Martin era un conocido escritor entre los aficionados por sus distintas novelas de ciencia ficción, terror y algunos relatos que suelen incluir entre los mejores del género en el siglo XX. Pero su carrera ya daba lo mismo, una vez se estrenó la serie sería para todos el autor de Juego de tronos.

En todo caso, es un universo que no ha dejado de crecer y hay varios spin-off de los que se han firmado más temporadas. El universo de Canción de hielo y fuego va para largo en cuanto a producciones, queda por ver si también a nivel de calidad. No es una apuesta arriesgada, hay multitud de fans esperando esas nuevas series y no paran de decirlo en redes sociales.

Pero en mi caso voy por un camino distinto. He sido seguidor de los libros, aunque hoy día no sé si leería Vientos de invierno. Los años han pasado y no me apetece volver la saga literaria, pero si hay algo que no olvido son sus otras novelas, las que no eran de fantasía y a mí me interesaron mucho más.

Hablo, por ejemplo, de Muerte de la luz o Sueño del Fevre, dos novelas que tienen un imaginario claramente adaptable al cine. La primera es una historia de acción en un planeta de órbita errante que se aleja de su sol. Las poblaciones e infraestructuras están casi deshabitadas. Llena de nostalgia y de trama ágil, es una novela para devorar.

Sueño del Fevre es una historia de vampiros y barcos de vapor a mitad del siglo XIX. Con un contexto interesante y la mezcla de géneros tan impactante, funciona de maravilla para los fans del terror.

A veces me pregunto si Martin es un gran autor en términos de calidad, pero no tengo dudas de que es un creador de imaginarios más que atractivos. Y estas dos novelas son un gran ejemplo.

Quizá es pedir mucho que la industria se fije en lo que a uno le gusta y no en las bazas que dan como seguras para obtener beneficios, pero bueno, siempre nos queda pensar que la fama de Martin también da para que se profundice algo más en su obra, más allá de Canción de hielo y fuego.

Si estás leyendo este artículo, te animo a que busques las novelas: son entretenidas, están bien escritas y, ejem, son autoconclusivas.

A menudo ponemos el foco en qué verán: en la calificación por edades, en los valores que defienden las películas y la impronta que pueden dejar en ellos los relatos a las que les demos acceso. Esto es básico, por supuesto, y un ejercicio de supervisión que no debemos dejar de hacer nunca, pero también es importante el cómo se desarrollan estas experiencias en función de cada momento de su desarrollo y sus necesidades específicas, que varían en función de cada niño.

Vaya por delante que ya hay cines que han ido apostando por las llamadas "sesiones teta", normalmente de carácter matinal y destinadas a progenitores con niños lactantes. Es decir, que estas proyecciones intentan ser "amigables" y favorecer a las familias para que puedan conciliar el ocio y el cuidado de los niños.

Esta iniciativa original surgió en España gracias al impulso de matronas y enfermeras de centros de salud, y actualmente la ofrecen de forma periódica diversas cadenas y salas independientes contando con algunas características muy interesantes:

• Horarios y precios especiales
• Espacios adaptados para poder dejar los carritos en una zona en la que no dificultan el paso
• ​Acceso fácil a cambiadores
• ​Ambiente social de empatía y comprensión (a nadie le molesta un llanto, un balbuceo o un movimiento respetuoso por la sala)
• ​Luz tenue para facilitar los traslados en caso de necesitar atender a los bebés, alimentarlos o cambiarlos
• Volumen suave para evitar molestias en los oídos de los lactantes
• ​Temperatura regulada para que ni el aire acondicionado ni la calefacción generen corrientes de aire ni haya molestias

Ahora bien, si nos centramos en los pequeñines no ya como seres dependientes sino como espectadores, hay dos grandes mejoras que vengo echando de menos, como madre, espectadora y prescriptora de experiencias para mi propia hija, desde hace mucho tiempo.

La primera de ellas es que tengan acceso al cine en igualdad de condiciones a cualquier otro espectador: pagan su entrada y merecen disfrutar igual que los demás, así que... ¡que haya alzadores suficientes! Cuando eso no sucede se dan dos situaciones a cuál peor: que el niño se quede hundido en la butaca y termine aburriéndose, de modo tal que acabará distrayéndose sin hacerle caso a la pantalla e incordiando a todo el mundo que esté alrededor o que trepe a uno de sus padres o adultos de referencia, con resultado similar al anterior.

La otra cuestión también es bastante básica, pero nunca parece tenerse en cuenta: la sensibilidad de los niños al sonido es muy diferente a la de los adultos. Debería estar muy bien calibrado para evitarles molestias y no hay que tener un doctorado para darse cuenta de que en la mayoría de las ocasiones se pasa de la raya: los niños salen de la sala hiperestimulados, hablando a gritos, con dificultades para oír, zumbidos o un pitido constante e incluso piden tapones para amortiguar los ruidos antes de entrar en la sala porque ya saben lo que se les viene encima.

Se considera que el volumen del cine es excesivo para los niños si se llegan a superar los 80-85 decibelios (dB) de forma continua, aunque las salas comerciales alcanzan a menudo picos de hasta 100 dB y nos dejan atronados incluso a los adultos.

Como estoy echando casi la carta a los Reyes Magos pediría una tercera mejora, que es la que veo más complicada de cuadrar: que se favoreciera el visionado de las películas en versión original en los pases de películas infantiles. La mayoría de las proyecciones en VO en salas comerciales están destinadas a público adulto y se dan en pases tardíos. Pero ellos también tienen derecho a educar el oído en otros idiomas y es algo vital de hecho en sus primeras etapas de desarrollo.

Hasta aquí puedo leer... ellos son el futuro y nosotros los encargados de que sea el mejor posible así que a ver si hay suerte, estas líneas caen delante de los ojos adecuados y empezamos a ponernos manos a la obra.

No obstante, de un tiempo a esta parte, se están realizando producciones de mejor calidad que contentan tanto al fan más veterano como al que acaba de adentrarse en el mundillo.

El mejor ejemplo lo tenemos en One Piece, la serie de imagen real de Netflix que, a pesar de sus diferencias con la obra original (completamente comprensible dado su extensa duración), sabe mantener la esencia plasmada por Eiichirô Oda en el manga (también ayuda que el propio autor esté involucrado en el proyecto, las cosas como son).

Es por ello que respiré algo más aliviado tras saber que Masashi Kishimoto, creador del manga de Naruto, supervisará su adaptación cinematográfica, pues espero que sea una versión tan buena como la de One Piece.

También me da muy buena vibra el director encargado del proyecto, Destin Cretton, pues había visto previamente Shang-Chi y la leyenda de los Diez Anillos y me gustó mucho cómo había plasmado las escenas de acción, todo un homenaje a las películas míticas de artes marciales protagonizadas por Jackie Chan, Bruce Lee y otras grandes estrellas asiáticas del género.

Sin embargo, esta buena vibra se ha convertido en convicción absoluta tras contemplar la maravilla que ha realizado con su último largometraje, Spider-Man: Brand New Day.

Destin Cretton promete ser la elección perfecta para adaptar Naruto en la gran pantalla

Como buen fan de Spider-Man que soy, el pasado 29 de julio estuve en el cine a primera hora para ver Spider-Man: Brand New Day en la gran pantalla, la cual disfruté muchísimo.

Me resulta complicado hacer un ranking, porque la etapa de Tom Holland me ha encantado (y Spider-Man: No Way Home me sigue pareciendo una maravilla a pesar de sus notables agujeros de guion), pero desde luego esta entrega se encuentra entre mis predilectas.

Su director, Destin Cretton, ha tratado con mucho mimo al personaje dando al fan de toda la vida multitud de referencias a los cómics de Marvel. Y sus secuencias de acción me han dejado con la boca abierta, tirando más de efectos prácticos que de CGI y mejorando con creces lo que vi en Shang-Chi y la leyenda de los Diez Anillos y que tanto me gustó en su día.

Si continúa con ese estilo (y es de esperar que así sea), estoy convencido que el live action de Naruto será una adaptación más que excelente que rompa un poco con la maldición que se estilaba tanto en la gran pantalla. Cretton prometió que la cinta mostrará una versión muy cercana al manga de Masashi Kishimoto, por lo que espero que veamos algo similar a lo que plasma Netflix con su serie de One Piece.

Por supuesto, soy consciente de que, por muy buen director que esté demostrando ser, el proyecto puede salir rana (cuántas veces una película ha sido terriblemente mala a pesar de ser llevada por un cineasta de renombre, y a veces más por culpa de los estudios que del director...), pero quiero ser optimista y confiar en que tendremos una película de Naruto digna de ver en la gran pantalla. Y, con suerte, más entregas de Spider-Man dirigidas por Destin Cretton.

Y luego está Jason Statham, que lleva casi toda su carrera en el cine interpretando a un tipo de héroe muy específico casi de forma continua. Distintos nombres, diferentes historias y trasfondos, pero la esencia de muchos de los personajes de Jason Statham es la misma.

El actor británico tiene una clara tendencia a interpretar a veteranos muy capacitados que tratan de llevar una nueva vida. Sus personajes pueden ser exmiembros de las fuerzas especiales, antiguos agentes gubernamentales o asesinos con una larga lista de enemigos a sus espaldas.

Da igual, Jason Statham casi siempre empieza sus películas con una nueva vida que pronto se irá al garete. A veces es porque sus antiguos enemigos o aliados reaparecen y su pasado, de forma inevitable, lo alcanza. Otras es porque algo sucede que lo obliga a reconectar con sus viejos hábitos. Por ejemplo... un secuestro de alguien cercano.

Y ya está liada. A partir de ese momento, sean los motivos que sean, Jason Statham está autorizado moralmente por el público para iniciar un concierto en dolor sostenido contra la imprescindible oleada de esbirros que el villano de turno lance contra él.

Desde Transporter, casi todas las películas en solitario de Jason Statham han compartido un patrón similar que podría haber generado tedio entre los espectadores...

Pero nos encanta ver a Jason Statham repartiendo estopa

Hay algo fundamental en las historias que adoptan la mecánica del "ejército de un solo hombre". No son argumentos novedosos en absoluto; el cine de acción moderno está plagado de ejemplos: John Rambo (Acorralado), Comando, Jungla de cristal, la ya citada John Wick...

Los grandes héroes de acción saben que el público necesita disfrutar de esos personajes que se enfrentan contra todo pronóstico a una amenaza abrumadoramente superior y la superan sin necesitar superpoderes (la experiencia no es un superpoder, y lo demás son licencias creativas para hacer más disfrutonas las películas).

Es verdad que las películas de Jason Statham no tienden a ser supertaquilleras; Megalodón es una de esas curiosas excepciones, aunque ahí entran otros factores, y tampoco encaja en el tipo de historia que comento hoy. Pero de vez en cuando hay alegrías como Beekeeper: El protector, que triunfan también en el plano económico.

Vista una peli de Jason Statham, vistas todas, sí, pero hay un placer especial en verlo repartiendo más que un furgón de Amazon en Navidad en películas como A Working Man, Shelter: El protector o, este verano, El motín. Cómo me reí con la comparación con Jungla de cristal que proponía un póster hace unos días.

Jason Statham ha sabido cubrir un vacío que el cine de acción prácticamente ha relegado a la serie B y compagina sus apariciones en otros proyectos y franquicias con películas que, esencialmente, son "Jason Statham haciendo de Jason Statham", y me parece que es la mejor decisión que pudo tomar.

Esto le garantiza una base de fans que no solo ven sus taquillazos, sino que disfrutan como enanos de su sesión de apalizamiento en la gran pantalla.

Statham no necesita un universo fascinante como el de John Wick, aunque debo decir que sería una fantasía que el mundo de la Alta Mesa se encontrase con uno de los personajes de Jason Statham. Chad Stahelski, ¿a qué estás esperando?

Lejos de tener esos atractivos ecosistemas que generan una saga, aunque Beekeeper podría hacerlo, Jason Statham "empieza de cero" en cada proyecto, pero siempre hay algún espabilado que se cree en posición de aplastar a su personaje; ese suele ser su primer y peor error.

Que no quiere decir que no disfrutemos de otros tipos de héroe de acción, pero Jason Statham ha sabido leer las necesidades de un sector del público y se ha convertido en el rey a la hora de encarnar un estereotipo de héroe que, para otros, está desfasado. Gracias por seguir al pie del cañón, Jason.

Por desgracia, los tres siguientes nos llevaron de vuelta a la casilla de salida: los personajes parecían de nuevo estancados, las tramas encerradas en las intrigas palaciegas, densos diálogos y vagas pistas y el grueso de la Danza de dragones sin hacer acto de presencia aún... El séptimo episodio ha supuesto cierta dinamización, como si la serie cogiera carrerilla antes del capítulo final pero... ¿esta vez sí habrá cénit narrativo o estamos abocados a un nuevo coitus interruptus?

Ya sabemos que en 2028 la cuarta temporada tendrá que cerrar la trama de manera decisiva así que es hora de echar toda la carne en el asador. No es momento de llorar por los cambios, sino de asumirlos, encajarlos y ver a dónde nos llevan. Luego habrá que juzgar si el esfuerzo ha merecido la pena o no. Por el momento las quejas sobre el ritmo de la narración y el escaso desarrollo de ciertos personajes están sobre la mesa.

Entre tanto, la espera. El capítulo 3x08 de La casa del dragón se extenderá a lo largo de 75 minutos y el avance oficial y los giros finales del 3x07 ya nos permiten avanzar algunos de los momentos cumbre que queremos ver. Pero, claro, siempre nos queda margen para la desconfianza teniendo en cuenta que el tráiler de la midseason anunciaba mucha acción y se ha dejado caer con cuentagotas.

Los guionistas de esta serie deberían reflexionar bien fuerte sobre esa manía suya de dejarlo todo para el último momento... una cosa es dejar un cliffhanger que estimule la curiosidad de la audiencia y otra muy distinta hacerla sentir como si le hubieran tomado el pelo.

Dicho lo cual, ¿qué queremos ver? Desde luego no un tráiler extendido de la temporada 4 sino la Primera Batalla de Tumbleton, con la traición de los jinetes Ulf y Hugh pasando al bando de los Verdes y permitiendo que sus dragones, Vermithor y Ala de Plata, arrasasen la localidad.

También esperamos el resurgir de Aegon ahora que cuenta con su poderoso dragón; que Aemond entre de nuevo en liza y Rhaenyra se vea contra las cuerdas de veras. Movimiento, a fin de cuentas, y que los 75 minutos no pretendan alargar innecesariamente una trama que no tiene tiempo que perder y debería estar en su punto más emocionante.

Esperemos que puedan pagar los cheques expedidos porque de lo contrario no sé quién estará frente al televisor dentro de dos años. La tercera temporada ya ha acusado el golpe del descenso de la audiencia y todavía a estas alturas tiene que demostrar que va a cumplir las expectativas.

A pesar de partir de la misma serie, Marshals y Rancho Dutton han tomado caminos muy diferentes. La mayor perjudicada ha sido la primera, de eso que no te quepa duda.

Marshals: Una historia de Yellowstone se aleja del núcleo neowestern ganadero de la serie original para convertirse en un drama procedimental más en la línea de Walker, Texas Ranger, pero sin el atractivo de ver a Chuck Norris repartiendo patadas voladoras.

Por su parte, Rancho Dutton mantiene esa esencia de salvaguardar el legado que hizo grande a Yellowstone. Eso y que tiene un reparto que te quita el hipo. La de Rip y Beth es la serie que sí que podemos calificar como "heredera de Yellowstone" en cuanto a desarrollo y tono.

Lo que me lleva al tema de este artículo de opinión: ¿por qué demonios las dos series tienen el mismo cliffhanger al final de sus respectivas primeras temporadas?

Si no estás al día con Marshals: Una historia de Yellowstone o Rancho Dutton y vas a ver las series, te recomiendo leer el resto del artículo cuando lo hayas hecho, porque no voy a escatimar en spoilers.

¿Es que nadie supervisa los guiones de esta franquicia?

Si bien Marshals ha resultado, en buena medida, decepcionante en su primera temporada, esta terminaba prometiendo algo más retorcido. Descubrimos que Tom Weaver (Chris Mulkey) es la mente maestra detrás de los atentados que ha habido en Montana.

También se lleva a Tate Dutton (Brecken Merrill) al final de la temporada, mientras sus hombres atentan contra dos de los compañeros de Kayce. Aunque Tate va voluntariamente, Marshals da a entender que se trata de un secuestro para presionar a su padre.

Sabemos que por ahí van a ir los tiros de la temporada 2 de Marshals: Una historia de Yellowstone, gracias a las declaraciones de varios de sus protagonistas. Personalmente, creo que la serie puede mejorar si se centra en una trama más lineal en lugar del enfoque procedimental que solo conecte vagamente la historia.

No es un mal cliffhanger, pero eso no quiere decir que quiera verlo en todas las series del Universo Yellowstone. Y entonces llegó Rancho Dutton.

La serie me ha gustado mucho más en términos generales. Tiene sus cosillas, sí, pero me parece una producción mucho más cuidada y coherente que Marshals. Pero su final... en fin.

Carter (Finn Little) es un personaje que empieza bien, pero se descarría a lo largo de la temporada, sacando una vena rebelde por no conseguir sus objetivos y por la relación que entabla con Oreana Jackson (Natalie Alyn Lind).

Cuando todo se desmadra al final y salen a la luz los negocios secundarios del rancho 10 Petal, el narco que llevó a Beulah (Annette Bening), Mariano Reyes (Raoul Max Trujillo), entra en escena y pone a todos en pie de guerra.

Una de sus últimas jugadas es encontrar a Carter, que se refugiaba en la casa de Dwight (Ray McKinnon). Se les olvida explicar cómo encuentran a Carter cuando Beth no lo consigue; la única explicación plausible es a través de Miguel (Berto Colón), que estuvo allí haciendo de niñero de Oreana.

Pero a lo que voy. Rancho Dutton termina con el secuestro de Carter para presionar a Rip y Beth. ¿Te suena? Sí... es exactamente lo mismo que pasa al final de la temporada 1 de Marshals: Una historia de Yellowstone.

En principio, se trata de algo casual. Rancho Dutton fue creada por Chad Feehan, mientras que Marshals es obra de Spencer Hudnut. ¿Pero nadie supervisa estos proyectos al ser parte de una franquicia? Mínimo, Taylor Sheridan debería dar su aprobación; o su socio, David Glasser.

Que ambas series cierren con el mismo cliffhanger es una metedura de pata de libro, y solo me retractaré de esto si existe un plan maestro para juntar ambas producciones; y no tiene pinta.

Al duplicar ese recurso, lo que era un cierre esperanzador para que Marshals remonte queda deslucido. En cuanto a Rancho Dutton, al repetir una trama calcada que acabamos de ver en otra serie de la franquicia, hace que lo que venía siendo una serie potente cierre con una nota amarga.

No es que sea un drama tremendo, pero preocupa la poca originalidad que tratan de darle a dos series que prácticamente se han estrenado a la par. A ver si con Taylor Sheridan cogiendo las riendas de Rancho Dutton, estas cosas dejan de pasar.

La franquicia alcanza ahora los seis títulos con Insidious: Fuera del más allá que experimenta un cambio de paradigma que no solo tiene que ver con los nuevos rostros. Ya sabemos que Patrick Wilson está fuera definitivamente y tenemos a una nueva protagonista, Gemma, interpretada por la actriz Amelia Eve. Cambiamos por tanto de ambientación y foco principal.

Ella es en la ficción una madre joven que regresa a la casa de su infancia y descubre que puede acceder al Más Allá pero, además, tiene la capacidad de atraer espíritus al plano de la realidad. Cuando los demonios descubren este poder, lo utilizan para hacer de nuestro mundo su patio de recreo.

¡No todos los puentes están rotos! Tendremos de vuelta a la actriz Lin Shaye en su carismático papel de médium, aunque modificado para poder encajar en la narrativa. Tendrá apariciones clave para advertir a Gemma sobre la inminente catástrofe y el peligro de muerte que corren los vivos si no detiene a Cyrus, el nuevo demonio antagonista que se sumará a otros ya conocidos, si atendemos al arte promocional de la película en el que se ven las manos de, al menos, cuatro de los más emblemáticos: el demonio de la cara roja, Keyface, el hombre que no puede respirar o la novia de negro. Así que tiene pinta de que van a hacer frente común para atormentar a la pobre Gemma y a sus seres queridos.

Ojo, porque también hay incertidumbre respecto a la posible escena postcréditos: los rumores apuntan a una secuencia clave que podría dar algún tipo de información adicional de la primera película de Insidious.

Los espectadores que hemos seguido la saga desde el comienzo y sobrepasamos ya los tres lustros viendo estas películas tenemos claro lo que queremos ver: una ampliación del lore de la franquicia con la inestabilidad del portal que une los dos planos existenciales y una historia lúgubre de las que arrugan el ombligo. No en vano Insidious está en el top 10 de las películas comerciales más escalofriantes de la Historia.

La atención está puesta en Cyrus, papel que interpretará Sam Spruell y del que solo sabemos que hará gala de una fuerte manipulación psicológica y de un humor negro muy particular. De este modo se espera que su aparición sea inquietante, burlona pero también impredecible y amenazadora de veras.

Esperamos además que el diseño sea memorable, aunque lo tendrá complicado para rivalizar con el impacto que causó el demonio de la cara roja de la primera película. Por ahora solo hemos visto que tiene largos cabellos y dedos anillados y hemos sabido que Lin Shaye confesó haber tenido una reacción muy visceral e incómoda al ver al personaje por primera vez. ¡Seguramente nos sucederá lo mismo! Nos toca esperar hasta el 21 de agosto para saber si se colman nuestras expectativas.

Es una situación triste. Ya decía hace unos días que los grandes fracasos de taquilla responden a una serie de problemas que Hollywood no está sabiendo administrar y que los fandoms de las franquicias no son suficiente para poder rentabilizar una película. Y menos con los presupuestos que se manejan actualmente.

Así que pelis como Supergirl, The Mandalorian and Grogu o He-Man y los Masters del Universo, que eran los ejemplos que ponía el otro día, han sido víctimas de una mezcla de circunstancias y, en el caso de la peli de Mattel, ración de mala suerte.

Esta situación se repite en la mayoría de grandes franquicias, agravada por una flagrante falta de originalidad que se extiende por todo Hollywood, pero que parece no afectar a un género en concreto: el terror.

El terror siempre trata de aportar frescura

Antes de meterme en faena, un pequeño inciso: estoy lejos de ser fan del terror. No tengo nada en contra del género, pero no lo disfruto como pueden hacerlo compis como Raquel Hernández o Ekaitz Ortega. Dicho eso, creo que ese punto de vista le da un valor añadido a la opinión que vengo a exponer.

Y es que el terror está consiguiendo mantener el pabellón donde las grandes sagas y marcas conocidas se están pegando tortazos tremendos.

Como siempre, estoy generalizando, porque hay excepciones, pero el terror es un género que siempre parte con una baza en su favor: no cuesta tanto producir películas de miedo.

Los 200 millones se han convertido en algo habitual para los presupuestos de películas de franquicias; en terror, películas como Expediente Warren: El último rito han costado 55 millones de dólares.

Rentabilizar eso es mucho más fácil, y las entradas cuestan lo mismo para Obsessión que para las últimas películas de Marvel y DC.

Pero hay que llevar a la gente al cine, y para eso necesitas algo que genere conversación entre los fans del terror; algo que sorprenda, sea impactante y viralice.

El terror se beneficia también de esto porque ese concepto va en el ADN de toda narración de terror. Puedes contar la misma historia, pero siempre buscarás la forma de agitar al espectador de un modo que, en la medida de lo posible, no haya experimentado antes.

De este modo, sagas como Destino final se permiten regresos triunfales, pese a ser franquicias establecidas. No es una fórmula infalible, pero cuando funciona, surge la magia.

Y estos últimos años hemos visto cómo algunas películas que han costado menos de 1 millón de dólares se han convertido en fenómenos absolutos.

Terrifier 2 y su secuela, Terrifier 3, pueden ser películas que, por temática y tono, no son aptas más que para una fracción del público, pero han ganado 15,8 millones y 90,3 millones de dólares con presupuestos de 250.000 dólares y 2 millones de dólares, respectivamente.

Tienes Obsession, que ha costado 750.000 dólares y ha recaudado, agárrate, 404,4 millones. Es una barbaridad, pero no es casualidad. El terror siempre trata de diferenciarse del resto, incluso dentro del propio género.

Good Boy nos puso en la perspectiva de un perro y costó 70.000 dólares. La pelí es el caso más modesto, pero se las ingenió para ganar algo más de 8 millones en la cartelera.

Puede que la desesperación de los grandes estudios por captar al espectador fácil esté, en muchos sentidos, coartando la creatividad de otros muchos géneros. No creo que realmente sea falta de ideas, sino que se depende de tantos departamentos que dan su opinión que, al final, queda un proyecto que es la sombra de la idea inicial.

Si eres fan del terror, siempre te quedará este refugio. A veces habrá baches, pero nada te quitará ese sustico que, si se hace bien, puede ser muy rentable para quienes se dedican en cuerpo y alma al género.

Podríamos decir que se metió en el mundo de la dirección de manera algo tardía, pues su primer largometraje, Los duelistas (1977), data de cuando tenía 40 años, en tanto que cineastas como Kane Parsons están estrenando a los 20 sus primeras películas.

A pesar de su demora, en cuanto se metió de lleno en Hollywood nadie lo ha podido sacar de ahí, convirtiéndose en uno de los directores más prolíficos de nuestros tiempos.

Si bien tenemos grandes cineastas como James Cameron, que se han tomado más de una década entre el estreno de una obra maestra y la siguiente, otros como Ridley Scott se esfuerzan por sorprendernos de manera casi anual.

Tan incansable es la mente detrás de Blade Runner que el lapso de tiempo más grande que ha tenido entre un estreno y otro ha sido de cuatro años, sin que sea esa su tónica habitual, que se acerca más a la sorprendente cifra de una nueva película por año como director…

Todo ello sin tener en cuenta los múltiples proyectos paralelos que gestiona como productor a través de su sello Scott Free Productions.

¿Un loco o un genio? Un ego tan grande como su filmografía

Desde que Ridley Scott empezó esta década, lleva ya estrenadas dos series de televisión y cuatro películas -entre las que se incluyen Napoleón (2023) y Gladiator II (2024)-. Pero es que además este 2026 está a punto de lanzar la siguiente: La constelación del perro, que llegará a la cartelera el día 26 de agosto.

No se toma un descanso, pese a haber manifestado cuando estrenó la secuela de Gladiator que tenía “las rodillas delicadas” por jugar al tenis y que necesitaba ponerse inyecciones.

Se niega a tener la edad que tiene porque eso le impediría continuar con su trabajo: “No puedo ser el viejo que va tambaleándose por el plató”. Aunque quizá sea más correcto decir que su trabajo es el que logra hacer que esté así de sano por muchos años que cumpla: “Creo que en realidad es lo que me mantiene activo”.

Admitió que era una “de esas personas para las que tomarse unas vacaciones” resultaba “impensable” porque su concepto de “vacaciones” consistía en “disfrutar de un fin de semana”.

Después de eso está claro que volver a ponerse a escribir o colocarse detrás de las cámaras es su auténtico refugio. Podría decirse que es un obseso con el trabajo, o un artista enamorado de su arte, o una extraña mezcla de ambas. Porque desde luego le gusta trabajar y adora todo lo que sale de él. Hasta tal punto que ha perdido la modestia.

El año pasado, el director de Alien, el octavo pasajero afirmó que “la mayoría de las películas que “se hacen hoy en día son una mierda”, mientras que considera que las suyas con “buenísimas”, con el añadido extra de que, “además, no envejecen”.

Por si fuera poco, a medida que va nutriendo su filmografía con nuevos títulos, siempre asegura que acaba de estrenar su largometraje más sobresaliente hasta la fecha.

Ya lo hizo con su último estreno hace un par de años, y ahora repite las declaraciones en relación a La constelación del perro: “Probablemente sea la mejor película que he hecho desde Marte (The Martian)”.

A Ridley Scott le espera un futuro lleno de películas

En 2024, Ridley Scott estimaba que se había vuelto “bueno descartando” todo lo que no estaba a la altura de su cine, ya que era inviable “tener 40 proyectos en desarrollo”. En su defecto, garantizaba contar siempre con “tres o cuatro” producciones en marcha, lo que explica la cadencia casi anual de sus estrenos.

Sin incluir la inminente La constelación del perro, tan solo como director en IMDb se contemplan siete largometrajes de Ridley Scott en diferentes fases del desarrollo pendientes de estreno, entre los que se encuentran cintas como: You Should Be Dancing o La isla del tesoro.

Está claro que el retiro de Ridley Scott no llegará tarde, sino que no llegará nunca. Con 86 años sentenció que no dejaría de hacer películas hasta que estuviera en la tumba, y comparaba su situación con la de Clint Eastwood, que los 94 de aquel entonces seguía estrenando nuevas películas: “Así que todavía me quedan unos cuantos”.

Shawn Levy pasó de Marvel con Deadpool y Lobezno a Star Wars, donde en lugar de a Ryan Reynolds dirigirá a su tocayo, Ryan Gosling. Qué cosas tiene la vida, oye.

Además de la estrella de El especialista, la próxima película de Star Wars cuenta con Flynn Gray, Amy Adams, Matt Smith, Mia Goth, Simon Bird, Aaron Pierre, Jamael Westman y Daniel Ings.

El caso es que Jonathan Tropper, su guionista, ha explicado que él y Levy buscan generar la misma sensación que provocó la película original en 1977. Star Wars: Starfighter no ha sido concebida para estar interconectada con todo lo que ha precedido a su estreno. Así lo ha contado a The Playlist:

"Desde el principio, cuando Shawn y yo empezamos a hablar del proyecto, nuestro objetivo era recrear en los cines la misma sensación que teníamos de niños al ver Star Wars allá por 1977. Esa emoción de una aventura trepidante en nuevos mundos. Para nosotros, eso era fundamental. No hay barreras de conocimiento. No hace falta haber visto otras películas de Star Wars para disfrutar de esta".

The Mandalorian and Grogu tenía la misma intención que Star Wars: Starfighter

El planteamiento de Tropper es más que comprensible en una franquicia que ha estrenado tantas películas y series, pero es peligrosamente familiar. Hace solo unos meses, Jon Favreau y Dave Filoni decían exactamente lo mismo de The Mandalorian and Grogu: "una película que puede ver cualquiera sin ser fan de Star Wars".

Normalmente, este parecido haría que se me erizase el vello por la preocupación, pero The Mandalorian and Grogu y Star Wars: Starfighter son dos proyectos diferentes. De hecho, creo que este segundo tiene ciertas ventajas.

The Mandalorian and Grogu trata de ser una película asequible, pero parte de la base de estar protagonizada por dos personajes cuyo vínculo se desarrolla en la serie de Disney+, The Mandalorian. Esto le generó un doble problema: no podía desconectar de todo, pero sus intentos de hacerlo al no contar con más personajes que aportasen algo más que mero fan service.

Eso no sucede en Star Wars: Starfighter. La película de Shawn Levy cuenta con la ventaja de contar con un elenco totalmente nuevo, ambientarse en su propio rincón de la cronología (cinco años después de El ascenso de Skywalker) y no depender más que de las normas básicas de este universo para contar su historia.

La película se puede permitir hacer alguna referencia, pero no hace falta tener un códice de Star Wars para entenderla, como explica Jonathan Tropper.

¿Puede salir mal? Pues claro. Ahí tienes The Acolyte como prueba. La serie era un proyecto con toda una era inexplorada para expandirse, pero falló en aspectos básicos como la narrativa. A otros intentos, como Star Wars: Tripulación perdida, no les fue mal, aunque tiendan a caer en el olvido.

Aún es pronto para valorar abiertamente si Star Wars: Startfighter será una buena película o no; tiene muy buenos ingredientes y las intenciones son buenas. Que no dependa de otros contenidos es algo muy positivo, pero es mejor mantener la cautela por ahora.

La diferencia más evidente a nivel visual entre el IMAX y el Dolby Cinema nos la encontramos en el formato de imagen. En el IMAX las proyecciones se hacen en pantallas muy altas que tienen una gran superficie vertical, facilitando que te sumerjas en la película al ocupar una mayor parte de tu campo de visión, mientras que el Dolby Cinema utiliza uno panorámico más tradicional.

Pero, aunque sus pantallas no te envuelvan de la misma manera, los puntos fuertes del Dolby Cinema se encuentran en su imagen y sonido, que el Dolby Vision y el Dolby Atmos hacen posibles.

En estas salas puedes ver la imagen con mayor contraste, con los colores más vivos y los negros más profundos, a lo que acompaña un sonido tridimensional envolvente y butacas muy cómodas.

España no está hecha para el IMAX y el Dolby Cinema

Como has podido leer, lo que proponen tanto el IMAX como el Dolby Cinema es ofrecer una experiencia de visionado superior a la de cualquier otro cine. Eso es algo que el público general puede apreciar, aunque no siempre sepa discernir el motivo técnico que hay detrás.

El problema es que en España las opciones que tenemos para disfrutar de ambos formatos son muy reducidas, y eso también tiene un impacto sobre la audiencia.

En nuestro país tan solo existen cinco salas IMAX, estando tres de ellas en las afueras de Madrid, otra en Barcelona y la última en Mallorca. Por su parte, las salas Dolby Cinema están aún más limitadas y no hay más que una en Barcelona.

Si bien existen muchos cines que incorporan la tecnología Dolby Atmos, eso no es lo mismo a que estén equipadas con un sistema completo de Dolby Cinema.

Por tanto, ya ni siquiera estaríamos hablando de una falta de conocimiento de un formato u otro por parte de la audiencia para decantarse por estas experiencias, sino de una limitación muy fuerte de base que reduce muchísimo las posibilidades para decidir apostar por cualquiera de estos tipos de proyecciones.

Y, como siempre, a ese impedimento espacial, habría que sumarle el correspondiente incremento de precio que supone ir a una sala premium sea del tipo que sea. Siendo ya bastante sacrificado ir a un cine convencional en lugar de conformarte con Netflix.

Mi problema con el IMAX y el Dolby Cinema

Nunca me cansaré de recordar mi ejemplo con Frankenstein (2025) de Guillermo del Toro, una película que me encantó en streaming y lamenté no haber aprovechado para ver en una pantalla grande cuando tuve la oportunidad.

Y algo parecido me ocurre con el IMAX. Es un formato que siempre me ha despertado curiosidad, ante tanto cineasta obsesionado con esta tecnología. Y es que existe una diferencia aún más crucial entre el IMAX y el Dolby Cinema.

Mientras que el Dolby Cinema sirve para mejorar la experiencia de imagen y sonido de cara al público, lanzarse a ver una película concebida para IMAX es decidir formar parte del proceso creativo de una película.

Se trata de un formato específico que engloba desde la captura de la imagen durante el rodaje con sus cámaras propias, hasta el sistema de proyección en las salas, que se convierte en la pieza final de un largo desarrollo que la audiencia puede disfrutar.

Por eso películas como La Odisea son las que más sentido tienen en IMAX y no en cualquier otro cine, ya que Christopher Nolan diseñó su producción con unas características visuales en mente, con una visón autoral muy marcada.

Y un formato diferente lo único que haría sería pervertir ese concepto, al recortar la imagen para adaptarse a las pantallas panorámicas de las salas que no sean IMAX.

En cambio, no siento que me falte algo cuando voy a un cine convencional en lugar de a un Dolby Cinema, no hay nada que me haga replantearme un visionado en una sala premium -en cualquier equivalente accesible a una proyección Dolby Cinema-, puesto que sería más caro y tan sólo embellecería el resultado sin aportarme nada especial.

De todos modos, aunque siempre tenga de fondo ese pensamiento sobre el IMAX, tampoco me termino por animar a ir a un cine que dé esa posibilidad debido a los inconvenientes logísticos que ya he mencionado, por mucho que Nolan pueda insistir en que esa sea la forma óptima de ver su nueva película.

La cuestión es encontrar un equilibrio entre calidad, accesibilidad y precio. Y, hoy por hoy, ni el IMAX y ni el Dolby Cinema son buenas opciones para mí, que hagan inclinar lo suficiente la balanza hacia esa dirección.

Este se convierte también en un problema real para el resto del público, debido a la escasez de opciones y al coste adicional, haciendo que la pregunta no sea tanto si sabe distinguir entre formatos como si de verdad merecen la pena.

Así que Spaceballs 2, o Spaceballs: The New One, la secuela de La loca historia de las galaxias, es una oportunidad perfecta para hacer brillar un enfoque de la comedia que necesita una alegría en condiciones.

Para mí, como para muchos fans de Star Wars, es una parodia especial. La saga de George Lucas es el objetivo principal de las pullas de la película original, y volverá a serlo en la secuela, como ya anticipa su sinopsis.

Pero mentiría si dijera que no me suscita también algo de preocupación. Recordarás que el año pasado Agárralo como puedas tuvo su revival en cines, con Liam Neeson interpretando al hijo de Frank Drevin, que es tan desastre como su padre. La película gustó, pero se pegó un tortazo tremendo en taquilla.

Desgraciadamente, Hollywood funciona como funciona y, si este tipo de géneros no rinden adecuadamente, volverán a quedar relegados a algo casi anecdótico.

Aunque hay algo que me tiene ilusionado especialmente con Spaceballs: The New One y me hará acudir al cine a velocidad absurda el año que viene.

La fórmula perfecta no requiere Fuerza... sino Suerte

La secuela de La loca historia de las galaxias tiene una ventaja con la que, desgraciadamente, Agárralo como puedas no pudo contar. La película de Liam Neeson no pudo incluir al bueno de Leslie Nielsen, quien falleciera en 2010. Neeson se lo curra muchísimo, ojo, pero Nielsen tenía algo especial.

Pero Spaceballs 2: The New One cuenta con un montón de estrellas de la película original. Bill Pullman volverá a ser Lone Starr, Daphne Zuniga repite como la princesa Vespa (ahora reina) y hasta George Wyner y Michael Winslow volverán a interpretar al coronel Sandurz y al técnico de radar.

Claro que el mayor logro de esta secuela es doble. Primero, Spaceballs 2 contará con Mel Brooks de vuelta como Yogurt. No me cabe duda de que será un papel reducido, pues Brooks acaba de cumplir 100 añazos, pero contar con él es una maravilla inenarrable. Y luego tenemos a Rick Moranis como Casco Oscuro. El actor lleva retirado desde 2008 y solo ha tenido un par de intervenciones menores; que regrese es un logro tremendo.

Además, hay una película que, esencialmente, toma el mismo enfoque de La loca historia de las galaxias y ha conseguido un éxito importante este mismo año: Scary Movie. El compendio de parodias de películas de terror ha triunfado este año, pese a la valoración de la crítica. Spaceballs 2 puede seguir ese mismo camino.

La sinopsis que han compartido ayer, amén del resto del material promocional, como ese póster de "combing soon", también me hacen ser optimista por lo que puede ofrecer esta película si mantiene la misma mala baba a la hora de cachondearse de Star Wars y el cine de ciencia ficción.

Pero será el tráiler, cuando llegue, lo que me haga empezar a tener una idea clara de qué esperar de Spaceballs: The New One cuando llegue a los cines el próximo 23 de abril de 2027.

Más allá del mosqueo que me ha generado el tema como jugador que, sin tener nada en contra del digital como opción, prefiere ser propietario de una copia física, este tema me ha hecho pensar en cómo la era digital está derivando hacia una pérdida de calidad (y propiedad) terrible.

Es poco probable que vaya a decir algo que no sepas ya, pero es uno de los asuntos que hacen que necesites decir las cosas en voz alta. Después de 10 minutos hablándole a la pantalla, me he dado cuenta de que lo de escribir igual se me da mejor en este caso.

Como por departamento (HobbyCine) me pega más hablar de servicios de streaming, voy a tirar por ahí, pero todo lo que diga es aplicable a cualquier modo de suscripción de esos que siguen saliendo como setas para absolutamente todo.

Solo en cine y series tenemos una barbaridad de servicios de transmisión con sus respectivas suscripciones. Algunos son para temáticas más concretas, pero entre los grandes medios generalistas, Netflix, HBO Max, Prime Video, Apple TV, Disney+ y tantos otros, suman suficientes como para hacer mella en un salario mensual modesto.

Y aunque voy a generalizar, la calidad promedio de estos servicios deja mucho que desear. Por cada película o serie buena de Netflix que se lanza, llega una cantidad de relleno que no entiendo cómo alguien ha decidido financiarlo.

Es cierto que servicios como Apple TV están en su mejor momento. De ahí que diga que estoy generalizando. Sin embargo, no son pocas las plataformas que lanzan solo tres, con suerte cuatro películas o series buenas al año; el resto del tiempo sobreviven de su catálogo o de llevar estrenos que han pasado por salas a sus catálogos.

Te invito a hacer un ejercicio que quizá ya hayas hecho antes: suma todo lo que te gastas al mes en servicios de streaming y luego calcula cuánto de esos servicios usas realmente. Igual alguna sí te sale rentable, pero es muy posible que tengas más de una "suscripción por inercia".

Peor servicio que hace diez años

Cuando todo era bonanza para los servicios de streaming, las cosas parecían maravillosas. Había series exclusivas, te traían pelis y series antiguas que podías ver con facilidad... PS Plus no era obligatorio para jugar, sino una opción para tener otro tipo de ventajas. En Netflix podías compartir cuenta...

Pero la pela es la pela es una máxima que funciona en cualquier empresa, se llame Netflix o Sony. Ya no es que los precios hayan subido, que también, sino que los servicios que ofrecen son cada vez más restrictivos.

En el caso de Netflix, lo peor es que ha sido adalid del cambio para que otros servicios sigan sus mismos pasos. Ahora es muy habitual la política de no compartir cuentas y la vigilancia activa de su cumplimiento.

También vemos cada vez más servicios con publicidad. La cantidad de pasta que tiene que entrarles por los anuncios es inenarrable, pero además, los usuarios de ese plan pagan su suscripción. Doble win, doble infamia.

Eso sin contar series canceladas, que cada vez hay más, mientras se tira el dinero en otras cosas que no tienen ni medio sentido. O las licencias itinerantes, esas películas o series que están un tiempo en una plataforma y luego desaparecen para no dejar rastro.

Resulta más hiriente en algunas plataformas que son propietarias de los derechos de alguna película (Warner con El señor de los anillos, por ejemplo), pero ni siquiera eso garantiza que las películas estén siempre en HBO Max.

Todo el tema de las suscripciones para todo se empieza a convertir en un circo donde solo hay una certeza: tú pagas. De las compañías dependerá lo que ofrezcan y el tiempo durante el que lo ofrezcan. Porque recuerda la advertencia: en lo digital, y más aún con suscripciones, nada es tuyo realmente.

Si miramos los estrenos más taquilleros de este año, y las películas que más han llamado la atención en los últimos meses, estos son los dos géneros que coronan las listas.

Las películas animadas Super Mario Galaxy: la película y Toy Story 5 entran en el Top 3 de los filmes que mayor recaudación han conseguido este 2026 en cines a nivel mundial, mientras que las cintas de terror Obsession y Backrooms han entrado dentro del Top 10, consiguiendo cientos de millones de dólares cuando tenían presupuestos bajísimos.

La animación es la vía de escape más rápida

El cine nos está hablando sobre lo que buscamos como público, a lo que nos aproximamos en nuestros momentos de ocio. Decidimos pagar más de diez euros por meternos en una sala oscura en la que se nos contará una historia, pero no queremos que esa historia sea como nuestro día a día.

La realidad es demasiado convencional. La tienes en casa, al salir a la calle. Por eso nos atraen más otros mundos. Conocer la vida secreta de nuestros juguetes o vivir aventuras galácticas en universos diferentes.

Y la animación se convierte en uno de los canales más rápidos para lograr ese distanciamiento de la realidad porque, desde su propia presentación, cambia a sus personajes por dibujos animados creando una barrera con nuestro mundo, haciendo que sea más fácil viajar entre planos.

Además, en ellas casi siempre suele intervenir algún elemento que roce lo fantástico, como en el caso de Hoppers -una cinta de Pixar que también se ha colado en el Top 10 de la taquilla anual-.

En ella se señalan problemas como la deforestación, pero su protagonista puede convertirse en una castor para intentar encontrar una forma de salvar a la fauna entendiendo a los animales que pueblan la zona. Se separa de la realidad, lo justo para hacernos soñar con una mejor. Pero no siempre necesitamos irnos hacia algo más luminoso para evadirnos.

El terror triunfa como metáfora

El género del terror, en cambio, propone una solución radicalmente opuesta. Nombra tu mayor preocupación, aquello que más miedo te dé o te atormente. No tengas duda de que ya se ha hecho una película de terror sobre eso.

Podemos tirar hacia lo convencional, con monstruos o payasos asesinos. Miedos más estéticos y grotescos, circunstanciales. Pero existen otros aún mayores, con los que es más fácil conectar con la audiencia. Terrores internos, terrores tangibles que atormentan a gran parte de la población.

Si las películas de terror están triunfando ahora es porque en muchos casos hablan sobre miedos reales del presente desde un entorno más seguro, convirtiéndolos en metáfora que resultan más interesantes para acercarse a ellos que si fueran presentados de forma literal, a través de un simple largometraje dramático.

Piensa por ejemplo en cómo La sustancia (2024) exploraba en los últimos años esa angustia ante el envejecimiento o en cómo Los pecadores (2025) nos hablaba sobre el racismo. Mientras que ahora Obsession pone el foco sobre la toxicidad en el amor o Backrooms sobre habitar espacios impersonales de tránsito.

Y los próximos meses vienen cargados de propuestas diversas para seguir afrontando terrores actuales de todo tipo. El próximo 24 de julio verá la luz Insaciable, una cinta de body horror sobre la obsesión por la delgadez extrema, y a finales de octubre nos llegará Leviticus, en la que se mezcla el horror con la homofobia.

El terror puede acabar convirtiéndose en una catarsis para el público, tras experimentar dos horas intensas en una sala, ayudando a que tenga un nuevo enfoque sobre aquello que lo atormenta.

¿Evasión o reconexión?

Al final no existe ninguna película que se pueda desligar del todo de nuestra realidad, por muy fantasiosa que sea. Y tampoco es bueno que lo hagan. Porque cuanta más conexión tienen con nuestro mundo, más solida será su historia y más ganas tendremos de verla.

Quizá por eso Minions & Monsters ha sido la entrega de la saga de Gru, mi villano favorito que más alabanzas se ha llevado. Porque exploraba nuestra propia historia, dándole sentido, a través de un marco fantástico.

¿Qué gracia tendría decir que Charlie Chaplin fue un genio de la comedia pudiendo crear un encuentro ficticio con un pequeño grupo de villanos amarillos para hacer surgir esa torpeza de manera inesperada? No buscamos mentiras, sólo disfrutar más de lo que ya conocemos pero desde un ángulo distinto.

A nadie le gustan las críticas, pero nosotros decidimos cómo usarlas: para aprender de ellas y mejorar o para enfadarnos. Taylor Sheridan se ha guardado mucho durante estos años, y ha terminado estallando en pleno pódcast.

No arremetió solo contra la crítica: ejecutivos de Paramount o los guionistas del Universo Cinematográfico de Marvel se vieron atrapados por la onda expansiva de mala leche del prolífico creador de series cuando entró en modo Quentin Tarantino y no distinguía entre amigos y enemigos.

Pero yo quiero hablar de su defensa acérrima a cómo ha desarrollado un personaje de Landman: Un negocio crudo en concreto, Cami Miller, interpretada por Demi Moore. Y quiero centrarme en ello en este artículo de opinión porque servidor, como muchos otros críticos, señalamos lo infrautilizada que estaba la actriz en la temporada 1.

Encima, coincidió con una situación curiosa: Demi Moore estaba arrasando en todo el mundo con La sustancia, que le valió el Globo de Oro y el Premio de la Crítica y la nominación al Óscar o el BAFTA. Sin embargo, Landman la presentó como poco más que un personaje de relleno para respaldar el trasfondo de Morty Miller (Jon Hamm).

Cierto es que al final de la temporada cobró un poquito más de relevancia, anticipando una mayor presencia en la temporada 2. Muchos señalamos que contar con una estrella como Moore y no darle a su personaje un desarrollo apropiado era un error, pero Sheridan no está de acuerdo.

En su estallido contra la crítica especializada, el creador de Landman: Un negocio crudo argumentó que escribe como cree que debe escribir y que no lo hace para agradar a la crítica. Así fueron sus comentarios en The Bill Simmons Podcast:

"Cuando empecé a escribir, supe que no quería hacer lo que hacían los demás, que era tomar atajos y romper las reglas fundamentales de la narración porque no lograban desarrollar su historia.

En una película, se supone que debes mostrarme lo que está sucediendo. La cámara debe hacer avanzar la historia. Los diálogos deben contarme cómo se sienten los personajes de este mundo respecto a lo que está pasando, qué esperan hacer o qué desearían no haber hecho o haber hecho.

[...]Los críticos van a atacarme. Que no estoy aprovechando a Moore, que no sé escribir para mujeres, todas esas tonterías. Que voy a matar a tu marido y que tendrás que dirigir la petrolera. A los críticos les molesta muchísimo que me dé igual lo que piensen. Seré el primero en decirles que hay cosas que hago que los provocan, y esta es una de ellas. Que les den, de verdad".

Se predica con el ejemplo, Taylor Sheridan

Bueno, estoy bastante de acuerdo con la primera parte de sus comentarios: mostrar siempre es mejor que contar. Aquí viene la contradicción con la que él mismo desarticula su segunda parte.

Taylor, me sobran dedos de las manos para contar las escenas de Demi Moore en la temporada 1 de Landman. No tenían que ser escenas trascendentales, pero sí aportar trasfondo a un personaje que, eventualmente, iba a saltar al centro de la trama.

En lugar de eso, se optó por dar una cantidad de tiempo exasperante a dos personajes que, a día de hoy, con dos temporadas completas, han aportado un 1 % de relevancia a la trama principal: Angela y Ainsley (Ali Larter y Michelle Randolph).

Si las escenas de alivio cómico (a veces insertadas en el peor momento) y culto al cuerpo de estos dos personajes se hubieran reducido (ojo, no digo ni eliminado), y dado más margen al desarrollo de un personaje que sí iba a ser relevante para la trama central, la temporada 1 habría sido mucho más redonda. Y me habrías mostrado, no contado, cómo era realmente la vida de Cami más allá de tres pinceladas dispersas.

Y, francamente, creo que el propio Taylor Sheridan, aunque no lo admita y despotrique contra los críticos, sabe que tenían razón. La temporada 2 redujo el tiempo que Larter y Randolph copaban pantalla en cada episodio y desarrolló mejor a Moore, aunque en parte se debía a su mayor relevancia en los acontecimientos principales.

Yo no entré en el saco de críticos que afirmaron que Taylor Sheridan no sabe escribir personajes femeninos, porque Beth Dutton demostraba que esa afirmación es una falacia, pero sí afirmé que Demi Moore estaba infrautilizada en la temporada 1 de Landman, y me reafirmo.

Pero no me molesta que "a Taylor Sheridan le dé igual". La serie es suya y la desarrolla como quiera; es su trabajo, como el mío es señalar sus virtudes y errores cuando los detecto. Así que espero ver más virtudes que fallos en la temporada 3 de Landman: Un negocio crudo cuando llegue a SkyShowtime.

Una era el regreso de una de las mayores franquicias del cine tras casi siete años de ausencia en la gran pantalla; otra era un nuevo intento de una de las propiedades ochenteras más queridas de llegar a acción real y, por último, la segunda película de una franquicia que acaba de ser reiniciada y busca enmendar errores del pasado.

Además, si lo piensas, todas ellas tienen fandoms enormes en todo el mundo que deberían garantizar una buena base de afluencia en salas para ver las propuestas cinematográficas que ofrece cada franquicia, ¿no?

Pues no. Estamos en una época en la que las cosas difíciles de asimilar se suceden. Hace unos días era el inminente fin del formato físico en PlayStation, por ejemplo. En el caso del cine, tenemos el declive de las franquicias.

Vale, no va a ser algo tan drástico como el plan de Sony, pero Hollywood sigue sin dar con la tecla para mantener a flote sus franquicias. El propio Universo Cinematográfico de Marvel lleva años languideciendo, con honrosas excepciones. Tiene pinta de que Spider-Man: Brand New Day será una de ellas, al menos por la venta anticipada de entradas.

Aunque voy a generalizar, los estudios no están sabiendo captar nuevos fans para las franquicias. Digo más, sus intentos están fragmentando los fandoms existentes con decisiones que terminan afectando al plano creativo.

Los fans no son suficiente para mantener una franquicia actual

El caso más claro de que hace falta algo más que un fandom fiel es el de He-Man y los Masters del Universo. Por desgracia, la peli ha pasado sin pena ni gloria por las generaciones más jóvenes, que pueden ser más ajenas a los icónicos juguetes, a pesar de las producciones que hemos tenido en Netflix.

Aunque la promoción ha sido correcta, ha tenido demasiado en el foco a su público objetivo, que es normal, pero ha sido incapaz de captar a otro tipo de espectadores. Los fans de toda la vida no han sido suficiente para que la película prosperase en taquilla.

El fiasco de Star Wars tiene algo más de sentido. The Mandalorian and Grogu ha tenido una campaña promocional mal elaborada y que han intentado remontar a última hora; a la vista está que sin éxito.

Además, está el handicap de que, pese a ser parte de una franquicia, argumentalmente no aporta nada nuevo. Esto hace que no haya motivación en el público para ir a verla a los cines y prefieren esperar a que esté en streaming. Y por lo que he podido comprobar personalmente, hay muchos fans que se incluyen en ese saco.

Parte de la culpa también recae sobre la masificación de la franquicia por parte de Disney. Antes, un estreno de Star Wars era algo especial, ahora es un trámite. Y puedes creerme cuando digo que me duele horrores soltar eso.

Y aunque lo de Supergirl, por mi parte, se veía venir desde el primer tráiler, DC no deja de tener uno de los mayores fandoms del mundo. Al tratarse de una franquicia reiniciada, el Universo DC debería tener algo más de tirón, pero en DC Studios (y en última instancia Warner) están errando el tiro.

Ya no es solo el cisma generado hace ya muchos años en DC entre los seguidores de Zack Snyder y el resto. James Gunn tiene sus propios forofos y, con eso, se consigue desestabilizar la base de espectadores que deberían ir al cine casi con seguridad.

Luego están aspectos como el enfoque que le han dado y demás, pero no voy a entrar en pormenores. DC no puede permitirse tropiezos así tan pronto. Y tampoco puede andar haciendo anuncios de proyectos que se van a pasar años en el limbo hasta entrar en producción... si es que entran.

Si ya es complicado que un fandom razonablemente unido como el de Masters del Universo acuda en masa al cine, dividir con malas decisiones a nuestro público principal entra en la lista de las peores ideas que pueden tener en Hollywood. Pero en esas estamos.

A día de hoy, no hay un fandom que pueda soportar en solitario una franquicia cinematográfica. Veremos si el futuro es más prometedor o si debemos abandonar toda esperanza ante otro tipo de entretenimiento dominado por ejecutivos.

Ahora, con la maquinaria bien engrasada, se dispone a intentar repetir su jugada maestra con la versión en imagen real de Vaiana que llegará a la cartelera el mes de julio. Pero la película no se librará del mayor obstáculo al que se enfrentan siempre este tipo de producciones: hay algo extraño en ellas, en su apartado visual, que nos duele al mirarlas.

Siempre hay valle inquietante en los live action

Ocurre algo raro cuando vemos la adaptación en live action de una animación por primera vez. Algo no encaja. Es imposible que encaje. Y aún así hay un equipo detrás de esa producción que se ha empeñado mucho en forzarlo para que lo haga, de alguna manera. Y por eso nos chirría tanto.

Pongamos por caso… La Sirenita de 2023. ¿Te acuerdas de Flounder?, ¿y de Sebastián? ¡Cómo olvidarlos!, si te debieron dar pesadillas durante un año.

Los mejores amigos de Ariel sufrieron un rediseño bestial con respecto a la película original que le hizo a Disney ponerse en una encrucijada que lleva mucho tiempo resolviendo con un aporte sobredimensionado de realismo.

En el largometraje de dibujos a nadie le extrañaba que Flounder fuera un pez redondeado y de colores chillones ni que Sebastián fuera un cangrejo desproporcionado con más cabeza que cuerpo.

En cambio, en el live action parecían animales recién salidos de nuestros mares, y por el camino habían perdido tanto su encanto como su expresividad. Como resultado, nos dieron un valle inquietante de manual: eran demasiado parecidos a criaturas reales sin llegar a serlo del todo, y eso nos cortocircuita el cerebro siempre.

Vaiana, en cambio, ha decidido apostar por mantener las proporciones de personajes como Hei Hei fidedignas a la versión animada, y eso resulta chocante en otros términos.

Ya no es porque diste de lo que fue en su día ni por ser una aproximación imprecisa del animal en que se basaba. Es más, aquí ni siquiera estamos hablando de una gallina parlante. El problema es que sea una gallina cuellilarga y de ojos saltones en un mundo que atiende a lógicas diferentes.

¿Se puede hacer un buen remake en live action?

Entonces, ¿cuál es la opción correcta para hacerlo? Porque en este tipo de situaciones sólo hay dos salidas posibles: A) dejarse llevar por el absurdo o B) forzar el realismo hasta niveles extremos. Y ninguna sale bien.

La animación y la imagen real no son el mismo medio por mucho que los remakes en live action intenten hacer que converjan. Los dibujos animados tienen unos códigos propios, una forma de expresión única.

Por su naturaleza, sus personajes tienden a estar estilizados en sus diseños, a la sobreactuación en sus gestos para que notemos sus movimientos, al derroche de gesticulación. Eso explica que sea tan chocante venir de El rey león de 1994 y en 2019 encontrarte con un documental de La 2, en la que sus leones tenían que ceñirse a las restricciones de la realidad.

Así, para intentar evitar este tipo de situaciones que pongan en conflicto el mundo que puede permitirse ser más fantasioso de la animación frente al que demanda verosimilitud en la imagen real, el genio del remake de Aladdín (2019) apenas aparece en la película como un ser místico de color azul, sino que adopta las características físicas de Will Smith durante gran parte del metraje.

Mientras que Mulán cortó por lo sano en 2020 y nos dejó sin el personaje más carismático de la película: Mushu, un pequeño dragón que fue extirpado del metraje en pos del realismo, y que dejó a la audiencia igual de confusa que ver a los enanitos en Blancanieves (2025).

Porque existe un delicado equilibro que es necesario mantener en este tipo de adaptaciones. Otra dualidad más que no hace sino complicarlas, reforzando la idea de que sería mejor que no existieran.

Si copian con demasiada fidelidad el material original pueden sentirse pobres, faltas de ideas, innecesarias. Si, en cambio, alteran demasiadas cosas se convierten en una traición a los largometrajes que amamos.

Pero, aún así, aunque dieran con la tecla adecuada, aunque conjugaran todos los elementos necesarios para que no fuera ni muy realista ni muy cartoon, ni muy diferente ni muy parecida… Si fuera posible que nos entregaran el remake en imagen real perfecto… seguiría sin serlo. Porque no hay desafío más grande que el de estar a la altura de un recuerdo idealizado.

Pese al mal montaje de esta temporada 3 de La casa del dragón o que la confrontación naval también me resultó caótica en lo narrativo, lo que más me ha sacado de la serie de HBO Max ha sido la llegada a la Fortaleza Roja por parte de la reina y Daemon. Es una secuencia que no hay por donde cogerla y todo se debe a un error de hace cuatro años.

Creo que La casa del dragón olvida aquello que hizo grande a Juego de Tronos (al menos hasta antes del descalabro de sus temporadas finales) y todo comienza con la forma en la que se ha tratado a las líderes de los negros y los verdes y a la necesidad de justificar "noblemente" a cada bando. Allá por 2022, La casa del dragón tropezó por primera vez con una piedra que aún no se ha retirado del camino.

Alicent y Rhaenyra deben coger al toro por los cuernos

La actual serie peca de "buenismo" a la hora de representar a Rhaenyra y Alicent. El conflicto entre ambas está desangrando la esencia de la Danza de Dragones al mostrar a dos personajes que no dejan de enturbiar la trama con dudas, arrepentimientos y lloriqueos.

George R.R. Martin esculpe la ambición de Rhaenyra y Alicent en Fuego y Sangre de una manera mucho más directa, dejándonos a dos personajes con menos desarrollo que en la serie, pero con mayor determinación. Ambas velan por sus propios intereses de forma egoísta, como hemos visto una y otra vez en el universo de Poniente.

Y si bien hay cierta compasión entre ellas, ese pasado de amistad no emborrona la trama. Alicent hace lo que tiene que hacer al proclamar a Aegon II como rey de los Siete Reinos y, de la misma forma, Rhaenyra al ejecutar a Otto Hightower.

Las crónicas de la casa Targaryen no cometen el error de tratar de justificar los actos de cada bando. En Juego de Tronos había buenos y malos, es cierto, pero no se blanqueaban las acciones de algunos para que te intentasen caer mejor. Si se ganaban a la audiencia era a base de carisma y de acciones que iban más allá del blanco o del negro.

El problema es que la trama de conspiración de Alicent que se ha fraguado en esta tercera temporada se siente absurda, poco creíble y no es más que una pobre justificación para un personaje que podría haber llegado a ser tan admirablemente odioso como Cersei.

Como digo, todo comienza con un error. En la serie, la muerte de Viserys deja una escena en la que Alicent escucha el nombre de Aegon, lo que legitima la causa de los verdes a sus ojos y los de toda la audiencia. Ella hace lo que hace porque así se lo dijo Viserys.

Esto, obviamente, no ocurre así en el libro, en donde Alicent no se anda con tonterías y carga contra las proclamas de Rhaenyra con perlas como "Aegon y sus hermanos son los legítimos hijos del rey y tienen más derecho al trono que su estirpe de bastardos".

Alicent no duda e "inicia" la guerra no porque escuche el nombre de su hijo, sino porque ambiciona el poder. Obviamente, esto puede hacer que la gran mayoría de la audiencia se vaya con los negros, pero estos son igual de hipócritas. Al final, es cierto que los hijos de Rhaenyra son unos bastardos. Por lo tanto, ambas son unos malos bichos, ambas estarían bastante a la par en lo que se refiere al aprecio del público.

Todo son desgraciados accidentes en La casa del dragón

Sin embargo, La casa del dragón parece no bajase de la burra tomando la trama y el conflicto como un concurso de popularidad, mientras continúa haciendo que esto, en vez de una guerra sanguinaria, sea una serie de catastróficas desdichas.

Primero fue el tema del nombre que dice Viserys, luego que Aemond mataba por error a Lucerys y después que Jacaerys se muere por culpa de un dragón incontrolable que supuestamente es de los verdes... Siempre parece haber un malentendido, una excusa para continuar con la violencia.

¡Que esto es Juego de Tronos! ¡Quiere alguien responsabilizarse de sus actos alguna vez! ¡Que estamos ante la mayor guerra vista en Poniente! Esto no pasó por una serie de desgraciados acontecimientos, esto pasó porque así se quiso; por las ansias de poder de todos los participantes.

Por eso, el dramatismo de Rhaenyra justo cuando se sienta en el Trono de Hierro y ve a su amiga Alicent junto a su padre descabezado se percibe como artificial. Otra vez con otra desagradable coincidencia. Otra vez es un error de tiempo, de cálculo. Pobre Rhaenyra... ella no quería hacerlo, en realidad (sarcasmo).

La serie tiene que cambiar la manera en la que representa a ambos personajes. El único que parece tener iniciativa es Daemon. Por no hablar de que, a nivel estratégico, entrar reina y rey consorte solos en la Fortaleza Roja es top 10 peores ideas de la saga. No tiene ningún tipo de sentido, incluso con la promesa de Alicent, más cuando sospechan que hay un nuevo dragón de los verdes (Robaovejas).

Esperemos que La casa del dragón se deje de buenismos y nos muestre la Danza de Dragones como lo que fue, una guerra a fuego y sangre donde lo único que importaba era ganar... a cualquier coste. Quiero ver a personajes que se comporten como unos auténticos cabr****.

Con un presupuesto estimado de 166 millones de dólares, la película de Star Wars necesita alrededor de 415 millones para ser rentable. Mientras escribo estas líneas, lleva 315 millones; puede que cuando leas esto haya sumado un poco más, pero casi seguro que seguirá siendo insuficiente.

No pretendo hacer un análisis de por qué no está funcionando la película, a pesar de proceder de la serie de Star Wars más exitosa de Disney+. Lo que sí haré será repasar algunos aspectos que han contribuido a este declive y de los que Lucasfilm y, en última instancia, Disney, harían bien en aprender.

Y para empezar, tenemos la campaña promocional. No puedes traer de regreso una franquicia como Star Wars después de siete años (seis y medio, en realidad) y no aprovechar escaparates como la Super Bowl. El spot "homenaje a los anuncios clásicos" tuvo el efecto contrario al deseado: enfadó a los fans y generó preocupación.

La gente quiere ver tráileres espectaculares en esos eventos, no un clip que ni siquiera va a aparecer en la película final. Y si vas a hacer algo "especial", prueba locuras como la de Lilo y Stitch, con el destructivo personaje liándola parda en un terreno de juego.

The Mandalorian and Grogu ha sido la película del mínimo esfuerzo

Sin intentar menospreciar el trabajo de quienes han participado en el filme, cuando voy a ver una película de Star Wars al cine, necesito que me cuente una historia que aporte al todo de la franquicia. Para mí, no ha sido el caso, y esa sensación es compartida por bastante gente.

¿Estoy diciendo que es una mala película? No exactamente, pero sí estoy diciendo que no es buena y que generar ese tipo de sentimientos genera un boca a boca negativo que afecta a la taquilla.

Lucasfilm también haría bien en tomar nota y no sacar 4-5 contenidos de Star Wars al año. Hay una no tan sutil diferencia entre el estreno de The Mandalorian and Grogu tras siete años y el de Star Wars: Episodio VII - El despertar de la Fuerza, y es que en todos esos años tan solo tuvimos series de animación como The Clone Wars y el comienzo de Star Wars Rebels, pero con suficiente espacio entre ellas.

En el último lustro largo, Disney+ ha saturado su catálogo con series de Star Wars, y no siempre a la altura de la franquicia. Eso sin contar con especiales como los de LEGO, que te echas unas rosas, sí, pero al final son más tralla para esta temática.

Tengo amigos que han llegado a afirmar que "es una era dorada para ser fan de Star Wars". Bueno, es su opinión y no seré yo quien se ponga a discutir con ellos de mala manera, pero opino al contrario. La facilidad de sacar contenido no implica que debas abusar de esa capacidad. Prefiero poco y bueno a mucho y de calidad debatible.

Una galaxia inmensa que siempre se reduce a lo mismo

Y mi razón clave, al menos desde la perspectiva del fandom, es que Star Wars necesita pasar página y dejar de sobreexplotar eventos ambientados en la Guerra Civil Galáctica y la era de la Nueva República.

Entiendo la tentación de aprovechar la iconografía del Imperio o reinventar alguna armadura para vender más juguetes; de verdad que lo entiendo. No soy tan ingenuo como para no ver el negociazo que es el merchandising de la franquicia.

Pero también se pueden vender muñecos mientras se exploran otras épocas, ¿eh? Uno de los proyectos que más me interesan, si es que ve la luz algún lustro de estos, es esa película de James Mangold que se remontaría a la era en la que los Jedi descubrieron la Fuerza.

Sí, hay series como Andor que aún pueden suponer un soplo de aire fresco por cómo están enfocadas, pero no se puede depender enteramente de ello.

Esto es importante de cara al futuro, porque Dave Filoni y Lynwen Brennan deberían tomar nota para no seguir cometiendo los mismos errores. También estaría fenomenal que apuntasen en Disney, porque es la misma metedura de pata que tienen con el Universo Cinematográfico de Marvel, sobre todo en lo relativo a sobreexplotación.

Veremos si Shawn Levy consigue levantar esto el año que viene con Star Wars: Starfighter, pero insisto en que explorar otras eras debería ser clave. The Acolyte no fracasó por la ambientación, sino por un desarrollo narrativo muy deficiente.

Yo solo digo que la era de la Antigua República sigue ahí, esperando fuera del canon a que algún cineasta se atreva a sacar partido a uno de los mayores conflictos galácticos. Una pena que nadie en Star Wars se atreva.

The Mandalorian and Grogu merecía mucho más, pero en Star Wars se ha ido a lo fácil y el resultado ha sido acorde.

La adaptación del mítico cómic de Oesterheld y Solano López ha sido un producto sólido, de realización notable y con el protagonismo de Ricardo Darín. Una suma de componentes bien recibida por los suscriptores. Tras esta historia, van a probar ahora con otra novela mítica, o más bien de un autor mítico.

La misma productora, K&S Films, llevará a Netflix la adaptación de la novela El mundo que Jones creó, escrita por Philip K. Dick en 1956.

Imagino que casi todos los lectores lo sabrán, pero Philip K. Dick es el conocido autor de ciencia ficción cuyas obras han sido adaptadas decenas y decenas de veces: Blade Runner, Desafío total, Minority Report, El hombre en el castillo, Una mirada en la oscuridad... También ha influido en otras tantas narraciones, como la española Abre los ojos, de Alejandro Amenábar.

Justo un colaborador habitual de Amenábar será el showrunner de la serie, Mateo Gil. El director y prestigioso guionista llevará la obra a la televisión y ya se ha avisado que lo hará con muchas licencias. Y hacen bien.

Una adaptación prometedora... de una novela mediocre

Es normal que pocos conozcan El mundo que Jones creó a pesar de ser lectores de Philip K. Dick. Es una obra de sus primeros años, previa a la más reconocida Ojo en el cielo. Fue escrita cuando el californiano todavía no había alcanzado sus cotas más altas como escritor.

Aun así, es una obra dickiana en su sinopsis al estar protagonizada por un personaje capaz de adivinar lo que ocurrirá un año más tarde, desarrollarse en un futuro postapocalíptico y tratar temas como el determinismo y la paranoia, esto último clave en toda su narrativa.

Los que hemos leído a Dick teníamos esta novela algo olvidada y no es por casualidad. Dentro de la extensa trayectoria del escritor, en estas obras primerizas se ven rastros de bisoñez, estilo descuidado (ya escribía mucho... demasiado) y no había dado todavía con los elementos que mejor trabajaría.

Tal como he dicho, a pesar de estos problemas se ven ya indicios de lo que sería después el universo dickiano, por eso voy a pedir algo que parece contrario a lo que se suele exigir: me gustaría una adaptación muy libre de la novela.

Parece que con los videojuegos y libros hay que ser fieles a la obra y muchos fans van tomando nota de lo que no se ajusta a la fuente, pero yo prefiero que tenga su autonomía y se busque ante todo ofrecer la mejor historia posible.

Digo esto a pesar de que Philip K. Dick es el autor del que he leído más libros, pero también consciente de que quitando una, sus mejores adaptaciones son las que se han tomado más libertades. Esa adaptación que rompe la norma es Una mirada en la oscuridad.

En todo caso, sea como sea, la mezcla de Mateo Gil, El eternauta y Philip K. Dick hará que le dé una oportunidad a la serie. De momento solo pido eso: que sea una obra dickiana alejada del original.

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Tan solo un año después de arrasar en las salas con el remake en live action de Lilo y Stitch, Disney nos hace regresar este verano a las islas del Pacífico con Vaiana, aunque superar al éxito de su predecesora no será nada fácil.

Lilo y Stitch logró aunar todos los ingredientes necesarios para conseguir que su vuelta en un nuevo formato resultara muy atractiva para el público, hasta el punto de que la cinta hiciera historia con sus cifras.

Con un presupuesto de 100 millones de dólares, la película se convirtió en el cuarto estreno más taquillero del año acumulando más de 1.000 millones en taquilla. Desde el estreno de El rey león en 2019 ningún otro de los remakes de Disney había conseguido superar la barrera de los 1.000 millones en recaudación a nivel mundial.

Por aquel entonces todavía eran muchos los clásicos reinventados de la compañía que rebasaban esa cifra, pero en los últimos años el estudio había sido menos prolífico, y estuvo encadenado fracasos como Blancanieves (2025) o La sirenita (2023).

Lilo y Stitch logró cambiar las tornas. En parte debido a una muy buena gestión del timing. Hacía ya más de un par de décadas desde el estreno de la película de animación original de 2002, y la nostalgia por los años 2000 ha ido ganando fuerza entre las generaciones actuales que acuden al cine para revivir su infancia.

Por otro lado, Stitch nunca ha dejado de estar presente y generar mercadotecnia, siendo uno de los iconos más reconocibles del estudio, un personaje entrañable al que mucha gente soñó tener de mascota. Y el live action consiguió justo eso: darle vida, enseñarnos cómo sería en el mundo real.

Porque la trama de Lilo y Stitch es mucho más mundana de lo que aparenta, a pesar de las criaturas extraterrestres implicadas. Al final lo que nos está relatando es la historia de una familia disfuncional a la que se adhiere un peculiar nuevo miembro.

El remake de Vaiana llega demasiado pronto

Y es en este contexto sobre el que está a punto de aterrizar el remake en imagen real de Vaiana, una película que parece que llega precipitada ante la poca distancia que la separa desde su original a adaptar de 2016, con tan sólo una década de diferencia.

Por ello no ha habido espacio suficiente como para que la echemos de menos, como para que añoremos esos años, como para que algo deba ser actualizado a los tiempos que corren. Es un remake que no puede hacer más que calcar la producción primigenia, y poco podrá aportar en ese ámbito.

Vaiana se convertirá en el primer largometraje en la historia Disney que tome como punto de partida una película hecha con animación tridimensional en lugar de bidimensional.

Y la imagen va a ser demasiado similar, puesto que la animación 3D que primaba entonces respondía al realismo estilizado en lugar del renderizado no fotorrealista que se persigue ahora tras el boom de las cintas del Spider-Verse.

Entonces, si tiene tan poco que aportar en su historia y también en lo artístico, cuesta creer que Vaiana vaya a superar a Lilo y Stitch en cuanto a la satisfacción que le pueda generar al público. Sin embargo, conviene tener otros factores en cuenta.

La primera película sigue siendo muy querida por la audiencia, y eso quedó reflejado en las asombrosas cifras que logró acumular su secuela en 2024, que se posicionó como el tercer estreno más taquillero del año con más de 1.000 millones de dólares en recaudación, a pesar de ser un pésimo intento de convertir en largometraje una serie de animación.

Pero al público no le molestó, volcando todo su apoyo en la propuesta, así que también hay indicios para creer que el remake podría correr la misma suerte. Eso sí, ha sido más costoso de producir que el de Lilo y Stitch, concretamente el doble: 200 millones de dólares.

Y es que esta propuesta es mucho más fantasiosa, un relato épico con deidades que se metamorfosean, fuerzas de la naturaleza colosales y una gran presencia del agua.

Además de contar con el talento de Dwayne Johnson como cabeza de reparto para repetir su rol como Maui tras haber dado vida al semidiós en las entregas animadas. Y todo eso encarece el producto final. La cuestión es si habrá merecido la pena la inversión.

Dudo mucho que nos vayamos a enfrentar con una situación similar a la de Blancanieves, pero al mismo tiempo me cuesta ver el atractivo del live action de Vaiana en comparación con el de Lilo y Stitch, aunque la gente todavía siga cantando How Far I'll Go como heredera espiritual del Let It Go de Frozen.

Por eso veo que el principal problema de la película no es su potencial fracaso, sino el mayor éxito reciente de la compañía con Lilo y Stitch, que ya no empujará a Vaiana a compararse con remakes de hace años sino con su rival más actual, que se ganó la taquilla y también a la gente.

Tras alcanzar un pico histórico en 2024 con cerca de 68 estrenos, las principales plataformas globales como Disney Plus, Netflix, Max (ya renombrada HBO Max) o Prime Video han reducido la cantidad de producciones originales y han recortado los presupuestos para series de gama alta. Y ya empieza a notarse con un goteo más espaciado de estrenos de series españolas.

El reducto de la producción nacional es (por ahora) Movistar Plus, Atresplayer y SkyShowtime, si bien esto es algo que podría cambiar a corto plazo.

Durante cerca de una década, Movistar ha estado desarrollando una estrategia enfocada en series españolas de prestigio con más de 40 estrenos: arrancó en 2017 con La zona y ha contado con verdaderos pepinazos como La peste, Arde Madrid, Hierro, La línea invisible, Antidisturbios, La unidad, El inmortal, Apagón, Marbella, Poquita fe, Querer, Los años nuevos... Enfoque multigénero, centrado en visiones de autor y con la calidad por bandera, reclutando lo más florido de la interpretación patria.

Este pequeño oasis creativo podría estar en peligro inminente, como ya empezó a entreverse con el cese de Domingo Corral como responsable de ficción y entretenimiento de Movistar Plus por parte del consejo de administración de Telefónica en 2025. Este movimiento fue muy criticado en el sector y el origen de una carta donde más de 150 profesionales de la industria, entre ellos Javier Bardem, Pedro Almodóvar, Penélope Cruz o Rodrigo Sorogoyen, apoyaban el desempeño de Domingo Corral en el cargo y expresaban su preocupación por el futuro.

Veremos cómo se siguen desarrollando los acontecimientos, pero de momento, esto ha traído consigo un efecto dominó: Fran Araújo, que abandonó su cargo como productor ejecutivo y fue uno de los grandes responsables del auge del departamento de ficción original y Guillermo Farré, hasta ahora responsable del área de cine original y cine español de la compañía han sigo las siguientes piezas en caer, lo que no dibuja un futuro muy halagúeño...

Tengamos en cuenta que muchas de las series exitosas que han sido lanzadas en estos años han sido creadas por cineastas de renombre y cine y televisión han sido vasos comunicantes.

HBO Max también acusó la pérdida de Miguel Salvat como Director de Producción Original y Ficción de HBO España si tenemos en cuenta que dio luz verde a proyectos tan apasionantes y celebrados como Patria, 30 monedas, ¡García! o Pobre diablo. Qué duda cabe que los proyectos son fruto de equipos creativos guiados por personas capaces y si ausencia, se nota.

En fin, si recuperamos la foto global, por una parte estamos viendo una estabilización del mercado del streaming que conlleva una ralentización de estrenos: se priorizan la calidad y la garantía de éxito (encargando nuevas temporadas de títulos que se sabe que funcionan bien) antes que la novedad y la cantidad, que siempre conlleva más esfuerzo y riesgo económico. La cuestión es si el balance es equilibrado y el mercado no entra en bucle, como le ha venido pasando al cine con una sobreexplotación preocupante. Repetir fórmulas agota.

Por otra parte, el mercado de la series que se emiten en abierto sigue siendo muy potente. Puede que el enfoque sea muy distinto, con productos pensados para audiencias menos segmentadas y producciones que van más "a salto de mata" pensando en la longevidad y atrapar a las audiencias, pero está claro que sigue siendo una competencia directa que detrae recursos y atención de los espectadores.

Lo que ahora es una ligera reducción de estrenos, probablemente se convertirá con el paso del tiempo en una visible desaceleración y es una verdadera pena si tenemos en cuenta las capacidades demostradas por los profesionales de la industria, delante y detrás de las cámaras. Con suerte se reabsorberá el talento y seguiremos disfrutando de sus obras, sea en una u otra casa.

Pero cada generación necesita sus referentes en ciertos géneros, y el western no es ninguna excepción. De los citados, Clint Eastwood y Kevin Costner son los dos referentes activos, y uno de ellos ni siquiera termina de aclarar si se ha retirado o no.

Los hijos de Clint Eastwood han debatido si su padre está retirado a los 96 añazos o no; uno de ellos, Kyle Eastwood, piensa que sí, mientras que otro, Scott Eastwood, no lo tiene claro. Mientras, Clint guarda silencio.

Por otro lado, Kevin Costner sufre su propia pesadilla con el género que tanto ama. Su salida de Yellowstone fue una mala estrategia. Comprensible, sin duda, pero su ambición para convertir Horizon: An Américan Saga en una tetralogía de referencia en el western ha terminado en una sucesión de calamidades.

El Capítulo 1 recibió una mala acogida por parte de la crítica, pésima taquilla y, pese a que ha rendido mejor en streaming, Warner tiene bloqueado el estreno del Capítulo 2 y Costner no tiene financiación para filmar las dos películas restantes.

A eso hay que sumarles problemas legales por los préstamos solicitados anteriormente y por una escena de agresión sexual presuntamente filmada sin las medidas adecuadas.

Aunque Kevin Costner ha hecho un documental sobre el Oeste y producido una serie sobre la Guerra Civil Americana, no parece que en los planes inmediatos del actor de 71 años esté protagonizar otro filme o serie del género.

Lo haga o no, el western necesita sangre nueva, o quizá no tanto, que revitalice el género. Esto urge, además, porque es un momento perfecto para esta temática, en especial en Estados Unidos, donde el panorama conservador está en su punto de mayor poder en décadas.

El western tiene cantera

Lo bueno es que hay poderío en Hollywood para que el western no quede desangelado. Hay veteranos como Billy Bob Thornton que pueden protagonizar películas del género cualquier día de la semana sin despeinarse.

Lo mismo se podría aplicar a Matthew McConaughey, como ya constató el actor en 2016 con Los hombres libres de Jones.

El universo Yellowstone también ha dado sus diamantes en bruto, empezando por Cole Hauser, el actor que interpreta a Rip y que ha regresado al papel en Rancho Dutton. La serie original también nos reveló a Luke Grimes, aunque Marshals no le esté haciendo ningún favor en ese sentido.

Luego tenemos también a Brandon Sklenar, un actor que me dejó loco en 1923 con su papel de Spencer Dutton. También está Brendan Wayne, que tiene papeletas para seguir los pasos de su abuelo, aunque lleva años atrapado en Star Wars.

En lo que a directores se refiere, el propio Costner aún puede dar la sorpresa, si sale del bache. También destacaría a Christina Alexandra Voros, veterana del universo Yellowstone y del ecosistema de series de Taylor Sheridan, que ha perfeccionado su fotografía hasta niveles exquisitos en The Madison.

El propio Taylor Sheridan es candidato a... bueno, a todo: puede actuar, escribir y dirigir porque vive por y para el western.

El gran problema es que, más allá de Taylor Sheridan y su radar, hay pocos candidatos a elevar su estatus de referente del western a estatus de leyenda como lo tienen Clint Eastwood o Kevin Costner. ¿Quién más crees que podría tomar el relevo generacional?

Si creciste durante los ochenta, los noventa o incluso la década de 2000, seguro que recordarás más de una serie familiar que se convirtió en una cita ineludible cada semana. He citado tres míticas en el titular de este artículo, pero la lista es mucho más larga.

Es verdad que no todas eran el epítome de la mejor televisión, pero es innegable que series como Farmacia de guardia, Médico de familia o Los Serrano se convirtieron en fenómenos televisivos en España y rivalizaron incluso con series punteras estadounidenses.

Saliéndonos un poco por la tangente, series como Los ladrones van a La oficina, Periodistas, Los hombres de Paco o Compañeros y sus herederas espirituales, Al salir de clase y Física o química, tuvieron efectos similares, pero no es lo mismo.

A estas sitcoms familiares se les parecen más series como Aída o su predecesora, Siete vidas, Canguros o La casa de los líos. Ana y los 7 también andaba por esta senda.

Pero, de pronto, las series familiares dejaron de ser relevantes para los canales de televisión en España. Salvo reposiciones de estos clásicos, no estamos viendo esfuerzos por revitalizar el género en un mundo en el que no nos vendría mal un tipo de humor más amable.

El humor más burdo ha enterrado a las series familiares

Es cierto que seguimos teniendo comedias como La que se avecina y todas las de la factoría de Contubernio (Machos alfa, El pueblo...), pero estas se apoyan más en el humor chabacano, y no lo digo como crítica, sino para señalar el enfoque diferente.

Farmacia de guardia o Médico de familia eran series que servidor, un polluelo nacido en 1986, podía ver perfectamente cuando estuvieron originalmente en emisión sin temor a que alguna escena se pasara tres pueblos.

Eran esas series que no buscaban revolucionar nada, pero que nos tenían a todos deseando que llegase el día de la semana en que lanzaban nuevo capítulo.

Ahora no solo tenemos un exceso repulsivo de realities y programas de seudotertulianos hablando de cosas que pretenden saber, polarizando a la audiencia (y a la sociedad) más que nunca, sino que se nos está privando de un enfoque que vendría fenomenal en un mundo en el que cada vez vamos más a nuestra bola, incluso en el ámbito familiar.

Puede que la última serie de este estilo que realmente mantuvo atrapado al público durante lustros fuese Cuéntame cómo pasó. Sin ser estrictamente de la misma dinámica que Médico de familia o Los Serrano, los 22 años que los Alcántara nos tuvieron pegados a la tele son todo un hito televisivo envidiable.

No voy a negar que los gustos han cambiado y que la propia televisión se enfrenta a una crisis de identidad sin precedente: la calidad de la programación deja muchísimo que desear y no hacen más que ver cómo el streaming les come terreno constantemente.

Supongo que solo echo de menos tiempos más sencillos y la sensación que me daba ver un capítulo de algunas de estas series para, al día siguiente, comentarlo con los compañeros de clase en el recreo. Ains, que viejos somos...

Narrativamente hablando, las historias con viajes en el tiempo son un quebradero de cabeza. Los autores tienen que lidiar con muchas capas de contexto que tienen que estar cuidadas al milímetro para que se mantenga la verosimilitud. Y aun así, suele haber problemas, aunque hasta eso podría considerarse una virtud, pues dan pie a muchas teorías para explicar las paradojas.

Pero es habitual que los pasemos por alto porque las historias de viajes en el tiempo nos atrapan desde siempre. Ya sea Homer usando un tostador modificado para destrozar el continuo espacio-tiempo en Los Simpson o para que Godofredo de Miramonte y su fiel escudero, Delcojón el Bribón, pasen de la Edad Media a la era contemporánea, para su perdición.

Pero ¿qué es lo que nos atrae realmente de las películas y series de viajes en el tiempo? Bueno, seguro que cada quien tiene sus preferencias. Yo voy a compartir las mías, esas que me impulsan a darle al "play" cuando veo una historia con esta temática.

La capacidad de descubrir sin dejar de lado el enfoque cómico

Creo que mucha gente coincide en el primer aspecto que fascina a la hora de abordar una historia de viajes en el tiempo: los contrastes. Es más, Regreso al futuro, siendo una de las historias del género más famosas, ni siquiera es capaz de explotar esta faceta realmente.

Sí, vale, Marty McFly (Michael J. Fox) viaja a los 50, al viejo oeste y al aterrador futuro de 2015 (?), pero como los Estados Unidos no tienen tanta historia, cumplirá 250 años este verano como nación independiente. Con esto quiero decir que no tenían tanto margen de maniobra como sí hemos visto en otros relatos.

Por eso citaba antes a Godofredo de Miramonte (Jean Reno) y Delcojón el Bribón (Christian Clavier). Los visitantes es un ejemplo de gran contraste por un viaje en el tiempo. Ver a dos personajes de la Edad Media en plena década de los 90 es hilarante.

Lo mismo se aplica al revés. Se me ocurre, por poner un ejemplo justo a la inversa, El caballero negro, de Martin Lawrence. Vale, la peli es mala con avaricia, pero yo me lo pasaba pipa viéndola en su día. Ahí vemos a Jamal un tipo contemporáneo nuestro, que se ve arrastrado a la Inglaterra medieval.

A lo que voy: este tipo de contrastes siempre me suscitan la pregunta de qué haría yo si viajase en el tiempo al pasado. No sabría comportarme en muchas situaciones, y el riesgo de que se piensen que soy un hereje o algo peor...

Relacionada con esta cualidad de las películas y series de viajes en el tiempo está la inversa: viajar al futuro. Vuelvo con Regreso al futuro II, estrenada en 1989, pero que imagina el mundo casi tres décadas después. Vale que no tenemos aeropatines ni las pizzas se hacen en un segundo, pero nos invita a imaginar cómo podría ser el futuro.

Cierto es que esta cualidad también la tiene cualquier historia de ciencia ficción ambientada en el futuro, pero sin esa conexión a través de una persona que sea del presente.

Puede que el aspecto que más me gusta de las historias de viajes en el tiempo sea que invitan a descubrir. Puedes ver El Ministerio del Tiempo, pasártelo bien y que todo te importe un bledo, pero también puede picarte el gusanillo por descubrir eventos y personajes históricos y buscar información sobre ellos.

Así descubrirías que ese tipo que hace los retratos robot tan precisos, el tal Velázquez, es uno de los artistas más relevantes de la pintura española, por poner un ejemplo tonto, ya que deberías saber quién es Diego Velázquez sin que te lo diga una serie.

Esta cualidad se explota especialmente en series, precisamente. Además de El Ministerio del Tiempo, Doctor Who también ha dado rienda suelta a convertir a personajes históricos en héroes o villanos inesperados en historias que no asociaríamos con ellos.

Por último, pero no menos importante, me fascina la inventiva con la que muchos relatos del género hacen que sus personajes viajen en el tiempo. Vale que ninguna es tan surrealista como la tostadora de Homer, pero sea por arte de magia, atravesando un angosto túnel como en Dark, cayendo en un foso hediondo, en una cabina de policía, en un DeLorean o cruzando una de las muchas puertas de cierto edificio de Madrid, otro tiempo nos espera.

Y a ti ¿qué es lo que más te gusta de las películas y series de viajes en el tiempo? ¿Qué es eso que te atrapa cuando ves una historia y descubres que tiene esa mecánica narrativa.

Pixar lanzó una secuela de Del Revés y hasta volvió la saga en una serie de animación, Disney está que no para con Frozen, y ya va camino de estrenar su tercer largometraje, tras haber incorporado una nueva zona de este universo a su parque temático de París que hay que seguir vendiendo.

Ni siquiera se libran de ser expandidos éxitos como Las guerreras k-pop (2025), un fenómeno de Netflix precedido por la Ola Coreana que Sony Pictures Animation no quiso dejar morir ahí después de ver la tremenda acogida con la que fue recibido en la plataforma de streaming.

O Robot salvaje (2024), que tenía un planteamiento bastante más íntimo, pero, de nuevo, tuvo la desgracia de resultar demasiado aplaudido y rentable como para que DreamWorks quisiera ignorarlo.

El cine se construye sobre seguro, ninguna productora quiere apostar por lanzar un producto que luego vaya a ser despreciado en taquilla, y por eso es tan habitual que, cada vez más, estemos viendo todo el rato lo mismo en pantalla.

Universos cinematográficos compuestos por títulos entrelazados, secuelas, remakes, reboots. No sólo en animación. En todos los ámbitos. Hay un miedo demasiado fuerte al fracaso, y unas ganas insaciables en Hollywood por hacer que la industria funcione sin riesgo.

Ni siquiera Backrooms, que lo está petando ahora, viene de la nada, porque se ha construido sobre un famoso creepypasta y unos vídeos virales de YouTube, teniendo detrás a grandes nombres en la producción.

Toy Story y Gru mi villano favorito repiten un problemático patrón

Y, como nada es accidental, la mejor manera de hacer que las cosas funcionen es seguir dándonos lo que ya conocemos con otro envoltorio, con los mínimos cambios imprescindibles para que parezcan algo nuevo y no te sientas timada del todo.

Por eso, este mismo verano recibiremos con los brazos abiertos el regreso de dos franquicias que llevan demasiados títulos a sus espaldas, como Toy Story de Pixar y Gru mi villano favorito de Illumination.

La primera todavía no se avergüenza de su cifra, y le ha añadido un 5 al nombre, que resulta coherente con el hilo narrativo cronológico de la saga.

La segunda, en cambio, ha convertido a la franquicia en un rompecabezas con diferentes épocas retratadas en cada una, y ahora nos propone en su séptima película una Minions & Monsters ambientada en los años 20 y sin rastro de Gru.

Ninguna viene a romper moldes, tan solo a seguir apelando al público que las vio nacer en los 90 y los 2010, y al que se ha unido a ellas a lo largo de los últimos 30 años. Lo que se traduce en mucha gente con la que conectar en las próximas semanas.

En Toy Story tenemos a los mismos juguetes clásicos enfrentando desafíos inéditos con la llegada de la tecnología, mientras que en Minions veremos a unos protagonistas que no son iguales a los anteriores pero que mantienen las bases perfectamente intercambiables de estos villanos graciosetes, que ya exploré la semana pasada en un artículo dedicado a la razón de su éxito.

El futuro es una secuela

El público no se queja, y la taquilla responde a las mil maravillas: el año pasado el segundo largometraje que mayor recaudación consiguió a nivel mundial fue, para sorpresa de nadie, una secuela, la de Zootrópolis, seguida en cuarta posición por el remake en imagen real de Lilo y Stitch -que tendrá secuela, por supuesto-.

Y este 2026 el título que está liderando la lista es la secuela de Super Mario Bros: La película, también firmada por Illumination. Es lo que funciona. Lo que las productoras nos ofrecen. Lo único que podemos ver porque no hay mucha más oferta donde elegir.

Hoppers de lejos intentó escalar puestos en taquilla, quedando en el momento de escribir estas líneas en sexto lugar. Por fortuna, Pixar todavía no ha amenazado con una continuación. Pero no te preocupes, porque secuelas no nos van a faltar en los próximos años.

De este estudio ya tenemos confirmadas Los Increíbles 3 y Coco 2, como mínimo. Mientras que en un futro más cercano son otras compañías las que nos van a hacer volver al bucle.

20th Century Studios recuperará en febrero de 2027 la saga de La Edad de Hielo después de una década, con una sexta entrega bautizada Ice Age: En ebullición, y DreamWorks Animation rescatará más de quince años después a su ogro estrella con una Shrek 5 para verano del año que viene, aunque ya corren rumores de que eso será sólo el principio.

Quizá esta burbuja explote algún día. Hasta entonces nos vamos a hartar de ver refritos en el cine de animación hollywoodiense, y a todo aquel que se quiera adherir a ese engranaje, como prueba la española Tadeo Jones y la lámpara maravillosa, ¡ya la cuarta entrega de la saga!, que aterriza en cines este agosto. Porque el futuro es una secuela.

En un ecosistema en el que cierta ligereza se recibió con los brazos abiertos supo desdramatizar y enganchar a la audiencia con una propuesta muy fresca, gozosamente retro y con una buena dosis de descaro insolente. Luminosa y divertida, marcó una nueva senda en el momento más oportuno.

Eran los tiempos en los que el soufflé de los superhéroes estaba en su punto álgido: había propuestas de todos los colores e hibridaciones de géneros que funcionaban francamente bien en taquilla. Hasta el mundo de la interpretación se veía absorbido por la tendencia: muy pocos se resistían a la exposición y los beneficios derivados de aparecer en una película "de mallas y capas", por más que las pantallas verdes fueran un verdadero incordio para la mayoría de ellos.

A día de hoy, heredar un reino audiovisual como el de DC es un regalo envenenado, tanto o más que echarse a la espalda una mochila de piedras. En primer lugar, como decíamos, porque el contexto ha cambiado.

Hemos pasado de la "fatiga" al total "hartazgo" del mundo de los superhéroes. Eso no significa que no haya margen para conquistar a la audiencia en momentos puntuales, pero parece improbable, por no decir imposible, que volvamos a movernos en el mismo contexto de éxitos concatenados que en la época dorada del UCM.

La estrategia de Gunn parece ser otra muy distinta, de hecho: su idea es apelar a fans muy puros y ofrecerles un caramelo bien disfrutón con su puntito iconoclasta. Derribar expectativas, en suma, pero poniendo sobre la mesa aspectos que hasta ahora no se habían visto.

Por ahora, esto lo ha logrado con su Superman y Creature Commandos aunque diviviendo a críticos y fans, muchos de los cuales lo consideramos un arranque bastante débil para la "nueva era". La próxima en llegar será Supergirl, que debutó en Superman y ahora será la protagonista de su propio largometraje. Y el tono parece continuista.

Hasta aquí, estaremos de acuerdo en que, como poco, ha renovado el aire del universo DC, rompiendo por completo con eras anteriores como la de Donner y la de Snyder. El gran escollo es que su visión colorista, desenfadada y a veces abiertamente cafre, no llega al público general del mismo modo. El sentido del humor de James Gunn es muy peculiar y probablemente funciona mejor con personajes secundarios o menos relevantes (he ahí su Escuadrón Suicida), mientras que choca mucho con otros más mainstream de los que los espectadores esperan cierto peso específico y menos gracietas.

Hemos pasado de la oscuridad, rotundidad y ansia de trascendencia de la era Snyder al polo opuesto y la pregunta que flota en el ambiente es durante cuánto tiempo se sostendrá esta apuesta o, dicho con otras palabras, si Gunn tendrá la capacidad de sorprender con propuestas diferentes, más maduras e incluso tétricas. La prueba de fuego será Clayface, con James Watkins como director.

La sensación es que, más que renovar el Universo DC, lo que ha hecho ha sido llevárselo a otro terreno, más humano y mundano; menos sólido y grave. Hay que esperar a que se asiente el polvo de la demolición antes de ver qué se va gestando.

Por ahora, tiene más sentido el recorrido de los productos televisivos que los cinematográficos, pero solo hemos podido ver un esbozo entre escombros y parece un dejà vu de lo que hizo en su era Marvel que aplicado a ciertos personajes funciona solo regular. Tiempo al tiempo.

Tanto es así que el propio George R. R. Martin terminó cargando contra La casa del dragón en 2024. La publicación de su blog fue borrada, pero sus palabras cargadas de amargura y criticando los muchos cambios que se han llevado a cabo en la serie de HBO Max permanecen. Y también resuenan las advertencias de que "hay más por llegar".

Y viendo los tráileres de la temporada 3, va tocando una de esas opiniones de "espero equivocarme" que me gusta traer a HobbyCine. Porque lo que puede estar haciendo La casa del dragón es maquillar más sus fallos del pasado con capas de acción para que pasen más inadvertidos.

Si has leído Fuego y sangre, sabrás que la Danza de Dragones no recibe el apelativo de "mayor conflicto bélico de Poniente" por casualidad. Fue una barbarie marcada por batallas que solo pueden describirse como carnicerías. Hubo traiciones, asesinatos y cada día era una oportunidad perfecta para cometer crímenes de guerra, independientemente del bando.

Y en el centro de todo este pandemonio de caos, dos mujeres: Rhaenyra Targaryen y Alicent Hightower.

Alicent y Rhaenyra son la fuente de los mayores problemas de La casa del dragón

Podrías decirme: "Hombre, Javi, eso es lo que pasa en La casa del dragón". Sí, pero te diría que la serie de HBO Max es la versión "disneyficada" de esta crónica del universo de Juego de tronos.

Lo que nos lleva a un cambio que, de primeras, fue asumido con cierta indiferencia hasta por George R. R. Martin; un cambio que se produce nada más arrancar La casa del dragón y que está desdibujando a sus principales personajes: Rhaenyra y Alicent nunca fueron amigas.

La serie las presenta como amigas íntimas cuya relación se distancia con los años y se empieza a romper cuando Alicent contrae matrimonio con Viserys I, convirtiéndose en madrastra de su antigua amiga.

Ese vínculo entre los dos motores del conflicto se convierte constantemente en una debilidad para ambas. Rhaenyra y Alicent son implacables en el libro, tanto como cualquier personaje masculino con poder en Canción de hielo y fuego.

La casa del dragón, en cambio, suaviza continuamente a ambos personajes, mostrándolas vulnerables y, en ocasiones, confabuladas, aprovechando los rescoldos de una amistad que nunca debió existir. Hasta cuando cometen alguna atrocidad, la serie casi parece excusarlas con un aire de congoja, como si no quisieran nada de eso en realidad.

El problema parece continuar en la temporada 3, a tenor de los tráileres que hemos visto. En uno de ellos, Rhaenyra informa de que "Alicent abrirá las puertas de Desembarco del Rey y se rendirá ante ella".

Quiero pensar que eso no sucederá finalmente, pues nos privaría de una de las partes más importantes de la Danza de Dragones. De hecho, parece que no será así, aunque no se elimina el problema.

Dos mujeres fuertes y crueles quedan diluidas en una marejada de sentimientos y comprensividad que no tienen en las páginas de la novela y que resta fuerza al mensaje esencial que Martin lanzaba en este pasaje de Fuego y sangre: una guerra civil siempre es inútil, y más cuando es en favor de dos males.

Además, la serie no para de tomar partido en favor de uno de los bandos, cuando no debería. Negros y Verdes tienen el mismo grado de crueldad, las mismas ambiciones y el mismo poco miramiento a la hora de arruinar vidas inocentes si eso les beneficia.

Como decía al principio: espero equivocarme y que La casa del dragón empiece a enmendar sus grandes males en HBO Max con esta tercera temporada.

El cuento de la criada tenía un problema muy grande: se alargó demasiado, durante muchas temporadas incluso después de que se hubiera agotado la fórmula. Y es que la serie debería haber sido una miniserie, pero tuvo éxito y eso la llevó a asfixiarse en su propia narrativa y personajes que no hacían más que dar vuelta sobre sí mismos.

El cuento de la criada hizo muchas cosas mal

La primera temporada de El cuento de la criada cubría la novela de Margaret Atwood de 1985 en la que se basaba al completo, coincidiendo incluso en su desenlace.

Pero al final lo que tuvimos en pantalla fue una serie de seis temporadas, que se extendieron a lo largo de casi una década, con su conclusión haciéndose de rogar más que cualquier temporada previa.

Para entonces la serie ya se había ido de madre: June no hacía más que buscarse excusas absurdas y suicidas para regresar a Gilead con tal de alargar un poco más la trama sin aprender de sus errores, Serena mostraba una actitud ambivalente en la que cambiaba de bando sin criterio, y la producción se abandonaba a un ciclo que no hacía progresar los conflictos sino postergarlos.

Y mientras nos aproximábamos a este final tan letárgico, se anunció Los testamentos, una nueva serie que continuaría tras los eventos de la anterior.

Pero esa propuesta se fijaría en la secuela oficial publicada por Margaret Atwood en 2019, mientras El cuento de la criada todavía estaba en emisión. La autora, involucrada en su despropósito de guion, debió inspirarse en ella para alargar el relato en sus propios términos sobre el papel.

Los testamentos consiguió ser una secuela con sentido

Como comprenderás, llegando a ese punto mi ilusión por regresar al universo de El cuento de la criada era más bien baja, porque parecía una excusa más para alargar algo que no se podía alargar. Pero me equivoqué.

Los testamentos me atrapó desde el primer momento, porque ya no era lo mismo. La serie había experimentado no sólo un salto temporal respecto a El cuento de la criada, también de personajes y de localización, incluso de paleta cromática.

Todo ello al servicio de enseñarnos una faceta sobre Gilead que no se había explorado a fondo en la serie original: la transformación de las niñas en esposas y lo que eso implicaba.

Y aunque todavía conecte con personajes previos de El cuento de la criada que le dan sentido a esta continuación, las novedades que aporta son lo suficientemente significativas como para que no me sienta como cuando veía la cuarta temporada de la serie original.

Por el momento, Los testamentos no me ha decepcionado, y es posible que haya aprendido de los errores de la anterior. Esta vez no han cogido la novela completa de Margaret Atwood para comprimirla en una temporada, sino que la serie abarca aproximadamente la primera mitad de la obra.

Así que, al menos, puedo darle un voto de confianza esperando que el estiramiento de las tramas vaya a tener un propósito y una resolución más satisfactorias, siempre que sepan cómo hacer un desarrollo de personajes más coherente al tiempo que aten todos los hilos que unen a la serie con su predecesora.

Este es el camino

Los testamentos nos enseña una importante lección que parece que muchas otras producciones están empezando a aplicar sobre sus grandes franquicias: ofrecer variedad para no saturar la fórmula.

En el ámbito de la fantasía producciones como Juego de Tronos lo han demostrado con El caballero de los Siete Reinos o La casa del dragón -que muy pronto regresará a HBO Max-, mientras que en el superheróico series como The Boys de Amazon Prime Video han apostado por expandir sus mundos con Gen V o Vought Rising.

En todos estos ejemplos vemos cómo se recurre a la misma estrategia que ha seguido la serie de Disney Plus: un cambio de época, de lugar o de personajes, incluso un nuevo tono o duración, con el que seguir ofreciendo algo más de este universo que nadie quiere que muera pero sin que te aburra por ser reiterativo.

Por ahora no se ha confirmado cuántas temporadas de Los testamentos habrá pero, como mínimo, se lanzará una temporada más, que ya ha sido renovada por Disney Plus incluso antes de que se estrenara el final de la continuación de El cuento de la criada. Esperemos que esta vez no se les vaya de las manos.

Ya desde los inicios de su carrera Steven Spielberg empezó pisando fuerte con la ciencia ficción, estrenando Encuentros en la tercera fase en 1977, una producción original y con guion propio que nos hablaba sobre el contacto de extraterrestres con la humanidad, dejando claro el interés del cineasta por esta narrativa.

E.T. el extraterrestre (1982) supuso una aproximación más familiar del cineasta a este terreno, que nos llegó pocos años después, aunque entonces el guion partía de otra persona: Melissa Mathison.

Steven Spielberg regresa a la ciencia ficción cada década

Steven Spielberg tardo una década en hacernos regresar a la ciencia ficción con otra de sus sagas más queridas tras Indiana Jones a través de Parque Jurásico (Jurassic Park) (1993), que adaptaba las novelas del mismo nombre de Michael Crichton para la gran pantalla, y lo empezaba a atar al rol de adaptador en lugar de creador en sus historias.

Luego se tomó otra década de descanso hasta que reavivó el género con más fuerza que nunca a principios de siglo con: A.I. Inteligencia Artificial (2001), Minority Report (2002) y La guerra de los mundos (2005), que de nuevo se basaban en historias preexistentes, pero que consiguieron gran relevancia al dar el salto al cine en un nuevo formato con una identidad propia.

Desde entonces, Steven Spielberg se alejó durante mucho más tiempo de la ciencia ficción, hasta que regresó en 2018 con la adaptación de la novela Ready Player One de Ernest Cline, considerada por mucha gente una suma de guiños cinéfilos y gamers a la que le faltaba ese algo más que había predominado en sus largometrajes previos del género.

Tras aquella película, el director de Parque Jurásico empezó a mirar con mucho interés al pasado, a su propia historia personal, que ha querido reflejar en la gran pantalla con sus estrenos más recientes, perdiendo su identidad visionaria de enseñarnos nuevos mundos para irse hacia terrenos más íntimos.

Steven Spielberg vuelve a su propio pasado

Ya entrado en sus 70, Spielberg sintió nostalgia por la película original de West Side Story (1961), cuya música le encantaba de niño, y por eso se lanzó a hacer un remake del musical que estrenó en 2021.

No contento con reconectar con un clásico que lo tenía enamorado, su siguiente proyecto fue aún más directo a describirnos su vida. Los Fabelman (2022) es la película más personal de Steven Spielberg, una biografía sobre su propia carrera como cineasta y su relación familiar en la que vemos los orígenes que lo llevaron convertirse en la leyenda que es hoy.

Steven Spielberg parecía haber terminado de exprimir su historia para contarnos todo lo que tenía que decir sobre sí mismo, pero este verano la nostalgia vuelve a atacar con fuerza, pues el director de E.T. regresa a la ciencia ficción con una película única.

Tan única que no veíamos desde Encuentros en la tercera fase una cinta suya del género que partiera de una idea original del propio director, quien firma el guion del filme junto con David Koepp, uno de sus colaboradores habituales, también responsable de estrenos como Parque Jurásico o La guerra de los mundos.

¿Es este el Steven Spielberg que esperábamos?

A un mes de su estreno en cines, es pronto para asegurar que El día de la revelación se vaya a convertir en una película revolucionaria dentro de la ciencia ficción, o que nos vaya a ofrecer una visión única sobre los encuentros con extraterrestres en el cine.

Sin embargo, lo que parece claro es que Steven Spielberg todavía no lo había dicho todo al respecto, y por eso vuelve a un género del que nunca se había despedido, pero al que ha regresado de manera muy ocasional en los últimos años. Y eso siempre son buenas noticias.

Este es el Spielberg nostálgico al que mucha gente echábamos de menos, no al nostálgico de su vida sino al nostálgico de su cine, que supo afrontar la ciencia ficción desde ángulos muy diversos, pero logrando hacer que sus filmes fueran memorables por los personajes que habitaban sus mundos.

Creo que había muchas dudas sobre cuál podría ser el nuevo proyecto de Steven Spielberg tras sus trabajos más recientes, y que al final se decantara por firmar y dirigir una nueva película original de ciencia ficción ha supuesto un regreso muy esperado.

El próximo 12 de junio se estrenará en cines El día de la revelación, y partir de entonces podremos ver hacia dónde se encamina el nuevo cine de Steven Spielberg, para descubrir si será capaz de recuperar la magia de antaño, si se habrá renovado, o si ofrecerá una mirada tierna a su primer cine.

Creo que fue durante la segunda temporada cuando me puse con la serie tras leer buenas críticas sobre ella junto a las recomendaciones que me hicieron mis amigos. Desde luego, un solo episodio bastó para tenerme completamente enganchado.

A cada entrega, la trama se iba haciendo cada vez más y más emocionante, por lo que ardía en deseos de que llegara la temporada 5 para ver cómo concluía la historia de Hughie, Carnicero y compañía.

Pero, sobre todo, cómo iban a matar a Patriota, el gran villano de la serie que, sin duda, tiene que morir sí o sí. No puede quedar impune después de todo lo que ha hecho.

Sin embargo, a medida que me adentraba en la última temporada, me llevé una cierta decepción, pues me ha parecido la entrega más floja de toda la serie.

Antes de entrar en materia, debo advertir que a continuación habrá SPOILERS del final de The Boys, así que si aún no has visto el episodio, mejor que no sigas leyendo.

Una temporada muy floja, pero un buen episodio final para The Boys

Puede que esté influido por otras producciones, pero esperaba mucha más épica en la recta final de The Boys. A lo largo de la serie se han mostrado muchos momentos de lo más brutales, por lo que sus últimos episodios no deberían quedarse atrás.

En cambio, salvo el episodio final y algún que otro momento puntual, me he encontrado con una temporada más bien del montón. Eric Kripke ya adelantó que esto no iba a ser Juego de Tronos y que "nada de lo que ocurra en los últimos episodios importará si no se desarrolla bien a los personajes".

Entiendo lo que quiere decir. Yo no quiero ver una pelea tras otra cargada de buenas dosis de acción si no hay un buen trasfondo de por medio que evolucione la trama. Pero también es verdad que habría estado mejor si ciertas batallas hubiesen tenido más duración.

Además, está el hecho de que todo lo sucedido en Gen V no va a ninguna parte. Se le da mucho protagonismo a Marie como alguien con el poder suficiente para poder matar a Patriota. Sin embargo, el personaje queda relegado a un muy segundo plano y apenas sale en la serie. ¿La razón? Según Luz Estelar, aún no controla bien su poder. Pues vaya...

Podría haber participado perfectamente en la pelea final junto a Carnicero, Ryan y Kimiko, aunque luego fuese esta última la clave para detener al villano usando el poder de Soldier Boy. Al menos hubiéramos visto a Marie volver a hacer gala de sus habilidades, sobre todo ahora que el spin-off está cancelado.

A pesar de ello, reconozco que he quedado satisfecho con el episodio final de The Boys. Sí, tiene muchos momentos predecibles, como el justo castigo que recibe Profundo a manos (o más bien aletas) de los seres marinos, la más que evidente muerte de Patriota o que Carnicero muera al final (aunque no esperaba que fuese en un último enfrentamiento con Hughie). Pero está todo muy bien llevado.

Aunque aún me duele la muerte de Frenchie, me ha gustado bastante el cierre que le dan a los personajes. Sin duda lo mejor de todo es el final de Patriota, cómo el ególatra y sociópata superhéroe pasa de creerse todo un dios a ser una persona de lo más cobarde y patética al perder sus poderes, suplicando a Carnicero que no le mate. Desde luego es el mejor cierre que se le puede dar.

Ahora que The Boys ha terminado, necesito volver a ver la serie desde el principio para disfrutar de toda la trama del tirón. Si bien la última temporada me ha resultado la más floja de todas, en su conjunto es una de las mejores series de la televisión actual. ¡Larga vida a The Boys!

Las estrellas de The Mandalorian dan el salto a la gran pantalla y, con ello, se suscita una pregunta muy comprensible: ¿Tengo que ver las tres temporadas de The Mandalorian para entender lo que pasa en la peli?

Como franquicia que es, Star Wars está inevitablemente interconectada entre sus películas, series, videojuegos, cómics, novelas... Siendo The Mandalorian la serie de Disney+ que nos presenta a los personajes y los desarrolla, es lógico pensar que hay que ver esos 24 episodios antes.

Sin embargo, Jon Favreau y Dave Filoni llevan tiempo presentando The Mandalorian and Grogu como un punto para introducirse en Star Wars sin tener que conocer nada más. Han tratado de hacer una película independiente que pueda disfrutar un espectador que no sepa nada, o casi nada, de la historia de la franquicia.

Eso es lo que han intentado, pero ¿lo han conseguido? Sí y no. No te preocupes por spoilers, que no voy a entrar en detalles argumentales.

The Mandalorian and Grogu es asequible para cualquiera, pero queda coja sin sus precedentes

En respuesta a la pregunta del titular de este artículo: sí, puedes entender The Mandalorian and Grogu aunque no hayas visto la serie.

La trama es más simple que el mecanismo de un botijo, quizá por ese interés en hacerla accesible. No necesitas conocer más que los básicos de Star Wars (que el Imperio ha caído, pero aún tiene seguidores intentando restaurarlo, por ejemplo).

Argumentalmente, la historia de The Mandalorian (serie) no influye en nada de lo que veremos en la película y los espectadores que vengan de nuevas solo necesitan hacer un poco de complicidad para dar por sentada la relación entre Din Djarin y Grogu.

PERO. Sí, siempre hay un pero. Tener vista la serie aporta un bonus de conexión con los personajes. Quienes vengan de The Mandalorian tienen 24 episodios en los que hemos visto crecer la relación entre ellos; sabemos cómo se conocieron, qué desafíos afrontaron y cómo se forjó el Clan de Dos.

Aunque puedas entender la trama de The Mandalorian and Grogu sin problema, sin la serie carecerás de un bagaje emocional que cobra mucha relevancia en un tramo de la película. Es una conexión que no se consigue en un primer acto de una película de dos horas.

El resto de conexiones con otras producciones de Star Wars, como Rebels o The Clone Wars, son principalmente guiños de fan service que no influyen realmente en la trama como para que tengas que llegar con todo visto. Se disfruta de otro modo, sí, pero no tiene tanta relevancia como la conexión entre Mando y Grogu.

En cualquier caso, insisto: si no eres fan de Star Wars, pero quieres acompañar al cine a alguien que arde en deseos de ver The Mandalorian and Grogu, no te vas a perder en conexiones de la trama sin necesidad de hacer los deberes.

Hablamos esta semana de propiedades intelectuales superpotentes a nivel de penetración en el mercado nacional e internacional. Dan acceso a un jugoso rendimiento y por tanto, a priori, seguir explotándolos solo puede significar engordar sus números... ¿O hemos llegado al punto de saturación absoluto?

Veamos unos números para aclararlo: La que se avecina, que estrenará este año su temporada 27 superando los 210 episodios, fue una continuación espiritual de Aquí no hay quien viva.

Un reparto coral y en constante movimiento la ha mantenido a flote a pesar de los vaivenes e incluso una mudanza masiva (recordemos que se reflotó después de quedar cerrada). El humor políticamente incorrecto y a veces absurdo, tipo 13 Rue del percebe, la sátira mordaz y personajes estereotipados y bien pertrechados de coletillas y su propio modus operandi ha mantenido la popularidad durante mucho, mucho tiempo.

Por otra parte, no estamos ante un producto exigente sino puramente evasivo. Hay quien se engancha a ella de manera ocasional y no tiene excesivos problemas para seguir la trama porque, a fin de cuentas, aporta sketches situacionales en su mayor parte y las tramas generales son solo un marco con pocas variaciones. ¡Hasta hemos tenido un especial western en cines! La pregunta es: ¿todavía da de sí? ¿No pide a gritos ya un descanso?

Parece que el humor es uno de esos géneros que todo lo puede cuando se da con la fórmula precisa. Y los hermanos Caballero la han encontrado ya en unas cuantas ocasiones, pero tienen en esta serie un buque insignia que ha llenado muchísimas horas de parrillas de programación de canales principales y secundarios. No estaría mal dejar la serie cuando aún sigue despertando pasiones en lugar de estirarla de manera artificial, mermada de sus protagonistas principales y, por qué no decirlo, al borde del sinsentido.

En el caso de La casa de papel, el éxito es tan bestial más allá de nuestras fronteras que es muy difícil resistir la tentación de drenarle el encanto por medio de spin-offs y productos derivados, aunque sean de personajes que nos generen cierta ambivalencia. La esencia es la misma, aunque se retuerza con giros de guión en apariencia imposibles o con dobles saltos de tirabuzón en el desarrollo de unos personajes que nunca fueron precisamente creíbles.

Aún no se ha estrenado Berlín y la dama del armiño y ya nos están amenazando con una continuación imprecisa. El límite lo va a imponer la audiencia: mientras renten, podemos estar seguros de que seguirán dándole forma a nuevas historias con una fórmula similar. Lo malo es que entre tanto, ese talento no se estará invirtiendo en crear algo nuevo y distinto, puede que mejor o peor pero que al menos se diferencie un poco de lo ya conocido. Es una pequeña tragedia...

La primera temporada no fue especialmente bien recibida ni por la crítica ni por el público, aunque eso no impidió que tuviese un efecto muy positivo sobre los juegos, disparando las ventas de Devil May Cry 5 (que ya supera los 10 millones de unidades vendidas).

Así que no es de extrañar que Capcom haya dado luz verde a esta temporada 2 de Devil May Cry (y probablemente a alguna más...). Ahora bien, ¿han corregido los problemas de la primera o sigue siendo un atentado contra los personajes y la historia de los juego?

Vamos a descubrirlo... aunque probablemente ya os imagináis la respuesta por el titular.

Crítica de Devil May Cry: Temporada 2, la serie de Netflix basada en el juego de Capcom

Esta temporada retoma la acción justo donde lo dejó la primera, con Dante congelado y los humanos iniciando un asalto contra el reino demoníaco de Makai.

Sin embargo y, como ya adelantaba el final de la primera temporada, Vergil, el hermano gemelo de Dante que se creía muerto, entra en escena para animar las cosas. De esta manera y, como sucede en los juegos, el conflicto entre los hermanos y su pasado copa un gran protagonismo esta segunda temporada.

Pero no es lo único, pues el número 2 no hace únicamente referencia a que se trate de la segunda temporada de la serie: se han recuperado bastantes elementos de Devil May Cry 2, como el villano, Arius, y la trama para encontrar las Arcana y revivir al demonio Argosax.

Ahora bien, si conocéis los juegos, es probable que esto ya os huela a chamusquina, pues Devil May Cry 2 es infamemente conocido por ser una secuela que no estuvo a la altura de su predecesor; se lo considera el peor juego de la saga con mucha diferencia.

Cualquiera con dos dedos de frente habría preferido adaptar cualquier otra cosa... pero estamos hablando de Adi Shankar, quien ya demostró una prepotencia y una falta de respeto total por la historia de los juegos, así que en esta segunda temporada ha vuelto a hacer, simple y llanamente, lo que le ha dado la gana.

De nuevo, tenemos a personajes clave como Dante, Lady o Vergil que están desdibujados y no son ni una sombra de lo que vemos en los juegos. Eso en el mejor de los casos, porque en el peor nos encontramos con que no han entendido en absoluto su personalidad y forma de actuar.

También vuelven personajes originales como el comandante de DARKCOM, Blaines (que tristemente ya no interpreta Kevin Conroy), así como otros nuevos, como la pequeña Matilda, pero su presencia aporta poco o nada, con escenas que llegan a dar vergüenza ajena y parecen más bien un capricho de los guionistas.

En general, todo lo que tiene que ver con la trama y los personajes está más bien al nivel de un fanfic que de una serie hecha por guionistas profesionales.

El fanservice está fatalmente implementado, y sólo sirve para generar la impresión de que su responsable ha descubierto Devil May Cry a través de los memes en lugar de jugando a los videojuegos. Una buena prueba de ello es la implementación de las melodías licenciadas, de las que abusa de forma indiscriminada, como si pensase que por colar una canción de Evanescence va a conseguir arreglar todo lo demás.

El caso más sangrante son las innecesarias dosis de romance, que demuestran (una vez más) que Shankar no entiende ni un poco los personajes que tiene entre manos.

Además, sigue siendo incomprensible que una serie basada en un juego de origen japonés y ambientación gótica se esfuerce por americanizarlo todo; con eso, además de perder su identidad, lo único que consiguen es que Dante parezca un superhéroe de Marvel (chistes incluidos) en lugar de un cazademonios.

Al menos, en esta temporada se quitan de encima la trama política... tras varios episodios. Vaya por delante que no me molesta que se traten esta clase de temas, pues, de hacerlo bien, pueden enriquecer la obra. Pero tanto en la primera temporada como aquí, asistimos a una crítica muy burda, que se siente más como una declaración de rebeldía pueril que como una auténtica crítica hacia los Estados Unidos.

Lo mismo se puede decir de los villanos, pues de nuevo se les intenta dar un trasfondo para que sintamos pena por ellos (y por supuesto fracasan estrepitosamente en el intento).

Lo único que salva de la quema a esta segunda temporada de Devil May Cry es la animación, que por lo general es decente y nos deja con algunas peleas bastante espectaculares, aunque vuelve a abusar del 3D cuando aparecen en pantalla demonios.

Eso y que una vez aceptas que esto no tiene nada que ver con los juegos y apagas el cerebro por completo, se convierte en el clásico entretenimiento que te salva una tarde de aburrimiento pero del que no recordarás nada en dos meses.

Y oye, si sirve para que más gente conozca los juegos y Capcom se anime a hacer Devil May Cry 6... me doy con un canto en los dientes.

Es innegable que se abrió un melón que la industria no ha dudado en explotar. Series, películas, documentales... todo estaba a tu alcance donde, como y cuando quisieras. El precio era asequible y te daba una serie de garantías que convertían a estas plataformas en caballos ganadores.

Pero los tiempos han cambiado. No es que el streaming no siga en boga, pero nos acercamos a un punto de inflexión que, de hecho, ya se está notando.

Cada vez hay menos contenidos en streaming que hagan ilusión a los espectadores. Alguno queda, sí, pero la cifra disminuye y ese sentimiento se está viendo relevado por un hastío inconmensurable. Como ya ha sucedido con las redes sociales, la interferencia corporativa cada vez es más palpable.

Una serie de decisiones han ido minando severamente la popularidad de las plataformas de streaming y saturando a los espectadores, haciendo que cada vez sea más raro que se ilusionen por nada. Vamos a enumerar cinco motivos que consideramos grandes responsables del deterioro de la popularidad de las redes sociales.

Series canceladas

Es todo un clásico, pero también una de las costumbres más potencialmente mosqueantes de los servicios de streaming. Hay pocas cosas que le calienten a uno más los cascos que estar viendo una serie, que te esté gustando, y enterarte de que no habrá más temporadas porque "no es rentable".

La tele tradicional ya tenía este problema, pero en el streaming se ha intensificado. De hecho, plataformas como Netflix son infames por sacar a pasear la tijera y llevarse series queridas como Ultrasecretos. Luego tienes series como Stranger Things Relatos del 85, que no tiene ni grandes cifras de audiencia ni ha sido bien recibida, pero es renovada.

Con estas prácticas, muchos deciden no ver series en streaming hasta que estén terminadas o, en su defecto, no se afronta una temporada con el mismo entusiasmo. ¿Quién sabe si la serie terminará de forma natural?

Mencionamos a Netflix, pero no te engañes, esto les pasa a todas las plataformas de streaming.

Sobreexplotación de IPs

Si eres fan de alguna franquicia, o de varias, la era del streaming se perfilaba como una época dorada donde llovería contenido. Claro que no pensamos en los "contras" cuando fantaseábamos.

Star Wars, el Universo DC, el Universo Cinematográfico de Marvel... todas las grandes franquicias han cometido los mismos errores, agravado por el hecho de que varias de ellas han seguido estrenando películas en cines mientras las complementaban con series en streaming, tanto animadas como en acción real.

El resultado es que hemos visto cómo el interés por las películas que antes se acercaban fácilmente a los 1.000 millones de recaudación ha ido cayendo en picado. Y las propias series también hunden sus cifras de audiencia en streaming.

Si estrenas varias series de un universo al año, el interés va a ir menguando. Y si, además, alguna de ellas es mala, ten por seguro que va a afectar al resto de contenidos.

Calidad

No se puede decir que la era del streaming no nos haya dejado grandes series. De The Pitt a Andor, pasando por Slow Horses o Adolescencia, esta era ha dejado muchas producciones de prestigio. Y mucho relleno que no entendemos cómo recibió luz verde.

Mira que una de las cosas buenas que tiene el streaming es que ha abierto la puerta a muchos creadores de series que, en condiciones normales, no habrían tenido oportunidades en la televisión convencional. Pero es que hay algunas series, y no necesariamente de creadores noveles, que son un auténtico drama.

Enumeraríamos unas cuantas, pero el enfoque de este reportaje no es dejar un ataque gratuito a esas producciones. Solo digamos que, si a la cancelación de series le sumas el ver que se realizan otras que son nefastas, la ilusión por el streaming se disipa.

Exceso de oferta

Si no tienes el dinero por castigo, es casi imposible que mantengas suscripciones a todas las plataformas de streaming, eso sin contar otros servicios de suscripción.

Netflix, HBO Max, Amazon Prime Video, Disney+, SkyShowtime, Apple TV, Filmin, Movistar Plus+, Crunchyroll, AnimeBox... Cada vez son más, pero los sueldos no crecen.

El exceso de opciones se ha convertido en un problema que hace cada vez más complicado fidelizar a los usuarios en una plataforma de streaming. Se están librando por ahora porque el ser humano es perezoso por naturaleza y siempre hay una o dos que mantenemos "por si acaso", pero eso no va a durar para siempre.

Muchas plataformas tienen suscriptores nómadas: aquellos usuarios que pasan uno o dos meses para ver lo que les interesa y después se cambian a otra para continuar el proceso. No es el modo ideal si se quiere estar al día, pero no te dejas el sueldo del mes en suscripciones.

Precios que suben constantemente

Ligado a ese último punto están, claro, las subidas de precio. Servicios como Disney+ o Netflix aprovechan cuando tienen un éxito entre manos para pegar la subida. Ahora se paga casi el doble por la suscripción a la plataforma de la Casa del Ratón que cuando entró en funcionamiento en España en 2020, por ejemplo.

Pero son aumentos en las tarifas "para seguir brindándonos contenidos de calidad", argumentan. Claro que, como hemos repasado en este artículo, es un tema bastante discutible.

Más plataformas y cada vez más caras. Al final, ilusionarse por pagar más es algo que no va a pasar. Pero llevamos años así y no cambia la historia. Es un misterio cuándo alcanzaremos el punto de inflexión y esta apatía hacia el streaming empezará a reflejarse en caída de cifras que contribuyan a un cambio en el que los usuarios no salgan perdiendo.

O cuando dejé de ver la televisión tradicional, que interrumpía cualquier programa con publicidad cada cierto tiempo siendo tan molesta que dejaba de tener sentido.

Porque entonces había nacido una alternativa mejor a todo eso, una nueva forma de ver cine y televisión sin depender del cine ni de la televisión, un espacio en el que tú controlabas qué, cuándo, cómo y desde dónde ver el contenido que te interesaba.

Las plataformas de streaming habían llegado para quedarse, y para cambiar nuestra forma de interactuar con el mundo audiovisual. El streaming acababa de nacer y ponía fin a todas las incomodidades de los medios previos, era algo único y con ventajas exclusivas.

O, al menos, eso parecía durante un tiempo. Porque en los últimos años ha dejado de ser esa utopía que parecía al principio, acercándose cada vez más a la peor versión de lo que ya conocemos.

El streaming ha evolucionado a peor

Antes daba la sensación de que pagabas por desbloquear una mejora en la calidad de vida respecto a tu forma de relacionarte con el cine y las series, e incluso los programas. No sólo estabas dando dinero a un servicio que contaba con un amplio catálogo en crecimiento, que podía permitirse seguir ampliándose para nutrir de opciones y de sentido a una suscripción a él.

También estabas pagando por eliminar los molestos anuncios que te imponía cualquier otra forma de ver una producción si no la habías comprado en formato físico. El streaming casi venía a significar libertad a un precio económico. Pero ahora ya no.

Desde hace unos años las cadenas de streaming más importantes han empezado a inflar sus precios, incorporando a sus suscripciones nuevos modelos en apariencia más económicos que son en realidad una trampa.

El mayor contra que hay en ellos es que vienen con publicidad incorporada, así que se acabó lo de poder ver cualquier cosa sin interrupciones.

El segundo es que su precio no es más barato de lo que ya había, tan sólo se ha forzado la situación para convertir a esos planes con anuncios en los más suculentos para la audiencia, poniéndolos a un precio inferior que el resto de opciones que nunca habían sido tan caras.

Y esta diferencia de precios no hace sino incrementarse con el tiempo. En los últimos meses ya hemos presenciado cómo plataformas como Netflix o Prime Video han aumentado una vez más sus suscripciones, sin apenas ventajas para quienes pagan por ellas pero haciendo que las plataformas se lucren a costa de nuestro preciado tiempo.

Ya eran perversas antes con su filosofía de retención, al ofrecerte contenido constante para que no te alejaras del servicio y te convirtieras en una esclava del streaming, pero ahora además te conviertes en esclava de la publicidad que te fuerzan a consumir mientras les sigues dando minutos conectada a ellas.

La gente no está conforme, la subida de precios es una amenaza constante, y la publicidad se vuelve cada vez más invasiva, pero tampoco tenemos una alternativa mejor si queremos seguir velando por nuestra economía, pues la diferencia de precio entre un plan sin anuncios y uno con ellos ronda los diez euros mensuales. Un sacrificio muy grande para una opción que, en origen, ofrecía todos los beneficios por defecto.

Mientras tanto, la televisión y el cine se han puesto las pilas, habiendo notado la gran competencia en el mercado que suponía el streaming para intentar ofrecer una alternativa viable.

La televisión a la carta te permite organizar mejor lo que ver aunque no sea en directo, mientras que algunas cadenas de cines han incorporado suscripciones al estilo de las plataformas de streaming para poder ir a ver películas en la gran pantalla de manera ilimitada.

En el momento de escribir estas líneas, una suscripción a Unlimited de Cinesa cuesta lo mismo que el plan Estándar sin anuncios de Netflix en Estados Unidos, cuyos precios acabarán equiparándose en España tarde o temprano.

La línea que divide todas las opciones que tenemos disponibles en la actualidad es cada vez más fina, y las ventajas que ofrecen unas y otras por su precio ya no son tan evidentes como antes. La balanza se ha equilibrado. Y las dudas se hacen inevitables.

¿Es el momento de volver al cine aunque tenga anuncios porque el streaming se ha encarecido tanto que cuesta lo mismo?, ¿hay que anular todas las suscripciones como protesta ante las subidas de precio y el incremento de publicidad? No hay respuestas fáciles, lo único que está claro es que el streaming ha dejado de ser la mejor alternativa por defecto.

A falta de que pueda, o no, haber anuncios cuando amanezca en Estados Unidos, para los fans es un día especial ante la perspectiva de que, en poco más de dos semanas, volveremos a los cines para ver algo nuevo de Star Wars en pantalla grande.

Pero en Lucasfilm no están tan entusiasmados, al parecer. Según informa The Hollywood Reporter, The Mandalorian and Grogu apunta a tener peor estreno en salas que el que tuvo Han Solo: Una historia de Star Wars en 2018. La película apunta a los 80 millones en EE. UU. en su primer fin de semana, frente a los 84 del spin-off que obtuvo el sinvergüenza más querido de la galaxia.

Esto anularía la perspectiva de que la película de Jon Favreau sea el regreso a lo grande de Star Wars a los cines. La parte buena es que The Mandalorian and Grogu ha costado bastante menos que Han Solo: Una historia de Star Wars, tan solo 160 millones de dólares, más de 200 millones menos que la cinta de 2018.

¿Será un fracaso? De taquilla no lo creo; de crítica y público, no lo puedo decir. Algunos fans han podido ver 27 minutos de metraje, pero quienes hemos visto The Mandalorian and Grogu entera tenemos embargada nuestra opinión por unos cuantos días más.

¿Qué esperamos de Star Wars realmente?

Así que me ceñiré a esas perspectivas que, de cumplirse, arrojan más dudas hacia el futuro de Star Wars en pantalla grande. Recordemos que la saga regresa también en 2027 con Star Wars Starfighter. Si The Mandalorian and Grogu, con dos de los personajes más queridos de la era Disney, no consigue ser un taquillazo, las esperanzas para una película sin personajes conocidos se reducen.

Y no es comparable a Rogue One: Una historia de Star Wars, si piensas en ello, porque ni siquiera abordará una historia conocida como lo fue el robo de los planos de la Estrella de la Muerte. El principal activo es Ryan Gosling, que está tocado por la varita estos últimos años.

En cine, más allá nos adentramos en la neblinosa región de los proyectos que no sabemos a ciencia cierta si van a salir o no. Star Wars lleva años anunciando películas que terminan canceladas por diferentes problemas. Como Lucasfilm tiene nueva dirección, puede que algún proyecto se caiga.

Y en series, más allá de la renovada temporada 2 de Star Wars: Maul - Señor de las sombras y la segunda de Ahsoka, no hay nada especialmente relevante.

Lucasfilm ha pasado 10 años sobreexplotando Star Wars, primero en cines y luego en Disney+. Ha habido luces y sombras, pero tanto contenido termina siendo contraproducente para la expectación que genera la franquicia, incluso proyectos más grandes como The Mandalorian and Grogu.

Y no es que Disney no haya tenido ejemplos de los que aprender, pues el Universo Cinematográfico de Marvel ha cometido los mismos pecados con el auge del streaming.

Claro que apenas son las 11 de la mañana en España cuando escribo esto. Igual esta tarde tenemos un anuncio que nos deja patitiesos y mañana me toca recular. Ahora mismo, mis expectativas para Star Wars en, digamos, un año y medio, son cautelosas como fan, y mucho más conservadoras como crítico. Aunque si tengo que desdecirme, mejor.

Sea como fuere, que pases un buen Día de Star Wars y, como siempre, que la Fuerza te acompañe.

Desde entonces la compañía no ha sido capaz de replicar un evento que haya alcanzado la misma repercusión, ni parece probable que lo logre en su intento por revivir la saga a través de las nuevas entregas de Avengers con Doomsday y Secret Wars, previstas para llegar a la cartelera este año y el siguiente.

Los Vengadores nacen para dar sentido al UCM

Marvel se metió en un terreno fangoso cuando decidió alumbrar el Universo Cinematográfico de Marvel, empujando a que todas las películas que produjera el estudio se vieran en la necesidad de estar interconectadas entre sí.

La primera entrega de Los Vengadores, lanzada en 2012, fue el culmen de la Fase Uno de Marvel, y también se convirtió en una parte troncal de la identidad del estudio, señalando que todo lo que estaba bajo su ala tenía un propósito más grande, que sus héroes y heroínas luchaban por algo importante de verdad.

Cada entrega de Vengadores era una bonita reunión de personajes al tiempo que un recordatorio de que había eventos cósmicos desencadenándose más importantes que la vida de un puñado de civiles a proteger, con la introducción de las Gemas del Infinito que le conferían un inmenso poder a Thanos, el gran villano de la saga.

Seguimos durante casi una década su larga batalla y posterior victoria retratada en una película tan popular que todavía ninguna otra ha podido bajar a Vengadores: Endgame del podio como la segunda cinta más taquillera de todos los tiempos a nivel mundial, tal solo por detrás de Avatar (2009).

Con ello se remataba por todo lo alto a su vez la Fase Tres de Marvel, justo en el momento en que Marvel empezó a hacer cosas interesantes gracias al lanzamiento de Disney Plus, donde pudo empezar a proponer ideas originales y más arriesgadas en un formato televisivo.

Marvel se distancia de sí misma

Las series de Marvel fueron un soplo de aire fresco a partir de la Fase Cuatro y marcaron un punto de inflexión, con ejemplos como Bruja Escarlata y Visión, Loki o ¿Qué pasaría si…?, que se atrevían a apostar por otros otros géneros y narrativas, que iban más allá de las historias superheróicas convencionales que continuaban predominando en la gran pantalla.

Y, aunque en los últimos meses hemos presenciado el estreno series únicas como Wonder Man, parece que ese empeño por diversificar a la hora de llevar personajes a la tele y a las salas sea un constante tanteo de prueba y error para Marvel.

No duda en presentarnos nuevos rostros, tan solo para comprobar si conectan bien con el público y explotarlos únicamente hasta que sean rentables antes de deshacerse de ellos, como en los casos de Capitana Marvel (2019) o Eternals (2021).

Mientras Marvel se sumerge en la búsqueda de un nuevo plantel de personajes para salvar el universo una vez más, la excusa del multiverso -del UCM-, le permite no pensar, ampliar horizontes, crear por crear, con una línea editorial cada vez menos clara al tiempo que se cierra a las nuevas audiencias.

Por mucho que todas las producciones del UCM se puedan disfrutar de manera individual, el público ajeno debe atravesar una puerta muy pesada para introducirse en él por esa interconexión abrumante que hay entre todo.

Esa es la explicación detrás de las Fases, un método sencillo para dividir el multiverso, para no saturar demasiado. Y aun así es un equilibrio difícil de sostener.

Es el momento de que Vengadores regrese, ¿pero a qué precio?

Hace ya dos Fases que no tenemos una nueva Vengadores, que Marvel parece demandar y querer dar a su fandom una buena dosis de cameos marca Marvel, una divertida ronda de chistes derivada de los improbables encuentros entre personajes que casi parecen pertenecer a universos distantes.

Doomsday y Secret Wars regresarán en una sobrecargada historia que reunirá a más personajes de los que puede sostener un buen guion, con casi todos los nombres que conocemos más las nuevas incorporaciones de los años recientes.

Sin un Thanos al que recurrir, pero con un Doctor Doom que hace resurgir al Robert Downey Jr. que ya no estará de vuelta como Iron Man. En un intento por ser igual de icónico que todavía no sabemos si logrará o tan sólo calará entre el público por el cariño que le tenía como Anthony Stark.

Vengadores necesitaba regresar para reforzar todo eso que le faltaba a Marvel, porque hacía tiempo que se extrañaba una columna vertebral que le diera sentido al batiburrillo del multiverso con el paso de las Fases. Y Doomsday parece ser una prueba más en la que Marvel mirará si el público aún sigue esperando la próxima Endgame.

A pesar de que la serie de Ronald D. Moore, Matt Wolpert y Ben Nedivi es maravillosa en cuanto a ambientación e inventiva de esta realidad alternativa en la que la carrera espacial continuó mucho más allá del alunizaje, hay otros aspectos que no ha gestionado nada bien.

Antes de seguir, te aviso de que voy a incluir spoilers de lo que llevamos de la temporada 5 de Para toda la humanidad (4 episodios en el momento de escribir este artículo). Tenlo presente para no llevarte ninguna sorpresa desagradable si no estás al día.

Desde hace ya un par de temporadas, Para toda la humanidad adolece de un problema que deriva de la propia estructura de la serie. Es algo de lo que ya he hablado en HobbyCine: la edad de algunos personajes que están desde el comienzo de la serie entra en conflicto con lo que pueden o no hacer en la historia.

El caso más llamativo era el de Ed Baldwin (Joel Kinnaman), que ya tenía sus añitos cuando empezaba la serie, y lo han tenido dando guerra hasta la quinta temporada, casi 50 años después. Hablamos de un tipo que fue piloto de combate en la guerra de Corea, así que no tenía 18 años en el conflicto (1950-1953; la serie arranca en 1969).

El bueno de Ed ya se ha tomado su último chupito en Para toda la humanidad, aunque hasta sus últimos momentos han presentado al personaje, con noventa y todos y enfermo terminal, haciendo cosas que ya serían cuestionables incluso con gente más joven, como pilotar un vehículo que podría estrellarse con un ligero temblor de manos.

Pero este es el problema del que ya se ha deshecho Para toda la humanidad, sin nada en contra de Kinnaman, ojo, que ha hecho un gran papel. Sin embargo, la serie sigue teniendo otro brete interesante que no tiene pinta de que vayan a solucionar: la caracterización de la edad de sus personajes.

Para toda la humanidad o se pasa o no llega con la caracterización de la madurez

Voy a empezar disculpándome con el departamento de Erin Koplow, porque no tienen un trabajo fácil. Pero hoy estoy aquí para hacer de gruñón, y este tema me saca con frecuencia de la serie.

Para toda la humanidad salta de una década a la siguiente entre temporadas, pero algunos personajes han sido principales desde la segunda o incluso la primera temporada, sin cambiar de intérpretes.

Ese era el caso de Ed Baldwin, a quien han envejecido realmente en esta temporada, pero en la 4 no parecía tener sus 80 y tantas castañas.

Un personaje que iban envejeciendo razonablemente bien es Margo Madison (Wrenn Schmidt). Diría que se les ha ido de las manos un poco en esta temporada, pero la pobre mujer ha vivido un infierno y eso pasa factura, así que tiene un pase.

Luego tenemos a Danielle Poole (Krys Marshall), que ya ha pasado a la reserva, aunque ha tenido una aparición sorpresa en la temporada 5 para recordarnos que ella no envejece, solo cambia de peinado. Si me apuras, aparentaba más edad en la temporada 4. La Tierra le sienta bien a esta mujer.

Y mis dos casos favoritos, con los que terminaré, son Kelly Baldwin y Aleida Rosales, las dos incorporaciones de la temporada 2 que aún están con nosotros.

Es un marrón importante ponerle 25 o 30 años encima a dos actrices de veintitantos. Cynthy Wu (Kelly) tiene 27 años y está haciendo de madre de un chaval de 18; Coral Peña (Aleida) tiene 25 recién cumplidos, pero interpreta a una mujer que ya ronda los 60. Con ambas se han volcado a la hora de caracterizarlas, pero hay algunos planos en los que el maquillaje resulta bastante creepy.

Hay una buena razón por la que The Crown no mantuvo el elenco durante sus seis temporadas, y es que la caracterización de una persona joven para hacerla mucho mayor puede funcionar en contadas ocasiones o en escenas puntuales, pero no de forma continuada. Quizá Para toda la humanidad debería haber optado por lo mismo.

Pero no ha sido así y ya no tiene sentido hacerlo para la temporada 6 de Para toda la humanidad, cuando terminará la serie. Sin embargo, si Ciudad de las Estrellas, el spin-off, funciona bien, sería buena idea no hundir en la miseria al departamento de maquillaje con este tipo de retos.

En aquel momento ya se había publicado un episodio más del drama, y en él la cosa se complicaba. La fresa se llegaba a probar su vestido de novia, ¡pero entonces la manzana le proponía matrimonio!, poniendo a la fresa en una encrucijada para elegir a su pareja definitiva. Y ya con eso tuve suficiente.

No es sólo que la trama tuviera un pésimo argumento lleno de clichés, que se empeñaba en ofrecer giros argumentales y un gran dramatismo cada pocos segundos para impulsar la narración en un vídeo de apenas un minuto, ni que las frutas tuvieran unos diseños de lo más normativos, es que encima estaba hecho con IA.

Pero no se habían generado imágenes pulidas que pudieran confundirte si no las mirabas con un ojo más crítico, era una IA basta, en la que las frutas que no estaban hablando también movían la boca, donde se veían apariciones, transformaciones y solapamientos de objetos sin coherencia, con cortes antes de tiempo en el montaje, música espontánea…

En definitiva, un producto hecho con inteligencia artificial de lo más engorroso y carente de interés. Que, sin embargo, ha logrado atraer muchas miradas y se ha convertido en una nueva tendencia en redes, con un boom similar al que experimentamos a través del brainrot italiano hace no tanto.

Las frutihistorias y micronovelas marcan tendencia

A principios del año pasado la gente se volvió loca creando personajes con IA que mezclaban características de diferentes animales u objetos dando lugar a locuras como Tralalero Tralalá, Ballerina Cappuccina o Bombardiro Crocodilo.

Quienes a su vez acababan protagonizando sus propios memes, sus propios vídeos cortos e incluso canciones, para luego dar el salto a una industria más amplia, llegando a videojuegos, álbumes de cromos, camisetas… Y convertirse en parte de nuestra cultura, al menos para una parte de la población.

Y es que generar contenido con IA es muy fácil. No necesitas tener ningún talento porque la inteligencia artificial se puede encargar de todo: desde el guion y diseño de personajes hasta la realización del producto final ya editado y listo para publicar.

Es un contenido súper cómodo de producir, permitiendo una constancia ideal para compartirlo en redes, algo que siempre se convierte en un beneficio para potenciar su difusión, consiguiendo que se viralice con más sencillez.

Ahora las llamamos frutihistorias, pero es cuestión de tiempo que cualquier otra tendencia se imponga en los próximos meses para hacer que, en lugar de engancharnos a una telenovela de frutas, sea a cualquier otra cosa.

Por suerte, el contenido generado por IA no es el único que triunfa en redes, aunque los conceptos del formato vertical y la escasa duración son un factor común que también vemos reflejado en las micronovelas que empezaron a hacerse populares en China sin mucha más profundidad.

En ellas se repiten temáticas potentes como las infidelidades o la venganza de las frutihistorias, y también las realizan personas individuales o productoras con muy pocos recursos, indicando que hay un nuevo modo de hacer ficción que cada vez está resultado más difícil de ignorar.

TikTok es sólo el principio

Ante la amenaza de TikTok, plataformas de streaming como Netflix o Disney Plus ya han compartido sus planes de empezar a integrar una sección dedicada a este tipo de vídeos en sus aplicaciones móviles.

Desde Disney ya auguran un futuro cercano en el que tendremos la sección Verts en su app, con clips de vídeo extraídos de sus mejores producciones, e incluso contenido original con sus personajes icónicos que estaría generado con inteligencia artificial.

Pero su iniciativa no acabaría ahí, porque no sólo sería la plataforma la que desarrollaría estos contenidos, también lo podría hacer el público para seguir creando una comunidad a su alrededor.

Una filosofía que va en sintonía con el interés de TikTok por generar cada vez más vídeos al estilo de las micronovelas bajo un sello propio que se sume a las miles de creaciones que ya hacen las personas que utilizan la aplicación.

Se abre así un mundo de posibilidades… hacia un escapismo cada vez más vacío que empuja a Netflix a repetir cinco veces la misma frase en los diálogos de sus películas porque mientras tanto estamos viendo en TikTok cómo una fresa le pone los cuernos con una manzana a una banana.

No tenemos que irnos muy atrás para hablar de broncas y frases desafortunadas al respecto de temas culturales.

Por ejemplo, con las ayudas al cine español es un continuo. Siempre se sacan a colación datos descontextualizados, comparaciones absurdas y se acaba con silencios cuando llegan los reconocimientos. A algunos les parece que un solo ejemplo, en el sentido que sea, es aplicable a toda una industria.

En un ámbito más tranquilo en cuanto a la actualidad como puede ser el pictórico hemos escuchado recientemente frases muy encendidas. La cuestión de si es oportuno trasladar temporalmente el Guernica de Pablo Picasso desde el Museo Reina Sofía al pueblo que le da nombre ha despertado una confrontación en la que se escucharon frases desafortunadas por parte de políticos.

Por último, anteayer se comentaron unos datos falsos en El hormiguero sobre el IVA de los libros. Estos despertaron gran repercusión y han provocado que los dos protagonistas, Sonsoles Ónega y Pablo Motos, acaben por disculparse.

Podemos decir que en las polémicas más recientes se han utilizado datos que no son del todo ciertos, pero también que muchas veces la verdad da igual. No hay un debate sobre la cultura, se está discutiendo de política y se utiliza la cultura como excusa.

Después, estas controversias se van apagando y lo que queda es el ruido, los ataques de un frente político al otro y la cultura desprestigiada porque no se valora lo suficiente.

Es una pena, pero ya estamos acostumbrados. Quizá lo que deberían hacer muchas personas es respetar más la cultura y no usarla como arma.

The Boys comenzó su andadura en Prime Video en 2019. Por aquel entonces su enfoque resultó refrescante y rompedor. En 2026, a punto de llegar a su culminación, ha alcanzado ya cotas muy elevadas porque ha sabido crecer con el entorno que critica ferozmente de modo que se ha convertido por derecho propio en una serie demoledora. Y no es que la realidad se lo esté poniendo fácil para superarla.

En su centro siempre ha habido un mensaje primordial: que el poder absoluto corrompe. Estábamos acostumbrados a contemplar los valores de los superhéroes desde un prisma positivo como seres altruistas, preocupados por la percepción pública y obsesionados incluso con su responsabilidad para hacer el bien, como criaturas excepcionales, capaces de mover a las masas y ser un ejemplo de virtud en el que mirarse.

Aquí se muestran más como un reflejo fiel de lo que representa la cara menos amable de humanidad: son peligrosos, inestables, egoístas, ídolos vacíos en busca de adoración. Y en este punto se parecen mucho más a figuras devastadoras como políticos corruptos o empresarios sin escrúpulos que abusan de sus posiciones generalmente con el único propósito de maximizar sus beneficios económicos y mantener o incrementar su capacidad de influencia.

No falla un individuo, no es un hecho aislado: es todo un sistema ultracapitalista fuera de control que se ampara en el fanatismo, el supremacismo y las teorías de la conspiración a la vez que adopta causas sociales con fines comerciales sin apostar en verdad por ellas como tapadera y medida de contención de los sectores críticos. Lo que manda es el valor de mercado, los índices de audiencia, las métricas, los contratos contantes y sonantes

Otro de los puntos fuertes de The Boys ha sido su capacidad para poner en la picota la "cultura" de la violencia como vehículo de entretenimiento pero también como herramienta de desensibilización de la audiencia. Las redes sociales tienen su particular carga de culpa como fábrica de noticias falsas, celebridades creadas ex profeso para obtener impacto y visibilidad y cuna de la manipulación más burda que consigue polarizar a sus usuarios.

Los guionistas de la serie no han tenido que inventar nada: es la realidad misma. Puede que echen mano de la exageración o el sarcasmo para ridiculizar a determinadas personas o situaciones concretas. pero el flujo natural de la vida les escribe el show a diario. Ojalá sirviera para generar la necesaria reflexión que lleve al cambio y no nos quedásemos solo con la risa sardónica que genera la burla.

Con estos mimbres está todo dicho: no hay otra serie a día de hoy que nos devuelva un reflejo tan fiel e incómodo. Durante un tiempo pudo parecernos que era un espejo deformante, pero no hay más que echar un vistazo al panorama sociopolítico para comprobar que abundan las personalidades sin límites éticos, con comportamientos patológicos y destructivos cuando no narcisistas y soberbios que marcan el compás internacional.

En verdad The Boys se ha convertido en una suerte de bola de cristal del actual clima que vivimos consolidando la pertinencia de sus mensajes y conminándonos a la acción para que al menos y como poco seamos conscientes de hasta qué punto se nos manipula.

¿Qué hay detrás de TikTok, de Instagram, de YouTube?, ¿qué se esconde al otro lado de la pantalla, de la fachada?, ¿quién es la persona real tras la figura pública, a la que conoces más por su nickname que por su nombre real?

Las redes sociales te acercan al contenido que crean para su audiencia, en muchos casos exponiendo su cotidianidad como principal atractivo en sus publicaciones, pero con ellas no tenemos el cuadro completo.

Y las plataformas de streaming están aprovechando esa carencia en una retroalimentación que beneficia a todas las partes: influencers, público y las propias cadenas.

La mejor forma de acercarnos a las celebridades

Los reality shows tienen una historia tan larga como la de la misma televisión en que empezaron a emitirse, con el objetivo de acercarnos a la vida de personas reales sin un guion de ficción de por medio, en un formato mucho más próximo al documental.

Nos encontrábamos con programas como Gran Hermano, Supervivientes o MasterChef triunfando en la televisión de principios de siglo. Pero lo interesante fue cuando empezaron a dejar de enseñarnos la convivencia o competencia entre personas anónimas, incluyendo a celebridades en ediciones como Gran Hermano VIP o MasterChef Celebrity.

Mientras, la televisión española también empezó a explorar un reality más personal a través de propuestas como Alaska y Mario, quienes pasaron de ser cantantes a protagonizar su propia serie mediante una longeva y popular producción que se extendió a lo largo de cinco temporadas para narrarnos desde sus segundas nupcias hasta sus cumpleaños.

Es en este contexto donde entra en juego el auge del streaming, provocando un regreso a ese formato que pasaba a poder consumirse de una forma mucho más cómoda, pero incorporando a la oferta realities de lo más variados y desde todas las partes del mundo.

Ahora, ambos conceptos se fusionan en una combinación vencedora, y por eso estamos viendo cómo, cada vez más, se empiezan a emitir documentales en formato episódico en las plataformas de streaming que siguen la vida de gente que se dedica a la creación de contenido.

Influencers, ahora también en plataformas de streaming

Amazon Prime Video ha sido una de las plataformas por excelencia que ha sabido encontrar esa necesidad latente del mercado para suplirla con la producción de contenido propio tomando a figuras de gran relevancia en redes.

En 2022 le dedicó una serie documental a Aida Domènech con Dulceida al desnudo, que regresó en 2025 con una segunda temporada en la que se profundizaba en una nueva etapa de la vida de la influencer.

En 2023 abría el marco mucho más con la miniserie Influencers: sobrevivir a las redes presentada por Luc Loren, en la que podíamos ver desfilar a celebridades de internet de ámbitos muy distintos, como: Lucía Bellido, Carolina Iglesias, Marta Lozano, Samantha Hudson, Wismichu o Esty Quesada.

Pero la serie se quedaba corta para hablar en profundidad sobre sus estrellas, y ese mismo año apostó por lanzar otras tres propuestas enfocadas en tres influencers que triunfan en España.

Con Rubius: Next Level Japón ofrecía una experiencia única, al llevar al streamer de videojuegos a un viaje por Japón que recordaba a sus antiguos vlogs de YouTube, optando por la aventura en lugar de ofrecernos una mirada íntima a su vida.

En cambio, con La vida de Marta Díaz hizo todo lo contrario y, a lo largo de tres episodios, nos sumergió en la historia de esta influencer de moda, desde sus orígenes en el mundillo, pasando por algunos hitos de su carrera, hasta la relación con su novio Sergio Reguilón.

Pero, al igual que pasó con el caso de Dulceida, la serie también se quedó corta con aquella única temporada, por eso volvió a principios de este año con Siendo Marta Díaz, una nueva producción de tres episodios que nos pone al día de su vida.

Con Pombo Amazon Prime Video siguió una estrategia similar, pero mucho más fructífera, cuyo éxito y repercusión podríamos equiparar al boom de la serie de Alaska y Mario en televisión. Desde su estreno en 2023, este docureality centrado en la familia Pombo ya ha estrenado cinco temporadas, y promete seguir sumando.

En ella consigue un acercamiento a la vida fuera de cámara de María Pombo y su familia que no logran el resto de las producciones mencionadas, pues se realiza un repaso mucho más exhaustivo y personal de sus figuras gracias al seguimiento que hacen de ellas de forma periódica.

La última producción en unirse a esta lista cada vez más grande de series documentales sobre influencers ha sido Àngela y Archie: Tras la pantalla, que se adentra en la relación de una de las parejas más virales del momento: Àngela Mármol y Archie Ted.

En una aproximación similar a como Dulceida al desnudo 2+1 exponía la maternidad y la reconciliación de Aida Domènech y Alba Paul, Àngela y Archie: Tras la pantalla nos cuenta cómo sus protagonistas superan la primera crisis de pareja a sus dos años de noviazgo mientras continúan con su vida pública.

De este modo, las plataformas de streaming no ha descubierto un nuevo género, tan sólo están aprovechando el interés que despiertan las celebridades de la era digital, tiktokers, streamers e instagramers, para lanzar series con las que podamos saciar nuestro lado más voyeur.

Desde los Globos de Oro, hasta los BAFTA, pasando por los Goya, al final todo va preparando el terreno para la gala más importante del año: la de los Premios Óscar.

Y en ella parece que todo se decide, se termina por juzgar cuáles eran las películas buenas de la temporada, muchas veces en sintonía con lo que ya nos han ido diciendo el resto de los premios con menor relevancia mediática.

Ganó la que tenía que ganar

Aunque no queramos reconocerlo, cuanto mayor sea el furor que han despertado entre la audiencia las producciones, más probabilidades hay de que las cintas salgan airosas, siempre que tengan un mensaje potente alineado con los intereses del jurado en las diferentes Academias de cine.

En el caso de los Óscar se intenta potenciar la diversidad racial y de género, así como la lucha por las causas sociales, pero con un pequeño matiz. Nunca hasta el punto de que puedan llegar a incomodar a quienes no están de acuerdo con ello.

Los pecadores (2025) de Ryan Coogler, una cinta de terror y fantasía, que destacaba por reivindicar la historia negra desde su guion hasta su equipo, se alzaba como la favorita de los Premios Óscar con hasta 16 nominaciones, pero no ganó, como tampoco había ganado en los Globos de Oro ni en los BAFTA.

En su lugar, la cinta que salió victoriosa fue Una batalla tras otra (2025) de Paul Thomas Anderson, en la que también se aborda el racismo pero desde una óptica blanca y sin vampirismo de por medio, sumándole a eso una crítica al fascismo.

La película, aunque también sea una mezcla de géneros, se hacía así accesible y atractiva, pero además jugaba a su favor su dinamismo para no ser sólo una exposición de hechos sino también un divertimento.

Por eso ganó el Óscar y el BAFTA antes que este, mientras que en los Globos de Oro fue Hamnet (2025) de Chloé Zhao la ganadora a Mejor película.

No sólo era un drama sobre la pérdida que se había hecho con el favor de la crítica, también estaba dirigida por una mujer, china-estadounidense; pero en los Óscar tan solo pudo rascar el premio a Mejor actriz principal para Jessie Buckley.

El premio a Mejor director en los Óscar también fue para Paul Thomas Anderson, en una evidente deuda pendiente que tenía la Academia con el cineasta, al que habían nominado en hasta tres ocasiones anteriores a esa categoría sin darle un galardón. Este era su año, porque contaba con la excusa perfecta.

Las otras que tenían que ganar también ganaron

En animación tampoco ha llamado la atención el triunfo de Las guerreras k-pop (2025) tras arrasar en múltiples galas previas, pese a que se midiera con cintas de la talla de las francesas Little Amélie (2025) o Arco (2025), dos largometrajes más reflexivos frente a la adrenalina y el fenómeno de masas que supuso la producción musical de Sony Pictures Animation.

Y es que Golden lleva siendo nuestra banda sonora desde el estreno de la cinta en Netflix, y eso es algo que no se puede ignorar -por supuesto, tuvo su correspondiente premio a Mejor canción original-.

James Cameron volvió a quedase relegado a ser el mayor maestro de los efectos visuales con Avatar: Fuego y ceniza (2025), una película que, por otro lado, tampoco tenía mucho que aportar fuera de ese campo, así que no es raro que ganara en su segunda categoría nominada este año en los Óscar.

Mientras que Frankenstein (2025) de Guillermo del Toro volvió a probar el potencial del cineasta en la producción, el diseño de vestuario y el de maquillaje, en su excelente adaptación de la obra de Mary Shelley para Netflix. Si bien no pudo hacer nada contra el guion adaptado de Paul Thomas Anderson.

Por su parte, la española Sirât (2025) de Oliver Laxe apuntaba con fuerza en los festivales internacionales, pero no logró hacerse notar en los premios más destacados, marcando de manera casi inevitable un destino que se cumplió en los Óscar, donde no se llevó ni el galardón a Mejor película de habla no inglesa ni el de Mejor sonido.

Una cinta con un ambicioso trasfondo político más allá de la premisa inicial de la pérdida de una hija en una rave de Marruecos que al final no logró calar en los jurados extranjeros, pero que sí consiguió hacerse con muchos de los Goya a los que estaba nominada en España.

Eso sí, la Mejor película y la Mejor dirección fueron para Los domingos (2025) de Alauda Ruiz de Azúa, en un momento en el que el regreso a la religión católica a través del entretenimiento está en boga, desde Rosalía hasta Los Javis, sin un auténtico espíritu crítico, como ocurre con todas las películas que al final acaban ganando algo en las galas de cine.

Con el paso de los años, el interés por la televisión fue bajando, salvo por alguna serie puntual que echaran a una hora medianamente decente. La llegada de los servicios de streaming hizo que prácticamente no viera nada de la televisión convencional, ya que podía disfrutar cómodamente de las series y películas a la carta sin los molestos anuncios de turno (al menos antes de que hicieran todas esas nefastas modificaciones).

Sin embargo, de un tiempo a esta parte, he vuelto a cogerle el gusto a la televisión convencional. Lo que más suelo ver es RTVE con programas como La Revuelta, The Floor o Trivial Pursuit, que están muy bien para echar el rato.

El que apenas tenga cortes publicitarios también ayuda a la causa, todo sea dicho, ya que, aunque otras cadenas cuentan con series y programas bastante chulos, tener que tragarme más de 10 minutos de anuncios me resulta bastante exasperante, por lo que las series y películas las suelo dejar para los servicios de streaming.

No obstante, con cortes publicitarios prolongados o sin ellos, tengo que reconocer que hay una buena variedad de programación en los diferentes canales que alberga la TDT (que te pueda interesar lo que emitan en ese momento es otro tema).

Pero, a pesar de su variedad de contenidos, hay un formato que echo realmente en falta dentro de la programación televisiva y que sería ideal para todos los públicos.

La televisión debería recuperar (aún más) las series de animación antiguas de nuestra infancia

Si hay algo que realmente añoro en la televisión actual son las series de animación que disfrutaba en mi infancia y que seguro que los chavales de hoy en día se lo pasarían en grande con ellas.

Cierto es que he llegado a encontrar en Telemadrid o en La Otra algunas de ellas, como La vuelta al mundo de Willy Fog o Érase una vez la vida (desconozco si será igual en el resto de cadenas autonómicas), pero hay muchísimas que, por desgracia, no han vuelto a emitirse por televisión en todo este tiempo.

Hablo de producciones que, incluso si eres de mi quinta, tal vez no recuerdes algunas de ellas: Isidoro, Delfy y sus amigos, Los Fruitis, Sylvan, Ferdy, la hormiga, Los Diminutos, El Show del Correcaminos, Los trotamúsicos... Fueron muchas las series que se emitieron por televisión durante finales de los 80 y buena parte de los 90.

Varias regresaron en forma de remake, como Heidi, La abeja Maya o Patoaventuras, lo cual está bien para que los chavales de ahora conozcan algunas series míticas de nuestra infancia. Sin embargo, salvo algunas excepciones, la calidad de animación de antaño supera con creces a las nuevas versiones.

Por eso estaría bien que las cadenas de televisión apostaran más por las series de animación antiguas. No solo funcionarían con muchos por el factor nostalgia, sino que son producciones que no han envejecido mal a la hora de transmitir buenos valores a los niños.

No digo que no haya producciones así a día de hoy (Bluey, por ejemplo, es una maravilla), pero me encantaría que mis sobrinos descubrieran todo lo que me fascinó a mí cuando tenía su edad. Por desgracia, la única solución que veo es recuperar mis viejas cintas de VHS y buscar un sitio donde me puedan pasar todo su contenido a DVD u otros formatos para ver en televisión, porque como tenga que depender de las cadenas de ahora, mejor espero sentado.

YouTube se introdujo en nuestras vidas en 2005 ofreciendo una plataforma en la que cualquiera podía compartir vídeos de todo tipo, e incluso alcanzar la fama con ellos. Pero la época de experimentación en la que nacía terminó dando paso a un modelo más cerrado.

A medida que el sitio crecía, el tipo de vídeos también se fue estandarizando y las personalidades populares estableciéndose y enriqueciéndose, lo que les ofrecía la posibilidad de subir el nivel de sus producciones.

Y entonces regresamos al concepto de los programas de televisión, al tipo de retransmisiones que ya funcionaban antes y que siguen teniendo gancho entre las nuevas audiencias, aunque ahora las plataformas para visionarlas hayan cambiado, porque está claro que ya nadie se pone la caja tonta si no es para ver Netflix.

Gran Hermano inició un nuevo género en televisión

Gran Hermano es uno de los concursos televisivos más perturbadores que a nadie se le haya podido ocurrir, y por eso tomaba su nombre de un personaje creado por George Orwell en su distópica 1984.

Desde el año 2000 hemos podido ver en España la retransmisión en directo de la convivencia de un grupo de concursantes en una casa aislada, bajo una vigilancia 24/7 con cámaras y micrófonos hasta en sus camas. El objetivo era aguantar en ella hasta el final para conseguir el dinero del premio.

Telecinco daba así inicio a los programas de telerrealidad en nuestro país. Y lograba atraer a la audiencia haciéndola partícipe del curso de los acontecimientos: con sus votos, podía elegir quién seguía y quién no, incentivando a una competencia más dura.

Pero no tardó en llegar la versión mejorada del programa con Gran Hermano VIP, en la que ya no había personas anónimas participando sino celebridades que aumentaban el morbo del público por verlas pasar penurias.

Gran Hermano ya lleva 26 años en antena y el fenómeno está lejos de desaparecer. Lo peor es que su influencia también, aunque ahora se haya trasladado al ámbito de internet a través de programas como La cárcel de los gemelos, creado por Carlos y Daniel Ramos.

La televisión ahora se llama streaming

Creadores de contenido de prestigio a nivel mundial como MrBeast hace tiempo que adoptaron los formatos televisivos para sus vídeos de YouTube, convirtiendo en concursos de carácter más libre los vídeos que subían a la plataforma, pero siguiendo la misma filosofía: concursantes, premios, e incluso presencia de celebridades.

A nivel nacional Ibai Llanos también ha experimentado con diferentes formas de hacer lo mismo que ya conocíamos, siendo La Velada del Año uno de sus eventos más sonados, haciendo que figuras reconocidas se enfrenten en combates de boxeo.

El carácter cíclico de la sociedad ha hecho que no se pierda ninguno de los enfoques que triunfaban en la televisión de antes, aunque en nuestros tiempos han pasado a ser presentados por nuevos rostros y retransmitidos en distintos formatos.

Por eso el concepto de Gran Hermano Vip es uno de los que ha sobrevivido y se ha asentado con fuerza en nuestro país en el streaming. Carlos y Daniel Ramos tuvieron un primer acercamiento a él con La casa de los gemelos, que seguía una dinámica muy similar a la de su referente, y que de nuevo cogía fuerza por la participación de estrellas.

Sin embargo, La cárcel de los gemelos, estrenada este año, ha apostado por innovar en la presentación, cambiando la casa por la cárcel y estableciendo normas más estrictas para sus concursantes, quienes deben vestir con un mono naranja y dormir en celdas.

De un modo similar a como ya ocurre en Gran Hermano, hay dos formas de disfrutar del fenómeno. La primera es espiando en directo lo que se cuece en La cárcel de los gemelos a través de YouTube, con la posibilidad de interactuar en el chat con todo el público que esté viendo la retransmisión contigo.

La segunda es ver una recopilación de los mejores momentos con vídeos editados de duración variable, pero que te ahorran las horas muertas en las que no hay conflicto y tan sólo tienes a gente durmiendo o paseando sin rumbo.

Por supuesto, tampoco faltan las famosas nominaciones, para que el público también pueda decidir quién se queda hasta el final, con un voto que te obliga a pasar por caja pero que te recompensa con la participación en un concurso en el que te podría tocar un coche.

ZonaGemelos ha reciclado así uno de los programas más innecesarios y oscuros de la televisión, que por algún motivo nunca ha dejado de funcionar, y George Orwell seguro que estaría feliz.

La película se inspirará en el rapto de los hobbits por parte de un tumulario y quizá nos de la aparición de Tom Bombadill, personaje ignorado en las películas, pero de suma importancia dentro del universo de El Señor de los Anillos y con un misticismo singular.

No obstante, la trama no adapta ese capítulo, sino que transcurrirá catorce años después de la marcha de Frodo y Bilbo de los Puertos Grises, con Sam, Merry y Pippin recreando los inicios del viaje hacia Mordor y con la hija de Sam, Elanor, hallando un secreto en el proceso.

No nos hace falta una secuela de El Señor de los Anillos

Pues bien, como absoluto obseso de la trilogía de películas de Peter Jackson (es más que probable que las haya visto casi un centenar de veces, cada una), la noticia me ha parecido desalentadora y encima, un error en cuanto a la elección del relato.

Los proyectos de la franquicia tras el cierre de El Retorno del Rey no han sido los más inspirados. La trilogía de El Hobbit, sin llegar a ser mala, ya fue un pinchazo importante. De Los Anillos de Poder mejor ni hablar. La guerra de los Rohirrim no es el mejor anime que encontrarás y la suma de dos relatos menores como The Hunt of Gollum y ahora el nuevo proyecto me parecen bastante desacertada por varios motivos.

El primero es que parece que vivimos en el día de la marmota. Entre la serie de Harry Potter y esto, la nostalgia de mi generación es la moneda de cambio que se está utilizando para sacar hasta el tuétano de los huesos a una gallina de los huevos de oro que tuvo su momento y que ahora merecería más respeto y descanso.

Pero, si la intención es que vayamos al cine a gastarnos los cuartos, por lo menos, podrían escoger mejores temas que abordar. Porque inventarse una historia al margen de lo escrito por J.R.R. Tolkien abre una veda peligrosa que podría acuchillar el legado de su obra.

Sinceramente, solo los más "comidos" por la saga sentiremos interés en una historia inventada protagonizada por los tres hobbits acompañantes de Frodo y la hija de uno de ellos. Con la de historias que aún hay que contar sobre la Tierra Media y deciden tirar por ahí...

Estamos hablando de hacer una SECUELA de El Señor de los Anillos. Son palabras mayores e incluso el mismísimo Tolkien dio marcha atrás con La nueva sombra, relato del legendarium ambientado en La Cuarta Edad (cuyos primeros y abandonados esbozos fueron publicados más tarde en Los pueblos de la Tierra Media).

Si dejo que se me dispare la vena purista, me opongo en firme a este proyecto, incluso si la excusa es inspirarse en uno de los capítulos del primer libro, señalando que en la película nunca lo vimos.

Por cierto, incluso con esta omisión a las Quebradas, la adaptación de la Comunidad del Anillo es la que mejor ha madurado de las tres y la que mejor representa el espíritu de la obra de Tolkien.

Si hay que hacer una película, que se base en la obra de Tolkien

Y digo yo... ¿Qué necesidad hay de inventarse nada con tres personajes queridos, pero menores? ¿Por qué no aprovechar los Cuentos Inconclusos que publicó Christopher Tolkien rescatando las historias más olvidadas de su padre? Puestos a hacer historias secundarias, que se basen en algo tangible y que no se pongan a divagar en La Comarca.

Entiendo que adaptar El Silmarilion de miedo. Por lo tanto, otras historias de La Primera Edad como Beren y Lúthien, La caída de Gondolin o Los hijos de Húrin se descartan rápido y con razón.

Entonces... ¿Por qué no aprovecharse de los propios escritos de Tolkien en los Cuentos Inconclusos? Esta antología de relatos conecta directamente con El Señor de los Anillos mediante historias contextuales y secundarias, sí, pero apasionantes para cualquier fan.

Al margen de la la trama de Númenor (que ya se encargó de sablear la serie), en este libro tenemos unas cuantas historias que serían buen material para hacer un largometraje bastante interesante.

La primera es La Batalla de los Campos Gladios, esa escaramuza (un poco más ampliada en la versión extendida) en donde Isildur perdía el Anillo Único. Una adaptación de este conflicto, ahondando en el trasfondo del personaje de Isildur y la Guerra de la Última Alianza. Quizá lo veamos en Los Anillos de Poder, pero es un relato independiente muy viable para una película.

La segunda historia factible es Cirion y Eorl y la amistad de Gondor y Rohan, que narra el nacimiento del reino humano que tantos buenos momentos dio en la saga principal. Se trata de un pasaje emocionante que encaja muy bien con la identidad de las películas.

La tercera sería Las batallas de los vados del Isen, que es cierto que son más complicadas de adaptar, ya que son fragmentos menores de los inicios de la guerra de Saruman contra Rohan. Lo vimos brevemente en Las Dos Torres y el fallecimiento del recordado Christopher Lee pone la adaptación en jaque si se trata de enlazar con la trilogía. Aún así, el contexto es realmente interesante y atractivo.

Y si te parecen pocas opciones, los Cuentos Inconclusos abordan también la historia de los Istari (Gandalf, Saruman, Radagast y los misteriosos magos azules Alatar y Pallando), de los Drúedain que ayudaron a Rohan en la Guerra del Anillo o los Palantíri, las míticas piedras de visión de este universo.

Como ves, material hay de sobra. En su lugar tenemos una nueva historia que no parece nada prometedora y que encima puede repercutir negativamente el legado de Tolkien. Mis quejas no se basan en quien está detrás del proyecto, sino del propio proyecto en si.

Hay que aceptar que nada podrá superar a las películas de El Señor de los Anillos y menos en la fase en la que se encuentra Hollywood. Al igual que la obra en la que se basa, esta trilogía fue un auténtico regalo, una rareza irrepetible y tratar de repescar su gloria con películas como la recién anunciada deja bastante claro que el precio del éxito en esta sociedad de consumo es a veces demasiado alto.

Pero había ganas de más, y de ahí nacieron Marshals: Una historia de Yellowstone, centrada en Kayce Dutton (Luke Grimes) y Rancho Dutton, centrada en Beth Dutton (Kelly Reilly) y Rip Wheeler (Cole Hauser).

Pero ambas series cerraron las tramas de sus respectivos personajes, por lo que las nuevas producciones necesitan crear situaciones que den sentido a su existencia. A partir de ahora vienen spoilers de Marshals Una historia de Yellowstone, así que te recomiendo estar al día con la serie (episodio 4).

La serie de Luke Grimes está creada por Taylor Sheridan, pero su principal responsable es el showrunner y cocreador, Spencer Hudnut, quien no ha tenido problema en torpedear el final de Yellowstone para dar sentido al spin-off.

¿Y cómo lo ha hecho? Matando a Monica Dutton (Kelsey Asbille) después del final de la serie original. Esa fue una de las principales críticas durante el estreno de la serie, y sigue siéndolo. Kayce Dutton se pasó cinco temporadas de Yellowstone buscando su lugar, lidiando entre su lugar como marido de una mujer nativa americana y su familia de rancheros.

Cuando Kayce encontró ese lugar y zanjó una batalla que duraba más de un siglo en Montana, alcanzó su final feliz, pero Marshals: Una historia de Yellowstone lo destroza nada más arrancar. Volvemos a tener a Kayce en modo melancólico solo para encontrar "un nuevo comienzo". Evolución del personaje desde Yellowstone: ninguna, solo que ahora está más solo.

Y llega un nuevo interés romántico

¿Podía ser peor? Pues claro, y lo es. Vamos al episodio 4, que en general me ha gustado, hasta que Marshals: Una historia de Yellowstone ha decidido que ya ha pasado tiempo suficiente para que Kayce empiece a acercarse a otra mujer.

El episodio nos presenta a Dolly Weaver, el personaje interpretado por Ellyn Jameson, hija de un ranchero, Tom Weaver (Chris Mulkey), a quien Kayce y Cal (Logan Marshall-Green) rescatan en la montaña tras un accidente de helicóptero.

La situación de Kayce hace que se acerque a Tom, que le ofrece encargarse del rancho Camp East cuando él esté cumpliendo con su función como U.S. Marshal. Mientras tanto, Dolly empieza a coquetear con el personaje de Grimes, especialmente al final del episodio, donde él no marca distancias.

Si Marshals: Una historia de Yellowstone fuese una serie independiente, acabásemos de conocer a Kayce Dutton y no supiéramos nada de su relación con Monica, pues pasaríamos por el aro. El interés romántico es uno de los recursos más viejos del audiovisual y, en cierto modo, es un mal necesario para atrapar a la audiencia.

Pero Yellowstone está ahí. La serie de Taylor Sheridan construyó esa relación entre Kayce y Monica y nos condujo hasta ese final feliz que tuvieron. Hace nada que nos enteramos de que el personaje había enviudado y, en cuatro episodios, ya nos lo ponen a tontear... Eso no funciona en este caso.

No digo que Kayce no pueda volver a encontrar el amor, ojo, pero igual es algo que podían haber dejado para final de la temporada o, mejor aún, para la renovada temporada 2. Veremos cómo evoluciona esta historia en Marshals: Una historia de Yellowstone, que todavía tiene dos tercios de temporada por estrenar en SkyShowtime.

Pero ¿aprovechamos estas suscripciones al máximo? Claro que no. Ante la abrumadora oferta de plataformas que hay, cada vez es más habitual priorizar unas pocas e ir alternando para no dejarnos el salario mes a mes en servicios que no disfrutamos.

Claro que esa práctica no es lo que buscan las plataformas; para ellas lo mejor es tener suscriptores a perpetuidad. En su esfuerzo por lograrlo, estamos viendo un fenómeno curioso en el que diferentes servicios de streaming se están convirtiendo en bastiones de ciertos géneros.

No me refiero a plataformas especializadas como Crunchyroll o AnimeBox, que tienen el anime como punta de lanza, sino a generalistas que están conformando sus catálogos con cierta especialización ¿casual?

Paramount+, SkyShowtime en España, ha convertido el Universo Yellowstone en una pieza clave en el tablero, pero ha aprovechado a su creador, Taylor Sheridan, como una marca propia. Además de las precuelas y spin-offs de Yellowstone, el toque western de Sheridan está presente en Landman: Un negocio crudo, Hombres de ley: Bass Reeves o, a su modo, Tulsa King.

Y como marca, Sheridan también suma series como Lioness o Mayor of Kingstown, que tienen poco de western, pero también atraen al público enganchado con sus otras series.

No quiere decir que SkyShowtime solo viva de estos contenidos, pero se han convertido en su mayor baza. Lo bueno es que el cambio de estudio que va a realizar Taylor Sheridan, que deja Paramount en 2029 para trabajar en Universal, no afecta a SkyShowtime, que también trae a Europa los contenidos de Peacock.

Otro caso de especialización fortuita es el de Apple TV, que ha convertido la ciencia ficción en su comodín. Y dentro del género toca palos muy variados, desde Pluribus o Separación a aspectos mucho más visuales, como Para toda la humanidad, Monarch: El legado de los monstruos o Fundación.

Hay que decir que esto se suma a una cualidad de Apple TV: producen "poco", pero lo producen bien. La calidad de sus series, de ciencia ficción o no, hace que Apple TV esté en un momento dulce y ocupe una posición que antaño era de HBO.

Especializarse está bien, pero con prudencia

Este tipo de especialización tiene varios puntos positivos que me convencen, empezando por el hecho de que no discriminan el poder abordar otras producciones que te pueden gustar más o menos. Esto garantiza que haya variedad y que el catálogo no se convierta en algo "monotemático".

Otro aspecto interesante es que garantiza a los fans de un género contenido de su interés cada cierto tiempo. Además, si los estrenos son semanales, como es el caso habitual de SkyShowtime y Apple TV, el factor de retención es mayor.

Casi se podría incluir a Disney+ en este tipo de especializaciones, aunque, más que un género, la Casa del Ratón especializó su servicio de streaming en programación familiar. Claro que hace tiempo que vieron que era un enfoque que les estaba cerrando mercado, y eso no se lo puede permitir un contendiente de la guerra del streaming. Ahora aprovechan más marcas como FX, Hulu y demás.

No es lo ideal, claro, pero si te apasionan uno de estos dos géneros, saber que estas plataformas tienden a atraer ese tipo de series es bueno a la hora de escoger dónde poner tu dinero. Luego puedes ver las que salgan en otras plataformas con suscripciones puntuales.

Reconozcámoslo, ir a ver una película al cine está lleno de desventajas desde un punto de vista económico y desde un punto de vista práctico y, aunque el cine tiene un valor en sí mismo, hace falta seguir reforzando esa experiencia para que la gente la quiera por encima de la que ofrecen las plataformas.

Hay algo que nunca le podrán arrebatar a los cines ni los mejores equipos que pongas en el salón de tu casa: una imagen y un sonido de primera calidad en un espacio diseñado en exclusiva para ese fin.

Y la experiencia casi religiosa de asistir a un lugar comunitario en el que vas a poder vivir esa ficción con muchas personas, conectando a la vez con la misma película. Pero todo esto tiene un precio… que suele ser de unos 10€ la entrada en una sesión estándar.

Aunque por ese mismo dinero podrías comprarte una suscripción mensual a cualquier plataforma de streaming y disfrutar de más de un estreno por el que apenas han transcurrido 45 días desde que estuvo en la cartelera antes de llegar a tu televisión sin que tengas que gastarte un euro adicional yendo en metro a tu cine más cercano.

¿Qué están haciendo los cines y cómo podrían mejorar?

Los cines saben que algo está pasando, y por eso ya hay algunos que han implementado mejoras en la experiencia, como por ejemplo ofrecer una suscripción mensual o anual al más puro Netflix, que te ofrece una tarifa plana para ir a ver tantas películas como quieras en el margen señalado.

Sigue siendo más caro que ver algo en streaming, pero el precio compensa si acudes lo suficiente y tienes en cuenta el precio de la entrada normal. El problema llega cuando no quieres tener un compromiso tan fuerte porque ese sigue siendo un precio caro.

También existen programas de fidelidad: por la compra de una entrada puedes ir en la siguiente semana a un precio reducido, o la acumulación de puntos que te pueden propiciar algún descuento.

Es cierto que existe un día a la semana más barato, que hay descuentos para ciertos rangos de edad o grupos. Pero se podría ir más allá: que ese día barato lo fuera de forma mucho más significativa, que La Fiesta del Cine ocurriera de manera más frecuente en lugar de ser un evento semestral.

Incluso se podrían plantear estrategias como: el día de las palomitas, y que un día a la semana tuvieras comida gratis; o hasta la posibilidad de pagar por una sesión y ver tantas películas como pudieras consumir en esa tarde -algo que tiempo atrás no era tan raro de encontrar-, encadenando un visionado con otro.

Pero seguimos necesitando alicientes. Ya no es sólo por la experiencia que ofrezca la sala, el cine podría regalarte algo único que no conseguirías de otro modo: merchandising.

Algunos ofrecen posters o cartas justo con el lanzamiento de una nueva película, pero podría potenciarse mucho esta estrategia si las unidades fueran mayores y el público pudiera ir al cine sabiendo que se llevará un premio a casa más allá de haber visto la película.

También aumentaría el interés la organización de sorteos más habituales y con mejores recompensas, que impliquen que hayas pagado tu entrada de cine, invitándote a conseguir un premio mayor.

Algo que sólo un cine podría darte

Pero si hay algo donde de verdad los cines podrían destacar y no están aprovechando al máximo su potencial es en la exclusividad. Y no me refiero al tiempo que están las películas en las salas, me refiero al contenido único que podemos ver antes de una película.

Muchas veces, los tráileres pueden ser un aliciente para que vayamos a ver un nuevo estreno en el que podremos ver las imágenes exclusivas de cierto lanzamiento futuro, pero en general no tenemos que esperar demasiado tiempo hasta que acaba de manera oficial en internet. Mantener el misterio, y dejar una exclusividad real para las salas, podría ser un gran punto fuerte.

En esa misma línea, recuerdo cuando Disney o Pixar solían poner cortometrajes de animación exclusivos antes sus largometrajes, lo que aumentaba el valor de la película en cines.

Tal vez más compañías deberían plantearse una estrategia similar, pero llevándolo al extremo, haciendo que ese corto siguiera siendo exclusivo incluso meses después de que el largo llegase a las plataformas.

Por el contrario, también podría incluirse algún tipo de extra al final de los créditos, y ya no estoy hablando solo de ver quince segundos de Spider-Man con un chiste.

En lugar de llevar a una persona física a que presente la película, se podría hacer un vídeo exclusivo de cines en el que su equipo nos ofrezca una charla virtual sobre lo que acabamos de ver, para que nos llevemos una comprensión de la cinta mucho más profunda.

Quizá ninguno de estos cambios sea viable pero, si sigue habiendo un esfuerzo por parte de las compañías, de las salas y del público, el cine todavía puede ampliar mucho sus fronteras y llegar a ofrecer una experiencia cada vez más completa y satisfactoria.