Id Software ha sido desmantelado por los 136 despidos que Microsoft ha decidido llevar a cabo. Quienes nos han dado tres de los mejores shooters de los últimos diez años, quienes supieron cómo traer de vuelta una de las sagas más legendarias del videojuego, ahora afrontan sus propios "tiempos oscuros". Revelations no podía ser más amargo.

Especialmente, porque he disfrutado enormemente con todo lo que Id ha querido dejarnos en esta agridulce carta de despedida. DOOM The Dark Ages Revelations puede ser el cierre a la gloriosa época moderna de la saga, un punto y final a una trilogía que enlaza lo mejor del nostálgico pasado, con la creatividad y los recursos del presente.

Recursos que ahora han sido arrojados a los infiernos. Este DLC cierra un camino de grandeza para DOOM antes de un futuro incierto y lo vamos a ver en este análisis de DOOM The Dark Ages Revelations. Al menos, la talentosa gente de Id se ha ido por la puerta grande.

• Todo el nuevo contenido de DOOM The Dark Ages Revelations: historia, armas, niveles y más
• ​Precios, ediciones y plataformas de DOOM The Dark Ages Revelations y cómo acceder al DLC
• ​La opinión de Hobby Consolas sobre DOOM The Dark Ages Revelations
• ​Nota: lo mejor y lo peor de DOOM The Dark Ages Revelations

Revelations nos lleva a un disfrutón Purgatorio

Mi única gran reticencia con The Dark Ages fue que denotó cierto cansancio dentro de la saga después de dos excelentes juegos como fueron DOOM y DOOM Eternal. Sin embargo, pese a no sorprender tanto, id Software se las apañó para darnos un juego que se atrevía a cambiar parte de sus esquemas jugables en aras de cierta innovación.

Pero algunos echaron de menos esa jugabilidad más móvil de Eternal. Pues bien, si estabas en ese bando, déjame decirte que la lanza que introduce este DLC va a hacer que te... lances de cabeza al infierno de nuevo. El nuevo arma de Doom The Dark Ages Revelations es un acierto rotundo.

Y eso que los comienzos manejando este arma que sustituye al escudo (solamente en el primer tercio de la campaña) son más duros que los bíceps del Slayer. En tus primeros combates con la lanza, el control se te hace extraño y poco intuitivo hasta el punto de dejarte con el ceño fruncido más de lo recomendable para un juego de acción.

Sin embargo, para cuando llegues al jefe final estarás pensando: "¿Cómo he podido vivir sin esta maravilla?". La lanza mejora la jugabilidad tanque de The Dark Ages para añadirle lo que faltaba, la verticalidad y velocidad de movimiento de Eternal.

Gracias a la lanza puedes echar a volar y rotar por los aires sobre los enemigos mientras mantienes el genial sistema de parry del escudo y le sumas más habilidades ofensivas que se recargan mediante los nuevos movimientos de esquiva que incorpora este arma.

Es un todo en uno de manual que, encima, suma unas pocas ejecuciones extra (otra de las grandes ausencias del juego base). La lanza se siente como el hijo pródigo de Eternal y The Dark Ages combinando lo mejor de los dos mundos (sin renunciar al escudo).

Cuenta con su pequeño árbol de habilidades que otorga tres movimientos de ataque demoledores y que necesitarás para acabar con las tres incorporaciones que se suman a las hordas infernales.

Porque, si bien el elemental del dolor y el nuevo sacerdote molestan, lo de la nueva versión del arch-vile es una locura. Uno de los enemigos más engorroso de la saga (y una fantástica adición al plantel).

Pero la lanza no llega de la nada. Este arma se encuentra en el Purgatorio, un helado Tártaro al que el Slayer es desterrado tras intentar enfrentarse al Consejo Infernal tras los acontecimientos de la campaña del juego base.

Sin armadura (a cara descubierta) y sin escudo, el Slayer será ayudado por... ¡un demonio! El Arquitecto se presenta como un nuevo personaje dentro del Nodo Central del Purgatorio, un HUB plagado de secretos que te conducirá a los tres niveles necesarios para completar la campaña del DLC, así como a los muchos desafíos extra.

Este Arquitecto me ha parecido una interesante novedad. Es un demonio que está tan "cagao" ante el Slayer que le ayuda a escapar de esta gélida prisión sin rechistar. Mola ver como nuestro carnicero favorito tiene interacciones con este siniestro ser (que van más allá de practicarle una lobotomía agresiva) que tiene sus propias motivaciones ocultas.

Pese a que la narrativa no sea lo más destacado de la saga, Revelations incorpora ideas que funcionan muy bien. Aunque el punto fuerte de la trama son una serie de flashbacks jugables (escopeta en el centro de la interfaz incluida) que nos ponen en la piel del Marine de Doom y que sirven para rememorar al cancelado DOOM 4.

Con esto en la mano, id Software se marca una especie de God of War Ragnarok Valhalla para dar a su protagonista un mayor contexto y cerrar heridas del pasado, a la par que cierra la conexión de The Dark Ages con DOOM (2016)... No haré spoilers.

Aún así, ese círculo se queda ligeramente abierto y me habría gustado que el DLC terminase de apuntalar el guion de esta precuela como mandan los cánones. Creo que la campaña (unas cuatro horas de duración) se podría haber expandido un poco más, aunque el lore siga creciendo gracias a los fragmentos de diarios y demás coleccionables.

Y en lo que respecta a los niveles, los nuevos gozan del mismo tino en cuanto a diseño, que ahora suma algunos puzles nuevos que nos piden interactuar con lanza y escudo de forma simultánea y que también encierran secretos y una buena rejugabilidad.

Además, Revelations tiene bastante más de lo esperado y está especialmente pensado para ser longevo en el tiempo. Y es que, pese a que DLC cuenta con una campaña no muy extensa, la "chicha" se encuentra en el contenido postjuego o endgame, que hará que este DLC se vaya a las 15 horas sin problemas.

Para tratarse de un contenido descargable hay una enorme cantidad de contenido adicional pensando para satisfacer las ansias de los jugadores más fieles a la saga. Conseguir la llave astral, repetir niveles, las arenas maestras, más desafíos contrarreloj, el Superjefe... No son pocos los alicientes que Revelations deja para los jugadores.

Aunque, sin duda, mi debilidad son los niveles clásicos que se pueden encontrar una vez terminas la campaña. En su momento, ya dije que The Dark Ages esgrimía la jugabilidad más cercana a la de los inicios de la saga y este es un nuevo y fantástico homenaje a esas raíces.

​Precios, ediciones y plataformas de DOOM The Dark Ages Revelations y cómo acceder al DLC

DOOM The Dark Ages Revelations está disponible para PS5, Xbox Series X|S y PC como contenido descargable adicional. Si ya cuentas con la edición estándar del juego puedes hacerte con este DLC de forma independiente por un precio de 19,99 euros.

También debes saber que la DOOM The Dark Ages Premium Edition de 109,99 euros incluye el DLC como uno de sus extras (solo debes descargarlo desde la tienda digital). No es necesario comprarlo si cuentas con esta edición.

Para acceder al contenido de Revelations no hay ningún requisito extra. Simplemente debes ir al menú principal del juego una vez descargado el DLC y comenzar con su campaña. Es recomendable, claro está, haber completado el juego base antes.

DLC (Demonios Lanza Carnicería)

No acostumbro a disfrutar de muchos DLC que llegan meses y meses después de sus respetivos juegos, pero tengo que decir que con DOOM The Dark Ages he hecho una acertada excepción. Revelations es una experiencia tremendamente disfrutable que hace lo que se espera de un contenido descargable tardío: añadir, mejorar y experimentar.

Una nueva pizca de lore que nos remonta al excelentísimo DOOM (2016) y que homenajea a la primera era de la saga e incluso al canon perdido... Un nuevo cambio en la jugabilidad que expande los tiroteos y que soluciona algunos de los problemas del juego base... Cantidad de contenido desafiante y secretos... No se puede pedir mucho más.

Revelations podría ser el punto y final a la era moderna de la saga DOOM, una franquicia que volvió desde los infiernos con la fuerza de mil demonios gracias al excelso trabajo que id Software ha realizado durante más de una década. Es un amargo regusto el que nos queda tras la noticia de los despidos, pero al menos la saga cierra este capítulo con la fuerza y estruendo de un disparo de la Big Fucking Gun.

Lo cierto es que ha habido un gran número de juegos de Sword Art Online (el último en 2024), pero la gran mayoría no ha brillado por su calidad. Sin embargo, en este se puede apreciar claramente la intención de Bandai Namco por hacer algo más ambicioso... probablemente el juego más ambicioso de Sword Art Online.

Y buena prueba de ello es su título, Echoes of Aincrad, porque Sword Art Online es un pequeño subtítulo que nos avisa de donde nos estamos metiendo realmente. Creo que de esta manera lo que intentan es atraer a seguidores de los JRPG que no conocen el universo de SAO... y desde luego conmigo ha dado resultado.

Ahora bien, pese a las buenas intenciones, Echoes of Aincrad se queda lejos de ser un gran juego... aunque eso no ha evitado que me haya enganchado de forma inexplicablemente compulsiva. Os lo explico (o lo intento) en esta review de Echoes of Aincrad para PS5, PC y Xbox Series X|S.

• El gameplay de Echoes of Aincrad: Sword Art Online
• Nivel de dificultad de Echoes of Aincrad: Sword Art Online
• ¿Cuántas horas de juego dura Echoes of Aincrad: Sword Art Online?
• Cuánto cuesta Echoes of Aincrad: Sword Art Online y dónde puedes jugarlo
• La opinión de Hobby Consolas de Echoes of Aincrad: Sword Art Online
• Nota: lo mejor y lo peor de Echoes of Aincrad: Sword Art Online

Jugabilidad y gameplay de Echoes of Aincrad: Sword Art Online en PS5, Xbox Series X|S y PC

Echoes of Aincrad nos lleva a participar tanto en la beta como en el lanzamiento de Sword Art Online, un VRMMORPG que se convierte en una trampa mortal cuando su creador atrapa a todos los participantes en su interior, obligándoles a superar el juego si quieren volver a sus vidas reales. En otras palabras, tiene lugar justo al principio de la historia principal, así que es un punto de entrada perfecto si no conocéis la serie.

La gracia es que en lugar de ponernos en el papel de Kirito, el protagonista de SAO, Echoes of Aincrad nos permite crear a nuestro propio personaje y personalizar su apariencia (a partir de cierto punto) con un editor bastante parco en opciones, pero que cumple su cometido.

Así que si bien conocemos e incluso entablamos amistad con algunos de los personajes más conocidos de Sword Art Online, la historia de Echoes of Aincrad va por otros derroteros y presenta a un grupo de personajes completamente nuevo.

Desarrollar y mantener un juego multijugador masivo en línea es muy costoso, así que Bandai Namco ha optado por simular la experiencia a través de un JRPG de acción para un único jugador. Quizás haya gente a la que esto le parezca una estupidez, pero personalmente siempre me ha atraído mucho la idea de un falso MMORPG, probablemente porque en su día estuve obsesionado con la saga .hack y, hace no tanto, también con esa joyita llamada CrossCode.

Pero aquí es donde empiezan los problemas de Echoes of Aincrad. La sensación de estar en un MMORPG está muy poco lograda; en las ciudades, los NPCs deambulan como zombies y sólo podemos interactuar con el herrero, la dependienta de la tienda y el ocasional personaje que nos encarga una misión secundaria. Fuera de las ciudades es peor todavía, pues nunca nos cruzamos con nadie salvo con monstruos.

Así que más que un MMORPG simulado, Echoes of Aincrad parece un JRPG como cualquier otro. Y me parece incomprensible, pues juegos como los mencionados .hack o CrossCode (que ya tienen unos cuantos añitos), conseguían generar la falsa ilusión de estar jugando a un título online con trucos tan sencillos como poner a otros jugadores corretando por ahí.

La estructura de Echoes of Aincrad también es un problema, pues aunque las imágenes pueden llevar a pensar que se trata de un juego de mundo abierto, en realidad no lo es.

Echoes of Aincrad es un juego con una estructura dividida en misiones y cada misión, ya sea principal o secundaria, se desarrolla dentro de una zona delimitada. Es una idea bastante extraña, pues tal y como está diseñado el mapa general, resulta muy raro no poder salir de la ciudad y explorar libremente.

Y ojo, me parece bien que los mapas no sean las típicas explanadas que ya hemos visto en tropecientos juegos de mundo abierto; lo que tenemos aquí son niveles, con diferentes rutas, alturas y atajos, diseñados a lo grande y con la intención de que los exploremos hasta dar con el punto que revela el mapa de la zona, lo cual no siempre es fácil. Y eso me gusta.

El problema es que explorarlos es una experiencia muy frustrante. Continuamente te topas con obstáculos que te obligan a dar vueltas sin sentido y restringen tu libertad de movimiento, como que no puedas dejarte caer desde una posición elevada, que sólo puedas usar el viaje rápido desde los puntos designados o que, si te sales de la zona habilitada para esa misión, el juego te diga "por aquí no se puede ir".

Al final te acabas acostumbrando a este diseño arcaico, pero no deja de ser muy frustrante, especialmente si quieres recoger todo el contenido de cada mapa. Durante las primeras 30 horas, a mi me dio por limpiar todas las zonas en todas las misiones y ya os lo aviso: es un coñazo y no merece la pena.

Es un coñazo porque, tal y como está diseñado, te acabas pegando unas pateadas de un lado para otro que no tienen ningún tipo de sentido. Si hubiera un contador de pasos en Echoes of Aincrad, estoy convencido de que ya superaría por mucho a la mayoría de juegos. Y no merece la pena porque tampoco hay mucho que ver: sólo cofres cuyo contenido es inútil en el 90% de los casos, materiales, muy de vez en cuando hay objetos que activan misiones secundarias... y por supuesto enemigos. Muchos enemigos.

E incluso aunque paséis de limpiar los mapas, Echoes of Aincrad presenta otro problema importante: las misiones siguen siempre la misma estructura. Ir a una localización, explorarla hasta encontrar el punto o puntos que revelan el mapa y enfrentarse a un jefe. Es así siempre.

El único cambio se produce cuando la misión tiene lugar en una mazmorra, pero en estos casos el diseño de los mapas se genera de forma aleatoria. Y aunque hay diferentes tipos de mazmorras desde un punto de vista visual, su estructura es tremendamente repetitiva; vais a ver salas con los mismos patrones continuamente. Uno de los momentos más frustrantes de todo el juego tuvo lugar cuando me hicieron superar una de estas mazmorras (que normalmente tienen dos pisos) y, en la siguiente misión, tuve que volver a explorar exactamente la misma mazmorra... pero esta vez en lugar de dos pisos eran cuatro. Y no, en este caso no estoy hablando de algo opcional; esto forma parte de la historia principal. Y hablando de cosas que se repiten... la variedad de enemigos, especialmente jefes, deja bastante que desear.

Llegados a este punto os preguntaréis: ¿tiene Echoes of Aincrad: Sword Art Online algo que merezca la pena? Y la respuesta es sí; el combate es bastante entretenido... aunque también tiene varios "peros".

La acción es directa, satisfactoria y muy vistosa, estilo hack'n slash. Hay seis armas diferentes, una gran variedad de habilidades de espada (las mismas que dan nombre al juego) muy espectaculares y un sistema de acompañantes que, si bien no es demasiado profundo, da pie a acciones como esquivas y bloqueos perfectos o ataques de apoyo y definitivos. También hay una mecánica bastante interesante que consiste en cercenar partes del cuerpo de los enemigos para, por ejemplo, impedir que vuelen o evitar que bloqueen ataques, pero está un tanto desaprovechada. Eso sí, hay que reconocer que cuesta cansarse de ver los desmembramientos a cámara lenta.

Echoes of Aincrad tiene toques de soulslike, apreciables en aspectos como la gestión de la energía en combate o el crecimiento del personaje distribuyendo puntos en diferentes estadísticas. También hay un sistema de fabricación, mejora y síntesis de armas que está bastante bien; no es la cosa más original ni más compleja del mundo, pero en combinación con el loot que dejan caer los enemigos constantemente, se genera un bucle jugable que engancha bastante e invita a trastear con las diferentes posibilidades.

Por eso resulta incomprensible que en Echoes of Aincrad no sea posible cambiar de arma ni de equipo en mitad de una misión; para hacerlo, estamos obligados a volver a una ciudad. Como muchas otras decisiones del juego, parece una idea que sólo está diseñada con el objetivo de hacernos perder el tiempo.

Pero eso no es lo peor; lo peor del combate de Echoes of Aincrad es que el 80% de los ataques enemigos tiran a nuestro personaje al suelo. No os hacéis una idea de lo insufrible que puede llegar a ser, especialmente cuando coinciden en pantalla varios enemigos y tan rápido como nos estamos levantado... nos vuelven a tirar.

La sensación de estar perdiendo el tiempo también la he sentido con la historia, pues a pesar de que el universo de Sword Art Online implica un planteamiento interesante, los nuevos personajes apenas tienen desarrollo y cuesta mucho empatizar. Eso cuando no se olvidan directamente de ellos.

Pero la historia tiene otros problemas más graves: resulta demasiado previsible, hay incongruencias argumentales y, pese a tener un ritmo lentísimo... de repente se acaba y nos deja a medias.

El apartado audiovisual tampoco es uno de los fuertes de Echoes of Aincrad: Sword Art Online. Han apostado por un estilo gráfico cel-shading, que siempre entra muy bien por los ojos y es fiel al anime, pero las animaciones de los personajes están muy poco trabajadas, algo que se evidencia sobre todo durante los diálogos.

La variedad visual también es muy escasa, pues aunque podemos explorar dos pisos (mapas) con ambientaciones muy diferentes, apenas se aprecian cambios dentro de las zonas que los componen, lo que provoca la impresión de recorrer siempre los mismos escenarios. Y la banda sonora está bien como acompañamiento durante la exploración y los combates, pero no hay ninguna melodía que destaque y acaba pasando a un segundo plano.

¿Es difícil Echoes of Aincrad: Sword Art Online?

Echoes of Aincrad: Sword Art Online cuenta con cuatro niveles de dificultad: fácil, normal, difícil y muy difícil. Si no nos convence la dificultad elegida, podemos cambiar a otra desde los cofres en los que distribuimos los puntos de nivel y cambiamos el equipo.

Precisamente eso hice, pues empecé jugando en normal y, me estaba pareciendo tan excesivamente fácil, que decidí animar un poco las cosas probando la dificultad difícil. Y así se quedó durante el resto del juego; en esa dificultad, Echoes of Aincrad sigue sin ser el juego más difícil del mundo, pero al menos te obliga a estar pendiente de lo que haces.

Eso sí, a medida que avanza la historia hay unos cuantos jefes que suponen un pico de dificultad importante, tanto que por momentos parece que estás jugando a Dark Souls. Y en ocasiones se les va la mano con las oleadas de enemigos y lo único que podemos hacer es ver cómo arrollan a nuestro personaje sin posibilidad alguna de respuesta.

Ahora bien, la dificultad tiene trampa: en la gran mayoría de misiones, el nivel de los enemigos escala en relación al de nuestro personaje, por lo que no importa demasiado si se nos va la mano subiendo de nivel. Sólo hay un tipo de misión en las que el nivel de los enemigos es fijo, pero son muy puntuales.

Además de los distintos niveles de dificultad, Echoes of Aincrad cuenta con dos modos de juego: estándar y juego mortal. Este último es el modo realista, por así decirlo, pues como sucede en Sword Art Online, si morimos... la partida se acaba y tendremos que empezar de cero con otro personaje.

¿Cuántas horas dura la historia de Echoes of Aincrad: Sword Art Online?

Es complicado calcular la duración exacta de Echoes of Aincrad, pero diría que yendo a piñón se puede completar la historia principal en unas 30 o 40 horas. En mi caso, han sido cerca de 60.

Porque si decidimos hacer misiones secundarias y, sobre todo, explorar a fondo todos los mapas, la duración se puede ir sin problemas a las 70 u 80 horas.

Puede que incluso más, pues una vez terminado el juego todavía queda el post-juego, que a grandes rasgos consiste en superar una mazmorra en diferentes niveles de dificultad, con nuevas mecánicas con toques de roguelike y un nuevo tipo de objeto de equipo como premio. Y ya os aviso que superar todos los niveles y lo que espera al final no es nada fácil.

Aunque, como ya he dicho, si decidís ir a por el 100% os vais a hartar de correr de un lado para otro (a mí todavía me duele el pulgar izquierdo de tenerlo tantas horas haciendo presión sobre el joystick).

Precio y plataformas disponibles

Echoes of Aincrad: Sword Art Online se lanza el 10 de julio de 2026 tanto en formato físico como digital.

En el caso de la edición física, su precio recomendado es de 69,99€. Mientras que en digital tenemos tres opciones distintas: edición estándar, que incluye los mismos contenidos y tiene el mismo precio que la edición física; edición deluxe, que incluye el juego, contenido descargable del pack de expansión, un paquete de inicio y desbloqueo anticipado del modo de juego mortal por un precio de 89,99€; y edición ultimate, que incluye el juego, contenido descargable del pack de expansión, un paquete de inicio, desbloqueo anticipado del modo de juego mortal, las botas aleteantes y túnicas aleteantes y una aplicación digital, separada del juego principal, que incluye un libro de arte, banda sonora y la película de animación Unanswered//Butterfly. Todo ello por 109,99€.

Además, es importante señalar que podéis jugar de forma gratuita a la demo de Echoes of Aincrad, que corresponde al prólogo del juego (la beta de Sword Art Online) y ofrece entre 5 y 6 horas de juego.

Sword Art Offline

Tengo la certeza de que Echoes of Aincrad tenía mucho potencial. Con más tiempo de desarrollo, trabajo y, probablemente, dinero invertido, de aquí podría haber salido un JRPG de acción de gran nivel, capaz de conquistar tanto a amantes de Sword Art Online como a gente que no ha visto ni un capítulo del anime en su vida.

Por desgracia, tiene demasiados problemas en demasiados frentes como para recomendárselo a cualquiera de los dos grupos. Pero, pese a todo... he seguido jugando.

Ni yo me lo explico, porque muchas veces he sentido que estaba perdiendo el tiempo y que debería haberlo dedicado a otra cosa. Pero he seguido jugando.

Quizás sea porque el universo que plantea es muy interesante y las ganas de un nuevo .hack son fuertes; quizás sea porque esperaba encontrar algo bueno en algún momento; o quizás sea porque el combate y el bucle jugable son muy entretenidos. Pero el caso es que pese a sus muchos y evidentes problemas, he seguido jugando a Echoes of Aincrad.

...y lo peor es que en cuanto termine de escribir este análisis voy a seguir haciéndolo.

Un port que llega tanto a Switch 2 como a Nintendo Switch justo 8 meses después de su debut en PS5, Xbox Series X|S y PC, lo que significa que trae de serie todas las mejoras y correcciones que se realizaron a posteriori en el resto de versiones, incluido el parche que llega el 9 de julio con los modos gráficos para todas las versiones. Es solo una de las cosas que vamos a ver en este análisis de Digimon Story: Time Stranger para Nintendo Switch 2.

Eso sí, dado que es un juego del que ya hemos hablado largo y tendido, aquí me voy a centrar en la parte técnica, ya que toda la información y detalles sobre la jugabilidad, duración o historia lo podéis encontrar en el análisis de Digimon Story: Time Stranger que publicamos el año pasado, con el lanzamiento original del juego.

Porque en términos de contenido es exactamente el mismo juego, con las mismas opciones o incluso los mismos paquetes de contenido descargable que se pueden comprar de manera independiente (algo con lo que no comulgo en ports que se lanzan meses después)

Como en otros ports, es posible encontrar pequeñas diferencias y algún que otro sacrificio técnico , pero en términos generales, es otro gran port, que ofrece una experiencia casi calcada a la del resto de versiones, con un apartado visual que convence, gracias en parte a la elección del cel-shading, que siempre luce de fábula. Tanto, que en ocasiones, y sobre todo jugando en modo TV, vas a pensar que estás jugando a la versión de PS5 de Digimon Story: Time Stranger.

Pero tampoco me quiero precipitar, vamos con la review de Digimon Story: Time Stranger para Nintendo Switch 2 (en la que también comentaremos algunos aspectos relacionados con la primera Switch).

El apartado técnico de Digimon Story: Time Stranger en Nintendo Switch 2

Digimon Story: Time Stranger se lanzó el 2 de octubre de 2025 en PS5, Xbox y PC, y dado que esa es la única versión disponible (no se lanzó en PS4 o Xbox One), es la que ha servido de base para este port. Un port que, para ir dejando las cosas claras, apenas tiene nada que envidiar al resto de versiones, pese a que hay algunas diferencias y sacrificios. Hablo, eso sí, de la versión de Switch 2, dado que la de Switch 1 no la he podido probar.

Lo primero a celebrar es que, de lanzamiento, cuenta también con las novedades que llegan al resto de versiones con la actualización disponible a partir del 9 de julio, y que añade dos modos gráficos, para que cada jugador pueda disfrutar de la aventura como más se amolde a sus gustos (salvo en Switch, donde se mueve a 720p y 30 fps).

Por un lado está el modo rendimiento, que en modo TV renderiza el juego a 1080p, gracias al DLSS, manteniendo una tasa estable de 60 fps. Aquí no vas a encontrar grandes desviaciones, se ve bastante bien y logra mantenerse estable a 60 fps durante el 99% del tiempo.

Solo pueden apreciarse leves caídas al cambiar entre el mundo digital y "real", aunque no son demasiado graves, ni se prologan demasiado en el tiempo. Esto también es aplicable al jugar en modo portátil, donde también mantiene los 60 fps aunque la resolución variable puede bajar hasta 720p (y apreciar verse algo más "borroso" en estas bajadas).

Pero, a pesar de ello, lo cierto es que jugando en portátil también ofrece una experiencia tan suave como fluida y, gracias al estilo visual cel-shading, tampoco se emborrona en exceso, ni sufre los problemas habituales a la hora de recrear el pelo más realista.

Por su parte, el modo fidelidad en modo TV sube la calidad visual de los gráficos a resolución 4K, de nuevo, gracias al DLSS, aunque aquí la tasa de frames baja hasta los 30 fps. La resolución es variable, por lo que oscila entre los 4K y los 1400p (1080p en portátil). Se aprecia un mayor nivel de detalle, aunque la ausencia de los 60 fps en este modo es el "mayor" sacrificio de Digimon Story: Time Stranger en este port. Eso, y que si quieres cambiar entre ambos modos, tienes que salir de la partida... algo un poco cutrecillo, pero bueno.

No obstante, Bandai Namco tenía muy claro donde no quería recortes, y se nota: los Digimon han sido recreados con todo lujo de detalles, y protagonizan unos combates repletos de efectos especiales, que aquí siguen brillando con luz propia, con la misma intensidad que en otras plataformas.

Y lo que se ha tenido que "sacrificar" son cosas menores, apreciables solo si pones esta versión al lado de otra. Me refiero a detalles como sombras menos estables y definidas o los tiempos de carga al cambiar entre dimensiones, que son levemente más largos (entre 5 y 7 segundos frente a los 0-3 que hay en otras plataformas con SSD), aunque aquí da igual que lo tengas instalado en el almacenamiento interno de la consola o en una microSD Express, como ha sido mi caso.

También hay pequeñas diferencias en iluminación global, texturas, menor cantidad de NPCs que aparecen en los escenarios al mismo tiempo, densidad de la vegetación y cómo interactuamos con ella... pero son cosas menos evidentes, a menos que compares directamente.

A efectos prácticos, se ve muy bien, es una versión muy parecida a las demás, algo que es meritorio, y demuestra una vez más que Switch 2 tiene ports al nivel del resto de consolas, con la ventaja de poder disfrutarlos en cualquier sitio con sacrificios mínimos.

Precio y ediciones de Digimon Story: Time Stranger en Nintendo Switch 2 y Nintendo Switch

Bandai Namco ha lanzado Digimon Story: Time Stranger en formato físico como digital, a un precio de 69,99 euros. Y, como puedes imaginar, la versión de Switch 1 tiene los datos en la tarjeta, mientras que la versión de Switch 2 es una Tarjeta Llave.

Los 69,99 euros es lo que cuesta la edición estándar, tanto física como digital, aunque en formato digital hay dos ediciones más, una Deluxe por 99,99 euros que incluye el pase de temporada, mientras que la Ultimate Edition cuesta 119,99 euros e incluye lo anterior, más distintos packs con atuendos, música de Cyber Sleuth y otros extras.

Como he dicho en otras ocasiones, me hubiera gustado que estos extras estuvieran incluidos en el precio del juego, o que tuviera alguna oferta para compensar que llega más tarde (algo que sí ha hecho, por ejemplo, Devil May Cry 5 con un descuento de lanzamiento). Llega 8 meses más tarde, y no ofrece ningún extra, función o contenido exclusivo de esta edición... pero sí sale a precio completo.

También me resulta bastante extraño el tema de las compatibilidades e incompatibilidades entre ambas versiones para Nintendo. Está claro, a nivel interno, Nintendo las considera consolas distintas y en base a eso algunas compañías, como Square Enix o Sega, no ofrecen paquetes de mejora (algo que sí ofrecen estudios indie, como el caso de Hollow Knight Silksong), pero aquí es todavía más marciano.

Si compras la versión de Nintendo Switch 1, puedes descargar gratis una actualización que añade las mejoras de la versión de Switch 2 (como los dos modos gráficos). Pero, lo "marciano", es que sigue siendo el juego de Switch 1 a efectos de, por ejemplo, comprar DLC. Es decir, no pasas a tener la versión de Switch 2. Es confuso, pero la página oficial lo explica.

En cuanto a las partidas guardadas, tampoco puedes pasarlas de Switch 1 a Switch 2, por lo que piénsate bien dónde quieres jugarlo desde el principio, porque tus avances solo servirán en esa plataforma... algo que tampoco tiene sentido en pleno siglo XXI.

La opinión de Hobby Consolas de Digimon Story: Time Stranger en Nintendo Switch 2: ¿merece la pena?

Como port, Digimon Story: Time Stranger me ha sorprendido para bien. Da a los jugadores opciones para disfrutar de la aventura como prefieran, ya sean los modos gráficos (4K o 60 fps) y un modo portátil que ya querrían para sí otros muchos ports de juegos third party, gracias a una buena optimización y unos rocosos 60 fps.

Y visualmente también entra por los ojos. Por eso, si estabas esperando a ver si el juego daba el do de pecho en las consolas de Nintendo, la respuesta es sí, al menos en Nintendo Switch 2. No hay grandes sacrificios visuales, y se mueve que da gusto.

Por supuesto que hay pequeños recortes y diferencias con el resto de versiones, pero a mi juicio no suponen diferencias insalvables, ya que la experiencia de juego sigue siendo la misma, con un apartado técnico que te va a permitir disfrutar del juego prácticamente igual que en el resto de plataformas.

A grandes rasgos, la historia que se nos cuenta aquí es la misma. Encarnamos a Edward Kenway, el abuelo de Connor, prota de Assassin's Creed III, que fue un destacado pirata del siglo XVIII. A diferencia de otros juegos de aquella época, aquí los asesinos juegan un papel más secundario e “inspiracional”, pero eso no impide que su Credo sea fundamental en la trama.

Nuestro objetivo es recorrer las islas del Caribe durante esta era dorada de la piratería, mientras amasamos fortunas, forjamos alianzas con figuras icónicas como Barbanegra y buscamos el paradero del Observatorio, un recóndito lugar que parece albergar tecnología de los Isu.

También como en el original, la jugabilidad se divide en dos partes: la primera son los tramos en los que vamos a pie y hacemos lo habitual: trepar por tejados, seguir a nuestros objetivos, escondernos y dar matarile tanto a decenas de incautos soldados como a los odiosos templarios.

La segunda parte son las partes de navegación. Al timón de nuestro barco Jackdaw, recorremos los mares caribeños mientras descubrimos islas, encontramos zonas de pesca de fieros tiburones o ballenas, buscamos barcos hundidos o, claro, participamos en cruentas batallas navales, la salsa de esta entrega, con los abordajes como colofón de unos pirotécnicos enfrentamientos.

La mayoría de las misiones se recorren a pie, pero las batallas en barco tienen un papel crucial, no solo por su espectacularidad, sino porque hemos de prepararnos para ellas.

Echemos el ancla al factor RPG

Si recordáis, este juego era de la etapa, digamos, “clásica” de Assassin's, así que no hay subidas de nivel como en Shadows o Valhalla. Edward es poderoso desde el principio, aunque lógicamente vamos ganando algunas armas y nos vamos topando con enemigos que requieren estrategias especiales.

Podemos conseguir muchas armas y trajes nuevos, sí, que van desde pequeños cambios de color hasta homenajes a otros juegos como AC III, pero no alteran ni mejoran de forma importante nuestro rendimiento, ni se dividen en partes de armadura.

Las armas sí pueden mejorar algo el daño y pueden tener algún efecto extra, como encadenar una estocada con un disparo.

De juegos posteriores se hereda la posibilidad de tener hasta dos amuletos que den algún “buff” a la jugabilidad, como poder atacar mejor a enemigos grandes.

El barco sí que requiere invertir dinero y materiales en mejoras, si queremos enfrentarnos a los fortines y navíos más contundentes, que tienen una capacidad de fuego que ríase usted de la Estrella de la Muerte.

En cualquier caso, la forma en la que ganamos dinero y mejoras se siente mucho más natural que en los juegos más recientes y, a poco que invirtáis algo de tiempo en tareas secundarias que os otorguen recursos, no os encontraréis en esos molestos momentos de atasco en los que suele tocar tener que farmear a tope mejoras. Aquí todo es más “orgánico”, por decirlo así.

A fin de cuentas, las actividades secundarias forman parte del ADN de los Assassin's y aquí hay bastante variedad: caza de animales para obtener mejoras en nuestro arsenal, innumerables cofres del tesoro por descubrir, estelas mayas que encontramos al resolver sencillos puzzles, algún que otro juego de mesa para hacer una parada en el camino...

Y sí, también la famosa búsqueda de partituras para las salomas que canta nuestra tripulación mientras navegamos.

Todo esto ya estaba en el original y tampoco tendría mucho sentido ir al detalle fino de las actividades, por lo que vamos a centrarnos en las novedades de este remake.

Aprovechando los nuevos vientos

A nivel jugable, se ha buscado un híbrido entre la jugabilidad original y ese estilo más cercano al hack and slash de los juegos recientes.

El resultado son unos combates que usan un solo botón para los ataques y otro para cubrirnos. Si pulsamos este último en el momento justo, haremos parrys que pueden romper la defensa del rival y permitirnos ejecutarlos de un plumazo.

Esto da pie a combates muuuucho más rápidos y satisfactorios, especialmente cuando nos hacemos con la pistola y podemos combinar disparos y estocadas. Al currárnoslo, podremos llevar a cabo varias ejecuciones seguidas, usar a rivales como escudos humanos y más.

Además, con el gatillo derecho podemos llevar a cabo acciones rápidas como patadas que desequilibren o empujones que rompan el “muro” de los enemigos más brutos.

Hablando de enemigos, se ha añadido una nueva categoría, un bestiajo armado con un trabuco que vemos en los tramos más avanzados, usar las esquivas aquí es crucial.

En cualquier caso, y sin que sean la quintaesencia de la acción, los combates han mejorado mucho al fusionar lo mejor de dos formas de entender la jugabilidad Assassin's.

En la parte de infiltración hay dos mini novedades interesantes. Primero, ahora obtenemos la cuerda con dardo antes, así que podemos usar la herramienta casi desde el principio para atraer enemigos a nosotros... o para ahorcarlos.

Por otro lado, ahora nos podemos agachar en cualquier parte, no solo en la hierba alta, por lo que la jugabilidad a escondidas se vuelve mucho más apetecible ahora.

Pensando en los momentos frustrantes del original, los desarrolladores han resuelto los momentos en los que seguimos a alguien para que, si nos detectan, no haya desincronización, sino que nos toque pelear para resolverlo.

Cuando exploramos, a la tradicional vista de águila se une esa “observación” con el gatillo a la que nos han acostumbrado juegos como Shadows, por lo que es mucho más fácil encontrar el objetivo principal de cada misión, marcado con un punto azulado.

Ganando calidad de vida

También heredamos de juegos recientes la guía, que podemos activar en cualquier momento para que nos indique el camino más rápido a los objetivos marcados en el mapa general.

Esto facilita mucho la exploración, en conjunto con la brújula que sustituye al mini mapa, aunque para buscar los tesoros más difíciles aún tendréis que currároslo por vuestra cuenta.

En cuanto al Jackdaw, se han añadido mejoras como disparos secundarios que hemos de desbloquear, con efectos tan bestias como ataques incendiaros de nuestros cañones de andanadas.

Una mini tarea simpática es la nueva búsqueda de mascotas para el barco, que pueden ser gatos o monos. No sirven para nada, pero es gracioso verlos acompañarnos y aparecer en sitios inesperados.

Del mismo modo, se han creado 3 nuevos oficiales de apoyo para el barco, que son opcionales, pero que ayudan mucho.

Por ejemplo, el llamado Padre nos otorgará un bestial ataque de embestida frontal. Para desbloquearlos, hay que superar sus misiones correspondientes en el mapa.

De hecho, el último de ellos se desbloquea en el postjuego, después de haber superado todas las misiones principales.

No son las únicas novedades de contenido. En nuestra mansión de Gran Inagua, podremos ayudar al mayordomo a buscar cuadros por todo el mundo, que nos ayuden a decorar la mansión, lo que incluso nos puede otorgar algún traje extra.

Esto se une a las tareas de mejorar el pueblo con nuevas tiendas o administrar la Flota de Kenway con misiones en segundo plano que nos den algo de dinero o mercancías con las que comerciar. Esto era una companion app para móvil en el original, pero aquí se ha integrado en el juego.

También hay alguna misión extra que profundiza en la importancia de Barbanegra y Stede Bonnet en la vida de Edward. La verdad es que son muy emotivas.

Por supuesto, el gran cambio en este sentido es la desaparición tanto del DLC dedicado a Adéwále como de los tramos del presente que, en cualquier caso, eran recordados como de los más extraños y sosos de la saga.

A cambio, se han creado unos desgarros en el Animus, cuatro misiones especiales en las que indagamos de forma bastante surrealistas en escenarios tipo “¿qué hubiera pasado si...?” relacionados con Edward. ¿Y si no hubiera abandonado a su esposa, por ejemplo?

Aunque nos da rabia que no se explore el presente como tal, lo cierto es que estos tramos son muy atractivos y recuperan esa esencia Animus más tradicional de la franquicia.

A eso, hay que añadir que el juego se integra en el Animus Hub que ya vimos en los lanzamientos más recientes, por lo que podemos encontrar en el mapa tanto anomalías temporales como llaves, que al igual que en Shadows nos permiten desbloquear premios como mascotas o trajes especiales.

Además, podemos encontrar fragmentos de información sobre el presente diseminados por todo el mapa, que van desde pistas que relacionan esta aventura con Assassin's Creed Shadows (si os pasasteis la última expansión gratuita del juego ya supondréis por qué) hasta crípticos mensajes o un gracioso tráiler que vincula la vida de Edward con una película a lo Piratas del Caribe.

Cuántas horas dura Assassin's Creed Black Flag y cuánto cuesta

El resultado es una aventura muy grande, pero sin volverse descomunal como sucedía con Shadows o Valhalla.

Para que os hagáis una idea, nosotros hemos buscado una buena cantidad de coleccionables y secundarias y nos hemos pasado el juego en 31 horas, a lo que habría que añadir el pequeño postjuego de la búsqueda del tercer ayudante de cubierta.

Su precio recomendado es de 59,99 euros en la edición estándar, aunque estos primeros días se puede conseguir por unos 10 euros menos.

Cómo no, hay que hablar también del apartado visual, que trece años de distancia con el original y el uso del motor Anvil más reciente marcan la diferencia.

Y vaya si se nota, activar las atalayas para un vistazo panorámico o caminar por las calles de Kingston o La Habana, el nivel de detalle e inmersión son maravillosos, tanto por el número de personas y detalles en movimiento como por unas texturas en HD y una iluminación global magistral, que hace que el paso del día al atardecer sea de postal.

Postal que, de hecho, podéis “inmortalizar” con el modo foto, que vuelve con las mismas funciones que en Shadows y que permite tomar unos planos geniales en pleno combate o si, por ejemplo, pillamos al vuelo unos delfines o una ballena saliendo del mar.

En ese sentido, los paisajes submarinos, especialmente en los tramos en los que usamos la campana de inmersión, son una maravilla, con corales, medusas gigantes y sí, puñeteros tiburones dándonos caza.

Las escenas de corte, movidas en tiempo real, profundizan en el detalle facial y en una expresividad magnífica gracias a la nueva captura de movimiento. Ver a Barbanegra intimidar a los demás es una gozada.

A nivel de sonido, regresan las estupendas voces en castellano del original, con algunas líneas grabadas para el nuevo contenido y melodías que van desde lo épico hasta lo más emotivo, especialmente con ciertas canciones cerca del final del juego.

Por cierto, vuelven todas las salomas y se añaden algunas nuevas, incluida una que es un huevo de Pascua para fans de la saga. En el caso de PS5, DualSense aporta vibración y sonidos por el altavoz para los tramos de acción.

La opinión de Hobby Consolas sobre Assassin's Creed Black Flag

En conjunto, Assassin's Creed Black Flag Resynced es una experiencia muy, muy sólida, que nos ha emocionado más de lo que esperábamos (los secundarios de esta entrega están entre lo mejor de la saga) y que mantiene un gran espectáculo en todo momento.

Pero si os lo preguntáis, todo esto no impide que haya cierta sensación de déjà vu si jugasteis el original, que lógicamente reducen bastante el factor sorpresa.

A eso se unen otros problemillas menores como ciertos abordajes en los que cuesta distinguir a quien atacamos, que algunas misiones se hayan vuelto más fáciles con tantos añadidos jugables o pequeños defectillos en la generación de reflejos en las panorámicas de las atalayas.

Con todo, Edward Kenway vuelve a protagonizar una aventura que roza lo sobresaliente, llena de emociones, secretos, espectáculo, ron y gallinas a las que dar de comer. Pirata sí, pero con corazón.

La pequeña obra desarrollada por Unreliable Narrators y Manavoid Entertainment da a conocer una de las historias más desconocidas de la Primera Guerra Mundial que, curiosamente, se dio a la par de una de las batallas más famosas del conflicto. En este análisis de The Caribou Trail te voy a contar todo lo que debes saber acerca de ello.

Si bien la Gran Guerra ha sido protagonista de unos cuantos juegos, como el legendario Battlefield 1 o el llamativo Conscript, The Caribou Trail es un acercamiento completamente distinto, que bien merece la pena conocer y dar una oportunidad. Vamos con la review:

• La historia de The Caribou Trail: otra mirada a la Primera Guerra Mundial
• El gameplay de The Caribou Trail: narrativa en primera persona
• El precio de The Caribou Trail, plataformas y ediciones
• La opinión de Hobby Consolas sobre The Caribou Trail
• Nota: lo mejor y lo peor de The Caribou Trail

La historia de The Caribou Trail: un homenaje a un grupo desconocido de hombres

La Primera Guerra Mundial encierra historia épicas en bastos teatros de operaciones, pero The Caribou Trail ofrece una íntima mirada a un grupo de jóvenes combatientes que, como la gran mayoría, fueron seducidos por el falso idealismo de esta catastrófica guerra.

The Caribou Trail nos traslada a la batalla de Galípoli, el cruento choque que se produjo entre las fuerzas aliadas y el Imperio Otomano entre 1915 y 1916 por el control del estrecho de Dardanelos, en Turquía.

Se calcula que 500.000 hombres perdieron la vida en esas playas y colinas en menos de un año (con un equitativo reparto para los dos bandos). La operación fue un fracaso ofensivo para los aliados, pero se recuerda como una de las más exitosas retiradas bélicas.

En este marco participaron cantidad de regimientos. Sin ir más lejos, Galípoli es muy conocida por la presencia del ANZAC (el ejército australiano y neozelandés) que pudimos ver en relatos como "El mensajero" de Battlefield 1, pero también contó con la ayuda del Regimiento de Terranova, un cuerpo "canadiense" muy poco conocido.

The Caribou Trail es un homenaje a las desventuras de este grupo de soldados, al cual el gobierno de Canadá conmemoró hace unos años con la Ruta del Caribú, seis monumentos localizados en los diferentes lugares en donde este Royal Newfoundland Regiment batalló.

La historia nos pone en la piel de Fish, un soldado que, junto a dos de sus camaradas, debe sobrevivir a las duras condiciones de las trincheras. El guion pone énfasis en retratar esas tensas situaciones y en profundizar en las motivaciones, emociones y relaciones de los personajes. No esperes grandes momentos de acción, The Caribou Trail es más introspectivo. A nivel narrativo está más cerca de 11-11: Memories Retold que de los juegos mencionados al comienzo.

Sin llegar a hacer grandes alardes o sorprender en exceso, el guion sí nos deja un competente relato de unas tres horas que logra emocionar por momentos y que, incluso, recurre al terror psicológico para dejarnos un final que, si conoces el destino del regimiento, te deja un regusto amargo (en el buen sentido).

Por desgracia, todo ese mensaje puede caer en saco roto, ya que The Caribou Trail no cuenta con textos traducidos al español (ni doblaje, por supuesto), por lo que, si no dominas el inglés, te vas a perder lo más importante de este juego.

Eso sí, hasta en esto, el juego demuestra su fidelidad al relato, ya que los personajes cuentan con acentazo canadiense. La inmersión escuchando sus expresiones únicas es curiosa. Eso sí, insisto, solo se disfruta si cuentas con un nivel relativamente alto de inglés.

Ligado a esto, tengo que decir que el juego sí recrea fielmente el impacto y la participación que tuvo el regimiento en la batalla de Galípoli. Hay cantidad de detalles que ejemplifican el gran trabajo de documentación histórica que ha realizado el equipo creativo al mando.

El juego se ambienta en la bahía de Suvla, donde desembarcó el regimiento, muestra cómo fue la heroica captura de Caribou Hill y revela los problemas por los que pasaron aquellos hombres, cuya posición y trincheras estaban a menos de 50 metros de las turcas.

Hay un mimo extremo por plasmar todo esto e incluso conociendo la historia de la Primera Guerra Mundial aprendes cantidad de información. ¿Por qué en el juego hay retratos del Jorge V de Reino Unido si son canadienses? Pues porque resulta que Terranova no se unió a Canadá hasta 1949. En 1915 era todavía un territorio adscrito a la Commonwealth británica. Todo está perfectamente plasmado.

El gameplay de The Caribou Trail: la guerra sin tanta interacción

No esperes tiroteos en primera persona (pese a que el juego es en esta perspectiva), ni mecánicas de desplazamiento o puzles complejos. The Caribou Trail es muy humilde en el formato interactivo. Más cerca del walking simulator que de cualquier otro género, este título lo apuesta todo a la parte narrativa y se nota claramente.

Más allá de alguna elección en los diálogos o de momentos puntuales relacionados con un par de "minijuegos" (que se repiten algo más de lo aconsejado), The Caribou Trail te propone explorar el complejo militar y las laberínticas trincheras con un pequeño mapa y una brújula.

Tendrás que ir de un lado para otro cumpliendo pequeños objetivos que no son nada del otro mundo, pero que son reforzados por la propia escritura del juego y pese a que esa jugabilidad plana puede pesar, la duración de la trama es la correcta para no hacerse bola.

Otro método para paliar la sencillez de sus mecánicas es que el juego cuenta con pequeños secretos e interacciones que incluso pueden animarte a rejugarlo por si te has perdido alguno de sus trofeos.

La exploración tampoco es demasiado inspiradora, pero encontrar los coleccionables de los escenarios y después consultar sus descripciones es premio suficiente si lo que buscas es sumergirte en su contexto histórico y no te molesta que el gameplay sea simple.

El precio y plataformas de The Caribou Trail

The Caribou Trail está disponible en formato digital para PS5 y PC por un reducido y asequible precio de 12,79 euros. No hay ediciones adicionales, ni extras de ningún tipo que acompañen al juego.

La guerra desde las trincheras

No es la primera vez que la Primera Guerra Mundial es representada en el videojuego en un formato más intimista (ahí tenemos Valiant Hearts), pero The Caribou Trail logra destacar recordando, estilísticamente, a juegos como al magnífico What Remains of Edith Finch o al estupendo Firewatch (y es que el sello gráfico de Campo Santo a lo Sea of Thives inunda todo el apartado visual del juego que nos ocupa).

Su guion nos revela un relato diferente, con una perspectiva especial centrada en una de las historias más olvidadas del conflicto y, si bien su gameplay puede hacerlo flaquear, esa naturaleza indie le brinda una pequeña coraza que hará que le perdones sus apartados más humildes.

Cierto es que se queda un par de peldaños por debajo de títulos mencionados anteriormente y que no es un juego para quienes vengan buscando una experiencia bélica de gran pirotecnia, pero la guerra no solo son disparos y The Caribou Trail lo demuestra con soltura.

Siendo la música otra de mis grandes pasiones, que un juego girara en torno al ritmo, a que seas capaz de seguir el compás de una melodía en minijuegos tan locos como los de WarioWare, lo tenía todo para captar mi atención. Y aquí sigo, enganchado a esta serie 20 años después, y que como vamos a ver en este análisis de Rhythm Paradise Groove para Nintendo Switch y Nintendo Switch 2, regresa con la chaladura de siempre, pero cargado con nuevas opciones y posibilidades.

Para quienes no conozcan esta serie, aquí no hay historia de fondo, ni un hilo conductor para los minijuegos o pruebas: cada uno son de su padre y su madre, y van desde reventar bolitas en "Labolatorio" a hacer rebotar distintas frutas sobre nuestros biceps en "Fuerza Fruta". Dos ejemplos de las tonterías que aquí nos esperan (brillante la localización, como siempre), pero que son un vicio difícil de entender hasta que lo pruebas. Por suerte, esta vez hay demo en la eShop.

Tanto si la has probado, como si no, la clave en todos estos minijuegos se "reduce" a pulsar el botón en el momento justo, como si fuera un quick time event, solo que aquí, ese momento lo marca la melodía, el tempo o los efectos de sonido, que nos dan la pista. Por simplificar, es como saber cuándo empezar a cantar en una canción.

Aunque sobre el papel puede parecer sencillo y las mecánicas siempre se mantienen simples, y prueba de ello es que como mucho usamos dos botones, la cosa tiene más miga de la que parece, sin olvidar que el juego va introduciendo variantes para terminar de complicarlo todo.

Dado que esta entrega cuenta con bastantes modos y opciones nuevas, sorpresas y curiosidades, en esta review de Rhythm Paradise Groove para Nintendo Switch y Switch 2 voy a omitir algunas cosas para que los fans lo descubran por sí mismos, porque si conoces la saga desde sus orígenes, aquí vas a encontrar "detalles" que, como poco, te van a arrancar una sonrisa.

La jugabilidad de Rhythm Paradise Groove

En el menú principal de Rhythm Paradise Groove encontramos distintas opciones, pero es recomendable empezar es por el modo individual. Si conoces la saga, el planteamiento es el de siempre: de primeras, nos esperan 8 "etapas" o niveles, cada una compuesta por cuatro minijuegos (desbloqueamos el segundo al superar primero, y así sucesivamente), además de un quinto que es un "remix" que intercala momentos de los cuatro anteriores, con una melodía original que los une, y que puede variar ligeramente su ritmo y tempo.

En todos los minijuegos prima siempre el mismo principio, que es pulsar el botón o botones al ritmo de una melodía o para que el efecto que genera nuestra acción case en la secuencia. Así, puede que la prueba consista en que nuestro personaje salte en el momento justo (según el caso, pueden ser aros o vallas, a evitar por encima o por debajo...), abrir o cerrar un paraguas coordinándose con 3 compañeros, cazar un frisbee al vuelo o que un monstruo abra la boca para comer.

Como en los anteriores entregas de la saga, todos los minijuegos cuentan con unas instrucciones previas y una práctica (que puedes saltar pulsando "-"), para que sepas cómo tienes que hacerlo.

Y tranquilo, que si tienes dificultades con este entrenamiento previo, presionando Y, el juego reproduce de manera automática cómo se supera de manera correcta, para que puedas fijarte en el timing, siempre y cuando el retardo de la tele esté bien configurado (hay una opción dedicada a tal efecto, pero en portátil no hace falta).

Entre los minijuegos que he mencionado más arriba están los cuatro primeros, pero sirven para ilustrar que aquí lo que importa es el ritmo al que pulsas el botón. Es ritmo, es precisión, es oído, es cadencia... y al principio puede costar un poco, incluso superando el entrenamiento previo. A mí me ha pasado con el minijuego del disco volador o frisbee.

En ese caso concreto, es una cuenta de 7 regresiva, y puedes servirte de trucos como contar en voz alta para pulsar el botón al llegar al final de la cuenta atrás. Por la razón que sea, a mí es una de las pruebas que se me atraganta, aunque el juego también se encarga de complicar las cosas él solito a medida que progresamos en algunos minijuegos...

Aunque Rhythm Paradise Groove es un título diseñado para jugar incluso con los ojos cerrados, atendiendo solo al sonido (lo pueden disfrutar personas invidentes con algo de ayuda), lo normal es que estés pendiente de lo que pasa en pantalla, y ahí Nintendo te va a vacilar introduciendo todo tipo de obstáculos.

Algunos de estos obstáculos son puramente visuales, para tapar la zona donde debemos interactuar (por ejemplo, con una rana gigante que se pone delante del nenúfar con el que impulsamos a otras ranas), a cambios de ritmo (que la canción vaya más rápida, afectando a la cadencia con la que debemos pulsar los botones), a que entres en un túnel y lo veas todo negro o con genialidades como una chica futbolista que habla consigo misma para distraernos durante su entrenamiento.

Son solo algunos ejemplos, pero lo cierto es que cada minijuego es una locura en sí misma, y cada una tiene sus propios "obstáculos", ya sea mientras estás grabando un anuncio de coches (en el que debes acelerar o frenar en momentos concretos), trocear verduras, machacar latas, saltar sobre un parabrisas, establecer un diálogo con un alien, cazar insectos, limpiar el suelo con un cepillo, esquivar rayos...

Sin entrar en demasiados detalles sobre todo lo que ofrece el juego, los 32 minijuegos y 8 remixes de las 8 rutas iniciales son solo eso, el principio, porque hay muchas más cosas por ver y desbloquear, como una segunda versión de algunos minijuegos que introducen novedades (como que se añaden más movimientos a integrar en el ritmo).

También regresan algunos recordados personajes de anteriores entregas e incluso hay nuevos juguetes rítmicos (secuenciadores de distinto tipo con los que crear tus propios ritmos a chaladuras como lanzamiento de zapato desde un columpio o pelotear con una raqueta y un pez globo), así opciones extra, como una galería de sonido y vídeo, en los que no voy a entrar en detalle.

Lo que tampoco ha cambiado es el sistema de calificación: al final de cada prueba, Rhythm Paradise Groove evalúa como lo has hecho, y te califica con una nota (entre mejorable, solo bien, notable, notable alto y excelente). La sensación que tengo es que Nintendo ha "rebajado" el nivel de exigencia respecto a anteriores juegos, al menos en una parte importante de los 80 minijuegos disponibles, donde antes fallar unas cuantas veces implicaba repetir la prueba... y aquí es más permisivo.

Esto enlaza con el sistema de medallas de anteriores juegos de la saga: si consigues un excelente (con pocos fallos, y no en los momentos clave), obtendrás una medalla, que es la moneda para desbloquear muchos contenidos del juego, como los mencionados juguetes rítmicos u otros que nos invitan a batir récords de puntos (concursos de palmadas, un entrenamiento en el que debemos esquivar golpes...). Pero no solo eso, también es clave en Beatspell, un "macrojuego RPG" del que os hablaré un poco más adelante.

Y ojo, que pese a que puede parecer que Nintendo ha rebajado la dificultad, también hay desafíos para los que quieran un reto difícil: los minijuegos con medalla que tengas entrarán en un "bombo" y de manera aleatoria se activará cada cierto tiempo un desafío extra, que nos invitará a superar un minijuego de manera perfecta, sin un solo fallo... y cuentas solo con tres vidas o intentos para lograrlo. Si lo superas, podrás seguir jugando a ese minijuego tanto en versión normal como "perfecta", que no permite ningún fallo.

Beatspell, un rítmico juego de rol con hechizos

Dentro del modo para un jugador también se integra Beatspell, un pequeño juego de rol del que ya os hablamos en nuestras impresiones de Rhythm Paradise Groove. A petición de Nintendo no podemos entrar a detallar ni su duración ni su historia, pero diremos que finalmente ha sido más largo de lo que esperábamos, y una de las razones por las que querrás conseguir más medallas.

Sí, porque esta historia, que sigue el mismo estilo absurdo del resto del juego, está dividida en capítulos, y cada uno tiene unos requisitos que debes cumplir para poder avanzar, como haber superado el anterior capítulo y tener acumulado un determinado número de medallas.

No esperes un complejo JRPG como Final Fantasy VII Rebirth ni nada parecido, porque no lo es. Salvo honrosas excepciones que no podemos entrar a comentar, cada capítulo es en realidad una línea recta, en la que nos limitamos a elegir el siguiente combate, y ya. Hay algunos diálogos chorra entre medias, jefes... pero a grandes rasgos cada capítulo es una sucesión de combates, que es donde está la gracia, al mezclar ritmo "con RPG".

Contamos con una barra de vida y, aunque no hay puntos de magia (puedes realizar todos los hechizos que quieras), a medida que vamos avanzando, aprendemos nuevos hechizos (fuego, sanación, agua...). Y al concluir un combate, podemos subir de nivel uno de ellos, para que se vuelva más fuerte de cara al siguiente combate.

La gracia de estos combates es que en la parte izquierda de la pantalla vemos un cuadrado, que va marcando ritmo del compás 4 x 4, por el que mueve una marca amarilla en orden por todas las esquinas del cuadrado, indicando cuándo debemos pulsar los botones... porque cada hechizo tiene su propia combinación de botones y un tempo distinto.

Así, lanzar una llamarada implica pulsar B en una esquina del cuadrado, para en la siguiente esquina pulsar A; para lanzar un hechizo de curación, debemos hacer lo mismo, pero pulsando abajo entre medias. ¿Y para lanzar el hechizo de agua? Pues debemos pulsar B y B en dos esquinas consecutivas, dejar la tercera esquina libre y A en la cuarta.

Todo esto, por supuesto, mientras estamos pendiente de lo que pasa en pantalla, dado que los enemigos nos quitarán vida y tendremos que curarnos, o cambian de "forma" o estado, siendo débiles a uno y otro elemento, por lo que debemos adaptar nuestra estrategia a cada momento. Ah, y también existen críticos si nuestro ritmo es perfecto.

No miento si digo que me ha parecido un añadido original, divertido y tan "tonto" como el resto del juego, si bien es cierto que la limitación de las medallas para desbloquear capítulos puede hacer que algunos jugadores avancen más lento de lo que querrían. Además los capítulos son rejugables, y también nos puntúan de 1 a 5 estrellas, según lo que tardemos, los críticos que hagamos, las vidas que tengamos al final, etc.

Si mantienes tus expectativas dentro de lo razonable, es un añadido entretenido, pero en ningún caso sustituye a un gran RPG, aunque la idea del ritmo deberían copiarla otros juegos del género, la verdad...

Multijugador cooperativo para cuatro, la otra gran novedad de Rhythm Paradise Groove

Además del modo individual, Rhyhtm Paradise Groove cuenta con un modo cooperativo para hasta cuatro jugadores simultáneos. Si bien Beat the Beat Rhythm Paradise, la entrega de Wii introdujo el cooperativo por primera vez, esta entrega lo amplía para hasta cuatro jugadores "simultáneos".

Y lo entrecomillo porque dependiendo del minijuego, algunas pruebas son por turnos (el propio juego va llamando al jugador que le toca), mientras que en otras todos participan a la vez, siguiendo un orden. Todas son cooperativas, por lo que los piques pueden venir más por quien falla más que por otra cosa...

Lo mejor de todo es que para el modo cooperativo, Nintendo ha tirado de nostalgia y ha recuperado unos cuantos minijuegos de anteriores entregas (no recicla los del modo individual), como quitarle los pelos a unas cebollas, guardaespaldas ninja (debemos repeler con nuestra katana las flechas que van para nuestro señor feudal) o dulce en punto, en el que debemos ser el más preciso y pulsar el botón a una hora exacta para ser quienes nos comamos un trozo de tarta

En total son 10 minijuegos, y cada uno tiene 3 variantes, haciendo un total de 30 pruebas, en las que también se aplica el sistema de medallas, con el que podemos desbloquear una serie de juguetes rítmicos multijugador, como controlar una vagoneta de mina en una vía algo accidentada, apilar bloques para hacer una torre alta o romper piedras sincronizando hasta cuatro puños...

Lo cierto es que las pruebas funcionan de maravilla como experiencia multijugador, son divertidas, simples y tienen el habitual grado de locura y simpatía que en el resto de modalidades (o si no, que alguien me explique carrera de cachas, una surrealista carrera con personajes de lucha libre o Balonbailea, una curiosa versión del voley) ... si bien hay aspectos mejorables. Que solo sean 10 pruebas "tipo" me parece un poco justo, sobre todo si lo comparas con el más modo individual, pero me he reído a carcajadas con este modo, y ojalá haya más en el futuro.

Del mismo modo, algunas pruebas penalizan en exceso que haya jugadores más "paquete". Por ejemplo, en el minijuego de las cebollas, jugando a dobles, si los dos jugadores fallan de manera consecutiva, supone volver a empezar desde el principio... Es la excepción en una selección que busca la diversión por encima de todo, ya sea en chaladuras como raquetas épicas, en el que debemos derrotar a grupos de enemigos para llegar hasta la princesa secuestrada o cupido explosivo, en el que debemos disparar flechas para destruir la estructura que protege una bomba (y que debemos hacerla explotar).

Por otra parte, dado que es un juego para la primera Switch (compatible con Switch 2, pero no con una edición específica para la nueva consola), no cuenta con opciones como GameShare para jugar cada uno en su propia Switch por streaming. Solo podrás jugar o en la tele, o modo sobremesa con cuatro mandos (un Joy-Con por jugador).

El apartado audiovisual de Rhythm Paradise

Siendo Rhythm Paradise Groove un juego que casi se puede jugar con los ojos cerrados, lo importante aquí es el sonido, y sigue siendo tan exquisito como siempre. Efectos, música, voces... todo está a un grandísimo nivel, y va a ser muy difícil que no acabes tarareando algunos de sus temas y repitiendo algunos sonidos y expresiones.

La buena noticia, al menos para mí, es que en esta ocasión permanecen los temas originales japoneses y no se han cambiado para la versión europea (algo que se hizo con otras entregas). Hay temas muy buenos, aunque no puedo entrar en detalles, ni autores...

Por otra parte, Nintendo ha seguido el camino de Tomodachi Life: Una Vida de Ensueño, y cuenta con un "lector de pantalla" que reproduce todos los textos con una voz sintética bastante simpática, que termina sus frases con un "chimpón" (imagino que para avisar a los invidentes que pueden pulsar el botón para pasar a la siguiente frase).

No sé si es una forma de ahorrarse el doblaje, porque aquí no podemos introducir texto como en el mencionado Tomodachi, pero en cualquier caso, puedes silenciarlo si te acaba cargando. No ha sido mi caso, ni es tan insufrible como la flor parlanchina de Super Mario Bros. Wonder.

Solo diré una cosa sobre el apartado gráfico: es quizá el mejor de toda la serie Rhythm Paradise. Mantiene el estilo cartoon tan simpaticote de las últimas entregas y, aunque no es que sea algo que te vaya a sacar los ojos de las órbitas, tiene algunos detalles chulos, como los "trucos" para ocultar algunas partes de la pantalla y entorpecer nuestro ritmo o algunas delirantes escenas, todo con unos diseños muy vivos, expresivos, coloridos y animados.

La opinión de Hobby Consolas de Rhythm Paradise Groove

Como fan de la serie llevaba años esperando una nueva entrega de esta saga (no exagero si digo que era uno de mis juegos más esperados de 2026), y tras haberlo "reventado", Rhythm Paradise Groove no me ha defraudado ni un poquito. Sigue siendo esa chaladura a la que puedes jugar partidas rápidas de 5 o 10 minutos, y acabar dejando la consola con una sonrisa en la cara, a poco que lleves el ritmo en la sangre.

Y tiene todavía más mérito que tras, cuatro entregas, y todas con una jugabilidad tan definida y acotada, siga siendo capaz de arrancar sonrisas, entretener y sorprender con unos minijuegos tan sumamente chiflados que derrochan una simpatía como no vas a ver ningún en otro lado, y que te recordarán tiempos pasados en los que tenían cabida juegos como el recordado Bishi Bashi de Konami.

Pero, sobre todo, lo que más mérito tiene es que Nintendo siga apostando por conceptos tan únicos y marcianos como el de esta serie, en una época en la que la gran mayoría de los editores solo buscan amortizar sus grandes nombres, pero que aquí consigue distinguirse con una forma de diversión tan pura, simple e hipnótica, a la que es imposible decirle no... siempre que tengas un mínimo de ritmo en las venas. Si no es tu caso, quizá no lo encuentres tan divertido.

Tras su paso por PC, la experiencia survival medieval llega a consolas siguiendo el ejemplo de otros ports de juegos similares como Icarus Console Edition. ¿Consigue funcionar? ¿Es un juego que merezca la pena? Eso es lo que te voy a contar en este análisis de Bellwright.

Gestión de recursos, construcción, supervivencia, combate direccional, la posibilidad de contar con tu propio ejército... Bellwright demuestra constantemente lo ambicioso que es, pero es cierto que no todo tiene la misma pegada.

Sin más dilación, ponte las grebas, que empieza nuestra review de Bellwright para PS5 y Xbox Series X|S, en la que vamos a tocar principalmente los siguientes puntos:

• ​La historia y el gameplay de Bellwright: supervivencia y rol medieval
• ​​El precio, ediciones y plataformas de Bellwright
• ​​La opinión de Hobby Consolas sobre Bellwright
• ​​Nota: lo mejor y lo peor de Bellwright

El gameplay de Bellwright: survival medieval algo romo

La historia principal de Bellwright no da demasiadas vueltas. Partiendo desde el barro, poco a poco vamos descubriendo los misteriosos orígenes de nuestro personaje, un paria que ha regresado a su tierra natal para iniciar una rebelión que derroque a un tirano monarca.

No se trata de premisa especialmente interesante, pero es cierto que está bien ligada con el núcleo jugable, mucho más cercano a la gestión de recursos que a unas mecánicas roleras de aventura más estandarizadas. El problema de la narrativa está en su presentación.

Hay varios puntos débiles en la armadura que rodea a Bellwright. El más evidente está compuesto por fallos técnicos y de interfaz que señalan los orígenes más humildes de Donkey Crew y sus limitaciones en un proyecto que es más grande de lo que debería.

Con esto me refiero a aspectos como que el doblaje al inglés de los personajes sea bastante deficiente (uso de IA generativa), textos mal traducidos al español o que, directamente, aparecen en perfecto anglosajón o bugs y errores que lastran las conversaciones.

Esas rendijas también se atisban dentro del gameplay, pero este es mucho más sólido y diferencial gracias a unos sistemas muy profundos y completos. Y es que, si bien su ambientación y realismo lo acerca a juegos como el mencionado Kingdom Come Deliverance o Mount & Blade II: Bannerlord, su enfoque en la gestión le dota de una personalidad única que llama mucho la atención.

Es cierto que en Bellwright el jugador es el protagonista de esta historia, pero todo responde a un esfuerzo coral. No esperaba que el juego orbitase tanto en torno a la idea de formar comunidades, dirigir unidades y gestionar recursos conjuntos, pero lo cierto es aquí donde queda patente el arrojo y el talento para dar forma a un masivo mundo abierto medieval con unos sistemas muy llamativos.

Al principio, las señas de identidad más claras del género de la supervivencia están por todas partes (vas a talar árboles como si no hubiera un mañana). No obstante, poco a poco vas entendiendo que esto va más allá de checkear tu vitalidad o tener cuidado con el clima.

Al establecer relaciones con los NPC puedes dirigirles para que se conviertan en acompañantes, trabajadores o soldados que actúen a tus órdenes. Con esto en mente vas de menos a más (como el propio juego). Primero construyes pequeños asentamientos en el bosque, luego reclutas a más y más personas, liberas aldeas, conquistas y te expandes, estableces líneas de suministro entre poblaciones y así hasta alcanzar el objetivo final.

Como jugador no tienes que estar haciendo todo, sino que has de delegar y mandar a otras personas para que vayan recolectando materiales, construyendo diferentes instalaciones, etc. Este núcleo jugable y su progresión funcionan muy bien, aunque es cierto que hay aspectos que se podrían limar un poco más.

El juego no termina de explicarte bien cómo operan sus sistemas base que acompañan a esta idea de progreso. Es decir, hay muchos elementos en torno a esto, como el crafteo, el árbol de recetas de fabricación o el transcurso del tiempo que resultarían mucho más atractivos si se comprendieran mejor en los primeros compases.

Y por cierto, la construcción es muy engorrosa. Eso de tener que estar colocando los materiales uno a uno para ir formando las diferentes partes de las edificaciones suena realista, pero resulta sumamente tedioso y repetitivo. Lo cambiaría sin ninguna duda.

Esto hace que, si ya de por si todo se cuece a fuego lento, el arranque pierda pegada. También es un tanto perezoso porque el juego es tosco a nivel mecánico. El control y desplazamiento en tercera persona no pasan de lo correcto y el combate se puede hacer bastante duro si vienes de aventuras de acción de mayor presupuesto.

Bellwright plantea un combate direccional que intenta ser profundo, pero su control y animaciones dejan bastante que desear. Se siente anquilosado y cuando se aglutinan varios enemigos en zonas cerradas puede llegar a ser un buen dolor de muelas. Si dejamos de lado el buen uso de las armas a distancia, el cuerpo a cuerpo hace más mal que bien.

Eso sí, comandar a tus unidades en la batalla es algo que no se ve en todos los días y deja momentos muy disfrutones, lo que vuelve a ser el reflejo de que Bellwright logra marcar su propio territorio frente a propuestas medianamente similares de mundo abierto.

Un mundo que es realmente grande e inmersivo. La exploración no es la más orgánica, pero cumple para mantenerte siempre interesado y estimulado. Además, hay pequeños detalles muy chulos. Por ejemplo, es muy satisfactorio ver como tus trabajadores siguen un horario y en el mapa puedes contemplar la localización de cada persona o edificio.

Pero nada de esto impide que, a nivel técnico se haga duro, por no decir que presenta graves problemas. Cierto es que, gracias a Unreal Engine 5 sus paisajes y localizaciones tienen su puntillo y destacan en lo visual, pero muchas texturas son planas, la iluminación también, hay problemas de popping y hay muchos bugs. Uno bastante recurrente han sido los problemas con la carga de los cuerpos de los NPC.

En PS5 el juego se puede ejecutar tanto en modo calidad, con resolución 4K, como en modo rendimiento a 60 fps bastante estables. Recomiendo la segunda opción, ya que en cuanto a resolución, no se aprecia demasiado la diferencia. La fluidez es más notoria.

Otro problema es que la interfaz sigue estando diseñada para PC. Es algo común ver que los controles en consola no llegan a adaptarse a este tipo de juegos por la cantidad de elementos que poseen y si bien aquí no es un engorro supino, sí que se podría haber hecho algo más.

​​El precio, ediciones y plataformas de Bellwright

Bellwright está disponible en formato digital para PS5 y Xbox Series X|S a un precio reducido de 28,99 euros. El juego no cuenta con otras ediciones y tampoco incluye extras ni contenido adicional.

Si entramos en la valoración del precio, sin duda, por algo menos de 30 euros Bellwright se convierte en un juego realmente atractivo, especialmente si eres un jugador que tiene muy en cuenta la relación precio-duración. Este juego te va a dar al menos 100 horas sin problemas.

Presentación mejorable, núcleo potente

Bellwright no termina de quedar apuntalado debido a varios fallos importantes dentro de su presentación y en algunas de sus mecánicas, pero el potencial y la calidad que atesora como juego de gestión hace que incluso quieras pasar por alto esos errores de peso.

El mundo medieval que recorres en Bellwright sabe captarte y sorprenderte jugando con tus expectativas. Como jugador vives una constante y satisfactoria sensación de progreso que discurre primero por los terrenos de la supervivencia, para luego ir evolucionando hacia la gestión y planificación de una manera calculada y precisa.

Insisto, es una pena que se vea rodeado de errores y que resulte algo desordenado en sus primeros compases, pero si estás dispuesto a aguantar su pronunciada curva de aprendizaje y sus mayores asperezas, aquí te encontrarás con una experiencia medieval muy llamativa, y con personalidad propia.

Ports que, junto a los de otras compañías, como Square Enix y sus Final Fantasy VII Remake Integrade, FFVII Rebirth y Dragon Quest VII Reimagined o Bethesda con Indiana Jones y el Gran Círculo o Fallout 4 Anniversary Edition, han demostrado que Switch 2 es más capaz de lo que se creía, sin nada que envidiar a otros sistemas. Como vamos a ver en este análisis de Devil May Cry 5 para Nintendo Switch 2, lo "nuevo" de Capcom es otro ejemplo más de este gran rendimiento... ¿o no?

Pues lo cierto es que hay sorpresas "para bien", ya que en términos de rendimiento, es el port que sienta un nuevo estándar, aunque Capcom ni siquiera lo ha promocionado como tal, quizá para no pillarse los dedos. Pero no me quiero adelantar a los acontecimientos.

Y es algo que afirmo tras haber probado no pocos ports para la nueva híbrida de Nintendo, empezando por Yakuza Kiwami 3 y siguiendo por Star Wars Outlaws, Split Fiction, Street Fighter 6 o Hogwarts Legacy, todos ellos soberbios en muchos aspectos.

Como en otros ports, claro que hay pequeños sacrificios técnicos y diferencias, pero en términos generales, es otro gran trabajo, que logra ofrecer una experiencia idéntica a la del resto de versiones, con un apartado visual que sorprende. Tanto, que en ocasiones, vas a pensar que estás jugando a la versión de PS5, salvo por pequeños detalles.

Dado que este es el tercer análisis del juego que realizamos en Hobby Consolas, lo cierto es que me voy a ahorrar todo lo relativo a la historia del juego (esta versión de Switch 2 incluye un resumen de los cuatro anteriores juegos), a sus mecánicas principales y gameplay, cuánto dura o la dificultad, ya que en términos de contenido es exactamente la misma aventura y, para eso está el análisis de Devil May Cry 5.

Eso sí, cabe destacar un aspecto más: Capcom ha hecho algo raro con este lanzamiento, ya que no ha usado como base Devil May Cry 5 Special Edition, la edición lanzada con la llegada de PS5 y Xbox Series X|S, y por tanto, no tiene algunas de las novedades introducidas con esa versión, como veremos más adelante...

El apartado técnico de Devil May Cry 5 en Nintendo Switch 2

Devil May Cry 5 se lanzó originalmente en PS4, Xbox One y PC en 2019, y es esa versión la que parece ser la base para este port que llega ahora Switch 2, a la que se le han añadido algunas de las novedades de la Special Edition de PS5, aunque no todas las mejoras técnicas, como la inclusión de Ray Tracing, que aquí brilla por su ausencia (ni la versión de PC tiene Ray Tracing, y aquí tampoco la vas a echar en falta).

Como corre sobre el RE Engine, un motor que ya ha demostrado ser muy escalable y estar bien optimizado para Nintendo Switch 2, lo cierto es que este nuevo port da el do de pecho en todos los sentidos. Desconozco los valores exactos a los que el juego renderiza la imagen de manera nativa y luego la escala, pero diría que tanto en modo portátil, como en modo TV, alcanza los 1080p (no 4K en modo TV) gracias a DLSS, con unos resultados francamente buenos.

Son unos 1080p que saben a verdadera gloria, ya que a diferencia de otros muchos ports, aquí ni siquiera vas a notar diferencias entre jugar en modo portátil y en modo TV (que a menudo suele ir un poco más suave). En Devil May Cry 5 Devil Hunter Edition, la experiencia es la misma, tanto en fluidez como en calidad de imagen y es algo por lo que Capcom merece un fortísimo aplauso.

El juego luce espectacular, con un gran nivel de detalle en modelos, entornos o iluminación, y todo se mueve con una gran fluidez (sobre todo en combate, en algunas transiciones a vídeo puede haber algún tironcejo puntual) y en general, es un juego que sorprende por lo bien que se mueve y se ve, tanto en dock como en portátil.

De hecho, hasta el pelo, que suele ser un talón de Aquiles en muchos juegos, así se ve mejor que en otros juegos. Sigue teniendo algo de ruido alrededor, pero canta bastante menos que en otros juegos. En modo portátil, las cargas también pueden resultar un poco más largas.

Pero aún hay más: aunque Capcom solo ha hablado de gráficos a 60 fps constantes, lo cierto es que tiene un pequeño truco que lo hace todavía más impresionante y suave. Si en los ajustes de pantalla de Switch 2 tienes el modo 120 Hz activado, lo cierto es que el juego llega a alcanzar entre 90 y 120 fps, según la zona. Imagino que, como no es algo fijo y oscila, Capcom ha optado por hablar solo de 60 fps, pero lo cierto es que esa ganancia extra, en portátil, se nota.

En este sentido, solo tiene un pero: si juegas con el modo de pantalla activado a 120 Hz, la batería te va a durar menos. Es el precio a pagar por ese refresco más frecuente de la pantalla... para que lo tengas en mente si piensas disfrutarlo así.

A modo de resumen, desde el punto vista técnico, pocas pegas se le pueden poner a este port: es una gozada poder jugar en portátil a un juego tan frenético y espectacular como DMC5 sin comprometer nada, ni su velocidad, ni sus gráficos.

Las novedades de Devil May Cry 5 en Nintendo Switch 2

Como comentaba al principio, Capcom ha hecho algo un poco raro, ya que ha cogido solo una parte del contenido de DMC5 Special Edition, y otras cosas ha optado por no incluirlas.

Así, en esta versión sí está incluido el modo Vergil, que nos permite repetir la campaña con el hermano de Dante, aunque no hay ni nuevas cinemáticas ni nada que lo haga realmente especial (era así en PS5). También se han incluido los trajes EX, variantes del arma que sustituye al Devil Bringer, melodías de anteriores DMC para el modo Tocadiscos para que juguemos con la que más nos apetezca...

Pero, paradójicamente, Capcom ha dejado fuera de la ecuación el nivel de dificultad Caballero Oscuro Legendario (que casi convertía al juego en un Musou) y el Modo Turbo, que aumentaba la velocidad de la acción cerca de un 20%.

Quizá Caballero Oscuro Legendario sea la omisión más grave, ya que era una de las mejores maneras para farmear orbes rojos y así poder desbloquear todos los movimientos y mejoras ya que, de otro modo, el proceso resulta infinitamente más largo y repetitivo...

En su defecto, Capcom podía haber aprovechado la ocasión para introducir alguna novedad exclusiva de esta versión para Nintendo Switch 2, pero lo cierto es que tampoco hay nada en esa categoría.

Precio y ediciones de Devil May Cry 5 en Nintendo Switch 2

Disponible desde el 23 de junio, Devil May Cry 5 Devil Hunter Edition se ha lanzado en primer lugar en formato digital en la eShop. Su precio oficial es de 39,99 euros, pero como oferta de lanzamiento, puedes comprarlo por 29,99 euros hasta el 7 de julio.

Capcom también ha confirmado una edición "física", entre comillas, porque se trata de una Tarjeta Llave (pese a que el juego apenas ocupa 30 GB). Costará también 39,99 euros, aunque habrá que esperar hasta el 28 de agosto para poder clavarle la espada...

La opinión de Hobby Consolas de Devil May Cry 5 en Nintendo Switch 2: ¿merece la pena?

Capcom lleva una racha que ya quisieran otras, y aquí no vuelve a defraudar. Devil May Cry 5 Devil Hunter Edition para Nintendo Switch 2 es otro espectacular port que difumina aún más las supuestas limitaciones de la nueva consola de Nintendo.

Que se mueva entre 90 y 120 fps, con una calidad gráfica sin envidiar al resto de versiones y que al jugar en modo portátil no haya diferencias con el modo dock son solo tres de sus muchas virtudes, pero son las "culpables" de que este port eleve aún más lo que le podemos pedir a un port para Nintendo Switch 2.

Eso sí, está visto que la fiesta nunca puede ser completa. Capcom, mal lo de no haber incluido absolutamente todo el contenido y para tirarte de las orejas que sigas sin apostar por los cartuchos físicos "de verdad" y lo lances en formato Tarjeta Llave, cuando cabría perfectamente en una tarjeta de 32 GB, además de que llegará dos meses más tarde...

Haber escogido estos dos juegos no parece casualidad, pues pese a ser títulos muy diferentes, ambos tienen algo en común: ya contaron con remakes en Nintendo 3DS. Aunque, siendo justos, estas versiones en 3D se ajustan mejor a lo que entendemos por remasterización, más que remake. Es solo una de las cosas que vamos a ver en este análisis de Star Fox para Nintendo Switch 2.

Porque el regreso de Fox McCloud se puede considerar un "remake"... aunque uno extremadamente fiel, ya que, aunque hay cambios y novedades, la experiencia a la hora de jugar es prácticamente la misma que en Nintendo 64.

Pero no me quiero precipitar. En esta review de Star Fox para Nintendo Switch 2 me voy a centrar en los siguientes aspectos.

• El gameplay de Star Fox
• Nivel de dificultad de Star Fox
• ¿Cuántas horas de juego dura Star Fox?
• Cuánto cuesta Star Fox y dónde puedes jugarlo
• La opinión de Hobby Consolas de Star Fox
• Nota: lo mejor y lo peor de Star Fox

Jugabilidad y gameplay de Star Fox en Nintendo Switch 2

Si le echasteis horas al original, ya sabéis lo que tenemos aquí: Star Fox es un shooter sobre raíles en el que nos ponemos en el papel de Fox McCloud, líder del escuadrón de mercenarios interestelares conocido como Star Fox, quienes se embarcan en una misión para liberar el sistema Lylat de las garras del malvado Andross.

En la mayoría de niveles controlamos el Arwing, un caza estelar capaz de realizar disparos láser, lanzar bombas y ejecutar maniobras de esquiva, como el mítico tonel (do a barrel roll!). Pero también hay fases concretas en las que pilotamos otros vehículos, como el tanque Landmaster o el submarino Blue Marine.

Las fases son uno de los puntos fuertes de Star Fox, pues dependiendo de nuestras acciones en combate, podemos tomar rutas alternativas en el mapa estelar que nos llevan a visitar otras localizaciones completamente distintas. E incluso dentro de una misma fase, a veces también se presenta la opción de tomar caminos diferentes, cada uno con sus pros y sus contras. Ahora bien, los niveles son exactamente los mismos que había en el juego original; ni uno más, ni uno menos.

La gran novedad de la campaña es que cuenta con numerosas secuencias de vídeo, tanto antes como durante como después de las misiones. De esta manera, se amplía enormemente la historia respecto al juego original, permitiéndonos conocer mejor a los personajes y sus motivaciones y dejándonos algunas escenas bastante espectaculares.

Por poner un ejemplo, este remake empieza con una secuencia de vídeo en la que vemos cómo Pigma traiciona a James McCloud, padre de Fox, un suceso clave que tiene lugar antes de los acontecimientos de la historia principal y que en el juego original era un simple diálogo.

Además, al superar misiones vamos desbloqueando entradas en el holovisor, que nos ofrecen descripciones detalladas sobre personajes, lugares, enemigos, etc. y permiten profundizar aún más en el trasfondo de la saga Star Fox.

Este remake de Star Fox también incluye el modo desafío, que se introdujo en Star Fox 3D, pero con importantes cambios. En lugar de tener que conseguir puntuaciones para obtener medallas, aquí cada fase nos propone una serie de retos (doce en total por cada fase; seis para el modo normal y seis para el modo experto), como destruir enemigos específicos o completar la misión dentro de un límite de tiempo. Son desafíos que nos permiten exprimir al máximo cada nivel, mostrándonos cosas que quizás desconocíamos, y están claramente pensados para los jugadores que se saben el juego al dedillo.

En cuanto a la jugabilidad, el remake de Star Fox mantiene intacto e incluso expande el estilo arcade del original: a lo largo de los niveles podemos recoger power-ups para mejorar la barra de escudo o aumentar la potencia de los disparos, y al final de cada nivel podemos ver un desglose detallado con nuestro desempeño. Porque en este remake, además de la puntuación, podemos ver estadísticas como el porcentaje de aciertos.

El control, como en el juego original, es una absoluta maravilla e incluso ha mejorado. Controlar el Arwing es realmente sencillo y apenas requiere unos pocos botones, pero hacerlo bien ya es otro cantar, especialmente si aspiramos a obtener las medallas en todos los niveles. Lo único que ha cambiado es la forma en que se realizan ciertos movimientos, como el rizo o el cambio de sentido, pues ahora basta con pulsar un botón (aunque, si lo preferís, se puede activar el esquema original).

Y dado que se trata de una de las funciones estrella de Nintendo Switch 2, el remake de Star Fox también incluye control mediante el modo ratón, aunque es un tanto particular: si lo tenemos activado y colocamos el Joy-Con derecho sobre una superficie plana, el juego cambia automáticamente a la vista desde la cabina, donde podemos usar la mirilla para apuntar con gran precisión.

El modo ratón también forma parte de una de las novedades de este remake: el cooperativo. Dos jugadores pueden colaborar, ya sea a través de una misma consola o mediante el Game Share, para controlar el Arwing. El piloto usa el Joy-Con izquierdo de forma tradicional para maniobrar la nave, mientras que el artillero usa el Joy-Con derecho en modo ratón para apuntar y disparar.

El modo multijugador versus también está de vuelta pero, como sucedía con el modo desafío, hay bastantes cambios: dos equipos formados por cuatro jugadores se enfrentan en una de las tres misiones disponibles. Cada misión tiene objetivos distintos, como capturar zonas o recuperar cargamento, y son todas francamente entretenidas, pues incluyen power-ups que no aparecen en la campaña, como un poderosísimo rayo. Se puede jugar contra otros jugadores en línea, pero lo bueno de este modo es que también admite GameShare (con hasta tres amigos que se encuentren cerca) o incluso en solitario contra la CPU.

Como extra adicional, el remake de Star Fox también incluye avatares que podemos desbloquear para usar en GameChat, permitiéndonos adoptar la apariencia de los héroes y villanos del juego o usar accesorios inspirados en Star Fox, como las orejas de Fox o el pico de Falco.

La gran renovación de este remake la encontramos en el apartado audiovisual, que ha sido hecho de cero y aprovecha el hardware de Nintendo Switch 2 para poner en pantalla unos efectos visuales muy espectaculares, especialmente en lo que se refiere a los escenarios. El diseño de los personajes puede chocar al principio, pero te acostumbras rápido y está en sintonía con el diseño "marionetil" del juego para Super Nintendo.

Los temas de la banda sonora también han sido recreados y reorquestados, y suenan todos de fábula, en particular la melodía principal y el tema de los combates contra jefe. Dado que este remake refuerza la faceta narrativa, los diálogos también cuentan todos con voces en castellano, donde hay que destacar a Mario García (voz habitual de Spider-Man en español) como voz de Fox McCloud.

¿Es difícil Star Fox?

Como la versión de 3DS, el remake de Star Fox incluye tres niveles de dificultad: fácil, normal y experto. En el primero se añaden varias facilidades, como que los camaradas caídos no se pierden entre misiones o los enemigos infligen poco daño, pero no se obtienen récords ni medallas.

El modo normal ofrece una experiencia de juego equilibrada, pero sí conocéis bien el título de Nintendo 64 o el de 3DS, no vais a tener problemas para superar la mayoría de rutas. Porque, como en el juego original, dependiendo de la ruta que sigamos, la dificultad cambia drásticamente. Y si con eso no tenéis suficiente, al conseguir todas las medallas en la campaña se desbloquea el modo experto.

En este modo, los enemigos son más agresivos, hacen más daño y su disposición es diferente, a menudo apareciendo en mayor número para complicar más las cosas. Además, tanto nuestro Airwing como el de los acompañantes sufre más daño, por lo que todas las misiones ofrecen un auténtico desafío sólo apto para los pilotos más hábiles.

¿Cuántas horas dura la historia de Star Fox?

Llegamos al que sin duda va a ser el aspecto más discutido de Star Fox para Nintendo Switch 2: su duración. Dado que no se han añadido nuevos niveles a la campaña, una partida completa puede llevarnos aproximadamente una hora, incluso menos si somos hábiles a los mandos.

Pero sería muy injusto valorar Star Fox en base a la duración de una única partida, pues es un juego diseñado para ser rejugado múltiples veces a través de sus diferentes rutas. Para que os hagáis una idea, una partida se compone de siete niveles... pero hay quince en total, lo que equivale a 25 rutas diferentes.

Es más, es muy probable que la primera vez que juguéis ni siquiera saquéis el final verdadero (de hecho, el juego ahora incluye una escena de vídeo para dejarnos claro que la historia puede tener otro final).

Teniendo eso en cuenta y, si además os proponéis conseguir todas las medallas, la duración de Star Fox se va sin problemas a las 10 o 12 horas.

Este remake coge esa misma idea y la lleva a un nuevo nivel gracias al modo desafío, un modo pensado específicamente para rejugar las fases una y otra vez tratando de completar todos los retos. Es un modo particularmente complicado (especialmente en modo experto), por lo que aquí tenéis otras 10 horas (o más) de juego.

Y tampoco nos podemos olvidar del multijugador cooperativo y competitivo, que siempre suma horas extra. En el caso del competitivo, habría estado bien tener más opciones, pues sólo tres modos de juego y todos ellos en mapas fijos, sabe a poco. Pero es un rato entretenido.

Vamos, que no se puede decir que Star Fox sea un juego corto ni mucho menos, pero es un título pensado para jugadores dispuestos a exprimirlo al máximo.

Precio y plataformas

El remake de Star Fox para Nintendo Switch 2 se lanza el 25 de junio de 2026 a un precio recomendado de 49,99€, tanto en formato físico como digital.

En el caso de la edición física y, al tratarse de un juego propio de Nintendo, Star Fox viene completo en el cartucho (en otras palabras: no es una de las temidas Game-Key Cards).

Zorro viejo, nave nueva

Esto es bastante sencillo: si te gustó Star Fox 64 o Star Fox 3D, es complicado que no te guste este nuevo Star Fox para Nintendo Switch 2.

Y es complicado porque, a nivel jugable, sigue siendo el mismo juego. Es decir, por definición se trata de un remake: el apartado audiovisual se ha rehecho -se ve de lujo- y las nuevas escenas de vídeo hacen que la historia sea más emocionante y los personajes tengan más profundidad.

Pero a la hora de ponernos a los mandos y jugar la campaña, no hay apenas novedades que lo diferencien de sus predecesores. De nuevo: sí, escenas de vídeo, pero no olvidemos que Star Fox está diseñado para ser rejugado, de manera que por muy chulas que sean, vais a terminar saltando las escenas en futuras partidas.

Esta era una oportunidad perfecta para añadir algún nivel nuevo o incluso algún cambio jugable interesante, pero Nintendo ha optado por ir a lo seguro con el regreso del zorro. Sabiendo cómo es la Gran N, no me extrañaría que esto sea fruto de no querer mancillar uno de sus juegos más legendarios, preservando la experiencia para que las nuevas generaciones puedan disfrutarlo tal y como era, bajo una nueva capa de pintura. Aunque ahora es inevitable preguntarse si el remake de Ocarina seguirá esta misma línea...

Lo que sí está claro es que era un juegazo en Nintendo 64 y 3DS y, gracias a esa jugabilidad atemporal, este remake de Star Fox para Nintendo Switch 2 también lo es.

Ahora, regresa con Dead or Alive 6 Last Round para PS5, Xbox Series X/S y PC... y el resultado es bastante descafeinado, como ahora veremos.

Como si de una especie de edición GOTY se tratara, más que un nuevo juego, este Last Round es una suerte de relanzamiento del Dead Or Alive 6 original, con ligerísimos cambios (no esperéis luchadores o escenarios nuevos) y una doble estrategia comercial.

Por un lado, tenemos la ya conocida edición Core Fighters, una versión gratuita que incluye unos pocos personajes y la mayoría de modos de juego, pero sin el modo Historia.

Por otro lado, la verdadera novedad es esta edición Last Round, que reúne 29 luchadores (los 24 originales más 5 que llegaron después vía DLC) y todos los modos originales.

Fuera del paquete se quedan solo Mai Shiranui y Kula Diamond como luchadoras invitadas de King of Fighters, que se pueden adquirir aparte, aunque es posible pelear contra ellas aun sin haberlas comprado.

Todos los modos son idénticos a los vistos en 2019: Historia, DOA Central con su vestuario y galería de contenido, modo Misiones, Lucha en modo Arcade, Supervivencia o Contrarreloj, Versus local, práctica y modo online, que solo incluye partidas informales o rankeadas.

Es justo decir que solo con estas opciones ya hay diversión para rato, especialmente con unos modos práctica y misiones que nos permiten pulir nuestra técnica con decenas de desafíos que van desde lo sencillito hasta lo muy pro.

Además, con los desafíos podemos desbloquear nuevos trajes y conseguir dinero para peinados y gafas. En esta edición, se incluyen 5 trajes nuevos para 6 personajes.

Pero tened claro que todo el contenido de estos modos es idéntico al visto hace 7 años, incluyendo los episodios de un modo historia que tiene su gracia por sus escenitas de corte, pero cuyo argumento es un poco simplón y, repetimos, el mismo de antaño.

Un modo foto muy matón

La única novedad de peso está en un nuevo modo foto dentro de DOA Central que, la verdad, es super completo.

Nos permite recolocar a los luchadores donde deseemos, avanzar frame a frame por los movimientos que queramos, variar la cámara o la expresión de los rivales, añadir efecto mojado o de nieve...

En un juego con poses tan estéticas como este, mola dedicar el tiempo a buscar la instantánea perfecta.

A nivel técnico, también estamos ante el mismo título, aunque se ha optimizado para esta generación de consola. Esto se nota principalmente en la iluminación, porque es cierto que el juego ya se movía y lucía muy bien en la generación PS4.

Hasta aquí podemos leer, porque todo lo demás es igual. Eso implica que tenemos un juego con una curva de entrada muy simple y directa, que con unos pocos botones permite que los novatos disfruten a tope, pero que esconde una inteligente dinámica “triángular”.

Ya sabéis, los golpes vencen a las llaves, las llaves vencen a los agarres y los agarres vencen a los golpes). Los golpes críticos dan una capa de espectáculo que facilita que cualquiera se anime a luchar. Un apartado técnico de lo más cumplidor hace el resto.

¿Para quién es este Dead or Alive 6 Last Round?

En otras palabras, si en su momento no disfrutasteis de Dead or Alive 6, aquí tenéis una propuesta muy sólida, que no llega a la profundidad de bestias como Street Fighter 6 o Mortal Kombat 1, pero que cumple muy bien.

Ahora bien, si ya tenéis el original, no merece la pena pagar los 39,99 euros que cuesta, ya que no se actualiza automáticamente a esta nueva versión. Eso sí, permite importar la mayoría de datos de salvado y contenidos extra (como trajes) adquiridos años atrás.

Dead or Alive 6 Last Round es un juego muy correcto, con algún que otro destello de brillantez y una apuesta segura si os perdisteis las últimas entregas, pero desde luego a la hora de modernizarse no se lo han tomado muy... a pecho. ¿Este chiste se puede hacer en 2026?

Un nuevo mando Pro que se sumaba a la creciente lista de opciones disponibles, empezando por el Elite Series 2 y siguiendo por Razer Wolverine V3 Pro, Scuf Instinct Pro o incluso mandos modulares como el reciente Stealth Pivot o eSwap X Pro. Hay donde elegir. Pero, como vamos a ver en este análisis de Revolution X Unlimited Anniversary Edition, este nuevo modelo cuenta con un extra más: su diseño, con la estética de Xbox 360, para conmemorar los 20 años de la consola.

Aunque luego entraré más en detalle en este apartado, el resto es prácticamente idéntico al mando de 2025, y como heredero también del Revolution X Pro, mantiene la práctica totalidad de sus señas de identidad, empezando por sus enormes opciones de personalización, tanto "físicas" como por software, y las lleva a un nuevo nivel con algunas de las peticiones más habituales, como los sticks Hal Effect, que no sufren los defectos de drift, o deriva, por el uso.

Pero, quizá, la novedad más disruptora que introdujo Revolution X Unlimited, y que sigue presente en esta nueva versión, es la pantalla LCD situada en el frontal del mando, y que nos permite configurar la gran mayoría de las opciones del mando sin necesidad de un PC.

Hay mucho más, como poder emparejar un smartphone al mando y mezclar dos fuentes de audio distintas (la consola o PC y nuestro móvil), o los numerosos extras y piezas para configurar el mando como queramos. De todo eso, vamos a hablar en esta review de Revolution X Unlimited Anniversary Edition.

Unboxing y contenido de la caja de Nacon Revolution X Unlimited Anniversary Edition

Como los anteriores periféricos de Nacon con licencia oficial Xbox, el nuevo Pro Revolution X Unlimited Anniversary Edition viene presentado en una caja de cartón blanca más grande que la de los mandos oficiales de Xbox, y con detalles verdes más claritos que remiten todavía más a la recordada era de Xbox 360.

La caja es más grande que la de un Xbox Controller porque Revolution X Unlimited Anniversary Edition incluye todos los accesorios que vas a necesitar, y más. Vale 50 euros más que un Elite Series 2, pero es que no vas a necesitar nada más.

Nada más abrir la caja, lo único que encontramos es la funda rígida de transporte, que en su interior contiene todos los elementos, desde el propio mando al cable de 3 metros, y por supuesto, el dongle para poder jugar de manera inalámbrica a través del estandar de 2,4 Ghz. Pero no se acaba ahí la cosa.

Guardados en la funda también vienen dos extras clave, como son un estuche de plástico rígido con todas las piezas que podemos cambiar (cruceta, parte superior de los sticks, varios pares de pesas para modificar el peso del mando...) así como la base de carga.

Esta base de carga es un extra interesante, ya que facilita cargar el mando de manera muy cómoda, si lo dejas apoyado tras una sesión de juego, y alimentas los puertos USB mientras la consola está apagada o en reposo. Eso sí, es una simple pieza de plástico, con protección de silicona, que se al que puedes conectar el dongle, para liberar un puerto en el PC o consola, y al que se conecta el cable USB incluido.

En este estuche también encontrarás una gamuza para limpiar el mando y quitarle las posibles huellas que puedan quedarse. Eso sí, paradójicamente, en esta ocasión no viene una suscripción de un mes a Game Pass, que si estaba en la versión del mando de 2025.

Diseño, acabados, ergonomía y características de Nacon Revolution X Unlimited Anniversary Edition

La ergonomía y materiales de la Anniversary Edition del Revolution X Unlimited es prácticamente idéntica a la del mando del año pasado, y sigue la línea general vista en otros mandos de Nacon, como los primigenios Revolution Unlimited o los Pro Controller de 2019, reteniendo ideas como los compartimentos para las pesas en la parte trasera de las asideras, pero incorporando el último grito tecnológico, como los sticks antidrift o gatillos convertibles en botones táctiles.

Desde el punto de vista de la comodidad, si has tenido antes un mando Pro de Nacon, con el Revolution X Unlimited Anniversary Edition te vas a sentir como en casa, porque mantiene las mismas formas de los anteriores modelos del fabricante, así como la disposición asimétrica que ha caracterizado desde sus orígenes al mando oficial de Xbox, aunque por supuesto, introduciendo nuevos botones y otros cambios.

Empezando por las asideras, son algo más gruesas que las del mando oficial, aunque no por ello dejan de resultan increíblemente cómodas. Tanto en el frontal como en la parte trasera, las asideras cuentan con un acabado estriado, con una textura que parece goma y que ayuda a que el agarre sea mejor, y no se deslice si tus manos tienden a sudar. Eso sí, en esta ocasión, esta goma es de color gris, para recordarnos al mando de la veterana consola de Microsoft.

Y ojo, que no es el único detalle en color gris: la parte superior de los sticks, la cruceta, los cuatro botones traseros, y casi la mitad de la superficie trasera, también son grises. No son los únicos detalles que remite al recordado mando: los cuatro botones frontales A, B, X e Y mantienen los colores originales del mando de Xbox 360 (verde, rojo, azul y amarillo, respectivamente).

Por su parte, los gatillos y botones superiores son blancos, como en el mando original de Xbox 360, lo que redondea una gran recreación del recordado mando de 360, que es capaz de devolverte a 2006 por unos instantes. Por tener, tiene hasta un detalle muy chulo, y es que el anillo de luz del stick izquierdo se pone de color rojo cuando lo cargas (no sé si la intención es recrear al anillo rojo de la muerte... pero mola).

Los cuatro botones traseros están situados cerca de las empuñaduras para que sean más fácil acceder a ellos con los dedos corazón y anular. Sobresalen menos y están mejor integrados en el chasis que en anteriores modelos de Nacon y como los cuatro botones frontales, tienen switches táctiles, que se caracterizan por tener un recorrido menor, una actuación más rápida y una respuesta sonora al pulsarlos.

Y es que el objetivo de un mando Pro es justo ese, arañar décimas en la respuesta de todos sus componentes, para tener una ventaja competitiva en los juegos. Y eso aquí está muy presente... y también es aplicable a los gatillos: cada uno cuenta con un interruptor o tope que bloquea su recorrido y los convierte en botones también con interruptor táctil, para que los disparos en shooters como Call of Duty Black Ops 6 sean inmediatos, como en los botones de un ratón.

Cierra el capítulo de botones extra los S1 y S2, situados en la parte superior del mando, cerca de los gatillos, que aquí también son de color blanco y que son programables para asignarles la función que quieras, aunque su tacto me sigue pareciendo duro (no tienen los mismos interruptores). De hecho, ni su respuesta sonora es igual.

Cerca de estos últimos encontramos el botón para activar los menús de la pantalla (que se manejan con la cruceta y los botones A y B) y así poder configurar desde el propio mando los botones, emparejarlo por bluetooth con nuestro PC o móvil, y mezclar el audio de dos fuentes, que también podemos controlar desde esta pantalla.

Eso sí, el sonido sólo sigue saliendo a través del conector de 3,5mm, es decir, con unos cascos con cable. También cuenta con un botón dedicado para mutear el micro, justo al lado del puerto para los cascos.

Por último, en la parte trasera encontramos los pines de carga (para que hagan contacto en la base de carga), además de varios selectores. Uno de ellos controla el modo de conexión, a elegir entre 2,4 Ghz, Bluetooth o cable; otro, nos permite elegir entre modo Clásico o Avanzado, para que se comporte como un mando original de Xbox o con las opciones de personalización, además de un botón de perfiles.

También es posible cambiar algunas piezas, y sustituirlas por las que vienen en el estuche de plástico, como es el caso de la cruceta, a elegir entre una de 8 o 4 direcciones (o de una pieza) o los sticks, a elegir entre cóncavos y convexos, más gruesos, o incluso piezas metálicas para hacer más grueso el stick (y acotar así su radio de acción). Lo mejor, es que para cambiar estas piezas no hacen falta herramientas.

Más allá de esos elementos, que son ya habituales en los mandos Pro, Revolution X Unlimited Anniversary Edition también incorpora novedades como los sticks con Hal Effect, o la pantalla LCD a color en el frontal, muy útil para configurar el mando y controlar opciones como la mezcla de audio o la conexión Bluetooth con el móvil.

Hablando de la pantalla, me ha gustado mucho un detalle "retro" como es que la pantalla de presentación recrea el fondo del interfaz de ajustes de Xbox 360, si bien es cierto que las imágenes promocionales insinuaban que la pantalla podía ponerse en color verde, pero no es así (o yo no he encontrado la opción, al menos).

Aunque jugar con el dongle y la conexión de 2,4 Ghz no presenta cortes ni ningún problema, como otros mandos Pro, los mejores resultados se consiguen al jugar con el mando conectado por cable. Así, si por ejemplo juegas en PC con el mando conectado por cable, la latencia baja hasta el 1 milisegundo, mientras que con el receptor USB, la cifra sube hasta los 2 ms... Y lo que he dicho antes, si se trata de arañar décimas de segundo, todo cuenta al competir.

Per sé, son unos tiempos de respuesta realmente bajos, aunque si tienes nivel como para jugar a nivel profesional, lo vas a notar seguro. Además, si juegas en PC, puedes asignar atajos de teclado a los botones S1-S6, o activar modos como Shooter Pro, que desactiva las zonas muertas para apuntar con mayor precisión.

Por su parte, la vibración también me ha parecido muy buena, y más potente y con mayor rango de matices que en otros mandos Pro, como puedan ser los SCUF (en algunos modelos, como el Scuf Omega para PS5, ni tiene vibración). Basta con probarlo con un juego como Forza Horizon 6 para apreciarlo en cualquier derrape o choque.

Por último, en cuanto a sensaciones, Revolution X Unlimited Anniversary Edition es un mando más pesado que el oficial, y es lo primero que vas a notar nada más cogerlo y sacarlo de la funda. Puedes hacerlo todavía más pesado con los distintos juegos de pesas incluidos... aunque eso es algo que va en gustos (incluye 3 pares de pesas, de 10, 14 y 16 gramos).

Pero en líneas generales, se trata de un mando Pro con unas enormes opciones de configuración, con unas buenas sensaciones al tenerlo entre las manos y que, aunque es más pesado que el mando oficial, resulta muy cómodo y agradable incluso en sesiones largas de juego.

Configuración y software de Revolution X Unlimited Anniversary Edition

El funcionamiento interno del mando no difiere respecto al mando del año pasado, y sigue siendo posible configurar los ajustes que lo convierten en un mando Pro sin necesidad de un PC o un software de la consola, y hacerlo al vuelo, sin tener que dejar de jugar. Hay mandos Pro que permiten guardar algunos cambios, pero aquí la cosa va bastante más allá.

Puedes cambiar la sensibilidad de los sticks o definir sus zonas muertas, así como remapear atajos, modificar la intensidad de la vibración (distinguiendo entre cuatro zonas del mando), activar los controles por giroscopio, emparejar un teléfono por bluetooth...

Es quizá uno de los mandos más completos en este sentido, aunque si no terminas de apañarte, siempre puedes instalar el software de Nacon para PC o Xbox y modificar los parámetros del mando de manera más exhaustiva.

Es un software muy visual, que ha mejorado desde las primeras versiones y que integra más opciones para configurar el mando, desde el efecto de luz del aro a poder asignar teclas del teclado al mando, además de poder crear perfiles.

En este sentido, poco o nada tenemos que objetarle a Revolution X Unlimited Anniversary Edition: mantiene las sólidas opciones de configuración del mando del año pasado, y que te van a permitir modificar el comportamiento del mando para amoldarse a tus gustos.

Autonomía de Nacon Revolution X Unlimited Anniversary Edition y otros aspectos a tener en cuenta

Llegamos a uno de los pocos "talones de aquiles" que tiene Pro Revolution X Unlimited Anniversary Edition, y tiene que ver justo con eso, la cantidad de horas que puedes sacarle a la batería sin tener que poner a cargar el mando.

En mis pruebas he comprobado que la autonomía del Nacon Revolution X Unlimited se acerca a las 10 horas, lo que sin ningún tipo de duda me parece una cifra baja. Puedes obtener algo más si apagas la pantalla, la luz del aro... pero sigue a distancia de sus rivales a batir.

Es algo más evidente si lo comparamos con algunos colosos en el campo de los mandos Pro, como Razer Wolverine V3 Pro, con 30 horas sin iluminación RGB. Al que supera de manera holgada es al Dualsense Edge, que está en torno a las 6 horas de autonomía. Y es más caro...

Como ya he dicho, Anniversary Edition incluye la base de carga para dejar el mando conectado y tenerlo listo siempre que lo necesites. No es la mejor base que ha pasado por mis manos, pero cumple su labor y lo que más me gusta, es que la puedes llevar en la funda sin problemas.

La opinión de Hobby Consolas de Revolution X Unlimited Anniversary Edition

Xbox tiene muchísimos mandos Pro, y elegir cada vez es más complicado. Revolution X Unlimited Anniversary Edition, tiene una cosa que no tiene el resto, y es inspirarse en el diseño del mando de Xbox 360. Es solo un detalle, que se suma a todo lo que ofrecía en la versión "no aniversario", y que en términos generales, ya estaba entre las mejores alternativas Pro del mercado. Pero, luego están los gustos.

De manera objetiva, Revolution X Unlimited Anniversary Edition mantiene unos niveles de personalización por software y hardware que pocos mandos pueden igualar. Incluye más sticks intercambiables a elegir, pesas para ajustar su peso, modificadores del grosor de las palancas, pantalla para configurar el mando, funda, base de carga... y el diseño que remite a Xbox 360, que personalmente me gusta mucho.

Sí, sigue costando 50 euros más que el Elite Series 2 oficial de Xbox, pero es evidente que ofrece más extras y accesorios que sus rivales, con los que hay más opciones para personalizar la experiencia final con el mando. Y, de hecho, algunos competidores, como el Wolverine V3 Pro siguen siendo más caros.

Y, más allá de su encanto estético, es innegable que Revolution X Unlimited Anniversary Edition sigue ofreciendo unas maravillosas senciaciones al jugar con él, tanto por la comodidad y la ergonomía, como por el tacto de los botones, la disposición de los traseros o las opciones para configurarlo al vuelo desde el mando. Y al tener sticks Hall Effect, se puede decir que tienes mando "para siempre"...

Otra cosa es que luego te llame más el mando oficial, Elite Series 2, que uno de terceros, que lo prefieras con otras opciones de modificación física (frontal extraible, botones intercambiables como en el G7, etc.)... pero en mi opinión, Nacon Revolution X Unlimited Anniversary Edition no sólo es un mando precioso, es también uno de los mejores Pro del mercado en este momento. Solo falla en la autonomía... y tampoco es un desastre insalvable.

Ahora, consagrados tras el éxito de Silent Hill 2 Remake y con más juegos de calidad a sus espaldas, como Cronos The New Dawn o Layers of Fear, el estudio ha traído de vuelta el juego a Nintendo Switch 2, basándose en la remasterización que lanzaron para PS5, Xbox Series X|S en 2020. Como vamos a ver en este análisis de Observer System Redux para Nintendo Switch 2, ¿merece la pena esta nueva versión?

Un juego especial, en muchos sentidos. No solo porque es una de las escasas intervenciones de Rutger Hauer en el mundo del videojuego (y que aquí tiene todavía más valor nostálgico, por su icónico papel en Blade Runner), sino también por su acertadísima mezcla de géneros y su fabulosa ambientación, que destila ciberpunk por todos los poros.

Se trata de una aventura de pura cepa, con puzles, en la que no hay acción al uso (no hay disparos, ni combate... como mucho, secciones de sigilo), en la que debemos buscar pistas para esclarecer un misterio.

Pero no solo eso, la tecnología, en forma de implantes, está muy presente en la trama, y juegan un papel importante para mostrar su lado más tenebroso, dándole a la aventura un puntito de "juego de terror" que funciona de maravilla, incluidos sustos inesperados...

Pero tampoco me quiero adelantar. Como se trata del mismo juego que se lanzó en 2020, con algunas novedades y diferencias propias de esta versión de Nintendo Switch 2, en esta review de Observer System Redux voy a dar unas pinceladas generales sobre el juego para centrarme más en las novedades y la parte técnica.

La historia y jugabilidad de Observer System Redux

Nosotros encarnamos a Daniel Lazarski, un "Observer" (o agente de policía de élite mejorado con implantes), que acude a investigar una llamada en un bloque de apartamentos. Su hijo, desaparecido hace más de 15 años, podría estar allí... por lo que la implicación de Daniel es máxima.

Sin entrar en demasiados destripes, al llegar a la supuesta habitación de nuestro hijo, encontramos un cuerpo decapitado, imposible de reconocer... y ahí comenzarán nuestras pesquisas. Además, el enorme bloque de apartamentos queda aislado por una inesperada alarma, lo que nos hará recorrer el complejo en busca de pistas, interrogando a los vecinos y, por supuesto, usando nuestra tecnología.

Daniel cuenta con dos implantes principales que le permiten escanear el entorno en busca de restos orgánicos o equipamiento electrónico. Cambiamos entre ellos con LB y RB, respectivamente, y junto a los gatillos, podemos escanear o interactuar con todo tipo de dispositivos (cerrojos con contraseña, ordenadores, restos de sangre...) para ir desmadejando el misterio. Ya te aviso que hay CIENTOS de objetos escaneables... además de hablar e interrogar a los vecinos.

Pero, sin ningún tipo de duda, la habilidad estrella de los Observer, y por lo que son temidos, es que pueden usar sus implantes para colarse en la mente de los interrogados, conectándose a ellos a través de un cable.

Estos momentos a menudo rozan el terror, con situaciones agobiantes, anomalías visuales que nos harán dudar de si lo que vemos es cierto y otras lindezas que te harán pasar un mal rato.

Eso sí, no todas resultan igual de brillantes y, al igual que algunas no vas a olvidar fácilmente, otras son bastante simplonas o tontorronas... aunque también irá en gustos...

Este detalle, junto al fabuloso diseño de cada apartamento y pasillo que podemos visitar, con unos acabados futuristas a lo Blade Runner y una interesante historia de fondo, consiguen que piques el anzuelo desde la primera hora, haciendo que resulte complicado soltar el mando a poco que te llamen este tipo de propuestas.

Observer System Redux en Nintendo Switch 2

En líneas generales, la versión de Nintendo Switch 2 se puede catalogar como un buen port, aunque tampoco lo metería en la liga de los mejores como Resident Evil Requiem, Pragmata o Dragon Quest VII Reimagined, ni de juegos que ya tienen algunos años a sus espaldas, como Final Fantasy VII Remake o Yakuza Kiwami 1 y 2.

Las razones son variadas: en PS5 y Xbox Series contaba con efectos ray tracing que no han pasado el corte al saltar a Switch 2. No es nada grave, porque cuando todo funciona como debe, el juego resulta muy espectacular tanto en la pantalla de la portátil, como en modo TV, y su atmósfera es uno de los aspectos que invita a seguir jugando.

El "problema", es que no todo funciona siempre como debe. Quizá lo más evidente son los habituales defectos visuales generados por el DLSS y la resolución variable, con artefacto en las escenas más sobrecargadas, con efectos como lluvia (se nota la bajada de resolución, más pixelación, y defectos al mover la cámara en estas zonas).

No solo eso: también hay sombras que puntualmente aparecen muy pixeladas (casi parecen de Minecraft), así como caídas en la tasa de frames. No son graves ni vas a ver el juego a 15 fps, pero hay diferencia en los momentos en los que va supersuave a 60 fps (como la primera vez que nos colamos en la mente), y otros en los que le cuesta más...

Del mismo modo, algunas zonas son extremadamente oscuras, y cuesta orientarse (el juego no te explica de primeras que cuentas con una visión mejorada, que activas con R3 salvo que mires los controles). Además, para interactuar con los objetos del entorno, debemos situar nuestra minúscula retícula sobre ellos, y con el control con el stick derecho no es todo lo preciso y suave que me gustaría.

Cuenta con controles por movimiento (que una vez activados, no he conseguido que funcionaran correctamente), así como control tipo ratón con ambos Joy-Con 2, que es infinitamente más preciso, aunque paradójicamente, no todas las funciones cambian para adaptarse a este esquema (por ejemplo, para abrir las puertas, tenemos que seguir pulsando un botón y tirar de la palanca derecha en una dirección).

Duración y dificultad de Observer System Redux

La aventura ciberpunk de Bloober tiene un desarrollo más o menos abierto. Puedes recorrer algunas zonas del bloque de apartamentos con relativa libertad a medida que vas resolviendo algunas situaciones, lo que a su vez, te permite siempre tener varias cosas para hacer si no sabes por dónde seguir y te quedas "atascado".

Fue una de las cosas que hizo la versión remasterizada System Redux, que añadió algunos objetivos secundarios más para engordar su historia, y que aquí siguen presentes.

Por lo tanto, difícil lo que se dice difícil no es, siempre que explores a fondo los entornos, busques las pistas concienzudamente (códigos de puertas revisando libros u objetos, etc.).

Si juegas una partida "normal", te detienes a escanear todos los objetos y demás, puede durarte unas 12 horas, aunque ver el 100% puede llevarte alguna más. Pero como conectes con su planteamiento, ya te digo que lo vas a devorar rápido, porque engancha...

Precio y ediciones de Observer System Redux para Switch 2

Aunque existía una versión previa para Nintendo Switch (que no era System Redux), no existe ni paquete de mejora ni actualización gratuita. Si lo quieres jugar en Nintendo Switch 2, tendrás que pasar por caja en la eShop y soltar los 29,99 euros que cuesta.

Para los coleccionistas como yo, la buena noticia es que el 30 de octubre llegará la edición física, distribuida en nuestro país por Mediriem Games. Y no solo eso, la edición física de Observer System Redux no será una tarjeta llave, sino una Game Card que contendrá todos los datos del juego.

Su precio será de 39,99 euros, 10 euros más que la digital, aunque contendrá algunos extras, como una imagen lenticular, tarjetas con la publicidad ficticia del juego o una caja especial. Podéis ver sus contenidos sobre estas líneas.

La opinión de Hobby Consolas de Observer System Redux para Nintendo Switch 2

Sin ser la mejor versión del juego, Observer System Redux logra trasladar a Nintendo Switch 2 su inquietante atmósfera, los momentos terroríficos y la memorable interpretación de Rutger Hauer.

Puede que no tenga los mejores efectos, pero es logra trasladar su espectáculo visual y es perfectamente disfrutable en la nueva consola de Nintendo Switch 2, con el aliciente de poder jugarlo en cualquier parte (aunque las zonas más oscuras no las vas a disfrutar a plena luz del sol en un parque, por ejemplo).

Así pues, si no has jugado nunca a Observer System Redux, ahora tienes una nueva oportunidad, con un port que sin ser perfecto, cumple de sobra su cometido.

¿Cumplen con lo que se proponen? Pues eso te voy a contar en este análisis de los RIG R5 Pro HS. Y es que, si bien se lanzaron a principios de 2026, ha sido ahora cuando he estado probando estos auriculares gaming con cable con licencia oficial de PlayStation.

Así que, durante no pocas horas, los he puesto a prueba para ver si ese objetivo antes mencionado se cumplía... Y, como pequeño adelanto... Ahora puedo decir que los RIG R5 Pro HS lo han logrado.

Si andas buscando unos auriculares con cable algo más serios que las habituales propuestas y estás dispuesto a dejarte un poco más de dinero (sin llegar a precios prohibitivos), estos cascos son una opción a valorar. Te lo cuento en este análisis de los RIG R5 Pro HS de Nacon:

• Unboxing de RIG R5 Pro HS de Nacon y contenido de la caja
• ​Primer vistazo, diseño y características de RIG R5 Pro HS de Nacon
• ​El sonido RIG R5 Pro HS de Nacon y sensaciones tras varias pruebas
• ​La opinión de Hobby Consolas sobre RIG R5 Pro HS de Nacon

Unboxing de los RIG R5 Pro HS de Nacon: contenido de la caja

En esta casa siempre solemos abordar los análisis de hardware, periféricos gaming y accesorios comentando primero qué podemos encontrar en la propia caja del producto. En el caso de RIG R5 Pro HS también lo voy a comentar, aunque no me enrollaré demasiado.

El embalaje del producto no tiene mayor misterio salvo por una pequeña "sorpresa" que es parte de la esencia de estos auriculares; más allá de eso, los RIG R5 Pro HS se encuentran alojados en el típico molde protector en la parte inferior de la caja, con tamaño estándar, y vienen cubiertos con un plástico protector para evitar arañazos.

La particularidad a la que antes hacía referencia es que este modelo incluye una pequeña caja adicional con dos placas modulares (con el logo de PlayStation) que luego se pueden colocar en los auriculares.

Más allá de esto, al levantar el molde protector solamente encontrarás un pequeño manual de instrucciones para "configurar" rápidamente los auriculares. Con todo eso ya listo, es hora de escuchar con atención.

Diseño, presentación y ergonomía de los auriculares RIG R5 Pro HS

El diseño estructural de los RIG R5 Pro HS destaca por su solvencia y sencillez. Se sienten compactos, nada endebles y si bien tienen un peso de unos 330 gramos (más que otros similares), una vez puestos sobre la cabeza, resultan bastante más ligeros de lo que esperaba.

La verdad es que son cómodos. Con un diseño circumaural, estos cascos no oprimen en exceso gracias a que la espuma viscoelástica de la diadema es bastante generosa en cantidad. El acolchado cumple estupendamente.

Cierto es que no tienen un gran recorrido, pero sí que permiten ajustarse a cada cráneo con un pequeño tirón en cada lado del auricular. No obstante, la simetría se calcula "a ojo", ya que no hay ningún limitador o posición que regule la amplitud de la diadema, aunque el sistema se ha pulido respecto a anteriores modelos.

En lo que respecta a las almohadillas de cada auricular, también presentan acolchado generoso para cubrir de manera bastante cómoda la oreja, aunque se siente una mayor presión en las sienes, si lo comparamos con las sensaciones de la diadema.

Aún así, se sienten envolventes y aislantes, sin llegar a embotar la cabeza. Eso sí, en verano pueden resultar calurosas, a poco que tengas facilidad para sudar.

Me ha gustado que las almohadillas no estén recubiertas por ningún tipo de plástico o tejido adicional. Muchos auriculares, con el uso, se van desgastando y desprenden trocitos de esos materiales, lo que deja una sensación sucia y molesta. Con estos RIG R5 Pro HS no pasa.

Como datos adicionales es importante señalar que las almohadillas de cada auricular se pueden retirar y colocar fácilmente gracias a unos pequeños imanes, en caso de desgaste y quieras cambiarlas. Además, estos cascos cuentan con una bisagra que permite rotar cada auricular en el eje horizontal para poderlos dejar apoyados sobre tu clavícula.

En lo que respecta a cada copa, estas se pueden engalanar con una placa con el sistema magnético Snap+Lock que cuenta con el logo de PlayStation. Funcionan como un accesorio decorativo en forma de "caparazón" que redondean el diseño de los auriculares, pero es más bien una curiosidad que otra cosa, y no le veo mucha razón de ser.

A esto hay que sumarle un micrófono abatible de unos 15 cm acoplado en el auricular izquierdo. Si bien este podría estar integrado en el diseño, no molesta y al tener flexibilidad en la punta puedes ajustarlo bien. Además, si lo levantas unos 45º, se activa el flip-to-mute para silenciar el micrófono en caso de que no quieras que te escuchen.

Y solamente nos queda el cable. Reconozco que, en tiempos de inalámbricos, un cable puede sentirse algo molesto, pero soy muy fan de este tipo de conectividad por no precisar más que del gesto de introducir el conector jack de 3,5 mm en el mando DualSense.

El cable tiene una longitud de 1,5 metros, más que de sobra si juegas en consola y quizá algo corto si juegas en un PC con una torre que esté ligeramente alejada en el set up y no cuentes con mando.

Como otros auriculares en esta franja de precio, en el cable también encontrarás el control de volumen. Es cómodo, aunque personalmente prefiero las ruedas alojadas en el propio auricular. Señalar que este control tiene un pequeño "tope", que actúa como medida de seguridad auditiva. Si quieres subir el volumen al máximo debes hacer un "click" adicional.

Como valoración final a nivel estético, diré que su acabado en negro, con líneas y superficies mate (a lo Nintendo Switch 2) y un tejido en forma de panal para el acolchado dan a estos RIG R5 Pro HS un aspecto premium muy logrado que le sienta de fábula.

Calidad de sonido de los RIG R5 Pro HS y experiencia de uso

En lo que respecta a la calidad del sonido. Estos auriculares son compatibles con PS5, PC y PS4 (aunque he podido jugar con ellos sin problemas en Nintendo Switch 2 y Xbox Series X|S) y el resultado en cada sesión de juego me ha dejado muy satisfecho.

En PS5 los he puesto a prueba con juegos en donde el audio llevase la voz cantante. Silent Hill f y Marathon ha sido perfectos conejillos de indias para que la gran baza de esto RIG R5 Pro HS saliese a la palestra.

Estos RIG montan unos drivers de 40 mm con diafragma recubierto de grafeno, y son unos de los puntos fuertes del auricular. Gracias a las propiedades del grafeno, se obtiene una calidad sonora con menos de 0,5 % de distorsión armónica, según apunta Nacon.

¿En que repercute todo esto? Pues en unos agudos, medios y graves, nítidos y "palpables". Cada inquietante voz que escuchaba Hinako o cada paso enemigo o eco en las partidas de Marathon destacaban a la perfección, generando una gran sensación de inmersión.

Esto también se beneficia de que todo está optimizado para Tempest 3D AudioTech de PlayStation, que mapea el audio direccional a las mil maravillas, aunque me deja con la sensación de que en los bajos podría llegar a tener más pegada.

Por otra parte, en mis pruebas en Switch 2 con Final Fantasy VII Rebirth y su fastuosa banda sonora y Xbox Series con Forza Horizon 6 y su excelente diseño de sonido esto, claro está, no estaba, por lo que queda bien claro para qué plataforma están pensados los auriculares.

Por supuesto, a las buenas sensaciones auditivas se suma un buen desempeño del micrófono, con un rango de frecuencia de 50 Hz – 15 kHz con buenas capas que logran aislar la voz sin ningún problema. Los RIG R5 Pro HS cuentan con un micro de calidad.

La opinión de Hobby Consolas sobre los RIG R5 Pro HS

Con todo esto expuesto, creo que queda claro que los RIG R5 Pro HS cumplen con su cometido. Con un precio de 79,90 euros se colocan como una buena elección si estás buscando unos auriculares gaming que vayan más allá de las características de la gama media, pero que tampoco se vayan mucho de presupuesto.

Su formato más "analógico" en este mundo dominado por conectividades inalámbricas puede parecer una debilidad, pero creo que en la facilidad y sencillez de uso que ofrece un cable está su fortaleza. En eso y en su gran desempeño a nivel auditivo.

La sencillez también destaca en su diseño y comodidad. Si bien sus módulos en forma de acoples no pasan de la simple y llana curiosidad, estos RIG R5 Pro HS también destacan positivamente en cuanto a ergonomía y rango de uso.

Así que, definitivamente, Nacon ha logrado que esta particular propuesta haya alcanzado el objetivo de ofrecer alta calidad a un precio no demasiado prohibitivo. Los RIG R5 Pro HS son una opción a considerar muy seriamente si buscas una experiencia sonora de calidad o disfrutar de la faceta más competitiva del gaming.

En lugar de volver a apostar por los turnos, Team Asano nos propone un juego de acción en tiempo real con componentes RPG y su característico estilo visual HD-2D, inspirado en sagas como The Legend of Zelda o Secret of Mana.

Y no cabe duda de que este equipo tiene duende (o hada, más bien) pues el resultado, aun con algunos peros, es una pequeña joyita que encandilará a los amantes de este tipo de aventuras con sabor a clásico.

• El gameplay de The Adventures of Elliot: The Millenium Tales
• Nivel de dificultad de The Adventures of Elliot: The Millenium Tales
• ¿Cuántas horas de juego dura The Adventures of Elliot: The Millenium Tales?
• Cuánto cuesta The Adventures of Elliot: The Millenium Tales y dónde puedes jugarlo
• La opinión de Hobby Consolas de The Adventures of Elliot: The Millenium Tales
• Nota: lo mejor y lo peor de The Adventures of Elliot: The Millenium Tales

Jugabilidad y gameplay de The Adventures of Elliot: The Millenium Tales en PS5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch 2 y PC

La historia nos pone en el papel de Elliot, un afamado aventurero que se embarca en un viaje para salvar el reino de Huther. Pero lo que parecía otra aventura más, se acaba transformando en un periplo que abarca más de mil años. Por suerte, Elliot traba amistad con Faie, una simpática hada que hace las veces de guía y apoyo mágico.

Un aventurero, un reino en peligro y un hada como compañera de viaje. Es inevitable acordarse de The Legend of Zelda, algo que sucede también cuando nos ponemos a los mandos: la perspectiva aérea y los combates en tiempo real nos recuerdan a las entregas clásicas de la saga de Nintendo.

Y no es lo único, pues también tenemos que recolectar cuatro fragmentos para aumentar la salud. Incluso se puede apreciar cierta influencia de las entregas más recientes, pues hay una serie de santuarios repartidos por todo el mundo que nos recompensan con dichos fragmentos tras superar la prueba que aguarda en su interior.

Pero, como veremos a continuación, Elliot también tiene muchas ideas de cosecha propia y otras que beben de algunas sagas JRPG "de la casa".

El combate es uno de los grandes protagonistas de The Adventures of Elliot. Tenemos en total siete armas, de las cuales podemos llevar dos equipadas en todo momento, pero podemos cambiar entre todas al vuelo a través de un ágil menú. El juego plantea situaciones en las que cada arma tiene su utilidad, por lo que solemos alternar entre todas a menudo.

Por supuesto, no falta un escudo para defendernos de los ataques, aunque cuenta con un medidor de resistencia que se vacía rápidamente con cada bloqueo, dejándonos vendidos si abusamos de él. Por suerte, también podemos conseguir un útil movimiento de desvío que facilita mucho las cosas.

Los elementos RPG están muy ligados al combate, pues pese a que aquí no hay experiencia ni niveles, en Elliot tenemos las magicitas. Se trata de cristales que podemos equipar de forma independiente en cada arma (dentro de un límite) y añaden toda clase de ventajas; algunas son cosas sencillas, como mayor daño crítico o reducción del tiempo de carga, pero también hay cosas muy interesantes, como añadir daño de hielo o generar fuegos artificiales. Esto nos permite crear builds o incluso sinergías entre distintos tipos de armas. Nos ha sorprendido gratamente este sistema, pues es muy versátil y es entretenido trastear con las diferentes opciones...

Pero creemos que al combate de The Adventures of Elliot le falta algo a nivel mecánico. El principal problema es que todas las armas cuentan con una única animación de ataque y ataque cargado. Y esto, a la larga, provoca que la acción se vuelva un tanto monótona e incluso algo "machacabotónica". La buena variedad de armas y los efectos de las magicitas ayudan a paliarlo, pero habría estado bien tener más animaciones o incluso desbloquear nuevos movimientos.

Faie también nos ayuda en combate atacando a los enemigos y, más importante aún, con sus poderes mágicos. Estas habilidades, que vamos aprendiendo a lo largo del juego, son útiles también a la hora de desplazarnos y resolver puzles. Y, si las aprovechamos bien, pueden dar mucho juego, especialmente a la hora de esquivar los ataques enemigos.

Pero, curiosamente, los poderes de Faie no son obligatorios para progresar en la aventura. Este es uno de los aspectos más curiosos de The Adventures of Elliot: el juego nos da una sorprendente libertad para movernos por su mundo prácticamente desde el principio. Y aunque a veces nos vamos a topar con "bloqueos argumentales", es posible colarse antes de tiempo en mazmorras principales o incluso encontrar las armas de nivel más alto.

Y no sólo nos da mucha libertad, también sabe incentivar la exploración: a poco que exploremos una zona, el mapa del overworld nos señala lugares de interés, como mazmorras opcionales o cofres, de manera que siempre queremos salirnos del camino principal para conseguir algo nuevo o entrar en esa cueva que acaba de aparecer en el mapa para ver qué encontramos en su interior.

Y no olvidemos lo más importante: The Adventures of Elliot tiene lugar a través de cuatro eras, lo que se traduce en cuatro mapas diferentes para explorar. Es inevitable acordarse de Chrono Trigger a raíz de esta mecánica, pues viajar entre las distintas épocas es tan sencillo como abrir el mapa, buscar un punto de viaje rápido en la era que nos interesa y presionar un botón.

Es una idea muy molona, especialmente a nivel narrativo, pues cada era cuenta con sus propias tramas y personajes. Y aunque no es su objetivo principal, ciertas acciones que llevamos a cabo, como completar misiones secundarias, pueden tener repercusiones en las eras futuras.

Sin embargo, en lo referente a los viajes en el tiempo, Elliot tiene bastante margen de mejora. El principal problema es que las diferencias entre los mapas de las distintas eras no son demasiado pronunciadas, así que en lugar de tener la sensación de visitar cuatro civilizaciones distintas, tenemos la impresión de explorar cuatro mapas con pequeñas variaciones.

Esto afecta también a las mazmorras, de las cuales hay muchísimas repartidas por las cuatro eras, pero su diseño se repite habitualmente. Incluso aunque la estructura de una mazmorra cambie, hay muchos patrones que se repiten... Y en algunos casos incluso llegamos a ver la misma mazmorra, sin ningún cambio, en varias eras.

El diseño de niveles de las mazmorras tampoco es demasiado destacable, ni siquiera en el caso de las principales. Haciendo la inevitable comparación con los Zelda, aquí no hay ninguna mazmorra que resulte memorable o que vayamos a recordar por sus puzles y combates.

Lo que sí nos ha sorprendido de The Adventures of Elliot son las misiones secundarias. Su número es relativamente reducido, pero esto se debe a que su calidad es muy superior a lo que estamos acostumbrados: en lugar de contar historias insulsas o para rellenar, todas aportan algo a nivel argumental y nos permiten conocer mejor a los personajes secundarios, ampliando sus historias. Además, la recompensa por completarlas suelen ser accesorios, un tipo de objeto realmente útil, así que vais a querer hacerlas todas.

En cuanto al apartado visual, The Adventures of Elliot: The Millenium Tales hace uso de la técnica conocida como HD-2D que popularizó el propio Team Asano, y que consiste en combinar personajes pixelados con escenarios 3D, dándole a la imagen un aspecto retro pero con un estilo moderno. Y no hay fallo: es una maravilla visual.

Nos ha llamado la atención que en Elliot parece haber menos elementos realizados con pixel-art (por lo general sólo personajes y enemigos), mientras que los escenarios tienen un efecto "a lo PS1", con texturas a baja resolución que imitan los gráficos de aquella época. Y la verdad es que el resultado es muy bueno. Desde luego, nosotros lo preferimos frente al 3D más plano y sin filtros que usaban los escenarios de los remakes de los tres primeros Dragon Quest.

Se nota que Team Asano son los pioneros de este estilo, pues Elliot también tiene algunos detalles muy chulos, cómo la manera en que juega con la cámara haciendo zooms, inclinándola o rotándola para darle dinamismo a la acción. O el efecto cilíndrico de los escenarios, que genera la sensación de estar recorriendo un mundo esférico en todo momento.

Por su parte, la banda sonora también es un trabajo de gran nivel, compuesta por melodías de corte fantástico y tono épico que tocan múltiples estilos para ajustarse a las diferentes épocas temporales. No tiene un estilo tan cañero como los Octopath, pero es una banda sonora que captura a la perfección la magia de las grandes aventuras.

¿Es difícil The Adventures of Elliot: The Millenium Tales?

The Adventures of Elliot: The Millenium Tales cuenta con cuatro niveles de dificultad: fácil, normal, difícil y extrema. Y dado que en las demos el nivel normal nos pareció demasiado facilón, hemos estado jugando en todo momento en difícil y nos ha parecido una gran experiencia.

En esta dificultad, tanto los enemigos normales como los jefes ofrecen un buen nivel de desafío, obligándonos a jugar bien y a tirar de pociones curativas continuamente para sobrevivir. Es más, este es un aspecto en el que Elliot supera a los Zelda: los enfrentamientos contra los jefes tienen mecánicas propias y a menudo requieren acciones concretas, pero no resultan tan obvios e incluso sabiendo lo que hay que hacer, siguen siendo todo un desafío. Nos han gustado mucho.

Como sucede con los escenarios, Elliot también tiende a reciclar jefes, repitiendo enemigos finales en mazmorras opcionales. La diferencia es que es un reciclaje bien hecho, pues incluso cuando el enemigo es el mismo, los patrones de ataque cambian drásticamente, incorporando mecánicas nuevas que hacen que el combate sea muy distinto.

Morir en The Adventures of Elliot también tiene su miga, pues al caer podemos pagar a Faie para que nos reviva en el acto. Ahora bien, cuanto más morimos en un mismo combate, mayor es el precio por resucitar. Puede parecer una mecánica rota, pero nada más lejos de la realidad; la economía del mundo de Elliot está muy bien medida y siempre hay cosas interesantes en las que invertir tules, así que cada vez que nos vemos obligados a resucitar o perdemos el bonus de las cadenas de enemigos derrotados, duele el bolsillo que da gusto.

Todo esto, insistimos, en el nivel de dificultad difícil. Si tenéis experiencia en esta clase de juegos y queréis sacar partido de todas las mecánicas de Elliot, os recomendamos encarecidamente esta dificultad (o "extrema", si os gusta sufrir de verdad).

¿Cuántas horas dura la historia de The Adventures of Elliot: The Millenium Tales?

Completar la historia de The Adventures of Elliot puede llevarnos entre 20 y 30 horas de juego. Ahora bien, si os gusta explorar, hacéis misiones secundarias, buscáis a los 50 gatos y os enfrentáis a algunos de los retos más complicados que esconde la aventura, su duración puede aumentar hasta las 50 horas.

Además, no podemos olvidarnos de que también incluye un pequeño componente multijugador: un segundo jugador puede tomar el control de Faie para sacar partido de sus poderes mágicos, echando así un cable a Elliot. Hay un poder en particular que parece especialmente pensado para esto.

No es el modo cooperativo más trabajado del mundo, pero es una opción que se agradece, pues convierte un juego single player en una experiencia que pueden disfrutar dos personas.

Precio y plataformas disponibles

The Adventures of Elliot: The Millenium Tales se lanza el 18 de junio de 2026 para PS5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch 2 y PC a un precio de 69,99€.

Está disponible tanto en formato digital como formato físico, pero tened en cuenta que la versión de Switch 2 es una Game-Key Card.

Un Elliot al Pasado

Si alguien tuvo dudas de Team Asano al cambiar los turnos por la acción en tiempo real, con The Adventures of Elliot han quedado totalmente despejadas. Con este nuevo trabajo han demostrado que son un estudio todoterreno capaces de todo lo que les echen.

Y tras Bravely Default, Octopath Traveler, Triangle Strategy, Live a Live y los remakes de Dragon Quest, The Adventures of Elliot es la enésima prueba de que en este equipo hay auténticos expertos a la hora de construir experiencias RPG que evocan las sensaciones de los clásicos de la edad de oro del género.

Y no lo decimos por la faceta audiovisual (aunque, evidentemente, también), sino por sus mecánicas jugables, historia y personajes. The Adventures of Elliot tiene mucho de los Zelda clásicos, sí, pero también una buena ración de Chrono Trigger y, por encima de todo, el toque "mágico" de este estudio de Square Enix.

The Adventures of Elliot tiene cosas a mejorar, desde luego, pero deja tan buen sabor de boca que, al final, pesan mucho más los aspectos positivos que los negativos. Y cuando apenas hemos terminado de saborear Elliot, ya tenemos en el horizonte el próximo trabajo de Team Asano, Final Fantasy Resonance, que promete convertirse en otro clásico de los JRPG. La verdad es que los fans del género estamos viviendo un momento glorioso.

Si recordáis, hace un tiempo vimos Tomb Raider para Switch 2 y lo cierto es que el resultado era más que convincente y algo parecido sucede con esta secuela. A fin de cuentas, estamos hablando de un juego que, atención, tiene 11 años ya y que originalmente se concibió para Xbox One, PS4... e incluso Xbox 360.

Pero eso no quita que sea un juegazo, con una narrativa y una espectacularidad visual que siguen asombrando a día de hoy, por lo que la experiencia vuelve a ser de lo más recomendable en Switch 2.

Ya que estaban, la versión que nos presentan es la 20 Year Celebration lanzada en su momento para PS4, que incluye todos los contenidos descargables que se fueron lanzando. ¡Y no son pocos!

Además de la campaña principal, tenemos el modo Resistencia (hay que aguantar en el bosque buscando tesoros, pero también vigilando que Lara se mantenga caliente y se alimente), Baba Yaga (una historia extra llena de momentos psicodélicos) y El despertar de la fría oscuridad, un extra del modo Expediciones en el que sobrevivimos a zombis y saboteamos torres.

Bienvenidos a la Mansión Croft

A todo eso, hay que añadir los extras específicos de la edición 20 aniversario, como la Mansión Croft (que incluye un modo de exploración llamado Lazos de sangre y uno basado en el combate y el terror llamado La pesadilla de Lara), el modo Resistencia cooperativo, la dificultad Superviviente extrema (sin autoguardados) y un porrón de skins desbloqueadas desde el principio.

Con todo esto tenéis decenas y decenas de horas de entretenimiento de calidad, tal y como ya os comentamos en su momento con el análisis de Rise of the Tomb Raider Edición 20 Aniversario. Además, se vende rebajado a 29,99 euros (con 3 euros de descuento en los primeros días), así que es asequible.

La versión Switch 2 de Rise of the Tomb Raider aporta como extra la posibilidad de usar el control tipo ratón, lo cual se agradece especialmente en unos tiroteos en los que los sticks no dan toda la precisión que nos gustaría de cara al apuntado, aunque este puede ser automático en la dificultad más baja. Aún así, hemos notado algo de input lag con el control con ratón.

También tenemos la opción de usar el giroscopio (pero no parece funcionar bien de lanzamiento, ¿quizá está pendiente de parche?) y la pantalla táctil para movernos por los menús.

Lara Croft vuelve a lucir pelazo

Ahora bien, ¿qué tal rinde a nivel técnico? Pues resulta tan satisfactorio como en la entrega previa. Algunos efectos como el del (sedoso) pelo de Lara con el sistema TressFX, la nieve o el agua están prácticamente igual.

Donde más se puede notar es en la resolución, que es algo inferior si comparamos con las versiones más recientes de Xbox Series X o PS5, además de un frame rate que no es para nada inestable, pero que se queda un poco por encima de los 30 frames por segundo. Ojalá fueran 60, sí, pero cumple bien.

Otros efectos menores, como ciertos reflejos en el hielo, también se quedan por el camino, pero la iluminación está a un gran nivel y en las escenas de corte, que aquí se integran con la propia acción, todo luce de maravilla.

En una tele grande se disfruta perfectamente, pero es verdad que conceptualmente parece más adaptado al modo portátil, donde la diferencia de resolución es prácticamente imperceptible.

Por supuesto, también regresa el magnífico doblaje original al castellano, fundamental para una atmósfera en la que Lara no para de animarse a sí misma para salir adelante...

En conjunto, esta versión del juego tiene un acabado más que correcto, con algunos efectos que superan a los del juego previo (como el pelo), pero que curiosamente falla en lo que podría ser su seña de distinción: las opciones especiales de control.

Es una buena experiencia y está a rebosar de contenido, así que si queréis disfrutarlo especialmente en modo portátil o buscáis revivir una de las mejores aventuras de la generación pasada, Rise of the Tomb Raider es un buen tesoro a desenterrar.

Se trata de una silla que, estéticamente, huye de los llamativos diseños gaming habituales en este tipo de asiento, y que casi recuerda más a una silla de oficina, aunque realmente cuenta con todas las mejoras de ergonomía y prestaciones que puedes esperar de una silla gaming. Y justo de eso voy a hablar en este análisis de Embrace, la silla todoterreno de Elgato que huye de la estética "gaming".

Una visión de este tipo de asientos que va dirigida a quienes que no quieren un diseño extravagante, sino una silla que puedas tener en cualquier habitación de la casa, o la oficina, y que no desentone con colores estridentes o formas descomunales y angulosas. Que puedas usar para largas sesiones jugando con PS5 Pro, Nintendo Switch 2 o Xbox Series X|S, como para trabajar, crear o estudiar.

En definitiva, una silla con un diseño cómodo y duradero, que sirva para todo, más allá de jugar, pero que también resista jornadas maratonianas trabajando o creando contenido, con una idea en mente: que resulte tan cómoda como en el primer minuto. Y lo consigue.

Tras un par de semanas usándola como asiento principal para trabajar, en esta review de Embrace, la nueva silla de Elgato, os voy a contar cuál ha sido mi experiencia con ella en todo este tiempo.

Elgato Embrace: presentación, características y montaje

A diferencia de otras sillas que he montado en los últimos tiempos, como la Razer Iskur V2 New Gen, Embrace viene en una caja algo más pequeña, pero que no te engañe su menor tamaño: pesa más de lo que aparenta. Eso sí, igualmente tendrás que hacer algo de espacio para poder montarla cómodamente, porque al igual que las sillas gaming, vas a tener que ensamblar todas sus piezas.

La buena noticia es que el montaje apenas son 5 pasos y todo viene muy bien explicado, en una enorme lámina que indica el orden de montaje de manera muy visual. Además, cada componente viene muy bien protegido, como en la mencionada Razer o en la Titan Evo, cubiertas por unas fundas que al tacto parecen de papel grueso, o algo similar, y separadas y protegidas por cartones.

Cabe destacar que Elgato ha cuidado hasta el más mínimo detalle, e incluye una suerte de ladrillos de cartón (podéis verlo uno en la galería de abajo), que tienen la medida justa, para que ninguna de las piezas se mueva dentro de la caja mientras la transportan, por lo que todas van a llegar en perfecto estado.

También os puedo decir que es la silla que menos tiempo he tardado en montar. Si, por regla general puedo montar solo una silla gaming en unos 30-45 minutos, y en ese tiempo tomar también las fotos, Embrace es una silla que puedes montar en apenas 15 minutos. Y no vas vas a tener problemas, aunque no hayas montado nunca una.

No obstante, antes de seguir, vamos a repasar las características generales de Embrace, la nueva silla de Elgato

• Estilo de silla: Moderno
• Carga máxima: 125kg
• Dimensiones (P × AN × AL): 660 x 710 x 1410 mm
• Peso: 24,02 kg
• Material del armazón: Plástico
• Acabados: Tapizado / malla
• Diseño del borde del asiento: Frontal en cascada
• Material del respaldo: Malla
• Material del reposacabezas: Malla

Como en otras sillas, las piezas más pequeñas, como el pistón que regula la altura o las ruedas, vienen repartidas en dos cajas de cartón, y en una de ellas también viene incluida la llave Allen para atornillar los cuatro tornillos contados que fijan todas las piezas (incluye dos de repuesto, por si se te pierde alguno).

Como he adelantado, el proceso de montaje en sí es realmente sencillo y tiene cinco pasos contados: primero tendrás que insertar las ruedas en la base; después, el pistón en la base y, en tercer lugar, encajar el asiento en él para poder regular la altura.

Eso sí, a diferencia de otras sillas, el llamado "mecanismo de mariposa" o pieza que permite regular la inclinación de respaldo, viene ya integrado en el asiento, y me ha sorprendido por lo pesado que resulta la pieza del asiento en sí. Bastante más que en otras sillas, y quizá pueda costarte algo más montarla si lo haces sin ayuda.

Como cuarto paso, tendrás que encajar el respaldo en los rieles del asiento, y atornillar en cada uno de estos rieles un tornillo para fijarlo. De manera opcional, si quieres tener el reposacabezas en la silla, tendrás que atornillarlo, de nuevo con dos tornillos, para dejarlo fijado.

Y eso es todo: muy sencillo, y en apenas 10-15 minutos tendrás tu silla lista para la batalla.

Materiales y acabados de Embrace, la nueva silla de Elgato

Pese a la creencia de que el aluminio, los cromados y el metal son materiales más premium, también tienen sus inconvenientes, como un envejecimiento más rápido (descascarillado, muescas por impactos, etc.). Por contra, algunas partes importantes de Embrace están fabricadas en plásticos ABS premium, que evitan estos problemas.

Y no solo eso: es capaz de soportar hasta 125 kilos y personas de distintas estaturas y complexiones. Tras dos semanas de darle un tute intensivo, os puedo decir que sigue como nueva, y eso que la he hecho "perrerías" como levantar a pulso todo mi peso apoyándome solo en los reposabrazos, o inclinar 30º el respaldo y decansar mis casi 100 kilos para ver tumbado una película en el monitor.

La elección de un plástico premium se debe a un número de variables. La primera es que es "transparente" a las comunicaciones inalámbricas frente al metal, que puede bloquear señales Wi-Fi o el Bluetooth. También es aislante eléctrico y, por tanto, no te va a dar "calambrazos".

¿Más? El plástico elimina vibraciones y controla la resonancia, algo que puede afectar, sobre todo si eres streamer o grabas contenido, y quieres evitar ruidos por golpes sobre la mesa y similares. Tampoco es desdeñable su tacto neutro: no la vas a notar fría en invierno, ni te vas a quedar pegado a ella en verano.

Aclarados estos puntos, el plástico también permite añadir refuerzos (con los llamados "nervios") allí donde hacen falta, y aligerar el peso donde no es necesario, y todo además en una única pieza.

Por su parte, el respaldo es un resistente marco de plástico, con una malla que se amolda a nuestra espalda de manera natural. No cruje, no hace ruido, y gracias a su diseño, no te va a dar calor. De hecho, si te pones un ventilador en la espalda, vas a notar como el aire se cuela entre sus trenzados. Lo mismo es aplicable al reposacabezas, aunque aquí tiene un brazo articulado que nos permite regular su altura y posición para que encuentres la posición en la que estás más cómodo.

Y ojo, que aunque el plástico ABS predomina, la parte inferior del asiento es en su mayor parte metálica, más allá del mecanismo de mariposa. Este detalle cierra un diseño del que solo puedo decir cosas buenas. El chasis de Embrace deja una silla robusta, que no transmite sensación de "endeble" en ninguno de sus componentes, y todos contribuyen a que sea tremendamente cómoda.

Ergonomía y comodidad de Embrace

Aunque ya he dado alguna pista, sí, la silla Embrace me ha resultado bastante más cómoda de lo que pueda parecer a simple vista. El asiento es una verdadera delicia gracias a su espuma moldeada de alta densidad, que tiene la dureza justa allí donde hace falta, para no deformarse, y al mismo tiempo resulta blandito y cómodo.

Refuerza esta comodidad el borde frontal, que es "en cascada", o pendiente, lo que facilita que ningún borde se nos clave en la parte trasera de las piernas. Además, está recubierto de un suave tejido, que no resulta tan caluroso como la la piel sintética.

En la parte inferior del asiento, en los laterales, encontramos dos pulsadores. El de la izquierda nos permiten desplazar la zona donde nos sentamos hacia adelante o hacia atrás para regular su profundidad, por si queremos separarlo del respaldo.

El único "pero" de esta opción es que, si sacas mucho el asiento, el borde trasero está algo elevado y se nos puede clavar un poco... pero es un detalle que no tienen todas las sillas y contribuye a ajustarla más a nuestro agrado. Y tampoco vas a sacarla del todo, ya te lo digo...

Por su parte, el botón de la derecha es el que regula el pistón de la altura, para subir o bajar la silla según más cómodos estemos (vamos, por si queremos que no nos cuelguen las piernas, o que quede demasiado baja y nuestras piernas no estén relajadas).

Un poco más abajo, en el lateral derecho, encontramos un dial que se encarga de bloquear o regular la inclinación del respaldo. Podemos girar este dial entre varias posiciones, y cada una "añade" 5 grados más a la distancia que puede echarse hacia atrás el respaldo, hasta un máximo de 30 grados. No es la silla del mercado que más se inclina (las hay casi que se pueden poner en modo "cama", totalmente tumbada.

Del respaldo ya he dicho que, al no ser una pieza rígida como en otras sillas (aunque la malla está en tensión), se acopla de maravilla a nuestra espalda, hagamos los giros y movimientos que hagamos. Pero no sólo eso.

También cuenta con un refuerzo lumbar ajustable, tanto en altura como en profundidad. Con la rueda que tiene en la parte trasera de la silla podemos ajustar cuánto sobresale este refuerzo, y también contribuye a que resulte cómoda a la altura de los riñones, para que adoptemos una postura más natural y menos encorvada.

¿Y qué hay de los reposabrazos? Pues que también son 4D, y se pueden regular en cuatro dimensiones, como la altura, acercarlos o alejarlos de nuestros costados, que queden más próximos o alejados del escritorio o incluso que giren ligeramente hacia el interior de la silla.

Lo cierto es que son cómodos, aunque no hubieran estado de más algunos botones para limitar, por ejemplo el giro, ya que se pueden mover fácilmente, por ejemplo, al coger la silla para desplazarla si la agarras por un reposabrazos.

Por último, está el reposacabezas, que cuenta con un brazo articulado para regular su posición, y que incluso podemos desplazar verticalmente para encontrar la posición óptima. La superficie es idéntica a la del respaldo, malla transpirable, y también resulta cómoda una vez que encuentras la posición que más se amolda a tu gusto.

En líneas generales, es una silla que por diseño resulta muy cómoda tanto a personas corpulentas, como es mi caso, como a personas más menudas. Y ahora que ya está apretando el calor, los materiales transpirables ayudan a que sea menos agobiante que otras sillas con respaldos de piel y acolchadas. Y lo mejor de todo es que lo consigue sin renunciar a la comodidad.

Precio y modelos de Embrace

Embrace solo está disponible en un único modelo, y solo en color negro, aunque sinceramente creo que una variante en tonos blancos o grises quedaría también de muerte en algunos setups... aunque es solo una opinión.

El precio oficial de Embrace es de 499,99 euros, incluso en la tienda del fabricante. Dentro del segmento de las sillas premium, se encuentra en una franja intermedia (las hay que superan los 600 euros con creces).

La opinión de Hobby Consolas: ¿merece la pena la silla Embrace de Elgato?

Tras dos intensas semanas de uso, no tengo ninguna duda: Embrace es una silla tremendamente cómoda, y con numerosas opciones para ajustarla a tu gusto, desde el reposacabezas al propio asiento, algo que no todas las sillas ofrecen.

Me encanta que el respaldo sea de rejilla y transpirable, porque me ha resultado menos agobiante y caluroso, sobre todo ahora que ya está empezando a apretar el calor, pero sin renunciar a sujetar bien la espalda, incluso cuando nos movemos mientras estamos sentados.

Pero, sobre todo, me parece una gran alternativa para quienes no quieran la "típica" silla gaming, con formas angulosas, gigantescos respaldos y colores. Embrace pasa por una silla de oficina, pero manteniendo todas las comodidades y extras que añaden las sillas gaming.

Si tengo que destacar algo negativo, lo que menos me ha gustado del conjunto son las ruedas: frente a otras sillas que casi parece que se resbalan por el suelo, a estas les cuesta algo más rodar por la madera, pero no es nada grave ni molesto.

Por último, aunque los 499 euros puede parecer un precio algo alto, lo cierto es que está dentro del rango de precio de este tipo de sillas. No son baratas, pero con unos cuidados mínimos vas a tener una silla muy cómoda para mucho, mucho tiempo...

En realidad, la propuesta no os pillará de nuevas si sois seguidores de Nintendo, ya que es una especie de fusión entre los Wario Ware y aquel Atrapacaras que venía en la memoria de nuestras 3DS.

A grandes rasgos, Pictonico! es un recopilatorio de microjuegos, de esos que hay que resolver en un par de segundos como máximo.

Al igual que pasa en Wario Ware, todos tienen una temática loca y que juega con ese humor absurdo tan japonés, pero en esta ocasión la gracia está en que todos se basan en nuestras fotos.

Dependiendo de los permisos que demos, el juego puede acceder a nuestros álbumes de fotos del móvil al completo, aunque también podemos decirle que solo use ciertas fotografías (sí, también puede coger imágenes de vuestra carpeta de Whatsapp, por ejemplo), por si no queremos ver la cara del jefe en la partida.

El título reconoce dónde hay rostros y los coloca donde corresponda en cada minijuego, para que nos veamos sorbiendo un batido, disfrazados de bebé, bailando con un tutú...

Incluso aprovecha fotos donde no haya rostros claros para ciertos minijuegos en los que, por ejemplo, hay que construir un puzzle rápido.

Cómo se divide Pictonico! y cuánto cuesta

Aunque la descarga de Pictonico! es gratuita, los minijuegos se agrupan por volúmenes. El Volumen 1 cuesta 7,99 euros y trae 30 minijuegos. El Volumen 2 aporta otros 30 y cuesta 5,99, para que nos sea más fácil "picar".

A la hora de ponernos a jugar, tenemos 3 modos principales. Por un lado, Niveles. En él, tenemos 20 niveles, cada uno de ellos con 10 microjuegos que hay que superar del tirón. Disponemos de 3 vidas (vamos, que podemos fallar 3 veces) antes del Game Over.

Lógicamente, los microjuegos se acaban repitiendo, sobre todo si solo tenemos el Volumen 1, pero su dificultad va aumentando con cada nivel y, además, los microjuegos tienen variantes en lo que se muestra o en los movimientos que hay que hacer.

Todos los microjuegos se superan con sencillos controles táctiles, ya sea tocando algo, arrastrando o haciendo pinza para hacer un zoom.

Al superar ciertos niveles, desbloqueamos pequeños extras, como un mayor nivel de dificultad para otros modos. Y ojo, que en dificultad alta el ritmo es absolutamente frenético...

El siguiente modo es Dispara y juega: si no quieres usar las fotos de la memoria del móvil, puedes hacerte una o varias fotos al vuelo (lo cual sirve también para que juegues junto a alguien del que no tuvieras fotos en memoria) y lanzarte a por varios microjuegos.

Por último tenemos Frenesí, una especie de modo Supervivencia en el que hemos de superar tantos microjuegos seguidos como podamos.

Por último, podemos repasar todos los microjuegos desbloqueados o entrar en el modo 10 al azar... para eso, para superar 10 microjuegos al azar.

Cachondeo exprés

Hagas lo que hagas, el enfoque es participar en algo rápido, para echarte unas risas al esperar el autobús y poco más.

Lo cierto es que, incluso cuando ya has visto los microjuegos del primer volumen, te pueden seguir haciendo gracia al cargar nuevas fotos que no te esperabas.

A nivel técnico, el juego es muy simple y busca una estética cómica y directa para que todo el mundo se anime a participar, pero usa pequeños trucos como deformar las caras para que parezca que lloramos, que nos alegramos, etc.

Además, carga los microjuegos al instante, junto con las fotos, por lo que no hay tiempos de espera. Eso sí, para agilizar el proceso, no para de cargar fotos en segundo plano siempre que estamos en los menús del juego.

Si sois como nosotros, que literalmente tenemos miles de fotos en memoria, esto puede provocar que el juego chupe batería que da gusto.

¿Y hay alguna trampa a nivel de gasto extra? No, por suerte en Nintendo son muy transparentes con esto y el único gasto real son, por ahora, los dos volúmenes de microjuegos (suponemos que llegarán más en el futuro).

Existe una moneda dentro del juego, que ganamos al superar partidas y sirve para dos cosas: para continuar si perdemos antes de terminar un nivel o para sacar las Fotofortunas, una especie de cromos virtuales "motivacionales". No sirven para nada, pero podéis compartirlos con los amigos en redes sociales y son graciosos.

En conjunto, Pictonico! es un divertimento sencillo y directo que entiende la plataforma en la que se lanza. Es verdad que el efecto novedad solo dura un par de días y que quizá el precio sea demasiado elevado (sobre todo, si van a lanzar más volúmenes), pero es un poco como las pipas: es algo tan bobo y tan rápido que siempre apetece ponerse un ratito.

Es más, si atendemos a las fechas, Gothic se lanzó un año antes que The Elder Scrolls: Morrowind, que está considerado como uno de los mejores y más importantes RPGs de todos los tiempos. Y sobra decir que, aun siendo muy distintos, el juego del estudio alemán no tiene nada que envidiarle.

El remake de Gothic corre a cargo de Alkimia Interactive, un estudio de Barcelona, aunque entre sus filas se encuentran algunos de los desarrolladores del juego original.

Tras pasar unas cuantas horas sumergidos en su mundo y descubriendo por las malas que los orcos no se andan con tonterías, vamos a ver qué tal les ha quedado.

El análisis de Gothic 1 Remake para PS5, Xbox Series X|S y PC de Hobby Consolas:

• El gameplay de Gothic 1 Remake
• Nivel de dificultad de Gothic 1 Remake
• ¿Cuántas horas de juego dura Gothic 1 Remake?
• Cuánto cuesta Gothic 1 Remake y dónde puedes comprarlo
• La opinión de Hobby Consolas de Gothic 1 Remake
• Nota: lo mejor y lo peor de Gothic 1 Remake

Jugabilidad y gameplay de Gothic 1 Remake

Para empezar, la premisa de Gothic 1 Remake es de lo más interesante: debido a la cruenta guerra contra los orcos, el rey de un reino de fantasía medieval decide obligar a todos los reos de las prisiones a excavar un preciado mineral con el que forjar poderosas armas.

Unos magos crean una "burbuja" protectora alrededor de la zona de excavación para que ningún prisionero pueda escapar, pero un sabotaje provoca que todo el mundo -magos incluidos- se quede atrapado dentro de la cúpula mágica. Los prisioneros no tardan en amotinarse y hacerse con el control del interior... y el mineral.

Nosotros nos ponemos en el papel de un prisionero que acaba de ser lanzado al interior de la cúpula-prisión, que es el mundo abierto en el que tiene lugar Gothic 1 Remake.

Y uno de los aspectos más llamativos, tanto del juego original como de esta revisión, es que empezamos la aventura de cero. Y diréis: «bueno, pues como en casi todos los RPG». Pero no: aquí es real a más no poder.

Somos unos don nadie cuya palabra frente a otros prisioneros y, no digamos ya guardias o magos, no vale absolutamente nada. No estamos equipados con armas, e incluso aunque nos hagamos con una espada desgastada o un hacha que se cae a pedazos, somos tan débiles que incluso una rata topo puede matarnos de dos mordiscos. Y como se nos ocurra enfrentarnos a una amenaza mayor, como un lobo u otra persona, vamos a acabar muertos o, peor aún, siendo desvalijados.

Por supuesto tampoco tenemos dinero ni comida ni ropa en condiciones ni un atisbo de magia. Las primeras horas de Gothic son realmente duras y pueden echar para atrás a muchísimos jugadores. Luego hablaremos más sobre la dificultad, pues en ese aspecto el remake añade novedades interesantes, pero es importante dejar esto claro para que nadie se lleve un disgusto: tened en cuenta que las primeras horas son más de hablar, de ir conociendo a personajes, tomando decisiones, descubriendo quién manda dentro de la cúpula, eligiendo a cuál de las tres facciones nos unimos, a qué enemigos podemos enfrentarnos y de cuáles debemos huir como alma que lleva el diablo. Es, por así decirlo, uno de los RPGs más realistas que existen a la hora de hacer empezar desde lo más bajo.

Y pese a lo duro y frustrante que puede resultar en esas primeras horas, si somos pacientes y perseveramos, la sensación de progreso en Gothic no tiene parangón. Pasar de morir de un golpe contra cualquier enemigo a derrotar a un orco (sudando lo suyo) por primera vez, es algo indescriptible.

Pero todo eso ya era así en el juego original, ¿qué es lo que ha cambiado a nivel jugable en este remake? Pues incontables cosas, tantas... que es imposible listarlas todas. Lo más importante es que ahora es un juego mucho más amigable en todos los aspectos: el control tanto al desplazarnos como al combatir, el inventario, la forma de interactuar con el mundo... Todo se ha renovado y modernizado.

Ahora bien, tiene ciertos elementos que, aun no siendo heredados del juego original, le dan un toque muy añejo y hacen que este remake se sienta más como un juego que podría haber sido lanzado hace unos diez años. Por poner un ejemplo: cuando tenemos el arma desenfundada, para interactuar con NPCs y objetos, debemos realizar una combinación de botones... y os podéis imaginar lo fácil que es olvidarse de esto y acabar propinándole un espadazo a alguien.

Uno de los añadidos que más se agradecen es el glosario. Se trata, como su nombre indica, de un compendio con información detallada sobre prácticamente todo, desde mecánicas jugables hasta consejos para progresar. Al ir conociendo personajes, el glosario se actualiza con sus fichas, algo que es realmente útil dada la importancia que tienen los distintos NPCs en este juego.

Ahora bien, incluso en este aspecto, el remake de Gothic deja un sabor de boca muy añejo. Aun pudiendo conseguir un mapa en el que poner indicadores o tener una forma de seguir las misiones, el juego NUNCA nos da las cosas hechas ni nos señala dónde debemos ir.

Puede que nos pidan que robemos el cofre de una persona, algo que ya de por sí es complicado porque el minijuego de las ganzúas es de todo menos fácil y si nos pillan infraganti adiós muy buenas... Pero, además, buena suerte descubriendo cuál de las tres casas con cofres en su interior es la que buscamos. También puede que nos pidan que vayamos a una colina en busca de setas, pero buena suerte descubriendo dónde está esa colina, aun con las (vagas) indicaciones que nos dan. Y todo esto mientras tienes a un pesadísimo NPC que te sigue a todas partes y no deja de darte la tabarra para poner a prueba tu paciencia (bastante aguanté antes de quemarlo vivo con una antorcha).

Pero son esa clase de cosas lo que hacen que Gothic sea un juego con tanto encanto. Además, como RPG también incluye muchas posibilidades, pues además de la progresión del personaje, que podemos moldear a nuestro gusto centrándonos en diferentes estadísticas, armas, magia o sigilo, también tenemos un montón de sistema como combos de combate, cocina, forja, caza, extracción de minerales, fabricación, comercio e incluso drogas. Es un juego completísimo.

Y dado que estamos ante un remake, el apartado audiovisual también ha experimentado una importante mejora. A nivel gráfico se ve bastante bien, especialmente los escenarios, que nos dejan estampas muy chulas, pero en lo referente a las animaciones volvemos a tener esa sensación de juego que se podía haber lanzado hace diez años, pues son todas muy robóticas.

Además, en consola (PS5, que es donde lo hemos jugado), el juego no incluye ajustes visuales que permitan elegir entre gráficos y rendimiento y se mueve a 30fps. La banda sonora no es particularmente destacable, pero los diálogos han sido todo regrabados usando un guion revisado que es más fiel al del juego original. Y dada la cantidad de diálogos que hay en Gothic, hay que aplaudir el enorme trabajo que han hecho.

El gran problema de este remake de Gothic es, paradójicamente, el mismo problema que tuvo el juego original cuando se lanzó: tiene muchos bugs. A lo largo de nuestra partida nos hemos topado con toda clase de problemas, desde cosas sin demasiada importancia, como NPCs flotando... hasta otras menos graciosas como misiones que se han roto y no hemos podido continuar o cuelgues que nos han hecho perder bastante progreso.

Hablamos de un juego muy grande, un RPG con muchos diálogos, NPCs con rutinas y reacciones, diferentes caminos tanto para misiones secundarias como la historia principal, toneladas de objetos, armas, sistemas... Así que es comprensible cierto grado de error, pero ahora mismo recomendaríamos esperar un tiempo antes de jugar.

Porque hoy mismo se ha publicado un nuevo parche de cerca de cuatro gigas que probablemente corrige unas cuantas cosas, pero entre que ha llegado hoy (el día que se publica el análisis) y que han mandado el juego con poquísimo tiempo de antelación, no hemos tenido tiempo de probarlo.

¿Es difícil Gothic 1 Remake?

Como decíamos antes, una de las gran novedades del remake de Gothic está relacionada con la dificultad. En lugar de tener una única dificultad sin posibilidad de cambios, como el original, este remake incluye cuatro opciones diferentes: fácil, Gothic, difícil y personalizada.

La dificultad Gothic vendría a ser el equivalente a normal, ofreciendo un desafío moderado e índices de progreso justos... Pero ya os avisamos que es un juego brutalmente difícil si no tenéis mucha paciencia.

Independientemente de la dificultad, también podemos activar un ajuste que ayuda a la dificultad del combate y la muerte permanente para quien quiera la experiencia más hardcore posible.

¿Cuántas horas dura la historia de Gothic 1 Remake?

Si el juego original ya ofrecía una cantidad considerable de contenido, el remake de Gothic 1 lo amplía añadiendo nuevas localizaciones y ampliando otras, nuevas misiones para los distintos campamentos, nuevo contenido que profundiza en los orcos y su cultura... Y ciertas cosas que estaban planeadas para el juego original pero no pudieron ser implementadas por falta de tiempo y recursos.

De esta manera, una partida de Gothic 1 Remake puede llevarnos entre 40 y 50 horas de duración. Ahora bien, el juego cambia bastante en función de a cuál de los tres campamentos nos unamos, por lo que es muy rejugable y ofrece aún más horas a quienes quieran exprimirlo al máximo.

Precio y plataformas disponibles

Gothic 1 Remake se lanza para PS5, Xbox Series y PC el 5 de junio de 2026 (es decir: hoy) a un precio recomendado de 59,99€, tanto en formato físico como digtal,

Además, al hacernos con el remake, nos llevamos de regalo Gothic Classic, un port del juego original a plataformas actuales.

Un remake a la altura del clásico... pero que necesita más tiempo en la forja

El remake de Gothic es uno de los RPGs más duros que os podéis echar a la cara, tiene mecánicas y un apartado visual que parecen de hace diez años y es una experiencia que requiere una paciencia enorme.

Y eso es, precisamente, lo que hace que sea tan especial.

El equipo de Alkimia Interactive ha conseguido renovar Gothic, modernizando sus controles y apartado audiovisual, así como añadiendo una gran cantidad de novedades y contenido, y, al mismo tiempo, han conseguido que en todo momento se sienta como una experiencia añeja y fiel a la obra original.

Está claro que no es un juego para todo el mundo, igual que no lo era el original, pero los RPGs (los videojuegos, en general) de los últimos años se han ablandado y Gothic 1 Remake nos pega un buen hostiazo de realidad desde los primeros minutos que nos recuerda cómo solían ser los juegos antes.

Así que si sois la clase de jugadores que valora que no se lo den todo hecho, tenéis la suficiente paciencia para explorar cada rincón, hablar con todos los NPCs, guardar partida continuamente para evitar sustos desagradables y apreciáis un sistema de progresión fiel a la realidad... vais a gozar de Gothic 1 Remake.

Fútbol sencillo y directo. Tal y como voy a comentar en este análisis de eFootball Kick-Off, el juego no tiene ideas pretensiosas, simplemente desea ser una divertida alternativa en Nintendo Switch 2 a un precio reducido de 20 euros. ¿Cómo quiere ganarse a los fans del deporte rey?

Pues entregando eso, fútbol rápido y arcade que ignora los sobres y las desesperantes microtransacciones que han secuestrado por completo a su rival histórico. Konami ofrece partidos tan simples como una pachanga con colegas, en donde la diversión es lo importante.

Y sí, quizá esté por detrás del nivel jugable de la Champions del género, pero he disfrutado bastante más de lo esperado de lo que aquí se propone. Te cuento todo lo que debes saber de este fútbol portátil en este análisis de eFootball Kick-Off para Nintendo Switch 2:

• Licencias de eFootball Kick-Off: equipos, ligas y estadios disponibles
• ​El gameplay de eFootball Kick-Off: accesibilidad en Nintendo Switch 2
• ​El contenido de eFootball Kick-Off: modos de juego, multijugador y extras
• ​La opinión de Hobby Consolas sobre eFootball Kick-Off
• ​Nota: lo mejor y lo peor de eFootball Kick-Off

Todas las licencias, equipos, ligas y estadios de eFootball Kick-Off

Empecemos por uno de los talones de Aquiles de la saga PES y que aquí vuelve a estar presente. eFootball Kick-Off no cuenta con tantas licencias como EA Sports FC y hay ausencias especialmente dolorosas, aunque, si eres un nostálgico, seguro que te saca una sonrisa ver de vuelta a algunos equipos míticos como el Madrid Chamartín.

En términos de equipos y ligas, eFootball Kick-Off cuenta con unas cuantas ligas profesionales y con los nombres reales de los jugadores, pero no con las licencias de todos los equipos. Faltan muchos nombres históricos, eso está claro y tampoco hay ni rastro del fútbol femenino.

Por aquí te dejo un listado con las ligas europeas presentes y los equipos que sí tienen licencia, el resto, como te puedes imaginar, son clubs con nombres inventados con los jugadores reales al estilo Vasco Gipuzkoa AB (Real Sociedad) o Sevilla Triana VB (Betis).

• Liga Inglesa (nombre sin licencia): Manchester United y Arsenal FC
• ​2da División Inglesa (nombre sin licencia)
• Liga Española​ (nombre sin licencia): FC Barcelona
• ​​2da División Española (nombre sin licencia)
• Liga Italiana (nombre sin licencia): Udinese, Como, Atalanta, Inter Milán, AC Milan, Hellas Verona FC, S.S. Lazio, Torino FC, Parma y Pisa
• ​​​2da División Italiana (nombre sin licencia)
• ​Ligue 1 McDonald's: Todos los equipos salvo el Toulouse
• Ligue 2 BKT: Todos los equipos salvo el Montpellier
• Liga Portugal Betclic
• Trendyol Süper Lig
• VriendenLoterij Eredivisie
• Liga belga (nombre sin licencia)
• Liga suiza (nombre sin licencia)
• Scottish Premiership
• No hay Bundesliga, pero sí tres de sus equipos: Borussia Dortmund, Bayer Leverkusen y Eintracht Frankfurt

En lo que respecta a otras ligas tenemos la liga brasileña con equipos con licencia como el Santos, Sao Paulo, Corinthians, Palmeiras, Bragantino o el Flamengo. La liga argentina con River Plate y Boca Juniors y las ligas colombiana y chilena, aunque sin licencia.

África cuenta con las selecciones de la CAF y Asia está representada con la gran mayoría de ligas, no faltando la Meiji Yasuda J1 japonesa, con todas las licencias, incluido el Cerezo Osaka, cuya afición arenga al equipo en perfecto castellano. Para algo Konami es nipona. Tampoco faltan las selecciones que acuden al Mundial 2026.

Por último, en lo que respecta a estadios, también tenemos no pocas bajas. Básicamente, eFootball Kick Off cuenta con una veintena de estadios, entre los que destacan el Spotify Camp Nou, Old Trafford, Emirates Stadium, San Siro o La Bombonera.

El gameplay de eFootball Kick-Off en Switch 2: así se juega al nuevo PES

En términos jugables no esperaba gran cosa de este eFootball, pero lo que me he encontrado ha terminado convenciéndome. El manejo de los jugadores y su desplazamiento como equipo sobre el césped se sienten muy bien a los mandos, incluso pese a no ser perfectos.

Kick-Off ofrece un fútbol ágil y rápido (aunque a veces demasiado "correcalles") que busca reacciones instantáneas que provoquen un tira y afloja ofensivo y muchos goles. Es muy arcade al presentar el esquema de controles al que podría estar habituado cualquier fan de la saga (incluso también hay opciones más simplificadas), lo que genera un aura de nostalgia que pega más fuerte que Valverde (o Tchouaméni, depende de lo que estemos hablando).

No obstante, también es cierto que no está al mismo nivel que EA Sports FC en cuanto a profundidad y desempeño técnico. Hay detalles que lo dejan claro, como ciertos "extraños" en las físicas y colisiones al bregar por balones divididos, algunas animaciones en el control del esférico o la consistencia de este, que a veces parece hueco con mucho rebote y otras se siente como un balón medicinal.

También creo que el juego necesita un par de ajustes clave con algún parche. Los porteros son terribles; estacas que se dejan marcar no solo en los mano a mano, sino en tiros que podría parar hasta un servidor (y no es que yo vaya fino con las manos, precisamente).

Por otro lado, creo que los pases al hueco son letales (para bien y para mal). Hay jugadas que pueden establecerse con tan solo un buen pase elevado a la banda. Bajaría un poco este punto y subiría la dificultad de la IA, ya que, a mínimo que tengas una trayectoria, la únicas opciones válidas son "Muy Difícil" o "Clase Mundial".

Y pese a esas pegas, como digo, el juego es muy disfrutón, en parte porque también luce correcto en lo gráfico. Una vez más, no cuenta con el detalle técnico de la competencia, pero la iluminación es competente y el parecido de los jugadores cumple.

Además, en un apartado clave, eFootball Kick-Off va como un tiro en Nintendo Switch 2. El juego corre a 60 fps en modo dock y también en portátil, un auténtico lujazo para disfrutar de ese fútbol fluido y al primer toque del que hablaba antes.

Los modos de juego de eFootball Kick-Off, multijugador y contenido extra

La propuesta en cuanto a contenido que pone encima de la mesa eFootball Kick-Off también recuerda a tiempos pasados en donde lo que importaba era el deporte y no los sobrecitos o las monedas. Es escueta y busca sencillez, menos gestión y más fútbol.

Por un lado, ese enfoque me convence, pero es cierto que se echa en falta variedad y profundidad. Kick-Off trae partidos rápidos (11 vs 11 y 6 vs 6), un modo Copa Internacional para replicar el Mundial 2026 (con las fase de grupos calcada) y Gira Mundial, un modo en el que creas a tu equipo y vas compitiendo en todas las ligas disponibles en el juego.

Este último modo se queda muy corto. La progresión no está bien estructurada, ya que puedes fichar a jugadores muy buenos a los pocos partidos, apenas hay personalización del club más allá de confeccionar la plantilla y no cuenta con opciones de gestión con verdadera enjundia. Eso sí, que estén los míticos Castolo y compañía me ha sacado una buena sonrisa al descubrirlo.

Por desgracia, la oferta de modos termina aquí. No se puede preparar un torneo personalizado, no hay una trayectoria para un solo jugador... Kick-Off se queda muy corto en este sentido. ¡Aquí se necesitaba una Liga Master de PES de toda la vida!

En cuanto a otros extras, tenemos un par de minijuegos bastante simpáticos (un circuito de obstáculos por relevos y otro una suerte de partido basado en el air hockey). He de reconocer que me han parecido sencillotes, pero divertidos y retadores.

Y claro está, también tenemos el modo multijugador, que en Switch 2 explota con cantidad de opciones. Por un lado tenemos modo local de hasta cuatro jugadores (si sois dos podéis usar un Joy-Con cada uno), que se puede jugar en cooperativo en todos sus modos.

También está disponible el formato GameShare local en el que se puede compartir el juego desde una Switch 2 con hasta tres consolas más, y jugar con amigos que tengan incluso la Nintendo Switch original o una Switch Lite, por ejemplo.

Por último, tenemos el modo online con partidos rápidos, clasificatorios y partidos con amigos que permiten crear salas personalizadas. Por desgracia, no puedo ofrecer una valoración de su funcionamiento, ya que los servidores no han estado abiertos durante el periodo previo al lanzamiento en el que he analizado el juego, aunque para ello necesitas suscripción a Nintendo Switch Online.

PES-e a no ser perfecto, sí que tiene su toque

eFootball Kick-Off arranca un nuevo partido en Nintendo Switch 2. Konami vuelve a poner a su saga de fútbol tras una modesta barrera de pago que bloquea sobres y otras tendencias nocivas que han afectado al máximo exponente del fútbol en los videojuegos.

Claramente, no es el título que vaya a dominar el género, pero sí que consigue ser el juego de fútbol "realista" (al margen de propuestas como Captain Tsubasa 2 World Fighters) más atractivo que se puede encontrar ahora mismo en Switch 2.

Posee una jugabilidad más humilde para los actuales estándares, hay aspectos como los porteros que se pueden mejorar (esperemos que haya parches) y va corto de contenido que aporte profundidad, pero aún con esas pegas, el tinte nostálgico y sencillo de eFootball Kick-Off se disfruta enormemente. Toca y vete, cacahuete.

Desde que empezó 2026, Nintendo Switch 2 ha sacado toda la artillería para posicionarse como una consola muy capaz con los juegos multiplataforma, gracias a los fabulosos ports de títulos como Resident Evil Requiem, Dragon Quest VII Reimagined, Pragmata o Indiana Jones y el Gran Círculo que, aun con pequeños sacrificios, dan la talla. Y ahora, en este análisis de Final Fantasy VII Rebirth para Nintendo Switch 2, toca ver si esta tendencia se mantiene... o no.

No podemos olvidar que el punto de partida de Rebirth es distinto al de FFVII Remake. Primero, porque no fue un juego intergeneracional, se lanzó solo en PS5 (y meses después llegó la versión para PC), lo que permitió elevar el listón técnico. Segundo, el desarrollo se acerca más al de una aventura en mundo abierto, con grandes zonas que podemos explorar libremente, mientras que FFVIIR, era más "pasillero".

Aunque las dudas estaban ahí, la extensa demo de FFVII Rebirth para Nintendo Switch 2, que abarca los dos primeros capítulos, despejó parte de estas dudas, pero ahora toca dar el veredicto final con el juego completo. al que hemos tenido acceso con antelación.

Eso sí, como en los análisis de otros ports, en esta review de Final Fantasy VII Rebirth para Switch 2 me voy a centrar sobre todo en las novedades, diferencias con el resto de versiones y el apartado técnico.

Si quieres profundizar más en su gameplay, su sistema de combate, hasta dónde abarca la historia respecto al original de PlayStation y otros detalles, te recomiendo que leas el análisis de Final Fantasy VII Rebirth para PS5, ya que ahí vas a encontrar toda la información que buscas, porque en términos de contenido, el juego es el mismo.

Cuenta con los mismos 14 capítulos, con los mismos personajes que podemos manejar en combate (incluida Yuffie, Red XIII o Caith Sith, a los que se suma esporádicamente Sefirot o Zack) o las novedades que se introdujeron en los combates, como las acciones coordinadas y que marcan todavía más distancia respecto a los turnos del FFVII clásico.

Donde sí hay que decir es en la calidad del port de Final Fantasy VII Rebirth para Nintendo Switch 2, que recupera algunos aciertos del anterior, como las mejoras de "calidad de vida" para disfrutar del juego como a ti te de la gana, aunque también presenta nuevos problemas al tratarse de un juego bastante más exigente...

Las novedades de Final Fantasy VII Rebirth en Nintendo Switch 2

Aunque el contenido del juego es exactamente el mismo, al igual que Remake Integrade esta nueva versión para Nintendo Switch 2 y Xbox también cuenta con una serie de mejoras que llegarán al resto de plataformas vía actualización gratuita.

Se trata de la "partida potenciada", la posibilidad de iniciar una partida nueva con algunos aspectos mejorados para que la experiencia sea más asequible. Así, de manera automática comenzamos en el nivel 65, y contamos con suficientes puntos para desbloquear las habilidades a medida que nuestro grupo sube de nivel.

Algunos lo verán como hacer "trampas", y lo entiendo, pero es algo que no tienes que tocar para nada, y eres completamente libre de empezar una partida normal sin ninguna ayuda de este tipo. Creo que es bueno que se incluyan estas opciones porque no todo el mundo tiene la habilidad, tiempo o paciencia para disfrutar de un JRPG de estas dimensiones, y quizá solo quieras entrar en su historia sin frustrarte o tener la opción de superar un jefe que se te resiste.

Independientemente de esto, en los ajustes podemos acceder a algunas opciones que permiten ajustar todavía más el nivel de desafío, y que nos dejan elegir si queremos jugar con las materias al máximo nivel, con dinero ilimitado, el nivel de experiencia que ganamos tras cada combate y otras variables para acomodar la experiencia del juego a nuestro paladar. Si es la segunda o tercera vez que lo juegas, como es mi caso, es una gran forma de minimizar el farmeo y subida de nivel.

A título personal, agradezco que Square Enix de estas facilidades, porque no todo el mundo quiere disfrutar del juego de la misma manera, o quiere enfrentarse a jefes que, quizá, requieran haber dedicado 3 horas combatiendo con enemigos menores para llegar con el nivel adecuado para derrotarlos, por ejemplo...

Al margen de estas novedades que llegarán al resto de versiones, también puedes conseguir algunos objetos de bonificación, como por ejemplo, si has jugado a la demo y tienes una partida guardada, o si has hecho lo propio con Final Fantasy VII Remake, caso en el que conseguirás una invocación.

Para ello, tendrás que ir a la opción caja de regalos, y allí encontrarás este contenido. No es gran cosa ni cambia por completo la experiencia, pero menos da una piedra...

Por último, también se ha añadido la opción de acelerar las escenas de vídeo, que ahora se pueden reproducir a 1,5x de velocidad, si dejas presionas R2, lo que también produce una leve distorsión del sonido.

Un detalle que quizá esté pensado para las nuevas generaciones, que reproducen los vídeos o escuchan los audios a mayor velocidad... aunque personalmente no lo entienda. Sigue estando la opción de saltar las escenas directamente...

El apartado técnico de Final Fantasy VII Rebirth en Nintendo Switch 2

Es el apartado en el que hay más lana que cardar. Pero, por ir poniendo las cosas en perspectiva, me parece muy meritorio que Square Enix haya logrado condensar un juego más ambicioso y grande en todos los sentidos en una plataforma que, sobre el papel, técnicamente es más limitada, en parte porque la mitad de su naturaleza es la de una consola portátil, con la que puedes jugar en cualquier parte y que no es más grande ni ancha que una tablet de 7 pulgadas.

Prueba de ello es que aquí no vas a encontrar modos gráficos que permitan elegir entre rendimiento o calidad de imagen. No hay opciones para elegir, el juego solo tiene un modo de ejecución y es lo que hay, como pasó también con Remake Integrade.

Por ir afinando más el tiro, en el análisis de FFVII Remake Integrade para Switch 2 dije que, en muchas ocasiones parecía un juego de PS5, y eso aquí se mantiene a menudo, sobre todo si juegas en modo TV, con la consola en el dock, como es el caso de las secuencias cinemáticas. De hecho, diría que se mueven por encima de los 30 fps, y se ven de escándalo, al nivel del resto de versiones.

Lo mismo es aplicable a las zonas más contenidas, los niveles y mapas más pequeños y lineales (por ejemplo, "mazmorras" o escenarios cerrados como una mina), donde el juego sigue exhibiendo un poderío visual sin mucho que envidiar el resto de versiones, con detalles como una iluminación muy cuidada, personajes con más detalle o una notable reducción del ruido en el pelo provocado por el DLSS (aunque en otras partes sigue siendo muy evidente).

De nuevo, jugando en modo TV, lo normal es que estas zonas se muevan a 30 fps muy estables, pero igualmente, hay zonas que parecen ir un poco más "sueltas" y son capaces de rascar algún fps más, aunque ni por asomo vas a ver los 60 fps de la versión de PS5 (que funcionaba todavía mejor con una PS5 Pro).

La cosa cambia un poco cuando hablamos de los mapas que son como pequeños mundos abiertos y que podemos explorar libremente. En estas zonas más grandes sigue apuntando a los 30 fps, pero puede tener caídas puntuales por debajo de esa cifra, sobre todo si los recorremos a la velocidad del rayo montados en un chocobo (o en el interior de ciudades como Costa del Sol, pilotando en un birrueda o vehículo al estilo de los Segway).

En esos casos, la tasa de frames se vuelve más inestable, y junto a la resolución dinámica para intentar mantener el tipo, puede resultar en que la imagen sea también un poco más borrosa, aunque depende de la carga visual que tenga la zona, como más vegetación, más NPCs en pantalla... A esto hay que sumar otros defectos visuales, como un popping mucho más evidente (en PS5 y PC también estaba presente, pero aquí los objetos aparecen de manera súbita mucho más cerca).

Así, en las zonas abiertas, muchos matorrales y detalles del entorno aparecen de manera súbita o cargan la textura a mayor definición cuando estamos cerca; lo mismo pasa con las sombras o con elementos del escenario, al movernos por un camino repleto de piedras, cuyas sombras cargan demasiado cerca de nosotros.

No son los únicos casos, ya que dentro de las ciudades también hay ejemplos de este tipo de detalles, como ventanales o barandillas de madera que no muestran todo su detalle hasta que estamos cerca. O incluso una banda de jazz en un bar: escucharás su música, pero los miembros solo aparecerán cuando te vayas acercando al escenario.

En algunos casos, el nivel de detalle también puede ser menor, como que haya menor densidad de plantas, o que estas tengan un menor nivel de detalle... pero salvo que hayas jugado cientos de horas a la versión de PS5, no es algo que sea especialmente evidente.

También ha heredado del resto de versiones los problemas puntuales con la iluminación (esto es más de Unreal Engine 4 que del juego en sí), con zonas que se vuelven demasiado oscuras de repente, o que no logran crear el contraste de luz adecuado (por ejemplo, oscureciendo demasiado una zona al entrar la luz por otra).

Como he mencionado antes, el problema del pelo ocasionado por el DLSS sigue aquí presente, si bien es cierto que hay momentos en los que es mucho menos evidente. No es así en las escenas en las que interviene el agua, en las que se genera todavía más ruido, tanto en el agua como en el propio pelo. Tampoco es algo que suceda mucho, pero cuando se produce, canta bastante...

Como he dicho en otros análisis de Nintendo Switch 2, tampoco ayuda que las capturas que saca la propia consola hacen bastante más visibles estos defectos. Si ves el juego en movimiento, se aprecia el ruido en el pelo, pero no de la manera tan salvaje que reflejan algunas capturas.

También hay males "menores" mucho más puntuales, como texturas a baja resolución (algunos documentos, letreros y carteles son ilegibles o están muy pixelados... y recuerdan el infame fallo de la textura de la puerta de FFVII Remake en PS4), hay objetos que "botan" al cambiar de cámara en algunas secuencias...

¿Y qué hay de los combates? Pues lo cierto es que se mantienen a 30 fps rocosos, y no he sufrido caídas ni nada raro incluso en los momentos más mogolloneros. De hecho diría que son todavía más impresionantes, ya no solo por las acciones sincronizadas (que dejan algunas acciones en tándem bastante molonas), sino porque algunos efectos, como el fuego o el humo, están genialmente recreados.

También vas a percibir que, en algunos momentos y combates, especialmente los que tienen lugar en el mundo abierto, gracias a la resolución dinámica la tasa de frames se mantiene a costa de reducir la nitidez y calidad visual del juego durante unos breves instantes, haciendo que la imagen sea un poco más borrosa cuando confluyen muchas partículas, efectos, personajes y, en general, movimiento.

De hecho, la resolución de Final Fantasy VII Rebirth en Switch 2 se mueve entre dos extremos: uno máximo de 1920x1080 y uno mínimo de 960x540, que reescala gracias al DLSS de Nvidia, aunque haciendo que algunos de los mencionados fallos sean más evidentes cuando la resolución cae a mínimos.

Pero insisto, jugando en dock, en ningún momento he sentido estos defectos como algo que rompa la experiencia. En general, FFVII Rebirth está bien adaptado para que sea perfectamente disfrutable en Nintendo Switch 2, con algunos ajustes y recortes en la parcela visual que, sinceramente, están dentro de lo esperado y no son un disparate.

Estamos hablando de un juego más demandante y exigente que FFVIIR... y que, salvando las distancias y entendiendo que son plataformas distintas, me parece que se ve mejor y más nítido que en Steam Deck (no está de más decir que el hardware de Valve tiene cuatro años de vída, frente a uno que hace Switch 2 esta semana).

Mención especial a que, jugando en dock, mi Switch 2 se ha calentado, pero en ningún momento ha disparado los ventiladores de la consola, ni ha empeorado su rendimiento tras sesiones de más de 3 horas de juego seguidas. Vamos, que está todo muy bien ajustado...

¿Y en modo portátil, que tal rinde Final Fantasy VII Rebirth para Nintendo Switch 2?

Todo lo anterior es aplicable al modo portátil de FFVII Rebirth en Nintendo Switch 2, casi, casi palabra por palabra, aunque con algunos matices y diferencias.

La primera es que aquí la resolución oscila entre 1344x756 y 672×380, haciendo que el juego se vea algo más borroso más a menudo: no está de más recordar, que la resolución máxima de la pantalla de Switch 2 en modo portátil es de 1080p.

Que se vea más borroso se debe a que la consola no "despliega" toda su capacidad si no está en el dock, y en este caso en concreto, es más evidente que en otros juegos y ports que he podido probar en el primer año de vida de Switch 2, como Yakuza Kiwami 3 & Dark Ties, Fallout 4 Anniversary Edition, Star Wars Outlaws o Split Fiction.

Del mismo modo, aunque la tasa de frames también está bloqueada a 30 fps, aquí es posible notar que no va igual de "suelto" como jugando en el dock. Lo vas a notar al girar la cámara en el mundo abierto, al correr a lomos de un chocobo... no es que petardee más, es que no va igual de suave como al jugar en la tele. También pasaba en FFVIIR...

Pero, aunque se vea algo más borroso, y sea algo que pasa de manera más frecuente, como jugador que disfruta principalmente de Switch 2 en modo portátil, poder disfrutar de la experiencia tan enorme que propone FFVII Rebirth en cualquier sitio, me parece otro pequeño milagro más de la nueva consola híbrida, aunque sea a costa de reducir la nitidez en determinados momentos del juego.

Por último, en lo referente al modo portátil, con la batería de la consola cargada al máximo, he podido sacar más de 3 horas de juego, y aún así tenía todavía cerca de un 15% para poder seguir jugando.

Tampoco se ha calentado la consola más de la cuenta, y eso que he jugado en días donde la temperatura ha superado los 36 grados, lo que también habla muy bien del ajuste que ha realizado Squera Enix en este aspecto...

La opinión de Hobby Consolas de Final Fantasy VII Rebirth en Switch 2

Nintendo Switch 2 se ha enfrentado ya a ports complicados con resultados muy diferentes que, casi siempre, han dependido más de la habilidad del estudio para optimizar el juego que de los límites técnicos del hardware. Hemos visto "desastres" como Wild Hearts S, y trabajos meritorios, que aun con serios sacrificios técnicos, han mantenido la experiencia de otras plataformas, como Assassin's Creed Shadows.

Creo que Final Fantasy VII Rebirth es, hasta la fecha, el port más complicado al que se ha enfrentado Nintendo Switch 2, y aunque tiene los esperados recortes y algunos problemas como el popping, creo que Square Enix ha superado el trabajo con nota. Porque no era una tarea sencilla condensar todo el maremagnum de posibilidades, pequeños mundos abiertos, minijuegos y espectaculares combates, y que todo funcionara como en el resto de plataformas.

Porque eso es justo lo que consigue: replicar la experiencia vivida en PS5 y PC tal cual, limitando los frames a 30 fps, pero con un despliegue visual que exprime al máximo lo que puede dar de sí Switch 2. Sí, a veces se ve algo borroso, el defecto del pelo sigue presente (aunque lo disimula mejor), tiene fallos en en otros apartados... pero no es menos cierto que era un juego bastante más demandante y exigente.

Por eso, poder jugar a una aventura tan grande y repleta de contenido (si vas a por el 100% te esperan más de 150 horas de juego) en cualquier sitio, con esta calidad, aun con sacrificios, es digno de elogio, y más si os digo que no he tenido ni un solo cuelgue, ni ha hecho nada raro durante todo el tiempo que he jugado.

¿De qué estoy hablando? Te informo de que Wargaming, creadores de World of Tanks o World of Warships, han lanzado ya un nuevo spin off en PS5, Xbox Series X|S y PC que incorpora los sistemas de un hero shooter a los combates multijugador de carros blindados. ¿Funciona? Lo vamos a ver en este análisis de World of Tanks HEAT.

Y es que he pasado unas cuantas horas dentro de las cabinas de estas bestias de acero y ya te puedo contar qué me ha parecido esta nueva propuesta de batallas masivas de tanques. ¿Es este nuevo multijugador gratuito tan potente como un Leopard 2A8? Vamos a verlo:

La jugabilidad y sistemas de World of Tanks HEAT

World of Tanks HEAT está diseñado bajo una idea central: hacer de las batallas de tanques algo accesible, divertido y rápido. Este concepto base se desarrolla francamente bien. He de reconocer que sin ser yo un fanático de este tipo de tanquejuegos (más allá de Battlefield), la experiencia a los mandos jugando en PS5 ha sido muy entretenida.

Las barreras de entrada que pueden ofrecer juegos más compactos y profundos como el propio World of Tanks se difuminan con HEAT. Su naturaleza hero shooter con tanques y héroes con habilidades a lo Overwatch o Marvel Rivals ofrece unas batallas más cercanas.

El juego funciona y se siente familiar pese a ser un nicho porque acerca la esencia de WoT a un esquema similar a lo visto en títulos multijugador más de masas como Call of Duty. Lo que tenemos son batallas 10 contra 10 en diferentes mapas de gran tamaño y modos clásicos como Dominio, Baja Confirmada, Conquista y Punto Caliente.

La gracia, obviamente, es que lo que controlas es un tanque y lo haces con unos comandos sencillos que dan ligereza a estas moles, pese a que el "gunplay" se sienta pesado y contundente (como te debes sentir a los mandos de uno de estos monstruos).

A ese control refinado se le une la variedad que aporta cada héroe y cada tanque. Hay un total de ocho personajes divididos en tres categorías que seguro que te suenan. Tenemos los DPS encargados de asaltar posiciones y realizar ofensivas, los tanques (ahora más que nunca) que defienden y aportan utilidad y los tiradores, tanques con menor blindaje, pero letales a distancia (sí, también se puede dar asco campeando hasta en un juego de tanques). Todos los roles funcionan.

Los personajes, pese a que la mitad sean de daño, también se diferencian y cuenta con una habilidad definitiva y dos habilidades activas que se gestionan mediante energía. Todas son bastante determinantes, variadas y la ultimate puede cambiar el curso de una escaramuza por completo, aunque la animación al desplegarse te suele dejar en una situación bastante comprometida.

Más los personajes, con sus diferentes usos, no son lo importante. Los tanques son los protagonistas y su blindaje, tipo de disparo y añadidos que puedes incorporar dan lugar a configuraciones con el toque justo de profundidad para ofrecer diferentes estrategias en partida.

Dado que apuntar es bastante más sencillo que en un shooter convencional (los objetivos son mucho más grandes), la estrategia parte de saber atinar a los puntos débiles del enemigo, coordinarse con los compañeros, flanquear o saber cuándo retirarse.

Raro es que puedas eliminar a un rival de un par de disparos, así que tienes que tener clara tu posición, la posibilidad de que haya más enemigos o el modo de juego en el que te encuentras, pese a que no le vendría mal sumar elementos algo más realistas, como una mayor caída de bala. Todo es muy hero-shooter. Y aquí es donde entran los mapas.

Son bastante variados (en tamaño, carriles y ambientación), amplios y en general, bien diseñados, para que haya cambios de rasante o lomas, coberturas naturales, cuellos de botella o zonas abiertas, aunque operan bajo el diseño de un shooter como podría ser, de nuevo, Call of Duty. Es un planteamiento similar, solo que en vez de infantería hay artillería. Todo es más grande, a gran escala.

Los mapas quedan adornados por un apartado gráfico más vistoso y detallado que otros títulos de la compañía. Los efectos, detalle y climatología te meten en en cada enfrentamiento a 60 fps en consola, aunque se echa en falta una mayor destrucción en los escenarios. No es un fallo, pero sí que es verdad que el juego ganaría mucho más si pudieras echar abajo todo el mapa y sus múltiples elementos.

Monetización, progreso y algunos problemas

El gameplay de HEAT es más que solvente, pese a que no se engalane con una profundidad endiablada. El problema procede de su naturaleza de juego como servicio free to play (una vez más).

Este nuevo juego del universo World of Tanks se lanza en un momento en el que la industria ya está colapsada por este tipo de propuestas y modelos de monetización y, precisamente, HEAT tampoco se esfuerza en cambiar o innovar en este ámbito.

No he notado demasiado el pay-to-win, pero es cierto que los pases de batalla, los tres tipos de monedas, el contenido bloqueado tras horas y horas de progreso lento y artificial, las skins y otros cosméticos ya cansan demasiado en pleno 2026.

Es un punto positivo que cuatro de los ocho personajes estén disponibles (uno de ellos se desbloquea a las pocas horas), que los restantes se puedan obtener jugando (como en títulos como Apex Legends) o que los accesorios para el tanque o las pasivas de cada héroe se puedan ir consiguiendo a medida que subes de nivel, pero la barrera que impone el formato free to play es bastante tediosa al requerir monedas que solo se consiguen completando misiones.

Porque sí, al ser gratuito siempre puedes disfrutar de unas cuantas partidas y que HEAT tenga un enfoque más accesible hace que tengas garantizada una diversión inmediata, pero al final, esa accesibilidad sacrifica parte de la profundidad del juego y se lleva por delante un sistema de progresión que sea verdaderamente alentador.

Pasadas unas horas, los desbloqueos empiezan a verse muy lejanos, como siempre pasa en este tipo de juegos y quizá las partidas ya no sean tan interesantes como las primeras. Por desgracia, a World of Tanks HEAT se le salen las cadenas en este punto y se queda inmóvil.

Además, el juego presenta algunos textos menores no traducidos al español y conviene mencionar la utilización de contenido generado por IA en el desarrollo. La nota del juego en Steam dice lo siguiente: se utiliza únicamente durante el desarrollo de elementos complementarios, ninguno esencial, incluidos concepción del diseño, respaldo de producción del código y asistencia de localización.

"Tanqueando" el formato free to play

Y pese a esto, creo que no te vas a arrepentir de probarlo. A mínimo que te interesen los shooter o los juegos a lo Overwatch, creo que World of Tanks HEAT acierta de lleno para captar a un mayor público. No es el cénit de los hero shooter, al faltarle algo de dinamismo en los combates multitudinarios y en las sinergias entre jugadores, pero, desde luego, es algo bien distinto a lo visto con anterioridad.

Su naturaleza de free to play emborrona algunas de sus virtudes y quizá necesite de algún que otro sistema extra para no encallar pasadas las dos decenas de horas, pero en todo ese tiempo vas a librar batallas muy entretenidas y adictivas.

Lo importante es que, World of Tanks HEAT tiene una base sólida y es divertido. No cambiará el curso de la historia como sí lo hizo la batalla de Cambrai (te suelto el dato friki pedante de los tanques), pero cumple con el objetivo de entretener y aportar un toque distintivo.

Series como Patoaventuras, Chip y Chop: Guardianes rescatadores o La Tropa Goofy, entre otras, alcanzaron tal éxito que empresas del sector del videojuego como Capcom decidieron colaborar con Disney para realizar sus propios videojuegos.

Como fruto de esta colaboración, surgieron numerosos juegos, en su mayoría de plataformas, para, principalmente, NES, la primera consola de sobremesa de Nintendo. Parte del éxito que cosecharon las series de dibujos animados fue remitida a sus correspondientes videojuegos que, aunque algunos resultasen mejores que otros, todos ellos son dignos de recordar por una razón u otra.

Como resultado de lo anterior, además de la remasterización de DuckTales en el año 2013, en 2017 debutó The Disney Afternoon Collection, un recopilatorio con seis de estos videojuegos de 8 bits que surgieron de la colaboración de Disney y Capcom, para PS4, Xbox One y PC.

Este recopilatorio, además de ofrecer los seis títulos de los que os refrescaremos la memoria más abajo, incluye una serie de contenidos nuevos que enriquecen el producto de tal manera que lo hace posicionarse como una opción de disfrutar de estos clásicos más que apetecible para aquellos jugadores que no pudieron hacerlo en su momento.

Y desde febrero de 2026, las consolas Nintendo Switch y Nintendo Switch 2 cuentan con una versión actualizada del recopilatorio, que añade dos juegos más. Pero antes de meternos en harina, vamos a rebobinar y revisar cómo eran dichos juegos.

DuckTales y DuckTales 2

Las primeras colaboraciones entre Disney y Capcom dieron como resultado uno de los juegos de plataformas más recordados y mejor valorados de toda la historia: DuckTales. En este juego plataformero, se nos presentaba, una vez más, la avaricia de Tío Gilito (Scrooge McDuck en inglés) que le lleva a recorrer el mundo con el fin de conseguir más fortuna.

Con esta premisa, pudimos viajar por parajes tan distintos como una mina africana, el Himalaya, Transilvania, el Amazonas o hasta la mismísima Luna. Pero esto no fue lo que le hizo destacar por encima de otros títulos, sino las novedades que presentaba en cuanto a su jugabilidad se refiere.

Por aquel entonces, el sistema de juego en un videojuego se reducía, básicamente, a la utilización de un par de botones para saltar y atacar, condición que se cumple en DuckTales, pues únicamente podemos servirnos de los saltos y ataques con el bastón del Tío Gilito para avanzar en el juego, además de la cruceta claro está.

Es esta simplicidad lo que hizo que Capcom se quebrase la cabeza para sacarle el máximo partido y este fue el resultado: un juego de plataformas basado en una de las series de animación más famosas del momento en el que una adictiva jugabilidad, la posibilidad inusual de poder elegir la dificultad del nivel, así como una banda sonora notable crearon uno de los mejores juegos del catálogo de NES y la necesidad de una secuela poco tiempo después.

Chip 'n Dale Rescue Rangers y Chip n Dale Rescue Rangers 2

Otra de las colaboraciones entre ambas compañías propició la creación de estos dos títulos protagonizados por las intrépidas ardillas Chip y Chop, conocidas originalmente como Chip y Dale.

Aunque al principio estos dos personajes no tenían protagonismo, pues aparecían en los cortos de animación realizados por Disney desde la década de los cuarenta como unos simples habitantes del jardín del pato Donald, incluso carecían de nombre, con el paso del tiempo, tras ver que encajaban con la manera de enfadar al famoso pato, fueron ganando protagonismo hasta conseguir protagonizar su propia serie de animación, la misma que les catapultó a la fama mundial.

Por ello, tras cosechar un gran éxito, Capcom tuvo la idea certera de comprar los derechos de la serie para crear una saga de videojuegos basada en las ardillas y, gracias a ello, surgieron Chip 'n Dale Rescue Rangers y su secuela para NES. Aunque el apartado gráfico de estos títulos no fuese tan destacado, la posibilidad de jugar con un segundo jugador y el diseño de niveles de ambos títulos hicieron que estos dos juegos fuesen memorables para todos los fans de Disney que crecieron viendo la serie de animación.

TaleSpin y Darkwing Duck

Otra de las series de animación que se proyectaban durante el bloque televisivo The Disney Afternoon entre finales de la década de los ochenta y principios de la década de los noventa es TaleSpin, conocida en español como Aventureros del aire.

Esta serie tenía como protagonistas a varios personajes de El libro de la Selva, aunque, eso sí, de manera adaptada. A pesar de que no cosechó tanto éxito como las series de animación DuckTales o Chip 'n Dale Rescue Rangers, consiguió que Capcom crease su propio juego de plataformas con el mismo nombre.

Debido a la falta de creatividad que atravesó la compañía durante aquella época, el resultado fue un juego de tipo shoot 'em up adaptado para otras plataformas como Mega Drive que, si bien cumple de manera aceptable, la diversión que aporta jugarlo no es desmesurada.

Por su parte, Dawkwing Duck resultó ser un juego de plataformas basado en la serie de dibujos animados Pato Darkwing bastante notable por seguir, básicamente, la misma fórmula que la serie de juegos Mega Man.

Como resultado, tenemos un juego plataformero en el que nuestro objetivo es acabar con la ola de crímenes que afectan a St. Canard y S.H.U.S.H a través de numerosos niveles de plataformas, donde engancharse a elementos como ganchos o farolas era la principal baza de este superhéroe.

Goof Troop y Bonkers, los nuevos juegos en Switch y Switch 2

El juego ha sido actualizado para la versión de Nintendo Switch y Switch 2 añadiendo dos juegos más a esta colección, cerrando un recopilatorio con un total de 8 juegos que también está disponible en formato físico desde el 29 de mayo.

El plato fuerte es, sin ningún tipo de duda Goof Troop, una pequeña joya de SNES dirigida por Shinji Mikami previa a la creación de la saga Resident Evil. A grandes rasgos en un juego de acción y puzles con cooperativo para dos, con vista cenital y unos bellos gráficos.

Se puede decir sin miedo, que junto a Ducktales, es de lo mejorcito del recopilatorio. Por su parte, Bonkers, aunque sobre el papel parecía un interesante añadido, acaba siendo más una curiosidad que un buen juego.

Esto se debe a que los controles no son ninguna maravilla, de hecho, son poco precisos, además de plantear un diseño de niveles poco inspirado y una mecánica de "dash" que acaba resultando frustrante.

¿Qué hay de nuevo, viejo?

Con permiso del famoso Bugs Bunny, nos preguntamos qué era exactamente lo que podía aportar y de hecho aporta The Disney Afternoon Collection como recopilatorio de los ocho juegos (6 en PS4, Xbox y PC). Pues bien, además de la posibilidad de disfrutar de todos y cada uno de ellos en su versión original gracias a la adaptación realizada por Backbone Entertainment, podemos elegir la apariencia de juego entre una oferta de opciones bastante completa.

Así pues, podemos elegir entre: cambiar la resolución mediante el filtro de TV, de monitor o la ausencia del mismo; modificar la pantalla, pudiendo dejarla de manera original, completa o ancha; y aplicar un borde, que, o bien nos muestra uno inspirado en el juego que tengamos puesto en ese mismo momento, o bien uno conformado simplemente por dos bandas negras.

La compañía ha querido aportar nuevo contenido a los juegos. Así, no faltan tenemos los nuevos modos de juego Contrarreloj, Cronometrado y Jefes Cronometrados. Mientras que en el primero de ellos se nos cronometrará cuánto tardamos en pasarnos cada uno de los juegos en cuestión, los otros dos únicamente tomarán nota de lo que tardemos en pasarnos un nivel o un jefe determinado.

Como es de esperar, no se nos permite hacer uso de la opción de rebobinado que sí está presente en los modos "normales", pero, y es esto lo más divertido de estos modos, si que podemos competir contra las marcas realizadas por otros jugadores.

Y es que esa es la mejor novedad de todas, rebobinar nuestros pasos mientras jugamos, además de poder guardar la partida. Si queréis acceder a una zona a la que no habéis entrado o simplemente habéis muerto, seguramente poder rebobinar será vuestro mejor aliado (creednos, lo haréis más de una vez en un mismo nivel).

Tampoco está de más hablar de la edición física para Nintendo Switch y Nintendo Switch 2, que cuesta 34,95 y 44,95 euros respectivamente (en Switch 2 NO es una Tarjeta Llave), y que contiene una carátula reversible y dos sets de pegatinas, tarjetas coleccionables y una suerte de "tazos" (que podéis ver sobre estas líneas).

Por todo ello y por la inclusión de los apartados Galería, Museo y Curiosidades en los que nos muestran una gran cantidad de materiales gráficos del desarrollo de estos juegos, The Disney Afternoon Collection es la mejor opción para disfrutar de estos clásicos, sobre todo si eres un jugador que no disfrutó de ellos en su momento, como decíamos al principio.

En cambio, si ya peinas canas y los jugaste en su día, durante tu infancia o adolescencia, puede que la nostalgia no sea razón suficiente para comprar este recopilatorio, aunque ese Goof Troop me está haciendo ojitos...

De nuevo, apuestan por un título en el que se respira aroma retro en todos los aspectos. Pero si Shovel Knight bebía de los plataformas 2D de la época de los 8 bits, Mina toma como principal inspiración dos sagas muy diferentes: las entregas de The Legend of Zelda para Game Boy y Game Boy Color y la saga Castlevania.

En todos estos años, Yacht Club Games ha seguido haciendo juegos, aunque siempre de carácter menor y relacionados con la IP que los dio a conocer. Así que cualquiera pensaría que, después de tanto tiempo, puede que el estudio haya perdido su magia. O que, quizás, han salido tantos juegos imitando -precisamente- el estilo retro de Shovel Knight, que lo tienen muy complicado para sobresalir.

Pero nada más lejos de la realidad: podemos decir sin miedo que Mina the Hollower es una nueva joya indie y uno de los mejores juegos de 2026.

Y os voy a contar por qué lo es en este análisis de Mina the Hollower para PS5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch, Nintendo Switch 2 y PC, en el que me voy a centrar en estos aspectos:

• El gameplay de Mina the Hollower
  
• Nivel de dificultad de Mina the Hollower
• ¿Cuántas horas de juego dura Mina the Hollower?
• Cuánto cuesta Mina the Hollower y dónde puedes jugarlo
• La opinión de Hobby Consolas de Mina the Hollower
• Nota: lo mejor y lo peor de Mina the Hollower

Jugabilidad y gameplay de Mina the Hollower en PS5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch, Nintendo Switch 2 y PC

La historia nos pone en el papel de Mina, una ratona, inventora y vaciadora que vuelve a Tenebrosa para reparar los siete generadores de chispas que permitieron que la sociedad floreciese en la isla.

Si habéis jugado a Zelda Link's Awakening, Oracle of Ages u Oracle of Seasons, en seguida os vais a sentir como en casa, pues Mina sigue al dedillo el estilo de dichos títulos: los gráficos, la perspectiva, el movimiento y el control del personaje... O el propio hecho de tener que completar siete mazmorras para superar la aventura.

De la saga Castlevania, Mina the Hollower toma la ambientación gótica pero colorida, las subarmas, que son útiles tanto al combatir como al explorar, y, por supuesto, el látigo, que es el arma predilecta de Mina.

Y digo predilecta porque hay cinco armas principales diferentes, cada una con un estilo de juego muy distinto y con posibilidad de aprender nuevos ataques a lo largo de la aventura. Esto ya es un pequeño indicativo de que Mina the Hollower no se limita a copiar lo que hicieron los que vinieron antes, sino que añade toneladas de elementos de cosecha propia.

El más destacable sin ninguna duda es la mecánica que da nombre al juego: el soterramiento. Mina puede sumergirse bajo tierra durante unos breves segundos, una acción que tiene muchas aplicaciones jugables y hace que el combate y la exploración sean muy entretenidos.

Bajo tierra, Mina se desplaza más deprisa, así que es un movimiento esencial para esquivar ataques o colocarnos a la espalda de los enemigos. Además, al emerger, la distancia de salto aumenta, así que debemos usar este movimiento para alcanzar lugares a los que no se llega con un salto normal.

Pero la clave está en que el juego nos propone continuamente mecánicas diferentes para sacar partido de las acciones. Este es uno de los aspectos más brillantes de Mina y cualquier cosa que diga se queda corta comparada con la cantidad de cosas diferentes que incluye. Por ejemplo, en una misma región, hay muelles de impulso, viento que dificulta el desplazamiento, cosechadoras que nos impiden el paso y rayos (y pararrayos).

Mina the Hollower es así TODO el tiempo: siempre hay algo que no habías visto antes, algo que te invita a pensar cómo sacar partido de las acciones y herramientas a tu disposición y algo que te hace maravillarte con la capacidad de inventiva que tienen en Yacht Club Games. Es sencillamente imposible aburrirse.

Otra de las claves de Mina the Hollower es su densidad. Porque cada pantalla o habitación está repleta de secretos y cosas por hacer, hasta el punto de que inicialmente puede resultar un tanto abrumador. Me ha pasado (y no pocas veces a lo largo del juego) que creía que ya lo había hecho y conseguido todo en una ubicación y, de repente, al volver a pasar por allí, he advertido un hueco por el que podía soterrarme o una pared que aún no había destruido.

Y de nuevo, Mina the Hollower es así TODO el tiempo. Es un juego a rebosar de contenido, pero contenido de calidad. Por eso quieres hacerlo y verlo todo; porque además de entretenido, todo lo que consigues como recompensa es útil. Todo. Y hay muchísimos tipos de recompensas diferentes.

Ya hemos hablado sobre las armas principales, pero también hay muchísimas subarmas (todas distintas), hay mejoras que añaden nuevas funcionalidades, llaves que abren cerraduras por todo el mundo, una colección de peces, jefes opcionales, minijuegos... Incluso te alegras de conseguir huesos, que son la moneda de Isla Tenebrosa, pues la economía está muy bien medida y hay muchas cosas interesantes para comprar.

Pero sobre todo hay que destacar los abalorios, que son objetos que se equipan y tienen toda clase de efectos con peso sobre la jugabilidad, llegando incluso a modificar el movimiento de Mina y permitiéndonos llegar a lugares que de otra forma serían inalcanzables. Pues hay un total de 60.

Mina the Hollower también es un juego fantástico en lo que a diseño y progresión se refiere. Existe un orden recomendado para completar los objetivos principales de la historia, pero no tenemos por qué seguirlo; si somos hábiles, podemos colarnos en las zonas que en teoría están pensadas para ser completadas más tarde. Es más, incluso hay una tienda que nos permite conseguir algunos de los objetos más avanzados del juego antes de tiempo... pero pagando un mayor precio por ellos. Esto puede dar mucho juego de cara a próximas partidas.

Y eso nos lleva a hablar de los modificadores. Hay una cantidad absurda de ellos y alteran toda clase de aspectos, llegando incluso a cambiar por completo la forma de jugar. Algunos están pensados para hacer el juego más fácil, otros para hacerlo más accesible, más difícil o más divertido, como aumentar el tamaño de Mina, que la fuente de los diálogos sean jeroglíficos o que desaparezcan los sistemas de progresión si no nos gusta el componente RPG. Las opciones son sencillamente inmensas; es como tener en nuestras manos una herramienta para modificar el juego a nuestro gusto.

También hay que destacar el exquisito gusto que tiene a la hora de guiarnos y enseñarnos a jugar. Porque Mina the Hollower no nos lleva de la manita en ningún momento, pero nos sugiere nuevos objetivos (tanto principales como opcionales) de una manera muy elegante: a través de periódicos que se van actualizando al progresar.

Y el aprendizaje se realiza también de una forma muy natural e intuitiva. Es muy satisfactorio, por ejemplo, regresar a Ossex (la ciudad principal) tras cumplir uno de los objetivos principales, y darte cuenta de que a esa casa cerrada, que pensabas que se abriría como parte de la historia, en realidad se accede de una manera muy ingeniosa. En Mina no hay habilidades obligatorias para avanzar ni tutoriales que rompen el ritmo; es el conocimiento que vas adquiriendo mediante el uso de sus mecánicas lo que te va abriendo todas las puertas.

Y si aun así nos atascamos en algún punto o no entendemos algo, el juego incluye un elaboradísimo manual de instrucciones in-game. Está dividido en diferentes secciones que cubren desde la historia y los personajes hasta los controles y los jefes, tiene imágenes para ilustrar cada apartado, consejos... Me niego a llamarlo manual digital, porque en lugar de la cutrez habitual, aquí se puede apreciar un mimo y un cariño inmensos.

El único aspecto donde Mina the Hollower no brilla con la misma intensidad es la historia. Es bastante sencilla y predecible, aunque también muy divertida; es capaz de sacarnos unas cuantas carcajadas. Pero si tuviese una mejor historia y un lore más trabajado, hablaríamos de una obra maestra en lugar de un juego buenísimo. Y el potencial está ahí: tiene un elenco de personajes muy variopinto y memorable, algunos tan carismáticos como desternillantes. Curiosamente, el final de la historia me ha gustado mucho, precisamente, por no ser el típico de esta clase de juegos.

En cuanto al apartado audiovisual, Mina the Hollower vuelve a apostar por el estilo retro en ambos frentes. Pero que su estética de juego de Game Boy no os engañe: aquí hay un trabajo enorme, como demuestran chulísimos detalles visuales como la iluminación, los reflejos de los charcos, las transparencias, las trabajadas animaciones de los colosales jefes o el espectacular efecto de rotación durante las fases de ascenso a los generadores.

Es sin duda un juego que entra fácilmente por los ojos... y por los oídos, pues sus melodías chiptune son todas maravillosas y vais a seguir tarareándolas incluso después de dejar de jugar.

¿Es difícil Mina the Hollower?

Y si es un juego retro en todos los aspectos, la dificultad no podía ser menos: Mina the Hollower es bastante difícil y se muere muy a menudo. Yo, desde luego, he muerto más de 60 veces y me he cagado en todo otras tantas.

Debido a cómo están pensadas algunas de sus mecánicas, como el plasma para recuperar vida o las chispas que dejamos cuando caemos, al principio puede parecer un poco injusto. Además, está diseñado como los juegos de antaño: exige precisión pixel perfect y no hay i-frames al esquivar.

Pero Mina the Hollower nos da las herramientas para que podamos facilitar las cosas y salir airosos de todas las situaciones. Si algo se nos hace muy cuesta arriba, podemos acumular huesos para mejorar el ataque, la defensa o el daño que hacen las subarmas, así como descubrir poderosas combinaciones de abalorios.

Al final te acabas acostumbrando a su elevado nivel de desafío, de hecho he llegado a echar en falta algo más de dificultad en algunos jefes. Y si no nos convence, los modificadores nos permiten alterar distintos aspectos para moldear la dificultad a nuestro gusto, haciendo que sea un paseo por el parque... o el infierno sobre la tierra.

¿Cuántas horas dura la historia de Mina the Hollower?

En mi caso, he tardado 31 horas en llegar a los créditos de Mina the Hollower con un 95% de juego completado. En otras palabras: he explorado cada rincón y hecho todo el contenido secundario que he podido.

Una vez superada la aventura se desbloquea el modo nueva partida+, en el que se conservan la mayoría de objetos y mejoras y se incrementa la dificultad, entre otros cambios. Hay un total de siete ciclos de partidas+, y cada uno hace cambios en la progresión y la dificultad para que la experiencia no sea exactamente igual.

Y, de nuevo, no podemos olvidarnos de los modificadores. Con ellos, las posibilidades son prácticamente infinitas y cada partida puede ser diferente.

Precio y plataformas disponibles

Mina the Hollower se lanza el 29 de mayo para PS5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch, Nintendo Switch 2 y PC a un precio recomendado de 19,99€... lo que podríamos empezar a denominar como "marcarse un Silksong".

Porque ofrecer semejante cantidad de contenido de calidad a ese precio no se diferencia demasiado de presentarse en las oficinas de Yacht Club Games y atracarlos a punta de pistola.

Por el momento se trata de un lanzamiento sólo en digital, pero el estudio ya ha confirmado que planean lanzar Mina the Hollower en formato físico en un futuro.

Una "mina" de oro

Por si no ha quedado ya suficientemente claro, lo digo directamente: Mina the Hollower es un juegarral de mucho cuidado, pasa directamente a ser un nuevo clásico de la escena independiente y es uno de los imprescindibles de 2026.

Es de esos juegos que, cuando llegan a tu vida, la ocupan por completo y no puedes parar hasta exprimirlo al máximo. En mi caso ha sido exactamente así y reconozco que hacía ya un tiempo que un juego no me atrapaba de semejante manera.

Pero cómo no va a enamorar cuando tiene tantas buenas ideas, mecánicas diferentes cada dos por tres, un diseño exquisito, toneladas de secretos... Y cada paso es una prueba fehaciente de que sus creadores se han dejado el alma y han puesto un cariño que ya no es habitual en la industria.

Decían en Yacht Club Games que para ellos Mina es un todo o nada: si no vende bien, el estudio se va a pique. Y, honestamente, con esa calidad y ese precio de lanzamiento... yo también. Si este juego no triunfa y vende millones, perderé por completo la fe en la humanidad.

Así que, por favor os lo pido, no hagáis que pierda la fe.

La aventura nos pone en la piel de un policía que llega a un hospital abandonado donde parecen haberse dado unos disturbios. Una vez llega allí, descubre que extrañas y monstruosas entidades pueblan el lugar. Para colmo, comienza a tener visiones sobre lo que parece ser su vida personal...

El desarrollo, que es el primero del equipo Emberflight Games (literalmente, cuatro desarrolladores recién salidos de la universidad), no es particularmente original y nos hace recorrer en vista subjetiva o, mejor dicho, desde la perspectiva angular de la cámara policial del protagonista, un entorno lineal con algunos desvíos que dan coleccionables y munición extra.

Sí, decimos munición porque, aunque el juego arranca al más puro estilo Outlast (estamos solos ante el peligro y solo podemos huir o escondernos), más adelante conseguimos una pistola y una escopeta que podemos usar contra determinados enemigos.

Incluso hay unos pocos bancos de trabajo en los que invertir los tornillos encontrados en mejorar las armas con más daño, una mira láser, etc.

Aún así, hay un par de “entidades” (un humanoide con muchos brazos y una jaula llena de deformidades) que nos persiguen en varios tramos del juego y a las que nos toca dar esquinazo, como es de rigor en este tipo de juegos.

Para esas ocasiones hay armarios en los que escondernos, aunque también podemos agacharnos tras mesas y, quizá aquí viene lo más original del juego, mantener pulsado un botón para mantener la respiración y evitar así que el monstruo nos oiga.

Que tu aliento no te delate

Si corremos, tendremos menos margen para respirar y, por supuesto, solo podemos hacer esto durante unos segundos.

Además de estos tramos más orientados a la acción, hay algunos puzzles basados en encontrar números ocultos para un teclado, girar válvulas en un orden correcto, etc. De nuevo, no son nada del otro jueves, pero aportan tramos entretenidos de investigación.

Algunos de estos puzzles no son imprescindibles para avanzar, sino que nos abren caminos alternativos con pequeñas recompensas... y puede que algún logro.

Este desarrollo está salpicado por una historia que se va volviendo más surrealista a medida que avanzamos, con tramos en los que el escenario cambia a lo The Evil Within o Layers of Fear y las imprescindibles notas que nos dan contexto sobre lo sucedido.

Cuánto dura It Reaches y cuánto vale

Esta historia, que recuerda a la de otros clásicos del survival horror subjetivo (no os diremos cuales para no spoilear, que tiene giritos), ofrece algunos momentos realmente duros, pero el problema es que el juego es tan corto que no da mucho tiempo a empatizar.

De media, dura 5 horas, pero puede que tardéis menos si los monstruos no os matan demasiado (hay abundantes checkpoints, por cierto). Esto en sí mismo no es malo, ya que el juego cuesta 15 euros y habrá quien prefiera algo así, directo y al grano.

El problema es que a esta brevedad se unen una buena retahíla de problemas técnicos que lastran bastante la experiencia y que evidencian la falta de experiencia de los desarrolladores.

El más relevante es una bajísima fluidez gráfica. Normalmente, no alcanza los 30 frames por segundo en una PS5 estándar, que es donde lo hemos probado, y hay momentos en los que llega a afectar a la jugabalidad.

Esto se ve acompañado de unos subtítulos minúsculos, seguramente los más pequeños que hemos visto nunca en un videojuego.

Aunque los textos están en español (las voces, en inglés), se ven taaaaan, pero taaaan pequeños que nos ha costado leerlos en una tele de 65 pulgadas. Además, hay algún error de traducción como escribir “prensa Start” en vez de “presiona Start”.

Por otro lado, nos hemos topado con errores como atascos de los enemigos o incluso alguna ocasión en la que nos han matado antes de completar una tarea y, al cargar el checkpoint, resulta que nos la dan por superada. Bueno, pues gracias.

La opinión de Hobby Consolas sobre It Reaches

Es una pena, porque es cierto que sobre el papel el juego cumple con lo que uno espera de un juego de terror indie, pero quizá se atreve con más de lo que puede abarcar.

La estética bodycam, con la distorsión de lente y la aberración cromática, da un plus de ambientación, pero realmente no aporta nada a la trama o a lo jugable.

En conjunto, It Reaches es una correctita primera incursión de este equipo en el mundo de los juegos de terror, pero después de ver apuestas indie como Madison o Luto esto se queda bastante atrás en lo técnico y lo jugable.

Si os va mucho el género, podéis darle una oportunidad. A fin de cuentas. ¿a quién no le va a gustar un amasijo de brazos persiguiéndole? Uno se siente como en un Zara recién abierto.

Mientras aguardamos un nuevo reinicio cinematográfico tras la "era Daniel Craig" y a años luz de los juegos más destacados del espía como GoldenEye o Nightfire, IOI actualiza al personaje con una propuesta de acción y sigilo en PS5, Xbox Series X|S y PC (a Nintendo Switch 2 todavía tardará en llegar) que sabe muy bien lo que hace. En este análisis de 007: First Light vas a conocerla a fondo.

Aunque, no hace falta usar ningún artilugio de Q para descubrir que 007: First Light es un juego muy redondo en casi todos los aspectos. Quizá no alcance la calidad de obras de acción como Uncharted 4, Tomb Raider o Metal Gear Solid, pero IOI ha hecho un gran trabajo.

Es hora de sacar el esmoquin, la Walther PPK y pedir un Martini agitado, no mezclado. Vamos con el análisis de 007: First Light para PS5, Xbox Series X|S y PC. Por favor, Moneypenny, déjalo por aquí:

• La historia de 007: First Light y cómo es el nuevo James Bond
• ​El gameplay de 007: First Light: la gran fusión entre acción y sigilo
• ​La duración de 007: First Light, rejugabilidad y modo extra
• ​El nivel de dificultad de 007: First Light
• ​Precio, plataformas y ediciones de 007: First Light
• ​La opinión de Hobby Consolas sobre 007: First Light
• ​Nota: lo mejor y lo peor de 007: First Light

La historia de 007: First Light y cómo es el nuevo Bond

007: First Light es una historia de orígenes con la que IOI narra cómo Bond acaba por ganarse su famoso número de agente. Los primeros pinitos del héroe son como miembro de la Royal Navy, hasta que un ataque terrorista le deja como único superviviente de su unidad.

El MI6 contacta con él para que termine una importante misión y a partir de ahí arranca su arco como recluta del servicio de inteligencia británico hasta convertirse en quien todos y todas conocemos... No quiero contar mucho más para evitar spoilers importantes.

Sin embargo, los inicios de esta trama son algo poco visto dentro de la figura de Bond y abordan la faceta más social del personaje. Me gusta cómo IOI plantea el relato, pese a que el guion tampoco arriesgue demasiado. Con First Light, la desarrolladora danesa ofrece una narrativa mucho mejor estructurada que la de la saga Hitman.

Y es que el relato de Bond podría ser una película de acción más que competente. Recoge algunos discursos que ya hemos visto en la saga (veo muchas conexiones con el mensaje que se lanzaba en Spectre), pero creo que es más que resolutiva y consigue estar a la altura o incluso superar a unas cuantas cintas del ya famoso espía.

Esto es gracias a unos altos valores de producción que empiezan desde una interpretación que me ha sorprendido para bien. En general, todas las caras de esta historia hacen un gran trabajo, pero tengo que destacar a Patrick Gibson como James Bond. El desempeño del actor es sobresaliente y nos da un Bond carismático y con pegada.

Noémie Nakai como Miss Roth o Lennie James como Greenway también realizan un estupendo trabajo, aunque esperaba algo más de M como personaje (nadie puede superar a Judi Dench) y el papel de Lenny Kravitz ha resultado ser más testimonial de lo esperado.

Y es una pena que 007: First Light no tenga doblaje al castellano. Obviamente, el acentazo británico otorga cierta personalidad, pero siendo un AAA de tomo y lomo y viendo como juegos más "pequeños" como Pragmata sí que apuestan por el voces nacionales, hay que dar un tirón de orejas a IOI por no incluir doblaje a nuestro idioma.

No obstante, donde se acierta es en cómo se ha representado a este nuevo James Bond. Es un enfoque joven, actualizado y moderno de un personaje que ha sido un icono de varias generaciones. No obstante, su figura no ha cambiado. Este Bond sigue siendo un pillo con bastante ego, muy inteligente, carismático, mordaz y... por si te lo estás preguntando... mujeriego. Hasta ahí puedo decir...

007: First Light vuelve a presentarle como una fantasía de poder masculina y es extremadamente fiel a la esencia de este, pero que Bond sea más joven también le confiere una identidad un tanto renovada y fresca con respecto a otras versiones pasadas.

IOI ha hecho un portentoso y respetuoso trabajo al adaptar el mundo Bond al videojuego. Todas las misiones están llenas de homenajes, pequeños guiños y hasta coleccionables que sacarán una sonrisa a los mayores fans de la franquicia que surgió con la novela de Ian Fleming.

Esto también se debe a que la música vuelve a tomar un papel clave. No falta el leitmotiv que escuchamos por primera vez en Dr. No, así como esas intros sesenteras con jazz que contextualizan y siempre acompañan a Bond en cada misión y en cada giro.

Además, la historia de First Light tiene esa identidad Bond tan característica, con viajes por todo el mundo a lugares tan exóticos como peligrosos, villanos muy caricaturizados, humor, violencia, tensión... A este blockbuster no le falta nada en términos narrativos, pese a que muchas veces repite fórmulas y tira de clichés.

Y este buen diseño de producción también se aprecia en los escenarios, momentos cinematográficos y en el apartado gráfico. Si bien jugando en modo rendimiento a 60 fps en PS5 estándar el juego no destaca como un portento gráfico, en versiones como la de PC o modo resolución a 4K sí que se aprecia un apartado potenciado por un motor Glacier que ya sacó músculo en Hitman y que ahora luce mejor.

​El gameplay de 007: First Light: acción pirotécnica y sigilo más meticuloso

Creo que IOI ha sido bastante inteligente a la hora de diseñar el gameplay que acompaña al nuevo James Bond. El estudio ha adaptado una fórmula que domina a la perfección y la ha rodeado de una acción mucho más palomitera para captar a un público masivo.

Hitman es uno de los mejores representantes del sigilo dentro del videojuego, pero es cierto que este género presenta barreras de entrada considerables a un cierto sector. Por ello, First Light reduce la parte Hitman (sin renunciar a ella), para ofrecer algo más liviano.

La jugabilidad de este 007 se apoya en tres pilares: investigación, sigilo y acción. Y aquí está el acierto. Hitman solamente priorizaba una o dos, por lo que sus debilidades quedan en evidencia muy rápido. First Light, en su lugar, sacrifica esa profundidad para entregar un poco de todo.

Sí, sus sistemas de juego pueden ser más planos y no llegan a evolucionar demasiado durante la campaña, pero consiguen su objetivo: ser una experiencia que represente a nivel jugable todo lo que es y debe ser una aventura de James Bond.

Ninguna de las numerosas misiones del juego son iguales, pero todas utilizan un esquema similar. La fase de investigación tiene lugar en un escenario grande y "laberíntico" como hemos visto en las operaciones del Agente 47 (las grandes fiestas vuelven a hacer acto de presencia).

En ellas se explota una faceta más sandbox y pausada que permite cumplir el objetivo principal de diferentes formas. Seguir a sospechosos, utilizar algún disfraz, escuchar conversaciones, robar objetos, recabar pistas, colarse en zonas restringidas... hay una buena amalgama de opciones, aunque no tengamos el grado de creatividad de Hitman y algunas terminen por repetirse o resultar algo básicas.

No obstante, estas secuencias funcionan, en parte gracias al mimo con el que IOI diseña los escenarios, llenos de detalles y personajes y también porque se entrelazan con fases de sigilo que añaden un toque picante a la jugabilidad.

Este sigilo sigue siendo clásico. Hay que evitar las líneas de visión de los NPC, esconderse, rastrear patrones de movimiento y utilizar el reloj de Q. Me gusta cómo 007 First Light introduce las mecánicas de sigilo más trilladas. Es decir, Bond cuenta con la posibilidad de ver las siluetas de los enemigos a través de las paredes, pero es gracias a las lentes desarrolladas en el laboratorio del MI6... y lo mismo pasa con otras herramientas clásicas. Hay una explicación a estos poderes.

El reloj de Q se puede personalizar con gadgets que permiten aturdir a los guardias, fundir luces o hackear aparatos electrónicos que distraigan a los guardias. Además, Bond cuenta con útiles modernizados como un bolígrafo lanzamisiles o airpods bomba de humo. Todo esto ayuda a tomarse el sigilo en serio, incluso cuando estos desafíos llevan décadas estando presentes en el videojuego.

Porque, la infiltración funciona infinitamente mejor que en otras propuestas recientes en tercera persona como Mafia: The Old Country gracias a que el diseño de los escenarios y la variedad de peligros se sienten mucho más orgánicos. Siempre hay un par de formas de pasar.

Esto se demuestra con un sistema de labia. Bond cuenta con una serie de puntos de energía que se recuperan dejando secos a los guardias. Estos puntos se pueden gastar en varias acciones como una en la que finges una rendición u otra en la que usarás las dotes de engaño del personaje para pasar por delante como si nada.

Es un añadido muy interesante, pero es cierto que a veces puede llegar a resultar algo abusivo para abrirse paso con cierta facilidad. Aún así, las excusas que pone James para colarse en cualquier sitio están muy elaboradas y vinculadas a cada momento de la misión.

Y si te pillan... Siempre puedes ir por las bravas. Bond sabe cómo dar y encajar golpes. El sistema de combate de 007: First Light es sumamente disfrutable a los mandos. Siguiendo la idea detrás de juegos como Uncharted 4, IOI hace de la lucha a melee una experiencia rápida, intensa y muy vistosa.

Bond tiene varios recursos disponibles mediante combos simples de puñetazos y alguna patada, puede esquivar, hacer parry y también agarrar o cargar contra el enemigos. Además, a esto se suma las ejecuciones y derribos.

Todo se siente espectacular y fluido, con animaciones muy curradas que interactúan casi a la perfección con los escenarios, ya que Bond puede noquear a los enemigos usando elementos del entorno de una forma proactiva, lo que da a la acción un corte cinematográfico bestial (gracias también a que el animador principal de Batman Arkham ha trabajado en el diseño del combate de 007: First Light).

No obstante, no todo son golpes. Llegado un momento, si la violencia empieza a desmadrarse, se activa la "licencia para matar". A partir de aquí todo el mundo podrá usar armas de fuego y es en este punto en donde todo explota.

Los tiroteos son espectaculares en pantalla y se sienten igualmente importantes. Son fases en donde hay que estar moviéndose contantemente ya que las coberturas se destruyen con facilidad y los enemigos son muy agresivos.

Bond no cuenta con muchas balas, así que debes ir cambiando de armas, robándoselas a los enemigos (también tirándoselas a la cabeza) e incluso alternando entre disparos y ataques cuerpo a cuerpo o utilizando los gadgets del reloj. Hay caos, improvisación, pero también un férreo control por parte de IOI para que todo luzca de película.

Hablo de los barriles explosivos intencionalmente colocados para que la destrucciones de los escenarios den al combate un aspecto muy pirotécnico y vibrante. Y pese a esa "artificialidad", funciona, lo que habla muy bien de lo divertido que resulta.

Aún así, creo que hay margen de mejora en todos los apartados jugables. Que First Light tenga tantas capas le resta profundidad para bien en muchos momentos, pero también se nota para mal en algunos aspectos...

La investigación podría ser menos evidente y confiar un poco más en el jugador. El sigilo repite patrones, es demasiado generoso en la gestión de recursos y resulta algo más plano en la primera mitad del juego. El combate cuerpo a cuerpo presenta pocos tipos de enemigos y todos repiten patrones de ataque que terminas por saberte de memoria. Y los tiroteos también cuentan algunos problemas, como que el sistema de coberturas a veces no te coloca donde querías estar.

Además, las fases en vehículo (muy al estilo de lo visto en James Bond 007: Blood Stone) son demasiado guiadas y los combates contra jefes tratan de introducir mecánicas que los desvirtúan por completo. No llegan a estar a la altura de los otros sistemas descritos.

Y pese a esos fallos que acaban por salir a la luz, insisto en que la variedad de 007: First Light brinda una experiencia muy divertida y fluida que termina por representar extremadamente bien lo que es una aventura de James Bond. No hay nada revolucionario, pero lo que se nos da funciona.

​La duración de 007: First Light, rejugabilidad y modo extra

He completado la campaña de 007 First Light en casi 19 horas, sin haber conseguido todos los coleccionables y desafíos. Creo que el juego tiene una duración muy bien medida. Las misiones son extensas, pero ninguna se llega a hacer demasiado pesada gracias a su variedad.

Para aumentar la experiencia de juego y tratar de asemejarse al casi inacabable Hitman, First Light cuenta con un modo denominado Simulación Táctica, un conjunto de desafíos que brinda un pequeño sistema de progresión y marcadores online basados en puntuación.

El modo trae diferentes pruebas de corta duración y tres niveles de dificultad cada una para sacar partido a los grandes pilares de la jugabilidad. Al superarlos conseguirás puntos que puedes utilizar para desbloquear armas, gadgets y trajes para repetir estas misiones. Lo que no me gusta es que muchos trajes estén atados a ediciones especiales.

Además, Simulación Táctica introduce las operaciones, misiones a lo Hitman en zonas de la campaña que presentan un diseño más sandbox y algo más de complejidad. Por el momento, 007 First Light cuenta con dos, pero parece que IOI añadirá más con el tiempo.

La dificultad de 007: First Light

007: First Light cuenta con tres niveles de dificultad diferentes. Habiendo completado la campaña en la modalidad recomendada "normal" tengo que reconocer que he muerto más de lo esperado.

La IA puede ser algo inconsistente a veces (aunque ni mucho menos es tan desastrosa como lo que fue Star Wars Outlaws), pero rinde de manera notable en los tiroteos, siendo muy letal si no te andas con cuidado o no eres rápido para cubrirte.

En la dificultad más baja te encuentras un juego muy cómodo, en donde Bond se convierte en una máquina asesina. Se reduce demasiado el nivel de desafío. Recomiendo el predeterminado.

Precio, plataformas y ediciones de 007: First Light

007 First Light está disponible en formato físico y digital para PS5, Xbox Series X|S y PC por un precio de 69,99 euros en su edición estándar, que incluye cuatro trajes para Bond y otros cosméticos como incentivo de reserva. Estos extras también vienen incluidos en la edición Deluxe valorada en 79,99 euros.

Por otra parte, también tenemos la edición coleccionista de 199'99 euros que incluye lo anteriormente citado y la réplica de Máscara a tamaño real, un certificado de autenticidad, una caja de acero con imán y el traje de oro y obsidiana.

Por último, IO Interactive lanzará la Legacy Edition de 299,99 euros que cambia la réplica de la Máscara por la figura de una Pistola Dorada con soporte y compartimento secreto. El resto del contenido antes mencionado se incluye también en esta edición.

Por Inglaterra, James...

007: First Light no es ni la experiencia de sigilo definitiva, ni el nuevo baluarte de los blockbuster de acción, pero es el juego que James Bond necesitaba para resucitar como personaje e icono de este medio. Dentro de lo convencional que resulta como AAA, el juego conjuga una combinación jugable y narrativa muy amena y divertida.

IO Interactive ha entendido a la perfección todo lo que representa y significa James Bond. Así, aplicado su pericia con la saga Hitman, la desarrolladora ha culminado una misión de altos vuelos que combina acertadamente la profundidad del sigilo (sin tantas barreras de entrada) con una acción más directa y para el gran público.

Cierto es que hay algunos aspectos de su jugabilidad que podrían haberse refinado un poco más y que su historia no arriesga demasiado, pero este James Bond no comete errores y, definitivamente, ha llegado para quedarse. IO cambia al Agente 47 por un 007 cuyo futuro es tremendamente prometedor. Al fin y al cabo, el mañana nunca muere.

Con esta historia de orígenes, el nuevo James se ha ganado su número. Pese al cariño que le tengo a GoldenEye, los encantos de este renovado espía son irresistibles. First Light es la mejor experiencia Bond que se ha visto en un videojuego, redonda, fiel a la esencia del personaje, actualizada y muy divertida a los mandos. 007 listo para el servicio.

Ahora nos llega un nuevo hermano a la familia, y como vamos a ver en este análisis de Razer Hammerhead V3 Hyperspeed, sin el apellido "Pro", se trata de una nueva apuesta dentro de los true wireless que quiere conquistar con las mismas virtudes de sus hermanos con la etiqueta Pro, además de incorporar mejoras y novedades bajo el brazo.

Una opción que cada vez me parece más interesante, sobre todo teniendo en cuenta que este tipo de cascos cada vez son más la primera opción de muchos usuarios, que quieren unos cascos para todo, ya sea usarlos con el teléfono móvil (para hablar o escuchar música), y además, gracias a su enorme compatibilidad, usarlos también con consolas, PC, tabletas y más dispositivos de juego. Y, como digo, en todos los casos con una calidad de sonido TOP.

Es un segmento al que cada vez más fabricantes le han visto sus posibilidades, lanzando sus propios modelos de cascos gaming true wireless como los ROG Cetra de ASUS o los Scout Air de Turtle Beach (que probamos ya hace tiempo y que ahora están descatalogados), pero que demuestran el increíble atractivo que tienen.

Por eso, sin más dilación, en esta review de Razer Hammerhead V3 Hyperspeed me voy a centrar en los siguientes aspectos:

• Unboxing de Razer Hammerhead V3 Hyperspeed y contenido de la caja
• Puesta en marcha, app para móvil y escritorio y opciones
• El sonido de Hammerhead V3 Hyperspeed: contundente, nítido y natural
• Autonomía, micrófono y otros aspectos a tener en cuenta
• La opinión de HobbyConsolas. ¿merece la pena los Razer Hammerhead V3 Hyperspeed?

Unboxing de Razer Hammerhead V3 Hyperspeed y contenido de la caja

Como sucede con todos los cascos true wireless, la presentación de Razer Hammerhead V3 Hyperspeed es bastante minimalista y no deja lugar a muchas sorpresas. No lo digo como algo negativo, pero lo cierto es que en una pequeña caja no puedes incluir demasiados extras, y la naturaleza de este tipo de cascos tampoco lo permite.

Así, nada más abrir la caja y retirar la literatura, nos encontramos con el estuche con cierre imantado de Razer Hammerhead V3 Hyperspeed, que es algo más grande que en otros modelos por una razón de peso: en su interior cabe el receptor Hyperspeed. Era algo de lo que me quejaba en anteriores modelos, porque se quedaba fuera y era más fácil perderlo, y que aquí por fin han solucionado.

Esta caja, además, cuenta con una pequeña tira de luz led en el frontal que nos permite ver rápido el nivel de carga, si los cascos están cargando, etc., además de un puerto de carga USB-C y un botón de reset por si necesitamos reiniciarlos o reemparejarlos.

Al levantar la bandeja donde está el estuche, encontramos un cable de carga USB-C a USB-C que no solo permite cargar el estuche: si el dongle Hyperspeed está dentro del estuche mientras lo cargas, podrás también conectar los cascos por Hyperspeed el ordenador, sin necesidad de ocupar otro puerto.

Junto al cable, también encontramos una pequeña cajita de cartón que protege los dos pares de almohadillas de silicona extra que incluye, por si los que vienen instalados por defecto te parecen incómodos y necesitas algo más pequeño, o más grande.

Y eso es todo: no hay correa (por si quieres enganchar el estuche al móvil, bolso, mochila o lo que sea), ni funda de tela para protegerlo... pero no es menos cierto que no no es nada imprescindible...

Puesta en marcha, apps para móvil y escritorio y opciones

Como sucede con otros cascos bluetooth, emparejarlos es tan fácil como abrir la tapa para iniciar el proceso de conexión y, desde las opciones del bluetooth de tu teléfono móvil, podrás localizarlo y seleccionarlo para empezar a usarlo. Más fácil imposible.

Pero si quieres sacarle todo el jugo a los cascos, lo suyo es que te descargues la aplicación de Razer Audio, que requiere activar la geolocalización en el teléfono y seguir unos sencillos pasos. También es posible hacerlo desde Razer Synapse 4.0, la aplicación de escritorio para PC, que además tiene alguna función adicional que no está en la app móvil, al menos en el caso de Android.

Desde el app podrás toquetear distintas opciones, como elegir el perfil de sonido que quieres, entre música, juegos, películas o uno personalizado. Este último es que he utilizado más, y he acabado dejando por defecto, ya que nada más sacarlos del escuche y empezar a usarlos, el sonido me parecía algo plano. Pero al ajustar las 10 bandas del ecualizador, lo he dejado a mi gusto, y tiene un sonido espectacular.

También es posible cambiar entre la cancelación de ruido activa o ANC y activar sonido ambiente (para escuchar mejor lo que nos rodea), activar un modo no molestar para que no nos interrumpan con una llamada mientras jugamos o activar un modo pausa, que detecta cuando nos quitamos el auricular y detiene la reproducción de música.

Incluso podemos desactivar el control por gestos, que nos permite cambiar entre distintas opciones (como alternar entre Bluetooth y Hyperspeed, pasar de canción, pausa, subir o bajar el volumen...) dando una serie de toques en las zonas con el logo de Razer, o manteniendo el dedo un par de segundos.

La única diferencia entre el app de PC y la de móvil es que solo en la de PC he encontrado una opción para regular el volumen del micrófono. En lo demás, son prácticamente idénticas.

En líneas generales, son apps sencillas de manejar, con lo necesario para poder exprimir un poco más tus cascos, si bien es cierto que se pueden echar en falta algunas opciones, como distintos niveles para el ANC o la posibilidad de poder crear perfiles de audio por juego, por ejemplo.

El sonido de Hammerhead V3 Hyperspeed: contundente, nítido y natural

Llegamos a uno de los puntos clave en unos cascos, sean para jugar o no. ¿Qué tal suenan los Razer Hammerhead V3 Hyperspeed? Pues lo cierto es que, de nuevo, mejor de lo esperado.

Parte de la culpa la tienen los nuevos drivers de 11 mm, que suponen una evolución respecto a los de 8 mm de anteriores generaciones (o los 10 mm de los Pro). Este mayor tamaño facilita que las frecuencias se sientan más "separadas", es decir, que los graves no tapen a los medios, ni los agudos pasen más inadvertidos.

Como he dicho antes, nada más sacarlos de la caja, el sonido me parecía un poco plano, pero dedicando 2 minutos al ecualizador, los vas a dejar como mas te gusten. Y ya os digo que suenan muy bien: voces nítidas, graves potentes y medios que suenan como tienen que sonar. Es un sonido bastante natural y equilibrado.

Además, cuentan con perfiles para juego, música y películas, por lo que vas a poder usarlos para todo, y en todos estos tipos de uso van a dar un resultado espectacular, entre otras cosas, gracias también a su compatibilidad con el códec LC3+ (Low Complexity Communication Codec Plus), un códec de audio inalámbrico de alta resolución.

Lógicamente no llegan al nivel de unos cascos de diadema Hi-res como los recientes Stealth Pro II, pero tampoco se quedan muy, muy lejos en términos de calidad de sonido.

Centrándonos en la parte gaming, son Bluetooth 6.0, que también mejora la latencia, aunque nada como jugar con el dongle Hyperspeed, el diminuto receptor USB-C con el que la latencia baja a mínimos y no vas a sentir retardos en las comunicaciones.

Además, cuentan con certificación THX Spatial Audio, lo que significa que también vas a sentir posicionamiento 3D del audio, tanto en juegos como películas que soporten este estándar, aunque eso sí, solo lo podrás usar en PC, a través de Synapse. Solo falta arrancar títulos como Gears of War Reloaded o Battlefield 6 para identificar de dónde vienen las voces, los disparos y efectos.

La verdad es que, de primeras, viendo el precio de lanzamiento, pensé que serían bastante peores que el modelo Pro de 2023, pero nada más lejos de la realidad. Tienen un sonido que enamora, que no distorsiona ni al máximo volumen y que, además, llega acompaña de otras novedades no menos interesantes.

Autonomía, micrófono y otros aspectos a tener en cuenta antes de comprar los Razer Hammerhead V3 Hyperspeed

Al prescindir de luces RGB en los propios cascos, nada más sacarlos de la caja ya hay un claro ganador: la autonomía. Con una carga completa, pueden aguantar hasta 10 horas, que ya es bastante más que en el anterior modelo. Y no solo eso: con la batería del propio estuche, podemos llegar a cargarlos tres veces más, un total de 40 horas.

Por su parte, el micro, como suele suceder en este tipo de cascos, es el eslabón más débil de la cadena. Cumple su cometido de sobra, y te vas a poder comunicar en un juego online sin problemas, así como atender llamadas, pero lo cierto es que suenan un poco a lata, así como al atender una llamada por teléfono: la voz no es del todo natural.

¿Otras razones a su favor? Este modelo vuelve a tener certificación IPX4, (son resistentes al sudor y gotas de agua), y su nueva tecnología de cancelación híbrida de ruido supera a la de la anterior generación, y elimina hasta un 50% de ruido más. Lo cierto es que es un detalle, y si que elimina ruido, aunque salvo que lo pongas a volumen alto, vas a seguir escuchando, por ejemplo, el ruido de un teclado mecánico.

La opinión de Hobby Consolas de Razer Hammerhead V3 Hyperspeed

Al analizar muchos productos de Razer, casi siempre señalo que una buena parte se mueve en una franja de precio prohibitiva para muchos. En el caso de Razer Hammerhead V3 Hyperspeed, ha logrado mantener una altísima calidad de sonido, ajustando mucho el precio, y sin que por ello vayas a percibir que es un producto "peor", porque no lo es. Y si los 139 euros que cuestan te parecen caros, también existe una versión V3 X más económica, por 89,99 euros, pero con cambios.

Son unos cascos gaming espectaculares, con un sonido de 10, buena autonomía y un diseño cómodo, aunque quizá familiar respecto a los anteriores modelos (¿va siendo hora de un cambio?). Su peso de menos de 6 gramos hace que sea muy cómodos llevarlos, ni los vas a notar.

Pero tampoco son perfectos. He echado en falta algunas características presentes en cascos más caros, como que fuera posible conectarse a las dos fuentes de audio (Bluetooth y Hyperspeed) a la vez, para escuchar ambas al mismo tiempo, como el juego y una llamada... pero no es posible; es una fuente de audio, o es otra.

Pero aun con este detalle, poniendo todo sobre la balanza, los Razer Hammerhead V3 Hyperspeed me parecen los mejores cascos true wireless gaming que puedes encontrar por menos de 150 euros.

Aunque en años más recientes hemos tenido otras entregas (igualmente fallidas) como Bubsy Paws of Fire, esta nueva entrega quiere tomar el relevo de aquel nefasto Bubsy 3D que se estrelló en la época de PlayStation y del que incluso se ríen los desarrolladores ahora.

Así, Bubsy 4D quiere recuperar la gloria de las plataformas 3D, un género que está más desatendido ahora que en épocas pasadas, lo que podría darle una oportunidad "miauravillosa" de brillar. Veamos si lo consigue...

De tomar el relevo de Accolade para el desarrollo se encarga el estudio indie Fabraz, responsables de la muy interesante franquicia de Demon Turf, con los que este título comparte similitudes. Pero su experiencia en plataformas 3D no ha bastado para que el minino remonte el vuelo...

El argumento lleva a Bubsy, que es consciente de que ya ha vivido muchas aventuras, a perseguir a un grupo de ovejas chifladas que ha robado todos los ovillos de oro y, de propina, ha vuelto aún más majaretas a los woolies.

Nuestro objetivo es viajar a tres planetas, con cinco fases cada uno, para recuperar los ovillos y derrotar a los tres ovejunos jefes que los protegen.

Aunque solo controlamos a Bubsy, podemos hablar con los secundarios habituales, como sus sobrinos o el ratón Virgil, que lanzan constantes pullas en torno a que el protagonista es algo lelo.

El desarrollo es propio de un plataformas 3D heredero de clásicos como Super Mario Galaxy. Controlamos a Bubsy en tercera persona para, en cada nivel, encontrar el ovillo dorado. Por el camino, recolectamos ovillos normales o planos.

Con los ovillos normales, podemos comprar trajes nuevos en nuestra nave, que sirve a modo de hub. Los trajes solo aportan cambios estéticos, pero algunos muy curiosos, como uno que parodia a Sonic u otro que nos da el look terrible que tuvo el gato en Bubsy 3D.

Con los planos podemos ganar ventajas como más salud o movimientos nuevos que nos permiten saltar de forma más fluida.

El control de Bubsy toma movimientos clásicos de la mascota. Podemos ejecutar varios saltos seguidos, pulsar un gatillo para lanzarnos hacia delante y otro para planear.

Si mantenemos el salto pulsado, Bubsy se impulsa algo en el aire y, si lo combinamos con lo demás, podemos llegar lejísimos.

Sin embargo, como el juego quiere ser tan "cartoon", estos movimientos provocan que Bubsy haga muchos aspavientos y movimientos que cuesta prever, lo que ocasiona que cueste mucho calcular dónde vamos a aterrizar.

Para ayudar a los saltos 3D, hay una opción para que una retícula nos indique bien dónde vamos a caer.

Hay que echarle muchas bolas

En otros tramos, podemos correr a cuatro patas, saltar de pared en pared o incluso engancharnos a ciertas superficies para trepar, pero la novedad más curiosa consiste en convertirnos en "bola de pelo" para ir a toda velocidad, rebotar y dejarnos caer por gigantescos toboganes.

Es un añadido que se agradece, porque aporta mucha variedad jugable, pero a la vez se convierte en un gran problema, porque los niveles no acaban de tener claro qué escala quieren tener.

Como las zonas para bajar por los tubos han de ser muy largas para "justificar" la velocidad de la bola, hay tramos que se hacen extrañamente largos y deslabazados con el resto.

Lo ideal es que siempre vayamos transformados en bola por ahí, pero si el control es muy impreciso, podemos pasar a modo "normal" en cualquier momento.

Es verdad que a veces vemos flechas que nos indican el camino a seguir, pero los escenarios quedan tan dispersos que a veces cuesta entender qué camino seguir. Que la cámara a veces se mueva de manera errática tampoco ayuda...

Es una pena, porque, cuando funciona, el juego es divertido y su control nos invita a explorar y lanzarnos a alturas que parecen imposibles.

Tiene momentos en los que recuerda a los clásicos de las plataformas y es muy satisfactorio, pero choca con el resto de tramos frustrantes.

Eso sí, no hay vidas. Tenemos un número de golpes y, si los agotamos, volvemos al inicio del nivel o al último checkpoint visitado. No son muy comunes, pero menos es nada...

Cuánto dura Bubsy 4D y cuánto vale

Completar todos los niveles os puede llevar unas seis horas. Con ello, llegaréis al final del juego, pero puede que os quedéis en torno al 60% de compleción.

El resto, claro, consiste en entrar en el área de entrenamiento para practicar movimientos, encontrar el resto de items coleccionables y en superar algunas carreras contrarreloj. Teniendo en cuenta que el juego vale 19,99 euros, no "duele" tanto que dure poco.

Además, el juego también tiene una edición física para Nintendo Switch y Switch 2, a un precio de 39,99 euros y 49,99 euros, respectivamente. Aparte de una caja especial con relieve y una copia física del juego (que incluye manual y carátula reversible), también incluye un póster y un libro de arte (tamaño caja de Nintendo Switch).

Lo cierto es que, una vez completado, tampoco es que uno se sienta super tentado a continuar, porque más allá de algún traje curioso (y por un modo 9 vidas para jugones hardcore, en el que solo podemos recibir 9 golpes antes del game over), el resto no motiva a trastear.

Puede ser por esos problemas jugables o porque, sinceramente, el juego es bastante feo buena parte del tiempo.

Es una pena, porque al arrancar el primer nivel, piensas "vaya, esto no está tan mal", gracias al colorido y la imaginación de un escenario hecho de instrumentos de costura.

Mientras lo controlamos, algunas animaciones de Bubsy son divertidas y muy de dibujos animados... Pero ahí acaba todo.

Para empezar, el nivel de detalle visual de Bubsy o el resto de personajes es bajísimo y las muecas que hace durante las escenas de vídeo intentan ser cómicas, pero quedan bastante toscas para un juego de 2026... O de hace 20 años, si me apuras.

Las animaciones de Jak 2 en PS2 tenían más detalle y, de propina, el propio diseño de la mascota es feo, como desproporcionado.

Por otro lado, aunque la idea de que cada planeta sea "temática" de costura, papelería e informática es divertida, no hay mucho más que rascar y esas 3 ambientaciones se repiten una y otra vez.

Da la sensación de que se ha incluido en el juego la mitad de lo que estaba planeado... Los enemigos son limitadísimos y derrotarlos no da ninguna recompensa, así que es mejor esquivarlos y punto.

El sonido es más interesante. Las voces de Bubsy son bastante graciosas y no para de hacer referencias que rompen la cuarta pared, en plan "el que haya diseñado el checkpoint como un arenero para gatos se creerá muy gracioso".

Lamentablemente, esas frases durante la partida solo están en inglés y sin subtítulos, así que muchos se perderán la gracia.

Otros diálogos si tienen, al menos, subtítulos en castellano, lo que nos permite leer algunas bromas como que nunca digan bien el nombre de Bubsy o que él mismo se considere un héroe de serie B.

La opinión de Hobby Consolas sobre Bubsy 4D

Ojo aquí porque lo mejor del juego es, sin duda, su música, obra de Fat Bard y que mezcla ritmos urbanos, algo de jazz y toques cartoon que quedan de fábula en la experiencia.

El resto del juego es una experiencia con buenas intenciones, pero que no podemos calificar más que como mediocre. Sinceramente, nos temíamos que fuera terrible, pero reconocemos que tiene algunos momentos jugables y ciertas "gracietas" que te hacen sonreír.

Aun así, después de que el género de las plataformas 3D haya tenido exponentes recientes como Sonic x Shadow Generations o Donkey Kong Bananza, este Bubsy 4D se queda, una vez más, como un minino con muy pocas uñas.

Solo hay que echarle un ojo a Final Fantasy VII Remake, Dragon Quest VII Reimagined, Bravely Default Flying Fairy HD Remaster o Dragon Quest I-II HD-2D Remake, a los que esta misma semana se suma, como vamos a ver en este análisis de Tales of Arise Beyond the Dawn Edition para Nintendo Switch 2, la nueva edición del juego de Bandai Namco que incluye el DLC de historia, Beyond the Dawn, que llegó en 2023, dos años después del juego base, y añadió más de 20 horas extra.

Eso sí, como en los análisis de otros ports de juegos que llevan a la venta tiempo, en el análisis de Tales of Arise para Switch 2 me voy a centrar solo en la parte técnica y diferencias, ya que la aventura es idéntica en todas las plataformas, juegues en PS5, Xbox Series X|S o PC. Por eso, si quieres saber más sobre su historia o jugabilidad, te recomiendo que leas el análisis de Tales of Arise para PS5, Xbox Series X|S y PC, porque ahí vas a encontrar toda esa información.

Porque, si tenías dudas, en Switch 2 nada ha cambiado: ni la historia, ni el sistema de combate en el que podemos llevar un grupo de cuatro personajes (con ataques o Artes equipables), ni los gráficos Cel-Shaded, ni la original forma de acceder a más interacciones entre los personajes. Sobre estas líneas podéis ver un gameplay con los primeros 30 minutos, para que podáis verlo en "movimiento"..

Un primer vistazo que puede dar más o menos una pista de lo que podéis esperar del port de Tales of Arise para Switch 2, y que viene a ser un anticipo de lo que podemos esperar de otros esperados títulos de Bandai Namco, como Elden Ring Tarnished Edition o Digimon Story Time Stranger, previstos para la nueva híbrida para este mismo año.

Tales of Arise en Switch 2, una versión a caballo entre PS4 y PS5 (o Xbox One y Series X|S)

Los juegos con estética Cel-Shaded han conseguido buenos resultados tanto en Nintendo Switch como en Switch 2, tal y como han demostrado dos de los mejores juegos del catálogo, como son Zelda Breath of the Wild y Tears of the Kingdom o Dragon Ball FighterZ.

Tales of Arise para Switch 2 no desmerece en este sentido: es otro juego que se ve de fábula gracias a lo vistoso de este estilo gráfico, si bien es cierto que hay diferencias y similitudes según lo comparemos con las versiones de PS5 y Xbox Series X|S o PS4 y Xbox One.

Tales of Arise fue, en origen, un juego intergeneracional, que salió tanto para las consolas actuales como para las anteriores, incluida PS4 Pro, y había diferencias notables. La más clara, era que en PS4 y PS4 Pro, así como Xbox One, el juego se movía a 30 fps, mientras que las versiones superiores incluían distintos modos gráficos, y uno de ellos permitía jugar a 60 fps.

Este port para Switch 2 hace una cosa "extraña", y es que parece mezclar ambas versiones. Las escenas de vídeo y diálogos se mueven a 60 fps, mientras que las partes jugables, como la exploración de los entornos o los combates, baja hasta los 30 fps, aunque son muy estables, y no he sufrido ni ralentizaciones ni petardeos.

Es una sensación extraña, y supongo que alguna limitación técnica habrá detrás de tras esta decisión, pero lo ideal es que todo el juego se moviera a 60 fps. Ojalá en el futuro veamos una actualización que mejore el rendimiento para que alcance los 60 fps aunque sea con la consola en el dock, como también ha hecho Persona 3 Reload.

No obstante, no es la única herencia de la versión más antigua del juego. Por alguna extraña razón, el popping es también bastante más evidente, como en las versiones de PS4 y Xbox One, con una súbita aparición de detalle en el entorno (arbustos, sombras... incluso arañazos en una puerta ), que afean un poco el resultado final.

También es apreciable algunos dientes de sierra en primeros planos, pero no es nada exagerado... y aún con todo, es un JRPG que entra por los ojos, aunque sin estos "peros", sería todavía más vistoso (sobra decir que no te fíes demasiado de las capturas sacadas con la propia Switch 2, se ven peor que el juego en la pantalla de la consola o la tele).

Por último, tanto en modo dock como en modo portátil, la resolución de Tales of Arise en Nintendo Switch 2 es de 1080p, y lo cierto es que se ve bastante bien en ambos casos, si bien es cierto que puede parecer dar la sensación de que va más suelto al jugar en modo dock.

A modo de resumen, Tales of Arise en Nintendo Switch 2 da una de cal, y una de arena. Es un juego bastante vistoso y agradecido, tanto al jugar en portátil como en la tele, aunque queda más cerca de la versión de PS4 por la bajada a 30 frames en los momentos de acción (a 60 en las escenas de vídeo), y el vible popping... aunque sigue siendo un JRPG igual de disfrutón.

Lo que más me gusta y lo que menos de Tales of Arise en Nintendo Switch 2

En el análisis de Indiana Jones y el Gran Círculo me quejé por un aspecto que sí hace bien Tales of Arise Beyond the Dawn Edition, y es que incluye el DLC, algo que desde aquí aplaudo. ¿Qué sentido tiene relanzar el port de un juego disponible desde hace tiempo en otras plataformas si no es en su edición completa?

Para poder jugarlo el contenido adicional, eso sí, tendrás que terminar primero el juego base, ya que sus hechos se desarrollan un año después de lo visto en la aventura principal. No es el DLC más inspirado del mundo, pero si has conectado con los personajes, te agradará volver a pasar más horas con ellos.

También me gusta el estilo visual del juego, que en modo portátil es tremendamente bonito, así como algunas de sus ideas, desde el adictivo sistema de combate a poder mantener conversaciones opcionales con los aliados para conocer más sobre sus relaciones. O las escenas de anime, que son una constante en la serie Tales of y que aquí regresan también por todo lo alto.

Pero como se suele decir, la felicidad nunca es completa. La edición física de Tales of Arise llega en formato tarjeta llave (no están todos los datos en la Game Card... y eso que la descarga no llega ni a 60 GB).

Tampoco me ha entusiasmado que no incluya modos gráficos, al estilo de Fallout 4 Anniversary Edition, para que cada uno elija cómo prefiere jugar, ya sea reduciendo la resolución y escalando al imagen con DLSS, algo que quizá podría permitir una mayor tasa de fps, aunque creo recordar que es algo que creo no estaba soportado ni en PC.

Dicho de otro modo, aunque el juego se puede disfrutar sin problemas en Switch 2, no parece que sea un port optimizado para exprimir al máximo la nueva consola de Nintendo.

La opinión de Hobby Consolas de Tales of Arise Beyond the Dawn Edition para Nintendo Switch 2

Viniendo de donde venimos, de una batería de ports de enorme calidad que han puesto en duda los límites de Nintendo Switch 2, lo cierto es que Tales of Arise se queda en un extraño lugar "intermedio".

No es ni mucho menos un mal port como el de Wild Hearts S; de hecho sigue siendo un JRPG muy ameno y disfrutón, con un apartado visual muy potente. El problema es que Bandai Namco no optimiza en exceso sus ports, y aquí hay fallos evidentes, como la notable presencia de popping... y que quizá, con algo más de trabajo, podría correr a 60 fps.

Pero si el tema de los fps no es problema para ti, te esperan cerca de 100 horas de aventuras, con una gran traducción al castellano

Y sí, seguimos a la espera de ese gran "vendeconsolas" de Nintendo Switch 2, pero tal y como voy a comentar en este análisis de Yoshi and the Mysterious Book, no hay que dejar pasar otros exclusivos que quizá son más pequeños en apariencia, pero cuyo interior está lleno de una creatividad desmedida.

Porque esa es la palabra que mejor define a Yoshi and the Mysterious Book. La creatividad y también la búsqueda de la innovación capitanean la tercera entrega de esta particular saga artística spin off que empezó con Yoshi's Woolly World y continuó con Yoshi's Crafted World.

Cierto es que Nintendo siempre ha sabido dar nuevos y originales giros a sus sagas, pero nunca está demás volver a reivindicar el arrojo dentro del desarrollo de videojuegos y más cuando estamos ante un plataformas, género que ha definido la historia de la gran N.

Este nuevo Yoshi es más que un título amable y bonito. Su diseño y planteamiento vibran. ¿Por qué? Vamos a descubrirlo en este análisis de Yoshi and the Mysterious Book para Nintendo Switch 2:

• ​El gameplay de Yoshi and the Mysterious Book: mil y una mecánicas
• ​La duración de Yoshi and the Mysterious Book
• ​El precio y plataformas de Yoshi and the Mysterious Book
• ​La opinión de Hobby Consolas sobre Yoshi and the Mysterious Book
• ​Nota: lo mejor y lo peor de Yoshi and the Mysterious Book

Así se juega a Yoshi and the Mysterious Book, un gameplay con mil y una mecánicas

Por encima de un preciosista estilo visual inspirado en los bocetos a lápiz de grafito, Yoshi and the Mysterious Book destaca por ofrecer una jugabilidad clásica, pero aderezada con un gusto exquisito gracias a un conjunto de mecánicas simples, pero muy variadas y dinámicas.

Nos encontramos ante un plataformas en dos dimensiones que puede llegar a engañar a quien no se anime a probarlo, ya que puede parecer más de lo mismo al ver a Yoshi comerse enemigos, lanzar huevos y dar patadas al aire para alcanzar salientes.

Y lo cierto es que sí, este juego conserva la más pura identidad del personaje, pero todos sus símbolos jugables ahora se adaptan a un nuevo núcleo. ¿Cuál? Pues el de hacer que cada nivel sea una experiencia completamente diferente al anterior.

La premisa de la aventura es sencilla. Un misterioso libro mágico con bigote llega a la isla de los Yoshis para encargarles la misión de introducirse en sus páginas y documentar todas las especies únicas que viven en él y que no pudo llegar a etiquetar en su momento.

Bowsy y Kamek tienen otros planes, pero eso a Yoshi le da igual. Capítulo a capítulo (mundo a mundo), el personaje irá reuniendo toda la información que pueda sobre cada uno de estos dispares seres (seis por cada capítulo). Cada criatura (algunas conocidas como la Margaloca o el Nep-Enut) representa un nivel y cada nivel se rige bajo unas reglas.

En este ámbito, Yoshi and the Mysterious Book hace algo extremadamente bien. El juego no destaca por ser un plataformas desafiante en lo mecánico, sino por plantear fases (que no siempre son lineales) que vinculan su estructura a cada uno de los bichos que has de estudiar.

Cada nivel te fuerza a interactuar con su protagonista, conocer sus poderes y utilizarlos para completar un objetivo principal que puede ir desde sembrar flores por todas partes, hasta derrotar a un pez gigante, organizar una orquesta musical o destruir a un parásito que posee sandías.

Como digo, para cumplir este objetivo primero debes conocer a cada criatura. Para ello debes intentar saltar sobre él, comértelo o llevarlo sobre tu grupa (por ejemplo) para ver cómo reacciona, qué cualidades o poderes tiene o cuál es su forma de interactuar con Yoshi.

Así, aprenderás que las flores vivientes sirven para pintar el mapa, que las nubes permiten ascender largas distancias, que los ratones no son de fiar porque te roban objetos importantes o que los avispones sirven como fuente inagotable de huevos que arrojar.

A su vez, este esquema se ve enriquecido con cantidad de pequeños descubrimientos que hacen las veces de coleccionables (más allá de las clásicas flores). Estos coleccionables son anotaciones que te informan sobre cada especie. Quizá una sea vulnerable al fuego o una flor tristona se alegre si le das una manzana. Hay decenas de ejemplos.

Es decir, como tu tarea es estudiar los comportamientos y reacciones de cada especie, debes "jugar" con el entorno y probar cualquier cosa que se te ocurra. Intenta comerte a esa sandía voladora o saltar sobre una huidiza pompa flotante. Golpea repetidamente esa piña giratoria o agárrate con la lengua a esa especie de jabalí gigante. Verás qué pasa.

Todo se sustenta bajo la curiosidad del jugador. Así que, prácticamente todas las interacciones que se te ocurran (y las que no) quedan registradas en el libro, lo que te aportará estrellas que permiten desbloquear más mundos. Además, siempre puedes utilizar monedas desperdigadas para destapar pistas que te indiquen algunas de las acciones más esquivas, para así completar cada criatura al 100%.

A su vez, muchos de estos descubrimientos actúan como pequeñas submisiones en cada nivel, retos para los que es necesario trastear a fondo con cada criatura. Yoshi and the Mysterious Book es un juego que te fuerza a pensar para resolver cada fase, algo que no muchos títulos intentan inculcar en la actualidad.

Porque todos los niveles actúan como un pequeño rompecabezas. No todos consisten en ir de izquierda a derecha o de abajo a arriba superando obstáculos, sino que te piden que vuelvas, explores e indagues para descubrir sus secretos, que no son pocos.

No son bastas extensiones de terreno, pero todos responden a un diseño realmente original, intrincado y poco visto que hace que se sientan únicos. Solamente algunos jefes finales repiten planteamiento. Especialmente uno (que no puedo mencionar) no termina de aprovechar un potencial casi ilimitado que tiene un primer momento.

Por suerte, una vez alcanzas la mitad del juego, Yoshi and the Mysterious Book explota en cuanto a creatividad. Su segunda mitad es increíble y ofrece unos desafíos tan diferentes y bien pensados que logran colocarse entre los niveles más imaginativos que ha diseñado Nintendo en los últimos años. Palabras mayores que van muy en serio.

Solamente echo en falta un mayor grado de desafío mecánico en algunas de sus fases, porque es cierto que este Yoshi no es nada exigente para con el jugador, al menos, en cuanto a habilidad se refiere.

Y aún con todo esto, puede que al leer estés preguntándote qué hay que hacer exactamente en cada fase y con cada animal. Aquí es donde Yoshi and the Mysterious Book "falla" y es que, quien no experimente el juego tendrá dificultades para apreciar algunas de sus virtudes.

Es un juego que hay que probar y que establece un camino muy personal. Si bien sus pruebas y acertijos se resuelven de la misma forma, probablemente tu partida sea diferente a la mía en cuanto al orden de los descubrimientos. Que se pueda poner el nombre que quieras a cada criatura también señala esa personalización única.

Puedo contarte que aquí vas a hacer de todo, desde evitar que te coma una planta carnívora, ir volando de un lado a otro gracias a un jet pack acuático, caminar sobre nubes, esparcir un polen que inunde todo el mapa, pescar peces gigantes o encontrar Shy Guys perdidos, hasta salvar a unas crías de un una gaviota particularmente parecida al pokémon Wingull o lidiar con una plaga de primos lejanos de Kirby...

Y aún así, me quedan decenas de aventuras que explicar, pero prefiero que cada uno las descubra por sí mism@. Insisto, Yoshi and the Mysterious Book merece una oportunidad, pese a que no sea para todo el mundo por no tener la condición de un plataformas tradicional al exigir al jugador un mayor grado de compromiso y dedicación que va mucho más allá no caerse entre salto y salto.

La duración de Yoshi and the Mysterious Book

Llegar a los verdaderos créditos de Yoshi and the Mysterious Book puede llevarte unas 15 horas, aunque la duración del juego depende mucho de lo que hayas investigado a cada criatura, ya que los objetivos principales de las misiones pueden completarse relativamente rápido.

Y es que, si eres un jugador o jugadora completista, ten por seguro que algo más de 20-25 horas de juego tienes garantizadas con este plataformas. Aunque hubiese deseado que la progresión también fuese más variada y no repitiese el mismo esquema a cada mundo.

Aún así, dar con todos los "coleccionables" es una tarea agradable y varios niveles se pueden rejugar con interesantes alicientes como la interacción entre dos especies o un par de nuevos secretos.

El precio y plataformas de Yoshi and the Mysterious Book

Yoshi and the Mysterious Book está disponible en formato físico y digital en exclusiva para Nintendo Switch 2. Al igual que pasados lanzamientos como Mario Kart World, la compañía divide el precio de la única edición del juego en dos vertientes.

Por un lado tenemos la edición física (con todo el juego en el cartucho) por 69,99 euros. Por otro tenemos la edición digital, que se puede encontrar en la Nintendo eShop por un precio de 59,99 euros.

Un libr... juego de "tomo y lomo"

Yoshi and the Mysterious Book puede pasar desapercibido entre varios sectores del público de Nintendo Switch 2 y puedo llegar a entenderlo debido a su aspecto cuqui, blandito y colorido.

Sin embargo, que el adorable Yoshi no te confunda. No hay que juzgar al libro por su portada, ya que solamente basta un vistazo a sus primeras páginas para ver la enorme calidad que atesora esta aventura.

Quizá Yoshi and the Mysterious Book esté pensado con un público infantil en mente (y lo cierto es que lo recomiendo mucho para los más peques de la casa), pero también destaca enormemente a ojos de quienes, como Yoshi, ya llevamos unos cuantos años dando saltos.

La decisión de hacer que cada nivel se corresponda a una pequeña mecánica y encierre constantes y divertidos hallazgos parece la fusión perfecta entre un juego de otro tiempo, que te fuerza a indagar y experimentar, y otro preparado para ofrecer estímulos constantes y satisfacción instantánea. ¡Mueve la colita, Yoshi!

Si habéis prestado atención a los tráileres e imágenes que han ido publicando, seguro que ya lo sospechabais. Aun así, yo no podía evitar sentir cierta reticencia porque... vale, los juegos de LEGO están muy bien y siempre son auténticas fantasías en cuanto a referencias y contenido, pero no dejan de ser juegos para niños.

Y no os voy a mentir: LEGO Batman: El Legado del Caballero Oscuro también es un juego para niños. Sin embargo, es el LEGO en el que más se nota que sus responsables también han pensado en los fans adultos... y, más concretamente, en los fans de la saga Arkham.

El análisis de LEGO Batman: El Legado del caballero Oscuro para PS5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch 2 y PC de Hobby Consolas:

• El gameplay de LEGO Batman: El Legado del caballero Oscuro
• Nivel de dificultad de LEGO Batman: El Legado del caballero Oscuro
• ¿Cuántas horas de juego dura LEGO Batman: El Legado del caballero Oscuro?
• Cuánto cuesta LEGO Batman: El Legado del caballero Oscuro y dónde puedes jugarlo
• La opinión de Hobby Consolas de LEGO Batman: El Legado del caballero Oscuro
• Nota: lo mejor y lo peor de LEGO Batman: El Legado del caballero Oscuro

Jugabilidad y gameplay de LEGO Batman: El Legado del caballero Oscuro

LEGO Batman: El Legado del Caballero Oscuro nos pone en el papel de Bruce Wayne el multimillonario que... no, tranquilos que no os voy a contar quién es Batman porque eso ya lo sabéis.

La historia del juego, sin embargo, hace un repaso a toda la trayectoria del Caballero Oscuro utilizando como base sus películas: desde las más clásicas, como Batman (la de 1989) y Batman Returns, hasta algunas de las más vilipendiadas, como Batman Forever y Batman y Robin.

Por supuesto, la trilogía de Nolan también tiene un gran protagonismo, así como The Batman, su aparición más reciente en la pantalla grande.

De esta manera, seguimos el viaje del joven Bruce desde que acompañó a sus padres aquel fatídico día en el Callejón del Crimen, hasta convertirse en el cruzado enmascarado de Gotham y formar su propia Bat-familia.

Ahora bien, el juego no es una recreación exacta ni pretende serlo: asistimos y participamos en algunos de los momentos más icónicos de las películas, pero en muchos casos se entremezclan unos con otros y todo está bañado siempre por el característico humor LEGO.

Es un sentido del humor para niños, de ahí que a veces se pase de tontorrón, pero muchas otras es capaz de arrancarnos una buena carcajada. El hecho de ser un juego para niños también implica que las partes más crudas (concretamente: las muertes) se han suavizado bastante, pero me ha sorprendido que se hayan mantenido ciertos "interrogatorios"... al estilo LEGO, claro.

Y la cosa no va sólo de películas: el juego también tiene partes dedicadas a la magnífica serie animada de televisión y, por supuesto, a la saga Arkham. Es más, la sección Arkham me parece de lo mejor de todo el juego.

En otras palabras: estamos ante un título que celebra el legado del Caballero Oscuro acudiendo a todos los materiales posibles. Porque basta una mirada a cualquier parte de Gotham para encontrar alguna referencia a villanos, acontecimientos, cómics o cualquier clase de easter egg que sólo los más bat-fans van a reconocer.

Puestos a pedir, lo único que he echado un poco en falta para cubrir el cupo de momentos icónicos de Batman, ha sido algún nivel centrado en La Broma Asesina y el arco de Capucha Roja. Y también que como es un juego que picotea de todas partes, de algunas te quedas con ganas de más. Desde luego, no me habría importado ver más niveles dedicados a la película de El Caballero Oscuro o a la saga Arkham.

Y precisamente la saga Arkham ha sido la principal influencia para la jugabilidad de LEGO Batman: El Legado del Caballero Oscuro. Si habéis jugado a cualquiera de los títulos de Rocksteady, en seguida lo vais a ver: el sistema de combate con contraataques y derribos, las secciones de depredador (infiltración) columpiándonos por las alturas, la exploración de la ciudad ya sea planeando o a bordo del Batmóvil, el modo detective, los gadgets... Se respira Arkham en cada pieza de este LEGO Batman.

Es más, fue toda una sorpresa descubrir en los créditos que Rocksteady ha colaborado en el desarrollo de este juego. No sé hasta qué punto, pero desde luego eso explica muchas cosas.

Lógicamente, todo está simplificado para hacerlo más sencillo y accesible para niños, así que tampoco esperéis el mismo nivel de profundidad. Por poner un ejemplo, el sigilo es completamente opcional; si te pillan, aquí no pasa nada porque te puedes liar a tortas y ya está.

Ahora bien, dentro de lo que son los juegos de LEGO, este me parece con bastante diferencia el que más huye de esa simpleza que a menudo los caracteriza. Luego hablaremos sobre el tema de la dificultad, donde encontramos novedades, pero para que os hagáis una idea, en los combates se combinan diferentes tipos de enemigos que requieren estrategias diferentes (como en los Arkham), hay árboles de habilidades con los que desbloqueamos nuevas acciones de combate, sigilo y exploración (como en los Arkham) y podemos mejorar los gadgets para que ganen nuevos efectos (como en los Arkham).

Eso sí, como el juego sigue el viaje de Batman desde sus inicios, las habilidades clave se consiguen de manera gradual. Esto tiene un efecto negativo sobre las primeras horas y los primeros niveles, donde peca de ser excesivamente simple y puede generar una impresión errónea. Porque pasadas unas horas y conseguidas las habilidades más icónicas de Batman, el juego gana enteros.

Además de todo esto y, como es habitual en todos los juegos de LEGO, aquí no manejamos únicamente a Batman, sino que a o largo de la aventura vamos desbloqueando a nuevos bat-aliados.

Y pasa algo muy curioso: al haberse centrado tanto en Batman y su mito, el número de personajes se ha reducido bastante si lo comparamos con los anteriores LEGO Batman o con otros juegos como LEGO Avengers o LEGO Star Wars. Y sin embargo... es un acierto.

Porque mientras que en esos juegos los personajes se dividían en "clases" entre las que realmente no existían demasiados cambios jugables, aquí los personajes tienen diferencias muy marcadas. Todos tienen dos gadgets únicos, útiles tanto al explorar como al combatir y cuentan con su propio árbol de habilidades, así como con una serie de acciones específicas para resolver los rompecabezas que plantea el juego.

Entiendo que haya gente para la que esto pueda suponer un paso atrás, pues venimos de juegos en los que podíamos controlar a toda la galería de héroes y villanos de DC, pero creo que haber reducido el número de personajes para enriquecerlos a nivel jugable ha sido una gran idea.

Porque el resultado es una jugabilidad muy entretenida. Siempre estamos haciendo cosas diferentes y utilizando distintos tipos de mecánicas, por sencillas que sean. Y mola mucho la manera en que debemos combinar las habilidades de varios personajes para superar ciertos puzles o combates contra jefe

En cuanto a la estructura, LEGO Batman: El Legado del Caballero Oscuro apuesta por niveles clásicos para recrear los momentos más recordados de las películas y un mundo abierto para que podamos fliparnos explorando Gotham.

Los niveles siguen la fórmula habitual de anteriores LEGO, de manera que son fases lineales a través de las que progresamos superando combates y resolviendo rompecabezas que muchas veces requieren usar piezas de LEGO para salir de un apuro. Por supuesto, también esconden unos cuantos coleccionables, e irónicamente, debido al modo detective, conseguir el 100% en cada nivel es más fácil que en la mayoría de juegos LEGO.

La ciudad de Gotham, por su parte, está dividida en diferentes distritos, cada uno compuesto por calles, edificios y otros lugares sacados del bat-lore. Pero se trata de un mundo abierto en todos los sentidos, que podemos recorrer tanto usando diferentes vehículos, como el gancho y el planeo con capa al más puro estilo Arkham.

No es la primera vez que un LEGO apuesta por un mundo abierto, pero sí es la primera que se siente como un mundo abierto real, en lugar de como un escenario adaptado a las necesidades de las piezas. Hasta el punto de que es muy divertido moverse por la ciudad; me he sorprendido a mí mismo evitando el viaje rápido para poder recorrer las calles con el Batmóvil a toda velocidad o buscando crímenes mientras sobrevolaba los rascacielos... como en un Arkham.

En cuanto al apartado visual, se puede apreciar una mejora respecto a los anteriores trabajos de Traveller's Tales: la calidad de los modelos, la iluminación, los efectos de la lluvia, el número de piezas en pantalla...

Lógicamente, hablamos de un juego de LEGO, así que tampoco es el título más puntero de la generación, pero eso no quita que se vea muy bien. En particular, hay que destacar la fantástica recreación de Gotham, con su noche perpetua y sus luces de neón. De nuevo, es difícil no ver la influencia de los Arkham, pues esta Gotham recuerda especialmente a la de Arkham Knight.

La banda sonora está compuesta tanto por temas originales como por las emblemáticas melodías de las diferentes películas y series de televisión. La única y notable ausencia es el tema principal de la trilogía de Nolan, que imagino que no está por algún lío de derechos y licencias. Es una lástima, porque si esos niveles ya de por sí son de lo mejorcito del juego, la banda sonora de Hans Zimmer los habría hecho el doble de épicos.

Con el doblaje al castellano tengo sentimientos encontrados. Vaya por delante que es un doblaje muy bueno hecho por auténticos profesionales del sector, pero creo que la elección de voces para algunos de los personajes principales no ha sido del todo acertada.

Lo que más choca desde el principio es que se haya prescindido de Claudio Serrano, quien se había convertido en la voz habitual del Caballero Oscuro. En su lugar, escuchamos a Manuel Gimeno, la voz de Robert Pattinson en español, así que os podéis hacer una idea de a qué se debe el cambio. Y ojo que hace un trabajo fenomenal y te acabas acostumbrando, pero es llamativo que no sean ni una ni dos, sino varias las voces que no encajan con los personajes... al menos, de primeras.

¿Es difícil LEGO Batman: El Legado del Caballero Oscuro?

Como decía hace varios párrafos, hay una novedad importante en lo relativo a la dificultad, pues LEGO Batman: El Legado del Caballero Oscuro es el primer LEGO que cuenta con distintos niveles de dificultad, tres para ser más exactos: clásica, cruzado enmascarado y caballero oscuro.

Yo he jugado en todo momento en esta última, que sería el equivalente al modo difícil, en el que contamos con vidas limitadas, mayor presencia de enemigos y mayor frecuencia de aparición de enemigos de tipo avanzado.

Y ya os aviso que aun en esta dificultad sigue sin ser un juego difícil y os lo vais a pasar sin morir y sin demasiados problemas, pero se agradece mucho ese extra de desafío que anima a sacar partido de las mecánicas que incorpora el juego, algo que no se puede decir de los anteriores LEGO (te estoy mirando a ti, La Saga Skywalker).

Y, de nuevo, es un detalle que demuestra que sus responsables no sólo han pensando en el público infantil al diseñar esta entrega.

¿Cuántas horas dura la historia de LEGO Batman: El Legado del Caballero Oscuro?

En mi caso, superar la historia de LEGO Batman: El Legado del Caballero Oscuro me ha llevado 17 horas y 20 minutos con un 57,91% de juego completado. He dedicado unas cuantas horas a explorar el mundo abierto y realizar actividades opcionales, pero eso no quita que la historia principal sea relativamente larga, al menos para esta clase de juegos.

Y por supuesto hay contenido opcional para aburrir: además de los coleccionables de los niveles principales, la ciudad de Gotham está llena de actividades diferentes: acertijos de enigma, animales extraviados, desafíos de combate, carreras contra el crono a bordo del Batmóvil...

Lo mejor de todo es que muchas de estas actividades y coleccionables nos invitan a utilizar a todos los personajes para resolver ingeniosos rompecabezas.

Por si eso fuera poco, LEGO Batman: El Legado del Caballero Oscuro también nos permite personalizar la Batcueva con los trofeos que vamos obteniendo, así como admirar la colección de trajes y vehículos desbloqueados, que por cierto hay muchísimos (especialmente trajes) y además podemos alterar su color.

Y para rematar, tampoco podemos desdeñar el hecho de que toda la aventura se puede completar en compañía de un segundo jugador en cooperativo local.

Quizás, si lo comparamos con otros títulos de LEGO, y nos centramos en lo necesario para alcanzar el 100% de juego, El Legado del Caballero Oscuro sea algo más corto. Pero, como contrapartida, la forma en que está estructurado hace que conseguir ese 100% sea más apetecible y mucho menos tedioso. Personalmente, lo prefiero así.

Precio y plataformas disponibles

LEGO Batman: El Legado del Caballero Oscuro se lanza el 22 de mayo de 2026 para PS5, Xbox Series X|S y PC a un precio recomendado de 69,99€. A Nintendo Switch 2 llegará más tarde, en una fecha todavía por determinar.

El juego está disponible tanto en forma físico como digital y, en ambos casos, se distribuyen dos ediciones: Estándar y Deluxe. Esta última incluye el juego, el pack de la Trilogía de Arkham, el pack de Batman del Futuro, el pack Música de Fiesta, la Colección Caótica y acceso anticipado de 3 días por un precio de 89,99€.

Batman: Arkham en miniatura

Siempre me pasa lo mismo con los juegos de LEGO: los cojo con muchas ganas y los disfruto hasta terminarlos, pero cuando estoy jugando me doy cuenta de que probablemente ya estoy mayor para esta clase de juegos. Porque son muy básicos, son fáciles y, en definitiva, son para niños. Por eso, incluso aunque sean una fantasía en cuanto a personajes, localizaciones y contenido, nunca terminan de satisfacerme del todo.

Al menos... hasta ahora. Porque LEGO Batman: El Legado del Caballero Oscuro sí que ha logrado llenarme. No sólo por ser una celebración de todo lo que tiene que ver con el Caballero Oscuro, por su fantástica recreación de Gotham o por sus múltiples mejoras jugables inspiradas en la saga Arkham, sino sobre todo por ser el juego en el que Traveller's Tales ha ido más allá de la simpleza habitual de estos títulos... hasta donde las piezas se lo han permitido.

Porque ser un juego de LEGO es al mismo tiempo una ventaja y una desventaja: tienen el sentido humor y la libertad para hacer lo que les dé la gana sin que ningún fan se lleve las manos a la cabeza por saltarse el canon, pero al mismo tiempo están muy restringidos en todos los frentes. En este juego, puedes sentir claramente que los devs querían hacer un nuevo Arkham, pero en muchos aspectos se han tenido que contener para no pasarse de complejos.

Y aun con esas restricciones, han conseguido hacer un juego fantástico. Porque cuando estás sobrevolando la ciudad, escuchas la radio de la policía avisando de que se está cometiendo un delito y caes a toda velocidad en mitad de un grupo de criminales, que salen despedidos debido a la fuerza del impacto y el miedo que tu simple presencia les provoca, lo único que puedes pensar es: "soy el p*to Batman".

El análisis de Forza Horizon 6 viene tan fuerte como su prólogo, que arranca con los neumáticos pegados al asfalto y las manos en el volante de un Nissan GT-R Nismo de 2024 que pasa sobre la sakura caída como si esta fuera una alfombra rosa de bienvenida.

Una explosión de color surge ante ti gracias a un precioso campo de flores. A toda velocidad y tras trazar un par de curvas, te ves conduciendo a la par de un shinkansen, un tren bala, la encarnación de la velocidad en tierra. Es un sueño cumplido, puro espectáculo.

Porque esto ha sido y es Forza Horizon: espectáculo y velocidad. Sin embargo, a diferencia de esa ya lejana cuarta entrega que hacia las veces de autohomenaje a las raíces británicas de Playground, ahora es el estudio de Xbox quien rinde un fastuoso tributo.

¿Hacia quién va dirigido? Pues hacia nosotros, los jugadores y jugadoras. Por fin estamos ante la tierra prometida de la conducción. Por fin estamos en Japón... ¡Arrancamos! Vamos con el análisis de Forza Horizon 6 para Xbox Series X|S y PC:

• Así es Forza Horizon 6: gameplay, contenido general y Japón
• Las novedades de Forza Horizon 6: carreras, modos, añadidos y mejoras
• Duración y multijugador de Forza Horizon 6
• El precio, ediciones y plataformas de Forza Horizon 6
• La opinión de Hobby Consolas sobre Forza Horizon 6
• Nota: lo mejor y lo peor de Forza Horizon 6

Forza Horizon 6, un perfecto patio de recreo

Evidentemente, la gran novedad de Forza Horizon 6 es que el juego nos lleva a Japón, la localización soñada por los fans. Y lo diré de primeras... La aventura por el país nipón es espectacular, un cúmulo de geniales experiencias al volante que te maravilla en cada recta y con cada curva.

Porque Forza Horizon 6 no necesita más que la pericia del equipo de Playground en el diseño de niveles para brillar. Y es que, el trabajo "más duro" ya está hecho. Con el pasado Forza Horizon 5, la fórmula de conducción arcade festivalera de la saga alcanzó un nivel de calidad difícilmente superable. Y si algo funciona, mejor no tocarlo.

Así que, en ese sentido, Forza Horizon 6 es un juego continuista. Lo que te encuentras aquí es lo que ya has visto antes, una experiencia de conducción arcade de mundo abierto llena de carreras, coches, personalización, tuneo, actividades y opciones para todo el mundo.

No obstante, Forza Horizon 6 busca superar lo insuperable a base de números ofreciendo más de 90 eventos de carreras, 400 coleccionables, más de 550 coches de lanzamiento, un par de decenas de vehículos secretos, 600 carreteras, nueve regiones y una ingente cantidad de actividades y configuraciones para disfrutar como quieras.

Todo ello está situado en un lugar único. Japón es el mapa más grande de la saga hasta el momento, un escenario impregnado por una cultura automovilística bestial. Aquí, Playground ha logrado unificar todo para darnos un maravilloso patio de recreo.

Japón cuenta con diferentes biomas y zonas geográficas, pero todo presenta una mayor cohesión y coherencia. Desde las tierras altas, pasando por las carreteras costeras y hasta el montañoso y nevado norte, Japón se siente como el mapa mejor diseñado hasta la fecha.

Forza Horizon 6 retrata una versión en miniatura de la isla de Honshu con la suficiente variedad como para que recorrer sus carreteras se sienta diferente, pero sabiendo que forma parte de un todo. Japón es más realista que fantasioso y se inspira más en la veracidad paisajística de la campiña británica de FH4 que en el México de contrastes de FH5.

Tenemos un mapa que ofrece de todo. Por primera vez obtenemos una urbe de gran tamaño. Tokio es la otra gran novedad del juego, una ciudad gigantesca para los estándares de la saga que deja en ridículo a zonas como Guanajuato en cuanto a tamaño y diseño.

La capital ofrece una conducción emparentada más con Need for Speed o Midnight Club que con Forza Horizon y se nota que el equipo de desarrollo ha salido de su zona de confort. Me gusta este Tokio, aunque también es cierto que hay margen de mejora...

Para empezar, creo que podría haber tenido algo más de protagonismo. Hay unas cuantas y geniales carreras que pasan por sus calles y se han añadido nuevas actividades únicas, pero es cierto que, en cuanto a diseño, hay aspectos que se podrían haber pulido un poco más.

No se siente una ciudad viva. En general hay poco tráfico, muchas de sus calles son demasiado anchas y el público es estático. No es un mal comienzo, pero en ese sentido, se nota que aún queda experiencia por ganar en esto de retratar escenarios urbanos.

También considero que su diseño podría ser más orgánico. Por ejemplo, la ciudad a veces presenta callejones, pero estos se sienten artificiales, como colocados ahí para dar una falsa apariencia de profundidad. No pasas por ellos curiosidad, sino más bien porque hay algún coleccionable intencionalmente puesto ahí.

Aún así, pasar por el cruce de Shibuya, circular por debajo de la Tokio Tower, recorrer el tecnológico barrio de Akihabara, la avenida Ginkgo o ver la estación central es genial. Hay buena atención por el detalle.

No obstante, Tokio es lo único que puede causar reticencias. El resto de Japón es, simple y llanamente, espectacular. Habrá quien diga que no se siente tan variado (quizá por una paleta demasiado pardosa) e incluso que tenga zonas algo impersonales (no todo es anime o templos), pero la fuerza de sus paisajes y el desempeño de la climatología variable lo convierten en un escenario de ensueño.

De las grandes autopistas que rodean la isla pasas a las sinuosas sendas de montaña de los Alpes japoneses, desciendes hasta las costas de aguas turquesas y arena dorada, recorres las planicies llenas de campos de arroz, santuarios y viejas carreteras y asciendes a las tierras altas boscosas gobernadas por la imponente silueta del monte Fuji a lo lejos.

Además, el juego retrata bien elementos automovilísticos nipones como las gigantescas paredes de hielo de Tateyama, las míticas curvas de Irohazaka Slope o el parking de Daikoku y sus multitudinarias concentraciones de tunning.

Esto nos deja un escenario perfecto para explorar a nuestro aire, competir y desarrollar una conducción arcade cuyo control es excelso, ya sea en asfalto, grava o tierra. Además, Playground sigue jugueteando con las opciones más centradas en la simulación. Ahora, a la personalización del control de tracción y otros ajustes se le pueden añadir variables como el desgaste del neumático, por si quieres aproximarte más a la vertiente de Forza Motorsport.

Es algo anecdótico, pero es una opción que señala que la fórmula jugable de esta saga continúa siendo extremadamente sólida y siempre busca aportar un poquito más a la tónica general de la franquicia.

Este manejo se vive en cada uno de los coches que FH6 pone a disposición del jugador. Tenemos un garaje con un fondo tremendo y pese a que no he llegado a catar todos los autos, cada uno está retratado con un mimo absolutamente extraordinario, tanto en su modelado exterior como interior. Marca de la casa.

El diseño de sonido es impresionante y ha mejorado mucho respecto a la pasada entrega. Los graves y petardeos resuenan como un trueno y se adaptan a los diferentes espacios. No es lo mismo estar a cielo descubierto que dentro de un túnel a 300 km por hora o haciendo donuts dentro de una nave industrial. Está muy cuidado.

Por supuesto, en cuanto a variedad, las marcas niponas como Honda, Toyota, Subaru o Nissan ganan un gran protagonismo, que va más allá del pedazo de modelo insignia que es el Toyota GR GT.

Se ofrece de todo y para todos los gustos y se permite una personalización muy completa, tanto en materia estética, como en la más pura variante de modificación de vehículos.

Supercoches, muscle cars, rally, retro, joyas utilitarias japonesas y una amalgama de marcas internacionales dan forma un juego casi inabarcable en cuanto a elecciones jugables. Es apabullante.

Y tanto los coches, como el mundo quedan representados a las mil maravillas con un apartado técnico muy potente. No obstante, tengo que decir que el salto gráfico (recordemos que esta es la primera entrega exclusiva de la presente generación de consolas) no es tan bestia como podrías llegar a imaginar en un primer momento.

En Xbox Series X|S se puede jugar con 4k nativo a 30 fps o con 4k escalado y 60 sólidos fps (recomiendo la segunda opción) y hay elementos que dejan claro que Forza Horizon 6 es un juego más que solvente en este aspecto, como una gran implementación del ray tracing o una buena distancia de dibujado, pero en ese sentido, ya no impresiona tanto como sí lo hicieron las dos entregas previas.

También es cierto que debido a la propia configuración del juego, no he podido ver los cambios estacionales, que hacen que el juego varíe a nivel visual. Siempre he jugado en verano en esta versión previa, así que estoy seguro que esos contrastes también van a potenciar un apartado que ya de por si brilla en cuanto a dirección artística.

Las carreras, progresión y novedades de Forza Horizon 6

Y más allá de un nuevo mapa y más coches... ¿Qué hay de nuevo en Forza? Insisto en que esta sexta entrega es muy continuista (algo en lo que profundizaré en la conclusión de este análisis), pero encontramos pequeñas novedades que amplían y pulen la experiencia.

A las carreras por asfalto, rally y cross country se suman los desafíos Touge, enfrentamientos uno contra uno que recogen el espíritu drifting y rebelde del mercado automovilístico japonés con recorridos de montaña plagados de curvas y virajes. Y siguiendo con esta esencia, también tenemos trepidantes carreras callejeras con tráfico que, en esta ocasión, se hacen al amparo de la oscuridad.

Aunque, sin duda alguna, la mejor novedad en este aspecto es la introducción de circuitos profesionales cerrados, que quedan integrados en el mapa para refrescar las carreras con un toque más competitivo a lo Forza Motorsport.

Más de cinco circuitos de esta índole se pueden encontrar por el mapa y todos presentan un gran diseño, con mucho cambio de rasante, longitud variable y trazados que invitan a memorizarse como si esto fuera Fórmula 1. Este añadido es uno de los más disfrutones.

Más no es el único que deja claro que en Playground controla a las mil maravillas la formación de rutas por su mundo abierto. Apenas tengo reproches hacia el casi centenar de pistas que tiene el juego. Únicamente algún recorrido cross country por vueltas pincha.

A las carreras sumamos los clásicos eventos y actividades como los tramos de velocidad, las zonas de derrape, abrecaminos, saltos o radares. Si bien se echa en falta alguna prueba más, FH6 lo solventa añadiendo las carreras de aceleración sin pantallas de carga y el time attack, una modalidad de contrarreloj por los anteriormente mencionados circuitos cerrados que es un pique total y absoluto.

Otra actividad es el reparto de comida por Tokio. Puede parecer una chorrada, pero es un vicio entregar pedidos con una furgonetilla por las calles de la capital. Además, cada pedido trae consigo un desafío como puede ser ir driftando, evitar choques o entregarlo con un plazo de tiempo muy corto. Esta es la mejor manera de conocer la ciudad.

Pero, quizá, la novedad más importante sea la forma en la que se progresa en el mundo. El jugador llega a Japón y parte de cero. Para convertirse en una leyenda del Festival Horizon deberá ir completando pruebas que otorgan puntos para desbloquear pulseras que permitan participar en carreras más exigentes y de mayor cilindrada.

Con esto, Forza Horizon 6 obtiene una especie de campaña (testimonial eso sí) que potencia una progresión más natural y que va desbloqueando nuevos autos y experiencias. El recorrido por Japón se siente más progresivo y estimulante al establecerse un objetivo como es conseguir una pulsera tras otra.

Estas pulseras se obtienen mediante los puntos que otorga ganar carreras, romper los carteles de EXP, las mascotas coleccionables o completar actividades dispersas por el mapa. Una vez alcanzas el tope de la barra de progreso debes participar en unas carreras especiales.

Se llaman Horizon Rush y son una suerte de pruebas festivas únicas. Hay siete en total y pese a que no se parecen en nada a otras, su diseño me ha parecido muy flojo. Se sienten como circuitos sacados de un modo creativo y pese a que son muy pirotécnicos (con los clásicos scripts de aviones sobrevolando el escenario), repiten demasiadas ideas y no son tan especiales o impresionantes como se promete.

Creo que esta es una de las mayores decepciones del juego, especialmente porque la propia progresión de FH6 les da demasiado bombo. Eso sí... hay una... hay una que es fantasía. La carrera contra un mecha es una genial ida de olla de proporciones bíblicas y ojalá no hubiese sido la única que se vinculase con la cultura moderna nipona.

Espero que en un futuro veamos colaboraciones con animes, porque es lo único que le falta al juego para ser un homenaje total a Japón. Porque es cierto que no consta de un toque tan oriental. No digo que se deba tirar por el estilo de Need for Speed Unbound, pero se nota que Horizon 6 está muy pensado para un público occidental.

Y aunque falta cierta esencia, recorrer el país es muy estimulante. Un país que debe ser descubierto no solo compitiendo, sino explorando sus carreteras y caminos de otras formas. Cómo si fuera un folleto turístico, Discover Japan es otro árbol de progresión lleno de misiones por el que se va subiendo de nivel al descubrir carreteras o completar las ya conocidas Historias de Horizon.

Estas actúan como tours guiados por las diferentes regiones, excursiones interactivas que te explican las atracciones naturales de la zona y rinden homenaje a coches de época. No son la gran cosa, pero suponen una experiencia diferente y agradable.

Por suerte, la cultura nipona también queda reflejada en la radio. Una de las mejores cosas que tiene esta saga es su íntima conexión con la música y aquí, una vez más, no defrauda. Hay emisoras clásicas como Horizon Pulse o Bass Arena que regresan y otras que se incorporan como Gacha City Radio.

Apenas encuentro pegas a ninguna. Gacha City (con locutora japonesa) te adentra en el maravilloso mundo del J-Pop con himnos como Bling-Bang-Bang-Born de Creepy Nuts. Horizon XS lleva el rock, alternative y el punk a un gran nivel con From the Bottom de Linkin Park o Gimme Chocolate!! de BABYMETAL y Horizon Pulse cuenta con temazos electrónicos como Hold You de CRi o un increíble You de Lane 8 (que lo tengo bucle desde que lo escuché por primera vez).

Nueve emisoras dan para un gran repertorio musical con el que conducir y explorar y el detalle de tener algunos locutores en castellano también suma. Y es que es importante señalar que el juego, al igual que Horizon 5, tiene un buen doblaje al castellano.

La última gran novedad corresponde a la personalización de garajes y de una gran propiedad que casi te permite fundar tu propio pueblo. Es un editor lleno de detalle, pero sinceramente, no aporta demasiado al juego. Al igual que pasaba con la guarida de Assassin's Creed Shadows, es una novedad que podría no haberse incluido y no habría problema

Y a esto se suman pequeños retoques, como el asistente de conducción, que te indica nuevos retos cercanos al terminar carreras, una IA más exigente en dificultades estándar o la posibilidad de poner el piloto automático para seguir recorriendo el mapa sin estar a los mandos. Aprovecha para ir al baño mientras o simplemente disfruta del paisaje con la cámara cinematográfica.

El multijugador de Forza Horizon 6 y sus añadidos

Y todo esto se le suma un modo multijugador perfectamente ligado con el mundo del juego. Puedes jugar en ese mundo vivo de Forza Horizon 5, en el que ves a avatares de otros jugadores conectados o directamente puedes formar una caravana con amigos y recorrer el mapa e invitarles a carreras que se pueden jugar en cooperativo o JcJ.

Por su parte, Horizon Play permite participar en diferentes modalidades competitivas, como el Eliminator Battle Royale, y se añade el Escondite, que tanto gustó en la pasada entrega, o la modalidad llamada Spec que hace que todos jueguen con el mismo coche.

Forza Horizon 6 suma también algunos añadidos sociales, como las concentraciones de tunning, puntos específicos en el mapa que permiten reunirse a los jugadores, aparcar, presumir de vehículo o copiar o comprar con descuento los coches y diseños que vean.

No hay chat de voz integrado en el juego, pero sí crossplay (y guardado cruzado), por lo que vas a poder habilitar un grupo en Xbox y añadir a colegas, jueguen en consola o PC (lo hemos probado también con la versión de PC desde la app de Xbox y funciona de lujo). Eso sí, asegúrate de bajar el volumen del juego, porque está realmente elevado por defecto.

Con un multijugador eterno y con una enorme cantidad de contenido de base, seguro que te preguntas cuál es la duración de Forza Horizon 5. Para que te hagas una idea, ya he superado las 40 horas de juego y tengo unos doscientos coches, todas las pulseras y carreras completadas, dos tercios de las pestañas de Discover Japan, unas 500 carreteras descubiertas, la mitad de los coches abandonados, 350 coleccionables de 400 y siete de las ocho casas disponibles. Así que, completar todo puede llevarte más de 100 horas, tenlo por seguro.

El precio de Forza Horizon 6, ediciones y plataformas

Forza Horizon 6 está disponible para Xbox Series X|S y PC por 69,99 euros (más adelante en 2026 llegará a PS5). No obstante, el juego también se puede encontrar en la biblioteca de Xbox Game Pass.

Por otra parte, también está disponible la edición Deluxe por 99,99 euros, que incluye un pase de coches (que desbloquea 30 coches en el juego, uno cada semana) y un pack de bienvenida.

Por último, encontramos la Premium Edition de 119,99 euros, con cuatro días de acceso anticipado, dos expansiones premium, el pack de coches Italian Passion, pack de coches de contrarreloj, pase de coches, suscripción VIP y el pack de bienvenida.

Xbox, compañero, he visto tu nuevo Forza Horizon 6, así que, en primer lugar, felicidades por la bestia que has desarrollado.

Tras recorrer Japón durante días, lo que tengo claro es que Forza Horizon 6 no acelera, sino que mantiene una velocidad punta envidiable. Estamos ante un juego portentoso en todos sus aspectos, cuyo único problema es parecerse demasiado a sus predecesores.

Resulta complicado perfeccionar lo que parece perfecto. Al igual que otras magníficas sagas, la excelencia que se alcanzó con Forza Horizon 4 y 5 pone en un brete a una Playground Games que ha decidido seguir por el mismo carril y dejar la innovación de peso para más adelante.

Forza Horizon 6 es continuista y se puede apreciar en su interfaz, en el planteamiento jugable y también en la falta de novedades de alto octanaje. ¿Es esto algo malo? No, claro que no. Y es que, no se puede negar que estamos ante un juego sobresaliente, un promesa cumplida que nos da otro festival del motor con galones suficientes como para consagrarse como el mejor juego de coches de la actualidad.

No obstante, pese a que resulte una maravilla a los mandos, que su ingente cantidad de contenido desarme a cualquier crítico o que sea arrebatador en lo estético, es inevitable experimentar cierta sensación de deja vú al jugar a esta entrega.

Gran Bretaña fue el lavado a presión que quita el barro y la suciedad de la carretera. México un enjuagado de categoría que limpiaba cualquier impureza y Japón es el encerado final que deja el coche como los chorros del oro. Importante, pero no necesario.

Por lo tanto, el resultado es brillante, pero entre tanta pasada, el impacto y la sorpresa se han diluido con el transcurso de las entregas. Echo de menos algo más de arrojo que deje claro que la saga aún puede dar para una marcha más.

Y es que, pese a ese "derrape", el buen sabor de boca que deja Forza Horizon 6 es incontestable. Lo que tenemos aquí es otra bestia, un juego mayúsculo. Como Japón, Forza Horizon 6 deslumbra.

Y es que, a veces, todo lo que necesitas es disfrutar de aquello que transmite el prólogo del juego. A veces, solo hace falta un buen espectáculo. A veces, solo necesitas pilotar un Dodge Viper a toda velocidad, fundirte con la carretera y volar hacia el horizonte.

Aunque es un fabricante que siempre ha tenido algún modelo con acabados más premium, las cosas subieron de nivel hace tres años, cuando lanzó uno de sus auriculares más bestias, el Stealth Pro, que justo ahora recibe a su sucesor, del que vamos a hablar en este análisis de Stealth Pro II, el nuevo auricular tope de gama de Turtle Beach.

Un modelo que coge todo lo bueno del anterior sube de nivel en todos y cada uno de los apartados, desde su diseño y acabado, que grita calidad por los cuatro costados, pasando por su calidad de sonido y, por supuesto, funcionalidad. Porque este Turtle Beach Stealth Pro II se sube al carro de la conexión múltiple simultánea, pudiendo conectarse con hasta 4 dispositivos a la vez y cambiar entre ellos pulsando un botón, siendo el primer auricular en conseguir esa cifra, si bien otros modelos, como el Astro A50 de Logitech, ya lo hicieron con tres (aunque de una manera distinta, además).

Y todo sin descuidar otros muchos extras que ya, hoy por hoy, empiezan a ser el estándar de los auriculares gaming más top, como el ANC o cancelación activa de ruido, un micro que transmite un sonido muy natural, la posibilidad de conectar vía bluetooth nuestro teléfono y atender llamadas, o hablar por discord o whatsapp mientras jugamos, o lo que para mí es más importante, compatibilidad con el llamado Hi-Res Audio, el estándar para los audiófilos.

Cabe destacar que hay dos modelos distintos, uno de PC, y otro de Xbox y consolas, que es el que he probado, y que tienen algunas diferencias entre sí. El de Xbox es compatible también con PlayStation, PC y móviles, y aunque no lo pone en la caja, funciona también con otros dispositivos que tengan bluetooth, como las consolas de Nintendo (y también funciona con el dongle USB en el dock).

Pero tranquilos, que de todo esto vamos a hablar en esta review de Stealth Pro II, el nuevo auricular gaming premium de Turtle Beach, que por méritos propios ya se ha convertido en uno de mis auriculares favoritos de lo que llevamos de 2026.

• Unboxing, diseño, ergonomía y controles de Stealth Pro II
• Conectividad, uno de los grandes refuerzos de Stealth Pro II
• Stealth Pro II, una importante mejora en la calidad de sonido
• Swarm II, el software para sacarle todo el jugo a Stealth Pro II
• Micrófono y autonomía, otros dos detalles clave de Stealth Pro II
• La opinión de Stealth Pro II de Hobby Consolas

Stealth Pro II, un auricular que grita lujo en casi todos sus detalles de diseño

Siempre que hablo de auriculares top, me acuerdo de Beoplay Portal, el auricular de gama alta de Bang and Olufsen que costaba 500 euros. Y debo decir, que este Stealth Pro II es uno de los auriculares que más se parecen en algunos de sus aspectos más premium, como es el caso de algunos de los materiales y acabados elegidos.

Es una sensación que empieza desde el mismo momento que abres la caja. El auricular y todos sus accesorios vienen contenidos en una funda rígida de transporte, un extra que cada vez valoro más y, sobre todo, en un auricular que también puedes usar para escuchar música en la calle o en un viaje, o ver una película (sí, suenan tan bien, que son aptos para todo tipo de usos, más allá de jugar).

Esta funda contiene no solo el auricular, también el micro extraíble, el cable USB para conectar la base receptora, que como en el primer modelo, también permite cargar las baterías extraíbles (sobre las que hablaré más tarde) y un receptor USB adicional.

Al sacar el auricular de la funda, se nota que Turtle Beach ha tirado la casa por la ventana y poco tiene que ver con el anterior modelo, un rediseño que sin duda es un cambio a mejor. Si el primer Stealth parecía otro auricular gaming más, Stealth Pro II está más cerca de parecer un auricular de estilo de vida, y además uno de los "caros".

Prueba de ello son los materiales utilizados: barras de aluminio anodizado para sujetar cada auricular (salvo que les des con una radial, parecen indestructibles), detalles cromados, diadema de resistente plástico con el tacto más agradable y suave que he tocado (también presente en el exterior de cada auricular) o unos mandos de volumen de metal estriado, con bordes en forma de diamante, ponen la nota más premium en el exterior.

Stealth Pro II es un auricular grande, voluminoso y muy bien acabado, mucho mejor que el primer modelo, y pese a una mayor presencia del metal en su construcción, no se siente nada pesado. Y lo consigue, además, ofreciendo una comodidad de otra galaxia. En parte porque la diadema tiene un sistema de suspensión de rejilla, que apenas vas a notar, y que no da calor, como pueda dar la espuma.

También contribuyen a esta comodidad tanto la fuerza con la que oprimen las sienes, que es la justa, así como la espuma de cada auricular y el tejido que lo recubre, que son agradables al tacto, no dan calor y resultan muy cómodas aunque lleves gafas, como es mi caso. Sobra decir que se puede ajustar la altura de cada auricular, y aunque no lo parezca por diseño, tienen bisagra para rotarlos hasta 90 grados (y poder depositarlos sobre los hombros de manera más cómoda).

Lo cierto es que sellan bastante bien del ruido exterior, y no vas a escuchar nada de ruido de fuera si juegas con un nivel de volumen alto. Además, cuentan con cancelación de ruido activa, que todavía minimiza más el ruido externo que puedes percibir. En completo silención vas a escuchar sonido de las teclas de un teclado mecánico, pero bastante atenuado. Con algo volumen, pero no muy alto, ya no escucharás nada de fuera...

Por su parte, la diadema, que es uno de los pocos elementos de plástico, se puede retorcer, y parece estar hecha también para aguantar carros y carretas. Vamos, que vas a tener que ser muy, muy bestia para cargarte la estructura del auricular, que es recia y de calidad como hacía tiempo no veía en un auricular.

En cuanto a los controles en el propio auricular, no exagero si digo que es uno de los modelos con más botones y ruedas de cuantos he probado... y no son pocos. Además, algunas funciones se pueden personalizar a través del software Swarm II. Pero por defecto, cuando juegas en Xbox, las dos ruedas del auricular izquierdo sirven para ajustar el volumen general y el balance entre el chat y el sonido del juego, mientras que la del auricular derecho sirve para ajustar el volumen de otra fuente de audio, como pueda ser nuestro móvil.

Además, tiene un botón bluetooth, que no solo sirve para emparejarlo, también tiene funciones para descolgar, parar una canción o saltar a la siguiente con varias pulsaciones. También cuenta con un botón dedicado para rotar entre todos los dispositivos conectados (de lo que hablaré luego), un botón de modo programable (por defecto cambiar entre ANC y sonido ambiente), botón de encendido, puerto USB-C de carga y puerto para conectar el micrófono extraíble.

En este sentido, lo único que he echado en falta es que no tenga conector para enchufar un cable con conector de 3,5mm, que lo haría compatible todavía con más sistemas, incluidas consolas como Nintendo 3DS, Nintendo DS, PSP... etc.

En términos de diseño, ergonomía y usabilidad, pocas pegas le puedo poner. Es un auricular que es una gozada en todos los frentes, muy cómodo de llevar puesto y que, pese a tener un montón de controles, enseguida te harás con ellos para exprimirlo al máximo.

La conectividad Stealth Pro II, uno de los grandes refuerzos

Ya en 2023, Stealth Pro contaba con conectividad dual simultánea, que nos permitía conectar el auricular tanto a una consola o PC como al móvil, y atender llamadas mientras jugamos. Eso sigue aquí presente, algo que siempre es bien recibido.

Pero, de un tiempo a esta parte, muchos fabricantes tienen una "pequeña" obsesión con poner a la venta "el anillo único" de los auriculares, uno que te sirva para jugar en todas tus plataformas, o la gran mayoría. No es nada nuevo, y modelos como el Astro A50 Gen 5 de 2024 es una prueba de ello... pero parece que ahora hay que ofrecer más, y ahí es donde entra la propuesta de Turtle Beach.

Es una idea que Turtle Beach ya empezó a acariciar con el Stealth 700 Gen 3, pero que aquí ha llevado todavía más lejos: Stealth Pro II puede conectarse simultáneamente hasta un máximo de 4 fuentes de sonido (más una por Bluetooth, cinco en total), y rotar entre ellas con tan solo pulsar un botón del auricular, como he adelantado. Otros auriculares lo limitan a dos o tres plataformas, pero Turtle Beach quiere ir todavía más lejos. ¿Y cómo lleva a cabo este truco? Pues muy sencillo.

Con el sistema bautizado Crossplay 2.0. En la caja viene una base que podemos conectar a nuestra consola o PC por USB, y que tiene un receptor integrado para conectar el auricular de manera inalámbrica con el estándar 2,4 Ghz. Junto a esta base, también incluye un receptor USB, que podemos conectar en otro dispositivo o consola. Y si todo está encendido, podemos rotar entre uno y otro dispositivo con tan solo pulsar el botón dedicado en el auricular.

El "truco" o la parte menos divertida, es que si quieres ampliarlo a cuatro dispositivos, tendrás que comprar los otros dos receptores, aunque ahora mismo hay una campaña activa que, por reservar el auricular te regalan un receptor. No hubiera estado de más haberlos incluido de serie. De momento no está el precio de cada receptor en la tienda, pero los repuestos de anteriores modelos rondan los 35 euros.

Es un sistema que funciona bien y, para qué nos vamos a engañar, con dos conexiones simultáneas creo que es suficiente. Vamos, no creo que vayas a jugar a 3 consolas y un PC a la vez, y si es el caso, siempre puedes desconectar el receptor de la consola que apagues, y ponérselo a la siguiente que vayas a usar... ¿o no? Es más una comodidad que otra cosa, siempre que estés dispuesto a pagarla.

Stealth Pro II, una importante mejora en la calidad de sonido

El nuevo diseño de Stealth Pro II también esconde importantes mejoras en su interior, empezando por los nuevos drivers, bautizados como los Dual Drivers Eclipse de 60mm. Para empezar, son unos drivers más grandes de lo normal (una gran mayoría suele quedarse en los 50mm) y logran ofrecer un sonido muy natural, y rico en matices.

Como es de esperar en este rango de precios, todas las frecuencias brillan con luz propia: los graves retumban y son muy contundentes, las voces son muy nítidas y los medios están muy bien diferenciados. Todas las frecuencias brillan sin empastarse o taparse unas a otras.

Pero lejos de contentarse con eso, Turtle Beach ha subido la calidad de sonido con varios añadidos. Así, cuenta con certificación oficial de Hi-Res Audio Wireless (o audio de alta definición inalámbrico, el audio de más calidad que se puede disfrutar hoy día sin cabkes), además de soportar códecs con mayor calidad, como el LC3plus, y admitir calidades de 24 -bit/96kHz sin cables a través de USB audio (a través del receptor). Si tienes algún disco en este formato, vas a flipar.

Además es compatible con Dolby Atmos, uno de los estándares de la industria a la hora de hablar de sonido espacial, capaz de ofrecer un sonido envolvente capaz de generar distintos planos de sonido, y que puedes comprobar sus espectaculares efectos por ti mismo en juegos como Forza Horizon 5, Cyberpunk 2077, Far Cry 6 o Final Fantasy VII Rebirth, entre otros.

Como persona que disfruta con el mejor audio posible, debo decir que estoy encantado con la calidad que ofrece Stealth Pro II ya no solo en los juegos, que es incontestable; también estoy descubriendo matices en canciones que hasta ahora me habían pasado inadvertidos. A ese nivel de refinamiento llega... y eso sin contar todo lo que puedes conseguir también con el software...

Swarm II, el software para sacarle todo el jugo a Stealth Pro II

Turtle Beach ha dejado atrás su aplicación de audio y ahora puedes ajustar todo lo que ofrece Stealth Pro II, que no es poco, a través de la app Swarm II. Está disponible tanto en PC como en móviles y tabletas, y desde aquí podrás actualizar el firmware del auricular y los receptores.

En la práctica, no ofrece nada que no se haya visto antes en otras apps para personalizar el audio de un auricular, empezando por un ecualizador de 10 bandas, que cuenta con cuatro presets de sonido (potenciar los graves, realzar la voz...) además de poder modificarlos y crear ajustes específicos por juego. El ecualizador también está disponible para el micrófono.

Tampoco faltan opciones para controlar el volumen total, activar el Human Superhearing (para detectar de manera más efectiva los pasos en los shooters, por ejemplo en Battlefield 6 o Fortnite), activar o desactivar la cancelación de ruido activa, ajustar la sensibilidad del micrófono, el umbral de ruido o activar una cancelación de ruido asistida por IA para que capte solo nuestra voz.

También tiene opciones como poder asignar alguna función o característica a teclas del teclado, para que puedas ajustar al vuelo lo que quieras sin tener que levantar las manos del teclado, como por ejemplo, silenciar el micrófono o activar el efecto Human Superhearing.

Lo único negativo que puedo destacar del software es que ahora mismo tiene errores de traducción si lo pones en castellano (palabros como "microfino", otras sin traducir como "wheel"... pero, por lo demás, es completamente funcional.

Micrófono y autonomía, otros dos detalles clave de Stealth Pro II

En una gran mayoría de los auriculares que pruebo, suelo destacar como algo negativo el micrófono, bien porque suenan "a lata", bien porque captan mucho ruido además de nuestra voz, y siempre quedan muy lejos de un micro de mesa. Lo cierto es que el micrófono de Stealth Pro II me ha gustado bastante y diría que está por encima de la media.

Se trata de un micro unidireccional de 9 mm, que es extraíble y cuenta con un original diseño flotante, que se mutea al abatirlo y ponerlo en posición vertical. Se puede calibrar bastante desde el app, pero lo cierto es que por defecto tiene un sonido bastante más natural de lo que esperaba, y lo he probado incluso con llamadas desde el teléfono. No suena a lata, y no capta mucho ruido ambiente, algo que es de agradecer. Tampoco esperaba menos de un auricular de casi 350 euros, que por este rango de precio debe cuidar todo al máximo.

Tampoco es nada desdeñable su autonomía, gracias al concepto de la doble batería que introdujo el primer Stealth Pro. La base cuenta con una ranura para cargar una batería, por lo que mientras estás jugando, estarás cargando la otra batería incluida, para tener siempre una lista para la acción. La base, además incluye un botón frontal para que la extracción sea más cómoda. Y repite la función de carga rápida, que con 15 minutos nos permitirá jugar hasta 3 horas.

En total, cada batería completamente cargada da para unas 40 horas de juego aproximadamente, aunque dependerán, como siempre, del uso que hagas del auricular (volumen al que juegas, si tienes conectado el teléfono al mismo tiempo...). Pero aún así, 80 horas es una cifra bastante buena, y que permite disfrutar sin estar "agobiado" porque se te quede frito el auricular.

Por último, el proceso de cambio de la batería es realmente sencillo y en unos segundos lo habrás hecho: la tapa frontal del auricular izquierdo cuenta con tres imanes, y con ejercer un poco de presión, podrás retirarla y acceder fácilmente a la batería. Más fácil imposible...

La opinión de Stealth Pro II de Hobby Consolas

Hay auriculares de los que te enamoras a primera vista, bien porque el sonido te gusta, porque su diseño te parece superior a la media, por los extras... pero pocos consiguen hacerlo acertando en todo. Ese es el caso de Turtle Beach Stealth Pro II.

Desde el punto de vista objetivo, Stealth Pro II lo tiene todo: calidad de sonido, diseño, micrófono, autonomía, extras... es uno de esos casos en los que tienes que pensar muy mucho para encontrar cosas negativas, porque en todos los frentes cumple con nota.

El sonido es es-pec-ta-cu-lar, aunque quizá tengas que calibrarlo con la aplicación para encontrar el punto que a ti te gusta (yo he creado un perfil con el ecualizador, para dejarlo niquelado, porque el que trae por defecto me parecía un poco plano) y eso sin olvidar que el diseño es uno de los que más me han gustado de lo que llevo probado en 2026. Es un auricular pensado para durar muchos años, y eso me encanta.

Pero toda esta calidad hay que pagarla, y es ahí donde viene "lo malo", o más bien, lo esperable. Stealth Pro II es un auricular que cuesta 349 euros, una cantidad impensable para muchos. Pero si el dinero no es problema, que sepas que estás ante una de las grandes novedades de audio en 2026, uno de mis candidatos a mejor auricular gaming de 2026. Es caro, sí, pero vale cada céntimo.

Versiones que no tienen mucho que envidiar a lo visto en otras consolas y que más allá de recortes puntuales, como ciertos defectos en el pelo, son versiones que en lo jugable y lo visual logran dar la talla. Ahí están Star Wars Outlaws, Street Fighter 6 o Split Fiction para confirmarlo. ¿Es el caso de la última aventura de Indy? Eso es justo lo que vamos a ver en este análisis de Indiana Jones y el Gran Círculo para Nintendo Switch 2.

Al igual que en otros análisis de los ports de juegos que llevan a la venta meses o años, aquí me voy a centrar en la parte técnica y las diferencias, ya que la aventura es idéntica en todas las plataformas, juegues en PS5, Xbox Series X|S o PC. Por eso, si quieres saber más sobre su historia o jugabilidad, te recomendamos que leas tanto el análisis de Indiana Jones y el Gran Círculo para Xbox Series X|S y PC, como de la versión para PS5, porque aquí vamos a ir al grano...

Porque todo es exactamente igual que en el resto de versiones, desde el combate y el sigilo a la forma de resolver los puzles y acertijos o los capítulos del modo historia (que comienza con la fiel recreación de la escena del templo de Perú de Indiana Jones y el Arca Perdida), para luego pasar por la ciudad del Vaticano, Giza, Shanghai, el Himalaya... Sobre estas líneas podéis ver un gameplay de 30 minutos, para que veáis cómo son sus gráficos y cómo se mueve.

Donde hay tela que cortar es a la hora de hablar de la calidad del port de Indiana Jones y el Gran Círculo para Nintendo Switch 2, con el que Bethesda sigue el gran trabajo visto en otros ports, como el de Fallout 4 Anniversary Edition, aunque con algunas puntualizaciones...

Indiana Jones y en busca del port perfecto

Si hace justo un año, antes del lanzamiento de Nintendo Switch 2, me hubieran dicho que íbamos a ver un port de la última gran aventura de Indiana Jones en la nueva consola de Nintendo 2, lo cierto es hubiera sido algo escéptico, y hubiera pensado que los recortes serían más que evidentes. Pero claro, todavía no sabíamos de lo que era capaz la consola.

Porque estamos ante otro port que casi parece un milagro. Esta es la primera impresión que queda al comenzar a jugar, y empiezas a paladear sus entornos, el gran modelado de los personajes, los efectos de luz, la atmósfera de las catacumbas, las texturas... Todo es muy parecido a las versiones de PS5 y Xbox Series X|S, y aunque ya hemos visto unos cuantos casos, es algo que todavía sigue sorprendiendo.

Pero es una percepción que tiene matices, muchos matices. El primero es que Indiana Jones y el Gran Círculo para Nintendo Switch 2 se mueve a 30 fps, muy, muy estables, frente a los 60 de otras versiones. No he sufrido ni petardeos ni caídas de frames en los momentos más movidos o con más acción. De hecho, diría que no he tenido problemas de rendimiento en ningún momento.

En esto, quizá, también tiene mucho que decir el DLSS, gracias al cual la imagen del juego se reescala, a 1080p cuando jugamos en el dock y a 720p cuando lo hacemos en modo portátil. En ambos la calidad de imagen es soberbia, y se ve realmente bien incluso en una tele 4K. Es un juego que entra por los ojos, y aunque parece que no hay diferencias con el resto de versiones, alguna que otra hay.

Texturas, nivel de detalle de los modelos, entornos, luz... todo está ahí, y de verdad, se ve francamente bien. Pero si uno va a cazar fallos, los vas a detectar relativamente fácil. Es especialmente evidente en los entornos más sobrecargados, como la jungla de Perú, donde hay mucha sobrecarga de vegetación. En este caso, vas a notar que algunas texturas y efectos de luz cargan tarde, como las sombras, que por momentos aparecen de manera más brusca.

¿Estropea la experiencia? A mi juicio no, pero vas a notar que "algo" no está del todo bien, que hay algunos parpadeos y cargas bruscas. Por suerte, es algo que es especialmente evidente en los niveles con más vegetación, ya que en otros entornos más "urbanos", como la ciudad del Vaticano, no es tan, tan evidente, y se da en menor medida.

Esta "brusquedad" es algo que también se nota en la transición entre escenas de vídeo y jugabilidad: hay uno o dos segundos en los que es posible ver que el juego "da saltos" o carga algún elemento de manera más abrupta... pero son eso, segundos, y de manera puntual.

A diferencia de Fallout 4, tampoco tiene distintos modos gráficos para que juegues en modo Calidad o Rendimiento, aunque en su defensa diré que los gráficos no resultan tan borrosos como en otros juegos, todo está bien definido.

Eso no está reñido con que recurra al motion blur en los momentos de más acción. Pero solo basta con que te pares a mirar cualquier estatua o detalle del entorno para poder admirar sus definidos gráficos.

Tampoco canta tanto el famoso defecto del pelo con el DLSS (quizá porque no pretende ser ultrarrealista), y aunque se aprecia algún que otro diente de sierra en algunas escenas, en líneas generales, visualmente da bastante bien el pego.

A modo de resumen, estamos ante otra buena exhibición técnica de lo que puede hacer Switch 2, aunque en este caso concreto, creo que queda un puntito por debajo del redimiento y calidad que ofrece el juego en su versión de Xbox Series S, aunque a cambio ganas la posibilidad de poder jugarlo en portátil con un buen desempeño.

Lo que más me gusta y lo que menos de Indiana Jones y el Gran Círculo en Nintendo Switch 2

Como ya he dicho, Indiana Jones y el Gran Círculo es una gran, gran aventura, que es altamente disfrutable en Nintendo Switch 2, incluso en modo portátil, y además consigue un despliegue visual impresionante, tanto en modo portátil como al jugar en dock.

Pero, más allá de los pequeños fallos técnicos que he comentado, para tratarse de un juego que lleva a la venta más de 16 meses en Xbox, y de un año en PS5, creo que Bethesda ha hecho una cosa "mal"...

El juego se pone a la venta a un precio de 69,99 euros, tanto en físico como en digital, pero no incluye el DLC La orden de los Gigantes que se lanzó en septiembre de 2026 y que cuesta 19,99 euros por separado. Es decir, tener el juego completo, te va a costar 89 euros... y es un poco cutre que de cara al lanzamiento, no se haya ofrecido "la versión completa".

No es una práctica nueva, ahí está Assassin's Creed Shadows, que también vendió aparte Las garras de Awaji, pese a llegar a Nintendo Switch 2 mucho más tarde que al resto de plataformas (algo que sí hizo con Star Wars Outlaws, que llegó directamente en edición Gold).

Por contra, si tengo que aplaudirles por algo, es porque Bethesda se ha dejado de tarjetas llave y todos los datos del juego están en la Game Card... aunque no es menos cierto que tiene actualización del día 1, para añadir compatibilidad con control por movimiento y modo ratón, características que no he podido probar para este análisis al no estar todavía disponibles.

La opinión de Hobby Consolas de Indiana Jones y el Gran Círculo en Nintendo Switch 2

Nintendo Switch 2 lleva demostrando todo 2026 que no le tiene miedo a nada, y que puede con cualquier juego, sea indie o triple A. Y este port de Indiana Jones y el Gran Círculo viene justo a confirmar la capacidad todoterreno de la nueva consola de Nintendo.

Vale que tenga algunos fallos visuales menores que no están presentes, o de manera tan evidente, en el resto de versiones, pero logra retener todo lo que ha hecho grande a esta aventura, con su jugabilidad intacta y un espectáculo visual que, por momentos sorprende.

Dicho de otro modo, si tenías algunas dudas con este port, te las puedes sacudir con el látigo alegremente: lo he disfrutado tanto como en el resto de plataformas... con el aliciente de poder jugarlo mientras he viajado en el autobús, algo que el resto de plataformas, dejando los PC consolizados, por el momento no me dan.

Esta continuación está disponible desde el 12 de mayo, y como vamos a ver en este análisis de Call of the Elder Gods, el estudio ha dejado atrás las veteranas PS4 y Xbox One para centrarse en las consolas actuales, incluida Nintendo Switch 2 (la plataforma donde lo he jugado), además del PC, aunque a última hora se ha confirmado que también llega a la primera Nintendo Switch.

Como su precursor, lo que el estudio madrileño nos propone es una una aventura pura y dura que gira en torno a los puzles, en la que la investigación de todos los rincones, encontrar pistas, interactuar con máquinas y mecanismos de todo tipo y darle a la sesera, son aquí las claves de un desarrollo que huye de la acción de principio a fin.

Porque, para ir despejando dudas, aquí no vas a encontrar ni armas, ni acción, ni nada que se parezca lo más mínimo a Resident Evil Requiem o la serie Uncharted, ni tampoco escenas de sigilo, ni otros elementos que están presentes en aventuras más "movidas". Es decir, a Call of the Elder Gods se viene a pensar y a resolver puzles.

¿Sigue funcionando este estilo clásico? ¿Son los puzles muy difíciles? ¿Engancha la historia? ¿Es entretenido? La respuesta a todas esas preguntas (y otras muchas más) en esta review de Call of Elder Gods para PS5, Nintendo Switch 2, Nintendo Switch, PC y Xbox Series X|S.

Una historia conectada con Call of the Sea

La historia de Call of the Elder Gods transcurre 30 años después de los hechos del primer juego y, por suerte para quien no lo haya jugado, al comenzar nos pregunta si conocemos lo que pasó en el primer juego. Si no es el caso, el juego nos dará más pinceladas para que no nos perdamos detalle. Sirva como ejemplo mi caso: yo no lo jugué, y he podido seguir la trama sin problemas de principio a fin.

La narradora de esta nueva historia es Nora, la protagonista de Call of the Sea, quien nos pone en antecedentes y nos cuenta que su marido, Harry Everhart, es ahora profesor de universidad y padece unas extrañas visiones tras los hechos de la primera aventura. Es por ello que accede a reunirse con Evangeline, una estudiante que también sufre unas extrañas visiones y que, de algún modo, están conectadas un pegajoso líquido negro que aparecía en el anterior juego.

Esta estudiante se llama Evangeline, y justo cuando acude a la cita con Harry, descubre que algo raro ocurre en su mansión: el profesor yace en el suelo, y se confirma que unos ladrones han robado de la casa un valioso objeto. A pesar de sus diferencias, del ímpetu de Evangeline, y el hosco carácter de Harry, ambos deciden unir sus caminos para encontrar todas las respuestas.

¿Por qué tiene visiones Evangeline? ¿Quienes han robado el objeto? ¿Y qué relación guarda todo esto con Nora, la narradora? Para encontrar las respuestas tendrás que completar el prólogo y los 6 capítulos que componen la aventura y que conforman una historia en la que no faltan los misterios, una secta y detalles propios de H.P. Lovecraft, que no voy a comentar por no destripar las sorpresas a los jugadores...

Una historia que además se desarrolla en la década de los años 50, en los que no faltan vestigios de los nazis y más detalle de época que ayudan a cerrar una atmósfera bastante atractiva, que sirve de telón de fondo a un desarrollo que antepone la narrativa, los diálogos, la exploración y los puzles a cualquier otra cosa...

La jugabilidad de Call of the Elder Gods

Si has jugado a Call of the Sea, puedes hacerte una idea bastante aproximada de la jugabilidad que presenta Elder Gods, porque se puede decir que son primos hermanos en muchos aspectos.

Como he comentado antes, todo en el juego gira en torno a explorar unos niveles no lineales en busca de pistas y objetos que nos aportarán la información necesaria para poder resolver los puzles y acertijos que nos esperan, y que no son pocos y que, a medida que avanza la aventura, van creciendo en dificultad.

Estas pistas pueden tener todo tipo de forma, desde notas en un escritorio a, cartas, fotos, murales, huellas, objetos con los que podemos interactuar... pero explorar a fondo suele ser la clave para encontrar el dato que necesitamos, por lo que hay que estar siempre ojo avizor y explorar hasta el último rincón.

Toda esta información se recoge en nuestra libreta (al empezar una nueva partida, podemos optar por un modo difícil que prescinde de ella), la cual podemos consultar en cualquier momento si necesitamos refrescar algún dato, como por ejemplo, las distintas "partituras" que podemos tocar en un extraño piano y que tienen diferentes efectos...

Cuando tengamos toda la información, nos tocará interactuar con todo tipo de artefactos, máquinas y extraños inventos que, por momentos, me han recordado al no menos ingenioso The Room, un juego con el que guarda similitudes, aunque aquel casi parece más un gran "escape room".

Así pues, nos va a tocar manipular dispositivos que nos permiten separar líquidos (para aislar una sustancia), la máquina Enigma para descifrar mensajes de los nazis, y otros muchos ingenios, algunos bastante "marcianos" sobre los que no voy a decir nada para no destripar nada... pero que bastan para mostrar que los puzles son variados y con un buen diseño.

Además, al contar con dos personajes se introducen nuevas dinámicas, como situaciones en las que ambos personajes están separados y deben realizar "su parte" del puzle para que el otro pueda progresar, algo que se explota en varias ocasiones y aporta algo de variedad al desarrollo.

Y por terminar con los puzles: a medida que avanza la aventura, algunos pueden resultar algo más complejos y abstractos, y si no lees las notas y pistas con detenimiento, o incluso con cuaderno y lápiz al lado, puede que no veas la solución fácilmente. Avisado quedas...

Por suerte, el propio juego incluye una opción para "pedir" pistas. No tienes por qué usarlas en ningún momento, pero si te quedas atascado, puede ser tu salvación. Eso sí, en algunas ocasiones estas pistas son algo abstractas y pueden no darte justo lo que buscas, e incluso permiten ir más allá del punto en el que estás atascado, lo que puede destriparte puzles. Pero, como digo, no tienes por qué usarlas.

También hay espacio para los momentos "oníricos", como recorrer escenarios imposibles (como si estuviéramos en un sueño), opciones como poder usar una linterna en espacios oscuros o elegir respuestas en determinados diálogos... aunque salvo al final del juego parece más un recurso narrativo que algo que pueda afectar al resultado de las conversaciones.

En general es un juego sencillo, que cualquiera puede coger y disfrutar, y que no requiere ser un hacha con el mando. Es más una aventura más de "observar" y reflexionar para resolver los puzles, que "de actuar". Y está bien, porque es una propuesta cada vez resulta más única y menos habitual.

Eso sí... el diseño de algunos puzles requiere ir y volver varias veces a determinados puntos, en especial en el último capítulo, y dado que el avance no es demasiado rápido, incluso pulsando el botón para correr, el avance puede hacerse algo tedioso, pero es algo que solo vas a notar en puntos muy concretos del juego.

El apartado audiovisual de Call of the Elder Gods

Para este análisis de Call of the Elder Gods solo lo he podido probar en la versión de Nintendo Switch 2, y lo cierto es que se nota mejoría respecto al primer juego, especialmente en los entornos, ya que junto con los puzles, son los verdaderos protagonistas.

Son unos gráficos que mantienen la estética "cartoon" del primer juego, pero en esta ocasión los entornos resultan bastante más vistosos, con buenos efectos de luz, reflejos y una carga de detalle mayor.

Esto es especialmente evidente en algunos escenarios, como la base de la secta que aparece en determinado punto de la historia, un suntuoso e inquietante recinto con estatuas y despachos que da gusto ver y recorrer. Es en estos escenarios más compactos en los que Call of the Elder Gods muestra su mejor cara.

También hay algunos entornos algo más abiertos y al aire libre, pero en mi opinión funcionan "peor" como entorno de juego. Son necesarios para el avance de la historia, pero da la sensación de que en algunos de ellos hay mucho espacio vacío, sin mucho que hacer hasta que llegas al punto de interés, donde están los puzles...

Por su parte, los modelos siguen esta línea "cartoon", pero me parecen algo menos impresionantes, con caras algo inexpresivas, y aquí Out of the Blue sí que podía haber hecho un poco más. Como en las secuencias de vídeo, que casi siempre son ilustraciones estáticas con algún zoom, o pequeños movimientos, pero nada que impresione. No es menos cierto que estamos hablando de un juego con un presupuesto "modesto", lejos de las grandes superproducciones.

Donde no le puedo reprochar nada es en su profesional doblaje que, aunque está en inglés, transmite perfectamente las emociones de los personajes. Por suerte, todos los textos están en castellano, por lo que no te vas a perder nada. Y la música cumple, pero tampoco es lo que más vas a recordar del juego cuando lo termines...

Duración y dificultad de Call of the Elder Gods

En esta ocasión, me resulta imposible separar estas dos características, ya que están íntimamente ligadas. Me explico: no es lo mismo jugar en modo difícil de primeras, en la que no vas a tener ayuda de ningún tipo (ni libreta, ni te va a indicar las pistas con las que puedes interactuar), que jugar en dificultad normal. E incluso no es lo mismo jugar en normal sin mirar las pistas, que mirándolas.

Call of the Elder Gods tiene puzles en los que te puedes quedar atascado fácilmente. Pero más de uno y de dos. No es porque no tengan un buen diseño, sino porque invitan a pensar, y analizar las pistas. No es un juego en el que tengas que pulsar un botón y ya. Tienes que ver tablas y documentos que pueden darte una pista numérica o visual que forma parte de un puzle mayor. Hay que "deducir", y realizar un proceso de análisis.

Si, por lo que sea, no das con la solución, puedes estar horas atrancado con un puzle. Fue lo que me pasó a mí, y al ir a consultar las pistas, no me dio toda la información que necesitaba, así que seguí dando tumbos hasta dar con ello... Y hay puzles que son bastante más abstractos, que asocian gráficos, como glifos o "rayas" a números o viceversa, que luego tenemos que colocar de determinada manera en una máquina.

Así pues, dependiendo de lo hacha que seas con los puzles, de si usas o no las pistas, puede durarte más o menos. Pero si vas a pecho descubierto sin ayudas, puede durarte más de 10 horas fácilmente...

Precio y ediciones de Call of the Elder Gods

A fecha de escribir este análisis, Call of the Elder Gods está disponible en formato digital para PS5, Nintendo Switch 2, Nintendo Switch, Xbox Series X|S y PC (jugable en Steam Deck o ROG Xbox Ally X) a un precio de 21,99 euros.

Se desconoce si, como el primer juego, llegará una edición física más adelante (que llegó vía Meridiem Games), aunque por el momento no hay nada anunciado.

La opinión de Hobby Consolas de Call of the Elder Gods

Out of the Blue repite jugada y culmina una gran aventura de puzles, que sabe a lo que viene, y que va dirigida a un público muy concreto. Si esperas tiros o acción, aquí no la vas a encontrar. Pero si lo que buscas es una buena ración de puzles que te pongan a prueba, que te desafíen, entonces Call of the Elder Gods es tu juego.

De hecho, es en su diseño de puzles donde realmente brilla el Call of the Elder Gods, que están bien enlazados gracias su interesante historia, que logra atrapar hasta el final gracias a los elementos fantásticos y su buena ambientación y narración.

Eso sí, no es un juego fácil: los puzles van teniendo una dificultad creciente, y aunque puedes jugar en modo difícil sin ayudas, o en modo normal con pistas que puedes consultar en cualquier momento, mi consejo es que lo intentéis sin ayuda, ya que ahí reside la verdadera gracia de su propuesta... aunque vas a tener que darle al coco.

Se trata del quinto juego de The Dark Pictures (ya sin el "Anthology" desde los tiempos de The Devil in Me), sexto si tenemos en cuenta el más experimental Switchback VR.

Este podría considerarse el arranque de la segunda temporada de juegos, aunque los desarrolladores ya prefieren no dividirlo de esa manera para no confundir a los jugadores y simplemente lo denominan "A Dark Pictures Game".

Como todos los juegos de la serie, el objetivo es guiar a un grupo de cinco personajes a través de una trama en la que hemos de tomar decisiones críticas (¿huir o ayudar al compañero? ¿disparar o no hacerlo?), superar quick time events y explorar el entorno.

Todo esto puede llevar a la muerte de uno o varios personajes, pero la historia siempre seguirá avanzando... con las consecuencias de nuestros actos, claro.

La ambientación rompe con todo lo visto anteriormente en la serie y nos lleva al futuro y al espacio, a varios años luz de la Tierra.

Con una trama que bebe claramente de clásicos de la ciencia ficción como Alien y La Cosa, seguimos los pasos de unos colonos que, a bordo de la Cassiopeia, están a punto de llegar al planeta Tau Ceti f, que quieren terraformar para dar un nuevo hogar a los habitantes de un planeta tierra que agoniza.

Cuando se acercan a la órbita, un meteorito choca con el casco de la nave y, con él, viaja algo. Algo... orgánico. Así arranca la historia de un juego en el que nuestros compañeros se comportan de forma extraña y seres cada vez más monstruosos invaden los pasillos de la nave. ¿En quién confiar? ¿Cuál es la naturaleza de la amenaza?

Aunque a lo largo de la historia principal controlamos a cinco personajes, la principal protagonista, Young, está interpretada por Lashana Lynch, Maria Rambeau en pelis del UCM como The Marvels.

Ella es la “estrella invitada” de esta entrega, mientras que el resto de personajes tienen rostros ya conocidos de juegos previos como Little Hope, pero curiosamente su captura de movimiento y voces corren a cargo de nuevos actores (una medida de Supermassive para abaratar costes de la creación de nuevos modelos 3D).

Si sois veteranos de The Dark Pictures, quizá choque ver los mismos rostros una y otra vez, pero por otro lado da un tono cohesionado e inquietante al conjunto, un poco en la línea de la serie American Horror Story.

Más allá de esta curiosidad, ¿qué mantiene y qué novedades aporta esta entrega? Un cambio importante (y un tanto decepcionante, la verdad) es la ausencia del Conservador, ese narrador que nos daba crípticas pistas y “juzgaba” cómo jugábamos en los juegos previos.

Eso quita encanto a la experiencia, pero tiene su explicación: el actor que le ponía rostro, Tony Pankhurst, falleció en 2024.

Como decíamos, dado que es otro actor el que da voz y movimiento al personaje, podrían haber seguido con ello, pero entendemos que por respeto al rostro original han decidido descartarlo.

En la base jugable, es similar al último título, The Devil in Me. Nos movemos en tercera persona y podemos manejar la cámara a nuestro alrededor para explorar mejor. Cuando estemos cerca de algún elemento interactivo o personaje, un icono nos lo indicará.

Cambiando las normas de The Dark Pictures

Para que sea más sencillo, al pulsar arriba en la cruceta veremos dónde está nuestro siguiente destino, aunque puede que para llegar a él haya que buscar la forma de abrir una puerta, colocar una plataforma, etc.

Esto se consigue con dos herramientas nuevas del juego. Por un lado, una pulsera multiusos que activará a distancia ciertos interruptores.

Por otra, una palanca electrificada que nos servirá tanto para abrir puertas mediante un sencillo minijuego como para zafarnos de un enemigo una sola vez (tras eso, necesita unos segundos de recarga).

Además, tenemos un escáner que permite ver a los enemigos tras cualquier obstáculo por unos instantes, además de señalar el cableado que vaya por dentro de las paredes y conecte mecanismos útiles.

Este escáner será crucial en los momentos en los que nos toque escondernos.

Mientras que en juegos anteriores esto solía resolverse pulsando con el ritmo adecuado en las tensísimas secuencias de cardiograma (elemento que ha desaparecido aquí), en esta ocasión seremos nosotros quienes deberemos mover con cuidado al personaje de un parapeto a otro mientras un monstruo nos busca.

Esto da un soplo de aire fresco a la franquicia y nos obliga a observar bien el escenario mientras buscamos la forma de abrirnos paso sin que nos atrape nuestro perseguidor... pero lo cierto es que las escenas en sí no son ningún prodigio, a poco que tengáis experiencia en juegos de infiltración.

Los monstruos siguen patrones muy básicos y delimitados, siempre se mueven por el mismo sitio y con los mismos tiempos. Se agradece el esfuerzo por cambiar, pero más de una década después de Alien Isolation, esto se queda algo corto.

Otro elemento que desaparece son las imágenes premonitorias propias de juegos previos. Aquí no habrá pistas sobre los momentos en los que podamos morir... ni sobre futuros juegos de la saga.

Sí habrá coleccionables sobre entregas previas, pero solo en la edición Deluxe. Ah, y podemos hallar mensajes y grabaciones que ayudan a entender la verdad detrás de la trama.

Tampoco habrá un medidor de nuestra relación con el resto de compañeros, pero sí que tendremos algunas comunicaciones “a lo whatsapp” que nos darán pistas sobre cómo van las cosas y tres medidores por personaje (del tipo “optimismo”, “liderazgo”, etc.) que, si aumentan los suficiente, desbloquearán nuevas rutas narrativas para él.

No hay marcha atrás... ¿o sí?

Y en las rutas es, precisamente, donde está el cambio más interesante de esta entrega: la pantalla de puntos de inflexión.

En cualquier momento, podremos pausar la partida para chequear un diagrama que nos muestra la ruta que hemos seguido, las decisiones que hemos tomado o los QTEs que hemos superado, pero también podremos ver (sin mucho detalle, claro), otros caminos que podríamos haber tomado.

Esto, además de útil, resulta bastante instructivo para entender cómo se articula la narración en un juego de este tipo, pero lo más interesante es que podremos “rebobinar” al punto de inflexión que queramos. Así, si por ejemplo un personaje muere, podremos rebobinar hasta el inicio de ese evento para intentarlo de nuevo.

En los primeros compases del juego, esta oportunidad es útil y directa, pero más adelante puede que una muerte sea fruto de un punto de inflexión que tuvo lugar muy atrás y no sepamos bien a qué se debe, por lo que igual nos toca rebobinar bastante.

En cualquier caso, si queremos una experiencia más tensa y “hardcore”, podemos jugar en modo Superviviente, en el que las muertes son permanentes y no hay oportunidad de reintentar nada; hay que apechugar con las consecuencias, como ha pasado siempre con Supermassive.

La presencia de los puntos de inflexión y la forma en que se nos muestran durante la partida sí nos parecen un refinamiento interesante de lo que teníamos hasta ahora.

Esto multiplica la rejugabilidad y nuestras ganas de probar alternativas dentro de una experiencia que, de una forma lineal, se queda en unas 6 horas de partida.

Otra cosa es que, estando ya en el último tercio del juego, haya ciertas revelaciones que puedan parecer forzadas y que, a la postre, mermen un poco nuestras ganas de reintentar los puntos de inflexión, porque se cambia bastante nuestra, digamos, perspectiva de la partida.

No queremos decir mucho más, ya lo entenderéis si lo probáis. Desde luego, en lo narrativo hay alguna pirueta un tanto arriesgada.

Más acertado (y, en cierto modo, sustitutivo de esas premoniciones) nos parece el uso de flashforwards, pequeños saltos hacia delante en la trama, que nos hacen tomar decisiones sobre elementos que tendrán lugar varias horas después, para luego volver a llevarnos al “presente”. Curioso, en un juego de este tipo.

A nivel jugable, por cierto, tenemos que destacar también el multijugador. Con un solo mando y de forma local, podemos hacer que hasta cinco jugadores se turnen en el control de uno o varios personajes.

Esto es algo que ya estaba en juegos previos y que resulta muy entretenido. No tenemos aún multijugador online, aunque los desarrolladores dicen que lo incorporarán con una futura actualización.

Gráficos y sonido de Directive 8020

En el apartado técnico, se nota el salto a Unreal Engine 5, especialmente en los elementos de iluminación de los tétricos pasillos de la nave.

Ahora, las luces y sombras funcionan mejor para dar ambiente, mientras que el modelado y la animación con captura de movimiento de los personajes nos parece al mismo nivel de siempre.

En los tiempos de Until Dawn esta tecnología de captura de movimiento era lo más de lo más, pero aquí parece “estancada” en ciertos elementos, como el hecho de que a veces los rostros sean demasiado inexpresivos mientras el cuerpo gesticula un montón.

En cualquier caso, la mayoría del tiempo hay una gran sensación de fotorrealismo y el nivel de detalle en la piel o los ojos es realmente convincente.

En el caso de PS5 estándar, que es donde hemos podido jugar, el juego nos permite elegir entre modo calidad o rendimiento.

Una vez más, es mejor optar por el modo rendimiento, porque apenas se notan diferencias y la acción va mucho más fluida. Aún así, puede que notéis algún parón pequeño en ciertas escenas.

En PS5 Pro, el juego aprovecha el PSSR y, sobre todo, el ray tracing para mostrarnos tanto efectos de sombras como reflejos (en los cascos de los protas, por ejemplo) que mejoran la inmersión.

Las voces vuelven a estar en castellano con un muy buen doblaje, como es costumbre en la saga. Tenemos algunos actores reconocibles, como Javier Gámir, la voz de Marcus Fenix en Gears of War.

Las comunicaciones por radio y algunos efectos de sonido (como cristales que alerten a los monstruos) se oyen a través del altavoz de DualSense. Las melodías acompañan bien y, una vez más, recuerdan a clásicos como Alien o Atmósfera Cero.

La opinión de Hobby Consolas sobre Directive 8020

Una vez llegamos al final de la campaña, tras unos cardiacos episodios finales, la sensación es extraña.

Hay momentos muy emocionantes, sobre todo cuando dudamos sobre quién es humano y quién un doble malvado al estilo La Cosa, y los personajes están bien descritos; los secretos que nos oculta buena parte del juego son valientes, pero algo no acaba de conectar del todo.

Quizá es que el juego no sabe bien si aferrarse a los fundamentos de The Dark Pictures o lanzarse del todo a por un concepto de infiltración y terror más libre, por lo que parece quedar a medio camino. Hay algunas dinámicas que tenían potencial de llegar más lejos, pero no acaban de usarse a fondo.

En cualquier caso, Directive 8020 una experiencia interesante, con algunas ideas valientes, que agradará a los fans de la ciencia ficción de los 70 y 80, además de los que disfruten devanándose los sesos sobre haber tomado la decisión correcta. A mí me pasó al probar el salmorejo de manzana. Qué necesidad había...

El concepto más puro de juego independiente rodea a esta obra que llega a PS5, Nintendo Switch 2, Xbox Series X|S y PC. Estamos ante un juego que es tremendamente disfrutable para quienes busquen algo diferente... Y eso pretendo demostrar en este análisis de Mixtape.

Porque, volviendo a lo que nos ocupa, poco nos prepara para las batallas y el constante guerrear de la adultez. Por eso, la adolescencia es tan fascinante. Siendo unos niñatos creemos que lo sabemos todo, que el mundo nos pertenece y que podemos moldearlo a voluntad.

Hay un extraño empoderamiento en la figura del adolescente. Rebeldía, tesón, drama y un cóctel de hormonas dan forma a una etapa vital tan única como especial, una forma de entender la vida tan fugaz como irrepetible. Mixtape evoca todo esto de una forma ejemplar.

Si tuviste la suerte de pasar por una adolescencia más o menos acomodada y medianamente "normal" seguro que recuerdas la intensidad de las relaciones y de unas responsabilidades y problemas que, en el fondo, no lo eran tanto.

Lo nuevo de Beethoven & Dinosaur es una oda a esa mágica juventud y a todo ese cúmulo de emociones desbocadas. Los creadores del bizarro The Artful Escape vuelven a servirse de la música como hilo evocador de una nostalgia adolescente representada con certera precisión.

La editora Annapurna Interactive (Outer Wilds, Florence o Stray) firma una genialidad indie con aroma a cine quinceañero yankee, plagado de melodías ochenteras, que deberías experimentar si buscas algo tan breve (apenas llega a las tres horas) e intenso como la propia pubertad.

Mixtape, la historia de la rebeldía adolescente

Resulta complejo describir Mixtape como juego y ese es uno de sus aspectos más positivos. Por fortuna, la segunda obra de los australianos Beethoven & Dinosaur es más precisa y tangible que su primer trabajo, un The Artful Escape que ya es una de las mayores rarezas que hemos visto en el sector en esta década.

Al contrario que este, Mixtape no divagaba tanto y se conforma con entregar un relato menos metafísico y más cercano ambientado en un pequeño pueblo de Estados Unidos en la década de los noventa.

Mixtape nos cuenta el último día de un trío de colegas de instituto antes de que una de ellas inicie una nueva vida. Stacy Rockford ha preparado la despedida ideal antes de mudarse a Nueva York, un mixtape o mezcla musical que consiste en ir rememorando sus mejores aventuras juntos antes de ir a emborracharse a una fiesta que promete ser el punto álgido de una noche inolvidable.

Visitando las casas de Stacy Rockford, Van Slater y Cassandra Morino vas escuchando diferentes temas ochenteros de la cinta de casete de nuestra protagonista para conocer un poco más en profundidad a cada miembro del grupo y sus vivencias juntos.

Mientras, la trama avanza ilustrando temas como la rebelión ante la autoridad paterna, el aislamiento (y el "nadie me comprende") o los atenazadores temores al remplazo o al abandono. Y todo concluye con un final bien medido y emocional que llega a golpear fuerte.

Porque lo que Mixtape hace muy bien es que llegues a empatizar con sus protagonistas a las primeras de cambio, incluso cuando todos siguen un modelo estereotípico del adolescente más "odioso".

Por ejemplo, Stacy es una rebelde pedante, algo controladora y radical que le gusta dejar claro lo mucho que sabe sobre música. Sin embargo, nunca la llegas a odiar, porque, en el fondo, esa seguridad con la que habla, esa imperativa forma de ser, es entrañable y remite a esa falsa y juvenil sensación de creer que estás por encima de todo y de todos.

Además, Mixtape tampoco se deja llevar por discursos reivindicadores modernos. No se pasa de rosca y no busca ir de intenso. No profundiza más de la cuenta en temas como la identidad sexual, ni en aspectos políticos globales. Y no se deja arrastrar por viajes interpersonales excesivamente detallados para marcar distancias con otros juegos "puber" como Lost Records: Bloom & Rage, Road 96 o la saga Persona.

Además, Beethoven & Dinosaur juega muy bien sus cartas porque constantemente rompe la cuarta pared, vinculándote con los personajes gracias a la música de cada tema y a otros recursos narrativos que se entrelazan con una experimental jugabilidad.

Y es que Mixtape es un multiformato que usa todos los recursos a su alcance. Es mitad juego y mitad serie, un producto engalanado con material de archivo real y con un juego de cámaras brillante que presenta un retrato audiovisual profundamente cinematográfico bajo un estilo visual llamativo y vibrante que incluso se permite el lujo de recurrir a técnicas como el stopmotion para destacar aún más.

La jugabilidad de un casete que suena fuerte

Es en la jugabilidad donde más dudas puede generar. Es comprensible, ya que el jugador toma el protagonismo con muy poca frecuencia. Apenas hay secciones de desplazamiento por los entornos y el nivel de interacción es menor que con otras aventuras narrativas "similares" como las que podrían salir de la saga Life is Strange.

No obstante, Mixtape vuelve a encontrar la ranura por la que colarse para convencerte con su tímido gameplay. Muchos de los recuerdos y pistas musicales son acompañadas por minijuegos muy sencillos, pero que aportan un valor diferencial a la narrativa.

Hay varios que ya hemos visto, como un par de fases guiadas en skate o una suerte de endless run con desplazamiento lateral, pero hay otros ejemplos mucho más creativos, como un beso en el que controlas cada lengua con los correspondientes joysticks.

Es más que seguro que te encuentres ante alguna de estas ocurrencias y digas "esto jamás lo he visto en un videojuego". Y por si fuera poco, esa creatividad se liga a un sistema de físicas que vuelven todo mucho más interactivo y dinámico para dar profundidad a cada pequeña porción jugable, que esconde retos adictivos en forma de trofeos.

Y sí, se le puede achacar a Mixtape que no tenga un gameplay más convencional, pero, de cierta manera, Mixtape es un juego mucho más ortodoxo y cómodo que The Artful Escape y corrige varios de los problemas que tenía la opera prima del estudio.

Eso sí, Beethoven & Dinosaur no renuncia a su estilo e insiste con una fórmula muy personal que, como digo, funciona mejor de lo esperado. Esto es gracias a la otra gran pata que sustenta Mixtape, la música.

¿Por qué Mixtape es diferente? Pues porque demuestra ser un auténtico indie, uno que se aleja de muchos de los convencionalismos de la industria y del mainstream. El mejor ejemplo de esto es su música, esa mezcla concienzudamente preparada por Stacy.

El juego rinde pleitesía a la década de los ochenta y noventa, pero no cae en la trampa rescatando temas populares como llegaron a hacer productos de masas como Guardianes de la Galaxia. En su lugar, Mixtape, al igual que Stacy, presume de gusto y cierto elitismo con una selección musical de culto y más de nicho.

Aquí no encontrarás Karma Chameleon, Take on Me o Time After Time, sino temas que demuestran el profundo conocimiento musical de Beethoven & Dinosaur. Mixtape se rodea de Devo, Roxy Musi, The Smashing Pumpkins, Iggy Pop o Siouxsie and The Banshees para transmitir unas "vives" diferentes y geniales.

Porque, al final, el juego busca transmitir eso, vivencias. Mixtape es la búsqueda de un tesoro (alcohol con el que emborracharse), es gastarle una broma pesada al director del instituto, es escapar de la policía en un carrito de la compra llevando a una amiga catatónica dentro, es llorar por los cambios que trastocan tu pequeño universo, es enfadarse con los amigos por razones que no llegas a entender y es echar a volar y creerte el rey del mundo, aunque sea por un pequeño instante. Mixtape es la mejor adolescencia.

Se trata de una aventura que bebe a borbotones de los juegos 2D de la serie Zelda, como Link's Awakening o A Link to the Past, con un regusto clásicote y todos los tropos habituales de la serie, empezando por un enorme mapeado 2D repleto de NPCs y enemigos y siguiendo con mazmorras con jefes finales o habilidades que vamos adquiriendo para avanzar. Pero, como vamos a ver en el análisis de Elementallis, el juego también añade su propia identidad y razón de ser.

Como en Secret of Mana o The Story of Thor, la aventura para Mega Drive, aquí los elementos (agua, fuego, viento...) juegan un papel central, y ponen la magia en el centro de la experiencia, para ofrecer un desarrollo familiar, sí, pero también con sus propios encantos. Pero, ¿merece la pena? Como anticipo, debajo de estas líneas podéis ver los primeros 15 minutos en Nintendo Switch 2...

Sin salirse del "molde" clásico de este tipo de aventuras, nos espera una historia que no deja todo claro de primeras, un mundo abierto repleto de secretos que podemos explorar (siempre que tengamos las habilidades necesarias), templos con puzles y jefes, y por supuesto, poderes que tendremos que ir consiguiendo para poder avanzar.

Pero tampoco me quiero precipitar. Estos son los aspectos en los que me voy a centrar en este análisis de Elementallis para Nintendo Switch 2, que es la plataforma donde lo he jugado.

• Elementallis, una historia de magia elemental con cierto regusto a Zelda clásico
• ​La jugabilidad de Elementallis: puro sabor a era de los 16 bits
• ​El apartado visual y sonoro de Elementallis
• ​¿Cuántas horas dura Elementallis?
• ¿Es Elementallis un juego difícil?
• Cuánto cuesta Elementallis y en qué plataformas puedes jugarlo
• ​La opinión de Hobby Consolas de Elementallis
• Nota, lo mejor y lo peor de Elementallis

Elementallis, una historia de magia elemental con regusto a Zelda clásico

La trama de Elementallis se desarrolla en el reino de Elregir, compuesto por 8 biomas (desierto, montañas, bosque...) y como otros muchos juegos al estilo Zelda, comienza con un flashback que nos muestra unos hechos que sucedieron 10 años antes de la propia aventura.

En ellos, los padres del protagonista (al que podemos bautizar con el nombre que queramos, en otro guiño clásico), están en la última fase de una peligrosa misión para destruir los elementos... aunque sin dejar demasiado clara la motivación. Lo único que sabemos es que son Elementalistas, una especie de magos con habilidades elementales.

Por avatares del destino, el protagonista es testigo de su fracaso, y queda al cuidado de un maestro de sus padres, quien le mantiene alejado de la magia. Pero el daño causado por sus padres sigue su curso, con un mundo enfermo y en continuo deterioro, hasta que un día, el destino llama a nuestra puerta, y nos embarcamos en un viaje para restaurar el daño y, de paso, arrojar luz sobre lo que pasó.

Es una historia básica, que va desvelando más detalles de la trama a medida que avanzamos, y que se desarrolla por medio de diálogos con los NPCs (en ocasiones, pueden pecar de largos para este tipo de aventuras) y breves escenas animadas con el bello estilo pixelado del juego.

La jugabilidad de Elementallis: puro sabor a era de los 16 bits

A la hora de jugar, Elementallis tiene todo lo que puedes esperar de un Zelda clásico, y mucho más. ¿Un desarrollo que no te lleva de la mano e invita a explorar y descubrir por ti mismo? Sí. ¿Mazmorras repletas de puzles y con jefe final? También. ¿Guiños como romper plantas a espadazos o levantar objetos clave que sacarmos de los cofres? Por supuesto. ¿Recoger oro y comprar en tiendas? Claro.

Si has jugado a Link to the Past, lo que aquí te espera te resultará más o menos familiar, con un bucle conocido. Comenzamos explorando el primer bioma o zona, asociado a una anomalía con un elemento (una montaña con ríos de lava que ha dejado de manar), encontramos el camino al templo donde se produce el extraño fenómeno y la corregimos consiguiendo, de paso, un nuevo poder elemental, tras derrotar al minijefe y jefe. Y bioma restaurado.

Este nuevo poder elemental que consigamos no sólo nos servirá en el templo, también tendrá distintos usos, tanto en los combates como para poder acceder a alguna zona nueva del mapa, que nos da acceso a un nuevo bioma, y vuelta a empezar el bucle. Pero la clave aquí es que a medida que vamos consiguiendo nuevos elementos (fuego, agua, naturaleza, tierra, rayo, viento, hielo...), tenemos a nuestra disposición nuevos recursos para explorar el mundo y combatir.

Porque un mismo poder tiene distintos usos, y nos permite hacer diferentes cosas. Por ejemplo, el poder elemental de la roca nos permite machacar unas piedras que bloquean el camino, además de dañar a los enemigos. Con el de hielo, podemos congelar e inmovilizar a los enemigos, así como helar el suelo y deslizar unos pesados bloques, por poner un par de ejemplos y no hacer desmasiado spoiler.

Experimentar con los elementos es una de las gracias del juego, y combinar sus efectos en distintos contextos, una de la parte más divertida, gracias a que cada poco tiempo vamos incorporando un nuevo elemento. Así, por ejemplo, si lanzas fuego contra las plantas, puedes provocar un incendio en cadena, algo útil, por ejemplo, para encender varios candiles a la vez.

De hecho, la gracia es que podemos "enlazar" varios de estos poderes para movernos por los escenarios o en combate, por lo que las posibilidades siempre van a más e invitan a la exploración. Eso sí, su uso no es ilimitado: el poder elemental está ligado a una barra de energía que se agota con cada uso, y que se repone con el tiempo.

A esto, se une el combate "físico", que nos permite dar espadazos y bloquear ataques con un escudo. Tanto espada, como escudo y nuestra armadura, se pueden mejorar en las herrerías, pagando una cantidad de dinero, además de aportar un cotizado mineral.

Hay más submecánicas e ideas que se suman a esta jugabilidad para enriquecerla, como por ejemplo, contar con un inventario limitado que podemos mejorar comprando kits de costura que añaden un espacio más. También podemos recoger fragmentos de corazón y maná, y por cada cuatro, conseguiremos aumentar la vida con un corazón o ampliar la barra para la magia. ¿A que te suena de algo?

Cabe destacar que el juego se esfuerza por ofrecer una gran variedad de enemigos distintos y únicos en cada bioma, con objetivos relacionados como completar un bestiario, que nos va dando información extra de cada enemigo a medida que vamos derrotando una determinada cifra de cada uno de ellos. Y no faltan tareas extra, como encontrar las páginas del diario de nuestros padres...

Como digo, el desarrollo es muy familiar, y aunque no inventa la rueda, todo lo que hace, lo hace bastante bien, con un desarrollo bastante ameno que invita a seguir jugando. Es de los "juegos tipo Zelda" más entretenidos que he probado en los últimos años, por encima de experiencias como Blossom Tales II The Minotaur Prince.

Eso sí, hay un aspecto que quizá podía estar mejor planteado. Dado que la jugabilidad nos invita a cambiar de elemento, creo que estos cambios se podían haber planteado de otra manera. Al pulsar RB (R1 y equivalentes), aparece en pantalla un menú radial para elegir el elemento, "ralentizando" la acción mientras elegimos.

Además, en cualquier momento podemos elegir dos elementos y asignarlos a L3 y R3 como "accesos directos" y cambiar al vuelo sin tener que pasar por el menú radial, algo que no termina de ser todo lo cómodo ni intuitivo y que quizá se podría haber planteado de otra manera, como combinaciones de los gatillos con los cuatro botones frontales, para tener los 8 elementos activos de manera más directa.

El apartado visual y sonoro de Elementallis

Como se suele decir, lo que ves es lo que hay, y Elementallis es un homenaje a la estética de los juegos de 16 bits, con un colorido pixel art que te va a retrotraer a los juegos de principios de los años 90. Cada bioma tiene una ambientación muy distinta, con paletas de color bien diferenciadas, y entrar en una nueva zona realmente se siente distinto.

Es un juego que entra por los ojos y hace una cosa muy bien: mezcla esta estética retro con técnicas de iluminación más propias de un juego actual. Antorchas, candiles, o puertas, harán que tu sombra se desplace en tiempo real por este entorno pixelado, con un resultado bastante vistoso. Y también hay unos curiosos efectos de reflejo...

Si bien es cierto que los escenarios están llenos de detalle, e incluso hay zooms puntuales para alejarse y mostrar estos escenarios de manera más panorámica, los diseños de los enemigos no son igual de acertados, en especial algunos jefes finales y midbosses. El combate en sí es divertido, pero a nivel visual les falta un poco del "punch" que tienen los jefes vistos en Zelda. Pero para una ópera prima, chapeau.

En cuanto a la banda sonora, reconozco que hay piezas que me han gustado bastante, y se han acabado instalando en mi cabeza, aunque otras pasan inadvertidas. En líneas generales, cumplen su cometido, pero están lejos de las magnas obras de Koji Kondo... aunque la comparación no es justa, ya que son palabras mayores.

Como es de esperar en este tipo de propuestas, no hay doblaje de ningún tipo, aunque los textos están muy bien adaptados al castellano, y puedes pasarlos a la velocidad que quieras. Si, además, entiendes algo de catalán, hay algunos nombres y referencias que beben directamente de él.

¿Cuántas horas dura Elementallis?

Lo cierto es que, con determinados juegos, no me gusta aventurarme a dar una cifra de horas juego, porque depende de muchas variables, ya que no todos jugamos de igual manera. Si te gusta explorar hasta el último rincón, si no consultas guías, si eres bueno con los puzles... cada uno tenemos nuestros gustos, y no jugamos igual.

Pero pongamos que eres un hacha y vas a pasarte el juego a saco. En ese caso, Elementallis puede durar entre 15 y 20 horas, si no te atrancas y, como digo, eres un "maquina" del género. Pero a poco que te pierdas en sus biomas, te cueste encontrar el camino por donde seguir (insisto, no es un juego que te lleve de la mano), o algún puzle se te atraganta, esa cantidad puede dispararse.

Y no hablemos ya de si quieres conseguir el 100% y completar todas las tareas opcionales. Si te lías, es un juego que puede darte fácilmente las 25-30 horas, pero insisto, depende mucho de la forma de jugar de cada uno.

¿Es Elementallis un juego difícil?

Un poco ligado a lo anterior, Elementallis no es ni un juego fácil, ni difícil. He muerto unas cuantas veces por ir demasiado a saco en combate, sobre todo contra jefes y mid-bosses. Pero no es un juego que busque ser difícil "porque sí", ni plantear un reto insalvable.

También puede costarte algún puzle puntual, como por ejemplo, los que requieren empujar bloques para despejar el camino, o encontrar interruptores que nos permitan seguir avanzando, pero casi siempre hay pistas cerca para que no te quedes atrancado. Y para avanzar... nada como perderte explorando.

Precio y ediciones de Elementallis

Elementallis está disponible en formato digital desde el pasado 28 de abril, tanto para PS4 como Nintendo Switch, Xbox One y PC, y es retrocompatible con Switch 2, PS5 y Xbox Series X|S.

Y lo ha hecho a un precio realmente atractivo: 17,99 euros, aunque durante hasta el próximo 12 de mayo tiene una rebaja temporal y puede comprarse al precio de 15,29 euros. A fecha de publicar este análisis, no hay noticia de una posible edición física.

La opinión de Hobby Consolas de Elementallis

Dentro de los Zeldalike de corte más clásico (es decir, dejando fuera propuestas como Tunic o Death Door), como juego "tributo", que rinde homenaje a las primeras aventuras de Link, Elementallis es uno de los juegos más sólidos y redondos, y eso lo consigue sin dejar de aportar su granito con sus propias ideas.

Vale que no inventa la rueda, pero casi todo lo que hace, lo hace con acierto, y en especial en todo lo relativo a la magia y las distintas posibilidades que abre su uso, tanto en combate como al explorar el mundo.

Se le puede reprochar que los jefes no son tan espectaculares como en los juegos de Nintendo, pero no es menos cierto es la ópera prima de un estudio novel con un equipo muy reducido, y por eso tiene todavía más mérito. Y si a eso sumas el precio de lanzamiento, compra obligada para cualquier fan de las aventuras más clásicas de Zelda.

Este es el tercer juego de esta colección digital, después de Real Bout Fatal Fury 2 y Kizuna Encounter.

Si sois seguidores de los juegos de SNK (y de ADK, en este caso) sabréis que esta fue la cuarta y última entrega de la serie (en realidad, era la tercera "evolución" de World Heroes 2). Era el título más completo por número de luchadores y detalle visual, pero carecía del modo Death Match de la segunda parte.

Hace unos años, el juego se relanzó en consolas actuales dentro de la línea ACA Neo Geo, pero en esta ocasión recibimos una versión que entra en la línea Premium Selection de SNK. ¿Qué implica esto? Que trae algunos extras de lo más jugosos.

Por un lado, ofrece juego online con rollback netcode, que además de proporcionar partidas individuales, permite organizar torneos. Podemos organizar lobbys de hasta 9 jugadores y practicar mientras esperamos el siguiente round.

Por otro, un modo práctica que permite mostrar los inputs para dominar mejor los ataques especiales.

Para rematar, hay una pequeña galería con unas decenas de ilustraciones del juego, incluyendo la nueva de grupo que se ha creado para este relanzamiento, además de las cinemáticas de los personajes con los que hayamos superado el modo Arcade. ¡Ah! Y logros para desbloquear.

El resto es lo habitual: el ya citado modo Arcade y Versus local, tanto contra la CPU como contra otro jugador.

De aborígenes chalados y vikingos trastornados

Desde luego, no es la ristra de opciones más completa del mundo, pero los personajes y los combates ya hacen que la experiencia merezca la pena.

World Heroes Perfect es un título muy de vieja escuela en el sentido de que, aunque es posible enlazar combos, se basa mucho en combates rápidos donde los ataques especiales son fundamentales.

Hay 3 puñetazos y 3 patadas por luchador, que se combinan con movimientos del tipo "cuarto de círculo y botón" para esos golpes.

Y esa es la gracia: cada contendiente se basa en una figura histórica pasada por un particular filtro cómico: el orondo vikingo Erik se inspira en Erik el rojo; Muscle Power es un homenaje a Hulk Hogan... y claro, Rasputín no merece presentación.

Todos ejecutan movimientos muy locos, como ondas con forma de barco pirata, pigmeos fantasma...

Además de esos ataques especiales, tenemos versiones súper mucho más contundentes y, sobre todo, los Desperation Attacks que dieron fama a esta entrega.

Estos últimos solo se pueden ejecutar cuando nos queda poca salud y tenemos la barra Hero (que se carga al atacar) llena, lo que libera unos movimientos loquísimos, desde presas que desencadenan explosiones nucleares hasta el archiconocido Macizo del Amor de Rasputín.

Cada personaje es un mundo, pero quizá puedan parecer pocos para los tiempos que corren: 16 contendientes, a los que se suman dos luchadores que estaban ocultos originalmente: el musculoso Neo Dio y Gokuu, inspirado en el cuento Viaje al Oeste.

Como remate, un personaje que solo aparecía como jefe en la versión de los 90, Zeus, aquí también es controlable.

Tiene pocos movimientos especiales y no tiene final al pasarnos el juego, pero es una bestia parda en movimiento. Así, una cifra final de 19 contendientes no está nada mal.

El humor de las peleas se traslada a los gráficos, empezando por unos sprites algo pequeños pero muy expresivos, coloridos y caricaturescos. ¡Nos encanta ver a Mudman haciendo el ganso!

Lo mismo sucede con los escenarios, que por la temática "histórica" del juego mezcla el Japón Feudal con los volcánicos orígenes del planeta o el antiguo Egipto, todos llenos de color y personajes en movimiento.

No hay demasiadas opciones de configuración: podemos colocar unas scanlines de diferente intensidad y un filtro de suavizado, además de una opción de sincronización vertical y un filtro de parpadeo.

En realidad, es mejor desconectarlos para que la imagen no genere cierto ghosting que resulta incómodo.

La opinión de Hobby Consolas sobre World Heroes Perfect

En general, está claro que este juego está más orientado a los nostálgicos, los curiosos del pasado y a los que quieran una experiencia online ligera, porque no puede competir en dinámica y variedad con un Fatal Fury City of the Wolves o Street Fighter 6, por ejemplo.

Por lo que ofrece, su precio de 19,99 euros (aunque estos primeros días está algo rebajado) es un pelín exagerado, aunque no cabe duda de que sus combates son tan efectivos como simpáticos.

World Heroes Perfect sigue siendo uno de los juegos más divertidos de la era Neo Geo y enfrentar al loco Brocken contra el excéntrico Fuuma es tan satisfactorio y estético como siempre. Solo con pensar que pudiera llegar una nueva entrega para la futura Neo Geo AES+ se nos hace la boca gaseosa.

En realidad, su propuesta no tiene mucho de novedoso y bebe claramente de ideas jugables como las de los últimos Mortal Kombat, combinadas con la dinámica tag team de juegos como Dragon Ball FighterZ.

A nivel argumental, Invincible VS crea una historia nueva, ubicada temporalmente al final de la temporada 3 de la serie.

Mark, Atom Eve e incluso un buen grupo de viltrumitas hostiles se ven envueltos en un extraño misterio: unos luchadores se transforman en otros y los campos de batalla también “mutan” sin que nadie sepa por qué...

Esta excusa argumental (luego hablaremos más) sirve para que creemos equipos de 3 luchadores a partir de un plantel de 18 personajes, desde héroes como Allen the Alien hasta villanos como Conquest o Thula, siendo el personaje “diferente” Cecil.

En la “realidad” no aguantaría ni un puñetazo de Nolan, pero tiene gracia verlo usar sus armas aquí. En cuanto a escenarios, hay hasta 15 para elegir, pero hay que ir desbloqueando algunos.

Además, se ha creado para el juego a Ella Mental, una especie de “homenaje” de Tormenta de los X-Men. El propio Robert Kirkman creará un cómic sobre ella.

La dinámica, como decimos, es de duelo por equipos. En cualquier momento, podemos cambiar a otro luchador de nuestro trío para que el que estuviera primero recupere un pelín de salud.

Hay normas, claro: tenemos que estar en posición neutral para el cambio y hay que esperar unos pocos segundos de “recarga” tras cada cambio.

Incluso podemos ejecutar una asistencia puntual que rompa el combo del rival o bien efectuar el relevo atacando para pillarle por sorpresa. Cuando los tres luchadores del equipo pierdan, se acaba el combate.

Otra posibilidad es que se acabe el tiempo, lo que nos lleva a una ronda de muerte súbita en la que solo se puede contar con el luchador que tenga activo cada equipo en ese momento.

Piensa, Mark, piensa... y pelea

El esquema general de movimientos es muy parecido para todos: hay un botón de golpe suave, uno medio y uno fuerte, para ir enlazando combos. El cuarto botón frontal es para ataques especiales. Dependiendo de la dirección que pulsemos, se hará un ataque especial u otro.

Además, si encadenamos combos con los botones correctos, podemos dar pie a autocombos que rematen en un super ataque, algo que está muy de moda últimamente.

Si pulsamos un gatillo a la vez que el ataque especial, este tendrá una versión potenciada, más dañina. Tenemos un medidor de potencia con 3 niveles que se van recargando poco a poco.

Por supuesto, también hay un medidor para súper ataques, que se carga al atacar o recibir golpes. Tenemos dos súper ataques que gastan una barra y uno definitivo que gasta 3 y puede mermar cerca de media barra de salud al rival.

Sabiendo estos conceptos básicos hay suficiente para lanzarnos a los combates, aunque una vez nos especialicemos más podemos ejecutar contras que rompan el ritmo del rival o incluso lanzarlo a un nuevo escenario de un golpe.

Como supondréis, el juego es tan bestia y sangriento como la serie. Aunque no hay fatalities como tal, si derrotáis al rival con un ataque contundente podréis arrancarle la cabeza o hacerlo estallar en pedazos.

A la hora de elegir modos de juego, la oferta no es especialmente apabullante, pero cumple por los pelos.

Tenemos un modo Historia en el que se desarrolla ese argumento que os comentábamos y que sirve para que veamos combates con todos los personajes. A veces, en este modo, habrá combates individuales, pero no es algo que podamos replicar en el resto de modos.

La historia cuenta con escenas de corte que mantienen la estética del juego, pero imitando ese estilo de animación con menor tasa de frames de la serie. Son bastante espectaculares, pero breves.

De hecho, el modo Historia se puede superar en menos de dos horas, aunque si apostáis por las dificultades más altas (hay cuatro: fácil, normal, difícil y viltrumita) os costará sudar bastante tinta.

Fuera de la Historia, tenemos Versus, tanto local (ya sea contra la CPU o contra otra persona) como online. El online permite partidas rankeadas, informales o personalizadas.

En los primeros combates que tuvimos, la cosa todavía era “asumible” porque todo el mundo se estaba habituando al sistema de combate, pero ya empeizan a verse jugadores muy “pro” que enlazan combos larguísimos.

Fuera de eso, el único modo jugable que queda es el entrenamiento, además de un tutorial que nos enseña todos los pormenores del combate.

Pidamos más variedad a la Coalición de Planetas

No hay modo torneo, ni supervivencia, ni contrarreloj, lo que hace que la oferta se quede un poco justita para los tiempos que corren.

De hecho, el plantel de luchadores tampoco es especialmente amplio, que digamos (huele a DLCs para el futuro), si bien es cierto que cada uno se siente diferente en cuanto a su velocidad, alcance o estrategia.

Las opciones no son tampoco especialmente numerosas. En el combate, por ejemplo, solo podemos ajustar el tiempo y la dificultad, pero no el número de luchadores o el hándicap (¿empezar con menos salud? ¿con más o menos medidor de poder?), como en otros juegos.

Si queréis trastear un poco con el coleccionismo, hay un apartado de extras muy goloso, que nos muestra accesorios para nuestra tarjeta de jugador (icono, fondo, marco...), una galería de bocetos, melodías o incluso portadas del cómic que hemos de ir desbloqueando.

En el terreno audiovisual, el juego hace un muy buen papel. Los gráficos, como era de esperar, apuestan por un cel shading algo más detallado en el uso del color que lo que vemos en la serie.

Los personajes tienen una expresividad suficiente y, aunque está claro que se quedan bastante por debajo de bestias como Street Fighter 6 o Mortal Kombat 1, ver cómo se van hiriendo, cómo se destrozan los escenarios o cómo los ataques más brutos dan pie a efectos especiales hace que la experiencia sea muy amena visualmente.

Quizá resulte chocante que el gameplay vaya a 60 fps sólidos y para las escenas de corte, como decíamos, se haya optado por una estética menos fluida. Está claro que es una decisión “artística”, más que técnica, pero hace un contraste algo forzado.

Las voces están solo en inglés (con subtítulos bien adaptados al castellano), pero cuentan con varios de los actores de la serie, incluyendo a J.K. Simmons como Omni Man o Gillian Jacobs como Atom Eve.

Las melodías tiene un aire urbano y épico que cuadran muy bien con el concepto del juego. Aunque no hay ninguna especialmente memorable, seguro que acabáis tarareando la del menú principal del juego.

La opinión de Hobby Consolas sobre Invincible VS

En conjunto, este es un juego de lucha que homenajea muy bien el material del que parte y que ofrece algunos combates tan brutos como divertidos, pero que se queda algo flojo en su oferta tanto técnica como, sobre todo, de contenido. También es verdad que la edición estándar se vende por 49,99 euros, lo que no está nada mal.

El panorama de los fighting games es más duro que Thragg ahora mismo y este Invincible VS, que claramente se quiere orientar a los torneos online, necesitaría más músculo para destacar, pero no cabe duda de que, si quieres acción directa y llena de vísceras, con este título tendrás una experienca... INVENCIBLE (léase esto pensando en la cabecera de la serie).

La aventura que recoge el testigo de películas como la reciente Proyecto Salvación o Interestellar busca aportar una nueva visión sobre las odiseas espaciales de ciencia ficción. En este análisis de Aphelion vamos a conocer este viaje en profundidad.

Sin embargo, ya te anticipo que, pese a su atractiva premisa, Aphelion no consigue destacar demasiado en materia jugable. Su faceta de aventura y quizá un planteamiento demasiado ambicioso para el estudio, le terminan de pasar más factura de la cuenta.

¿Qué hay en lo más recóndito de nuestro sistema solar? Ponte el traje de astronauta que vamos con el análisis de Aphelion para PS5, Xbox Series X|S y PC, que he dividido en los siguientes apartados:

• La historia de Aphelion: una nueva forma de salvar a la humanidad
• ​El gameplay de Aphelion: aventura de "acción" y sigilo
• ​La duración de Aphelion y su rejugabilidad
• El precio, ediciones y plataformas de Aphelion
• La opinión de Hobby Consolas sobre Aphelion
• Nota: lo mejor y lo peor de Aphelion​

La historia de Aphelion, una odisea en el helado Perséfone

Sin duda alguna, el punto más destacado de Aphelion es su narrativa. La historia que propone Don't Nod no es la más inspiradora que hemos tenido y no termina de despuntar tanto como le gustaría, pero no es ni mucho menos un desastre y logra mantener el interés del jugador.

En el año 2060, la Tierra es inhabitable. La humanidad se ve forzada a lanzar una última misión espacial al recién descubierto noveno planeta del Sistema Solar, Perséfone, que podría convertirse en colonia de encontrarse la manera de calentar su gélida superficie.

La expedición Hope-01 está comandada por los astronautas Ariane y Thomas, cuya compleja relación sentimental se ve truncada por un convulso aterrizaje en el planeta. Separados, ambos tendrán que llegar a la Fuente, una zona que parece esconder los secretos de Perséfone.

A través de sus once capítulos, Aphelion nos narra las peripecias de los dos expedicionarios y, al igual que ciertas cintas espaciales como las de Christopher Nolan, el juego nos propone dos líneas temporales diferentes que terminan por entrelazarse.

Y si bien es un gran acierto separar a ambos personajes para potenciar ese conflicto emocional entre ambos, hay otras facetas en las que Aphelion no termina de dar con la tecla. No haré spoilers, pero el guion podría haber tenido unos cuantos giros extra muy potentes.

Perséfone esconde mucho más de lo que parece y hacia la mitad del juego, todo se amplía con un descubrimiento clave. El título, por momentos, tontea con pasarse al survival o acercarse más al horror espacial. Sin embargo, el objetivo de la misión y un excesivo enfoque en lo sentimental terminan por sepultar un arco narrativo secundario que podría haber dado una gran profundidad al juego.

Cierto es que Aphelion termina por cerrar sus tramas y lo hace de una manera más o menos satisfactoria, pero también pasa de puntillas por muchas de las preguntas que genera en el jugador. De haberse detenido un poco más o haber intentado cambiar de registro, esta aventura espacial habría sido digna de recordarse.

Y es que, Aphelion tiene una buena base. El juego está desarrollado en colaboración con la ESA (Agencia Espacial Europea) y se nota que el buen trabajo de documentación para abordar su premisa espacial (como lo de llevar los visibles trajes naranjas o la mención al "noveno planeta"), pero esto no lo salva de sus mayores tropiezos...

La jugabilidad de Aphelion, una aventura sin grandes alardes

No es que Aphelion se hunda en el plano jugable, pero es cierto que, como aventura en tercera persona, su jugabilidad se siente bastante plana y poco innovadora o variada. Además, atrás queda ese estilo más conversacional con decisiones de Tell Me Why o Lost Records Bloom & Rage, que trataban de repescar la esencia de LiS.

Don't Nod separa dos estilos jugables asociando cada uno a un personaje. Ariane es la que recibe más atenciones, ya que sus peripecias por Perséfone pasan por recorrer inhóspitos lugares. La astronauta y bióloga debe escalar, saltar y deslizarse por el terreno.

El problema es que la escalada sigue el esquema más trillado de los AAA convencionales y solo consiste en ir de saliente en saliente (pintura amarilla incluida). En lugar de incorporar un control como el de Jusant, Aphelion se conforma con ser más dirigido y accesible.

Las secciones de deslizamiento o las persecuciones guiadas a toda velocidad también están muy automatizadas y el diseño de niveles es demasiado lineal y no ofrece caminos secundarios que transmitan una mayor sensación de exploración o descubrimiento.

El revulsivo aparece en una serie de fases de sigilo (ya que Perséfone cuenta con la presencia de un ser de pesadilla) que invitan a tomarse las cosas con más calma analizando el terreno para servirse de un dispositivo que desbloquea caminos ocultos canalizando unas extrañas corrientes de energía que tiene el planeta.

Al moverse, Ariane hace ruido, lo que puede alertar a la inmisericorde criatura que la acecha. Gracias a esto, por momentos, la jugabilidad adquiere un tono más tenso, pero estas fases, aunque mejor diseñadas, presentan soluciones y caminos demasiado evidentes. Sus secciones se repiten demasiado y terminan por hacerse pesadas.

Por otro lado, tenemos a Thomas, cuyo gameplay es más pausado y se centra más en la investigación y la resolución de algunos puzles ambientales. El problema es que estos rompecabezas (que requieren de la gestión de los niveles de oxígeno), tampoco son gran cosa.

Además, el grado de interacción con este personaje es menor, aunque, curiosamente, son sus partes jugables las que más "chicha" aportan a nivel narrativo (abordan la subtrama a la que hacia referencia en el apartado de la historia).

La jugabilidad (y también el pacto del espectador dentro de la trama) también se ven afectados por errores técnicos de peso que espero que se resuelvan con algún parche. Aphelion tiene problemas evidentes en este aspecto que van más allá de las caídas de fotogramas (que las hay).

A nivel gráfico, el juego no es malo y la ambientación, el diseño visual de los escenarios y la dirección artística le dotan de un aspecto muy atractivo, pero este se ve afectado por un popping muy recurrente en cantidad de escenas cinemáticas y de secciones jugables.

A esa mala carga de texturas también se unen problemas en las colisiones con determinados obstáculos y el relieve del terreno, así como un movimiento de los personajes y algunas animaciones algo ortopédicas. Y como colofón, también me he encontrado con un par de bugs graves.

Como digo, esto afecta demasiado a un gameplay, que ya de por sí tampoco es demasiado inspirador. Algo más de acción o sistemas de supervivencia más concienzudos podrían haber servido para asentar unas mejores bases jugables a esta aventura.

¿Cuánto dura Aphelion? ¿Es rejugable?

Aphelion se puede completar en unas 7-8 horas. Es un juego corto que tiene la duración adecuada para desarrollar su relato, aunque bien podría haberse expandido más con alguna misión secundaria o decisión de peso tomada por el jugador.

Cada capítulo cuenta con algunos coleccionables que pueden llegar a expandir mínimamente la duración del juego, pero tampoco es que estos extras potencien la rejugabilidad (dado que no hay niveles de dificultad y esta no es demasiado exigente). Siempre puedes escoger pasarte un capítulo concreto una vez completes el juego.

Precio, plataformas y ediciones de Aphelion

Aphelion está disponible en formato digital para PS5, Xbox Series X|S y PC bajo un precio reducido de 34,99 euros. Además, también está disponible (a partir del 2 de julio) en formato físico para PS5 con la Pioneer Edition (39,99 euros) que trae algunos extras.

Esta edición del juego permite conseguir varios artículos cosméticos como las pegatinas de mochila de Lost Records: Bloom & Rage, de la ESA o de Jusant. También incorpora varios colgantes de mochila y un traje alternativo para los personajes.

Perséfone te deja un poco frío

Aphelion se queda a medio gas y por poco no llega a su planeta de destino. Y es que la expedición de Ariane y Thomas tropieza en el plano jugable y te deja a medias en lo que se refiere a narrativa.

Don't Nod sigue contando con una gran pericia para abordar relatos cinematográficos dentro del videojuego a nivel audiovisual, con el uso de planos de gran belleza y eficacia, pero Aphelion podría haber dado mucho más de si en sus dos facetas clave.

Su historia en el helado Perséfone es interesante y la dualidad de los personajes la hace destacar, pero ese enfoque tan emocional podría haberse rodeado de otros componentes que, si bien están ahí, no terminan de explotar como deberían.

Un poco más de terror espacial, un mayor contexto sobre la situación de la humanidad o una apuesta por algunos de los reflexivos temas existenciales que suelen acompañar al género de la ciencia ficción habrían blindado el relato.

Relato que se ve torpedeado por una jugabilidad que sabe a poco y que repite mecánicas demasiado sencillas. La escalada por salientes o un sigilo muy básico bastan para ofrecer el suficiente entretenimiento como para seguir jugando, pero terminan por hacer muy monótona a esta aventura, que también presenta problemas técnicos evidentes.

Y la sigue al milímetro, pues volvemos a encontrarnos ante un título con estilo arcade, mecánicas bullet hell, desarrollo roguelite, narrativa serpenteante, temática sci-fi oscura y gran exigencia a los mandos.

Por supuesto, también presenta numerosos cambios y novedades, pero son tantas sus similitudes que, en este análisis de Saros, va a ser inevitable compararlos continuamente.

Además, Returnal es uno de los juegos que mejor sabor de boca nos dejó de todo el catálogo de PS5, así que también es inevitable preguntarse ¿logra Saros superarlo... o han volado tan cerca del sol que se han quemado? Vamos a descubrirlo.

El análisis de Saros para PS5 de Hobby Consolas:

• El gameplay de Saros
• Nivel de dificultad de Saros
• ¿Cuántas horas de juego dura Saros?
• Cuánto cuesta Saros y dónde puedes jugarlo
• La opinión de Hobby Consolas de Saros
• Nota: lo mejor y lo peor de Saros

Jugabilidad y gameplay de Saros en PS5

Saros nos pone en el papel de Arjun Devraj, responsable de seguridad de la Echelon IV, una expedición enviada al planeta Carcosa para descubrir qué sucedió con las anteriores. Allí, además de toda clase de criaturas alienígenas hostiles, un ominoso eclipse está provocando alteraciones sobre el terreno, la fauna... y el propio Arjun, que vuelve a la vida tras cada muerte como si no hubiera pasado nada.

De esta manera, Saros nos propone explorar Carcosa mientras nos enfrentamos a los enemigos que nos salen al paso haciendo uso principalmente de armas de fuego y esquivando las oleadas de proyectiles que pueden llegar a cubrir toda la pantalla, teniendo que volver a empezar "desde el principio" cada vez que morimos.

Uno de los cambios más llamativos de Saros respecto a Returnal tiene que ver precisamente con la progresión y el desarrollo "rogue", que aquí es más "lite" que "like". Al morir, conservamos una parte importante de lucenita, un recurso que se utiliza para desbloquear mejoras permanentes, como mayor salud o energía. De esta manera, las muertes duelen menos porque siempre que echamos otra partida, lo hacemos siendo más fuertes.

Es también un buen recurso para generar sensación de progresión y sin duda ayudará a los jugadores menos hábiles a no quedarse atascados (demasiado). Pero, como veremos luego al hablar de la dificultad, conocer los patrones de ataque de los enemigos, especialmente frente a los jefes, sigue siendo muy importante.

Otro cambio es que la exploración prácticamente ha desaparecido: en Returnal, al recorrer un nivel era habitual volver hacia atrás usando teletransportes para coger una mejora de salud que habíamos dejado para más tarde o abrir puertas usando las llaves que íbamos consiguiendo.

En Saros, sin embargo, ese backtracking se ha eliminado de la ecuación; siempre avanzamos hacia delante, salvo para tomar desvíos opcionales que acaban en un callejón sin salida. En muchos casos, incluso se cierra el camino por detrás de nosotros, impidiendo que demos la vuelta.

Reconozco que me gustaba el componente de exploración de Returnal, pero tengo que admitir que este cambio ha logrado que las partidas de Saros sean mucho más ágiles, algo muy importante en un roguelite. Además, aquí han aprendido la lección y podemos cerrar el juego cuando queramos y retomarlo desde ese mismo punto... salvo frente a los jefes, como es lógico.

Saros también es un poco "más Hades", pues hay un HUB al que volvemos tras cada muerte y donde podemos hablar con una serie de personajes que siempre tienen algo nuevo que decir. Esto tiene como consecuencia que sea un juego menos misterioso; la historia y la ambientación tienen el mismo rollito inquietante, pero los personajes y las conversaciones le quitan ese aura de misterio y esa sensación de soledad que tenía su predecesor. Haciendo una comparación cinéfila: si Returnal era Alien, Saros es Horizonte Final.

Esto también supone que sea un juego más narrativo que su predecesor, aunque no por ello apuesta por una narración tradicional; como Returnal, Saros cuenta una historia deliberadamente confusa, con mucho subtexto y metáforas xenomórficas para reflejar problemas humanos. Así que, claramente, no va a ser del gusto de todos los paladares.

De hecho, llama la atención encontrarse con un título tan narrativo... pero que a la hora de jugar es puro arcade. Jugabilidad al grano y sin contemplaciones.

Y la jugabilidad es sin ningún tipo de duda el aspecto más brillante de todo Saros. Si en Returnal ya era evidente que Housemarque es un estudio especializado en los shoot'em up, con Saros directamente hablamos de lo más parecido que se ha hecho a Ikaruga dentro de los juegos de acción en tercera persona.

Porque la idea es en esencia la misma que en el legendario juego de naves de Treasure: proyectiles de distintos colores a los que nos enfrentamos de diferentes maneras.

Están los proyectiles azules, los más básicos de todos, los cuales podemos evitar tanto atravesándolos con la esquiva como bloqueándolos con el escudo. Pero es buena idea hacer esto último, pues así se repone la energía que utilizan las potentes armas secundarias.

Luego están los proyectiles amarillos, que también se pueden atravesar esquivando, pero si los bloqueamos con el escudo (o, directamente, nos comemos un impacto), generan una corrupción que reduce la salud máxima.

Y por último están los proyectiles rojos, que no se pueden ni esquivar ni bloquear. En su lugar, para estos proyectiles se han sacado de la manga un parry; sí, sí, como lo leéis: en Saros se le puede hacer parry a las balas. Y mola y es tan satisfactorio como os estáis imaginando.

Las armas de Saros también ofrecen muy buena variedad y mecánicas interesantes. Tenemos pistolas, rifles de asalto, escopetas, ballestas de energía, lanzadores de chakram... Pero la gracia es que cada arma plantea un estilo de juego diferente. Por ejemplo, las escopetas causan un gran daño de aturdimiento y, cuando los enemigos están aturdidos, es buena idea acercarse para finiquitarlos con un ataque cuerpo a cuerpo.

Por si eso no fuese suficiente, han metido dos modificadores que podemos encontrar de manera aleatoria en las armas. Por un lado está el modificador de precisión; en Saros, la gran mayoría de armas tienen un apuntado semi-automático, de manera que no hace falta apuntar de forma exacta al enemigo para acertarle. Sin embargo, las armas con el modificador de precisión, sustituyen ese semi-apuntado por una mayor potencia de fuego.

Y luego están las armas corruptas, cuyo daño aumenta a medida que lo hace la corrupción de los proyectiles amarillos que nos afecta. En otras palabras: en Saros, como en todo buen roguelike o roguelite, estamos continuamente tomando decisiones y sopesando ventajas frente a inconvenientes. Porque también hay artefactos corruptos, similares a los parásitos de Returnal. Y en todos los niveles se puede activar un eclipse que, además de cambiar el escenario, complica bastante las cosas, pero también abre nuevos caminos. Decisiones, decisiones y más decisiones.

Como en Returnal, también hay una serie de habilidades permanentes que nos invitan a revisitar niveles para acceder a localizaciones que antes eran inalcanzables. No todas son habilidades de desplazamiento, pero las que sí lo son dan lugar a secciones de plataformeo tan espectaculares como desafiantes. De hecho, no sé qué esperan en Housemarque para hacer un juego de plataformas.

Y como no podía ser de otra manera, todas estas mecánicas jugables, con una filosofía tan arcade, explotan durante los combates contra jefes. Si habéis jugado a Returnal ya sabéis que ese era uno de los puntos fuertes de la aventura y me complace poder decir que en ese aspecto, Housemarque no ha defraudado ni un ápice: Saros tiene algunos de los mejores combates contra jefe que he vivido en esta generación de consolas. Son un festival de balas con el que Saros se gana a pulso la etiqueta bullet hell, su puesta en escena es un espectáculo que va in crescendo con cada fase y requieren un dominio y unos reflejos que nos hacen sentir como auténticos dioses del mando.

Eso sí, hay algo que me ha descolocado un poco: pese a que el número de jefes de Saros es mayor que el de su predecesor, hay un par que son un bajón importante respecto a los demás. El propio juego es consciente de esto, pues ni siquiera los presenta con una escena de vídeo, pero resulta llamativo que aun así los traten como jefes de final de fase. En cualquier caso y, como ya digo, Saros va sobrado de jefes espectaculares, así que tampoco lo considero un gran problema.

Y ya que hablamos de espectáculo y puesta en escena, hablemos ahora del apartado audiovisual de Saros. Y aquí también se puede apreciar que Housemarque es un estudio con raíces arcade que prioriza la jugabilidad por encima de cualquier cosa, pues no temen sacrificar la calidad de los modelos de los personajes, para poner en pantalla cientos de elementos moviéndose al mismo tiempo sin que el framerate se resienta lo más mínimo.

Y ojo, porque aun no siendo el juego más puntero del catálogo de PS5, he quemado el botón de hacer capturas con Saros. La culpa la tiene sin ninguna duda la dirección artística, especialmente en lo relativo a los escenarios. Porque además de tener biomas muy variados, el juego nos deja continuamente con impresionantes vistas de paisajes alienígenas siempre rematados por un eclipse de una belleza aterradora.

Saros también saca gran partido de todas las características de PS5: prácticamente no tiene tiempos de carga, ni al iniciar partida ni al cambiar de escenario, y los gatillos adaptativos cuentan con dos niveles de presión muy bien implementados para los distintos tipos de disparo.

¿Es difícil Saros?

Saros es un juego bastante complicado. No incluye niveles de dificultad, aunque sí opciones de accesibilidad para facilitar las cosas a quienes lo necesitan (por ejemplo, es posible cambiar el color de los diferentes tipos de proyectiles).

Y dado que es difícil y es un roguelite, se muere muy a menudo, especialmente frente a los jefes, que nos obligan a conocer bien los patrones de ataque de cada una de sus fases para lograr derrotarlos... lo cual suele requerir unas cuantas partidas.

Pero diría que Saros es algo más sencillo que Returnal, seguramente debido al apuntado semi-automático y a las mejoras permanentes que se pueden desbloquear para fortalecer las estadísticas del personaje.

Insisto en que aun así es un juego complicado, pero si no os parece suficiente, Saros también cuenta con un sistema de modificadores carcosianos que nos permiten activar ventajas y desventajas para cambiar las reglas de la partida y complicar las cosas a niveles extremos.

¿Cuántas horas dura la historia de Saros?

Depende mucho de nuestra habilidad a los mandos, pero diría que completar Saros puede llevar entre 15 y 20 horas. En mi caso ha estado más cerca de las 20.

Pero una vez completada la historia todavía quedan cosas por hacer: hay un gran número de coleccionables que aportan contexto y trasfondo narrativo, ayudando a entender mejor lo que sucedió en Carcosa antes de la llegada de Arjun.

Saros también incluye un post-juego que nos invita a seguir echando partidas una vez concluida la historia, así que si queréis hacerlo y verlo todo, podéis sumarle unas 10 horas más.

Y lo más importante de todo: es un roguelite, así que incluso cuando ya no tiene nada nuevo que ofrecer, su jugabilidad arcade y mecánicas aleatorias invitan a echarse una partidita tonta de vez en cuando.

Precio y plataformas diponibles

Saros se pone a la venta el 30 de abril por un precio recomendado de 79,99€ tanto en edición física como digital.

También se encuentra disponible una Edición Digital Deluxe que incluye el juego, la armadura Astra, la armadura Onryo, la armadura Midgard y acceso anticipado de 48 horas por un precio de 89,99€.

El día que Ícaro voló cerca del sol... y vivió para contarlo

Cuando empecéis a jugar a Saros, vais a pensar «esto es igual que Returnal». Y no nos vamos a engañar: Saros se podría haber llamado Returnal 2 sin ningún problema.

Personalmente, habría preferido que Housemarque hiciese algo diferente, en lugar de un juego que es una secuela de su último trabajo en todo menos en nombre.

¿Es eso malo? En absoluto. Returnal es de esos juegos que te dejan un sabor de boca que va mejorando con el paso del tiempo (y, con suerte, Saros también), así que estar ante una secuela es muy bueno.

Aun así, siento que Saros se queda por debajo en ciertos aspectos. El principal problema tiene que ver con su historia y narrativa. Vaya por delante que me gusta la historia de Saros y cómo está contada, incluso aunque se pierda el misterio y la sensación de soledad que tenía Returnal. Pero esta clase de historia y narrativa no encajan con un juego tan... videojuego. Tan arcade. Tan de pegar tiros y ganar puntos.

Y precisamente en lo que a jugabilidad se refiere, Saros hace que Returnal parezca una beta.

No vais a encontrar un juego de disparos en tercera persona con mecánicas mejor diseñadas, ni en esta generación... ni seguramente en ninguna otra.

Y, al final, eso es lo que más valoro de Saros; que jugablemente es una absoluta maravilla. Así que se podría decir que Housemarque ha volado cerca del sol y no sólo no se han quemado, sino que le han hecho un parry al propio sol.

Como vamos a ver en este análisis de Ys Memoire: Revelations in Celceta para Switch, este nuevo JRPG forma parte de una de las sagas de rol de acción japonesas más importantes (aunque no tan populares), y que con esta entrega, trae de vuelta una aventura que recupera, una década después, la portabilidad con la que originalmente nació.

Tal y como hemos visto recientemente con la nueva versión de Ys X: Proud Nordics, Falcom sigue rescatando algunas de sus joyas aunque, en esta ocasión, el port que nos llega lo hace sin tantas novedades, ni atractivos y con la ausencia de una característica clave.

¿No pudiste jugar a este clásico nipón en su momento? ¿Te apetece revistar esta entrega? ¿Deseas iniciarte en una saga que no tiene nada que envidiar a títulos como Final Fantasy? Pues te dejo con este review de Ys Memoire: Revelations in Celceta para Nintendo Switch:

• La historia de Ys Memoire: Revelations in Celceta
• ​El gameplay de Ys Memoire: Revelations in Celceta en Switch
• ​La duración y la dificultad de Ys Memoire: Revelations in Celceta
• ​El precio y ediciones de Ys Memoire: Revelations in Celceta
• ​La opinión de Hobby Consolas sobre Ys Memoire: Revelations in Celceta
• ​Nota: lo mejor y lo peor de Ys Memoire: Revelations in Celceta

La historia de Ys Memoire: Revelations in Celceta

Cabello rojizo y cara de héroe. Adol Christin (quien ya sonará a los fans de esta franquicia) es el protagonista de la historia de fantasía que propone Ys Memoire: Revelations in Celceta. El personaje inicia sus andanzas con un problemón al padecer amnesia.

Sí, puede parecer que estamos ante un tópico de la escritura nipona de guiones de videojuego y lo cierto es que lo es, pero aún así, el juego desarrolla una trama medianamente interesante que utiliza esa pérdida de memoria para mantener la atención del jugador mientras este cumple con una misión bastante particular: cartografiar la región.

No obstante, este viaje del héroe se atasca por momentos a causa de unos personajes secundarios que se van uniendo al grupo sin lograr aportar gran impacto al relato. Un poco más de desarrollo a cada uno provocaría una mayor vinculación con todos ellos.

Aun con esto, si te gustan las aventuras clásicas, Ys Memoire: Revelations in Celceta puede ser lo que necesites. No es pretenciosa y sigue un estilismo propio de su tiempo, aunque insisto en que la narrativa no es la mejor baza del juego.

Esta remasterización de la auténtica cuarta entrega de la saga (hay otros juegos que han portado el nombre de "Ys IV", aunque no son "canon") no añade novedades en cuanto a su guion, así que no encontrarás sorpresas si ya lo jugaste en su momento.

Y aprovecho para señalar algo importante y es que Ys Memoire: Revelations in Celceta solamente cuenta con textos en perfecto inglés (como el juego original). Nihon Falcom no ha ofrecido traducción al español con esta nueva versión, lo que es una auténtica pena.

Si no controlas el idioma, se te hará muy cuesta arriba disfrutar de este juego y sus numerosos diálogos. Es una auténtica lástima y merece un pequeño tirón de orejas hacia Falcom que no nos haya dado una traducción tanto tiempo después, especialmente al haber tenido una localización de textos reciente en Ys X: Proud Nordics y en el excelentísimo Trails in the Sky 1st Chapter, también de la compañía.

​El gameplay de Ys Memoire: Revelations in Celceta en Switch

Ys Memoire: Revelations in Celceta tampoco cambia en cuanto a gameplay. El juego es un RPG de acción con combates en tiempo real que apuesta por un sistema muy cercano a lo que podría, incluso, llegar a ser un rudimentario hack 'n slash.

Botón de ataque, bloqueo, esquiva (con acciones como el parry o una evasión in extremis) y una combinación ofensiva de hasta cuatro habilidades equipables forman el arsenal de batalla de cada uno de los miembros de la party, que podemos controlar en cualquier momento y que cuentan con unas especializaciones únicas.

Los enfrentamientos son simples, pero muy ágiles y moderadamente profundos al contar con un sistema de estados alterados y fortalezas y debilidades a diferentes formas de ataque, lo que establece un bucle jugable bastante adictivo, que se ve reforzado por un desplazamiento por el mapeado cerrado igual de ágil y movido.

El paso del tiempo deja claro que esta propuesta es mucho más plana que los exponentes actuales del género, pero Revelations in Celceta aguanta el tipo sorprendentemente bien en materia jugable.

Sus sistemas de progresión por niveles, desbloqueo de nuevos ataques, exploración con recompensas como incentivo, aumento de los personajes jugables y el desarrollo de varias misiones secundarias relevantes terminan de cimentar una jugabilidad clásica sin grandes alardes, pero que, como decía, se mantiene en forma.

No obstante, hay otros aspectos que pasan un poco más de factura tras tantos años, como las cámaras fijas. No se ha toqueteado este modo de visualización y en batallas contra jefes, la visión es bastante engorrosa.

En esta versión tampoco encontramos correcciones sobre la IA aliada y enemiga. Especialmente esta última hace muchos extraños al recorrer los escenarios, con personajes quedándose enganchados en zonas. Y es que se echa en falta alguna novedad de peso en materia técnica.

Tanto en Switch, como en Switch 2, el juego luce correcto, pero no destaca por sus mejoras gráficas. Diría que el título se queda por debajo de la versión de PC, con texturas algo pobres en de los escenarios y no demasiada definición en los modelados de los personajes principales y secundarios, pese a poder jugar a 1080p.

En ambas consolas de Nintendo se alcanzan los 60 fps, aunque esta tasa es mucho más estable en Switch 2. No obstante, a pesar de ese mejorado rendimiento, la posibilidad de volver a jugar en modo portátil o unos tiempos de carga menores, se echa en falta un mayor trabajo de mejora gráfica para Revelations in Celceta.

La única novedad de peso en este sector es la nueva interpretación regrabada de la banda sonora del juego (que siempre destacó positivamente). En el menú se puede seleccionar entre antigua y nueva. ¿El resultado? La nueva versión, pero opino que los temas orquestales originales tienen mayor pegada.

La duración y dificultad de Ys Memoire: Revelations in Celceta

Ys Memoire: Revelations in Celceta no es uno de los juegos más largos de la saga, pero sí que ofrece una considerable cantidad de contenido. Completar su historia te debería llevar unas 25-30 horas, aproximadamente. A eso hay que sumar el contenido secundario, que permite aumentar ese dato hasta las 45-50 horas de juego.

En cuanto a la dificultad, el juego no es especialmente complejo. El título permite escoger entre cuatro niveles de dificultad. El estándar ofrece una experiencia equilibrada que mantiene los combates con un grado de desafío adecuado, obligándote a seguir las reglas del combate, aunque sin tener que sudar la gota gorda a cada instante.

​El precio y ediciones de Ys Memoire: Revelations in Celceta

Ys Memoire: Revelations in Celceta está disponible en formato digital y físico para Nintendo Switch bajo un precio reducido de 29,99 euros (39'99 euros en físico). El juego no cuenta con incentivos de reserva. contenido canjeable, ni ediciones deluxe de ningún tipo.

Recuperando la memoria

Ys Memoire: Revelations in Celceta es una puesta al día bastante humilde de un juego que no alcanza la categoría de icónico, pero que merece una oportunidad si te gustan los RPG nipones y deseas experimentar una aventura de corte clásico.

La entrega de PS Vita recupera su naturaleza portátil con su llegada a Nintendo Switch 2 y Nintendo Switch. Ys Memoire: Revelations in Celceta es disfrutable en su versión más actualizada, aunque eso no quita que se podría haber hecho más en materia técnica.

La ausencia de traducción duele bastante (incluso entendiendo que es un juego de nicho), ya que podría haber servido para potenciar un título que, en su faceta jugable, se desenvuelve francamente bien casi 15 años después de su lanzamiento.

Porque sí, después del cliffhanger que se marcó Vessel of Hatred, la ansiada batalla final contra Mefisto por fin llega en este DLC, pero tal y como te voy a contar en el análisis de Diablo 4 Lord of Hatred, el juego para PS5, Xbox Series X|S y PC se refuerza con mucho más que una conclusión de peso.

Blizzard incorpora dos poderosas clases, un cambio destacado en el endgame, que aspira a solventar el gran talón de Aquiles del juego, y más sistemas de personalización de builds para quienes llevan en Santuario desde el principio y desean seguir experimentando.

Tras haber visitado las islas Skovos, aquí te dejo todo sobre esta expansión. El Señor del Odio regresa desde el infierno en un DLC que... no podrás llegar a odiar. Vamos con el análisis de Diablo 4 Lord of Hatred para PS5, PS4, Xbox Series X|S, Xbox One y PC:

• La historia de Diablo 4 Lord of Hatred: la batalla final contra Mefisto
• ​Las nuevas clases de Diablo 4 Lord of Hatred: así son el Paladín y el Brujo
• ​Todas las novedades de Diablo 4 Lord of Hatred: endgame, mejoras y añadidos
• ​El precio de Diablo 4 Lord of Hatred, ediciones y plataformas
• ​La opinión de Hobby Consolas sobre Diablo 4 Lord of Hatred
• ​Nota: lo mejor y lo peor de Diablo 4 Lord of Hatred

La historia de Diablo 4 Lord of Hatred: Mefisto se pone "en plan hater"

Lord of Hatred cierra acertadamente la trama vista en Diablo 4 y Vessel of Hatred. Tras la caída de Lilith y la instauración de Mefisto como el falso profeta Akarat, el caminante y Lorath tendrán que seguir al demonio mayor a las islas Skovos, la cuna de la humanidad.

En esta tierra en donde Lilith e Inarius dieron vida a los humanos, El Señor del Odio se ha ganado el favor de las amazonas gracias a sus artimañas y falsas promesas, así que tocará plantarle cara con el objetivo de destruirle de una vez por todas y purgar la maldad que reside en Santuario.

Blizzard ha sido bastante inteligente a la hora de formular el guion, incluso cuando su desarrollo puede parecer algo precipitado. Y es que la historia prescinde de algún que otro personaje que no era nada del otro mundo y rescata a otros que sí que merecían mucha más atención.

Y si bien todo discurre sobre una trama algo arquetípica como es conseguir un artefacto capaz de derrotar a Mefisto (algo que en fantasía hemos visto una y otra vez), Lord of Hatred va directo, no tiene relleno y añade muy buenas secuencias en medio de este objetivo.

Dado que no quiero entrar en spoilers, solamente te diré que su final sí que se siente satisfactorio, mucho más que el pasado DLC. Y es que he tardado en completar la trama de esta expansión unas 6-7 horas, pero se me ha hecho corta. Si te gusta el lore de Santuario, con ese estilo tétrico y sangriento, vas a disfrutar de este capítulo, que queda adornado con momentos tan estelares, como infernales, que amplían mucho este universo.

Las clases de Lord of Hatred: así son el Paladín y el Brujo

Blizzard ha querido ser ambiciosa y nos da dos clases en esta expansión. Si bien es cierto que el Paladín lleva ya un tiempo en el juego como premio por comprar el acceso anticipado, es ahora cuando todos los jugadores anticipados podrán hacerse con las incorporaciones más potentes del DLC.

Los cielos y los infiernos presentan a sus campeones. El Paladín regresa desde el grandioso Diablo II (si no tenemos en cuenta al Cruzado de Diablo III) y se siente como lo mejorcito de esta expansión, no te voy a engañar. La combinación de fuerza a melee con hechizos ofensivos y de protección es genial y muy divertida a los mandos. Es una de las mejores clases del juego y quizá sea mi favorita ahora mismo.

Para dar más versatilidad a la clase, esta llega con cuatro juramentos que permiten especializar al Paladín en diferentes artes de combate sagradas. Puedes hacer que se convierta en un juggernaut, un tanque que canalice toda su defensa en devastadores golpes o incluso apostar una ofensiva total, impartiendo muerte desde los cielos.

Por otra parte, los infiernos tienen al Brujo, pero este no batalla en favor de los demonios, sino que los doblega a su voluntad con hechizos e invocaciones muy vistosas. El Brujo se siente como una mezcla entre el Nigromante y la Hechicera, con reminiscencias al Médico Brujo del anterior juego, con su doble tipo de maná y otras peculiaridades.

No es la clase más original, pero que también puedas especializarte en cuatro estilos de juego es algo muy interesante que aporta bastante frescura a las partidas. Puedes formar huestes demoniacas a tu mando para que se enfrenten al enemigo, invocar barreras de abominaciones que te defiendan, transformarte en un archidemonio como tal o incluso aplicar rituales de sangre.

Es una clase muy diablesca que pide un buen posicionamiento, cálculo de daño pasivo y control de oleadas. Por ejemplo, atar a los enemigos entre si con cadenas corrosivas es una habilidad que ha sabido ganarme durante toda la campaña.

Y es que, el Brujo es una clase más estática y dependiente de los tiempos, pero hay combinaciones de control de masas que pueden causar absolutos estropicios en combate. Si bien para mi se queda un paso o dos por detrás del Paladín, creo que es un añadido realmente disfrutable.

Y asociado a las clases hay que hablar de la reformulación de los árboles de habilidad que llegan con la expansión. Las otras seis clases del juego reciben cambios. La modificación más bestia y evidente es que ahora, las pasivas están vinculadas a las habilidades activas.

Si bien aún hay mucha leña que cortar en este aspecto, creo que es una medida bastante interesante que ayuda a configurar builds con sentido, que no solamente se aprovechen de pasivas aleatorias, sino que se vinculen con el estilo jugable que quieras seguir.

Aún es pronto para valorar su eficacia o impacto en el meta, pero esto, sumado a las variantes de habilidad que llegan, puede aportar algo de frescura a un sistema que ya ha quedado estancado. Por el momento, escoger tus habilidades se siente como una decisión más importante.

Las demás novedades de Diablo 4 Lord of Hatred: endgame, región y personalización

Skovos es una región inédita dentro del universo de la saga. Las nuevas zonas están claramente inspiradas en la antigua Grecia, aunque el mundo heleno se fusiona de forma muy acertada con toda la cosmología de la franquicia de Blizzard. Recordemos que Diablo III iba a habernos llevado a esta zona, pero la popularidad de Titan Quest chafó su llegada.

Pese a que no es muy extensa, esta región tiene zonas realmente interesantes y muy diferenciadas entre sí, y tal y como ya hemos visto en el pasado, el nivel de detalle de sus escenarios vuelve a ser sobresaliente (pese a que nivel gráfico Diablo 4 siga por debajo de muchos otros AAA).

Insisto en que el tamaño del mapa se queda corto, ya que las marchas a toda velocidad en la montura (ahora contamos con un basilisco) hace que sepa a poco por momentos. Sin embargo, ese buen diseño artístico (y una gran banda sonora) hace que este archipiélago gane algo de empaque.

Las otras grandes novedades del juego responden más a la reformulación de sus sistemas más importantes. Los Planes de Guerra son lo más destacado, ya que se centran en uno de los puntos que más han flojeado durante la trayectoria del juego, el endgame.

Aquí, las actividades principales como el Foso, las Hordas Infernales, las Mareas Infernales, las mazmorras de pesadilla, los jefes de guarida y la Infraciudad de Kurast se entremezclan en una especie de mesa de guerra que te permite vincular varias de estas actividades y viajar a ellas directamente. Si las completas podrás acceder a una suerte de árbol de habilidades que permite desbloquear nodos en cada categoría para aumentar el nivel de desafío y aportar diferentes experiencias retadoras.

No sé hasta qué punto esto puede ampliar la variedad del juego pasados los meses, pero el punto de partida es interesante cuanto menos. Más variantes, más experiencias de combate, más recompensas exclusivas que conseguir y que poder invertir en otra de las novedades de este DLC.

El Cubo Horádrico regresa a la saga. Tras haberlo desbloqueado al final de la campaña de la expansión (al igual que los Planes de Guerra) podrás acceder a varias fórmulas para personalizar tus builds con nuevos objetos. El sistema supone un revulsivo importante a la configuración de clases y a quienes deseen llevar un paso más allá sus clases y personajes.

A esto se le suman novedades como el minijuego de pesca (muy sencillito y sin apenas interacción), un evento extremadamente raro conocido como Odio de Eco (que ni ha aparecido en esta beta), el talismán que añade una serie de pasivas y bonus al personaje, un aumento de los niveles de dificultad hasta Tormento XII (es una majadería) o pequeñas mejoras de calidad de vida como la superposición del mapa o un filtro de loot.

El precio, ediciones y plataformas de Diablo 4 Lord of Hatred

Diablo 4 Lord of Hatred está disponible para PS5, PS4, Xbox Series X|S, Xbox One y PC a un precio de 39,99 euros en su edición estándar, que no incluye el juego base, pero sí la expansión Vessel of Hatred. Como extras también incorpora objetos cosméticos de WoW, dos casillas para personaje y una pestaña de alijo adicional.

También tenemos la Edición Deluxe por 59,99 euros que cuenta con lo antes mencionado, así como el lote cosmético para brujo Apóstol infernal, el lote cosmético para el paladín Alto protector celestial, el lote de montura de basilisco skartaran y Skorch, una mascota.

La Ultimate Edition por 89,99 euros añade a todo eso el lote de armadura multiclase de caballeros umbríos, el lote de montura del corcel del reino brillante, el trofeo de espalda reactivo Tymn, el trofeo de espalda reactivo Avel'hud, el aspecto de portal de la ciudad de ascenso de los justos y 3000 de platino.

Por último, si deseas empezar en Santuario desde cero, la edición Diablo 4: Age of Hatred Collection por 69,99 euros trae el juego base, las dos expansiones y los extras de la edición estándar del DLC.

¡Diablo! ¡Qué difícil me la pusiste!

Al contrario que la primera expansión de Diablo 4, este nuevo DLC sí que se siente como un contenido completo y autoconclusivo. Lord of Hatred sabe a quién y dónde apuntar y lo hace con bastante precisión al destinar cada una de sus novedades a sus distintos tipos de público.

Su narrativa por fin sentencia la trama principal del juego de una forma bastante satisfactoria para quienes les guste el lore. Sus dos nuevas clases ofrecen variedad y entretenimiento para aquellos y aquellas que busquen cambiar de tercio. Sus cambios y mejoras en los sistemas de juego añaden nuevos alicientes para quienes llevan cientos de horas en Santuario.

Lord of Hatred no es el DLC perfecto, pero sí que es un trabajo contundente y acertado en casi todas sus facetas. Hay alguna aspereza, pero Mefisto ha puesto difícil que no queramos plantarle batalla. Lo digo una vez más... Del infierno no se puede escapar.

Después de financiarse para la 16 bits de SEGA en formato físico, ahora se lanza en digital para estas plataformas, pero la experiencia es exactamente la misma que se concibió en Mega Drive.

Así, se trata de un shooter 2D (un matamarcianos de toda la vida) que continúa el legado de clásicos como Thunder Force IV o Hellfire.

Nuestro objetivo es superar seis niveles (más uno final) divididos en 3 áreas temáticas: fantasía, futuro e invasión alienígena, cada uno de ellos coronado por el correspondiente y gigantesco jefe final.

Con cada enemigo derrotado, obtenemos un número de medallas. Podemos canjear estas medallas al principio de cada nivel por mejoras para la nave: mejor disparo, que los enemigos ataquen menos, una vida extra...

Elige a tu héroe

Nuestra nave tiene un ataque normal, un ataque a corta distancia y las limitadísimas bombas que afectan a toda la pantalla.

Al iniciar un nivel, hemos de elegir qué nave usamos, de entre las tres disponibles.

Knight es una especie de caballero volador que dispara frontalmente. No hace demasiado daño, pero tiene el ataque a corta distancia más potente. Gold tiene un disparo frontal muy potente.

Por último, Gladius tiene un disparo débil, pero que abarca casi toda la pantalla, así que es la nave más recomendable para los novatos.

Además de elegir nave y mejora, podemos escoger en qué nivel empezar. Por defecto, hay 3 niveles disponibles de entre los 6 "base".

Según la ruta y la nave que escojáis y lo bien que lo hagáis en la partida (no solo morir poco, sino también encontrar una llave oculta en cada nivel), accederéis a diferentes finales.

Y claro, como supondréis, salir airosos no es fácil. Los niveles se dividen en varias sub-áreas y todas tienen una intensidad de naves y disparos tremenda.

Es necesario tener muy buenos reflejos e ir aprendiendo los patrones de movimiento de los enemigos.

Es normal no durar más de una fase o dos en las primeras partidas, para que os hagáis una idea. Y no hay continuaciones... Los jefes finales son muy puñeteros, por lo que es recomendable guardarnos las bombas para ellos.

Desde el menú de opciones podemos facilitarnos un poco la vida. Aunque no hay selección de dificultad como tal, sí podemos modificar el número de vidas (hasta 4), de bombas y el porcentaje de medallas que perdemos si nos matan.

Aunque optimicéis vuestras ventajas a tope, el juego siempre será difícil, pero no injusto. Es cuestión de práctica y de ir memorizando el esquema de cada nivel.

Sacó el jugo a Mega Drive

A nivel técnico, el juego es realmente sorprendente, sobre todo si tenemos en cuenta que está diseñado para la "vetusta" Mega Drive.

Lo primero que llama la atención es el exuberante colorido de todos los niveles, que va cambiando sin parar y adorna desde castillos propios de Castlevania hasta pesadillas de bio-terror más propias de R-Type.

Hay un muy buen trabajo de scroll parallax para los fondos y los diseños de los enemigos, potentes y surrealistas, dan un aire de "fantasía comiquera" muy de los 80 al conjunto.

De hecho, el conjunto está tan lleno de detalle y color, que podéis perder de vista vuestra nave en ocasiones, pero es parte del encanto visual del juego.

Quizá queda un peldaño por debajo de bestias como Thunder Force IV o el próximo Earthion (curioso, aquí ha sido al revés: primero ha llegado a consolas modernas y luego lo hará a Mega Drive), pero es de lo mejorcito que puede ofrecer el hardware de la consola y luce muy bien en plataformas modernas.

La música también está a un muy buen nivel y saca partido a las tripas del Yamaha de Mega Drive para presentar una variedad muy divertida de melodías.

En el caso de este hardware reciente, podemos escoger la resolución (hasta 1080p) y proporción cuadrada o 16:9, pero ya sabemos que esta no suele ser la mejor opción. Hubiera estado bien algún filtro de scanlines o de deformación CRT, pero qué se le va a hacer.

La opinión de Hobby Consolas sobre ZPF

En conjunto, ZPF es un juego que va al grano, para quien quiera acción de shooter de siempre a un razonable precio de 10 euros. Es bonito, es tan duro de pelar como cabe esperar y ofrece bastante rejugabilidad con sus varios finales.

Hubiera agradecido más contenido (una galería, modo para dos jugadores...), pero si lo que quieres es aniquilar enemigos como en los años 90, estas naves te harán volar alto.

La historia nos lleva a un futuro distópico en el que la sociedad separa a los “parias” con un gigantesco muro. La mastodóntica corporación Fénix es responsable de parte de esta escisión de clases.

En ella, el experto en ordenadores Warren sufre un accidente que fusiona su cuerpo con la consciencia de REACH, un superordenador.

Con REACH en el control del cuerpo, deberemos buscar la forma de regresar a la ciudad y separar ambos entes. Por el camino, descubriremos cómo Fénix y su entramado son más siniestros de lo que creíamos...

Lo que te espera es... otro mundo

El desarrollo, como decíamos, recuerda inevitablemente a los clásicos de Delphine Software o al citado Prince of Persia. Por un lado, tenemos plataformeo 2D basado en saltar de una cornisa a otra, balancearnos en postes o arrastrar objetos para poder llagar a un saliente.

A unos saltos que hay que dar con precisión se unen habilidades que vamos adquiriendo, como engancharnos con un pico a paredes en mal estado o incluso impulsarnos con nuestra pistola en corrientes de aire para llegar más lejos.

Esa pistola, que de hecho es importante en la trama, es también la protagonista de los combates, que son numerosos e intensos.

A grandes rasgos, tenemos un botón para esquivar, uno para combos “normales” y otro para contraatacar cuando el rival tenga una marca amarilla sobre él. Si es roja, solo podemos esquivar.

Con nuestros combos, se va cargando la energía de la pistola, lo que nos permite ejecutar un tiro capaz de dejar para el arrastre a cualquiera.

A medida que avanzamos, conseguimos habilidades nuevas, como romper la defensa de enemigos blindados, devolver un disparo rival o ejecutar una potente onda de choque.

Estas peleas hacen fluir nuestra adrenalina porque suelen ser multitudinarias y no nos dejan un segundo de respiro.

A medida que ganamos más habilidades, se vuelven más interesantes, pero quizá son algo repetitivas en ocasiones y atacamos casi con el “piloto automático” puesto.

REACH, el acróbata

En el caso de las zonas de salto, también supone cierto problema la precisión del control, sobre todo con el gancho, porque hay veces en las que si no pulsamos en el momento exacto, caeremos al vacío. Por suerte, hay muchos checkpoints.

Lo interesante de los saltos es que suelen tener mucho de puzzles, así que hemos de buscar objetos para impulsarnos, batería para activar máquinas que nos abran el camino... Observar el escenario y darle al coco es parte de la diversión.

Esos puzzles también tienen lugar en otras partes más centradas en la exploración, ya sea con objetos del entorno o hablando con otros personajes.

Las conversaciones a veces sirven para que avance la trama sin más, pero en otros momentos habrá varias opciones para elegir.

No es que haya bifurcaciones en la trama, pero sí podemos acceder a algunos desafíos secundarios para ayudar a personas en el campamento que sirve de entreacto.

Al cumplir esas tareas, podemos conseguir mejoras de salud o una mayor efectividad en nuestra pistola-porra.

Incluso podemos acceder a un curioso salón recreativo en el que se van desbloqueando máquinas clásicas a las que podemos jugar y que homenajean a iconos como Frogger o Space Invaders o, en cualquier momento, acceder a un dispositivo portátil para leer documentos, repasar objetivos o, más adelante, hackear terminales.

Replaced es un espectáculo visual

Sin lugar a dudas, la ambientación es el punto fuerte de Replaced. Por un lado, gracias a la historia, que habla de las diferencias sociales, de la ambición de las grandes corporaciones... y también de la calidad humana de algunas personas.

Hay algunos personajes, como el descerebrado pero noble Tempestad o el propio REACH, que van evolucionando de forma muy interesante con la historia y saben “implicarnos”.

Por otro lado, el apartado gráfico es valiente, elegante y atractivo. Es una especie de estilo 2.5D HD, como el que hemos visto en juegos de rol como Octopath Traveler, pero aún más intenso.

Todos los personajes son sprites de muy baja resolución pero, a la vez, estupendamente animados. Estos se insertan en entornos 3D de texturas también de resolución baja, lo que da un efecto buscado de nostalgia e inquietud.

Todo esto se mezcla con una paleta de colores y unos efectos de iluminación contundentes y espectaculares, pero sobre todo con una cámara dinámica que no teme a los zooms más bestias, a jugar con la profundidad de campo o las rotaciones. El resultado es una magnífica mezcla de tridimensionalidad y efecto 2D.

Es verdad que, a veces, la presentación está tan estilizada por la iluminación que cuesta ver lo que toca a continuación (¿dónde está el siguiente asidero? ¿dónde estoy yo en el combate a contraluz?), pero la mayoría del tiempo resulta muy satisfactorio.

El sonido usa los típicos efectos base para los diálogos, sin voces digitalizadas (los subtítulos están muy bien adaptados al castellano, por cierto, con expresiones muy graciosas como “equilicuá”).

Las melodías usan tonos de sintetizador, tan propios del cyberpunk para dar ritmo cuando toca y un ambiente más reflexivo en los “descansos”.

La opinión de Hobby Consolas de Replaced

Esta mezcla audiovisual, junto a la narrativa, hace que queramos saber más y más de un juego que no es super largo (dura cerca de las nueve horas), pero que da la cantidad justa de lo que buscamos en una aventura de este tipo.

En conjunto, Replaced es un título cuya jugabilidad no presenta nada especialmente rompedor, pero que funciona bien y que, sobre todo, está rodeado de un magnífico envoltorio y de una historia tan clásica como efectiva. El futuro ha llegado... y resulta que era en 2,5D.

Esta tercera entrega (para nosotros segunda, pues el original para Nintendo DS nunca salió de Japón) nos propone gestionar una isla habitada por Mii, los simpáticos avatares que nacieron en Wii.

Así dicho puede no sonar muy distinto de Animal Crossing, pero en Tomodachi Life las interacciones entre los Mii son las grandes protagonistas, regalándonos momentazos tan surrealistas como desternillantes.

Tras haber pasado un buen puñado de horas en la isla viviendo una vida de ensueño, en este análisis os contamos todo lo que necesitáis saber y si merece la pena darle una oportunidad.

El análisis de Tomodachi Life: Una Vida de Ensueño para Nintendo Switch de HobbyConsolas:

• El gameplay de Tomodachi Life: Una Vida de Ensueño
• Nivel de dificultad de Tomodachi Life: Una Vida de Ensueño
• ¿Cuántas horas de juego dura Tomodachi Life: Una Vida de Ensueño?
• Cuánto cuesta Tomodachi Life: Una Vida de Ensueño y dónde puedes jugarlo
• La opinión de HobbyConsolas de Tomodachi Life: Una Vida de Ensueño
• Nota: lo mejor y lo peor de Tomodachi Life: Una Vida de Ensueño

Jugabilidad y gameplay de Tomodachi Life: Una Vida de Ensueño en Nintendo Switch

Tomodachi Life: Una Vida de Ensueño nos convierte en los responsables de gestionar una isla y las vidas de sus habitantes.

Representados por un par de manos humanas (cuyo aspecto podemos personalizar), debemos ir añadiendo nuevos Mii y hacer todo lo posible para tenerlos contentos: desde remodelar la isla... hasta interferir en sus relaciones personales.

Así que empecemos hablando, cómo no, de los Mii. Podemos crearlos de cero o importar los que ya tengamos en nuestra Nintendo Switch, aunque siempre merece la pena darles unos retoques mediante el editor de Mii del propio juego, pues incluye numerosas novedades de personalización.

No busca ser el editor más completo y profundo del mundo, pero hay suficientes opciones para que los fans más mañosos puedan hacer auténticas virguerías (como ya han demostrado gracias a la demo). Y es tan sencillo e intuitivo, que hasta alguien negado para estas cosas como yo se atreve a crear sus propios Mii con resultados bastante decentes.

Una de las novedades de Tomodachi Life: Una Vida de Ensueño respecto a sus predecesores es que el género de los Mii puede ser masculino, femenino o no binario, mientras que el interés romántico puede ser cualquiera de ellos... o todos.

Es una buena prueba de cómo han cambiado los tiempos y, en particular, de cómo ha evolucionado Nintendo en políticas de género. De ser criticados por no incluir relaciones del mismo género en el Tomodachi de 3DS... a dar rienda suelta al amor libre para todos, todas y todes. Y el juego gana enteros de esa manera.

Porque no nos engañemos: a Tomodachi Life se viene por el salseo. La gracia del juego es crear a amigos, compañeros de trabajo, personajes de ficción, famosos, etc. y ver qué pasa cuando los juntas en una isla. Los Mii pueden forjar amistades de por vida, irse a vivir juntos, discutir, enfadarse, enamorarse, envejecer o incluso tener hijos.

Ahí es donde encontramos otra novedad importante de esta entrega, y sin duda la que los fans más van a agradecer: mientras que en otros Tomodachi las interacciones entre los Mii eran fruto del azar, en Una Vida de Ensueño podemos participar activamente en el proceso.

El ejemplo más básico es coger a un Mii (literalmente) y llevarlo junto a otro para que entablen conversación y se conozcan, pero hay muchas otras interacciones que podemos "forzar" para que la relación se desarrolle. Ahora bien, eso no garantiza que nuestro "shippeo" favorito llegue a buen puerto.

Porque cada Mii tiene una personalidad (que nosotros decidimos al crearlos ajustando una serie de aspectos), y podemos afinarla aún más regalándoles peculiaridades al subir de nivel, que van desde muletillas al hablar hasta elegir la forma en que saludan, caminan o comen.

Todo esto ya es de por sí realmente divertido; nada como ver a dos personas conocidas comportándose como lo harían en la vida real o hablando sobre un tema de conversación que nosotros hemos introducido. Por poner un ejemplo, en mi isla Miyamoto y Aonuma se hicieron amigos hablando sobre The Legend of Zelda.

Pero, además, el juego se las apaña para hacer que nos partamos de risa poniendo a los Mii en situaciones cada cual más surrealista que la anterior. Es un juego desternillante, nos hemos reídos a carcajadas.

También tiene un ritmo fantástico, pues constantemente estamos desbloqueando novedades, tanto relacionadas con los Mii y su personalización, como con la propia isla. A esto también hay que sumarle los diferentes tipos de minijuegos que los Mii nos proponen de vez en cuando. O los sueños, que de nuevo son puro surrealismo. Vamos, que es difícil aburrirse en Tomodachi Life: Una Vida de Ensueño.

Además, para evitar que nos agobiemos con el elevado número de opciones al que tenemos acceso y para que vayamos probando cosas nuevas, son los propios Mii quienes nos "guían" con sus solicitudes. Está muy bien pensando.

En cuanto a las opciones relativas a la isla, este nuevo Tomodachi Life también trae varias novedades, siendo la principal la posibilidad de alterar y personalizar la forma de la isla. Igual que sucede con los Mii, es un proceso realmente sencillo que realizamos "pintando" sobre una cuadrícula. E igual que sucede con los Mii, es probable que no tardemos en ver auténticas obras maestras de la arquitectura virtual de la mano de los jugadores más habilidosos.

Es una decisión incomprensible, eso sí, que no se lance una Nintendo Switch 2 Edition de Tomodachi Life: Una Vida de Ensueño, pues es la clase de juego que aprovecharía a las mil maravillas la funcionalidad del modo ratón.

Sí aprovecha la pantalla táctil para ciertas cosas (como la creación/edición de Mii), pero a la hora de personalizar la isla o de crear maquillajes y diseñar objetos, donde se utiliza un editor estilo "Paint", el modo ratón habría facilitado muchísimo las cosas.

Esto nos lleva a hablar también del apartado audiovisual, que no es uno de sus puntos fuertes. Y vaya por delante que tampoco es su intención, pues el encanto del juego está en sus diseños sencillos y caricaturescos, pero se antoja extraño jugar a un título tan poco exigente desde un punto de vista gráfico que no llega a los 60 fps, sentimiento que se refuerza si lo jugamos en Nintendo Switch 2.

Dentro de la parcela sonora, lo que más destaca sin duda son las voces, generadas de manera artificial con un sistema de texto a voz. En cualquier otro juego esto sería una cutrez, pero se trata de una seña de identidad de los Tomodachi y uno de los motivos que hacen que los Mii tengan tantísima personalidad. Además, y como todo, podemos alterar distintos aspectos, como el tono o la cadencia, hasta encontrar lo que buscamos para cada personaje.

¿Es difícil Tomodachi Life: Una Vida de Ensueño?

Dado la clase de juego que es, no podemos hablar en términos de dificultad sobre Tomodachi Life: Una Vida de Ensueño.

Aquí no hay desafíos a superar ni partes en las que nos vayamos a quedar atascados por no ser lo suficientemente hábiles; el progreso se realiza simplemente jugando, interactuando con los Mii y llevando a cabo acciones en la isla.

Es un juego pensado para trastear y observar y, como tal, tampoco cuenta con niveles de dificultad.

¿Cuántas horas dura la historia de Tomodachi Life: Una Vida de Ensueño?

De la misma manera, también es complicado hablar sobre duración con Tomodachi Life: Una Vida de Ensueño. Es decir, el juego tiene unos créditos como tal, es posible llegar a desbloquear absolutamente todo y no tener nada nuevo que hacer.

Pero, como decía hace varios párrafos, aquí la gracia es el salseo. Ver cómo hacen su vida los Mii, interferir para ver sus reacciones, relacionarlos con otros personajes... Si lo vemos así, Tomodachi Life: Una Vida de Ensueño es un juego infinito.

E incluso si nos cansamos, podemos traer nuevos Mii a la isla para darle alegría y alterar por completo las relaciones. Un poco de salseo nunca mató a nadie.

Precio y plataformas disponibles

Tomodachi Life: Una Vida de Ensueño se lanza para Nintendo Switch el próximo 16 de abril a un precio de 59,99€ tanto en formato físico como digital.

Como explicábamos antes, se trata de un juego nativo de la primera Nintendo Switch. Por ahora, no se ha anunciado una versión mejorada para Nintendo Switch 2 y, si lo jugamos en esta consola, no vamos a notar ningún tipo de cambio o mejora (salvo que activemos la recién añadida opción "mejora del modo portátil" que permite jugar a los juegos de Switch 1 en modo portátil como si estuviésemos en TV).

Tomodachi significa amigo, amiga o amigue

Es bastante obvio, pero Tomodachi Life: Una Vida de Ensueño es un juego para un tipo muy concreto de jugadores. Porque aun siendo un simulador social y teniendo unos cuantos elementos en común, no es la clase de juego que podrías recomendarle a ciegas a un amante de Animal Crossing.

¿Para quién es, entonces, Tomodachi Life: Una Vida de Ensueño? Pues para quienes disfrutan más con la faceta social: contemplando cómo las relaciones se crean y se desarrollan (o destruyen) dentro de un entorno en el que (casi) todo es posible.

Supongo que en Nintendo lo saben, porque no deja de ser extraño que se ponga a la venta poco después de Pokémon Pokopia y no mucho después de la actualización para Switch 2 de Animal Crossing: New Horizons, ambos juegos con un público objetivo muy similar pero, como ya digo, también muy diferente.

Así que esto es muy sencillo: ¿os mola la idea de jugar a ser dioses con las relaciones de vuestros amigos y queréis echaros unas buenas risas mientras lo hacéis? ¿Queréis ver al Tío Bruno y a Choche casándose en una ceremonia oficiada por Dani Quesada? Pues entonces no busquéis más: aquí está vuestro nuevo juego favorito.

Así, con un tonito de locutor radiofónico, podríamos “vender” este nuevo juego de Fumi Games, que llamó la atención de los fans con sus tráilers cartoon y que por fin se pone a la venta.

Básicamente, Mouse: P.I. For Hire es un boomer shooter (es decir, un juego de disparos en vista subjetiva con reglas claras y directas, como los juegos de los 90) con un doble giro.

Por un lado, está envuelto en una historia de detectives clásica del cine noir: policías corruptos, femmes fatales, conspiraciones que se enredan...

Pero claro, aquí en vez de humanos tenemos ratones y, dado que el juego se ambienta en unos ficticios años 30, la aventura es en blanco y negro y con una estética de dibujos animados clásica que tira fuertemente del estilo “rubber hose”: todo es muy “elástico” y los brazos y piernas se contorsionan como mangueras, en la línea de Popeye o Betty Boop.

Para rizar aún más el rizo, los gráficos van a saco con el estilo boomer shooter tradicional y mezclan fondos tridimensionales a base de polígonos con personajes, armas e items creados con sprites 2D de toda la vida, que además se han dibujado a mano, frame a frame.

Es inevitable acordarse del maravilloso Cuphead en ese sentido, pero aquí la apuesta se radicaliza por el estilo blanco y negro y su concepto algo más violento. Incluso podemos “degradar” la calidad audiovisual si queremos para que parezca una producción clásica.

Los problemas son cosa mía

La historia nos pone en la piel de Jack Pepper, un veterano de guerra reconvertido en detective privado que ha de recorrer los bajos fondos de Ratoburgo para destapar un entramado de corruptelas y el misterio detrás de la desaparición de las musarañas en la ciudad.

Solemos partir de una zona “neutral”, la calle donde Jack tiene su oficina. Ahí podemos consultar nuestro tablón para colocar las pistas (fotos, documentos, etc.) que hayamos encontrado.

Jack coloca automáticamente las pistas y, a veces, hemos de pulsar un botón para deducir el siguiente paso. Un poco a lo Alan Wake II, pero más simple.

Cerca de la oficina, tenemos una tienda para comprar munición y otros objetos, un taller en el que mejorar nuestras armas con los planos que hayamos encontrado y un bar en el que hablar con algunos personajes.

A base de rellenar el tablón y hablar con nuestros contactos, se activan nuevas misiones. Si nos montamos en nuestro coche, podemos viajar al lugar de la misión y es ahí cuando empieza cada nivel de acción.

Una vez en harina, el esquema recuerda a clásicos como Doom o Rise of the Triad. Avanzamos por los niveles disparando a todos los matones que nos encontremos, recogiendo items de munición, armadura o sanación y buscamos la forma de abrir la siguiente puerta, ya sea con la llave correspondiente o despejando de enemigos la zona.

El diseño de niveles también se inspira en los clásicos a la hora de presentar muchas zonas ocultas y atajos, lo que hace que explorar sea muy satisfactorio.

Además, a medida que avanzamos en la trama desbloqueamos algunas habilidades nuevas, como balancearnos en ganchos o planear como un helicóptero gracias a nuestra cola.

No olvidéis que esto es muy cartoon, por lo que la cola también sirve para el típico minijuego de forzar cerraduras, en el que hemos de pasarla por los pernos para abrir.

Además, los escenarios suelen estar llenos de trampas para usar a nuestro favor, como barriles explosivos, congelantes o hasta objetos que podemos tirar encima de los enemigos para aplastarlos.

¿Y qué hay de nuestro arsenal? Pues contando nuestros puños, tenemos 12 armas diferentes, que van desde imprescindibles como una escopeta o ametralladora hasta armas más locas como un rayo congelante. Hay un arma que no se consigue avanzando en la campaña, sino superando un desafío especial.

A veces, podemos encontrar ataques especiales, como dar efecto de fuego a los disparos, hacer que nuestros dedos lancen proyectiles o volvernos “berserker” y dar puñetazos a diestro y siniestro, con brazacos al estilo Popeye.

Además de combatir y buscar los items imprescindibles, la exploración nos sirve para hallar items coleccionables, como periódicos que dan contexto de la trama, viñetas de un cómic, unas escasísimas figuras de ratón o cromos de beisbol.

Estos últimos sirven para un minijuego en el bar, en el que hemos de batear o hacer de pitcher por turnos.

Las reglas son sencillísimas y se basan en tener un número superior en nuestra carta que en la del rival. Si superamos el minijuego, obtenemos una chapa. Si conseguimos 20... sorpresita.

Duración y dificultad de Mouse: P.I. For Hire

Si os dedicáis a explorar los escenarios, trastear con el minijuego y demás, la experiencia os llevará unas 12 ó 13 horas. Podemos elegir entre tres niveles de dificultad.

En la intermedia, el desafío es interesante, pero no os resultará tan duro como en otros juegos, principalmente porque suele haber munición e items de sanación de sobra. Aún así, alguna que otra vez moriréis...

En lo referente a la exploración, podemos valernos por nosotros mismos y buscar las pistas del escenario, pero si estamos perdidos, podemos activar una útil brocha que “marca” el camino a seguir para el siguiente paso clave.

A nivel técnico, Mouse es una muestra perfecta de cómo un estudio pequeño como son los polacos de Fumi Games sabe medir cómo sacar partido a sus recursos para crear una personalidad propia.

Los gráficos llaman la atención desde el primer segundo y el estilo animado a mano de los sprites mezcla lo gore (hay muertes muy bestias) con lo “cuqui” gracias a un diseño impecable y lleno de bromas.

Encontraréis homenajes a otros clásicos de la animación, a películas como Indiana Jones, a videojuegos como Pitfall, Resident Evil o el propio Doom...

Pero lejos de ser una simple “sopa de referencias”, el juego crea su propio lore con personajes carismáticos, facciones enfrentadas y, claro, referencias ratoniles y humor por aquí y por allá.

Los monólogos interiores de Jack tienen frases tan divertidas como “todo se vino abajo más rápido que un trozo de mozzarella en una fondue” o “ese mensaje crítpico me marcó. Entonces me dí cuenta: no sabía qué significaba críptico”.

Eso nos lleva al apartado sonoro, que casi tiene el mismo protagonismo que el gráfico en este caso. Las voces están solo en inglés, pero con actores de primer nivel.

Jack corre a cargo del gran Troy Baker, Joel en The Last of Us, que le da un tono duro, pero cómico cuando toca. Textos y subtítulos están en un perfecto castellano que adapta muy bien a nuestro idioma los constantes juegos de palabras.

La música, como no podía ser de otra forma, se basa en potentes piezas de jazz clásico, swing y demás estilos propios de los años 30, con un ritmo que se os va a quedar en la cabeza durante muchos días.

Incluso los efectos de sonido molan, con efectos cartoon muy graciosos para los saltos o los ataques.

Precio y ediciones de Mouse: P.I. For Hire

Mouse: P.I. For Hire se ha lanzado en formato digital para todas las plataformas (PS5, PC, Xbox Series X|S y Nintendo Switch 2, a un precio de 29,99 euros en todas ellas..

Y desde el 10 de julio, unos meses después del lanzamiento, también está disponible en formato físico para PS5 y Nintendo Switch 2, donde cuesta 34,95 y 44,95 euros respectivamente (por si tenías alguna duda, por el precio, sí, en Switch 2 NO es una Tarjeta Llave).

La opinión de Hobby Consolas sobre Mouse

Así, Mouse es un juego cargado de personalidad, muy cómodo de jugar y que siempre te invita a probar más, aunque no esté exento de defectos.

Por un lado, las partes en las que se basa más en el plataformeo, principalmente en la segunda mitad de la campaña, no acaban de ser tan redondas como el estupendo gunplay.

Algunos saltos, sobre todo los basados en balancearnos con ganchos, no siempre responden con la precisión que deberían.

Además,da la sensación de que no se aprovechan dinámicas como el tablón de pistas, que es muy lineal o el mapa de la ciudad por el que movemos el coche, en el que hubiera encontrado buscar más secretos o curiosidades.

Y quizá, solo quizá, los diálogos son excesivamente largos. Sí, es ta es una historia detectivesca, pero cortan un poco el ritmo.

En cualquier caso, Mouse P.I. For Hire da de sobre lo que promete: acción directa y desinhibida, que se pilla al vuelo y que resulta doblemente disfrutona por esa mezcla de artesanía y humor que os hará soltar más de una carcajada.

Si quieres acción de la siempre, con estilo como nunca, no busques más, detective: aquí disfrutarás más que con un buen gouda.

Como vamos a ver en este análisis de Pragmata para Nintendo Switch 2, se trata de otro AAA que llega a Switch 2 con un brillante port, como antes hicieran Resident Evil Requiem, Final Fantasy VII Remake Intergrade, Star Wars Outlaws, Dragon Quest VII Reimagined o Yakuza Kiwami 1 y 2, por mencionar algunos de los títulos más recientes, aunque la lista es bastante más larga (Street Fighter 6, Split Fiction...)

Al igual que RE Requiem, Pragmata llega a Nintendo Switch 2 al mismo tiempo que en el resto de plataformas, y como ya hemos publicado nuestro análisis de la versión de PS5 en profundidad , aquí me voy a centrar en la parte técnica y las diferencias, ya que la aventura es idéntica en todas las plataformas, juegues en PS5, Xbox Series X|S o PC.

Es decir, desde la historia a su jugabilidad, que integra acción y hackeo con la exploración de la base lunar, pasando por el armamento, los coleccionables y desbloqueables, el contenido postjuego... todo es exactamente igual en todas las versiones, y por eso aquí, no tiene sentido volver a repetir lo mismo.

Donde sí hay mucho que decir es en la calidad del port de Pragmata para Nintendo Switch 2, con el que Capcom ha vuelto a obrar su magia gracias al RE Engine, un motor tremendamente escalable que se ha adaptado a las mil maravillas a la nueva consola de Nintendo.

El apartado técnico de Pragmata en Nintendo Switch 2

Se puede decir sin miedo que, con Pragmata en Nintendo Switch 2, Capcom lo ha vuelto a hacer. Ha vuelto a conseguir una calidad muy próxima a la de las versiones de PS5 y PC, algo que tiene todavía más mérito si tenemos en cuenta que estas plataformas implementan virguerías técnicas como el nuevo PSSR en PS5 Pro o trazado de rutas como RE Requiem, siempre que tengas una gráfica como RTX 5080. Y conseguir algo así, no debe ser precisamente sencillo...

He jugado a Pragmata en Nintendo Switch 2 tanto en modo portátil como en modo TV (o dock), y lo cierto es que su parcela visual es realmente contundente. Como RE Requiem, no ofrece opciones gráficas (no hay selector para elegir entre Calidad o Rendimiento), pero tampoco lo vas a echar en falta porque el nivel gráfico da la talla y se queda muy, muy cerca del nivel del resto de versiones, aunque con los habituales recortes, todos dentro de lo esperable.

Pero vayamos por partes. La resolución interna de Pragmata en Switch 2 es de 540p, que escala hasta 1080p gracias a DLSS. Lo normal es que durante la inmensa mayoría del tiempo, se mueva a 60 fps bastante estables, la verdad, salvo por caídas puntuales al entrar en una zona más recargada, o en los combates más mogolloneros y cargados de efectos visuales. Pero no son ni frecuentes, ni graves.

Ni siquiera los vas a notar cuando recorras las calles de la ficticia recreación de Times Square de la Luna, que es una de las áreas más amplias del juego, donde también te espera un gigantesco jefe a lo Monster Hunter Wilds, que destroza elementos del entorno y genera todo tipo de efectos y ataques, sin que el juego se resienta ni un ápice.

Desconozco si en modo TV llega a subir a 1440p, pero desde luego se ve ligeramente mejor que al jugar en la pantalla de la portátil, y también un poco más "suelto" y suave, como cada vez sucede en más ports, como el también reciente Yakuza Kiwami 3. En ambos casos, en modo portátil y TV el resultado es bastante bueno, y demuestra una vez más que RE Engine hace justicia a su nombre, y permite a Capcom tocar el cielo con sus ports. Eso sí, las capturas que saca la propia consola no le hacen justicia, como ya he dicho en otras veces...

Si bien aquí no hay ray tracing, Pragmata en Switch 2 logra poner en pantalla un espectáculo bastante contundente, con buenos efectos de luz, reflejos (aunque no sean reales como con el ray tracing), buenos modelos y efectos visuales. Jugando en mi tele 4K, en ocasiones me ha llegado a dar la sensación de que estaba jugando en PS5.

Como siempre, el "chivato" que me ha recordado que estaba jugando en Nintendo Switch 2 ha sido el pelo de Diana, la "niña robot" que nos acompaña, ya que es el único personaje con pelo largo (no hay robots con "pelucón" y Hugh, el protagonista, apenas se quita el casco del traje). Da la sensación de ser más artificial, menos realista, con menos movimiento. Mas "tosco", por resumirlo de algún modo.

Pero, aun notándose que hay algo raro en el cabello, es de recibo decir que también es el juego en el que el pelo menos "canta" (los defectos eran más evidentes, por ejemplo, en FFVII Remake). Es realmente el único aspecto que más se diferencia, sobre todo en los primeros planos y escenas de vídeo, ya que mientras que la llevamos a la espalda y exploramos y disparamos, en lo que menos te vas a fijar es en el pelo.

Se nota también en otros aspectos, como puedan ser las sombras (si te fijas, en algunos casos se pixelan, son menos perfectas) y en otros efectos como los haces de láser, en ocasiones también generan una efecto visual extraño según el ángulo desde el que los mires. Pero, como digo, son nimiedades, y en otros aspectos incluso parece estar por encima de la versión de PS5 base, como pueda ser el antialising y definición general de los personajes.

Eso no quita que el los momentos más explosivos, la resolución dinámica baje momentáneamente para poder mantenerse a 60 fps y se vea algo más borroso por un breve instante, aunque es algo que también pasa en las demás versiones, y que es más evidente en los momentos en los que hay animaciones con Hugh, como los remates.

En términos generales, estamos ante un port que, visto con objetividad y distancia, está entre los mejores de Switch 2. Quizá porque, en cierta medida, técnicamente no es tan exigente como RE Requiem, pero el resultado final es digno de estar en el top 3 de los ports disponibles en Nintendo Switch 2 (al menos, a abril de 2026... que veremos cómo acaba el año a este respecto).

Más detalles y extras a tener en cuenta

Si desde el punto de vista técnico Pragmata 2 es un pequeño portento, no lo es menos en otros aspectos con los que Capcom ha querido reforzar su llegada a Nintendo Switch 2.

Por un lado está la posibilidad jugar con controles de movimiento para apuntar, agracias al giroscopio de los Joy-Con 2 (o del mando Pro 2). Lo he probado, y funciona realmente bien... si bien es cierto que al añadir el hackeo, puede requerir un poco de práctica hasta que nuestro cerebro combine ambas mecánicas, una con control por movimiento, y otra con los botones "físicos" del mando para movernos por la rejilla.

También es digno de aplauso que Capcom haya mantenido los trofeos y logros de las otras plataformas, y que veremos "saltar" mientras jugamos al realizar algunas acciones, como jugar al escondite con Diana (y encontrarla), aparte de algunos hitos de la historia.

Por desgracia, no todo podía ser bueno, y como la versión de PS5, he notado que la vibración está un poco "por estar", mete algún zumbido de vez en cuando, pero nada memorable o que refuerce la jugabilidad con algún efecto de vibración de esos que te sorprenden...

La opinión de Hobby Consolas de Pragmata en Nintendo Switch 2

Desde que ha empezado 2026, no ha habido ningún mes en el que no haya visto algún port o versión para Nintendo Switch 2 al nivel del resto de plataformas, teóricamente más potentes. Da igual que sean relanzamientos de juegos de hace varios años o nuevos títulos que se lanzan simultáneamente. Salvo en casos como Wild Hearts S, en casi todos está cumpliendo con nota, y se confirma que es más cuestión de habilidad de los desarrolladores que de las limitaciones de la consola.

Así, Pragmata llega justo a tiempo no romper esta racha de grandes ports para Switch 2 y aporta su granito al cambio de imagen de la nueva consola respecto a la anterior generación, donde muchos juegos no llegaron a salir por cuestiones de potencia. Prueba es que, en el momento de publicar este análisis, Pragmata para Switch 2 es la versión mejor valorada en Metacritic, algo que refleja que lo que ha conseguido Capcom no es una hazaña pequeña, y se posiciona como uno de los estudios que mejor está exprimiendo la consola.

A título personal, como juego, Pragmata me parece que es un juego que innova y arriesga lo justo para ofrecer algo fresco y distinto, y si bien coincido con mi compañero David en que podía tener objetivos más variados a lo largo de la aventura (parecemos los cerrajeros de la Luna), ni siquiera eso me ha quitado las ganas de seguir jugándolo, y con un robusto despliegue técnico en Nintendo Switch 2 que luce de fábula, y con el atractivo de poder jugarlo en cualquier parte.

Tras potentes entregas de sus sagas principales (Resident Evil Requiem, Street Fighter 6 o Monster Hunter Wilds), con su nuevo juego, Capcom nos hace viajar a la Luna en una nueva IP que no reinventa la rueda, pero tal y como te voy a contar en este análisis de Pragmata, sí que logra ofrecer una condensada y cimentada experiencia de acción.

Que los retrasos y la falta de información sobre Pragmata no te asusten. El juego ha salido por su propio pie de toda esta tormenta y ha logrado destacar positivamente. ¿Es una odisea espacial memorable?

Quizá no, pero se disfruta muchísimo gracias a cierto aura de una nostalgia relacionada con esos proyectos más experimentales de grandes desarrolladoras propios de otro tiempo. Vamos con el análisis de Pragmata para PS5, Nintendo Switch 2, Xbox Series X|S y PC:

• La historia de Pragmata: aventura en una Luna dominada por las IAs
• ​El gameplay de Pragmata: disparos, saltos y mucho hackeo
• El apartado gráfico y técnico de Pragmata
• ​La duración, contenido extra y dificultad de Pragmata
• ​Precio, plataformas y ediciones de Pragmata
• La opinión de Hobby Consolas sobre Pragmata
• Nota: lo mejor y lo peor de Pragmata

La historia de Pragmata: IAs rebeldes en la Luna lunera

En un futuro no tan lejano, un astronauta llamado Hugh acude a la Luna, junto a su equipo, para investigar una serie de fallos que se han dado en la colonia. Y es que, la humanidad se ha asentado en el satélite y está explotando la fibraluna, un nuevo recurso que, cual impresora 3D, es capaz de replicar cualquier cosa.

Sin embargo, la llegada de los especialistas se ve truncada por un terremoto. En medio de la confusión, Hugh tendrá que descubrir por qué todo el personal ha desaparecido del lugar. Para ello, contará con la inesperada ayuda de una "pragmata", una androide con aspecto de niña llamada Diana, que parece ser la clave de todo este misterioso asunto.

Así arranca la historia de Pragmata, un juego que habla de temas de tan rabiosa actualidad como la exploración lunar o de los peligros de las inteligencias artificiales, pero que apuesta por potenciar un discurso más emotivo y personal.

Pragmata toma como referencia el estilo más maduro del AAA de la pasada generación, centrado en focalizar el relato en torno a una relación paternofilial. Por suerte, y pese a que hay paralelismos con The Last of Us, God of War o BioShock Infinite, el juego no renuncia a su identidad japonesa, lo que le aporta un matiz distintivo.

Cierto es que me hubiese gustado que Capcom desarrollase algo más relación de Hugh y Diana con algo más de metraje o un capítulo extra, pero creo que el camino recorrido consigue dejar cierta impronta en el jugador.

Sin llegar a ser carismático, Hugh consigue ganarte por lo buenazo que es. Es un santurrón alegre, paciente y comprensivo. Diana "roba el show" con sus adorables interacciones, su desconocimiento del mundo e inocencia. Así, ambos forman una entrañable pareja.

No presentan una gran evolución durante la trama y apenas se desarrollan conflictos más allá del hilo conductor de esta, pero es agradable ver un juego japonés que no recurre a grandes hipérboles o a los mismos trucos narrativos de los JRPG para presentar su historia.

Pragmata cuenta una relato más íntimo, dual, que no busca impresionar, sino conmover. La narrativa japonesa suele derrapar (para bien y para mal) en muchas ocasiones, pero aquí Capcom es más comedida. Puede que este viaje a la Luna no sea tan memorable como el del Artemis II, pero con esta aventura pasarás un rato agradable.

El gameplay de Pragmata: hackeando los disparos en tercera persona

Pragmata es uno de esos juegos que hay que probar por uno/a misma para saber de qué va. No obstante, lo que yo te puedo decir es que Capcom pone especial atención en la acción, remodelando los disparos en tercera persona con una mecánica adicional simple, pero efectiva.

El gameplay de Pragmata se apoya en un ágil esquema shooter sin coberturas que se centra en la esquiva a la hora de defenderse. Sin embargo, este no sería nada sin el hackeo, la habilidad de Diana para sabotear a los robots enemigos que permite a Hugh disparar a sus puntos débiles para causar más daño.

Más allá de que Pragmata no solo une a la pareja protagonista en lo narrativo, sino también en lo jugable, este sistema resulta estar genialmente aplicado. El minijuego de hackeo se activa al apuntar con el gatillo, momento en el que aparece una cuadrícula con distintos nodos en pantalla y nos movemos por ella con los cuatro botones frontales, de manera que podemos movernos al mismo tiempo por el escenario. Puedes hackear y disparar simultáneamente, lo que vuelve a Pragmata muy dinámico.

Y si bien puede parecer un galimatías en los controles, te aseguro que no lo es. Capcom no se pasa como han hecho juegos como Crimson Desert y sabe cuando parar a tiempo para que la jugabilidad no alcance un alto grado de complejidad mecánica. Es ponerte a los mandos y enseguida pillar el truco a ese esquema dual de control.

Y pese a que, prácticamente, todo el rato estás hackeando y disparando, Pragmata no es repetitivo porque se las ingenia para ir sumando ingredientes a su fórmula. Primero, porque está aliñada con secciones de plataformeo simple, pero cumplidor, con pequeños minijuegos QTE y con una exploración basada en el backtraking

Segundo, porque a cada nuevo nivel se van añadiendo pequeñas variables a los hackeos y disparos. Por un lado, tenemos cuatro familias de armas, con varios modelos en cada una, y todas se sienten diferentes y con variedad de aplicaciones dependiendo de la situación.

Por otro, tenemos enemigos que van evolucionando, jefes variados cuyos enfrentamientos son distintivos, habilidades nuevas que desbloquear que ayudan en la exploración y un sistema de progresión profundo, estupendamente implementado, que favorece la configuración de diferentes estilos jugables apoyados en builds.

Por ejemplo, el hackeo que debilita a los enemigos también es personalizable, ya que iremos desbloqueando nuevos nodos, que nos permiten provocar diferentes efectos al pasar por las cuadrículas de la rejilla, como sobrecalentar la barra de resistencia del enemigo para poder acabar con él con un remate final.

Además, Capcom demuestra su maestría a la hora de impulsar este sistema de juego con decisiones de diseño muy interesantes. Por ejemplo, tu arma principal tiene munición infinita, pero tiene enfriamiento. Así que, mientras se recarga, siempre puedes volver a hackear a un enemigo para causarle daño extra con Diana.

Toda esta acción ocurre en una serie de niveles lineales a los que se accede desde una base secreta, un HUB central donde puedes personalizar a Hugh y Diana, desde su equipo a las habilidades, así como mostrar ciertos coleccionables y acceder a diferentes pruebas de habilidad bastante retadoras que permiten desbloquear atuendos, nodos, potenciadores y otras mejoras.

En la base, también tienen lugar interacciones geniales entre Diana y Hugh. Por ejemplo, hay conversaciones (el juego tiene un buen doblaje al castellano) muy divertidas, la androide puede jugar con algunos coleccionables que consigamos e incluso te hace dibujos.

Una vez sales de la base llegarás a diferentes niveles lineales. Todos son bastante intrincados, aunque resultan demasiado pasilleros. Es lógico tratándose de un complejo en la Luna y Capcom aporta variedad temática a cada uno de ellos, pero no deja de ser cierto que se echa en falta algún escenario un poco más amplio.

No obstante, la mayoría funcionan bien, ya que cuentan con diferentes coleccionables ocultos, retos plataformeros y de combate, algún que otro puzle y elementos o zonas secundarias para los que habrá que volver más tarde. Completar el 100% de cada uno no es algo monótono, te lo aseguro. Es un desarrollo "clasicote" la mar de bienvenido.

Y es que, Capcom vincula muy bien la progresión con el recorrido por cada mapa. A medida que avances irás dando con una serie de trampillas que te permiten volver a la base. Estas actúan un poco como una zona segura y una hoguera de Dark Souls, ya que al volver se resetean los enemigos. Desbloquear estas trampillas es un gran alivio, ya que, en caso de muerte, podrás avanzar hasta la última rápidamente.

Es una idea que funciona bien, incluso cuando inicialmente pensarías que puede afectar al ritmo. Pero, dado que solamente cuentas con unos pocos viales de salud y que constantemente estás consiguiendo recursos para mejorar tus armas o tu traje, una visitilla a la base es algo a lo que nunca se le dice que no.

Lo único que se me hace un poco bola de los mapas es algo que ya comenté en la preview y que ahora enfatizo. Capcom repite demasiado el objetivo de "encuentra varias llaves para abrir una puerta". La progresión por los mapas suele presentar siempre ese propósito.

El apartado técnico de Pragmata: gráficos y rendimiento

Resulta curioso, porque cuando se anunció Pragmata, lo hizo en la presentación de PS5 en 2020 como un juego de nueva generación que lucía increíblemente bien. Ha llovido desde ese momento y si bien el título cumple en esta materia, tampoco es lo más potente que se ha visto por parte de Capcom, especialmente tras Requiem.

El motor gráfico RE Engine o Reach for the Moon Engine (nombre que le viene al pelo con este juego) vuelve a ser una maravilla, pero es cierto que, a estas alturas, no alcanza un resultado que deje con la boca abierta. Insisto, es una experiencia potente, pero sin alardes.

Jugando en PS5 se puede disfrutar de dos modos. Rendimiento prioriza los 60 fps y 1440p de resolución, aunque lo que más interesante resulta es que el modo resolución añade ray tracing y consigue mantener una tasa de 40-50 fps, incluso entregando los 1440p. Por su parte, PS5 Pro cuenta con un modo con PSSR que mantiene 60 fps, ray tracing y una resolución mejorada.

En modo rendimiento se aprecian algunos sacrificios como una pérdida de calidad en las texturas del pelo de Diana o una iluminación más humilde. También he notado algo de excesivo blurr por momentos y una peor distancia de dibujado en los entornos más abiertos.

¿Y qué hay de Pragmata en Nintendo Switch 2?

Estamos preparando un análisis de la versión de Nintendo Switch 2 que publicaremos en unas horas, aunque vamos a adelantar un par de pinceladas...

Sin ningún tipo de dudas, Pragmata se une al club de los mejores ports de Nintendo Switch 2, del que ya forman parte ilustres títulos como Resident Evil Requiem, Final Fantasy VII Remake Integrade, Dragon Quest VII Reimagined o Star Wars Outlaws, entre otros.

Hablamos de un juego muy sólido en su rendimiento, que se mueve a 60 fps constantes durante la gran mayoría del tiempo (de manera muy, muy, muy puntual, puede apreciarse alguna leve caída, sobre todo al entrar en una nueva zona o en combates muy movidos).

Como en los títulos antes mencionados, visualmente es un port muy sólido, con buenos efectos (incluidos reflejos), en el que solo pincha el cabello de Diana, que es el único aspecto donde más se notan los recortes, aunque tampoco llega a cantar tanto como en FFVII Remake.

¿Cuánto dura Pragmata? Contenido adicional y dificultad

Pragmata es un juego corto. He tardado siete horas en completar su historia. Aunque, en ese momento, me quedaba el 50% de los coleccionables y un buen número de pruebas por superar. Si vas a tiro hecho, incluso puedes pasarte el juego en menos tiempo.

Sin embargo, alcanzar el 100% puede llevarte hasta 20 horas, ya que una vez terminas el juego se desbloquea el modo Señal Desconocida, que incorpora más armas, jefes mejorados, atuendos y una serie de pruebas extra la mar de interesantes. Pragmata tiene un gran endgame, no muy extenso, pero sí muy bien estructurado y alentador.

De lanzamiento también se desbloquea la Nueva Partida + y el modo de dificultad Lunática, que transforma la experiencia en una aventura más compleja. En su modo de dificultad normal, Pragmata es un juego muy equilibrado, que consigue ser bastante retador cuando toca.

El precio, plataformas y ediciones de Pragmata

Pragmata está disponible en formato físico y digital para PS5, Nintendo Switch 2 (Game Key Card), Xbox Series X|S y PC por un precio de 59,99 euros en su edición estándar, que incluye los atuendos Neo Bushido y Neo Kunoichi como incentivo de reserva.

Además, el juego también cuenta con Deluxe Edition de 69,99 euros que añade un pack variado de cosméticos para el Refugio y otro set de atuendos para Hugh y Diana. Recuerda que también hay una demo gratuita disponible para probar el juego.

Hija de la Luuuunaaaa-aa

Pragmata es un juego con cierto aire de nostalgia, pese a ambientarse en un contexto de ciencia ficción. Esta aventura de acción recuerda a esos juegos de hace unas generaciones, que no eran tan arriesgados o pomposos, pero que tampoco fallaban a la hora de entregar una experiencia sólida, intensa y muy divertida.

Pragmata tiene cierto aroma a esa lejana época que nos dio Vanquish, Lost Planet o Binary Domain, un regusto clásico a la par que innovador que deja en el paladar una grata experiencia de acción, que se sirve de unas bajas expectativas iniciales tras tantos retrasos para darle la vuelta a la tortilla y sorprender positivamente.

Podría ser un poco más largo, variado o experimentar más con el diseño de sus niveles, pero lo cierto es que todo lo que hace Pragmata, lo hace bien. No será GOTY, pero sí una de las propuestas de acción más potentes del año.

Después de tanta saga, remake y remaster, una nueva IP se siente como un soplo de aire fresco. Me gustaría que Pragmata se quedase como está, como un juego único, un acertado experimento como el que es Diana con el que Capcom nos pone a bailar baj...sobre la Luna.

El lanzamiento de Starfield en PlayStation 5 tiene lugar hoy, 7 de abril de 2026 y, con él, las otras versiones se ven beneficiadas de suculentos cambios. Por un lado, la actualización gratuita Free Lanes, que añade un montón de novedades, especialmente en la calidad de vida.

Por otro, la expansión Terran Armada, esta sí de pago, incorpora nuevas misiones, personajes y ubicaciones.

Pero, antes de todo esto, expliquemos qué es Starfield, cómo se juega y cuál es su argumento general, ya que para muchos de vosotros se tratará de una experiencia nueva.

La historia y la ambientación de Starfield

La historia nos lleva a un lejano futuro en el que la Tierra es un lugar yermo y la Humanidad ha colonizado el espacio.

Nosotros somos un minero (nosotros le ponemos nombre, aspecto y trasfondo) que por casualidad toca un extraño artefacto en una excavación.

Ese artefacto le hace tener incomprensibles visiones que podrían alterar la naturaleza de lo que conocemos sobre el Universo.

Apoyados por la organización Constelación, tendremos que recorrer decenas de planetas para, entre otras cosas, descubrir qué son esos artefactos, cuál es su objetivo y cómo encajamos nosotros en todo ello.

Pero claro, por el camino nos toparemos con montones de facciones enfrentadas, nuevos aliados, giros inesperados y muchas batallas espaciales.

Y es que, a grandes rasgos y como ya se ha comentado hasta la saciedad, Starfield es una especie de Fallout en el espacio, pero con sus propias reglas.

Podemos jugar tanto en primera como en tercera persona (con dos vistas diferentes en este último caso) para explorar, dialogar o atacar cuando toque.

Hay dos posibles escenarios: en la superficie de los planetas o a bordo de nuestra nave espacial.

Explorando el espacio

A diferencia de No Man's Sky, aquí no podemos pasar del espacio exterior a un planeta “del tirón”, hay que pasar por una mini pantalla de carga.

Pero no os preocupéis, porque la profundidad tanto en los planetas como en el espacio es enorme.

En el espacio, también disponemos de vista desde la cabina o desde fuera de la nave y no solo hemos de desplazarla o disparar, sino que también controlamos cuánta energía derivamos a cada función: escudos, disparos, motor gravitacional para saltar de un sistema solar a otro...

Esto es muy estratégico, porque nos permite, por ejemplo, ser muy agresivos en combate a cambio de sacrificar la defensa o bien saltar al “hiperespacio” antes de lo normal para huir de una batalla en la que tengamos las de perder.

Lo interesante es que, aunque empezamos con una nave “básica”, a base de superar misones, explorar o acumular dinero, podemos conseguir muchas otras naves,cada una con su aspecto, módulos y prestaciones, e incluso podemos modificarlas y agrandarlas en un astillero para crear, básicamente, lo que queramos.

En la superficie de los planetas, encontramos ciudades para hablar con sus habitantes, zonas desiertas en las que usar nuestro escáner para descubrir materiales o restos de antiguas civilizaciones o animales salvajes, algunos pacíficos y otros hostiles.

Cuando hablemos con otras personas, podremos comerciar, encontrar nuevos aliados que nos acompañen en la nave o a pie o, claro, acometer misiones que nos den puntos de experiencia y nos ayuden a subir de nivel.

Los diálogos se resuelven al “estilo Bethesda”, eligiendo entre varias opciones, algunas bastante destroyer y, a veces, dependerá de nuestro trasfondo o lo que hayamos descubierto previamente las líneas de diálogo disponibles.

En ciertos momentos, podemos intentar convencer a alguien de algo, con un sencillo minijuego en el que “apostamos” por argumentos más arriesgados o bien vamos sobre seguro con propuestas sencillas que no nos hagan perder turnos de habla.

Por supuesto, más pronto que tarde nos tocará pasar a la acción y, a lo largo del juego encontraremos decenas, cientos de armas diferentes, con munición balística, energética, etc.

Las armas se pueden ir modificando en bancos de trabajo para añadir miras telescópicas, daño elemental, un cargador mejorado o cualquier otra variante que se os ocurra, lo que da pie a miles de combinaciones.

Es posible asignar un uso rápido de armas en la cruceta para que podamos pasar de una a otra al vuelo.

En esos accesos rápidos también podemos asignar items de sanación o, atención, nuestros poderes, que ganamos a medida que superamos algunos templos especiales diseminados por todo el Universo.

Estos poderes nos permiten hacer levitar a todos los enemigos o ralentizar el tiempo, por ejemplo, aunque requieren un tiempo de recarga.

A todo esto, hay que unir el casco, traje y mochila propulsora que tengamos equipados, lo que nos puede permitir ser más resistentes, mejorar nuestra infiltración para atacar por sorpresa, etc.

Por si fuera poco, la propia naturaleza de cada planeta también afecta: así, algunos tendrán una gravedad más ligera para que podamos saltar más, otros pueden presentar un frío extremo que nos afecte...

Al subir de nivel, podemos mejorar características que afecten al combate, como mejor uso de armas concretas o más salud, o bien otras facetas como la posibilidad de robar, convencer mejor en los diálogos o que nuestra mochila propulsora sea más eficiente.

Además, si vamos cumpliendo tareas, desbloquearemos nuevas líneas de mejora al subir de nivel.

Todo esto hace que los combates sean muy intensos y apasionantes y que siempre estemos descubriendo entornos nuevos sobre los que actuar, ya sea hackeando terminales para que una torreta ataque a nuestros enemigos o viéndonos rodeados por guardias que nos pongan contra las cuerdas.

Para explorar necesitas labia

Lo mismo sucede con los diálogos, llenos de líneas memorables y de personajes carismáticos, como suele ser costumbre en la compañía. Incluso aparece el icónico “fan apasionado” que vimos en juegos previos como los Elder Scrolls.

A base de dialogar, conseguiremos aliados para siempre, romances o rivales encarnizados, en un juego cuyas ramificaciones argumentales son gigantescas.

Pero claro, en un juego basado en visitar los rincones del universo, la exploración de los planetas es crucial.

Este quizá fue siempre el punto menos potente (que no malo) de Starfield, ya que muchos planetas pueden parecer excesivamente “inertes”, sin mucho por ver, aunque usemos nuestro escáner de mano para recopilar info sobre minerales y demás.

Por supuesto, hay muchos otros que tienen colonias humanas, animales o secretos por descubrir, pero es cierto que hay cierta irregularidad en este apartado. Esto se ha resuelto en buena medida con las actualizaciones que luego veremos.

Gráficos y sonido en Starfield

Esto nos lleva al apartado técnico que, como también suele pasar con Bethesda es capaz de maravillas y facetas más “meh”.

Algunos planetas son totalmente majestuosos y explorarlos os dejará embelesados, ya sea por la iluminación, la estética, los detalles por aquí y por allá... Es realmente mágico dejarse llevar por la visita a un planeta desconocido en un rincón remoto del universo.

Igualmente, hay asentamientos humanos llenos de vida, con un rollito de ciencia ficción ochentera que resulta apasionante. Callejear y dialogar con personajes de todo tipo hará que las horas se os pasen volando.

Pero, en la otra cara de la moneda, hay muchos personajes con un nivel de detalle demasiado acartonado y robótico, amén de planetas que no tienen demasiado que ofrecer en lo visual.

Todo ello, con unas melodías memorables que nos hacen pensar en lo apasionante de investigar lo desconocido del espacio.

El contraste se salda claramente a favor de las experiencias positivas e incluso apasionantes, pero, entre los cientos (sí, cientos) de planetas y lunas que podemos visitar, no todo es igual de potente...

En cualquier caso, como ya estaréis suponiendo, el juego es absolutamente descomunal y está lleno de secretos y nuevas dinámicas por descubrir.

Podréis pasar decenas de horas explorando y aún solo habréis visto la punta del iceberg, tanto de lo jugable como de la trama.

Si os gustan los juegos de rol al estilo de la compañía o la exploración espacial, bucear en su variedad de naves, armas, personajes, entornos y misiones realmente os quitará el sueño.

Sí, hay algunos bugs por aquí y por allá (¿qué juego de estas dimensiones no los tiene?) y ciertas facetas técnicas, como la expresividad de algunos secundarios, podrían ser mejores, pero la sensación general es que no querréis parar de jugar, de conocer la intrincada y divertida historia, o de conseguir sus variadas armas.

PS5 y más allá: un nuevo amanecer para el hombre

Todo esto es un vistazo muy general a un juego que ya nos pareció sobresaliente en 2023, pero ahora llega el momento de ver las novedades que llegan tanto a PS5 como a Xbox y PC.

Primero, nos vamos a centrar en facetas específicas de PS5, que orbitan (nunca mejor dicho) en el uso de DualSense. Por un lado, las comunicaciones por radio se pueden escuchar a través del altavoz del mando, lo que da un puntito de inmersión.

Por otro, la iluminación del panel táctil es particularmente útil, porque nos ayuda a detectar muy claramente cuándo nos estamos quedando sin salud, algo que muchas veces pasamos por alto en el fragor de la batalla.

Además, hay ciertos atajos de los menús asignados a movimientos rápidos en el panel táctil.

El resto es similar a lo que vimos en Xbox Series X: podemos activar un modo gráfico más detallado o con mejor rendimiento e intentar forzar o 30 o 60 fps (esto, dependiendo de la tele, puede dar algún problema de “tearing” con la sincronización vertical).

Así entramos en las mejoras comunes a todas las versiones. Una fundamental, casi desde el lanzamiento del juego, es el menú de creaciones.

Bethesda quiso desde un principio que la comunidad participara diseñando mods de todo tipo para el juego y podemos acceder a ellos directamente desde el menú principal, también en PS5.

También está disponible el DLC de pago Espacio Fracturado, que llegó en 2024 y resultó ser excesivamente irregular.

Lo que llega ahora de nuevas para todos son esas dos expansiones que mencionábamos antes.

Por un lado, tenemos Terran Armada, que nos mete de lleno en una lucha contra la Armada Terrana y que incorpora la dinámica de las incursiones, batallas aleatorias que pueden tener lugar durante nuestra exploración del espacio y que podemos evitar o bien acometer para superar desafíos más duros de lo normal.

Como se trata de un contenido aparte y de pago, no queremos hacer demasiado hincapié en él dentro de este análisis general de Starfield.

Lo que sí da para mucha tinta es la actualización gratuita Free Lanes que, como decíamos, mejora para bien muchas facetas de la calidad de vida.

Su mejora más notoria está en el modo Crucero, cuando manejamos nuestra nave. Hasta ahora, solo podíamos tener la nave quieta para explorarla a pie o bien sentarnos en la cabina y pilotarla.

Ahora podemos activar en cualquier momento un “piloto automático” que nos lleve a nuestro siguiente destino.

Esto nos permite explorar la nave mientras esta se desplaza, para hablar con la tripulación o hacer ajustes.

Lógicamente, es más rápido “saltar” al siguiente destino y punto, pero esto mejora la inmersión en la exploración espacial y, además, puede dar pie a encuentros con otras naves... que pueden ser enemigas, claro.

Si nos vamos al menú de opciones, encontramos un puñado de selecciones nuevas que personalizan la experiencia de juego a nuestro gusto.

Por un lado, cuánto daño hacemos nosotros o cuánto hacen los enemigos; cuánto curan los items de sanación; hasta qué punto el daño ambiental de un planeta nos afecta; cómo de efectivos son los disparos de la nave...

Además, ahora ciertos enemigos legendarios pueden tener efectos especiales como sanar a los enemigos, hacer que sus aliados sean más fuertes cuando ellos mueran...

Podemos mitigar esos efectos o bien aumentarlos si queremos un desafío más duro. También podemos ajustar el autoapuntado para que sea más automático o manual.

Modificar algunas de estas opciones afectará a los puntos de experiencia obtenidos. Así, si nos ponemos las cosas algo más fáciles, puede que ganemos un 2% menos de experiencia, por ejemplo.

Cuando estamos explorando planetas, una opción muy útil es colocar un puesto de avanzada, una “base”, desde la que añadir mesas de trabajo, cofres para guardar objetos y más. Podemos crear puestos realmente complejos y trabajdos.

Esto ya estaba en el juego original, pero ahora esos cofres “teletransportan” entre sí los objetos almacenados, para que no tengamos que volver a una base concreta y buscar cierto objeto.

Otra mejora es el vehículo saltador lunar, que nos permite recorrer los planetas más rápido y casi, casi volando, gracias a sus comodísimos propulsores.

En el apartado del coleccionismo, podemos conseguir mascotas para nuestra base o, atención, recolectar figuras de acción vintage. Hay 27 figuras diferentes, con su blíster y todo y hasta podemos conseguir dioramas o estanterías para colocarlas.

No es solo por el placer de tenerlas, sino porque pueden aportar ventajas pasivas en combate y, claro, tienen un valor muy alto si queremos venderlas...

Un cambio fundamental es el recurso exótico llamado X-Tech. Son muy difíciles de encontrar, pero con ellos podemos mejorar las armas, equipo y naves, incluso a un nivel legendario que no era posible hasta ahora.

Free Lanes igualmente aporta novedades en los aliados. Por un lado, Muria, uno de los NPCs más queridos por los fans (y uno de los personajes más misteriosos del juego), ahora se puede reclutar para nuestra nave.

También se añade a Modelo G, un robotito muy simpático que nos puede seguir más como mascota que como aliado en combate, porque su efectividad en las peleas es más cómica que otra cosa.

Terran Armada incorpora al robot Delta a nuestra tripulación, pero como decíamos esa es una expansión de pago.

En cuanto a escenarios, se añade la enorme estación de Anchorpoint para hablar con montones de personajes, los cuales dan pie a muchas misiones nuevas.

Igualmente, podemos hacernos con una fastuosa mansión en un asteroide, para que nos sirve de residencia y sea, así, el bien más preciado de todo el juego.

Cuánto dura Starfield y cuánto cuesta

El juego original necesitaba, como mínimo, unas 30 horas para llegar al final, pero a poco que te liaras con secundarias y a buscar objetos, esa cifra podía subir fácilmente hasta las 50 ó 60 horas.

Con todo el contenido nuevo, podéis pasar de las 100 horas sin problema si vais a por todo. Teniendo en cuenta que la edición normal pasa a costar 49,99 euros en todas las plataformas y la Premium se coloca en 69,99 euros, la relación calidad/precio está más que justificada.

Como muchos sabréis, el juego tiene una magnífica Nueva Partida+ tras superarlo y, sin querer dar muchos detalles a los que no lo conozcáis para no spoilear, una novedad interesante de Free Lanes están en cómo es posible trasladar la inmensa mayoría de objetos de la partida original a esta nueva partida.

Otras mejoras menores, como una mejor explicación de los recursos que tenemos y dónde conseguirlos (algo que resultaba algo mareante en el juego original, dada su amplitud) hacen que, en conjunto, la experiencia de juego sea mucho más cómoda y directa.

La opinión de Hobby Consolas sobre Starfield en 2026

Nos siguen faltando algunos elementos, como un mapa o brújula en algunos planetas o estaciones espaciales más enrevesados (la “ruta” que muestra el escáner de mano no siempre funciona), pero en general toda la experiencia es ahora más cómoda y completa.

Starfield es, así, uno de los juegos de rol más amplios, ambiciosos y satisfactorios que podéis encontrar y, gracias a todas estas mejoras, ahora loe s más, lo juguéis en la plataforma que lo juguéis.

Vale, ciertas facetas gráficas parecen anticuadas (sobre todo, si lo comparamos con bestias recientes como Crimson Desert) y, tras tres años, ha perdido algo de factor sorpresa, pero tiene algo de agujero negro: te atrapa sin que puedas remediarlo, gracias a su narrativa, personajes y variedad de contenido.

Su gunplay se vuelve muy enganchante a medida que dominamos las armas y volvernos más poderosos hace que queramos explorar más y más.

Si lo jugaste en su momento, quizá las novedades te parezcan algo más anecdóticas, pero aún así el juego en sí mismo sigue hipnotizando con sus bifurcaciones y sorpresas por descubrir. Si hasta ahora no lo habías jugado... Amigo, entonces con Starfield te espera el despegue de tu vida.