Algunos, no sin algo de razón, estarán pensando que ya está aquí "el alegrías" o "el amigo de la parca", pero permíteme que te fastidie un poco esta mañana de verano: lo único cierto es algún día estiraremos la pata y nos tocará hacer las maletas para irnos al más allá, a una tumba o una urna, según las creencias y preferencias de cada uno.

No lo digo con "angustia adolescente", sino desde la calma, tras superar un problema de salud que me hizo replantearte muchas cosas a nivel existencial. Y lo pienso todavía más a menudo desde que un buen amigo, del que me acuerdo todos los días, falleció el año pasado de manera inesperada. Pero dejadme que me explique.

Estos "últimos juegos" no dejan de ser como una meta, algo que te gustaría llegar a ver y no son, ni mucho menos, algo estático o inamovible. Ya he superado unas cuantas de estas metas, como el lanzamiento de Nintendo Switch 2, que fue uno de mis objetivos de 2025, o el de Rhythm Paradise Groove, una saga por la que tengo especial debilidad desde que debutó en 2006 en Game Boy Advance.

Por fortuna, por cuidarme o porque no era todavía mi hora, aquí sigo, con nuevas metas. La primera, y más humana es desconectar durante las vacaciones después de un año tan intenso... y lo que nos queda por delante, que es para acabar con la salud de cualquiera. Después, me gustaría llegar a disfrutar de Zelda Ocarina of Time Remake, un juego tremendamente especial tanto a nivel personal como profesional.

Luego está, por supuesto, el elefante en la sala, GTA 6, que sin mostrar nada de jugabilidad, ya es el producto más deseado por los jugadores, entre los que por supuesto me incluyo. Y es justo por GTA 6 por el que estoy escribiendo esta pequeña reflexión "en voz alta".

En una de las últimas charlas que tuve con mi amigo, pocos meses antes de fallecer, no le cabían en el pecho las ganas que tenía de jugarlo, de lo jodido que estaba porque "a ver cómo iba a conseguir esta vez el merchandising del juego". Porque como "criatura" dedicada al marketing (sí, trabajaba en la industria del videojuego), también le flipaba todo lo que hacía Rockstar al otro lado de la pantalla, en el mundo real (y coincido, también siguen siendo únicos en eso).

Y esa, ahora dolorosa charla, no deja de recordarme que, pese a las ganas e ilusión que le provocaba el juego, él ya no estará para disfrutarlo. Es muy probable que él, quizá, nunca se llegara a plantear este escenario, esta posibilidad. Que no estuviera entre nosotros cuando el juego se lanzara.

Porque, en el fondo, no hay nada más humano, al menos en la cultura occidental, que pensar que vamos a estar aquí para siempre, que somos casi inmortales, y que tenemos todo el tiempo del mundo por delante para disfrutar de una de las cosas que más felices nos hacen. Algo que sabemos que es mentira.

Como reza el recordado eslogan de PlayStation, "yo sí he vivido", tengo la suerte de haber vivido esta industria casi desde sus primeros pasos, desde los primigenios microordenadores domésticos a las Game & Watch y las maquinitas LCD, las primitivas consolas dedicadas que se conectaban a la tele por la antena, el salto a los gráficos 3D, el DVD, el juego online, la realidad virtual...

Tengo la suerte de haberlo vivido todo, y en primera fila. Eso, en cierto modo, me reconforta de cara al día en que tenga que decir adiós. Mi vida jugable "ha sido plena". E incluso he tenido la suerte de no ver lo que muchos agoreros llevan anunciando desde hace más de una década, como la "muerte" de las revistas de papel.

Ahí sigue Hobby Consolas a punto de cumplir 35 años, y han pasado ya casi 8 años desde que dejé de coordinar el día a día de la edición impresa, y unos cuantos más desde que en 2008, los primeros heraldos empezaron a hablar del fin de las ediciones impresas. Ha cambiado todo mucho, y muchas cabeceras han caído, pero aquí seguimos, en pie, 18 años después.

Lo que no esperaba ver, o al menos no tan pronto, es el intento de asesinato, o fin del formato físico en PlayStation (bueno, en realidad tengo que "mantenerme vivo" un año y medio más para ver si finalmente sucede). Ojalá reculen, por todas las implicaciones que tiene tanto para el usuario, desde el punto de vista de los derechos, como para la cantidad de puestos relacionados que se van a destruir. Es una de las pocas cosas a las que no me gustaría llegar "vivo".

Pero bueno, que me desvío. Por ahora, mi "última meta" está fijada en el 19 de noviembre. Si seguimos respirando para entonces, será hora de actualizarlas. Pero tú, querido lector, ¿tienes claras las tuyas?

No sé si es porque entonces éramos niños o adolescentes y veíamos las cosas desde la inocencia, o bien porque la industria estaba en pañales entonces y no se tenían en cuenta tantas métricas como ahora o porque los costes para crear un videojuego eran menores (equipos humanos más pequeños, tiempos de desarrollo más breves...), pero lo cierto es que la situación de ahora no tiene nada que ver con aquellos "tiempos felices".

No me quiero poner en plan abuelo cebolleta, pero cualquiera con cierta edad, esbozará una sonrisa cuando le recuerdas que, antes, muchos juegos llegaban meses o años después de estrenarse en Japón o Estados Unidos. Si los comprabas de importación, quizá los verías en blanco y negro si no tenías el televisor o equipo adecuado.

Que lo único que había para enterarte de las novedades eran las revistas y, para verlos en movimiento, los VHS que venían con ellas de pascuas a ramos; que, para muchos, las tiendas de videojuegos y los salones recreativos eran los puntos de reunión con los amigos, y visitarlos te permitía descubrir, por ejemplo, que Virtua Fighter ya estaba en tu barrio directo de Japón. ¿Qué queda de eso? Pues nada.

Los avances tecnológicos han acercado muchas de esas experiencias a la pantalla de nuestro PC o teléfono, y de paso, se han llevado parte de ese encanto. Al igual que Spotify con la música, ahora lo tenemos todo a un clic de distancia, y eso no siempre significa que sea mejor, aunque algunos piensen que qué bien, lo que hemos evolucionado. Por el camino se ha quedado el "afán" descubridor, que requería un mínimo esfuerzo por nuestra parte, si querías estar enterado en la materia.

Es solo una de las piezas que han ido cayendo en este triste efecto dominó. para llegar a la situación actual. Hemos visto la desaparición de los salones recreativos, que antes eran el escaparate de los avances tecnológicos, al tiempo que se han ido sacrificando la variedad de propuestas y la creatividad en pos de juegos que, a menudo, repiten las mismas ideas. Que genios con visiones únicas como Keita Takahashi, el padre de Katamari Damacy, se planteé dejar la industria, es solo un síntoma más de todo esto. No hay hueco si no generas dinero.

Es un fenómeno que sigue su curso y que, como el calentamiento global, todavía no ha acabado. No han sido pocos los juegos que se han estrellado o los estudios que han cerrado, incluso intentando crear el superventas del momento. O incluso colosos con pies de barro que han acabado besando la lona (la caída de Atari o Sega dejando de ser fabricante de consolas, por ejemplo). 2025 y 2026 son buenos ejemplos de esta deriva, con los ya incontables despidos y fracasos comerciales.

Pero echando la vista atrás, me resulta complicado encontrar un solo momento en la historia del videojuego que se acerque al clima de crispación en el que vivimos actualmente, ni siquiera en el lejano crack del 83 que estuvo acabar con la industria del videojuego cuando estaba dando sus primeros pasos. Sí, porque creo que esa palabra, crispación, es la que mejor define la situación actual.

Y no es algo que se haya surgido de manera espontánea en un mes, es algo que se lleva forjando desde muchos años atrás. Hoy día, es complicado sacudirse esa sensación de que la espada de Damocles se bambolea sobre la cabeza de cualquier persona que trabaja en la industria del videojuego, ya sea en un estudio creándolos, en un editor trabajando en la copia física, vendiéndolos tras un mostrador o incluso, en nuestro caso, escribiendo sobre ellos. La sensación es que nadie está a salvo, ni se sabe por cuánto tiempo.

No os voy a decir cuántas llamadas, o emails de despedida, llevo en los últimos años, y no solo compañeros directos (Sonia, David... no hay ni un solo día que no me acuerde de vosotros); gente con la que puedo haber trabajado más de dos décadas, en empresas y editores, y que de la noche a la mañana, se ve fuera de la industria. Si fuera un sector en expansión, no habría problema... pero la realidad es que cada vez hay menos empresas de videojuegos en España, y no hay alternativas: para una gran mayoría, no hay opciones de volver a encontrar un trabajo en el sector. Hay que irse a otro.

Si nos vamos al desarrollo puro y duro, solo hace falta hacer recuento, en lo que llevamos de julio: los despidos masivos en Xbox, los de Ubisoft con cierres de estudios... Pero antes fueron Bungie, Eidos, Epic, Crystal Dynamics, BluePoint... y eso sin esforzarme demasiado, los que me vienen solos a la cabeza, porque hay más. Y si echamos la vista a años anteriores, ya ni te digo. Nada de lo destruido se ha regenerado, ni parece que se vaya a recuperar. Y menos con los "pro IA"...

Pero, como se suele decir, "éramos pocos y parió la abuela". A este mal sabor de boca se ha sumado el anuncio de PlayStation de poner fin al formato físico en 2028. Un futuro sin copias físicas, justo el mismo día que anuncia el cierre de las PS Store de PS3 y PS Vita. Como para fiarlo todo a un futuro digital, con estas garantías.

Como ultradefensor del formato físico, no voy solo a decir que me parece un error garrafal, también me parece un gesto desafortunado hacia los compradores que llevan (llevamos) comprando juegos físicos desde la llegada de PlayStation a España en 1995. Y oye, que lo seguimos haciendo aunque cada vez seamos "menos".

No es que seamos unos inadaptados al cambio; de hecho, pocos sectores absorben tantos avances, tan frecuentes y seguidos en el tiempo como la industria de los videojuegos. No voy a dedicar ni un segundo a hablar de la evolución de los formatos, pero os lo dice alguien que ha picado juegos Basic y los perdía al apagar mi ZX 81; he sobrevivido a la carga de juegos en cinta en ZX Spectrum, he vivido la llegada de los diskettes, de los cartuchos, del CD, DVD y Blu-Ray, del juego online, de la realidad virtual... De verdad, a mis 51 años, más adaptable a los avances, no vas a encontrar a casi nadie, porque los he vivido todos, o casi todos.

Me parece desconsiderado porque, viendo la evolución de otros medios ¿obsoletos?, está claro que el formato físico todavía tiene recorrido. Aunque los periódicos digitales sean los que tiran del carro, las editoriales siguen apostando por las ediciones en papel; el vinilo "murió", pero oye, ha resucitado con fuerza. Al igual que la radio, que no sucumbió ante la tele y gana adeptos. Pero de todo eso ya hablé.

Si esta decisión viene motivada porque PS6 no va a tener lector de discos, entonces, quizá, el problema viene del propio planteamiento de la nueva la consola. Si van hacia un modelo híbrido como Nintendo Switch 2, y Nintendo ha sido capaz de encontrar una solución... dudo que Sony no tenga los recursos para encontrar una alternativa, como instalar los juegos en el almacenamiento interno de la portátil desde un hipotético lector de discos en "el dock". Algo, seguro, se puede hacer.

Otra cosa es que, desde el punto de vista económico, resulte más suculento aumentar los márgenes de beneficio con cada copia digital vendida (los costes bajarán, pero no el precio) y de paso controlar todavía más el mercado, ya que los juegos solo vas a poder comprarlos en su tienda, y al precio que marquen en cada momento, y sin opción de revenderlos o prestarlos. Al menos, con el actual esquema digital que tenemos. Como consumidores, perdemos derechos y opciones. Y por si alguien duda, tener menos opciones de elección siempre es peor.

Una decisión que, además, Sony ha tomado de manera unilateral, sin consultarlo con todos sus socios, como el resto de editores, que en algunos casos, también ven peligrar ahora su futuro. O una parte de él. Me refiero a editores como Meridiem, Selecta Play o Tesura, van a ver mermado su futuro catálogo. Y no se salva nadie, ni si quiera el pionero de las tiradas limitadas, Limited Run Games.

Esto conecta con las tiendas que, de no revertirse la situación, también van a tener menos materia prima en sus estanterías, que es otro paso más para hacer más pequeña la industria del videojuego en nuestro país. No hablo ya de los grandes editores que todavía tienen oficina en España, que cada vez son menos. Pero si todo va hacia lo digital, el siguiente paso es que todo se puede gestionar desde otro país... algo que ya ha pasado en casos como el de EA, que no es la sombra de lo que fue en España hace unos años. De nuevo, la industria local mengua.

Es una decisión desafortunada porque el físico no da pérdidas, no es algo insostenible o deficitario que esté llevando a la ruina a Sony. Y es entonces cuando siempre pongo el mismo ejemplo: ¿si tienes dos piernas, te cortarías una para andar más rápido? Lo pensaba y lo dije en su día cuando parecía que las revistas de papel estaban llegando a su fin, y lo sigo pensando y diciendo hoy día: no tiene sentido.

Con el mercado físico de los videojuegos, pasa exactamente lo mismo. Aunque solo sea un 17-20% de las ventas totales (aunque los números digitales estén "trampeados"), sigue teniendo razón de ser. Tiene su público, y ponerle fin es una manera de acabar con el coleccionismo, una parte vital para muchos de los que compartimos esta pasión.

Porque si se piensan que una parte importante de esos coleccionistas va a pasar por el aro y comprar solo digital, se equivocan. Al menos en España, donde el apego "a la propiedad" sigue siendo un factor clave. Y que narices, me están quitando mi derecho a venderlo si quiero.

Por eso, y por todo lo que está pasando en julio de 2026, para mí ya se ha convertido en uno de los peores meses en la historia del videjuego, si no el peor... y lo triste es que las cosas pueden torcerse más, porque vista la evolución, a mejor no parece que vayan a ir.

También ha contribuido que GTA 6 se lance como se va a lanzar, un código en una caja... pero ahí creo que tiene que ver más con la histeria controladora de Rockstar, y en especial de Sam Houser, el presidente, que no debe querer que se pueda acceder a los datos hasta el día y la hora de lanzamiento. Sin copia física, es "más fácil" de controlar. De veras creo que, en algún momento, se lanzará en formato físico en consola... aunque lo mismo estoy completamente equivocado.

Es entonces cuando me acuerdo de los "tiempos felices", en los que la gente no hablaba de despidos, de códigos en una caja o del fin de un formato, sino de lo importante: de los juegos. De cosas que ahora parecen banales, como que qué versión de Aladdin era mejor, si en Mega Drive, o en Super Nintendo.

O qué año había sido el mejor de la historia, si 2004 (GTA San Andreas, Halo 2, Half-Life 2, Metroid Prime 2, Metal Gear Solid 3 o WOW) o 1998, año de mi debut en Hobby Consolas y en el que nacieron Metal Gear Solid, Half-Life, Zelda: Ocarina of Time, Gran Turismo o Resident Evil 2. Pero claro, eran otros tiempos... más felices.

Me he vuelto a acordar de esta posibilidad esta semana, justo cuando Nintendo acaba de confirmar que dejará de vender Nintendo Switch en Europa en febrero de 2027, a un mes de cumplirse el décimo aniversario de la consola, debido a la nueva regulación europea sobre las baterías, que justo entra en vigor en esas fechas. En otros países fuera de la Unión Europea, Nintendo Switch se seguirá vendiendo.

Esto, sumado a que Nintendo Switch 2 tendrá una nueva versión con batería extraíble (que llega en otoño, curiosamente en la fecha que muchos afirman llegará Zelda Ocarina of Time Remake, una saga que ha tenido muchísimas ediciones limitadas de consolas como GBA, 3DS o la propia Nintendo Switch), me ha hecho pensar que, después de todo, quizá, Nintendo tenga entre sus planes lanzar una nueva versión de su veterana consola, además con un doble motivo, más allá de acomodarse a la legislación europea.

Primero, porque esta "nueva" Nintendo Switch podría ser la excusa perfecta para celebrar el décimo aniversario: si sacan un nuevo diseño, con algún atractivo más allá de la batería extraíble, bien algún cambio en el tamaño o el formato, o incluso una Lite con pantalla OLED, con algún detalle como una serigrafía conmemorativa en la parte posterior, muchos coleccionistas iríamos de cabeza a por ella.

O bien podrían incluso apostar por un modelo "low cost", más barato, como hizo Sony con PSP Street, el último modelo de PSP, que apeló a un público distinto. Nintendo también ha hecho esto en el pasado con otras consolas, desde GBA Micro a New Nintendo 2DS XL o Wii Mini, por citar algunas. Las cosas han cambiado mucho sí, pero ¿por qué esta ocasión debería ser distinta?

Nintendo ya demostró en el pasado que no le tiembla el pulso a la hora de lanzar revisiones de sus consolas, y ahí están todas sus portátiles para recordárnoslo, desde Game Boy (con Pocket, Light -inédita fuera de Japón-, Color...), pasando por las variantes de GBA (incluida la cotizada revisión de SP AGS-101, con pantalla mejorada), otras tantas de DS, como la cotizada DSi o el modelo XL... vamos, que no sería nada extraño. Además, unas cuantas han llegado al final de su ciclo de vida.

Sería una forma perfecta de incidir en el segundo motivo que podría tener Nintendo: dar un último empujón a las ventas de Nintendo Switch para convertirla en la consola más vendida de la historia, y sobrepasar así a PS2, aprovechando también el momento crítico que atraviesa PlayStation con la crisis del anuncio del fin del formato físico.

Lógicamente, todo esto no deja de ser una mera divagación, pero no sería la primera vez que todos los astros se alinean con un fin, y este caso me huele a uno de ellos. ¿Fin de las ventas de Switch en febrero? ¿Aniversario en marzo? No sé, quizá esté viendo fantasmas donde no los hay, pero... llamadme loco: yo estaría muy dentro, aun teniendo en casa el resto de versiones de la consola.

Sí, porque finalmente, PlayStation ha sido la primera en confirmar que a partir de 2028 dirá adiós a los discos en sus consolas. Y como ella es la única que puede "planchar" los discos de PS4 y PS5, eso quiere decir que nadie más podrá lanzar juegos físicos en sus plataformas. Da igual que seas Ubisoft, Electronic Arts o Rockstar. Adiós a los discos.

Es paradójico que venga de una compañía que usó el formato físico en PS4 como una de sus principales diferenciaciones respecto a su rival, Xbox One, en plena polémica por el sistema de licencias digitales. No es menos cierto que de aquellos tiempos, de aquella PlayStation "pre Jim Ryan", ya no queda casi nada... De hecho, ni Shuhei Yoshida ni Adam Boyes, quienes aparecían en el vídeo, están ya en la compañía.

Que PlayStation no produzca discos no solo va a generar un perjuicio en todo el ecosistema de tiendas, tanto físicas como digitales, sino en la diáspora de pequeños editores, como Meridiem Games y Tesura o, fuera de nuestras fronteras, LimitedRun, Super Rare Games o Red Art Games, que han cogido el testigo de lo que muchas compañías ya no quieren, producir el formato físico, pero sí ganar dinero con él. Y por no hablar ya de la preservación o el acceso en escuelas y universidades.

Y es doblemente doloroso, e ingrato, que PlayStation quiera acabar así, de un plumazo, con el formato físico, cuando en otros medios siguen coexistiendo con el digital. Ahí están los vinilos, en pleno crecimiento, o los libros en papel (si te has pasado por la reciente Feria del Libro de Madrid habrás visto que siguen moviendo carros y carretas, con colas y masificación general) o la radio, que sigue ganando adeptos año a año.

Porque la gente tiene apego a esos formatos, igual que yo lo tengo a los juegos físicos. Queremos "tener", tocar, conservar, archivar y volver a usar lo que hemos comprado cuando queramos, sin necesidad de una conexión a Internet. ¿Es tan difícil de entender? No es incompatible que Bad Bunny tenga chorrocientos mil millones de reproducciones en Spotify con que menganito pueda tener el vinilo en su casa. Se trata de dar opciones al comprador, no quitárselas. Con los juegos es lo mismo.

Sí, llevamos lustros leyendo que lo digital gana terreno al físico año a año, y que en Estados Unidos es una tendencia que va todavía mucho más rápida. Pero no es menos cierto que los que seguimos comprando juegos en formato físico no somos una cifra marginal, no somos un 0,1% ni nada parecido que justifique que ya no merezca la pena el esfuerzo de lanzarlo físico. Y más en un año que, como acaban de revelar los datos de EE.UU., las ventas físicas han crecido un 3% respecto al año anterior. Entonces, ¿estamos tontos?

Como decía, este anuncio es un ejemplo más de la "ingratitud" general de la industria, en esta ocasión, contra los jugadores que, desde el primer día, comprando juegos físicos, hemos aupado a PlayStation al gigante en que se ha acabado convirtiendo. Primero, con los CDs de la primera PlayStation, luego con los DVDs de PS2, Blu-ray en PS3, PS4 y PS5, UMD en PSP, tarjetas de PS Vita... Muchos de los que compramos juegos físicos en la primera PlayStation lo seguimos haciendo en PS5.

No es menos cierto que la propia PlayStation ha desvirtuado lo que es un juego en formato físico, para ser exactos, desde la generación de PS3. Antes, un juego se lanzaba "completo", y no había opciones para actualizarlo. Con PS3 llegaron los parches, pero de primeras, no estaban el día de lanzamiento, y eran una opción por si aparecía algún fallo o recibía contenido adicional. Una "red de seguridad".

Desde la generación de PS4, lo normal es lanzar el disco con el juego sin terminar, a menudo con la advertencia de que es necesaria una descarga adicional y, de manera cada vez más frecuente, con parche de día uno para corregir 200 errores. De verdad ¿este es el mejor reclamo para comprar un juego en formato físico?

Por eso digo que, entre todos mataron al formato físico y él solito se murió. Porque esto no deja de ser un paso más en un camino muy claro para desvirtuar el formato físico. Algo que han intentado remediar compañías como las antes mencionadas (Meridiem y demás), con ediciones que por regla general suele contener toda la información en el disco o cartucho) y que justifican la existencia del formato físico.

Lo que subyace, detrás de todo esto y como venimos anunciando los agoreros del formato físico, es quitar todo control al usuario final. Que no puedas prestar el juego cuando y como quieras, que solo seas dueño de una licencia que, oye, como el reciente caso de las películas, se puedan quitar en cualquier momento y aquí no pasa nada. Porque estás comprando eso, nada. Aire. Una idea que no está en tu mano.

Y ya ni entro a valorar que, no pocas veces, es más fácil encontrar el formato físico más barato que el digital. El día que se acabe, ya no tendrás esa opción, y el dueño de la plataforma fijará el precio que quiera, durante el tiempo que quiera, y sin tener por qué poner rebajas.

Quiero pensar que, en algún momento, la gente se pondrá en pie de guerra y protestará por este tipo de medidas, bien con acciones específicas, bien con sus decisiones de compra. Cadenas como GAME ya están poniéndose en marcha, algunos editores tampoco se resignan y la indignación de los usuarios es palpable. Habrá que ver si entre todos, se hace la presión necesaria para revertir la situación.

O, si finalmente es algo irreversible, habrá que ver como responde la gente. Quizá si pierden ese 10-15% de ventas que puede suponer el físico hoy en día (al menos en España), solo quizá, puedan entender que es una decisión errónea, sin fundamento y puramente económica, sin mirar por un sector de los usuarios finales que QUIERE seguir coleccionando juegos en formato físico.

Y viendo el tratamiento que también recibe el formato físico por parte de Xbox, solo me viene a la cabeza el mensaje de auxilio que Leia grabó Obi-Wan en Star Wars: "Nintendo, eres mi única esperanza "(al menos, como coleccionista de videojuegos).

Veníamos de Batman: Arkham Asylum, título con el que sorprendieron a propios y extraños por su enorme calidad, hasta el punto de ser considerado como el mejor juego de superhéroes de la historia. Sólo superado, quizás, por su secuela: Batman: Arkham City, con el que se consolidaron como uno de los estudios más potentes del momento.

Aun no estando desarrollado por Rocksteady, no podemos olvidarnos de Batman: Arkham Origins, precuela realizada por Warner Bros. Montreal (quienes más tarde se encargarían de Gotham Knights) que narraba los inicios de esta versión virtual del cruzado enmascarado y muchos fans recuerdan con gran cariño.

En otras palabras: el listón estaba MUY alto. Y aunque no podemos decir que Batman: Arkham Knight tuviese mala recepción (ostenta una nota media de 87 en Metacritic, que no es moco depavo, y en esta santa casa lo valoramos muy positivamente; podéis comprobarlo en nuestro análisis de Batman Arlham Knight), su lanzamiento fue bastante accidentado.

El protagonismo que se le dio al Batmóvil, el icónico vehículo del personaje que hacía su debut en esta entrega, no terminó de convencer a los jugadores. A eso hay que sumarle la versión de PC, desarrollada por Iron Galaxy, cuyo lanzamiento fue, hablando mal y pronto, un completo desastre.

Esto provocó que los años posteriores al lanzamiento, la percepción general de Batman: Arkham Knight no fuese la ideal. Sin embargo y, como se suele decir, el tiempo pone a cada uno en su lugar.

Batman: Arkham Knight, un prodigio técnico que sigue sorprendiendo 11 años después de su lanzamiento

Con el paso del tiempo y, a medida que más gente ha ido descubriendo Batman: Arkham Knight, la percepción ha ido cambiando. Se trata de un titulo que mantiene el mismo nivel de calidad que los demás juegos de la trilogía en todos los aspectos: jugabilidad, narrativa, banda sonora, misiones secundarias, diseño de Gotham, villanos...

Se pueden entender las críticas hacia el Batmóvil, pero eso no lo convierte en un mal juego ni mucho menos. Y, por supuesto, se trata de una conclusión a la altura para el Batman (y el Joker) de Rocksteady.

Pero, curiosamente, uno de los aspectos por los que es más recordado (y por el que es habitual toparse con imágenes de Batman Arkham Knight en Redes Sociales) es su apartado visual.

La iluminación de Gotham, con esas luces de neón que le dan cierto toque cyberpunk, la densidad de la lluvia, la demencial recreación del agua... Con los juegos previos, en Rocksteady habían demostrado ser auténticos maestros de la atención al detalle, pero con Batman Arkham Knight se superaron a sí mismos.

Se han hecho (y se siguen haciendo) muchos vídeos comparando los gráficos de títulos recientes con los de Batman Arkham Knight y todo el mundo coincide: el juego del Caballero Oscuro sigue siendo un auténtico prodigio técnico.

Pero, ¿cómo lo logró Rocksteady? ¿Cómo consiguieron que un juego que hoy cumple 11 años se siga viendo mejor que muchos títulos actuales, aun no contado con versión mejorada para PS5 y Xbox Series X|S? La respuesta es sencilla: en lugar de adoptar un nuevo motor gráfico o pasarse a la siguiente versión, siguieron trabajando con el que ya dominaban.

Porque, como Batman: Arkham Asylum y Batman: Arkham City, Batman: Arkham Knight usa el motor gráfico Unreal Engine 3. Concretamente, una versión modificada por Rocksteady para beneficiarse de las specs mejoradas de PS4 y Xbox One... pero UE3 al fin y al cabo.

Es más, Arkham Knight es probablemente el juego que más se acerca a lo que prometía el motor cuando fue anuncido. ¿Recordáis la famosa demo de Samaritan, presentada en 2011?

Hay una lección muy importante aquí de la que muchos estudios podrían tomar nota, especialmente viendo los quebraderos de cabeza que Unreal Engine 5 ha dado esta generación: a veces, en lugar de apostar por una nueva tecnología que se desconoce, es mejor ceñirse a lo que ya se domina para obtener mejores resultados.

Y fuera de los motores gráficos, esto se puede aplicar también a la forma de trabajar de los estudios, pues una práctica muy común dentro de la industria son los puestos temporales: personas contratadas para roles específicos que, una vez concluido el desarrollo, se ven obligadas a abandonar el estudio.

De ahí que, en muchos casos, el equipo que se encarga del desarrollo pueda ser muy diferente de una entrega a otra, aun tratándose de la misma saga... y con todos los problemas que esto conlleva.

Justo hace unos días, Naoki Hamaguchi, director de Final Fantasy VII Revelation, destacaba durante nuestra entrevista que haber mantenido el mismo equipo ha sido uno de los principales motivos por los que han logrado lanzar una de las trilogía mejor valoradas de los últimos años con tan poco tiempo de diferencia entre juego y juego.

Volviendo de nuevo al hombre murciélago, Batman: Arkham Knight es la prueba definitiva de todo esto. Un juego hecho con pasión por un equipo que llevaba desde 2009 perfeccionando sus habilidades. Pues no sólo mantuvieron el motor gráfico; director, productores, programadores, artistas, compositores... Muchos miembros del equipo estuvieron presentes durante toda la trilogía.

Sólo así se culmina una obra que aun hoy, 11 años después de su lanzamiento, sigue dejándonos con la boca abierta.

En un ecosistema en el que cierta ligereza se recibió con los brazos abiertos supo desdramatizar y enganchar a la audiencia con una propuesta muy fresca, gozosamente retro y con una buena dosis de descaro insolente. Luminosa y divertida, marcó una nueva senda en el momento más oportuno.

Eran los tiempos en los que el soufflé de los superhéroes estaba en su punto álgido: había propuestas de todos los colores e hibridaciones de géneros que funcionaban francamente bien en taquilla. Hasta el mundo de la interpretación se veía absorbido por la tendencia: muy pocos se resistían a la exposición y los beneficios derivados de aparecer en una película "de mallas y capas", por más que las pantallas verdes fueran un verdadero incordio para la mayoría de ellos.

A día de hoy, heredar un reino audiovisual como el de DC es un regalo envenenado, tanto o más que echarse a la espalda una mochila de piedras. En primer lugar, como decíamos, porque el contexto ha cambiado.

Hemos pasado de la "fatiga" al total "hartazgo" del mundo de los superhéroes. Eso no significa que no haya margen para conquistar a la audiencia en momentos puntuales, pero parece improbable, por no decir imposible, que volvamos a movernos en el mismo contexto de éxitos concatenados que en la época dorada del UCM.

La estrategia de Gunn parece ser otra muy distinta, de hecho: su idea es apelar a fans muy puros y ofrecerles un caramelo bien disfrutón con su puntito iconoclasta. Derribar expectativas, en suma, pero poniendo sobre la mesa aspectos que hasta ahora no se habían visto.

Por ahora, esto lo ha logrado con su Superman y Creature Commandos aunque diviviendo a críticos y fans, muchos de los cuales lo consideramos un arranque bastante débil para la "nueva era". La próxima en llegar será Supergirl, que debutó en Superman y ahora será la protagonista de su propio largometraje. Y el tono parece continuista.

Hasta aquí, estaremos de acuerdo en que, como poco, ha renovado el aire del universo DC, rompiendo por completo con eras anteriores como la de Donner y la de Snyder. El gran escollo es que su visión colorista, desenfadada y a veces abiertamente cafre, no llega al público general del mismo modo. El sentido del humor de James Gunn es muy peculiar y probablemente funciona mejor con personajes secundarios o menos relevantes (he ahí su Escuadrón Suicida), mientras que choca mucho con otros más mainstream de los que los espectadores esperan cierto peso específico y menos gracietas.

Hemos pasado de la oscuridad, rotundidad y ansia de trascendencia de la era Snyder al polo opuesto y la pregunta que flota en el ambiente es durante cuánto tiempo se sostendrá esta apuesta o, dicho con otras palabras, si Gunn tendrá la capacidad de sorprender con propuestas diferentes, más maduras e incluso tétricas. La prueba de fuego será Clayface, con James Watkins como director.

La sensación es que, más que renovar el Universo DC, lo que ha hecho ha sido llevárselo a otro terreno, más humano y mundano; menos sólido y grave. Hay que esperar a que se asiente el polvo de la demolición antes de ver qué se va gestando.

Por ahora, tiene más sentido el recorrido de los productos televisivos que los cinematográficos, pero solo hemos podido ver un esbozo entre escombros y parece un dejà vu de lo que hizo en su era Marvel que aplicado a ciertos personajes funciona solo regular. Tiempo al tiempo.

Asha Sharma tomó posesión del cargo hace escasos tres meses, el pasado 23 de febrero, y desde entonces no ha parado de encadenar pequeños triunfos entre los fans de Xbox. Es, literalmente, como si estuviera reconstruyendo, pieza a pieza, el monumento que Satya Nadella, Amy Hood y los hombres de números de Microsoft tumbaron entre 2024 y 2025.

Pero se necesita más. Mucho más. Es particularmente triste acudir a un GAME o a cualquier otra tienda y no ver apenas juegos físicos de Xbox Series X|S y One en las estanterías. O ver los escalofriantes números de ventas de hardware, cuando Series X y Series S son verdaderos consolones que la compañía de Redmond ha desaprovechado. Espero que no hagan lo mismo con Project Helix.

Y luego está el elefante en la habitación: la ausencia de juegos exclusivos. Xbox acostumbra a coquetear con el mundo del PC desde los tiempos de su primera máquina (con 360 fue diferente), así que el hecho de que los títulos first-party de One y Series llegasen también a Windows no es un problema… pero no se puede decir lo mismo de PlayStation. La pérdida de exclusivas ha dañado a la marca.

No me malinterpretéis: no soy amigo de la exclusividad. Ojalá el mundo fuera un lugar donde todos pudieran jugar a cualquier videojuego sin importar su plataforma, porque las barreras solo implican un mayor gasto. Yo tuve una GameCube en la generación de 128 bits, y me perdí montones de juegos exclusivos de PlayStation y lanzamientos third-party por no haber tenido una PS2. Pero, lo queramos reconocer o no, sigue siendo un factor importante en la industria.

Aplaudo sinceramente algunos de los cambios aplicados por Asha, por supuesto. Game Pass ahora es más barato (aunque con el sacrificio de Call of Duty día uno), se ha eliminado la marca Microsoft Gaming y el desarrollo de Copilot for Gaming en consolas, y las consolas se actualizan cada dos semanas. Es una situación radicalmente opuesta a la que hemos vivido desde hace dos años. Sea parte de una campaña de blanqueo de Microsoft hacia la nueva Mesías o no.

Todos los deseos, inquietudes y temores convergen en una fecha: domingo 7 de junio a las 19:00 hora española. Xbox Games Showcase 2026 + Gears of War: E-Day Direct se postula como el gran evento del Summer Game Fest, pero, sobre todo, supone la GRAN prueba de fuego para Asha Sharma al frente de Xbox.

Sangre nueva bajo la atenta mirada de Nadella

Decir adiós a Phil Spencer no fue sencillo, ni mucho menos. ‘Tío Phil’ salvó a Xbox One del desastre absoluto hace una década, gracias a ideas brillantes como Xbox Game Pass, el juego en la nube o la apuesta por dos modelos como One S y One X.

Pero, en algún momento, el tren descarriló sin que lo supiéramos. El incesante deseo de Microsoft por crecer de manera no orgánica derivó en adquisiciones mayúsculas como la de ZeniMax Media (Bethesda y sus estudios) por 7.500 millones de dólares, o la imperial operación valorada en casi 70.000 millones de dólares para adueñarse de Activision Blizzard + King.

Xbox se volvió demasiado grande, producto de la enorme cartera de licencias que ahora poseían y el gasto desmedido en adquisiciones. Y entonces Microsoft, impulsado por la codicia corporativa, decidió tomar cartas en el asunto: había que hacer caja. Los tiempos de sacar la billetera se terminaron.

Microsoft Gaming, el famoso 30% de margen de responsabilidad y la estrategia multiplataforma convirtieron a Xbox en la mayor editora de la industria, llevando prácticamente todos sus juegos (salvo contadas excepciones) a PS5 e incluso a Nintendo Switch.

Forza Horizon 5 ha vendido casi 6 millones de copias en la consola de Sony. Es un dato abrumador que refuerza la conversión third-party de Xbox. Pero mirad las cifras de Gears of War: Reloaded, Indiana Jones y el Gran Círculo, Avowed, y las ventas que han tenido lanzamientos multiplataforma apadrinados por Microsoft como DOOM: The Dark Ages y Ninja Gaiden 4. ¿Realmente merece la pena lanzar todos los juegos en PlayStation?

Satya Nadella odia las exclusividades, pero seguro que no estará particularmente feliz si Halo: Campaign Evolved y el próximo Fable tienen un pobre desempeño en PS5… por no hablar del continuo descenso de ventas de Xbox Series X|S, producto de los salvajes recortes en la producción y la pérdida de identidad de la marca.

Con el transatlántico a la deriva, Phil Spencer y Sarah Bond fueron invitados a salir, uno con el bote salvavidas, otra con la etiqueta de villana, y entonces llegó Asha Sharma, rodeada de figuras con experiencia como Matt Booty, director de Xbox Game Studios, y Jason Ronald, líder de plataforma y next-gen de Xbox. Ahora también han fichado a Matthew Ball, uno de los analistas más reputados de la industria, como director de estrategia de la marca, y Sharma se ha rodeado de su gente de confianza procedente de CoreAI.

XBOX Player Voice es la chuleta para cuajar un showcase inolvidable

No espero que Asha Sharma salte al escenario del Xbox Games Showcase 2026 para confirmar el regreso de los juegos exclusivos. Francamente, dudo que suceda tan pronto, pero sí debería empezar a plantear algo más que un cambio de imagen pública de cara a una fecha tan especial como el 25º aniversario.

Bien harían los de Redmond si analizasen las métricas resultantes de XBOX Player Voice, la plataforma social que recopila las opiniones, sugerencias e ideas de la comunidad.

La vuelta de los juegos exclusivos es la petición número 1, con más de 18.000 votos a favor. Es una realidad: los fans quieren que las consolas Xbox tengan juegos exclusivos que NO aparezcan en PlayStation ni en Nintendo Switch 2.

Gears of War: E-Day, que tendrá su propio segmento final de unos 30 minutos, debe reconectar a los fans con la magia de la trilogía original, con Marcus y Dom rememorando los gloriosos días de Xbox 360. Confío en The Coalition casi tanto como en Playground Games, así que probablemente será un juegazo.

¿Saldrá en PS5? Es una gran incógnita, pues, junto a State of Decay 3, es el único título en desarrollo de Xbox Game Studios que no ha sido anunciado para la consola de Sony.

Quizá, y solo quizá, Asha Sharma y el departamento de comunicación deberían posponer esa respuesta para más adelante. Confirmar un lanzamiento en PS5 tan pronto hundiría el chiringuito de los fans más radicales. La mejor opción sería optar por una exclusividad temporal, como ha ocurrido con el brutal Forza Horizon 6, o directamente omitir su posible llegada a PlayStation en este showcase. No todos los usuarios de Xbox aceptarían lo contrario.

La segunda petición más popular es la incorporación de multijugador online gratuito, con más de 15.000 votos a favor. Sería poético que Xbox apostase por esta política de cara a Helix, su próxima consola, ya que fueron los primeros que monetizaron el juego online en consolas. No obstante, es uno de los rumores que más fuerte suenan en torno al híbrido PC-consola que prepara Microsoft.

El podio se cierra con el deseo de reforzar la retrocompatibilidad de Xbox. Más de 14.000 personas quieren que Series X|S tenga más juegos clásicos de Xbox y Xbox 360 en la Store, y que sea posible jugar a los títulos originales directamente desde el disco. Jason Ronald ha dejado entrever que es una de las sorpresas programadas para dentro de unos meses.

Si Asha Sharma quiere ganarse la beatificación entre el fandom de Xbox, solo tiene que convertir la lista de peticiones en una tabla de mandamientos universales. Pero, claro, no es lo mismo decirlo que hacerlo, sobre todo cuando tu mayor enemigo es la gigantesca empresa matriz con sede en Redmond.

La primera piedra del camino hacia Helix

Veo altamente improbable que Project Helix, la ambiciosa sucesora de Xbox Series X|S, llegue a las tiendas a finales de 2027. Lisa Su, CEO de AMD, asegura que están listos para un lanzamiento tan temprano, pero la crisis de la memoria ha puesto en jaque a Microsoft.

La consecuencia es que Xbox Series X podría mejorar sus prestaciones con FSR 4.1. por software a partir del próximo año. Es la solución que Sharma daría para alargar la vida de esta generación, aprovechando la ola de GTA 6, siempre y cuando reactiven la producción de consolas y el tema logístico.

Creo que Helix tendrá su pequeño espacio en el showcase de junio. Dudo que se desvelen aspectos como la ventana de salida, el precio o sus primeros juegos, pero quizá sí el diseño de la máquina, sus especificaciones o ciertas funciones, como el rumoreado sistema para convertir discos físicos en licencias digitales.

Tampoco podemos descartar el anuncio de una Xbox portátil nativa, a pesar de la existencia de ROG Xbox Ally en sus dos modelos, o la confirmación de nuevos mandos ya filtrados como el Elite Series 3 y el mando oficial de Xbox Cloud Gaming.

Y, por supuesto, el eje central del Xbox Games Showcase deben ser los juegos. Espero volver a ver los entornos steampunk de Clockwork Revolution, la belleza británica de Albion en Fable y alguna que otra sorpresa first-party, sin olvidarme de los habituales lanzamientos día uno en Game Pass o los cada vez más presentes juegos con soporte para Xbox Play Anywhere. Ojito, que igual Sega y Atlus tiran la casa por la ventana con Persona 6.

Seguro que el Xbox Games Showcase 2026 + Gears of War: E-Day Direct será un gran evento. Ojalá recuerde más a la edición de 2024 que a la del año pasado, esta vez con una Asha Sharma que brillará en el escenario para anticipar lo que será XBOX a partir de ahora. Sea cual sea la estrategia a seguir, solo espero que recuerden por qué los jugadores han confiado en su plataforma durante los últimos 25 años.

A pesar de que la serie de Ronald D. Moore, Matt Wolpert y Ben Nedivi es maravillosa en cuanto a ambientación e inventiva de esta realidad alternativa en la que la carrera espacial continuó mucho más allá del alunizaje, hay otros aspectos que no ha gestionado nada bien.

Antes de seguir, te aviso de que voy a incluir spoilers de lo que llevamos de la temporada 5 de Para toda la humanidad (4 episodios en el momento de escribir este artículo). Tenlo presente para no llevarte ninguna sorpresa desagradable si no estás al día.

Desde hace ya un par de temporadas, Para toda la humanidad adolece de un problema que deriva de la propia estructura de la serie. Es algo de lo que ya he hablado en HobbyCine: la edad de algunos personajes que están desde el comienzo de la serie entra en conflicto con lo que pueden o no hacer en la historia.

El caso más llamativo era el de Ed Baldwin (Joel Kinnaman), que ya tenía sus añitos cuando empezaba la serie, y lo han tenido dando guerra hasta la quinta temporada, casi 50 años después. Hablamos de un tipo que fue piloto de combate en la guerra de Corea, así que no tenía 18 años en el conflicto (1950-1953; la serie arranca en 1969).

El bueno de Ed ya se ha tomado su último chupito en Para toda la humanidad, aunque hasta sus últimos momentos han presentado al personaje, con noventa y todos y enfermo terminal, haciendo cosas que ya serían cuestionables incluso con gente más joven, como pilotar un vehículo que podría estrellarse con un ligero temblor de manos.

Pero este es el problema del que ya se ha deshecho Para toda la humanidad, sin nada en contra de Kinnaman, ojo, que ha hecho un gran papel. Sin embargo, la serie sigue teniendo otro brete interesante que no tiene pinta de que vayan a solucionar: la caracterización de la edad de sus personajes.

Para toda la humanidad o se pasa o no llega con la caracterización de la madurez

Voy a empezar disculpándome con el departamento de Erin Koplow, porque no tienen un trabajo fácil. Pero hoy estoy aquí para hacer de gruñón, y este tema me saca con frecuencia de la serie.

Para toda la humanidad salta de una década a la siguiente entre temporadas, pero algunos personajes han sido principales desde la segunda o incluso la primera temporada, sin cambiar de intérpretes.

Ese era el caso de Ed Baldwin, a quien han envejecido realmente en esta temporada, pero en la 4 no parecía tener sus 80 y tantas castañas.

Un personaje que iban envejeciendo razonablemente bien es Margo Madison (Wrenn Schmidt). Diría que se les ha ido de las manos un poco en esta temporada, pero la pobre mujer ha vivido un infierno y eso pasa factura, así que tiene un pase.

Luego tenemos a Danielle Poole (Krys Marshall), que ya ha pasado a la reserva, aunque ha tenido una aparición sorpresa en la temporada 5 para recordarnos que ella no envejece, solo cambia de peinado. Si me apuras, aparentaba más edad en la temporada 4. La Tierra le sienta bien a esta mujer.

Y mis dos casos favoritos, con los que terminaré, son Kelly Baldwin y Aleida Rosales, las dos incorporaciones de la temporada 2 que aún están con nosotros.

Es un marrón importante ponerle 25 o 30 años encima a dos actrices de veintitantos. Cynthy Wu (Kelly) tiene 27 años y está haciendo de madre de un chaval de 18; Coral Peña (Aleida) tiene 25 recién cumplidos, pero interpreta a una mujer que ya ronda los 60. Con ambas se han volcado a la hora de caracterizarlas, pero hay algunos planos en los que el maquillaje resulta bastante creepy.

Hay una buena razón por la que The Crown no mantuvo el elenco durante sus seis temporadas, y es que la caracterización de una persona joven para hacerla mucho mayor puede funcionar en contadas ocasiones o en escenas puntuales, pero no de forma continuada. Quizá Para toda la humanidad debería haber optado por lo mismo.

Pero no ha sido así y ya no tiene sentido hacerlo para la temporada 6 de Para toda la humanidad, cuando terminará la serie. Sin embargo, si Ciudad de las Estrellas, el spin-off, funciona bien, sería buena idea no hundir en la miseria al departamento de maquillaje con este tipo de retos.

El anuncio hace solo unos días, acompañado del inicio de la campaña de reserva, está siendo todo un éxito y tanto la edición estándar, como la aniversario (¡como la especial, con todos los juegos en lote!) están siendo reservadas en grandes cantidades.

Pero claro, como suele pasar últimamente con cualquier cosa que llama al gran público y que pueda oler vagamente a "unidades limitadas", el debate en webs y redes sociales empieza a girar en torno a los especuladores.

Ya no solo porque vaya a haber gente que adquiera esta nueva consola y los juegos para revenderlos (al estilo de los palomiteros de Yoshi) sino, sobre todo, por la gente que tiene el hardware y los juegos originales de los 90 y quieran aprovechar el regreso de la marca para venderlos aún más caros...

Otros usuarios están publicando en redes un mensaje en sentido contrario: que ojalá esto sirva para que el precio de esos juegos clásicos baje, ahora que va a haber alternativas, y los especuladores se coman con patatas su inversión.

Más allá de que crea que esos precios vayan a subir o no (supongo que, de variar, subirán, porque los "nuevos cartuchos", aun siendo compatibles, son otra cosa), me da mucha rabia que una noticia tan bonita para los fans del retro acabe emponzoñándose con este tema.

Soy coleccionista de retro desde hace mucho tiempo. De hecho, la primera consola que compré cuando quise empezar una colección "grande" fue una Neo Geo japonesa. ¿Quién no iba a quererla, si era el sueño de todos nosotros en los 90?

¿Qué es coleccionismo? ¿Y tú me lo preguntas? Coleccionismo eres tú

Ahora estoy mucho más moderado, pero durante unos años me gasté bastante pasta en juegos y hardware retro, desde "simples" cartuchos de Master System hasta locuras como una 64DD o una Bandai Pippin.

A base de ir trabajando la colección, he tenido alguna cosa duplicada o que finalmente no he querido y siempre, siempre, la vendo por debajo del "precio de mercado" en canales como Wallapop o eBay.

No lo digo para parecer un alma caritativa y un ejemplo de virtud. Es que, simplemente, me da rabia que tengamos que pasar por el aro de especulaciones y precios que, en muchos casos, son totalmente artificiales, para ver si cuela.

Pues mi granito de arena no va a formar parte de esa rueda, lo siento. Entiendo, lo digo de verdad, que haya gente que coleccione no para jugar, sino para tener, para completar setups.

Incluso que haya gente que quiera juegos para tenerlos expuestos y no jugarlos. No es mi caso, pero bueno, si pasa con los sellos o las monedas...

Llevo bastante tiempo en esto del coleccionismo como para estar convencido de que los juegos son para jugarlos y disfrutarlos.

Pero para que los disfrute la mayor cantidad de gente posible, que ya bastantes penurias pasamos en los 80 y 90 para conseguir uno o dos juegos al año.

Que en 2026 esté a punto de ver una película "en condiciones" de Masters del Universo, otra de Street Fighter y que Neo Geo se convierta en algo asequible físicamente me parece un premio precioso para nuestros niños del pasado, que siguen ahí, dentro de nosotros.

En realidad, es posible disfrutar de esos juegos de muchas formas, y más baratas, desde los descargables ACA Neo Geo, que están en todas las plataformas, hasta el reciente mando de SNK que os mostramos hace poco.

Es cierto que, al ser en formato físico y con compatibilidad con los viejos cartuchos, esto está a otro nivel, un poco como pasó con Atari 2600+.

Lo importante es que da igual como juguéis, la clave está en disfrutar de los juegos.

Siempre pongo el mismo ejemplo: puede que la emulación de Retron 5 tenga un ligero lag o no sea tan exacta como el FPGA. Pero si puedo disfrutar bien de mis cartuchos del pasado, bienvenida sea.

Yo soy de la opinión de que, si nos volvemos muy locos mirando el detalle tan fino, no estamos disfrutando de verdad. Y, para mí, los juegos son eso: una vía de escape, de diversión y, a veces, de arte e inspiración.

Por eso, yo digo: bienvenida Neo Geo AES+, ojalá seas la primera de muchas y ojalá muchos puedan disfrutar de lo que antiguamente solo estaba reservado para la familia Sandoval.

Pero el pasado 18 de marzo a las 23:00, exactamente 24 horas antes de que se pusiese a la venta, terminó el embargo y muchos medios de prensa y streamers publicaron sus análisis tras jugarlo en profundidad.

Las reacciones fueron dispares: algunos lo calificaron como una obra maestra, mientras que otros lo consideraron un juego irregular. En estos momentos, tiene una nota media de 78 en Metacritic.

A mí me tocó analizarlo para esta santa casa y me pareció un juego con muchísimo potencial, pero lastrado por un gran número de problemas (control, historia, narrativa, puzles, jefes...) que lo alejan de la excelencia. Os dejo por aquí mi análisis de Crimson Desert por si le queréis echar un ojo.

Sin embargo, a los pocos días de ponerse a la venta, las reacciones del público han sido muy diferentes: basta con darse una vuelta por Twitter para encontrarse con comentarios de usuarios que están disfrutando enormemente del juego, preguntándose cómo es posible que la prensa lo calificase tan mal o asegurando que nunca hay que fiarse de los análisis y sus notas.

A esto hay que sumarle los comentarios de ciertos streamers, que han echado leña al fuego diciendo cosas como que Crimson Desert es un juego "anti-prensa" porque somos malísimos jugando y vamos deprisa y corriendo para sacar los análisis cuanto antes.

Y después de varios días leyendo muchos comentarios bastante feos, algunos dirigidos directamente hacia mí, se me han hinchado las... yemas de los dedos y creo que tengo que aclarar unas cuantas cosas. Dará exactamente igual lo que diga, porque la gente seguirá pensando que "prensa mala", pero si al menos sirve para que una sola persona entre en razón, me doy con un canto en los dientes.

Empecemos por lo básico: el Crimson Desert al que estáis jugando, no es el Crimson Desert al que jugamos en el análisis.

Pearl Abyss montó un servidor de Discord en el estaban metidas todas las personas encargadas de analizar el juego. La idea era que se utilizase en caso de quedarnos atascados o tener problemas técnicos, pero a los pocos días eso era prácticamente un foro en el que la gente compartía sus opiniones sin ningún tipo de filtro, quejas sobre el diseño del juego incluidas.

Lo bueno es que, a raíz de eso, y viendo que muchos de los que estábamos en el Discord nos quejábamos de aspectos en común, como la dificultad de ciertos jefes, los problemas de espacio en el inventario o la escasez de puntos de viaje rápido, Pearl Abyss lanzó un parche que corregía algunos de esos problemas EN MITAD del proceso de análisis. Llevo más de doce años analizando videojuegos y nunca había visto nada igual.

Después de la publicación de los análisis y coincidiendo con el lanzamiento, llegó otro parche que añadió incluso más mejoras y cambios. Pensaréis que no puede haber cambiado tanto, pero tras haber realizado el análisis en PC, ahora he empezado una partida en PS5 y siento que estoy jugando a otro juego.

La cantidad de mejoras de calidad de vida respecto a lo que jugué hace unas semanas es enorme. Por poner un ejemplo, en la partida de review, para poder viajar rápidamente al campamento había que superar una serie de pasos de lo más enrevesados. Tanto, que una de las primeras guías de Crimson Desert que publicamos fue la de cómo desbloquear el viaje rápido al campamento. Pero ahora, tras la última actualización, tenéis un conveniente punto de teletransporte junto al campamento que podéis desbloquear como cualquier otro. No sois conscientes de la cantidad de paseos tontos que os habéis ahorrado. De nada.

Pero lo que ha hecho que me lleve las manos a la cabeza ha sido el Demonio del Juncal. Se trata de uno de los primeros jefes de la aventura y uno de los que más dolores de cabeza (y manos) nos dio a quienes analizamos Crimson Desert. Yo conseguí derrotarlo gastando una cantidad absurda de píldoras de palmera (las "vidas" de Crimson Desert), pero me pareció un combate frustrante y mal diseñado, especialmente la segunda fase.

Hoy he llegado a ese enfrentamiento en PS5 y... Digamos que ahora entiendo por qué tanta gente dice "pues Crimson Desert no es tan difícil como aseguraban los análisis". La segunda fase original del combate era un asco, había que derribar cuatro tótems mientras el demonio y sus clones no te dejaban respirar; no importaba cuánto esquivases o bloqueases, te atacaban y tiraban al suelo constantemente. Ahora, sin embargo, puedes evitar sus ataques fácilmente y completar la fase sin despeinarte.

Otro ejemplo: poco después de derrotar al Demonio del Juncal, hay que solucionar un rompecabezas para un enano. Es algo realmente sencillo: debes alinear tres símbolos en una torre para que el horno vuelva a funcionar. ¿Problema? En la versión que analizamos, al mover las ruedas en las que están grabados los símbolos, había que alinearlos de manera exacta; si uno de los símbolos estaba desviado medio milímetro... no obtenías respuesta alguna del artefacto. Fue exactamente lo que me pasó a mí, así que di por hecho que antes de poder hacer eso debía resolver los demás puzles que hay en la zona. Estuve más de dos horas dando vueltas y probando cosas, hasta que uno de los miembros de Pearl Abyss consiguió ayudarme.

Hoy he probado eso mismo en PS5, con el juego actualizado a la última versión, y cuando los símbolos pasan por el punto central, la rueda se detiene y escuchas un sonido característico.

Seguramente estéis pensando que soy un quejica. Es una lástima que no se pueda "downgradear" Crimson Desert a la versión que analizamos, porque quizás así entenderíais por qué a muchos nos dejó un sabor de boca agridulce. Y también puede que así, en vez de reíros de mi habilidad a los mandos, descubráis que el agarre que hacen los enemigos (ese que requiere un QTE para zafarse) era un mierdón antes de que lo cambiasen. De nuevo: de nada.

Y que no se me malinterprete: creo que es fantástico que estén escuchando todas las quejas y actuando a la velocidad del rayo para pulir Crimson Desert al máximo.

Sólo hay un pequeño problemilla: mi análisis y el de muchas otras personas ha quedado obsoleto. Es más, alguien que no esté informado sobre el tema y lo lea ahora, puede pensar que mentí, que me lo inventé o que directamente no he jugado.

No es el primer juego que cambia drásticamente mediante parches (cómo olvidar Cyberpunk 2077 o la nueva versión de Starfield), pero la rapidez con la que ha sucedido en el caso de Crimson Desert ha evidenciado que existe un problema con los análisis.

Y muchos pensaréis: "sacad los análisis más tarde y listo". En primer lugar, desde una perspectiva puramente analítica es un suicidio y, en segundo, ¿cuándo estamos completamente seguros de que un juego está terminado? En todo caso y, aunque suponga un esfuerzo extra, lo más viable sería publicar un "reanálisis" pasado un tiempo.

Al final, el verdadero problema son los usuarios, streamers, pseudo-influencers y regurgitadores de contenido que han aprovechado la tesitura para echar mierda sobre el trabajo de las personas que analizamos Crimson Desert. Porque, seamos honestos, está de moda criticar a la prensa. Señalar al que hace un análisis y decir que "es un manco" o "no tiene ni puta idea" genera clicks; el odio genera interacciones.

La realidad es que en prensa estamos tan especializados como el que más. ¿Acaso hace falta recordar que nos pasamos al jefe final del DLC de Elden Ring antes de que lo parcheasen porque los jugadores se quejaron? Y en cuanto a lo de "jugáis deprisa y corriendo", lógicamente no puedo hablar por todo el mundo, pero cualquiera que me conozca un poco sabe que soy la antítesis de eso. Incluso cuando juego para analizar, que se supone que tienes que ir más rápido, me paro a oler las flores y a hacer todas las secundarias. Siempre que comparo tiempos con otros colegas del gremio, mis contadores superan por mucho los de los demás. Así que a otro con esos cuentos.

Al final, todo este asunto sólo ha servido para demostrar la inmadurez que sigue habiendo en esta industria, así como el inmenso ego que tienen muchos usuarios, incapaces de tolerar las opiniones que no encajan con las suyas. Y mientras la industria y su público no maduren, no podemos pretender que los videojuegos se consideren un arte.

No negaré un tema tan evidente como es la edad, ya que no es lo mismo ver algo a los 17 que a los 40, pero tras darle muchas vueltas lo puedo resumir de modo rápido y directo: rara vez me pasa con clímax llenos de CGI. Me impactan más los efectos de toda la vida o incluso los hechos con maquillaje.

El exceso de CGI o que este domine el tono lleva a situaciones que a mis ojos crean fricción con la realidad y por lo tanto me sacan de la historia. No solo sé que son digitales, también intuyo su artificialidad e imposibilidad de trasladarse a mi realidad.

Esto lo he vivido con multitud de películas y series de los últimos años. El último ejemplo lo encontraría en Bienvenidos a Derry, donde siento que hay unos momentos tan excesivos de CGI que alejan cualquier tensión, como puede ser los del cementerio y la cámara de fotos (no entraré en spoilers). Aunque creo que con los minutos finales del primer capítulo sentía lo mismo, solo que todavía estaba entendiendo de qué iba la serie.

En dosis menores, también con las últimas películas de It y la falta de iconicidad en comparación con el recuerdo que tengo de la antigua miniserie protagonizada por Tim Curry, a pesar de lo irregular que era. La actualización del personaje y el mezclarlo tanto con CGI me alejó como espectador en algunos momentos.

El problema con el CGI y el peso que se le da a la hora de crear tensión es un tema peliagudo porque muchas veces todo el terror llega a codificarse con esos efectos y no como se estaba narrando el resto de la historia.

Esto es algo que me pasa especialmente en el género. En el cine de acción o ciencia ficción suelo vivirlo de otra forma. Ahí tenemos ejemplos tan interesantes como las últimas películas de Mad Max de George Miller o incluso los efectos de series como Andor o Fundación, donde acompañan a las tramas pero no las devoran.

Quizá este sea un problema que se solucione a no mucho tardar vista la rápida mejora que está viviendo la tecnología. Veremos en 2028, por ejemplo, si este terror dominado con el CGI consigue atraparme como lo hacían películas no demasiado alejadas en el tiempo, o si ya me han perdido.

El Juego del Año tiene que ser un RPG (y no hablo de Expedition 33, que ya tiene todos los apoyos del mundo). Un premio que, por calidad, contenido y narrativa, ha de ir a parar a la obra maestra de Warhorse Studios.

Aunque los títulos posteriores a Deliverance II hayan copado toda la atención, es el momento de reivindicar las hazañas de Henry de Skalitz: estos son sus méritos para recibir el máximo galardón de The Game Awards 2025.

La historia de una vida (en el Medievo)

La secuela comienza donde concluyó Kingdom Come: Deliverance, con Henry y Sir Hans Capon camino del Castillo de Trosky. Deben entregar una misiva a Otto von Bergow, acerca de su lealtad al Rey Segismundo. Pero si fuese tan sencillo, el juego terminaría a los diez minutos, ¿verdad?

Lo que sigue es una historia de traiciones, honor, amistad y mucho más. Henry emprende su particular viaje del héroe, solo que aquí la heroicidad muchas veces es un cascarón vacío. Estamos en el siglo XV, y las gestas de fantasía heroica son solo eso, pasto de novelas y fábulas.

Y es aquí donde el realismo del juego ya se hace notar, pues a Henry le pasa de todo. No es un Geralt de Rivia que hace todo a derechas: se equivoca, se salta las normas y a veces genera problemas más grandes de los que en un principio eran.

Arropar la historia de elementos mundanos consigue elevar la trama principal, y hacer que los momentos más épicos (que los hay) trasciendan; hasta concluir en un desenlace a la altura de lo esperado… y de lo merecido por Henry.

Aunque la trama tiene partes muy serias e intensas, Warhorse ha dotado al juego de muchísimo humor. Hay situaciones que bien podrían estar en El Quijote o el Lazarillo de Tormes, y que obligan a soltar el mando de la risa.

Es algo a lo que contribuyen las magníficas voces en castellano, estrenadas en esta edición, y que hacen maravillas por los personajes y sus vicisitudes. Es uno de los mejores doblajes jamás creado; y extensivo a la enorme cantidad de diálogos, todos ellos perfectamente escritos.

El realismo como meta a la gloria

Deliverance 2 no es un juego para todo el mundo. Años de títulos como Skyrim y otros RPGs “medievales” nos han acostumbrado a unas mecánicas simplificadas. Pero Warhorse va en otra dirección: la de crear el simulador absoluto de la Edad Media, con todas las consecuencias.

Aquí cada decisión tiene su peso, al igual que cada acción. ¿No comes bien o no has dormido? Puede que te quedes “frito” en medio de un combate. Y hablando de combates: tendrás que aprender a manejar la espada, desenfundarla, envainarla, mantenerla en buen estado y mucho más.

Cuidar tu equipo, la higiene personal, aprender a forjar, comerciar, buscar ingredientes para tus pociones, respetar la ley… El juego tiene tantas reglas y sistemas, que pueden sobrepasar a más de uno.

Sin hacer spoilers de la historia, sí os diremos que obliga a Henry a empezar casi de cero. Es la mejor forma de recibir a nuevos jugadores; y si ya disfrutaste del primer título, podrás repasar las numerosas reglas del juego, además de conocer las novedades.

Se ha acusado al juego de tener algunas mecánicas un tanto toscas. Es cierto, ¿pero sabéis algo? Incluso esa flaqueza es una de sus fortalezas. La tosquedad imprime mayor realismo a las situaciones, subraya que somos falibles y que las cosas no salen siempre a la primera.

Sumamos a esto el entorno en el que transcurre la aventura (rodeados de personas y situaciones de todo tipo), y el resultado es un nivel de inmersión como ningún juego ha ofrecido antes.

Al avanzar en el juego, en un momento dado, todo hará “clic”: dominarás las mecánicas de forma intuitiva, y estarás disfrutando de una aventura increíble. No es magia, son tus esfuerzos (y el trabajazo de Warhorse).

Cada mecánica pasa a ser entonces un divertido minijuego o actividad. Puedes hacer lo que quieras y cuando quieras, pero siempre teniendo en cuenta que tus actos y decisiones acarrean consecuencias, que afectan a la historia y el desarrollo.

Y si quieres opciones, las tienes todas. Henry se ve embarcado en mil y una aventuras, en las que ejerce como guerrero, espía, herrero, soldado, apostador y mucho más. ¡Y todos los romances! Unas posibilidades casi ilimitadas, que se han expandido con los DLCs.

En Deliverance 2 no hay relleno, y hasta la misión más nimia oculta una gran historia. Son tantas las cosas que puedes hacer, que pronto te ves atrapado por la sensación de libertad, de explorar a tu antojo y disfrutar todo lo que ofrece Bohemia.

Si Kingdom Come: Deliverance fue el lienzo sobre el que Warhorse pintó su saga, la secuela es la obra que ha de estar en un museo. Su minuciosidad explica que el desarrollo haya llevado tanto tiempo: es un juego tan ambicioso como inmersivo, y ningún otro RPG se acerca a su nivel de detalle.

Puro arte del siglo XV

Kingdom Come: Deliverance 2 puede presumir de tener las escenas de vídeo más cuidadas y mejor escritas de todo el género; unas secuencias que no abundan, y por eso engrandecen los momentos clave de la historia. ¿Pero qué tal es el despliegue visual durante el juego?

Pues magnífico, por supuesto. Desde los increíbles escenarios, hasta el modelado de los personajes, todo tiene un nivel sobresaliente; muy por encima de lo que ofrecía el primer juego.

Ante un título de esta envergadura, suelen ser habituales los bugs iniciales. Deliverance II es la excepción a esa norma: salió a la venta con una optimización ejemplar, en sus distintos modos visuales y en todas las plataformas, ya sea en PS5, Xbox Series X/S o en PC.

Mención especial para la versión de PS5 Pro. Es uno de los títulos que saca más partido a la nueva consola de Sony, donde ofrece un espectáculo visual sin precedentes. Vais a reventar el botón de sacar capturas…

Razones a favor y en contra para que Kingdom Come: Deliverance II sea el GOTY 2025

Ser “el mejor RPG medieval jamás creado” no es un mero título: es una declaración de intenciones. Una que requiere asumir compromisos y huir de la complacencia, sin darle nada masticadito al jugador. Deliverance II te exige dedicación y esfuerzo; a cambio, ofrece una experiencia que recordarás toda tu vida.

Es el único candidato posible a Mejor Juego del Año en 2025. ¡Henry y Hans merecen esa distinción! Y para dejarlo claro, voy a repasar todos sus motivos a favor, y las razones por las que alguien (no yo, desde luego) podría negarle este premio.

Razones a favor de Kingdom Come: Deliverance 2 para el GOTY 2025

• Su capacidad inmersiva y la libertad que da
• La enorme cantidad de sistemas
• Una historia que deja huella, como sus protagonistas
• El despliegue visual (y su perfecta optimización)
• Su magnífico doblaje al castellano

Razones en contra de Kingdom Come: Deliverance 2 para el GOTY 2025

• Es un juego que exige mucha dedicación
• La tosquedad de ciertos sistemas
• Puede resultar apabullante
• Se tardan varias horas en cogerle el ritmo
• Algunos NPCs están poco trabajados

Kingdom Come: Deliverance II es mi GOTY de 2025 por ser un juego tan ambicioso como espectacular, que consigue dejar huella en aquellos que se sumergen en su magistral propuesta.

El origen de Fantasía es tan remoto que se trata del tercer largometraje animado de Disney, en el que el propio Walt Disney se encargó de la producción. Disney ya había experimentado con aquello de hacer cortometrajes muy rítmicos, que fueran al compás de la música, pero hasta entonces no lo había puesto en práctica mediante un largometraje.

El concepto partía de una idea muy potente: poner en imágenes composiciones clásicas y conocidas por el público de artistas como, por ejemplo: Bach, Chaikovski, Stravinski o Beethoven.

Para ello se valieron de una serie de cortos que agruparon dentro de una misma película a través del hilo conductor de estar asistiendo a una representación musical en vivo. Era una propuesta singular, a la que Disney tardó años en regresar para una secuela.

Cuando lo hizo, no fue por casualidad entre 1999 y el año 2000, sino que esa fecha fue escogida como un gran acontecimiento para celebrar el cambio de siglo a través de Fantasía 2000 y para conmemorar el 60 aniversario de la primera entrega.

Con una nueva serie de composiciones clásicas y cortometrajes, Disney se mantenía fiel a la filosofía de la película anterior, así como al estilo animado en 2D tradicional de la compañía, siendo uno de los últimos exponentes en esta técnica.

Disney no ha olvidado Fantasía

Desde hace 25 años, Disney no ha vuelto a presentar señales de querer traernos un tercer largometraje de Fantasía a los cines, pero nunca se ha olvidado de la relevancia que tuvo en especial la primera película.

Por eso en 2010 trajo la vergonzosa adaptación en imagen real de El aprendiz de brujo protagonizada por Nicolas Cage, a la que cuesta encontrar su parecido con el cortometraje protagonizado por Mickey Mouse y que haríamos mejor en olvidar.

Aunque ese mismo año también hizo algo muy bien: el videojuego Epic Mickey, en el que se ponía en valor el legado perdido de la compañía, empezando por Oswald el conejo afortunado, un personaje que con el tiempo acabó derivado en el famoso ratón que se ha convertido en el emblema de Disney.

Así que no, Fantasía no ha quedado relegada al olvido más absoluto, pero quizá está esperando su momento para volver a brillar como se merece, tal vez cuando suceda un nuevo acontecimiento que pueda justificar su regreso por tercera vez a la gran pantalla.

Podría ocurrir más pronto que tarde, ante la evidente necesidad de la casa del ratón por seguir lanzando secuelas, remakes y demás productos derivados de producciones previas. Pero hay algo que diferenciaría a Fantasía 3 del resto, si se decidiera optar por una tercera entrega en lugar de tropezar con otro El aprendiz de brujo.

Fantasía es una carta de amor a la música que no funciona como otras secuelas

Fantasía es más una fórmula que una película, porque juega con un concepto y unas estructuras concretas que no están hechas para sorprender en la narrativa sino para exponer a nivel sensorial, en su combinación de música e imagen.

Por eso una continuación no la vería tan problemática como otras secuelas recientes que han salido a la luz, en la que hay otros elementos implicados que las empobrecen, como repeticiones a nivel argumental y el regreso a personajes ya conocidos que necesitan ser el núcleo de la acción una vez más.

Fantasía 3 no sólo se desligaría de eso al ofrecer cortometrajes inéditos con diferentes protagonistas, sino que también le devolvería a la orquesta el lugar de reconocimiento que merece.

Aunque una gran parte de los estrenos de animación destacados de Disney son musicales, ninguna película le ha dado tanto valor a la música como Fantasía y Fantasía 2000, que nos introducía entre corto y corto en el espacio en el que eran interpretadas sus canciones.

El maestro de ceremonias nos presentaba cada uno de los temas que iban a sonar y luego daba pie el espectáculo, en un original juego de luces y sombras que acompañaba a los movimientos de las personas que tocaban las melodías con sus instrumentos para luego abrir un corto.

Carente de diálogos, Fantasía se sostiene tan sólo sobre sus sonidos y su tempo, a veces juega únicamente con las imágenes abstractas y otras introduce una historia a través de sus dibujos. Fantasía es un concierto ilustrado por cortometrajes, un experimento mucho más artístico, y por eso es más susceptible de ser rescatado sin que le afecte el ser una tercera parte.

No soy alguien que se tome demasiado en serio The Game Awards, pero es cierto que el show de Geoff Keighley es uno de los escasos intentos para tener un equivalente a los Oscars de Hollywood en un sector que, durante muchos años, ha andado como pollo sin cabeza en lo que a reconocimientos se refiere.

Sin embargo, todos los años se producen sinsentidos en The Game Awards, todos los años encuentro decisiones que no logro entender y que vuelven a hacerme pensar que estos premios siguen teniendo cierto aura de pantomima.

Clair Obscur Expedition 33, Hollow Knight Silksong, Hades 2... muchos de los grandes juegos del año han estado presentes en cantidad de categorías, pero hay un par de casos o ausencias que me ha indignado más de lo que imaginaba.

¿Dónde está Arc Raiders? A ver, que yo lo vea

La primera es Arc Raiders. Si bien parece que la industria no está preparada para ver a un multijugador como GOTY (y soy de los que opina que lo de Overwatch en 2016 fue un grave error) no entiendo como uno de los mejores juegos del año no aparece en más categorías.

El extraction shooter de Embark Studios aspira a mejor multijugador compitiendo con Battlefield 6 o Split Fiction, pero no se entiende su ausencia en una categoría en específico. ¿Cómo Arc Raiders no puede estar en mejor diseño de sonido?

Battlefield 6, Clair Obscur: Expedition 33, Death Stranding 2: On the Beach, Ghost of Yōtei y Silent Hill f son todos merecedores de este galardón, pero creo que Arc Raiders debería, al menos, estar en este prestigioso listado de nominados.

El multijugador destaca tantísimo en esta materia... ¿Por qué no está? La cuestión me lleva a formular dos teorías al respecto y una de ellas tiene que ver con la patata caliente del año, el uso de la IA.

La primera es que el denostado género de los multijugadores (con razón en parte) no recibe la misma atención que los juegos de un jugador. Arc Raiders podría optar a GOTY, pero parece que los shooter y juegos sociales están un escalón por debajo para muchos.

La segunda teoría es que algunos han querido curarse en salud por el uso de la IA en el desarrollo de Arc Raiders, que se entrelaza con el apartado sonoro del juego. Esto daría para un artículo aparte, pero creo que calidad y uso de inteligencias artificiales puede separarse.

No entraré en este asunto aquí, pero con IA o sin ella, el diseño de sonido de Arc Raiders quita el hipo. La inmersión que consigue este juego es tan bestial que por momentos hace que te sientas en un survival horror. Los pasos, los disparos y los efectos en la lejanía de ese audio tridimensional no los he visto en ningún juego hasta el momento.

Lo único que podría justificar la ausencia de Arc Raiders es que el lanzamiento se produjo muy cerca del cierre de las votaciones a los premios, por lo que quizá muchos medios no hayan tenido el tiempo para poder valorarlo, pese a haber conseguido una nominación.

Ghost of Yotei, aspirante a todo y a nada

El otro "patinazo" de estos The Game Awards tiene que ver con uno de mis juegos preferidos del año, Ghost of Yotei. Para mi es un juego tremendamente sólido, aunque no lo considero GOTY.

Sin embargo, no entiendo cómo no está nominado a mejor juego del año. No lo entiendo porque la aventura samurái de Sucker Punch sí que está presente en Mejor Dirección, Mejor Narrativa, Mejor Dirección de Arte, Mejor Banda Sonora y Música, Mejor Diseño de Sonido, Mejor Interpretación (con Erika Ishii como Atsu) y Mejor Juego de Acción y Aventura. Si se le considera digno de estar en todos estos campos, debería aparecer en la categoría más importante.

Juegos como Kingdom Come Deliverance II o Donkey Kong Bananza no están en ninguna de estas categorías tan importantes y si han sido nominados a GOTY. ¿No se supone que el GOTY también debería destacar en todas las categorías antes mencionadas? Se establece una profunda contradicción que no logro quitarme de la cabeza.

¿Quizás la presencia de Death Stranding 2 cubre el cupo de PlayStation en esta edición y de ahí la ausencia de la secuela de Ghost of Tsushima? En realidad, parece que todas estas importantes nominaciones están vacías para la aventura de Atsu.

Geoff... hay cosas que no entiendo

Aparte de estos dos casos, me parece extraño que Mario Kart World y otros juegos de Nintendo no estén nominados a mejor banda sonora (quizás por lo de que esta categoría está siendo promocionada por Spotify, donde Nintendo no sube los temas de sus juegos).

Y a riesgo de que más de uno me aplique la guillotina, no logro entender por qué tenemos a Clair Obscur Expedition 33 en Mejor juego indie y Mejor debut indie. Expedition 33 no es un juego indie teniendo un presupuesto estimado de unos 30-40 millones de dólares.

Está claro que Sandfall Interactive no es una desarrolladora AAA, pero que este tremendo título compita en una categoría en la que hay juegos desarrollados por equipos cuyos miembros se pueden contar con los dedos de las manos, me parece otro sinsentido.

Se ha pregonado mucho lo de que Clair Obscur ha sido creado por treinta personas, pero ya se ha comentado en el pasado que el proyecto recibió ayudas mediante subcontratas. Y ojo, no estoy criticando al juego, me parece muy redondo y un digno ganador.

Sin embargo, creo que hay un problema a la hora de establecer los límites en varias categorías. ¿Qué es indie a día de hoy? Y también está por ver si los premiados no generan aún más contradicciones.

Dado que la carrera a mejor juego de 2025 parece estar entre Clair Obscur Expedition 33 y Hollow Knight Silksong... ¿Te imaginas que uno gana el GOTY y otro el Mejor Indie cuando ambos están nominados a ambos premios?

También se puede dar el caso de que sea otro indie el que gane por encima de ellos dos. Aunque mejor no adelantar acontecimientos. Veremos lo que nos prepara Geoff. ¿Cuántos anuncios crees que nos va a colar este año en The Game Awards?

Ha sido la propia página oficial de Doctor Who la que ha confirmado la noticia, no sin tranquilizar a los fans asegurando que la serie seguirá adelante con un episodio especial de Navidad que llevará a cabo su showrunner Russell T. Davies y que se lanzará en la BBC en 2026.

"Queremos agradecer a Disney+ por su excelente colaboración global durante las dos últimas temporadas y por la próxima temporada de The War Between the Land and the Sea.

La BBC mantiene su compromiso total con Doctor Who, que sigue siendo uno de nuestros dramas más queridos, y estamos encantados de que Russell T. Davies haya aceptado escribirnos otro espectacular especial de Navidad para 2026.

Podemos asegurarles a los fans que el Doctor no se irá a ningún lado, y anunciaremos los planes para la próxima temporada a su debido tiempo, lo que garantizará que la TARDIS siga siendo el centro de atención de la BBC", comparte Lindsay Salt, directora de drama de la BBC.

Como fan de Doctor Who, reconozco que son muy buenas noticias, ya que la cosa se había quedado bastante interesante con la regeneración del Decimoquinto Doctor de Ncuti Gatwa y la llegada de Billie Piper en un papel que no termina de estar del todo claro.

Sin embargo, esto también me produce cierto temor, ya que no tengo claro que veamos los próximos episodios de Doctor Who en España con la misma facilidad que teníamos hasta ahora.

Con Doctor Who saliendo de Disney+, ¿dónde veremos ahora sus episodios en España?

Antes de su llegada a Disney+, Doctor Who ya era una serie que estaba siendo muy maltratada en España. Tan solo sus primeras temporadas (de la era moderna de 2005) estaban en formato físico (y hace años que quedaron descatalogadas) y el resto de episodios se podían ver en abierto en canales de televisión como Boing.

Gracias a plataformas como Prime Video o Pluto TV pudimos tener las temporadas de la serie a la carta para poder disfrutarlas en cualquier momento sin tener que estar pendiente de los horarios de emisión. Sin embargo, a día de hoy ya no está disponible en ninguna de ellas.

Aunque los nuevos episodios aterrizaron en Disney+, todo lo anterior quedó fuera de la plataforma de streaming y, para colmo, varias temporadas de Doctor Who jamás llegaron dobladas a España, concretamente la etapa de la Decimotercera Doctora interpretada por Jodie Whittaker, por lo que era imposible estar al día con la serie sin tener que recurrir a métodos poco ortodoxos.

Aún así, para mí era toda una delicia poder ver Doctor Who todas las semanas de forma legal tanto en versión original como con su doblaje al castellano y seguir la trama religiosamente desde la etapa de Ncuti Gatwa sin tener que andar en busca de otras alternativas (y encima he tenido la suerte de poder ver algunos de sus episodios de forma anticipada gracias a los screeners facilitados por Disney+ para sus respectivas críticas).

Pero con la retirada de Disney+, temo que volvamos a los viejos tiempos en los que tocaba buscarse la vida para poder disfrutar de los episodios de Doctor Who. Y en los tiempos actuales en los que los spoilers corren como la espuma por las redes sociales, con mayor razón.

Ojalá me equivoque y los próximos episodios de la serie lleguen con más facilidad a España, ya sea porque hagan un nuevo acuerdo con Disney+ para distribuir los capítulos de Doctor Who en su plataforma o se lancen en otro servicio de streaming. Ojalá poder tener una TARDIS para viajar al futuro y saber qué es lo que le deparará a la serie por estos lares...

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No sería así si hablásemos de otra plataforma que no tenga por política el estrenar directamente las películas en su catálogo, solo haciendo excepciones contadísimas con aquellas cintas que tienen opciones de competir por el Óscar. Y porque la Academia obliga, porque si no fuera así, ni las enviaban a salas.

Las guerreras k-pop, una película de animación, sobre un tema de nicho y con directores con poca trayectoria, estaba al final de la lista de películas con opciones a ir a las salas de cine de Netflix y, visto lo visto, también de Sony.

El filme es fruto de un acuerdo entre ambas compañías por el que Sony se compromete a producir varios largometrajes para Netflix al año. Las guerreras k-pop parecía el proyecto perfecto: "solo" 100 millones de presupuesto, temática coreana, uno de los filones de la plataforma... La cesión parecía lógica, y Netflix pagaba el presupuesto, como reveló del CEO de Sony.

Y entonces salta la sorpresa: Las guerreras k-pop es número 1 en Netflix y lleva 17 semanas sin bajar de la segunda posición, generalmente ocupando la primera; ha arrebatado a Alerta roja el título de película más vista en la historia de Netflix durante sus primeros 91 días; arrasa en las principales listas musicales del mundo…

Que la película ha sido un éxito, es un hecho, pero me es imposible no pensar en el pelotazo que podría haber pegado esta incipiente franquicia de haber tenido un estreno convencional.

2025 está siendo un año terrible para la animación en taquilla

Puede que la afirmación de este titular sea un poco exagerada, sobre todo cuando la película china Ne Zha 2 lidera el ranking de taquilla de 2025 con entre 1.900 y 2.200 millones de recaudación, en función de la fuente. Sin embargo, si repasamos el resto del listado en taquilla, lo de la animación es un drama.

Si descontamos Guardianes de la noche: Kimetsu no Yaiba - La fortaleza infinita, que es animación, pero el anime juega en su propia liga, y más este. La siguiente película de animación convencional es Los tipos malos 2, con una recaudación de 227,6 millones. No está mal, pero no es para tirar cohetes para DreamWorks.

Luego está el batacazo de Elio, la gran apuesta de Pixar para este verano tras arrasar con Del revés 2 en 2024. Pero las miradas hacia las estrellas de este niño no conectaron con la taquilla: Elio fue un fracaso de 154,2 millones de dólares. Es poco más de lo que hizo Pitufos (120,7 millones).

Lo mires por donde lo mires, el año no está siendo bueno para el formato en la cartelera, pero Las guerreras k-pop podrían haberlo cambiado.

La única competencia real que podrían haberse encontrado en taquilla no son ni de animación, aunque casi: los live-action de Lilo y Stitch y Cómo entrenar a tu dragón. Ambas son las dos entregas más familiares que han destacado en verano.

¿Cuánto podría haber ganado Las guerreras k-pop en taquilla?

Te aviso de que vamos a manejar cifras teóricas, claro, pero usaremos otras que sí son veraces para orientar más nuestra estimación final. Tomamos como base el número de visualizaciones de Las guerreras k-pop en sus primeros 91 días en Netflix: 325,1 millones.

Obviamente, tengo claro que muchas de esas visualizaciones son repeticiones de gente que ya la ha visto, igual que tengo en consideración que muchas, en realidad, tienen a varias personas viendo una sola pantalla. Más o menos nos sirve para equilibrar la balanza estimativa.

El precio promedio de una entrada de cine en Estados Unidos es de entre 11,50 y 16 dólares. Para nuestra estimación, usemos la mitad más o menos, 13 dólares, multiplicado por 325.100.000, nos daría una soberanísima barbaridad: 4.226,3 millones. Sí, más que Avatar.

Venga, vale, vamos a asumir que, de esos 325,1 millones de visionados, solo 100 millones se animan a ir al cine y pagar la entrada: siguen siendo 1.300 millones de dólares en taquilla.

Esta no es una ciencia exacta y no te la voy a vender como tal: Las guerreras k-pop se ha viralizado en Netflix porque, en parte, la plataforma facilita el acceso a la película mucho más que las salas de cine. 

Pero pregúntate esto: si meses después de su estreno y pasando solo por un puñado de salas, el fin de semana que Las guerreras k-pop estuvo en cartelera ingresó en Estados Unidos 18 millones de dólares, ¿cuánto habría podido hacer con un estreno convencional de haber tenido el mismo efecto viral?

Nunca lo sabremos, pero ya te digo que la secuela de Las guerreras k-pop va a salas sí o sí, con Netflix esforzándose por el mayor número posible de pantallas. Aún no se ha anunciado oficialmente, pero solo el efecto llamada dejará un buen pellizco.

Nadie es adivino y podía vaticinar que Las guerreras k-pop iba a suponer semejante pelotazo, pero casi da pena que no haya pasado por salas en un año donde habría venido francamente bien.

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Para este análisis de Super Mario Galaxy 1 + 2 llevo algo más de una semana jugando en Nintendo Switch 2, con el parche gratuito que añade mejoras exclusivas de la nueva consola, como un aumento de la resolución (gráficos a 4K en modo dock) o controles tipo ratón, y os voy a dar mi opinión más sincera sobre este juego.

Porque no hay que olvidar que se trata de un recopilatorio que no ha estado exento de polémica, empezando por incluir el primer Super Mario Galaxy, que ya estuvo en Super Mario All-Stars 3D (el juego del 35 aniversario). Como muchos recordarán, Nintendo dejó de vender ese juego un año después de su lanzamiento, una maniobra que entonces no se entendió, y que ahora cobra sentido.

Pero, las polémicas no acaban ahí. El precio del juego en físico, o individual de cada juego en versión digital, o las diferencias que habrá entre la versión de Super Mario Galaxy All-Stars 3D y este nuevo lanzamiento, son solo algunos de los puntos que más críticas han recibido. Pero, ¿es para tanto?

Son solo algunos de los puntos que voy a tratar en este análisis de Super Mario Galaxy 1 + 2 de Nintendo Switch 2 y Nintendo Switch. Eso sí, dado que se trata de juegos que se acercan a las dos décadas (18 años del lanzamiento de Super Mario Galaxy, 15 de Super Mario Galaxy 2), voy a pasar de manera más superficial por las mecánicas propias de cada juego.

Si queréis profundizar más, podéis leer, por ejemplo, nuestro análisis de Super Mario Galaxy 2, donde encontraréis más detalles sobre la duración y posibilidades del original de Wii.

Dos plataformas "galácticos", reunidos para la ocasión

Si Super Mario 64 fue el inolvidable salto a las 3D de la saga, y Super Mario Sunshine la demostración de que Mario podía experimentar con otras ideas, Super Mario Galaxy fue el reencuentro con los juegos plataformas más imaginativos y creativos de Nintendo.

La jugabilidad de siempre estaba ahí, con saltos, power ups y niveles que, en esta ocasión, tenían una temática galáctica, en forma de pequeños planetas, incluso con su propia gravedad, por los que el jugador deambulaba haciendo uso de los controles por movimiento de Wii, ya fuera para coger fragmentos de estrella (uno de los coleccionables del juego), realizar movimientos de ataque...

Al estilo de Super Mario 64, cada planeta o nivel esconde varias estrellas, y cada una nos lleva a explorar caminos y lugares distintos, sin olvidar la presencia de los llamados cometas "picaros", que alteran las reglas de los niveles y, por ejemplo, nos retan a volver a conseguir una estrella pero con un ajustado límite de tiempo, o empezando con el mínimo de vida, por poner dos ejemplos.

A esta amalgama se suman nuevos Power Ups como Mario Fantasma (que nos convierte en un "Boo" capaz de atravesar rejas), Mario Taladro que nos permite agujerear el suelo, Mario Roca para rodar y destruir rocas, Mario Abeja para volar y posarnos en flores o Mario Nube, para crear plataformas. Son solo una pequeña muestra de lo inspirados que estuvieron sus creadores.

Y eso sin contar con que cada juego tiene su propia manera de presentar los niveles. Así,  Mario Galaxy 1 los aglutina conformando constelaciones (y los vamos vamos desbloqueando a medida que acumulamos estrellas), mientras que Galaxy 2 pone en pantalla un planteamiento más en la línea de Super Mario World, con más bifurcaciones y que resulta algo menos lineal.

Y aunque Super Mario Galaxy 2 es un gran ejemplo de juego que nació como expansión, pero que creció en contenido y ambición, también incorpora mecánicas e ideas únicas, como poder manejar a Luigi o subirnos a lomos de Yoshi, quien cuenta también con nuevas frutas que le confieren efectos como flotar, revelar objetos invisibles o correr a lo bestia.

Añade a esta brillante mezcla de ideas elementos como jefes finales de lo más originales y creativos, y el resultado es lo que decía antes: son dos grandes juegos de plataformas que marcaron una época en Wii y sin ningún tipo de duda merecen estar entre los mejores juegos de Super Mario. 

Y además, hablamos de dos aventuras duraderas: si quieres conseguir el el 100% en ambos juegos, es probable que tengas que invertir más de 75 horas (siempre y cuando no te los sepas ya de memoria de la época de Wii, claro).

A grandes rasgos, estas son las señas de identidad y características generales de los juegos originales, lo que nos lleva directamente a hablar las nuevas remasterizaciones de Super Mario Galaxy que ahora lanza Nintendo para Nintendo Switch y Nintendo Switch 2.

Una puesta al día "espacial" ¿pero también especial?

Para empezar a poner las cosas en perspectiva, el nuevo recopilatorio Super Mario Galaxy 1 + 2 ofrece remasterizaciones de los juegos originales, no son remakes. Es decir, aquí vas a encontrar los juegos de Wii con mejoras técnicas y nuevos añadidos para la ocasión, pero no están "rehechos"... aunque aquí hay cosas para matizar.

Si empezamos por la parte técnica, en primer lugar está el incremento de resolución. Si bien en Nintendo Switch vas a jugar a 720p en portátil y 1080p en Dock, en Nintendo Switch 2 la resolución sube a 1080p en portátil y 4K en Dock. 

En este sentido, respecto a la versión de Super Mario Galaxy para la primera Switch incluida en Super Mario 3D All-Stars, no hay mejoría en la resolución, ni tasa de frames (que se mantiene a 60 fps), aunque sí hay diferencias visuales que puede costar apreciar de primeras, o si no estás muy atento.

Como se suele decir, el diablo está en los detalles, y es posible apreciar mejorías en aspectos como la definición y texturas del suelo, que se han rehecho para que tengan más detalle; también puedes notar mejoras en detalles del entorno, como ventanas u objetos más "redondeados", como remaches metálicos o, en primeros planos de personajes, no hay dientes de sierra ni pixelación en ojos.

Lo mismo o es aplicable a las secuencias de vídeo "pregrabadas", como la intro de cada juego, que aquí no tienen bandas negras como en 3D All-Stars, y también se han vuelto a codificar, lo que ha supuesto una mejoría visual, como si ahora tuvieran más resolución y nitidez.

Pero no es menos cierto que, de primeras, no son unas mejoras que marquen una diferencia abismal, ni saltan a la vista salvo que vayas con la lupa buscando las diferencias. Si juegas en una tele 4K con Switch 2 sí vas a notar menos dientes de sierra, y que todo es más nítido y pulido. Eran juegos muy vistosos, y lo siguen siendo... aunque con matices.

Y, aunque me estoy enfocando sobre todo en el primero de los dos juegos, todo esto es aplicable a ambos juegos. Si bien no hay una versión previa de Super Mario Galaxy 2 para Switch con la que comparar, es posible encontrar el mismo tipo de mejoras visuales en el segundo juego, que es la verdadera estrella de este recopilatorio.

Como digo, a pesar de estas mejoras, lo cierto es que gráficamente se nota que no son juegos nativos de la generación de Nintendo Switch. Esto es especialmente evidente si cargas una partida de Super Mario Odyssey (lo he hecho también con la actualización gratuita para Nintendo Switch 2) y te fijas en los detalles de las texturas, la maleza o los modelos, sin ir más lejos, el de Mario.

Ya no es solo que el rostro sea menos expresivo o los ojos más inertes, es el nivel de detalle general: se nota que, aun con el lavado de cara gráfico, no son juegos creados para Switch. En este sentido, me hubiera gustado que Nintendo hubiera ido un poco más lejos para festejar el 40 aniversario de Mario, y haber optado por algo más en la línea de Crash Bandicoot N-Sane Trilogy.

Respetando la jugabilidad original y la arquitectura del juego, haber "subido de nivel" los gráficos para ponerlos acordes a la actual generación. No hablo solo de cambiar los modelos de los personajes principales, como Mario, Estela o Luigi (los enemigos no dan tanto el cante), sino también de añadir más detalle a los entornos para que la puesta al día fuera más contundente.

La sensación que me ha quedado es que Nintendo podía haber hecho más en lo técnico con estas dos joyas atemporales, algo en la línea de The Legend of Zelda - Link’s Awakening, aunque no es menos cierto que la gran N casi siempre opta por remasterizaciones (como Zelda Skyward Sword HD), más que por hacer un remake al uso.

Otro argumento más, en este sentido, es Super Mario Galaxy 1 + 2 que conserva los problemas de cámara de los juegos originales, que también afectan en ocasiones puntuales al control (si haces un giros rápidos mientras la cámara se está moviendo, Mario puede quedarse dando vueltas en círculo). Por haber, hay hasta algo de clipping. Y es una pena que no se hayan pulido este tipo de detalles. 

Dejando a un lado la parte técnica, Nintendo también ha introducido otras novedades, como poder escuchar la banda sonora de cada juego desde el menú principal (82 temas en el primer juego, 72 en el segundo) o activar en cualquier momento el modo fácil "Con Ayuda", que nos da el doble de vida, nos devuelve a tierra firme si caemos al espacio o recuperamos energía al quedarnos quietos.

También se ha añadido un nuevo capítulo al libro ilustrado de Estela en Super Mario Galaxy 1, y un cuento completamente nuevo en Super Mario Galaxy 2. Al margen de esto, en el futuro llegará una actualización a Nintendo Switch 2 que añadirá el control de ratón (ahora, aparte de los controles físicos podemos jugar con el movimiento de los Joy-Con o tocando la pantalla en modo portátil).

Por último, también se ha añadido compatibilidad con amiibos en ambos juegos, y puedes usar los nuevos de Mario y Estela para conseguir una vida o un aumento de energía, mientras que el resto de figuras de los juegos de Mario nos proporcionan monedas y el resto, fragmentos de estrella. No hubiera estado de más desbloquear algo más especial o exclusivo, como algún traje nuevo. 

Super Mario Galaxy 1 + 2 tampoco incluye ningún tipo de extra conmemorativo por el 40 aniversario de Super Mario: ni bocetos de desarrollo, ni info sobre aspectos eliminados, ni ninguna curiosidad sobre estos juegos. Cuando los instales, sean físicos o digitales, aparecerán en el menú de tu consola por separado, como dos juegos independientes... 

Quizá por que no todos los días se cumplen 40 años, y se sigue tan en forma como Mario, creo que se podía haber hecho más para festejar el cumpleaños de uno de los personajes más importantes de la historia del videojuego. Ahí está, sin ir más lejos, la edición de Super Mario All-Stars 25 aniversario para recordarlo... y es solo un ejemplo.

Precios y ediciones de Super Mario Galaxy 1 + 2, otro punto de fricción más

Super Mario Galaxy 1 + 2 puede comprarse tanto de manera digital como en formato físico (solo versión Nintendo Switch, no hay edición Switch 2 física a diferencia de Super Mario Jamboree + Jamboree TV o Kirby y la Tierra Olvidada). Esto, a su vez, también ha derivado en intensos debates sobre el precio de este nuevo lanzamiento y otros aspectos relacionados... 

El primero es que, a día de hoy, la versión de Super Mario Galaxy de 3D All-Stars no parece que vaya a recibir las mejoras que Nintendo ha introducido en esta nueva versión. Hace unas semanas, 3D All-Stars recibió un parche para mejorar la compatibilidad en Switch 2, pero no no hay indicios de que la versión de este recopilatorio se vaya a actualizar para añadir las novedades del nuevo lanzamiento. 

Dicho de otro modo, todo parece indicar que habrá dos versiones distintas de Super Mario Galaxy 1, cada una con partidas guardadas distintas y opciones distintas. La parte "positiva" es que salvo que seas un ultrafan del juego, con la versión de 3D All-Stars deberías tener de sobra, ya que el contenido del juego en sí del juego es el mismo, aunque sin las mejoras y novedades indicadas.

Ambos conservan el modo para dos jugadores (en el que el segundo solo mueve el puntero para recoger fragmentos de estrella o lanzarlos a los enemigos), las 121 estrellas para recoger, el personaje oculto que desbloquear al final... Son el mismo juego, aunque con menos barniz visual en la edición de hace 5 años.

Luego está el tema de los precios. Desde el lanzamiento de Switch 2, Nintendo ha cambiado su política de precios para reflejar los cambios en los costes de producción, como ya adelantó con Mario Kart World y después con Donkey Kong Bananza. Así, se alejan los 59,99 euros que costaron recopilatorios como Pikmin 1 + 2 o Another Code Recollection. 

Super Mario Galaxy 1 + 2 cuesta 69,99 euros, tanto en formato físico, como en formato digital, aunque esta última vía añade una opción más: puedes comprar los juegos por separado, por si solo te interesa uno.

El "problema" es que, si optas por comprar solo un juego de manera digital, pongamos Super Mario Galaxy 2 porque el primero ya lo tienes en el recopilatorio del 35 aniversario, entonces te tocará pagar 39,99 euros, es decir, el mismo precio que con Metroid Prime Remastered (si bien, la sensación que dejó esa remasterización es que parecía un juego de la actual generación).

Entiendo todo el razonamiento que hay detrás de este cambio en la política de precios, y que cuando se estrene Super Mario Galaxy: La película, el juego se venderá como churros entre la gente que no los ha jugado nunca. Pero, quizá, al fan de toda la vida, al que ya se los jugó en Wii, quizá le cueste un poco más pasar por el aro. Y también lo entiendo.

La opinión de Hobby Consolas de Super Mario Galaxy 1 + 2

Quizá sea que, al hacerme viejo, las cifras redondas de los cumpleaños cada vez significan más, pero no miento si digo que esta primera parada en el 40 cumpleaños de Super Mario me ha dejado algo frío. Quizá tengamos que esperar unos meses para ver un anuncio que haga justicia al aniversario de Super Mario.

Y no es por que Super Mario Galaxy 1 y 2 no sean grandes juegos, que lo eran, lo son y lo seguirán siendo por los siglos de los siglos; es solo que me ha quedado la sensación de que se podía haber hecho más. Y no solo en la parcela gráfica, que claro que podía haber subido de nivel con un remake para equipararse a juegos más recientes como Super Mario Odyssey.

Me hubiera bastado con corregir los errores de cámara y control, y sobre todo, añadir contenido conmemorativo o material inédito, algo exclusivo y nuevo para los fans de Mario, como sí hizo Nintendo en otros aniversarios del personaje. Hubiera sido la guinda perfecta a un suculento pastel que llega generando algunas dudas entre los jugadores.

Entiendo las quejas con el precio de la colección o por traer de vuelta a Super Mario Galaxy 1, que ya estuvo en el juego del 35 aniversario (y todavía no se sabe si se actualizará la versión de 3D All-Stars)... 

... pero también entiendo que 39,99 euros por un Super Mario Galaxy 2 mejorado, y que puedes jugar a 4K en Nintendo Switch 2, es algo equiparable en cierta medida al aplaudido Metroid Prime Remastered, con el que no hubo ninguna queja, sin llegar a ser un remake, y que tampoco se prodigó demasiado en los extras incluidos.

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Todo empieza con un post que muestra un fragmento doblado en español latino de La nobleza de las flores, una serie que acaba de estrenarse en el catálogo de Netflix.

Por supuesto, enseguida empezaron a surgir comentarios criticando el doblaje. Sin embargo, en esta ocasión no me encontré con la manida pelea de qué doblaje es mejor, si el castellano o el latino, sino que el revuelo surge a raíz de una persona que afirma en una publicación que "si ves anime con doblaje no estás viendo anime".

Esta persona argumenta que la mejor forma de ver un anime es escuchándolo en su idioma original para poder apreciar con detalle las expresiones más típicas de los japoneses y su manera de hablar.

La publicación enseguida se hizo viral y muchos citaron el post aportando fragmentos de los animes doblados (en su mayoría clips en castellano) mostrando momentos que son tan buenos (o incluso mejores, depende de a quién preguntes) como su original.

¿Anime doblado o en versión original? ¿Y por qué no ambos?

Una vez más vuelvo a encontrarme con el problema de siempre en las redes sociales: el de la gente que se cree con imposiciones de decir a los demás cómo tienen que hacer las cosas, ya que, según ellos, si no sigues sus pautas es que no lo estás haciendo bien.

Tengo que reconocer que tuve una época en la que sentía más devoción por el idioma original y defenestraba el doblaje castellano porque me chirriaba cada vez que lo escuchaba en comparación con la versión original japonesa.

Sin embargo, con el tiempo me he ido aclimatando y ahora disfruto muchísimo del anime tanto en japonés como en castellano. Es inevitable que suenen diferente, ya que la manera de hablar de los japoneses y los españoles es muy distinta, pero eso no implica que porque uno vea un anime doblado no esté viendo "un anime de verdad".

Te admito que antaño ver un anime doblado no era disfrutar al cien por cien la serie de anime debido a que, si bien las voces eran muy buenas, el problema residía en la traducción, donde en ocasiones se inventaban por completo los diálogos.

Un buen ejemplo de ello lo tenemos en Dragon Ball. Ahora que está gratis en Pluto TV se puede apreciar con detalle los diálogos sin sentido de los que a veces hacían gala sus protagonistas, algo que se nota sobre todo tras ver la escena censurada subtitulada.

Esa es otra, la censura tampoco ayudó en aquel entonces a disfrutar de los animes en todo su esplendor. Todavía recuerdo cómo en Ranma 1/2 me querían hacer creer que el maestro Happôsai (en España traducido como Chen) se dedicaba a robar pañuelos a las chicas cuando lo que se mostraba en la imagen claramente eran unas bragas, entre otras lindezas.

Pero eso hace años que es agua pasada. A día de hoy la calidad de los animes doblados no tiene nada que envidiar al original al plasmar con más fidelidad sus diálogos.

Tal es así que muchas veces me arranco con un anime doblado al castellano en lugar de verlo en versión original, como me ha pasado con Spy x Family o Dan Da Dan (en este caso tanto el doblaje de Netflix como el de Crunchyroll me parecen muy buenos, aunque cada uno siga unas pautas concretas).

También te digo, en toda traducción y doblaje muchas veces es inevitable que se pierda algo del texto original para poder adaptarlo en condiciones al idioma en el que se va a plasmar y que quede más acorde a las expresiones utilizadas en ese país. Vale, no estás viendo el diálogo tal cual lo dicen en japonés, pero el mensaje es exactamente el mismo, que es lo que verdaderamente importa.

Es más, si nos pusiéramos tan quisquillosos como la persona de X que critica el doblaje, lo suyo para ver el anime "cien por cien bien" sería disfrutarlo en su idioma original y sin subtítulos, pero para eso hay que dominar el idioma.

Yo he estudiado durante unos cuantos años el japonés y aún me queda mucho por aprender, por lo que no sería "digno" de ver anime. ¿Te imaginas que tuviéramos que dominar todos los idiomas para disfrutar de las series y películas extranjeras en todo su esplendor? Sería impensable.

¿Te gusta ver anime en su idioma original? Perfecto. ¿Prefieres verlo doblado? También perfecto. No eres menos otaku por ver anime doblado al castellano en lugar de en japonés. Al final todo se resume en que cada uno disfrute de lo que le gusta como le dé la real gana.

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Cuando Netflix empezó a popularizarse como servicio de streaming llegó con un nuevo aliciente: ahora las series podías verlas todas de golpe sin necesidad de esperar una semana para tener disponible cada capítulo. El modelo había cambiado para adaptarse a las nuevas necesidades.

Mientras que la televisión tradicional debía ajustarse a una parrilla televisiva en la que no se podía estar emitiendo durante horas un nuevo estreno, el streaming llegaba sin las restricciones que imponía este formato y podía librarse de este encorsetamiento, aunque lo hacía por un buen motivo.

La forma en la que generan ingresos las plataformas de streaming no es igual al de la televisión tradicional. Las series de la tele aseguraban un espacio publicitario idóneo para las marcas, que incluían anuncios durante la retrasmisión de los nuevos episodios a lo largo de todo el tiempo que se estuviera emitiendo la serie.

En el streaming, lo que buscan las plataformas es la retención, que pases el máximo tiempo posible con conexión, aunque sea para tener Netflix de fondo. Y ya no me estoy metiendo en el tema de que también existan planes con anuncios que generen ingresos extra.

A las plataformas de streaming no les importa tanto que veas el contenido o que te guste como que vayas a renovar la suscripción a final de mes, y eso es más probable que lo hagas si te has enganchado a ellas. 

El algoritmo te ofrece posibilidades infinitas después de terminar cualquier serie o película para que continúes viendo algo similar a tus intereses, te recomienda un scroll infinito de posibilidades. 

El momento del cambio

Lanzar todos los episodios de golpe era una marca de identidad de Netflix, cuando otras plataformas mantenían sistemas diferentes más próximos a la antigua televisión. 

Sin embargo, la compañía tuvo que cambiar su forma de estrenar los lanzamientos cuando los estragos de la pandemia le impidieron mantener el ritmo de antes, y las series empezaron a dividirse por bloques.

Ante este panorama llega Miércoles con dos tandas de cuatro episodios, en una división que ya no atiende a necesidades técnicas sino al deseo creativo de que este espaciamiento esté justificado, y que ya se ha estado explorando en los últimos años a través de varias producciones de éxito como: Stranger Things, The Crown o Bridgerton.

La división de Miércoles en dos partes supone una ruptura coherente en su narrativa. Su protagonista resuelve uno de los grandes misterios que se plantean en sus primeros cuatro episodios pero, antes de que pueda hacer nada con esa información, la serie acaba en un cliffhanger muy potente. 

Todo hay que decirlo, mostrarte un avance de los próximos episodios después de este capítulo le resta algo de dramatismo a lo que acaban de enseñarte, pero está claro que Netflix quiere asegurarse de que vuelvas el mes que viene para continuar viendo tu serie favorita.

Aquí se solapan dos elementos: el deseo artístico de hacer una pausa en la que se te dé tiempo a procesar todo lo que has vivido en las últimas horas, con el deseo de retención de la audiencia al aplazar de forma estratégica las dos partes de la serie de forma no muy distante entre sí al tiempo que abra la posibilidad a que tengas que renovar tu suscripción. 

Este verano, Netflix también apostó por un sistema parecido con la segunda temporada de Sandman, lanzando seis episodios a principios de julio, otros cinco a mediados, y luego finalizando la serie con un capítulo final -esto último en imitación a la estrategia seguida en su primera temporada-. 

En ella la división servía de nuevo para crear unidad entre dos arcos narrativos diferentes separados en estos dos grandes bloques: con el primero mostrando varias vicisitudes a las que se enfrentan Morfeo y sus parientes, y el segundo que se centra en desarrollar cuál será el destino de El Sueño. 

Su episodio final, desligado del arco narrativo central, una vez más funcionaba a modo de spin-off, como un pequeño regalo para el fandom después de ver la historia principal y, en este caso, como un desenlace adicional para despedirse para siempre de la serie. 

El resultado de dividir una serie acaba convirtiéndose en algo que favorece a ambas partes, tanto a la audiencia como a Netflix, y para el público supone más una ventaja que un inconveniente. 

A ti no te toca esperar una semana para ver cada nuevo capítulo, pero tampoco te abruma el torrente de tener 12 episodios de golpe. Además, el criterio en la selección ayuda a darle una estructura lógica al relato.

Pero, lo más importante, consigue que se le confiera algo más de valor a lo que estás viendo. Dejas de engullir para pasar a visionar. Los nuevos ritmos favorecen que puedas disfrutar mejor del contenido. 

No habría ningún misterio si después de ver el cuarto episodio de la segunda temporada de Miércoles en Netflix se pusiera de manera automática el quinto; y no entenderías por qué el episodio final de Sandman cambia de protagonista en lugar de continuar tras los eventos del onceavo capítulo si no hubiera habido una pausa. 

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Desde luego él no fue el primero al que se le ocurrió poner en imágenes esa lucha eterna entre un hombre y una bestia acuática colosal, pero no cabe duda de que sí fue quien dio origen a un nuevo género que sigue triunfando 50 años después, gracias a haber sido quien nos regaló nuestras primeras pesadillas, quien nos hizo temer al mar.

No recuerdo cuándo fue la primera ni la última vez que vi Tiburón, pero sí que, al igual que a varias generaciones antes de mí, me hizo pensar que algo acecharía en la orilla a mi próximo baño y, ¡por qué no!, hasta que ese tiburón podría colarse en mi habitación nadando por el aire para devorarme. 

Las claves de Tiburón

La cinta de Tiburón lograba conseguir ese impacto que trascendía la pantalla gracias a la hábil dirección del joven Steven Spielberg y su colaboración con Bill Butler como director de fotografía, el artífice que permitió que la acción llegara hasta el agua al sumergir las cámaras en ella. 

La narración visual jugaba con el fuera de campo para conseguir un efectivo suspense ante lo que no podían ver tus ojos y, sugiriendo la presencia del tiburón al mostrar tan sólo su aleta dorsal, sus salpicaduras o la agitación de la gente en la playa, lograba hacer que te prepararas para lo peor. 

A ello hay que sumar los planos desde el punto de vista de la criatura, que acechaba a su próxima presa sin que ella se diera cuenta, o enseñándote la mirada amedrentada en sus víctimas. 

John Williams fue otra de las piezas clave del largometraje, quien con tan sólo un par de notas consiguió crear uno de los leitmotiv más famosos de la historia del cine, un tic tac como el del cocodrilo que perseguía al Capitán Garfio y marcaba la presencia de la amenaza incluso antes de mostrarla.  

Con tan solo ese arranque ya se te quitaba el aliento, y desde 1975 se ha asociado el tema principal de la película de forma inseparable al mar y al peligro que se acerca. 

Pero si todavía no he destacado al tiburón en sí es porque se trata de uno de los elementos que peor han envejecido de la cinta a nivel técnico. Incluso en su momento, Steven Spielberg tardó mucho en enseñarle a su audiencia al protagonista de la película al completo.

Aparte de tener como objetivo generar aún más intriga en torno a él, los problemas técnicos que conllevaba el uso de un tiburón blanco mecánico gigante también supusieron un obstáculo para mostrarlo más rato en pantalla. 

En el momento culminante de la película, en el que el tiburón se abalanza sobre el barco, es cuando más se nota que también han pasado esos 50 años por encima de él, y lo que en su día fue una revolución, hoy tiene algunos planos en los que se evidencia demasiado que era una marioneta. 

Pero eso no era algo que notara mi yo infantil, ni que percibiera el público a mediados de los 70, es algo que resulta fácil de decir ahora, después de que la Tiburón de Spielberg iniciara un nuevo género y diera comienzo a ese sharskploitation que sigue tan vigente en la actualidad.

El Tiburón que vino después

En estas últimas cinco décadas se han estrenado infinidad de películas que han tomado como punto de partida la idea de que el tiburón sea un enemigo de la humanidad, que hemos visto reflejado desde sagas tan populares y alocadas como Sharknado hasta otras igual de fantasiosas como Megalodón. 

Por muchas de ellas el paso de los años también se ha acabado notando, sobre cuando se utilizaba como recurso principal un GCI en proyectos de bajo presupuesto al que le era imposible competir con los efectos prácticos.

Mientras que otras han logrado recrear a un tiburón con mayor fidelidad, que han lucido con orgullo durante mucho más tiempo de metraje porque sí tenían la capacidad de hacerlo, convirtiéndose además en uno de sus mayores reclamos. 

Ahora sabemos muy bien qué rostro tiene el terror, cómo se mueve, cómo ataca, y quizá le hayamos perdido algo de miedo tras exponernos a tantos ejemplos de cine de tiburones en la pequeña y en la gran pantalla. 

Pero la próxima vez que nades en el mar, te adentres en aguas profundas donde no haces pie, todo lo que haya bajo tu cuerpo esté en penumbra, y notes un roce en la pierna, no pensarás que es un alga, aunque tengas claro que sería imposible que un tiburón hubiera llegado hasta allí. 

Este extraño universo seguirá dándote miedo porque, al igual que nos enseñó Spielberg en Tiburón, que no se vea no significa que no esté ahí. 

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Este 2025 hemos tenido el estreno del live-action de la película de 2010 que, a su vez, se basa en las novelas de Cressida Cowell. Más de uno, de dos y de tres, habrán querido hacer un repasito de la saga para tenerla fresca en la memoria o, si no la habían visto, tacharla de la lista de pelis pendientes.

Así que vamos a ir a las plataformas de streaming y… nada. Cómo entrenar a tu dragón brilla por su ausencia en los servicios de transmisión. Esto ya es malo en líneas generales porque, a ojos del espectador, no se consigue asociar la marca. Pero en Hobby Cine sabemos de sobra que son películas de DreamWorks y, por extensión, de Universal Pictures.

Esto nos lleva al servicio de streaming en el que participan tanto Universal como Paramount, SkyShowtime. No vayas a entenderme mal, SkyShowtime es una gran plataforma, pero tiene mucho margen de mejora, y el tema a tratar hoy es uno de ellos.

El estreno del live-action de Cómo entrenar a tu dragón era la ocasión perfecta para tener las tres películas de animación no solo en el catálogo, sino destacadas para que el público las viese y, en cierto modo, atraer clientes que pudieran querer verlas y, quizá, engancharlos como suscriptores permanentes. De eso va este negocio, consolega.

Pues ninguna de las películas estuvo ni está disponible, ni en SkyShowtime, ni en ningún otro lugar, ojo. Otras plataformas bien podrían haber pescado la trilogía para dar un empujón a sus cifras. Naturalmente, desconozco si hay algún acuerdo que impida a las películas de Cómo entrenar a tu dragón haber estado disponibles. Sería la única excusa razonable en este particular.

Cómo entrenar a tu dragón es un ejemplo de ausencia flagrante y absoluta, pero SkyShowtime tiene unas cuantas ausencias parciales en las que tendrían que ser sus grandes sagas. Ni Fast & Furious 9 ni su secuela están disponibles en el momento de redactar este artículo. La saga Scream, hasta la tercera. Misión imposible: Sentencia mortal estuvo, pero ya no…

Luego hay ausencias que se entienden, ya que el tiempo ha cambiado muchos derechos de manos. Indiana Jones y el dial del destino, por ejemplo, es de Disney, y Superdetective en Hollywood: Axel F., de Netflix.

Otras sagas están completas una temporada y luego dejan de estarlo, quizá por cuestiones técnicas, por ir rotando el contenido sin tener macroservidores de locura como los de Netflix. Igual que decimos lo malo de la compañía roja, como las cancelaciones, decimos que su infraestructura es una pasada.

No es un problema exclusivo de SkyShowtime, ojo

Pero no quiero que parezca que me he liado a ladrillazos con SkyShowtime gratuitamente. Como digo, no es una cuestión que afecte solo a la plataforma, aunque tenga delito contar con dos majors y no hacer marca en el catálogo.

Te pongo un ejemplo: ¿quieres ver las películas de Harry Potter? Son de Warner, así que nos vamos a HBO Max y… bien, ahí están, las ocho y las tres de Animales fantásticos. Pero mejor vemos El señor de los anillos… frío, frío. ¿Y El Hobbit? Frío, frío. Las dos trilogías, que son de New Line Cinema (Warner) están en Prime Video.

De hecho, hace nada se anunció que volverían a estar disponibles en HBO Max, pero la pregunta es por qué no han estado disponibles siempre. Puedes extender una licencia a Prime Video y que estén también allí, pero no sueltes una de tus propiedades intelectuales más potentes.

De hecho, tanto El señor de los anillos como Harry Potter deberían disponer tanto de las versiones proyectadas en cines como las extendidas. Son obras que la gente va a querer ver una vez al año fácilmente, especialmente las legiones de fans.

Y ya que hablamos de Prime Video, debería ser el hogar de la saga James Bond, y lo es, siempre que pasen por segunda vez por caja para pagar la suscripción extra de MGM+. Es cierto que, cada X tiempo, llevan las películas al catálogo normal de Prime Video. Personalmente, creo que deberían estar ahí de forma permanente.

Disney+ es la excepción, para bien

Puedes decir lo que quieras de Disney y, la mayoría de las veces, probablemente te dé la razón. Pero hay una cosa que no se le puede reprochar a la Casa del Ratón, y es su capacidad de hacer marca. Un ejemplo perfecto es Disney+.

No voy a decir que la plataforma tenga todo lo que debería tener, pero si yo quiero ver una película o serie de Star Wars, las tengo ahí. ¿De Marvel? La tengo, salvo que sea alguna de las que aún tienen conflictos de derecho.

Disney+ sabe hacer que asocies rápidamente una saga con su plataforma y, aunque algunas películas pasen por otros servicios de streaming, están ahí. Eso sí, no se van sin pescozón, como cuando hacen algún reestreno y ciertas películas desaparecen misteriosamente una temporada.

El mercado del streaming no es fácil, pero es aún más complicado si se renuncia a ciertas propiedades intelectuales que deberían ser buques insignia de las diferentes plataformas. Sin hablar de la oportunidad de negocio que se pierde.

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Y lo es porque se trata del segundo gran exclusivo para Nintendo Switch 2 tras Mario Kart World. La Gran N podía haber ido a lo fácil y haber acompañado el lanzamiento de la consola con un nuevo Mario 3D, como ya hicieron con la primera Switch, pero en lugar de eso lo han apostado todo al gorila.

También es una declaración de intenciones porque esta es su forma de decirnos que DK es una de sus IPs más importantes, al nivel de Mario o The Legend of Zelda. Y buena prueba de todo esto es que el equipo responsable de Bananza es el mismo que el de esa joya llamada Super Mario Odyssey.

Tras haber zampado todos los plátanos posibles (y más), vamos a descubrir si la nueva aventura de Donkey Kong está a la altura del último Mario 3D y si logra alzarse como uno de los primeros juegos indispensables para Nintendo Switch 2.

El análisis de Donkey Kong Bananza para Nintendo Switch 2 de HobbyConsolas:

• El gameplay de Donkey Kong Bananza
• Nivel de dificultad de Donkey Kong Bananza
• ¿Cuántas horas de juego dura Donkey Kong Bananza?
• Cuánto cuesta Donkey Kong Bananza y dónde puedes jugarlo
• La opinión de HobbyConsolas de Donkey Kong Bananza
• Nota: lo mejor y lo peor de Donkey Kong Bananza

Jugabilidad y gameplay de Donkey Kong Bananza en Nintendo Switch 2

En Isla Lingote se ha descubierto una veta de plátanos dorados y, como máximo experto en plátanos, Donkey Kong viaja hasta allí para ponerse las botas. Sin embargo, la Void Company, una villanesca empresa, roba todos los plátanos y cava un enorme hoyo en la tierra que arrastra a DK hacia las profundidades.

De esta manera, el gorila conoce a Pauline, una joven con pánico escénico que seguramente os suene de otros juegos de Donkey Kong y Mario. Juntos, se embarcan en una aventura para llegar al centro de la Tierra y detener a la Void Company.

Si nos ponemos técnicos, Donkey Kong Bananza es un juego de plataformas 3D. Y puede que eso os lleva a pensar: «pero entonces, ¿en qué se diferencia de un Mario?» Pero bastan sólo unos segundos a los mandos para darse cuenta de que este juego es muy diferente a los títulos del fontanero.

Como seguramente ya sabéis, la mecánica estrella de Donkey Kong Bananza es la destrucción: al pegar puñetazos, podemos romper todo lo que se nos ponga por delante. Y cuando decimos todo es, literalmente, TODO: podemos abrirnos paso a través de una cueva a puñetazo limpio; podemos destruir una montaña entera; incluso podemos pegar puñetazos contra el suelo y bajar, y bajar, y bajar…

Lógicamente, los escenarios tienen un límite, pero una de las gracias de Donkey Kong Bananza es que todos los niveles son muy abiertos, por lo que la sensación de que podemos abrirnos paso a puñetazos hasta cualquier parte es constante y nunca deja de ser muy impresionante. Es más, incluso es posible saltarse partes de la historia y alcanzar zonas de los niveles antes de lo previsto gracias a la libertad que ofrece la destrucción de los escenarios.

De esta manera han creado un estilo de juego realmente único para DK; si en un Mario la clave es el plataformeo, ser hábiles con los saltos, aquí la clave es volverse locos y destruirlo todo. Y el juego está diseñado para que prácticamente cada puñetazo tenga recompensa: al destruir muros, siempre estamos consiguiendo cosas como oro, fósiles o, por supuesto, plátanos.

Los plátanos o, más bien, las Gemas de Banandio, son el equivalente a las lunas de Super Mario Odyssey. La gran diferencia es que aquí se nos invita aún más a buscarlos y conseguirlos, pues al obtener cinco, se nos otorga un punto para desbloquear habilidades o mejorar las que ya tenemos.

En otras palabras: Donkey Kong Bananza es una constante descarga de adrenalina, tanto por lo satisfactorio que es destruirlo todo y ver cómo las rocas saltan en miles de pedazos, como por los constantes estímulos a los que estamos sometidos al conseguir premios.

Y sí, no voy a mentir, a veces la jugabilidad de Bananza es un tanto descerebrada, al menos comparada con la de un Mario. Porque aquí muchas veces tienes la sensación de que cada vez que le pegas un puñetazo a algo sale un plátano. Y a la larga, es un tipo de jugabilidad que puede llegar a saturar un pelín más que la de un título del fontanero.

Pero lo bueno es que no todo es arrasar: uno de los aspectos que más me han gustado de Donkey Kong Bananza —y algo que se le da realmente bien a Nintendo— es que es un constante derroche de ideas. Literalmente cada nivel del juego presenta una mecánica nueva, a menudo relacionadas con los materiales que componen el terreno y su comportamiento al golpearlos, pisarlos o lanzarlos.

Por poner un par de ejemplos básicos, hay materiales como el cemento que sólo se pueden destruir con objetos explosivos, pero también hay cosas con propiedades realmente únicas, como semillas que crean puentes, superficies elásticas, materiales que nos permiten elevarnos por los aires al agarrarlos… Y muchas otras cosas que no voy a mencionar porque es una gozada descubrirlo.

Recuerdo que en uno de los últimos niveles, cuando llegué y descubrí cuál era la mecánica principal, no pude evitar pensar: «¿cómo es posible que a estas alturas del juego hayan sido capaces de aprovechar las habilidades básicas de DK para crear todo un nivel alrededor de esta mecánica?». Y es una prueba de lo bien diseñado que está Donkey Kong Bananza. 

Esto me lleva a hablar de otro de los aspectos que más me han gustado… y es precisamente el que da nombre al juego: las Bananzas. En lugar de los acompañantes bestiales de otros juegos de la saga Donkey Kong, en esta entrega para Nintendo Switch 2 el gorila se vale de la voz de Pauline para transformarse en animales con diferentes habilidades, como una cebra que corre a toda velocidad o un avestruz que puede planear durante unos segundos.

De nuevo es inevitable hacer la comparación con un Mario y sus habituales transformaciones, pero aquí también han conseguido diferenciarlo y darle un toque más directo y bestia: en lugar de depender de tener que encontrar el ítem necesario, DK puede transformarse en el animal que quiera siempre y cuando disponga de la energía necesaria…

… y la energía se rellena al recoger oro, un recurso que aparece cada vez que le pegamos un puñetazo a algo, de manera que podemos estar la mayor parte del tiempo transformados.

Esto hace que las Bananzas nos den cierta libertad para superar los retos. Lógicamente, hay niveles que están pensados para que usemos un animal en concreto, pero por lo general tenemos bastante libertad para aprovechar sus habilidades como nos venga en gana. Incluso es posible regresar a niveles anteriores con nuevas Bananzas para conseguir cosas que inicialmente no podíamos.

Reconozco, eso sí, que hay algunas Bananzas a las que creo que se les podía haber sacado algo más de partido. O, al menos, yo no he sido capaz de encontrarles demasiados usos. También es cierto que la que más he usado es la primera de todas, la Bananza del propio DK, cuya habilidad es pegar puñetazos aún más fuertes, así que quizás esto sea cosa mía, que soy muy básico.

Hablemos ahora de un aspecto que ha causado cierto revuelo estos días: el apartado gráfico. Y hablemos claro: ¿tiene Donkey Kong Bananza ralentizaciones? Sí. ¿Son molestas? El 90% del tiempo, no. Las ralentizaciones suelen ocurrir en momentos puntuales y que no afectan a la jugabilidad, por ejemplo, cuando hablamos con algún personaje y la cámara cambia rápidamente de posición, o cuando abrimos y cerramos el mapa, pues es una representación 3D en tiempo real del nivel en el que nos encontramos (bastante impresionante esto).

Los únicos casos donde las ralentizaciones pueden molestar un poco es en dos jefes muy concretos en los que la acción se desmadra bastante y pasan muchas cosas en pantalla. Aun así, no las considero algo como para llevarse las manos a la cabeza.

De hecho, todo lo contrario: creo que Donkey Kong Bananza es un juego que demuestra muy bien de lo que es capaz Nintendo Switch 2. Engaña mucho al tener un estilo artístico cartoon, cercano al cine de animación, pero lo cierto es que aquí hay elementos técnicos muy impresionantes, empezando por el sistema de destrucción.

Poder abrirte paso a través de un nivel reventando todo lo que se te pone por delante y dentro de unos límites considerablemente grandes, es muy espectacular. Pero es que, además, juega mucho con la física, el comportamiento y las propiedades de los objetos, algo que requiere músculo técnico. Y todo ello manteniendo los 60fps casi todo el tiempo, como ya he explicado.

También quiero destacar la enorme cantidad de animaciones diferentes que tienen DK y Pauline, así como su expresividad, pues están continuamente poniendo caras, gesticulando... Pero no sólo en las escenas de vídeo; también mientras jugamos. Fijaos bien y veréis que reaccionan a los enemigos, a los plátanos… y a prácticamente todo. 

Por poner un ejemplo, cuando activamos una Bananza podemos ver a Pauline cantando y bailando sobre los hombros de DK, con movimientos que cambian en función del punto en que se encuentra la canción.

Y ya que hablamos de esto, hablemos también de la banda sonora, que por lo general no es demasiado destacable… excepto al activar las Bananzas. Ahí el juego se desmadra por completo y nos deja unos temazos que no tienen ningún sentido de lo buenos que son.

De hecho, como ya imaginaréis, todo lo que tiene que ver con Pauline está relacionado con la música. Y sus canciones son con muchísima diferencia lo mejor de la banda sonora. Vamos, os aseguro que vais a querer transformaros en animales concretos sólo para escuchar sus pegadizas melodías (la de la cebra es una pasada).

También hay que destacar la voz de Pauline en español, pues se trata de un interpretación buenísima que consigue que se convierta en un personaje muy entrañable al que le acabas cogiendo mucho cariño.

¿Es difícil Donkey Kong Bananza?

Donkey Kong Bananza cuenta con dos niveles de dificultad: el modo normal y el modo ayuda. Y jugando en el primero, el progreso a través de los niveles y los retos que debemos superar para avanzar en la historia principal rara vez entrañan algún desafío. 

Si nos da por explorar, podemos toparnos con desafíos opcionales que suelen ser combates o niveles cerrados con un estilo más clásico (algunos son, directamente, niveles con desarrollo 2D). Pero en ellos, la dificultad reside más en encontrar todos los plátanos que en superar el desafío en sí. 

En otras palabras: es un juego facilón. Es algo de lo que ya pecaba Super Mario Odyssey y personalmente no me parece un gran problema... salvo en el caso de los jefes. Porque quitando un par, el resto son insultantemente fáciles. Y es molesto porque apenas te da tiempo a ver las mecánicas de los jefes; cuando te quieres dar cuenta, el combate ya ha terminado. 

De hecho, ha habido no pocos casos (algunos bastante cerca del final) en los que he pensado «no puede ser que se haya terminado ya el combate». 

Y sí, cerca del final y pasado el propio final, el juego contiene desafíos opcionales que son complicados y requieren unos cuantos intentos o darle al coco para descubrir cómo avanzar, pero creo que a Donkey Kong Bananza le habría sentado mejor ofrecer algo más de reto en la historia principal.

¿Cuántas horas dura la historia de Donkey Kong Bananza?

Dado que los niveles de Donkey Kong Bananza son muy abiertos y esconden tantos desafíos, secretos y recompensas opcionales, la duración de una partida depende totalmente de nuestra forma de jugar. Os puedo decir que, en mi caso, completar el juego habiendo obtenido 455 plátanos me ha llevado más de 25 horas.

Y, por supuesto, me quedan muchísimas cosas por hacer, empezando por conseguir todos los plátanos, cuyo número total asciende a más de 700. Además de esto, Donkey Kong Bananza también tiene un postjuego bastante entretenido y elaborado, pues tiene un pequeño componente narrativo que invita a jugar no sólo por el hecho de superar nuevos desafíos y conseguir recompensas especiales.

Como detalle adicional está el modo DK Artist, que no deja de ser una curiosidad para justificar la implementación del modo ratón de Nintendo Switch 2... Pero oye, es una opción más que, si os convence, os puede dar más horas de juego.

Precio y plataformas disponibles

Donkey Kong Bananza se pone a la venta para Nintendo Switch 2 el día 17 de julio de 2025 a un precio de 69,99€. El tema del precio es especialmente relevante en este caso, pues recordemos que Mario Kart World ha sido uno de los primeros juegos lanzados a 89,99€. Y desde luego no se puede decir que la nueva aventura del simio tenga menos calidad.

Donkey Kong Bananza se lanza tanto en formato físico como en formato digital, en ambos casos al mismo precio. Si decidís haceros con la edición física, os alegrará saber que el juego al completo viene incluido en el cartucho (en otras palabras: no es una de las temidas Game-Key Cards).

Viaje al centro de la diversión

Nintendo ha dado con la tecla exacta a la hora de traer de vuelta a un personaje tan icónico como Donkey Kong, dándole el mismo cariño y valores de producción que a sus otras sagas de gran calibre y, al mismo tiempo, logrando una jugabilidad que se diferencia muchísimo y hace que destaque.

Y como ya decía al principio, es toda una declaración de intenciones que uno de los grandes juegos en los primeros meses de vida de Nintendo Switch 2 esté protagonizado por el gorila y no por el fontanero.

La pregunta más habitual -y seguramente la que os estáis haciendo en estos momentos- es: ¿es Donkey Kong Bananza mejor que Super Mario Odyssey? Y la respuesta es... que son diferentes. Donkey Kong Bananza tiene la misma base jugable y la misma calidad que el mejor Mario 3D, pero en lugar de manejar a un fontanero que salta, controlamos a un gorila desenfrenado.

Personalmente, creo que depende del estado de ánimo: hay días que te apetece saltar y superar grandes retos de plataformeo, y otros que sólo te apetece pegar puñetazos y destruir muros para desahogarte. Y vaya si se desahoga uno jugando a Donkey Kong Bananza.

Pero, por encima de todo, Bananza demuestra que en Nintendo siguen siendo los mejores haciendo videojuegos. Y con esto me refiero a videojuegos en el sentido más puro; títulos en los que coges el mando y a los dos minutos ya estás aporreando botones y pasándotelo bien. Y lejos de quedarse ahí, esa sensación se alarga hasta que llegan los créditos... Y más allá. 

Lo que viene siendo un auténtico engorile.

Avanzamos 17 años en el tiempo, y llegamos a este análisis de Patapon 1 + 2 Replay, un recopilatorio que reúne los dos primeros juegos para PS5, Nintendo Switch y PC. Un recopilatorio que ha sido desarrollado por Bandai Namco, bajo licencia de PlayStation, un detalle que refleja lo mucho que han cambiado las cosas en esta década y media...

No es la primera vez que Patapon se remasteriza: de hecho Patapon 2 Remastered se lanzó en 2020, en plena pandemia, solo tres años después de remasterizar el primer juego. Sobre la base de estos remasters, Bandai Namco ha introducido una serie de cambios y mejoras, aunque manteniendo el gamplay, la esencia, prácticamente intacta.

Es por eso, que tampoco me quiero extender demasiado en explicar los fundamentos del juego: Patapon 1 + 2 Replay contiene los dos juegos en los que encarnamos a una deidad que dirige a los beligerantes Patapones a ritmo de tambor. Cada uno de los cuatro botones frontales está asociado a un tambor, y combinando sus sonidos en compases de cuatro golpes, les damos instrucciones.

Estas combinaciones crean sonidos hipnóticos, como Pata Pata Pata Pon para avanzar o Pon Pon Pata Pon para atacar, que se repiten como un mantra hasta la saciedad y se integran con las melodías como anillo al dedo. El sonido es hipnótico, y una vez caes en sus redes, es difícil salir de ellas.

Avanza, ataca, protégete, retirada rápida... todo mientras mantenemos el ritmo y avanzamos como en un juego 2D a través de estas instrucciones, mientras nos medimos a tribus enemigas, cazamos, nos enfrentamos a jefes finales y vamos ampliando nuestras posibilidades, ya sea añadiendo nuevas unidades, armas, soldados especiales con habilidades únicas.

Es un desarrollo que va a más, y que en especial, en Patapon 2, que dio un salto hacia delante al ofrecer muchas más posibilidades, como un campamento base con más funcionalidad, como minijuegos...

Como digo, la jugabilidad no ha cambiado ni un ápice en Patapon 1 + 2 Replay, sigue siendo la misma, y por eso, si quieres saber más en profundidad lo que ofrecen, te recomiendo que leas el análisis de Patapon 2 que he puesto más arriba para que te puedas empapar de sus posibilidades: los juegos siguen siendo los mismos.

Pata Pata Pata Pon, toma Re Mas Te Ri Za Ción

Desde el punto de vista técnico, Patapon 1 + 2 Replay se ve y se siente igual que los juegos originales que recuerdas, pero con algunos aspectos retocados, como la resolución. Vaya por delante que, para este análisis, he jugado a la versión de Nintendo Switch, por lo que no puedo hablar del resto, aunque muchas cosas sí serán aplicables.

La resolución es mayor que en los juegos originales de PSP, pero no que en las versiones de PS4 donde llegaba a las 4K. Jugando con la versión de Nintendo Switch en una Nintendo Switch 2 la resolución llega a los 1080p en modo dock, y es uno de esos casos en los que un parche para aprovechar la nueva consola sería más que bien recibido, y se notaría en la nitidez de la imagen. 

No vas a tener ningún problema si juegas en Nintendo Switch OLED, Switch Lite o el primer modelo, porque no se ve mal ni en portátil ni en dock, pero sí es cierto que en la nueva consola, tras ver otros juegos como Yakuza 0 (que no deja de ser también una remasterización), es evidente que la nueva consola podría moverlo a 4K en dock y 1080p nativos en modo portátil.

Es algo especialmente evidente en las secuencias, donde se nota algo más borroso, mientras que el gameplay, gracias a su particular estética, es menos evidente. Además, se han corregido errores con algunas texturas y ahora se mueven a 60 fps constantes, lo cual también es de agradecer.

Aparte, se han introducido otras mejoras "de calidad de vida", como es poder ajustar la dificultad o exigencia a la hora de llevar el ritmo en cada uno de los juegos (entre tres niveles distintos) o mantener el icono del tambor visible en pantalla en todo momento, por si eso te ayuda a seguir las canciones mejor.

Además, se ha recuperado el modo multijugador de Patapon 2 en Nintendo Switch, aunque solo de manera local, para cuatro jugadores, cada uno con su propia Switch (no estaría mal que hubiera actualización gratis para Nintendo Switch 2 y añadiera soporte de GameShare).

Por último, y sé que es una queja un poco tonta, se podía haber aprovechado la remasterización para eliminar el rastro de los iconos de los botones de PlayStation que aparecen en secuencias, y haberlos sustituido por las letras de los botones de cada plataforma...

Los aspectos "críticos" de Patapon 1 + 2 Replay

Como alguien que adora los juegos "rítmicos" (una de mis sagas favoritas es Rhythm Paradise), en su día reventé los juegos de Patapon en PSP, y le cogí el punto al timing del ritmo (los flashazos en pantalla marcan el ritmo al que debemos pulsar los botones).

Jugando en modo portátil en Nintendo Switch, y con las opciones por defecto, sin tocar nada, no he tenido ningún problema: no he tenido input lag, ni he sentido retardo, latencia, ni nada. He entrado en el modo Febril o Fever (por mantener el ritmo en nivel óptimo) sin dificultad, desde el primer momento. Tal y como lo recordaba de jugar en su día en PSP.

La cosa cambia cuando empiezas a meter "factores externos a la consola". Por ejemplo, si piensas jugar con cascos bluetooth, quizá deberías pensarlo dos veces: empezarás a notar que el sonido va con algo de retardo, lo que complica seguir el ritmo, y no te digo ya conseguir entrar en el modo Febril. Si son cascos con cable, lo normal es que no tengas estos problemas.

¿Y qué pasa al jugar en la tele con la consola en el dock? Pues que se abre un mundo de posibilidades. Dependiendo del modelo de tu tele, y de si juegas o no con un equipo de sonido, puedes meter hasta dos variantes distintas que afecten al input lag, uno por la tele, y otro por el equipo de sonido.

El problema es que, a diferencia de otros juegos musicales o de ritmo, como el último Guitar Hero o Rock Band 4, no tiene una herramienta para calibrar el retardo en la imagen o el sonido, para ajustarlo a las características de tu televisor y que la experiencia sea la óptima. 

En su lugar tiene un sistema más rudimentario, una escala de 10 (de -5 a +5) que nos permite ajustar de manera manual el retardo. El problema es que es un ejercicio de ensayo y error, es decir, tendrás que tocar los valores, cargar una partida y ver si notas mejoría. Si no es el caso, sal del juego, vuelve a la opción, y modifica el valor... y repite hasta dar con el valor correcto. Es un sistema mejorable.

Por último, y prometo que es mi última queja, tampoco entiendo por qué Patapon 3 se queda siempre fuera de este tipo de remasterizaciones y colecciones. Ya lo hizo PlayStation, que no llegó a remasterizarlo, y ahora Bandai Namco. Es una serie que lleva abandonada años (su sucesor, Ratatan, se ha retrasado), y hubiera sido genial tenerla completa por primera vez en años...

Precio y plataformas de Patapon 1 + 2 Replay

Patapon 1 + 2 Replay ya está disponible formato digital para Nintendo Switch, PS5 y PC a un precio de 29,99 euros (te sale el juego a 15 euros, que no está mal para todo lo que ofrecen).

También existe una versión física, pero solo para Nintendo Switch, que cuesta 39,99 euros (10 euros más que el digital), y que por suerte lleva el contenido en la tarjeta (no es un código dentro de una caja). 

¿Es Patapon 1 + 2 un juego difícil?

La respuesta corta es sí. Es un juego que no solo exige que tengas un buen sentido del ritmo, también exige que planifiques bien algunas misiones porque la dificultad va creciendo de manera paralela a tus avances.

No es el dark souls de los juegos musicales, pero sí que hay jefes que te van a poner las cosas difíciles, momentos que te van a obligar a repetir niveles y farmear para poder mejorar tus unidades... pero cuando superas un escollo, es un juego altamente satisfactorio.

El nivel de dificultad más bajo, de los tres que se han añadido, quizá suavice un poco las cosas en términos de exigencia con el ritmo, pero aún con todo, es un juego durete al principio.

La opinión de Hobby Consolas de Patapon 1 + 2 Replay 

Si has llegado hasta aquí, puede que te haya dejado la sensación de ser bastante negativo con esta remasterización, como también ha pasado un poco con Tony Hawk's Pro Skater 3 + 4, pero déjame que puntualice una cosa, por si no ha quedado claro. Patapon 1 + 2 es una delicia en modo portátil, juegues en Nintendo Switch o Switch 2.

Ahí la experiencia es fiel a lo que ofreció PSP en su día, con gráficos mejorados (ojalá haya parche para Switch 2) y pequeñas mejoras que suavizan un poco la experiencia para los que lleguen de nuevas a esta exigente saga.

Los problemas de input lag solo aparecen cuando metes elementos externos, como cascos Bluetooth, o quieras jugar en un televisor: ahí la experiencia puede variar enormemente dependiendo del modelo, fabricante, configuración... y lo cierto es que la solución que ofrece el juego se me antoja algo arcaica, cuando otros juegos ya han demostrado que se puede hacer mucho mejor.

Pero aun con todo, Patapon 1 + 2 es un clásico que merece la pena ser jugado, seas fan o no, porque sigue siendo una saga única en su especie, y un recordatorio de que los juegos atípicos, especiales y distintos, siguen siendo necesarios en una industria del videojuego que cada vez parece más inmovilista, capaz de ofrecer solo el sota, caballo y rey de siempre.

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Es difícil no ver el paso del tiempo con solo asomarse y ver la calle, pero si nos fiáramos únicamente de lo que hay en cartelera, dudar sería una opción.

El ser humano está atrapado en la nostalgia desde hace mucho, y el cine es un gran reflejo de ello. Eso sí, llevamos unos años en que reflotar antiguas sagas se ha convertido en un recurso potente para los estudios.

Y no lo digo (solo) por Disney y sus remakes en acción real de clásicos de animación, sino por muchos géneros que miran a su pasado en busca de un hilo del que tirar. Hasta Harry Potter va a volver, consolega, en formato serie, eso sí.

Un género que ha abrazado la nigromancia a base de bien es el de terror, y solo hay que echar un vistazo a la cartelera de los últimos años para ver cuánto dependen las películas de miedo de su ilustre pasado.

El pasado al rescate

Dentro de las "películas de terror que vuelven" tenemos tres de las grandes sagas slasher noventeras, o de principios de la década de 2000, que han renacido mirando al futuro.

La primera fue Scream, que tuvo su revival en 2022 con una quinta película y ya prepara una séptima que llegará en 2026. Ghostface volvía a cometer fechorías y el estudio a llenar las arcas con ellas.

En esa misma línea tenemos el éxito de Destino final: Lazos de sangre. La saga ha pasado más de una década en el dique seco, pero la Muerte volvía este 2025 a cazar a los infelices que creen que pueden escapar de ella.

Y no es la única saga que regresa, pues Sé lo que hicisteis el último verano también tendrá revival. Será un intento de mejorar el pésimo intento de llevar la franquicia a televisión por parte de Prime Video hace unos años.

Alejándonos un poco en el tiempo, pero manteniendo el foco en el slasher, tuvimos el regreso de La noche de Halloween, que disfrutó de una trilogía con el regreso de Jamie Lee Curtis. David Gordon Green quiso aprovechar ese éxito —aunque las otras dos entregas se fueron desinflando— para hacer lo mismo con otra saga.

Y escogió El exorcista, pero la cosa no salió bien. El exorcista: Creyente pinchó y el plan para desarrollar otra trilogía se vino abajo. No obstante, para el tema que quiero ilustrar, no va mal, pues es otra propiedad intelectual vetusta con un revival fracasado y otro en proceso, este bajo la tutela de Mike Flanagan.

Y hablando de Flanagan, también se encargará de otra ración de nostalgia aterradora con el remake de Carrie, esta vez en formato serie.

El terror nostálgico está funcionando

Por suerte, dentro del terror también estamos teniendo flujo razonablemente constante de películas nuevas, y algunas muy entretenidas y con ideas poco trilladas.

Dicho esto, el factor nostalgia dentro del género está funcionando, tanto para el público como en lo referente a taquilla que, en última instancia, es lo que interesa a los estudios.

Scream, por ejemplo, hizo 137,7 millones de dólares en 2022, Destino final: Lazos de sangre, lleva 257,1 millones y se ha convertido en la película más taquillera de la saga.

El cine de terror no es tan caro de producir como el de ciencia ficción o las películas a gran escala, por lo que taquillas más modestas también ayudan a rentabilizar dichos largometrajes.

Mientras haya un equilibrio saludable entre contenido nostálgico y suficientes películas de terror nuevas, lo suficientemente bizarras como para atraer al público, no está tan mal esto de sentirse algunos ratos como en los noventa, ¿no? Os dejo, que voy a ver si también entra la nostalgia en los Bollycao y los hacen igual que antes.

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Esto se convirtió en la seña de identidad del creativo nipón, pero también en el arma arrojadiza perfecta para sus detractores, que lo acusan de ser un cineasta frustrado. Que le encante hablar de cine en sus redes sociales o que presuma de codearse con grandes figuras, desde directores como Guillermo del Toro o Nicolas Winding Refn, hasta actores y actrices como Keanu Reeves o Hunter Schafer, no ayuda en su defensa.

Así que no fue ninguna sorpresa el anuncio de que Kojima Productions, el estudio independiente que formó tras salir de Konami, produciría una película de Death Stranding bajo el sello de A24 con Michael Sarnoski, director de Un Lugar Tranquilo: Día 1.

Algo más sorprendente ha sido descubrir que no se limitarán al cine de imagen real: también habrá un anime de Death Stranding, aunque de este proyecto apenas se conocen detalles. Con ambos proyectos en el horno, nos hemos propuesto repasar los mayores obstáculos a los que se enfrentan las adaptaciones de un… ¿videojuego imposible de adaptar?

Los obstáculos a los que se enfrentan las adaptaciones de Death Stranding: ¿es imposible adaptar el videojuego de Hideo Kojima al cine/anime?

El primer obstáculo es el más evidente: trasladar la acción de un videojuego al formato cine o serie. Incluso aunque Kojima sea conocido por su estilo cinematográfico, hablamos de dos medios muy diferentes; en uno, la historia avanza siempre en una única dirección, mientras que en otro todo depende de las acciones del jugador, de dónde decidamos ir o qué escojamos hacer.

Esto es particularmente importante en un juego como Death Stranding, donde uno de los aspectos más destacables es el simple hecho de caminar de un punto a otro, disfrutando de las vistas que nos dejan los escenarios mientras escuchamos una canción increíble.

No sería complicado adaptar un momento así de una forma bastante fidedigna, lo complicado sería hacerlo varias veces a lo largo de una misma cinta sin provocar que el ritmo de la misma se resienta. Si el videojuego ya tiene detractores debido a su jugabilidad pausada, imaginaos una película donde una parte importante del metraje consista en contemplar a alguien caminando.

Otro obstáculo es cómo explicar las normas del universo de Death Stranding en formato cinematográfico. Porque no hay que olvidar que, para muchos espectadores, será la primera toma de contacto con el videojuego, así que estos proyectos no pueden dar por hecho que el espectador viene con los deberes hechos de casa o, mejor dicho, con el “juego jugado”.

Death Stranding plantea un universo realmente complejo, con normas precisas sobre la vida, la muerte, el alma humana y el funcionamiento de la sociedad tras un evento de extinción, que hay que entender bien para disfrutar de la experiencia.

El juego suele recurrir a la sobreexposición argumental a través de extensos diálogos y largas escenas de vídeo, algo que en un videojuego puede funcionar, pero en una película es mucho más complicado. El estándar de dos horas de duración se antoja incluso corto teniendo en cuenta toda la información que hay desarrollar.

Si el anime se realiza como serie tendría cierta ventaja sobre la película en este aspecto, pues el formato episódico da más margen para ir explicando los entresijos de su universo poco a poco.

Esto nos lleva a hablar del tercer obstáculo: ¿qué parte de Death Stranding se adapta? En estos momentos tenemos el primer juego y en apenas unas semanas llegará su secuela, Death Stranding 2: On the Beach, lo que significa que hay dos historias completas y toneladas de material para adaptar.

Adaptar la historia de los dos juegos en una sola película sería realmente complicado, e incluso aunque se atrevan a hacerlo, se verían obligados a realizar recortes para conseguir algo coherente… pero pervirtiendo la visión original por el camino. La opción ideal en el caso de la película sería adaptar el primer juego.

Con el anime y, si se apuesta por el formato serie, tienen de nuevo más margen de maniobra. Es el medio perfecto para contar una historia alejada de la de los juegos, con otros personajes, nuevas localizaciones… Sería una forma ideal de expandir el universo Death Stranding sin verse atados por el material de los juegos. Cyberpunk: Edgerunners es el mejor ejemplo de esto.

El último gran obstáculo es, paradójicamente, la elección de actores y actrices para interpretar a los personajes. En un mundo ideal, todos los que aparecen en el juego repetirían su papel; desde Norman Reedus, Mads Mikkelsen, Lèa Seydoux, Tommie Earl Jenkins, Margaret Qualley y Troy Baker… Hasta Elle Fanning, Shioli Kutsuna y Luca Marinelli si nos vamos a la secuela.

Al fin y al cabo, han prestado tanto su voz como su apariencia en el juego, así que es imposible encontrar a alguien mejor. Sería algo más complicado en el caso de los personajes de Guillermo del Toro y Nicolas Winding Refn, pues cedieron su aspecto, pero son interpretados por otros actores.

En cualquier caso, una decisión que aparentemente no debería tener ninguna complicación puede verse afectada por temas burocráticos. 

Desde los habituales "scheduling conflicts" que pueden provocar que un actor no esté disponible cuando dé comienzo el rodaje, hasta otros aspectos más peliagudos, como contratos de exclusividad con diferentes productoras. Y tampoco podemos descartar la posibilidad de que haya actores que no quieran repetir su papel en imagen real (o que su agente les recomiende no hacerlo).

Aunque también es cierto que este obstáculo es exclusivo de quienes conocen los videojuegos, pues para los espectadores neófitos seguramente no sea problema ver a otro actor interpretando a Sam Porter Bridges, por ejemplo.

Por otro lado, desde hace ya varios años las adaptaciones de videojuegos en formato cine/televisión han aumentado su calidad considerablemente, teniendo ejemplos tan recientes como las series de Fallout, The Last of Us o Arcane.

Y, además, conociendo a Hideo Kojima y lo mucho que le gusta supervisar minuciosamente hasta el último detalle de cada uno de sus proyectos, no sería de extrañar que el creativo estuviese muy involucrado con la adaptación cinematográfica, lo que garantizaría tanto su calidad como su fidelidad a la obra original.

¿Quién sabe? Puede que incluso se atreva a ocupar la silla de director durante alguna escena… y podamos decir que Hideo Kojima ha hecho cine (pero, esta vez, de manera literal).

Estaba deseando ir a verla con mi hijo al cine, en pantalla grande, porque hay experiencias que, por mucho que se diga, no se viven igual en el salón de casa. La energía colectiva que hay con películas así no se puede comparar.

Así pues, busco los cines que tenían disponible la película en Madrid (al ser un reestreno solo en VOSE, no había tantas alternativas), me dispongo a pillar entradas y me encuentro con esto:

Sí, amigos, una entrada de adulto costaba 14,50 machacantes y una para menores, 10,40 euros. En total, 24,90 eurazos, a lo que habría que añadir lo que quisiéramos gastar en palomitas y refrescos (que, ya os adelanto, de unos 10 euros por cabeza no bajarían). En total, una sesión de cine de un reestreno para dos personas costaría más de 40 euros. Alucinante.

Si lo piensas, es más del doble de lo que costaría una suscripción mensual a un servicio como Netflix o Max. Así pues, pensé "es demasiado, al menos me pillo yo las palomitas por otro lado, que me van a costar 2 euros como mucho, y listo". Nada más acabar ese pensamiento, me encuentro con este mensaje:

Por resumir, nos dicen que no seamos listos, que pasemos también por su bar para gastar pasta extra, a pesar de que su actividad principal no es la restauración. 

Te lo visten de forma educada, pero lo que dicen es "tenéis que pasar por nuestro aro". Así pues, de pura rabia, cancelé el proceso de compra. No me da la gana que me manipulen así.

Por supuesto, hay muchas facetas que matizar por aquí. Por un lado, son precios de Madrid, donde todas estas ofertas de ocio suelen estar un poco disparadas. Entiendo que si vivís en un pueblo o en otras ciudades, el precio puede oscilar mucho.

Por otro, resulta que ciertos cines (como Cinesa, en este caso) están comenzando a adoptar la medida de alterar el precio de la entrada en función del día de la semana. Ya no se trata solo del día del espectador, sino del efecto contrario: en vez de bajar el precio en días menos concurridos, lo suben en los más prolíficos.

He hecho la prueba de comprar una entrada para, por ejemplo, Una película de Minecraft hoy martes a las 19.00 (misma hora que la sesión del viernes de Star Wars que quería comprar) y, efectivamente, los precios bajan a 12 euros para adulto y 9,40 para menores de doce. Tampoco es que sea super barato, la verdad...

Lo importante de esto es que es el espectador el que acaba fastidiado por las políticas de las empresas. Al final, son más trabas para ti, que has de ir con pies de plomo por la posible oscilación, siempre al alza, del precio de una entrada.

Una experiencia que dista de ser de cine

Vale, es verdad que hay planes de fidelización mensual o anual que pueden ahorrarte mucha pasta, pero creo que las empresas deberían saber incentivar mejor al comprador ocasional, que es donde entiendo que está la masa, para que se anime a comprar.

Porque ojo, no lo he mencionado aún, pero en estos cines, después de pagar esa pasta, te comes una buena retahíla de anuncios antes de la sesión, por si se estaba recaudando poco dinero...

Con respecto a lo de las restricciones de entrar comida, desde FACUA ya advierten que los cines pueden hacer poco. 

Para empezar, no pueden registrar tu mochila o bolso (solo la Policía puede) si decides traerte cosas de fuera. Pero claro, ya tienes el mal sabor de boca de sentirte casi como un contrabandista colando estraperlo en guerra.

Al final, se trata del valor percibido. Si me pones unas salas cómodas y con una pantalla espectacular (en eso los cines de Madrid han mejorado mucho últimamente, todo hay que decirlo), posiblemente esté dispuesto a gastar un dinero excepcional, porque un día es un día. Pero hombre, no tiréis tanto del brazo, que al final uno se cansa.

No conozco los pormenores del ingreso-gasto en las salas de cine y estoy seguro de que muchas sudarán tinta para cuadrar sus cuentas en un mercado tan extraño como el que nos ha tocado vivir.

Pero, al igual que nos pasa con los videojuegos y ciertos remasters, no puedes pagar el pato con el usuario. Anímalo, prémialo por venir, fidelízalo y en el medio y largo plazo saldrás ganando.

Epílogo: al final encontré un cine más barato y vimos la peli. Mi principales conclusiones es que el cine mola infinito en pantalla grande, si se dan las circunstancias correctas. Eso y que necesito una peli o serie con la tragedia de Darth Plagueis, el Sabio. 

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Con un presupuesto de producción declarado de 166,2 millones de dólares, The Mandalorian y Grogu se queda muy lejos del coste mínimo de la película más económica hasta la fecha, Rogue One: Una historia de Star Wars, aunque algunas fuentes sitúan el presupuesto de esta en 280 millones y no en 200 millones, como reza el mínimo.

Por si acaso, pongamos que Star Wars: Episodio VIII - Los últimos jedi, con 262 millones de dólares de presupuesto, ha sido la más barata de la era Disney.

Es fácil pensar que si The Mandalorian y Grogu ha tenido tan poco presupuesto es por falta de confianza por parte de Lucasfilm, el mismo estudio que se gastó 230,1 millones de dólares en The Acolyte o un combinado de 646 millones por las dos temporadas de Andor: Una historia de Star Wars.

Yo no pienso igual y, de hecho, considero que un presupuesto limitado es algo positivo para la gran mayoría de producciones y, en el caso de esta próxima película de Star Wars, es algo bueno de cara al producto final.

Más no siempre es mejor

El séptimo arte está cansado de impartir una lección que parece no entrar en algunas cabezas: que te gastes una millonada en una película no la hace mejor. 

Obviamente, no me refiero tampoco al caso opuesto, de ir más justos de presupuesto que una película amateur, pero sí de no despilfarrar lo inenarrable como están haciendo algunas producciones.

Y me viene bien escribir esto semanas después de que los hermanos Russo hayan estrenado en Netflix Estado eléctrico, una película que ha costado 320 millones de dólares… 320 millones. Dejando de lado que, siguiendo con su línea, Netflix estrenó directamente la película en streaming, no parece una película que valga tanto. Muy vistosa, pero nada bizarro que justifique ese gasto.

Hay muchas películas que, con un presupuesto muy limitado, han logrado resultados maravillosos. Por no separarnos del género: The Creator fascinó visualmente con solo 80 millones de presupuesto. La primera película de Joker costó 55 millones, mientras que su secuela, Joker: Folie à Deux, costó 200 millones y no le fue especialmente bien.

Entiendo que una película eleve su presupuesto si necesita desarrollar ciertas tecnologías para hacer posibles sus escenas. Un ejemplo lo tenemos con la saga Avatar, que literalmente ha desarrollado equipos y técnicas durante su desarrollo.

The Mandalorian y Grogu no necesita nada de eso, por lo que no necesita pedir cantidades desorbitadas De hecho, el trabajo de desarrollo que pudiera necesitar lleva años realizado.

Una tecnología que, bien empleada, abarata costes

Como posiblemente sepas, gran parte de The Mandalorian se filma en el Volumen de ILM, el set digital que, mediante tecnología StageCraft, proyecta un entorno realista alrededor de los actores. El equipo puede interactuar en tiempo real con la proyección para aplicar cambios y efectos.

Este entorno digital tiene sus pros y contras, claro, pero entre los puntos a favor está que se reducen mucho los costes de generar efectos en posproducción, construir decorados prácticos o desplazarse a emplazamientos reales para filmar.

Tampoco necesitan construir a Grogu, por ejemplo, ni desarrollar muchos elementos con los que ya contaban en la serie, y hablamos de muchos billetes que no tienen que cambiar de manos.

Me parece muy positivo que Jon Favreau no necesite un buque portacontenedores cargado de dinero para sacar adelante su película de Star Wars, tanto para la capacidad de ingenio del cineasta y de figuras como Dave Filoni, como para evitar que el "dinero ilimitado" siga haciendo mella en Star Wars. Ahora espero no comerme mis palabras y que la película salga redonda. 

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No lo puedes jugar solo, necesitas de un segundo jugador con el que avanzar en la historia, ya sea jugando a pantalla partida en PS5, PC o Xbox Series X|S o bien online, con juego cruzado entre todas las plataformas (una de las novedades). Lo mejor de todo es que, como en los juegos mencionados, solo necesitas una copia del juego: con el Pase Amigo puedes invitar a jugar a quien quieras.

De primeras, es un planteamiento familiar para quienes ya hayan jugado a It Takes Two y que, aquí, repite a pies juntillas muchas de sus líneas maestras, pero innovando y mejorando en otros aspectos más allá de lo visual (lo que explicaría que no se lance ni en PS4, Xbox One ni Nintendo Switch), alcanzando también al gameplay o a la originalidad de algunas de las ideas que plantea.

No me cuesta reconocer que, antes de empezar a jugar para este análisis de Split Fiction en PS5, PC y Xbox Series X|S, la nueva propuesta de Josef Fares no me terminaba de llamar en exceso. Ya había jugado a It Takes Two, y lo disfruté y sentía que "no necesitaba" otra experiencia parecida tras el buen sabor de boca que me dejó.

Pero me han bastado un par de horas en este nuevo universo para morder el anzuelo y sintonizar, y vibrar, con una historia que lleva el reconocible sello de Hazelight. Sí, porque durante la aventura vas a encontrarte momentos para troncharte de la risa, flipar con algunas mecánicas jugables (y lo bien integradas que están en la historia) y también para soltar alguna que otra lágrima.

Pero no me quiero precipitar. Mientras voy a buscar a mi segundo jugador, te dejo los principales puntos que voy a tratar en este análisis de Split Fiction.

• La historia de Split Fiction se reparte entre dos universos de ficción
• La jugabilidad de Split Fiction es familiar, pero refinada y todavía más variada
• La dificultad de Split Fiction, ¿es un juego difícil?
• ¿Cuánto dura Split Fiction? ¿Es un juego largo?
• El apartado técnico de Split Fiction
• Precio, plataformas y ediciones de Split Fiction
• La opinión de HobbyConsolas de Split Fiction
• Nota: lo mejor y lo peor de Split Fiction

 La historia de Split Fiction se reparte entre dos universos de ficción

Si It Takes Two dejaba claro desde el principio que todo giraba en torno a un divorcio, Split Fiction apuesta por un punto de partida más "difuso", que no te muestra todas sus cartas en la intro del juego, ni te despeja claramente lo que te quiere contar. Y tranquilo, que yo tampoco te lo voy a reventar en este análisis porque es una de las gracias del juego. Solo daré unas pinceladas generales.

La historia comienza con las dos protagonistas, Zoe y Mio, dos escritoras noveles que acuden a una futurista y prestigiosa editorial para firmar el contrato que les permitirá publicar sus historias. No se conocen de nada, y tras unos breves encontronazos, ya queda claro que hablamos de dos personalidades muy distintas, una muy parlanchina, otra más reservada, para empezar.

Lo que en teoría iba a ser una mera firma en un papel, acaba siendo la prueba de una extraña máquina, con la que la editorial planea robar las ideas de los escritores a través de una especie de mundos virtuales simulados... todo ello sin pagar a sus autores, por supuesto.

En este experimento, cada autor queda encerrado en su propia "cápsula" independiente, donde sus ideas eran extraídas. ¿El problema? Pues que por accidente, Mio y Zoe acaban juntas en una misma cápsula, y ahí es donde comienzan los problemas, tras provocar un fallo en la máquina y descubrir las oscuras intenciones de la editorial.

Así, pronto descubriremos que cada de las protagonistas una está especializada en un tipo de literatura. Mio lo da todo en la ciencia ficción, futurista y espacial, repleta de explosiones y situaciones límite. Zoe prefiere la fantasía épica, con dragones, magia, armaduras y otros clichés. 

De esos mundos e historias que ellas imaginaron y escribieron, tendremos que conseguir escapar a través de unas grietas que los fallos de la máquina han provocado en la simulación, y que nos llevarán por los distintos relatos concebidos por las dos autoras.

Así pues, a lo largo de 8 extensísimos niveles, se irán alternando estos dos estilos literarios mientras intentamos encontrar la salida de esta simulación para detener a la editorial, al tiempo que localizamos también las llamadas subtramas o pequeños relatos con mecánicas jugables únicas (de las que luego hablaremos).

Sin entrar en más detalles que puedan destripar la experiencia, al final, Split Fiction cuenta una historia que, como It Takes Two, es mas de lo que puede parecer a primera vista o por los tráilers.

Es una historia que bucea en la psique humana, en por qué somos como somos, cómo nos enfrentamos a nuestros traumas y cómo la amistad es la llave para superar muchos de nuestros males. Y sí, tiene momentos muy emocionantes, y no solo por la acción. Y ahí lo dejo...

La jugabilidad de Split Fiction es familiar, pero refinada y todavía más variada

A la hora de jugar, Split Fiction se siente muy parecido a It Takes Two. Y no lo digo como algo negativo, ya que la anterior producción alcanzó unas cotas de producción muy elevadas con una jugabilidad muy variada, un refinado control que respondía muy bien a la variedad de acciones y situaciones (shooter, conducción, 2D...) que proponía la aventura, algo que aquí sigue presente.

Cada jugador elige a cuál de las dos protagonistas maneja y, juegues en modo local u online, en todo momento verás la pantalla dividida para poder ver qué hace el otro jugador. Y es que esto sigue siendo una de las claves del juego, ya que la comunicación debe ser constante para ayudarse y juntos descubrir cómo avanzar cuando nos topemos con un obstáculo. Y funciona. Y es divertido.

Así, aunque Mio y Zoe cuentan con un grupo de acciones idénticas (doble salto, dar un pequeño impulso para avanzar, correr por paredes o lanzar una cuerda para balancearse) para moverse por estos mundos, la verdadera gracia reside en sus poderes únicos, que varía según el nivel y el punto del mismo en el que estemos (cuentan con varios checkpoints y zonas).

Así, por poner algunos ejemplos, en la parte futurista, Mio adquiere una katana cibernética y Zoe un látigo. Con el primero cortamos paneles, cadenas... mientras que con el segundo podemos coger objetos y lanzarlos o controlar unos paneles de color verde. Usar estas habilidades de manera coordinada nos permitirá, por ejemplo, huir saltando sobre el techo de vehículos flotantes.

Por su parte, en el universo de fantasía épica, podremos ser un cambiaformas (cada jugador puede mutar entre tres apariencias, cada una con habilidades únicas) o incluso recibir un huevo de dragona  que tendremos que cuidar hasta que eclosione, y luego llevar la cría por varios templos para que crezca y se haga adulta y la podamos montar.

De nuevo, cada dragón cuenta con habilidades distintas. Primero, cuando son bebés, cuentan con poderes distintos (planear, trepar por enredaderas...) y cuando crecen y pasan a ser adultos, uno puede rodar y destruir piedras y, el otro, volar y escupir ácido que corroe armaduras y metales. 

Son apenas unos ejemplos, y claro que hay muchos más, pero creo que bastan para entender que las habilidades siempre son complementarias, y se integran en la jugabilidad de manera que ambos jugadores siempre tienen que cooperar y descubrir como utilizar sus habilidades únicas para facilitarle el paso al compañero, a veces de manera sincronizada, a veces en la distancia.

Y todo eso, además, intercalando todo tipo de mecánicas, desde manejar una canoa a interactuar contrarreloj con todo tipo de mecanismos que requieren acciones coordinadas, minijuegos de ritmo, pilotar un insecto gigante mientras el segundo jugador nos libra de enemigos, secuencias de disparos con un sistema de polaridad al estilo Ikaruga...

... y eso sin olvidar "momentos de acción" explosiva, como huidas o persecuciones con vehículos (desde motos de agua a un dragón, con chaladuras como que el segundo intente manejar un móvil), caídas al vacío, ingeniosos puzles, referencias y guiños a otros juegos (desde el clásico Snake a Shadow of the Colossus, Sonic o Portal, por mencionar algunos), impresionantes jefes finales... 

Y todo, siempre, haciendo gala de un descacharrante humor que siempre te va a sorprender con la siguiente patochada, con el siguiente gag que no viste venir. Por haber, hay hasta refefencias a Sailor Moon y su mítica secuencia de transformación. Y es un gag de apenas 10 segundos.

La sensación en todo momento es que hay más variedad, más mecánicas, más situaciones únicas que en It Takes Two, logrando que el desarrollo se sienta tremendamente variado y que, a cada nuevo paso, esperes otro giro que te sorprenda, y que te haga muy difícil soltar el mando. 

Es ahí donde también entran en juego las llamadas subtramas que mencioné antes. Estas subtramas están "escondidas" en los niveles (algunas a la vista, otras en bifurcaciones que se alejan del camino principal) y, a poco que explores, encontrarás la mayoría, si no todas, en la primera partida. Las reconocerás porque son un pequeño portal que requiere que los dos jugadores interactúen con él. 

Hay un total de 12 subtramas repartidas por cuatro niveles (tres en cada uno), y vienen a ser como una "alteración" (si estamos en un nivel de fantasía épica, las subtramas serán de ciencia ficción, y viceversa), que además ayuda a que el nivel resulte todavía más variado. 

Al interactuar con estas alteraciones, entraremos en estos niveles aparte, con mecánicas, aspecto visual, ideas y situaciones únicas en todos los sentidos. Son "pequeñas" historias inconclusas de ambas autoras y, en muchos casos, donde residen los momentos más brillantes del juego, sin desmerecer el resto. 

No quiero destripar en exceso estos momentos, pero hay verdaderas genialidades, como la mejor representación de cómo ve un niño de 5 años la primera visita al dentista (de lo mejor del juego) o como los esbozos dibujados en un cuaderno van cambiando según las decisiones que tomamos junto a la propia voluntad del creador. O un concurso televisivo con bombas... 

En otras nos transformamos en cerdos en una historia con hilarante e inesperado final; en otra, pasamos de estar volando con unas alas propulsadas para acto seguido, sin cortes, pasar a un duelo a lo matamarcianos 2D. En otras estamos en gravedad cero huyendo de una base espacial destruida, en la siguiente participando en una competición de snow contra el segundo jugador... 

Por si esta variedad fuera poco, también hay secciones en los que la pantalla no se divide y la acción de ambos personajes transcurre a pantalla completa, bien para protagonizar un run 'n gun al estilo Contra, cambiar la acción a perspectiva isométrica, un pinball o incluso algunos momentos de primera persona, en los que vemos al otro jugador. Lo dicho, mejor me callo, para no desvelar más.

La dificultad de Split Fiction, ¿es un juego difícil?

A la vista de todos estos detalles, muchos se preguntarán si Split Fiction es un juego difícil. La respuesta variará, mucho, según tu nivel de habilidad, y sobre todo, de tu compañero, del que también depende lo rápido o lento que avancéis.

Al ser una experiencia que gira en torno a la cooperación, hay momentos en los que se requiere precisión, reflejos, velocidad o coordinación... y si tu compañero o tú no sois muy habilidosos, esas secciones se pueden alargar un poco más de la cuenta al tener que intentarlo unas cuantas veces (no hay tiempos de carga si morimos, volvemos a la acción muy rápido).

No obstante, no exagero si digo que desde el punto de vista de diseño, Hazelight ha pensado en todo. Si uno de los dos jugadores muere, en la mayoría de los casos, se activará un minijuego machacabotones para volver a la partida, en el que debemos completar el contorno de un hexágono. Si lo hace antes de que el compañero muera, volverá a la partida y la acción seguirá como si nada. 

Si ambos jugadores mueren a la vez, regresaremos al último checkpoint, y la buena noticia es que son muy abundantes y frecuentes, evitando así tener que repetir largas secciones. Incluso los jefes finales tienen checkpoints, y si le has quitado la mitad de la barra de vida, probablemente reaparezcas cuando le quitaste el primer tercio.

Pero ojo, que si eres un true manco gamer, o tu compañero de fatigas es malo hasta decir basta, o proclive a la frustración, hasta en estos casos Hazelight ha pensado y, en las opciones de accesibilidad, podrás saltarte directamente el trozo que te frustra para seguir avanzando en la historia. Vamos, que no es un juego diseñado para dejar atrapado a nadie. Y eso es bueno...

¿Cuánto dura Split Fiction? ¿Es un juego largo?

Split Fiction puede durar unas 15-16 horas fácilmente en una primera partida, sin verlo absolutamente todo. Aunque, al igual que al hablar de la dificultad, dependerá mucho de la habilidad de los dos jugadores. Si jugando en tándem sois unos máquinas, puede que os dure un poco menos, las 14 horas. Si sois unos mantas, puede que se alargue un poco más.

Además, en cualquier momento puedes acceder al listado de capítulos y secciones desbloqueadas y cargar cualquier zona que hayas superado antes para encontrar las subtramas que te hayas saltado (el propio juego te indica incluso en que zona está) o ir a la caza de trofeos y logros (muchos por realizar acciones concretas).

Como en It Takes Two, no hay coleccionables como tal, si hay algunas tareas extra, como localizar todos los bancos donde ambas protagonistas pueden sentarse a la vez y tener conversaciones únicas entre los dos personajes.

También hay objetos con interacciones únicas, desde balancines a radiocasettes o piedras que podemos tirar a un lago, y que también pueden ofrecernos momentos únicos. Si te dedicas a encontrar y probar todas estas cosas, puedes sacar a Split Fiction más de 20 horas de juego.

Apartado técnico de Split Fiction

Al principio ya adelanté que Split Fiction no llega a las consolas de la anterior generación ni Nintendo Switch (quien sabe si lo veremos más adelante en Nintendo Switch 2), y tiene una razón de ser. El juego ha subido de nivel no solo en la parcela jugable, también en la audiovisual.

Para empezar, en PS5 y Xbox Series X|S se mueve a resolución 4K dinámica y 60 fps (en Xbox Series S baja a 1080p y 60 fps), y lo cierto es que está bastante optimizado. No he encontrado petardeos o caídas de frames y si la resolución baja, no lo he apreciado, ni es de manera brusca: no vas a notar artefactos, ruido o zonas con caídas bestiales de resolución. El juego está muy pulido. Y se nota.

Se nota en los efectos visuales, en el poderío visual de algunos de sus momentos de acción, en el modelado de los personajes (aunque la expresividad y las animaciones faciales no estén al mismo nivel), la variedad de entornos y situaciones, el diseño de los jefes... y por supuesto,de las subtramas. 

Algunas rompen por completo con la línea visual general del juego, y lo cierto es que el truco funciona a las mil maravillas, tanto para descolocar como para sorprender. 

Todo esto teniendo claro que no es una superproducción al estilo GTA 6, y que lo que vas a encontrar está a caballo entre una producción AA y un AAA, aunque, insisto, algunos momentos son espectaculares y muy poderosos a nivel visual.

Para terminar, está la parcela sonora, donde destaca el profesional doblaje al castellano disponible de lanzamiento (en It Takes Two llegó más tarde, via actualización), con voces muy conocidas como la de Sara Heras (Aimee Gibbs en Sex Education, la voz de Galinda/Ariana Grande en Wicked...).

El resto, efectos y música, aunque están a buen nivel, no logran tapar al doblaje. Los temas acompañan bien a la acción (y a los momentos emotivos cuando tocan), pero no hay ningún tema que sobresalga y te haga decir "oh, que bueno". Los efectos cumplen y casan con la acción y situaciones.

Precio, plataformas y ediciones de Split Fiction

Split Fiction se lanza a un precio de 49,99 euros en todas las plataformas, es decir, PS5, PC y Xbox Series X|S. No hay ediciones Deluxe con contenido adicional, ni extras, ni nada parecido.

En cuanto a los amantes del formato físico, PS5 y Xbox Series X|S también tienen edición física, que en teoría cuesta lo mismo, aunque GAME la tiene en estos momentos por 41,99 euros en la web.

La opinión de HobbyConsolas de Split Fiction

No esperaba nada de Split Fiction, y como It Takes Two, me ha terminado encantando. No reinventa la rueda, ni revoluciona la fórmula de sus anteriores juegos, solo la hipervitamina con un desarrollo más variado, con más mecánicas únicas, más acción y más espectáculo. La filosofía de las grandes secuelas, vaya.

Y eso lo consigue Hazelight, de nuevo, explotando un nicho en el que son los amos y señores, en donde no tienen competencia: los juegos exclusivamente cooperativos. Habla muy bien del estudio que, sin competencia real, hayan culminado un juego superior. No hay nada como Split Fiction, más allá de It Takes Two, y lejos de coger la ruta fácil, no solo han ido a por el "más", también el "mejor".

Que tampoco te engañen sus tráileres, o la comicidad de lo que puedas haber visto en ellos. Claro que es un juego con el que te vas a tronchar, pero tiene poderosos mensajes, y mucho más serios, relacionados con el comportamiento humano y cómo encaramos las dificultades, y cómo las relaciones de amistad sanas y verdaderas pueden ayudarnos en la vida.

Un mensaje que, paradójicamente, puede chocar con la filosofía cooperativa del juego, y del estudio en general. Sí, porque la gran "debilidad" de Split Fiction, que a la vez, es también su mayor rasgo diferenciador, sigue estando en que necesitas de otro jugador para disfrutar de la aventura.

El problema surge si no tienes a un amigo (que triste suena, ¿verdad?), pareja o familiar a mano con quien jugarlo, porque es realmente donde despliega todo su poderío. No me veo disfrutando del juego de la misma manera con un desconocido... pero quizá sea algo exclusivamente mío.

Ante un 2025 que todavía está repleto de incógnitas e incertidumbres, empezando por el lanzamiento de GTA 6 o los primeros juegos de Nintendo Switch 2, y de lanzamientos importantes por confirmar fecha, no sé si Split Fiction logrará colarse entre los candidatos al GOTY de 2025. Pero, desde luego, calidad jugable no le falta.

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Aardman regresaba a sus personajes de plastilina más icónicos en Wallace y Gromit: La venganza se sirve con plumas de Netflix para devolvernos a ese humor más slapstick que triunfaba en sus primeros trabajos, pero poco puede hacer ante el ingenio de Adam Elliot.

El mejor stop motion de 2024

El director de Mary and Max (2009) ha regresado más de una década después con una película de animación en stop motion tan emotiva como su predecesora, pero aún más pulida en el apartado técnico, tras ocho años de trabajo.

De nuevo, ignora cualquier ayuda que pueda proporcionar el CGI para que todo lo visto en pantalla sea artesanal, incluso el fuego o el humo. Aunque, ahora, en vez de apostar por el blanco y negro recurre a los tonos marrones en consonancia con su historia.

En ella vemos el crecimiento de una amante de los caracoles, desde que es una niña hasta que se convierte en mujer, atravesamos todos los sufrimientos a los que se enfrenta a lo largo de su vida. 

Adam Elliot fuerza la narrativa para recrearse en las situaciones dramáticas más extremas, acompañado por unas figuras grotescas con grandes rasgos que acentúan esa expresividad tan necesaria en la animación.

Memorias de un caracol es una cinta muy barroca acorde con el síndrome de Diógenes de su protagonista y el afán coleccionista del cineasta. Desde sus créditos iniciales llama la atención por estar abarrotada de detalles en todas las figuras, en los fondos. 

Es ese tipo de largometraje que necesitas ver varias veces para extraer de él todo lo que tiene que decirte, no sólo a nivel visual, también en cuanto a su mensaje. Por ello creo que es una de las apuestas más potentes del año en los Óscar, pero no es la única.  

Un nuevo camino en la animación por GCI

Si bien Pixar suele ser el ojito derecho de los premios y Ansiedad nos enamoró desde que vimos las primeras imágenes de Del revés 2, pocas ideas propias tiene que ofrecer la película frente a su primera entrega. 

DreamWorks, en cambio, apuesta por un concepto más original con su Robot salvaje, una de las películas más aplaudidas del año por tratarse de una emotiva fábula sobre la maternidad en la que se rescataba ese estilo artístico que ya vimos explorar en El Gato con Botas: el último deseo (2022).

Sin embargo, ninguna de las dos propuestas pueden medirse con Flow, un mundo que salvar. Flow es imperfecta en su animación, e incluso en el retrato de sus protagonistas, pero hay algo que la hace especial, en cómo resuelve sus problemas, en cómo ha sido llevada a cabo. 

Gints Zilbalodis ha realizado una película que podría marcar el futuro del desarrollo de largometrajes animados en el cine, dando ejemplo con su último largometraje, que por fin ha logrado acaparar todas las miradas a nivel internacional.

Mientras que Del revés 2 y Robot salvaje se han creado en grandes compañías, con presupuestos millonarios -200 millones de dólares en el caso de la primera y 80 en el de la segunda-, Flow ha sido confeccionada con apenas 3,5 millones, en un estudio muy pequeño, con muy poca gente involucrada.

Esto ha sido en gran parte posible gracias a Blender, un sofware de animación en 3D de uso libre con el que se ha desarrollado la película de principio a fin. Y con eso me refiero a que el proyecto ni siquiera ha contado con storyboards. 

Se ha saltado ese paso y directamente se ha construido una animática en el propio Blender, en la que ya se tienen en cuenta las posiciones de los personajes, las cámaras y todos los movimientos, aunque de forma más esquemática. 

La animática suele usarse como referencia, Flow en cambio la emplea como base para luego trabajar sobre ella en el resultado final. Y así ocurre con el resto del metraje, que nunca sale de este programa porque es muy versátil y permite ejecutar todos los procesos en él pese a que no se alcance la misma precisión que con otros.

Incluso el renderizado, un procedimiento muy largo con el que se obtienen las imágenes definitivas de la película, se ha hecho a través de un motor de render en tiempo real de Blender sobre el que luego no se ha aplicado ninguna edición posterior en composición.

En definitiva, Gints Zilbalodis ha encontrado la manera de hacer un proyecto de gran envergadura gastando muy pocos recursos, limitándose al uso de un programa, alterando el flujo de trabajo habitual en este tipo de largometrajes y acortando los tiempos de producción.

Con ello nos enseña una lección más importante que cualquiera de las otras películas nominadas de animación por CGI: que existen otras vías igual de válidas y efectivas para hacer cine. 

La madrugada del próximo 3 de marzo podremos comprobar qué película de animación ha sido la que ha logrado despertar un mayor interés para la Academia, aunque para mí estos son mis Óscar de 2025.

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La cifra que manejaba en la noticia, y que se resume a la perfección en el titular, era llamativa: este 2024, por primera vez en la historia, las diez películas que han liderado la taquilla internacional han sido secuelas. 

Supongo que, hasta cierto punto, tiene sentido. Ese “factor nostalgia” del que ya he hablado en otras ocasiones siempre es un gran condicionante, así que el regreso de clásicos como Gladiator o Bitelchús varias décadas después atrae a la gente a las salas. 

Pero también lo hacen las secuelas directas de producciones que se han estrenado hace menos tiempo y que casi están mutando el modo de consumir cine al de una serie, con infinitas continuaciones, como Gru 4. Mi villano favorito o Dune: Parte Dos, que te obligan a regresar cada cierto tiempo a las salas para reencontrarte con esa historia que ya tenías empezada. 

Entonces, es comprensible que triunfen las secuelas, o los productos derivados basados en obras preexistentes, gracias a la confianza que despiertan por su relación previa con el público. 

A falta de pan, buenas son tortas

Yo me creía que estaría por encima de esta tendencia cuando Daniel Quesada nos preguntó por nuestro Top 10 personal del año para hacer el ranking con las mejores películas de 2024 según la redacción de HobbyCine. ¡Cuál fue mi sorpresa al descubrir que estaba equivocada!

Varios de los largometrajes que más me habían gustado en 2024 era, en efecto, los que se englobaban dentro de este grupo, salvo algunas contadas excepciones -doy gracias a que las haya-, como lo nuevo de: Yorgos Lanthimos, Arantxa Echevarría o Studio Ponoc.

Entonces entendí que la noticia no era una mera recolección de datos hecha para llamar la atención sino un reflejo de la auténtica oferta que ha existido este año en la cartelera y que te impide ofrecer un Top más diverso porque esa heterogeneidad no existe. 

Volvamos a los datos: revisando las películas más taquilleras del año en Box Office Mojo, no es hasta que llegamos al puesto 22 cuando nos topamos con una producción por completo original, que no se base en ninguna otra obra ni continúe ningún legado: la cinta Amigos imaginarios de John Krasinski.

Por debajo de Amigos imaginarios nos continuamos encontrando con propiedades intelectuales preexistentes que conviven con un cine original, en producciones como: Red One, Beekeeper: El protector, Longlegs o Civil War, ya llegando al puesto 31. 

Eso sí, hasta este punto ninguna de estas cintas consigue alcanzar el notable en Filmaffinity. Por tanto, aunque existan algunas opciones que se salgan de la media entre las 30 películas más taquilleras de 2024, no han logrado conquistar a las masas. 

La historia se repite, y se repite, y se repite

Charlando el otro día con un periodista amigo mío, llegamos a la conclusión de que no puede faltar demasiado para que haya una saturación del mercado, algo así como la fatiga sufrida por el cine superheróico sólo que ahora extrapolada al resto de géneros.

Nos la han estado colando demasiado tiempo, pero el público -y yo- ya se debe estar cansando de que las únicas opciones destacables en taquilla sean refritos. Aunque no sólo el público, seguro que cineastas que han estado realizando proyectos de este corte también tienen ganas de explorar otras vías en sus carreras. 

No te puedo decir cuál va a ser la solución ni en qué momento va a explotar esta burbuja, lo único que está claro es que tiene que hacerlo en algún punto porque estamos viviendo una temporada de estancamiento severo.

Quizá la salvación podría venir de la mano de producciones más independientes y personales que capten la atención de la audiencia hacia una nueva dirección y se acaben imponiendo sobre la enésima precuela del remake en live action -no es un chiste, se llama Mufasa-. 

Aunque, por lo pronto, parece que no va a ocurrir. Tal y como ya pasó en 2023, en el que secuelas y remakes como: Joker: Folie à Deux, Furiosa: de la saga Mad Max o Chicas malas se colocaban como las películas más esperadas de 2024, 2025 no será diferente. El año que viene lo más esperado vuelve a carecer de identidad: 

Con James Cameron devolviéndonos a Pandora en Avatar: Fire and Ash, con DreamWorks copiando el modelo Disney con la versión en imagen real de Cómo entrenar a tu dragón o con Gareth Edwards negándose a dejar descansar al universo creado por Michael Crichton con Jurassic World: El Renacer, por poner tan sólo algunos ejemplos. 

Visto en perspectiva y sabiendo lo que nos depara 2025, aquello de “por primera vez en la historia, los 10 estrenos más taquilleros del año son secuelas” está claro que era más una amenaza que un acontecimiento aislado. 

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Suelo ojear los catálogos de juguetes de tiendas como El Corte Inglés, y tiendo a irme a las últimas páginas, las de tecnología, películas o videojuegos, para ver cómo se presentan las últimas novedades. 

Este año todavía no ha caído en mis manos ninguna revista física, así que he decidido echar un vistazo a su versión online y me he encontrado con algo sorprendente: no hay una sección dedicada al cine.

Me ha parecido tan extraño que he revisado varias veces todos los apartados y, si bien están las de libros y videojuegos, entre el resto de opciones habituales -como: puzles, disfraces o peluches-, las películas no existen, o al menos no cuentan con una sección propia y destacada. 

Queridos Reyes Magos

Esta curiosa ausencia no se debe a la falta de estrenos, ya que en las últimas semanas se han lanzado en formato físico películas de corte familiar perfectas para un catálogo de juguetes como podrían ser: Bitelchús Bitelchús, Transformers One o Gru 4. Mi villano favorito. 

Eso sin contar con que también está a la venta desde hace algunos meses el largometraje más taquillero del año: Del revés 2 (Inside Out 2) de Pixar, una candidata ideal para colarse en las cartas de regalos infantiles de todo el país.

La cuestión no es que exista una carencia de oferta en físico que te frene a querer una película, al contrario, lo más mainstream, lo más novedoso, lo más habitual que suele pedirse por Navidad, nunca falta en las plataformas de streaming. Y ahí radica el inconveniente. 

No es sólo que puedas tener acceso a muchas de esas cintas de forma gratuita siempre que tengas una suscripción a ciertos servicios sino que, además, muchas veces incluso llegarán antes al formato digital que al físico. 

Por ejemplo, Bitelchús Bitelchús lleva en Max desde el pasado 6 de diciembre y no se ha lanzado en Blu-ray hasta el día 13. ¿Qué sentido tiene, pues, pedirse una película por Navidad que ya tienes disponible de forma ilimitada desde hace tiempo? 

Casi tendría más lógica añadir una tarjeta de prepago a Disney Plus en tu carta de Reyes antes que la nueva película de Del Revés, que en Blu-ray cuesta casi 20€ mientras que una suscripción de un mes a Disney sale por menos de 15€ y, a cambio, te ofrece cientos de película y series más en lugar de una sola producción.

Este año toca carbón

El único aliciente que queda es el factor coleccionismo, de querer poseer esa película que tanto te ha gustado y que sería todavía mejor tener en una edición especial, con una caja más elaborada, con más contenido adicional en el disco, e incluso algo de merchandising.

Con el cine aún es fácil apostar por un regalo así, pero las series presentan una complicación añadida: muchas de las producciones que más te gustan ni siquiera están completas, o quizá las cancelen por el camino.

Por lo que esa edición definitiva que contenga todas las temporadas en un sólo pack no sólo no está en el mercado estas Navidades, tal vez tengas que esperar varios años para hacerte con ella. 

Quizá podrías comprarte la segunda temporada de Juego de Tronos: La Casa del Dragón si ya adquiriste la primera, pero si todavía no te has hecho con ninguna de ellas lo más seguro es que prefieras esperar a que se lance un pack con todas las que estén por venir en un futuro lejano, en tanto que te sigues haciendo tus maratones de la serie en Max.

En una encuesta que lanzamos desde HobbyCine en mayo de este año, os preguntábamos por vuestros hábitos de consumo, y la inmensa mayoría de la gente que respondió a ella aseguraba no comprar nunca en formato físico, reflejado en un 57%, y las personas más generosas, un 18%, tan sólo compraban cine en físico una vez al año. 

Dejando los porcentajes restantes a quienes de verdad lo hacían con más asiduidad: o bien todos los meses, o con una frecuencia variable en diferentes momentos a lo largo del año.

Está claro que el interés general del público no se encuentra alineado con el formato doméstico, una tendencia que no debería variar demasiado en estas fechas y que parece que seguirá yendo al alza en las próximas Navidades. 

En mi caso, ya he visto todas las producciones que quería ver y no siento la necesidad de tenerlas en disco, y las que no he visto todavía es porque nunca han llegado a España y posiblemente nunca lo hagan. Por eso los Reyes Magos llevan tanto tiempo extrañados leyendo mis cartas sin encontrar una  sola mención al cine o las series, pese a que tanto me gusten.

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La saga Mario & Luigi nació en los circuitos de GBA con aquel inolvidable Superstar Saga. Y tras varias entregas para Nintendo DS y 3DS, sus responsables, AlphaDream, se vieron obligados a echar el cierre. Por suerte, Acquire, el estudio japonés responsable de ambos Octopath Traveler, ha tomado el timón de la saga en esta nueva entrega.

Y lo mejor de todo es que entre su tripulación se encuentran algunos de los miembros del equipo original, lo que garantiza que pese a estar desarrollado por otro estudio, Mario & Luigi: Conexión Fraternal mantenga toda la frescura y el sentido del humor por el que siempre se han caracterizado estos juegos.

El análisis de Mario & Luigi: Conexión Fraternal para Nintendo Switch de HobbyConsolas:

• El gameplay de Mario & Luigi: Conexión Fraternal
• Nivel de dificultad de Mario & Luigi: Conexión Fraternal
• ¿Cuántas horas de juego dura Mario & Luigi: Conexión Fraternal?
• Cuánto cuesta Mario & Luigi: Conexión Fraternal y dónde puedes jugarlo
• La opinión de HobbyConsolas de Mario & Luigi: Conexión Fraternal
• Nota: lo mejor y peor de Mario & Luigi: Conexión Fraternal

Jugabilidad y gameplay de Mario & Luigi: Conexión Fraternal en Nintendo Switch

Era un día como cualquier otro en el Reino Champiñón, cuando de repente Mario y Luigi fueron succionados por un remolino y transportados hasta Concordia, un mundo que ha quedado dividido en un puñado de islas a la deriva. Y los fontaneros, como buenos héroes que son, deciden ponerse manos a la obra para reconectar Concordia y a sus habitantes.

De esta manera, uno de los aspectos más interesantes de Mario & Luigi: Conexión Fraternal es que debemos surcar los mares a bordo de la isla Nao, que es también un barco al que se van enchufando (literalmente) todas las islas que reconectamos. 

Así que en lugar del habitual mundo de RPG, en esta entrega tenemos una serie de islas, todas diferentes tanto en ambientación, como en habitantes o incluso en mecánicas jugables. Si esto fuese un Mario tradicional, cada isla sería el equivalente a un mundo, por lo que la idea es de lo más apropiada y funciona a las mil maravillas dentro del contexto de un RPG.

Porque siempre que visitemos una localización, vamos a toparnos con zonas a las que todavía no podemos acceder, ya sea porque la isla aún no ha sido conectada o porque no contamos con la habilidad necesaria. Y cuando digo habilidad me refiero, como ya sabrán los fans de esta saga, a las acciones tándem.

No quería usar el término metroidvania para hablar de este aspecto, pero es que el juego hace una referencia directa a la saga Metroid con una de las nuevas acciones tándem, así que es inevitable pensar en Samus cuando Mario y Luigi se combinan para formar una (morfo)esfera con la que es posible colarse por huecos estrechos.

Con todo esto, la exploración hace gala de una variedad tremenda; constantemente nos enfrentamos a pruebas, desafíos, puzles, minijuegos e incluso secciones de plataformeo (porque al fin y al cabo esto es un Mario y aquí se viene a saltar). 

Una de las novedades dentro de la exploración son las ideas de Luigi: en determinados puntos, al hermano de Mario se le ocurrirá una forma de superar un bloqueo o resolver una situación. A grandes rasgos, esto se traduce en pulsar el botón L para que Luigi realice una acción contextual, aportando incluso más variedad.

El progreso a través de la historia es bastante lineal, pero hay momentos en los que podemos elegir entre ir primero a una isla o a otra. Además, también hay islotes opcionales y misiones secundarias que nos animan (aún más) a volver a islas ya visitadas, así que hay bastantes opciones para desviarnos de la historia si lo deseamos.

En cuanto a los combates, Mario & Luigi: Conexión Fraternal mantiene el mismo sistema por el que son conocidos estos RPG: combates por turnos en los que no basta con elegir acciones, sino que debemos pulsar los botones en el momento adecuado para causar más daño, evitar los ataques enemigos o incluso contraatacar.

Y como sucede con la exploración, los combates también son tremendamente variados. En primer lugar, porque cada tipo de enemigo cuenta con ataques distintos que nos obligan a prestar mucha atención para reconocer cómo evitarlos.

En segundo lugar, porque los ataques de Mario y Luigi también requieren pulsaciones concretas dependiendo de la acción realizada, especialmente en el caso de los ataques tándem, pues cada una de estas técnicas especiales cuentan con su propio minijuego que debemos superar para ejecutarlas con éxito.

Y en tercer lugar, por una de las novedades de esta entrega: las clavijas. Se trata de artefactos que podemos crear y equipar para obtener diferentes beneficios en combate: causar daño a todos los enemigos, usar objetos automáticamente, dotar de fuego o hielo a los ataques… Hay mucha variedad y, lo mejor de todo, es que al combinar ciertas clavijas se obtienen nuevos efectos más poderosos.

Pero lo interesante de este sistema es que está muy bien pensando en todos los sentidos: las clavijas tienen una serie de usos y, una vez se agotan, entran en un período de recarga que dura unos cuantos turnos. De esta manera, el juego nos invita a probar combinaciones diferentes continuamente o a cambiar las clavijas en mitad del combate para hacer más pupa a los enemigos.

Además, para poder crear clavijas, debemos recoger fulgas, que se encuentran repartidas por todas las islas y actúan como coleccionables. Así que se trata de otro incentivo más para hacer backtracking.

Las ideas de Luigi también salen a relucir durante los combates, concretamente durante los enfrentamientos contra jefes, ofreciéndonos oportunidades para causar grandes cifras de daño si realizamos correctamente lo que propone el hermano de Mario y haciendo que estos combates sean más únicos. 

Como ya habrás notado después de todo esto, el punto fuerte de Mario & Luigi: Conexión Fraternal es la variedad en todos los sentidos. Es imposible aburrirse porque siempre estás haciendo algo nuevo, ya sea al explorar o al combatir. 

Y es un juego que gana mucho con el paso de las horas, porque a medida que progresamos en la historia vamos desbloqueando nuevas mecánicas en todos los frentes. Esto, sin embargo, presenta un problema, y es que durante las primeras horas, al no tener acceso a muchas de estas mecánicas, el juego peca de simpleza.

Te pongo un ejemplo: durante las primeras horas, sólo tenemos acceso a dos ataques tándem. Y por mucho que molen, al final acabas un poco cansado de tener que hacer siempre los dos mismos minijuegos. Insisto en que la cosa mejora mucho al avanzar, pero deberían haber gestionado mejor los primeros compases.

También tengo que reconocer que la historia no me ha terminado de entusiasmar. Está bien; es entretenida, pero no tiene grandes momentos, ni personajes memorables, ni es especialmente efectiva a la hora de mantener nuestro interés por saber qué va a pasar a continuación. 

Y entiendo que esto es un RPG "light" que no aspira a marcarte de por vida con su trama, pero no deja de ser un RPG y si no tienes un buen hilo conductor para acompañar todas esas horas de combates y exploración, al final, lo acabas notando.

Ahora bien, eso no quita que una vez más, y como ya es habitual en los juegos de Nintendo, estemos ante una localización al castellano ejemplar. Al ser un juego donde el sentido del humor es constante, los traductores han aprovechado para colar todo tipo de chistes y juegos de palabras. Especialmente en el caso de Porcopolo, el ayudante de esta entrega, que para naaaaaaada es un cerdo.

Y ya para cerrar este apartado, hay que destacar el trabajo que se ha hecho con la parcela visual. Es evidente que estamos ante un juego sencillo desde un punto de vista gráfico, pero es asombroso cómo han conseguido trasladar el estilo de las entregas de GBA y Nintendo DS a las tres dimensiones.

Porque no nos engañemos: esos píxeles tenían una personalidad tremenda y aquí han conseguido replicarlo haciendo un trabajazo con las animaciones de Mario y Luigi. Las espectaculares secuencias de los ataques tándem, los gestos que realizan cuando padecen algún estado alterado, los bailes al terminar las batallas… Están cuidadas al máximo y derrochan personalidad.

¿Es difícil Mario & Luigi: Conexión Fraternal?

Dado que estamos ante un juego de rol, la dificultad de Mario & Luigi: Conexión Fraternal depende de un gran número de factores: el nivel de los hermanos, los objetos equipados, las clavijas en uso… Y como el sistema de combate depende en gran medida de pulsar los botones en el momento adecuado, la habilidad a los mandos también es muy importante. 

No hay diferentes niveles de dificultad, pero si llevas buen nivel y buen equipo, no deberías tener ningún problema para superar la mayoría de desafíos que plantea la aventura. De hecho, hay unos personajes en Isla Nao que nos señalan si tenemos el nivel, el equipo y las clavijas adecuadas para el punto de la historia en el que nos encontramos.

Ahora bien, también me he topado con algún pico de dificultad aun estando por encima de lo recomendado. Más concretamente, en una misma isla se han juntado varios enemigos con ataques que pegan muy fuerte y son difíciles de leer, lo que me ha obligado a tirar de objetos curativos para salir adelante. Pero no es lo habitual.

¿Cuántas horas dura la historia de Mario & Luigi: Conexión Fraternal?

Aun tratándose de un RPG "light", Mario & Luigi: Conexión Fraternal ofrece una duración considerable. Calculo que si te centras en la historia, puede rondar las 25 o 30 horas. 

En mi caso, he jugado intentando completar todas las misiones secundarias (ojo, hay algunas que tienen tiempo limitado), recogiendo todas las fulgas, buscando todos los peñones y visitando todos los islotes, y el marcador supera las 40 horas de duración.

Precio y plataformas disponibles

Mario & Luigi: Conexión Fraternal se lanza el 7 de noviembre de 2024 para Nintendo Switch, tanto en formato físico como digital, a un precio de 59,99€.

Súbete al barco, bro

Mario & Luigi: Conexión Fraternal es todo lo que cualquier fan de los RPG protagonizados por los fontaneros podría desear: una aventura colorida, con mucho sentido del humor y una variedad de mecánicas jugables que es una fantasía. La verdad es que no se me ocurre una mejor forma de regresar, especialmente para una subsaga que parecía condenada a desaparecer. 

Me gustaría que la historia me hubiese gustado más, valga la redundancia, y creo que tiene algunos problemas de ritmo durante las primeras horas. Pero quitando eso, se trata de una aventura muy disfrutable que mantiene intacto el espíritu de las mejores entregas y añade nuevas ideas muy interesantes, como las clavijas.

En definitiva: si estás buscando un juego de rol que no sea ni demasiado excesivo, ni demasiado complejo, pero no por ello menos divertido, aquí tienes una aventura con la que te aseguro que vas a... conectar.

Es decir: capítulos cortos que no solían superar la media hora, historias autoconclusivas que se desarrollaban dentro de un marco más grande, y una limitada variedad de escenarios y de personajes principales. 

La producción de una comedia de situación era económica y ágil en términos generales. Lo habitual era grabar en estudio y en multicámara, con varias cámaras captando la acción sin florituras al mismo tiempo, sobre un decorado ya establecido, así que por cada toma grabada ya se tenían todos los planos necesarios para utilizar en el montaje final. 

Como su filosofía se basaba en la simpleza, tampoco había que gastar muchos recursos en la edición. Podía haber público en directo que aportara las risas o los llantos al instante -algo que también ayudaba a generar un vínculo previo con la audiencia-, o introducirse más adelante en postproducción.

Luego, este producto terminado se estrenaba en una televisión que ya no es que fuera anterior al streaming, sino a la TDT, por lo que tampoco existía demasiada oferta ni competencia. Las sitcoms, que trataban temas cotidianos y eran de consumo tan fácil como de realización, triunfaron en los 80, en los 90.

Las sitcoms han sido devoradas por las nuevas narrativas

No se llegaron a extinguir, pero sí a perder la repercusión que ostentaban entonces, al existir muchas más opciones en la parrilla posterior con producciones más elaboradas en las que se sustituyó en muchos casos la cantidad por la calidad.

Las sitcoms podían ser inabarcables si no las seguías al día, con decenas o cientos de episodios emitidos con una apresurada cadencia anual. No es que el público de ahora haya dejado de querer series largas, pero prefiere diversificar.

Eso se traduce en los universos cinematográficos, una moda que no es exclusiva de Marvel sino que se está adoptando en casi todas las producciones populares. “¿Te gusta esta serie? Bien, pues aquí te pongo otras tres”.

Imagina por ejemplo Juego de Tronos, un bombazo de Max, que tuvo sus ocho temporadas pero que tras su final ha lanzado una precuela -La Casa del Dragón-, a la que sumará otro spin-off -El caballero de los Siete Reinos: El caballero errante-, y unos cuantos más que ni siquiera sabemos si verán la luz algún día.

Así que no es una cuestión de cantidad, ni siquiera de que la gente prefiera ver dragones ahora -aunque eso siempre ayuda-. Para mí, el mayor problema al que se enfrentan las comedias de situación es al de la falta de originalidad. 

Ya no vale con tener cinco cámaras grabando desde diferentes ángulos en los repetitivos escenarios de siempre, el público demanda algo más, un ritmo narrativo y visual que no te lo puede dar la fórmula tradicional de una sitcom.

Creo que por eso Bruja Escarlata y Visión llamó tanto la atención en su momento y se llevó tan buenas críticas cuando se estrenó en Disney Plus, porque parodiaba a la perfección la evolución del género a lo largo de todas sus décadas, aunque añadiéndole un pequeño giro a sus dinámicas y humor para que tuviera sentido su visionado en nuestros tiempos. 

La comedia no ha muerto ni lo hará, pero sí ha mutado a otras formas de expresión que pueden recordar a esas clásicas sitcoms mientras se siguen esforzando por mantener un formato más dinámico, en casos como por ejemplo: Fleabag, Lo que hacemos en las sombras o Ted lasso, que rompen con el modelo sitcom manteniendo elementos familiares a él.

Y esa sensación que te producían de verosimilitud todavía la puedes ver en el auge de los realities, donde cada vez encuentras más variedad de temáticas, al tiempo que resultan aún más económicos de producir que una comedia de situación favoreciendo a su desarrollo en masa. 

La era de Friends, de Frasier, incluso de The Big Bang Theory y Modern Family ha terminado, pero no es un final definitivo para las sitcoms, aunque sí es momento de que se pongan las pilas. 

Este mismo año se estrenan comedias de situación como el spin-off Georgie and Mandy's First Marriage, y el reboot de Frasier sigue captando miradas, pero ahora tienen mucha más competencia, contra otras comedias, contra dragones, y necesitan estar a la altura.

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Gustó al protagonizar cintas como Algunos hombres buenos (1992) de Rob Reiner junto con Tom Cruise o Ghost. Más allá del amor (1990) de Jerry Zucker junto con Patrick Swayze, por la que estuvo nominada por primera vez a los Globos de Oro.

Sin embargo, apenas ha ganado ningún galardón, salvo cuatro relucientes Golden Raspberry, más conocidos como los Razzies, en los que se premiaban sus malas actuaciones en cintas como La teniente O'Neil (1997) de Ridley Scott o Striptease (1996) de Andrew Bergman.

Convertida en un estereotipo de mujer atractiva en el cine, ella entre muchas otras dejó de recibir propuestas que estuvieran a la altura de sus habilidades interpretativas y han tenido que pasar varias décadas para que su nombre vuelva a ser recordado.

Otras actrices que también han sido menospreciadas como Demi Moore

La belleza nunca ha dejado de ser un arma de doble filo en Hollywood, por lo que muchas actrices que han triunfado convertidas en iconos de la sensualidad en la gran pantalla han pasado desapercibidas por el auténtico trabajo que estaban haciendo en ella.

Por eso apenas se recuerda a Sharon Stone apartada de Instinto Básico (1992) y su cruce de piernas ante la babeante mirada de Wayne Knight, aunque el óscar se lo llevara por actuar en Casino (1995) de Martin Scorsese.

Kim Basinger siempre ha estado asociada al erotismo, desde largometrajes en imagen real como L. A. Confidential (1986) hasta cuando dio el salto a la animación convertida en Un rubia entre dos mundos para Cool World (1992), pasando por el mundo superheróico con Batman (1989), dejando patente su capacidad para adaptarse a todo tipo de géneros pero sin poder separase de ese sello. 

Es todavía más hiriente si cabe el caso de Kathleen Turner, considerada una auténtica sex symbol durante los años 80 gracias a largometrajes como Tras el corazón verde (1984) de Robert Zemeckis o Peggy Sue se casó (1986) de Francis Ford Coppola, que acabó estancada en un mismo tipo de roles…

Hasta que su artritis reumatoidea empezó a aflorar en los 90 y la medicación le hizo aumentar de peso, provocando que sus oportunidades laborales se desplomaron junto con su salud, haciéndole muy difícil seguir siendo un personaje notable en la industria y obtener papeles acordes a sus dotes frente a la cámara. 

Actrices españolas como Mariona Terés me han contado que la gordofobia sigue siendo un grave problema en el cine español en concreto, y que si no está especificada la gordura en el guion nadie se imagina que una actriz gorda pueda optar al papel: “Muchas de las pruebas que hago, es para hacer de gorda, y luego me ven y me dicen: “Uy, no estás tan gorda””.

Infravaloradas por la belleza o por la falta de ella, por el cambio físico o la vejez, las actrices en muchas ocasiones necesitan estar un paso por delante para que las tomen en serio, y ni siquiera se han librado de la subestimación estrellas de la talla de Angelina Jolie.

Transformada en la eterna Lara Croft que en los últimos años ha dejado más de lado la interpretación para centrarse en la dirección o producción de largometrajes que le permiten tener un mayor control creativo sobre sus obras y nuevas oportunidades laborales.

Me acuerdo de una entrevista que le hice a Belén Rueda este año en la que me hablaba precisamente sobre eso: a medida que se hacen mayores reciben menos ofertas laborales, y en Estados Unidos se vuelve muy común que las actrices acaben por empezar a producir sus propios proyectos. 

En España, en cambio, no existe el mismo panorama, me explicaba Belén Rueda: “Hay muchas veces que a mí me han llegado a decir: "Bueno, ya tienes una experiencia, ¿por qué no produces tú como hacen las americanas?" Digo: "Pues porque no gano lo que las americanas, amiga"”.

La sustancia de Coralie Fargeat, ha sido uno de los estrenos de terror más potentes de la temporada, que se ha llevado críticas excelentes, y gran parte de su éxito se lo debe a la actuación de Demi Moore, quien explora a través de su personaje experiencias equiparables a las que relato aquí. 

Con esta película, Moore ha seguido demostrando su capacidad para amoldarse a cualquier tipo de papel, haciendo que se convierta en el ejemplo perfecto para ilustrar cómo al ofrecer oportunidades a intérpretes que de verdad tienen talento, el producto final puede convertirse en una joya. Pero para eso primero hace falta tener confianza en ellas. 

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Pero en los campos de fútbol, Luis Aragonés se metía en un follón: después de sustituir a Samuel Eto'o en un partido del RCD Mallorca, respondió a los aspavientos del camerunés agarrándolo del pecho y zarandeándolo para meterlo en vereda.

Fue la primera; luego vino la arenga a Reyes sobre Henry que sólo buscaba motivarlo, las acusaciones de racismo y las declaraciones del Sabio de Hortaleza que decía que sus mejores amigos "son dos personas de color, negros, vamos". Y desde entonces hasta hoy no han faltado, para desgracia del fútbol y de la sociedad, nuevas polémicas en torno al racismo en los campos.

Tanto que en el cierre de la temporada en la Ligue 1, la estrella francesa de origen africano Fodé Thiam pega un cabezazo a su entrenador al grito de "sucio toubab", un apelativo despectivo hacia los blancos.

Nadie sabe qué ha pasado, pero las redes empiezan a arder. El club de Thiam tiene una crisis monumental con su jugador franquicia, Francia está más polarizada que nunca en medio de un debate racista encolerizado y, mientras tanto, una empresa de comunicación tiene que salvar el pellejo de todos los implicados, reducir daños... y hasta frenar una guerra civil.

Estos dos últimos párrafos, por suerte, son pura ficción. Es la sinopsis de La Fiebre (La Fiévre), una joya oculta en el catálogo de Movistar Plus+ que firma Eric Benzekri, creador del también impecable drama político Barón Negro (Baron Noir, 2016), con Nina Meurisse, Ana Girardot, Alassane Diong y Benjamin Biolay como protagonistas de los seis episodios de la serie.

Lo más probable es que no te suene ni uno solo de estos nombres. Puede que tampoco conozcas a su creador, ni qué decir de su productora. Esa es una de las razones por las que La Fiebre ha caído enterrada en el catálogo de contenidos disponibles en Movistar Plus... casi esperando a ser encontrada por arqueólogos del streaming.

Vale, sé que suena demasiado rimbombante. Arqueólogos, dice. No por ello menos alejado de esta realidad que vivimos y que tropieza con la otra razón de su ignominia: la de las decenas de estrenos semanales entre incontables plataformas para las que nos faltan falanges en cada mano con las que contarlas. Y tras el bombardeo de contenidos, surgen brotes verdes que hay que desenterrar.

La Fiebre trabaja en varios planos del drama social y lo borda en todos ellos. Sin despilfarros ni alardes grandilocuentes; es tan precisa y redonda como una receta de pastelería de horno de pueblo. De esas que te hechizan con su olor desde la calle, ejecutada con el detalle de un orfebre, pero, a la vez, tan humilde como sus ingredientes y las manos que le dan forma.

Ahora es mi turno para ser tu flautista de Hamelín y convencerte para que, cuando hayas visto el puñado de estrenos obligatorios sobre los que tus amigos te pasarán lista en el fin de semana, des una oportunidad a una pequeña serie francesa sobre la que tú —o eso espero— continúes esta melodía de recomendación.

¿La mejor serie política del año?

Fútbol. Racismo. Polarización. Es el viejo truco de la teletienda; si he conseguido robar tu atención, eso que tenemos ganado. Sobre estos temas principales pivota La Fiebre; a rabiosa actualidad no le ganan. Y visto lo visto, da igual cuándo leas esto.

Pero el fútbol es sólo una excusa. La misma que usan los fanáticos para la violencia y de la que se alimentan los más espabilados, jugando su propio partido de egos y poder. Una guerra mediática que enfrenta al país entre posturas sociales y políticas, con la sombra de la extrema derecha ganando terreno a través de la desinformación.

En este campo las líderes son dos mujeres: Sam Berger (Nina Meurisse), trabajadora de la empresa de comunicación que debe salvar al club, y Marie Kinsky (Ana Girardot), una instigadora e influencer política que instrumentaliza el acontecimiento del cabezazo para prender la mecha de una guerra civil.

Dos discursos enfrentados en la visceralidad con un detonante tan sencillo como una pelea en el fútbol, pero que esconde un entramado extremadamente complejo cuyas raíces llegan mucho más allá de la primera frontera política y racial; la familia, el poder, la fama, el dinero y, en última instancia, aunque en primer plano, la soberbia identitaria.

Aún con toda la complejidad de estos temas, la serie consigue llevar un ritmo imparable sin dejar de lado a sus personajes, siendo sus pasados una parte fundamental sobre la que se asienta el conflicto.

Junto a ellos también reflexionaremos sobre la adicción al trabajo, las obsesiones personales y nuestra irrefrenable necesidad de encontrar significado a lo que hacemos y a quiénes somos. Sam se verá sumergida en una crisis interna que sólo es el reflejo de la misma sociedad que es incapaz de comprenderse a sí misma.

Lo mismo pasa con Fodé Thiam y el papel de los jugadores de fútbol —y de tantas figuras de influencia, en definitiva— en los discursos de odio y en su posicionamiento. Su personaje sufrirá las consecuencias de posicionarse, pero también las de evitar el conflicto. La espada en el pecho, la pared detrás y la decisión supeditada a la tensión absoluta. Otro espejo más.

Puede que estás pensando: "Viendo la profundidad temática de La Fiebre, tiene que ser una turra de campeonato". Y yo estoy encantado de poder negarlo. Su desarrollo es sesudo, sí, pero estructuralmente excepcional. Consigue explicar conceptos sociales y políticos complejos de forma sencilla y, aquí está la clave, adictiva.

Es una de esas series que vas a tener que maratonear. Es moderna, afilada e inteligente a rabiar, y cada episodio da un paso más en la escalada de violencia verbal y física que, paradójica y estremecedoramente, tiene poco de descabellado.

Junto a Sam y Marie, veremos cómo las redes sociales son utilizadas por todos como cámaras salvajes de eco que retroalimentan ideas falsas, medios de comunicación agazapados como aves de rapiña que han olido la sangre y políticos que sólo levantarán la vista si pueden apuntarse un tanto.

Viendo quién es su creador, la sorpresa llega al final: la primera temporada de La Fiebre cierra con uno de los mejores cliffhangers del año. Vamos, que pone la guinda a un pastel difícil de superar.

La Fiebre no podría ser más oportuna. No sólo por los casos de racismo en el fútbol y las últimas polémicas en los estadios, sino por la polarización que golpea a Occidente y que ha convertido las Cortes Generales de sus países en un bochornoso espectáculo al servicio del fanatismo y el morbo.

La espiral de violencia sigue escalando al ritmo de la desinformación, convirtiendo cada atisbo de información en una guerra ideológica que esta serie francesa consigue retratar desde sus entrañas, más en una Francia que este mismo año ha declarado el estado de emergencia por disturbios.

La arena de ese coliseo de gladiadores al que nos lanzan nos ciega a nosotros. Los mismos que transportamos los discursos de odio con los que somos manipulados consciente e inconscientemente. Porque da igual la verdad; lo importante, en un maquiavelismo despiadado, es el fin. El de los objetivos y el del remate a la sociedad.

El alzamiento de Sauron como máximo villano de la Tierra Media al manipular a Celebrimbor para fabricar los anillos con los que conseguirá tener a todos los pueblos a su merced inclina la serie hacia una trama mucho más tenebrosa, pero su equipo artístico también ha querido que ese carácter sombrío se extienda a la imagen.

Cuando se llevó a cabo el preestreno de la última temporada de Los Anillos de Poder en los Cines Callao de Madrid, tuve la oportunidad de ver en pantalla grande sus dos primeros episodios unos días antes de que llegaran a Amazon Prime Video, y me rondaron dos pensamientos.

El primero fue que la serie se veía genial con esas dimensiones, que los efectos especiales lucían mucho mejor en una pantalla de cine que en una televisión. El segundo fue que era demasiado oscura, algo que podía asumirse en una sala gigante con todas las luces apagadas y buena calidad de imagen, ¿pero iba a funcionar eso en la tele?

Mis sospechas y temores se confirmaron poco tiempo después, cuando ya no me quedó más remedio que seguir viendo la serie desde una pantalla cualquiera, aunque decir “viendo” es demasiado generoso para una producción que es negra el 80 por ciento del tiempo. 

El Señor de los Anillos: Los Anillos de Poder tiene secuencias completas que son imposibles de ver en unas condiciones lumínicas medias. Si quieres ponerte con ella por la mañana: mal porque el sol apenas te dejará intuir lo que ocurre, y si lo quieres hacer por la noche: peor porque la única solución es quedarte totalmente a oscuras, ya que la mínima fuente de luz destroza la imagen.

Lo peor es que estos momentos no son puntuales, ni siquiera están limitados a las escenas nocturnas de la serie. Mientras veía el capítulo cuatro, por citar un ejemplo entre muchos, me sorprendió el encuentro entre Tom Bombadil y El Extraño. 

Ambos personajes comparten una charla en el interior de la casa de Tom, cuando es pleno día, pero el escenario se encuentra sumido en la más absoluta penumbra, tan sólo rota por algunos haces de sol. Y ya no estás “viendo”.

El Señor de los Anillos: Los Anillos de Poder tiene focos pero no se notan

Después de lo criticada que fue la batalla final de Juego de Tronos que tenía lugar en un impenetrable capítulo tres durante su tercera temporada, me sorprende que la industria sigua produciendo contenidos que funcionen tan mal para los formatos a los que están destinados.

Puesto que en rara ocasión vas a ver una serie en un lugar que no sea tu televisor o tu móvil, pantallas para las que nunca conseguirás el ambiente óptimo que te ofrece una sala de cine.

Los Anillos de Poder parece querer demostrar su virtuosismo por utilizar estos entornos, ya que recrear escenas de noche o en condiciones lumínicas así de concretas es mucho más costoso a todos los niveles que hacerlas a mediodía.

En casos como estos, la técnica se vuelve mucho más compleja tanto si grabas una escena en directo como si la realizas por ordenador, ya que necesitarás vigilar con más cuidado los puntos de luz y medir cómo éstos afectan al resto de la imagen, que si dependieras principalmente de una luz ambiente.

Hay producciones que han querido apostar por un acercamiento más romántico a la iluminación nocturna, y prescindir de los focos para utilizar tan solo fuentes de luz naturales, por ejemplo para acercarnos a una noche previa a la existencia de la electricidad con el brillo único de las velas. 

Quizá, usar velas como focos no funcione demasiado bien en pantalla, pero al menos hay una intención clara detrás. En cambio, Los Anillos de Poder tiene focos pero no se notan, y lo único que consigue transmitir con eso es frustración al ponerse límites visuales.  

Porque más allá de ese pretendido realismo, de la búsqueda desesperada de sombras para reflejar el alma corrompida de Sauron, existen muchos recursos cinematográficos que se pueden utilizar para seguir reproduciendo una escena nocturna sin perder información, pero da la impresión de que el equipo de El Señor de los Anillos: Los Anillos de Poder desconoce sus bondades, y es una pena. 

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Si has llegado hasta aquí seguro que estás leyendo estas líneas desde el móvil. Es práctico, una página de noticias se consume rápido, no necesitas prestarle demasiada atención y están diseñadas para que sean cómodas de leer en vertical, con párrafos cortos que te ayuden a seguir la lectura.

Puedes encender el móvil en cualquier lugar y en cualquier momento y ojear un artículo sin muchas complicaciones, mientras vas en el autobús o en el metro, y seguro que has terminado el texto antes de que se anuncie tu parada. Pero no todo se puede consumir con la misma facilidad.

TikTok es el elemento ideal de vídeo para el móvil, con su formato adaptado a la pantalla del dispositivo y su filosofía de clips concisos, e incluso YouTube, que tiende a los vídeos de más de diez minutos, ha encontrado la forma de hacer que sea más atractivo consumirlo desde la palma de tu mano.

Pero estas aplicaciones no han sido las únicas en apreciar y difundir las bondades de la naturaleza de la portabilidad. En cuanto los servicios de streaming se introdujeron con fuerza en nuestras vidas para no irse, llegaron también hasta nuestros smartphones, añadiendo todas las ventajas posibles para incentivar que te esclavices a ellos.

El objetivo de todas, desde HobbyCine hasta Netflix es que permanezcas sin desconectarte. HobbyCine lo hace sugiriéndote nuevos artículos, Netflix nuevas películas o series no bien terminas lo que estés viendo. 

Pero si los servicios de streaming deben limitarse a ofrecerte su contenido cuando estés en casa y tengas un momento de recreo, se están cerrando un mercado. Quieren que sigas ahí, así que te ofrecen la posibilidad de que puedas hacerlo, de que descargues sus apps y que desde ellas continúes disfrutando de lo que estuvieras consumiendo en casa al salir por la puerta.

Ni siquiera hace falta que gastes datos para ello, puedes tener algo de previsión y descargar la producción que tuvieras a medias con wifi para no encontrarte con ningún tipo de limitación más tarde. 

El móvil no te lo puede dar todo

En este momento ver películas en el móvil es más fácil que nunca, y te pueden arreglar un trayecto en metro igual de bien que esta revista, pues cuando pauses lo que estés consumiendo, la plataforma recordará dónde te quedaste y te devolverá al punto exacto cuando vuelvas a entrar. Es perfecto, idílico, si nos quedamos en eso.

Pero hay algo que se extravía al pasar del cine al móvil, y no hablo de un puritanismo como el de los cineastas más románticos, me refiero a la auténtica pérdida de fidelidad. Cuando se rueda una película se hace pensando en la proyección óptima en un cine, y a partir de ahí se van escurriendo los matices. 

Ya no será lo mismo que veas una cinta en el cine a que la veas en la tele, y será todavía más abismal la diferencia en cuanto lo hagas a través del móvil. Por muy grande que sea tu pantalla y complejo tu sistema de audio, los detalles van a desaparecer. 

Ahora tenemos la certeza de que cualquier película que llegue a las salas no tardará en aterrizar en streaming, mucho más accesible y económica. Pero la experiencia va a cambiar de manera inevitable si optas por la segunda opción, y yo misma me he estado enfrentando a este dilema con diferentes resultados en los últimos meses.

Quería que Furiosa: de la saga Mad Max me salpicara su arena en la cara y salí de la sala con tal adrenalina que la carretera iba a cámara lenta, Arthur es la película perfecta para un domingo por la tarde en tu casa, pero la Fiesta del Cine me permitió ver cómo sus paisajes y su tensión se beneficiaban de la pantalla grande.

Ignoré el estreno de Godzilla: Minus One porque era “otra de Godzilla”, y al verla en Netflix eché de menos que retumbaran las butacas, mientras que Sangre en los labios sé que no me habría perturbado tanto, con sus acentuados primeros planos, si la hubiera catado desde mi smartphone.

El chico y la garza la fui a ver a un cine en el que me envolvió su rebosante animación mientras que por las noches me he visto algún anime tontorrón y no muy bien acabado desde el móvil sin sufrir demasiado.

A qué le das valor para verlo en un medio u otro es algo demasiado subjetivo, y quizá para ti El reino del planeta de los simios sea la opción perfecta para ver desde el móvil pero Del Revés 2, en cambio, digna de una sala. 

Las prioridades no van a ser las mismas para todo el mundo, hay películas que te bastará verlas en una pantalla pequeña y de manera intermitente mientras que otras necesites disfrutarlas en un cine sin interrupciones. 

Lo incuestionable no es que el consumo de largometrajes desde el móvil haya crecido, es que siempre habrá una producción que, por la circunstancia que sea, preferirás verla en una pantalla algo más grande, y te tocará a ti decidir si quieres sacrificar la calidad por la comodidad.

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Sin ir más lejos, esta misma semana se han estrenado Publio. El secuestro sin fin en Max, y Lucrecia: Un crimen de odio en Disney Plus, mientras que el pasado mayo tuvimos en Netflix El Rey del Cachopo. 

Hay algo que funciona en el género, algo que no sólo engancha al público para querer ver más sino que también alienta a las productoras a realizar nuevas series o películas de esta temática que, en España, está viendo un gran crecimiento.

¿Por qué nos gustan tanto los true crime?

Creo que por naturaleza al ser humano le gusta el morbo, disfruta viendo cosas que en cierto modo sabe que no debería estar consumiendo con placer, mezclado con algo de adrenalina por los asesinatos, y la investigación policial. 

Pero también por cotilleo, y ganas de descubrir la verdad aunque no siempre pueda dar con ella, pero al menos sí sacie su curiosidad conociendo más a fondo ciertos detalles sobre el suceso que hasta entonces desconocía, y le invite a hacer sus propias conjeturas.

En la mayoría de ocasiones los true crime que se estrenan nos suenan de algo, aunque no hayamos estado siguiendo la actualidad del caso, pero los nombres o los acontecimientos nos resultan familiares, así que es más probable que nos queramos adentrar en ellos. 

Además, siempre será más fácil ver un producto trabajado como un documental, que casi roza la ficción y que cuenta con una narrativa mejor construida, a que nos interesemos por la misma historia en las noticias de actualidad, siempre presentada de una forma más trágica, fría y con menos intriga en la progresión de los hechos.

La ciencia tiene su propia teoría al respecto, defendiendo que nos atraen los crímenes reales porque nuestro inconsciente piensa que puede aprender de ellos para evitar una posible situación de peligro en caso de que nos viéramos atrapadas en ella.

“Tratar de comprender las motivaciones y conductas de delincuentes nos ayuda a anticipar escenarios y prever cómo reaccionaríamos en situaciones semejantes”, apuntaba la neuropsicóloga forense Cristina Andreu en una entrevista del año pasado.

¿Por qué se producen tantos true crime?

Sin embargo, nuestro propio interés como audiencia por el true crime no es el único motivo por el que hayan proliferado tanto en los últimos tiempos. También hay explicación práctica detrás. Práctica a nivel económico.

Salvando algunas excepciones, producir un documental se puede convertir en una tarea mucho más barata que producir un producto de ficción. Como en cualquier proyecto audiovisual, la base se encuentra en el guion, pero en el caso de un documental el guion es casi todo lo esencial. 

Con una buena y rigurosa investigación detrás, estructurada de manera que vaya desvelando sus misterios de una forma atractiva, lo único que falta es ilustrarlo con imágenes. Pero para esas imágenes no necesitas un amplio elenco de intérpretes, que si son estrellas conocidas mejor.

Sin contar con la voz narradora, tus principales intérpretes serán las personas a las que entrevistes, unas a las que es muy probable que ni siquiera debas pagar por sus intervenciones. 

Los decorados podrán ser sus propias casas o lugares de trabajo, y tanto la iluminación, el sonido como la fotografía para estas entrevistas no requerirán de equipos humanos demasiado grandes, e incluso es posible que tampoco haga falta crear una banda sonora específica para el documental.

En caso de que se quiera ir un paso más allá, siempre se podrán hacer recreaciones de los hechos, o utilizar localizaciones para ambientar el diálogo, pero en ninguno de los dos casos se requiere excesiva precisión ni hace falta desplazarse al emplazamiento real para ello.

El resto de la producción se suele completar con imágenes de archivo, tanto de fotografías o vídeos como documentos que sirvan para ilustrar lo que se te está narrando, así como grafismos que refuercen las palabras para comprender mejor el caso.

Todo ello se puede resolver de muchas formas, desde una más cutre en la que estés viendo las mismas imágenes una y otra vez, o montajes más trabajados en los que haya movimientos en las fotografías para no estar viendo el mismo plano estático. 

Pero el resultado es el mismo en casi todas: una serie o película efectiva que no requiere del mismo nivel de recursos que otra de ficción, y que además cuenta con el aliciente extra de hacerte creer que lo que estás viendo se ajusta más a la realidad.

No todos los true crime se afrontan igual, ni el público se engancha a ellos por motivos idénticos, pero este texto podría arrojar algo de luz sobre las claves que expliquen la pasión que levantan y el aumento de ellos en el streaming. 

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