde Alicent no se anda con tonterías y carga contra las proclamas de Rhaenyra con perlas como "Aegon y sus hermanos son los legítimos hijos del rey y tienen más derecho al trono que su estirpe de bastardos".

Alicent no duda e "inicia" la guerra no porque escuche el nombre de su hijo, sino porque ambiciona el poder. Obviamente, esto puede hacer que la gran mayoría de la audiencia se vaya con los negros, pero estos son igual de hipócritas. Al final, es cierto que los hijos de Rhaenyra son unos bastardos. Por lo tanto, ambas son unos malos bichos, ambas estarían bastante a la par en lo que se refiere al aprecio del público.

Todo son desgraciados accidentes en La casa del dragón

Sin embargo, La casa del dragón parece no bajase de la burra tomando la trama y el conflicto como un concurso de popularidad, mientras continúa haciendo que esto, en vez de una guerra sanguinaria, sea una serie de catastróficas desdichas.

Primero fue el tema del nombre que dice Viserys, luego que Aemond mataba por error a Lucerys y después que Jacaerys se muere por culpa de un dragón incontrolable que supuestamente es de los verdes... Siempre parece haber un malentendido, una excusa para continuar con la violencia.

¡Que esto es Juego de Tronos! ¡Quiere alguien responsabilizarse de sus actos alguna vez! ¡Que estamos ante la mayor guerra vista en Poniente! Esto no pasó por una serie de desgraciados acontecimientos, esto pasó porque así se quiso; por las ansias de poder de todos los participantes.

Por eso, el dramatismo de Rhaenyra justo cuando se sienta en el Trono de Hierro y ve a su amiga Alicent junto a su padre descabezado se percibe como artificial. Otra vez con otra desagradable coincidencia. Otra vez es un error de tiempo, de cálculo. Pobre Rhaenyra... ella no quería hacerlo, en realidad (sarcasmo).

La serie tiene que cambiar la manera en la que representa a ambos personajes. El único que parece tener iniciativa es Daemon. Por no hablar de que, a nivel estratégico, entrar reina y rey consorte solos en la Fortaleza Roja es top 10 peores ideas de la saga. No tiene ningún tipo de sentido, incluso con la promesa de Alicent, más cuando sospechan que hay un nuevo dragón de los verdes (Robaovejas).

Esperemos que La casa del dragón se deje de buenismos y nos muestre la Danza de Dragones como lo que fue, una guerra a fuego y sangre donde lo único que importaba era ganar... a cualquier coste. Quiero ver a personajes que se comporten como unos auténticos cabr****.

Con un presupuesto estimado de 166 millones de dólares, la película de Star Wars necesita alrededor de 415 millones para ser rentable. Mientras escribo estas líneas, lleva 315 millones; puede que cuando leas esto haya sumado un poco más, pero casi seguro que seguirá siendo insuficiente.

No pretendo hacer un análisis de por qué no está funcionando la película, a pesar de proceder de la serie de Star Wars más exitosa de Disney+. Lo que sí haré será repasar algunos aspectos que han contribuido a este declive y de los que Lucasfilm y, en última instancia, Disney, harían bien en aprender.

Y para empezar, tenemos la campaña promocional. No puedes traer de regreso una franquicia como Star Wars después de siete años (seis y medio, en realidad) y no aprovechar escaparates como la Super Bowl. El spot "homenaje a los anuncios clásicos" tuvo el efecto contrario al deseado: enfadó a los fans y generó preocupación.

La gente quiere ver tráileres espectaculares en esos eventos, no un clip que ni siquiera va a aparecer en la película final. Y si vas a hacer algo "especial", prueba locuras como la de Lilo y Stitch, con el destructivo personaje liándola parda en un terreno de juego.

The Mandalorian and Grogu ha sido la película del mínimo esfuerzo

Sin intentar menospreciar el trabajo de quienes han participado en el filme, cuando voy a ver una película de Star Wars al cine, necesito que me cuente una historia que aporte al todo de la franquicia. Para mí, no ha sido el caso, y esa sensación es compartida por bastante gente.

¿Estoy diciendo que es una mala película? No exactamente, pero sí estoy diciendo que no es buena y que generar ese tipo de sentimientos genera un boca a boca negativo que afecta a la taquilla.

Lucasfilm también haría bien en tomar nota y no sacar 4-5 contenidos de Star Wars al año. Hay una no tan sutil diferencia entre el estreno de The Mandalorian and Grogu tras siete años y el de Star Wars: Episodio VII - El despertar de la Fuerza, y es que en todos esos años tan solo tuvimos series de animación como The Clone Wars y el comienzo de Star Wars Rebels, pero con suficiente espacio entre ellas.

En el último lustro largo, Disney+ ha saturado su catálogo con series de Star Wars, y no siempre a la altura de la franquicia. Eso sin contar con especiales como los de LEGO, que te echas unas rosas, sí, pero al final son más tralla para esta temática.

Tengo amigos que han llegado a afirmar que "es una era dorada para ser fan de Star Wars". Bueno, es su opinión y no seré yo quien se ponga a discutir con ellos de mala manera, pero opino al contrario. La facilidad de sacar contenido no implica que debas abusar de esa capacidad. Prefiero poco y bueno a mucho y de calidad debatible.

Una galaxia inmensa que siempre se reduce a lo mismo

Y mi razón clave, al menos desde la perspectiva del fandom, es que Star Wars necesita pasar página y dejar de sobreexplotar eventos ambientados en la Guerra Civil Galáctica y la era de la Nueva República.

Entiendo la tentación de aprovechar la iconografía del Imperio o reinventar alguna armadura para vender más juguetes; de verdad que lo entiendo. No soy tan ingenuo como para no ver el negociazo que es el merchandising de la franquicia.

Pero también se pueden vender muñecos mientras se exploran otras épocas, ¿eh? Uno de los proyectos que más me interesan, si es que ve la luz algún lustro de estos, es esa película de James Mangold que se remontaría a la era en la que los Jedi descubrieron la Fuerza.

Sí, hay series como Andor que aún pueden suponer un soplo de aire fresco por cómo están enfocadas, pero no se puede depender enteramente de ello.

Esto es importante de cara al futuro, porque Dave Filoni y Lynwen Brennan deberían tomar nota para no seguir cometiendo los mismos errores. También estaría fenomenal que apuntasen en Disney, porque es la misma metedura de pata que tienen con el Universo Cinematográfico de Marvel, sobre todo en lo relativo a sobreexplotación.

Veremos si Shawn Levy consigue levantar esto el año que viene con Star Wars: Starfighter, pero insisto en que explorar otras eras debería ser clave. The Acolyte no fracasó por la ambientación, sino por un desarrollo narrativo muy deficiente.

Yo solo digo que la era de la Antigua República sigue ahí, esperando fuera del canon a que algún cineasta se atreva a sacar partido a uno de los mayores conflictos galácticos. Una pena que nadie en Star Wars se atreva.

The Mandalorian and Grogu merecía mucho más, pero en Star Wars se ha ido a lo fácil y el resultado ha sido acorde.

La adaptación del mítico cómic de Oesterheld y Solano López ha sido un producto sólido, de realización notable y con el protagonismo de Ricardo Darín. Una suma de componentes bien recibida por los suscriptores. Tras esta historia, van a probar ahora con otra novela mítica, o más bien de un autor mítico.

La misma productora, K&S Films, llevará a Netflix la adaptación de la novela El mundo que Jones creó, escrita por Philip K. Dick en 1956.

Imagino que casi todos los lectores lo sabrán, pero Philip K. Dick es el conocido autor de ciencia ficción cuyas obras han sido adaptadas decenas y decenas de veces: Blade Runner, Desafío total, Minority Report, El hombre en el castillo, Una mirada en la oscuridad... También ha influido en otras tantas narraciones, como la española Abre los ojos, de Alejandro Amenábar.

Justo un colaborador habitual de Amenábar será el showrunner de la serie, Mateo Gil. El director y prestigioso guionista llevará la obra a la televisión y ya se ha avisado que lo hará con muchas licencias. Y hacen bien.

Una adaptación prometedora... de una novela mediocre

Es normal que pocos conozcan El mundo que Jones creó a pesar de ser lectores de Philip K. Dick. Es una obra de sus primeros años, previa a la más reconocida Ojo en el cielo. Fue escrita cuando el californiano todavía no había alcanzado sus cotas más altas como escritor.

Aun así, es una obra dickiana en su sinopsis al estar protagonizada por un personaje capaz de adivinar lo que ocurrirá un año más tarde, desarrollarse en un futuro postapocalíptico y tratar temas como el determinismo y la paranoia, esto último clave en toda su narrativa.

Los que hemos leído a Dick teníamos esta novela algo olvidada y no es por casualidad. Dentro de la extensa trayectoria del escritor, en estas obras primerizas se ven rastros de bisoñez, estilo descuidado (ya escribía mucho... demasiado) y no había dado todavía con los elementos que mejor trabajaría.

Tal como he dicho, a pesar de estos problemas se ven ya indicios de lo que sería después el universo dickiano, por eso voy a pedir algo que parece contrario a lo que se suele exigir: me gustaría una adaptación muy libre de la novela.

Parece que con los videojuegos y libros hay que ser fieles a la obra y muchos fans van tomando nota de lo que no se ajusta a la fuente, pero yo prefiero que tenga su autonomía y se busque ante todo ofrecer la mejor historia posible.

Digo esto a pesar de que Philip K. Dick es el autor del que he leído más libros, pero también consciente de que quitando una, sus mejores adaptaciones son las que se han tomado más libertades. Esa adaptación que rompe la norma es Una mirada en la oscuridad.

En todo caso, sea como sea, la mezcla de Mateo Gil, El eternauta y Philip K. Dick hará que le dé una oportunidad a la serie. De momento solo pido eso: que sea una obra dickiana alejada del original.

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Tan solo un año después de arrasar en las salas con el remake en live action de Lilo y Stitch, Disney nos hace regresar este verano a las islas del Pacífico con Vaiana, aunque superar al éxito de su predecesora no será nada fácil.

Lilo y Stitch logró aunar todos los ingredientes necesarios para conseguir que su vuelta en un nuevo formato resultara muy atractiva para el público, hasta el punto de que la cinta hiciera historia con sus cifras.

Con un presupuesto de 100 millones de dólares, la película se convirtió en el cuarto estreno más taquillero del año acumulando más de 1.000 millones en taquilla. Desde el estreno de El rey león en 2019 ningún otro de los remakes de Disney había conseguido superar la barrera de los 1.000 millones en recaudación a nivel mundial.

Por aquel entonces todavía eran muchos los clásicos reinventados de la compañía que rebasaban esa cifra, pero en los últimos años el estudio había sido menos prolífico, y estuvo encadenado fracasos como Blancanieves (2025) o La sirenita (2023).

Lilo y Stitch logró cambiar las tornas. En parte debido a una muy buena gestión del timing. Hacía ya más de un par de décadas desde el estreno de la película de animación original de 2002, y la nostalgia por los años 2000 ha ido ganando fuerza entre las generaciones actuales que acuden al cine para revivir su infancia.

Por otro lado, Stitch nunca ha dejado de estar presente y generar mercadotecnia, siendo uno de los iconos más reconocibles del estudio, un personaje entrañable al que mucha gente soñó tener de mascota. Y el live action consiguió justo eso: darle vida, enseñarnos cómo sería en el mundo real.

Porque la trama de Lilo y Stitch es mucho más mundana de lo que aparenta, a pesar de las criaturas extraterrestres implicadas. Al final lo que nos está relatando es la historia de una familia disfuncional a la que se adhiere un peculiar nuevo miembro.

El remake de Vaiana llega demasiado pronto

Y es en este contexto sobre el que está a punto de aterrizar el remake en imagen real de Vaiana, una película que parece que llega precipitada ante la poca distancia que la separa desde su original a adaptar de 2016, con tan sólo una década de diferencia.

Por ello no ha habido espacio suficiente como para que la echemos de menos, como para que añoremos esos años, como para que algo deba ser actualizado a los tiempos que corren. Es un remake que no puede hacer más que calcar la producción primigenia, y poco podrá aportar en ese ámbito.

Vaiana se convertirá en el primer largometraje en la historia Disney que tome como punto de partida una película hecha con animación tridimensional en lugar de bidimensional.

Y la imagen va a ser demasiado similar, puesto que la animación 3D que primaba entonces respondía al realismo estilizado en lugar del renderizado no fotorrealista que se persigue ahora tras el boom de las cintas del Spider-Verse.

Entonces, si tiene tan poco que aportar en su historia y también en lo artístico, cuesta creer que Vaiana vaya a superar a Lilo y Stitch en cuanto a la satisfacción que le pueda generar al público. Sin embargo, conviene tener otros factores en cuenta.

La primera película sigue siendo muy querida por la audiencia, y eso quedó reflejado en las asombrosas cifras que logró acumular su secuela en 2024, que se posicionó como el tercer estreno más taquillero del año con más de 1.000 millones de dólares en recaudación, a pesar de ser un pésimo intento de convertir en largometraje una serie de animación.

Pero al público no le molestó, volcando todo su apoyo en la propuesta, así que también hay indicios para creer que el remake podría correr la misma suerte. Eso sí, ha sido más costoso de producir que el de Lilo y Stitch, concretamente el doble: 200 millones de dólares.

Y es que esta propuesta es mucho más fantasiosa, un relato épico con deidades que se metamorfosean, fuerzas de la naturaleza colosales y una gran presencia del agua.

Además de contar con el talento de Dwayne Johnson como cabeza de reparto para repetir su rol como Maui tras haber dado vida al semidiós en las entregas animadas. Y todo eso encarece el producto final. La cuestión es si habrá merecido la pena la inversión.

Dudo mucho que nos vayamos a enfrentar con una situación similar a la de Blancanieves, pero al mismo tiempo me cuesta ver el atractivo del live action de Vaiana en comparación con el de Lilo y Stitch, aunque la gente todavía siga cantando How Far I'll Go como heredera espiritual del Let It Go de Frozen.

Por eso veo que el principal problema de la película no es su potencial fracaso, sino el mayor éxito reciente de la compañía con Lilo y Stitch, que ya no empujará a Vaiana a compararse con remakes de hace años sino con su rival más actual, que se ganó la taquilla y también a la gente.

Tras alcanzar un pico histórico en 2024 con cerca de 68 estrenos, las principales plataformas globales como Disney Plus, Netflix, Max (ya renombrada HBO Max) o Prime Video han reducido la cantidad de producciones originales y han recortado los presupuestos para series de gama alta. Y ya empieza a notarse con un goteo más espaciado de estrenos de series españolas.

El reducto de la producción nacional es (por ahora) Movistar Plus, Atresplayer y SkyShowtime, si bien esto es algo que podría cambiar a corto plazo.

Durante cerca de una década, Movistar ha estado desarrollando una estrategia enfocada en series españolas de prestigio con más de 40 estrenos: arrancó en 2017 con La zona y ha contado con verdaderos pepinazos como La peste, Arde Madrid, Hierro, La línea invisible, Antidisturbios, La unidad, El inmortal, Apagón, Marbella, Poquita fe, Querer, Los años nuevos... Enfoque multigénero, centrado en visiones de autor y con la calidad por bandera, reclutando lo más florido de la interpretación patria.

Este pequeño oasis creativo podría estar en peligro inminente, como ya empezó a entreverse con el cese de Domingo Corral como responsable de ficción y entretenimiento de Movistar Plus por parte del consejo de administración de Telefónica en 2025. Este movimiento fue muy criticado en el sector y el origen de una carta donde más de 150 profesionales de la industria, entre ellos Javier Bardem, Pedro Almodóvar, Penélope Cruz o Rodrigo Sorogoyen, apoyaban el desempeño de Domingo Corral en el cargo y expresaban su preocupación por el futuro.

Veremos cómo se siguen desarrollando los acontecimientos, pero de momento, esto ha traído consigo un efecto dominó: Fran Araújo, que abandonó su cargo como productor ejecutivo y fue uno de los grandes responsables del auge del departamento de ficción original y Guillermo Farré, hasta ahora responsable del área de cine original y cine español de la compañía han sigo las siguientes piezas en caer, lo que no dibuja un futuro muy halagúeño...

Tengamos en cuenta que muchas de las series exitosas que han sido lanzadas en estos años han sido creadas por cineastas de renombre y cine y televisión han sido vasos comunicantes.

HBO Max también acusó la pérdida de Miguel Salvat como Director de Producción Original y Ficción de HBO España si tenemos en cuenta que dio luz verde a proyectos tan apasionantes y celebrados como Patria, 30 monedas, ¡García! o Pobre diablo. Qué duda cabe que los proyectos son fruto de equipos creativos guiados por personas capaces y si ausencia, se nota.

En fin, si recuperamos la foto global, por una parte estamos viendo una estabilización del mercado del streaming que conlleva una ralentización de estrenos: se priorizan la calidad y la garantía de éxito (encargando nuevas temporadas de títulos que se sabe que funcionan bien) antes que la novedad y la cantidad, que siempre conlleva más esfuerzo y riesgo económico. La cuestión es si el balance es equilibrado y el mercado no entra en bucle, como le ha venido pasando al cine con una sobreexplotación preocupante. Repetir fórmulas agota.

Por otra parte, el mercado de la series que se emiten en abierto sigue siendo muy potente. Puede que el enfoque sea muy distinto, con productos pensados para audiencias menos segmentadas y producciones que van más "a salto de mata" pensando en la longevidad y atrapar a las audiencias, pero está claro que sigue siendo una competencia directa que detrae recursos y atención de los espectadores.

Lo que ahora es una ligera reducción de estrenos, probablemente se convertirá con el paso del tiempo en una visible desaceleración y es una verdadera pena si tenemos en cuenta las capacidades demostradas por los profesionales de la industria, delante y detrás de las cámaras. Con suerte se reabsorberá el talento y seguiremos disfrutando de sus obras, sea en una u otra casa.