La adaptación del mítico cómic de Oesterheld y Solano López ha sido un producto sólido, de realización notable y con el protagonismo de Ricardo Darín. Una suma de componentes bien recibida por los suscriptores. Tras esta historia, van a probar ahora con otra novela mítica, o más bien de un autor mítico.

La misma productora, K&S Films, llevará a Netflix la adaptación de la novela El mundo que Jones creó, escrita por Philip K. Dick en 1956.

Imagino que casi todos los lectores lo sabrán, pero Philip K. Dick es el conocido autor de ciencia ficción cuyas obras han sido adaptadas decenas y decenas de veces: Blade Runner, Desafío total, Minority Report, El hombre en el castillo, Una mirada en la oscuridad... También ha influido en otras tantas narraciones, como la española Abre los ojos, de Alejandro Amenábar.

Justo un colaborador habitual de Amenábar será el showrunner de la serie, Mateo Gil. El director y prestigioso guionista llevará la obra a la televisión y ya se ha avisado que lo hará con muchas licencias. Y hacen bien.

Una adaptación prometedora... de una novela mediocre

Es normal que pocos conozcan El mundo que Jones creó a pesar de ser lectores de Philip K. Dick. Es una obra de sus primeros años, previa a la más reconocida Ojo en el cielo. Fue escrita cuando el californiano todavía no había alcanzado sus cotas más altas como escritor.

Aun así, es una obra dickiana en su sinopsis al estar protagonizada por un personaje capaz de adivinar lo que ocurrirá un año más tarde, desarrollarse en un futuro postapocalíptico y tratar temas como el determinismo y la paranoia, esto último clave en toda su narrativa.

Los que hemos leído a Dick teníamos esta novela algo olvidada y no es por casualidad. Dentro de la extensa trayectoria del escritor, en estas obras primerizas se ven rastros de bisoñez, estilo descuidado (ya escribía mucho... demasiado) y no había dado todavía con los elementos que mejor trabajaría.

Tal como he dicho, a pesar de estos problemas se ven ya indicios de lo que sería después el universo dickiano, por eso voy a pedir algo que parece contrario a lo que se suele exigir: me gustaría una adaptación muy libre de la novela.

Parece que con los videojuegos y libros hay que ser fieles a la obra y muchos fans van tomando nota de lo que no se ajusta a la fuente, pero yo prefiero que tenga su autonomía y se busque ante todo ofrecer la mejor historia posible.

Digo esto a pesar de que Philip K. Dick es el autor del que he leído más libros, pero también consciente de que quitando una, sus mejores adaptaciones son las que se han tomado más libertades. Esa adaptación que rompe la norma es Una mirada en la oscuridad.

En todo caso, sea como sea, la mezcla de Mateo Gil, El eternauta y Philip K. Dick hará que le dé una oportunidad a la serie. De momento solo pido eso: que sea una obra dickiana alejada del original.

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Tan solo un año después de arrasar en las salas con el remake en live action de Lilo y Stitch, Disney nos hace regresar este verano a las islas del Pacífico con Vaiana, aunque superar al éxito de su predecesora no será nada fácil.

Lilo y Stitch logró aunar todos los ingredientes necesarios para conseguir que su vuelta en un nuevo formato resultara muy atractiva para el público, hasta el punto de que la cinta hiciera historia con sus cifras.

Con un presupuesto de 100 millones de dólares, la película se convirtió en el cuarto estreno más taquillero del año acumulando más de 1.000 millones en taquilla. Desde el estreno de El rey león en 2019 ningún otro de los remakes de Disney había conseguido superar la barrera de los 1.000 millones en recaudación a nivel mundial.

Por aquel entonces todavía eran muchos los clásicos reinventados de la compañía que rebasaban esa cifra, pero en los últimos años el estudio había sido menos prolífico, y estuvo encadenado fracasos como Blancanieves (2025) o La sirenita (2023).

Lilo y Stitch logró cambiar las tornas. En parte debido a una muy buena gestión del timing. Hacía ya más de un par de décadas desde el estreno de la película de animación original de 2002, y la nostalgia por los años 2000 ha ido ganando fuerza entre las generaciones actuales que acuden al cine para revivir su infancia.

Por otro lado, Stitch nunca ha dejado de estar presente y generar mercadotecnia, siendo uno de los iconos más reconocibles del estudio, un personaje entrañable al que mucha gente soñó tener de mascota. Y el live action consiguió justo eso: darle vida, enseñarnos cómo sería en el mundo real.

Porque la trama de Lilo y Stitch es mucho más mundana de lo que aparenta, a pesar de las criaturas extraterrestres implicadas. Al final lo que nos está relatando es la historia de una familia disfuncional a la que se adhiere un peculiar nuevo miembro.

El remake de Vaiana llega demasiado pronto

Y es en este contexto sobre el que está a punto de aterrizar el remake en imagen real de Vaiana, una película que parece que llega precipitada ante la poca distancia que la separa desde su original a adaptar de 2016, con tan sólo una década de diferencia.

Por ello no ha habido espacio suficiente como para que la echemos de menos, como para que añoremos esos años, como para que algo deba ser actualizado a los tiempos que corren. Es un remake que no puede hacer más que calcar la producción primigenia, y poco podrá aportar en ese ámbito.

Vaiana se convertirá en el primer largometraje en la historia Disney que tome como punto de partida una película hecha con animación tridimensional en lugar de bidimensional.

Y la imagen va a ser demasiado similar, puesto que la animación 3D que primaba entonces respondía al realismo estilizado en lugar del renderizado no fotorrealista que se persigue ahora tras el boom de las cintas del Spider-Verse.

Entonces, si tiene tan poco que aportar en su historia y también en lo artístico, cuesta creer que Vaiana vaya a superar a Lilo y Stitch en cuanto a la satisfacción que le pueda generar al público. Sin embargo, conviene tener otros factores en cuenta.

La primera película sigue siendo muy querida por la audiencia, y eso quedó reflejado en las asombrosas cifras que logró acumular su secuela en 2024, que se posicionó como el tercer estreno más taquillero del año con más de 1.000 millones de dólares en recaudación, a pesar de ser un pésimo intento de convertir en largometraje una serie de animación.

Pero al público no le molestó, volcando todo su apoyo en la propuesta, así que también hay indicios para creer que el remake podría correr la misma suerte. Eso sí, ha sido más costoso de producir que el de Lilo y Stitch, concretamente el doble: 200 millones de dólares.

Y es que esta propuesta es mucho más fantasiosa, un relato épico con deidades que se metamorfosean, fuerzas de la naturaleza colosales y una gran presencia del agua.

Además de contar con el talento de Dwayne Johnson como cabeza de reparto para repetir su rol como Maui tras haber dado vida al semidiós en las entregas animadas. Y todo eso encarece el producto final. La cuestión es si habrá merecido la pena la inversión.

Dudo mucho que nos vayamos a enfrentar con una situación similar a la de Blancanieves, pero al mismo tiempo me cuesta ver el atractivo del live action de Vaiana en comparación con el de Lilo y Stitch, aunque la gente todavía siga cantando How Far I'll Go como heredera espiritual del Let It Go de Frozen.

Por eso veo que el principal problema de la película no es su potencial fracaso, sino el mayor éxito reciente de la compañía con Lilo y Stitch, que ya no empujará a Vaiana a compararse con remakes de hace años sino con su rival más actual, que se ganó la taquilla y también a la gente.

Tras alcanzar un pico histórico en 2024 con cerca de 68 estrenos, las principales plataformas globales como Disney Plus, Netflix, Max (ya renombrada HBO Max) o Prime Video han reducido la cantidad de producciones originales y han recortado los presupuestos para series de gama alta. Y ya empieza a notarse con un goteo más espaciado de estrenos de series españolas.

El reducto de la producción nacional es (por ahora) Movistar Plus, Atresplayer y SkyShowtime, si bien esto es algo que podría cambiar a corto plazo.

Durante cerca de una década, Movistar ha estado desarrollando una estrategia enfocada en series españolas de prestigio con más de 40 estrenos: arrancó en 2017 con La zona y ha contado con verdaderos pepinazos como La peste, Arde Madrid, Hierro, La línea invisible, Antidisturbios, La unidad, El inmortal, Apagón, Marbella, Poquita fe, Querer, Los años nuevos... Enfoque multigénero, centrado en visiones de autor y con la calidad por bandera, reclutando lo más florido de la interpretación patria.

Este pequeño oasis creativo podría estar en peligro inminente, como ya empezó a entreverse con el cese de Domingo Corral como responsable de ficción y entretenimiento de Movistar Plus por parte del consejo de administración de Telefónica en 2025. Este movimiento fue muy criticado en el sector y el origen de una carta donde más de 150 profesionales de la industria, entre ellos Javier Bardem, Pedro Almodóvar, Penélope Cruz o Rodrigo Sorogoyen, apoyaban el desempeño de Domingo Corral en el cargo y expresaban su preocupación por el futuro.

Veremos cómo se siguen desarrollando los acontecimientos, pero de momento, esto ha traído consigo un efecto dominó: Fran Araújo, que abandonó su cargo como productor ejecutivo y fue uno de los grandes responsables del auge del departamento de ficción original y Guillermo Farré, hasta ahora responsable del área de cine original y cine español de la compañía han sigo las siguientes piezas en caer, lo que no dibuja un futuro muy halagúeño...

Tengamos en cuenta que muchas de las series exitosas que han sido lanzadas en estos años han sido creadas por cineastas de renombre y cine y televisión han sido vasos comunicantes.

HBO Max también acusó la pérdida de Miguel Salvat como Director de Producción Original y Ficción de HBO España si tenemos en cuenta que dio luz verde a proyectos tan apasionantes y celebrados como Patria, 30 monedas, ¡García! o Pobre diablo. Qué duda cabe que los proyectos son fruto de equipos creativos guiados por personas capaces y si ausencia, se nota.

En fin, si recuperamos la foto global, por una parte estamos viendo una estabilización del mercado del streaming que conlleva una ralentización de estrenos: se priorizan la calidad y la garantía de éxito (encargando nuevas temporadas de títulos que se sabe que funcionan bien) antes que la novedad y la cantidad, que siempre conlleva más esfuerzo y riesgo económico. La cuestión es si el balance es equilibrado y el mercado no entra en bucle, como le ha venido pasando al cine con una sobreexplotación preocupante. Repetir fórmulas agota.

Por otra parte, el mercado de la series que se emiten en abierto sigue siendo muy potente. Puede que el enfoque sea muy distinto, con productos pensados para audiencias menos segmentadas y producciones que van más "a salto de mata" pensando en la longevidad y atrapar a las audiencias, pero está claro que sigue siendo una competencia directa que detrae recursos y atención de los espectadores.

Lo que ahora es una ligera reducción de estrenos, probablemente se convertirá con el paso del tiempo en una visible desaceleración y es una verdadera pena si tenemos en cuenta las capacidades demostradas por los profesionales de la industria, delante y detrás de las cámaras. Con suerte se reabsorberá el talento y seguiremos disfrutando de sus obras, sea en una u otra casa.

Pero cada generación necesita sus referentes en ciertos géneros, y el western no es ninguna excepción. De los citados, Clint Eastwood y Kevin Costner son los dos referentes activos, y uno de ellos ni siquiera termina de aclarar si se ha retirado o no.

Los hijos de Clint Eastwood han debatido si su padre está retirado a los 96 añazos o no; uno de ellos, Kyle Eastwood, piensa que sí, mientras que otro, Scott Eastwood, no lo tiene claro. Mientras, Clint guarda silencio.

Por otro lado, Kevin Costner sufre su propia pesadilla con el género que tanto ama. Su salida de Yellowstone fue una mala estrategia. Comprensible, sin duda, pero su ambición para convertir Horizon: An Américan Saga en una tetralogía de referencia en el western ha terminado en una sucesión de calamidades.

El Capítulo 1 recibió una mala acogida por parte de la crítica, pésima taquilla y, pese a que ha rendido mejor en streaming, Warner tiene bloqueado el estreno del Capítulo 2 y Costner no tiene financiación para filmar las dos películas restantes.

A eso hay que sumarles problemas legales por los préstamos solicitados anteriormente y por una escena de agresión sexual presuntamente filmada sin las medidas adecuadas.

Aunque Kevin Costner ha hecho un documental sobre el Oeste y producido una serie sobre la Guerra Civil Americana, no parece que en los planes inmediatos del actor de 71 años esté protagonizar otro filme o serie del género.

Lo haga o no, el western necesita sangre nueva, o quizá no tanto, que revitalice el género. Esto urge, además, porque es un momento perfecto para esta temática, en especial en Estados Unidos, donde el panorama conservador está en su punto de mayor poder en décadas.

El western tiene cantera

Lo bueno es que hay poderío en Hollywood para que el western no quede desangelado. Hay veteranos como Billy Bob Thornton que pueden protagonizar películas del género cualquier día de la semana sin despeinarse.

Lo mismo se podría aplicar a Matthew McConaughey, como ya constató el actor en 2016 con Los hombres libres de Jones.

El universo Yellowstone también ha dado sus diamantes en bruto, empezando por Cole Hauser, el actor que interpreta a Rip y que ha regresado al papel en Rancho Dutton. La serie original también nos reveló a Luke Grimes, aunque Marshals no le esté haciendo ningún favor en ese sentido.

Luego tenemos también a Brandon Sklenar, un actor que me dejó loco en 1923 con su papel de Spencer Dutton. También está Brendan Wayne, que tiene papeletas para seguir los pasos de su abuelo, aunque lleva años atrapado en Star Wars.

En lo que a directores se refiere, el propio Costner aún puede dar la sorpresa, si sale del bache. También destacaría a Christina Alexandra Voros, veterana del universo Yellowstone y del ecosistema de series de Taylor Sheridan, que ha perfeccionado su fotografía hasta niveles exquisitos en The Madison.

El propio Taylor Sheridan es candidato a... bueno, a todo: puede actuar, escribir y dirigir porque vive por y para el western.

El gran problema es que, más allá de Taylor Sheridan y su radar, hay pocos candidatos a elevar su estatus de referente del western a estatus de leyenda como lo tienen Clint Eastwood o Kevin Costner. ¿Quién más crees que podría tomar el relevo generacional?

Si creciste durante los ochenta, los noventa o incluso la década de 2000, seguro que recordarás más de una serie familiar que se convirtió en una cita ineludible cada semana. He citado tres míticas en el titular de este artículo, pero la lista es mucho más larga.

Es verdad que no todas eran el epítome de la mejor televisión, pero es innegable que series como Farmacia de guardia, Médico de familia o Los Serrano se convirtieron en fenómenos televisivos en España y rivalizaron incluso con series punteras estadounidenses.

Saliéndonos un poco por la tangente, series como Los ladrones van a La oficina, Periodistas, Los hombres de Paco o Compañeros y sus herederas espirituales, Al salir de clase y Física o química, tuvieron efectos similares, pero no es lo mismo.

A estas sitcoms familiares se les parecen más series como Aída o su predecesora, Siete vidas, Canguros o La casa de los líos. Ana y los 7 también andaba por esta senda.

Pero, de pronto, las series familiares dejaron de ser relevantes para los canales de televisión en España. Salvo reposiciones de estos clásicos, no estamos viendo esfuerzos por revitalizar el género en un mundo en el que no nos vendría mal un tipo de humor más amable.

El humor más burdo ha enterrado a las series familiares

Es cierto que seguimos teniendo comedias como La que se avecina y todas las de la factoría de Contubernio (Machos alfa, El pueblo...), pero estas se apoyan más en el humor chabacano, y no lo digo como crítica, sino para señalar el enfoque diferente.

Farmacia de guardia o Médico de familia eran series que servidor, un polluelo nacido en 1986, podía ver perfectamente cuando estuvieron originalmente en emisión sin temor a que alguna escena se pasara tres pueblos.

Eran esas series que no buscaban revolucionar nada, pero que nos tenían a todos deseando que llegase el día de la semana en que lanzaban nuevo capítulo.

Ahora no solo tenemos un exceso repulsivo de realities y programas de seudotertulianos hablando de cosas que pretenden saber, polarizando a la audiencia (y a la sociedad) más que nunca, sino que se nos está privando de un enfoque que vendría fenomenal en un mundo en el que cada vez vamos más a nuestra bola, incluso en el ámbito familiar.

Puede que la última serie de este estilo que realmente mantuvo atrapado al público durante lustros fuese Cuéntame cómo pasó. Sin ser estrictamente de la misma dinámica que Médico de familia o Los Serrano, los 22 años que los Alcántara nos tuvieron pegados a la tele son todo un hito televisivo envidiable.

No voy a negar que los gustos han cambiado y que la propia televisión se enfrenta a una crisis de identidad sin precedente: la calidad de la programación deja muchísimo que desear y no hacen más que ver cómo el streaming les come terreno constantemente.

Supongo que solo echo de menos tiempos más sencillos y la sensación que me daba ver un capítulo de algunas de estas series para, al día siguiente, comentarlo con los compañeros de clase en el recreo. Ains, que viejos somos...

Narrativamente hablando, las historias con viajes en el tiempo son un quebradero de cabeza. Los autores tienen que lidiar con muchas capas de contexto que tienen que estar cuidadas al milímetro para que se mantenga la verosimilitud. Y aun así, suele haber problemas, aunque hasta eso podría considerarse una virtud, pues dan pie a muchas teorías para explicar las paradojas.

Pero es habitual que los pasemos por alto porque las historias de viajes en el tiempo nos atrapan desde siempre. Ya sea Homer usando un tostador modificado para destrozar el continuo espacio-tiempo en Los Simpson o para que Godofredo de Miramonte y su fiel escudero, Delcojón el Bribón, pasen de la Edad Media a la era contemporánea, para su perdición.

Pero ¿qué es lo que nos atrae realmente de las películas y series de viajes en el tiempo? Bueno, seguro que cada quien tiene sus preferencias. Yo voy a compartir las mías, esas que me impulsan a darle al "play" cuando veo una historia con esta temática.

La capacidad de descubrir sin dejar de lado el enfoque cómico

Creo que mucha gente coincide en el primer aspecto que fascina a la hora de abordar una historia de viajes en el tiempo: los contrastes. Es más, Regreso al futuro, siendo una de las historias del género más famosas, ni siquiera es capaz de explotar esta faceta realmente.

Sí, vale, Marty McFly (Michael J. Fox) viaja a los 50, al viejo oeste y al aterrador futuro de 2015 (?), pero como los Estados Unidos no tienen tanta historia, cumplirá 250 años este verano como nación independiente. Con esto quiero decir que no tenían tanto margen de maniobra como sí hemos visto en otros relatos.

Por eso citaba antes a Godofredo de Miramonte (Jean Reno) y Delcojón el Bribón (Christian Clavier). Los visitantes es un ejemplo de gran contraste por un viaje en el tiempo. Ver a dos personajes de la Edad Media en plena década de los 90 es hilarante.

Lo mismo se aplica al revés. Se me ocurre, por poner un ejemplo justo a la inversa, El caballero negro, de Martin Lawrence. Vale, la peli es mala con avaricia, pero yo me lo pasaba pipa viéndola en su día. Ahí vemos a Jamal un tipo contemporáneo nuestro, que se ve arrastrado a la Inglaterra medieval.

A lo que voy: este tipo de contrastes siempre me suscitan la pregunta de qué haría yo si viajase en el tiempo al pasado. No sabría comportarme en muchas situaciones, y el riesgo de que se piensen que soy un hereje o algo peor...

Relacionada con esta cualidad de las películas y series de viajes en el tiempo está la inversa: viajar al futuro. Vuelvo con Regreso al futuro II, estrenada en 1989, pero que imagina el mundo casi tres décadas después. Vale que no tenemos aeropatines ni las pizzas se hacen en un segundo, pero nos invita a imaginar cómo podría ser el futuro.

Cierto es que esta cualidad también la tiene cualquier historia de ciencia ficción ambientada en el futuro, pero sin esa conexión a través de una persona que sea del presente.

Puede que el aspecto que más me gusta de las historias de viajes en el tiempo sea que invitan a descubrir. Puedes ver El Ministerio del Tiempo, pasártelo bien y que todo te importe un bledo, pero también puede picarte el gusanillo por descubrir eventos y personajes históricos y buscar información sobre ellos.

Así descubrirías que ese tipo que hace los retratos robot tan precisos, el tal Velázquez, es uno de los artistas más relevantes de la pintura española, por poner un ejemplo tonto, ya que deberías saber quién es Diego Velázquez sin que te lo diga una serie.

Esta cualidad se explota especialmente en series, precisamente. Además de El Ministerio del Tiempo, Doctor Who también ha dado rienda suelta a convertir a personajes históricos en héroes o villanos inesperados en historias que no asociaríamos con ellos.

Por último, pero no menos importante, me fascina la inventiva con la que muchos relatos del género hacen que sus personajes viajen en el tiempo. Vale que ninguna es tan surrealista como la tostadora de Homer, pero sea por arte de magia, atravesando un angosto túnel como en Dark, cayendo en un foso hediondo, en una cabina de policía, en un DeLorean o cruzando una de las muchas puertas de cierto edificio de Madrid, otro tiempo nos espera.

Y a ti ¿qué es lo que más te gusta de las películas y series de viajes en el tiempo? ¿Qué es eso que te atrapa cuando ves una historia y descubres que tiene esa mecánica narrativa.

Pixar lanzó una secuela de Del Revés y hasta volvió la saga en una serie de animación, Disney está que no para con Frozen, y ya va camino de estrenar su tercer largometraje, tras haber incorporado una nueva zona de este universo a su parque temático de París que hay que seguir vendiendo.

Ni siquiera se libran de ser expandidos éxitos como Las guerreras k-pop (2025), un fenómeno de Netflix precedido por la Ola Coreana que Sony Pictures Animation no quiso dejar morir ahí después de ver la tremenda acogida con la que fue recibido en la plataforma de streaming.

O Robot salvaje (2024), que tenía un planteamiento bastante más íntimo, pero, de nuevo, tuvo la desgracia de resultar demasiado aplaudido y rentable como para que DreamWorks quisiera ignorarlo.

El cine se construye sobre seguro, ninguna productora quiere apostar por lanzar un producto que luego vaya a ser despreciado en taquilla, y por eso es tan habitual que, cada vez más, estemos viendo todo el rato lo mismo en pantalla.

Universos cinematográficos compuestos por títulos entrelazados, secuelas, remakes, reboots. No sólo en animación. En todos los ámbitos. Hay un miedo demasiado fuerte al fracaso, y unas ganas insaciables en Hollywood por hacer que la industria funcione sin riesgo.

Ni siquiera Backrooms, que lo está petando ahora, viene de la nada, porque se ha construido sobre un famoso creepypasta y unos vídeos virales de YouTube, teniendo detrás a grandes nombres en la producción.

Toy Story y Gru mi villano favorito repiten un problemático patrón

Y, como nada es accidental, la mejor manera de hacer que las cosas funcionen es seguir dándonos lo que ya conocemos con otro envoltorio, con los mínimos cambios imprescindibles para que parezcan algo nuevo y no te sientas timada del todo.

Por eso, este mismo verano recibiremos con los brazos abiertos el regreso de dos franquicias que llevan demasiados títulos a sus espaldas, como Toy Story de Pixar y Gru mi villano favorito de Illumination.

La primera todavía no se avergüenza de su cifra, y le ha añadido un 5 al nombre, que resulta coherente con el hilo narrativo cronológico de la saga.

La segunda, en cambio, ha convertido a la franquicia en un rompecabezas con diferentes épocas retratadas en cada una, y ahora nos propone en su séptima película una Minions & Monsters ambientada en los años 20 y sin rastro de Gru.

Ninguna viene a romper moldes, tan solo a seguir apelando al público que las vio nacer en los 90 y los 2010, y al que se ha unido a ellas a lo largo de los últimos 30 años. Lo que se traduce en mucha gente con la que conectar en las próximas semanas.

En Toy Story tenemos a los mismos juguetes clásicos enfrentando desafíos inéditos con la llegada de la tecnología, mientras que en Minions veremos a unos protagonistas que no son iguales a los anteriores pero que mantienen las bases perfectamente intercambiables de estos villanos graciosetes, que ya exploré la semana pasada en un artículo dedicado a la razón de su éxito.

El futuro es una secuela

El público no se queja, y la taquilla responde a las mil maravillas: el año pasado el segundo largometraje que mayor recaudación consiguió a nivel mundial fue, para sorpresa de nadie, una secuela, la de Zootrópolis, seguida en cuarta posición por el remake en imagen real de Lilo y Stitch -que tendrá secuela, por supuesto-.

Y este 2026 el título que está liderando la lista es la secuela de Super Mario Bros: La película, también firmada por Illumination. Es lo que funciona. Lo que las productoras nos ofrecen. Lo único que podemos ver porque no hay mucha más oferta donde elegir.

Hoppers de lejos intentó escalar puestos en taquilla, quedando en el momento de escribir estas líneas en sexto lugar. Por fortuna, Pixar todavía no ha amenazado con una continuación. Pero no te preocupes, porque secuelas no nos van a faltar en los próximos años.

De este estudio ya tenemos confirmadas Los Increíbles 3 y Coco 2, como mínimo. Mientras que en un futro más cercano son otras compañías las que nos van a hacer volver al bucle.

20th Century Studios recuperará en febrero de 2027 la saga de La Edad de Hielo después de una década, con una sexta entrega bautizada Ice Age: En ebullición, y DreamWorks Animation rescatará más de quince años después a su ogro estrella con una Shrek 5 para verano del año que viene, aunque ya corren rumores de que eso será sólo el principio.

Quizá esta burbuja explote algún día. Hasta entonces nos vamos a hartar de ver refritos en el cine de animación hollywoodiense, y a todo aquel que se quiera adherir a ese engranaje, como prueba la española Tadeo Jones y la lámpara maravillosa, ¡ya la cuarta entrega de la saga!, que aterriza en cines este agosto. Porque el futuro es una secuela.

En un ecosistema en el que cierta ligereza se recibió con los brazos abiertos supo desdramatizar y enganchar a la audiencia con una propuesta muy fresca, gozosamente retro y con una buena dosis de descaro insolente. Luminosa y divertida, marcó una nueva senda en el momento más oportuno.

Eran los tiempos en los que el soufflé de los superhéroes estaba en su punto álgido: había propuestas de todos los colores e hibridaciones de géneros que funcionaban francamente bien en taquilla. Hasta el mundo de la interpretación se veía absorbido por la tendencia: muy pocos se resistían a la exposición y los beneficios derivados de aparecer en una película "de mallas y capas", por más que las pantallas verdes fueran un verdadero incordio para la mayoría de ellos.

A día de hoy, heredar un reino audiovisual como el de DC es un regalo envenenado, tanto o más que echarse a la espalda una mochila de piedras. En primer lugar, como decíamos, porque el contexto ha cambiado.

Hemos pasado de la "fatiga" al total "hartazgo" del mundo de los superhéroes. Eso no significa que no haya margen para conquistar a la audiencia en momentos puntuales, pero parece improbable, por no decir imposible, que volvamos a movernos en el mismo contexto de éxitos concatenados que en la época dorada del UCM.

La estrategia de Gunn parece ser otra muy distinta, de hecho: su idea es apelar a fans muy puros y ofrecerles un caramelo bien disfrutón con su puntito iconoclasta. Derribar expectativas, en suma, pero poniendo sobre la mesa aspectos que hasta ahora no se habían visto.

Por ahora, esto lo ha logrado con su Superman y Creature Commandos aunque diviviendo a críticos y fans, muchos de los cuales lo consideramos un arranque bastante débil para la "nueva era". La próxima en llegar será Supergirl, que debutó en Superman y ahora será la protagonista de su propio largometraje. Y el tono parece continuista.

Hasta aquí, estaremos de acuerdo en que, como poco, ha renovado el aire del universo DC, rompiendo por completo con eras anteriores como la de Donner y la de Snyder. El gran escollo es que su visión colorista, desenfadada y a veces abiertamente cafre, no llega al público general del mismo modo. El sentido del humor de James Gunn es muy peculiar y probablemente funciona mejor con personajes secundarios o menos relevantes (he ahí su Escuadrón Suicida), mientras que choca mucho con otros más mainstream de los que los espectadores esperan cierto peso específico y menos gracietas.

Hemos pasado de la oscuridad, rotundidad y ansia de trascendencia de la era Snyder al polo opuesto y la pregunta que flota en el ambiente es durante cuánto tiempo se sostendrá esta apuesta o, dicho con otras palabras, si Gunn tendrá la capacidad de sorprender con propuestas diferentes, más maduras e incluso tétricas. La prueba de fuego será Clayface, con James Watkins como director.

La sensación es que, más que renovar el Universo DC, lo que ha hecho ha sido llevárselo a otro terreno, más humano y mundano; menos sólido y grave. Hay que esperar a que se asiente el polvo de la demolición antes de ver qué se va gestando.

Por ahora, tiene más sentido el recorrido de los productos televisivos que los cinematográficos, pero solo hemos podido ver un esbozo entre escombros y parece un dejà vu de lo que hizo en su era Marvel que aplicado a ciertos personajes funciona solo regular. Tiempo al tiempo.

Tanto es así que el propio George R. R. Martin terminó cargando contra La casa del dragón en 2024. La publicación de su blog fue borrada, pero sus palabras cargadas de amargura y criticando los muchos cambios que se han llevado a cabo en la serie de HBO Max permanecen. Y también resuenan las advertencias de que "hay más por llegar".

Y viendo los tráileres de la temporada 3, va tocando una de esas opiniones de "espero equivocarme" que me gusta traer a HobbyCine. Porque lo que puede estar haciendo La casa del dragón es maquillar más sus fallos del pasado con capas de acción para que pasen más inadvertidos.

Si has leído Fuego y sangre, sabrás que la Danza de Dragones no recibe el apelativo de "mayor conflicto bélico de Poniente" por casualidad. Fue una barbarie marcada por batallas que solo pueden describirse como carnicerías. Hubo traiciones, asesinatos y cada día era una oportunidad perfecta para cometer crímenes de guerra, independientemente del bando.

Y en el centro de todo este pandemonio de caos, dos mujeres: Rhaenyra Targaryen y Alicent Hightower.

Alicent y Rhaenyra son la fuente de los mayores problemas de La casa del dragón

Podrías decirme: "Hombre, Javi, eso es lo que pasa en La casa del dragón". Sí, pero te diría que la serie de HBO Max es la versión "disneyficada" de esta crónica del universo de Juego de tronos.

Lo que nos lleva a un cambio que, de primeras, fue asumido con cierta indiferencia hasta por George R. R. Martin; un cambio que se produce nada más arrancar La casa del dragón y que está desdibujando a sus principales personajes: Rhaenyra y Alicent nunca fueron amigas.

La serie las presenta como amigas íntimas cuya relación se distancia con los años y se empieza a romper cuando Alicent contrae matrimonio con Viserys I, convirtiéndose en madrastra de su antigua amiga.

Ese vínculo entre los dos motores del conflicto se convierte constantemente en una debilidad para ambas. Rhaenyra y Alicent son implacables en el libro, tanto como cualquier personaje masculino con poder en Canción de hielo y fuego.

La casa del dragón, en cambio, suaviza continuamente a ambos personajes, mostrándolas vulnerables y, en ocasiones, confabuladas, aprovechando los rescoldos de una amistad que nunca debió existir. Hasta cuando cometen alguna atrocidad, la serie casi parece excusarlas con un aire de congoja, como si no quisieran nada de eso en realidad.

El problema parece continuar en la temporada 3, a tenor de los tráileres que hemos visto. En uno de ellos, Rhaenyra informa de que "Alicent abrirá las puertas de Desembarco del Rey y se rendirá ante ella".

Quiero pensar que eso no sucederá finalmente, pues nos privaría de una de las partes más importantes de la Danza de Dragones. De hecho, parece que no será así, aunque no se elimina el problema.

Dos mujeres fuertes y crueles quedan diluidas en una marejada de sentimientos y comprensividad que no tienen en las páginas de la novela y que resta fuerza al mensaje esencial que Martin lanzaba en este pasaje de Fuego y sangre: una guerra civil siempre es inútil, y más cuando es en favor de dos males.

Además, la serie no para de tomar partido en favor de uno de los bandos, cuando no debería. Negros y Verdes tienen el mismo grado de crueldad, las mismas ambiciones y el mismo poco miramiento a la hora de arruinar vidas inocentes si eso les beneficia.

Como decía al principio: espero equivocarme y que La casa del dragón empiece a enmendar sus grandes males en HBO Max con esta tercera temporada.

El cuento de la criada tenía un problema muy grande: se alargó demasiado, durante muchas temporadas incluso después de que se hubiera agotado la fórmula. Y es que la serie debería haber sido una miniserie, pero tuvo éxito y eso la llevó a asfixiarse en su propia narrativa y personajes que no hacían más que dar vuelta sobre sí mismos.

El cuento de la criada hizo muchas cosas mal

La primera temporada de El cuento de la criada cubría la novela de Margaret Atwood de 1985 en la que se basaba al completo, coincidiendo incluso en su desenlace.

Pero al final lo que tuvimos en pantalla fue una serie de seis temporadas, que se extendieron a lo largo de casi una década, con su conclusión haciéndose de rogar más que cualquier temporada previa.

Para entonces la serie ya se había ido de madre: June no hacía más que buscarse excusas absurdas y suicidas para regresar a Gilead con tal de alargar un poco más la trama sin aprender de sus errores, Serena mostraba una actitud ambivalente en la que cambiaba de bando sin criterio, y la producción se abandonaba a un ciclo que no hacía progresar los conflictos sino postergarlos.

Y mientras nos aproximábamos a este final tan letárgico, se anunció Los testamentos, una nueva serie que continuaría tras los eventos de la anterior.

Pero esa propuesta se fijaría en la secuela oficial publicada por Margaret Atwood en 2019, mientras El cuento de la criada todavía estaba en emisión. La autora, involucrada en su despropósito de guion, debió inspirarse en ella para alargar el relato en sus propios términos sobre el papel.

Los testamentos consiguió ser una secuela con sentido

Como comprenderás, llegando a ese punto mi ilusión por regresar al universo de El cuento de la criada era más bien baja, porque parecía una excusa más para alargar algo que no se podía alargar. Pero me equivoqué.

Los testamentos me atrapó desde el primer momento, porque ya no era lo mismo. La serie había experimentado no sólo un salto temporal respecto a El cuento de la criada, también de personajes y de localización, incluso de paleta cromática.

Todo ello al servicio de enseñarnos una faceta sobre Gilead que no se había explorado a fondo en la serie original: la transformación de las niñas en esposas y lo que eso implicaba.

Y aunque todavía conecte con personajes previos de El cuento de la criada que le dan sentido a esta continuación, las novedades que aporta son lo suficientemente significativas como para que no me sienta como cuando veía la cuarta temporada de la serie original.

Por el momento, Los testamentos no me ha decepcionado, y es posible que haya aprendido de los errores de la anterior. Esta vez no han cogido la novela completa de Margaret Atwood para comprimirla en una temporada, sino que la serie abarca aproximadamente la primera mitad de la obra.

Así que, al menos, puedo darle un voto de confianza esperando que el estiramiento de las tramas vaya a tener un propósito y una resolución más satisfactorias, siempre que sepan cómo hacer un desarrollo de personajes más coherente al tiempo que aten todos los hilos que unen a la serie con su predecesora.

Este es el camino

Los testamentos nos enseña una importante lección que parece que muchas otras producciones están empezando a aplicar sobre sus grandes franquicias: ofrecer variedad para no saturar la fórmula.

En el ámbito de la fantasía producciones como Juego de Tronos lo han demostrado con El caballero de los Siete Reinos o La casa del dragón -que muy pronto regresará a HBO Max-, mientras que en el superheróico series como The Boys de Amazon Prime Video han apostado por expandir sus mundos con Gen V o Vought Rising.

En todos estos ejemplos vemos cómo se recurre a la misma estrategia que ha seguido la serie de Disney Plus: un cambio de época, de lugar o de personajes, incluso un nuevo tono o duración, con el que seguir ofreciendo algo más de este universo que nadie quiere que muera pero sin que te aburra por ser reiterativo.

Por ahora no se ha confirmado cuántas temporadas de Los testamentos habrá pero, como mínimo, se lanzará una temporada más, que ya ha sido renovada por Disney Plus incluso antes de que se estrenara el final de la continuación de El cuento de la criada. Esperemos que esta vez no se les vaya de las manos.

Ya desde los inicios de su carrera Steven Spielberg empezó pisando fuerte con la ciencia ficción, estrenando Encuentros en la tercera fase en 1977, una producción original y con guion propio que nos hablaba sobre el contacto de extraterrestres con la humanidad, dejando claro el interés del cineasta por esta narrativa.

E.T. el extraterrestre (1982) supuso una aproximación más familiar del cineasta a este terreno, que nos llegó pocos años después, aunque entonces el guion partía de otra persona: Melissa Mathison.

Steven Spielberg regresa a la ciencia ficción cada década

Steven Spielberg tardo una década en hacernos regresar a la ciencia ficción con otra de sus sagas más queridas tras Indiana Jones a través de Parque Jurásico (Jurassic Park) (1993), que adaptaba las novelas del mismo nombre de Michael Crichton para la gran pantalla, y lo empezaba a atar al rol de adaptador en lugar de creador en sus historias.

Luego se tomó otra década de descanso hasta que reavivó el género con más fuerza que nunca a principios de siglo con: A.I. Inteligencia Artificial (2001), Minority Report (2002) y La guerra de los mundos (2005), que de nuevo se basaban en historias preexistentes, pero que consiguieron gran relevancia al dar el salto al cine en un nuevo formato con una identidad propia.

Desde entonces, Steven Spielberg se alejó durante mucho más tiempo de la ciencia ficción, hasta que regresó en 2018 con la adaptación de la novela Ready Player One de Ernest Cline, considerada por mucha gente una suma de guiños cinéfilos y gamers a la que le faltaba ese algo más que había predominado en sus largometrajes previos del género.

Tras aquella película, el director de Parque Jurásico empezó a mirar con mucho interés al pasado, a su propia historia personal, que ha querido reflejar en la gran pantalla con sus estrenos más recientes, perdiendo su identidad visionaria de enseñarnos nuevos mundos para irse hacia terrenos más íntimos.

Steven Spielberg vuelve a su propio pasado

Ya entrado en sus 70, Spielberg sintió nostalgia por la película original de West Side Story (1961), cuya música le encantaba de niño, y por eso se lanzó a hacer un remake del musical que estrenó en 2021.

No contento con reconectar con un clásico que lo tenía enamorado, su siguiente proyecto fue aún más directo a describirnos su vida. Los Fabelman (2022) es la película más personal de Steven Spielberg, una biografía sobre su propia carrera como cineasta y su relación familiar en la que vemos los orígenes que lo llevaron convertirse en la leyenda que es hoy.

Steven Spielberg parecía haber terminado de exprimir su historia para contarnos todo lo que tenía que decir sobre sí mismo, pero este verano la nostalgia vuelve a atacar con fuerza, pues el director de E.T. regresa a la ciencia ficción con una película única.

Tan única que no veíamos desde Encuentros en la tercera fase una cinta suya del género que partiera de una idea original del propio director, quien firma el guion del filme junto con David Koepp, uno de sus colaboradores habituales, también responsable de estrenos como Parque Jurásico o La guerra de los mundos.

¿Es este el Steven Spielberg que esperábamos?

A un mes de su estreno en cines, es pronto para asegurar que El día de la revelación se vaya a convertir en una película revolucionaria dentro de la ciencia ficción, o que nos vaya a ofrecer una visión única sobre los encuentros con extraterrestres en el cine.

Sin embargo, lo que parece claro es que Steven Spielberg todavía no lo había dicho todo al respecto, y por eso vuelve a un género del que nunca se había despedido, pero al que ha regresado de manera muy ocasional en los últimos años. Y eso siempre son buenas noticias.

Este es el Spielberg nostálgico al que mucha gente echábamos de menos, no al nostálgico de su vida sino al nostálgico de su cine, que supo afrontar la ciencia ficción desde ángulos muy diversos, pero logrando hacer que sus filmes fueran memorables por los personajes que habitaban sus mundos.

Creo que había muchas dudas sobre cuál podría ser el nuevo proyecto de Steven Spielberg tras sus trabajos más recientes, y que al final se decantara por firmar y dirigir una nueva película original de ciencia ficción ha supuesto un regreso muy esperado.

El próximo 12 de junio se estrenará en cines El día de la revelación, y partir de entonces podremos ver hacia dónde se encamina el nuevo cine de Steven Spielberg, para descubrir si será capaz de recuperar la magia de antaño, si se habrá renovado, o si ofrecerá una mirada tierna a su primer cine.

Creo que fue durante la segunda temporada cuando me puse con la serie tras leer buenas críticas sobre ella junto a las recomendaciones que me hicieron mis amigos. Desde luego, un solo episodio bastó para tenerme completamente enganchado.

A cada entrega, la trama se iba haciendo cada vez más y más emocionante, por lo que ardía en deseos de que llegara la temporada 5 para ver cómo concluía la historia de Hughie, Carnicero y compañía.

Pero, sobre todo, cómo iban a matar a Patriota, el gran villano de la serie que, sin duda, tiene que morir sí o sí. No puede quedar impune después de todo lo que ha hecho.

Sin embargo, a medida que me adentraba en la última temporada, me llevé una cierta decepción, pues me ha parecido la entrega más floja de toda la serie.

Antes de entrar en materia, debo advertir que a continuación habrá SPOILERS del final de The Boys, así que si aún no has visto el episodio, mejor que no sigas leyendo.

Una temporada muy floja, pero un buen episodio final para The Boys

Puede que esté influido por otras producciones, pero esperaba mucha más épica en la recta final de The Boys. A lo largo de la serie se han mostrado muchos momentos de lo más brutales, por lo que sus últimos episodios no deberían quedarse atrás.

En cambio, salvo el episodio final y algún que otro momento puntual, me he encontrado con una temporada más bien del montón. Eric Kripke ya adelantó que esto no iba a ser Juego de Tronos y que "nada de lo que ocurra en los últimos episodios importará si no se desarrolla bien a los personajes".

Entiendo lo que quiere decir. Yo no quiero ver una pelea tras otra cargada de buenas dosis de acción si no hay un buen trasfondo de por medio que evolucione la trama. Pero también es verdad que habría estado mejor si ciertas batallas hubiesen tenido más duración.

Además, está el hecho de que todo lo sucedido en Gen V no va a ninguna parte. Se le da mucho protagonismo a Marie como alguien con el poder suficiente para poder matar a Patriota. Sin embargo, el personaje queda relegado a un muy segundo plano y apenas sale en la serie. ¿La razón? Según Luz Estelar, aún no controla bien su poder. Pues vaya...

Podría haber participado perfectamente en la pelea final junto a Carnicero, Ryan y Kimiko, aunque luego fuese esta última la clave para detener al villano usando el poder de Soldier Boy. Al menos hubiéramos visto a Marie volver a hacer gala de sus habilidades, sobre todo ahora que el spin-off está cancelado.

A pesar de ello, reconozco que he quedado satisfecho con el episodio final de The Boys. Sí, tiene muchos momentos predecibles, como el justo castigo que recibe Profundo a manos (o más bien aletas) de los seres marinos, la más que evidente muerte de Patriota o que Carnicero muera al final (aunque no esperaba que fuese en un último enfrentamiento con Hughie). Pero está todo muy bien llevado.

Aunque aún me duele la muerte de Frenchie, me ha gustado bastante el cierre que le dan a los personajes. Sin duda lo mejor de todo es el final de Patriota, cómo el ególatra y sociópata superhéroe pasa de creerse todo un dios a ser una persona de lo más cobarde y patética al perder sus poderes, suplicando a Carnicero que no le mate. Desde luego es el mejor cierre que se le puede dar.

Ahora que The Boys ha terminado, necesito volver a ver la serie desde el principio para disfrutar de toda la trama del tirón. Si bien la última temporada me ha resultado la más floja de todas, en su conjunto es una de las mejores series de la televisión actual. ¡Larga vida a The Boys!

Las estrellas de The Mandalorian dan el salto a la gran pantalla y, con ello, se suscita una pregunta muy comprensible: ¿Tengo que ver las tres temporadas de The Mandalorian para entender lo que pasa en la peli?

Como franquicia que es, Star Wars está inevitablemente interconectada entre sus películas, series, videojuegos, cómics, novelas... Siendo The Mandalorian la serie de Disney+ que nos presenta a los personajes y los desarrolla, es lógico pensar que hay que ver esos 24 episodios antes.

Sin embargo, Jon Favreau y Dave Filoni llevan tiempo presentando The Mandalorian and Grogu como un punto para introducirse en Star Wars sin tener que conocer nada más. Han tratado de hacer una película independiente que pueda disfrutar un espectador que no sepa nada, o casi nada, de la historia de la franquicia.

Eso es lo que han intentado, pero ¿lo han conseguido? Sí y no. No te preocupes por spoilers, que no voy a entrar en detalles argumentales.

The Mandalorian and Grogu es asequible para cualquiera, pero queda coja sin sus precedentes

En respuesta a la pregunta del titular de este artículo: sí, puedes entender The Mandalorian and Grogu aunque no hayas visto la serie.

La trama es más simple que el mecanismo de un botijo, quizá por ese interés en hacerla accesible. No necesitas conocer más que los básicos de Star Wars (que el Imperio ha caído, pero aún tiene seguidores intentando restaurarlo, por ejemplo).

Argumentalmente, la historia de The Mandalorian (serie) no influye en nada de lo que veremos en la película y los espectadores que vengan de nuevas solo necesitan hacer un poco de complicidad para dar por sentada la relación entre Din Djarin y Grogu.

PERO. Sí, siempre hay un pero. Tener vista la serie aporta un bonus de conexión con los personajes. Quienes vengan de The Mandalorian tienen 24 episodios en los que hemos visto crecer la relación entre ellos; sabemos cómo se conocieron, qué desafíos afrontaron y cómo se forjó el Clan de Dos.

Aunque puedas entender la trama de The Mandalorian and Grogu sin problema, sin la serie carecerás de un bagaje emocional que cobra mucha relevancia en un tramo de la película. Es una conexión que no se consigue en un primer acto de una película de dos horas.

El resto de conexiones con otras producciones de Star Wars, como Rebels o The Clone Wars, son principalmente guiños de fan service que no influyen realmente en la trama como para que tengas que llegar con todo visto. Se disfruta de otro modo, sí, pero no tiene tanta relevancia como la conexión entre Mando y Grogu.

En cualquier caso, insisto: si no eres fan de Star Wars, pero quieres acompañar al cine a alguien que arde en deseos de ver The Mandalorian and Grogu, no te vas a perder en conexiones de la trama sin necesidad de hacer los deberes.

Hablamos esta semana de propiedades intelectuales superpotentes a nivel de penetración en el mercado nacional e internacional. Dan acceso a un jugoso rendimiento y por tanto, a priori, seguir explotándolos solo puede significar engordar sus números... ¿O hemos llegado al punto de saturación absoluto?

Veamos unos números para aclararlo: La que se avecina, que estrenará este año su temporada 27 superando los 210 episodios, fue una continuación espiritual de Aquí no hay quien viva.

Un reparto coral y en constante movimiento la ha mantenido a flote a pesar de los vaivenes e incluso una mudanza masiva (recordemos que se reflotó después de quedar cerrada). El humor políticamente incorrecto y a veces absurdo, tipo 13 Rue del percebe, la sátira mordaz y personajes estereotipados y bien pertrechados de coletillas y su propio modus operandi ha mantenido la popularidad durante mucho, mucho tiempo.

Por otra parte, no estamos ante un producto exigente sino puramente evasivo. Hay quien se engancha a ella de manera ocasional y no tiene excesivos problemas para seguir la trama porque, a fin de cuentas, aporta sketches situacionales en su mayor parte y las tramas generales son solo un marco con pocas variaciones. ¡Hasta hemos tenido un especial western en cines! La pregunta es: ¿todavía da de sí? ¿No pide a gritos ya un descanso?

Parece que el humor es uno de esos géneros que todo lo puede cuando se da con la fórmula precisa. Y los hermanos Caballero la han encontrado ya en unas cuantas ocasiones, pero tienen en esta serie un buque insignia que ha llenado muchísimas horas de parrillas de programación de canales principales y secundarios. No estaría mal dejar la serie cuando aún sigue despertando pasiones en lugar de estirarla de manera artificial, mermada de sus protagonistas principales y, por qué no decirlo, al borde del sinsentido.

En el caso de La casa de papel, el éxito es tan bestial más allá de nuestras fronteras que es muy difícil resistir la tentación de drenarle el encanto por medio de spin-offs y productos derivados, aunque sean de personajes que nos generen cierta ambivalencia. La esencia es la misma, aunque se retuerza con giros de guión en apariencia imposibles o con dobles saltos de tirabuzón en el desarrollo de unos personajes que nunca fueron precisamente creíbles.

Aún no se ha estrenado Berlín y la dama del armiño y ya nos están amenazando con una continuación imprecisa. El límite lo va a imponer la audiencia: mientras renten, podemos estar seguros de que seguirán dándole forma a nuevas historias con una fórmula similar. Lo malo es que entre tanto, ese talento no se estará invirtiendo en crear algo nuevo y distinto, puede que mejor o peor pero que al menos se diferencie un poco de lo ya conocido. Es una pequeña tragedia...

La primera temporada no fue especialmente bien recibida ni por la crítica ni por el público, aunque eso no impidió que tuviese un efecto muy positivo sobre los juegos, disparando las ventas de Devil May Cry 5 (que ya supera los 10 millones de unidades vendidas).

Así que no es de extrañar que Capcom haya dado luz verde a esta temporada 2 de Devil May Cry (y probablemente a alguna más...). Ahora bien, ¿han corregido los problemas de la primera o sigue siendo un atentado contra los personajes y la historia de los juego?

Vamos a descubrirlo... aunque probablemente ya os imagináis la respuesta por el titular.

Crítica de Devil May Cry: Temporada 2, la serie de Netflix basada en el juego de Capcom

Esta temporada retoma la acción justo donde lo dejó la primera, con Dante congelado y los humanos iniciando un asalto contra el reino demoníaco de Makai.

Sin embargo y, como ya adelantaba el final de la primera temporada, Vergil, el hermano gemelo de Dante que se creía muerto, entra en escena para animar las cosas. De esta manera y, como sucede en los juegos, el conflicto entre los hermanos y su pasado copa un gran protagonismo esta segunda temporada.

Pero no es lo único, pues el número 2 no hace únicamente referencia a que se trate de la segunda temporada de la serie: se han recuperado bastantes elementos de Devil May Cry 2, como el villano, Arius, y la trama para encontrar las Arcana y revivir al demonio Argosax.

Ahora bien, si conocéis los juegos, es probable que esto ya os huela a chamusquina, pues Devil May Cry 2 es infamemente conocido por ser una secuela que no estuvo a la altura de su predecesor; se lo considera el peor juego de la saga con mucha diferencia.

Cualquiera con dos dedos de frente habría preferido adaptar cualquier otra cosa... pero estamos hablando de Adi Shankar, quien ya demostró una prepotencia y una falta de respeto total por la historia de los juegos, así que en esta segunda temporada ha vuelto a hacer, simple y llanamente, lo que le ha dado la gana.

De nuevo, tenemos a personajes clave como Dante, Lady o Vergil que están desdibujados y no son ni una sombra de lo que vemos en los juegos. Eso en el mejor de los casos, porque en el peor nos encontramos con que no han entendido en absoluto su personalidad y forma de actuar.

También vuelven personajes originales como el comandante de DARKCOM, Blaines (que tristemente ya no interpreta Kevin Conroy), así como otros nuevos, como la pequeña Matilda, pero su presencia aporta poco o nada, con escenas que llegan a dar vergüenza ajena y parecen más bien un capricho de los guionistas.

En general, todo lo que tiene que ver con la trama y los personajes está más bien al nivel de un fanfic que de una serie hecha por guionistas profesionales.

El fanservice está fatalmente implementado, y sólo sirve para generar la impresión de que su responsable ha descubierto Devil May Cry a través de los memes en lugar de jugando a los videojuegos. Una buena prueba de ello es la implementación de las melodías licenciadas, de las que abusa de forma indiscriminada, como si pensase que por colar una canción de Evanescence va a conseguir arreglar todo lo demás.

El caso más sangrante son las innecesarias dosis de romance, que demuestran (una vez más) que Shankar no entiende ni un poco los personajes que tiene entre manos.

Además, sigue siendo incomprensible que una serie basada en un juego de origen japonés y ambientación gótica se esfuerce por americanizarlo todo; con eso, además de perder su identidad, lo único que consiguen es que Dante parezca un superhéroe de Marvel (chistes incluidos) en lugar de un cazademonios.

Al menos, en esta temporada se quitan de encima la trama política... tras varios episodios. Vaya por delante que no me molesta que se traten esta clase de temas, pues, de hacerlo bien, pueden enriquecer la obra. Pero tanto en la primera temporada como aquí, asistimos a una crítica muy burda, que se siente más como una declaración de rebeldía pueril que como una auténtica crítica hacia los Estados Unidos.

Lo mismo se puede decir de los villanos, pues de nuevo se les intenta dar un trasfondo para que sintamos pena por ellos (y por supuesto fracasan estrepitosamente en el intento).

Lo único que salva de la quema a esta segunda temporada de Devil May Cry es la animación, que por lo general es decente y nos deja con algunas peleas bastante espectaculares, aunque vuelve a abusar del 3D cuando aparecen en pantalla demonios.

Eso y que una vez aceptas que esto no tiene nada que ver con los juegos y apagas el cerebro por completo, se convierte en el clásico entretenimiento que te salva una tarde de aburrimiento pero del que no recordarás nada en dos meses.

Y oye, si sirve para que más gente conozca los juegos y Capcom se anime a hacer Devil May Cry 6... me doy con un canto en los dientes.

Es innegable que se abrió un melón que la industria no ha dudado en explotar. Series, películas, documentales... todo estaba a tu alcance donde, como y cuando quisieras. El precio era asequible y te daba una serie de garantías que convertían a estas plataformas en caballos ganadores.

Pero los tiempos han cambiado. No es que el streaming no siga en boga, pero nos acercamos a un punto de inflexión que, de hecho, ya se está notando.

Cada vez hay menos contenidos en streaming que hagan ilusión a los espectadores. Alguno queda, sí, pero la cifra disminuye y ese sentimiento se está viendo relevado por un hastío inconmensurable. Como ya ha sucedido con las redes sociales, la interferencia corporativa cada vez es más palpable.

Una serie de decisiones han ido minando severamente la popularidad de las plataformas de streaming y saturando a los espectadores, haciendo que cada vez sea más raro que se ilusionen por nada. Vamos a enumerar cinco motivos que consideramos grandes responsables del deterioro de la popularidad de las redes sociales.

Series canceladas

Es todo un clásico, pero también una de las costumbres más potencialmente mosqueantes de los servicios de streaming. Hay pocas cosas que le calienten a uno más los cascos que estar viendo una serie, que te esté gustando, y enterarte de que no habrá más temporadas porque "no es rentable".

La tele tradicional ya tenía este problema, pero en el streaming se ha intensificado. De hecho, plataformas como Netflix son infames por sacar a pasear la tijera y llevarse series queridas como Ultrasecretos. Luego tienes series como Stranger Things Relatos del 85, que no tiene ni grandes cifras de audiencia ni ha sido bien recibida, pero es renovada.

Con estas prácticas, muchos deciden no ver series en streaming hasta que estén terminadas o, en su defecto, no se afronta una temporada con el mismo entusiasmo. ¿Quién sabe si la serie terminará de forma natural?

Mencionamos a Netflix, pero no te engañes, esto les pasa a todas las plataformas de streaming.

Sobreexplotación de IPs

Si eres fan de alguna franquicia, o de varias, la era del streaming se perfilaba como una época dorada donde llovería contenido. Claro que no pensamos en los "contras" cuando fantaseábamos.

Star Wars, el Universo DC, el Universo Cinematográfico de Marvel... todas las grandes franquicias han cometido los mismos errores, agravado por el hecho de que varias de ellas han seguido estrenando películas en cines mientras las complementaban con series en streaming, tanto animadas como en acción real.

El resultado es que hemos visto cómo el interés por las películas que antes se acercaban fácilmente a los 1.000 millones de recaudación ha ido cayendo en picado. Y las propias series también hunden sus cifras de audiencia en streaming.

Si estrenas varias series de un universo al año, el interés va a ir menguando. Y si, además, alguna de ellas es mala, ten por seguro que va a afectar al resto de contenidos.

Calidad

No se puede decir que la era del streaming no nos haya dejado grandes series. De The Pitt a Andor, pasando por Slow Horses o Adolescencia, esta era ha dejado muchas producciones de prestigio. Y mucho relleno que no entendemos cómo recibió luz verde.

Mira que una de las cosas buenas que tiene el streaming es que ha abierto la puerta a muchos creadores de series que, en condiciones normales, no habrían tenido oportunidades en la televisión convencional. Pero es que hay algunas series, y no necesariamente de creadores noveles, que son un auténtico drama.

Enumeraríamos unas cuantas, pero el enfoque de este reportaje no es dejar un ataque gratuito a esas producciones. Solo digamos que, si a la cancelación de series le sumas el ver que se realizan otras que son nefastas, la ilusión por el streaming se disipa.

Exceso de oferta

Si no tienes el dinero por castigo, es casi imposible que mantengas suscripciones a todas las plataformas de streaming, eso sin contar otros servicios de suscripción.

Netflix, HBO Max, Amazon Prime Video, Disney+, SkyShowtime, Apple TV, Filmin, Movistar Plus+, Crunchyroll, AnimeBox... Cada vez son más, pero los sueldos no crecen.

El exceso de opciones se ha convertido en un problema que hace cada vez más complicado fidelizar a los usuarios en una plataforma de streaming. Se están librando por ahora porque el ser humano es perezoso por naturaleza y siempre hay una o dos que mantenemos "por si acaso", pero eso no va a durar para siempre.

Muchas plataformas tienen suscriptores nómadas: aquellos usuarios que pasan uno o dos meses para ver lo que les interesa y después se cambian a otra para continuar el proceso. No es el modo ideal si se quiere estar al día, pero no te dejas el sueldo del mes en suscripciones.

Precios que suben constantemente

Ligado a ese último punto están, claro, las subidas de precio. Servicios como Disney+ o Netflix aprovechan cuando tienen un éxito entre manos para pegar la subida. Ahora se paga casi el doble por la suscripción a la plataforma de la Casa del Ratón que cuando entró en funcionamiento en España en 2020, por ejemplo.

Pero son aumentos en las tarifas "para seguir brindándonos contenidos de calidad", argumentan. Claro que, como hemos repasado en este artículo, es un tema bastante discutible.

Más plataformas y cada vez más caras. Al final, ilusionarse por pagar más es algo que no va a pasar. Pero llevamos años así y no cambia la historia. Es un misterio cuándo alcanzaremos el punto de inflexión y esta apatía hacia el streaming empezará a reflejarse en caída de cifras que contribuyan a un cambio en el que los usuarios no salgan perdiendo.

O cuando dejé de ver la televisión tradicional, que interrumpía cualquier programa con publicidad cada cierto tiempo siendo tan molesta que dejaba de tener sentido.

Porque entonces había nacido una alternativa mejor a todo eso, una nueva forma de ver cine y televisión sin depender del cine ni de la televisión, un espacio en el que tú controlabas qué, cuándo, cómo y desde dónde ver el contenido que te interesaba.

Las plataformas de streaming habían llegado para quedarse, y para cambiar nuestra forma de interactuar con el mundo audiovisual. El streaming acababa de nacer y ponía fin a todas las incomodidades de los medios previos, era algo único y con ventajas exclusivas.

O, al menos, eso parecía durante un tiempo. Porque en los últimos años ha dejado de ser esa utopía que parecía al principio, acercándose cada vez más a la peor versión de lo que ya conocemos.

El streaming ha evolucionado a peor

Antes daba la sensación de que pagabas por desbloquear una mejora en la calidad de vida respecto a tu forma de relacionarte con el cine y las series, e incluso los programas. No sólo estabas dando dinero a un servicio que contaba con un amplio catálogo en crecimiento, que podía permitirse seguir ampliándose para nutrir de opciones y de sentido a una suscripción a él.

También estabas pagando por eliminar los molestos anuncios que te imponía cualquier otra forma de ver una producción si no la habías comprado en formato físico. El streaming casi venía a significar libertad a un precio económico. Pero ahora ya no.

Desde hace unos años las cadenas de streaming más importantes han empezado a inflar sus precios, incorporando a sus suscripciones nuevos modelos en apariencia más económicos que son en realidad una trampa.

El mayor contra que hay en ellos es que vienen con publicidad incorporada, así que se acabó lo de poder ver cualquier cosa sin interrupciones.

El segundo es que su precio no es más barato de lo que ya había, tan sólo se ha forzado la situación para convertir a esos planes con anuncios en los más suculentos para la audiencia, poniéndolos a un precio inferior que el resto de opciones que nunca habían sido tan caras.

Y esta diferencia de precios no hace sino incrementarse con el tiempo. En los últimos meses ya hemos presenciado cómo plataformas como Netflix o Prime Video han aumentado una vez más sus suscripciones, sin apenas ventajas para quienes pagan por ellas pero haciendo que las plataformas se lucren a costa de nuestro preciado tiempo.

Ya eran perversas antes con su filosofía de retención, al ofrecerte contenido constante para que no te alejaras del servicio y te convirtieras en una esclava del streaming, pero ahora además te conviertes en esclava de la publicidad que te fuerzan a consumir mientras les sigues dando minutos conectada a ellas.

La gente no está conforme, la subida de precios es una amenaza constante, y la publicidad se vuelve cada vez más invasiva, pero tampoco tenemos una alternativa mejor si queremos seguir velando por nuestra economía, pues la diferencia de precio entre un plan sin anuncios y uno con ellos ronda los diez euros mensuales. Un sacrificio muy grande para una opción que, en origen, ofrecía todos los beneficios por defecto.

Mientras tanto, la televisión y el cine se han puesto las pilas, habiendo notado la gran competencia en el mercado que suponía el streaming para intentar ofrecer una alternativa viable.

La televisión a la carta te permite organizar mejor lo que ver aunque no sea en directo, mientras que algunas cadenas de cines han incorporado suscripciones al estilo de las plataformas de streaming para poder ir a ver películas en la gran pantalla de manera ilimitada.

En el momento de escribir estas líneas, una suscripción a Unlimited de Cinesa cuesta lo mismo que el plan Estándar sin anuncios de Netflix en Estados Unidos, cuyos precios acabarán equiparándose en España tarde o temprano.

La línea que divide todas las opciones que tenemos disponibles en la actualidad es cada vez más fina, y las ventajas que ofrecen unas y otras por su precio ya no son tan evidentes como antes. La balanza se ha equilibrado. Y las dudas se hacen inevitables.

¿Es el momento de volver al cine aunque tenga anuncios porque el streaming se ha encarecido tanto que cuesta lo mismo?, ¿hay que anular todas las suscripciones como protesta ante las subidas de precio y el incremento de publicidad? No hay respuestas fáciles, lo único que está claro es que el streaming ha dejado de ser la mejor alternativa por defecto.

A falta de que pueda, o no, haber anuncios cuando amanezca en Estados Unidos, para los fans es un día especial ante la perspectiva de que, en poco más de dos semanas, volveremos a los cines para ver algo nuevo de Star Wars en pantalla grande.

Pero en Lucasfilm no están tan entusiasmados, al parecer. Según informa The Hollywood Reporter, The Mandalorian and Grogu apunta a tener peor estreno en salas que el que tuvo Han Solo: Una historia de Star Wars en 2018. La película apunta a los 80 millones en EE. UU. en su primer fin de semana, frente a los 84 del spin-off que obtuvo el sinvergüenza más querido de la galaxia.

Esto anularía la perspectiva de que la película de Jon Favreau sea el regreso a lo grande de Star Wars a los cines. La parte buena es que The Mandalorian and Grogu ha costado bastante menos que Han Solo: Una historia de Star Wars, tan solo 160 millones de dólares, más de 200 millones menos que la cinta de 2018.

¿Será un fracaso? De taquilla no lo creo; de crítica y público, no lo puedo decir. Algunos fans han podido ver 27 minutos de metraje, pero quienes hemos visto The Mandalorian and Grogu entera tenemos embargada nuestra opinión por unos cuantos días más.

¿Qué esperamos de Star Wars realmente?

Así que me ceñiré a esas perspectivas que, de cumplirse, arrojan más dudas hacia el futuro de Star Wars en pantalla grande. Recordemos que la saga regresa también en 2027 con Star Wars Starfighter. Si The Mandalorian and Grogu, con dos de los personajes más queridos de la era Disney, no consigue ser un taquillazo, las esperanzas para una película sin personajes conocidos se reducen.

Y no es comparable a Rogue One: Una historia de Star Wars, si piensas en ello, porque ni siquiera abordará una historia conocida como lo fue el robo de los planos de la Estrella de la Muerte. El principal activo es Ryan Gosling, que está tocado por la varita estos últimos años.

En cine, más allá nos adentramos en la neblinosa región de los proyectos que no sabemos a ciencia cierta si van a salir o no. Star Wars lleva años anunciando películas que terminan canceladas por diferentes problemas. Como Lucasfilm tiene nueva dirección, puede que algún proyecto se caiga.

Y en series, más allá de la renovada temporada 2 de Star Wars: Maul - Señor de las sombras y la segunda de Ahsoka, no hay nada especialmente relevante.

Lucasfilm ha pasado 10 años sobreexplotando Star Wars, primero en cines y luego en Disney+. Ha habido luces y sombras, pero tanto contenido termina siendo contraproducente para la expectación que genera la franquicia, incluso proyectos más grandes como The Mandalorian and Grogu.

Y no es que Disney no haya tenido ejemplos de los que aprender, pues el Universo Cinematográfico de Marvel ha cometido los mismos pecados con el auge del streaming.

Claro que apenas son las 11 de la mañana en España cuando escribo esto. Igual esta tarde tenemos un anuncio que nos deja patitiesos y mañana me toca recular. Ahora mismo, mis expectativas para Star Wars en, digamos, un año y medio, son cautelosas como fan, y mucho más conservadoras como crítico. Aunque si tengo que desdecirme, mejor.

Sea como fuere, que pases un buen Día de Star Wars y, como siempre, que la Fuerza te acompañe.

Desde entonces la compañía no ha sido capaz de replicar un evento que haya alcanzado la misma repercusión, ni parece probable que lo logre en su intento por revivir la saga a través de las nuevas entregas de Avengers con Doomsday y Secret Wars, previstas para llegar a la cartelera este año y el siguiente.

Los Vengadores nacen para dar sentido al UCM

Marvel se metió en un terreno fangoso cuando decidió alumbrar el Universo Cinematográfico de Marvel, empujando a que todas las películas que produjera el estudio se vieran en la necesidad de estar interconectadas entre sí.

La primera entrega de Los Vengadores, lanzada en 2012, fue el culmen de la Fase Uno de Marvel, y también se convirtió en una parte troncal de la identidad del estudio, señalando que todo lo que estaba bajo su ala tenía un propósito más grande, que sus héroes y heroínas luchaban por algo importante de verdad.

Cada entrega de Vengadores era una bonita reunión de personajes al tiempo que un recordatorio de que había eventos cósmicos desencadenándose más importantes que la vida de un puñado de civiles a proteger, con la introducción de las Gemas del Infinito que le conferían un inmenso poder a Thanos, el gran villano de la saga.

Seguimos durante casi una década su larga batalla y posterior victoria retratada en una película tan popular que todavía ninguna otra ha podido bajar a Vengadores: Endgame del podio como la segunda cinta más taquillera de todos los tiempos a nivel mundial, tal solo por detrás de Avatar (2009).

Con ello se remataba por todo lo alto a su vez la Fase Tres de Marvel, justo en el momento en que Marvel empezó a hacer cosas interesantes gracias al lanzamiento de Disney Plus, donde pudo empezar a proponer ideas originales y más arriesgadas en un formato televisivo.

Marvel se distancia de sí misma

Las series de Marvel fueron un soplo de aire fresco a partir de la Fase Cuatro y marcaron un punto de inflexión, con ejemplos como Bruja Escarlata y Visión, Loki o ¿Qué pasaría si…?, que se atrevían a apostar por otros otros géneros y narrativas, que iban más allá de las historias superheróicas convencionales que continuaban predominando en la gran pantalla.

Y, aunque en los últimos meses hemos presenciado el estreno series únicas como Wonder Man, parece que ese empeño por diversificar a la hora de llevar personajes a la tele y a las salas sea un constante tanteo de prueba y error para Marvel.

No duda en presentarnos nuevos rostros, tan solo para comprobar si conectan bien con el público y explotarlos únicamente hasta que sean rentables antes de deshacerse de ellos, como en los casos de Capitana Marvel (2019) o Eternals (2021).

Mientras Marvel se sumerge en la búsqueda de un nuevo plantel de personajes para salvar el universo una vez más, la excusa del multiverso -del UCM-, le permite no pensar, ampliar horizontes, crear por crear, con una línea editorial cada vez menos clara al tiempo que se cierra a las nuevas audiencias.

Por mucho que todas las producciones del UCM se puedan disfrutar de manera individual, el público ajeno debe atravesar una puerta muy pesada para introducirse en él por esa interconexión abrumante que hay entre todo.

Esa es la explicación detrás de las Fases, un método sencillo para dividir el multiverso, para no saturar demasiado. Y aun así es un equilibrio difícil de sostener.

Es el momento de que Vengadores regrese, ¿pero a qué precio?

Hace ya dos Fases que no tenemos una nueva Vengadores, que Marvel parece demandar y querer dar a su fandom una buena dosis de cameos marca Marvel, una divertida ronda de chistes derivada de los improbables encuentros entre personajes que casi parecen pertenecer a universos distantes.

Doomsday y Secret Wars regresarán en una sobrecargada historia que reunirá a más personajes de los que puede sostener un buen guion, con casi todos los nombres que conocemos más las nuevas incorporaciones de los años recientes.

Sin un Thanos al que recurrir, pero con un Doctor Doom que hace resurgir al Robert Downey Jr. que ya no estará de vuelta como Iron Man. En un intento por ser igual de icónico que todavía no sabemos si logrará o tan sólo calará entre el público por el cariño que le tenía como Anthony Stark.

Vengadores necesitaba regresar para reforzar todo eso que le faltaba a Marvel, porque hacía tiempo que se extrañaba una columna vertebral que le diera sentido al batiburrillo del multiverso con el paso de las Fases. Y Doomsday parece ser una prueba más en la que Marvel mirará si el público aún sigue esperando la próxima Endgame.

A pesar de que la serie de Ronald D. Moore, Matt Wolpert y Ben Nedivi es maravillosa en cuanto a ambientación e inventiva de esta realidad alternativa en la que la carrera espacial continuó mucho más allá del alunizaje, hay otros aspectos que no ha gestionado nada bien.

Antes de seguir, te aviso de que voy a incluir spoilers de lo que llevamos de la temporada 5 de Para toda la humanidad (4 episodios en el momento de escribir este artículo). Tenlo presente para no llevarte ninguna sorpresa desagradable si no estás al día.

Desde hace ya un par de temporadas, Para toda la humanidad adolece de un problema que deriva de la propia estructura de la serie. Es algo de lo que ya he hablado en HobbyCine: la edad de algunos personajes que están desde el comienzo de la serie entra en conflicto con lo que pueden o no hacer en la historia.

El caso más llamativo era el de Ed Baldwin (Joel Kinnaman), que ya tenía sus añitos cuando empezaba la serie, y lo han tenido dando guerra hasta la quinta temporada, casi 50 años después. Hablamos de un tipo que fue piloto de combate en la guerra de Corea, así que no tenía 18 años en el conflicto (1950-1953; la serie arranca en 1969).

El bueno de Ed ya se ha tomado su último chupito en Para toda la humanidad, aunque hasta sus últimos momentos han presentado al personaje, con noventa y todos y enfermo terminal, haciendo cosas que ya serían cuestionables incluso con gente más joven, como pilotar un vehículo que podría estrellarse con un ligero temblor de manos.

Pero este es el problema del que ya se ha deshecho Para toda la humanidad, sin nada en contra de Kinnaman, ojo, que ha hecho un gran papel. Sin embargo, la serie sigue teniendo otro brete interesante que no tiene pinta de que vayan a solucionar: la caracterización de la edad de sus personajes.

Para toda la humanidad o se pasa o no llega con la caracterización de la madurez

Voy a empezar disculpándome con el departamento de Erin Koplow, porque no tienen un trabajo fácil. Pero hoy estoy aquí para hacer de gruñón, y este tema me saca con frecuencia de la serie.

Para toda la humanidad salta de una década a la siguiente entre temporadas, pero algunos personajes han sido principales desde la segunda o incluso la primera temporada, sin cambiar de intérpretes.

Ese era el caso de Ed Baldwin, a quien han envejecido realmente en esta temporada, pero en la 4 no parecía tener sus 80 y tantas castañas.

Un personaje que iban envejeciendo razonablemente bien es Margo Madison (Wrenn Schmidt). Diría que se les ha ido de las manos un poco en esta temporada, pero la pobre mujer ha vivido un infierno y eso pasa factura, así que tiene un pase.

Luego tenemos a Danielle Poole (Krys Marshall), que ya ha pasado a la reserva, aunque ha tenido una aparición sorpresa en la temporada 5 para recordarnos que ella no envejece, solo cambia de peinado. Si me apuras, aparentaba más edad en la temporada 4. La Tierra le sienta bien a esta mujer.

Y mis dos casos favoritos, con los que terminaré, son Kelly Baldwin y Aleida Rosales, las dos incorporaciones de la temporada 2 que aún están con nosotros.

Es un marrón importante ponerle 25 o 30 años encima a dos actrices de veintitantos. Cynthy Wu (Kelly) tiene 27 años y está haciendo de madre de un chaval de 18; Coral Peña (Aleida) tiene 25 recién cumplidos, pero interpreta a una mujer que ya ronda los 60. Con ambas se han volcado a la hora de caracterizarlas, pero hay algunos planos en los que el maquillaje resulta bastante creepy.

Hay una buena razón por la que The Crown no mantuvo el elenco durante sus seis temporadas, y es que la caracterización de una persona joven para hacerla mucho mayor puede funcionar en contadas ocasiones o en escenas puntuales, pero no de forma continuada. Quizá Para toda la humanidad debería haber optado por lo mismo.

Pero no ha sido así y ya no tiene sentido hacerlo para la temporada 6 de Para toda la humanidad, cuando terminará la serie. Sin embargo, si Ciudad de las Estrellas, el spin-off, funciona bien, sería buena idea no hundir en la miseria al departamento de maquillaje con este tipo de retos.

En aquel momento ya se había publicado un episodio más del drama, y en él la cosa se complicaba. La fresa se llegaba a probar su vestido de novia, ¡pero entonces la manzana le proponía matrimonio!, poniendo a la fresa en una encrucijada para elegir a su pareja definitiva. Y ya con eso tuve suficiente.

No es sólo que la trama tuviera un pésimo argumento lleno de clichés, que se empeñaba en ofrecer giros argumentales y un gran dramatismo cada pocos segundos para impulsar la narración en un vídeo de apenas un minuto, ni que las frutas tuvieran unos diseños de lo más normativos, es que encima estaba hecho con IA.

Pero no se habían generado imágenes pulidas que pudieran confundirte si no las mirabas con un ojo más crítico, era una IA basta, en la que las frutas que no estaban hablando también movían la boca, donde se veían apariciones, transformaciones y solapamientos de objetos sin coherencia, con cortes antes de tiempo en el montaje, música espontánea…

En definitiva, un producto hecho con inteligencia artificial de lo más engorroso y carente de interés. Que, sin embargo, ha logrado atraer muchas miradas y se ha convertido en una nueva tendencia en redes, con un boom similar al que experimentamos a través del brainrot italiano hace no tanto.

Las frutihistorias y micronovelas marcan tendencia

A principios del año pasado la gente se volvió loca creando personajes con IA que mezclaban características de diferentes animales u objetos dando lugar a locuras como Tralalero Tralalá, Ballerina Cappuccina o Bombardiro Crocodilo.

Quienes a su vez acababan protagonizando sus propios memes, sus propios vídeos cortos e incluso canciones, para luego dar el salto a una industria más amplia, llegando a videojuegos, álbumes de cromos, camisetas… Y convertirse en parte de nuestra cultura, al menos para una parte de la población.

Y es que generar contenido con IA es muy fácil. No necesitas tener ningún talento porque la inteligencia artificial se puede encargar de todo: desde el guion y diseño de personajes hasta la realización del producto final ya editado y listo para publicar.

Es un contenido súper cómodo de producir, permitiendo una constancia ideal para compartirlo en redes, algo que siempre se convierte en un beneficio para potenciar su difusión, consiguiendo que se viralice con más sencillez.

Ahora las llamamos frutihistorias, pero es cuestión de tiempo que cualquier otra tendencia se imponga en los próximos meses para hacer que, en lugar de engancharnos a una telenovela de frutas, sea a cualquier otra cosa.

Por suerte, el contenido generado por IA no es el único que triunfa en redes, aunque los conceptos del formato vertical y la escasa duración son un factor común que también vemos reflejado en las micronovelas que empezaron a hacerse populares en China sin mucha más profundidad.

En ellas se repiten temáticas potentes como las infidelidades o la venganza de las frutihistorias, y también las realizan personas individuales o productoras con muy pocos recursos, indicando que hay un nuevo modo de hacer ficción que cada vez está resultado más difícil de ignorar.

TikTok es sólo el principio

Ante la amenaza de TikTok, plataformas de streaming como Netflix o Disney Plus ya han compartido sus planes de empezar a integrar una sección dedicada a este tipo de vídeos en sus aplicaciones móviles.

Desde Disney ya auguran un futuro cercano en el que tendremos la sección Verts en su app, con clips de vídeo extraídos de sus mejores producciones, e incluso contenido original con sus personajes icónicos que estaría generado con inteligencia artificial.

Pero su iniciativa no acabaría ahí, porque no sólo sería la plataforma la que desarrollaría estos contenidos, también lo podría hacer el público para seguir creando una comunidad a su alrededor.

Una filosofía que va en sintonía con el interés de TikTok por generar cada vez más vídeos al estilo de las micronovelas bajo un sello propio que se sume a las miles de creaciones que ya hacen las personas que utilizan la aplicación.

Se abre así un mundo de posibilidades… hacia un escapismo cada vez más vacío que empuja a Netflix a repetir cinco veces la misma frase en los diálogos de sus películas porque mientras tanto estamos viendo en TikTok cómo una fresa le pone los cuernos con una manzana a una banana.

No tenemos que irnos muy atrás para hablar de broncas y frases desafortunadas al respecto de temas culturales.

Por ejemplo, con las ayudas al cine español es un continuo. Siempre se sacan a colación datos descontextualizados, comparaciones absurdas y se acaba con silencios cuando llegan los reconocimientos. A algunos les parece que un solo ejemplo, en el sentido que sea, es aplicable a toda una industria.

En un ámbito más tranquilo en cuanto a la actualidad como puede ser el pictórico hemos escuchado recientemente frases muy encendidas. La cuestión de si es oportuno trasladar temporalmente el Guernica de Pablo Picasso desde el Museo Reina Sofía al pueblo que le da nombre ha despertado una confrontación en la que se escucharon frases desafortunadas por parte de políticos.

Por último, anteayer se comentaron unos datos falsos en El hormiguero sobre el IVA de los libros. Estos despertaron gran repercusión y han provocado que los dos protagonistas, Sonsoles Ónega y Pablo Motos, acaben por disculparse.

Podemos decir que en las polémicas más recientes se han utilizado datos que no son del todo ciertos, pero también que muchas veces la verdad da igual. No hay un debate sobre la cultura, se está discutiendo de política y se utiliza la cultura como excusa.

Después, estas controversias se van apagando y lo que queda es el ruido, los ataques de un frente político al otro y la cultura desprestigiada porque no se valora lo suficiente.

Es una pena, pero ya estamos acostumbrados. Quizá lo que deberían hacer muchas personas es respetar más la cultura y no usarla como arma.

The Boys comenzó su andadura en Prime Video en 2019. Por aquel entonces su enfoque resultó refrescante y rompedor. En 2026, a punto de llegar a su culminación, ha alcanzado ya cotas muy elevadas porque ha sabido crecer con el entorno que critica ferozmente de modo que se ha convertido por derecho propio en una serie demoledora. Y no es que la realidad se lo esté poniendo fácil para superarla.

En su centro siempre ha habido un mensaje primordial: que el poder absoluto corrompe. Estábamos acostumbrados a contemplar los valores de los superhéroes desde un prisma positivo como seres altruistas, preocupados por la percepción pública y obsesionados incluso con su responsabilidad para hacer el bien, como criaturas excepcionales, capaces de mover a las masas y ser un ejemplo de virtud en el que mirarse.

Aquí se muestran más como un reflejo fiel de lo que representa la cara menos amable de humanidad: son peligrosos, inestables, egoístas, ídolos vacíos en busca de adoración. Y en este punto se parecen mucho más a figuras devastadoras como políticos corruptos o empresarios sin escrúpulos que abusan de sus posiciones generalmente con el único propósito de maximizar sus beneficios económicos y mantener o incrementar su capacidad de influencia.

No falla un individuo, no es un hecho aislado: es todo un sistema ultracapitalista fuera de control que se ampara en el fanatismo, el supremacismo y las teorías de la conspiración a la vez que adopta causas sociales con fines comerciales sin apostar en verdad por ellas como tapadera y medida de contención de los sectores críticos. Lo que manda es el valor de mercado, los índices de audiencia, las métricas, los contratos contantes y sonantes

Otro de los puntos fuertes de The Boys ha sido su capacidad para poner en la picota la "cultura" de la violencia como vehículo de entretenimiento pero también como herramienta de desensibilización de la audiencia. Las redes sociales tienen su particular carga de culpa como fábrica de noticias falsas, celebridades creadas ex profeso para obtener impacto y visibilidad y cuna de la manipulación más burda que consigue polarizar a sus usuarios.

Los guionistas de la serie no han tenido que inventar nada: es la realidad misma. Puede que echen mano de la exageración o el sarcasmo para ridiculizar a determinadas personas o situaciones concretas. pero el flujo natural de la vida les escribe el show a diario. Ojalá sirviera para generar la necesaria reflexión que lleve al cambio y no nos quedásemos solo con la risa sardónica que genera la burla.

Con estos mimbres está todo dicho: no hay otra serie a día de hoy que nos devuelva un reflejo tan fiel e incómodo. Durante un tiempo pudo parecernos que era un espejo deformante, pero no hay más que echar un vistazo al panorama sociopolítico para comprobar que abundan las personalidades sin límites éticos, con comportamientos patológicos y destructivos cuando no narcisistas y soberbios que marcan el compás internacional.

En verdad The Boys se ha convertido en una suerte de bola de cristal del actual clima que vivimos consolidando la pertinencia de sus mensajes y conminándonos a la acción para que al menos y como poco seamos conscientes de hasta qué punto se nos manipula.

¿Qué hay detrás de TikTok, de Instagram, de YouTube?, ¿qué se esconde al otro lado de la pantalla, de la fachada?, ¿quién es la persona real tras la figura pública, a la que conoces más por su nickname que por su nombre real?

Las redes sociales te acercan al contenido que crean para su audiencia, en muchos casos exponiendo su cotidianidad como principal atractivo en sus publicaciones, pero con ellas no tenemos el cuadro completo.

Y las plataformas de streaming están aprovechando esa carencia en una retroalimentación que beneficia a todas las partes: influencers, público y las propias cadenas.

La mejor forma de acercarnos a las celebridades

Los reality shows tienen una historia tan larga como la de la misma televisión en que empezaron a emitirse, con el objetivo de acercarnos a la vida de personas reales sin un guion de ficción de por medio, en un formato mucho más próximo al documental.

Nos encontrábamos con programas como Gran Hermano, Supervivientes o MasterChef triunfando en la televisión de principios de siglo. Pero lo interesante fue cuando empezaron a dejar de enseñarnos la convivencia o competencia entre personas anónimas, incluyendo a celebridades en ediciones como Gran Hermano VIP o MasterChef Celebrity.

Mientras, la televisión española también empezó a explorar un reality más personal a través de propuestas como Alaska y Mario, quienes pasaron de ser cantantes a protagonizar su propia serie mediante una longeva y popular producción que se extendió a lo largo de cinco temporadas para narrarnos desde sus segundas nupcias hasta sus cumpleaños.

Es en este contexto donde entra en juego el auge del streaming, provocando un regreso a ese formato que pasaba a poder consumirse de una forma mucho más cómoda, pero incorporando a la oferta realities de lo más variados y desde todas las partes del mundo.

Ahora, ambos conceptos se fusionan en una combinación vencedora, y por eso estamos viendo cómo, cada vez más, se empiezan a emitir documentales en formato episódico en las plataformas de streaming que siguen la vida de gente que se dedica a la creación de contenido.

Influencers, ahora también en plataformas de streaming

Amazon Prime Video ha sido una de las plataformas por excelencia que ha sabido encontrar esa necesidad latente del mercado para suplirla con la producción de contenido propio tomando a figuras de gran relevancia en redes.

En 2022 le dedicó una serie documental a Aida Domènech con Dulceida al desnudo, que regresó en 2025 con una segunda temporada en la que se profundizaba en una nueva etapa de la vida de la influencer.

En 2023 abría el marco mucho más con la miniserie Influencers: sobrevivir a las redes presentada por Luc Loren, en la que podíamos ver desfilar a celebridades de internet de ámbitos muy distintos, como: Lucía Bellido, Carolina Iglesias, Marta Lozano, Samantha Hudson, Wismichu o Esty Quesada.

Pero la serie se quedaba corta para hablar en profundidad sobre sus estrellas, y ese mismo año apostó por lanzar otras tres propuestas enfocadas en tres influencers que triunfan en España.

Con Rubius: Next Level Japón ofrecía una experiencia única, al llevar al streamer de videojuegos a un viaje por Japón que recordaba a sus antiguos vlogs de YouTube, optando por la aventura en lugar de ofrecernos una mirada íntima a su vida.

En cambio, con La vida de Marta Díaz hizo todo lo contrario y, a lo largo de tres episodios, nos sumergió en la historia de esta influencer de moda, desde sus orígenes en el mundillo, pasando por algunos hitos de su carrera, hasta la relación con su novio Sergio Reguilón.

Pero, al igual que pasó con el caso de Dulceida, la serie también se quedó corta con aquella única temporada, por eso volvió a principios de este año con Siendo Marta Díaz, una nueva producción de tres episodios que nos pone al día de su vida.

Con Pombo Amazon Prime Video siguió una estrategia similar, pero mucho más fructífera, cuyo éxito y repercusión podríamos equiparar al boom de la serie de Alaska y Mario en televisión. Desde su estreno en 2023, este docureality centrado en la familia Pombo ya ha estrenado cinco temporadas, y promete seguir sumando.

En ella consigue un acercamiento a la vida fuera de cámara de María Pombo y su familia que no logran el resto de las producciones mencionadas, pues se realiza un repaso mucho más exhaustivo y personal de sus figuras gracias al seguimiento que hacen de ellas de forma periódica.

La última producción en unirse a esta lista cada vez más grande de series documentales sobre influencers ha sido Àngela y Archie: Tras la pantalla, que se adentra en la relación de una de las parejas más virales del momento: Àngela Mármol y Archie Ted.

En una aproximación similar a como Dulceida al desnudo 2+1 exponía la maternidad y la reconciliación de Aida Domènech y Alba Paul, Àngela y Archie: Tras la pantalla nos cuenta cómo sus protagonistas superan la primera crisis de pareja a sus dos años de noviazgo mientras continúan con su vida pública.

De este modo, las plataformas de streaming no ha descubierto un nuevo género, tan sólo están aprovechando el interés que despiertan las celebridades de la era digital, tiktokers, streamers e instagramers, para lanzar series con las que podamos saciar nuestro lado más voyeur.

Desde los Globos de Oro, hasta los BAFTA, pasando por los Goya, al final todo va preparando el terreno para la gala más importante del año: la de los Premios Óscar.

Y en ella parece que todo se decide, se termina por juzgar cuáles eran las películas buenas de la temporada, muchas veces en sintonía con lo que ya nos han ido diciendo el resto de los premios con menor relevancia mediática.

Ganó la que tenía que ganar

Aunque no queramos reconocerlo, cuanto mayor sea el furor que han despertado entre la audiencia las producciones, más probabilidades hay de que las cintas salgan airosas, siempre que tengan un mensaje potente alineado con los intereses del jurado en las diferentes Academias de cine.

En el caso de los Óscar se intenta potenciar la diversidad racial y de género, así como la lucha por las causas sociales, pero con un pequeño matiz. Nunca hasta el punto de que puedan llegar a incomodar a quienes no están de acuerdo con ello.

Los pecadores (2025) de Ryan Coogler, una cinta de terror y fantasía, que destacaba por reivindicar la historia negra desde su guion hasta su equipo, se alzaba como la favorita de los Premios Óscar con hasta 16 nominaciones, pero no ganó, como tampoco había ganado en los Globos de Oro ni en los BAFTA.

En su lugar, la cinta que salió victoriosa fue Una batalla tras otra (2025) de Paul Thomas Anderson, en la que también se aborda el racismo pero desde una óptica blanca y sin vampirismo de por medio, sumándole a eso una crítica al fascismo.

La película, aunque también sea una mezcla de géneros, se hacía así accesible y atractiva, pero además jugaba a su favor su dinamismo para no ser sólo una exposición de hechos sino también un divertimento.

Por eso ganó el Óscar y el BAFTA antes que este, mientras que en los Globos de Oro fue Hamnet (2025) de Chloé Zhao la ganadora a Mejor película.

No sólo era un drama sobre la pérdida que se había hecho con el favor de la crítica, también estaba dirigida por una mujer, china-estadounidense; pero en los Óscar tan solo pudo rascar el premio a Mejor actriz principal para Jessie Buckley.

El premio a Mejor director en los Óscar también fue para Paul Thomas Anderson, en una evidente deuda pendiente que tenía la Academia con el cineasta, al que habían nominado en hasta tres ocasiones anteriores a esa categoría sin darle un galardón. Este era su año, porque contaba con la excusa perfecta.

Las otras que tenían que ganar también ganaron

En animación tampoco ha llamado la atención el triunfo de Las guerreras k-pop (2025) tras arrasar en múltiples galas previas, pese a que se midiera con cintas de la talla de las francesas Little Amélie (2025) o Arco (2025), dos largometrajes más reflexivos frente a la adrenalina y el fenómeno de masas que supuso la producción musical de Sony Pictures Animation.

Y es que Golden lleva siendo nuestra banda sonora desde el estreno de la cinta en Netflix, y eso es algo que no se puede ignorar -por supuesto, tuvo su correspondiente premio a Mejor canción original-.

James Cameron volvió a quedase relegado a ser el mayor maestro de los efectos visuales con Avatar: Fuego y ceniza (2025), una película que, por otro lado, tampoco tenía mucho que aportar fuera de ese campo, así que no es raro que ganara en su segunda categoría nominada este año en los Óscar.

Mientras que Frankenstein (2025) de Guillermo del Toro volvió a probar el potencial del cineasta en la producción, el diseño de vestuario y el de maquillaje, en su excelente adaptación de la obra de Mary Shelley para Netflix. Si bien no pudo hacer nada contra el guion adaptado de Paul Thomas Anderson.

Por su parte, la española Sirât (2025) de Oliver Laxe apuntaba con fuerza en los festivales internacionales, pero no logró hacerse notar en los premios más destacados, marcando de manera casi inevitable un destino que se cumplió en los Óscar, donde no se llevó ni el galardón a Mejor película de habla no inglesa ni el de Mejor sonido.

Una cinta con un ambicioso trasfondo político más allá de la premisa inicial de la pérdida de una hija en una rave de Marruecos que al final no logró calar en los jurados extranjeros, pero que sí consiguió hacerse con muchos de los Goya a los que estaba nominada en España.

Eso sí, la Mejor película y la Mejor dirección fueron para Los domingos (2025) de Alauda Ruiz de Azúa, en un momento en el que el regreso a la religión católica a través del entretenimiento está en boga, desde Rosalía hasta Los Javis, sin un auténtico espíritu crítico, como ocurre con todas las películas que al final acaban ganando algo en las galas de cine.

Con el paso de los años, el interés por la televisión fue bajando, salvo por alguna serie puntual que echaran a una hora medianamente decente. La llegada de los servicios de streaming hizo que prácticamente no viera nada de la televisión convencional, ya que podía disfrutar cómodamente de las series y películas a la carta sin los molestos anuncios de turno (al menos antes de que hicieran todas esas nefastas modificaciones).

Sin embargo, de un tiempo a esta parte, he vuelto a cogerle el gusto a la televisión convencional. Lo que más suelo ver es RTVE con programas como La Revuelta, The Floor o Trivial Pursuit, que están muy bien para echar el rato.

El que apenas tenga cortes publicitarios también ayuda a la causa, todo sea dicho, ya que, aunque otras cadenas cuentan con series y programas bastante chulos, tener que tragarme más de 10 minutos de anuncios me resulta bastante exasperante, por lo que las series y películas las suelo dejar para los servicios de streaming.

No obstante, con cortes publicitarios prolongados o sin ellos, tengo que reconocer que hay una buena variedad de programación en los diferentes canales que alberga la TDT (que te pueda interesar lo que emitan en ese momento es otro tema).

Pero, a pesar de su variedad de contenidos, hay un formato que echo realmente en falta dentro de la programación televisiva y que sería ideal para todos los públicos.

La televisión debería recuperar (aún más) las series de animación antiguas de nuestra infancia

Si hay algo que realmente añoro en la televisión actual son las series de animación que disfrutaba en mi infancia y que seguro que los chavales de hoy en día se lo pasarían en grande con ellas.

Cierto es que he llegado a encontrar en Telemadrid o en La Otra algunas de ellas, como La vuelta al mundo de Willy Fog o Érase una vez la vida (desconozco si será igual en el resto de cadenas autonómicas), pero hay muchísimas que, por desgracia, no han vuelto a emitirse por televisión en todo este tiempo.

Hablo de producciones que, incluso si eres de mi quinta, tal vez no recuerdes algunas de ellas: Isidoro, Delfy y sus amigos, Los Fruitis, Sylvan, Ferdy, la hormiga, Los Diminutos, El Show del Correcaminos, Los trotamúsicos... Fueron muchas las series que se emitieron por televisión durante finales de los 80 y buena parte de los 90.

Varias regresaron en forma de remake, como Heidi, La abeja Maya o Patoaventuras, lo cual está bien para que los chavales de ahora conozcan algunas series míticas de nuestra infancia. Sin embargo, salvo algunas excepciones, la calidad de animación de antaño supera con creces a las nuevas versiones.

Por eso estaría bien que las cadenas de televisión apostaran más por las series de animación antiguas. No solo funcionarían con muchos por el factor nostalgia, sino que son producciones que no han envejecido mal a la hora de transmitir buenos valores a los niños.

No digo que no haya producciones así a día de hoy (Bluey, por ejemplo, es una maravilla), pero me encantaría que mis sobrinos descubrieran todo lo que me fascinó a mí cuando tenía su edad. Por desgracia, la única solución que veo es recuperar mis viejas cintas de VHS y buscar un sitio donde me puedan pasar todo su contenido a DVD u otros formatos para ver en televisión, porque como tenga que depender de las cadenas de ahora, mejor espero sentado.

YouTube se introdujo en nuestras vidas en 2005 ofreciendo una plataforma en la que cualquiera podía compartir vídeos de todo tipo, e incluso alcanzar la fama con ellos. Pero la época de experimentación en la que nacía terminó dando paso a un modelo más cerrado.

A medida que el sitio crecía, el tipo de vídeos también se fue estandarizando y las personalidades populares estableciéndose y enriqueciéndose, lo que les ofrecía la posibilidad de subir el nivel de sus producciones.

Y entonces regresamos al concepto de los programas de televisión, al tipo de retransmisiones que ya funcionaban antes y que siguen teniendo gancho entre las nuevas audiencias, aunque ahora las plataformas para visionarlas hayan cambiado, porque está claro que ya nadie se pone la caja tonta si no es para ver Netflix.

Gran Hermano inició un nuevo género en televisión

Gran Hermano es uno de los concursos televisivos más perturbadores que a nadie se le haya podido ocurrir, y por eso tomaba su nombre de un personaje creado por George Orwell en su distópica 1984.

Desde el año 2000 hemos podido ver en España la retransmisión en directo de la convivencia de un grupo de concursantes en una casa aislada, bajo una vigilancia 24/7 con cámaras y micrófonos hasta en sus camas. El objetivo era aguantar en ella hasta el final para conseguir el dinero del premio.

Telecinco daba así inicio a los programas de telerrealidad en nuestro país. Y lograba atraer a la audiencia haciéndola partícipe del curso de los acontecimientos: con sus votos, podía elegir quién seguía y quién no, incentivando a una competencia más dura.

Pero no tardó en llegar la versión mejorada del programa con Gran Hermano VIP, en la que ya no había personas anónimas participando sino celebridades que aumentaban el morbo del público por verlas pasar penurias.

Gran Hermano ya lleva 26 años en antena y el fenómeno está lejos de desaparecer. Lo peor es que su influencia también, aunque ahora se haya trasladado al ámbito de internet a través de programas como La cárcel de los gemelos, creado por Carlos y Daniel Ramos.

La televisión ahora se llama streaming

Creadores de contenido de prestigio a nivel mundial como MrBeast hace tiempo que adoptaron los formatos televisivos para sus vídeos de YouTube, convirtiendo en concursos de carácter más libre los vídeos que subían a la plataforma, pero siguiendo la misma filosofía: concursantes, premios, e incluso presencia de celebridades.

A nivel nacional Ibai Llanos también ha experimentado con diferentes formas de hacer lo mismo que ya conocíamos, siendo La Velada del Año uno de sus eventos más sonados, haciendo que figuras reconocidas se enfrenten en combates de boxeo.

El carácter cíclico de la sociedad ha hecho que no se pierda ninguno de los enfoques que triunfaban en la televisión de antes, aunque en nuestros tiempos han pasado a ser presentados por nuevos rostros y retransmitidos en distintos formatos.

Por eso el concepto de Gran Hermano Vip es uno de los que ha sobrevivido y se ha asentado con fuerza en nuestro país en el streaming. Carlos y Daniel Ramos tuvieron un primer acercamiento a él con La casa de los gemelos, que seguía una dinámica muy similar a la de su referente, y que de nuevo cogía fuerza por la participación de estrellas.

Sin embargo, La cárcel de los gemelos, estrenada este año, ha apostado por innovar en la presentación, cambiando la casa por la cárcel y estableciendo normas más estrictas para sus concursantes, quienes deben vestir con un mono naranja y dormir en celdas.

De un modo similar a como ya ocurre en Gran Hermano, hay dos formas de disfrutar del fenómeno. La primera es espiando en directo lo que se cuece en La cárcel de los gemelos a través de YouTube, con la posibilidad de interactuar en el chat con todo el público que esté viendo la retransmisión contigo.

La segunda es ver una recopilación de los mejores momentos con vídeos editados de duración variable, pero que te ahorran las horas muertas en las que no hay conflicto y tan sólo tienes a gente durmiendo o paseando sin rumbo.

Por supuesto, tampoco faltan las famosas nominaciones, para que el público también pueda decidir quién se queda hasta el final, con un voto que te obliga a pasar por caja pero que te recompensa con la participación en un concurso en el que te podría tocar un coche.

ZonaGemelos ha reciclado así uno de los programas más innecesarios y oscuros de la televisión, que por algún motivo nunca ha dejado de funcionar, y George Orwell seguro que estaría feliz.

La película se inspirará en el rapto de los hobbits por parte de un tumulario y quizá nos de la aparición de Tom Bombadill, personaje ignorado en las películas, pero de suma importancia dentro del universo de El Señor de los Anillos y con un misticismo singular.

No obstante, la trama no adapta ese capítulo, sino que transcurrirá catorce años después de la marcha de Frodo y Bilbo de los Puertos Grises, con Sam, Merry y Pippin recreando los inicios del viaje hacia Mordor y con la hija de Sam, Elanor, hallando un secreto en el proceso.

No nos hace falta una secuela de El Señor de los Anillos

Pues bien, como absoluto obseso de la trilogía de películas de Peter Jackson (es más que probable que las haya visto casi un centenar de veces, cada una), la noticia me ha parecido desalentadora y encima, un error en cuanto a la elección del relato.

Los proyectos de la franquicia tras el cierre de El Retorno del Rey no han sido los más inspirados. La trilogía de El Hobbit, sin llegar a ser mala, ya fue un pinchazo importante. De Los Anillos de Poder mejor ni hablar. La guerra de los Rohirrim no es el mejor anime que encontrarás y la suma de dos relatos menores como The Hunt of Gollum y ahora el nuevo proyecto me parecen bastante desacertada por varios motivos.

El primero es que parece que vivimos en el día de la marmota. Entre la serie de Harry Potter y esto, la nostalgia de mi generación es la moneda de cambio que se está utilizando para sacar hasta el tuétano de los huesos a una gallina de los huevos de oro que tuvo su momento y que ahora merecería más respeto y descanso.

Pero, si la intención es que vayamos al cine a gastarnos los cuartos, por lo menos, podrían escoger mejores temas que abordar. Porque inventarse una historia al margen de lo escrito por J.R.R. Tolkien abre una veda peligrosa que podría acuchillar el legado de su obra.

Sinceramente, solo los más "comidos" por la saga sentiremos interés en una historia inventada protagonizada por los tres hobbits acompañantes de Frodo y la hija de uno de ellos. Con la de historias que aún hay que contar sobre la Tierra Media y deciden tirar por ahí...

Estamos hablando de hacer una SECUELA de El Señor de los Anillos. Son palabras mayores e incluso el mismísimo Tolkien dio marcha atrás con La nueva sombra, relato del legendarium ambientado en La Cuarta Edad (cuyos primeros y abandonados esbozos fueron publicados más tarde en Los pueblos de la Tierra Media).

Si dejo que se me dispare la vena purista, me opongo en firme a este proyecto, incluso si la excusa es inspirarse en uno de los capítulos del primer libro, señalando que en la película nunca lo vimos.

Por cierto, incluso con esta omisión a las Quebradas, la adaptación de la Comunidad del Anillo es la que mejor ha madurado de las tres y la que mejor representa el espíritu de la obra de Tolkien.

Si hay que hacer una película, que se base en la obra de Tolkien

Y digo yo... ¿Qué necesidad hay de inventarse nada con tres personajes queridos, pero menores? ¿Por qué no aprovechar los Cuentos Inconclusos que publicó Christopher Tolkien rescatando las historias más olvidadas de su padre? Puestos a hacer historias secundarias, que se basen en algo tangible y que no se pongan a divagar en La Comarca.

Entiendo que adaptar El Silmarilion de miedo. Por lo tanto, otras historias de La Primera Edad como Beren y Lúthien, La caída de Gondolin o Los hijos de Húrin se descartan rápido y con razón.

Entonces... ¿Por qué no aprovecharse de los propios escritos de Tolkien en los Cuentos Inconclusos? Esta antología de relatos conecta directamente con El Señor de los Anillos mediante historias contextuales y secundarias, sí, pero apasionantes para cualquier fan.

Al margen de la la trama de Númenor (que ya se encargó de sablear la serie), en este libro tenemos unas cuantas historias que serían buen material para hacer un largometraje bastante interesante.

La primera es La Batalla de los Campos Gladios, esa escaramuza (un poco más ampliada en la versión extendida) en donde Isildur perdía el Anillo Único. Una adaptación de este conflicto, ahondando en el trasfondo del personaje de Isildur y la Guerra de la Última Alianza. Quizá lo veamos en Los Anillos de Poder, pero es un relato independiente muy viable para una película.

La segunda historia factible es Cirion y Eorl y la amistad de Gondor y Rohan, que narra el nacimiento del reino humano que tantos buenos momentos dio en la saga principal. Se trata de un pasaje emocionante que encaja muy bien con la identidad de las películas.

La tercera sería Las batallas de los vados del Isen, que es cierto que son más complicadas de adaptar, ya que son fragmentos menores de los inicios de la guerra de Saruman contra Rohan. Lo vimos brevemente en Las Dos Torres y el fallecimiento del recordado Christopher Lee pone la adaptación en jaque si se trata de enlazar con la trilogía. Aún así, el contexto es realmente interesante y atractivo.

Y si te parecen pocas opciones, los Cuentos Inconclusos abordan también la historia de los Istari (Gandalf, Saruman, Radagast y los misteriosos magos azules Alatar y Pallando), de los Drúedain que ayudaron a Rohan en la Guerra del Anillo o los Palantíri, las míticas piedras de visión de este universo.

Como ves, material hay de sobra. En su lugar tenemos una nueva historia que no parece nada prometedora y que encima puede repercutir negativamente el legado de Tolkien. Mis quejas no se basan en quien está detrás del proyecto, sino del propio proyecto en si.

Hay que aceptar que nada podrá superar a las películas de El Señor de los Anillos y menos en la fase en la que se encuentra Hollywood. Al igual que la obra en la que se basa, esta trilogía fue un auténtico regalo, una rareza irrepetible y tratar de repescar su gloria con películas como la recién anunciada deja bastante claro que el precio del éxito en esta sociedad de consumo es a veces demasiado alto.

Pero había ganas de más, y de ahí nacieron Marshals: Una historia de Yellowstone, centrada en Kayce Dutton (Luke Grimes) y Rancho Dutton, centrada en Beth Dutton (Kelly Reilly) y Rip Wheeler (Cole Hauser).

Pero ambas series cerraron las tramas de sus respectivos personajes, por lo que las nuevas producciones necesitan crear situaciones que den sentido a su existencia. A partir de ahora vienen spoilers de Marshals Una historia de Yellowstone, así que te recomiendo estar al día con la serie (episodio 4).

La serie de Luke Grimes está creada por Taylor Sheridan, pero su principal responsable es el showrunner y cocreador, Spencer Hudnut, quien no ha tenido problema en torpedear el final de Yellowstone para dar sentido al spin-off.

¿Y cómo lo ha hecho? Matando a Monica Dutton (Kelsey Asbille) después del final de la serie original. Esa fue una de las principales críticas durante el estreno de la serie, y sigue siéndolo. Kayce Dutton se pasó cinco temporadas de Yellowstone buscando su lugar, lidiando entre su lugar como marido de una mujer nativa americana y su familia de rancheros.

Cuando Kayce encontró ese lugar y zanjó una batalla que duraba más de un siglo en Montana, alcanzó su final feliz, pero Marshals: Una historia de Yellowstone lo destroza nada más arrancar. Volvemos a tener a Kayce en modo melancólico solo para encontrar "un nuevo comienzo". Evolución del personaje desde Yellowstone: ninguna, solo que ahora está más solo.

Y llega un nuevo interés romántico

¿Podía ser peor? Pues claro, y lo es. Vamos al episodio 4, que en general me ha gustado, hasta que Marshals: Una historia de Yellowstone ha decidido que ya ha pasado tiempo suficiente para que Kayce empiece a acercarse a otra mujer.

El episodio nos presenta a Dolly Weaver, el personaje interpretado por Ellyn Jameson, hija de un ranchero, Tom Weaver (Chris Mulkey), a quien Kayce y Cal (Logan Marshall-Green) rescatan en la montaña tras un accidente de helicóptero.

La situación de Kayce hace que se acerque a Tom, que le ofrece encargarse del rancho Camp East cuando él esté cumpliendo con su función como U.S. Marshal. Mientras tanto, Dolly empieza a coquetear con el personaje de Grimes, especialmente al final del episodio, donde él no marca distancias.

Si Marshals: Una historia de Yellowstone fuese una serie independiente, acabásemos de conocer a Kayce Dutton y no supiéramos nada de su relación con Monica, pues pasaríamos por el aro. El interés romántico es uno de los recursos más viejos del audiovisual y, en cierto modo, es un mal necesario para atrapar a la audiencia.

Pero Yellowstone está ahí. La serie de Taylor Sheridan construyó esa relación entre Kayce y Monica y nos condujo hasta ese final feliz que tuvieron. Hace nada que nos enteramos de que el personaje había enviudado y, en cuatro episodios, ya nos lo ponen a tontear... Eso no funciona en este caso.

No digo que Kayce no pueda volver a encontrar el amor, ojo, pero igual es algo que podían haber dejado para final de la temporada o, mejor aún, para la renovada temporada 2. Veremos cómo evoluciona esta historia en Marshals: Una historia de Yellowstone, que todavía tiene dos tercios de temporada por estrenar en SkyShowtime.

Pero ¿aprovechamos estas suscripciones al máximo? Claro que no. Ante la abrumadora oferta de plataformas que hay, cada vez es más habitual priorizar unas pocas e ir alternando para no dejarnos el salario mes a mes en servicios que no disfrutamos.

Claro que esa práctica no es lo que buscan las plataformas; para ellas lo mejor es tener suscriptores a perpetuidad. En su esfuerzo por lograrlo, estamos viendo un fenómeno curioso en el que diferentes servicios de streaming se están convirtiendo en bastiones de ciertos géneros.

No me refiero a plataformas especializadas como Crunchyroll o AnimeBox, que tienen el anime como punta de lanza, sino a generalistas que están conformando sus catálogos con cierta especialización ¿casual?

Paramount+, SkyShowtime en España, ha convertido el Universo Yellowstone en una pieza clave en el tablero, pero ha aprovechado a su creador, Taylor Sheridan, como una marca propia. Además de las precuelas y spin-offs de Yellowstone, el toque western de Sheridan está presente en Landman: Un negocio crudo, Hombres de ley: Bass Reeves o, a su modo, Tulsa King.

Y como marca, Sheridan también suma series como Lioness o Mayor of Kingstown, que tienen poco de western, pero también atraen al público enganchado con sus otras series.

No quiere decir que SkyShowtime solo viva de estos contenidos, pero se han convertido en su mayor baza. Lo bueno es que el cambio de estudio que va a realizar Taylor Sheridan, que deja Paramount en 2029 para trabajar en Universal, no afecta a SkyShowtime, que también trae a Europa los contenidos de Peacock.

Otro caso de especialización fortuita es el de Apple TV, que ha convertido la ciencia ficción en su comodín. Y dentro del género toca palos muy variados, desde Pluribus o Separación a aspectos mucho más visuales, como Para toda la humanidad, Monarch: El legado de los monstruos o Fundación.

Hay que decir que esto se suma a una cualidad de Apple TV: producen "poco", pero lo producen bien. La calidad de sus series, de ciencia ficción o no, hace que Apple TV esté en un momento dulce y ocupe una posición que antaño era de HBO.

Especializarse está bien, pero con prudencia

Este tipo de especialización tiene varios puntos positivos que me convencen, empezando por el hecho de que no discriminan el poder abordar otras producciones que te pueden gustar más o menos. Esto garantiza que haya variedad y que el catálogo no se convierta en algo "monotemático".

Otro aspecto interesante es que garantiza a los fans de un género contenido de su interés cada cierto tiempo. Además, si los estrenos son semanales, como es el caso habitual de SkyShowtime y Apple TV, el factor de retención es mayor.

Casi se podría incluir a Disney+ en este tipo de especializaciones, aunque, más que un género, la Casa del Ratón especializó su servicio de streaming en programación familiar. Claro que hace tiempo que vieron que era un enfoque que les estaba cerrando mercado, y eso no se lo puede permitir un contendiente de la guerra del streaming. Ahora aprovechan más marcas como FX, Hulu y demás.

No es lo ideal, claro, pero si te apasionan uno de estos dos géneros, saber que estas plataformas tienden a atraer ese tipo de series es bueno a la hora de escoger dónde poner tu dinero. Luego puedes ver las que salgan en otras plataformas con suscripciones puntuales.

Reconozcámoslo, ir a ver una película al cine está lleno de desventajas desde un punto de vista económico y desde un punto de vista práctico y, aunque el cine tiene un valor en sí mismo, hace falta seguir reforzando esa experiencia para que la gente la quiera por encima de la que ofrecen las plataformas.

Hay algo que nunca le podrán arrebatar a los cines ni los mejores equipos que pongas en el salón de tu casa: una imagen y un sonido de primera calidad en un espacio diseñado en exclusiva para ese fin.

Y la experiencia casi religiosa de asistir a un lugar comunitario en el que vas a poder vivir esa ficción con muchas personas, conectando a la vez con la misma película. Pero todo esto tiene un precio… que suele ser de unos 10€ la entrada en una sesión estándar.

Aunque por ese mismo dinero podrías comprarte una suscripción mensual a cualquier plataforma de streaming y disfrutar de más de un estreno por el que apenas han transcurrido 45 días desde que estuvo en la cartelera antes de llegar a tu televisión sin que tengas que gastarte un euro adicional yendo en metro a tu cine más cercano.

¿Qué están haciendo los cines y cómo podrían mejorar?

Los cines saben que algo está pasando, y por eso ya hay algunos que han implementado mejoras en la experiencia, como por ejemplo ofrecer una suscripción mensual o anual al más puro Netflix, que te ofrece una tarifa plana para ir a ver tantas películas como quieras en el margen señalado.

Sigue siendo más caro que ver algo en streaming, pero el precio compensa si acudes lo suficiente y tienes en cuenta el precio de la entrada normal. El problema llega cuando no quieres tener un compromiso tan fuerte porque ese sigue siendo un precio caro.

También existen programas de fidelidad: por la compra de una entrada puedes ir en la siguiente semana a un precio reducido, o la acumulación de puntos que te pueden propiciar algún descuento.

Es cierto que existe un día a la semana más barato, que hay descuentos para ciertos rangos de edad o grupos. Pero se podría ir más allá: que ese día barato lo fuera de forma mucho más significativa, que La Fiesta del Cine ocurriera de manera más frecuente en lugar de ser un evento semestral.

Incluso se podrían plantear estrategias como: el día de las palomitas, y que un día a la semana tuvieras comida gratis; o hasta la posibilidad de pagar por una sesión y ver tantas películas como pudieras consumir en esa tarde -algo que tiempo atrás no era tan raro de encontrar-, encadenando un visionado con otro.

Pero seguimos necesitando alicientes. Ya no es sólo por la experiencia que ofrezca la sala, el cine podría regalarte algo único que no conseguirías de otro modo: merchandising.

Algunos ofrecen posters o cartas justo con el lanzamiento de una nueva película, pero podría potenciarse mucho esta estrategia si las unidades fueran mayores y el público pudiera ir al cine sabiendo que se llevará un premio a casa más allá de haber visto la película.

También aumentaría el interés la organización de sorteos más habituales y con mejores recompensas, que impliquen que hayas pagado tu entrada de cine, invitándote a conseguir un premio mayor.

Algo que sólo un cine podría darte

Pero si hay algo donde de verdad los cines podrían destacar y no están aprovechando al máximo su potencial es en la exclusividad. Y no me refiero al tiempo que están las películas en las salas, me refiero al contenido único que podemos ver antes de una película.

Muchas veces, los tráileres pueden ser un aliciente para que vayamos a ver un nuevo estreno en el que podremos ver las imágenes exclusivas de cierto lanzamiento futuro, pero en general no tenemos que esperar demasiado tiempo hasta que acaba de manera oficial en internet. Mantener el misterio, y dejar una exclusividad real para las salas, podría ser un gran punto fuerte.

En esa misma línea, recuerdo cuando Disney o Pixar solían poner cortometrajes de animación exclusivos antes sus largometrajes, lo que aumentaba el valor de la película en cines.

Tal vez más compañías deberían plantearse una estrategia similar, pero llevándolo al extremo, haciendo que ese corto siguiera siendo exclusivo incluso meses después de que el largo llegase a las plataformas.

Por el contrario, también podría incluirse algún tipo de extra al final de los créditos, y ya no estoy hablando solo de ver quince segundos de Spider-Man con un chiste.

En lugar de llevar a una persona física a que presente la película, se podría hacer un vídeo exclusivo de cines en el que su equipo nos ofrezca una charla virtual sobre lo que acabamos de ver, para que nos llevemos una comprensión de la cinta mucho más profunda.

Quizá ninguno de estos cambios sea viable pero, si sigue habiendo un esfuerzo por parte de las compañías, de las salas y del público, el cine todavía puede ampliar mucho sus fronteras y llegar a ofrecer una experiencia cada vez más completa y satisfactoria.

Aunque pueda parecer una cuestión pedante, es algo de lo que me gustaría hablar porque estas dos series son un ejemplo de cómo se intenta dar complejidad a una narración dejando preguntas en el aire, con conversaciones ambiguas o complicadas de seguir y con el uso de la música para remarcar los pensamientos de los protagonistas.

Esto es como cuando alguien se viste de lo que no es, sea una profesión o un deporte: enseguida queda claro si es un profesional o si está disfrazado. Con estas series en las primeras temporadas sentíamos que había un buen material en el que pensar, un gran trabajo de los guionistas que avanzaban hacia una dirección concreta… y en las últimas mucha impostura y poco a lo que darle vueltas.

Estas y otras series me hacen añorar The Wire, a la que vuelvo de vez en cuando por puro placer. Sigue siendo una serie peculiar hasta en estos tiempos. Es densa, pero fluye muy bien; con muchos personajes que se van alternando, pero una historia fácil de seguir; y sobre todo profunda, aunque sin necesidad de excesos formales. No se subraya nada, parece que toda la complejidad puede entrar en una conversación que se cuenta con agilidad.

Eran otros tiempos y otras intenciones, aunque David Simon sabía que trabajaba con material importante. Hay una anécdota del rodaje en la que él dice a los guionistas que debían contar una escena “como lo haría Shakespeare”.

Hoy día echo en falta eso: que si algo es valioso, dejen que me dé cuenta yo, que no me lo griten a la cara.

El espectador adulto no necesita que le digan las cosas directamente, que le dejen sordo con la música cuando un personaje toma decisiones. Se supone que si la serie es buena ya se dará cuenta él cuando pase algo importante. En caso contrario puede que esté fracasando la historia… o el espectador

Es cierto que Dune y Dune: Parte 2 son fieles al trasladar a la pantalla la primera novela, aunque haya tramos algo distintos. Quizá deberían haberle puesto comillas. Y me hacen pensar que la siguiente entrega, Dune: Parte 3, adaptará en lo posible El mesías de Dune.

Y aquí tenemos un problema, porque El mesías de Dune es una novela muy menor a su predecesora. Tiene sus aciertos, pero está bastante olvidada por motivos obvios. El autor, Frank Herbert, carecía de tantas ideas y se siente más como epílogo que como obra en sí. Carece de una entidad propia y se pierde en el esoterismo de su época.

Una vez pasan semanas desde que se termina la lectura, se recuerda sobre todo el final, pero la cabeza siempre vuelve al libro original.

Creo que Dune: Parte 3 puede ser una adaptación fiel (y por lo tanto una película menor), o tal vez una secuela como Blade Runner 2049 (y que se quede con el tono), o quizá nos sorprenda con una entrega mejor que la obra que adapta.

Ojalá encontremos esto último, pero es difícil porque la fatiga creativa ya se notaba en algunos momentos de Dune: Parte 2 con la imaginería centrándose en ciertos tropos y una duración extenuante. Y aun así me gustó, debo aclarar.

Veremos cómo son los adelantos de Dune: Parte 3 y qué ocurre cuando se estrene el 18 de diciembre de 2026. Deseo equivocarme con esta desconfianza, quiero disfrutar con un espectáculo visual que a la vez sea profundo.

Ya os lo dijimos cuando hicimos la crítica de la primera temporada de Slow Horses: era una serie con vocación de continuidad gracias al rico sustrato literario del que emanaba y la disposición de la plataforma de streaming de revestir al proyecto de calidad. Bastaba ver la intro de la serie con el tema Strange Game compuesto por Mick Jagger en colaboración con Daniel Pemberton, el premiado compositor de bandas sonoras de series y películas así como el repartazo: Gary Oldman (en su debut como personaje regular en una serie de televisión), Jack Lowden, Olivia Cooke, Kristin Scott Thomas y Jonathan Pryce, entre otros. Ya solo con estos mimbres y sin entrar en demasiados detalles, la cosa prometía.

Pero quizás el elemento diferencial de la serie es la manera que ha tenido de hacer revivir el género del espionaje. Se aleja de lugares comunes arrebatándole a los personajes su clásico glamour para estrellarlos contra el suelo y llevar las tramas por otros vericuetos. Fuera martinis agitados, smokings y ese aire de superioridad moral que nos remiten a clichés muy concretos y dentro pelos engrasados, flatulencias y planes retorcidos a largo plazo.

Jackson Lamb ha marcado un nuevo estándar gracias a la interpretación de un Gary Oldman transmutado: es un tipo sucio, hosco, maleducado y desagradable y el actor ha llegado a confesar que le gustaría retirarse con este papel. Y razones no le faltan porque, aunque no ha trascendido cuánto cobra por episodio, se presupone que es una verdadera fortuna, las condiciones de trabajo son muy flexibles y considera este papel uno de los puntos cumbre de su carrera interpretativa.

Como decíamos, la serie se sale de los raíles habituales para centrarse en el fracaso en lugar de en el éxito: los protagonistas principales son agentes del MI5 que han caído en desgracia por cometer errores garrafales quedando así desterrados. Esto, por una parte, permite introducir un sentido del humor afilado con guiones repletos humanidad y por otra parte, hacer que fluya la empatía del espectador con ellos. No son modelos aspiracionales, sino personas de carne y hueso y sus experiencias son crudas, no paseos coreografiados.

Para rematar, Slow Horses no es una serie que canse porque evita relleno innecesario. Cada temporada, breve y ágil, se basa en un libro diferente de tal manera que hay un excelente equilibrio entre la acción y el desarrollo de los personajes además de que consigue mantener el suspense con giros inteligentes. Vamos, que si le das al "play" no puedes parar: es una serie absorbente, significativa y resonante que desarrolla subtramas políticas y se hace eco de eventos recientes.

En suma, Slow Horses es una serie de prestigio que se ha metido al público en el bolsillo con novedades importantes gracias a la visión libre de tópicos de Mick Herron del género y una cuidadísima puesta en escena. Nos quedan por delante, al menos, dos temporadas más que no serán esperar: la sexta este mismo año y la séptima en 2027, eso sí, ambas ya con un cambio de showrunner que no sabemos hasta qué punto afectará al acabado final de la serie. Raro será que Apple TV baje el listón de la que es, hasta ahora, una de sus series estrella, sin una pizca de síntomas de agotamiento.

Pero le pierde la boca. Quentin Tarantino es célebre por carecer de filtro, algo que tiene muchas ventajas a la hora de abordar sus películas, pero también ciertos... inconvenientes. Ya puede ser por meterse donde no le llaman, tachar de plagio a Suzanne Collins por el parecido de Los juegos del hambre con Battle Royale o dar de palos al cine de superhéroes cuando empezaba a estar de capa caída.

No pretendo decir que Quentin Tarantino no tenga derecho a opinar, y menos sobre un tema que, como he dejado más que claro, es su fuerte. El problema es que expresa sus opiniones como un bulldozer en una cristalería debido a esa carencia de filtro. Lo que hace bastante irónico cómo han ido las cosas últimamente para el director.

Hace unos días, la actriz Rosanna Arquette, que interpretó a Jody en Pulp Fiction, ha reavivado una vieja polémica que acompaña al director desde los noventa: el uso de la "palabra con N"; "Nigger" y sus variantes, por si necesitas explicación.

Tarantino es muy aficionado a usar la palabra, pese al estatus de tabú que tiene en Estados Unidos. En Pulp Fiction se menciona como una veintena de veces, pero en Django desencadenado suena más de 100.

Esto ha hecho que, tradicionalmente, algunas figuras de Hollywood se encaren con Tarantino por esa afición, como Spike Lee, que tras Jackie Brown se preguntaba si el director "quería que le nombraran negro honorífico", o Denzel Washington. Otras estrellas, como Jamie Foxx o Samuel L. Jackson, defienden su uso al estilo Tarantino.

El caso es que Arquette ha revivido la polémica sin venir a cuento y a Tarantino le ha sentado a cuerno quemado. El director le respondía con una carta recordándole que "bien que aceptó el dinero cuando le ofreció el trabajo" y acusándola de usar la vieja polémica para ganar notoriedad en la prensa con declaraciones virales.

Quentin Tarantino termina su misiva con un "Se supone que hay espíritu de camaradería entre colegas artistas", una frase que, de no haber lanzado, no me tendría aquí escribiendo estas líneas.

Está bien pedir respeto, Quentin, pero al menos podrías empezar por tenerlo tú

¡Ay, Quentin! Practice what you preach. O, barriendo para casa, "consejos vendo, que para mí no tengo". Seguro que te imaginas de qué vamos a hablar ahora. Y es que Tarantino era noticia no hace mucho, pero estaba en el lado opuesto de los dardos.

Tarantino se ha aficionado a participar en pódcast y, cuando compartía sus películas favoritas del siglo XXI, decidió repartir críticas en su línea contra actores como Paul Dano, a quien describió como "el actor más flojo del sindicato", Owen Wilson, a quien "no soporta", y Matthew Lillard, que, sencillamente, no le gusta.

La industria sacó las antorchas ante las declaraciones públicas de Quentin Tarantino, con especial énfasis en defender a Paul Dano, que se ha ganado el cariño de todos con quienes ha trabajado.

Tarantino decidió que un pódcast era el foro adecuado para menospreciar a esos tres actores, sabiendo perfectamente el eco que tendrían sus palabras, pero ahora pide que una opinión no se exprese por "camaradería".

Tengo bastante claro que la era digital no le está sentando especialmente bien a Quentin Tarantino. Un clima como el de las redes sociales, donde se fomenta la negatividad o, citando a George Clooney, prima la crueldad, hace que alguien sin filtro patine con mucha más frecuencia y se viralice.

Y sí, me parece hipócrita que Rosanna Arquette se queje de Pulp Fiction 32 años después de su estreno, pero esa misma hipocresía se aplica a Tarantino pidiendo que se le respete como artista cuando él no lo hace con los demás.

Se puede tener una opinión y expresarla en un grupo, en un bar o en un entorno más controlado, pero no se debería atacar tan gratuitamente a alguien solo por las risas.

Y me fastidia tener que dar un tirón de orejas a Tarantino (aunque le importará entre cero y nada lo que diga alguien como yo), porque, de verdad, es uno de mis directores favoritos y no me gusta nada su "lado oscuro". A ver si se pone en serio con su décima y última película y tiene menos tiempo para despotricar en pódcast.

Decidido a sacar adelante su tetralogía soñada, y viéndose lastrado por los compromisos con el papel de John Dutton III, Kevin Costner decidió abandonar Yellowstone en el parón de la temporada 5, que se alargó a causa de complicaciones de la producción y por las huelgas de Hollywood de 2023.

El actor se centró entonces en un proyecto en el que llevaba trabajando lustros: cuatro largometrajes que fuesen la máxima expresión de su amor por el western; 12 horas de experiencia cinematográfica para aquellos que, como él, se sientan fascinados por la época que vio la expansión estadounidense hacia el oeste.

La teoría era buena, pero en la práctica, Kevin Costner generó división. Horizon: An American Saga se plantea como cuatro películas de tres horas de duración cada una, y el ritmo que le imprimió a la historia, ambientada antes, durante y después de la guerra de Secesión, no logró echar el lazo a las audiencias actuales.

Pero Horizon: An American Saga - Capítulo 1, la única entrega que logró estrenar en cines (el Capítulo 2 pasó por festivales), es una prueba de algo que no se puede negar y que yo mismo dije en mi crítica de la película: Kevin Costner ama el western.

Creo que se equivocó de formato, pues lo veo más como una serie de dos o tres temporadas, pero su conocimiento del género ha quedado patente desde hace mucho.

Kevin Costner lleva el western en el corazón

Aunque Kevin Costner no tiene una ristra de westerns tan larga como la de leyendas como John Wayne o Clint Eastwood, puede afirmar que casi todo lo que ha protagonizado y dirigido ha sido un éxito. De nuevo, Horizon: An American Saga es la excepción.

Más allá de Yellowstone como drama neowestern, lo hemos visto en Silverado y Wyatt Earp, a las órdenes de Lawrence Kasdan, en Bailando con lobos y Open Range, donde dirigió, además de protagonizar, amén de un desfile de documentales en los que explora en profundidad ese periodo histórico. En ese aspecto, es similar a lo que hace Tom Hanks con la II Guerra Mundial.

Además, Kevin Costner ha logrado ser un referente en el western en una época donde los tipos duros ya no eran tan bien recibidos por parte del público, por lo que supo construir personajes más sensibilizados y vulnerables para conectar con los espectadores.

Clint Eastwood también vio evolucionar su estilo en el género y, aunque seguía teniendo esos ramalazos de "no me infles las narices o te coso a balazos", sus personajes fueron alineándose más con los de Costner.

El western incluso marcó otros proyectos de diferentes géneros que dirigió Costner, como Mensajero del futuro o Waterworld. No pertenecen al género como tal, pero tienen clichés y estilos que denotan la influencia.

Un western con el sello de Kevin Costner hay que verlo, aunque luego salga mal

Llegar al estatus de Kevin Costner dentro de un género que, pese a algunos grandes títulos y a lo que está logrando Taylor Sheridan, no está de moda y lleva sin estarlo décadas, es muy, muy complicado.

El plan de Horizon: An American Saga era muy bizarro, pero no salió y no tiene pinta de que vayan a alinearse los astros para que se complete la tetralogía. Con suerte, algún día verá la luz el Capítulo 2 más allá de proyecciones limitadas.

A mí no me alegra lo que ha sucedido con el proyecto, y eso que me fastidia que Costner abandonase Yellowstone, pero creo que su visión a lo grande de sus cuatro películas habría funcionado mejor en otro momento.

Intenté averiguar qué localizaciones o escenarios esperaban ver con más ganas… Y miraron entre bastidores con cara de circunstancia, pero salvando la situación con la energía que los caracteriza para enumerarme los puntos clave de la segunda temporada de su serie que acaba de aterrizar en Netflix.

Estaba claro que no se les permitía hablar de un futuro tan inmediato y concreto, puesto que es muy probable que ya manejasen información confidencial y les resultara mucho más fácil irse de la lengua que si simplemente estuvieran dedicándose a divagar sobre un destino más lejano en la adaptación de este inabarcable y casi eterno anime.

Aciertos que deben repetirse en One Piece

La segunda temporada de One Piece ha sido muy acertada al mantener un ritmo ágil como ya hiciera la primera, presentándonos pequeñas historias dentro de su narrativa global comprendidas en un máximo de dos episodios cada una.

Gracias a ello ha podido enseñarnos muchos escenarios y personajes nuevos en estos últimos capítulos, dando una sensación de progresión constante en la aventura que la temporada 3 también necesitaría para seguir siendo igual de atractiva.

Como la sorpresa es una de sus mejores bazas, al hacer que cobren vida las imágenes del anime de Eiichirō Oda y las podamos apreciar por primera vez en pantalla, la próxima temporada no puede bajar el nivel de su producción.

Por eso tendrían que seguir siendo una prioridad: los decorados, el vestuario, el maquillaje, la peluquería… Pero también el CGI. Por ejemplo, ya hemos podido tener un primer encuentro con Chopper, uno de los personajes clave de la tripulación del Sombrero de Paja, y debería continuar brillando en los capítulos que vendrán.

Además, la incorporación de nuevos personajes en la historia siguiendo las páginas del manga también despierta la curiosidad, y me gustaría que la serie de Netflix apostara de nuevo por un crecimiento del reparto a la altura.

Hasta ahora ya se han confirmado nombres como Cole Escola para encarnar a Bon Clay o Xolo Maridueña para ser Portgas D. Ace, y las decisiones de casting prometen ser muy acertadas.

La tercera temporada debería llegar antes

Pero si hay algo que me ha hecho sufrir en la temporada 2 de One Piece ,y que espero que no se repita, es el tiempo de espera. ¡Ojalá la tercera temporada no tardase tanto en llegar!

Sé que es una petición casi imposible para una serie de estas características, en un mundo en el que lo habitual es ver una nueva tanda de episodios cada dos o tres años -como ya pudimos ver entre la primera y la segunda temporada de One Piece-.

Pero teniendo en cuenta que el rodaje de la tercera temporada ya dio comienzo hace varios meses, quiero ser optimista y pensar que en esta ocasión tendremos una nueva temporada en menos de dos años.

Lo racional no quita lo sentimental. Por un lado estoy pidiendo nuevas localizaciones y nuevos personajes, lo que implica esfuerzos adicionales, y por otro que la serie llegue más rápido.

Pero también hay que tener en cuenta que la producción ya lleva estrenadas dos temporadas y se ha creado una buena base para construir sobre ella sin tener que empezar desde cero, desde el propio equipo que ha captado los ritmos del resto, hasta la infraestructura física y digital para llevarla a cabo.

Aunque hay mucho material que todavía necesita ser adaptado, y eso podría llevar varios años. Taz Skylar ya bromeaba en esa mesa redonda sobre la posibilidad de que la serie se extendiera durante un siglo y hubiera que renovar a un elenco principal envejecido, ¡pero nadie quiere que alcancemos esos extremos!

También señaló que era posible que viéramos el arco de Marineford en un plazo de “dos años”, pero antes de esto tienen que ocurrir muchas cosas… ¿Significa eso que la cuarta temporada de One Piece se estrenará en 2028?, ¿o que van a acelerar los acontecimientos para que lo veamos en la tercera?

En cualquier caso, tampoco conviene precipitarse. El fandom de One Piece es muy sólido, y si se hicieran grandes sacrificios en pos de la agilidad en su nuevo formato podría perder el apoyo que ha recibido hasta ahora. Por eso hay que encontrar un buen equilibrio: ofrecer contenido constante sin que eso baje la calidad del resultado final.

La temporada 3 de One Piece todavía sigue ofreciendo más incógnitas que respuestas, así que nos tocará ser pacientes y esperar a que nos vayan llegando nuevas noticias desde Sudáfrica. Mientras tanto, ya podemos disfrutar de su segunda temporada en Netflix.

¿Son justos? Ni de lejos, nunca lo han sido y, aunque se usan como referente de prestigio, con frecuencia han sido otorgados más como recompensa a fenómenos virales que a la verdadera excelencia cinematográfica.

Antes de empezar el despotrique, quiero dejar claro que no pretendo menospreciar el trabajo de los profesionales nominados este 2026 a la 98.ª ceremonia de entrega de los Óscar. En especial a los responsables de Los pecadores y Una batalla tras otra, dos películas fantásticas que, por circunstancias, serán el objeto de este artículo de opinión.

16 nominaciones para la película de Ryan Coogler, récord absoluto en los 98 años de historia de los premios de la Academia. 13 oportunidades tendrá la sátira de Paul Thomas Anderson. En casi todas las categorías en las que está nominada la segunda, se ve las caras con Los pecadores, a excepción de las categorías de guion.

También venimos viendo cómo ambas se van turnando en el circuito de premios para triunfar en los Globos de Oro, los Critics' Choice Awards o los BAFTA. A veces da la sensación de que solo se han estrenado dos largometrajes en 2025, y las nominaciones de la Academia no ayudaron a mejorar esa sensación.

Ni Los pecadores ni Una batalla tras otra deberían arrasar en los Óscar 2026

Viendo cómo funciona la Academia, me da miedo que la noche del 15 de marzo veamos cómo el circo hollywoodiense despliega su caza de visionados al decantarse por una de las dos películas favoritas o, peor todavía, que se repartan entre ambas los galardones.

Insisto en que ambas cintas me parecen más que correcta, pero ya. Ambas tienen grandes interpretaciones y la música de Los pecadores bien merece competir por estatuillas, pero ninguna de las dos cintas es un verdadero hito técnico que lleve a soñar con 11 Óscar (o más).

Tanto Los pecadores como Una batalla tras otra han recibido un reguero de nominaciones en las categorías técnicas que, si bien merecen reconocimiento, han dejado fuera a otras contendientes y, posiblemente, sea solo por el morbo de ver el duelo entre ambas.

Aquí va un pequeño inciso para recordarte que la Academia lleva años sin saber qué hacer para reconquistar audiencia en la gala de los Óscar, pero lo que nunca falla es tratar de frivolizar con las nominaciones.

Mi temor es que la Academia quiera establecer un nuevo récord de premios, 12 o más, y empiecen a lloverle estatuillas técnicas a una de las dos películas favoritas de este año, probablemente a Los pecadores.

Examinemos qué tres largometrajes ostentan el récord actual con 11 estatuillas: la película original de Ben-Hur, Titanic y El señor de los anillos: El retorno del rey. Se trata de tres películas que marcaron hitos históricos en su momento, tanto en el plano interpretativo como técnico.

Pero ni Los pecadores ni Una batalla tras otra han revolucionado nada en ese plano técnico y, sin embargo, están compitiendo con películas más trabajadas y complejas en ese marco, como F1: La película, Frankenstein o Avatar: Fuego y ceniza.

Y no olvidemos que han dejado fuera de algunas de esas categorías (como Mejor vestuario o Mejor diseño de producción) a cintas como Wicked: Parte II. No soy fan de los musicales, pero entiendo que esa puesta en escena es más elaborada que la de Los pecadores o Una batalla tras otra... por lo que sea...

Y si piensas en eso de "es que es una segunda parte"... ¿y? Vuelvo con El señor de los anillos: El retorno del rey, 11 Óscar y es tercera parte de la trilogía, con varias estatuillas técnicas, precisamente.

No soy adivino, y espero equivocarme y que tengamos unos Óscar bastante repartidos. Me parece que Los pecadores y Una batalla tras otra son de lo mejor del año, pero no creo que tengan que demostrarlo a costa de películas que destacan más en otros aspectos.

Si analizamos los datos, no deja de ser sorprendente: si por algo destacó en 2025 fue por demostrar una enorme consistencia, consiguiendo abrirse paso entre la competencia con varios debuts consecutivos superiores a los 40 millones de dólares en Estados Unidos. En verdad, esto es un hito nada fácil de alcanzar.

Es más, lideró la taquilla mundial con el estreno de Una película de Minecraft (que superó los 900 millones de dólares), Superman de James Gunn o F1: La película convirtiéndose en el primer estudio capaz de rebasar los 4.000 millones de dólares a nivel mundial. Un dato abrumador, en el que tienen mucho que ver otros enormes éxitos como Expediente Warren: El último rito, Los pecadores o Destino final: Lazos de sangre.

Sin embargo, los problemas de Warner se remontan más atrás en el tiempo. Concretamente a 2022, momento en el cual se fusionaron WarnerMedia y Discovery. Se estima que la deuda acumulada ascendía a 29.000 millones de dólares cuando se produjo el acuerdo final de Paramount Skydance de comprar la compañía por 110.000 millones de dólares hace apenas unas semanas.

En el ojo del huracán no solo estaba la división de cine, sino también su servicio de streaming, con Max sin conseguir cumplir las expectativas de mercado en lo referente a nuevos suscriptores... por no hablar de la crisis de identidad de la plataforma de streaming, manifestada en la precariedad de estrenos, en la escasez de producción propia y hasta en su propia denominación e imagen de marca.

En suma, la razón oficial de la venta no ha sido única, sino más bien una combinación de factores: la presión financiera de su elevada deuda, un menor crecimiento del esperado en streaming y cambios estructurales tras su anterior fusión que no han cuajado y han hecho a los accionistas buscar una salida estratégica ante la incertidumbre sobre la viabilidad del modelo de negocio a largo plazo en un mercado de entretenimiento saturado.

Y esto último no es una cuestión baladí: nunca antes había habido tanta oferta disponible para los usuarios ni por tanto una presión mayor en lo que se refiere a la competencia. Puede que en la foto final que tenemos en el mercado español, que es más pequeño, sea más fácil ver los patrones de consumo de la audiencia, pero en Estados Unidos, que es enorme, los vaivenes en lo relativo cuota de mercado marcan enormes flujos para las empresas.

Tampoco se pueden obviar las presiones políticas, seríamos unos ingenuos si lo hiciéramos y hay incluso investigaciones en curso. Las razones por las que Netflix, que hasta se había puesto ya en contacto con sus suscriptores anunciando los cambios que se producirían a medio plazo si superaban los obstáculos para completar la operación, ha terminado retirándose no las vamos a conocer de forma inmediata, aunque sí tenemos los datos sobre la mesa.

Al retirarse debido a una oferta mejor de un tercero, Netflix ha recibido una jugosa comisión de rescisión por valor de 2.800 millones de dólares pagada por Paramount. O lo que es lo mismo, un pastizal por no hacer nada que se tradujo además en un aumento de las acciones de Netflix de un 10%, ya que los inversores valoraron positivamente la prudencia financiera de la compañía al evitar una adquisición costosa y compleja. Llegó a ofrecer 27,75 dólares por acción de Warner, pero Paramount se ha llevado el gato al agua al elevar la apuesta hasta los 31 dólares por acción.

Se abre ahora un nuevo periodo de incertidumbre, a la espera de conocer el impacto de estas operaciones financieras en la estructura, la composición humana y los proyectos de Warner, además de las consecuencias de la compra en los servicios de streaming de ambas compañías (HBO Max y Paramount+/SkyShowtime). A todo esto, nada se sabe de la famosa comisión antimonopolio, que no parece ver nada extraño aquí si bien la operación sigue bajo escrutinio regulatorio. Vivimos una era de cambios, veremos si son positivos.

Las nominadas a este año en la categoría de Mejor Película de Animación en los Óscar son: Elio de Madeline Sharafian, Domee Shi y Adrián Molina, Zootrópolis 2 de Jared Bush y Byron Howard, Las guerreras k-pop de Chris Appelhans y Maggie Kang, Little Amélie de Mailys Vallade y Liane-Cho Han Jin Kuang, y Arco de Ugo Bienvenu.

Si bien Elio también llega de Hollywood, firmada nada menos que por Pixar, ha sido la oveja negra de la compañía y se está comiendo los mocos en todos los festivales por los que ha pasado.

Sus muchos problemas de producción acabaron desembocando en una animación e historia genéricas, una propuesta sin alma que iba en piloto automático aunque apostara por una nueva propiedad intelectual.

Las dos películas de animación que se podrían llevar el Óscar

Pero Disney llegó para quitarnos las penas con Zootrópolis 2, una secuela continuista pero que era capaz de ofrecer la suficiente novedad y carisma como para que el público y la crítica hayan regresado a ella con ganas.

Hasta el momento, la cinta de Jared Bush y Byron Howard ya se ha llevado el BAFTA a la Mejor película de animación, augurándole un prometedor futuro en los Premios de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas.

De no ser porque Las guerreras k-pop es su feroz adversaria y la más directa. Desde su estreno en Netflix, la película de Sony Pictures Animation no ha hecho más que acaparar titulares, enamorando al fandom del K-Pop y al público ajeno a él.

Se ha convertido en la película de animación más premiada de todas las nominadas este año, sobre todo destacando por su música pero también como fenómeno mediático, así que parece la candidata más probable para alzarse con la estatuilla en los próximos premios.

En su haber ya cuenta con hasta 5 galardones en la categoría de Mejor película de animación para los siguientes certámenes: Globos de Oro, Premio Annie, Critics Choice Awards, Asociación de Críticos de Chicago y Círculo de Críticos de Nueva York. Y la lista podría seguir ampliándose si hablamos también de su querida y escuchada música.

El cine francés puede revolucionar los Óscar en 2026

Las guerreras k-pop tiene todas las papeletas para ganar el Óscar este 2026… O las tendría si el cine francés no hubiera presentado dos propuestas que han conquistado a todo el mundo, convirtiéndose en las únicas películas de la lista con una nota media superior al 7 en Filmaffinity.

Tanto Arco como Little Amélie pasaron por los Globos de oro y los BAFTA como nominadas aunque sin llevarse ningún galardón. Pero puede ser ahora cuando demuestren su poder en unos grandes premios.

Little Amélie, basada en la novela de Amélie Nothomb, nos presenta la delicada historia de una niña belga que nace en Japón y está ansiosa por descubrir el mundo, presentada con una evocadora animación en 2D de tonos pastel.

La cinta logró alzarse con el Premio del público en el Festival de Annecy y en el Festival de San Sebastián, pero también con el de Mejor largometraje de animación en la Asociación de Críticos de Los Ángeles, demostrando un gran interés por el filme sobre todo procedente de la audiencia.

Del mismo modo, Arco también nos presenta a una niña como núcleo de su historia, pero centrada en abordar cómo podría ser un utópico futuro lejano tras la crisis climática actual. Y, una vez más, recurriendo a la fuerza de la animación bidimensional.

Arco fue el largometraje de animación que logró arrebatarle el premio gordo a Little Amélie en el Festival de Annecy, y también el que consiguió llevarse los Premios: Annie a Mejor película independiente, National Board of Review a Mejor largometraje de animación, y Premio del Cine Europeo a Mejor film de animación.

La ternura en la exploración de la infancia en Little Amélie podría ser su característica más valiosa a la hora de que la Academia tome su decisión, pero el interés ecológico de Arco asimismo adquiere mucho poder.

Aunque, regresando a Las guerreras k-pop, si alguna tiene que ganar como fenómeno de masas y por su repercusión temática, debe ser ella. La balanza está muy equilibrada, tan solo hace falta saber el criterio que la hará inclinarse hacia un lado u otro.

Lo bueno es que muy pronto saldremos de dudas sobre cuál es la mejor película de animación del año, pues en España podremos disfrutar de la 98.ª edición de los Premios Óscar en la madrugada del domingo 15 al lunes 16 de marzo de 2026, que se celebrará en el Dolby Theatre de Los Ángeles.

Según ha informado Deadline, la quinta temporada será la última de la exitosa serie que pasó de arrasar (algunos galardones así lo muestran) a dejarnos indiferentes. ¿Cuántos de los entusiastas fans de las dos primeras temporadas acabaron la cuarta? Es probable que no muchos.

Este final vuelve a mostrar uno de los pecados más habituales en las series actuales: alargar hasta desmerecer a la idea original.

Creo que si The Bear hubiese acabado antes quedaría en la memoria colectiva como un hito de nuestra televisión actual, una serie a la que volver de vez en cuando. Pero esto seguramente no ocurrirá con las cinco temporadas, de las cuales al menos dos han sido algo menores y falta por juzgar la última. ¿Qué recuerdo quedará de The Bear? La de una serie venida a menos a pesar de contar con tantos aciertos.

En el lado opuesto podemos encontrar otra serie distribuida a través de la misma plataforma: Andor. Dos temporadas con sus propias tramas compactas y perfectamente cerradas. Quizá distintas, pero en ningún caso menores. No sé el resto, pero estoy seguro de que volveré a ver esta serie a no mucho tardar.

Está claro que aquí influyen las políticas de cada major, no es lo mismo un producto de Lucasfilm que de FX. Y cada showrunner cuenta con su limitada libertad. Pero el caso de The Bear me parece otro buen ejemplo de cómo muchas series se extienden hasta apagarse y pasan de ser referentes a que realmente no importe demasiado que anuncien su final.

Estos años vemos que la concentración de compañías en corporaciones gigantescas sigue aumentando. Es algo que no atañe solamente al sector del entretenimiento, también podemos observarlo en las tecnológicas, con empresas como Meta y sus distintas redes sociales, Amazon con plataformas y periódicos, el conglomerado de Elon Musk… A veces es por simple supervivencia de las compañías y otras son movimientos para tener un mayor control del mercado.

Pero las empresas no son entes objetivos y abiertos a cualquier perspectiva. El término cultura de empresa no le es ajeno a nadie y conlleva muchas cosas: un modo de ver el negocio, ideología, márgenes en los que moverse, que un área no contradiga a otra.

Paramount, Disney, Warner, Netflix, A24… Al pensar en cualquiera de ellas sabemos que hay algo que no harían, unos límites culturales y de negocio que no siempre son los mismos. Pero ¿qué pasaría si compartiesen los mismos valores? Que habría un cine que no se rodaría. Y eso es inevitable en cualquier horizonte donde se viva una gran concentración de compañías bajo la misma marca.

Es iluso pensar que una empresa como Warner, con toda su grandeza histórica, no vaya a vivir un proceso en el que sus producciones se tengan que adaptar a un nuevo contexto.

Los aficionados al cine seguiremos perdiendo variedad, miradas distintas y pluralidad artística. La falta de heterogeneidad se acentuará. Ya ni hablamos de riesgo, algo que cada vez se destila menos en el cine de Hollywood.

Está claro que cualquier persona conocedora de la actualidad te puede decir si prefiere que Warner sea de Paramount o Netflix, pero también es probable que admita que la concentración no es buena para la variedad creativa e ideológica de la industria del cine.

Ya desde su mismísimo arranque da un puñetazo sobre la mesa dejando claro el altísimo nivel de sus valores de producción y su voluntad de conmover a la audiencia, a la que vapulea con un golpe de efecto bestial con la ayuda claro está, del salto temporal hacia el futuro, que nos emplaza a uno de los eventos más traumáticos del siglo XX.

"La familia muchas veces es el refugio en la tormenta, y otras veces es la propia tormenta"

La cinta supone el final definitivo de la historia de Tommy Shelby, a tenor de lo expresado por su creador, Steven Knight, que prepara una despedida épica para un personaje que trascendió la pantalla para convertirse en un icono popular. La duda que nos queda es si, con la espectacular presentación de personajes nuevos que van a desembarcar en El hombre inmortal, no estaremos ante el inicio de nuevas historias que se desarrollen en el mismo universo ficcional, aunque cambiando el foco central. Algo deseable, ya sea en nuevas películas que exigirán una dosis de paciencia extra o en formato seriado.

A los hechos nos remitimos: se incorporan al reparto estrellas del calibre de Rebecca Ferguson, Barry Keoghan, Tim Roth o Jay Lycurgo. Vaya por delante que Keoghan es en realidad un recast interpretando el papel de Duke del que se hizo cargo Conrad Khan en la sexta temporada de la serie pero, sea como fuere, es un fichaje excepcional si tenemos en cuenta la carrera de este intérprete que nunca pasa desapercibido.

También es fácil predecir que éste no será un aldabonazo a Peaky Blinders si tenemos en cuenta el "hambre" de más que hay entre los espectadores, que han esperado este proyecto desde 2022, ávidos de conocer cómo se desarrollará la historia en los años 40, con la Segunda Guerra Mundial asolando Europa.

Shelby regresará de su propio autoexilio a una Birmingham bombardeada y sumida en el caos para lidiar con el comportamiento temerario de su hijo, nuevo líder de la banda en un contexto que recuerda a la violencia de 1919. La película trazará un diálogo entre el pasado y el presente del personaje, por tanto.

Pero los conflictos no se van a quedar delimitados en el ámbito doméstico ni el local. La trama de El hombre inmortal abocará a Shelby a tomar decisiones que podrían marcar el destino de la nación contando con una enigmática agente del MI6 llamada Eleanor Blackwood como enlace.

El irlandés Cillian Murphy, en la cresta de su popularidad tras recibir el Óscar por su papel en Oppenheimer y retomar su papel en la popular saga 28 años después, va a ser un personaje central con una dificilísima misión: decidir si abraza o quema su legado. El destino de Shelby estará sellado en esta ficción, pero qué improbable parece que sea el canto del cisne de la saga en su conjunto. Aquí hay demasiado talento involucrado como para suponer un punto y aparte y la audiencia, manda. Serán los números los que decanten de qué lado cae la moneda.

Entre los temas tratados encontrábamos la inestabilidad familiar, las personalidades opuestas de los integrantes del hogar, la presión escolar, el paso de la infancia a la adolescencia y de la adolescencia a la madurez y el amor entre los miembros del clan, a pesar de sus locuras y dificultades. El enfoque era bastante atrevido, con gags en los que el humor políticamente incorrecto estaba muy presente.

El punto de partida era la vida del propio creador de la serie, Linwood Boomer, que hacía hablar a su protagonista Malcolm directamente a la cámara rompiendo la cuarta pared y mostrando a menudo sus irónicos comentarios sobre su desgraciado día a día. Con estos mimbres las influencias están muy claras: desde Salvados por la campana (1989-1992) hasta Boy Meets World (1993-2000) pasando por la magnífica Parker Lewis nunca pierde (1990-1993) aunque con una capa extra de sátira.

La cancelación vino después de una significativa bajada de audiencia que hizo que pasara de promediar 15 millones de espectadores a contentarse con 10 en la última temporada. El paso del tiempo, no obstante, ha hecho posible una gran reunión que nos procurará nuevos episodios que llegarán a Disney Plus muy pronto. Concretamente el 10 de abril, con 4 nuevas entregas que abordarán la vida de los integrantes de la familia 19 años después. Y la promesa es que traerá de vuelta su humor extremo e irreverente. ¿Podemos creerlo? Porque, honestamente, hay algunas bromas que a día de hoy parecen inimaginables...

Frankie Muniz volverá a meterse en la piel de Malcolm, acompañado por Bryan Cranston, Christopher Masterson, Jane Kaczmarek y Justin Berfield, quienes regresan como Hal, Francis, Lois y Reese, respectivamente. En verdad todos vuelven, con la única excepción de Erik Per Sullivan, que dejó la interpretación en el año 2010 y será reemplazado por Caleb Ellsworth-Clark en el papel de Dewey en este esperado revival.

A pesar de tener como título original Malcolm in the Middle: Life's Still Unfair , algo así como "la vida sigue siendo injusta", en castellano se ha optado por Malcolm: De mal en peor que ya nos da unas pistas sobre el calvario que le va a tocar pasar al protagonista cuando tenga que ir a ver a sus padres a la fuerza para la celebración de su 40 aniversario. Otra de las grandes novedades es que no se reencontrará con los demás miembros de la familia Wilkerson en solitario: lo hará acompañado de su mujer e hija. ¿Serán sus aliadas o se dedicarán a darle caña de manera inmisericorde?

Recordemos que uno de los elementos más característicos de la serie era el humor físico y salvaje, a menudo con resultado destructivo. Así, era recurrente que Reese fuese golpeado, quemado o humillado de alguna manera y que Lois terminara gritando y mostrando su ira de una manera solo igualable a la madre de la coetánea Todo el mundo odia a Chris. También era un elemento de hilaridad característico la torpeza de Hal y su tendencia a obsesionarse con problemas sencillos que acababan en desgracia y su apasionada relación con su esposa, que resultaba estomagante para sus hijos. El avance da pistas de que todo eso estará de vuelta, aunque veremos si en la misma intensidad que antaño.

En resumidas cuentas, puede que un síntoma de buena salud es que nos presenten ahora un regreso breve que capte las señas de identidad de la serie y nos haga recuperar el aspecto nostálgico del reencuentro, sin pretender estirarlo de más. Todos los indicios que han trascendido del proceso de grabación van en la línea de que se ha hecho un buen trabajo y que los intérpretes han disfrutado de su tiempo juntos, volviendo a un universo ficcional que en buena medida marcó sus carreras. Lo bueno, si breve...

¿O tal vez no?

La cuestión con la gala de los Goya es que desde que tenemos redes sociales hay muchas personas que se han convertido en críticos de galas. Gente que únicamente escribe sobre ellas para decir lo que no le gusta y pedir cosas que son imposibles.

La única ceremonia de los Goya realmente distinta fue la del covid, por fuerza mayor, con los nominados en sus casas conectados a través de videollamada, el resto siempre sigue un patrón.

Con los Goya, al igual que con los Óscar, debemos asumir que hay aspectos que no pueden cambiarse. Al menos de un año para otro. Es un formato muy estandarizado que en los términos actuales requiere ser largo. No va a variar de un año al siguiente lo que no lo ha hecho durante décadas.

Muchos premios, actuaciones por medio, el discurso del presidente de la academia, el in memoriam, premiados que se alargan en sus agradecimientos… Es lo que hay.

Claro que esto lo sabemos todos, pero es el mejor momento para criticar. Se aprovecha la coyuntura para lanzar quejas sobre la calidad de las películas españolas, las subvenciones y, por supuesto, cualquier posicionamiento político.

Cuando hay una gala de entrega de los Premios Goya las redes se llenan con más odio del habitual. Ahí cada uno decidirá si es mejor contestar, argumentar o ignorar. Se haga lo que se haga, da lo mismo, porque en 2027 la ceremonia volverá a ser muy aburrida, injusta y mejorable. Y en 2028 también. ¿Verdad?

El imaginario colectivo, no obstante, parece habitual concretar la figura del presidente de los Estados Unidos en una persona de mediana edad, con un pasado más o menos heroico (ni siquiera Viola Davis se desligó de este cliché en G20 aunque rompió el del género) y con unos firmes valores que definen su ideario político y su conducta intachable.

Donald Trump ha venido a dinamitar todo eso. El actual presidente de los Estados Unidos cuenta con tres condenas: por falsificación de documentos para ocultar pagos electorales, por manipulación de valores de activos inmobiliarios y por abuso sexual y difamación a E. Jean Carroll. Otros dos procesos fueron desestimados tras tomar posesión de su cargo.

La alargada sombra de los archivos Epstein le persigue y ésta es solo la punta del iceberg de la precaria e insólita situación que atraviesa una administración en permanente crisis interna e internacional que no ceja en su empeño de recuperar su posición de primera potencia predominante aunque sea a base de arancelazos, misiones militares de dudosa legalidad y maniobras empresariales siempre a favor de su propia cartera.

Con estos mimbres los guionistas se rascan la cabeza pensando cómo demonios van a sorprender a los espectadores que tienen servido un espectáculo dantesco cada vez que ponen el telediario. Los titulares van de escándalo en escándalo inhabilitando todas las vías: cuesta tomarse en serio la política, más difícil todavía utilizarla como medio para abrir un sano debate e imposible tomarla a chanza cuando está en el poder un presidente meme, que lo mismo se inventa países africanos como ¿Nambia? como sugiere que la población inmigrante se alimenta de animales domésticos o que el COVID-19 puede tratarse con inyecciones de desinfectante y rayos ultravioleta. Realmente, le quitaría el trabajo a los cómicos si fuese gracioso y no tuviera un impacto tan letal con sus declaraciones y decisiones.

El efecto en lo que a la ficción se refiere ha sido el de la desactivación. Probablemente la serie más preclara y que nos trajo una figura política más parecida a Trump fue la muy recomendable, aunque también dolorosa, Years and Years a través del personaje interpretado por Emma Thompson. El plano político se desplazaba al Reino Unido, pero el contexto, las formas y la deriva resultaban visionarios.

Parece improbable que llegue una historia tan ácida e incisiva en un futuro inmediato. Nos quedan dos vías: el thriller, tal y como propone la recién estrenada El agente nocturno y que sigue la senda de Día Zero o Rehén, centrándose en la aventura y un tono ligero y el revisionismo histórico, que es a veces la fórmula más inteligente para hablar del presente desde el pasado. Es la forma que ha adoptado Anatomía de un instante en la producción patria y abre una interesantísima puerta a una comprensión más profunda de los barros que han traído estos lodos en los que nos movemos hoy.

Fue el Dr. Ian Malcolm, interpretado por el actor Jeff Goldblum en la película de 1993 Parque Jurásico quien dijo que "la vida se abre camino". En buena medida, lo mismo sucede con la realidad política en la ficción. Se abre camino de un modo u otro y encontrará el lenguaje para dialogar con los ciudadanos, aunque se lo estén poniendo realmente difícil.

A finales de diciembre del año pasado aterrizó en la cartelera estadounidense la nueva película de Chloé Zhao con Jessie Buckley y Paul Mescal basada en la novela de Maggie O'Farrell sobre la muerte de Hamnet, el hijo de William Shakespeare que dio origen a la tragedia de Hamlet.

Vamos, que esta película es lo viene siendo un drama. ¿En su ficha pone que sea una comedia dentro de su género? No. Porque la cosa va de llorar. Aún así, la gente que ha ido a verla se ha empeñado en subrayarlo y compartirlo en TikTok, por si no lo habíamos pillado.

Un vacío tras la viralidad de Hamnet

Hacia principios de año estuvimos viendo cómo se fueron haciendo cada vez más virales los vídeos de reacción a Hamnet, pero esta tendencia no tardó en encadenarse con otra, repitiendo la fórmula con otros géneros.

Acaba de pasar con el drama romántico Cumbres borrascosas de Emerald Fennell, que aterrizó en la cartelera la semana pasada ofreciendo una respuesta similar en TikTok. E incluso ocurrió con el thriller psicológico La asistenta de Paul Feig, que dejaba a la gente flipando… o a las mujeres nerviosas porque sus maridos vieran durante dos horas a Sydney Sweeney.

Por supuesto, grabarse probando la obviedad no aporta ningún contenido de calidad, no genera conversación, no es una crítica o una opinión. Es una reacción vacía que ni siquiera puede medirse como sentimiento cuando lo que estamos viendo es a la gente impostando sus emociones delante de sus teléfonos móviles, limitándose a realizar una performance viral.

El fenómeno de Hamnet en redes sociales no nos dice nada nuevo de la película, tan sólo aporta a la propia bola de nieve de seguir un reto instigado por la constate exposición del público a él pero que terminaremos olvidando en unas pocas semanas.

Hamnet es el nuevo Barbenheimer

Salvando las distancias pero con una filosofía similar detrás, lo de Hamnet recuerda a lo ocurrido con el sonado Barbenheimer en 2023, cuando la gente se vistió de rosa o con traje y corbata para ir a ver el estreno en cines de Barbie de Greta Gerwig u Oppenheimer de Christopher Nolan.

Ambas cintas llegaban a la cartelera en el mismo día y movieron a la audiencia a posicionarse por una o por otra propuesta, con la inevitable necesidad de compartir con el resto del mundo su elección en redes, engrandeciendo un fenómeno que no era más que una divertida coincidencia.

Mucha gente ni siquiera habría ido al cine de no ser por el Barbenheimer, animándose entre sí para disfrutar de lo que ya había pasado a convertirse en uno de los eventos del año. Y, ahora, me temo que está ocurriendo lo mismo.

¿TikTok te conecta con el cine?

¿De verdad la gente quiere ver Hamnet o tan sólo compartir su experiencia lacrimógena en TikTok? A juzgar por la ingente cantidad de vídeos con el antes y el después, me inclinaría pensar que muchas personas tan sólo se han acercado a las salas para formar parte de este momento.

Quizá ni siquiera conocieran la película de Chloé Zhao antes de verla en TikTok, o pensaran verla algún día en streaming, pero optaron por ir al cine para poder estar bajo el fenómeno de masas. Y esa es la otra cara de la moneda, que también genera preguntas nuevas.

¿Vamos al cine a disfrutar de manera individual o en compañía, o vamos al cine a compartir con el mundo entero, a crear una narrativa paralela a raíz de la cinta? ¿Aumenta nuestra conexión con el filme o la aleja?

No estoy segura de las respuestas, porque no he explorado desde dentro esa experiencia ni he sentido el impulso de hacerlo ya que, si voy al cine, mi foco principal es ir a ver una película en un espacio destinado a ello, pero no creo que sean incompatibles, tan sólo diferentes enfoques a la propuesta tradicional.

Eso sería el sentirte atraída por un largometraje que desconocías y que las redes sociales te muevan a acercarte a una sala, haciendo una gran celebración del drama aunque seas la última en llegar a la moda pero aún así formar parte de ella.

Ver la propuesta sabiendo de antemano cómo se espera que reacciones a ella y montarte tu propia película. Congelar el momento para que no seas la única que reconozca esta vivencia que acabas de tener con Hamnet, con Cumbres borrascosas, La asistenta, o la que sea que llegue después.

¿Me ha convencido el tráiler? No del todo. Es infinitamente mejor que el teaser de la semana pasada, pero sigue sin contar demasiado y no me quita esa sensación de "episodio largo" que tenemos muchos. Más allá del cameo de Martin Scorsese, se está dando poca atención a aspectos que, sinceramente, me parecen mucho más importantes.

De hecho, me sobra bastante este anuncio a bombo y platillo de un cameo de Martin Scorsese: primero porque es algo que prefiero descubrir a posteriori, ese tipo de detalle a lo "¿a que no sabes quién da vida a X personaje?". Un buen ejemplo es el cameo de Daniel Craig en El despertar de la Fuerza, mientras los vistazos entre bastidores oficiales reventaban el de Simon Pegg...

Y, por otro lado, aunque son franquicias distintas, Martin Scorsese ha sido un director muy crítico con los blockbusters en general, y el Universo Cinematográfico de Marvel en particular, por las millonadas que se invertían en su producción, pero ahí lo tienes, saliendo en uno. Esto es Hollywood, consolega.

Bueno, vamos a por los dos detalles que me parecen bastante más interesantes en este tráiler de The Mandalorian and Grogu. Hay poca historia y mucha pirotecnia, pero a los fans seguro que les ha llamado la atención algo más profundo.

​Embo llega a acción real

El primer detalle que quiero destacar es el más evidente. The Mandalorian and Grogu supone el salto de uno de los cazarrecompensas más llamativos de Star Wars a acción real: Embo, el cazarrecompensas kyuzo que conocimos en The Clone Wars y que hemos visto en series como Star Wars Rebels y algunas publicaciones editoriales.

Aunque no es tan conocido como Cad Bane o Aurra Sing, Embo es un personaje lo suficientemente enigmático como para dar juego, y parece que va a hacer gala de bastante crueldad en la película de Jon Favreau.

Embo es un personaje interesante que encarna esa fusión tan warsie de elementos de la cultura asiática con la occidental, desde su gran sombrero redondo a la ballesta que usa como arma principal.

Favreau y Dave Filoni se han especializado en llevar a personajes de las series de animación a acción real (o animación fotorrealista). En The Mandalorian and Grogu también tendremos a Garazeb "Zeb" Orrelios, aunque ya le vimos al final de la temporada 3 de The Mandalorian.

Gracias por todo, Carl

El otro detalle es más emotivo. Hacia el minuto y 39 segundos del tráiler, una señal sobre una puerta —o lo que antes era una puerta— puede pasar fácilmente desapercibida para ojos profanos, más que nada porque está escrita, como casi todo en la saga, en aurebesh.

Pero ese idioma no es complicado de traducir al inglés gracias a que tiene un abecedario completo. La señal reza "Weathers Apollo", en homenaje a Carl Weathers, el actor y director que dio vida a Greef Karga en The Mandalorian y que falleció en febrero de 2024. El Apollo, claro, alude a su famoso personaje Apollo Creed, en la saga Rocky.

El tributo al actor es, sin duda, muy fácil de pasar por alto, pero los fans de Star Wars no han tardado en hacerse eco para que todo el mundo sepa que está ahí, a la vista de todos, al más puro estilo de la saga.

Greef Karga fue un personaje recurrente en The Mandalorian y dio un hogar a Din Djarin y Grogu en Nevarro para que descansasen de sus aventuras, por lo que su legado permanece vivo en la película.

Sin ser un mal tráiler, me habría gustado menos fan service y más motivos para ir al cine, porque The Mandalorian dejó alto el listón visual y buena parte del público puede no encontrar razones para no esperar a verla en Disney+. ¿Qué te ha parecido a ti el tráiler de The Mandalorian and Grogu?

Eso ahora es agua pasada, claro. El episodio 3 y un prematuro episodio 4, gracias a la Super Bowl, han puesto a sir Duncan el Alto y Egg a tono, pero la cosa ha estado cerca de convertirse en un problema que George R. R. Martin vio venir de lejos.

Pero lo de hacer caso al autor neojerseíta no está en el manual de estilos de HBO Max, por si la gresca que tuvo en 2024 tras el estreno de la temporada 2 de La casa del dragón no dio pistas sobre ello. El showrunner de El caballero de los Siete Reinos, Ira Parker, explicó hace semanas que George R. R. Martin quería que El caballero errante fuera una película.

En HBO Max, y el propio Parker, se llevaron las manos a la cabeza y descartaron del tirón adaptar los Cuentos de Dunk y Egg en largometrajes, y la cosa les pudo salir cara. En esencia, Martin tenía razón. A partir de aquí vienen spoilers.

La estructura narrativa de El caballero errante es conflictiva para un largometraje

El primero de los relatos de las aventuras de sir Duncan el Alto y Egg ha demostrado tener problemas importantes de ritmo en su arranque, y el mayor de todos es que la van a comparar con Juego de tronos sí o sí.

Pero no todas las series pueden empezar con decapitaciones, suspense, incestos e intentos de infanticidio. Sí que es cierto que un golpe de efecto en el primer episodio es necesario siempre: llámese presentar a Baby Yoda en sociedad en The Mandalorian, una muerte inesperada o una gran revelación.

El primer episodio de El caballero de los Siete Reinos no solo carece de golpes de efecto, sino que no explota el auténtico potencial de la serie: la dinámica entre sus dos protagonistas, ni saca partido al mensaje afín a los valores de la caballería medieval.

La serie arranca con una presentación lenta que, de hecho, dura dos capítulos, aunque en el segundo la cosa mejora poco a poco. Para los lectores de los libros, era de esperar y, en general, se lleva razonablemente bien, pero hay un amplio sector del público que ve El caballero de los Siete Reinos "porque es Juego de tronos".

Es a ese sector al que la estructura de la serie le ha fallado. Es fácil dejar una serie tras uno o dos episodios si no nos convence. En su día, tuve que empezar Breaking Bad dos veces porque los primeros episodios no me engancharon, por ponerte un ejemplo.

Luego, huelga decir que me bebí el resto de la serie. Pues es muy posible que haya gente a la que le haya pasado lo mismo con El caballero de los Siete Reinos. Y habrá quienes no vuelvan hasta dentro de mucho, si lo hacen.

Una película habría fluido mejor

Un largometraje se resiente menos con un ritmo lento al principio. Tampoco pasa nada si le metes un poco de pimienta al arranque, pero al ser un visionado continuo, la sensación de que el nivel va subiendo es más evidente que si tienes que esperar una semana entera para ver otra media hora.

También habría permitido que se prescindiera de aspectos innecesarios como cierta escena escatológica que hasta escandalizó a George R. R. Martin, ya que habría hecho falta ese tiempo para cosas más importantes.

Al no saber quién es realmente Egg ni cómo la cosa va a ir mejorando, bajarse del barco se hace más sencillo para quienes no leyeron El caballero errante previamente.

Ojo, que a HBO Max le ha salido bien la jugada, pero eso no le quita razón a George R. R. Martin en este particular. Nadie conoce mejor la historia que él, y sabe cómo debería contarse. En lo de que debería terminar de una santa vez Vientos de invierno no estamos tan de acuerdo, pues parece decidido a embarcarse en cualquier cosa menos en eso. Total, solo llevamos 15 años esperando...

Cuando sí, es importante saber cuándo parar. Generalmente, estirar demasiado la goma hace que se rompa pero también es cierto que resulta casi irresistible intentar replicar aquello que sabes que, al menos una vez, dio en el blanco. Cuanto mayor la audiencia, mayor también la tentación. ¿Cómo no querer volver a acariciar la gloria?

Eso sí, como no hay fórmulas mágicas (ni siquiera el maldito algoritmo sabe decirnos qué es lo que hay que hacer para atrapar dos veces un rayo), la cosa se complica. Me explico con varios ejemplos muy ilustrativos.

Nadie podía predecir que El juego del calamar iba a convertirse en una auténtica sensación en streaming... ni siquiera su propio creador, que no la concibió como una temporada sino como un relato más o menos cerrado y coherente en sí mismo. Las temporadas 2 y 3 han sido una coda que no ha conseguido aportar nuevos elementos al conjunto. Lo que quiso decir, lo dejó claro en su trabajo primero, de manera elocuente de hecho. Lo demás, por mucho que nos haya podido entusiasmar a nivel de diseño de producción, de ampliación de escala o de incorporaciones interesantes al reparto, no ha sido precisamente novedoso sino un poco más de lo mismo. Y lo que te rondaré, morena, con la nueva versión estadounidense, el reality y lo que se les ocurra...

Qué decir de Stranger Things, que ha estado dando vueltas en círculo sin que los Duffer se hayan atrevido a poner en verdadero peligro a sus personajes, olvidándose de otros y dándole carpetazo a la serie subrayando las tramas más obvias.

Otra serie recurrente en sus formas y sus mensajes es Los Bridgerton. Si la primera temporada resultó, como poco, pícara y hasta audaz en su manera de aunar géneros rompiendo moldes y creando escuela, cuatro temporadas después podemos decir a las claras que ya estamos un poco hartos de ver todo el tiempo lo mismo. Ni escandaliza, ni es provocadora porque repite patrones tan reconocibles como anodinos. Eso sí, sigue funcionando como un tiro así que, mientras le llegue el oxígeno para avivar la llama del interés, no variará un ápice.

La casa de papel es quizás el ejemplo más puro de esta tendencia de la que estamos hablando. Una forma poco o nada sutil de replicarla era crear un spin-off y, para eso, había que escoger al que seguramente era el personaje más impredecible y extravagante del conjunto de los atracadores: Berlín. Pero, en esencia, estamos ante una estructura casi idéntica: el líder, el grupo, el golpe, el truco final. A eso hay que sumarle las versiones de otros países y las imitaciones más o menos burdas, que también las hay.

Sus creadores pensaron que podían tomar el esquema y trasladarlo a un nuevo ecosistema de personajes en un emplazamiento un poco más exótico que les permitiera bucear por temas candentes como la manipulación de masas o el miedo a un apocalipsis. Así nacería El refugio atómico, flor de un día, que despertó interés pero se agostó de forma muy precipitada.

Es una realidad: los espectadores demandan novedades, se cansan de ver siempre lo mismo incluso en universos ya conocidos. Ahí está el éxito de El caballero de los siete reinos. Los cuentos de Dunk y Egg se concibieron en un tono más liviano con la idea de aligerar la carga dramática y disfrutar del universo de Canción de hielo y fuego desde un nuevo prisma. Hay que reconocerle a George R. R. Martin el tino a la hora de "refrescar" su propia creación y hacer posible un espacio más ameno (que no exento de su sello identitario).

La cuestión es que, cuanto más va el cántaro a la fuente, más probabilidades hay de que se rompa. Ahí está uno de los grandes retos de hoy: sobreponerse al éxito y no sucumbir a la tentación de caer en el bucle. Y se puede: Gillian Anderson demostró que era capaz de superarse incluso quedándose en el mismo universo de Breaking Bad desarrollando su spin-off Better Call Saul y ahora se ha pasado a la ciencia ficción de forma brillante con Pluribus. Es solo una cuestión de apostar por lo nuevo: de base es más arriesgado, pero permite no tener que lidiar con el hartazgo de la audiencia.