Como vamos a ver en este análisis de Yakuza Kiwami 1 & Yakuza Kiwami 2 para Nintendo Switch 2 (también se lanzan en PS5 y Xbox Series X|S) se trata de una revisión de los remakes de los dos primeros juegos de PS2 actualizados para PS4, y que ahora también se benefician de algunas novedades, como subtítulos en castellano.

Dado que se trata de una nueva reedición con mejoras técnicas y algunos cambios, no voy a entrar en exceso ni en su historia ni sus características jugables, dado que de ello ya hablamos en sus respectivas reviews y no hay grandes cambios. Si quieres saber más, no dudes en leer el análisis de Yakuza Kiwami de 2017 y el análisis de Yakuza Kiwami 2  de 2018, porque son los "mismos" juegos.

Dicho de otro modo, en este análisis de Yakuza Kiwami 1 & Yakuza Kiwami 2 para Switch me voy a centrar más en los aspectos técnicos que en el contenido, la jugabilidad o todas las tareas secundarias que puedes realizar (jugar a recreativas clásicas de Sega, Karaoke, Black Jack... y muchas más) y que como otras muchas cosas, no han cambiado en estos nuevos remasters.

Es decir, va a ser un repaso más en la línea de lo que hicimos con Zelda Breath of the Wild y Tears of the Kingdom en su versión Switch 2 Edition, que un análisis de cero. Y, de hecho, voy a tratar ambos juegos por separado... ¿Preparados?

Yakuza Kiwami crece en Nintendo Switch 2

Para quien no lo recuerde, Yakuza Kiwami se lanzó en 2024 para la primera Nintendo Switch, y a pesar de los esfuerzos de Sega para dejar un port notable, lo cierto es que se lanzó con problemas de rendimiento, que se solucionaron parcialmente con una actualización posterior.

La buena noticia es que, si tienes esa versión de Yakuza Kiwami, podrás actualizar a la versión de Switch 2 comprando el paquete de mejora... aunque, a día de hoy, Sega todavía no está confirmado el precio (se rumorea que podrían ser 9,99 euros... aunque también hay paquetes de mejora por 4,99 euros). 

Para este análisis de Yakuza Kiwami he jugado con la versión de Nintendo Switch 2 que, entre otras novedades, incluye una opción para poder importar la partida guardada de la versión de Switch, para continuar allí donde lo dejamos. Eso sí, es un viaje solo de ida, dado que las partidas importadas o que creemos en Switch 2 no son compatibles con la versión del juego para la primera Switch.

Las mejoras al jugar en Nintendo Switch 2 son evidentes y puesto que corre sobre el mismo motor gráfico que Yakuza 0 Director's Cut, el desempeño técnico viene a ser idéntico: jugando en portátil se mueve a 1080p y 60 fps constantes, mientras que al jugar en dock, la resolución sube a 4K manteniendo la misma tasa de frames. 

Es un desempeño mejor que el visto en la versión de PS4, que se nota en un incremento de resolución y detalle, que hace que el juego luzca verdaderamente bien, juegues en modo portátil o con la consola en el dock, y con una fluidez y estabilidad que está a la par que lo visto en Yakuza 0 Director's Cut.

En las horas que he jugado, no he encontrado ningún problema grave, y si bien el rendimiento quizá sea algo menos estable al jugar en dock, con caídas muy puntuales y erráticas en momentos en los que la acción o los entornos están más recargados, aunque no parece haber un patrón fijo y suceden de manera irregular.

Como digo, todo luce muy bien, y casi consigue esconder que se trata de la remasterización de un juego con 8 años a sus espaldas, y que corre sobre un motor ya abandonado. Y digo "casi", porque se notan detalles, fondos borrosos y similares, que delatan su procedencia. Da el pego, especialmente, jugando en portátil, donde recorrer las calles de Kamurocho es una verdadera gozada.

Quizá, la gra novedad es que por primera vez, Yakuza Kiwami incluye todos sus textos en castellano, algo que no pasó con los lanzamientos originales. Es una traducción de calidad, con expresiones muy simpáticas, en la que no he encontrado ningún fallo serio. Y en lo que respecta al doblaje, llega solo con pista de audio japonesa, lo que ayuda a meterse más en su ambientación.

Dicho de otro modo, Yakuza Kiwami es otro port de calidad para Nintendo Switch 2. Más allá de las mejoras técnicas o la nueva traducción, solo se le puede reprochar que no añade nada de contenido nuevo como Yakuza 0 Director's Cut... Por lo demás, es una de las mejores entregas y versiones, si no la mejor, de introducirse en la saga mafiosa de Sega (sobre todo si el inglés no es lo tuyo).

Yakuza Kiwami 2, o cómo arrastrar los problemas de otras versiones

La llegada de Yakuza Kiwami 2 en 2018 trajo bajo el brazo un importante cambio: el motor gráfico Dragon Engine, que suponía una importante mejora visual respecto al primer Kiwami para PS4, en aspectos como los modelos (rostros, vestimentas...) o el nivel de detalle de los entornos, más recargados. El precio a pagar fue un rendimiento más "justito", con algunos compromisos.

La remasterización de Yakuza Kiwami 2 para Nintendo Switch 2 arrastra los problemas que vimos en la versión de PS4, y añade algunos propios. Pero empecemos por lo bueno... Tanto en modo portátil como jugando con la consola en el dock, lo cierto es Yakuza Kiwami 2 se ve bastante mejor que Yakuza Kiwami 1.

El nivel de detalle es muy superior, las calles de Sotenbori, la versión ficticia de Dotonbori de Osaka, están más pobladas de gente, los efectos como el humo son superiores... en general, todo tiene más detalle y está recargado. Y eso por no hablar de las escenas de vídeo con el motor del juego, donde los protagonistas rezuman detalle por los cuatro costados. Y no es exageración.

El problema es que el rendimiento de Yakuza Kiwami 2 en Switch 2 está, de nuevo, bloqueado a 30 fps, lo que sin duda es un pequeño bajonazo, sobre todo después de probar Kiwami 1 y Zero Director's Cut. Desconozco si se debe realmente a limitaciones técnicas de Switch 2 o más bien a cierta vaguería de Sega (si ha usado de base el juego de PS4), pero cierto es que va a 30 fps.

En modo portátil quizá sea más llevadero, y su desempeño más consistente, pero al jugar en modo TV, lo cierto es que los petardeos son mucho más evidentes. Basta con realizar un giro de cámara rápido para ver que el juego no va todo lo suelto que debería. Los petardeos son muy frecuentes al explorar el mundo y mover la cámara, más que en combate, lo que afea un poco la experiencia.

Y, aunque en los ajustes no hay opciones dedicadas a tal efecto, parece que Kiwami 2 utiliza algún tipo de escalado dinámico de resolución vía DLSS, o similar, ya que en ocasiones, la imagen se presenta algo más borrosa según el mogollón que haya en pantalla.

También hacen raros algunos efectos, como los reflejos (en el río que hay en en la zona comercial de Osaka, por ejemplo), donde tan pronto aparecen reflejos a baja resolución, como que se cortan o desaparecen. Son detalles intrascendentes para la experiencia jugable, pero afean el resultado final.

Desconozco si estos problemas estarán presente en las versiones de PS5 y Xbox Series X|S, pero el lanzamiento en PC no tuvo problemas para moverlo a 60 fps, y lo cierto es que esperaba que aquí pasara lo mismo en un hardware más moderno y capaz...

Al igual que con el primer juego de la saga Yakuza Kiwami 2 para Switch 2 también incluye una cuidada traducción al castellano por primera vez, y es una verdadera delicia poder leer en nuestro idioma los descacharrantes diálogos con algunos personajes secundarios, que han sido brillantemente traducidos.

Como el primer juego, también incluye algunas opciones interesantes, como un modo "repetición" para volver a ver las escenas de la historia que hayamos desbloqueado en cada capítulo o un modo para 2 jugadores de las dos versiones de Virtua Fighter 5 que incluye, por si te apetece picarte con un amigo.

Precio y ediciones de Yakuza Kiwami 1 y 2 para Nintendo Switch 2

Los remasters de estos clásicos de Sega están disponibles tanto en formato digital como físico, con distintas opciones y ediciones. Si nos decantamos por el formato digital, es posible encontrar Yakuza Kiwami 1 & 2 Bundle, un pack con los dos juegos, por 49,99 euros (te sale el juego a 25 euros). Es el pack más económico, dado que comprarlos por separado, sale a 29,99 euros cada juego.

Eso sí, recuerda que si ya tienes el primer Kiwami para Switch propia Sega anunció que podrás actualizarlo, aunque lo cierto es que todavía no está la opción en la eShop de Nintendo, ni se conoce el precio.

Por último, están las ediciones físicas: cada juego cuesta 29,99 euros, como la versión digital. Como anteriores lanzamientos de Sega, vienen en una flamante Tarjeta Llave o Game Key Card y no existe un bundle con ambos juegos.

Por último, también existe una edición 20 aniversario, aunque solo para PS5, que incluye Yakuza 0 Director's Cut, Yakuza Kiwami y Kiwami 2 por 69,99 euros, que es exclusiva de GAME ahora mismo está agotada.

La opinión de Hobby Consolas de Yakuza Kiwami 1 & 2 para Nintendo Switch 2

Da igual cuando leas esto, y para qué plataforma: todas las entregas de Yakuza y Like a Dragon conforman una de las mejores sagas de aventuras en consola, y su llegada a una nueva plataforma, donde más gente pueda disfrutarla, es siempre una buena noticia.

Y más si lo hace con mejoras como una cuidada traducción o un lavado de cara técnico, aunque sea leve, como es aquí el caso. Sí, se nota el incremento de resolución y detalle respecto a PS4, pero no es menos cierto que quizá Sega podía haber hecho algo más, en especial con Yakuza Kiwami 2.

No me malinterpretéis, no soy un detractor de los juegos que se mueven a 30 fps, y prueba son análisis como el de Star Wars Outlaws o Split Fiction en versión Nintendo Switch 2, pero aquí estamos hablando de un juego con casi 8 años, con un rendimiento mejorable al jugar en dock (en portátil canta menos). En Kiwami 2 se echan en falta los 60 fps y un redimiento estable, la verdad.

Y no solo eso. La opacidad de Sega con las opciones para mejorar el juego (a un día del lanzamiento seguimos sin conocer el precio del paquete de mejora, o tener que volver a pasar por caja con las versiones de PS5 y Xbox Series X|S solo por la traducción), tampoco ayudan a dejar un gran sabor de boca final, y más cuando en PC estas mejoras son gratuitas. 

Puestos a pedir, tampoco hubiera estado de más añadir algo de contenido nuevo o algo que justifique  volver a pasar por caja, sobre todo para aquellos que ya conocen la saga. Para el resto, por 50 euros, puedes llevarte dos grandes aventuras repletas de contenido que te abrirán las puertas a uno de los universos más fascinantes de Sega. Palabra de... Yakuza.

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Y, en tercer lugar, porque es una historia sobre demonios que poseen a humanos con catastróficas consecuencias… Que es básicamente la premisa de series anime que adoro como Chainsaw Man y Devilman Crybaby (la volví a ver hace unos días y sigue siendo devastadora).

Vamos, que es como si alguien se hubiese metido en mi cabeza y hubiese Possessor(s) específicamente para mí. Era uno de los juegos que más esperaba de la recta final de 2025 y llevaba días esperando con ganas que nos mandasen el código para su análisis.

Pero si algo he aprendido con Possessor(s), es que incluso cuando un juego tiene todos los ingredientes para gustarte… eso no significa que vaya a hacerlo. El nuevo trabajo de Heart Machine arrastra una cantidad importante de problemas. ¿El más grave de todos? Que ni siquiera he sido capaz de terminarlo.

Con todo el dolor de mi corazón, en este análisis os cuento por qué, pese a tenerlo todo, no puedo recomendar Possessor(s) bajo ningún concepto.

El análisis de Possessor(s) para PS5 y PC de HobbyConsolas:

• La historia y el gameplay de Possessor(s)
• Nivel de dificultad de Possessor(s)
• ¿Cuántas horas de juego dura Possessor(s)
• Cuánto cuesta Possessor(s) y dónde puedes jugarlo
• La opinión de HobbyConsolas de Possessor(s)
• Nota: lo mejor y lo peor de Possessor(s)

Historia, jugabilidad y gameplay de Possessor(s) en PS5 y PC

Una explosión sacude la ciudad de Sanzu, liberando a una horda de demonios de otra dimensión que pone patas arriba el lugar. La joven Luca queda malherida y atrapada bajo los escombros, pero por suerte o por desgracia para ella, un demonio de nombre Rhem se encuentra cerca, también sobreviviendo a duras penas. 

Ante el aciago futuro que les espera a ambos, el demonio propone un trato: poseer a Luca, cediéndole así toda su fuerza y poderes… siempre que ella le ayuda a volver a su hogar.

Comienza así un juego de acción, saltos y exploración con elementos de metroidvania (o search action, depende de lo exquisitos que os pongáis con la nomenclatura). Es decir, que nos abrimos paso explorando las distintas zonas de la ciudad, derrotando a los demonios que nos salen al paso y obteniendo habilidades únicas que nos permiten acceder a zonas previamente bloqueadas.

Creo que Heart Machine ha intentado coger la jugabilidad de Hyper Light Drifter y trasladarla a un metroidvania de scroll lateral, porque Possessor(s) comparte muchos elementos con el primer juego del estudio.

Por ejemplo, al atacar con el arma básica equipada, obtenemos cargas que nos permiten usar las armas secundarias. Todas son bastante originales, pues son objetos cotidianos como cubiertos, un ratón de ordenador, una guitarra eléctrica… Y tanto el plataformeo como las secciones de combate exigen mucha precisión, pues bastan apenas unos golpes para morder el polvo.

Pero ahí es donde empiezan los problemas: el control no es lo suficientemente preciso y muchas veces te deja completamente vendido. Por poner un ejemplo, desde los primeros minutos tenemos un látigo que se puede utilizar para columpiarnos y llegar más lejos, pero en muchas ocasiones la “hit box” del punto de anclaje no está bien programada y te acabas pegando un tortazo.

El combate, además de poco preciso, tiene otro problema aún más grave: es demasiado básico. Sus creadores contaban que se inspiraron en juegos de lucha como Smash Bros., pero a la hora de la verdad es muy complicado mantener a los enemigos en el aire, así que te acabas limitando a aporrear el ataque básico y el ataque secundario, intercalados con alguna esquiva o bloqueo.

También le falta muchísimo "punch" en todos los sentidos. Possessor(s) es la clase de juego que esperas que sea muy satisfactorio a los mandos; que toda esa precisión que exige se vea recompensada por una sensación de poder, como pasaba en Hyper Light Drifter. Pero aquí sólo hay atisbos de esa satisfacción.

Quizás la exploración sea el único aspecto jugable que tiene capacidades de redención… desgraciadamente también es donde se encuentran los mayores problemas. Tomando notas de Hollow Knight, Possessor(s) nos da una gran libertad para explorar su mundo, de manera que continuamente tenemos varias rutas abiertas para explorar e incluso llegamos a sentirnos perdidos.

En ese sentido, creo que lo han hecho muy bien, desde luego mejor que la mayoría de juegos que se consideran metroidvania. El problema es que no lo han sabido medir, pues darle al jugador la capacidad para explorar muchas rutas debería ir acompañado de una sensación de progresión, para que incluso aunque explores una zona por la que aún no puedes ir (porque te falta la habilidad para progresar), no sientas que has perdido el tiempo cuando te das de bruces con el bloqueo.

Y sí, en Possessor(s) hay un montón de objetos que nos invitan a explorar, objetos que en teoría nos permiten mejorar a Luca. Pero digo en teoría porque, después de todo lo que he jugado, no sé cómo se utilizan. Tengo en el inventario 12 fragmentos para mejorar la salud y 13 para aumentar el número de usos de la curación… Y no sé qué demonios hacer con ellos.

Esto es especialmente frustrante porque Possessor(s) es MUY JODIDO. Se muere con una facilidad pasmosa. Y tener todas esas mejoras por las que has peleado y que podrían hacerte la vida más fácil cogiendo polvo en el inventario… no hace ninguna gracia. Pero claro, quizás no es un juego jodido; quizás lo ha sido porque no he mejorado al personaje.

Y seguro que algunos ya estáis pensado: “qué mal juegas, no has sido capaz de hacer algo básico, la culpa es tuya”. Pues desde aquí os animo a que probéis y lo descubráis vosotros mismos. Y ya que estáis, también me contáis cómo hacer para terminarlo, porque ha llegado un punto en el que no puedo hacer nada más; no puedo acceder a más zonas ni progresar en la historia.

Lo más gracioso de todo es que ni siquiera he llegado a cumplir alguno de los cuatro objetivos principales que tiene Possessor(s). Y creedme: me he pateado el mapa varias veces en busca de algo que pueda haber pasado por alto. Incluso he empezado una partida nueva y derrotado al primer jefe, por si había cambiado algo tras alguno de los parches. Y nada, no ha habido manera.

Sé que esto va a sonar prepotente, pero después de haber jugado a tantísimos metroidvania, estoy convencido de que se trata de un bug que impide el progreso. Porque además no sólo me ha pasado a mí: otros compañeros de la prensa están en las mismas. Ese es el principal motivo por el que ahora mismo no puedo recomendar Possessor(s).

Lo único que se salva en su estado actual es su dirección artística y diseño de personajes, que me parecen una absoluta maravilla. Tanto Luca, como Rhem, como el resto de personajes principales que cuentan con retrato en las conversaciones, son una pasada. Y los escenarios —urbanos, apocalípticos y diseñados en 3D para dar profundidad— generan una gran sensación de melancolía.

¿Es difícil Possessor(s)?

Possessor(s) cuenta con dos niveles de dificultad: fácil y normal. Y jugando en la dificultad normal y, como explicaba hace unos cuantos párrafos, es un juego realmente difícil… o al menos lo es si juegas sin mejorar la salud y las curas de Luca.

Pero olvidemos esto por un momento e imaginemos que es un juego difícil de verdad. No hablamos de un “difícil pero justo”, como era Hyper Light Drifter, sino de un difícil desesperante, un difícil que recurre a técnicas muy burdas (como obligarnos a pelear contra oleadas de enemigos constantemente o checkpoints muy lejos de los jefes) que sólo sirven para provocar frustración. 

Es paradójico que sean exactamente los mismos problemas que tenía Silksong y que tantos debates generaron alrededor de su dificultad, con la diferencia de que aquí el resto de elementos no acompañan. Salvo el arte; insisto en que la dirección artística es buenísima.

¿Cuántas horas dura la historia de Possessor(s)?

Lógicamente y, dado que no lo he podido terminar, no tengo ni idea de cuánto dura Possessor(s) o si se desbloquea algo interesante tras los créditos. Os puedo decir que he jugado unas 12 horas y que en ese tiempo no he llegado a derrotar a ninguno de los cuatro jefes principales, por lo que imagino que aún me queda mucho juego por delante.

También es verdad que juego bastante más lento que el jugador medio… y que he perdido mucho tiempo volviendo a explorar zonas en busca de un posible camino que me ayudase a continuar. Pero, aun con todo esto, calculo que Possessor(s) es un juego relativamente largo, al menos para tratarse de un metroidvania. 

Así a ojo diría que da para unas 10 o 15 horas, siempre y cuando no os pase lo que me ha pasado a mí, claro está.

Precio y plataformas disponibles

Possessor(s) se lanza el 11 de noviembre de 2025 para PS5 y PC. En el momento en que escribo este análisis, se desconoce cuál será su precio. Y sólo está disponible en formato digital.

Posesión fallida

Me encantaría poder recomendar Possessor(s) con los ojos cerrados. De verdad os lo digo. Y no sólo porque sea la clase de juego que estaba destinado a fliparme, sino también porque Heart Machine no atraviesa su mejor momento y necesitan que su nuevo trabajo salga bien.

Por ese motivo y, como gesto de buena voluntad hacia el estudio de Alex Preston, este análisis de Possessor(s) no lleva nota. No sería justo puntuarlo cuando no he podido terminarlo. Aunque, siendo honestos, ellos tampoco deberían haber mandado el juego para su análisis en estas condiciones. Es más, no entiendo cómo es posible que el lanzamiento siga adelante.

Nos hemos puesto en contacto con el estudio para comentar estos problemas, así que por el momento sólo puedo esperar su respuesta… u otra actualización que corrija los problemas que impiden progresar. Cuando eso ocurra y, si consigo avanzar y terminar Possessor(s), volveré para rematar el análisis.

Por desgracia, aun obviando todos los problemas graves que tiene, se trata de un metroidvania simplemente correcto que sólo se salva por su estilo artístico. Una verdadera lástima.

Para quien no lo sepa, la "sinestesia" es un fenómeno neurológico en el que la estimulación de un sentido provoca una experiencia sensorial involuntaria en otro, algo como "escuchar los colores, ver el sonido", como el propio Mizuguchi explicó. En este análisis de Lumines Arise para PS5 y PC (jugable en ROG Xbox Ally X o Steam Deck, entre otros PC consolizados) vamos a ver si lo consigue.

Y es que lo nuevo de Enhance, el estudio de Mizuguchi, sigue la estela de algunas de las experiencias sensoriales más interesantes que nos han dejado los videojuegos de este siglo, y que también vienen de este estudio, como Tetris Effect, conel que comparte una de sus cualidades más llamativas: Lumines Arise es compatible con la realidad virtual (en PS5, puedes jugar con PS VR2).

Todo al tiempo que introduce novedades técnicas y mecánicas, modos de juego, conectividad online y personalización, que redundan en un juego más completo, impresionante y superior. Y eso sin llegar a decir una palabra de la banda sonora, que es otro de sus puntos fuertes...

Pero no nos precipitemos, y vamos con el análisis de Lumines Arise para PS5 y PC, en el que voy a tocar los siguientes puntos.

• El gameplay de Lumines Arise: perfeccionando la diversión "al cubo"
• Los modos y extras de Lumines Arise para picarte a lo grande
• El espectáculo audiovisual de Lumines Arise
• La opinión de Hobby Consolas de Lumines Arise
• Nota, lo mejor y lo peor de Lumines Arise

El gameplay de Lumines Arise: perfeccionando la diversión "al cubo"

La base jugable de Lumines Arise sigue siendo la misma que en anteriores entregas y, una suerte de Puyo Puyo Tetris, un puzle en el que los "bloques que caen del cielo" y que los debemos agrupar por colores para que desaparezcan.

En Lumines Arise sigue habiendo solo un tipo de pieza, compuesta por cuatro cuadrados que pueden ser de dos colores o texturas. Según la canción y el nivel, estas piezas van cambiando y pueden ser desde frutas y hortalizas a símbolos (X, Círculo...), formas geométricas como cuadrados y círculos, paraguas y peatones, esferas de distinto material, bolas de agua y conchas marinas... 

El caso es que debemos rotar este bloque y dejar caer las piezas de tal forma que consigamos agrupar cuatro de estos cuadrados del mismo color o forma, formando un bloque 2x2, para que desaparezcan. Puedes usar técnicas vistas en otros juegos, como que estos bloques se partan por la mitad, dejando caer una parte "al vacío" si no se apoyan por completo sobre otro bloque.

Pero la cosa no acaba ahí. Cada vez que rotamos o dejamos caer una pieza, el juego genera un sonido que se acopla a la canción del nivel, contribuyendo nosotros a "moldear" la melodía que nos acompaña. Además, hay una barra "rítmica" que barre la superficie jugable, y elimina los bloques que cumplan ese requisito de haber juntado 4 del mismo color o forma.

En este sentido, es posible hacer combos encadenando varios de estos bloques del mismo color, antes de que pase la barra rítmica, lo que redunda en una puntuación mayor y planificar bien nuestros movimientos.

Y claro que hay novedades jugables que alteran la experiencia clásica de Lumines, introduciendo nuevos elementos estratégicos para conseguir combos más grandes o limpiar la pantalla cuando la cosa se empieza a complicar.

Se trata de dos novedades que también podemos tener en cuenta a la hora de colocar las piezas: una de ellas son las piezas cadena, con un símbolo que parece una cruceta, y que nos permite eliminar todas las piezas de ese color que estén en contacto formando una cadena (no tiene por que ser un cuadrado, con que se toquen, basta).

La otra es el llamado Burst, una técnica asociada a una barra que vamos rellenando, y que entre otras cosas, detiene la línea temporal y nos permite crear agrupaciones de bloques más grandes, lanzando las piezas de otro color hacia la parte superior de la pantalla.

Todo ello, por supuesto, regado por más elementos dinámicos en el fondo, piezas que salen de la cuadrícula y que vienen hacia nosotros (especialmente molón cuando jugamos con gafas de realidad virtual como las Meta Quest) o incluso detalles como que la zona de juego se incline hacia los lados. Nada es estático, y eso sumado al sonido, hace que puedas entrar en "catarsis".

Los modos y extras de Lumines Arise para picarte a lo grande

A diferencia de anteriores versiones de Lumines, creo que Lumines Arise hace mejor algunas cosas de cara a los nuevos jugadores. Según empieces a jugar, aparecerás en una especie de vacío o zona etérea, con distintos puntos de interés a los que podemos ir con nuestro avatar (o Loomii).

Si eres nuevo en el puzle, mi consejo es que te tires de cabeza al modo Desafío, que está en la esquina inferior izquierda. Viene a ser un modo para practicar jugadas y situaciones que te ayudarán a entender los rudimentos del puzle y las posibles jugadas. 

En esta modalidad existen un total de 60 desafíos, organizados en grupos de 20 según la dificultad (básicos, avanzados y experto), aunque los de dificultad superior están bloqueados hasta que no completes los anteriores.

Aparte de este entrenamiento también hay una serie de desafíos que te permitirán practicar con las novedades (cadenas, Burst...) en distintos situaciones y contextos. Lo mejor de todo es que todos estos desafíos nos reportan "luz" o "moneda" del juego, que podemos canjear por decenas de ítems (es una suerte de gacha, no eliges) con los que personalizar a nuestro avatar.

Lo cierto es que son unas opciones de personalización muy amplias, con decenas de objetos, entre las que hay desde distintas caras a formas de cabeza, cuerpos, detalles para el pecho, colores, animaciones, tarjetas de jugador, nombres y calificativos o gestos...  Cuando digo que hay decenas, es que realmente hay decenas. 

Es un detalle que mola, aunque en la práctica tampoco lo vas a apreciar demasiado, ya que el avatar es pequeño, y no deja de ser nuestro puntero para movernos entre las distintas opciones que ofrece Lumines Arise.

Volviendo al "vacío" que comentaba antes, además de los desafíos hay un modo Viaje, que viene a ser el modo "historia" o arcade, que nos arroja a un total de 9 episodios o capítulos, cada uno compuesto por cuatro niveles que jugamos seguidos (cada uno con una canción). 

Además, puedes jugarlos en dificultades fácil, normal y difícil, algo que era una de las quejas en anteriores entregas y si fallas, en los modos de dificultad más bajo tienes la opción de reiniciar o continuar desde donde te quedaste (aunque afectará a tu valoración final).

Como he dicho antes, cada nivel es un mundo aparte tanto en lo gráfico como en lo sonoro, incluido el tema visual y efectos que asaltan la pantalla. Pero siempre es espectacular, con una belleza plástica digna de aplauso y que consigue "envolverte" cuando juegas en VR. Es una experiencia sensorial de verdad.

El resto de modos son Lista de Reproducción, que nos permite agrupar los niveles como queramos para jugarlos, Loomii-Pon (que es la "tienda gacha") y el multijugador, que es quizá donde más tiempo van a pasar los jugadores experimentados y que se piquen con los récords.

Este modo multijugador cuenta con distintas modalidades, como Liga de Marcador, que te desafía a conseguir la mayor puntuación posible dentro de distintos límites de tiempo (60, 180 y 300 segundos), además de un modo "Excavación", que empieza ya con bloques en la parte inferior de la pantalla.

También hay variantes con Burst, como Burst rápido o Combate Burst, en el que echamos al rival fichas para entorpecer sus combos. Esta modalidad incluso tiene modo competitivo local para dos jugadores, aunque no está todo a la vista que debería, no hay una opción dedicada para el modo local.

Lo mejor de todo de esta faceta online es que también hay eventos de fin de semana, en los que de forma colaborativa debemos alcanzar una puntuación mínima para conseguir una suerte de "visión colosal". El finde pasado lo logramos rápido, y se veía este astronauta de arriba.

Si entre todos sumamos esa puntuación, aparte de ver la visión (que no deja de ser un efecto en el hub del modo multijugador), también obtendremos recompensas como más posibilidad de ganar dinero para los "gachas", por ejemplo, si quedamos entre los primeros 500 o 1000 jugadores, en términos de puntuación, además de objetos únicos con los que personalizar a nuestro personaje.

Sin duda es una forma interesante de mantener vivo el juego con desafíos regulares; habrá que ver cuántos hay antes de que empiecen a repetirse, pero sin duda es una buena idea.

El espectáculo audiovisual de Lumines Arise

Para este análisis de Lumines Arise he jugado, sobre todo, en Xbox ROG Ally X, y lo cierto es que se mueve a 1080p y con todo al máximo que da gusto verlo. Fuera de la realidad virtual, no es un juego extremadamente exigente (puedes jugar en alta con una RTX 3060), pero sí uno que hace cosas bastante bellas a la hora de recrear sus fondos animados y efectos.

Objetos que saltan hacia nosotros, agua que llena el casillero donde colocamos las piezas, pollitos que emergen de huevos y van llenando la zona de juego... Es un puzle "simple" sí, pero todo lo que hace alrededor de sus mecánicas es visualmente precioso, e impactante. Juega con formas, colores,  efectos, transformaciones...

Personajes que rodean la zona de juego (humanos, camaleones...), simular el fondo marino, explosiones de partículas... cada nivel es un mundo, y casi todos suelen tener algo que engancha al ojo. Es digno de aplauso que Enhance consiga tanto con un puzle que, sin hacerle de menos, puede resultar tan encorsetado en forma y fondo. De verdad, es una delicia.

Y si entra por los ojos, ¿qué decir de la parte auditiva? Pues que Lumines Enhance vuelve a recopilar un montonazo de espectaculares temas musicales, que ayudan a que entremos en esa "zona" o "sinestesia", en la que probablemente, pasadas unas cuantas horas, casi consigas jugar sin pensar, disfrutando de todo lo que sucede ante tus ojos y oídos. Es una de esas experiencias especiales.

Eso sí, por suerte el juego incluye numerosas opciones de accesibilidad para ajustar la experiencia a tu gusto. Lumines siempre ha tenido fondos dinámicos, solo que aquí van un paso más allá, y hay muchos efectos en pantalla que pueden distraerte. 

Por suerte, todo se puede ajustar si la experiencia no te termina de resultar plancentera (puedes desactivar el movimiento del fondo, un modo sin stress...) y otros aspectos para dejar la experiencia al gusto de tu paladar.

La opinión de Hobby Consolas de Lumines Arise

Lumines Arise es el puzle de siempre, pero mejor. Es la forma más sencilla de definir un puzle que sigue siendo mágico, magnético y que aquí despunta todavía más por el espectáculo audivisual que pone en pantalla.

No inventa la rueda, ni aporta nada realmente revolucionario, pero sí introduce las suficientes mejoras para que no se sienta exactamente lo mismo: inmersión con realidad virtual, un renovado apartado audiovisual en la línea de Tetris Effect que impresiona, nuevas mecánicas, juego online, una puerta de entrada bastante más amigable, personalización, eventos de fin de semana...

Sin ningún tipo de dudas, Lumines Arise perfecciona una fórmula que ya era buena de por sí, y eso tampoco es una tarea sencilla. Pero Enhance lo ha vuelto a hacer, tras Tetris, y es digno de aplauso. ¿Cuántas veces más lo conseguirán? Salvo que seas un hater de los puzles, deberías darle una oportunidad.

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No es la primera vez que Nintendo y Koei Tecmo se alían para convertir una IP legendaria en una serie de batallas descomunales, con resultados tan notables como Fire Emblem Warriors: Three Hopes o el juego que precede al que nos ocupa: Hyrule Warriors: La Era de la Calamidad.

Pero hay un cambio importante: en lugar de Omega Force, el estudio que habitualmente se encarga de todos los títulos que llevan la coletilla “Warriors”, en esta ocasión la responsabilidad ha recaído sobre AAA Games Studio, un equipo fundado en 2024 que se estrena con La Era del Destierro.

Vamos a ver qué tal ha salido su primer trabajo y a descubrir si este musou está a la altura de la leyenda... de Zelda.

El análisis de Hyrule Warriors: La Era del Destierro para Nintendo Switch 2 de HobbyConsolas:

• El gameplay de Hyrule Warriors: La Era del Destierro
• Nivel de dificultad de Hyrule Warriors: La Era del Destierro
• ¿Cuántas horas de juego dura Hyrule Warriors: La Era del Destierro?
• Cuánto cuesta Hyrule Warriors: la Era del Destierro y dónde puedes jugarlo
• La opinión de HobbyConsolas de Hyrule Warriors: La Era del Destierro
• Nota: lo mejor y lo peor de Hyrule Warriors: La era del Destierro

Jugabilidad y gameplay de Hyrule Warriors: La Era del Destierro en Nintendo Switch 2

Y ya, para empezar, la Era del Destierro es mejor que el anterior Hyrule Warriors por un simple motivo. Si jugasteis a la Era de la Calamidad, recordaréis que pese a que nos lo vendieron como la precuela de Breath of the Wild, nada más empezar había una treta narrativa que provocaba que todos los acontecimientos del juego careciesen de verdadera importancia.

Y me alegra poder decir que eso aquí no sucede: la Era del Destierro narra los acontecimientos que vivió la Princesa Zelda en el pasado de Hyrule. De ahí que haya unas cuantas escenas de vídeo que os van a resultar familiares si encontrasteis todos los recuerdos en Tears of the Kingdom (y espero que lo hicieseis porque eran muy buenos). 

Pero también expande dichos acontecimientos para convertirlo en un auténtico relato sobre… bueno, sobre la Era del Destierro. Y la verdad es que lo hace bastante bien; porque a ver, no nos vamos a engañar, los musou no suelen destacar por su historia, pero creo este juego ha sabido mantenerse bastante fiel al espíritu de Tears of the Kingdom.

Incluso cuando tira del habitual fan service para introducir a un personaje que a efectos prácticos es Link, pero que no es Link, tiene una excusa bastante razonable. Y por supuesto es una gozada poder ponerles al fin nombre y cara a los Sabios que combatieron junto a Rauru y Zelda en esta batalla tan decisiva para el futuro de Hyrule.

Y se podría decir que sucede lo mismo en el plano jueable. La Era del Destierro expande las ideas que ya vimos en el anterior Hyrule Warriors. Y, además, lo hace adaptando las mecánicas jugables que se introdujeron en Tears of the Kingdom.

De esta manera, el juego nos invita a participar en cientos de batallas en las que podemos tomar el control de varios personajes que son capaces de barrer la pantalla con sus ataques. Además de ataques normales y ataques fuertes que se pueden combinar para obtener diferentes resultados, cada personaje cuenta con varias acciones exclusivas.

Se trata de ataques poderosos que tienen un pequeño tiempo de recarga. Por eso, más que para hacer daño, su uso principal es contrarrestar los ataques poderosos de los enemigos fuertes. Pero no vale cualquiera: dependiendo del ataque del enemigo, tendremos que responder con una embestida, un ataque en salto, un golpe explosivo o un "devolver al remitente".

Una de las gracias de las batallas es precisamente esa: reconocer el ataque de los enemigos y responder con su correspondiente contra. De esta manera, les dejamos atontados y expuestos durante unos breves segundos.

Ahora bien, no todos los personajes tienen acceso a ataques de los cuatro tipos, por ese motivo, una de las novedades de Hyrule Warriors: La Era del Destierro son los artilugios zonnan, artefactos directamente sacados de Tears of the Kingdom que cumplen diversas funciones, como embestir, repeler o destruir muros. Y como en el juego del que provienen, consumen batería.

También hay artilugios zonnan con efectos elementales: fuego, electricidad, hielo… Y que como ya imaginaréis sirven para contrarrestar a los enemigos del elemento opuesto. Y que también se pueden combinar con otros elementos o tipos de ataque para crear cadenas elementales.

Por si no fuese suficiente, también hay unos cuantos personajes que pueden usar los combiataques, que consisten en aprovechar partes de los monstruos como armas que causan bastante daño (y que de nuevo es una mecánica heredada de Tears of the Kingdom).

Pero esperen, porque todavía hay más: además de los ataques especiales de cada personaje, en Hyrule Warriors: La Era del Destierro se han introducido los sincroataques, que son ataques bastante potentes en los que dos personajes combinan sus esfuerzos. Dependiendo de los personajes que participen, los resultados son diferentes. Y hay combinaciones únicas bastante molonas.

Llegados a este punto probablemente estáis pensando: "echa el freno porque eso son muchas cosas y no me estoy enterando de nada". Y claro, eso mismo me pasó a mí: en las primeras horas, el juego te tira a la cara tantas mecánicas y posibilidades que pueden llegar a abrumar.

Una vez que te acostumbras y sabes para qué es cada cosa y cuándo y dónde es mejor utilizarlas, te das cuenta de que no es para tanto, no es un juego especialmente complejo, pero sí que es cierto que al principio te puedes sentir un pelín abrumado con tanto artilugio zonnan, acción exclusiva, ataque especial, sincroataque, combiataque, etcétera, etcétera, etcétera.

En cualquier caso, el resultado son unas batallas de lo más entretenidas. Pese a que se trata de un musou y, por lo tanto, un juego que cae continuamente en la repetición, es una repetición muy divertida; muy de apagar el cerebro y simplemente disfrutar machacando enemigos de la forma más espectacular posible.

Y hablando de espectáculo, en Hyrule Warriors: La Era del Destierro se han cambiado las fases controlando a las bestias divinas por niveles en los que el juego se transforma en un shoot 'em up. Sí, como lo estáis escuchando: pasamos a controlar una aeronave y surcamos los cielos de Hyrule (por raíles) mientras disparamos a todo lo que se mueve. 

Están bien. No son una locura, pero son un entretenido cambio de tercio respecto a las batallas normales. Y yo desde luego prefiero estas fases de disparos antes que las de las bestias divinas, que para mi gusto podían llegar a ser un pelín largas y pesadas.

Y es un juego que engancha de lo lindo, lo suficiente como para que queramos completarlo absolutamente todo… incluso las misiones secundarias. Porque como suele ser habitual en estos títulos, su número es directamente proporcional a lo insulsas que son. Ahora bien, apetece hacerlas porque todas son muy cortitas y en menos de cinco minutos las hemos despachado.

La Era del Destierro tiene otro truco bajo la manga para engancharos: los favores, que son una serie de desafíos asociados a cada personaje. Cosas como derrotar a un tipo de enemigo, usar a un par de personajes concretos, utilizar ataques especiales… Mediante algo tan sencillo como esto, el juego nos invita a probar cosas nuevas y a manejar a otros personajes, que siempre es algo bueno.

Y si sois fans de los musous, probablemente os estaréis preguntando si el número de personajes de Hyrule Warriors: La Era del Destierro está a la altura. El número está bien, pero dado que en esta ocasión se han mantenido fieles a los eventos canónicos de Tears of the Kingdom, han tenido que inventarse a muchos personajes nuevos para rellenar el plantel.

Son personajes desconocidos que tienen poca o ninguna relevancia a nivel argumental. Pero lo han hecho realmente bien, pues estos personajes suelen tener un set de movimientos y unas mecánicas de juego muy únicas y diferentes a las del resto, logrando así que pese a que sean unos "don nadie", queramos manejarlos.

Y, bueno, en líneas generales y pese a que comparten mecánicas, todos los personajes de La Era del Destierro son muy diferentes. Y hay que reconocer el enorme trabajo de animación que han hecho, no sólo para los ataques normales y fuertes, sino también para todas las animaciones de remate, sincroataques y ataques especiales. Hay muchísimas y todas son muy espectaculares.

Y esto nos lleva a hablar del apartado audiovisual, que probablemente es donde más ha mejorado La Era del Destierro respecto a su predecesor. Sólo os voy a decir que para refrescarlo y hacer la comparativa, he vuelto a jugar a La Era de la Calamidad... y eso era un borrón a 30fps. 

Mientras que el nuevo Hyrule Warriors se ve genial, prácticamente idéntico a Tears of the Kingdom (con la nitidez subida al máximo), y se mueve a 60fps, con lo cual es una gozada a los mandos. Y la banda sonora, tres cuartos de lo mismo: remezclas de las melodías de Tears of the Kingdom que encajan de maravilla con la acción musou.

Lo que todavía sigue necesitando algo de trabajo es la cámara, que sigue dando problemas y quedándose "atascada" en partes del escenario, dificultando la visibilidad.

¿Es difícil Hyrule Warriors: La Era del Destierro?

Hyrule Warriors: La Era del Destierro cuenta con cuatro niveles de dificultad entre los que se puede alternar en cualquier momento: fácil, normal, difícil y muy difícil. Y, en cada caso, podéis esperar la dificultad habitual de esta clase de juegos, de manera que en normal no es demasiado desafiante si vamos con el nivel adecuado, mientras que en difícil y muy difícil hay que andarse con mucho ojo.

Ahora bien, La Era del Destierro incluye una novedad que puede facilitar un pelín las cosas: desde el menú, podemos activar el consumo automático de objetos de curación y batería. Al hacerlo, cada vez que la salud y la batería caen a niveles bajos, el juego utiliza automáticamente los objetos de recuperación que llevemos encima.

Y dado que estos objetos no suelen escasear, es prácticamente imposible morir, al menos en la dificultad normal. No lo considero algo malo como tal dado que se trata de una opción que no estamos obligados a activar (y que viene desactivada por defecto), pero tenedlo en cuenta si queréis que vuestras partidas sean algo más desafiantes.

¿Cuántas horas dura la historia de Hyrule Warriors: La Era del Destierro?

Como suele ser costumbre en el género musuou, Hyrule Warriors: La Era del Destierro es un juego con contenido para aburrir, lo que se traduce en horas, horas y más horas de duración. Si preténdeis hacer todas las misiones, tanto principales como secundarias, de las 60 horas no baja.

Y una vez terminado el juego, todavía os quedarán nuevos desafíos por completar, por lo que tenéis juego para rato. Ahora bien, como comentaba antes, las misiones secundarias no brillan por su calidad... pero si os quedáis con ganas de repartir más estopa, ahí están.

Tampoco nos podemos olvidar del modo cooperativo, que en esta entrega ha ganado muchos enteros. Podemos jugar tanto a pantalla partida (usando un Joy-Con por jugador, todo un puntazo), como en dos Switch diferentes. 

En este segundo caso, gracias a la opción de GameShare, sólo un jugador necesita tener el juego para que ambos lo utilicen. Una maravilla, la verdad.

Precio y plataformas disponibles

Hyrule Warriors: La Era del Destierro se lanza el 6 de noviembre de 2025 para Nintendo Switch 2 a un precio recomendado de 69,99€ en formato digital y de 79,99€ en formato físico. Y no, no se trata de una de las temdas Game-Key Card. 

En este caso esto último es especialmente relavente, pues La Era del Destierro tiene el honor de ser uno de los Zelda que más espacio ocupan: 43,3GB. Así que si no queréis quedaros sin espacio en la consola, el cartucho es una buena opción.

Batallas para la historia (de Hyrule)

La verdad es que Hyrule Warriors: La Era del Destierro ha salido bastante bien. Soluciona los principales problemas de su predecesor, como son la narrativa y el apartado gráfico, mientras mantiene una jugabilidad muy adictiva que se ve potenciada por los añadidos heredados de The Legend of Zelda: Tears of the Kingdom.

Lógicamente, al tratarse de un musou, es un juego que no os va a cambiar la vida, pero eso no lo hace menos merecedor de elogios, porque no os imagináis lo bien que entra un título así para desestresarse después de un día duro.

E incluso aunque los musou no sean lo vuestro, creo que la Era del Destierro tiene muchas bondades, las suficicientes como para recomendarselo a cualquiera que disfrutase de Tears of the Kingdom. 

Es más: si jugasteis y os gustó el último Zelda, os recomiendo encarecidamente que le deis una oportunidad, pues la historia que aquí se cuenta forma ya parte de la leyenda... la leyenda de Zelda. Ya había hecho este chiste, ¿verdad?

El juego de PS5, Xbox Series X|S y PC aterriza tras Battlefield 6 y su battle royale Redsec, un poco antes que Call of Duty Black Ops 7 y muy cerca de Escape from Tarkov. Lo nuevo de Embark Studios parece no temerle a nada y te voy a contar por qué en este análisis de Arc Raiders.

El estudio sueco creado por Patrick Söderlund (uno de los mandamases de la mejor época de Battlefield) nos deja con un juego que no hace nada especialmente innovador, pero que sabe a por quién debe ir, ofreciendo una experiencia tan inmersiva y depurada, que te atrapa sin remedio.

Dirigido a quienes estamos cansados de los battle royale, de los juegos multijugador que no terminan de dar con la tecla o de aquellos que repiten su misma fórmula todos los años; Arc Raiders me ha conquistado y lo mejor es que lo ha hecho por sorpresa.

The Finals fue un título muy llamativo, pero Embark ha querido ir un paso más allá con este extraction shooter en tercera persona ambientado en un postapocalíptico y pintoresco universo. Vamos con el análisis de Arc Raiders para PS5, Xbox Series X|S y PC:

• Una historia de Arc Raiders: así se vive una partida desde dentro
• El gameplay de Arc Raiders: cómo funciona el nuevo extraction shooter
• El precio, ediciones y plataformas de Arc Raiders
• La opinión de HobbyConsolas sobre Arc Raiders
• Nota: lo mejor y lo peor de Arc Raiders

Arc Raiders: Cazadores de chatarra

En mis primeras partidas en Arc Raiders observé varias veces cómo una enorme máquina parecía custodiar celosamente un extraño módulo metálico apodado "cosechadora". Algo tan fuertemente protegido debía ocultar valiosos materiales.

Sin embargo, el intimidante tamaño de la mole actuaba como medida disuasoria a cada incursión a la devastada superficie terrestre, hasta que un buen amigo me comentó que un jugador le había dado la clave para poder sortear a la criatura y acceder al interior de la construcción.

La suerte sonríe a los audaces. Así que, tras confeccionar nuestro equipo a salvo, en el subsuelo, nos decidimos a actuar juntos. Intentaríamos saquear todo lo posible. Por desgracia, la misión empezó mal al emerger en un opresivo pantano, justo al otro extremo de nuestro objetivo. 

Treinta minutos. Solo treinta minutos para cruzar el mapa, encontrar la manera de sortear las medidas de seguridad de esa bestia, conseguir los recursos (si es que los había) y volver a ocultarnos antes de que la catástrofe volviera a sacudir la zona.

Caminamos por los humedales en donde otrora se produjo una batalla entre las últimas defensas de la humanidad y el asalto mecánico que supusieron las máquinas ARC de la primera oleada. No teníamos mucho tiempo, pero no era el momento de flaquear. Andaríamos lo que fuera necesario.

Los centinelas voladores patrullaban y el eco de los disparos de otros Raiders, tan ávidos de tesoros como nosotros, se escuchaba en la lejanía. Avanzamos en silencio y evitando cualquier contacto. Tras recorrer varias instalaciones carcomidas por el tiempo, divisamos nuestro objetivo.

La máquina era titánica. Imposible acabar con ella. Más su tamaño nos daba una ventana de oportunidad. Aprovechando su lentitud, corrimos campo a través fuera de su línea de visión para llegar al depósito que tantas preguntas nos había suscitado.

Veinte minutos. Tras forzar una de sus rejillas de ventilación y entrar en el habitáculo, contemplamos un enorme núcleo vivo, un corazón tecnológico que escondía infinidad de piezas de alto valor tras un dispositivo de seguridad. Sus latidos liberaban descargas eléctricas capaces de paralizarte y cada pocos segundos, una oleada de llamas inundaba la estancia abrasando todo a su paso.

Por suerte, sabíamos cómo evitar las trampas mortales, pero tan pronto entramos en la cosechadora, entendí que la codicia sería nuestra perdición. En mitad de la sala, los cadáveres calcinados de dos desdichados Raiders actuaban como una suerte de macabro anticipo de nuestro posible e inminente destino.

Habían llegado antes, pero el desconocimiento supuso su caída. En Arc Raiders, no ir preparado supone una muerte segura. Por suerte, nosotros sí sabíamos a lo que veníamos, al menos, más que esos pobres diablos. Ya no había vuelta atrás, la retirada no era una opción. 

Diez minutos. Paralizados y parcialmente quemados, conseguimos forzar varios compartimentos hasta colocar tres células de combustible que liberaron diversos arcones. El peligro cesó y nos lanzamos a por el botín, chatarra de alta tecnología que nunca antes habíamos visto.

Ocho minutos. Nos llenamos el macuto con todo lo que pudimos sin llegar a ver con detalle qué era cada cosa. No había tiempo. Sin escudos de protección y muy magullados conseguimos volver a evitar a la reina de las máquinas. Nos pusimos a cubierto para valorar nuestras opciones.

Seis minutos. Lo estábamos consiguiendo. Ya teníamos todo lo que habíamos venido a buscar, pero de nada serviría si no conseguíamos volver. Quedaba la prueba final. El pánico se desató al ver que solamente quedaba un ascensor operativo, solo una vía de escape para volver a Speranza. ¿La ironía? La escapatoria estaba justo donde todo había comenzado.

Cinco minutos. Recibimos un aviso por radio. Un orbitador ARC estaba a punto de llegar. Ignorábamos qué era, pero tampoco estábamos dispuestos a averiguarlo. Corrimos hacia el pantano. Las máquinas campaban a sus anchas y no teníamos más suministros médicos. 

No obstante, nuestro mayor temor lo producía el miedo, el pavor que supone no saber si éramos los únicos Raiders que quedaban aún en la superficie. ¿Sufriríamos una emboscada? ¿Todo el esfuerzo caería en saco roto y perderíamos el premio?

Tres minutos. Un enorme estruendo resonó a varios centenares de metros de distancia. ¿Qué había sido eso? Quizá la reina de las máquinas no fuese el mayor peligro de la zona. ¿El orbitador? ¿Qué monstruosidad era capaz de hacer temblar la tierra?

Dos minutos. Divisamos el ascensor y logramos activarlo. Las sirenas empezaron a sonar, la última llamada para todo aquel que no quisiera perecer allá arriba. Los treinta segundos de espera hasta que alcanzó la superficie fueron eternos. Agazapados en la maleza, vimos cómo nuestro salvador chirriaba y abría sus compuertas. Entramos y activamos la centralita para regresar a la madriguera. 

Lo habíamos conseguido. El grito de alegría fue genuino. La mejor extracción que habíamos realizado hasta el momento me abrió los ojos sobre este juego. Un shooter como Arc Raiders nos conquistó y no habíamos disparado ni una sola bala en todo el proceso. Eso no se ve todos los días. Lo que teníamos entre manos era algo muy serio.

Así se juega a Arc Raiders: el gameplay de un extraction shooter muy especial

Puede resultar innecesario, pero he escrito este pequeño relato para ejemplificar la más potente de las muchas virtudes que tiene Arc Raiders. Cada partida dentro de este extraction shooter se te queda grabada en la memoria como una aventura trepidante y única, una odisea casi irrepetible.

Embark ha creado un multijugador con una narrativa emergente tremendamente especial gracias a la concatenación de elementos muy bien hilados. En el fondo, Arc Raiders se asemeja mucho a Helldivers 2 en ese aspecto, al permitir que el jugador sea quien dictamine el destino de su partida.

Estamos ante un shooter que se puede jugar en solitario o en equipos de tres jugadores y que pone a disposición de quien lo experimenta una infinidad de recursos (y también obstáculos) para que este decida cómo quiere afrontar el gran reto que supone conseguir materiales y no morir en el intento.

En realidad, Arc Raiders no hace nada especialmente novedoso. Al ser un extraction shooter PvEPvP debes enfrentarte a enemigos controlados por la máquina y a jugadores que están ahí con el mismo objetivo que tú: llenarse los bolsillos con chatarra y volver con ella.

Morir es perder y esa injusticia justa es el mayor escollo que tiene este género para ganarse a los jugadores que no sean demasiado "tryhards", pero el juego te premia de diversas formas para que morir no se sienta descorazonador. Es frustrante cuando ocurre, pero en el momento en el que logras subirte a un ascensor y extraerte, todas las penurias sufridas adquieren un valor especial.

Es en el diseño con lo que Air Riders destaca. Los enemigos son inmisericordes, máquinas más rápidas y letales que tú, a las que debes evitar a menos que lo tengas muy claro. No obstante, todas tienen puntos débiles y puedes jugar con las físicas para acabar con ellas. Disparar a sus aerodeslizadores para que se tambaleen y terminen estrellándose es una muy buena estrategia.

Las armas (al menos las iniciales) son muy limitadas y lentas, así que cada disparo cuenta. No se puede derrochar la munición a lo tonto. Los Raiders son más vulnerables a estas, pero hay pocas veces en las que los tiroteos entre humanos son cara a cara. Disparar se siente como una decisión muy importante, como debería ser en un shooter.

El desplazamiento también tiene su miga. La resistencia puede ser el recurso más preciado de gestionar, ya que no te mueves especialmente rápido, pero el juego habilita multitud de movimientos como rodar, deslizarse o esprintar sin armas para facilitarte las cosas. Todo esto queda muy pulido con un sorprendente número de animaciones.

La mecánica de looteo también triunfa. Hay una inmensidad de recursos y absolutamente todos son valiosos. Claro que hay rarezas, pero hasta el cable más pocho te servirá para que luego en la base puedas construirte un arma, un reparador de escudos o mejorar uno de los muchos bancos de trabajo que tiene el juego para prepararte para las próximas incursiones.

El sonido es genial. El juego hace que el silencio sea tu mejor aliado. Cualquier cosa puede revelar tu posición a cientos de metros, ya sea un disparo, una alarma, una máquina que te ha detectado, forzar una cerradura, las pisadas sobre un suelo metálico... Hay que andarse con mil oídos... Y ojos, ya que la iluminación es clave en lugares oscuros y hace que el juego se acerque al survival horror.

Aunque, es en las interacciones sociales de los jugadores en donde el juego se vuelve muy diferente al resto. En ningún extraction shooter, ni battle royale, he experimentado tan variopintas situaciones y todas han sido alucinantes dada a su imprevisibilidad. 

Al jugar en equipos de tres, lo más normal es que se produzcan más enfrentamientos con otras patrullas (un chute de adrenalina bestial), pero en solitario, esa soledad produce aliados inesperados. He vivido de todo en Air Raiders, momentos que no esperaría ver nunca en un multijugador.

Gracias al chat de proximidad he podido pedir ayuda a jugadores cercanos. Algunos me ha suplicado que no les disparase y otros han acudido a una zona para darme apoyo en la lucha contra las máquinas. He coincidido con squads enteras en el mismo ascensor y no se ha producido ni un solo tiro. La paz ha llegado en momentos en los que me podrían haber matado sin miramientos.

Pero también me han asesinado por la espalda cuando me creía a salvo y también he disparado a traición tras haber dejado claro que no lo haría. He intentado matar a jugadores aprovechando que las máquinas los habían debilitado. He dado caza en la oscuridad a Raiders ruidosos y han hecho conmigo lo mismo.

Es increíble cómo Arc Raiders saca la humanidad o los comportamientos más deplorables de todos nosotros y esto es gracias a un serie de herramientas muy básicas y muy bien utilizadas. La rueda de marcaje o el chat están implementados de una manera brillante.

Detalles como que el jugador señale la dirección en la que ha colocado un marcador en el mapa o que tus ordenes se produzcan vía radio interna o a voces dependiendo de si eliges que solo tu equipo las escuche o no, son toques que marcan la diferencia.

Además, la progresión es realmente completa. Arc Raiders dispone de cuatro mapas de lanzamiento (uno más llegará en noviembre) y créeme cuando digo que ni en las primeras veinte horas hace falta salir del primero, aunque puedas hacerlo. 

Todos presentan sus particularidades y diseños propios (muy inspirados) y además experimentan cambios mediante eventos temporales como incursiones nocturnas, efectos climáticos que sí que afectan a las partidas, mayor o menor presencia de máquinas y un largo etcétera.

Las estampas que los escenarios nos dejan a nivel gráfico son de un enorme poderío visual. El juego se ve muy bien, presenta una gran distancia de dibujado y su iluminación y sombreados gracias a Unreal Engine 5 le hacen destacar por encima de otros títulos online.

Además, por primera vez en muchísimo tiempo, la optimización de un juego con UE5 no es un desastre. Quitando algunos bugs muy esporádicos y algunos problemas con las colisiones, Arc Raiders funciona y se mueve con una envidiable fluidez, de la que podrían aprender juegos como Borderlands 4 o Mafia: The Old Country.

Pero también pasarás mucho tiempo en la base, bajo tierra. Allí debes confeccionar tu alijo con todo lo que has ido extrayendo. La variedad es rematadamente absurda y las posibilidades que se van desatando a medida que vayas explorando y mejorando son enormes.

Decenas de armas, equipo, granadas, objetos de fabricación, escudos, mochilas, llaves, mejoras y equipamientos irán estando a tu disposición a medida que completes extracciones y misiones que los NPC de Speranza te vayan encargando. Quizá el único problema es que el alijo (incluso con mejoras) se queda pequeño. Eso, o yo tengo un síndorme de diógenes extremo.

Al principio puede resultar muy intimidante, pero a las dos horas estarás completamente atrapado/a por el profundo sistema que ostenta el juego y que sigue expandiéndose a medida que subes de nivel y desbloqueas habilidades pasivas de campo.

Siempre se progresa, como si estuvieras en un roguelite. Las incursiones fallidas también sirven para ganar experiencia y poco a poco irás conociendo a qué zonas debes ir, contra qué puedes luchar, dónde se consigue cada tipo de recurso y mucho más. El aprendizaje es muy orgánico y natural.

Y todo esto queda atado con un lore, una construcción de un universo, muy atractivo que entremezcla diferentes ideas clave de algunos de los máximos exponentes de la ciencia ficción. No muchos multijugadores han logrado hacer que me interese tanto por esta faceta.

El mundo de Air Raiders está ambientado en una Tierra devastada por dos catástrofes. La primera se llevó por delante a una buena parte de la humanidad debido a terremotos, erupciones en masa y toda clase de hecatombes naturales. Cuando los pocos supervivientes que quedaron comenzaron a reconstruir la sociedad, unas extrañas máquinas llegaron del cielo.

Su letalidad y superioridad tecnológica obligaron a los humanos a ocultarse bajo tierra. Los Raiders son los encargados de salir y recoger los vestigios de esa civilización perdida. Todo esto lo vas deduciendo a medida que exploras el mapa y rescatas información que acumulas en un codex.

El universo de Raiders es una mezcla entre los conceptos base de Metro 2033, Fallout, La Guerra de los Mundos, Horizon Zero Dawn y Terminator y pese a que su historia no sea demasiado innovadora, sí que está muy bien construida para ser un multijugador sin campaña.

Otros pequeños matices pulen la experiencia aún más, como un portentoso diseño de audio, acompañado por temas musicales obra de Johan Sönderqvist, compositor de las magníficas bandas sonoras de Battlefield 1 y Battlefied V.

¿Cuánto cuesta Arc Raiders y dónde puedes jugarlo?

Arc Raiders está disponible en PS5, Xbox Series X|S y PC por un precio de 39,99 euros en su edición estándar. No obstante, también puedes hacerte con su edición Deluxe por 59,99 euros que incluye los siguientes extras cosméticos.

Tenemos el atuendo «Valente», la mochila «Pionero», el accesorio de mochila «Petate», así como el artículo cosmético de personaje Cicatriz en el labio, dedos pistoleros como gesto, un atuendo de Chatarrín y 2.400 monedas de Raider.

Luz al final del tunel

Me cuesta encontrar puntos flacos en Arc Raiders, más allá de que sigue siendo un juego que no es para todo el mundo. Sus ritmos y considerable dificultad como extraction shooter se quedan lejos del frenetismo y "sencillez" de muchos juegos online actuales, pero ahí radica su enorme potencial. Además, sabe cómo resultar más atractivo que otros extraction shooter más opacos.

El nivel de detalle y cohesión que presenta están en un estrato superior respecto a muchos competidores. La información que ofrece al jugar con el más nimio de sus gestos hace que el jugador se sienta parte de su fórmula, que aprenda y progrese, que se sienta un Raider.

Un juego consecuente con lo que plantea, que no trata al jugador como a un tonto. Es fácil que todo se arruine en una partida y esa tensión provoca luego una satisfacción increíble. Si buscas un multijugador social, competitivo e inmersivo, no creo que allá muchos más juegos tan bien pulidos y que hayan llegado de una forma tan completa en su lanzamiento.

Solo la sombra de su identidad de juego como servicio me hace dudar, pero al presentar un "muro" de pago, el pase de batalla viene integrado y las compras in game son solo para artículos cosméticos y estas no resultan demasiado invasivas. Es respetuoso con sus usuarios.

Pese a que siempre he sido un fan de los títulos multijugador y la fórmula extraction shooter, hacia mucho que no me vinculaba tanto con un juego de esta índole. Espero y deseo que Arc Raiders no se vea sepultado por el peso de una industria que se regurgita a si misma. Aquí hay presente, pero también mucho futuro. Nos vemos en la superficie.

Otros artículos interesantes:

• Escape from Tarkov: Qué es, cómo funciona y todo lo que debes saber antes de empezar a jugar
• Trucos y consejos de Arc Raiders que nadie te cuenta para dominar el nuevo shooter de extracción

Con 17 juegos principales, numerosos spin-offs y las remasterizaciones, Tales of abarca tres décadas de incansable actividad, siendo un pilar del RPG japonés. Y como en botica, hay de todo, pero la serie siempre se ha definido por unos valores propios.

Personajes carismáticos, historias profundas y un sistema de combate ambicioso han sido sus ejes, que también se dieron cita en Tales of Xillia, el exclusivo de PS3 estrenado en 2011.

14 años después, la aventura de Jude y Milla llega a PS5, Xbox Series X/S, Nintendo Switch y PC, con un lavado de cara y novedades en la jugabilidad. 

¿Es una renovación profunda que hace que valga la pena la remasterización, o se queda en una actualización “justita”? Vamos a averiguarlo a continuación.

• La historia de Tales of Xillia Remastered
• La jugabilidad de Tales of Xillia Remastered
• Apartado técnico y mejoras de Tales of Xillia Remastered
• La duración y la dificultad de Tales of Xillia Remastered
• Precio, plataformas y ediciones de Tales of Xillia Remastered
• La opinión de HobbyConsolas sobre Tales of Xillia Remastered
• Nota: lo mejor y lo peor de Tales of Xillia Remastered

Tales of Xillia Remastered: una historia, dos perspectivas

En el reino de Rieze Maxia, los espíritus elementales coexisten con los humanos, lo que permite acceder a las artes mágicas para la curación, la investigación y, en general, mejorar la vida de todos.

Pero el ser humano siempre cede a la tentación del poder. En medio de una conspiración entre los reinos de Rashugal y Auj Oule, se ha creado un arma de destrucción masiva, que podría aniquilar el planeta.

Milla Maxwell, la encarnación del Señor de los Espíritus, está dispuesta a todo con tal de detener esta amenaza; por ello, viaja hasta la ciudad de Fennmont para dar con el origen del problema.

Allí conoce a Jude Mathis, un estudiante de medicina que, tras la desaparición de su profesor, se ha topado de bruces con esta conjura. Comienza así un viaje que cambiará para siempre la historia del mundo.

Tales of Xillia fue la primera entrega en introducir los protagonistas duales. Al principio del juego podemos escoger entre Jude y Milla; y aunque ambos compartirán viaje, sus distintos puntos de vista enriquecen la historia en gran medida.

Jude es la opción ideal para la primera partida. Pese a su juventud, es un héroe con los pies en la tierra; y al igual que el jugador, descubre todo lo que está pasando de primera mano. Milla en cambio va más “al grano”, y es recomendable para una segunda partida, en la que rellenar los huecos pendientes del argumento.

Además de fomentar la rejugabilidad, esta narrativa dual permite tener dos puntos de vista opuestos: el de un joven superado por las circunstancias (pero lleno de coraje y nobleza), y la visión de una semidiosa que, poco a poco, pierde su arrogancia para hacerse más humana.

Hay algún fallo que otro en este sistema narrativo, que da lugar a incoherencias menores en la historia de Milla; pero eso no empaña un argumento que consigue atraparnos, también sostenido por el reparto de personajes.

Jude y Milla conocen a una serie de personas que se unen a su grupo, junto con villanos y otros personajes dotados de carisma. 

Sus historias se entrelazan para crear el tapiz que es la trama central; la cual mantiene las señas de identidad de la saga: es épica y profunda cuando lo requiere, sin renunciar a momentos de humor estilo anime.

Así se juega a Tales of Xillia Remastered

La exploración, que ocupa el grueso del juego, no se aleja de los estándares de los RPGs de su época. Recorremos escenarios con el personaje del grupo de nuestra elección, para interactuar con NPCs, hablar con vendedores y buscar tesoros.

Están todos los elementos habituales: desde las mazmorras hasta pequeños puzles contextuales, pero no es nada que no hayamos vistos en tantos otros juegos japoneses. Como suele ocurrir en la saga Tales, es en los combates donde Xillia brilla con luz propia. 

Al entrar en contacto con uno de los monstruos del mapa (o cuando aparece un jefe), pasamos a manejar un equipo de hasta cuatro héroes, por medio del Double-Raid Linear Motion Battle System.

Solo controlamos a un personaje, aunque se nos permite saltar de uno a otro en plena acción. Nuestros compañeros son autónomos gracias a la IA: pelean de maravilla por sí solos, aunque también podemos configurar su estrategia, acciones de apoyo y todos los parámetros que deseemos.

El control permite esquivar, movernos por el escenario, encadenar ataques y efectuar artes especiales; habilidades sujetas a unos puntos de acción, que se recuperan durante el combate y por medio de objetos curativos.

Aquí también se dejan notar las diferencias de los personajes, dotados de poderes distintivos que aportan gran variedad a todas las peleas. 

Como estudiante de medicina, Jude tiene técnicas curativas; Milla usa sus poderes místicos (y los Espíritus, cuando recupera el acceso a ellos); el mercenario Alvin combina la pistola con la espada; y así muchos más.

Los enfrentamientos también permiten conectar a dos personajes para llevar a cabo devastadoras técnicas duales. El resultado es un despliegue de acción y poderes espectaculares en cada batalla; pero sin que eso convierta al juego en un paseo.

Aunque al principio “barreréis” a los enemigos, la cosa cambia al avanzar. Uno de los aciertos de esta entrega es que ya no permite eliminar a los jefazos con combos infinitos: aquí pueden romper esas técnicas, lo que obliga a reaccionar y plantear estrategias que nos den la victoria.

Cierra este conjunto un elaborado sistema de progresión, al acumular experiencia y conectar los orbes de habilidades de cada personaje; junto con el imprescindible equipamiento, armas y objetos, disponibles en tiendas y cofres.

Con su mezcla de combate en tiempo real, acciones automáticas y planificación, es un sistema no apto para todos los gustos; pero los veteranos de la saga Tales, y aquellos que busquen un RPG con una fórmula distintiva, se verán gratificados.

Apartado técnico y mejoras de Tales of Xillia Remastered

Como es marca de la casa, el juego cuenta con un magnífico opening anime, secuencias también animadas e ilustraciones de este estilo. Son obra de Ufotable, pero este estupendo trabajo no tiene su reflejo en los gráficos del juego.

Xillia Remastered no logra esconder que el original de PS3 se lanzó en 2011. Para empezar, los modelos lucen bien, aunque a menudo sus animaciones son robóticas. 

Menos brillantes son los escenarios, que a pesar de su colorido, tienen algunas texturas muy pobres. Tambien resultan un tanto vacíos y caducos; además de estar “troceados” en secciones (cosas de las limitaciones del hardware de la época).

Resulta más correcto es el apartado sonoro, con una adecuada banda sonora de Motoi Sakuraba. El juego dispone de voces muy acertadas en japonés e inglés, con una traducción brillante de los textos al castellano.

La remasterización eleva la resolución del original hasta estándares modernos, lo que se nota más en las versiones de PS5, Xbox Series y PC; al igual que la tasa de frames. Es una actualización adecuada, aunque con cosas que no nos han gustado.

Es lógico que se respete el aspecto original sin grandes añadidos, pero eso no oculta las carencias visuales. Menos atractivo es el aparente uso de reescalado por IA en algunas texturas y elementos. Bandai Namco no lo ha confirmado, pero la presencia de algunos artefactos y fallos apunta a esa dirección.

Como novedad principal de esta versión, el juego añade todo el DLC del original. Aunque son más de 40 elementos, no hay ningún contenido jugable: todo se limita a cosméticos, como nuevos uniformes; junto con objetos consumibles.

Al igual que Tales of Graces f Remastered, Xillia da acceso a la tienda nada más comenzar, con dinero de sobra para comprar ayudas que faciliten la aventura. También se ha implementado el guardado automático, la opción de evitar combates, repetición de batallas y otros ajustes de calidad de vida para hacerlo más accesible a los paladares actuales.

¿Son grandes novedades en conjunto? Tal vez no, pero es que no estamos ante un remake, sino una remasterización que preserva al máximo el juego originario, con cambios dirigidos a hacer de esta la versión definitiva.

Duración y dificultad de Tales of Xillia Remastered

Aunque vayas “a saco” en el juego, te esperan cerca de 40 horas de aventura, que pueden subir a 50 si lo haces absolutamente todo. Y si decides completar el juego tanto con Jude como con Milla, estaríamos hablando de casi 90 horas en total.

No te dejes engañar por los compases iniciales. Al principio eliminarás a todos los enemigos de un plumazo, sobre todo con las ayudas iniciales; pero los jefes y las criaturas más poderosas te pondrán contra las cuerdas.

Vas a repetir más de un combate, aunque la remasterización pone a tu alcance todos los medios para salir adelante. Si buscas grandes retos, las partes más avanzadas de Xillia Remastered te los ofrecerán.

Precio, plataformas y ediciones de Tales of Xillia Remastered

Tales of Xillia Remastered llega a PS5, Xbox Series X/S, Nintendo Switch y PC. Está disponible a un precio atractivo, de solo 39,99 euros en todas las plataformas.

Por 59,99 € tienes la edición digital Deluxe, que además del juego añade un paquete de música de batalla, un lote de hierbas de apoyo, libro de arte y banda sonora (también digitales).

Dos héroes y un destino singular

Con la saga Tales hablamos siempre de una apuesta segura, basada en la calidad de sus historias, personajes memorables y un sistema de combate rompedor. Y Tales of Xillia Remastered no es una excepción.

Sin ser la mejor entrega de la franquicia, Xillia logró innovar al introducir una evolución importante en los enfrentamientos; pero sobre todo, con una narrativa dual que, desde entonces, no ha sido explorada en posteriores capítulos.

Todos esos elementos dan entidad a este título. Son la mejor baza en una actualización que no pasa de correcta, pero que tampoco altera la magia del juego original.

Si eres fan de la saga, o si buscas un JRPG con sabor tradicional y una historia memorable, Tales of Xillia Remastered está hecho a tu medida. Un juego que nos demuestra que lo clásico puede ser imperecedero, si sus cimientos son los mejores.

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Lanzado primero en PC, ahora Virtua Fighter 5 añade World Stage con su llegada a PS5 y Xbox Series X|S (más adelante en Nintendo Switch 2) para poner solución a uno sus criticados aspectos. En este análisis de Virtua Fighter 5 R.E.V.O. World Stage vamos a ver si consigue mantener la pegada.

Porque recordemos que Virtua Fighter 5 va a cumplir 20 años. Desde su salida en arcades hemos tenido Virtua Fighter 5 R, Final Showdown, Ultimate Showdown y ahora la versión R.E.V.O, más las versiones jugables en títulos como Like a Dragon: Yakuza o Judgment. 

¿Es posible que estemos ante la versión final? Eso parece, ya que World Stage se establece como un recordatorio de cara al próximo Virtua Fighter y una nueva oportunidad para conocer esta saga. Y sí, no hay nada de revolucionario en esta entrega, que compite en inferioridad de condiciones contra Tekken 8, Street Fighter 6 o Mortal Kombat 1, pero aun así, pelea con uñas y dientes dentro del ring.

¿Qué novedades tenemos? ¿Merece la pena concederle una oportunidad a Virtua Fighter 5 después de tantísimos años? ¿Qué es la denominada "fase mundial"? Respondo a todo eso y más en el análisis de Virtua Fighter 5 R.E.V.O. World Stage para PS5, Xbox Series X|S y PC:

• El gameplay de Virtua Fighter 5 R.E.V.O. World Stage: actualizando un clásico de la lucha 3D
• Las novedades de Virtua Fighter 5 R.E.V.O. World Stage: nuevo modo, crossplay y contenido
• El precio, ediciones y plataformas de Virtua Fighter 5 R.E.V.O. World Stage
• La opinión de Hobby Consolas sobre Virtua Fighter 5 R.E.V.O. World Stage
• Nota: lo mejor y lo peor de Virtua Fighter 5 R.E.V.O. World Stage

El gameplay de Virtua Fighter 5 R.E.V.O. World Stage: repasando conceptos del rey de la lucha en 3D

Desde que los inolvidables gráficos poligonales llegasen con el primer Virtua Fighter, la saga ha sabido medirse en el ring con cualquier otro gran nombre del género de lucha al ser pionera en muchos aspectos que han hecho evolucionar las peleas.

El primer juego de lucha en 3D ha ido evolucionando con el paso de los años, aunque desde 2006 no hemos tenido una nueva entrega numérica como tal. Sin embargo, el planteamiento de Virtua Fighter 5 como gran juego de recreativas Lindbergh es el que le ha mantenido siempre a tono.

Obviamente, SEGA y Ryu Ga Gotoku se han encargado de mantener todo lo que hace grande a esta serie con actualizaciones. La mecánica de Ring Out que permite ganar combates expulsando de la arena al rival o su sistema de combate basado en tan solo tres acciones son marcas de la casa.

Virtua Fighter 5 R.E.V.O. World Stage no altera la deliciosa jugabilidad de pasadas versiones. El sistema de combos (puño, patada y guardia) y lanzamientos desprende carácter, fluidez y plasticidad; tanto que muchos soñarían con lanzar ahora un juego con unas bases jugables tan potentes.

Virtua Fighter 5 lleva al máximo exponente eso de "fácil de entender, difícil de dominar" con una variedad absurda de golpes y movimientos para sus 19 luchadores y luchadoras (+1 en esta nueva versión), quienes además presentan una gran diferenciación en técnica y peso.

Quizá la comparativa con otros juegos más modernos le haga perder fuelle en espectacularidad, sin tantos poderes exagerados, ni escenarios extremadamente detallados, pero a la hora de partirse la cara, este juego sigue siendo uno de los reyes del género. 

Quien llegue a VF5 por primera vez gracias a R.E.V.O. World Stage, se encontrará con un juego medido al milímetro que aun se mantiene en forma gracias a todos los recursos ofensivos y defensivos (con esas míticas evasiones tridimensionales) que pone al servicio del jugador.

No hay prácticamente pegas en lo jugable. Ahora bien... ¿Qué pasa si ya conoces todo esto y andas valorando volver con motivo del lanzamiento de esta edición? Pues bien, aquí te dejo todo lo que incluye R.E.V.O. World Stage para intentar atraer la atención de los fans.

Las principales novedades de Virtua Fighter 5 R.E.V.O. World Stage

En cuanto a contenido, el principal atractivo de R.E.V.O. World Stage es un nuevo modo de juego en solitario. World Stage o Fase Mundial se basa en el modo Quest de Virtua Fighter 4 Evolution y permite enfrentarse a una infinidad de retos para ir ascendiendo en el escalafón.

World Stage logra poner un contundente parche a una de las principales debilidades de este juego, la falta de contenido offline. Dado que Virtua Fighter 5 solamente contaba con un escaso modo Arcade y un modo Entrenamiento, esta incorporación le sienta como anillo al dedo.

No creo que World Stage sea un pelotazo, pero sí que ofrece combates a raudales. El objetivo es ir subiendo de nivel al derrotar a jugadores "reales" movidos por una IA que trata de recrear su estilo jugable y habilidades. Puede que sea algo repetitivo, pero al ir subiendo de rango, los combates se recrudecen y aquellos que son clasificatorios se viven como auténticas pruebas de fuego.

Cada escenario permite afrontar decenas de combates (aunque no es necesario superarlos todos para ir avanzando) y además se desbloquean "torneos secundarios" que añaden un extra competitivo. Todo este camino a la cima queda aderezado con cosméticos que rescatan los elementos del conjunto de vestuario E visto en Ultimate Showdown. 

En cuanto a modos, el Entrenamiento también goza de una actualización considerable (de cara a ayudar a nuevos jugadores o a refrescar conceptos si no has estado muy activo con la saga), lo que se agradece. Explicaciones o las prácticas de comandos ahora son más extensos y detallados.

La segunda gran incorporación es Dural, aquel jefe "secreto" al que te podías medir al final del modo Arcade. Ya es un personaje jugable (vía DLC de pago), lo que redondea un completo roster de 20 personajes, muchos de los cuales han recibido algunos ajustes de hitboxes, movimientos y balanceo de peso. 

Dural estaba bastante roto y era muy "tramposillo", así que poder controlarle es un buen aliciente para los jugadores más veteranos de esta entrega. Realizar ahora sus infames lanzamientos es toda una delicia y aprender a manejarle en sus dos modos de lucha puede darte para unas cuantas horas.

En cuanto a otras novedades, Ryu Ga Gotoku vuelve a dejar claro que VF5 siempre estuvo orientado al competitivo y con R.E.V.O. World Stage, el online queda blindado con la presencia del rollback netcode y la llegada (por fin) del crossplay entre PS5, Xbox Series X|S y PC.

La llegada del rollback netcode (el sistema que permite reducir al máximo la latencia del juego en línea y que sea lo más fluido posible) a PC no se caracterizó por implementarse a la perfección en su fase beta. No he podido tantear su desempeño debido a que estos días ha sido imposible encontrar partida, pero actualizaré esta sección lo más pronto posible para ofrecer una valoración.

El rollback netcode se puede personalizar con diferentes opciones que permiten ajustar el retraso de fotogramas de 1 (mayor rendimiento) a 6 (mayor calidad) con el objetivo de alcanzar una experiencia que se adapte a los estándares de cada jugador.

Y en lo que respecta a su nivel técnico, el salto gráfico no es comparable al que supuso Ultimate Showdown, que se aprovechó de su paso al motor Dragon Engine de la saga Like a Dragon para insuflar una segunda vida a un juego con casi dos décadas de trayectoria. 

Obviamente, en materia visual, los años se notan si se compara con Tekken 8 y otros títulos recientes(especialmente en expresiones faciales, textura de los ropajes o  en el cabello), pero es realmente impresionante que Virtua Fighter 5 se conserve tan fresco.

Además, con World Stage en consolas vemos una pequeña mejora al poder disfrutar de resolución 4K y del juego corriendo a 60 fps, lo cual también es un añadido muy positivo tratándose de un título de lucha donde la fluidez es clave. 

Precio, plataformas y ediciones de Virtua Fighter 5 R.E.V.O. World Stage

Virtua Fighter 5 R.E.V.O. World Stage está disponible en PS5, Xbox Series X|S y PC (más adelante en Nintendo Switch 2) por un precio de 19,99 euros en su edición estándar. A esta se suma la edición 30º aniversario con un precio de 49,99 euros, que incluye varios extras.

Destacan el conjunto de bañadores del 30.º aniversario, banda sonora del 30.º aniversario de Virtua Fighter, arte de la preproducción de Virtua Fighter, DLC Pack legendario, DLC Pack Colaboración con la serie Yakuza, títulos de rango del 30.º aniversario y fondos de pantalla del 30.º aniversario.

Por otra parte, el juego se actualizará gratuitamente en PC si ya te hiciste con la versión R.E.V.O. lanzada a principios de 2025. Por otra parte, si ya tienes Virtua Fighter Ultimate Showdown para PS4, esta nueva edición incorpora un descuento que deja al juego en 9,99 euros. 

No es R.E.V.O.lucionario, pero sí un gran juego de lucha

Dos décadas y no pocas versiones después, Virtua Fighter 5 recibe la que por fin parece ser la edición definitiva que aglutina una magnífica jugabilidad, dos mejoras imprescindibles para llevar la competición online al máximo nivel y unos extras para contentar a todos los tipos de público y fans.

World Stage consigue ofrecer un parche (quizá algo apresurado, pero competente) al raspón que fue sacar R.E.V.O. en PC a comienzos de 2025 sin apenas nuevo contenido para un jugador y la llegada de Dural sirve como postre para quien quiera disfrutar de nuevos combos y técnicas.

Aún así, la política de precios se lleva por delante lo que podría haber sido una gran edición definituiva. Que Dural como nuevo personaje venga en un DLC independiente a 7,99 euros es algo bastante incomprensible, como también lo es que los packs cosméticos de Yakuza o Tekken no estén incluidos y también tengas que desembolsar 9,99 euros por cada uno.

Teniendo ejemplos de bastante mejor hacer como Street Fighter V Champions Edition, que incorporó los personajes de varias temporadas y también infinidad de contenido cosmético por un precio similar al juego que nos ocupa, esta nueva edición de VF5 podría haber seguido sus pasos.

Lo cierto es que Virtua Fighter 5 R.E.V.O. World Stage es un gran juego y una buena versión que añade aquello que más se necesitaba, pero después de tantas ediciones y de tantos años, que siga habiendo barreras de pago es algo que empaña lo que podría haber sido un K.O. perfecto.

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Aunque el juego también está disponible en PS5, PC (jugable en Steam Deck, ROG Xbox Ally y otros PC consolizados) o Xbox Series X|S, yo lo tenía para la primera híbrida de Nintendo, pero tras el anuncio de la actualización gratis preferí esperar para que este análisis de BALL x PIT fuera con la mejor versión posible y así disfrutarlo en las mejores condiciones en modo portátil.

Y vaya si lo he disfrutado. Lo más meritorio de todo es que, aunque ya estés un poco harto de las propuestas Roguelite tras el soberbio Hades II, o incluso de los clones de Vampire Survivors que parecen todos iguales, lo nuevo del desarrollador independiente Kenny Sun tiene la suficiente personalidad para sentirse algo nuevo y distinto.

Si bien es fácil encontrar todas las referencias de las que bebe, es algo más complicado explicar "en condiciones" todo lo que hace bien BALL x PIT, aunque lo voy a intentar sin arruinar en exceso la experiencia para quien quiera llegar de nuevas al que, para mí, ya es uno de los mejores indies de 2025, con permiso de Clair Obscur: Expedition 33, Hollow Knight Silksong, Absolum o Hades II.

Que no te engañen sus gráficos que recuerdan a la primera generación de PlayStation, ni lo sobrio de sus escenarios: una vez que entras en su bucle jugable, es adictivo como pocos juegos, y créeme que te costará soltarlo más de lo que podías haber imaginado la primera vez. Vamos con el análisis de BALL x PIT para Nintendo Switch 2, Switch, PS5, PC y Xbox Series X|S.

• La historia y jugabilidad de BALL x PIT
• Dificultad de BALL X PIT
• Duración de BALL x PIT
• Precio y dónde puedes jugar a BALL x PIT
• La opinión de Hobby Consolas de Ball x PIT
• Nota, lo peor y lo mejor

Aventuras, tesoros y muchas bolas en Bolabilonia

BALL x PIT no se anda con rodeos y despacha su historia en apenas 3 minutos: un meteorito cae y se lleva por delante el fantástico reino de Bolabilonia (me gusta más el nombre original, Ballbilonia, todo sea dicho), creando un profundo y oscuro foso en el lugar donde estaba la ciudad.

A la zona de la catástrofe acuden todo tipo de aventureros, que se internarán en el foso atraídos por los tesoros de la ciudad, aunque para conseguirlos tendrán que enfrentarse a todo tipo de peligros. Pero que no te engañen estas pinceladas, la trama es lo menos importante y simplemente es la excusa para lanzarte a la cara 8 niveles, que irás desbloqueando, con temática 100% roguelite.

Así, comenzamos teniendo un único personaje manejable, un guerrero, con unos stats que podemos mejorar permanentemente en cada run o intentona, mientras que otras habilidades, como los ataques que vamos eligiendo (siempre entre varias opciones disponibles) y los efectos adicionales (como mayor % de posibilidad de ataques críticos), los perdemos al morir.

La mecánica en general del juego es muy simple: con nuestro personaje, avanzamos por un pasillo, por el que van bajando unos bloques de distinto tamaño, aunque con cierta similitud a los de Arkanoid, pero que en realidad son enemigos como esqueletos o carros.

Este pasillo puede ensancharse o contraerse en determinados momentos mientras avanzamos, albergando a más o menos enemigos y, además, en cada nivel tiene una ambientación distinta (desierto, nieve...)...

Nuestro personaje se mueve en todas las direcciones con stick izquierdo, y con el derecho, apuntamos para lanzar nuestros proyectiles, una serie de bolas que rebotan por las paredes y causan un daño que podemos potenciar de diversos modos..

Nuestro personaje comienza con una bola que "le define" (por ejemplo, afín al fuego) y unos rasgos (movimiento más lento, disparo más rápido...), y a medida que vamos subiendo de nivel recogiendo las gemas que sueltan los enemigos, podemos elegir objetos que nos confieren ataques adicionales (rayos, terremoto...), así como efectos, por ejemplo veneno o congelación.

Podemos tener hasta 8 de estos objetos, pero lo mejor de todo es que también podemos subirlos de nivel e incluso fusionarlos para crear nuevas herramientas de destrucción con ambos efectos combinados (y además hacemos hueco para incorporar más objetos).

En total hay 60 de estos objetos, y más de 80 tipos de enemigos distintos, sin contar que, a medida que vamos avanzando vamos desbloqueando nuevos personajes con los que jugar (que suelen tener distintas características, un ataque inicial distinto y diferentes combinaciones de stats). Sobre esto hablaré un poco más adelante...

En este sentido es un mucho de Vampire Survivors, pero la mecánica de juego no tiene nada que ver, y se parece más a Breakout con un poco de Tetris y bullet hell: los enemigos nos disparan y aunque en los primeros niveles no son excesivos los proyectiles, a medida que vamos desbloqueando los sucesivos para bajar más por el hoyo, más complicada se pone la cosa. Y espera a ver a los jefes...

Y es un poco de Tetris porque, cuando los enemigos llegan a la parte inferior de la pantalla, si no los hemos destruido, nos causarán daño... y si perdemos toda la vida, se acabó la run. Por suerte, en todo momento vemos una barra en un lateral de la pantalla que nos indica en qué punto del nivel estamos, y cuándo llegamos a los jefes.

Podemos activar un autodisparo para que las bolas salgan disparadas automáticamente o, por el contrario, tener más control para apuntar y dispara cuando queramos, aunque reconozco que una vez que te acostumbras a jugar con el autodisparo, la cosa fluye a una velocidad de locos...

Y aunque esta es la parte principal del juego, lo cierto es que hay más: al terminar la run podemos volver a la superficie, donde nos espera la parte Sim City. En nuestras runs podemos conseguir pergaminos de casas y otras construcciones que podemos levantar... si tenemos los recursos necesarios.

Aquí vas a necesitar oro, madera, roca y trigo para poder crear desde "sembraos" a arboledas y casas que irás construyendo para dar forma a Nueva Bolabilonia (hay cerca de 70 construcciones). Puedes ampliar el terreno para levantar los edificios que consigas, como la armería, una casa encantada o la del Sheriff, y algunas te proporcionarán nuevos personajes cuando estén terminadas.

Pero no esperes que se hagan solas: tendrás que "lanzar" a los personajes que hayas desbloqueado contra estos edificios para que reboten varias veces contra ellos y los construyan, además de recoger el grano de los campos, o la piedra de las rocas, que hayas puesto en el terreno. Lo único malo es que es un proceso bastante lento (solo pueden recolectar una vez entre runs, y dura unos segundos).

Esta parte de la gestión de la ciudad es bastante ligera por regla general, con opciones muy sencillas y directas, porque el propio juego es consciente de que el grueso del juego está en los niveles y las runs, y esta característica es más un "entremés".

¿Es BALL X PIT un juego difícil?

Si tienes experiencia en los roguelites, ya sabes lo que te espera. Al principio tus personajes son unos enclenques, y probablemente tendrás que repetir el nivel varias veces para fortalecerte, ver qué combinaciones de ataques y efectos son más efectivas...

Es una "dificultad" intrínseca al género, pero no es injusta o desproporcionada. Gira en torno a volverte más fuerte y repetir. Y bueno, luego lo hábil que seas apuntando y lanzando las bolas.

Eso sí, es un juego diseñado para avanzar relativamente lento. Por ejemplo, para desbloquear el siguiente nivel necesitas dos engranajes, que se consiguen completando la run con dos personajes distintos (un engranaje por personaje).

Esta decisión de diseño, a su vez, no facilita mucho que experimentes mucho con otros personajes: al final, intentarás avanzar con los que tienes más evolucionados, aunque cada uno implica formas de jugar o tácticas ligeramente distintas.

¿Es BALL x PIT un juego largo?

Pues dependerá mucho de lo habilidoso que seas con los roguelite, y con el estilo de juego de esta propuesta... pero ya te digo que si quieres verlo absolutamente todo y desbloquearlo todo, tienes para bastante rato. Sin ir más lejos, para desbloquear los 16 personajes tendrás que invertir tiempo.

Sirva como dato que una run "normal" supera los 20-25 minutos por regla general, aunque olvídate de superar los 16 niveles a la primera (cosa que debe ser prácticamente imposible porque tendrás que mejorar a los personajes antes, dedicar algo de tiempo a la ciudad...). Eso dejaría más de 5 horas de juego, pero ya te digo que son muchas, muchas más.

Completar la historia de BALL x PIT puede llevar entre 17-20 horas, y desbloquearlo todo, puede llevar fácilmente más de 30 horas. Y si quieres experimentar y mejorar a todos los personajes, pues... Y eso sin mencionar que tiene rankings online, por si eres de los que te picas con los récords.

Precio y dónde puedes jugar a BALL x PIT

Por si todo esto que te acabo de contar no fuera suficiente, el nuevo juego de Devolver tiene un argumento más para convencerte. Como Hollow Knight Silksong, BALL x PIT es un juego muy barato, que puedes comprar por 14,99 euros.

De lanzamiento, solo ha estado disponible en formato digital, para PS5, PC, Xbox Series X|S y Nintendo Switch (actualización gratis para Switch 2), aunque como muchos juegos de Devolver ha acabado teniendo edición física meses después, como El Pequeño Escudero o The Messenger.

De hecho la edición física se lanzó el 29 de mayo de 2026, disponible tanto en PS5 como Nintendo Switch (de nuevo, la actualización a Switch 2 es gratuita, y mejor eso que una Key Card), a un precio de 34,99 euros. Lo bueno es que trae algunos extras, como un póster con todas las bolas y tarjetas con objetos y personajes del juego, que os mostramos en la galería que hay sobre estas líneas.

La opinión de Hobby Consolas de BALL x PIT

Si mordiste el anzuelo con Dead Cells, o Hades, lo cierto es que BALL x PIT deja una sensación parecida, si bien su estilo de juego es muy distinto. Su bucle de mejora y repetición y la simple y adictiva jugabilidad que invita a seguir probando son un vicio al que resulta difícil decir que no. Eso de "una partida más y ya" lo vas a pensar más de una y de dos veces. Y no lo vas a cumplir.

Se le puede reprochar que la parte de simulación de ciudad es menos divertida, que los gráficos son un poco simplones (aunque en Switch 2 se mueve a 60 fps constantes y en modo portátil es muy disfrutable), que las runs son un poco largas si buscas algo para partidas muy cortas o que su estructura tampoco fomenta en exceso la experimentación con personajes.

Pero, aún con todo lo que no es perfecto, BALL x PIT consigue atrapar a lo grande como pocos juegos lo consiguen. Y si encima tenemos en cuenta que cuesta menos de 15 euros, pues apaga y vámonos: Switch 2 cada vez tiene más juegos por debajo de 15 euros que merecen mucho la pena, como Fast Fusion, aunque aquí no se explota ninguna característica única de la consola.

Por todo, dale una oportunidad de BALL x PIT. Aunque no te gusten los roguelites. Aunque no te guste la mezcla de géneros que propone. Aunque sus gráficos no te digan nada. BALL x PIT puede resultarte uno de los juegos más divertidos y adictivos del año, a poco que conectes con su entretenida propuesta.

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El juego de PS5, Xbox Series X|S y PC llega justo a tiempo para hacer que disfrutemos (y suframos) este Halloween. Tormented Souls 2 busca... atormentarnos, pero también sacar una nostálgica sonrisa a quienes disfrutaron de los primeros pasos del survival horror de los años 90.

Caroline Walker vuelve a poner su ojo en los padres de este género (Alone in the Dark, Silent Hill y especialmente el Resident Evil original) para darnos un viaje de estrechos pasillos, cámaras fijas y sobresaltos a la vieja usanza. Vamos con el análisis de Tormented Souls 2:

• El gameplay de Tormented Souls 2: refinamiento jugable del survival horror clásico
• La dificultad de Tormented Souls 2 y sus nuevas opciones de accesibilidad
• Precio, ediciones y plataformas de Tormented Souls 2
• La opinión de Hobby Consolas sobre Tormented Souls 2
• Nota: lo mejor y lo peor de Tormented Souls 2

La historia y gameplay de Tormented Souls 2: un espeluznante viaje al pasado

Tormented Souls 2 es una continuación directa, pero no es necesario haber jugado a la primera aventura para poder disfrutar la secuela. La idea sigue siendo la misma, fijarse en los clásicos. Y es que, desde un primer momento, el juego persigue esta idea mostrando, por ejemplo, un paisaje montañoso como si esto fuera la cordillera Arklay de RE.

No obstante, a donde se dirigen las hermanas Walker es a Villa Hess, un apartado pueblo chileno que parece esconder la cura para los problemas mentales que padece la joven Anna. Dejamos atrás el hospital Wildberger para meternos en un complejo bastante más acogedor.

Pero pronto, los acontecimientos dan un giro. Caroline despierta sin su hermana pequeña tras ser recibidas por las monjas del convento de Villa Hess para destaparse que aquí hay gato encerrado. Algo extraño y perturbador está sucediendo dentro de estas antiguas paredes.

A partir de ahí, la narrativa de Tormented Souls 2 avanzará a la par que lo hace el jugador mientras trata de rescatar a Anna de las garras de un culto francamente inquietante. Si bien el guion no es una revolución, lo que propone sirve como buen acompañamiento al gameplay.

Al rendir tantos honores a las grandes joyas primerizas del survival horror, Tormented Souls 2 puede llegar a pecar de previsible con su desarrollo de la historia, pero el universo creado por Dual Effect tiene lo necesario para atraparte. Es un gusto ir conociendo todo lo que hay detrás del relato.

Y esto es gracias a una jugabilidad clásica que sabe, perfectamente, cómo ganarse a los fans. Sí, lo de crear un survival horror tributo no es algo ajeno a la actualidad del videojuego. Títulos como Crow Country, el propio primer Tormented o el español Post Trauma pueden haber hecho que la tendencia resulte algo cansina, pero Tormented Souls 2 tiene algo que atrapa.

La atmósfera de Villa Hess es magnífica. Este ya fue un punto muy destacado en el primer juego, pero ahora, los pequeños avances técnicos y la experiencia acumulada que aporta el equipo dan forma a un mapeado que engancha nada más dar tus primeros pasos.

Cierto es que en las escenas cinemáticas, la manufactura técnica evidencia que estamos ante el trabajo de un equipo más humilde en cuanto a valores de producción. Pero en el momento en que el juego nos mete de lleno en los planos con cámaras semifijas, todo comienza a sentirse genial.

Dual Effect demuestra que saben cómo definir mapas que te lleven a explorar, mediante el backtracking o vuelta atrás, cada uno de sus rincones. El diseño de niveles de Tormented Souls 2 es muy potente en cuanto a forma (pese a que haya algún segmento más largo de lo recomendado).

Y también es muy inmersivo. Como decía, la atmósfera y variedad de sus zonas están genialmente introducidas gracias al uso de una notable iluminación que se vincula jugablemente al pavor que siente Caroline por la oscuridad y el uso constante del mechero para no caer en las sombras.

Hay ubicaciones verdaderamente espeluznantes y "malrolleras" (con algún que otro jumpscare y un gran diseño de sonido lleno de efectos inquietantes) que se sirven de la iconografía religiosa, y también de otras fuentes de inspiración tétricas, para meterte de lleno en sus claustrofóbicos espacios regidos por ángulos de cámara bien escogidos para hacer frente a enemigos y puzles.

En este sentido, el juego vuelve a contar los mismos aciertos y errores que su predecesor. Los puzles siguen presentando un gran nivel, tanto en cómo están colocados en el escenario, como a la hora de resolverlos y entregar jugosas recompensas para seguir progresando. 

En nuestra entrevista con los hermanos responsables del juego, Gabriel y Germán Araneda Quijada, nos comentaban que habían "intentado crear puzles desafiantes que obliguen al jugador a pensar fuera de la caja" y lo cierto es que el resultado convence sin reservas.

Los rompecabezas son variados e incluso interactúan los unos con los otros al permitirnos combinar y examinar los objetos y elementos del mapeado. Su importancia es tal que hasta están integrados en los encuentros contra jefes. Lo mejor, es que son bastante más en número que en el primer juego.

El combate es la parte más floja. El control tanque no es el problema, sino que en muchos momentos, esa rigidez de un sistema clásico como este podría haberse evitado con alguna implementación mecánica que lo hiciese más flexible.

Las armas improvisadas como la pistola de clavos o una curiosa escopeta son ahora más accesibles gracias a accesos directos colados en cada dirección del joystick derecho, pero la innecesaria resistencia de los enemigos hace que los enfrentamientos se puedan hacer algo de bola.

Muchas de las desagradables criaturas del juego aguantan demasiado y la dependencia de Caroline del mechero impide, en ocasiones, resolver las contiendas con una mayor eficacia (aunque esto último se soluciona al avanzar en la trama, que puede llevarte sus 12 horas).

La dificultad de Tormented Souls 2. ¿Es un juego difícil?

Tormented Souls 2 es un juego bastante exigente si juegas en modo normal (hay un modo más sufrido que se puede desbloquear). Esto radica en el "arcaico" sistema de guardado que Dual Effect se ha atrevido a mantener también en esta secuela.

El guardado por cintas de grabación en salas específicas es una de las señas de identidad de la saga, que alude a las máquinas de escribir y otros métodos pasados para salvar la partida. Este sistema tiene algunas cosas buenas y otras malas.

Morir un buen tiempo después de haber guardado puede generar una frustración tremenda, pero es esto lo que le aporta el toque picante al juego, ya que no estamos tan habituados como antes a enfrentarnos a situaciones tan desesperadas para intentar evitar perder parte del progreso.

Aun así, Dual Effect ha implementado un modo asistido que realiza un guardado cada vez que entremos en una nueva sala, lo que impide que perdamos masivos progresos si no conseguimos guardar la partida a tiempo en una sala.

El problema es que este modo asistido también trae opciones de accesibilidad como mayor munición, que los enemigos sean más vulnerables o que Caroline recupere salud. Todo eso está bien, pero no habría estado mal que la opción de guardado automático se pudiese asociar a una partida en modo normal para quienes solo buscan contar con esta ayuda y no con el resto.

Precio, plataformas y ediciones de Tormented Souls 2

Tormented Souls 2 está disponible en formato digital para PS5, Xbox Series X|S y PC con un precio de 29,99 euros. También puedes conseguir el juego en formato físico para PS5, a un precio de 39,99 euros (el único extra es el interior de portada impreso, como si fuera el manual de una de las armas). Y que sepas que hay una demo gratuita jugable por si quieres probarlo antes.

Adicionalmente, Tormented Souls 2 también cuenta con una Deluxe Edition de 34,99 euros que incluye el traje clásico de Caroline y el traje de motera rebelde de Caroline. Este pack cosmético también se puede comprar por separado.

Para lo que me queda en el convento...

Tormented Souls 2 es continuista y quizá no impulse una barbaridad lo visto en el primer juego, pero Dual Effect nos deja un título más refinado, que sirve como gran homenaje a una época en donde los videojuegos eran muy diferentes a lo que tenemos hoy en día. Dos finales, rejugabilidad, mayores desafíos, esas señas de identidad perduran gracias a este juego.

Quizá la narrativa podría desvincularse de lo establecido y el combate incorporar un toque de modernidad diferencial, pero la atmósfera, los puzles y el nivel de detalle de los escenarios consiguen formar un juego estupendo para quien adore el survival horror en su faceta más clásica.

Las idas y venidas por el convento y Villa Hess sirven como recordatorio de por qué sagas como Resident Evil o Silent Hill han llegado a ser auténticos colosos. Tormented Souls 2 no alcanza las magnitudes de esos grandes nombres, pero camina entre gigantes con una enorme dignidad.

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Pero no es menos cierto que, en 5 años, la tecnología ha avanzado a la velocidad de la luz, y prueba de ello es  este análisis de Razer Raiju V3 Pro, el nuevo mando Pro para PS5 y PC que incluye algunos importantes avances técnicos recientes, como dejar atrás los sticks Hal-Effect para ofrecer algo más eficiente de cara a combatir el llamado efecto deriva o "drift".

Todo, sin dejar de ofrecer la práctica totalidad de elementos que hacen que un mando sea verdaderamente pro: desde cuatro botones traseros extra a sticks personalizables, gatillos ajustables o un software que te permitirá ajustar sus zonas muertas, asignar funciones a los botones extra y un sinfín de cosas más.

Son solo algunas de las cosas que vamos a ver en este análisis de Razer Raiju V3 Pro: review con test y opinión del nuevo mando Pro para PS5 y PC que ya está disponible. En concreto, me voy a centrar en estos aspectos.

• Unboxing, diseño y características de Razer Raiju V3 Pro
• Experiencia de uso: las novedades de Razer Raiju V3 Pro y prestaciones que lo hacen brillar
• Configuración: para exprimir el Razer Raiju V3 Pro al máximo necesitas un PC o móvil
• Una ausencia que he echado en falta en Razer Raiju V3 Pro
• Versiones y precio del Razer Raiju V3 Pro
• La opinión de Hobby Consolas ¿Merece la pena comprar el Razer Raiju V3 Pro?

Unboxing y primer contacto con Razer Raiju V3 Pro

Como todos los productos con licencia oficial PlayStation, Razer Raiju V3 Pro viene presentado en una caja bitono, en colores blanco y azul, con el tamaño justo para albergar los dos elementos que contiene en su interior y que, todo sea dicho, vienen bastante bien organizados.

Por un lado, está la funda rígida (que no estaba incluida en el Wolverine V2 Pro de PS5), que en su interior contiene el mando y los accesorios que vamos a usar de manera más recurrente, como son el dongle Hyperspeed (para conectarlo a PS5 y PC de manera inalámbrica, con el estándar de 2,4 Ghz de Razer), además de un pequeño destornillador y dos sticks intercambiables.

El otro elemento es una pequeña caja de cartón que contiene el cable de 2 metros USB-A a USB-C (para usar el mando de manera cableada), además de dos juegos extra de botones traseros intercambiables, con tamaños y formas ligeramente distintas, para que usemos las que más nos gusten.

El único "pero" en este apartado es que no hubiera estado de más que estos cuatro botones traseros también tuvieran su espacio en la funda de transporte, bien en una cajita, bien con huecos donde podamos insertarlas. Pero, no es menos cierto que una vez que coloques las que más cómodas te resulten, no es la típica cosa que vayas a estar cambiando cada dos por tres...

Nada más sacar el mando de la caja, se nota que estamos hablando de un producto de Razer por los acabados de calidad: agarres de goma texturizados, cuatro botones traseros M con un nuevo diseño más cómodo y funcional que en el Wolverine v2 Pro... También mantiene los dos botones superiores M, ideales para quienes suelen jugar con el agarre "de garra", y el botón frontal para cambiar de perfil.

Del tacto de los botones hablaremos más adelante, pero ya os adelanto que es una de las claves aquí para conseguir pulsaciones rápidas y fiables, con clics "de ratón", para que la distancia que debe recorrer el botón para registrar la pulsación sea minúscula...

Quizá, de primeras, lo que más llama la atención de todo es que estamos hablando de un mando Pro para PS5 con disposición simétrica (al estilo de los mandos de Xbox Series X|S y Xbox One), es decir, en el que la cruceta queda por encima del stick izquierdo. Para muchos, esta disposición es la más cómoda para jugar aunque, como en todo, hay opiniones en contra. Es cuestión de gustos.

Desde el punto de vista de la ergonomía, es un mando que respeta las formas de un Dualsense, con unas empuñaduras algo más alargadas y estilizadas que en el mando de Xbox, si bien es cierto que el resto del cuerpo logra mantener un equilibrio que también se parece al mando de Xbox, y no solo por la disposición de los sticks. 

También mantiene los dos selectores traseros, que nos permiten cambiar entre plataforma (PS5 y PC), así como el modo de conexión, entre inalámbrica y cableada. Es algo habitual en los mandos Pro multiplataforma.

En cualquier caso, es un mando ligero, de 262 gramos, que no se siente pesado entre las manos tras una larga sesión,con el peso muy bien distribuido por todo el cuerpo, no vas a notar que una zona se sienta más pesada que otra. 

Son 22 gramos menos que un Duansense, aunque la sensación es que pesa incluso menos. Y es muy, muy cómodo, con un tacto muy parecido al del Razer Wolverine V3 Pro que salió en 2024 para PC y Xbox Series X|S, aunque con muchas novedades y diferencias técnicas...

Las novedades de Razer Raiju v3 Pro ¿qué prestaciones le hacen destacar como mando Pro?

En los últimos años, hemos visto numerosos avances que se han ido convirtiendo en la norma para este tipo de mandos, como los topes para los gatillos que limitan su recorrido, y lo cierto es que Razer Raiju V3 Pro incorpora todos estos elementos que han ido incorporando los mandos Pro, pero en casi todos los casos con un "giro" con tecnología propia que añade alguna novedad interesante.

Por seguir con el ejemplo de los topes para los gatillos, integran los llamados Razer Hypertriggers, que literalmente transforman el gatillo analógico en un botón con interruptor de ratón (para conseguir una pulsación rápida), al limitar su recorrido. Al tacto, es casi como si estuvieras pulsando un botón como el de un Deathadder V4 Pro.

Esto es especialmente útil en los shooters y juegos competitivos en los que necesitas una respuesta rápida, digital, sin tener que presionar apenas el gatillo, para ganar décimas de segundo con cada disparo con un gatillo sin apenas recorrido.

Estos "interruptores de ratón" están también presentes en los 4 botones M traseros, y por el tacto, diría que también en los dos superiores, y todos ellos son configurables a través de Razer Synapse 4 o la app de mandos de Razer para teléfonos móviles (disponible en Android e iOS). 

Pulsar estos botones es una delicia, no solo porque la pulsación se registra a la velocidad del rayo y sin tener que recorrer apenas distancia de actuación; también por la respuesta táctil y sonora, con un agradable "clic" (que no es nada ruidoso).

Lo mejor de todo es que estos cuatro botones traseros van atornillados al mando (el tornillo está escondido por una pestaña de goma), y permiten configurarlos como quieras: puedes dejar solo dos, si solo usas dos botones traseros, o cambiarlos por los cuatro adicionales que vienen en la caja, con distintas formas, si los que vienen de serie no te terminan de parecer cómodos (no ha sido mi caso). 

El tacto también es fabuloso en los botones frontales, que cuentan con interruptores meca-táctiles, con un tacto fabuloso, y una hiperveloz respuesta con un feedback sonoro con el nivel de ruido justo (el "clic"  es bastante más tenue y leve que al pulsar una tecla de teclado mecánico, por poner un ejemplo).

Pero, quizá, uno de los aspectos más interesantes de todo, son los nuevos sticks TMR (Tunneling Magnetoresistance o Túnel de MagnetoResistencia), una nueva tecnología que, como Hal Efect, usa electroimanes para eliminar el desgaste de las piezas por rozamiento, y así evitar el drift o deriva. Razer los usó por primera vez en su fabuloso mando para móviles Razer Kishi V3 Pro.

La novedad de esta tecnología es que es más eficiente, consume menos energía, y además, tiene mayor "resolución", lo que redunda en la precisión de nuestras acciones con el stick. De primeras pueden parecer unos sticks algo más blandos, pero recuperan la zona neutral a la velocidad del rayo y tampoco vas a necesitar un periodo de adaptación para hacerte a ellos (son configurables).

Apuntar con ellos en shooters como el reciente Battlefield 6, Marvel Rivals o Fortnite es una delicia, gracias a funciones como el llamado "embrague de sensibilidad", que nos permite asignar un botón a esta característica para desminuir la sensibilidad del stick mientras apuntamos, algo que puede resultar muy útil cuando necesitamos ser todavía más certeros a la hora de apuntar.

Además, estos sticks cuentan con piezas intercambiables para modificar la parte superior. En la caja se incluyen dos de estos recambios, uno con el palo más largo y superficie cóncava (ideal para el stick derecho para apuntar en shooters) y otro con la superficie convexa. Como siempre digo en estos casos, nunca estaría de mas incluir más piezas con otros tamaños...   

También me han gustado muchísimo la sensaciones que deja la cruceta flotante, que tiene respuesta táctil y se puede configurar para que se comporte como una cruceta de cuatro u ocho direcciones. Lo cierto es que las diagonales las registra de maravilla.

En juegos como Tekken 8, que requieren técnica y precisión a la hora de ejecutar ciertos movimientos, combos y especiales, su comportamiento me ha parecido excepcional y con una respuesta rapidísima.

Además, en el caso de registrar dos pulsaciones contrarias al mismo tiempo, por ejemplo, si hemos cogido algún vicio a la hora de realizar un movimiento concreto, podemos determinar qué comportamiento queremos que tenga, bien neutro, bien reconociendo la primera o la última pulsación en estos casos. Vamos, que vas a poder configurar el mando hasta para que arregle tus fallos...

Configuración: para exprimir el Razer Raiju V3 Pro al máximo vas a necesitar un PC o un móvil

Según sacas el Razer Raiju V3 Pro de la caja puedes empezar a usarlo... pero lo cierto es que tal cual viene de fábrica no vas a poder exprimir todas las funciones que ofrece. Los usuarios fieles a la marca ya saben que para sacar todo el jugo a los periféricos de Razer, necesitas el software oficial Razer Synapse 4 para PC o el app Razer Controller para móviles, como pasa en este caso.  

Que lo puedas hacer desde el móvil es realmente cómodo, primero, porque este nuvo mando tiene capacidad para guardar cuatro perfiles en memoria, que podemos configurar bien por juego, bien por género, usuario o como nosotros queramos. Incluso podemos asignar el nombre que queramos a cada perfil dentro del app, para que sea más fácil identificarlos cuando vayamos a modificarlos.

Como el buen observador habrá detectado, en la parte frontal del mando hay un botón adicional, justo encima del de mutear el micro, que es el encargado de cambiar de perfil (se debe pulsar junto a X, triángulo, círculo o cuadrado, para cambiar entre los 4 pefiles). Una vez configurado todo, no necesitamos el PC o el app salvo para hacer modificaciones, todo se queda guardado en el mando.

Las opciones de configuración de Razer Raiju V3 Pro son realmente amplias y diversas, y podemos desde configurar el mencionado embrague de la sensibilidad para los sticks (y el grado de sensibilidad de los sticks), así como como las zonas muertas, la tasa de sondeo de los sticks (entre 250 y 500hz) o recalibrarlos si lo necesitamos.

Por supuesto, también podemos asignar que botón queremos replicar en los botones M (no hay opción de configurar macros o secuencias), así como ajustar el rango de los gatillos y su comportamiento (entre digital y análógico), el tipo de cruceta y los mencionados ajustes SOCD (al pulsar dos direcciones opuestas al mismo tiempo), perfil de ahorro de energía...

Lo cierto es que el app para móviles es igual de completa que la de escritorio, y te permitirá configurar el mando al vuelo, desde el propio sofá, sin necesidad de ordenador o de tocar el mando, registrando todos los cambios de manera inmediata a través del Bluetooth.

Y además, es un proceso muy sencillo: con el app en el móvil y el mando enchufado a la consola a través del dongle, solo necesitas mantener presionados a la vez los botones de mutear el micrófono y el de cambio de perfil durante unos segundos, hasta que el led parpadeé en tono azul. Y listo. Más fácil imposible...

Aspectos que he echado en falta en Razer Raiju V3 Pro

Como habrás podido intuir si has leído hasta aquí, todo lo que ofrece el mando me ha encantado: el tacto de los botones, la personalización de los botones traseros M, el diseño asimétrico, la respuesta de las palancas TMR, sus opciones de configuración, la funda rígida de transporte... es un mando que no da puntada sin hilo, todo está muy bien planteado.

Pero aun con las cosas buenas, hay dos aspectos que he echado en falta, y es algo que también estaba ausente en el anterior mando Pro de Razer para PS5, el Wolverine V2 Pro. Me estoy refiriendo, en primer lugar, a la ausencia de vibración háptica, un elemento que muchos consideran un aspecto diferenciador del mando de PS5. Aquí no hay vibración de ningún tipo.

Razer no ha explicado el motivo, pero puede deberse a varios factores, desde evitar despistes, a garantizar una mayor autonomía de la batería (tampoco tiene luz RGB) o que sea un elemento que pueda interferir con los sticks TMR o reducir su fiabilidad. Lo cierto es que lo desconozco.

Pero no es menos cierto que, quienes jueguen al máximo nivel competitivo, de lo que menos se van a preocupar es de si el mando vibra o no. No es una característica que sea vital a la hora de jugar al máximo nivel, y el resto de componentes que incluye el mando sí ayudan a marcar la diferencia.

Lo mismo es aplicable a los gatillos adaptativos, que van precisamente en contra de la filosofía de un mando Pro, y entiendo que no estén presentes: para qué voy a querer que el gatillo ofrezca resistencia a la pulsación, si lo que quiero es que la detecte lo más rápido posible...

Puestos a pedir, tampoco estaría de más que Razer tuviera app en PS Store para poder configurar los accesorios, pero en esto parece que es más un problema de la política de PlayStation con las appas de terceros que de la propia Razer.

Modelos y precio del Razer Raiju V3 Pro

Los mandos Pro de gama alta, con los componentes más punteros, no son nada baratos, y Razer Raiju V3 Pro entra dentro de esta categoría, si bien es cierto que no es de los más caros, y más si tenemos en cuenta todos los componentes top y los extras que incluye, incluida la funda o todas las piezas intercambiables.

Aclarado este punto, Razer Raiju v3 Pro se ha puesto a la venta por 209,99 euros, que son 10 euros más barato que Dualsense Edge (aunque se puede encontrar más barato en Amazon) y 30 más barato que los 239 euros que cuesta el Scuf Reflex Pro, lo que lo convierte en una alternativa más que sobresaliente para quienes busquen un mando de estas características.

Se puede encontrar en dos tonalidades, una completamente negra (que es la que he podido probar) y otra que, como el Dualsense, tiene zonas blancas y otras negras. Pero en términos de funcionalidad, son el mismo mando.

La opinión de Hobby Consolas de Razer Raiju V3 Pro ¿Merece la pena?

Llegamos al final del análisis del Razer Raiju V3 Pro para PS5 y PC (compatible también con Steam Deck o ROG Xbox Ally X si usas un dock) donde creo que ha quedado bastante claro que nos encontramos ante un mando espectacular para quienes quieren competir al máximo nivel. 

Todo en él es sobresaliente, desde el diseño y ergonomía a los componentes utilizados, que destacan por aspectos decisivos, como la precisión o la velocidad de respuesta, pero que además convencen con otras características que pueden resultar más "secundarias", como el tacto, o las opciones de personalización. 

Los botones M son una delicia, como lo son las robustas opciones para configurar el mando, con el objetivo de que Razer Raiju V3 Pro responda en los juegos como tú necesitas (es el caso, por ejemplo, del embrague de la sensibilidad, para modificar la sensibilidad al vuelo). Y lo mejor de todo es que puedes hacerlo desde el móvil, algo que es otro acierto.

Siendo un mando espectacular, Razer Raiju V3 Pro solo tiene en su contra dos aspectos: el precio, pero no porque sea disparatado para todo lo que ofrece (de hecho, el precio resulta más competitivo que el de otros mandos Pro): siguen siendo más de 200 euros, una cantidad que muchos bolsillos no pueden permitirse. El otro aspecto es la falta de vibración.

Pero si lo que quieres es un mando Pro con mejores tiempos de respuesta y componentes a la última para competir al máximo nivel, que no te quepa la menor duda: tienes ante ti una de las mejores opciones disponibles en estos momentos.

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21 años después llegamos a este análisis de Once Upon a Katamari, la nueva entrega que llega a PS5, Nintendo Switch, Xbox Series X|S y PC (y jugable en dispositivos como Steam Deck o ROG Xbox Ally X) a partir del 24 de octubre de 2025.

Cabe destacar que Once Upon a Katamari es la primera entrega original para consolas desde 2012, año en el que se lanzó Touch My Katamari para PS Vita, aunque en este tiempo la saga ha estado muy activa con lanzamientos para móviles y remasters en los que no ha participado el creador original, Keita Takahashi, que dejó atrás la saga Katamari en 2009 (este año lanzó To A T).

Si conoces la saga, quizá te estés preguntando ¿qué ofrece de nuevo la jugabilidad de Once Upon a Katamari? Pues lo cierto es que a nivel de control y mecánicas del juego, más bien poco... pero en parte porque, como los grandes juegos, su idea sigue siendo tan simple y efectiva que tampoco necesita evolucionar.

Seguimos rodando un katamari o esférico para adherir objetos más pequeños y hacerlo crecer de tamaño con el objetivo de alcanzar el tamaño mínimo que nos pide cada nivel. En ese sentido, no ha cambiado: el katamari se maneja igual que siempre (con los dos sticks), podemos esprintar, hacer un giro rápido de 180º, subir por paredes empinadas... Si conoces la saga, te vas a sentir como en casa.

Donde si cambia es en el argumento, que vuelve tan loco como acostumbra la saga, así como los propios desafíos que debemos cumplir en cada nivel, los objetos coleccionables y otros muchos aspectos que vamos a ver en este análisis de Once Upon a Katamari para PS5, Nintendo Switch, PC y Xbox Series X|S.

• La historia y jugabilidad de Once Upon a Katamari
• Katamaribol, la nueva opción competitiva para cuatro y con opción online
• ¿Es un Once Upon a Katamari un juego difícil?
• El apartado técnico de Once Upon a Katamari
• Ediciones y precio de Once Upon a Katamari
• La opinión de Hobby Consolas de Once Upon a Katamari
• Nota, lo mejor y lo peor de Once Upon a Katamari

Érase una vez un Katamari, un cuento jugable muy surrealista

Como anteriores entregas, Once Upon a Katamari hace gala de un humor absurdo y unos diálogos cargados de ironía y sorna, con un tono condescendiente y bobalicón, para poner en pantalla la nueva pifia del rey del Cosmos, quien jugando con un poderoso pergamino ha acabado borrando todo rastro de los planetas de la galaxia.

¿Y a quién le tocará resolver el entuerto? Sí, al Príncipe, el diminuto ser al que manejamos, y que tendrá que viajar en el tiempo, por etapas como la prehistoria, el Japón feudal, pasando por el lejano Oeste, la Grecia clásica o la era de las pirámides de Egipto, para usar el Katamari y recuperar la información necesaria que permita recomponer los planetas, las galaxias y las estrellas.

No deja de ser una trama bastante simple y absurda, pero que encaja perfectamente con el tono habitual de la saga y su particular puesta en escena, que alterna tanto vídeos con el motor del juego como escenas ilustradas que lo hacen parecer casi un cuento y que dan vida a las andanzas de la familia cósmica en cada una de estas épocas (para ilustrar, por ejemplo, el encuentro con un T-Rex).

Cada una de estas eras cuenta con su propio tablero o "micromundo abierto", desde el que accedemos a cada nivel hablando con algún NPC y nos topamos con otros elementos, como los primos que hayamos encontrado en cada nivel (es uno de los coleccionables típicos de la saga, son personajes entre los que podemos cambiar para manejar el Katamari).

Es más un detalle que algo que afecte a la jugabilidad, ya que aparte de recorrerlos para llegar a los niveles, poco hay para hacer, más allá de interactuar con algunos puntos especiales que activan alguna animación loca. Es un detalle que se podía explotar más, la verdad...

También es posible encontrar una máquina "gacha" que, al estilo de la vista en Astro Bot (sin usar dinero del mundo real), nos permite conseguir objetos como caras o accesorios para personalizar al príncipe, aunque previamente necesitamos reunir unas fichas que conseguimos al superar niveles o completar algunos hitos. Cada bola de premio cuesta 3 fichas, y hay un total de 50 bolas.

Tras hablar con un NPC, podremos descubrir cuál es el objetivo del nivel, y una de las novedades es que se nota que Bandai Namco se ha esforzado por ofrecer una mayor variedad, y muchos niveles no consisten en intentar conseguir el Katamari más grande dentro de un límite de tiempo, lo cual es de agradecer.

Así, es posible que nos enfrentemos a limitaciones como conseguir el Katamari más grande posible recogiendo un máximo de 50 objetos; o incluso alcanzar un valor mínimo recogiendo solo objetos caros. O solo recogiendo los típicos matojos rodantes del Oeste... 

Algunos niveles incluso rememoran algunos de los grandes hits de la saga, ideas loquísimas vistas en anteriores juegos, como pueda ser engordar a un joven noble, que se convierte en el Katamari (en We Love Katamari era a un luchador de sumo) y arrastrarle por el suelo recogiendo la comida y viendo como ensancha sigue siendo tan surrealista como único y divertido.

Tanto o más como pasar por encima de filósofos y pensadores de la antigua Grecia o adherir momias en el antiguo Egipto. Como digo, si nada de esto te saca una sonrisa, pues quizá el juego no sea para ti.

Son solo algunos ejemplos, pero también vamos desbloqueando variantes de algunos niveles que nos retan a ser rápidos y conseguir un tamaño mínimo en un ajustado margen de tiempo...

En estos niveles, además, debemos cumplir otras tareas, como encontrar tres coronas (cada una nos obliga a tener un tamaño mínimo), además de tres desafíos "tipo" que vamos desbloqueando progresivamente (como adherir al menos un determinado número de objetos), encontrar a los primos que pululan por el escenario o un regalo. 

Vamos, que todos los niveles ofrecen bastantes incentivos como para rejugarlos varias veces intentando encontrar todos los secretos y cumpliendo todos los objetivos y desafíos adicionales que nos va lanzando el juego, que no es poca cosa.

La buena noticia es que ahora contamos con algunos ítems que nos ayudan a conseguirlo, desde un imán que atrae automáticamente los objetos que podemos adherir durante unos segundos o un radar que nos muestra, si estamos relativamente cerca, la ubicación de los secretos. O un cohete, que nos permite avanzar más rápido por un breve período de tiempo...

Además, Bandai Namco ha introducido un elemento que, probablemente, gustará a los fans más veteranos de la saga, y es que One Upon a Katamari nos va indicando el rango en el que nos encontramos, y cuánto nos queda para pasar al siguiente, una información que puede ser útil para determinar si vamos bien, o no, dentro de un nivel, en función del tiempo restante.

Cabe destacar un último elemento: en casi cualquier momento podemos acceder a la nave que nos permite viajar entre eras, donde encontramos opciones como personalizar a nuestro katamari o un registro con todos los objetos que hemos adherido a nuestro katamari (hay casi 4000 distintos en total).

La liga fantástica de Katamaribol, el nuevo modo con opción online

Aparte de los niveles "normales", también podemos encontrar niveles dedicados al llamado Katamaribol, que viene a ser la versión expandida, ampliada y mejorada del modo versus que está disponible en muchos juegos de la saga (y que enfrentaba a dos jugadores, pudiéndose hacer la puñeta para ver quien consigue el katamari más grande).

Este nuevo modo competitivo de Katamari cuenta con varias novedades, desde un sistema de rangos o niveles (vamos subiendo a medida que conseguimos puntos) a variantes offline y online. Al jugar offline nos enfrentamos a la CPU, mientras que si jugamos online (requiere suscripción a PS Plus, Nintendo Switch Online, Game Pass Core...), nos medimos a otros jugadores.

En este modo competimos con otros tres jugadores más (manejados por la CPU si es en modo offline), y de nuevo debemos intentar conseguir el katamari más grande en un límite de tiempo, aunque hay opciones estratégicas: por ejemplo, podemos acudir a la nave que se mueve por el mapapara reducir nuestro tamaño a cambio de puntos (y así asegurarlos).

También conseguiremos puntos extra por ser el jugador que más adhiere a los rivales o por encontrar compañeros, lo que al final del tiempo determinará quien ha conseguido gana más puntos y se convierte en el ganador (y con ellos, puede subir de nivel).

Me parece una idea interesante, sobre todo para los jugadores más competitivos, aunque a título personal disfruto más de los niveles en los que juego solo. Cuando le pillas el punto, jugar con la CPU es entretenido, y tiene la dificultad justa para no sentirse sobrepasado... 

Estos niveles, como el resto, son altamente rejugables (ya sea para conseguir un katamari más grande y mejorar tu rango con ello como para encontrar sus secretos), por lo que también puedes dedicarles bastante tiempo a los niveles del competitivo si te picas con su propuesta.

La dificultad de Once Upon a Katamari

Como el resto de títulos de la saga, Once Upon a Katamari no es un juego diseñado para resultar difícil o una experiencia frustrante. De hecho, es relativamente sencillo pasar de nivel cumpliendo el tamaño mínimo u objetivo que nos pide cada nivel. 

Otra cosa ya es alcanzar el rango Arco Iris, el más alto, donde necesitarás conocer los niveles y manejarte como pez en el agua en el juego.. aunque como los clásicos, es algo que te acabrá dando el tiempo. 

El apartado técnico de Once Upon a Katamari

Para este análisis de Once Upon a Katamari he jugado en PS5, y es el segundo juego de la saga que llega de manera nativa a la última consola de Sony (y el primero que no llega a PS4). Y para ser un juego de PS5, lo cierto es que no se nota en exceso el salto técnico respecto a las anteriores entregas.

Quizá sea por el estilo visual, más cercano a Minecraft con personajes y objetos "cuadradotes", que no pretenden ser realistas, pero lo cierto es que visualmente se parece mucho a lo que vimos en anteriores generaciones, incluidos los problemas de cámara cuando metemos nuestro katamari en zonas estrechas o el visible clipping.

Quizá la mejoría se note en que el juego va siempre a 60 fps, y se nota que va más fluido, incluso cuando nuestra bola es descomunal y el entorno muestre más objetos que en otros juegos de la saga... pero es algo que tampoco marca una diferencia abismal.

No obstante, Once Upon a Katamari, como el resto de la saga, no te va a conquistar por sus gráficos; aunque cumplen su función y son simpáticos, donde destacan es en los detalles, las animaciones (en el caso de los seres vivos), por los efectos de sonido únicos que generan muchos de ellos al ser atropellados y por el caos y locura que proporcionan cuando adhieres varios cientos a tu katamari. 

Es algo que sigue siendo catártico, a pesar de girar sobre las mismas ideas y conceptos que los anteriores juegos de la saga. Ver una bola capaz de arrasar con construcciones como las pirámides, es algo que no se ve todos los días... y que sigue resultando hipnótico.

Parte de la "experiencia katamari" es también la banda sonora. Quizá no llegue a los niveles de genialidad de las primeras entregas, pero a la cita no faltan algunos temas nuevos bastante pegadizos, con sabor muy japonés, junto a alguna que otra reimaginación de temas clásicos de la saga. A mí no me ha llenado tanto como la de otras entregas, pero eso no quiere decir que esté mal.

Ediciones y precio de Once Upon a Katamari

Once Upon a Katamari está disponible en formato digital por 39,99 euros en todas las plataformas, incluida Steam. También es posible encontrar la versión física en PS5 y Nintnedo Switch, a un precio de 41,99 euros. 

También existe una edición Deluxe digital bautizada Edición El Rey de los Sonidos, que sube hasta los 59,99 euros e incluye 60 canciones de anteriores juegos y algunos objetos de personalización de la cara de los primos exclusivos.

La opinión de Hobby Consolas de Once Upon a Katamari

Desde hace varias décadas, siento fascinación por los juegos que proponen cosas raras, atípicas... y desde la primera entrega, estoy enamorado de Katamari Damacy. Como muchos juegos clásicos que son considerados joyas atemporales, esta saga tiene sus raíces en una jugabilidad tan simple como adictiva, que cualquiera puede coger y empezar a jugar y que, además, resiste el paso del tiempo.

Esas virtudes siguen presentes en Once Upon a Katamari, y se potencian con una nueva batería de niveles con ambientaciones únicas (petadas de objetos únicos), que sumados a desafíos, coleccionables o secuencias de vídeo, crean una amalgama que, aun repitiendo la fórmula de la saga, sigue siendo algo único en su especie.

Es uno de esas sagas que siempre llevo instalada en mis consolas portátiles (desde PS Vita a Nintendo Switch), y con Once Upon a Katamari va a pasar lo mismo, porque es un juego ideal para partidas de 10 minutos, que no exige grandes sesiones para ofrecer un rato divertido, y que puedes disfrutar a tu ritmo (cuando tengo tiempo, las panzadas son más grandes).

Pero, sobre todo Once Upon a Katamari es otro poderoso recordatorio de que la industria necesita de otro tipo de juegos, más allá de superproducciones, que nos devuelvan al origen de esta forma de entretenimiento, a conceptos más simples y adictivos que resistan el paso del tiempo. Katamari Damacy sigue siendo hoy tan divertido como lo era en 2004. Y Once Upon lo será dentro de 20 años. 

Lógicamente, si no te va el humor absurdo, no vas a disfrutar de Once Upon a Katamari en la misma medida. Es un juego loco, que se ríe de sí mismo y del jugador, ninguneándole cuando no consigue llegar al objetivo del nivel. Pero es parte de su gracia, es así.

Se le puede reprochar que el núcleo de su fórmula apenas se ha modificado, que algunas eras y niveles no resulten tan atractivas y brillantes como otras, que repita con variaciones algunas ideas vistas en otras entregas... pero lo cierto es que, al jugar, me lo he pasado igual de bien que con anteriores entregas por lo loco de su propuesta. 

Por eso, tanto si eres un fan recurrente de la saga, como si llegas de nuevas a ella, en busca de algo distinto, ten por seguro que Once Upon a Katamari te va a dar una loca ración de diversión directa y sencilla, con un humor que no vas a encontrar en ningún otro juego.

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Siguiendo la estela de grandes éxitos del anime, como Kimetsu no Yaiba, el estudio de animación Mappa (responsable también de Jujutsu Kaisen o la última temporada de Ataque a los Titanes) ha decidido adaptar la siguiente parte de la historia en forma de película.

Y viendo la buena taquilla que ha hecho hasta el momento en el extranjero, llegando incluso a destronar a La Fortaleza Infinita en algunos países, parece que la jugada les ha salido de maravilla. Y, sin embargo, siguen sin anunciar una segunda temporada del anime…

¿Es la película del “pibe motosierra” tan buena como para superar a los Guardianes de la Noche? ¿Estamos ante la mejor cinta de animación de todo 2025? Tras pasar casi dos horas escuchando el rugir de las motosierras y el retumbar de las explosiones, podemos decir que… sí a todo.

Reseña de Chainsaw Man - La película: El arco de Reze

El inicio de la película de Chainsaw Man es toda una declaración de intenciones: asistimos a una de las mejores recreaciones de las páginas de un manga que se han visto en la pantalla grande. Y es algo que se puede aplicar también a los otros 100 minutos que dura la cinta.

La primera temporada del anime de Chainsaw Man generó división de opiniones (especialmente entre el público japonés) por su enfoque visual, mucho más cinematográfico y con una iluminación que apostaba por el realismo.

Y aunque en esta casa siempre defenderemos la dirección de Ryu Nakayama, con estos primeros minutos el nuevo director, Tatsuya Yoshihara, nos deja bien claro que ha llegado para respetar al máximo la identidad visual de la obra original. Hemos tenido la oportunidad de entrevistarle y nos contó cosas muy interesantes, por si queréis echarle un vistazo.

Y no sólo hablamos de que los diseños de los personajes en la película sean prácticamente calcados a los del manga (es especialmente llamativo cuando se compara con los diseños de personajes como Denji o Makima en la primera temporada), sino también del uso del color. 

El manga es conocido por sus colores vivos y atípicos a la hora de representar escenas de sangre e intestinos, algo que aquí se ha aplicado con maestría hasta el punto de tener secuencias que podrían ser perfectamente una de las icónicas portadas de Fujimoto.

Y, para acompañar esta nueva y más fidedigna dirección visual, tenemos un trabajo de animación sencillamente impecable. Los animadores de Mappa han echado el resto en cada escena; no importa si se trata de un personaje caminando por un pasillo que parece eterno, una conversación en una cafetería o un enfrentamiento explosivo; cada escena goza de una calidad desorbitada.

Además, también han aprovechado la oportunidad para hacer una auténtica exhibición de sus habilidades, dejándonos con secuencias que son una auténtica virguería desde un punto de vista cinematográfico. Hay una secuencia en primera persona que nos ha dejado sin palabras.

Y, por supuesto, las secuencias de acción son lo más destacado de toda la cinta, especialmente el combate que sirve como colofón; una auténtica chaladura en todos los aspectos que nos ha hecho vibrar en el asiento con su sentido de la escala y el espectáculo. Un combate que pasará a la historia del anime, de esos que apetece volver a ver una y otra vez.

Mappa ya había demostrado ser toda una “powerhouse” de la animación japonesa, pero aquí incluso han superado al episodio 17 de la segunda temporada de Jujutsu Kaisen. Una de las mayores hazañas de la película es que transmite toda la fuerza y la velocidad de un combate entre titanes, pero logrando que el ojo humano pueda seguir la acción sin problemas (la mayor parte del tiempo).

Puede parecer una locura decir esto el mismo año que se ha estrenado Guardianes de la noche (Kimetsu no Yaiba): La fortaleza infinita, pero no vais a ver una película con mejor animación que esta en 2025.

Siendo completamente honestos, no somos demasiado amigos de esta nueva moda de convertir arcos de un anime en películas; la mayoría de veces, no dejan de ser cuatro episodios reconvertidos en largometraje sin que apenas exista una justificación argumental para ello.

Sin embargo, el Arco de Reze es uno de los pocos casos en los que la idea de transformarlo en película nos parece un acierto enorme, pues se trata de un arco argumental con una historia autocontenida… Al menos hasta cierto punto, pues es necesario haber visto la primera temporada, pero eso no quita que funcione muy bien por sí sola.

Además, se trata también de un arco cortito (perfecto para un largometraje que no llega a las dos horas), pero no por ello menos memorable. De hecho, nos presenta a algunos de los personajes más queridos (y recordados) por el fandom de Chainsaw Man. Y, en ese sentido, han hecho un trabajo maravilloso con Reze. 

Si en el manga se ganó todo nuestro cariño, aquí directamente nos roba el corazón (casi tanto como a Denji) gracias, en gran medida, al trabajo de la seiyū Reina Ueda, cuya voz captura a la perfección la dulzura, la volatilidad y el resto de matices por los que es tan querido el personaje.

Y aunque en menor medida, la película de Chainsaw Man también tiene dosis de fanservice para todos los gustos: desde momentos que enloquecerán a los amantes de ciertos “shippeos” hasta recreaciones con todo lujo de detalles de algunas de las páginas extra más picantonas de todo el manga. 

Pero sin duda uno de los aspectos más destacables es la manera en que se ha trasladado el ritmo de la obra original, conocida por la velocidad de su narración y sus continuos volantazos, lo que en la película se traduce en un cóctel de géneros tan diferentes entre sí como disfrutables en conjunto.

Estamos hablando de una película en la que tan pronto estamos partiéndonos de risa con los problemas de un adolescente con las hormonas muy alteradas, como disfrutando de una secuencia de romance rodada con una sensibilidad que ya quisieran muchos, como asistiendo a momentos de puro terror que hielan la sangre, como contemplando una pelea absurdamente épica…

Apenas hay tiempo para respirar o aburrirse, es una película divertidísima y muy entretenida. Sólo hay un pequeño bajón de ritmo justo antes de que todo explote, pero, siendo justos, es la clase de bajón necesario en una cinta de estas características, pues de lo contrario acabaríamos saturados con tanta explosión. Es la calma antes de la tormenta.

Antes hablábamos del espectacular enfrentamiento que sirve como colofón para la película, pero que todo ese momento sea tan alucinante, no depende únicamente de la animación. También depende de lo mucho que hay en juego a nivel argumental, de cómo nos han atrapado la historia y los personajes hasta ese momento y, por supuesto, también depende de la banda sonora.

Kensuke Ushio, compositor de la primera temporada del anime, es también el encargado de la banda sonora de la película de Chainsaw Man. Y aunque no es ninguna sorpresa, ha vuelto a demostrar una tremenda versatilidad, con temas que ponen la piel de gallina en los momentos más emotivos y melodías endiabladas para las secuencias de acción.

Nos gusta mucho que se hayan recuperado ciertas canciones que se escucharon en la primera temporada, pues de esa manera se han convertido en una suerte de himnos que acompañan algunos de los mejores momentos de toda la cinta.

Y ya que hablamos de banda sonora, tenemos que destacar también el sensacional opening, con la canción Iris Out del talentoso Kenshi Yonezu. El opening en sí es una auténtica maravilla que no podemos dejar de ver; si no os importa haceros un pequeño destripe, lo tenéis por aquí. 

Y lo mismo se puede decir de la canción de cierre, Jane Doe, una colaboración entre Yonezu y nuestra querida Hikaru Utada. Es la melodía perfecta para poner fin a una experiencia cinematográfica que te levanta el espíritu.

Porque aunque suene un poco exagerado, hemos salido de la proyección de Chainsaw Man - La película: El arco de Reze viendo la vida de otra manera. Detrás de toda la fachada de demonios y peleas espectaculares se esconde una historia que, sin pretensiones innecesarias, es capaz de tocar las fibras adecuadas en nuestro interior. Es, en efecto, absolute cinema.

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Porque Persona 3 marcó el rumbo a seguir, con una fórmula jugable que se ha convertido en la seña de identidad de la saga. Sin embargo, hablamos de un título que se lanzó originalmente para PS2 en 2006. Y que, pese a revisiones como Persona 3 Portable, ya aquejaba el paso del tiempo.

Con esto en mente y gracias al incremento de popularidad que ha sufrido la saga en los últimos años gracias a Persona 5 (y Persona 5 Royal), Atlus decidió traernos este remake que ahora llega a la nueva consola híbrida de Nintendo.

Tras haber vuelto a las clases en el instituto Gekkoukan y haber recorrido las plantas cambiantes de la Tártaro pegándonos tiros en la cabeza, os contamos qué tal ha salido Persona 3 Royal para Nintendo Switch 2.

El análisis de Persona 3 Royal para Nintendo Switch 2:

• El gameplay de Persona 3 Reload
• Nivel de dificultad de Persona 3 Reload
• ¿Cuántas horas de juego dura Persona 3 Reload?
• Cuánto cuesta Persona 3 Reload y dónde puedes jugarlo
• La opinión de HobbyConsolas de Persona 3 Reload
• Nota: lo mejor y lo peor de Persona 3 Reload

Jugabilidad y gameplay de Persona 3 Reload en Nintendo Switch 2

Antes de comenzar y, como solemos hacer en estos casos, os invitamos a echarle un ojo al análisis de Persona 3 Reload que publicamos el año pasado si queréis saber todo lo necesario sobre el juego: desde los cambios respecto a las anteriores versiones hasta las nuevas mecánicas de juego.

Hoy vamos a repasar los elementos principales de Persona 3 Reload, pero sin profundizar tanto como en el análisis original, pues vamos a centrarnos en la versión para Nintendo Switch 2, valorando qué tal se ha adaptado a la consola y si merece la pena darle una oportunidad si no lo conocéis.

En ese sentido, si nunca habéis jugado a un Persona, os conviene saber que se trata de juegos de rol muy particulares, con una jugabilidad que se divide en dos facetas muy marcadas. Por un lado está la faceta social: vamos a clase, superamos el curso escolar, conocemos gente nueva, mejoramos la relación con nuestros amigos y decidimos cómo invertir el tiempo cada día.

Y, por otro, está la faceta RPG, consistente en explorar la Torre Tártaro, una gigantesca mazmorra con plantas cuyo diseño se genera de forma aleatoria y donde libramos combates por turnos. Pero hablamos de combates por turnos que destacan por su agilidad y estilazo, y que no por ello descuidan la estrategia. Más bien todo lo contrario.

Puede parecer una combinación de elementos un tanto extraña, pero se compenetran a las mil maravillas: todo lo que hacemos en la faceta social repercute en la faceta RPG, y viceversa. De esta manera, se obtiene una jugabilidad que engancha de lo lindo.

Lo mismo se puede decir de la historia, que tiene una premisa de lo más interesante: todos los días, a las 0:00, da comienzo la Hora Oscura, una hora adicional del día que sólo algunas personas experimentan. En esos momentos, unas criaturas llamadas sombras atacan a la población, provocando lo que se conoce como “síndrome de apatía”.

Nuestro protagonista, un joven que acaba de mudarse, es de las pocas personas con el potencial para experimentar la Hora Oscura, así que se une a otros como él para combatir las sombras con el poder de las Personas: representaciones de la psique que adquieren la forma de todo tipo de demonios y criaturas basadas en diferentes mitologías y creencias.

Y si no conocíais la historia de Persona 3… preparaos para todo un viaje. Puede que haber sido el primer Persona que jugamos tenga mucho que ver, pero para nosotros tiene la mejor historia de todas las entregas. En particular, sus personajes ocupan un lugar muy especial en nuestra memoria, en especial Aigis.

Es importante señalar que, de entre todos los cambios y mejoras que Persona 3 Reload incluye respecto a versiones previas del juego, uno de los más llamativos fue la adopción del estilo visual de Persona 5, conocido por tener una marcada identidad con un estilo muy particular y unas transiciones que nunca nos cansaremos de ver.

Esto también supuso cargarse hasta cierto punto la identidad visual original de Persona 3, cuyo tono era más oscuro y menos festivo, como la propia historia. No es un problema especialmente grave, principalmente porque el juego se ve de fábula, pero si ya habíais jugado a Persona 3 probablemente echaréis de menos la atmósfera depresiva del original.

Y ahora sí, hablemos de la versión de Persona 3 Reload para Nintendo Switch 2… que se puede resumir muy rápidamente: se trata de uno de los mejores ports que ha recibido la consola hasta el momento. Vale que a nivel técnico no era un juego demasiado exigente, pero han logrado que la experiencia sea prácticamente idéntica tanto a nivel visual como jugable y sonoro.

El único sacrificio es que esta versión se mueve a 30fps, en lugar de 60fps. Pero es de esos juegos en los que la diferencia no resultan marcada (y lo decimos habiéndolo metido cientos de horas a la versión de PS5). 

Algunos jugadores han expresado su preocupación por el rendimiento de la demo de Persona 3 Reload que se publicó en la eShop y, aunque nosotros no hemos podido probar dicha demo, no hemos notado nada grave en la versión final del juego. Quizás esta versión ya incluye mejoras en ese aspecto… o quizás somos menos sensibles a los problemas de frame pacing.

En cualquier caso, Atus ya ha asegurado estar trabajando en un parche para mejorar la estabilidad. Y aun con esto, se trata de un gran port para Nintendo Switch 2 de un RPG que nadie debería perderse.

¿Es difícil Persona 3 Reload?

Como en la versión para el resto de plataformas, en Nintendo Switch 2 Persona 3 Reload incluye cinco modos de dificultad: relajado, fácil, normal, difícil y despiadado. Como suele ser costumbre en estos juegos, incluso en la dificultad normal los enemigos pueden presentar un desafío interesante, cambiando las tornas de la batalla en un abrir y cerrar de ojos.

Por suerte, podemos alternar entre las distintas dificultades en cualquier momento. Ahora bien, si elegimos la dificultad despiadada (que como su nombre indica es la más elevada) y en algún momento decidimos cambiar a alguna de las otras, no podremos volver a seleccionar despiadada en esa partida.

¿Cuántas horas dura la historia de Persona 3 Reload?

Si queréis completar Persona 3 Reload ya podéis ir buscando un hueco en vuestra agenda o pillando unas vacaciones, porque como de costumbre se trata de un RPG larguísimo. Sólo completar la historia principal puede llevaros sin ningún problema entre 80 y 100 horas.

Y si decidimos meternos en el contenido secundario, completar el compendio de Personas o maximizar todos los vínculos sociales, la duración puede aumentar todavía más.

Ahora bien y, en este sentido, tenemos que destacar negativamente la ausencia de Episode Aigis —The Answer—, el DLC que continúa la historia tras los acontecimientos del final y da respuesta a ciertas cuestiones. 

Este contenido estaba incluido en la versión FES (lanzada para PS2), pero cuando se estrenó Persona 3 Reload aún no se había anunciado su existencia (de hecho, lo valoramos como un aspecto negativo en el análisis). 

Sin embargo, pensamos que debería estar incluido junto al juego principal en la versión para Nintendo Switch 2. Puede que sea inocente pensar que deberían haberlo incluido, pero dado que esta versión llega más tarde que al resto de plataformas, habría tenido sentido lanzar una versión completa del juego.

Precio y plataformas disponibles

Persona 3 Reload se lanza para Nintendo Switch 2 el 23 de octubre de 2025, tanto en formato físico como formato digital, a un precio recomendado de 59,95€.

En el caso de la versión física, desgraciadamente, se trata de una de las temidas Game-Key Cards, lo que significa que el juego no se incluye en el cartucho; en su lugar, el cartucho actúa como una llave que nos permite descargar el juego de forma íntegra en la memoria de la consola (lo que se traduce en 21.7GB de espacio ocupado).

En formato digital, además de la edición estándar, también está disponible la Digital Deluxe Edition (69,99€) y la Digital Premium Edition (89,99€). Ambas incluyen diversos elementos descargables, como atuendos para los personajes o un libro de ilustraciones digital. Ahora bien, tened en cuenta que ninguna de estas ediciones incluye Episode Aigis —The Answer—.

Persona 3 Reload se vuelve Portable

Es difícil no recomendar Persona 3 Reload en Nintendo Switch 2, además de por tratarse de un fantástico remake y un grandísimo RPG, porque la opción de poder jugar en modo portátil le viene como anillo al dedo. 

El diseño aleatorio de la Tártaro puede llegar a resultar algo tedioso después de muchas horas de partida (aunque este remake hizo unos cuantos cambios para mejorarlo respecto al original), pero limpiar plantas se hace más llevadero cuando lo puedes hacer en cualquier parte.

La gran pega de la versión de Nintendo Switch 2 es la ausencia de Episode Aigis -The Answer-, un DLC muy importante desde un punto de vista narrativo. Y es aún más flagrante si tenemos en cuenta que esta versión se lanza un año más tarde y a precio completo.

Además de eso está el tema del rendimiento, que como ya hemos comentado para nosotros no ha sido perjudicial para la experiencia, pero podemos entender que haya jugadores que lo consideren un aspecto negativo.

En cualquier caso y pese a los aspectos negativos, si nunca habéis jugado a Persona 3 ya no tenéis excusa para dejar que os arrebate el corazón.

Platinum Games pone el broche de oro a un año en el que hemos tenido a Ninja Gaiden 2 Black y Ninja Gaiden Ragebound sirviendo como homenaje a la reciente muerte de Tomonobu Itagaki. Ahora llega un tercer juego y en este análisis de Ninja Gaiden 4 vas a encontrar todo lo que necesitas saber sobre el juego de Xbox Series X|S, PS5 y PC.

Han pasado más de 20 años desde que llegase el reboot de Ninja Gaiden a Xbox. La remodelación de Ryu Hayabusa nos dejó dos juegos y varias revisiones que le grajearon a la saga un puesto en el panteón del videojuego de principios de siglo.

Poco o nada puede rivalizar con Ninja Gaiden Black y Ninja Gaiden 2. El nivel de espectáculo, la fluidez de los enfrentamientos y combos y un estilismo único ayudaron a forjar una leyenda. Sin embargo, un Ninja Gaiden 3 poco acertado acabó haciendo que Ryu se ocultase en las sombras.

Ahora, los creadores de joyas como Nier Automata o Bayonetta traen de vuelta al icono de una generación. ¿Es este el regreso soñado? Dejemos el rol de acción y abracemos el frenesí total. "Sí, se hacen juegos como antes". Vamos con el análisis de Ninja Gaiden 4 para Xbox Series X|, PS5 y PC.

• La historia de Ninja Gaiden 4: ninjas cyberpunk y dragones oscuros
• El gameplay de Ninja Gaiden 4: el hack 'n slash más puro y pulido
• El apartado técnico de Ninja Gaide 4: gráficos, rendimiento y más
• La dificultad de Ninja Gaiden 4: un reto solo apto para shinobis
• La duración de Ninja Gaiden 4, retos adicionales y rejugabilidad
• El precio, plataformas y ediciones de Ninja Gaiden 4
• La opinión de Hobby Consolas sobre Ninja Gaiden 4
• Nota: lo mejor y lo peor de Ninja Gaiden 4

La historia de Ninja Gaiden 4: salvar al mundo de una vez por todas

Si bien lo que más ha definido a Ninja Gaiden ha sido su excelsa jugabilidad, la saga siempre ha enarbolado una narrativa clásica que nos ha ofrecido viajes del héroe cargados de monstruos, giros de guion e hipérboles al más puro estilo japonés de principios de los años 2000.

Ninja Gaiden 4 no renuncia a esto y cuenta con una historia ambientada en una Tokio cyberpunk. El juego arranca con Yakumo, un joven ninja del clan Cuervo que tiene como misión acabar de una vez por todas con el Dragón Oscuro, enemigo supremo que sonará a más de un fan.

Matar a la sacerdotisa Seori es el primer paso, pero un giro inesperado de los acontecimientos hace que el ninja y la mujer acaben colaborando. Mientras tanto, la organización ODD y el mismísimo Ryu Hayabusa tratarán de evitar que ambos cumplan con su empresa. ¿Por qué?

Si bien el juego ofrece un relato clásico basado en el mismo mantra de salvar al mundo, Platinum logra dar al guion algo más de peso y sentido para que ese estilo tan loco y desmelenado (muchas veces absurdo) de pasados juegos no se lleve la trama por delante.

La sensación de que hay un plan mayor más allá de las acciones de Yakumo y un cierto halo de misterio dejan con ganas de seguir progresando no solo por masacrar a más enemigos. Sin embargo, tengo que señalar que, la resolución se me antoja demasiado sencilla para lo que se prometía.

Además, el propio guion cae en algunas contradicciones una vez se empiezan a revelar sus incógnitas y un importante evento de la trama solamente queda explicado si lees los archivos adicionales que hay en el menú principal.

Por otra parte, traer a un nuevo protagonista es una jugada arriesgada y más cuando se le trata como a un novicio. Al nuevo ninja le falta algo de sangre (irónico después de derramar tanta) y que no sea muy locuaz impide conectar más con él, especialmente estando a la sombra del Ninja Supremo.

Y no quiero entrar en spoilers, pero hay otro conocido personaje que podría haber tenido algo más de peso en la trama. Eso sí, aun con estas pegas y dado que la historia no es lo más importante, creo que Ninja Gaiden 4 consigue entregar una narrativa correcta y disfrutable.

El gameplay de Ninja Gaiden 4: jugabilidad hack n' slash medida al milímetro

Ninja Gaiden 4 es uno de los juegos de acción más potentes que hemos tenido en mucho tiempo. El gameplay que exhibe mediante su combate es una delicia de principio a fin y eleva al género del hack n' slash a un nuevo nivel de precisión.

Platinum Games sabe lo que se hace en estos términos, pero ha logrado entremezclar las mejores ideas del queridísimo Ninja Gaiden 2 con el estilo de los juegos que mejor han definido a la compañía de desarrollo japonesa.

Tengo bastante claro que cualquier juego de acción que juegue después de Ninja Gaiden 4 va a ser como vivir a cámara lenta. Este juego es como beberse tres latas de cierta bebida energética. La velocidad del combate de esta entrega es apabullante, pero esa agilidad no sería nada sin un sistema de control y unos comandos perfectamente calibrados.

Se golpea con dos botones y su combinación forma una serie de combos devastadores que permiten ir haciendo trizas a cualquier enemigo que se acerque. Esta fluidez se apoya en un gore brutal y visceral que potencia cada golpe al mostrar litros y litros de sangre en pantalla.

Hay una inmensa cantidad de combinaciones y técnicas que se pueden ir desbloqueando mediante créditos y puntos de técnica (un sistema de progresión tremendamente simple, pero que casa muy bien con ligereza que Platinum quiere dar al juego).

Sí, vuelven señas de identidad como los golpes de la golondrina o el Salto de Izuna y la obliteración que permite ejecutar a enemigos desmembrados para dar aun más brutalidad al combate, pero donde el juego consigue dar la sorpresa es con las técnicas de Cuervo de Sangre de Yakumo.

El protagonista del juego es tremendamente ágil y puede llegar a manejar cuatro armas distintas (todas con diseños y movimientos realmente impresionantes), pero donde destaca es en el uso de unos ataques que requieren de una barra de frenesí que se rellena matando y golpeando.

Estos "ataques pesados" permiten romper la defensa del enemigo o interrumpir ataques potentes, lo que le da una capa extra de profundidad al combate. También destaca una técnica de acumulación de energía que, una vez se desata, convierte a los enemigos en carne picada.

Con todo esto, se forma una esquema jugable en donde la toma de decisiones en cuestión de milisegundos y la gestión de recursos se dan la mano de una manera brillante, quedando todo atado bajo otro pequeño sistema que permite realizar potentes ataques definitivos.

Además, también contamos con un repertorio defensivo imponente y es aquí donde el combate alcanza un nivel de perfección envidiable. Hay muuuchos tipos de parrys, ya sea bloqueando o esquivando y esto confiere a Ninja Gaiden 4 un ritmo absolutamente inhumano que te hace pensar en cómo es posible que responda tan bien a tus acciones.

Esta entrega se siente tremendamente justa y en el momento en el que te golpean, sabes por qué ha sido. Las palabras apenas pueden describir lo satisfactorio que resulta el combate. Es tan bueno que hasta ver cómo los enemigos bloquean tus ataques produce dopamina.

Lo mejor es que, además de Yakumo, también podemos controlar a Hayabusa, que vuelve con su espada predilecta y varios de sus mejores ninpo. Ponerse de nuevo en la piel del ninja es glorioso y si bien el esquema de control obedece las mismas leyes, el salvajismo que exhibe Ryu es impresionante y hace que se sienta diferente al miembro del clan del Cuervo.

El control de ambos es exquisito en batalla, pero fuera de ella no se llegan a sentir todo lo bien que deberían. Su peso es demasiado liviano y el desplazamiento por los escenarios se siente demasiado rígido, especialmente a la hora de plataformear.

Porque Ninja Gaiden 4 no solo consiste en hacer pulpa a los enemigos, sino que también ofrece algunos retos de habilidad muy reconocibles como correr por las paredes, balancearse con ganchos o surcar los cielos planeando y esquivando obstáculos.

El problema es que todas estas secciones son "sobre railes" y aquí el juego muestra una torpeza que constrasta negativamente con la excelente kinestesia del combate. Si bien tampoco restan al juego, no hubiese estado nada mal que los momentos plataformeros fueran más dinámicos en vez de estar tan automatizados, especialmente cuando "griendeamos" por vías y cables.

En este sentido, la estructura de niveles es lineal, pero sí que es cierto que se ofrecen algunos caminos secundarios que expanden su complejidad para hacerte buscar coleccionables, objetos, desafíos de combate conocidos como niveles de purgatorio o incluso algún jefe secundario.

Todo es bastante sencillo en este aspecto, pero se agradece poder salir del camino principal para tener que estar un poco atento a lo que nos rodea. El problema es que el diseño artístico que acompaña a cada escenario es bastante sobrio y repetitivo.

Pese a que Yakumo se recorre la futurista Tokio, zonas más naturales con santuarios e incluso el reino de los espíritus, los constantes tonos apagados del juego hacen que los escenarios se asemejen los unos con los otros. No habría estado mal ver algo más de variedad.

Especialmente porque el juego añade un relleno innecesario cuando desbloqueas a Ryu Hayabusa. Las sensaciones son aquí un poco amargas, ya que si bien controlar al legendario personaje es genial, no lo es tanto tener que enfrentarse los mismos enemigos y jefes en los mismos entornos.

Tampoco ayuda que la estructura por capítulos se repita a lo largo de la gran parte de la historia. Conseguir cada arma es un viaje calcado para cada una de ellas (pese a recorrer diferentes zonas), lo que hace que puedas llegar a saber cuándo hay un enfrentamiento contra un jefe y cuando no.

Ninja Gaiden 4 en lo técnico: rendimiento, apartado gráfico y banda sonora

Y si bien las cinemáticas muestran un nivel visual sobresaliente que hace que cada escena sea un espectáculo, en las partes jugables es donde Ninja Gaiden 4 falla sus golpes a nivel gráfico. El juego no es nada del otro mundo en esta materia.

La monotonía estética hace un flaco favor a un apartado ya de por si bastante justito, en donde incluso algunas texturas básicas no terminan de cargar o estar definidas y hay una iluminación muy plana. No hay un caso flagrante de popping ni problemas como el clipping con tanto movimiento, pero aquí se podría haber puesto algo más empeño.

Aunque, el sacrificio a nivel gráfico permite ofrecer modos de juego de gran calidad técnica. En Xbox Series X y PS5 encontramos un modo que prioriza el rendimiento a 60FPS, resolución de salida 4K e interna de 900-1000p con FSR.

Por otro lado, tenemos el modo calidad a 30FPS, con resolución de salida 4K e interna de 1440p. Aunque el modo que mejor aprovecha la rapidez del combate es el de 120FPS, que alcanza los 1080p de resolución de salida con FSR. 

Por último, en PS5 Pro se ofrece un modo de 60FPS, resolución de salida 4K e interna de 1440p y PSSR. En lo que se refiere a estabilidad de frame rate, no puedo ponerle apenas pegas al juego. Es tan sólido como una roca.

En términos sonoros, el juego cumple sin reservas y con sus temas se aprecia claramente la impronta más cañera de los juegos de Platinum Games. La banda sonora ofrece temas vocales de rock muy potentes que potencian los combates contra jefes.

La dificultad de Ninja Gaiden 4: ¿Es tan difícil como los anteriores juegos?

Ninja Gaiden 4 es un juego muy exigente si tú escoges hacerlo difícil. Platinum Games ha logrado darnos un título que se siente tremendamente justo y equilibrado a los mandos, diseñado con todo tipo de jugadores en mente.

En modo normal podrás avanzar sin mucho problema y el uso de objetos que mejoran el ataque o la defensa dan una enorme ventaja al jugador (especialmente en los combates contra jefes). También hay pequeñas ayudas, como que recibes un objeto de curación en cada muerte contra un boss si te "estampas" mucho contra ellos. 

Y en lo que respecta a los jefes, lo cierto es que hay bastante variedad (así como de enemigos normales) y hay un combate al hacia el final del juego que es una delicia. No me ha convencido tanto el jefe final, eso sí.

No obstante, esta experiencia en modo normal está lejos de ser sencilla. No puedes despistarte. Y si lo ves muy exigente, también puedes jugar en un modo más fácil, que añade opciones de accesibilidad configurables como bloqueos automáticos. Aunque, la mejor experiencia empieza cuando arrancas el modo difícil.

Aquí, el juego te lleva al límite con enemigos profundamente agresivos que suponen un acoso constante. Es en este modo donde tendrás que sacar lo mejor de este juego y de ti mismo si quieres progresar. Practicar en el modo entrenamiento o memorizar combos es imprescindible.

Por último, cuando completas la historia por primera vez, desbloqueas el modo Maestro Ninja. En esta dificultad superior, un golpe fuerte basta para mandarte al otro barrio. Así que solamente tengo una cosa que decirte: mucha suerte.

¿Cuánto dura Ninja Gaiden 4? Rejugabilidad y nuevos desafíos

He tardado en completar Ninja Gaiden 4 en dificultad "Normal" unas 12 horas, aproximadamente. No obstante, la duración puede variar bastante si eres un jugador experto/a en la saga o si decides empezar la aventura en una dificultad mayor.

Por fortuna, Ninja Gaiden 4 recoge otra de las identidades de sus predecesores y ofrece una profunda rejugabilidad basada en conseguir la máxima puntuación en cada nivel. Además, puedes repetir jugando solo con Ryu y aprovechar la nueva dificultad desbloqueada y otros condicionantes.

Además, el juego incluye una serie de desafíos adicionales que se suman a los retos del purgatorio que mencionaba antes y a la opción "tendencias suicidas", que quita todas las mejoras a los personajes. Los puedes jugar con quien desees y dan una cuantas horas extra. Más de una treintena de duelos contra jefes y batallas contra el crono te esperan.

El precio, plataformas y ediciones de Ninja Gaiden 4

Ninja Gaiden 4 está disponible en formato físico y digital en Xbox Series X|S, PS5 y PC a un precio de 69,99 euros. Además, el juego llega de lanzamiento a Xbox Game Pass Ultimate como resultado de la colaboración entre Team Ninja y Xbox Game Studios.

También puedes hacerte con la edición Deluxe a 89,99 euros que trae la expansión "Los dos maestros" en 2026, aspectos Azul oscuro tradicional y Falcata negra legendaria para Ryu, aspectos Quimera divina y Maestro cuervo para Yakumo, aspectos de arma y 50.000 créditos ninja.

¿El ninjutsu perfecto?

Nada puede igualar el nivel de frenetismo, visceralidad y velocidad que he experimentado con Ninja Gaiden 4. El nuevo juego de la saga se establece como un título magnífico para quien desease volver a la esencia más pura y refinada del hack 'n slash.

Platinum Games ha conseguido darnos una dosis de nostalgia en forma de juego de acción de la vieja escuela, tanto en forma, como en fondo. Por su combate, pero también por su estructura y manera de hacer las cosas, Ninja Gaiden 4 recuerda a tiempos más sencillos y directos.

Además, el juego no mete todos sus shurikens en la misma cesta tratando de apelar a ese pasado, ya que también intenta ofrecer novedades estilísticas para nuevos y veteranos jugadores, tanto en el ámbito jugable como a nivel de mundo.

Cierto es que hay un par de tajos que fallan su objetivo. A nivel gráfico está por debajo de otros grandes títulos de acción de corte AAA, el guion comete algún que otro fallo y hay contenido reciclado que desaprovecha el potente regreso de Hayabusa.

Pero esos problemas quedan en evidencia cuando te pones a los mandos. Pocos juegos en 2025 consiguen igualar el nivel de satisfacción que provoca clavar los combos y las esquivas en este Ninja Gaiden 4. Pocos juegos te harán decir tantas veces: "esto es la hostia".

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Tras un tortuoso desarrollo, el nuevo título ambientado en el Mundo de Tinieblas llega a PS5, Xbox Series X|S y PC con la intención de convertirse en el juego de vampiros definitivo. En este análisis de Vampire: The Masquerade Bloodlines 2 vamos a ver si ha sido un éxito o un baño de sangre.

La polémica con Paradox Interactive por sus clanes DLC, los retrasos, que The Chinese Room haya sustituido al equipo de desarrollo original, comparaciones con el primer juego... Hay muchos factores que pueden dejar en la estaca-da a este título y no son muchos los que apuestan por su éxito. 

¿Le pesa el nombre de Bloodlines a esta secuela? Legacy of Kain o Vampyr ya nos han dejado aventuras vampíricas importantes. ¿Se destapa la mascarada con esta nueva propuesta? Híncale el diente al análisis de Vampire: The Masquerade Bloodlines 2 para PS5, Xbox Series X|S y PC:

• La historia de Vampire: The Masquerade Bloodlines 2: sangre en Seattle
• El gameplay de Vampire: The Masquerade Bloodlines 2: la mordidita
• La dificultad de Vampire: The Masquerade Bloodlines 2
• La duración de Vampire: The Masquerade Bloodlines 2
• El precio, plataformas y ediciones de Vampire: The Masquerade Bloodlines 2
• La opinión de Hobby Consolas sobre Vampire: The Masquerade Bloodlines 2
• Nota: lo mejor y lo pero de Vampire: The Masquerade Bloodlines 2

La historia y ambientación de Vampire The Masquerade Bloodlines 2

Un misterio escrito en sangre. Bloodlines 2 nos traslada al año 2024 para recorrer las calles de una Seattle gobernada desde las sombras por los diferentes clanes del universo de Vampiro: La Mascarada, el conocido juego de mesa creado en los años noventa.

En la piel de un vampiro o vampiresa antigua que ha despertado de un letargo de cien años, tendremos que descubrir por qué hemos vuelto a la no-vida a miles de kilómetros de nuestro lugar de descanso y por qué tenemos una extraña marca en la mano que nos impide abandonar la ciudad.

Por fortuna (o desgracia), no estamos solos a la hora de resolver este enigma, ya que en nuestra mente habita un inesperado inquilino, Fabien, un vampiro detective cuya esencia se ha adherido a nuestro cuerpo por algún motivo que no mencionaré para evitar spoilers.

A partir de aquí, Bloodlines 2 comienza a elaborar un relato muy ambicioso y ciertamente intrigante que te empuja a resolver dos misterios. Por una parte, el regreso de un asesino al que Fabien investigó durante los años 20 y por otra, los truculentos acontecimientos que tienen que ver con la llegada de este antiguo vástago a la ciudad y las luchas de poder entre clanes.

La historia de Vampire: The Masquerade Bloodlines 2 transcurre durante una temporal invernal en la ciudad. Nadie puede entrar ni salir (ni conducir). A partir de ese momento, los vampiros y mortales quedarán atrapados mientras los primeros evitan que se incumpla "La mascarada", la más antigua ley que impide que los segundos sean conscientes de la existencia de los chupasangre.

El equipo de desarrollo logra formar un guion que combina la jugabilidad de acción y rol del vampiro protagonista en el presente, con las pesquisas e investigaciones de Fabien en dos momentos diferentes del pasado. Todo ello nos deja un relato cautivador y bien estructurado.

Salvo algunos fallos de ritmo, Bloodlines 2 consigue ganarse a quien se interese por su universo. Los fans del lore de este mundillo encontrarán detalles muy interesantes, como que cada personaje responde muy bien a los cánones de personalidad del clan al que pertenecen.

Por ejemplo, que Fabien sea un Malkavian le da un gran toque a la historia. Un loco e imprevisible investigador metido en la policía, que siempre recurre al sarcasmo (o no), deja constancia de que el equipo creativo sabe lo que se hace. Hay cantidad de pequeñas referencias en este sentido.

Y si bien es cierto que el juego se disfruta más sabiendo qué es un Brujah o qué significan los términos "chiquillo" o "sire", Bloodlines 2 también se las apaña para "captar a nuevos ghouls para la Corte" con referencias a la cultura popular vampírica como Crepúsculo, Lo que hacemos en las sombras, Bram Stoker y su Nosferatu o detallando las lecciones básicas en conversaciones extras.

El juego también destaca por su ambientación. Al fin y al cabo, estamos en la ciudad en la que surgió el movimiento grunge y eso se aprovecha para representar a una Seattle dividida entre los bares de moteros o la pobreza de los callejones y las cúpulas de poder más elitistas.

Sorpresa, en esos dos espacios habitan los vampiros. Así que nos moveremos por un mundo abierto lleno de neones, música punk y calles tan abarrotadas de nieve como de basura, pero también entre encuentros y fiestas esnobs u ostentosos rascacielos.

En ese sentido, a nivel gráfico, el juego no es nada del otro mundo, pero un gran uso de los colores chillones, la contraposición de luces y sombras y la presencia de escenarios detallados hacen que puedas llegar a pasar por alto algunos matices visuales. Hay semejanzas estilísticas con obras como John Wick o Blade, por ejemplo.

La jugabilidad de Vampire: The Masquerade Bloodlines 2

Y mientras que Bloodlines 2 consigue distinguirse en la faceta narrativa, no logra despuntar en el plano jugable, a pesar de contar con unas buenas ideas, sistemas y mecánicas. Se echa en falta más experiencia, presupuesto y tiempo de desarrollo para este juego.

Empecemos hablando del mundo abierto. Seattle no es grande, pero tampoco muy pequeña, así que se establece como un mapa manejable, ideal para aprovechar la movilidad de nuestro vástago saltando de azotea en azotea, mientras completamos encargos, evitando que los humanos nos pillen.

Por desgracia, pese a que podemos planear, impulsarnos o trepar por cornisas, tuberías o conductos yendo a toda velocidad, el diseño de la ciudad tampoco nos premia especialmente por hacerlo. Si decides ir corriendo por la calle incluso tardas menos en llegar a los puntos de interés.

Además, mientras te mueves con Fabien en sus flashbacks, no se puede realizar ninguna de estas acciones y dado que el diseño de misiones es bastante básicote (ir de aquí para allá), los paseos "a ras de suelo" se convierten en algo bastante anodino.

No obstante, para aprovechar el parkour del presente, el mundo ofrece tres alicientes. El primero es evitar que se destape la mascarada. Durante todo el juego contamos con un medidor que se va rellenando si los mortales nos ven realizando actividades sospechosas como trepar por las paredes o chupar cuellos indefensos.

Cuanto peor nos comportemos, más se llenará la barra y si alcanza un límite, seremos ensartados. El problema es que tampoco hay una verdadera penalización y librarse de las sospechas es bastante sencillo una vez controlas qué es lo que dictamina y rige este sistema.

Íntimamente relacionado con nuestra naturaleza vampírica, está una curiosa (aunque algo pobre) aplicación de una de las señales de identidad de la saga, la resonancia de sangre. Para mejorar nuestras habilidades necesitaremos drenar diferentes tipos de humanos.

Así que, usando la visión vampírica puedes detectar transeúntes con los tres tipos de sangre necesarios para progresar. Cada tipo conlleva una personalidad. Si quieres contentar a unos, quizá debas ponerte un traje atrevido para seducirles, llevarles a un callejón oscuro y darles una buena mordida. Otros querrán pegarte por su naturaleza violenta y otros huirán y tendrás que darles caza.

Son eventos que tienen su gracia, pero una vez los has hecho dos veces, se vuelven muy repetitivos (y el problema es que en necesario farmearlos). Además, las interacciones con los NPC se sienten muy torpes y a veces tienes la sensación de estar hablando con un autómata. Tampoco te los llegas a creer cuando ves a una muchacha bien vestida intentando robar un coche al lado de un policía.

La tercera pata del mundo abierto es el combate. Lo cierto es que, pese a que también acusa cierta repetición, me gusta como se desarrolla. Los enfrentamientos tienen lugar en las azoteas y zonas especialmente diseñadas para determinadas misiones y lo cierto es que logran empoderarte.

Todo se apoya en un sistema de ataques cuerpo a cuerpo, ligados a las cuatro habilidades que tiene cada clan (luego hablaré de ellos), el sigilo y el uso de la telequinesis. Estos puntos, unidos a un buen sistema de físicas por un momento logran asemejarse a un buen Dishonored.

Ojalá la faceta de inmersive-sim de Bloodlines 2 explotase, porque el combate da algunos momentos sobresalientes gracias a la aplicación de todo lo antes mencionado. El problema es que el mal diseño de los niveles vuelve los enfrentamientos demasiado monótonos y faltan más animaciones de ejecución que aporten variedad.

Lo mejor que hace el juego es que puedas debilitar a los enemigos hasta permitirte chuparles la sangre y recuperar vida, además de establecer una serie de sinergias entre poderes que dan lugar a jugadas espectaculares con mucho poder de inventiva, gracias también al uso del sigilo.

Puedes usar la telequinesis para disparar las armas de fuego de los mortales, recoger cadáveres y cubrirte de las balas con ellos o hacer todo tipo de jugarretas con tus poderes sobrenaturales, que se apoyan en ingeniosas mecánicas. Aquí es donde el combate destaca positivamente.

Cada clan cuenta con unas pasivas y cuatro tipos de habilidades. Las hay de golpe, de manipulación, de evasión y de control total. Por ejemplo, los Ventrue pueden hacer que sus víctimas se suiciden. Los Tremere usan la taumaturgia por la que se definen para hervir la sangre de sus enemigos, los Toreador cautivan a sus oponentes y así un buen etcétera.

Puedes llegar a tener todas las habilidades de los seis clanes jugables (dos iban a ser DLC pero gracias a las críticas de los fans ahora vienen en el juego base), pero durante las 5 primeras horas, aproximadamente, será casi imposible utilizar otros que no sean los de tu clan.

Otro aspecto definitorio de los clanes son los atuendos que ganas conforme desbloqueas sus poderes y si bien su diseño es genial, me habría gustado que estos afectasen al componente RPG del juego y no solamente fueran un elemento estético (fuera de llamar la atención a algún NPC).

Y fuera del mundo tenemos lo que impulsa la buena narrativa del juego, los aspectos más roleros y de los que han bebido muchos otros juegos de la saga al ser novelas visuales como Reckoning of New York. ¿Cómo son las conversaciones y elecciones del juego?

Pues lo cierto es que aquí Bloodlines 2 vuelve a tropezar con el mismo ajo. Hay buenas ideas y estas funcionan correctamente, pero no se terminan de aprovechar todo el potencial. El juego es, en ocasiones, demasiado claro con las opciones conversacionales que plantea.

Y hay otros detalles que reflejan que se podría haber profundizado más en el sistema de relaciones o de ramificaciones. La manera en la que se afrontan los romances es muy superficial y las decisiones... dejan con ganas de más.

Además, el jugador no es muy consciente de a dónde puede conducir la relación que establece con los personajes y las habilidades vampíricas no tienen peso fuera del combate. Salvo alguna excepción, que yo haya escogido a un Ventrue con la intención de influenciar a los demás con mi "sangre azul", no ha tenido demasiado impacto en los personajes que me he ido encontrando.

Cierto que es que en los fragmentos en donde te pones en la piel de Fabien, sí que puedes utilizar sus poderes de Malkavian en el trato con otros vampiros, pero hasta esta mecánica es bastante simple y no se puede aplicar con la libertad que desearías.

En ese aspecto, el juego sale perdiendo comparado con el primer título de la saga y es que jugar como un Malkavian, por ejemplo, daba lugar a una partida completamente diferente. Tampoco ayuda que las escenas de charla sean el principal escaparate del mayor problema del juego.

Hablo del apartado técnico. El acting de los personajes es muy deficiente (aunque hay un buen doblaje al inglés y una buena localización de textos al castellano) y sus aparatosos y robóticos movimientos generan que el pacto del espectador y la inmersión vuelen por los aires.

Además, incluso en modo rendimiento buscando los 60 fps en PS5, el motor Unreal Engine 5 vuelve a causar petardeos y bajones de frames que hacen que recorrer la ciudad de Seattle no sea nada cómodo. Esperemos que esto último se solucione con parches.

El nivel de dificultad de Vampire The Masquerade Bloodlines 2

Vampire The Masquerade Bloodlines 2 no es un juego necesariamente difícil. Si escoges el nivel de dificultad normal de entre los cuatro disponibles, encontrarás un desafío estimulante, aunque para nada frustrante en el ámbito del combate.

Lo bueno es que, pese a que tus poderes están muy por encima de las habilidades de tus rivales, el juego logra ofrecer un reto a la altura, recurriendo a un mayor número de contrincantes y nuevos tipos de enemigos más letales que van apareciendo conforme pasan las horas.

¿Cuánto dura Vampire The Masquerade Bloodlines 2?

La historia de Vampire The Masquerade Bloodlines 2 puede completarse en unas 20-25 horas. Todo depende de tu estilo de juego, puesto que también se ofrecen unas cuantas misiones secundarias que proceden de los líderes de cada clan vampírico.

Eso sí, si eres un jugador o jugadora que busca sacarse el 100%, tendrás que llevar al día todos los recados, ya que en varias ocasiones el juego impedirá acceder a ciertas misiones secundarias si avanzas en la trama. Aunque siempre puedes empezar otra partida tomando otras decisiones.

El precio, plataformas y ediciones de Vampire: The Masquerade Bloodlines 2

Vampire: The Masquerade Bloodlines 2 está disponible en PS5, Xbox Series X|S y PC en formato digital y físico bajo un precio de 59,99 euros en su edición estándar y 69,99 euros en su edición Deluxe que incluye un pack cosmético.

También hay disponible una edición física y digital conocida como Premium Edition a 89,99 euros que incluye el juego base, caja Premium, caja Metálica, un diario de tapa dura, cartas de personaje y las expansiones Santa Monica Memories, Loose Cannon y The Flower & The Flame.

¿Puedo pasar?

Hay algo adictivo en todo aquello que rodea a los vampiros. Como el irrefrenable impulso que sienten hacia la sangre, todo producto que gire en torno a estos monstruos cuenta con un atractivo único y especial. Y Vampire: The Masquerade Bloodlines 2 no es una excepción, incluso con sus tropiezos.

Aplaudo la valentía de The Chinese Room al recoger un proyecto de tal magnitud. El equipo británico nos ha dejado juegos tan interesantes como Everybody's Gone to the Rapture o Still Wakes the Deep... pero Vampire: The Masquerade era un elefante en la habitación demasiado grande.

Su narrativa y ambientación e incluso ciertas facetas de su combate y diálogos, han servido para hacer que piense que Bloodlines 2 es uno de los juegos con más posibilidades que he jugado en los últimos meses, pero también uno de los que más "peros" ha presentado.

A esta secuela le ha pasado como a su predecesor, al experimentar un desarrollo movido y varios errores. ¿Quién sabe si estamos ante otro juego de culto? Lo que sí que tengo claro es que Bloodlines 2 tiene unas bases muy potentes, pero la luz del sol ilumina demasiado sus peores aspectos.

Bloodlines 2 se ha visto claramente superado por la situación. La ambición, los cambios y todas las trabas a las que se ha enfrentado el proyecto nos dejan un agridulce "Abrazo" final que no logra que el juego de vampiros se consagre como el Antediluviano del género.

Y a pesar de eso, si eres un consumado/a fan de este mundillo de afilados colmillos, yo invitaría a que Vampire: The Masquerade Bloodlines 2 entrase en tu casa. No obstante, si no lo tienes claro, mejor sumergirse en un pequeño letargo y aguardar a una rebaja. Me las piro, vampiro.

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La primera novedad, y quizá más decisiva, es que en esta ocasión ASUS viene de la mano con Microsoft para ofrecer una experiencia optimizada que se integra en el ecosistema Xbox, incluyendo funcionalidad con Game Pass, Xbox Play Anywhere o el juego en la nube, entre otras cosas. Es uno de los temas centrales que voy a tratar en este análisis de ROG Xbox Ally X, pero no el único.

Microsoft también ha optimizado Windows 11 para este tipo de dispositivos, Xbox Ally X y Xbox Ally son los primeros en beneficiarse de esta mejora, junto a la llamada Xbox Full Screen Experience o experiencia de Xbox a pantalla completa, un renovado interfaz muy ágil y repleto de opciones para disfrutar de una experiencia portátil general mejorada.

Y eso sin mencionar siquiera el cambio de diseño, la inclusión de un nuevo botón Xbox o los cambios internos, como la APU Ryzen AI Z2 Extreme, que incorpora funciones de Inteligencia Artificial y Copilot, sin olvidar algunas características que irán llegando en los próximos meses. Pero de todo esto hablaremos a su tiempo.

Llevo algo más de una semana trasteando y jugando con este nuevo dispositivo, y de eso justo te voy a hablar en este análisis de ROG Xbox Ally X, poniendo el foco en las novedades, si supone un salto (o no) respecto a otros PC consolizados o aspectos como el rendimiento y si la nueva APU Ryzen Z2 Extreme se nota o no. En concreto, me voy a centrar en estos puntos.

• ROG Xbox Ally X: un vistazo a un hardware con más cambios de los que parece
• El nuevo Xbox Full Screen Experience, más opciones, más control y un diseño mejorado
• El rendimiento de ROG Xbox Ally X: ¿mejor, igual o peor que ROG Ally X "a secas"?
• La autonomía de ROG Xbox Ally X y el nuevo perfil "silencio" mejorado más eficiente
• La opinión de HobbyConsolas de ASUS Rog Xbox Ally X, ¿merece la pena? 

ROG Xbox Ally X: un vistazo a un hardware con más cambios de los que parece

Desde que se anunció ROG Xbox Ally X y ROG Xbox Ally (el modelo blanco, que tiene unas prestaciones "inferiores", como una batería de menor capacidad y un procesador algo menos potente), uno de los aspectos sobre los que más se ha hablado ha sido el precio, lo que ha eclipsado en cierto modo otras de sus virtudes. El diseño, sin ir más lejos, es una de ellas.

Sin ningún tipo de dudas, Asus ha tomado como base todo lo bueno que implementó en el modelo de 2024, y sobre esa base, ha introducido unas cuantas mejoras en ROG Xbox Ally X. La más evidente son las empuñaduras o asideras, que recuerdan a las de un mando de Xbox, para que la experiencia de juego tenga continuidad, tanto si vienes de una Xbox como de jugar en PC con un mando oficial.

Esta novedad hace que sea una consola portátil sensiblemente más grande que los anteriores modelos, aunque no haya sufrido cambios en otros aspectos clave, como el tamaño de la pantalla, que sigue siendo de 7 pulgadas y con las mismas características (resolución 1080p, hasta 120Hz, VRR...), aunque ha cambiado el cristal protector, a Gorilla Glass Victus + DXC para evitar reflejos.

Esta configuración más grande también trae de la mano otro cambio, que puede resultar inapreciable de primeras: aunque pesa cerca de 40 gramos más que el anterior modelo, la distribución del peso parece estar mejor repartida, dejando una sensacion más equilibrada , no queda esa sensación de que todo el peso recae en el centro del dispositivo. Es muy cómoda de tener entre las manos.

Son, probablemente, dos de las primeras cosas en las que te fijes según la saques de la caja, pero no las únicas. También notarás que la superficie ahora viene texturizada, como las empuñaduras. Y, si estás cegato como yo, es probable que necesites una buena lupa para ver que las letras "ROG XBOX" forman el relieve de la textura, un detalle que recuerda al de los Dualsense.

Otra de las grandes novedades es el botón Xbox, situado muy cerca del stick izquierdo. Es una de las incorporaciones más importantes de nuevo este sistema, y luego hablaré en profundidad de sus usos, pero tiene una forma distinta y un tamaño ligeramente más grande para que sea fácil localizarlo con el tacto, si retirar los ojos de la pantalla.

El resto de elementos, como los puertos y botones, tiene una distribución prácticamente idéntica a la ROG Ally X, desde los altavoces frontales, las rejillas de ventilación traseras o los botones traseros M1 y M2, que son programables con la función que queramos (macros, funciones del sistema...) y tienen el mismo tamaño y respuesta que en el modelo de 2024.

Lo mismo se puede aplicar a los dos puertos USB-C superiores (uno de ellos sigue siendo USB4, compatible con Thunderbolt, por si quieres conectar una gráfica externa), la ranura de tarjetas microSD XC o el botón biométrico de encendido. Todos esos elementos son prácticamente idénticos a los que vimos en la anterior versión de ROG All, como los controles de volumen.

Eso sí, hay una pequeña diferencia más, apenas visible, y es que ROG Xbox Ally X tiene algún milímetro más de grosor, aunque cuenta con el mismo sistema de ventilación que en el modelo de 2024 . Es inapreciable, y no afecta a las sensaciones que deja el hardware, aunque sí repercute de manera positiva en la ventilación: las rejillas superiores son uno o dos milímetros más grandes.

Lo mejor de todo es que los ventiladores se mantienen muy silenciosos durante la mayor parte del tiempo, e incluso en el modo Turbo, logran mantenerse muy comedidos. 

Superado este primer vistazo general al hardware de ROG Xbox Ally X y los cambios que ha introducido respecto al anterior modelo, no está de más ver manera visual, las características generales de ROG Ally X frente a las de ROG Ally X. 

En términos de control encontramos una cruceta y sticks idénticos a los de Ally X (siguen sin ser Hal Effect), y cuatro botones frontales A, B. X e Y con un tacto ligeramente distinto, quizá más duro, pero igualmente agradable. El gran cambio aquí está en los botones superiores: LB y RB son más gruesos y largos (y tienen "pendiente"), mientras que los gatillos son sensiblemente más anchos y cómodos.

Si retiramos la tapa trasera y nos metemos en las tripas, hay más novedades. La primera es que ROG Xbox Ally X monta 24 GB de memoria 24GB LPDDR5X-8000, que es más rápida que en Ally X (8000 MB/s frente a los 6500 MB/s del anterior modelo).

Sigue siendo memoria compartida entre la CPU y la GPU, aunque desde Armoury Crate podemos fijar la cantidad que destinamos a los gráficos, algo que también puede mejorar el rendimiento de los juegos más demandantes (la cantidad máxima que podemos dedicar a VRAM es de 16 GB).

Siguiendo debajo de la tapa trasera, al igual que el modelo de 2024, ROG Xbox Ally X también monta un SSD de 1 TB con el factor forma 2280 (de los "alargados"), que resulta más fácil de sustituir que un 2230, y suele ser más sencillo encontrarlos más baratos y de mayor capacidad (hasta 4TB).

Por último, esta la APU Ryzen AI Z2 Extreme, de 8 núcleos y 16 hilos en ROG Xbox Ally X, la versión que he podido probar, que es otra de las grandes novedades del sistema al incorporar una NPU o CPU dedicada a tareas de inteligencia artificial, con un rendimiento de 50 TOPS (o 50 billones de operaciones por segundo, que es la métrica de este tipo de procesadores).

De lanzamiento está disponible Gaming Copilot, que nos permite realizarle preguntas de viva voz (a través de un micro) a un asistente virtual mientras jugamos para que nos ayude con sugerencias, consejos o información sobre el juego al que estamos jugando. 

A partir de 2026, la IA permitirá activar nuevas funciones como Automatic Super Resolution, que será una nueva forma de reescalado para mejorar la resolución y desempeño de los juegos o los llamados "hightlight reels" (resúmenes destacados), vídeos capturados por IA con nuestras mejores jugadas para que podamos compartirlos fácilmente. Habrá que esperar a 2026 para ver el resultado.

Un último detalle: en el interior de la caja de ROG Xbox Ally X, aparte de la consola, vas a encontrar los dos extras habituales del fabricante: el cargador y un pequeño expositor o "cuna" para depositar el dispositivo mientras no lo estamos usando (no tiene funcionalidad como un dock, ni puertos, ni ninguna función, es un trozo de plástico).

El nuevo Xbox Full Screen Experience, más opciones, más control y un diseño mejorado

Vistos los cambios y novedades del hardware, queda por ver la otra parte de la ecuación, el software de ROG Xbox Ally X, que en este caso es especialmente importante, ya que la potencia bruta puede quedarse en nada si no tiene detrás un buen software que la respalde, como hemos visto en otros casos. Y aquí hay novedades importantes.

Tal y como adelantamos hace unas semanas, Microsoft ha tardado bastante, pero al fin ha optimizado Windows 11 para que sea una experiencia más amigable en este tipo de PC consolizados. Primero, porque ahora podemos arrancar el sistema en versión experiencia Xbox a pantalla completa, que "mata" todos los procesos que no tengan que ver con el gaming.

Es decir, no vas a ver el botón Windows, ni la barra de accesos directos... si no algo más parecido al interfaz de Xbox. Si deslizas el dedo por la pantalla, de la parte inferior a la superior, podrás ver las aplicaciones abiertas y cambiar entre ellas (puede ser un juego, la app de Xbox...), además de un botón dedicado para acceder al escritorio de Windows. 

Si lo pulsas, pasarás a la experiencia Windows 11 que ya conoces; y si quieres regresar al modo experiencia Xbox a pantalla completa tendrás que hacerlo desde el menú Game Bar, aunque tendrás que reiniciar el dispositivo para "matar" todos los procesos innecesarios y así, de nuevo, garantizar que todos los recusos disponibles se destinan al juego para que sea más eficiente a la hora de jugar.

En esta presentación tan orientada al juego y "nada más" se refleja también Game Bar, el menú emergente que aparece en pantalla cuando pulsamos el botón Xbox. Es un menú con disposición horizontal, que en cierto modo recuerda al XMB (o XrossMediaBar) de PS3, en tanto en cuanto tiene bastantes apartados ordenados en una barra horizontal, por la que nos movemos pulsando LB y RB.

En primer lugar están las opciones del Centro de Comando de Armoury Crate (que siguen teniendo un botón dedicado) que integra los ajustes rápidos para cambiar el perfil de rendimiento, la resolución o el refresco de pantalla entre otras opciones. Le sigue el apartado Home, para acceder rápidamente a los últimos juegos lanzados (y cerrar el activo) o los launchers instalados.

Game Bar también da acceso a los ajustes generales (volumen, brillo, apagar dispositivo, WiFi, Bluetooth...), asistencia para juegos (puedes anclar guías de juegos), las funciones sociales de Xbox (mandar mensajes, crear grupos...), gestionar la mezcla de audio, hacer capturas y grabar clips, monitorizar el consumo del equipo, Gaming Copilot o instalar widgets (como Spofity, crosshairs...).

A la hora de familiarizarme a este nuevo sistema, lo cierto es que he pasado por varias etapas. Soy usuario habitual de ROG Ally X, y de primeras he sentido que algunas cosas eran confusas. Por ejemplo, los botones de acceso directo a Armoury Crate y Centro de Comandos han intercambiado su posición con los botones Vista y Menú de Xbox (es decir, ahora están arriba).

No han sido pocas veces las que los he pulsado pensando que pulsaba los botones Vista y Menú. El problema no es solo ese, es que estando en un juego, pulsar el botón de Armoury Crate te devuelve al menú Home de la experiencia Xbox (el juego pasa a un segundo plano), pero si vuelves a pulsar el botón Armoury Crate, no regresas al juego como pasaba hasta ahora.

Para volver a entrar en el juego, o bien usas la pantalla táctil para moverte entre las ventanas activas, o bien buceas por los menús para volver a acceder al juego, y pulsar el botón "en ejecución". Es un aspecto que tiene margen de mejora. 

Algo parecido me ha pasado con el botón Xbox, el que hace emerger el menú Game Bar, y justo al lado tener el botón dedicado al Centro de Comando (que es la primera opción que aparece si pulsas el botón Xbox). Aunque el primero tenga más funciones, el botón de Centro de Comando quizá resulta un poco redundante, aunque sea una de las cosas que más a menudo vas a usar. 

Son detalles menores pero que durante los primeros días me han vuelto un poco "loco". Si nunca antes has tenido una ROG Ally, quizá no tengas ya los tics cogidos y no te des cuenta de estos detalles... que, como digon, en el fondo son un mal menor.

Superado el período de adaptación a esta nueva disposición de botones y menús, que no ha durado más de un par de días, lo cierto es que ya no tengo que pensar qué botón pulsar para hacer según qué cosas... aunque cuando he vuelto a coger la ROG Ally X "normal", me he vuelto un poco loco.

Tampoco está de más indicar que Armoury Crate también se ha actualizado recientemente, y ahora presenta algunas opciones que me parecen todo un acierto, como por ejemplo, aglutinar todos los ajustes de rendimiento en una barra con varios botones (ya no hace falta pulsar un único botón para rotar entre todos los modos disponibles). Es decir, puedes pasar de Silencio a Turbo con un toque.

También se han reorganizado otras opciones, como todas las opciones de configuración de Armoury Crate, pero sigue siendo un software muy completo y funcional, del que la experiencia Xbox ha tomado nota para integrar, por ejemplo, los distintos launchers para lanzar todos tus juegos, indistintamente de la plataforma y tienda, desde el mismo sitio (pero todos bien diferenciados).

Armoury Crate sigue manteniendo todas las opciones que estaban disponibles en las anteriores versiones, desde configurar los controles a crear perfiles de rendimiento específicos para cada juego, o distintas opciones y estilos para mostrar nuestra biblioteca de juegos instalados. Si te gusta cacharrear, aquí vas a encontrar opciones para mantenerte entretenido.

En general, tras una semana de uso, la experiencia Xbox y Game Bar me parecen todo un acierto para este tipo de consolas con Windows 11 que quieran competir con Steam Deck en el espacio portátil... pero todavía hay margen de mejora para pulir unas cuantas cosas.

Durante mis días de pruebas extensivas me he he encontrado con algunos problemas y fallos en distintas situaciones de uso. El primero, es que los controles se desconfiguran cuando no tienes conexión a Internet.

Active las opciones en la tienda de Microsoft para poder ejecutar juegos sin conexión a Internet, para aprovechar e ir jugando de camino al trabajo. Pero lo cierto es que los controles no han respondido correctamente: es como si pasaran a modo ratón y teclado, y da igual lo que toques en Armoury Crate, que pueden volver un segundo, y desconfigurarse de nuevo al siguiente.

Tambié me he topado con algunos problemas si conectas ROG Xbox Ally X a un dock y a la tele, como no poder moverme por los menús correctamente al salir de un juego pulsando el botón Armoury Crate o problemas para cambiar entre las ventanas activas (al no funcionar la pantalla táctil, es casi imprescindible tener un ratón y teclado, o un atajo asociado a un botón M trasero).

En general, el software que he podido probar en estos días no es el final que encontrarán los compradores; sirva como ejemplo, que la nueva función háptica todavía no estaba disponible durante mis pruebas, y por eso no puedo entrar a valorar si es mejor, peor o igual que en los mandos de Microsoft....

El software final se activa en el lanzamiento, por lo que es posible que algunos de estos fallos estén corregidos, o se corrijan pronto. Intentaré problarlo y actualizar el artículo si procede. Pero, en cualquier caso, si vas a jugar principalmente en portátil, y con WiFi o con los datos de tu móvil, no creo que tengas muchos problemas con este nuevo interfaz de lanzamiento.

El rendimiento de ROG Xbox Ally X: ¿mejor, igual o peor que ROG Ally X "a secas"?

Visto el hardware y el software, aun quedan por aclarar algunos aspectos. El primero es que, aunque su nombre sea ROG Xbox Ally X, no se trata de una consola Xbox en el sentido tradicional de la palabra. No es el equivalente Xbox de Nintendo Switch 2 para Nintendo. Es decir, no vas a poder ejecutar de manera nativa los juegos de consolas Xbox en el dispositivo.

Da igual que sean clásicos de Xbox 360 que tengas en tu cuenta digitalmente, o los últimos lanzamientos para Xbox Series o Xbox One disponibles en la tienda digital: no vas a poder descargarlos y jugar, salvo que sean "Play Anywhere" (solo que en este caso tendrás acceso a la versión de PC). 

La única excepción es que sí podrás jugar a los exclusivos de consola los a través de la nube si estás suscrito a Game Pass, o si haces streaming del juego desde tu consola Xbox Series X|S. Es decir, estamos hablando de un PC con el que puedes aprovecharte de las opciones que ofrece el ecosistema Xbox, como las partidas guardadas de los Play Anywhere (compatibles entre PC y Xbox).

Aclarado este punto, tampoco está demás incidir en otro aspecto: la APU Ryzen IA Z2 Extreme no persigue un salto de potencia extrema, sino mejorar y optimizar el rendimiento que vimos en la primera generación. Es decir, aquí no vas a ver juegos 3D demandantes corriendo a 300 fps, porque técnicamente no estamos ahí todavía. Pero sí hay un salto de potencia interesante.

Lo que AMD ha conseguido aquí es optimizar el rendimiento y minimizar el consumo energético para que en los perfiles Silencio (a partir de 13W) y Rendimiento (a partir de 17W) sean más eficientes y consuman menos batería. Y en mis pruebas he podido constatar que lo consigue, al menos en muchos de los juegos que he podido probar. Pero de la autonomía hablaremos luego...

En cierto modo, se puede decir que el modo Silencio de ROG Xbox Ally X es ahora el equivalente al modo rendimiento de ROG Ally X, mientras que el modo Rendimiento del nuevo dispositivo es más parecido al modo Turbo de la anterior consola. Hay casos donde esto no se cumple a rajatabla, pero ya es una cuestión de optimización de los juegos. 

Pero nada como unos ejemplos para ilustrar. Cabe destacar que todas las mediciones que indico a continuación se han hecho con la consola SIN enchufar a la corriente, en modo portátil "de verdad", salvo que se indique lo contrario. 

Es uno de los juegos que siempre pruebo en este tipo de dispositivos, para ver con qué soltura se mueve. Y lo cierto es que Forza Horizon 5 es uno de esos ejemplos en los que todo lo que promete ROG Xbox Ally X, se cumple, empezando por los optimizados modos Silencio y Rendimiento, que los he comparado con ROG Ally X, el modelo de 2024, para ver las diferencias.

Así, en el perfil silencio (consumo de 22W), con los ajustes gráficos en nivel alto (Ray Tracing y particulas a nivel medio), con resolución 1080p, FSR desactivado y sin límite de FPS, el juego se mueve entre los 43 fps y los 60 fps de media, aunque suele mantenerse por encima de los 50 durante casi todo el tiempo. En ROG Ally X "a secas", esos valores bajan a 32-39 fps, la media en 35.

En perfil Rendimiento (consumo de 27 W), con los mismos ajustes (ajustes en Alta, 1080p, FSR off....) la tasa de frames oscila entre los 59 fps y los 80 de media., aunque suele mantenerse por encima de los 65 la mayor parte del tiempo. En Ally X "a secas", se mueve entre los 58 y 70 fps, suele mantenerse a cerca de 60 de media.

En perfil Turbo sin enchufar a la corriente (consumo de 37W) con los mismos ajustes (incluido el Ray Tracing y particulas a nivel medio), Forza Horizon 5 se mueve entre los 79 y los 92 fps de media, aunque suele mantenerse por encima de los 80 durante casi todo el tiempo. Enchufado pero no se nota demasiada diferencia. En ROG Ally X sube hasta 44W y el rendimiento medio se sitúa en 74fps.

Lógicamente, las opciones para trastear y mejorar estos resultados son amplias (bajar la resolución, el detalle, activar FSR y AMFM o crear un perfil manual con el TDP que queramos, por poner algunos ejemplos), pero Forza Horizon 5 es un buen ejemplo para ilustrar este mejorado rendimiento de los perfiles más bajos de consumo, con unas ganacias que pueden llegar a ser de hasta 20 fps.

Otro de los juegos disponibles en Game Pass, Gears of War Reloaded es la puesta al día del clásico de Xbox 360. En el perfil silencio (consumo de 20-22W) con los ajustes gráficos en Alta (con detalles como la calidad texturas en Ultra), con el límite de FPS a 120, resolución 1080p y FSR 3.1 en calidad, la tasa de frames oscila entre los 30 fps y los 60 fps.

En este perfil, la tasa media de frames se sitúa en 45 fps durante la mayor parte del tiempo. En ROG Ally X, en el modo Silencio tenemos oscilaciones entre 35 y 43 fps, y la media suele situarse en torno 37 fps. Es decir, hay una diferencia de 8 fps.

En el perfil rendimiento (consumo de 26W) y con los mismos ajustes gráficos, la tasa de frames oscila entre los 57 fps y los 76 fps de media, aunque suele mantenerse la mayor parte del tiempo por encima de los 63 durante casi todo el tiempo. En ROG Ally X los picos máximos son inferiores, aunque tiene un buen desempeño y suele fijarse en 60 fps.

Por último, en perfil turbo (36W) y los mismos ajustes, Gears of War Reloaded se mueve entre los 66 y los 89 fps de media, aunque suele mantenerse por encima de los 72 fps durante la mayor parte del tiempo, aunque fluctúa según la acción. De nuevo, hay bastante margen para cacharrear y conseguir tasas más altas pero, de nuevo, jugar a gran resolución y detalle con buen desempeño es posible.

Nadie duda que Robocop Rogue City fue una de las grandes sorpresas de 2023 y, se puede decir, que también lo es a la hora de hablar de rendimiento en ROG Xbox Ally X. Con los ajustes gráficos que autodetecta, muchas variables se activan en un nivel alto de detalle (iluminación global, texturas) y otros a nivel intermedio (sombras o efectos). Se ve bastante bien.

Las pruebas las he llevado a cabo con resolución 1080p, FSR3 activado en modo rendimiento y con la opción de generación de frames del propio juego activada. Con estos ajustes, es uno de los juegos que mejores resultados ofrece.

Así, en perfil silencio (consumo de 19-20W), Robocop Rogue City se mueve entre 69 y 85 fps, aunque lo normal es que se sitúe en torno a 72-73 fps en este perfil de bajo consumo. Así, resulta más fácil sacar más horas de autonomía a la batería, mientras juegas con unos ajustes altos. Sin generación de frames, baja hasta 45-52. En Ally X, la media es de 40 fps. 

En perfil rendiminnto (consumo de 26W), con la generación de frames activa, Robocop Rogue City se mueve entre los 89 y los 105 fps, aunque lo normal es que se sitúe la mayor parte del tiempo en torno a los 95 fps. Sin generación de frames fluctua entre los 52 y 74, aunque la media suele estar por encima de 60 la mayor parte del tiempo. En la Ally X "normal", alcanza los 60 fps.

Por último, en perfil turbo (consumo de 36W) la tasa de frames oscila entre los 120 y los 145 fps, y lo normal es que la media se sitúe en 130. Sin generación de frames, hablamos de una tasa de 87-95 fps de media, que tampoco es desdeñable. En Ally X, en este perfil se mueve a 93 fps.

Es decir, en el caso de Robocop, estamos hablando de incrementos de más de 30 fps, que pueden suponer hasta un 70% de ganancia respecto al mismo perfil en ROG Ally X.

Otro juego que también ha puesto en aprietos a este tipo de dispositivos portátiles, sobre todo cuando se lanzó Steam Deck en 2022 (por entonces no contaba con un perfil de ajustes propio). La buena noticia es que aquí también se mueve bastante bien y con un desempeño más que notable, en término de tasa de frames, que está por encima de la versión de Nintendo Switch 2.

Las pruebas las he hecho con los ajustes gráficos en Alta, con FSR en modo equilibrado y la generación de frames activa. Así, en el perfil Silencio (consumo de 19-20W), el juego se mueve entre los 35 fps y los 40 fps de media, aunque suele fijarse en oscilar en torno a 36 durante la mayor parte del tiempo. En Ally X, hablamos de una tasa que se suele fijar en torno a los 25-26 fps.

Se trata de un incremento del 40%, aunque quizá no sean las condiciones óptimas para jugarlo. En el perfil Rendimiento (cosumo de 26W) la cosa sube ya hasta los 50-60 fps, aunque la media suele fijarse en torno a los 55 fps durante la mayor parte del tiempo. En Ally X, oscila entre los 41-50 fps, aunque la media suele estar en 42 fps. Es decir, la ganancia es de 13 fps respecto al anterior modelo.

Por último, en perfil turbo (consumo de 37W), la tasa de frames oscila entre los 65 y los 80 fps de máxima, aunque suele mantenerse en torno a 72 fps durante la mayor parte del tiempo. En vehículo las caídas son más notables, pero nunca por debajo de 60 fps. En Ally X entre 53 y 63, la media suele estar en 58fps. De nuevo, los perfiles más bajos son donde está la principal ganancia.

También he querido probar el lanzamiento más reciente de Konami, Silent Hill f, para ver cómo se comporta en este tipo de dispositivoscon un juego nuevo corriendo en Unreal Engine 5. Y lo cierto es que trasteando un poco con sus ajustes, es perfectamente jugable. He optado por unos ajustes gráficos medios, resolución 1080p y FSR en modo Rendimiento.

Así, en perfil silencio (consumo de 19-20W), oscila entre los 36 fps y los 40 fps de media. Si se desactivan algunas opciones "demandantes", como los efectos de iluminación indirecta (Lumen), puede subir hasta los 45 fps, aunque lo normal es que se mantenga entre 40-42 fps.

En el perfil Rendimiento (consumo de 26W), Silent Hill f oscila entre los 45 fps y los 50 fps de media. De nuevo, al desactivar los efectos de iluminación indirecta (Lumen), puede alcanzar hasta los 59 fps, aunque lo normal es que se estanque en 50 fps. Aquí, así, ya se ve y mueve bastante bien.

Por último, en perfil Turbo (consumo de 36W), oscila entre los 51 fps y los 61 fps de media. De nuevo, si se desactivan los efectos de iluminación indirecta (Lumen), Silent Hill f casi siempre se mantiene en los 59-60 fps, con picos que llegan hasta 71 (si no están limitados los fps enl os ajustes). Dicho de otro modo, se puede jugar bastante bien.

Uno de los claros candidatos al GOTY de 2025 es Clair Obscur: Expedition 33, y no me he podido resistir a probarlo, para ver el desempeño que tiene ROG Xbox Ally con algunos de los juegos clave lanzados en este 2025.

Aquí he optado por una calidad gráfica media, resolución 1080p, frames limitados a 60 y XeSS escalado en modo rendimiento. Así, en el perfil silencio (19-20W), oscila entre los 21 fps y los 28 fps de media, aunque suele situarse en torno a 24. No es agradable jugarlo así.

En perfil Rendimiento (26W) se mueve entre los 30 y los 40 fps de media, aunque suele fijarse en los 33-34 la mayor parte del tiempo. Con el perfil Turbo (36W) oscila entre los 36 fps y los 43 fps de media. No es lo óptimo, pero se puede jugar bien, aunque trasteando seguro que se puede sacar bastante más.

También he podido probar Ghost of Tsushima con nivel alto de detalle, resolución 1080p, FSR3 y generación de frames, llega a alcanzar entre los 45-50 fps en el perfil silencio, 51-55 en rendimiento y 55-56 en Turbo, y también supone cierta mejoría respecto a ROG Ally X, aunque no tan abismal como en otros juegos..

Otras novedades recientes, como Absolum, en perfil Silencio, en calidad gráfica Alta tiene un consumo medio de 17-18W y se mueve a 60 fps constantes; en ROG Ally X, necesita un mayor consumo, de 21-22W, para obtener los mismos resultados.

Lo mismo es aplicable a Hades II, que con el perfil Silencio, con un consumo de 13W, se mueve con calidad gráfica en nivel Alto y a 120 fps; en ROG Ally X sube el consumo a 27W para igualar esas cifras.

Hollow Knight Silksong tampoco tiene problemas para moverse en calidad Alta y a 120 fps en el perfil silencio, mientras que en el anterior modelo, ese consumo sube hasta los 18W. 

A la vista de estos resultados, parece claro que ROG Xbox Ally X es un salto importante en el rendimiento. En algunos casos puede ser un incremento de fps del 20%, pero en otros juegos, como Robocop, puede llegar hasta un 70%. Y en esta ecuasión se puede meter todo el trasteo que quieras, desde crear perfiles de rendimiento, probar con distintas técnicas de generación de frames...

Esto, a su vez, también redunda en otro aspecto clave, que es la duración de la batería de ROG Xbox Ally X, donde por supuesto también hay sorpresas... y también para bien.

La autonomía de ROG Xbox Ally X y los perfiles optimizados para ser más eficientes

Con el lanzamiento de ROG Ally X, ASUS puso la primera y sólida piedra para solucionar una de las principales quejas de este tipo de dispositivos: la duración de la batería. Introdujo una bateria de 80W, un 25% más que en la primera ROG Ally. Con juegos menos exigentes se podía llegar a sacar en torno a 8,5 horas. Con los más demandantes, podía acariciar las dos horas.

Para muchos, seguían siendo cifras inaceptables, aunque pudieras jugar a 60 fps cerca de dos horas a juegos como Elden Ring, muchos jugadores no les parecía suficiente. Y puedo entenderlo. Pero parece que ROG Xbox Ally X llega con el objetivo de poner fin al problema de la duración de la batería, y es en parte gracias a la optimización de Ryzen AI Z2 Extreme.

El nuevo procesador es más potente, sí, y con el perfil Turbo vas a conseguir tasas de frames más altas en muchos títulos (no existe una ley universal, en algunos es más evidente que en otros). Pero, sin ningún tipo de duda, la buena noticia realmente aquí la ponen los dos modos de potencia, o TDP, "inferiores". Me refiero a los perfiles "Silencio" y "Rendimiento".

Vaya por delante que, al comenzar a figurar configurar ROG Xbox Ally X, el propio sistema recomienda "sincronizar" los perfiles de rendimiento con los quel propio sistema operativo , aunque es una opción que también está en Armoury Crate. Así lo he hecho y, por regla general, tienen un consumo ligeramente superior a lo que indican los perfiles de Armoury Crate.

Por ejemplo, el perfil Silencio, que en Armoury Crate indica un consumo de 13W, según el monitor en tiempo real integrado la aplicación de Asus puede llegar hasta los 20-21 (o menos, según el juego). En el caso del modo Rendimiento, Armoury Crate indica que el consumo es 17W, aunque en la práctica puede llegar hasta los 27W, para que el rendimiento sea óptimo.

Pues bien, he centrado mis pruebas con la batería de ROG Xbox Ally X en un juego exigente, como es Forza Horizon 5, y lo cierto es que el resultado me ha sorprendido para bien. En el perfil Silencio, como hemos visto antes, el juego puede moverse entre 43 y 60 fps de media, aunque dependiendo de lo que pasa en pantalla, suele mantenerse por encima de los 50 durante la mayor parte del tiempo.

Lógicamente, en la duración de la batería intervienen distintos aspectos, desde el volumen de los altavoces al nivel de brillo de la pantalla, la vibración o si hay accesorios conectados, como un headset. En mis pruebas no he tenido nada conectado, y he jugado con el brillo por defecto que pone el perfil, a un volumen no excesivamente alto, para escucharlo bien (un tercio del volumen, aprox).

Pues bien, en el perfil Silencio de ROG Xbox Ally X, el consumo medio de Forza Horizon 5 es aproximadamente de un 24% de la batería por hora. Es decir, puedes sacarle aproximadamente cuatro horas y 10 minutos de juego. Y ya os digo que se mueve bastante bien en este perfil, aunque no alcance los 60 fps (algo que se podría hacer bajando la resolución, trasteando con FSR, AFMF...).

Es decir, usando la "fuerza bruta" del dispositivo, puedes jugar cuatro horas fácilmente, lo que supone una mejora importante respecto a las anteriores iteraciones del hardware de Asus. Pero agárrate que vienen curvas.

En modo Rendimiento se consigue un desempeño superior, sin que suponga una diferencia insalvable en términos de consumo de batería. En este perfil, recordemos, Forza tiene picos entre 59 y 80 fps, aunque lo normal es que corra siempre por encima de los 65 la mayor parte del tiempo.

Con esta configuración, el consumo medio en el perfil Rendimiento es de un 27% de la batería por hora, con lo que es posible llegar a rascar unas 3 horas y casi 40 minutos antes de que se quede sin batería.

Dicho de otro modo, es posible jugar bastante más tiempo que con las anteriores consolas de Asus, aunque como en este tipo de dispositivos, si te entretienes trasteando, es probable que consigas mejores resultados (simplemente con bajar la resolución a 720p o el nivel de detalle, la ganacia tiene que ser más que evidente).

La opinión de HobbyConsolas de ASUS Rog Xbox Ally X, ¿merece la pena? 

Después de un verano que ha sido todo un culebrón en torno a las reservas y precios de ROG Xbox Ally X y ROG Xbox Ally, como usuario habitual del anterior modelo (ROG Ally X), tenía curiosidad por ver hasta qué punto si iban a apreciar las mejoras. Y reconozco que me ha sorprendido para bien.

Que los perfiles de consumo más bajos consigan un rendimiento superior es una victoria doble, al afectar también de manera positiva a la duración de la batería. En este sentido, a día de hoy, ROG Xbox Ally X es uno de los PC consolizados que más autonomía consigue, y además, con unos rendimientos muy buenos para este tipo de dispositivos.

Cabe incidir en que algunas características no han estado disponibles mientras realizaba este análisis de ROG Xbox Ally X, como la vibración háptica, ni como afectará a la batería (siempre se puede desactivar el efecto), pero en líneas generales, la experiencia Xbox a pantalla completa y la optimización de Windows 11 terminan de redondear una experiencia portátil más satisfactoria.

Eso no quita que aún hagan falta algunas actualizaciones para terminar de pulir los errores que hay en distintos aspectos, como por ejemplo el modo reposo (a veces se enciende la consola sola mientras se está cargando, un defecto común en todas las Ally), pero sin ningún tipo de duda es un buen punto de partida, aun sabiendo que tiene cosas por mejorar.

Como siempre, hay un "pero": el precio de ROG Xbox Ally X es elevado, 899 euros, en el caso de la versión más top, unas cifras que lo alejan del bolsillo del gran público. Vale bastante más que una consola Xbox Series X|S, por ejemplo. Y si quieres exprimir todo lo que ofrece, necesitarás también Game Pass (incluye 3 meses gratis).

Pero, aun con todo, hoy por hoy no tiene rival en muchos aspectos. Si estás pensando en saltar a un dispositivo de este tipo, hoy por hoy es el caballo ganador.

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Y para mí lo más sencillo sería llegar a este análisis y decir que el juego tiene muy malos gráficos, que Pokémon ya no es lo que era, que Digimon es mejor y que no os lo compréis porque no hay que darle más dinero a los responsables de una de las IPs más lucrativas de todos los tiempos.

Pero por suerte o por desgracia, no me pagan por decir lo que la gran mayoría quiere oír, sino por decir lo que pienso. Y lo que pienso, tras haberlo terminado en tiempo récord, es que Leyendas Pokémon: Z-A ha salido muy bien. Desde luego, mucho mejor de lo que la gente espera. 

Y antes de que pidáis mi cabeza en una pica, os pido un poco de confianza (y unos minutos de vuestro tiempo) para explicaros por qué creo que este juego es un paso en la buena dirección para toda la saga Pokémon.

El análisis de Leyendas Pokémon: Z-A para Nintendo Switch y Nintendo Switch 2 de HobbyConsolas:

• El gameplay de Leyendas Pokémon: Z-A
• Nivel de dificultad de Leyendas Pokémon: Z-A
• ¿Cuántas horas de juego dura Leyendas Pokémon: Z-A?
• Cuánto cuesta Leyendas Pokémon: Z-A y dónde puedes jugarlo
• La opinión de HobbyConsolas de Leyendas Pokémon: Z-A
• Nota: lo mejor y lo peor de Leyendas Pokémon: Z-A

Jugabilidad y gameplay de Leyendas Pokémon: Z-A

Leyendas Pokémon: Z-A nos lleva hasta Ciudad Luminalia, capital de la región de Kalos, cinco años después de los acontecimientos de Pokémon X e Y, las entregas de la sexta generación lanzadas para Nintendo 3DS.

Con el objetivo de fomentar la armonía entre humanos y Pokémon, se han habilitado zonas salvajes por toda la ciudad en las que las criaturas campan a sus anchas. Mientras que, al caer la noche, tienen lugar los juegos Z-A: una competición en la que los entrenadores combaten para alcanzar el puesto más alto de la clasificación.

De esta manera, y gracias a la implementación de un ciclo día-noche, el juego nos invita a atrapar Pokémon durante el día y librar combates por las noches. 

El bucle jugable que han logrado con esto funciona como un reloj suizo: por el día, apetece explorar la ciudad, cumplir misiones secundarias y —sobre todo— encontrar y capturar a todos los Pokémon que aparecen en las zonas salvajes. Cada una de estas localizaciones tiene Pokémon específicos, lo que aumenta aún más las ganas de hacerse con todos.

Y, por la noche, toca pelear contra entrenadores… y contra el crono. Porque para poder participar en un enfrentamiento de clasificación de los juegos Z-A (que sería el equivalente a los gimnasios de los juegos principales), antes debemos acumular una serie de puntos librando combates en las zonas delimitadas. 

Además de obtenerlos al vencer a otros entrenadores, en estas zonas encontramos tickets que nos proponen desafíos: derrotar a un Pokémon antes de que se produzca el cruce de miradas, usar ataques de un tipo determinado, usar ataques que sean muy efectivos… 

Estos pequeños desafíos son clave para conseguir los puntos necesarios rápidamente, pero también son los culpables de que combatir sea un auténtico vicio, pues siempre queremos completar todos los tickets posibles y obtener grandes cantidades de puntos antes de que acabe la noche.

Esta división entre el día y la noche puede parecer muy restrictiva, especialmente durante las primeras horas, que son extremadamente guiadas. Pero a partir de cierto punto el juego se abre y nos da bastante libertad: si lo deseamos, podemos atrapar Pokémon por las noches (de hecho y, como es habitual, hay especies que sólo aparecen al ponerse el sol). Y no estamos obligados a combatir cada noche, por lo que podemos invertir el tiempo en lo que prefiramos. Es más, podemos cambiar entre el día y la noche a voluntad simplemente sentándonos en un banco.

Con esto ya os podéis imaginar que, al contrario que en Leyendas Pokémon: Arceus, donde el foco estaba puesto sobre la captura, en Leyendas Pokémon: Z-A el foco se ha puesto sobre los combates. Por ese motivo, esta entrega nos presenta un sistema de combate que viene para revolucionarlo todo dentro de la saga.

Las reglas son en esencia las mismas: cuatro ataques por Pokémon, debilidades y fortalezas según el tipo, estados alterados, etc. Sin embargo, en lugar de combatir por turnos, todo se desarrolla en tiempo real. Basta con fijar la retícula sobre el Pokémon rival y pulsar el botón de ataque asociado para que nuestro Pokémon lo realice prácticamente en el acto.

Lógicamente, esto también introduce nuevas normas y aspectos a tener en cuenta, como el lugar desde el que damos la orden, la diferencia entre ataques cuerpo a cuerpo y a distancia o el tiempo que tarda cada ataque en recargarse antes de poder volver a utilizarlo.

Y no penséis que por ser en tiempo real se transforma en un machacabotones, pues sigue siendo un juego con mucha estrategia. Es más, debido a varias mejoras de calidad de vida que facilitan el aprendizaje de movimientos mediante MTs, Leyendas Pokémon: Z-A es el juego en el que más he trasteado con el repertorio de ataques de mi equipo.

Y es muy fácil decir que «los combates de Leyendas Pokémon: Z-A son lo mismo de siempre en tiempo real», pero me gustaría que pensaseis un momento en todo lo que implica esto. Porque pese a seguir las mismas normas, estamos ante un sistema de combate completamente nuevo. 

Un sistema de combate en el que participan cientos de criaturas, con comportamientos y animaciones específicas tanto para atacar como para desplazarse siguiendo a nuestro entrenador. Y un sistema de combate que tiene en cuenta los efectos de cientos de movimientos diferentes, lo que supone posibilidades prácticamente infinitas.

Con todo esto, lo único que quiero decir es que aquí hay mucho más trabajo de lo que parece a simple vista. Pero lo más importante de todo es que funciona a las mil maravillas: Leyendas Pokémon: Z-A tiene los combates más ágiles y vistosos de toda la saga Pokémon. En todas mis horas de juego, nunca me han resultado tediosos o aburridos. Todo lo contrario.

Otro gran acierto ha sido traer de vuelta la megaevolución, que es sin duda la mejor mecánica de todas las que nos han dejado las últimas generaciones. Encaja especialmente bien con este nuevo sistema de combate, aportando un extra de espectáculo a cada enfrentamiento, y trae consigo una nueva mecánica que añade otra capa de estrategia: los movimientos +.

También es la excusa para traer de vuelta los combates contra jefe que vimos en Leyendas Pokémon: Arceus a través de los llamados Pokémon megaevolucionados descontrolados. Son enfrentamientos más clásicos, en los que debemos derrotar a un poderoso enemigo con ayuda de nuestros Pokémon… aunque sigue existiendo la posibilidad de que nuestro personaje quede fuera de combate.

Sin ser el punto fuerte del juego, son una mejora clara respecto a los Pokémon Señoriales de Arceus, especialmente en lo que a mecánicas se refiere. A medida que el juego avanza, estos enfrentamientos se van volviendo más complicados, y hay muchos en los que es muy importante memorizar los ataques enemigos para sobrevivir.

La idea de un juego de Pokémon que se desarrolla íntegramente en el interior de una ciudad puede resultar chocante, pues todas las entregas principales o incluso el propio Arceus tenían lugar en una región con diferentes zonas, pueblos, ciudades, etc.

Al desarrollarse dentro de los muros de una urbe, todo está más contenido y, como consecuencia, también más controlado. Uno de los ejemplos más evidentes lo encontramos en la distribución de los Pokémon, que sigue un patrón lógico.

Las zonas salvajes juegan un gran papel en todo esto, sirviendo como hábitats únicos que sacan a relucir una gran atención al detalle: pájaros que descansan sobre fuentes y se asustan si pasamos cerca, peces que saltan a tierra cuando nos ven, bichos correteando por árboles y paredes, fantasmas que sólo aparecen en cementerios… 

Hay infinidad de pequeños detalles en ese sentido que contribuyen a hacer que Ciudad Luminalia se sienta como una verdadera ciudad Pokémon, en lugar de un mapa abierto en el que han “vomitado” criaturas sin ton ni son.

Pero me temo que ahí terminan las bondades. Porque a pesar de que la ciudad ofrece muchas opciones de verticalidad y su diseño nos invita continuamente a recorrer los tejados, al final, no dejamos de estar siempre dentro de la misma ciudad; una ciudad que no destaca por su variedad visual, lo que significa que nos pasamos todo el juego con la sensación de estar viendo continuamente los mismos edificios.

Y aquí llega el momento de hablar del aspecto más complicado de Leyendas Pokémon: Z-A: el apartado gráfico. Vayamos al grano: sí, es un juego bastante pobre a nivel técnico, sobre todo si lo comparamos con otros títulos del género RPG.

Es especialmente evidente al recorrer la ciudad, pues los edificios no sólo son todos muy parecidos, sino que su nivel de detalle es muy bajo. A esto hay que sumarle que las calles se sienten algo vacías, hay un popping muy agresivo y al poner la vista en el horizonte nos devuelven la mirada unas montañas de cartón piedra.

Dicho esto, existe una mejora importante respecto a lo que vimos en Escarlata y Púrpura. Las animaciones de los Pokémon están muy trabajadas si tenemos en cuenta el elevado número de criaturas y ataques disponibles, y aunque los personajes humanos se siguen moviendo de forma robótica, muchas veces nos sorprenden durante los combates o incluso en las conversaciones con animaciones más trabajadas de lo habitual. 

Los interiores de los edificios también están sorprendentemente trabajados, desde luego mucho más que los exteriores. Y se mueve en todo momento a 60fps y sin ningún tipo de ralentización, ni siquiera cuando la pantalla se llena con varios Pokémon megaevolucionados y ataques explosivos. Ahora bien, tened en cuenta que hablo en todo momento de la versión para Nintendo Switch 2.

Sin embargo, creo que la clave, más que la potencia extra que ofrece la nueva consola de Nintendo, es que el estilo artístico de Leyendas Pokémon: Z-A está mucho mejor definido. Game Freak ha apostado por un estilo muy similar al de Pokémon: Let's Go, Pikachu! y Let's Go, Eevee!, que para mucha gente son los juegos con mejor estilo artístico de la era 3D.

Y la verdad es que, gracias a esto, se puede decir que Leyendas Pokémon: Z-A es un juego bonito. Un juego con carencias técnicas, desde luego, pero uno que no duele mirar y luce bien en movimiento.

Y aunque no hay muchas, Leyendas Pokémon: Z-A tiene un par de secuencias de vídeo sencillamente espectaculares en las que, de nuevo, vuelve a sorprender el trabajo de animación. Esto, unido a que los personajes son más expresivos que en cualquier otra entrega, hace que la ausencia de voces sea más pronunciada; es muy raro ver a los personajes moviendo los labios y gesticulando sin emitir ningún sonido.

En cualquier caso, las escenas de vídeo os van a dejar con la boca abierta. Desde luego, nunca se había visto algo así en ningún otro juego de Pokémon. Y esto atiende a un motivo: Leyendas Pokémon: Z-A le da más importancia a la histora de lo que estamos acostumbrados, y se puede apreciar una mejora narrativa en determinados aspectos.

El más obvio son los personajes secundarios y, en especial, los rivales a los que nos enfrentamos. En lugar de desaparecer de la historia tras tener su "momento", se ahonda en su personalidad y relaciones, logrando así que tengan más carisma y sean memorables.

La historia de Leyendas Pokémon: Z-A también sorprende por los temas que trata, más maduros de lo habitual. 

No deja de ser Pokémon, de manera que todo está visto desde un prisma completamente inocuo, pero es muy interesante ver un juego de Pokémon tratando temas sociales, laborales... o incluso hablando sobre la muerte. Se da unos ligeros aires a película de Pixar en ese sentido: un niño disfrutará de la historia, pero un adulto apreciará de verdad todo lo que cuenta.

¿Es difícil Leyendas Pokémon: Z-A?

Como es habitual dentro de la saga Pokémon, no hay un selector de dificultad en Leyendas Pokémon: Z-A, así que el nivel de desafío depende de nuestra habilidad como entrenadores, de la selección de Pokémon que componen nuestro equipo principal y de tener un repertorio de movimientos que cubra todas las situaciones posibles.

Pero, en líneas generales, diría que esta entrega es algo más difícil que otros juegos de Pokémon. Como los combates son en tiempo real, a veces las cosas se vuelven un tanto caóticas y podemos perder a varios miembros del equipo casi sin darnos cuenta. Y si no nos andamos con ojo, los Pokémon salvajes pueden tumbar a nuestro entrenador, especialmente los Alfa. 

Ahora bien y, siguiendo la línea de las últimas entregas, también existen una serie de añadidos para hacernos la vida más fácil, como la repartición de experiencia automática entre los seis Pokémon del equipo, saber en todo momento si nuestros ataques son efectivos (o no) antes de realizarlos o las probabilidades de atrapar un Pokémon antes de lanzar la Poké Ball, entre otras muchas cosas.

¿Cuántas horas dura la historia de Leyendas Pokémon: Z-A?

Leyendas Pokémon: Z-A es más largo de lo que aparenta: sólo completar la historia puede llevarnos alrededor de 30 horas. Y además de la trama principal, existen más de 100 misiones secundarias; la gran mayoría son cosas pequeñas pero interesantes, así que suele merecer la pena desviarse para realizarlas.

Y dado que estamos ante un juego de Pokémon, ver los créditos no supone ni mucho menos haber terminado. Además de completar la Pokédex y desbloquear todas las megavoluciones, se reutiliza la idea de los juegos Z-A para ofrecer un postjuego "infinito". 

Los tiempos que hemos manejado con este juego han distado de ser los ideales, así que no he podido probar el postjuego todo lo que me gustaría. Pero teniendo en cuenta lo mucho que enganchan los juegos Z-A a lo largo de la historia, el postjuego promete bastantes horas extra de diversión.

Y no podemos olvidarnos del multijugador: al contrario que Arceus, en Leyendas Pokémon: Z-A podemos intercambiar Pokémon con otros jugadores y librar combates en línea. Los combates son una bestia en sí misma, pues debido al nuevo sistema es posible librar batallas entre dos, tres y hasta cuatro jugadores al mismo tiempo.

Y tras haber participado en varios enfrentamientos, hay que reconocer que son divertidísimos. Es difícil saber si cuajarán en la comunidad (especialmente entre los más puristas), pero creo que Leyendas Pokémon: Z-A puede tener un gran futuro en la escena competitiva, especialmente por lo vistosos que resultan los combates multijugador.

Precio y plataformas disponibles

Leyendas Pokémon: Z-A se lanza el 16 de octubre de 2025 para Nintendo Switch y Nintendo Switch 2 por un precio recomendado de 59,99 y 69,99, respectivamente. En el caso de la versión física para Switch 2 y, como suele ser habitual con los títulos propios de Nintendo, el juego completo se incluye en el cartucho (vamos, que no es una de las temidas Game-Key Cards).

Ahora bien, como seguramente ya sabéis, durante el último Nintendo Direct se anunciaba Megadimensión, un DLC para Leyendas Pokémon: Z-A que añadirá nuevo contenido dehistoria. Este contenido descargable de pago estará disponible a partir del 28 de febrero de 2026 por un precio de 29,99€.

Anunciar un DLC cuando el juego aún no está a la venta ya es cuestionable, pero ese precio lo es aún más. Desde luego, por esa suma, debería incluir una considerable cantidad de novedades de peso... como mínimo.

Un paso en la buena dirección

Leyendas Pokémon: Arceus trajo una dosis de necesaria frescura a la saga, mientras que Leyendas Pokémon: Z-A va más allá y, además de frescura, muestra el camino que deberían seguir los juegos principales.

Porque esto es exactamente lo que Pokémon necesita: frescura, mucho cariño, atención al detalle y ganas de hacer las cosas bien. Pero lo que más destaca es sin duda el nuevo sistema de combate, que demuestra que también en ese aspecto los juegos principales necesitan una renovación.

Y aunque no creo que la próxima generación adopte los combates en tiempo real, viendo cómo el género RPG -y en concreto los combates por turnos- están evolucionando a gran velocidad, Pokémon necesita hacer algo para no quedarse atrás. Y sería una pena desaprovechar todo el trabajo que han hecho en Leyendas Pokémon: Z-A.

Como pasaba en Arceus, también se pueden apreciar los mimbres de un juego muy especial gracias a su historia, personajes y, una vez más, las ganas de no contentarse con hacer lo mismo de siempre. Dentro de los estándares del género puede que no parezca demasiado especial, pero si lo comparamos con otros juegos de Pokémon supone un paso adelante también en lo narrativo.

Y sí, es evidente que tiene cosas a mejorar, principalmente todo lo relativo al apartado técnico, pero con este segundo juego, "Leyendas" se ha consolidado como algo más que una subsaga. No lo tratéis como un simple spin off, porque esto es exactamente lo que el futuro de Pokémon necesita.

Gracias a los esfuerzos de la patrulla compuesta por DICE, Ripple Effect, Motive y Criterion Games, la compañía dispara a quemarropa tratando mandarnos de vuelta a la edad dorada de Battlefield 3. En este análisis de Battlefield 6 para PS5, PC y Xbox Series X|S vamos a ver si lo consigue.

Un multijugador directo como un cañonazo, la primera campaña lineal en más de una década y un Battlefield Portal preparado para suministrar contenido generado por la comunidad, dan forma a un Battlefield 6 llamado a batallar contra Black Ops 7 como en los viejos tiempos. Y prueba de ello es la "guerra sucia" que ha preparado Call of Duty, justo en la semana de lanzamiento. 

Tras una exitosa beta, todo el mundo quiere salir de la trinchera y dejarse llevar por el frenesí de la guerra. ¿Ha vuelto el mejor Battlefield? Me complace anunciar que sí, ha vuelto, pero el apresurado desarrollo de esta entrega evidencia unas cuantas carencias. No es un retorno perfecto.

Battlefield 6 conquista los suficientes puntos como para dejar cierta sensación de victoria... pero en el fragor de la batalla se ha dejado frentes abiertos. Pero tranquilos, que ha llegado el momento de profundizar. En pie, soldado. La batalla ha comenzado. 

Vamos con el análisis de Battlefield 6 para PS5, Xbox Series X|S y PC, en el que voy a centrarme en los siguientes aspectos: 

• La campaña de Battlefield 6: blockbuster de acción de poco pensar y mucho disparar
• El modo multijugador de Battlefield 6: una potente apuesta con algunas carencias
• El precio, plataformas y ediciones de Battlefield 6
• La opinión de HobbyConsolas sobre Battlefield 6
• Nota: lo mejor y lo peor de Battlefield 6

La campaña de Battlefield 6: acción espectacular descerebrada

Esta nueva entrega de la saga rescata la fórmula de una campaña shooter estandarizada tras dejar de lado la idea en 2042 y tratar de innovar con las historias de guerra independientes de Battlefield 1 y Battlefield V. ¿El resultado? La campaña es el apartado más flojo e irregular de Battlefield 6.

La campaña nos traslada a un escueto contexto geopolítico en el que la OTAN comienza a desmembrarse. España y otros países europeos abandonan la coalición atlántica, dejando a Estados Unidos sola ante la amenaza de Pax Armata, una empresa militar.

Fortalecida con varios contratos, Pax Armata se lanzará a por la guerra total. Es aquí donde entra Dagger 13, una patrulla de la marina estadounidense que viajará por todo el globo tratando de descubrir el origen de esta milicia privada con la intención de desarticularla.

En términos narrativos y de escritura de guion, la campaña de Battlefield 6 es bastante desastrosa. Rescatando todos los clichés de las películas de guerra moderna como Black Hawk Derribado, Battlefield trata de formar un relato de corte épico y ultrapatriótico que se queda muy lejos del resultado que pretende conseguir.

Si bien no cae tan bajo como el del último Modern Warfare 3, el guion es plano y desaprovecha la oportunidad de plasmar un conflicto que podría vincularse perfectamente con la actualidad que estamos viviendo con las tensiones de la OTAN y la guerra entre Ucrania y Rusia. Toda la información que sirve de contexto para cada misión es vaga y poco profunda.

Esto hace que los personajes apenas importen y que los principales antagonistas se presenten de una manera atropellada y confusa. El juego da por hecho que conoces a todo el mundo y lo que está sucediendo, cuando en realidad, lo único que te preocupa es ir de un lado a otro dando tiros.

Además, muchas de las situaciones que vivimos a lo largo de las nueve misiones que dura esta historia están directamente sacadas de otros juegos. Es inevitable realizar comparativas con Call of Duty Modern Warfare y es que hay momentos casi calcados (un personaje es, literalmente, Ghost).

Nada de lo que sucede importa mucho debido a esos malos cimientos. Por suerte, si no te haces muchas preguntas, la acción "descerebrada" que ofrece esta campaña compensa a nivel visual en la gran mayoría de los casos. 

Hay momentos impresionantes en algunas de sus misiones. El desembarco en Gibraltar o la ofensiva final dejan instantes de máxima inmersión en donde pareces haber vuelto a los mejores tiempos de la saga. La guerra moderna con esteroides se luce de fábula con explosiones por todas partes.

Los escenarios son variados y el buen nivel de detalle (hay un par de monos en Gibraltar) aporta profundidad a cada misión. Esto hace que a lo largo de las 6-7 horas que puede durar la campaña (se puede rejugar con mayor dificultad y buscando todos sus coleccionables), esta no se te haga pesada, a pesar de resultar muy poco atractiva en lo narrativo.

A nivel jugable, también hay diversidad, aunque en materia mecánica tampoco tenemos nada que no hayamos visto (no estamos precisamente ante Titanfall 2). Misiones a gran escala con varios objetivos, operaciones de infiltración o la clásica batalla de tanques, forman parte del repertorio.

Más allá de servirse de diferentes armamentos y dispositivos, el sistema principal es que puedes ordenar a los miembros de tu patrulla que realicen determinadas acciones. Cada uno pertenece a una de las clases del multijugador, por lo que el apoyo puede tirar humo o el "recon" identificar enemigos.

No obstante, se nota que el juego llega con la lengua fuera a la fecha de lanzamiento. Hay detalles que reflejan que la campaña necesita más pulido. Las transiciones con scripts (o momentos guionizados) no son fluidas, la inteligencia artificial de los enemigos y aliados deja bastante que desear, con momentos en los que los personajes se quedan parados y hay fallos de colisiones.

También se echan en falta detallitos, cuya ausencia refleja que Battlefield se queda por detrás al intentar parecerse al estilo blockbuster palomitero. Un ejemplo son las torpes irrupciones en habitaciones, en donde no se aplica una cámara lenta, con los soldados enemigos quedándose ahí, "pasmados". Si buscas un rollito "equipo de intervención", mejor tirar por Ready or Not.

Es una auténtica lástima que la campaña sea tan espectacular en lo visual y tan poco estimulante en todo lo demás. Lo cierto es que ni el mensaje propagandístico pro OTAN y pro Estados Unidos logra calar a causa de la pobre estructura que enarbola todo el relato.

Battlefield nunca ha triunfado por su narrativa, pero historias como la de Bad Company 2 o momentos como el magistral prólogo de Battlefield 1 o lo narrado en el "El último Tiger" de Battlefield V, sí que conseguían emocionarte. No hay apenas alicientes para explorar esta campaña.

El modo multijugador de Battlefield 6: masiva descarga de artillería 

Llegamos a lo que verdaderamente importa. La campaña se podía considerar un añadido, pero el modo multijugador de Battlefield 6 es por lo que estamos aquí y donde EA ha puesto todo su empeño. Pues bien, me complace anunciar que estos esfuerzos han conseguido dejarnos un juego que recupera el tono de las mejores entregas de la saga.

Me he divertido mucho con Battlefield 6 y tengo claro que voy a seguir haciéndolo durante más tiempo. Habiendo jugado unas 30 horas al modo multijugador, puedo decir que he vuelto a experimentar aquella impronta que siempre ha tenido la saga y que considero que se vio alterada en las entregas más recientes. He vuelto a conectar con la franquicia y sus 64 jugadores por partida.

No he parado de jugar a Conquista, Escalada (nuevo modo variante de Conquista), Asedio, Asalto y las modalidades más pequeñas y me he encontrado bastante cómodo con la jugabilidad más rápida que se ha implementado para adaptarse a estos tiempos, pese a preferir los FPS más calmados.

Poder andar más rápido estando agachado, deslizarse o rodar tras caer desde una gran altura son acciones que acercan a la saga a un territorio dominado por otros shooters, pero me congratula que esto no se haya convertido en Call of Duty. Battlefield 6 se sigue sintiendo Battlefield.

Considero que el time to kill es rápido, pero justo, y que hay bastante equilibrio en todo aquello que ofrece el juego en materia de armas, modos y mapas (de los que hablaré más tarde), pero tampoco quiero aburrir con tecnicismos...

Creo que cualquiera que haya jugado a la saga unas cuantas entregas detectará al instante que el multijugador de Battlefield 6 logra rescatar su esencia clásica. La destrucción es impresionante en pantalla y tremendamente efectista, los vehículos vuelven a dominar y el juego en equipo gana un poco más de profundidad.

Pese a que en las partidas durante estos días prelanzamiento hemos tenido muchos bots (que no son los lapiceros con más punta del estuche, precisamente) jugar con algunos compañeros ha sido divertidísimo gracias a la nueva función que te permite arrastrar a aliados caídos.

Cooperación, escenas de película, risas, momentos de máxima concentración, buena inmersión sonora y mucha variedad tierra-aire me han dejado un gran sabor de boca. La nostalgia recordando Bad Company 2, 1943 y los juegos antes citados ha sido palpable todo el rato.

No tengo apenas pegas en el buen repertorio de armamento que brinda el juego de lanzamiento, con armas muy personalizables, que se sienten diferentes. Me encanta que el armero te permita probar las mejoras y cada configuración de arma en la galería de tiro prácticamente al instante.

Y pese a que la progresión se me antojó un poco lenta al principio, no veo mal que las maestrías y los desafíos de clase se demoren un poco más para que no te "fundas" el juego en una sola semana. Eso sí, algunos retos para desbloquear skins o dispositivos (todas muy militares y nada horteras) son bastante complejos.

Tampoco encuentro demasiados problemas en las "clases abiertas" que permiten escoger las armas que quieras. Sorprendentemente, me he visto utilizando las armas predeterminadas de cada clase mucho más de lo que esperaba, pero si deseas cambiar, no veo que nada quede muy roto.

Reconocimiento no tiene motivos para no llevar un rifle de precisión con las ventajas de su clase y Asalto (aunque se convierte en una clase muy individualista y la nueva escalera sea testimonial), va sobrado con dos armas principales para quien quiera ir de gallito.

Lo único que no me convence es lo que se le ha hecho al Apoyo. Endosarle una ametralladora ligera al médico como arma de clase me parece contraproducente para alguien que debe estar recorriéndose todas las líneas de ataque curando a los caídos y encima, ahora, dando munición.

Pero en lo que respecta a mi experiencia jugando con el sistema de armas abiertas, reconozco que ha sido muy similar a la de pasados juegos. Aun así, si eso no te convence, que sepas que desde el lanzamiento va a haber listas de partidas habilitadas con las armas cerradas para experimentar la jugabilidad clásica de Battlefield (más el buscador de servidores de la comunidad).

No obstante, no estamos ante la experiencia de guerra definitiva, como apuntan desde el equipo de marketing del juego. Hay aspectos del modo multijugador de Battlefield 6 que dejan que desear, especialmente si se comparan con la última gran entrega de la saga, Battlefield 1, o con los máximos exponentes de la era dorada, como fueron Battlefield 3 y Battlefield 4. Se han hecho sacrificios.

Los mapas son, simplemente, correctos. Su diseño no es malo, pero tampoco creo que acaben convirtiéndose en iconos de la franquicia. Prueba de ello es que el mejor mapa de Battlefield 6 es Operación Firestorm y este es una "reimaginación" fiel de lo visto en Battlefield 3.

El número de mapas no es el problema, sino su falta de variedad. Salvo el anteriormente mencionado, Pico de Liberación y, por los pelos, Valle de Mirak, el resto son entornos puramente urbanos en donde echo en falta una verticalidad orgánica y una menor densidad de elementos.

Pocos mapas presentan un relieve natural que aporte frescura a los tiroteos y salvo un par de zonas de Nueva York, las alturas quedan bastante desaprovechadas en general. Solo Nueva Sobek se salva, mapa que parece diseñado para ser la galería de tiro de los fans de Reconocimiento. 

Confieso que me gusta mucho jugar esa clase y he gozado con los duelos de francotiradores que ofrece el juego, pero veo mucho concepto "reciclado". Mirak tiene edificios en obras como Nueva Sobek, El Cairo y Gibraltar comparten callejuelas y las adeas de Mirak y Pico de Liberación son demasiado similares. Faltan elementos más diferenciales.

Asedio de El Cairo o Empire State recuerdan a Amiens y otros grandes mapas urbanos, pero Battlefield 6 está muy lejos de darnos escenarios tan icónicos como Frontera del Caspio, Pico de Damavand, Paracel Storm, Asedio de Shanghái, Isla Wake o Back to Karkand.

Los mapas se me antojan algo pequeños y son completamente estáticos. Digo esto en el sentido de que no cambian nada durante la partida. Battlefield 4 presentó Levelution y si bien su aplicación no fue perfecta, no habría estado mal ver algo similar en esta entrega, con el puente de Manhattan desmoronándose y partiendo el mapa por la mitad, por ejemplo.

Y no entiendo cómo no puede haber un clima dinámico como las espectaculares tormentas de arena del Desierto del Sinai... o incluso los tornados de la pasada entrega. No hay lluvia y no hay efectos que hagan que las partidas se sientan diferentes aún jugando en el mismo mapa.

Obviamente, también echo en falta el combate naval, una función que abría las posibilidades de las partidas una barbaridad. El equipo de desarrollo ha prometido traerlo en el futuro, pero su ausencia es otro indicativo de que al título le falta cocción. Necesito algo más de variedad.

Y no veo tanto mimo en otros detalles que favorecerían la inmersión. Cierto es que elementos como que las armas se manchen de polvo o sangre han vuelto, pero vuelvo a echar de menos marcas de la casa que la serie ya exhibía de una forma magistral hace casi una década. No tenemos animaciones de entrada a vehículos, por ejemplo.

En cuanto a bugs, alguno que otro me he encontrado en la interfaz (cuyo diseño me gusta bastante) o con reapariciones debajo del mapa. No obstante, creo que lo más grave es un fallo en las colisiones con ciertos obstáculos, que te hace saltar por los aires levemente. Espero que todo eso se arregle.

Por suerte, no he notado demasiados tiros ni errores graves de rendimiento en la versión de consola. PS5 y Xbox Series X cuentan con un modo fidelidad de 1440p y 60 FPS y un modo rendimiento de a 1280p y 80 FPS, mientras que PS5 Pro alcanza 2160p y 60 FPS o 1620p y 80 FPS.

Y en lo que respecta a Battlefield Portal, me temo que no he podido experimentar cómo será esta renovación del "modo creativo" que ya despuntó en Battlefield 2042. Electronic Arts no ha dado acceso a esta modalidad de cara al análisis de Battlefield 6, así que hay que esperar al lanzamiento completo.

La información compartida hasta el momento revela unas cuantas novedades para Portal, como  la posibilidad de editar los espacios de juego, ganar experiencia en los modos más disparatados, rediseñar la interfaz, eliminar widgets o hasta modificar la IA.

No obstante, dado que no puedo ofrecer un veredicto o una valoración sobre su funcionamiento, intentaré actualizar el texto lo antes posible para dejar más claros los primeros resultados de este modo pensado para exprimir el juego al máximo.

El precio de Battlefield 6, plataformas, ediciones y contenido incluido

Battlefield 6 está disponible para PS5, Xbox Series X|S y PC en formato físico y digital a un precio de 79,99 euros en su edición estándar. Recuerda que para jugar online en consola necesitarás una suscripción al servicio correspondiente (PS Plus o Game Pass).

Adicionalmente, también se puede obtener la Phantom Edition por un precio de 109,99 euros, que incluye una ficha de Battlefield Pro, el pack Phantom con 4 aspectos de soldado, 2 paquetes de armas, un aspecto de cuchillo cuerpo a cuerpo, vehículo y fichas de XP extra.

A seguir dando guerra

Centrándonos en el multijugador... A Battlefield 6 le quedan muchas batallas por librar, pero a diferencia de 2042, lo que se ha visto en el juego base, sí que deja un buen sabor de boca e invita a quedarse para ir recibiendo el contenido postlanzamiento con una salva de buenos cañonazos.

Insisto en que Battlefield 6 no es la experiencia definitiva de guerra, ni la mejor entrega de la franquicia (al menos, de lanzamiento), pero sí que es el juego que ha salvado a la saga. Battlefield 6 es el inyectable que el Apoyo te aplica en el último instante y que te da fuerzas para seguir disparando.

Pese a todas las pegas que le he puesto y a todos los pormenores con las clases, los mapas y otros aspectos, tengo muy claro que voy a seguir jugando a este título muchas más horas. No hay ningún shooter como Battlefield y este juego sí que se siente parte de la saga.

Los jugadores hemos recuperado el pulso con una entrega algo apresurada, pero directa y con las ideas bastante claras. Volvemos a meter el culo en las trincheras. El juego tiene futuro y la saga también. Y si no, siempre nos quedará La herida de San Quintín.

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Esta tercera entrega construye sobre las dos anteriores, cogiendo lo que vimos en Little Nightmares y, en especial, en Little Nightmares 2, para introducir nuevas ideas muy interesantes… empezando por la posibilidad de jugar la aventura en cooperativo.

Pero sin duda el mayor cambio, y el que hay que mencionar antes de nada, es que en esta ocasión el desarrollo corre a cargo de Supermassive Games. El mismo estudio que se ha labrado una buena reputación entre los fans del terror gracias a juegos como Until Dawn o The Dark Pictures Anthology.

En este análisis, vamos a descubrir si han logrado que Little Nightmares 3 esté a la altura de los dos juegos desarrollados por Tarsier Studios y qué tal encajan las nuevas mecánicas con la jugabilidad habitual de la saga. Dejad la luz encendida y agarrad la mano que tengáis más cerca, porque empezamos.

El análisis de Little Nightmares III para PS4, PS5, Xbox One, Xbox Series X|S, Nintendo Switch, Nintendo Switch 2 y PC:

• El gameplay de Little Nightmares III
• Nivel de dificultad de Little Nightmares III
• ¿Cuántas horas de juego dura Little Nightmares III?
• Cuánto cuesta Little Nightmares III y dónde puedes jugarlo
• La opinión de Hobby Consolas de Little Nightmares III
• Nota: lo mejor y lo peor de Little Nightmares III

Jugabilidad y gameplay de Little Nightmares 3 en PS4, PS5, Xbox One, Xbox Series X|S, Nintendo Switch, Nintendo Switch 2 y PC

Little Nightmares 3 nos presenta a dos nuevos protagonistas: Low y Alone, dos pequeños que, como sus predecesores, deben escapar de la Nada, el mundo de grotescas pesadillas al que sólo se puede acceder durmiendo.

Como recordaréis si jugasteis a Little Nightmares II, la segunda entrega introdujo la presencia de un acompañante con el que colaborábamos para avanzar (pero controlado por IA, nada de cooperativo), así como un simple pero efectivo sistema de combate.

Little Nightmares 3 coge ambas ideas y las expande, dándonos la posibilidad de jugar tanto en solitario como en compañía de un segundo jugador e introduciendo herramientas propias de cada personaje que tienen usos específicos tanto en los combates como en los rompecabezas.

Nada más empezar a jugar, debemos elegir a cuál de los dos personajes queremos controlar. Y aunque ambos pueden realizar las mismas acciones (correr, saltar, agacharse, recoger objetos…), hay una diferencia fundamental entre ambos: Low tiene un arco y Alone una llave inglesa.

De esta manera, gran parte de las situaciones que plantea el juego giran en torno al uso de estas herramientas; Low puede disparar con su arco a interruptores que se encuentran a gran altura, mientras que Alone puede romper paredes con su llave, por poner dos ejemplos sobre su uso, pero hay muchos más.

De igual manera, para derrotar a los enemigos que aparecen en los ocasionales encuentros, hay que hacer un uso preciso y combinado de las dos herramientas. Ahora bien, tened en cuenta que no hay demasiados combates a lo largo de la aventura; el plataformeo, los rompecabezas, el sigilo y las secuencias de huida siguen siendo los grandes protagonistas.

Además de esto, cada uno de los niveles de Little Nightmares III cuenta con alguna mecánica específica para hacer las cosas más entretenidas, destacando especialmente el último nivel del juego, que es el que más he disfrutado. 

Esto se debe también a que los primeros niveles de la aventura están algo encorsetados, pues resulta demasiado evidente que están diseñados como una sucesión de habitaciones con poco margen de maniobra. Por suerte y, como ya digo, la cosa mejora al progresar.

Una novedad interesante es que en algunos niveles encontramos un objeto que podemos usar pulsando el botón R3. La idea es buena, pues introducen mecánicas que aportan frescura a la jugabilidad, pero creo que están un poco desaprovechados, pues sólo hay dos de estos objetos en toda la aventura y su uso está limitado al nivel en el que aparecen.

Y seguramente llevaréis un rato pensando: «vale, todo eso está muy bien, pero ¿qué tal se ha implementado el modo cooperativo?». Y la respuesta es… de una forma un tanto irregular. Me explico.

Dado que todas las situaciones que plantea Little Nightmares III (o la inmensa mayoría) están diseñadas para ser resueltas combinando los esfuerzos de Low y Alone, al jugar en solitario la IA del personaje que nos acompaña puede ser un problema. 

Y no porque sea estúpida, sino más bien al contrario: ha habido muchos rompecabezas que he podido resolver sin muchos esfuerzos porque mi acompañante sabía exactamente lo que tenía que hacer. No nos dan directamente la solución a los puzles, pero, si resolver una situación requiere varios pasos, habrá algunos en los que inevitablemente nos "hagan un spoiler".

Vamos, tengo claro que si hubiese jugado en compañía de otra persona, muchas situaciones me habrían llevado mucho más tiempo o intentos. Y, al final, esa es la clave: Little Nightmares III está claramente pensado para ser jugado en compañía.

La propuesta de estos juegos, que desde la primera entrega ha sido enfrentarse al mundo de los adultos desde la perspectiva de un niño, se potencia enormemente al jugar en compañía. 

Explorar los escenarios y descubrir las numerosas interacciones con el entorno es mucho más divertido; el juego sacará vuestro niño interior y querréis trastear, lanzar objetos o saltar sobre camas para ver quién llega más alto. Es más, Little Nightmares III esconde un gran número de interacciones ocultas en este sentido, muchas de ellas con logros/trofeos como recompensa.

De igual manera, los momentos de incertidumbre y tensión al hacer frente a las grotescas criaturas que tratan de impedir nuestra huida son aún más tensos, pues la cosa ya no depende de la habilidad de un único jugador. Contendréis la respiración al caminar agachados entre enemigos y respiraréis aliviados al conseguir huir de la criatura indescriptible que os acecha.

Y como cabía esperar, la ambientación malrollera y el diseño audiovisual siguen siendo uno de los puntos fuertes de Little Nightmares III, destacando especialmente a los enemigos principales a los que hacemos frente en cada nivel, capaces de darnos algún que otro "infartito".

¿Es difícil Little Nightmares III?

Como sus predecesores, Little Nightmares III no cuenta con selector de dificultad. Y es comprensible, dado que el desafío de estos juegos reside principalmente en los rompecabezas, aunque el plataformeo, las persecuciones y los combates también requieren cierta habilidad a los mandos.

Si bien no es tan evidente en esta entrega, Little Nightmares 3 arrastra un pequeño problema de los juegos anteriores: ciertas situaciones, como las persecuciones, se apoyan en exceso en el "prueba y error". Es decir, que si no sabemos con antelación lo que va a suceder, estamos condenados a fracasar y tener que repetir. 

De la misma manera, al ser juegos con espíritu 2D que se desarrollan en entornos 3D, en ocasiones la perspectiva puede jugarnos malas pasadas… especialmente cuando tenemos que calcular saltos o agarrar elementos del escenario en situaciones de tensión.

Y aunque no es habitual, en mi partida he sufrido algún bug que me ha obligado a reiniciar desde el último checkpoint. Insisto en que no es lo normal (me habrá pasado un par de veces, como mucho), pero sí muy molesto; no es divertido dar vueltas en busca de la solución a un rompecabezas… y descubrir que no la encontrabas porque el juego no se estaba comportando como debería.

¿Cuántas horas dura la historia de Little Nightmares III?

Little Nightmares III no es un juego especialmente largo; en unas cinco horas se puede completar la historia, aunque calculo que puede alargarse algo más si se juega de principio a fin en compañía de otro jugador. 

Tampoco es un juego que destaque por su rejugabilidad, pero dado que los dos personajes son ligeramente diferentes, pasarse la historia controlando al otro protagonista es un pequeño incentivo. Además, se incluyen dos tipos de coleccionables (muñecos y unas misteriosas figuras neblinosas) que desbloquean algún que otro secretillo.

En cualquier caso, se trata de la duración habitual de los juegos de la saga Little Nightmares, así que a nadie debería extrañarle esto. Además, personalmente, lo veo como una fortaleza en esta clase de títulos; el hecho de ser tan cortitos los convierte en juegos que apetece volver a jugar simplemente por el hecho de volver a disfrutar de su atmósfera y puzles.

Y en este, al ser un juego cooperativo, el sentimiento se refuerza. Eso sí, es una verdadera pena que no se pueda jugar en cooperativo local, pues me parece un juego perfecto para pasarse en un fin de semana en compañía de otra persona. 

Según sus responsables, esto se debe a que la cámara no es compartida… aunque esto sólo sucede en determinados puntos, así que creo que podrían haberle encontrado alguna solución.

Precio y plataformas disponibles

Little Nightmares III se lanza el 10 de octubre de 2025 para PS4, PS5, Xbox One, Xbox Series X|S, Nintendo Switch, Nintendo Switch 2 y PC por un precio recomendado de 39,99€, tanto en formato físico como digital. Destacar, eso sí, que la edición física para Nintendo Switch 2 es una Game-Key Card.

Además de la edición estándar, también está disponible una edición coleccionista que incluye el juego, una figura de Low y Alone, una caja metálica, un libro de arte, la banda sonora, pegatinas y una caja tematizada de Little Nightmares III, todo ello por un precio de 79,99€.

Supera tus miedos, pero mejor en compañía

Por un lado, creo que ha sido un gran acierto darle un enfoque cooperativo a Little Nightmares III. Todas las virtudes de las entregas previas se potencian al jugar acompañados, convirtiéndose en un juego el triple de aterrador, pero también el triple de divertido.

Pero, por otro, estar diseñado con el cooperativo en mente ha supuesto que la experiencia en solitario se haya resentido; la IA del personaje que nos acompaña lo facilita todo demasiado y le quita parte de la gracia a muchas situaciones. Y, si me apuras, incluso a la propia historia.

¿Quiere decir eso que sea un mal juego? En absoluto. Pero si queréis disfrutar al máximo de Little Nightmares 3, encontrad a un buen amigo o amiga, agarradle de la mano... y preparos para pasarlo de miedo.

No obstante, con este análisis de Digimon Story Time Stranger no vengo dividir comunidades de fans. Recuerda que... "Desde que el mundo cambió, estamos mucho más unidos". Así que aquí solo quiero hablar de este juego y no de comparativas con el futuro Leyendas Pokémon Z-A para Nintendo Switch y Nintendo Switch 2.

Reconozco que durante muchos años, he estado desconectado de la saga, pero como chaval de los noventa, me críe viendo las aventuras de los niños elegidos y aún tengo marcados a fuego momentos como el sacrificio de Patamon o las batallas contra los Amos Oscuros.

Las horas que pasé con Digimon Rumble Arena son incontables y Digimon World o el reciente Digimon Survive han mantenido mi aprecio por esta saga, pero desde el final de Digimon Tamers no he vuelto a estar en pleno contacto con la franquicia de monstruos digitales. Hasta ahora...

Jugar a Digimon Story Time Stranger ha sido como reconectar con ese niño que hace años se quedó con la boca abierta con la evolución de Agumon a Wargreymon mientras merendaba después del colegio. Este juego es el RPG que los fans merecían y un tributo a la longeva historia de la saga.

Lo visto en Digimon Story Cyber Sleuth se potencia con una entrega con buenas ideas, pero no nos adelantemos. Es el momento de "descubrir la verdad, el poder del corazón. Vente al mundo digital". Vamos con el análisis de Digimon Story Time Stranger para PS5, Xbox Series X|S y PC:

• La historia de Digimon Story Time Stranger: dioses griegos entre dos mundos
• Los combates, crianza y sistemas RPG de Digimon Story Time Stranger
• La dificultad de Digimon Story Time Stranger: ¿Es un juego difícil?
• La duración de Digimon Story Time Stranger
• Precio, plataformas y ediciones de Digimon Story Time Stranger
• La opinión de Hobby Consolas sobre Digimon Story Time Stranger
• Nota: lo mejor y lo peor de Digimon Story Time Stranger

La historia de Digimon Story Time Stranger: el poder de la amistad

Venimos de la novela gráfica que ha sido Digimon Survive, que planteó temas muy adultos para demostrar que unos "dibujos para niños" pueden ir mucho más allá. Sin embargo, Digimon Story Time Stranger no sigue ese mismo camino y ofrece algo más convencional.

Lo que encontramos aquí es un relato completamente independiente (ideal para volver o introducirse a la saga) que nos cuenta una historia no necesariamente original, pero con alguna que otra capa de profundidad que hace que la típica narrativa nipona de salvar al mundo sea algo más singular.

Todo arranca con un agente especial de la organización ADAMAS investigando unas extrañas anomalías que sacuden Tokio. En un determinado momento, la aparición de los digimon en el mundo real degenerará en una catástrofe que hará que viajemos al mundo digital, pero ocho años antes.

A partir de aquí arranca un viaje que nos obligará a salvar el mundo digimon de Ilíada de un peligroso grupo conocido como "los titanes" (todo claramente influenciado por la mitología griega), para así poder restaurar la línea temporal en la que la Tierra se ha ido al garete.

La historia de Digimon Story Time Stranger no es lo mejor del juego, pero tampoco supone un suplicio conocerla, aunque reconozco que cuenta con todos los tropos de la saga y de animes clásicos, como el poder de la amistad, pérdidas de memoria, misterios familiares o salvar al mundo.

Los personajes tampoco son nada del otro jueves y algunos llegan a ser algo tediosos porque a cada intervención lastran el ritmo una barbaridad (el operador que contacta contigo a cada instante es una molestia tremenda), pero cuando los digimon entran en juego, todo cambia.

Y es que, Digimon Story Time Stranger sabe cómo ganarse a los fans. Gracias a los entornos del mundo digital puedes ver constantes referencias a la serie y detalles que te sacan una sonrisa, como ver a Arukenimon y Mummymon juntos, que uno de los primeros combates importantes sea contra Kuwagamon o que Lillymon ande sirviendo copas en una taberna.

Y el juego no solo se conforma por darnos cantidad de biomas diferentes con sus digimon habituales, sino que también ofrece un gran retrato de Tokio y el barrio de Shinjuku. De hecho, todo parece inspirarse en Persona 5 Royal siguiendo con el estilo de otros juegos de la "digisaga" (banda sonora, cotidianidad en las primeras tareas o que los NPC no tengan un rostro definido).

No nos encontramos ante un mundo abierto, pero las diferentes áreas cuentan con un buen nivel de detalle. Por ejemplo, podemos visitar la gran estación de metro o el barrio de Kabukicho (Yakuza) y las callejuelas colindantes. Aunque, el diseño de niveles a nivel de estructura es tan basicote como otros muchos JRPG. Algo propio de muchos juegos del género.

Lo único que afea el mundo y la historia de Digimon Story Time Stranger es el apartado técnico. El diseño artístico consigue hacer bastante atractivo al juego, pero este flaquea mucho en determinados campos que dejan claro cuál es su punto débil. 

Las animaciones de los personajes son escasas y muy robóticas y que el protagonista no hable, pero si mueva la boca es algo bastante extraño. Los escenarios también sufren bastante en este apartado, con digimon que cuanto más lejos están, menos frames presentan. La iluminación plana y la baja calidad de ciertas texturas, tampoco ayudan a mejorar mi opinión sobre este apartado.

No obstante, no puedo por menos que agradecer a Bandai Namco por traer (por fin) textos traducidos al castellano para poder romper la barrera del idioma que otros tantos juegos de la saga han presentado. Y este es solo el primer paso que da el juego para conquistarte.

El gameplay de Digimon Story Time Stranger y sus sistemas RPG

Desde los inicios de la saga Story en Nintendo DS, esta ha evolucionado mucho, especialmente con el salto que supusieron Digimon Story: Cyber Sleuth y Cyber Sleuth - Hacker's Memory. Ahora, Time Stranger llega para perfeccionar una fórmula que ya ha alcanzado la categoría de Mega-Campeón.

A nivel jugable, esta entrega es la más ágil y disfrutable de la saga gracias a una serie de novedades que pulen la experiencia. Puede que sus combates de rol por turnos no reinventen la rueda como Clair Obscur: Expedition 33, pero cuentan con una profundidad digna de los mejores del género.

Si has jugado a pasadas entregas, ya lo tienes más o menos controlado. Cada digimon cuenta con un tipo basado en piedra-papel-tijera (lo hemos visto replicado en juegos como Monster Hunter Stories 2), pero a esto hay que sumarle debilidades elementales y también ventajas por personalidad o por tipo de ataque.

Así que, es posible llegar a aplicar un 450% más de daño si se escoge el tipo de digimon, ataque y clase correctamente. A eso también hay que sumar que el personaje del jugador puede intervenir con una serie de poderosas habilidades llamadas artes cruzadas, que se recargan con ataques de sus propios digimon.

A esta base de le incorporan pequeños ajustes y decisiones que hacen que los combates sean tremendamente fluidos. Por ejemplo, en tu equipo puedes llevar tres digimon (más un invitado) y tres de reserva y cambiarlos o utilizar objetos no consume un turno y puedes atacar con ellos igualmente.

Además, se puede aumentar la velocidad de cada batalla hasta un x5 con un simple gesto (aunque es una delicia ver replicadas al dedillo habilidades míticas como Mano del destino de Angemon o Megallama de Greymon).

Fuera de los propios combates, también se han agilizado las cosas. Ahora los encontronazos con enemigos no son aleatorios, así que podrás verlos cuando te muevas por los escenarios. Si deseas iniciar un enfrentamiento, podrás lanzar un ataque por sorpresa genera una ventaja inicial y esto también se aplica a otras acciones algo más testimoniales como romper objetos u obstáculos.

No es una mecánica nueva en el género (la hemos visto en incontables títulos nipones como Tales of Arise o los propios Persona), pero sí que aporta una dosis de inmersión adicional dando al jugador un pequeño poder de decisión; como también lo es poder usar de montura a tus digimon más grandes.

Lo que me ha incomodado es que, una vez empiezas a conseguir criaturas más poderosas y más grandes, el hecho de que te sigan los tres que forman tu equipo acaba siendo una molestia visual constante, ya que tapan la cámara, impidiéndote ver todo el escenario con naturalidad.

Aunque, donde Time Stranger consigue ganarte por completo (si te gustan las mecánicas de crianza y progreso) es con cómo permite gestionar y coleccionar los más de 400 digimon que incluye el juego. Me he dejado no pocas horas digievolucionando y entrenando.

Dado que en el mundo digital no saben lo que es una Pokéball, en este Digimon Story la única manera de conseguir a un digimon es "convirtiéndolo". Por ejemplo, si quieres digitalizar un Tentomon, tendrás primero que combatir contra unos cuantos hasta alcanzar un 100% de progreso.

En ese momento, puedes conseguir a Tentomon, pero si esperas a que la barra alcance el 200%, obtendrás una versión más poderosa. Y para evolucionarle a Kabuterimon, no basta con subirle de nivel combatiendo, sino que también debe cumplir unos requisitos estadísticos.

El sistema de los Digimon Story es bastante más profundo que las evoluciones de la saga de Game Freak, por ejemplo. Recuerda que "algo extraño pasaba... digievolucionaban, en tamaño y color". Debido a que un digimon puede digievolucionar (y desdigievolucionar) en muchas especies, la experimentación da lugar a equipos la mar de variados, que muchas veces no esperabas ni tener.

Para forzar una determinada digievolución tendrás que entrenar a tus criaturas en la Digigranja, un espacio (re)virtual que es la salsa que aporta jugosidad a todo el sistema de crianza. Entender esto y aplicarlo es absolutamente imprescindible y el único problema que veo es que acceder a la Digigranja no siempre es algo sencillo, ya que solo hay una serie de portales en cada mapa.

Y pese a que todo es bastante intuitivo para los muchos subsistemas que engloba (algunos directamente extraidos de Shin Megami Tensei), echo en falta algunas opciones que ofrezcan indicaciones extra o atajos  para recordar qué deseas entrenar con cada criatura.

Muchas veces he querido entrenar a varios digimon a la vez, para que evolucionen a especies concretas, pero con tantas estadísticas tienes que estar haciendo un gran esfuerzo por recordar qué es lo que necesita cada uno y para comprobarlo hay que estar sacando y metiendo a cada uno de la Digigranja, un proceso algo tedioso.

Pero más allá de eso, Digimon Story Time Stranger entrega un sistema de gestion con la densidad justa como para no resultar viscoso y con una profundidad en la que da gusto bucear para conseguir equipos llenos de potencial.

Además, por si fuera poco, también hay un simple, pero genial minijuego de cartas que te permite organizar combates con tu Digivice y que "pixeliza" a cada digimon para asemejarse a los "Digivice-Tamagochi" reales que sacó la franquicia en su momento (yo sigo teniendo el mio en un cajón).

El único "pero" a la jugabilidad está fuera de los combates, ya que el diseño de los niveles y de las misiones no innova apenas y la interacción con los escenarios y tu desplazamiento por ellos ofrece muy pocas sorpresas o variaciones.

¿Es difícil Digimon Story Time Stranger?

Digimon Story Time Stranger tiene tres niveles iniciales y si juegas en modo Equilibrado te encontrarás con un desafío bien medido que especialmente destaca por ofrecer unos combates contra jefes bastante exigentes que rescata la habitual mecánica de tener que atacar un punto concreto antes de que se desate un superataque.

Sin ser un juego extremadamente complejo, sí que hay picos de dificultad elevados en determinados momentos de la historia, que te obligan a entender sus sistemas y a tomarte muy en serio la "tabla de tipos", pese a que los enfrentamientos contra enemigos "minions" son un mero trámite.

¿Cuánto dura Digimon Story Time Stranger?

Completar la historia de Digimon Story Time Stranger puede llevar 45-50 horas, fácilmente. La historia es bastante extensa, pero es en su sistema de crianza en donde te vas a dejar cantidad de tiempo (y no lo digo como algo malo, precisamente).

Además, el juego ofrece unos cuantos retos secundarios, como mazmorras exteriores con curiosos desafíos o misiones adicionales de recadero que, pese a no ser demasiado elaboradas, sí que amplían las diferentes zonas del mundo digital y tu relación con los digimon que las habitan.

Precio, plataformas y ediciones de Digimon Story Time Stranger

Digimon Story Time Stranger está disponible en formato físico y digital para PS5, Xbox Series X|S y PC a un precio de 69,99 euros en su edición estándar. Aunque encontramos otras ediciones como la Deluxe a 99,99 euros que incluye el pase de temporada con nuevos episodios y cosméticos.

La edición Definitiva por 119,99 euros incluye todo eso y también un Agumon y Gabumon espaciales, packs de apariencias como traje de baño o niños elegidos o la música ambiental de Cyber Sleuth. Por último, encontramos la edición Coleccionista por 199,99 euros con la figura de Jupitermon, el libro de ilustraciones y hasta el juego de cartas de Digimon en formato físico.

¡Digimon shinkaaaaaa!

Puede que Digimon Story Time Stranger no sea el mejor RPG del año, pero sí que es un título que encantará a los fans de la saga por el mimo y cariño que hay depositados en él. He disfrutado enormemente del regreso al mundo digital que ha formulado Bandai Namco.

Si me llegan a decir de niño que jugaría algo así en un futuro, probablemente, a ese chaval que creció viendo digievoluciones le daría un patatús de la emoción. Digimon Story Time Stranger mejora todo lo visto hasta el momento y nos deja una experiencia de combate y crianza increíblemente adictiva.

Hay aspectos que podrían haberse hilado algo mejor en materia narrativa y el juego acusa un considerable estancamiento gráfico y técnico en escenarios o en el diseño de sus niveles y mazmorras, pero todo eso puedes llegar a pasarlo por sus geniales bondades.

Tras algunas desilusiones y títulos con barreras como la exclusividad de territorio o el idioma, Digimon Story Time Stranger es un rotundo golpe encima de la mesa que pone a la saga donde debería estar. Estamos ante una Digievolución en toda regla.

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En esta ocasión, la jugada ensayada de EA Sports para este año es que FC 26 se ha construido en base a los comentarios de la comunidad de jugadores y jugadoras. En este análisis de EA Sports FC 26 vamos a ver cómo las jugabilidades competitiva y auténtica llevan la voz cantante.

Un año más, PS5, PS4, Nintendo Switch 2, Nintendo Switch, Xbox Series X|S, Xbox One y PC reciben a una saga que sin un eFootball que compita de verdad y con un UFL que no ha sido el revulsivo esperado, parece tener carta blanca para seguir siendo el rey... del deporte rey.

No obstante, ser el amo de la pista y el ganador de la liga todos los años, no quiere decir que no haya que esforzarse por mantener una plantilla competitiva y más si cabe teniendo propuestas de balompié tan diferentes y divertidas como Rematch. 

¿Qué novedades tenemos en esta entrega más allá de esa jugabilidad dual? ¿Cómo progresa Ultimate Team y el resto de modos? Echemos una ojeada al análisis de EA Sports FC 26 para PS5, PS4, Nintendo Switch 2, Nintendo Switch, Xbox Series X|S, Xbox One y PC:

• La jugabilidad de EA Sports FC 26: así se sienten sus modos realista y competitivo
• Las novedades en modos de juego: Ultimate Team, Carrera Manager o Clubes
• El precio, plataformas y ediciones de EA Sports FC 26
• La opinión de HobbyConsolas sobre EA Sports FC 26
• Nota: lo mejor y lo peor de EA Sports FC 26

La jugabilidad de EA Sports FC 26: a caballo entre el realismo y la velocidad competitiva

Echa a rodar "la redonda" y lo primero que hay que experimentar en este FC 26 es el foco de los esfuerzos del equipo de desarrollo. El juego ahora ofrece dos jugabilidades completamente distintas dirigidas a dos ramas de jugadores muy diferenciadas.

La jugabilidad competitiva y la auténtica buscan mantener a las dos comunidades que pueblan la saga año tras año. Si te mola el estilo frenético y veloz de la competición online de Ultimate Team o Clubes Pro, tienes una forma de jugar orientada a ello.

Si, por el contrario, buscas un estilo más pausado orientado al modo Carrera, que se sienta como el fútbol que llevaba por bandera la saga hace unas cuantas entregas; lo que te pide el cuerpo es jugar en el modo auténtico.

Antes de que sonase el pitido inicial pensaba que, simplemente, estaba ante un "modo lento", pero la diferencia de velocidades y ritmo entre ambas jugabilidades no es lo único que demuestra el buen trabajo que se ha hecho en esta materia.

Las mejoras en el comportamiento de la IA y un necesario trabajo en hacer que la defensa sea relevante en el partido terminan por cimentar dos estilos de juego más diferenciados de lo que podría parecer en un primer momento.

Me gusta la jugabilidad auténtica, ya que, al bajar revoluciones al gameplay, se pueden realizar diferentes jugadas, como pases más precisos o encontrar oportunidades de gol que nunca veríamos en el correcalles en el que se había convertido la saga en los últimos años (aunque ya te aviso que auténtica no equivale a realista).

El prejuste auténtico toma en consideración muchas variables, tanto de los jugadores, como del terreno de juego o la climatología, para establecer un modo profundo y con sustancia. Aunque no habría estado mal que se hubiese atrevido a penetrar en el área de la simulación. El fútbol real no se juega como en FC 26, ni mucho menos.

Por su parte, el modo competitivo, más de pisar a fondo, también recibe un "upgrade" con unos cuantos ajustes generales. No profundizaré en las mejoras de los porteros porque a mí esa cortinilla me lleva por la calle de la amargura cada año que anuncian nuevas implementaciones, aunque sí que detecto una renovación en sus movimientos.

En donde no hay dudas en la mayor sensación de control con el balón. Y no es lo único, ya que el posicionamiento defensivo es más acertado, la respuesta de los jugadores a los cambios de ritmo es más reactiva y las transiciones entre jugadas son menos robóticas.

Lo único que lamento es que esa buena jugabilidad no se haya engalanado aún más con una renovada presentación audiovisual. Por supuesto, la saga FC transmite la espectacularidad de los partidos a la perfección, pero se echan en falta más novedades en esta materia (también en los comentarios de Miguel Ángel Román y DjMario). 

Y es que, ver las mismas transiciones, animaciones de acciones de arbitraje o presentaciones de plantilla hace un flaco favor a esta nueva entrega. La sensación de estar ante lo mismo de siempre (por muy bueno que sea) pasa factura demasiado rápido (aunque se agradece que la versión de Switch 2 se equipare a la de las consolas actuales).

Las novedades de EA Sports FC 26 en modos de juego como Ultimate Team, Carrera o Clubes

En cuanto a licencias, EA Sports FC 26 sigue aglutinando prácticamente todo el fútbol mundial de calidad, con una oferta con más de 35 ligas, 750 equipos, 20 000 jugadores y más de 120 estadios, aunque se echa en falta el AC Milan y otros tantos clubes de la Serie A (el Napoli sí está).

No obstante, en lo que respecta a contenido en modos de juego, aquí es donde FC 26 pincha. El repertorio es tan abundante como siempre y se pulen y perfilan cantidad de variables, pero no hay apenas novedades de peso que refresquen la gama de experiencias online y offline.

Obviamente, Ultimate Team se lleva la mayor parte de los extras. Tenemos un nuevo menú más claro y también el rediseño de Rivals y Champions con más recompensas para premiar a los jugadores más fieles a estas modalidades. 

También encontramos eventos en vivo, un añadido con requisitos que nos empujan a variar nuestra plantilla y hacerla mucho más polivalente para acceder a ellos. Esto hace que la progresión sea más liviana para que no quemes el juego a las primeras de cambio, aunque el fantasma de las microtransacciones sigue poniendo todo patas arriba.

El modo Carrera (tanto Manager, como Jugador) cuenta con un nuevo sistema de progresión basado en arquetipos a lo NBA 2K, con especializaciones que logran hacer que profundices más en la construcción de tu jugador. Esto se une a dos historias de origen más (jugador canterano y otra de portero que aprovecha la llega de arquetipos de guardameta y las mejoras jugables de esta posición).

Manager es el modo que más oferta de opciones incorpora con la llegada de Manager Live, que ofrece nuevos desafíos en plena temporada, algunos enfocados en el mercado de fichajes y otros en competiciones tan importantes como la Champions, por ejemplo.

Lo cierto es que el modo tiene más opciones de gestión que nunca, con sorpresas que te hacen tener que estar pendiente de todo. Un retiro abrupto del jugador, que el presidente del club se meta donde no le llaman... Hay variedad por un tubo, pero es cierto que a más tiempo dedicado, más estancamiento. Existe un lavado de cara, pero no extremadamente profundo.

Lo más interesante ha sido Clubes Pro y la remodelación de su sistema de progresión. Ahora hay una mayor sensación de progreso en los trece arquetipos de tu jugador gracias a que cada partido da diferentes cantidades de experiencia dependiendo de su importancia y de tus acciones dentro de él.

Partidos personalizables como Rush Rugby o la renovación de Conviértete en Guardameta suponen otros añadidos interesantes. Ahora puedes ser portero en Rush Clubes, aunque el modo añadido el pasado año pedía algo más en cuanto a opciones.

Por lo tanto, sí, hay novedades y algunas se agradecen bastante, pero es cierto que estas correcciones y añadidos están pensadas para quienes exprimen el juego hasta la última gota todos los años. Se echa en falta algo nuevo, verdaderamente potente, en cuanto a modos.

Precio, plataformas y ediciones de EA Sports FC 26

EA Sports FC 26 está disponible en PS5, PS4, Xbox Series X|S, One, Nintendo Switch 2, Switch y PC a un precio de 79,99 euros en su edición estándar (59,99 euros en Switch y 69,99 en PC y Switch 2).

Además, también está disponible una Ultimate Edition a 109,99 euros que incluye 6000 FC Points durante 2 meses, 1 espacio adicional de Evolución de futbolista de Ultimate Team y varias recompensas para los modos Clubes y Carrera.

¡Fúrbol!

EA Sports FC 26 es una de las mejores entregas de la saga a nivel jugable. Hace muchos años que no se experimentaba un gameplay tan completo y con variadas opciones para intentar convencer a todo el mundo. La misión del equipo de desarrollo en este sentido parece haber sido un éxito.

Por supuesto, puede que el juego cambie por completo conforme pasen las semanas y meses. Los parches ya están llegando y alteran aspectos siempre importantes de su jugabilidad. No obstante, por el momento, la distinción entre competitivo y auténtico funciona correctamente.

En este apartado, solamente echo en falta alguna que otra novedad mecánica (como las vistas en NBA 2K26) que logre refrescar esa jugabilidad más allá de ajustes en su núcleo. Siempre suele ser bueno poder realizar nuevas acciones.

Es la falta de novedades en modos de juego la que me deja tan frío como Cole Palmer. Si no tienes especiales pegas con la jugabilidad de pasadas entregas, el salto a este título no llega a merecer la pena debido a la ausencia de sorpresas y al reciclaje en cuanto a presentación audiovisual.

En ese sentido, el notable esfuerzo que se ha puesto en la jugabilidad ha opacado por completo el otro eje de la saga. No es fácil sacar un juego cada año, pero cada vez es más palpable que los lanzamientos anuales no son necesarios. Quizá esto podría haber sido una actualización.

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Para quien no lo sepa se trata de teclados algo más compactos, pero que prácticamente no prescinden de ninguna tecla, reorganizando todo para que haya menos espacios vacíos. Como vamos a ver en este análisis de Corsair Vanguard 96, aquí además se permite el lujo de incorporar una pantalla LCD que nos muestra información útil, además de un dial metálico.

Eso es solo lo primero que llama la atención: este nuevo teclado mecánico gaming también cuenta con los switches magnéticos MGX de Corsair, que tienen hal-effect (previenen el desgaste físico de los interruptores) y cuya distancia de actuación puede configurarse entre 0,1mm o 4mm, además de contar con Hyper-Polling de hasta 8000Hz o ser compatible con PS5, Xbox Series X|S y Xbox One. 

Pero no me quiero precipitar y adelantar demasiadas características muy rápido, ya que es un teclado gaming de alto rendimiento, muy bien construido y con unas sensaciones al tacto fabulosas (este artículo está escrito con él).

Pero, además introduce unos cuantos aspectos técnicos bastante interesantes que merecen explicación. Así que vamos con este análisis de Corsair Vanguard Pro 96, el nuevo teclado mecánico de tamaño compacto. 

Corsair Vanguard 96: contenido de la caja, diseño y acabados

Vanguard 96 recoge el testigo de uno de los teclados mecánicos más aclamados de Corsair, el K70 RGB Pro, pero con un montón de innovaciones técnicas que suponen un salto vanguardista, que es una de las cosas que quiere reflejar su nombre.

El embalaje no difiere demasiado respecto a otros periféricos de Corsair que hemos visto en este 2025, como el reciente ratón ultraligero Sabre V2 Pro o el auricular Void Wireless V2. Es una caja bitono, en amarillo y negro, que abulta poco más de lo que necesita el teclado.

En el interior, encontramos el teclado, que en esta ocasión cuenta con cable extraíble, un extra que valoro muy positivamente porque en caso de avería, es tan fácil como sustituirlo, y el teclado sigue funcionando. Se incluye un cable trenzado y mallado de 1,8 metros, con conector USB-C para el teclado, y USB-A para conectar al ordenador.

Incluye dos extra más, que también valoro de manera muy positiva en este tipo de teclados. Uno de ellos es el reposamuñecas, que viene incluido, tiene un diseño idéntico al del K70 antes mencionado,  incluidos los detalles magnéticos para acoplarse al teclado, o la fina linea con el logo de corsair en mitad del cuerpo. Tiene el grosor justo para reposar las muñecas de manera cómoda.

El otro extra es una herramienta doble para poder extraer las teclas y los interruptores, en caso de que queramos cambiarlos, bien por estética, bien por avería, bien porque nos gustan otros interruptores más (algo que sería un error, aunque es compatible con switches de 3 y 5 pines). Pero bueno, siempre es mejor tener la opción que no tenerla, por ejemplo, si se te rompe un switch.

Entrando ya en los aspectos de diseño puro y duro del teclado, lo primero que llama la atención son sus compactas dimensiones (38,8 x 14,1 x 4,3 cm). No es una reducción tan evidente como al pasar a un teclado 60%, pero vas a tener algo más de espacio libre en el escritorio (es en torno a 3-4 dedos menos largo, y dos de ancho). Se nota. En la parte inferior, hay carriles para conducir el cable USB. 

Como comentaba antes, de primeras se puede hacer extraña la ubicación de algunas teclas, como los cursores, que están situados debajo del Enter y en contacto también con el teclado numérico. Pero no es nada a lo que te vayas a acostumbrar rápidamente. En 5 minutos te has hecho a esta disposición, aunque faltan teclas físicas como Inicio, Fin, Av Pag o Re Pag.

El tacto de las teclas es muy suave, como su pulsación. Los interruptores MGX no hacen tanto ruido como las teclas de otros teclados mecánicos (aunque tampoco son silenciosos como uno de membrana); además, dejan pasar bastante bien la iluminación RBG, que como en todos los teclados de alta gama, permiten configurar cada tecla de manera individual.

Las teclas son doble capa PBT, con un acabado mate bastante agradable, y diseñadas para durar. Dejan pasar bastante bien la luz RGB, cuyo nivel de intensidad se puede configurar desde el propio teclado, con la tecla FN (que también nos permite combinar con otras teclas para usar controles multimedia, acceder a las teclas que no están físicamente que he mencionado antes, etc.).

Cuenta con 6 teclas laterales programables, para macros y otras funciones que luego veremos, aunque una de ellas viene por defecto para activar el modo Juego (bloquea la tecla Windows) y podemos configurarlo a través de Corsair Web Hub para que se active con el nivel de Hyper-Polling que queramos (hasta 8.000Hz).

El chasis se siente muy sólido y rígido (el conjunto pesa más de 1 Kg.) pero sí que es cierto que he echado en falta una plancha de aluminio cepillado en la parte superior para garantizar una duración a prueba de bombas. También tiene dos patas para regular su altura, que están rematadas en goma para favorecer que no se deslice el teclado una vez asentado. 

Switches MGX Hyperdrive, pensados para volar... y durar

Como ya he anticipado, Corsair Vanguard 96 transmite unas sensaciones fabulosas a la hora de pulsar sus teclas, gracias a los nuevos interruptores lineales MGX Hyperdrive, que ofrece una respuesta ultrarápida, sin oscilaciones y con un sistema de actuación regulable, gracias a su sistema de imanes, que al mismo tiempo garantiza un deterioro inferior (es tecnología Hal-effect).

Gracias a estos interruptores, podemos definir la zona de actuación, es decir, cuando se detecta la pulsación, entre 0,1 y 4mm, lo que permite que literalmente se detecte la pulsación con tan solo empezar a pulsar la tecla o cuando haya recorrido un total de 4 mm.

Son interruptores con una clara intención, ofrecer una pulsación más rápida de la tecla, algo clave en el juego competitivo si lo que necesitas es arañar unas décimas de segundo con tus pulsaciones.

Además, gracias a la tecnología Rapid Trigger, los interruptores MGX Hyperdrive pueden tener reseteo  dinámico de los puntos de actuación, lo que permite pulsaciones rápidas continuas sin que el interruptor tenga que regresar a la posición neutral.

Lo mejor de todo es que este ajuste se puede hacer tanto desde el propio teclado, a través de una combinación de la tecla FN como desde Corsair Web Hub, la web que permite configurar el teclado sin necesidad de instalar un aplicación dedicada en el ordenador.

 Es un interruptor que confiere una estabilidad impresionante a las teclas, que no tienen el ligero "vaivén" que percibimos al pulsarlas en otros teclados, y que gracias a la tecnología fresnel, también ofrecen un contudente efecto de luz RGB, también modificable desde el propio teclado, bien para cambiar el efecto (de entre 10 disponibles), como la dirección, intensidad o color.

Los interruptores MGX tienen, además, una vida útil de 150 millones de pulsaciones, y son fácilmente sustituibles en caso de desgaste o deterioro, por lo que con unos cuidados mínimos, tendrá teclado para rato. Lo mismo sucede con las propias teclas, que también son sustituibles por otras de colores, para darle un toque personal a tu teclado.

Además, Vanguard Pro 96 cuenta con polling de 8.000Hz, es decir, la comunicación entre el teclado y el ordenador es muy rápida, estable y continua, por lo que tampoco habrá retraso en la comunicación de nuestras pulsaciones (con el Hyper-Polling a 8.000Hz, Corsair estima que el input lag medio es de 0,57ms, unos tiempos más bajos que en otros teclados de gama alta de este tipo.

Corsair Vanguard Pro 96 guarda más trucos bajo la manga

La pantalla LCD no es un simple adorno, y es bastante más útil de lo que esperaba en un primer momento. Si bien puedes configurarla para que muestre imágenes y animaciones, cuando realmente demuestra que es un añadido interesante es al configurar el teclado al vuelo, sin necesidad de entrar en Corsair Web Hub.

Así puedes controlar desde las cosas más sencillas, como controlar el volumen o el nivel de brillo del RGB, a comprobar de un vistazo rápido en qué nivel de Hyper-Polling estamos, si está bloqueada la tecla Windows (o activado el modo juego), en qué modo está activo el teclado (Windows, PlayStation, Mac...), el perfil del teclado en el que nos encontramos...

La verdad es que no pensaba que iba a ser de gran ayuda, y lo cierto es que ha sido toda una alegría, no solo porque da muchísima información en tiempo real, también por lo fácil que es configurar al vuelo muchas de sus opciones, incluida la grabación de macros, que es una de tantas cosas que permite. Y todo con un interfaz visual bastante práctico.

Otra opción más que interesante es la integración con Stream Deck (no confundir con Steam Deck), algo que Corsair lleva trabajando este año, y que muchos accesorios han integrado de manera natural, como el ratón Scimitar Elite Wireless.

El teclado Vanguard Pro 96 cuenta con un botón dedicado con el icono de Stream Deck, y que al pulsarlo, lanza el llamado Virtual Stream Deck, un panel con botones que nos permite lanzar aplicaciones o acciones, dentro de ellas, para una gran variedad de apps funciones, desde atajos y funciones en Photoshop a cuadros de mando para directos en Twitch, efectos...

Corsair espera tener lista una actualización antes de que acabe 2025 que, tras lanzar Virtual Stream Deck con la tecla dedicada, podamos usar el dial y los botones programables para lanzar directamente las funciones que tengamos asociadas en VSD a esas funciones, algo que a día d ehoy no es posible todavía.

Es una utilidad extra, que junto al modo PlayStation (lo activamos pulsando FN + tecla Windows durante 5 segundos), nos permite usar el teclado en PS5 y PS4 para disfrutar de los juegos compatibles, como Fortnite, Final Fantasy XIV o Ready or Not, entre otros.

Configuración y opciones de Corsair Vanguard Pro 96

Como he comentado antes, las opciones para personalizar el teclado son, a grandes rasgos, dos: una, desde el propio teclado, que aunque tiene muchísimas opciones, no permite tantas como al hacerlo desde Corsair Web Hub, la web dedicada a tal efecto (y que podemos "instalar" para usarla sin conexión).

Desde aquí podemos crear distintos perfiles, y guardar hasta 5 en la memoria del teclado, cada uno de ellos con distintas configuraciones de efectos RGB (con luz individual por letra, con un determinado efecto), nivel de Hyper-Polling (desde 1.000 a 8.000Hz), usos únicos o macros para las teclas programables.

Es un añadido que te permitirá gestionar y personalizar de manera mucho más profunda tu teclado, y exprimir todo su potencial y guardarlo en el propio dispositivo para activar estos ajustes cuando quieras o lo necesites.

También cuenta con la tecnología llamada FlashTap, y que también podemos ajustar desde aquí, y que nos permite controlar un efecto muy habitual al jugar con teclado, como es pulsar al mismo tiempo dos teclas de dirección opuestas (izquierda y derecha o arriba y abajo). 

Gracias a FlashTap puedes decidir si quieres que el teclado actúe de manera neutral (no haga nada), o bien reconozca solo la primera tecla pulsada (o la última), algo especialmente útil si ya tienes el "tick" cogido y pecas de pulsar a menudo dos botones a la vez.

Y tranquilo, que si cambias los interruptores, desde aquí también podrás recalibrarlos y testear las teclas de manera individual, para ver si están respondiendo correctamente. Es una suite bastante completa, que incluso te permitirá aignar distintos usos y funciones también al dial.

La opinión de HobbyConsolas de Corsair Vanguard Pro 96 ¿merece la pena?

Muchas veces, los fabricantes de periféricos parecen querer meter novedades, como pantallas LCD, solo con la intención de llamar la atención, y no aprovecharlas al máximo. No es el caso de Corsair Vanguard Pro 96, un teclado más compacto que me ha sorprendido con todo lo que pone sobre la mesa, y sobre todo, porque prácticamente todo lo hace bien.

Para los que quieran competir al máximo nivel, los switches MGX son una verdadera delicia, tanto por su velocidad de respuesta como las opciones de configuración que ofrecen (sin olvidar el Hyper-Polling de 8.000Hz y su bajísimo input lag), y eso sin dejar de decir que me ha encantado el tacto, y. que no son extremadamente ruidosos, como otros teclados mecánicos.

Todo está diseñado para durar una barbaridad, y extras que pueden parecer una chorrada de primeras, como la pantalla LCD, me han parecido super útiles para configurar el teclado al vuelo, aunque siempre es más completo hacerlo desde Corsair Web Hub y algunas novedades, como la integración con el Stream Deck Virtual requieren de un software dedicado adicional. 

El único "pero", es el habitual en este tipo de teclados de gama alta: la tecnología que integra encarece el precio final, y se echan en falta detalles como una superficie de aluminio para hacerlo todavía más duradero. Quitando eso, y el precio, que no es barato, pero tampoco un disparate (229 euros), estamos hablando de un teclado completísimo, y no solo por incluir el reposamuñecas. 

Corsair Vanguard Pro 96 es un gran ejemplo de cómo se puede innovar en un teclado, y que todo lo que incorpora tiene sentido en su propuesta. Me parece un teclado excelente, y no solo para jugar. Puede que necesites unos días para cogerle el punto a su disposición, pero una vez lo hagas, vas a disfrutar muchísimo con todo lo que ofrece.

Y cómo vamos a ver en este análisis de Ghost of Yotei, el combativo espíritu samurái del juego no teme a ningún fantasma. Sucker Punch recoge la katana dejada por Jin Sakai y realiza un fantástico ritual Mimitsuke para limpiar toda la sangre de los mongoles y afilar un nuevo viaje a Japón.

Las sólidas bases de Ghost of Tsushima se plasman de nuevo en Ghost of Yotei, pero la venganza de Atsu no se conforma con replicar, sino que ofrece una serie de interesantes novedades y un mundo abierto algo más experimental para pulir una fórmula que cerró la generación de PS4 con gran éxito.

Disfruté mucho "platineando" Tsushima, pero reconozco que al juego le pasaban factura algunos elementos narrativos y rítmicos. Y sí, Ghost of Yotei también achaca algún que otro problema, pero esos tropiezos son fruto del inconformismo de Sucker Punch por ofrecer algo diferente.

Ya hemos tenido "samuráis de mundo abierto" con Assassin's Creed Shadows o Rise of the Ronin, pero te aseguro que ambos juegos son muy diferentes al título que ahora nos ocupa. Vamos con el análisis de Ghost of Yotei para PS5. ¡Hajime!

• La historia de Ghost of Yotei: el camino de venganza de Atsu
• El mundo abierto de Ghost of Yotei: explorando el Japón más inhóspito
• El combate y progresión de Ghost of Yotei: nuevas armas y una katana más afilada
• El nivel de dificultad de Ghost of Yotei
• La duración de Ghost of Yotei
• Precio y ediciones de Ghost of Yotei en PS5
• La opinión de Hobby Consolas sobre Ghost of Yotei
• Nota: lo mejor y lo peor de Ghost of Yotei

La historia de Ghost of Yotei: un viaje de venganza y redención

Un ginkgo en llamas y los desconsolados llantos de una niña ensartada tras contemplar la muerte de sus padres a manos de los Seis de Yotei. Así arranca la historia de Ghost of Yotei presentando a su protagonista, Atsu.

Dieciséis años después, esta ha regresado a su hogar para vengarse. Forjada en las guerras entre clanes de Honshu y como superviviente de la sangrienta batalla de Sekigahara, la guerrera solo tiene un objetivo: acabar con la Serpiente, el Oni, el Kitsune, el Dragón, la Araña y el señor Saito.

Ghost of Yotei nos traslada a la norteña isla de Hokkaido (Ezo) dentro de un apasionante contexto histórico. En 1603, el shogunato envía al clan Matsumae (parientes de los míticos Takeda) a la isla para impulsar un proceso de colonización contra el místico pueblo ainu (etnia a la que hace referencia la Princesa Mononoke con el príncipe Ashitaka, por ejemplo).

Sucker Punch vuelve a tomar referencias históricas reales para establecer un relato paralelo cuyo motor vuelve a ser la venganza. No obstante, este camino de escarmiento será mucho más personal que el de Jin Sakai contra los mongoles (si eso es posible).

Esto hace que Atsu se establezca como un personaje más complejo que Sakai, con más "gancho" y carisma. Si bien es cierto que el discurso vengativo ya está muy trillado, he logrado vincularme mucho más con Atsu gracias a que el guion ofrece una serie de conflictos más interesantes.

Hay paralelismos entre ambas historias, pero Atsu es menos "siesa" que Sakai. Digamos que lo de asesinar brutalmente por la espalda no es algo que quite el sueño. Ella no es un honorable samurái, sino un onryō, un vengativo espíritu que no se detendrá ante nada.

En términos, estilísticos, pese a que el juego cuenta con un notable doblaje al castellano, aquí recomiendo jugar en japonés, ya que el resultado es mucho más inmersivo. Los tonos utilizados te meten de lleno en el cine de samuráis de Kurosawa, heredado del western de John Ford (más allá del modo de visualización en blanco y negro). Todo ello acompañado de una gran banda sonora.

Además, también veo una mejoría importante en la manera de narrar. Las cinemáticas muestran momentos muy movidos, con rostros de los personajes mucho más detallados y con mayor expresividad. Aunque hay escenas in-game que siguen presentando planos demasiado estáticos.

Por suerte, Ghost of Yotei hace que la trama se mueva en un entorno más inestable y complejo que la invasión de los mongoles. Al final, el peor enemigo de Japón siempre ha sido... Japón. Eso hace que los pasos e interacciones de Atsu con cada bando de la isla tengan una mayor repercusión, pese a que lo ocurrido en la isla en la realidad quede abandonado en favor de la ficción.

Los bandidos de los Seis de Yotei, el clan Matsumae y las tribus de ainu luchan por el control de un territorio salvaje e indomable que queda brillantemente plasmado con un mundo abierto arrebatador y dinámico que me ha enamorado de principio a fin.

Así es el mundo abierto de Ghost of Yotei: experimentación, contenido y espectáculo visual

Si bien la narrativa de Yotei demuestra un mayor tino. Donde Sucker Punch pone todo el ímpetu en el desarrollo de esta secuela es en la construcción de su mundo. El que fue el mejor aspecto de Tsushima, ahora se potencia de nuevo con varias medidas únicas y experimentales.

Al final, el juego no deja de ser una obra de mundo abierto basada en un mapa con iconos que ofrecen actividades secundarias. Muchas vuelven, como los baños onsen, los desafíos plataformeros de los santuarios, campamentos enemigos o las leyendas que desbloquean piezas de equipo únicas.

Sin embargo, la condición de secuela de Yotei impulsa más cosas que descubrir, como guaridas de lobos, pintar sumi-e, un nuevo juego de mesa tremendamente retador o incluso pequeñas tareas en actividades ya conocidas. Son detalles como encender unas velas ante un manantial y que mientras te bañas aparezca una manada de caballos, los que demuestran una mejoría constante.

No obstante, la cantidad no es lo mejor del mundo de Yotei, sino cómo se explora. El viento guía de Tsushima, que tanto favoreció la inmersión, regresa acompañado de nuevos sistemas para hacer de tu camino por la isla un viaje real y no una constante ojeada al mapa en busca de iconos que tachar.

Ghost of Yotei es el primer juego de mundo abierto que me ha recordado a lo vivido con Red Dead Redemption 2... Eso son palabras mayores y pese a que el resultado se queda lejos, las intenciones de Sucker Punch por meterte en este Japón sí que me recuerdan a las de Rockstar.

Ghost of Yotei quiere que te tomes en serio la navegación por sus escenarios y que te sientas parte de ellos. Por ejemplo, ahora puedes acampar, hacer hogueras o cocinar (todo ello aprovechando al máximo el DualSense) o comunicarte con los aliados para que el viaje se sienta auténtico.

Son añadidos impulsados por esa idea de hacerte vivir una aventura y pese a que luego puedan decepcionar un poco al no tener un impacto tremendo en la jugabilidad, sí que que son el germen de algo que puede hacer que Sucker Punch sea un estudio de referencia en cuanto mundos abiertos.

Y esto también se nota en la interacción con otros NPC. Viajando o luchando podrás encontrar mercaderes o enemigos que te ofrecerán información, como que cerca de determinado punto hay un puesto de bambú o que han escuchado que un posadero necesita ayuda con unos bandidos.

Así podrás obtener misiones secundarias como capturar a delincuentes y otro tipo de desafíos bastante variados. Además, también puedes comprar trozos de mapa que puedes juntar con el tuyo para dar con lugares destacados o utilizar el samisén y sus diferentes canciones (a lo Zelda Ocarina of Time) para invocar vientos que te guíen hacia santuarios u otros puntos de interés.

Hay cantidad de formas de descubrir todo lo que ofrecen las diferentes zonas de Yotei, que no abarcan toda la isla (como sí que pasaba en Tsushima), pero que se estructura de una manera bastante inteligente, con áreas más "pequeñas", pero estéticamente muy diferentes.

El único problema es que cuando ya llevas un tiempo explorando cada mapeado a fondo, el sistema de pistas me parece demasiado invasivo y acaba por solaparse con otras opciones de búsqueda. 

Hay mil maneras de dar con un lugar. Las hogueras, el viento, el catalejo para marcar lugares, los trozos de mapa, el samisen, los rumores... Creo que hay demasiadas fuentes de información. Es como si Sucker Punch tuviera miedo de que te perdieses algo.

No obstante, el mundo es tan preciosista, que cada paseo es un gozo. Hay estampas (con o sin modo foto) que parecen un cuadro con un estupendo manejo de las curvas de color. Ghost of Yotei es uno de los juegos más bonitos que he jugado en los últimos años.

Si Tsushima era increíble, Yotei lo supera al ofrecer escenarios abrumadores y enormes en extensión. El juego separa la cámara cuando montas a caballo (pulsando R3) y esto genera un efecto cinematográfico que te deja con la boca abierta. Es un lujo y un placer ver estos paisajes.

La potencia de PS5 es de gran ayuda (el juego tiene modo rendimiento corriendo a 60 fps, resolución en 4K o ray tracing) y Sucker Punch la aprovecha para que no haya tiempos de carga y añadiendo una mecánica de flashbacks que, si bien anecdótica, da gusto activar. Viajas al pasado al instante.

Además, en PS5 Pro puedes experimentar con el modo exclusivo "Trazado de rayo pro", que habilita los 60 fps (salvo en escenas cinemáticas, que se quedan a 30). Lo cierto es que el poderío visual que enarbola el juego en la consola más potente de la marca es impresionante, consiguiendo que se note bastante la diferencia.

Antes de cerrar este apartado, la otra "decepción" con el mundo es que la historia arranca lanzando una falsa promesa: "cazar a los Seis de Yotei" en el orden que desees (muy a lo Zelda Breath of the Wild), pero esto se diluye al poco y solamente ofrece dos opciones reales.

El combate y progresión de Ghost of Yotei: novedades mecánicas y ajustes precisos

El combate de Ghost of Yotei recoge todo lo que vimos en Tsushima. Es decir, en esencia, tenemos todos los grandes aciertos del primer juego, como ese sistema que invitaba a romper la defensa de los enemigos con la postura adecuada para acabar con ellos con unos pocos golpes.

Sin embargo, Yotei logra ofrecer esa variedad cuerpo a cuerpo que le faltó al primer juego al cambiar las posturas por otras armas. Es decir, ya no solo tenemos la katana, sino que también contamos con la lanza yari, el kusarigama o la inmensa odachi.

Si bien ese sistema piedra-papel-tijera que funcionaba para ganar ventaja sobre las armas de los enemigos es lo mismo, las animaciones de combate (de las nuevas armas), los nuevos movimientos y los árboles de habilidades hacen que se pierda cierta sensación de monotonía.

También se añaden nuevas acciones como ataques que desarman, lanzamiento de armas a distancia o nuevos "juguetitos" como el tanegashima (mosquete de mecha). Esto, unido a los duelos (que ahora podremos compartir con la loba que acompaña a Atsu) actúan como estupendos revulsivos. Probar las nuevas animaciones chiburi (limpiar la sangre) tampoco está nada mal.

No obstante, el combate de Yotei es lo que menos me ha impresionado del juego. Sus bases siguen funcionando a las mil maravillas, pero no habría estado mal ver algo más en este sentido, un esfuerzo creativo equivalente al comentado con el mundo abierto. Al final, algo de repetición sí que se vuelve a acusar.

Por suerte, todo queda atado a una progresión que fluye de una manera mucho más natural y que se entrelaza con la exploración de Ezo. Ahora, los puntos de habilidad se consiguen visitando altares, lo que permite mejorar a Atsu todo lo que quieras siempre que te molestes en recorrer el mapa.

Es decir, hay que progresar en la historia para desbloquear zonas, pero puedes llegar mucho mejor preparado a las misiones y elegir entre una buena cantidad de árboles de habilidades. Puedes escoger dominar todas las armas antes de potenciar tus dotes de sigilo o supervivencia o al revés.

No deja de ser una progresión basada en el desbloqueo de nodos, pero esta también queda acompañada de nuevos desafíos, como que conforme avances, más cazarrecompensas buscarán a nuestra onna-musha o que patrullas de Saito mejor armadas sean más frecuentes en cada zona (y estas cuentan con una chula interacción que es mejor que descubras por tu cuenta).

En resumen, Yotei fomenta que seas tú quien decida cómo quieres jugar con Atsu y da más herramientas para llevarlo a cabo. Un ejemplo, es la posibilidad de contar con varios equipamientos, para crear tus propias builds jugables escogiendo las armaduras y talismanes apropiados.

Ahora ya no hay estar cambiando constantemente y puedes escoger entre varias ranuras personalizables. Esto va de la mano de otro de los puntos positivos del juego, la ingente cantidad de artículos cosméticos para Atsu. Los diseños de las armaduras vuelven a ser impresionantes y no se basan en "numeritos" absurdos como otros juegos con tendencia al RPG.

¿Ghost of Yotei es un juego difícil?

Ghost of Yotei no es un juego necesariamente difícil. Cuanta con cuatro dificultades y habiendo jugado en "Medio" he encontrado un reto asequible con algunos momentos más desafiantes. Especialmente, los duelos son lo más exigente del juego.

El nivel predeterminado está bastante equilibrado, aunque hay algún jefe secundario que supone un pico de dificultad bastante elevado y el zeni-hajiki (el juego de mesa con monedas) no permite errores cuando apuestas alto. Aun así, Yotei no es un juego tedioso y si progresas adecuadamente, podrás superar sus mayores desafíos.

¿Cuánto dura Ghost of Yotei?

He tardado en completar la historia de Ghost of Yotei unas 40 horas, aproximadamente. No obstante, me he dedicado a completar una buena cantidad de actividades y misiones secundarias a la par, por lo que el juego se puede completar en 25 horas si vas solo a por su trama.

No obstante, resulta casi imposible no dejarse llevar por los paisajes. Recomiendo experimentar con todo lo que ofrece el juego en materia de exploración. Todo el contenido de Yotei puede darte cerca de 60 horas de juego, fácilmente.

Precio y ediciones de Ghost of Yotei en PS5

Ghost of Yotei está disponible para PS5 en formato físico y digital con una edición estándar de 79,99 euros a la que se suma una Edición Deluxe por 89,99 euros, que incluye extras como la armadura de la Serpiente, un tinte, caballo y silla de montar, kit de espada, mapas del viajero y un talismán.

Por último, también tenemos una Edición Coleccionista que cuesta 249,99 euros y que incluye extras físicos como la máscara de fantasma, una faja, tsuba, un ginkgo de papel, tarjetas de arte y un juego de monedas de zeni-hajiki con bolsa, junto a los añadidos de la edición de lujo, aunque incomprensiblemente, el juego incluido es en formato digital.

Que el viento de Yotei nos guíe

Me encantó Tsushima y más me ha gustado Yotei. La secuela de Sucker Punch perfecciona muchos de los aciertos vistos en el primer juego y plantea interesantes ideas que hacen que recorrer su evocador mundo abierto sea enormemente placentero.

Hay aspectos que pueden seguir coleando, como algunas animaciones de combate o de los NPC o interacciones "extrañas" fruto de su condición de "sandbox", pero Ghost of Yotei es uno de los mejores mundos abiertos de 2025 y lo que es más importante, se siente diferente al resto de juegos con los que comparte características.

Sucker Punch sigue mejorando a la hora de estructurar mundos y dotarles de un encanto singular. Como en Tsushima, la desarrolladora sigue dividida entre apelar a un público masivo con mecánicas propias de los AAA de mundo abierto más convencionales y experimentar con nuevas fórmulas.

Y es esa segunda rama, la que más atractiva hace a esta historia de venganza. Las nuevas ideas de Yotei en materia de exploración no se aplican a la perfección porque luchan frente a frente con el miedo a no llevar de la mano al jugador, pero es ahí donde hay que seguir incidiendo.

No es tan arriesgado como Hell is Us y su ausencia de mapa, pero Yotei logra hacer que te metas de lleno en su mundo con un gran diseño y una serie de pistas (algo inquisitivas, sí) que aportan distinción al juego. Como el viento que guía a Atsu, Ghost of Yotei marca el camino a seguir.

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Supergiant Games, estudio americano con una trayectoria estelar (Bastion, Transistor, Pyre y Hades), nunca ha hecho DLCs y mucho menos secuelas. Pero este universo de mitología Griega roguelike pedía más. Los jugadores pedían más. Yo, que le metí más de 200 horas en Switch, pedía más.

Así que el estudio, formado por menos de 30 personas, rompió su regla de oro y se lanzó a la aventura de desarrollar una secuela para su juego más exitoso. Una vez más, dando los primeros pasos a través de un acceso anticipado que comenzaba en mayo de 2024.

Algo más de un año después y, tras muchas mejoras y actualizaciones de contenido, la historia de la Princesa del Inframundo está lista para llegar a las manos de todos los mortales. Y nosotros, por supuesto, la recibimos como una bendición de los dioses. ¡En el nombre de Hades! Supergiant, aceptamos este juego.

El análisis de Hades 2 para Nintendo Switch, Nintendo Switch 2 y PC:

• El gameplay de Hades II
• Nivel de dificultad de Hades II
• ¿Cuántas horas de juego dura Hades II?
• Cuánto cuesta Hades II y dónde puedes jugarlo
• La opinión de HobbyConsolas de Hades II
• Nota: lo mejor y lo peor de Hades II

Jugabilidad y gameplay de Hades 2 en Nintendo Switch, Nintendo Switch 2 y PC

Hades II nos pone en el papel de Melínoe, hija de Hades y hermana pequeña de Zagreo, protagonista del primer juego. La Princesa del Inframundo ha pasado toda su vida aprendiendo las artes de la brujería con la ayuda de su maestra, Hécate, y entrenándose para salvar a su familia de las garras de Cronos, Titán del Tiempo y padre de todos los dioses.

Con esta premisa como telón de fondo, Hades II nos plantea lo mismo que su predecesor, pero a la inversa: si en el primer juego el objetivo era ascender; escapar, en este debemos descender; volver a casa. 

Y, para lograrlo, Hades II presenta exactamente la misma estructura de roguelike electrizante que el primero: entramos a una habitación, derrotamos a todos los enemigos en su interior, obtenemos una recompensa que nos permite hacernos más fuertes y pasamos a la siguiente habitación. Así hasta alcanzar el final… o morir en el intento.

Esto es una reducción extrema de lo que ofrece, porque lógicamente es mucho más que eso, pero creo que ilustra bien una de las mayores bondades de Hades II: es un juego inmediato, un chute de dopamina constante que no malgasta ni un segundo de nuestro tiempo y nos seduce con toda clase de trucos para echar otra partida más.

Pero si habéis jugado al primero, todo esto os resultará familiar. Y desde luego no se puede negar que Hades II es continuista; prácticamente todas las mecánicas que introdujo Hades están presentes en la secuela de una forma o de otra. En algunos casos se han rescatado tal cual, en otros se han refinado y en otros presentan grandes diferencias.

Pero de igual manera que la historia avanza cuanto más nos adentramos en las profundidades del Inframundo, Hades II revela sus cartas cuanto más jugamos. O, más bien, sus Arcanos.

Por eso primero tenemos que hablar de la gran protagonista, Melínoe. Como su hermano, es una diosa inmortal, pero también es una bruja versada en todo tipo de hechicerías y maleficios. 

Y esto se refleja a nivel jugable en muchos aspectos, empezando por el combate: la princesa cuenta con una barra de magia para realizar ataques cargados, y su hechizo, en lugar de lanzar piedras de sangre, coloca un círculo sobre el terreno de juego que ralentiza a los enemigos. 

Esta habilidad tiene todo el sentido del mundo, pues el número de enemigos en los encuentros ha aumentado y, con ello, la importancia del control de multitudes. Con esto, y otros cambios como el no poder encadenar dashes, han logrado que el combate de esta secuela tenga un enfoque más técnico, pero no por ello menos frenético o satisfactorio. 

Los miembros de Supergiant explicaban en la serie de documentales de noclip (os la recomiendo encarecidamente si no la habéis visto) que una de sus prioridades en el primer Hades era lograr que los jugadores usasen todas las opciones a su disposición, en lugar de apostarlo todo a un botón. 

Y esa filosofía se puede ver claramente aplicada aquí, pues el juego está diseñado de tal manera que se nos invita a usarlo todo. Por ejemplo, a mí al principio me costó acostumbrarme al sistema de magia, pero cuando te das cuenta de que la barra se recarga después de cada combate, empiezas a sacar partido de los nuevos ataques cargados. 

Al hacerlo, también empiezas a usar los conjuros, unas poderosas habilidades relacionadas con la luna, que sustituyen a las llamadas de los dioses del primer juego. Pese a esto, la opción de apostarlo todo a un botón sigue siendo viable, pero porque al final de eso va Hades: de tener muchas opciones y escoger la que más nos guste.

En lo que a las armas se refiere, Melínoe también cuenta con un variado arsenal que refleja su personalidad. Si Zagreo tenía espadas, lanzas y guanteletes, su hermana tiene varas, antorchas y calaveras llameantes. Todas las armas tienen sus propias mecánicas jugables y, como en el primer Hades, podemos desbloquear aspectos que alteran su apariencia y funcionamiento todavía más.

La brujería de Melínoe también se aprecia en sus métodos para progresar: en Hades II debemos farmear materiales que son necesarios para las fórmulas que cocinamos en un enorme caldero. Y el crecimiento de la diosa va ligado a los Arcanos, una serie de cartas con ilustraciones chulísimas de los personajes de la mitología griega, que actúan como talentos con los que podemos moldear nuestro estilo de juego.

La progresión de Hades II es absolutamente fantástica, porque siempre que terminas una partida, sin importar si acabó en victoria o en derrota, te encuentras con algo nuevo que te invita a quedarte y volver a intentarlo. Y lo mejor de todo es que te invita a intentarlo de otra manera; a utilizar otra arma, a comprar un objeto, a elegir otra bendición o incluso a tomar otra ruta.

Pero al final, como pasaba en el primer juego, el motivo por el que siempre quieres echar otra partida es la historia. Una historia que está tremendamente bien escrita, con diálogos muy trabajados, que van al grano y siempre cuentan algo relevante, interesante o simplemente ingenioso. Nunca sientes que te hacen perder el tiempo con frases banales.

Y esto es aún más meritorio si tenemos en cuenta la titánica cantidad de posibles interacciones. El guion del primer Hades ya era inmenso, pero no quiero ni imaginarme la cantidad de páginas y líneas de diálogo que componen este, porque da la impresión de que el juego siempre tiene en cuenta lo último que has hecho, visto, obtenido o matado para que los personajes con los que te encuentras hagan un comentario al respecto.

Y sí, seguramente todo esto que estoy contando sobre la progresión o la calidad del guion os sonará si habéis jugado al primer Hades, pero porque también era excepcional en estos aspectos. Además, estoy intentando no decir más de la cuenta para no chafarle la sorpresa a quienes llevan más de un año esperando para jugar a la versión 1.0.

Sólo diré que Hades II incluye muchísimas novedades y que corrige los pocos problemas que tenía el primer Hades, es decir: la variedad de escenarios y jefes. Y lo hace dándonos todas aquellas cosas con las que soñábamos después de jugar al primero: desde visitar localizaciones icónicas… hasta conocer a otros dioses y figuras legendarias de la mitología griega. 

Pero siempre bajo el prisma de Supergiant Games, que se han vuelto a marcar una reinterpretación apasionante. La capacidad que tienen para usar de formas inesperadas a personajes muy populares y que al mismo tiempo sigan encajando dentro de los mitos, es digna de estudio.

Además, el haberse centrado tanto en la brujería, un tema que está muy ligado a la mitología griega, le confiere a Hades II muchísima personalidad y le da un toque distintivo respecto al primer juego.

En particular, hay que destacar a la propia Melínoe, cuyo desarrollo como personaje es excepcional. Al empezar a jugar es inevitable echar de menos a Zagreo y su característica rebeldía, pero a medida que la trama avanza y deja de ser una aprendiz de bruja para convertirse en una auténtica mata-titanes, acabas arrodillándote ante la Princesa del Inframundo.

Y hablando de arrodillarse… podéis estar tranquilos porque Hades II conserva esa faceta a lo simulador de citas del primero, permitiéndonos tener romances con otras deidades sin importar su género. Y las escenas que lo acompañan son más horny aún, si cabe.

Y esto me lleva a la dirección artística, que vuelve a ser absolutamente embriagadora. El diseño de los personajes es una maravilla, tanto el de los dioses que repiten (algunos muy cambiados) como el de las nuevas incorporaciones. 

Los retratos que se muestran durante las conversaciones, aun siendo estáticos, tienen un elevadísimo nivel de detalle, así como diferentes efectos visuales que les aportan dinamismo. Y sorprende la enorme variedad de retratos diferentes que tiene Melínoe para reflejar todas sus emociones.

También hay ilustraciones diferentes para acompañar toda clase de momentos, como cuando recibimos una bendición, compramos un objeto o aceptamos un conjuro, y todas deberían estar en un museo. Hades II es un juego donde se respira pasión por el arte, una de esas obras que te inspira con sus imágenes.

¡Y no sólo con sus imágenes! Una vez más, el maestro Darren Korb nos deleita con una banda sonora y un diseño de audio dignos del Olimpo. Como todo en Hades II, las melodías también resultan familiares y, al mismo tiempo, muy diferentes, tirando de sonidos electrónicos y sintetizadores para darle un tono etéreo que casa a la perfección con la temática de esta secuela, pero sin perder las melodías de corte griego-épico ni los momentazos de guitarreo eléctrico en los combates más intensos.

Pero las estrellas de la banda sonora vuelven a ser las canciones cantadas, en las que por supuesto volvemos a escuchar la increíble voz de Ashley Barrett, habitual en todos los trabajos de Supergiant Games. Hay momentos preciosos en este sentido, pero también mola mucho la manera en la que se ha integrado la música en uno de los combates contra jefe. Vais a morir... tarareando canciones.

Sólo le puedo encontrar dos pegas a Hades II. La primera es que los modelos 3D de personajes y enemigos tienen un nivel de detalle bastante bajo, pero lo veo como una forma muy inteligente de gestionar los recursos, pues dado que la cámara siempre se sitúa lejos de la acción, no es algo en lo que reparemos a menudo.

Y la segunda es que, al tratarse de una secuela que se apoya en muchos sentidos sobre su predecesor, se ha perdido parte del impacto. Pero me temo que esto es inevitable o prácticamente inevitable... Además, y como decía al principio, yo, como tanta otra gente, quería más Hades.

¿Es difícil Hades II?

Hades II es un juego desafiante, y hay que entender desde el minuto uno que aquí se viene a morir continuamente. Pero a diferencia de los roguelike, que pueden ser un poco más frustrantes en este aspecto, esto es un roguelite, de manera que podemos mejorar a Melínoe de forma permanente, lo que nos permite llegar cada vez un poco más lejos.

Y aquí es donde entra de nuevo todo lo que comentaba antes sobre la excelente progresión, pues el juego está diseñado de tal forma que, lejos de sentir que hemos perdido el tiempo al fracasar en una partida, siempre nos recompensa de alguna manera para que sintamos que hemos mejorado o que tenemos más posibilidades que antes.

De hecho, llega un punto en el que dominamos el juego de tal manera y tenemos tantas mejoras desbloqueadas, que las victorias empiezan a ser habituales. Por eso, como su predecesor, Hades II incluye un elaborado sistema de Testamentos de la Noche que sirven para aumentar la dificultad de las partidas en distintos aspectos y obtener recompensas únicas.

Dentro de este sistema, lo más interesante (y arriesgado) vuelve a ser la posibilidad de cambiar por completo el set de movimientos de los jefes, transformándolos en enfrentamientos muy diferentes.

¿Cuántas horas dura la historia de Hades II?

Es bastante complicado calcular la duración de un juego como Hades II, pues al final la experiencia varía enormemente en función de cada jugador, su habilidad a los mandos y las decisiones que tome.

Por si sirve de algo, os puedo decir que yo llevo más de 35 horas y acabo de cumplir lo que se podría considerar como los dos objetivos principales del juego... pero la historia está muy lejos de haber terminado y aún me quedan muchísimas cosas relacionadas con la trama principal por hacer.

Y eso sin contar la apabullante cantidad de contenido opcional: la lista de augurios de las Moiras, elementos cosméticos a desbloquear para personalizar las Encrucijadas, mejorar todas las armas y sus aspectos, los nuevos retos de Caos, mejorar al máximo la relación con todos los personajes...

En definitiva, como su predecesor, es un juego con contenido equivalente a cientos de horas. Y lo más importante: es contenido de calidad. Sé que voy a seguir jugando y aun cuando crea que ya lo he visto o hecho todo, van a seguir apareciendo cosas nuevas.

Precio y plataformas disponibles

Hades II se lanza el 25 de septiembre de 2025 para Nintendo Switch, Nintendo Switch 2 y PC por un precio recomendado de 29,99€. En el caso de la versión de PC, si habéis participado en el acceso anticipado, ese mismo día el juego se actualizará a la versión 1.0.

Yo he estado jugando a la versión de Nintendo Switch 2 y va como un tiro: en modo TV corre a 1080p y 120fps, mientras que en modo portátil lo hace a 1080p y 60fps. La versión para la primera Nintendo Switch, por su parte, corre a 720p y 60fps. Y por si os interesa, es posible actualizar a la versión de Switch 2 de forma gratuita.

En cuanto al resto de plataformas, por ahora lo único que sabemos es que Hades II es una exclusiva temporal de Nintendo Switch. Así que todavía no tenemos una fecha, pero está confirmado que tarde o temprano llegará también a PS5 y Xbox Series.

Y si queréis haceros con Hades II en formato físico, vais a tener que esperar un poco más: el juego se pondrá a la venta el 20 de noviembre para Nintendo Switch 2 a un precio de 49,99€. Lo bueno es que ya se ha confirmado que esta edición NO será una de las temidas Game-Key Card e incluirá el juego completo dentro del cartucho.

Muerte a Cronos

Nunca deja de maravillarme que en Supergiant tengan a un equipo capaz de hacer juegos que sobresalen en todos los apartados, porque Hades II tiene una jugabilidad muy satisfactoria a los mandos, un diseño exquisito que debería estar prohibido porque genera adicción, una dirección artística de otro planeta, una banda sonora que es ambrosía para los oídos y un guion digno del mismísimo Homero.

Si Hades cogía todo lo bueno de los anteriores trabajos de Supergiant Games y lo combinaba en un único juego, Hades II coge ese juego y lo golpea con el martillo de Dédalo hasta darle una nueva forma, que resulta familiar, pero también es diferente y está mucho más pulida.

Y sí, es un juego continuista, y eso hace que sea algo menos sorprendente. Pero Hades II tiene un gran equilibrio entre elementos heredados y novedades propias que lo separan de su predecesor. Centrarse en la brujería ha sido todo un acierto, pues gracias a eso Melínoe y su historia tienen personalidad propia.

Pero lo más importantes es que en ningún momento sustituye al primero, que creo que es clave en toda secuela que se precie. De hecho, mientras jugaba, me han entrado muchas ganas de volver al primer Hades, lo cual es testamento de lo bueno que era... y lo buena que es esta secuela.

Pero no tengo Tiempo, maldita sea, no tengo Tiempo... Ojalá poder acabar con Cronos de una vez por todas, porque siento que podría jugar a Hades II todos los días del resto de mi vida sin cansarme.

De eso, y mucho más, vamos a hablar en este análisis de Razer Blackshark V3 Pro para PlayStation que, aunque no son los primeros cascos de esta gama que llegan a consolas (ahí están los Razer Blackshark V2 Pro), sí son los primeros que tienen licencia oficial PlayStation, lo que garantiza su perfecto funcionamiento en PS5 y PS4, en primer lugar, además de PC.

Esas son las plataformas que indica en la caja, pero lo cierto es que gracias a que se pueden conectar de cuatro maneras distintas, algo de lo que hablaré más adelante, también es compatible con Nintendo Switch 2, Nintendo Switch, Xbox Series X|S, Steam Deck, ROG Ally X, móviles, tablets y la práctica totalidad de sistemas que tengas en casa y tengan bluetooth o conector de 3,5 mm.

No obstante, vaya por delante que también existe una versión de los Razer Blackshark V3 Pro para Xbox Series X|S idéntica a la versión de PS5, si bien algunos pequeños detalles cambian (como el color de las costuras). Sobre esta versión no puedo entrar en detalle, dado que no la he probado, por lo que todo lo que se diga en este análisis, puede diferir respecto a la versión de PlayStation.

Respecto a la anterior versión, los cascos Razer Blackshark V3 Pro para PS5 incorporan un montón de mejoras y avances técnicos, como la cancelación de ruido activa o ANC, que ya empezaba a ser una función que debía estar presente en los headsets de gama alta. Pero no nos precipitemos, y empecemos por un vistazo a las características del auricular...

Características generales de Razer Blackshark v3 Pro para PS5

Como siempre, antes de pasar a las pruebas en profundidad, no está de más echar un vistazo a las características generales del auricular, para tener una idea más o menos clara antes de empezar.

• Drivers: Razer TriForce de Biocelulosa de 50 mm
• Frecuencia de respuesta: 12 Hz – 28 kHz
• Impedancia: 32 Ω @ 1kHz
• Sensibilidad: 100dBSPL/mW a 1KHz por HATS

• Tipo: extraíble, micro Razer HyperClear de 12 mm y banda completa
• Frecuencia de respuesta: 100 Hz – 10 kHz
• Ratio de sensibilidad señal-ruido: ≥ 68 dB
• Tasa de muestreo: hasta 48 kHz
• Sensiblilidad: - 42 ± 3 dBV/Pa
• Patrón de captación: Unidireccional 

• Conectividad: receptor wireless USB-C o Bluetooth 5.3, cable USB-C a USB-A y conector de 3,5 mm
• Códec Bluetooth: AAC, SBC
• Sonido Surround: 3D Tempest Audio en PS5 (THX Spatial Audio en Windows 10, Windows Sonic en Xbox)
• Autonomía: hasta 48 en PS5 y Xbox, hasta 70 en PC
• Diámetro del espacio interior del auricular: 66 x 45 mm
• Peso: 367 g.
• Precio: 269,99 €

Estas características generales ya adelantan algunos de los aspectos que más han mejorado respecto a la versión V2 Pro, como los drivers de biocelulosa de 50 mm, el mejorado micro o características como conectividad inalámbrica dual simultánea Bluetooth y 2,4 Ghz, además de ofrecer dos modos de conexión adicionales con cable, algo que el anterior modelo no tenía.

Unboxing de Razer Blackshark v3 Pro para PS5: ¿qué incluye?

El contenido de la caja de Razer Blackshark v3 Pro para PS5 contiene exactamente lo mismo que en la anterior versión que probamos, es decir, todo lo que necesitas para aprovechar el auricular en todos los casos de uso posibles. Como todos los accesorios con licencia oficial PlayStation, la caja es de color azul y blanco, y el auricular está disponible tanto en color negro, como en blanco.

Aparte del auricular, en la caja encontramos el receptor inalámbrico Razer Hyperspeed Gen-2, con el estándar de comunicación de 2,4 Ghz, que se conecta al PC o a las consolas a través del cable USB-A a USB-C incluido en la caja. Como en el V3 de PC que probamos, no se trata de un dongle o pendrive USB, sino un pequeño "ladrillo" con una superficie antideslizante de color azul en la parte inferior.

También se incluye el micrófono extraíble, que viene recogido en una pequeña caja de cartón junto al cable USB-A a USB-C y un cable USB-C a conector de 3,5 mm, que te permitirá conectar el headset gaming con el mandos de Xbox, consolas antiguas, Switch, móviles o cualquier otro dispositivo con conector de auriculares.

En la caja no viene nada más, y por 269,99 euros que cuesta, creo que no habría estado de más incluir algún extra más, como un cable USB-C a USB-C (en el caso de PS5 Pro, los puertos frontales son USB-C), una funda de transporte rígida para guardarlos o un cable USB alargador, por si la consola te queda cerca y necesitas "acercar" el receptor Razer Hyperspeed Gen 2.

Cualquiera de los tres extras no hubieran sobrado, especialmente la funda, ya que se trata de un auricular que suena de muerte para escuchar música y son lo suficientemente discretos (no tienen RGB, el micro es extraíble y no tienen detalles cantosos) como para poder usarlos en la calle.

Razer Blackshark v3 Pro para PS5: diseño, ergonomía y acabados

Como el resto de miembros de esta línea de auriculares, Razer Blackshark v3 Pro para PS5 mantiene el diseño tipo "casco de piloto de helicóptero", en el que ambos auriculares tienen una forma más estilizada y alargada, que resulta menos "esférica", y ofrecen el suficiente espacio interior para que entre cualquier tipo de oreja sin problemas. Los detalles 

Respecto a los V2 Pro, uno de los principales cambios desde el punto de vista de la ergonomía es que ahora cuentan con "bisagras" que permiten rotar a cada auricular unos 30 grados, 15 en cada sentido desde la posición neutral, lo que facilita un mejor ajuste a nuestra cara, y un mejor sellado del ruido exterior, y sin dejar de poder regularlos en altura e inclinación. 

Estos detalles, ayudan a que sea más sencillo encontrar el punto óptimo de comodidad, en conjunción con otros aspectos como la equilibrada forma de repartir el peso (sus 360 gramos se sienten muy ligeros) o el generoso acolchado de su diadema, que hace que no sintamos presión en la parte superior.

La versión de PlayStation tiene las costuras de color azul y detalles como las letras L y R en ese tono (verdes en el modelo de Xbox, y negro en PC), pero mantiene el resto de novedades intactas: almohadillas de espuma viscoelástica con doble sellado (una capa de tejido sobre otra de piel sintética con propiedades de absorción de la humedad) o las tapas extraíbles de cada auricular.

Esto último tiene una doble función, ya que ahora podemos acceder fácilmente a la batería de los cascos (y reemplazarla si se deteriora en unos años) además de poder personalizarlas con vinilos o sustituirlas por otras ya customizadas.

En el resto de características, es un auricular muy parecido estéticamente, y en sensaciones, a los V2 Pro, por lo que si los has probado alguna vez, ya sabes lo que te espera: un auricular muy cómodo que, con unos cuidados mínimos, te va a durar años.

Experiencia de uso de Razer Blackshark v3 Pro: botones, conexiones y qué ha cambiado

En este modelo para PlayStation, la disposición de los botones no ha cambiado, y están repartidos entre los dos auriculares. En el izquierdo encontramos el dial de volumen, un clásico de este modelo, que en esta ocasión llega con la superficie texturizada y giro infinito, aunque "dentado" (notamos pequeños escalones al girar el dial para subir o bajar el volumen, para tener referencias).

En el auricular izquierdo también encontramos el puerto de carga USB-C (que también sirve para enchufar el cable con clavija de 3,5mm incluido), el conector para el micrófono, el botón de encendido y apagado (también texturizado para reconocerlo al tacto) y el botón para mutear el micrófono. También tiene un led indicador de estado (parpadea en azul al emparejar el bluetooth).

En el auricular derecho encontramos una rueda para controlar el "sidetone" o volumen con el que escuchamos nuestra propia voz en el auricular (en otras plataformas, sirve para ajustar el equilibrio entre sonido del juego y chat), además de un botón dedicado para controlar el ANC o la cancelación de ruido, entre encendido, modo ambiente (para que entre el sonido del exterior) y apagado.

El último botón es el llamado SmartSwitch, que nos permite cambiar entre el método de conexión (Hyperspeed Gen 2 o Bluetooth o ambas a la vez) además de cambiar entre las distintas ecualizaciones que vienen en memoria (juego, música, cine, personalizada...). Es una de las cosas muy buenas de este auricular: lo puedes controlar casi por completo desde el propio headset.

Pero si quieres personalizarlo aún más todavía, puedes hacerlo desde la aplicación Razer Audio para móviles, o desde la aplicación de PC o de Xbox (personalmente, creo que es más cómodo en el móvil, sobre todo si estás jugando a la consola delante de la tele, y no te quieres levantar).

Tiene prácticamente las mismas opciones que la aplicación de escritorio, es decir, puedes cambiar la función de la rueda de sidetone (para por ejemplo, subir el nivel de los pasos en los shooters) o ecualizar las 10 bandas del audio y el micro, bien de manera manual o con presets para cada caso. 

Dicho todo esto, Razer Blackshark V3 Pro para PS5 es un auricular tan bien diseñado, que te harás con su manejo muy rápido, gracias a detalles texturizados, y un reparto de los controles bastante equilibrado, y sobre todo, con lógica.

Razer Blackshark v3 Pro para PS5: mejor calidad de sonido, ANC y micrófono imbatible

Para dotar a este auricular de la mejor calidad de sonido posible, Razer ha introducido una serie de novedades, como la ultrabaja latencia de Hyperspeed Gen 2, que sigue sin rival hoy día, que es de 10 ms, lo que garantiza una velocidad sin retardo en las comunicaciones. Y no solo eso: también cogió prestada una de las características estrella de los Razen Kraken v4 Pro, otro gran headset de 2024. 

Me estoy refiriendo a los drivers Triforce de biocelulosa, que en este modelo son de 50 mm, una tecnología que se introdujo en los Barracuda Pro, y que como el titanio de anteriores modelos, es uno de los mejores materiales para transmitir audio a gran velocidad, pero además consiguiendo un sonido más natural, cálido y agradable. 

Esto, junto con la tecnología Triforce, que ya ha sido másque probada en otros modelos del fabricante (y que separa agudos, medios y graves para que ninguna frecuencia tape al resto), vuelve a dejar una calidad de sonido que solo puedo elogiar, porque es espectacular y deja un sonido limpio, nítido y agradable incluso a máximo volumen.

No hay ningún aspecto que flaqueé: las voces son nítidas y naturales; los graves atronan pero sin distorsiones y sin eclipsar a los medios, que junto a los agudos, tienen su espacio, pero sin pecar de estridentes o molestos.Todas las frecuencias están en su sitio y brillan en su justa medida, y por eso el sonido que generan tiene algo "adictivo", porque no te los vas a querer quitar estos cascos.

Y no solo me refiero a los juegos: da igual que los uses para escuchar música y ver series, en todos los casos de uso, junto con la ecualización adecuada (o personalizada), deja un sonido espectacular.

Además, es compatible con el sonido 3D o espacial de PS5, 3D Tempest, y se pueden configurar desde la propia consola, lo que también refuerza la inmersión y puede ayudarte a detectar de dónde vienen las pisadas, los disparos o los enemigos, sobre todo si juegas en competitivo a títulos como Overwatch 2, Call of Duty Black Ops 6 o Marvel Rivals, entre otros.

Para terminar de ofrecer una experiencia puesta al día, y tope de gama, Razer Blackshark v3 Pro cuenta con conectividad inalámbrica dual, es decir, tener dos fuentes de audio a la vez, ya sea el sonido del juego por Razer Hyperspeed Gen 2 y el teléfono móvil por Bluetooth para atender llamadas o conversar a través de apps como como Discord.

Tampoco me olvido del ANC o cancelación de ruido activa, que elimina ruidos que nos rodean fuera del auricular para evitar distracciones. Si bien es un extra de agradecer, lo cierto es que la reducción de ruido del ANC me ha resultado menos contundente que otros cascos que he podido probar, incluidos los Razer Hammerhead Hyperspeed.

No es que no aislen, que sí que lo hacen; es solo que en otros casos que he podido probar, sobre todo de estilo de vida (para escuchar música en la calle), el efecto del ANC es más evidente, se nota más. Pero también es cierto, que en casa no vas a tener el mismo ruido que en la calle, ¿verdad?

He dejado para el final la que para mí es la característica estrella, y más en un headset de este tipo, orientado al juego competitivo, donde la comunicación con el equipo es vital. Y es que el micrófono Razer HyperClear Full Band, que es extraíble, es el salto más importante.

No solo ha crecido en tamaño (12 mm), también ha mejorado su diseño para facilitar una mejor captación de la voz y lo que es la clave de todo: tiene una frecuencia de muestreo de hasta 48 kHz, el triple que un micro de un headset normal.

Este dato quizá no te diga nada, per quiere decir que tu voz se transmite con una calidad de alta fidelidad, mientras que bloquea el ruido de fondo y se centra en tu voz. A día de hoy, es lo más parecido a tener la calidad de un micro de escritorio aplicado a un headset.

La voz resulta mucho más natural, aunque desde la aplicación de Razer Audio puedes configurar el resultado final con distintas ecualizaciones, como esports (favorece la comunicación, con agudos y medios potenciados) o el modo Retransmisión, que da un tono más cálido a la voz, y un toque de calidad propia de estudio.

Al igual que el propio audio, también puedes ajustar el ecualizador de 10 bandas para el micrófono, u así afinar que tu voz suene como más te gusta, aunque no están disponibles otras opciones que sí ofrece Synapse en PC, como activar la normalización (para que nuestra voz suene de manera uniforme, aunque nos dejemos llevar por las pasiones y alcemos la voz). 

Pero vamos, desde el móvil vas a tener lo más importante para poder sacar el máximo de este impresionante micro, que sin duda es uno de sus puntos fuertes...

La opinión de Hobby Consolas de Razer Blackshark V3 Pro en PS5: ¿merece la pena?

Respecto a la versión V2 Pro, hay muchas cosas que han mejorado, desde la propia calidad de sonido  (gracias a los nuevos drivers) o el mejoradísimo micrófono que, insisto, es uno de los grandes protagonistas de Razer Blackshark V3 Pro para PS5.

Y no solo eso: novedades como el ANC, las cuatro formas de poder conectarlo (incluida el emparejamiento doble inalámbrico),sin olvidar las mejoras en ergonomía y acabados, dejan un auricular gaming muy superior al de años anteriores. Eso sí, la autonomía, aunque es más que suficiente, tiene margen de mejora en consola (al menos igualar las 70 horas de PC).

¿Y cuál es su "pero"? Pues, para sorpresa de nadie, el precio. No es que no valga los 269,99 euros que cuesta, solo que es un precio muy alto para la gran mayoría de bolsillos, aunque en su descargo diré que tampoco es el auricular caro: ahí están, por ejemplo, el BeoPlay Portal (que costó 499 euros de lanzamiento) o los más recientes Logitech G Astro A50 X.

Si se escapan de tu presupuesto, siempre puedes optar por los Blackshark V2 Pro versión PlayStation, que están en oferta por 189,99 euros (80 euros menos que este nuevo modelo). O puedes ir a por las otras variantes del nuevo modelo, como la V3 "a secas", sin el Pro, que no tiene drivers de biocelulosa y se quedan en 169,99 euros.

Pero no es menos 269,99 euros no es tampoco ningún disparate para todas las mejoras que ofrecen, especialmente si juegas de manera profesional o competitivo, y vas a sacar partido a todo lo que ofrece. Para mí, están entre los mejores auriculares para PS5, especialmente si juegas online.

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Y, por supuesto, con novedades, tal y como vamos a ver en este análisis de Dying Light: The Beast para PS5, PC y Xbox Series X|S, al que le he podido meter más horas de las que me gustaría reconocer, tras haberos contado qué nos parecieron las tres primeras horas, sufrir un retraso de última hora y un adelanto en su fecha de lanzamiento. 

Así pues, llega la hora de ver si el nuevo juego de Dying Light merece o no la pena y si este DLC, que ha crecido en tamaño (hasta convertirse en un juego independiente) y precio (59,99 euros en PC, 69,99 euros en consola) es digno de tu atención.

Eso sí, dado que es la tercera o cuarta vez que hablamos del juego, habrá detalles la historia por los que pasaré algo más de puntilla, para centrarme más en la jugabilidad, novedades, duración y otros aspectos que pueden resultar más interesantes a estas alturas.

Aclarado esto, vamos con el análisis de Dying Light: The Beast para PS5, PC y Xbox Series X|S (pese al gran port Dying Light Platinum para Nintendo Switch, no hay planes de llevar este nuevo juego a Nintendo Switch 2 por ahora).

• La historia de Dying Light: The Beast
• Parkour, supervivencia, beat'em up, shooter... así es la jugabilidad de Dying Light: The Beast
• ¿Es Dying Light: The Beast un juego difícil?
• La duración de Dying Light: The Beast
• Precio, ediciones y dónde jugar a Dying Light: The Beast
• La opinión de Hobby Consolas de Dying Light: The Beast
• Nota de Dying Light: The Beast, lo mejor y lo peor

Kyle Crane, el arma genética que busca venganza

Dying Light: The Beast hace muchas cosas bien, y una de ellas conseguir que el aterrizaje en el universo del juego sea bastante suave, tanto si conoces la saga como si llegas de nueva a ellas. Eso es, en parte, gracias a un pequeño resumen, completamente opcional, que nos cuenta quién es Kyle Crane y qué hizo en el primer juego. 

Es una buena forma de empezar, ya que ni yo mismo no recordaba algunos detalles (hice el análisis  cuando se lanzó, hace ya 10 años). Al comenzar una nueva partida, es el propio Kyle quien nos cuenta que, tras terminar su primera aventura, fue capturado por un científico llamado "El Barón", y que desde hace más de una década lleva siendo objeto de todo tipo de experimentos.

Hasta que un buen día, el Barón decide deshacerse de él, tras conseguir un nuevo sujeto experimental con el que probar sus maldades. Por suerte, aprovechando un momento de caos, una mujer llamada Olivia ayuda a Kyle a escapar antes de que acaben con él, y juntos comienzan su particular viaje para vengarse de "El Barón".

Eso sí, dado el lamentable estado de Kyle, nuestro primer objetivo será volvernos más poderoso, y rodearnos de más aliados que nos ayuden en esta tarea. El primero de ellos será "la Sheriff" Florence, quien lidera un grupo de supervivientes resguardados en el ayuntamiento de Castor Woods, la nueva zona donde se desarrolla esta aventura, que se inspira en los Alpes suizos y el este europeo.

Es un entorno más agreste, aunque con su casco antiguo y zonas edificadas, pero con mucho espacio natural para que escalemos por paredes rocosas (o corramos por ellas), nos balanceemos por las ramas de los árboles y, en general, para que demos rienda suelta a la legendaria movilidad de Crane.

El segundo, y no menos importante, será acabar con las Quimeras, mutaciones más poderosas que los zombis a los que debemos extraer una muestra de su sangre para inyectárnosla, y así poder desarrollar nuevos poderes de "la bestia", un estado "mutante" que confiere a Kyle una fuerza descomunal, y que será fundamental para poder llegar hasta "El Barón".

En total, nos esperan un total de 8 quimeras y 10 jefes finales, que vienen a protagonizar algunos de los momentos más espectaculares del juego, sin hacer de menos a los clásicos sustos que nos esperan, como abrir un maletero y que nos salga un zombi...

Dentro de este contexto nos espera un desarrollo que resultará familiar para los fans de la saga Dying Light, en tanto en cuanto tendremos que hablar con distintos personajes y realizar diferentes tareas (comprobar por qué hemos dejado de tener agua potable, reestablecer la corriente eléctrica, salvar rehenes...) para que la historia avance.

Eso sí, independientemente de a quien ayudemos, siempre planea la sombra de la duda, y nunca tendremos la certeza absoluta de si nuestros aliados realmente lo son, juegan al despiste o traman algo a nuestras espaldas. ¿Es Olivia de fiar? ¿Y nuestro  primer gran aliado, la Sheriff Florence?

Los diálogos con estos personajes mantienen el mismo tono que anteriores entregas, con posibilidad de elegir entre distintas respuestas, que suben el nivel de calidad del juego gracias un profesionalísimo doblaje al castellano (que además cuenta con una sincronización labial casi perfecta, para hacerlo todavía más flipante).

Eso sí, pese a estas virtudes, la historia da algunos bandazos, algunos diálogos son bastante tontorrones y algunos personajes no terminan de explotar todo su potencial y, aunque muchas tareas secundarias sí resultan atractivas a nivel narrativo, a medida que nos acercamos al final, las misiones de la historia se vuelven algo más tediosas (hay alguna repeticiónde objetivos, por ejemplo).

Parkour, beat'em up, supervivencia, shooter... así es la jugabilidad de Dying Light The Beast

Si conoces la saga Dying Light, en cierto modo te vas a sentir como en casa, porque todas sus señas de identidad siguen aquí presentes, el control es muy parecido (sí, el salto sigue asociado a L1/LB en el mando), pero con ciertas mejoras en todos los apartados. El núcleo duro del juego sigue siendo el de una aventura de acción y supervivencia en un mundo abierto poblado por zombis.

Como en anteriores juegos, este planteamiento general sigue conservando elementos de combate cuerpo a cuerpo (con distintos tipos de arma, como hachas, martillos, guadañas...), parkour para recorrer sus escenarios como queramos (podemos encadenar acciones como correr, agarrarnos a salientes, balancearnos, evitar obstáculos, deslizarnos... etc.) o incluso toques RPG.

Sí, también hay niveles, experiencia, unas estadísticas de defensa y ataque que podemos aumentar consiguiendo mejor equipo (protecciones, botas, accesorios para la cabeza...) y mejorando las armas con las piezas y materiales que rapiñamos en el entorno. Por poder, podemos encontrar planos de nuevas armas y crearlas en bancos de trabajo. Por volver, vuelve hasta el gancho.

Y todo esto sin olvidarse de los efectos climáticos, el desafío adicional de salir a explorar por la noche, cuando hay criaturas más peligrosas, letales y rápidas que nos perseguirán incansablemente, la necesidad de crear zonas seguras donde poder descansar, por ejemplo, cerrando las ventanas y reactivando la electricidad en una casa. O situaciones aleatorias para salvar a algún superviviente.

Esto, a grandes rasgos, ya estaba en anteriores juegos, y aquí vuelve con un mayor refinamiento, como por ejemplo, en el parkour, que introduce algunas nuevas transiciones, aunque sin suponer un salto de gigante. O en el combate, que se siente más "real", con una mejorada sensación de peso y respuesta a los impactos de las armas blancas.

O las zonas que debemos asegurar y que, en casi todos los casos son distintas entre sí, y encierran algún pequeño puzle (como por ejemplo, conectar un cable con una longitud limitada) o encontrar la forma a la que subir a una torre de alta tensión, desde las que, por ejemplo, podemos usar prismáticos para detectar nuevos puntos de interés que aparecerán marcados en el mapa.

Ya era una fórmula muy sólida y divertida, a la que se han añadido algunas cosas nuevas y potenciado otras. Por ejemplo, los vehículos, que debutaron en Dying Light The Following (el gran DLC del primer juego), tienen aquí más peso, ya no solo para recorrer distancia, también para acabar con grandes grupos de zombis que pueden bloquear algunos caminos.

Es un elemento que añade más capas, y así, nos invita a controlar que tenga gasolina en el depósito (podemos rapiñarla de coches abandonados, bidones...), podemos usar el claxón para atraer a enemigos o incluso usarlo como explosivo contra grandes enemigos si ha sufrido bastantes daños. Tiene detalles molones, como que los zombis nos casquen el parabrillas a cabezazos...

El control del vehículo es bastante bueno, menos arcade de lo esperado (varían las sensaciones según la superficie), con posibilidad de cambiar entre una vista en primera y tercera persona. Esta última a menudo resulta más útil para ver mejor la ruta marcada por el GPS y que debemos seguir (se muestra en el asfalto, como en otros juegos de mundo abierto o de conducción).

También se ha revisado el peso de las armas de fuego en el gameplay, y ahora no faltan tiroteos contra otras facciones que pueblan Castor Woods, más allá de los propios zombis. Estos humanos suponen también un desafío extra en el combate cuerpo a cuerpo, ya que bloquearán nuestros ataques, nos obligarán a esquivar y reducirán nuestra barra de estamina más rápido que un zombi.

No está de más recordar que, como en Zelda Breath of the Wild o Tears of the Kingdom, las armas se deterioran con el uso hasta romperse, aunque podemos repararlas un número de veces, y personalizarlas con gadgets que les proporcionan efectos adicionales (fuego, electricidad...).

Además, el arsenal de armas de fuego que tenemos a nuestra disposición es bastante variado, desde pistolas a subfusiles pasando por escopetas, rifles o lanzallamas, sin olvidar los arcos, que permiten un acercamiento más sigiloso cuando la situación lo requiere. Sigue estando presente la opción de desmontarlas para conseguir recursos.

En líneas generales, el componente shooter de Dying Light The Beast ha mejorado mucho respecto a anteriores entregas, y el gunplay no tiene nada que envidiar a otros juegos de naturaleza 100% shooter, como pueda ser Borderlands 4 o la saga Call of Duty, algo que era una asignatura pendiente en la saga de Techland, y que aquí superan con nota.

Pero, quizá, lo que más marca la diferencia en esta ocasión es la nueva habilidad de Kyle Crane para convertirse en "una bestia" (puede ser la del título... ¿o puede ser otra?), que destaca por ser más letal y destructiva, capaz de mutilar de arrancar cabezas, brazos o atravesar cuerpos como si fueran de papel. De primeras, esta habilidad se activa automáticamente al rellenar por completo una barra.

Además, el modo "bestia" cuenta con su propio árbol de habilidades, independiente de las tres ramas de habilidades más humanas que vamos desbloqueando con los puntos obtenidos al subir de nivel. En estos siguen habilidades clásicas como la infame y superútil patada voladora o saltar sobre la cabeza de los zombis, junto a otras nuevas, como conducir gastando menos gasolina. 

En el caso de las habilidades del modo bestia, solo conseguimos los "puntos bestia" para desbloquearlas derrotando a las quimeras, que sin ningún tipo de duda son los momentos más espectaculares de Dying Light The Beast. Es una manera de enlazar dos de las novedades de peso de esta entrega y, aunque funciona bien, lo cierto es que la progresión se siente algo lineal.

Como tal, no hay demasiada libertad para elegir qué habilidad "bestia" queremos aprender primero (lanzar objetos pesados, esprint con carga, supersalto...) y, como mucho, podemos elegir entre dos distintas. Algunas, como poder activar la transformación a bestia de manera manual no están disponibles al principio de la aventura.

No contentos con esto, Techland también ha modificado otros aspectos, como la dificultad de nuestras incursiones por la noche, en las que ganamos el doble de experiencia. Los coléricos ahora son más implicables, las persecuciones más intensas y hay mayor densidad de enemigos para que el desafío sea mayor. Es algo sobre lo que hablaré un poco más abajo, en la dificultad...

En líneas generales, se puede decir que, si conoces la saga Dying Light, el gameplay te va a resultar familiar, con un nivel de pulimento superior en muchas áreas (animaciones, nuevas variantes de enemigos...), además de novedades. No inventa la rueda ni supone un salto exponencial, pero si mejora la experiencia general, sobre con armas de fuego (y la bestia, que es lo más nuevo de todo).

Eso sí, tampoco esperes un juego perfecto. Mientras jugaba con el parche lanzado el día 15 de septiembre, he encontrado algunos fallos, como objetos que sueltan los enemigos y no puedes recoger o cuya física rompe todas las leyes universales, algo de clipping...), pero en general nada grave. 

También me he topado con alguna brusquedad de control al trepar o movernos por cornisas (si giras la cámara, por ejemplo, Kyle deja de avanzar). Pero, en general, son minucias. Y ya sabemos que Techland dará soporte al juego durante mucho tiempo hasta dejarlo niquelado.

Además, no todo son críticas: en PC el juego se mueve y ve de escándalo (es donde he jugado para este análisis de Dying Light: The Beast, con una RTX 5080 y no he tenido problemas de rendimiento, ni petardeos, ni nada grave. El juego, al menos con mi configuración, va bastante suelto (es la que usamos en la mayoría de nuestros análisis, como el de Stellar Blade). 

Y tampoco me puedo olvidar de detalles que terminan de redondear una gran aventura, como las 4 horas de música de Olivier Deriviere, entre las que es posible encontrar algunos temas que clavan a la perfección la atmósfera del juego.

La dificultad de Dying Light: The Beast a examen

Si te preguntas si Dying Light The Beast es un juego difícil, la respuesta es sí y no. Morir, vas a morir unas cuantas veces, o al menos es muy probable. En este sentido, el juego recomienda el nivel mínimo con el que deberías empezar las misiones y tareas secundarias, pero incluso así, puede no ser suficiente a veces (bien por el equipo que llevamos, las armas...). Pero hay más.

Por ejemplo, si los enemigos son humanos, forcejear con ellos te dejará sin estamina más rápido, y si van en grupo, quizá te den la paliza de tu vida (tienes que cambiar la estrategia); puede que una zona infectados se complique si se aglutinan zombis de distintos tipos (veloces, jefes, escupidores de ácido...) y acaben contigo rápido, ya que la sanación con vendas sigue siendo lenta.

Por poder, puede que empieces una misión de día y acabe haciéndose de noche, y complicarse todo todavía más y morir a manos de coléricos cuando estabas intentando llegar a una zona segura. 

Son solo algunos ejemplos, pero lo cierto es que en Dying Light The Beast tiene momentos en los que el sigilo y la planificación tiene más peso del que parece, y es mejor ir lento pero seguro. Pero aun así, algo puede irse de madre y complicar las cosas, y acabar mordiendo el polvo por algunas de estas razones.

A pesar de todo esto, la dificultad puede suavizarse, en cierta medida, jugando en cooperativo online con tres amigos más, que ha sido una de las claves de la saga desde sus orígenes. Incluso hay una opción en el menú para pedir ayuda si no tienes amigos a mano. Esto, a su vez, también está ligado a la duración en cierto modo...

¿Cuánto dura Dying Light The Beast?

Aunque Techland ha dicho que la campaña puede durar 20 horas, lo cierto es que a mí me ha durado bastante más... y eso sin completarlo al 100%. Puede deberse a mi forma de jugar y a que he jugado en solitario (desconozco si la estimación de Techland es jugando en cooperativo) o debido otros factores... pero no soy alguien nuevo en la saga.

El primero de estos factores puede ser que, cada vez que morimos, ganamos menos experiencia en la tarea que tengamos en curso, algo que ligado a la mayor dificultad de las excursiones nocturnas, hace que subir de nivel resulte algo más lento y nos obligue a llevar a cabo más tareas secundarias, para ganar más experiencia o conseguir mejor equipo.

Pueden ser misiones secundarias para personajes (como encontrar al padre con Alzheimer de un NPC, localizar a equipos de comandos desaparecidos), adentrarnos en edificios oscuros para conseguir mejores protecciones, recuperar equipamiento de convoyes militares... o simplemente porque veas una ventana y te cueles para rapiñar todos los recursos, porque los vas a necesitar. 

Es decir, te puedes entretener con sus muchas oportunidades, bien por necesidad, bien por puro entretenimiento. Es el caso, por ejemplo, de las zonas seguras, que en esta ocasión aparte de casas o edificios hay una suerte de torres de guardabosques (al estilo de las de radio de Far Cry 5) y cada una viene a ser como un puzle en sí mismo, que empieza con su propio ascenso.

Por todo esto, y porque las misiones tienen un nivel mínimo recomendado (ir por debajo puede complicarlas en exceso), puede que tu avance sea más lento y la campaña te lleve más de 20 horas. Y eso sin contar con las misiones secundarias, las incursiones en zonas oscuras y el resto de tareas opcionales, como las carreras de parkour.

Y luego están todos los coleccionables, que tampoco es moco de pavo: encontrar documentos y grabaciones, coleccionables como figuras de la mascota de Castor Woods, mapas con búsquedas del tesoro... la cantidad de coleccionables para conseguir el 100% del juego es elevada, y muchas veces no tendremos ningún tipo de ayuda para localizarlos.

Vamos, que poniéndonos en el mejor de los escenarios, que seas un hacha y la campaña te dure 20 horas (que de primeras lo veo complicado), sumar todo lo opcional puede dejarte como mínimo 40-50 horas de juego, aunque en una primera partida, sin conocer el mapa (que es más pequeño que el de Dying Light 2, pero tampoco es enano), creo que puede llevarte bastante más.

Precio, ediciones y dónde jugar a Dying Light: The Beast

Dying Light The Beast está disponible en formato digital en PS5 y Xbox Series X|S por 69,99 y en PC por 59,99 euros. En estos momentos, Techland no tiene previstas ediciones físicas, aunque la puerta no está cerrada del todo.

También existe una edición Deluxe digital para las tres plataformas, que cuesta 10 euros más (69,99 en PC, 79,99 en consolas), que añade todo tipo de contenido digital, desde un set de equipamiento para el juego a la banda sonora digital, un mapa para el juego y un lote de fondos de pantalla.

 La opinión de Hobby Consolas de Dying Light: The Beast

La historia del videojuego nos ha dejado ya varios títulos que nacieron como un DLC y crecieron lo suficiente como para convertirse en un juego independiente. Dying Light The Beast es uno de ellos, y uno de los mejores ejemplos en muchos sentidos.

Sin reinventar la rueda, ni alejarse una barbaridad de anteriores propuestas de la saga, The Beast introduce las suficientes novedades y el refinamiento de sus ideas como para justificarse como una entrega independiente de calidad. Pese a que Techland ha mandado siempre el mensaje de ser una experiencia más "compacta", el mapa no es pequeño, y tiene gran densidad de cosas para hacer.

No sabría decir si es la mejor experiencia de zombis en mundo abierto, pero sí que es un gran juego dentro de la saga y otro ejemplo más del buenhacer de Techland, en muchos sentidos. En esta ocasión, no han creado un "mamut" como Dying Light 2, sino una experiencia más concentrada, que funciona en casi todo lo que propone.

Se le puede reprochar que la historia es un poco tontorrona y a veces previsible, que los personajes dan vaivenes o que tiene algunos fallitos, pero cuando coges el mando y empiezas a reventar zombis, comienza la diversión y te olvidas de todos los aspectos mejorables. Y cuando te conviertes en bestia, todavía más. 

Y todo, sin olvidar el compromiso de Techland con la comunidad, que ha mantenido su palabra y no va a cobrar ni un céntimo a quienes compraron la edición Ultimate de Dying Light 2, cuando The Beast era solo un DLC. Sin duda, otra muestra más de su gran trabajo.

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Como vamos a ver en este análisis de Sabre V2 Pro, el nuevo ratón ultraligero de Corsair, muchas cosas han cambiado desde que el Sabre original vio la luz en 2014, y desde entonces, hemos visto versiones otras versiones, como la Pro, pero siempre apuntando al segmento de los ratones ultraligeros.

Hablamos de un nuevo ratón ultraligero, sin diseño de panel de abeja (o lo que es lo mismo, sin perforaciones en el chasis), que solo pesa 36 gramos e incorpora otras novedades, como la posibilidad de configurarlo a través de navegadores web, sin necesidad de instalar en el PC ningún app o programa.

No son sus únicos atractivos: batería con autonomía para un máximo de 70 horas, Hyper-Polling de hasta 8000Hz o el sensor Marksman S, con un DPI máximo de 33.000, cubren muchas de las necesidades para jugar al máximo nivel y, además, manteniendo un precio competitivo: 109 euros.

Pero no me quiero precipitar. Vamos a ver qué ofrece Corsair Sabre V2 Pro, y si merece o no la pena, desde distintos ángulos.

Unboxing de Corsair Sabre V2 Pro: un vistazo a su diseño y ergonomía

La presentación de Sabre V2 Pro sigue la línea de otros productos de Corsair, con una caja bitono (amarillo y negro), de un tamaño relativamente pequeño, pero más que suficiente para albergar el ratón y todos sus accesorios.

Entre ellos está el receptor de 2,4 Ghz, que destaca por tener un diseño con un pequeño clip para sujetarlo, por ejemplo, a una alfombrilla gaming, y que así quede todavía más cerca del ratón. 

También incluye un cable USB-A a USB-C, recambios para los patines inferiores (del llamado UPE o Polietileno de peso molecular ultraalto) y adhesivos para mejorar el agarre o sujeción del ratón.

Nada más abrir la caja, lo primero que llama la atención y sacar el ratón es su liviano peso. Los 36 gramos, de primeras, hacen que parezca una maqueta o un ratón de juguete, de broma, de mentira. Así de ligero se siente. Pero nada más lejos de la realidad, es completamente funcional y "de verdad".

Pero que no te engañe su peso: la construcción es robusta y no transmite sensación de fragilidad... aunque tampoco me he atrevido a estrujarlo para comprobar su resistencia. No sé si aguantará la furia de alguien que no se controle cuando pierde, pero con un uso normal, el ratón debería durar años.

Su acabado mate, en color negro o blanco a elegir (y para ir a juego con otros accesorios del fabricante, como el reciente Corsair Void Wireless V2), también resulta bastante efectivo para repeler las huellas. Después de varios días de uso, está como si lo acabara de sacar de la caja.

Tiene un diseño simétrico, si bien los ratones laterales solo están en la parte izquierda, por lo que que quizá sea óptimo para diestros. Cuenta con 5 botones, todos ellos programables a través de Corsair Web Hub (la nueva herramienta para configurarlo, de la que hablaré más adelante), además de un interruptor para encenderlo o apagarlo en la parte inferior.

Lo único que he echado en falta es que no tiene un botón DPI para cambiar entre los distintos ajustes o saltos del sensor, aunque una combinación de pulsaciones (en concreto, pulsación larga del botón derecho, más el botón "atrás" del lateral), te permitirán pasar al siguiente escalón de DPI. No es lo óptimo, pero viene bien por si no quieres entrar en la suite de configuración para cambiarlo.

Desde el punto de vista de la ergonomía, Corsair Sabre V2 Pro es un ratón muy cómodo, y que podemos desplazar a la velocidad del rayo (50G de aceleración y 750 ips de velocidad de seguimiento), gracias también a la combinación de su ligero peso y su sensor que, aunque no llega a los topes de DPI de otros ratones gaming, es más que suficiente para competir al máximo nivel.

Las novedades técnicas y la experiencia de uso de Sabre V2 Pro

Como decía, lo he estado usando mientras realizaba el análisis de Dying Light The Beast (que tiene un componente shooter más marcado), así como en juegos de carácter más competitivo, como Marvel Rivals, Owerwatch 2 o Fortnite, y en todos los casos ha cumplido con nota. Como otros ratones ultraligeros, desplazarlo requiere menos esfuerzo y alcanza mayores velocidades al moverlo.

La experiencia de uso viene avalada por jugadores profesionales, como en otros muchos accesorios gaming, que se han encargado de asesorar a los ingenieros de Corsair y testear el producto para conseguir el toque diferencial que persiguen este tipo de accesorios. 

Y lo cierto es que en todo cumple: precisión, velocidad, comodidad... gracias en parte a mejoras como el sensor Marksman S de 33.000 DPI (con una tasa de precisión de resolución del 99,7%), que podemos configurar con los saltos de DPI que más se acomoden al juego en cuestión o nuestra forma de jugar.  Puede que poner el último salto en los 33.000 DPI no sea algo para todo el mundo...

En esta agilidad también tienen su parte los botones principales, con switches mecatáctiles personalizados por Corsair, que apenas tienen recorrido y la pulsación se realiza a la velocidad del rayo. Además, tienen una vida estimada de hasta 100 millones de clics, por lo que tendrás ratón para rato. Tampoco son extremadamente ruidosos.

Por su parte, el Hyper-Polling de 8.000 Hz consigue que la comunicación entre receptor y ratón no tenga saltos o interrupciones y sea fluida y constante, con una latencia media que ronda los 0,22 ms (con cable) y de 0,43 (de manera inalámbrica). Lo mejor de todo es que la latencia es bastante estable incluso con Hyper-Polling de 1.000 Hz (0,23 ms con cable y 0,74 de manera inalámbrica).

Esto también tiene un efecto inmediato en la batería: su autonomía es de 70 horas si jugamos con el Hyper-Polling de 1.000 Hz. Si optamos por los 8.000 Hz, la batería nos durará 16 horas. Tampoco tiene luces RGB ni ningún otro tipo de elemento que pueda afectar a su batería. 

La única luz que hay, es un indicador de color alrededor de la rueda, y que nos permite reconocer en qué salto de DPI nos encontramos. Por último, solo tiene un perfil en memoria, en el que puedes guardar todos los cambios que realices a través del software.

Las opciones para personalizar el Corsair Sabre V2 Pro

Como he comentado antes, hay dos opciones para personalizar el ratón, una es de "hardware" y otra de software. La de hardware viene por un juego de patines más grande, diseñado para controlar mejor el deslizamiento, mientras que los adhesivos para los botones y los laterales añaden un plus de rugosidad para mejorar el agarre, sobre todo si eres propenso a que las manos te suden. 

Son recambios totalmente opcionales, y tal cual viene en la caja, el Corsair Sabre V2 Pro es perfectamente funcional, no necesita nada de esto, y es más una cuestión de gustos que otra cosa.

Luego está el software, el Corsair Web Hub, una página web que detecta el accesorio que tenemos conectado y nos permite configurarlo como si tuviéramos una aplicación instalada. Aquí, tras dar acceso al dispositivo, las opciones son las habituales: configurar el DPI, programar la función de cada botón (incluidas macros, teclas del teclado, teclas multimedia, atajos de Windows, etc.).

De hecho, un apartado de Corsair Web Hub está dedicado a gestionar las macros que guardemos (a las que podemos meterle retraso en la ejecución, pulsar los botones que queramos, etc.).

Por último, cuenta con una barra de estado que nos permite ver el estado de la batería, cambiar la tasa de Hyper-Polling, ver si tenemos alguna actualización para el ratón o devolverlo al estado de fábrica si queremos quitar todos los ajustes personalizados.

En líneas generales, son una serie de ajustes comunes, no hay nada especialmente revolucionario... pero lo cierto es que el ratón tampoco ofrece muchas más opciones en otras áreas (al no tener luz RGB, no hay opciones a tal efecto).

La opinión de Hobby Consolas de Corsair Sabre V2 Pro

Muchos ratones de gama alta rondan los 50+ gramos, y en el caso de Sabre V2 Pro me ha sorprendido para bien con su extremadamente liviano peso y lo ágil y veloz que resulta mover el ratón sin perder la precisión en ningún momento. 

Los botones también responden a la velocidad de la luz y, en general, cumple con el objetivo de darte la ventaja competitiva que muchos jugadores profesionales buscan antes de saltar al terreno de juego.

Para los mortales que jugamos a un nivel menos profesional o competitivo, Sabre V2 Pro logra resultar también muy atractivo, empezando por su precio, 109 euros y por aspectos como que, jugando con el Hyper-Polling a 1.000 Hz, tiene una buenísima autonomía con una latencia baja, y sin dejar de olvidar su bajo peso.

Porque esa es, al final, una de las principales fortalezas de este ratón: esos 36 gramos van a ser un arma de destrucción en las manos de los jugadores más competitivos, aunque no jueguen a nivel profesional.

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Llevo jugando con el DLC desde el momento que se lanzó, y lo cierto es que me ha causado sensaciones encontradas. Tras disfrutar muchísimo del juego base (ha sido mi juego de las vacaciones, y no he parado hasta reventarlo), con DLC he sentido cierta fatiga pronto. Y os lo cuento en este análisis de Donkey Kong Bananza: Isla de DK + Caza de esmeraldas.

Si os perdistéis el anuncio de ayer, este DLC, a grandes rasgos, se compone de dos elementos. Por un lado, la Isla de DK, que es un nuevo nivel (o estrato), que se une a la lista de escenarios disponibles. 

De hecho, una vez descargado el juego, el contenido no aparece por ningún lado hasta que no cargas tu partida y vas a un portal de teletransporte. Ahí te dirán que Void Kong, el villano del primer juego, ha ido a la isla de DK,  y ya podrás visitar el nuevo nivel.

El segundo componente es el modo Caza de esmeraldas, que es un roguelite "al estilo Nintendo". No esperes algo como Dead Cells, Hades o Rogue Legacy 2. Aquí el objetivo es recoger el mayor número posible de esmeraldas a lo largo de 6 o 10 rondas. Gemas que, todo sea dicho, sustituyen al oro o incluso a las gemas de banandio. 

Pero no me quiero precipitar: vamos a ver en profundidad qué suponen estos dos elementos del DLC, y sobre todo, si su suma responde a una pregunta: ¿merece la pena el DLC Isla de DK + Caza de Esmeraldas de Donkey Kong Bananza?

En la Isla de DK, "o donde no pasa casi ná"

El nuevo nivel es, sin ningún tipo de dudas, un guiño a los jugadores veteranos de la saga Donkey Kong. A grandes rasgos es una recreación 3D del mapa general que vimos en Donkey Kong Country de SNES, con rincones y elementos que remiten a niveles concretos, como el recordado primer nivel del juego o el barco pirata de King K. Rool, entre otros.

No contentos con eso, hay guiños por todas partes: podemos interactuar con Rambi para que traiga a  Grumpy Kong, Diddy y Dixie Kong y "posen" para una foto; está presente el loro Squawks, los bongos de GameCube.... y más detalles que será mejor que descubráis por vosotros mismos.

Es un nivel que podemos explorar libremente, recoger pepitas de oro, hablar con fractonos para que construyan tirolinas que nos permitan para viajar rápidamente a otras partes del mapa, usar su sistema de vías con vagonetas... pero no esperes recoger gemas de banandio o fósiles, porque no hay nada de eso. Y es por eso, que este primer elemento se siente algo vacío.

Lo único que hay son niveles bonus para recoger oro. Y bueno, una tienda donde Squawqs nos cambia nuestros chips por estatuas, que va depositando por todas partes del escenario. Entre estas estatuas hay enemigos (comunes y finales), personajes principales... Cada estatua cuesta 100 chips, y no puedes elegirlas.

Más allá de ver cómo puedes alcanzar la isla más alta (algo que a estas alturas, tras terminar el juego, no lleva ni 5 minutos), descubrirás un fractono que parece un plátano y que habla un idioma "raro", y que, según parece, nos dará pepitas de oro si realizamos los movimientos o acciones que nos pide.

Pero como digo, más allá de esto, la sensación que queda es que la isla de DK es un nivel desaprovechado, dejando a un lado la nostalgia y los guiños a juegos de épocas pasadas, con más bien poco que hacer.

La caza de esmeraldas, un roguelite... ¿muy mono?

El otro elemento del DLC es Caza de esmeraldas, el modo roguelite. Para iniciar una partida a este modo, basta con acercarnos a Void Kong en la Isla DK. Así, tras una breve charla, nos convertiremos en un trabajador suyo que debe recoger gemas de esmeralda. 

De primeras, solo está disponible la isla DK, pero según vayamos jugando, desbloquearemos otros estratos (10 en total). No están todos disponibles (por ejemplo, Isla Lingote, El Núcleo...), pero no es menos cierto que Nintendo prepara eventos y el propio menú del juego indica la versión del DLC, por lo que es de suponer que recibirá actualizaciones y más contenido.

Este modo cuenta con tres niveles de dificultad, que se diferencian por la cantidad de rondas que tenemos que superar (6 o 10), además de la cantidad de gemas que tenemos que entregar a Void en cada ronda, que va en aumento a mayor dificultad. Así, en el nivel más bajo, empezamos entregando 50 gemas en la ronda 1, 150 gemas en la ronda 2...

Al ponernos el casco de Void Co. perdemos nuestras habilidades, y todo se vuelve más "verde", pero no en el sentido picante: aquí sí aparecen fósiles (de color verde), así como chips (también de color verde) y plátanos. 

Rompiendo lo que antes eran las betas de oro y otros objetos de los entornos, conseguimos las ansiadas gemas de esmeralda que debemos entregar, aunque no es el único modo de obtenerlas.

Por ejemplo, Void Kong también nos irá poniendo tareas secundarias, como derrotar a un tipo de enemigo, tocar un punto de control o romper una beta especial de esmeralda, con las que también conseguimos  gemas.

Si rompemos plátanos, además de gemas recuperaremos alguna habilidad (como la hipnósis de la bananza serpiente) y "modificadores" que vienen a ser bufos o mejoras de todo tipo,  desde multiplicadores de gemas, ya sea por cumplir los encargos de Void o por derrotar a un tipo de enemigo (o hacerlo con toda la salud), o recuperar corazones, etc.

Así pues, en estas rondas de 100 segundos debemos intentar amasar la mayor cantidad de gemas, usar los chips para mejorar de nuevo nuestras habilidades y bananzas (sí, el sonar para encontrar los secretos, el daño que realizamos con nuestros golpes...), cumplir tareas de Void y elegir de manera estratégica los modificadores y ventajas que vamos queriendo.

Superadas las seis rondas, dependiendo de nuestra actuación, seremos evaluados y recibiremos una serie de puntos, con los que iremos desbloqueando sets con más mejoras, prendas de ropa, discos de música, además de ir desbloqueando otros estratos por los que ya hemos pasado en la aventura (aunque no todas están disponibles). Hay bastantes desbloqueables que no aparecen de primeras...

La opinión de Hobby Consolas de Isla DK + Caza de esmeraldas, el DLC de Donkey Kong Bananza

Como decía al principio, tengo sentimientos encontrados con el DLC Isla de DK + Caza de esmeraldas. Igual que me lo he pasado en grande con la campaña y Donkey Kong Bananza es uno de mis GOTYs de 2025, con permiso de Hollow Knight Silksong y Clair Obscur: Expedition 33, con el DLC he empezado a sentir cierta sensación de agotamiento.

Quizá porque pone el foco en la parte menos excitante, acumular oro (que bueno, aquí son gemas de esmeralda, pero como si lo hubieran querido llamar gotas de azufre) y todo gira, además, en la repetición de niveles que ya hemos visto, y conseguir de nuevo las mismas habilidades, Si hubiera más contenido nuevo, quizá la sensación sería distinta.

En esto también influye el precio, 19,99 euros, que me parece bastante elevado, y ni siquiera sin hacer referencia a Silksong, que cuesta lo mismo. Hablamos de un DLC que llega apenas dos meses después del lanzamiento y en tan breve espacio de tiempo, resulta inevitable pensar que se trata de una parte eliminada del juego base.

Esa o no así, es solo mi opinión. Si estás muy metido en Roguelikes, quizá le encuentres el punto a esta fórmula en el universo Donkey Kong, que a mí me ha parecido una forma bastante simple de volver a repetir los mismos niveles, de otra manera distinta. 

Yo, desde luego, hubiera preferido una Isla de DK con más cosas por hacer, y a un precio más ajustado. De hecho, hasta la Switch 2 Edition de Kirby y la Tierra Olvidada ofrece más contenido nuevo, y cuesta lo mismo...

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Tras más de seis años de lenta agonía, Hornet ha llegado a PS5, PS4, Nintendo Switch 2, Switch, Xbox Series X|S, Xbox One y PC para hacernos vivir una aventura de una calidad superlativa; tanta, que me resulta complejo plasmarlo en este análisis de Hollow Knight Silksong.

Jamás me había enfrentado un juego tan desafiante, minucioso y completo. Al igual que las Tejedoras, Team Cherry ha hilado tan extremadamente fino, que parece inverosímil que un juego de esta calidad esté confeccionado por un puñado de personas.

Y por eso, al principio, recelé. La leyenda de Hollow Knight y las gigantescas expectativas levantadas en torno a la secuela me alejaban de pensar que el viaje al reino de Telalejana fuera capaz de ser tan excelso. Durante las primeras horas, me negué a aceptarlo.

Todo el mundo ha estado hablando del juego. ¿Se le ha sobrevalorado debido a su mediático y anhelado lanzamiento? Una parte de mí deseaba dar con sus errores y decir: "no es tan bueno". Pero esa idea aguantó hasta las diez horas de juego... Lo que he vivido con Silksong no lo olvidaré nunca.

Silksong es colosal y va más allá del "más y mejor" de cualquier secuela. Vamos con el análisis de Hollow Knight Silksong para PS5, PS4, Nintendo Switch 2, Switch, Xbox Series X|S, Xbox One y PC... Como dicen los habitantes del nuevo reino: "Hay mucha tela que cortar".

• Hollow Knight Silksong: un nuevo referente para el videojuego
• La dificultad de Hollow Knight Silksong: un desafío "imposible" que disfrutar con una sonrisa
• La duración de Hollow Knight Silksong: el final es solo el principio
• El precio y plataformas de Hollow Knight Silksong: otra prueba de que hay esperanza
• La opinión de Hobby Consolas sobre Hollow Knight Silksong
• Nota: lo mejor y lo peor de Hollow Knight Silksong

Análisis de Hollow Knight Silksong: jugabilidad, historia, diseño y apartado artístico

En los últimos años, hemos tenido grandes metroidvanias. Metroid Dread o Prince of Persia: The Lost Crown han sido excelentes entradas para este género que no ha hecho más que expandirse. Sin embargo, ninguno ha llegado al nivel de iconicidad de Hollow Knight.

Y jugar a Silksong vuelve a dejar claro por qué. Team Cherry ha recogido todos los aciertos de su primer juego para expandirlos y demostrar que era posible ofrecer una experiencia aún más completa que la vivida en el reino de Hallownest.

Silksong es una aventura muy continuista en lo conceptual, así que conserva esa seña de identidad única que lo separa de otros juegos. Absolutamente todo en esta obra tiene su razón de ser, su explicación y una justificación que enlaza jugabilidad, narrativa y diseño de arte.

Que el mapa sea tan intrincado, con angostas salas y cavernas que crecen a lo largo y ancho, se relaciona con el concepto de nido de bichos. Y que los ataques se realicen de forma rápida, con utensilios pequeños y afilados, se vincula con el aguijón de cantidad de especies de insectos.

El camino del peregrino

Como esos hay decenas de ejemplos, pero Silksong lleva esas conexiones un poco más lejos. Empezando por la translúcida narrativa que se va tejiendo poco a poco, otro relato melancólico, con Hornet siendo secuestrada por un extraño culto que la traslada al reino de Telalejana.

Este dominio cuenta con su propia iconografía. Una maldición de seda atrapa a los bichos en sus hilos hasta quitarles la cordura. Sin embargo, esa misma seda es la causa del peregrinaje de muchos hacia el foco del problema, una misteriosa Ciudadela.

Hornet también iniciará ese camino, pero intenciones que nada tienen que ver con la fe. Nuestra particular Marco Polo (por lo de la ruta de la seda, ejem, ejem) se fortalecerá y descubrirá la situación de un reino en absoluta decadencia, mientras temas más profundos se dibujan en el fondo. 

Como ves, Silksong no innova en este apartado, pero hay una diferencia. El caballerito de Hollow Knight era mudo y Hornet, no. Ella se relaciona con los demás personajes con fluidez, lo que permite explotar su dura personalidad y su infinito carisma. 

Dialogar da al relato una forma más tangible que estimula constantemente al jugador. Primero porque la historia es más clara y segundo porque las motivaciones de Hornet son mucho más potentes que el cascarón vacío que era el anterior protagonista.

A todo esto, se le suma un compendio de personajes secundarios absolutamente encantador, capaces de "robar el show" en su primera aparición (sí, hablo de ti Sherma). Y gracias a ellos es por lo que Silksong explota respecto a su predecesor.

La estructura metroidvania se caracteriza por tener un mapeado enorme que se explora de forma no lineal. Ganar un poder te lleva a volver sobre tus pasos y acceder una zona a la que antes no podías llegar. Todos y todas tenemos claro que Hollow Knight hacía esto mejor que nadie.

Silksong continúa por esa senda, pero potenciando algo que en el primer juego era un exoesquelto. Silksong hace que vuelvas para ver cómo crecen los personajes que has ido dejando atrás. Hay historias increíbles que discurren en paralelo a la trama de ascensión principal.

Es una locura como Team Cherry ha entrelazado historias en esta ocasión (mucho mejor con su opera prima) y lo bueno es que muchas se desarrollan a base de pura curiosidad. Charlando con amigos y compañeros he descubierto que mi partida ha sido muy distinta. Eso, es lo que separa a Silksong del resto de metroidvanias.

Un gameplay tan afilado como una aguja

Más con todo, Silksong también lleva hasta el extremo refinamiento el plano jugable. Lo mucho que se consiguió en el pasado con controles tan sencillos, ahora avanza hasta dejar casi hacer que Hollow Knight parezca una demo técnica.

Hornet es una cazadora, una hábil asesina y eso se refleja en un gameplay veloz, letal y extremadamente preciso (todo tiene una justificación, recuerda). Entrenada hasta la saciedad, nuestra heroína es muchísmo más poderosa que el caballero.

Y por ello, Silksong potencia los movimientos de Hornet. Puedes correr y aprovechar esa inercia para saltar más lejos, puedes usar tu aguja para llegar a distantes paredes y puedes auparte a los salientes para alcanzar lugares aparentemente inaccesibles.

En combate, el esquema es similar al primer juego, pero se le añaden herramientas, objetos absolutamente imprescindibles que hay que acostumbrarse a usar por el bien de tu salud mental. Con ellas, las batallas experimentan una mayor crecimiento.

Y Team Cherry se saca de la manga otra carta, las clases. Sí, ahora hay blasones que cambian tus movimientos de ataque para que experimentes con diferentes estilos y configuraciones que también afectan a las herramientas y amuletos que puedes llevar.

Hay una enorme variedad de enemigos que te obligan a reajustar estrategias, pero es en los jefes donde el juego te vuela la cabeza. Sus patrones, pero también los propios conceptos que rigen sus diseños son increíbles. He vivido enfrentamientos con más creatividad que juegos enteros.

Es una delicia jugar a Silksong. El desplazamiento está tan pulido y todo tan milimétricamente calculado que si cometes un error sabes que es culpa tuya, nunca del juego, y el combate es mucho más profundo al aprovechar mejor las nuevas habilidades.

Pero muchas secuelas han conseguido ser mejores ofreciendo ampliaciones en la jugabilidad y en su apartado narrativo. ¿Qué es lo que hace que Silksong sea una obra casi inalcanzable? Hablemos del mapeado, de su diseño de niveles y escenarios.

Telalejana, un reino inconmensurable

"Es enfermizo". Eso es lo que no he parado de repetirme a cada paso del camino por Telalejana. El mapeado es tan gigantesco, tan variado y está tan bien interconectado que basta para señalar que este es el mejor metroidvania que he jugado.

No obstante, el juego busca rizar el rizo con un nivel de detalle tan absurdo que hay que andar con tropecientos mil ojos para no perderse nada. No es que golpear una pared aleatoria revele una sala nueva, si no que da acceso a toda una zona oculta.

Hay interacciones que te dejan con la boca abierta, acontecimientos únicos en diferentes lugares que quizá logres ver o que tal vez nunca te aparezcan en partida y secretos tan minuciosamente colocados que te caes redondo cuando das con ellos.

Además, la forma en la que el diseño del escenario resuelve muchas de las cuestiones e interrogantes de la trama genera una narrativa espacial tremendamente interesante que dispara tus ganas por resolver este cuento en forma de puzle.

Y Team Cherry entrega una tonelada de contenido secundario (pero imprescindible). Hay una inmensidad de elementos por descubrir y actividades por hacer. El nuevo sistema de misiones (que comparte semejanzas con Tails of Iron 2) es solo un ejemplo de ello.

Arte en todas sus formas

Y por si fuera poco, Silksong se presenta con un envoltorio absolutamente excepcional. El apartado audiovisual de este juego quita el hipo. A nivel artístico, el obsesivo nivel de detalle de los escenarios 2D te sorprende a cada nuevo paso.

Cada elemento es una pequeña obra de arte en si misma, con Team Cherry subiendo la apuesta con fondos difuminados que dan mayor sensación de profundidad, colores más vivos, efectos climáticos (que se notan en el mando) y otros recursos soberbios.

El grado de buen gusto queda demostrado en cualquier momento. Te propongo parar el juego, tomar una captura de pantalla y ver el resultado. El 100% de las veces te quedará una estampa preciosa. No puedo más que rendirme ante este apartado.

Que además contiene una banda sonora de las que perduran en tu memoria. Christopher Larkin entrega cincuenta y tres temas absolutamente memorables. La melancolía de ese siempre presente piano, los coros y una serie de sinfonías orquestales excelsas ponen la piel de gallina. Y ese mismo amor y respeto por la música tiene una relación con el propio mundo del juego (todo tiene un motivo).

Pero la banda sonora no se queda ahí, ya que el diseño de sonido de este juego también es magnífico. Hay momentos en el que "silencio" de las cuevas empapa tus sentido. Un susurro a lo lejos en la oscuridad, el eco de unas gotas al golpear la roca... La inmersión es espectacular.

La dificultad de Hollow Knight Silksong: un reto titánico con sus propias reglas

Hollow Knight Silksong es uno de los juegos más complejos y exigentes que he jugado en toda mi vida y, curiosamente, uno de los menos frustrantes. Es tal su buen diseño, que incluso en la derrota cedes ante el conjunto general de aciertos.

Me he topado con jefes absolutamente demenciales que me han llevado al límite en cada duelo. He encontrado zonas con retos de habilidad que me hicieron plantearme si verdaderamente podría seguir progresando por ahí. Y me he perdido por sus pasadizos, salas y túneles durante horas.

Sin embargo, siempre he seguido avanzando y perseverando. Porque detrás de cada muerte había una lucha legendaria. Porque las caídas siempre ofrecían una manera de recuperarse. Y porque hasta en la zona más oscura, el murmullo de un esperanzador Kah lai-lai-lai-laaai me guiaba.

Hollow Knight Silksong tiene una curva de dificultad que se dispara en los primeros compases del juego. Es aquí donde esos vestigios de lo que iba a ser un DLC se vislumbran. El tutorial de Silksong es el primer Hollow Knight, pero una vez aceptas sus nuevas reglas, todo se asienta.

Casi todo quita dos corazones y los enemigos normales son mucho más duros. Quizá pueda ser injusto, pero también hay ventajas, como que la curación de Hornet es muy ágil. El juego te da herramientas y amuletos para superar sus desafíos más exigentes de una manera más sencilla.

El ejemplo perfecto es el golpe en diagonal de Hornet, que se usa para ciertas zonas de plataformeo. Hay una manera de cambiar ese golpe tan difícil de calcular para hacer que todo sea más amigable. ¿Y quién dice que recorras esa senda ahora y no vuelvas más tarde cuando tengas más habilidades?

La economía de los rosarios es lo que más me chirría. He tenido que farmear en más de una ocasión, ya que las muertes en las que he perdido todo han sido innumerables y los caros objetos que se deben comprar, los banco de pago y las estaciones son siempre una constante.

Pero aquí Silksong vuelve a demostrar su maestría ofreciendo un sistema para no perder esos rosarios al morir. Una vez más, hay que seguir las reglas, porque al no hacerlo he sufrido las consecuencias. Entonces, no es culpa de Team Cherry, sino mía. 

No soy un jugador demasiado habilidoso y ha habido títulos que se me han atascado por su dificultad en el pasado, pero solo me he desesperado en contados momentos jugando a Silksong. He muerto tropecientas veces, pero nunca he pensado que el juego podría conmigo.

Entiendo perfectamente las quejas hacia su dificultad. Es el elemento que más puede alejar a muchos y muchas de este juego, pero creo que dentro del enorme reto que representa, la aventura de Hornet es justa y no sería lo mismo sin ese desafío que tanta satisfacción produce al superarlo.

¿Cuánto dura Hollow Knight Silksong? Cuando el final es solo el principio

Llegar hasta el primer final Hollow Knight Silksong me llevó 30 horas. Sin embargo, como muchos y muchas ya sabrán, esta conclusión no es la definitiva. Team Cherry ha vuelto a superarse también en este aspecto, ya que para alcanzar el final verdadero hay que cumplir una serie de requisitos.

No entraré en demasiados spoilers, pero si el primer Hollow Knight tenía varios finales, lo que tiene Silksong es, simple y llanamente, un capítulo más en su historia. No hablo de un desenlace diferente, sino de una "expansión" que deja claro (una vez más) por qué este juego es una obra extraordinaria.

La cantidad de contenido, tareas secundarias y pequeños (o grandes) secretos que ofrece esta secuela es una absoluta majadería. Te aviso que sus 60 horas no te las quita nadie, aunque el grado de habilidad también interviene mucho en la duración final del juego.

El precio y plataformas de Hollow Knight Silksong

No suelo valorar a un juego por su precio, dado que es un aspecto que puede generar un debate interminable. No obstante, con Silksong ve veo obligado a hacer una pequeña distinción. Con los desorbitados precios que estamos viendo, pagar 19,99 euros me parece una bendición.

El éxito del primer Hollow Knight y Kickstarter han permitido a Team Cherry trabajar sin presiones económicas, pero sabiendo lo esperado que iba a ser este juego, dejarlo a un precio tan accesible es otra razón más para aplaudir Silksong y a todo el equipo.

Hollow Knight Silksong está disponible en formato digital en PS5, PS4, Xbox Series X|S, Xbox One, PC, Nintendo Switch 2 y Switch (en 2026 en formato físico), con mejoras en tasa de frames para los equipos de presente generación (hasta 120 fps en Switch 2, por ejemplo).

La perfecta tela de araña

¿Cómo es posible que un juego protagonizado por diminutos bichos sea tan grandioso? En su momento, el codirector de Team Cherry, Ari Gibson, señaló que la decisión de basar su primer juego en un universo de insectos fue porque estos daban pie a muchas ideas diferentes.

Esa es la clave. Silksong es la evolución de un proceso creativo desmesurado, de la correlación de unos conceptos que llevamos viendo años en infinidad de videojuegos, pero que aquí brillan hasta alcanzar unos estándares tan únicos como los bichos que plasma.

Como una paciente y laboriosa araña, Team Cherry ha construido una red de intricado y perfecto diseño. Silksong trasciende más allá del propio concepto de secuela hasta consagrarse como la quintaesencia del metroidvania. Un juego con magia en cada pixel, en cada línea de código y en cada idea.

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En este análisis de Borderlands 4 te voy a contar cómo es este regreso de una de las sagas looter shooter más famosas de la industria. ¿Son suficientes 30.000 millones de armas para que este juego de disparines y botines se proclame como el mejor del panorama?

El nuevo lanzamiento de PS5, Xbox Series X|S, PC y Nintendo Switch 2 (el 3 de octubre) presume de unas cuantas novedades en cuanto a trama, diseño de misiones y progresión que me han dejado un buen sabor de boca. El cell-shading más conocido ha vuelto, amigos y amigas.

No obstante, confieso que tengo la sensación de que, diga lo que diga, no va a ser suficiente para los muchos y exigentes fans que se ha ido ganando la franquicia al mando de Randy Pitchford. La excelencia de Borderlands 2 parece opacar cualquier nuevo título que salga.

¿Puede este nuevo juego cambiar la tendencia? ¿En qué acierta de lleno? ¿En qué falla? Y lo importante... ¿Cuántas "tonterías" es capaz de soltar Claptrap en un minuto? Vamos con el análisis de Borderlands 4 para PS5, Xbox Series X|S y PC:

• La historia, ambientación y humor de Borderlands 4
• El gameplay de Borderlands 4: mejoras del gunplay y mundo abierto
• La dificultad de Borderlands 4 y funcionamiento del modo multijugador
• La duración de Borderlands 4 y cómo es su endgame
• Precio, plataformas y ediciones de Borderlands 4
• La opinión de HobbyConsolas sobre Borderlands 4
• Nota: lo mejor y lo peor de Borderlands 4

La historia de Borderlands 4, guion y ambientación del nuevo Kairos

Borderlands 4 se ambienta seis años después del final de Borderlands 3 y tiene muy presente los acontecimientos de este juego. No obstante, su narrativa en general me ha parecido algo mejor estructurada que su predecesora.

En este sentido, se nota que Gearbox ha escuchado las críticas de la comunidad y ha ofrecido un relato mucho más compacto en comparación. La trama principal de esta entrega es sólida y amena, pero el equipo de desarrollo ha querido ir muy a lo seguro.

Borderlands 4 sigue una estructura que ya hemos visto en demasiados juegos: derrotar a una serie de caciques y luego ir a por el jefazo de turno. Esto lastra la conclusión y el destino de algunos de los villanos que nos vamos encontrando por el camino. 

Hay varias tramas que se podrían haber explotado más para darle una mayor complejidad a las luchas de poder que se manejan durante el relato, aunque se compensa con unas misiones secundarias llenas de inventiva que da gusto completar.

He vivido una particular rebelión en la granja, una búsqueda del tesoro de máquinas expendedoras, una trama relacionada con ayudar a un misil parlante para que cumpla su sueño de explotar... Insisto, las misiones secundarias son de lo mejor de este juego.

Pero volviendo a la trama principal, Borderlands 4 recurre a un nuevo planeta, Kairos, para contarnos una aventura centrada en derrocar a otro megalómano espacial, el Cronoguardián. Otro cretino de manuial. Este puede recordar algo a Jack el Guapo de Borderlands 2, pero no consigue ser memorable.

En ese sentido, creo que son los tres grandes líderes que se reparten Kairos quienes logran brillar mucho más, impulsados también por uno de los salvavidas narrativos de Gearbox: traer personajes de pasadas entregas para que aporten un toque carismático.

Vincular las luchas de cada territorio de Kairos con el regreso de algunas caras conocidas como Zane, Claptrap o Moxxi es un gran acierto, que se une a que ahora te puedes vincular mejor a tu buscacámaras gracias a las nuevas cinemáticas que muestran al personaje escogido.

Y hablando de Claptrap... ¿Cómo es el humor de Borderlands 4? Gearbox comentó que habían buscado asemejarme más al estilo "Mad Maxero" del primer Borderlands en esta materia y lo cierto es que hay un segmento del juego claramente inspirado por esto.

No obstante, los chascarrillos siguen una tónica similar a lo visto en pasadas entregas. No es un humor basado en chorradas de Internet para adolescentes, pero sí que hay referencias a aspectos y tendencias del mundo real y la cultura pop.

En ese sentido, el doblaje al castellano sigue siendo ejemplar y logra transmitir y localizar bromas con un contexto nacional. Gracias a esto he soltado alguna que otra carcajada en los tiroteos, pese a que no veo un gran cambio en cuanto al tono del humor general del juego.

El gameplay de Borderlands 4, sus mejoras jugables y estructura del mundo abierto

Y ya que menciono los tiroteos, hablemos del gameplay. Borderlands 4 se establece como la mejor entrega de la saga en términos jugables. Al ya de por si magnífico gunplay con las armas, se le suman nuevas (aunque ya habituales en otros juegos) mecánicas de desplazamiento.

El doble salto, el dash o impulso, trepar y el uso del gancho hacen que los enfrentamientos brillen por su variedad. Se gana en verticalidad y las opciones para abordar los tiroteos desde todos los ángulos brindan una experiencia tremendamente ágil y frenética.

Además, la variedad de enemigos y unos jefes muy bien diseñados (que aprovechan las nuevas mecánicas de movilidad) consiguen que nunca te aburras. Durante todas las sesiones de juego que disputes te dejarás llevar por el éxtasis y la locura de Borderlands.

Destiny y otros muchos juegos ya han introducido estas medidas en el pasado, por lo que esta saga tenía que hacerlo. Es una modernización necesaria y me alegra que de en el clavo, ya que esa mayor movilidad también afecta a cómo te relacionas con su mundo.

Hay algo más de variedad a la hora de completar objetivos. Por ejemplo, varias mazmorras y guaridas esconden retos plataformeros que refrescan la jugabilidad para que no todo sea apretar el gatillo como un psicópata del yermo. 

Por desgracia, la otra gran innovación, la llegada de un mundo abierto sin pantallas de carga, no termina de convencerme. Pese a que el mapeado presenta diferentes biomas y actividades y eventos suficientes como para tenerte siempre entretenido, el diseño de Kairos me parece bastante plano.

No es un mundo abierto que invite a ser explorado. Borderlands tiene más "lands", pero podrían ser mejores. De hecho, tener una función que literalmente te traza una ruta para ir de A a B deja claro dónde tropieza el juego. Kairos se siente vacío y su geografía no incita demasiado a curiosear.

Por momentos, el mapa se parece más al de un battle royale, en donde todas las ubicaciones son más de paso y solo sirven para lootear. Una lástima, porque los campamentos, las cámaras ocultas y los eventos mundiales sí qué están bien diseñados y da gusto completarlos.

En parte, esto es gracias al desplazamiento en vehículo, super accesible y rápido. Da gusto invocar tu "montura" (algo que no estaba en pasados juegos), pero es bastante inutil en términos ofensivos. No es con lo que vas a presentar batalla.

Lo que más palo me ha dado del mundo y su exploración es el mal rendimiento que presentaba. Unreal Engine 5 parece volver a las andadas generando caídas de frames y crasheos bastante comunes, aunque el parche de día uno corregirá muchos de estos problemas.

Pero volviendo al puro gameplay, es necesario mencionar que el arsenal de Borderlands 4 desprende genialidad. Las armas son lo mejor del juego y creo que el equilibrio de rarezas está mejor compensado que en Borderlands 3. En 30 horas solamente había conseguido tres legendarias.

Esto da mucho más valor a las rarezas inferiores. Durante una buena parte de la campaña he ido con moradas y hasta con azules de gran utilidad. Hay miles de variaciones gracias a los nuevos fabricantes (aunque Jakobs sigue siendo el mejor, por supuesto) y a que ahora las armas llevan partes de otros, lo que da una profundidad absolutamente desquiciante.

Prácticamente todas las armas que he utilizado hasta el momento me han gustado y muchas las he llevado unas cuantas misiones antes de cambiarlas. El nuevo equipo también ofrece una inmensidad de opciones (me encanta el cuchillo arrojadizo) y los buscacámaras me han convencido.

He completado el juego con Vex, la nueva Sirena, un personaje de utilidad centrado en aportar daño mediante invocaciones como un tigre de otro plano o copias de ella misma. Me ha gustado mucho todo lo que era capaz de aportar, especialmente a un equipo. 

La progresión de esta ofrece una barbaridad de combinaciones y builds, con un árbol de habilidades especialmente diseñado para los más exigentes a la hora de configurar a su personaje pensando hasta en en el más mínimo bonus, con pasivas absurdamente minuciosas y sinergias muy locas.

Lo que no me ha gustado demasiado han sido los menús. Si bien son extremadamente funcionales y rápidos de entender, creo que les falta bastante personalidad en lo visual. Parecen sacados de un juego como servicio estándar.

No obstante, quitando eso, la gran mayoria de sistemas que conforman el gameplay de Borderlands 4 logran dar con la clave para volver a ofrecer una experiencia de gran calidad, divertida y frenética. Si tienes tiempo, no deberías cansarte de abrir cámaras.

La dificultad de Borderlands 4 y cómo funciona el modo multijugador

Gearbox ha decidido aumentar un poco la dificultad de algunos momentos y desafíos de Borderlands 4, en comparación a pasadas entregas, y lo cierto es que he muerto unas cuantas veces en modo normal (de las tres opciones disponibles).

No, Borderlands 4 no es un juego tremendamente exigente (y curiosamente sus jefes no son lo más difícil del juego), pero sí que hay zonas en las que tendrás que hacer un esfuerzo extra, ya sea porque estés más bajo de nivel o porque hay algunos enemigos bastante molestos.

Y en lo que respecta al cooperativo, aunque no he podido jugar demasiado en multijugador, las sesiones dedicadas con otros compañeros sí que han sido suficientes para dejar claro que Borderlands 4 en cooperativo se sigue sintiendo tan bien como el resto de juegos de la saga.

Algunas de las actividades de Kairos están muy orientadas a jugarse en compañía de hasta otros tres jugadores (crossplay disponible) y hay un lobby bastante intuitivo y rápido que permite unirse sin demasiadas complicaciones a las partidas de los amigos.

Tengo que decir que diversas mazmorras y retos son infinitamente más divertidos (y asequibles) si juegas de este modo y el rescalado del nivel de los enemigos (a lo Diablo 4) y botín único para cada jugador hace que todo se adapte muy bien a la experiencia individual de juego.

Además, en PS5 y Xbox Series X|S se ha habilitado una opción local para jugar en pantalla dividida, un gran añadido en un tiempo en el que ya no se apuesta tanto por este tipo de modalidades. Al estar en un mismo lugar, será más fácil comunicarse y enterarse de la historia.

¿Cuánto dura Borderlands 4? ¿Cómo funciona su endgame?

He tardado en completar la campaña de Borderlands 4 casi 30 horas. No obstante, calculo que se puede superar en 25 o un poco menos si no te enrollas demasiado explorando su mundo abierto o realizando misiones secundarias.

El endgame de Borderlands 4 se desbloquea al poco de que salten los créditos con un pequeño tutorial que te enseña todo lo que incluye esta segunda fase del juego. Son varias actividades y sistemas que enriquecen bastante el resultado final.

Esta nueva entrega ha aprendido de los errores del pasado y ya no es necesario completar la campaña de nuevo, lo que evita pasar por un proceso que era absolutamente tedioso. En su lugar, ahora se desbloquea al modo Buscacámaras Definitivo.

Esto hace que los enemigos tengan más resistencia, daño y modificadores como regeneración de vida, invencibilidad temporal, etc, etc. Para ir subiendo de nivel en este modo hay que rejugar determinadas misiones de la campaña, que incluyen letales añadidos como, por ejemplo, que todos los enemigos suelten bombas de agujero negro al morir.

Al mayor reto también se le suma el Firmware, un sistema que permite personalizar las armas con diferentes componentes extra para dotarlas de más posibilidades. Y también se añade un sistema de especializaciones que permite seguir mejorando a tu personaje con nuevas e interesantes pasivas.

No me olvido de las misiones semanales y las pruebas de Moxxi, máquinas expendedoras localizadas en zonas donde has derrotado a jefes. Puedes pagar para volver a combatir contra ellos de una forma bastante sencilla y esto trae desafíos más complejos que los de la campaña.

En resumen, creo que el endgame de Borderlands 4 es bastante sólido para ir empezando, pero solo el tiempo dirá qué errores y aciertos se han cometido. Eso sí, hay más en camino. Gearbox ha prometido más jefes, las habitual ristra de DLC, una rareza de armas extra y más para los próximos meses.

En resumen, ya solo con todo lo que ofrece el juego sin el endgame tienes para más de 50 horas. Si quieres perfeccionar builds y exprimir al máximo todo, Borderlands 4 tiene para más de un centenar de horas... Y lo que queda.

El precio, plataformas y ediciones de Borderlands 4

Borderlands 4 está disponible en PS5, Xbox Series X|S, PC y Nintendo Switch 2 (3 de octubre) bajo un precio de 79,99 euros en su edición estándar, que incluye también el paquete Gilded Glory con varias recompensas cosméticas.

El juego también presenta una edición Deluxe de 99,99 euros que incluye 4 zonas únicas, con nuevas misiones y jefes únicos, 4 mapas de cámara con desafíos y recompensas únicos, más equipamiento y nuevas armas y otros cosméticos.

Por último, también se encuentra disponible una edición Super Deluxe por 129,99 euros que trae todo lo anterior el pase de temporada con los DLC futuros. También existe un ECHO-4 Bundle por 179,99 euros que no incluye el juego, pero sí una estatua y otros extras físicos.

¿Borderlands 4 cumple su misión?

Para algunos, Borderlands es una saga que acumula cierta fatiga. Su fórmula, pese a que es profunda en muchos aspectos, no deja de ser lo "mismo de siempre" a cada nueva entrega principal. ¿Hasta qué punto la modernización de su gameplay puede acabar con esa sensación de cansancio?

Mi mayor miedo antes de empezar a jugar era que, incluso con las mejoras, el juego se sintiese pesado. Y es que, al principio de este análisis de Borderlands 4 he dicho que el juego tenía una importante misión. ¿Cuál? Lograr vencer ese agotamiento.

Y lo cierto es que sí. Borderlands 4 me ha convencido. He disfrutado mucho de la experiencia y me he vuelto a divertir como en los mejores tiempos de la saga. Si bien considero que se podrían haber apretado mejor algunas teclas, esta nueva entrada en la serie es un buen juego.

La modernización de varios de sus sistemas no trae una revolución, pero la misión de Borderlands 4 está superada. Su jugabilidad es la mejor hasta la fecha y quizá podríamos haber tenido una campaña algo más ambiciosa o un mundo menos génerico, pero no estamos ante ningún desastre.

Borderlands 4 es más Borderlands y eso no está nada mal. Hay sagas que no tienen que cambiar una barbaridad para seguir siendo interesantes. Ha pasado tiempo desde el último juego. Una vez cada seis años, no hace daño. Así que, todo el mundo a abrir cámaras.

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Como también las hay en NBA 2K26. Las versiones de PS5, Xbox Series X|S, PC y también Nintendo Switch 2 se benefician de mejoras en el apartado gráfico, pero hay mucho más que comentar sobre lo nuevo de Visual Conceps, que no para de sacudirse el polvo desde NBA 2K24.

Porque, lo cierto es que, tras un notable NBA 2K25 (que se quedó en tierra de nadie), el nuevo juego busca ofrecer unas cuantas innovaciones en materia jugable (y no tantas en el resto de apartados). ¿Conseguirá alzarse con el anillo o será un desastre como la lesión de Haliburton?

Es hora de afrontar este particular día de la marmota, un año más, para ver de qué es capaz la saga. La posesión ha empezado, así que vamos con el análisis de NBA 2K26 para PS5, PS4, Xbox Series X|S, Xbox One, PC, Nintendo Switch y Nintendo Switch 2:

• Los cambios de NBA 2K26 en jugabilidad y presentación
• Los modos de NBA 2K26: novedades en MyTeam, La W, MiCarrera y más
• Precio, ediciones y plataformas de NBA 2K26
• La opinión de HobbyConsolas sobre NBA 2K26
• Nota: lo mejor y lo peor de NBA 2K26

La jugabilidad y presentación de NBA 2K26: novedades y mejoras importantes

Como siempre, una parte de los esfuerzos del equipo de desarrollo para esta entrega han ido dirigidos a la jugabilidad y presentación de los partidos y todo lo que rodea al show de la NBA. Aquí es donde 2K26 consigue encestar limpiamente.

El resumen básico de mis sensaciones en la cancha es que cada partido se siente mucho más ligero y rápido. El ritmo en general se ha elevado, lo que quizá puede despistar, pero a la larga veo que esa mayor velocidad en el juego beneficia al desarrollo del encuentro.

Tras el Ritmo de Tiro con Pro Stick que vimos en NBA 2K25 (que personalmente me gustó), Visual Concepts ha dado un pequeño "step-back" para traer de vuelta la sincronización de tiro Green o Fallido para todos los modos.

El medidor curvo con barrita verde ha regresado para quedarse y las posibilidades de enchufar una canasta varían dependiendo de la dificultad en la que juegues. Ahora la selección de tiro es honesta y no hay fallos intencionales generados por "la máquina".

Lo que más me gusta es que la probabilidad de "clavar un verde" se ajusta a la defensa que te estén haciendo y a la habilidad del atacante. Por ejemplo, si con Kawhi Leonard vas a la zona y te defiende un base pequeño, la barra verde de la bandeja que estés ejecutando será muy generosa.

Salgo contento con este sistema, que es más intuitivo, pese a que renuncia a cierta complejidad jugable. Por suerte, en materia mecánica, NBA 2K26 ha hecho los deberes con unos cuantos añadidos y ajustes que ofrecen más posibilidades a la hora de desarrollar el gameplay.

Ahora se pueden hacer euro-steps a "cámara lenta" como aquellos que hacían Ginobili o Wade en sus mejores tiempos. Es una mecánica sencilla de aplicar con L2, que además casa muy bien con las bandejas personalizadas que se han implementado.

Me ha convencido también el nuevo movimiento catch and shoot, una acción que ahora mismo domina la NBA y que en 2K26 se aplica con gran maestría, también manteniendo pulsado L2 en el momento en el que un jugador recibe la bola y se levanta para lanzar desde la línea de tres.

La protección rápida es ahora una acción que puede permitir evadir los intentos de robo de los defensores y que premia al atacante si este cuenta con los suficientes reflejos. Y los alley-ops ahora cambian el botón del QTE para que estés más pendiente de la acción.

Y a la hora de abordar el "core" o núcleo jugable, NBA 2K26 da más protagonismo (por fin) a los pivots y ala pivots permitiendo tiros personalizados al poste (quizá Nikola Jokić y su dominio aplastante en la liga hayan tenido algo que ver) para traer más realismo en la pintura.

Y en la defensa, los hombres altos también reciben algunos reajustes interesantes como una mejor sincronización del rebote o una mayor capacidad de empujar en zonas interiores. En ese sentido, las colisiones se sienten cada año un poco mejor y hay interacciones extremadamente realistas.

Cierto es que algo de rigidez y robótica continúa habiendo, pero creo que el motor ProPLAY sigue ofreciendo una estupenda recreación del baloncesto más actual. La precisión de los jugadores y las semejanzas con la realidad siguen impresionando año a año.

Esto también es gracias a una presentación audiovisual que cada año recibe un pequeño empujón. El impresionante detalle gráfico de todo lo que rodea a los partidos sigue siendo un disparate, pero este curso he notado una mejoría importante en cuanto a ambientación dentro de los estadios.

Confieso que lo primero que he hecho ha sido jugar en el nuevo Intuit Dome de Los Angeles Clippers. El aclamado "The Wall" ha sido recreado a la perfección, así como los juegos de luces que realizan los aficionados, que refuerzan la implementación de una mayor iluminación dinámica en las canchas.

En este sentido, creo que las comparativas que se han realizado antes del lanzamiento del juego son más marketing que otra cosa. Sí, hay una mejoría en esta materia, pero no me ha volado la cabeza. Aunque no puedo negar que cada estadio sigue siendo casi una copia 1:1 de los reales.

Y aunque es anecdótico, ahora mola quedarse a ver los descansos, ya que se han añadido algunos shows nuevos como bailes, mascotas pilotando minimotos o concursos en los que los aficionados intentan meter un tiro desde el centro del campo. ¡Queremos ver a Red Panda!

También hay una cierta renovación sonora (aunque más dirigida hacia el público estadounidense) con más voces. Aquí, continuamos con los comentarios de Antoni Daimiel y el resto del equipo, quienes hacen un buen trabajo, pese a que se necesita que los comentarios sean más fluidos y situacionales porque ya se acusa cierta "cansinez".

Cerrando este apartado, tengo que decir que salgo de NBA 2K26 con la sensación de haber visto muchas novedades importantes que refuerzan lo que de verdad importa de esta saga, el baloncesto.

Las novedades de NBA 2K26 en los modos de juego: MyGM, MyTeam, La W y más

Desgraciadamente, en lo que a modos se refiere, es donde el juego comienza a perderme un poco. En modos offline, la oferta de novedades es muy escasa. Visual Concepts opta por seguir brindando añadidos a los modos más populares y que más dinerito pueden traer.

Por ello, encontramos algunos ajustes de peso en el modo MiJugador/MiCarrera. La nueva Ciudad es más pequeña y con un diseño mucho más simple. Aun con eso, sigue siendo un hub central tremendamente tedioso que se lleva por delante la experiencia de juego y la inmersión.

Se añaden parques de temporada, un modo de reyes en la calle, pero me sigue sobrando mucho este espacio (que gráficamente luce bastante pobre) a la hora de afrontar mi carrera, que rompe con una narrativa algo más currada con el modo Sin Límites, un viaje con tu jugador desde el instituto hasta el draft de la NBA.

No es Braking Point de (F1 25), pero no está mal echarle una ojeada, ya que tiene cosas curiosas como poder competir en Europa. Lástima que no haya una sola licencia de la Euroliga o ACB, ya que los equipos inventados quedan un pelín "cutrillos".

A esto también se le añade un sistema de progresión más natural y un concienzudo creador de jugador, cinco especializaciones con varias misiones que otorgan diferentes recompensas. Si eres capaz de sobrevivir al maremágnum de menús, barras y estadísticas, te encontrarás con unos cuantos sistemas renovados.

La joya de la corona, MyTeam, se actualiza siguiendo los pasos de EA Sports FC 24, juego que permitió configurar tu equipo con chicos y chicas. Ahora puedes tener jugadores de la NBA y jugadoras de la WNBA juntos, lo que me parece perfecto.

Más allá de eso, MyTeam se refuerza con nuevas cartas, modalidades de juego o el regreso del querido Sunset Beach de NBA 2K15. No obstante, el modo sigue presentando un bombardeo que incita a seguir abriendo sobres y a caer en las microtransacciones.

En cuanto al resto, y como decía, modos como MyGM o las diferentes "Eras", que se habían sumado en el pasado, apenas presentan añadidos de peso (en el caso de las Eras no hay nada nuevo). Por fortuna, La W sí que va alcanzando mejores estándares de calidad.

Y es que la "fever" por Caitlin Clark parece haber motivado a seguir añadiendo mejoras a la liga femenina de baloncesto (aún lejos de la NBA en cuanto a contenido). Ruedas de prensa para tu jugadora o nuevos desafios dan un poco más de profundidad a las chicas, aunque queda por hacer.

Aún con todo lo mencionado, sigo sintiendo que el talón de Aquiles de cada entrega de la saga está en la parte de contenido. Entiendo que sacar un juego cada año no casa muy bien con materia de novedades en cuanto a modos, pero la gran mayoría se siente como más maquillaje que otra cosa.

Precio, ediciones y plataformas de NBA 2K26

NBA 2K26 está disponible en formato físico y digital en PS5, PS4, Xbox Series X|S, Xbox One, PC, Nintendo Switch y Nintendo Switch 2 (Game Key Card) bajo un precio de 79,99 euros en su edición estándar, que incluye algunos incentivos de reserva.

Además, en PlayStation, Xbox y PC también están disponibles las Superstar Edition por 99,99 euros con 100.000 VC y contenido exclusivo de MyTeam y MyCaree, así como la Leave No Doubt Edition por 149,99 euros con 135.000 VC, lo antes mencionado, pase pro temporada 1 y pase de verano.

Where amazing happens again and again and again...

¿Qué pensaría Shai Gilgeous-Alexander después de ganar el MVP si Jokic, Antetokounmpo o incluso Tatum no hubieran estado compitiendo por el premio? Está claro que no tendría el mismo mérito ser nombrado mejor jugador si no hay una verdadera competición.

Pues eso mismo pasa con NBA 2K26. Al no tener competencia, a los aficionados al baloncesto no nos queda otra que coronar MVP a cada nueva entrega de la saga, pero todos sabemos que aquí siguen cometiéndose pasos y dobles.

Al menos, NBA 2K26 sí es un MIP que ha mejorado y ha anotado unos cuantos "triples dobles" con algo que considero difícil de lograr en este mundo de juegos deportivos anuales: no solo perfeccionar lo pasado, sino reajustar y cambiar para que se sienta un tanto diferente.

Hablo a nivel mecánico y jugable, porque en materia de modos sigo viendo los mismos problemas generados por decisiones completamente comerciales. Las microtransaciones y demás sistemas continúan llevándose por delante muchas de mis ganas de echar pachangas.

Yo soy de la era de los Mavs derrotando a los Heat de LeBron... Quizá tenga que pensar en retirarme porque estoy cansado de iconos, sobres y mejoras con "brilli brilli"; pero si NBA 2K26 (y la saga en general) se enfocase solo en el baloncesto, confieso que nunca me aburriría de este juego.

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Lo dice alguien que ha probado muchos de los ports de Switch 2 lanzados en 2025 hasta la fecha. Algunos han brillado por ser muy buenos, como Yakuza 0 Director's Cut o Street Fighter 6; otros son dignos de aplauso aunque con recortes entendibles, como Cyberpunk 2077, Hogwarts Legacy o Split Fiction. Por último, los hay con problemas, como Wild Hearts S o Hitman World of Assassination...

Star Wars Outlaws en Nintendo Switch 2 se posiciona como el ejemplo a seguir, el port que marca un antes y un después en términos de calidad y que demuestra que muchos juegos exigentes se pueden optimizar para Nintendo Switch 2 si el equipo que hay detrás tiene talento y tiempo.

Sin adelantar acontecimientos, Star Wars Outlaws tiene un rendimiento más estable que en Nintendo Switch 2 que en Steam Deck o Xbox Series S, sin que los sacrificios gráficos lo hagan parecer un juego de otra generación. Dicho de otro modo, el título de Ubisoft se ve y mueve muy bien en Nintendo Switch 2, y es el port que más se acerca a la experiencia visual de las otras consolas.

Sobre estas líneas podéis ver casi la primera hora de juego de Star Wars Outlaws en Nintendo Switch 2, para que lo comprobéis por vosotros mismos (no tienes las voces en castellano porque está capturado antes de ponerse a la venta en la eShop, y los DLC de idiomas no estaban disponibles todavía). Pero sí, cuenta con el mismo doblaje al castellano.

Eso sí, como en otros análisis de ports de juegos ya disponibles en otras plataformas, no voy a entrar en aspectos como la historia, la jugabilidad, la duración y otros elementos de Star Wars Outlaws. En términos de contenido y jugabilidad, es exactamente el mismo juego, y si quieres conocer en profundidad estos detalles, puedes encontrarlos en el análisis de Star Wars Outlaws de PS5 y Xbox.

El apartado técnico de Star Wars Outlaws en Nintendo Switch 2

En el resto de plataformas, Star Wars Outlaws ha ofrecido distintos modos gráficos y opciones para ajustar la experiencia a nuestro gusto y equipo, y como siempre, el PC ha sido el que más opciones ha ofrecido. Star Wars Outlaws no tiene opciones gráficas de ningún tipo en Nintendo Switch 2, es decir, no hay modo rendimiento, ni podemos ajustar el detalle, etc.

Como Hogwarts Legacy y otros mundos abiertos disponibles en Switch 2, Star Wars Outlaws bloquea la tasa de frames a 30 fps, pero son realmente sólidos indistintamente del contexto: explorando una ciudad, recorriendo los entornos abiertos, en los momentos de acción y disparo. Vamos, el 99,9% del tiempo no vas a notar ninguna rascada.

De hecho, la prueba de fuego era recorrer su enorme mundo abierto a lomos de un speeder, y lo cierto es que cumple con nota: el rendimiento sigue siendo sólido, sin caídas apreciables. Y lo mejor de todo, es que tampoco presenta un excesivo downgrade gráfico. Lo cierto es que las imágenes capturadas con la propia consola no le hacen justicia comparado con lo que vemos en movimiento.

La resolución nativa de Star Wars Outlaws es de 635p, pero gracias al DLSS, la imagen escala hasta los 1080p, y lo cierto es que se ve francamente bien, tanto que el sacrificio visual es aquí menor que en otros ports. La primera vez que entres en una cantina, o pases por una zona con neones y una iluminación especial, te sorprenderá.

Claro que hay pequeños defectos, desde el habitual "ruido" que se genera alrededor del pelo por el DLSS a determinadas sombras "bailongas" que parpadean al movernos, algo de popping, alguna que otra textura mejorable... pero no es menos cierto que esos problemas estaban también, en mayor o menor medida, en las otras versiones de consola.

Quizá, el mayor downgrade venga por parte de los escenarios, menos recargados de NPCs, pero ni mucho menos han pasado a ser un desierto, o que sea algo que afecte a la experiencia general. Las calles siguen pobladas, con algún personaje menos... pero nada para llevarse las manos a la cabeza. También se puede apreciar en el nivel de detalle de algunos elementos y texturas.

Eso es aplicable, por ejemplo, a la menor densidad y detalle de la vegetación, o que los reflejos no sean tan realistas como jugando con una RTX 5080 en PC (estamos hablando de un componente que vale más del doble que la nueva consola de Nintendo), pero que un dispositivo del tamaño de Switch 2 sea capaz de mover un juego tan exigente con esta calidad, sorprende. Y mucho.

Además, el estudio es consciente de algunos de estos fallos, incluidos pequeños petardeos iniciales al entrar en ciudades, y han prometido corregirlos en futuras actualizaciones, lo que sin duda es también una gran noticia. En resumidas cuentas, Switch 2 tiene la mejor versión portátil para disfrutar del juego (y jugando en dock también se ve de lujo).

Otras novedades de Star Wars Outlaws en Nintendo Switch 2

Como decía al principio, en términos de contenido es exactamente el mismo juego que en otras formas, y la edición Gold además añade todo el DLC y contenido que se ha añadido a posteriori.

Las únicas novedades de esta versión son las nuevas opciones de control, entre las que destacan el uso de la pantalla táctil para poder movernos por las opciones de los menús y superar algunos puzles (para abrir puertas y hackear ordenadores) o del giroscopio para pilotar la nave espacial o apuntar con nuestro blaster. Y como en otros juegos, funciona bastante bien.

No tiene un modo de control que use el modo ratón, pero lo cierto es que tampoco lo he echado en falta. Las opciones de configuración permiten ajustar la sensibilidad de los sticks y el nivel de ayuda al apuntado, y no hace falta nada más para tener un control preciso, la verdad.

He dejado para el final la novedad que más me ha gustado, y que casi siempre destaco como algo cuando negativo no está presente, como ha sido el caso del reciente Daemon X Machina Titanic Scion. Me estoy refiriendo a la optimización del interfaz para jugar en portátil.

En muchos juegos, como el mencionado título de Marvelous, me cuesta horrores leer algunos textos porque parecen haber sido diseñados para jugar solo en la tele. Star Wars Outlaws erradica ese defecto, y todas las opciones y diálogos se leen perfectamente. Un 10, en este sentido.

Lo que más me ha gustado de Star Wars Outlaws en Switch 2

Si me tengo que quedar con algo de lo que pone sobre la mesa esta versión de Star Wars Outlaws para Nintendo Switch 2 es lo bien que se ve, tanto en modo portátil como en la tele. 

Es uno de los primeros ports que en Switch 2 más se iguala a la calidad visual de PS5 y Xbox Series, aun teniendo leves recortes en algunos aspectos o moviéndose a una tasa menor de fps (y sin distintos modos gráficos). Lo que pone en pantalla es más que notable para poder disfrutarlo bien en portátil (o en la tele).

Me hubiera gustado que fuera capaz de moverse a 60 fps, pero lo cierto es que poder jugar en portátil a  30 fps constantes y sin prácticamente caídas, me es suficiente para disfrutar de este mundo abierto con esta calidad gráfica.

Además, mantiene el gran doblaje en español, aunque hay que descargarlo como un DLC aparte (como en Hogwarts Legacy) pero sin coste (hay más idiomas, por si quieres irte, por ejemplo, a la Star Wars francesa).

Lo que menos me ha gustado de Star Wars Outlaws en Switch 2

Para poder empezar a jugar, necesitas una cuenta de Ubisoft Connect sí o sí. Si no la tienes, la puedes crear desde el propio juego o iniciar sesión con Google, pero es un detalle que personalmente  no me gusta, y debería ser opcional. La ventaja es que, al hacerlo, tu partida se guardará en la nube y te servirá en el resto de plataformas, por ejemplo, si lo has jugado antes en PC o PS5.

Y más allá de los aspectos que han sufrido recortes, hay otro elemento que tampoco me ha entusiasmado, y son los tiempos de carga. Vienen a ser prácticamente el doble que en otras consolas, como Xbox Series S. Y si mueres, por ejemplo, al caer en una zona de plataformeo, vas a tener que esperar unos segundos hasta que reaparezcas.

También me hubiera gustado que Ubisoft hubiera aprovechado la ocasión para añadir algo exclusivo de esta versión para Switch 2. No usa Gameshare, ni el modo ratón, y el uso de la vibración HD2 es acertado, pero no te va a dejar impactado.

Por último, y como dicho en un buen número de juegos de Switch 2 que he analizado, me hubiera gustado que Star Wars Outlaws se hubiera puesto a la venta en una Game Card con todos los datos en memoria (el juego base con el paquete de idioma ocupa 21,8 GB, y bien podría haber entrado en una tarjeta "de verdad"), sobre todo pensando en los coleccionistas, entre los que me incluyo. 

La opinión de Hobby Consolas de Star Wars Outlaws en Nintendo Switch 2

Tras la lluvia de críticas que sufrió el juego cuando se mostró en un reciente Nintendo Direct, debo decir que Star Wars Outlaws para Nintendo Switch 2 ha sido una gratísima sorpresa. Es, sin ningún tipo de dudas, uno de los mejores ports disponibles en la nueva consola de Nintendo.

Y uno que, además, recorta las diferencias visuales con otras consolas más potentes, como PS5 o Xbox Series, lo que sin duda habla muy bien de las capacidades técnicas de Switch 2 en unas manos habilidosas, o de lo adaptable que es el motor Snowdrop de Massive y Ubisoft. No es la versión que mejor se ve, pero cumple con nota.

Dicho de otro modo, desde el punto de vista técnico, estamos hablando de uno de los mejores ports de Nintendo Switch 2, una experiencia Star Wars en mundo abierto que ahora puedes disfrutar plenamente en cualquier sitio, siempre que el tema de los 30 fps no sea una barrera infranqueable para ti.

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Como vamos a ver en este análisis de Daemon X Machina Titanic Scion para Nintendo Switch 2, PS5 y PC, Marvelous tomó nota de muchos de los aspectos que se le hicieron bola a los jugadores en el anterior título para cambiarlos en esta nueva propuesta. No en todas acierta, pero en algunos elementos clave sí logra pulsar en la tecla correcta. Y, además, llega en "formato físico de verdad".

Uno de los principales cambios es que, ahora, Daemon X Machina Titanic Scion es un juego de mundo abierto, y por momentos se siente más como un MMO (en parte porque podemos jugar la campaña entera en cooperativo online con dos amigos) y menos como un Armored Core, además de hacer el combate más espectacular y menos confuso que en el anterior juego.

Por eso, para captar todos los cambios y novedades que introduce esta entrega, no está de más leer el análisis de Daemon X Machina de Switch, aunque como digo, no es necesario conocer el juego para disfrutar de esta secuela, que ni en desarrollo, ni argumento tiene mucho que ver. 

Para este análisis, he jugado a la versión de Nintendo Switch 2, aunque también he podido probar la versión de PC en un equipo con una RTX 5080, y también indicaré las principales diferencias que he visto entre ambas versiones.

Sin más dilación, vamos con el análisis de Daemon X Machina Titanic Scion para Nintendo Switch 2 y PC, en el que me voy a centrar en estos aspectos

• ¿"Mechas" de menos? La historia de Daemon x Machina Titanic Scion
• La jugabilidad de Titanic Scion engancha... un montón
• La dificultad de Daemon X Machina Titanic Scion
• El apartado técnico de Daemon X Machina Titanic Scion
• La duración Daemon X Machina Titanic Scion: cuántas horas de juego ofrece
• Precio y ediciones de Daemon X Machina Titanic Scion
• La opinión de Hobby Consolas de Daemon X Machina Titanic Scion
• Nota, lo mejor y lo peor de Daemon X Machina Titanic Scion en Switch 2 

¿"Mechas" de menos? Una historia interesante, que no despega

Daemon X Machina Titanic Scion transcurre años después de lo sucedido en el primer juego, y aunque tiene algunas vagas referencias, cuenta una historia completamente independiente, por lo que no necesitas saber nada. Y, ojo, porque desde el arranque del juego, se nos bombardea con abundantes datos sobre el conflicto que sirve de base al juego y las razas protagonistas en liza.

Dos planetas, rojo y azul, entran en guerra durante muchos años, hasta que firman un pacto de no agresión. Pero el uso de una energía llamada Femto en la guerra, ha provocado mutaciones en los hombres, bautizados como "Outers" (considerados "no humanos"), que desarrollan poderes y habilidades como poder pilotar unos poderosos exoesqueletos conocidos como Arsenales.

Estos Outers acabaron imponiéndose a los hombres en un conflicto posterior y establecieron un régimen militar llamado Axiom, que actualmente tiene como objetivo intentar erradicar a los humanos. Los hombres y mujeres supervivientes que decidieron plantar cara a este régimen son los llamados Reclaimers, y a los que pronto nos vamos a unir tras vivir nuestro "despertar" como Outer.

Esta energía también afecta a los seres vivos, que mutan y se vuelven más agresivos para convertirse en los llamados Inmortales. Dicho de otro modo, en esta ocasión no solo nos mediremos a grandes robots, también seres vivos de todos los tamaños y colores, que añaden variedad y acercan así su desarrollo más a títulos como Monster Hunter Wilds, por ejemplo.

Como otros muchos títulos, Titanic Scion nos permite crear a nuestro personaje con un completo editor al comenzar la aventura (incluido sexo, aunque también incluye numerosos personajes predefinidos bastante molones), donde también se nos revela que nuestro personaje está a punto de ser transformado en un soldado sin voluntad propia.

Por suerte, otro Outer llamado Nerve nos ayuda a escapar, pero Nerve se sacrifica y es capturado para que nosotros podamos escapar. Y ahí, tras un prólogo de casi una hora, comienza nuestro viaje para volvernos una máquina imparable y regresar a El Jardín, la colonia de naves espaciales de la que huimos para salvar a Nerve.

Una aventura que nos hará caer sobre la Tierra, donde nos uniremos a un grupo de Reclaimers para luchar contra el régimen Axiom. El "problema" es que esta interesante premisa pronto se ve lastrada por personajes estereotípicos que apenas evolucionan en la aventura, y tampoco dejan diálogos excesivamente interesantes, a pesar de tener opciones como poder dar diferentes respuestas.

Incluso el propio protagonista es un merluzo desconfiado desde que comenzamos a jugar, y no se aleja mucho de esos cánones. Como digo, y sin entrar en spoilers de lo que pasa más adelante, la historia ni sus protagonistas pasarán a los anales del videojuego por su calidad, ya que Marvelous ha puesto el foco aquí en algo más importante: la jugabilidad.

Un bucle jugable sencillo, pero que atrapa con sus numerosas posibilidades

A diferencia del anterior título, aquí no manejamos a un enorme mecha, sino que pilotamos un exoesqueleto al estilo Iron Man (o de las armaduras del malogrado Anthem), una protección que nos permite volar y equipar armas en cada brazo y hombro, o realizar una rápida maniobra de evasión.

Este simple cambio desata una cadena de diferencias con el primer juego, que no se limitan solo a que nos enfrentemos a enemigos mucho más grandes que nosotros. La exploración del mundo abierto y sus biomas ahora son un elemento central del juego, y resulta bastante divertido explorar en busca de objetos, cuevas o toparnos con un enemigo que vaga por el mundo.

El combate es más intuitivo y divertido que el primer Daemon X Machina: con ambos gatillos realizamos los ataques de las armas asignadas a nuestro brazo izquierdo y derecho (pueden ser espadas con combos, mazos con demoledores ataques, armas de fuego de todo tipo o incluso puñetazos si no equipamos nada).

Pero hay más acciones: armas arrojadizas como granadas, objetos del entorno que podemos lanzar, enemigos que podemos agarrar y arrancarles blindajes o estrellarlos contra el suelo... además de momentos machacamos botones cuando chocan dos armas, secuencias a bordo de vehículos, usando armas fijas, lanzando ataques especiales... 

La sensación es que siempre se mantiene a un nivel asequible para que sea fácil de manejar, pero es vertiginoso y espectacular, para que no te canses de seguir peleando aunque lleves 20 horas a los mandos del exoesqueleto.

El bucle de juego es bastante simple, pero adictivo: desde nuestra base, o hablando con NPCs, podemos activar las misiones disponibles. Algunas hacen avanzar la historia, o son simples recados, como encontrar X objeto, derrotar a X enemigo, escoltar a un superviviente y tareas de ese tipo.

Siempre podemos pasar de las misiones y explorar a nuestra bola, pero en ambos casos, se redunda en lo mismo: derrotar a enemigos, que en algunos casos nos permiten elegir una pieza de equipo (aunque pueden tener más, solo podemos elegir una) o mejora que podemos fabricar con materiales, todo ello con todo tipo de estadísticas para saber si mejoran lo que ya tenemos. 

Esto nos irá subiendo de nivel y haciendo progresivamente más fuerte, lo que a su vez nos permitirá enfrentarnos a jefes y desafíos mayores y, sobre todo, experimentar con distintas builds con diferentes armas y elementos. Cada build se puede guardar de manera independiente, para que sea más fácil cargarla de cara a afrontar desafíos, combates o situaciones específicas. 

Además, contamos con generosas opciones de personalización, incluida nuestra armadura, a la que podemos asignar mejoras, distintos patrones de colores, pegatinas, cambiar piezas y otros elementos para sentirla realmente como nuestra. Este nivel de personalización no llega, en ningún caso, a lo visto en Armored Core 6... pero también es digno de aplauso.

Porque, otra cosa no, pero el combate es la verdadera estrella del juego. Prueba de ello es que, aparte de los enemigos de las misiones y del propio mundo, también contamos con un Coliseo donde combatir, combatir y combatir. Y entre la variedad de armas, la cantidad y profundidad de subsistemas que integra y su poso rolero, lo cierto es que no cansa y funciona bastante bien.

Y eso sin hablar de la cantidad de opciones que podemos encontrar en nuestra base, desde mejoras y expansiones, a tiendas, laboratorios donde crear objetos, trastear con las fusiones con los Inmortales (lo que nos reportará mejoras en aspectos como el esqueleto poder o armazón. Y hay más... Lo cierto es que las opciones van creciendo a medida que juegas.

Por haber, hay hasta un escuadrón de enemigos especiales que vienen a ser como los icónicos villanos de Metal Gear Solid, cada uno con una identidad única y un diseño bastante molón.

Como parte negativa, lo que comentaba antes: las misiones en sí, más allá de las que forma parte de la historia, son bastante tontorronas y repetitivas hasta el punto de no resultar atractivas o interesantes. Ve hasta tal punto y acaba con ciertas criaturas y cosas similares. 

El mundo, por su parte, peca de ser en ocasiones bastante simple y vacío, aun contando con biomas que aportan color y distintas ambientaciones... pero sin excesivos alardes.

No obstante, cuando mezclas todas estas posibilidades en la batidora, y lo ligas con una exploración entretenida (por ejemplo, podemos adentrarnos en cuevas y bases enemigas que vienen a ser como mazmorras) y la continua mejora de nuestro exoesqueleto y armamento, consiguen que el resultado final acabe resultando entretenido.

¿Es Daemon X Machina Titanic un juego dífícil? 

Aunque Daemon X Machina no es un juego difícil per sé, dependiendo de cómo juegues, puedes hacer que la experiencia sea más o menos complicada. Me explico.

Si inviertes tiempo en explorar, encontrar mejores piezas y armas, y en general, te dedicas a mejorar tu exoesqueleto, es probable que cuando llegue un enemigo más fuerte o desafiante, estés preparado de sobra para derrotarlo.

Si, por el contrario, vas a saco con la historia y no te paras mucho en esos aspectos, o no eliges la estrategia adecuada, es probable que mueras en algunos combates o que tengas más aprietos de los que deberías en momentos concretos. Pero en cualquier caso, no ha sido diseñado para ser el soulslike de los mechas.

El otro gran lunar de Daemon X Machina Titanic Scion

Llegamos al otro punto que puede levantar ampollas. A diferencia de otros títulos de Nintendo Switch 2, como los ports de Cyberpunk 2077, Hogwarts Legacy, Street Fighter 6, Yakuza 0 o Wild Hearts S, Daemon X Machina  Titanic Scion es un título que llega a Nintendo Switch 2 al mismo tiempo que el resto de plataformas, no meses después.

La clave aquí está en las expectativas, en lo que esperas del juego: en PC y PS5 se mueve a 60 fps, pero en Nintendo Switch 2, en las zonas de mundo abierto, llega a los 30 con rascadas. En secuencias y zonas más encorsetadas supera esa cifra (no está bloqueado, o no lo parece).

El problema no es que no llegue a 60 fps: Marvelous no ha optimizado el juego todo lo que debería, y se notan caídas, petardeos y otros defectos que afean el resultado final. No es ni mucho menos injugable, pero frente a las otras versiones, es menos estable. Eso sí, en pantalla se ve mejor que en las capturas, como otros muchos juegos de Switch 2, algo que tambiém pasa en Steam Deck. 

Tampoco ayuda que los tiempos de carga sean más largos que en PC (aquí las microSD Extreme no han dado el do de pecho). Lo que sí es común a todas las versiones es que tiene popping especialmente evidente cuando volamos con nuestro exoesqueleto (más notable en Switch) y que visualmente da una de cal y una de arena.

Me ha gustado mucho el diseño de personajes y mechas, que destilan un regusto anime muy atractivo. Pero, al mismo tiempo, el diseño del mundo queda por detrás. Aparte de entornos que a veces pecan de vacíos o inertes, es posible detectar algunas texturas que dan el cante y afean el resultado de algunos parajes.

Por último, pese al mayor tamaño de pantalla de Switch 2 y su mayor resolución, sigo teniendo el mismo problema que en la primera Switch: me cuesta leer algunos textos porque son muy pequeños. Pasa en los menús, en los diálogos mientras exploramos el entorno... No sé si se podrá añadir alguna opción de accesibilidad para ajustar el tamaño, pero vendría bien.

¿Cuánto dura Daemon X Machina Titanic Scion? ¿Es un juego largo?

Completar Titanic Scion puede llevar en torno a 17-20 horas, dependiendo de lo a saco que vayas. Pero si juegas así, apenas disfrutarástodo lo que ofrece esta nueva aventura mecha.

El sistema de progresión de nuestro exoesqueleto es muy profundo, con creación de piezas, además de poder lootear cientos de armas y accesorios para mejorar nuestra armadura, además de poder fusionarnos con Inmortales. Si quieres potenciarla al máximo, aquí tienes trabajo. Y no solo eso.

El mundo esconde bastantes secretos, como un completo juego de cartas al estilo Final Fantasy VIII, y podemos encontrar más de 100 naipes escondidos por el mundo, así como rivales contra los que competir. Y es solo un ejemplo. Está el coliseo o poder jugar la campaña online con un amigo.... el juego ofrece mucho contenido y posibilidades.

Dónde puedes jugar Daemon X Machina Titanic Scion: precio y ediciones

Marvelous ha cumplido su palabra y ha lanzado Daemon X Machina Titanic Scion tanto en formato físico como digital en Europa, a un precio de 69,99 euros en todas las plataformas (PS5, Nintendo Switch 2, PC y Xbox Series X|S).

La versión de Nintendo Switch 2 NO viene en una Tarjeta Llave, lo que sin duda es una buena noticia para los coleccionistas de las consolas de Nintendo, quienes además tienen a su alcance una edición limitada por 99,99 euros exclusiva de GAME, que incluye el juego físico, un diorama acrílico, parches y llaveros, un libro de arte y la guitarrera banda sonora en CD.

La opinión de Hobby Consolas de Daemon X Machina Titanic Scion

Soy uno de muchos a quienes el anterior juego dejó algo frío y, por suerte, no he tenido las mismas sensaciones con esta secuela, y eso que es un título que nos llega con fallos técnicos y otros problemas. Pero qué queréis que os diga. me lo he pasado en grande jugándolo.

A pesar de su mejorable mundo, de lo irregular de su apartado técnico, de lo repetitivas y poco inspiradas misiones, cuando te pones a los mandos del exoesqueleto, Daemon X Machina Titanic Scion convence con un bucle jugable que atrapa, y que pone el foco en el combate y la mejora continua de nuestra armadura, aspectos que están ligados a la exploración del mundo.

A veces parece un MMO por lo repetitivo de sus tareas (derrota a una criatura, consigue un objeto, escolta...), muchos diálogos son largos e insulsos (más con el doblaje en inglés)... pero la suma de todas sus partes, y la cantidad de subsistemas que integra en su fórmula, ha acabado conquistándome.

Por eso, si esos aspectos hacen "clic" contigo, y te gustan los juegos de mechas, es muy probable que disfrutes mucho con lo nuevo de Marvelous, aunque dependerá de lo sibarita que seas con el apartado técnico, porque de lanzamiento tiene fallos técnicos como los petardeos o el popping, sin olvidar que se mueve a 30 fps (en Nintendo Switch 2, en un PC con GPU potente no tanto).

Es una pena que Marvelous no haya cuidado más los aspectos donde flojea, porque podríamos estar hablando de uno de los mejores juegos de mechas... pero en su estado actual no lo es. 

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El juego de Ultizero Games se lanzaba hace tan solo unos días para PS5 y PC tras estar en desarrollo durante casi diez años. 

No voy a entrar en muchos detalles porque la historia del desarrollo de Lost Soul Aside da para un reportaje aparte, así que dejémoslo en que comenzó siendo el proyecto pasional de una única persona, Yang Bing, que decidió hacer su propia versión de Final Fantasy Versus XIII (antes de que se convirtiese en Final Fantasy XV). 

Tras publicar un vídeo de demostración que se volvió viral, se metió en el China Hero Project de PlayStation, acabó fundando un estudio que hoy componen cerca de 40 personas… y la cosa se le fue de las manos. 

Y si habéis prestado atención a la actualidad durante los últimos días, habréis visto que a Lost Soul Aside le han llovido palos por todas partes. Y entre los comentarios en redes sociales, las críticas negativas de Steam y que PlayStation mandó el código para su análisis el día antes del lanzamiento, ya me temía lo peor.

Pero cuál es mi sorpresa cuando empiezo a jugar, progreso unas cuantas horas y descubro que Lost Soul Aside está francamente bien. Es obvio que no es perfecto y que tiene cosas mejorables, pero está lejísimos de ser el desastre que están pintando. Y si sois amantes de la acción y, en particular, de los hack and slash, deberíais darle una oportunidad. Y ahora, os cuento por qué.

El análisis de Lost Soul Aside para PS5 y PC de HobbyConsolas:

• El gameplay de Lost Soul Aside
• Nivel de dificultad de Lost Soul Aside
• ¿Cuántas horas de juego dura Lost Soul Aside?
• Cuánto cuesta Lost Soul Aside y dónde puedes jugarlo
• La opinión de HobbyConsolas de Lost Soul Aside
• Nota: lo mejor y lo peor de Lost Soul Aside

Jugabilidad y gameplay de Lost Soul Aside en PS5 y PC

Lost Soul Aside nos pone en papel de Kaser, un joven que comparte un sospechoso parecido con nuestro querido Noctis y que sin comerlo ni beberlo acaba fusionado con una poderosa y arrogante entidad ancestral de nombre Arena. Juntos, se embarcan en un viaje para salvar a un ser querido y, ya que estamos, también el mundo.

Como veis por la premisa, se trata de una historia muy estándar, cargada de todos los tópicos de la fantasía que os podáis imaginar y con un tufillo constante a Final Fantasy. Así que no esperéis nada excepcional en este aspecto. Y, honestamente, dada la clase de juego que es, tampoco es algo que me moleste demasiado.

Porque en un hack and slash lo que importa es la acción, y eso Lost Soul Aside lo hace de fábula. Para empezar precisamente por eso, porque se trata de un hack and slash con todas las de la ley; es decir, un título con combates frenéticos donde la prioridad es hacer combos. Y si es lanzando a un enemigo por los aires y dándole el mayor número posible de golpes antes de que toque el suelo, mucho mejor.

Si sois aficionados al género en seguida os vais a hacer a los controles, pues Lost Soul Aside incluye muchos elementos habituales: ataques rápidos y ataques fuertes, esquivas que si se efectúan en el momento adecuado dan pie a contraataques, bloqueo, ataques cargados, habilidades con cooldown, transformaciones… e incluso unas cuantas variantes del Judgement Cut de Vergil.

Pero Lost Soul Aside también lanza varios ingredientes de cosecha propia a la fórmula. Entre todos ellos, los que más destacan son los enemigos con barra de aguante, una barra que debemos vaciar a base de golpes para poder dejarlos atontados, momento que hay que aprovechar para desatar toda nuestra artillería y culminar con un ataque de fusión antes de que vuelvan a ponerse en pie.

También me gustan mucho los ataques de continuación, unos movimientos que se pueden realizar al final de muchos combos y que permiten extenderlos si pulsamos el botón R2 en el momento exacto. Es una mecánica de riesgo/recompensa muy molona, pues debemos encontrar el hueco entre los ataques enemigos para colar el combo completo… de lo contrario estamos destinados a comer daño.

Y, por supuesto, tenemos varias armas disponibles, todas ellas muy diferentes, con estilos jugables muy marcados y con árboles de habilidades propios que nos permiten desbloquear un buen puñado de nuevos movimientos, mejoras e incluso diferentes efectos para ciertos ataques. 

En otras palabras: a medida que progresamos en Lost Soul Aside, la profundidad del combate se va incrementando de forma exponencial. Y vale, no llega al nivel de Devil May Cry 5, que para mi gusto es la cúspide del género, pero desde luego creo que es un hack and slash muy sólido con un potencial para combos (y para vídeos de combos) tremendo. 

Y todavía no he hablado de lo más interesante y es que también tiene elementos RPG. Al progresar y cumplir objetivos, vamos obteniendo diferentes tipos de armas para cada categoría. Además de distintas estadísticas, como más valor de daño, más valor de ruptura o más probabilidad de críticos, las armas pueden tener efectos elementales, como fuego, hielo o rayo. 

Y sí, si atacamos a un enemigo de hielo con un arma de fuego, le hacemos más daño. Pero no sólo eso: también hay efectos de estado que podemos causar (y nos pueden causar) mediante estos elementos. Y para terminar de rizar el rizo, existen sinergias entre los efectos de estado que nos invitan a combinar distintas armas en combate. 

Me molesta un poco tener que reconocer esto, porque probablemente soy el mayor fan de Final Fantasy XVI que os vais a encontrar, pero admito que justamente esto es lo que se echaba en falta en dicha entrega para tener un mejor combate y, de paso, sentirse un poco más RPG.

Lost Soul Aside tiene también un curiosísimo sistema de accesorios para las armas que nos permiten añadirles diferentes efectos. Esto ya es de por sí interesante, pues nos permite personalizar al máximo el comportamiento de cada arma, pero lo mejor de todo es que estos accesorios también son cosméticos, de manera que al equiparlos debemos elegir su tamaño y posición.

Y… bueno, ya lo habréis visto, pero es que a grandes rasgos es un editor de armas; se pueden incluso hacer llaves espada. Y sí, estos accesorios se mantienen tanto a la hora de jugar como en las escenas de vídeo. Es una pasada.

Otra cosa que Lost Soul Aside hace muy bien, y que creo que es esencial en los hack and slash, es la variedad de enemigos diferentes a los que nos enfrentamos. Prácticamente dentro de cada nivel del juego aparecen nuevos tipos… y no quiero adelantarme, pero ya os aviso que es un juego con muchos niveles diferentes.

Y si hablamos de los enemigos, es obligatorio hablar también de los jefes, porque son otro de los puntos álgidos del juego y, de nuevo, un elemento clave en todo hack and slash. En Lost Souls Aside, además de haber un montón de jefes, son todos una pasada, tanto por lo bien diseñadas que están sus mecánicas como por el nivel de espectáculo que llegan a alcanzar.

Fuera de los combates, Lost Soul Aside presenta un desarrollo completamente lineal. Los niveles que exploramos también son de carácter lineal, aunque siempre hay algún cofre o algún coleccionable escondido para que rebusquemos por las esquinas.

Ahora bien y, pese a ser tan lineal, el desarrollo es sorprendentemente variado: hay zonas de plataformeo, puzles, desafíos contrarreloj, persecuciones, las pruebas de la dimensión fragmentada (que vienen a ser las misiones secretas de un DMC), e incluso algún escenario algo más abierto donde el juego nos deja pequeñas dosis de exploración.

Pero pese a todo lo bueno que tiene la jugabilidad de Lost Soul Aside, también tiene sus aspectos negativos: el más grave es sin duda la progresión durante las primeras horas. Sin entrar en muchos detalles, el juego tiene un arranque bastante lento y tarda un puñado de horas en darnos opciones jugosas en combate, de ahí que los primeros enfrentamientos sean bastante tediosos y puedan generar una idea equivocada de la verdadera profundidad que esconde el combate.

También creo que a Lost Soul Aside le falta un medidor de estilo o, para que nos entendamos mejor, algún tipo de sistema que nos incentive a alternar entre diferentes movimientos durante los combates. Y aunque te terminas acostumbrando, el control al explorar y en las partes de plataformeo es un poco ortopédico.

Hablemos ahora del apartado gráfico de Lost Soul Aside, que probablemente sea el más irregular de todo el conjunto. La presentación deja mucho que desear, especialmente todo lo relativo a las animaciones y los modelos de los personajes, lo que provoca que tenga en todo momento un look muy amateur que los constantes efectos de partículas no consiguen ocultar.

También tiene muchas escenas de vídeo con secuencias de acción trepidantes, con ese característico estilo bombástico de las producciones asiáticas, aunque los constantes y bruscos movimientos de cámara vuelven a delatar una dirección con poca experiencia.

Pero, por otro lado, también es un juego… bonito. Los escenarios son preciosos desde un punto de vista visual y también destacan por su variedad: tan pronto estás explorando unas praderas con un lago que refleja el cielo, como una ciudad futurista en otra dimensión. Y aquí, de nuevo, se puede apreciar la más que evidente influencia de Final Fantasy.

Y con el apartado sonoro, tres cuartos de lo mismo. Las voces en inglés dejan bastante que desear y la mezcla de audio es terrible: hay diálogos que se escuchan muy bajo, canciones que se cortan abruptamente, ataques con sonidos que no corresponden o directamente sin sonido…

Y, sin embargo, la banda sonora está muy bien y también destaca por su variedad: desde los temas calmados de exploración con un toque etéreo, hasta las canciones cañeras de los combates contra jefe y los desafíos de la dimensión fragmentada. 

Y, como curiosidad, el tema principal de Lost Soul Aside ha sido compuesto por nada menos que Yoko Shimomura. Por si necesitabais más pruebas de que es un Final Fantasy Versus XIII encubierto...

¿Es difícil Lost Soul Aside?

Durante la primera partida no se puede alterar la dificultad de Lost Soul Aside. Y, sin ser un juego brutalmente difícil, hay que reconocer que hay combates bastante complicados que me han llevado unos cuantos intentos. Y eso sin contar los desafíos de la dimensión fragmentada, que pueden llegar a ser realmente complicados.

Por suerte, si os preocupa la dificultad, el juego cuenta con una especie de "modo fácil" en forma de amuletos que obtenemos si morimos muchas veces. Ahora bien, estos amuletos no se pueden utilizar en el resto de dificultades.

Porque una vez superada la historia, se desbloquea el modo difícil. Y una vez superado el modo difícil, se desbloquea el modo pesadilla. Y sobra decir que ambos son un desafío reservado sólo para los jugadores más hábiles.

¿Cuántas horas dura la historia de Lost Soul Aside?

Dado que se trata de un juego de carácter AA y de un hack and slash, un género cuyos juegos no suelen destacar por su duración, me ha sorprendido lo largo que es Lost Soul Aside. 

Terminar la historia puede llevar sin ningún problema 20 horas, e incluso más si tratamos de completar todos los desafíos y conseguir todas las armas y amuletos.

Y además de las misiones de la dimensión fragmentada, también hay un modo boss rush para medirnos frente a todos los jefes de la aventura. Vamos, que no es un juego corto y tiene mucho contenido para ofrecer.

Precio y plataformas disponibles

Lost Soul Aside se lanzó el 29 de agosto de 2025 para PS5 y PC por un precio recomendado de 69,99€ en su edición estándar, tanto en formato físico como digital.

Y creo que este es, por encima de todos, el aspecto que más juega en su contra. En el año de Clair Obscur: Expedition 33 y Hollow Knight: Silksong, dos juegos hechos por estudios pequeños y con recursos limitados, que un título de estas características se lance a precio completo resulta chocante.

Y si a eso le sumamos que, aun no siendo un mal juego en absoluto, su calidad y valores de producción están muy lejos de los de un juego AAA, pues apaga y vámonos.

Alma perdida, corazón encontrado

Yo tampoco pretendo engañar a nadie: es evidente que Lost Soul Aside debería haber estado unos cuantos meses más en el horno para pulir todos los problemas técnicos y sonoros que presenta actualmente. Y no sólo eso, también tiene ciertos problemillas que son fruto de un estudio con muy poca experiencia en el desarrollo de videojuegos... y mucha presión sobre sus cabezas.

Pero, como decía al empezar este análisis, ha sido ponerme a jugar y no dar crédito con lo que me he encontrado, porque de verdad que pese a todas sus carencias es muy buen juego de acción. Y si me hubiese dejado llevar por los comentarios y por el ambiente que lo rodea en estos momentos, probablemente me lo habría perdido.

Así que desde aquí yo os invito a que le deis una oportunidad. Si le teníais ganas después de ver los tráileres o si estáis hartos de que prácticamente todos los juegos de acción 3D de los últimos años hayan optado por seguir la fórmula soulslike, aquí tenéis el juego que abre la puerta al regreso triunfal de los hack and slash.

Reikon Games, creadores de Ruiner, regresan con un nuevo juego que es fiel a los principios de este estudio polaco: crear aventuras cibernéticas en suntuosos mundos de ciencia ficción, que en este caso cobran forma de FPS.

Metal Eden bebe de DOOM Eternal y de los fundamentos más recientes del género, para darnos una historia futurista y una fórmula que busca disparar la adrenalina del jugador. 

¿Lo consigue? Es algo que vamos a comprobar en este análisis de Metal Eden para PS5, PC y Xbox Series X|S, en el que voy a centrarme en los siguientes aspectos.

• La historia y ambientación de Metal Eden
• La jugabilidad de Metal Eden
• El apartado técnico de Metal Eden
• Duración de Metal Eden
• Precio, plataformas y ediciones de Metal Eden
• La opinión de HobbyConsolas sobre Metal Eden
• Nota: lo mejor y lo peor de Metal Eden

Historia de Metal Eden: bienvenidos a un futuro imperfecto

Al plantear los viajes espaciales, las enormes distancias entre planetas son el mayor hándicap. En el mundo de Metal Eden se ha encontrado la solución: almacenar la conciencia humana en núcleos, unos “discos duros vitales” que permiten volcar a esa persona en un nuevo cuerpo cibernético. 

Suena genial, ¿verdad? Eso pensaron los creadores de Moebius, una estación espacial donde se enviaron miles de núcleos, con el fin de terraformar el planeta minero Vulcan… O esa era la intención. La tecnoplaga de la Erosión ha convertido la estación en una trampa mortal, y en ella va a adentrarse ASKA, una androide militar que ha de recuperar los núcleos Alfa.

Pero claro, esto es solo la punta del iceberg. Los creadores de Moebius, los Ingenieros, tienen mucho que decir (y que objetar) en la misión de ASKA; además, nuestra heroína tiene grandes secretos relacionados con estas entidades…

Seguro que os suenan muchos de estos elementos narrativos: desde una protagonista a lo Kusanagi de Ghost in The Shell, que es reconstruida cada vez que muere; hasta las colonias espaciales perdidas, algo que hemos visto en tantos otros juegos. 

El argumento de Metal Eden no va a revolucionar el medio; sin embargo, logra crear una historia interesante con pinceladas reflexivas, sobre temas como la pérdida de la identidad y el valor de los recuerdos.

Es un argumento que necesita exposición, a cargo de los Ingenieros, los cuales acompañan como voz de la conciencia a ASKA: su narración sirve como hilo conductor de lo que sucedió en Moebius. El resto lo ponen las cinemáticas en momentos clave, e incluso se dejan aspectos abiertos a la interpretación del jugador.

El tercer eje de esta historia es diegético, y son los escenarios de Vulcan: ciudadelas gigantescas, estructuras de alta tecnología y lugares de estilo ciberpunk, que nos hablan sobre el sueño fallido de una humanidad demasiado ambiciosa. En las distancias más largas, nos desplazamos por un sistema de raíles, al estilo BioShock Infinite.

Con todo esto, Reikon construye una obra que, pese a reflejarse en muchos precedentes, tiene identidad propia; no muy alejada a juegos de ciencia ficción previos como Echo o Chorus, títulos que también han debido inspirar al estudio.

El gameplay de Metal Eden: así se juega al shooter del mañana

No pensaríais que ASKA pudiese ir a Moebius, coger los núcleos y que el juego terminase a los dos minutos, ¿verdad? Allí le espera el Cuerpo de Defensa Interno, compuesto por legiones de drones, robots, androides y todo tipo de guardias.

Cuando Metal Eden lanzó su demo hace unos meses, un vistazo superficial podía sugerir que era un FPS lineal; pero es a partir del segundo capítulo cuando el juego desvela todo su potencial, gracias a una jugabilidad irresistible.

Al principio, ASKA solo dispone de un fusil automático (que encima, se sobrecalienta). También ha de aprender las acciones básicas, y nosotros lo hacemos con ella: desde el doble salto con impulso a la carrera lateral por muros, sin olvidar el imprescindible gancho para cubrir grandes distancias.

Las nuevas armas llegan con cuentagotas: primero encontramos una pistola, y tardaremos en ampliar nuestro arsenal. Pero todo cambia tan pronto como se activa la mecánica de los núcleos, que permite a ASKA arrancar de los enemigos este corazón mecánico.

Podemos usar un núcleo como granada improvisada al arrojarlo a los enemigos. Después se nos da la opción de absorberlo para recuperar salud; a la vez que se activa un puñetazo cargado especial, pero por tiempo limitado.

De manera paulatina, los enemigos se vuelven más exigentes; no solo por añadir más variedad, sino por sus capacidades. Por ejemplo, hay tropas del CDI con un blindaje que repele las balas: solo podremos quitárselo tras golpearles, o con armas de energía.

Y ASKA no se queda de brazos cruzados. Al avanzar encuentra escopetas, lanzagranadas, fusiles de rayos y más, hasta completar un jugoso arsenal de ocho piezas. Armas que admiten módulos de mejora, gracias al polvo que obtenemos al vencer enemigos, y que se puede canjear en tiendas repartidas por el escenario.

También ella sube de nivel en momentos clave, y dispone de mejoras desbloqueables, gracias a los puntos obtenidos vía hackeo. Ralentizar el tiempo unos segundos, que los enemigos arrojen objetos curativos, recarga mejorada y otras muchas técnicas son accesibles mediante un amplio árbol.

Pero aun con todas estas posibilidades, este no es un juego en el que puedas “campear” ni estarte quieto. Sobrevivir exige esquivar, saltar, disparar sin cesar, encadenar ataques y, en definitiva, mantenerte activo en todo momento. Por suerte, disponemos de un control impecable y totalmente intuitivo.

La combinación de parkour, los núcleos, el arsenal y los poderes de ASKA hace que los enfrentamientos sean un espectáculo. Encadenamos las habilidades a toda velocidad, en niveles que también tienen trampolines, estructuras verticales y portales, al más puro estilo DOOM Eternal.

Pero fijarse justo en el juego de id Software sería limitado. Metal Eden recuerda más a Ghostrunner, en el sentido de plantear un gran reto, enseñarnos a superarlo con una amplia gama de herramientas, y convertirnos en expertos.

Transmite la sensación de vernos al principio superados, para poco a poco aprender y dominar el juego. Y en un momento dado, nos sorprendemos por lo que somos capaces de hacer, casi con los ojos cerrados, en un despliegue fantástico de acrobacias, disparos y habilidades.

Los chicos de Reikon formulan a la perfección esta progresión. De hecho, consiguen articular ese aprendizaje en la propia historia: ASKA al principio (y nosotros con ella) muere varias veces, pero se vuelve cada vez más poderosa y letal. Hasta uno de los Ingenieros se lo comenta a la protagonista.

Con todo esto, Metal Eden ya sería notable; pero es que también se permite fases vehiculares, escenarios en los que ASKA se puede transformar en una esfera móvil, a lo Metroid, dotada de armas propias. 

Hay secciones en las que debemos defender un rincón concreto hasta que se active la salida; y otras donde nos enfrentamos a tres oleadas de enemigos. Formas idóneas de extender la longitud de un juego que, como veremos, no abusa de las horas.

Aunque los niveles son lineales, se permiten algún secreto que otro; entre ellos, las vidas adicionales (que vienen de lujo contra los jefazos), y salas en las que al coger suministros, nos tienden una emboscada. También hay puzles contextuales para abrir puertas, y retos de reflejos que desbloquean cerraduras.

Hablando de jefes finales: los encontramos, si bien el verdadero desafío son las masas de enemigos. Estos jefazos ofrecen combates muy originales, pero resultan demasiado escasos. Un tirón de orejas dentro de una experiencia fantástica.

Apartado técnico de Metal Eden: gráficos y rendimiento

Las críticas que recibe Unreal Engine 5 en los últimos tiempos no son aplicables a Metal Eden. Tiene un desempeño impecable en los dos modos disponibles: Rendimiento y Calidad; este último más notable en PS5 Pro, que sube la tasa de frames hasta ofrecer la combinación perfecta de gráficos y estabilidad.

Eso sí, tampoco es que el motor esté trabajando a destajo. Los grandiosos escenarios del juego se mueven muy bien, pero no hacen alardes excesivos en términos de iluminación, partículas y otros efectos. Podría pasar perfectamente por un juego de la generación previa.

Ocurre algo parecido con los modelos de personajes y enemigos: son buenos, aunque no parezcan propios de un AAA. Hasta las armas y sus animaciones tienen mejor detalle. Es un conjunto adecuado, en la justa medida (y medios disponibles) de Reikon Games. Unos toques de sangre y gore rematan el apartado.

En cambio, la banda sonora no tiene pega alguna. Es una música dinámica que sabe elevar el tono en los momentos más intensos, por medio de sintetizadores, ritmos techno y hasta coros.

Metal Eden solo tiene doblaje en inglés, y es más que correcto… Al menos, la parte humana. Ciertas locuciones han sido creadas con IA generativa, un aspecto que le ha valido críticas al juego en Steam. Los subtítulos en castellano son impecables.

¿Cuánto dura Metal Eden?

Frente a otros juegos que inflan su duración de manera exagerada, en Reikon han optado por ir al grano. Es un título intenso y con un ritmo idóneo, repartido a lo largo de ocho misiones, que duran unas 5 horas. No incluye modo multijugador.

Es una duración ligada a la dificultad Normal, ya que el desafío varía si escogemos el resto de niveles disponibles: Fácil, Difícil y Brutal. Sus diferencias radican en la agresividad de los enemigos, el daño que provocan, la velocidad de sus disparos y la efectividad de los objetos curativos.

En cuanto a los alicientes para repetir partida, no son nada del otro jueves. Siempre puedes volver a empezar para desbloquear las habilidades que tengas pendientes. Y si eres muy completista, te queda la opción de revisar cada rincón en busca de las vidas y objetos que no hayas cogido. Pero eso es todo.

Precio y plataformas de Metal Eden

El FPS de Reikon Games está disponible desde el martes 2 de septiembre de 2025, en PlayStation 5, Xbox Series X/S y PC (vía Steam). Sale a la venta en formato físico y digital.

Su única edición sale además a la venta por un precio de lo más atractivo: 39,99 euros, perfecto para disfrutar de esta aventura de ciencia ficción.

La suma de los factores eleva el juego

Metal Eden no esconde que algunas de sus ideas las hemos visto en juegos anteriores. Tampoco pretende engañar a nadie, y esa honestidad consigue crear un juego con señas propias de identidad. 

Puede que ASKA no sea la heroína más original de la historia, al igual que su aventura. Pese a ello, Metal Eden consigue mantener nuestra atención por completo durante su escueta duración, tanto en el plano jugable como en el narrativo.

El nuevo proyecto de Reikon consigue así entrar en el grupo más selecto de la actualidad: el de los juegos AA que son apuesta segura y tienen un precio atractivo, como Mafia: The Old Country o Clair Obscur: Expedition 33.

Tras un necesario retraso, el estudio polaco ha dado en la diana con Metal Eden. Con él, demuestran ser un estudio con un inmenso potencial, ya plasmado en este y su anterior juego, pero que llevarán a un nuevo nivel con su próximo estreno.

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Porque sus responsables, el estudio francés Rogue Factor, lo describen como un juego sin mapa ni marcadores, que no nos lleva de la manita y nos obliga a prestar mucha atención al entorno para avanzar y descubrir sus secretos. Pero también insisten en que no es un soulslike… pese a que basta un vistazo a sus combates para darse cuenta de que la influencia Souls está ahí.

Así que empecé a jugar pensando que iba a encontrarme con el enésimo soulslike (y no lo digo como algo malo; me los fumo todos con mucho gusto), pero, sin embargo, la sorpresa ha sido mayúscula: Hell is Us tiene un poco de Souls, desde luego, pero también tiene un poco de Resident Evil e incluso un poco de The Legend of Zelda.

Y aunque esta curiosa combinación no está exenta de problemas, el resultado es una de las experiencias más estimulantes y sorprendentes de todo 2025.

El análisis de Hell is Us para PS5, Xbox Series X|S y PC en Hobby Consolas:

• La historia de Hell is US
• El gameplay de Hell is Us
• La exploración de Hell is Us
• Nivel de dificultad de Hell is Us
• ¿Cuántas horas de juego dura Hell is Us?
• Cuánto cuesta Hell is Us y dónde puedes jugarlo
• La opinión de HobbyConsolas de Hell is Us
• Nota: lo mejor y lo peor de Hell is Us

Historia y narrativa de Hell is Us

Hell is Us nos pone en el papel de Remi, un ex-militar que decide volver a Hadea, el país donde nació, para encontrar a sus padres. ¿Problema? Hadea lleva años aislado del resto del mundo y, actualmente, se encuentra en mitad de una guerra civil entre dos facciones con diferentes creencias religiosas… pero los mismos métodos salvajes.

Por si eso no fuera suficiente, por todo el país también han empezado a aparecer unas inquietantes criaturas sin rostro que atacan a todo el que se ponga por delante y son inmunes a las armas convencionales, provocando que Hadea y sus habitantes estén sumidos en el más absoluto caos.

La narrativa es sin duda uno de los aspectos más trabajados de Hell is Us, con un lore sorprendentemente profundo en el que han tenido en cuenta prácticamente de todo: desde las numerosas regiones que componen Hadea, hasta las costumbres de sus habitantes o los acontecimientos sociales, políticos y religiosos que han moldeado el país en toda su historia.

Pese a que para alguien como yo el gran reclamo de Hell is Us era la ciencia ficción (la idea de pelear contra criaturas inexplicables en un entorno postapocalíptico), me ha sorprendido descubrir que el conflicto bélico, la parte realista, tiene aún más importancia y resulta igual (o más) interesante.

Y digo realista porque no hay que ser ningún lince para ver las similitudes que existen entre los palomistas y los sabinianos, las facciones conservadora y progresista que presenta el mundo de Hell is Us, y los conflictos que abren nuestros telediarios todos los días.

Porque otro de los aspectos más sorprendentes de Hell is Us es su crudeza: el juego no tiene reparos a la hora de retratar los horrores de la guerra, mostrando ejecuciones en plena calle, cuerpos chamuscados, extremidades amputadas, mujeres violadas en sus propias casas o niños colgando de los árboles. No es un juego para estómagos sensibles.

Y no todo es guerra, el juego también tiene una buena dosis de intriga y misterio, dando especial importancia a las sociedades secretas y las conspiraciones, e incluso una pizca de terror fruto de sus inquietantes enemigos y lugares inexplicables para la mente humana a los que nos lleva la historia. 

Tiene también un rollito raruno, pero raruno en el buen sentido: he visto comparaciones con los trabajos de Kojima, pero yo diría que está más cerca de los últimos juegos de Remedy, Control y Alan Wake 2.

Y pensaréis que todo eso está genial (y lo está), pero presenta un pequeño gran problema: Hell is Us depende fuertemente de la predisposición que tenga el jugador para sumergirse en su narrativa. Para disfrutarlo como es debido, hay que empaparse de su mundo, leer diarios, prestar atención a lo que nos cuentan y, en general, tomárselo con mucha calma.

He disfrutado de todo este proceso porque el juego está muy bien escrito (no sólo los diálogos, también todos los diarios, mails y grabaciones que encontramos), pero me imagino que muchos ya estaréis resoplando ante la idea de tener que andar leyendo documentos.

Y no me extrañaría que mucha gente lo abandone a las pocas horas, especialmente teniendo en cuenta que Hell is Us tampoco se corta a la hora de “vomitar” nombres de personajes históricos, regiones y costumbres religiosas completamente ficticios. Una jerga que tiene sentido dentro de su universo, pero para eso el jugador debe haber superado antes el “período de aprendizaje”.

Además, pese a que la construcción de mundos es soberbia, la trama principal se queda a medio gas; logra mantener nuestro interés durante la mayor parte del tiempo, pero para mí gusto no han sabido rematarla satisfactoriamente. Así que si alguien jugase limitándose a seguir el camino principal, se estaría perdiendo lo mejor a nivel narrativo de Hell is Us.

Jugabilidad y gameplay de Hell is Us en PS5, Xbox Series X|S y PC

Hablemos ahora de la jugabilidad, porque también tiene su miga. Hell is Us combina acción, exploración y puzles, todo ello con el añadido de no contar con mapa ni indicadores en pantalla que señalen la dirección en la que debemos ir o lo que debemos hacer a continuación. 

La acción es donde se pueden apreciar claramente los elementos Souls, como la gestión de energía al atacar y esquivar, los diferentes tipos de armas y su comportamiento, el inventario para usar objetos en combate o incluso la presencia de un parry (con una ventana bastante generosa, todo sea dicho). 

Que vale que ninguno de estos elementos es exclusivo de los soulslike, pero la forma en que se han implementado es exactamente la misma que estamos acostumbrados a ver en este subgénero. Sus creadores han llegado a decir que Hell is Us es un hack'n slash, pero honestamente lo que hay aquí se parece infinitamente más a un Dark Souls que a un Devil May Cry, por citar dos ejemplos.

Ahora bien, el combate de Hell is Us también incorpora dos elementos bastante llamativos: el primero es que al perder salud, la barra de resistencia también se reduce. En otras palabras: cuanta menos vida tenemos, menos ataques y esquivas podemos realizar antes de que el personaje se agote.

Esto, que puede sonar un poco excesivo, va ligado al segundo elemento: después de atacar, podemos pulsar el botón R1 en el momento adecuado para que el personaje recupere salud equivalente al daño realizado. Es una mecánica calcada al pulso de ki de la saga Nioh, con la particularidad de que aquí nos permite curarnos sin necesidad de gastar objetos.

Pese a todo esto, el combate de Hell is Us es lo más flojo de todo el conjunto debido a varios problemas importantes. Por un lado, está la variedad de armas: hay cuatro tipos diferentes, pero el repertorio de movimientos es bastante limitado y siempre el mismo dentro de cada tipo, lo que en esencia significa que en Hell is Us sólo hay cuatro armas.

Se intenta compensar con un gran repertorio de habilidades que molan bastante, especialmente las que están asociadas al dron, pero no logran evitar que el sistema de combate que se presenta en las primeras horas apenas evolucione en toda la aventura.

Y lo mismo sucede con los enemigos: pese a que hay variantes e intentan darles un toque diferente a través de unas extrañas entidades de colores que debemos derrotar antes de poder hacer daño al huésped (o huéspedes), al final te quedas con la sensación de pelear siempre contra los tres mismos tipos de humanoides pálidos.

Hay un sistema de mejora de armas que parece complejo en un inicio, con cuatro tipos de emociones diferentes que cambian la forma de las armas y sus efectos… Pero pronto todo eso cae en saco roto. Yo desde luego no he notado gran diferencia entre hacer daño de terror o de éxtasis, y al final me he decantado por las emociones (o los colores, más bien) que tenían asociadas las habilidades más útiles.

Es más, los elementos RPG de Hell is Us son bastante reducidos: el personaje no gana experiencia, ni sube de nivel, ni hay que preocuparse (demasiado) por estadísticas. Lo más importante a tener en cuenta es el nivel de las armas, que aumenta con el uso, y el del equipo defensivo para estar bien protegidos.

Pero antes de desdeñarlo como un juego con mal combate, creo que hay que tener algo en mente: mientras que en los soulslike el combate y los elementos RPG son el engranaje principal de la jugabilidad, en Hell is Us es sólo una parte, pues la exploración y los puzles tiene el mismo protagonismo. 

Y teniendo esto en cuenta, diría que el combate, pese a no ser el punto fuerte de Hell is Us, cumple con creces.

Exploración y puzles de Hell is Us

Así que veamos qué pasa con la exploración. Efectivamente, en Hell is Us no hay mapa, ni indicadores; en lugar de eso, debemos entablar diálogos con NPCs para obtener información, seguir las indicaciones que descubrimos y deducir soluciones a través de objetos y pistas visuales.

De primeras, esto causa mucha impresión; en las primeras horas de juego, temía salirme del camino por si me perdía en los escenarios. Sin embargo, la cosa tiene truco: toda la información relevante para progresar, queda convenientemente anotada en una PDA que podemos consultar en cualquier momento. Y, por lo general, nos lo dan todo bastante mascadito.

Lógicamente, de nosotros depende interpretar correctamente esa información. Por ejemplo, si nos dicen que el lugar que buscamos se encuentra al suroeste pasadas unas colinas, nos tocará sacar la brújula y prestar atención al escenario para orientarnos. Pero aun con esto es bastante difícil perderse.

Esto se debe también a la estructura de juego, que es bastante curiosa. Pese a que lo describen como un título de mundo semiabierto (no tengo muy claro lo que eso quiere decir), la realidad es que Hell is Us está dividido en escenarios. Hay un gran número y la mayoría son de tamaño medio, ni muy grandes ni muy pequeños. De ahí que sea complicado perderse. 

Los escenarios se van desbloqueando al progresar en la historia, pero el orden en el que lo hacen depende de los objetivos que decidamos perseguir. Es posible viajar entre todos ellos con bastante libertad, de hecho es muy común volver a escenarios ya visitados, pues las soluciones a muchos enigmas se suelen esconder en otras partes de Hadea.

Pero lo mejor es su variedad: hay escenarios al aire libre en los que podemos encontrar bosques, iglesias, lagos, ruinas ocultas... Pero también hay escenarios que consisten en un pueblo en llamas o que se desarrollan al completo en el interior de un edificio gubernamental. En todos estos casos el diseño de niveles está muy trabajado, pero donde brilla con más fuerza es en las mazmorras.

Porque, sí, Hell is Us también tiene mazmorras: gigantescos calabozos con un diseño más cerrado pero muy intrincado que visitamos como parte del camino principal. Y es inevitable acordarse de The Legend of Zelda al hablar de ellas, porque comparten muchos elementos: suelen tener una temática principal, están llenas de enemigos, esconden toda clase de acertijos y, por supuesto, al final nos espera un jefe. No hay muchas, pero las he disfrutado todas una barbaridad.

Y ahora es buen momento para hablar de la tercera pata que compone la jugabilidad de Hell is Us: los puzles. Todo el desarrollo está salpicado por rompecabezas de mayor o menor complejidad; hay cosas sencillas, como dar con la llave que abre una cerradura, pero también muchas que te obligan a comprobar detenidamente toda la información que tienes a tu alcance, ya sean diarios, objetos o incluso elementos del escenario, para encontrar la solución. Y hay puzles muy ingeniosos.

Es inevitable acordarse de la saga Resident Evil, tanto por los constantes acertijos como por la ambientación espeluznante. Vamos, si cambiásemos los combates cuerpo a cuerpo por tiroteos, Hell is Us no se diferenciaría mucho de un survival horror.

Gracias a la exploración no guiada y los puzles, han logrado que tengamos en todo momento la sensación de estar desenterrando secretos, descubriendo lugares que llevaban siglos abandonados y encontrando tesoros olvidados. Y sobra decir que es una sensación muy satisfactoria.

Para concluir este apartado, quiero dedicarle unas líneas a la parcela audiovisual. Hell is Us no es un juego que destaque en exceso en lo técnico, pero logra dejarnos a menudo con estampas dignas de captura gracias a su potente dirección artística. 

Hadea tiene localizaciones realmente preciosas, como pueblos idílicos en lo alto de una colina o una imponente montaña a la orilla de un lago, que se funden de manera grotesca con los horrores de la guerra y con las estructuras de estilo límbico que se pueden encontrar por todo el país. Es como estar al mismo tiempo en una zona de guerra y un planeta alienígena.

Un elemento que me ha llamado mucho la atención es la interfaz de la PDA, que hace gala de un estilo retrofuturista muy similar al de Returnal, con esa tipografía verde y carácter sobrio. Y es algo que se aplica también a la banda sonora: sin ser especialmente destacable, las melodías con sintetizador funcionan muy bien dentro del contexto de Hell is Us y recuerdan al juego de Housemarque. 

Lo que sí hay que destacar son las voces, pues la mayoría de personajes están sorprendentemente bien actuados. Pero, por encima de todo, me ha alegrado mucho volver a escuchar en un papel protagonista la rasgada voz de Elias Toufexis, que interpretó a Adam Jensen en las últimas entregas de Deus Ex.

¿Es difícil Hell is Us?

Hell is Us cuenta con tres niveles de dificultad entre los que se puede cambiar en cualquier momento: indulgente, equilibrada e implacable. Y ya en el nivel medio es un juego bastante desafiante; es especialmente importante saber gestionar los grupos de enemigos, pues la ventaja numérica es una de sus mayores armas frente a nosotros y, si nos rodean, es complicado sobrevivir.

Además, los enemigos se mueven de formas extrañas y tienen patrones impredecibles que hacen que sea muy complicado saber cuándo van a atacar... o continuar atacando. Al principio me resultaba molesto, pero me he terminado acostumbrando y creo que es hasta necesario, pues de lo contrario sería muy sencillo abusar de la mecánica de recuperación de vida.

Como curiosidad, en Hell is Us no hay penalización por morir... salvo que queramos que así sea. Por defecto viene desactivada, pero en el menú encontramos una opción que provoca que perdamos la experiencia acumulada de las armas y los fragmentos obtenidos, además de hacer que los enemigos reaparezcan cuando nos derrotan.

Y dada la importancia que tienen los puzles, también hay que hablar de su dificultad. Reconozco que no soy muy fan de los rompecabezas y que no se me dan especialmente bien, pero aun así no me he atascado demasiado. 

Eso sí, requieren que prestemos mucha atención, que exploremos hasta el último rincón y que lo leamos todo con detenimiento, así que, como ya decía antes, Hell is Us no es un juego para impacientes. Pero esa es precisamente la gracia: sentir que el único marcador que nos guía y nos ayuda a progresar es nuestro propio ingenio.

¿Cuántas horas dura la historia de Hell is Us?

Pese a ser un juego de carácter AA, Hell is Us incluye una sorprendente cantidad de contenido. Calculo que la historia principal se puede completar en entre 25 y 30 horas, pero son números muy volátiles que dependen de nuestra habilidad para darle al mando y al coco.

Además, fuera del camino principal hay muchas cosas por hacer y secretos por descubrir: buenas obras para ayudar a los habitantes de Hadea, misterios regionales, cámaras secretas, bucles temporales... Y aunque el juego tampoco nos guía en ese aspecto, desde la PDA podemos hacer un seguimiento de todo el contenido opcional.

Ahora bien, mucho ojo porque hay unas cuantas misiones secundarias que, si no se completan a tiempo, se dan por fracasadas. Esto puede ser un poco molesto, pues dado que el juego no da demasiadas indicaciones, es muy fácil pasar por alto lugares, NPCs u objetos, y al hacerlo, estar fallando misiones sin saberlo.

Habría estado bien que Hell is Us contase con la posibilidad de crear diferentes partidas guardadas dentro de un mismo archivo para evitar esto.

Precio y plataformas disponibles

Hell is Us se lanza para PS5, Xbox Series X|S y PC el 4 de septiembre de 2025 a un precio recomendado de 59,99€, tanto en físico como en digital.

En ambos formatos, existen dos ediciones: la edición estándar, que incluye el juego, y la edición deluxe, que incluye el juego, 72 horas de acceso anticipado, tres packs cosméticos, banda sonora y libro de arte digitales, un código secreto in-game y una steelbook (en el caso de la edición física) por un precio de 79,99€.

El infierno es para los valientes

Hell is Us es uno de los juegos más valientes de todo 2025 por muchos motivos. Teniendo en cuenta que vivimos en una era en la que los desarrolladores se ven obligados a recurrir a trucos burdos, como la infame pintura amarilla, es muy valiente que este equipo se haya atrevido a crear un juego que confía plenamente en las capacidades de la persona que está al otro lado de la pantalla.

Muchas de sus decisiones de diseño también son un ejercicio de valentía, como la forma que tiene de retratar los horrores de la guerra (sin recrearse, pero también sin cortarse ni un pelo), el confiar en la predisposición de los jugadores para extraer y asimilar su narrativa o esconder una gran parte de contenido (contenido de calidad) para que sólo lo encuentre quien lo busque de verdad.

Y eso por no hablar de que se lanza el que probablemente sea el peor día de 2025. Mientras que otros estudios han huido despavoridos del "día S", en Rogue Factor han decidido seguir adelante con la fecha prevista aun a sabiendas de que mucha gente estará jugando a otra cosa.

Es una verdadera lástima, porque su mezcla de acción con elementos Souls, exploración no guiada, puzles a lo Resident Evil y mazmorras a lo Zelda me ha terminado conquistando. Si tuviese más variedad de enemigos y armas y hubiesen rematado mejor la trama principal, estaríamos ante un juego sobresaliente.

Y aun con esos defectos, ha sido uno de los juegos que más me han enganchado en lo que va de año, y eso son palabras mayores teniendo en cuenta la cantidad de juegazos que llevamos.

Así que espero de corazón haber sido capaz de transmitir lo mucho que me ha gustado Hell is Us y que eso os anime a darle una oportunidad, sea ahora o dentro de un tiempo. Yo ya os he dado las pistas, ahora depende de vosotros seguirlas y abrir la puerta para descubrir este tesoro.

Siguiendo la tendencia de Zelda Breath of the Wild y Tears of the Kingdom con las Nintendo Switch 2 Edition o de Super Mario Party Jamboree, la compañía nipona ofrece más alicientes para darle una primera oportunidad a Kirby o exprimir el juego al máximo en caso de que ya lo hicieras.

Aquí no me centraré en el juego base, ya que para eso está el análisis de Kirby y la tierra olvidada que ya realizamos en su momento. Así que, más allá de un pequeño repaso a las principales bondades de la aventura, en esta review encontrarás toda la información y opinión relacionada con el nuevo contenido de El mundo Astral y las mejoras que llegan con esta versión.

¿Qué se incluye en esta edición? ¿Merece verdaderamente la pena? ¿Sigue Kirby con hambre? Vamos con el análisis de Kirby y la tierra olvidada Nintendo Switch 2 Edition + El mundo astral:

• Recuerdo y repaso de Kirby y la tierra olvidada: gameplay e historia
• Las novedades de Kirby y la tierra olvidada Nintendo Switch 2 Edition + El mundo astral
• El nivel de dificultad de Kirby y la tierra olvidada Nintendo Switch 2 Edition + El mundo astral
• La duración de Kirby y la tierra olvidada Nintendo Switch 2 Edition + El mundo astral
• Precio y plataformas de Kirby y la tierra olvidada Nintendo Switch 2 Edition + El mundo astral
• La opinión de HobbyConsolas sobre Kirby y la tierra olvidada + El mundo astral
• Nota: lo mejor y lo peor de Kirby y la tierra olvidada + El mundo astral

Kirby y la tierra olvidada: un juego único dentro de Switch

Kirby y la tierra olvidada es uno de esos juegos que sirven para ejemplificar por qué Nintendo Switch cuenta con uno de los mejores catálogos de la historia de las consolas de la compañía. Pese a la gran cantidad de juegos que atesora el género de las plataformas, esta aventura se siente única.

Nos encontramos ante un plataformas que sabe lo que quiere y acierta al entregarlo. Consta de gameplay pensado para cualquier tipo de jugador, nuevas ideas que potencian las bases de la saga, un apartado técnico/artístico indudablemente atractivo y un diseño de niveles de categoría.

En su momento, se comparó a Kirby y la tierra olvidada con Super Mario Odyssey por su planteamiento 3D más abierto, y si bien puedo llegar a compartir algo de esa idea, creo que la comparativa es injusta para el juego que aquí nos ocupa.

No lo digo porque uno sea mejor que otro, sino porque el salto a las tres dimensiones de nuestra querida bolita rosada se apoyó en otros elementos diferentes. Aquí no hablamos de un control excelso, mundo enteros que conocer y una promesa de libertad. Este Kirby se sustenta en un concepto muy propio de Nintendo, pero que aquí alcanza su forma más destilada y sobresaliente.

Hablo de la curiosidad. Cada uno de los niveles que nos dejó HAL Laboratory es toda una lección de cómo captar la atención de los jugadores y jugadoras alimentándoles a base de constantes y pequeñas recompensas en forma de retos y coleccionables que encontrar.

No es fácil generar curiosidad a estas alturas de la película, pero este Kirby lo consiguió entregando una serie de niveles vinculados a un término que jamás asociaríamos a un personaje redondo y blandito: postapocalíptico.

El colorido y alegre planeta Pop de Kirby desaparece al llegar a esta Tierra Olvidada, que no representa otra cosa más que nuestro propio planeta completamente sentenciado. A lo largo de los seis mundos que recorreremos veremos qué ha sido de la extinta civilización humana.

Ciudades en ruinas donde hormigón y vegetación se entrelazan recordando a Seattle en The Last of Us Parte 2, mares desérticos al más puro estilo Mad Max, circos y otros lugares de ocio en donde solo el óxido se divierte... Todo eso y más lo encontramos en los niveles de este juego.

En un primer momento, la misión de Kirby de rescatar a los Waddle Dees de este mundo acabado te choca. Pareces estar fuera de lugar... y lo cierto es que eso es lo que HAL Laboratory busca provocar.

No obstante, incluso si no te está convenciendo el estilo, sigues jugando y avanzando debido a que cada nivel resulta completamente adictivo. Las numerosas habilidades de copia y la transmorfosis (el Carby, especialmente) hacen que cada recorrido sea profundamente divertido.

Sus retos no son necesariamente complicados y la sencillez mecánica que lleva por bandera puede empequeñecerlo a ojos de algunos, pero una vez Kirby empieza a engullir... el juego inicia una curva ascendente que cada vez resulta más gratificante subir.

El salto al 3D mantiene la linealidad de los niveles, pero esto no es algo malo, especialmente por el gran manejo de las perspectivas y la posición de la cámara. Cada fase es una experiencia en sí misma y no pasa un segundo sin que te estés preguntando qué secreto, desafío secundario o habitación oculta encontrarás a continuación.

Por supuesto, esa curiosidad es inducida, controlada por el propio juego, pero lo hace tan bien que la posible artificialidad queda prácticamente diluida. Nintendo mueve los hilos con una excelente maestría para transmitir todo aquello que desea generar en el jugador.

Quizá Kirby y la tierra olvidada nunca llegó a consagrarse como el mandamás de Nintendo Switch dentro de las plataformas y quizá le falte un toque de esa excelencia vista en otras obras, pero es un juego verdaderamente especial; que ahora se blinda con más contenido y mejoras.

Las novedades de Kirby y la tierra olvidada Nintendo Switch 2 Edition + El mundo astral

Esta nueva versión me recuerda a la jugada que vimos con Super Mario 3D World + Bowser's Fury, juego que guarda algún que otro parentesco con Kirby y la tierra olvidada. Nuevos niveles se suman al título en forma de un mundo adicional.

Sin embargo, este mundo astral se ubica directamente en dentro de niveles ya existentes que se reformulan tras la caída de un misterioso meteorito que amenaza con poner todo patas arriba. Kirby tendrá que recuperar a unos seres llamados Astralines para evitar que se desencadene la catástrofe.

Es aquí cuando aparecen una serie de niveles que se vinculan a pasadas fases que ya habíamos completado. No obstante, no temas, ya que cada nivel se siente completamente diferente al original. La jugabilidad se mantiene, pero cada uno es una nueva aventura.

Esto es posible gracias a la mecánica principal del mundo astral, unas flores que desbloquean caminos de estrellas invisibles al ser golpeadas. En pantalla, este recurso es sumamente efectista a en el plano visual que te transporta directamente a otros juegos del personaje.

El mundo astral parece renegar de esa estética postapocalíptica de la que hablaba antes. No obstante, el juego no cae en la contradicción y logra vincular el color y las estrellas de toda la vida con lo que se planteó para este juego. Además, los fans pillarán algunos guiños.

Y, a la par, gracias a las tres nuevas transmorfosis (la mejor es el muelle) se sigue expandiendo el gameplay de nuevas maneras. Para que quede más o menos claro, estas doce fases nuevas cuentan con un diseño equiparable al de los mejores niveles del juego base.

No obstante, sí que me habría gustado ver alguna que otra habilidad de copia más o que el planteamiento (rescatar a los astralines) no se asemejase tanto al de salvar a los Waddle Dees. Aquí se podría haber sido un poco más original y atrevido con el contenido añadido.

También echo de menos más minijuegos, aunque la llegada de la Copa definitiva Z+ al coliseo de la Ciudad de los Waddle Dees es algo digno de mención, así como la posibilidad de abrir más gachapones centrados en este "DLC". La bolita saca otras bolitas.

Y más allá del contenido que recibe el juego, el otro gran aliciente para probar esta nueva versión es la mejoría técnica que experimenta. Del mismo modo que los pasados Zelda de mundo abierto en Switch, Kirby y la tierra olvidada gana en resolución y ahora alcanza los 60 fps en todos sus niveles.

Desde luego, es todo un lujo disfrutar de una mayor tasa de fotogramas por segundo, ya que en su momento esta estaba limitada a 30 fps y en algunas de las zonas más abiertas o movidas se podían apreciar algunas caídas que lastraban la experiencia de juego. No he encontrado apenas bajones en esta nueva versión.

¿Es difícil Kirby y la tierra olvidada Nintendo Switch 2 Edition + El mundo astral?

El juego nunca planteó un reto muy complicado al estar enfocado a todos los públicos y al igual que en el contenido base, los nuevos niveles no cuentan con una excesiva dificultad. Eso sí, algunos enemigos específicos de El Mundo Astral aguantan más golpes.

Hay algunos retos un poco más desafíantes y el endgame es más complicado en varios de sus extras, pero al contar con objetos y potenciadores, todo se sobrelleva sin demasiados problemas. 

Y en cuanto a opciones, se mantienen las dos dificultades que ya estaban presentes antes y siempre puedes jugar en cooperativo con otra persona para que cada nivel resulte un poco más sencillo.

¿Cuánto dura Kirby y la tierra olvidada Nintendo Switch 2 Edition + El mundo astral?

Completar el contenido principal de Kirby y la tierra olvidada no debería llevarte más de 12 horas. No obstante, el juego cuenta con una buena cantidad de contenido secundario en forma de minijuegos y obtener todos los Waddle Dees no es una tarea tan sencilla.

Por lo tanto, alcanzar el 100% requiere más de 20 horas de juego, como mínimo. A esto se le suman los nuevos niveles. El contenido extra de "El mundo astral" puede dar para otras 5 horas de juego en total, aproximadamente.

En resumen, la altísima rejugabilidad de Kirby y la tierra olvidada y su completo endgame ahora quedan apuntalados por más contenido inédito con el que seguir viviendo aventuras. Si deseas exprimir esta Nintendo Switch 2 Edition, calculo que 30 horas no te las quita nadie.

Precio y plataformas de Kirby y la tierra olvidada Nintendo Switch 2 Edition + El mundo astral

Kirby y la tierra olvidada Nintendo Switch 2 Edition + El mundo astral para Nintedo Switch 2 tiene un precio de 79,99 euros en formato físico y digital. No obstante, si contabas con el juego base, puedes hacerte con el nuevo contenido por separado.

El Paquete de Mejora tiene un precio de 19,99 euros e incluye todas las novedades anteriormente citadas. Recuerda que El mundo astral y todos los añadidos solo están disponibles en Nintendo Switch 2. 

Al contrario que con los Zelda, la suscripción a Nintendo Switch Online + Paquete de Expansión no te permite acceder gratis a este Kirby y la tierra olvidada Nintendo Switch 2 Edition + El mundo astral si ya contabas con el juego en la Nintendo Switch original.

Un juego tan redondo como Kirby

Jugar a Kirby y la tierra olvidada se siente tan liviano como cuando levitas con el personaje. La simpleza de sus controles y sistemas, así como su diseño lineal, no impiden que este título se establezca como uno de los plataformas más completos de los últimos años.

La Nintendo Swicth 2 Edition reafirma esta valoración al poner solución a algunas de las asperezas técnicas que poseía el juego base, mientras que lo blinda con nuevos añadidos bastante inspirados, aunque continuistas, que vuelven a recalcar el gran diseño visto en 2022.

De la misma manera que lo ocurrido con Kirby's Return to Dream Land Deluxe. Hacerse con esta nueva versión merece la pena si no jugaste en su momento. Si ya lo hiciste, quizá el nuevo contenido no se establezca como un imprescindible, pero si eres fan, disfrutarás mucho de las novedades.

Podríamos haber recibido alguna que otra fase adicional y un poco más de contenido extra que premiase a los jugadores y jugadoras más fieles, pero Kirby y la tierra olvidada Nintendo Switch 2 Edition + El mundo astral ya es la versión definitiva de un juego que no debería caer en el olvido.

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Un regreso que se ha hecho de rogar, pues no se lanzaba un nuevo Shinobi desde 2011. Y es bastante llamativo porque, en su día, fue una de las sagas estrella de SEGA, especialmente en la época de los 16 bits, donde nos dejó aquel Shinobi III que está considerado como uno de los mejores juegos de Mega Drive.

La verdad es que 2025 está siendo el año de los sueños para cualquier fan de los ninjas, pues no hace ni un mes estábamos disfrutando de Ninja Gaiden: Ragebound, de los españoles The Game Kitchen, que han sabido modernizar con mucho acierto la jugabilidad clásica de la saga de Tecmo.

Veamos ahora si Lizardcube ha estado a la altura y han sido capaces de devolver a Joe al lugar que se merece con su nuevo juego.

El análisis de Shinobi: Art of Vengeance para PS4, PS5, Xbox One, Xbox Series X|S, Nintendo Switch y PC de HobbyConsolas:

• El gameplay de Shinobi: Art of Vengeance
• Nivel de dificultad de Shinobi: Art of Vengeance
• ¿Cuántas horas de juego dura Shinobi: Art of Vengeance?
• Cuánto cuesta Shinobi: Art of Vengeance y dónde puedes jugarlo
• La opinión de HobbyConsolas de Shinobi: Art of Vengeance
• Nota: lo mejor y lo peor de Shinobi: Art of Vengeance

Jugabilidad y gameplay de Shinobi: Art of Vengeance

Con Shinobi: Art of Vengeance, la saga vuelve al formato con el que nació: la acción hack'n slash de scroll lateral. Sin embargo, Lizardcube le ha dado su toque personal, demostrando todo lo que aprendieron con Streets of Rage 4 y modernizando la jugabilidad, pero al mismo tiempo conservando un estilo muy clásico.

Y lo primero que hay que destacar es el control, que responde con precisión absoluta pese a la velocidad a la que se mueve Joe. Es una auténtica gozada abrirse paso por los escenarios saltando por encima de obstáculos, pegando volteretas, corriendo por las paredes y, por supuesto, cortando enemigos por la mitad.

El combate es uno de los aspectos clave de Shinobi: Art of Vengeance y es uno de los aspectos donde más se nota la mano de Lizardcube, pues le han dado cierto toque de beat'em up mediante  ataques que se pueden encadenar para lograr combos casi infinitos.

Pero, sobre todo, destaca lo bien diseñado que está, con mecánicas muy ingeniosas que nos obligan a sacar partido de todas las herramientas a nuestra disposición para sobrevivir, y con las que la jugabilidad alcanza un nivel muy técnico, rozando la profundidad de los mejores hack'n slash.

Además de poder realizar ataques rápidos, ataques fuertes y lanzar kunais, Joe cuenta con una serie de habilidades que son sus herramientas más importantes durante los combates: por un lado, está la voltereta ninja, un movimiento esencial que nos permite cancelar un ataque con una esquiva para continuar atacando, lo que permite crear grandes secuencias de golpes sin perder el "flow". 

En segundo lugar, están los Ninpo, ataques especiales, como una llamarada de fuego, una lluvia de kunais o incluso un parry, que sólo podemos usar cuando se llena el medidor correspondiente. Dicho medidor se llena con bastante facilidad, así que podemos incorporar los Ninpo a las cadenas de ataques básicos para prolongar los combos.

En tercer lugar, tenemos los ninjutsus, que son espectaculares ataques definitivos que cubren toda la pantalla. Para usarlos, el medidor de ira debe estar al máximo… y este sí que tarda bastante en recargarse, por lo que suele ser buena idea reservarlos para momentos peliagudos.

Y en último lugar, pero no por ello menos importante, está la ejecución shinobi. Esta mecánica está inspirada en una muy parecida que presentaba el Shinobi que se lanzó para PS2, un juego un tanto olvidado y, para nuestro gusto, algo infravalorado.

En Shinobi: Art of Vengeance funciona de la siguiente manera: la mayoría de enemigos tiene un medidor de ejecución que se va rellenando a medida que reciben golpes, especialmente si se trata de ataques fuertes o lanzamientos de kunai.

Cuando el medidor está lleno, podemos pulsar al mismo tiempo L1 y R1 para que Joe acabe de forma instantánea y espectacular con el enemigo… o enemigos. Porque la gracia está en que la ejecución shinobi afecta a todos los enemigos en pantalla cuyos medidores estén completos. 

La cosa no acaba ahí, pues al derrotar a los enemigos de esta forma, sueltan oro, kunais e incluso salud, por lo que es una táctica fundamental para seguir en pie. Y cuantos más enemigos ejecutemos de golpe, más recursos obtenemos, por lo que el juego nos invita a correr el riesgo de mantener con vida a unos cuantos para acabar con ellos con una única ejecución.

Es un ejemplo magnífico de lo bien diseñado que está Shinobi: Art of Vengeance, pues como veis es una mecánica de riesgo/recompensa que nos obliga a sacar partido de algo más que los ataques básicos para aprovecharla. Por no hablar de lo satisfactorio que es realizar una ejecución shinobi contra un gran número de enemigos y ver cómo todos explotan en una nube de sangre.

Pero el juego no es sólo acción; hablemos ahora de su estructura y diseño de niveles. Y empecemos respondiendo a la pregunta del millón: ¿es Shinobi: Art of Vengenace un metroidvania? La respuesta es no… exactamente.

El juego está estructurado por niveles: tras superar uno, pasamos al siguiente. En ciertos puntos tenemos la posibilidad de elegir a qué nivel vamos primero, pero en este aspecto es un juego muy clásico. 

Y dentro de los propios niveles, la progresión también es bastante clasicota, pues la mayoría son completamente lineales. En algunos hay algo de exploración, pero se suele resumir en tener que elegir entre dos o tres rutas, como mucho, así que perderse es bastante complicado.

Ahora bien, dentro de los niveles es habitual toparse con zonas a las que no podemos acceder. Esto se debe a que a lo largo del juego, Joe va obteniendo los llamados Ningis; se trata de acciones y herramientas, como unas garras para escalar paredes o un puñetazo que rompe barreras, que, como en los metroidvania, nos permiten acceder a esas zonas previamente inaccesibles.

De esta manera, el juego nos invita a volver a los niveles previamente completados para conseguir las cosas que nos dejamos. Y os aseguro que vais a querer hacerlo, pues todos los niveles de Shinobi: Art of Vengeance incluyen un gran número de coleccionables de lo más jugosos: mejoras de salud y kunais, nuevos Ninpos, amuletos, trajes para Joe, desafíos de combate y plataformeo…

También hay que destacar que los niveles son muy variados, tanto por temática como por situaciones que plantean. O más bien habría que decir temáticas, pues muchos niveles empiezan en un lugar y, al avanzar, el escenario se transforma. 

Por ejemplo, puede que el nivel empiece en un pantano con plataformas que se hunden, pero al avanzar lleguemos a una ciudad en pleno festival pirotécnico. Esto es algo importantísimo que muchos juegos 2D suelen olvidar, dejándonos con niveles monótonos en los que se repite continuamente el mismo esquema de habitaciones.

Pero aquí, al avanzar en un mismo nivel, siempre vemos elementos nuevos, fondos nuevos, situaciones nuevas… Eliminando esa sensación de monotonía y logrando que sea imposible aburrirse mientras los recorremos. Y ojo, porque en este aspecto hay unas cuantas referencias muy chulas tanto a los Shinobi clásicos… como a otros juegos de SEGA.

Es más, hay un par de niveles en homenaje a las fases bonus de los juegos originales en los que la jugabilidad cambia y lo que debemos hacer es avanzar a toda mecha, derrotando a todos los enemigos que nos salgan al paso sin morir en el intento.

Y ya que hemos hablado de la gran variedad visual de los niveles, hablemos ahora del apartado gráfico de Shinobi: Art of Vegenace. 

Lizardcube ha perfeccionado el característico estilo que le brindaron al remake de Wonder Boy y a Streets of Rage 4, dejándonos con unas fabulosas animaciones hechas a manos que son una auténtica gozada y las culpables, junto a los geniales controles, de que el juego se sienta tan bien a los mandos. 

Si a eso le sumamos lo que ya hemos mencionado sobre los escenarios, en los que a cada paso que damos vemos fondos diferentes, o la maravillosa dirección artística, con unos diseños de personajes que son gloria bendita, el resultado es todo un trabajo de artesanía visual.

Y para rematar, tenemos una banda sonora en la que han participado tanto Tee Lopes, conocido por su participación en varios juegos de Sonic o el propio Streets of Rage 4, como el maestro Yuzo Koshiro, una leyenda de SEGA que sigue regalándonos auténticos temazos.

¿Es difícil Shinobi: Art of Vengeance?

Shinobi: Art of Vengeance cuenta con tres niveles de dificultad: shinobi, aprendiz y principiante, así como un ajuste personalizado en el que podemos cambiar varios parámetros según nuestros gustos.

Y pese a que sería el equivalente a la dificultad difícil, 'shinobi' es la dificultad estándar del juego. Este nivel puede engañar, pues inicialmente da la impresión de no ser demasiado difícil, pero a medida que avanzamos, las cosas se complican bastante; se muere con facilidad y hay muchos desafíos que vais a tener que repetir unas cuantas veces, especialmente si queréis obtener el 100%.

Dicho esto, Shinobi: Art of Vengeance no llega al nivel de dificultad extremo por el que es conocida esta saga. Y en ese sentido, habría estado bien incluir una dificultad superior para contentar a los fans más exigentes. En cualquier caso y como tal, ya es un juego complicadete que exige buenos reflejos y habilidad a los mandos para superarlo.

¿Cuántas horas dura la historia de Shinobi: Art of Vengeance?

Si nos centramos en el camino principal y vamos directos a superar el juego, sin entretenernos volviendo a niveles previos o completando desafíos opcionales, Shinobi: Art of Vengeance se puede completar en unas 10 o 12 horas.

Mientras que si vamos a por el 100%, la duración se alarga un poco más; en mi caso, he tardado 14 horas en hacerlo todo, jefe secreto incluido.

Una vez superada la historia, se desbloquea tanto el modo boss rush, en el que nos enfrentamos a los jefes de la aventura uno detrás de otro, como el modo arcade, en el que podemos rejugar los niveles perfeccionando nuestras habilidades para obtener la mayor puntuación.

Precio y plataformas

Shinobi: Art of Vengeance se lanza el 29 de agosto de 2025 para PS4, PS5, Xbox Series, Nintendo Switch y PC a un precio recomendado de 29,99€.

Se pondrá a la venta tanto en formato físico como en formato digital. En este último, además de la edición estándar, se pondrá también a la venta una edición deluxe por 39,99€ que incluye un paquete de inicio, libro de arte digital + banda sonora, acceso anticipado para jugar tres días antes y el recién anunciado DLC con los villanos de SEGA.

Ninjutsu triunfal

SEGA haría bien en coger a Lizardcube y no dejarlos escapar, porque este estudio francés ha demostrado por tercera vez que son unos auténticos maestros a la hora recuperar IPs icónicas que habían caído en el olvido. Y con cada nuevo trabajo se han superado aún más, porque Shinobi: Art of Vengeance es uno de los mejores juegos de acción 2D de todo 2025.

Su jugabilidad es tan satisfactoria y su estructura por niveles da tanto juego, que incluso aunque ya lo haya superado al 100% lo veo convirtiéndose en mi nuevo "juego de confort". Tengo claro que van a caer muchas partidas más, especialmente cuando me apetezca un poco de acción ninja de la buena.

Por citar algo malo, creo que la historia es el único punto en el que flaquea. He llegado a sentir que se ponía "en medio", con diálogos de villanos y aliados bastante innecesarios. Tanto, que creo que se podrían eliminar buena parte de esas conversaciones y la historia seguiría teniendo sentido. Ya que viene de una saga de juegos con espíritu arcade, creo que habría funcionado mejor aún sin diálogos.

Pero que no se me entienda mal: al final, la historia es lo de menos en esta clase de juego y no deja de ser un punto negativo "menor", pero también es cierto que de haber tenido un buen argumento y una buena narrativa, estaríamos ante un juego redondo.

En cualquier caso, los fans de la acción 2D, los ninjas o los juegos de SEGA no deberían perdérselo por nada del mundo. Y si sois fans de las tres cosas... afilad el ninjatō, preparad los shurikens y escondeos en el techo, porque ha llegado la hora. La hora del ninja.

Hablar de Metal Gear Solid 3: Snake Eater es hablar, simple y llanamente, de uno de los mejores juegos de la historia. Con la tercera entrega de la saga de acción e infiltración, Kojima nos llevó hasta la jungla soviética, nos demostró la importancia del camuflaje a la hora de pasar desapercibidos y nos enseñó a sobrevivir comiendo serpientes y recolocando huesos.

A día de hoy, sigue siendo una de las entregas más celebradas de la saga (para muchos, la mejor), en especial por su inolvidable historia, que se sitúa en primera posición en orden cronológico, de ahí que haya sido el elegido para recibir el “tratamiento remake” por encima de otros como el primer Metal Gear Solid o incluso las entregas de MSX.

Ahora bien, ¿logra Delta capturar la magia y las emociones que nos hizo sentir el juego original en PS2 hace 20 años? ¿Es el juego indicado para que las nuevas generaciones descubran y se enamoren de la saga Metal Gear? Vamos a descubrirlo.

El análisis de Metal Gear Solid Delta: Snake Eater para PS5, Xbox Series X|S y PC de HobbyConsolas:

• El gameplay de Metal Gear Solid Delta: Snake Eater
• Nivel de dificultad de Metal Gear Solid Delta: Snake Eater
• ¿Cuántas horas de juego dura Metal Gear Solid Delta: Snake Eater?
• Cuánto cuesta Metal Gear Solid Delta: Snake Eater y dónde puedes jugarlo
• La opinión de HobbyConsolas de Metal Gear Solid Delta: Snake Eater
• Nota: lo mejor y lo peor de Metal Gear Solid Delta: Snake Eater

Jugabilidad y gameplay de Metal Gear Solid Delta: Snake Eater

Vayamos directos al grano: Metal Gear Solid Delta: Snake Eater es, en muchos sentidos, el mismo juego que se lanzó en 2005 en Europa. Hay un puñado de mejoras jugables que modernizan la experiencia y por supuesto hay un lavado de cara gráfico, pero si conocéis el título original, ya sabéis exactamente lo que os vais a encontrar en Delta.

Y digo esto porque, pese a que se lo clasifica como remake, probablemente está más cerca de lo que entendemos como remasterización. Y ojo que no lo digo como algo malo, pero creo que es importante tenerlo claro por si alguien viene esperando una renovación completa.

Con esto claro, imaginemos que habéis pasado los últimos 20 años en hibernación y acabáis de despertar, ¿en qué consiste exactamente Metal Gear Solid Delta: Snake Eater? 

La historia nos pone en el papel de Naked Snake, un soldado de élite que se infiltra en la jungla soviética para frustrar los planes de una facción disidente del ejército ruso e impedir un incidente internacional que desencadene la Tercera Guerra Mundial. 

Y dado que estamos solos en terreno enemigo, nuestra única posibilidad de supervivencia es pasar desapercibido: arrastrarnos a través de la hierba alta, escalar árboles, caminar muy despacio para no hacer ruido… o dejar tiradas revistas subidas de tono para distraer a los enemigos. Aquí todo vale. Y como es habitual en la saga, el conflicto directo y las armas de fuego son el último recurso.

Pero la cosa no acaba ahí: estar solos en mitad de la jungla también implica que hay que hacer lo que haga falta para sobrevivir. Porque además del medidor de salud, en Metal Gear Solid Delta tenemos un medidor de resistencia que se agota con el tiempo o al realizar esfuerzos físicos. Y la única forma de rellenarlo es comiendo.

¿Y qué sirven de comer en el restaurante que es la jungla soviética? Pues cualquier planta o animal que se nos ponga por delante: setas, pájaros, peces, ratones, ranas… o, por supuesto, lo que da nombre al juego: serpientes. Esta fue una de las novedades más celebradas de Metal Gear Solid 3 y en Delta se ha mantenido tal cual. 

Así que mucho ojo con lo que os lleváis a la boca porque hay cosas venenosas y la comida se pudre pasado un tiempo.

Este es un buen momento para hablar de una de las grandes novedades jugables de Metal Gear Solid Delta. Podemos elegir entre dos modos de juego: estilo tradicional y estilo nuevo. El primero, como su nombre indica, se asemeja al del lanzamiento original, con los mismos controles y una cámara en la que predomina la perspectiva aérea.

El estilo nuevo combina la cámara que introdujo la versión Subsistence (es decir: más cercana a Snake y con posibilidad de rotarla a su alrededor) con unos controles similares a los de los juegos de acción actuales. Por ejemplo, al pulsar L2, podemos apuntar con las armas por encima del hombro, algo realmente útil. Y la perspectiva en primera persona no desaparece; sigue siendo una opción.

Pero todavía hay más: también es posible moverse al mismo tiempo que apuntamos, arrastrarse boca arriba, caminar mientras estamos agachados y se han añadido nuevos movimientos CQC que permiten tumbar a los enemigos con mayor facilidad. En otras palabras: con este nuevo estilo, la jugabilidad se asemeja mucho a la de Metal Gear Solid V: The Phantom Pain. 

Y aquí tengo que mencionar algo que considero muy importante y que creo que honra a Konami: pese a todo lo que sucedió en su día con Kojima, han sido tremendamente respetuosos con el trabajo del autor, conservando todas las ocasiones en las que aparecía su nombre en pantalla y dejando claro en todo momento que el título original fue obra suya y de su equipo. 

Me parece un bonito gesto que se puede entender como una señal de reconciliación, especialmente teniendo en cuenta que eliminaron su nombre de la portada de la última entrega numerada.

Volviendo a los controles, yo he jugado toda la partida utilizando el estilo nuevo y, aunque de primeras me resultó un poco extraño, no tardé en acostumbrarme y me ha terminado pareciendo comodísimo. Quizás incluso demasiado, aunque de eso hablaremos luego.

Y dado que esta entrega tiene lugar años antes que los primeros Metal Gear y Metal Gear Solid, muchos de los avances tecnológicos de aquellas entregas aquí no se habían inventado. La ausencia más destacable es sin duda el radar Soliton, que nos marcaba la posición y el cono de visión de los enemigos. 

Aun así, en Delta se las han apañado para introducir alguna novedad, como una brújula que nos señala en todo momento la dirección en la que se encuentra el siguiente objetivo para avanzar en la historia. Podéis estar tranquilos, porque se trata de una herramienta más que no estamos obligados a utilizar, y que sin duda va a facilitar las cosas a quienes no conozcan el juego.

En cualquier caso, en Metal Gear Solid Delta dependemos de nuestros ojos y oídos para detectar las amenazas… algo que puede ser bastante complicado, pues los árboles, el barro y en general toda la exuberante naturaleza de la selva dificultan mucho la visibilidad.

Pero esto es algo que también juega en nuestro favor: Metal Gear Solid 3 introdujo el sistema de camuflaje, que consiste en un surtido de trajes y pinturas faciales con toda clase de patrones visuales que se mimetizan con los diferentes entornos y entre los que podemos cambiar en cualquier momento.

Aquí encontramos otra de las novedades que MGS Delta realiza sobre el juego original: en lugar de tener que entrar constantemente al menú para cambiar de camuflaje (algo que a la larga resultaba un tanto tedioso, para qué engañarnos), se ha añadido un menú de acceso rápido que nos permite cambiar de traje y pintura al vuelo. Y se agradece muchísimo.

También tenemos un menú de acceso rápido para otro de los elementos más recordados del juego original: la curación. Al recibir grandes daños, Snake puede sufrir distintos tipos de heridas que debemos curar usando los métodos adecuados, de lo contrario la salud no se recuperará. Es un sistema bastante sencillo, pero que contribuye enormemente a la sensación de supervivencia.

También se ha añadido un menú de acceso rápido para las frecuencias de radio, de manera que en Metal Gear Solid Delta guardar la partida es mucho más sencillo. Y si os gusta coleccionar cosas y obtener el 100%, Delta también incluye dos nuevos tipos de coleccionable: los patos GA-KO (como las ranas Kerotan, pero más difíciles de encontrar) y los microfilms de 8mm.

Estos últimos son particularmente interesantes, pues se obtienen de la misma manera que las dog tags de MGS2, es decir: reteniendo a los enemigos y apuntando a sus puntos débiles. Al obtenerlos, desbloqueamos escenas de vídeo especiales que podemos visionar en el teatro secreto del apartado extras tras terminar la historia.

Pero, como decía al principio, al final lo que brilla por encima de todos los apartados es la apasionante historia, que mezcla eventos históricos con ciencia ficción, y que se inspira en todas las películas bélicas y de espías que os vengan a la cabeza… desde La Gran Evasión hasta James Bond. 

Porque cómo no mencionar esa inolvidable secuencia de introducción con la canción Snake Eater, que es un claro homenaje a las películas de 007 y que, por cierto, en Delta ha sido regrabada por completo, contando una vez más con la voz de Cynthia Harrell.

La historia de MGS3 también tiene personajes inolvidables como Ocelot, Eva, Volgin, Zero y, sobre todo, The Boss. Es una historia que nos habla sobre los vínculos que se forjan en el campo de batalla y sobre lo que significa realmente la lealtad para un soldado. Y que levante la mano quien no haya llorado con su final; os puedo asegurar que en Delta sigue siendo igual de efectivo.

Pero también es una obligación mencionar las múltiples referencias, el sentido del humor made in Kojima (que en algunos aspectos ha envejecido un poco de aquella manera), su habilidad para romper la cuarta pared o la absurda cantidad de pequeños detalles que incluye el juego. 

Reventar un almacen para provocar que los enemigos pasen hambre, disparar a las radios para evitar que pidan refuerzos, destruir un helicóptero que cambia un enfrentamiento más tarde, lo que sucede ante cierto jefe si no matas a ningún enemigo, las múltiples formas de derrotar a The End... Metal Gear Solid Delta es un juego mágico con una tonelada de secretos y detalles chulísimos.

Y ya que hablo de los jefes, tengo que admitir que el reencuentro con la unidad Cobra, después de tantos años sin enfrentarme a ellos, ha sido un poco... decepcionante. Vale que nunca fueron el mejor grupo de rivales, pero no recordaba que fuesen todos tan exageradamente histriónicos, cayendo por momentos en el ridículo. 

Por suerte, Metal Gear Solid 3 lo compensa contando también con algunos de los mejores villanos de toda la saga. 

Para concluir este apartado, toca hablar de la mejora más evidente: el apartado gráfico. Metal Gear Solid Delta: Snake Eater utiliza el motor Unreal Engine 5 para recrear a los personajes, los escenarios, las armas e incluso a los animales que capturamos con todo lujo de detalles. 

Es más, gracias a esta nueva capa de pintura se aprecian mejor las expresiones y las animaciones faciales del original. Temía que ver a los personajes que conozco de toda la vida con nuevas caras  se me hiciese bola, pero me he acostumbrado sorprendentemente rápido y en algunos casos incluso los mejora. Las cicatrices del rostro de Volgin ahora resultan tremendamente inquietantes.

También se han permitido añadir efectos nuevos, como el barro y la sangre que van ensuciando el traje de Snake, las hojas que se quedan pegadas tras arrastrarnos por el suelo, las heridas que dejan cicatrices para el resto de partida...

No se puede negar que Metal Gear Solid Delta se ve realmente bien, aunque el conjunto queda empañado por un persistente efecto ghosting que acompaña muchas de las acciones que realizamos. Y como suele ser habitual en la mayoría de lanzamiento actuales, en PS5, MGS Delta permite elegir entre modo gráficos y modo rendimiento.

En cuanto al sonido, se han mantenido tanto las voces como las melodías del juego original, pero aumentando la calidad del audio. La única excepción, como decía antes, es el tema principal, Snake Eater, que es una versión completamente nueva. La traducción al español también se ha mantenido, de manera que volvemos a estar ante un trabajo bastante irregular.

¿Es díficil Metal Gear Solid Delta: Snake Eater?

Metal Gear Solid Delta: Snake Eater cuenta con seis niveles de dificultad: muy fácil, fácil, normal, difícil, extrema y extrema europea, este último desbloqueable tras terminar la historia por primera vez. Y no, no se puede cambiar la dificultad una vez empezada la partida.

Los veteranos pueden estar tranquilos, porque, como en el original, también nos hacen una serie de preguntas nada más empezar que determinan ciertos aspectos... e incluso provocan cambios en las secuencias de vídeo iniciales. Además, se han añadido varias respuestas nuevas en referencia a las entregas más recientes de la saga Metal Gear.

Pero aquí tengo que hablar de un aspecto un pelín preocupante. Como decía antes, el nuevo estilo de juego incluye un gran número de acciones que, a grandes rasgos, convierten a Naked Snake en Venom Snake en el plano jugable. Y eso está muy bien... hasta que te das cuenta de que facilita las cosas en exceso.

Me temo que volvemos a estar ante una situación como la que se dio en Metal Gear Solid: The Twin Snakes, que introdujo el apuntado en primera persona de MGS2 sin tener en cuenta que el juego original no estaba diseñado con esa opción en mente.

En Delta, las nuevas acciones hacen que tanto la infiltración como la acción directa sean mucho más sencillas. Aquí, me he colado sin que saltasen las alarmas en bases que en el original me dieron problemas. Y cuando me han pillado, en lugar de reiniciar partida porque sabía que la cosa no iba a terminar bien, me he puesto en plan Rambo y he acabado con todo el mundo sin despeinarme.

La mayoría de jefes han caído con una facilidad pasmosa gracias a la posibilidad de apuntar y moverse al mismo tiempo. No creo que el juego se convierta en un paseo con este nuevo estilo e insisto en que es muy cómodo jugar de esta manera, pero desde luego pienso que se podría haber implementado mejor.

¿Cuántas horas dura la historia de Metal Gear Solid Delta: Snake Eater?

Y esto también tiene efecto sobre la duración. Si una partida al juego original rondaba las 15 horas, aquí se queda en torno a las 10-12 horas. Lo bueno es que sigue siendo un juego extremadamente rejugable, con un gran surtido de recompensas por superar la historia en diferentes dificultades y obteniendo los mejores rangos.

Tampoco podemos olvidarnos de los coleccionables, entre los que, como ya he dicho, hay varias novedades. Y por supuesto está el modo Snake contra simios, un entretenido modo en colaboración con la saga Ape Escape que desapareció en todas las versiones posteriores a Subsistence, así que nos encanta tenerlo de vuelta. Y ojo porque hay una pequeña sorpresa que se desbloquea tras terminar la historia.

Como curiosidad, y dado que Ape Escape es una IP de PlayStation, en Xbox Series X|S se ha creado un modo completamente nuevo apodado Snake contra Bomberman y que, como ya imaginaréis por su nombre, enfrenta al soldado contra el exposivo personaje de Konami.

Por último, pero no por ello menos importante, tampoco podemos olvidar que Metal Gear Solid Delta: Snake Eater añadirá el próximo otoño y de manera gratuita un modo multijugador completamente nuevo apodado Fox Hunt que seguro que nos regala un buen puñado de horas de juego adicionales. Así que no os preocupéis en absoluto por su duración.

Precio y plataformas disponibles

Metal Gear Solid Delta: Snake Eater se lanza para PS5, Xbox Series X|S y PC el 28 de agosto de 2025 a un precio recomendado de 79,99€.

En formato digital tenemos dos opciones: la edición estándar y la edición digital deluxe, que incluye el juego, el DLC pack de infiltración y acceso anticipado 48 horas antes por 89,99€.

Mientras que en formato físico tenemos tres opciones: la edición estándar, la deluxe edition (juego, steelbook, llavero, parche, cartas, caja personalizada y DLCs) por 99,99€ y el collector pack (busto de Snake, vinilo con la banda sonora y embalaje personalizado) por 279,99€. Ojo, esta última NO incluye el juego.

Aunque la serpiente mude de piel, serpiente se queda

Salgo de Metal Gear Solid Delta: Snake Eater un tanto contrariado. El juego es maravilloso y me ha encantado redescubrirlo después de tantos años, pero cuando me paro a pensarlo hay varias cosas que no me encajan.

No me encaja que, de todos los juegos de la saga, MGS3 haya sido el primero en recibir un remake. Porque vale, sí, es el primero por ordén cronológico, pero esto es una precuela y ya sabemos de sobra cómo se las gasta Kojima con todo el tema de las referencias. 

Vamos, me pregunto qué pensará una persona que no haya jugado nunca a MGS2 cuando le toque encontrar al comandante Raikov. Y como esa, hay unas cuantas más. Así que no puedo evitar preguntarme a quién va realmente dirigido este juego. 

Porque me encantaría creer que los chavales que están enganchados a Fortnite van a ver a un tío sin camiseta en mitad de la jungla comiéndose una serpiente y van pensar: "joder eso está guapísimo". Pero mucho me temo que, al final, los que vamos a jugar a esto... somos los mismos de siempre. Ojalá me equivoqué.

Así que, aunque he disfrutado una barbaridad del juego, ha sido más por todo lo que atesora el propio MGS3 que por las novedades que incorpora Delta. Y esa es la triste realidad: MGS3 no necesitaba un remake; es un juego que ha aguantado perfectamente el paso del tiempo. Y ya era obvio en la Master Collection.

El juego que claramente necesitaba un remake -y me refiero a un remake a la altura, nada de medias tintas- es el primer Metal Gear Solid. Y si me apuras, incluso alguna de las entregas de MSX. Pero es evidente lo que ha pasado aquí: eso habría sido muy caro y habría requerido mucho más trabajo.

Tampoco puedo culpar a Konami; están intentando revivir la saga y no quieren correr riesgos, especialmente con la situación que atraviesa la industria. Pero siento que Delta es la misma serpiente que conocí hace 20 años, pero tras mudar su vieja piel por una un poco más brillante.

Con Mafia: The Old Country viajamos a Sicilia para vivir una intensa experiencia cinematográfica que busca ser más concisa y directa mientras rescata algunos de los planteamientos base de la saga. La lealtad, la vendetta y la familia están de vuelta en PS5, Xbox Series X|S y PC.

En este análisis de Mafia: The Old Country te voy a contar cómo he vivido las maquinaciones italianas  en este juego que busca asemejarse a los visto en Mafia I y Mafia II. Relájate leyendo las siguientes líneas, que el resto es... Cosa Nostra.

¿Es este regreso a los orígenes el camino más acertado para la saga? ¿Cómo luce Unreal Engine 5? ¿Se echa de menos el mundo abierto de la pasada entrega? ¿Hay innovaciones jugables de peso en este nuevo juego? ¿Merece la pena?

Ha llegado el momento de romper la omertà y revelar los secretos que se ocultan detrás de la mafia siciliana del Viejo Continente. Vamos con el análisis de Mafia: The Old Country para PS5, Xbox Series XS y PC. ¡Andiamo!

• La historia y ambientación de Mafia: The Old Country
• El gameplay de Mafia: The Old Country y su jugabilidad lineal
• El apartado técnico de Mafia: The Old Country: gráficos, rendimiento y más
• La duración de Mafia: The Old Country
• Precio, plataformas y ediciones de Mafia: The Old Country
• La opinión de HobbyConsolas sobre Mafia: The Old Country
• Nota: lo mejor y lo peor de Mafia: The Old Country

La historia y ambientación de Mafia: The Old Country - Luchas de poder a la siciliana

Mafia: The Old Country aleja de Estados Unidos a la saga para mostrarnos la Sicilia de los primerísimos años del siglo XX. Su historia deja atrás a los gánsteres italoamericanos para sumergirnos en los tejemanejes de las familias criminales de la isla.

Como pasadas entregas, la narrativa es la columna que sostiene todo el juego. Esta cuenta con un profundo espíritu cinematográfico y un carácter realista y crepuscular que sirven para engalanar las vivencias de su protagonista, Enzo Favara, un carusu abandonado que irá ascendiendo, a base de violencia, en la jerarquía de la familia Torrisi. 

Sin entrar en spoilers, no es necesario haber jugado antes a la saga para poder disfrutar este juego, si te lo preguntas. Estamos ante una trama de orígenes desvinculada de otros juegos (aunque con esas habituales conexiones y guiños que los fans sabrán apreciar).

En mi opinión, la trama de The Old Country está por debajo de sus predecesoras, pero logra ofrecer un relato bien estructurado que va cociéndose a fuego lento. Su problema es la falta de ambición, ya que tienes la sensación de haber visto antes todo lo que se va narrando.

El guion está copado de clichés del cine mafioso, con abundantes tópicos como que el muchacho se enamore de la hija del capo, y también encontramos personajes atrapados en los arquetipos más conocidos. Por suerte, a mínimo que te gusten los clásicos, te dejarás seducir por cada capítulo.

Así que, The Old Country se establece como un melodrama criminal romántico que va a lo seguro y que entrega un final que ha sabido ganarme más de lo que pensaba en un primer momento. Ese notable resultado se consigue al traer de vuelta otra de las señas de identidad de la saga.

La ambientación es uno de los mejores puntos del juego. Dejamos atrás Empire Bay y otras grandes urbes para viajar a los valles más rurales de Sicilia. Un cambio drástico, la mar de bienvenido. Con el humeante Etna de fondo, la campiña siciliana luce de fábula.

Como en las dos primeras entregas, este juego no es un mundo abierto, pero ofrece un mapeado medianamente grande que iremos recorriendo con el transcurso de la historia y en el modo libre al poner punto y final a esta. Las calles se cambian por caminos y los rascacielos por pequeñas villas.

Es por esa linealidad por la que Hangar 13 se permite el lujo de dotar de infinidad de detalles a cada paisaje, pueblo y zona. Siguiendo la estela de títulos lineales como A Plague Tale Requiem o The Last of Us Parte 2, este Mafia: The Old Country es un genial retrato del mundo que pretende emular.

Y esto va más allá de los escenarios. Hay un gran mimo a la hora de representar los primeros automóviles de 1900, los vestidos de la signorina Isabella o las armas más clásicas de la época, como el revólver Bodeo o el fusil Carcano (vistos en Battlefield 1 o Red Dead Redemption 2).

El equipo de desarrollo también ha hecho un meritorio trabajo de documentación histórica, que resalta el anarquismo, los primeros sindicatos, el catolicismo imperante y, claro está, la proliferación de crimen organizado en esa distante Europa. La ley del silencio, los valores de la Cosa Nostra o su ritual de iniciación se plasman con gran tino.

El gameplay de Mafia: The Old Country: así es la jugabilidad lineal de esta nueva entrega

Si ya has probado los dos primeros juegos de esta serie, lo que te espera en The Old Country es algo similar. Nos encontramos ante un juego narrativo de acción en tercera persona en donde las mecánicas shooter con coberturas llevan la voz cantante.

La conducción, las peleas cuerpo a cuerpo y algo de exploración se unen a los disparos para dar forma a un juego sencillo y sin demasiadas pretensiones en este ámbito, que también se detiene en hacerte pasar por pequeñas tareas para internarte en su mundo.

No hay nada en este Mafia que no hayas visto ya en cantidad de títulos pasados y lo cierto es que esa familiaridad acaba pesando más de la cuenta. Nunca llega a ser tedioso, pero The Old Country es demasiado superficial en el plano jugable, más que sus hermanos mayores.

En pleno 2025, no ilusiona especialmente ver de nuevo mecánicas tan sencillotas como tiroteos con coberturas o un sistema de sigilo básico y algo artificial con escasez de acciones disponibles y con ese rígido comportamiento de NPCs que llevamos viendo replicado desde hace tres generaciones.

Más allá de esto, Mafia: The Old Country cuenta con un cuerpo a cuerpo más cinematográfico para sacar a relucir las navajas. El problema es que esto ya lo vimos hace casi una década en juegos como Uncharted 4... y funcionaba mejor.

Tampoco faltan las carreras y persecuciones en carozella, otro clásico en la saga. La conducción de esos impresionantes y toscos carros motorizados sí que me ha convencido, pese a que el aparatoso sistema de colisiones rompa muchas veces con la inmersión.

Más allá de esas mecánicas principales, la profundidad jugable intenta obtenerse mediante el equipamiento de Enzo, con varias armas, diferentes cuchillas (cada una con su acción especial y un limitador de apuñalamientos que se recarga con piedras de afilar), la personalización de nuestro caballo y la exploración del mapa.

Si quieres conseguir dinero para comprar armas, trajes o pinturas para el auto debes saquear cadáveres de enemigos o buscar tesoros, en un entorno que no es un mundo abierto, pero que intenta actuar como tal en algunos aspectos.

Esta es una de las señas de la saga Mafia, el mundo abierto no tan abierto. Casi en todo momento, puedes irte a recorrer el mapa, pero tampoco hay grandes alicientes para hacerlo. Y pese a eso, estaba deseando que el juego me soltara del todo para poder aprovechar esos bellos escenarios.

El problema es que la historia tira más y te acabas encontrando en medio un panorama un tanto extraño. El juego te pide que personalices, que te cambies de traje o que inviertas en nuevos amuletos para ganar ventajas pasivas, pero su linealidad hace que todo eso te de bastante igual.

Y por otra parte, su bello y detallado mundo invita a ser explorado como si de un sandbox se tratara. El problema es que, si decides hacerlo, te darás de bruces con un muro. No todo se puede explorar y tus movimientos por los caminos van a estar limitados. 

La combinación de disparos, sigilo, conducción y exploración es, en cierto modo, sólida, pero el gameplay de The Old Country está lejos de ser memorable. No hace nada mal, ni es un tedio jugar, pero no se esfuerza en potenciar o modificar las bases de lo que llevamos tanto tiempo viendo.

Apartado técnico de Mafia: The Old Country: gráficos, rendimiento, banda sonora y más

He jugado en PC con un equipo potente y pese a esto, el resultado ha sido claro. Mafia: The Old Country está mal optimizado. La asignatura pendiente de la saga se vuelve a ir a "recuperaciones" al ofrecer una experiencia jugable que podría haber sido mucho mejor.

Durante toda la trama he experimentado constantes bajones de fps. Jugando en ultra, pero también con configuraciones orientadas a conseguir una tasa más estable, ha sido imposible disfrutar de unos 60 fps constantes.

El paso de gameplay a escenas in game supone un bajonazo con caídas por debajo de los 20 fps que dejan al juego corriendo a 30 fps en el mejor de los casos. Además, en momentos de acción como carreras de autos o al recorrer entornos más abiertos, el stuttering era una constante. Y me consta que, en otros equipos, el resultado ha sido peor del que he experimentado yo mismo. 

En materia de bugs no he padecido tantos problemas, aunque también me he encontrado algunos, incluida una pantalla negra eterna al morir. Así que espero que se lancen actualizaciones. No ha sido un horror jugar, pero el resultado final del juego se ha empobrecido sumamente con estos errores.

Incluso cuando a nivel gráfico logra despuntar en muchos momentos. La iluminación de Unreal Engine 5 es asombrosa, pero el motor gráfico sigue presentando problemas (algo que ya comenté en el análisis de Oblivion Remastered).

Esa mala optimización también pasa factura a nivel gráfico, ya que he apreciado bordes de sierra en rostros y texturas que no deberían tenerlos jugando con una Nvidia tope de gama, así como también demoras en la carga de texturas de varios tipos. 

Y más allá de esto, hay otros aspectos que podrían haberse cuidado algo más. Las animaciones de los NPC son algo toscas en ciertas acciones y expresiones faciales y gestos a veces patinan fuera de las cinemáticas (que sí se ven espectaculares). Y pese a que el doblaje al castellano (que acertadamente introduce expresiones italianas) no está mal, su implementación es mejorable.

Eso sí, la banda sonora, obra de la Orquesta Sinfónica Nacional Checa, sí que ofrece unos cuantos temas musicales potentes que te hacen trasladarte a esa Italia más costumbrista y rural. Los efectos ambientales, de los coches, caballos y de las armas también están muy logrados.

¿Cuánto dura Mafia: The Old Country?

He tardado 11 horas en completar Mafia: The Old Country. No obstante, ya sea durante los capítulos o al terminar y desbloquear el modo Exploración, el juego ofrece una buena ristra de coleccionables, trajes y algunos retos secundarios.

Estos pueden hacer que el juego se vaya a las 15 horas, aproximadamente. Además, siempre puedes repetir los capítulos que vayas desbloqueando. No obstante, la trama tampoco es demasiado rejugable. Ya sabíamos a lo que veníamos en este sentido y el juego tiene una duración adecuada.

Precio, plataformas y ediciones de Mafia: The Old Country

Mafia: The Old Country está disponible en formato físico y digital en PS5, Xbox Series X|S y PC a un precio reducido de 49,99 euros. Esta edición estándar incluye además el pack cosmético Soldato.

De forma adicional, también se encuentra disponible la Edición Deluxe por 59,99 euros, que suma al pack Soldato los conjuntos Padrino, Gatto Nero y la banda sonora y un libro de arte digital extra.

Possa la mia carne bruciare come questo santino se non manterrò fede al giuramento

Casi una década después, Mafia ha regresado, pero lo hace con un juego prudente y algo atado en corto que sirve más para recordar la propia existencia de la saga que para intentar llegar al siguiente escalafón dentro de los grandes nombres del videojuego que abordan el crimen organizado.

En cierto modo, Mafia: The Old Country se siente como una oportunidad desperdiciada debido a su irregular apartado técnico, pero especialmente a su gameplay, demasiado conformista y en cierto grado, plano para los tiempos que corren. Se podría haber hecho más.

No obstante, una gran ambientación y una historia clásica, que fluye con soltura aprovechando esas mecánicas jugables simples, pero también sólidas, saben captar tu atención poco a poco. Si no tienes problemas de optimización, entrar en la famiglia no será un suplicio.

No es perfecto y debería tener mucha más ambición, pero no lamento haberlo jugado. Mafia: The Old Country no se sobrepasa, no se excede y apunta con precisión al propio concepto de "entretenimiento" para dejar claro que en la mafia se puede entrar, pero no salir.

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La buena noticia es que desde el pasado mes de julio, esta funda tiene versión para Nintendo Switch 2. A la venta como Game Traveler Deluxe Travel Case NS241 para Nintendo Switch 2, se trata del equivalente para la nueva consola, con una construcción fabulosa, rígida y resistente como ella sola, además de tener algunas características sobresalientes y un precio insuperable para lo que ofrece.

Por si estos datos no te convencen, añadiré una cosa más: tengo el modelo de Switch desde 2017, y es el que utilizo SIEMPRE que me voy de viaje, porque me parece que es con la que más segura está la consola. Y desde que he probado la versión de Switch 2, ya no quiero otra funda.

Y os lo dice alguien que lleva casi dos meses probado todo tipo de fundas y accesorios, en busca de la que para mí es la funda definitiva, la que quiero usar siempre. Prueba de ello es que empecé por los que eran los primeros accesorios imprescindibles de Switch 2 o las fundas de Jsaux (que tiene modelos muy interesantes) y hoy os traigo una batería que para mí, en líneas generales, es superior.

Como digo, para mí, la Game Traveler Deluxe Travel Case NS241 es la mejor funda para Nintendo Switch 2 en términos de calidad precio. La puedes encontrar por 19,99 euros (aunque en estos momentos está agotada), y existen versiones más grandes para acomodar todos los accesorios de la consola. Las he probado todas, y os voy a contar para qué es mejor cada una...

Game Traveler Deluxe Travel Case NS241, la mejor funda para Nintendo Switch 2

Quitando alguna funda antichoque que he probado, fabricada en policarbonato (plástico rígido), la verdad es que hasta ahora no había visto una funda que protegiera tan bien la consola. Muchas se hunden por alguna parte (por el centro, normalmente) o dan la sensación de tener una construcción endeble.

Game Traveler Deluxe Travel Case para Nintendo Switch 2 es exactamente lo mismo que en la versión para la primera Switch, pero más grande para acomodar a la nueva consola. Su resistente armazón está recubierto de Nylon 1680D, un material resistente como pocos (tengo desde 2017 el anterior modelo, y sigue como el primer día... y no exagero). 

No es especialmente grande, ni tiene bolsillo (no entra el cargador), aunque incluye un separador acolchado con velcro, para sujetar firmemente la consola y ponerla en vertical si quieres. Este separador cuenta con ranuras para guardar hasta 12 tarjetas de juego, e incluye dos fundas para microSD Express, el almacenamiento extra de la nueva consola.

Además, el interior viene moldeado con huecos para guardar, por ejemplo, las correas de los Joy-Con 2, así como algún estuche para guardar más juegos, por ejemplo (no incluido). Lo mejor de todo es que he probado a guardar la consola con unos grips para mejorar el agarre de los mandos, y entra perfectamente. 

El broche final es que incluye dos adaptadores de espuma que te permiten usarla también con una Nintendo Switch o Switch OLED, por lo que te vale para las dos consolas, por si piensas comprarte Switch 2 en el futuro. Como he dicho antes, lo mejor de todo es que cuesta 19,99 euros. Y, de verdad, no he probado funda que proteja mejor la consola en este rango de precio. Es un imprescindible.

Y, tranquilo, que si el color negro el nylon con los detalles rojos y el logo de Nintendo Switch 2 te parece muy sobrio, tienes un modelo prácticamente idéntico, pero adornado con Mario Kart World en el frontal (no es una pegatina ni nada que se pueda desgastar, parece una cubierta de plástico adherida a la funda). Es algo más cara, cuesta 24,95 euros, pero así podrás darle un toque de color...

Game Traveler Deluxe System Case NS230, la mejor funda para llevar también el Dock de Switch 2

Por apenas 5 euros más, es decir, por 24,99 euros, tienes Game Traveler Deluxe System Case NS23, la versión XL de la funda. Es igual de resistente y bien construida, pero el doble de alta. ¿La razón? Muy sencilla: para llevar la consola y algunos de sus accesorios.

La consola con los Joy-Con 2 conectados se almacena en la mitad superior, y de nuevo queda sujeta firmemente con el separador con velcro (con espacio para 12 juegos). La mitad inferior cuenta con separadores ajustables, también con velcro, para hacer el hueco más grande o pequeño, según queramos transportar el dock, el mando Pro 2 o el grip para los Joy-Con 2, por ejemplo.

También incluye un bolsillo independiente, con solapa, para guardar los cables y cargador de manera ordenada, así como una suave gamuza para limpiar la pantalla. Es, sin ningún tipo de duda, la opción recomendable para quienes van a andar moviendo la consola, con dock incluido, ahora en verano, por ejemplo, a una segunda residencia. Dura y resistente como pocas.

Lleva todos sus accesorios con el maletín GAME TRAVELER Deluxe System Case de Nintendo Switch 2

Si el anterior modelo se te queda pequeño porque quieres llevar todo contigo, tanto el dock como el mando Pro 2 como otro par de Joy-Con 2, entonces la mejor opción es el maletín Game Traveler Deluxe System Case. Parte de la misma construcción y acabados y transmite la misma sensación de ser muy resistente, pero en un cuerpo que es más del doble de grande que el anterior modelo.

Es el modelo más caro de todos. Cuesta 39,99 euros, que tampoco es ningún disparate, y lo mejor de todo es que su interior cuenta con ranuras para tenerlo todo organizado: hay un hueco para la consola (que puedes meter hasta con grips de terceros), un espacio para el dock, otro para el mando Pro, para dos Joy-Con 2 extra, bolsillos para llevar los cables organizados. Y todo queda "de pie".

Bandolera y bolso para quienes quieren algo más "llevable"

Los dos últimos modelos son los que, a título personal, menos me gustan... pero que también tienen su público. Se trata de una bandolera con correa (Game Traveler Deluxe Crossbody Bag MC16), para llevar cruzada que cuesta 29,99 euros. Aquí no verás tonalidades rojas ni nada: es una funda más "seria".

Debido a sus dimensiones, más reducidas que cualquier otra funda que he mencionado, la pantalla va en uno de sus compartimentos, que va revestido de suave tejido para no arañar la pantalla (y con dos compartimentos en su interior, cada uno con una funda de plástico para guardar Tarjetas de juego) y en otro los Joy-Con 2 con accesorios como el cargador.

Con la misma filosofía, de ser una funda más pequeña, está también la Game Traveler Deluxe Crossbody Bag MC17, que en este caso tiene una disposición más parecida a la de un bolso, con los mismos compartimentos y extras, pero con un formato más "horizontal". Cuesta igual, 29,99 euros.

Respecto al resto de modelos, estos dos últimos tienen también algunos toques más premium, como una placa metálica con el logo de Switch 2 (en el resto de modelos, parece una pieza de goma o plastico de color rojo) que parecen apuntar a un público más adulto y cuidadoso.

Como decía al principio, para mí son las mejores fundas de Nintendo Switch 2 que puedes encontrar en estos rangos de precios, y con extras como ser compatibles con el primer modelo de Switch y Switch OLED (por desgracia no son compatibles con Nintendo Switch Lite).

Así que, si andas buscando una funda de Switch 2 económica y que te dure para toda la vida de tu consola, no sigas buscando, porque en relación calidad-precio, poco mejor vas a encontrar. Y si buscas otro tipo de periféricos, estos tres me sorprendieron por su funcionalidad.

Lo malo es que el juego desarrollado por CyberConnect2 se limitaba a ofrecer lo justito, con un puñado de personajes jugables y la primera temporada de la serie. Y ahora, tres años después, llega su secuela. En este análisis de Guardianes de la noche -Kimetsu no Yaiba- Las crónicas de Hinokami 2 te vamos a contar si el estudio japonés ha aprendido de sus errores.

Y lo vamos a hacer tras pasar bastantes horas luchando contra demonios, Lunas Superiores y otros Pilares como Tokito o Tomioka, y tras completar su historia y comprobar cómo han adaptado la exitosa serie. ¿Merece la pena el modo historia de Las crónicas de Hinokami 2 y volver a jugar como Ganchito Salado?

Es cierto que muchos juegos de lucha no ponen el foco en la historia, pero Cyberconnect 2 ya tiene una larga historia adaptando manganimes, como los juegos de Naruto Ninja Storm, y de ellos se espera una buena adaptación del manga de Koyoharu Gotouge. ¿Lo consiguen?

Es uno de los aspectos que vamos a tratar en el análisis de Guardianes de la noche - Kimetsu no Yaiba - Las crónicas de Hinokami 2 para PS5, PS4, Nintendo Switch, Xbox One, Xbox Series X|S y PC, en el que también vamos a hablar de estos puntos:

• La historia de Guardianes de la noche Las crónicas de Hinokami 2, ¿adapta bien el manganime?
• El gameplay de Demon Slayer -Kimetsu no Yaiba- Las crónicas de Hinokami 2
• El apartado técnico de Guardianes de la noche - Kimetsu no Yaiba - Las crónicas de Hinokami 2
• ¿Es Guardianes de la noche - Kimetsu no Yaiba - Las crónicas de Hinokami 2 un juego difícil?
• ¿Cuánto dura Guardianes de la noche -Kimetsu no Yaiba- Las crónicas de Hinokami 2?
• Precio, ediciones y dónde puedes jugar a Guardianes de la noche Las crónicas de Hinokami 2
• La opinión de HobbyConsolas de Guardianes de la noche Las crónicas de Hinokami 2

La historia de Guardianes de la noche Las crónicas de Hinokami 2, ¿adapta bien el manganime?

Si eres fan del anime o el manga de Demon Slayer, seguro que te estás preguntando qué arcos abarca y si está bien adaptada la historia. ¿Es fiel al anime? Al tratarse de la secuela de Las crónicas de Hinokami y de los antecedentes de CyberConnect2, la pregunta tiene todo el sentido del mundo.

Por ir directos al grano, Cyberconnect 2 ha preferido, de nuevo, comprimir la historia. La trama de Demon Slayer Las crónicas de Hinokami 2 arranca justo después de la película Tren Infinito, con Rengoku recién fallecido y el trío lalala -Tanjiro, Zenitsu e Inosuke- con una nueva misión.

La historia se divide en un total de 8 capítulos que se reparten entre el Arco del Distrito del Entretenimiento, el Arco de la Aldea del Herrero y el Arco del Entrenamiento Pilar. Entre ellos, hay un prólogo y tres interludios donde controlamos a uno de los protagonistas y a varios pilares. Está bastante resumido y, si vamos directamente a los combates, se hace muy corto.

Si no lo pasamos todo, al final hay una sorpresilla que conecta directamente con el Arco del Castillo Infinito y la primera de las tres películas que serán el final de Kimetsu no Yaiba.

A mi juicio, el estudio ha comprimido muy bien las partes importantes del anime y lo ha condensado para contar lo verdaderamente relevante. Se han quedado algunas cosas en el tintero, pero no son cruciales para entender la trama, hayas o no visto la serie.

Si el primer título puede llegar a durar unas 7-8 horas en total, este lo he completado más o menos el mismo tiempo. Si vas haciendo solamente las misiones principales, en unas 6 horas lo tienes hecho.

El gameplay de Guardianes de la noche - Kimetsu no Yaiba - Las crónicas de Hinokami 2

Está claro que la jugabilidad Guardianes de la Noche: Las crónicas de Hinokami 2 parte de la base del anterior juego, al que se han añadido mejoras como técnicas definitivas dobles o los ataques duales; entre otras novedades que comentamos ahora.

En líneas generales, se nota CyberConnect2 ha metido mano al combate. Ahora da gusto jugar, en el sentido de que cada lucha es un desafío, si bien es cierto que algunos aspectos tienen margen de mejora, como los QTE, que en cierto modo resultan intrascendentes, no son decisivos en el desenlace de la batalla y sus efectos se limitan a que puedas conseguir más o menos recompensas.

Quizá, lo más curioso, en el campo de las novedades, es el sistema de equipamiento. Es la parte rolera de Las crónicas de Hinokami 2, ya que además permite cierto grado de personalización de nuestro luchador, con objetos que conseguimos explorando el mapa, subiendo las Maestrías de los personajes o por conseguir rango S en la historia, por ejemplo.

Eso sí, hay que elegir bien los objetos que vamos a equipar en cada personaje para mejorar sus estadísticas, que tienen un total de tres casillas a tal efecto. Muchos de estos ítems ocupan solo un hueco y puedes equipar hasta tres, aunque existen objetos que ocupan las tres casillas; este sistema se ha enfocado solo para el Modo Historia como para los combates.

El resto de aspectos jugables durante los combates y en la exploración se han mantenido. Los mapas no son muy grandes, sobre todo porque nos moveremos por aldeas y villas que ya se vieron en la serie.

Sigue siendo bonito explorar parte del Distrito Rojo o ayudar a los herreros con algunas tareas. Lo malo, solo nos podremos mover en modo pasillero y el movimiento está limitado a estos escenarios.

De vez en cuando, tendremos misiones secundarias para llevar a cabo, pero si completas unas cuantas el resto son prescindibles y pecan de ser repetitivas y algo monótonas; solamente nos aportan recompensas para quien quiera conseguir el 100%.

En cuanto al resto de modos y opciones, no faltan curiosidades como el modo 'El camino del matademonios', que viene a ser como una especie de resumen de la serie hasta el momento, con seis combates contra los jefes del primer juego.

También está otra de las novedades, como el entrenamiento del Pilar: En este modo elegimos a qué Hashira queremos combatir, seleccionamos dos personajes, y nos toca ir superando una serie de luchas en cadena mientras avanzamos por un diagrama de árbol, donde cada elección determina la ruta por la que avanzamos hasta llegar a este jefe.

Y luego, por supuesto, están los modos multijugador, tanto online como en modo local, que introducen las batallas por equipos de dos, para poder explotar novedades como las técnicas duales. Requiere, eso sí, en las versiones de consola requiere tener PS Plus, Nintendo Switch Online y Game Pass Core para poder jugar.

El apartado técnico de Guardianes de la noche -Kimetsu no Yaiba- Las crónicas de Hinokami 2

Como otras áreas del juego, el apartado técnico de Demon Slayer Las crónicas de Hinokami 2 también da una de cal y otra de arena. Es decir, tiene cosas buenas, pero también aspectos mejorables. 

Vaya por delante que para este análisis de Guardianes de la Noche: Las crónicas de Hinokami 2 se ha jugado en PS5, por lo que desconocemos si el resto de plataformas tienen los problemas que vamos a indicar más abajo.

No obstante, empecemos destacando lo positivo. Los personajes están mucho más detallados, las físicas son más reales y, en general, se ha intentado emular de nuevo el arte de Ufotable, el estudio de la serie de animación.

Por contra, se aprecia poca mejoría en los escenarios, donde el campo de visión resulta muy corto y al avanzar se aprecia un evidente pop-in que resulta bastante cantoso, y casi al nivel de GTA San Andreas en PS2. Quizá se deba al cambio de motor gráfico, que ha pasado de Unreal Engine 4 en el primer juego a CryEngine, como revelan los títulos de crédito al terminar la aventura,

Y no es el único "pero" que se le puede echar en cara. En el Distrito Rojo, basta con subir a un tejado para comprobar que los PNJ, y no precisamente los más alejados, se mueven a 5 fps. Sí, estamos hablando de detalles infames que nos han recordado a situaciones muy comentadas como las aspas del molino en Pokémon Escarlata y Púrpura o de Xenoblade Chronicles.

A eso hay que añadirle que los escenarios pecan de estar poco pulidos y algunas texturas -como la piedra- están en baja resolución y cantan un poco. En términos de rendimiento, la versión de PS5 tampoco es perfecta y oscila entre los 50-60 fps, aunque con caídas en algunos puntos; se podría haber mejorado un poco más.

Por terminar con unas notas positivas, Hinokami 2 va a encantar a los apasionados de la serie porque volvemos a tener a los seiyus del anime, y la BSO también es la misma que escuchamos en cada temporada. 

Por todo esto, se puede decir que hay áreas que presentan una clara mejoría respecto al primer Crónicas de Hinokami, aunque sigue habiendo margen para mejorar otras muchas cosas, de cara a un hipotético tercer juego.

Dificultad de Guardianes de la noche -Kimetsu no Yaiba- Las crónicas de Hinokami 2

¿Respuesta corta? No tiene niveles de dificultad, solo la estándar. ¿Respuesta larga? Es un juego muy asequible con algunos picos de dificultad en Lunas Superiores, como Gyutaro o Zohakuten, y pilares como Giyu Tomioka.

Esto es aplicable, al menos, en la historia principal de Las crónicas de Hinokami 2, porque en el modo versus, luchando contra la IA, sí se pueden elegir varias opciones de dificultad: desde muy fácil y hasta muy difícil.

Superar la historia, como ya hemos comentado, no es nada complicado y mucho menos imposible. Es más, siendo fan de la serie y teniendo vacaciones de verano, la puedes completar en un día fácilmente.

¿Cuántas horas dura Guardianes de la noche -Kimetsu no Yaiba- Las crónicas de Hinokami 2?

Si te encanta el manganime de Koyoharu Gotouge y le coges el gusto a su sistema de combate, lo cierto es que puedes sacarle muchísimas horas de juego. Aunque eso sí, como ya he comentado, la historia con los tres arcos apenas te durará 6-8 horas.

Pero, como juego de lucha que es, también puedes combatir con amigos o disfrutar en su modo multijugador. Todo ello aumenta el tiempo de juego, las veces que quieras retarte y mucho más. El resto depende de cuántas horas le dediques.

Porque muchos atuendos, personajes, voces y personalizaciones para nuestro perfil multijugador se consiguen con Puntos Kimetsu. ¿Buscas el 100% y el Platino? Pues te van a hacer falta para los Trofeos y aquí tienes juego para rato.

Las Maestrías es otro punto clave, son niveles que tiene cada personaje y que van del 1 hasta el 99. Súbelas jugando y, cada cierto tiempo, se nos darán algunas recomensas de ese mismo luchador por subirlas.

El modo versus tiene hasta una opción para ir combatiendo sin cesar y retarnos a nosotros mismos en un modo de resistencia. ¿Es otra forma de mantener enganchado a la gente? No lo dudo.

Cuánto cuesta Guardianes de la noche Las crónicas de Hinokami 2 y dónde puedes jugarlo

Guardianes de la Noche: Las crónicas de Hinokami 2 se lanza tanto en formato físico como en digital. En el caso del formato físico solo hay una edición, que cuesta 59,99 euros en PS5, Nintendo Switch y Xbox, y tiene como bonificación por reserva el desbloqueo de Muichiro Tokito y Mitsuri Kanroji.

Si pasamos al formato digital, hay dos ediciones. La edición estándar cuesta 59,99 euros y quienes la reserven pueden conseguir los mismos dos extras, el desbloqueo de Muichirō Tokitō y Mitsuri Kanroji.

Por su parte, Las Crónicas de Hinokami 2 Deluxe Edition cuesta 69,99 euros, y aparte de lo de la edición estándar, incluye acceso anticipado de 5 días y el desbloqueo de cuatro personajes más: Tengen Uzui, Obanai Iguro, Sanemi Shinazugawa, Gyōmei Himejima. Si, además, reservas esta edición, consigues a Uzui y Rengoku en el instituto.

Y no solo eso: también el desbloqueo de varios atuendos de combate especiales (como los Kimonos de Tanjiro/Inosuke y Shinobi de Uzui) junto a las voces del sistema en el modo batalla de Akaza, Daki, Gyutaro, Gyokko y Zohakuten.

Esta vez, la buena noticia es que también se lanza al mismo tiempo para Nintendo Switch, aunque no hay confirmada versión nativa para Nintendo Switch 2, aunque viendo los antecedentes de Sega con Sonic x Shadow Generations, más vale no esperar un paquete de mejora gratuito...

Cyberconnect 2 ha confirmado que Muzan Kibutsuji llega al modo versus con una actualización gratuita, mientras que ya preparan un Pase de Personajes a modo de DLC con más luchadores; ¿Douma quizás?

La opinión de HobbyConsolas de Guardianes de la noche -Kimetsu no Yaiba- Las crónicas de Hinokami 2

A modo de cierre de este análisis del nuevo juego de Kimetsu no Yaiba, está claro que Las crónicas de Hinokami 2 es un juego bastante continuista en algunos aspectos. Tiene mejoras y novedades, pero ninguna se revela como lo suficientemente poderosa como para hacerlo despuntar.

Para colmo, se puede llegar a pensar que el primer título fue más una especie de experimento con luchadores adicionales en DLC que ahora han hecho bien desde el principio.

Aunque se notan los cambios a mejor, como un mejorado diseño de los personajes o su mayor fluidez en las animaciones, hay aspectos que afean el resultado final, como un aspecto de escenarios que no están tan pulido como debería, pop-in o texturas y objetos que cantan desde lejos.

También son muy escasas y repetitivas las misiones secundarias donde hay que cazar demonios, pero porque no hay variedad de ningún tipo: solo hay un único diseño de bosque con tres tipos de demonio... y dos de ellos son prácticamente el mismo.

No obstante, parece evidente que CyberConnect2 se ha esforzado para corregir uno de los principales problemas del primer juego, y ahora hay muchos personajes entre los que elegir, aunque no es menos cierto que hay demasiados que son solo aspectos distintos de un mismo luchador. Eso sí, este plantel crecerá todavía más con algunos personajes DLC en el futuro.

Por todo esto, y a pesar de los aspectos mejorables, no estamos diciendo que Kimetsu no Yaiba Las crónicas de Hinokami 2 sea un mal juego, solo que se trata un producto muy enfocado hacia fanáticos de Kimetsu no Yaiba que quizá no disfrutarán en la misma medida los amantes de los juegos de lucha.

Volviendo al auricular, y tal y como vamos a ver en este análisis de Razer Blackshark V3 Pro, uno de sus primeros atractivos es que vuelve a ser compatible con la práctica totalidad de plataformas, desde el PC  PS5, Nintendo Switch 2, PS4, Nintendo Switch, Xbox Series X|S, Steam Deck, ROG Ally X o móviles. Es decir, vas a poder usarlo con casi cualquier dispositivo de juego que tengas. 

Si en 2023 esta gama introdujo mejoras como una batería ampliada o conector USB-C de carga junto otras actualizaciones que ya eran la norma en el mercado, la versión de 2025 va todavía más lejos incorporando mejoras técnicas y de diseño que vuelven a convertirlo en uno de los mejores cascos gaming.

Hablamos de conectividad inalámbrica mejorada para garantizar una latencia ultrabaja (la más baja del mercado, comparada con la de otros modelos), un micrófono con una calidad de captación superior, y que transmite la voz de manera más natural, o la inclusión de tecnologías como ANC o cancelación activa de ruido híbrida, para aislarnos más y mejor si cabe.

Y eso es solo el principio: vamos a verlo todo con calma en este análisis de Razer Blackshark v3 Pro, el auricular orientado a los esports más espectacular de 2025, en el que voy a centrarme en los siguientes puntos:

• Características generales de Razer Blackshark v3 Pro
• Contenido de la caja y unboxing de Razer Blackshark v3 Pro
• Razer Blackshark v3 Pro: diseño, ergonomía y materiales a examen 
• Manejo de Razer Blackshark v3 Pro: botones, conexiones, qué permanece y qué ha cambiado
• Razer Blackshark v3 Pro: el mejor sonido, con los drivers del Razer Kraken v4 Pro
• El micrófono de Razer Blackshark v3 Pro: ¿el mejor micro del mercado?
• La opinión de HobbyConsolas: ¿merece la pena Razer Blackshark v3 Pro?

Características generales de Razer Blackshark v3 Pro

Como siempre, antes de pasar a las pruebas en profundidad, no está de más echar un vistazo a las características generales del auricular, para tener una idea más o menos clara antes de empezar.

• Drivers: Razer TriForce de Biocelulosa de 50 mm
• Frecuencia de respuesta: 12 Hz – 28 kHz
• Impedancia: 32 Ω @ 1kHz
• Sensibilidad: 100dBSPL/mW a 1KHz por HATS

• Tipo: extraíble, micro Razer HyperClear de 12 mm y banda completa
• Frecuencia de respuesta: 100 Hz – 10 kHz
• Ratio de sensibilidad señal-ruido: ≥ 68 dB
• Tasa de muestreo: hasta 48 kHz
• Sensiblilidad: - 42 ± 3 dBV/Pa
• Patrón de captación: Unidireccional 

• Conectividad: dongle wireless USB-A o Bluetooth 5.3, USB-A y conector de 3,5mm
• Códec Bluetooth: AAC, SBC
• Sonido Surround: THX Spatial Audio (solo disponible en Windows 10 64-bit (o superior), Windows Sonic en Xbox y 3D Tempest Audio en PS5
• Autonomía: hasta 70 horas en PC, 48 en PS5 y Xbox
• Diámetro del espacio interior del auricular: 66 x 45 mm
• Peso: 367 g.
• Precio: 269,99 €

Aunque estas características generales no entran en pormenores, hay aspectos que suponen una mejoría importante, empezando por la elección de los drivers, el nuevo micro o características como conectividad inalámbrica dual simultánea, además de ofrecer cuatro modos de conectividad distintas, algo de lo que el anterior modelo carecía.

Contenido de la caja y unboxing de Razer Blackshark v3 Pro

La caja de Razer Blackshark v3 Pro incluye todo lo necesario para que puedas sacarle todo el partido al auricular desde que lo sacas de la caja, aunque no es menos cierto que entrando en este rango de precios, he echado en falta algún extra más, como una funda de transporte, aunque ahora hablaremos de eso...

Al igual que el v2 Pro de 2023, el Razer Blackshark v3 Pro está disponible tanto en color negro como en color blanco, a un precio de 269,99 euros, que son 40 euros más que la versión anterior, aunque como veremos al hablar de la nueva tecnología que incorporan, tienen justificación.

Además del auricular, en el interior de la caja encontramos el receptor inalámbrico Razer Hyperspeed Gen-2 para conectarse sin cables al PC o consola (en el caso de las consolas de Nintendo, a través del dock). En esta ocasión no se trata de un dongle o pendrive USB, sino un pequeño "ladrillo" que debemos conectar al PC o consola con un cable USB-C. 

Pero tranquilo, que no necesitas comprar nada. En la caja encontrarás un cable USB-A a USB-C para conectar este receptor o cargar el auricular cuando no lo estés usando. También se incluye el micrófono extraíble, lógicamente, y un cable USB-C a conector de 3,5 mm, para poder usarlo con los mandos de Xbox, consolas antiguas, móviles con conector de auriculares...

Como decía antes, he echado en falta algunos extras, como adaptadores de USB-C a USB-A (por ejemplo, si vamos a usar el cable de 3,5mm con un dispositivo que no tenga USB-C) o un cable USB alargador, por si no tienes cerca el PC o consola y necesitas que el receptor USB esté más a mano (y que sí estaba incluido en el Blackshark v2 Pro).

Puestos a pedir, tampoco le haría ascos a una funda de transporte rígida como la de los Razer Barracuda Pro, ya que son unos cascos discretos, con micro extraíble, bluetooth y ANC, por lo que puedes usarlos perfectísimamente para escuchar música en la calle, aunque no sea su cometido principal.

Otra cosa que empiezo a echar en falta, y cada vez más, es un soporte para dejar los cascos "colgados" mientras no los usamos. No pido nada especial, ni con luz RGB, una simple peana de plástico donde dejarlos cuando no los estamos usando... al menos en estos rangos de precio premium.

Razer Blackshark v3 Pro: diseño, ergonomía y materiales a examen

Razer Blackshark v3 Pro sigue apostando por el diseño tipo "casco de piloto de helicóptero", un diseño que ha estado presente en esta gama desde sus orígenes, en el ya lejano 2012. La edición de 2025 parte del diseño del modelo de 2023 y, aunque estéticamente es muy parecido, no faltan los cambios y las novedades.

Desde el punto de vista de diseño, quizá la novedad más importante es que ahora cuentan con juntas rotatorias para que cada auricular pueda girar unos 15%, y así se acoplen mejor a nuestra cara y aislen más los oídos (sin dejar de poderse regular la altura y la inclinación). Eso sí, no tienen tanto margen de giro como para poder dejarlos sobre los hombros sin que molesten al girar la cabeza.

Este detalle, junto con la almohadilla de la diadema y de cada auricular, ayuda a repartir mejor el peso y la presión que ejerce el auricular sobre nuestras sienes. Y aunque pesa algo más que anteriores versiones, sus 360 gramos se sienten muy livianos pasados los primeros minutos. No es una headset incómodo, y sigue manteniendo detalles metálicos, como los reguladores de altura.

Siguiendo con las novedades, este año también se han introducido variaciones estéticas, como poder elegir el color de las costuras, ya sea en color azul, negro o verde, para estar en sintonía con las consolas PlayStation o Xbox. Yo he probado el que es 100% negro, sin detalles de color.

¿Más novedades? Las almohadillas de espuma viscoelástica de cada auricular cuentan ahora con doble sellado, una capa de tejido sobre otra de piel sintética con propiedades de absorción de la humedad y el sudor en largas sesiones de juego. Yo los he estado usando en pleno mes de julio, con todo el calor, y las almohadillas no han llegado a quedarse empapadas como en otros auriculares.

También es posible ver ahora en cada auricular los micrófonos ANC para cancelar el ruido. Ademàs, las tapas de cada auricular son ahora extraíbles. Cada una tiene un sistema de imanes para quedarse acoplada, pero se pueden sacar para, por ejemplo, aplicarles vinilos o pintura y personalizar así el auricular, además de ser un cambio que permite cambiar la batería más fácilmente.

Quitando nuevos botones y controles que han cambiado, y de los que hablaremos un poco más abajo, si alguna vez has tenido un Blackshark, todo lo demás te resultará muy familiar, desde la cobertura de piel sintética de la diadema a su flexibilidad. Es un auricular hecho para durar, siempre que tengas unos cuidados mínimos.

Manejo de Razer Blackshark v3 Pro: botones, conexiones, qué permanece y qué ha cambiado

El modelo de 2023 logró un hito, al permitir controlar la mayoría de su funcionalidad desde el propio auricular, sin tener que pasar por Razer Synapse, la aplicación oficial, aunque si instalas el app en un PC, las opciones de configuración crecen exponencialmente.

Razer Blackshark v3 Pro sigue profundizando en esa línea de controlarlo todo desde el propio auricular,  y eso que añadiendo todavía más opciones, como en el ANC. Además, en esta ocasión, también se puede configurar desde el móvil, con el app Razer Audio de iOS y Android, para que resulte todavía más cómodo.

En este nuevo modelo, los controles se reparten de manera equilibrada entre los dos auriculares. En el izquierdo encontramos el dial de volumen, un clásico de este modelo, que en esta ocasión llega con la superficie texturizada y giro infinito, aunque notamos pequeños "escalones" para tener puntos de referencia al subirlo o bajarlo.

También el auricular izquierdo encontramos el puerto de carga USB-C (y para conectar el cable con clavija de 3,5mm incluido), el conector del micrófono, el botón de encendido y apagado (que también tiene textura y, por defecto, funciona como botón multimedia Play/Pause) y el botón para mutear el micrófono. También tiene un led indicador de estado.

En el auricular izquierdo encontramos una rueda para controlar el equilibrio entre audio de juego y chat de voz (en PlayStation, por defecto, es para controlar el volumen del "sidetone", lo que captura nuestro micro en el auricular) y control de ANC, entre encendido, modo ambiente para que entre el sonido del exterior y apagado.

El auricular derecho tiene un último botón, llamado SmartSwitch, que nos permite rotar entre hasta 9 ecualizaciones grabadas en la memoria del auricular con una pulsación sencilla, y también entre el método de conexión, con pulsaciones dobles. Así, podemos conectarlo por Razer Hyperspeed Gen 2, Bluetooth o ambas a la vez, que es otra de las características del auricular.

De serie, Razer Blackshark v3 Pro tiene 12 configuraciones de audio realizadas por jugadores profesionales, para que escuches pasos antes, detectes mejor la dirección de la que vienen los disparos y otras ventajas en 6 juegos como Fortnite, Call of Duty Black Ops 6, Valorant, Counter Strike 2, Apex Legends o Halo Infinite. 

Además, tanto algunos de los botones que acabo de mencionar, como otros parámetros, son configurables a través de Razer Synapse 4 y las apps de Razer Audio para móviles y Xbox, y se les pueden atribuir otras funciones completamente distintas, como el sidetone o tono lateral, para escuchar tu voz a través del propio auricular, y ajustar el volumen al que hablas.

Desde Synapse 3, el software de Razer es más intuitivo y fácil de manejar, y atribuye a cada accesorio una pestaña donde encontrarás un montón de opciones para ajustar, desde ecualizar las 10 bandas del audio y el micro para que capte tu voz potenciando las frecuencias que más te gusten (aunque de serie suena muy, muy natural) o incluso ajustar los niveles de la cancelación de ruido activa.

A modo de resumen, tal cual lo sacas de la caja, no te llevará ni 5 minutos hacerte con sus controles y saber dónde está cada uno (los botones y diales con texturas distintas ayudan en el proceso), y si quieres profundizar en sus posibilidades, luego tienes Razer Synapse, que ofrece un montón de opciones más.

Razer Blackshark v3 Pro: el mejor sonido, con los drivers del Razer Kraken v4 Pro

Para el tope de gama de este nuevo modelo (que tiene variantes más económicas, como el Blackshark v3 a secas, sin el "Pro", o el v3 X Hyperspeed), Razer ha tomado prestada una de las mejores características de los Razen Kraken v4 Pro, uno de los auriculares que más me gustó en 2024.

Se trata de drivers Triforce de biocelulosa, que en esta ocasión son de 50 mm, una tecnología que ya estaba presente en los Barracuda Pro, y que ha demostrado ser, como el titanio, una de las mejores para transmitir el audio a gran velocidad, pero con un sonido más cálido, natural y agradable. 

No obstante, en esta ocasión muchos elementos de esta tecnología han cambiado, desde el diseño  del diafragma a otros detalles como el conector para el conductor, que reducen la distorsión armónica hasta en un 50% y contribuyen a que el sonido sea todavía mejor incluso al máximo volumen.

Esto, sumado a la tecnología Triforce, que separa agudos, medios y graves para que ninguna frecuencia solape al resto, vuelve a dejar una calidad de sonido espectacular, de lo limpio, nítido y agradable que resulta.

Y es que da igual en qué te fijes, porque en todo destaca: las voces son muy nítidas y naturales; los graves atronan pero sin eclipsar a los medios, que tienen su espacio, como los agudos, que son estridentes cuando toca, pero sin desentonar. Todas las frecuencias tienen su espacio, y eso genera un sonido muy limpio y bien diferenciado, sin empastar unas frecuencias a las otras.

Además, da igual para qué los uses y con que preset pongas los Razer Blackshark v3 Pro, porque este nivel de calidad se repite en todos los casos de uso. Como he comentado antes, de fábrica viene con una serie de presets (esports, juegos, películas, música y por defecto) y tu puedes cargar hasta 9 ecualizaciones, además de poder crear perfiles personalizados a través de Razer Synapse.

En cada uno, potencia algún aspecto (por ejemplo, en juego está tuneado para detectar antes pisadas, por ejemplo), mientras que en música el sonido resulta muy equilibrado y agradable, con unas voces muy claras, pero sin perder potencia. También hay perfiles para juegos de todo tipo, desde Silent Hill 2 Remake a Hogwarts Legacy, Ghost of Tsushima Director's Cut...

Además, es compatible con distintos tipos de sonido 3D o espacial, como son el sonido THX Spatial en PC, 3D Tempest en PS5 y Windows Sonic en Xbox Series, lo que sin duda refuerza la sensación de inmersión y te permitirá localizar mejor de dónde vienen las fuentes de sonido en cada juego (disparos, pisadas...), sobre todo en juegos competitivos.

Para terminar de redondear unas sobresalientes capacidades de audio, Razer Blackshark v3 Pro también incluye un extra que para muchos ya es imprescindible: la conectividad inalámbrica dual, es decir, tener dos fuentes de audio a la vez, ya sea el sonido del juego por Razer Hyperspeed Gen 2 y atender llamadas o una segunda fuente de audio, como Discord, desde el móvil.

A todo esto hay que añadir el ANC o cancelación de ruido, que ayuda a que escuchemos menos los ruidos y distracciones que provienen fuera del auricular. Es un extra de agradecer, si bien es cierto que el efecto de insonorización quizá sea menos contundente que otros cascos que he podido probar, sobre todo, no gaming, incluso al nivel 4 (configurable desde Synapse)... pero todo suma.

El micrófono de Razer Blackshark v3 Pro: ¿el mejor micro del mercado?

En un headset tan orientado a los esports y al terreno competitivo, donde la comunicación con el resto del equipo es tan importante, el micrófono es un elemento central, y aquí ha vuelto a subir de nivel para convertirse en el referente. ¿Lo consigue?

Sin ningún tipo de dudas, sí. el nuevo micrófono Razer HyperClear Full Band, que sigue siendo extraíble, ha crecido en tamaño (12 mm) y mejorado su diseño para facilitar una mejor captación de la voz. 

Tiene una frecuencia de muestreo de hasta 48 kHz, es decir, el triple que un micro de un headset normal, lo que se traduce en que tu voz se transmite con una calidad de alta fidelidad, mientras que el patrón de captación unidireccional se centra en tu voz y bloquea el ruido de fondo. Es lo más parecido a un micro de escritorio que vas a encontrar en un headset.

Dicho de otro modo, el micrófono del Razer Blackshark v3 Pro capta mucha más información y transmite una voz más natural, sin dejar de lado opciones como la atenuación del ruido ambiente.

Y todavía puedes sacar mucho más partido del micrófono si conectas el headset a un ordenador y lo configuras con Razer Synapse 4, donde encontrarás opciones como un ecualizador de 10 bandas para el micro, para que ajustes tu voz con total libertad para que suene como más te guste.

Tiene más opciones, desde ajustar de volumen de entrada del micro, activar la normalización para que no haya estridencias de volumen o la cancelación de ruido ajustable. Además, cuenta con cuatro preajustes, para que no tengas que complicarte la vida de primeras, nada más sacarlo de la caja.

El modo esports del mic favorece la comunicación, con agudos y medios potenciados; el modo Retransmisión da un tono más cálido a la voz, y un toque de calidad propia de estudio; por último, Refuerzo de Micrófono, que potencia la ganancia del micro si tienes una voz poco potente o lo usas en entornos que los que debas tener el volumen bajo. 

También tiene un modo "por defecto", que es el modo equilibrado o neutro que viene de fábrica. Vamos, que completito es. Y aunque todavía queda año por delante, parece complicado que vayamos a ver un auricular gaming con un micrófono mejor que este, que ya es, hoy por hoy, el micrófono a superar.

La opinión de HobbyConsolas: ¿merece la pena Razer Blackshark V3 Pro?

Viendo las cosas con perspectiva, hay aspectos que no han mejorado, como la autonomía de la batería, que siguen siendo las mismas 70 horas, pero ni siquiera eso empaña los avances que sí ha hecho en otros campos. La ultralatencia baja de Hyperspeed Gen 2 no tiene rival hoy por hoy, de 10 ms, lo que garantiza una velocidad sin retardo en las comunicaciones que no tiene igual hoy.

Las mejoras en los drivers con un sonido más natural, el salto de gigante del micrófono, novedades como el ANC o detalles de ergonomía, como la rotación de cada auricular, consiguen dejar un modelo muy superior al de años anteriores. Por tener, hasta ha recuperado el conector de 3,5mm, una de las grandes omisiones del modelo de 2023, que yo mismo critiqué en su análisis.

¿Y cuál es su punto débil? Pues, como en otros accesorios de Razer, el único "pero" que le veo es el precio: 269,99 euros es un precio muy elevado para muchos bolsillos, pero no es ni de lejos el más caro del mercado (ahí está, por ejemplo, el Logitech G Astro A50 X).

Si se escapan de tu presupuesto, siempre puedes optar por los Blackshark V2 Pro, que ahora tienen una oferta del 22% de descuento y se quedan en 179,99 euros (casi 100 menos que este nuevo modelo). O puedes ir a por las otras variantes del nuevo modelo, como la V3 "a secas", que no tiene drivers de biocelulosa, y se quedan en 169,99 euros. O los X Hyperspeed, que cuestan 110.

Pero como decía al principio, 269,99 euros no es tampoco ningún disparate para todas las mejoras que ofrecen, especialmente si juegas de manera profesional o competitivo, y vas a sacar partido a todo lo que ofrece. Para mí, desde luego, son los mejores auriculares de lo que llevamos de año.

JSAUX sigue demostrando que es uno de los fabricantes de accesorios de Switch 2 con un gran equilibrio entre precio, calidad y funcionalidad, y sus nuevos productos vuelven a confirmarlo. Todos están ya a la venta en su web, y es de esperar que lleguen pronto a tiendas online. Para quienes no los conozcan, se especializaron en  Steam Deck y ROG Ally, para las que lanzaron docks de todo tipo.

Volvemos a hablar de accesorios de Switch 2 que cuestan unos 20 euros de media, como el llamado JoyVerse Joy-Con Grip Switch 2 que, en estos momentos, y como casi todos los accesorios de los que voy a hablar aquí, tienen descuento de lanzamiento.

Como siempre, y aunque es aplicable a cualquier accesorio, me gusta recordar que estos periféricos están orientados a unos casos de uso muy específicos, y que no tienen por qué ser lo que buscas, o necesitas. 

Sirva como ejemplo la funda de transporte del mando Pro 2: si no tienes este mando, ni piensas hacerte con él, o no lo sacas de casa (por ejemplo, ahora en vacaciones), pues lógicamente no necesitarás la funda...

Grips con carga por USB y agarraderas para una mejor sujeción

Nintendo Switch 2, como la primera Nintendo Switch, trae de serie un grip para conectar los dos Joy-Con 2 y armar un mando para cuando jugamos en la tele. El problema es que ese grip no tiene ningún tipo de funcionalidad extra, más allá de hacer de soporte para ambos mandos.

Ahí es donde entra en juego el JoyVerse Joy-Con Charging Grip que, como su nombre indica, nos permite cargar los Joy-Con 2 mientras jugamos, gracias al puerto USB-C que hay en la parte superior. Cuentan además con indicador de carga (tarda 2,5 horas en cargar los mandos) e indicador de número de jugador.

De oferta, cuesta 17,99 dólares (al cambio unos 15,3 euros), e incluye un cable de carga de 1,5 m que, aunque no sea el más largo del mundo, es más que suficiente si tienes el dock en tu escritorio y juegas frente al monitor (para jugar en la tele del salón, que queda corto).

A diferencia del oficial que viene con la consola, el JoyVerse Charging Grip tiene un diseño bastante plano que hace que sea fácil trasportar y que quepa fácilmente en cualquier funda y estuche que no sea ultradelgado (si tiene bolsillo de rejilla, puede que te entre). Solo pesa 40 gramos.

Reconozco que de primeras no me terminaba de entusiasmar su diseño, con forma de V invertida, pero tras jugar varias horas jugando a Donkey Kong Bananza y Wild Hearts S con él, ha terminado por parecerme muy cómodo. Aunque eso sí, resulta mucho más cómoda una variante de este grip, el JoyVerse Series Dual Joy-Con Grip.

Este otro modelo es un poco más caro, 22,99 dólares (unos 19,6 euros al cambio), pero incluye dos piezas adicionales que mejoran todavía más el agarre. Se trata de dos empuñaduras que se acoplan a los Joy-Con 2 y los dejan con unas zonas de agarre más parecidas a las del resto de mandos.

El sistema de acople de estas piezas es muy sencillo, y en el interior cada una cuenta con unas pequeñas superficies de silicona para que no se rayen los mandos, ni bailen una vez insertados. 

Lo mejor de todo es que, cuando estas asideras están acopladas a la consola, no interfieren cuando la insertas en el dock, ya sea para cargar la consola o para jugar con otro mando en la tele, como el mando Pro 2.

Solo veo dos aspectos mejorables: el primero y más evidente es que si hubieran añadido dos botones traseros, como el grip de carga oficial de Nintendo, sería una maravilla. El segundo es que, aunque cuenta con un sistema de imanes para acoplar los Joy-Con 2 al grip, hay que "ayudarles" un poco para que encajen al 100% (es como si no tuvieran la fuerza suficiente).

Una vez acoplados los Joy-Con 2, lo cierto es que ya no se van a menean lo más mínimo y no se saldrán ni por accidente. Pero no está de más mencionarlo.

Estación de carga de Joy-Con 2 portátil

No es el primer cargador múltiple de mandos Joy-Con 2 que pruebo, pero en el caso de este modelo, me han gustado varias cosas, empezando por su inteligente diseño, que está muy bien pensado.

El Joy-Con Portable Charging Station es un cargador muy fino y plano, que no llega ni a los 18mm de grosor, lo que lo hace especialmente indicado, por ejemplo, para llevarlo de viaje, sin que ocupe mucho, o incluso quepa en una funda con compartimento para el dock. Tiene capacidad para cargar cuatro Joy-Con 2 al mismo tiempo.

Pero este plano diseño no es su único atractivo. Al igual que la propia Nintendo Switch 2, cuenta con una peana regulable que nos permite poner este cargador tanto tumbado sobre la mesa como en distintos grados de inclinación. Y, por supuesto, también tiene imanes para que los Joy-Con 2 se queden acoplados de manera fija mientras se cargan.

Además, cuenta con indicadores para saber en qué estado están los mandos, tecnología de carga avanzada y chips de alta eficiencia con sistemas de seguridad integrados para prevenir cortocircuitos, sobrecorriente y sobretensión y facilitar así que la sesión de carga sea rápida y sin sobresaltos.

Lo mejor de todo es que volvemos a hablar de un precio contenido, para ser exactos 19,99 dólares (17,05 euros al cambio), y también incluye cable USB-C de carga. Ideal para quienes tengan ya varios mandos y quieran cargarlos todos a la vez.

Funda de transporte de mando Pro 2

Termino con el que para mí es un nuevo accesorio de Nintendo Switch 2 imprescindible para estas vacaciones de verano, si piensas viajar con tu nueva consola y algunos de sus periféricos. En especial, si quieres proteger tu nuevo y caro mando Pro de Nintendo Switch 2 (como es mi caso).

La funda de transporte del mando Pro 2 (o Pro Controller Carrying Case for Switch 2) es un estuche rígido, como puedas haber visto cientos, pero me han gustado algunos detalles top, como que el interior está diseñado para que encaje perfectamente el mando de la nueva consola de Nintendo, y además quede asegurado con una cinta con belcro para que no se mueva ni un milímetro.

Cuenta además con compartimento para guardar el cable e incluso tiene un bolsillo con rejilla para guardar algún accesorio más, como puedan ser unos cascos bluetooth o con cable y conector de 3,5mm.

Me ha gustado porque es una funda resistente, que no transmite sensación de ser endeble y que cuenta con otros detalles, como doble cremallera o tapa para dejar el puerto de carga a la vista y cargar el mando sin sacarlo de la funda.

De nuevo, hablamos de un precio bastante competitivo, 19,99 dólares (17,05 euros al cambio), sobre todo si tenemos en cuenta sus buenos acabados (el tejido exterior imita al nylon) y buena resistencia.

Con esto llegamos al final de esta nueva selección de períféricos para Nintendo Switch 2, para aquellos que sigan buscando los mejores accesorios para su nueva consola, sin dejarse un dineral en el camino.

Es probable que estos periféricos lleguen pronto a tiendas del territorio nacional, lo que hará más sencillo comprarlos, y sin pagar gastos de aduanas y envío. No obstante, si no has visto nada que te llame, no te preocupes, porque en breve probaré nuevas fundas de Nintendo Switch 2, y entre ellas promete estar una de las más top...

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Un port que se suma a los lanzados en la nueva consola de Nintendo, entre los que hemos visto de todo, desde juegos que han optado por ofrecer la mejor calidad gráfica posible sin pasar de 30 fps, como Hogwarts Legacy, a otros que han buscado los 60 fps gracias al DLSS como Street Fighter 6. En este análisis de Wild Hearts S para Nintendo Switch 2 vamos a ver por qué vía se decanta...

Y es algo a tener en cuenta, ya que en sus menos de dos meses de vida, una parte importante del catálogo de Switch 2 son los ports, entre los que ya han destacado Cyberpunk 2077 o Yakuza 0, sin olvidar Split Fiction, Hitman World of Assassination o Sonic x Shadows Generations, que han sido las primeras pruebas para comprobar la capacidad técnica de la nueva consola de Nintendo.

Eso sí, como en anteriores análisis de ports de juegos ya disponibles en otras plataformas, no voy a entrar demasiado en la historia, la jugabilidad, la duración y otros elementos de Wild Hearts S. El juego es exactamente el mismo, y si quieres conocer en profundidad sus detalles y mecánicas jugables, los puedes encontrar en el análisis de Wild Hearts que publicamos en 2023.

Dicho esto, Wild Hearts parte de unos mimbres muy parecidos al del gran éxito de Capcom, y como Monster Hunter Wilds, tenemos una historia de fondo, NPCs con los que hablamos, nos ayudan, etc. La clave aquí es que unas criaturas, conocidas como Kemonos (que de monos no tienen nada), están extendiendo su territorio y poniendo en peligro a los habitantes de Azuma, la región del juego.

Nosotros asumimos el papel de uno de estos cazadores, que por los avatares del destino puede usar el Karakuri, una ancestral tecnología que nos permite invocar elementos, como cajas o trampolines, para ayudarnos en las cacerías que, por supuesto, también pueden ser disfrutadas en multijugador con tres amigos, tanto de manera local (cada uno con su consola), como online.

Tras esta introducción general, no está de más recordar que el juego se lanzó con diversos problemas de rendimiento y un apartado técnico que no terminaba de deslumbrar. ¿Mejora la cosa en Nintendo Switch 2? ¿Lo disimula el modo portátil? Son solo algunas de las cosas que vamos a ver en este análisis de Wild Hearts S para Nintendo Switch 2.

El apartado técnico de Wild Hearts S en Nintendo Switch 2

A diferencia de las versiones de PS5, PC y Xbox Series X|S, y al igual que Hogwarts Legacy en Switch 2, Wild Hearts S no ofrece ningún tipo de ajuste para elegir entre calidad gráfica o rendimiento. Es decir, no vas a poder toquetear absolutamente nada.

Y vaya por delante, Koei Tecmo ha querido priorizar el rendimiento a la calidad gráfica. No voy a decir que parece un juego de PS4, pero se nota que han ajustado la distancia de dibujado, el nivel de detalle, efectos y otros aspectos para que el juego se mueva de manera estable la mayor parte del tiempo, que fue una de las principales críticas con las anteriores versiones.

Hay texturas (en rocas, árboles, etc.) que se muestran a baja resolución y si te fijas o acercas la cámara, cantan la traviata. Hay problemas como sombras o elementos, como un gigantesco árbol, que de manera aleatoria carga tarde y generan extraños efectos visuales. Me ha pasado estar en mitad de un combate, en el que de pronto ha aparecido un árbol enorme que antes no estaba.

El follaje tiene menos detalle y no reacciona a nuestro paso (y no se puede cortar), hay cambios bruscos en la iluminación, por ejemplo al entrar o salir de una cueva, faltan efectos visuales como dejar nuestras pisadas al salir de un río... Es un "suma y sigue" de detalles visuales que, el ojo adiestrado, percibirá, sobre todo si dedicaste bastantes horas a las otras versiones.

Pero si es la primera vez que juegas a Wild Hearts, es probable que muchos de estos detalles, quitando lo de las cargas bruscas, pasen más o menos inadvertidos. Visualmente se nota el bajón respecto a las otras consolas, (comprobado con PS5 Pro) y solo hace falta subirse a un risco elevado y mirar al horizonte, para ver que el detalle va menguando cuanto más lejos alcanza nuestra vista.

En su descargo diremos que en su lanzamiento en PS5, la versión que jugamos en 2023, tampoco lograba deslumbrar con sus entornos, pese a que modelos y criaturas eran impresionantes. Aquí sigue pasando lo mismo, aunque también hay cierto bajón en los modelos (armaduras con menos detalle) o en el pelaje y adornos de las criaturas, donde además se genera un efecto extraño.

En ningún caso llega a ser un horror que remita a tiempos de PS2, aunque comparado con la versión de Xbox Series S, que podríamos decir que es la más pareja (y la peor, en términos de rendimiento y gráficos de las que había disponibles hasta ahora), se nota que la iluminación volumétrica desaparece en zonas, como los árboles (hay menos en algunas áreas), no hay reflejos en el agua... 

Pero por contra, la mayor cantidad de RAM de Switch 2 facilita que las texturas tengan más nitidez y detalle en algunas situaciones, lo que redunda en que se vea de manera bastante competente en algunas circunstancias, a pesar de todas las pérdidas antes indicadas.

A diferencia de otros juegos de Switch 2, Koei Tecmo ha confirmado que no está usando DLSS o técnicas de escalado de imagen, aunque presenta algunos fallos, como unos excesivos dientes de sierra, como si el juego se sobreesforzara en intentar definir, por ejemplo, el pelaje de los personajes, lo que genera un efecto extraño que empobrece y afea el resultado final (como el ejemplo de arriba).

Pasa también, por ejemplo, cuando llueve o nieva y giras la cámara, se genera un efecto extraño que afea el resultado (algo como lo del pelo que comentaba en el análisis de Street Fighter 6 de Switch 2, pero mucho más a lo bestia). Los fallos no acaban ahí: hay elementos gráficos que parpadean (lo podéis ver en el vídeo) o que tienen comportamientos extraños.

Del mismo modo, tampoco está de más decir que, de todos los juegos de Switch 2 que he probado hasta ahora, Wild Hearts S es el juego que más diferencias presenta a la hora de jugar en modo portátil o en el dock.

Jugando en modo portátil, la resolución de pantalla se sitúa ligeramente por debajo de 720p (648p), y se mantiene firme en los 30 fps. Se juega "bien", sin petardeos graves en la experiencia de juego, aunque mover la cámara de manera rápida, o jugar con GameChat activado, y con la pantalla de otros jugadores a la vista, puede afectar también a su desempeño.

En modo dock, se ve ligeramente mejor: la resolución sube hasta 864p y la tasa de frames sube hasta los 40, llegando a 60 fps en las zonas menos abiertas o con menos acción. No hubiera estado de más una opción que los bloqueara a 40, para la gente que percibe esos vaivenes de frames.

También es cierto que este aumento en el rendimiento hace que la consola se caliente más, algo que no había notado tanto con otros juegos. No es grave, ni vas a quemarte al coger la consola y seguir jugando en portátil, pero es algo que he notado más que en otros juegos (o puede ser porque hace más calor).

Así, a modo de resumen, el port de Wild Hearts S da varias de cal y varias de arena: el rendimiento por regla general es más estable que en Xbox Series S y con mayores tasas de frames (al menos al jugar en dock), aunque visualmente ha perdido detalles que, sin convertirlo en un completo horror, hacen que sea la versión que peor luce (también por los dientes de sierra).

Otras novedades de Wild Hearts S en Nintendo Switch 2

Aunque el contenido de la aventura es el mismo (más de 20 kemonos con variaciones, etc.), lo cierto es que Koei Tecmo no se ha calentado los cascos la hora de implementar otras novedades disponibles en Nintendo Switch 2.

Más allá de GameChat, para poder iniciar un grupo y hablar con los miembros de nuestro equipo de caza mientras jugamos online, Wild Hearts S no hace uso de ninguna otra novedad que ofrece Nintendo Switch 2, como el control de tipo ratón o GameShare, para compartir el juego y echar una partida con amigos que no lo tengan. 

Esto último, hasta cierto punto lo puedo llegar a entender, dada la complejidad del juego, aunque otras aventuras como Split Fiction sí han encontrado la manera de poder disfrutar la aventura completa vía GameShare, incluso compartiendo el juego con una Nintendo Switch de manera local. Otros, como Super Mario Party Jamboree + Jamboree TV también tienen opciones...

Lo único que no tenían las anteriores versiones del juego es el multijugador local, para lo que se necesitan cuatro Nintendo Switch 2, cada una con una copia del juego.

La vibración Rumble HD 2 tampoco te va a dejar con la boca abierta, y de hecho, pierde oportunidades para sumergir al jugador más en su mundo, como al transmitir los fuertes vibraciones que las gigantescas criaturas provocan al golpear el suelo, que de hecho casi inadvertidas...

Lo que más me ha gustado de Wild Hearts S en Switch 2

Si me tengo que quedar con algo de lo que introduce esta versión de Wild Hearts S para Nintendo Switch 2 es que el rendimiento es más estable que en otras versiones, como Xbox Series S, especialmente al jugar en modo dock. 

Además, los modelos, tanto de las vestimentas del cazador como de los propios Kemono, lucen bastante bien, tanto al jugar en portátil como en el dock, a pesar de que hay un ligero bajón respecto a las consolas más potentes.

Según el momento, esos 40-60 fps me han sabido a gloria, y más si hablamos de un juego que ha estado marcado por los petardeos y los problemas de rendimiento en todas las plataformas, y en PC especialmente. De hecho, sigue rindiendo regular en dispositivos como Steam Deck, donde lo normal es que se mueva a 25, 30 en el mejor de los casos, y con importante bajón visual.

También mantiene el gran doblaje en castellano, que está incluido en la descarga (no hay que bajarlo como un DLC ni nada parecido) y su duración a prueba de bombas, que puede dejarte fácilmente 40 horas, más lo que le saques al endgame, al juego con amigos...

Lo que menos me ha gustado de Wild Hearts S en Nintendo Switch 2

De primeras, nada más empezar a jugar, te espera un "generoso" tiempo de carga, que es superior a lo visto en otros juegos y que no es la mejor manera de impresionar al jugador al empezar una partida.

Tampoco me hubiera sobrado que Koei hubiera incluido opciones para bloquear la tasa de frames a 40 en modo dock (las ganancias o pérdidas pueden molestar) o ajustes gráficos para nivelar la calidad gráfica o el rendimiento, que como digo, no tiene absolutamente nada para toquetear.

Siguiendo con oportunidades desaprovechadas, no hay opciones para formar un grupo enviando invitaciones a través de GameChat, ni nada parecido: tienes que ir a una fogata, y desde ahí elegir cómo quieres iniciar el multijugador, si online (requiere suscripción a Nintendo Switch Online) o de manera local.

Tampoco le hubiera hecho ascos a alguna criatura original, creada para esta versión S, algún minijuego o algo que aprovechara las posibilidades de la nueva consola... pero no hay nada de eso.

Por último, y como añadido en la gran mayoría de los juegos de Nintendo Switch 2 que he analizado, por puro coleccionismo me hubiera gustado que Wild Hearts S se hubiera puesto a la venta en formato físico en una Game Card con todos los datos en memoria (el juego ocupa un total de 33,4 GB), y podría haber entrado sin problemas en cartucho "de verdad" y no en una Tarjeta Llave.

Entiendo que con esto los editores se ahorran unos euros y siguen teniendo presencia en las tiendas, pero creo que a una gran mayoría de los compradores en físico no es la edición que les gustaría tener, y las primeras cifras de ventas así parecen indicarlo. 

La opinión de Hobby Consolas de Wild Hearts S en Nintendo Switch 2: ¿Merece la pena?

Al igual que otros ports, si ya lo has jugado en PS5, Xbox Series X|S o PC, quizá la respuesta corta quizá sea un simple "no", ya que en términos de contenido es el mismo juego, sin ninguna novedad, y sin aprovechar lo que Switch 2 pone sobre la mesa como novedades.

Si no lo has jugado, es la mejor alternativa a Monster Hunter que puedes disfrutar en Switch 2, donde sorprende con un rendimiento más estable que en otras plataformas, aunque a costa de sufrir  recortes visuales que, además, han introducido algunos extraños efectos, como unos dientes de sierra que afean el resultado de algunos enemigos con pelaje, por ejemplo.

Y es una decisión extraña, ya que hasta ahora Koei había estado apostando por lo contrario, mejores gráficos y peor rendimiento. Esto hace que Wild Hearts S quede gráficamente por debajo de las versiones de PS5 o Xbox Series X, pero lo suple con poder jugarlo en cualquier sitio gracias en modo portátil, donde tiene un mejor desempeño que en Steam Deck o ROG Ally, por ejemplo.

Y luego están las líneas rojas de cada uno: habrá a gente que le parezca horrible y sea incapaz de jugarlo; habrá gente que perdone los recortes por poder jugarlo "bien" en portátil. En mi caso, yo soy de estos últimos, porque cada vez tengo menos tiempo para grandes sesiones de juego en la tele y no me importa que se vea peor, si puedo jugarlo en cualquier parte.

Por eso, el mejor consejo que te puedo dar para cerrar este análisis de Wild Hearts S es que te bajes la demo disponible en la eShop y lo pruebes por ti mismo. Si lo que ves te convence, el juego final es exactamente lo mismo; si lo que ves te desagrada, decántate por otro juego.

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Si ya tienes Super Mario Party Jamboree para Nintendo Switch, sea físico o digital, puedes comprar este paquete de mejora por 19,99 euros, y convertirlo en Switch 2 Edition, tal y como hicimos en junio con Zelda Breath of the Wild y Tears of the Kingdom. En este análisis de Super Mario Party Jamboree + Jamboree TV para Switch 2 te voy a dejar claro si merece o no la pena.

No obstante, antes de entrar en materia, no está de más comentar algunos detalles. Todo lo que añade Jamboree TV está agrupado en un nuevo menú aparte de Super Mario Party Jamboree. Es decir, el juego lanzado hace 9 meses no presenta ningún cambio, ni de resolución, ni de minijuegos. Por eso, quien quiera saber qué ofrece, puede leer nuestro análisis de Super Mario Party Jamboree.

Solo añadiré que sigue siendo el Mario Party más completo de todos, con más de 110 minijuegos, 7 tableros distintos, modo online "de verdad" para jugar con gente que no conozcamos... etc. En Switch 1 el juego ya lucía espectacular y se movía a 60 fps. Quizá por eso Nintendo no ha tocado nada, aunque subir a 4K en modo dock y a 1080p en portátil es algo que muchos habríamos agradecido.

Aclarado este punto, vamos a ver qué ofrece Jamboree TV y si merece o no pagar los casi 20 euros que cuesta el paquete de mejora, o 79,99 euros en caso comprar el lote completo, si no tienes Super Mario Party Jamboree para Switch.

Así es Jamboree TV: "¡mira mamá, estoy en un concurso de la tele!"

La idea sobre la que gira Jamboree TV es muy sencilla: plantear un concurso televisivo al estilo "Grand Prix", en el que nos esperan distintos modos de juego, cada uno con sus propios tipos de prueba. Pero todos ellos han sido diseñados con una idea: aprovechar todas las nuevas opciones que ofrece Nintendo Switch 2. 

Y cuando digo todas, es todas: puedes conectar una cámara, sea la oficial o una webcam, para introducir la imagen de los participantes dentro del concurso (no una foto, vídeo sobre el juego). Y no solo eso, también usar el micro de la consola para participar en minijuegos en los que el sonido es la clave, o con el nuevo control de ratón, que es el principal protagonista.

Así, en Jamboree TV encontramos un total de cuatro modos de juego, de los cuales, dos de ellos repiten del juego base. El que más chicha tiene es el modo Mario Party, que rescata los mismos 7 tableros, añadiendo los nuevos minijuegos de Jamboree TV (de los que hablaré luego) y nuevas variantes y reglas a la hora de empezar una partida.

De este modo, el modo Mario Party de Jamboree TV tiene tres modos de juego: reglas festivas (como en Switch 1), Partida Compacta (los últimos 5 turnos, con algunas modificaciones, como obtener más monedas o una estrella de inicio) o Por equipos, con casillas especiales como la casilla de reunión, con acciones conjuntas si los dos jugadores de un equipo caen en la misma casilla.

El otro modo que repite es el modo libre, que nos permite eligir libremente los minijuegos (y el nivel, en el que caso que tengan varios), la dificultad de la CPU... etc. En esta variante de modo libre SÍ se incluyen también los nuevos minijuegos, y cuentan con su propio apartado, ya sea que se manejan con el modo ratón, con la voz... para que sea más fácil localizarlos dentro de las más de 100 pruebas.

Los dos modos nuevos son Feria Frenética, una montaña rusa en la que usamos los controles de modo ratón para disparar a los enemigos que aparezcan alrededor de las vías (el avance es automático, como en los arcades de disparo de las recreativas), mientras que al entrar en una tubería se activa un minijuego, que siempre es de los que tienen control de tipo ratón.

Es un modo que ofrece un total de cinco recorridos distintos, cada uno ambientado en una localización diferente (la casa encantada de los Boo, por ejemplo) y que, además, pueden contener eventos únicos y detalles jugables distintos, como un jefe final. El quinto recorrido es un modo supervivencia, en el que debemos ir eligiendo puertas para ir superando minijuegos y avanzar. 

Es un modo arcade puro, limitado por tiempo, y que nos invita a realizar acciones como levantar el Joy-Con 2 en las caídas de la montaña rusa para ganar unos segundos extra, o nos puntúa según nuestros resultados en los minijuegos. También tiene acciones como frenar la vagoneta para evitar peligros.

Por último está el Show de Bowser, un programa en el que el villano es quien lleva la voz cantante, y que a su vez tiene dos variantes, según participemos en minijuegos que usan la cámara, o que usan el micrófono de la consola. En ambos casos se trata de rellenar una barra con el color de nuestro equipo, rojo o azul, superando un total de tres pruebas.

Al usar la cámara, como puedes imaginar, se verá en todo momento a los participantes (hasta 4 en la misma consola, todos captados por una única cámara), y resulta gracioso ver cómo emergemos de nuestra tubería, o los gestos que hacen otros jugadores mientras competimos.

Pero, a pesar de esto, es un modo que me ha dejado algo insatisfecho, tanto por la escasez de pruebas (tres en total en cada uno de los dos modos, de las que hablaré a continuación), como por lo injusto en sí que resulta el modo: da igual que ganes las dos primeras pruebas, el ganador de la última es quien se lleva el gato al agua, detalles que le quitan el interés muy pronto.

¡Ah! Y por cierto, la flor de Super Mario Bros. Wonder está presente en el menú principal de Jamboree TV, así como en algunos de los modos y pruebas y sí, sigue siendo igual de cargante... o al menos a mí me lo parece. Por suerte, Nintendo vuelve a dar la opción de dejarla sin voz, con gracietas incluidas cuando la vuelves a activar...

Los nuevos minijuegos de Super Mario Party Jamboree + Jamboree TV

Como he dicho antes, esta versión para Nintendo Switch 2 incluye los más de 110 minijuegos que vimos en Super Mario Party Jamboree, a los que se añaden un total de 20 minijuegos nuevos que introduce Jamboree TV.

De estos 20 minijuegos, un total de 14 son para el modo de control tipo ratón, y están disponibles en el Modo Libre, Feria Frenética y Mario Party, dentro de Jamboree TV. Entre ellos hay de todo, desde mover el correo spam de bowser a la papelera como harías en un ordenador, guiar a un Toad por un recorrido con paredes electrificadas, manejar las manos de un escalador agarrándonos a salientes...

Es más, algunos están inspirados en juegos clásicos, como el Air Hockey (aquí se llama Hockey con Koopas), Toc-Toc, Toc-Toc, que es el típico "encuentra dos personajes iguales" abriendo las puertas de un crucero, o cargar unos cochecitos de fricción para que lleguen hasta la meta contraria evitando obstáculos y los vehículos rivales.

También hay hueco para crear un efecto dominó con piezas que debemos colocar estratégicamente, apilar peluches para conseguir la torre más alta, capturar peces colocando las redes en los lugares correctos, barrer de la pantalla con una excavadora a los Goombas (gana el que más saque por las puertas de su color), servir helados con las bolas y sabores que nos piden...

En general son juegos muy sencillos, con un control bastante intuitivo, que en apenas un minuto estarás dominando... aunque en muchos casos pecan de ser bastante simples o repetitivos. Muchos consisten en coger objeto y llevarlo hasta un punto; otros, apuntar y disparar... 

Quizá por eso solo hay 14 minijuegos, porque tampoco dan margen para muchas más cosas, o al menos para minijuegos rápidos, que rehuyen de mecánicas complejas. O quien sabe, quizá se las están reservando para un futuro WarioWare.

En cuanto a los minijuegos que utilizan la cámara, mientras los probaba, me han venido a la cabeza los tiempos del lejano EyeToy, ya que como en la veterana tecnología de Sony, el movimiento de nuestro cuerpo es el que interactúa con lo que pasa en pantalla, ya sea para golpear el clásico bloque "?" o para apilar peluches sobre nuestra cabeza, sobre la que aparece un casco especial.

El problema vuelve a ser el mismo: son muy pocos minijuegos (el tercero que he visto es una mezcla de cámara y micro, para detectar nuestras voces y movimientos en el Show de Bowser) y te vas a quedar con ganas de más, porque lo cierto es que la detección funciona bastante bien, si la cámara está bien ajustada.

Para terminar, están los tres minijuegos con el micrófono. Son ideas bastante chorra, como gritar "Vamos" (aunque en realidad puedes berrear lo que quieras) para impulsar un coche por una barra de puntuación del 1 al 10, sin salirse, o para controlar la altura de un Minihelikoopa y recoger el mayor número de medallas. Son juegos simplones.

El problema está con el tercer minijuego, Palmadas acompasadas, en el que, por turnos, debemos dar una palmada, o varias seguidas, cuando nos toque. El problema es el mismo que comenté en el análisis de Patapon 1 + 2 Remix. Los juegos "de ritmo" tienen un problema de latencia a la hora de jugar en la tele, que no se dan al jugar en un sistema portátil.

Y si en entre los ajustes tampoco hay opciones para calibrar esta latencia o retardo entre lo que vemos y lo que realmente pasa, nuestras palmadas pueden producirse antes o después de lo que el juego está reflejando, como me ha pasado en mis partidas. Y tampoco tengo una tele del año de la tana...

Este problema está presente solo en un minijuego, pero si Nintendo quiere explorar más esta vía rítmica, por ejemplo en el futuro Rhythm Heaven Groove o en un hipotético WarioWare futuro, debería introducir opciones para calibrarlo.

Mis principales "peros" con Jamboree TV

Desgranado todo lo que ofrece el paquete de mejora de Jamboree TV, que realmente es lo nuevo (repito, el juego lanzado en octubre de 2024, Super Mario Party Jamboree no presenta cambios ni novedades de ningún tipo), toca ver si merece o no la pena.

Para no andarnos con rodeos, lo cierto es Super Mario Party Jamboree + Jamboree TV me ha dejado una sensación agridulce. Por un lado, el juego base no se beneficia de ningún tipo de mejora, a diferencia de lo visto en ambos Zelda, donde el subidón técnico es su mayor aliciente. Aquí la resolución 4K, o 1440p si el 4K no era técnicamente posible, hubiera venido de lujo.

Centrándonos en Jamboree TV, para los 20 euros que cuesta solo el paquete, me ha dejado con la sensación de ofrecer una cantidad de contenido algo justita. Es algo que he notado, por ejemplo, al jugar varias veces al modo Feria Frenética. Los minijuegos se repiten más a menudo de lo que me gustaría y es por eso, porque solo hay 14 para el modo control tipo ratón.

De hecho, me ha llegado a pasar que he jugado dos partidas seguidas, en distintos recorridos, y me han tocado exactamente los mismos minijuegos, agotando rápidamente la sensación de frescura. Este modo ni siquiera da la opción de poder meter en el bombo el resto de minijuegos, lo que reduce rápidamente su capacidad para seguir divirtiendo durante mucho tiempo. Y no lo entiendo.

Y no lo entiendo porque es algo que sí hace el modo Mario Party de Jamboree TV, que permite añadir estos nuevos minijuegos dinámicos, y con control de ratón junto, al resto de minijuegos.

Lo mismo es aplicable al show de Bowser: aparte de contar con poquísimos minijuegos, las reglas para ganar son bastante arbitrarias y hacen que pierda interés rápidamente.

Mi último "pero" viene con la última de las novedades añadidas, GameShare, que cuenta con su propio menú independiente para lanzar esta modalidad que nos permite compartir el juego en modo portátil con otros jugadores, ya sea en otra Nintendo Switch 2 o en una Switch 1.

Es una opción que me encanta, y que destaqué como algo positivo en juegos como Fast Fusion o Split Fiction, por mencionar algunos, a pesar de que la calidad de imagen puede verse reducida levemente al tratarse de un streaming, además de mostrarse en "modo ventana", algo más pequeña y con franjas negras alrededor.

En el caso de Super Mario Party Jamboree + Jamboree TV, el enfoque que le han dado a GameShare no me ha gustado: está limitado única y exclusivamente a un tablero, Bosque de Mega Floruga, y a 30 minijuegos. Fuera se quedan los 6 tableros restantes, 80 minijuegos y el resto de modos y opciones, como el modo libre: imposible jugar vía GameShare al minijuego que te apetezca, cuando te apeteza.

La opinión de Hobby Consolas de Super Mario Party Jamboree + Jamboree TV para Switch 2

Si has llegado hasta aquí, ya sabrás que Super Mario Party Jamboree + Jamboree TV para Switch 2 me ha dejado algo frío. Si todavía no tienes Super Mario Party Jamboree, es una gran oportunidad para llevarte la entrega más completa del party game de Nintendo, al menos en cuanto opciones y minijuegos. Eso sí, sin ni una sola mejora técnica en el juego de Swich 1, que permanece intacto.

Las mejoras técnicas se limitan solo al modo Jamboree TV, el contenido que forma el paquete de mejora, que es donde se concentran todas las novedades y sube la resolución a 1440p al jugar en modo dock. Es, también, donde da una de cal y una de arena. 

La presentación a lo programa de televisión es muy simpática, se nota el esfuerzo por añadir modos y minijuegos que exploten las novedades de Switch 2, como la cámara o el control tipo ratón. 

Pero, a partir de ahí, empiezan a aparecer aspectos cuestionables. La cantidad de nuevos minijuegos se me ha quedado algo corta (aunque algunos tienen niveles distintos). En algunos modos, como Feria Frenética, se repiten más a menudo de lo que me gustaría y, lo que es peor para mí, no tiene opciones para combinarse con el resto de minijuegos, algo que no tiene demasiado sentido. 

Tampoco hubiera estado de más añadir algún nuevo tablero o más contenido... y eso por no hablar de GameShare, que más limitado no puede estar, y es algo que tampoco tiene lógica, aunque desconozco si se debe a cuestiones técnicas. Pero si puedes jugar así una aventura como Split Fiction de principio a fin, o las carreras a cuatro de Fast Fusion, no sé qué problema puede haber.

Por todos estos detalles, Jamboree TV deja un sabor de boca agridulce. Es divertido, pero al mismo tiempo es como si Nintendo no hubiera aprovechado la ocasión para elevar todavía más a su fabuloso party game, como si hubiera hecho un esfuerzo "a medio gas", en el que muchas cosas no terminan de explotar todo su potencial, como GameShare.

Como decía al principio de esta opinión de Super Mario Party Jamboree + Jamboree TV, si todavía no tienes el juego de Switch, quizá sea la mejor opción para tener la experiencia completa (y si es en formato físico, mejor que mejor). Pero puede que el paquete de mejora por 19,99 euros, pasadas las primeras horas, te deje la sensación de que podía haber dado más de sí, como me ha pasado a mí.

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Títulos como Lies of P, Stellar Blade o Black Myth: Wukong demuestran que en Asia hay mucho talento… y hoy podemos sumar un nuevo integrante a la lista: Wuchang: Fallen Feathers.

Se trata del segundo juego de Leenzee, un estudio chino ubicado en Chengdu que, pese a no tener experiencia en el género, se han atrevido con un soulslike. Esto, unido al hecho de ser un estudio asiático, ha despertado comparaciones con el juego del Rey Mono; hay incluso quien habla de Wuchang como el Wukong de 2025.

Y, tras haber pasado muchas horas librando sangrientos combates y explorando su enorme mundo, puedo decir que me ha sorprendido gratamente y que es la clase de juego que probablemente gustará a los amantes del género, pero también que es imperfecto. Vamos a verlo en detalle en este análisis.

El análisis de Wuchang: Fallen Feathers para PS5, Xbox Series X|S y PC de HobbyConsolas:

• El gameplay de Wuchang: Fallen Feathers
• Nivel de dificultad de Wuchang: Fallen Feathers
• ¿Cuántas horas de juego dura Wuchang: Fallen Feathers?
• Cuánto cuesta Wuchang: Fallen Feathers y dónde puedes jugarlo
• La opinión de HobbyConsolas de Wuchang: Fallen Feathers
• Nota: lo mejor y lo peor de Wuchang: Fallen Feathers

Jugabilidad y gameplay de Wuchang: Fallen Feathers en PS5, Xbox Series X|S y PC

Wuchang: Fallen Feathers nos lleva hasta el reino de Shu, una tierra inspirada en la China de la dinastía Ming que sufre los estragos del emplumado, una misteriosa enfermedad que provoca que sus víctimas pierdan la cabeza y se transformen en monstruos. 

Nosotros nos ponemos en el papel de Wuchang, una guerrera afectada por el emplumado que despierta sin recuerdos y decide embarcarse en un viaje para encontrar una cura para la enfermedad y descubrir quién es.

En lo jugable, Wuchang: Fallen Feathers sigue las pautas de la gran mayoría de soulslike, así que ya sabéis lo que podéis esperar: ataques y esquivas que consumen energía, altares que actúan como checkpoints, objetos curativos que se reponen al descansar, pérdida de experiencia al morir, etc.

Sin embargo, Wuchang presenta una serie de cambios bastante interesantes dentro de la fórmula con los que consigue diferenciarse del resto. En concreto, hay tres que son los que más destacan. 

El primero es que la esquiva tiene una enorme importancia, siendo una de las principales mecánicas del combate. Por hacer la comparación con un juego similar, la esquiva vendría a ser el equivalente al parry en Sekiro: Shadows Die Twice.

Porque, además de servir para evitar el daño, si esquivamos en el momento adecuado obtenemos una carga de poder celestial, un recurso necesario para realizar ataques especiales, lanzar hechizos o hacer más daño con los ataques básicos. 

La ventana para realizar las esquivas perfectas es, por lo general, bastante generosa (aunque ni mucho menos fácil) y el efecto al realizarlas es muy satisfactorio, especialmente cuando conseguimos encadenar varias seguidas. De esta manera, el juego nos invita a esquivar continuamente, tanto para defendernos como para responder con nuestros ataques más poderosos.

El segundo aspecto en el que Wuchang: Fallen Feathers se diferencia tiene que ver con la subida de nivel. En lugar de volvernos locos invirtiendo puntos en diferentes estadísticas, aquí las cosas se han simplificado para que subir de nivel sea tan sencillo como tener la experiencia necesaria. Pero ojo, porque eso no significa que sea un juego simple o con menos opciones.

Al subir de nivel obtenemos un punto de habilidad que podemos invertir en un árbol de habilidades que cuenta con ramas asociadas a los cinco tipos de armas diferentes. La gracia es que dentro de cada rama, además de nodos que mejoran las estadísticas, podemos desbloquear efectos muy poderosos o incluso nuevos ataques y habilidades para las armas.

Hace un momento he dicho que la esquiva es la mecánica principal del combate de Wuchang, pero, para que os hagáis una idea, a través del árbol de habilidades podemos desbloquear un parry para transformar el juego en Sekiro o un choque similar al contraataque de bastón de Black Myth: Wukong.

Y lo mejor de todo es que en cualquier momento podemos recuperar los puntos invertidos para gastarlos en otra rama del árbol de habilidades; incluso es posible retirar puntos de una rama concreta mientras conservamos el resto, por lo que cambiar de build es un proceso extremadamente sencillo... e incluso recomendable de cara a ciertos jefes.

Si a esto le sumamos las diferencias que existen entre las armas, el resultado es que Wuchang: Fallen Feathers ofrece una gran versatilidad a la hora de jugar, abarcando muchas de las mecánicas principales que se han visto en los grandes soulslike de los últimos años.

El tercer y último elemento diferencial tiene que ver con la muerte. Como en otros soulslike, aquí se pierde toda la experiencia que no hayamos invertido y debemos volver al lugar donde caímos para recoger el "charquito". Sin embargo, cada vez que morimos también aumenta el nivel de locura de Wuchang.

Cuanto más alta es la locura (es decir, cuantas más veces morimos), mayor es el daño que causa Wuchang… pero también el que recibe, por lo que se trata de una mecánica que puede ser muy útil en manos hábiles. 

Pero eso no es todo: si morimos cuando la locura ha alcanzado el nivel máximo, al regresar al punto donde caímos, en lugar de un charco con nuestra experiencia, nos espera el demonio interior, un poderoso enemigo que debemos derrotar si queremos recuperar la experiencia perdida.

Gracias a todas estas mecánicas, Wuchang destaca por ser un juego en el que pueden derrotarnos con pasmosa facilidad, pero también en el que, si jugamos bien nuestras cartas, podemos fulminar a cualquier rival en cuestión de segundos, jefes incluidos.

Y dada la gran variedad de opciones a nuestra disposición y lo fácil que es hacer combos de ataques, disciplinas y hechizos, también puede presumir de tener un combate tan satisfactorio como vistoso. Cuando entramos en la zona (o hacemos lock in, como dicen los jóvenes) y empezamos a esquivar y encadenar golpes sin dejar respirar a los jefes, la sensación a los mandos es buenísima.

Aun así, hay un aspecto jugable que creo que necesita un reajuste con urgencia: los frames de invencibilidad de ciertas acciones. Por ejemplo, al levantarnos cuando nos tiran al suelo, es habitual comerse otro ataque por la cara. Y os podéis imaginar lo frustrante que resulta.

En lo relativo a la exploración, Wuchang: Fallen Feathers también destaca por el tamaño de su mundo, con una gran variedad de zonas, tanto principales como opcionales, conectadas mediante atajos. Sin ser el soulslike con el mejor diseño de niveles, es lo suficientemente sólido como para que apetezca explorarlo.

Sin embargo, aquí empiezan los problemas: igual que en la acción han intentado abarcar todas las mecánicas posibles, el mundo de Wuchang también es tan grande y pretende ser tan intrincado que… a menudo se pasa de la raya. 

Me explico: soy el primero que adora perderse en los videojuegos, me encanta la sensación de llegar a una zona y ver cómo un camino que parecía opcional desemboca en otra zona completamente nueva, o tener que anotar mentalmente todas las rutas por las que no he ido todavía. 

Sin embargo, Wuchang lleva esto hasta tal extremo que la sensación pasa de satisfacción a desorientación en muchas situaciones. Ha habido un punto, alrededor del meridiano de la aventura, en el que tenía tres zonas abiertas, todas ellas muy laberínticas y con rutas opcionales que daban a más zonas.

Y entiendo que así explicado puede sonar un tanto contradictorio. Mientras jugaba, no podía evitar acordarme de Hollow Knight, un juego muy diferente, sí, pero en el que el mundo, pese a lo grande, abierto y laberíntico que es en todo momento, nunca me provocó esa sensación de desorientación al explorar. Pero es un juego con otra filosofía de diseño… y con un mapa.

Una de las gracias de los soulslike es que no tienen mapa y es el jugador el que lo va dibujando mentalmente en su cabeza. Pero cuando los escenarios están diseñados sin mesura y de una forma tan excesiva, la cabeza —la mía, al menos— tiene problemas para dibujar ese mapa mental.

Aun así, esto no deja de ser algo muy subjetivo (como todo, en realidad), así que seguramente habrá quien disfrute explorando los enrevesados escenarios de Wuchang: Fallen Feathers. 

Lo que me parece un problema más grave es la disposición de los enemigos y lo mucho que el juego abusa de las trampas. Si habéis jugado a cualquier soulslike, ya sabéis que las trampas son habituales; el clásico esqueleto esperando tras una esquina, los enemigos que te tienden una emboscada cuando te acercas a un objeto que brilla… o, por supuesto, los mímicos.

Este es otro aspecto en el que Wuchang: Fallen Feathers se pasa completamente de frenada. Meter varios “momentos trampa” o un nivel especialmente complicado está bien, pero pasar de una zona que es básicamente Blightown a otra con esqueletos ocultos bajo tierra con ataques de agarre, enemigos cuya única meta en la vida es tirarte al suelo, árboles que en realidad son enemigos, kamikazes, francotiradores y minas trampa es… extenuante, por no usar una palabra más fea.

Dicho de otra forma: Wuchang podría llevarse sin problemas el premio a soulslike con mayor número de enemigos coñazo por metro cuadrado.

Si a esto le sumamos todo lo que comentaba antes sobre lo liosos que pueden llegar a ser los niveles, entenderéis mejor por qué ha habido momentos en los que explorar a conciencia las zonas ha sido un proceso un tanto tedioso.

Lo que sí tengo que reconocer es que, desde un punto de vista visual, Wuchang es una auténtica gozada, pues su estilo artístico combina elementos de la mitología asiática con los de la obra de H.P. Lovecraft, dando lugar a una mezcla única y con mucha personalidad.

¿Es difícil Wuchang: Fallen Feathers?

Esto, inevitablemente, nos lleva a hablar sobre la dificultad. Como suele ser habitual en el género, Wuchang: Fallen Feathers no tiene opciones de dificultad; sólo existe un único nivel que, como ya habréis imaginado, puede llegar a ser bastante desafiante... o desesperante, en función de la paciencia que tengáis ante las constantes trampas.

Lo curioso es que los jefes, que suelen ser los mayores exponentes de dificultad en esta clase de juegos, aquí presentan picos: hay algunos bastante fáciles, que han caído al primer o segundo intento, mientras que otros han sido auténticas barreras que no he sido capaz de superar hasta que he aprendido a la perfección todos sus patrones de ataque.

Pero, en cualquier caso, los jefes de Wuchang están muy bien diseñados. Hay unos cuantos combates verdaderamente espectaculares y su diseño visual es muy destacable, especialmente cuando se inclinan hacia el rollito lovecraftiano.

¿Cuántas horas dura la historia de Wuchang: Fallen Feathers?

Wuchang: Fallen Feathers es un juego sorprendentemente grande y cargado de contenido. Superar la historia puede llevarnos sin problemas unas 40 horas, mientras que si exploramos bien y tratamos de hacer todo lo posible, el juego no baja de las 60 horas.

Además de esto, una vez terminada la historia podemos iniciar una nueva partida +, conocida aquí como Reencarnación, conservando parte del progreso del personaje y muchas de las armas y el equipo obtenidos. 

Y dado que el árbol de habilidades es tan versatil, Wuchang: Fallen Feathers también puede presumir de tener una gran rejugabilidad, pudiendo volver a superar la aventura probando diferentes builds con armas, hechizos o emplumado.

Precio y plataformas disponibles

Wuchang: Fallen Feathers se lanza el 24 de julio de 2025 para PS5, Xbox Series X|S y PC a un precio recomendado de 49,99€. Además, estará disponible sin coste adicional desde el día del lanzamiento para los suscriptores de Xbox game Pass.

Se pone a la venta tanto en formato físico como digital y, en el caso de este último, existen dos ediciones diferentes: la Edición Estándar, que incluye el juego, dos atuendos, un arma y un punto de habilidad, y la Edición Deluxe, que incluye el juego, cuatro atuendos, cinco armas y dos puntos de habilidad por un precio de 59,99€.

La pluma es más poderosa que la espada

Volviendo a leer todo lo que he escrito en este análisis, puede que haya sonado un tanto negativo con Wuchang: Fallen Feathers. Pero lo cierto es que lo veo de una forma muy similar a Lords of the Fallen (2023): es un juego con múltiples y evidentes problemas, pero eso no ha impedido que lo disfrute una barbaridad.

Y por encima de todo quiero dejar claro que no creo que sea un mal juego; al revés, me ha sorprendido bastante tanto por lo grande que es, como por lo satisfactorio y versatil de su sistema de combate. Pero valorándolo en términos generales, y debido a todos los elementos frustrantes que incluye, me quedo antes con Lies of P o con Black Myth: Wukong.

Pero lo bonito de los soulslike (y de los videojuegos en general) es que cada uno tenemos nuestros favoritos, así que ahora mismo estoy deseando que el juego llegue a las tiendas para saber qué opináis vosotros y para ver vídeos de los jugadores más hábiles sacando el máximo partido de su sistema de combate frente a algunos de los jefes más complicados.

Pero tranquilos, que no voy a hacer spoilers en este análisis de Shadow Labyrinth para Nintendo Switch 2, PS5, Nintendo Switch, PC y Xbox Series X|S, porque aunque aquí varias referencias a otros clásicos de Namco, de sus primeros tiempos (y tampoco es tan difícil de imaginar), aunque no es ni mucho menos algo en lo que me vaya a parar.

Shadow Labyrinth es un juego de Pac-Man producido por el responsable de Tekken, Katsuhiro Harada, pero a la vez, es algo totalmente distinto dentro de los juegos del personaje, un metroidvania que no solo incorpora mecánicas del arcade original, también ideas que exploran nuevos aspectos del personaje e incluso flirtean con los soulslike, aunque de manera muy ligera.

Y es algo digno de aplauso, dado que juegos de Pac-Man no hemos visto precisamente pocos: reinvenciones de los arcades como Pac-Man Championship 2 Plus, aventuras 3D como Pac-Man World Re-Pack, juegos de karts como Pac-Man Kart Rally, battle royale, recopilatorios con otros clásicos... pero en 45 años nunca antes habíamos visto un juego de Pac-Man como este.

Pero no nos desviemos. Estos son los puntos y aspectos que voy a tratar en este análisis de Shadow Labyrinth para Nintendo Switch 2, PS5, Nintendo Switch, PC y Xbox Series X|S.

• La historia de Shadow Labyrinth: cuando el laberinto es la trama
• La jugabilidad de Shadow Labyrinth: un metroidvania y algo más
• La dificultad de Shadow Labyrinth: ¿es un juego largo y difícil?
• Precio y ediciones de Shadow Labyrinth
• La opinión de Hobby Consolas de Shadow Labyrinth
• Nota, lo mejor y lo peor de Shadow Labyrinth

La historia de Shadow Labyrinth: cuando el laberinto es la trama

No son pocos los juegos que recurren a la confusión, a contar lo justo y necesario en su arranque para desconcertar ligeramente al jugador. Ese es precisamente el caso de este nuevo juego de Pac-Man.

Como otras muchas aventuras, Shadow Labyrinth comienza con un pasaje en el que entendemos más bien poco: viajamos en una nave espacial, sufrimos el ataque de unas fuerzas enemigas, la nave se estrella en un planeta desconocido, vemos una silueta que elige entre distintos portales tras el accidente... demasiadas incógnitas sin explicación.

Nosotros asumimos el papel de un "preso" convocado por Puck (el nombre original de Pac-Man era Puck-Man), para que le ayude en su misión de escapar de ese planeta. No somos el primero, de hecho somos el octavo invocado, y nuestra primera prueba consiste en conseguir portar la espada ESP, un arma que no puede blandir cualquiera. Al conseguirlo, nos convertimos en el espadachín nº 8.

Todo esto, sin saber muy bien quienes somos, ni quién es realmente Puck, ni por qué estamos atrapados allí, pero a medida que avanzamos iremos desvelando retazos de la trama que nos ayudarán a ir recomponiendo la historia general.

Podemos intuir por dónde van los tiros, pero Shadow Labyrinth quiere jugar al despiste, y para ello añade otros elementos, como personajes misteriosos, como una fémina con el rostro oculto o robots conocidos por Puck y otros NPC con los que conversaremos mientras avanzamos por el laberíntico mapeado.

En cualquier caso, la historia aquí no es lo más importante. De hecho, algunos diálogos se sienten bastante tontorrones y la historia, aunque te atrapará con sus misterios para despejar todas las incógnitas, con lo que te atrapará de verdad Shadow Labyrinth es con su jugabilidad.

La jugabilidad de Shadow Labyrinth: un metroidvania y algo más

Desde que se anunció, quedó claro que Shadow Labyrinth iba a ser un metroidvania. Hemos visto ¿decenas? ¿cientos? de juegos de este subgénero, pero hay que reconocer que, tomando como base sus líneas maestras, Bandai Namco ha sabido darle un giro para darle una personalidad propia. Y es una de las cosas que más me ha gustado.

Sí, no falta ninguno de los tropos habituales en este tipo de juegos, empezando por el backtracking o vuelta sobre nuestros pasos (incluidos los puntos de teletransporte para viajar a otras zonas del mapa rápidamente) al desbloqueo de nuevas habilidades que nos permitan llegar a nuevas zonas, jefes finales, secretos como salas ocultas o paredes que se pueden romper...

Todo eso está aquí, junto a objetos que nos permiten ampliar nuestra barra de vida o una suerte de "cantimploras" que nos permiten recuperar la energía perdida, y que es solo uno de los muchos detalles que recuerdan a los soulslike de los que bebe. O unos puntos de guardado, que también nos permiten comprar mejoras de daño con el arma básica o ampliar la barra de energía ESP.

Estas posibilidades están acompañadas por otros subsistemas e ideas propias que alteran la fórmula básica de los metroidvania para que no sea "otro más", sin dejar de explotar sus orígenes "pacmaníacos". Así, nuestro personaje es realidad un "3 en 1". Por un lado, manejamos al espadachín, el preso que mencionaba antes. 

Este personaje es quien salta, pelea... y a quien manejamos la mayoría del tiempo. Muchas de sus acciones de combate están limitadas por la barra ESP, y por ejemplo, no podemos realizar ataques especiales (como lanzar una onda de energía) o esquivar o repeler ataques de manera indefinida. Si la barra se vacía por completo, quedaremos a merced del enemigo hasta que se recupere.

Es algo que han explorado ya otros metroidvania, como puedan ser Mandragora o Grime, pero que aquí además se combinan con otros detalles que beben directamente de Pac-Man, como por ejemplo, que en determinados puntos controlemos a Puck, al interactuar con unas placas, y activar unos railes por los que puede moverse. 

No es exactamente el equivalente a la morfoesfera de Metroid, pero es inevitable no acordarse de la mítica forma esférica de Samus... En este estado podemos saltar para acoplarnos a otros raíles, realizar ataques... Incluso tiene un guiño a la recreativa, ya que podemos optar por un avance automático, como en el original, o controlar su desplazamiento de manera manual.

Por último, está Gaia. Se trata de un mecha cuyo núcleo es Pac-Man, al que invocamos igual que desatamos la ira de Kratos en God of War, hundiendo ambos sticks a la vez, aunque depende de una barra de energía y solo está disponible un tiempo limitado. Se trata de la forma más poderosa, que debemos usar de manera estratégica, por ejemplo, con los enemigos finales o zonas peligrosas.

Pero la cosa no se queda ahí, hay muchas más submecánicas. La primera es que, con el espadachín, pulsando R3 (el stick derecho) podemos invocar a Gaia durante unos breves instantes, pero solo para devorar a los enemigos derrotados o aturdidos, lo que nos proporcionará materiales de todo tipo según la criatura (huesos, creatina...).

Estos materiales son necesarios, junto al "ora" o puntos que acumulemos, para comprar las mejoras que un tendero nos venderá en distintos lugares del mapa. Estas mejoras incluyen desde consumir menos barra de ESP con las esquivas a mejoras de vida temporales (que perdemos al morir) o que Puck recoja automáticamente el ora que sueltan los enemigos. Hay un total de 30 mejoras.

Pero ojo, que no podemos equipar todas las mejoras al mismo tiempo. Tenemos solo unos huecos limitados, llamados "muescas", que podemos ampliar al avanzar en la aventura. Empezamos con tres muescas, y desde el principio habilidades que ocupan 1 o 2 muescas, por lo que tendrás que combinarlas como mejor se ajuste a tu forma de jugar. Es algo parecido al sistema de Hollow Knight.

Y no solo esto: a medida que avancemos en el juego y derrotemos a jefes, iremos desbloqueando más habilidades, e incluso ataques especiales ESP, técnicas y ataques únicos, que podemos asignar al botón X en Switch Triángulo en PlayStation e Y en Xbox).

Todas estas opciones articulan un entretenido metroidvania, que aunque pisa terrenos familiares, se reformula al combinarse con otras ideas y mecánicas para dejar algo fresco, que "pica" para que resulte complicado dejar de jugar. Y eso, lo consigue.

¿Es Shadow Labyrinth un juego difícil? ¿Y largo?

Partiendo de la base de que la dificultad es un concepto subjetivo cuando hablamos de juegos de este tipo, puedo decir que Shadow Labyrinth tiene algunos elementos que pueden hacer que resulte difícil para algunos jugadores. O no, para otros.

Vaya por delante que, en una primera partida, es probable que mueras bastantes veces. Dicho así, puedes pensar que es un juego difícil, y es cierto que puede parecerlo en algunos momentos, como los jefes finales, aunque también puede ser porque no has equipado las habilidades apropiadas o no has mejorado al personaje lo suficiente.

También están sus toques soulslike. En determinados momentos, como los jefes, dominar el arte de la esquiva y el parry puede ser de vital importancia. También podremos desbloquear puertas o derribar muros que nos permiten atajar y ahorrarnos parte del camino en muchas secciones, algo especialmente útil tras superar zonas plagadas de enemigos.

No se quedan fuera de esta sensación de dificultad los puntos de guardado. Hay dos tipos de checkpoint, unos "completos", que nos permiten acceder a todas las opciones, como mejorar a nuestro personaje y recuperar las cantimploras de vida, y otros que solo ejercen de puntos de control sin el resto de opciones. Es decir, si mueres, apareces ahí con las cantimploras que tuvieras.

No son especialmente abundantes, y la disposición de estos puntos de control, a menudo implican repetir algunos paseos varias veces, algo que puede desesperar a los jugadores más impacientes. Eso sí, siempre suele haber uno cerca de los jefes finales...  

Además, contamos con un mapa al que podemos añadir marcas para recordar lugares a los que queremos regresar, bien por un coleccionable (piedras, documentos, mejoras...), bien porque todavía no tenemos la habilidad que necesitamos. 

Pero, visto con perspectiva, lo cierto es que Shadow Labyrinth no se siente un juego injusto, tiene picos de dificultad que no se sienten imposibles o disparatados. Simplemente, te exigirán un poco más, o que pruebes cosas distintas, y es algo que no me disgusta. Y cuando superas el escollo, resulta satisfactorio e invita a seguir avanzando.

Esto, lógicamente, también redunda en la duración: dependiendo de las veces que mueras, de lo a fondo que explores, y de si te empecinas en conseguir el 100%, la experiencia puede durarte bastante más que si vas a saco a por el final. Pero no es una experiencia breve, y menos si quieres conseguir todas las mejoras y ver hasta el último de los secretos. 

Precio y ediciones de Shadow Labyrinth

Shadow Labyrinth está disponible tanto en formato digital como en formato físico. Si empezamos por las versiones digitales, están disponibles en todas las plataformas, Nintendo Switch, PS5, Xbox Series X|S y PC, a un precio de 29,99 euros. Existe una Edición Deluxe por 39,99 euros, que incluye los efectos de sonido de la recreativa y la banda sonora y libro de arte digitales.

Por su parte, las ediciones físicas de Shadow Labyrinth cuestan 31,99 euros, y están disponibles para Nintendo Switch, PS5 y Xbox Series X|S desde el 18 de julio, el día de lanzamiento.

Lo mejor de todo es que, como No Man's Sky y cada vez más juegos de Switch 1, la versión de Nintendo Switch 2 es gratuita para quienes tengan la versión de Nintendo Switch, tal y como se anunció hace unos días. En dock se mueve a 4K, en portátil a 1080p, y a 60 fps constantes.

Lamentablemente, pese a haber descargado la actualización para Nintendo Switch 2, no permite ejecutarla hasta el día de lanzamiento... aunque en su descargo diré que la versión de Switch 1 ya se ve bastante bien, aunque sin alcanzar los 60 fps constantes, así que solo puede mejorar.

ACTUALIZACIÓN 18-07-2025: con la actualización ya disponible, he podido probar la actualización gratis a Nintendo Switch 2 Edition y lo cierto es que no se nota un salto abismal, al menos jugando en portátil. Se ve un poco mejor gracias al incremento de resolución, se mueve un poco más suave, los efectos visuales (por ejemplo, de los ataques de los enemigos) son superiores...

Es decir, hay mejoría, pero no esperes algo como los paquetes de mejora de Zelda Breath of the Wild y Zelda Tears of the Kingdom, donde el salto era muchísimo más evidente. Pero bueno, no es menos cierto que es gratis...

FIN DE LA ACTUALIZACIÓN 18-07-2025

La opinión de Hobby Consolas de Shadow Labyrinth

En un mercado tan saturado como el de los metroidvania, o casi soulsvania, en el que no hay mes en el que no salgan varios juegos con nuevos enfoques, y en el que todo el mundo sigue esperando la llegada de Hollow Knight Silksong, me ha sorprendido, y para bien, la llegada de Shadow Labyrinth.

Por un lado, es un robusto soulsvania, que añade mecánicas e ideas propias para dar algo con personalidad propia, y que además sabe integrarlas con el universo de Pac-Man, lo que le da un plus que ningún otro juego del subgénero podrá tener.

Todo sin desmerecer otras de sus virtudes, como una buena duración, contar con muchos secretos y, en el caso de Switch, ofrecer además la actualización para Switch 2 gratis, algo de lo que deberían tomar nota otras compañías niponas, como Square Enix con el futuro Dragon Quest I-II HD-2D o Sega, por ejemplo, con Shadow x Sonic Generations, que hace pasar dos veces por caja.

Y, lo que es mejor, todo además por apenas 30 euros. Una contundente y sólida propuesta a la que solo se le pueden reprochar algunas cosas menores, como que llega sin doblar al castellano (los textos sí están traducidos) o que el apartado visual puede pecar de simple en algunos escenarios (aunque el diseño de los jefes mola bastante y el uso de luces y sombras también).

O que jugando en Switch 2, puedas echar en falta una cruceta en determinados momentos de plataformeo. Pero aún así, no deja de ser un gran juego que, sin inventar la rueda, tiene potencial de sobra como para entretenerte en estos meses de verano.

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¿Qué es exactamente este nuevo título? Pues como el propio nombre indica, el trabajo aún no ha terminado para este guardián de la ley y en este análisis de RoboCop: Rogue City Unfinished Business te voy a contar por qué. 

Tras el éxito de Rogue City, el equipo de desarrollo ha optado por un DLC, que ha acabado siendo un juego independiente (de una forma similar a Dying Light: The Beast). ¿Verdaderamente merece la pena considerarlo un "standalone game"? Pues ya te adelanto que sí.

No obstante, tampoco lo consideraría como una secuela hecha y derecha. Es el momento de hablar de todo esto y más. Vamos con el análisis de RoboCop: Rogue City Unfinished Business para PS5, Xbox Series X|S y PC. "Vivo o muerto, tú vendrás conmigo".

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La historia de RoboCop: Rogue City Unfinished Business: subiendo la Omnitower

RoboCop: Rogue City Unfinished Business se ambienta poco después de los acontecimientos del anterior juego, pero no hace especiales esfuerzos por vincular la pasada trama. Estamos ante un título que se puede jugar perfectamente sin haber probado antes su predecesor.

Reconozco que la premisa inicial no me fascinaba. Nuestro policía chapado debe adentrarse en la OmniTower, el más reciente proyecto urbanístico de OCP, tras un ataque a la comisaría. Unos mercenarios se han encerrado en el complejo y amenazan con llevarse todo por delante.

Lo de ir subiendo pisos de una torre puede vincularse al típico modo de juego que se añade como postlanzamiento para engrosar el endgame de un roguelike. Además, ese enfoque narrativo no paraba de recordarme a la película Dredd que nos llegó en 2012.

Por suerte, las similitudes no han sido tantas y a las pocas horas ves que Unfinished Business justifica bastante lo de ser una "expansión" independiente. Hay una historia original que conecta directamente con el pasado de Alex Murphy (el de carne y hueso).

Pese a esa buena noticia, la gran mayoría de personajes e historias de secundarios residentes en la torre resultan bastante insulsas. El juego intenta desesperadamente vincularte con sus caras más importantes mediante flashbacks, pero no hay nada demasiado emocionante en el guion.

El tieso de RoboCop tiene sus momentos, pero un villano con unas motivaciones bastante trilladas e incluso confusas hace que solamente me importe una cosa: disparar a todo lo que se mueve... Y en eso, Unfinished Business cumple con lo esperado.

La jugabilidad y gameplay de RoboCop: Rogue City Unfinished Business

Si ya has jugado a Rogue City, con este nuevo título puedes esperar más de lo mismo, pero con algún que otro añadido que ofrece más acción y menos contemplación. La fórmula first person shooter que nos pone la pistola Auto-9 en la mano funciona igual de bien que en el primer juego, aunque también acusa problemas similares.

El sistema de mejora del arma, con esos nodos conectores y chips, y la posibilidad de perfeccionar a "RoboPoli" mediante puntos de habilidad se mantienen inalterados. Además, muchas de las mecánicas de disparo, el llevar un arma secundaria o poder parar el tiempo, no cambian.

Lo que ofrece Unfinished Business son nuevas situaciones en los estrechos pasillos y salas de la OmniTower. Nuevos enemigos como drones voladores (que suman más verticalidad) o los androides ninja Otomo (guiño a RoboCop 3) dan algo más de juego a una fórmula shooter satisfactoria, aunque demasiado repetitiva.

El juego continúa ofreciendo secciones más detectivescas en donde recurrimos a las habilidades de investigación, pero apuesta claramente por dar más peso a los tiroteos. El resultado es que perpetramos una matanza tras otra, pero hay poca variedad debido a un diseño de niveles demasiado básico.

Jugablemente, los aciertos del primer juego se mantienen. Te sientes como una auténtica máquina imparable e incluso hay un nuevo arma congelante que causa verdaderos estragos, pero todo se acaba estirando más de la cuenta.

Y eso que desde Teyon se esfuerzan en que esto no sea así, creando una serie de secciones diferentes en donde controlamos a tres personajes, siendo uno de ellos el Alex Murphy policía original. Estas fases no están mal y se agradecen, pero a nivel jugable tampoco son la panacea.

Lo que sí que da en el clavo es el momento en el que nos ponemos a los mandos de una unidad ED-209 con la que causamos altos niveles de destrucción, muerte y caos. Un genial momento que parece querer seguir con las fases empoderantes del mecha vistas en DOOM: The Dark Ages.

Aun con sus problemas, Unfinished Business se las apaña para captarte con guiños que los fans sabrán apreciar y con algunos detallitos realmente gustosos, como esa apuesta por el gore y el humor violento, el regreso de Peter Weller como actor de doblaje original del personaje o la animación que los enemigos realizan al dispararles... O sea... EN LOS BAJOS.

El apartado técnico de RoboCop: Rogue City Unfinished Business

El problema es que este juego también repite uno de los puntos negativos del primer título. A nivel técnico, Unfinished Business se siente muy pobre. El juego tontea con el desastre en algún que otro momento, ya que he visto bastantes fallos.

Jugando en PS5 he sufrido dos crasheos totales y durante toda la aventura he experimentado problemas técnicos como caídas de fps muy frecuentes, escenas de diálogos rotas en las que solo hay un fondo gris, efectos de ragdoll exagerados, fallos en las animaciones y otros tantos bugs.

En cuanto al nivel gráfico y técnico general, obviamente, no pido que este juego ofrezca un resultado AAA, pero sorprenden las diferencias que hay en muchos de sus apartados. Los modelados de RoboCop y de muchos de los escenarios se ven genial, pero hay desajustes importantes.

Ciertas iluminaciones de los escenarios, su destrucción o incluso los efectos del arma criogénica cumplen, pero luego hay una bajona de calidad importante en los comportamientos de los NPC, muy robóticos (no hablo del prota), con una sincronización labial que deja bastante que desear y una IA enemiga que se atasca en más de un momento.

Hay mucho que pulir en este aspecto. Esperemos que actualizaciones venideras corrijan (al menos) los bugs más graves que, de momento, tiene este título y que no deberían haberse manifestado tras un primer juego.

¿Cuánto dura RoboCop: Rogue City Unfinished Business? ¿Es un juego difícil?

En cuanto a dificultad, el juego cuenta con tres niveles. El estándar ofrece una experiencia bastante equilibrada y si no vas con cuidado, la puedes "diñar" en más de una ocasión. Aunque echo en falta algún jefe que hubiese aportado algo más de reto.

Y en lo que respecta a duración, esta "minisecuela" sí que convence bastante. He tardado en completar la historia principal de RoboCop: Rogue City Unfinished Business unas 9 horas, lo que me ha dejado bastante complacido.

El título también ofrece varias misiones secundarias y encargos que pueden expandir su duración quizá hasta las 15 horas, aunque este añadido no pasa de lo anecdótico. Eso sí, si te las saltas siempre puedes rejugarlas en una nueva partida.

Precio, plataformas y ediciones de RoboCop: Rogue City Unfinished Business

RoboCop: Rogue City Unfinished Business está disponible en formato físico y digital en PS5, Xbox Series X|S y PC a un precio reducido de 29,99 euros. Recuerda, no es una expansión, así que no necesitas Rogue City para jugarlo.

Además, también está disponible el Prime directive pack por 3,99 euros que incluye una armadura esmerilada para RoboCop, un uniforme de policía alternativo para Murphy y una versión scarlet de la nueva arma de OCP: el Cryo Cannon.

Aún quedan muchos delincuentes por encerrar

Considero a este nuevo juego de Robocop, un título que potencia bastante lo visto en el primer Rogue City y que consigue pulir su apartado jugable para entregar una experiencia first person shooter bastante sólida y divertida.

No obstante, el factor sorpresa de la primera entrega se ha diluido y sus novedades no consiguen dejar del todo claro que esta sea una secuela con todas las de la ley. Se echan en falta más novedades en el sistema de progresión y en las situaciones jugables que plantea.

Además, el mal rendimiento (al menos en la versión de PS5) emborrona mucho el resultado final de un shooter que se sigue sintiendo entretenido y ameno en sus tiroteos, pese a que la sombra de la repetición esté siempre ahí.

Creo que una futura entrega podría terminar de ajustar los primeros buenos pasos que se dan en Unfinished Business. Si se trabajan más, las secciones de flashback pueden aportar una gran variedad. Y no me quiero olvidar de las decisiones, que también juegan un papel relevante.

Pese a sus tropiezos, he disfrutado de unos cuantos momentos jugando a RoboCop: Rogue City Unfinished Business y los fans sabrán apreciar el mimo con el que el juego retrata al personaje y su universo, pero... aún hay trabajo por hacer.

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Y lo es porque se trata del segundo gran exclusivo para Nintendo Switch 2 tras Mario Kart World. La Gran N podía haber ido a lo fácil y haber acompañado el lanzamiento de la consola con un nuevo Mario 3D, como ya hicieron con la primera Switch, pero en lugar de eso lo han apostado todo al gorila.

También es una declaración de intenciones porque esta es su forma de decirnos que DK es una de sus IPs más importantes, al nivel de Mario o The Legend of Zelda. Y buena prueba de todo esto es que el equipo responsable de Bananza es el mismo que el de esa joya llamada Super Mario Odyssey.

Tras haber zampado todos los plátanos posibles (y más), vamos a descubrir si la nueva aventura de Donkey Kong está a la altura del último Mario 3D y si logra alzarse como uno de los primeros juegos indispensables para Nintendo Switch 2.

El análisis de Donkey Kong Bananza para Nintendo Switch 2 de HobbyConsolas:

• El gameplay de Donkey Kong Bananza
• Nivel de dificultad de Donkey Kong Bananza
• ¿Cuántas horas de juego dura Donkey Kong Bananza?
• Cuánto cuesta Donkey Kong Bananza y dónde puedes jugarlo
• La opinión de HobbyConsolas de Donkey Kong Bananza
• Nota: lo mejor y lo peor de Donkey Kong Bananza

Jugabilidad y gameplay de Donkey Kong Bananza en Nintendo Switch 2

En Isla Lingote se ha descubierto una veta de plátanos dorados y, como máximo experto en plátanos, Donkey Kong viaja hasta allí para ponerse las botas. Sin embargo, la Void Company, una villanesca empresa, roba todos los plátanos y cava un enorme hoyo en la tierra que arrastra a DK hacia las profundidades.

De esta manera, el gorila conoce a Pauline, una joven con pánico escénico que seguramente os suene de otros juegos de Donkey Kong y Mario. Juntos, se embarcan en una aventura para llegar al centro de la Tierra y detener a la Void Company.

Si nos ponemos técnicos, Donkey Kong Bananza es un juego de plataformas 3D. Y puede que eso os lleva a pensar: «pero entonces, ¿en qué se diferencia de un Mario?» Pero bastan sólo unos segundos a los mandos para darse cuenta de que este juego es muy diferente a los títulos del fontanero.

Como seguramente ya sabéis, la mecánica estrella de Donkey Kong Bananza es la destrucción: al pegar puñetazos, podemos romper todo lo que se nos ponga por delante. Y cuando decimos todo es, literalmente, TODO: podemos abrirnos paso a través de una cueva a puñetazo limpio; podemos destruir una montaña entera; incluso podemos pegar puñetazos contra el suelo y bajar, y bajar, y bajar…

Lógicamente, los escenarios tienen un límite, pero una de las gracias de Donkey Kong Bananza es que todos los niveles son muy abiertos, por lo que la sensación de que podemos abrirnos paso a puñetazos hasta cualquier parte es constante y nunca deja de ser muy impresionante. Es más, incluso es posible saltarse partes de la historia y alcanzar zonas de los niveles antes de lo previsto gracias a la libertad que ofrece la destrucción de los escenarios.

De esta manera han creado un estilo de juego realmente único para DK; si en un Mario la clave es el plataformeo, ser hábiles con los saltos, aquí la clave es volverse locos y destruirlo todo. Y el juego está diseñado para que prácticamente cada puñetazo tenga recompensa: al destruir muros, siempre estamos consiguiendo cosas como oro, fósiles o, por supuesto, plátanos.

Los plátanos o, más bien, las Gemas de Banandio, son el equivalente a las lunas de Super Mario Odyssey. La gran diferencia es que aquí se nos invita aún más a buscarlos y conseguirlos, pues al obtener cinco, se nos otorga un punto para desbloquear habilidades o mejorar las que ya tenemos.

En otras palabras: Donkey Kong Bananza es una constante descarga de adrenalina, tanto por lo satisfactorio que es destruirlo todo y ver cómo las rocas saltan en miles de pedazos, como por los constantes estímulos a los que estamos sometidos al conseguir premios.

Y sí, no voy a mentir, a veces la jugabilidad de Bananza es un tanto descerebrada, al menos comparada con la de un Mario. Porque aquí muchas veces tienes la sensación de que cada vez que le pegas un puñetazo a algo sale un plátano. Y a la larga, es un tipo de jugabilidad que puede llegar a saturar un pelín más que la de un título del fontanero.

Pero lo bueno es que no todo es arrasar: uno de los aspectos que más me han gustado de Donkey Kong Bananza —y algo que se le da realmente bien a Nintendo— es que es un constante derroche de ideas. Literalmente cada nivel del juego presenta una mecánica nueva, a menudo relacionadas con los materiales que componen el terreno y su comportamiento al golpearlos, pisarlos o lanzarlos.

Por poner un par de ejemplos básicos, hay materiales como el cemento que sólo se pueden destruir con objetos explosivos, pero también hay cosas con propiedades realmente únicas, como semillas que crean puentes, superficies elásticas, materiales que nos permiten elevarnos por los aires al agarrarlos… Y muchas otras cosas que no voy a mencionar porque es una gozada descubrirlo.

Recuerdo que en uno de los últimos niveles, cuando llegué y descubrí cuál era la mecánica principal, no pude evitar pensar: «¿cómo es posible que a estas alturas del juego hayan sido capaces de aprovechar las habilidades básicas de DK para crear todo un nivel alrededor de esta mecánica?». Y es una prueba de lo bien diseñado que está Donkey Kong Bananza. 

Esto me lleva a hablar de otro de los aspectos que más me han gustado… y es precisamente el que da nombre al juego: las Bananzas. En lugar de los acompañantes bestiales de otros juegos de la saga Donkey Kong, en esta entrega para Nintendo Switch 2 el gorila se vale de la voz de Pauline para transformarse en animales con diferentes habilidades, como una cebra que corre a toda velocidad o un avestruz que puede planear durante unos segundos.

De nuevo es inevitable hacer la comparación con un Mario y sus habituales transformaciones, pero aquí también han conseguido diferenciarlo y darle un toque más directo y bestia: en lugar de depender de tener que encontrar el ítem necesario, DK puede transformarse en el animal que quiera siempre y cuando disponga de la energía necesaria…

… y la energía se rellena al recoger oro, un recurso que aparece cada vez que le pegamos un puñetazo a algo, de manera que podemos estar la mayor parte del tiempo transformados.

Esto hace que las Bananzas nos den cierta libertad para superar los retos. Lógicamente, hay niveles que están pensados para que usemos un animal en concreto, pero por lo general tenemos bastante libertad para aprovechar sus habilidades como nos venga en gana. Incluso es posible regresar a niveles anteriores con nuevas Bananzas para conseguir cosas que inicialmente no podíamos.

Reconozco, eso sí, que hay algunas Bananzas a las que creo que se les podía haber sacado algo más de partido. O, al menos, yo no he sido capaz de encontrarles demasiados usos. También es cierto que la que más he usado es la primera de todas, la Bananza del propio DK, cuya habilidad es pegar puñetazos aún más fuertes, así que quizás esto sea cosa mía, que soy muy básico.

Hablemos ahora de un aspecto que ha causado cierto revuelo estos días: el apartado gráfico. Y hablemos claro: ¿tiene Donkey Kong Bananza ralentizaciones? Sí. ¿Son molestas? El 90% del tiempo, no. Las ralentizaciones suelen ocurrir en momentos puntuales y que no afectan a la jugabilidad, por ejemplo, cuando hablamos con algún personaje y la cámara cambia rápidamente de posición, o cuando abrimos y cerramos el mapa, pues es una representación 3D en tiempo real del nivel en el que nos encontramos (bastante impresionante esto).

Los únicos casos donde las ralentizaciones pueden molestar un poco es en dos jefes muy concretos en los que la acción se desmadra bastante y pasan muchas cosas en pantalla. Aun así, no las considero algo como para llevarse las manos a la cabeza.

De hecho, todo lo contrario: creo que Donkey Kong Bananza es un juego que demuestra muy bien de lo que es capaz Nintendo Switch 2. Engaña mucho al tener un estilo artístico cartoon, cercano al cine de animación, pero lo cierto es que aquí hay elementos técnicos muy impresionantes, empezando por el sistema de destrucción.

Poder abrirte paso a través de un nivel reventando todo lo que se te pone por delante y dentro de unos límites considerablemente grandes, es muy espectacular. Pero es que, además, juega mucho con la física, el comportamiento y las propiedades de los objetos, algo que requiere músculo técnico. Y todo ello manteniendo los 60fps casi todo el tiempo, como ya he explicado.

También quiero destacar la enorme cantidad de animaciones diferentes que tienen DK y Pauline, así como su expresividad, pues están continuamente poniendo caras, gesticulando... Pero no sólo en las escenas de vídeo; también mientras jugamos. Fijaos bien y veréis que reaccionan a los enemigos, a los plátanos… y a prácticamente todo. 

Por poner un ejemplo, cuando activamos una Bananza podemos ver a Pauline cantando y bailando sobre los hombros de DK, con movimientos que cambian en función del punto en que se encuentra la canción.

Y ya que hablamos de esto, hablemos también de la banda sonora, que por lo general no es demasiado destacable… excepto al activar las Bananzas. Ahí el juego se desmadra por completo y nos deja unos temazos que no tienen ningún sentido de lo buenos que son.

De hecho, como ya imaginaréis, todo lo que tiene que ver con Pauline está relacionado con la música. Y sus canciones son con muchísima diferencia lo mejor de la banda sonora. Vamos, os aseguro que vais a querer transformaros en animales concretos sólo para escuchar sus pegadizas melodías (la de la cebra es una pasada).

También hay que destacar la voz de Pauline en español, pues se trata de un interpretación buenísima que consigue que se convierta en un personaje muy entrañable al que le acabas cogiendo mucho cariño.

¿Es difícil Donkey Kong Bananza?

Donkey Kong Bananza cuenta con dos niveles de dificultad: el modo normal y el modo ayuda. Y jugando en el primero, el progreso a través de los niveles y los retos que debemos superar para avanzar en la historia principal rara vez entrañan algún desafío. 

Si nos da por explorar, podemos toparnos con desafíos opcionales que suelen ser combates o niveles cerrados con un estilo más clásico (algunos son, directamente, niveles con desarrollo 2D). Pero en ellos, la dificultad reside más en encontrar todos los plátanos que en superar el desafío en sí. 

En otras palabras: es un juego facilón. Es algo de lo que ya pecaba Super Mario Odyssey y personalmente no me parece un gran problema... salvo en el caso de los jefes. Porque quitando un par, el resto son insultantemente fáciles. Y es molesto porque apenas te da tiempo a ver las mecánicas de los jefes; cuando te quieres dar cuenta, el combate ya ha terminado. 

De hecho, ha habido no pocos casos (algunos bastante cerca del final) en los que he pensado «no puede ser que se haya terminado ya el combate». 

Y sí, cerca del final y pasado el propio final, el juego contiene desafíos opcionales que son complicados y requieren unos cuantos intentos o darle al coco para descubrir cómo avanzar, pero creo que a Donkey Kong Bananza le habría sentado mejor ofrecer algo más de reto en la historia principal.

¿Cuántas horas dura la historia de Donkey Kong Bananza?

Dado que los niveles de Donkey Kong Bananza son muy abiertos y esconden tantos desafíos, secretos y recompensas opcionales, la duración de una partida depende totalmente de nuestra forma de jugar. Os puedo decir que, en mi caso, completar el juego habiendo obtenido 455 plátanos me ha llevado más de 25 horas.

Y, por supuesto, me quedan muchísimas cosas por hacer, empezando por conseguir todos los plátanos, cuyo número total asciende a más de 700. Además de esto, Donkey Kong Bananza también tiene un postjuego bastante entretenido y elaborado, pues tiene un pequeño componente narrativo que invita a jugar no sólo por el hecho de superar nuevos desafíos y conseguir recompensas especiales.

Como detalle adicional está el modo DK Artist, que no deja de ser una curiosidad para justificar la implementación del modo ratón de Nintendo Switch 2... Pero oye, es una opción más que, si os convence, os puede dar más horas de juego.

Precio y plataformas disponibles

Donkey Kong Bananza se pone a la venta para Nintendo Switch 2 el día 17 de julio de 2025 a un precio de 69,99€. El tema del precio es especialmente relevante en este caso, pues recordemos que Mario Kart World ha sido uno de los primeros juegos lanzados a 89,99€. Y desde luego no se puede decir que la nueva aventura del simio tenga menos calidad.

Donkey Kong Bananza se lanza tanto en formato físico como en formato digital, en ambos casos al mismo precio. Si decidís haceros con la edición física, os alegrará saber que el juego al completo viene incluido en el cartucho (en otras palabras: no es una de las temidas Game-Key Cards).

Viaje al centro de la diversión

Nintendo ha dado con la tecla exacta a la hora de traer de vuelta a un personaje tan icónico como Donkey Kong, dándole el mismo cariño y valores de producción que a sus otras sagas de gran calibre y, al mismo tiempo, logrando una jugabilidad que se diferencia muchísimo y hace que destaque.

Y como ya decía al principio, es toda una declaración de intenciones que uno de los grandes juegos en los primeros meses de vida de Nintendo Switch 2 esté protagonizado por el gorila y no por el fontanero.

La pregunta más habitual -y seguramente la que os estáis haciendo en estos momentos- es: ¿es Donkey Kong Bananza mejor que Super Mario Odyssey? Y la respuesta es... que son diferentes. Donkey Kong Bananza tiene la misma base jugable y la misma calidad que el mejor Mario 3D, pero en lugar de manejar a un fontanero que salta, controlamos a un gorila desenfrenado.

Personalmente, creo que depende del estado de ánimo: hay días que te apetece saltar y superar grandes retos de plataformeo, y otros que sólo te apetece pegar puñetazos y destruir muros para desahogarte. Y vaya si se desahoga uno jugando a Donkey Kong Bananza.

Pero, por encima de todo, Bananza demuestra que en Nintendo siguen siendo los mejores haciendo videojuegos. Y con esto me refiero a videojuegos en el sentido más puro; títulos en los que coges el mando y a los dos minutos ya estás aporreando botones y pasándotelo bien. Y lejos de quedarse ahí, esa sensación se alarga hasta que llegan los créditos... Y más allá. 

Lo que viene siendo un auténtico engorile.