Hidetaka Miyazaki y su equipo han conseguido que nos acostumbremos a morir una y otra vez, y que disfrutemos haciéndolo, con la esperanza de recoger almas (o ecos de sangre) en nuestro siguiente intento. Por eso, aquí os dejamos un repaso a los mejores soulslike, esos que ningún fan de este género debería perderse.

Con él hemos querido rendir homenaje a los títulos más ambiciosos, pero hay muchos más. La influencia de los Souls llega también a juegos indies como Salt and Sanctuary (realizado en 2D por Ska Studios) Dead Cells o Ashen. 

Pero ahora llega el momento de prepararnos para morir. Estos son los mejores souslike desde su origen (Demon's Souls) hasta la actualidad (2024). Tenemos de todo: fantasía oscura, el Japón de los samuráis, ciencia ficción, estilo victoriano-lovecraftiano... Así como diferentes planteamientos en cuanto al combate o incluso los puntos de guardado. 

Elden Ring

• Plataformas: PS4, PS5, Xbox One, Xbox Series X|S y PC 
• Fecha de lanzamiento: 2022

Elden Ring es la culminación tras 18 años trabajando y perfeccionando un tipo muy concreto de juego. Es un título de dimensiones inmensas y cientos de horas de contenido, que no por ello descuida la calidad de aspectos como el diseño de niveles, la variedad de jefes, las posibilidades a la hora de construir a nuestro personaje o el apartado artístico. Es el soulslike definitivo. 

Y por ese mismo motivo, no tenemos ni idea de cómo piensan superarlo o cómo pueden sorprendernos a continuación Hidetaka Miyazaki y FromSoftware. Nosotros, por el momento, sólo debemos preocuparnos de volver a disfrutar de más Elden Ring, porque el 21 de junio de 2024 se lanza Shadow of the Erdtree, la prometedora y muy esperada expansion.

Si queréis saber más, os dejamos nuestro análisis de Elden Ring.

Bloodborne

• Plataformas: PS4
• Fecha de lanzamiento: 2015

El exclusivo de PS4 desarrollado por FromSoftware es mucho más que un sucesor espiritual de Demon's y Dark Souls. Como ya sabéis, la ambientación cambia por completo, abandonando el estilo fantástico medieval por una ciudad europea de estilo victoriano en la más absoluta de las decadencias. 

Las bestias campan a sus anchas y sólo hay una persona capaz de salir a cazarlas, nuestro héroe o heroína, al que podemos personalizar con un completo editor que aumenta, aún más, las posibilidades que ya ofrecían los Souls. 

Poco después de crear a nuestro avatar, moriremos. Puro Souls nada más empezar. Tras la primera muerte somos transportados al Sueño del Cazador, una especie de limbo en el que podemos comprar objetos, subir de nivel y mejorar nuestro equipo. Además, desde allí también podemos acceder a todas las zonas que vayamos desbloqueando.

Pero no todo son similitudes. Bloodborne innova en el sistema de combate, con armas contundentes y de fuego combinadas. Y también disfruta de un apartado técnico superior. Además se eliminan las limitaciones en el peso que podemos cargar, y las hogueras se han sustituido por faroles.

Si queréis saber más, os dejamos nuestro análisis de Bloodborne.

Dark Souls III

• Plataformas: PS4, Xbox One y PC
• Fecha de lanzamiento: 2016

Dark Souls III es como el reencuentro con un viejo amigo al que hace años que no veíamos: hay una sensación de familiaridad constante y, al mismo tiempo, de que todo ha evolucionado y mejorado con el paso del tiempo.

La creación del personaje, por ejemplo, es tal como la recordábamos y sigue ofreciendo las mismas opciones, pero con un mayor nivel de personalización (más peinados, barbas, marcas, tatuajes...) y algún que otro añadido en forma de nuevas clases (mercenario, heraldo y asesino). 

Las estadísticas están en general mucho mejor equilibradas y definidas, de modo que todas tienen una utilidad muy concreta. La vitalidad nos recompensa con un mayor número de puntos de salud y la resistencia, tan inútil en el primer Dark Souls, tiene ahora más sentido que nunca, pues además de aportar puntos extra a todas las defensas, aumenta el peso y la carga del equipo.

En Dark Souls 3 todo se desarrolla de una forma mucho más ágil: nuestros ataques, esquivas y movimientos de escudo son más veloces, pero el tempo del combate es lo que define y diferencia a Dark Souls. Una actitud arrojada se suele ver recompensada con la muerte, mientras que la paciencia, la perseverancia y la evaluación de los movimientos enemigos nos llevan a la victoria.

Si os interesa saber lo que dijimos en su momento, os dejamos nuestro análisis de Dark Souls 3.

Dark Souls

• Plataformas: PS3, PS4, Xbox 360, Xbox One, Nintendo Switch y PC
• Fecha de lanzamiento: 2011

En el E3 2008, FromSoftware presentó un enorme logotipo donde se podían leer las palabras Project Dark. Demon’s Souls ya tenía sucesor espiritual.

Muchos meses tuvieron que pasar para conocer más detalles del título; sus primeros conceptos y bocetos, su planteamiento y su nombre definitivo, Dark Souls. Tras una oleada intermitente de información, podíamos comprobar cómo brotaba, sano y firme, de las raíces ya establecidas por Demon’s Souls. 

Es por esto que, al no tratarse de una secuela directa del primero, recibió el calificativo de Sucesor Espiritual que tantas veces hemos leído. ¿Y por qué no es una continuación directa de Demon’s Souls? Sencillo, dicha marca está registrada por Sony y es de su propiedad, por lo tanto, la única solución de FromSoftware era crear Demon’s Souls 2 para PS3... o un juego similar y multiplataforma.

La gran novedad respecto a Demon’s Souls fue que nos encontramos ante un mundo totalmente abierto, con un gran abanico de zonas para explorar y que conectan entre ellas de un modo u otro. En Demon's Souls teníamos cinco mundos, divididos en cuatro partes, cada zona con un camino a seguir y un enemigo al final de la fase. 

Sin duda, el hecho de implantar un mundo tan profundo y gigantesco, sin barreras de ningún tipo, ofreciéndonos la posibilidad de perdernos allá por donde sobrevivamos, fue todo un acierto. Eso sí, el nivel requerido para afrontar las zonas en las que nos adentremos no es de la incumbencia de FromSoftware. 

¿Qué significa esto? Pues que bien podemos seguir el orden lógico del juego (que desconocemos, por supuesto) o desviarnos y entrar en una zona donde nuestros golpes no harán ningún daño a los enemigos. 

Esto fue lo que dijimos en su momento de este hito en la historia de los videojuegos: análisis no-muerto de Dark Souls, uno de los mejores soulslike.

Sekiro: Shadows Die Twice

• Plataformas: PS4, Xbox One y PC
• Fecha de lanzamiento: 2019

Es uno de los desarrollos más innovadores de FromSoftware (en colaboración con Activision) y a la vez uno de los que más cambia la fórmula del éxito. En esta ocasión, el componente RPG es mucho menor; nosotros controlamos a un shinobi "el lobo de un sólo brazo" que debe hacer frente a un ejército de samurais y demonios para rescatar a su joven señor. 

En este caso, el combate no sólo está equilibrado con la esquiva de los ataques enemigos, sino que debemos ejecutar paradas (o parrys) en el momento adecuado, hasta reducir su barra de concentración para ejecutarlos de un golpe. Sekiro, además, apuesta por una exploración mucho más vertical, con la ayuda de un garfio y un brazo prostético que añade habilidades especiales.

La ambientación feudal japonesa, el mayor componente de historia (narrada de un modo más convencional) y su perfecto equilibrio de dificultad y aprendizaje hicieron que se convirtiese en el GOTY (el juego del año) según The Game Awards en 2019. 

Aún siendo el más atipico de los soulslike, es también uno de los mejores juegos de PS4, Xbox One y PC, con un diseño de enemigos brillante, multitud de secretos y algunos momentos que recordaremos siempre por lo complicados (y satisfactorios) que resultan. Seguro que aquí cada uno puede poner su favorito... ¿el simio sin cabeza? ¿Lord Genichiro? ¿La bestia del odio?

Os dejamos nuestro análisis de Sekiro: Shadows Die Twice, el juego de ninjas de FromSoftware.

Demon's Souls (remake)

• Plataformas: PS5
• Fecha de lanzamiento: 2020

Resulta irónico que Demon's Souls (el original) fuese considerado una auténtica castaña sin futuro por parte de altos cargos de Sony... y que años más tarde ese mismo título, rehecho con gráficos de nueva generación, se convertiría en uno de los juegos de lanzamiento de PlayStation 5.

Curiosamente, FromSoftware no tuvo nada que ver con este proyecto (más allá de dar su beneplácito). Los encargados del remake de Demon's Souls fueron Bluepoint Games, responsables también de rehacer juegos como Shadow of the Colossus para PS4.

El resultado fue un juego muy fiel al original, con un respeto absoluto por la obra de FromSoftware (niveles, armas, enemigos, jefes...), pero que a su vez añade mejoras que hacen que la experiencia sea acorde a los tiempos actuales. Y, por supuesto, con un apartado visual de escándalo.

Os dejamos por aquí nuestro análisis de Demon's Souls (remake) por si queréis saber más.

Lies of P

• Plataformas: PS4, PS5, Xbox One, Xbox Series X|S y PC
• Fecha de lanzamiento: 2023

Han surgido tantos "memes" en torno a los Souls (y en especial en torno a su dificultad), que la idea de hacer un "soulslike de Pinocho" sonaba en un principio un tanto disparatada. Pero, para nuestra sorpresa, Lies of P resultó ser un auténtico juegazo.

Desarrollado por el estudio coreano Round8, el juego adapta la popular historia de Carlo Collodi en forma de fábula oscura, con una ciudad asolada por marionetas asesinas y otros terrores. El protagonista es P, la creación de Gepetto, una marioneta muy especial... y letal.

Además de los elementos habituales de los soulslike, Lies of P incluye varias ideas de lo mas interesantes, como una sistema de modificación y combinación de armas que da mucho juego o la posibilidad de mentir durante las conversaciones para ganar humanidad, alterando así varios aspectos.

Lies of P es uno de los juegos que mejor han entendido la filosofía de FromSoftware, añadiendo además su propio "toque" para hacerlo memorable. Vamos, que es otro de los mejores soulslike. Echadle un vistazo a nuestro análisis si queréis saber más.

Star Wars Jedi: Survivor

• Plataformas: PS4, PS5, Xbox One, Xbox Series X|S y PC
• Fecha de lanzamiento: 2023

Tras una primera entrega que sentó las bases y nos dejó un gran sabor de boca, volvimos a esa galaxia muy, muy lejana con Cal Kestis y Star Wars Jedi: Survivor.

Esta saga, desarrollada por Respawn (autores de Titanfall), combina elementos de varios juegos y géneros para dar lugar a una aventura de acción galáctica que se disfruta muchísimo. Y sí, los combates tienen un gran componente soulslike y, en concreto, recuerdan bastante a Sekiro por la importancia de los parrys y la barra de "postura".

Destaca la posibilidad de utilizar y combinar diferentes estilos de combate, como la espada láser, las espadas duales o la espada doble, a las que se suman en esta entrega el poderoso sable en cruz y el bláster. 

Si queréis saber más os dejamos nuestro análisis de Star Wars Jedi: Survivor, pero sI sois fans de Star Wars y os gustan los soulslike, no deberíais pensároslo ni un segundo

Demon's Souls

• Plataformas: PS3
• Fecha de lanzamiento: 2010 (Europa)

Influenciado por otros juegos como Ico y Dragon Quest, o mangas como Berserk y JoJo's Bizarre Adventure, Hidetaka Miyazaki pretendía darle una vuelta de tuerca a la saga King's Field y crear un producto fresco. 

Miyazaki consideraba que la dificultad de Demon's Souls no tenía la intención de frustrar al jugador, o convertir en imposible su tarea, sino transmitir la sensación de peligro y tensión que contenía el mundo a la jugabilidad de éste. De esta manera, morir era el comienzo, pero cuando derrotabas al jefe de turno, la victoria era mucho más dulce.

La trama seguro que le suena a más de uno. El reino de Boletaria ha sido rodeado por la niebla y nadie sabe qué es lo que ocurre dentro de ella. El protagonista es enviado para acabar con los problemas de este reino y tendrá que recolectar las almas de demonio (Demon's Souls) que poseen los diversos jefes del juego para poder llegar hasta El Anciano y salvar al reino.

Si sentís curiosidad por lo que dijimos de la piedra angular de los soulslike, el auténtico padre de este subgénero, echadle un ojo a nuestro análisis de Demon's Souls para PS3.

Blasphemous

• Plataformas: PS4, Xbox One, Nintendo Switch y PC
• Fecha de lanzamiento: 2019

Se trata de un desarrollo del estudio español The Game Kitchen, que mezcla elementos de un desarrollo metroidvania con elementos soulslike, realizados en 2D y con una ambientación medieval que bebe de elementos de la Semana Santa sevillana. 

Como El Penitente, debemos recorrer el ficticio, pero a la vez familiar, mundo de Cvstodia, un lugar preso del Milagro, una suerte de maldición que ha tornado a sus habitantes en monstruos. Sólo contamos con la ayuda de nuestra espada, Mea Culpa, para abrirnos camino, y de las pocas y enigmáticas pistas que nos da Deogracias.

Este mundo tiene una estructura similar a la de los Castlevania de Igarashi, en el sentido de que está compuesto por zonas 2D interconectadas que podemos recorrer con libertad... siempre y cuando no nos topemos con obstáculos que requieran una habilidad concreta o haber abierto una puerta desde el otro lado, por ejemplo.

Bibliotecas, catacumbas, conventos, gélidas montañas... Cada zona cuenta con una atmósfera distinta (aunque el plataformeo y la exploración es una constante, junto a algún esporádico puzle), enemigos diferentes y pequeñas variaciones, desde viento que afecta al Penitente o zonas con toxinas venenosas que van reduciendo nuestra vitalidad poco a poco. 

De este modo, de primeras, apenas podemos hacer mucho más allá de saltar, atacar, esquivar y hacer "parrys" o rechazos, como en Dark Souls, que nos permiten contraatacar a enemigos. Nuestro abanico de ataques es limitado... pero poco a poco iremos descubriendo muchas opciones. 

Si bieno nos quedamos con el primer Blasphemous por ajustarse mejor a lo que entendemos como soulslike, su secuela, Blasphemous 2, es también un juegazo que os recomendamos encarecidamente. Aquí podéis leer nuestro análisis de Blasphemous.

Dark Souls II

• Plataformas: PS3, PS4, Xbox 360, Xbox One y PC
• Fecha de lanzamiento: 2014

Las novedades no son muy numerosas en esta entrega, aunque mejoran muchos de los pequeños problemas del original. El control es casi idéntico al de Dark Souls, aunque el nuevo salto es mucho más fiable y acaba con las únicas muertes sin sentido que tenía su predecesor. 

El diseño de los escenarios sigue siendo tan laberíntico como siempre, pero al menos contamos con la posibilidad de viajar de una hoguera a otra en todo momento, para evitar las largas caminatas y la repetición de combates innecesarios de Dark Souls. 

La quema de objetos en las hogueras también nos ofrece nuevas posibilidades, como aumentar la dificultad de los enemigos (más aún) o evitar que nos invadan tanto.

Y es que, la mejora del multijugador es otro de los puntos fuertes de Dark Souls 2. Ya no es necesario estar en forma humana para ser invadidos o jugar en modo cooperativo, por lo que los encuentros son más frecuentes que en el original, añadiendo (más si cabe) causas de muerte para nuestro personaje. 

Eso sí, la libertad para elegir cómo queremos jugar es mayor ya que también podemos quemar una efigie humana (la misma que ahora nos convierte en humanos) para disminuir la frecuencia de los encuentros. ¿Con ganas de saber más? Os dejamos nuestro análisis de Dark Souls 2.

Nioh

• Plataformas: PS4, PS5 y PC
• Fecha de lanzamiento: 2017

El juego de Team Ninja para PS4 y PC tiene personalidad propia. Por un lado están la historia y la ambientación: nosotros controlamos a William Adams, un inglés que viaja a Japón para recuperar un objeto perdido y que fue el primer samurái occidental de la historia. 

El argumento gira en torno a las batallas entre los distintos clanes nipones, aunque el juego está plagado de elementos fantásticos. Y hay muchas más escenas cinemáticas y diálogos que en la obra de From Software.

La ambientación de Nioh es sencillamente soberbia. Visitamos montones de lugares del Japón de 1600, embarcado por aquel entonces en una cruenta guerra. Las poblaciones, los personajes o las armas y vestimentas están recreadas de un modo realista y a la vez fantástico que resulta tremendamente atractivo. 

Y aquí encontramos una de las grandes diferencias con su saga madre: el “looteo” de armas y equipamiento. Hay cientos y cientos de objetos de equipo que obtenemos al azar al acabar con los enemigos. 

El sistema de combates de Nioh es espectacular, con una variedad de golpes y situaciones muy similares a los de la saga Dark Souls, pero con más posibilidades, golpes y magias. Es ahí donde más se nota la mano del Team Ninja, padres de la saga Ninja Gaiden. 

También contamos con armas a distancia, como el arco, los cañones de mano o los arcabuces, que pueden sacarnos de más de un apuro en los combates. Y no podemos olvidarnos de nuestro espíritu guardián, unos animales mágicos que nos otorgan mejoras pasivas y una magia especial muy poderosa.

Gracias a su sistema de combates y de “looteo”, tremendamente adictivos, y una dirección artística soberbia, es uno de los action RPG más queridos por los amantes de los soulslike. Os dejamos nuestro análisis de Nioh.

Nioh 2

• Plataformas: PS4, PS5 y PC
• Fecha de lanzamiento: 2020

En lo jugable, Nioh 2 es exactamente igual que el primero: los mismos controles, los mismos menús, las mismas habilidades desbloqueables, las mismas animaciones... 

La mayor novedad en este aspecto son los dos nuevos tipos de arma cuerpo a cuerpo, que elevan el total a nueve: katana, katana doble, lanza, hacha, kusarigama, odachi, tonfa y las recién llegadas: hachuelas y guja alternada.

El editor de personajes es buenísimo; vais a perder muchísimo tiempo eligiendo peinados hasta conseguir a el o la samurái de vuestros sueños. Además, Nioh 2 nos permite volver al editor desde la pantalla de selección de misión, así que si nos cansamos de esa cicatriz, queremos otro color de ojos o nos apetece cambiar de género en mitad de la historia, podemos hacerlo.

Otra de las novedades que introduce Nioh 2 es el reino oscuro, que básicamente son zonas enteras de un nivel en las que "disfrutamos" de los efectos del reino yokai (es decir, donde el ki se regenera con mayor lentitud) y los enemigos ven su poder aumentado.

Para poder limpiarlas debemos dar con el enemigo que lo está generando, que suele ser un "bicho" complicado. Además, los jefes pueden activar este reino durante los combates, lo que complica bastante las cosas (y nos invita, de nuevo, a reducir su ki con el uso de las habilidades yokai).

En Nioh 2 todos los niveles (nuevos) están bien diseñados, algunos incluso muy bien, con sus correspondientes atajos para unir unas partes con otras de forma inteligente. Si queréis indagar, os dejamos nuestro análisis de Nioh 2.

Lords of the Fallen

• Plataformas: PS5, Xbox Series X|S y PC
• Fecha de lanzamiento: 2023

El primer Lords of the Fallen, lanzado en 2014, está considerado como el primer juego que imitó la fórmula de FromSoftware. Dicho de otro modo: fue el primer soulslike. Quizás, por ese mismo motivo, también es uno de los menos recordados.

Sin embargo, su sucesor, llamado también Lords of the Fallen pero desarrollado por Hexworks, consiguió destacar aun teniéndolo mucho más difícil. Sigue siendo un RPG de fantasía oscura con combates desafiantes, pero añade un elemento muy interesante: el farol.

En cualquier momento, podemos usar el farol para alternar entre dos mundos: el de los muertos y el de los vivos, cada uno con cambios tanto en los escenarios como en los enemigos. De esta forma, la exploración y el diseño de niveles son uno de los puntos fuertes de Lords of the Fallen.

Tuvo algunas problemillas técnicos en su lanzamiento, pero tras un gran número de parches hoy podemos recomendarlo sin ningún reparo. Echadle un ojo a nuestro análisis de Lords of the Fallen para saber más.

Remnant 2

• Plataformas: PS5, Xbox Series X|S y PC
• Fecha de lanzamiento: 2023

Remnant: From the Ashes fue uno de esos juegos que nadie se espera y se acaban convirtiendo en clásicos de culto. Y para bien o para mal, su secuela parece ir por el mismo camino, pues pese a que no ha hecho todo el ruido que debería, es un juegazo como la copa de un pino.

Dentro de los soulslike, Remnant 2 es uno de los más únicos. Aunque ek cuepro a cuerpo es una opción viable (depende de la build), la mayoría de clases se centran en el combate a distancia, por lo que hablamos de un soulslike de disparos en tercera persona.

Además de esto, Remnant 2 da mucha importancia al juego cooperativo con otros jugadores. Es posible jugar en solitario, pero la experiencia se difruta el doble (o el triple) si vamos acompañados por otros jugadores.

Another Crab's Treasure

• Plataformas: PS5, Xbox One, Xbox Series X|S, Nintendo Switch y PC
• Fecha de lanzamiento: 2024

¿Un soulslike en el fondo del mar? ¿Protagonizado por un cangrejo? De nuevo, la idea puede sonar un tanto ridícula, pero si el resultado es tan bueno como Another Crab's Treasure, entonces ojalá nunca paren de hacer soulslikes en torno a ideas locas.

Este juego, desarrollado por Aggro Crab (responsables también de Going Under), nos pone en el papel de Kril, un cangrejo ermitaño que es desahuciado y se embarca en un viaje para recuperar su hogar de las garras del estado. 

Lo bueno es que cualquier cosa vale para defenderse, así que en Another Crab's Treasure estamos continuamente recogiendo latas y otros objetos para defendernos de los golpes, lo que lo convierte en un soulslike tan divertido como bien pensado.

Si queréis saber más, echadle un ojo a nuestro análisis de Another Crab's Treasure.

Wo-Long: Fallen Dynasty

• Plataformas: 2023
• Fecha de lanzamiento: PS4, PS5, Xbox One, Xbox Series X|S y PC

Es indudable que la dificultad es uno de los aspecto más asociados a los soulslike, pero hay juegos que han demostrado que ser difícil a rabiar no es un elemento indispensable. Uno de esos juegos es Wo-Long: Fallen Dynasty, desarrollado por Team Ninja y ambientando durante la dinastía Han.

A pesar de contener todos los elementos habituales de los soulslike, Wo-Long destaca por no ser especialmente complicado, así que si nunca os habéis atrevido con el género por miedo a no pasar del tutorial, es un magnífico punto de entrada.

Una de las características más interesantes es su sistema de parry, que se combina con la esquiva para facilitar este movimiento. Sumadle a eso el buen hacer de Team Ninja con los juegos de acción y entenderéis por qué nos gusta tanto. Os dejamos con nuestro análisis de Wo-Long: Fallen DYnasty.

Stranger of Paradise: Final Fantasy Origin

• Plataformas: PS4, PS5, Xbox One, Xbox Series X|S y PC
• Fecha de lanzamiento: 2022

Después del primer Nioh, no cabe duda de que Team Ninja le cogió el gustillo a los soulslikes, pues se han dedicado en cuerpo y alma a este subgénero. Lo que no esperábamos en absoluto era que se encargasen de un Final Fantasy al estilo soulslike.

Porque eso es exactamente Stranger of Paradise: Final Fantasy Origin: un juego con el estilo soulslike de Team Ninja pero ambientado en el universo Final Fantasy. Concretamente, es una precuela del primer Final Fantasy que nos permite conocer los orígenes de su villano, Caos.

Más allá de todos los "memes" que surgieron a su alrededor, lo cierto es que también es un gran juego que os encantará si os gustaron ambos Nioh. Echadle un ojo a nuestro análisis de Stranger of Paradise: Final Fantasy Origin si queréis saber más.

The Surge

• Plataformas: PS4, Xbox One yPC
• Fecha de lanzamiento: 2017

The Surge retoma algunas ideas del primer Lords of the Fallen (también de Deck 13) que no funcionaban nada mal, por ejemplo: cuanto más tiempo pasamos sin descansar en los centros médicos (las hogueras de Dark Souls), más aumenta el multiplicador de experiencia. Una mecánica que premia a los jugadores que arriesgan... Y que se paga caro si no somos cuidadosos.

Otra mecánica que regresa de Lords of the Fallen es la lucha contra el crono, y es que al morir, podemos regresar al punto donde descansa nuestro cadáver para recuperar toda la experiencia que habíamos acumulado hasta el momento... Si somos veloces. Porque al caer se activa una cuenta atrás y, si no llegamos hasta nuestro cuerpo lo suficientemente rápido, desaparecerá..

Pero no todo son elementos del pasado, The Surge también se atreve a introducir alguna vuelta de tuerca que, junto a la ambientación futurista, consigue que el juego de Deck 13 tenga personalidad propia. 

Fijaos en los combates, por ejemplo: como en todo soulslike, es importante esquivar y "leer" los movimientos del rival para lanzar nuestro ataque, pues una embestida a lo loco no nos llevará demasiado lejos. Sin embargo, cuentan con un nuevo punto de profundidad: podemos realizar ataques horizontes y verticales. 

Se crea así un baile de pasos exigentes y ejecuciones brutales, siempre acompañado de una lluvia de sangre y que termina con brazos, piernas y torsos volando por lo aires. Con las piezas que recogemos de esta forma podemos crear nuevo equipo con el que mejorar nuestras armas y, más importante aún, nuestro exoesqueleto, dando lugar a combinaciones de lo más variopintas.

A continuación os dejamos nuestro análisis de The Surge.

The Surge 2

• Plataformas: PS4, Xbox One yPC
• Fecha de lanzamiento: 2020

A primera vista, puede parecer que en lo jugable The Surge 2 no supone una gran evolución frente al original: volvemos a tener combates en tercera persona al estilo soulslike, en los que destaca la posibilidad de desmembrar a los enemigos para obtener sus armas y partes de armadura. Pero lo cierto es que hay un enorme número de cambios, todos ellos orientados a pulir la acción.

Para empezar, todo es más rápido, contundente y variado: se mantienen los cortes horizontales y verticales, pero se enfatizan los combos -realizados al mezclar ambos ataques- con la inclusión de nuevas y espectaculares animaciones que cambian dependiendo del tipo de arma. 

En The Surge 2 también se han incluido enemigos con escudo o con partes del cuerpo mejor protegidas (indicadas por un símbolo rojo); para estas situaciones, contamos con la posibilidad de usar ataques cargados.

Además, damos la bienvenida a dos ajustes en los enemigos: el primero, mostrar un número sobre su cabeza que indica su nivel de poder. Y el segundo, y más importante, un "modo ira" durante el que su resistencia a interrupción de ataques aumenta. Vamos, que es una forma de decirnos que ha llegado la hora de esquivar o bloquear.

Si queréis saber más, os dejamos nuestro análisis de The Surge 2.

Steelrising

• Plataformas: PS5, Xbox Series X|S y PC
• Fecha de lanzamiento: 2022

Aquí tenemos otro ejemplo de soulslike que demuestra que la dificultad no lo es todo: Steelrising, de los franceses Spiders (autores de The Technomancer y Greedfall).

Steelrising nos lleva hasta una versión alternativa de la Revolución Francesa en la que el rey Luis XVI aterroriza las calles con un ejercito de autómatas. Nosotros nos ponemos en el papel de Aegis una autómata que se convierte en una pieza clave de la Revolución.

Como decimos, se trata de un soulslike relativamente sencillo, al menos para los estándares a los que nos tiene acostumbrados el género. Los jefes, que suelen ser un quebradero de cabeza en estos juegos, aquí son bastante facilones, así que es otro juego muy recomendable para inciarse en los soulslike.

Podéis leer nuestro análisis de Steelrising si queréis saber más.

Mortal Shell

• Plataformas: PS4, PS5, Xbox One, Xbox Series X|S, Nintendo Switch y PC
• Fecha de lanzamiento: 2020

Mortal Shell cumple prácticamente todos los mandamientos del soulslike: niveles intrincados, enemigos desafiantes, ambientación oscura y misteriosa... Sin embargo, posee un elementos muy distintivo, que no es el otro que el que da nombre al juego: los receptáculos.

En lugar de las habituales clases de personaje, en Mortal Shell nuestro avatar "ocupa" el cuerpo de distintos guerreros, cada una con sus propias características y estilo de juego. Por si esto no fuese ya interesante, también cuenta con mecánicas únicas como la posibilidad de endurecerse para bloquear ataques.

Aun no siendo uno de los mejores, es un juego de acción con elementos RPG que se disfruta hasta el final. Para saber más, echadle un ojo a nuestro análisis de Mortal Shell.

Thymesia

• Plataformas: PS5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch y PC
• Fecha de lanzamiento: 2022

Lo bueno de que haya tantos soulslike es que hay de todo, así que si alguna vez habéis soñado con un cruce entre Bloodborne y Sekiro... no soñéis más: Thymesia es vuestro juego.

En este título desarrollado por OverBorder Studio encarnamos a Corvus, un "doctor de la plaga" tan hábil con la espada como con los poderes alquímicos. 

No es un juego excesivamente largo o complejo, pero sus mecánicas de combate son realmente satisfactorias y no pararéis hasta completarlo. Si queréis saber más al respecto, os dejamos nuestro análisis de Thymesia.

Code Vein

• Plataformas: PS4, Xbox One y PC
• Fecha de lanzamiento: 2019

Code Vein es un soulslike de libro. Todos los elementos de la prestigiosa saga de FromSoftware se han replicado con más o menos acierto en el juego de Bandai Namco. No tenemos hogueras para teleportarnos o subir de nivel, pero en su lugar aparecen arbustos de muérdago con las mismas propiedades. 

El trazado de los mapas, que se "retuercen" sobre si mismos y en los que vamos desbloqueando atajos es muy similar, e incluso nos encontramos con localizaciones como un pantano subterráneo, unos acantilados o una catedral gótica que son comunes en la obra de Miyazaki.

También regresamos a un "hub" central, que en este caso es la base de operaciones, para mejorar nuestras armas y armadura -el velo de sangre-, para cambiar de aspecto y conversar con los revenant de nuestro equipo. Y en general el desarrollo se desenvuelve del mismo modo.

Recorremos los escenarios con mucha precaución, enfrentándonos a los "perdidos" (vampiros que han perdido toda su humanidad y se han transformado en monstruos) y subimos de nivel hasta plantar batalla a los temibles enemigos finales, que nos van a poner las cosas difíciles.

Podéis descubrir más en nuestro análisis de Code Vein.

Y hasta aquí nuestro listado con los mejores soulslike hasta la fecha, desde sus orígenes con Demon's Souls para PS3 hasta la actualidad.

Dada la velocidad a la que se lanzan nuevos juegos con un estilo muy similar, es probable que pronto tengamos que actualizar la lista. En el horizonte ya se atisban unos cuantos candidatos, como el prometedor Black Myth: Wukong, que llegará el próximo mes de agosto.

También hemos entrevistado al director de la película, Neill Blomkamp, al protagonista principal, Archie Madekwe y a Orlando Bloom (aficionado a los coches), que tiene un papel como manager de GT Academy. 

Pero uno de los encuentros más interesantes ha sido sin duda la charla que mantuvimos con Carter Swan, Senior Producer de PlayStation Productions. Él es el encargado de asegurarse del trato que reciben todas las IPs de Sony al trasladarse a cine y TV. En sus propias palabras "su trabajo es ser el fan número uno de estos juegos". 

¿Cómo se escoge qué juegos se van a trasladar al cine? "Es extraño porque no es una historia interconectada como Marvel o DC, Nosotros nos sentamos y escuchamos las ideas del equipo, porque en el pasado las adaptaciones de videojuegos no han sido muy buenas, parecían forzadas. Nosotros tratamos de escuchar a los escritores en primer lugar". 

En el caso de Gran Turismo es diferente, "porque se trata de una historia real, en que comenzamos a trabajar incluso antes de que Jann consiguiese tan buenos resultados. Pero es más interesante cuando sucede en el mundo real". 

Le preguntamos por su colaboración con Yamauchi y Polyphony Digital. "He hablado con él varias veces a lo largo del proceso y he trabajado a diario con su equipo. Le pasamos el guión y la historia, y ha sido de gran ayuda, sin inmiscuirse en el trabajo de rodaje, pero colaborando". De hecho hay un personaje basado en él en la película (interpretado por Takehiro Hira).

"Esta adaptación es diferente a otras películas, no tratamos de convertir un juego de más de 60 horas en una historia de tan sólo dos horas. Pero hubo un momento en que nos preguntamos si no sería una locura". La experiencia del videojuego "se imita de una manera sutil en algunos movimientos de cámara". 

Pero "son experiencias diferentes. En nuestro caso, partimos de una gran historia relacionada con el videojuego y respetamos la esencia de Gran Turismo. Película y videojuego están emparentados, pero no son lo mismo".

La gente que vaya al cine va a decir "este director sabe de lo que habla". El juego se llama Real Driving Simulator y por eso no hemos usado nada de CG durante las carreras; "una de las cosas que tuvimos claro era que fuese lo más realista posible". 

¿Qué se considera la esencia del videojuego que no podía faltar en la película? Carter nos ha dejado varios ejemplos: la selección de los coches, de los circuitos más populares en el juego (Le Mans, Nurburgring...) y las frases que se dicen en algunos momentos. 

¿Cómo se decide si hacer una película o una serie sobre el juego? "Obviamente hacemos muchos juegos que se apoyan en los personajes, en la historia y en situaciones complejas, y el auge de la TV "premium" nos permite adaptar esas historias, obviamente es algo que veremos en The Last of Us, que hubiera sido imposible de hacer en dos horas".

Pero una historia como "Gran Turismo puede funcionar en una producción de dos horas y sentirse como en el videojuego". Aquí podéis leer el análisis de Gran Turismo 7 en PS5.

The Last of Us y God of War como series de TV

Una vez que terminamos la ronda de entrevistas, tuve la oportunidad de encontrarme con Carter, de nuevo, en el exterior del recinto. Allí pudimos charlar de un modo más distendido, ya que es un fan de los videojuegos, y me dejó algunas píldoras sobre otras producciones de PlayStation.

En primer lugar, me aseguró que él es el primer interesado en conseguir un equilibrio entre una producción basada en un videojuego y el material original. "No puedes contar la misma historia, porque los jugadores ya la conocen, pero tienes que ser fiel a los personajes y el universo".

Por supuesto, le pregunté cómo había sido la acogida de Uncharted, y todas las quejas sobre que Nathan Drake era demasiado joven y Sully no llevaba bigote. "He tenido que lidiar con protestas en las redes sociales todos los días. Pero no se puede contentar a todo el mundo. Nosotros intentamos hacer nuestro trabajo lo mejor posible". 

¿Y las producciones que vienen? "La serie The Last of Us es alucinante, y los fans van a quedar encantados", me dijo entusiasmado "no puedo esperar a que vean algunos capítulos". Inevitablemente estuvimos hablando sobre el juego del momento, God Of War Ragnarok.

Carter tuvo que "saber todo lo que ocurría en la historia, porque leí el guión antes de jugar, para preparar la próxima serie de TV. Después lo tuve que jugar, pero en el nivel de dificultad más sencillo, para tener claro el argumento y los personajes, además de los combates más importantes".

Pero como es un jugón reconoce que tiene "ganas de llegar a casa, con varios días libres para jugar del tirón en un nivel de dificultad más desafiante". Por supuesto, no me contó nada acerca del casting, ni otros detalles de la producción, pero si que "podemos esperar algo muy grande, a la altura de la TV más premium". 

Os hemos ofrecido un resumen con detalles de Gran Turismo, después de visitar el set de rodaje en el circuito de Hungaroring en Budapest, y también adelantamos nuestra entrevista con Neill Blomkamp (director de la película que tiene en su haber District 9, Elysium o Chappie) y con Orlando Bloom, que interpreta al manager de GT Academy. 

Continuamos con una entrevista a Archie Madekwe, el principal protagonista, a quien vimos en Midsommar.

Lo primero que queremos destacar es el entusiasmo y la cercanía con los medios que ha demostrado Madekwe, que se sienta sonriente frente a nosotros. Se nota que le gusta su papel en la producción, y lo más curioso es que "no sabía conducir antes de hacer esta película, ni siquiera tenía el carnet."

"Estaba terminando otro trabajo, y por las noches me dedicaba a prepararme. Los productores no paraban de preguntar, ¿te has sacado ya el carnet? Y gracias a Dios, lo conseguí a la primera. A partir de ese momento, me mandaron el simulador a casa para que empezase a entrenar".

De hecho su historia es parecida a lo que veremos en la película. "Me gustaba jugar a los videojuegos, pero no necesariamente a un nivel competitivo. No era algo que fuera completamente ajeno. En particular, Gran Turismo no era uno de esos juegos con que pasase mucho tiempo, y tampoco conocía la historia de Jann". 

Las cosas han cambiado para Archie, porque "todas las escenas en que se me ve jugando a Gran Turismo son reales, ninguna de ellas son efectos especiales; soy yo jugando contra la máquina en el nivel difícil de la IA". El motivo es que "de otro modo los fans del juego descubrirían que no es una carrera real".

¿Y fue difícil? "Es algo que requiere mucha práctica, hacerlo una y otra vez. Y tenía que saber en qué carrera debía quedar primero o acababa en tercera posición. Lo que me sorprendió del simulador fue la cantidad de cosas que se pueden sentir."

Archie Mackenzie se muestra sorprendido "por el realismo que tiene el juego en comparación con la conducción en la pista". Le preguntamos qué pueden esperar los fans de la saga, "Hay mucho que hemos sacado del juego, no puedo decirte cosas específicas porque no me lo permiten, pero hay un montón de huevos de pascua sacados del juego". 

"Cuanto más jugamos al juego, encontramos más elementos que nos gustaría trasladar a la película, porque en realidad esta es una película para los "gamers" en primer lugar. Lo que es increíble es que la historia es relevante para muchos tipos de público. Pero si pierdes a los fans del videojuego, la película se hunde". 

¿Sintió algún tipo de presión de la comunidad? "Si, constantemente sentimos a la gente, pero trato de quitarme ese peso de los hombros y dedicarme a hacer la historia de Jann lo más real posible. Porque también es la historia de un joven encontrando su sueño". 

¿Encontró mayor dificultad con los coches reales o con el juego? "El videojuego. Porque vas a una velocidad tan alta, y las reacciones tienen lugar en décimas de segundo. Si frenas en el momento incorrecto, todo se puede estropear. Requiere mucho tiempo de práctica en el simulador."

"Me ha hecho respetar mucho a la comunidad que compite con el simulador, y aún más respeto por Jann".  ¿Y qué hay del aspecto coleccionista que tiene el videojuego? ¿Se desarrolla un respeto y amor por los coches después del rodaje?

"Oh Dios mío, claro. No piensas, desde fuera, la cantidad de detalles de los que depende el comportamiento de uno de estos coches. Cambiar las cosas más pequeñas... me vuela la cabeza, es una locura. Hasta que no has estado en el asiento del coche no ganas un verdadero respeto por estas máquinas". 

El próximo 11 de agosto de 2023, la fecha de estreno de Gran Turismo en cines podremos conocer la historia de Jann, interpretado por Archie Madekwe.

Aquí podéis leer nuestro análisis de Gran Turismo 7 en PS5 y la crítica de Uncharted, la primera película de PlayStation Studios. 

Aquí podéis leer nuestra entrevista al director de Gran Turismo, Neill Blomkamp, en que nos cuenta su visión sobre las películas basadas en videojuegos (además de algunos detalles técnicos del rodaje). Pero queríamos saber cómo se han sentido y cómo se han preparado los protagonistas. 

Orlando Bloom es una de las principales estrellas de la película, junto a David Harbour, la miembro de las Spice Girls Geri Halliwell, Archie Madekwe o Djimon Honsou, y su papel consiste en ser el principal impulsor de la iniciativa GT Academy, por la que los jugadores de Gran Turismo en la consola pueden convertirse en auténticos pilotos. 

Lo primero que le hemos preguntado es si conocía el videojuego antes de embarcarse en el proyecto, y la verdad es que nos ha sorprendido. Orlando Bloom no conocía Gran Turismo, no es un aficionado a los videojuegos "sin embargo, sí he jugado a algunos juegos de coches, y en particular recuerdo pasarlo muy bien en los arcades con Daytona USA", la recreativa de Sega. 

Cuando estaban filmando "visitamos Japón y pude ver los simuladores, y me quedé impresionado con el sistema de inmersión que alcanzan los juegos hoy en día. Es muy interesante la idea de que conducir en un videojuego te dé habilidades para pilotar en una competición real". 

Confiesa que lo ha pasado muy bien rodando con Neill Blomkamp, al que considera "un tipo muy apasionado". Y sin embargo, lo que más le ha gustado de este proyecto es "interpretar a un fan, a alguien que es pura pasión. Una persona que es capaz de convertir a los jugadores en pilotos".

También le gusta trabajar con coches. Orlando Bloom recuerda que su primer coche fue un Volswagen Golf GT, que consiguió en una subasta, pero su pieza favorita es un Porsche de 1973, muy coleccionable, que todavía conserva. 

"Si os gustan los coches y las carreras, el modo en que Neill lo ha rodado os va a cautivar. Toma todas las habilidades que tiene rodando películas de ciencia ficción y las aplica a las carreras." pero lo que mejor define a este proyecto "es el modo de trasladar esta historia real a una película, si te lo contasen nunca pensarías que ha ocurrido".

En este trabajo, Orlando Bloom reconoce que ha tenido otra ventaja. "Lo mejor de rodar Gran Turismo es que ya sabes que hay millones de jugadores ahí fuera que sienten una conexión con el juego, y que lo conocen y sienten una conexión emocional con él". 

"Es muy divertido interpretar un personaje como Danny porque es muy entregado, es como si fuese una cheerleader y para mí es algo muy compatible. Yo también quiero que estos muchachos ganen, es algo que me hace sonreír y pasarlo bien".

¿Y cómo funciona la relación entre el protagonista de la historia, Jann, y el personaje de Bloom? "En realidad Danny es el tipo de marketing y lo que más desea es que GT Academy despegue. El modo en que se desarrolla la historia, tanto en la vida real como en la película, hace que Danny apoye a todos los corredores. Lo que quiere es que GT Academy gane".

El próximo 11 de agosto de 2023, la fecha prevista para el estreno de Gran Turismo en cines podremos conocer a Danny, el personaje que interpreta Orlando Bloom. Aquí podéis leer nuestro análisis de Gran Turismo 7 en PS5 y aquí podéis leer la crítica de Uncharted, la primera película de PlayStation Studios. 

La trama de Gran Turismo no se basa en el videojuego como tal, sino en una curiosa a la par que impresionante historia real relacionada con el título de PlayStation.

Con Orlando Bloom, David Harbour, Darren Barnet y Archie Madekwe en el reparto, la película cuenta la historia de un adolescente jugador de Gran Turismo cuyas habilidades de juego ganaron a una serie de competiciones de Nissan para convertirse en un verdadero piloto de carreras profesional.

Las claves de la película de Gran Turismo según su director

Hemos disfrutado mucho con los anteriores trabajos del director sudafricano, que nos brindó District 9, Elysium y Chappie, y teníamos curiosidad por ver qué oportunidades ha encontrado Neill Blomkamp en Gran Turismo y qué es lo que le llevó a aceptar este proyecto.

En palabras del propio Blomkamp, "el estudio me envió el guión y lo primero que pensé es que no tenía sentido. Pero después lo leí, pregunté si la historia era cierta y me dijeron que sí. Entonces comencé a investigar acerca de GT Academy y la historia de Jann Marderborough y pensé, esto es espectacular".

Una de las conclusiones a las que llegó es que "es una forma orgánica de mezclar un videojuego con la vida real". Y además el director reconoce "estar obsesionado con los coches". Pero no es algo que tuviese en mente antes de ahora como, por ejemplo, hacer una película de guerra.

Una de las primeras preguntas que se nos vino a la mente es ¿qué diferencia a Gran Turismo, desde el punto de vista técnico, de otras películas de coches?  "Creo que lo único diferente es el uso de drones, que es algo que me atrae mucho. De hecho estrellé mi propio dron unos días antes de venir aquí", confiesa Neill.

"Pero sólo he visto cómo se usan en películas muy recientes, como La ambulancia y en retransmisiones deportivas. Tenía curiosidad por ver cómo usaríamos esa tecnología con cámaras con certificación IMAX, que son muy grandes". Lo que permite este sistema es "seguir a los coches como si tuviéramos un helicóptero, a una velocidad que puede superar a los coches en las curvas".

Una parte del equipo que trabaja en el rodaje de Gran Turismo y se encarga de los aspectos técnicos ha colaborado también en Dune y Blade Runner 2049, y parte de ellos simultanearon su labor con Dune Parte 2.

Esto es lo que respecta a las carreras, pero ¿cómo se rodaron las secuencias con el videojuego? "Se han grabado secuencias completas, y para ello los actores recibieron un entrenamiento específico. No se han modificado las imágenes del videojuego".

Así se consigue mayor fidelidad. De hecho, David Perel, el encargado de llevar a cabo esta formación, considera que alguno de los actores tiene talento como para convertirse en piloto de GT Academy. "Nuestro acercamiento es que debía ser real. En la película no invertimos demasiado tiempo, aproximadamente el 15% se dedica al videojuego".

Para demostrarnos lo que le atraen sus coches Blomkamp nos habló de su garaje, su obsesión por el NSX, y que actualmente posee un Hummer H1 para la conducción todoterreno y un Ferrari F355, además de un Tesla. En el pasado también tuvo un Corvette, que su hermano, comenta entre risas, estrelló.

Cuando le preguntamos por las ventajas de rodar en Budapest, se ha referido a la comodidad que ofrecen los estudios (localizados muy cerca del circuito de Hungaroring). "Por ejemplo, se recrearon las oficinas de Tokio de un modo perfecto, se puso el máximo interés en recrear hasta el detalle más pequeño."

No nos hemos resistido a hablar de las películas basadas en videojuegos, ya que el nombre de Blomkamp estuvo vinculado al proyecto de película basada en Halo. ¿Cual es su visión de este tipo de adaptaciones?

"Ahora los videojuegos son el chico grande del barrio. Ahora los estudios sólo se preocupan de franquicias que el público pueda reconocer, pero diría que este es el único guión en que los personajes del mundo real se integran con una historia de videojuegos".

Blomkamp concluye diciendo que "de otro modo, te inventas una historia basada en unos personajes ficticios, pero nunca he visto nada parecido a Gran Turismo".

Para terminar, queríamos saber qué persecuciones de cine son las que más le han marcado. "Bueno esto es diferente, aquí no puedes hacer volar coches por los aires, aunque alguna vez haya tenido la tentación de hacerlo.

Creo que lo principal es la adrenalina, la sensación, algo que tiene que ser preparado de forma muy metódica. Michael Bay es muy bueno rodando persecuciones de coches, como en Dos Policías Rebeldes II, en el puente de Miami. Bullit también es un referente."

En Gran Turismo podremos ver un guiño "que imita la versión de Steve McQueen de Le Mans de 1971".  Podremos disfrutar de la película el próximo 11 de agosto de 2023, la fecha prevista para el estreno de Gran Turismo en cines.  Aquí podéis leer nuestro análisis de Gran Turismo 7 en PS5 y aquí podéis leer la crítica de Uncharted, la primera película de PlayStation Studios.

Con más de 117 millones de máquinas vendidas en todo el mundo, PlayStation 4 es la segunda consola de sobremesa con más éxito de la historia, y no es de extrañar que las desarrolladoras se resistan a "dejarla marchar".

En este reportaje, hemos reunido los 10 mejores juegos de 2022 para PS4, una colección de juegos, tanto "first party" de Sony como multiplataforma, imprescindibles en la colección de cualquier jugón. 

Como podéis ver, muchos de estos juegos coinciden con los que ya publicamos en nuestra lista de mejores juegos de 2022 para PS5 según la redacción de Hobbyconsolas. 

• God of War Ragnarok
• Horizon 2 Forbidden West
• Gran Turismo 7
• Elden Ring
• Sifu
• Dying Light 2
• NBA 2K23
• OlliOlli World
• Resident Evil Village Gold
• Tiny Tina´s Wonderlands

Todos estos títulos son compatibles tanto con la versión básica de la consola (modelo original o Slim) como con el modelo PS4 PRO, que es capaz de alcanzar resolución 4K. Si poseemos la versión de PS4 y cambiamos a PS5 podemos actualizar a la versión superior, en algunos casos esta mejora es gratis y en otros, como God of War Ragnarok, tendremos que pagar 10 euros. 

Y ahora, pasamos a ver los mejores juegos de 2022 para PS4, según la redacción de Hobbyconsolas:

God of War Ragnarok

Santa Monica Studios, el equipo responsable de God of War (2018), tomó PS4 como plataforma base para desarrollar la secuela. Eso significa que la segunda aventura de Kratos y Atreus en la mitología nórdica está muy bien optimizada para la consola de Sony. 

En este caso, nos encontramos con un juego mucho más grande que el anterior, no sólo en lo que respecta al tamaño y profundidad de los mapas, que representan los Nueve Reinos, sino también en cuanto a las posibilidades del combate y las dimensiones de los enemigos.

God of War Ragnarok es una secuela directa del juego anterior, que comienza durante el Fimbulwinter (el invierno que precede al fin del mundo) y en que se libra la batalla final entre el dios de la guerra y los dioses nórdicos. 

Es un espectáculo, tanto en lo técnico como en lo argumental, y uno de los mejores juegos de PS4 de todos los tiempos. Su sistema de combate es uno de los más brutales y satisfactorios que hemos disfrutado en una consola. 

Horizon 2 Forbidden West

El Oeste Prohibido es el nuevo y gigantesco escenario que debe recorrer Aloy en esta secuela de Horizon Zero Dawn, una recreación de San Francisco o Las Vegas después de la caída de la humanidad y el dominio de las máquinas.

Guerrilla Games saca el máximo partido a su motor Decima Engine (que también se utilizó en Death Stranding) para ofrecernos un mundo abierto, que podemos navegar de una forma muy dinámica. En esta ocasión, para hacer frente a una nueva amenaza que pone en jaque a la cazadora de la tribu de los Nora.

Además de nuevas armas y gigantescas criaturas mecánicas, Horizon 2 introduce la posibilidad de volar a lomos de un pterodáctilo de metal y niveles submarinos, repletos de detalles. Desde el punto de vista técnico, es uno de los juegos que saca mayor rendimiento a la consola de Sony. 

Aunque no alcanza la misma resolución o la tasa de FPS del juego de PS5, en la consola de la generación actual sigue siendo una excelente aventura. Diálogos, secuencias e historia suponen un salto de gigante respecto al juego anterior. 

Gran Turismo 7

Con Gran Turismo 7, Polyphony Digital recuperó el planteamiento de los juegos clásicos de la saga. Si GT Sport (también disponible para PS4) estaba centrado en las competiciones online, esta última entrega recupera las pruebas individuales y la posibilidad de desbloquear y coleccionar centenares de coches. 

Coincidiendo con el 25 aniversario de la saga, podemos disfrutar de un simulador de conducción, que recrea automóviles de todas las épocas y cilindradas con un nivel de detalle enfermizo. Además de disfrutar de este garaje en la pista, nos anima a que los admiremos y tomemos fotos en diferentes escenarios. 

En cuanto a los números, el juego cuenta con más de 400 coches reales y más de 30 circuitos (pistas como Le Mans o Nurburgring junto a los favoritos de los fans, como Trial Mountain) y se continúa actualizando con nuevas incorporaciones. 

Gran Turismo 7 no es sólo uno de los mejores juegos de velocidad de todos los tiempos, es también una de las franquicias estrella de PlayStation, que sigue en plena forma desde la época de los 32 bits.

 Elden Ring

Lo que ha conseguido FromSoftware con Elden Ring es tremendamente ambicioso. Su fórmula de RPG mejora con mecánicas de mundo abierto, y una historia muy interesante escrita por George RR Martin, autor de Juego de tronos. 

Volveremos a encontrarnos unos combates muy desafiantes, con enemigos finales de diseño espectacular y una narrativa emergente, que deja de lado las secuencias tradicionales, y en su lugar cuenta la historia a través de las descripciones de los objetos y zonas del mapa. 

Desde luego, se trata de uno de los juegos más difíciles del año, y será mejor que os acostumbréis al mensaje "Has muerto". Aquí os dejamos nuestra Guía y trucos de Elden Ring, que os puede servir de ayuda. 

Sin embargo, al permitir que exploremos el escenario con libertad (a pie o a caballo), Elden Ring ofrece la. posibilidad de mejorar a nuestro personaje por vías alternativas si nos quedamos atascados en cualquier zona. Es, sin duda, uno de los mejores juegos de PS4 de 2022. 

Sifu

¿Cuántas veces hemos visto o jugado la historia de un estudiante de artes marciales que se venga de un grupo rival? Pues bien, éste es el punto de partida de Sifu, pero la ejecución es algo único.

En primer lugar, porque el juego del estudio independiente Sloclap resulta muy exigente. Para superar cada combate debemos dominar técnicas de ataque, esquivar en el momento adecuado y aprovechar los elementos del entorno. 

Pero además, porque Sifu introduce elementos de "roguelike". Cada vez que somos derrotados volveremos a reaparecer, pero tendremos una penalización: nuestro personaje va envejeciendo cada vez que vuelve al combate. 

Así se refleja una de las claves de las artes marciales: la importancia de ser más sabio cada vez que afrontamos un combate.  El resultado es un juego apasionante, que nos anima a ser mejores con cada nuevo intento.

Dying Light 2

El estudio polaco Techland vuelve a ofrecernos uno de los mejores juegos de mundo abierto de 2022, con pinceladas de terror, ya que se desarrolla en una enorme ciudad invadida por monstruos. Por el día, podemos evitar las hordas de infectados, pero por la noche se vuelven más duros y furiosos. 

El desarrollo en primera persona de Dying Light 2 brilla por las secuencias de combate cuerpo a cuerpo (bastante salvajes) y por los movimientos de parkour, que nos permiten movernos por tejados y azoteas para mantenernos a salvo.

Dying Light 2 se puede jugar tanto en solitario como en modo cooperativo online, y a lo largo de la historia ofrece una serie de decisiones que no sólo alteran el argumento, sino que afectan al modo en que las facciones reaccionan a nuestra presencia e incluso a los lugares que podemos visitar. 

Por otro lado, integra muchos elementos de RPG que nos permiten mejorar a nuestro personaje y ajustar sus características y equipo a nuestra forma de jugar favorita. 

  NBA 2K23

Un año más, 2K Games nos brinda un simulador deportivo que roza la perfección. NBA 2K23 es lo más parecido a ver un partido real de la mejor liga de baloncesto del mundo, con una recreación impecable de jugadores y estadios.

Además de la liga de este año, NBA 2K23 también rinde homenaje a jugadores y temporadas legendarios. De hecho, el juego está dedicado al número 23 más famoso de todos los tiempos, Michael Jordan. 

Y también cuenta con la posibilidad de hacer de manager de una franquicia en las etapas doradas de la NBA: los años 80, los años 90, los 2000... en total, son datos que cubren una veintena de temporadas. 

Sin embargo, hay que puntualizar que la versión de PS4 (al igual que la de Nintendo Switch o Xbox One) no cuenta con el modo La Ciudad, exclusivo de las consolas de nueva generación. 

OlliOlli World

Aunque nos pasemos el juego sobre una tabla de skate, en realidad OlliOlli World tiene un desarrollo que "esconde" un juego de plataformas en 2D de scroll horizontal. Su principal atractivo es que no basta con saltar para evitar obstáculos, sino que tenemos que realizar una serie de trucos para acumular mayor puntuación. 

OlliOlli World es muy original en su planteamiento, y también en el apartado artístico minimalista. Su esquema de controles es casi perfecto y tiene un montón de opciones para personalizar a nuestro patinador. 

Resident Evil Village Gold

Capcom ha conseguido mejorar la estupenda propuesta de Resident Evil 8 Village, con uno de los mejores juegos de terror de 2022. ¿Cómo? Pues añadiendo contenido adicional en una edición Gold que incluye modos en tercera persona, nuevos niveles de Mercenarios y un DLC de historia.

Shadows of Rose, que es como se llama la expansión, añade más de tres horas de juego a la experiencia principal, aunque es cierto que repite gran parte de los escenarios que ya visitamos originalmente.

Si ya habéis jugado al original, quizá la expansión no añada demasiado (n se puede comparar al contenido que llegó con la edición Gold de Resident Evil 7 Biohazard), pero si no lo habéis hecho, os garantizamos que os volará la cabeza. 

Resident Evil 8 Village Gold recupera el desarrollo en primera persona, con una ambientación en Europa del Este que introduce nuevos monstruos, como vampiros u hombres lobo, en el bestiario de los RE. 

Tiny Tina´s Wonderlands

Gearbox nos devuelve al universo de Borderlands, con una propuesta aún más loca. Se trata de "meternos en la cabeza" de Tina Chiquitina, cuando hace el papel de game master en una partida de rol de tablero. 

¿Y esto qué significa? Pues que Tiny Tna´s Wonderlands se desarrolla como un "shooter" en primera persona, pero cuenta con elementos de RPG, y un bestiario en que no faltan dragones, no muertos y otras criaturas habituales del género. 

Por supuesto, podremos coleccionar cientos de armas -al fin y al cabo se trata de un "looter shooter"- y disfrutar del estupendo estilo artístico de la serie, que se apoya sobre unos diseños animados, realizados mediante "cel-shading". 

Y en Tiny Tina´s Wonderlands también regresan otros dos elementos esenciales: el sentido del humor bastante descerebrado y un doblaje impecable, que convierte a Tina en uno de nuestros personajes favoritos. 

Hasta aquí llega nuestra lista con los mejores juegos de PS4 de 2022, aunque hay muchos más títulos imprescindibles, que podéis encontrar entre todos los análisis de PS4 del año. 

¿Echáis en falta algún juego? Podéis recomendárselo a todos nuestros lectores si lo añadís en los comentarios, al final de este reportaje. Por supuesto, dependerá de los gustos de cada uno, pero sabemos que hay grandes títulos fuera de esta selección. 

Si queréis ver cuáles han sido los mejores juegos del año por género, aquí os dejamos otra selección de listas que os serán muy útiles:

• Los mejores juegos de PS5 de 2022
• Los mejores juegos para móviles Android de 2022
• Los mejores juegos de terror de 2022
• Los mejores juegos de acción de 2022
• Los mejores juegos de rol de 2022
• Los mejores juegos de mundo abierto de 2022
• Los mejores juegos de fútbol y deporte de 2022
• Los mejores juegos de lucha de 2022
• Los mejores juegos de estrategia de 2022
• Los mejores juegos de realidad virtual de 2022
• Los mejores shooters y juegos de disparos de 2022
• Los mejores juegos multijugador online de 2022
• Los mejores juegos de aventuras de 2022
• Los mejores juegos de coches y velocidad de 2022
• Los mejores juegos de plataformas de 2022

Además, Sony ha confirmado que la consola sube de precio, 50 euros, por las circunstancias económicas globales. Esto sólo afectará a algunos territorios (España entre ellos) y la convierte en la consola de sobremesa más cara.

Pero también es verdad que PS5 ha disfrutado de un año lleno de grandes juegos, tanto exclusivos, como multiplataforma. Nos referimos a juegos que aprovechan sus funciones específicas, como el SSD, la posibilidad de alcanzar resolución 4K y 60 FPS, el sonido 3D con Tempest Engine o las funciones únicas del mando Dualsense. 

Aquí podéis ver los títulos que hemos seleccionado, teniendo en cuenta su calidad, diversión y el aprovechamiento de las funciones únicas de la consola.

• Elden Ring
• God of War Ragnarok
• Gran Turismo 7
• Horizon II Forbidden West
• The Last of US Parte I
• Dying Light 2
• Uncharted Colección Legado de los ladrones
• Sifu
• NBA 2K23
• Ghostwire Tokyo

Si queréis saber más sobre la consola, aquí os dejamos nuestro análisis de PS5 y PlayStation 5 digital, y aquí podéis ver todos los juegos de PS5 que se han lanzado en el último año.

Y ahora, pasamos a ver los mejores juegos de 2022 para PS5, según la redacción de Hobbyconsolas:

Elden Ring

FromSoftware, el estudio que nos brindó los Dark Souls o el extraordinario Bloodborne, ha mejorado la fórmula de sus RPG, al introducir mecánicas de mundo abierto junto a los elementos clásicos de los juegos anteriores. 

La posibilidad de explorar y tomar rutas alternativas convierte a Elden Ring es uno de los juegos más accesibles del género "souls like", aunque eso no significa que no vayamos a encontrarnos con algunos jefes realmente duros. 

La narrativa emergente, propia de los juegos de Hidetaka Miyazaki se combina con un argumento escrito por George RR. Martin, autor de Juego de Tronos, y un espectacular trabajo de "worldbuilding" que hará las delicias de  los fans. 

Elden Ring es un juego intergeneracional y multiplataforma (también disponible en PC y consolas Xbox), y con todo, uno de los mejores juegos de PS5 del 2022.

God of War Ragnarok

Santa Monica Studios ha sabido mejorar el planteamiento de God of War (2018) en esta secuela, disponible tanto en PS5 como en PlayStation 4. Kratos y su hijo Atreus se enfrentan al final del mundo según la mitología nórdica. 

Es uno de los mejores juegos de acción de 2022, que combina exploración, puzles contextuales y un sistema de combate muy satisfactorio, mientras despliega un argumento épico y dramático a partes iguales. 

Desde el punto de vista técnico, God of War Ragnarok también es uno de los juegos que mejor aprovecha las funciones específicas de la consola (recomendamos especialmente jugarlo en modo rendimiento a 60 FPS, con resolución dinámica). 

Y en lo artístico, si sus diseños y el tamaño de sus enemigos no os dejan con la boca abierta, quizá si lo haga la variedad de los Nueve Reinos o el uso del plano secuencia, con la cámara al hombro del protagonista.

Gran Turismo 7

Kazunori Yamauchi, al frente del estudio Polyphony Digital, ha diseñado un juego que es mucho más que un simulador; se trata de un tributo para todos los amantes de los coches, en cualquier época y estilo de conducción. 

La recreación de los vehículos es impecable, y su comportamiento en pista resulta muy real (con un sistema de daños limitado). En PS5, el juego se mueve a 60 FPS y ofrece iluminación y reflejos por Ray Tracing en las repeticiones.

Después de GT Sport en PS4, aplaudimos que regrese un modo campaña, en que un jugador pueda ir desbloqueando nuevos coches, aplicando modificaciones y accediendo a nuevas pruebas como en los Gran Turismo clásicos. 

Y por supuesto, la guinda está en la competición online, que resulta mucho más exigente. Para descansar de la tensión de las pruebas, podemos dedicarnos a observar y fotografiar las mejores piezas de nuestro garaje.

Horizon II Forbidden West

El viaje al Oeste de Aloy es un estupendo juego de mundo abierto, que mejora todos los aspectos que ya nos gustaron en Horizon Zero Dawn. Las misiones son mucho más variadas, las secuencias y diálogos se integran mejor en la historia, y el apartado visual es soberbio. 

Guerrilla Software ha sacado el máximo rendimiento a su motor propio, el Decima Engine, y en PS5 se reducen espectacularmente los tiempos de carga, aumenta la distancia de dibujado, la resolución y los efectos.

En esta secuela se hace especial hincapié en la posibilidad de explorar niveles subacuáticos y un sistema de movimiento más orgánico, que nos permite trepar por cualquier superficie o planear utilizando una especie de parapente.

De nuevo, lo que convierte a Horizon 2 Forbidden West en uno de los mejores juegos de PS5 son los combates contra gigantescas criaturas de metal, que introducen elementos estratégicos en el uso de las trampas y el nuevo arsenal. 

The Last of Us Parte I

Durante 2022 también hemos podido disfrutar del "remake" de The Last of Us, que originalmente se lanzó en PS3 en 2013 y contó con una versión remasterizada para PS4. un año después. Pese a todo, sigue teniendo una historia escalofriante y conmovedora. 

En The Last of Us Parte I podemos disfrutar de la misma historia, con nuevas funciones de gameplay, gráficos hechos desde cero para la nueva generación, nuevas animaciones y muchas opciones de accesibilidad que permiten que cualquiera pueda disfrutar de esta obra maestra. 

Es cierto que el juego cuenta con numerosos extras, incluido el DLC Left Behind en que conoceremos un poco más sobre el pasado de Ellie, pero lamentablemente ha perdido el modo multijugador que estaba en el original.

¿Merece la pena The Last of Us Parte I en PS5? Si ya lo habéis jugado, es la versión más cuidada de todas, y si no lo habéis hecho hasta ahora, es un juego imprescindible.

Dying Light 2

El estudio polaco Techland nos ha sorprendido por la cantidad de mecánicas que incorpora Dying Light 2 Stay Human. Se trata de un juego de zombies (o mejor dicho, infectados) que se desarrolla en primera persona, en una enorme ciudad abierta. 

Para evitar a los monstruos (que se vuelven más peligrosos de noche) contamos con movimientos de parkour, un paracaídas y la posibilidad de "craftear" armas cuerpo a cuerpo, con las que llevar a cabo ataques brutales y sangrientos. 

Desde el punto de vista del argumento, Dying Light 2 brilla por la cantidad de ramificaciones que ofrece, ya que nuestras decisiones afectan al modo en que se comportan otros personajes o a las partes del escenario que se revelan. 

Es otro juego intergeneracional, pero su rendimiento es muy superior en las consolas de nueva generación: PS5 y Series X, además de PC. 

Uncharted Colección Legado de los ladrones

La colección Legado de los ladrones es una recopilación de las dos últimas entregas de Uncharted, remasterizada para PS5, con mayor resolución y tasa de frames. Uncharted 4 El desenlace del ladrón y El legado perdido son dos aventuras estupendas, que se mantienen muy frescas.

Desde el punto de vista de la historia, estos dos juegos representan el fin de las aventuras de Nathan Drake, y el relevo generacional en manos de Chloe y Nadine. Pero desde la perspectiva del gameplay, es la cima de la saga, que incorpora elementos de mundo abierto a la exploración, las plataformas y los tiroteos con coberturas.

Sifu

Sifu es un juego "indie" desarrollado por el estudio Sloclap, que profundiza en la raíz de las artes marciales. Es un desarrollo muy exigente, basado en ataques, paradas, esquivas y contras, que añade un giro a la historia. 

Esto que hace tan especial a Sifu es el hecho de que cada vez que seamos eliminados (y no será pocas veces) nuestro personaje reaparecerá, pero más viejo. Es una estupenda metáfora de cómo avanza nuestra habilidad con la experiencia.

NBA 2K23

A estas alturas, resulta difícil mejorar un simulador de baloncesto del nivel de los NBA 2K. Para conseguirlo, la entrega de este año no sólo recupera todas las licencias oficiales de la mejor liga del mundo, sino que hecha un vistazo al pasado. 

Y ya que es la entrega dedicada al 23, qué mejor que hacerlo de mano del mejor jugador de todos los tiempos, Michael "Air" Jordan. El apartado visual de NBA 2K23 en PS5 es tan fiel a la realidad que nos costará distinguir las imágenes del juego de una verdadera retransmisión. 

Ghostwire Tokyo

Cerramos nuestra lista de los mejores juegos de PS5 de 2022 con un desarrollo único, que podría encajar como juego de terror, como una aventura sobrenatural e incluso como un "shooter" en primera persona, en que usamos hechizos en lugar de armas de fuego.

Es un exclusivo de PS5 desarrollado por Bethesda y Tango Gameworks (los creadores de The Evil Within), que transcurre en la capital japonesa, después de que la mayor parte de la población desapareciese y los espectros caminasen por sus calles. 

Uno de los aspectos que más nos gustan en Ghostwire Tokyo es el modo en que convierte las leyendas urbanas y el folclore en monstruos, capaces de ponernos lo pelos de punta. ¿Conocéis la leyenda de Kuchisake, la mujer de la cara cortada?

En lo técnico, Ghostwire Tokyo  también es juego brillante, sobre todo por la fidelidad con que recrea alguna de las zonas más conocidas de la ciudad. 

Todos los juegos que hemos reunido en esta lista son sobresalientes, de eso no hay duda, y aún así PS5 ha recibido muchos más títulos que merece la pena probar en 2022.

 "A bote pronto" podemos enumerar A Plague Tale Requiem, Call of Duty Modern Warfare 2 o Teenage Mutant Ninja Turtles Shredder´s Revenge. Dependiendo de nuestro género favorito.

Si echáis de menos algún otro juego en la recopilación con los mejores lanzamientos para PS5 del año, podéis dejarnos vuestras recomendaciones en los comentarios, al pie de este reportaje. 

Aquí os dejamos todos los reportajes con los mejores juegos de 2022 según la redacción de Hobbyconsolas clasificados según los diferentes géneros:

• Los mejores juegos de PS4 de 2022
• Los mejores juegos para móviles Android de 2022
• Los mejores juegos de terror de 2022
• Los mejores juegos de acción de 2022
• Los mejores juegos de rol de 2022
• Los mejores juegos de mundo abierto de 2022
• Los mejores juegos de fútbol y deporte de 2022
• Los mejores juegos de lucha de 2022
• Los mejores juegos de estrategia de 2022
• Los mejores juegos de realidad virtual de 2022
• Los mejores shooters y juegos de disparos de 2022
• Los mejores juegos multijugador online de 2022
• Los mejores juegos de aventuras de 2022
• Los mejores juegos de coches y velocidad de 2022
• Los mejores juegos de plataformas de 2022

Y claro, no se nos ocurre un equipo más adecuado para este cometido que Striking Distance Studios. El estudio formado por Glen Schofield, precisamente creador de Dead Space en 2011, domina a la perfección los elementos del género. 

¿Qué debe tener un juego de terror espacial? Como vamos a ver en nuestro análisis de The Callisto Protocol el género retoma elementos comunes, deudores de películas como Alien, La Cosa u Horizonte final. 

El miedo no sólo responde a las criaturas que nos vamos a encontrar o a la oscuridad, también a esa sensación de fragilidad en un entorno hostil, y a ciertos elementos psicológicos que surgen en la soledad del espacio. 

• La historia de The Callisto Protocol
• Desarrollo y ambientación de The Callisto Protocol
• Gameplay y jugabilidad de The Callisto Protocol
• El apartado técnico de The Callisto Protocol
• Cuánto dura The Callisto Protocol
• Precio de The Callisto Protocol y en qué plataformas está disponible
• Lo mejor y lo peor de The Callisto Protocol
• Opinión de The Callisto Protocol
• Nota, lo mejor y lo peor de The Callisto Protocol

Antes de pasar a nuestra valoración de The Callisto Protocol punto por punto, os podemos adelantar aquello que muchos se estarán preguntando. ¿Es un digno sucesor del "survival horror" en el espacio? Podéis estar tranquilos, la respuesta es un sí rotundo.

Ahora bien, tenemos buenas noticias, porque el juego no sólo retoma los elementos del género, sino que los hace evolucionar. Su estructura es clásica, pero el gameplay encierra sorpresas muy interesantes. Pero no nos precipitemos.

La historia de The Callisto Protocol

El argumento de The Callisto Protocol no le será ajeno a ningún aficionado a la ciencia-ficción. Nosotros interpretamos el papel de Jacob Lee (en la Biblia Jacob era hijo de Isaac, el nombre del protagonista de Dead Space), un piloto que se encuentra en tránsito hacia Calisto, la luna muerta de Júpiter. 

En el futuro, Calisto se ha convertido también en una prisión, Ferronegro, en que se controla a los criminales más peligrosos del Sistema Solar. Por si las medidas de seguridad -tanto los guardias como los droides- no fueran suficientes, la temperatura en la superficie es de 139º bajo cero, y no permite la vida de nadie que consiguiese escapar. 

Es un lugar perfecto para que unas criaturas aterradoras, los biófagos, hagan una masacre. Sin entrar en detalle, la misión de Jacob consiste en escapar de Ferronegro y descubrir qué ha desatado estos ataques. Es una historia, narrada a través de secuencias, que combina el género carcelario y la ciencia-ficción como vimos en Alien 3, o en el juego The Suffering. 

Uno de los aspectos clásicos de The Callisto Protocol es su manera de contar esta historia (que por supuesto esconde mucho más, aunque no os lo vamos a contar para evitar spoilers). 

Mientras que en Dead Space, Isaac ni siquiera tenía voz, aquí podemos ver a Jacob interactuando con otros personajes, guardias de la prisión o reclusos, y manteniendo conversaciones por radio. 

Quizá no es una decisión muy innovadora, pero funciona muy bien, y se completa con numerosos archivos y grabaciones de audio que podemos recoger por el escenario para ir despejando las lagunas del argumento. 

Ambientación y desarrollo en la luna muerta

En cuanto al desarrollo del juego, volvemos a una aventura en tercera persona, con una cámara que se sitúa en el hombro del protagonista. Esta perspectiva no es tan aterradora como un juego en primera persona, pero nos permite presenciar las muertes de nuestro protagonista (una serie de animaciones muy salvajes que ponen los pelos de punta).

Las fases de exploración no van a sorprendernos. Si bien se construye una atmósfera muy tensa, en que dar la vuelta a cada esquina hace que apretemos los dientes, el diseño del escenario es completamente lineal. Ni siquiera necesitamos un mapa o una brújula holográfica para orientarnos.

Los pocos desvíos que muestra el camino nos sirven para recoger créditos de calisto, piezas de equipo y grabaciones con el testimonio de algunas víctimas, pero no vamos a sentirnos perdidos en ningún momento. 

Pero lo que marca la diferencia es la ambientación. Por un lado, disfrutamos de una dirección artística muy definida en cada una de las partes que componen la prisión de Ferronegro. El uso de luces y sombras, junto al sonido 3D ambiental son geniales. 

Y para romper el ritmo "contenido" de las zonas oscuras y corredores estrechos, The Callisto Protocol introduce dos elementos adicionales. Por un lado están las "setpieces" de estilo cinematográfico, en que nuestro control es limitado, pero las imágenes son espectaculares. Por ejemplo, la caída por los desagües que se mostró en la pasada Gamescom. 

El segundo elemento son las partes que se desarrollan en el exterior, sobre la superficie helada de la luna. Gracias a un traje protector, Jacob puede desplazarse entre diferentes instalaciones, pero hay que tener en cuenta que son tramos de visibilidad reducida, y que entre la ventisca no se distingue qué criatura puede estar esperándonos. 

El gameplay y el combate en The Callisto Protocol

Por el contrario, el sistema de combate es muy profundo, y nos parece una evolución brillante respecto a los anteriores juegos del género. Las opciones de Jacob para enfrentarse a los biófagos son muy variadas, y tienen un componente estratégico. 

Nuestro arsenal abarca tres tipos de armas. En primer lugar, contamos con un pico (y más adelante un bastón eléctrico) para el combate cuerpo a cuerpo. Estos enfrentamientos son brutales y descarnados, y con cada golpe podemos arrancar brazos, piernas y cabezas a los biófagos. 

Pero son criaturas muy duras (la dificultad de The Callisto Protocol es más alta que en Dead Space o Resident Evil 2 Remake) y agresivas. Para evitar sus ataques, TCP incorpora un sistema de paradas y esquivas con el stick izquierdo. 

Tenemos que presionar el stick hacia atrás y hacia el lado del que venga el ataque, sin ser muy exigente con el "timing", y nos permite evitar daños y contraatacar. La parte estratégica es que, si le hemos arrancado un brazo a la criatura, sabemos que los ataques por ese lado estarán limitados.

Después de realizar un combo de ataques con el bastón, podemos realizar disparos críticos -durante un instante- con un arma de fuego. Como buen "survival horror", la munición y el espacio de inventario están limitados, así que hay que conservar la munición para estos momentos.

Algunas criaturas se transforman durante los enfrentamientos. Primero veremos cómo le crecen unos apéndices en el abdomen, y después evolucionará a un monstruo mucho más duro. The Callisto Protocol sustituye el "cut off their limbs" de Dead Space por "shoot the tentacles". 

Pero las opciones no terminan aquí. En los primeros compases del juego, Jacob Lee recibe un guante gravitacional, el GRP, que le permite atraer y lanzar objetos y enemigos. Así, ganamos la oportunidad de "hacerlos papilla" si los empujamos contra ventiladores y otras trampas del escenario, o bien lanzarles un bidón explosivo.

Dejamos para el final, la posibilidad de acercarnos sigilosamente (por la espalda y sin hacer ruido) a los biófagos que estén aislados para apuñalarlos con un sólo ataque. Como podéis ver las opciones de combate son muy variadas. 

El apartado técnico de The Callisto Protocol

Durante el desarrollo del juego, el equipo se decantó por usar Unreal Engine 4, en lugar de dar el paso a la siguiente iteración del motor gráfico. Sin embargo, no es algo que juegue en su contra en absoluto. La ejecución visual es muy notable, y en ambos modos gráficos -lo hemos jugado en PS5- cuenta con sus virtudes. 

Nosotros hemos preferido primar el rendimiento, a 60 FPS, para disfrutar de unos combates más fluidos. Y sin embargo, la iluminación por trazado de rayos hace que la opción de jugar en modo fidelidad, a 30 FPS nos parezca igualmente buena, depende de los gustos de cada uno. 

El elenco de actores que participa en The Callisto Protocol incluye estrellas de primer nivel como Josh Duhamel (Transformers) en el papel de Jacob, Karen Fukuhara (The Boys) o Sam Witwer, a quien recordamos por hacer de Starkiller en The Force Unleashed.

La cuestión es que eso se nota, en particular durante las secuencias de vídeo, que están rodadas con un pulso estupendo. En este sentido, es puro cine de ciencia-ficción, y del bueno. 

También nos gusta el modo en que el HUD (los indicadores de la pantalla) se integran en el juego. Es un sistema parecido al que vimos en Dead Space, y traslada la información de vida, carga del GRP o munición a proyectores holográficos, que podemos consultar de manera orgánica. 

El apartado sonoro de The Callisto Protocol es de otro mundo. Y no sólo por la ambientación espacial. Se trata de un juego diseñado para jugar con auriculares (si contáis con unos Pulse en PS5 la experiencia es brutal) y combina una banda sonora aterradora con efectos contundentes. El doblaje al español tampoco se queda corto. 

Sin embargo, durante nuestro análisis, antes del parche de lanzamiento, nos encontramos con problemas de rendimiento que nos llegaban a congelar la partida. Nuestra solución fue volver a empezarlo desde el principio, y en esta segunda vuelta, pudimos jugarlo sin problemas. Con el parche, ningún problema. 

La versión de PS5 hace un buen aprovechamiento de las funciones del Dualsense, en particular el altavoz del mando (que se usa durante las conversaciones por radio) y la vibración háptica. 

Cuánto dura The Callisto Protocol

Aunque el desarrollo del juego es esencialmente lineal, hay unos cuantos caminos secundarios que nos permitirán conseguir créditos de Calisto (la moneda que se usa para mejorar las armas o comprar municiones). De manera que la duración es variable.

También puede que se nos atasque algún enemigo grande, y tengamos que repetir varias veces algunas zonas, pero en general tiene la dificultad bien ajustada. En nuestro análisis, el juego nos ha durado unas 7-8 horas, y viéndolo todo puede llegar a las 10-12. 

Precisamente es el rango de duración de un "survival horror" clásico, y en su favor tenemos que decir que no ha habido ni un sólo momento en el que sintiéramos que se estaba alargando la historia de manera artificial. Todo es bastante fluido, y con 0% de relleno artificial.

Eso sí, al terminarlo no contamos con opciones como un "nuevo juego +" ni hemos desbloqueado diferentes aspectos para Jacob (aunque hay una opción en el menú preparada para ello). 

Precio y plataformas disponibles de The Callisto Protocol

El juego de terror de Striking Distance Studios se puede disfrutar en PC, PS5 y Xbox Series X, junto a las consolas de la actual generación (PS4 y Xbox One). Evidentemente las máquinas menos potentes no aplican ray tracing, ni alcanzan 60 FPS o resolución 4K, pero la experiencia es la misma. 

Como hemos mencionado antes, es una de las ventajas de haber utilizado Unreal Engine 4, un motor gráfico que destaca por ser tremendamente escalable, sin que las versiones "menores" sufran recortes.

Las ediciones "next gen" se encuentran disponibles a un precio de 64,99 euros, mientras que el juego en PS4 y Xbox One sale, de lanzamiento por 54,99 euros. 

También está disponible la edición coleccionista, que incluye una estatua de Jacob, caja metálica, un cómic, pines de coleccionista, un aspecto adicional para Jacob y el pase de temporada, pero sólo a través de importación. Sin embargo, Meridiem Games sí que distribuye la edición física del juego en España. 

Lo mejor y lo peor de The Callisto Protocol

Os confieso que The Callisto Protocol es exactamente lo que esperaba, o mejor dicho, lo que quería. Un juego de terror que recogiese el testigo de aquellos "survival horror" clásicos, y que aprovechase la nueva tecnología sin "perderse" en un diseño complicado.

Esto es un arma de doble filo, claro. Por una parte, lo pasamos muy bien (o muy mal según se mire) en cada segundo de juego, pero en el sentido contrario, no hay demasiado espacio para la sorpresa. The Callisto Protocol no arriesga en su planteamiento, pero todo lo que hace, lo hace bien. 

Es verdad que puede resultar un juego corto y que no aprovecha los recursos de horror psicológico como hacía Death Space, pero por otro lado, no nos sobra ni un segundo del desarrollo, y nos hemos llevado unos cuantos sustos mientras preparábamos este análisis. 

Y tampoco es un juego que se corte a la hora de mostrar sangre y vísceras. Es mucho más que un digno heredero. Paradójicamente, la luna muerta ha devuelto a la vida un tipo de juego que -salvo por los remakes- estaba de capa caída. 

¿Y qué hay más grande que un auditorio de 400 personas, en la apertura de Gamelab Tenerife 2022? Efectivamente, hemos aprovechado este evento para charlar con el responsable de Doom, quien se encuentra en este momento desarrollando un nuevo FPS en Unreal Engine 5, con el apoyo de una gran editora y su propio estudio Romero Games. 

Podéis ver la entrevista completa en vídeo, grabada por la organización del evento. Y aprovechamos para invitaros a ver nuestra entrevista con Peter Molyneux, creador de Fable, o la charla que mantuvimos con Eva Gaspar de Abylight. 

También aprendimos mucho junto a Ian Livingstone (Domark, Eidos, Sumo y fundador de Games Workshop) o con Rami Ismail, uno de los principales desarrolladores "indie", que nos ha dejado Nuclear Throne y Luftrausers. Podéis ver nuestra entrevista con John Romero en el siguiente enlace, a partir del minuto 15:30, para escuchar sus declaraciones directamente. 

Pero si no tenéis tiempo para disfrutar de las palabras de "Doom Guy" aquí hemos destacado algunas curiosidades. Por supuesto hemos hablado del origen de los FPS y de cómo se decidieron por un juego realizado en primera persona. 

Romero también nos ha dejado algunas claves sobre su faceta de jugador. Sigue siendo "una fiera" jugando a Doom, y sólo recuerda una derrota. Pero ¿cuáles son su arma y su demonio favorito? Como seguro que habéis adivinado, se decanta por la escopeta de dos cañones y por el Cacodemonio. 

Otra de las curiosidades que ha comentado durante la charla son las ventajas e inconvenientes de desarrollar un juego utilizando su propio motor, respecto a una herramienta licenciada. Y también nos he dejado detalles muy interesantes sobre el lanzamiento de Daikatana y por qué no funcionó. 

Incluso se ha mojado para contarnos cuál es su entrega favorita y el Doom que menos le gusta. Aunque reconoce que la entrega de 2016 le encanta, su juego favorito es Doom 2 (el que introdujo la escopeta de dos cañones) y el que menos le gusta es Doom 3, no porque fuese un mal juego, sino por "su enfoque de survival horror, utilizando la linterna".

Entre otros muchos asuntos, que podéis ver en la entrevista en vídeo, también hemos discutido su próximo proyecto más allá de los videojuegos. Aunque la historia de Romero y Carmack aparece en el libro Masters of Doom, John Romero tiene más que contar. 

Por eso, a lo largo de 2023 podremos leer su versión de la historia, junto a muchos detalles de su biografía en el libro "Doom Guy", que ha escrito junto a su mujer, Brenda Romero (Empire of Sin). 

También hemos podido charlar con otras figuras del sector, que han aportado su punto de vista en este foro sobre los problemas que afronta el desarrollo de videojuegos en Europa. Es el caso de Eva Gaspar, CEO de Abylight, que se encuentra inmersa en el desarrollo de One Military Camp. 

Para comprender la perspectiva desde el punto de vista del  desarrollo independiente hemos tenido la posibilidad de hablar con Rami Ismail, que cuenta en su haber juegos como Luftrausers o Nuclear Throne. 

Lo primero que le hemos preguntado es si siente que son diferentes problemas los que preocupan a los estudios de desarrollo “indies” y a las grandes compañías. En efecto “creo que una de las cosas más interesantes del Summit es que participan alguna de las principales compañías de Europa, pero no es simplemente una industria. 

Por ejemplo, si eres un desarrollador de juegos para móviles, te mueves en una industria diferente, del mismo modo que es algo distinto para los triples A, los dobles A, “hipercasual”, NFT, Metaverso. Todos son industrias diferentes.”

¿Qué es lo que une a estas industrias? “Todos ellos tienen ideas en común, y lo principal es que se trata de jugar. El juego existe en muchos ámbitos, por ejemplo el fútbol o el ajedrez. De manera que ni siquiera la industria tiene ese aspecto en exclusiva. 

Lo que si creo es que los problemas que se tratan en este foro si pueden afectar a todos. Y es bueno que nos hayamos reunido para tratarlas”. El problema es que “a menudo parece que dos partes de la industria están enfrentadas. Escuchas  que no me gustan los juegos free top lay, o que no me gustan los juegos para móviles…  y yo creo que lo importante es que  la industria sea sostenible y saludable”.

Para Rami Ismail, “es algo fascinante, porque creo que necesitamos colaborar y hacer alianzas”.

Uno de los problemas que han destacado los diferentes participantes en el encuentro es que “ahora mismo tenemos una escasez de talento, personas que hayan trabajado entre uno y cuatro años en la industria”. 

Lo que ocurre es que las personas que han trabajado en cargos "junior" promocionaron y ocuparon cargos más altos. En la industria hay suficientes personas en puestos bajos, pero no hay gente que pueda cubrir los puestos intermedios.…excepto en los desarrollos indie”.

Ahora bien, esto genera otro problema "ellos no quieren cubrir esos puestos porque quieren seguir siendo independientes, quieren mantener su libertad creativa y trabajar sin crunch. Así que la cuestión es ¿cómo hacemos que estas dos formas de trabajar confluyan? ¿Que los problemas de unos se conviertan en las soluciones de otros?"

Con este punto de partida, queremos saber si los juegos "independientes" tienen el mismo significado ahora que cuando nacieron. "No, cuando yo comencé en 2008 no sabíamos nada, ni siquiera sabíamos hacer juegos, pero pensábamos que los triple A convertían cualquier juego en una película.

Y los "indies en aquella época defendían que "los videojuegos deben ser videojuegos, no deben ser sólo una forma de contar una historia, como una película". 

Pero corrige "desde un punto de vista. estábamos llenos de mierda, porque los videojuegos pueden ser cualquier cosa, y es maravilloso que también sean una forma de contar una historia, como una película."

La evolución del panorama independiente en los videojuegos

Rami Ismail continúa explicando "en determinado momento comenzaron a aparecer editoras indie, y había tantos juegos que no podías lanzar un juego sin un "publisher". Hay que tener en cuenta que Minecraft es un juego indie, y si Minecraft es indie, cualquier cosa lo puede ser".  

De modo que "indie comenzó a significar arriesgado. un juego que es más pequeño, que puede estar hecho por una sola persona, como Undertale o que puede ser muy elaborado, como Hades. Indie puede significar cualquier cosa, es una actitud".

Es una manera de decir "vamos a hacer un juego que no creemos que vaya a reventar el mercado, pero creemos que es importante que salga". Durante un tiempo el propio Rami "estaba enfadado de que algunos juegos que no eran indie se calificasen como tales, pero ¿sabes qué? da igual."

"Llamar a tu juego "indie" no es más que una declaración de intenciones, ya no tiene que ver con el tamaño del equipo, ni el estilo de juego. No es una bandera ni un país".

A continuación preguntamos si cree que hay una crisis en la creatividad, con la reiteración de determinados géneros. "No. Ahora hay muchos juegos y la variedad es impresionante. El problema es que los juegos más arriesgados han cambiado el modelo de negocio. Antes lanzabas un juego, y si a la gente le gustaba, lo compraban"

Pero ahora "los presupuestos se han disparado, los juegos cuentan con editoras y campañas de marketing (...) y se hacen juegos basados en el estado de la industria. Cuando apareció Twitch todo el mundo comenzó a hacer multiplayer, battle royale, roguelike... porque eran juegos que se podían retransmitir una y otra vez, y eso es marketing gratis".

Lo que vemos ahora es que "para competir con otros juegos, necesitamos que la gente aporte el dinero por anticipado, con financiación... y para ello tienes que convencer a un grupo de 3 o 5 personas de que tu juego va a ser la bomba. Así que en lugar de hacer juegos para la audiencia, acabas haciéndolos para ese grupo de 3 o 5 personas"

Rami Ismail termina su intervención "piensa, ¿cuántas compañías apostarían por un juego como Trombone Champion, en que hay que tocar mal el trombón... y que sin embargo ha sido un éxito? Para mí ése es el gran problema, el necesitar una inversión para hacer un juego arriesgado. Pero hay más creatividad que nunca, más diversidad, más perspectiva y más gente haciendo juegos".  

Hemos tenido la oportunidad de hablar con Eva Gaspar, CEO de Abylight, que nos ha dejado la perspectiva de este encuentro desde el punto de vista de un equipo español, que actualmente se encuentra desarrollando One Military Camp. 

Este encuentro se ha bautizado como el "Davos de los videojuegos", ¿es demasiado ambicioso? "Esto está más centrado en Europa. Evidentemente hay mucha industria española, hay developers, publishers, universidades... creo que se ha conseguido una perspectiva bastante representativa de Europa. Hay perfiles legendarios y también más junior."

¿Y de un foro así se pueden conseguir soluciones efectivas o se trata más bien de una declaración de intenciones? "Aquí se ha reunido un grupo de gente que tiene una gran capacidad de influencia, ya sea en su empresa, en su entorno o en general. Al final, el cambio depende de cuánto quiere cada uno activar esa influencia".

Concluye, ,"Yo sí creo que puede tener un impacto. He participado en actividades parecidas en el pasado y siempre me ha parecido la mejor manera de intercambiar conocimiento. Lo que ocurre aquí me forma como líder de mi empresa, y a través de mi empresa, forma a mi comunidad".

Aunque también echa en falta que "aunque sea a nivel europeo, no tenemos representantes de gobierno". 

¿Afectan los mismos problemas a los desarrollos en toda Europa? "Hay grandes diferencias dependiendo de quién seas. En el Norte de Europa les tiran el dinero a la cara" se ríe " y yo no me encontrado en esa situación. El tema de la financiación sigue siendo algo que me preocupa".

"Hay que encontrar un punto dulce. La creatividad necesita los retos, y esos retos necesitan financiación".  Hay un problema que se repite en las entrevistas en general, y el lo relativo al talento. "la gestión, la adquisición, cómo mantenerlo sin malcriarlo, el carácter de las nuevas generaciones y la competitividad".

Se puede resumir en que "el pool de talento no crece a la velocidad de la demanda". Eva reconoce que es una industria que no para de crecer, e incluso bromea acerca de que "somos inmunes a la crisis".

Hemos aprovechado también para preguntar acerca del desarrollo de One Military Camp, el juego más ambicioso del estudio hasta la fecha. "Llevamos de noviembre de 2020 trabajando en el juego, que no sólo es el más ambicioso en cuanto a tiempo invertido, sino en el modo en que lo hemos realizado".

La importancia de la comunidad en One Military Camp

Eva continúa diciendo que "hemos trabajado con la comunidad, dándole mucha importancia al jugador." Ellos al fin y al cabo son el grupo de personas "que van a hacer que tu juego siga creciendo y se convierta en una IP más grande".

One Military Camp se encuentra en fase de beta privada. "Después de una fase de escuchar los comentarios de la comunidad, hemos realizado una ola de envíos, en que se les confirma qué se ha cambiado atendiendo a sus observaciones.

Para nosotros es muy enriquecedor. La gente está muy comprometida, les gusta nuestra propuesta... y sinceramente no veo futuro en la industria de los videojuegos si no escuchamos a la comunidad sobre nuestras IP. Es una relación con el estudio que antes no existía, ahora estamos en la sociedad de la información, en que la interacción es muy directa".

Evidentemente hay que mantener un equilibrio "no estoy diciendo que hagas un monstruo de tres cabezas ni renunciar a tu visión. Sólo hay que escuchar el feedback". Al final hay que preguntarse, "¿para quién estás realizando el videojuego? ¿Para tí o para la gente que lo disfrute?".

Eso implica un cambio en el ritmo de trabajo "pero es que también se desarrolla de un modo diferente. Nuestro compromiso con One Military Camp no termina en febrero de 2023, es un compromiso que durará hasta donde aguantemos, tanto nosotros como la comunidad. Si son diez años, pues diez años".

Terminamos con interesantes noticias para todos aquellos que esperamos el lanzamiento del juego "saldrá en febrero de 2023 en Steam y Epic Games Store", Eva nos confirma que será compatible con Steamdeck "y ya veremos cuándo podremos lanzarlo en consolas (...) somos una empresa multiplataforma".

Nuestra entrevista con Eva Gaspar ha sido muy interesante, y si queréis conocer la perspectiva de otras leyendas del videojuego que han estado presentes en Gamelab Tenerfife 2022, aquí os dejamos una charla con Peter Molyneux, en que habla sobre su trayectoria e incluso sobre el nuevo Fable, y la charla con John Romero, creador de Doom. 

También hemos hablado con Ian Livingstone, fundador de Games Workshop y veterano de la industria, que ha trabajado en Domark, Eidos y Sumo Digital, y fue el responsable, entre otros, del lanzamiento de Tomb Raider. Y charlamos con Rami Ismail acerca de los juegos indies.

También fue fundador de Games Workshop (la compañía detrás de los juegos de Warhammer) y de la revista White Dwarf, dedicada al mundo de las miniaturas. Y entonces dio el salto a los videojuegos. Ian Livingstone ha pasado por Domark, Eidos (durante el nacimiento de Tomb Raider) y Sumo Digital. 

Hemos tenido la oportunidad de entrevistarle, con motivo del Gamelab Tenerife 2022 y descubrir algunos detalles sobre el desarrollo de videojuegos y el panorama europeo de la industria. Y para empezar, arrancamos con una pregunta difícil, ¿qué es lo que define a un buen juego?

"En primer lugar debes tener una ambientación que atraiga a la audiencia, Algo que haga que tus jugadores sientan una conexión emocional con el juego. Y por supuesto, las mecánicas son una parte  muy importante. Lo ideal es que sea un juego muy fácil de aprender y muy difícil de dominar".

También añade "un gran juego debería tener un fuerte componente de negociación, que permita a los jugadores realizar alianzas, tratos... y claro, la posibilidad de que se traicionen, lo que lleva el juego más allá de lo que ocurre en el tablero o en la pantalla". Esto encaja con lo que Peter Molyneux nos ha contado sobre él.  

Ése es el motivo por el que Dungeons and Dragons funcionó tan bien en los años setenta "porque los jugadores no sabían lo que se iban a encontrar (...) era una especie de obra de teatro al vuelo". Por último, Livingstone añade "un elemento estratégico que te permita ganar y un poco de polvo de hadas que te haga diferente de otros juegos". No es una ciencia exacta. 

De todos estos aspectos ¿cuál es que más valora en los videojuegos, comparado con otros medios? "Creo que es el modo multijugador, ya sea en un aspecto cooperativo o competitivo. Es como en la vida, cuando tienes una experiencia resulta mucho mejor si la compartes con otros". 

"Los juegos para un jugador son estupendos en cualquier modo, y todavía juego de vez en cuando, pero prefiero las experiencia en grupo".

Evolución del desarrollo de videojuegos según Ian Livingstone

En este punto, queremos que nos cuente cómo ha sido su evolución como creador de videojuegos, desde su etapa en Domark, cuando todo era más artesanal, hasta los desarrollos más modernos, en Eidos o Sumo, que por ejemplo nos brindaron Sackboy Una aventura a lo grande. 

"He estado en la industria de los videojuegos durante 47 años. Después de Dungeons and Dragons y Warhammer, estaba muy interesado en todo tipo de juegos. Hacer videojuegos en los viejos tiempos estaba muy limitado por la capacidad de proceso de las máquinas. Juegos increíbles como Elite, en los años ochenta, cabían en 32K de memoria, el equivalente a un email.

Conseguían un juego increíble en una máquina muy limitada como el Commodore 64 o el Spectrum Sinclair. De modo que no podías tener música ni gráficos muy elaborados, todo dependía del gameplay."

Hay un ejemplo aún más claro "piensa en Pong, un desarrollo que jugabas una y otra vez, sólo por el gameplay. Y aún hoy en día pienso que esas son las tres claves de un videojuego: gameplay, gameplay y gameplay. La tecnología y los gráficos ayudan, pero se mantienen en segundo plano".

Pero volviendo a nuestra pregunta "hacer videojuegos se ha vuelto más sencillo. El mundo se ha vuelto mucho más amable para un desarrollador, que puede utilizar Unity o Unreal Engine, de manera que no tienes que empezar de cero cada vez que desarrollas un juego.

También tienes acceso a increíbles librerías de contenido, que puedes usar de la forma más innovadora. Pero ahora deben diseñarse los juegos teniendo en cuenta que no es sólo un producto en la caja, sino que van a evolucionar a lo largo del tiempo, como el modelo GAAS (juegos como servicio).

Los juegos están optimizados para darles más y más contenido, y en múltiples plataformas. Pero por otra parte, como hay tantos títulos en el mercado, los estudios tienen que asegurarse de la viabilidad de sus producciones."

Livingstone añade un consejo muy interesante "los equipos no deben desanimarse por un fracaso, porque el fracaso sólo es un estadio antes de conseguir el éxito. Por ejemplo, Angry Birds no fue el primer juego de Rovio, sino el número 51".

El Summit de Gamelab Tenerife

De todos los problemas que la industria del videojuego atraviesa en Europa, ¿cuáles cree que son los asuntos más acuciantes que se deben tratar en el Gamelab 2022? "El desafío más grande que atraviesan los estudios se puede dividir en dos: el acceso a financiación y el acceso al talento".

"Las startups están teniendo problemas para encontrar inversores, de manera que hay mucho que trabajar en este área para que los estudios consigan arrancar, antes de convertirse en una gran empresa en funcionamiento".

En cuanto al segundo problema a tratar, "cada vez resulta más difícil encontrar trabajadores con talento para dedicarse a los videojuegos, y no sólo me refiero a ingenieros de software. Por suerte, es un trabajo muy divertido, y a veces estas personas prefieren trabajar en algo que les apasiona, aunque cobren un poco menos". Algo que también comentan Rami Ismail y Eva Gaspar de Abylight.

La industria ha cambiado "hace veinte años, cuando hablaba con los medios, siempre tenía que proteger a los videojuegos contra la crítica generalista, pero ahora, cuando hago entrevistas, me encuentro con gente que ha crecido jugando, y ellos lo ven como una industria multimillonaria con tres mil millones de usuarios". Aquí podéis leer nuestra entrevista con John Romero.

Deathtrap Dungeon

Por último, hemos preguntado a Ian sobre el desarrollo de Deathtrap Dungeon, un clásico basado en uno de los libros de aventuras del propio Livingstone. "Fue un título desarrollado "in house" en Eidos, por un equipo llamado Asylum.

Estas personas no habían desarrollado un juego antes, y terminaron quitando del desarrollo todos los elementos de RPG. Terminó siendo un juego de acción y aventuras, más parecido a un "hack´n slash" que sólo estaba basado en Deathtrap Dungeon.

Pero para tratarse de un primer intento, creo que lo hicieron bastante bien. Y además fue un juego que tuvo un éxito considerable, y la gente todavía habla de él hoy en día, aunque se haya quedado un poco anticuado si echas la vista atrás."

Termina añadiendo que "por supuesto guarda en un lugar especial en su corazón, y que se puede jugar en diferentes adaptaciones móviles, e incluso jugarlo en perspectiva cenital".     

. 

Estas declaraciones pertenecen a una entrevista conjunta que hemos realizado junto a otros medios, y que han estado centradas en las conclusiones del Summit, en que participan otras grandes personalidades como John Romero, Rami Ismail o Eva Gaspar de Abylight.

Hemos querido comenzar con un repaso a las dificultades que afronta el sector, y Peter Molyneux ha sido muy conciso "estamos hablando de los problemas que atraviesa la industria, y en este momento identificamos una dificultad en encontrar financiación y talento". 

En Europa hay que atravesar algunos obstáculos para "conseguir que se descubran los juegos, y también que los jóvenes quieran dedicarse al desarrollo de juegos". En este sentido ¿cuáles son las principales diferencias entre el desarrollo de juegos entre Europa, Asia y Norteamérica?

Según Molyneux "Europa se arriesga. tradicionalmente hemos sido una región en que se nos daba bien tener buenas ideas, pero hemos tenido problemas para conservar esas ideas y explotarlas". 

A continuación, confiesa que "reza por encontrar una píldora anti Brexit". Según el cofundador de Lionhead Studios, Reino Unido se encuentra aislado, y el Brexit ha tenido unos efectos muy destructivos y que ponen en peligro la posición del país dentro de la industria. 

¿Y en cuanto a España y los juegos que se hacen en nuestro país? "España ha abrazado el desarrollo de videojuegos. 

Me gustaría que se celebrase más el origen de los videojuegos, del mismo modo que en Guildford (donde reside) tenemos una etiqueta que dice "Hecho en Guildford" para todos los juegos que se desarrollan allí".

La carrera de Peter Molyneux y el futuro del desarrollo 

Le hemos preguntado sobre su opinión sobre el regreso de géneros clásicos y antiguas franquicias. "Es adorable echar la vista atrás y recuperar estos juegos (...) pero es también adorable innovar. Creo que es muy importante que el desarrollo se base en expandir y refrescar estas ideas". 

Se ha mostrado mucho más frío cuando le hemos mencionado Fable, el "reboot" de la franquicia que está desarrollando Playground Studios (Forza Horizon 5) como parte de los estudios de Microsoft. "No he intervenido en el desarrollo del juego, y eso me parece saludable". 

¿Qué cree que sería esencial en este nuevo Fable? "Para mi es importante que el nuevo equipo vuelque su pasión  y su amor por este proyecto. Lo que debería mantener -según su opinión- es la sensación de libertad de los jugadores y el sentido del humor de los juegos originales". 

En cuanto a los NFT, Molyneux opina que " el problema es que pueden ser muy tóxicos" según su opinión "necesitan una regulación, y ajustarse a los videojuegos, pero se trata de un concepto my interesante". 

¿Cuál es el papel de los nuevos creativos en el desarrollo de videojuegos y cómo ha cambiado respecto a cuando él comenzó en la industria? "tienen un papel muy relevante,  porque esta industria se mueve por ciclos" (ha mencionado la explosión de los juegos tipo Batlle Royale, por ejemplo.

"La industria tiene sus altos y bajos y precisamente en los momentos en que hay bajones es cuando necesitamos a los creativos, que se atrevan a explorar. Porque el desarrollo se parece mucho a la exploración, no sabes a dónde vas a llegar".

Molyneux insiste en que es importante imaginar cosas que no se hayan hecho hasta ahora. Por último, hemos aprovechado para hacerle una pregunta divertida sobre Ian Livingstone, con quien juega habitualmente partidas de juegos de tablero.

"Hay que tener cuidado con Ian, porque puede apuñalarte en cualquier momento por la espalda". Sin embargo, no nos ha dado las claves para ganarle. 

Gamelab Tenerife 2022 tiene un planteamiento único. Este año el público podrá acudir a una serie de conferencias, a cargo de figuras legendarias del desarrollo de videojuegos, como John Romero (creador de Doom), Peter Molyneux, Rami Ismail (Nuclear Throne), Eva Gaspar, Ian Livingstone (Domark, Eidos, Sumo y fundador de Games Workshop). 

Estas ponencias abarcarán diferentes áreas del diseño y desarrollo de videojuegos, tanto desde una perspectiva de juegos triple A, como desde el desarrollo independiente. Podéis consultar la agenda completa en su página oficial. Y si tenéis ocasión, visitar el auditorio en Santa Cruz de Tenerife para conocer en persona a estos creadores. 

Además de estas actividades públicas, el día 27 también se celebrará un Summit, a puerta cerrada, en uno de los hoteles del Sur de la isla. Esta segunda iniciativa resulta mucho más interesante. Se trata de un área de trabajo en que estos grandes desarrolladores se reúnen para poner en común sus experiencias. 

Una industria del videojuego europea

El objetivo, según el director del certamen, Iván Fernández Lobo, consiste en generar ideas para que el sector europeo pueda competir con los dos grandes polos de creación del desarrollo: Estados Unidos y Asia. 

Lobo también afirma que Gamelab 2022 es un "think tank" que "no hubiera sido posible sin la colaboración del Cabildo de Tenerife y de HDG, la división dedicada a los proyectos relacionados con gaming en el grupo Hiperdino. 

El plan del organismo público, según Enrique Arriaga, vicepresidente del Cabildo, es "ofrecer una alternativa al turismo, que se convierta en nuevo motor económico de la isla".

 Se trata de un plan a 10 años que se asienta sobre alguna de las características únicas de la isla: las ventajas que ofrece su fiscalidad, la conectividad, la calidad de vida y el talento". 

La intención, tanto por la parte pública como en lo que respecta a la iniciativa privada, es que Tenerife continúe siendo la sede de Gamelab durante los próximos años, y se convierta en una suerte de "foro de Davos" de los videojuegos.

En Hobbyconsolas os iremos ofreciendo entrevistas con las principales personalidades del evento, así como una crónica de las conferencias que se celebrarán el día 28 en el Auditorio de Santa Cruz de Tenerife. 

PS4 es la segunda consola  de sobremesa más vendida de la historia (detrás de PS2) y ya supera los 117 millones de unidades en todo el mundo. Aunque está en el final de su ciclo de vida, PlayStation 4 todavía es una excelente opción para jugar. 

9 años después de su lanzamiento, no sólo es una de las consolas con una vida más larga, sino que cuenta con un catálogo de juegos imbatible, que no para de crecer. 

PS4 fue la consola que introdujo novedades como el mando DualShock 4, con panel táctil y una luz en el frontal, y el botón Share para compartir capturas y vídeos de nuestros juegos. Y aquí os adelantamos nuestra selección.

• Elden Ring
• Horizon II Forbidden West
• Gran Turismo 7
• Far Cry 6
• Psychonauts 2
• Devil May Cry 5
• God of War
• Death Stranding
• It Takes Two
• Red Dead Redemption 2
• Final Fantasy VII Remake
• Resident Evil 2 Remake
• Assassin´s Creed Valhalla
• Disco Elysium
• Batman Arkham Knight
• Sekiro Shadows Die Twice
• Nier Automata
• Resident Evil 3 Remake
• Bloodborne
• Persona 5 Royal
• GTA V
• The Last of Us parte II
• Resident Evil VII Biohazard
• Dark Souls III
• Ghost of Tsushima
• Marvel´s Spider-Man
• The Witcher III Wild Hunt
• Uncharted 4 El desenlace del ladrón
• Dragon Quest XI S
• Resident Evil 8 Village
• Metal Gear Solid V
• God of War Ragnarok
• Call of Duty Modern Warfare 2

Aunque la consola haya convivido con el lanzamiento de PlayStation 5 todavía se lanzan numerosos juegos para PS4 y PS4 PRO que merecen la pena. Por eso hemos decidido actualizar nuestro reportaje con el top de juegos para la plataforma.

Entre los mejores juegos de PS4 hemos incluido tanto juegos exclusivos de PlayStation como títulos multiplataforma, que se han lanzado también en Nintendo Switch, PC o Xbox One y Series X. En todos ellos incluimos un enlace para que podáis leer el análisis y la nota de Hobbyconsolas. 

ELDEN RING

El último juego de Hidetaka Miyazaki, con la colaboración de George RR Martin (Juego de tronos) es también uno de los mejores juegos de PS4. Elden Ring es un gigantesco -y dificilísimo- juego de rol que combina las mecánicas de los Dark Souls con un mundo abierto. 

En cierto modo, es más accesible que los anteriores desarrollos "souls like" ya que nos permite explorar libremente para subir de nivel antes de enfrentarnos a los temibles enemigos finales. De todos modos, aquí os dejamos la guía y trucos de Elden Ring. 

Tanto por su narrativa emergente, como por el brutal diseño artístico de escenarios y enemigos, merece la pena este viaje a las Tierras Intermedias. Cada paso que damos en nuestra cruzada resulta enormemente satisfactorio. 

Elden Ring para PS4 es una obra maestra, y por ahora uno de los más firmes candidato a GOTY, aquí podéis ver los mejores juegos de 2022. 

HORIZON 2 FORBIDDEN WEST

La secuela de Horizon Zero Dawnnos vuelve a poner en la piel de Aloy, esta vez con una amenaza mucho más temible, que ronda las tierras del Oeste. Todas las mecánicas de mundo abierto del juego anterior se han recuperado y mejorado, y se añaden nuevas posibilidades.

Horizon Forbidden West es un juego enorme, que además destaca como uno de los mejores de PS4 por su espectacular acabado visual (uno de los mejores aspectos técnicos que hemos visto en la consola). 

De nuevo, los gigantescos animales mecánicos son auténticos protagonistas de la aventura, pero os podemos adelantar que nos aguarda mucho más, como la riqueza del mundo subacuático o las secuencias de "hackeo" de cuellilargos. 

Además, Horizon 2 consagra a Aloy, su protagonista, como una de las heroínas más emblemáticas de los últimos tiempos. A medida que profundizamos en su pasado y su destino, como esperanza de las últimas tribus, nos conquista más. 

GRAN TURISMO 7

Después de Gran Turismo Sport, la saga de conducción de PlayStation regresa a su concepto original. Gran Turismo 7 es una celebración del automovilismo en todas sus facetas: la competición, el coleccionismo, la mecánica o la conducción por placer. 

Si GT Sport estaba pensado específicamente para las carreras multijugador, su sucesor se centra, principalmente, en los modos para un jugador de toda la vida, con un gran énfasis en el coleccionismo de vehículos.

En total, Gran Turismo 7 incluye 424 coches, todos ellos recreados con precisión tanto externa como internamente. Además, se ha ampliado la variedad de categorías y la antigüedad .

Así, hay todo tipo de vehículos que datan desde 1929 hasta la actualidad. Hay utilitarios, hipercoches, monoplazas, prototipos de Le Mans, turismos GT3, coches de rally… Es uno de los mejores juegos de velocidad de todos los tiempos.

FAR CRY 6

La última entrega de la saga Far Cry propone que nos convirtamos en Dani Rojas y lideremos la revolución en una república bananera. Es una historia que nos resulta muy familiar, pese a que localización y protagonistas sean de ficción,  y que podemos resumir de forma sencilla: liderar ungrupo de guerrilleros para derrocar al dictador Antón Castillo. 

Far Cry 6 se desarrolla en Yara. Se trata de una isla en Centroamétrca que ha quedado "congelada en el tiempo" tras la revolución de 1967. Y si esto os recuerda a Cuba, durante la dictadura de Castro, es que estáis en el buen camino. 

El mapa de juego, un mundo abierto. no sólo es enorme en tamaño, sino también en la cantidad de actividades que surgen al paso. Lo principal es llevar la revolución a buen puerto. También debemos tomar puestos de control en las principales carreteras, volar por los aires las defensas antiaéreas , reducir a cenizas los campos de viviro y destruir la propaganda del gobierno.

Si tuviésemos que ponerle algún "pero"  a Far Cry 6 es que resulta muy continuista respeto a la entrega anterior, y la ambientación no parece tan "fresca". Pero sigue siendo un "sandbox" de libro, y uno de los juegos más largos y entretenidos de PS4.

PSYCHONAUTS 2

El desarrollo de Psychonauts 2 es un cóctel clásico de plataformas en 3D y acción, con mucho peso argumental (y la verdad es que es una historia bastante loca y a la vez intrigante). Y tenemos la impresión de que es uno de los juegos más valientes y "libres" del género. 

Cuando decimos libres, nos referimos a que cada nivel está diseñado sin miedo a experimentar. Esa es la ventaja de que muchos niveles transcurran en la cabeza de los personajes. No hay reglas y nunca sabemos qué nos espera detrás de la siguiente puerta.

Por último, queremos hablar de los enemigos que nos esperan. Parte de la genialidad de la que os hemos hablado está en el modo de convertir procesos mentales en los "malos" del juego. 

Así nos encontramos con censores (el mecanismo mental para reprimir los pensamientos que no deberían estar ahí), remordimientos (con un peso sobre nuestro estado de ánimo)  bagaje emocional, recuerdos, fobias... con un aspecto tangible y divertido. 

DEVIL MAY CRY 5

Esta es la historia de Dante, Nero y V, los miembros de la "crew," mientras hacen frente a las huestes del infierno. Podemos resumirlo en que se trata de un juego de acción frenético, que no da un segundo de respiro... ni opción al fallo. 

Devil May Cry 5 presenta la jugabilidad más profunda y variada que se ha visto en un "hack'n slash" hasta la fecha, sin sacrificar por el camino ni un ápice de diversión. Porque el sistema de combate, con ataques cuerpo a cuerpo, a distancia y especiales, es de una profundidad abrumadora. 

Cada uno de los tres personajes originales de Devil May Cry V cuenta con un estilo personal. Nero alterna el uso de su espada Red Queen, el revólver Blue Rose y su brazo explosivo Devil Breaker. 

Por su parte Dante, el héroe original de Devil May Cry, empuña una espada y sus dos pistolas gemelas, con la posibilidad de alternar su estilo incluso en medio de los combos. Y para terminar el equipo V, compensa su debilidad física con artes arcanas, que le permiten invocar criaturas que luchaban en su lugar. 

GOD OF WAR

El reboot de God of War para PS4 es una obra maestra, donde cada aspecto individual del juego se combina para completar una aventura violenta, conmovedora e inolvidable, cuya ambientación nórdica (en lugar de la mitología griega) nos ha conquistado. 

La historia bascula sobre otro arco argumental, a un nivel más bajo que la batalla entre los dioses. La relación entre Kratos y su hijo Atreus. Ambos comienzan como extraños: el guerrero espartano se esfuerza por educarle en el combate y ganarse cierta empatía, mientras que Atreus se debate entre el amor hacia su padre y el rencor.

Ambos unen sus fuerzas en el combate (Atreus va armado con un arco, que lanza diferentes tipos de flechas) y en la resolución de algunos puzles. Y por otra parte, Kratos debe proteger a su vástago cuando cae en manos de trolls, ogros y draughrs. 

Y todo está resuelto con uno de los mejores apartados técnicos que hemos visto en PS4, en plano secuencia. God of War es un auténtico "vendeconsolas", que resulta muy difícil de superar. 

DEATH STRANDING

Aunque no es un juego para todo el mundo, por su desarrollo atípico, Death Stranding es uno de los mejores títulos disponibles para PS4. Y su grandeza se aprecia aún más después de terminarlo y entender la historia que le da forma.

Hideo Kojima, creador de la saga Metal Gear, nos propone una aventura que trata sobre conectar en diferentes sentidos: conectar con otras personas en un mundo al borde de la extinción, conectar con otros jugadores en el modo online asíncrono y conectar con nuestro pasado. 

Su ritmo pausado y las revelaciones que surgen al paso son algo imposible de recrear en ningún otro medio que no sea un videojuego. 

Death Stranding brilla tanto en su ejecución técnica como en historia y planteamiento. Mención especial para la interpretación de actores como Norman Reedus (Sam Porter Bridges) y Mads Mikkelsen (Cliff Unger). La versión del director es también uno de los mejores juegos de PS5.

IT TAKES TWO

Nos encontramos, nada menos, ante el GOTY de 2021, elegido como juego del año en la ceremonia de The Game Awards. Un juego que se disfruta exclusivamente en modo multijugador (online o en modo local).

Al igual que A Way Out, It Takes Two, el último juego de Hazelight Studios es una aventura puramente cooperativa. Cuenta la historia de una conflictiva pareja, Cody y May, que han sido convertidos en muñecos mediante un hechizo.

No obstante, no todo está perdido, ya que esta nueva experiencia puede ayudarles a recomponer su relación. Gracias al Dr. Hakim, quien nos desafía a diferentes retos, podemos vivir una aventura cargada de experiencias, plataformas y minijuegos de lo más variados.

Lo mejor de todo es que el desarrollo cambia radicalmente en cada nivel, con habilidades que se modifican constantemente y unas situaciones muy divertidas. 

RED DEAD REDEMPTION 2

Ambientado en el salvaje Oeste a finales del siglo XIX, Red Dead Redemption 2 es toda una joya de los videojuegos, un título que permanecerá para siempre como uno de los mejores juegos de PS4. Es la demostración del mimo con que Rockstar trata sus lanzamientos.

Un mapa enorme que está abierto desde el principio, una historia que nos ofrece todas las mecánicas imaginables y todos los elementos de las mejores películas de western y una gran variedad de misiones que van desde el sigilo, caza o pesca, hasta aventuras románticas, son sólo algunos de los elementos de un juego casi redondo.

Si Breath of the Wild es una aventura orgánica, en que no hacen falta un montón de iconos para seguir nuestra aventura, RDR 2 es "natural" en el sentido de que basta quedarse quieto para ver cómo se van produciendo eventos en un mundo en constante cambio.

Las relaciones con los miembros de nuestra banda, los diálogos y la ambientación (que parece sacada de películas como Los odiosos ocho o Django desencadenado) le ponen la guinda. Hay tanto por hacer que lo mejor es echar un vistazo a nuestra Guía y trucos de Rede Dead Redemption 2.

FINAL FANTASY VII REMAKE

Los fans llevaban suplicando el regreso de Cloud, Tifa, Aeris y los demás durante años, y por fin, se hizo realidad. FFVII Remake es es uno de los mejores juegos de rol de PS4, y recupera una historia inolvidable, que disfrutamos por primera vez en PSX.

Final Fantasy VII Remakees la revisión de uno de los JRPG más queridos de la historia. Square Enix rescató la parte de Midgar (un segmento que en el original no dura más de cuatro horas) y la convirtió en un juego completo. 

Pero no penséis que tiene mucho "relleno". En realidad es una oportunidad de profundizar sobre unos personajes y ambientación que nos encantan, y completa la obra original de un modo sobresaliente.

Con novedades argumentales en todos los frentes, un sistema de combate a medio camino entre los turnos y la acción y un apartado audiovisual para soñar. El resultado es tan bueno que no palidece ante el original. 

RESIDENT EVIL 2 REMAKE

Si, nos encontramos con otro "remake" entre los mejores juegos de PS4 (no será el último), pero creednos cuando decimos que merece la pena regresar a Resident Evil 2 con los cambios visuales y jugables.

Si el Resident Evil 2 original de PS1 ya era bueno, este "remake" es espectacular. Sin duda sabe aprovechar la historia clásica; el encuentro del policía novato Leon S. Kennedy y Claire Redfield en la ciudad de Raccoon infestada de zombies, y que le dota del "barniz" de un gameplay actualizado y un apartado técnico puntero. 

La nueva perspectiva, desde el hombro del protagonista, hace que sea más aterrador, y el apartado visual (con RE Engine) es apabullante. Y no faltan guiños al original, extras o coleccionables.

Resident Evil 2 Remake recupera las dos historias paralelas, las persecuciones de Mr. X y la aterradora aparición del Licker, y los moderniza de un modo impecable. 

ASSASSIN'S CREED VALHALLA

En cierto modo AC Valhalla es el fin de una trilogía que comenzó con el lanzamiento de Assassin's Creed Origins, ambientado en el antiguo Egipto, fue seguido por Assassin's Creed Odyssey (Grecia) y culminó en 2020 con el lanzamiento de Assassin's Creed Valhalla.

Esta última entrega refina todos los cambios que se introdujeron en la saga y finaliza el proceso de conversión al género RPG, y lo hace todo aún más interesante gracias a una ambientación vikinga especialmente cuidada.

Acompañar a Eivor (masculino o femenino) en la conquista de las islas es una gozada. Una aventura épica que se completa con numerosos minijuegos, extras, y misiones secundarias muy cuidadas.

En definitiva: Assassin's Creed Valhalla es una de las mejores entregas de la saga AC, y uno de los mejores juegos de PS4 (y PS5, puesto que es intergeneracional).

DISCO ELYSIUM: THE FINAL CUT

Tras cosechar críticas espléndidas y numerosos premios con su lanzamiento original, en octubre de 2019,  llegaba a PS4, PS5 y PC Disco Elysium: The Final Cut, la versión mejorada del RPG desarrollado por ZA/UM. Una versión que incluye voces para los cerca de 300 personajes, nuevas misiones con alto contenido político, nuevas animaciones, nuevos artes y nuevas melodías.

Es, simplemente, la adaptación perfecta de un juego de rol de mesa. Nosotros somos el jugador, sentado frente al tablero y con los dados listos en la mano, y ZA/UM es el Game Master encargado de guiar la partida, adaptándola con sabiduría a cada decisión que tomamos. 

La gran diferencia de Disco Elysium es que elimina los combates de la fórmula. Aquí, todo se desarrolla a través de exploración y diálogos. Aunque, de nuevo, eso sería una reducción: detrás de cada diálogo, de cada posible respuesta ante la que nos encontramos, y detrás de cada tirada de salvación, hay en juego una gran cantidad de sistemas

Si os gustan los juegos de rol de la vieja escuela, con gran carga política y social no os perdáis este juego único y arriesgado.

BATMAN ARKHAM KNIGHT

Fue uno de los primeros juegos en demostrar de qué era capaz PS4, y aún a día de hoy, el juegp de Rocksteady luce estupendamente. Batman Arkham Knight puede presumir de ser uno de los mejores juegos de PS4. 

El caballero oscuro se enfrenta a un mundo abierto, la ciudad de Gotham. Un entorno oscuro en que villanos como el Espantapájaros, Enigma o el propio Gotham Knight campan a sus anchas. Y además debe plantar batalla a sus "demonios interiores" que toman la forma de Joker.

Mención especial para el uso del Batmóvil, que no sólo sirve para recorrer las calles a toda velocidad, sino que se convierte en la herramienta para resolver pruebas de Enigma, diseñadas como puzles.

Tanto en lo argumental como en lo técnico, es un juego brillante -el mejor título que ha protagonizado Batman hasta la fecha- incluso por encima de Gotham Knights.

SEKIRO SHADOWS DIE TWICE

Los juegos de FromSoftware e Hidetaka Miyazaki, creadores de la trilogía Dark Souls o Elden Ring, han sido los más influyentes de esta generación. Pero Sekiro: Shadows Die Twice cambia ligeramente las normas.

El "lobo de un sólo brazo" se enfrenta a una aventura que sacrifica algunos elementos de RPG y en su lugar pone énfasis en el sigilo y en un combate muy exigente, basado en detener los ataques del enemigo en el momento justo. Así les restamos "postura" a nuestros rivales, lo que nos permite asestar golpes fatales. 

Sekiro también es el juego de From que tiene una narrativa más "tradicional" y una ambientación en la era Sengoku (una versión oscura repleta de monstruos y localizaciones que ponen los pelos de punta).

Sekiro Shadows Die Twice es un juego difícil, bello y emocionante, que merece estar en esta lista de los mejores juegos de PS4. Aunque también os advertimos que es uno de los juegos más difíciles que nos hemos echado a la cara.

NIER AUTOMATA

En NieR Automata los alienígenas han invadido la Tierra y la última esperanza de la Humanidad son dos androides enviados a darles caña. Pero os advertimos que nada es lo que parece... y no descubriremos su verdadero sentido hasta habernos pasado el juego varias veces.

Automata es un juego de acción con tintes RPG que se desarrolla en un mundo abierto, pero que encierra muchos estilos diferentes, y nunca deja de sorprender al jugador. 

Su arrebatadora personalidad es uno de los puntos fuertes de un juego de acción concebido con el inconfundible estilo de Yoko Taro, el artífice de Drakengard y NieR Replicant. 

Surrealismo, humor y acción "a la japonesa" os esperan en NieR: Automata, uno de los juegos más espectaculares y carismáticos del catálogo de PlayStation 4. 

RESIDENT EVIL 3 REMAKE

Si,  ya sabemos que este es el segundo "remake" de un Resident Evil que se cuela en la lista, pero es que es igualmente bueno. Capcom decidió traer de vuelta también la odisea de Jill Valentine en Raccoon City aplicando las mismas mejoras que en el anterior. 

Resident Evil 3 Remake presenta un apartado gráfico renovado, diversas novedades que mejoran la jugabilidad (como la posibilidad de ralentizar el tiempo al esquivar en el último segundo) y a un Nemesis que es aún más terrorífico e implacable que en el juego original.

De hecho, los ajustes en la historia hacen que esta versión nos guste aún más que el original. Y volvemos a insistir en el enorme poder que despliega el RE Engine (el motor que se ha usado en las últimas entregas y en DMC V).

Tanto RE2 Remake como RE3 Remake se actualizan de forma gratuita a PS5, así que os dejamos un motivo más para haceros con él. 

BLOODBORNE

Para muchos, es el mejor de los juegos exclusivos de PS4,  Bloodborne  es fruto de la colaboración del estudio de Hidetaka Miyazaki con el desaparecido Sony Japan Studios, y el resultado es impresionante 

Bloodborne retoma las bondades de la saga Souls y las pone en práctica en un universo completamente nuevo, que es al mismo tiempo un homenaje al horror de las novelas de HP Lovecraft y a la sangre. 

La ambientación victoriana y el diseño de enemigos, los combates contra jefes finales y la narrativa "oculta" en la descripción de cada objeto e incluso en el nombre de los niveles, funcionan de maravilla.

Encuentra tu valía en el mundo de la vigilía en el que sin lugar a dudas es uno de los mejores juegos para PlayStation 4 y PS4 PRO. 

PERSONA 5 ROYAL

Persona 5 ya era un JRPG colosal; una auténtica joya que fue alabada en todo el mundo por su historia, combates y arrebatador estilo, y Persona 5 Royal es la versión ampliada, con diálogos en español, y contenido adicional. 

El juego nos ofrece un nuevo semestre, un personaje jugable extra, cambios en los palacios... pero conserva el desarrollo en que debemos leer cuadros de diálogo en situaciones cotidianas como ir a clase, estudiar, hacer exámenes, trabajar o quedar con los colegas.

El otro 50% de Persona 5 Royal es la parte de JRPG tradicional, y es donde asumimos la identidad de Ladrones Fantasma para explorar y participar en combates por turnos. Esta parte tiene lugar en los Palacios, que son enormes mazmorras, únicas, con diseños sorprendentes y originales.

El estilo, la tremenda banda sonora acid jazz y esa interfaz de usuario que debería estar en un museo, consiguen que sea imposible cansarse de los enfrentamientos de Persona 5 Royal, que fue el juego mejor valorado de 2020 en Metacritic. 

GTA V

Es el segundo juego más vendido de todos los tiempos, uno de los pocos que se ha lanzado en tres generaciones sucesivas, y el espejo en que se miran todos los "sandbox". En efecto os hablamos de GTA V.

La versión de PS4 de GTA 5 incluye gráficos mejorados respecto al original, y la posibilidad de jugarlo en primera persona. La historia de Michael, Trevor y Franklin sigue siendo un reflejo fiel e irónico de la sociedad actual.

Los Santos es un área gigantesco y lleno de actividades secundarias. Y una vez que lo hayamos exprimido, tenemos acceso a GTA Online, que es uno de los mundos persistentes más activos que se pueden encontrar. Desde carreras multijugador a los sensacionales golpes. 

El juego de Rockstar ya forma parte de la historia, y también se ha lanzado en PS5 con mejoras adicionales. 

 THE LAST OF US PARTE II

Hay pocos juegos tan ambiciosos en lo técnico y lo argumental como The Last of Us 2. Es todo un ejercicio para demostrar que los videojuegos son capaces de brindarnos sensaciones que ningún otro medio es capaz de reproducir. 

Naughty Dog se propuso continuar la historia de su juego más aclamado y el resultado fue The Last of Us Parte II, una segunda entrega que cambia los papeles y nos pone en la piel de Ellie en una trama que gira alrededor de la venganza y sus consecuencias. 

Eso sí, advertimos que es un juego muy duro, que nos obliga a hacer cosas que no queremos, y que algunos fans de la primera entrega van a encontrar como "demasiado rompedor". Con todo, merece la pena jugarlo.

Sobrecogedor en lo técnico, brillante en lo jugable y tremendamente arriesgado en lo narrativo, The Last of Us Parte II es uno de esos juego que pretende remover conciencias. Y vaya si lo consigue. 

RESIDENT EVIL 7 BIOHAZARD

Capcom se atrevió a cambiar la perspectiva de juego en Resident Evil 7 Biohazard(pasando de tercera a primera persona) y así consiguió un juego aterrador, inspirado en obras como La matanza de Texas.  

Es una aventura de terror (el más aterrador de la saga) que convierte un viaje a los pantanos de la América profunda en una pesadilla, llena de huídas, puzles y enfrentamientos contra las impresionantes criaturas de Umbrella.

Además, en el caso de la versión para PlayStation 4, se puede disfrutar del juego en realidad virtual con PS VR. Esta opción es aún más intensa, y también se ha convertido en uno de los mejores juegos de realidad virtual que existen.

Pese a todas las novedades, sin embargo, RE7 Biohazard es fiel a los originales. Los jugadores viven una experiencia con elementos de exploración, puzles y atmósfera crispada; y con el clásico sistema de inventario con espacio limitado.

DARK SOULS III

Con Dark Souls III tenemos la sensación de reencuentro con un viejo amigo al que hace años que no veíamos: hay una sensación de familiaridad constante y, al mismo tiempo, de que todo ha evolucionado y mejorado con el paso del tiempo.

Miyazaki perfeccionó la fórmula de los Souls con estadísticas mucho mejor equilibradas y definidas, unos escenarios sobrecogedores, el nivel de dificultad (elevado pero satisfactorio) que esperaban los fans y una gran historia por desenmarañar.

El combate ganó en profundidad gracias a las técnicas de batalla, habilidades asociadas a cada arma y escudo que consumen una pequeña cantidad de Puntos de Ceniza, y ganó una agilidad que hasta entonces sólo habíamos visto en Bloodborne.

Es encomiable que aun después de tantos juegos, y tratándose de una aventura cuya base nos sabemos mejor que la palma de la mano, consiga sorprender de la forma que lo hace. Porque Dark Souls III sorprende, y mucho. 

GHOST OF TSUSHIMA

El estudio Sucker Punch, responsable de las sagas Infamous o Sly Cooper, aborda su desarrollo más ambicioso: un "sandbox" ambientado en la era de los samurais, durante la invasión de los mongoles a la isla de Tsushima. 

Nosotros encarnamos a Jin Sakai, uno de los últimos guerreros capaces de hacer frente al invasor, que se debate entre el camino del honor de su familia y el del shinobi (convertirse en un asesino entre las sombras).

Ghost of Tsushimaofrece exploración por unos entornos de exquisita belleza, un sistema de combate muy profundo (inspirado en juegos como Sekiro o Nioh), y un buen puñado de minijuegos basados en la filosofía del bushido como el tameshigiri, componer haikus, rezar en santuarios inari... 

Este mundo abierto ofrece un innovador sistema de indicadores, ya que en Ghost of Tsushima no tenemos que seguir iconos en el escenario, sino que nos guían elementos de la naturaleza, como el viento, los pájaros o los zorros que nos cruzamos por el escenario. En PS5 podemos disfrutar de Ghost of Tsushima Director´s Cut.

MARVEL'S SPIDER-MAN

Marvel´s Spider-Man es asombroso, espectacular, sensacional y superior a cualquier otro juego del trepamuros. Se trata de un juego de mundo abierto (en la ciudad de Nueva York) en que usar nuestros superpoderes para combatir a villanos como Kingpin, Mr Negativo, Scorpion...

Es una gozada recorrer la gran manzana balanceándonos con telas de araña, esquivar los ataques usando el sentido arácnido, o explorar "pegados" a paredes y techos como haría el verdadero Spider-Man (queremos decir, el de los cómics).

Marvel´s Spider-Man cuenta además con una selección de trajes que harán salivar a los fans del personaje (incluyendo los de las tres sagas de películas), y numerosos coleccionables y minijuegos.  

Y si os quedáis con ganas de más Spider-Man, no dudéis en echarle un ojo a Marvel's Spider-Man: Miles Morales. Una aventura más corta, que cuenta con las mismas virtudes del original (con una nueva historia igualmente interesante) o a la versión remasterizada para PC y PS5.

THE WITCHER 3: WILD HUNT

El RPG basado en el personaje de Sapkowski ya ha vendido más de 40 millones de unidades en todo el mundo. La última aventura del brujo Geralt de Rivia, por el momento, es un juego de mundo abierto, escrito con maestría, y con un genial catálogo de monstruos y personajes secundarios. 

El lobo blanco se enfrenta a la Cacería Salvaje, para tratar de recuperar a Ciri y "salvar el mundo". Pero esto es sólo una pincelada de las tramas que encierra The Witcher 3: Wild Hunt.

Aunque el juego de CD Projekt RED apareció al comienzo de la generación, fue uno de esos títulos que demostraba de qué eran capaces las consolas como PS4, y a día de hoy sigue siendo uno de los mejores juegos de la consola.

Si os habéis enganchado con la serie de Netflix, o simplemente tenéis curiosidad por saber qué esconde esta aventura, es un juego imprescindible. Y la versión con mejoras para PS5 y Xbox Series X llegará en diciembre.

UNCHARTED 4 EL DESENLACE DEL LADRÓN

Nathan Drake vive su última gran aventura en un estupendo estado de forma. Los chicos de Naughty Dog han conseguido sorprendernos de nuevo con este Uncharted 4 El Desenlace del Ladrón que eleva todos los elementos de la saga. 

Drake está en plena madurez, no sólo por su edad, sino también porque ha mejorado cada uno de los aspectos jugables que conocíamos, con especial atención a la exploración en coche y en lancha por zonas abiertas que funcionan como pequeños "sandbox".

Regresan los escenarios exóticos, persecuciones que quitan el aliento, tiroteos con coberturas y unos puzles muy ingeniosos, basados en manipular objetos del escenario. Pero además, El desenlace del ladrón es también un cierre argumental perfecto. 

Si habéis dado el salto a la nueva generación, podéis disfrutar de Uncharted 4 en el recopilatorio Uncharted Colección Legado de los ladrones.

DRAGON QUEST XI S: ECOS DE UN PASADO PERDIDO - EDICIÓN DEFINITIVA

Dragon Quest XI Ecos de un Pasado Perdido, la nueva aventura de Yuji Horii publicada por Square Enix supone la culminación de los más de treinta años de la saga, y también el regreso a su vertiente más tradicional.

Se trata de una historia prototípica del género, que se ha visto multitud de veces en la propia serie. Sin embargo, según vas avanzando te vas percatando de cómo Dragon Quest XI se mueve dentro de estos márgenes para contar con maestría pequeñas historias más personales e incluye giros inesperados.

Si el original ya era uno de los mejores juegos de PlayStation 4, la versión S, que añade novedades muy interesantes a su ya de por sí mastodóntica oferta de contenido, como el modo 2D o la misión Draconiana, es todavía mejor. 

Sin duda, una de las mejores experiencias JRPG de los últimos tiempos, que puede presumir de unos personajes inolvidables y mecánicas implementadas con maestría. 

RESIDENT EVIL 8 VILLAGE

Siguiendo los pasos de la entrega anterior, es decir, con un desarrollo en primera persona y un enfoque más cerca del terror que la acción, Resident Evil 8 Village, nos propone un viaje hasta los Cárpatos, para experimentar el miedo basado en el folclore local: brujas, vampiros y hombres lobo.

Resident Evil 8 trae de vuelta a Ethan Winters, quien se embarca en una aventura "familiar" y que por primera vez en la saga apuesta por un desarrollo más abierto, con un pueblo que sirve como elemento de unión entre los niveles: el castillo, la presa, la fábrica...

Sin duda, uno de los mayores atractivos del juego es el elenco de enemigos finales a los que tendremos que hacer frente, encabezado por Lady Alcina Dimitrescu, una enorme mujer vampiro y sus hijas. Os contamos cómo lidiar con ellas en nuestra guía de Resident Evil 8.

Resident Evil 8, que en 2022 ha recibido la edición Gold con mejoras, también experimentaba con el terror psicológico, la "nueva carne" y otras tendencias del género, consiguiendo un equilibrio perfecto.

METAL GEAR SOLID V THE PHANTOM PAIN

Aunque el juego recibiese criticas por lo caótico de su segundo capítulo (en que se repiten misiones sin un objetivo claro hasta que desbloqueamos el episodio final)  Metal Gear Solid V The Phantom Pain es brillante en su planteamiento y apartado técnico.

Hideo Kojima se despide de la saga por todo la alto, con una una carta de amor a los fans que le han acompañado durante todo este tiempo. Es un juego cargado de guiños y referencias,  que volverá loco a cualquiera que haya seguido las aventuras de Solid Snake y Big Boss. 

Y en cuanto a las mecánicas, a día de hoy sigue siendo el mejor exponente de un juego de infiltración, que otorga una enorme libertad a los jugadores.

Puede que su historia os haya emocionado hasta haceros llorar u os haya decepcionado enormemente, pero una cosa es indudable: MGS V The Phantom Pain debería estar en la colección de todo jugón. 

GOD OF WAR RAGNAROK

Kratos y Atreus protagonizan el cierre de su saga nórdica. Como el título del juego indica (el Ragnarok es el fin del mundo según la mitología), se trata del enfrentamiento final de los dioses, en que está en juego el destino de Asgard y los Nueve Reinos. 

God of War Ragnarok es un juego mucho más grande que el primero, y que introduce combates más ágiles, unos puzles extraordinarios integrados en el escenario y nuevos mapas abiertos que explorar a pie o en vehículos; una canoa y trineos tirados por lobos.

Armado con el Hacha Leviatán y las Espadas del Caos, Kratos ofrece un sistema de combate brutal, que incorpora la escala gigantesca de enemigos que era tan característica de la saga original, ambientada en la Grecia clásica.

Desde el punto de vista técnico, God of War Ragnarok es, junto con The Last of Us parte II, el desarrollo que consigue un mayor rendimiento de la consola. Santa Monica Studios consigue que la máquina de Sony ofrezca un apartado visual y sonoro sin precedentes. 

CALL OF DUTY MODERN WARFARE 2

Activision e Infinity Ward han rescatado a los integrantes de la Task Force 141 para llevar a cabo una misión muy arriesgada: recuperar el prestigio de la saga después de las ventas, menores, que tuvo  COD Vanguard en 2021. 

Call of Duty Modern Warfare II es un juego inmenso, que ofrece una campaña trepidante, con el ritmo de las superproducciones de Hollywood, un multijugador "tradicional" en modo competitivo y cooperativo en Spec Ops. 

Además, el lanzamiento de Modern Warfare 2 (el juego de 2022 que más ha recaudado en el primer fin de semana) llega acompañado del "free to play" Call of Duty Warzone 2.

Tanto en los aspectos técnicos, como en el diseño de mapas y modos de juego, se trata de una de las mejores entregas de la franquicia, y uno de los mejores shooter de PS4.

Y con este tíitulo, cerramos nuestra lista de los mejores juegos de PS4 (actualizada en noviembre de 2022). Una selección de juegos imprescindibles de la consola de Sony, que iremos ampliando conforme se vayan lanzando nuevos títulos.

En los comentarios, al pie de este reportaje, podéis dejarnos vuestras impresiones, y aprovechar para recomendar juegos de PS4 y PS4 PRO que nosotros hayamos pasado por alto. 

Para elaborar la lista con los mejores juegos de acción de 2022, escogemos juegos basados en el combate, los disparos y la exploración, que hacen especial hincapié en un estilo de juego ágil, que premia la habilidad del jugador. 

Con todo, puede que alguno de los títulos que aparecen en esta lista se puedan encontrar también en otras recopilaciones, como las mejores aventuras o los mejores juegos de terror de 2022. 

La verdad es que este año, marcado por los retrasos y la ausencia de stock de las consolas de nueva generación (PS5 y Xbox Series X) nos ha dejado grandes juegos. 

En cada uno de los juegos que mencionamos, os dejamos un acceso a nuestro análisis, para que podáis ver en profundidad por qué consideramos que es uno de los juegos de acción imprescindibles del 2022. Estos son los lanzamientos que hemos seleccionado:

• God of War Ragnarok
• Bayonetta 3
• Sifu
• Dying Light 2 Stay Human
• Tiny Tina´s Wonderlands
• Uncharted Colección legado de los ladrones
• The Last of Us parte I
• Lego Star Wars La saga Skywalker
• Marvel´s Spider-Man remastered
• Horizon II Forbidden West

Esta es una lista, no una clasificación, de modo que no aparecen en un orden específico. Por supuesto, decantaros por uno u otro dependerá de vuestros gustos. ¿Preferís un "hack´n slash" clásico? ¿Quizá un juego con más historia? ¿Artes marciales o disparos?

Sin más explicaciones, es momento de repasar estos juegos de acción de 2022 que no deberían faltar en ninguna colección de cualquier jugador que se precie:

God of War Ragnarok (PS5 / PS4)

Santa Monica Studios nos ha ofrecido la secuela perfecta de un juego casi perfecto. Ragnarok es la segunda aventura protagonizada por Kratos en la mitología nórdica, tras God of War de 2018 y consigue un equilibrio perfecto entre historia, exploración y sobre todo combate. 

En un juego en que controlamos al dios de la guerra era de esperar que las secuencias más brillantes sean aquellas en que nos enfrentamos a dioses y monstruos con las armas del Fantasma de Esparta: el hacha Leviatán y las Espadas del Caos. Cada combate se disfruta de un modo salvaje y visceral. No os perdáis el gameplay de God of War Ragnarok.

Bayonetta 3 (Nintendo Switch)

Lo que Platinum Games ha conseguido con Bayonetta 3es refinar un sistema de combate que parecía imbatible. Y para conseguirlo nos ofrece un billete de ida al multiverso, acompañando a la bruja de umbra en diferentes localizaciones y épocas. Además, introduce un segundo personaje, Viola, con un segundo sistema de lucha. 

Es un juego mucho más grande y profundo que Bayonetta y Bayonetta 2, y eleva el espectáculo hasta niveles absurdos. Además, Bayonetta 3 sabe sacar el mejor rendimiento a las posibilidades técnicas de Nintendo Switch, con un "frame rate" muy sólido, y combates llenos de efectos. 

Sifu (Nintendo Switch, PS4, PS5, PC)

Sloclap, un estudio independiente que ya nos dejó muy buena impresión con Absolver, ha conseguido renovar un género tan veterano como el "beat ´em up", y además lo ha hecho siguiendo a pies juntillas la filosofía de las artes marciales. Nos referimos al trabajo duro, a levantarte cada vez que caes... y a partirle la cara a los "malotes" que se pongan por delante. 

Sifu mezcla un profundo sistema de combate con elementos de "roguelite". Comenzamos siendo un joven aprendiz, y cada vez que nos derroten podremos volver a intentarlo... pero más viejos (y sabios). Es un juego técnico y bastante difícil, pero hace que cada victoria se disfrute como si estuviésemos en Kill Bill. Aquí podéis ver nuestro gameplay de Sifu.

Dying Light 2 Stay Human (PS5 / PS4 / Xbox One / Series X / PC) 

El estudio polaco Techland ha perfeccionado la fórmula del primer juego: un mundo abierto plagado de zombies, por el que nos movemos usando habilidades de parkour. Dying Light 2 es un juego que tiene componentes de rol en primera persona y unas pinceladas de terror. Aunque salió a principios de año, no es solo uno de los mejores juegos de acción de 2022, también forma parte de nuestra lista de mejores juegos de terror de año.

En lo que respecta a los enfrentamientos, es un juego sangriento, que nos permite enfrentarnos a las hordas de infectados bien con armas cuerpo a cuerpo (fabricadas con lo que tengamos a mano) o con arcos y ballestas. Cada una de nuestras decisiones tiene impacto en la historia y en el escenario, conocido como The City. Podéis comprobarlo en este gameplay.

Tiny Tina´s Wonderlands (PS5 / PS4 / Xbox One / Series X / PC) 

Regresamos al universo Borderlands, con una vuelta de tuerca que, a decir verdad, le sienta estupendamente. Hay mucho de "looter shooter" en Tiny Tina´s Wonderlands, pero está bañado en sentido del humor, y tiene guiños a los juegos de rol de tablero. No hace falta decir que Tina Chiquitina es la mejor "game master" imaginable. 

Gearbox vuelve a hacer gala de su maestría al desarrollar el gunplay de las diferentes armas, que por algo tienen en sus espaldas alguno de los mejores FPS de los últimos años. Y además, se ha potenciado el elemento RPG. Podéis verlo en este gameplay, de nuevo, con un aspecto de dibujos animados que nos encanta (y un doblaje genial).

 Uncharted Colección legado de los ladrones (PS5 / PC)

No se trata de un juego, sino dos. Las  últimas entregas de la saga (Uncharted 4 El desenlace del ladrón y Uncharted el legado perdido) regresan remasterizadas para PS5 y PC. Esta versión nos permite jugar a 60 FPS y con resolución 4K, aunque no cuenta con el modo multijugador que sí estaba en el lanzamiento original. 

Uncharted es un digno heredero de Indiana Jones o Tomb Raider, una aventura que combina exploración, fases de plataformas, combate con los puños y disparos con coberturas. Sus protagonistas tienen un carisma indiscutible, y aunque se trata de un remaster también luce un apartado visual extraordinario. Comprobadlo en este gameplay de Uncharted Legado de los ladrones.

The Last of Us parte I (PS5)

No estamos aquí para discutir si hacía falta un remake del primer The Last of Us (que ya contó con una versión remasterizada para PS4). La cuestión es que a día de hoy la aventura post apocalíptica de Joel y Ellie, después de la infección provocada por el hongo cordyceps, sigue siendo brillante. 

The Last of Us parte Ies un juego desarrollado por Naughty Dog, que es capaz de meternos el miedo en el cuerpo o emocionarnos por momentos, pero sobre todo cuenta con mecánicas de infiltración y combate que lo convierten en uno de los mejores juegos de acción de 2022.  

Lego Star Wars La saga Skywalker (Nintendo Switch / PS5 / PS4 / Xbox One / Series X / PC) 

Pensábamos que a estas alturas un juego de Lego no sería capaz de sorprendernos, y más aún si tenemos en cuenta que la saga ya ha explorado el universo Star Wars en numerosas ocasiones. Sin embargo, Lego Star Wars The Skywalker Saga está realizado con tanto cariño y atención al detalle que nos ha vuelto a conquistar. 

Todas las películas de la saga galáctica (y también las series de TV) aparecen reflejadas en los escenarios y personajes... transformadas en piezas de Lego. El desarrollo mezcla saltos, peleas, caza de secretos y mucha diversión (tanto en solitario como jugando en compañía). Podéis ver en movimiento este regalo para los fans de Star Wars. 

Marvel´s Spider-Man Remastered (PC)

Aunque el original salió en 2018 (y pudimos jugar la versión remasterizada con el lanzamiento de PS5) hemos incluido Marvel´s Spider-Man para PC como uno de los mejores juegos de acción del año. Se trata de un desarrollo de Insomniac Games, el mismo estudio que nos brindó las sagas Ratchet and Clank o Resistance.

Todos los poderes de Spider-Man están fielmente representados en un juego de mundo abierto, que nos permite recorrer libremente la ciudad de Nueva York (recreada con un enorme nivel de detalle). Tanto el combate como la navegación entre los edificios, usando las telarañas, resultan muy ágiles y satisfactorios. 

Horizon II Forbidden West (PS4 / PS5)

Durante unos meses Horizon 2 Forbidden West se ha convertido en uno de los "baluartes técnicos" de PS5, aunque también se haya lanzado en la generación anterior de consolas. La segunda aventura de Aloy es un juego de mundo abierto, que se desarrolla en las ruinas de la costa Oeste de los Estados Unidos, después de un cataclismo. 

Han mejorado las mecánicas de escalada y la navegación a lomos de las máquinas, pero sobre todo, sigue siendo impresionante el sistema de combate (con el arco, la honda y un nutrido arsenal) contra gigantescos dinosaurios mecánicos. Aquí os ofrecemos un gameplay de Horizon II.

Hasta aquí nuestra lista, con los 10 mejores exponentes del género. Si echáis de menos alguno de los mejores juegos de acción del 2022, no dudéis en contárnoslo en los comentarios, al pie de este mismo reportaje. 

Sabemos que se nos quedan en el tintero otros grandes juegos como Call of Duty Modern Warfare II, Teenage Mutant Ninja Turtles Shredder´s Revenge o A Plague Tale Requiem, pero teníamos que limitar las entradas de la lista, y el criterio ha sido personal, teniendo en cuenta la opinión de nuestros redactores. 

Aquí os dejamos todos los reportajes con los mejores juegos de 2022 según la redacción de Hobbyconsolas en diferentes géneros:

• Los mejores juegos de PS5 de 2022
• Los mejores juegos de PS4 de 2022
• Los mejores juegos para móviles Android de 2022
• Los mejores juegos de terror de 2022
• Los mejores juegos de rol de 2022
• Los mejores juegos de mundo abierto de 2022
• Los mejores juegos de fútbol y deporte de 2022
• Los mejores juegos de lucha de 2022
• Los mejores juegos de estrategia de 2022
• Los mejores juegos de realidad virtual de 2022
• Los mejores shooters y juegos de disparos de 2022
• Los mejores juegos multijugador online de 2022
• Los mejores juegos de aventuras de 2022
• Los mejores juegos de coches y velocidad de 2022
• Los mejores juegos de plataformas de 2022

Entre los mejores juegos de terror de 2022 se encuentran "surival horror" clásicos, aventuras narrativas e incluso juegos de mundo abierto plagados de zombies (o infectados, si nos ponemos "tiquismiquis"). 

Puede que muchos aficionados al género tengan la vista puesta en 2023, con la llegada de grandes "remakes" como Silent Hill 2 (Bloober Team), Resident Evil 4 (Capcom) o Dead Space (EA Motive). Pero eso no significa que este año no nos llevemos una buena ración de sustos. 

La verdad es que este año, marcado por los retrasos y la ausencia de stock de las consolas de nueva generación (PS5 y Xbox Series X) nos ha dejado grandes juegos de terror. Tanto superproducciones como desarrollos "indie". 

Aquí os dejamos nuestra selección de juegos de miedo. Pero queremos añadir una advertencia. En el momento que publiquemos el análisis de The Callisto Protocol, desarrollado por Striking Distance Studios (y con los creadores de Dead Space), o el próximo Dark Pictures Anthology Devil In Me los incluiremos en esta lista de los mejores juegos de terror de 2022, si lo merecen.

• Ghostwire Tokyo
• The Quarry
• Madison
• The Chant
• Dying Light 2
• Martha Is Dead
• Scorn
• Resident Evil Village Gold
• Chernobylite
• Fobia

Esta es una lista, no una clasificación, de modo que los juegos no aparecen en un orden específico. Por supuesto, decantaros por uno u otro dependerá de vuestros gustos. ¿Preferís un juego clásico en una vieja mansión? ¿O quizá enfrentaros a los fantasmas que invaden Tokyo?

No nos entretenemos más, es momento de repasar estos juegos de miedo y terror de 2022 que más han gustado a la redacción de Hobby Consolas.

Ghostwire Tokyo (PS5)

Arrancamos nuestra lista de mejores juegos de terror de 2022 con una entrada atípica. Ghostwire Tokyo, desarrollado por Tango Gameworks y Bethesda (reponsables de The Evil Within) no es exactamente un "survival horror" pero tiene elementos de miedo. Se desarrolla en la ciudad de Tokyo, después de que la mayor parte de sus habitantes hayan muerto. 

Nuestros enemigos son un catálogo de monstruos tomados del folclore japonés (yokai y oni) e incluso de las leyendas urbanas que aterrorizan a los adolescentes, como kuchisake (la mujer de las tijeras). Aunque no sea un juego de miedo al uso, es muy inquietante, y capaz de ponernos los pelos de punta con sus presencias sobrenaturales, como puedes ver nuestro gameplay de Ghostwire Tokyo. 

The Quarry (PS4 / PS5 / Xbox One / Series X / PC)

Supermassive Games es un estudio especializado en aventuras de terror narrativas. Ellos son quienes nos brindaron las diferentes entregas de la saga Dark Pictures Anthology y quienes pusieron de moda el género con Until Dawn. En este caso nos volvemos a encontrar con un juego muy cinematográfico, inspirado en las películas de terror adolescente.

Los aficionados al "slasher" como Viernes 13 o la saga Scream se sentirán "como en casa"  en esta historia. Dependiendo de nuestras decisiones y de secuencias QTE marcaremos qué personajes sobreviven y cuáles mueren al final del juego. La ejecución de The Quarry destaca por unos rostros muy expresivos, y la interpretación de actores de Hollywood, como David Arquette.

Madison (PS5 / PS4 / PC / Nintendo Switch / Xbox One / Series X)

Nuestra siguiente entrada en los mejores juegos de terror de 2022 para la redacción de Hobby Consolas es una experiencia aterradora. ¿Buscabais un juego capaz de hacéroslo pasar realmente mal? Pues lo habéis encontrado. Madison es un desarrollo en primera persona inspirado por PT, la demo jugable de Silent Hills desarrollada por Hideo Kojima. 

Esencialmente se trata de un juego de puzles que se desarrolla en una casa con presencias sobrenaturales. Para iluminar las estancias sólo contamos con el flash de una cámara instantánea, lo que consigue un efecto muy inquietante. El sonido envolvente y una historia que se va revelando poco a poco se encargan de completar esta "pesadilla". Aquí puedes ver nuestro análisis y gameplay de Madison.

 The Chant (PS5 / Xbox Series X / PC)

Cuando nos presentaron The Chant por primera vez, lo definieron como un juego de terror psicodélico. Se trata de un desarrollo independiente que nos ha recordado a Midsommar y otras películas de los años setenta, como The Wicker Man. Esto es porque está ambientado durante el retiro espiritual de una secta, en una isla apartada de la civilización. 

Cada uno de los miembros del grupo va perdiendo la cabeza, y lo que parecían unas tranquilas vacaciones se convierte en una lucha por la supervivencia. A veces atravesar una zona oscura o encontrarse con una criatura hará que nuestro personaje pierda cordura. Es un sistema que hemos visto en otros juegos inspirados en la obra de HP Lovecraft.

Dying Light 2 Stay Human (PS4 / PS5 / Xbox One / Series X / PC)

Sobre los cimientos de la primera entrega, Dying Light 2 nos propone una aventura en primera persona con grandes componente de RPG y acción. ¿Por qué lo hemos incluido en esta lista? Pues porque transcurre en una ciudad abierta, por la que vagan hordas de infectados monstruos y bandas de asesinos. 

Por el día las criaturas se mueven con lentitud y podemos evitarlas con movimientos de parkour o enfrentarnos a ellos con armas improvisadas, pero por la noche se vuelven más fuertes y agresivos. Aunque el terror no sea tan intenso como en otros juegos, atravesar los túneles bajo la ciudad es una experiencia escalofriante. Aquí podéis ver nuestro gameplay e impresiones de Dying Light 2.

Martha Is Dead (PS4 / PS5 / Xbox One / Series X / PC)

Quizá este juego os suene por la polémica que se ha suscitado a su alrededor. Las escenas que muestra Martha Is Dead son tan duras que la versión para PlayStation se censuró (se pueden ver, pero no son jugables) para evitar una calificación "exclusivamente para mayores de 18 años". 

Martha is Dead va más sobre la angustia, el misterio y lo desagradable que sobre el propio terror, aunque hay algún momento que puede dar algo de miedo. El desarrollo de LKA es un juego con claro espíritu "indie", pero a la vez supone una reflexión necesaria sobre la naturaleza humana y sobre nuestro lado más oscuro.

Scorn (Xbox Series X / Xbox One / PC)

Hemos incluido Scorn entre los mejores juegos de terror de 2022 por su inquietante atmósfera. No sólo se trata de una dirección artística que recrea fielmente los trabajos de HR Giger (diseñador de Alien), sino que consigue que incluso la activación de interruptores o el uso de armas sea bastante repugnante.

El juego no nos da pistas de inicio; nos encontramos perdidos en un lugar oscuro y lleno de recovecos, y para avanzar no debemos tener reparos en sacrificar criaturas indefensas. El apartado sonoro y los escasos enemigos también ponen de su parte para que sintamos escalofríos, aunque no sea un "survival horror" en el sentido clásico. Podéis verlo en nuestro gameplay de Scorn.

Resident Evil Village Gold (PS4 / PS5 / Xbox One / Series X / PC)

Si ya disfrutamos de nuestra visita al castillo Dimitrescu y la casa Beneviento en Resident Evil 8 Village, la experiencia es aún mejor con esta Gold Edition, que incluye la expansión de los Winters. Además del juego original, podremos jugar un nuevo capítulo en tercera persona, niveles extra del modo mercenarios y un epílogo protagonizado por Rose. 

Si bien el contenido adicional no aporta demasiado a la historia, en conjunto se trata de la mejor edición disponible para uno de los mejores "survival horror" de 2022 y de la generación. Un año después de su lanzamiento, sigue siendo aterrador por su ambientación, apartado técnico y por sus personajes. ¿Quién se puede olvidar de Alcina Dimitrescu?

Chernobylite (PS5 / Xbox Series X)

Aunque el juego se lanzó en 2021 para las consolas de la pasada generación (PS4, Xbox One y PC), este año hemos podido disfrutar de la versión "next gen", que además se podía actualizar de forma gratuita. Es una aventura de supervivencia, que transcurre en un área contaminada por la radiación y claro, tiene pinceladas de terror.

El diseño de Chernobylite, desarrollado por The Farm 51, mezcla exploración en primera persona, sigilo, "crafting", y por la parte más aterradora también tiene elementos sobrenaturales y la necesidad de vigilar la salud mental de nuestro personaje. El escenario, la ciudad de Chernobyl tras el desastre nuclear, consigue poner los pelos de punta a cualquiera. 

Fobia St. Dinfna Hotel (PS4 / PS5 / PC / Xbox One / Series X)

Otro título "indie" se cuela en nuestra lista de mejores videojuegos de terror de 2022. En este caso, firmado por el estudio Pulsatrix, quienes han recuperado unos cuantos elementos típicos del género (incluyendo algún enemigo al que no se puede eliminar, como Nemesis y la necesidad de administrar la munición). 

Algunos sustos están garantizados, pero Fobia no es un juego demasiado terrorífico. Lo que sí nos ha gustado es el diseño de sus puzles, y una historia repleta de enigmas, que nos empujan a llegar al final (después de unas 12 horas de juego). Incluso tiene algunos detalles de humor que hacen referencia a otros juegos del género. 

Aquí termina nuestra selección con los mejores videojuegos de terror y miedo de 2022 para la redacción de Hobby Consolas. Pero, de muevo, os recordamos que se trata de una elección muy personal, y que podéis añadir vuestros favoritos en los comentarios. 

Y recordad que aún quedan importantes lanzamientos de terror para las últimas semanas de 2022. Si cualquiera de estos títulos merece la pena, iremos actualizando esta lista con sus correspondientes entradas.

Aquí puedes ver otros reportajes con los mejores de 2022:

• Los mejores juegos de PS5 de 2022
• Los mejores juegos de PS4 de 2022
• Los mejores juegos para móviles Android de 2022
• Los mejores juegos de acción de 2022
• Los mejores juegos de rol de 2022
• Los mejores juegos de mundo abierto de 2022
• Los mejores juegos de fútbol y deporte de 2022
• Los mejores juegos de lucha de 2022
• Los mejores juegos de estrategia de 2022
• Los mejores juegos de realidad virtual de 2022
• Los mejores shooters y juegos de disparos de 2022
• Los mejores juegos multijugador online de 2022
• Los mejores juegos de aventuras de 2022
• Los mejores juegos de coches y velocidad de 2022
• Los mejores juegos de plataformas de 2022

PlayStation 5 ya ha cumplido sus dos primeros años de vida (aquí os ofrecemos un balance de los primeros meses en el mercado) y todavía atraviesa algunas dificultades. La consola se agota antes de llegar a las tiendas y sigue siendo muy difícil comprar una PS5.

Además, Sony ha confirmado que la consola sube de precio, 50 euros, por las circunstancias económicas globales, la inflación y otras consecuencias aparejadas. Esto sólo afectará a algunos territorios (España entre ellos).

Con todo, el catálogo de juegos para la consola "next gen" continúa creciendo, y cada vez son más los juegos imprescindibles que aprovechan su potencia y las funciones específicas: el disco SSD, el mando Dualsense o el sonido envolvente a través de Tempest Engine. 

Entre los juegos que destacamos en esta lista con los mejores de PS5 podemos encontrar tanto juegos multiplataforma como exclusivos desarrollados por los estudios de la propia Sony (Santa Monica, Guerrilla Games, Naughty Dog o Insomniac). 

Pero no penséis que la lista de imprescindibles sólo está compuesta por grandes títulos triple A. Además de las superproducciones de presupuestos astronómicos también hay hueco para los mejores "indies" que han llegado a la consola. 

• Stray
• The Last of Us parte I
• Elden Ring
• Gran Turismo 7
• Tiny Tina´s Wonderlands
• Ghostwire Tokyo
• Horizon II Forbidden West
• Sifu
• Uncharted Colección Legado de los ladrones
• Far Cry 6
• Death Stranding Director´s Cut
• Ghost of Tsushima Director´s Cut
• Kena Bridge of Spirits
• Hades
• Deathloop
• Demon´s Souls Remake
• Ratchet & Clank Una dimensión aparte
• Returnal
• Final Fantasy VII Remake Intergrade
• Astro´s Playroom
• Marvel´s Spider-Man Miles Morales
• Sackboy Una aventura a lo grande
• God of War Ragnarok
• Call of Duty Modern Warfare II (2022)

Aquí podéis leer nuestro análisis de PS5 y PlayStation 5 digital, con todo lo que ofrece la consola, características técnicas, funciones y precio.

Sin más preámbulos, os dejamos la lista con los mejores juegos de PlayStation 5, actualizada hasta el mes de noviembre de 2022 (a la espera de títulos confirmados para 2023 como Forspoken, Resident Evil 4 Remake o Marvel´s Spider-Man 2). 

STRAY

Stray ha sido una de las grandes sorpresas de la primera mitad de 2022, una pequeña joya indie que ya prometía calidad desde sus primeros trailers, y no ha defraudado. 

Se trata de una aventura en la que controlamos a un gato callejero en un mundo "cyberpunk" habitado por robots. Esta premisa hizo que los jugadores de medio mundo se vieran atraídos por su misteriosa propuesta y bellísima puesta en escena. Pero, bajo esa bella fachada se esconde mucho más...

Mientras exploramos sus calles y aprendemos a realizar típicas acciones gatunas, como tirar objetos de mesas y salientes, nos iremos enfrentando a los primeros puzles y desafíos ambientales, que serán una constante a lo largo de la aventura.

Desde bloquear sistemas de ventilación a quitar y reutilizar baterías en otro lugar, muchos de estos puzles los hemos visto en otros juegos, pero cambian radicalmente con la perspectiva de un felino de estas reducidas dimensiones.

THE LAST OF US PARTE I

La historia de The Last of Us Parte I te arranca las entrañas en los primeros 15 minutos. Es, sencillamente uno de los mejores comienzos que hemos jugado nunca, y a día de hoy, todavía nos pone los pelos de punta. No vamos a hacer "spoilers" por si sois de esos afortunados que vivirán los hechos por primera vez. 

A partir de este arranque, vivimos un viaje intenso y emocional que se desarrolla en dos planos. Por una parte, observamos cómo se construye la relación entre los dos protagonistas: un superviviente que lo ha perdido todo y una niña que nunca experimentó el mundo antes del desastre. Por otra, es una aventura de supervivencia a través de lo que queda de los Estados Unidos.

El remake para PS5 ofrece un buen puñado de novedades: en primer lugar nos encontramos con un apartado visual completamente renovado (modelos de personajes, nuevas animaciones, escenarios, iluminación) que consiguen que se vea como un juego "next gen". También incorpora una I.A. mejorada para los enemigos, sonido 3D y un gran aprovechamiento del Dualsense. 

The Last of Us Parte I incluye el DLC Left Behind, más de 60 opciones de accesibilidad, modos de juego adicionales y un montón de extras desbloqeuables, como trajes para Joel y Ellie, skins para las armas, documentales y "making of" o modos de renderizado. 

ELDEN RING

Elden Ring es colosal. Inmenso. Gigantesco. Inabarcable. No importa cuántos adjetivos usemos; lo nuevo de FromSoftware es mucho más grande de lo que nadie se imagina. En Elden Ring nunca vais a sentir que estáis recorriendo una explanada para ir del punto A al punto B, sino que en todo momento vais a tener la sensación de que estáis explorando.

Y en ese sentido, Elden Ring es descubrimiento tras descubrimiento. A cada paso que damos encontramos un nuevo enemigo, una nueva situación, un nuevo objeto, un nuevo personaje, una nueva localización, un nuevo jefe, una nueva trampa... El juego no ha dejado de sorprendernos en las cerca de 70 horas que le hemos dedicado. 

Elden Ring tiene el mejor diseño de niveles de todos los juegos de FromSoftware. La inclusión de la habilidad de salto ha tenido mucho que ver en esto, pues el diseño de las ubicaciones ha ganado en verticalidad, y en muchas ocasiones estaréis recorriendo tejados en busca de nuevos caminos. 

No es un juego grande simplemente por el hecho de ser grande; todo el contenido que ofrece está concienzudamente diseñado y es de calidad. Esto consigue generar una maravillosa sensación de aventura que no sentíamos desde The Legend of Zelda: Breath of the Wild. 

GRAN TURISMO 7

Desde el primer juego, estrenado en Japón en 1997, Kazunori Yamauchi y Polyphony Digital han demostrado un amor incondicional por las carreras de coches, entendidas como un arte en sí mismas. Y GT7 es una nueva culminación de esa filosofía, que ha contribuido a convertir a la saga en la más vendida y la más longeva de PlayStation.

En total, Gran Turismo 7 incluye 424 coches, todos ellos recreados con precisión tanto externa como internamente, ya sin atisbos de aquella triquiñuela dual de vehículos "premium" y estándar de la etapa de PS3. Además, se ha ampliado la variedad de categorías y la antigüedad respecto a los modelos exclusivamente de competición que coparon GT Sport.

En cuanto a los circuitos, hay 34 localizaciones. Son cuatro más que en el anterior juego, una cifra que no es particularmente alta. Se trata de Daytona, Trial Mountain, Deep Forest Raceway y High Speed Ring. Nos habría gustado ver algunos circuitos más, tanto antiguos como de nuevo cuño, pero, aun así, el conjunto es generoso.

La idea es ir participando en docenas de eventos para acumular créditos y ampliar la colección de vehículos, algo que tiene más importancia que nunca, hasta el punto de que hay un sistema de puntos de coleccionista. Es uno de los mejores juegos de velocidad de todos los tiempos.

TINY TINA´S WONDERLANDS

Tiny Tina's Wonderlands no es un DLC ni un juego menor; es un juego completo que ofrece cientos de horas de contenido. Y aunque parecía imposible, han logrado aumentar los niveles de absurdez hasta conseguir reventar el medidor de locura.

Nos sumergimos en un mundo en el que no faltan dragones, mazmorras, espadas, hechizos, castillos, princesas... Pero definir lo que propone Tiny Tina's Wonderlads como fantasía al uso sería quedarse muy, muy cortos, pues la mente de Tina hace que literalmente cualquier cosa sea posible... ¡Empezando por las armas de fuego!

En cuanto al desarrollo, Wonderlands ofrece lo mismo que de Borderlands 3: un "gunplay" excepcional que hace que apretar el gatillo sea siempre una gozada, independientemente del arma, la munición o el efecto que estemos utilizando.

Podemos decir sin miedo que Tiny Tina's Wonderlands es la entrega con la mejor jugabilidad de toda la saga, así como la que más opciones presenta a la hora de modificar al personaje. Las posibilidades son enormes, casi tanto como la rejugabilidad. 

GHOSTWIRE TOKYO

Como las mejoras historias de fantasmas, además de unas gotas de miedo, Ghostwire Tokyo tiene una parte de melancolía, de recuerdos atrapados... y claro, una reflexión sobre el significado de la muerte. 

Todo el juego se desarrolla en primera persona y evoluciona a medida que crecen las habilidades de Akito, el protagonista. Hay un montón de mecánicas que nos abruman en los primeros compases, pero que poco a poco vamos dominando. 

Podemos resumir los combates de Ghoswire Tokyo como si fuese un "shooter" en primera persona, con la salvedad de que Akito no utiliza armas de fuego. En su lugar es capaz de disparar tres tipos de energía con sus manos.

La historia principal del juego nos ha gustado, pero el alma de Ghostwire Tokyo son las secundarias. Cada misión secundaria es una pequeña historia de fantasmas. A veces se trata del espíritu de un niño que sólo quiere jugar con nosotros al escondite. Otras veces, la historia tiene un tono más triste o aterrador. 

HORIZON II FORBIDDEN WEST

Horizon II, uno de los "sandbox" más impresionantes que hemos jugado, arranca poco después de lo ocurrido en el primer juego (y en la expansión The Frozen Wilds). Ya conocemos por qué la Tierra está plagada de animales mecánicos, el origen de Aloy y cómo llegó a convertirse en libertadora. aún siendo una paria "sin madre". 

Ahora nos muestra una nueva historia, con una estructura que no se separa de los mundos abiertos más tradicionales. Forbidden West nos invita a atravesar un escenario de naturaleza exuberante salpicado de asentamientos tribales y restos de la antigua civilización. La cantidad de misiones que nos encontramos a lo largo del viaje es enorme.

No sólo se trata de cumplir objetivos relacionadas con la historia, unas 25 horas, sino que el juego propone un montón de actividades secundarias: recados, terrenos de caza, campamentos rebeldes , contratos de rescate, ruinas en que se esconden reliquias o el foso de lucha. 

El apartado visual está especialmente cuidado. El juego utiliza un montón de recursos para dejarnos pasmados con cada imagen. Horizon II Forbidden West es un espectáculo y uno de los mejores juegos de PS5. Es una buena demostración del salto gráfico que permiten las nuevas consolas. 

SIFU

Sifu nos cuenta la historia de un joven aprendiz de artes marciales que ve cómo su padre muere mientras intenta defender su casa de unos invasores. Resulta familiar, ¿verdad?

8 años después, ya convertidos en adultos y con todos los fundamentos del kung-fu aprendidos, nos lanzamos a una aventura que dura una noche entera, en la que hemos de encontrar a los 5 líderes que orquestaron esa matanza y acabar con ellos.

Lo primero que llama la atención es que el juego tiene una dificultad muy alta desde el principio. Y es aquí no podemos aporrear botones para ver qué sale. Este es un juego de pelea muy técnico, en el que debemos estar totalmente concentrados para bloquear, fintar o alejarnos. Tras una actualización, se puede seleccionar el nivel de dificultad. 

Si nos golpean demasiado, nuestro personaje muere, pero podemos hacer que resucite en el mismo sitio gracias a un misterioso poder. El precio a pagar es que el héroe envejece cada vez que resucita. Cada vez que lo hacemos, un año más... 

UNCHARTED COLECCIÓN LEGADO DE LOS LADRONES

No es una nueva entrega de la saga, sino una recopilación, remasterizada para PS5 y PC  de Uncharted 4 y El legado perdido, que recoge la madurez de Nathan Drake y de la fórmula Uncharted. Nos referimos, por una parte, al apartado puramente argumental. 

El desenlace del ladrón presenta el final de las aventuras de Drake, con cierto componente de nostalgia. Una última expedición en que está por ver si Nathan conseguirá llevar a cabo su destino o si ha pasado toda su vida persiguiendo una quimera. 

Es una historia que recupera a los personajes y momentos que han marcado su vida, y que le pone un final a la altura. Un juego capaz de emocionarnos, lo mismo explorando un antiguo templo plagado de trampas que mostrando en qué se ha convertido la vida de Nathan y Elena. 

Pero también es una afirmación que se refiere a lo jugable. Uncharted 4 y El legado perdido llevan la aventura de acción a su punto álgido. Se depura la fórmula de los tiroteos con coberturas, la exploración en lugares exóticos y las persecuciones extremas. 

FAR CRY 6

Lo que promete Far Cry 6 es que nos metamos en la piel de Dani Rojas (cuyo sexo podemos escoger al comenzar a jugar) y lideremos la revolución en una república bananera del Caribe.  Es una historia que resulta bastante "real", pese a que localización y personajes sean de ficción,  y que podemos resumir, en reunir a un grupo de guerrilleros para derrocar al dictador Antón Castillo. 

Far Cry 6 se desarrolla en el país ficticio de Yara. Es una isla en Centroamérica que ha quedado "congelada en el tiempo" tras la revolución de 1967. Y si esto os recuerda a Cuba, es que estáis en el buen camino. Uno de los mejores juegos de mundo abierto.

Lo que comparte con esta localización real son las playas paradisiacas, los pantanos plagados de cocodrilos, junglas y pequeños pueblos. También encontramos el paralelismo en las antiguas casas de estilo colonial y las plantaciones de tabaco. 

El mapa de Far Cry 6 no sólo es enorme en tamaño, sino también en la cantidad de actividades que surgen al paso. Lo principal es llevar la revolución a buen puerto. Y para ello debemos tomar puestos de control, volar por los aires las defensas antiaéreas, reducir a cenizas los campos de viviro y destruir la propaganda del gobierno. 

DEATH STRANDING DIRECTOR'S CUT

Después de jugar Death Stranding Director's Cut, nos quedamos con la idea de que era mejor haberlo llamado "special edition" o algo similar, porque las novedades no alteran el mensaje de la obra. Tenemos más posibilidades y mecánicas, y un salto técnico que le sienta de maravilla.

Se trata de una aventura única, y sin duda una de las mejores de PlayStation 5, que transcurre en un mundo futuro, que sufre un evento de extinción conocido como el Death Stranding. 

En su momento dijimos, después de superar los 14 capítulos iniciales (aproximadamente unas 40 horas de juego) que era un argumento tan complejo y excepcional que no se podía haber contado igual en ningún otro medio que no fuese un videojuego. También uno de los mejores juegos de PS4.

En cuanto al gameplay, la idea consiste en llevar una serie de cargas entre diferentes enclaves de las United Cities of America, como un "porteador" en un mundo abierto. En los primeros trayectos, tenemos que prestar atención a la resistencia de Sam. Este planteamiento crece de forma exponencial a medida que avanzamos, añadiendo siempre nuevas posibilidades. 

GHOST OF TSUSHIMA DIRECTOR'S CUT

Sucker Punch (estudio responsable de la saga Infamous) se atrevió a trasladar a nuestra consola una historia de samuráis, que nos conquistó por su belleza, por su historia (inspirada en la invasión de los mongoles) y por el dilema moral al que se enfrentaba su protagonista, Jin Sakai.

Ghost of Tsushima Director´s Cut nos plantea continuar la senda del samurái o comportarse como un shinobi y utilizar las sombras para atacar. Ambos caminos nos ofrecían un gameplay profundo, que brillaba en los enfrentamientos a espada, sorprendentemente respetuosos con con la escuela tradicional. 

El mundo abierto en que se desarrollaba Ghost of Tsushima huía de la fórmula tradicional de llenar el mapa (y la pantalla) de puntos de interés, y en su lugar nos animaba a observar la naturaleza para saber dónde se encontraban los altares shinto y otros coleccionables. Jin Sakai perseguía el viento, los zorros o los pájaros para encontrar nuevos elementos. 

En el "montaje del director" el juego se mantiene tal y como lo disfrutamos, una de las mejores aventuras de PS4 -dejando a un lado las mejoras técnicas- pero en este caso incluye, de lanzamiento el modo leyendas multijugador cooperativo y un DLC, la isla de Iki. 

KENA BRIDGE OF SPIRITS

Uno de los mejores "indies" del año. Kena: Bridge of Spirits es todo un homenaje a la aventura clásica, con una protagonista que va volviéndose cada vez más eficaz en consonancia con unos escenarios y enemigos dispuestos a ponernos a prueba.

Kena quiere llegar a un misterioso templo de la montaña, pero para conseguirlo deberá ayudar a varias personas a cumplir su destino en un mundo mágico que bebe de la tradición japonesa y de sus raíces sintoístas.

Como supondréis, la exploración se vuelve crucial y, en muchos sentidos, recuerda a juegos tipo Zelda, en los que los puzles espaciales y la habilidad para superar ciertos obstáculos contra reloj son fundamentales. 

Kena: Bridge of Spirits tiene una duración de unas 10 horas si exploráis un poco en busca de extras (eso, si algún jefe no se os atasca).  Desde luego, no es tan grande como las aventuras descomunales tipo Zelda, pero os tendrá enganchados durante un tiempo más que suficiente y es otro de los mejores juegos de PS5 a tener en cuenta. 

HADES

Hades es otro juego independiente, y no uno cualquiera. Estamos ante uno de los mejores juegos de 2020 y por ende de PS5; la clase de juego que puede lograr que alguien que repudia un género tan "de nicho" como los roguelite/roguelike, cambie de opinión. 

Es decir, un título de acción robusto, con una banda sonora condenadamente buena, una narrativa ingeniosamente integrada dentro del desarrollo roguelite y un bucle de juego tan, tan bien diseñado, que echar una sola partida se antoja imposible.

En PS5, Hades se muestra a resolución 4K, lo que permite apreciar de forma absurdamente nítida la fantástica dirección de arte y el injustamente sensual diseño de personajes de Jen Zee.

Hades ofrece una historia que habla sobre la familia y sobre lo que realmente representa el hogar, y que pese a su carácter segmentado, logra mantener el interés hasta el final e, incluso, llega a emocionar.

DEATHLOOP

A grandes rasgos, podemos resumir la experiencia de Deathloop como si fuese un gigantesco puzle. Nuestro personaje despierta en una playa de arenas negras, sin recordar quién es, y debe pagar con su vida para descubrirlo. Hemos muerto, sí, pero el juego acaba de comenzar. 

Volvemos a despertar en la misma playa, pero ahora ya sabemos algo más. Nuestra misión es romper el bucle temporal, eliminar a 8 visionarios y sortear a una asesina, la encantadora Julianna, que pretende justo lo contrario; hacer que el bucle se reinicie cada día. 

Poco a poco las piezas comienzan a encajar. A medida que visitamos los diferentes sectores de Blackreef conocemos la localización de los visionarios, sus puntos débiles, y sus poderes. ¿El problema? Que sólo tenemos un día (dividido en amanecer, mediodía, atardecer y noche) para acabar con todos ellos. 

Así que la misión se complica; lo que tenemos que encontrar es una combinación de eventos que nos permita acabar con todos los objetivos en localizaciones y momentos de día determinados. De paso, iremos descubriendo un argumento realmente profundo e interesante. 

DEMON'S SOULS REMAKE

¿Qué mejor forma de empezar la generación que con el remake de un clásico? Bluepoint Games, especialistas en el "arte del rehacer", se encargaron de poner al día uno de los juegos más importantes de PS3: Demon's Souls, el padre del subgénero 'soulslike'. El resultado es impresionante.

Pero el remake de Demon's Souls para PS5 no es una simple actualización gráfica: además de los gráficos, aspectos como la banda sonora o la jugabilidad también fueron revisados para adaptarlos a los estándares actuales. 

A eso le sumamos la estupenda implementación de las funciones específicas del mando DualSense (podemos sentir el fuego en las manos al preparar un hechizo, o los fragmentos de madera cayendo al suelo tras romper una caja).

Y tampoco podemos olvidar que visualmente, Demon´s Souls Remake es uno de los juegos más potentes hasta el momento, no es de extrañar que forme parte de los mejores juegos de rol de PS5. 

RATCHET & CLANK: UNA DIMENSIÓN APARTE

Ratchet & Clank, uno de los dúos de personajes más queridos de los tiempos de PS2, regresó por todo lo alto con su entrega más grande y espectacular hasta la fecha: Ratchet & Clank Una Dimensión Aparte para PlayStation 5, de la mano de Insomniac Games.

Además de continuar la historia principal de la saga, tras los sucesos de Nexus (PS3, 2013), Ratchet and Clank Una Dimensión Aparte marca la introducción de un buen puñado de novedades a través del viaje interdimensional: podemos usar brechas para transportarnos al instante a diferentes puntos del mapa, así como visitar versiones alternativas de viejas localizaciones. 

Pero sin duda la gran novedad es Rivet, la misteriosa lombax que actúa como segundo personaje jugable junto a Ratchet, y que tiene sus mismas habilidades.

Para rematar, Ratchet & Clank: Una Dimensión Aparte saca partido de todas las características de PS5, usando la velocidad de carga del SSD para permitirnos viajar entre planetas sin tiempos de carga, aprovechando el DualSense de formas muy originales y presentando un apartado gráfico digno de una película de animación. 

RETURNAL

Housermarque, estudio finlandés recientemente adquirido por PlayStation Studios y conocido por su maestría a la hora de elaborar juegos de estilo arcade, se estrenó en PS5 con su juego más grande, puntero y ambicioso hasta la fecha: Returnal.

Returnal mezcla acción frenética en tercera persona con elementos bullet hell (cientos de disparos cubren la pantalla), con un desarrollo roguelike (cada vez que morimos, toca volver a empezar) y una gran importancia narrativa, a través de unas misteriosas e interpretativas secuencias. 

A todo esto hay que sumarle un "toque Metroid", pues la ambientación espacial y la posibilidad de obtener objetos permanentes que abren nuevos caminos también están muy presentes. Desde la actualización Ascension, cuenta con modo cooperativo y con las pruebas de la torre de Sísifo.

El resultado de esta combinación es un señor juegazo de acción que disfrutarán, en particular, los amantes del estilo de juego clásico: acción directa y puntuaciones.

FINAL FANTASY VII REMAKE INTERGRADE

Tras triunfar en PS4, después de una larga espera, Final Fantasy VII Remake llegó a PlayStation 5 con una versión mejorada para aprovechar las funciones de la máquina, bajo el título Final Fantasy VII Remake Intergrade.

Final Fantasy VII Remake Intergrade cuenta con nuevos modos de visualización (gráficos y rendimiento) que favorecen la calidad de imagen o la velocidad de imágenes por segundo, mejoras gráficas y correcciones (¡adiós a la famosa puerta de la textura borrosa!), tiempos de carga instantáneos...

Pero sin duda el plato fuerte de Final Fantasy VII Remake Intergrade para PS5 es INTERmission, un episodio adicional protagonizado por Yuffie, la kunoichi de Wutai que en el título original actuaba como personaje reclutable opcional. 

A través de una nueva historia, mecánicas jugables y minijuegos (también en Fuerte Cóndor) conocemos a Yuffie y se plantan las semillas del futuro FF Fantasy VII Rebirth.

ASTRO'S PLAYROOM

No paséis por alto Astro's Playroom por ser "ese juego gratis que viene incluido con todas las PlayStation 5", porque estaríais cometiendo un grave error. La pequeña aventura de Team ASOBI (responsables del genial Astro Bot: Rescue Mission para PSVR) es un plataformas fantástico que derrocha encanto. 

Es el juego que demuestra a la perfección todo el potencial de la vibración háptica y los gatillos adaptativos delDualSense. Además de rendir homenaje a la historia de las consolas y accesorios de la marca.

Es cortito, desde luego, pero también una experiencia inolvidable (imposible sacarse de la cabeza el nivel de la jungla y la canción "I'm your GPU") y todo un viaje plagado de guiños a otros juegos (y protagonizados por simpáticos robots). 

Después de ver el gran trabajo que han hecho para estrenar PS5 con Astro´s Playroom, estamos deseando ver qué será lo próximo de Team ASOBI (que ha absorbido a los miembros de Sony Japan Studios). 

MARVEL'S SPIDER-MAN: MILES MORALES

Tras el enorme éxito de Marvel's Spider-Man, desarrollada por Insomniac Games, Sony nos sorprendió anunciando que uno de los juegos de lanzamiento de PlayStation 5 sería su continuación directa, titulada Marvel's Spider-Man: Miles Morales. 

Porque en esta ocasión el protagonismo recae sobre el bueno de Miles, el joven de Brooklyn que también posee poderes arácnidos (el protagonista de Spider-Man Un nuevo universo). Y lo hace tan bien, que todavía hoy es sin lugar a dudas uno de los mejores juegos de PS5.

A diferencia de Peter, Miles aún no domina sus recién adquiridas habilidades, y gran parte de la historia gira en torno a descubrirse a sí mismo mientras trata de demostrarle al barrio de Harlem que puede convertirse en el "amistoso vecino Spider-Man". 

La versión de PS5 de Marvel's Spider-Man: Miles Morales aprovecha las capacidades de la consola para ofrecer varios modos de visualización, entre los que se incluye la posibilidad de jugar a 60 FPS y activar el trazado de rayos para obtener unos logrados efectos de reflejo. 

SACKBOY: UNA AVENTURA A LO GRANDE

Sackboy, una de las caras más reconocibles de PlayStation (como protagonista de la saga Little Big Planet), tampoco quiso perderse el lanzamiento de PlayStation 5, así que se vistió con sus mejores galas para protagonizarSackboy: Una Aventura a lo Grande. 

Desarrollado por Sumo Digital, se trata de un juego de plataformas en 3D con sabor a clásico que también saca un gran partido de las funciones del DualSense.

A lo largo de 60 niveles controlamos a Sackboy en fases que destacan por su diseño visual (con ese estilo "hecho a mano") y por los divertidos artefactos que vamos consiguiendo, pues dotan al personaje de nuevas y divertidas habilidades para avanzar. 

Mención especial para los niveles musicales; es imposible no "picarse" hasta completarlos sin fallar ni una vez. Es uno de los mejores juegos de plataformas de PS5.

God of War Ragnarok

Kratos y Atreus cierran la saga de God of War en la mitología nórdica con una entrega magistral, que recupera las mecánicas y la narrativa del juego anterior y lo elevan a un nivel superior. Santa Monica Studios ha basado el desarrollo en la versión de PS4, pero consiguen aprovechar la potencia de la consola superior. 

Esto significa que en PS5 podremos disfrutar de God of War Ragnarok a 60 FPS, o primando la resolución 4K en el modo fidelidad. Independientemente de eso, regresa una dirección artística brillante y el uso del plano secuencia para mostrar una aventura sin cortes. 

Armado con el hacha Leviatán y las Espadas del Caos, Kratos nos brinda un sistema de combate brutal, que es también uno de los más satisfactorios que hemos visto en una consola. Desde el punto de vista argumental, presenta unos personajes profundos y llenos de carisma. 

Es una secuela del God of War de 2018 mucho más grande, más espectacular, más profunda y cargada de contenidos, sencillamente perfecta. 

Call of Duty Modern Warfare II

La última entrega de la saga Call of Duty remonta el discreto resultado que obtuvo COD Vanguard. En Modern Warfare II volvemos a encontrarnos con los miembros de la Task Force 141, que llevan a cabo una operación militar a gran escala en diferentes partes del mundo (también en España). 

Además de una campaña espectacular, que recupera el estilo cinematográfico acostumbrado, Call of Duty Modern Warfare II tiene un modo multijugador incontestable, con los enfrentamientos clásicos, modo cooperativo Spec Ops y modo invasión para 40 jugadores, con uso de vehículos. Aquí podéis leer la guía y trucos de Call Of Duty MWII.

Hasta aquí nuestra lista con los mejores juegos de PS5 hasta la fecha. Una lista de juegos imprescindibles de PlayStation 5 que iremos ampliando conforme el catálogo de la nueva consola vaya creciendo.

Estos son, para nosotros, los títulos exclusivos y multiplataforma imprescindibles, los juegos que no deberían faltar en ninguna colección de PS5. Si echáis en falta alguno de ellos, lo podéis dejar en los comentarios a esta misma noticia.

Sin embargo, hay una enorme diferencia entre la película dirigida por Jean Jacques Annaud en 1986 y el libro de Umberto Eco, que se publicó seis años antes. 

Mientras que la primera era una estupenda trama de detectives en una abadía medieval, la novela sólo utilizaba el asesinato como excusa para contarnos mucho más sobre los problemas que hubo entre los jesuitas, franciscanos y el papado en aquella época. 

La tercera pata de esta historía seríaLa abadía del crimen de Opera Soft, el que para muchos es el mejor videojuego español de todos los tiempos. Pero no nos desviemos del tema.  

Pentiment comparte elementos de ambos, tanto la novela como la película. Obsidian nos propone una aventura gráfica muy particular en que tendremos que resolver un asesinato en la abadía de Kiersau en el Siglo XVI. 

Pero también trata (con bastante profundidad) sobre la religión, Martín Lutero, las universidades o la nobleza en la época. Y todo aparece bañado en un fino sentido del humor. Es todo un "tour de force" desde el punto de vista narrativo.

Si queréis saber qué misterio se esconde tras los muros de este monasterio, seguid leyendo nuestra review de Pentiment. Pero antes, queremos aclarar una cosa. Obsidian Entertainment, el estudio del que hablamos es uno de los equipos con más talento de Microsoft. 

Es el estudio encargado de alguno de los mejores RPG de los últimos años, como The Outer Worlds o Pillars of Eternity, y actualmente se encuentran desarrollando Avowed, también para PC y consolas Xbox en exclusiva. 

Sin embargo, Pentiment es una producción modesta, Se trata de un trabajo paralelo que ha desarrollado en paralelo un grupo de 15 desarrolladores, y no puede compararse en ambición y escala a los otros proyectos que hemos mencionado. 

Es una aventura gráfica realizada con pasión y eso se nota en cada minuto del juego. Pero es un juego muy particular, para un nicho de jugadores pequeño. 

El análisis de Pentiment para Xbox Series X|S y PC de Hobbyconsolas:

• ¿Cuántas horas de juego dura Pentiment?
• El gameplay de Pentiment
• Nivel de dificultad de Pentiment
• Cuánto cuesta Pentiment y dónde puedes jugarlo
• La opinión de Hobbyconsolas de Pentiment

La abadía del crimen

¿Qué significa Pentiment? Pues es un juego de palabras, en sí mismo. Una expresión que significa arrepentimiento, pero que se utilizaba sobre todo para referirse a cuando un artista borraba su obra para corregirla. 

Y claro, el protagonista de Pentiment es un pintor, Maese Andreas Maler. Más específicamente, es un miniaturista, dedicado a ilustrar los manuscritos que se copiaban en el monasterio. No es casualidad, ya que también es una de las personas más cultas del pueblo, cuya visión le permite hacer un análisis más "científico" de cada situación. 

Como podéis ver, se trata de un nuevo paralelismo con Guillermo de Baskerville. Y no es el único, ya que las armas de ambos son la lógica y la deducción. Son habilidades que vamos a desplegar a lo largo de numerosas conversaciones y algunos puzles. 

El sistema de diálogos es uno de los grandes logros de Pentiment. En primer lugar, porque están muy bien escritos, pero sobre todo por lo que desvelan. No sólo se trata de fijarse en el contenido de cada texto, sino en la tipografía, que nos señala la educación de quien habla o su estado emocional. 

Los campesinos cometen faltas al "escribir" sus frases y tienen una letra poco trabajada, los monjes escriben con fuente gótica, e incluso las manchas, palabras mal impresas o cursivas nos dejan información oculta en el mensaje.

Aparte de esto, en lo jugable, nuestras opciones están bastante limitadas. Pentiment tiene un ritmo lento, incluso para tratarse de una aventura gráfica. El uso de objetos, los puzles y la exploración de las salas pasan a un segundo plano, y los "minijuegos" son anecdóticos.

Lo importante es gestionar la información que vamos consiguiendo. Es un diseño que contrasta con la recolección de objetos que hemos visto, por ejemplo en Return To Monkey Island. 

Por último, otro de esos elementos que hacen que Pentiment sea un juego diferente es que las deducciones dependerán de nuestros conocimientos. Nada más comenzar a jugar un acto podemos seleccionar el pasado de Andreas Maler. 

Como es lógico, sus descubrimientos serán diferentes si ha estudiado medicina o teología. Y sus temas de conversación también cambiarán dependiendo de los lugares que haya visitado en sus viajes. 

La idea es muy buena, pero la ejecución hace que estas deducciones sean casi automáticas, sin que el jugador (nosotros) tenga que poner a prueba su inteligencia. Más bien, dejamos que Andreas haga de Sherlock Holmes con la información recopilada y nos limitamos a observar. 

Eso sí, el misterio se mantiene, a medida que vamos descubriendo nuevos detalles del crimen y se suman sospechosos a nuestra lista. Y también revelamos un tejido de relaciones entre los personajes, que evoluciona a lo largo de los años.. 

Es una historia conocida -hasta se repite la visita nocturna a la biblioteca- pero con un par de giros interesantes.

El estilo medieval de Pentiment

Todo en Pentiment trata de recordarnos en qué época transcurre. El apartado visual está ejecutado como si personajes y escenarios fueran obra de los copistas de un monasterio. Y no sólo nos referimos a su diseño 2D, sino también a la forma en que se mueven, con animaciones toscas.

Este aspecto nos ha recordado a otra aventura gráfica como The Procession To Calvary (en aquel caso, la inspiración eran los cuadros de la época). Los personajes planos, con colores lavados nos dan la sensación de estar leyendo uno de aquellos volúmenes almacenados en una vieja biblioteca. 

Dado que los textos son lo más importante del juego, no aparecen de la nada, sino que se van "escribiendo" de forma progresiva en las viñetas, con el sonido de la pluma deslizándose sobre el pergamino. 

Y el resto del apartado sonoro juega en la misma liga. Los efectos de sonido son sutiles, pero funcionan a la perfección, y los escasos temas musicales, como el canto gregoriano en la iglesia, son excelentes y están interpretados con instrumentos históricos. 

Un enigma sin demasiadas complicaciones

Como comentábamos, Pentiment es ante todo una aventura narrativa. Con esto lo que queremos decir es que su dificultad es mínima; los pocos puzles que hay son muy sencillitos, así que rara vez os quedaréis atascados o daréis vueltas sin saber qué hacer.

Esto no es en absoluto algo malo, pues Pentiment no pretende en ningún momento ser un juego desafiante que nos obligue a devanarnos los sesos. En su lugar, el nuevo trabajo de Obsidian apuesta por sumergirnos en su mundo a través de cada línea de diálogo.

¿Cuánto dura Pentiment?

Aproximadamente, Pentiment tiene una duración de 12 horas. Evidentemente, esto depende mucho de la forma de jugar de cada uno: quienes prefieran ir al grano probablemente puedan terminar la historia en menos tiempo, y quienes se tomen su tiempo para explorar y "degustar" cada diálogo, sumarán unas cuantas horas más al marcador.

Ahora bien, hay que tener en cuenta que Pentiment es un título extremadamente rejugable. Además de poder empezar una partida nueva seleccionando conocimientos diferentes para Andreas Maler, hay una serie de investigaciones alternativas que querréis contemplar en las siguientes partidas.

Un manuscrito sin páginas

Si estáis pensando en haceros con Pentiment, a continuación os dejamos toda la información necesaria. El nuevo juego de Obsidian se lanza para Xbox One, Series X|S y PC. Como suele ser habitual, los suscriptores de Game Pass podrán adquirirlo sin coste adicional desde el día del lanzamiento, el próximo 15 de noviembre.

Si, por el contrario, queréis comprar Pentiment para tenerlo en vuestras bibliotecas sin restricciones, su precio es de 19,99 €. La mala noticia es que, por el momento, Pentiment sólo está disponible en formato digital. Quizás, con un poco de suerte (y si las ventas acompañan), en un futuro podamos disfrutar también de la obra en formato físico.

Sólo para eruditos

Casi es una paradoja, pero un juego que critica cómo la cultura se mantenía en manos del clero en la Edad Media cae en un error parecido. Con esto queremos decir que se trata de una obra que sólo van a disfrutar completamente los "entendidos". 

Todos los textos están en español, pero queremos decir que si no conocéis la Reforma Protestante, el nombre de las horas, o las estancias en que se divide un monasterio, puede hacerse un poco engorroso. 

¿Un chiste sobre lo que dirían Santo Tomás de Aquino o Aristóteles? Pues sólo lo pillarán quienes hayan estudiado un poco de filosofía. Y las referencias a una biblioteca que parece un laberinto y a los libros quemados... ya os hemos adelantado de dónde salen, pero el juego no las explica. 

Dejando esto a un lado, es un juego muy interesante. Es cierto que requiere un "esfuerzo" para poder disfrutarlo al máximo. No dejamos de leer textos y pasar por los mismos lugares (incluso en diferentes años), y los puzles son demasiado sencillos.  

Pero si nos dejamos atrapar por su historia, Pentiment es una aventura que disfrutaremos varias veces, explorando todas las posibilidades que ofrecen las diferentes elecciones.

Es un juego diferente, que merece la pena probar, especialmente porque Pentiment llega a Game Pass desde el día de lanzamiento. Hemos realizado este análisis de Pentiment con un código del juego proporcionado por Microsoft.

Ya podéis leer el análisis de Gof of War Ragnarok en Hobbyconsolas. Es un artículo en que hemos puesto mucho cuidado, para contaros todo lo que ofrece el juego desarrollado por Santa Monica Studios y PlayStation, sin entrar en spoilers sobre la historia. 

Los análisis de videojuegos tienen una parte muy subjetiva. Es verdad que intentamos aferrarnos a aspectos que son "indiscutibles" como la ejecución técnica, las mecánicas, el diseño de los niveles y desarrollo de personajes: Kratos, Atreus y los dioses de la mitología nórdica.

Pero al final, lo que plasmamos en una review son sensaciones. ¿Es posible que God of War Ragnarok nos haya conmovido? ¿O que después de seguir la historia del Fantasma de Esparta a través de ocho juegos aún sorprenda? ¿Es el final que esperamos para la tragedia del dios de la guerra después de God of War de 2018?

La verdad es que me ha tocado la fibra sensible. Kratos y yo tenemos las mismas habilidades como padre (es decir, muy pocas) y he reconocido algunas situaciones en la relación que se teje entre el dios y su hijo adolescente.

Y claro, luego está el combate, uno de los sistemas más salvajes y viscerales que nos ha dado el género, y que consigue acelerarme el pulso casi como si estuviese empuñando el hacha Leviatán. Y los escenarios abiertos, los enemigos gigantescos... no voy a repetir todo aquello que he destacado en el análisis. 

La nota es algo personal, un reflejo de mi experiencia con el juego, y ha sido muy buena.

La cuestión es que God of War Ragnarok es un estupendo reflejo de este fin de año, que ha arreglado un 2022 marcado por los retrasos y la falta de stock de PS5 (y en menor medida, de Xbox Series X). 

En tan sólo dos semanas he tenido la suerte de analizar Bayonetta 3 para Nintendo Switch (todo un monumento al "hack´n slash").

También me he sumergido en la última entrega de Call of Duty, que se ha convertido en la obra de entretenimiento que más dinero ha recaudado en su primer fin de semana, por encima de películas como Dr Strange en el multiverso de la locura o Top Gun Maverick. 

Y Ragnarok cierra esta "trilogía" que ha mejorado bastante mi percepción del año. Y eso que el año arrancó con juegos como Elden Ring o Horizon II Forbidden West. 

No sé si será el GOTY elegido en la ceremonia The Game Awards, en que Hobbyconsolas forma parte del jurado. Pero en mi experiencia personal, ya lo ha conseguido. 

Y The Chant se atreve a dar ese paso, de una forma tímida, pero muy interesante. Os estamos hablando del primer juego del estudio Brass Token (editado bajo el sello Prime Matter Games). Una obra que está inspirada en el cine de terror de los años 70 y que ha tenido una "revitalización" gracias a películas como Midsommar o Apostle. 

Como las mejores historias de terror, el desarrollo comienza con algo perfectamente normal: Jess se encuentra "perdida", sin saber qué hacer con su vida, cuando recibe una invitación para acudir a un retiro espiritual en una isla apartada de la civilización. 

Allí todos visten de blanco, caminan descalzos y se comportan de un modo inusualmente amistoso, pero como vamos a ver en nuestro análisis de The Chant, esconden terribles secretos. 

Se trata de una pesadilla "new age" con elementos de terror psicológico, que mezcla la realidad con aquello que sólo ocurre en.nuestra mente. 

Y la verdad es que, sin ser un juego aterrador, tiene un montón de elementos inquietantes (y también unos cuantos sustos) que nos han puesto los pelos de punta. Si buscáis un "survival horror" diferente, quizá hayáis encontrado el lugar adecuado (nada que ver con la secta cuqui que montamos en Cult of the Lamb).

Más que miedo a la oscuridad

The Chant es una aventura en tercera persona bastante sencilla, en que el terror funciona a diferentes niveles. Por una parte, el argumento principal consigue que nos sintamos incómodos desde el principio. 

Una vez que ponemos un pie en la isla tenemos la sensación de que algo no encaja, que los rituales y las sustancias psicotrópicas no son una buena combinación. Y claro, la cosa empeora a medida que los miembros de esta comunidad van perdiendo la cabeza. Es una atmósfera inusual en los videojuegos y está muy bien conseguida.

El miedo que siente el jugador no siempre es el mismo que siente Jess. A veces atravesar una zona oscura o encontrarse con una criatura hará que nuestro personaje pierda la cordura. Es un sistema que hemos visto en otros juegos inspirados en la obra de HP Lovecraft, como The Sinking City o en el memorable Eternal Darkness de GameCube. 

Este sistema se refleja en un medidor de mente. Si se vacía por completo, nuestro personaje sufre ataques de pánico, la imagen se transforma (se distorsionan los objetos y se ve en blanco y negro) y somos incapaces de defendernos hasta que regresemos a una zona segura para recuperarnos. 

En tercer lugar, está el terror más básico. Porque The Chant también tiene una buena colección de monstruos que nos acechan, tanto en el plano físico como espiritual. Al menos no estamos indefensos ante ellos. 

Jess es capaz de fabricar una serie de armas rudimentarias para defenderse o bien canalizar su energía espiritual a través de cristales para ralentizar o alejar a los enemigos. La verdad es que el combate contra estas criaturas es bastante básico, pero consigue transmitir la sensación de fragilidad, tan importante en un "survival horror". 

La exploración es la clave

Mientras jugamos a The Chant tenemos la sensación de haber vuelto a los desarrollos clásicos de mediados de los 90, como los primeros Resident Evil o Silent Hill. 

Hay muchos paralelismos en el diseño del juego; el sistema de avance a través de puertas que se desbloquean con llaves y fusibles, la historia narrada mediante documentos, la curación con plantas o el avance lineal. Y tampoco faltan algunos enemigos finales.

También se incorporan elementos narrativos, típicos de los Dark Pictures Anthology de Supermassive (como elegir nuestra respuesta en algunas conversaciones) que determinarán el final entre tres posibles . Y los puzles son de una simplicidad exagerada.

En este sentido, puede parecer un juego anticuado. Pero hay que dejar muy claro que es un auténtico videojuego. No es demasiado difícil (una vez que le pillamos el truco a las esquivas los enemigos no nos tocan) pero desde luego no es una "aventura narrativa" que sólo se base en decisiones. 

Terror de serie B

The Chant es una producción modesta. El juego ha sido desarrollado por 19 personas, pero entre ellos se encuentran veteranos de la industria salidos de Rockstar, Electronic Arts o The Coalition, y otros que provienen del cine. Y esa experiencia se nota. 

Para ser un equipo tan pequeño, hay elementos muy logrados. La ambientación es muy buena, y la interpretación de los personajes principales (con Siobhan Williams a quien ya vimos en uno de los papeles principales de The Quarry) es convincente. 

Por contra, el sistema de progreso está poco desarrollado, y muchas de las posibilidades que ofrece el combate -como tender trampas a los enemigos- no se utilizan. 

Los gráficos destacan en la recreación del grupo protagonista, sobre todo las expresiones faciales, pero los escenarios no son muy detallados y los elementos con que podemos interactuar están bastante limitados. 

La verdad es que para tratarse de un juego que sólo se lanza en next gen (PS5, Series X y PC) esperábamos más. 

Y en cuanto a la banda sonora, nos encontramos con un trabajo interesante de Paul Ruskay (el compositor de los temas de Homeworld). Consigue recuperar el tono de los temas "new age" de los 70, pero la mayor parte del tiempo pasa desapercibida y no consigue aportar más terror. 

Valoración final de The Chant

El primer trabajo de Brass Token ha resultado ser un juego interesante. Bajo un argumento bastante innovador (en el terreno de los videojuegos) esconde mecánicas clásicas, que hemos jugado en innumerables "survival horror" desde los años 90.

Algunos elementos funcionan muy bien, como el peso de los personajes y su transformación a lo largo del juego, y sin embargo, tanto el apartado técnico como las mecánicas de combate y los puzles se quedan cortos.

Pero desde luego, es un buen juego de debut. Y estoy seguro de que cualquier aficionado al género va a disfrutar con el modo en que reinventa la vertiente más psicológica del miedo. 

Como decía al principio del análisis de The Chant, después de enfrentarnos a muertos vivientes, vampiros y fantasmas, el juego se atreve a abordar el terror desde un punto de vista distinto, y consigue provocarnos unos cuantos escalofríos.

Santa Monica Studios había puesto el listón muy alto con la entrega anterior: el God of War de 2018 se cuenta entre los mejores juegos de PS4, tanto a nivel de historia y desarrollo como en el apartado técnico. Pero lo que consigue Ragnarok es pulverizar esta marca.

Habrá quienes discutan si nos encontramos ante el GOTY de 2022 (el mejor juego del año) o incluso el mejor juego de PS5 hasta la fecha. Pero para mí, esto es menospreciarlo, casi como si nos ponemos a debatir si la Capilla Sixtina debería considerarse "el mejor grafitti de la historia".

Según hacía el análisis de God of War Ragnarok, me he encontrado una obra de arte. Una historia violenta que te sacude, y es capaz de hacerte apretar los dientes con los combates más sangrientos, o saltarte las lágrimas con momentos dramáticos. Porque, como corresponde a una historia mitológica, Ragnarok es una tragedia. 

¿Hace falta haber jugado a God of War para disfrutar de su secuela? Pues en esta ocasión, si. La historia de Ragnarok funciona por si misma, y el juego incluye un breve resumen de todo lo que ocurrió antes, para refrescarnos la memoria. Pero el impacto es mucho mayor si conocemos cómo ha evolucionado la relación de Kratos y Atreus, o qué pasó con Freya.

En cierto modo es algo parecido a lo que ocurre con The Last of Us parte II, hay momentos que sólo cobran un significado completo si conocemos bien a los personajes. En este análisis de Ragnarok os vamos a contar todas sus virtudes, sin entrar en "spoilers" sobre la historia. 

Análisis, review y opinión de God of War Ragnarok, sin spoilers:

• La historia de God of War Ragnarok
• Mundos abiertos y enfrentamientos épicos
• Novedades en el sistema de combate
• Técnica a la altura de los dioses
• ¿Cuántas horas de juego dura God of War Ragnarok?
• La opinión de Hobbyconsolas de God of War Ragnarok: ¿GOTY de 2022?
• Cuánto cuesta God of War Ragnarok y dónde puedes jugarlo
• Lo mejor y peor de God of War Ragnarok

Antes de seguir leyendo, os adelantamos que hemos hecho este análisis con 37 horas de juego, es decir, habiendo superado la historia principal y las misiones secundarias, pero aún nos queda muchísimo por explorar. 

Tenemos la sensación de que el mundo de God of War Ragnarok, ambientado en los Nueve Reinos de la mitología nórdica,  aún nos guarda mucho más; pequeñas historias, coleccionables y los combates más duros (los bersherker, que ocupan el papel de las valquirias del juego anterior). 

He aquí que veo a mi padre: la historia de God of War Ragnarok

Si el primer God of War representaba el viaje de Kratos por aceptar su destino, en Ragnarok es Atreus quien debe asumir su papel en el orden del universo. Una parte fundamental de la historia gira en torno a la revelación de quién es el "chico" y cómo interviene en el fin del mundo de la mitología nórdica. 

La evolución de los personajes y la relación entre ambos es brillante. Kratos sigue aprendiendo a ser padre, pero esta vez tiene que hacer frente a un adolescente, capaz de enfrentarse por si mismo a las situaciones que se presentan. 

De nuevo, la tensión entre ambos está plasmada de una forma inmejorable, y consigue que nos impliquemos en cada una de sus conversaciones (y son unas charlas magníficamente interpretadas). A su alrededor, nos encontramos con un puñado de personajes muy bien construidos. 

Mimir, el hombre más listo del mundo (mejor dicho, la cabeza de Mimir), Freya, y los enanos Brock y Sindri se ganan mucho más peso en la historia, y ofrecen una nueva visión del conflicto entre los dioses. Pero estos personajes que regresan son sólo una parte de la narrativa.

God of War Ragnarok es una obra mucho más coral: se incorporan otros secundarios, como Tyr (el dios de la guerra nórdico) o la gigante Angrboda, y nos gusta especialmente el tratamiento de los rivales de Kratos. Vamos a conocer a fondo a Thor u Odín, dioses asgardianos que tienen un papel importante. 

Además de esta historia central, que adapta los mitos nórdicos de una forma bastante coherente, nos encontramos con un "lore" riquísimo. Las armas, las localizaciones o las misiones secundarias están perfectamente integrados en la historia. Y volvemos a disfrutar de la narración de Mimir, cada vez que nos desplazamos, que también profundiza sobre el pasado de Kratos. 

Si tuviéramos que poner un ejemplo para  reflejar lo que significa esta historia, sería un equivalente a Vengadores Endgame es el punto álgido en que se reúne todo aquello que se ha ido construyendo en la saga.

Os garantizamos que tiene numerosos momentos que ponen los pelos de punta, y no sólo nos referimos a las batallas.  

He aquí que veo a mi madre: Un juego mucho más grande

Cuando jugamos las cinco primeras horas para ofreceros las primeras impresiones de God of War Ragnarok tuvimos la sensación de que era un juego continuista. El arranque en Midgard y los primeros enfrentamientos parecían un reflejo del juego anterior.

Pero estas condiciones que nos impuso Santa Monica Studios tenían truco. Porque es a partir de ese momento cuando Ragnarok muestra todo su potencial. Y nos encontramos ante un juego titánico. Como ya se adelantó vamos a visitar los Nueve Reinos: Midgard, Muspelheim, Helheim, Alfheim, Nilfheim, Jotunheim, Vanaheim, Svartalfheim  y Asgard. 

Cada uno de estos reinos cuenta con una dirección artística única, y aquellos que ya visitamos en el primer juego se han transformado por el Fimbulwinter, el invierno que precede al Ragnarok. Y para que os hagáis una idea de sus dimensiones, muchos de ellos son entornos abiertos, que podemos recorrer a bordo de distintos vehículos.

Se trata de escenarios tipo "sandbox", que exploramos en barca o sobre un trineo tirado por lobos, y que esconden una enorme densidad de lugares relevantes y misiones. A medida que crecen las habilidades de Kratos, ganamos acceso a nuevas zonas, en que se alternan enfrentamientos y pequeños puzles. 

Estos puzles están integrados en los niveles, y nos han resultado muy ingeniosos. Le sacan el máximo partido a las armas de Kratos y las diferentes flechas de Atreus, combinados con multitud de mecanismos. 

El diseño abierto se combina con momentos épicos y "setpieces" en zonas más lineales. Y el resultado es un ritmo espectacular. Por fin, el juego nos ofrece aquello que echamos de menos en el anterior: los combates contra criaturas gigantescas, que están en el ADN de la saga. 

He aquí que veo a mis hermanos y hermanas: el combate

Tratándose de un juego que se llama "el dios de la guerra" está claro que los enfrentamientos son el eje central del juego. Es verdad que la cámara situada a los hombros del protagonista no es tan versátil como una vista más alejada, pero tenemos la sensación de que los ataques se han vuelto más dinámicos, sin perder la "contundencia". 

Desde el arranque, contamos con el Hacha Leviatán y las Espadas del Caos, que cuentan con un abanico de combos muy profundo. El esquema de controles del juego original añade nuevas funciones para el botón triángulo, que generan ataques más largos.

La sensación es que se parece un poco más al estilo de combate de los God of War clásicos de la primera trilogía, más ofensivo. Pero no se han perdido los aspectos estratégicos de parada con el escudo y esquiva en el momento oportuno, sobre todo en los combates contra jefes finales. 

Si jugamos en PS5 hay que puntualizar que God of War Ragnarok no usa los gatillos adaptativos del mando durante el combate, porque resultaría una desventaja. Esta resistencia progresiva se reserva para otros momentos. 

ATENCIÓN SPOILER: Bien entrado el desarrollo encontramos un tercer arma, la Lanza Espartana. Aunque al principio no tengamos esta conexión emocional con el dorus (que es su nombre real), nos permite ampliar el rango de alcance y la cantidad de especiales. 

El contar con tres armas en el arsenal permite encontrar rivales que sólo son vulnerables a una de ellas, o que reciben mayor daño con ataques de fuego o de hielo. Esto, unido a la posibilidad de desbloquear nuevos movimientos o mejorar las armas, lo convierten en un sistema muy sólido. FIN DEL SPOILER.

Pero sobre todo, por encima de las mecánicas, God of War Ragnarok tiene uno de los esquemas de combate que más se disfruta. También uno de los más salvajes, que no escatima en decapitaciones y otros "finisher" brutales.

Ya lo he comentado algunas veces, pero desatar la furia espartana y destrozar a un enemigo con los puños desnudos es una experiencia insuperable y tremendamente visceral. 

He aquí que me llaman: El apartado técnico de God of War Ragnarok

Quizá el elemento más controvertido de God of War Ragnarok sea su realización técnica, y por eso merece la pena que nos explayemos. Santa Monica Studios ha tomado la versión de PS4 como plataforma  base para el desarrollo. 

Por una parte significa que el juego corre de maravilla en la plataforma actual, con un motor evolucionado sobre el primero y muy bien optimizado. Es algo que ya vimos en TLOU II, los desarrollos first party sacan un rendimiento increíble de la veterana consola. 

Pero ¿cómo afecta esto a la versión de PS5? Pues la verdad es que el juego se ve de escándalo, y se beneficia de una resolución 4K y tasa de 60 FPS en los modos fidelidad y rendimiento. Con VRR, también podemos disfrutar de un modo 4K a 40 FPS y 120 FPS. 

Disfrutamos de más detalles, más distancia de dibujado y animaciones más fluidas. A nivel visual está muy por encima de otros juegos "next gen", un caso similar a Horizon II Forbidden West, ahora bien, no introduce nada que aproveche PlayStation 5 al máximo. 

Eso es sólo en lo que se refiere al aspecto visual, claro. Porque lo que sí se ha aprovechado muy bien son otras mejoras del hardware. Es un juego, como God of War 2018, que se desarrolla en plano secuencia, sin cortes, el uso del SSD para eliminar los tiempos de carga es una gozada. 

Además, se aprovechan todas las funciones del Dualsense. Tenemos feedback háptico en numerosas acciones (por ejemplo, la recogida del hacha se siente diferente dependiendo de la dirección en que venga), y los gatillos adaptativos, como hemos adelantado, se han reservado para acciones especiales (especialmente épicas). 

Incluso se utiliza el altavoz del mando y el panel táctil, no sólo como botón adicional para desplegar el menú, sino para realizar pequeñas acciones contextuales. 

El sonido 3D también es un elemento exclusivo de la consola. Y nunca había tenido una experiencia tan cuidada jugando con los auriculares Pulse. Hasta ahora ya hemos disfrutado de juegos que nos indican la localización de los enemigos por el sonido, algo que Ragnarok hace muy bien, pero hay en particular una secuencia, con visiones del juego anterior que os dejará helados.

Igualmente brillante nos parece el doblaje de Rafael de Azcárraga como Kratos, y la banda sonora compuesta por Bear McCreary que desarrolla los temas previos (sobre todo los movimientos de Kratos y Fey)

Con todos estos datos sobre la mesa, ¿qué opinión nos deja la versión de PS5 de God of War: Ragnarok? Pues que no se nota en absoluto "lastrada" por otras versiones, del mismo modo que le ocurría a Horizon II Forbidden West.

Es uno de los juegos que mejor se ve en las nuevas consolas, pero tampoco define la "next gen" con nada que no hubiésemos visto antes..

¿Nos hubiera gustado una versión exclusiva que ofreciese aún más? Por supuesto. Pero también nos gusta que lo puedan disfrutar los más de 117 millones de usuarios de PS4, es una decisión complicada. 

Si quieres saber más del apartado técnico no dejes de echarle un ojo al análisis técnico de God of War Ragnarok en PS5 y PS4 Pro de nuestros compañeros de Computer Hoy.

Para ocupar mi lugar: ¿Cuántas horas dura God of War Ragnarok?

Antes os hemos dicho que habíamos cerrado el análisis (porque en algún momento hay que ponerse a escribir) con 37 horas de juego. Pero la duración total está por encima de las 40 horas, y podemos alcanzar nivel 7 con Kratos.

Sin embargo, si vamos sólo a las misiones de historia y no se nos atasca ningún combate (tenemos disponibles cinco niveles de dificultad, y en la experiencia equilibrada resulta bastante asequible) podemos llegar a los créditos finales en algo más de 20 horas. 

El final verdadero de God of War Ragnarok aparece después de cumplir una de las misiones que aparecen al terminar el último combate. Sólo entonces podremos escuchar el tema musical cantado y ver la secuencia de créditos completa.

Pero en ese punto veremos que todos los mapas muestran nuevas tareas, lo que nos obliga a visitar de nuevo los Nueve Reinos y así conseguir el 100% del juego.

Junto a ellos: Precio, plataformas disponibles y cuándo sale God of War Ragnarok

God of War Ragnarok sale el próximo 9 de noviembre en PlayStation 4 y PS5. El precio de las diferentes versiones (de lanzamiento) es de 69,99 euros en la consola actual y 79,99 euros en "next gen".

Si poseemos la versión de PS4 podemos realizar un "upgrade" a la versión superior, pero no será de manera gratuita, sino que tendremos que pagar 10 euros, como ya ha ocurrido con otros juegos de Sony. La versión de PS5 incluye el juego de PS4.

En el Valhalla: Valoración final

Sigo jugando a God of War: Ragnarok después de haberlo terminado y haber escrito este análisis. Y no sólo me parece una auténtica obra de arte, sino que se ha convertido en mi favorito, tanto en PS4 como en PS5. 

La historia, el diseño de niveles, el gameplay y el apartado técnico están perfectamente equilibrados, no se le puede poner ni una pega. Y además, ha conseguido emocionarme tanto en lo épico como en la parte más sentimental.

En mi opinión es un GOTY indiscutible (y eso que éste es el año de Elden Ring) y uno de esos motivos que colocan a los videojuegos por encima de otras formas de contar historias como el cine, la TV o la literatura.

Si el personaje de Kratos ya era extraordinario, no ha hecho sino mejorar, y junto a él han crecido un montón de secundarios, algunos tomados de la mitología nórdica y otros diseñados en particular para el juego. 

Es verdad que se discutirá si Ragnarok podía haber llegado más lejos aún de tratarse de un juego exclusivo de PS5, pero desde que comenzamos a jugar se nos quita esa idea de la cabeza.

Ahora sólo me queda esperar a que se lancen el Nuevo Juego + y el modo foto (que no estaban disponibles en la versión de análisis) para volver a empezarlo de nuevo. 

Y, como cierre de este análisis de God of War Ragnarok, quiero recuperar una frase que ya puse en mis primeras impresiones, y que define la escala del juego. Odín le susurró a Kratos "no tienes fuerzas para enfrentarte al Ragnarok", y Kratos le respondió "yo soy el Ragnarok".

Por otra parte, Modern Warfare II debe recuperar el éxito que no alcanzó Call of Duty Vanguard. La entrega ambientada en la Segunda Guerra Mundial tuvo el peor estreno de la saga en 14 años y vendió un 40% menos que Black Ops Cold War.

Y es en los momentos más duros, donde necesitamos a los mejores. En este caso, lo mejor de Call of Duty es la Task Force 141, el equipo internacional de fuerzas especiales en que se encuentran el capitán John Price, "Soap" MacTavish, Gaz Garrick o Simon "Ghost" Riley. 

En efecto, como vamos a ver en este análisis de Call of Duty Modern Warfare II, las tornas han cambiado. Desde el lanzamiento de Modern Warfare en 2019, los juegos desarrollados por Infinity Ward han vuelto ha convertirse en la punta de lanza de la franquicia, por encima de los desarrollos de Treyarch (Black Ops Cold War) o Sledgehammer (Call of Duty WWII). 

Así, en la hora más oscura, nos encontramos con una entrega que se aferra a lo mejor de la saga: una campaña con los valores de producción por las nubes y un ritmo frenético, y un multijugador enorme, que recupera los modos clásicos pero no tiene miedo a innovar. 

Puede que Modern Warfare 2 esté ambientado en un conflicto ficticio, pero tiene ese barniz de realismo que nos hace pensar que podría ocurrir en cualquier momento. Un terrorista iraní ayudado por un grupo de narcos, armas rusas, operaciones militares al otro lado de la ley...

Después de 18 entregas (sólo hablo de la línea principal) esta fórmula está más que amortizada. ¿Es capaz Modern Warfare II de hacernos volver a tomar las armas? ¿Basta con recuperar a los personajes más icónicos?

En este análisis vamos a repasar, por separado, lo que nos ofrece la campaña y el modo multijugador, sin entrar en todas las novedades que llegarán con el "free to play" Warzone 2.

La campaña de Modern Warfare II

La campaña para un jugador es el "patito feo" de Call of Duty. Desde hace unas cuantas entregas, el juego permite que arranquemos directamente en el multijugador, que es donde vamos a echar todas las horas del mundo. Y claro, muchos jugadores se saltan directamente la historia.

Pero en esta ocasión, Activision nos ha dado la oportunidad -a nosotros y a todos los que hubieran reservado la edición digital- de jugar la campaña por anticipado. Así nos hemos podido quitar la ansiedad, mientras se activaban los servidores del modo online.

Quizá este "truco" permita que más jugadores hayan descubierto que se trata de un modo bastante entretenido, y que nos ofrece unas cinco horas de acción y situaciones extremas, en que acompañamos a la Task Force 141 por todo el mundo. 

En este caso, nos encontramos con un estilo narrativo que recuerda a películas como Sicario o Soldado, y que tiene un tono más "contenido" que en otras ocasiones. Hay que tener en cuenta que en el Modern Warfare 2 de  2009, las tropas rusas invadían los Estados Unidos, nada menos.

Ahora se imponen situaciones más creíbles, como operaciones en la frontera entre los Estados Unidos y Mexico, un secuestro en Amsterdam y la inserción de un equipo de francotiradores en un faro en España (sí, habéis oído bien, en plena costa gallega). 

Hay guiños a niveles clásicos, como Favela, Gulag o Todos camuflados y vuelve el nivel a bordo de un avión  AC-130 en que hacemos de ángeles de la guarda de un equipo en tierra. Incluso nos encontramos con la frase "¿qué pinche nombre es Soap?" que viene a ser el "what the hell kind of name is Soap?" del Modern Warfare original. 

Pero en general nos ha resultado una historia poco memorable, que no está al nivel de los otros juegos que hemos mencionado. 

En el fondo de la campaña de Call of Duty Modern Warfare 2 hay un "tren de la bruja". Un paseo por escenarios lineales en que vamos eliminando a los enemigos que nos salen al paso. Pero está disfrazado de política-ficción, y cuenta con momentos épicos.

En este caso, el esfuerzo por innovar se traduce en fases de infiltración y "crafteo", en la posibilidad de elegir nuestra respuesta en conversaciones ocasionales y en niveles en que controlamos vehículos. Pero no consiguen levantar esa sensación de que ya lo hemos visto todo (y mejor) en entregas anteriores. 

Y es una lástima, porque el "shooter" para un sólo jugador comienza a convertirse en una "rara avis". Cada vez tenemos menos juegos de disparos  basados en la historia. Quizá el motivo es que todas las fórmulas, al menos en un contexto de guerra moderna, ya se han explotado. 

Nuestro veredicto es que esta campaña es un buen entretenimiento, con momentazos, como el asalto a la plataforma petrolífera (otro guiño al clásico), pero que se queda bastante lejos de otras entregas. 

Tampoco se atreve a mostrar niveles controvertidos, como Nada de ruso o el nivel de Afganistán de Modern Warfare (2019), y claro, los giros de guión ya no son ninguna sorpresa. Eso sí, hay un enorme "fan service" con el personaje de Ghost, y promete una tercera entrega explosiva.

Claro que si estáis viendo el análisis de Modern Warfare II, lo más probable es que sea por el modo multijugador, el eje central de cualquier COD.

Preparad vuestro arsenal, porque la entrega de este año llega cargada de contenido, y promete interminables horas de diversión y pólvora.

El multijugador de Modern Warfare II, como un tiro

Tratar de describir el modo online de Modern Warfare 2 a estas alturas tiene poco sentido. Su sistema de enfrentamientos rápidos (basados en un "time to kill" muy corto) y el sistema de personalización y progreso a través de rangos y prestigios, son todo un símbolo.

Da igual el tiempo que pase. Con cada nueva entrega descubrimos que sigue siendo muy entretenido. Su esencia siguen siendo el diseño de mapas en tres calles con dos niveles (en la mayoría de los casos) y un comportamiento muy ajustado de las armas. 

Para el análisis nos vamos a centrar en las novedades de esta entrega. En la lista de partidas no falta ninguno de los "sospechosos habituales". Esto es, podemos jugar a duelo por equipos, punto caliente, baja confirmada, buscar y destruir o todos contra todos... como siempre. 

Pero se ha añadido el modo Rescate de prisioneros, más táctico, en que no contamos con respawn. Es un estilo inspirado en Rainbow Six Siege, en que un equipo debe proteger a un VIP, y los rivales deben eliminarlo. Aunque pretende ser más estratégico, en nuestra experiencia el ritmo es muy similar al de los conocidos.

Los números Modern Warfare 2 son bastante impresionantes; cuenta de inicio con 40 armas principales divididas en 7 categorías, 25 operadores, 11 mapas para los modos clásicos, esto es de tamaño pequeño o medio, y otros 5 mapas más grandes para el modo Guerra Terrestre e Invasión (32v32 con uso de vehículos). 

La navegación por estos mapas es una de las principales novedades. Se incluye la posibilidad de trepar por cualquier elemento y descolgarnos de bordes y cornisas para disparar con el arma de mano. Hay dos tipos de sprint y "dolphin dive" (es decir, lanzarnos en carrera para aterrizar cuerpo a tierra). 

En general, el ritmo de las partidas es más rápido que en años anteriores, sin cambios esenciales en la forma en que jugamos. Para algunos, será justo lo que buscaban, y otros criticarán que es excesivamente conservador. 

Lo que sí ha cambiado es el sistema de perks y desbloqueos. Las ventajas por racha (o por puntos, a elección del jugador) están agrupadas de tres en tres, y se activan a medida que avanza la partida. Las armas, por su parte, ya no se desbloquean por nivel del jugador.

En este caso, cada una de las armas principales cuenta con su propio nivel. La experiencia acumulada nos permite conseguir nuevos complementos (miras, cañones, bocachas...) como antes, pero también desbloquear nuevas armas en un árbol de arsenal.

Lo bueno de este sistema es que funciona como "superespecialización" de los operadores. Sólo aquellos que, por ejemplo, juegan con fusil táctico, llegarán a desbloquear los modelos más avanzados.  

Una última novedad es el modo en tercera persona (disponible en los modos Duelo por Equipos, Dominio y Punto caliente). Nos ha parecido un "experimento" curioso, que hace que las partidas sean más lentas y que, no está tan afinado como el modo principal.

Merece la pena probarlo un rato... pero después de comprobar cómo se juega con la vista desde el hombro, hemos vuelto al juego en primera persona.

Para terminar, nos centramos en el modo cooperativo, que se despliega como si fuesen misiones para la Task Force 141 encargadas por Laswell. Tienen su propia parte de historia y no son el típico juego por oleadas de las "viejas" Spec Ops. 

Se trata de una inserción táctica para dos jugadores, en un mapa abierto con varios objetivos, e introduce un montón de mecánicas: salto en paracaídas, uso del dron de reconocimiento, conducción de vehículos, desactivación de trampas... además de los intercambios de fuego con el enemigo. 

Para que os hagáis una idea, el estilo de juego, con una parte importante de infiltración, se parece bastante a Ghost Recon (también se puede jugar en tercera persona). Y aunque no cuenta con muchos mapas, la verdad es que nos ha parecido prometedor. 

En general, al multijugador le faltan ajustes en las zonas de respawn, el equilibrio de armas o la velocidad de apuntado de algunas miras, que llegarán a medida que el juego progrese, como es habitual. 

Pero en nuestra experiencia (en PS5 jugando desde que se han abierto los  servidores) no hemos tenido problemas de conexión ni caídas. 

Las mejoras técnicas

Modern Warfare 2 corre sobre el mismo motor que la entrega de 2019, que se ha ido mejorando durante los últimos años. Y la verdad es que se ve increíble. La campaña nos regala algunos niveles que lucen de manera espectacular, como las calles de Amsterdam y el carguero.

En lo visual, el último Call of Duty tiene una ejecución estupenda. Nos hemos encontrado con un modo muy interesante de usar la profundidad de campo (que se vea nítido aquello a lo que enfocamos y se emborronen el resto de elementos). 

Y también nos ha gustado mucho el tratamiento de fluidos. Sobre todo destaca el agua (protagonista en varios niveles), pero también la niebla y el humo, con reflejos en el gameplay. Los efectos de destrucción, sobre todo en los niveles del AC-130, están especialmente cuidados. 

Por otro lado, la asignatura pendiente, la IA de los enemigos, también ha mejorado (aunque la dificultad crece porque muchos llevan escudos balísticos y blindaje corporal). En la cima de esta ejecución está -cómo no- la realización y el comportamiento de las armas.

Podemos jugar a 60 FPS, e incluso cuenta con un modo a 120 FPS en las consolas de nueva generación, aunque la resolución se resiente en este modo. El sonido es estupendo (salvando el doblaje de algunos personajes), y se aprovechan bien los efectos hápticos del Dualsense en la versión de PS5.

Cuando se trata de un "shooter" en primera persona, lo importante es el rendimiento, el feedback de las diferentes armas y la inmersión en el campo de batalla. Y en eso, Modern warfare II no falla; es un juego superior a las dos últimas entregas.  

Una buena entrega, pero ¿suficiente?

Está claro que Call of Duty Modern Warfare 2 remonta respecto a entregas pasadas. Tanto en la cantidad de contenido como en los aspectos técnicos nos encontramos con una entrega muy sólida. Y además, se recupera la ambientación favorita de los fans. 

La fórmula del multijugador, con pequeños retoques aquí y allá sigue siendo estupenda. De hecho, es el motivo por el que millones de jugadores (entre los que me encuentro) volvemos año tras año a la franquicia.

Sin embargo, esperaba algo más de esta entrega, que lleva sobre sus hombros "el peso" de llamarse Modern Warfare. La campaña no es tan arriesgada como en las entregas anteriores, ni en el gameplay ni en los asuntos "éticos".

Y el multijugador, que funciona muy bien, se asienta sobre los pilares conocidos, con pequeñas mejoras que no alteran la sensación de "estar en casa". Los nuevos modos no están a la altura de los que todos conocemos.

Es un gran "shooter" bélico, un género que cada vez recibe menos exponentes, y trae de vuelta a personajes que significan mucho para los aficionados,  pero no tiene el impacto que nos dejó el MW2 original hace unos años.

Habrá quienes lo aborrezcan, porque al fin y al cabo "sigue siendo Call of Duty". Eso sí, consigue recuperar la forma después del "tropiezo" del año pasado, y eso son muy buenas noticias.

Las similitudes entre ambos juegos son evidentes, desde sus orígenes. The Callisto Protocol es un juego desarrollado por Striking Distance Studios (liderado por Glen Schofield) y Dead Space Remake está basado en el juego de 2008 de Visceral Games, que también dirigía Glen Schofield. El remake corre a cargo de EA Motive. 

En ambos casos protagonizamos una aventura de terror en tercera persona, inspirada en películas como Alien, Horizonte Final o La Cosa, en que un protagonista en solitario debe sobrevivir al acoso de criaturas alienígenas que deforman el cuerpo de los humanos (necromorfos y biófagos). 

Los dos juegos coinciden en la importancia del entorno: la nave minera USG Ishimura en el desarrollo de EA Motive y la prisión Black Iron, en la luna de Júpiter, en el título de Glen Schofield. E incluso comparten el uso de un interfaz holográfico integrado en el propio juego para mostrar la munición de las armas o la vida del protagonista.

Si aún necesitáis más detalles, podéis leer nuestras impresiones de Dead Space Remake y nuestro avance de The Callisto Protocol, después de haber jugado a ambos títulos. Pero en esta comparativa queremos profundizar aún más en los dos juegos. 

Nos detenemos sobre las diferencias que ambos "survival horror" muestran en su ambientación, en el modo en que se narra la historia o en el sistema de combate. The Callisto Protocol y Dead Space remake son suficientemente distintos como para que disfrutemos de los dos juegos. 

Dead Space vs The Callisto Protocol: dos historias de terror y supervivencia

En Dead Space, como ocurría en el Dead Space original, nosotros encarnamos a un ingeniero, Isaac Clarke, que viaja a bordo de la nave USG Kellion, y desembarca en la Ishimura. Clarke no es ningún soldado, y por tanto no domina las armas, pero es capaz de transformar herramientas (como la cortadora de plasma) para usarlas contra los necromorfos. 

Clarke (nombre que está inspirado por los autores de ciencia ficción Isaac Asimov y Arthur C. Clarke) tiene una relación personal con la oficial médico de la Ishimura, Nicole Brennen. Mientras que en el juego original se trataba de un personaje "mudo", en el remake podremos escuchar su voz en los momentos más relevantes. 

Lo que comienza como una historia de supervivencia, cuando la nave Kellion explota y sufrimos el ataque de los monstruos, poco a poco se transforma en algo más: desentrañar el misterio de los símbolos y el monolito que han vuelto locos a los tripulantes de la nave, y por supuesto encontrar a Nicole. 

En The Callisto Protocol, sin embargo, encarnamos a Jacob Lee (interpretado por Josh Duhamel). Y su nombre también esconde un guiño, ya que Jacob era el hijo de Isaac en la Biblia. En este caso, se trata de uno de los prisioneros de la penitenciaría de máxima seguridad de Black Iron. 

La historia principal recupera la supervivencia de un hombre en solitario, esta vez cuando los biófagos comienzan a masacrar a los otros internos de la prisión. Sin embargo, también debemos desentrañar el misterio alrededor de la United Jupiter Company, y el origen de las criaturas.

A lo largo de su aventura, Jacob se encontrará con otros supervivientes de Black Iron, con los que tendremos breves encuentros y con los que podremos comunicación a través de radio. Aún no sabemos qué papel interpretará la actriz Karen Fukuhara (The Boys).

En cuanto a la narrativa, es decir, la forma de contar la historia, nos encontramos con dos enfoques totalmente distintos. Dead Space apuesta por una historia sin cortes, con un plano secuencia que recuerda a lo que hemos visto en el God of War de 2018. 

The Callisto Protocol es más conservador, y nos ofrecerá secuencias de vídeo CG para las que han contado con la participación de actores muy conocidos. Ya os hemos hablado de Josh Duhamel (Transformers) como Jacob, y también se encuentra en el reparto Karen Fukuhara, a la que hemos visto en la serie The Boys. 

Como hemos mencionado al comienzo de este reportaje, ambos juegos coinciden en su integración del HUD dentro de la pantalla de juego, a través de los marcadores del traje y los hologramas, que indican por ejemplo, la munición que nos queda. 

A día de hoy nos sigue pareciendo un recurso muy efectivo, que mejora la inmersión del jugador respecto a la clásica barra de vida o a los menús que ocupan toda la pantalla y detienen la acción. 

The Callisto Protocol vs Dead Space: La importancia del escenario

El entorno es una de las claves del terror espacial, quizá por aquello que nos enseñó Alien: "en el espacio nadie puede oír tus gritos". Sin embargo, cada uno de los juegos muestra una visión diferente de este "miedo cósmico".

La nave USG Ishimura de Dead Space es una "planet cracker". Es decir, se trata de un navío comercial, equipado para la explotación minera, y que tiene unos interiores industriales, en que destacan estructuras metálicas, laboratorios y barracones para la tripulación. 

Esta nave espacial se encuentra a la deriva, en órbita alrededor de un planeta, y tiene zonas en que no hay oxígeno y otras en que tampoco hay gravedad. Esto permte que Isaac se desplace libremente por el espacio (una de las novedades del remake, ya que en el original sólo nos movíamos entre diferentes puntos de anclaje). 

La ambientación espacial es muy diferente en The Callisto Protocol. Ya que en este caso se sutituye el miedo al vacío por la superficie de la luna Callisto de Júpiter, que también se conoce como la luna muerta. 

En este caso, las instalaciones corresponden a la prisión de Black Iron, y eso significa que recorreremos zonas de celdas, la enfermería y también las estructuras que corresponden a los guardias. Las trampas y medidas de seguridad para contener a los presos se pueden usar también para detener a los biófagos. 

El exterior de la prisión también es muy hostil, pero en este caso no se trata sólo de la ausencia de oxígeno. Nos tenemos que enfrentar a temperaturas extremas bajo cero. Y eso significa que los movimientos y la visibilidad están comprometidos.

Nunca sabremos si entre los biófagos congelados de la superficie hay alguno "latente", que puede volver a la vida para atacarnos, y tampoco tendremos una visión clara de lo que nos espera más adelante. 

Así como Isaac cuenta con una armadura con su propio suministro de oxígeno, Jacob Lee puede soportar estas temperaturas gracias a su traje. 

El combate estratégico en Dead Space y The Callisto Protocol

Es curioso que ambos juegos nos den las claves del combate mediante un escrito en la pared. Podemos leer, con letras escritas en sangre "cut off their Limbs" (córtales los miembros) o "shoot their tentacles" es decir, dispara a sus tentáculos.

La diferencia entre ambos estilos de combate es clara: en Dead Space un disparo a las piernas puede dejar cojos a los necromorfos, o que ralentiza su avance. Y si disparamos a los brazos (convertidos en garras) les dejamos desarmados y hacemos más daño.

En The Callisto Protocol, los biófagos pueden mostrar una "erupción" de pequeños tentáculos, que surgen del cuerpo. Estos tentáculos indican que el monstruo está a punto de evolucionar y el modo de evitarlo es... a tiros. 

Si no conseguimos abatir al biófago en unos segundos, se transformará en un monstruo más grande y poderoso, y que por supuesto, tendrá mayor resistencia a nuestros disparos. 

Los dos juegos cuentan con dispositivos para manipular la gravedad, una especie de garfio magnético, que son de gran ayuda en combate. Mientras que en Dead Space se usa sobre todo para coger proyectiles y lanzarlos, en The Callisto Protocol principalmente nos servirá para empujar a los enemigos contra trampas del escenario. 

Por último, queremos destacar otras novedades en el juego de Striking Distance y Krafton: se añade un arma, un bastón eléctrico, para el combate cuerpo a cuerpo y también la posibilidad de usar el sigilo para acabar con los monstruos, acercándonos por la espalda sin llamar la atención. 

Dead Space conserva dos movimientos básicos, el golpe y el pisotón, para librarnos de los necromorfos que se nos echen encima. Pero queremos destacar cómo han mejorado en su ejecución. 

Mientras que en el juego original estos ataques resultaban bastante imprecisos, el remake ofrece mayor fluidez y hace que podamos acertar mejor con nuestros ataques. Si los combinamos con el dispositivo de stasis (que ralentiza el movimiento de los necromorfos) también son bastante efectivos. 

El aspecto técnico de Callisto Protocol vs Dead Space

Hay que aclarar que esta comparativa entre Dead Space y The Callisto Protocol está realizada con versiones de preview, y que no refleja el aspecto final de ambos juegos. Pero sí podemos dar algunas claves acerca de lo que ofrecerá cada uno de los juegos en lo técnico. 

Dead Space nos ha dejado muy buena impresión. Lo hemos jugado en PC, a una resolución de 1440p y 60 FPS. Es un juego con una línea artística muy particular, que destaca por la iluminación, el modo en que se ha aplicado la niebla volumétrica y la construcción de la USG Ishimura como un enorme nivel "sin cortes". 

Es un juego realizado con el motor Frostbite (el motor gráfico que utiliza DICE en los Battlefield), aunque no aprovecha sus efectos de destrucción.

También el nuevo apartado sonoro, con efectos 3D, es capaz de ponernos los pelos de punta. Es experimental en las zonas en que no hay oxígeno, y la voz de Isaac Clarke (que no estaba en el original) mejora la narrativa. 

Por encima de todo, destaca el modo en que el sonido "anuncia" la presencia de los necromorfos, y nos permite localizarlos antes de que estén a la vista. 

El apartado técnico de The Callisto Protocol se basa en el motor Unreal Engine 4, al que se han añadido tantas modificaciones que, según los miembros del estudio, podría pasar por una nueva iteración. 

Lo hemos jugado en PS5 (de hecho en una estación de desarrollo), en el mofo fidelidad; con los efectos de iluminación por ray-tracing y hasta 16 fuentes dinámicas reflejándose sobre la escena de forma simultánea. Pero adelantamos que también contará con modo rendimiento, a 60 FPS. 

Nos ha gustado especialmente el modo en que aprovecha la tecnología para mostrar la transparencia en la piel de los biófagos, o cómo se han implementado los efectos de salpicaduras de vísceras y sangre a través de tecnología procedimental. 

Dos juegos plenamente compatibles

Permitidme que en este apartado hable más como un fan del terror espacial que como un simple analista. A estas alturas de la comparativa seguro que lo que muchos estáis pensando es ¿qué juego me compro? ¿Me lanzo a por The Callisto Protocol o espero a Dead Space?

La respuesta nunca es fácil, y en dos juegos que tienen tantas similitudes, quizá aún resulte más complicado. Pero lo que sí os puedo decir es que no me parecen juegos excluyentes. No se trata de dos juegos de fútbol o FPS, en que lo importante es el gameplay: aquí la historia juega un papel fundamental, y en este sentido Dead Space y The Callisto Protocol son diferentes. 

En una primera impresión, The Callisto Protocol ha profundizado más en el combate estratégico, y ofrece opciones adicionales, como el sigilo o el cuerpo a cuerpo más trabajado, pero en lo visual, el rendimiento de Dead Space con el motor Frostbite parece superior. Al menos en los códigos de preview que hemos visto.

Escoger entre una nave fantasma o una luna de Júpiter es algo puramente personal, así como lo que corresponde a la narrativa: habrá quienes prefieran una producción más tradicional, con secuencias y actores muy reconocidos, y otros que consideren más inmersivo tener a un personaje que interactúa poco, pero en plano secuencia. 

Hasta ahora, habíamos tenido oportunidad de entrevistar a Schofield y ver una demo de juego extendida, en la pasada GamesCom, pero lo que nos quitaba el sueño, y nunca mejor dicho, era jugar a The Callisto Protocol, y comprobar si estaría listo para su lanzamiento el próximo 2 de diciembre en consolas actuales, PC y "next gen" (PS5 y Xbox Series X). 

Por fin hemos podido probarlo y visitar la sede de Striking Distance en Zaragoza para conocer a fondo alguno de los aspectos técnicos más relevantes del juego, como el uso de la iluminación por ray tracing, el renderizado de los modelos o el comportamiento de la sangre.

Pero antes de pasar a nuestras impresiones (lo hemos jugado en una estación de desarrollo de PS5), será mejor que nos pongamos en situación. ¿De qué va The Callisto Protocol?

Lo que tenemos que saber es que se trata de un "survival horror" en tercera persona, que se desarrolla en el futuro. El juego está ambientado en la prisión de Black Iron, situada en la luna muerta de Calisto, que orbita alrededor de Júpiter. 

Nosotros encarnamos a Jacob Lee, que llega a la prisión en una nave de transporte, la UJC Charon. Aún no conocemos por qué Jacob termina convirtiéndose en uno de los prisioneros de Black Iron, cuando la penitenciaría sufre el ataque de los biófagos. 

Estas criaturas alienígenas toman el cuerpo de los guardias y prisioneros de la instalación, y se transforman en monstruos que acosan a los pocos supervivientes. Nuestra misión, como si fuera poco, es escapar con vida de Black Iron y descubrir el origen de esta infección. 

Para realizar estas impresiones de The Callisto Protocol hemos podido jugar el tercer nivel de la campaña, Hábitat, que se ha escogido por la variedad que ofrece en el gameplay. Se trata del mismo nivel que se mostró en Gamescom Opening Night Live, que se desarrolla en  las instalaciones de mantenimiento y una zona de cultivos hidropónicos. 

Jugando a The Callisto Protocol

Nuestra misión consistía en ganar acceso hasta un tranvía, y para ello teníamos que desbloquear el acceso, a través de los depósitos de agua. Jacob debía seguir una serie de tuberías, activando las llaves hasta llegar a la esclusa principal.

Tratándose de un juego de los creadores de  Dead Space, es inevitable encontrarnos con algunas similitudes. Atravesamos una serie de pasillos oscuros de aspecto industrial, arrastrándonos por conductos estrechos, y con la sensación de que los monstruos esperan en cada esquina, sumidos en la oscuridad. 

Incluso el interfaz, la vida de Jacob y la energía del dispositivo de gravedad GRP, aparecen en la espalda del protagonista, en forma de hologramas, sin "ensuciar" la pantalla con elementos del HUD. Pero pronto descubrimos dónde radica su principal diferencia. 

El sistema de combate ha sido definido por los propios desarrolladores como un "sandbox", que permite al jugador escoger cómo enfrentarse a los biófagos. Os adelantamos que funciona de maravilla. Cada vez que aparece uno de estos monstruos, aparte de llevarnos un buen susto, decidimos cómo afrontar la lucha. 

Las posibilidades pasan por jugar como si fuese un "shooter" aprovechando las armas de fuego (en este nivel se podía usar una pistola y una escopeta), pero teniendo en cuenta que la munición es limitada y no causan demasiado daño. 

También podemos utilizar el bastón eléctrico, arrebatado a uno de los guardias de la prisión, para luchar cuerpo a cuerpo. Se trata de un sistema muy completo, con dos tipos de ataque, y la posibilidad de detener y esquivar los ataques de los biófagos. 

Es cierto que las esquivas requieren cierto aprendizaje, porque se realizan con el stick izquierdo, pero una vez que lo dominamos, es una gozada. Tenemos que adivinar por qué lado nos va a golpear el monstruo, pero también podemos arrancarle un brazo y así saber que siempre usará el miembro que le queda. 

Si nos movemos con cautela y nos acercamos por detrás, sin ser descubiertos, se puede acabar con el objetivo de un sólo ataque sigiloso. Y por último, podemos usar el GRP, para levantarlos en el aire y lanzarlos contra trampas del escenario, como paredes de clavos o turbinas. 

Con tantas posibilidades, uno pensaría que lo íbamos a tener fácil, pero la verdad es que los enemigos son tremendamente agresivos y numerosos, y eso nos obliga a alternar todas nuestras opciones. Es algo muy gratificante (y sangriento).

Ya no hay que cortar los miembros, como en Dead Space, pero en su lugar, algunos enemigos se transforman en bichos mucho más peligrosos. Esa transformación se produce cuando unos tentáculos le salen del abdomen, y tenemos la posibilidad de detenerlos, si les disparamos a tiempo. 

Aún hay más. The Callisto Protocol nos permite realizar disparos críticos, si usamos un arma de fuego después de golpear con el bastón, y acertamos en el punto débil. 

Hemos preguntado a Glen Schofield cuál era el aspecto del juego del que se sentía más orgulloso, y nos ha dicho que el combate. Después de ver todas estas opciones, no nos extraña en absoluto. Desde luego es un paso adelante respecto a lo que hemos visto en cualquier otro exponente del género.

Es cierto que un "survival horror" requiere cierta sensación de peligro, de poder morir en cualquier momento, y que dudábamos si con tantas posibilidades no lo tendríamos demasiado fácil, pero no es así en absoluto. Nos ha parecido que estaba muy bien ajustado. 

En cuanto a la libertad de exploración, se trata de un juego bastante lineal. Jacob cuenta con un cuchillo para manipular cerraduras, lo que nos permite desviarnos de nuestro camino, y así acceder a zonas secundarias en que nos esperan recompensas: créditos, munición y planos de armas. 

En nuestra primera partida, nos ha parecido que merecía bastante la pena, sobre todo porque mejorar las armas y equipo en las impresoras 3D que hay repartidas por el escenario no es precisamente barato...

Si nos referimos a  la forma de contar la historia, The Callisto Protocol  apuesta por un estilo tradicional, con secuencias CG y secciones scriptadas (como el paso junto a un biófago encajado en la pared o la caída por los desagües, que formaban parte de esta demo). 

Aunque estas secciones le daban al juego un aspecto más espectacular, es cierto que se pierde algo de tensión, especialmente en el tramo acuático. Lo que si nos ha gustado es ver alguna de las muertes de Jacob (interpretado por Josh Duhamel). 

Son secuencias pregrabadas bastante salvajes, que nos han dejado las mismas sensaciones que tuvimos cuando vimos por primera vez a Lara Croft sufriendo un destino horrible si fallábamos en las secuencias de Tomb Raider (2016). 

Las bondades del apartado técnico

The Callisto Protocol está realizado con Unreal Engine 4, pero según el estudio se han aplicada tantas mejoras que podría considerarse una nueva iteración del motor. Para un juego de estas características, no tenía sentido dar el salto a UE 5 y aprovechar Lumen o Nanite. 

La iluminación es una pieza clave, y el ray tracing se ha utilizado para conseguir efectos muy impactantes, como la transparencia de la piel para ver qué hay en el interior de las pústulas y ampollas de los biófagos, o el efecto de iluminación en las zonas cartilaginosas como las orejas. 

Cada uno de los modelos recibe hasta 16 fuentes de luz dinámicas al mismo tiempo (hemos podido visitar la sala en que se experimenta con la fotogrametría) y la colocación de todos estos puntos responde al desarrollo.

Luces y sombras se utilizan para guiar al jugador, para ocultar la presencia de los monstruos y construir la atmósfera aterradora. Precisamente para disfrutar de la iluminación "a tope" lo hemos jugado a 30 FPS, y aunque no va mal, nos quedamos con las ganas de jugar en modo rendimiento. 

Los modelos del propio Jacob y los monstruos están muy logrados, pero si nos hubiera gustado encontrar más detalle en los escenarios, que nos han parecido demasiado "grises" y con bajadas de resolución -tened en cuenta que se trata de una versión preliminar-.

Lo que sí nos encanta (y es uno de los elementos realizados en el estudio de Zaragoza) es el comportamiento procedimental de la sangre y vísceras salpicando sobre las paredes, que dependen del tipo de arma y la distancia. El sonido y el uso del Dualsense completaban una atmósfera extraordinaria.

Terror el 2 de diciembre

Me ha gustado mucho The Callisto Protocol, y eso no es ninguna sorpresa. Soy un fan del género y de las películas en que se inspira,  como Alien, Horizonte Final o La Cosa. Y desde que se anunció tenía esperanzas en el juego de Striking Distance y Krafton. 

Lo que es más difícil de explicar es que es un título que "se juega mejor que se ve". Puede que en los gameplay nos quedemos con la sensación de que es un juego de terror convencional, pero su punto fuerte son los combates, y eso es algo que sólo se experimenta con el mando en las manos. 

The Callisto Protocol aprovecha bastante bien las posibilidades de la nueva generación, pero sale también en PS4 y Xbox One. ¿Cómo ha afectado eso al desarrollo? Según el estudio, la experiencia es la misma. Evidentemente habrá tiempos de carga más largos, o una disminución en la calidad de las texturas. 

Pero nos tranquiliza saber que los usuarios de las consolas menos potentes van a poder disfrutar de una experiencia igualmente aterradora. Lo comprobaremos dentro de muy poco, ya que TheCallisto Protocol se lanza el 2 de diciembre, ¿será el último gran juego del año?

Puede parecer una apuesta extraña, el FPS cooperativo y las aventuras gráficas al estilo Telltale están en los extremos opuestos de los videojuegos, pero como vamos a descubrir en este análisis de Tales From The Borderlands, es una ambientación que merece la pena explorar de cualquier modo. 

No es la primera vez que ocurre. En 2014, la propia Telltale Games desarrolló Tales From The Borderlands, en plena fiebre de las aventuras narrativas (ese mismo año se lanzaron episodios de The Walking Dead, The Wolf Among Us y Game of Thrones). 

Aquello nos sirvió como prueba  de que esta ambientación, que hemos visitado por última vez en Tiny Tina´s Wonderlands, tenía potencial. El mundo de los buscacámaras era igual de loco en un juego de acción que en una aventura narrativa. 

Por eso estamos aquí de nuevo, metidos en un enorme lío (o deberíamos decir tres enormes líos) en el planeta Promethea, un año después de lo que ocurrió en Borderlands 3. Nuestros protagonistas son Anu, una científica patosa, su hermano Octavio (un tipo con ambiciones y labia... pero sin talento para nada más) y Fran, la dueña de un bar de yogulado. 

A lo mejor no os parece el equipo de héroes más convencional, pero es que Borderlands nunca ha sido un juego convencional. La cuestión es que los tres nos ofrecen perspectivas diferentes de una lucha entre las corporaciones militares Atlas y Tediore. 

Una comedia salvaje

New Tales of the Borderlands es una comedia escrita con muy mala leche, con un sentido del humor ácido y aprovechando el diseño de personajes exagerado de la saga. Y eso no es decir poco; es la misma serie que nos ha dado a Claptrap, a Jack el guapo y a montones de cabronazos. 

La verdad es que muy pronto nos metemos en su historia, tenemos curiosidad por ver cómo irán desarrollándose los acontecimientos y descubrimos unas cuantas situaciones que nos han arrancado una carcajada. Además, hay química entre los tres personajes principales.

Es un juego bien escrito e interpretado, pero las mecánicas no están a la altura. Y no sólo me refiero a que el ritmo de una aventura gráfica se aleje radicalmente de aquello a lo que estamos acostumbrados. Se trata del modo irregular en que se introducen las partes interactivas.  

Durante la mayor parte del tiempo no somos más que espectadores, y determinamos el destino de nuestros personajes mediante una serie de elecciones con tiempo limitado. A veces se trata de diálogos y otras veces se trata de decidir qué vamos a hacer a continuación.

No hay un modo "correcto" de actuar, incluso podemos lanzarnos a por las opciones más absurdas, que apuestan directamente por el humor. Dependiendo de lo que hayamos escogido, la trama se irá desarrollando por distintos caminos..

Las secuencias de acción no están tan bien resueltas. Se trata de una serie de QTE en que debemos pulsar una secuencia de botones, mantenerlos apretados o mover el stick en la dirección adecuada, para conseguir que nuestro personaje -nos resistimos a llamarlos héroes- consiga salvar el pellejo.

Son muy sencillas, pero se agradece que el juego nos dé un aviso de que van a saltar para no detener la acción.

Los tiroteos se han resuelto de una forma más original: nos permiten manejar un punto de mira sobre enemigos estáticos y apretar el gatillo en un tiempo limitado.  Y por último, nos encontramos con pequeñas fases de exploración, en que podemos controlar libremente a Anu, Fran u Octavio por unos escenarios bastante limitados. 

Estas fases hacen guiños a los Borderlands clásicos (como la posibilidad de saquear las neveras y cajas fuertes que encontramos) y añaden la posibilidad de buscar coleccionables -figuras de  pescacámaras- o de cambiar nuestro atuendo con la pasta que hayamos recogido.

Pero en general, las partes de exploración son demasiado simples, y no nos hemos encontrado con ningún puzle que nos entretuviese más de dos minutos: está claro que lo importante es disfrutar de la historia. 

El "look" de Borderlands

Puede que el estilo animado de New Tales From The Borderlands, realizado en cel shading con el motor Unreal, ya no sorprenda, pero no se puede negar que tiene una tremenda fuerza, y en una aventura interactiva luce de maravilla.

Nosotros lo hemos jugado en PS5, pero la única ventaja que hemos notado es el aumento de resolución. No es un desarrollo demasiado exigente.

Si los juegos originales destacaban por la cantidad de líneas de diálogo, os podéis imaginar que en una aventura de estas características, no paran de hablar. Y aquí es donde nos hemos encontrado otro problema. 

Los diálogos están muy bien interpretados, pero se mantienen en inglés. Podemos leer los subtítulos en castellano, pero la verdad es que si no domináis el idioma, se vuelve un poco pesado. 

Así que ¿merece la pena jugar a New Tales From The Borderlands? Pues si sois unos fanáticos buscacámaras, y sobre todo, si os gusta el sentido del humor de la saga tanto como a nosotros, es una oportunidad de profundizar en su universo y conocer un puñado de nuevos personajes. Y la historia es muy divertida.

En caso contrario,  es demasiado simple como aventura gráfica, apenas hay puzles ni situaciones que se nos pongas cuesta arriba, y el hecho de que no se haya doblado al castellano puede estropear la experiencia para muchos usuarios.

No ha salido tan mal, pero como nunca estaré a la altura de la bruja de Umbra, mejor guardo mis poderes sobrenaturales para otro momento y nos centramos en una review de Bayonetta 3 más convencional. 

Y no se puede empezar este análisis sin echar la vista atrás para recuperar la historia del juego. No me refiero a lo que ocurrió en Bayonetta y Bayonetta 2, sino al desarrollo más largo y complejo de Platinum Games. 

El estudio liderado por Hideki Kamiya anunció la tercera entrega de Bayonetta durante la ceremonia de The Game Awards de 2017, y se ha pasado gran parte de estos cinco años asegurando a los usuarios que el  juego no se había cancelado, y que los trabajos avanzaban a buen ritmo. 

Durante estos años, Platinum Games ha lanzado algunos juegos irregulares, como Babylon´s Fall e incluso se ha metido en polémicas a través de Twitter con la actriz que doblaba a Bayonetta en los juegos previos. 

Pero es mejor dejar que sus obras hablen por el equipo. Y nos parece que hay muy pocos estudios de desarrollo en el mundo capaces de lanzar un juego tan refinado como Bayonetta 3. Es una secuela en toda regla. 

Nos referimos a que no es "más de lo mismo". El juego de Switch añade nuevos personajes, retuerce un sistema de combate que ya estaba en lo más alto del género, experimenta con formas muy variadas de gameplay. Es todo un ejercicio de diseño.

Para que no se pierda el impacto cuando lo juguéis por vosotros mismos, Nintendo nos ha impuesto unas normas de análisis muy estrictas. Tanto las secuencias de gameplay como las pantallas de este artículo pertenecen a una parte muy pequeña del juego. Y no vamos a revelar nada del argumento. 

Bayonetta 3, a la vez, en todas partes

En nuestro análisis de Bayonetta 3 sólo os vamos a dar dos pinceladas sobre la historia.  ¿Cómo subir de nivel una narración que empezaba, nada menos, que luchando contra un ejército de ángeles? La respuesta es sencilla, se introduce el multiverso. 

Y eso significa que a lo largo del desarrollo (unas 15 horas en la primera vuelta) vamos a visitar diferentes lugares -reales o en otras dimensiones- y diferentes épocas. En los tráilers del juego ya se mostraron Tokyo, Nueva York, China o París, y nos parece suficiente para ilustrar la variedad de situaciones a las que nos encontramos sin estropear la sorpresa. 

El desarrollo tiene una parte de exploración por escenarios bastante abiertos, elementos de plataformas y secuencias espectaculares, pero sobre todo se trata de partirle la cara a cientos de homúnculos: una amenaza que no pertenece al Cielo ni al Infierno, son creaciones humanas. 

Esta historia está protagonizada por la propia Bayonetta, Jeanne y Viola, que se estrena en la tercera entrega y nos da una perspectiva diferente. La arrogancia y el sentido del humor descarado de Bayonetta dejan paso a la mala leche y y a las pequeñas meteduras de pata de la novata. 

Viola es un contrapunto perfecto. Y por supuesto, el gameplay es diferente dependiendo de quién estemos controlando.

Bayonetta No Way Home

El sistema de combate es el pilar sobre el que se levanta este monumento al "hack´n slash". Cada combate parece una coreografía, en que las brujas se mueven de forma fluida alrededor de unos enemigos gigantescos (y con una dificultad bien ajustada). 

Bayonetta 3 es uno de esos juegos que se puede superar aporreando botones, pero que se disfruta mucho más si somos técnicos. Los combos se realizan a partir de tres ataques básicos: puñetazo, patada y disparo, con la posibilidad de parar o esquivar los ataques rivales. 

Cuando jugamos con Bayonetta, las esquivas en el último momento nos permiten activar el tiempo brujo, que "congela" el movimiento de los enemigos durante unos segundos. Y para añadir variedad a los ataques, podemos cambiar el set de armas (son sets completos, ya no se trata de alternar las armas de mano y los tacones).

Por supuesto, podemos invertir nuestras ganancias en nuevos movimientos, vinculados a cada una de las armas o en piezas de equipo que alteran las condiciones de combate. 

Por último, podemos alternar entre tres invocaciones (demonios esclavos) que atacan en nuestro lugar cuando contamos con suficiente nivel de clímax. Sólo os adelantamos alguno de los demonios disponibles, y que os sonarán de los juegos anteriores: Gomorrah, Madama Butterfly, Phantasmaraneae o Baal. 

Viola muestra pequeñas diferencias. Siempre va armada con una katana y kunais, y sólo posee un demonio: el gato monstruoso Cheshire, que es capaz de luchar de manera independiente. Para activar el tiempo brujo, no debe esquivar, sino detener los ataques en el momento justo.  

Por su parte Jeanne protagoniza niveles secundarios, con un desarrollo 2D que nos recuerda a clásicos como Elevator Action, y sus ataques y poderes están adaptados a este estilo de juego. 

A lo mejor tanta información de golpe resulta un poco difícil de asimilar. Pero se puede resumir en que cada personaje requiere una forma distinta de jugar, en la línea de lo que hemos visto en el otro gran representante del género, Devil May Cry V. 

Bayonetta, un nuevo universo

Bayonetta 3 es un espectáculo constante. Si los combates parecen un baile, las persecuciones, y secuencias de gameplay alternativo (desde minijuegos musicales a fases de vuelo o disparos sobre raíles) no se quedan atrás. 

Tenemos la sensación de un constante esfuerzo por "rizar el rizo" con situaciones cada vez más extremas, hasta llegar a lo absurdo. Es una forma increíble de exprimir el lenguaje del videojuego; una historia así no habría funcionado en ningún otro medio. 

Cada rincón nos sorprende con pequeños elementos, como perseguir animales para conseguir lágrimas de umbra, retos (encantamientos) y versículos ocultos. Ya os hemos dicho que se puede terminar en unas 15 horas, pero tendremos que repetir para desbloquear muchísimo contenido.  

La línea artística barroca "marca de la casa" vuelve a ser muy efectiva, así como el trabajo de animaciones "sugerentes" de las brujas y de integración musical. 

Hay temas de jazz, composiciones corales más épicas, canciones pop y una versión de Moonlight Serenade que anima las peleas de Bayonetta al ritmo que machacamos el mando. Y si os lo estabais preguntando, el doblaje (en inglés) también cumple. 

Este punto de partida es muy exigente, pero está muy bien optimizado para Nintendo Switch. Puede que los personajes secundarios no estén tan detallados, o que las texturas de los escenarios bajen de nivel, pero a cambio, se mueve a 60 FPS muy estables.

El "truco" es mantener la atención del jugador sobre los elementos protagonistas, y la verdad es que, a menos que pongamos atención en zonas marginales, no nos llaman la atención esos objetos menos detallados. 

Incluso los tiempos de carga resultan bastante cortos. Lo hemos probado tanto en modo portátil -en Nintendo Switch OLED- como en modo TV. 

Bayonetta Endgame

La verdad es que me ha costado dejar el mando para ponerme a escribir este análisis de Bayonetta 3. Me ha dejado con la boca abierta desde el prefacio, con una sorpresa tras otra y una situación cada vez más salvaje que la anterior.

Los cinco años de desarrollo han merecido la pena, y Platinum Games nos deja uno de los mejores juegos de Nintendo Switch, con uno de los sistemas de combate más satisfactorios que hemos experimentado. 

Es un desarrollo tan descarado, agresivo e impactante como su protagonista. Y tiene un equilibrio perfecto entre innovación y guiños a las entregas anteriores (evidentemente, los jugadores que conozcan la saga lo van a disfrutar más). 

Incluso nos parece, en un segundo plano, que es capaz de sacarle el máximo partido al propio lenguaje de los videojuegos, y hace referencias constantes al anime, a los kaiju, a diferentes estilos musicales o a los géneros clásicos. 

En cuanto a lo técnico, Bayonetta 3 también consigue sacarle el máximo partido a la consola, aprovechando los recursos para aquello verdaderamente importante: las secuencias de acción.

Tened en cuenta que os dejamos nuestra opinión sobre el juego sin "destripar" todo lo que nos ofrece, así que cuando lo pongáis en vuestra consola os va a impresionar como un impacto de 2400 gigatones. 

En esta entrevista hemos respetado las normas de las primeras impresiones, de modo que no vais a encontraros ningún "spoiler" sobre la historia, ni detalles que aparezcan más allá del reino de los enanos, Svartalfheim.

Sobre todo, estábamos interesados en ver cómo se ha hecho evolucionar el sistema de combate. "Nos gusta decir que Kratos juega con su comida" dice Mihir Sheth "los jugadores van a ser mucho más libres para atacar de formas más creativas". Algunas de ellas, tomadas de los clásicos, como God of War III.

Cuando le pedimos ejemplos sobre cómo ha evolucionado este sistema, se refiere por ejemplo al uso del botón triángulo. En el juego anterior sólo se utilizaba para recuperar el hecha Leviatán después de haberlo lanzado. Sin embargo, en God of War Ragnarok al pulsar este botón ejecutamos un ataque único con el hacha y con las Espadas del Caos. 

Se trata de un ataque "a medias entre un golpe físico y un ataque rúnico" pero que no necesita recargarse. "Los jugadores van a descubrir que se trata de un golpe muy útil. a medida que avanzan en el juego".

También le hemos preguntado sobre la escala de los combates ¿volverán los combates contra enemigos gigantescos o contra ejércitos rivales? Sheth ha comentado que se trata de un asunto relacionado con la cámara: con la perspectiva desde el hombro, el tamaño de nuestros rivales parece mucho mayor. 

Sin embargo, también nos ha prometido que encontraremos algunas sorpresas en este sentido. Lo que no ha podido concretar es si podremos luchar a bordo de alguno de los vehículos que ya se han revelado, como la canoa o el trineo tirado por lobos, porque pertenecen a un tramo más avanzado del juego. 

Por último, hemos querido descubrir qué aporta la versión de PS5 a este sistema de combate, además de la resolución 4K y 60 FPS. "En PlayStation 5 tenemos el sonido espacial 3D que nos permite detectar cuándo los enemigos se acercan por nuestra espalda o por los lados". 

Mihir Sheth también ha hecho hincapié en la mejora de la experiencia con los controles hápticos, para sentir "acciones como recuperar el hacha, que era una de las cosas que más gustaba a los jugadores en God of War de 2018". 

Nuestro análisis de God of War Ragnarok se publicará el próximo 3 de noviembre. La fecha de lanzamiento será una semana después, el 8 de noviembre. Marcadlo en vuestro calendario como el fin del mundo.

Después de jugar durante 5 horas a la versión de PS5 os podemos dejar nuestras primeras impresiones de God of War Ragnarok. Y nos han recordado por qué el anterior se convirtió en, para muchos, el mejor juego de la generación. 

Nos encontramos en el fimbulwinter, el invierno que precede al Ragnarok, con Kratos y Atreus tratando de asimilar lo que ocurrió al final del juego de 2018 (si no lo recordáis, también tenemos la posibilidad de ver un breve resumen desde el menú principal). En cierto modo, el arranque es un reflejo de aquella odisea.

Los personajes han evolucionado, pero hay cierta familiaridad en su comportamiento. Kratos no sólo tiene cicatrices en su cuerpo, también en el espíritu. Después de haber aniquilado a gran parte del Olimpo tiene muy claro que matar a un dios siempre tiene consecuencias, y quiere mantenerse al margen. Luchará, pero sólo si es necesario. 

Por su parte, Atreus ya no es aquel chico al que le temblaba la mano para matar un ciervo. Sabe que su destino está ligado al de los dioses de Asgard, y quiere descubrir qué significa la revelación que tuvimos al final del primer God of War. 

Después de arrojar las cenizas de Faye, la segunda esposa de Kratos, sobre la cima más alta del mundo, el dios de la guerra y su hijo se embarcan en una nueva misión con perspectivas mucho más trascendentales.  En efecto, esta vez está en juego el destino de todos los dioses, el Ragnarok.

Odín susurró a Kratos "no puedes enfrentarte al Ragnarok"

La familiaridad de la que os hablamos, también se extiende al arranque, en Midgard. No luchamos contra un troll, ni tenemos la visita de Baldur (el desconocido), pero sí hay unos combates iniciales que nos hacen apretar los dientes y reencontrarnos con la forma visceral y salvaje con que lucha el dios de la guerra. 

Es como arrancar el juego con una explosión, y hacer que a partir de ese momento no pare de crecer. Lo que Santa Monica Studios ha conseguido es mantener una línea de continuidad con su anterior obra maestra, para que el jugador veterano se encuentre cómodo y el recién llegado no está abrumado por tantas posibilidades. 

Una vez que hemos recuperado la sensación de empuñar el hacha Leviatán y las Espadas del Caos; una vez que nos sentimos poderosos, entonces nos descubre las auténticas dimensiones del juego. Como corresponde a una secuela, lo que nos espera es un viaje mucho más grande, mucho más épico y doloroso, a la altura de la mitología.  

Para estas impresiones de God of War Ragnarok, hemos visitado la tierra de los hombre, Midgar y la de los enanos, Svartalfheim. Y la verdad es que nos quedamos con la sensación de que sólo se están colocando las piezas sobre el tablero, preparándonos para la partida final. 

La historia, de nuevo, aparece narrada en varios niveles. Por un lado, se recupera esa incómoda relación entre Kratos y Atreus (que seguro que le suena a cualquiera que tenga un hijo adolescente) en que hay una parte de amor, pero también cierta rivalidad. Padre e hijo han superado alguno de sus traumas, pero surgen otros nuevos, y ahora ambos se tratan más "de igual a igual".

En un plano superior, tenemos el argumento principal, al que regresan viejos conocidos (Freya, los enanos Brock y Sindri o Mimir) y al que se incorpora un elenco de secundarios que nos ha parecido brillante.

Y por supuesto, Mimir (o mejor dicho, su cabeza) se encarga de contarnos cómo encaja todo esto con los mitos asgardianos, en unas interesantísimas conversaciones con Atreus, cuando nos desplazamos en un bote o en una vagoneta.

La exploración evoluciona sobre el gameplay que ya disfrutamos en el Lago de los Nueve. Es decir, con escenarios muy abiertos, en que podemos recoger un montón de coleccionables, cumplir misiones secundarias y enfrentarnos a criaturas únicas. En esta toma de contacto, nos ha parecido que no sólo hay un salto en el tamaño, sino en la cantidad de cosas por hacer. 

Estos escenarios, como ya se reveló en el primer gameplay de God of War Ragnarok, incorporan ciudades, y son de una riqueza espectacular. Kratos se enfrenta a pequeños puzles para irse abriendo paso por islas y grutas, y todo queda integrado de forma muy orgánica.

Claro, que si algo destaca por encima de la historia y la exploración, son los enfrentamientos. ¿Qué esperabais de un juego que se llama dios de la guerra? 

Y Kratos le respondió a Odín "yo soy el Ragnarok"

El sistema de combate, basado en la alternancia de armas, paradas y esquivas en el momento oportuno y el apoyo de Atreus con su arco era impecable. Y demuestra que sigue funcionando contra nuevas criaturas. 

Cuando activamos la Furia Espartana y golpeamos a los enemigos con los puños desnudos parece que no es Kratos, sino nosotros mismos, quienes nos desahogamos. La verdad es que los combates más duros aceleran el pulso y "se sienten" como en ningún otro juego.

Pero en este primer tramo, aparte de nuevas piezas de equipo y nuevos ataques, no hemos notado ningún cambio que alterase los cimientos del combate. Sólo se ha refinado ligeramente. 

Dejo para el final algo que muchos os estaréis preguntando. ¿Se nota un salto técnico respecto al anterior? ¿Cómo se ve el juego en PS5? ¿Va convertirse en uno de los mejores juegos de la consola "next gen"?

God of War Ragnarok se aprovecha de algunos logros del anterior (como que todo el juego transcurra en plano secuencia, sin interrupciones) y hace que resulte mucho más impactante gracias a efectos mejorados como la nieve, el agua o la bruma (incluso mostrando la refracción de la luz cuando lo atraviesan los rayos de sol). 

Los modelos son impresionantes y aumenta notablemente la distancia de dibujado. En general, todo se muestra mucho más denso, con resolución 4K, y esta riqueza de detalle se agradece en los nuevos entornos, como las zonas de aguas termales o las minas. 

Lo hemos disfrutado en modo rendimiento, a 60 FPS muy sólidos, y nos ha dejado una estupenda sensación, que se completa con las funciones hápticas del mando y el sonido 3D. Un apartado sonoro que vuelve a contar con dos pilares inamovibles, como la banda sonora de Bear McCreary y la voz de Rafael de Azcárraga como Kratos. 

Si es el juego por el que merece la pena comprar una PlayStation 5, os lo podremos decir en nuestro análisis, que se publicará el próximo 3 de noviembre. La fecha de lanzamiento de Ragnarok será una semana después, el 8 de noviembre. Marcadlo en vuestro calendario como el fin del mundo.

Black Adam, la película dirigida por Jaume Collet-Serra e interpretada por Dwayne Johnson, por lo menos hace un esfuerzo. Y mira que es difícil cuando se trata de una historia de orígenes. Este ejercicio por desviarse de la narrativa que han impuesto Marvel y DC en sus respectivos universos hace que la película resulte más interesante, pero a veces contradictoria. 

Me explico. Pero antes de nada, es importante reconocer que yo no conocía al personaje de Black Adam. Por tanto, no puedo afirmar si la adaptación es fiel a los cómics (de eso se encargará mi compañero David Lorao en su crítica "comiquera"). Lo que sí tengo claro es que el protagonista de la película es mi estilo de superhéroe.

Adam es un tipo que no tiene reparos en matar, y que no distingue entre justicia y venganza. Y en un mundo de personajes tan almidonados, se agradece. Tampoco es alguien necesariamente malvado (el hecho de que se salte la "moralina" de los superhéroes no lo convierte en uno de Los Siete de The Boys).

Simplemente, se deja llevar por algunos sentimientos humanos. Está sólo un par de peldaños por debajo de Peacemaker o el Escuadrón Suicida. Y aquí nos encontramos con el primero de esos puntos interesantes de Black Adam, tratar a su protagonista como héroe o villano dependiendo de la situación. 

Teth Adam (el nombre original del protagonista) defiende el uso de la violencia en unas cuantas ocasiones... y la verdad es que no le va mal. Esta es una de las contradicciones de las que hablaba. La película nos dice que "la violencia no resuelve nada" con la boca pequeña, mientras su protagonista masacra a los malos de turno con unos resultados bastante contundentes.

El segundo punto que me ha gustado también plantea un dilema ético. Toda la película es autoconsciente, lo que le sienta bastante bien. Y esto brilla en la introducción de un nuevo grupo, la Sociedad de la Justicia de América, formado por Atom Smasher, Doctor Fate, Cyclone y Hawkman.

Son los abanderados del orden en el mundo, pero en un momento se plantea por qué sólo aparecen en las zonas en que hay un supervillano, aunque sus habitantes viviesen oprimidos desde mucho antes, en este caso, por una corporación militar.

Es una pena que se quede ahí, porque hubiera sido genial ver cómo se resolvía el dilema de si los "súper" están ahí para proteger al desvalido o sólo para mantener el orden establecido. ¿Habría puesto en el punto de mira a "las vacas sagradas" del universo DC?

Si bien estos detalles son interesantes, no consiguen que Black Adam se despegue de los cánones de "otra película de superhéroes".

Sin salirse de los márgenes

Podéis sacar vuestra lista de tópicos para comprobar que Black Adam cuenta con todos los elementos "esenciales" del género. 

Tenemos espectaculares secuencias de pelea que incluyen la destrucción de ciudades enteras, pequeños golpes de humor, personajes sin poderes que demuestran que lo importante es (aquí poned vuestro sentimiento favorito la fe, el amor, el trabajo en equipo...)

En general es una película correcta, pero que no es capaz de sorprender en ningún momento. Ni siquiera en los aspectos técnicos, con un montaje irregular que nos castiga con algunas secuencias a cámara lenta que no consiguen ser épicas y con un abuso de etalonaje (las correcciones de color que le dan un tono particular a la imagen).

Ni siquiera la generosidad de los efectos digitales es capaz de quitarnos esa sensación de que ya lo hemos visto todo antes. Contra todo pronóstico (para ser un blockbuster palomitero) lo que se salva es el reparto. 

Efectivamente Dwayne "The Rock" Johnson se adueña de la pantalla. Funciona como villano, como héroe e incluso en sus aportaciones cómicas. Además de ser el único ser humano que para interpretar a un superhéroe necesita que le quiten músculos mediante CG  (todo lo contrario que el culo de Thor en Amor y Trueno). 

La verdad es que me pregunto cómo a nadie se le había ocurrido ficharle antes como superhéroe, porque si alguien da la talla, es The Rock. Pero no es el único. 

Pierce Brosnan, antiguo 007, pasa a ingresar en las listas de viejas glorias "rescatadas" para las películas de superhéroes (por aquí han pasado ya Michael Douglas, Kevin Costner, Rene Russo o Tomy Lee Jones). Y la verdad es que su papel como Doctor Fate está muy conseguido, y nos deja alguno de los (escasos) momentos para recordar. 

Eso sí, lo que más valor añade a la película, que se nos ha hecho un poco larga, es la escena post créditos. No vamos a revelarla, por supuesto, pero es algo tan prometedor como cuando vimos a Nick Furia hablando por primera vez de la iniciativa Vengadores.

¿Merece la pena ir al cine a ver Black Adam? Yo tenía pocas expectativas, para ser honesto, y me ha resultado un entretenimiento correcto. 

Siempre se mantiene dentro de lo esperado: ni es salvaje como Suicide Squad, ni densa como The Batman. Tampoco lo pretende. Pero enriquece el universo DC con nuevos personajes, y consigue darle nuevos matices a una historia que se ha repetido hasta la saciedad. 

Esta nueva versión del "survival horror" de 2001 (que se lanzó originalmente en PS2, PC y Xbox) corre a cargo del estudio polaco Bloober Team, que se ha especializado en el género de los juegos de terror después de lanzamientos como Layers of Fear, Blair Witch o The Medium. 

Silent Hill 2es considerado una obra maestra dentro del género de terror, y nos pone en la piel de James Sunderland que acude al pueblo maldito después de recibir una carta de su esposa Mary, muerta tres años atrás. 

El remake para PS5 (exclusiva en consolas) contará de nuevo con la banda sonora de Akira Yamaoka  (que ha mencionado que contará con nuevas piezas) y el diseño de criaturas de Masahiro Ito.  El juego está desarrollado con el motor Unreal Engine 5, y aún no tiene fecha de lanzamiento.

Tal y como se indica en el tráiler, el juego podría llegar a más plataformas después de 12 meses desde su lanzamiento.

El equipo de desarrollo ha manifestado que el remake de Silent Hill 2 se ha realizado con máximo respeto hacia el material original, pero que introduce novedades para que lo disfrute una audiencia más actual, como pasar a una cámara a la espalda del protagonista. 

Precisamente, hace un año supimos de un acuerdo de colaboración entre Bloober Team y Konami,. Poco antes el compositor de la saga Akira Yamaoka la liaba en Twitter diciendo que estaba trabajando en el juego "que más esperábamos ver".

Llevábamos esperando 10 años, desde el lanzamiento de Silent Hill Downpour, para el regreso de esta terrorífica saga de "survival horror" (son contar el malogrado P.T. Silent Hills que se lanzó en 2014 para PS4 y que ha recordado recientemente Hideo Kojima). 

Silent Hill 2 Remake ha sido uno de los anuncios relacionados con esta saga que hemos podido disfrutar durante el evento, pero os contamos muchos más detalles en nuestro resumen de Silent Hill Transmission y en los artículos dedicados a Silent Hill f o Silent Hill Townfall.

En este evento se han anunciado también otros juegos de la franquicia, como Silent Hill Ascension y también se ha confirmado el desarrollo de una película de Silent Hill basada en la segunda entrega (y dirigida por Christophe Gans, responsable de Silent Hill de 2006).

El título de Asobo Studio consiguió superar el millón de unidades vendidas en un año, y gracias a los análisis, el lanzamiento en Xbox Game Pass y el boca a boca, ha ido llegando a más y más jugadores. Incluso pudimos disfrutar de una versión "next gen" optimizada para PS5 y Series X.

Todo aquello ha contribuido a que su secuela, A Plague Tale Requiem sea uno de los juegos más esperados de finales de 2022, y es un juego que se gana por méritos propios un hueco entre los "grandes". 

Es mucho más largo (casi el doble de duración) y mucho más ambicioso, tanto en lo que respecta a la producción propiamente dicha, como en mecánicas de juego, historia o personajes. 

Pero ofrecer más, no siempre es sinónimo de hacerlo mejor. ¿Cómo le sienta a A Plague Tale Requiem este salto en la escala? ¿Están los hermanos Amicia y Hugo de Rune a la altura de una aventura mucho mayor?

En este análisis de A Plague Tale Requiem repasamos cómo ha crecido esta historia, ambientada en el sur de Francia durante la Guerra de los 100 años, y en que los auténticos protagonistas son las ratas; millones de ellas.

La historia de A Plague Tale Requiem

Quizá es mejor recordar dónde terminaba el juego anterior. Sin entrar en demasiados "spoilers", Hugo descubría una habilidad especial que le permitía controlar enjambres de ratas a su voluntad. Pero este vínculo con la plaga tenía un precio, también hacía que una enfermedad creciese en su interior.

Este giro, que personalmente no me gustaba mucho, cobra todo el sentido en la secuela, en que descubriremos mucho más sobre la mácula, la afección que sufre Hugo, y su conexión con la plaga. Ahora nuestra misión es viajar desde Guyena a Marsella, evitando a los roedores y a los soldados del conde de Arlés, para encontrar una cura.

La narrativa de A Plague Tale Requiem está muy cuidada, y aparecen un puñado de secundarios alrededor de Amicia, que le dan mayor profundidad a cada momento. 

El joven Lucas, la marinera Sophia o el soldado Arnaud construyen una historia que se va complicando por momentos. Todos estos personajes muestran luces y sombras, se equivocan y tienen un comportamiento muy humano. 

En general, el ritmo es bastante bueno, y alterna momentos trepidantes, con capítulos mucho más relajados, en que la historia avanza a través de conversaciones y encuentros. En cierto modo, el juego se va transformando, desde una aventura medieval a una pieza de fantasía.

Es una muestra de la ambición de la que ya os hemos hablado, y quizá en los compases finales, parece que "se le va la mano" en cuanto a las dimensiones que abarca. Pero sigue funcionando muy bien.

Infiltración, combates y muchas ratas

A Plague Tale Requiem es una aventura bastante "tradicional" que alterna las fases de exploración con tres mecánicas principales: partes de sigilo para evitar caer en las garras de los soldados, navegación por escenarios infestados de ratas y el combate con honda y ballesta. 

En cuanto a la infiltración, nos encontramos con zonas bastante sencillas, en que cada movimiento resulta muy lógico, aunque no sean "caminos prefijados". 

Si bien es cierto que los niveles de Requiem son mucho más abiertos que en el juego anterior, y que Amicia cuenta con habilidades para despistar a sus perseguidores, a medida que avanzamos tenemos cada vez más claro el camino.

Desde luego, son niveles tensos, ya que la mayoría de las veces no contamos con segundas oportunidades. Pero la IA de los centinelas no nos pone las cosas demasiado difíciles. 

Las zonas tomadas por la plaga están diseñadas como puzles, en que debemos jugar con la luz para abrirnos camino sin ser devorados por las ratas. Y son lo mejor del juego. El uso de nuevos proyectiles, como la brea, junto a ignifer para encender fuegos o extinguis para apagarlos, nos ofrece muchas posibilidades. 

Y este aspecto brilla en unos niveles bastante amplios, que cuentan con mecanismos bastante ingeniosos que podemos activar en solitario o que requieren de la colaboración de nuestros acompañantes. 

Si Hugo se encuentra en nuestro grupo, podemos usar el enjambre como arma, para acabar con los centinelas que se alejen de las antorchas. Y en general, tenemos un abanico de posibilidades muy amplio, para que cada una de estas zonas ofrezca algo nuevo. 

El combate vuelve a ser la parte menos inspirada del juego. Hay que tener en cuenta que Amicia no es ningún soldado, y que por tanto tiene más dificultades en el cuerpo a cuerpo. Pero es una maestra con la honda y la ballesta. 

El problema está en que hay poca variedad de enemigos, y a medida que se acerca el final, tenemos que superar bastantes acumulaciones de soldados, que terminan por volverse repetitivas y en algunos momentos incluso "injustas". 

Por último, el progreso de Amicia se divide en dos: por una parte, tenemos tres árboles de habilidades (agresividad, cautela y oportunismo) que se mejoran de forma automática, dependiendo de nuestras acciones. Y por otra, la posibilidad de mejorar nuestro equipo con piezas y herramientas en los bancos de trabajo. 

Elevando el nivel del espectáculo

En las 20 horas que hemos invertido en acabar A Plague Tale Requiem sí que hemos notado cómo el juego se ha vuelto más espectacular. 

La aparición de las ratas, que se comportan como un fluído y que aparecen por cientos de miles, respecto a las 5.000 simultáneas que aparecían en Innocence, siempre nos impresiona. De nuevo es como si el enjambre fuese una entidad con mente propia, que lo devora todo a su paso.

Hay secuencias QTE, partes de disparo sobre raíles y numerosas carreras scriptadas que ofrecen un aspecto más "hollywoodiense" al desarrollo, y los escenarios aportan mucho. Los castillos y pueblos medievales son sólo el principio, y en el último tercio encontramos estancias muy cuidadas, con un esfuerzo artístico notable (y no falta una zona inspirada en el Generalife, en España). 

Si jugamos en PS5, como ha sido nuestro caso, nos vamos a encontrar con un estupendo uso del Dualsense: los gatillos adaptativos muestran resistencia progresiva si mantenemos la honda girando, de forma que cada vez es más difícil ser preciso. 

Y un efecto similar se produce cuando corremos, y el gatillo nos "devuelve" la vibración de los pasos. Hablando de vibración, los efectos hápticos llegan a "sentir" en las manos el temblor de las ratas arrasando todo lo que queda a su alcance. 

Al principio del texto os contábamos cómo el juego ha subido de categoría, y eso se nota también en los gráficos y en una brillantísima banda sonora con efectos corales, compuesta por Olivier Deriviére (nominado a un BAFTA por su trabajo en el juego anterior) e interpretada por la filarmónica de Estonia. 

Valoración final

A Plague Tale Requiem conserva todo aquello que nos gustó en el primer juego: los protagonistas en una constante situación de peligro, una cuidada ambientación en el siglo XIV, que no escatima en detalles desagradables, y millones de ratas. 

Como corresponde a una secuela, añade personajes muy interesantes, unos escenarios mucho más ambiciosos y mayor profundidad en las mecánicas principales. Y es valiente a la hora de plantear una historia mucho más fantástica.

Lo he disfrutado mucho, pero es cierto que ha perdido -inevitablemente- un punto de frescura. Ya no es ese juego desconocido que consigue hacerse un hueco entre otras superproducciones. 

Ahora A Plague Tale juega en la liga de los grandes, y me alegro. Creo que es algo que se había ganado. Un estupendo cierre a la historia de los hermanos de Rune, 

. 

El secreto de este título, desarrollado por Mojang Studios y Microsoft, es el enorme apoyo de su comunidad y un contenido que no para de crecer. En la conferencia Minecraft Live, hemos tenido la oportunidad de conocer qué novedades llegarán a los próximos juegos de la franquicia. 

De paso, todos los aficionados a Minecraft, han podido votar (a través de Twitter, en el propio Minecraft Bedrock, en el launcher del juego o a través de Minecraft.Net) qué criatura será la próxima en llegar al juego. 

Si no habéis podido seguir Minecraft Live en directo, os ofrecemos un resumen con todas las novedades que se han presentado para los tres juegos principales: Minecraft Dungeons, Minecraft Vanilla (esto es, la edición sin mods) y el próximo Minecraft Legends, que se lanzará en PC y consolas en la primavera de 2023. 

¿Estáis enganchados al juego? Pues no os perdáis nuestra guía y trucos de Minecraft, en que os decimos cuáles son las mejores semillas para cada plataforma, y en qué modo encantar vuestras armas, realizar hechizos y conseguir los objetos más poderosos. 

Y si aún no lo habéis probado -debéis ser muy pocos- aquí os dejamos los trucos y consejos para comenzar a jugar a Minecraft. 

Novedades en Minecraft Dungeons

Minecraft Dungeons, el juego de rol de acción estilo Diablo, ha presentado las novedades de la temporada 3. En esta actualización se cuenta una nueva aventura: Fauna Faire, que está centrada en los animales. 

Con la nueva temporada llegan cambios a la iluminación del campamento, pequeñas mejoras en el interfaz, nuevas pantallas de carga... pero lo más importante es la cantidad de mascotas y skins animales que se unen a la aventura. 

Nos referimos a animales como el panda rojo, pingüino emperador, mapache, hurón, mofeta o puercoespín. Los jugadores también podrán disfrazarse de otros animales y realizar emotes con movimientos "característicos". 

La torre, el modo de juego por oleadas en que comenzamos de cero, se actualiza con nuevos pisos, biomas y dos jefes finales. Y por fin podremos disfrutar de este juego en cooperativo junto a tres amigos. Todos los que completen su recorrido por la torre recibirán importantes recompensas (la dificultad se ajustará de forma automática al número de aventureros).

Y además todos los jugadores, aunque no paguen por la nueva temporada, podrán disfrutar de una nueva misión, Tree Top Tangle, ambientada en la jungla. También se añade un nuevo personaje, el encantador, con que modificar los encantamientos de armas y armaduras.

Por último, en colaboración con Minecraft Bedrock Edition, este año volveremos a disfrutar del Spooky Fall Event, para celebrar la llegada de Halloween.    

Los camellos llegan a Minecraft Vanilla

Vanilla es el nombre con que se conoce a la edición original de Minecraft, que no incluye mods de los usuarios. Y la verdad es que nos han sorprendido alguna de las novedades que están preparándose para la versión 1.20, que llegará en 2023. 

Lo primero que hay que aclarar es que el equipo ha aprendido de sus errores. Nos han garantizado que todo lo que se anuncie aparecerá en versión beta en cuestión de días (ni siquiera tendremos que esperar una semana) y que van a ser mucho más transparentes a la hora de comunicarse con los jugadores. 

Esta versión 1.20 de Minecraft aún no cuenta con un nombre, pero estará centrada en la creatividad y la inclusividad. Y no hay mejor modo de que todos los jugadores se sientan representados que añadir nuevos protagonistas. Un total de 7 skins se añadirán a Steve y Alex como personajes iniciales. 

No son sólo skins para el juego, sino que comenzaremos a ver a estos 7 amigos como parte del arte oficial, pantallas y merchandising. Sus nombres son Makena, Efe, Noor, Kai, Ari, Sunny y Zuri.

En cuanto a los nuevos objetos que se suman al impresionante catálogo del juego, nos han llamado la atención tres tipos de señales colgantes (que se adaptan a diferentes espacios), todo un nuevo set de bambú, con bloques de suelo, paredes, puertas y mosaicos, y una balsa de madera, que se comporta igual que el bote. 

También podremos construir una nueva librería funcional, en que guardar hasta 6 volúmenes (la textura cambia dependiendo de cuántos libros hayamos almacenado en el mueble). Pero seguro que lo que más llama la atención son los camellos, sobre los que podremos cabalgar en zonas desérticas. 

Nuevo gameplay y detalles de Minecraft Legends

La conferencia Minecraft Live se ha cerrado con interesantes noticias sobre Minecraft Legends, el juego de acción y estrategia que se lanzará en primavera de 2023, y que está realizado con Bedrock engine. 

Se han mostrado las tres herramientas originales con que contará nuestro héroe: la llama de creación, el estandarte del coraje y el laúd mágico. Este instrumento de cuerda (una especie de guitarra del medievo) nos permitirá aprender habilidades y realizar hechizos a través de la música. 

También hemos conocido algunos personajes y unidades que tendrán mucha importancia en Minecraft Legends. En primer lugar, los anfitriones (visión, conocimiento y acción) que serán quienes vayan dando información al héroe. 

En lo que respecta a las unidades, por parte de los defensores, se ha presentado el gameplay de los gólem, mientras que entre las unidades de los piglin, conocemos a la horda de la espora, con un aspecto "zombificado" bastante desagradable (para tratarse de Minecraft).

Para cerrar esta conferencia, tenemos una buena noticia, y es que también se ha confirmado que Minecraft Legends contará con modo multijugador cooperativo para 4 jugadores.

Con esto terminamos nuestro resumen de la conferencia Minecraft Live, con las principales novedades que llegarán (desde la próxima semana) a todos los juegos de la franquicia.  

Sólo estaban esperando a que la ciudad de Nueva York volviese a llenarse de ectoplasmas  y otros espíritus del más allá para freírles el culo con sus mochilas de protones.

Ghostbusters Spirits Unleashed es una nueva oportunidad de encontrarse con ellos, después de la película Cazafantasmas Más allá del año pasado y el estupendo Ghostbusters The Videogame, que se remasterizó en 2019 para PS4, Nintendo Switch, Xbox One y PC. 

Mejor pasamos por alto el desastroso "reboot" de 2016 porque a nosotros lo que nos gusta son los cazafantasmas originales. En esta ocasión, nos volvemos a encontrar con Ray y Winston, que han abierto la vieja estación de bomberos para volver al negocio. Egon y Venkman están tomándose un merecido descanso.

Y claro, lo primero que necesitan es "sangre nueva" para que se una al equipo. Ahí es donde entra en juego un editor, bastante sencillo, en que creamos a nuestro Ghostbuster con un aspecto animado que le sienta muy bien a la franquicia. ¡Ya estamos listos para jugar!

Tratándose de un juego de illfonic, quienes trabajaron en Evolve, Friday 13th The Game y Predator Hunting Grounds, ya sabemos que el núcleo central es el de un multijugador asimétrico online, en que cuatro jugadores encarnan a los cazafantasmas y un quinto hace las veces de espectro. 

Y la verdad es que este estilo de juego encaja bastante bien con la franquicia, como vamos a ver en nuestro análisis de Ghostbusters Spirits Unleashed.

Jugando como cazafantasmas

Los espíritus campan a sus anchas por toda Nueva York, y nuestro teléfono no para de sonar. ¿A quién vas a llamar? Cuando juguemos como cazafantasmas nosotros seremos los encargados de arreglar este entuerto metafísico. 

Aparecemos directamente en el mapa de juego (es una lástima que no haya secuencias en el coche), y tenemos que repetir un ciclo que seguro que os suena. Primero detectamos las entidades con el detector PKE. Estas manifestaciones pueden ser el propio fantasma, grietas o elementos del escenario que haya poseído.

El objetivo principal es destruir las grietas (que sirven como puntos de respawn del fantasma) y después atraparlo con nuestro rayo de protones, como si fuera un shooter en primera persona. Una vez que lo inmovilizamos, sólo hay que deslizar una trampa bajo él y ¡zas! ya es nuestro. 

Pero no penséis que los fantasmas están indefensos. Has muchas posibilidades de que salgamos "moqueados" de alguno de estos encuentros. Nosotros superamos el nivel si atrapamos al espíritu antes de que posea por completo el escenario. 

A la caza propiamente dicha, hay que añadir mecánicas de exploración, como recoger "manifestaciones" y calmar a los pobres ciudadanos que pasean por el mapa. En general, la disposición de los niveles, la combinación de objetivos y la cantidad de travesuras que pueden hacer los fantasmas hacen que la parte cooperativa funcione muy bien. 

Al terminar nuestro trabajo, regresamos al cuartel general de los cazafantasmas para vaciar las trampas en el contenedor del sótano (el mismo que abrían al final de la primera película) y para prepararnos antes de la siguiente partida. 

La estación de bomberos nos sirve como centro de operaciones. Podemos recorrerla en primera persona, para disfrutar de un montón de detalles (no faltan las taquillas, el coche Ecto-I o la barra para deslizarse). 

Y también es el lugar al que acudiremos al superar cada nivel para cambiar nuestro aspecto y mejorar el equipo que hayamos desbloqueado.  

Haciendo el fantasma

La segunda parte del juego, quizá la más importante, es tomar el papel de fantasma. En este caso, nuestro espectro (bastante simpático) se dedica a hacer trastadas hasta poseer un escenario por completo. 

Controlamos al fantasma en tercera persona, y tenemos la habilidad de volar libremente por el mapa y atravesar algunas paredes.  El objetivo es "disfrazarnos" como objetos cotidianos (o poseerlos) para asustar a los NPC, evitar a los cazafantasmas y proteger las grietas. 

Cada uno de los fantasmas cuenta con movimientos especiales para moquear a los incautos, invocar otros monstruos, lanzarse a toda velocidad... que consumen una barra de energía que se recarga con el tiempo. 

Y nuestro avance no sólo se refleja en una barra de progreso. sino que podemos ver cómo el escenario se va volviendo más oscuro y tétrico a medida que aumenta el nivel de posesión.

Decimos que es la parte más importante del juego porque la diversión de ser cazafantasmas depende mucho de lo bien o mal que lo haga el espectro. Por lo general, la forma fantasmal de jugar es más estratégica.

Los fantasmas suben de nivel, y pueden adquirir "variantes", y a medida que subimos nuestro rango desbloqueamos nuevos tipos espirituales con habilidades más poderosas.

Un juego con historia

Hay dos aspectos que diferencias Ghostbusters Spirits Unleashed de los juegos anteriores de illfonic. El primero de ellos es la posibilidad de jugar en solitario. Puede que las partidas con bots no sean tan desafiantes como el multijugador online, pero la IA cumple su labor, y así podemos disfrutar de ser cazafantasmas en cualquier momento. 

El segundo aspecto es que podemos disfrutar de una historia. No es una campaña propiamente dicha, sino una serie de secuencias de vídeo que se van desbloqueando en determinados actos, y que nos dan una idea de progreso (además de ampliar el lore). 

Pero la verdadera profundidad del juego está en ir superando niveles y misiones secundarias para desbloquear nuevas piezas de equipo, nuevos cosméticos y más tipos de fantasmas. Si bien, parece una estructura demasiado sencilla (con un nivel para el personaje y uno para cada una de sus herramientas), y se nos queda un poco corto. 

Las diferencias entre los cazafantasmas se reducen a su equipamiento secundario, sólo hay 5 tipos de fantasma y 5 mapas: museo de Whitestone, Hotel Cañón Hudson, Cárcel de Rock Island, Destilería y RMS Artemisia.

En un par de tardes, podemos desbloquear todo el contenido  y aprendernos la disposición de los mapas. Si lo comparamos con otros juegos enfocados al multijugador, echamos en falta más niveles, modos adicionales y opciones de personalización más profundas. 

Habrá que ver cómo crece el contenido del juego durante los próximos meses para saber si realmente merece la pena. Por ahora, de salida, es demasiado breve.

Diversión a la altura de los cazafantasmas

En general, el apartado técnico es notable. Los mapas están llenos de objetos que poseer, y nos gusta mucho el modo en que se van volviendo más oscuros. El diseño de personajes encaja muy bien con lo que hemos visto en las películas, y la recreación de la estación de bomberos es excelente. También se conserva la banda sonora de la película. 

Nos hemos encontrado algunos fallos, como personajes que se quedan sin voz o algunos textos que aparecen sin traducir, pero nada que afecte a la jugabilidad. 

Lo importante es, ¿resulta divertido? Pues la verdad es que lo hemos pasado bien interpretando los dos papeles y nos parece que están bastante equilibrados. Claro que la comunicación entre los cazafantasmas es clave para conseguir atrapar al espectro de turno. 

Aplaudimos que se introduzca un componente de historia, así como la posibilidad de jugar en solitario, con bots controlados por la consola. Y la ambientación recoge lo mejor de las películas clásicas.

Pero Ghostbusters Spirits Unleashed tiene un problema serio.Aunque se introduzcan retos semanales y nuevos cosméticos, el contenido inicial se nos queda corto. 5 mapas son muy pocos,  y si jugamos en solitario podemos desbloquearlo todo en pocas horas. 

Es una lástima que no se hayan recuperado escenarios icónicos como la biblioteca, la universidad, las alcantarillas de la ciudad o los edificios frente a Central Park. Y también nos hubiese gustado que el ECTO-1 fuese algo más que un elemento decorativo.

Todo esto, por supuesto, puede cambiar con los próximos contenidos que lleguen mediante DLC y los eventos temporales. Es algo esencial a los juegos enfocados al modo online, pero illfonic aún no ha revelado el roadmap para los próximos meses. 

Por el momento, nos ha parecido una buena adaptación, cargada de guiños, y estamos seguros de que los fans de los cazafantasmas lo van a disfrutar mucho.

Pero en el estudio saben que nada habla mejor de Dead Space que ponerle las manos encima. Por eso nos han invitado a probar los tres primeros capítulos, para descubrir cómo ha mejorado el desarrollo, que es bastante fiel a lo que pudimos disfrutar en 2008. 

He jugado durante 4 horas, el equivalente a los tres primeros capítulos del juego, y además he vuelto al original para compararlo con el "remake", qué aspectos se mantienen y cuáles son nuevos. Os puedo adelantar que las novedades son más de las que parece en un principio, y no se limitan a los aspectos técnicos.

Más adelante pasaré a contaros todos los cambios de manera pormenorizada, pero lo primero que debéis saber es que la fecha de lanzamiento de Dead Space es el próximo 27 de enero de 2023. Inicialmente el juego se anunció para PC, Xbox Series X y PS5 y nosotros lo hemos jugado en PC con una resolución de 1440p y 60 FPS (la más estable en este punto del desarrollo). 

Esta demo comenzaba justo después del prólogo. No hemos podido ver la secuencia en que la nave de exploración USG Kellion atraca en la Ishimura (la enorme "planet cracker" minera en que se desarrolla todo el juego). En su lugar, nos encontrábamos en la bahía de atraque, controlando al ingeniero Isaac Clarke y acompañado de tres miembros de la tripulación. 

Una de las claves del remake está en mantener la estupenda ambientación del original. Se conservan las influencias de películas como Alien, Horizonte Final o La Cosa, y de otras obras clásicas de ciencia-ficción (de hecho el nombre del protagonista es un homenaje a Isaac Asimov, autor de Fundación, y a Arthur C. Clarke, escritor de 2001 Una odisea del espacio).

Pero ya nos hemos encontrado con un curioso cambio en la composición del equipo, desplazado a la nave minera para investigar qué ha ocurrido. En el juego original el cabo Johnston era un hombre blanco, mientras que en este caso, la piloto de la Kellion es una mujer negra, para aumentar la diversidad de personajes. 

Dejando a un lado esta curiosidad, los primeros compases resultarán muy familiares a aquellos que conozcan el Dead Space original: la entrada en la Ishimura, el primer encuentro con los necromorfos y cómo se desarrollan los enfrentamientos. 

Cambios en la historia de Dead Space

El estudio EA Motive ha querido ser fiel al material original, pero también confiesa que se han introducido algunas modificaciones para que el juego resulte más coherente con todo el universo de Dead Space (eso incluye los tres juegos principales, los dos animes, juegos para móviles e incluso el "shooter" para Nintendo Wii).

No vamos a entrar en estos aspectos en particular, es mejor que cada uno lo descubra por si mismo. Pero la sensación después de una horas es que lo importante se mantiene: la sensación de explorar una nave en solitario, las alucinaciones de Isaac y todo lo relacionado con su esposa, Nicole Brennen, especialista médico de la Ishimura.

También la historia de los misteriosos monolitos o el modo en que la tripulación de la nave pierde la cabeza.  ¿Qué novedades nos hemos encontrado? En realidad nada muy radical, pero sí pequeños cambios aquí y allá, que lo convierten en un juego más moderno. 

En los tres primeros capítulos, hemos echado en falta alguno de los momentos más dramáticos, como aquella tripulante ciega que nos entregaba el dispositivo kinético para mover objetos, y que originalmente estaba junto a un cadáver lleno de gusanos. 

Ahora en su lugar, recogemos el dispositivo de los restos de otro ingeniero. También encontramos zonas en gravedad cero mucho antes, y tenemos libertad para "volar" por estos escenarios, en lugar de saltar entre los anclajes. 

La secuencia de explosión de la nave Kellion ha cambiado por completo. Se nota que es un juego más actual, y las interacciones con nuestros compañeros de tripulación están más trabajadas. Por supuesto, una parte fundamental está en que ahora Isaac tiene voz (lo hemos escuchado en inglés) y resulta bastante natural. 

La nueva USG Ishimura

El remake de Dead Space está realizado con el motor Frostbite y luce realmente bien. A lo mejor la memoria nos traiciona (pensábamos que el clásico se veía mejor) pero la recreación de la nave, modelos y animaciones son espectaculares y se nota un salto dramático desde el juego de 2008. 

No sólo se trata de disfrutar con el nuevo aspecto "next gen" del juego, sino que esto también hace que la experiencia resulte más fluida, en particular con los ataques cuerpo a cuerpo, que resultaban un poco engorrosos. 

Ahora el pisotón (necesario para obtener créditos y munición de los enemigos caídos) resulta más sencillo de ejecutar sobre el cadáver de un necromorfo. 

Uno de los aspectos más llamativos es que no hay cortes en la historia. Todo Dead Space transcurre como un plano secuencia, algo que ya vimos en God of War, y además la Ishimura es un mapa único, sin estar dividido cada vez que tomamos una de los vagones de transporte. 

Esto permite que volvamos sobre nuestros pasos en cualquier momento, y recojamos nuevo equipo y mejoras a medida que ganamos autorizaciones de mayor nivel, para abrir puertas y cajas de suministros. 

Este "backtracking" es completamente opcional, y en lo que hemos visto, no obligaba a desviarse demasiado de la misión principal. 

En general, el aspecto técnico nos ha gustado mucho, sobre todo por el modo en que aprovecha el sonido 3D y la iluminación, que se refleja sobre la característica armadura de Clarke. De todas las novedades visuales que incorpora Dead Space, la que más afecta al gameplay es la niebla, ya que permite que algunos necromorfos se oculten y nos ataquen por sorpresa. 

Eso sí, nos hubiera gustado encontrar una mayor variedad de de criaturas. Al menos en los tres primeros capítulos, no hay nuevos diseños, aunque lógicamente los monstruos están más detallados y mejor animados. 

Más que desmembramiento estratégico

El sistema de combate de Dead Space profundiza en lo que se presentó en el primer juego; podemos acabar con los enemigos (criaturas alienígenas formadas a partir de los cadáveres de la tripulación) con nuestra potencia de fuego. Pero resulta mucho más efectivo ir desmembrándolos.

Si les arrancamos las piernas, su movilidad queda comprometida, y los disparos a los brazos, o a los apéndices, les dejamos indefensos y hacemos más daño. Pero hay que tener en cuenta que Isaac Clarke no es un soldado, sino un ingeniero, y por tanto sus armas son herramientas modificadas. 

La principal diferencia que hemos encontrado es que se incorporan nuevos efectos (ahora el primer disparo arranca la piel de los necromorfos y muestra el tejido muscular y los huesos), y sin embargo, es menos "gore". 

Con esto nos referimos a que en el juego clásico era bastante habitual ver los brazos y piernas de los enemigos saltando por los aires, incluso era normal decapitarlos, pero en este caso los efectos se han minimizado -sigue siendo bastante sangriento, eso sí-.

Incluso las muertes de Clarke, si nos pilla uno de estos monstruos por la espalda, resultan menos exageradas, aunque los gráficos sean mucho más detallados. Nada de ver los trozos de nuestro protagonista arrancados por las garras de una de las criaturas ni chorros de sangre, todo resulta un poco más "comedido".

Otra de las diferencias que afectan a los enfrentamientos está en las armas. Todas ellas cuentan con un ataque secundario (en el caso de la cortadora de plasma, se trata de la inclinación vertical u horizontal), pero en el remake son ataques diferentes y más útiles. 

Podemos acoplar módulos en los bancos de trabajo, que añaden nuevas variaciones, como el disparo de fuego con la cortadora. 

Por último, el modo en que ganamos estas armas también es diferente. Mientras que en el Dead Space original teníamos que comprar el rifle de impulsos, en este caso nos lo entrega un personaje. Quizá de este modo se consiga que no pasemos todo el juego "abusando" del primer arma.

Aterrador para nuevos jugadores y veteranos

Conozco bastante bien Dead Space. Estuve en la presentación original (a cargo de Glen Schofield) y realicé el análisis para Hobbyconsolas. Después volví a jugarlo por gusto, para sacar todas las armaduras extra... y una vez más cuando se incorporaron los trofeos en PS3. 

Incluso he vuelto a jugar ahora, para tener "fresca" la comparación con este remake. Y os puedo decir que pienso repetir en cuanto llegue esta nueva versión. Aunque el original aguanta bastante bien, se nota un salto enorme de calidad, como hemos visto en The Last of Us parte I, que hace que merezca la pena repetir. 

Estoy seguro de que los veteranos ya estaban dentro en cuanto se anunció el remake. Pero la verdad es que aquellos a los que va a volar la cabeza es a los jugadores que no lo probaron antes (ya han pasado 14 años).

A día de hoy, Dead Space sigue siendo un "survival horror" aterrador, muy original y con una ambientación muy cuidada. El sistema de combate sigue funcionando como la seda, y la historia es todavía sorprendente. Casi me dan envidia aquellos que lo vayan a experimentar por primera vez, y vayan a tener pesadillas con sus criaturas. 

Quizá lo primero que llama la atención es lo cuidado de sus gráficos, realizados con Unreal Engine 5, o el abanico de personajes que podemos controlar (jugando en solitario o en modo cooperativo para cuatro jugadores), pero estamos seguros de que lo vais a probar porque es gratis. 

Eso es, nos encontramos ante un "free to play" al que podremos dedicar innumerables horas, mientras lideramos la lucha de los últimos supervivientes de la humanidad contra los vulgus (una raza alienígena que se ha propuesto nuestro exterminio).

Nosotros hemos tenido ocasión de probar una versión beta durante muchas horas, y descubrir todo lo que ofrecerá de lanzamiento The First Descendant. Es una ocasión perfecta para que aquellos que no cogieron el tren de Destiny o que no se atrevan a comprar Outriders den sus primeros pasos en este género. 

En nuestras impresiones de juego os vamos a hablar de muchos tipos de armas, habilidades, regiones... pero podemos simplificar el desarrollo de este RPG de disparos hasta un esquema básico: eliminar hordas de enemigos, subir de nivel, conseguir mejores armas, desbloquear Descendants y repetir el ciclo de destrucción. 

También os podemos adelantar que resulta muy divertido, y ofrece unos escenarios enormes y exóticos, con una dirección artística muy particular, más cercana a un Final Fantasy que a los escenarios oscuros y decadentes de otros "shooter".

Escoge a The First Descendant

En los primeros compases del juego, antes de disfrutar de un espectacular prólogo, nos encontramos con la primera gran diferencia. Para jugar a The First Descendant no hay que crear un personaje en un editor partiendo de una clase (el modelo de Destiny) sino escogerlo. 

Cada uno de estos Descendants (los humanos que defienden el continente de Ingris) es único en su aspecto y en sus características, y nos obliga a jugar de formas diferentes dependiendo de las habilidades y armas que equipa. 

Entonces, ¿podremos cambiar su aspecto? Si, pero a través de skins predefinidas. No es un sistema de modificar aspecto o equipar armaduras. Pensad más bien en un formato Genshin Impact. De inicio podemos escoger entre tres Descendants, pero su número irá creciendo constantemente.

El sistema de progreso de The First Descendant se basa en subida de niveles a través de la experiencia, una segunda barra (el nivel de maestría) que modifica los atributos básicos del héroe, y por supuesto, la obtención de nuevas armas, con diferentes niveles de rareza y mayor poder destructivo. 

Estas armas no pueden modificarse directamente, pero otra de las novedades es la posibilidad de equipar runas que mejoran cada tipo de arma (también el cuerpo a cuerpo o la defensa y salud del Descendant). 

En general, el arsenal nos ha gustado mucho. Si bien es cierto que no notamos diferencias en el retroceso o la precisión (si en el tiempo de recarga) el catálogo de fusiles de asalto, ametralladoras, cañones de mano, escopetas, rifles de explorador, de precisión o lanzacohetes nos ha parecido inmenso.

Sólo podemos equipar tres armas al mismo tiempo, pero pueden ser de cualquier clase,  lo que otorga bastante libertad a la hora de cómo queremos afrontar cada misión. 

Por último, cada Descendant cuenta con una habilidad pasiva y 4 activas (disparos especiales, potenciadores, granadas...) que los convierten en auténticos colosos. 

Variedad de misiones y exploración

Este es otro de los aspectos claves en un RPG de disparos. La estructura del juego parte de un HUB en que encontrarnos con otros jugadores, mejorar el equipo y acudir a diferentes personajes para que nos encarguen misiones, muy del estilo de la Ciudadela en Destiny. 

Este cuartel general, bautizado como Albion, nos servirá para invocar portales que nos lleven a diferentes zonas del continente, donde tienen lugar las misiones propiamente dichas. Estas misiones tienen lugar en escenarios abiertos, con bastante verticalidad y que podemos explorar con la ayuda del doble salto o el garfio.

Si bien las misiones de rescate, búsqueda de recursos o destrucción de dispositivos vulgus resultan bastante convencionales, lo que nos ha gustado más son los combates contra monstruos gigantescos en modo cooperativo. 

Una de las habilidades de los Descendants consiste en detectar los puntos débiles de estos monstruos, y la verdad es que añade a los combates un desarrollo más estratégico. 

En cuanto a la narrativa que surge con cada misión, de inicio nos ha parecido bastante sencilla. Se trata de una serie de conversaciones que mantenemos con los líderes de Albion, y que nos van dirigiendo hacia el misterio que rodea a los Descendants: ¿Quiénes son? ¿Dónde radica su poder? 

Como ya hemos dicho antes, el apartado técnico del juego es bastante notable. Es verdad que la beta aún era inestable, y nos han recomendado jugarlo con gráficos en "medio", pero si que nos ha gustado el diseño de los protagonistas y sobre todo, los escenarios, con arquitectura de inspiración europea, grutas y valles de gran belleza. 

Los enemigos básicos son un tanto genéricos, pero los más duros, esos jefes colosales de los que os hemos hablado,  si tienen un diseño más trabajado y "personal".

Primeras impresiones de The First Descendant

Para muchos jugadores, seguro que basta con que os digamos que The First Descendant está realizado conUnreal Engine 5 y que será free to play. ¿Cómo no robarlo?

Nosotros teníamos muchas ganas de jugar desde que vimos el primer tráiler en la pasada Gamescom 2022, y después de dedicarle unas horas a su beta, la verdad es que su propuesta nos ha convencido bastante (ojo, que somos unos locos del "looter shooter"). 

Muy pronto, podréis probar esta beta abierta del juego a través de Steam, a falta de que Nexon Games nos dé una fecha definitiva de lanzamiento. 

Después de ver los primeros tráiler gameplay de Bayonetta 3 me habían surgido algunas dudas, más adelante os explicaré lo que me chocaba. Pero he tenido ocasión de jugar dos capítulos del juego, además del prefacio y el prólogo. 

En total, han sido tres horas "poniéndome al día" con la bruja de Umbra, y la verdad es que se me han olvidado aquellos detalles que me hicieron desconfiar. 

Estamos ante un nuevo megatón (nunca mejor dicho) que no sólo pinta como un imprescindible para Nintendo Switch, sino como un nuevo referente en el género del "hack´n slash".

Algunos se preguntarán de qué estoy hablando, ¿cómo que dudas? ¿Acaso Bayonetta (que se puede jugar en Switch y también en PS4, Xbox One y PC como parte de Bayonetta & Vanquish 10 Anniversary) y Bayonetta 2 no eran ya una garantía?

Es cierto, pero Platinum Games, el estudio de desarrollo responsable de la saga y de Astral Chain, ha tenido algunos tropiezos recientes, como Babylon´s Fall. Y además, el primer gameplay de Bayonetta 3, que se desarrollaba en Shibuya, no parecía tan espectacular y colorido como la segunda entrega.

Ahora os puedo decir que no es representativo de todo lo que ofrece el juego, ni a nivel técnico, ni a nivel argumental, y que por supuesto, nuestra protagonista ha pegado un "salto" comparable a lo que experimentamos en Bayonetta 2. 

Pero en estas impresiones de Bayonetta 3, por petición expresa de Nintendo, no os voy a hablar del argumento, de los escenarios o del rendimiento del juego. Sólo me voy a detener en cómo se juega con dos personajes: la propia Bayonetta y la recién llegada Viola. 

Impresiones a los mandos de Bayonetta 3

El sistema de combate es la joya de la corona; es un esquema de control muy dinámico basado en combos con puñetazos, patadas, las pistolas Scarborough, salto y esquiva. Y cada movimiento está animado de forma que parezca un baile. 

Si jugamos con Bayonetta y esquivamos en el momento adecuado, se activa el tiempo brujo, que ralentiza el movimiento de los enemigos durante un instante, y nos permite ejecutar golpes más poderosos.

Y cuantos más ataques enlazamos, nuestra barra de clímax va creciendo, lo que nos permite invocar a gigantescas criaturas que nacen del pelo de la bruja. Estas invocaciones no son ataques finales, sino que forman parte de los combos disponibles, y cada una cuenta con su propio estilo. 

Una vez que dominamos estos conceptos básicos, se añaden nuevas posibilidades, como seleccionar entre diferentes tipos de invocación (nosotros hemos podido probar a Gomorrah (el primer demonio que apareció en la saga) y Madama Butterfly (que aparecía en la segunda entrega). 

Además, podemos alternar entre diferentes sets de armas, que cambian los movimientos básicos. No funciona como en juegos anteriores, en que la selección dependía de las armas en nuestras manos y en los tacones de la bruja, sino que ahora se trata de dos sets completos, que podemos cambiar en cualquier momento.

Esta forma de luchar ofrece muchas posibilidades, y el único modo de conseguir las medallas más valiosas -de oro a platino puro- es que vayamos variando nuestros ataques y consigamos acabar el enfrentamiento sin recibir daño.

Los enfrentamientos nos han parecido frenéticos, variados y sobre todo muy divertidos. Justo como esperábamos de un nuevo Bayonetta.

Se pueden superar aporreando botones, pero Bayonetta 3 es un juego que premia la técnica, y que resulta tremendamente satisfactorio cuando se empieza a dominar. 

Jugando con Viola, el segundo personaje de Bayonetta 3

En anteriores entregas de Bayonetta podíamos controlar a Jeanne en distintos modos de juego, pero la bruja de las gafas de pasta y pelo negro como ala de cuervo, era la única protagonista de la historia principal.

En este caso, sin embargo, también podemos controlar a un nuevo personaje: Viola. Es una guerrera más joven, más inocente y con un "look" muy agresivo. En este caso, va armada con una katana, y para los ataques a distancia no usa armas de fuego, sino que lanza una especie de kunais. 

El sistema de control con Viola cambia de forma notable. Para activar el tiempo brujo no hay que realizar esquivas, sino detener los ataques de los enemigos. Y también encontramos diferencias en las invocaciones. 

Viola sólo cuenta con un aliado demoniaco (al menos que hayamos visto), bautizado como Cheshire. Y como ya habéis adivinado es un gato monstruoso. En este caso, cuando activamos el clímax, Cheshire ataca de forma automática y une sus fuerzas a Viola, en lugar de "sustituirla". 

Es algo que ya vimos, de otro modo, reflejado en Devil May Cry V: cada personaje cuenta con una forma única de luchar. Y eso significa que tenemos que "cambiar el chip" en determinados niveles, y que se multiplica la variedad en el desarrollo. 

En cuanto a la forma de recorrer los escenarios, Viola cuenta con un garfio para balancearse por los aires en lugar de las alas de mariposa que aparecen en la espalda de Bayonetta. Y no se transforma para correr, sino que cabalga sobre la espalda de Cheshire.

Un comienzo muy prometedor

Como veis, hemos centrado nuestras impresiones de Bayonetta 3 en la evolución del sistema de combate. Es mucho mejor que discutamos el apartado técnico y su historia de cara al lanzamiento del juego, el próximo 28 de octubre. 

Pero hay algo que si podemos adelantar. Se trata de una secuela a la altura de la saga. No es simplemente "más de lo mismo". En estas primeras horas de juego, hemos tenido la sensación de que su largo desarrollo (se anunció en la gala de The Game Awards en 2017) está plenamente justificado. 

En esta versión preliminar nos ha parecido que el juego estaba muy bien optimizado para Nintendo Switch, que Bayonetta (y sus compañeros) crecían aún más como personajes y que las sorpresas y momentos espectaculares no terminaban nunca. 

Pero sobre todo, nos ha dejado con ganas de seguir peleando, marcando nuestro estilo y disfrutando del sentido del humor irreverente de la bruja de umbra. 

La última filtración en el mundillo (algo a lo que no termino de acostumbrarme) es el desarrollo de un remaster de Horizon Zero Dawn para PS5, con un nuevo apartado técnico mejorado, nuevas opciones de accesibilidad junto a un juego centrado en el modo multijugador cooperativo. 

Es paradójico que diga esto en un artículo de opinión. Pero parece que hoy día no se puede hacer nada -incluso aunque se trate de algo que no se ha comunicado de forma oficial- sin que todo el mundo tenga que comentar lo bien o mal que le parece. Habitualmente, es lo malo.

Lo que quiero es dar una perspectiva diferente, y contestar alguna de las inquietudes que ha causado este anuncio en RRSS, que nos recuerda al reciente The Last of Us parte I, "remake" para PS5 de un juego que se lanzó en PS3 en 2013 y se remasterizó en PS4 un año después.

Por supuesto, no voy a reproducir tweets de "haters" en este artículo. Se trata de observar la noticia desde una perspectiva diferente, no de acusar a nadie.

Y también vamos a revisar si merece la pena volver a acompañar a Aloy y los Nora en la lucha contra las máquinas que han "repoblado" el mundo del futuro.  

Un remake de Horizon Zero Dawn no es necesario

Así que ¿hacía falta un remaster de Horizon Zero Dawn para PS5? No, desde luego. Esa es la respuesta corta, pero voy a extenderme.

Podemos jugar al título de PS4 en PS5 a través de retrocompatibilidad, y además, se actualizó con un parche que nos permitía jugarlo a 60 FPS y con resolución 4K en la consola "next gen". 

También hay que tener en cuenta que Horizon Zero Dawn estuvo disponible gratis con los Days of Play de PlayStation, para todos los usuarios, sin necesidad de pagar ninguna suscripción. Incluso se puede adquirir la Complete Edition, que incluye la expansión The Frozen Wilds, por menos de 10 euros. 

Horizon se lanzó originalmente en 2017, de manera que el juego resulta todavía muy actual. Sin tener en cuenta que la segunda aventura de Aloy, Horizon II Forbidden West, mejora considerablemente en el desarrollo y el apartado técnico. Jugar a Zero Dawn puede parecer un "paso atrás" después de la secuela.

Pero hay un motivo por el que Horizon remake puede tener sentido

Hay algo que la mayor parte de usuarios no habrá tenido en cuenta, y que sin embargo es muy importante: las opciones de accesibilidad. Esto es algo que se ha tenido muy en cuenta en The Last of Us parte I, y que ha permitido que muchos usuarios lo disfruten.

De modo que, bienvenido sea este remake o remaster, si es la manera en que lo pueden disfrutar otros usuarios con necesidades especiales. Si es a través de un remake, en lugar de un parche, es una decisión del estudio.

¿Que vosotros ya lo habéis jugado y no lo consideráis necesario? Pues es tan sencillo como no comprarlo. ¿Preferiríais que Guerrilla invirtiese sus recursos en un nuevo desarrollo en lugar de un remaster? Yo también, claro. Ojalá nuevas entregas de Killzone y Horizon en camino. 

Pero no volvamos a caer en las estúpidas críticas a Aloy por no estar de acuerdo con la decisión. Y bueno, crucemos los dedos para que el siguiente remake, tras The Last of Us y Horizon sea Bloodborne... 

Con tantas demos disponibles en Steam ¿a qué juegos dedicarle unos minutos (o unas horas)? En este reportaje destacamos 10 demos imprescindibles, que no podéis perder en la edición Next Fest de octubre de 2022. 

Las demos disponibles se pueden jugar en PC o en la consola portátil Steam Deck, siempre que los desarrolladores lo permitan (encontraremos indicaciones para ello en la plataforma de Valve).

El Steam Next Fest también permite interactuar directamente con los creadores de estas demos. Será a través de una serie de retransmisiones en directo, en las que los jugadores podrán dejar sus preguntas e interacciones a través de un chat. 

¿Cuáles son los juegos que debéis probar en esta nueva edición de Steam Next Fest? Aquí os dejamos nuestra lista con 10 demos de juegos muy recomendados. Evidentemente, la mayor parte de estos juegos son desarrollos independientes, pero eso no les resta interés 

Algunas de estas demos gratis de Steam corresponden.a juegos de este mismo año, mientras que otras se cuentan entre los juegos más prometedores del calendario de lanzamientos de 2023. 

Vengeful Guardian: Moonrider

Moonrider es un juego de acción 2D de “ninjas” con elementos que nos recuerdan a Cyber Shadow o The Messenger. Su diseño está inspirado en los juegos de 16 bits (no es un metroidvania), y comparte con ellos los controles básicos y la dificultad. 

En este caso, controlamos a un ninja mecánico, que se rebela contra sus creadores para defender a la humanidad. Sus habilidades son todas las que uno podría esperar de un ninja: el uso de la espada, saltos acrobáticos, carrera o “walljump”.

Además de las referencias oficiales, nos ha recordado muchísimo a Super Probotector (Contra 3: The Alien Wars). Cada nivel tiene un “gimmick”, como el uso de vehículos, las fases en movimiento, los enemigos inspirados en el gigantesco “Terminator” del juego de Konami…  

Nosotros pudimos probar la demo en la pasada Gamescom. Y nos dejó unas estupendas impresiones. 

Arkanoid Eternal Battle

Tan extraño como suena, Eternal Battle es la versión "battle royale" de este clásico juego, inspirado en  Breakout, pero con un toque de ciencia ficción. La demo permite que juguemos contra otros usuarios (un total de 25) por ver quién es el último superviviente. 

Después de disfrutar de la demo de Arkanoid Eternal Battle en Steam Next Fest, desarrollado por Pastagames y Microids, no tendréis que esperar demasiado para el lanzamiento del juego, ya que llegará el 27 de octubre a PC y consolas. 

Season: A letter to the future

Quizá este título os suene porque Season: A Letter To The Future ya tuvo una breve aparición en uno de los State of Play dedicado a los novedades de PS5 y PS4. Ahora tenemos ocaasión de probar este desarrollo de Scavengers Studio, que propone una aventura única. 

En la demo de Steam podremos descubrir su gameplay relajado, que consiste en recopilar recuerdos, fotografías y experiencias a través de un viaje en bicicleta (y en solitario), antes de que todo sea arrasado por un cataclismo. 

Warhammer 40.000 Warpforge

Jett The Far Shore + Given Time

Lego Bricktales

Es uno de los juegos que llegarán muy pronto (su lanzamiento está previsto para el próximo 12 de octubre en PC, Xbox, PlayStation y Switch). Bricktales es un juego de Lego, pero completamente distinto a Lego Star Wars Skywalker Saga, por ejemplo. 

En este caso, tendremos que visitar dioramas construidos con auténticas piezas de Lego, y realizar nuestras creaciones teniendo en cuenta la física y el comportamiento de las piezas, como si estuviésemos jugando en la vida real. 

Scars Above

La demo de Scars Above, un juego que edita el estudio Prime Matter Games, y que ha sido desarrollado por Mad Head Games, llega desde el arranque del juego hasta el combate contra el primer jefe final, y nos da una buena idea de lo que ofrece este shooter de ciencia ficción.

Se trata de una aventura de acción en tercera persona que transcurre en un planeta hostil. La clave está. en el uso de armas creíbles y en la dureza de las criaturas que nos aguardan en las cuevas y pantanos de este mundo. 

Romancelvania

Thirsty Suitors

Kaku Ancient Seal

Este juego nos pone en el papel de Kaku, un joven que ha vivido durante muchos años en soledad en lo alto de una montaña nevada, soñando con el mundo que había más allá. De pronto, un guardián ancestral que protege unas misteriosas ruinas, le dice que su destino es vivir una aventura a lo largo de todo el continente en compañía de Piggy, un simpático cerdo.

Si queréis saber mucho más de él antes de jugar la demo de Steam Next, aquí os dejamos nuestras impresiones de Kaku, en que nos ha recordado a Immortals Fenyx Rising. Kaku replica su estilo a la perfección y promete ser un título que los amantes de esta clase de juegos disfrutarán muchísimo.

Y hasta aquí nuestra recomendación de 10 demos que probar en el Steam Next Festival. Claro, que si tenéis tiempo (no hace falta un PC demasiado exigente para jugar a estas demos), seguro que encontráis alguna joya oculta en esta colección. 

Recordad que las demos de Steam estarán disponibles hasta el próximo 10 de octubre. 

No es la primera vez que un estudio "indie" trata de devolvernos las sensaciones que tuvimos con The Legend of Zelda A Link To The Past (como si fuera una tarea sencilla). A veces, esta misión sale muy bien, como en el caso de Blossom Tales II The Minotaur Prince, y otras, como en el caso de Airoheart, nos quedamos "a medias". 

Más adelante pasaremos a explicar los problemas del juego, pero antes conviene hacer un pequeño repaso a su planteamiento. Y seguro que os va a sonar. Airoheart, que es también el nombre del protagonista, es un muchacho destinado a jugar un papel clave en el destino del mundo.

Se trata de una tierra en guerra, en que los britones amenazan con invadir la tierra de los elmerios, y en que el espíritu de un mal antiguo aguarda, dividido en las 9 piezas de Draoidh. Unas piezas que tendremos que reunir antes de que lo consiga el malvado de turno, Xanatos. 

Evidentemente el argumento es más complicado, pero no vamos a entrar en spoilers. Como veis, hay bastantes similitudes con la historia clásica de los Zelda. Y estas similitudes se trasladan también al desarrollo.

Tras los pasos de Zelda 

El planteamiento de Airoheart es el de una aventura en perspectiva aérea, con partes de exploración, combates y un buen puñado de secretos. Si miramos cualquiera de sus pantallas seguro que nos recuerdan a Secret of Mana, Illusion of Time o cualquiera de los grandes RPG que recibimos en las máquinas de 16 bits. 

El desarrollo del juego es puro Zelda. Desde el comienzo en un pueblo, cuando aún no conocemos nuestro destino, hasta las visitas a sucesivas mazmorras para ir ganado diferentes habilidades (bombas, una ballesta, cordones para saltar, fuerza para levantar piedras...). 

Estos templos, nos ofrecen los mejores momentos de la aventura: puzles basados en la habilidad recién adquirida, un diseño bastante intrincado y un puñado de jefes con un diseño interesante, aunque ninguno de ellos resulta demasiado duro. Su esquema es también conocido: recorrer el laberinto hasta encontrar la llave y derrotar al jefe para ganar un poder.

Y, como ya habéis anticipado, cada una de estas nuevas habilidades nos abre el paso a zonas del mapa antes inaccesibles (de nuevo, no os sorprenderá llegar a un bosque, un desierto, un lago...), y así nos acercamos al inevitable destino del héroe. 

Si este extraordinario parecido con A Link To The Past es homenaje o copia, lo dejamos al criterio de cada uno. Pero es un desarrollo que sigue funcionando a día de hoy, más de 30 años después del lanzamiento del juego en SNES.  

Por suerte, también hay algunas novedades. El elemento más original de Airoheart es que también equipa un báculo rúnico, que nos permite utilizar la magia. Estos hechizos utilizan su propio "combustible", y nos ofrecen ventajas muy interesantes, en particular la creación de bloques, que sirve para crear puentes o activar interruptores. 

La obtención de las runas, añade una capa de profundidad al desarrollo, así como la necesidad de recoger materiales para fabricar armaduras, espadas y escudos en el herrero del pueblo. 

También nos ha gustado  la cantidad de misiones secundarias que nos salen al paso, y que nos animan a explorar hasta el último rincón de este mundo fantástico. 

Vuelta a los 16 bits

De un tiempo a esta parte hemos disfrutado de un montón de juegos que tratan de imitar el estilo visual de los 16 bits. Con mayor o menor fortuna. Pero en este punto, Airoheart si que consigue acertar.

La construcción de mapas y personajes en 2D es muy vistosa, la paleta de colores resulta muy viva, y no faltan sprites con objetos típicos en el género, como las vasijas bajo las que se esconden cuentas (en este caso no son rupias).

Las animaciones resulta bastante simpáticas, y los guiños a los juegos de referencia alcanzan incluso a las transiciones entre pantallas, con las cortinillas circulares que seguro que le ponen la piel de gallina a los más veteranos.  Y en este caso, aplaudimos el modo en que se simula la iluminación en diferentes zonas, 

Por su parte la banda sonora también está a un buen nivel, y el juego cuenta con una ventaja que no encontrábamos en los clásicos de Nintendo, y es que se encuentra traducido al español. Hemos encontrado alguna errata, pero en general es un buen trabajo.

Los problemas de diseño

Airoheart tiene graves problemas en el control, y en general, en el diseño de la interfaz de usuario. Con esto nos referimos, por ejemplo, a que el acceso al mapa requiere pausar y seleccionarlo en un menú (lo cual es bastante engorroso para tratarse de un juego tipo Zelda) y a que el apuntado con armas de distancia es complicado.

Por si eso fuera poco, los enemigos que se generan en cada nueva estancia pueden aparecer directamente a nuestro lado, lo que supone que nos llevemos un golpe "porque si". Algunas trampas requieren de una agudeza visual superlativa para poder superarse. 

Pero lo más grave de todo es la inercia del propio Airo, que nos obliga a jugar con la cruceta digital, y se traduce en constantes fallos al dar las estocadas o caminar por pasarelas estrechas.  Esta inercia se sufre también en los cambios de dirección, y es normal perder una vida porque el primer paso del héroe sea de espaldas, antes de encarar al lugar al que queremos ir. 

Durante los combates, los espadazos desplazan a los enemigos hacia atrás ¡pero también a Airo! y eso hace que haya que reajustar nuestra posición constantemente.

Seguramente se trata del primer RPG de este estilo en que tememos el encuentro con cualquier criatura, aunque sea una "planta escupidora" de lo más sencillo. Lamentablemente, los problemas del juego no terminan ahí. 

La inteligencia de los enemigos es terrible. Para que os hagáis una idea, nos ha recordado a las secuencias que se introdujeron en los fantasmas de Pac-Man; si los observamos durante un rato, podemos ver qué secuencia tienen programada: moverse en círculos, "barrer" los márgenes de la pantalla o ir arriba y abajo sin reaccionar a nuestra presencia.  

Aún me dejo para el final un elemento frustrante. El efecto de sonido de explosión, que se reutiliza para recibir un impacto, saltar, disparar la ballesta, crear un doble o abrir una puerta, es molesto y suena a un volumen descompensado. Después de jugar unas horas, lo escuchamos hasta en nuestras pesadillas. 

No es cuestión de "hacer sangre", pero hasta los tiempos de carga resultan demasiado largos (lo hemos jugado en Nintendo Switch) y se nos ha colgado en un par de ocasiones. 

Merece la pena Airoheart

Airoheart trata de recuperar el encanto de los Zelda, en particular de la entrega de 16 bits (que para muchos es el mejor de la saga). A veces lo consigue, especialmente en lo que respecta al diseño de los puzles y el apartado visual general, y son momentos realmente nostálgicos. 

Pero los problemas en "las tripas" del juego, el control y algunos elementos de diseño, nos han impedido disfrutar completamente de este planteamiento. El juego requiere bastante esfuerzo para "domar" sus fallos. Y es una lástima, porque lo hemos cogido con muchas ganas. 

Si merece la pena Airoheart o no depende precisamente de eso, si vuestras ganas por revivir una aventura de este estilo son suficientes como para sobreponerse a sus trabas. De ser así, seguro que os evoca los inolvidables momentos que nos dejaron los pioneros del género. 

Es fácil explicar el por qué. Es Star Wars, desde luego. No faltan los droides, las armas láser y las naves espaciales, pero profundiza en algo que ya hizo Rogue One y que nos gustó mucho: la guerra desde el punto de vista de las tropas. Sin sables de luz, sin el poder de la Fuerza y sin la nave que hizo la carrera de Kessel en menos de 12 parsec. 

Andor es la historia más cercana, la más visceral y también la más diferente dentro del universo Star Wars. Y además la serie está hecha con cariño y atención por el detalle. La construcción de escenarios y los efectos prácticos (en lugar del abuso de los digitales) dejan una estupenda impresión. 

El uso de la cámara al hombro, los tonos utilizados o el sonido (con la banda sonora casi desapercibida) resultan tremendamente efectivos. La idea es bajar al espectador "al nivel del suelo" en una galaxia muy lejana. Y funciona estupendamente.

No hay humor en la rebelión de Star Wars Andor

Star Wars no es Marvel. Reconozco que en las películas de superhéroes el sentido del humor funciona bastante bien (entre mis favoritas se encuentran Guardianes de la galaxia o Thor Ragnarok), pero esto no se puede extender a la saga galáctica. 

George Lucas ya metía algunas píldoras de humor en las dos primeras trilogías; un humor muy físico, que nos ha dejado alguno de los momentos más bochornosos de la saga. Si Jar Jar Binks hacía una pobre "reinterpretación" de la comedia de los pioneros, como Buster Keaton o Chaplin, lo de Chewbacca gritando como Tarzán en El retorno del Jedi...

Ni siquiera voy a entrar en otros asuntos que han disgustado a los fans, como el desdibuajdo comportamiento de Luke Skywalker en Los últimos Jedi, cuando arroja el sable de luz como si no fuera "un arma noble para tiempos más civilizados".

La cuestión es que este universo se construyó sobre momentos muy dramáticos como Darth Vader estrangulando oficiales rebeldes, Owen y Beru Lars ardiendo junto a su granja de Tatooine o planetas estallando "con millones de voces gritando de terror". Es difícil encajar los momentos de comedia, y si no se hace bien, estropean la escena. 

En Obi Wan Kenobi hemos tenido varios ejemplos (la persecución de Leia en el bosque o la huída a escondidas bajo una gabardina) y en El libro de Boba Fett pudimos ver al cazarrecompensas más implacable de la galaxia bromeando con los moradores de las arenas y reclutando a una pandilla de "moteros" adolescentes.

En Star Wars Andor no hay sentido del humor, hay desesperación. Y no sólo hablamos del personaje interpretado por Diego Luna, sino de los secundarios que viven en un mundo gris, oprimidos por el imperio.

Los cameos no roban el protagonismo de Andor

Los cameos en las series (y películas) de Star Wars son un arma de doble filo. La nueva trilogía: El despertar de la fuerza, Los últimos Jedi y El ascenso de Skywalker, prácticamente se han construido sobre el regreso de los héroes clásicos. Su presencia le roba todo el protagonismo a la nueva generación de rebeldes.

Lo mismo ha ocurrido con las series de Disney +. Luke Skywalker y Ahsoka Tano le dieron una entidad mucho mayor a The Mandalorian. Pero en las producciones posteriores, los cameos se han convertido en "lo importante".

Mando le robaba capítulos enteros a Boba Fett, y probablemente eran los mejores de la serie. Y Anakin Skywalker (o Darth Vader) también se convertían en lo mejor de Obi Wan Kenobi. Pero esto no ocurre en Andor. 

Es una historia nueva, de un personaje al que no conocemos tanto, y que no tiene sentido si se entremezcla con los Jedi. 

En Rogue One hay una serie de apariciones de personajes conocidos que tenían todo el sentido: la joven Leia Organa, Mon Mothma y unos segundos del mejor Darth Vader. Pero estaba claro que no era "su" historia. 

Lo mismo ocurre con Andor. Puede que en los próximos capítulos aparezcan personajes conocidos, sería un desperdicio no aprovechar a Saw Gerrera (confirmado) o al gobernador  Tarkin, pero sólo para darle más fuerza al contexto. 

Cassian Andor en una historia que nunca vimos en Star Wars

La guerra de las galaxias es la historia del "underdog", del triunfo del espíritu rebelde sobre el poder del Imperio (aunque cuentan con la "potencia definitiva del universo"), una metáfora fantástica de la Segunda Guerra Mundial con toques de western y cine de Kurosawa. 

Nos lo han contado una y otra vez. Quizá de nuevo sea lo que veamos en Andor. Pero en el siglo XXI necesitamos a personajes que sangren, que sufran y que pasen miedo. Y Cassian Andor lo es. No voy a entrar en spoilers, pero la primera motivación del personaje es escapar.

Puede que se trate de un nativo del planeta Kenari, pero sus reacciones son completamente humanas. Y como humano, no es perfecto. Aquí no hay discusiones acerca de si "Han disparó primero", vemos a Cassian siendo "expeditivo" con el trato a sus rivales.

Lo mismo podemos decir de los personajes que le rodean (es la primera vez que se intuye una secuencia de sexo en Star Wars). Ya teníamos ganas de abandonar Tatooine y a los grupos de Jawas discutiendo en una esquina de la pantalla. 

Hasta aquí puedo contar, sin entrar en spoilers. Como decía al comienzo del blog, no he visto más que los tres primeros capítulos (que funcionan como introducción a una trama de espionaje). Y sólo espero que los próximos episodios mantengan la línea. 

Con Jon Favreau encargado de la próxima serie de Ahsoka y Dave Filoni inmerso en la temporada 3 de The Mandalorian, Tony Gilroy (showrunner de Star Wars Andor) se convierte en un tercer nombre en que confiar para las futuras producciones de este universo.

En Hobbyconsolas ya os adelantamos los 20 mejores juegos de PSP, pero en esta tertulia, abordamos el catálogo de la consola desde una perspectiva diferente; son los juegos favoritos de nuestros invitados. 

Nos vamos a encontrar con alguno de los juegos más raros de PSP, y también con títulos imprescindibles de la consola, como Castlevania Dracula X Chronicles, GTA, God of War, Metal Gear Solid Peace Walker y Monster Hunter. 

Por supuesto, no podía faltar nuestra valoración de Crisis Core Final Fantasy VII, que muy pronto se lanzará en forma de remake para las consolas actuales con el mismo aspecto visual de Final Fantasy VII Remake y el título Reunion. 

Nuestros recuerdos de PSP

Esta semana, nuestros encargados para hablar de PSP (y para mostrar sus máquinas) son Álvaro Alonso (@alvaroalone_so en Twitter), David Lorao (@Goonielor) David Rodríguez (@david_taiko) y David Martínez (@DMHobby) que os mostrará uno de los UMD que usábamos para hacer los análisis de los juegos. 

Podréis descubrir quién se compró una PSP rosa con purpurina, o cuál de nuestros invitados tuvo que comprar su consola en Hong Kong, antes de que se lanzase en Europa. También hubo quien se la quitaba a su hermano para jugar. 

Como cada semana, además de afrontar un tema principal, dedicamos una parte de nuestro directo y podcast a discutir la actualidad, como la filtración de GTA 6 o el lanzamiento de la consola portátil Logitech G Cloud. 

Y por supuesto, comentamos las aportaciones de nuestros lectores, a través del chat de Twitch y Youtube. El Hobby directo y Hobby Podcast no tendría sentido si no nos acompañáis cada jueves a las 20:00 y nos dejáis vuestro punto de vista. 

Aquí podéis escuchar nuestro podcast (que está disponible en las principales plataformas). Os dejamos los enlaces a continuación:

• HobbyPodcasten iVoox
• HobbyPodcast eniTunes
• HobbyPodcast en Google
• HobbyPodcast en Spotify

Y hasta aquí este último Hobby Directo/Hobby Podcast. Como de costumbre, no dudéis en contarnos qué os ha parecido el programa en los comentarios.

Y reconozco que tengo bastantes esperanzas puestas en la serie. Me encanta la elección de Pedro Pascal (The Mandalorian, Narcos) como Joel, Bella Ramsey como Ellie y la ambientación parece muy fiel al videojuego. Claro que os lo dice alguien que tenía esperanzas en la adaptación de Resident Evil en Netflix, y que luego no pasó de los primeros 14 minutos del primer episodio. 

La cuestión es analizar si la serie de TV tendrá el mismo efecto sobre The Last of Us parte I para PS5 y The Last of Us Parte II para PS4 que ha tenido Cyberpunk Edgerunners sobre Cyberpunk 2077. O la que provocó la serie The Witcher sobre The Witcher 3 Wild Hunt. 

Me refiero a un aumento de las ventas (y del número de jugadores concurrentes) de un juego, años después de su lanzamiento original. En diciembre de 2019, con el estreno de The Witcher en Netflix, el juego alcanzó el mayor número de jugadores simultáneos en steam desde su lanzamiento.  

Y más recientemente, Cyberpunk 2077 ha superado el millón de jugadores con el estreno del anime  Cyberpunk Edgerunners en Netflix. Aprovecho este artículo para recomendaros la serie de Trigger, porque además de una adaptación muy fiel al RPG, es uno de los mejores anime del año. 

Y también hago una acotación. Desde su lanzamiento hasta hoy, Cyberpunk 2077 ha corregido numerosos fallos, ha añadido contenido adicional y además ha recibido las versiones de nueva generación, PS5 y Xbox Series X.

The Last of Us en HBO

Mi apuesta es que si, después del estreno de The Last of Us en HBO, van a dispararse las ventas del juego de Naughty Dog. Y si "me tiro a la piscina", creo que sería el momento perfecto para lanzar TLOU Parte I en PC (confirmado, pero aún sin fecha). 

Desde nuestra "burbuja", todo el día rodeados de noticias de videojuegos, tendemos a pensar que todo el mundo conoce estos nombres, y más cuando han pasado por tres generaciones diferentes de consolas. Pero la verdad es que una serie de TV es un escaparate que llega a mucho más público y puede atraer la atención de gente que no hubiese tocado una consola antes.

Cómo han cambiado los tiempos. Qué lejos quedan las horribles adaptaciones de videojuegos que sufrimos a partir de Super Mario Bros (la película de 1993, no la que está preparando Nintendo con Chris Pratt para 2023). 

Aquí os dejo nuestro especial Del juego al cine, con todas las películas adaptadas de videojuegos.

Y qué curioso resulta echar la vista atrás para descubrir que antes era al revés: eran los videojuegos quienes se inspiraban en el cine. A veces nos dejaban obras excepcionales, como aquellos Batman o Robocop, pero la mayoría de las adaptaciones eran "prescindibles". 

Hoy podréis ver en Hobbyconsolas los trailers de The Last of Us en HBO y juzgar por vosotros mismos si va a convertirse en el siguiente bombazo de la plataforma, como La casa del dragón, y si creéis que dará un nuevo empujón a las ventas del juego.  

El estudio ya ha manifestado que su intención es conseguir que los jugadores se sientan perdidos, como si fuesen arrojados a un mundo extraño y diferente. Y la verdad es que lo han conseguido. Los primeros minutos de Scorn son desconcertantes. 

Nuestro personaje (al que controlamos en primera persona), sufre una serie de visiones, en las que se adivina una estructura gigantesca, una especie de torre. No tenemos más pistas, así que imaginamos que nuestro objetivo es llegar allí y quizá descubrir quiénes somos y cómo escapar de este laberinto. 

Porque, en efecto, los niveles que hemos visitado eran un laberinto de túneles, puertas e interruptores. La atmósfera, como podéis ver, replica el estilo de HR Giger, tal y como hemos visto, por ejemplo en Alien. Es decir, que todos los elementos de los que os hablamos tienen un diseño biomecánico muy intrincado, y a veces un poco repugnante. 

La ambientación general está muy conseguida: ni siquiera hemos tenido encuentros con otros personajes, y aún así tenemos la sensación de que alguien nos observa, como si el peligro estuviese a la vuelta de la esquina. 

Para conseguir esta sensación, el juego combina una iluminación "apagada", una neblina que nos "asfixia" y un apartado sonoro que pone los pelos de punta. En la demo de Gamescom 2022 no había interfaz ni indicadores que nos ayudasen a orientarnos,  tan sólo una señal al acercarnos a los objetos con que se puede interactuar.

Impresiones de Scorn para PC y Xbox Series

El primero de estos dispositivos era una terminal en que metíamos el brazo (la verdad es que era un aparato viscoso que nos lo hizo pensarlo dos veces), para que nos "inyectaran" una especie de sonda, con que activar otras máquinas.

Y así llegamos a una sala más amplia, que nos recordaba a la estancia del "space jockey" de Alien y Prometheus, en que había varios interruptores, un ascensor y un sistema de raíles por los que mover vagonetas. 

Después de dar unas cuantas vueltas y reconocer todas las posibilidades, decidimos que había que colocar una cápsula sobre una vagoneta y llevarla hasta un dispositivo parecido a una máquina de tortura, con una sierra circular. Pero nada es tan sencillo en Scorn. 

Para liberar la cápsula, primero hay que enfrentarse a otro puzle, bastante complicado, en que recolocamos las piezas de un mural. La verdad es que echamos de menos algunas pistas, hasta que conseguimos liberar y destrozar la elipse. 

Y el resultado también era bastante desagradable. En el interior de la cápsula había un ser deforme, que emitía gruñidos de dolor mientras lo destrozábamos. ¿Por qué? No es que supusiera ninguna amenaza, pero necesitábamos su brazo -también con una sonda- para activar un nuevo interruptor y seguir avanzando. 

Más adelante en el juego conseguimos nuestras armas (también de bioingeniería) y participaremos en los primeros enfrentamientos, pero queremos hacer hincapié en que los grandes pilares del juego son la atmósfera, la exploración y los puzles. Aunque Scorn se desarrolle en primera persona no es ningún FPS. 

El juego que distribuye Kepler Interactive es muy especial -no es para todos los públicos, desde luego- y en nuestra toma de contacto nos ha parecido que tenía un buen apartado técnico, y conseguía transmitir sensaciones únicas. 

Al menos en los primeros minutos, parece que consigue aquello que otros juegos, como Agony o Lust From Beyond ya intentaron, pero que no consiguieron completamente, la perfecta traslación del universo de HR Giger a un videojuego.  En general, nuestras impresiones de Scorn nos han dejado con ganas de más.

Hemos podido disfrutar de una demo en el evento Square Enix Plays 2022, en que estaban presentes los lanzamientos más próximos de la compañía, como Crisis Core Final Fantasy VII Reunion, Star Ocean The Divine Force o Valkyrie Elysium. Casi como visitar el stand de la compañía en el Tokyo Game Show. 

Pero centrémonos, ¿qué es lo que nos espera en el próximo Dragon Quest, que se lanzará el 9 de diciembre en Switch? En nuestras primeras impresiones nos ha dado la impresión de que era una versión simplificada de las grandes aventuras a las que nos tiene acostumbrados la saga. Más sencillo, pero no peor. 

La demo comenzaba presentado a sus dos protagonistas, los hermanos Erik y Mia, a los que conocimos en Dragon Quest XI Echoes of An Elusive Age. Ambos se encuentran a bordo de un barco vikingo, un drakkar, en que  los piratas bailan, beben y fanfarronean sobre los tesoros que han capturado. 

Basta escucharles para que a nuestros protagonistas les dé un poco de envidia, y escapen del barco para conseguir su propio botín. Entendemos perfectamente esa sensación de los hermanos, pensando en demostrar de lo que son capaces. 

Tras una secuencia de infiltración muy sencilla, que más bien consiste en encontrar una ruta alternativa, y un par de chistes con el sentido del humor habitual de la saga, los jóvenes llegan a la cubierta del barco y se encuentran con dos compañeros. 

Los aventureros de Dragon Quest Treasures

Seguro que no lo hubierais imaginado: estos dos nuevos amigos son un cerdo con alas, Porcus, y una gata voladora, Purrsula, y van a estar a nuestro lado durante toda la aventura. Al principio sólo escuchamos sus gruñidos, pero pronto nos las vamos a apañar para entender lo que dicen.

De hecho, en cuanto partimos con nuestro bote y llegamos a la primera isla, encontramos una mazmorra. Y el tesoro que esconde son dos dagas mágicas (una para cada hermano) que nos otorgan esta habilidad, y que además son un arma estupenda para defenderse en el archipiélago de Draconia, en que se desarrolla Dragon Quest Treasures. 

A partir de este punto arranca el juego "de verdad". ¿Y cuáles son sus mecánicas principales? Pues tenemos una parte de exploración y combates, como en cualquier RPG, pero en este caso están aderezados con la "caza" de criaturas, para que se unan a nuestro grupo y nos presten sus habilidades. 

En lo que pudimos jugar encontrábamos un limo (una de las criaturas más emblemáticas de la saga) que nos enseñaba a usar la "visión del tesoro". Es una habilidad que muestra imágenes mentales de los tesoros escondidos, como si fuesen una fotografía. Y una vez que hemos visto los puntos de referencia, ya sólo nos queda encontrar la zona señalada, cavar y hacernos ricos...

Con el limo en nuestro equipo (bastante simpático, la verdad), también podemos forzar un candado, que nos da paso a nuevas localizaciones en que encontrar nuevas criaturas, nuevos tesoros y por supuesto, nuevas habilidades. 

Al menos en los primeros compases del juego (que hemos probado en modo portátil y rinde de maravilla) este ciclo funciona muy bien. Como hemos dicho antes, nunca resulta muy exigente, ni promete ser tan ambicioso como una de las entregas canónicas, pero a nosotros nos ha bastado para pasar un buen rato. 

Ya tenemos que añadir que la banda sonora, los diseños de estilo anime de Akira Toriyama (creador de Dragon Ball) y la construcción de personajes a que nos tiene acostumbrados Yuji Horii (Dragon Quest, Chrono Trigger) funcionan tan bien como siempre. 

En esta pequeña demo (que estaba limitada por tiempo) nos quedamos con la impresión de que Dragon Quest Treasures es un juego perfecto para quienes no se atrevan con un gigantesco RPG tradicional, pero quieran disfrutar de la ambientación y las características únicas de la.saga. 

Por último os recordamos que Dragon Quest Treasures se lanzará en Nintendo Switch el próximo 9 de diciembre. 

Sobre el papel, es una oportunidad fantástica de disfrutar de una "space opera" (historias como Star Wars o Mass Effect) con las mecánicas de los J-RPG más tradicionales, y en cierto modo, el modo en que se ha plasmado nos recuerda a juegos como Xenoblade Chronicles.

Hemos tenido ocasión de jugar a la versión final de Star Ocean The Divine Force en el evento Square-Enix Plays 2022 (como parte de los juegos que se han mostrado en el Tokyo Game Show), y la verdad es que nos gusta su propuesta, pero tenemos la sensación de que aún requiere algo de trabajo y "refinamiento".

Tened en cuenta que el juego se lanza el próximo 27 de octubre. Si queréis saber qué otros lanzamientos de Square-Enix estaban presentes en el evento, aquí os dejamos nuestras impresiones de Valkyrie Elysium y Crisis Core Final Fantasy VII Reunion. 

Teníamos la oportunidad de probar Star Ocean The Divine Force partiendo desde dos puntos de guardado, y con un límite de tiempo. Nosotros hemos comenzado en el nivel 3, controlando un equipo formado por Raymond (al que todos llaman Ray), la princesa Laeticia  Aucerius y su caballero Albaird Bergholm.

Aprovechamos para recordaros que esta es la primera entrega en la serie que nos permitirá escoger entre dos personajes, y ofrecerá una perspectiva diferente para cada protagonista: Raymond se acerca más a la ciencia-ficción y Laeticia a la fantasía.

Este punto de juego nos arrojaba directamente a un escenario abierto, en que las ruinas y las praderas estaban salpicadas de grupos de enemigos, y también de monstruos enormes a los que -en los primeros niveles- era mejor evitar. 

Combates en Star Ocean The Divine Force

Esta disposición de los mapas es lo que nos ha recordado a Xenoblade, aunque por supuesto Star Ocean tiene sus particularidades. En lo que respecta al combate, nos encontramos con un sistema híbrido, que nos permite movernos, saltar y atacar en tiempo real. 

Sin embargo, estos movimientos están limitados por una barra de acción. Tenemos que recuperarnos (simplemente alejándonos del combate) antes de volver a atacar, y eso hace que tengamos que sopesar nuestros ataques. Hay una parte de habilidad, y también una de estrategia. 

En una cápsula, Ray encuentra el dispositivo D.U.M.A. 04213 que sirve como asistente mecánico, y determina las habilidades del personaje. Nos referimos a que, aunque no lo podamos controlar, el robot nos permitirá lanzarnos en combate o bien realizar pequeños vuelos en las fases de exploración.

A partir de ese momento, nos resulta mucho más sencillo alcanzar zonas del mapa, como un enorme bosque (plagado de secretos y enemigos) o el pueblo de Larcette. En general, estas zonas abiertas muestran bastante verticalidad en el desarrollo, y tienen un estilo artistico bastante personal. 

El apartado técnico de Star Ocean The Divine Force

Pero hemos comenzado nuestras impresiones de Star Ocean 6 diciendo que no era todo lo que esperábamos, ¿por qué? Pues porque el apartado técnico -lo hemos jugado en PS5- no parecía completamente acabado.

Los personajes se movían con brusquedad (hay que insistir en que aunque el juego estuviera completo, no es la versión definitiva) y en general los escenarios nos han parecido poco inspirados. Para tratarse de un juego con una ambientación sci-fi, en los primeros compases nos hemos encontrado elementos muy genéricos. 

Tampoco las criaturas más básicas (sí los monstruos más grandes) nos han cautivado. En incluso nos hemos encontrado algunos glitches.

En su favor, eso sí, nos hemos encontrado con la integración de la vibración háptica del mando Dualsense en la versión de PS5, y la banda sonora nos ha gustado mucho. 

Dentro de muy poco, con el lanzamiento de Star Ocean The Divine Force, os ofreceremos un análisis completo de este esperado RPG.  

Se han publicado los datos oficiales de GFK que corresponden al mes pasado, y estamos de enhorabuena. Habéis elegido a Hobbyconsolas para informaros con todas las noticias sobre la feria Gamescom, con los estrenos más importantes de la temporada, como Los anillos de Poder o La casa del dragón y análisis de los nuevos juegos como Cult of The Lamb o TMNT Cowabunga Collection.

El resultado es que hemos tenido un crecimiento de usuarios únicos en España en agosto, rozando los 2 millones de lectores. Estamos seguros de que vuestras vacaciones habrán sido un poco más divertidas con nuestros contenidos como protagonistas de vuestras lecturas. 

En nuestra página oficial podéis consultar las Audiencias de todas las publicaciones de Axel Springer en Videojuegos y entretenimiento, Tecnología, Motor e información general. 

Hobbyconsolas se debe a sus lectores, y cada mes hacemos nuestra revista y nuestra web con la mayor ilusión; poniendo nuestro entusiasmo y nuestro amor por los videojuegos en cada artículo. Por eso, es un premio muy especial regresar al número uno. 

Y todo esto no tendría sentido si no lo compartimos con vosotros, con las compañías, desarrolladoras y toda la industria nacional. Queremos que seáis partícipes de nuestras cifras, porque aquí hemos venido a jugar, y a hacer cada vez más grande este hobby que nos encanta. 

Además, elnúmero uno deHobbyconsolas en las listas de audiencia, coincide con la celebración del día mundial del videojuego, una tradición que se fundó en la editorial Axel Springer. 

Estamos seguros de que esta tendencia de crecimiento va a continuar, y que nos estáis acompañando también en el mes de septiembre, con análisis de nuevos juegos tan esperados como The Last of Us Parte I, Splatoon 3, toda la cobertura del Tokyo Game Show y nuestras críticas de las mejores series: Cobra Kai, La casa del dragón o Los anillos de poder 

Una vez más, muchas gracias y enhorabuena a todos. Vuestra confianza en Hobbyconsolas es la mejor recompensa para nuestro trabajo. Y si queréis recibir aún más información, no olvidéis suscribiros a nuestras newsletter semanales.

Pero el juego protagonizado por Zack Fair no ha sido el único que título que nos ha impresionado. Os adelantamos que nos llevamos muy buenas impresiones de Valkyrie Elysium, un J-RPG que interpreta la mitología nórdica de un modo muy especial, y que ha conseguido engancharnos en poco más de 30 minutos de juego. 

Antes de pasar a nuestras impresiones, os recordamos que Valkyrie Elysium tiene una demo disponible en PS4 y PS5, que podéis descargar gratis, y cuyo progreso se podrá trasladar al juego final, que se pone a la venta el próximo 29 de septiembre. 

Para ponernos en situación, en el juego interpretamos el papel de una joven valquiria, una de las guerreras mitológicas que servían a Odín (las Disir) y que eran encargadas de seleccionar a los mejores guerreros caídos en la batalla. 

En este caso, el padre de todos los dioses nos ha encargado que detengamos el Ragnarok, el final de los tiempos. Y para ello, además de la ayuda de los caídos, tendremos que usar la espada y nuestras habilidades mágicas. 

Valkyrie Elysium es un RPG de acción, con un apartado visual muy cuidado y una dirección artística única: modelos y escenarios muestran unos márgenes "rotulados" como si se tratase de un juego "cell shading", pero las texturas están muy detalladas, y los rostros en particular son de gran belleza. 

Durante la demo, nos hemos podido familiarizar con el sistema de combate y la exploración. En cuanto a los enfrentamientos (contra los no muertos), podemos combinar ataques rápidos y fuertes, con una barra de acción, y cambiar en cualquier momento entre armas -lanzas y espadas imbuídas con el poder de Odín-.

Como ya hemos dicho, la habilidad única de las valquirias era recuperar las almas de los caídos, y en este caso se traduce en la posibilidad de invocar guerreros que nos ayuden en el combate. Estos Einherjar son los que ofrecen mayor profundidad al desarrollo. 

No sólo resultan de gran ayuda (la IA nos ha parecido bien ajustada), sino que además nos abren rutas de exploración. En la demo teníamos disponibles dos guerreros para invocar (por separado o bien, si la pelea se pone cuesta arriba, al mismo tiempo). 

Uno de ellos contaba con un arma cuerpo a cuerpo, y la segunda poseía un arco. Como hemos dicho, podemos seleccionar a zonas del escenario para que nos abran nuevas rutas. El einherjar del arco puede disparar a zonas aéreas bloqueadas para crear plataformas, sobre las que podemos saltar, y su compañero es capaz de destruir rocas que nos impiden el paso. 

A esto hay que añadir artes divinas, que es el modo en que se ha bautizado a las magias, y que nos permiten lanzar relámpagos que hacen daño a grupos de enemigos (acompañados de espectaculares efectos visuales).

¿Queréis más? Pues para evitar los "tiempos muertos" en medio de una batalla, también podemos usar una especie de "lazo" espiritual, para acercarnos de inmediato al enemigo que hayamos fijado.

La combinación de los combos, en tierra o aéreos, las artes divinas y las invocaciones consiguen que los enfrentamientos sean muy dinámicos y llenos de posibilidades, pero al mismo tiempo nos han parecido intuitivos y recompensan la habilidad del jugador, sin volverse confusos. 

La demo de Valkirye Elysium no profundizaba demasiado en el aspecto argumental. Después del tutorial de combate viajábamos al Valhalla para hablar con Odín, que ya había perdido el ojo y había sufrido un enfrentamiento con el lobo Fenrir. 

Allí (los salones del Valhalla también se pueden explorar), nos encargaba nuestra primera misión: viajar hasta Midgard para purificar diferentes entornos abiertos. Y claro, es una manera elegante de decir que tenemos que librar nuevos combates contra un ejército de almas corrompidas. 

No hemos podido dedicar más tiempo a Valkyrie Elysium en la presentación, pero sí hemos tenido "una cucharada" de las posibilidades de mejora, a través de gemas mágicas que dejan caer los enemigos, y hemos recogido un nuevo arma: la lanza de fuego. 

Y también podemos adelantar que nos ha gustado el modo en que aprovecha la vibración háptica del mando Dualsense de PS5, incluso con efectos para los pasos de nuestra guerrera. 

Esta toma de contacto nos ha dejado un estupendo sabor de boca, con perdón de Crisis Core, se trata del juego que más nos ha gustado de cuantos estaban en el Square Enix Plays 2022, pero lo mejor es que aclaréis cualquier duda probándolo por vosotros mismos en la demo antes de su lanzamiento. 

En el Square-Enix Plays 2022 se daban cita lanzamientos del calibre de Valkyrie Elysium, Star Ocean The Divine Force, The Diofield Chronicle y, por supuesto Crisis Core Final Fantasy VII Reunion (que es sólo el primero de los tres juegos de la saga en desarrollo, junto con FFVII Rebirth y FF XVI). 

Se trata de un juego protagonizado por el miembro de SOLDADO Zack Fair, cuya historia completa los acontecimientos de Final Fantasy VII Remake y que se lanzará en diciembre de 2022. Con una fecha tan cercana, no es de extrañar que hayamos probado una versión del juego muy acabada.

En este caso, la demo de Crisis Core, tenía una duración máxima de 30 minutos, y abarcaba aproximadamente los  dos tercios finales del primer capítulo (incluyendo algunos tutoriales del sistema de combate). 

Podemos resumir todo lo que ofrece en pocas palabras. Se trata de la misma historia original que disfrutamos en 2008 en PSP, pero incorporando mejoras que hemos visto en el "remake" de Final Fantasy VII, y que afectan tanto a los aspectos jugables como a la parte visual y sonora. 

Como ya os adelantamos en nuestra entrevista exclusiva con el equipo creativo del juego: Tetsuya Nomura, Yoshinori Kitase y Mariko Sato, se trata de un producto que se encuentra a medio camino entre el "remaster" (por lo que respeta del original) y el "remake". 

La demo (que hemos jugado en versión PS5) comienza en la arena de Fort Tamblin, mientras Zack trata de repeler un ataque. Nuestro personaje, un SOLDADO de segunda clase, se encuentra en nivel 6, y aún no porta la característica "buster sword".

La verdad es que esta demo de Crisis Core Final Fantasy VII Reunion está centrada en el combate. Primero contra las tropas invasoras y después contra enemigos de mayor nivel: los monstruos anti-soldado Wu y Tai, y el mismo Ifrit (si, la famosa invocación de fuego de la saga). 

En cuanto al sistema de lucha, hay poco que añadir sobre lo que vimos en el remake de FFVII. Se trata de un estilo muy equilibrado, que se desarrolla "casi" en tiempo real, pero nos permite usar ataques especiales, magias y objetos, como si estuviéramos luchando por turnos. Se podría calificar como un sistema híbrido.

Esta entrega incorpora su propio sistema de Limit break, conocido como DMW (Digital Mind Wave). Este sistema funciona como una tragaperras: en el margen superior izquierdo de la pantalla podremos ver cómo pasan las caras de distintos personajes (una galería que podemos hacer crecer a medida que avanzamos).

Dependiendo de qué personajes aparezcan cuando la "ruleta" se detiene, el jugador obtiene alguna ventaja (como atacar sin consumir magia o puntos de acción), algún estado especial o la posibilidad de realizar golpes especiales.

En cuanto al resto de posibilidades, a cualquiera que haya jugado FFVII Remake le van a resultar tremendamente familiares. 

Quizá una demo no sea la mejor muestra para hablar de la parte argumental, pero os podemos adelantar que la sección de juego seleccionada para el Square-Enix Plays (y para el Tokyo Game Show) incluye dos apariciones que los fans van a reconocer. 

Nos encontramos con una jovencísima Yuffie, que se presenta a sí misma como la guerrera más joven de WuTai, y por supuesto con Sephiroth, que es uno de los ídolos de Zack.

No hemos podido profundizar en el sistema de progreso y mejora de habilidades, pero si os podemos hacer algunos comentarios sobre los aspectos técnicos. Lo hemos jugado con el doblaje en japonés, pero el juego final contará también con voces en inglés. Y en general el apartado sonoro nos ha resultado impecable. 

En lo gráfico, sin embargo, encontramos luces y sombras (recordad que se trata solamente de una demo). El aspecto de los protagonistas principales está muy cuidado, son expresivos y se mueven de un modo muy fluido. 

Por el contrario, los personajes secundarios, como el director Lazard, no nos han parecido tan bien trabajados. Lo mismo podemos decir de los escenarios, que alternan zonas muy detalladas con otras un tanto "genéricas". 

Para que tengamos una referencia, es como si volviésemos a las primeras versiones de FFVII Remake, antes de que se arreglasen con sucesivos parches. Pero claro, hay que tener en cuenta que Crisis Core FFVII Reunion se lanzará años después, y que hemos probado la versión de PS5 (por cierto, tampoco hemos notado la integración de funciones específicas del Dualsense).

No sabemos si Square hará pública esta demo en las diferentes tiendas digitales, si es así, podréis descubrir por vosotros mismos cómo arranca la historia de Zack y Angeal, y el misterio que rodea a los soldados de primera clase: Genesis.  

El cualquier caso, la fecha de lanzamiento de Crisis Core, el próximo 13 de diciembre, en todas las plataformas, ya está muy cerca.

No es una historia nueva. Lo hemos visto en la nieve (Infierno blanco, 2011), en los pantanos (Rogue, 2007) o en medio del mar (Infierno azul, 2016). Pero me sigue resultando apasionante. Porque lo que vamos a ver -además de a un animal devorando gente- es el triunfo (o no) del hombre en las situaciones más extremas. 

Antes de hablar de la película (y hay mucho que decir), permitidme que os ponga en situación.

Cuando era pequeño, me contaron la historia de una persona que se había bajado del coche durante un safari para filmar a los leones y terminó devorada. No supe si aquello era verdad o sólo se trataba de un "cuento" para que nos portásemos bien... hasta unos años después.

Resulta que aquel turista alemán protagonizaba de una de las secuencias más impactantes de Hombres salvajes, Bestias salvajes, un documental del género mondo de 1975. Está grabado cómo una leona se acerca por su espalda y acaba con él, ante los gritos de su mujer y los pitidos de otros coches. Y como podéis ver, se me quedó grabado.

Años después, disfruté muchísimo con Los demonios de la noche, un película de 1996 con Val Kilmer y Michael Douglas basada en un hecho real; la caza de dos leones -el Fantasma y la Oscuridad- que mataron a los hombres que construían el ferrocarril de Tsavo, en Africa, a finales del siglo XIX. 

Toda esta introducción a nuestra crítica de La bestia, es sólo para justificar que la historia tiene trazas de realidad... y que me gusta el género de "leones que se comen a personas". Si a vosotros también, estáis en el lugar adecuado. 

Por cierto, con todas estas manías de "devorahombres" también aprendí que el golpe más fuerte que puede dar un animal es el coletazo de una ballena, después la coz de una jirafa, y el tercer golpe más poderoso es el zarpazo de un león... pero eso no va a detener a nuestro protagonista.  

Ahora bien, el modo más sencillo de definir la cinta es que es un auténtico desastre. Casi todo funciona mal, pese a que el planteamiento promete. Era un regalo envenenado.

Crítica a lo Bestia

No vamos a entrar en el -muy previsible- argumento ni en el trasfondo de los personajes. Pero baste decir que una de las hijas adolescentes que acompañan al doctor Nate Samuels arranca la película con una camiseta de Jurassic Park. 

Es un buen guiño; la idea de poner a niños en situaciones de pánico funciona muy bien (no creo que nadie se haya olvidado del pequeño Alex en su colchoneta en Tiburón). Pero en este caso están completamente desaprovechadas. Sus diálogos son incoherentes, y la relación con su padre queda desdibujada, pese a los intentos de darle credibilidad. 

Que los otros dos protagonistas se comporten como el peor doctor de la profesión médica y el peor cazador de toda Sudáfrica sirve a la historia, pero no deja de sacar al espectador de la situación. Incluso el león deja de comportarse como tal para parecerse a un "malo" de cartón piedra, que pierde el olfato y el oído cuando conviene al guión. 

Así que en poco más de 90 minutos de metraje toda la épica de hombre contra naturaleza, la supervivencia y las pinceladas de terror, se van desvaneciendo para terminar en una aventura casi infantil.

Creedme si os digo que la resolución carece de toda épica. El espectador espera una resolución desesperada, visceral, tan salvaje como los dos protagonistas, y se encuentra con algo previsible y, de nuevo, que rompe las reglas de lo que se ha tratado de construir.

Incluso la fotografía, para una película rodada en Sudáfrica, está desaprovechada. No se saca partido a la luz, ni la exuberante naturaleza de la sabana. No esperéis planos de "los cinco grandes" ni grandes paisajes.

Con poco esfuerzo se pueden encontrar algunas lecturas subyacentes bajo la aventura: la crítica a los cazadores furtivos, o el paralelismo entre el león y el propio Dr. Daniels, como defensores de la manada (o de su familia). Nada demasiado profundo ni innovador.

El rey león

Pero no todo es malo en La bestia. También hay secuencias emocionantes y dos personajes protagonistas, Nate y el león, capaces de soportar todo el peso de la película. Ambos tienen un enorme magnetismo, y el felino es majestuoso y amenazador. 

La verdad es que aunque el rostro del animal se haya "humanizado" para darle unos rasgos más amenazadores, siempre que aparece "se come" la escena. Es un recurso que funciona muy bien tanto en imagen como en lo sonoro, porque sus rugidos consiguen poner los pelos de punta.

Entonces, ¿merece la pena ver La bestia? Se trata de una cuestión de expectativas. El planteamiento es de sobra conocido, la ejecución es simplemente correcta y el guión hace aguas por todas partes. Pero reconozco que me lo he pasado bien.

Y sobre todo, como hemos mencionado antes, los dos protagonistas tienen un atractivo innegable. Podía haber sido mucho más, pero se queda en un olvidable entretenimiento veraniego.