Lo de madurar debe ser una de las mayores mentiras jamás contadas. Nos venden la moto de que en algún momento empezaremos a pensar de otra manera y las cosas de la infancia dejarán de importarnos: «ya te cansarás de tanto videojuego», me decían a mí. Pero no es cierto. Es la propia vida, con sus obligaciones, la necesidad de encontrar un trabajo, hacerte cargo de más responsabilidades y formar una familia, lo que nos obliga a dejar atrás todas esas cosas que nos hacían felices. Es decir: a madurar.

Pero, en el fondo... preferiríamos seguir siendo niños. Seguro que todos los que estáis leyendo estas palabras (y, por supuesto, un servidor), daríais lo que fuese -lo que fuese- por volver tan sólo un día a aquella época; por retroceder en el tiempo a ese momento en el que todo era más fácil y en el que, sin saberlo, realmente éramos felices.

Algo parecido le pasó al Link de The Legend of Zelda: Ocarina of Time, sólo que, en su caso, en lugar de estar preocupado por no llegar a fin de mes, lo que le obligó a madurar y convertirse en un adulto fue el destino; tener que asumir el papel de Héroe del Tiempo para salvar el reino de Hyrule. Han pasado casi 28 años desde que Ocarina of Time se lanzó para Nintendo 64, convirtiéndose en un punto de inflexión en la historia del videojuego y, ahora, tenemos la oportunidad de revivir la experiencia a través de un remake para Nintendo Switch 2. Y un remake con todas las de la ley, con novedades en todos los frentes que van mucho más allá de lo que se vio en Ocarina of Time 3D.

Pero estamos ante un caso muy especial, pues la gran cuestión con este remake no es si se ve mejor o peor o si los cambios son para bien o no deberían haber tocado nada. La gran duda es: ¿puede Ocarina of Time tener el mismo impacto y volver a hacernos sentir las mismas emociones en el año 2026? ¿Puede volver a ser el mejor juego de la historia?

Es lo que aspiro a responder en este análisis de The Legend of Zelda: Ocarina of Time para Nintendo Switch 2.

• El gameplay de The Legend of Zelda: Ocarina of Time Remake
• Los cambios de The Legend of Zelda: Ocarina of Time Remake
• Mazmorras, historia y apartado audiovisual de The Legend of Zelda: Ocarina of Time Remake
• Nivel de dificultad de The Legend of Zelda: Ocarina of Time Remake
• ¿Cuántas horas de juego dura The Legend of Zelda: Ocarina of Time Remake?
• Cuánto cuesta The Legend of Zelda: Ocarina of Time Remake y dónde puedes jugarlo
• La opinión de Hobby Consolas de The Legend of Zelda: Ocarina of Time Remake
• Nota: lo mejor y lo peor de The Legend of Zelda: Ocarina of Time Remake

El Poder de la espada: jugabilidad y gameplay de The Legend of Zelda: Ocarina of Time Remake en Nintendo Switch 2

La clave de este remake es que renueva y amplía, pero siendo en todo momento extremadamente fiel y demostrando un respeto por el juego original que no se ve habitualmente en esta clase de trabajos. Eso significa que no vais a encontrar novedades sustanciales, como el hipotético Templo de la Luz, pero sí muchísimas cosas que han cambiado y mejorado.

La aventura sigue siendo en esencia la misma, con las mismas mazmorras, jefes, puzles y momentos clave de la historia, pero desde que presionamos "Start" en el menú principal, se pueden apreciar cambios: la disposición de edificios y otras estructuras en pueblos y ciudades, el relieve y el tamaño de los mapas, la duración del ciclo día/noche y que no se detenga al entrar en ciertas localizaciones, el comportamiento de los enemigos, poder saltar pulsando un botón, que no haya tiempos de carga al entrar en tiendas y casas... La cantidad de cambios que introduce el remake de Ocarina es sencillamente descomunal, tanto que podríamos pasarnos el día entero hablando sólo de eso. Ya veo venir las comparativas en vídeo... y van a ser larguísimas.

Una de las cosas que más llama la atención desde el principio es el control, porque tanto la precisión como las sensaciones a los mandos son una exquisitez. El remake de Ocarina of Time es uno de esos juegos en los que el simple hecho de correr, saltar o atacar da gusto.

El juego original tiene aspectos muy recordados en lo que a control se refiere, como el botón de acción contextual, poder cambiar a vista en primera persona para apuntar o tener varios botones para asignar objetos. En su momento esto fueron cosas revolucionarias o, cómo mínimo, muy llamativas, así que choca empezar a jugar y descubrir que han desaparecido o que no están presentes de la misma manera. Pero no tardas demasiado en darte cuenta de que no están... porque no hacen falta.

El botón contextual está, pero no tiene la misma relevancia en pantalla porque se ha convertido en algo habitual en todos los videojuegos. Apuntar en tercera persona y con ayuda del giroscopio es comodísimo, así que no tenía mucho sentido incluir también vista en primera. Y tengo que admitir que el sistema de selección rápida funciona realmente bien, mejor incluso que en Breath of the Wild y Tears of the Kingdom al no haber tantísimos objetos. En el remake de Ocarina, cambiar entre ítems es tremendamente ágil y te evitas muchas visitas al menú.

Lo curioso es que el combate sigue siendo prácticamente igual; podéis estar tranquilos porque no han metido parrys ni nada por el estilo. Sigue siendo el mismo y sencillo sistema de combate de Ocarina of Time... Puede que incluso más sencillo, dado que en el remake, el botón para fijar a los enemigos y bloquear ataques con el escudo es el mismo. Pero lo que sí han hecho es que sea tremendamente satisfactorio; la sensación de impacto al atizar a los enemigos con la espada es una absoluta pasada. Es TAN buena que, por muy básico que sea el combate, nunca te cansas de derrotar enemigos y ver cómo desaparecen en una nube de humo púrpura.

Luego hablaremos en detalle sobre la dificultad, porque es un tema en el que hay que profundizar, pero os puedo adelantar que algunos enemigos normales tienen patrones de ataque revisados para ajustarse a los cambios en el sistema de control. Y la gran mayoría de jefes cuentan con uno o varios trucos nuevos bajo la manga y algunos de sus ataques hacen más daño. Ahora bien, no esperéis cambios drásticos; siguen siendo los mismos combates contra jefe... salvo en un caso muy particular.

La Sabiduría de la llanura: así ha cambiado Hyrule en el Remake de Zelda Ocarina of Time

Algunos de los cambios más relevantes que se aprecian en el remake de Ocarina of Time vienen heredados de las últimas entregas de la saga Zelda. Ya hemos hablado del sistema de apuntado y la selección rápida de objetos, pero uno de los aspectos heredados que mejor le sientan son las interacciones con los NPCs.

Porque como en Breath of the Wild y Tears of the Kingdom, los residentes de este Hyrule tienen rutinas que siguen en función de la hora del día. Y dado que el tiempo no se detiene al entrar en ciudades, podemos ver cómo siguen esas rutinas en tiempo real.

Pero no se trata simplemente de que por el día estén en un sitio y por la noche en otro; dependiendo de la hora o el punto de la historia en el que nos encontremos, sus diálogos son distintos. Me he hartado de hablar con NPCs porque hay una cantidad absurda de diálogos e interacciones diferentes que por supuesto no estaban en el juego original.

Y lo mejor de todo es que reaccionan; me dio por coger el cuco que la niña persigue en la Ciudadela de Hyrule y eso provocó una reacción en ella. Al lanzar el cuco, un NPC que estaba cerca se sorprendió y esto provocó otra reacción en la niña, que esperó pacientemente a que el animal reanudase la marcha. Lógicamente, no llega (ni pretende llegar) al nivel de interacción de los dos últimos Zelda, pero con estos cambios, han conseguido que Hyrule se sienta mucho más vivo que en el juego original.

Y cuanto más juegas, más cambios salen a la luz. Pero lo verdaderamente bonito de este remake es que cada cambio se ha hecho con el objetivo de darle más sentido a todo lo que se ve en pantalla. En lugar de una vaca encerrada tras unos barrotes dentro de una casa en Kakariko, ahora encontramos una pequeña cuadra tras la casa (acceder a esa cuadra -y a la pieza de corazón- sigue teniendo truco, por supuesto). El Fuego de Din ahora se consigue en la cima de la Montaña de la Muerte y es el primer poder mágico que se obtiene en la aventura; un cambio que tiene muchísimo sentido, porque horas más tarde, se convierte en una herramienta obligatoria para progresar en la historia... y en el juego original era muy fácil pasarlo por alto.

Que, por cierto, la economía también ha sido revisada para evitar que siempre vayamos a tope de rupias. Y las grandes hadas son, precisamente, uno de los nuevos motivos por los que la bolsa nunca va a estar llena; en el remake, se han vuelto unas peseteras que no conceden sus poderes a menos que paguemos lo necesario.

Recuerdo que al pelear contra los Lizalfos en la Caverna de los Dodongos, siempre me hacía un lío y terminaba saliendo por la puerta por la que acababa de entrar; en el remake, la salida está iluminada para dejarlo bien clarito. Y seguro que más de uno se fue alguna vez sin recoger el contenedor de corazón tras derrotar a un jefe en el original... Pues en el remake lo plantan claramente frente al teletransportador para que no te vayas de la mazmorra sin él (salvo que no quieras recogerlo, claro).

Otro cambio bastante llamativo tiene que ver con las grutas secretas cuya entrada sólo aparece si tocamos la Canción de las Tormentas. La única pista que teníamos en el juego original nos la daba la Piedra de la Agonía (la cual requería tener también un Rumble Pack), así que, en el remake, la entrada a esas grutas es visible y tiene un curioso aspecto que nos sugiere lo que debemos hacer para abrirlas. Curiosamente, en su interior y en otras partes de Hyrule, a veces encontramos nuevos puzles. Algunos son muy llamativos, pues nos invitan a jugar con la posibilidad de viajar entre dos puntos en el tiempo para resolverlos.

Esto está relacionada con una de las novedades del remake: los pensamientos de las hadas. Es un sistema de pistas parecido al de las piedras sheikah, con la diferencia de que no hace falta ninguna máscara para leerlos; sólo encontrarlos, pues suelen estar bastante escondidos. Aparte de darnos consejos útiles y plantear los nuevos puzles temporales, también sirven como sustituto para esos puntos del juego original en los que Navi se ponía de color verde y debíamos adivinar que había que tocar una canción para hacer salir a un hada. Así que está muy bien pensado que sea el mensaje dejado por un hada lo que nos da la pista para hacerla aparecer.

Y hablando de máscaras... aquí encontramos otro cambio importante: en el remake, Link adulto también puede utilizarlas. Esto es particularmente interesante en el caso de la Máscara de la Verdad, pues ahora hacer honor a su descripción y nos permite conocer los pensamientos del hablante, aportando nuevas píldoras de información que seguro van a interesar a los mayores apasionados de la historia zeldera.

Se nota a la legua que este remake está hecho con mucho cariño, porque han cubierto absolutamente todos los aspectos que los jugadores han echado en falta en el Zelda Ocarina of Time original durante los últimos 28 años. Estoy convencido de que alguien con el mismo nivel de pasión que los jugadores más hardcore ha supervisado el proyecto para cerciorarse de cuidar hasta el más mínimo detalle, porque hay algunos cambios que son de auténticos chalados, como la nueva ubicación donde se produce la última conversación con Kaepora Gaebora o incluso detalles tontos como lo del tiburón en el laboratorio del lago Hylia.

Cualquier secreto absurdo que recordéis del Ocarina original está aquí presente. Vais a llegar pensando: «seguro que esto lo han quitado o se les ha olvidado» pero no. Incluso se han acordado de mantener la melodía del espantapájaros si esperamos un buen rato tras concluir los créditos.

E insisto: todas las novedades tienen mucho sentido. Cada vez que te cruzas con algo distinto, no puedes evitar asentir y decir «¡pues claro!». Son cambios tan bien pensados, que no juegas únicamente para rememorar el Ocarina original, sino también expectante ante la idea de ver qué más cosas habrán cambiado. Y no se me ocurre mayor halago que ese para un remake; que los cambios sean tan buenos... que tengas ganas de verlos.

Y aun con la ingente cantidad de cambios, este remake también pone en valor el juego original. Porque hay elementos de diseño que ya estaban ahí, pero es ahora cuando realmente los aprecias: el sistema de atajos a través del Bosque Perdido, poder llegar a ciertas zonas antes de tiempo o saltarte otras gracias a la Canción del Espantapájaros, usar a Epona en un sitio concreto para conseguir muy pronto las flechas más poderosas... Por si quedaba alguna duda, jugar a este remake te deja todavía más claro que Ocarina of Time fue un juego adelantado a su tiempo.

El Valor de la mente: las mazmorras, la historia y el apartado audiovisual de Ocarina of Time Remake

Pero estoy seguro de que muchos queréis saber qué ha pasado con las mazmorras; si las han cambiado, si son más fáciles, etc. Y la respuesta es sí, han cambiado cosas en las mazmorras... pero lo más probable es que no lo notéis. Porque, como muchas otras cosas en este remake, han logrado que sintamos que todo es tal y como lo recordábamos.

Podéis estar tranquilos porque en lo que a puzles se refiere, todos son prácticamente iguales y si han cambiado en algo es para hacerlos menos tediosos. Y el diseño de las mazmorras sigue siendo excepcional, especialmente las que visitamos con Link adulto.

Pero han cambiado más cosas de lo que parece con el fin de hacer que todo sea más intuitivo. De esta manera, han conseguido que el progreso a través de las mazmorras esté mejor señalado, es más difícil perderse o no tener claro qué hacer a continuación... pero en ningún momento vais a sentir que os estén dando la solución en bandeja.

Y aun con estos cambios, tanto en las mazmorras como fuera de ellas, hay muchos momentos en los que el juego no te dice exactamente lo que debes hacer o dónde debes ir, confiando en que el jugador sea lo suficientemente inteligente para averiguarlo. Luego volveremos a hablar sobre las mazmorras cuando tratemos el tema de la dificultad.

Ahora, me gustaría hablar un poco sobre la historia, porque también hay novedades en ese aspecto. Como ya hemos visto, en el remake de Ocarina of Time hay muchos diálogos nuevos y los momentos clave de la historia no se quedan atrás. Todas las escenas de vídeo se han ampliado, con nuevas líneas de diálogo y por supuesto con doblaje a distintos idiomas, entre ellos el español.

No puedo evitar ver esto como un pequeño triunfo, porque no olvidemos que en España, el lanzamiento de The Legend of Zelda: Ocarina of Time para Nintendo 64 fue bastante curioso: no hubo tiempo para traducirlo, así que el juego nos llegó en inglés... pero acompañado por la famosa guía de textos. Así que tener este remake no sólo traducido sino también doblado a nuestro idioma (y además con unas voces maravillosas) es la redención con la que se cierra el círculo casi 30 años después (siendo justos, el Ocarina of Time de 3DS también estaba traducido, pero aquí hablamos de un número de diálogos mucho mayor... y voces).

Y aunque las escenas se han ampliado y en algunos casos incluso asistimos a momentos completamente nuevos, la clave vuelve a ser que el remake de Ocarina of Time siempre se mantiene fiel al juego original. De esta manera, han logrado reforzarlo todo: lo que era épico, ahora es aún más épico, lo que era dramático, ahora es aún más dramático y lo que era emocionante... ahora consigue que derramemos alguna lagrimilla.

La ampliación de diálogos en todos los sentidos también significa que por fin descubrimos cosas que nos perdimos en el original, como la relación que existe entre cuatro personajes de Kakariko. Y diréis: «uf, pero si han ampliado tanto los diálogos... ahora Navi debe ser insoportable». Pero, curiosamente, Navi ya no interrumpe continuamente la acción; en su lugar, la mayoría de sus comentarios se muestran en pantalla de forma silenciosa y en tiempo real, así que es menos intrusiva y le acabas cogiendo mucho cariño (yo siempre se lo tuve, pero hay que admitir que ahora se hace querer bastante más).

También hay cambios narrativos muy interesantes en el propio Hyrule para reflejar los acontecimientos de la historia, como que el Bosque Kokiri se quede en completo silencio después de que Link se despida del Árbol Deku, que la Ciudad Goron se llene de rocodillos cuando superamos la Caverna Dodongo, que al entrar en Jabu Jabu haya un pez chapoteando... O cierto cambio en la Región de los Zora que los jugadores siempre han echado en falta y aquí han resuelto de una forma maravillosa.

Pero mi detalle favorito es que en el remake, cuando conseguimos la Ocarina del Tiempo, Link no se deshace de la Ocarina de las Hadas, sino que sigue presente en el menú como un bonito recuerdo de su amiga de la infancia.

Y todo esto nos lleva a hablar del apartado audiovisual, del que ya se ha dicho bastante a raíz de los primeros vídeos que se publicaron. Y os voy a decir una cosa tras haber recorrido hasta el último rincón de Hyrule: con el remake de The Legend of Zelda: Ocarina of Time veo de nuevo a esa Nintendo que hacía juegos con graficazos, algo que no se daba prácticamente desde GameCube.

Porque, a nivel visual, este juego es una locura de bonito. Se podría hacer un vídeo sólo apreciando la gran cantidad de detalles visuales alucinantes que tiene: los palos Deku consumiéndose poco a poco cuando los quemamos, la textura de objetos como las rupias o los corazones (y el sonido que hacen al caer al suelo), la deformación de texturas blandas como las paredes de Jabu Jabu, la impresionante recreación de niebla y humo, que reaccionan en tiempo real a los movimientos de Link y los enemigos, que el Bosque Kokiri sea realmente un bosque y esté repleto de árboles, matorrales y demás vegetación que reacciona al paso de Link, que el agua del Lago Hylia sea más azul y cristalina que nunca, la forma en que la luz golpea la hierba a diferentes horas del día... El remake de Ocarina es un portento visual; hoy por hoy, no se me ocurre ningún otro juego de Nintendo Switch 2 que se vea y se mueva mejor. Porque, para rematar, se mueve a 60fps más sólidos que una espada forjada por Biggoron.

Y sí, cuesta un poco acostumbrarse a los nuevos diseños de los personajes. Pero me he dado cuenta de que esto se debe a que los originales están grabados a fuego en nuestra memoria, así que cualquier cambio que hiciesen iba a resultar extraño. Pero una vez superas la fase de adaptación, empiezas a apreciar el gran trabajo que han hecho con todo el mundo, porque todos los personajes encajan a la perfección en este nuevo Hyrule, infinitamente más detallado.

Es más, también han sido muy respetuosos en este aspecto, así que todos los personajes que tenían un diseño extravagante, lo han mantenido. Y todos los enemigos que tenían un diseño espeluznante... ahora dan incluso más miedo. Por respetar, incluso han respetado los potros de tortura que hay en cierta mazmorra y las manchas a su alrededor (aunque tienen un color más oscuro y menos rojizo).

El único aspecto negativo que le veo es que el juego pega un pequeño bajón visual cuando lo jugamos en modo portátil. Puede deberse a la ausencia de algún tipo de anti-aliasing para suavizar la imagen, porque al jugar de esta manera los dientes de sierra son mucho más llamativos.

También creo que los reflejos sobre los modelos de los personajes necesitan algo más de trabajo, pues cuando se mojan debido a la lluvia o al entrar en cuerpos de agua, se produce un efecto extraño, como si fuesen muñecos de porcelana, y se afea la textura del pelo. Pero se trata de algo muy puntual que no resta a la enorme calidad visual que exhibe el juego.

En cuanto a la banda sonora... Lo mejor que se puede decir de ella es que, pese a estar completamente renovada y recreada utilizando instrumentos reales (porque recordemos que la original estaba en formato MIDI), todas las canciones suenan exactamente igual que como las recordábamos. Y eso es un logro tremendo, porque es muy sencillo cambiar una nota aquí o allá y estropear un tema mítico por completo. Pero no: las legendarias melodías compuestas por Koji Kondo suenan de maravilla en este remake.

Esto era un aspecto clave, pues hablamos de un banda sonora en la que no hay ni un sólo tema que no sea memorable (pero ni uno, ¿eh?). Además, la música tiene un papel importantísimo dentro del propio juego, así que renovar las melodías y conseguir que sonasen igual era esencial para teletransportarnos a otra época. Y lo han conseguido.

Además, también se puede escuchar algún tema nuevo en momentos puntuales y se han incluido versiones con un ritmo más lento de las canciones de las zonas habitadas que se escuchan cuando cae la noche. Un gran detalle.

La lucha contra el mal: ¿es difícil The Legend of Zelda: Ocarina of Time Remake?

Y ahora sí, hablemos de la dificultad. Y lo digo: creo que el remake de Ocarina of Time es más fácil que el juego original... pero con matices. Al jugar, no ha habido ningún enemigo ni ningún jefe que me haya supuesto un desafío. Y seguro que muchos ya estáis pensando: «pues claro, como en el Ocarina of Time original».

Pero esa es la clave: he hecho el ejercicio de volver al original tras terminar el remake... y menuda diferencia. Al controlar al "viejo" Link, me he sentido mucho más lento y eso supone un incremento en la dificultad, por ejemplo, al luchar contra los Stalfos; en el original, presentaban un desafío; esquivar sus ataques era casi tan complicado como encontrar el momento justo para dañarlos. Eran la clase de enemigo que siempre te hacía sudar. Mientras que, en el remake, los puedes despachar exactamente de la misma forma: esquivando sus ataques y buscando el hueco... pero los derrotas sin derramar ni una gota de sudor.

Lo que quiero decir con esto es que no creo que le hayan reducido la dificultad al juego, sino que es una consecuencia de lo bien que responden los controles y de todos esos cambios que agilizan la acción. Es más, ni los enemigos con nuevos patrones de ataque ni los jefes con trucos nuevos pueden evitar que te abras paso a través de ellos sin demasiados problemas. Incluso los minijuegos son todos ahora realmente sencillos.

Hay ciertas cosas que han facilitado ligeramente, pero son aquellas que eran más tediosas que complicadas, como la infiltración en el castillo de Hyrule y la fortaleza Gerudo o la mayoría de puzles y situaciones que había que completar dentro de un límite de tiempo.

También puede parecer que las mazmorras son más fáciles, pero, de nuevo, no creo que sea así. Como decía ante, los puzles son prácticamente idénticos, pero ahora todo es más intuitivo y hay decenas de cambios que te ahorran tiempo: los enemigos no reaparecen al salir de las habitaciones, el minimapa es más claro y muestra tu posición exacta en todo momento, no hay que reorientar la cámara al explorar o apuntar lentamente en primera persona... Y, por supuesto, no hay que entrar y salir del menú continuamente para cambiar objetos. Por eso, también da la impresión de que en el original podíamos tirarnos atascados en una mazmorra varios días... y aquí se superan en una hora o incluso menos.

Lo curioso es que pensaba que me iba a molestar más este "descenso" en la dificultad, pero todo es tan satisfactorio que ni me he enterado. De hecho, he tenido que volver al juego original para ser plenamente consciente de la diferencia. De nuevo, este remake logra que sintamos que todo es tal y como lo recordábamos... pese a la gran cantidad de cambios que incluye. Aun así y sobre todo de cara a los jugadores veteranos, no habría estado mal incluir una dificultad más elevada al terminar la partida, como han hecho otras entregas de la saga Zelda.

Porque, al hablar de la dificultad y de si el Remake de Ocarina es un juego fácil o difícil, creo que también es muy importante tener en cuenta que los que jugamos al original ya nos lo sabemos todo: qué hacer a continuación para progresar, cómo resolver los puzles, cómo derrotar a los jefes... Así que, por esa parte, es virtualmente imposible que sea difícil. Pero, para alguien que juegue por primera vez, seguramente las cosas sean muy distintas. Es más, tengo muchísima curiosidad por ver qué piensan de las mazmorras y los jefes los jugadores que van a experimentar Ocarina of Time por primera vez con este remake. Que por cierto: qué envidia poder disfrutar de Ocarina por primera vez.

Siempre he pensado que sería increíble poder olvidar todo lo que sé sobre el juego para experimentarlo a ciegas. Es decir, imaginad jugar a Ocarina sin saber lo que sucede cuando Link saca la Espada Maestra del pedestal. Lo dicho: si va a ser vuestra primera vez... no sabéis la suerte que tenéis.

El Héroe del Tiempo: ¿cuántas horas dura la historia de The Legend of Zelda: Ocarina of Time Remake?

Completar el remake de The Legend of Zelda: Ocarina of Time al 100% me ha llevado 35 horas o más según el medidor de la propia Nintendo Switch 2.

Nintendo nos ha facilitado el juego con mucha antelación (algo que siempre hay que agradecer), así que he jugado con calma, explorando a fondo, hablando con todo el mundo, comprobando los cambios e incluso tomando notas para acordarme de probar cosas o volver a ciertos sitios más tarde.

En el caso del remake de Ocarina, obtener el 100% significa que he completado la cadena de intercambios de la espada Biggoron, encontrado todas las piezas de corazón y cazado las 100 Skulltulas doradas. Para esto último, por cierto, hay un nuevo objeto que ayuda bastante a la hora de localizarlas.

Y como extra, el remake también incluye el Coliseo de los Monstruos. Se trata de una zona especial a la que accedemos desde cualquier cama de Hyrule y donde podemos tanto comprobar los datos de los enemigos y jefes ya derrotados, como volver a enfrentarnos a ellos. Además, al ir progresando en la historia, desbloqueamos tres circuitos en los que hacemos frente a una serie de jefes.

Y eso es todo; no hay modo Master Quest ni, como decía antes, una dificultad desbloqueable. Puedo entender por qué no han metido el modo Master Quest (que, recordemos, sí estaba en Ocarina of Time 3D), pues dada la gran cantidad de cambios que incluye el remake, no bastaría con simplemente "copiar y pegar"; habría que rediseñar las mazmorras y eso llevaría su tiempo. Ahora bien, tal y como funcionan las cosas hoy en día, no podemos descartar que Nintendo dé la sorpresa y añada alguna novedad después del lanzamiento.

Por un puñado de rupias: precio y plataformas disponibles

El remake de The Legend of Zelda: Ocarina of Time se lanza para Nintendo Switch 2 el 5 de noviembre a un precio recomendado de 59,99€ en formato digital y 69,99€ en formato físico.

No hay una edición coleccionista y, desgraciadamente, el cartucho no es dorado pero, si sois afortunados y reservasteis una de las primeras ediciones, podéis llevaros una carátula foil.

Además, al tratarse de un juego first party de Nintendo, no se trata de una Game-Key Card; el cartucho incluye el juego al completo, sin necesidad de descargas o conexión a Internet para jugar.

24 gigas de ORO PURO

The Legend of Zelda: Ocarina of Time entra directo al Olimpo de los mejores remakes de la historia. Podríamos incluso considerarlo un manual de cómo hacer el remake perfecto: renovado en lo audiovisual, mejorado en lo jugable y ampliado en todos los frentes, pero siempre consciente y respetuoso de sus orígenes. Jamás pensé que diría esto, pero me va a costar mucho volver al Ocarina original... y es algo que no me pasó con el de 3DS.

Dice mucho de lo buen remake que es, que sólo eche de menos minucias, como la melodía de las hadas al seleccionar partida (es criminal que no se pueda tener más de una partida guardada por perfil) que al obtener cierto don el contorno de los corazones no sea de color blanco, no poder usar el gancho en los tejados de Kakariko... o que si le quito la gorra al dependiente del estanque de pesca, no aparezca sin ella en los créditos. Pero ya lo veis: son cosas muy pequeñas y específicas. El juego -la experiencia- es absolutamente maravillosa. Tan maravillosa en 2026... como lo era en 1998.

Porque incluso hoy en día, con todos los avances que ha habido en los últimos 30 años, Ocarina of Time sigue siendo un juego sorprendente, divertido, épico, emocionante... Un juego en el que estás continuamente haciendo cosas distintas: correr, saltar, montar a caballo, pelear con espada y escudo, disparar a distancia con tirachinas o arco, poner bombas, usar magia, nadar, bucear, caminar por el fondo marino... Y, por supuesto, alterar los elementos con la ocarina y viajar en el tiempo con la Espada Maestra. Es increíble que fuesen capaces de encajar todo eso (y más) en un cartucho de 256 megas (de oro puro).

Y, evidentemente, este remake no tiene el mismo impacto que tuvo el original; no va a suponer un punto de inflexión y nadie va a copiar sus mecánicas... pero porque la influencia de Ocarina of Time sigue siendo patente en literalmente todos los juegos de acción y aventura 3D. Y eso no quita que este remake pueda tener impacto a su manera sobre la industria, una industria que se ha vuelto muy cínica con el paso del tiempo y en la que un juego como este es como un rayo de luz en la oscuridad. Porque es un juego mágico y muy puro; un cuento de hadas con un héroe, un villano y una princesa.

Un juego que consigue que verdaderamente te sientas como un Héroe del Tiempo, un juego en el que no empuñas un mando sino la Espada Maestra y donde cambiar el mundo con el poder de la música es posible gracias a una ocarina. Un juego en el que sigues pensando cuando te vas a dormir.

Es increíble estar jugando a algo que sabes exactamente cuándo y cómo acaba y, aun así, no querer que se termine nunca. Porque da igual el tiempo que pase: siempre será uno de los mejores juegos de la historia. Hubo un momento, muy cerca ya del final de la aventura, donde me sorprendí a mí mismo al borde del asiento, con el corazón latiendo a mil por hora. Ahí me di cuenta de que estaba presenciando historia de los videojuegos... otra vez.

Y cuando los créditos llegan a su fin y mientras una lágrima recorre tu mejilla, descubres que tú también has viajado en el tiempo. Porque el reflejo que te devuelve la mirada al otro lado de la pantalla... es el de un niño.

Frente a la moda establecida de los mandos Pro que, sí, son super completos y versátiles, pero cuestan un ojo de la cara, tal y como vamos a ver en este análisis de Xbox Nano, este nuevo mando busca satisfacer la necesidad opuesta: un mando "de guerrilla", que os sirva para organizar algo rápido, ya sea con vuestra consola Xbox, un PC con Windows 11 o incluso una smart TV que sea compatible.

Así es el mando Xbox Nano

Sobre el papel, tiene todo lo que ofrece el mando estándar de Xbox Series, salvo la vibración y la toma de cascos por jack. Es decir: doble stick, cruceta, los cuatro botones frontales de acción, los tres botones de función y los cuatro botones superiores (dos de ellos gatillos).

La gran diferencia están en que todo tiene un factor de forma más pequeño. Tanto los joysticks como los botones se han reducido y la forma de sujetar el mando está claramente pensada (según la propia Microsoft) "para manos más pequeñas".

Eso no significa que unas manos "estándar" no puedan usarlo, pero es verdad que hay que forzar un pelín más la postura, sin que llegue a ser incómodo.

A diferencia del mando normal, aquí no hay alimentación por pilas, sino que tiene una batería interna que se carga por USB-C.

Al incluir Bluetooth, podemos conectarle unos cascos inalámbricos y, claro, también vincular el propio mando a un PC, una consola, un móvil o una tele que sea compatible (suelen serlo la mayoría de las LG y las Samsung Smart TV lanzadas a partir de 2020).

Con la app llamada Accesorios de Xbox podéis actualizar su firmware y remapear los botones, si así lo queréis. A nosotros nos ha funcionado mejor en una consola Xbox, pero en principio podéis hacerlo también en un PC.

La experiencia Xbox, al alcance de tu bolsillo

Así pues, estás funciones básicas y su reducido tamaño (cabe sin problema en un bolsillo normal de pantalón) hacen de Xbox Nano una alternativa muy interesante para viajes o para visitas a casa de un amigo para sesiones multijugador.

La forma en que lo publicita la marca (recomendándolo para títulos como Minecraft Dungeons II) hace pensar que intentan atraer al público más joven, pero su propuesta tiene también sus pegas.

A la ausencia del puerto jack y la vibración hay que añadir que la caja ni siquiera incluye un cable para la carga, ni una funda de transporte, ni un folleto de "puesta rápida en marcha", solo unas advertencias de seguridad.

Que todo ello se venda por un precio recomendado de 49,99 euros no es súper caro, pero quizá nos hubiera parecido más justo un rango de precio un pelín más bajo, existiendo mandos third party similares por bastante menos. El mando inalámbrico normal se puede conseguir por 59,99 euros, para que os hagáis una idea.

En cualquier caso, si lo que queréis es un mando muy transportable y que os saque de un apuro en una amplia variedad de dispositivos, Xbox Nano siempre estará al alcance de vuestra mano... y hasta os sobrará espacio en ella.

A estas alturas, Switch 2 no tiene nada que demostrar. Ports como Call of Duty Modern Warfare 4 u Onimusha Way of the Sword lo han dejado claro y en este análisis de Stellar Blade Complete Edition para Nintendo Switch 2 voy a señalar por qué "la consola para todo" es el hardware más en forma de la actualidad.

No obstante, en esta review no me detendré en aspectos como el gameplay, narrativa o dificultad (no dudes en consultar el análisis de Stellar Blade que publicamos en su momento). Aquí me centraré en detallar los aspectos técnicos y novedades de esta versión.

El contenido de Stellar Blade Complete Edition en Switch 2

Como comentaba, Stellar Blade Complete Edition es la edición definitiva del juego lanzado en 2024. Esto quiere decir que Shift-Up ha introducido todo el contenido que ha ido llegando en estos años... más alguna que otra novedad relacionada con cierta saga.

Por lo tanto, en esta Complete Edition encontrarás todas las mejoras que se implementaron vía parche (como el modo foto, correcciones, nuevos outfits o eventos). También se incluye el DLC de pago de NieR:Automata y Goddess of Victory Nikke y los contenidos adicionales de la edición Deluxe (trajes, EXP y más).

Por último, la gran novedad es la incorporación de cuatro trajes para Eve en colaboración con la saga Bayonetta (también disponible gratis en PS5 y PC). Estos outfits se pueden reclamar nada más comenzar a jugar y encantarán a los fans de la bruja de Umbra.

Así luce Stellar Blade en Switch 2: gráficos, rendimiento y características

Stellar Blade Complete Edition cuenta con una importante particularidad en Nintendo Switch 2 al ofrecer 60 fps, tanto en modo portátil, como en modo dock. Esto es posible gracias a la generación de fotogramas de AMD FSR 3.1 (interpolación de frames), que no hemos visto en la consola salvo en el port de Dragon's Dogma 2.

De base, el juego corre a 30 fps, pero gracias a esta opción (se puede desactivar desde el menú) alcanza los 60 fps, aunque con caídas que pueden dejarlo en 30/40/45 fps en algunos momentos específicos.

¿Cómo se siente? Con generación de frames, Stellar Blade consigue una fluidez que le coloca a la altura de las versiones de otras plataformas, aunque es cierto que se aprecian "bajones" ocasionales y un sacrificio gráfico (del que hablaré más adelante).

En combates contra jefes que generan muchos efectos en pantalla o contra grupos de enemigos, el juego presenta caídas evidentes, que no están presentes en el modo 30 fps (donde todo es mucho más sólido).

Aún así, creo que Shift-Up ha conseguido una gran optimización, más teniendo en cuenta que esa generación de frames puede causar problemas de latencia, algo que no he acusado en exceso.

Y en lo que respecta a resolución, con la consola acoplada al dock, Stellar Blade alcanza los 1080p rescalados con el portentoso Nvidia DLSS volviendo a hacer maravillas, mientras que resiste a 720p... "Naytibos" jugando en modo portátil. ¿Cómo luce el juego?

En general, el resultado me ha convencido sobradamente. Hay una reducción en el detalle de los escenarios y por momentos, los rostros de los personajes "in game" presentan una falta de definición clara (especialmente en portátil) y hay ciertos borrones en pantalla bajo determinados ángulos, pero, una vez más, el resultado es solvente.

En los combates más exigentes y espectaculares sí que se aprecia más ese sacrificio con artefactos extraños en pantalla, una distorsión de elementos algo molesta o una mayor evidencia de los dientes de sierra (como si el antialiasing no rindiera bien), pero son casos que pasas por alto a cambio de poder jugar en cualquier parte.

En materia de iluminación todo se mantiene a un buen nivel y no he notado petardeos ocasionales en cambios de zonas con diferente luz, ni en escenas cinemáticas (como lo que vimos en The Witcher 3 Remastered). Hay algún bug gráfico por ahí suelto en esta materia, pero nada que arruine la experiencia.

Tampoco he detectado un excesivo popping, solo una caída bien visible de fps en los enemigos que se encuentran a una distancia importante de Eve, que parece que van "a saltitos". Pero incluso, con este detalle, el juego sigue rindiendo bien.

No obstante, la configuración predeterminada gráfica es mejor toquetearla para reducir levemente la nitidez, el desenfoque de movimiento y la vibración de la cámara. Al bajar sus niveles creo que se obtiene un resultado mucho más firme y vistoso.

También recomiendo reducir la longitud de la coleta de Eve. Stellar Blade (como tantos otros ports) presenta problemas en la representación del pelo (aunque no tantos como esperaba). La coleta genera artefactos en torno a su figura, por lo que, mejor reducir su tamaño en opciones para que el modelo luzca menos emborronado.

Y pese a estos problemas, como ya habrás notado, Shift-Up introduce cantidad de opciones de configuración para personalizar el juego a tu gusto. Esto también incluye una buena variedad de controles, en los que se introducen las opciones propias y exclusivas de Switch 2.

El juego introduce controles táctiles, apuntado con el giroscopio y también modo ratón para controlar la cámara. Son opciones testimoniales, pero que ahí están para quien las desee experimentar.

Y en cuanto a pantallas de carga, la espera es mayor en otras versiones, pero no demasiado. Destacaría un pequeño retardo en la aparición del menú principal "in game" (pero nada tan grave como lo experimentado de lanzamiento en El Señor de los Anillos: Sombras de Guerra).

El precio y características de la edición de Stellar Blade en Nintendo Switch 2

Stellar Blade Complete Edition está disponible en formato físico y digital en Nintendo Switch 2 a un precio de 59,99 euros. Solo hay una edición e incluye todo lo antes mencionado en este análisis.

Los coleccionistas estarán encantados ya que Stellar Blade Complete Edition incluye todo en el cartucho (NO es una Tarjeta Llave o Game Key-Card). El historial de Corea del Sur está siendo digno de aplauso con esta política (Lies of P Complete Edition también está disponible con una edición física de verdad).

Un poco más "estelar" en Nintendo Switch 2

Stellar Blade Complete Edition es una más que sólida versión para un juego que ha ido mejorando con el paso de los años tras abrir la lata de los hack and slash inspirados en soulslikes que, como Phantom Blade Zero, ahora copan todas las portadas.

Como juego, algunos de sus planteamientos no terminan de golpear como deberían, pero no se puede negar que la aventura postapocalíptica de Eve tiene una gran pegada gracias a una atractiva versión que Switch 2 engalana de lo lindo.

Este port, pese a los sacrificios en materia de rendimiento y gráficos, demuestra (por enésima vez) que la consola puede soportar casi cualquier cosa. Stellar Blade Complete Edition ofrece una fantástica experiencia jugando como y donde quieras.

El juego original, lanzado allá por 2021 para todas las plataformas, tuvo también una versión “cloud” para la primera Switch, pero su puso un cierto “quiero y no puedo” que ahora se solventa con una versión mucho más satisfactoria para su sucesora.

En este análisis nos centraremos más en el rendimiento y novedades de esta versión de Switch 2, así que solo os daremos unas pinceladas de la dinámica de juego.

Venga, gente, somos un equipo

A grandes rasgos, Marvel's Guardians of the Galaxy es una aventura de acción lineal, en la que controlamos al carismático Star-Lord mientras combatimos, exploramos un pelín, saltamos otro poco y, para sorpresa de varios en su momento, también resolvemos un montón de puzzles en los escenarios.

Tanto ahí como en los combates se pone mucho el foco en que estamos liderando el equipo.

Aunque no controlamos directamente a Gamora, Rocket, Drax o Groot, sí podemos darles órdenes para que despejen el camino (Groot hace puentes con ramas, Gamora puede cortar objetos con sus espadas, etc.) o bien para que hagan ataques concretos en combate.

Además de dar las órdenes concretas al equipo en cada momento, hemos de motivarlos cuando el combate se haga cuesta arriba o tomar decisiones morales en muchos momentos clave (¿metemos a Groot o a Rocket en una jaula para engañar a Lady Infierno?) que pueden llegar a ramificar la historia.

Todo esto hace que el equipo se sienta “vivo”, cercano, y creamos que de verdad son una de esas familias disfuncionales que a pesar de sus constantes reproches, se tienen cariño. Mola ver que se cachondeen de ti incluso cuando te desvías del camino principal para buscar objetos...

Este sistema de juego y, sobre todo, una narrativa magnífica llena de referencias a todo el universo Marvel (Thanos, los chitauri, los Nova Corps, etc.), apoyada por un diseño artístico fabuloso y muy colorido convirtieron a Guardians of the Galaxy en una de las sorpresas más agradables de 2021. ¿Y qué tal ha sido trasladado a Switch 2?

Sólido como un buen vinilo

En primer lugar, tenemos que decir que el rendimiento técnico es absolutamente convincente. Jugando en modo dock y con el modo por defecto de Calidad (1440p y una media de 30 frames por segundo) la sensación es la de ver un lanzamiento nuevo.

Es cierto que el HDR y el ya mencionado magnífico diseño artístico ayudan mucho, pero de verdad sigue siendo un juego súper bonito en pleno 2026.

La fluidez es bastante sólida e incluso diríamos que hay varios momentos en los que se supera esa tasa de 30 frames por segundo. En los combates, que es cuando más importa, hay un gran desempeño, si bien hay otros momentos (como cuando hay espejos con reflejos detallados) en los que la tasa baja notablemente.

Existe un modo Rendimiento en 1080p que apunta a unos 40 frames por segundo, pero en este caso (y sin que sirva de precedente) casi nos quedamos con el modo Calidad, porque visualmente marca la diferencia y tenemos más momentos fluidos que lo contrario.

El modo portátil se ve muy bien en la pantalla de la consola, pero es cierto que aquí sí se nota más la bajada de frames.

No es que sea injugable, ni mucho menos, pero en este juego está claro que se disfruta mucho más jugando en modo dock y en una pantalla bien grande.

A un rendimiento técnico notable se unen el resto de bonanzas que tenía el juego base: unos modelados de personajes fabulosos, escenarios llenos de detalle, efectos especiales chulísimos...

Es verdad que también se mantienen algunos defectos del original, como una cierta falta de expresividad de los Guardianes en los diálogos de la nave y cierta falta de sincronización labial (en escenas de corte movidas en tiempo real sí lucen mucho), pero la media es muy impactante.

A nivel sonoro, se mantiene el espectacular doblaje al castellano, con varios de los actores de la película retomando sus papeles aquí, con la excepción más notoria del propio Star-Lord. El actor hace un gran trabajo y es muy divertido, pero su tono de voz no parece pegar con el personaje...

En cualquier caso, escuchar las pullas de Rocket, las reflexiones de Drax o incluso los “yo soy Groot” es divertidísimo.

La banda sonora también se mantiene e incluye temazos increíbles como The Final Countdown o Holding Out for a Hero, entre muchos otros. Se ha conservado el modo streamer, por si queréis darle caña en Twitch o Youtube con melodías sin copyright.

Todo esto es prácticamente idéntico a la versión original de 2021, pero también se han incorporado mejoras pensadas para Switch 2.

Llegamos a un nuevo planeta

Por un lado, tenemos el control por giroscopio (ojo, que viene desactivado por defecto) para los momentos en gravedad cero y cuando controlamos la icónica nave Milano.

Es más divertido que con los controles tradicionales, así que merece la pena probarlo, si bien estos tramos en el espacio son poco habituales a lo largo de la aventura.

Por otro lado, tenemos el modo ratón, que podemos activar al vuelo en cualquier momento, simplemente colocando el joy-con derecho en la posición correcta, sobre una superficie.

Esto sirve para controlar la cámara con el movimiento de la mano derecha, en vez de con el stick. Resulta curioso, pero en este caso concreto nos parece más cómodo el control tradicional con doble stick.

Y, para terminar, se ha añadido un conjunto extra de trajes para los protagonistas, esta vez con un estilo glam que haría las delicias del amigo James Gunn.

Valoración de Hobby Consolas y precio y duración de Guardians of the Galaxy

Ninguna de las novedades altera a un nivel importante la experiencia de juego, pero se agradece que introduzcan esos pequeños extras a un título que ya de por sí era estupendo.

Como era de esperar, se lanza a un precio algo más reducido (PVP recomendado de 39,99 euros), así que las 15 horas de juego que proporciona como mínimo están bien invertidas. Eso sí, aviso de que la edición física es una Key Card...

Guardians of the Galaxy Encore Edition demuestra una vez más que Switch 2 está capacitada para darnos una experiencia digna de la generación PS4, pero en modo portátil y con extras de cosecha propia, lo que hace que ni el mismo Coleccionista se atreva a pasar de esta caza.

Pocas experiencias recientes se pueden comparar a la sufrida e inolvidable ascensión al monte Kami que nos dejó Cairn. The Game Bakers (creadores de Haven o Furi), gestaron un título tan llamativo como ingenioso y ahora, lo engalanan con una expansión.

Hablamos de un DLC que parece ser el primero de una serie de pruebas que actúan como precuela de los acontecimientos vistos en el juego base, con Aava antes de llegar a la meta final de todo escalador. Al contrario que en la aventura principal, On the Trail: Deep Water nos cuenta cómo se preparó la protagonista para afrontar ese desafío.

El DLC no es especialmente largo, ni complejo. On the Trail no añade nuevas mecánicas, pero sí más experiencias de escalada que conservan toda la magia vista anteriormente, a la par que añaden algunas pruebas la mar de interesantes si ya jugaste (aunque no es necesario pasarte el juego para disfrutar del nuevo contenido).

Cairn sube de grado con On the Trail: Deep Water

El DLC propone una suerte de gincana para Aava (aunque también podemos jugar con Marco, que presenta un estilo diferente de escalada, con movimientos algo distintos), quien debe seguir la pista de un legendario escalador que ha ayudado a prepararse a los aspirantes que desean subir el letal e imponente Kami.

En cada uno de los escenarios de este DLC hay que encontrar una pequeña caja que permite desbloquear el siguiente nuevo mapa de los tres que se incluyen en este nuevo contenido, pero antes hay que gestionar la mochila escogiendo materiales y recursos, una pequeña novedad que juega con el peso y tu energía de cara a completar el objetivo (si se te acaba tendrás que volver a empezar).

On the Trail comienza en el rocódromo de Lamu y tengo que decir que aquí está el primer acierto de la expansión. Si bien el tutorial del juego era un rocódromo, quienes pasamos horas y horas haciendo escalada indoor pedíamos a gritos un "roco" más grande dentro del juego.

Ya lo tenemos y este cuenta con más de once vías de creciente dificultad que permiten desarrollar técnicas de escalada al margen de la dura roca. Esta localización, además, esconde algunos secretos que dan a conocer a ese escalador que está entrenando a Aava.

La segunda región de escalada es los acantilados de Haken, una zona muy interesante, ya que permite practicar psicobloc (escalada sobre el agua). Así que, si te precipitas al vacío, ahora no mueres, sino que emerges tras un buen chapuzón en estas tropicales aguas.

Este nivel "acuático" presenta un pilar tremendamente vertical y lo cierto es que sus variados largos son bastante desafiantes. Además, The Game Bakers vuelve a engalanar la ascensión con zonas secretas, pequeñas misiones (como dar con una llave que permite conseguir recursos) y más lore acerca del personaje secundario del DLC.

La tercera zona es la más interesante de todas. La isla Ruka (abstenerse de hacer la rima fácil), lleva el psicobloc al siguiente nivel al presentar unas paredes con un desplome de más de 45 grados en algunas zonas, que aportan una salsa especial a una ascensión al faro de la isla que se puede realizar de más de una decena de maneras.

Por supuesto, hay vías más fáciles que otras, pero si te aventuras por las zonas más complicadas sigues profundizando en la pequeña, pero atractiva narrativa del DLC... que se queda a medias, ya que al terminar el objetivo, The Game Bakers anticipa que tendremos más contenido en el futuro, empezando por una atracción abandonada que muchos escaladores usan para desarrollar nuevas técnicas.

Ya estamos en el 7A

Completar On the Trail: Deep Water me ha llevado unas tres horas, aunque puedes alargarte un poco más y probar nuevas vías para desafiarte, lo que seguro que te ofrece otras dos horas de contenido.

Y pese a que no hay nada de innovador dentro de la propuesta de este DLC, este ofrece el preludio de una pequeña nueva historia sobre los orígenes de Aava como alpinista de élite, a la par que añade nuevas localizaciones tropicales muy diferenciadas del escarpado Kami.

Me habría gustado ver alguna mecánica distintiva más que expandiese el gameplay de alguna manera, pero The Game Bakers cumple de sobra con este pequeño regalo. Cairn ya era un juego increíble... y ahora lo es un poco más. Sigue subiendo, que aún queda vía que escalar.

No es la primera vez que los trogloditas intentan regresar desde los años 90, como prueba el desastroso remake New Joe & Mac lanzado hace pocos años.

Esta vez, se unen al incensante (e interesante) torrente de recopilatorios retro en consolas y PC, cuyo último representante, Toy Story Retro Roundup llegó hace apenas unos días. Son los chicos de Red Art Games quienes recuperan los tres Joe & Mac lanzados en Super Nintendo para este recopilatorio, con varias mejoras. Pero primero conozcamos los juegos...

Caveman Ninja

Sin duda, el primer Joe & Mac es el más conocido por todos, ya que primero pasó por las máquinas arcade y de ahí se adaptó a SNES, Mega Drive, Game Boy o Amiga, entre otros.

Es un plataformas de acción con tanto peso en los saltos como en los ataques a los esquivos dinosaurios y trogloditas enemigos y con los gigantescos jefes finales como guinda del pastel cocinado por Data East.

La versión SNES de Joe & Mac, que es la que tenemos aquí, es sorprendentemente fiel al arcade en su jugabilidad, pero varios elementos, como el mapa para elegir nivel o el número de finales (2, en lugar de 3) es diferente. El manejo de los protas es un pelín lento, pero sigue siendo divertido.

La segunda parte, llamada Congo's Caper, se lanzó ya solo en SNES y cambia por completo de protagonista. Ahora somos un monito que puede transformarse en humano y viceversa (si somos golpeados) y, aunque sigue siendo un plataformas de acción, aquí los saltos verticales y las persecuciones tienen mucho más peso.

Tiene un control más durillo que el primer juego, pero también es más original y colorido.

Sin duda, el mejor juego del pack es Joe & Mac 3, que recuperó a los héroes originales y mantuvo la fórmula pero añadió elementos de RPG, como la posibilidad de personalizar nuestra choza, charlar con los habitantes del pueblo o incluso iniciar un romance con nuestra "pretendienta".

Tiene, además, unos gráficos mucho más pulidos y un control más cómodo, pero eso no quita que muchos niveles supongan un verdadero desafío.

En conjunto, los tres juegos suponen experiencias muy interesantes y bastante divertidas (mola mucho conseguir "disparos" y ataques diferentes o descubrir las caras de broma de los protas y enemigos en diferentes situaciones), pero en nuestra opinión el tercer juego es el más pulido, de lejos.

Todo esto ya era propio de los juegos en cartucho, pero, ¿qué aporta este recopilatorio? En Red Art no se han vuelto locos con las opciones, pero están todas las necesarias para disfrutar de una partida más moderna.

De la prehistoria a la modernidad

Antes de nada, os dejamos claro que se conserva el multijugador local, ya sea cooperativo (alternado o simultáneo) o competitivo, dependiendo del juego.

A nivel gráfico, podemos poner proporción 4:3, pixel perfect o estirada, además de un sencillo filtro CRT que distorsiona un pelín y añade scanlines, pero no podemos configurar nada más, al margen de unos marcos para los laterales de la pantalla.

Durante la partida, podemos pausar en cualquier momento para consultar los controles, rebobinar unos segundos si metemos la pata (cosa común en juegos con algunos saltos muy medidos) y guardar la partida cuando queramos, con 3 slots por juego.

Además, desde el menú de inicio de cada juego, es posible elegir entre la partida normal o un interesante modo Boss Rush, que nos enfrenta a los jefes de cada juego del tirón.

También podemos acceder a una galería con diferentes ilustraciones (tampoco una barbaridad, por cierto, pues la mayoría son bocetos de los nuevos dibujos creados para el recopilatorio) y, lo mejor, un "vistazo virtual" a las cajas, manuales y cartuchos originales.

Este aspecto nos ha parecido bastante trabajado: podemos rotar las cajas, simular que las abrimos y ver con todo detalle tanto los cartuchos (de las diferentes regiones) como los manuales, página a página.

El conjunto del recopilatorio queda simpático, pero está claro que se podía haber llegado bastante más lejos.

Por un lado, respecto al primer juego habría sido más interesante incluir la versión Mega Drive (más fiel a la original) o, claro, el propio juego Arcade, que se controla y luce mucho mejor.

Además, falta por incluir Joe & Mac Returns, el cuarto juego, lanzado en arcade en 1994 y que tenía un esquema de juego sin scroll más cercano a títulos como Snow Bros.

En ese sentido, el haberse quedado vinculados solo a SNES (entendemos que por algún tipo de acuerdo con Nintendo) hace que se haya sacrificado algo de la calidad total que podría haber alcanzado el título.

Precio de Joe & Mac Retro Collection y opinión de Hobby Consolas

En cualquier caso, este es un recopilatorio muy agradable y colorido. En digital sale muy bien de precio (19,99 euros), pero también tenéis edición física a 39,99 euros, con carátula reversible y manual de instrucciones.

Si sois muy fanáticos, existe una edición Coleccionista por 69,95, que incluye 3 chapas, póster doble, stand acrílico y caja exclusiva. Ahí el precio nos parece algo alto de más, pero sobre gustos...

Sea como sea, Joe & Mac Retro Collection supone un simpático regreso a los tiempos en los que los grandes héroes pixelados daban cachiporrazos y se sanaban a base de comer muslazos de mamut.

Al igual que pasaba en aquellos juegos, aquí tenemos una aventura con toques de terror que se juega desde una perspectiva elevada, pero esta vez con la ciencia ficción como telón de fondo.

La protagonista es una especie de técnica o ingeniera cuyo nombre desconocemos. Acompañada de unos intimidantes guardias, desciende hasta unas instalaciones abandonadas para investigar unas misteriosas perturbaciones e intentar poner la energía en marcha de nuevo.

El abismo de "help"

No conocemos casi nada del contexto, solo que unos extraños seres parasitarios acabaron con los antiguos habitantes de la zona y ahora van a por nosotros... Poco a poco, algunos mensajes que hallemos nos irán poniendo más en situación, pero el aire críptico domina toda la experiencia.

El desarrollo del juego nos lleva a explorar instalaciones abandonadas cada vez más intrincadas, con escaleras, puentes que desplegar, puertas bloqueadas por llaves de seguridad concretas, etcétera.

Así pues, hay una faceta muy orientada a los puzzles de exploración del escenario, con zonas que constan de varios "pisos" conectados entre sí. Consultar el mapa a menudo es fundamental para ver en qué planta estamos, qué hay bloqueado y de qué tipo es el bloqueo...

Nuestro mejor aliado es un escáner portátil que nos marca dónde hay algo interesante, pero también sirve para dar con mecanismos de apertura ocultos o incluso para chequear a los enemigos en busca de alguna posible debilidad.

Y es que además de explorar, vamos a tener que combatir bastante. Por defecto, contamos con una pistola de munición infinita pero daño bastante bajo, aunque más adelante podemos encontrar armas más contundentes como un rifle, además de arrojadizos de apoyo como granadas o minas de detonación remota.

Las diagonales, nuestro mayor enemigo

El sistema de combate opta por un estilo "twin stick". Con el stick izquierdo controlamos a la protagonista y con el derecho apuntamos, mientras disparamos con un gatillo. El sistema tiene mucho sentido para una aventura con este planteamiento, pero tiene sus pegas.

Y es que apuntar en diagonal es bastante impreciso, lo que hace que muchas veces erremos el tiro para un enemigo que creíamos tener "enfilado". Una mira láser sirve de ayuda, pero aún así el "gunplay" es uno de los puntos más molestos del juego.

Además de apuntar, es fundamental fintar en el momento justo, algo que podemos hacer de forma ilimitada y que nos salvará el pellejo en casi todos los combates.

Los enemigos nos suelen perseguir sin clemencia hasta que salgamos de un área, así que lo mejor es despacharlos y aprovechar los escasos recursos que suelten al morir.

Si somos nosotros los que morimos, continuaremos desde la última "estación de regeneración" que hayamos visitado, al estilo de los Dead Space (no es el único elemento que toma de esa franquicia), con la salud y los items de sanación (hasta 3) recargados.

Por desgracia, al morir no se regenera la munición que hubiéramos gastado, lo que es un problema porque resulta muy escasa.

De hecho, no podemos encontrarla por ahí, hemos de fabricarla en un banco de trabajo con extractos que hallemos.

Esto puede suponer un problema importante, porque esos extractos también son necesarios en gran cantidad para mejorar las armas.

El inconveniente está en que las mejoras son mínimas y alteran en un porcentaje ínfimo el daño que causamos. Eso sí, podemos aplicar algunos modificadores como un disparo cargado que son mucho más útiles.

Aquí hay muy buen ambiente

Aunque los combates pueden resultar un poco frustrantes en ocasiones (especialmente en el caso de algunos jefes finales con una salud desproporcionada), lo cierto es que la ambientación del juego está muy cuidada y anima a seguir adelante.

Los juegos de luces, las habitaciones decadentes, el polvo y otros efectos ayudan a que nos contagiemos de la claustrofobia y la sensación de vulnerabilidad que quieren transmitir, con algunos momentos de terror al estilo "La cosa" realmente efectivos.

En cualquier caso, no siempre hay una atmósfera de miedo, pero sí de tensión por los enemigos (humanos deformados, robots de seguridad...) que nos puedan aparecer en la siguiente esquina.

Las escasas comunicaciones de los guardias aliados, expresadas en un idioma extraño (pero con subtítulos en castellano) hacen aún más hostil esta especie de entorno postapocalíptico.

Juntad eso con el hecho de que el rostro de la prota está siempre dentro de una aparatosa escafandra y es imposible no recordar otras aventuras del mismo corte como Cronos: The New Dawn.

Esa atmósfera, mezclada con una exploración al estilo metroidvania (nos toca volver bastante sobre nuestros pasos tras adquirir habilidades para abrir caminos previamente cerrados) son los ingredientes más atractivos de una aventura que busca al jugador paciente.

Duración de End of Abyss y valoración de Hobby Consolas

Aún así, no es particularmente larga: si no os atascáis demasiado, podréis superarla en unas 9 ó 10 horas. No hay incentivo para volverlo a jugar una vez superado, pero su precio de 29,99 euros nos da un equilibrio razonable entre "parné" gastado y horas de juego.

End of Abyss es un juego con una ambientación y una jugabilidad interesantes, pero en el fondo aporta poco al género y podría pulirse bastante más en el control. Si os va la marcha con las aventuras oscuras, tecnológicas y un tanto siniestras, aquí tenéis una "pequeña pesadilla" que podéis añadir a vuestra colección.

En este análisis de Call of Duty Modern Warfare 4 (también puedes echar una ojeada al análisis especializado de la versión de Nintendo Switch 2) te cuento la valoración final con nota de una entrega que se establece muy por encima de anteriores juegos como Call of Duty Modern Warfare 3 o Black Ops 7. Lo que aquí tenemos en un notable título.

Tras entregas pasadas desastrosas o un tibio Call of Duty Black Ops 6 había llegado el momento de reaccionar y Activision ha puesto al mando de la operación más importante de la saga a su soldado estrella, Infinity Ward, que recupera el pulso de la franquicia con tino y saber hacer.

• La campaña de Call of Duty Modern Warfare 4: aroma a tiempos mejores
• ​El multijugador de Call of Duty Modern Warfare 4: listo para la batalla
• ​El modo DMZ de Call of Duty Modern Warfare 4: la novedad de la saga
• ​La opinión de Hobby Consolas sobre Call of Duty Modern Warfare 4
• ​Nota: lo mejor y lo peor de Call of Duty Modern Warfare 4

La campaña de Call of Duty Modern Warfare 4 son los primeros brotes verdes que vemos en años

La campaña de Call of Duty Modern Warfare 4 es lo mejor que le ha pasado a la franquicia desde el lanzamiento de Call of Duty Modern Warfare (2019) y sirve como primer plato de un juego que, visto lo visto, apunta fuerte (aunque habrá que esperar para ver DMZ y el modo multijugador).

Cuando me puse a los mandos para esta nueva campaña sabía que me podía encontrar ante esta guerra de Corea: el discurso propagandista probélico yankee, gráficos de "aupa", momentos espectaculares muy "blockbuster" y tiroteos constantes.

Todo eso está ahí, pero lo que no me esperaba era dar con un diseño de misiones extremadamente variado, un gran ritmo, con el rápido cierre de las pobres tramas abiertas de pasados MW y la incorporación de dos nuevos conflictos y un gran tratamiento cinematográfico.

En las 5-6 horas que se tarda en completar la campaña, te encuentras comprando fideos en un 7-Eleven coreano, controlando a un soldado del otro bando, retomando la caza de John Price como si fuera John Wick, participando en un desembarco a lo "playa de Normandía" o disfrutando de una misión táctica con toques a "Haciendo limpieza" de Modern Warfare.

Esa variedad es consecuencia de la buena decisión tomada por Infinity Ward al romper esta campaña en dos. Por un lado, nos ponemos en la piel del joven soldado surcoreano, Park. En sus botas presenciamos la invasión de Corea del Norte a su vecina y asistiremos a una ficticia guerra que, sorprendentemente, no muchos han adaptado en el cine o videojuego.

En esta primera vertiente es donde vemos los momentos más fastuosos y bélicos; la guerra moderna llevada a un nuevo campo de batalla y con ella el ya trillado mensaje en donde a Estados Unidos primero se la pone como la víctima y luego como salvadora, mientras que aprovecha para meter su mensaje ideológico (a veces de forma tan evidente que es hasta adorable).

Entrelazada con este conflicto está la segunda trama, más centrada en las grandes caras de la saga. Volvemos a convertirnos en John Price, que ahora va por libre para llevar a buen puerto su venganza: acabar con el Arquero (Mads Mikkelsen) y así poner fin a años de bandazos.

Ahora al margen de la Task Force 141, Price es como un perro salvaje que se aliará con el enemigo para alcanzar su preciado fin. Eso nos lleva a lo que todo fan de la saga espera, el enfrentamiento entre el capitán y el carismático Ghost en una serie de misiones por todo el globo que tienen mucho de combate urbano y de cine de operaciones especiales.

Con esto en la mano, Modern Warfare 4 establece dos escenarios, dos planteamientos que van alternándose para desarrollar un ritmo envidiable, con misiones cortas lineales muy inspiradas, en la gran mayoría de casos, que son engalanadas con cinemáticas excelentes en lo que a recursos audiovisuales se refiere, con tiros de cámara y planos sensacionales apoyados en una parcela gráfica y técnica puntera dentro de la saga.

Eso sí, a nivel jugable, nada sorprende a estas alturas. El diseño de escenarios es simplón, el sigilo también y apenas hay nuevas mecánicas que ofrecer, pese a que sea tremendamente divertido despejar estancias cerradas o liarse a golpes con un nuevo sistema de lucha cuerpo a cuerpo, sencillo en cuanto a control, pero vistoso, inmersivo y visceral en pantalla.

Lo que me ha convencido sin reservas es el refinado sistema de desplazamiento, que recuerda al de la entrega de 2019. Nos movemos ágilmente, pero es más pesado y terrenal. No vamos de aquí allá como pollos sin cabeza, sino que hay que medir bien las coberturas y esquinas.

Es cierto que esta campaña no alcanza la categoría de "memorable" debido a algunos errores. Empezando por el gran damnificado por la decisión de dividir la trama en dos frentes, la figura del villano al que da vida Mads Mikkelsen. Su escaso tiempo en pantalla le acaba pasando factura. Tiene potencial, especialmente al conectarlo con todo lo que pasa en Corea, pero está desaparecido en combate durante el 80% de la trama.

Además, la campaña tiene un ligero traspie en cuanto a ritmo en su ecuador cuando... una vez más, Activision insiste en meternos la indigesta formula Warzone por el gaznate (como lo que hemos padecido en las últimas campañas de la saga). Por suerte, esta misión se puede abreviar y su mapa abierto ofrece algún que otro aliciente más inspirado.

Por otra parte, los tramos en donde se ataca a Corea del Norte intentan desesperadamente apelar a esa faceta desagradable de la saga que vimos con escenas como "Nada de ruso" o el atentado de Londres en el Modern Warfare 3 de 2011 (filtro gris tristón incluido), pero creo que ese predecible mensaje podría haberse ignorado con el fin de profundizar más en el conflicto entre Price y Ghost, que se siente demasiado breve.

Tampoco son muy creíbles las bases en las que se apoya la guerra de Corea. Ya se ha intentado demostrar que Estados Unidos (y sus aliados) "nunca" empiezan una guerra, pero si la acaban. Y esta, en concreto, se termina demasiado rápido, sin llegar nunca a tomar una profundidad realista.

Pasa lo mismo que con Battlefield 6. Las bases para ilustrar un posible conflicto real están ahí, pero la ejecución es demasiado superficial porque se trata de imponer una visión demasiado sesgada y encorsetada, un mensaje que impide mostrar lo terrible que es una guerra al estar destinado a servir como panfleto político y de reclutamiento, una vez más.

No obstante, si hacemos como la saga, ir a lo simple y primario, lo que nos queda es una campaña disfrutona a los mandos, que encuentra su ritmo tras los tropiezos de pasadas entregas. Un gran tanto para ir empezando.

El multijugador de Modern Warfare 4: más de lo mismo, pero con sustancia y peso

Todos los años nos llega un modo multijugador que es lo que suele salvar cada entrega. Al llegar a la modalidad que hizo de Call of Duty el coloso que lleva décadas siendo parecemos entrar en el "Día de la Marmota". Básicamente, volvemos a tener más de lo mismo. Sin embargo... con MW4 he tenido sensaciones mucho más positivas que con anteriores juegos.

Hablar de "sensaciones" es algo tremendamente subjetivo, pero lo cierto es que hay varios aspectos que señalan que el modo multijugador de Modern Warfare 4 tiene sustancia y cierto carisma que no tenían otras entregas.

Lo primero que hay que señalar como positivo es la variedad de modos. Al plantel habitual de modos se unen Kill Block, 10 contra 10 por rondas en el que cada partida es diferente al cambiar el mapa; Primera línea, que cuenta con puntos de respawn fijos y un duelo a muerte que es, básicamente, un Counter Strike. Además, también se añade Guerra Terrestre o Hackeo. Opciones no faltan y algunas renuevan mucho la experiencia.

Una experiencia de juego que tiene un corte muy tradicional. Ni omnimovimientos, ni saltos en pared, ni "tonterías". El desplazamiento de MW4 es rápido, pero se siente más terrenal y realista. El esprint táctico se limita a una ventaja de campo, los deslizamientos a velocidades desquiciantes no son tan importantes y todo gana más peso.

El ritmo de las partidas sigue siendo acelerado, pero es cierto que he notado ajustes respecto a la beta. El principal es que el time to kill ha aumentado ligeramente. Todo un acierto, especialmente porque el manejo de las armas es fantástico gracias a esa balística realista que se ha implementado, con ligeros bamboleos automáticos al realizar giros o al salir de coberturas. También el apuntado sobre la cadera se siente mejor.

Las armas se sienten bien y que se puedan personalizar con accesorios definitivos te fuerza a exprimirlas al máximo mientras te aprendes unos mapas que están a años luz de ser los mejores de la saga, pero que, sorprendentemente, cumplen de forma notable apelando a clásicos de la franquicia como Hijacked, Summit, Firing Range y Highrise.

El modo DMZ de Modern Warfare 4: extraction shooter warzonificado

Por fin... Call of Duty tiene un buen extraction shooter. Tras intentos pasados asociados a la marca Modern Warfare, Infinity Ward ha conseguido traer un modo competitivo y cooperativo completo.

Adoro los extraction shooters y no me escondo al decir que lo que más me gustó de Modern Warfare 3 fueron esos zombies que contaban con sistemas cercanos a esta modalidad de shooter. Así que poder experimentar un modo hecho y derecho ha sido toda una alegría.

DMZ tiene sus propias reglas. El modo está bien construido en torno a unos sistemas bastante más accesibles que juegos como Marathon, Escape from Tarkov o incluso Arc Raiders, dado que los jugadores de la saga buscan algo más rápido y casual, lo que le dota de una identidad propia. Un rasgo de esa mayor simplicidad es que el looteo no es tan importante.

Personalmente, prefiero una mayor complejidad, pero lo que ofrece este DMZ tiene una razón de ser justificada. Es ágil, fresco, variado y te permite jugar de diferentes maneras gracias a sus operaciones especiales dinámicas (objetivos con más "chicha" de lo esperado) o sus misiones narrativas que vinculan este modo a la campaña de una notable manera.

Gracias a Hajin, mapa que va evolucionando poco a poco, no tardas en meterte en la propuesta de supervivencia. Es el jugador quien decide hasta qué punto quiere "embarrarse" en cada partida. La IA suele poner las cosas difíciles, hay mecánicas más punitivas (como el uso de vendas) y los peligros abundan a cada paso. Aún así, la sensación de vulnerabilidad no está tan bien trabajada como en otros juegos del género.

Como extraction más casual, DMZ destaca, aunque, es cierto que le falta algo de originalidad. No hay nada demasiado sorprendente porque el gameplay coge de aquí y de allá de los acercamientos pasados de la saga y la movilidad y el tipo de PvP están muy "warzonificados" (uso de placas, esprint táctico, uso de vehículos, etc), lo que le resta identidad.

Última batalla

Numerosas entregas fallidas habían derribado a la saga. Sin embargo, como si estuviera en esa "última batalla" (esa desquiciante ventaja de pasados juegos), Call of Duty ha disparado con precisión antes de morir.

En el momento más oscuro para la saga de Activision, Infinity Ward se pone las gafas de visión nocturna para llevar a cabo una gran operación de rescate. No ha sido la más limpia, pero Modern Warfare 4 ha salvado COD.

Apelando a las campañas de altos vuelos de la era dorada, reconstruyendo los aciertos del Modern Warfare de 2019, brindando un multijugador bien estructurado y añadiendo un modo distintivo como DMZ, este nuevo Call of Duty es esa última bala en la recámara que logra acertar en el objetivo.

El primer gran juego de los pekineses S-GAME te conquista poco a poco con una idea que implementa casi a la perfección: fusionar la identidad de un soulslike con el hack and slash moderno. ¿Cómo? En este análisis de Phantom Blade Zero te voy a contar todo lo que necesitas saber.

Onimusha Way of the Sword y Nioh 3 han puesto el listón muy alto en lo que a juegos de acción se refieren, pero 2026 nos reserva un último festín. Como dirían en cierto anuncio de Dragon Quest... "esto es un sueño de artes marciales". Phantom Blade Zero es un buen pelotazo.

Si bien no llega a innovar en cuanto a diseño y tiene algunos aspectos mejorables, el combate de este juego de acción wuxia y su mundo saben cómo ganarse a los fans del género. Hablemos de este delirio de sangrienta acción. Vamos con el análisis de Phantom Blade Zero para PS5 y PC:

• El gameplay de Phantom Blade Zero: hack and slash más souls
• ​La historia de Phantom Blade Zero: venganza en el Wulin
• ​La dificultad de Phantom Blade Zero
• El apartado técnico de Phantom Blade Zero
• ​La duración de Phantom Blade Zero
• ​El precio, ediciones y plataformas de Phantom Blade Zero
• ​La opinión de Hobby Consolas sobre Phantom Blade Zero
• ​Nota: lo mejor y lo peor de Phantom Blade Zero

El gameplay de Phantom Blade Zero: esto NO es un souls

Creo que el gran punto a favor que tiene Phantom Blade Zero es que S-Game sí que ha entendido lo que debe ser un hack and slash. Al contrario que Wukong (muy boss rush en muchos momentos), el juego que nos ocupa no tiene miedo a renunciar a algunos de los mandamientos del género cincelados en piedra desde Demon's Souls.

Sí... En Phantom Blade Zero tenemos "almas" y "hogueras", pero estas solo actúan como canalizadores de la progresión. Así que, si matas a un enemigo, este no reaparece. Si mueres, no pierdes nada de lo que ya habías conseguido. El juego quiere que avances, no que repitas.

Por lo tanto, Phantom Blade no es un souls, pero sí que toma un estilo de combate edificado sobre lo visto en juegos del género; lo que le establece como un hack and slash... con lo mejor de los dos mundos.

Todo forma una danza hipnótica. La identidad hack and slash está presente en el simple, pero eficaz sistema de combos del juego, que se ve rodeado de una ingeniosa utilización del parry de los souls.

Y es que, salvo un par de tipos de ataque, todo se puede bloquear, bajo pena de perder estamina. Por lo tanto, el juego no es tan punitivo. Sin embargo, Phantom Blade te insta a "parrear" mucho y bloquear menos.

Salvo un par de ataques con destellos de colores, que sí que conllevan un demoledor movimiento de contrataque por parte del jugador, el resto de ataques repelidos con un parry son más fluidos.

Parrear una a una las rapidísimas cuchilladas rivales se ejecuta de la misma manera, pero no conlleva que el enemigo se detenga, sino que merma la barra de postura de este. Una vez se reduce al mínimo es cuando se puede pasar a la ofensiva total y absoluta para bajar su barra de vida.

Por tanto, el combate de Phantom Blade Zero se basa en segmentos de ataque y defensa desquiciantes en donde los reflejos son fundamentales. Estos intercambios además premian el arrojo. Los enemigos también pueden hacer parry, así que si tu cargas contra ellos puedes debilitar su barra de postura, pero también te expones a rápidas contras.

A esto hay que sumar las treinta armas diferentes (cada una con sus propio estilo jugable), las armas secundarias, sus movimientos especiales y que se añaden elementos como un botón de ejecución o eventuales quick time events que adornan los enfrentamientos.

¿El resultado? Algo que, cuando lo experimentas y comprendes, es verdaderamente inmersivo y satisfactorio. Además, la mecánica del combate se ve favorecida por contar con unas animaciones ESPECTACULARES, en las que se nota la mano de Donnie Yen como especialista que ha formado parte de la captura de movimiento.

Obviamente, algunas armas guardan semejanzas, pero sus estilos, las estrategias y coreografías que se ejecutan con ellas son increíbles. Vas a querer probar todas y cada una de ellas. Yo he caído rendido ante las armas duales y la genial "espada del borracho", por ejemplo.

Solamente tengo un par de "peros". Hay variedad de enemigos y de jefes, por supuesto, pero considero que muchos de ellos necesitarían algunos patrones de ataque extra, ya que los combates suelen ser bastante largos (barras de vida demasiado generosas) y acaban repitiéndose situaciones más de la cuenta, lo que genera cierta monotonía. Además, S-GAME debería arreglar el sistema de fijado de enemigos, demasiado rígido.

Recuerda, el frenetismo de un hack and slash está ahí, pero la herencia souls le da a los enemigos más resistencia y más recursos. No son sacos de boxeo como lo podrían ser algunos de los enemigos de God of War, por ejemplo. Y advierto que el combate tarda algo en mostrar su mejor cara. No terminé de hacer "click" hasta pasadas unas horas.

Respecto al diseño de niveles, este es lineal, pero presenta caminos secundarios y una estructura más intrincada de lo que podría parecer. Cada mapa (hay varios) oculta cantidad de pequeños secretos, zonas que contienen jefes secundarios, retos de combate extra, materiales necesarios para mejorar armas, nuevas pócimas y mucho más. Además, el altísimo nivel de densidad de elementos y detalles escénicos te mete de lleno.

Para acceder a ciertas zonas necesitarás de items específicos que muchas veces no tendrás en el primer momento en el que recorras esa zona... Así que Phantom Blade Zero también tiene algo de metroidvania.

Es un backtracking directo y evidente, pero todo el contenido que se oculta tras esas barreras es muy interesante e incluso puedes llegar a perderte cosas (yo no he podido conseguir un arma porque se murió el NPC que me la daba). Aún así, este juego podría haber ofrecido un desplazamiento menos encorsetado (secciones plataformeras o algún puzle podrían haber añadido mucha profundidad).

Resumiendo, si has jugado a God of War de 2018 te puedes encontrar algo muy similar... Una estructura de mundo parecida. De hecho, hay una zona específica de una región secundaria que, nada más verla, vas a decir "esto es God of War". No haré muchos spoilers.

Y pese a que el manejo de esta exploración y vuelta atrás está bien llevado, también presenta inconsistencias. Hay zonas que cambian al revisitarlas, pero si te dejas algo, en muchos casos te encontrarás con un mapa vacío (por aquello de que los enemigos no reaparecen). Además, estos no escalan, así que si tienes mucho nivel y regresas, algunos combates son un paseo.

La historia de Phantom Blade Zero: wuxia del bueno

En el aspecto que el juego sigue el esquema souslike sin reservas es en la narrativa. Sorprendentemente, la historia de Phantom Blade Zero me ha parecido muy sólida, gracias a una construcción de mundo bien estructurada, que sigue de forma fiel las reglas establecidas por FromSoftware. Hay una historia profunda y elaborada que envuelve al gameplay, pero te tienes que molestar en conocerla.

Phantom Blade Zero nos cuenta el camino de venganza del maestro Soul, experto marcial al servicio de la misteriosa Orden, ahora perseguido por, supuestamente, haber asesinado a su shifu (maestro). El guerrero tiene 66 días para cumplir su objetivo antes de morir, aunque el paso del tiempo no depende de las acciones del jugador.

Esta historia se encajona en el género wuxia (ficción china que entremezcla la filosofía de las artes marciales con relatos caballerescos) en el mundo asociado a este, el Wulin, que cuenta con cantidad de entidades, personajes, sectas y mitos propios.

Aglutinando inspiraciones propias del kung-fu con estilos punks distópicos, Phantom Blade Zero forma un mundo con un gran atractivo que logra destacar como algo único tras tanto videojuego centrado en el Romance de los Tres Reinos o en el conocido Viaje al Oeste.

Siguiendo el tono decadente de los títulos de Miyazaki, las motivaciones de Soul se entrelazan con acontecimientos mucho más grandes que él. El mundo se ha visto sacudido por una letal plaga que convierte a las personas en entes descerebrados y que ha obligado a las distintas sectas y variopintas personalidades del Wulin a adaptarse.

A medida que progresamos en el viaje, el jugador va hilando esa narrativa desperdigada que se encuentra en el propio escenario, en las descripciones de los enemigos, en las decenas y decenas de notas y coleccionables o en el propio diseño de los jefes. Puro souls.

A la par, el relato de Soul avanza mediante constantes saltos temporales al pasado, flashbacks contextuales en forma de cinemáticas que quitan el hipo, cortos animados o diálogos que expanden la historia, pero que no son necesarios para completarla. Dar con estos momentos fortalece mucho un contenido secundario muy jugoso.

Y es que, en Phantom Blade Zero no faltan las habituales cadenas de misiones secundarias asociadas a NPC que puedes pasar por alto si no prestas atención. Y todo, absolutamente todo, sirve para conocer mejor su apasionante mundo. Una prueba de ello está asociada a un conocido sistema de progresión de los hack and slash.

La obtención de varios objetos de un mismo tipo suele ofrecer la posibilidad aumentar la barra de vida, por ejemplo. En Phantom Blade esto está, pero se asocia no solo a objetos, sino a flores de recuerdos que ofrecen más información sobre algunos conflictos de personajes que orbitan en torno a Soul. Es una gran idea que expande el lore.

Y pese a que Soul no sea un protagonista memorable, todo lo que le rodea, ese misterio latente que permanece siempre oculto hasta casi el final del juego, ayuda a potenciar una historia de venganza que, aparentemente, podría no tener demasiado atractivo.

La historia de Phantom Blade Zero tiene un estilo muy oriental que puede resultar algo exagerado a un jugador occidental, pero sus traiciones, giros y mejores momentos te meten de lleno en su propuesta.

La dificultad de Phantom Blade Zero

Phantom Blade Zero es un juego exigente, pero la dificultad no es el foco de su gameplay. Esto queda claro al ver los cuatro niveles de dificultad que tiene el juego, que se pueden cambiar en cualquier momento de la partida y que ofrecen diferentes experiencias.

El primer nivel reduce considerablemente el daño de los enemigos y, a mi modo de ver, también simplifica mucho el combate, pero es una ayuda si se te atasca algún que otro jefe. Recomiendo jugar en el modo normal, ya que ofrece un gran equilibrio.

En mi partida he muerto no pocas veces, pero ni por asomo tanto como un soulslike. Es más, he derrotado a muchos jefes en el primer o segundo intento... Aunque otros están a la altura de la mejor FromSoftware, especialmente los del tramo final. Y esto es importante, los bosses con dos fases no requieren pasarte la primera de nuevo si te matan en la segunda.

El nivel de desafío aumenta considerablemente en su tercer nivel de dificultad, que incluso mejora la IA de los enemigos, pero la experiencia definitiva es el modo 66 días, que tiene la misma dificultad, pero con solo 66 vidas disponibles. La "permamuerte" le da "salsa" a la partida.

El apartado técnico de Phantom Blade Zero

He jugado a Phantom Blade Zero en PC (no puedo hablar de la versión de PS5). Este ha sido el equipo: placa MSI Gaming Plus Z490, procesador Intel Core i7-10700K (a 4,7 GHz) de 10ª generación, RAM de 32 GB, una RTX 5080 y un SSD SATA de 550 MB/s.

He jugado con todo a ultra y la experiencia ha sido fluida constantemente con unos 60 fps estables a 4K escalados. Alguna cinemática ha presentado tirones, pequeñas congelaciones o algún retardo leve en la carga de texturas, pero nada alarmante.

En PC, el juego presenta configuraciones visuales de altas prestaciones. Tenemos la posibilidad de habilitar Ray Tracing (requiere de una RTX 5060) con resolución 1080p y 60 fps y modo Path Tracing (RTX 5080) con 2160p y 60 fps. El resultado, obviamente, es un placer visual.

El juego luce espectacular en materia gráfica y llega en un estado muchísimo más óptimo que el que vimos con Black Myth Wukong. El resultado que ofrece Unreal Engine 5 a estas alturas es soberbio, pese a que hay elementos que desentonan algo más, como el agua.

La ambientación del juego y sus ricos escenarios sorprenden, pero me habría encantado que S-GAME hubiese arriesgado más con el diseño artístico del juego. De nuevo, este aspecto repite los clónicos assets, texturas, iluminación y paleta de colores que hemos visto en todos los juegos que utilizan el motor gráfico de Epic Games, como Valor Mortis, el propio Wukong o Clair Obscur Expedition 33. Falta arrojo aquí.

En cuanto a la banda sonora, Phantom Blade Zero no es un juego que vayas a recordar por un tema concreto, pero su variedad de estilos hace que el viaje y las peleas destaquen profundamente. En sus 8 horas de piezas encuentras de todo, desde melodías orientales tradicionales hasta canciones heavy metal o ritmos lofi con beats potentísimos.

El doblaje al inglés no es nada del otro mundo y los textos al castellano ofrecen una localización correcta, aunque hay pequeños errores, como que el cartel de muerte no esté traducido, directamente.

¿Cuánto dura Phantom Blade Zero?

Phantom Blade Zero se puede llegar a completar en 28-30 horas, pero recomiendo encarecidamente ver todo lo que tiene que ofrecer el juego porque, insisto, hay contenido secundario de gran calidad que influye poderosamente en la conclusión de la historia (no haré spoilers).

Si buscas los desafíos adicionales y las zonas secundarias disfrutarás de una experiencia de más de 45 horas de juego, fácilmente. Aunque, con títulos de este palo, la duración depende mucho de la dificultad con la que juegues y el nivel de habilidad que tengas.

El precio de Phantom Blade Zero, ediciones y plataformas

Phantom Blade Zero está disponible solo en digital en su lanzamiento en PS5 y PC bajo un precio de 69,99 euros en su edición estándar, que no incluye ningún incentivo extra, ni contenido desbloqueable. No obstante, S-GAME ya ha confirmado que la edición física llegará en 2027.

No obstante, el juego también cuenta con una edición deluxe (79,99 euros) que incluye el desbloqueo anticipado de un amuleto y un aspecto, así como dos trajes exclusivos (Leyenda del Wulin y Cuerpo de sangre y acero) y la banda sonora y un libro de arte, ambos digitales.

Esto es arte... marcial

Phantom Blade Zero se establece como un serio candidato a juego de acción del año gracias a su destreza marcial con un estilo de combate fresco, divertido y profundamente inmersivo y a la utilización de un folklore chino tan atractivo como sorprendente.

La combinación entre esencia souls con el planteamiento jugable hack and slash da en el clavo y solo un par de tropiezos (más propios de la bisoñez del equipo que otra cosa) y la falta de riesgo en el diseño de niveles o el backtraking le alejan de ser un nuevo estándar absoluto.

Phantom Blade Zero va de menos a más para ofrecer una experiencia que crece y crece conociendo sus propios límites. China ha gestado al hijo de Sekiro y los hack and slash como Devil May Cry para darnos algo realmente potente que te hará soltar más de un "qué p*** flipe".

Disponible en Nintendo Switch 2, Nintendo Switch, PS5, PS4, Xbox Series X|S, Xbox One y PC (compatible con Steam Deck o ROG Xbox Ally X) en este análisis de Bluey's Happy Snaps voy a contaros por qué apunta a ser el mejor regalo de estas navidades para los más pequeños de la casa, y una buena puerta de entrada para que jueguen en consola.

Ya adelanto que no es solo por su fidelidad a la serie, sus personajes (de los que aparecen unos cuantos), la estética de la animación y su humor, que también, sino porque ha sido diseñado teniendo muy en cuenta el público al que va dirigido, con muchas cosas que les gustan a los enanos, e incluso con sugerencias de cosas que pueden hacer en familia cuando no estén delante de la consola.

Pero, a diferencia de otros juegos recientes, como Golden Pen, lo que aquí encontramos es menos "fantasioso", para apostar más por una aventura fotográfica como TOEM 2, aunque diseñada para que los pequeños se lo pasen pipa sacando fotos de sus personajes favoritos.

De todo eso y mucho más vamos a hablar en esta review de Bluey's Happy Snaps, para la que he jugado con la versión de Nintendo Switch 2, para ser exactos.

La historia de Bluey's Happy Snaps es una excusa para inmortalizar el universo de la serie con una cámara de fotos

Como en otros muchos juegos, la historia es una mera excusa para plantear la premisa de esta nueva aventura: jugando en casa, Bluey y Bingo encuentran una vieja cámara de fotos, y después de que sus progenitores la revisen, deciden ir con ella al parque y poner en marcha un nuevo entretenimiento: rellenar un álbum haciendo fotos a cosas específicas, como a determinados animales, o llevando a cabo acciones muy concretas, como participar en juegos o volar una cometa.

Conseguir estas fotos nos invita a explorar de manera concienzuda la zona, interactuar con objetos (tizas, hojas o plumas...) y personajes que encontremos, y al hacerlo, añadiremos una nueva pegatina a nuestra colección. Y no solo eso: también hay 4 fotos ocultas, que desbloquean un dibujo coloreable. Y si completamos el álbum entero, obtendremos una pegatina especial y un objeto con el que disfrazar a Bluey y Bingo.

Pero tranquilos, que no hay que ser completistas. Al conseguir las primeras 15 pegatinas, la madre de Bluey nos regalará un nuevo álbum, una idea que se repite en cada uno de los 7 niveles que componen el juego, y que nos llevarán a otras muchas localizaciones, como la casa de la familia, el mirador, la playa o una zona de juegos con atracciones.

Para poder visitar a estos nuevos sitios que vamos desbloqueando, tenemos que realizar trayectos en coche, en los que también hay tareas para entretener a los peques, como jugar al "veo veo". Pero es un "veo veo" fotográfico, en el que tendremos que inmortalizar a un determinado número de animales, como 16 murciélagos, en lo que dura el viaje. Esto, a su vez, redunda en conseguir más pegatinas.

Sin duda alguna, más allá de lo divertido de este planteamiento, lo que volverá locos a los "micos" son las interacciones con los personajes de la serie, como otros cachorros de la edad de Bluey o sus tíos, con los que jugaremos a hacer pompas, conducir un taxi, la petanca, el escondite... o incluso descubriremos recetas para hacer pociones.

Muchos de estos juegos forman parte de un álbum especial, que recoge todas las actividades que podemos jugar con la familia o amigos fuera de casa, en la vida real, y que continúan con la diversión al estilo Bluey más allá de la pantalla. Un detalle que, en mi opinión, fomenta hábitos saludables entre los pequeños, para que no se queden "enzarpados" con la pantalla. La diversión en la calle también existe...

Hacer fotos con Bluey y Bingo es lo más fácil del mundo

Al tratarse de un juego para niños, la cámara es básicamente una Polaroid, no esperes controlar el ISO, el diafragma o la apertura, porque aquí todo se reduce a sacar la cámara pulsando un botón, encuadrar con el stick izquierdo, y disparar. No hay ni zoom.

Si la foto contiene algo de la lista, una pequeña animación nos mostrará nuestro logro, la pegatina que hemos conseguido y la desbloqueará en el álbum. Así, en todo momento, vemos lo que nos queda por conseguir.

Algunas fotos nos obligarán a interactuar con algunos iconos del escenario, bien para dar la cámara a los padres y que sean ellos quienes nos saquen la foto, o para llegar en un tiempo límite a un punto... o simplemente para indicarnos desde dónde disparar. Como digo, es un juego para niños, y todo está bastante mascado.

Y si tienes dudas, en cualquier momento puedes abrir el álbum para ver qué fotos no has conseguido todavía y escuchar una pista sobre las que te faltan (muchas muestran el animal u objeto que debemos encontrar). Además, da igual que seas fan de Bluey o Bingo: con tan solo pulsar un botón puedes alternar el control entre ambas hermanas.

También se puede disfrutar de la aventura en modo cooperativo con un segundo jugador de principio a fin, y gracias al planteamiento de ambas consolas híbridas de Nintendo, tan solo tendrás que separar los Joy-Con 2 (o Joy-Con, si juegas en Switch), ya que cada jugador solo necesita uno para realizar todas las acciones del juego.

Por último, al encontrar fotos secretas, desbloqueamos un dibujo que podemos colorear y personalizar con sellos, pegatinas, purpurina y papel con dibujos (muchos de ellos los desbloqueamos alcanzando hitos fotográficos) y, por supuesto, colorear cada zona del dibujo.

Es un proceso bastante sencillote, para niños, ya que en realidad, solo movemos el puntero y elegimos la zona sobre la que queremos aplicar el material (por ejemplo, el fondo de purpurina), y el juego se encarga de rellenar el espacio entero, sin salirse. No hay una opción de "coloreo" libre, que nos permita colorear pixel a pixel cada dibujo.

Tiene compatibilidad con la pantalla táctil en modo portátil, pero no es 100% funcional, y podrás mover el puntero... pero poco más. O si puedes hacer más, muy intuitivo no es. Por suerte, con los sticks y botones funciona bastante bien, así que los enanos se harán con el control bastante rápido.

Igualito que un episodio de la serie de Bluey

Mención especial merece la parcela visual de Bluey's Happy Snaps. Es uno de esos casos en los que el juego es prácticamente idéntico a un episodio de televisión. El diseño de los personajes, de los escenarios... todo es calcado a la serie y eso va a flipar a los pitufos.

En Nintendo Switch 2, la versión a la que he jugado para este análisis de Bluey's Happy Snaps, la experiencia es plenamente satisfactoria. El juego se mueve a 60 fps sin caidas ni problemas de rendimiento, y tanto en modo TV como en portátil se ve fenomenal, mientras que en la primera Switch se mueve a 30 fps.

Poniéndome en la piel de un niño, el único aspecto que no me ha terminado de volver loco es que llega sin las voces en castellano... así que salvo que vuestros hijos la estén viendo en inglés, algunos no van a reconocer las voces. Y es una pena, siendo un producto oficial, y destinado a un público muy concreto. Si son muy peques y no saben leer, os tocará ayudarles.

Precio y ediciones de Bluey's Happy Snaps

Bluey's Happy Snaps se lanza tanto en formato digital como físico en PS5, Nintendo Switch y Nintendo Switch 2. Si empezamos por el digital, en todas las plataformas la edición estándar cuesta 39,99 euros, mientras que la Deluxe cuesta 54,99 euros y añade contenido extra, como el contenido "aquí llegan las abuelitas", trajes y libro digital.

En cuanto a la edición física, solo está la edición Deluxe, que cuesta 39,99 euros, e incluye el mencionado contenido extra digital, además de extras como pegatinas. Eso sí, en Switch 2 es una tarjeta llave... y la versión de Switch no cuenta con actualización gratuita o pack de mejora para convertirlo en Switch 2 Edition, así que deberías tener claro para qué consola vas a comprar el juego.

La opinión de Hobby Consolas de Bluey's Happy Snaps

Si tienes un hijo pequeño, que además es fan de la serie de animación, que no te quepa la menor duda: Bluey's Happy Snaps es una de las mejores opciones para regalar a niños estas próximas navidades, porque es un título muy bien pensado, que apela a muchas de las cosas que les gustan, desde pegatinas a colorear y, por supuesto, Bluey, con un desarrollo ameno, con un control fácil de manejar y entretenido.

Además, es un juego con cooperativo, para que dos miembros de la familia pueden disfrutar juntos. Hasta yo me lo he pasado bien a la caza de las fotos... y ni siquiera tengo un hijo de esta edad con el que jugar y mi exposición a la serie es más bien nula.

Poniéndome en la piel de un niño, lo único que me ha echado para atrás es la ausencia de doblaje en castellano, y que si te pones a piñón, lo puedes reventar relativamente rápido... pero insisto, es un juego pensado para un niño, no un ser de más de 50 años que ya está de vuelta de casi todo...

Mi compañero David ya está liado con el análisis de Call of Duty Modern Warfare 4 para PS5, PC y Xbox Series X|S, y en breve lo actualizará con sus impresiones finales, ahora que ya están disponibles todos los modos online. Por eso, aquí no me voy a parar demasiado a explicar todo el contenido, porque es exactamente el mismo juego, y me voy a centrar más en el apartado técnico de Call of Duty Modern Warfare 4 para Nintendo Switch 2.

Y no solo eso, en este análisis de Call of Duty Modern Warfare 4 para Nintendo Switch 2 voy a hablar de la experiencia general de jugar en Nintendo Switch 2, qué tal funcionan los controles, las partidas online y todas las cosas que deberías saber antes de decantarte por esta versión.

Una versión de consola que, además, tiene el atractivo de ser la única que también puedes jugar en modo portátil, algo que no pasaba desde el infame Call of Duty Black Ops Declassified de 2012 para PS Vita, y que nos recuerda que, en el pasado, las versiones que podíamos jugar en la calle no tenían nada que ver con la de sobremesa... algo que con Modern Warfare 4 no pasa: es exactamente el mismo juego.

Para esta review de Call of Duty Modern Warfare 4 he esperado a que estuvieran todos los modos disponibles, ya que DMZ se lanzó hace unos días, y desde la madrugada del 23 de octubre, los modos online "de siempre" ya se han desbloqueado, así que os voy a contar qué me ha parecido con un entorno real, jugando con la gente que ya ha comprado el juego, y no en un evento controlado... como muchas de las reviews que han salido hasta ahora.

El apartado técnico de Call of Duty Modern Warfare 4 en Nintendo Switch 2: buen desempeño, con luces y sombras

Como he adelantado antes, este año COD MW4 no se ha lanzado en las consolas de anterior generación, por lo que el port de Switch 2 solo se puede "medir" con las versiones de PS5, Xbox Series y PC. La buena noticia es que, siguiendo otros ports de 2026 recientes, como Dragon's Dogma 2, Onimusha: Way of the Sword, Kingdom Hearts Collection I-III o La Tierra Media: Sombras de Guerra, hay cosas buenas que contar.

En términos de contenido, Modern Warfare 4 es un juego tan grande, que casi se puede hablar de manera independiente de sus tres partes principales, la campaña, DMZ y el multijugador, ya que en cada una de ellas presenta un rendimiento distinto, si bien muchas opciones son comunes a todos ellos.

Es el caso, por ejemplo, de las opciones de escalado. Lo nuevo de Activision cuenta con dos modos de escalado. Por defecto viene activado el SMAA Nx, un modo que ofrece una mayor nitidez, si bien el colorido y la suavidad no parecen ser tan elevados como en el otro modo DLSS, que por contra, puede resultar algo más borroso.

Y no solo eso. Con DLSS también es más evidente el problema del pelo, presente en no pocos juegos, desde Street Fighter 6 a Final Fantasy VII Rebirth. ¿Grave? Para nada, y la mayoría de las veces solo es evidente de manera clara en las escenas de vídeo, por ejemplo en la campaña, y en los primeros planos de personajes y NPCs.

De hecho, en la campaña, Call of Duty Modern Warfare 4 solo alcanza los 30 fps, aunque la resolución en modo dock alcanza los 4K. Lo cierto es que la he jugado sin problemas, y en líneas generales se ve muy bien, salvo por los sospechosos habituales: sombras que no son tan definidas o parpadean, zonas que resultan demasiado oscuras o texturas y detalles que están un peldaño por debajo del resto de versiones.

Pero, como en otros ports, también tiene de esos momentos que te van a hacer dudar de si estás jugando en PS5, zonas con una iluminación espectacular, modelos de personajes en primeros planos que lucen al nivel del resto de versiones... En líneas generales, los recortes son los habituales en este tipo de ports, pero se puede disfrutar de principio a fin sin problemas, y sin diferencias insalvables.

En lo tocante al modo DMZ, el modo "extraction shooter" de esta edición de COD, es evidente que Nintendo Switch 2 sufre un poco más. La tasa de frames oscila entre los 30 y 40 fps en modo TV (30 en portátil), y diría incluso que la resolución baja ligeramente para poder pintar el enorme mundo abierto que propone.

Y, como en otros juegos de mundo abierto que saltan a Switch 2, como el reciente The Crew Motorfest, diría que aquí se notan más las costuras. Lo cierto es que la distancia de dibujado es muy reducida y tiene un muy evidente "pop in" o generación brusca del entorno.

Vas a ver aparecer de la nada árboles, o su follaje y detalle, texturas de rocas que cargan de sopetón, sombras que se revelan más tarde... Para muestra un breve botón, que no llega a los dos minutos, mientras jugaba, sin ir a buscar defectos...

En este modo, además, se pueden conducir vehículos, por lo que se hace todavía más evidente al pisar el acelerador cómo las cosas van apareiendo de golpe en pantalla (más allá de que el control de los vehículos sea mejorable). Pero, aún con este fallo, no deja de ser una experiencia que se puede disfrutar plenamente.

Quizá porque este modo es lo opuesto a la campaña y ofrece un desarrollo más abierto, en el que podemos elegir las misiones y jefes a los que queremos enfrentarnos y, además, puedes jugarlo con un equipo de amigos, y enfrentarte tanto a enemigos del entorno como a otras escuadras de jugadores.

Por último, están los modos multijugador, que es donde la mayoría de la gente va a pasar más tiempo (muy probablemente). Están los modos clásicos, como Dominio o Duelo a muerte, junto a modos nuevos como Kill Block, un escenario dinámico que, a partir de tres secciones con distintos entornos y lugares que van cambiando en cada ronda.

O Transacción, con toque roguelite (podemos mejorar loadouts y demás, pero lo perdemos al morir) o Inflación, en el que al matar enemigos recogemos su dinero y gana el equipo que más tenga al final de la ronda. Hay variantes desde 6 contra 6 a 10 vs 10 o 32 vs 32, como Guerra Terrestre, que vuelve con un mapa abierto, que presenta exactamente los mismos problemas que DMZ con el pop in.

Además, en este modo es más evidente ver la resolución dinámica, que baja temporalmente el nivel de detalle para mantener el tipo. En los modos más convencionales, en mapas más pequeños y con menos jugadores, lo normal es que el juego se mueva a 60 fps, sin caídas, aunque de nuevo, el nivel de detalle puede oscilar y resultar menor que en otras versiones (en ocasiones, me ha parecido un juego de PS4).

No obstante, quiero incidir una vez más en que las capturas no reflejan realmente la calidad visual del juego. Mientras estás jugando, no vas a ver los detalles tan borrosos que aparecen en las capturas, ni las bajadas de resolución son tan evidentes. El juego, tanto portátil, como en la tele, se ve mejor.

Volviendo a los modos online, durante mis primeras horas, he tenido algún que otro problema para empezar a jugar, como un matchmaking que no terminaba de encontrar las partidas (cancelando y volviendo a intentar se solucionó), o modos sin jugadores... pero luego todo ha empezado a ir más suave, así que no he tenido problemas para jugar. Lo mismo en términos de latencia o retardo: la experiencia va fina.

Así pues, se puede decir que Call of Duty Modern Warfare 4 logra superar con nota en los principales apartados: la campaña se ve y disfruta de manera muy parecida al resto de versiones, el Online se mueve a 60 fps y es muy fluido y DMZ es perfectamente jugable, pese a ser el eslabón técnico más débil de la cadena.

Eso sí, no está de más recordar que, aunque la campaña se puede jugar sin necesidad de conexión online, el resto de modos multijugador y DMZ requieren sí o sí conexión a Internet (no tienen variantes en modo local), así como una suscripción activa a Nintendo Switch Online.

Y es una pena que cada vez más juegos y ports, como el mencionado The Crew Motorfest o Diablo 4 no vayan un poco más allá y tengan en cuenta la naturaleza de Switch 2, como consola que se puede sacar a la calle, para añadir modos específicos, ya sea sin necesidad de estar conectados a Internet en todo momento, o que se pueda jugar en cooperativo en modo local o con bots. ¿Tanto costaría?

Opciones para jugar como te de la gana

Si el rendimiento está bastante bien adaptado a las características de Nintendo Switch 2, otro aspecto que me ha parecido digno de aplauso es la enorme cantidad de opciones para ajustar el control a como a ti te guste jugar.

No miento si digo que hay una auténtica barbaridad de opciones y ajustes para cada una de las opciones, y ya os digo que me estoy quedando corto. Lo único, por quitárnoslo ya de en medio, es que no soporta ratón y teclado, por lo que si vienes de PC, o te gusta jugar con esta combinación, no vas a poder.

Quizá sea una decisión deliberada para que uses el control tipo ratón de los Joy-Con 2, que sí está disponible, y entre muchas cosas, permite ajustar la sensibilidad de los giros y movimientos, por si quieres que el desplazamiento sea más rápido o más lento.

También tiene opciones para calibrar las zonas muertas y sensibilidad de los sticks, juegues con los Joy-Con 2 o con el mando Pro, y numerosos ajustes más, para que por ejemplo, algunas acciones no requieran presionar un botón, si no pulsarlo solo.

También hay opciones para jugar con control de movimiento, que sin duda me han gustado todavía más si cabe, ya que puedes optar porque el movimiento permita controlar la cámara (mirar en todas las direcciones) o por el contrario, limitarlo solo al movimiento del arma, para que sea más fácil apuntar con la mirilla, sin desplazar la cámara.

Creo, y no exagero, que es uno de los juegos que más opciones de configuración ofrece, así que pudes dedicarle tiempo para dejarlo como mas te guste, con ajustes para DMZ que te funcionarán mejor que en los modos multijugador convencionales...

La opinión de Hobby Consolas de Call of Duty Modern Warfare 4 en Nintendo Switch 2

No voy a negar que antes de probar esta versión, le tenía "más miedo que a un nublao" por si las diferencias técnicas eran insalvables o el control no se adaptaba muy bien a los sticks de los Joy-Con... y lo cierto es que no he podido terminar más satisfecho.

Desde aquí quiero aplaudir a Digital Legends, los responsables de adaptar el juego, porque Call of Duty Modern Warfare 4 en Nintendo Switch 2 es un gran port, de un juego que, a priori, parecía muy complicado trasladar a la consola de Nintendo. Claro que hay diferencias, pero según el modo son mínimas, y nunca impiden que el juego se pueda disfrutar igual que en el resto de plataformas.

Quizá, con lo que más cueste tragar son los problemas técnicos en los modos que tienen lugar en "mundo abierto", como DMZ o Guerra Terrestre, donde el "pop in" es salvaje. Es quizá la principal diferencia con el resto. Y poder jugar a 60 fps en multijugador, con cross play y gente de otras consolas, es una prueba de que, en lo demás, Call of Duty Modern Warfare 4 cumple. Ha superado mis expectativas.

No me quiero andar por las ramas, así que en este análisis de Nintendo Switch Sports Resort sacaré rápido. Aquí no tenemos complejas narrativas, ni mecánicas endiabladas. Esto es simple. Tenemos deportes, control de movimiento y ese entrañable espíritu de Wii.

Sin embargo, desde Kioto parecen haber atendido algunas de las principales quejas que se produjeron a raíz del lanzamiento de Nintendo Switch Sports. Tenemos más contenido, más formas de hacernos sudar. ¿Las suficientes? Eso vamos a ver a aquí.

• Todos los deportes de Nintendo Switch Sports Resort y cómo se juegan
• ​Los modos, contenido adicional y progresión de Nintendo Switch Sports Resort
• ​El precio y ediciones de Nintendo Switch Sports Resort
• ​La opinión de Hobby Consolas sobre Nintendo Switch Sports Resort
• ​Nota: lo mejor y lo peor de Nintendo Switch Sports Resort

Todos los deportes de Nintendo Switch Sports Resort y cómo se juegan

Siguiendo el espíritu de Wii Sports Resort, esta secuela también amplía las disciplinas deportivas que vimos en la entrega original. En esta materia, Nintendo Switch Sports Resort establece otro paralelismo al contar, también, con doce deportes disponibles.

Tenemos boxeo, bolos, tenis, tenis de mesa, tiro con arco, voleibol, avioneta, skate, moto de agua, guerra de pulgares, golf y baloncesto. Eso supone contar con seis deportes más de los que vimos en Switch Sports en su lanzamiento (pese a que luego se incorporaron dos).

De esta entrega se han eliminado el bádminton, el fútbol y las espadas o chambara, una decisión que, en mi opinión, se siente un tanto incomprensible, ya que son deportes que "solamente" había que trasladar como se ha hecho con otros como el tenis o los bolos.

Por otra parte, de Wii Sports Resort hemos perdido las modalidades de espada, wakeboard, frisbee, piragüismo y ciclismo, pero a cambio tenemos la guerra de pulgares, el skate o el boxeo (heredado del Wii Sports original) como grandes incorporaciones.

En general, el plantel de deportes de este Nintendo Switch Sports Resort me parece más que correcto, con mucha variedad tanto en control como en tipo de esfuerzo, pero es cierto que hay ausencias como los geniales asaltos de espada que había en el juego de Wii que duelen bastante.

Ahora bien, centrándonos en lo que tenemos (quizás en el futuro se anuncien deportes nuevos con actualizaciones periódicas como en el pasado), tengo que decir que Nintendo ha logrado mantener intacta la esencia de cada uno de los deportes a la par que ha profundizado en una faceta de la que soy extremadamente fan.

Con esto último me refiero a la isla Wuhu. El paraíso diseñado por Miyamoto ahora es más grande y detallado que nunca y se puede explorar de genial forma mediante los tour isleños que proponen la avioneta, el skate y la moto de agua.

Ya sea por tierra, mar o aire, se replica el turismo que se podía hacer en Wii Sports Resort, buscando puntos de interés para conocer más a fondo este paradisiaco escenario, que ahora es mucho más grande, detallado e intrincado, con más de 100 lugares que conocer.

Recorrer la isla tranquilamente en diferentes momentos del día es fantástico (especialmente en avión) y pese a que las misiones adicionales que se incorporan no son nada del otro jueves, quienes echen de menos tanto como yo la isla Wuhu, disfrutarán de lo lindo.

Aunque, aquí lo importante es sudar la gota gorda. Y de eso no falta. Pese a que hay algunos deportes más tontorrones (como es el caso de la guerra de pulgares), todos y cada uno de ellos exprimen al máximo los controles por movimiento de los Joy-Con 2 (que cumplen con gran nota) y añaden nuevas maneras de disfrutar gracias a las bondades de la consola.

Por ejemplo, el skate requiere de utilizar el modo ratón para simular el golpe de pie que se hace con la tabla, el boxeo nos insta a utilizar los dos mandos para atacar y protegernos, el gesto de tensar la cuerda en tiro con arco está muy conseguido y la moto de agua obliga a que agarremos su imaginario manillar para meternos de lleno en sus trepidantes carreras.

Al contrario que en Mario Tennis Fever, aquí los golpes con las raquetas o la pala responden a la intención del jugador por colocar la bola y en el tiro con arco se requiere de un pulso firme (ojo, que vuelven los blancos secretos). Cierto es que pueden tener algún pequeño fallo, pero la precisión en el control está a la orden del día en Sports Resort.

A título personal, algunos deportes no llegan a ilusionarme demasiado, pero la variedad es indiscutible y forma una propuesta llena de diversión. El skate es mucho más divertido de lo que esperaba, por ejemplo. Por mi metería 20 deportes más, pero no se puede negar que el juego ha mejorado la oferta de la saga, que va más allá de doce disciplinas.

​Los modos, contenido adicional y progresión de Nintendo Switch Sports Resort

Y es que, más allá de tener más deportes, lo que necesitaba el primer Nintendo Switch Sports era contenido adicional que complementara los partidos y encuentros casuales de cada deporte. Y ahora, me alegra decir que la gran N ha tomado nota de estas necesidades.

Muchos deportes reciben actividades secundarias (nuevas o heredadas de los juegos de Wii) que ofrecen alternativas. Por ejemplo, tenemos el caso de los 100 bolos (se mantiene el secretito de la tirada maestra), un modo de selección de blancos en tiro con arco, el concurso de restos en tenis de mesa, las batallas de aviones, hasta tres desafíos en baloncesto, un minijuego rítmico en voleibol o un modo de partido relajado de tenis (aunque me falta el infame y divertidísimo desafío de precisión del primer juego de Wii). Hay bastante material en términos generales.

Además, otros aspectos se han cuidado mucho más. Uno de los que más ilusión me han hecho ha sido el regreso de los famosos sellos (esta vez llamados logros) que incentivan a cumplir una serie de desafíos si jugamos solos o acompañados en cada uno de los deportes.

Porque, por supuesto, a Sports Resort se puede jugar de diferentes maneras. El juego incluye modo local para hasta cuatro jugadores (dependiendo del deporte y prueba, claro) y también cuenta con la modalidad online, ya sea con un sistema de rangos o partidas amistosas.

Aunque, la gran novedad de esta entrega es el modo "as de las islas". Siguiendo lo visto en la progresión de los juegos de Wii, ahora podemos retar a 20 campeones en nueve deportes (no está disponible en avioneta, skate y moto de agua) e ir escalando en el ranking hasta alcanzar a los ases.

El modo aporta una buena cantidad de necesario contenido y otorga una serie de recompensas únicas. Sin embargo, tengo que decir que la dificultad está un tanto descompensada. Del rango 20 hasta el 5 apenas hay desafío (si eres un jugador versado).

Y una vez ganas a los ases de cada deporte hay que medirse con las leyendas. ¿Te acuerdas de Matt? Pues con cada deporte hay que lograr una gesta que ya se antojaba casi imposible en Wii Sports Resort.

El nivel de desafío de estos partidos mete miedo al miedo. No voy a detallar el tiempo que he pasado tratando de derrotar a algunos, pero han sido HORAS. Las leyendas están programadas para no cometer errores y cuentan con muchísima más resistencia que el jugador.

Como buen trauma, había olvidado lo que era derrotar a los líderes del Resort original, pero he tenido flashbacks de Vietnam. Es una locura el nivel de exigencia al que te someten. En ocasiones, he tenido que parar porque se me caía el brazo al suelo después de tantos intentos.

No me gusta utilizar la palabra "frustrante" a la ligera, pero tamaña dificultad en estos partidos me ha aguado ligeramente el disfrute, especialmente, porque algunos deportes requieren tal nivel de precisión que en más de una ocasión la calibración de los Joy-Con 2 ha fallado en momentos clave, lo que produce picos de cortisol nada agradables.

Ni con un souls me he sentido tan incompetente. ¡Qué barbaridad! Aunque, bueno, eso de la dificultad es algo muy subjetivo en algunos casos, pero considero oportuno avisar... Cuidado con las leyendas.

Y por último, hay que hablar de la progresión. Otro de los "talones de Aquiles" de la pasada entrega ha sido ligeramente mejorado. El sistema de canjeo de trajes y cosméticos es prácticamente idéntico al del primer Switch Sports, pero al tener más deportes, se puede obtener una mayor cantidad de equipo, que también se entrega al superar logros o subir de posición en el as de las islas. Esto le dota de un poco más de profundidad.

Por cierto, los Sportsmates siguen estando ahí y son muy personalizables, pero hay opciones para que sean los Mii de toda la vida los que "reconquisten" la isla y tengan mucha más presencia. ¡Larga vida a los Mii!

El precio de Nintendo Switch Sports Resort y ediciones

Nintendo Switch Sports Resort está disponible en formato físico (todo en el cartucho) y digital para Nintendo Switch 2 por un precio de 59,99 euros o 49,99 euros, respectivamente.

Adicionalmente, Nintendo ha lanzado un pack que incluye el juego, la consola Nintendo Switch 2 y tres meses de suscripción a Nintendo Switch Online por un precio de 529,90 euros. Recuerda que para jugar online hay que disponer del servicio de suscripción.

Mii isla Wuhu, mi resort de ensueño

Mira que Nintendo ha desarrollado mundos de maravilla, pero cada vez que recorro la isla Wuhu sueño con pasar unas vacaciones en sus playas. Esta localización es un pequeño paraíso para los amantes del deporte y volver a ella ha sido un estupendo baño de nostalgia.

Quizá podríamos pedir más actividades (especialmente las que se han quedado por el camino) y puede que la fórmula vista en Nintendo Switch Sports Resort no sea la más innovadora o sorprendente, pero repescar esta saga es un acierto mayúsculo.

Al igual que ese primer Wii Sports, Nintendo Switch Sports Resort representa ese, a veces necesario e íntimo espíritu familiar, casual y desenfadado que llevó por bandera la gran N hace un cuantas generaciones y que, ahora, ya no se ve tanto dentro del actual mundo del videojuego. No te apuntes a Hyrox... Mejor súbete en la avioneta rumbo a isla Wuhu.

Así que era cuestión de tiempo que tanto la buena mano del Team Asano como el siempre precioso HD-2D llegasen a la que sin duda es la saga de rol por excelencia de Square Enix: Final Fantasy.

Pero el caso de Final Fantasy Resonance es bastante particular, pues como seguramente ya sabréis no se trata de un título original, sino de un remake de Final Fantasy Brave Exvius, un juego free-to-play para teléfonos móviles que gozó de bastante popularidad y estuvo en activo desde 2015 hasta 2025 (es conocido, entre otras muchas cosas, por convertir a Ariana Grande y Katy Perry en personajes de Final Fantasy).

No os voy a mentir: lo de reconvertir un gacha para móviles y llamarlo "el primer Final Fantasy HD-2D" no terminaba de convencerme. Me parecía un truco un poco burdo y una oportunidad desaprovechada para hacer una entrega completamente nueva de Final Fantasy con este estilo visual.

Pero cuál ha sido mi sorpresa al encontrarme con un Final Fantasy con todas las de la ley. Y no sólo eso: también con uno de los mejores Final Fantasy de los últimos años. Vamos a verlo en este análisis de Final Fantasy Resonance.

• El gameplay de Final Fantasy Resonance
• Nivel de dificultad de Final Fantasy Resonance
• ¿Cuántas horas de juego dura Final Fantasy Resonance?
• Cuánto cuesta Final Fantasy Resonance y dónde puedes jugarlo
• La opinión de Hobby Consolas de Final Fantasy Resonance
• Nota: lo mejor y lo peor de Final Fantasy Resonance

Jugabilidad y gameplay de Final Fantasy Resonance en PS5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch, Nintendo Switch 2 y PC

Como digo, Final Fantasy Resonance es un remake de Final Fantasy Brave Exvius. Pero estamos ante un título que hace honor al término "remake", pues la historia mantiene una estructura similar y conserva los momentos narrativos clave, pero todo lo demás se ha rehecho por completo y es prácticamente un juego nuevo. En especial, hay que dejar claro desde el principio que se ha eliminado cualquier atisbo de mecánica free-to-play y todo se ha reconvertido para transformarlo en una auténtica experiencia single player.

Y el resultado es un Final Fantasy clásico en todos los sentidos. Tenemos un overworld que podemos explorar a pie, a lomos de un chocobo o con un barco volador, hay ciudades, montones de mazmorras, armas y equipo por un tubo, espectaculares invocaciones, jefes opcionales... y, por supuesto, combates aleatorios por turnos.

Ahora bien, Final Fantasy Resonance introduce varios elementos del juego original en su sistema de combate y, al mismo tiempo, moderniza esa fórmula clásica tan querida.

Los elementos en cuestión son las Visiones; se trata de personajes icónicos de la saga Final Fantasy, como Cloud, Tidus, Noctis o incluso Sefirot, que podemos encontrar al explorar el mundo. Estas Visiones actúan de una forma ligeramente similar al sistema de trabajos de otras entregas.

Cada personaje del grupo tiene su propio rol, como protector o sanador, y al subir de nivel aprenden habilidades relacionadas con ese rol. Pero, además, pueden tener equipada una Visión, que también tiene un rol y confiere las habilidades y atributos del personaje asociado. En otras palabras, es como tener dos clases al mismo tiempo por personaje. Y por supuesto, las Visiones también suben de nivel, van ganado nuevas habilidades e incluso se pueden potenciar con fragmentos de magicita.

No es el sistema más original del mundo, pero me ha sorprendido el enorme número de habilidades y hechizos diferentes que hay. Porque cada personaje del grupo principal tiene mecánicas de juego propias, pero cada Visión también incluye un repertorio de habilidades y hechizos únicos basados en el personaje de Final Fantasy que representan. Y hay un total de 26 Visiones, así que... echad cuentas.

Todo esto cobra aún más sentido con las novedades que modernizan el sistema de combate. En Final Fantasy Resonance, además de la barra de salud, todos los enemigos tienen también una barra de aturdimiento que se reduce a medida que atacamos, especialmente si utilizamos el elemento opuesto al enemigo (de ahí que las debilidades elementales sean más importantes que nunca).

Cuando la barra llega a cero, el enemigo no puede atacar ese turno y queda vulnerable, por lo que sufre más daño. Además, el personaje que da el golpe de gracia para ocasionar el aturdimiento obtiene una acción extra ese turno. Y si logramos que todos los enemigos del combate queden aturdidos en un mismo turno, se activa el efecto ventaja, es decir, todos los personajes del grupo obtienen una acción adicional y, además, podemos desatar una Resonancia, el ataque definitivo de una de las Visiones que tengamos equipadas. Estos ataques están realizados con secuencias CGI de las de toda la vida y muestran al personaje de Final Fantasy en cuestión usando su técnica más conocida.

De nuevo, no es el sistema más original del mundo. De hecho, diría que han combinado ideas del combate de FFVII Remake/Rebirth/Revelation (todo lo relativo a la barra de aturdimiento) y mecánicas de la saga Persona (las Visiones, las acciones extra y los All-Out Attack) con los turnos de toda la vida. Pero lo importante es... que funciona. Funciona realmente bien y tanto librar combates por turnos como jugar con la progresión de los personajes es un auténtico vicio.

Me gusta mucho que incluso dentro de su simpleza comparado con otros RPGs, Final Fantasy Resonance dé tantas posibilidades de personalización a través del equipo y los accesorios. Porque no es tan sencillo como equipar lo que más daño hace o protección ofrece; tienes que pararte a pensar qué te interesa más para cada personaje y valorar si merece la pena una armadura que ofrece mucha protección a costa de reducir la velocidad o un arma que ofrece un efecto único, por citar varios ejemplos. Estás tomando esta clase de microdecisiones con todo el equipo que consigues y en ningún momento resulta tedioso; todo lo contrario. Además, los precios de las tiendas son bastante elevados, así que muchas veces tienes que elegir qué te interesa más comprar... o ponerte a farmear guiles, una de dos.

También me gusta mucho todo lo relativo a la exploración. Y ojo porque, como decía al principio, Final Fantasy Resonance es un juego muy tradicional, con un overworld, ciudades y mazmorras. Pero su fórmula triunfa gracias a dos ingredientes: muchos secretos y un gran ritmo.

Porque todas las localizaciones están a rebosar de cofres y objetos muy bien escondidos, fragmentos de tablilla, armas y armaduras únicas, jefes opcionales, Visiones, Espers... Es la clase de juego que recompensa la exploración y salirse del camino principal. Que, por cierto, también mola mucho tener esa libertad para explorar y meternos en zonas de nivel superior antes de tiempo.

Y esto quizás sea una herencia de sus orígenes móviles, pero Final Fantasy Resonance tiene también un ritmo alucinante. El juego se divide en capítulos y cada uno cuenta una historia, a menudo poniendo el foco sobre un personaje diferente y llevándonos a distintos lugares del mundo. Esto ya hace que sea muy entretenido, pero, además, es un juego que destaca por su agilidad en todos los sentidos.

Las mazmorras, por ejemplo, nunca se alargan más de lo que deberían. Habrá quien las encuentre un poco cortas, pero a mí me parece que tienen todas una duración ideal y se las apañan para incluir puzles y mecánicas originales en muchas de ellas. Y cosas como tener el viaje rápido habilitado desde el principio del juego es una verdadera bendición, en especial de cara a las misiones secundarias.

Las secundarias son una de las novedades de Final Fantasy Resonance respecto al juego original. No aportan gran cosa a nivel jugable (son de recadero, básicamente), pero añaden trasfondo al mundo del juego, lo cual se agradece. Y que sean tan ágiles y no abunden, anima a querer completarlas todas.

Y aquí llega el momento de hablar de la historia, que como decía al principio se ha mantenido bastante fiel al juego original. Se han ampliando diálogos para dar más contexto y profundidad narrativa y se han incluido nuevas escenas de vídeo (chulísimas y muy espectaculares). Pero aun con todos estos cambios, este es para mi gusto el punto flaco de Final Fantasy Resonance.

Tanto la historia como los personajes y villanos son todos, hablando mal y pronto, un cliché con patas. No hay nada ni nadie que destaque demasiado o se salga de los tópicos habituales del género y esto provoca que te veas venir los giros de guion desde lejísimos, así que apenas hay lugar para sorpresas.

Pese a todo, tengo que admitir que he seguido la historia con interés... Incluso con más interés que las de otros juegos originales que también hacen uso del HD-2D. Como el propio juego, tiene muy buen ritmo y no se recrea en cosas innecesarias ni da vueltas constantes al mismo tema. Además, los juegos con narrativas y personajes elaborados están genial, pero, a veces, también apetece algo así, sencillo y al grano, pero igualmente disfrutable.

Eso sí, Final Fantasy Resonance tiene un importante "PERO" que creo que mucha gente desconoce: no es un remake completo de Brave Exvius, sino que sólo cubre la primera de las cinco temporadas que componían el juego para teléfonos móviles. Lo que significa que cuando llegamos a los créditos... la historia todavía no ha concluido. Y lo que es peor: acaba con un cliffhanger.

Entiendo que hacer un juego que cubriese las cinco temporadas habría sido una absoluta locura, especialmente si tenemos en cuenta la cantidad de contenido nuevo que añade Resonance. Pero, siendo justos, la historia principal de Brave Exvius está en la primera y segunda temporadas, así que habría bastado con cubrir esas dos. Lo cual ya daría para un juego enorme, desde luego, pero dejarnos con la historia a medias y confiar en que habrá un Final Fantasy Resonance 2... tampoco me parece la mejor de las soluciones.

Y llegamos al apartado audiovisual donde por supuesto hay que destacar el uso del HD-2D. Todo lo relativo a los sprites de personajes y, sobre todo, enemigos es sencillamente una pasada; el trabajo de pixel-art es sensacional, puede que el mejor hasta la fecha en un juego de este estilo. Las animaciones de las invocaciones y los ataques límite, que van acompañados por sus propias secuencias de vídeo, son tan espectaculares que nunca vais a querer saltarlas.

Pero no todo es pixel-art, también hay que destacar el diseño visual de las ciudades. En el mundo de Resonance se funden la Edad Media y la ciencia ficción, dando lugar a una gran variedad de localizaciones, algunas verdaderamente mágicas. Los cambios de cámara y el efecto desenfocado habitual de los juegos HD-2D funcionan realmente bien a la hora de darle profundidad a la imagen.

Ahora bien quiero aprovechar para mencionar algo y que conste que no es una crítica hacia Final Fantasy Resonance: desde hace ya un tiempo los juegos HD-2D son cada vez menos HD-2D y con esto lo que quiero decir es que los únicos elementos hechos de píxeles son los personajes y los enemigos; los escenarios y todo lo que los compone están realizados en 3D puro y duro. Y ojo que, pese a ser así, Final Fantasy Resonance se ve de maravilla, pero me da un poco de lástima que al final los únicos juegos que han sido HD-2D puros o que al menos han intentado dar la impresión de que estaban compuestos por "pixelacos" en su totalidad han sido los Octopath y, hasta cierto punto, el remake de Live-A-Live.

La banda sonora, por su parte, es lo habitual en Final Fantasy. Es decir: una locura de buena. La melodía de los combates es de las que se te quedan grabadas a fuego y te pasas todo el día tarareando, pero las que acompañan los enfrentamientos contra jefes y contra jefes opcionales también son buenísimas. Hay algunas combates que debido a la combinación de puesta en escena y banda sonora son un verdadero alucine. Y, como todo buen Final Fantasy, tampoco falta el maravilloso Preludio, el leitmotiv de la saga, para recordarnos que estamos ante algo mágico.

¿Es difícil Final Fantasy Resonance?

Final Fantasy Resonance cuenta con tres niveles de dificultad entre los que se puede alternar en cualquier momento: relajado, normal y experto. En normal ofrece un desafío aceptable, aunque con matices.

Porque si juegas haciendo todo el contenido opcional que se te pone por delante, lo más probable es que llegues a la mayoría de mazmorras y jefes de la historia con más nivel del recomendado. Aun así, hay bastante combates, sobre todo opcionales, que os van a hacer sudar de lo lindo, así que no me quiero imaginar cómo será en experto.

En cualquier caso, el juego ofrece tantas posibilidades a la hora de configurar a los personajes mediante el equipo y las Visiones, que seguro que no tardan en encontrar combinaciones absolutamente rotas (y esto lo digo como el mayor de los cumplidos).

¿Cuántas horas dura la historia de Final Fantasy Resonance?

Si nos centramos en superar la historia, la duración de Final Fantasy Resonance está entre las 20 y las 30 horas.

Sin embargo y, como ya hemos visto, hay una enorme cantidad de contenido opcional interesante que vais a querer realizar: encontrar todas las Visiones, reclutar a todos los Esper (invocaciones), participar en varios minijuegos, enfrentarse a los superjefes... Incluso hay un coliseo con combates divididos por rangos que van aumentando considerablemente en dificultad.

En caso de que queráis completar Final Fantasy Resonance al 100%, su duración aumenta a entre 60 y 80 horas.

Precio y plataformas disponibles

Final Fantasy Resonance se lanza el 22 de octubre para PS5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch, Nintendo Switch 2 y PC a un precio recomendado de 59,99€.

En la consola de Sony y en las de Nintendo, el juego está disponible también en formato físico al mismo precio. Aunque es importante señalar que la versión para Switch 2 es una tarjeta llave de juego.

Al final, fantasy

Hay tantas cosas buenas en Final Fantasy Resonance que es difícil que no te guste, especialmente si llevas un tiempo desencantado con la deriva que ha tomado la saga. Y vaya por delante que soy un firme defensor del XV y del XVI, pero esto es exactamente lo que la gente llevaba años pidiendo: un juego clásico en todos los sentidos.

Porque aun siendo una reconversión de un juego para móviles y no innovando demasiado en lo que a mecánicas se refiere, Resonance tiene toda esa magia que caracteriza a los grandes Final Fantasy.

A lo largo de este análisis he sido crítico con varios aspectos porque es mi trabajo y el objetivo de cualquier análisis de videojuegos, pero que os quede claro que me he gozado Final Fantasy Resonance como no me gozaba un Final Fantasy desde hace mucho tiempo.

Así que al final me tengo que comer mis palabras y admitir que lo de reconvertir un gacha en un juego single player ha sido una fantasía (y no estaría mal que lo hiciesen también con NieR Reincarnation... Ahí lo dejo). Dicho de otro modo: al final, fantasy.

Su ambientación nos lleva a un planeta Tierra asolada por la guerra entre humanos y monstruos. Los primeros casi se han extinguido, pero surge una esperanza cuando un atolondrado zombi, Davy, se come por accidente un huevo mágico que lo hace capaz de absorber los poderes de los demás.

Ayudado por un esperpéntico grupo de ayudantes (desde un hombre lobo chihuahua hasta una gárgola que habla), Davy deberá sumergirse en un pozo para dar con el causante de la invasión de monstruos, de cara a salvar a la humanidad y, de paso, a una chica congelada de la que se ha enamorado.

El juego se estructura en dos partes. En primer lugar, nos podemos mover por un centro comercial que nos sirve de base de operaciones. Desde ahí podemos “tunear” a Davy con armas secundarias, mirar las estadísticas de lo que hemos conseguido o desbloquear nuevas habilidades al invertir los puntos obtenidos, entre muchas otras cosas.

Cuanto más avancemos en la trama, más locales se desbloquearán, pero la clave es un retrete tecnológico que nos lleva al pozo, donde tiene lugar la acción.

Aunque en el exterior es torpón, dentro del foso Davy es muy ágil y puede acabar con los enemigos a base de golpetazos.

Lo mejor es que, como es un zombi, puede morderlos y absorber su núcleo, lo que servirá para sanarlo un poco y, si el enemigo es lo bastante fuerte, adquirir sus habilidades durante un tiempo.

La idea es que podemos reservarnos un par de transformaciones cada vez, lo que cambia cómo nos movemos y qué tipo de ataques hacemos. Podemos ser un hombre lobo, una arpía que ataque a distancia, un hada de las nieves... Elegir bien cuándo y en qué transformarnos puede cambiar el transcurso de un combate.

El sistema de juego hereda elementos propios de los roguelite. Cada vez que bajamos al foso, empezamos de cero, con Nivel 1. A medida que derrotamos enemigos, subimos de nivel rápido, lo que nos vuelve más efectivos y desbloquea ventajas entre las que elegir: más daño, más efectividad de ciertos movimientos, más defensa, etc.

El foso se divide en estratos y, a su vez, cada estrato tiene un par de plantas. Cada planta tiene zonas de exploración más libre y luego un desafío consistente, normalmente, en acabar con todos los enemigos, en acabar con uno en concreto o bien en enfrentarnos a los peligrosísimos jefes. Hemos de superar el reto para desbloquear la puerta que nos cambie de estrato o planta.

Reloj, detén tu camino

Cada vez que accedemos al foso, hay un objetivo: llegar al estrato 3, al 5, al 10... Ese objetivo se ha de cumplir contra reloj, por lo que, al llegar a las puertas de transición, se nos permite elegir a qué estrato queremos ir a continuación.

Esto nos sirve para saltar estratos para ir más rápido, pero claro, cada estrato tiene un nivel recomendado para Davy. Si nuestro nivel es demasiado bajo, puede ser un suicidio...

Si el reloj de cuenta atrás llega a cero, podremos seguir jugando, pero Davy se volverá muy vulnerable y perderá salud poco a poco. En el caso de morir, volveremos al centro comercial para pertrecharnos mejor e intentarlo de nuevo.

El sistema es simple, pero es cierto que se puede volver algo reiterativo, como suele pasar con estos conceptos roguelite.

Habrá algunos primeros compases en los que avanzar se os haga “bola”, hasta que pilléis el truco de cada monstruo, entendáis bien cómo asignaros las mejoras y comencéis a disfrutar más de la experiencia.

Para ello, es importante no solo transformarnos a base de mordiscos, sino también equipar a Davy con movimientos secundarios que sean útiles.

Así, podemos tener uno vinculado a la transformación actual (por defecto, al empezar como zombis, lanzamos un vómito tóxico), uno relacionado con el “tuneo” que nos hagamos en el cuerpo (como colocarnos un lanzamisiles) y otro extra que se da solo en determinadas circunstancias.

Además, si mordemos lo suficiente podemos llegar a desbloquear el estado “despertado” de Davy, en el que se vuelve increíblemente letal por unos segundos. Ideal para combates con jefes, por supuesto.

No sin mis parry

A todo esto hay que unir la imprescindible faceta técnica de los parrys. Aquí tenemos el “parry de tonto”, un movimiento que se ha de hacer en el momento justo para devolver el ataque al rival, aunque también sirve para atacar en cualquier momento a cambio de algo de daño recuperable, que podemos restaurar a base de mordiscos.

Dominar todos estos elementos es fundamental para salir airosos de las vueltas más avanzadas al foso, especialmente contra unos jefes finales que os darán para el pelo incluso aunque tengáis el nivel recomendado para visitar ese estrato.

En cualquier caso, si os agobiáis demasiado, podéis activar en cualquier momento el modo “A liarla”, una especie de modo fácil en el que Davy es muuuucho más poderoso. Activar esto no tiene penalización, pero lógicamente se pierde la gracia de los combates.

Los escenarios también se vuelven más complejos a medida que visitamos estratos profundos. Viajamos a zonas ambientadas en la antigua Roma, la Europa medieval, los vikingos...

Puede haber trampas para los enemigos o para nosotros, tramos más laberínticos y bastantes items para recolectar, especialmente una energía que nos sirve para desbloquear ventajas y para recuperarnos algo en las zonas de descanso.

Estas zonas de descanso tienen lugar tras ciertos estratos. Allí, el crono no avanza y podemos invertir los puntos en recuperar algo de salud, ganar un mordisco extra o mejorar nuestro ataque durante el resto del foso, por ejemplo.

Como veis, hay muchos elementos a tener en cuenta, tanto durante la acción como durante la fase de preparación en el centro comercial, pero es cierto que acabamos cayendo en cierta sensación de repetición cuando llegamos a tramos más complicados.

Teniendo en cuenta que la aventura dura cerca de 20 horas, hay que saber dosificar las sesiones de juego.

Por suerte, las transformaciones y poderes de Davy dan mucha vidilla, así como la ambientación plagada de humor y referencias cómicas a toda clase de monstruos.

Graphics of the dead

El apartado visual tiene un nivel bastante correcto, sin más. Destacan los diseños de los personajes principales, desde un Davy tontorrón pero valiente hasta unos jefes finales de lo más cool.

La acción es fluida y está llena de efectos, si bien es muy recomendable jugar solo en el modo Rendimiento para tener una experiencia sin tirones. Llevar a cabo los ataques es muy espectacular, pero os robará bastante tiempo acostumbraros a una interfaz saturadísima de colores, diseños y recortes.

Es parte del encanto del juego (en ese sentido, recuerda a propuestas como Lollipop Chainsaw), pero es verdad que os puede costar un poco enteraros al principio de dónde está cada cosa.

El apartado sonoro está lleno de melodías rockeras muy animadas y apropiadas. Las voces están solo en inglés (con buenos subtítulos al castellano), pero mola escuchar los gritos del prota en acción, especialmente cuando se transforma.

Precio y ediciones de Stupid Never Dies

Stupid Never Dies se ha lanzado tanto en formato digital como físico, a un precio de 49,99 euros en ambos casos, tanto en tiendas físicas como en Steam o PS Store. Podéis ver la edición física debajo de estas líneas, aunque no incluye ningún extra.

Además, existe una edición especial, bautizada como Glorious Idiot Edition, que por 59,99 euros añade un paquete de cosméticos para el juego, bautizado como "TickTock Teddies: Nonsense Overload Pack".

La opinión de Hobby Consolas sobre Stupid Never Dies

En conjunto, se trata de un juego muy simpático, con un puntito kitsch y original que le da personalidad, pero que quizá está demasiado saturado de elementos visuales y que, en lo jugable, oscila entre lo emocionante y lo reiterativo.

Aún así, Stupid Never Dies es una experiencia recomendable para todo fan de los hack and slash, de la acción sin complejos y de los zombis panolis enamoradizos. Es todo un subgénero dentro del romance moderno, oigan.

¿Una consola con cartuchos intercambiables centrada de juegos retro licenciados? Algunos arquearon la ceja, pero prueba de su éxito es que ya hay cerca de 90 cartuchos disponibles y más variantes de la consola, como Evercade VS, el modelo sobremesa para jugar a dobles en la tele, o Evercade EXP, una portátil más refinada y con el llamado "modo TATE", para jugar con la pantalla en vertical a shmups y otros clásicos, sin olvidar las revisiones VS-R y EXP-R con algunos cambios.

Pero la cosa no se quedó ahí. El ecosistema siguió creciendo con portátiles cuadradotas al estilo Game Boy, las Super Pocket de Hypermega Tech (con juegos de Capcom y Taito en memoria, aunque luego ha habido versiones hasta con Neo Geo y Data East o Activision) o incluso muebles arcade como Evercade Alpha. Todas estas opciones tienen en común que pueden cargar los cartuchos de Evercade, para que los disfrutes como más te guste.

Y todo, mientras el fabricante, Blaze Entertainment, ha estado escuchando a la creciente comunidad para mejorar sus dispositivos con cada nueva iteración, así como el software, que se ha ido refinando para ofrecer una mejor experiencia de usuario, pero siempre manteniéndose muy sencillos de utilizar. Y así, llegamos a este análisis de Evercade Nexus, la culminación del trabajo de estos 6 años de Blaze. Sí, es la mejor consola que ha fabricado Evercade hasta la fecha. Así de simple, así de directo, y a la vez, así de complicado.

En líneas generales, la experiencia de juego general sigue siendo la misma, con los mismos los cartuchos, con sus manuales de papel incluidos con cada cartucho o su presentación al cargar un cartucho, que no ha cambiado (con matices), mientras que el interfaz es prácticamente idéntico al de las demás consolas... Porque Nexus no llega para revolucionar lo que ya conocemos, sino a subirlo de nivel en muchos aspectos. Y eso es justo lo que vamos a ver.

Diseño, ergonomia y controles de Evercade Nexus

Nada más sacarla de la caja, lo primero que llama la atención es el tamaño. Es la portátil más grande de Evercade hasta la fecha, y en parte se debe al enorme pantallón de 5,8 pulgadas que ocupa la parte central del cuerpo y de la que hablaré un poco más adelante.

Tiene unos acabados más cuadradotes que anteriores modelos, y es sensiblemente más alta, algo que se nota, por ejemplo, en las asideras, más alargadas y menos curvas, y con añaden el espacio necesario para que resulte cómodo manejar los dos sticks analógicos, otra de las grandes novedades de esta nueva versión.

Y no es solo el tamaño. Nexus desprende unas sensaciones premium en todas sis facetas. Frente a los acabados "plasticosos" del primer modelo, aquí todo rezuma calidad y buenos acabados. Desde su peso, a la sensación de robustez o detalles como el nuevo logo luminoso del frontal (al que podemos cambiar el color, ajustar el nivel de brillo en juegos y menú, o apagarlo), la parte trasera texturizada para un mejor agarre o los remates de goma para ocultar los tornillos. Todo redunda en transmitir que es un producto más redondo y mejor acabado.

En el fondo, se siente como el siguiente paso en la evolución de Evercade, de EXP (que ya estaba bastante bien) a un modelo superior, más cómodo y agradable de usar, y sobre todo, en sesiones largas de juego. Y en gran medida lo es, gracias también a los dos sticks analógicos, que abren la puerta a juegos más complejos, de generaciones posteriores, como las de la primera PlayStation (ya tiene algunos juegos) o Nintendo 64, por ejemplo.

Los sticks tienen un buen tacto, con la parte superior concava, y buen recorrido, aunque no son ni Hal-Effect, ni TMR, algo que además hubiera subido un poco más el precio. También tienen botones L3 y R3, por lo que futuros juegos podrán también usar esta funcionalidad.

De hecho, para aprovechar estos sticks, esta nueva consola incluye un nuevo cartucho con Banjo Kazooie y Banjo Tooei, de los que también daré aquí cuenta, dado que merecen especial atención, al tratarse de versiones nuevas, no los juegos de Nintendo 64 tal cual (para quien no lo recuerde, aquel mando no tenía segundo stick).

También me ha gustado mucho la cruceta, con sensaciones que nos devuelven a los 90, y en especial me ha recordado bastante a la de Mega Drive: es grande, con base circular y marca bastante bien las diagonales. Lo único "malo" es que al manejarla, queda cierto hueco alrededor del contorno, y puede meterse algo de suciedad, si no eres muy cuidadoso.

En cuanto a los botones, distinguiría entre tres grupos. Por un lado, están los botones frontales de acción. Son más grandes que en EXP, y algo más duros y con más recorrido, y la tecnología membrana deja unas sensaciones, y un efecto sonoro, muy satisfactorios. También en el frontal, debajo de la pantalla, encontramos el segundo grupo, con cuatro botones para acceder al menú de ajustes (guardar partida, salir del juego...), cambiar al modo TATE (o pantalla vertical en juegos compatibles), además de Start y Select.

Estos botones son algo más duros y rígidos, y hacen un clic más sonoro al pulsarlos, pero cumplen su función sin problemas. Al menos, en la unidad que he probado no he tenido ningún problema, ni se han atascado, ni nada parecido.

Por último, los botones superiores. Además del botón de encendido y los dos para controlar el volumen, están los cuatro botones de acción superiores. Los equivalentes a L1, LB, L, R1, RB y R siguen la forma del contorno superior, son bastante alargados, con poco recorrido y se pulsan fácilmente sin esfuerzo. Son cómodos, y como los otros dos botones de acción superiores, la superficie tiene relieve.

Por su parte, los gatillos tienen una superficie para pulsar bastante grande, pero no son analógicos y tienen un recorrido reducido. Aunque tienen algo de holgura, ojo con ponerte a apretar a lo bestia, porque parecem el elemento más débil del conjunto, y de hecho, si no los pulsas en el centro, se levantan ligeramente por el lado opuesto. Funcionan bien, pero intentaría no ser muy impetuoso con ellos...

Cierra el diseño otros detalles como la ranura para los cartuchos, que aquí parece tener algo más de holgura y entran y salen mejor que en la EXP (había que hacer bastante fuerza para sacarlos), o los conectores inferiores, un puerto USB-C de carga (no da señal de video) y un conector de 3,5 mm para auriculares con cable (también tiene bluetooth, aunque con mis cascos true wireless he notado algo de retardo en el sonido al juegar con ellos conectados a la Nexus.

Así, pues a modo de resumen, es una consola más grande, cómoda, bien construida, con novedades (batería de 5.000 mHa, WiFi 6...) y con controles físicos que permiten ampliar su futuro como máquina retro para todo. No es perfecta, y no solo por los gatillos: me hubiera gustado que tuviera HDMI para conectarla a la tele, o que el puerto USB-C hubiera permitido sacar señal de vídeo... pero entonces no tendría mucho sentido la Evercade VS... ¿no?

La pantalla de Evercade Nexus a examen

Sin ningún tipo de duda, es una de las estrellas de este nuevo modelo. Por su tamaño de 5,89 pulgadas, este panel IPS con resolución 840x512 y relación de aspecto 16:9, se sitúa por su tamaño entre las pantallas de Nintendo Switch y Switch Lite. No es un panel OLED, pero aunque no sea capaz de lograr un negro puro, se ve de escándalo.

Es una pantalla con un brillo de 500 nits, lo que la hace óptima para poder jugar en la calle y, además, resulta muy brillante, con una saturación alta que deja unos colores muy vivos y vibrantes. La unidad que he probado, además, no ha tenido ninguno de los problemas habituales en dispositivos con pantallas, ni píxeles muertos ni fugas de luz, y ofrece unos bueons ángulos de visión. Sin duda, es uno de los elementos que mejor encarna este paso adelante de Evercade.

Además, alrededor de la pantalla hay unos marcos mínimos, lo que refuerza esa sensación de ser un producto cuidado, con una pantalla que convence en cuanto la ves encendida. Es vibrante, grande y se ve todo de lujo, incluso para alguien a quien cada vez le cuesta jugar en pantallas pequeñas...

Si me tengo que poner pejiguero, solo hay una cosa que no me gusta... y no es nada grave. A diferencia de otras consolas y sistemas, el panel IPS de Evercade Nexus no está "pegado" al cristal protector, tiene como uno o dos milímetros de separación y, aunque esto no es nada grave, cuando lo ves, ya no puedes dejar de verlo. Ya digo, es una pijada mía...

Más detalles de Evercade Nexus: componentes internos, altavoces, interfaz, autonomía...

Para quienes disfrutan con los datos técnicos, no está de más decir que, a nivel interno, es el mismo hardware que EXP. Hablamos de una CPU Quad Core a 1,5Ghz, junto a 512 MB de DDR RAM, que ya en su día supuso duplicar la memoria respecto al modelo original. Pero no, no hay cambios en los componentes principales.

Eso sí, para alimentar el pantallón, hacía falta más batería, y aquí Blaze casi ha duplicado su capacidad, pasando de 3,000 mAh a 5,000 mAh, que garantiza una autonomía de entre 3 y 5 horas, dependiendo del uso que hagas de la consola, que se puede ver afectada por el volumen de los altavoces, la iluminación del logo, el brillo de la pantalla o el uso de cascos bluetooth emparejados.

En cuanto a los altavoces, están en el frontal, detrás de sendas rejillas y son estéreo y dejan una buena calidad de sonido. No suenan tan contundentes como los de ROG Xbox Ally X, pero cumplen de sobra. Y además, están colocados de tal manera que no los vas a tapar con tus dedos mientras usas los sticks analógicos. Otro acierto del diseño.

En cuanto a la interfaz, se puede decir que es prácticamente la misma que en EXP, con las mismas opciones en un menú vertical que, en primer lugar nos muestra el cartucho insertado, los juegos "ocultos" o que se desbloquean al mes, una opción para ver la biblioteca de cartuchos disponibles (aunque no podemos comprar nada) o unos completos ajustes que nos permiten dejar la máquina a nuestro gusto.

Hay opciones para la pantalla (relación de aspecto, activar scanlines, biseles para los juegos que tienen bordes negros -juegos TATE incluidos-, tasa variable de la pantalla, brillo, sombreadores... También hay opciones para los juegos (controles analógicos, modo Neo Geo...), configuración de red, audio inalámbrico, actualización del firmware...

Entre estos ajustes, además, es posible encontrar una nueva opción, "Personalizar", que nos permite ajustar la luz del logo Nexus del frontal. Podemos elegir el color, así como el nivel de brillo, o apagarlo, tanto mientras jugamos como mientras estamos en el menú.

Fuera de estos ajustes generales, hay una opción nueva, llamada EverSync, que es muy parecida al GameShare de Nintendo Switch 2, y que nos permite jugar con un amigo, cada uno en su consola, teniendo un único cartucho. Para ello, Nexus crea una red inalámbrica local (no es necesario Internet) y así podemos crear una sala, o unirnos a una ya creada, para disfrutar de los juegos multijugador.

Los primeros cartuchos que sacan partido de Evercade Nexus

Como adelanté antes, junto con Evercade Nexus trae de serie un cartucho con los dos juegos de Banjo de la era de N64. Pero, lejos de ser las roms de aquella consola corriendo en un emulador, Blaze ha conseguido algo muchísimo mejor: una versión nativa para Evercade.

Así pues, el juego está adaptado al formato panorámico de la pantalla, y no solo cuenta con una resolución mejorada, sino que también la tasa de frames ha mejorado para quedar fijada en unos sólidos 60 fps. Y no solo eso: también puedes usar el stick derecho para girar la cámara, algo que no se podía hacer en la versión de N64, aunque lo cierto es que no es un control fluido y continuo de la cámara, sino más bien da "saltitos", pero que nos permiten seguir el juego sin ningún problema.

Lo mejor de todo es que, a diferencia de otros juegos, como los Legacy of Kain, los juegos están con los textos en castellano. Y no solo eso: Blaze ha empezado a teñir los cartuchos de color para darles un toque especial. A esta colección de Banjo le ha tocado el color azul, que no le queda mal... aunque mola mucho más el rojo intenso del cartucho de Doom Collection, el otro cartucho que acompaña a Nexus en su puesta de largo y que también aprovecha sus novedades.

Se trata de una colección que incluye Doom, Doom 2 y seis paquetes de misiones oficiales. Como Banjo, se trata de otra versión nativa, lo que significa que los controles se han adaptado a los dos sticks (aquí la cámara si es suave y fluida como en los juegos actuales) y un montón de nuevos modificadores exclusivos de la versión para Evercade, que además puedes jugar con amigos usando EverSync.

Habrá que ver qué futuros juegos van llegando para aprovechar los dos sticks. ¿Quake y jugar a Arena con amigos? Ojalá. Y en los catálogos de PSX o N64 hay muchas joyas que podrían dar el salto a Evercade...

La opinión de Hobby Consolas de Evercade Nexus

Si has leído hasta aquí, ya tendrás una idea más o menos clara de lo que me ha parecido Evercade Nexus, la mejor consola de Blaze hasta la fecha, y una que además sube de nivel la propuesta que comenzó en 2020. No llega para alterar el ecosistema, ni cambiar las cosas de manera salvaje. Es solo una opción más, y una que además destaca por ser la más premium y redonda, la mejor tanto si piensas adentrarte en este fenómeno retro por primera vez, como si ya estás dentro.

De primeras, su precio de 199,99 euros con el cartucho de Banjo incluido puede parecer elevado... pero eso es porque no has trasteado con el hardware. Por construcción, pantalla y sensaciones a los mandos, es una gran consola, y la recomendaría incluso si ya tienes una EXP y sigues enganchado al coleccionismo de los cartuchos, que ya ronda los 90 volúmenes distintos con más de 700 juegos en total, y varias docenas de clásicos, rarezas y colecciones únicas, con hits de Gaelco, Taito, Neo Geo, Activision, Data East, Visco y muchas más.

Y ya no es solo que los cartuchos tengan un precio razonable, que también, es que en este nuevo modelo se ven mejor que nunca y, gracias a opciones como EverSync, podrás compartir la experiencia de juego con amigos sin necesidad de comprar más cartuchos (es algo que funciona con todos los juegos que tengan modo cooperativo).

Al final, es paradójico que una consola como Evercade Nexus siga un rumbo totalmente opuesto al que quiere imponer el mercado, y en especial PlayStation, que ya ha tiene fecha para el fin del formato físico, mientras Evercade opta por abrazarlo muy fuerte para atraer a otros que, como yo, le siguen encontrando un atractivo especial a eso de coleccionar cajas con manuales. Y en eso, Evercade sigue cumpliendo. Y con consolas como Nexus, cada vez mejor...

Es un caso algo particular, porque por un lado podemos conseguir este Retro Roundup compuesto de 5 juegos (que, si tenemos en cuenta las diferentes versiones incluidas, en realidad son 11). Por otro, se lanza también, como un contenido aparte, Toy Story 3 Complete Edition.

Podemos comprar estos dos elementos por separado (solo en digital), pero también en un pack (tanto digital como físico) que lo aglutine todo. Esto es lo ideal, porque se lanza a un precio de 39,99 euros, mientras que por separado valen 29,99 y 24,99, respectivamente.

No vamos a profundizar demasiado en cada uno de los juegos, pero sí os daremos unas pinceladas y, sobre todo, analizaremos la calidad del recopilatorio en sí, que añade un porrón de novedades visuales y de calidad de vida, además de interesantísimos datos, imágenes y documentales creados para la ocasión, como ya nos tienen acostumbrados los cracks de Digital Eclipse (¿recordáis Mortal Kombat Legacy Kollection?).

Toy Story, con él empezó todo

El primer juego, Toy Story, se lanzó en Mega Drive y poco después en Super Nintendo (¿recordáis la portada de Hobby Consolas?). Aunque es un juego muy puñetero y con sus "cosillas" en el control, en su momento suponía una maravilla técnica y cada nivel era completamente diferente.

Quizá por su curva de dificultad y sus a veces enrevesadas instrucciones haya envejecido regular, pero merece la pena probarlo, sin duda. Aquí tenemos las versiones de Mega Drive y SNES (en diferentes regiones), pero también la de Game Boy, que usaba gráficos pre-renderizados igualmente y era muy meritoria.

Toy Story 2, Buzz Lightyear en 3D de verdad

Tras los trucos en 16 bits, con el salto a la primera PlayStation los gráficos y el desarrollo pasaron a ser completamente 3D. El protagonista era Buzz Lightyear y se heredaba el concepto "collectathon" (entornos abiertos en los que buscar muchos items) de hits como Super Mario 64.

El juego es enormemente entretenido, invita mucho a la exploración y en su momento era una pasada usar la vista subjetiva para disparar el láser mirando en la escafandra de Buzz. Eso sí, la cámara aún era demasiado torpe (podemos ponerla automática o manual) y el control se podría mejorar.

La versión de Game Boy Color, también incluida, cambiaba por completo el sistema de juego y volvía lógicamente a las 2D, con una jugabilidad que recordaba más a títulos como Flashback o Prince of Persia. Las animaciones de Buzz eran bastante sorprendentes, pero la dificultad era endiablada, para tratarse de un juego "infantil".

Buzz Lightyear of Star Command, el héroe se pasa a la acción

El éxito de las pelis dio pie a una serie de dibujos sobre las aventuras estelares de Buzz. Esta serie tuvo su juego de PS1, que en esta ocasión si resultaba más facilón.

Cada nivel se dividía en una persecución plataformera al enemigo de turno, para luego llegar a un combate más al uso, en el que había que mermar los escudos del rival poco a poco.

No era nada del otro jueves, pero si dinámica de juego se asimilaba fácilmente y los gráficos, con un estilo más cartoon, eran resultones.

También tenemos el juego de Game Boy Color, que pasaba a ser una especie de shooter en perspectiva elevada con algunos elementos plataformeros.

No estaba mal, pero su presentación visual quedó bastante sosilla. Aún así, replicaba bien la contrapartida de 32 bits.

Toy Story Racer, otro clon de las carreras locas

El éxito de juegos como Mario Kart o Crash Team Racing llevó a que los juguetes también tuvieran una propuesta así, que nos llevaba a recorrer lugares icónicos como la casa de Andy o el Pizza Planet.

El control era muy sencillo y contaba con el incentivo de que cada carrera era diferente. No siempre se trataba de llegar a la meta y había desafíos basados, por ejemplo, en eliminar al resto de corredores con ataques especiales. No llegaba a la altura de Crash Team Racing, pero era muy entretenido.

La versión Game Boy Color, centrada solo en las carreras, era un pequeño prodigio visual: en vez de mover escenarios "de verdad", usaba Full Motion Video para mostrarnos fondos con un muy convincente efecto 3D. Eso sí, el frame rate y la paleta de colores eran muy limitados. Aún así, es un muy digno juego de carreras para la portátil.

Bichos, un (gran) extra en miniatura

Además de los juegos de Toy Story, el recopilatorio incluye A Bug's Life (Bichos, en España), basado en la peli de Pixar que, siendo estrictos, podría considerarse dentro del universo de Woody (¿recordáis la toma falsa en los créditos de Toy Story 2?).

Es un juego bastante ambicioso, con escenarios grandes que se suelen basar en el plataformeo y el uso de semillas para generar rebotadores y otros cambios en el escenario.

Su nivel técnico y jugable lo convierten en un muy interesante plataformas para PS1, aunque lamentablemente aquí no se incluye la versión de España, así que no podréis escuchar a Jordi Cruz "el bueno" dando voz a Flik.

La oferta se remata con el Bichos de Game Boy Color, una aventura 2D con mucho salto y recolección de objetos. Es un juego bastante soso, que destaca un poco por las animaciones de Flik, pero que tanto por control como por diseño de niveles no convence.

Opciones que dan mucha cuerda

Aunque los juegos incluidos son, lógicamente, el gran atractivo del recopilatorio, tenemos que rendirnos, una vez más, ante el estupendo trabajo de Digital Eclipse al "envolver" todo esto.

Además de poder consultarlos en orden cronológico, tenemos la opción de cambiar entre las diferentes regiones de la mayoría de títulos, chequear un modelo 3D de sus cajas o consultar un manual de instrucciones digital a todo color.

Por supuesto, está la opción de guardar y cargar cuando queramos o rebobinar si cometemos un error, pero además tenemos dos opciones que facilitan muchísimo la calidad de vida.

Por un lado, está el modo Práctica, que nos permite elegir cualquier nivel de cualquier juego y dejar que la consola lo juegue en tiempo real por nosotros, para aprender cómo se resuelve. Cuando queramos, podemos pulsar un botón para tomar nosotros el control.

El otro elemento simpático se llama Trucos de Rex. Podemos aprovecharlo para cualquier juego y, dependiendo del título, nos permite activar vidas infinitas, invencibilidad o saltar de nivel, sin tener que introducir las típicas combinaciones de botones de la época. Así, cualquiera puede atreverse con los juegos, aunque lógicamente se pierda el desafío original.

Desde el menú principal del recopilatorio tenemos La historia de Toy Story, un repaso cronológico a los juegos con imágenes, publicidades y anécdotas de cada uno (en castellano).

El plato fuerte son varios documentales con entrevistas a los desarrolladores y actores de los juegos (como Tim Hanks, que puso voz a Woody en ellos). Aquí se cuentan detalles interesantísimos sobre los trucos gráficos usados en Mega Drive, por ejemplo.

Estos documentales están en inglés con subtítulos en castellano. A poco que os interese la historia de los videojuegos o su desarrollo, os parecerán interesantísimos, igual que lo fueron los de Mortal Kombat o Atari 50: The Anniversary Celebration.

De propina, tenemos un selector de música para escuchar las melodías de todos los juegos y dejarlas sonando mientras navegamos por los menús.

En cuanto a los gráficos, podemos activar diferentes proporciones visuales, filtro de scanlines y monitor curvado y, en el caso de los juegos 3D, se puede aumentar la escala de renderizado hasta x4, lo que sirve para que los modelos y las texturas se vean mucho más nítidos. Es un extra que ya vimos al recuperarse Mortal Kombat 4 y que funciona muy bien.

En definitiva, los juegos te podrán gustar más o menos, pero el trabajo de recopilación y presentación de los mismos es casi impecable.

Toy Story 3, hay un amigo muy molón en mí

Como decíamos, este título se presenta como un ejecutable aparte y solo si compráis el pack completo (o si lo compráis aparte). Es un título, más avanzado, perteneciente a la generación Xbox 360, y se nota. Tanto en gráficos como en jugabilidad está muchísimo más pulido que los anteriores.

En su esencia, es un plataformas más, con cada nivel variando su desarrollo. Jugamos con Woody, Buzz y Jessie. Cada uno tiene movimientos exclusivos (Jessie puede subir a ciertas plataformas con una pirueta, por ejemplo) y hay que alternar el control de ellos para superar ciertos desafíos.

Lo divertido, además de mezclar estas habilidades para saltar y superar puzzles, es que los niveles son muy variados. Hay algunos de avance en profundidad, otros más orientados a la acción con la ambientación de las aventuras de Buzz, otros con mucha presencia de puzzles...

Al margen de todo esto, la estrella es el modo Toy Box, una especie de modo abierto en el que tenemos un enorme pueblo del oeste para personalizar, explorar y dar con desafíos nuevos. En su momento, su influencia fue tan grande que sirvió de punto de partida para lo que luego serían los juegos Disney Infinity, ¿los recordáis?

Como esta es la versión completa del juego, se incluyen los extras que llegaron a PS3, como la posibilidad de jugar con el emperador Zurg más adelante.

Junto a una dinámica de juego muy variada, los gráficos estaban muy detallados para la época y los personajes ya son casi idénticos a los de las pelis. Esta nueva versión, claro, mejora la resolución y nos da unos 60 frames por segundo sólidos.

Además, aquí sí tenemos las voces en castellano, que incluyen a varios actores originales de las pelis (como Nuria Trifol como Jessie o el titán Pepe Mediavilla como Zurg).

Precio y ediciones de Toy Story Retro Roundup + Toy Story 3 Complete Edition

En formato digital, es posible comprar ambos juegos tanto por separado como juntos (aunque esta última opción sale más a cuenta). Si optas por el paquete Toy Story Retro Roundup + Toy Story 3 Complete Edition, cuesta 39,99 euros. Por separado, Retro Roundup tiene un precio de 29,99 euros, y Toy Story 3, de 24,99 euros.

Además, Meridiem Games distribuye en nuestro país las cuatro ediciones físicas, que en todos los casos incluyen los cuatro juegos -es un pack doble-, disponibles para PS5, PS4 y Nintendo Switch (a un precio de 44,95 euros), además de Nintendo Switch 2, por 54,95 euros, que podéis ver bajo estas líneas y que no es una tarjeta llave.

La opinión de Hobby Consolas sobre Toy Story Retro Roundup + Toy Story 3 Complete Edition

En conjunto, este recopilatorio supone un magnífico entretenimiento no solo para fans de Toy Story, sino para los amantes del plataformeo en general.

Es cierto que, si tuviéramos en cuenta Toy Story 3 por separado, quizá su nota sería un pelín más alta, porque la calidad irregular del resto de títulos lastra un poco el conjunto.

Pero visto como eso, como un conjunto, nos parece una propuesta de lo más interesante no solo para conocer una pieza de la historia de los videojuegos, sino también para disfrutarla con más comodidad que nunca. Con este Retro RoundUp, hasta el Señor Patata estaría contento.

Tres nuevos ports que se suman a Resident Evil Requiem, RE7 y Village, lanzados en febrero y que son la referencia de lo que podemos esperar aquí, como vamos a ver en este análisis de Resident Evil 2, Resident Evil 3 y Resident Evil 4 remake para Nintendo Switch 2, con los que Capcom sigue como una apisonadora para terminar 2026 como el editor que mejor exprime la consola, y ahí están están Onimusha: Way of the Sword, Pragmata o Devil May Cry 5 para refrendarlo.

Como en otras ocasiones, lo que nos llega ahora son las ediciones completas con todo el DLC que recibieron los juegos, como es el caso de Resident Evil 2 Deluxe (con los aspectos poligonales de Leon y Claire del juego de 1998, la BSO original, los modos extra como los otros supervivientes...) o Resident Evil 4 Gold, que añade el DLC Caminos Distintos protagonizado por Ada, mas varios trajes, modo Mercenarios... etc. Resident Evil 3 no tuvo extras reseñables, más allá del traje clásico de Jill y el penado original de Carlos.

Al igual que en los análisis de otros ports, como los de Dragon Quest XI S, La Tierra Media: Sombras de Mordor y Sombras de Guerra o Kingdom Hearts Collection I-III, en este análisis de RE2 Remake, RE3 Remake y RE3 Remake para Nintendo Switch 2 no voy a explicar qué ofrece cada aventura en términos de historia, jugabilidad o duración. Para eso están nuestros análisis de Resident Evil 2 Remake, análisis de Resident Evil 3 y análisis de Resident Evil 4 Remake, donde se profundiza en todos esos aspectos y otros muchos más.

Aclarados estos aspectos, y tras recordar que estas nuevas versiones no tienen nada que ver con las ediciones Cloud que se lanzaron para la primera Switch, vamos con las review de Resident Evil 2, Resident Evil 3 y Resident Evil 4 Nintendo Switch 2, en las que voy a ir título por título, porque lógicamente hay diferencias en algunos aspectos... aunque en lo técnico tienen más en común de lo que pueda parecer.

Resident Evil 2, el primer remake de la era moderna, luce genial en Nintendo Switch 2

De todos los juegos de la saga que llegan ahora a Nintendo Switch 2, Resident Evil 2 Remake es el más antiguo de todos (de 2019) y el culpable de que Capcom acabara apostando por la vía de los remakes. De lanzamiento, salió en PS4, PC y Xbox One, por lo que sobre el papel era un "port fácil" para Nintendo Switch 2, dado que es en estas versiones en las que se basa (aunque en 2022 salió la versión nativa para PS5 y Xbox Series X|S, con gráficos 4K, 120 fps o ray tracing...).

Lo puedo deducir porque al jugar con la consola en modo TV, la resolución alcanza los 1080p gracias al DLSS, partiendo de una resolución nativa de 540p -como otros ports de Capcom-, aunque aquí sí logra alcanzar unos 60 fps tremendamente estables (como en PS4 Pro, porque en la PS4 base rondaba los 40-50, y con caídas).

Jugando en modo portátil se mantienen estas cualidades, si bien es cierto que la resolución nativa oscila entre los 360p y 600p, y desde ahí reescala hasta 1080p, de nuevo, sin titubear lo más mínimo en el tema de los frames: se mantiene a 60 fps fijos. Y se ve prácticamente igual de bien que en modo dock, gracias a que la pantalla es más pequeña..

En ambos casos, RE2 se ve de fábula en Nintendo Switch 2, no tiene censura o recortes de ningún tipo y no falla en aspectos como recrear las sombras que proyecta nuestra linterna, y que en otros juegos se ven pixeladas, más borrosas o menos definidas en general. Visualmente no vas a notar grandes diferencias respecto a las demás versiones, más allá de que los gráficos son un pelín menos brillantes que en la versión de PS4 (me he peleado con los ajustes de brillo y contraste sin grandes resultados) y fallitos menores, algunos provocados por DLSS.

Aquí el problema no está tanto en el pelazo de León o Claire, que no canta tanto como lo visto en juegos como Final Fantasy VII Remake Integrade o Final Fantasy VII Rebirth (en portátil se aprecia algo más, aunque no tanto como en las capturas), sino en efectos visuales como la lluvia, que generan algo de artefacto o ruido extraño alrededor de los personajes, o el fuego, que es un poco cutrecillo.

Si sacas la lupa, también vas a apreciar que algunas texturas cantan un poco más de la cuenta (algo común a RE2 y RE4, especialmente), como si estuvieran a resolución más baja (sobre todo si quedan muy cerca de la cámara), así como detalles algo más pixelados, como algún que otro chorretón de sangre en taquillas y similares. ¿Afectan estos lunares a la experiencia? En mi opinión, no.

También vas a notar algún que otro cambio brusco en la iluminación, al movernos de unas zonas de la comisaría a otras bien diferenciadas (o, directamente, tarda más en cargar la iluminación). No es nada grave y dura poco, pero es algo que se nota sobre todo al pasar de zonas bien iluminadas a otras totalmente a oscuras, o viceversa.

Por último, y esto es aplicable a los tres juegos: Capcom ha realizado los ports "tal cual", es decir, no ha incorporado ni eliminado nada y, por ejemplo, no incluye controles por movimiento o tipo ratón para aprovechar los Joy-Con 2 de Switch 2. La única excepción es RE4, que sí tiene controles por movimiento. Por su parte, la vibración tiene detalles chulos y otros algo más desafortunados, como el zumbido cuando tenemos poca vida, que hace sonar el mando casi casi como un despertador, sin aportar sensaciones que merezcan la pena, la verdad.

Del mismo modo, quiero volver a insistir en que las capturas sacadas con la propia consola, como las que están incluidas en este análisis, no hacen justicia a los juegos, que se ven infinitamente mejor tanto en modo dock, como jugando en portátil.

Resident Evil 3, el remake más vapuleado es también el que mejor se ve en Nintendo Switch 2

Catalogado como el Remake más breve, y el único que no termina de explotar el juego en el que se basa, RE3 Nemesis es, para mi gusto, el que mejor se ve y se mueve en Nintendo Switch 2. Se lanzó en 2020, un año después de RE2 Remake, y sin las consolas de nueva generación a la venta. Por lo tanto, sobre el papel era otro "port fácil".

De hecho, diría que la resolución es exactamente la misma que en RE2, en modo TV también alcanza los 1080p gracias a DLSS (de una resolución nativa de 540p) y se mueve a unos suaves y estables 60 fps. En modo portátil lo mismo, baja la resolución nativa a 600p, y la reescala a 1080p, de nuevo, con unos sólidos 60 fps.

¿Y por qué creo que se ve mejor? Pues creo que por varios factores, empezando porque hay más iluminación externa (fuego, focos...), escenarios más variados y luminosos, más elementos "guionizados" que hacen que sea todavía más espectacular (Jill huyendo de un edificio en llamas), e incluso por los propios modelos de los personajes, que tienen incluso un punto más de detalle. Entra más por los ojos.

También suma la destrucción del entorno a cargo del persistente Nemesis (algo que estaba también en RE2R con Mr. X, pero quizá no de manera tan vistosa), entornos con más interiores que podemos visitar y calles infestadas de enemigos, además de objetos que podemos usar como trampas como generadores a los que disparar y electrocutar a los enemigos con interesantes efectos visuales...

No me he topado con defectos visuales tan evidentes como en RE2, ni con los que mencionaré más adelante con RE4, así que, desde un punto de vista técnico, me ha parecido el port más redondo de los tres, aunque en portátil, si que vas a apreciar más los habituales defectos, por ejemplo, del pelo, o un plus de borrosidad en portátil, cuando la acción se va de madre.

Cabe destacar que Resident Evil 3 para Switch 2 es también el juego más barato de los tres remakes que se lanzan ahora (más abajo hablo de precios), pero también el más corto en términos de duración, sin olvidar que es el más "rácano" en otros aspectos, como el contenido adicional incluido, así que, sin ser un mal juego, ni un mal port, quizá no sería mi primera opción si tuviera que elegir un único remake de esta nueva remesa. Y eso que, como digo, se ve de locos.

Resident Evil 4 Gold Edition, el juego más reciente es también el que más "problemas" tiene en Nintendo Switch 2

Terminamos con el remake de 2023 que, para quien no lo recuerde, es el único que salió simultáneamente en las consolas actuales como en PS4, y que en líneas generales subió un peldaño la calidad visual respecto a los anteriores remakes. Iluminación, modelos, escenarios... todo estuvo a gran nivel. Y el port de Resident Evil 4 en Nintendo Switch 2 se ve prácticamente igual de bien que en las demás versiones. Todo cumple en líneas generales, y mantiene las mismas tasas de frames y resolución que los otros dos RE que llegan ahora.

Pero, no es menos cierto, quizá por ser el juego más exigente de los tres, que aquí es posible detectar algunos defectos de manera más evidente. El primero es el relacionado con el pelo (sobre todo jugando en portátil) así como otros fallos que hemos visto en ports recientes, como el "pop in", o carga brusca de elementos, presente en The Crew Motorfest o The Elder Scrolls IV Oblivion, entre otros.

No es algo salvaje, ni se aprecia a cada paso que damos... pero cuando se da, "canta por soleares". Pasa, por ejemplo, al iniciar la famosa escena en la plaza del pueblo inicial, en la que nos persiguen sin descanso. Nada más entrar en esa zona, vas a ver como de golpe y porrazo se carga el detalle de un montón de piedras que se mostraba de manera mucho más simple. Pasa también con el detalle de algunos árboles en la distancia y cosas de ese tipo.

Como digo, no es algo que pase a cada paso, pero cuando se da... se nota. Como también se nota un defectillo que solo me ha sucedido en el juego base de Resident Evil 4 Gold Edition para Nintendo Switch 2, y es que al salir del menú o del mapa, hay unas décimas de segundo en las que el juego "rasca", como si petardeara un instante, para recuperar los 60 fps continuos del gameplay. Tampoco pasa siempre.

También vas a ver texturas con resolución mejorable (sobre todo, en tablones de madera y otros materiales). ¿Son defectos graves? Para nada, la experiencia es perfectamente disfrutable y muy vistosa (como ya he insistido, se ve mejor de lo que muestran las capturas del juego). Pero, si vas buscando fallos, los vas a encontrar. Otros aspectos, como los borbotones de sangre al disparar, se ven mejor que en RE2 Remake.

Precio, ediciones y cuánto ocupan los remakes de RE2, RE3 y RE4 en Nintendo Switch 2

El 15 de octubre, los tres juegos sólo están disponibles en formato digital. Para la edición física habrá que esperar a enero de 2027, aunque se desconoce si habrá algún pack con los tres juegos juntos o si se venderán por separado. Lo que parece claro, es que serán Tarjetas Llave, como en el Generation Pack que vimos a principio de año.

Para quien tenga problemas de espacio en su consola, no está de más saber que no son de los juegos que más ocupan en Switch 2, y salvo RE4, RE2 y RE3 se pueden hasta considerar "ligeros". Esto es lo que ocupa cada juego, una vez instalados en la propia consola:

• Resident Evil 2 Deluxe Edition - 14 GB
• ​Resident Evil 3 - 11,8 GB
• ​Resident Evil 4 Gold Edition - 26,8 GB

En cuanto a los precios, Capcom sigue con su buena costumbre de lanzarlos a precio rebajado, y actualmente todos tienen un descuento activo hasta el 15 de octubre, que en algún caso puede suponer un ahorro de hasta un 34%, aunque depende del título.

Así, Resident Evil 2 Deluxe Edition tiene un PVP de 39,99 euros, aunque hasta el 15 de octubre se puede comprar por 29,99 euros (un 25% de descuento), mientras que Resident Evil 3 cuesta 29,99 euros, y se puede conseguir ahora mismo por 19,79 euros (un 34% de descuento). Por su parte, Resident Evil 4 Gold tiene un PVP de 49,99 euros, y está rebajado a 39,99 (20%). Si te interesa alguno, esta rebaja inicial una gran opción.

La opinión de Resident Evil 2, Resident Evil 3 y Resident Evil 4 en Nintendo Switch 2

No sé cuantos ports para Nintendo Switch 2 puedo haber jugado y analizado ya en lo que llevamos en 2026, pero una cosa tengo clara: Nintendo Switch 2 ya ha demostrado que es una consola más que capaz de mover los ports de grandes superproducciones, y eso es algo que vuelve a quedar claro con las nuevas versiones de estos aclamados survival horror.

Con ellos, Capcom no falla el tiro y sigue sumando tantos en un 2026 de infarto. RE2, RE3 y RE4 para Switch 2 cumplen de sobra en gráficos y rendimiento, con sacrificios mínimos (algunas texturas en baja...) y con el aliciente de poder jugarlos a 60 hasta fps en modo portátil, algo que no me cansaré de aplaudir, y con una calidad visual más que notable para ser disfrutados también en la TV, a pesar de algunos fallos como el pop in en RE4, que es más evidente.

Sin ningún tipo de duda, Capcom le tiene ya muy bien cogida la medida a Switch 2, y prueba de ello es que no ha dejado de lanzar ni uno sola de sus producciones de 2026 con resultados más que sorprendentes, además de rescatar sus grandes éxitos del pasado, adaptados a la nueva consola, gracias a los cuales ronda ya la decena de lanzamientos, y todos fabulosamente bien optimizados para la híbrida de Nintendo.

En este caso, Capcom podía haber culminado un trabajo todavía más redondo si hubiera eliminado por completo algunos fallos (como el mencionado "pop in") y, además, hubiera sacado partido de las características de la consola, como los controles por movimiento para apuntar (algo que sí tiene Onimusha: Way of the Sword) en RE2 y RE3.

Y puestos a pedir, que la futura edición física sea "de verdad", con todos los datos las tarjetas, algo que me temo no va a pasar (los tres juegos caben de sobra en una tarjeta de 64 GB). Si juegos indie como Orbitals o MIO lo ha hecho, ¿por qué tú no puedes, Capcom?

Pero vaya, que si todavía no los has jugado, puedes estar tranquilo: vas a poder disfrutarlos a lo grande también en Nintendo Switch 2, y sin padecer problemas graves: son tres buenísimos ports que, salvo pequeños problemas y mínimas concesiones visuales, son igual de impresionantes y disfrutables que en el resto de plataformas... aunque no todas te permiten coger los juegos y llevártelos a la calle.

El motivo responde a un... dogma que se cumple a la perfección en este caso. De una manera similar a DOOM The Dark Ages Revelation, este Dark Arisen demuestra cómo debe ser un DLC, una experiencia con valor añadido, que apuesta por ideas diferentes y experimentales.

Esto no es algo nuevo y responde a la propia naturaleza del juego base. Muchas son las virtudes de Dragon's Dogma 2, pero más allá de sus evidentes buenas dotes como RPG, la capacidad de formular una narrativa emergente a través de su gameplay o de la estupenda visión japonesa del imaginario fantástico medieval occidental, lo que más destacaría es su arrojo. Dragon's Dogma 2 es un juego de autor.

Primero con Dragon's Dogma y luego con su secuela, Hideaki Itsuno y Capcom nos dejaron títulos con una visión muy particular de lo que debe ser una aventura de rol, con ideas que no buscan adaptarse a todos los paladares y que, incluso, pueden disgustar a más de uno.

Ahí está la fuerza de la saga. Y Dragon's Dogma 2 Dark Arisen vuelve a demostrar esa valentía. La expansión cambia aspectos de la propuesta inicial del juego de 2024 y lo que más me gusta es que esto puede contentar a los fans... o no. Aquí hay personalidad por un tubo.

La historia y ambientación de Dragon's Dogma 2 Dark Arisen

Tras empezar el DLC con una pequeña misión, el Arisen viaja a la norteña región de Norgan, un paraje helado y salvaje que ofrece nuevos peligros, desafíos, lucrativas recompensas... y una nueva manera de entender este RPG.

La historia arranca con una premisa muy atractiva. Tras soñar con el colapso del reino fruto de una corrupción imparable, nuestro héroe escucha los rumores que hablan de la existencia de otro Arisen, tema que ya sonará a los fans más veteranos de la saga.

Este enigma, junto con el viaje a la implacable Norgan, una fallida batalla contra un dragón exánime y la aparición de una guerrera misteriosa suponen el sugerente punto de partida de una reinterpretativa narrativa que, pese a no contar con personajes memorables, sí que atrapa de lleno desde un primer momento.

El éxito de esta historia se basa en la portentosa capacidad que tiene el juego para meterte de lleno en su mundo. El progreso del guion responde a la exploración de Norgan, una región fantástica, más pequeña que lo visto en el juego base, pero también más grande y concentrada de lo esperado. Sus inspiraciones "vikingas" son todo un acierto y la ambientación es una auténtica maravilla. ¡La traducción al castellano se inspira, de alguna manera, en el bable asturiano!

Y con ella entra de lleno el primer riesgo o sistema divisivo de este DLC. El gran atractivo de Dragon's Dogma 2 descansaba sobre los hombros de una exploración que daba mucho peso al propio concepto del viaje y de la preparación previa. Ir de A a B era el gran desafío del juego y su mayor señal de identidad. Con Dark Arisen esto se desdibuja.

La identidad y novedades jugables de Dragon's Dogma 2 Dark Arisen

El viaje rápido gana una mayor importancia. El uso de piedras transportadoras eternas, la generosa cantidad de puntos de viaje rápido o la introducción de mecánicas como la escalada con gancho hacen que lo de ir de un lado para otro sea mucho más sencillo.

He leído críticas a este aspecto y las entiendo perfectamente, pero también valoro que Capcom haya apostado por cambiar ligeramente la fórmula. Y ojo, porque recorrer las nevadas planicies de Norgan y sus peligrosos desfiladeros y caminos sigue siendo un reto.

Esto último se aprecia en el diseño de misiones principales, que sigue apostando por la gestión de los tiempos, la búsqueda de campamentos en los que descansar y la preparación para afrontar cantidad amenazas (como los nuevos enemigos o las nuevas y letales ventiscas).

Sin embargo, una vez sales de la trama, la exploración se pone al servicio del nuevo sistema de obtención de botín. Norgan está plagado de reliquias, objetos que necesitan ser tasados en la aldea central y resultan en equipamiento de diferente rareza, armas, objetos, dinero y mucho más. Si te gusta la saga Diablo, entonces, reconocerás al instante estas bases. El loot mueve la progresión de este DLC.

Obviamente, explorar y mejorar se convierte en un adictivo bucle. La manera de fortalecer al personaje y a sus peones cambia por completo y requiere estar volviendo a la aldea constantemente para subir estadísticas. De ahí que el viaje rápido gane tamaña importancia.

Apostar por este sistema también puede verse como una pequeña "recogida de cable" por parte de Capcom, que busca "estandarizar" y acercar el juego a un público más casual con un sistema de progresión que ya hemos visto en muchos otros juegos.

Sea como fuere, arrepentimiento o deseo de innovación, esta novedad de Dragon's Dogma 2 Dark Arisen da a la expansión una personalidad propia. Es el jugador el que debe juzgar si le gusta o no, pero desde mi punto de vista, creo que actúa como un factor diferencial.

Cierto es que, con este sistema botín, se recalca que la gestión del inventario del juego no es la más intuitiva y ligera, pero también se refuerzan aspectos del juego base, algunos de los más destacados.

Tengo muchas quejas con la movilidad y el combate de Dragon's Dogma 2. Se me hace tosco e impreciso, pero todas sus bases conceptuales me encantan. Puede no resultar agradable y su pesadez a veces es frustrante, pero juro que tiene algo que engancha. Las físicas que lo mueven, el uso de habilidades, la gestión de la estamina y la incidencia de los peones le dan una personalidad única dentro del entramado rolero de acción que tenemos actualmente.

Y con Dark Arisen esas buenas sensaciones se refuerzan gracias a los nuevos enemigos y a unos jefes que resultan ser los mejores del juego. La capacidad que tiene esta expansión de darte momentos memorables dentro de las batallas gracias a estas incorporaciones compensa cualquiera de las asperezas mencionadas con anterioridad.

Dragones helados (que no te dejan frío), nuevos gigantes y más guerreros y criaturas aportan una variedad que el juego necesitaba como el comer (pese a que vuelva a caer en la trampa de repetir de más algunos enfrentamientos contra enemigos "masilla").

Lo único que no logro comprender es cómo se ha establecido la subida de nivel dentro de esta expansión. La cantidad de puntos de experiencia que otorgan los combates es una salvajada, lo que hace que, si vuelves al continente, las batallas libradas aquí sean un paseo.

Ah... Porque hay que volver. Dragon's Dogma 2 Dark Arisen no solamente incluye una región nueva y una historia original, sino que añade también más mazmorras. Los Ritos Perdidos son más de una decena de desafíos concebidos para entretener a los jugadores más curtidos y el resultado obtenido es más que notable.

Desperdigadas por todo el mundo, estas mazmorras te fuerzan a volver a disfrutar de los paseos por Vermund y Battahl antes de entrar en sus salas, que presentan diferentes tipos de desafíos basados en el combate. Algunas son relleno, pero muchas de ellas requieren que cumplas una serie de requisitos de equipamiento, por ejemplo. Esto suma contenido de calidad al forzarte a adoptar nuevas estrategias.

Que viva Dragon's Dogma 2

Aprovechando esta expansión, algunos de los problemas de base han sido corregidos (mejor rendimiento, más ranuras de guardado, modo difícil o menos asperezas en algunos de sus sistemas más pegajosos).

Más la propuesta de autor de Dragon's Dogma 2 de la que hablaba al comienzo de este análisis se mantiene. Su particular naturaleza sigue muy presente, pero Dark Arisen la transforma.

En cierto modo, el viaje por Norgan cambia la manera en la que se experimentan las ideas más diferenciadoras del juego y me alegro por ello. No sé cuáles eran las intenciones de Capcom (si casualizar o innovar), pero la jugada con este DLC ha dado sus frutos. Se suma, se mejora y se modifica; todo a la vez y por separado.

Dragon's Dogma 2 Dark Arisen comprende cómo debe ser un DLC y acierta al entregar una aventura digna de vivirse. Vuelve a haber fricciones de la misma manera que vimos en el juego base, pero porque estas forman parte del ADN de un RPG que se sale de la norma.

Quizá pueda sonar contradictorio, pero a ojos de un servidor, que esta expansión presente imperfecciones es lo que sigue dejando claro lo particular, diferenciador y genial que es Dragon's Dogma 2. Aquí tenemos un DLC inconformista, de esos que merecen la pena.

Han sido años muy oscuros en los que llegamos a pensar que jamás volveríamos a empuñar el icónico matavampiros, pero de un tiempo a esta parte Konami ha puesto todo el pollo en el asador para revivir sus grandes IPs. Primero fue Metal Gear, seguido de cerca por Silent Hill y ahora es el turno de Castlevania con Castlevania: Belmont's Curse.

Los encargados de fraguar este regreso han sido Evil Empire, el estudio francés que nació como apoyo para Motion Twin, encargándose en un primer momento de los DLCs de Dead Cells (entre ellos, Return to Castlevania) y hace no mucho han demostrado toda su valía con esa pequeña e infravalorada joyita llamada The Rogue Prince of Persia.

Y, siendo completamente honestos, tienen una tarea muy complicada por delante, porque ¿puede el nuevo Castlevania convertirse en un regreso triunfal para la saga y, al mismo tiempo, plantar cara (e incluso superar) a los grandes metroidvania de la era moderna?

Afilad los cuchillos, coged el crucifijo y rellenad el frasco de agua bendita porque vamos a descubrirlo en este análisis de Castlevania: Belmont's Curse.

• El gameplay de Castlevania: Belmont's Curse
• Nivel de dificultad de Castlevania: Belmont's Curse
• ¿Cuántas horas de juego dura Castlevania: Belmont's Curse?
• Cuánto cuesta Castlevania: Belmont's Curse y dónde puedes jugarlo
• La opinión de Hobby Consolas de Castlevania: Belmont's Curse
• Nota: lo mejor y lo peor de Castlevania: Belmont's Curse

Jugabilidad y gameplay de Castlevania: Belmont's Curse en PS5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch y PC

23 años después de los acontecimientos de Castlevania III: Dracula's Curse, Trevor Belmont, el legendario cazavampiros que logró derrotar a Drácula con la ayuda de Sypha Belnades y Alucard, viaja hasta París para enfrentarse a las hordas de la noche que asolan la ciudad.

Pero no está solo: le acompaña su hija, Rose Belmont, la joven cazadora de vampiros que protagoniza Castlevania: Belmont's Curse y que desde su nacimiento porta en su brazo derecho la maldición de Drácula (de ahí el subtítulo de esta entrega).

Con esta premisa, Evil Empire ha apostado por una jugabilidad que supone un regreso al estilo clásico de la saga, es decir, acción y plataformeo de scroll lateral, pero con exploración delimitada por habilidades. Dicho de otro modo: Belmont's Curse es un metroidvania, como lo fueron Symphony of the Night o las trilogías de GBA y Nintendo DS. Ahora bien y, como vamos a ver, se trata de un metroidvania con muchos elementos modernos... y el característico toque de los creadores de Dead Cells.

A la hora de jugar, Rose destaca por su agilidad y versatilidad: puede esquivar en distintas direcciones, empuñar varios tipos de armas (espadas, lanzas, cestus, mandobles...) y usar hechizos que actúan como las subarmas de esta entrega. Pero sin duda las acciones clave de Castlevania: Belmont's Curse son las dos primeras habilidades: el látigo arcano y la luz sagrada.

El látigo nos permite usar puntos de anclaje para balancearnos o llegar a lugares alejados, al más puro estilo Super Castlevania IV, mientras que la luz sirve para repeler los ataques enemigos (sí, es un parry) y para "desmaterializar" un tipo concreto de estructuras.

Con todos estos elementos, se han sacado de la manga un sistema de combate realmente satisfactorio. Cada arma tiene sus particularidades y ofrece estilos de combate diferentes, pero todas destacan por la contundencia de los golpes; el simple hecho de atacar y pulverizar enemigos es una gozada a los mandos. Los hechizos también funcionan muy bien, pues hay muchos y tienen efectos de todo tipo.

Un vez obtenidos, podemos cambiar el que tenemos equipado en cualquier momento desde el menú (en lugar de tener que encontrarlos rompiendo una antorcha concreta, como en anteriores entregas) y dado que dependen del maná de Rose y este se recarga al atacar a los enemigos, se incentiva mucho más su uso. Además, poder acercarnos rápidamente a los enemigos (y realizar un ataque de continuación) con el látigo arcano y repeler ataques con la luz sagrada añaden una capa extra de complejidad a los enfrentamientos que le sienta fenomenal.

Y lo mismo se puede decir del desplazamiento: saltar de pared en pared, huir de plataformas que se derrumban, balancearse con el látigo y evitar toda clase de trampas es muy gratificante. Porque ya os aviso que Evil Empire no se ha cortado un pelo a la hora de meter secciones de plataformeo endiabladas que van a lograr que os tiréis de los pelos, especialmente cuando entran en juego las estructuras que podemos "desmaterializar" con la luz sagrada.

Sin embargo, en todo esto hay un importante "pero". Por lo general los controles funcionan muy bien, pero en los momentos más caóticos o cuando se requiere mucha precisión, salen a relucir unos preocupantes problemas de colisiones y hitboxes erráticas. A veces, el látigo no se acopla a un punto al que debería llegar de sobra o no obtenemos respuesta al intentar subir o bajar de una plataforma, por citar un par de ejemplos. Rose también tiene una molesta tendencia a pegarse a las paredes, con un exagerado magnetismo que siempre llega en el peor momento. Y va a haber ocasiones en las que vais a jurar y perjurar que un ataque no os ha golpeado... mientras contempláis la pantalla de Game Over.

Insisto en que por lo general los controles son muy buenos. De hecho, cuando todo funciona como debería, Castlevania: Belmont's Curse es un gustazo a los mandos. Pero en un juego que a menudo requiere precisión extrema, estos fallos de control se traducen en momentos muy frustrantes.

Las comparaciones son odiosas, pero cuanto más juegas a Castlevania: Belmont's Curse, más evidente resulta que el título que Evil Empire ha cogido como referencia para esta entrega ha sido Prince of Persia. Pero ojo, no The Rogue Prince of Persia, sino Prince of Persia: The Lost Crown (no es de extrañar; hablamos de la excelencia hecha metroidvania). El movimiento de Rose y la sensación a los mandos recuerdan mucho al Príncipe e incluso hay ciertos hechizos que son calcados a las habilidades del juego de Ubisoft Montpellier. Y como digo, al hacer la comparación, The Lost Crown destacaba por tener un control exquisito; ahí sabías que si te la pegabas con los pinchos, la culpa era tuya. Mientras que aquí muchas veces no vas a entender por qué algo que antes te había permitido sortear una hilera de pinchos... ahora no funciona.

Castlevania: Belmont's Curse no se limita a tomar inspiración de otros juegos, también pone las cartas sobre la mesa con ideas muy interesantes en lo que a diseño se refiere. Porque metroidvanias buenos hay muchos y la fórmula, pese a que funciona a las mil maravillas (si me preguntan), es casi siempre la misma. Pero Evil Empire se ha sacado de la manga un sistema de pistas asociado a cartas del tarot que es toda una sorpresa.

Estas pistas, que pueden llegar de distintas maneras, sirven para saber cómo encontrar a los jefes y otros personajes relevantes para progresar a través del juego. Es un sistema de guía, pero aplicado de una forma muy elegante en el entorno de un metroidvania. Durante las primeras horas puede parecer que son muy obvias e incluso innecesarias, pero pasado cierto punto, el juego se abre enormemente y las pistas resultan esenciales para progresar, actuando en muchos casos como soluciones a puzles o recontextualizando la forma en que vemos ciertos elementos del mapa. Esto encaja muy bien con la fórmula metroidvania, porque, si lo pensamos fríamente, algunas de las pistas actúan casi como habilidades que nos permiten llegar a nuevas zonas.

Pero lo verdaderamente bonito es que, pese a su importancia, las pistas no son obligatorias. Puede que a base de explorar lleguéis a un jefe sin haberlas encontrado todas o puede que os pase como a mí y acabéis resolviendo algún rompecabezas por pura chiripa. Y si estáis jugando por segunda vez, como ya tenéis la información en vuestro poder, no vais a tener que pasar por todo el proceso de buscar la pista necesaria para progresar. Me parece una ideaza.

Todo esto no sería posible sin un mapa muy bien diseñado y Evil Empire ha entendido que, para lograrlo, uno de los aspectos más importantes de un Castlevania (y un metroidvania) es poder avanzar a través de las zonas y derrotar a los jefes de forma no lineal, lo que significa que haya muchos caminos abiertos en todo momento, tener que mirar el mapa a menudo y, de vez en cuando, incluso perderse un poco. Es la satisfacción de la exploración. Es más, y ya que hablamos del mapa, Castlevania: Belmont's Curse tiene una de las zonas más desquiciantes que he visto en un metroidvania... y lo digo como un cumplido. Una locura de nivel que va a poner a prueba vuestra capacidad para dibujar un mapa mental.

Y tampoco faltan una cantidad absurda de secretos, paredes rompibles y muros ilusorios (un saludo a David Jaffe) que esconden nuevas rutas, mejoras para Rose o incluso nuevas armas o reliquias. Sobre esto: no me termina de convencer que las armas de la misma categoría hagan todas el mismo daño y que dentro de cada familia apenas exista variedad, pues sólo las del nivel más alto, las obras maestras, tienen rasgos únicos. Y las reliquias están bastante bien; hay muy buena variedad, se pueden crear combinaciones interesantes y a menudo apetece trastear con ellas para comprobar sus efectos.

Pero si venís esperando algo similar a Symphony of the Night o a cualquiera de los "Igavania" en lo que a variedad y cantidad de armas, equipación y objetos se refiere, ya os aviso que no lo vais a encontrar.

Tampoco creo que esa haya sido en ningún momento la intención de este nuevo Castlevania, pues Belmont's Curse se siente más bien como la unificación del estilo tradicional de la saga, dividido en niveles, y el estilo metroidvania. Pero, ante todo, se siente Castlevania.

Hace un momento mencionaba que hay punto donde el juego se abre y es importante recalcarlo porque también es donde se destapa como un Castlevania con todas las de la ley. No es que antes no lo sea, pero las primeras 3/4 horas son más... tibias, por decirlo de alguna manera, y a partir de ahí el juego va in crescendo y no dejan de aparecer elementos clásicos (y no tan clásicos) de la saga. Hay infinidad de referencias a otros juegos, principalmente Dracula's Curse, pero también hay conexiones bastante sorprendentes (y relevantes de cara al argumento) con Lament of Innocence (el primer juego de la saga si nos ceñimos a la cronología) o las entregas de Nintendo DS. El canon de Castlevania siempre ha estado bastante descoyuntado, así que se agradece mucho este intento por enlazar las historias de diferentes entregas y darles un sentido.

Y os garantizo que si hay alguna seña característica de Castlevania que echéis en falta, tarde o temprano la vais a ver de una forma u otra en Belmont's Curse. Además, retrasar la aparición de ciertos elementos sirve para que, cuando llega el momento, el efecto "¡estamos de vuelta!" sea mucho más poderoso.

Y ahora vamos a hablar del apartado audiovisual, donde también hay bastante que rascar. Evil Empire ha apostado por gráficos 2.5D y unos diseños de personajes con un estilo muy similar a lo visto en la serie de Netflix, en un claro intento por unificar también la estética de Castlevania en sus diferentes formatos.

De primeras, se echa en falta ese estilo tan característico de las entregas previas, a medio camino entre el sensacional arte de Ayami Kojima y una película de terror de serie B, pero te acabas acostumbrando y el resultado final es muy convincente y no desentona con el resto de juegos. Luce realmente bien, en especial todo lo relativo a los escenarios, que destacan por su atrevido uso del color y la gran variedad y nivel de detalle que esconden los fondos. Además, también tiene algunos detalles visuales muy chulos, como el efecto contraluz con el que se muestran los enemigos cuando entramos en una estancia oscura o la forma en que la luz se filtra a través de las ventanas.

Lo único que no me convence son las escenas de vídeo, todas de una calidad muy pobre, realizadas con imágenes estáticas y diálogos y efectos de sonido a destiempo. Por suerte, no abundan.

Y llegamos a la banda sonora, sobre la que ya se ha dicho de todo. Creo que ASADI, el compositor que también se encargó de la banda sonora de The Rogue Prince of Persia (la cual adoro y siempre me gusta recomendar), ha hecho un buen trabajo... que no encaja con el tono de Castlevania.

Hay melodías muy pegadizas y mola mucho que la banda sonora sea dinámica, de manera que al progresar en los niveles se van sumando nuevas capas, algunas con un estilo más cañero (que es lo que para mi gusto le falta a esta banda sonora). Pero sólo consigue sonar verdaderamente a Castlevania cuando recrea algunos de los temas más conocidos de la saga. E incluso cuando lo hace, nos deja versiones que están bien y destacan por su estilo épico, pero se quedan lejos de las mejores.

Creo que el gran problema ha sido que han apostado por una banda sonora más experimental, cuando precisamente lo que Castlevania pide a gritos es sonar a castillo gótico y a música de 16bits. Mientras que aquí se tiende a meterle un toque electrónico a todo (a veces rozando el dubstep) que personalmente no me parece nada acertado.

¿Es difícil Castlevania: Belmont's Curse?

La dificultad es otro aspecto bastante importante en todo Castlevania que se precie, pues la saga es conocida por ser muy difícil, especialmente si nos vamos a las primeras entregas. Evil Empire ha hecho algo bastante curioso: al contrario que la mayoría de títulos actuales, no hay selector de dificultad en Belmont's Curse.

Ahora bien, si nos vamos a las opciones de juego, podemos habilitar el modo personalizado, lo que nos permite ajustar una serie de parámetros para configurar la dificultad a nuestro gusto, aumentando o disminuyendo el daño infligido, la experiencia obtenida, el número de pociones que tiene Rose o incluso permitir la reaparición frente a las puertas de jefe.

Pero si nos ceñimos a los parámetros por defecto, ya os aviso que Castlevania: Belmont's Curse es un juego que hace honor al legado de la saga con una dificultad muy elevada. Morir es extremadamente sencillo, ya sea por obra de los embates enemigos o por cualquiera de las trampas que esperan tras cada esquina.

Sólo hay una excepción y son... los jefes. Por algún motivo que no me explico, casi todos los jefes de Belmont's Curse son muy sencillos, hasta el punto de que los enemigos normales suponen un mayor desafío. Sólo hay dos jefes que plantean un reto a la altura en todo el juego.

Y esto es un problema porque, al ser tan sencillos, los enfrentamientos contra la mayoría de jefes terminan siendo muy poco memorables; no te da tiempo a aprenderte sus mecánicas y, en algunos casos, directamente no te hace falta porque cuando te quieres dar cuenta... ya han caído. Una lástima, la verdad, porque creo que podían haber dado mucho juego.

¿Cuántas horas dura la historia de Castlevania: Belmont's Curse?

Completar la historia de Castlevania: Belmont's Curse sacando los tres finales (incluido el verdadero) y obteniendo el 100% me ha llevado cerca de 30 horas. Una duración correctísima teniendo en cuenta la clase de juego que es.

Ahora bien, como todo buen metroidvania, esa es la duración de una primera partida a ciegas, sin ayudas ni guías de ningún tipo (y ya os aviso que hay por lo menos un puzle opcional que os va a costar lo suyo).

Pero cuando sabemos lo que hay que hacer, conocemos el mapa y, sobre todo, tenemos la información que facilitan las pistas, el juego se puede terminar en mucho menos tiempo... tanto, que hay un trofeo por acabarlo en menos de cuatro horas. El único que me falta para sacar el platino...

Conseguir el 100% no es complicado si sabéis cómo, pues el juego cuenta con una ayuda para ello... pero no te lo dice en ningún momento y es fácil pasarlo por alto. Y, una vez concluido, no hay nueva partida plus ni extras destacables; sólo algún traje adicional para Rose.

Y la verdad es que se echa en falta un "modo Trevor" o algo similar a lo visto en Symphony of the Night y los juegos de GBA y DS que sirva como incentivo para rejugarlo. Evil Empire son conocidos por dar un gran soporte postlanzamiento a sus juegos, así que no podemos descartar que lo tengan planeado para un futuro.

Precio y plataformas disponibles

Castlevania: Belmont's Curse se lanza el 15 de octubre de 2026 para PlayStation 5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch y PC.

La edición digital estándar tiene un precio de 29,99€, mientras que la Midnight Edition, que está disponible tanto en formato físico como digital, tiene un precio recomendado de 39,99€.

En ambos casos estamos hablando de una locura de precio, sobre todo si tenemos en cuenta la calidad que atesora y... ¡que se trata de un nuevo Castlevania! Lo único que hay que lamentar es que no haya una versión para Nintendo Switch 2 de lanzamiento.

Qué noche tan maravillosa para tener una maldición

Como decía al inicio de este análisis, Evil Empire lo tenía muy complicado. Hay muchos Castlevania y con estilos muy distintos, así que era imposible contentar a todo el mundo.

Y, sin embargo, lo que han logrado con Belmont's Curse es la mezcla perfecta entre tradición y modernidad; entre Classicvania y Metroidvania. Ya hemos visto cómo unifica la jugabilidad, la historia e incluso la estética de la saga en sus diferentes vertientes y formatos, logrando un juego completísimo y una entrega muy digna.

Porque es un Castlevania, que no os quepa la menor duda de ello. Y aunque se queda un peldaño por detrás de los mayores exponentes del metroidvania moderno, también es un gran Castlevania.

Es más, tengo la teoría de que una vez pase la tormenta y los debates sobre si es un Castlevania o no mueran, Belmont's Curse va a convertirse en un juego muy querido, pues su potencial para realizar sequence breaks es inmenso, como ya se ha visto con la demo.

Esto va a provocar que la gente encuentre mil formas de "romperlo" y saltarse zonas o pasarse el juego sin recoger poderes. Para el jugador medio esto probablemente no signifique nada, pero para los fans más hardcore de los metroidvania es como si adelantasen la Navidad.

Independientemente de lo que le depare el futuro, que el nuevo Castlevania haya salido tan bien ya es motivo de banquete. Y ojalá no haya que volver a esperar otros 12 años para el próximo regreso de Drácula. A los Belmont no les hará mucha gracia, pero yo estaré esperándole con los brazos abiertos... y el látigo en la mano.

Evidentemente, lo que más destaca de este soulslike es que tiene vista en primera persona, pero también hay que tener en cuenta que, por tener como hermano mayor a Ghostrunner, el juego hereda unas cuantas e interesantes ideas jugables. Y en este análisis de Valor Mortis para PS5, Xbox Series X|S y PC te voy a contar cuáles son.

Vaya por delante que Valor Mortis no es un juego que destaque por su arrojo o valentía, pero apenas comete errores. No encontrarás aquí el GOTY, pero si la espera por un soulslike de FromSoftware se te está haciendo larga, esto es una perspectiva diferente, ideal para calmar la sed por The Duskbloods y lo que venga después.

• La historia de Valor Mortis: que viene la Grande Armée
• ​La jugabilidad de Valor Mortis: first person soulslike
• La ambientación y el apartado técnico de Valor Mortis
• ​La dificultad de Valor Mortis
• ​La duración de Valor Mortis
• ​El precio, plataformas y ediciones de Valor Mortis
• ​La opinión de Hobby Consolas sobre Valor Mortis
• ​Nota: lo mejor y lo peor de Valor Mortis

La historia de Valor Mortis: narrativa y ambientación

La narrativa nunca destaca por ser el foco principal de un soulslike, al menos la que nos suele resultar más convencional. Sin embargo, Valor Mortis pone bastante peso en el guion con la intención de plasmar un conflicto histórico muy sonado desde una perspectiva afín al genero.

Tras una masacre en el ejército de Napoleón Bonaparte durante una de sus campañas, William, soldado de la Grande Armée, despierta entre cadáveres convertido en un ente capaz de resucitar al ser portador de unos extraños poderes.

El ejercito francés ha quedado reducido a seres corrompidos que atacarán a William a la primera de cambio. Para colmo, nuestro protagonista no para de escuchar la voz del "Pequeño Cabo" (uno de los apodos de Napoleón) en su cabeza.

A partir de ahí, Valor Mortis comienza a desarrollar una narrativa ya vista en otros títulos similares, que se plasma mediante notas, coleccionables y detalles de los escenarios. Es un relato que pretende leerse entre líneas para plantearnos un conflicto moral.

Pese a que Francia le tenga reservado un pomposo lugar de reposo en Los Inválidos, la figura de Napoleón Bonaparte es cuestionable. Fue un conquistador y reformista, pero también un tirano que que llevó a más de un millón de sus hombres a la muerte.

Valor Mortis pretende incidir en esa dualidad mostrando los horrores de las guerras napoleónicas, mientras incorpora a otro líder opositor al tablero de juego; una libertadora de la opresión de Bonaparte (interpretada por una conocida de Clair Obscur Expedition 33), pero que no está exenta de culpa por sus cuestionables métodos.

Y en mitad de todo esto está William tratando de conocer qué ha ocurrido con esa misteriosa plaga que ha convertido a sus compañeros en descerebrados, mientras el juego plantea opciones conversacionales para tratar de vincularnos mejor con el personaje.

Lo cierto es que todo lo que presenta Valor Mortis tiene un gran atractivo y cuando el relato despega a las pocas horas, te mantiene atento a cualquier pista que aclare el embrollo.

Sin embargo, el final se pasa de frenada, haciendo que el mensaje acabe diluido, sin llegar a ser del todo claro con el destino del protagonista o del resto de implicados. La habitual opacidad y carácter enigmático del soulslike echa por tierra, en parte, todo lo construido.

La jugabilidad de Valor Mortis: primera persona con... ¡parkour!

No obstante, todo lo que mueve a Valor Mortis es el plano jugable. Pese a que hemos tenido títulos como Lunacid o incluso Witchfire, el juego de One More Level es el primer gran souslike en usar la cámara en primera persona. ¿Qué tal funciona?

Pues lo cierto es que su utilización encaja tan bien que esta perspectiva no se te hace extraña en ningún momento. Al final, se nota que el estudio domina este ámbito gracias a la saga Ghostrunner y encima logra aplicar todo lo que define al soulslike más canónico y consagrado.

Porque otra cosa no, pero Valor Mortis ha cogido todas las señas de identidad del género y las ha plasmado en su gameplay. Tenemos hogueras, almas, un buen parry, el jefe imposible que hace de "tutorial", un diseño de niveles con atajos, objetos de apoyo, mejoras para los frascos de estus, jefes que luego se convierten en enemigos normales, algo de sigilo, manejo de la estamina, rotura de postura del enemigo para lanzar ejecuciones, cambios de estado y trampas en el escenario.

Valor Mortis toma pocos riesgos en esta fórmula, aunque acierta al añadir pistolas y otras armas a distancia para combinarlas con los tres tipos de espadas que hay disponibles a lo largo del juego.

Las armas de pólvora y el uso de algunos poderes, que también se vincula al desplazamiento por el escenario, aportan variedad a un combate ágil, aunque a veces un pelín impreciso. En algunos momentos, el apuntado en primera persona se utiliza para atacar puntos vitales específicos de los enemigos, pero es cierto que me habría gustado ver una aplicación más profunda de esta perspectiva.

Y como no, el parry vuelve a tener una capital importancia (especialmente si juegas con la espada ropera) y la gestión de las esquivas y la resistencia es el núcleo de toda batalla.

El juego es divertido, pero es cierto que su combate no llega a aportar nada que no hayamos visto ya dentro del género (ahí tenemos la misma combinación armamentística tan propia del inolvidable Bloodborne) o en juegos en primera persona como Dishonored.

A esto hay que sumarle una progresión correcta y familiar basada en la mejora de armas y el consiguiente desbloqueo de pequeños nodos de habilidades para cada una de ellas y en la mejora general del personaje a cambio de almas con la obtención de pasivas a cada nivel. El bucle se repite: juegas un nivel, obtienes un arma, avanzas en la historia y vuelves a tu base para mejorar al personaje.

Todo esto no sorprende, pero donde más acierta Valor Mortis es en su diseño de niveles. El juego es completamente lineal, pero va de menos a más en esta materia, llegando a ofrecer zonas mucho más intrincadas en sus compases finales, con más de un secreto interesante que ver.

Aquí, One More Level añade misiones secundarias, pequeños alicientes narrativos que a veces te harán revisar todos los puntos del mapa para dar con la resolución cada una de ellas. Es una idea que funciona, puesto que permite desarrollar historias en cada zona, a la par que incentiva al jugador a no dejarse nada y a mejorar a William.

Además, ese diseño queda adornado por fases de parkour. El juego tiene bastante plataformeo heredado de Ghostrunner aunque, a título personal, me habría gustado ver mucho más de esto, ya que funciona muy bien con la cámara en primera persona. Es el factor más distintivo que tiene a nivel jugable. Estos momentos de saltos y wallrunning aportan muchísima frescura y dinamismo.

La ambientación y el apartado técnico de Valor Mortis

En donde tampoco hay dudas es en el apartado escénico de Valor Mortis. El juego presenta unos escenarios realmente vistosos, cambiantes y variados, que hacen que el progreso se sienta mucho más agradecido al estar explorando todo tipo de ambientes que guardan una magnífica relación entre ellos.

Tenemos castillos que apelan a esa identidad "dark soulsdiana", pero también entornos naturales, zonas urbanas propias del siglo XIX y aldeas que recuerdan poderosamente a... Resident Evil 4 y también a Bloodborne o Steelrising. Desde luego, las inspiraciones son buenas.

Esa escenografía ayuda a alimentar el diseño de niveles del que hablaba antes, fomentando que quieras volver y aprovechar el leve backtracking que plantea o que desarrolle otras cualidades, como una buena verticalidad apoyada en el uso de los interiores de los edificios.

Solo hay un problema y es que la faceta artística de Valor Mortis responde al férreo mandato de Unreal Engine 5. Otra vez tenemos los mismos assets, las mismas texturas y la misma iluminación realista.

Especialmente esto último le da un gran empaque visual al juego, pero es un estilo artístico cansino, que ya hemos visto hasta en la sopa con juegos como Black Myth Wukong, Oblivion Remastered, Metal Gear Solid Delta o STALKER 2. Tiene muy poca personalidad, pese a que luzca objetivamente fantástico en pantalla con momentos bellísimos.

Dicho sea de paso, he jugado a Valor Mortis en un PC potente con configuración todo a Ultra, lo que, evidentemente, ha hecho que la faceta gráfica resalte mucho más. Aunque me he encontrado algunos problemas de rendimiento. No han sido demasiado graves, pero si que he reportado caídas de fps que se han ido por debajo de los 60 en más de alguna ocasión y también unas pocas congelaciones temporales.

¿Es Valor Mortis un juego difícil?

Valor Mortis únicamente cuenta con un nivel de dificultad, pero no es el soulslike más complejo que hay ahora mismo en el mercado. He muerto no pocas veces, obviamente, pero ha habido muchos otros juegos del género que me han constado infinitamente más.

Los jefes no me han llevado tantos intentos como esperaba y el juego suele poner unos cuantos recursos de la mano del jugador para que siempre progrese. Por ejemplo, si mueres contra un boss, cada intento te otorga una pequeña cantidad de almas.

No obstante, no puedo irme sin mencionar que hay algunos jefes que me han resultado bastante decepcionantes, especialmente los dos últimos. Creo que se podría haber añadido algún enfrentamiento más épico e interesante para cerrar la historia del juego.

¿Cuánto dura Valor Mortis?

Cuándo terminé Valor Mortis, el contador de Steam marcaba 15 horas justas. Si bien me he dejado algunas misiones secundarias por completar y coleccionables por recoger, conseguir el 100% no debería llevar más de 18-20 horas de juego, como mucho.

Obviamente, este registro depende de tu habilidad, ya que cuando se trata de soulslike, el factor dificultad influye mucho en la experiencia de cada uno. Aún así, este no es un juego especialmente largo.

​El precio, plataformas y ediciones de Valor Mortis

Valor Mortis está disponible en PS5, Xbox Series X|S y PC en formato físico y digital y sigue la senda de Hellraiser: Revival de apostar por un precio de lanzamiento reducido de 39,99 euros en su edición estándar, que en tiendas como GAME incorpora un par de postales como incentivo de reserva.

Además, Valor Mortis cuenta con una edición Deluxe, que incluye skins doradas para todas las armas disponibles del juego y un DLC de historia que se lanzará más adelante en 2027.

¿Napoleón Bonaparte o Pepe Botella?

Valor Mortis es una experiencia soulslike decimonónica. Las guerras napoleónicas brindan un contexto renovado para un juego de este género, pese a que en su gameplay tampoco busca sorprender.

Valor Mortis es la definición perfecta de lo que es un juego notable. No comente apenas errores, pero tampoco arriesga cuando, quizá, debería asumir ciertos compromisos persiguiendo esa mayor gloria. Digamos que nunca quiso invadir Rusia, pero intentarlo le habría dado algo más de jugo y personalidad a su propuesta.

Aun así, tenemos una historia interesante, una jugabilidad disfrutona y una ambientación vistosa. Que no te engañe la primera persona, Valor Mortis es un soulslike de manual, a caballo entre el empaque y fama mayúscula de Napoleón Bonaparte y la trivialidad de Pepe Botella.

Así, Ubisoft sigue engordando su catálogo en la nueva consola híbrida de Nintendo, en el que ya están disponibles el sobresaliente port de Star Wars Outlaws Gold Edition o el de Assassin's Creed Shadows. Y, como vamos a ver en este análisis de The Crew Motorfest para Switch 2, ¿está esta nueva versión a la altura o llega con algunos problemas?

Vaya por delante que, aunque cada vez hay más juegos de mundo abierto en Nintendo Switch 2, muy pocos son de velocidad. Más allá del nuevo Hot Wheels Infinite Rush, que es lo más parecido a un Forza Horizon en chiquito, o Burnout Paradise Remastered, jugable gracias a la retrocompatibilidad con la primera Nintendo Switch, lo cierto es que no hay muchas experiencias de este tipo en la nueva híbrida.

La buena noticia es que, aunque el juego llega tres años después del lanzamiento original, en su salto a Nintendo Switch 2 conserva todo el contenido (incluido el recién estrenado cuarto año), por lo que podrás jugar a todos los festivales, tener los más de 800 coches y lo que ha ido saliendo hasta ahora. Es decir, te vas a poder poner al día como en el resto de plataformas y, lo que es mejor, gracias al guardado cruzado y progresión cruzada, si ya has jugado en PS5, Xbox Series X|S o PC, vas a poder retomar tu partida allí donde lo dejaste (aunque con matices).

Dado que ya hablamos largo y tendido en nuestro análisis original de The Crew Motorfest, no tiene mucho sentido volver a repetir lo mismo. En términos de contenido, vas a encontrar exactamente lo mismo: no faltan las playlist de carreras con coches tuneados, de rally, con clásicos, centradas en marca como Lamborghini... ni los desafíos fotográficos, la posibilidad de desbloquear avionetas y lanchas, etc.

Por esa razón, va a ser un análisis centrado única y exclusivamente en la parte técnica y otros aspectos que debes saber antes de tirarte de cabeza a por él, o no. ¿Merece la pena The Crew Motorfest en Nintendo Switch 2? Es algo que vamos a dejar claro en esta review.

El apartado técnico de The Crew Motorfest en Nintendo Switch 2

Para empezar, no está de más recordar que The Crew Motorfest es una experiencia que solo se puede disfrutar conectados online. Es decir, no puedes sacar la consola de casa, y jugar en cualquier parte... salvo que el sitio al que vas tenga conexión a Internet o compartas los datos de tu móvil. Es exactamente el mismo caso que con Diablo 4 para Switch 2, y en mi opinión, Ubisoft quizá debería haber introducido un modo offline, dada la naturaleza portátil de la consola.

Por suerte, que sea obligatorio estar conectados online no quiere decir que, para jugar, tengas que estar suscrito a Nintendo Switch Online. Solo necesitarás la suscripción para participar en eventos y carreras competitivas contra otros jugadores (no todos los modos y opciones permiten el juego cruzado con PC y otras consolas), pero no para jugar solo. Necesitarás, sí o sí, una cuenta de Ubisoft Connect para poder empezar a jugar, así como acceder al guardado y progreso cruzado.

Sobre el papel, que vengas de PS5, PC o Xbox y puedas seguir jugando allí donde lo dejaste es un puntazo, pero para mi disgusto, llega con limitaciones. Por ejemplo, hacía tiempo que no jugaba en PS5, y al cargar mi partida en un perfil de Switch 2, no he podido acceder a algunos coches que había conseguido en PS5 (aparecen con candado) y desde Ubi explican que tengo que volver a comprar el paquete al que pertenecen y tener que pasar dos veces por caja... pues como que no.

También está disponible en Nintendo Switch 2 todo el contenido generado por usuarios, carreras y ese tipo de cosas, y Ubisoft se ha comprometido a actualizar la versión de Switch 2 al mismo tiempo que el resto de plataformas, por lo que el compromiso por ofrecer una versión prácticamente 1:1, está ahí.

Pero luego están las dificultades técnicas. Llevar un mundo abierto que se mueve a gran velocidad y que requiere de conexión permanente en un dispositivo híbrido como Nintendo Switch 2, es un desafío técnico complejo. Primero porque, sobre el papel, y según los expertos, Switch 2 tiene una capacidad técnica pareja a PS4, aunque en juegos como Onimusha: Way of the Sword, ya se ha demostrado que es una afirmación que depende, y mucho, de quien esté al volante.

Por este motivo, Ubisoft ha limitado a 30 fps la tasa de frames de The Crew Motorfest en Switch 2, y no tiene modos gráficos que permitan priorizar el rendimiento o la calidad visual. ¿El resultado? Pues que si vienes de jugar en PS5, PC o Xbox Series X|S (donde si tenía distintos ajustes gráficos) para disfrutar del progreso cruzado en una portátil, lo primero es que te va a chocar que se mueva a 30 fps.

En carrera, o mientras exploramos el mundo abierto, lo cierto es que no he notado caídas y mantiene el tipo de manera bastante estable, con una buena sensación de velocidad, lo que ya me parece un hito digno de mención. Basta con pilotar un monoplaza o un Lambo para sentir que las sensaciones siguen estando ahí.

La resolución, tanto en portátil, como en modo TV, se mantiene en 1080p, suficiente para disfrutar del juego al máximo, aunque, lógicamente el bajón de detalle respecto a las versiones para consolas actuales se nota. No es una salvajada, pero lo vas a notar en el nivel de detalle general del entorno, del propio asfalto, de la vegetación...

Los damnificados continúan por los efectos visuales, como las salpicaduras del agua que escurren por la pantalla, el humo en los derrapes o la destrucción del entorno, como los muros que podemos derribar a nuestro paso... aunque estos dos últimos son menos evidentes mientras que conducimos a toda pastilla.

El problema más "grave" es que, una vez más, el pop in o la aparición súbita de los elementos es aquí muchísimo mas evidente y frecuente que en otros títulos, debido principalmente a la velocidad con la que tiene que dibujar el mundo que "se viene" hacia nosotros.

Esto es especialmente visible mientras corres en las horas de día, donde la luz del sol va a proyectar sombras que aparecen de la nada a escasos metros de nuestro coche, árboles que surgen brúscamente para luego dar "otro salto más" y mostrar más detalle, y después, cargar su propia sombra. Por si crees que exagero, te dejo aquí debajo un ejemplo... en una carrera contra el crono, sin otros coches.

Entiendo que para algunos sea un fallo insalvable, como que otros no lo consideren tan, tan grave. Depende de las tragaderas de cada uno. Pero el pop in está ahí, y es evidente. También vas a ver dientes de sierra en los coches, que el nivel de detalle de los demás coches mejora a medida que se acerca a nosotros... En definitiva, vas a ver cosas que "cantan".

Por suerte, de noche, todos los gatos son pardos, y algunos de estos defectos desaparecen o se atenúan de manera más que notable porque, por ejemplo, no se producen tantas sombras, ni se ven igual de bien.

Por último, en relación a los defectos visuales, si pones la mirada en tu vehículo, te metes en las carreras y te olvidas de todo lo demás, llega un momento que los defectos pasan a un segundo plano porque no deja de ser un juego de velocidad disfrutón, con una enorme cantidad de contenido y una gran alternativa a Forza Horizon 6, que a día de hoy, no tiene versión para Switch 2.

Eso sí, como Diablo 4, cuidado con dejar la consola en reposo durante mucho tiempo. Si es un "rato", al encender la consola es probable que no hayas perdido la conexión (o que la pierdas al rato, como también me ha pasado). Pero si hablamos de dejar la consola en reposo una hora, te sacará del juego y tendrás que volver a conectarte al servidor, un proceso de reconexión más lento de lo que me gustaría.

Por suerte, no todo es malo: a la hora de hablar de tiempos de carga, me ha sorprendido para bien que, al terminar las carreras, las secuencias de vídeo de las Playlist o al entrar y salir del mapa 3D, las cargas casi brillan por su ausencia, y pronto estarás pisando de nuevo el acelerador, algo que hace que el juego se ágil, sin tiempos de espera.

Precio y ediciones de The Crew Motorfest en Nintendo Switch 2

Como otros muchos títulos, lo nuevo de Ubisoft llega a Nintendo Switch 2 tanto en formato digital como físico. En ambos casos, solo hay una edición "estándar" del juego, que luego puedes "engordar" con abundante DLC que se compra por separado desde el propio juego. En la eShop, The Crew Motorfest cuesta 49,99 euros.

Por su parte, aunque el juego ocupa 58GB, para la edición física, Ubisoft ha optado por una tarjeta llave, aunque algunas tiendas ya lo están vendiendo más barato, como GAME, que lo tiene por 41,99 euros.

La opinión de Hobby Consolas de The Crew Motorfest en Nintendo Switch 2

La versión de Nintendo Switch 2 de The Crew Motorfest no va a pasar a la historia por ser la mejor de todas. De hecho, visualmente es la más floja y la que más defectos presenta, como el mencionado pop in. Pero, aun con todo, sigue siendo un juego muy divertido, difícil de soltar una vez que empiezas a competir en sus distintas Playlists.

Tiene mérito que Ubisoft haya adaptado este enorme mundo a una consola portátil sobre el papel más limitada en lo técnico, y hacerlo compatible con el resto de versiones (al menos, la progresión y guardado, y algunas opciones online)... pero sin ningún tipo de duda hubiera preferido una versión indepenidente que pudiera disfrutar en cualquier parte, que para algo también es una portátil. Porque tiene exactamente el mismo problema que Diablo 4 en Switch 2.

Así pues, recomendarlo a los que ya tengan el juego en otras plataformas es complicado, porque no es ni de lejos la mejor versión. Pero si no has tenido la oportunidad de saltar hasta ahora a esta recreación de Hawaii, y tu única consola es Switch 2, probablemente vas a pasártelo en grande con esta alternativa a la saga Horizon, siempre y cuando seas consciente de los problemas técnicos que tiene.

Al año siguiente, Barker decidió dirigir él mismo la adaptación de su novela, bajo el nombre de Hellraiser. Fue la película de terror más rompedora y única de la década, un éxito que dio lugar a una franquicia que ha perdurado hasta nuestra época y que consagró a Pinhead y sus Cenobitas como iconos del terror.

Casi cuatro décadas después, Hellraiser recibe su propio videojuego de la mano de Saber Interactive. En ese periodo, el survival horror se ha afianzado como género, ofreciendo los cimientos para crear un título a la altura de una obra que no es fácil de adaptar.

El equipo de Hellraiser: Revival ha trabajado codo con codo con Barker, se ha empapado del lore de la saga y ha volcado ese esfuerzo en este título, que llega ahora a PS5, Xbox Series X|S y PC y que analizamos al detalle a continuación (no hemos podido ver la versión de Nintendo Switch 2, que se lanza al mismo tiempo).

• Historia y ambientación de Hellraiser: Revival
• Jugabilidad de Hellraiser: Revival
• Duración y dificultad de Hellraiser: Revival
• Precio y plataformas de Hellraiser: Revival ​
• La opinión de Hobby Consolas sobre Hellraiser: Revival
• Revival ​Nota: lo mejor y lo peor de Hellraiser: Revival

La historia y ambientación de Hellraiser: Revival: "tenemos tantos mundos que enseñarte…"

Aidan Lynch y su novia Sunny viven entregados a una vida disoluta, con encuentros sexuales cada vez más extremos. En uno de ellos usan la Configuración del Génesis y provocan la aparición de los Cenobitas, que se llevan a la joven a su dimensión infernal.

Dispuesto a todo con tal de recuperarla, este moderno Orfeo acepta la propuesta de Pinhead: su sacrificio por el alma de Sunny. Pero para recuperarla, Aidan deberá enfrentarse a la Iglesia Escarlata, un peligroso culto que rinde tributo a Leviatán, la entidad cósmica que rige la dimensión de los Cenobitas.

La iconografía de Hellraiser bebe de la imaginería cristiana, el sadomasoquismo, los rincones más oscuros de la sociedad e incluso de los mitos lovecraftianos, todo ello con el tamiz de la portentosa mente de Barker. Revival lo traslada a la perfección e incluso lo amplía, ya que, como bien señala el escritor, el videojuego permite plasmar imágenes que no serían posibles en el cine sin un enorme presupuesto.

El juego posee una dirección artística brutal: cada escenario es un derroche de detallismo visual, ya sea el decadente club de la Iglesia Escarlata, las visiones infernales que afronta Aidan o el Laberinto, la terrible dimensión donde habitan los Cenobitas. Se nota que ha habido un minucioso proceso de documentación, tan exhaustivo como el trabajo dedicado a crear cada elemento visual.

En Revival hay violencia extrema, desnudos, actividades “cuestionables” y gore (es solo para adultos, que quede claro), pero sin superar a títulos previos, como Outlast II. Y pese a lo grotesco de muchas imágenes, se consigue que sean sugerentes, impactantes e incluso artísticas. Es una estetificación de la violencia que recuerda a The Evil Within 2 y las obras de Stefano Valentini, aquí trasladadas al mundo de Hellraiser y la historia que se cuenta.

En ese sentido, Hellraiser: Revival tiene unos valores de producción muy buenos y saca buen partido a Unreal Engine, salvo en algunos modelos de personajes. Los de los Cenobitas son buenos (solo faltaría), así como los de algunos personajes principales y los monstruos, pero los secundarios y NPCs son más propios de un juego modesto.

Pese a esa debilidad menor, todo el apartado visual rema a favor de la narrativa y de lo que plantea. Otras adaptaciones se limitan a copiar la obra original, pero Revival hace crecer el canon sin perder de vista los temas que tocaba Barker: el vacío al que aboca el hedonismo frente al valor de lo terrenal, y cómo el ser humano puede ser peor que cualquier demonio. Sin olvidarse de una fabulosa mitología que nunca ha sido superada.

Pero (porque tenía que haber un “pero”), en ese respeto máximo, Saber Interactive peca de conservadurismo; algo que es irónico en un juego tan transgresor en lo que muestra. La historia se hubiese beneficiado de algo más de valentía, sobre todo en su desenlace.

Subrayo que la trama no está nada mal, pero podría ser mejor con una dosis mayor de originalidad. Y con todo, es muy superior a la de la mayoría de películas directas a vídeo que recibió la saga.

La música homenajea la icónica banda sonora de Christopher Young y añade sonidos más actuales. Es también un acierto recuperar al actor Doug Bradley, quien diera vida al Pinhead original. Todas las voces están en inglés, con subtítulos en castellano.

Así se juega a Hellraiser: Revival

Esperar casi 40 años para tener un juego de la saga ha tenido un beneficio añadido: décadas de juegos de survival horror, cuyos elementos han permitido dar forma a la jugabilidad de Hellraiser.

Revival se inspira en Condemned y tiene elementos de Resident Evil 7 y Village, así como del mencionado The Evil Within 2 y la saga Outlast, y otros referentes del género. Incluso hay momentos inspirados en P. T. o el mítico asedio a la cabaña de Resident Evil 4.

Aidan debe abrirse paso por cada escenario con objetivos concretos, como conseguir el corazón de alguien (o algo). Para ello dispone de un inventario limitado, donde llevar armas de fuego y blancas, como bates o machetes. Puede verse superado por los enemigos tipo zombi cuando atacan en grupo, mientras que los humanos sorprenden por su IA, al ser capaces de buscarnos, reaccionar a ruidos o ponerse a cubierto para disparar.

Si temías ver a Pinhead convertido en jefazo final, o que el juego fuese una ensalada de tiros, puedes estar tranquilo. Los Cenobitas son tratados con un respeto reverencial y solo participan en la jugabilidad en momentos muy concretos, como las persecuciones en el Laberinto (y Chatterer da MUCHO miedo, te avisamos).

De hecho, el juego enfatiza la parte de supervivencia. La munición es muy escasa y hay situaciones en las que el sigilo es la única alternativa. Incluso las armas cuerpo a cuerpo son frágiles, aunque disponemos de herramientas para repararlas, así como recursos de crafteo con los que fabricar munición y consumibles. Al igual que en Resident Evil, hay una vendedora que comprará las reliquias que encontremos.

La Configuración del Génesis también se integra en la jugabilidad. Al acumular Sufrimiento, se puede usar para lanzar objetos dañinos, arrojar fuego o desatar un brutal ataque con cadenas. También permite superar trampas y resolver puzles.

Unos rompecabezas que, a la hora de progresar, no suponen un quebradero de cabeza; pero si queremos retos más estimulantes, tenemos la búsqueda de pistas para las combinaciones de cajas fuertes y armarios. Es un componente equilibrado y con el nivel de desafío justo, como todo el juego en sí mismo.

Hellraiser: Revival sorprende por la variedad de su jugabilidad, que se amplía a medida que avanzas e incluso se traslada a los enfrentamientos contra jefes finales, muy diversos en su resolución. Huye de la complacencia de los survival horror centrados en la acción, para ofrecer una fórmula estimulante que encaja como un guante.

¿Cuánto dura Hellraiser: Revival? ¿Es un juego difícil?

Sencillamente perfecta. Así se define la duración del juego, de entre 12 y 15 horas, según si te atascas o el nivel de dificultad. Unas horas intensas, variadas y que nunca decaen, sin que le falte tiempo ni sobre nada. Por el momento, Revival no dispone de modo Nueva Partida+.

El juego ofrece cuatro niveles de dificultad: Fácil, Normal, Difícil y Hellraiser. Los dos primeros tienen autoguardado, mientras que el más elevado reduce la cantidad de puntos de salvado y los recursos, a la vez que multiplica el número de enemigos.

Pero atento, porque incluso en los niveles más bajos, te esperan momentos desafiantes. Es un juego que premia los reflejos y mantener la cabeza fría… Si los horrores de que somos testigos lo permiten.

Precio, plataformas y ediciones de Hellraiser: Revival

Revival, disponible desde el 8 de octubre en PS5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch 2 y PC, merecería mucho la pena a precio normal, pero es que suma a sus alicientes salir a la venta por solo 39,99 euros. Un precio fabuloso, que sube a 49,99 € en la Deluxe Edition digital, la cual añade cosméticos, un libro de arte digital, la banda sonora, la novela digital Bleeding Hearts y un filtro de película de terror ochentera.

Para los mayores fans, Boss Team Games ofrece una edición coleccionista por 200 dólares; unos 180 euros más gastos de envío e importación. Incluye el juego, una réplica de la Configuración del Génesis (o la del Lamento, si lo prefieres), cromos, pines, un póster, libro de arte y una estatua de los Cenobitas con luces LED.

"Ángeles para unos, demonios para otros"

Como seguidor de Clive Barker, Hellraiser: Revival es un motivo de inmensa alegría; no ya solo por ser el primer juego de la saga, sino por todo lo que significa. Revival marca el regreso de Barker, tras unos años muy difíciles en los que unos problemas de salud casi se lo llevan por delante; pero ahora se ha recuperado y vuelve dispuesto a todo, con nuevos libros en marcha y otros proyectos de Hellraiser que aún no puede desvelar.

Saber Interactive ha creado un juego idóneo para el universo de Hellraiser y los Cenobitas, uno que trata con el mayor de los respetos la obra original sin reinterpretarla ni pervertirla, y que la adapta con ejemplaridad al género survival horror. Se hubiese beneficiado de un poquito más de presupuesto y más valor en su historia, pero es innegable que el equipo se ha esforzado al 200% en su creación.

Ahora me quito el sombrero de fan de Hellraiser y me pongo el de seguidor de los survival horror. Es decir: aquellos que no conozcan la obra de Barker y busquen un título potente de este tipo de juegos, encontrarán uno con la suficiente variedad y una identidad visual sobrecogedora. Tal vez no reinvente la rueda, pero sabe combinar sus elementos jugables de una forma muy eficaz y que engancha.

Puede que os acordéis de MIO por su tráiler de presentación, mostrado durante el Nintendo Direct celebrado en junio de 2024. Con su propuesta y estilo visual consiguió despertar interés, especialmente entre los amantes de este género que nunca pasa de moda.

Inicialmente tenía previsto lanzarse en 2025 y, de hecho, durante un tiempo pensamos que sería un gran aperitivo mientras esperábamos por Hollow Knight: Silksong... Pero finalmente ha llegado para alegrarnos el inicio de 2026.

Porque no sólo se trata de un magnífico metroidvania; MIO: Memories in Orbit en el primer juego imprescindible de 2026.

El análisis de MIO: Memories in Orbit para PS5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch, Nintendo Switch 2 y PC de HobbyConsolas:

• El gameplay de MIO: Memories in Orbit
• Nivel de dificultad de MIO: Memories in Orbit
• ¿Cuántas horas de juego dura MIO: Memories in Orbit?
• Cuánto cuesta MIO: Memories in Orbit y dónde puedes jugarlo
• La opinión de HobbyConsolas de MIO: Memories in Orbit
• Nota: lo mejor y lo peor de MIO: Memories in Orbit

Jugabilidad y gameplay de MIO: Memories in Orbit en PS5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch, Nintendo Switch 2 y PC

La historia nos pone en el papel de MIO, una pequeña unidad robótica que despierta en el interior de una gigantesca nave espacial.

Las Voces, las inteligencias artificiales que se encargan de las funciones principales de la nave, han dejado de funcionar, así que MIO debe encontrarlas para que la nave no se quede varada en el espacio para siempre.

Con esta premisa, MIO: Memories in Orbit empieza como el clásico metroidvania: un juego de exploración no-lineal en el que vamos obteniendo habilidades que nos permiten llegar cada vez más lejos.

Y desde el minuto uno, en cuanto nos ponemos a los mandos, ya podemos sentir que estamos ante un juego muy bien diseñado, en el que todas las acciones, ya sean saltos o ataques, son extremadamente satisfactorias. Da gustirrinín pulsar botones, vaya.

Si bien MIO: Memories in Orbit combina acción, saltos y exploración, el plataformeo es el gran protagonista de la aventura. De hecho, sería más adecuado calificarlo como un plataformas de precisión, pues muchas de las secciones que propone la aventura requieren una enorme destreza a los mandos y un buen uso de todo el repertorio de habilidades para sortear obstáculos.

Por suerte, el control no sólo es satisfactorio, también es extremadamente preciso, de manera que cada vez que caemos contra los pinchos y nos toca repetir, lo hacemos sabiendo que la culpa ha sido nuestra. Y, cuando finalmente conseguimos superar una sección que se nos resistía, la satisfacción es colosal.

En lo relativo al combate, MIO está bien y aguanta el paso de las horas, pero se antoja algo simple.

Han intentado hacer lo mismo que Hollow Knight y su secuela en este aspecto: darnos un sistema de combate relativamente sencillo a nivel mecánico, pero acompañado por una serie de modificadores para personalizar las habilidades de la protagonista.

Pero mientras que en Hollow Knight y Silksong los amuletos tienen una enorme profundidad, permitiendo crear toda clase de builds, en MIO se quedan algo cortos, incluso aunque su número sea bastante elevado.

El problema es que la mayoría de efectos no alteran demasiado la jugabilidad o, directamente, no son demasiado útiles, así que he terminado recurriendo a los mismos durante prácticamente todo el juego, sólo haciendo algunos cambios en función de si tocaba explorar o pelear.

Por suerte, MIO lo compensa haciendo las cosas bien donde más importa: los jefes. Los enfrentamientos están excepcionalmente diseñados, obligándonos a aprender el patrón de ataque de los enemigos y sacar partido de las habilidades para evitarlos, dejándonos con combates muy memorables.

Y, como sucede con el plataformeo, cuando la victoria llega, la satisfacción es inmensa. Porque aunque al principio puede parecer que la acción es más sencilla que los saltos, la cosa se va complicando que da gusto. Hay jefes realmente puñeteros.

Pero dónde MIO brilla por encima del resto de apartados es en la exploración y el diseño de niveles, aspectos clave en todo metroidvania.

El mapa está diseñado pensando en que exploremos y nos perdamos; en ningún momento nos dan las cosas mascadas ni nos dicen dónde debemos ir. Esto provoca que a veces nos sintamos un poco desorientados, desde luego, pero también que disfrutemos explorando cada nueva zona de la nave y descubriendo cómo conecta con las demás, así como encontrando caminos ocultos que llevan a secretos y coleccionables.

Y no me tiembla el pulso al decir que se trata de uno de los mejores mapas que se han visto en un metroidvania. Porque si somos hábiles explorando, podemos apañárnoslas para acceder a muchas localizaciones por caminos alternativos, lo que permite completar las zonas y conseguir las habilidades en diferente orden, o incluso saltarnos jefes por completo.

Para que os hagáis una idea, he llegado a tener cinco zonas diferentes por las que avanzar, así como un jefe contra el que luchar. Y me he quedado sin marcadores con los que señalar en el mapa porque constantemente te topas con cosas interesantes a las que quieres regresar más tarde.

Sus creadores han entendido que la clave de la exploración en un metroidvania no es llevar al jugador a rutas sin salida que obligan a dar media vuelta, sino dar la libertad suficiente para que podamos progresar a través de múltiples zonas al mismo tiempo, logrando así una maravillosa sensación de descubrimiento al explorar.

Y eso no es todo: además de tener un diseño excepcional con muchas opciones de rejugabilidad, la nave de MIO le da una vuelta de tuerca al concepto de mapa 2D que me parece de lo más original que se ha visto en el género.

Y como ya se intuía desde su tráiler de presentación, MIO: Memories in Orbit también es una maravilla en lo visual. Los escenarios 2.5D generan una gran sensación de profundidad y su estilo artístico es precioso, con una paleta de colores con muchísima personalidad y un sombreado muy característico que confiere a cada escena la textura de un dibujo a mano alzada.

Además, pese a desarrollarse en el interior de una nave, hay una gran variedad de localizaciones. La mayor parte del tiempo vais a sentir que estáis explorando un planeta alienígena, algo muy apropiado en un metroidvania.

La banda sonora también es muy variada y muy buena, tanto los temas de exploración, más calmados y con un estilo etéreo, como los de los combates contra jefe, donde suenen melodías de estilo dance y house que por momentos recuerdan -cómo no- a grupos franceses de electrónica como Justice.

Curiosamente y, pese a tratarse de un juego de presupuesto relativamente pequeño, MIO: Memories in Orbit cuenta con voces en español. Vale que sólo se escuchan diálogos hablados en momentos muy puntuales, pero no deja de ser algo digno de elogio... que choca con uno de los pocos aspectos negativos del juego: la traducción al español.

Se trata de un trabajo muy irregular, con una gran cantidad de errores, faltas de ortografía y traducciones literales que puede ser un problema a la hora de seguir el hilo argumental. De hecho, y pese a que la historia de MIO me ha gustado mucho, creo que la habría disfrutado más (y me habría enterado mejor) si el juego estuviese bien traducido.

¿Es difícil MIO: Memories in Orbit?

Como comentaba antes, MIO es un juego muy desafiante: tanto las fases de plataformeo como los combates contra jefe requieren mucha habilidad a los mandos.

Y eso si hablamos de los que se encuentran a lo largo de la historia, porque si nos salimos del camino principal, hay jefes y secciones de plataformeo absolutamente infernales. Si os gustan los juegos difíciles, lo vais a gozar.

Y no, MIO no cuenta con selector de dificultad. Lo que sí tenemos son tres opciones de accesibilidad que podemos activar o desactivar en cualquier momento, y que facilitan ciertos aspectos.

¿Cuántas horas dura la historia de MIO: Memories in Orbit?

MIO también es un juego muy generoso en contenido. He tardado unas 17 horas en completar la aventura, tomándome mi tiempo para explorar cada rincón del mapa... y aun así me he dejado una enorme cantidad de cosas por hacer.

Tantas, que, tras contemplar los créditos, seguí jugando y descubrí nuevas zonas en las que no había estado, jefes contra los que no había peleado... y una elaborada cadena de acontecimientos que desemboca en el final verdadero de la aventura.

Ha sido un auténtico gustazo ir descubriendo los pasos para avanzar, pues hay muchos requisitos, algunos de ellos tremendamente enrevesados, y progresar sin ayuda de una guía ha sido una sensación indescriptible.

Me he sentido como Magallanes, analizando el mapa de manera obsesiva y triangulando posiciones para descubrir cómo acceder a zonas que no había visto... pero que sabía que estaban ahí. Cuando ya rondaba las 30 horas de partida, el juego me seguía sorprendiendo con caminos y ubicaciones ocultas.

Sé que no todo el mundo tendrá el tiempo o la paciencia para jugar así, pero si tenéis la oportunidad, os recomiendo encarecidamente que juguéis y saquéis el final verdadero de MIO: Memories in Orbit sin guía, pues de esa manera se convierte en uno de los mejores metroidvania jamás creados.

Precio y plataformas disponibles

MIO: Memories in Orbit se lanza el 20 de enero de 2026 para PS5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch, Nintendo Switch 2 y PC a un precio recomendado de 19,99€.

Actualización 8-10-2026

De lanzamiento, solo estuvo disponible en formato digital y tras un tiempo siendo exclusiva de Estados Unidos, la edición en formato físico de MIO está confirmada para el 27 de octubre, en versiones PS5, Nintendo Switch 2 y Nintendo Switch.

Debajo de estas líneas os mostramos la edición física de Nintendo Switch, a la venta por 39,99 euros, que además ofrece actualización gratuita para equiparse a la versión de Switch 2. No incluye nada más extra, salvo una ilustración interior de portada.

La versión para PS5 cuesta también 39,99 euros, mientras que la edición física de Nintendo Switch 2 sube hasta los 49,99 euros.

Fin de la actualización

Una perla que brilla con luz propia

Si en 2025 quedó rotundamente claro que el paradigma de la industria del videojuego ha cambiado por completo y los indies marcan ahora el camino a seguir, MIO: Memories in Orbit llega recién empezado 2026 para despejar cualquier duda que pudiese quedar.

Un pequeño estudio francés se ha sacado de la manga un auténtico juegazo que nadie debería perderse, un título sobresaliente en todos los apartados, bonito, muy bien diseñado y con un control exquisito. Cuesta encontrarle pegas.

Y, sobre todo, se han marcado un metroidvania como la copa de un pino, un juego que entiende a la perfección las claves del género y las explota. Esto, hace seis meses, habrían sido palabras mayores. Pero ahora, en un mundo post-Silksong, es el mayor de los elogios.

Porque ha habido muchos juegos que han intentado replicar la fórmula del éxito y se han quedado lejos de la grandeza. Pero MIO: Memories in Orbit no sólo lo consigue, sino que también brilla como una perla con luz propia.

Algunos han parecido cosa de brujería, por su alta calidad visual, a la par del resto de plataformas, mientras que otros, como Devil May Cry 5, obraron el milagro técnico, ofreciendo hasta 90 fps en modo portátil. Ahora, a falta de que lleguen los remakes de RE2, RE3 y RE4, y Monster Hunter Wilds, vamos con el análisis de Dragon's Dogma 2 Dark Arisen para Nintendo Switch 2, con el que Capcom vuelve a hacer su magia con un port que, hace meses, hubiera dicho que era imposible.

Casi 18 meses después del lanzamiento de Switch 2, es muy meritorio que sigamos viendo cosas que pensábamos que eran imposibles. Y más después de un 2026 en el que hemos visto ports increíbles como los de Final Fantasy VII Rebirth, Dragon Quest VII Reimagined, Lies of P Complete Edition, Indiana Jones y el Gran Círculo o Elden Ring, que si bien pueden presentar diferencias, dan el tipo de sobrísima.

El juego base es exactamente el mismo que salió en marzo de 2024, con los parches que ha recibido después, por lo que si queréis saber a grandes rasgos cómo es su jugabilidad, duración, historia o conocer el sistema de peones, os invito a leer el análisis de Dragon's Dogma 2 para PS5, porque es el mismo juego. Y sobre el DLC de Dark Arisen, esperamos publicar nuestro análisis en los próximos, dado que necesitas haber terminado el juego y tener un determinado nivel.

Por este motivo, y al igual que en los análisis de otros ports recientes, como Kingdom Hearts Collection I-III, Dragon Quest XI S o La Tierra Media: Sombras de Mordor y de Guerra, aquí me voy a centrar en la parte técnica y las diferencias con las versiones disponibles, o nuevo contenido, si lo hay, ya que toda todo lo demás es exactamente igual.

Con las cosas claras, vamos con la review de Dragon's Dogma II Dark Arisen para Nintendo Switch 2, que por méritos propios ya es otro de los ports que sorprenden en Nintendo Switch 2, aunque ya lo adelanto, tiene algunos defectos, algunos presentes también en PS5 y PC.

Novedades, diferencias y aspectos técnicos de Dragon's Dogma 2 Dark Arisen para Nintendo Switch 2

La única diferencia con el resto de versiones es que, en términos de contenido, la edición Dark Arisen del juego también incluye el DLC con una región nueva, el Dominio Abandonado, el telón de fondo de una nueva historia con el Dragón Caído. No hay vocaciones nuevas, pero las existentes reciben nuevas habilidades para que se sientan "frescas" y distintas, además de nuevo equipo.

También están los ritos perdidos, que engordan el juego base con 12 desafíos de mazmorra, pruebas que te permitirán conseguir geniales artefactos en ruinas recién descubiertas, y que pondrán a prueba tus habilidades de combate. También se han añadido más opciones al editor de personajes, como más peinados, tatuajes, tipos de cara y opciones para que tu personaje, o peón, luzca como tú quieras.

Pero sin ningún tipo de duda, por lo que llama la atención el port de Dragon's Dogma 2 para Nintendo Switch 2 es por su desempeño técnico. Es un juego que solo salió en PS5, PC y Xbox Series X|S, no en consolas de anterior generación, y aunque de lanzamiento tuvo problemas de rendimiento. puso a nuestro alcance un bastísimo mundo abierto repleto de NPCs y enemigos de tamaño colosal.

Todas esas características permanecen intactas en este port de Switch 2, y sorprende porque, de lanzamiento, ya tiene opciones que jugar a 60 fps estables, gracias a la generación de frames, una opción presente en las gráficas de Nvidia, como las RTX 5080 o RTX 4080, así como en las últimas generaciones de GPUs de AMD.

Se trata de una técnica que, por cada frame "real", genera uno asistido por IA, de manera que interpola un frame real con uno generado por IA para ofrecer tasas más altas, y una mayor sensación de suavidad de la imagen. En este proceso, las imagenes se renderizan a una resolución menor, y gracias a técnicas de escalado por IA, vemos en pantalla una imagen de mayor resolución, que en el caso de Dragon's Dogma 2 en Nintendo Switch 2 es de 1080p en modo dock.

En cualquier momento podemos tanto limitar los frames a 30, o desactivar FSR, pero después de haber pasado unas cuantas horas con el juego, yo no lo recomendaría: no he sufrido caídas, y la experiencia gana muchísimos enteros en suavidad, tanto en portátil como en dock.

Y luego está que, a nivel gráfico, por momentos vas a pensar que estás jugando en una PS5, porque el nivel es muy, muy alto. Escenas de vídeo, interiores... es un juego muy bestia, y casi todo está ahí, en su sitio. Pero, cómo no, también tiene sus problemas.

El primero es heredado de las demás versiones: a menudo, vas a notar "pop in", la aparición súbita de sombras o detalles en el entorno, o incluso de los NPC, que aparecen cuando estamos a un palmo de ellos. Esto es algo que ya estaba presente incluso jugando en PC con el equipo más bestia del universo. Es un problema de la arquitectura del juego, sobre todo, en el caso de los NPCs y su brusca aparición (abajo podéis ver un ejemplo, apareció al rato de estar mirando la nota).

El resto de defectillos visuales, quizá se ha visto ligeramente agravado por el uso de FSR y se nota algo de artefacto, ruido al girar la cámara rápidamente, en la estela de nuestros ataques, cuando desplegamos hechizos o la brusca aparición de sombras y elementos mientras vas corriendo por el mundo abierto o incluso en el editor de personajes, donde puedes encontrarte con algunos rostros "temblorosos"...

Pero, qué queréis que os diga, tras jugar un rato a 30 fps, teniendo la opción de los 60 fps, no lo jugaría así ni un minuto. Sus combates de acción brillan más con esa suavidad extra, y cuando estás al lío, como escalando por la espalda de un cíclope, el resto pasa a un segundo plano. A mí, por lo menos, no me llega a parecer tan, tan molesto como para que no pueda seguir jugando.

Lógicamente, también se nota en los detalles, desde el suelo a la calidad de las texturas, o los tiempos de carga, que los hay al usar el viaje rápido (unos 6 segundos, no está mal) o al terminar secuencias de vídeo, y cosas similares. No muy largos, ni frecuentes. Si no vas con la lupa, al detalle, el juego da el pego, y no tiene nada que envidiar al resto de las plataformas, y además puedes jugarlo en cualquier parte.

Lo único que realmente me ha molestado un poco, y me ha pasado al menos un par de veces, es que Dragon's Dogma 2 se me ha quedado "colgado" tras dejar la consola varias horas en reposo. Al volver encenderla, el juego sigue ahí, pero ningún control responde... así que a cerrar, y reiniciar. Por suerte, autoguarda con bastante frecuencia, y nunca he perdido grandes paseos, ni nada parecido.

Precio y ediciones de Dragon's Dogma 2 Dark Arisen para Nintendo Switch 2

A partir del 9 de octubre, la edición Dragon's Dogma 2 Dark Arisen está disponible en todas las plataformas, y en todas tiene el mismo precio digital: 49,99 euros. El juego base bajó de precio a 39,99, y el DLC, por separado, cuesta 29,99 euros, así que aún no tienes el juego, es una buena oportunidad para llevarte todo a un precio más ajustado.

En Switch 2 no existe la opción de comprar el juego o el DLC por separado, ya que se estrena directamente con la edición Dark Arisen, también a 49,99 euros. Y, aunque tiene edición física, sigue siendo la asignatura pendiente de Capcom: es una tarjeta llave. El juego ocupa 49,5 GB, por lo que entra en una Gamecard sin problemas. Si los indies pueden hacerlo, ¿cuándo te vas a animar, Capcom?

La opinión de Hobby Consolas de Dragon's Dogma 2 Dark Arisen para Nintendo Switch 2: ¿un nuevo éxito?

Si hace un año me hubieran dicho que iba a estar jugando a Dragon's Dogma 2 en Switch 2, no sé si me lo hubiera creído. Siempre se dice que es una consola con una capacidad técnica parecida a la de PS4, pero lo cierto es que los desarrolladores están consiguiendo unos resultados que casi la aproximan más a las consolas más actuales.

Sin fliparnos, claro que Dragon's Dogma 2 tiene diferencias en Switch 2, incluidos defectos visuales... que también están en las demás versiones. Pero aún así, sorprende por lo bien que va a 60 fps, por lo vistoso que se muestra incluso en portátil y porque es un juego de acción y fantasía enorme que ahora puedes encima a cualquier parte.

Y con él, Capcom se consolida como la compañía que más y mejor está aprovechando Switch 2, aparte de Nintendo: tenemos juegos a 40, 60 y 90 fps, cada uno con opciones y ajustes para que podamos disfrutarlos de la mejor manera. Y esta de Dragon's Dogma 2, me parece todo un acierto...

Es una jugada que, en muchos casos, funciona bien. Ahí tenemos el increíble Signalis, la saga Tormented Souls e incluso apuestas como Crow Country. Y a esta destacada lista se le une otro juego más... Este análisis de Silver Pines lo va a dejar claro.

Porque, pese a que la opera prima de Wych Elm es parte de una tendencia que puede llegar a saturar, este pequeño estudio de apenas un puñado de desarrolladores juega muy bien sus cartas. Silver Pines no es nada nuevo, pero sí que es único.

Recatando la más pura esencia de los primeros Silent Hill y Resident Evil y sin esconder sus inspiraciones en Twin Peaks, este survival horror y metroidvania 2D está listo para ganarse a quienes disfrutaron de joyas como Deadly Premonition o la saga Alan Wake.

Bajo el sello de Team17 (Overcooked o Blasphemous) uno de los juegos aspirantes a engalanar Halloween está listo. Vamos con el análisis de Silver Pines para PS5, Nintendo Switch 2, Xbox Series X|S y PC:

• La historia de Silver Pines: un pueblo, un misterio y un detective
• ​La jugabilidad de Silver Pines: survival horror metroidvania
• ​La duración de Silver Pines: horas, finales y rejugabilidad
• ​El precio, plataformas y ediciones de Silver Pines
• ​La opinión de Hobby Consolas sobre Silver Pines
• ​Nota: lo mejor y lo peor de Silver Pines

La historia de Silver Pines: detectives en un pueblo perdido

Siguiendo lo instaurado por el maestro Lynch hace años, el juego hace gala de una premisa conocida. Red Walker, detective privado, se despierta en una abandonada cafetería de Silver Pines, un destartalado pueblo estadounidense ubicado en mitad de la nada.

Una llamada de teléfono nos pone en contacto con el misterioso benefactor del protagonista, un hombre que desea que demos con Eddie Velvet, un músico desaparecido. ¿Por qué? Nada sabemos sobre este delicado asunto, que comienza a desmadejarse poco a poco.

El pueblo está abandonado por la llegada de una implacable tormenta que ha dejado algo más que lluvia y rachas de fuertes vientos. En mitad del caos, Walker debe seguir un rastro de miguitas de pan para dar con su objetivo, mientras hace frente a sus propios temores.

Por el camino se encontrará con algunos enigmáticos y perturbadores habitantes que se han ido quedando atrás. Estas conversaciones, junto con la recogida de pistas diseminadas por todos lados va dando forma a un relato disperso y no demasiado original, pero sí interesante.

Y es que, la trama de Silver Pines es bastante cautivadora, y a pesar de recoger todos los tropos de títulos como los de Silent Hill (imposible no relacionarlo con Harry Mason o con ese toque paranormal), forma su propio estilo, apoyado en una gran ambientación.

Todo bebe de Twin Peaks, pese a que haya acción constante. Y es que, el pueblo tiene una gran personalidad al ofrecer esa explosiva combinación "mar y montaña" que tan bien funciona en el género policiaco y la novela negra. Además, Wych Elm sitúa esta historia en algún momento de los noventa, lo que le da un aura clásica genial.

Cabinas telefónicas, cintas VHS, teles de tubo, periódicos, coches de época, cantinas y comercios muy yankees... En esta materia, Silver Pines derrocha mimo y buen hacer al presentar un mapa cambiante y variado, pero también cohesionado y consciente de formar un todo.

Esto también es gracias a su "lynchiano" estilo artístico. Como si de un Alan Wake fusionado con un Expediente X primigenio se tratase, Silver Pines cuenta con un arte neo noir "pixelado" que apela a la animación por rotoscopia, que encaja genial con el entorno 2,5D que ofrece.

Sus tonos apagados contrastan con la iluminación vibrante de los neones que te sirven como puntos de referencia. Los efectos climáticos son profundamente inmersivos y la banda sonora (con un grandísimo doblaje en inglés) engalanan un gameplay simple, pero eficaz.

La jugabilidad de Silver Pines: un clásico modernizado

Lo que inmediatamente define a Silver Pines es su perspectiva 2'5D y su estructura basada en sectores. Esto nos traslada directamente al modelo metroidvania que tanto ha triunfado en el sector en los últimos años... Solo que a ello hay que sumarle elementos survival horror.

Cierto es que el género siempre ha tenido algo de backtracking o vuelta hacia atrás, pero aquí la intención es total y definitoria. No obstante, lo que impera es la faceta survival.

Si en estética y trama el juego puede orientarse más a lo visto en la saga de Remedy, en jugabilidad tenemos un claro homenaje a los primeros títulos de Silent Hill y Resident Evil.

Los puzles, cadenas de pesquisas que unen diferentes rompecabezas del escenario y un combate pensado para ser un recurso auxiliar definen a este Silver Pines, que no podría ser más clásico en su forma.

El control es tosco y sus sistemas (como el guardado en las cabinas telefónicas) y la gestión de inventario, también. No obstante, no lo estoy diciendo como algo malo, ya que ahí está el nostálgico encanto de Silver Pines. Lo que podría ser una debilidad para cualquier título actual, aquí sabes que es completamente intencional... y funciona.

El movimiento del detective es rígido y no se puede disparar en movimiento, apelando a los arcaicos controles tanque de tiempos pasados. Y se nota, por ejemplo, en la manera que tiene el juego de hacerte subir a zonas elevadas, con saltos agarrotados solamente en el "eje Y" dignos del primer Tomb Raider o con un método de apuntado de arriba-abajo con el joystick.

No obstante, debajo de esa primera capa yacen otros aspectos que denotan cierta modernidad. Hay elementos, como que las armas tengan retroceso, un pequeño QTE de recarga de armas o la importancia de la esquiva y la gestión de la barra de resistencia, que confieren mayor profundidad a Silver Pines.

Esa mayor complejidad también se aprecia en el mapeado (con las pistas y puntos de interés marcados como en la franquicia de Konami), que se estructura de una forma bastante inteligente, aunque podría tener un mejor diseño en su faceta metroidvania.

El progreso responde a la exploración concienzuda y hay cantidad de mejoras, armas y amuletos que encontrar y aportan pasivas para hacer de tu investigación en el pueblo algo más llevadero.

En general, el juego cuenta con secciones brillantes que crecen en extensión mucho más de lo que esperarías tras un primer vistazo al mapa, aunque, como digo, el backtranking no está tan bien implementado y hay puntos de interés que resultan evidentes.

Un ejemplo de este diseño mejorable es que se te permite tomar fotografías para recordar zonas (funcionalidad heredada del excelentísimo Prince of Persia The Lost Crown), pero en el mapa también se te marca cualquier punto al que no puedas acceder.

Además, los paseos de un lado a otro pueden hacerse algo pesados hasta el último tercio del juego, donde el mapa recibe algunas actualizaciones en materia de enemigos (más numerosos de lo esperado).

Aún con todo, la estructura "abierta" que ofrece Silver Pines me ha gustado mucho, con acertijos "clasicotes" (cerraduras, candados, uso de la tecnología noventera vista en Silent Hill Townfall...), aunque ha habido un par que me han tenido dando unas cuantas vueltas.

Esas vueltas están adornadas por un combate que hace gala de, quizá, demasiados tipos de armas, pero que resulta satisfactorio, pese a ser extremadamente rígido. El cuerpo a cuerpo es vital para ahorrar munición, pero se siente tremendamente útil y tiene su miga controlar la estamina para no morder el polvo ante unos enemigos bastante dañinos en la dificultad estándar. También hay jefes, cuyas batallas no son gran cosa, pero no se desenvuelven mal.

Quizá como metroidvania, Silver Pines tiene margen de mejora, pero, como digo, como survival horror, el equipo de desarrollo ha atado todo correctamente. Y el ejemplo tenemos en la columna vertebral del género...

La gestión de los recursos es importantísima y está claramente inspirada en Resident Evil, con inventarios con casillas, baúles, combinación de objetos o el uso de monedas, necesarias para guardar partida y para comprar útiles varios en las máquinas expendedoras.

Hierbas, munición, pilas para la linterna, cintas para reparar la durabilidad de las armas... Hay que estar pendiente de cantidad de aspectos si no quieres sufrir más de lo necesario.

Con esto, Silver Pines consigue establecerse como una experiencia jugable adictiva, si te gusta este toque más retro, aunque hubiese deseado pasar algo más de terror. Todo lo que ves en Silver Pines es inquietante y hay algún que otro susto, pero le falta un toque más aquí.

¿Cuánto dura Silver Pines? Finales y rejugabilidad

He tardado en completar Silver Pines algo más de 14 horas. Al terminar partida se me informó que había descubierto el 85% del contenido del juego, pero es cierto que me he atascado en un par de ocasiones.

Por lo tanto, sacar el 100% del juego debería llevar entre unas 15 o 16 horas, fácilmente. Es posible completar el juego en mucho menos, pero se trata de un título que premia a los completistas.

Y es que este cuenta con varios finales determinados por una serie de acciones y descubrimientos, pero cuanto más indagues, más jugo sacarás a la opaca historia de este título. Recomiendo no dejarte nada.

​El precio, plataformas y ediciones de Silver Pines

Silver Pines está disponible en PS5, Nintendo Switch 2, Xbox Series X|S y PC en formato digital (nada se sabe de una edición física, por el momento) bajo un precio de 24,99 euros en su única edición.

Twin Pines

Silver Pines no es un juego memorable, pero sí otra excelente lección de cómo un pequeño estudio indie se las ha apañado para culminar una opera prima de gran calidad, que apela directamente a los inicios del survival horror sin perder de vista las actuales tendencias.

Quizá tantos títulos "homenaje" puedan llegar a saturar, pero en esta fusión de lo clásico con la fórmula metroidvania imperante moderna encontramos un visión única y profundamente atractiva.

La jugabilidad de Silver Pines no encajará con los paladares más jóvenes si lo que andas buscando en agilidad y frenetismo, pero ahí está su razón de ser. El juego apela a esa tosquedad noventera, salvo que, detrás de esa primera capa, encontramos mucho más.

Se trata del recopilatorio que incluye la remasterización de los dos primeros juegos, Kingdom Hears 1.5 y 2.5 Remix, junto a spin-offs como Birth by Sleep (de otros, solo las secuencias), además del tercer y último juego de la saga, Kingdom Hearts III. Vamos, todo lo necesario para ponerte al día y prepararte para Kingdom Hearts 4. Por eso, toca ver en este análisis de Kingdom Hearts Collection I-III para Nintendo Switch 2 si estamos ante un port que merece la pena, o es mejor evitar.

Como estamos hablando de juegos de los que hemos hablado ya hasta la saciedad, podéis consultar los análisis de cada juego por separado, como es el caso de Kingdom Hearts 1.5 Remix, Kingdom Hearts 2.5 Remix o Kingdom Hearts HD 2.8 Final Chapter Prologue para saber qué podéis esperar de cada aventura por separado en términos de historia, jugabilidad, duración o contenido (como los mundos que visitamos), porque en ese sentido, son exactamente los mismos juegos que hemos visto en anteriores generaciones, como PS3 y PS4.

Aquí me voy a centrar en la parte técnica, ya que es quizá el punto más interesante de estas nuevas versiones. ¿Se mueven a 60 fps en todos los casos? ¿Cómo se ven en la tele? ¿Se pueden comprar los juegos por separado? ¿Tienen algo de contenido exclusivo de esta nueva versión? Todo eso y mucho más, lo voy a intentar aclarar en esta review de Kingdom Hearts Collection para Nintendo Switch 2.

Aclarado este punto, no está de más recordar que Square Enix es, junto con Capcom, uno de los desarrolladores japoneses que ha abrazado con más fuerza a Nintendo Switch 2, y que solo en 2026 hemos visto grandes ports para la híbrida de juegos como Final Fantasy VII Remake Intergrade, FFVII Rebirth, Dragon Quest VII Reimagined o el más reciente Dragon Quest XI S Edición Definitiva, por lo que había bastante curiosidad por ver si aquí también han cumplido. Y ya os lo adelanto: sí, también son buenos ports.

Novedades, diferencias y aspectos técnicos de Kingdom Hearts Collection I-III para Nintendo Switch 2

Creo que es lógico, por una parte, diferenciar los remasters de los primeros juegos y spin-offs del resto de contenido, que se lanzó en la anterior generación y, técnicamente, era más exigente, como Kingdom Hearts III, por ahora el último juego de la saga disponible.

Así pues, las ediciones ReMix nacieron en PS3, como anticipo del tercer juego que finalmente no salió en esa generación y desde entonces, han tenido dos revisiones más, una en PS4, y ahora en Nintendo Switch 2, PS5 y Xbox Series X|S. Yo solo he podido probar la de la nueva híbrida de Nintendo, por lo que no puedo hablar del resto de versiones.

La mejoría en estas nuevas versiones es evidente: los diálogos y textos resultan ahora mucho más nítidos, la relación de aspecto de la imagen es panorámica, la música parece haber sido resampleada y se escucha mejor... incluso se notan mejorías en otros aspectos, como los tiempos de carga, que son más cortos respecto a otras versiones.

Pero, quizá, lo más llamativo de todo es la calidad de imagen y nitidez de los gráficos (aprovecho para recordar que las capturas sacadas con la propia consola, y que veis en este análisis, no se ven tan bien como el propio juego en la pantalla de Switch 2).

KH 1.5 Remix y 2.5 Remix, así como el resto de spin-ofs jugables, como Birth By Sleep o Dream Drop Distance, se mueven a unos sólidos 60 fps, haciendo que la experiencia de juego sea muy suave y fluida, tanto en portátil como en dock. Desconozco la resolución real, pero parece ser 4K (mi TV lo reconoce como 2160p) o quizá supere los 1080p, y juegue con la resolución dinámica para mantener los 60 fps en momentos movidos. Pero, lo cierto es que se ven francamente bien.

En modo portátil no se queda atrás, y se mueve y ve igual de bien, por lo que no me extrañaría que, de nuevo, jugara con la resolución variable para alcanzar los 1080p y mantener la tasa de frames estable que, como digo, no baja de 60 fps (al menos en los distintos mundos que he podido jugar). Esto, como digo, es aplicable incluso a las adaptaciones de Birth by Sleep y KH3D.

Eso no quita que los controles, por ejemplo para manejar la cámara o en combate, se sientan un tanto añejos, sobre todo si lo comparamos con los contenidos de los otros dos recopilatorios... que son los que albergan los juegos más "actuales".

Es el caso del prólogo 0.2, que fue el anticipo de Kingdom Hearts 3 protagonizado por Aqua, y que diría que, de nuevo, debe superar los 1080p en modo dock, con una tasa de frames que oscila entre los 40 y 60 fps, mientras que en portátil, debe rondar los 900p, y gracias a la resolución variable oscila para intentar alcanzar los 60 fps, cifra que no consigue en todo momento... No va igual de suelto que los Remix y las oscilaciones se notan, pero es perfectamente jugable.

Al tratarse de un juego más moderno, visualmente está varios peldaños por encima de los 1.5. y 2.5 Remix, y verlo moverse así de bien en la consola híbrida es un verdadero placer, incluso con los pequeños recortes habituales en aspectos como las sombras o los efectos (partículas y similares), que resultan un pelín menos vistosos, pero que pasan inadvertidos por lo espectacular que resulta el juego.

Pero el plato fuerte es el port de Kingdom Hearts III, que incluye el DLC ReMind y es uno de los juegos más vistosos de PS4, que apenas presenta diferencias visuales en este port de Switch 2, haciendo que el juego sea tremendamente espectacular, tanto al jugar en la tele, como en la portátil. Eso sí, aquí los tiempos de carga pueden resultar un poco más largos que en el resto de títulos de esta recopilatorio.

De nuevo la resolución en modo dock supera los 1080p (en la demo rondaba los 1224p) y también se mueve entre 40 y 60 fps, aunque aquí vas a notar algunas zonas donde cae por debajo de esa cifra y no van tan, tan suave. Si tienes una tele con VRR quizá no lo aprecies tanto, pero si no, sí es evidente. ¿Injugable o molesto? En ningún caso.

Pero lo cierto es que durante una buena parte del tiempo logra moverse por encima de los 40 fps (alcanzando los 60), haciendo que el combate y la exploración de los mundos Disney o las fases a bordo de la nave gumi explorando el espacio, sean una verdadera gozada. He leído en otros análisis que estas fases en el espacio han dado problemas en otros medios... pero no ha sido mi caso, porque han ido bien. El único "problema" con el que me he topado ha sido cierre inesperado jugando a Kingdom Hearts 3... y solo ha sido eso, una vez.

En modo portátil, Switch 2 también se comporta como una jabata para que Kingdom Hearts 3 intente alcanzar los 60 fps, y quizá canta menos gracias al VRR de la pantalla, cerrando así una completísima colección que es perfectamente disfrutable en modo portátil, algo que muchos fans de la saga, y en especial de Nintendo, llevaban años pidiendo tras el fiasco de las ediciones en la nube.

De verdad, he tenido la misma sensación que con el port de Onimusha: Way of the Sword para Switch 2, que me olvidado por completo de la consola en la que estaba jugando, porque las sensaciones eran prácticamente las mismas.

Por último, aunque he dicho que el contenido era exactamente el mismo, hay una pequeña novedad, y es la inclusión de la nueva espada llave Larga noche, que como otras armas, cuenta con sus habilidades especiales en combate.

Precio y ediciones de Kingdom Hearts Collection I-III para Nintendo Switch 2

Kingdom Hearts Collection está disponible tanto en formato físico como digital. Si empezamos por el digital, es posible comprar la colección como un "todo", un paquete con los tres juegos, a un precio de lanzamiento de 79,99 euros.

También puedes comprarlos por separado, pero en mi opinión no merece la pena, ya que cada juego cuesta 39,99 euros y, si acabas comprando los tres, aunque sea en distintos meses, acabarás pagando un total de 120 euros y, todo sea dicho, los 3 juegos no ofrecen la misma cantidad de contenido. Lo bueno es que, si tenías las versiones Cloud de Switch, puedes conseguir las versiones de Switch 2 al 50%.

Por último, la edición física de Kingdom Hearts Collection para Nintendo Switch 2 es una tarjeta llave, por lo que no están los datos de los juegos en la tarjeta, y necesitarás más de 127 GB de almacenamiento en tu consola, o tarjeta SD Express, para poder descargar los tres juegos.

La opinión de Hobby Consolas de Kingdom Hearts Collection I-III para Nintendo Switch 2

Después de que la anterior generación de Nintendo se quedara sin una de las sagas más queridas, Kingdom Hearts Collection I-III para Nintendo Switch 2 es todo lo que los fans podían esperar: unos cuidados ports que no desmerecen respecto al resto de versiones.

Visualmente son una delicia, y en especial Kingdom Hearts III, el juego más imponente de la saga en materia gráfica, que aquí se ve y se mueve con una gran solvencia, a 60 fps durante la mayor parte del tiempo, incluso cuando juegas en modo portátil.

Así pues, si soñabas hincarle el diente a este descomunal cofre de juegos por primera vez en una consola de Nintendo, o simplemente poder jugarlos en tu nueva consola en cualquier parte, ese día ya ha llegado, y además sin tener que sufrir grandes sacrificios técnicos.

Vaya por delante que, sin hacer nada realmente rompedor (es fácil ver su inspiración en Hollow Knight o Hollow Knight Silksong, sin ir más lejos), el juego de Kyle Thompson, creador de Islets o Crypt Custodian, es un pequeño placer que los fans de los metroidvania deberían jugar, como vamos a ver en este análisis de Well Dweller.

¿Y por qué Well Dweller es un juego especial? Pues por varias razones. La primera es su historia, un cruel cuento con el que, probablemente, vas a conectar desde el primer minuto, arropado por una estética de "dibujo" con detalles que recuerdan a los juegos del Team Cherry.

En segundo lugar, por su jugabilidad, sencilla y directa, que lo convierte en una experiencia ideal para adentrarse en el género, sin renunciar a alicientes para conquistar a los fans de los metroidvania.

Y por último, al menos para mí, con una duración muy bien ajustada, para que no se haga especialmente largo ni pesado, y que como otros juegos recientes, como TOEM 2, son un "entremés" perfecto para paladear entre juegos que ofrecen cientos de horas, como Fire Emblem: Fortune's Weave o The Witcher 3 Remastered. Sin más demora, vamos con la review de Well Dweller, donde me voy a centrar en estos aspectos:

• La historia de Well Dweller, un cruento cuento
• La simple y efectiva jugabilidad de Well Dweller
• Un juego resultón: el apartado técnico de Well Dweller
• ​La duración y dificultad de Well Dweller
• ​Precio y ediciones disponibles de Well Dweller
• ​La opinión de Hobby Consolas de Well Dweller
• Nota, lo peor y lo mejor de Well Dweller

Un cruel cuento con la esencia de algunos clásicos

Una de las razones por las que Well Dweller te hará morder el anzuelo desde el primer minuto es su historia, presentada como un cuento ilustrado. En ella, conoceremos la cruenta afición de una niña, que acaba llegando a convertirse en reina, quien disfruta desplumando vivos a los pájaros... hasta casi acabar con todos ellos, gracias al trabajo de los cazadores, que tienen la orden de capturarlos vivos.

Nosotros asumimos el papel de Glimmer, uno de los escasos pájaros que quedan vivos en el reino, y que junto a su familia, se ven obligados a esconderse en el interior de una calavera situada en el fondo de un oscuro pozo (de ahí el título del juego, "el habitante del pozo"). Pero claro, alguien tiene que salir a por comida...

A regañadientes, nuestra madre nos encomienda la tarea, y de paso, nos pide que nos llevemos a nuestros hermanos, unos espídicos polluelos, algunos aun sin salir por completo del cascarón, para que la dejemos un rato tranquila. ¿Qué puede salir mal? Pues todo, porque tras entrar en la casa de un cazador a robar las sobras, nuestra familia será capturada, y comenzará la carrera de Glimmer para salvarlos.

Por el camino irá conociendo a otros personajes, como una rata que trabajó al servicio de la reina, o un vendedor, que aportarán más detalles de la historia, ayudando a cerrar un relato que, la verdad, me ha gustado bastante más de lo que esperaba, y que ayuda a construir un mundo que derrocha desolación, pese a su aspecto "cartoon".

Una jugabilidad tan simple, como efectiva

Frente a otros metroidvania más complejos, Well Dweller apuesta por un planteamiento más sencillo y amigable. No voy a decir que sea más lineal, pero no resulta tan, tan laberíntico y complejo como otras propuestas. Además, la posibilidad de viajar rápido entre los distintos campamentos desbloqueados, hace que conseguir una nueva habilidad y usarla en el sitio correcto fluya muy rápido, ahorrándonos paseos y mucho "backtracking". Pero no solo eso.

La sencillez también se aplica al combate. Nuestra única arma es una cerilla (cuanta más llama tiene, más vida tenemos, un detalle para no tener que andar mirando la barra de vida). Pulsando el botón de ataque realizamos combos, también podemos golpear hacia abajo en salto, en el aire... pero no va introduciendo nuevas técnicas que lo compliquen.

Lo que sí vamos añadiendo son acciones, como el dash o deslizamiento, que nos hace inmunes durante unos instantes, o habilidades como poder lanzar la cerilla y clavarla en paredes, para usarla como un trampolín, o aletear durante unos segundos en el aire.

También hay objetos como una botella de aceite que podemos lanzar para incendiar a los enemigos o un vial para recuperar vida que incluye una mecánica de habilidad, para que no todo sea tan fácil como pulsar un botón y recuperar la energía: debemos presionar el botón, y en pantalla aparece una barra con una flecha y debemos soltar el botón cuando alcance un segmento concreto. Es un detalle menor, pero que nos obliga a esta atentos a lo que pasa en pantalla.

También encontramos amuletos que nos confieren efectos adicionales (como hacer más daño cuando tenemos poca vida o rodearnos de pinchos para protegernos...), de que podemos equipar más si vamos consiguiendo, o comprando con la moneda del juego (que conseguimos al acabar con los enemigos), y que están ahí para tal efecto.

Lógicamente, cuantos más amuletos puedas equipar, más fácil será encarar a los jefes finales, que realmente son el único pico de dificultad del juego... aunque basta con memorizar sus patrones, y explotar sus debilidades. Es un gameplay sencillo, pero una vez que haces clic con él, todo fluye de manera suave, casi sin pensar.

Eso sí, no te creas que todo es avanzar sin pensar: en más de una ocasión tendrás que utilizar todo lo que vayas consiguiendo de maneras creativas para poder avanzar, y el juego no te da pistas. Si te quedas atascado y no sabes cómo seguir, explora y piensa...

Añade a este desarrollo estatuas que ofrecen desafíos contrarreloj, pruebas de combate sin recibir daño, pequeñas zonas de platarformeo que son un "puzle" en sí mismo (como saltar sobre un determinado número de pompas sin caer para abrir una puerta). Aunque suene a desarrollo fácil, el que busque algo de desafío, también lo tiene.

El apartado técnico de Well Dweller

He jugado con la versión de PC, y como puedes imaginar, no es un juego exigente, que pida lo último en hardware, ni una RTX 5080. Nada más lejos de la realidad. De hecho, he jugado todo el tiempo en una ROG Xbox Ally X, e incluso con el perfil de rendimiento más bajo, Well Dweller ha ido como un tiro, con los gráficos en "normal" (no hay más nivel de detalle), a 1080p y 60 fps sin caídas, y haciendo gala en todo momento, además, de un control preciso y sin fisuras.

Pero, sin lugar a dudas, lo que más me ha gustado es la parcela visual. Es un juego que, de primeras parece sencillote (el diseño de Glimmer y sus hermanos es simpático, pero tampoco para tirar cohetes), pero los entornos rebosan detalle, objetos destruibles y, como he dicho antes, un ambiente un tanto desasosegante. Colarte en la casa del mencionado cazador transmite perfectamente la sensación de que algo no va a ir bien. Acampar al lado de un cadáver ya descompuesto, es inquietante... y a la vez no vas a poder retirar la mirada.

También tienen parte de culpa sus coloridos y variados niveles, que atrapan con su diseño y potencian una atmósfera muy marcada, en la que además encontramos una gran variedad de enemigos, con patrones bien distintos: los hay desde que explotan al acercarnos a otros que escupen todo tipo de proyectiles, voladores... todos con un diseño bastante molón.

Mención aparte para los jefes finales, a menudo muy grandes, y con distintas fases o patrones que van cambiando a lo largo del combate. Son, quizá, los momentos donde la dificultad sube ligeramente, pero como he dicho, basta con observar su comportamiento, y llevar los accesorios correctos para superar el escollo...

La duración y dificultad de Well Dweller

Como he comentado antes, no es un juego especialmente difícil, ni enrevesado como para que te pierdas y no sepas por donde seguir. De hecho, hay hasta una tienda donde puedes comprar información para que aparezca en el mapa si te pierdes. Y los jefes, con paciencia y amuletos, los acabarás superando. No es un juego diseñado para que no lo termines, sino todo lo contrario, es una buena puerta de entrada al género si no tienes mucha experiencia en metroidvanias.

Si tienes experiencia en el género, Well Dweller te puede durar unas 8 horas aproximadamente, 11-13 si quieres completarlo al 100%. No es una experiencia muy larga.

Precio, ediciones y donde puedes jugar a Well Dweller

De momento, Well Dweller solo está disponible en formato digital en las plataformas que he comentado antes (PS5, Nintendo Switch 2, Nintendo Switch, Xbox Series X|S y PC), y no hay nada más que la edición est´sndar, aunque en Steam puedes comprarlo junto a otros títulos para que te salga un poco más barato.

En cualquier caso, hasta el 6 de octubre tiene una oferta de lanzamiento, y puedes ahorrarte un 15%. En Steam se queda en 12,11 euros, un precio realmente atractivo. En consolas, sale un poco más caro y, aunque también tiene el 15% de descuento, el precio sube hasta los 16,99 euros. En algunas plataformas, como PS5, tiene una demo por si quieres probarlo antes de picar... y también está en Game Pass.

La opinión de Hobby Consolas de Well Dweller

Tiene mucho mérito que un único desarrollador, Kyle Thompson, sea capaz de crear, diseñar y programar un juego como Well Dweller (la banda sonora la ha compuesto su hermano), y que se destape como uno de los mejores metroidvania de 2026.

Y lo consigue, además, sin reinventar la rueda, solo con algunas ideas que están muy bien ejecutadas, y en un mundo de cuento de hadas oscuro que te atrapa desde el momento que pones el pie dentro.

Se le puede reprochar que la jugabilidad es bastante plana, que no dura mucho... pero lo cierto es que una vez empieces a jugar, te costará horrores dejarlo hasta ver el final y saber qué pasa con la familia de Glimmer. Seas novato en el género, o experto, ya que para ti también hay algunos desafíos.

Sin duda, Well Dweller es uno de esos juegos que pruebas sin esperar nada, y que te acaba sorprendiendo, porque lo que hace, lo hace muy bien. De verdad, dadle una oportunidad, porque lo merece.

Pese a que lo habitual al hablar de Star Wars es pensar en espadas láser y batallas estelares, uno de los juegos más recordados de este universo es de carreras; carreras de vainas, más concretamente. Nos referimos, por supuesto, al mítico Star Wars Episodio I: Racer, lanzado en 1999.

Y ahora, 27 años después, Star Wars: Galactic Racer nos permite volver a disfrutar de toda la adrenalina de la competición en una galaxia muy, muy lejana. Y quién mejor que los responsables de Burnout -una saga conocida por su fantástica sensación de velocidad y espectaculares choques- para encargarse de un nuevo juego de carreras de Star Wars.

Pero Fuse Games, estudio compuesto por antiguos veteranos de Criterion Games, no se ha limitado a hacer otro juego de vainas; en su lugar, nos regalan una aventura que supone al mismo tiempo una modernización y una celebración de las carreras a la velocidad de la luz (o casi).

• El gameplay de Star Wars: Galactic Racer
• Nivel de dificultad de Star Wars: Galactic Racer
• ¿Cuántas horas de juego dura Star Wars: Galactic Racer?
• Cuánto cuesta Star Wars: Galactic Racer y dónde puedes jugarlo
• La opinión de Hobby Consolas de Star Wars: Galactic Racer
• Nota: lo mejor y lo peor de Star Wars: Galactic Racer

Jugabilidad y gameplay de Star Wars: Galactic Racer en PS5, Xbox Series X|S y PC

El Imperio Galáctico ha caído y la Nueva República trata de mantener el orden en una galaxia que aún padece las consecuencias de años en guerra. Con este panorama, en los planetas del Borde Exterior se reaviva la pasión por las carreras de alta velocidad y riesgo extremo, naciendo así la Liga Galáctica. Pero lejos quedan ya los tiempos de las Vainas, un vehículo innoble para tiempos menos civilizados. Los pilotos de esta época conducen aeronaves más seguras... pero igualmente veloces.

Bajo esta premisa, Star Wars: Galactic Racer presenta un total de cuatro modos de juego diferentes que desglosaremos en este análisis, pero vamos a empezar por el que sin duda es el modo principal... y el más sorprendente: la campaña.

En este modo historia nos ponemos en el papel de Shade, un piloto humano que oculta su rostro bajo un casco. Shade decide unirse a la Liga Galáctica para cumplir su sueño de convertirse en piloto de carreras y derrotar a Kestar Bool, el pomposo e insufrible actual campeón.

Pero, como suele ser habitual en estas historias, Shade empieza desde lo más bajo, pilotando un "montón de chatarra" con el que el simple hecho de clasificarse para la competición ya es todo un desafío... no digamos ya enfrentarse y derrotar al vigente campeón.

De esta manera, Fuse Games se ha sacado de la manga un modo historia con estructura de roguelite (aunque sus autores prefieren el término runs-based o "basado en carreras"). Sé que hay mucha gente que detesta esta clase de juegos y que puede parecer que no encaja con un título de conducción, pero os aseguro que está muy bien planteado.

La cosa funciona así: tras elegir entre uno de los tres tipos de vehículo, iniciamos un nuevo recorrido, que consiste en una serie de eventos que tienen lugar a lo largo de varios planetas. Al ir superándolos, obtenemos mejoras para las estadísticas básicas del vehículo, piezas que otorgan ventajas (muchas se complementan, dando lugar a builds), habilidades especiales y créditos para realizar compras. Si logramos llegar al final del recorrido, nos espera un evento especial que es prácticamente un combate contra jefe en versión carrera de speeders.

En las carreras normales ganar no es obligatorio (aunque, cuanto mejor sea nuestra posición, mejores son las recompensas), pero hay eventos, como las carreras de eliminación, en los que si no quedamos en el podio, perdemos una ficha de liga, que sería el equivalente a las "vidas". Y, cuando se acaban, toca volver a empezar el recorrido desde el principio.

Aquí entra en juego la toma de decisiones habitual de los roguelike/roguelite: tenemos cierto margen para elegir los eventos en los que participamos, así que debemos valorar si merece la pena ir a lo seguro, arriesgar una ficha para obtener mejores premios o participar en vuelos de prueba o "encuentros misteriosos" en los que puede pasar cualquier cosa, como que consigamos una pieza legendaria... o que saboteen nuestro vehículo.

Además, cada vez que cambiamos de planeta, podemos recorrer el paddock controlando a Shade en tercera persona para realizar compras, conocer mejor al resto de participantes de la Liga o rememorar las carreras de cierto piloto legendario, entre otras cosas.

Independientemente de si triunfamos en la carrera final del recorrido o nos quedamos por el camino, obtenemos puntos que podemos utilizar para mejorar los diferentes vehículos de forma permanente o para adquirir objetos cosméticos, pudiendo mezclar piezas de distintos modelos, adquirir colores, estilos... Hay variedad para todos los gustos.

Como veis, este modo tiene mucha "miga"... y eso que esto no es más que un resumen de todo lo que ofrece. Porque al ir avanzando en la historia, se introducen nuevas mecánicas como los patrocinadores, que nos obligan a cumplir objetivos para mantener su patronazgo, o las apuestas contra pilotos rivales. Hay un buen nivel de profundidad y variedad jugable para animar cada partida.

Pero la clave es que, como en todo buen roguelike/roguelite, Star Wars: Galactic Racer logra enganchar de lo lindo con su bucle jugable. A esto contribuye que las carreras son muy ágiles, no suelen durar más de tres minutos y, como a menudo consigues cosas nuevas, no puedes evitar pensar aquello de "una más y lo dejo". Asimismo, el juego tiene elementos como los estilos de piloto o los favores, que mejoran cuando superamos eventos con ellos equipados, de manera que invitan a empezar un nuevo recorrido inmediatamente después de terminar.

Otro aspecto clave es la propia historia: el misterio sobre la identidad de Shade y su rencilla personal con Kestar Bool te invita a seguir compitiendo... y hay varios puntos en los que las cosas se ponen muy interesantes y quieres seguir jugando para saber qué va a pasar. También hay que destacar al variopinto elenco de pilotos rivales, pues todos tienen personalidades y trasfondos que podemos ir descubriendo poco a poco, logrando así que dejen de ser simples obstáculos a los que adelantar para convertirse en personajes con nombre y apellidos.

Pero el elemento número uno que va a hacer que no podáis soltar el mando es la jugabilidad de Star Wars: Galactic Racer. Como decía, hay tres vehículos diferentes: el speeder terrestre, la moto speeder y el speeder rasante. Cada uno tiene sus particularidades y se sienten diferentes a los mandos, pero lo importante es que todos se controlan de maravilla; es un gustazo volar a esas velocidades de vértigo y aun así sentir que en todo momento tenemos el control. Además, tiene una excepcional capacidad para tenernos "con el culo apretado" justo antes de cruzar la línea de meta.

Eso sí, recomiendo encarecidamente desactivar las repeticiones de los accidentes. Son muy espectaculares y fieles al espíritu Burnout de sus creadores, pero aun con los breves segundos de piloto automático que se activa para intentar evitarlo, me he estrellado por su culpa en demasiadas ocasiones.

Llaman mucho la atención una serie de mecánicas que se caracterizan por hacernos pulsar botones, como la(s) secuencia(s) que debemos introducir antes de la salida o el ramjet, un nuevo tipo de turbo, muy potente pero también arriesgado si lo usamos más de la cuenta, que te hace sentir como Anakin cuando empujaba los mandos de su vaina de carreras para acelerar. Son pequeños detalles, pero gracias a ellos han clavado la sensación de estar pilotando una aeronave de carreras del universo Star Wars.

Pero esto no va sólo de conducir; también hay mucho aspectos a tener en cuenta que no son los habituales en un juego de conducción y que, de nuevo, nos recuerdan que pilotamos vehículos imposibles. Por un lado, están las habilidades que podemos activar de forma manual (en función de la energía) y que suelen ir ligadas a los estilos de piloto.

Hay de todo: un escudo que nos protege de los golpes, un disparo que aturde a los enemigos, una onda de choque... o incluso un piloto automático que nos permite relajarnos durante unos preciosos segundos. Ah, tampoco falta el clásico lanzallamas.

Otro aspecto muy a tener en cuenta son los planetas en los que competimos, pues cada uno tiene características que pueden afectar de forma negativa al vehículo. Por ejemplo, en Jakku, el desértico planeta donde se libró la última batalla de la Guerra Civil Galáctica, las altas temperaturas provocan que los motores se sobrecalienten, así que es buena idea buscar las sombras para evitarlo. En Ando Prime, las zonas heladas pueden congelar el vehículo y empeorar su control, por lo que debemos aprovechar los arcos térmicos para entrar en calor. Y en Crait, el planeta de sal de Los Últimos Jedi, las nubes de polvo rojo dificultan la visibilidad si vamos a rebufo de los contrincantes.

En total hay seis planetas en Star Wars: Galactic Racer. Cada planeta se compone a su vez de varios circuitos diferentes y juegan con el clima o la hora del día para aportar más variedad (las carreras nocturnas o con niebla son especialmente complicadas). Pero, aun así, este es uno de los pocos aspectos negativos del juego; seis planetas saben a poco y me habría gustado ver alguno más. Aun así, no se puede negar que los que hay están muy cuidados, tienen mucha personalidad y resulta muy entretenido ir descubriéndolos y encontrando los mejores atajos.

Y aquí llega el momento de hablar del bantha en la habitación: ¿un juego de carreras de Star Wars... sin vainas? Para empezar y, como ya sabréis a estas alturas, sí hay vainas en Star Wars: Galactic Racer, pero las encontramos en otros modos de los que hablaremos en un instante. Y no sólo ahí... pero no quiero decir más de la cuenta para no estropear la sorpresa. Así que dejémoslo en que las vainas tienen muchísima presencia en Star Wars: Galactic Racer, hasta el punto de que todo el juego es en realidad un homenaje al deporte más veloz y peligroso de la galaxia. Además, mola muchísimo ponerse a los mandos de una vaina y comprobar de primera mano las diferencias frente a los speeders modernos que incluye el juego; así se aprecia aún más la velocidad vertiginosa que pueden alcanzar estos vehículos "desfasados".

Y ahora sí, hablemos del resto de modos de juego: aparte de la campaña, tenemos el modo ubicaciones, que consiste en una serie de conjuntos de carreras en los que controlamos al resto de pilotos de la Liga Galáctica y sirven para familiarizarnos con los distintos estilos. Luego tenemos el modo arcade, donde encontramos toda clase de pruebas diferentes con distintos vehículos, circuitos, condiciones especiales... Aquí el único objetivo es lograr superar tanto los tiempos que nos propone el juego como los de nuestros amigos. Y es aquí donde podemos participar en carreras de vainas, entre ellas el clásico de Boonta Eve.

Y por último tenemos el multijugador online, que a su vez se divide en varios modos: recorrido multijugador enfrenta a doce pilotos a través de cinco planetas, mejorando la nave y obteniendo mejoras tras cada evento como en la campaña, así que hay cierta estrategia. Además, incluye un curioso sistema de apuestas que da pie a buenos piques; recorrido de vainas es lo mismo, pero con ocho jugadores en lugar de doce y, como el nombre ya indica, está centrado exclusivamente en las vainas y podemos elegir entre pilotos legendarios como Sebulba o Ben Quadinaros para competir; y si sólo queremos correr contra otros jugadores sin preocuparnos por nada más, tenemos los modos carrera rápida y carrera de vainas rápida.

Al ir jugando al multijugador de Star Wars: Galactic Racer, subimos de nivel y conseguimos nuevos banners, emblemas y aspectos cosméticos para los speeders. Y con el buen nivel de personalización que hay, es una lástima que no se pueda editar la apariencia de las vainas en ninguno de los modos. Señalar también que el multijugador tiene crossplay, por lo que podemos jugar con usuarios de otras plataformas.

Y ya para cerrar este apartado, hablemos de la parcela audiovisual de Star Wars: Galactic Racer. Y lo tengo claro: estamos ante uno de los juegos con mejor sensación de velocidad que se han hecho jamás... por no decir el mejor. Llegas a ir tan, tan, tan rápido que cuesta creerlo. Y pese a las velocidades extremas que se alcanzan, los circuitos son todos por lo general muy legibles... así que cuando te la pegas, sabes que ha sido por tu culpa (o por la de un rival).

La recreación de los distintos planetas también es muy buena, pero lo más curioso es que cuando te paras a examinar los gráficos detenidamente, te das cuenta de que Star Wars: Galactic Racer no es un juego que destaque demasiado, probablemente porque han dado prioridad al rendimiento (nunca baja de los 60fps). Pero como la mayor parte del tiempo estamos volando a cientos de kilómetros por hora, no puedes permitirte el lujo de fijarte en las texturas o las sombras. Vas tan rápido y la sensación de velocidad es tan buena, que la imagen resultante es un maldito espectáculo.

El apartado sonoro también es soberbio, como es habitual en todas las producciones del universo Star Wars. El diseño de audio es una auténtica pasada, destacando el rugir de los diferentes tipos de motores, y la banda sonora es puro Star Wars; el tema principal, en particular, es de los que se quedan grabados a fuego y no vais a poder quitároslo de la cabeza después de escucharlo. Además, da pie a momentos muy épicos cuando estamos peleando por la primera posición durante la última vuelta y empieza a sonar.

¿Es difícil Star Wars: Galactic Racer?

Star Wars: Galactic Racer cuenta con cuatro niveles de dificultad: cadete, piloto, as y campeón, siendo piloto el nivel de dificultad recomendado y el equivalente a normal.

Aun así, dado su carácter roguelite y los reflejos que exigen los desafíos que propone, ya os aviso de que se trata de un juego complicado en el que es normal estrellarse o fracasar un recorrido y tener que volver a empezar.

En particular, el acto 3 de la campaña me ha parecido todo un desafío; me ha llevado unos cuantos intentos encontrar la configuración de vehículo y habilidades adecuadas con las que superar todos los circuitos del recorrido. Ahora bien, eso ha servido para que la victoria fuese de lo más gratificante.

¿Cuántas horas dura la historia de Star Wars: Galactic Racer?

Tras haber superado la campaña y "picoteado" los modos ubicaciones, arcade y multijugador, el contador me marca 21 horas de juego. Aun así, la duración de Star Wars: Galactic Racer depende de cuánto tiempo queráis invertir... especialmente en las carreras online.

Pero tengo que reconocer que he echado en falta algo más una vez superada la campaña... como un postjuego que invite a seguir compitiendo en este modo. Los roguelike modernos se caracterizan porque una vez terminados, sigue habiendo mucho contenido de calidad por delante. Mientras que aquí, una vez concluida la historia, lo único que nos queda es seguir completando recorridos para desbloquear y mejorar los estilos de piloto y favores que nos falten.

Si nos quedamos con ganas de más, tenemos el resto de modos y el multi, así que jamás se me ocurriría decir que Star Wars: Galactic Racer es corto o le falta contenido, pero dado que la campaña es el modo más cuidado de todos, habría estado bien que fuese un más paso más allá.

Precio y plataformas disponibles

Star Wars: Galactic Racer se lanza para PS5, Xbox Series X|S y PC el 6 de octubre de 2026, tanto en formato físico como digital, a un precio recomendado de 59,99€ en edición estándar.

La edición Deluxe, disponible también en formato físico y digital, incluye tres vehículos exclusivos, eventos arcade y aspectos cosméticos por un precio de 79,99€.

Y la edición coleccionista, disponible únicamente en formato físico, incluye todos los extras de la Deluxe y, además, una funda personalizada y caja metálica de edición Deluxe, una caja con funda de edición coleccionista, un modelo del speeder terrestre, un libro de arte físico, un parche de piloto y un banner de Kestar, todo por 159,99€.

Now this is (not just) podracing!

Llegados a este punto, creo que no cabe ninguna duda de que Fuse Games se ha marcado un juegazo de mucho cuidado con Star Wars: Galactic Racer. La experiencia acumulada tras años trabajando en sagas como Burnout y Need For Speed ha servido para conseguir el juego de carreras galácticas definitivo, capaz de quitarle la primera posición al mítico Star Wars Episodio I: Racer.

Haberlo apostado todo (o casi) al modo campaña es uno de sus mayores acierto, pues el enfoque roguelike funciona de maravilla y su espíritu aventurero lo transforma en algo más que un "juego de coches".

Pero su mayor fortaleza es que, pese a tratarse de un título que apela a dos nichos muy diferentes (la velocidad y Star Wars), Galactic Racer es la clase de juego que puede disfrutar cualquiera. Y para prueba, un botón: a mí los juegos de carreras y conducción no suelen llamarme mucho la atención... y este lo he gozado una barbaridad.

Claro que cómo no hacerlo cuando lo que tenemos entre manos sólo se puede definir como uno de los mejores juegos de velocidad de la historia reciente y, también, uno de los mejores juegos de Star Wars.

Tiene gracia que aquí no haya poderes de la Fuerza ni espadas láser, porque pocos juegos consiguen hacerte sentir como si tuvieses reflejos de Jedi de la manera en que lo hace Star Wars: Galactic Racer.

Mientras que Asha Sharma y su equipo se encargan de la de nuestro mundo, en el planeta Sera nos toca a nosotros encarnar a un joven Marcus Fenix, gracias a este nuevo trabajo de The Coalition, responsables de las últimas entregas de la serie, y del que vamos a hablar largo y tendido en este análisis de Gears of War E-Day.

Junto al entrañable Dominic Santiago y dos recién llegados, hemos de guiar al escuadrón Bravo mientras tiene lugar el Día de la Emergencia, la gran invasión de los locust a la superficie del planeta.

Así pues, jugamos en acontecimientos que tienen lugar unos 14 años antes del primer Gears of War, con unos reclutas aún jovencitos y una humanidad que descubre por las malas la potencia del ejército locust.

A lo largo de varios días, hemos podido probar la campaña de Gears of War E-Day al completo, así que vamos a daros un análisis sin spoilers de este modo, a la espera de poder catar el resto de opciones multijugador y actualizar el contenido.

El sistema de juego es muy similar al que conoceréis de las entregas previas, con pequeñas modificaciones que ahora explicaremos.

Nosotros acompañamos al escuadrón Bravo durante toda la campaña. Primero, tenemos a un Marcus y Dom a los que pilla por sorpresa la invasión, sin siquiera tener “calzada” la armadura.

Al poco, se nos unen Lucas Reyes y Mags Carter, dos personajes nuevos en la franquicia con un trasfondo muy trabajado en el juego.

Con esos cuatro soldados, hemos de defender la antaño próspera ciudad de Kalona, básicamente eliminando a toda “larva” que nos salga al paso.

Escuadrón Bravo, adelante

Como es tradición, jugamos en tercera persona con el personaje que escojamos. Por defecto es Marcus, pero antes de empezar la partida podemos elegir a cualquiera de los otros tres.

Cada uno tiene tiene asignado su propio set de armas, armadura y equipo de apoyo, pero podemos modificarlos más adelante.

A la hora de combatir, tenemos dos armas principales, una pequeña y una arrojadiza, como siempre.

Podemos cambiar de una a otra cuando queramos, pero también podemos pulsar los dos sticks a la vez para activar un objeto de apoyo, que nos sanará, nos volverá más agresivos o dañará a los enemigos cercanos, por ejemplo. Estos objetos se regeneran con el tiempo tras un uso.

Por supuesto, un Gears of War no sería lo mismo sin las ejecuciones a corta distancia, con la motosierra del lancer como estrella, sin el sistema de recarga activa que otorga más daño a las balas si recargamos en el momento justo o sin la dinámica de coberturas.

Este último se ha retocado mucho respecto a juegos previos. Por un lado, ahora podemos cubrirnos incluso tumbados en el suelo, lo que hace que la estrategia de cobertura y disparo sea mucho más versátil.

Además, mientras corremos, podemos pulsar A para iniciar un deslizamiento del personaje sobre las rodillas. Esto puede evitar un disparo a traición en el último momento y nos permite seguir atacando con precisión a la vez que nos movemos.

Por último, se añade la posibilidad no solo de saltar, sino de trepar a superficies altas para escalar o superar una cobertura elevada por arriba.

Elementos de movimiento que ya existían se han retocado para dar más fluidez: ahora corremos manteniendo pulsado el stick y con un control mucho más cómodo de la cámara, a diferencia de los juegos originales en los que el movimiento de personaje y “cámara de guerra” eran mucho más rígidos.

Además, ya no es necesario colocarse tras una cobertura y luego saltarla. Ahora, podemos saltarla directamente con el botón Y, con lo que las escaramuzas acaban siendo mucho más dinámicas.

En cuanto a las armas, vuelven muchos clásicos, como el Lancer clásico con bayoneta, la escopeta Gnasher o el rifle de francotirador.

Aquí también hay muchos cambios sutiles en la superficie, pero importantes en la refriega. Por ejemplo, algunas armas ofrecen una recarga cartucho a cartucho, por lo que podemos “cancelarla” antes de acabar del todo para así atacar por sorpresa.

Además, las armas contundentes como la troika o el lanzabombas pesado ralentizan menos nuestro movimiento.

Incluso podemos escalar con ellas en una mano, que para eso somos Gears jóvenes y fornidos.

Sin duda, el cambio más gordo está en los depósitos de munición que podemos encontrar en varios puntos del mapa. Allí, no solo podemos cambiar de arma, sino también tunear cualquiera de ellas.

En función de los maletines rígidos que hayamos encontrado por el camino, podremos asignar hasta cuatro modificaciones a cada arma, como una mejor recarga, más daño, una mira telescópica o efecto de fuego.

También podemos modificar la armadura o el objeto de apoyo, con lo que las batallas son más flexibles (y divertidas, la verdad), que nunca.

Tenemos más de una decena de armas para elegir y por supuesto hay añadidos muy potentes como la destripadora, que puede abrasar al rival o la mina de pinchos que despliega un enorme “manto” de dolor en el suelo.

Quizá la más bruta sea el gancho sangriento, que es un arma pesada y puede partir por la mitad a un enemigo de un solo golpe.

Además de atacar, la faceta defensiva se completa con la habitual rutina de correr hacia los miembros de escuadrón caídos y sanarlos antes de que se desangren o algún bruto los remate.

Si somos nosotros los derribados, toca como siempre pulsar como locos X para mantenernos a flote hasta que nos salven, idealmente arrastrándonos hasta ellos para facilitarles la tarea.

Podemos caer 4 veces antes de llegar al fin de la partida (tras lo que tocará cargar el último guardado automático, claro).

En ese sentido, tenemos que decir que la IA de nuestros aliados es bastante competente. Suelen buscar buenas coberturas y acuden raudos, por lo general, a nuestro rescate.

También meten la pata: suelen caer en trampas como las granadas de imulsión, por ejemplo, por lo que son un blanco más fácil en los compases finales de la campaña. Aún así, su comportamiento es bastante satisfactorio.

Campaña cooperativa: no sin mi bro

Por supuesto, lo realmente divertido es superar la campaña en multijugador. Es posible hacerlo tanto online (con cuatro jugadores) como en local, con dos jugadores a pantalla partida.

En las pruebas que hemos hecho, el online funciona a la perfección y permite crossplay entre Xbox y PC, por lo que es una experiencia muy satisfactoria.

Lo ideal, claro, es usar el chat de voz, porque muchos duelos se superan mejor coordinando que uno flanquee y otro ataque por una ruta más principal.

En el modo a pantalla partida, la tasa de frames baja incluso aunque juguéis en modo rendimiento, pero se da una fluidez de lo más razonable sin sacrificar detalle. Aquí la cámara es más angular para compensar la pérdida de detalle que nos da este encuadre para cada jugador.

Es muy divertido y, por supuesto, podéis cargar cualquier episodio que hayáis superado en solitario para continuar en cooperativo, sin tener que empezar desde cero.

Internet es un campo de batalla

Por supuesto, la otra joya de la corona son los modos online fuera de la campaña. Tenemos dos: el Enfrentamiento y Horde Siege.

El primero es a grandes rasgos un duelo por equipos, pero con variantes como conquista de territorio, batalla “a secas” entre facciones, etc., para ocho jugadores, divididos en dos bandos.

Podemos elegir bando, armamento y equipamiento. Además, es posible elegir entre una partida contra bots o bien una partida rápida contra usuarios online.

Por ahora, solo se pueden elegir partidas informales y más tarde llegarán las rankeadas, pero vamos, ni falta que hace para que se os haga cuesta arriba.

Desde el primer minuto, el nivel de los jugadores es altísimo y os fundirán a base de usar la vieja táctica del disparo a bocajarro con la escopeta Gnasher. Este competitivo es solo para tipos duros, consolegas.

Bastante más satisfactorio nos ha parecido el Horde Siege, que recupera la vieja tradición de cooperar en equipos de cuatro, pero con hasta 3 equipos de jugadores humanos en unos mapas enormes, extraídos directamente de la campaña.

Aquí, hemos de cumplir varios objetivos, como eliminar a locusts clave, desactivar bombas o encontrar documentos, antes de que resistamos una última oleada que nos permita extraer al equipo en helicóptero.

Son desafíos de muchos minutos, largos e intensos, que ponen el foco en la camaradería para cooperar contra minijefes tozudos o incluso recoger las chapas de compañeros caídos, llevarlas a un depósito de suministros y hacer que así “resuciten” mágicamente.

Esta modalidad es muy, muy divertida e intensa, con la única pega de que quizá los mapas son excesivamente grandes y eso nos hace pegarnos más de una carrera.

Al terminar, los puntos se sumarán a la típica barra de recompensas, que nos otorgará variantes de arma y piezas para modificarlas, lo que nos permitirá ser más letales y enfrentarnos a otros niveles de dificultad (desde novato hasta experto) con garantías.

¿Es difícil Gears of War E-Day?

Volviendo a la campaña, la dificultad de los combates es ajustada, pero a partir de la mitad del juego el desafío se incrementa bastante, con algunos enemigos muy, muy resistentes que requerirán mucho tesón.

Podéis bajar la dificultad cuando queráis (hay cuatro niveles, siendo el segundo el que viene por defecto), pero claro, siempre queda la espinita del amor propio...

La exploración también se ha retocado bastante. Aunque el juego es esencialmente lineal, como es tradición en la saga, hay unos cuantos tramos en los que el mapa se abre bastante para que exploremos, siguiendo el estilo marcado por Gears 5 (pero sin vehículos).

En ellos, podemos buscar desde maletines con modificadores de armas hasta desafíos secundarios, que normalmente consisten en una o dos oleadas de enemigos.

Superarlos nos da modificadores más complicados de conseguir y algunos cuentan con el atractivo de ser más estratégicos: la clave suele estar en colocar señuelos o mini torretas automáticas para despachar oleadas.

También hay cajas de munición por doquier y coleccionables, que van desde las clásicas chapas de identificación hasta objetos como fotos o folletos. No aportan nada en lo jugable, pero nos dan mucho más contexto sobre cómo era la vida en Sera antes de la invasión locust.

La exploración se complementa con el ya tradicional visor que nos indica la ubicación del siguiente objetivo principal y un mapa que podemos activar en estos tramos abiertos para ver objetivos secundarios cercanos.

Al marcar uno de ellos se nos indica la distancia exacta y su altura. Más de una vez os tocará escalar, amigos...

Aunque nos ha invadido el miedo de que estos momentos de mapa abierto pudieran romper el ritmo del juego, no se abusa de la fórmula y, realmente, podemos pasar de todos los retos secundarios sin mayor penalización para dirigirnos directamente a las misiones principales, si así lo queremos.

A nivel de variedad de juego, en realidad ese es casi el único añadido, pues el resto de “momentos diferentes” no difiere de lo visto en juegos previos: tiroteos en trenes de movimiento, defensa de perímetros con ametralladoras de posición...

Casi os sentiréis como en los tiempos dorados de Xbox 360. Eso es algo bueno, claro, aunque quizá en ese sentido esperábamos alguna propuesta jugable más novedosa.

Gráficos con mucha imulsión

En cualquier caso, Gears of War E-Day es una estupenda experiencia en lo referente al apartado técnico y la ambientación, gracias una vez más al Unreal Engine.

Nosotros hemos jugado en una Xbox Series X y podemos elegir entre modo Calidad y Rendimiento. Una vez más, nos quedamos con el segundo.

El modo Calidad mejora notablemente la resolución y nitidez en pantalla, pero nos “condena” a unos 30 frames por segundo que en las batallas más contundentes saben a poco.

El modo Rendimiento, aun sacrificando un poquito de detalle gráfico, va enormemente fluido y ofrece un espectáculo tremendo. El bestial diseño de la ciudad, llena de edificios majestuosos, los efectos de luz cuando atacan los locusts, los efectos de sangre o suciedad en el objetivo...

Todo está construido para que tengamos la sensación de estar protagonizando un blockbuster brutote de esos que casi ya no se hacen.

Por cierto, también hemos podido jugar en una Asus ROG Ally X. Aunque lógicamente no llega al nivel de un PC a tope de gama, se mantiene muy bien el nivel de detalle con una tasa de frames que oscila entre los 50 y los 60. Aquí podéis echarle un vistazo:

Todo eso quedaría algo vacío si los personajes protagonistas no fueran interesantes, pero de hecho la construcción de los héroes es uno de los elementos que más nos han gustado del juego.

Tanto Marcus como Dom se perciben de una forma diferente aquí (los vemos siempre en escenas movidas por el motor en tiempo real), porque sabemos el drama que vendrá en el futuro, pero además sus diálogos están bien diseñados para que entendamos por qué son como son.

Incluso Marcus, el eterno tipo duro, aquí tiene unos momentos de humanidad que no rompen con su carácter pero sí nos hacen entender que ni todas las corazas y músculos del mundo pueden tapar ciertas vulnerabilidades.

Lucas y Mags son dos añadidos muy interesantes al escuadrón, con historias que nos ayudan a entender los horrores de la guerra y una progresión que ayuda a empatizar con ellos.

A fin de cuentas, esta entrega nos habla del día en que la humanidad perdió frente a los locust, por lo que hay circunstancias en las que veremos la neurosis de guerra tomando el control, la nostalgia por los buenos tiempos que quedaron atrás, la sensación de ser piezas que no comprenden el gran esquema de las cosas... y el compañerismo y la esperanza luchando por imponerse a todo eso.

Todo esto se ve representado igualmente en los escenarios, que poco a poco se van destruyendo más para representar el progreso de la guerra.

También hay tiempo para los guiños a los jugadores veteranos, como menciones a personajes que veremos en entregas posteriores o armas que no podremos “disfrutar” hasta dentro de unos años.

Me encanta ese sonido

El apartado sonoro está a la altura de las circunstancias, con un magnífico doblaje al castellano en el que repiten Javier Gámir como Marcus o Roberto Cuadrado como Dom.

Es uno de los juegos más malhablados del momento (en el sentido más divertido posible), por lo que no paramos de escuchar cómo los Gears maldicen todo lo maldecible mientras el siguiente monstruo gigante les sale al paso.

Por supuesto, lo mejor es escuchar a Marcus soltar chascarrillos tras reventas una cabeza o volver a ser insultados por los locusts cuando nos atacan. Si señor, somos pateasuelos y homínidos. ¡A mucha honra!

Por poner una pega, la mezcla de sonido a veces no acierta del todo y algunos diálogos se oyen bajos, pero por lo general todo rinde muy bien.

Las melodías son muy contundentes en los duelos más pirotécnicos y se ven completadas por unos efectos de sonido muy satisfactorios durante las ejecuciones y los disparos más brutos.

Se ha criticado que hay efectos sutiles que nos avisan cuando un coleccionable o cofre está cerca, lo que rompe la sensación de exploración. A nosotros no nos ha parecido problemático, porque solo dan una pista general, no es que nos digan a las claras dónde está.

La opinión de Hobby Consolas sobre Gears of War E-Day

En cualquier caso, es verdad que toda la faceta de exploración abierta es la parte que menos satisfactoria pueda resultar de la campaña, sin que nos parezca que haya “roto” la experiencia. En total, tendréis unas 14 horas de juego para este modo principal (15, hemos tardado nosotros), lo que lo convierte, posiblemente, en el más largo de la saga.

A eso hay que unir el resto de modos multiplayer del juego (que ya están disponibles gracias al acceso anticipado), que suman puntos al hecho de que hemos quedado muy satisfechos con una campaña que apela al jugador veterano, a todo lo que ha hecho grande a la saga, sin sacrificar atractivos para una nueva generación de reclutas.

Gears of War E-Day es uno de los baluartes más importantes ahora mismo para la marca Xbox y, aunque no creemos que vaya a hacer cambiar de opinión a los que renieguen de la saga, sí ha supuesto un chute de energía para nuestros viejos y musculosos corazones.

Esta expansión forma parte de la edición definitiva llamada Ghost of Yotei Complete Edition, que llega con motivo del primer aniversario de la venganza personal de Atsu. En este análisis de Ghost of Yotei Ecos de Sekigahara te cuento todo sobre esta nueva historia, el modo roguelike y las novedades más destacadas de la expansión.

Tras platinear Yotei, el regreso a Ezo se ha sentido como un pequeño "regalo" de despedida, un último duelo que hace énfasis en las grandes virtudes de este bellísimo mundo abierto. No hay nada arriesgado en este DLC, pero si te gustó el juego base, prepárate para desenvainar.

• La historia y novedades de Ghost of Yotei Ecos de Sekigahara
• ​Todo sobre el modo roguelike "Más buscado" de Ghost of Yotei
• ​La duración de todo el contenido de Ghost of Yotei Ecos de Sekigahara
• ​El precio y ediciones de Ghost of Yotei Complete Edition
• ​La opinión de Hobby Consolas sobre Ghost of Yotei DLC
• ​Nota: lo mejor y lo peor de Ghost of Yotei Ecos de Sekigahara

Ghost of Yotei Ecos de Sekigahara: un viaje al pasado de Atsu

Cuando el inicio de Ghost of Yotei mencionó que Atsu había luchado en Sekigahara no pude por más que emocionarme. Hablamos de una de las batallas más grandes de la Historia y la más importante de Japón. Ahora, es este DLC el que nos ofrece una mirada en profundidad al pasado de la cazarrecompensas en este conflicto.

Ecos de Sekigahara no tiene lugar después de que se consume la venganza de Atsu, sino entremedias (necesitarás completar algunas misiones importantes de la historia para jugar al DLC). Con esta historia, Sucker Punch nos lleva al pasado y aprovecha para "pescar" algo de esa juventud en la que la samurái estuvo luchando en Honshu.

Ese algo es Nagato "El apuesto", el primer gran amor de la protagonista. Ambos lucharon juntos en Sekigahara, pero terminaron por separarse. Ahora, Nagato ha regresado en mitad de un nuevo conflicto con los Seis de Yotei. Atsu deberá pelear contra otra banda.

Ecos de Sekigahara nos lleva a una nueva región infestada por las Víboras, los más parias entre los parias, aquellos que seguían a la Serpiente, el primero de los Seis de Yotei en ser liquidado por Atsu, y que ahora se despedazan entre ellos por ser el sucesor de este asesino.

Nagato y Atsu, ambos con recompensas sobre sus cabezas, deberán colaborar casi a la fuerza para purgar la región, sin fiarse él uno del otro, mientras el guion recurre a flashbacks para recopilar qué pasó en vísperas y durante la batalla de Sekigahara.

Lo cierto es que el relato es bastante más interesante de lo esperado, especialmente, porque aborda una faceta poco conocida de Atsu, la romántica. La cazarrecompensas sigue siendo una asesina, pero Nagato, todo un buscavidas de dudoso honor, parece haberse ganado su férreo corazón de alguna manera.

Sin hacer grandes alardes, Ecos de Sekigahara deja unos cuantos buenos momentos y estampas para el recuerdo. Si algo sabe hacer Sucker Punch es plasmar la belleza de un romantizado Japón.

Al llegar, la nueva región es pasto de los saqueos y el caos, pero la presencia de Atsu irá sanando poco a poco esta tierra, dejando por el camino un reivindicativo mensaje ecologista en contra de la caza. De hecho, un tema central es la relación con la loba y la extinta especie de los makami. ¿Recuerdas a Moro, la gigantesca loba de La Princesa Mononoke? Pues está claramente inspirada en esta mítica especie.

El estilo tan "tarantinesco" (heredado del maestro Kurosawa) de Ghost of Yotei sigue impregnando este DLC, que no solamente suma novedades narrativas y ambientales, sino también alguna que otra en materia jugable, aunque no esperes grandes añadidos.

Lo principal son un par de nuevas habilidades especiales asociadas a diferentes armaduras, una nueva clase de arma, trampas y una espectacular acción que permite atrapar una flecha enemiga al vuelo y devolverla, así como la posibilidad de colaborar con Nagato e indicarle los blancos a los que disparar con su arco.

Además, en materia de actividades, se incorporan conocidas como algunos altares o puestos de bambú y se suman nuevos campamentos y un par de duelos de alto nivel de exigencia.

Ecos de Sekigahara no es tan experimental como fue la Isla Iki de Tsushima y esperaba algo más en esta materia. La nueva arma es un conjunto de armas pesadas como el Kanabō que apenas tiene enjundia en su manejo, pese a ser satisfactoria. Se usa de una manera muy similar a las armas arrojadizas que puedes recoger del suelo.

También esperaba algún tipo de enemigo más diferencial que le diese más vidilla al gameplay. Por suerte, eso es algo que explota al máximo en el nuevo modo roguelike que explicaré un poco más adelante.

Lo que no faltan son incentivos para jugar, puesto a que hay cantidad de objetos cosméticos, armaduras y talismanes. Aquí el DLC cumple holgadamente y desbloquearás piezas fantásticas en cuanto a diseño (que ahora lucen mejor gracias a la incorporación de la transmogrificación) y algunas se vinculan con "Más buscado".

El modo roguelike de Ghost of Yotei: así es "Más buscado"

Ya lo hemos visto en The Last of Us Parte 2 Remastered y con God of War Ragnarok Valhalla (este fue completamente gratuito) y aquí lo volvemos a contemplar. "Más buscado" es el nuevo modo roguelike que ha preparado PlayStation para otro de sus exclusivos. No hay nada de nuevo en él, pero funcionar funciona.

El objetivo de "Más buscado" es volver a acabar con los Seis de Yotei, pero esta vez en un modo por oleadas. Cada bandido tiene una dificultad y llegar hasta él requiere ir superando hordas y algún que otro duelo individual. Si mueres, vuelves a empezar.

Tras cada ronda obtienes una ventaja, que van desde desbloquear armas con tu personaje, hasta conseguir pequeñas pasivas, como que haya un 50% de posibilidades de prender fuego a un enemigo por dispararle una flecha o que la yari aterroricé a un rival.

A esta fórmula hay que añadirle algo que viene directamente heredado del modo online Leyendas, la posibilidad de escoger a diferentes personajes jugables, cada uno con una serie de ventajas y habilidades.

Tenemos a Atsu, un personaje versátil, a Oyuki y su kusarigama, centrados en la utilidad, a Nagato, pensado para el combate a distancia y a... ¡Jin Sakai! El protagonista de Tsushima regresa en toda su gloria.

Y, aparte de esto, con las monedas que vayamos ganado se pueden mejorar las armas, desbloquear amuletos, adquirir habilidades o nuevos movimientos siguiendo el esquema de progresión del juego base; ya que con "Más buscado" empezamos de cero de forma independiente.

Una de las mejores novedades es que al derrotar a cada jefe se obtiene una moneda especial que se puede canjear para desbloquear las armaduras propias de cada uno de los Seis de Yotei y que así Atsu pueda lucirlas en la aventura. Todas son la bomba a nivel visual.

Sin embargo, encuentro el progreso y el nivel de desafío del modo un tanto irregulares. Jugando en la dificultad estándar me atasqué un poco tras derrotar al primer jefe (la Araña), pero una vez desbloqueas a Jin Sakai es como entrar en el modo fácil (se conservan sus posturas).

Además, el progreso también se siente un poco lento y algo superficial, incluso cuando cada personaje tiene sus propias habilidades. Y es cierto que "Mas buscado" consigue destilar un sistema de combate frenético, pero no lo explota tanto como "Sin retorno" (el modo roguelike de TLOU). Le falta algo de arrojo e innovación, como fases con sigilo o retos de diferente índole alejados del combate.

Aunque esta Complete Edition tiene algo más y, precisamente, está muy alejado del combate. Sucker Punch añade el modo "Belleza de Yotei", una curiosidad que ofrece vistazos aleatorios relajados a diversas partes del mapa del juego, que actúan como salvapantallas.

Se puede acceder al modo foto para sacar capturas, aunque no puedes seleccionar nada más. No habría estado mal poder personalizar recorridos, escoger música o elegir directamente qué quieres mostrar.

​La duración de Ghost of Yotei Ecos de Sekigahara

Todo el contenido de Ghost of Yotei Ecos de Sekigahara puede llegar a dar unas 10 horas de juego, aproximadamente. Aunque es posible completar la historia principal en unas 5 horas si solo vas a por las misiones clave junto a Nagato.

No obstante, al ofrecer un modo roguelike, la duración de este DLC se expande considerablemente, casi rozando lo eterno. Depende de la dificultad, pero superar los seis objetivos de este modo puede llevarte otras 15 horas. Y siempre puedes seguir jugando después.

​El precio y ediciones de Ghost of Yotei Complete Edition y DLC

Ghost of Yotei Complete Edition está disponible en formato físico (el DLC requiere descarga) y digital en PS5 a un precio 79,99 euros e incorpora el DLC Ecos de Sekigahara, el modo roguelike, el modo cooperativo online Legends y más novedades y ajustes.

En caso de que ya tuvieras el juego base, los nuevos contenidos se pueden obtener digitalmente con el pack "Mejora a Ghost of Yōtei Edición Completa" de PS Store a un precio de 14,99 euros.

El DLC incluye este contenido cosmético: máscara, talismán de Hokkyokusei, armadura de la Serpiente, tinte de armadura Digital Deluxe, caballo y silla de montar Digital Deluxe, kit de espada, mapas del viajero, talismán de Amaterasu y armadura de Jin Sakai.

Un último duelo de acero, sangre y barro

Si te gustó Ghost of Yotei, te va a gustar Ecos de Sekigahara. El DLC que expande el pasado de Atsu puede hacerse corto, pero su intensidad y belleza vuelven a dejar claro que PlayStation tiene con esta saga de Sucker Punch un sello de calidad único.

Ya sea por vivir desde dentro la batalla más importante de Japón, por conocer una faceta desconocida de Atsu o por seguir disfrutando de la increíble estética de este juego, la expansión merece la pena, aunque podría habernos dado algo más.

El peso del contenido recae en un modo roguelike con talante y presencia, pero que no deja de ser una idea que ya hemos visto muy repetida en otros títulos de la compañía. Aporta horas de juego frenéticas y permite sacar el máximo partido al combate, pero no deja de ser una extensión un tanto artificial de su propuesta base.

Como digo, este DLC podría haber arriesgado un poco más en materia jugable y en cuanto a novedades, pero eso no quita que Ecos de Sekigahara no sirva como gran despedida a uno de los mejores mundos abiertos de los últimos años.

Como vamos a ver en el análisis de Middle Earth: Shadow Bundle para Nintendo Switch 2, cuyo título, por alguna extraña razón, no se ha traducido a nuestro idioma (aunque en ambos juegos sí aparece en castellano, incluido el doblaje y los textos), reúne los dos nuevos ports desarrollados por Aspyr tras Rise of the Tomb Raider o Legacy of Kain: Soul Reaver 1 y 2 Remastered, y que trae de vuelta estos dos juegos del recordado estudio Monolith Productions, cerrado por Warner en 2025.

Dos aventuras de mundo abierto repletas de acción, que en su día destacaron por introducir el sistema Némesis, un sistema de IA enemiga único y revolucionario, que se aplicaba a los comandantes orcos para que recordaban nuestros anteriores enfrentamientos o subían de nivel si nos derrotaban, entre otras cosas.

Como en otros análisis de ports, en este análisis de La Tierra Media: Sombras de Mordor y Sombras de Guerra para Nintendo Switch 2 no voy a entrar a detallar qué ofrece cada aventura en términos de historia, mecánicas o duración. Para eso están nuestros análisis de Sombras de Mordor y análisis de Sombras de Guerra, si bien este último sufrió profundos cambios en su final, a mejor, tras las críticas.

Así pues, en esta review me voy a enfocar más en cómo es la experiencia de juego, si hay defectos o cosas que debas saber antes de decidir si lo compras o no.

Los contenidos de Sombras de Mordor GOTY y Sombras de Guerra Edición Definitiva en Nintendo Switch 2

A nuestros análisis originales solo les falta el DLC, actualizaciones y contenido se añadió tras el lanzamiento (como el modo Foto de Sombras de Mordor), y que dio pie a que, tras recibir numerosos premios, después se lanzarán las ediciones GOTY o Definitivas. Aquí os indico todo lo que incluye cada una, que no es precisamente poco, además de trofeos, que tienen su propia sección en el menú de cada juego (y saltan en pantalla al cumplir los requisitos).

La Tierra Media: Sombras de Mordor Edición Juego del Año

Añade distintos modos de juego en forma de misiones "exclusivas", que nos permiten controlar, por ejemplo, a Celebrimbor en su campaña contra Sauron mientras porta el anillo único. A saber, estos son los contenidos de la edición GOTY o Juego del Año.

• Misión exclusiva de banda Guardianes del Ojo Llameante
• Misión de historia Señor de la caza
• ​Misión de historia Señor de la Luz
• ​Misiones de banda, runas y skins adicionales​

La Tierra Media: Sombras de Guerra Edición Definitiva

Por su parte, la Edición Definitiva de Sombras de Guerra incluye todo el contenido descargable y todas las expansiones que se lanzaron tras el lanzamiento, que son:

• Las expansiones de la historia: La Desolación de Mordor y La Espada de Galadriel
• ​Las expansiones del sistema Némesis: Tribu carnicera y Tribu malhechora
• Un nuevo personaje jugable
• Una tribu orca con nuevas misiones, enemigos, adeptos, habilidades y armas
• Actualizaciones de las fortalezas y los páramos
• Conjunto de equipo legendario

El apartado técnico de Middle Earth: Shadow Bundle para Nintendo Switch 2

Como puedes imaginar, este lote o bundle reúne los ports de las versiones para PS4 y Xbox One de ambos juegos, dado que no existe una versión para la actual generación. Por eso, y dado que no son versiones "remastered", se trata de ports "tal cual", sin importantes novedades técnicas, ni mejoras. Vamos a ver qué ofrece cada uno...

La Tierra Media: Sombras de Mordor

Sin ningún tipo de duda, en el que más se notan los años es en Sombras de Mordor, un juego que se lanzó hace más de una década y que, además fue un título intergeneracional (tras lanzarse en PS4, a los pocos meses salió también en PS3). En Switch 2 ocupa 50 GB.

Aunque Aspyr no ha facilitado datos técnicos, parece que se mueve a 1080p y 30 fps sin caídas y, eso sí, no incluye nuevas opciones gráficas, para favorecer la calidad de imagen o el rendimiento. El apartado visual se queda dos o tres peldaños por debajo del de Sombras de Guerra, y es algo que se nota en las texturas, en los fondos (son más borrosos) o incluso en el control, que se siente algo más arcaico y torpe.

Como siempre digo, las capturas de pantalla sacadas con la propia Nintendo Switch 2 no representan lo bien que se el juego, ya sea en portatil y modo dock, y aquí sigue pasando: se ve bastante mejor en la pantalla de la portátil, aunque los defectos que comentado no dejan de pasarle factura.

Los modelos lucen un poco añejos, las caras parecen de neandertales, hay algunas texturas en baja resolución y a veces se nota alguna que otra carga tardía de elementos (como alguna sombra o textura). El apartado visual queda un par de peldaños por debajo del que ofrece Sombras de Guerra. Como digo, NO es un remaster, y se le notan los años, incluso en el control, algo más rígido. Jugando en portátil, quizá canta menos por el tamaño de la pantalla... pero aún así, se le nota.

Eso sí, mientras jugaba he sufrido un extraño y molesto bug, que no sé si es algo puntual, o por haber hecho algo concreto en mi partida, y aunque he escrito a los desarrolladores, todavía no tengo respuesta. Si bien el juego conserva el doblaje castellano original, no hay opciones para seleccionar qué pista de audio qué quieres escuchar, y elige por defecto el que tenga la consola.

Pues bien, el problema es que las secuencias de vídeo se escuchan en castellano, mientras que en las partes de acción y el resto del juego, suenan las voces del doblaje latinoamericano. No tengo nada contra el doblaje de otros países, pero si quiero jugarlo en un idioma, espero que todas las partes suenen igual. Supongo que es algo que tiene fácil arreglo, con un parche y quizá sea algo que se solucione rápido.

La Tierra Media: Sombras de Guerra

En su lanzamiento, a esta secuela solo les separaban 3 años del primer juego, pero incluso en el port se nota un importante salto técnico en todos los aspectos. Modelos, armaduras y vestimentas, caras y gestos más "humanos", escenarios más recargados, grupos de enemigos más numerosos... Todo es mucho más vistoso, y hace gala de ello desde los primeros compases, mientras defendemos la ciudad gondoriana amurallada de Minas Ithil, el primero de sus cinco escenarios.

La sensación es que todo está más cuidado, desde la iluminación de los entornos a la presentación de los capitanes orcos, que gracias al sistema némesis sigue siendo uno de los principales reclamos del juego. Por hacer un símil, a su lado, visualmente el port de Sombras de Mordor casi parece más un juego de PS3 que uno de PS4...

Eso sí, como en el primer juego, tampoco hay muchos cambios en cuanto a resolución y tasa de frames, repitiendo de nuevo la jugada de los 1080p y 30 fps, sin modos ni ajustes gráficos que permitan mejorar el rendimiento. En ese sentido, son ports que no han ido más allá. Y eso que este juego hay un cambio: las escenas de vídeo sí van a más de 30 frames por segundo (diría que 60), y se nota una barbaridad.

Mientras que estés jugando apenas lo vas a notar, sobre todo al jugar en portátil, pero es uno de esos juegos que tiene resolución variable (imagino que Sombras de Mordor también, pero se nota menos). De este modo, la resolución sube o baja según al mogollón que haya en pantalla. Si estás en un combate multitudinario, casi no lo apreciarás, pero el nivel de detalle baja. En las capturas se nota de manera más evidente, pero en el gameplay, pasa casi inadvertido.

Eso sí, al ser un juego bastante más complejo, me he topado con un problema inesperado que, de nuevo, no sé si es algo que Aspyr corregirá en una futura actualización, porque es algo que no estaba en el juego original: el tiempos de carga al entrar en el menú.

Cada vez que pulsas + en el Joy-Con o mando Pro 2 de Switch 2, ya sea para chequear el sistema Némesis y las debilidades de los capitanes orcos, mejorar un arma, introducir una gema o cambiar de skin, tendrás que esperar un tiempo de carga entre 15-20 segundos hasta que cargue. Todavía no tengo la respuesta, pero he preguntado al estudio si es normal, porque a mí no me lo parece, y en la versión de PS4 no estaban. Lo puedes ver por ti mismo...

Y el problema es que incluso, mientras avanzas en la historia, no son pocas las veces en las que el propio juego te obliga a entrar en el menú, para aprender algo nuevo sobre las mecánicas del juego, con el pertinente tiempo de carga. Por suerte, no pasa lo mismo al acceder al mapa (pulsando "-"), que sí es instantáneo.

Y es una pena que este detalle ensombrezca lo que, a priori, es buen port en materia visual y jugable, que da bastante mejor el tipo que Sombras de Mordor y es muy disfrutable en la consola híbrida.

Precio y ediciones de La Tierra Media: Sombras de Mordor y Sombras de Guerra en Nintendo Switch 2

Ambos juegos se han lanzado de manera digital de dos formas distintas. Por un lado los puedes comprar sueltos, o bien en el lote llamado Middle Earth: Shadow Bundle. Lo mejor de todo es que, de lanzamiento, hay una interesante oferta que los deja al 50% de su PVP.

Así pues, el Middle Earth: Shadow Bundle cuesta de lanzamiento 34,99 euros (que pasará a costar 69,99 euros en unos días), mientras que Sombras de Mordor está de oferta por 9,99 euros (costará 19,99) y Sombras de Guerra por 24,99 (pasará a costar 49,99 euros). No sé hasta qué día durará el descuento, pero si te interesa, yo no lo dejaría mucho.

De momento no hay noticias de una edición física, pero dado que solo Sombras de Guerra ocupa 70 GB, dudo que veamos una edición física en formato Gamecard, con todos los datos en la tarjeta...

La opinión de Hobby Consolas de Middle Earth: Shadow Bundle para Nintendo Switch 2

A falta del nuevo juego de El Señor de los Anillos desarrollado por Warhorse, que todavía tardará lo suyo, Middle Earth: Shadow Bundle es una buena forma de quitarse "el ansia" por regresar a la Tierra Media, y cumple bien ese papel, sobre todo, si no los jugaste en su día. Siguen siendo grandes aventuras, aunque no dejan de ser exactamente los mismos juegos, sin novedades, disponibles ahora en otro sistema.

No hay mejoras de rendimiento, ni gráficos revisados, ni nuevo contenido, ni nada que les permitiera llevar la etiqueta de remaster, aunque por desgracia, ambos llegan con algunos defectos que deberían ser subsanables vía actualización... aunque por ahora Aspyr no ha confirmado si tiene localizados los problemas, ni si los arreglará... pero no debería ser demasiado difícil, la verdad.

Por eso, recomendarlos o no, es algo bastante personal. A mi me siguen pareciendo dos aventuras la mar de entretenidas, y sobre todo, con Sombras de Guerra me lo estoy pasando pipa jugándolo de nuevo en portátil, que da bastante el pego... siempre y cuando no le de al botón de abrir el menú. Si no los has jugado, o quieres repetir en una portátil, no son malos ports, aunque necesitan un parche para dejarlos "finos".

Por si alguien no se ha dado cuenta, se trata de la secuela del primer TOEM de 2021 y, como aquel, se trata de una aventura fotográfica "coming of age", un viaje de la juventud a la madurez que nos invita a salir a descubrir el mundo, aprovechando un fenómeno natural único. De esto, y de lo que ofrece, vamos a hablar en este análisis de TOEM 2.

Para ir poniéndonos en situación, se trata de uno de esos juegos "feelgood", que te hacen sentir bien con su propuesta, gracias en parte a una jugabilidad asequible y amigable, lejos de frustraciones y a un delicioso y tontorrón sentido del humor. Es uno de esos juegos que, como lo cojas, te resultará difícil soltar por su entretenida propuesta.

Y todo, al igual que su antecesor, con unos cuidados gráficos en blanco y negro, con una estética "dibujo animado" que le sienta de fábula y que redunda más si cabe en la vis cómica y expresividad de los personajes y criaturas que habitan este mundo.

Un punto de partida que recuerda al del primer juego, con el que guarda no pocas similitudes, aunque también hay unas cuantas novedades de peso. Vamos con esta review de TOEM 2.

Un evento natural único, una cámara y un mundo por descubrir

La premisa de TOEM 2 es tan sencilla como su jugabilidad, y al mismo tiempo, repite todos y cada uno de los aciertos del juego original, y los engorda con nuevas ideas. El detonante es un fenómeno natural que solo pasa una vez al año, y está a punto de volver a suceder, cuando al abedul giratorio se le cae la última hoja y se convierte en un TOEM. Un evento para el que tu abuela te lleva preparando tiempo, una tradición que, en cierto modo, simboliza el paso de la adolescencia a la madurez.

En este viaje tendremos que hacer una serie de paradas para visitar distintas regiones y ayudar a los lugareños, y así acumular sellos, necesarios para conseguir el billete de autobús que nos permita llegar a la siguiente zona. Como en el primer juego, solo tenemos una mochila, donde vamos guardando cosas, y nuestra cámara de fotos.

Así, en cada nueva zona que visitamos, todo gira en torno a las interacciones que realizaremos con los personajes con los que nos cruzamos, y que nos plantearán todo tipo de situaciones, desde ayudar a un cartero a descifrar la dirección de una carta a encontrar mascotas perdidas, hacer fotos de nubes con formas "extrañas", ayudar a desatrancar tuberías, conseguir pociones sanadoras...

La cámara de fotos vuelve a ser la clave para resolver todos estos encargos, ya sea haciendo una foto del objeto por el que nos preguntan (a veces están escondidos) o bien porque, gracias a los accesorios que iremos consiguiendo (como unas tijeras, un mazo y un destornillador), podemos realizar nuevas acciones, como cortar flores que escupen esporas, golpear bloques de piedra o clavar clavos, acciones necesarias para cumplir algunas de estas tareas.

Y no solo eso: la cámara sigue teniendo controles para el zoom e incluso una suerte de dron para selfies (con gestos incluidos) y una nueva función, enfocar, que aparte de centrar el visor en los objetos de interés, puede hasta revelar personajes que, de primeras, son invisibles.

Por supuesto, también se han mantenido objetivos adicionales como fotografiar a todos los animales de cada zona (algunos escondidos, todos supersimpáticos, incluso en la traducción de los nombres), así como fotografiar el lugar emblemático de cada región, algo así como el "tesoro turístico" de la zona, como un radiante girasol gigante.

Y si quieres más, pues hay más por hacer: todas las zonas tienen una fotógrafa que nos desafía a captar algo "especial", así como un reto de escalada para encontrar una bandera situada en algún punto alto (sí, hay algo de plataformeo, aunque muy ligero)... Con todo ello, y las fotos que vayamos haciendo "por gusto", rellenamos el cuaderno de viaje.

Por si todo esto fuera poco para mantenernos entretenidos, también podemos inspeccionar hasta el último rincón de cada zona, en busca de cajas con regalos que nos dan nuevas vestimentas, caretas... algunas de ellas guiños a éxitos indie como Shovel Knight, Peak, Pikuniku... o cintas de casette para ampliar la banda sonora del juego.

¡Ah! Y aunque Nintendo Switch y Switch 2 no tienen trofeos, el juego cuenta con su propio sistema de logros al realizar ciertas acciones, como completar todas las tareas de una región... y cosas más "chorra".

En la sencillez y amabilidad de TOEM 2 está el gusto

Como en el anterior juego, el mapa de cada región está formado por pequeñas pantallas interconectadas, que vemos desde una perspectiva isométrica que podemos rotar, así como acercar o alejar el zoom para tener una visión más amplia o cerrada de lo que nos rodea. A veces es necesario alejar el zoom porque hay personajes enormes que, si no, no entran enteros en pantalla.

En cada una de estas zonas tenemos una media de tareas que ronda las 17-20, y podemos tener todas abiertas al mismo tiempo. Para iniciarlas, solo debes hablar con los NPC, y para completarlas, basta con enseñarles una foto con aquello que nos piden o entregar el objeto que necesitan (o similares). La gracia es que, en paralelo, nuestra cabeza intentará recordar qué necesitaba cada uno y dónde está, ya que en ese sentido, el juego no te ayuda, ni hay un mapa con iconos.

Lo bueno de la experiencia es que no hay prisas, no hay tiempos, no hay nada de "estrés". Es un juego diseñado para ser disfrutado a tu rimo, puedes explorar cuanto quieras, hacer todas las fotos que quieras (aunque tendrás que ir borrando), ver las reacciones de los lugareños cuando les apuntas con la cámara... es un juego para explorar, ver y probar lo que se te ocurra. Y si te gusta la fotografía virtual, pues más todavía, porque hay criaturas y rincones la mar de fotogénicos.

Los diálogos son simpatiquísimos, como los propios personajes, y es esta atmósfera de buen rollo, de gente que necesita ayuda y nosotros se la prestamos, desde un trol que quiere ver fotos de cabras a un preso que no recuerda si dejó el fuego de su casa dado antes de ser encerrado... Todo suma en un juego que te va a hacer sentir bien, y del que resulta complicado despegarse una vez lo empiezas.

También tiene que ver el apartado gráfico, monocromo como en el primer juego, con unos personajes planos que derrochan expresividad y simpatía, que deambulan por unos mundos 3D con bastante detalle y que cuida hasta el más mínimo detalle de la interactividad (hojas de papel que se mueven a nuestro paso, palos que se rompen al pisarlos...).

La buena noticia es que es uno de esos juegos "pequeños" y más que recomendables para ser disfrutado entre medias de producciones gigantescas, como el recién lanzado The Witcher 3 Remastered o el futuro GTA 6, porque te lo vas a pasar rápido pero, sobre todo, te lo vas a pasar bien.

Y no solo eso: es uno de esos juegos con un potente mensaje que, aunque no lo diga explícitamente, ni de pistas mientras juegas, nos recuerda lo importante que es salir a ver mundo y mezclarnos con personas de todo tipo para enriquecernos.

Eso sí, es probable que necesite alguna actualización para corregir algunos errores, sobre todo cerca del final del juego, donde he tenido un cierre súbito del juego en Switch 2, y otro que he tenido que cerrar el juego y volver a cargarlo porque se quedó "congelado"... Por suerte, autoguarda con bastante frecuencia, por lo que no perderás nada.

De entre ellos, Minecraft Dungeons ha sido el más popular, superando los 25 millones de copias al adaptar los postulados de Diablo. Mucho más simplificados, eso sí, que se trata de que el juego pueda ser disfrutado por todas las edades. Y como vamos a ver en el análisis de Minecraft Dungeons II, la premisa aquí está muy clara.

Minecraft Dungeons II (PS5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch, Switch 2 y PC) se ciñe a la máxima de “si no está roto, no lo arregles”: mantiene la misma jugabilidad directa y sencilla de su antecesor, pero con varias mejoras para enriquecerla.

En un género donde hay incluso títulos gratuitos que arrasan como Path of Exile 2, esta secuela busca hacerse un hueco, volver a triunfar y, de paso, crecer como RPG. ¿Lo consigue, o es una mera copia del juego previo?

Pues justo es lo que vamos a ver en esta review de Minecraft Dungeons 2. Xbox nos ha proporcionado para el análisis una copia del juego en su versión de Xbox Series X|S.

• Historia, apartado técnico y gameplay de Minecraft Dungeons II
• Precio y plataformas de Minecraft Dungeons II ​
• La opinión de Hobby Consolas sobre Minecraft Dungeons II ​
• Nota: lo mejor y lo peor de Minecraft Dungeons II

Historia, ambientación y jugabilidad de Minecraft Dungeons II: aventuras en el Rift

La paz que llegó al Mundo Superior ha resultado ser efímera. Cuando los altos hechiceros de los maldeanos desatan su oscuro poder, se abren brechas dimensionales por todas partes que conducen al Sift.

El protagonista deberá explorar esta nueva dimensión y otras tierras inexploradas, ayudando a sus habitantes en todo lo que necesiten. Se le multiplican los retos, pero cuenta con una ayuda fundamental: ¡la nuestra!

Minecraft Dungeons II presenta una historia estándar en los RPGs clásicos. No es algo que la desmerezca, sino que se encuadra en el objetivo de accesibilidad; en este caso, dar una narrativa entretenida, fácil de seguir y con un par de pinceladas épicas.

Es la misma sencillez y familiaridad que traen sus gráficos. Aunque son más vistosos gracias a Unreal Engine 5 (sobre todo en la iluminación y los efectos visuales), no se alejan de lo visto en la anterior entrega, con su vista isométrica y la combinación de píxeles y bloques que es sello de la saga.

Se busca que el jugador, ya sea de Minecraft o del primer Dungeons, se sienta como en casa y a gusto, a lo que también contribuye una banda sonora ligera que sirve de acertado acompañamiento.

Es un acierto que el mundo invite más a la exploración de sus localizaciones, aunque esa libertad no sea tal y esté compartimentada. Siempre sabemos a dónde ir con solo pulsar el stick izquierdo, además de disponer de vagonetas de viaje y teletransporte a la villa central.

Vuelve también la generación procedural, que se combina con las localizaciones diseñadas a mano. Los escenarios aleatorios se dejan para las mazmorras y el Rift (un mundo mucho más llamativo y colorido, con sus propias reglas), dando así un aliciente para volver a estos lugares en busca de tesoros, ya que siempre serán escenarios distintos.

En todo dungeon crawler que se precie, el botín es uno de sus ejes. Aquí se obtiene en cofres repartidos por el escenario, al completar mazmorras, con la derrota de jefazos (y de enemigos) y superando misiones. Muchas opciones para disponer de todo tipo de equipamiento, que en esta entrega se divide en varias categorías.

Podemos equipar al protagonista con cascos, petos, grebas y botas, que, además de darle un aspecto muy pintón, ofrecen distintos niveles de protección y mejoras. La otra gran novedad son los talismanes, con efectos pasivos y de los cuales se pueden equipar hasta tres distintos.

También se amplía la variedad de armas, que van desde las tradicionales espadas a martillos, hachas, palas, dagas, hoces y mucho más, junto con arcos y ballestas. Su aleatoriedad contribuye a esa magia que tienen este tipo de juegos: siempre queremos probar el arma nueva de nivel superior, además de comprobar su manejo y efectos.

¿Y qué sería de un RPG sin magia? Se ha ampliado la variedad de consumibles, incluyendo flechas flamígeras, "bufos" temporales, explosivos, escudos protectores y más sorpresas. Se pueden añadir encantamientos a las armas y armaduras, disponiendo además de un herrero para mejorar el equipo y un tendero con mucho género.

Por supuesto, no hay tesoros que se precien sin antes combatir. Nos esperan ilusionistas, saqueadores, zombis, arañas (cómo no) y toda clase de maldeanos.

Para despacharlos se usa el mismo esquema de control de Dungeons: un botón de ataque con un combo sencillo, gatillo derecho para el arma a distancia y botones de acceso rápido para los consumibles. La novedad es el botón de salto, con el que hacer ataques especiales y muy útil a la hora de explorar.

Aunque los combates son fáciles de librar, la dificultad aumenta al avanzar, sobre todo en las mazmorras, las brechas del Rift y con los jefes finales. Se piensa así en los jugadores que buscan retos en solitario, ya que la cosa cambia al jugar con amigos.

En ese sentido, Minecraft Dungeons II da todas las opciones posibles. Hay cooperativo local, online, mixto y por emparejamiento con crossplay, incluyendo lista de amigos. Y para hacer las partidas más ágiles, se ha añadido un mininventario compartido que evita las interrupciones.

Son dos tipos de diversión, pero igual de adictivas: el jaleo de jugar en grupo y compartir risas, o bien ser un aventurero solitario y afrontar los desafíos del juego.

En ese sentido, el endgame añadirá las Tormentas de Almas, una opción que llena un área concreta de enemigos más numerosos y duros. Será un modo solo apto para valientes (mejor si van en grupo), compensado con botín de mayor calidad. Además, se prevé que llegue más contenido en el futuro.

Dungeons II no busca medirse con los grandes representantes del género, ni tampoco reinventar el esquema original. Añade una capa de profundidad que amplía sus posibilidades, pero siempre bajo su planteamiento accesible. Mantiene la diversión de Dungeons y la amplía con mejoras roleras, una exploración más gratificante y el siempre infalible botín, que nos “pica” para jugar una partida tras otra.

Hay que señalar que mantiene los puntos flojos que vimos en el título de 2020. Una vez más, la progresión de la dificultad no está medida a la perfección, con picos que pueden desconcertar. También habría que darle una vuelta a su economía: no tiene sentido gastarse Gemas en un arma o piezas caras de armadura (además de mejorarlas con hechizos o en la herrería), si el juego te da constantemente botín de mayor nivel de forma gratuita.

No son fallos dramáticos, solo aristas que podrían pulirse. El núcleo se mantiene impecable, ofreciendo una jugabilidad que atrapa durante las 15-20 horas que dura, a lo que cabe sumar el endgame, las secciones aleatorias y el contenido que llegue en próximos meses.

Cuánto cuesta Minecraft Dungeons II y dónde puedes jugarlo

El juego está disponible a partir del 29 de septiembre en Xbox Series X|S, PS5, Nintendo Switch, Switch 2 y PC. Además, se puede disfrutar en Game Pass Ultimate y Game Pass PC desde el primer día.

Llega además a un precio de solo 29,99 euros en su edición estándar, que también trae dos aspectos de héroe, la Capa perversa y una Mascota de pollo perverso. La Deluxe Edition sube a 49,99 € y añade dos próximos DLCs, la Capa de alma, cuatro aspectos de héroe adicionales y la Mascota Blub.

Aventuras mazmorreras para todos los gustos

Minecraft Dungeons II no tiene enormes pretensiones como dungeon crawler, y esa es su mayor fortaleza. Al ser tan eficaz y accesible, su jugabilidad funciona como un tiro, viéndose beneficiada por las novedades que elevan su ambición como RPG.

Y no, no puede medirse con los grandes representantes del género, pero tampoco es su intención. Es una propuesta del género con todo el encanto, humor y magia del mundo de Minecraft, disfrutable por jugadores de todas las edades.

Quienes busquen un juego ideal para divertirse entre amigos acertarán con Dungeons II. También a los fans de Minecraft (si son peques, mejor con una ayudita de sus padres) e incluso gustará a los fans de los “Diablolike”, que encontrarán retos a su altura en las partes más desafiantes de esta aventura.

Y para colmo, en 2027 llega Songs of the Past, una expansión que conectará con The Witcher 4. Con el objetivo de que este DLC funcione, la compañía polaca ha realizado una jugada maestra. En este análisis de The Witcher 3 Remastered te cuento si ha salido bien.

Porque la aventura de Geralt de Rivia regresa con mejoras gráficas, ajustes en la jugabilidad, pequeños añadidos de calidad de vida... y todo de una forma gratuita si ya tenías el juego. Solo debes tener en cuenta que el remaster únicamente está disponible en PS5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch 2 y PC... Nada de consolas de antigua generación.

Esta nueva versión llega vía parche tras una actualización next-gen en 2022 que ya mejoró significativamente el juego. Los DLC Blood and Wine y Hearts of Stone ahora pasan a estar incluidos en esta nueva versión Remastered, pero hay mucho más. Vamos a verlo en este análisis de The Witcher 3 Remastered:

• Los gráficos de The Witcher 3 Remastered y sus mejoras técnicas
• ​La nueva jugabilidad de The Witcher 3 Remastered
• ​Las nuevas opciones de The Witcher 3 Remastered y mejoras de calidad de vida
• ​La opinión de Hobby Consolas sobre The Witcher 3 Remastered
• ​Nota: lo mejor y lo peor de The Witcher 3 Remastered

Las mejoras gráficas de The Witcher 3 Remastered

Vamos al grano. Aquí no hablaré del propio juego en sí dado que ya han pasado más de diez años desde su lanzamiento, y cerca de siete desde que The Witcher 3 se lanzó en Nintendo Switch. En este análisis me centraré en las novedades que incorpora este remaster, siendo la más importante de todas el apartado gráfico.

The Witcher 3 ya se vía bien en 2015, se actualizó en 2022 para seguir impresionando y ahora mejora aún más. El apartado visual (jugando en una PS5 base) de este remaster cumple sin reservas, especialmente en cuanto a densidad de elementos y definición de texturas.

The Witcher 3 Remastered luce tremendamente actualizado y consigue renovar de forma sobresaliente un mundo que, ya sin mejoras, aguantaba de forma encomiable el paso del tiempo.

Los rostros de los personajes lucen fantásticos, hay una mayor densidad de vegetación que dota de mayor realismo cada escenario y la iluminación sigue siendo un deleite (pese a que la vibrante paleta de colores se ha modificado ligeramente para plasmar un tono más fotorrealista).

Obviamente, estamos ante un juego de pasada generación y hay elementos que lo siguen evidenciando como esas texturas de piel planas de "cerámica" o la brillantez que produce la iluminación directa en la piel o el efecto mojado, así como unas físicas, que ya se sienten un tanto irreales en los tiempos que corren.

Aún así, los reflejos vuelven a destacar positivamente en muchísimos momentos, la distancia de dibujado recibe una palpable revisión en cantidad de elementos y los efectos ambientales son más inmersivos.

En PS5 hay dos modos gráficos, uno que prioriza el rendimiento a 60 fps (el más adecuado) y otro que habilita el trazado de rayos. Como digo, recomiendo el primero por su fluidez, pese a que he notado caídas al terminar algunas misiones, guardar partida automáticamente o en ciertos momentos en donde hay más actividad en pantalla.

En Switch 2, la versión consigue mejorar notablemente lo visto en la primera Switch, aunque queda ligeramente por debajo del resto de consolas, especialmente en apartados como la definición de texturas, el pelo de los personajes (un mal recurrente) o en forma de pequeños petardeos de iluminación en cambios de escena. Pero en general, da bastante el tipo y se ve bastante bien. La sobrecarga gráfica en los entornos aquí también está presente.

Dicho sea de paso, esta versión para la consola híbrida incorpora también otras novedades que no están en el resto de versiones, como es la compatibilidad con el modo ratón, controles por movimiento, giroscopio y también compatibilidad con la pantalla táctil al jugar en modo portátil, algo que se agradece.

Volviendo al apartado gráfico... Ha habido cierto revuelo a raíz de una comparativa en la que se veía a Geralt luchando contra un grupo de sumergidos. Después de jugar al remaster, tengo que decir que es más que evidente que hay una mejoría notable entre versiones. La ausencia de efectos de niebla comentados con esta "polémica" no se deben a que el remaster prescinda de esto, sino a que en la pasada versión de la comparativa aparecía un enemigo cuyo ataque es generar niebla.

En cuanto a otras versiones, en PS5 Pro el juego llega a los 90 fps gracias a PSSR y en Xbox ahora es compatible con el soporte de Xbox Play Anywhere. Como ves, no hay excusa para no volver a este RPG.

Así es el nuevo gameplay de The Witcher 3 Remastered

Obviamente, este remaster no solo recibe mejoras a nivel visual, sino que también brinda una mejor experiencia a los mandos. La más notable es en el combate, que ahora responde mejor y se siente ligeramente actualizado respecto a la pasada versión.

No es la primera vez que este aspecto se toquetea y es cierto que las batallas contra humanos y monstruos nunca han sido el punto fuerte del juego. ¿Qué tal ahora? The Witcher 3 Remastered no es que se convierta en un RPG de acción memorable, pero sí que hay añadidos que le sientan estupendamente bien para que todo se digiera mejor.

Pese a que los enfrentamientos contra criaturas sigan siendo algo imprecisos, los ajustes de cámara (que ahora tiene un movimiento dinámico que respeta espacios, alejándose y aproximándose cuando es necesario) y un mejor sistema de fijación aportan una gran fluidez, que se ve potenciada también a nivel mecánico.

Básicamente, se sigue controlando a Geralt de Rivia de la misma manera, pero una mejor IA de los enemigos hace que las esquivas y el desplazamiento en las batallas sean mucho más necesarios. La movilidad pasa a ser vital y se gana cierta espectacularidad con algunos nuevos remates (especialmente en humanoides) y contras únicas.

El resultado convence pese a que no es una revolución. CD Projekt Red toca lo justo y necesario para que en 2026 este combate sea mucho más pasable y no resulte tan anticuado, aunque no hubiese estado demás una revisión más profunda. Dicho sea todo, en 2022 se me hizo algo de bola cuando volví a jugar tras la actualización, pero con este remaster no he tenido esa sensación. Es una pequeña gran alegría.

También se nota que el desplazamiento es más llevadero. La pena es que la respuesta a los giros, cambios de dirección o arranques se sigue sintiendo anquilosada y con una inercia de más, pero movimientos como escalar o sortear obstáculos han ganado en precisión. En términos generales, es más agradable moverse con Geralt y la cámara durante las fases de exploración también se ha toqueteado (se escora ligeramente a la derecha) para que se sienta más cinematográfica

A caballo también hay una pequeña mejoría. Sardinilla ya no hace tanto de las suyas y no se producen tantos bugs, aunque su control sigue dejando algún que otro momento frustrante. Las barreras invisibles siguen están ahí. Me he encontrado algunas en ocasiones.

También hay un "efectillo" nuevo que va de la mano de esa mayor inmersión. Al meditar (mecánica imprescindible) ahora tiene una lugar escena a cámara rápida en la que podemos ver cómo el entorno que rodea a Geralt va cambiando conforme avanza el tiempo (incluso se puede ver el trasiego de los NPC o los efectos de día y noche).

Lo que cambia de forma total es el sistema de progresión. Los árboles de habilidades de Geralt se han reconfigurado y ahora la subida de nivel y la inversión de puntos ganados en nuevas ventajas en combate, señales y mutágenos se siente más modernizada. The Witcher 3 ahora ofrece una mejor personalización jugable en ese sentido.

Esa personalización también se pule con una de las opciones que todo RPG debe tener en algún momento. Con The Witcher 3 ha tardado, pero ya tenemos aquí la transmogrificación de armaduras. Ahora puedes llevar la armadura que desees, pero asociada a la que mejores estadísticas tiene según tu estilo de juego. Es una opción estética, pero dado que había jugones y equipo realmente feo en el juego, poder llevar una apariencia a gusto de cada uno es algo más que bienvenido.

Los otros añadidos de The Witcher 3 Remastered

Más allá de todo lo anteriormente citado, CD Projekt Red también ha incorporado con este remaster una buena amalgama de mejoras de calidad de vida y opciones interesantes para los jugadores más veteranos, que permiten personalizar la experiencia a tu gusto.

Salvo los cambios gráficos, en ajustes se pueden revertir las novedades en el ámbito de la jugabilidad, pero también permiten activar opciones como disponer de oxígeno infinito, eliminar las restricciones de peso, aumentar la velocidad de las embarcaciones o la mejor de todas, saquear los cadáveres de forma automática.

La interfaz también se ha tocado y el equipamiento es más accesible a nivel visual, aunque se echan en falta algunas novedades más en este campo para terminar de actualizar el juego a estos tiempos, ya que hay texto o cierta información visual que se siente algo anticuada.

A su vez, CD Projekt Red fomenta más opciones entre plataformas. Hay guardado cruzado (y puedes seguir con la partida que ya tenías antes del parche) y se añade soporte para mods en consola, lo que amplía aún más las posibilidades del ya de por si gigantesco juego.

Por muchos más años matando monstruos

Pocos juegos son capaces de trascender tanto en el tiempo como para que, más de una década después, se sigan lanzando actualizaciones, expansiones y mejoras. The Witcher 3 es uno de esos juegos, un RPG incontestable que todo el mundo debería jugar dos veces en la vida.

La primera fue hace años. La segunda es ahora, con esta remasterización, una puesta a punto diferente al lanzamiento de un remaster como a los que estamos habituados. Primero por su naturaleza "gratuita" y segundo porque sirve como puente para una expansión que servirá para despedirnos definitivamente de Geralt.

Quizá, si se tratase de un remaster como mandan los cánones habríamos tenido alguna mejora necesaria más en materia de gameplay (algo que se echa de menos), pero las novedades que introduce CD Projekt Red bastan para que nos veamos obligados a volver a ponernos en las botas del brujo. Lo que sea por echar una partidita más de Gwent.

Un título que llega en plena celebración del 40 aniversario de la serie, tras el lanzamiento de Dragon Quest I-II HD-2D Remake y Dragon Quest VII Reimagined, y que tal y como vamos a ver en este análisis de Dragon Quest XI S: Ecos de un pasado perdido - Edición definitiva para Nintendo Switch 2, pone al día uno de los juegos más aplaudidos de la saga.

Pero, ¿se lo ha currado Square Enix? Pues... va a depender mucho de tu punto de partida y lo que esperes encontrar. Porque, sí, hay alguna novedad técnica que justifica su existencia, pero también una serie de "peros", o más bien decisiones, que son un tanto cuestionables.

Eso sí, como este es el cuarto análisis de Dragon Quest XI que hacemos en Hobby Consolas, aquí voy a omitir todo lo relativo a la historia, el sistema de juego, el cambio al modo pixelado, la duración o el contenido de la Edición Definitiva, porque todo eso lo hemos contado en los análisis ya publicados, que están enlazados más arriba.

Aquí me voy a centrar en las diferencias y novedades con las anteriores versiones, así como la parte técnica, por lo que va a ser un análisis más breve. Es el mismo juego de 2020, pero en una nueva plataforma, aunque todo con matices, y aspectos a explicar...

Novedades, diferencias y aspectos técnicos de Dragon Quest XI S: Ecos de un pasado perdido - Edición definitiva

Para entender un poco el punto de partida de esta nueva versión, no está de más recordar que Dragon Quest XI S, la entrega para Nintendo Switch fue la base, en términos de contenido, para la Edición Definitiva de PS4, Xbox One y PC que se lanzó en 2020, y que también trajo bajo el brazo un leve bajón visual respecto al original de PS4 y PC, evidente en iluminación, modelos y ciertas texturas.

Justo es esa edición definitiva de 2020 la que, a su vez, sirve de base para esta versión de Switch 2. Entre todas ellas hay ligeras diferencias visuales y rendimiento, pero el contenido es exactamente el mismo.

Es por este motivo por el que esta Edición definitiva de Dragon Quest XI S para Switch 2 se puede considerar el primer port para la actual generación de consolas del laureado JRPG, ya que sigue sin existir una versión nativa para PS5 o Xbox Series X|S (aunque es posible jugarlo en ellas gracias a la retrocompatibilidad).

En este sentido, Square Enix no ha tirado la casa por la ventana a la hora de desarrollar el port, al menos, en la parte técnica y visual. En Switch 2, el juego plantea dos modos gráficos, Calidad y Rendimiento. Calidad permite jugar a una resolución de 1440p a 30 fps, mientra que el modo rendimiento baja a la resolución a 1080p y se mueve a 60 fps.

La mayor parte del tiempo he jugado en modo portátil, y lo cierto es que la tasa de frames no se resiente, se mantiene firme durante todo el tiempo y es una gozada poder jugarlo así. El problema es que en la parte visual, me parece que Square Enix podía haber hecho más.

Si miras al suelo, algunas texturas se sienten más borrosas que cuando juegas en el dock, detalles como el follaje tienen menos detalle, algo que también pasa con los modelos algunos momentos... y que eso que, insisto, el juego no se ve mal gracias a su estilo artístico cel-shading. Y como siempre digo, las capturas sacadas con la propia consola no le hacen justicia, en la propia consola se ve mejor...

A 1440p en la tele, la cosa mejora ligeramente, pero vas a echar en falta los 30 fps que le faltan y, aunque se ve mejor, tampoco esperes un milagro. No es un salto al nivel de la capacidad de las consolas actuales, como el que ofrecieron, por ejemplo, Zelda Breath of the Wild y Tears of The Kindom Switch 2 Edition, que también apuestan por el cel-shading, por poner un ejemplo.

Si lo comparamos con la versión de Switch 1 sí es un salto importante (la resolución era más baja, 30 fps con tirones...) y se nota a la legua, aunque sigue siendo posible jugarlo en Switch 2 gracias a la retrocompatibilidad, y con el modo portátil mejorado podrás ejecutarlo a una resolución de 900p a 30 fps, algo que sigue quedando por debajo de esta nueva versión para Switch 2, pero que puede hacerte el apaño.

Porque, el problema de fondo aquí, es la política de Square Enix con sus lanzamientos simultáneos, o relanzamientos, en Switch y Switch 2, que los considera como juegos distintos y, por lo tanto, cierra la puerta a una posible actualización si tienes el de Switch 1 (aunque sea de pago), ni las partidas guardadas son compatibles.

Y eso es justo lo que pasa con DQXIS Definitive Edition en Switch 2: es complicado no sentir que podía haber sido una actualización, porque la mejoría es "justa" y no hay nada de contenido nuevo.

De ahí, lo que decía al principio: depende de donde vengas, es un port que merece o no la pena. Si no tienes ninguna otra versión del juego, ni en otras plataformas y es la primera vez que lo juegas, la versión de Switch 2 es la mejor manera de disfrutarlo en portátil a 60 fps.

En modo dock, la experiencia no es tan suave, y quizá sean incluso un poco más evidentes otro tipo de fallos, como que las sombras y algunas fuentes de luz cargan cuando nuestro personaje está cerca, y no en la distancia... Algo que pasa en otros muchos juegos, como Lies of P.

Si ya lo tienes en Switch, claro que se nota la mejoría, pero es difícil sacudirse la sensación de que podía haber sido un parche como el de Xenoblade Chronicles X Definitive Edition. Es que ni me hubiera "escocido" tener que pagar 5 euros por la mejora. Pero 39,99 euros, me parece que es tensar un poco la cuerda...

Y para colmo de males, la edición física es en formato tarjeta llave que, aunque es mejor que un código en caja, sigue siendo una mala opción para quienes todos los datos en la tarjeta del juego... como yo.

La opinión de Hobby Consolas de Dragon Quest XI S: Ecos de un pasado perdido - Edición definitiva para Switch 2

Square Enix tiene en su cartera un montón de memorables JRPGs, y muchos de ellos han llegado a Switch 2, como Final Fantasy VII Rebirth, aunque un puñado, como Octopath Traveler 0 o Final Fantasy Tactics también están en Switch y comparten los mismos males: no hay paquetes de mejora para actualizar el juego a la versión de Switch 2, ni sirven las mismas partidas.

Es una política que no me parece inteligente, porque trasladas un mal mensaje a quienes ya compraron el juego. Otras compañías, como CD Projekt lo tienen claro, y por ejemplo, The Witcher 3 Remastered será gratis para quienes tengan el juego en Switch 1 (como en las demás plataformas), sin olvidar indies como Hollow Knight Silksong. Si estudios más pequeños pueden, ¿por qué no puede Square Enix?

En el caso concreto de DQXIS, yo lo compré en su día la edición física de Switch, y no pienso volver a pasar por caja para la versión de Switch 2 porque implica empezar el juego de cero, pagar de nuevo el precio completo (39,99 euros) y, para remate, en física es una tarjeta llave.

Pero si nunca antes has jugado a Dragon Quest XI S, añádele 10 puntos más a la nota que le he dado: esta nueva versión de Switch 2 es una oportunidad de disfrutar del genial JRPG a 60 fps en modo portátil, para mi la forma perfecta de disfrutarlo hoy en día, sobre todo si tu ritmo de vida te impide sentarte delante de la tele para jugar aventuras de más de 100 horas...

Después del regreso triunfal de la saga con Ace Combat 7: Skies Unknown en 2019 (la entrega más exitosa hasta la fecha), la compañía japonesa nos propone volver a surcar los cielos y librar intensos combates aéreos en el mundo de Strangereal.

Y aunque el gran atractivo de Ace Combat son los cazas de combate y los enfrentamientos de altos vuelos, la historia vuelve a ser uno de los aspectos más destacados de esta octava entrega, dejándonos con auténticos momentazos que os van a poner los pelos de punta.

Pero si nunca habéis jugado a un Ace Combat, la idea de ponerse a los mandos de un caza puede dar mucho vértigo. Pero con este análisis de Ace Combat 8: Wings of Theve esperamos conseguir que tanto veteranos como -sobre todo- novatos se atrevan a despegar... porque estamos sin ninguna duda ante una de las experiencias más épicas de 2026.

• El argumento y el gameplay de Ace Combat 8: Wings of Theve
• Nivel de dificultad de Ace Combat 8: Wings of Theve
• ¿Cuántas horas de juego dura Ace Combat 8 Wings of Theve?
• Cuánto cuesta Ace Combat 8: Wings of Theve y dónde puedes jugarlo
• La opinión de Hobby Consolas de Ace Combat 8: Wings of Theve
• Nota: lo mejor y lo peor de Ace Combat 8: Wings of Theve

Historia y jugabilidad de Ace Combat 8: Wings of Theve en PS5, Xbox Series X|S y PC

Ace Combat 8: Wings of Theve tiene lugar diez años después de los acontecimientos de la séptima entrega y nos sumerge de lleno en el conflicto entre las naciones de Usea y Sotoa. Nosotros nos ponemos en el papel de un piloto que se ve obligado a ocupar la posición de Rex, el "as" del escuadrón Joker de las fuerzas de Usea, más conocidos como Wings of Theve.

Uno de los temas más interesantes que trata la trama tiene que ver con el poder de las redes sociales y el papel tan importante que pueden jugar en una guerra. Porque ni nuestro personaje ni los otros tres miembros del escuadrón Joker acumulan un gran recuento de bajas en el conflicto. El caso más claro es el de Tasha (la joven de pelo rosa de la que se ha enamorado Internet), una civil muy hábil pilotando aviones pero que nunca ha derribado a un enemigo en combate. Sin embargo, una "campaña" minuciosamente orquestada en RRSS ha aumentado su reputación al nivel de las mayores leyendas, convirtiéndolos en un foco de esperanza para las fuerzas aliadas... y en el mayor rival de los Sotoanos.

Esto plantea situaciones y cuestiones tan interesantes como de rabiosa actualidad, demostrando que la información es poder en la era moderna y hasta qué punto se puede moldear la opinión pública cuando hay alguien que controla el relato. Si sois fans de los trabajos de Hideo Kojima, es muy probable que todo esto os suene (especialmente si habéis jugado a Metal Gear Solid 2). Y lo cierto es que me he acordado en no pocas ocasiones de la saga Metal Gear mientras jugaba a Ace Combat 8: Wings of Theve. Para empezar porque es una historia profundamente militar con ligeros toques de ciencia ficción y un estilo exagerado propio de la animación japonesa, pero también porque se mete en temas políticos, hay personajes que nunca tienes claro de qué bando están, giros de guion que te dejan del revés y también un elemento sobrenatural que sobrevuela constantemente la narrativa.

Y sé lo que estáis pensando: ¿movidas sobrenaturales en mi juego de aviones con un trasfondo inspirado en el mundo real? Pero ya os aviso que sobre el papel puede sonar chocante, pero en la práctica funciona realmente bien. Porque es un elemento que no distrae, pues no está presente de una forma tangible, y aporta un punto de vista trágico y filosófico a todo lo que sucede, dotando a la trama de una sorprendente profundidad. Yo, desde luego, vine a Ace Combat 8 por los combates aéreos y, al final, me he quedado por las interesantes reflexiones sobre la vida que plantea su historia.

Otro aspecto que quiero destacar sobre la historia (y ya termino) son las escenas de vídeo. Por primera vez en la saga Ace Combat, asistimos a los acontecimientos desde una perspectiva en primera persona. Esto se traduce en secuencias de una calidad soberbia en las que tenemos control sobre la cámara y, en momentos puntuales, debemos pulsar el botón indicado para llevar a cabo ciertas acciones. Es una cosa extremadamente sencilla, pero funciona muy bien de cara a sumergirnos en el papel del personaje protagonista.

Y ahora sí, hablemos de los aviones... es decir, de la jugabilidad de Ace Combat 8: Wings of Theve. Si nunca os habéis metido en la saga, la palabra "simulador" puede imponer cierto respeto, pero los Ace Combat se caracterizan por su control estilo arcade (fácil de aprender, pero difícil de dominar), y esta octava entrega no es una excepción.

Como suele ser habitual, hay dos esquemas de control: estándar y experto. Honestamente, os recomiendo que escojáis este último, incluso aunque no hayáis jugado a Ace Combat en vuestra vida. Es un esquema de control con el que es más fácil desorientarse, pero también da mucha más flexibilidad a la hora de controlar los cazas. Y no vais a tardar nada en acostumbraros.

En el resto de aspectos jugables, Ace Combat 8 es un título bastante conservador, un problema que arrastra la saga desde sus inicios. Siendo justos, es muy difícil innovar en este aspecto salvo que les dé por añadir otro tipo de vehículos o fases jugables controlando al piloto a pie, por ejemplo. Y me parece digno de elogio que en los más de 30 años que tiene la saga, sus responsables se hayan mantenido siempre firmes a la idea de hacer un juego de combates aéreos, ni más ni menos. Eso sí, refinando con cada entrega la jugabilidad.

De ahí que sea tan satisfactorio controlar cualquiera de los más de 30 aviones que incluye Ace Combat 8. Y eso, por no hablar de la magnífica sensación de impacto cada vez que un misil da en el blanco. Pura endorfina.

Y aunque la mecánica principal sea siempre librar combates aéreos, Ace Combat 8: Wings of Theve se las apaña para no ser repetitivo en ningún momento. La clave está en las misiones, pues cada una plantea objetivos muy diferentes: localizar aviones de transporte entre una acumulación de nubes, derribar un gigantesco acorazado terrestre en mitad de una ciudad, encontrar a los barcos espía ocultos entre una flota de navíos, volar bajo para evitar los radares enemigos... Nunca deja de sorprender la enorme variedad de situaciones que plantea.

Y también se las apaña para que cada fase se sienta diferente a nivel visual, algo muy complicado si tenemos en cuenta que es un aspecto en el que están bastante limitados. Pero Ace Combat 8 juega con el terreno, la hora y el clima para lograr que nunca veamos dos veces el mismo cielo.

Mientras volamos, tanto nuestros aliados como los enemigos mantienen diálogos. A veces, incluso nos hacen preguntas o nos proponen cambios en la estrategia de combate que podemos aceptar o rechazar. Y dado que Ace Combat 8 llega con voces en inglés y japonés, debemos leer los subtítulos que se muestran en la parte superior de la pantalla para enterarnos de lo que dicen.

Esto representa el que para mí es el mayor problema de Ace Combat 8, pues dado que es un juego que requiere que estemos pendientes de muchas cosas al mismo tiempo, pararse a leer los subtítulos es un lujo que rara vez podemos permitirnos. Y sin embargo es esencial, pues los objetivos de las misiones pueden cambiar en cualquier momento y, si no estamos atentos a lo que nos dicen, significa el fracaso. Es especialmente frustrante en las misiones de escolta, porque si no estamos pendientes de los enemigos prioritarios que debemos derrotar para que no hieran a nuestros aliados, vamos a escuchar por radio quejas y gritos de dolor sin tener ni idea de qué estamos haciendo mal.

Por eso también es especialmente importante prestar mucha atención al briefing que hay antes de cada misión, donde se explican los objetivos que debemos cumplir y los enemigos a los que nos vamos a enfrentar. Porque no todo es librar combates en Ace Combat 8; antes de despegar, debemos determinar cuál de los cuatro tipos de aviones es más conveniente, escoger las armas especiales más efectivas teniendo en cuenta si vamos a pelear contra enemigos aéreos, terrestres o navales, seleccionar los cazas de nuestros acompañantes y equipar piezas de avión para obtener ventajas en los aspectos que más nos interesen. Para todo esto contamos con el llamado árbol de aviones, donde podemos ir desbloqueando nuevos modelos, armas y piezas por un módico precio.

Además de esto, durante las misiones podemos dar sencillas órdenes a los miembros del escuadrón Joker que pueden jugar un papel determinarte según la situación.

Y hay puntos durante las misiones en las que todos los elementos de Ace Combat 8: Wings of Theve alcanzan la mayor altitud posible y confluyen para dar lugar a lo que me gusta llamar "momentos videojuego". Suceden cuando llegas a una parte muy emocionante de la historia, en lo jugable te están proponiendo una situación increíble, visualmente te plantan unas vistas que cuesta creérselo y de fondo empieza a sonar la melodía más épica que has escuchado en tu vida. Y tú estás ahí, sujetando el mando, con la mandíbula por los suelos y los pelos de punta ante semejante espectáculo. Pues Ace Combat 8 tiene esta clase de momentos videojuego a patadas.

Porque aún no lo he dicho, pero a nivel audiovisual también es un juego muy potente. Los cielos y las nubes de Ace Combat 8 rozan el fotorrealismo, gracias a una iluminación que a ciertas horas del día os va a dejar sin palabras, y hay multitud de detalles visuales muy llamativos, como la resistencia del viento sobre el fuselaje o los distintos tipos de explosiones según el armamento utilizado. Y el nivel de detalle de las ciudades, los edificios y, en general, todo lo que está a ras de suelo, ha aumentado considerablemente respecto a lo visto en Ace Combat 7.

Pero, como no podía ser de otra manera, los cazas se llevan la palma; no soy un gran conocedor del mundo de los aviones de combate, pero estoy seguro de que los mayores expertos van a disfrutar muchísimo viendo cómo se han recreado con total fidelidad algunas de las aeronaves más punteras, tanto por fuera como por dentro, pues uno de los tres tipos de vista nos permite jugar desde la cabina y apreciar su interior con todo lujo de detalles. Además, los aviones acumulan suciedad y daños a medida que progresamos en la historia (pero no os preocupéis, porque se pueden limpiar).

También hay que destacar lo bien que se ha aprovechado la vibración háptica del DualSense de PS5, pues podemos sentir en nuestras manos todos los giros del avión y los impactos de los misiles en distintas zonas del mando y con distintos niveles de intensidad.

¿Y qué os puedo decir de la banda sonora de Ace Combat 8? Pues que es gloriosa, épica, muy variada e incluso se utiliza con fines narrativos en ciertos puntos para dar lugar a auténticos momentazos. Os aseguro que vais a querer escucharla fuera del juego... y que vais a terminar tarareando la melodía que precede la llegada del escuadrón Shadow.

¿Es difícil Ace Combat 8: Wings of Theve?

Ace Combat 8 incluye cuatro niveles de dificultad: novato (historia), piloto, veterano y élite. Yo he jugado en todo momento en piloto, que sería el equivalente a la dificultad normal, y aun no siendo un juego especialmente complicado, ha habido algunas misiones que se me han atragantado y me han costado lo suyo. También ha habido misiones que he fracasado unas cuantas veces... sobre todo cuando se trataba de escoltar a aliados.

Pero si sois veteranos de la saga o, simplemente, buscáis un buen desafío desde el principio, seguramente os interese más elegir la dificultad veterano (o élite, si no le tenéis miedo a nada).

¿Cuántas horas dura la historia de Ace Combat 8: Wings of Theve?

Completar las 30 misiones de las que se compone la historia de Ace Combat 8: Wings of Theve puede llevar entre 15 y 20 horas, dependiendo de nuestra habilidad a los mandos. No es un juego especialmente rejugable en el sentido clásico de la palabra, pero hay misiones que molan tanto que vais a querer repetirlas. Si queréis exprimirlo al máximo, podéis ir a por el rango S en todas las misiones o sacar todas las medallas (esto último es muy complicado; hay algunas muy puñeteras).

Además de la historia, tenemos un modo entrenamiento para familiarizarnos con las mecánicas de juego, un modo misión libre para jugar las misiones sin ningún tipo de restricción y un modo vuelo libre en el que podemos sobrevolar con tranquilidad cualquiera de los cielos del juego mientras escuchamos nuestras canciones favoritas de la banda sonora.

Pero el modo que sin duda más horas de juego adicionales nos puede aportar es Ace Combat Online. Este modo es una bestia en sí mismo; tiene su propia progresión independiente de la campaña, editor de avatares, bases aéreas donde se pueden reunir hasta 100 jugadores, modos cooperativos y competitivos, misiones especiales por tiempo limitado, una sala donde podemos jugar a títulos clásicos de Bandai Namco (¡Pac-Man!)... Por tener, tiene hasta un pase de batalla.

Hay mucho trabajo detrás del nuevo Ace Combat Online; es un salto de gigante si lo comparamos con el de Ace Combat 7 y se puede apreciar un esfuerzo para que tenga recorrido, pero, como es habitual, la última palabra la tendrá la comunidad de jugadores.

Precio y plataformas disponibles

Ace Combat 8: Wings of Theve se lanza el 2 de octubre para PS5, Xbox Series X|S y PC. La edición estándar tiene un precio de 79,99€, tanto en formato físico como digital.

También hay una Edición Deluxe, disponible únicamente en formato digital, que da acceso al juego tres días antes del lanzamiento. Además, hay dos ediciones exclusivas de PC: Joker Flight Pack y Premium Joker Flight Pack.

Por último, pero no por ello menos importante, todas las ediciones incluyen como extra Ace Combat Zero: The Belkan War, un port para consolas actuales del juego lanzado en 2006 para PS2.

Drama de altos vuelos

Ace Combat es una de esas sagas a las que cuesta bastante entrar. Porque estamos hablando de un género de nicho... y un nicho muy específico como son los aviones de combate. Así que salvo que seamos aficionados a la aviación, es complicado que alguien logre convencernos para dar el salto.

Pero gracias a su apasionante historia (que, insisto, si os gusta Metal Gear, os va a flipar seguro) y unos controles arcade que cualquiera puede disfrutar sin necesidad de sacarse el carnet de aviador, Ace Combat 8 logra alzarse como un juego altamente recomendable para cualquier tipo de jugador.

Lo único que se le puede echar en cara es que, con esta octava entrega, han jugado sobre seguro. No es de extrañar, viendo el éxito que tuvo Ace Combat 7, así que han querido retener a todos los jugadores que se subieron en la última entrega. Y eso no quita que estemos ante una experiencia aún más refinada pero igualmente épica (o incluso más).

Y yo me quedo justo con eso, porque en lo que llevamos de año no ha habido ningún otro juego que me haya hecho vivir momentos tan épicos, momentos que me han puesto los pelos de punta y momentos en los que cuesta creer que seas tú quien está a los mandos.

Y son esa clase de momentos los que nos recuerdan por qué seguimos jugando.

Porque como vamos a ver en este análisis de LEGO Batman: El Legado del Caballero Oscuro en Nintendo Switch 2, lo que nos llega es un producto muy bien adaptado a la nueva consola de Nintendo, cuidado en lo técnico, y sin renunciar a ninguna característica del resto de versiones.

Y algo digno de aplauso, ya que, pone en nuestras manos una aventura en mundo abierto sin nada que envidiar a los Batman Arkham, y con un desempeño en sintonía con lo visto en Final Fantasy VII Rebirth, Yakuza Kiwami 3 & Dark Ties, Indiana Jones y el Gran Círculo o el más reciente Elden Ring, por mencionar algunas aventuras con un gigantesco entorno que podemos recorrer con libertad.

Como en los análisis de otros ports, aquí voy a poner el foco en la parte técnica, ya que toda la información sobre el juego, desde las opciones que ofrece su jugabilidad a la duración, la podéis encontrar en el análisis de LEGO Batman: El Legado del Caballero Oscuro para PS5, Xbox Series X|S y PC que publicamos hace cuatro meses.

Además, es el primer juego de LEGO en llegar tras LEGO Star Wars: La Saga Skywalker (que sigue sin tener versión o actualización para Switch 2), por lo que había cierto "morbo" por ver cómo se comportan este tipo de experiencias en la nueva consola de Nintendo.

Aclarado estos detalles, vamos con la review de LEGO Batman: El Legado del Caballero Oscuro para Nintendo Switch 2, otro cuidado port que, aun con diferencias respecto a las demás versiones, ninguna es insalvable y es perfectamente disfrutable en la nueva híbrida.

El apartado técnico de LEGO Batman: El Legado del Caballero Oscuro en Nintendo Switch 2

En el análisis de las otras versiones dejamos claro que era un Batman Arkham en versión LEGO, algo que hablaba muy bien de su propuesta (hasta Rocksteady, los responsables de los Arkham, estuvieron implicados). No falta nada: ni una enorme recreación de Gotham que podemos explorar libremente, ni los combates con combos o contraataques o jefes, ni los rompecabezas de Enigma, ni la posibilidad de conducir el batmóvil por la ciudad... Si has jugado a los Batman Arkham, o Arkham Knight, ya sabes más o menos lo que te espera.

En términos de contenido, el juego es exactamente el mismo que en el resto de versiones, y eso incluye incluso todo el DLC que llegó después, como el modo Caótico, un DLC que se ha lanzado esta semana, y que da todo el protagonismo a los villanos, añade un nuevo mapa repleto de actividades delictivas, y que está incluido en algunas ediciones.

Aparte, están disponibles los mismos paquetes de trajes, los mismos desbloqueables en el juego, las distintas personalizaciones de vehículos y personajes principales... e incluso se maneja igual. Lo dicho, es una versión 1:1 de lo visto en otras plataformas, y se juega igual.

Lo que difiere ligeramente es la parte técnica. Frente a las demás versiones, que se mueven a 60 fps (de manera bastante estable tras un parche post lanzamiento), en Nintendo Switch 2 la tasa está limitada a 30 fps sí o sí. Es, sin duda, el mayor sacrificio que hace esta versión.

No hay modos gráficos ni opciones para poder elegir entre una mejor calidad visual o un incremento del rendimiento, ni siquiera para lograr alcanzar unos 40 fps como Onimusha: Way of the Sword, que le habrían venido de fábula. O el modo 60 fps que Lies of P Complete Edition recibió en el lanzamiento. No sé si Warner Games seguirá optimizando el juego, pero es realmente lo único que le falta...

Hay alguna caídas puntuales de frames en combates más abarrotados o cuando recorremos la ciudad en un vehículo con el turbo apretado. Pero, ni son muy frecuentes, ni duran demasiado: son "instantes" en los que se nota que algo no va igual de suelto, pero suelen ser efímeros.

Por su parte, la fluidez de los 30 fps también puede verse afectada si juegas a pantalla partida con un amigo. No petardea, pero se nota que no va igual de "suelto". A mí, al menos, me ha dejado esa sensación, los ratos que lo he probado (que, como en el resto de juegos LEGO, el segundo jugador puede unirse y retirarse cuando quiera).

Quitando estos detalles, el resto está prácticamente ahí. Gráficamente, ofrece una resolución dinámica de 1080p, que puede bajar de manera temporal si lo necesita para mantenerse estable. Y, aunque aquí también hay algunas diferencias, lo cierto es que LEGO Batman: El Legado del Caballero Oscuro se ve de infarto en Nintendo Switch 2, juegues tanto en modo TV como en portátil.

Quizá se nota menos si juegas en modo portátil, pero es posible detectar pequeñas diferencias en la iluminación, que hay algo de popping en el mundo abierto (por ejemplo, iluminación que aparece de manera algo más evidente cuando estamos cerca...), efectos de partículas de los remates en combate (son una micra menos vistosos) o incluso que alguna textura "canta" un poco más de la cuenta.

Pero aun con eso, es difícil no sentir que LEGO Batman El Legado del Caballero Oscuro se ve francamente bien en Nintendo Switch 2. Sombras, iluminación, atmósfera de los niveles... de verdad, es otro port muy bueno.

Otra pequeña diferencia son los tiempos de carga al utilizar el viaje rápido, que aquí pueden rondar un poco más que en las consolas con unidad SSD. Hablamos de 10-15 segundos... aunque es más una curiosidad que algo que realmente sea un aspecto negativo: no se hacen tremendamente pesados, ni largos.

Tampoco está de más indicar que no aprovecha ninguna característica exclusiva de Nintendo Switch 2, como el control "modo ratón", pero sí diré que me ha sorprendido el uso de la vibración HD: es uno de los juegos que más me ha recordado a la sensación del Dualsense, con matices incluso al movernos en una piscina de bolas, o al movernos por las opciones de los menús.

Por último, cabe destacar que el juego se lanza tanto en formato físico como digital, con dos ediciones. Por un lado la estándar, por 69,99 euros y por otro la Deluxe, por 89,99 euros, que incluye varios lotes de contenido digital (trajes, etc.), además del mencionado modo Caos.

Como otros lanzamientos de Warner Bros. Games en Switch 2, como Hogwarts Legacy, lo único malo es que las ediciones físicas son tarjetas llave, por lo que deberás tener espacio en la microSD Express o el almacenamiento interno para poder descargar el juego (23,7 GB).

La opinión de Hobby Consolas de LEGO Batman: El Legado del Caballero Oscuro para Nintendo Switch 2.

En ocasiones, lo más inteligente es retrasar un lanzamiento si no está listo. Este nuevo LEGO Batman: El Legado del Caballero Oscuro es un ejemplo de ello, porque el tiempo extra ha servido para pulir el juego y se nota. Visualmente es una delicia, y se ve casi tan bien como en el resto de versiones, y muy por encima de anteriores propuestas del hombre murciélago, como LEGO Batman 3.

Como en otros ports para Nintendo Switch 2 hay pequeños sacrificios, quizá el más "doloroso" sea el de los frames, pero es una experiencia completamente disfrutable, que cumple con nota y que disimula muy bien las diferencias. Diría que es muy vistoso hasta para ser un juego de LEGO, y eso que hemos visto ya unos cuantos, y muy buenos.

Así pues, si estabas esperando a ver cómo quedaba esta versión para decantarte por el juego, puedes estar tranquilo: LEGO Batman: El Legado del Caballero Oscuro es otro gran port que añadir al creciente catálogo de Nintendo Switch 2.

A unos FC 26 y FC 25 con innovaciones, pero sin llegar a destacar en demasía, les sustituye una entrega que entra al terreno de juego pisando fuerte con su gran novedad, The Grounds, un mundo abierto que ha hecho de este análisis de FC 27 algo mucho más interesante.

Porque, fuera de ese gran añadido, lo que tenemos con FC 27 vuelve a ser lo que todos y todas conocemos ya, un fútbol conocido, pulido y adictivo, que se encuentra rodeado de microtransacciones y poca innovación en materia de novedades jugables o contenido.

• Así es The Grounds, el mundo abierto de EA Sports FC 27
• ​Novedades jugables de EA Sports FC 27, ajustes y modos de juego
• ​El precio, ediciones y plataformas de EA Sports FC 27
• ​La opinión de Hobby Consolas sobre EA Sports FC 27
• ​Nota: lo mejor y lo peor de EA Sports FC 27

The Grounds, el mundo abierto de EA Sports FC 27

Como digo, la gran novedad de esta entrega es The Grounds, un "mundo abierto" en forma de HUB social de considerables dimensiones que permite conectar a los jugadores de una forma similar a lo que hemos visto durante años en La Ciudad de NBA 2K.

Sin embargo, pese a que este mundo parece llegar algo tarde y a que no presenta demasiadas diferencias en planteamiento, sí que está mucho mejor presentado. Tiene muchísima más identidad, tanto en las actividades únicas que propone, como en el propio diseño y estética.

Electronic Arts ha hecho un buen trabajo con The Grounds en materia de ambientación, ya que sus calles están inspiradas en tres países con una gran cultura futbolera. Este mundo se divide en tres barrios: Montclair (París), Zeiza (Argentina) y Parkside (Londres).

En sus calles encontrarás pequeños homenajes a grandes jugadores locales como Carlos Tevez "el Apache" o Zlatan y su época en el PSG y también con pequeños retos de puntería que te permiten estar dando balonazos cada dos por tres. La exploración es anecdótica, pero dudo mucho que esto sea lo que hay que pedirle a un juego de fútbol.

Aunque lo importante son las actividades. Diseminadas por los tres barrios hay varias canchas en las que se pueden participar en duelos 1v1, 2v2,3v3, partidos de Rush, 11 contra 11 y minijuegos que van desde el futcesto, hasta un balón prisionero o una "petanca".

Son actividades "tontorronas", pero ese estilo dicharachero y cierto aroma a FIFA Street les dan bastante personalidad y son ideales para echarte unas buenas risas jugando en compañía de colegas o salir del estresante bucle competitivo de Ultimate Team. La verdad es que todas son bastante divertidas y enganchan más de lo esperado.

Para participar en estos minijuegos puedes ir caminando por el mapa (con animaciones bastante toscas) o mediante viaje rápido. Una vez llegas esperas cola y te emparejan con cualquiera que también este disponible. También puedes formar grupo si ya estás con amigos.

Aunque lo importante de The Grounds radica en que aquí se ha integrado el modo Clubes. Es cierto que no me termina de convencer que para acceder a esta modalidad haya que pasar por The Grounds, pero como el mundo abierto no está mal, el trámite no es un tedio.

Por su parte, Clubes se revitaliza con algunas opciones con torneos con reglas alternativas de 11v11 para salir de las ligas y los play offs y también con un sistema de progresión para tu jugador vinculado a todo lo que haces en la ciudad de The Grounds.

Al participar en cualquier evento o actividad ganas experiencia con la que consigues subidas de nivel que desbloquean puntos de atributo para mejorar a tu futbolista (después de haber escogido un arquetipo).

En tus primeros pasos conocerás a varios mentores como Alex Hunter (que regresa del mítico El Camino) y estrellas como Kylian Mbappé, Paulo Dybala (lo del doblaje en videojuegos no es lo suyo) o Chloe Kelly.

Y más allá de la progresión y el propio fútbol también tenemos la moda, ya que hay dispersas una buena cantidad de tiendas en la que se puede comprar ropa y artículos cosméticos con los que "tunear" a nuestro avatar. Por supuesto, EA no da puntada sin hilo y aquí aprovecha para potenciar las microtransacciones (otra vez). FC Points que no falten...

Quitando lo esperado y que faltan algunas mejoras de calidad de vida, lo que propone The Grounds está bastante mejor medido que otros modelos como La Ciudad. ¿Es lo que necesita la saga FC? No lo veo como algo tan definitorio a estas alturas y un par de minijuegos no van a hacer que te quedes demasiado tiempo, pero el resultado es interesante al menos, especialmente, si jugas con un grupo de amigos.

La jugabilidad de FC 27: cambios, mejoras y modos

En términos de jugabilidad, quizá sea porque vengo de echarme más de 40 horas a eFootball Kick-Off en Switch 2 (muy disfrutonas, aunque el juego está muy por debajo), pero he notado unas cuantas mejoras en el gameplay de esta nueva entrega, que sigue exhibiendo un fútbol tremendamente pulido en casi todos los aspectos.

Como siempre, aquí no vas a encontrar ninguna revolución si vienes de pasadas entregas, pero se han toqueteado algunos aspectos que hacen de estos partidos una experiencia un tanto diferente. ¿Qué novedades tenemos en lo que a puro "furbo" se refiere?

Por supuesto, la diferenciación entre jugabilidad competitiva y realista se mantiene y para esta primera se ha realizado un ajuste en la IA de la defensa que soluciona los problemas que muchos jugadores tenían con su dependencia. Ahora todo se basa en la defensa manual.

Se nota que la inteligencia artificial apoya en zona, pero no interfiere tanto en la recuperación del cuero, lo que da más autonomía y control al jugador. No obstante, no es la única novedad importante.

Otro de los ajustes está en los centros. De primeras, se sienten más imprecisos, pero es algo intencional, ya que EA Sports ha hecho que sean menos automáticos. Ahora ya no van dirigidos al jugador, sino a una zona, lo que fomenta que el posicionamiento sea clave, que vayas tú a buscar el esférico activamente.

Se mete una mayor rosca si no controlas bien la puntería y la fuerza del golpeo. Esto también se aprecia en los saques de esquina, que ahora son... digamos, en dos tiempos. Y es que justo tras ajustar el centro al área hay una pequeña ventana de tiempo en la que se puede activar con R1 un movimiento llamado "Evasión", que permite cambiar de posición con el atacante o el defensor para buscar un mejor ángulo para el remate o el despeje.

Es un añadido interesante, aunque no lo he notado demasiado diferenciador, pese a que los golpeos de cabeza sean más variados y ofrezcan nuevas colisiones. En este sentido, el juego sigue presentando contactos muy realistas, que se lucen en nuevas acciones como los regates en desequilibrio. Aquí FC 27 es el rey del mambo.

Y en lo que respecta a la oferta de modos, todo sigue más o menos igual al ser una entrega que ha priorizado The Grounds como gran novedad. Aún así, aquí y allá tienes algunas pequeñas novedades en Ultimate Team o en el modo Carrera, la modalidad más blindada.

En Carrera, la jugabilidad realista la he notado mejor implementada que el año pasado, con movimientos menos robóticos y un ritmo más depurado, pero sin duda la gran novedad está en materia de traspasos, un sistema completamente rediseñado que, si llevas unas cuantas entregas sin jugar, le convierte en el modo más llamativo de la entrega.

Y en lo que respecta a Ultimate Team, lo que tenemos es otra vez el mismo bucle. No hay sorpresas y a estas alturas, la gallina de los huevos de oro cansa en exceso. Ese bucle anual de formar a tu equipo trata de alargarse en el tiempo para que no tengamos un conjunto de astros en la primera semana, pero poco o nada se puede hacer en esta materia.

Hay DCP optimizados que simplifican algunos de los tediosos requisitos que antes se exigían para conseguir recompensas. También se ha introducido la Galería, la gran novedad de esta entrega para este modo, que pretende hacer que cada recompensa obtenida tenga un mayor significado para los jugadores.

Puedes guardar jugadores que te ayudaron a ganar, por ejemplo, incluso aunque ya no estén en el equipo. Todo esto ayuda a desbloquear recompensas y ha mantener una sensación de progreso que puedes guardar incluso con expositores en 3D. Sin embargo, tampoco me parece una novedad definitoria.

​El precio, ediciones y plataformas de EA Sports FC 27

FC 27 está disponible en formato físico y digital para PS5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch 2 y PC por un precio de 79,99 euros (59,99 euros en Switch y 69,99 euros en PC) en su edición estándar.

Por su parte, la edición Deluxe de 109,99 euros incluye unos cuantos extras como artículo de futbolista ICONO de FUT con GRL 93+, 6000 FC Points en 3 meses, espacio de EVO de futb. de FUT, 5 espacio de creación de desafío de Mánager en vivo o un ojeador sénior de 5 estrellas en Carrera de mánager.

Fútbol... Sigan

FC 27 se mantiene en el trono ante la poca competencia futbolera que hay en el sector del videojuego. El músculo de todos los años sigue definido gracias a la ristra de licencias de equipos, estadios, jugadores y ligas con las que cuenta Electronic Arts y al buen apartado técnico del que hace gala cada entrega que llega al mercado.

Y si a los 21.000 futbolistas con licencia completa, los 140 estadios, 800 clubes y más de 35 ligas le sumas que se ha seguido puliendo un poco más la buena jugabilidad que ya conocemos y que se ha añadido una interesante novedad como es The Grounds, pues nos queda una de las entregas más disfrutonas de los últimos años.

¿Es más de lo mismo? Desde luego que sí y no creo que ya nada logre justificar pasar por caja a estas alturas todos los años, incluso cuando The Grounds es uno de los añadidos más potentes de esta era "postFIFA". Quitando ese mundo, todo lo que conoces sigue ahí.

FC 27 sigue presentando un modelo anual cansino, pero como juego, como producto alejado de su contexto anual, no está nada mal. Quitando las horripilantes microtransacciones y ese carácter de juego como servicio que le despluma de atractivo, aquí tenemos el fútbol más social que hemos visto en mucho tiempo. Arranca el partido.

Tal y como te voy a contar en este análisis de Silent Hill Townfall, lo que han conseguido la triada formada por Screen Burn, Annapurna Interactive y Konami es digno de mención. Todo lo que define a estos nombres se puede encontrar en este survival horror.

Los creadores de Stories Untold y Observation han sabido cómo recoger el sello de calidad narrativa y jugable de Annapurna trayendo las señas de identidad de esos juegos mencionados anteriormente a una saga que Konami ha guardado con recelo durante años.

¿El resultado? El juego es mucho más que el primer gran survival horror en primera persona de la saga. Este nuevo trauma entre la niebla es una historia muy emocional y directa. Vamos con el análisis de Silent Hill Townfall para PS5 y PC:

• La historia de Silent Hill Townfall: narrativa, guion y ambientación
• ​El gameplay de Silent Hill Townfall: terror en primera persona
• ​La duración de Silent Hill Townfall: finales y rejugabilidad
• ​El precio, plataformas y ediciones de Silent Hill Townfall
• ​La opinión de Hobby Consolas sobre Silent Hill Townfall
• ​Nota: lo mejor y lo peor de Silent Hill Townfall

La historia de Silent Hill Townfall, reviviendo el colapso de un pueblo

Silent Hill no es un pueblo, es un fenómeno y esta idea ha quedado más que cristalina con este juego. Konami se atrevió a salir de la icónica localización con A Short Message y Silent Hill f, pero es Townfall quien confirma que esa decisión ha sentado genial a la franquicia.

Silent Hill Townfall nos lleva a la Escocia de 1996, más concretamente a St. Amelia, un pequeño pueblo pesquero de la costa del Mar del Norte inspirado por la pequeña población real llamada San Monans.

El pueblo tiene todo lo que hizo que la saga se convirtiera en un baluarte del survival horror (hay guiños constantes), pero Screen Burn demuestra tener unas grandes dotes para dar personalidad a esta nueva localización. Recuerda al original, pero tiene identidad propia.

Hace unos meses pude preguntar al director del juego, Jon McKellan, por qué habían escogido Escocia como ambientación, más allá de que el estudio es de Glasgow, y este me respondía que habían querido trabajar sobre unos cimientos que conocieran a la perfección.

Y vaya si se nota. St. Amelia es una extraordinaria representación de la identidad escocesa/británica que predominaba en los años noventa. Las calles, la arquitectura, los establecimientos, la tecnología que se encuentra aquí y allá... Todo respira una identidad marcadísima fruto del mimo y la ventaja que te otorga "jugar en casa".

Desde el puerto, pasando por las calles empedradas y las viviendas de pueblo, las urbanizaciones de adosados (como las típicas viviendas inglesas estrechas), el diseño brutalista de los edificios, los soportales de las mancomunidades, el recargado interiorismo o detalles como que haya cabinas telefónicas para guardar partida, videoclubs o comercios locales generan una atmósfera que te atrapa a cada paso que das.

Y el resto llega de la mano de un guion francamente cautivador y absorbente que bebe del más puro estilo Silent Hill para que, desde un primer momento, empieces a volverte loco haciendo conjeturas sobre qué diantres ha pasado en St. Amelia.

Porque, efectivamente, algo terrible ha ocurrido en el pueblo. En la piel de Simon, un completo desconocido del que solo sabes que ha llegado nadando con una vía enganchada en el dorso de la mano, debes responder a una extraña petición que un hombre te formula tu mente: "aclara todo este asunto".

A partir de aquí comienza un relato que no para de generar todo tipo de incógnitas que se van desmadejando muy poco a poco, con un ritmo lento, pero constante; que, a su vez, va suscitando más y más interrogantes a medida que te adentras en la espesa niebla.

El Otro Mundo, posibles bucles temporales, una extraña mujer llamada Zoe... Irremediablemente, Townfall recuerda a Silent Hill 2, pero Screen Burn sabe cómo cambiar ciertos planteamientos para que la historia vuele libre y sin ataduras, planteando sus propios conflictos.

El guion pone el foco en la psicología de los personajes y en aspectos como la culpa, el remordimiento, el duelo y la vivencia de un trauma muy real y palpable atado a mensajes más globales y "tangibles" como el anticorporativismo o el desarrollo y los cambios sociales y tecnológicos que sacudieron la década de los noventa.

Todo esto lo vas descubriendo gracias a una potente narrativa ambiental y las pequeñas interacciones que van teniendo los pocos, poquísimos, personajes que tiene esta historia, que son retratados de un modo bastante arriesgado.

Y es que tengo algunos problemas para conectar con Simon.... El paso a la cámara subjetiva no ocurre como con Resident Evil VII y Ethan Winters. Sí, el jugador se fusiona con Simon durante el gameplay, pero luego hay escenas cinemáticas que se separan de esta representación.

No hubiese estado mal que se mantuviera únicamente un punto de vista (de hecho en el libro de arte conceptual del juego se señala que llegaron a valorarlo) para hacer que esa suspensión de la incredulidad, por la que abandonas el sentido crítico de la vida real, se viese fortalecida. No ayuda que Simon tenga bastante poco carisma.

Y aún con esto, el relato que narra Townfall logra encajar y mantener la pegada. Vale que Simon es un poco "veleta" con los acontecimientos que le rodean, pero al ser el eje central del misterio (qué hace ahí y cuál es su relación con la catástrofe de St. Amelia) hace se mantenga a flote, en parte, porque el juego recurre a un "truco jugable" (no haré spoilers) para ofrecer más puntos de vista en general.

Esa inmersión queda apuntalada por un fantástico apartado audiovisual. Aquí, Screen Burn toma una decisión particular: añadir bandas negras a la imagen, para establecer un relato más cinematográfico como ya vimos en títulos como Hellblade 2 o The Order 1886. No obstante, que no cunda el pánico, esta opción es totalmente opcional y se puede quitar desde el menú de ajustes.

Pero, juegues como juegues, lo que encuentras es un apartado gráfico realmente potente en muchos momentos, repleto de escenas y atmósferas sobrecogedoras y angustiosas gracias a la baja visibilidad y al inteligente uso de la linterna en muchas situaciones.

Todo termina de asentarse gracias a un gran diseño sonoro fomentado por los temas de una banda sonora compuesta por Pilotpriest y unos efectos de audio que saben cómo generar tensión y pavor.

El gameplay de Silent Hill Townfall: survival horror, puzles y sigilo

Si el remake de Silent Hill 2 se inspiró en la fórmula ganadora que nos dejó Resident Evil 2 allá por 2019 (que redefinió el concepto de survival horror moderno), Townfall se basa mucho en los grandes aciertos que se produjeron cuando el género se aproximó a la perspectiva subjetiva con obras como Resident Evil VII o Alien Isolation.

Lo que tenemos con Townfall es una jugabilidad sencilla, pero firme en sus convicciones y resolutiva en su forma. El principal añadido a la fórmula de Silent Hill es un sigilo que aquí toma el protagonismo por completo, ya que el combate y las ideas propias que introduce Screen Burn están atadas a eso de "bajar el culo" y que nadie te vea.

Al transcurrir en primera persona, todo está vinculado a ese campo de visión más "reducido", por lo que el juego propone algo muy interesante. Ampliar esa perspectiva usando el dispositivo CRTV. La mítica radio de Silent Hill es sustituida por este noventero "cacharro" que permite sintonizar ciertas bandas de frecuencia para poder detectar pistas y, especialmente, enemigos.

Cada frecuencia pertenece a un enemigo, que aparece en pantalla silueteado a través de un edificio, una pared o cualquier tipo de obstáculo. Así el jugador puede ser mucho más consciente de los peligros que le rodean. Además, este CRTV se utiliza también en un pequeño minijuego que requiere del giroscopio del mando DualSense.

Más allá de esto, también se incluye una interesante acción que permite asomarse desde un parapeto sin necesidad de exponerse demasiado. Este movimiento es más vistoso en la teoría que en la práctica y pese a que le he sacado partido, que de base exista el CRTV y su ultravisión invalida más de una vez esta segunda mecánica de sigilo.

Un sigilo, eso sí, muy convencional: el ruido de los pasos, agacharse para evitar líneas de visión, conocer los patrones de patrulla de los monstruos, utilizar objetos arrojadizos para distraerlos... Todo lo que ya conoces está aquí. No hay nada de malo en ello, desde luego, pero es cierto que, a título personal, tampoco habría estado de más ver algo más de arrojo en la forma de plantear los paseos por los escenarios.

No obstante, el combate, los puzles y las clásicas cadenas de pesquisas del género (mapa con apuntes en mano) hacen que ese sencillo sigilo no se haga bola. En parte, porque se ve rodeado de más mecánicas, como el combate.

Al igual que James Sunderland, Harry Mason, Hinako y otros tantos personajes de la saga, Simon no es ningún luchador, así que sus métodos son más rudimentarios.

El cuerpo a cuerpo también lo es, ya que solo tiene ataque fuerte, ligero y protección. Las armas tienen durabilidad, así que hay que andarse con mucho ojo, porque, en general, los combates se pueden evitar y liarte a leñazos no suele ser la mejor de las ideas, dado que los enemigos son resistentes.

Lo son algo menos contra una buena bala, pero el control de la pistola es impreciso a propósito, disparar hace mucho ruido y la munición es sumamente escasa. Además, Simon no es la persona más veloz...

Por suerte, en caso de morir, tiene una segunda oportunidad si consigues combinar (otra mecánica clásica) dos objetos concretos. Y es que, los enemigos, no suelen dar tregua si te pillan.

Sobre ellos tengo dos pegas. La primera es que sus diseños no sean muy arriesgados y como se pueden contar con los dedos de una mano, acaban repitiéndose. Me habría gustado ver algo más de arrojo en este sentido. La segunda es que la IA, especialmente en el caso de un enemigo, no está del todo bien implementada.

Aún así, que el bajo número de tipos de enemigos no te deprima, Screen Burn los administra notablemente gracias a la variedad de entornos que visitas (muchos más de lo esperado), al ritmo del juego y a que muchas veces los enfoques jugables van cambiando.

En ese sentido, los puzles de Townfall hacen que la aventura sea mucho más interesante. Son rompecabezas que normalmente se entrelazan con secciones de puro survival horror. Prácticamente todos me han gustado. Son variados, vinculados a la trama e imaginativos.

Eso sí, quizá haya un par que deberían ser un poquito más explicativos y hay un algunos fallos de traducción al castellano que pueden dar lugar a equívocos en la resolución de los más grandes.

Más allá de eso, lo que me convence del todo a nivel jugable es que cada escenario presenta variedad e identidad. Hay una sección, ya en el último tercio del juego, que me parece brillante. Tan brillante como para no querer dar un paso más porque los sustos y la tensión son constantes. Es un nivel terrorífico, pero muy divertido.

Además, las típicas misiones de "consigue una llave", "encuentra dos objetos" o "hazte con x cosa" están rodeadas de acertijos ágiles e imaginativos que llevan por bandera el estilo jugable de Screen Burn que hemos visto en juegos como Stories Untold.

Si te mola la década de los noventa, lo vas a gozar con Townfall, porque la desarrolladora escocesa propone un terror analógico, en donde la tecnología de la época tiene un papel protagonista en los rompecabezas. Los ordenadores con el uso de disquetes, bandejas de correo electrónico del "Pleistoceno", las impresoras o los paneles de control y sus complejos comandos son imprescindibles en esta aventura... Por no hablar del constante uso del CRTV.

La duración de Silent Hill Townfall: finales y rejugabilidad

He tardado en completar Silent Hill Townfall unas diez horas, aproximadamente. El juego no es especialmente largo, pero mide extremadamente bien sus secciones para que ninguna se haga pesada.

También depende de la dificultad. Por ejemplo, jugar en el modo más complejo hace que los enemigos puedan ver la luz de tu linterna, lo que le da a la partida una dosis extra de desafío en muchos momentos.

Por último, está el tema de los finales. Por restricciones en el embargo, no puedo comentar mucho sobre el asunto. Solo diré que hay cinco y me gusta mucho cómo están planteados para hacerte probar en futuras partidas. Hay rejugabilidad en este Townfall.

El precio, plataformas y ediciones de Silent Hill Townfall

Silent Hill Townfall está disponible en formato físico y digital en PS5 y PC con una edición estándar a un precio reducido de 49,99 euros. No obstante, también puedes hacerte con una edición Deluxe de 59,99.

Esta incluye un atuendo alternativo para Simon, así como un interesante libro de arte visual en el que se incluyen comentarios de los desarrolladores sobre el proceso creativo del juego. Además, también incorpora la banda sonora, también en formato digital.

Pon las antiniebla, que se vienen curvas

Quizá por ese precio reducido, Silent Hill Townfall puede llegar a despistar a más de un fan, pero lo conseguido por Screen Burn, Annapurna y Konami es lo que cualquier apasionado de la saga merece disfrutar (y sufrir) después de tantos años.

Silent Hill f fue un título mucho más arriesgado que Townfall, con unas virtudes tremendas, pero también con un giro jugable más alejado de la esencia de la saga. Lo que tenemos con esta nueva entrega es todo aquello que no hemos llegado a ver en este renacer de Silent Hill.

Townfall cambia de perspectiva, pero no de visión. Aludiendo y proyectando los grandes éxitos de la saga, el viaje a Escocia nos adentra en un misterio menos místico y más psicológico, un nuevo trauma de calidad digno de experimentarse.

A nivel jugable no es revolucionario y su menor presupuesto puede dejarse entrever en algunos aspectos, pero Screen Burn sabe convertir esas debilidades en fortalezas al entregar variedad, buen ritmo y mecánicas lo suficientemente frescas como para hacer de este juego una entrega clásica y definitoria. Toca adentrarse en la niebla.

Jesse cede el testigo a su hermano Dylan para invertir las tornas. Esta vez es ella la que está desaparecida y él quien debe buscarla, además de lidiar con un buen marrón.

El siseo que puso la Casa Inmemorial patas arriba parece haber escapado hasta la ciudad, pero lo más grave parece ser la Pauta, un extraño fenómeno que está duplicando y distorsionando todo lo que toca.

Antes de desaparecer, Jesse dejó a Dylan un arma muy extraña: el Aberrante. Esta se puede transformar en un mazo, unos puñales o una guadaña (o lo que Dylan quiera, en esencia) a voluntad, así que Dylan comienza a recorrer las calles con él, mientras se enfrenta a una buena ensalada de problemas.

Ha de dar con Jesse, escuchar las extrañas voces de El Consejo en su cabeza y, de propina, acabar con los Resonantes, unos poderosos seres mutados a partir de simples humanos por culpa de la Pauta.

Saca la guadaña a pasear

Así, mientras que el juego original se basaba sobre todo en el uso de nuestra arma a distancia, aquí los combates son más cuerpo a cuerpo, más a lo hack and slash, aunque nuestros ataques pueden tener un alcance bien lejano.

Nuestro objetivo es recorrer la ciudad, que es un entorno más abierto que el del primer juego, para investigar lo sucedido e ir avanzando en las misiones de la trama principal.

Como la urbe ha sido pautada, es decir, deformada, hemos de explorar, en primer lugar, con muchos saltos y plataformeo, para sortear toda clase de abismos y edificios imposibles.

Por suerte, las habilidades sobrehumanas de Dylan le permiten levitar unos instantes, ejecutar un doble salto y propulsarse hace delante, lo que será fundamental no solo para el habitual “plataformeo”, sino también en los combates.

Estos, como decimos, se basan en el uso del Aberrante. Podemos elegir entre tres formas base para el ataque de combos (más adelante podremos desbloquear las otras formas), varias formas más para ataques más pesados y, finalmente, una forma más para remates. Además, todas estas formas se pueden ir modificando poco a poco para que tengas efectos pasivos extra.

Así, podemos tener combates en los que damos latigazos, golpeamos con el mazo y rematamos con una hélice que haga daño acumulativo, a la vez que fintamos los ataques enemigos.

Al avanzar en la trama, conseguimos movimientos especiales, que dependen de nuestra barra de energía, la cual se recupera a base de usar ataques normales.

Estos movimientos especiales son claves para la estrategia y van desde lanzar proyectiles hasta activar daño de fuego unos segundos o incluso invocar monstruos de apoyo que nos ayuden.

Marcar bien el ritmo y las pautas de ataque es fundamental por tres motivos. Primero, porque nuestra salud no se regenera sola, hemos de eliminar enemigos para recuperar un poco.

Segundo, porque si agotamos la resistencia de uno de ellos podemos llevar a cabo una ejecución, lo que nos llevará unos segundos al estado de Dominancia. En él, hacemos bastante más daño al resto de enemigos.

El tercer elemento a tener en cuenta es que hay enemigos normales y pesados. Seguirán aparecido normales hasta que acabemos con todos los pesados, que por supuesto son más resistentes.

El GPS no te servirá aquí

Como veis, hay bastante miga al combatir, a lo que hay que añadir la exploración.

El primer Control ya era un juego complejo en ese sentido y, de hecho, era fácil llegar a perderse o, simplemente, no saber qué hacer a continuación.

Aquí tenemos dos tazas de eso, ya que en muchas ocasiones Dylan tendrá que enfrentarse a anomalías gravitacionales y correr por las paredes o por el techo, al más puro estilo de la película Origen.

También hemos de cumplir otras tareas como transportar cargas eléctricas a unos acumuladores para activar interruptores, enfrentarnos a paredes o plataformas que desaparecen, distorsiones temporales, cornisas lejanas a las que solo llegamos al desbloquear ciertos movimientos...

Vamos, que solo para explorar el mapeado vais a tener que dar muuuucho al coco y pensar más allá de la tridimensionalidad tradicional porque, al ir avanzando, puede que os toque saltar y que en pleno salto lo que antes era izquierda y derecha se convierta en arriba y abajo.

Siempre hay algún tipo de pista, ya sea por efectos de luz o algún detalle del escenario, pero habrá que observar bien tanto lo que vemos como el mapa y, esta vez sí, el minimapa durante la partida.

Estos dan una orientación general, pero que un objetivo esté delante de vosotros en el mapa no significa que necesariamente haya que ir en línea recta. Quizá haya que ir por una estación de metro, o dar un rodeo por azoteas cercanas porque el camino esté bloqueado...

Esa sensación de tener que buscarnos la vida para dar con el objetivo puede resultar realmente frustrante en ocasiones, pero también forma parte del encanto de una experiencia donde lo normal es lo paranormal.

Taxi hacia lo desconocido

Esto es especialmente evidente en los montones de misiones secundarias que podemos encontrar: eliminar monstruos imposibles o frenar objetos poseídos, resolver puzzles basados en pistas del escenario o incluso viajar a mundos alternativos en los que hemos de escudriñar bien los objetos para dar con la solución.

Nuestro favorito es el taxi que puede aparecer en los lugares más insólitos y nos lleva a una calle distorsionada, pero también podéis incontrar máquinas recreativas que nos proponen desafíos de parkour o un perrete que parece perdido por algún motivo...

Hay mucho por superar si os queréis desviar de la historia principal, a lo que hay que añadir decenas y decenas de textos que dan información sobre la trama, diálogos en los que podemos elegir qué responder para ver cómo reaccionan los aliados y un espacio de gestión llamado La Brecha, al que podemos viajar siempre que no estemos en combate.

Allí, podemos canjear los puntos de experiencia y objetos conseguidos por habilidades nuevas para Dylan, más movimientos para el Aberrante o incluso objetos que podemos colocar en nuestro inventario para ganar ciertas ventajas, como más resistencia a ataques de moho. Sí, vais a ver mucho moho en el juego...

Cuántas horas dura Control Resonant. ¿Es un juego difícil?

Todo esto hace que la aventura vuelva a colocarse en una marca cercana a las 40 horas, si nos entretenemos con algunas secundarias, aunque completar el juego con el 100% de tareas puede llevar mucho más.

Como supondréis, es una experiencia bastante difícil, tanto por la exploración tan atípica que nos propone como por los propios combates: los enemigos tienen un nivel concreto y, si nosotros no hemos subido lo suficiente, pueden ser muy, muy difíciles de superar.

Aunque no hay modos de dificultad como tal, sí podemos, desde las opciones, activar el modo Asistido. En él, podemos configurar al detalle la fuerza los enemigos, la nuestra o incluso activar la inmortalidad, aunque todo esto viene quitado por defecto, claro.

El modo Asistido solo sirve para los combates, no podemos activar ayudas para la exploración, así que ahí hemos de valernos por nosotros mismos.

No intente sintonizar su televisor

Como decíamos, esa es parte del encanto de un juego que, sin duda, tiene en su ambientación su principal valor.

Con Control Resonant os tenéis que preparar para calles imposibles, mundos casi oníricos en los que las formas se multiplican hasta el infinito, estaciones en los que los metros se mueven en todas direcciones y formas pautadas que parecen sacadas de un caleidoscopio.

Es realmente fascinante ver cada nueva ocurrencia que nos presentan tantos los escenarios como los enemigos, desde un “autobús fantasma” hasta el punto fuerte, los Resonantes, los cuales muestran unos diseños que asombrarían a Escher o Dalí.

Ese surrealismo de edificios infinitos y ciudades boca abajo se complementa con una historia que, dentro de su rareza, esta vez se explica mejor que en el primer juego.

Además, se mezcla con la historia personal de Dylan y Jesse, que se nos aparece en ciertas misiones especiales y da pie a momentos realmente duros y emotivos.

Todo esto no impactaría igual sin un apartado visual a la altura. Aquí la estrella es el diseño artístico, por supuesto, pero los gráficos lo representan todo con eficacia gracias a distorsiones, efectos de luz, deformaciones... Los escenarios intimidan al principio y asombran después, mientras que los personajes se quedan más a medio camino.

Como en el primer juego, los modelos de personajes, incluido el protagonista, son extraños, como cabezones y no especialmente expresivos, mientras que el diseño de monstruos sí es mucho más convincente, especialmente en el caso de los Resonantes.

Las animaciones de combate sí consiguen su efecto de contundencia muy bien y son fundamentales para que las luchas sean tan fluidas como espectaculares.

En el caso de PS5 y Xbox, podemos elegir entre modo Calidad o Rendimiento, siendo el primero mucho más recomendable porque la acción va notablemente más fluida.

Hay algunos casos de ralentizaciones, que por lo que hemos podido averiguar con compañeros de la prensa, no se dan por ejemplo en un PC de gama media.

Hablando de PC, lo hemos podido probar también en portátiles tipo Steam Deck, en concreto en ROG Xbox Ally X y debajo de estas líneas lo podéis ver en movimiento...

Como podéis ver, se mueve de manera perfecta a 60 fps durante todo el tiempo, con una resolución de 1080p y un nivel de calidad que, si bien no es el máximo, luce bastante bien en una portátil de estas características. Sin duda, una gran alternativa donde jugarlo.

El apartado sonoro, al margen de esas melodías tan bien escogidas por Remedy como siempre, mejora gracias a un doblaje al castellano que, esta vez, sí que es bueno. Actores que se meten muy bien en la piel de los personajes y expresiones muy bien adaptadas a nuestro idioma ayudan mucho a sumergirnos en la atmósfera.

Lamentablemente, también nos hemos topado con varios casos en los que los diálogos pasaban de golpe a estar en inglés, voces que no cargaban o subtítulos que ocupaban por error toda la pantalla.

Seguramente todo eso tenga solución con parches y, en cualquier caso, solo nos ha pasado unas pocas veces a lo largo de la aventura, pero son elementos que manchan un poco la experiencia.

Precio y ediciones de Control Resonant

De lanzamiento, Control Resonant solo ha estado disponible en formato digital, con dos ediciones: la estándar a un precio de 59,99 euros, y la digital deluxe por 10 euros más, que incluye la banda sonora, libro de arte digital, un traje, un paquete de recursos y un objeto especial.

Un mes después, Remedy ha lanzado las ediciones físicas, que a nuestro país ha llegado vía Meridiem Games, y están disponible para PS5 y Xbox Series X|S. Por un lado está la estándar, por 59,99 euros, y por otro la steelbook edition, con caja metálica, poster, y tres láminas, a un precio de 69,99 euros.

La opinión de Hobby Consolas sobre Control Resonant

En resumen, tal y como pasó con el primer juego, Control Resonant es una experiencia singular, valiente y, en muchas ocasiones, extremadamente original en su ambientación y diseño, hasta el punto de que su mundo puede llegar a apasionaros.

También es cierto que arrastra fallos técnicos en varios elementos y que las misiones más avanzadas pueden llegar a ser un quebradero de cabeza, en nuestra opinión, excesivo, pero no cabe duda de que tiene una personalidad llamativa y poderosa.

Eso sí, después de jugar Control Resonant no queremos ver un cubo de Rubik, al menos, en un par de años. Tenemos las neuronas agotadas...

Y, aunque Blizzard ha tomado algunas decisiones cuestionables, como vamos a ver en este análisis de Diablo 4: Age of Hatred Collection para Nintendo Switch 2, no es menos cierto que estamos ante un port muy meritorio, con algunos detalles gráficos que están entre lo mejor que hemos visto en la consola. Hablo por ejemplo, del uso de Ray Tracing.

Y dado que hablamos del mismo juego, y con el contenido del que ya dio cuenta mi compañero David Rodríguez en 2023, en este análisis me voy a centrar en los aspectos técnicos del port, y no voy a entrar en detalles de la historia, los aspectos jugables o la duración, ya que en el análisis de Diablo 4 para PS5 podéis encontrar toda esa información, aunque en estos tres años ha habido cambios y actualizaciones.

Muchos de esos cambios los han recogido las dos campañas adicionales que salieron después, y que están incluidos en esta edición Age of Hatred Collection. Y, de nuevo, como ya hemos dado buena cuenta en nuestros análisis de Vessel of Hatred y el más reciente Lord of the Hatred, tampoco me voy a detener a hablar de estos dos contenidos, los únicos que va a recibir tras anunciarse Diablo 5.

Aclarados todos estos aspectos, vamos con la review de Diablo IV Age of Hatred Collection para Nintendo Switch 2, uno de los juegos de rol de acción más aplaudidos de los últimos años, y que, gracias a su planteamiento de temporadas, sigue tan vivo como el primer día...

Las mejoras y añadidos de Diablo 4 Age of Hatred Collection

Como ya he adelantado, Age of Hatred Collection incluye los dos DLC del juego, que se suman a una campaña ya de por sí enorme, y más si piensas rejugarla con las ocho clases que incluye el juego base.

Lo mejor de todo es que al arrancar el juego por primera vez, el menú para iniciar partida te dejará elegir con qué contenido quieres empezar a jugar. Puedes ir directamente a por Lord of Hatred, aunque no es recomendable sin experiencia previa en el juego, así como elegir incluso los niveles de dificultad Tormento, si los tienes desbloqueados.

Los dos DLC añaden la clase espiritualista y la letal región de Nahantu (en Vessel of Hatred) y el paladín y brujo, así como las islas de Skovos en Lord of Hatred. Lo mejor de todo es que esta versión de Nintendo Switch 2 también se suma a la progresión y juego cruzados, por lo que si has jugado en PS5, Xbox Series X|S o PC, podrás importar tus personajes y partida y seguir jugando en la híbrida con usuarios de las demás plataformas. Un detalle de 10.

Así, y dado que estamos hablando de la versión actualizada del juego, empezarás tu aventura con 14 casillas de personaje y 7 pestañas de alijo. Además, desbloqueas al instante 3 objetos decorativos de World of Warcraft.

Aparte del contenido en sí, Diablo IV Age of Hatred también incluye algunas características para la nueva consola de Nintendo, como compatibilidad con la pantalla táctil (aparece la estrella del demonio para indicar donde hemos tocado, y es útil para elegir algunas opciones en los menús), aunque no aprovecha ninguna característica exclusiva de Switch 2, como los controles tipo ratón...

Paradójicamente, si tiene soporte para ratón y teclado, en caso de que prefieras jugar de manera más parecida a como lo puedas hacer en PC, aunque los controles están bien adaptados a consola, con atajos para las habilidades, menús radiales para las interacciones sociales...

También es posible jugarlo en cooperativo con otro jugador en una única Nintendo Switch 2. Para ello, cada jugador debe tener su cuenta en battle.net e iniciar sesión. No es pantalla partida, sino pantalla compartida, que ajusta el zoom para mostrar la acción si los dos jugadores se separan mucho.

Eso sí, Diablo IV para Switch 2 es otro de esos juegos que se comen el almacenamiento interno. No llega a lo de FFVII Remake Intergrade y sus 90 gigas, pero casi: ocupa 71,4 GB, y tienes que descargar el doblaje en castellano por separado (es una descarga gratuita).

Tres requisitos importantes de Diablo 4 en Switch 2 que debes conocer antes de comprarlo

No obstante, uno de los puntos más "polémicos" de este nuevo port es que, a diferencia de Diablo III Eternal Collection para Nintendo Switch, que era una experiencia que se podía disfrutar sin conexión a Internet (aunque así no podías acceder al contenido de las temporadas), Diablo 4 requiere de una conexión permanente para jugar en Nintendo Switch 2. Aunque juegues solo.

En esta ocasión, Blizzard ha apostado por una versión 1:1 con el resto de plataformas, y por eso aquí no hay opción de poder jugar offline. Y es algo que choca al tratarse Nintendo Switch 2 de una consola híbrida que puedes sacar de casa. Si quieres jugar fuera de casa en modo portátil, tendrás que compartir tu conexión del móvil, o no podrás.

Lo "bueno" de este planteamiento es que la progresión es cruzada entre todas las plataformas. Es decir, si has jugado en PS5, Xbox Series X|S o PC, puedes retomar la partida, y tus personajes, allí donde los dejastes.

En segundo lugar, y dada la naturaleza online del juego, no puedes dejar tu Nintendo Switch 2 en reposo, ya sea para atender una llamada, o levantarte para ir a la cocina a comer algo. O si pulsas por error el botón de encendido. En el momento que eso pase, el juego se desconecta automáticamente del servidor, y puedes perder tu avance.

En tercer lugar, aunque estamos hablando de una experiencia de juego online, no es necesario tener una suscripción activa a Nintendo Switch Online para poder jugar la campaña en solitario. Pero si quieres crear grupos y jugar con amigos, entonces sí tendrás que estar suscrito a Nintendo Switch Online.

Para este análisis he probado el juego cruzado con un compañero en PS5, y toda la funcionalidad está ahí, incluido el chat de voz, que funciona perfectamente. Eso sí, como experiencia online, los problemas de los servidores, comunes al resto de versiones, también están presentes en Switch 2, y es posible que notes algún que otro tirón o algo de retardo en los controles en determinadas circunstancias (o colas de espera, que suelen darse al comenzar una temporada).

El apartado técnico de Diablo IV: Age of Hatred Collection, otro gran port en Nintendo Switch 2

Como otros muchos ports, como Lies of P: Complete Edition o Fallout 4 Anniversary Edition, Diablo IV en Nintendo Switch 2 da la opción de poder elegir entre dos modos gráficos, con unas peculiaridades distintas en cada caso.

Por defecto, viene activado el modo "gráficos mejorados", con una resolución de 1440p (si juegas en el dock) y una tasa de frames fijada a 30 fps. Hace honor a su nombre, y aquí es donde vas a poder disfrutar de la mejor cara del juego.

La imagen es muy limpia, tanto en el gameplay como en las escenas de vídeo, e incluye los mencionados efectos ray tracing para las sombras y reflejos, además de efectos, como el pelaje, más detallados. Es un juego muy vistoso, la verdad, y sorprende que se vea tan bien y nítido.

Por su parte, los 30 fps son muy estables, por regla general, tanto a la hora de explorar los entornos como en combate, aunque en algunos de los momentos más mogolloneros, puede resentirse unos instantes, o también si el servidor no va todo lo fino que debiera...

Si desactivamos el ajuste de los gráficos mejorados, entramos en un modo "rendimiento". Lo pongo entre comillas, porque mejora el rendimiento, pero sin acercarse a los ansiados 60 fps. En este modo, la resolución baja a 1080p y la tasa de frames se queda fija en los 40. Si tienes una tele compatible con VRR, lo notarás más suave, si no, no.

En modo portátil se nota esté incremento de frames, y es como he estado jugando la mayor parte del tiempo. Claro que baja ligeramente el detalle, pero es una pérdida mínima a cambio de la ganancia. Sinceramente, creo que es como mejor se juega (y puedes ajustar el tamaño de los textos, si andas un poco cegato como yo).

No sé si Blizzard seguirá optimizando el juego para Switch 2, pero lo que parece claro es que alcanzar los 60 fps con estas configuraciones, es prácticamente imposible. Ya lo era en PC consolizados como Steam Deck...

Por su parte, los tiempos de carga, que a menudo son otro de los caballos de batalla de muchos ports, demuestran que Blizzard ha hecho aquí un gran trabajo de optimización con el port, y son realmente breves, de unos 3-5 segundos, al viajar de unas otras zonas.

Dado que el tono general del juego es bastante oscuro, por regla general no vas a notar mucho popping (y cuando lo hay, lo disimula de manera elegante, aparece de manera progresiva, no de golpe) y, salvo algún caso contado, el sombreado es bastante bueno, sin demasiadas imperfecciones, dientes de sierra o efectos raros.

A grandes rasgos, la calidad gráfica de Diablo 4 en Switch 2 me ha sorprendido para bien, y deja algunos efectos y detalles que están entre lo mejorcito que hemos visto en la consola, sin emborronar en exceso la imagen en ninguno de los dos modos. Y aunque la ausencia de los 60 fps puede echar atrás a algunos jugadores, la solución de los 40 fps hace bastante bien el apaño...

Cabe destacar que las imágenes de este análisis las he capturado con la propia Switch 2, y como siempre indico, no hacen justicia a lo bien que se ve jugando en la propia consola o en la tele a través del dock.

Precio y ediciones de Diablo IV: Age of Hatred Collection

Llegamos a otro aspecto "espinoso". De lanzamiento, Diablo IV Age of Hatred Collection cuesta 69,99 euros en formato digital. Es el precio de una novedad para un juego que tiene tres años (sí, los DLC son más modernos). No existe la opción de comprar solo el juego base a un precio más bajo, que podría haber sido una solución más económica.

También existe una "edición física", pero que en realidad es un CIAB o código en una caja, la que para mí es la peor de las posibles soluciones posibles. Ya podían aprender de sus colegas de Bethesda, y haber hecho como con Oblivion Remastered o Indiana Jones y el Gran Círculo, que han tenido lanzamiento físico de verdad, con los datos en la tarjeta, y con esos mismos precios... Muy mal ahí, Blizzard.

La opinión de Hobby Consolas de Diablo 4: Age of Hatred Collection para Nintendo Switch 2

Blizzard ya ha demostrado que la jugabilidad de Diablo encaja a las mil maravillas en consolas como Nintendo Switch y Switch 2. Ya lo demostró con Diablo III y después con Diablo II Resurrected. Eso sigue siendo aquí aplicable. La jugabilidad se adapta bien, el problema es el requisito del "siempre conectado online".

Es algo que, esta vez, parece más cabezonería de Blizzard que una necesidad real, ya que en los juegos antes citados, la parte online se limitó a las temporadas, o a la obligatoriedad de conectarse una vez al mes para comprobar la cuenta de Battle.net. En una consola híbrida, las de Nintendo, no tiene sentido imponer una conexión permanente si la vas a usar como portátil, porque limitas el uso juego a un contexto específico, aunque puedas compartir los datos del móvil con la consola.

Dejando ese enorme contra, como port, Blizzard ha hecho un gran trabajo. No se mueve a 60 fps, pero gráficamente deja un apartado gráfico que da el do de pecho con una imagen bastante nítida y algunos detalles impresionantes. Y el modo a 40 fps resulta algo menos nítido, pero la ganancia en fluidez lo compensa...

Así pues, si sabes a lo que vienes y las limitaciones que tiene, Diablo 4 es otro gran port para Nintendo Switch 2. Pero tengo muy claro que con menos barreras, sería todavía mejor...

Pero la vida es caprichosa y cuando menos lo esperaba, Dune Awakening ha llegado a mi convertido en el Lisan al'Gaib. El título de los creadores de Conan Exiles desembarca en PS5 y Xbox Series X|S como un juego muy cambiado que atrapa por completo.

Y es que en su salto a consola, Dune Awakening resurge transformado en un juego que renuncia a su identidad MMO para convertirse en un RPG de supervivencia de mundo abierto que se puede disfrutar solo o acompañado y que mejora en cantidad de aspectos.

No hace falta ser el Kwisatz Haderach para darse cuenta de que no es perfecto, pero a mínimo que te guste la saga (especialmente la trilogía de Dennis Villeneuve), quedarás embriagado por la especia. Vamos con el análisis de Dune Awakening para PS5 y Xbox Series X|S:

• La historia de Dune Awakening: un universo alternativo lleno de arena y sangre
• ​El gameplay de Dune Awakening: supervivencia y rol, ahora en solitario
• ​Las mejoras y contenido que llegan a Dune Awakening tras su paso por PC
• ​La dificultad de Dune Awakening
• ​La duración de Dune Awakening
• ​Precio, plataformas y ediciones de Dune Awakening
• ​La opinión de Hobby Consolas sobre Dune Awakening
• ​Nota: lo mejor y lo peor de Dune Awakening

La historia, ambientación y aspectos gráficos de Dune Awakening

Pese a que el núcleo de Dune Awakening responda más a la interacción entre jugadores y a la propia narrativa emergente que se suele generar en un survival, el título de Funcom apuesta fuerte por una historia alternativa dentro del lore creado por Frank Hebert.

Dune Awakening se aparta de los acontecimientos relacionados con Paul Atreides y plantea una realidad alternativa en la que el personaje nunca llegó a nacer. La dama Jessica tuvo una hija, frustró la conspiración Harkonnen y el Imperio declaró una Guerra de Asesinos en Arrakis. Como consecuencia, los Fremen fueron exterminados, pero Leto Atreides y su casa continuaron su misión en el planeta, mientras se mantuvo una confrontación con la casa del barón Vladimir.

Es aquí cuando entra en acción el protagonista del juego (personalizable con un completo editor) que es llamado por la Reverenda Madre con la misión de encontrar el legado de los Fremen.

A su llegada a Arrakis comienza este arco alternativo que, pese a no tener la pegada de la historia original, se las ingenia para explotar realmente bien el universo de la saga, brindando buenos momentos a lo largo de su cadena de misiones principal, expandiendo el lore de las Grandes Casas y trayendo de vuelta a personajes muy populares.

Además, con la llegada del juego a consolas, la trama del Libro I se da por concluida con un nuevo acto que cierra por completo la historia del juego, pese a que en un futuro pueda haber mucho más.

Obviamente, al controlar a un personaje nuevo, este actúa más como un avatar, un canalizador del guion. La historia pasa a través de él o ella y tus elecciones en los diálogos apenas tienen impacto real en las conversaciones, que no dejan de ser momentos explicativos o contextuales para conocer mejor ciertos acontecimientos.

Y es una lástima, porque el juego implementa opciones RPG en este aspecto, como respuestas que dependen de tu clase o de tu rango social, pero, como digo, el sistema se queda a medio gas. No esperes un The Blood of Dawnwalker o cualquier título rolero puntero aquí.

Más incluso, si la historia no te llega a convencer, Dune Awakening consigue representar a la perfección el atractivo de esta gran obra de ciencia ficción. La ambientación que ha conseguido plasmar Funcom en el juego es magistral.

La recreación de Arrakis es estupenda y es todo un acierto que su apartado visual se base en la trilogía más reciente de películas. El planeta deja estampas impresionantes a cada paso gracias a una escenografía cuidadísima que transmite esa belleza letal del planeta.

Quizá a nivel gráfico se quede un poco por debajo de grandes mundos abiertos de gran presupuesto (aunque funciona a 4K/60fps), pero el juego lo compensa con un gran diseño de arte y con una profunda variedad en cada uno de los escenarios y zonas del mapa.

Y más allá del desierto, otras localizaciones como Arrakeen también quedan genialmente plasmadas. Es cierto que su esqueleto MMO hace que algunas áreas "urbanas" se queden un tanto desangeladas, pero es una pega menor ante la gran inmersión que ofrece el juego. Y todo queda apoyado por una banda sonora que, sin llegar a la excelencia de Hans Zimmer, sí que transmite unas "vibras" similares.

El gameplay de Dune Awakening, ahora con supervivencia en solitario

En este apartado quiero centrarme en el nuevo modo para un jugador (en consola y PC). Básicamente, lo que encuentras aquí es lo ya estaba en el modo multijugador online, salvo que se han realizado ajustes importantes para que todo cuadre en el enfoque en solitario, que solo requiere conexión para crear el personaje.

Es decir, el mapeado es el mismo y se mantienen todos los NPC, misiones y recursos, pero no hay otros jugadores. No tienes que temer que tus bases sean saqueadas o que el paso del tiempo pueda afectar a tus recursos como podría pasar en un MMO. Creo que Funcom ha conseguido mantener el equilibrio aquí para ofrecer una experiencia muy, pero que muy sólida, que no acusa el peso de estar diseñada previamente con un esquema pensado para ser un multijugador.

Y teniendo esto en cuenta... ¿Qué es Dune Awakening? Pues un juego de supervivencia basto y completo en sus mecánicas y sistemas jugables. Sus grandes aciertos están asociados, precisamente, a esa naturaleza survival, pero no es lo único que brilla.

La recolección de decenas de tipos de materiales permite desencadenar un progreso constante y estimulante basado en la exploración de un mapa muy atractivo que se complementa con la construcción de bases, la obtención de nuevo equipo, armas, herramientas y vehículos de ensueño.

La faceta de supervivencia no agobia, pero si transmite a la perfección lo que supone vivir en un planeta como Arrakis. Tendrás que estar pendiente de tu salud, energía y de tu nivel de hidratación. Lejos de agobiarte con cantidad de parámetros, Awakening pone el peso de su supervivencia en el agua y en su escasez.

Obviamente, el juego se toma algunas concesiones y hay más población y capacidad de sobrevivir que en las novelas o en las películas, pero la manera en la que te fuerza a estar siempre pendiente del agua es brillante y queda muy vinculada al lore del universo.

Se mantienen señales de identidad como los destiltrajes, el rocío de ciertas plantas desérticas o la extracción de sangre de los enemigos que derrotas... El sol también puede secarte y debilitarte. El agua es la clave de todo, pero su escasez no es el único problema de este Arrakis.

El segundo gran peligro son los gusanos de arena, que detectan las vibraciones en cuanto sales a campo abierto. Hay margen para escapar, pero como te pillen perderás todo lo que lleves encima. Cuando empiezas a ver sus estelas en las dunas te invade un miedo real.

Esa supervivencia también se aprovecha de peligros como grandes tormentas de arena que azotan tus paseos por el mapa y que incluso pueden llegar a demoler tu base si no tiene escudos. Dicho sea de paso, el sistema de construcción del juego es completísimo y bastante manejable, incluso jugando en consola, algo que versiones de otros survival como Icarus o Bellwright no han conseguido replicar.

Los problemas también llegan de la mano de los saqueadores y otras facciones. El combate de Dune Awakening no es perfecto y se puede llegar a sentir un tanto tieso, aunque he visto casos peores.

Las armas a distancia están bastante conseguidas y pese a que el combate cuerpo a cuerpo es algo monótono y rígido, Funcom ha conseguido que se sienta "similar" a las luchas vistas en la saga. Por ejemplo, los ataques fuertes son los que pueden penetrar en los escudos de energía, al seguir una trayectoria más lenta.

El mayor problema del combate está en la IA enemiga (bastante tonta en unas cuantas situaciones) y en que hay muy pocos tipos de enemigos, lo que hace que puedas llegar a sentir cierto hastío pasadas unas horas. Aún así, el juego logra aguantar el tipo en este aspecto.

En parte porque la exploración es fantástica y desata el interés del jugador de una forma orgánica, tirando de un diseño similar al de Zelda Breath of the Wild. La geografía es clave y se puede escalar absolutamente todo (como en el juego de Nintendo) le otorga una verticalidad sensacional a un mapeado dividido en "islas".

Combate y exploración quedan muy ligados al sistema de clases del juego. Siempre podrás ir consiguiendo puntos o dando lecciones con maestros para desbloquear habilidades que permiten viajar por Arrakis mejor o combatir con nuevas destrezas. El rol se potencia ligeramente.

Estas clases se basan en arquetipos como los soldados y maestros de armas de las grandes casas, las Bene Gesserit, los mentat y otros particulares individuos del universo de Dune.

Y a su vez tienes un sistema de facciones asociado a los Atreides y a los Harkonnen, mazmorras (algunas de las cuales generan un opresiva y genial sensación cercana al survival horror), un ciclo de día/noche que cambia tu manera de jugar, la aparición de eventos aleatorios y muchos más subsistemas de investigación y progreso que atan una jugabilidad realmente adictiva. El gameplay de Dune Awakening, quitando algunos fallos o problemas motrices y de animaciones, funciona como un reloj.

Las principales novedades que llegan a Dune Awakening

Más allá de ese demandado modo para un jugador, Funcom ha blindado este lanzamiento con cantidad de mejoras. La más importante es el nuevo enfoque que se le ha dado al criticado endgame. El desierto profundo ofrece ahora un PvP completamente opcional y todo el contenido se puede disfrutar en PvE sin depender tanto de los gremios.

Además, la batalla de facciones que es el Landsraad también recibe mejoras con más misiones basadas en diferentes acciones como saqueo, exploración o combate. Este sistema también se puede disfrutar en solitario (se simula la participación de otros usuarios) para que ningún jugador se con ganas de más.

A esto también hay que sumarle nuevas localizaciones, armas, estaciones de investigación espaciales, mejoras de calidad de vida como la llegada de la herramienta de copia de seguridad de vehículos, más contratos, personalización fuera del editor o un sistema de especializaciones y aumentos para los personajes más veteranos.

La dificultad de Dune Awakening

Dune Awakening no parece un juego difícil... hasta que un Shai-Hulud te devora y te toca empezar de "cero". Al depender todo de la gestión del jugador, el título se toma muy en serio que sigas una curva de progresión constante. No puedes ir deprisa y corriendo y debes respetar los estrictos pasos necesarios para no perecer en el desierto.

Y pese a que la IA de los enemigos es reducida, se compensa con sus agresivos comportamientos, con la letalidad de las armas y, claro esta. con las propias y hostiles condiciones de Arrakis. Absolutamente siempre debes ir preparado para explorar el mapa. El mayor peligro es confiarte de más, lo digo por propia experiencia.

No obstante, Dune Awakening no solo mejora en términos de contenido, sino que también añade opciones de dificultad (uno de los aspectos más desaparecidos de la versión previa). El modo para un jugador cuenta con varios modos de dificultad y a esto se suman modificadores online y offline que permiten desactivar tormentas de arena, que se generen gusanos automáticamente, ajustar los artículos que puedes perder o activar multiplicadores de materiales.

La duración de Dune Awakening

Siendo un juego de supervivencia, Dune Awakening puede tener una duración muy distinta que depende, exclusivamente, de tu estilo de juego, la dificultad y en qué inviertas el tiempo. Completar la trama principal de los Fremen puede llevarte 20... o 70 horas, depende de qué decidas priorizar o cuánto te quieras perder en el desierto.

El contenido secundario del juego también ofrece una cantidad considerable de horas (las 25-30 no te las quita nadie) y luego tienes el basto endgame, que es, prácticamente, eterno. Además, el juego va a seguir recibiendo todo tipo de contenido. Por lo tanto, en Dune Awakening puedes encontrar más de 100 o 150 horas de juego.

Precio, ediciones y plataformas de Dune Awakening

Dune Awakening está disponible para PS5, Xbox Series X|S (también en Game Pass) y PC en formato digital. Por suerte, también hay disponible una edición en formato físico en PS5 al mismo precio 49,99 euros que Bandai Namco está distribuyendo en Europa y que incluye el extra "Terrario de Muad'Dib" y un exclusivo patrón de color global.

A su vez, Dune Awakening cuenta con varias ediciones digitales extra. La edición Deluxe de 69,99 euros incluye cuatro DLCs y la Armadura de Sardaukar. La edición Ultimate de 89,99 euros contiene todo eso, una base de Caladan, libro de arte y banda sonora digitales y más.

Mi desierto, mi Arrakis, mi Dune...

Dune Awakening logra algo que nunca llegué a creer. Pese a que hemos tenido títulos interesantes como Dune: Spice Wars, el RPG de supervivencia ha conseguido consagrarse como digno heredero de la basta obra de Frank Hebert... Y todo ello sin ser una superproducción de mundo abierto arquetípica (lo que tiene aún más mérito).

Hay algunos aspectos técnicos que lo sitúan un peldaño por detrás de otros sandbox, pero hacía mucho que no conectaba tanto con un juego de supervivencia (casi desde los tiempos de Subnautica). Como experiencia survival, Dune Awakaning es excelente.

Y esto es gracias a que renuncia, en parte, a su identidad MMO. Las bondades de Dune Awakening como multijugador masivo siguen estando ahí, pero ahora puedes disfrutar a tu ritmo, sin agobios ni prisas. Resulta, que el inmisericorde Arrakis puede ser el mejor lugar para perderse... Que tu cuchillo se astille y se rompa.

Pero en esta ocasión, en lugar de ser un arcade puro y duro, con carreras en circuitos, la apuesta se centra en los juegos de conducción en mundo abierto. Una forma, supongo, también de distanciarse de Screamer, el otro juego de velocidad que Milestone lanzó en 2026, tal y como vamos a ver en este análisis de Hot Wheels Infinite Rush.

Una propuesta que bien puede tildarse de "Forza Horizon en chiquitito", ya que no son pocas las similitudes (y también difererencias) con Forza Horizon 5, título que además contó con un DLC de Hot Wheels, incluido en las ediciones más caras (y a la venta por separado).

Un juego, que, como las obras de Playground, tiene un alto componente de coleccionismo, exploración del entorno, objetos coleccionables, y por supuesto, velocidad. Todo, por supuesto, con un enfoque familiar y accesible para todo tipo de jugadores.

Sobre el papel, la propuesta pinta interesante, tanto para fans de estos coches como de la velocidad. Y en muchos aspectos lo es. Pero no es menos cierto que también tiene aspectos que lastran la experiencia y le impiden brillar todo lo que podría... y es una pena.

Cuatro islas con bastante por ver y hacer

Hot Wheels Infinite Rush parte de una premisa similar a la de los cochecitos coleccionables del mundo real: aquí no hay historia, si no una búsqueda de la diversión a través de la velocidad e ideas locas. Rampas que nos llevan a lo alto de un edificio, loopings, tramos magnéticos que nos pegan al techo... sin olvidar que podemos recorrer el mundo campo a través mientras arrasamos con casi todo.

En base a esta idea nos presenta cuatro islas temáticas: la primera un claro guiño a Los Ángeles y Hollywood, la segunda más playera... y no diré ni enseñaré nada más, salvo que la última es la mejor. Eso sí, las vamos desbloqueando por orden, a medida que acumulamos puntos por ganar un número de eventos de carrera y, por último, vencer en un duelo 1 vs 1 contra un vehículo especial.

Estas carreras siempre tienen lugar en el mundo abierto, y bien nos muestran unas barreras "invisibles" para guiarnos, y cuentan con los clásicos portales por los que debemos pasar. No hay circuitos cerrados "independientes" en este mundo, que era la esencia de los anteriores Hot Wheels Unleashed.

Por suerte, hay mucho más que hacer al margen de estas carreras: hay eventos en los que debemos destruir un número de objetos del entorno, hacer fotos en lugares emblemáticos, llevar un coche al concesionario sin que sufra daños, eventos de derrape, cronos y velocidad... Vamos, nada que no se haya visto, pero que da variedad.

Completar algunas de estas actividades nos reportan recompensas de todo tipo. Las más frecuentes con las monedas rush, con las que podemos comprar coches en el concesionario, de un catálogo que ronda los 150 vehículos.

Nosotros llevamos un equipo de cuatro coches, uno por cada categoría que presenta el juego (versátiles, bólidos, derrapes y titanes) y cambiamos entre ellos al vuelo con tan solo pulsar derecha en la cruceta.

Cada una de estas clases puede ser mejor para un terminado tipo de evento y a medida que vamos consiguiendo más coches, desde las opciones podemos cambiar a nuestros cuatro seleccionados.

Como juego en mundo abierto que es, tampoco faltan coleccionables de todo tipo, desde cientos de engranajes que hay diseminados en cada isla a pegatinas que están escondidas en paredes y a las que debemos sacar una foto... o incluso los llamados "Daredevils", coches especiales que veremos circular por el mundo, y a los que podemos retar para conseguirlos si les vencemos en una carrera.

También podemos conseguir power-ups "permanentes", como una mayor capacidad de giro o alcanzar la velocidad punta más rápido, que podemos equipar en nuestros coches, así como conseguir distintos efectos visuales para el turbo o el sonido de las embestidas laterales (que podemos dar, con sendos botones dedicados).

Sí, porque aunque no lo parezca a primera vista, Hot Wheels Infinite Rush también incluye un interesante abanico de opciones orientadas a "crear y personalizar" la experiencia de numerosas maneras. Así, podemos personalizar el aspecto de los coches (tipos de pintura, pegatinas...) y compartirlos con la comunidad, y descargar los diseños de otros jugadores.

También podemos crear nuestras propias pistas para correr y competir, con un editor bastante sencillo de manejar, y con suficientes opciones de tramos, objetos especiales...

¿Y qué es lo que falla en Hot Wheels Infinite Rush?

Aun con estos interesantes mimbres, hay un montón de cosas que demuestran que Hot Wheels Infinite Rush es un proyecto más pequeño y menos ambicioso y cuidado que otros juegos de velocidad en mundo abierto, como Burnout Paradise Remastered. Y es algo que se nota tanto en la parte jugable, como en la técnica.

Si empiezo por lo que es el juego puro y duro, la sensación de progresión me ha parecido bastante pobre. Puedes dejar de hacer todas las tareas secundarias y centrarte solo en completar las carreras para avanzar rápido, quedando el resto como una simple comparsa sin mucha razón de ser. No aprovecha su mapa para ofrecer más desafíos, más tareas, más opciones (como fijar récords en tramos), ni nada parecido. Se siente algo vacío y desaprovechado.

Por su parte, las actividades disponibles pecan de ser repetitivas y poco originales. A las carreras les falta un poco de garra e intensidad y algunas islas explotan mejor esa faceta "Hot Wheels" con un diseño más alocado que explota mejor todo lo relativo a las rampas y loopings, aunque otras no son tan interesantes.

De igual manera, no me ha parecido muy intuitivo que las carreras se vayan activando y apilando en los mismos iconos del mapa (en la primera, por ejemplo, las cinco carreras casi se reparten entre dos iconos), en lugar de tener lugar en sitios distintos del mapa y cada una con su propia localización.

Tampoco puedes hacer un viaje rápido para acudir a un punto concreto del mapa, como en Forza Horizon 6, y si quieres repetir una prueba porque no has conseguido el oro (casi todas tienen el sistema de las tres medallas por tiempos), tienes que viajar hasta allí.

Del mismo modo, algunos eventos, como las carreras contra los Daredevils o vehículos especiales que podemos ganar en una carrera, no cuentan con la opción de reiniciar la carrera si metes la pata. Y te puedo asegurar que es algo que va a pasarte más de una vez: en cuanto te saltes un portal, ya es casi imposible ganar la carrera.

¿Más? Los tiempos de carga al entrar en algunos eventos o cambiar de isla o modo de juego son excesivamente largos para los tiempos en los que estamos. Al menos en Nintendo Switch 2, la consola en la que he jugado para este análisis de Hot Wheels Infinite Rush.

La sensación de velocidad con los vehículos más rápidos tampoco te va a desencajar la mandíbula, y puestos a pedir, tampoco hubiera estado nada mal que en Switch 2 se moviera a 60 fps (por desgracia, no pasa de 30 fps, aunque son muy estables). Tampoco tiene opciones o modos gráficos para conseguir ese rendimiento extra (como Lies of P): solo podrás ajustar el motion blur... y ya.

Tampoco entiendo muy bien porque, a pesar de poder jugar a pantalla partida con hasta 3 amigos más (además de online), solo es posible disfrutar de carreras sueltas o un modo supervivencia en los circuitos del juego, y ni tan siquiera da la opción de poder recorrer las islas con un amigo a pantalla partida, una decisión que no termino de entender.

Por último, mencionar que la banda sonora es terrorífica (de mala), que los gráficos, aunque cumplen y recrean el universo Hot Wheels, tampoco sorprenden: lo mejor son los modelos de los coches, aunque en ocasiones parece que las texturas y materiales de los vehículos no están a máximo nivel de detalle (por ejemplo, la pintura metalizada).

Y para terminar, aunque no lleva ni una semana a la venta, ya tiene DLC, como paquetes de coches extra... una práctica que no me gusta: ¿tan difícil era incluirlos de lanzamiento?

La dificultad y duración de Hot Wheels Infinite Rush

Infinite Rush ofrece cuatro niveles de dificultad, pero incluso en nivel Medio (el normal), no me ha parecido una experiencia exigente, al menos si tienes algo de experiencia en juegos de velocidad. En líneas generales, parece estar orientado a un público más joven, y quizá por eso, puede resultar algo fácil a un público más talludito.

Del mismo modo, su estructura hace que avanzar y desbloquear las islas sea bastante rápido y sencillo, y en unas 6-8 podéis haber desbloqueado todo. Completar todas las tareas y conseguir todos los coleccionables es otra cosa, ya que se puede ir a las 30 horas, o más.

Precio y ediciones de Hot Wheels Infinite Rush

Hot Wheels Infinite Rush se ha lanzado tanto en formato físico como digital, a un precio de 49,99 euros, que es el mismo en todas las plataformas y versiones. No hay ediciones limitadas, ni nada parecido.

Solo un detalle más: la edición física para Nintendo Switch 2 es una tarjeta llave, por lo que necesitarás descargar el juego igualmente, aunque tendrás ventajas como poder prestarlo.

La opinión de Hobby Consolas de Hot Wheels Infinite Rush

Hot Wheels Infinite Rush está lejos del rey de la velocidad en mundo abierto, pero eso no quiere decir, en líneas generales, que sea un mal juego. De hecho, creo que puede ser una gran opción para que los más pequeños se adentren en los arcades de velocidad de mundo abierto.

Todo lo que encuentras en los grandes del género está aquí simplificado, y aunque faltan opciones imprescindibles para mí en un juego de este tipo (como el viaje rápido), tiene suficientes alicientes para seguir jugando.

Lástima que el port de Switch 2 vaya un poco justo en lo técnico, se ve y se mueve bien, aunque a 30 fps y, por desgracia, tiene unos tiempos de carga bastante más largos de lo que me hubiera gustado ver...

Desde hace ya unos cuantos años, la saga Fire Emblem se ha convertido en uno de los principales activos de la Gran N, como bien demuestra el tremendo exitazo de Fire Emblem: Three Houses y, en menor medida, Fire Emblem Engage.

Fortune's Weave viene dispuesto a repetir el éxito de sus predecesores y, aunque a primera vista puede parecer que comparte muchas similitudes con Three Houses, lo cierto es que estamos ante una entrega sorprendentemente rompedora en muchos aspectos... empezando por su mapa, inspirado nada menos que en la península ibérica.

Hablamos de esto y mucho más en nuestro análisis de Fire Emblem: Fortune's Weave para Nintendo Switch 2.

• El gameplay de Fire Emblem: Fortune's Weave
• Nivel de dificultad de Fire Emblem: Fortune's Weave
• ¿Cuántas horas de juego dura Fire Emblem: Fortune's Weave?
• Cuánto cuesta Fire Emblem: Fortune's Weave y dónde puedes jugarlo
• La opinión de Hobby Consolas de Fire Emblem: Fortune's Weave
• Nota: lo mejor y lo peor de Fire Emblem: Fortune's Weave

Jugabilidad y gameplay de Fire Emblem: Fortune's Weave en Nintendo Switch 2

La historia nos lleva hasta Dagsion, capital del reino de Dagda, donde cada año se celebran los Juegos Heroicos, una serie de combates en el interior de un coliseo al más puro estilo gladiadores en la antigua Roma.

En esta ocasión, la trama se divide en cuatro rutas protagonizadas por personajes diferentes: Cai, Dietrich, Theodora y Leda. Los cuatro aspiran a convertirse en vencedores de los Juegos Heroicos, cada uno por motivos muy diferentes... Y aunque este es el conflicto principal durante una buena parte de la aventura, desde el minuto uno el juego nos deja claro que la historia tiene otras aspiraciones.

A primera vista puede parece que Fortune's Weave es un título muy continuista, que sigue la estela de Three Houses para replicar su éxito. Sin embargo, en cuanto progresamos un poco, queda claro que en Intelligent Systems han arriesgado bastante, presentando un planteamiento y, sobre todo, una estructura muy diferente no sólo a la de Three Houses, sino a la de toda la saga Fire Emblem.

Buena prueba de ello es que aquí la elección de ruta no nos limita en absoluto; si nos cansamos de un personaje o simplemente queremos ver cómo son los demás, podemos alternar entre las diferentes rutas cada vez que tenemos "tiempo libre".

Esto se debe a que la estructura de Fire Emblem: Fortune's Weave es bastante particular. Entre combate y combate de los Juegos Heroicos, tenemos los llamados momentos de tiempo libre, secciones en las que debemos prepararnos para la siguiente batalla participando en toda clase de actividades: comprar nuevo equipo en las tiendas, entrenar las competencias con las distintas armas, servir en los templos para ganarnos el favor de los dioses, comer con otro personajes y hacer regalos para fortalecer el vínculo y así poder reclutarlos... Y por supuesto realizar misiones secundarias.

Es más, hay una serie de acciones que son exclusivas de cada protagonista. Por ejemplo, con Cai podemos cultivar en el mapamundi y cuidar de las monturas en el establo. De esta manera, no sólo la historia y los acontecimientos cambian en cada ruta, sino también la jugabilidad. Hay algunas batallas que "coinciden" en varias rutas, pero son casos concretos y en general han logrado que haya muchos elementos para diferenciarlas bien.

De entre todas las actividades disponibles las más interesantes son sin duda los desvíos: se trata de misiones opcionales que encargan algunos de los personajes más relevantes de la historia y que, además de poder afectar en el devenir de los acontecimientos, plantean situaciones de combate únicas... e incluso nos permiten controlar a algunas de las unidades más poderosas (y molonas) de todo el juego.

La mayoría de actividades se realizan en Dagsion, la capital, pero podemos salir al mapamundi para explorar como en el resto de Fire Emblem, visitando así otras localizaciones, encontrando mercaderes, participando en escaramuzas, etc. Ahora bien, una vez concluyen los turnos del tiempo libre, debemos volver a Dagsion para librar el siguiente combate de historia.

La idea no es mala, y desde luego la cantidad de actividades diferentes es enorme (y a medida que avanzamos y sube el nivel de prestigio, van apareciendo nuevas); hay tantas cosas a tener en cuenta que al principio me abrumó un poco y, en ocasiones, me ha costado llevar la cuenta de todo.

El problema es que estas secciones acaban resultando muy cansinas y consumen muchísimo tiempo (tiempo real, de nuestras vidas). Tanto, que si decidís implicaros y aprovechar bien todas las opciones, vais a sentir que no avanzáis nada en la historia y pasáis más tiempo realizando este trabajo de gestión. Por suerte, Fire Emblem: Fortune's Weave incluye una opción para "automatizar" el proceso: desde las posadas, podemos realizar tareas automáticas que hacen que los turnos se consuman mientras nuestras unidades entrenan para subir de nivel.

Y está bien porque así se evitan esos problemas de ritmo, pero personalmente el hecho de que algo sea tan cansino que prefieras automatizarlo antes que involucrarte en sus mecánicas me parece señal de que algo falla.

Y sucede algo parecido también con otra de las novedades de Fire Emblem: Fortune's Weave: las batallas rápidas. En ciertos puntos del mapa, podemos explorar pequeñas mazmorras de una forma más tradicional, controlando al personaje en tercera persona y librando batallas que recuerdan a los combates por turnos de otros JRPG. Pero como sucede con los momentos de tiempo libre, estos combates se acaban volviendo cansinos y terminas recurriendo a la opción "batalla automática" para pasarlos cuanto antes. Es más, las batallas rápidas que forman parte de la historia incluyen la opción de omitirlas por completo... Es como si no confiasen en lo que han hecho.

Ahora bien, superado cierto punto de cada ruta el juego pega un cambio importante y adopta la estructura de un Fire Emblem tradicional, desechando las secciones de tiempo libre y centrándose en las batallas a gran escala. Y desde luego es un cambio que se agradece, pues el juego (y, sobre todo, la historia) arranca de verdad y ya no suelta el acelerador hasta el explosivo acto final.

El problema aquí es que este es también el punto donde las cuatro rutas se unifican, así que aunque tenemos la posibilidad de jugarlo con los cuatro personajes, en esencia es hacer exactamente lo mismo (mismas batallas) pero con diferentes unidades. De ahí que, una vez más, el juego incluya una opción para "omitir", permitiéndonos saltar esta parte y pasar directamente a la "chicha" de la historia.

En lo relativo a los combates como tal no tengo ninguna queja: siguen siendo tan buenos como de costumbre e incluso mejores. Hay novedades muy interesantes, como las técnicas de ignición que son únicas para cada personaje, cuentan con efectos muy diferentes y pueden darle la vuelta al combate si las usamos adecuadamente. También hay nuevas unidades gigantes, como los elefantes de combate, que dan muchísimo juego y hacen que las batallas sean todo un espectáculo.

En general, las batallas han subido mucho el nivel de espectáculo gracias a las animaciones de combate: tomando buena nota de lo visto en Fire Emblem Engage, los encontronazos entre dos unidades gozan en Fortune's Weave de una fluidez asombrosa, sin importar la clase a la que pertenecen o los movimientos que utilizan; es una gozada ver cómo atacan y esquivan tres, cuatro e incluso más veces sin cortes ni parones. Fijaos si son buenas las animaciones de combate, que hay momentos de la historia que recurren a ellas para ilustrar secuencias de acción.

Además de esto, se puede apreciar una mejora visual a todos los niveles en esta entrega, fruto del hardware de Nintendo Switch 2. La más evidente tiene que ver con la resolución, dejando atrás los horribles dientes de sierra de Three Houses y ofreciendo una imagen muy limpia, algo que se aprecia especialmente en los modelos de los personajes. Las localizaciones que podemos explorar en tercera persona (como Dagsion) no destacan por su nivel de detalle, pero el foco del juego son las batallas y ahí brilla con mucha fuerza.

Y la banda sonora, como de costumbre, es gloriosa. Hay una gran cantidad de melodías memorables, destacando las de cada protagonista y, por supuesto, el tema principal de Fire Emblem: Fortune's Weave. Además, la mayoría de canciones tienen un toque "flamenco" que les sienta de maravilla.

¿Es difícil Fire Emblem: Fortune's Weave?

Fire Emblem: Fortune's Weave incluye dos ajustes que afectan a la dificultad: en primer lugar, tenemos el nivel de dificultad como tal, que determina lo desafiantes que son los combates; podemos elegir entre normal y difícil. Y, después, debemos elegir entre modo novato y modo clásico. En este último, cuando las unidades caen en combate, desaparecen y no las podemos volver a utilizar (aunque no mueren como tal).

Yo he jugado en dificultad normal y modo clásico y, aunque al principio los combates me estaban pareciendo demasiado fáciles, al ir progresando la cosa se complica bastante y en algunos casos he tenido que perder unidades (jamás olvidaré vuestro sacrificio sacrificio).

Ahora bien, en la dificultad normal, podemos usar la opción de retroceder turnos durante el combate (la bendición de la diosa Fortuna) de manera gratuita, algo que facilita enormemente las cosas. Pero eso no quita que haya combates muy complicados en los que, aun pudiendo "rebobinar" sin límites, sea complicado salir con vida de ciertas situaciones.

Si os parece que está ayuda es "too much", os alegrará saber que en la dificultad difícil retroceder no sale gratis y os lo vais a tener que pensar muy bien. Es sí, tened en cuenta que si empezáis una partida en normal, no es posible cambiar a difícil (pero sí al revés).

¿Cuántas horas dura la historia de Fire Emblem: Fortune's Weave?

La duración de Fire Emblem: Fortune's Weave depende en gran medida de cómo juguemos. Por ejemplo, completar una ruta yendo a piñón (es decir, pasando de contenido secundario y usando las tareas automáticas desde las posadas) os puede llevar unas 20 horas. Mientras que si realizáis contenido secundario, la duración asciende a unas 40-45 horas... por ruta. Es decir, que hablamos de 80 horas jugando rápido y 160 o más si nos entretenemos.

Pero tras superar una (o varias rutas) todavía queda mucho juego por delante, así que independientemente de cómo lo afrontéis, Fire Emblem: Fortune's Weave ofrece cientos de horas de juego.

Precio y plataformas disponibles

Fire Emblem: Fortune's Weave se lanza el 17 de septiembre para Nintendo Switch 2, tanto en formato físico como digital.

La edición digital tiene un precio oficial de 69,99€, mientras que en formato físico tiene un recio recomendado de 79,99€. Al tratarse de un título desarrollado por un estudio first party de Nintendo, el juego viene completo en cartucho y no se trata de una de las temidas Game-Key Card.

Además de la edición estándar, también hay una edición coleccionista apodada Fire Emblem: Fortune's Wave Dagdan Collecton que incluye el juego, caja de coleccionista, steelbook, libro de arte, tarjetas de arte y mapa de Dagda por un precio de 109,99€. Buena suerte encontrándola, eso sí, pues está agotada en todas partes.

Fortuna audaces iuvat

Reconozco que me ha costado bastante conectar con la propuesta de Fire Emblem: Fortune's Weave (y con algunos de sus personajes protagonistas), aunque al final lo he conseguido.

Su gran problema es que, tal y como está planteado, se acaba volviendo muy repetitivo. Y aunque incluye formas de paliarlo, que el propio juego te dé opciones para automatizar ciertos aspectos o, directamente, omitirlos me dice que incluso sus responsables saben que hay algo que no termina de funcionar.

Pero también valoro profundamente que Intelligent Systems no se haya limitado a hacer "Three Houses 2" y en su lugar hayan optado por ofrecer una experiencia diferente dentro de la saga Fire Emblem. Incluso aunque no siempre se acierte, hacen falta más estudios que se atrevan a correr riesgos con sus grandes sagas. Como siempre digo, prefiero un juego con problemas pero con alma antes que uno diseñado en un laboratorio para gustar a todo el mundo.

Desde luego, no se puede negar que su estructura es, cuando menos, particular. Y probablemente habrá gente a la que se le atragante... Pero si sois unos "comidos" de la estrategia que disfrutan de la gestión minuciosa y el min-maxing para conseguir el mejor ejército posible, aquí tenéis un SRPG tremendo y un pozo de horas. Bueno, más que un pozo... un caldero.

Si bien el mercado está ya saturado con opciones de todo tipo, desde mandos económicos (a menudo con cable) a todo tipo de mandos Pro, como los Razer Raiju V3 Pro o el Revolution X Unlimited (ambos con botones traseros y enormes opciones de personalización) o modulares, como vamos a ver en este análisis de VOIDJOY Skylark S1 Pro, el nuevo mando multiplataforma y económico, no pretende meterse a competir en esos segmentos, sino en otro muy distinto.

Me estoy refiriendo al de los mandos "llevables", esos que puedes meter en la mochila para jugar en cualquier parte, y conectarlo a cualquier tipo de dispositivo, ya sea una consola portátil como las antes mencionadas (incluida Nintendo Switch) o tu móvil o tablet. O, en casa, también en el PC de escritorio, una Steam Machine...

Lo mejor de todo es que nace con vocación de ofrecer un plus de comodidad en aspectos como la conectividad: puedes emparejarlo hasta a 8 dispositivos a la vez, y cambiar entre ellos sin necesidad de tener que volver a emparejarlo cada vez que vayas a usarlo, algo especialmente cómodo si, como yo, tienes una gran variedad de plataformas y juegas en todas ellas de manera regular.

Y todo manteniendo un diseño tan "plano" como ligero, pensado para tirarlo en la mochila o un bolsillo, sin tener que preocuparte que los sticks se enganchen o se puedan estropear, dado que ningún elemento sobresale demasaido en el frontal. Pero no me quiero precipitar, esto y mucho más lo vamos a ver en esta review de VOIDJOY Skylark S1 Pro.

Diseño, ergonomía y contenido de la caja de VOIDJOY Skylark S1 Pro

Para este análisis, hemos recibido un producto "casi" final, dado que la caja es completamente blanca, sin ningún logo, imagen o algo asociado al mando. Tampoco tiene instrucciones ni nada que explique su funcionamiento, pero por suerte toda la información de conectividad y funcionamiento está colgada en su web.

En la web se puede ver el packaging final y, efectivamente, incluye la garantía y las instrucciones. Las unidades que he recibido, dos para probar una de sus funcionalidades, sí incluyen los complementos anunciados en la web, un receptor inalámbrico de 2,4 Ghz y un cable USB-C de carga (y para jugar conectados por cable o emparejarlo con Nintendo Switch).

Como he comentado antes, al sacar el mando de la caja, hay muchas cosas que llaman la atención. La primera es que es un mando que no tiene asideras o empuñaduras como los controladores actuales. Sus formas "cuadradotas", remiten vagamente a los pads de la generación de los 8 bits, como los de NES o Master System, pero con ideas propias de estos tiempos.

Así, las esquinas están redondeadas para que resulte más ergonómico tenerlo en las manos, y en la parte trasera encontramos dos "protuberancias" con formas curvas, como "dos jorobas de camello" que ayudan a que agarrar el mando sea más cómodo.

De primeras, se echa en falta las asideras, pero tras 10 minutos de juego, lo cierto es que resulta un mando muy cómodo de sostener. En parte a que es muy, muy ligero (113 gramos) con un grosor de 2,4 cm, 7,7 cm de alto y 13,3 cm de largo. Como decía al principio, es un mando muy "planito", muy delgado, que está pensado para llevarlo encima (cabe en un bolsillo trasero del pantalón, por ejemplo), para sacarlo en cualquier momento y jugar. Y que no te engañe su peso: es resistente, tienes que ser muy cafre para romper su estructura.

Los sticks empotrados apenas salen un milímetro del frontal del mando, un poco menos que los botones, por lo que puedes tirarlo a la mochila sin miedo a que se enganchen o deterioren. Es un mando diseñado para el "trote" diario, y tiene otras ideas interesantes...

Los controles de VOIDJOY Skylark S1 Pro y las opciones de conectividad

Aunque este "sencillo" diseño puede llevar a engaño, desde el punto de vista de la tecnología también tiene unas cosas muy interesantes. Por ejemplo, los sticks son TMR, la tecnología antidrift alternativa a Hal Effect, y tienen la tensión justa para recuperar la zona neutra rápido. Si juegas conectado por cable o con el receptor de 2,4 Ghz, ofrecen una tasa de sondeo, o polling, de 1000Hz, ofreciendo un control preciso y rápido tanto para juegos de velocidad como shooters.

También me ha sorprendido para bien los botones equivalentes a los gatillos analógicos (L2-R2, ZL-ZR o RT-LT, según la consola en la que juegues). Estos gatillos tienen interruptores óptico lineales, los primeros en un mando de este tipo de pequeñas dimensiones. Tienen un recorrido total de 4 milímetros, siendo posible controlar, por ejemplo, cuánto pisas el acelerador en los juegos de coches.

A pesar de la etiqueta "Pro" de su nombre, no tiene botones traseros como los mandos más actuales, pero sí limitadores para los gatillos (situados justo al lado), que recortan a la mitad su recorrido (2 mm), pensando en juegos que requieran una pulsación rápida, como los shooters. Lo único que no me ha gustado es que, dado que el mando es tan fino, los cuatro botones superiores, que normalmente están uno encima del otro en los demás mandos, aquí están formando una hilera que ocupa casi todo el contorno superior.

De primeras se hace raro que los gatillos quedan en la parte central del mando, y tienes que "reconectar" las neuronas para realizar las acciones que quieres. Me ha pasado, por ejemplo, con Onimusha: Way of the Sword en Switch 2. Al principio, los dedos no sabían a dónde ir, por ejemplo en combinaciones como ZL + ZR para escanear el entorno... pero pasados esos 10 minutos, ya te has acostumbrado.

La cruceta es de una pieza, al estilo Nintendo, y lo cierto es que me ha gustado bastante, es precisa. El resto de elementos, como los botones frontales, tienen buen tacto y no tienen un recorrido demasiado largo para detectar la pulsación. Tampoco faltan los botones "Start" y "Select" (los equivalentes de Xbox y Nintendo, opciones, + y - de Switch...), ni botones dedicados para opciones como grabar macros (o secuencias de pulsaciones), activar el modo turbo para activar distintos niveles de autodisparo...

También cuenta con dos botones de "expansión" o que podemos configurar para distintos usos, como son ML y MR, en la parte inferior del frontal, así como un botón FN o función para poder llevar a cabo algunas de las funciones que he comentado antes.

En líneas generales es un mando bastante completo desde el punto de vista de funcionalidad, aunque solo le faltarían un par de botones traseros para mejorar más sus prestaciones. Pero, ojo, que todavía no he hablado de otros aspectos clave...

La conectividad de VOIDJOY Skylark S1 Pro y otras curiosas opciones

El primero es que Skylark S1 Pro cuenta con Keylinker, una app para móviles que te va a permitir configurar unas cuantas cosas. Se trata de un app genérica, que funciona con otros muchos mandos, aunque reconoce que se trata de un modelo de Voidjoy y aparecen sus controles. En las pruebas que hecho, todo funciona bien, siempre que el mando esté conectado al móvil.

¿Y qué es lo que puedes hacer con ella? Pues lo habitual, como remapear cada botón como más te plazca, intercambiar los botones A-B del mando de Xbox a Switch, guardar perfiles por juego o ajustar el tacto de los sticks, la intensidad de la vibración... No hace nada que no se haya visto antes en apps de este tipo para otros mandos portátiles, como pueda ser el Razer Kishi y la app dedicada de Razer.

Mucho más interesantes me parecen sus opciones de conectividad y compatibilidad. Puedes usar este mando con muchos dispositivos, más allá de tu móvil y tablet (funciona con Android y Apple): es compatible con PC y todos los PC consolizados al estilo ROG Ally X, Nintendo Switch 2, Nintendo Switch...

Además, ofrece tres modos de conexión distintos: por cable, bluetooth y 2,4Ghz gracias al receptor USB incluido. Cuenta con varios selectores en el canto inferior del mando, que permiten cambiar entre estos modos de conexión... y no solo eso.

También puedes cambiar la API o protocolo de comunicación del mando entre los más extendidos como Xinput y Dinput (además de los estándares de PS3 y Switch) o incluso entre dos bandas de bluetooth. El botón de encendido, también permite poner el mando en modo emparejamiento.

La última función "curiosa" es que cuenta con un botón dedicado para que el jugador 1 pasa a ser el jugador 2, y viceversa. Para poder usarla, debes conectar dos mandos al mismo receptor USB de 2,4Ghz, y es una manera de tomar el control del otro personaje si el jugador es menos hábil o tiene dificultades... pero no es menos cierto que no deja de ser casi una curiosidad más que algo realmente útil, ya que sigue siendo posible intercambiar los mandos... y listo.

La opinión de Hobby Consolas de VOIDJOY Skylark S1 Pro, ¿merece la pena?

Para terminar, el mando cuenta con una autonomía de 10 horas, y tarda cerca de tres en cargarse de nuevo al 100%. Dependiendo de las sesiones que te metas al cuerpo, puede ser poco tiempo... aunque está en sintonía con otros mandos con batería interna.

A modo de conclusión, vista toda su funcionalidad, cómodo diseño y liviano peso, tampoco se le puede pedir mucho más a un mando que cuesta 49,99 dólares (unos 43 euros al cambio, más lo que cueste el envío) y que abraza de manera frontal, y sin compromisos, una más que envidiable compatibilidad con numerosos dispositivos, que además recordará para no tener que volver a emparejarlo cada vez que juegues.

No todo es perfecto, ya que algunas decisiones de diseño pueden chocar, como la ubicación de los gatillos, pero tras un rato jugando, lo habrás interiorizado. O que no tenga giroscopio, ni botones traseros, para ser un mando Pro "de verdad".

Pero aún con todo, como mando para llevar en la mochila, o en el bolsillo del pantalón y jugar en cualquier parte a una gran variedad de dispositivos, me parece una de las opciones más completas que ha pasado por mis manos.

Por suerte, detrás del proyecto se encuentran los chicos de Insomniac Games, responsables de joyas como los Resistance, Sunset Overdrive o, claro, los magníficos juegos de Spider-man.

Sin embargo, y a pesar de que comparte universo, el juego de Marvel: Lobezno no se basa en tomar la plantilla de las aventuras del trepamuros y darles un aspecto nuevo.

Aquí tenemos una historia construida desde cero para sorprender en muchos aspectos y un desarrollo que, sin hacerla desaparecer del todo, roba protagonismo a la exploración para cederlo a la acción y al espectáculo.

El argumento nos lleva a un mundo en el que existen los mutantes pero los X-Men nunca se han creado.

En él, Logan vive como un salvaje en el bosque hasta que es encontrado por Nathaniel Essex, el líder de un grupo mutante que busca ayudar a sus semejantes a tener el sitio que merecen en el mundo.

Cuando la mega corporación del humano Bolivar Trask los pone contra las cuerdas, Lobezno tendrá que emprender un viaje por diferentes entornos, desde Madripoor hasta Tokio, para averiguar la verdadera amenaza.

Además de cruzarse con mutantes muy conocidos por los fans de Marvel como Dientes de Sable, Omega Rojo o Mística, su principal compañera de viaje será una poderosa Jean Grey.

Un héroe con garra

El sistema de juego, como decíamos, se centra más en la acción, por lo que muchas de las misiones se basan en avanzar por escenarios más bien lineales mientras damos caña a los guardias de seguridad, desde cosechadores (humanos armados y mejorados cibernéticamente) hasta centinelas o los ninjas de La Mano.

Cuando toca pelear, la dinámica busca sacar partido a esa ferocidad propia de Lobezno. Así, con cuadrado ejecutamos ataques normales, con triángulo nos lanzamos hacia el enemigo más cercano, con X saltamos y con círculo fintamos. L1 nos sirve para hacer un parry, lo que deja al atacante expuesto un instante.

Al avanzar un poco, desbloqueamos ataques especiales que podemos asignar a L2 más un botón, desde un rodillazo a la cara hasta un movimiento circular que os sacará de más de una emboscada.

Hay otro par de utilidades que podremos vincular más adelante al gatillo derecho, pero lo más importante durante toda la partida es el sistema de furia. Hay un medidor para ello, dividido en 3 tramos, que se van llenando a medida que golpeamos a los enemigos.

En el primer tramo, la salud se recupera muy lentamente, gracias al famoso factor curativo de Lobezno. Cuando pasamos al segundo, hacemos más daño, nos curamos algo más y, si nos quitan toda la salud, podemos levantarnos una vez más para seguir luchando.

El tercer tramo es devastador y nos convierte en una bestia casi descontrolada, capaz de acabar con los enemigos de un plumazo. Este tramo suele durar muy poco y, para mantenerlo a flote, hemos de realizar ejecuciones potentes sin parar o se disipará.

Así, las peleas se suelen resolver a base de saltar a por alguien, atacar, fintar o hacer parry e ir acumulando rabia o ataques especiales (que se regeneran con el tiempo) para los momentos más peliagudos.

Algunos enemigos tendrán barra de resistencia, así que habrá que ejecutar una buena dosis de parry para mermarla.

Si todo esto os hace pensar que el juego recuerda a otros clásicos como God of War, estáis en lo cierto. Los combates tienen ese “sabor Kratos” en muchos momentos, pero también es cierto que en Insomniac buscan sus propios trucos.

Por un lado, hay un montón de ejecuciones contextuales, desde golpear la cabeza de alguien contra un objeto hasta empalarlo o arrojarlo a un foso de metal fundido.

Y es que, si algo llama la atención de los combates de Lobezno, es lo bestias que son, con amputaciones, garras atravesando cráneos y sangre a borbotones. Logan no se anda con chiquitas, tronco.

A pesar de ello y de que, visto desde fuera, puede parecer que todo es un aporreo de botones a lo loco, hay una dinámica muy sutil, casi instintiva, como corresponde al personaje, a la hora de pelear. Realmente te sientes una bestia poderosa capaz de arrasar con todo cuando sabes dirigir bien la furia.

El sigilo del carcayú

Para acabar con los enemigos, también hay muchos tramos en los que podemos recurrir a la infiltración: Logan andará a hurtadillas automáticamente y podremos atacar por la espalda o desde una posición elevada para eliminarlos de un golpe.

En nuestra sesión de preview con el juego os contamos nuestras dudas con este sistema, ya que podemos saltárnoslo en cualquier momento y dar caña cara a cara, ya que somos tan poderosos.

Tras probar el juego hasta el final, esa sensación de “tampoco hacía falta” no desaparece del todo, pero reconocemos que hacer de depredador que ataca por sorpresa es una sensación muy satisfactoria.

Además, hay otros tramos en los que la acción tiene una dinámica especial, como frenéticas misiones en moto o, sí, varios momentos en los que la acción recurre a quick time events.

Con esto último tenemos la opinión dividida. Por un lado, suponen todo un espectáculo visual (luego volveremos a eso), pero por otro, a nivel jugable nos han parecido bastante sosos, con secuencias de botones muy tibias y tiempo excesivo para ejecutarlas, lo que les resta tensión.

Eso nos lleva a otros tramos que tampoco nos parecen bien rematados, como las tan traídas y llevadas secuencias de persecución.

En varios momentos del juego, hay que correr y saltar mientras perseguimos a alguien y, aunque no es cierto lo que se dice en Internet de que basta con pulsar un botón y avanzar, como jugadores las sentimos como un mero trámite narrativo, no como un desafío interesante a la hora de jugar.

Y no es porque siempre queramos estar repartido estopa. De hecho, hay otros momentos en los que la dinámica nos propone explorar tramos algo más abiertos, dejarnos impregnar del ambiente de Japón o los bosques de Canadá y oye, solo por el ambientillo y lo bien recreado que está todo, se agradece.

Incluso hay algún que otro puzzle pequeño basado en usar teclados basándonos en los rastros que detecta Lobezno o algún pequeño tramo de espionaje mientras vamos disfrazados con la icónica identidad de Parche.

Sinceramente, nos parece que tramos como ese último son especialmente interesantes y no se aprovechan lo suficiente. Sí, los combates son sin duda lo mejor del juego y coincidimos en que no es necesario aquí crear un juego abierto completamente, pero esos tramitos se podían haber exprimido más.

Busca, Lobeznito, busca

En cualquier caso, hay muchos otros entretenimientos en la experiencia. Por un lado, siguiendo con la tradición de Spidey, tenemos decenas de trajes para desbloquear, desde los que se obtienen de forma normal en el juego hasta otros especiales que homenajean la serie de dibujos de X-Men, Arma X o cualquier otra variante que se os ocurra.

Incluso tenemos montones de skins para las garras, aunque ni estas ni los propios trajes dan ninguna ventaja o habilidad especial. Simplemente, mola verlos en movimiento.

Para desbloquearlos, hemos de buscar cajas de suministros por todo el mapeado y gastar los puntos obtenidos en el traje que prefiramos (al comprar varios, recibimos una mejora permanente de salud), pero no son los únicos coleccionables.

También hay botellas de whisky que nos cuentan una pequeña historia sobre el pasado de Lobezno y, sobre todo, 14 cabañas de pesadilla.

Estas últimas son portales especiales que encontramos en los escenarios (tranquilos, suelen aparecer cerca de nosotros, no hay que buscar mucho) que, una vez atravesados, nos llevan a una prueba especial en la que hemos de superar desafíos contra reloj.

Estos pueden ser desafíos muy rápidos de parkour o las llamadas tribulaciones, una especie de modo horda en el que superar oleadas de enemigos cada vez más difíciles.

Sin duda, las cabañas son un acierto, con retos muy intensos y un rango de recompensas según nuestra puntuación muy interesantes. Hay trajes especiales para desbloquear, pero también puntos de adaptación.

Estos últimos, que también se obtienen con las botellas de whisky, permiten activar nuevas cadenas en nuestro ADN o, lo que es lo mismo, huecos para asignar ventajas pasivas, como más tiempo para ejecutar los parry o una mayor intimidación en los enemigos.

Además de estas cadenas, vamos subiendo de nivel al superar retos y esto nos da puntos de técnicas.

Se trata de pequeños movimientos que podemos incorporar a los combos (lanzar a un enemigo, ejecutar un movimiento aéreo, etc) o bien esos ataques especiales que mencionábamos antes y que podemos asignar al gatillo derecho.

Como veis, hay bastantes extras por descubrir, a lo que hay que añadir los típicos guiños made in Insomniac, como un modo foto que vuelve a ser una maravilla, ya sea por colocar a Logan con la pose, expresión, luz o filtro que nos apetezca, sino también por unos marcos llenos de referencias a los cómics o incluso a los memes de Internet.

Y, por supuesto, a lo largo del juego también hay montones de grafitis, objetos y referencias a personajes de Marvel que no son importantes para la trama, pero que harán sacar una sonrisa a los más conocedores del lore marvelita.

Vamos, que la ambientación está muy cuidada, como es costumbre, a lo que hay que añadir un apartado técnico soberbio.

Gráficos de adamantium

Al jugar en una PS5 estándar, tenemos el modo calidad y rendimiento. Como siempre, os recomendamos modo rendimiento porque la fluidez de los 60 frames por segundo es evidente, pero es cierto que hay ciertos momentos en los que el modo calidad llega a ser alucinante al alcanzar una mayor resolución.

Y es que el nivel de detalle gráfico es casi enfermizo. Desde los escenarios llenos de objetos y bien iluminados hasta la forma en que el traje y el cuerpo de Lobezno se van desgarrando a medida que pelea, pasando por otros detalles como la cantidad de objetos destructibles, efectos de partículas o unos reflejos en tiempo real (debe de ser el juego con más espejos por minuto de la Historia) realmente pasmosos, que sacan un partido muy superior al de otros juegos al hardware de la consola.

Todo esto, junto a unos movimientos de cámara y unos cambios de plano tremendamente espectaculares y cinematográficos, además de una captura de movimiento y un modelado facial para todos los personajes excelentes.

Llegados a este punto, toca hablar de cierta polémica que ha habido estos días en cuanto al diseño de los personajes.

Por un lado, sí, es cierto que la mirada de Lobezno a veces parece un poco de “cachorrito”, pero cuando toca apretar dientes y pasar a la acción, el resultado es incontestable, arrollador.

Con respecto al resto de personajes, no estamos para nada de acuerdo con unas críticas que, sinceramente, creemos que vienen de quienes han visto un plano suelto o un frame de los mismos.

Mística, Essex o Jean Grey tienen un gran equilibrio entre parecer sacados de un cómic y demostrar realismo, con diseños que sí, son sexis, pero con un aire más moderno.

Es cierto que la Dama Mortal que vemos aquí es más vieja que la de los cómics, pero incluso eso tiene su explicación en el juego.

Recordad, estamos en un universo diferente al 616 de Marvel y aquí hay elementos de los personajes que solo podréis entender al jugar. Hay mucha tela que cortar...

De hecho, por si tenéis la duda, os aclaramos que no es imprescindible profundizar en el lore de Marvel para entender el juego, pero ayuda bastante, especialmente en el tramo final, cuando empiezan a darse revelaciones y giros de guion bastante potentes.

Hay referencias a personajes que es conveniente conocer previamente para comprender del todo, aunque también es verdad que accediendo a la pausa podemos ver una galería de personajes relevantes que se va actualizando con explicaciones muy esclarecedoras a medida que avanza el juego.

El apartado sonoro también está a una gran altura, con melodías contundentes que, sobre todo, se ven apoyadas por unas voces magníficas. La versión en castellano cuenta, como era de esperar, con Gabriel Jiménez, voz de Lobezno en las películas, además de otras grandes voces como Lorenzo Beteta.

Insomniac suele sacar partido a las funciones únicas de PS5 y aquí lo notamos con sonidos de todo tipo en el altavoz de Dualsense cuando Lobezno está rastreando pistas o cuando algunas voces asaltan nuestra cabeza.

A eso se une un super concienzudo uso de la vibración háptica, ya sea en golpes más potentes o en cosas tan sutiles como un par de vibraciones cuando Lobezno se cruje el cuello.

Dificultad de Marvel: Lobezno. ¿Cuántas horas dura el juego?

¿Qué hay de la dificultad del juego? Podemos escoger entre cinco niveles diferentes, siendo el tercero el que se recomienda por defecto. En ese nivel, los desafíos de combate están a la altura de las circunstancias, lo que hará que muráis alguna que otra vez, pero no se trata de un juego especialmente difícil, más bien al revés.

Superar los grados más altos de las Cabañas de pesadilla ya es otra historia y necesitaréis, efectivamente, ser “el mejor que hay”.

Llegar al final de la aventura os llevará unas 20 horas, a lo que habría que sumar algún tiempo de exploración para encontrar todos los coleccionables y, además, un modo Nueva Partida+ en el que heredamos algunas de las mejoras.

Por cierto, el final tiene una escena postcréditos muuuuy inquietante y, además, si conseguís superar todas las Puertas de pesadilla encontraréis una más que da pie a una escena muy interesante para el que quiera conocer toda la historia a fondo.

La opinión de Hobby Consolas sobre Marvel: Lobezno

En conjunto, Marvel: Lobezno es todo un disfrute. A nivel técnico hay pocos juegos que se le acerquen y su sentido del espectáculo superheróico está a un nivel altísimo, apoyado en el hecho de que esta aventura es más violenta y descarnada que otras del género.

El tratamiento de los héroes y villanos es estupendo, los guiones están muy bien hilados y realmente os engancharéis a la relación entre ciertos personajes.

Y, a nivel jugable, pelear es tan salvaje y divertido como esperábamos. Es verdad que otros elementos de la experiencia no nos han satisfecho tanto, como las persecuciones, el hecho de que agradeciera ser un poquito más abierto o las “coreografías” de los quick time events. A fin de cuentas, estamos en 2026 y algunos de estos ingredientes podrían tender algo más de profundidad o factor sorpresa.

Dicho esto, con Marvel: Lobezno no vamos a hacer “mutis por el foro”: es una estupenda aventura de acción a la que bien merece hincar las garras esta temporada... nene.

Porque sus responsables, el estudio francés Rogue Factor, lo describen como un juego sin mapa ni marcadores, que no nos lleva de la manita y nos obliga a prestar mucha atención al entorno para avanzar y descubrir sus secretos. Pero también insisten en que no es un soulslike… pese a que basta un vistazo a sus combates para darse cuenta de que la influencia Souls está ahí.

Así que empecé a jugar pensando que iba a encontrarme con el enésimo soulslike (y no lo digo como algo malo; me los fumo todos con mucho gusto), pero, sin embargo, la sorpresa ha sido mayúscula: Hell is Us tiene un poco de Souls, desde luego, pero también tiene un poco de Resident Evil e incluso un poco de The Legend of Zelda.

Y aunque esta curiosa combinación no está exenta de problemas, el resultado es una de las experiencias más estimulantes y sorprendentes de todo 2025.

El análisis de Hell is Us para PS5, Xbox Series X|S y PC en Hobby Consolas:

• La historia de Hell is US
• El gameplay de Hell is Us
• La exploración de Hell is Us
• Nivel de dificultad de Hell is Us
• ¿Cuántas horas de juego dura Hell is Us?
• Cuánto cuesta Hell is Us y dónde puedes jugarlo
• La opinión de HobbyConsolas de Hell is Us
• Nota: lo mejor y lo peor de Hell is Us

Historia y narrativa de Hell is Us

Hell is Us nos pone en el papel de Remi, un ex-militar que decide volver a Hadea, el país donde nació, para encontrar a sus padres. ¿Problema? Hadea lleva años aislado del resto del mundo y, actualmente, se encuentra en mitad de una guerra civil entre dos facciones con diferentes creencias religiosas… pero los mismos métodos salvajes.

Por si eso no fuera suficiente, por todo el país también han empezado a aparecer unas inquietantes criaturas sin rostro que atacan a todo el que se ponga por delante y son inmunes a las armas convencionales, provocando que Hadea y sus habitantes estén sumidos en el más absoluto caos.

La narrativa es sin duda uno de los aspectos más trabajados de Hell is Us, con un lore sorprendentemente profundo en el que han tenido en cuenta prácticamente de todo: desde las numerosas regiones que componen Hadea, hasta las costumbres de sus habitantes o los acontecimientos sociales, políticos y religiosos que han moldeado el país en toda su historia.

Pese a que para alguien como yo el gran reclamo de Hell is Us era la ciencia ficción (la idea de pelear contra criaturas inexplicables en un entorno postapocalíptico), me ha sorprendido descubrir que el conflicto bélico, la parte realista, tiene aún más importancia y resulta igual (o más) interesante.

Y digo realista porque no hay que ser ningún lince para ver las similitudes que existen entre los palomistas y los sabinianos, las facciones conservadora y progresista que presenta el mundo de Hell is Us, y los conflictos que abren nuestros telediarios todos los días.

Porque otro de los aspectos más sorprendentes de Hell is Us es su crudeza: el juego no tiene reparos a la hora de retratar los horrores de la guerra, mostrando ejecuciones en plena calle, cuerpos chamuscados, extremidades amputadas, mujeres violadas en sus propias casas o niños colgando de los árboles. No es un juego para estómagos sensibles.

Y no todo es guerra, el juego también tiene una buena dosis de intriga y misterio, dando especial importancia a las sociedades secretas y las conspiraciones, e incluso una pizca de terror fruto de sus inquietantes enemigos y lugares inexplicables para la mente humana a los que nos lleva la historia.

Tiene también un rollito raruno, pero raruno en el buen sentido: he visto comparaciones con los trabajos de Kojima, pero yo diría que está más cerca de los últimos juegos de Remedy, Control y Alan Wake 2.

Y pensaréis que todo eso está genial (y lo está), pero presenta un pequeño gran problema: Hell is Us depende fuertemente de la predisposición que tenga el jugador para sumergirse en su narrativa. Para disfrutarlo como es debido, hay que empaparse de su mundo, leer diarios, prestar atención a lo que nos cuentan y, en general, tomárselo con mucha calma.

He disfrutado de todo este proceso porque el juego está muy bien escrito (no sólo los diálogos, también todos los diarios, mails y grabaciones que encontramos), pero me imagino que muchos ya estaréis resoplando ante la idea de tener que andar leyendo documentos.

Y no me extrañaría que mucha gente lo abandone a las pocas horas, especialmente teniendo en cuenta que Hell is Us tampoco se corta a la hora de “vomitar” nombres de personajes históricos, regiones y costumbres religiosas completamente ficticios. Una jerga que tiene sentido dentro de su universo, pero para eso el jugador debe haber superado antes el “período de aprendizaje”.

Además, pese a que la construcción de mundos es soberbia, la trama principal se queda a medio gas; logra mantener nuestro interés durante la mayor parte del tiempo, pero para mí gusto no han sabido rematarla satisfactoriamente. Así que si alguien jugase limitándose a seguir el camino principal, se estaría perdiendo lo mejor a nivel narrativo de Hell is Us.

Jugabilidad y gameplay de Hell is Us en PS5, Xbox Series X|S y PC

Hablemos ahora de la jugabilidad, porque también tiene su miga. Hell is Us combina acción, exploración y puzles, todo ello con el añadido de no contar con mapa ni indicadores en pantalla que señalen la dirección en la que debemos ir o lo que debemos hacer a continuación.

La acción es donde se pueden apreciar claramente los elementos Souls, como la gestión de energía al atacar y esquivar, los diferentes tipos de armas y su comportamiento, el inventario para usar objetos en combate o incluso la presencia de un parry (con una ventana bastante generosa, todo sea dicho).

Que vale que ninguno de estos elementos es exclusivo de los soulslike, pero la forma en que se han implementado es exactamente la misma que estamos acostumbrados a ver en este subgénero. Sus creadores han llegado a decir que Hell is Us es un hack'n slash, pero honestamente lo que hay aquí se parece infinitamente más a un Dark Souls que a un Devil May Cry, por citar dos ejemplos.

Ahora bien, el combate de Hell is Us también incorpora dos elementos bastante llamativos: el primero es que al perder salud, la barra de resistencia también se reduce. En otras palabras: cuanta menos vida tenemos, menos ataques y esquivas podemos realizar antes de que el personaje se agote.

Esto, que puede sonar un poco excesivo, va ligado al segundo elemento: después de atacar, podemos pulsar el botón R1 en el momento adecuado para que el personaje recupere salud equivalente al daño realizado. Es una mecánica calcada al pulso de ki de la saga Nioh, con la particularidad de que aquí nos permite curarnos sin necesidad de gastar objetos.

Pese a todo esto, el combate de Hell is Us es lo más flojo de todo el conjunto debido a varios problemas importantes. Por un lado, está la variedad de armas: hay cuatro tipos diferentes, pero el repertorio de movimientos es bastante limitado y siempre el mismo dentro de cada tipo, lo que en esencia significa que en Hell is Us sólo hay cuatro armas.

Se intenta compensar con un gran repertorio de habilidades que molan bastante, especialmente las que están asociadas al dron, pero no logran evitar que el sistema de combate que se presenta en las primeras horas apenas evolucione en toda la aventura.

Y lo mismo sucede con los enemigos: pese a que hay variantes e intentan darles un toque diferente a través de unas extrañas entidades de colores que debemos derrotar antes de poder hacer daño al huésped (o huéspedes), al final te quedas con la sensación de pelear siempre contra los tres mismos tipos de humanoides pálidos.

Hay un sistema de mejora de armas que parece complejo en un inicio, con cuatro tipos de emociones diferentes que cambian la forma de las armas y sus efectos… Pero pronto todo eso cae en saco roto. Yo desde luego no he notado gran diferencia entre hacer daño de terror o de éxtasis, y al final me he decantado por las emociones (o los colores, más bien) que tenían asociadas las habilidades más útiles.

Es más, los elementos RPG de Hell is Us son bastante reducidos: el personaje no gana experiencia, ni sube de nivel, ni hay que preocuparse (demasiado) por estadísticas. Lo más importante a tener en cuenta es el nivel de las armas, que aumenta con el uso, y el del equipo defensivo para estar bien protegidos.

Pero antes de desdeñarlo como un juego con mal combate, creo que hay que tener algo en mente: mientras que en los soulslike el combate y los elementos RPG son el engranaje principal de la jugabilidad, en Hell is Us es sólo una parte, pues la exploración y los puzles tiene el mismo protagonismo.

Y teniendo esto en cuenta, diría que el combate, pese a no ser el punto fuerte de Hell is Us, cumple con creces.

Exploración y puzles de Hell is Us

Así que veamos qué pasa con la exploración. Efectivamente, en Hell is Us no hay mapa, ni indicadores; en lugar de eso, debemos entablar diálogos con NPCs para obtener información, seguir las indicaciones que descubrimos y deducir soluciones a través de objetos y pistas visuales.

De primeras, esto causa mucha impresión; en las primeras horas de juego, temía salirme del camino por si me perdía en los escenarios. Sin embargo, la cosa tiene truco: toda la información relevante para progresar, queda convenientemente anotada en una PDA que podemos consultar en cualquier momento. Y, por lo general, nos lo dan todo bastante mascadito.

Lógicamente, de nosotros depende interpretar correctamente esa información. Por ejemplo, si nos dicen que el lugar que buscamos se encuentra al suroeste pasadas unas colinas, nos tocará sacar la brújula y prestar atención al escenario para orientarnos. Pero aun con esto es bastante difícil perderse.

Esto se debe también a la estructura de juego, que es bastante curiosa. Pese a que lo describen como un título de mundo semiabierto (no tengo muy claro lo que eso quiere decir), la realidad es que Hell is Us está dividido en escenarios. Hay un gran número y la mayoría son de tamaño medio, ni muy grandes ni muy pequeños. De ahí que sea complicado perderse.

Los escenarios se van desbloqueando al progresar en la historia, pero el orden en el que lo hacen depende de los objetivos que decidamos perseguir. Es posible viajar entre todos ellos con bastante libertad, de hecho es muy común volver a escenarios ya visitados, pues las soluciones a muchos enigmas se suelen esconder en otras partes de Hadea.

Pero lo mejor es su variedad: hay escenarios al aire libre en los que podemos encontrar bosques, iglesias, lagos, ruinas ocultas... Pero también hay escenarios que consisten en un pueblo en llamas o que se desarrollan al completo en el interior de un edificio gubernamental. En todos estos casos el diseño de niveles está muy trabajado, pero donde brilla con más fuerza es en las mazmorras.

Porque, sí, Hell is Us también tiene mazmorras: gigantescos calabozos con un diseño más cerrado pero muy intrincado que visitamos como parte del camino principal. Y es inevitable acordarse de The Legend of Zelda al hablar de ellas, porque comparten muchos elementos: suelen tener una temática principal, están llenas de enemigos, esconden toda clase de acertijos y, por supuesto, al final nos espera un jefe. No hay muchas, pero las he disfrutado todas una barbaridad.

Y ahora es buen momento para hablar de la tercera pata que compone la jugabilidad de Hell is Us: los puzles. Todo el desarrollo está salpicado por rompecabezas de mayor o menor complejidad; hay cosas sencillas, como dar con la llave que abre una cerradura, pero también muchas que te obligan a comprobar detenidamente toda la información que tienes a tu alcance, ya sean diarios, objetos o incluso elementos del escenario, para encontrar la solución. Y hay puzles muy ingeniosos.

Es inevitable acordarse de la saga Resident Evil, tanto por los constantes acertijos como por la ambientación espeluznante. Vamos, si cambiásemos los combates cuerpo a cuerpo por tiroteos, Hell is Us no se diferenciaría mucho de un survival horror.

Gracias a la exploración no guiada y los puzles, han logrado que tengamos en todo momento la sensación de estar desenterrando secretos, descubriendo lugares que llevaban siglos abandonados y encontrando tesoros olvidados. Y sobra decir que es una sensación muy satisfactoria.

Para concluir este apartado, quiero dedicarle unas líneas a la parcela audiovisual. Hell is Us no es un juego que destaque en exceso en lo técnico, pero logra dejarnos a menudo con estampas dignas de captura gracias a su potente dirección artística.

Hadea tiene localizaciones realmente preciosas, como pueblos idílicos en lo alto de una colina o una imponente montaña a la orilla de un lago, que se funden de manera grotesca con los horrores de la guerra y con las estructuras de estilo límbico que se pueden encontrar por todo el país. Es como estar al mismo tiempo en una zona de guerra y un planeta alienígena.

Un elemento que me ha llamado mucho la atención es la interfaz de la PDA, que hace gala de un estilo retrofuturista muy similar al de Returnal, con esa tipografía verde y carácter sobrio. Y es algo que se aplica también a la banda sonora: sin ser especialmente destacable, las melodías con sintetizador funcionan muy bien dentro del contexto de Hell is Us y recuerdan al juego de Housemarque.

Lo que sí hay que destacar son las voces, pues la mayoría de personajes están sorprendentemente bien actuados. Pero, por encima de todo, me ha alegrado mucho volver a escuchar en un papel protagonista la rasgada voz de Elias Toufexis, que interpretó a Adam Jensen en las últimas entregas de Deus Ex.

¿Es difícil Hell is Us?

Hell is Us cuenta con tres niveles de dificultad entre los que se puede cambiar en cualquier momento: indulgente, equilibrada e implacable. Y ya en el nivel medio es un juego bastante desafiante; es especialmente importante saber gestionar los grupos de enemigos, pues la ventaja numérica es una de sus mayores armas frente a nosotros y, si nos rodean, es complicado sobrevivir.

Además, los enemigos se mueven de formas extrañas y tienen patrones impredecibles que hacen que sea muy complicado saber cuándo van a atacar... o continuar atacando. Al principio me resultaba molesto, pero me he terminado acostumbrando y creo que es hasta necesario, pues de lo contrario sería muy sencillo abusar de la mecánica de recuperación de vida.

Como curiosidad, en Hell is Us no hay penalización por morir... salvo que queramos que así sea. Por defecto viene desactivada, pero en el menú encontramos una opción que provoca que perdamos la experiencia acumulada de las armas y los fragmentos obtenidos, además de hacer que los enemigos reaparezcan cuando nos derrotan.

Y dada la importancia que tienen los puzles, también hay que hablar de su dificultad. Reconozco que no soy muy fan de los rompecabezas y que no se me dan especialmente bien, pero aun así no me he atascado demasiado.

Eso sí, requieren que prestemos mucha atención, que exploremos hasta el último rincón y que lo leamos todo con detenimiento, así que, como ya decía antes, Hell is Us no es un juego para impacientes. Pero esa es precisamente la gracia: sentir que el único marcador que nos guía y nos ayuda a progresar es nuestro propio ingenio.

¿Cuántas horas dura la historia de Hell is Us?

Pese a ser un juego de carácter AA, Hell is Us incluye una sorprendente cantidad de contenido. Calculo que la historia principal se puede completar en entre 25 y 30 horas, pero son números muy volátiles que dependen de nuestra habilidad para darle al mando y al coco.

Además, fuera del camino principal hay muchas cosas por hacer y secretos por descubrir: buenas obras para ayudar a los habitantes de Hadea, misterios regionales, cámaras secretas, bucles temporales... Y aunque el juego tampoco nos guía en ese aspecto, desde la PDA podemos hacer un seguimiento de todo el contenido opcional.

Ahora bien, mucho ojo porque hay unas cuantas misiones secundarias que, si no se completan a tiempo, se dan por fracasadas. Esto puede ser un poco molesto, pues dado que el juego no da demasiadas indicaciones, es muy fácil pasar por alto lugares, NPCs u objetos, y al hacerlo, estar fallando misiones sin saberlo.

Habría estado bien que Hell is Us contase con la posibilidad de crear diferentes partidas guardadas dentro de un mismo archivo para evitar esto.

Precio y plataformas disponibles

Hell is Us se lanza para PS5, Xbox Series X|S y PC el 4 de septiembre de 2025 a un precio recomendado de 59,99€, tanto en físico como en digital.

En ambos formatos, existen dos ediciones: la edición estándar, que incluye el juego, y la edición deluxe, que incluye el juego, 72 horas de acceso anticipado, tres packs cosméticos, banda sonora y libro de arte digitales, un código secreto in-game y una steelbook (en el caso de la edición física) por un precio de 79,99€.

El infierno es para los valientes

Hell is Us es uno de los juegos más valientes de todo 2025 por muchos motivos. Teniendo en cuenta que vivimos en una era en la que los desarrolladores se ven obligados a recurrir a trucos burdos, como la infame pintura amarilla, es muy valiente que este equipo se haya atrevido a crear un juego que confía plenamente en las capacidades de la persona que está al otro lado de la pantalla.

Muchas de sus decisiones de diseño también son un ejercicio de valentía, como la forma que tiene de retratar los horrores de la guerra (sin recrearse, pero también sin cortarse ni un pelo), el confiar en la predisposición de los jugadores para extraer y asimilar su narrativa o esconder una gran parte de contenido (contenido de calidad) para que sólo lo encuentre quien lo busque de verdad.

Y eso por no hablar de que se lanza el que probablemente sea el peor día de 2025. Mientras que otros estudios han huido despavoridos del "día S", en Rogue Factor han decidido seguir adelante con la fecha prevista aun a sabiendas de que mucha gente estará jugando a otra cosa.

Es una verdadera lástima, porque su mezcla de acción con elementos Souls, exploración no guiada, puzles a lo Resident Evil y mazmorras a lo Zelda me ha terminado conquistando. Si tuviese más variedad de enemigos y armas y hubiesen rematado mejor la trama principal, estaríamos ante un juego sobresaliente.

Y aun con esos defectos, ha sido uno de los juegos que más me han enganchado en lo que va de año, y eso son palabras mayores teniendo en cuenta la cantidad de juegazos que llevamos.

Así que espero de corazón haber sido capaz de transmitir lo mucho que me ha gustado Hell is Us y que eso os anime a darle una oportunidad, sea ahora o dentro de un tiempo. Yo ya os he dado las pistas, ahora depende de vosotros seguirlas y abrir la puerta para descubrir este tesoro.

La saga NBA 2K acumula muchos minutos en cancha y corre el riesgo de lesionarse. Sin embargo, Visual Concepts trata de tocar aquí y allá para que esto se sienta como un mercado de fichajes... En este análisis de NBA 2K27 veremos si el resultado es tan interesante como LeBron fichando por Sixers o tan indiferente como Morant yendo a Blazers.

Desde Visual Concepts no se esconden y comentan que "es el mejor juego de baloncesto que se ha creado jamás" y lo cierto es que no mienten. El tema es que NBA 2K27 es mucho más que un juego de baloncesto y ahí, precisamente, está el problema.

• Las novedades jugables de NBA 2K27: así es el renovado baloncesto
• ​Los añadidos de NBA 2K27 en MiJUGADOR, MyTEAM y otros modos
• ​El precio, plataformas y ediciones de NBA 2K27
• ​La opinión de Hobby Consolas sobre NBA 2K27
• ​Nota: lo mejor y lo peor de NBA 2K27

El gameplay de NBA 2K27: novedades y ajustes jugables

Sobra decir que, a estas alturas, la saga NBA 2K ha alcanzado una jugabilidad refinada, muy pulida y casi exquisita en su forma de representar el baloncesto NBA. Esto es algo que se mantiene en la nueva entrega, que también añade algunos ajustes aquí y allá.

A poco que hayas jugado en anteriores años, lo que te vas a encontrar es más de lo mismo, pero es cierto que hay pequeños retoques gracias a la tecnología de captura de movimiento ProPlay. En materia ofensiva lo he notado en la penetraciones al aro en bandejas y mates.

Por momentos, NBA 2K27 tontea con parecerse a la realidad (especialmente si manejas a las grandes estrellas de la liga). Me quedó cristalino cuando, en uno de mis primeros partidos, realicé una explosiva entrada con Anthony Edwards que acabó en un mate con rectificado.

La animación se adaptó a la colisión con el brazo del defensor de una manera asombrosa, dejando una volcada marca de la casa igualita a la que se marcaría jugador de los Timberwolves. Aquí es donde se nota el motor dinámico de bandejas (estas están bastante rotas) y medidor de mates en el que ha trabajado Visual Concepts para esta ocasión.

No obstante, en otros apartados jugables apenas he notado grandes cambios. Esto no es necesariamente malo, ya que NBA 2K26 se sentía muy bien sobre la cancha. Como digo, solo hay pequeños retoques...

La defensa se ha pulido ligeramente y las colisiones ganan algo más de relevancia y realismo, aunque sigue habiendo jugadas algo robóticas, una locomoción realista, pero que a veces hace "extraños" y algo de clipping ocasional. Eso sí, no sé este año qué pasa con los tapones, pero se pueden poner unos "gorros" demenciales y extremadamente placenteros. Ibaka en el modo NBA Eras es una auténtica delicia.

También se suman un par de nuevos movimientos disponibles dentro del enorme abanico de recursos ofensivos y defensivos que presenta el juego. Hay un paso lateral que permite bloquear trayectorias, un tiro en suspensión con paso adicional muy útil o un pase elegante, pero se echa en falta algo que verdaderamente marque una diferencia real.

Aunque, donde más remodelaciones se han hecho es en el sistema de Dominio, que ahora queda separado en cinco categorías cuyas habilidades también se activan individualmente al superar cada objetivo. No está mal pensado, ya que te fuerza a adoptar diferentes estilos de juego a lo largo de los partidos.

​Las novedades de NBA 2K27 en MiJUGADOR, MyTEAM y otros modos

Partidos que se refuerzan con la habitual oferta de modos de la saga, que brinda centenares de horas de contenido. De nuevo, no hay cambios significativos, pero aquí también se han sumado pequeñas novedades, pese a que se mantengan problemas.

MiJUGADOR se blinda con la posibilidad de crear a una jugadora y que esta pueda recorrer La Ciudad. Por primera vez, el lobby social de la saga admite mujeres, lo que es otro importante paso hacia la paridad dentro de una franquicia que incluye cada año una mejora al respecto.

El problema es que MiCARRERA no adapta esto mismo y el nuevo contenido de MiJUGADOR para mujeres solamente pasa por abrirles las puertas a este "mundo abierto"; que es más un escaparate para grandes marcas y un emplazamiento publicitario que un verdadero espacio para jugadores, pese a que este se haya rediseñado a nivel visual y a que se hayan añadido pachangas para novatos como Casual Corner o nuevas iniciativas como los retos Daily Rivals.

No obstante, volviendo sobre nuestros pasos... MiCARRERA crece considerablemente, pero para acceder a este contenido solamente se puede jugar con un personaje masculino. Eso sí, el modo se ha reforzado con interesantes añadidos. El primero es mi gran debilidad...

Por primera vez, el modo NBA Eras introducido hace unas cuantas entregas se vincula con el protagonista que nos ocupa para darnos MiCARRERA Eras. Ahora se puede jugar con tu jugador en las eras de Magic vs. Bird, Jordan, Kobe, LeBron y Steph, lo que permite disfrutar de la nostalgia de aquellos años históricos con traspasos bloqueados, pero sumando a tu propia creación a la par que se añaden retos para que la trayectoria ficticia sea mucho más interesante.

A esto también se le suma una nueva campaña/historia. Fire & Concrete cambia ligeramente el clásico relato de "steps to success", el habitual discurso de superación que tanto gusta en la esfera estadounidense, para contarnos la historia de un prometedor "prospect" que en su momento álgido sufre un terrible accidente de coche que le hace tener que empezar de cero, pasando por las pachangas de Rucker Park para llegar a la G-League y luego a la NBA.

Es un modo más largo que la mayoría de historias que hemos visto en la saga y se agradece que la trayectoria se altere ligeramente, aunque dada la sinopsis, esperaba una mayor carga dramática con todo eso del accidente. El momento se "muestra" brevemente con una secuencia de diapositivas animadas, lo que le resta bastante empaque.

Más allá de esto (y de un modo MiCARRERA cooperativo con alguna que otra limitación de más), lo que ofrece NBA 2K27 es lo que podríamos llegar a esperar. Hay ajustes menores en La W, MiNBA o MiWNBA, pero el juego vuelve a centrarse en la corriente online de título como servicio con MyTEAM.

Aperturas de sobres, rarezas, microtransacciones, pujas... Todo aquello que ha sido por lo que la saga se ha ganado a miles de jugadores es también lo que más me frustra de un juego que pierde su identidad deportiva cada vez que entras en este modo. Las políticas de monetización abusivas siguen lastrando a la saga un año más y demuestran la gran desconexión que hay dentro de los despachos respecto a lo que pasa sobre el parqué de la cancha.

Y fuera de los modos, me temo que no puedo hablarte de las implementaciones del DLSS 5 de Nvidia debido a que he analizado la versión de PS5, pero he de señalar que el sólido apartado gráfico de la saga se mantiene, pese a que ya no sorprenda demasiado.

El precio, plataformas y ediciones de NBA 2K27

NBA 2K27 se puede encontrar en formato físico y digital en PS5, Xbox Series X|S, Switch 2 (código de descarga) y PC desde 69,99 euros. Sin embargo y como viene siendo habitual, el juego cuenta con más ediciones que incorporan contenido extra y recompensas.

La edición Deluxe de 99,99 euros incluye 100.000 VC, selección completa de equipos de la Serie 1 de 2027, un pack de Agentes libres del Parque de Triple Amenaza, 5 packs de la Serie 1 de 2027, moneda de doble de experiencia de 2 horas, potenciadores de habilidad de 6 tipos, 25 Potenciadores Gatorade de 3 tipos, moneda de doble de experiencia de 2 horas, camiseta de Wembanyama y camiseta de Caitlin Clark.

Por último, la edición Ultra de 149,99 euros contiene todo esto más Sudadera con capucha extragrande* de Roses, el Pase Pro de la Temporada 1, el Pase de Verano (Pases Pro de las Temporadas 7-9) cartas de jugador MyTEAM de la Edición Ultra de NBA 2K27 con un 98 MED garantizado disponible en diciembre de 2026 y un invencible garantizado disponible en mayo de 2027 MyTEAM.

Big-time players make big-time plays?

Derrick Rose fue el jugador que definitivamente me aficionó a la NBA. El astro de Chicago Bulls dejó una fulgurante estela y eso quedó plasmado en NBA 2K13 con una portada memorable, juego al que dediqué decenas y decenas de horas en su momento.

Ahora, Rose vuelve a estar en portada con la edición Ultra de NBA 2K27. Produce algo de ilusión volver a verle ahí, pero al igual que el base, yo cada día pienso más en retirarme de este baloncesto... No porque me haya dejado de gustar, sino porque todos los años vemos la "misma" temporada. ¿Te imaginas que el mismo equipo ganase la NBA cada año?

Eso es lo que pasa con NBA 2K. No hay rival aquí y pese a que las dinastías siempre tienen cierto halo de leyenda y a que no se pueden negar muchas de sus cualidades, no estaría mal ver un partido más apretado, un juego que se dejase de monedas, recompensas y pequeñas mejoras y apostase por "tirarse un triple" pensando en los jugadores que aman el baloncesto y no los sobres o la "ropita".

Si habéis visto algún tráiler, no os habrá dejado indiferente. Primero, por su estética, un expreso homenaje a los animes de finales de los 70 y los años 80.

Y segundo, por su propuesta jugable: no se puede superar esta aventura en solitario, es necesario hacerlo con un segundo jugador, cooperando para avanzar.

Los juegos de Josef Fares como A Way Out o It Takes Two ya habían apostado por ello, pero Orbitals tiene su propia dinámica y ambientación, que lo convierten en una experiencia capaz de poneros a prueba en un momento y haceros rodar de la risa en otro.

El argumento bebe de las aventuras espaciales tan propias de la época. Maki y Omura son dos jóvenes amigos que viven en una colonia espacial.

Están entre los pocos supervivientes de un cataclismo ocurrido 15 años atrás y ahora han de encontrar una serie de reactores para escapar de una enorme tormenta cósmica.

Unos space cowboys

Esto provoca que tengamos que movernos en cuatro ámbitos jugables. Por un lado, recorriendo la estación espacial, mientras hablamos con sus habitantes, interactuamos con las mascotas o probamos algún minijuego.

Por otro lado, dentro de nuestra nave, donde encontramos algunas herramientas para recoger y decidimos quién pilotará y quién usará el cañón de artillería.

Después, toca precisamente eso: manejar la nave por el espacio para alcanzar el siguiente objetivo.

Al hacerlo, de nuevo manejamoss a Maki y Omura por separado para visitar extraños mundos (desde eriales congelados hasta verdes vergeles) en los que se nos reta a tramos de plataformeo, exploración y muchos puzzles.

Normalmente, esos puzzles se basan en usar algunas de las cuatro herramientas que vamos consiguiendo: un cañón de agua, un láser concentrado, un gancho y un extraño rayo capaz de poseer ciertas entidades.

Aunque las zonas interactivas suelen estar bien marcadas (asas amarillas para el gancho, un icono de agua para el cañón, etc.), tenemos que dar bien al coco para entender cómo seguir avanzando, con el componente extra de que los niveles se han de superar cooperando sí o sí.

Así, puede que a uno le toque desplegar una plataforma para que el otro avance y pulse un interruptor, cargar un robot a distancia con el rayo tras un cristal mientras el otro lo acompaña en paralelo, manejar de forma remota un robot que genere un escudo al compañero...

Las combinaciones son enormes y, en muchos casos, extremadamente originales, lo que hará que os maravilléis por partida doble: primero, porque a alguien se le haya ocurrido un puzzle así; y segundo, porque vosotros hayáis entendido a la vez cómo hay que seguir avanzando.

Todo esto lleva a situaciones frenéticas y rocambolescas en las que la vida de uno de los personajes dependerá del otro jugador y un fallito haga que caiga al vacío mientras el “culpable” se parta de risa.

La leyenda de los héroes galácticos

Lo bueno es que tenemos “vidas” infinitas y nuestros personajes reaparecen siempre en el último tramo a superar (nada de repetir secuencias interminables de saltos y puzzles), por lo que no resulta frustrante atascarse ligeramente en una zona.

El ritmo es muy variado, con momentos en los que vemos la acción en pantalla partida, otros en los que vemos a ambos personajes en profundidad y en una sola pantalla...

Además, hay tramos que se basan en pruebas musicales para seguir el ritmo, duelos contra jefes finales... Nunca sabes qué nuevo desafío te va a esperar a continuación.

De propina, suele haber pequeñas bromitas como animales con los que interactuar o algunos minijuegos para desbloquear cuando volvamos de una misión, lo que nos puede llevar a pequeños desafíos competitivos para distraernos.

Cómo se juega en cooperativo a Orbitals

¿Y de qué forma pueden participar dos? El sistema más evidente es mediante un cooperativo online, si los dos jugadores tienen su propia Switch 2 y el juego (o el segundo tiene un pase de amigo, que es gratuito); pero también se puede usar Gameshare, para que el segundo jugador no necesite tener el juego, solo su consola. Esto se puede aprovechar online pero también en local.

Lo interesante de esto es que, como Gameshare se basa en streamear la partida, el segundo jugador no necesita tener una Switch 2, le basta con una Switch 1 y podrá jugar sin problema. Por último, también es posible jugar en local en una sola consola, usando cada jugador un par de joy-con.

Por si queda alguna duda: no, no hay forma alguna de jugar en solitario, ya que todo el juego está diseñado para superarse en compañía.

Los desafíos van desde lo simple y divertido hasta algunos más avanzados que van a requerir vuestra habilidad tanto moviéndoos rápido como dándole al coco, a veces sobre la marcha.

Nunca llega a ser excesivamente difícil, pero algunos desafíos os pueden llevar vaaaarios reintentos, especialmente a la hora de coordinaros con el compañero para superar una determinada secuencia en orden.

Hablar, ya sea via Gamechat o “en vivo”, es fundamental para ponerse de acuerdo en la estrategia. Superar el juego Orbitals lleva cerca de 10 horas, así que tendréis tiempo para acostumbraros a vuestros “tics” jugables.

Lo cierto es que Orbitals ayuda mucho a que la experiencia sea aún más divertida gracias a su apartado técnico y ambientación.

Miyazaki estaría orgulloso: los gráficos de Orbitals

Como decíamos, la influencia estética bebe claramente de los años 70 y 80 (también algo de los 90), con evidentes referencias a las obras de Studio Ghibli, pero también guiños por aquí y por allá a otras obras: correr como Arale en Doctor Slump, diseños inspirados en los de Rumiko Takahashi...

Incluso se ha contado con una leyenda como Hidetoshi Yoshida, un veterano de hitos como Bubblegum Crisis o Patlabor, para ayudar con el diseño y el storyboard del juego, y de las numerosas escenas de vídeo, creadas a base de animación tradicional, se ha encargado Studio Massket, responsables del video de ending de Cyberpunk Edgerunners, entre otras obras.

El resultado es una estética auténtica, que huye de un estilo amerimanga impostado y realmente se percibe como algo extraído de tres o cuatro décadas atrás.

Al margen de las escenas de vídeo, los gráficos usan, como era de esperar, un fuerte cel-shading combinado con filtros de granulado y aberración cromática que dan un cierto tono “degradado” a la estética, como se estuviéramos viendo una animación antigua.

Pero no se trata solo de trucos superficiales: las animaciones de los protagonistas y los personajes que encuentran están cuidadosamente exageradas para dar ese aire de animación desatada, viva, de los animes clásicos.

Los escenarios también están plagados de detalles, animalillos en movimiento e influencia ciberpunk.

La única pega puede darse en algunos momentos en los que buscar el siguiente objetivo puede ser algo engorroso en pantalla partida, pero el conjunto compensa con creces el problema.

El apartado sonoro no se queda atrás, con un tema principal del juego cantado por Mami Akuyama, toda una leyenda para los seguidores de Gundam.

Las voces están magníficamente dobladas al castellano, con el enorme acierto de colocar en los roles protagonistas a Clara Schwarze e Iván Priego, voces de Akane y Ranma chico en el reciente remake de esa serie. Incluso se permiten algunas florituras como dar un contundente acento catalán a uno de los personajes que vamos encontrando en el juego.

La opinión de Hobby Consolas sobre Orbitals

Todo esto ayuda a que entren mejor los numerosos comentarios y chascarrillos de los héroes mientras superan obstáculos o se respawnean tras una muerte, lo que hace que la experiencia en su conjunto sea muy desenfadada y llena de humor blanquito.

Hay momentos para el drama y el misterio, sí, pero la aventura tiene un tono muy familiar.

Así, Orbitals se convierte en una de las mayores alegrías recientes para Switch 2 y es una muestra más de que no hay nada como el trabajo más artesanal. Se nota cuando un juego está hecho desde el cariño y pensando en el jugador y, en ese sentido, esta experiencia está en otra órbita.

No es ninguna sorpresa viniendo de una Capcom en estado de gracia, que solo en 2026 nos ha dejado estupendas versiones para Switch 2 de novedades como Resident Evil Requiem, Pragmata o Monster Hunter Stories 3, sin olvidarnos de Devil May Cry 5. Como vamos a ver en este análisis de Onimusha: Way of the Sword para Nintendo Switch 2, este nuevo port sigue la cuidada línea de sus anteriores trabajos, difuminando más si cabe las diferencias con el resto de plataformas.

Y es un logro digno de aplauso, ya que, aunque en 2026 hemos visto muchísimos grandes ports, como Final Fantasy VII Rebirth, Dragon Quest VII Reimagined, Yakuza Kiwami 3 & Dark Ties, Indiana Jones y el Gran Círculo o el más reciente Elden Ring, muchos de ellos presentan pequeñas diferencias, que aquí están más diluidas si cabe...

Eso sí, como en los análisis de otros ports, aquí voy a poner el foco en la parte técnica, ya que toda la información y detalles sobre la jugabilidad, duración o historia lo podéis encontrar en el análisis de Onimusha: Way of the Sword para PS5, Xbox Series X|S y PC (que también es compatible con Steam Deck o ROG Xbox Ally X).

Aclarado este punto, vamos con la review de Onimusha: Way of the Sword para Nintendo Switch 2, que por méritos propios ya es uno de los mejores ports de la plataforma y, por calidad técnica, tiene muy poquito que envidiar al resto de versiones... por no decir nada.

Novedades, diferencias y aspectos exclusivos de Onimusha: Way of the Sword en Nintendo Switch 2

En términos de contenido, Onimusha: Way of the Samurai es el mismo juego que en el resto de plataformas, con el mismo adictivo sistema de combate, los mismos enemigos, jefes, escenarios, tareas opcionales, el mundo abierto basado en Kioto, el sobresaliente doblaje al castellano... Es el mismo juego tal cual, incluso a la hora de poder cambiar la dificultad de los combates durante la partida si te atascas en algún jefe.

Pero eso no es incompatible con que, en Nintendo Switch 2, ofrezca dos características exclusivas, y una de ellas, en mi opinión le sienta de maravilla. Me estoy refiriendo al uso de los controles por movimiento, que incluye el apuntado con el giroscopio.

Los controles por movimiento solo funcionan al jugar en modo TV y sobremesa, y son un pequeño guiño a los tiempos de Wii. En el fondo, no dejan de ser una curiosidad que permite ejecutar algunos movimientos, como los dos tipos de tajo, moviendo de maneras concretas el mando derecho, en lugar de pulsar los botones.

El problema con el que me he encontrado es que, si juegas con los controles por movimiento activados, en algunas ocasiones pueden volverse locos, y ejecutar de manera continua algunas técnicas (en especial una para romper las defensas de los enemigos), algo que me ha pasado en más de una y de dos ocasiones, y que resulta molesto.

Pero, si desactivas los controles por movimiento, también desactivarás el apuntado con el giroscopio, una opción que sí funciona de maravilla y que a la hora de acabar con los Genma usando el arco se me antoja imprescindible.

Sí, porque los sticks de los Joy-Con 2 de Switch 2 siguen sin ser todo lo precisos que me gustaría para apuntar en juegos con componente shooter, y es algo que se nota incluso en aventuras como Onimusha. En modo portátil, apuntar con el arco a la cabeza de los enemigos puede ser un pequeño dolor de muelas (un leve toque, y la retícula se va a Parla), mientras que con el giroscopio resulta más suave, ágil y preciso.

No son novedades o diferencias tan decisivas como para hacer que te decantes por esta versión en lugar de otra, pero sin duda, Capcom merece un aplauso por introducir, al menos, alguna característica exclusiva de Switch 2 que aprovecha su hardware (la vibración HD tampoco funciona mal y añade matices, la verdad).

El apartado técnico de Onimusha: Way of the Sword, o cómo Capcom saca más jugo de la capacidad de Nintendo Switch 2

Como en otros ports, Nintendo Switch 2 no puede igualar la resolución y tasa de frames de otras consolas (4K y 60 fps), pero la solución que pone sobre la mesa deja unas sensaciones muy, muy buenas, que incluso van un paso más allá de lo visto en otros meritorios ports, sin ir más lejos, el propio Pragmata de Capcom, que ya iba bastante fino en la nueva consola de Nintendo.

Las diferencias con otras plataformas comienzan por la resolución: en modo TV, la imagen se reescala a 1080p, mientras que en modo portátil el tope está en los 900p, en ambos casos, usando DLSS. Pero lo cierto es que el resultado, visualmente, es muy bueno y sólido. He estado jugando en un televisor 4K, y lo cierto es que se ve de fábula (todas las imágenes de este análisis han sido capturadas en la consola, y a menudo no hacen justicia de lo bien que se ve en la propia consola).

No sé si se debe al estilo artístico del juego o porque Capcom ya le ha cogido el punto a Switch 2... pero de verdad, Onimusha: Way of the Sword se ve de locos en Switch 2, también jugando en modo portátil. Es uno de esos juegos que te vende la consola, y que, como si fuera cosa de brujería, minimiza la distancia respecto a las versiones de otras plataformas.

Lógicamente, si sacas la lupa a pasear, sí, encontrarás algunos detalles en esta versión, como algunas texturas con menor resolución o detalle, que no destacan tanto en otras versiones. Pero no es algo muy evidente. Incluso en aspectos muy cacareados en otros ports, como el menor detalle del pelo debido al reescalado, Capcom ha hecho magia con unos "pelucones" que no son tan cantosos como en otros juegos.

Sin ir más lejos, está la propia melena de Musashi, el protagonista, que logra dar el tipo durante toda la aventura, tanto en las secuencias como en los momentos de acción: no vas a ver pelo con tantos dientes de sierra como el de Cloud en Final Fantasy VII Remake Integrade si bien es cierto que en otros personajes, como Ganryu, el rival de Musashi, se puede apreciar algo más.

Tampoco vas a encontrar ni grandes cantidades de popping, ni carga tardía de texturas y otros defectos recurrentes en algunos ports (como el de Tales of Arise). De hecho solo me "han cantado" un par de casos en los que el detalle se ha cargado especialmente lento, por ejemplo, al darme una vuelta brusca y que el detalle de las ramas de un árbol no esté ahí al momento... Pero como digo, no es algo frecuente, y de hecho, lo he visto de manera más bien puntual.

Pero, sin ningún tipo de duda, la sorpresa técnica me la he llevado con otro aspecto: la tasa de frames. Capcom adelantó hace meses que el juego se movería a 30 fps en Switch 2. Y si bien es cierto, y es la opción que viene activada por defecto (manteniendo una tasa estable en casi todo momento, que hace que el juego sea perfectamente disfrutable), en los ajustes gráficos hay una opción más.

No es un modo gráfico como los que tienen Lies of P (el auténtico rey en este apartado), Mouse P.I. For Hire o Fallout 4 Anniversary Edition, sino una simple opción para desbloquear la tasa de frames. Es decir, una opción para que la consola llegue a los frames que pueda en cada momento. Y ahí está la sorpresa: en muchísimos casos, el juego se mueve a 40 o más fps. Puede parecer una reducida menor, pero lo cierto es que se nota, y el juego gana en suavidad y fluidez.

En zonas más contenidas, como niveles cerrados (no son en mundo abierto) o salas con jefes finales, la tasa a menudo ronda estos 40 fps, incluso en modo portátil, y hacen que la vertiginosa acción sea todavía más vibrante e intensa.

Lógicamente, cuando el juego no alcanza este extra de frames, se nota... pero para mí, es un pequeño precio que hay que pagar para disfrutar todavía más del juego. Es la opción con la que he jugado para este análisis, en el que he invertido más de 30 horas, y he disfrutado todas y cada una de ellas...

Precio y ediciones de Lies of P Complete Edition para Nintendo Switch 2

A partir del 4 de septiembre, Onimusha: Way of the Sword está disponible en tres ediciones digitales: Estándar, Deluxe y Premium Deluxe, con precios de 69,99, 79,99 y 89,99 euros respectivamente. La buena noticia es que, salvo que seas un frikazo que lo quieras todo, con la estándar tienes más que de sobra, ya que las otras dos ediciones incluyen distintas cantidades de contenido digital, como atuendos, aspectos para la espada, amuletos o una mini banda sonora.

Donde Capcom vuelve a pinchar es con la edición física, que cuesta 69,99 euros, pero como sus anteriores juegos, es una Tarjeta Llave. Un detalle triste, ya que es un juego que cabe perfectamente en una Game Card (ocupa poco más de 31,9 gigas). Si los indies lo están haciendo, ¿por qué no puedes hacerlo tú, Capcom?

La opinión de Hobby Consolas de Onimusha: Way of the Sword en Nintendo Switch 2: ¿merece la pena?

Capcom pone un broche de oro a su espectacular 2026 con un port para Nintendo Switch 2 que, por méritos propios, está entre lo mejor que ofrece la consola. Puede que no se mueva a 4K y 60 fps, pero sorprende que un dispositivo híbrido con el grosor de una tableta sea capaz de mover un juego así de bien, tanto en modo portátil como TV.

Y lo hace sin grandes sacrificios técnicos o visuales, ofreciendo un festín visual al nivel del resto de plataformas, y eso sin contar que, como aventura, atrapa de principio a fin (aunque la repetición de algunos "mid-bosses" a mí me ha terminado cargando un poco).

Por si fuera poco, gracias al desbloqueo de frames, muchos fragmentos de la aventura se mueven a 40 o más fps, un plus que se nota y hace que la experiencia sea todavía más fluida e impresionante. Así pues, si no tenías claro donde jugarlo, que no te queden dudas: Switch 2 es una opción tan buena como el resto, y más si quieres jugarlo en cualquier parte, porque en modo portátil también se mueve de lujo...