Si quieres descubrir todas las producciones en las que ha muerto y revivido, no te pierdas este artículo, en el que también se señalan sus próximos proyectos audiovisuales.

Qué fue de Michelle Rodriguez

Mayte Michelle Rodriguez nació en Texas, Estados Unidos, en julio de 1978, como la hija de una mujer dominicana y un hombre puertorriqueño, un par de territoritos en los que estuvo viviendo durante su infancia y adolescencia hasta que de adulta se mudó a Nueva Jersey.

Con intención de acabar convertida en guionista y directora de cine, Michelle Rodriguez se introdujo en el mundo de la interpretación con muy buen pie: convirtiéndose en la protagonista de la película independiente sobre boxeo Girlfight (2000) de Karyn Kusama, un papel con el que se hizo superando a otras 350 aspirantes al puesto.

La interpretación de Michelle Rodriguez como Diana Guzmán le valió premios en múltiples festivales y el aplauso de la crítica, abriéndole las puertas de Hollywood al instante a través de dos exitosas franquicias.

Michelle Rodriguez se hace inmortal

Su papel inicial más sonado fue el de Letty Ortiz, la protagonista de A todo gas (2001) de Rob Cohen, para la primera película de la saga Fast & Furious. A pesar de ser un largometraje centrado en la conducción, Michelle Rodriguez no tenía carné en aquel momento, y tuvo que aprender a conducir durante la producción de la cinta.

Pese a que A todo gas tuvo un par de secuelas, Michelle Rodriguez no regresó a la saga hasta 2009 con su cuarta entrega, Fast & Furious: Aún más rápido de Justin Lin, en la que nos hicieron creer que su personaje moría en una explosión.

Casi como por arte de magia, Fast & Furious 6 (2013) logró justificar el regreso de Letty a la saga, para que luego pudiéramos volver a verla en todos los largometrajes que la siguieron hasta la reciente Fast & Furious X (2023) de Louis Leterrier. Y, en un futuro próximo, la tendremos de vuelta para la última entrega de la serie con Fast Forever.

La segunda saga de éxito en la que vimos a Michelle Rodriguez poco tiempo después de su debut en Fast & Furious fue en las adaptaciones para la gran pantalla de los videojuegos de zombies de Capcom, que arrancaron con Resident Evil (2002) de Paul W. S. Anderson convirtiéndola en Rain Ocampo, una soldado de Umbrella.

Por desgracia, el personaje de Rain Ocampo moría en aquella película, lo que apartó a la intérprete de un posible regreso en sus tres secuelas. No obstante, Paul W.S. Anderson decidió rescatarla de una manera muy fantasiosa, a modo de clon, para Resident Evil: Venganza (2012), siguiendo la estela de Letty en Fast & Furious.

Aunque, de nuevo, el personaje moría y aquella vez ya fue la definitiva, por lo que no pudimos ver a Michelle Rodriguez en el desenlace de la saga con Resident Evil: Capítulo final (2017).

Entre tanto, Michelle Rodriguez también se labró un nombre en la serie Perdidos (Lost), donde encarnó a la policía Ana Lucia Cortez entre 2005 y 2010, hasta que murió de un disparo, pero sin regresar a la producción tras la tragedia.

Sin embargo, su destino de estar reviviendo de manera constante en pantalla lo repitió como Luz en Machete (2010) de Robert Rodriguez y Ethan Maniquis, un personaje al que parecía haberse dado por muerto tras un disparo, pero del que sobrevivía para regresar en la secuela Machete Kills (2013).

Tras aquella larga trayectoria de fallecimientos y resucitaciones, no es de extrañar que la actriz de Fast & Furious ya estuviera cansada de esa dinámica cuando James Cameron le ofreció regresar como Trudy Chacon en Avatar: El sentido del agua (2022) después haber matado a su personaje en Avatar (2009).

De este modo, la actriz de Resident Evil prefirió que Trudy Chacon hubiera muerto “como una mártir” en la primera entrega de Avatar y ser fiel a su personaje, que regresar a una de las mayores franquicias en las que ha estado involucrada.

“No lo entiendo, es muy raro. Supongo que no saben qué hacer con la chica que no tiene novio”, reflexionó la actriz de Avatar: “No tiene novio. ¿Deberíamos mantenerla con vida o matarla?”

Michelle Rodriguez en la actualidad

Michelle Rodriguez se introdujo poco después de esas declaraciones en otro prometedor universo, al convertirse en Holga Kilgore, una de las protagonistas de Dungeons & Dragons: Honor entre ladrones (2023) de John Francis Daley y Jonathan M. Goldstein.

Si bien la película fue muy prometedora, se ganó un fandom consolidado y hay mucho interés por parte del equipo en continuar con la franquicia, la posibilidad de que se lance una secuela todavía está en el aire. Eso sí, Holga moría en la cinta, y no parece probable que Michelle Rodriguez quiera volver a ser inmortal…

Por tanto, en estos momentos los proyectos más destacados que tiene la actriz de Machete en el horizonte son Fast Forever, que se estrenará en 2028, y también Ray Gunn, la nueva película de animación de Brad Bird que llegará a la cartelera este mes de diciembre, con ella poniendo voz a Roz Dexler.

Ahora que ya sabes lo que fue de Michelle Rodriguez, te invitamos a descubrir a algunas celebridades como Linda Blair, la niña de El Exorcista que nunca se ha separado de la franquicia o Clive Barker, el escritor de terror que revolucionó el género en los 80 con Hellraiser y que promete volver por todo lo alto.

Cada semana publicaremos nuevas historias de otras estrellas míticas cuyas vidas también dieron un giro inesperado como en el caso de Michelle Rodriguez, la actriz de Residen Evil que volverá para el final de Fast & Furious.

Si bien la vimos por última vez en una serie de Amazon Prime Video, desde hace un par de años estamos notamos su ausencia en cine y televisión. Si quieres descubrir todos los detalles sobre su ausencia, no te pierdas este artículo.

Qué fue de Bárbara Goenaga

Bárbara Goenaga Bilbao nació en San Sebastián, Guipúzcoa, en verano de 1983, como la hija del pintor Juan Luis Goenaga, y la sobrina de Aizpea Goenaga, una actriz y directora de cine.

Ya a los tres años, Bárbara Goenaga hizo su primera aparición en televisión para la serie Bai Horixe, y a los nueve participó en su primer largometraje, Los años oscuros (1992) de Arantxa Lazcano.

Durante su infancia y adolescencia continuó trabajando como actriz en series de televisión, hasta que a los 15 años se mudó a Madrid para ser una de las protagonistas de producciones como El grupo o A medias.

Con 20 se convirtió en la protagonista de su primera película: El regalo de Silvia (2002) de Dionisio Pérez Galindo, aunque su papel más destacado en la gran pantalla le llegó unos cuantos largometrajes después, siendo 2007 uno de sus mejores años como actriz de cine.

Por un lado, la vimos en Los cronocrímenes (2007) de Nacho Vigalondo. Eso sí, aunque esa sea de las películas más notables de su carrera, no es en la que tuvo un papel más significativo, ya que el peso de la trama recaía sobre todo en su compañero de reparto Karra Elejalde.

Por otro lado, también apareció en la cinta Oviedo Express (2007) de Gonzalo Suárez, por la que estuvo nominada al Goya como mejor actriz revelación, pero se lo terminó llevando Manuela Velasco por REC (2007).

En los años posteriores, vimos a la actriz de Los cronocrímenes en películas como La buena nueva (2008) de Helena Taberna o Estrellas que alcanzar (2010) de Mikel Rueda. Pero en cine no estaba terminando por despuntar.

Todo cambió cuando en el año 2013 volvió a centrar su carrera en la televisión durante un tiempo, uniéndose al reparto de la serie Amar es para siempre, la secuela de Amar en tiempos revueltos, en el papel de Inés Saavedra Bermejo. Aquella se convirtió en la producción más longeva de su carrera, donde la vimos actuar en más de 160 episodios.

Aunque, tan solo un año después, se dejó caer por algunos capítulos de otro gran estandarte de la televisión en nuestro país, a través de Cuéntame cómo pasó, en la que dio vida al personaje de Lucía.

Bárbara Goenaga después de Amar es para siempre

Tras su paso por aquellas dos series de éxito, volvimos a verla en películas como: Pikadero (2015) de Ben Sharrock, La punta del iceberg (2016) de David Cánovas, Operación Concha (2017) de Antonio Cuadri, 70 binladens (2018) de Koldo Serra o Para entrar a vivir (2022) de Pablo Aragüés.

Aun así, la televisión siempre ha sido un medio que ha compaginado con el cine, por lo que del mismo modo se pasó por otras series posteriores, de menor impacto y que se quedaron a las puertas de la renovación tras sus primeras temporadas, como la vasca Eskamak kentzen (2016), la española iFamily (2017), o la mexicana No te puedes esconder (2019).

Durante los últimos años, la mayor parte de su producción audiovisual ha seguido recayendo en series sin demasiado calado. Supernormal de Movistar Plus casi podríamos considerarla su mayor éxito, pues logró renovarse para una segunda temporada.

En 2022 la vimos en las miniseries Sin límites de Amazon Prime Video y La noche más larga de Netflix. Y en 2024 regresó a Prime con La Academia, un drama adolescente sobre fútbol que se convirtió en su estreno más reciente, puesto que no ha vuelto a ponerse detrás de las cámaras desde entonces.

Bárbara Goenaga en la actualidad

De manera paralela a la interpretación, Bárbara Goenaga creó en el año 2014 una marca de joyería artesanal conocida como Soulbask, para la que ha diseñado joyas que han llegado a utilizar desde celebridades como Dakota Johnson o Maribel Verdú hasta la mismísima Reina Letizia.

Pero aquel no fue el motivo que la alejó del mundo audiovisual en los últimos años, puesto que ya había estado compaginando su negocio con la actuación durante una década.

El mismo año en que nació Soulbask, también lo hizo su relación con el político Borja Sémper del PP, de quién años después nació su segundo hijo, tras el primero que tuvo junto con Óscar Jaenada.

En verano de 2025, Borja Sémper fue diagnosticado con cáncer de páncreas y eso descolocó la vida de la pareja y sus respectivas carreras. Según el marido de Bárbara Goenaga, la actriz de Amar es para siempre puso en pausa la interpretación para acompañarlo en todas las etapa de su tratamiento.

“Estoy vivo gracias a mi mujer”, reconoció el político del PP en una conversación con Ana Rosa Quintana este año, pues fue ella quien estuvo detrás insistiendo en que se hiciera las pruebas necesarias que le permitieron detectar el tumor a tiempo.

Tras haber superado la peor parte del cáncer y haberse sometido a quimioterapia, Borja Sémper volvió a su actividad política. Por su parte, Bárbara Goenaga retomó su carrera volviendo a convertirse en la presentadora del programa de talentos vasco Ztanda, aunque todavía no sabemos qué posibles series o películas le esperan en el futuro.

Ahora que ya sabes lo que fue de Bárbara Goenaga, te invitamos a descubrir a algunas celebridades como Joe Morton, el científico de Terminator 2 y La Liga de la Justicia de Zack Snyder o Tom Welling, el joven Superman de Smallville que rechazó el papel varias veces antes de convertirse en Clark Kent.

Cada semana publicaremos nuevas historias de otras estrellas míticas cuyas vidas también dieron un giro inesperado como en el caso de Bárbara Goenaga, la actriz de Los cronocrímenes que conquistó a la Reina Letizia.

Sin embargo, después de aquella producción, apenas destacó en Hollywood, aunque su vida ha seguido estando ligada a la interpretación desde que fue una actriz infantil.

Qué fue de Dakota Blue Richards

Dakota Blue Richards nació en Londres, Reino Unido, en abril de 1994, y jamás pensó que acabaría convertida en una actriz profesional al alcanzar los 13 años de edad.

De pequeña había participado en algunas obras de teatro escolares e incluso llegó a tener la fantasía de convertirse en Lyra Belacqua tras ver una obra de teatro basada en la saga litararia La materia oscura de Philip Pullman, cuyos libros le apasionaban.

Cuando nació el proyecto de adaptar la primera de esas novelas para la gran pantalla, La brújula dorada, se abrió un proceso de casting en el que participaron 10.000 personas. Philip Pullman no dudó ni un segundo en que Dakota Blue Richards debía ser su Lyra Belacqua.

De este modo, la actriz de Lyra Belacqua inició su carrera en Hollywood por todo lo alto: convirtiéndose en la protagonista de una película en la que estuvo acompañada por Nicole Kidman y Daniel Craig.

La brújula dorada, dirigida por Chris Weitz, se estrenó en 2007, y Dakota Blue Richards ya estaba tan metida en la industria que no pudo escapar de ella durante años. Y tampoco quiso hacerlo.

Las dificultades de Dakota Blue Richards como actriz infantil

De adulta, Dakota Blue Richards reconoció que “la producción fue muy exigente: fue larga y todo era nuevo” para ella. Aun así, en una cinta de alto presupuesto como aquella, pudo ver satisfechas todas sus “necesidades infantiles”.

En cambio, admitió que en “las producciones independientes” en las que participó después había “menos protección” porque se destinaba “menos tiempo y dinero a mantener tu infancia, tu educación y ese tipo de cosas”.

Además, describió los procesos de casting como algo “estresante” porque debía “invertir mucho tiempo, energía y emociones” para muchas audiciones que ni siquiera acababan dándole un papel: “Así que ese proceso es agotador y requiere una gran capacidad de adaptación, lo cual es mucho para una niña”.

Por último, admitió sentir una gran presión de adolescente por continuar en la profesión: “Existe un estigma en torno a la actuación, como si cualquiera que la abandone o se dedique a otra cosa después lo hiciera solo porque fracasó como actor, lo cual, por lo que sé de muchos actores, no es cierto en absoluto. Como cualquier otra profesión, se puede dejar por infinidad de razones”.

Dakota Blue Richards después de La brújula dorada

La joven intérprete empezó a encadenar producciones, a buscar nuevos castings e introducirse en todos los proyectos que podía. Después de La brújula dorada, vimos a Dakota Blue Richards como protagonista de otra cinta de fantasía, El secreto de la última luna (2008), y del largometraje televisivo Dustbin Baby (2008).

Luego se unió a la serie de Skins durante sus temporadas 5 y 6, para encarnar al personaje de Franky Fitzgerald, que fue otro de los grandes pilares de su carrera como actriz tras su impresionante debut en cines.

A esta producción le siguió su paso por la miniserie Lightfields (2013) y por el filme The Fold (2013). Un año después protagonizó la película de ciencia ficción The Quiet Hour (2014) y, por último, su papel más reciente en cine se lo brindó la comedia británica ChickLit (2016).

A partir de entonces, pudimos ver a la actriz de La brújula dorada en algunas series de televisión, como: Beecham House -en la que dio vida a Margaret Osborne- Endeavour -donde se puso en la piel de Shirley Trewlove- y 52 Story Minutes -en el papel de Blue-.

Pero en el año 2017 rompió todos sus lazos con la industria y decidió dar un giro en su carrera como actriz, dando el salto del cine al teatro. En el año 2015 ya había entrado en contacto con los escenarios, aunque a partir de ese momento ya no volvió al cine ni a la televisión.

“El paso del cine al teatro fue aterrador”, recordó la intérprete en una entrevista de 2017. “Tenía mucho miedo de actuar en directo, porque siempre había contado con la seguridad de estar en el cine”.

“Si algo sale mal, puedes volver a hacerlo y nadie tiene por qué enterarse, mientras que en el escenario, una vez que has dicho tu línea, no puedes retractarte”, explicó años después. “Simplemente tienes que aceptar que te equivocaste, seguir adelante y esperar que sea mejor la noche siguiente”.

Dakota Blue Richards en la actualidad

Más allá de la actuación, durante el confinamiento, descubrió que otra de sus grandes pasiones era la floristería: “Disfruté mucho aprendiendo sobre ello y la creatividad, y empecé a trabajar como florista prácticamente en cuanto terminé el curso”.

Ahora sigue trabajando en ello a través de su floristería Maison Fleurette, considerándolo “una vía de escape creativa” alejada de la interpretación: “No sé si lo mantendré para siempre, pero ahora mismo es una parte muy bonita de mi vida”.

Por otro lado, ha tenido durante mucho tiempo inquietud por la escritura y la dirección, algo que se ha materializado este año en su primer cortometraje: Each Coming Night. En él desempeña todas las funciones creativas y de producción, además supone el regreso de Dakota Blue Richards al formato audiovisual tras una larga ausencia.

Recién convertida en madre de su primer bebé junto con Will Thomson, Dakota Blue Richards se encuentra en estos momentos enfrascada en la promoción de su cortometraje para su paso por diversos festivales de cine, con aspiraciones de llegar a los Oscar o los BAFTA. ¿Estaremos ante la próxima gran directora de Hollywood?

Ahora que ya sabes lo que fue de Dakota Blue Richards, te invitamos a descubrir a algunas celebridades como Georgie Henley, la niña de Las Crónicas de Narnia que casi aparece en Juego de Tronos o Anna Gunn, la actriz de Skyler White en Breaking Bad que se ganó el odio del público sin sentido.

Cada semana publicaremos nuevas historias de otras estrellas míticas cuyas vidas también dieron un giro inesperado como en el caso de Dakota Blue Richards, la actriz de Lyra Belacqua en La brújula dorada.

En este artículo podrás descubrir qué otros papeles marcaron la carrera de la protagonista de Gremlins, así como los motivos que la impulsaron a abandonar la interpretación para no volver a actuar.

Qué fue de Phoebe Cates

Phoebe Belle Cates nació en verano de 1963 en Nueva York, Estados Unidos, como la hija del director y productor Joseph Cates y la sobrina de Gilbert Cates, que trabajaba en los mismos puestos.

A los diez años, Phoebe Cates se introdujo en el mundo de la moda y empezó a posar para diferentes revistas. También estudió para ser bailarina, pero una lesión de rodilla a los 14 años la alejó de la profesión.

De adolescente, siguió haciendo trabajos como modelo, pero no le terminaban de llenar, así que decidió dedicarse a la interpretación, obteniendo su primer papel para la película Paradise (1982) de Stuart Gillard, en la que además cantó su tema principal.

La cinta la hizo introducirse con muy mal pie en la industria. Lo más grave para ella fue que el papel requería que grabara varias escenas de desnudo y, una vez convencida para ello y rodada la película, descubrió que habían llegado a usar dobles de cuerpo para su personaje sin avisarla.

En ese momento decidió que no volvería a participar en una producción de esas características. Aunque su siguiente papel, para Aquel excitante curso (1982) de Amy Heckerling, también contó con escenas de corte erótico.

En Escuela privada... para chicas (1983), de Noel Black, la vimos como protagonista y, una vez más, prestando su voz a dos de los temas de la banda sonora. Luego, tras su paso por la miniserie Lace (1984), a la que un año después siguió su secuela, obtuvo el papel más recordado de su carrera.

Phoebe Cates fue una de las actrices protagonistas de Gremlins (1984), dirigida por Joe Dante, escrita por Chris Columbus y producida por Steven Spielberg. En ella, se ponía en la piel de Kate Beringer, el interés amoroso del protagonista, Billy Peltzer, a quien daba vida Zach Galligan.

Si bien en un principio no había demasiado consenso sobre la elección de la intérprete debido a sus papeles previos más provocadores, Steven Spielberg insistió en que se quedara en la película por su buena química con Zach Galligan.

Y la actriz de Kate Beringer no sólo permaneció en el reparto sino que también la vimos unos años después en la secuela: Gremlins 2, la nueva generación (1990), en la que repetían sus responsables e intérpretes.

Los motivos por los que Phoebe Cates abandonó la interpretación

Como has podido comprobar, el camino que recorrió Phoebe Cates hasta llegar a Gremlins no fue demasiado glamuroso, pero lo cierto es que la intérprete tampoco vio impulsada su carrera gracias a este éxito en el cine de terror que a día de hoy se considerara de culto.

Durante la década de los 80, Phoebe Cates empezó a diversificar en su carrera pasando a actuar en teatro, tanto en producciones de Broadway como de Off- Broadway, siendo este un espacio en el que había logrado encontrar mejores papeles de personajes femeninos que en el cine.

Mientras, en la gran pantalla la pudimos ver como protagonista de películas que no tuvieron demasiada repercusión, como: Cita con un ángel (1987), Noches de neón (1988), en la que actuó junto con Michael J. Fox, Esfúmate Fred (1991), Maldito Nick (1993) o La princesa Caraboo (1994), donde compartía pantalla con su marido Kevin Kline, con quien contrajo matrimonio en el 89.

En la fecha en que se estrenó aquella película, Phoebe Cates había dado a luz a su segundo bebé, y la incipiente maternidad hizo que la crianza se impusiera sobre su carrera como actriz que no terminaba por despuntar en la gran pantalla, mientras Kevin Kline ha continuado en activo hasta nuestros días.

Desde entonces, tan solo hemos vuelto a tener a la antigua Kate Beringer en pantalla en una ocasión. En el año 2001 su amiga Jennifer Jason Leigh, con quien actuó en Aquel excitante curso, le ofreció un pequeño papel en su primera y única película como directora: The Anniversary Party, donde además también pudo participar su familia al completo.

Phoebe Cates en la actualidad

En el año 2005, Phoebe Cates volvió a estar en activo y decidió dar un cambio de rumbo radical a su carrera, inaugurando la boutique Blue Tree, que aún hoy funciona.

Según explica su web oficial, “la tienda se ha ganado un público fiel no solo en el barrio de Carnegie Hill, sino en todo el mundo”, ofreciendo una filosofía de reinvención constante para llegar a una nueva clientela más amplia.

En el momento de escribir estas líneas, más de tres décadas después desde el estreno de la secuela de Gremlins, y tras mucho tiempo intentando sacar el proyecto adelante, parece que por fin se hará realidad Gremlins 3.

La cinta contará con el regreso de Chris Columbus, en este caso a la dirección, y seguirá estando respaldada por Steven Spielberg. Eso sí, por el momento no se ha confirmado cuál será su reparto.

Es muy poco probable que Phoebe Cates salga de su retiro de la interpretación para aparecer en ella, aunque sea tan solo parece hacer un cameo. Sin embargo, la actriz de Kate Beringer sí tuvo un breve reencuentro con su personaje años después cuando prestó su voz para interpretarlo en el videojuego Lego Dimensions (2015).

Ahora que ya sabes lo que fue de Phoebe Cates, te invitamos a descubrir a algunas celebridades como Kristanna Loken, la TX de Terminator 3 que participó en fallidas adaptaciones de videojuegos o John Leguizamo, Luigi en Super Mario Bros de 1993 que volvió para La Odisea de Christopher Nolan.

Cada semana publicaremos nuevas historias de otras estrellas míticas cuyas vidas también dieron un giro inesperado como en el caso de Phoebe Cates, la actriz de Gremlins que decidió abrir una boutique.

Por suerte, regresó por todo lo alto con estrenos como Hulk o Brokeback Mountain, aunque hace tiempo que apenas sabemos nada de él, desde que triunfó con La vida de Pi.

Qué fue de Ang Lee

Ang Lee nació en Taiwán en el año 1954 y descubrió su pasión por el cine de manera fortuita. Si bien tenía el plan realizar estudios superiores acordes a los deseos de su padre para convertirse en maestro, tras suspender las pruebas de acceso en un par ocasiones terminó ingresando en la Universidad Nacional de Arte de Taiwán donde entró en contacto con el teatro.

Una vez terminó el servicio militar obligatorio, siguió formándose en Bellas Artes en Estados Unidos con intención de convertirse en actor, pero sus limitaciones idiomáticas lo acabaron empujando hacia la dirección.

Pese a que sus primeros cortometrajes hicieron algo de ruido en Taiwán, Ang Lee se pasó varios años sin trabajo, en los que se dedicó a escribir guiones como los de su primer largometraje, Manos que empujan (1992), o El banquete de boda (1993), en el que ya exploraba la temática LGTBIQ+ que se terminó convirtiendo en un pilar de su filmografía.

Los guiones de ambos largometrajes ganaron un concurso, llamando la atención de un productor de cine que lo animó a lanzarse a la dirección para terminar triunfando, con El banquete de boda llegando a estar nominada en los Premios Óscar a Mejor película internacional.

Al año siguiente volvió a pasar por los Óscar con Comer, beber, amar (1994), pero no se llevó ninguna estatuilla hasta que estrenó su siguiente proyecto: Sentido y sensibilidad (1995), su primer largometraje no taiwanés en el que Emma Thompson se llevó el Óscar a Mejor guion adaptado por su guion basado en la obra de Jane Austen.

Ang Lee casi se retira dos veces

Con el drama La tormenta de hielo (1997), Ang Lee dirigió su primera película estadounidense, a la que siguió Cabalga con el diablo (1999). Tras esos estrenos, su regreso a Taiwán con Tigre y dragón (2000) le valió cuatro Premios Óscar, la cifra más alta de su filmografía que igualó unos años más tarde con otra de sus películas estrella.

Tras aquel éxito en la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas, Ang Lee estaba agotado y pensó en retirarse por primera vez, pero tres meses después se pasó al cine mainstream poniéndose detrás de las cámaras de la primera película de Hulk de Marvel, estrenada en 2003 y protagonizada por Eric Bana.

A pesar de sus críticas mixtas, Hulk fue un éxito en taquilla y demostraba que Ang Lee podía abordar todo tipo de cine, desde uno más íntimo hasta uno más comercial, que además le sirvió para aprender todo lo que necesitaba saber sobre efectos visuales.

No obstante, una vez más, la dirección de aquella película lo dejó completamente agotado e hizo que se planteara el retiro de nuevo. Pero su padre lo animó a seguir adelante con estas palabras: “Adelante, haz otra película. Solo tienes 49 años. Es un mal ejemplo para tu hijo”.

Un par de semanas después, su padre murió. Pero entonces llegó Brokeback Mountain (2005). Interesado por un relato publicado por Annie Proulx en The New Yorker a finales de los 90, Ang Lee quiso trasladarlo a la gran pantalla, alumbrando una cinta que se ha convertido en un icono del cine homosexual.

El filme se llevó tres premios Óscar, incluido el primer galardón de su carrera a Mejor dirección. Y, lo más importante, devolvió a Ang Lee sus ganas de dirigir: “Brokeback Mountain me trajo de vuelta, me ayudó a volver a amar la vida, a amar el cine. Y sigo aquí, sigo haciendo películas, gracias a esa película”.

"Hacer Tigre y Dragón fue mil veces más difícil que hacer Brokeback Mountain. Y Brokeback Mountain fue un gran éxito que pareció surgir por sí solo".

Un par de años después, regresó a Taiwán con la destacada Deseo, peligro (2007), para luego volver a Estados Unidos con Destino: Woodstock (2009) y luego arrasar de nuevo en Hollywood con La vida de Pi (2012), que igualó en Premios Óscar a Tigre y dragón, llevándose además su segunda estatuilla a Mejor dirección.

Ang Lee en la actualidad

Ang Lee había llegado con La vida de Pi a lo más alto de su carrera. Basada en la novela de Yann Martel, la cinta combinaba dos de sus grandes emblemas: una historia profunda y la grandeza de los efectos visuales más punteros.

Pero, después de ella, ha mantenido un contacto más puntual con el cine y ha estrenado películas que apenas han hecho ruido. En los últimos 14 años tan solo ha llevado a las salas el desapercibido drama bélico Billy Lynn (2016) y el thriller de ciencia ficción Géminis (2019), protagonizado por Will Smith.

Desde entonces, han pasado siete años y, durante este tiempo, se ha estado planteando varios proyectos. Sin embargo, el que ha terminado cogiendo forma ha sido un western sobre la inmigración titulado Gold Mountain, que inició su producción en mayo de este 2026, finalizando el pasado mes de agosto.

El nuevo largometraje de Ang Lee se basa en la primera novela de C. Pam Zhang, para contarnos la historia de Lucy y Sam, dos jóvenes sin familia, de origen chino, que viven en Estados Unidos durante el final de la fiebre del oro de California en el siglo XIX, y que deben sobrevivir en una tierra hostil.

Por ahora, la última película de Ang Lee se encuentra en posproducción y no cuenta con fecha de estreno, aunque se espera que llegue a la cartelera en algún momento de 2027.

Ahora que ya sabes lo que fue de Ang Lee, te invitamos a descubrir a algunas celebridades como Kyle MacLachlan, el actor del agente Cooper de Twin Peaks y de Paul Atreides en la Dune de Lynch o Nadiuska, la madre de Conan, el bárbaro y estrella del destape que desapareció sin dejar rastro.

Cada semana publicaremos nuevas historias de otras estrellas míticas cuyas vidas también dieron un giro inesperado como en el caso de Ang Lee, el director de Brokeback Mountain y La vida de Pi que estuvo a punto de retirarse dos veces.

A pesar de su consolidación en el género, poco a poco fue abandonando el mundo del cine, y durante 20 años ha estado apartado de la interpretación. Pero ahora está a punto de regresar a nuestras pantallas.

Qué fue de Rick Moranis

Frederick Allan Moranis nació en el año 1953, en Ontario, Canadá. Antes de convertirse en actor dio sus primeros pasos como artista en la radio, donde fue DJ durante la década de los 70 bajo el nombre de Rick Allan.

A finales de la década empezó a introducirse en el mundo de la comedia en directo, tanto para radio como para televisión, hasta que en los años 80 pasó a formar parte del elenco de la tercera temporada de la serie Second City Television.

En ella hizo imitaciones de multitud de celebridades -entre ellas Woody Allen-, y también consiguió por su actuación ganar un premio Emmy. Tras su éxito, lo vimos del mismo modo en SCTV Network 90 y Saturday Night Live.

Ya asentado en Estados Unidos y en el mundo de la televisión, dio el salto al cine junto con su amigo Dave Thomas, con quien codirigió, coescribió y protagonizó la comedia Extraño brebaje (1983), antes de empezar a participar en otros proyectos, como la película Calles de fuego (1984) de Walter Hill.

No obstante, el gran estreno de Rick Moranis en los 80 fue Los cazafantasmas (1984) de Ivan Reitman, en la que dio vida al personaje de Louis Tully, un rol que repitió para su secuela, Cazafantasmas 2 (1989).

La década de los 80 fue su momento de máximo esplendor en la comedia para la gran pantalla, pues en esos años también lo vimos como el protagonista de La tienda de los horrores (1986) de Frank Oz, poniéndose en la piel de Seymour Krelborn. Ese mismo año contrajo matrimonio con la diseñadora de vestuario Ann Belsky, con quien tuvo dos bebés.

En 1997, Rick Moranis hizo historia al convertirse en el villano de La loca historia de las galaxias (Spaceballs) (1987) de Mel Brooks, una película paródica de La guerra de las galaxias (1977) de George Lucas, ya convertida en clásico de culto. Para esta cinta, pudimos verlo adoptar el rol de Dark Helmet, también conocido como Casco Oscuro, la versión cabezuda de Darth Vader.

Antes de entrar en los 90, el actor de Casco Oscuro también se dejó caer Dulce hogar... ¡a veces! (1989) de Ron Howard, y adoptó el papel protagónico de Wayne Szalinski en la comedia familiar Cariño, he encogido a los niños (1989) de Joe Johnston.

La película fue tan exitosa que la siguió su secuela, Cariño, he agrandado al niño (1992), y una tercera entrega, Cariño, nos hemos encogido a nosotros mismos (1997), que se convirtió en uno de los últimos largometrajes destacados en la carrera de Rick Moranis.

Rick Moranis hace una pausa en la interpretación

En el año 1991, la esposa de Rick Moranis había fallecido por cáncer, y eso provocó que el protagonista de La loca historia de las galaxias comenzara a alejarse de manera paulatina de la interpretación para hacerse cargo de su familia, ya que compaginar la crianza en solitario con el cine era una tarea desafiante.

Sin embargo, todavía llegó a estrenar algún título más, como la versión en imagen real de Los Picapiedra (1994), en la que dio vida a Pablo Mármol, o las dos películas animadas de Hermano oso de Disney, estrenadas en 2003 y 2006, que contaron con él para prestarle su voz al alce Rutt.

Si bien durante las últimas dos décadas Rick Moranis se ha mantenido apartado del foco mediático e incluso llegó a declarar que no echaba de menos actuar, nunca ha rechazado de manera tajante volver a la industria, tan solo decidió empezar a ser más selectivo si surgían nuevos proyectos.

Por ejemplo, en 2016 rechazó unirse al reboot Cazafantasmas (2016) para hacer un cameo porque no le veía sentido el repetir algo que ya había hecho hacía 30 años.

Pero en 2020 estuvo en conversaciones con Disney para retomar su rol como Wayne Szalinski en una posible nueva entrega de Cariño, he encogido a los niños, que por desgracia quedó en pausa por la pandemia y no hemos vuelto a saber nada de ella.

En cambio, Rick Moranis sí que está a punto de regresar a otra de las grandes películas que protagonizó en los 80: la secuela de La loca historia de las galaxias, en la que volverá a dar vida a Dark Helmet junto con el elenco original de la cinta.

Rick Moranis en la actualidad

Ha pasado mucho tiempo desde que vimos a Rick Moranis por última vez en la gran pantalla: ahora hace 20 años desde Hermano oso 2, y 39 desde la Spaceballs original. Pero este era el momento que estaba esperando para regresar al cine.

“Empecé a hablar con esta gente y a enterarme de quiénes iban a participar, y hablé con [el director de la película] Josh Greenbaum, y me enteré de que Bill Pullman iba a volver y de que Lewis [Pullman] también iba a estar”, declaró Rick Moranis este verano.

“Simplemente sentí que era el momento. Era… había llegado la hora. Sí, dije que sí, y es la mejor decisión que he tomado nunca. Fue una locura. Él es como de la familia para mí”.

Ya solo falta esperar unos pocos meses, pues la nueva entrega de La loca historia de las galaxias se estrenará en cines el 23 de abril de 2027, con el estelar regreso de Rick Moranis al cine a sus 73 años.

Ahora que ya sabes lo que fue de Rick Moranis, te invitamos a descubrir a algunas celebridades como Reginald VelJohnson, el actor que hizo de policía en Cosas de casa y Jungla de cristal o Aaron Eckhart, el enemigo de Batman que dejó de triunfar tras El caballero oscuro.

Cada semana publicaremos nuevas historias de otras estrellas míticas cuyas vidas también dieron un giro inesperado como en el caso de Rick Moranis, el actor de Casco Oscuro en Spaceballs que regresa al cine después de una larga pausa.

No obstante, la estrella de Hannah y sus hermanas siempre ha encontrado la manera de continuar dedicándose a lo que más le gusta, aunque haya tenido que ser alejándose en cierta medida de la gran pantalla.

Dianne Wiest y su estelar comienzo en el cine

Dianne Evelyn Wiest nació en el año 1948 en Misuri, Estados Unidos, y de pequeña quería ser bailarina de ballet, pero pronto cambió su sueño por el de convertirse en actriz. Sus primeros pasos en el mundillo los dio sobre los escenarios hasta acabar llegando a Broadway en los años 70.

Durante una década tuvo una prolífica carrera como actriz de teatro, pero Dianne Wiest terminó dando el salto al cine en 1980 con la comedia romántica Ahora me toca a mí, en la que tuvo un rol menor.

A partir de entonces fue potenciando esta vertiente artística hasta que empezó a destacar en la industria gracias a Woody Allen, quien la descubrió en 1985 para La rosa púrpura de El Cairo y decidió contar con ella para muchos de sus proyectos posteriores.

Así, Dianne Wiest acabó desfilando por las películas: Hannah y sus hermanas (1986), Septiembre (1987), Días de radio (1987) y Balas sobre Broadway (1994).

Siendo dos de ellas piezas clave de su filmografía. En primer lugar, el rol de Dianne Wiest como Holly en Hannah y sus hermanas le valió su primer Óscar a Mejor actriz de reparto en 1987, mientras que su papel como Helen Sinclair en Balas sobre Broadway le hizo llevarse su segundo y último Premio de la Academia en la misma categoría.

Si bien también estuvo nominada por su papel como Helen Buckman en la comedia familiar Dulce hogar... ¡a veces! (1989) de Ron Howard, no tuvo tanta suerte como con los dos largometrajes de Woody Allen.

Qué fue de Dianne Wiest

La carrera de Dianne Wiest parecía estar en auge, puesto que la vimos: como Peg, la icónica vendedora de Avon, en Eduardo Manostijeras (1990) de Tim Burton, en El pequeño Tate (1991) de Jodie Foster, en Una jaula de grillos (1996) de Mike Nichols, en El hombre que susurraba a los caballos (1998) de Robert Redford, o en Yo soy Sam (2001) de Jessie Nelson.

Además, en 1998 se convirtió en una de las actrices más destacadas de Prácticamente magia (1998), encabezando el reparto de la cinta de brujería junto con Sandra Bullock y Nicole Kidman.

El problema es que Hollywood ya había encasillado a Dianne Wiest a consecuencia de los dos Óscar que se había llevado unos años antes. Y, a partir de entonces, tan sólo le ofrecían papeles de “madre amable, y nada más”.

Según explicó en el año 2015, aquello “era lo único que llegaba” a su mesa “excepto en el teatro”, haciendo que incluso pasara por una época en la que tuvo dificultades para pagar el alquiler de su casa por la escasez de ofertas.

En el año 2008 tuvo un pequeño despunte, al dejarse ver por Synecdoche, New York de Charlie Kaufman y protagonizar la serie En terapia (In Treatment), que la hizo volver a la televisión tras su paso por Ley y orden a principios de siglo.

Su rol como la psicoanalista Gina Toll hizo que la actriz de Balas sobre Broadway estuviera nominada a los Premios Globo de Oro y a los Premios Primetime Emmy, siendo aquella la nominación más reciente que recibió en su carrera.

Dianne Wiest triunfa en televisión

A partir de ese momento, y durante la década siguiente, empezamos a notar de manera mucho más acusada la sequía de títulos que contaban con la actriz de Woody Allen en sus créditos.

En 2015, Dianne Wiest tuvo un notable regreso a la televisión a través de la serie La vida en piezas, en la que actuó desde su comienzo hasta su desenlace en 2019, dando vida a la Dra. Joan Short.

Durante esos años también la vimos como una de las actrices principales en Mula (2018) de Clint Eastwood y en Déjales hablar (2019) de Steven Soderbergh. Aunque parece que la televisión continúa siendo su mayor refugio.

En 2021 se unió a la serie Mayor of Kingstown de Taylor Sheridan, en el destacado rol de Mariam McLusky, un personaje que la hizo volver a encarnar a una madre, pero que esa ocasión era diferente a los papeles por los que se la encasilló durante tanto tiempo.

“Es liberador, en muchos sentidos, interpretar a una mujer tan iracunda. Que no te importe lo que la gente piense de ti”, declaró en una entrevista de 2022. “También es mucho trabajo porque es una fachada para ella. Es su manera de llorar la muerte de su marido”.

Tras su paso por Mayor of Kingstown también se dejó caer por la comedia Solo asesinatos en el edificio, en la que dio vida a Lorraine Coluca, y en 2025 la tuvimos en un par de episodios de Elsbeth.

Dianne Wiest en la actualidad

Después de su repunte en televisión, ha sido en este 2026 cuando el nombre de Dianne Wiest ha vuelto a sonar con fuerza, al unirse de nuevo a Sandra Bullock y Nicole Kidman para la recién estrenada secuela de Prácticamente magia, dirigida por Susanne Bier, que le permitió volver a encarnar a Bridget Owens tras casi tres décadas.

Ahora, Dianne Wiest se prepara para estrenar su nueva película que ya ha podido verse en el Festival de Toronto: Closing Night, un drama familiar dirigido por el australiano Cody Fern y con un reparto encabezado por Sarah Paulson, Naomi Watts y la propia Wiest.

Además, a sus 78 años, la actriz de Prácticamente magia 2 tiene un par de proyectos en fase de preproducción: This Old Love of Mine y Non Compos Mentis.

Ahora que ya sabes lo que fue de Dianne Wiest, te invitamos a descubrir a algunas celebridades como Daniel Huarte, el actor de David en Al salir de clase que ahora hace teatro o Mason Gamble, la estrella infantil de Daniel el travieso que cambió Hollywood por otra gran pasión.

Cada semana publicaremos nuevas historias de otras estrellas míticas cuyas vidas también dieron un giro inesperado como en el caso de Dianne Wiest, la actriz de Prácticamente magia que volvió a triunfar gracias a Taylor Sheridan.

En las siguientes líneas podrás descubrir qué hizo Ellar Coltrane durante aquellos años, y cómo siguió su vida después de que Boyhood viera la luz y todo el mundo conociera su nombre.

Qué fue de Ellar Coltrane

Ellar Coltrane Kinney Salmon nació en Texas, Estados Unidos, en verano de 1994, como el hijo del músico Bruce Salmon. Y su infancia no tardó en volverse única. En 2001, el cineasta Richard Linklater tuvo una visión: para su próxima película quería hablar sobre la transición de la niñez a la edad adulta.

Pero, en lugar de hacerlo como todo el mundo había hecho antes, apostó porque sus protagonistas experimentaran ese viaje en pantalla, envejeciendo al mismo tiempo que sus personajes. Así nació Boyhood (Momentos de una vida).

El joven Ellar Coltrane de seis años fue elegido para el rol protagonista, poniéndose durante 11 años en la piel de Mason Evans Jr., hasta que cumplió los 19 años en 2013 y concluyó el rodaje de aquella ambiciosa producción en la que participó de manera intermitente durante más de una década.

El joven actor de Boyhood se había adentrado en el mundo del cine sin experiencia previa ni formación como actor, y aprendió todo lo que sabe hoy en día sobre la profesión en aquellos años.

Tan solo hubo 45 días de rodaje repartidos a lo largo de ese tiempo, que compartió con intérpretes de la talla de Patricia Arquette o Ethan Hawke, quienes ejercieron como sus profes de interpretación.

Ellar Coltrane: una infancia atada a Boyhood

La producción tan dilatada en el tiempo de Boyhood le permitió a Ellar Coltrane seguir con su vida como adolescente y adentrarse en otras producciones de manera muy puntual, como la cinta Fast Food Nation (2006) también de Richard Linklater.

Por suerte para el joven intérprete, su inusual experiencia como actor infantil no resultó traumática como ha ocurrido en otros casos similares.

“Ser actor infantil siempre es algo extraño”, recordó el actor de Mason Evans Jr. en verano de 2026, comparando su experiencia con la del elenco infantil de Harry Potter u otros proyectos parecidos donde sus estrellas dieron sus nombres a conocer a una edad muy temprana al tiempo que veían la luz sus películas.

“No tuve que pasar por eso, y estoy agradecido por ello, porque cuando sí que viví la fama, fue algo muy intenso. Me permitió tener la experiencia de actuar y aprender a hacer todas esas cosas y estar en el plató”.

“Me permitió evitar ser una estrella infantil, algo que resulta realmente difícil para mucha gente. Siento mucha compasión por las personas que realmente tienen dificultades para lidiar con la fama desde muy temprana edad”.

Boyhood (Momentos de una vida) se estrenó en 2014 sorprendiendo a todo el mundo, ganando un Óscar, tres Globos de Oro y tres BAFTA. Richard Linklater había hecho historia, y Ellar Coltrane con él, aunque ya convertido en adulto y habiendo estado alejado del foco mediático durante su adolescencia.

Ellar Coltrane después de Boyhood

Después de estrenar Boyhood, Ellar Coltrane ya había logrado labrarse un nombre en Hollywood, por lo que pudimos verlo poco después en la pequeña y la gran pantalla a través de diferentes películas.

Una de ellas fue Barry (2016) para Netflix, un largometraje biográfico sobre la juventud de Barack Obama. Otro fue El círculo (2017), un thriller de ciencia ficción protagonizado por Emma Watson y Tom Hanks.

Su siguiente proyecto más destacado fue su rol como Salmon Brown en la miniserie El pájaro carpintero (2020) de SkyShowtime, un western en el que volvió a actuar junto con Ethan Hawke.

Un año más tarde encabezó el reparto de El último día de los Smiths (2021), un nuevo drama biográfico, en aquella ocasión sobre la banda de música británica que da nombre a la película y en la que Ellar Coltrane se puso en la piel de Dean.

Su filme más reciente fue la cinta de terror psicológica Spiral Into the Yellow Void (2025) de Levin Garbisch, si bien el contacto de Ellar Coltrane con las cámaras siempre ha estado muy limitado.

Ellar Coltrane en la actualidad

Gran parte de la trayectoria de Ellar Coltrane posterior a Boyhood incluye su participación en cortometrajes o en un cine más independiente como en su más reciente ejemplo, siendo ambientes de los que disfruta formando parte.

“Me inspira mucho la energía que se respira allí y lo que están haciendo mis amistades”, explicó el compañero de Ethan Hawke. “Me recuerda a Austin hace 20 años”.

En este momento, Ellar Coltrane reconoce estar “bastante alejado del cine” y vivir “en medio de la nada”, mientras ha seguido adelante con su vida apartado de las cámaras. A lo largo de su carrera ha hecho “trabajos manuales”, ahora es “bombero voluntario” y también se está sacando la “licenciatura de técnico de emergencias médicas”.

No obstante, siempre se seguirá sintiendo muy ligado a Hollywood desde su debut infantil en la industria. “Echo de menos estar en un set de rodaje, echo de menos colaborar”, aseguró Coltrane. “Espero participar en más proyectos pequeños e independientes, fruto de mi pasión, porque tengo mucho que aportar”.

Por el momento, no sabemos qué futuros proyectos le podrían aguardar a Ellar Coltrane en el mundo audiovisual, pero este actor de 32 años tiene claro que le va muy bien cuando colabora con cineastas con un proyecto por el que tengan pasión:

“Cuando logro conectar con la mentalidad de una persona artística y trabajar estrechamente con ella para descubrir cómo puedo reflejar lo que intenta expresar, creo que puedo hacer un trabajo realmente bueno”.

Ahora que ya sabes lo que fue de Ellar Coltrane, te invitamos a descubrir a algunas celebridades como Isabel Aboy, la adolescente de Médico de familia que ahora se dedica al sector de la salud o Jaden Smith, el hijo de Will Smith que actuó junto a su padre en dos ocasiones, pero quiso centrarse en el rap.

Cada semana publicaremos nuevas historias de otras estrellas míticas cuyas vidas también dieron un giro inesperado como en el caso de Ellar Coltrane, el niño de Boyhood que sigue amando el cine.

No obstante, la fama que había cosechado a lo largo de su carrera terminó por deshacerse cuando en 2019 empezaron a surgir las primeras demandas por acoso sexual hacia el intérprete.

El auge de Cuba Gooding JR. en Hollywood

Cuba Mark Gooding Jr. nació a principios de 1968 en Nueva York, Estados Unidos, como el hijo de la cantante Shirley Sullivan y el vocalista Cuba Gooding Sr..

A los 16 años, antes de empezar a destacar como actor, tuvo su primer trabajo como bailarín de breakdance en la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de Verano de 1984 en Los Ángeles, donde actuó junto con Lionel Richie.

Tras acabar la secundaria, comenzó a practicar artes marciales, pero al final empezó a volcarse en la actuación, debutando en televisión como estrella invitada en algunas series sin conseguir demasiado éxito, algo que lo motivó a estudiar interpretación.

Sus papales como Billy Colton y Ray Collins en la serie MacGyver fueron lo más notable de los comienzos de su carrera. También apareció en la cinta El príncipe de Zamunda (1988) protagonizada por Eddie Murphy. Sin embargo, su primer rol importante fue para la aclamada película Los chicos del barrio (1991), que coprotagonizó con Ice Cube.

A partir de entonces lo pudimos ver encabezando el reparto de otras producciones como Gladiator (1992) de Rowdy Herrington o Los jueces de la noche (1993) de Stephen Hopkins, pero fue más sonado su paso por Jerry Maguire (1996) de Cameron Crowe. En ella dio vida al jugador de fútbol americano Rod Tidwell, un papel que le hizo ganar su primer y único Óscar a Mejor actor de reparto.

Continuando con su racha de éxitos, apareció en la cinta Mejor... imposible (1997) protagonizada por Jack Nicholson, y fue coprotagonista en las películas Más allá de los sueños (1998) junto con Robin Williams, y Hombres de honor (2000) junto con Robert De Niro.

También se dejó caer por Pearl Harbor (2001) de Michael Bay, triunfó en taquilla con Aventuras en Alaska (2002), y ese mismo año consiguió su estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood.

Qué fue de Cuba Gooding JR.

Entrando en el nuevo siglo, Cuba Gooding JR. empezó a tener una carrera más irregular. Lo vimos en películas de escaso éxito como cuando se convirtió en el heredero de Eddie Murphy para la secuela de Papá canguro estrenada en 2007, o en el reparto de grandes cintas como American Gangster (2007) de Ridley Scott.

Aunque muchos de sus siguientes estrenos lo tuvieron a él como protagonista, había un gran problema: comenzó a aparecer en muchas producciones de escaso recorrido comercial, que iban a parar directamente a DVD y fueron ignoradas por la crítica, con una predominancia en el cine de acción.

En 2013 tuvo una brevísima aparición en Machete Kills de Robert Rodriguez y se dejó caer por El mayordomo de Lee Daniels. Al año siguiente lo pudimos ver en la biografía Selma (2014) de Ava DuVernay, para luego tener algunos roles más reseñables en televisión.

Cuba Gooding JR. encabezó el reparto de dos antologías de nombre muy similar en 2016, ambas producidas por Ryan Murphy. Por un lado, la ficción de terror American Horror Story: Roanoke. Por otro lado, la historia basada en hechos reales American Crime Story: The People v. O.J. Simpson, que lo hizo estar nominado al Emmy.

Todas las denuncias de acoso sexual hacia Cuba Gooding JR.

Si bien parecía que la televisión podía haberse convertido en su nuevo hogar tras una mala racha en el cine, poco después de su paso por American Horror Story y American Crime Story, la carrera del actor de Jerry Maguire se truncó del todo.

En el verano del año 2019 salieron a la luz las primeras acusaciones de tocamientos forzados y abuso sexual hacia Cuba Gooding JR. por manosear a una mujer en un bar de Times Square. En verano de 2020 el actor de American Crime Story ya había sido acusado por un total de 30 mujeres.

Ante una de las acusaciones en 2020 sobre una violación que tuvo lugar en 2013, se resolvió en 2023 que Cuba Gooding JR. no fuera juzgado. Sin embargo, en 2022 el intérprete se declaró culpable de tocar de manera forzada a una mujer en 2019, y como consecuencia tuvo que asistir a terapia, aunque no tuviera pena de cárcel.

La acusación más reciente hacia Cuba Gooding JR. data de 2024, y en ella se decía que tanto él como Sean Combs habían agredido sexualmente al productor musical Rodney Jones.

Cuba Gooding JR. en la actualidad

Habiendo estado en el punto de mira de la prensa y del público desde sus primeras acusaciones, Cuba Gooding JR. volvió a participar en proyectos tan pobres como los que afloraron en su carrera a principios de siglo, en los que se ha repetido con frecuencia el patrón de cine de acción que ha contado con él como cabeza de reparto.

A los estrenos que hemos podido ver en los últimos años, con títulos como Venganza en Las Vegas (2023), Ángeles caídos: Guerreros de paz (2024) o Quantum Supremacy (2025), se sumarán en el futuro nuevos largometrajes, pues trabajo en el cine de bajo presupuesto no le falta.

Ahora que ya sabes lo que fue de Cuba Gooding JR., te invitamos a descubrir a algunas celebridades como Jorge García, el actor de Héctor en Becker, Hugo en Perdidos y Jerry en Hawai 5.0 o Nick Stahl, el John Connor de Terminator 3 que tuvo una vida marcada por la adicción a las drogas.

Cada semana publicaremos nuevas historias de otras estrellas míticas cuyas vidas también dieron un giro inesperado como en el caso de Cuba Gooding JR., el ganador del Óscar por Jerry Maguire que fue acusado por 30 mujeres.

Lo recordamos por sus papeles icónicos como Spock en Star Trek o Sylar en Héroes, pero también lo hemos visto en American Horror Story, y ahora triunfa en una nueva serie.

Los inicios de Zachary Quinto en Héroes

Zachary John Quinto nació en Pensilvania, Estados Unidos, en verano de 1977. En el instituto participó en sus primeros musicales, para luego estudiar arte dramático en la universidad con el objetivo de convertirse en un actor profesional, algo que logró poco después de graduarse.

En el año 2000 lo pudimos ver en su primer papel para televisión, teniendo una breve aparición en la serie Al otro lado. Saltando de rol menor en rol menor por varias series que triunfaban en el momento, Zachary Quinto fue ganándose un nombre en la industria, siendo el rol más relevante de los inicios de su carrera el de Adam Kaufman en la serie policíaca 24.

Pero Zachary Quinto no veía que su carrera terminara por despuntar. “Estaba sumido en la desesperación, hasta el punto de no poder levantarme de la cama”, recordó el actor de Star Trek en una entrevista con el medio TVguide del año 2007.

“Estaba a punto de cumplir 30 años, una etapa notoriamente turbulenta, y me enfrentaba a obstáculos profesionales profundos: una verdadera crisis existencial. Me preguntaba: “"¿Qué sentido tiene todo esto? ¿Por qué sigo en esto?"”

Entonces, le surgió una oportunidad inesperada, y en el año 2006 le llegó su auténtico salto a la fama cuando pasó a ser un actor recurrente el elenco de la serie superheróica Héroes, creada por Tim Kring. En ella dio vida al personaje de Gabriel "Sylar" Gray, un asesino con superpoderes y el principal antagonista de la producción.

Zachary Quinto y su relación con Star Trek

La carrera de Zachary Quinto estaba en su mejor momento, pues mientras actuaba en Héroes también le surgió la oportunidad de convertirse en el nuevo Spock, volviéndose así cabeza de reparto para el reinicio cinematográfico de Star Trek dirigido por J.J. Abrams, que vio la luz en 2009.

Para el actor de Gabriel Gray, Spock era un papel soñado: “Desde el día en que supe que iban a hacer la película de Star Trek, dije: “Quiero ser Spock”, y empecé a hablar de ello con todo el mundo: con mis amistades, mis agentes, periodistas que me entrevistaban. Expresé mis intenciones con claridad y el universo respondió”.

Si bien Héroes fue cancelada en el año 2010 debido a sus altos costes de producción y la disminución en la audiencia, los largometrajes de Star Trek siguieron triunfando para consolidar a Zachary Quinto como el nuevo Spock en los años posteriores.

Zachary Quinto volvió a unir fuerzas con Chris Pine en el rol del capitán James T. Kirk en dos entregas más de la saga: Star Trek: En la oscuridad (2013), de nuevo dirigida por J.J. Abrams, y Star Trek: Más allá (2016), dirigida por Justin Lin.

Aquel año se cerraba del todo la etapa más importante en la carrera de Zachary Quinto, obligándolo a despedirse de Spock mientras la saga seguía creciendo en otras direcciones.

Qué fue de Zachary Quinto

Tras las películas de Star Trek protagonizadas por Zachary Quinto, empezaron a triunfar en la televisión series como Star Trek: Discovery, Star Trek: Picard y demás spin-offs, y en 2020 la antigua estrella de Star Trek ya se sentía por completo desligada de la saga.

“Ya ni siquiera puedo llevar la cuenta de cuántas historias nuevas de Star Trek se han contado desde nuestra última película en 2016”, explicó en una entrevista con ComicBook.com, en la que dejaba la puerta abierta a regresar a ese universo si hubiera “interés” por rescatar a los personajes de las películas, pero sin obsesionarse con ello: “Tengo muchas otras cosas en mi vida, en mi carrera”.

De manera paralela a Star Trek, Zachary Quinto también se fue labrando un nuevo hueco en la televisión tras su paso por Héroes, convirtiéndose en un actor recurrente en la serie antológica American Horror Story, que nos dejó verlo en sus dos primeras temporadas, La casa del crimen (2011) y Asylum (2012), así como en la undécima, NYC (2022).

Volviendo a conectar con su pasado, en los últimos años, Zachary Quinto volvió al género superheróico a través de la serie de animación Invencible de Amazon Prime Video, que le permitió prestar su voz a diferentes personajes.

Zachary Quinto en la actualidad

Ahora Zachary Quinto ha vuelto a nuestras pantallas con una producción que aspira a ser de largo recorrido, habiéndose convertido en el protagonista de la serie Mentes brillantes, en el papel del Dr. Oliver Wolf.

Este drama médico inició sus andanzas en televisión en el año 2024, y este 2026 terminó la emisión de su segunda temporada, a falta de conocer el destino de la producción que tiene absorbido al intérprete.

En un principio, el actor de Spock dudó si quería involucrarse en una serie médica “que podría durar años”, pero al final terminó aceptando la oportunidad porque lo enamoró su personaje:

“Es iconoclasta, rebelde, a veces actúa sin pensar, pero en el fondo es una buena persona. Es gratificante interpretar a un personaje que quizás se sale un poco de lo convencional, pero que siempre lo hace al servicio de los demás y para mejorar sus vidas. […] Eso es lo que me hizo volver a la televisión en abierto”.

Ahora que ya sabes lo que fue de Zachary Quinto, te invitamos a descubrir a algunas celebridades como Germán Garmendia, el youtuber conocido como HolaSoyGerman que abandonó su canal principal o William B. Davis, El fumador de Expediente X que ni fumaba ni creía en lo paranormal.

Cada semana publicaremos nuevas historias de otras estrellas míticas cuyas vidas también dieron un giro inesperado como en el caso de Zachary Quinto, el actor de Spock en Star Trek y de Sylar en Héroes que ha vuelto a la televisión.

Sin embargo, su desenlace en The White Lotus no fue tan positivo como su introducción en ese universo. Lo bueno es que la producción le ha abierto las puertas para seguir triunfando en la comedia.

Jennifer Coolidge en American Pie y Una rubia muy legal

Jennifer Audrey Coolidge nació en verano de 1961 en Massachusetts, Estados Unidos. De pequeña le gustaba la música, y cuando se hizo mayor estudió interpretación en Nueva York con la aspiración de convertirse en una estrella dramática, pero acabó dedicándose a la comedia.

El primer papel en televisión de Jennifer Coolidge le llegó en el año 1993, cuando tuvo una aparición en un episodio de la serie Seinfeld, a la que siguieron en los años posteriores roles en diferentes series, programas de televisión y películas.

Tuvo que pasar casi una década hasta que saltó a la fama a nivel mundial, gracias a su rol como Jeanine -más conocida como la madre de Stifler- en la saga de películas cómicas de American Pie, iniciada en el año 1999.

Tras ella, la volvimos a ver en el mismo papel para todas sus secuelas: American Pie 2 (2001), American Pie 3: ¡Menuda boda! (2003) y American Pie: El reencuentro (2012).

Entre una película y otra de American Pie, la actriz de la madre de Stifler también se introdujo en otra saga que fue uno de los pilares de su carrera como actriz cómica: Una rubia muy legal, iniciada en el año 2001, y donde daba vida a Paulette Bonafonté, la manicurista y mejor amiga de la protagonista Elle Woods, interpretada por Reese Witherspoon.

Poco después la volvimos a ver en Una rubia muy legal 2 (2003) y, desde entonces, la serie ha estado en pausa, pero ahora está lista para volver. Una rubia muy legal 3 se encuentra en estos momentos en fase de preproducción, y contará con el regreso de sus dos estrellas: Reese Witherspoon y Jennifer Coolidge.

Qué fue de Jennifer Coolidge

Otras comedias por las que desfiló la actriz de American Pie a principios de siglo incluyen: Very Important perros (2000) de Christopher Guest -en el que tuvo un rol protagónico-, Zoolander: Un descerebrado de moda (2001) de Ben Stiller, o Una cenicienta moderna (2004) y su secuela, protagonizadas por Hilary Duff.

Jennifer Coolidge también fue una estrella indiscutible de comedias paródicas como Date Movie (2006) o Epic Movie (2007).

Si bien hasta entonces había seguido actuando en televisión, todavía no le había llegado la oportunidad de tener un rol recurrente y destacado. Pero eso cambió con Friends. En el año 2003 se introdujo en la sitcom para uno de sus episodios, y un año después cambió de personaje para pasar a formar parte del reparto de Joey en un papel más destacado.

Joey fue un spin-off de Friends centrado en el personaje de Matt LeBlanc, que contó con Jennifer Coolidge en el papel de Bobbie Morganstern a lo largo de las dos temporadas que tuvo, pasando de ser una estrella recurrente en la primera a una principal en la segunda.

Más adelante también se introdujo durante bastante tiempo en otras series como: Vida secreta de una adolescente, en el rol de Betty, Gravity Falls, prestando su voz al personaje de Lazy Susan, Dos chicas sin blanca, en el papel de Sophie Kachinsky, o The Fungies, una animación en la que puso voz a varios personajes.

Jennifer Coolidge y su triunfal pero trágico paso por The White Lotus

Hay que reconocer que en ninguna de sus series anteriores Jennifer Coolidge logró llamar tanto la atención como a partir de 2021, cuando pasó a encabezar el elenco de la primera temporada de la serie antológica The White Lotus, creada por Mike White.

Sacando a relucir su vertiente más cómica, en ella dio vida al personaje de Tanya McQuoid, uno de los más queridos y memorables de la producción, que tuvo el honor de ser también de los pocos que regresó a una temporada posterior a pesar de que el resto de intérpretes se renovaran para contarnos una nueva historia.

Así, Jennifer Coolidge volvió como Tanya para la segunda temporada de The White Lotus, pero aquella fue la última vez que vimos a la actriz en el papel, ya que su personaje sufrió un terrible desenlace… ¡Eso sí, fue uno de los momentos más divertidos de la producción!

Jennifer Coolidge intentó por todos los medios convencer a Mike White de que no matara a Tanya, pero fue inútil. “No tengo por qué morir, ¿verdad?”, le decía Coolidge. Incluso le llegó a sugerir el rodaje de una escena en la que se arrastrara hasta la orilla, “sólo una”.

“¡Eso es una actriz luchando por otra temporada! Quería ser práctica en caso de que Mike cambiara de opinión. Simplemente quería dejar la puerta abierta”, lamentaba la actriz de The White Lotus.

Aunque no consiguió volver para la tercera temporada de The White Lotus, su interpretación como Tanya McQuoid le valió todos los elogios a Jennifer Coolidge, haciéndole conseguir los primeros premios Globo de Oro y Primetime Emmy de su carrera, a los que también se sumaban el The Actor Awards y los Premios de la Crítica Televisiva.

El mismo año en que se estrenó la temporada 2 de The White Lotus, Coolidge también se dejó ver como protagonista en la serie Vigilante de Netflix, y en la cinta Una boda explosiva (2022) junto con Jennifer Lopez.

Jennifer Coolidge en la actualidad

Después de The White Lotus, el papel más destacado que ha recibido Jennifer Coolidge ha sido para Una película de Minecraft (2025), la adaptación del famoso videojuego de Mojang en la que dio vida al personaje de la subdirectora Marlene, quien se enamoraba de un aldeano.

Y ya se ha confirmado que la veremos una vez más en este rol para la secuela A Minecraft Movie: Squared, prevista para llegar a la cartelera en julio de 2027.

Ahora que ya sabes lo que fue de Jennifer Coolidge, te invitamos a descubrir a algunas celebridades como Steven Seagal, el actor acción de los 90 que siempre estuvo envuelto en polémicas y adora a Putin o Danny Trejo, el actor de Machete y primo de Robert Rodriguez que pasó sus primeros años entre rejas.

Cada semana publicaremos nuevas historias de otras estrellas míticas cuyas vidas también dieron un giro inesperado como en el caso de Jennifer Coolidge, la actriz de American Pie que ha resurgido catastróficamente con The White Lotus.

En este artículo podrás conocer los papeles que marcaron a Bruce Campbell, ya fuera junto con Sam Raimi o de manera independiente, además de descubrir su paradero actual, todavía ligado al cine a pesar de sus problemas de salud.

Qué fue de Bruce Campbell

Bruce Lorne Campbell nació en Michigan, Estados Unidos, en verano de 1958, como el hijo de un actor y profesor de teatro local. Se empezó a interesar por el mundo del cine desde que era un chaval, una pasión compartida con su amigo Sam Raimi y que unió a ambos en su salto a la fama.

Se conocieron durante el instituto en los años 70 y juntos rodaron de adolescentes sus primeros cortometrajes en Super 8. De entre sus primeros proyectos destacan:

La cinta It's Murder! (1977), que empezaba a incluir algunas de las obsesiones que más tarde exploraría a fondo Sam Raimi en Posesión infernal (1981), y el mediometraje Within the Woods (1979), que sirvió como adelanto del gran proyecto que tenía el cineasta en mente para mostrarlo a quienes pudieran invertir en su película.

Al final pudieron alumbrar Posesión infernal a principios de los 80, en la que Bruce Campbell ostentaba el rol protagónico de Ash Williams además de ser productor ejecutivo de la película a través de la productora Renaissance Pictures que había creado en colaboración con su amigo.

La cinta fue todo un éxito en taquilla pese a su bajo presupuesto, y aquello propicio que el equipo formado por Bruce Campbell y Sam Raimi no tardara en volver a ponerse en acción para estrenar un par de secuelas: Terroríficamente muertos (1987) y El ejército de las tinieblas (1992), entre las que también se coló la cinta independiente Darkman (1990).

Bruce Campbell y su eterna colaboración con Sam Raimi

Con aquellas cintas, se cerró la trilogía cinematográfica de Posesión infernal de Bruce Campbell y Sam Raimi, pero a través de Renaissance Pictures siguieron lanzando nuevas producciones además de regresar a la saga de Evil Dead años después.

Entre esas producciones podemos contar series como Xena, la princesa guerrera o Hércules: Sus viajes legendarios, en las que el actor de Ash Williams tuvo apariciones en varios episodios. Aunque antes de eso Bruce Campbell triunfó liderando su propia serie en televisión con Las aventuras de Brisco County Jr.

Cuando a principios de siglo Sam Raimi se volcó en una nueva trilogía, en aquella ocasión dejando de lado el terror para pasar al género superheróico con Spider-Man, no se olvidó de Bruce Campbell, y lo introdujo en sus tres películas para que hiciera cameos como diferentes personajes.

De manera similar, en Oz, un mundo de fantasía (2013), Sam Raimi también rescató al antiguo protagonista de Posesión infernal para que tuviera una breve aparición en su cinta de fantasía.

Alejado de Sam Raimi, Bruce Campbell se dejó caer por otras cintas en roles menores como en los casos de: Ladykillers (2004) de los hermanos Coen o Sky High, escuela de altos vuelos (2005) de Mike Mitchell.

También ejerció como actor de doblaje en cintas animadas como: Ant Bully, bienvenido al hormiguero (2006), Lluvia de albóndigas (2009) de Phil Lord y Christopher Miller o Cars 2 (2011).

En televisión volvió a destacar a través de la serie Último aviso, un thriller cómico en el que encarnó al personaje protagónico de Sam Axe durante los 111 episodios que tuvo la producción entre 2007 y 2013. Y poco después lo vimos en la segunda temporada de Fargo de Noah Hawley, dando vida al personaje de Ronald Reagan en un par de episodios.

Bruce Campbell regresa a Posesión infernal décadas después

El regreso de Bruce Campbell al universo de Posesión infernal fue glorioso. Después de haber dirigido y protagonizado su propia parodia de la película original bajo el título de Posesión demencial en 2007, y del estreno del reboot de Posesión infernal (Evil Dead) (2013) dirigido por Fede Álvarez, todo el mundo pedía que Ash Williams regresara a la franquicia.

Con Sam Raimi de nuevo a la cabeza de la producción y con Bruce Campbell encabezando el reparto, en 2015 vio la luz la primera temporada de Ash vs Evil Dead, que continuaba tras los acontecimientos de la trilogía original. La serie le encantó al público, y alcanzó las tres temporadas estrenando su final en 2018.

Mientras que la saga de Posesión infernal ha continuado expandiéndose en la gran pantalla tras el resurgir de Bruce Campbell, el intérprete ha vuelto a quedarse en las sombras durante los últimos años.

Tuvo de nuevo un cameo en la siguiente cinta superheróica del director de Posesión infernal, Doctor Strange en el multiverso de la locura (2002), y fue un personaje recurrente en la serie Hysteria! ,que se canceló tras su primera temporada.

Bruce Campbell en la actualidad

A principios de este año, Bruce Campbell anunció que fue diagnosticado con un cáncer que era tratable pero no se podía curar, algo que afectaría a su carrera a partir de ese momento, pues debía centrarse en su salud.

De todos modos, se mantenía optimista, asegurando que era “un tipo duro” y que contaba “con un gran apoyo”, por lo que esperaba seguir estando “por aquí un tiempo”.

Un mes después, Bruce Campbell aseguró que no iba “a cambiar nada”, y que seguía enfocado en su nuevo proyecto audiovisual, la comedia dramática Ernie & Emma, escrita, dirigida y protagonizada por él mismo, y también producida por él en colaboración con su esposa Ida Gearon, convirtiendo este proyecto en uno de los más especiales y personales de su carrera.

Ahora que ya sabes lo que fue de Bruce Campbell, te invitamos a descubrir a algunas celebridades como Neus Asensi, la actriz de Torrente que se arrepintió de actuar en las películas de Santiago Segura o William Petersen, el eterno actor del entomólogo forense Gil Grissom de CSI que inició su carrera en España.

Cada semana publicaremos nuevas historias de otras estrellas míticas cuyas vidas también dieron un giro inesperado como en el caso de Bruce Campbell, el protagonista de Posesión infernal que volvió a la saga décadas después.

En las siguientes líneas podrás descubrir cuáles han sido los personajes que han marcado a la actriz española a lo largo de su carrera, y también cuál es su paradero actual.

Qué fue de Lydia Bosch

Lydia Boquera de Buen nació en Barcelona en noviembre de 1963, pero se crio en El Prat de Llobregat, donde su familia regentaba una papelería y librería donde a veces ella echaba una mano. Al recordar su infancia, lo primero que le viene a la mente en la actualidad son las palabras: “Felicidad, familia, ilusión, juego”.

El director de cine y realizador de televisión Narciso Ibáñez Serrador fue quien descubrió a Lydia Boquera de Buen en los años 80 y la introdujo en el mundo de la televisión, convirtiéndola en la azafata de su concurso Un, dos, tres... responda otra vez en 1984, poniéndole el nombre artístico de Lydia Bosch.

Ese mismo año, Lydia Bosch también debutó en el cine como actriz con la película Yo amo la danza (1984). En 1986 se dejó caer por su primera serie, apareciendo en un episodio de Segunda enseñanza, e hizo su primera aparición teatral en Pato a la naranja, una vertiente artística que no exploró demasiado en aquella época.

Durante los años 80 y 90 fue presentadora de varios programas de televisión, destacando su paso por el concurso El gran juego de la oca entre 1993 y 1994. Mientras tanto, la vimos como protagonista en películas como La luna negra (1989) de Imanol Uribe o Una casa en las afueras (1995), y en el reparto de producciones como la miniserie La forja de un rebelde (1990).

El gran hito de Lydia Bosch en la ficción le llegó en el año 1995, cuando se unió al reparto de la serie Médico de familia de Daniel Écija, en el papel de Alicia Soller, la cuñada y futura esposa de Emilio Aragón. Un personaje que la acompañó a lo largo de las siete temporadas que tuvo la serie hasta su final emitido en 1999 por Telecinco.

Con el cambio de siglo, Lydia Bosch encabezó el reparto de You're the One (una historia de entonces) (2000) de José Luis Garci, que le valió su primera y única nominación a los Goya como mejor actriz, aunque se lo acabase llevando Carmen Maura por La comunidad (2000).

Lydia Bosch después de Médico de familia

Después de Médico de familia, Lydia Bosch regresó a la televisión a través de series como Dime que me quieres, en el rol de Teresa, o Motivos personales, donde encarnó a Natalia Nadal.

Además, también la pudimos ver en producciones como: Los serrano, en el papel de Elena Gómez Casado; Águila Roja, donde dio vida a la Madre Isabel de Montejo; o Gran Hotel, en la que encarnó a Violeta Salinas.

Durante varios de sus siguientes proyectos televisivos estuvo involucrada series de thriller y criminales, como son los casos de: Los misterios de Laura, donde dio vida a Natalia Palazón; Sin identidad, en el papel de Luisa Vergel; La verdad, como Lidia McMahón; o Servir y proteger, como Mabel.

Fue una excepción su paso por Paquita salas, la comedia de Los Javis en la que tuvo un breve cameo que le permitió volver a ponerse en la piel de Alicia Soller, el personaje de Médico de familia que la hizo saltar a la fama.

Tras haber desfilado por todas aquellas producciones, el último gran papel de Lydia Bosch en televisión fue para la telenovela Mía es la venganza de 2023, otro thriller en el que dio vida a Sonia Hidalgo.

No fue su último gran papel porque se tratara de uno memorable, sino porque le permitió a Lydia Bosch regresar a Telecinco y volver a formar parte de una serie durante más de cien episodios, algo que no le ocurría desde su éxito en Médico de familia.

Lydia Bosch en la actualidad

Lydia Bosch llevaba sin hacer teatro desde los años 80, después de haber estado casi toda su carrera en la televisión, pero este 2026 ha regresado después de 37 años a los escenarios con un papel que considera “mucho más que un regalo”.

Lo hace a través de la obra Fedra, en los infiernos, una reformulación del mito griego de Fedra, dramatizada por José María del Castillo para el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida en la temporada de verano de 2026.

La antigua protagonista de Médico de familia aseguró en una reciente entrevista que, a sus 62 años, el teléfono le sonaba cada vez menos, y que “a partir de cierta edad”, para las actrices empieza a haber “pocos personajes femeninos interesantes”.

Por eso, la oportunidad de encarnar a un personaje “tan complejo y tan maravilloso” en este momento de su vida era algo que no se podía imaginar, pero está muy agradecida por ello.

Ahora que ya sabes lo que fue de Lydia Bosch, te invitamos a descubrir a algunas celebridades como Santi Rodríguez, el frutero de la serie Siete Vidas que actualmente se dedica al teatro o Michael Ontkean, el actor que dio vida al sheriff Harry S. Truman de Twin Peaks y ahora está retirado en Hawái.

Cada semana publicaremos nuevas historias de otras estrellas míticas cuyas vidas también dieron un giro inesperado como en el caso de Lydia Bosch, la actriz de Médico de familia que ha vuelto al teatro casi 40 años después.

En su primera faceta, a lo largo de los años ha sido un colaborador habitual de Santiago Segura, con quien ha trabajado en su saga de comedia más famosa. Y ahora se prepara para estrenar su próxima película como actor.

Qué fue de Carlos Iglesias

Carlos Iglesias Serrano nació en Madrid, en julio de 1955, aunque pasó su infancia en Suiza cuando su familia tuvo que mudarse a vivir allí hasta que cumplió los 13 años.

Cuando regresó a la capital de España tuvo su primer contacto con el teatro y estudió en la Real Escuela Superior de Arte Dramático para dedicarse a ello de manera profesional.

Durante los años 80 empezó a actuar en varias obras de teatro y a tener sus primeras apariciones televisivas, aunque su primer papel destacado le llegó en 1995 para Esta noche cruzamos el Mississippi, en la que dio vida a Pepelu.

No obstante, ganó mayor relevancia el ponerse en la piel del albañil Benito Lopera Perrote para la serie Manos a la obra, que se emitió entre 1998 y 2001, alcanzando los 130 episodios.

Su papel como Benito fue tan icónico que Carlos Iglesias lo acabó retomando a modo de cameo en Torrente 3: El protector (2005) de Santiago Segura, marcando su primera colaboración con el director madrileño a cuyo cine regresaría varios años después.

Carlos Iglesias desde su debut con Un franco, 14 pesetas

En 2006, Carlos Iglesias debutó como director con la película Un franco, 14 pesetas, una comedia dramática escrita y protagonizada por él mismo, que se basaba en su propia experiencia como inmigrante en Suiza, relatando la historia de un niño y su familia que cambiaban de país.

Aunque Carlos Iglesias logró estar nominado al Goya como mejor director novel por ella, el premio se lo acabó llevando Daniel Sánchez Arévalo por AzulOscuroCasiNegro.

Después de Un franco, 14 pesetas, Carlos Iglesias nos trajo Ispansi (¡Españoles!) (2011), otra historia basada en hechos reales; en aquella ocasión sobre el envío de miles de menores a Unión Soviética durante los comienzos de la Guerra Civil en España.

Poco después, estrenó la secuela de Un franco, 14 pesetas, titulada 2 francos, 40 pesetas (2014), donde retomaba la historia de sus personajes siete años después de los eventos ocurridos al final de la primera película, en el que la familia había regresado a Madrid.

En 2019, el director de Un franco, 14 pesetas protagonizó la comedia @buelos, y un año después estrenó su siguiente largometraje como director, guionista y protagonista: la comedia La suite nupcial (2020), en la que adaptaba para la gran pantalla una obra de teatro hecha por él que había tenido gran éxito.

Si bien la película contaba además con un elenco destacado en el género, incluyendo la presencia de cómicos como José Mota o Santiago Segura, se convirtió en la cinta peor valorada de su filmografía, acaso empujándolo a regresar al drama en su siguiente proyecto como cineasta y dejando la comedia relegada a sus interpretaciones.

Carlos Iglesias inicia su colaboración con Santiago Segura

A partir de Padre no hay más que uno 3 (2022), Carlos Iglesias se convirtió en un miembro del reparto recurrente en las siguientes entregas de la saga de Santiago Segura, poniéndose en la piel de Agustín, el abuelo de la familia, siendo el suegro de Segura en la ficción.

A pesar de la relación previa de Carlos Iglesias y Santiago Segura, él no siempre fue el primer candidato para este personaje. En un principio Antonio Resines iba a tomar el rol del abuelo, pero enfermó por COVID durante la producción, obligando a que se detuviera el rodaje y su director tuviera que pensar en un plan B.

Iglesias recibió “una llamada por la noche” de Segura y aceptó el papel de inmediato. Nada más llegar a sus manos el guion, tan solo tuvo diez horas antes de incorporarse a la producción. Y el resultado fue un éxito.

Por tanto, tuvimos a Carlos Iglesias de regreso en Padre no hay más que uno 4: Campanas de boda (2024) y Padre no hay más que uno 5: Nido repleto (2025), así como en un par de producciones de corte similar.

La primera fue A todo tren 2: Sí, les ha pasado otra vez (2022), dirigida por Inés de León bajo el amparo de Santiago Segura, quien protagonizaba la cinta y la producía a través de su sello Bowfinger International Pictures. La segunda fue la comedia española ¿Quién es quién? (2024) de Martín Cuervo.

Carlos Iglesias en la actualidad

En 2025, Carlos Iglesias volvió al drama en una nueva producción que contó con él en todos los cargos principales, a través de La bala, una película ambientada durante la posguerra en los años 40.

Su director señaló la memoria histórica como un aspecto clave que quería resaltar de la película: “Los muertos están muertos, pero tenían vivos y los vivos tienen memoria”.

El cineasta también aprovechó para comparar cómo “una guerra convencional se tarda 50 años en olvidar” pero “una guerra entre hermanos, como la nuestra, pues posiblemente sea más del doble”.

Más adelante, Iglesias reflexionó sobre el camino al que nos dirigimos ahora, habiendo “olvidado lo que es una dictadura”, facilitando que divaguemos “con lo que era y con lo que no”, señalando el peligro al que nos enfrentamos: “Es muy triste pensar que en una dictadura se puede vivir mejor que en una democracia”.

A sus 70 años, Carlos Iglesias no tiene apenas nuevos proyectos en el horizonte, y el único largometraje pendiente de estreno que figura en su ficha de IMDb en el momento de escribir estas líneas es el drama Las locas del obelisco, escrito y dirigido por Pablo Moreno, en el que dará vida al Padre Federico.

Ahora que ya sabes lo que fue de Carlos Iglesias, te invitamos a descubrir a algunas celebridades como Jenna Fischer, la actriz de Pam Beesley en The Office que sigue muy unida al personaje o Tony Leung, el actor predilecto de Wong Kar-Wai que acabó convertido en villano de Marvel.

Cada semana publicaremos nuevas historias de otras estrellas míticas cuyas vidas también dieron un giro inesperado como en el caso de Carlos Iglesias, el director de Un franco, 14 pesetas y actor en las comedias de Santiago Segura.

En este artículo podrás conocer sus mayores hitos cinematográficos, y averiguarás qué estrenos ha lanzado el actor de El príncipe de Zamunda en los últimos años.

Qué fue de Eddie Murphy

Edward Regan Murphy nació en abril de 1961 en Nueva York, Estados Unidos, como el hijo de un actor aficionado al que asesinaron por amor y de una madre que enfermó, haciendo que él acabara en un hogar de acogida durante un año junto con su hermano mayor.

Según declaró más adelante, esa experiencia le permitió desarrollar su característico sentido del humor, aunque su influencia clave para lanzarse a ser cómico le vino de Richard Pryor.

Los primeros trabajos de Eddie Murphy fueron como comediante en diferentes espacios, antes de dar el salto a la televisión con el programa Saturday Night Live en la década de los 80.

Aquello fue seguido por su posterior llegada a la gran pantalla a través de la comedia Límite: 48 horas (1982). La película funcionó bien, e incluso tuvo una secuela en 1990 titulada 48 horas más.

Sin embargo, fue un par de años después cuando arrasó en los cines gracias a la comedia de acción Superdetective en Hollywood (1984) de Martin Brest, en la que dio vida al detective Axel Foley.

La cinta se convirtió en la comedia más taquillera de todos los tiempos en su día, provocando que la saga no parara de expandirse en los años y las décadas posteriores. Superdetective en Hollywood II se estrenó en 1987 volviendo a ser un éxito en recaudación que dejó buen sabor de boca.

En cambio, Superdetective en Hollywood III, que llegó en 1994, no fue tan bien recibida, y la saga se tomó un descanso de 30 años.

Hasta que Eddie Murphy retomó su papel como Axel Foley en Superdetective en Hollywood: Axel F. en 2024, estrenada de manera exclusiva en Netflix para revivir aquel clásico de comedia de los 80 que conseguía mantener la esencia de las cintas originales gracias a su estrella protagonista.

Otra de las señas de identidad cinematográficas de Eddie Murphy se encuentra en la comedia El príncipe de Zamunda (1988) de John Landis, basada en una idea original del propio intérprete, que protagonizó la película dando vida a Akeem Joffer, príncipe heredero en Zamunda, una nación ficticia de África.

Al igual que Superdetective en Hollywood, El príncipe de Zamunda también se convirtió en otro icono de la comedia en los 80 que recibió su tardía secuela en la década de 2020 con El Rey de Zamunda (2021) de Craig Brewer, rescatando a Eddie Murphy como Akeem Joffer.

Eddie Murphy es todo un animal

Eddie Murphy se introdujo por primera y última vez en el mundo de la dirección en 1989 con Noches de Harlem, una comedia en la que también ejercía como guionista y protagonista.

Durante los 90, el actor de El príncipe de Zamunda siguió siendo un sinónimo de icono de la comedia, apareciendo en nuevas sagas como El profesor chiflado (1996), que recibió su secuela en el año 2000 con El profesor chiflado II: La familia Klump.

O el remake de Dr. Dolittle en 1998, a la que siguió Dr. Dolittle 2 en 2001, y que recibió nuevas entregas en los años posteriores sin su presencia, primero con Kyla Pratt y luego con Robert Downey Jr. a la cabeza del reparto.

Aunque, yendo la cosa de franquicias exitosas, ninguna de las anteriores se puede medir con la prestigiosa Shrek, que contó con él para encarnar el mítico personaje de Asno en todas sus entregas, desde la primera película de la saga estrenada en el año 2000, hasta la inédita quinta entrega que llegará a las salas en 2027.

Eddie Murphy aseguró en una entrevista de 2025 que Asno era “un personaje fantástico de interpretar”, y que le encantaría “hacer Shrek toda la vida”.

Por eso lo emocionaba la idea de que el personaje pudiera protagonizar su propia película en solitario al igual que ya ha pasado con El Gato con Botas: “Estoy totalmente a favor”. Y DreamWorks ha escuchado sus plegarias confirmando el spin-off de Asno para 2028.

El actor de Asno recordaba cómo se entregaba “a tope en cada sesión de doblaje” para la película, ya que el compañero de Shrek es un personaje muy exigente a nivel interpretativo: “Asno canta un montón”.

Además de actor, Eddie Murphy también es músico. Compaginando sus interpretaciones con la composición, a lo largo de su carrera como actor también ha prestado su talento musical a varias producciones, entre las que se incluyen varias de las canciones de la saga de Shrek.

Entre una película de Shrek y la siguiente, el comienzo de siglo continuó siendo prolífico para Eddie Murphy, quien se dejó caer por comedias como La mansión encantada (2003) de Disney, Papá Canguro (2003) o Norbit (2007).

Sin embargo, su presencia cinematográfica mermó de manera severa en la siguiente década, hasta que resurgió gracias a sus grandes sagas, con las ya citadas: El Rey de Zamunda, Superdetective en Hollywood: Axel F. y Shrek 5.

Eddie Murphy en la actualidad

El estreno más importante que tiene Eddie Murphy entre manos en estos momentos es la quinta película de Shrek, que ha sufrido un cambio drástico en el diseño de sus personajes en lo que aparenta ser un reboot con el que la saga parece estar dando inicio a un nuevo comienzo con nuevos proyectos en el camino.

Por otro lado, también encontramos en el calendario de futuros lanzamientos del actor de Shrek las cintas: The Pink Panther de Jeff Fowler, Playas Ball y Attachment Parenting.

Ahora que ya sabes lo que fue de Eddie Murphy, te invitamos a descubrir a algunas celebridades como Inma del Moral, la presentadora de El informal que abandonó su faceta artística o Edie Falco, Carmela Soprano y protagonista de la saga Avatar que podría volver a una de sus series más icónicas.

Cada semana publicaremos nuevas historias de otras estrellas míticas cuyas vidas también dieron un giro inesperado como en el caso de Eddie Murphy, el actor de Superdetective en Hollywood y El príncipe de Zamunda que regresa para Shrek 5.

Pese a haberse introducido en la industria cuando era una niña y haber triunfado varias veces en televisión, en los últimos años ha estado bastante ausente de nuestras pantallas, y aquí podrás descubrir qué ha sido de ella.

Qué fue de Alyson Hannigan

Alyson Lee Hannigan nació en marzo de 1974 en Washington D. C., Estados Unidos. Desde los cuatro años ya empezó a aparecer en anuncios de televisión, y a los 11 consiguió su primer agente y se mudó a Hollywood.

A la edad de 14 años actuó junto con Kim Basinger en su primera película, Mi novia es una extraterrestre (1988), en la que también coincidió con su futuro novio en la ficción para Buffy, cazavampiros: Seth Green, aunque para eso todavía tendría que pasar una década.

Mucho antes de triunfar en televisión, tuvo su primer papel regular en la pequeña pantalla a través de la serie Free Spirit, al que siguieron varios roles menores hasta que logró consolidarse.

A finales de los 90, Joss Whedon la eligió para unirse al reparto de Buffy, cazavampiros en el rol de Willow Rosenberg, una experta en ordenadores, judía como la propia actriz, y la mejor amiga de Buffy, a quien daba vida Sarah Michelle Gellar.

Willow Rosenberg se convirtió en uno de los personajes más conocidos de la intérprete, pues le dio vida durante los 144 episodios que tuvo la serie repartidos a lo largo de sus siete temporadas, entre 1997 y 2003. Además, también encarnó a Willow como un personaje recurrente en Ángel, un spin-off de la serie en el que se dejó ver entre 2001 y 2003.

Según declaró en una entrevista de 2017, se sintió “muy afortunada de haber tenido esa experiencia” en Buffy, que describe como “increíble”.

“Poder hacer todo lo que hice fue un verdadero regalo para mí como actriz. Fue una serie tan bien escrita y buena que siempre la recordaré con cariño”. Además, destacó haber conocido en ella a su “esposo” Alexis Denisof, que daba vida al personaje de Wesley Wyndam-Pryce.

Gracias a su éxito en Buffy, cazavampiros, la actriz de Willow pasó a formar parte de la saga de películas cómicas de American Pie iniciadas por Paul Weitz y Chris Weitz. Así, a partir de 1999 la vimos dando vida a Michelle Flaherty en American Pie (1999), American Pie 2 (2001) y American Pie 3: ¡Menuda boda! (2003).

Se saltó su aparición en las entregas 4, 5, 6 y 7 de la serie que renovaban al elenco completo, pero luego estuvo de regreso para American Pie: El reencuentro (2012) donde se recuperaba al casting original.

Alyson Hannigan después de Buffy, cazavampiros

Cuando parecía que podría haber llegado al culmen de su carrera gracias a todas las producciones populares en las que había participado, Alyson Hannigan todavía tenía una última serie con la que triunfar, e incluso ganar mayor popularidad que con Buffy: Cómo conocí a vuestra madre.

Carter Bays y Craig Thomas se basaron en sus propias vidas para desarrollar la serie, con algunos personajes inspirados de manera directa en sus familiares y amistades.

Rebecca, la esposa de Craig Thomas, le puso una condición a su marido si quería seguir adelante con el proyecto: Alyson Hannigan debía ser la actriz que la interpretara en pantalla adoptando el rol de Lily Aldrin. Y así fue.

Durante las nueve temporadas y más de 200 episodios que tuvo Cómo conocí a vuestra madre entre 2005 y 2014, Alyson Hannigan ostentó uno de los roles protagónicos de la producción, en compañía de Josh Radnor y Jason Segel.

A pesar de triunfar una vez más en televisión, durante la última década Alyson Hannigan ha mantenido un perfil mucho más bajo en pantalla y no la hemos podido ver actuar en ninguna producción relevante durante los últimos años.

Se dejó caer por las cintas: Do You Take This Man (2016), Igual eres el asesino (2018), Kim Possible (2019), Flora y Ulises (2021) y Office Race (2023). También fue una actriz de doblaje habitual de la serie de animación infantil Fancy Nancy de Disney Plus, entre 2018 y 2022.

Alyson Hannigan en la actualidad

Si bien en los últimos meses se habló mucho sobre el regreso de Buffy, cazavampiros con una nueva serie en el que estaría de vuelta Sarah Michelle Gellar, el resto del reparto original de la serie no iba a actuar de nuevo en ella, ni siquiera Alyson Hannigan. De todos modos, el proyecto fue cancelado a principios de este 2026.

Por su parte, desde principios de año, la antigua Lily Aldrin tan solo ha estrenado una película, Solo Mio, aunque se ha mantenido bastante activa en redes sociales convirtiéndose en una influencer de manualidades, enseñando cómo realizar diversas decoraciones al más puro estilo Art Attack.

En su perfil se describe primero como “actriz”, luego como “madre” de sus dos hijas, Satyana Marie Denisof y Keeva Jane Denisof, y por último como “entusiasta de las manualidades”.

No obstante, en estos momentos tiene un nuevo largometraje entre manos, con su regreso a la comedia a través de Dodie & Cheryl Get Hitched, una película sobre dos lesbianas de pueblo que deciden casarse desatando la hipocresía a su alrededor.

Ahora que ya sabes lo que fue de Alyson Hannigan, te invitamos a descubrir a algunas celebridades como Thora Birch, la actriz de American Beauty que podría haber regresado en Hocus Pocus 2 y Miércoles o Alfred Molina, el Doctor Octopus de Spider-Man 2, que también está dentro el Universo DC y Star Wars.

Cada semana publicaremos nuevas historias de otras estrellas míticas cuyas vidas también dieron un giro inesperado como en el caso de Alyson Hannigan, la actriz de Buffy, cazavampiros, American Pie y Cómo conocí a vuestra madre.

Algunos de sus éxitos más notables los tuvo en su paso por Blade o True Detective, y ahora se prepara para estrenar un nuevo largometraje en el que también estará rodeado de estrellas.

Qué fue de Stephen Dorff

Stephen Hartley Dorff Jr. nació en Atlanta, Estados Unidos, en verano de 1973, como el hijo del compositor musical Steve Dorff, la misma carrera que acabó desempeñando su hermano. Pero él estaba más interesado por las artes escénicas desde niño, cuando tuvo sus primeras apariciones televisivas en anuncios.

Aunque actuó desde una edad temprana, no lo hizo en un largometraje hasta finales de los 80, cuando encabezó el reparto de la película de terror y fantasía La puerta (1987), a la que siguieron diversas apariciones cinematográficas y televisivas sin demasiada relevancia.

A comienzos de los 90, Stephen Dorff volvió a tener un papel protagonista en una de las películas más destacadas de su filmografía temprana: encarnando a P.K. en La fuerza de uno (1992) de John G. Avildsen, en la que también actuaban Morgan Freeman y Daniel Craig.

En 1993 compartió pantalla con Emilio Estévez en Los jueces de la noche, y apareció junto con Alicia Silverstone en el videoclip Aerosmith: Cryin'. En 1994 coprotagonizó S.F.W. con Reese Witherspoon, y dio vida a Stuart Sutcliffe en la cinta Backbeat, sobre los primeros años de los Beatles.

Stephen Dorff ofreció una interpretación tan convincente que hasta el mismísimo Paul McCartney la alabó, concediendo que había logrado capturar cómo era el conocido como quinto Beatle.

El actor de True Detective continuó teniendo papeles interesantes en la industria en 1996, como el de la actriz trans Candy Darling en Yo disparé a Andy Warhol o el de Jason en Blood & Wine (Sangre y vino) (1996).

Si bien en 1997 Stephen Dorff podría haber tenido una oportunidad de oro que le habría hecho cambiar el rumbo de su carrera, al final no logró hacerse con aquel papel.

Antes de empezar el rodaje de Titanic, James Cameron estuvo considerando a varios actores para encarnar a Jack. Y, aunque él estaba entre los posibles candidatos, el rol acabó en manos de Leonardo DiCaprio.

En cambio, un año después, Stephen Dorff se hizo con el rol más recordado de su carrera, aunque no era un papel protagónico, ya que se puso en la piel del vampiro Deacon Frost, uno de los principales antagonistas del cazavampiros Blade encarnado por Wesley Snipes en la cinta que lleva su nombre.

Después de Blade, el actor de Deacon Frost actuó en Cecil B. Demente (2000) de John Waters junto con Melanie Griffith, formó parte del reparto de Zoolander: Un descerebrado de moda (2001) de Ben Stiller y participó en el videoclip Britney Spears: Everytime (2004).

También lo vimos bajo la dirección de: Oliver Stone en World Trade Center (2006), Michael Mann en Enemigos públicos (2009), Sofia Coppola en Somewhere (2010) y Tarsem Singh en Immortals (2011).

True Detective salvó a Stephen Dorff

Durante la década siguiente, Stephen Dorff formó parte del reparto de varios largometrajes de acción que no tuvieron demasiado recorrido. No obstante, se introdujo con algo más de éxito en las series de televisión, donde consiguió el segundo papel más importante de su carrera.

Tras actuar en Star en el rol de Brody Dean, se unió a True Detective III de HBO Max como el detective Roland West, siendo el protagonista de la tercera temporada junto con Mahershala Ali en el papel del detective Wayne Hays.

Tras una flojísima segunda temporada de True Detective que no logró superar el aprobado en Rotten Tomatoes, la serie antológica de Nic Pizzolatto remontó con sus nuevos episodios, que se llevaron una nota media del 84% en el sitio web. Eso sí, de las cuatro temporadas que tiene la producción, es la tercera con la calificación más baja, pues el resto son de sobresaliente.

Pero True Detective se convirtió en un bote salvavidas para Stephen Dorff. Tras la muerte de su hermano en 2016, el actor de Roland West estuvo a punto de abandonar la interpretación para siempre: “Simplemente ya no quería actuar. No quería hacer nada. Estaba harto”.

Llegó a plantearse hacer algún cambio radical en su vida, como dedicarse “a la música”. Pero “un año después del fallecimiento” de su hermano le “ofrecieron True Detective de la nada” y no paró de actuar desde entonces.

“He estado trabajando muchísimo y he estado muy ocupado […], no he parado ni un segundo. Trabajar y centrarme en mis personajes me ha ayudado a sanar, en la medida de lo posible, tras la pérdida que sufrí”, explicó el protagonista de True Detective.

Stephen Dorff en la actualidad

Finalizada True Detective III en 2019, Stephen Dorff probó suerte de nuevo con la televisión en la serie Deputy, dando vida al sheriff Bill Hollister, mientras continuaba dejándose caer por producciones de serie B en las que se cruzó con otras glorias del cine, como Alec Baldwin en Clear Cut (2024) o Nicolas Cage en Pistoleros (2025).

Según IMDb, en estos momentos Stephen Dorff cuenta con un total de nueve producciones en diferentes grados de desarrollo, siendo su proyecto futuro más interesante la adaptación de William Shakespeare de El rey Lear que tiene Bernard Rose entre manos.

Todavía sin fecha de estreno confirmada, la cinta está protagonizada por grandes estrellas, entre las que se incluyen: Al Pacino, Jessica Chastain, Ariana DeBose, Rachel Brosnahan, LaKeith Stanfield, Peter Dinklage, Chris Messina, Ted Levine o Danny Huston.

Ahora que ya sabes lo que fue de Stephen Dorff, te invitamos a descubrir a algunas celebridades como Sean Astin, el actor de Sam en El Señor de los Anillos y del niño de Los Goonies o Wendell Pierce, quien pasó de actuar en The Wire a las últimas películas de Marvel y DC y otros éxitos de televisión.

Cada semana publicaremos nuevas historias de otras estrellas míticas cuyas vidas también dieron un giro inesperado como en el caso de Stephen Dorff, el antagonista de Blade y protagonista de True Detective que casi protagonizó Titanic.

La actriz de El cabo del miedo dejó aflorar su pasión por la música y también por las series de televisión, enseñándonos otras de sus facetas más allá de sus grandes éxitos cinematográficos que también podrás descubrir a continuación.

Qué fue de Juliette Lewis

Juliette Lake Lewis nació en verano de 1973 en Los Ángeles, Estados Unidos, como hija del actor Geoffrey Lewis, en una familia de siete hermanos y una hermana. Y se introdujo en el mundo de la interpretación desde muy joven.

Su primer papel fue para la película Home Fires (1987), a la que siguió su primera serie, I Married Dora. Por aquella época abandonó la escuela secundaria y se emancipó de su padre para dedicarse de lleno a la interpretación, teniendo buena fortuna en su trayectoria.

De entre sus primeros papeles destaca su participación en el telefilm Demasiado joven para morir (1990), en que conoció a Brad Pitt, con quien volvió a coincidir poco después en la cinta Kalifornia (1993). La química entre Juliette Lewis y su coprotagonista trascendió la pantalla, y la pareja inició una relación que duró entre una película y la siguiente.

En esos años, la carrera de Juliette Lewis llegó a su cenit gracias a Martin Scorsese, quien la eligió entre 500 candidatas para el rol de Danielle Bowden en la película El cabo del miedo (1991).

Su rol en la cinta llamó la atención de la prensa pero también de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas, confiriéndole su primer y única nominación a los Premios Óscar, en la categoría de Mejor actriz de reparto, que no ganó, al igual que tampoco le ocurrió en los Globos de Oro. No obstante, las puertas de Hollywood se le habían abierto de par en par, haciéndole vivir sus mejores años como actriz.

Después de Martin Scorsese, Juliette Lewis trabajó con grandes cineastas a lo largo de esa década, como Woody Allen en Maridos y mujeres (1992), Lasse Hallström en ¿A quién ama Gilbert Grape? (1993), Oliver Stone en Asesinos natos (1994), Kathryn Bigelow en Días extraños (1995), o Robert Rodriguez en Abierto hasta el amanecer (1996).

Juliette Lewis explora su faceta musical

Entrando al nuevo siglo, la producción audiovisual de Juliette Lewis decreció mientras la intérprete se adentraba en otra de sus pasiones: la música. La antigua Danielle Bowden formó una banda de rock con Patty Schemel, a la que llamó Juliette and the Licks.

A lo largo de la década lanzaron un par de álbumes, You're Speaking My Language y Four on the Floor, así como cuatro sencillos, y la realización de alguna gira. Todo ello hasta la disolución del grupo en 2009.

Eso sí, Lewis no dejó de lado la interpretación por completo, y la seguimos viendo en producciones como: Secuestro infernal (2000) de Christopher McQuarrie, Starsky & Hutch: La película (2004) de Todd Phillips -con quien repitió en Salidos de cuentas (2010)-, Roller Girls (2009) de Drew Barrymore, Metropia (2009) de Tarik Saleh, o Sympathy for Delicious (2010) de Mark Ruffalo.

Juliette Lewis resurge con Yellowjackets

Durante la última década, Juliette Lewis ha continuado haciendo cine con algún título suelto reseñable, aunque ha llamado más la atención por sus papeles en series de televisión, empezando por su rol como Tammy en La tapadera de 2012.

En 2015 se dejó caer por tres episodios de Wayward Pines, como Beverly Brown, y ese mismo año encabezó el reparto del thriller Secretos y mentiras como la detective Andrea Cornell, a quien dio vida a lo largo de las dos temporadas que tuvo la serie.

También tuvo pequeños papeles en las producciones: The Act en 2019, La innegable verdad en 2020, Asquerosamente ricos en 2020, o Queer as Folk en 2022.

En cuanto a sus roles más longevos en televisión, destacan: su papel como Harper en Sacred Lies y Jandice en Camping -ambas de 2018-, con la versión adulta de Natalie Scatorccio en Yellowjackets llevándose todos los aplausos, al haberla interpretado en 19 episodios durante las dos primeras temporadas de la exitosa serie de intriga, entre 2021 y 2023.

Juliette Lewis declaró en una entrevista de 2023 que nunca había interpretado a un personaje como aquel: “Natalie no se parece en nada a mí. Pero como hay ciertos rasgos, como que es “dura” o que viene de “un barrio conflictivo” o lo que sea, la gente cree que es un papel que ya he interpretado antes, pero no es así”.

Reflexionando sobre su carrera, la actriz de Yellowjackets se dio cuenta de que le había llevado “como 30 años que la gente dijera: “Vaya, hace cosas impredecibles, y son de gran calidad””, porque el éxito de la serie le dio “una de las lecciones más valiosas” de su carrera: perder el miedo a ser encasillada y que la gente no reconociera el trabajo que había detrás de sus papeles.

Juliette Lewis en la actualidad

Más allá de las series, en cine podríamos nombrar estrenos reseñables de Juliette Lewis como Agosto (2013) de John Wells, Jem y los hologramas (2015) de Jon M. Chu, Nerve, un juego sin reglas (2016) de Henry Joost y Ariel Schulman, El sótano de Ma (2019) de Tate Taylor, o The Thicket (2024) de Elliott Lester.

Todavía con nuevos proyectos entre manos, Juliette Lewis estrenará en un futuro próximo las cintas Jesus Land de Saila Kariat y Lips Like Sugar de Brantley Gutierrez, tras lanzar este 2026 en Amazon Prime Video el thriller Por encima de tu cadáver.

Ahora que ya sabes lo que fue de Juliette Lewis, te invitamos a descubrir a algunas celebridades como George Lazenby, el James Bond que terminó haciendo cine erótico y de artes marciales o Vincent Kartheiser, el actor de Pete Campbell en Mad Men que ha terminado convertido en supervillano de DC.

Cada semana publicaremos nuevas historias de otras estrellas míticas cuyas vidas también dieron un giro inesperado como en el caso de Juliette Lewis, la actriz de El cabo del miedo que ha triunfado de nuevo con Yellowjackets.

Durante las últimas décadas le perdimos la pista en el cine, pero John Carpenter ha continuado creando desde otros ámbitos, sin perder su amor por el séptimo arte y los géneros que lo hicieron grande.

Los primeros proyectos de John Carpenter

John Howard Carpenter nació a comienzos de 1948 en Nueva York, Estados Unidos, siendo el hijo de un profesor de música que motivó en él su pasión por ella, al tiempo que despertaba en el joven un interés por el cine de terror de serie B y los blockbusters de ciencia ficción.

De pequeño ya rodaba sus primeros cortos en 8mm, y luego continuó enfocándose en sus estudios cinematográficos cuando fue a la universidad, aunque los abandonó para poder alumbrar su primera película: Estrella oscura (1974), en la que John Carpenter ejerció tanto de compositor como de productor y coguionista junto con Dan O'Bannon.

Su primer largometraje ya llamó la atención de Hollywood, y le permitió subir el nivel con su siguiente proyecto: Asalto a la comisaría del distrito 13 (1976), aunque fue un par de años después cuando triunfó de verdad gracias a La noche de Halloween (1978), protagonizada por Jamie Lee Curtis.

La cinta ayudó a cimentar las bases del género slasher además de dar comienzo a la popular saga de terror de Halloween, que sigue lanzando nuevas entregas a día de hoy, aunque John Carpenter perdiera el contacto con la serie en el rol de guionista a partir de su segunda entrega.

John Carpenter une fuerzas con Kurt Russell durante décadas

En 1979, el director de Halloween empezó una larga colaboración con Kurt Russell, a quien tuvo como protagonista en las cintas Elvis (1979), 1997: Rescate en Nueva York (1981), La cosa (El enigma de otro mundo) (1982), Golpe en la pequeña China (1986) y 2013: Rescate en L.A. (1996).

De entre todas ellas la más destacada fue La cosa, que adaptaba para la gran pantalla la novela de terror de John W. Campbell, con Bill Lancaster al cargo del guion y Ennio Morricone de la música.

Si bien La cosa supuso el primer fracaso comercial del cineasta, tras éxitos como La niebla (1980), con el paso del tiempo la película ha acabado ocupando el lugar que se merece, siendo ahora una cinta de culto.

Tras ella, Carpenter adaptó la novela Christine de Stephen King, que vio la luz en 1983 funcionando bien en taquilla. Aunque poco después Golpe en la pequeña China se convirtió en el mayor fracaso de su carrera, pues fue su película de mayor presupuesto y que no consiguió triunfar en las salas, complicando la financiación de sus proyectos futuros.

A continuación, John Carpenter decidió volver al cine de bajo presupuesto, con estrenos como El príncipe de las tinieblas (1987), Están vivos (1988) o En la boca del miedo (1994), pero su carrera ya había entrado en declive en esa década.

Su remake de El pueblo de los malditos (1995) fue uno de sus últimos proyectos destacados, hasta que, poco a poco, terminó lanzando sus últimos largometrajes, a los que ni siquiera les sentó bien el paso del tiempo como a La cosa.

Qué fue de John Carpenter

John Carpenter se fue despidiendo del cine con Vampiros de John Carpenter (1998) y Fantasmas de Marte (2001), para empezar a colaborar en la serie de terror antológica Maestros del horror (Masters of Horror), en la que participaban grandes cineastas del género.

La última película de John Carpenter como director fue Encerrada (2010), cuando tenía 62 años. A partir de entonces se volcó de manera casi exclusiva en la producción y en la composición cinematográficas.

Eso le permitió mantener un estrecho vínculo con la saga de Halloween, a la que regresó en varias ocasiones como productor ejecutivo y compositor, incluyendo la entrega más reciente de la serie estrenado en 2022: Halloween: El final.

En la última década, John Carpenter tan solo volvió a ponerse detrás de las cámaras en 2023 para un episodio de la serie John Carpenter's Suburban Screams, que dirigió de manera remota y en la que también cumplía las funciones de productor y compositor.

John Carpenter en la actualidad

El proyecto más reciente de John Carpenter verá la luz en agosto de 2026 aunque no es una película. Pero en él se aúnan dos de sus pasiones: la escritura y la música.

Se trata de Cathedral, la primera novela gráfica realizada por el director de La cosa, en colaboración con su esposa Sandy King, quien también ha sido productora de gran parte de su filmografía.

Acompañando al cómic, el antiguo compañero de Kurt Russell también realizó un álbum con la banda sonora para complementar el relato, inspirado por una pesadilla que el cineasta no podía olvidar.

El sueño que inspiró la historia “era muy cinematográfico y vívido..." "Pensé: “Tengo que componer la banda sonora”. Es, en cierto modo, nuestro primer álbum de heavy metal”, aseguró John Carpenter.

Además de lanzar este proyecto tan personal, John Carpenter también está involucrado en la banda sonora de un nuevo largometraje, la película Ally, con la que el cineasta surcoreano Bong Joon-ho se introduce por primera vez en su carrera en el mundo de la animación, aunque todavía no sabemos cuándo verá la luz.

Por último, también se ha confirmado que John Carpenter regresará como productor ejecutivo para John Carpenter Presents, una nueva serie antológica de terror sobrenatural que tampoco tiene fecha de estreno confirmada.

Ahora que ya sabes lo que fue de John Carpenter, te invitamos a descubrir a algunas celebridades como Jazzy Jeff, amigo de Will Smith en El príncipe de Bel-Air y que formó un dúo musical con él o Jason Lee, el protagonista de Me llamo Earl y colaborador habitual de Kevin Smith, que ha sido actor, skater y fotógrafo.

Cada semana publicaremos nuevas historias de otras estrellas míticas cuyas vidas también dieron un giro inesperado como en el caso de John Carpenter, el director de La noche de Halloween que nunca se ha despegado de la saga.

La actriz de Ellie es también una de las integrantes de Critical Role, habiendo protagonizado varias campañas de Dungeons & Dragons que del mismo modo han dado el salto a la televisión en formato animado.

Qué fue de Ashley Johnson

Ashley Suzanne Johnson nació en 1983 en California, Estados Unidos, siendo la hermana de Chris y Haylie, también intérpretes. Desde joven se interesó por diferentes artes, como la música o la actuación, y es que desde muy pequeña estuvo metida en el mundo audiovisual como actriz.

El primer papel de Ashley Johnson le llegó a los seis años de edad, cuando interpretó a Chrissy Seaver en la serie Los problemas crecen durante un par de décadas, apareciendo en casi 50 de sus episodios, y más adelante en sus dos continuaciones como largometrajes.

A la edad de 12 años, Ashley Johnson ya había formado parte del elenco de ocho series de televisión, y poco a poco se fueron sumando más proyectos a la lista.

La joven compartió créditos con algunas de las mayores estrellas del cine, pues la vimos en Nueve meses (1995) de Chris Columbus, que protagonizaban Hugh Grant y Julianne Moore, A cualquier otro lugar (1999), con Susan Sarandon y Natalie Portman, ¿En qué piensan las mujeres? (2000) con Mel Gibson, o Vengadores (2012), protagonizada por Robert Downey Jr.

Ashley Johnson se convierte en actriz para videojuegos

Sin embargo, el contacto de Ashley Johnson con el cine no fue demasiado estrecho, ya que la actriz no tardó en empezar a labrarse una carrera en el doblaje, que la llevó a convertirse en algunos de los personajes más memorables de la televisión en nuestras infancias, aunque nunca supiéramos que ella fuera la voz que estaba detrás.

En 1997 se convirtió en Gretchen Prunella Grundler en la serie La banda del patio durante casi 130 episodios y varias películas, y en 2004 empezó a dar vida a Terra para las series: Teen Titans y Teen Titans Go!

A la que siguió en 2008 su papel como Gwen Tennyson, una de las protagonistas de las series de animación Ben 10: Alien Force, Ben 10: Ultimate Alien y Ben 10: Omniverse, que juntas suman más de 100 episodios en total.

Terra y Gwen Tennyson se convirtieron en dos papeles clave para Ashley Johnson, no sólo porque le permitieran abrirse camino en el mundo de la animación para la tele sino porque le sirvieron para introducirse en el mundo de la interpretación en los videojuegos.

Las adaptaciones de Teen Titans y Ben 10 al formato interactivo supusieron el debut de la intérprete en el medio, poco tiempo antes de que saltara a la fama como Ellie en The Last of Us, que se lanzó en 2013.

Ashley Johnson se convierte en Ellie de The Last of Us

Ellie supuso un paso exponencial respecto a sus anteriores trabajos en el doblaje, ya que en esa ocasión volcó todo su ser en la protagonista de The Last of Us, empleando la captura de movimiento para que no solo fuera trasladada al videojuego su voz, sino también sus expresiones faciales y corporales.

Su excelente interpretación le valió un BAFTA, un VGX, un D.I.C.E. y también Spike Video Game Awards, además de permitirle establecer una conexión muy estrecha con esta franquicia que no hizo más que crecer.

En el DLC del videojuego original, titulado The Last of Us: Left Behind (2014), retomó al personaje de Ellie, y en 2020 volvió a encarnar a una versión más adulta de la joven a través de The Last of Us Parte II, por cuya interpretación acabó nominada a los Game Awards y a los BAFTA.

Unos años después, cuando HBO Max decidió lanzar la adaptación televisiva en imagen real de The Last of Us en 2023, no se olvidó de la estrella de los videojuegos, y contaron con Ashley Johnson para que diera vida a Anna, la madre de Ellie, que tuvo una breve aparición en pantalla pero muy significativa.

Ashley Johnson triunfa con Dragones y Mazmorras

De manera paralela a su creciente éxito en el mundo de los videojuegos gracias a The Last of Us, Ashley Johnson también se hizo conocida entre el fandom de Dragones y Mazmorras desde que en 2015 empezó a actuar en Critical Role, la web serie de Dungeons & Dragons más popular que existe, en la que intérpretes de doblaje profesionales juegan campañas de rol muy trabajadas.

A lo largo de las campañas, Ashley Johnson ha encarnado a cuatro memorables personajes para Critical Role: Pike Trickfoot, Yasha Nydoorin, Fearne Calloway y Vaelus.

La fama alcanzada por este proyecto, propició que Amazon Prime Video se fijara en él, y le permitiera a Ashley Johnson regresar a la televisión como actriz de doblaje en una serie animada a través de La leyenda de Vox Machina.

Basada en la primera campaña de Dungeons & Dragons de Critical Role, La leyenda de Vox Machina era un regalo para sus fans y para el propio equipo, quienes retomaron a sus personajes originales.

Ashley Johnson pudo así ponerse una vez más en la piel de Pike Trickfoot, entonces para el streaming; y más adelante en el de Yasha Nydoorin para Los Mighty Nein, una continuación de la serie basada en su segunda campaña de rol.

Ashley Johnson en la actualidad

En la actualidad, Ashley Johnson sigue volcada en el proyecto de Critical Role, aunque continúa haciendo trabajos de doblaje para videojuegos, habiendo participado en los últimos años en títulos tan destacados como Stray Gods: The Roleplaying Musical (2023) o Dispatch (2025).

Ahora que ya sabes lo que fue de Ashley Johnson, te invitamos a descubrir a algunas celebridades como Katie Holmes, la actriz de Dawson Crece y Batman Begins que ahora dirige sus propias películas o Judd Nelson, el protagonista de El club de los cinco que no ha parado de trabajar en ningún momento.

Cada semana publicaremos nuevas historias de otras estrellas míticas cuyas vidas también dieron un giro inesperado como en el caso de Ashley Johnson, la actriz de Ellie en The Last of Us y responsable de Critical Role.

Más allá de Will & Grace, su estrella principal ha participado en varias series de televisión que podrás descubrir en este artículo. Pero está claro que ninguno de sus papeles ha logrado tener el mismo impacto que el de su personaje pionero en la representación gay en televisión.

Qué fue de Eric McCormack

Eric James McCormack nació en abril de 1963 en Toronto, Canadá, como el mayor de tres hermanos. De naturaleza tímida de pequeño, cuando descubrió el teatro pudo aprender a expresarse mejor, y lo enamoró tanto la interpretación que jamás se separó de ella a lo largo de toda su vida.

Desde el instituto estuvo participando en obras teatrales, y luego siguió enfocándose en la actuación cuando llegó a la universidad, aunque nunca terminó sus estudios porque pasó a formar parte del Stratford Shakespeare Festival.

Durante varias temporadas, Eric McCormack hizo que cobraran vida varias obras de William Shakespeare sobre los escenarios, hasta que se dio cuenta de que no quería que aquel fuera su destino como actor.

Por lo que, después de probar suerte en otros géneros teatrales, acabó introduciéndose en el mundo de la televisión en la década de los 80, y consiguió su primer papel cinematográfico para la adaptación de The Lost World (1992) y su secuela en los 90.

Poco a poco, Eric McCormack se fue consolidando en el universo de las series de televisión, a través de papeles como el Detective Eric Rothman en Street Justice o Clay Mosby en Lonesome Dove: The Outlaw Years.

Es más, incluso estuvo cerca de pasar a formar parte del reparto de Friends, pues audicionó hasta en tres ocasiones para el rol de Ross Geller. Pero no tuvo éxito y David Schwimmer se acabó quedando con el papel.

Eric McCormack hace historia con Will & Grace

No obstante, Eric McCormack se hizo no mucho tiempo después con uno de los papeles más longevos de la televisión, y el más extenso de su carrera: el del abogado gay Will Truman en la comedia de situación Will & Grace, que lleva el nombre de su personaje y el de la diseñadora de interiores Grace Adler, encarnada por Debra Messing.

Creada por David Kohan y Max Mutchnick, Will & Grace fue muy popular desde sus inicios, y el personaje de Will Truman conquistó a la audiencia como un icono homosexual pionero en la industria, propiciando que la serie estuviera en antena desde 1998 hasta 2006, alcanzando las ocho temporadas.

Sin embargo, sus responsables no se dieron cuenta “del impacto” que tuvo la serie hasta ocho años después de su estreno. Tal y como apuntó el actor de Will Truman en una entrevista de 2025, en 1998 no creían que estuvieran “haciendo algo importante”, tan solo intentaban mantenerse en antena, aspirando a divertir tanto como “Seinfeld o Friends”.

Además, el intérprete se sentía muy orgulloso por cómo su personaje había ayudado a otras personas a vivir su sexualidad con libertad: “Todavía me pasa a diario que la gente me dice: “Mis padres me aceptaron porque se dieron cuenta de que era como Will”. "¡Eso es algo que no tiene precio”.

Durante el tiempo que el actor de Will & Grace formó parte del reparto de la comedia de situación, también se dejó caer por otras series y películas, aunque ninguna fue tan reseñable como aquella.

Eric McCormack después de Will & Grace

Tras el final de la sitcom en 2006, el protagonista de Will & Grace actuó en las series La amenaza de Andrómeda -una miniserie de ciencia ficción estrenada en 2008-, Confía en mí -coprotagonizada por Tom Cavanagh-, Las aventuras de Christine, o Pound Puppies -una animación en la que fue actor de doblaje por más de 60 episodios-.

Uno de los mayores éxitos de Eric McCormack tras Will & Grace fue el thriller Perception estrenado en 2015, en el que tenía el rol protagónico del Dr. Daniel Pierce, a quien pudo dar vida a lo largo de tres temporadas, siendo una de sus series más extensas.

A ella se sumaron poco después las series Full Circle -en la que tuvo un rol menos destacado-, y Viajeros, una producción policíaca y de ciencia ficción de Netflix que lo volvía a poner al frente del reparto en el papel de Grant MacLaren y que se terminó convirtiendo en uno de sus proyectos recientes más destacados. Y, también para Netflix, se dejó caer por tres episodios de Atípico como el Profesor Shinerock.

Sin embargo, Will & Grace acabó regresando a su vida. La comedia de situación de Max Mutchnick y David Kohan siempre fue uno de los pilares de su carrera, y en 2017 volvió a él cuando la NBC decidió retomar la producción con Eric McCormack y Debra Messing, que les permitió encarnar de nuevo a sus personajes una década después del final original de la serie.

La continuación de Will & Grace terminó alcanzando las tres temporadas hasta que llegó a su desenlace definitivo en 2020, haciendo que la serie al completo casi rozara los 250 episodios.

Eric McCormack en la actualidad

En los últimos años Eric McCormack ha continuado ligado a la televisión, aunque ninguna de sus producciones recientes ha podido hacerle sombra a la sitcom que marcó su carrera y la historia de la televisión.

Lo pudimos ver como Basil Garvey en Slasher: Ripper, Richard Wagner en La otra chica negra, Tom Murphy en Elsbeth, Kevin Anderson en Nueve Cuerpos, o Hemmingway en Hell Motel. Siendo su interpretación más reciente para la película romántica Love, Again (2026), y teniendo nuevos estrenos en camino.

Ahora que ya sabes lo que fue de Eric McCormack, te invitamos a descubrir a algunas celebridades como Kate Capshaw, la actriz de Indiana Jones y el templo maldito que acabó casándose con Spielberg o Antonio Garrido, actor de Los protegidos y Amar es para siempre que ahora hace “humor cofrade”.

Cada semana publicaremos nuevas historias de otras estrellas míticas cuyas vidas también dieron un giro inesperado como en el caso de Eric McCormack, el actor de Will Truman en Will & Grace.

Pero su carrera también ha estado empañada por comportamientos inadecuados durante sus rodajes y comentarios fuera de lugar que le han hecho perder la credibilidad como cineasta con el paso de los años.

Qué fue de Lars von Trier

Lars von Trier nació en Kongens Lyngby, Dinamarca, en el año 1956, y desde joven ya mostró un gran interés por el mundo audiovisual, empezando a grabar vídeos caseros con una Super 8 cuando era un niño.

Más adelante estudió cine en la Universidad de Copenhague y luego dirección en la Escuela Nacional de Cine de Dinamarca, estrenando sus primeros cortometrajes como estudiante.

Después de graduarse, lanzó en 1984 su primer largometraje: el thriller surrealista El elemento del crimen, que lo catapultó a la fama y lo hizo ganar su primer premio en el Festival de Cannes.

Además, fue el primer exponente de su trilogía cinematográfica bautizada como Trilogía Europa, a la que siguieron las galardonadas cintas Epidemic (1987) y Europa (1991).

Poco después fundó su propia productora, Zentropa Entertainment, con la que buscaba tener mayor independencia creativa para los futuros proyectos que fue gestando, al tiempo que daba voz a otras personas.

Lars von Trier revoluciona el cine con el Dogma 95

En 1995, Lars von Trier hizo historia en el mundo del cine al crear junto con su colega cineasta Thomas Vinterberg el movimiento fílmico vanguardista conocido como Dogma 95, que rechazaba a través de diez mandamientos -como si fuera una doctrina religiosa- el uso de efectos especiales y cualquier virtuosismo técnico para abogar por un cine más naturalista.

Esto se traducía en preceptos como: sustituir los sets por localizaciones reales, no añadir música extradiegética, rodar cámara en mano, sin iluminación artificial, efectos ópticos o filtros. Además, se debía rodar en 35mm, y el nombre del director no podía aparecer en los créditos de la cinta.

Tratando de adaptarse a su propio Dogma 95, pero sin lograrlo por completo salvo con su segunda película del grupo, Lars von Trier inició una nueva trilogía conocida como Corazón de Oro, compuesta por las cintas Rompiendo las olas (1996), Los idiotas (1998) y Bailar en la oscuridad (2000), que empezaron a destrozar la carrera del director.

Las polémicas de Lars von Trier

Tras las polémicas escenas sexualmente explícitas retratadas en Los idiotas, Bailar en la oscuridad tuvo un rodaje mucho más problemático. En 2017, la actriz y cantante Björk desveló que Lars von Trier la acosó sexualmente durante el rodaje de la película, y que luego fue víctima de su maltrato cuando ella lo rechazó.

Las malas prácticas de Lars von Trier durante la filmación de sus películas se siguieron repitiendo en los años posteriores. Dogville (2003) fue uno de sus largometrajes más populares, y daba inicio a una nueva trilogía: USA: Land of Opportunities, a la que también pertenecen Manderlay (2005) y la cinta inconclusa Washington.

Las dos primeras películas destacaron por eliminar los platós y convertirlos en escenarios diáfanos con los suelos pintados en tiza delimitando los escenarios, pero ninguna se libró de la polémica.

Nicole Kidman aseguró que el creador del Dogma 95 realizó comentarios inapropiados durante el rodaje de Dogville estando ebrio en varias ocasiones, algo que la hizo estar a punto de abandonar la producción más de una vez. Manderlay, por su parte, destacó por haber contado con el sacrificio de un burro real en su rodaje con fines dramáticos.

Las últimas películas y series de Lars von Trier

Con Anticristo (2009) empezó una etapa más oscura en su cine, conocida como la Trilogía de la Depresión, que completó con Melancolía (2011) y Nymphomaniac (2013) -dividida en dos volúmenes-, asociadas con los propios problemas de salud mental del director de Dogville, quien padecía depresión ocasional.

Un tiempo después de aquellos estrenos, salieron a la luz las declaraciones de Björk que empañaron la carrera de un cineasta tan provocativo en lo artístico que no dudaba en serlo también como persona, pues esa verdad se sumaba a sus desafortunadas declaraciones en Cannes simpatizando con Hitler unos años antes.

Aún así, Lars von Trier no cejó en su empeño de hacer cine, y en 2018 estrenó La casa de Jack, planteada en origen como una serie que acabó convertida en película. Mientras que su proyecto más reciente sí ha resultado ser una miniserie.

Con The Kingdom: Exodus, estrenada en 2022, Lars von Trier cerraba una trilogía de miniseries que comenzó en la década de los 90, compuesta por: Riget I - El reino I (1994) y Riget II - El reino II (1997).

Lars von Trier en la actualidad

El futuro cinematográfico de Lars von Trier se plantea ambiguo desde que en 2022 se anunciara su diagnóstico con la enfermedad de Parkinson, con el cineasta declarando que había decido tomarse un descanso para tratar su dolencia y comprobar cómo evolucionaba.

En 2024 se avivó la esperanza sobre el regreso de Lars von Trier a la gran pantalla, cuando anunció que estaba trabajando en un nuevo largometraje titulado After, que contaría con Stellan Skarsgård encabezando el reparto y que tenía previsto iniciar su rodaje en verano de 2025.

Sin embargo, en febrero de ese año se anunció que el director de Melancolía había tenido que ser ingresado en un centro de cuidados por una recaída en su enfermedad, dejando After en un estado de producción incierto mientras su director acaba de cumplir los 70 años y no parece remontar.

Ahora que ya sabes lo que fue de Lars von Trier, te invitamos a descubrir a algunas celebridades como Dylan y Cole Sprouse, los gemelos que dieron vida a Zack y Cody en la serie homónima o Daniel Day-Lewis, uno de los mejores actores de su generación que se retiró en 2017 y ahora podría volver.

Cada semana publicaremos nuevas historias de otras estrellas míticas cuyas vidas también dieron un giro inesperado como en el caso de Lars von Trier, el director de Dogville y creador del movimiento Dogma 95 que no ha tenido una trayectoria limpia.

No obstante, su otro rol más recordado en televisión lo ha llevado a compartir pantalla con su compañero de Prison Break, con quien está uniendo fuerzas de nuevo para una serie inédita de rescate de rehenes.

Qué fue de Wentworth Miller

Wentworth Earl Miller III nació en Oxfordshire, Inglaterra, en verano de 1972, pero cuando tenía un año de edad su familia se trasladó hasta Nueva York, en Estados Unidos, donde estudió secundaria antes de que su familia se mudara de nuevo, en esa ocasión a Pensilvania.

Más adelante se licenció en inglés en la Universidad de Princeton y, durante sus estudios, se unió a un grupo de canto a capella. Después de terminar la universidad, Wentworth Miller se mudó una vez más, dirigiéndose a Los Ángeles para dar comienzo a su carrera como actor.

Al principio tan solo tuvo pequeños papeles en capítulos sueltos de algunas series de televisión, como en Buffy, cazavampiros o Urgencias, hasta que en 2002 consiguió un rol protagónico como David Scott en la miniserie Dinotopia: El país de los dinosaurios, basada en los libros de James Gurney.

Al año siguiente empezó a hacerse notar en el cine, apareciendo en el reparto de Underworld (2003) y La mancha humana (2003), protagonizada por Nicole Kidman y Anthony Hopkins, adoptando el papel de la versión joven del personaje de Hopkins.

Sin embargo, ninguno de sus papeles previos puede medir su éxito con el que empezó a interpretar a partir de 2005, cuando pasó a encabezar el reparto del drama carcelario Prison Break, creado por Paul Scheuring.

Wentworth Miller en el pico de su carrera con Prison Break

Wentworth Miller se presentó a una audición para dar vida al personaje de Michael Scofield una semana después de que diera inicio la producción de la serie, y Paul Scheuring quedó tan impresionado con su actuación radicalmente opuesta a todos los candidatos previos que lo contrataron al día siguiente.

Así, el actor de Michael Scofield estuvo presente en los 90 episodios que tuvo Prison Break, repartidos a lo largo de sus primeras cuatro temporadas.

A ellas que se sumaron en un futuro próximo la película televisiva Prison Break: Evasión final (2009) y una quinta temporada con nueve capítulos inéditos -a diferencia de los 20 que solían rondar las anteriores- que se estrenó de manera tardía en 2017.

Durante aquel tiempo, Wentworth Miller se entregó por completo a su serie estrella y, una vez finalizada, acompañó a Milla Jovovich en el reparto protagonista de Resident Evil 4: Ultratumba (2010) de Paul W.S. Anderson como el icónico personaje de los videojuegos Chris Redfield.

En 2013, Miller se movió en otras áreas de la industria, escribiendo su primer guion de cine para la cinta Stoker (2013), de Park Chan-wook, a la que siguió en 2016 su último largometraje como guionista con La casa del pánico.

Wentworth Miller se une a DC

En lo referente a la interpretación, Wentworth Miller puede presumir de haber conseguido otro rol destacado en su carrera después de haber triunfado como Michael Scofield, consiguiendo un papel más con el que también asociamos de manera habitual al intérprete.

En 2014, el antiguo Michael Scofield se introdujo al Universo DC en el rol del antihéroe Capitán Frío, también conocido como Leonard Snart, para la serie The Flash (2014); y más adelante retomó al personaje en otra producción del Arrowverso con DC's Legends of Tomorrow (2016).

En ambas series pudo compartir pantalla una vez más con Dominic Purcell, el coprotagonista de Prison Break, que adoptaba el rol de otro villano encarnando a Ola de Calor.

Por su parte, Miller volvió a tener una longeva relación con un personaje de ficción, al ponerse en la piel del Capitán Frío en casi 40 episodios para las series de DC.

¿Wentworth Miller volverá a Prison Break?

Los planes por continuar expandiendo Prison Break con nuevas temporadas siempre han estado latentes, sobre todo tras el estreno de su temporada más reciente hace casi una década, pero las posibilidades de su regreso con Wentworth Miller son muy improbables.

El protagonista de Prison Break salió del armario en 2013 confirmando su homosexualidad y relatando la complicada adolescencia que tuvo, a la que se sumó más tarde una etapa difícil en Hollywood cuando se vio en la necesidad de ocultar su orientación.

Tras lidiar durante tanto tiempo con esa situación, forzándose a asumir roles con los que no estaba del todo cómodo, Wentworth Miller tomó la decisión de dar un giro en su carrera a partir de 2020.

A través de sus redes sociales confirmó que no regresaría a Prison Break porque “simplemente” no quería seguir interpretando a “personajes heterosexuales”. Según apuntó, “sus historias han sido contadas, y contadas” muchas veces, y en ese momento parecía querer dar voz a otro tipo de personas.

Wentworth Miller en la actualidad

Wentworth Miller se despidió de manera definitiva de Michael Scofield por mucho que pudiera herir a sus fans. Y, sin embargo, no se ha prodigado demasiado en cine y televisión en los últimos años.

Aunque, curiosamente, su único proyecto en marcha en estos momentos lo ha vuelto a enlazar con el universo de Prison Break, ya que está trabajado con su compañero Dominic Purcell en un nuevo drama de rescate de rehenes conocido como Snatchback, que actualmente se encuentra en estado de preproducción.

Ahora que ya sabes lo que fue de Wentworth Miller, te invitamos a descubrir a algunas celebridades como Zach Braff, el protagonista de Scrubs que nunca se ha apartado del mundo audiovisual o Marlee Matlin, la primera actriz sorda en ganar un Óscar que ahora estrena el documental de su vida.

Cada semana publicaremos nuevas historias de otras estrellas míticas cuyas vidas también dieron un giro inesperado como en el caso de Wentworth Miller, el protagonista de Prison Break que también se ha unido al Universo DC.

El antiguo David Bornás pasó a ser un invitado habitual en los programas de televisión cuando dejó de recibir llamadas para obtener nuevos papeles, pero ni siquiera en ellos pudo ser constante.

Qué fue de Adrián Rodríguez

Nacido en Cornellá de Llobregat, Barcelona, en 1988, Adrián Rodríguez Moya empezó a tantear el teatro de niño, pero pasó a convertirse en actor a nivel profesional gracias a la “oportunidad” que, según sus propias palabras, le “brindó Globomedia en Los Serrano”.

En esta serie legendaria de la televisión española, Adrián Rodríguez encarnó al personaje de David Bornás, más conocido como DVD. Le dio vida durante 3 años, entre 2005 y 2008, a lo largo de 75 de los casi 150 capítulos que alcanzó la producción de Daniel Écija y Álex Pina.

Si bien con Los Serrano parecía que había tocado techo en la televisión al conseguir su papel más longevo, la carrera de Adrián Rodríguez terminó por consolidarse con otra gran serie de nuestro país.

“Nunca pensé que eso llegaría a más”, aseguró el actor de David Bornás, quien no obstante pasó a formar parte del elenco protagonista de Física o Química, ganando así relevancia en la industria, pues pasaba a encabezar el reparto de una serie de gran éxito en lugar de ponerse en la piel de un personaje secundario como en el caso de Los Serrano.

El antiguo DVD adoptó el rol de David Ferrán Quintanilla entre 2009 y 2011, apareciendo en 50 episodios de la serie por cuyo trabajo en ellos se sintió “muy satisfecho”. Además, gracias a este papel se convirtió en un referente de la comunidad LGBTIQ+, ya que el personaje era bisexual.

Sin embargo, tras su paso por Física o química, Adrián Rodríguez experimentó la primera pausa significativa de su carrera, y en 2012 aseguraba que “el teléfono” ya había “dejado de sonar” porque las cosas estaban como estaban.

Aunque él se mantenía positivo: “Lo importante de todo, y lo más difícil, es no rendirse nunca. Por mi parte puedo refugiarme en lo que verdaderamente siento, la música”. Por ello decidió volcarse en la música hasta que en 2014 el protagonista de Física o Química tuvo la oportunidad de regresar a la televisión con Chiringuito de Pepe.

En ella volvía a ser una vez más protagonista, en el papel de Dani Valiente Leal, y no se separó de su personaje desde el comienzo de la serie en el año 2014 hasta su final en 2016, siendo una producción de recorrido mucho más corto que sus dos proyectos anteriores, alcanzando tan solo los 26 episodios.

Adrián Rodríguez y sus problemas con las drogas

Después de Chiringuito de Pepe llegó la auténtica época de sequía para Adrián Rodríguez, a quien dejamos de ver en obras de ficción pero empezamos a tener como participante en programas de televisión como: Tu cara me suena en 2015, Levántate All Stars en 2016, Samanta y... en 2017, o Supervivientes en 2018.

Adrián Rodríguez pasó a convertirse en una vieja gloria de la tele cuya carrera actoral había muerto pero que seguía destacando para alimentar la comidilla de la caja tonta como un personaje mediático. Con todo, su paso por Supervivientes fue tan efímero que tan sólo duró en el reality show 18 días, y desde entonces hemos tardado en volver a verlo aparecer en pantalla.

Según hizo público en el último año, su retirada estuvo relacionada con los problemas de drogadicción que lo han acompañado durante mucho tiempo, a los que se sumaba el desgaste sufrido por un éxito temprano que no supo gestionar de la manera apropiada en su momento.

“Al principio lo tomas como un juego, como un niño que empieza a probar cosas, a experimentar la vida. Al final se convierte en una dependencia para pasármelo bien”, llegó a declarar a finales de 2025, explicando su relación con las drogas. “Pedí ayuda y en ello sigo”.

Aún con sus altibajos, Adrián Rodríguez tuvo la oportunidad de regresar a uno de los universos de ficción que le dio la fama a través de Física o Química: El reencuentro, una miniserie de dos episodios estrenada en 2020 que nos devolvía a David Ferrán casi una década después para ponernos al tanto de su vida y de la del resto de personajes.

Pero si su nombre ha vuelto a estar en todos los medios hoy en día no ha sido por su regreso a las series de televisión sino por su incorporación a otro reality muy diferente a Supervivientes aunque al mismo tiempo con un gran parecido con él.

Adrián Rodríguez en la actualidad

Después de haber salido del último centro de desintoxicación en el que estuvo ingresado, Adrián Rodríguez se unió como recluso a La cárcel de los gemelos Dúo en su primera edición, un programa que los gemelos Carlos y Daniel Ramos emiten en YouTube siguiendo el esquema de producciones como Gran Hermano.

El actor de Los Serrano consiguió superar su baja marca en Supervivientes, aguantando tan solo 9 días en La cárcel de los gemelos, que abandonó de manera voluntaria después de haber protagonizado momentos de gran tensión como su enfrentamiento físico contra Dakota Tárraga.

Tras haber experimentado las consecuencias de la adicción a las drogas, Adrián Rodríguez parece haber encontrado una nueva vocación lejos de la interpretación, convirtiéndose en monitor en centros de atención a la drogodependencia y pisos tutelados para poder ayudar a personas en su misma situación mientras sigue esforzándose en su completa rehabilitación.

Ahora que ya sabes lo que fue de Adrián Rodríguez, te invitamos a descubrir a algunas celebridades como Rob Morrow, el actor que dio vida al Dr. Joel Fleischman en la serie Doctor en Alaska o Taylor Schilling, la protagonista de Orange Is the New Black que acabó convirtiéndose en la más odiada.

Cada semana publicaremos nuevas historias de otras estrellas míticas cuyas vidas también dieron un giro inesperado como en el caso de Adrián Rodríguez, el protagonista de Física o Química que acabó metido en las drogas.

En estas líneas podrás conocer cuáles fueron los inicios acotarles de la intérprete, sus papeles más destacados y adentrarte en su relación con Ben Stiller, que estuvo a punto de romperse para siempre.

Qué fue de Christine Taylor

Christine Joan Taylor nació en Nueva Jersey, Estados Unidos, en verano de 1971, y empezó su carrera como actriz a los 18 años después de haber estudiado en la escuela secundaria de Allentown Central Catholic.

El primer papel de Christine Taylor fue el de la socorrista Melody Hanson en la serie de televisión infantil Hey Dude, estrenada en 1989, y se mantuvo en ella durante cinco temporadas hasta que llegó a su final en 1991, para luego seguir haciendo apariciones puntuales en otras series y películas.

Actuó en largometrajes como Confrontación decisiva (1993), La noche de los demonios 2 (1994), La tribu de los Brady (1995), Historias de medianoche (1997) o El chico ideal (1998). Y se dejó caer de manera muy breve por algunas de las series más importantes del momento, como Friends o Seinfeld.

También tuvo un papel relevante en Heat Vision and Jack (1999), el episodio piloto de una nueva serie de comedia y ciencia ficción para Fox que nunca se emitió, pero que contaba con grandes nombres detrás: Ben Stiller lideraba la producción como director, y su reparto estaba encabezado por estrellas de la talla de Jack Black y Owen Wilson.

Christine Taylor y Zoolander

Fue en el set de rodaje de esa serie en potencia donde Christine Taylor conoció a su futuro marido, un prometedor Ben Stiller con quien se casó en Hawái en el año 2000, y que le abrió las puertas de su filmografía.

Por ello, el punto de inflexión en la carrera de Christine Taylor lo marcó Zoolander: Un descerebrado de moda (2001), la alocada comedia de Ben Stiller en la que compartió pantalla una vez más con Owen Wilson, pero también con Will Ferrell y Milla Jovovich.

En la película consiguió uno de los pales más relevantes de su filmografía, poniéndose en la piel de la periodista Matilda Jeffries, quien en la ficción también estaba en una relación con el personaje de Ben Stiller, Derek Zoolander.

Después de Zoolander la pareja volvió a compartir pantalla en diversas ocasiones, incluyendo la cinta Cuestión de pelotas (2004) y las series Arrested Development y Curb Your Enthusiasm. Pero, por supuesto, la mujer de Ben Stiller no faltó en otras dos producciones memorables de su marido como director.

La primera fue Tropic Thunder, ¡una guerra muy perra! (2008), una de las comedias más emblemáticas del cineasta que contó con ella en el rol de Rebecca, pero su presencia en la cinta fue más bien anecdótica.

Y la segunda fue el estelar regreso de Zoolander con su secuela bautizada como Zoolander No. 2 (2016), en la que Christine Taylor aparecía una vez más, pero perdiendo gran parte de su protagonismo, al regresar tan solo como un espectro de la difunta esposa de Derek Zoolander.

La separación y reconciliación de Christine Taylor con Ben Stiller

Poco después del estreno de aquella película, Christine Taylor y Ben Stiller se separaron en el año 2017, tras 17 años de matrimonio, aunque la pandemia volvió a juntar a la pareja tras su temporada de convivencia durante el confinamiento.

En el documental Stiller y Meara: Nada está perdido (2025), que Ben Stiller dedicó a la historia de sus padres, el intérprete llegó a confesar que su carrera “iba bien desde hacía mucho tiempo, pero en lo personal las cosas no estaban tan bien”.

“Me sentía desequilibrado, infeliz y alejado de mi familia, de mis hijas... un poco perdido”, aseguró el marido de Christine Taylor, recordando que estuvieron separados durante “tres o cuatro años” aunque manteniendo el contacto y él guardaba el deseo de volver a estar con ella.

“No muchas parejas que se separan logran volver”, reflexionaba emocionado el cineasta. “Cuando lo haces, valoras mucho más lo que tienes, porque sabes perfectamente lo que sería no tenerlo”.

Christine Taylor y Ben Stiller se reconciliaron en 2022 y en estos momentos viven en el condado de Westchester, Nueva York, y tienen una hija nacida en el año 2002 ya graduada en interpretación y un hijo nacido en 2005.

Christine Taylor en la actualidad

La antigua Matilda Jeffries ha continuado dejándose ver en pantalla de manera ocasional, nunca en grandes producciones ni títulos demasiado relevantes, pasando por series como: iCarly, Search Party, o High Desert, teniendo además una aparición sin acreditar en Separación de Ben Stiller.

Las películas más recientes de Christine Taylor fueron Sweethearts (2024), It's a Wonderful Life (2025) e Influenced (2026), y tiene pendientes de estreno: The Dink, Rest and Relaxation y Love & Chaos.

Ahora que ya sabes lo que fue de Christine Taylor, te invitamos a descubrir a algunas celebridades como Gérard Depardieu, el actor de Cyrano de Bergerac y Obélix, que vive rodeado de polémica o Carlos Castel, el actor de Al salir de clase que abandonó la serie para irse a Nada es para siempre.

Cada semana publicaremos nuevas historias de otras estrellas míticas cuyas vidas también dieron un giro inesperado como en el caso de Christine Taylor, la esposa de Ben Stiller y la actriz de Matilda Jeffries en Zoolander y su secuela.

La trilogía de Peter Jackson marcó de manera significativa su vida, y nunca ha terminado de distanciarse de este universo, hasta tal punto que podría regresar a él.

Qué fue de Billy Boyd

William Nathan Boyd nació en agosto de 1968 en Glasgow, Escocia. Después de perder a su madre y a su padre cuando era adolescente, empezó a trabajar como encuadernador de libros, y no fue hasta varios años después cuando se introdujo en el mundo de la interpretación.

Tras graduarse en el Conservatorio Real de Escocia, Billy Boyd consiguió su primer papel en televisión para la serie Taggart en el año 1996, a la que siguieron varios roles menores en películas.

Por suerte, no tardó mucho en ser descubierto por Peter Jackson para encarnar al personaje de Peregrin Tuk, más conocido como Pippin, un hobbit de la Comarca, amigo de Frodo Bolsón, Samsagaz Gamyi y Meriadoc Brandigamo que se unió a la Comunidad del Anillo en la misión de transportar el Anillo Único hasta Rivendell.

El destino parecía tener claro que el futuro actoral de Billy Boyd estaría marcado por la trilogía cinematográfica de El Señor de los Anillos, pues ya en sus tiempos como encuadernador la obra de J. R. R. Tolkien pasó por sus manos.

Al final, acabó convertido en uno de los héroes de la saga, siendo un personaje relevante de: El señor de los anillos: La comunidad del anillo (2001), El señor de los anillos: Las dos torres (2002) y El Señor de los Anillos: el retorno del Rey (2003).

Además de actor, Billy Boyd también era músico, y compuso e interpretó un par de temas para la saga. El primero fue The Edge of Night, que apareció en El retorno del Rey, y el segundo fue The Last Goodbye, que sonaba a los créditos finales de El Hobbit: La batalla de los cinco ejércitos (2014).

Billy Boyd después de El Señor de los Anillos

El Señor de los Anillos fue tan relevante en la vida y carrera de Billy Boyd que el actor llegó a tatuarse en élfico la palabra “nueve” junto con los ocho integrantes restantes que conformaron la Comunidad del Anillo en las películas: Elijah Wood, Sean Astin, Sean Bean, Ian McKellen, Dominic Monaghan, Viggo Mortensen y Orlando Bloom.

A pesar del paso de los años, los protagonistas de El Señor de los Anillos han seguido muy unidos, y Dominic Monaghan, que encarnó a Merry en las películas, aseguró que “los cuatro hobbits” tenían “mucha suerte” porque iban “juntos a convenciones” y se veían “al menos ocho veces al año”.

En especial, la amistad entre Dominic Monaghan y Billy Boyd es una de las que más se ha consolidado entre el reparto de las películas de Peter Jackson, y es que ambos hobbits se aliaron en 2021 para empezar a emitir el podcast The Friendship Onion.

A lo largo de las dos temporadas que tuvo nos contaron su experiencia trabajando en la trilogía de El Señor de los Anillos, con episodios especiales en los que invitaban a otras personas con las que compartieron pantalla, o respondían a preguntas del fandom.

Una vez agotados todos los temas que pudieron exprimir de ello, la pareja artística continuó haciendo equipo para un nuevo tipo de contenido con Billy and Dom: Eat The World, una serie de televisión para Amazon Prime Video lanzada en 2025 en la que exploraban la gastronomía de diferentes partes del globo, ¡y que contó con la participación especial de Ian McKellen!

Como puedes ver, El Señor de los Anillos ha sido una parte vital en la historia de Billy Boyd, pero también un proyecto tan grande que ninguno de sus trabajos posteriores le pudo hacer sombra.

A lo largo de los años, al compañero de Dominic Monaghan no le han faltado papeles, y hemos podido verlo en multitud de series y películas. Sin embargo, su paso por la trilogía de Peter Jackson fue imbatible.

Algunos de sus roles más destacados en los últimos años fueron los de Gerald Forbes en la serie Outlander, o Petrefax en The Sandman. Pero al final El Señor de los Anillos siempre vuelve a él.

Billy Boyd en la actualidad

En 2024 Billy Boyd prestó voz a Shank en El Señor de los Anillos: la Guerra de los Rohirrim, y ahora se rumorea su regreso a la saga como Peregrin Tuk para The Lord of the Rings: Shadow of the Past, la segunda película de una nueva serie de largometrajes producidos por Peter Jackson que dará comienzo con The Lord of the Rings: The Hunt for Gollum en 2027.

Esta historia, basada en el octavo capítulo de La Comunidad del Anillo de J. R. R. Tolkien conocido como Niebla en las Quebradas de los Túmulos, transcurrirá 14 años después de la muerte de Frodo. Entonces, Sam, Merry y Pippin decidirán volver sobre los pasos de su primera aventura.

Mientras tanto, la hija de Sam llamada Elanor descubrirá un secreto que la llevará a intentar averiguar cuál fue la causa de que la Guerra del Anillo casi se perdiera incluso antes de que diera comienzo.

En el momento de escribir estas líneas todavía no se ha confirmado ningún nombre para el reparto de la película, aunque si el actor de Pippin regresara del mismo modo deberían hacerlo Dominic Monaghan y Sean Astin.

Además, junto con Billy Boyd también suena con fuerza el rumor sobre la posible incorporación de Alexandra Astin, la hija de Sean Astin, al reparto de la cinta para el papel de Elanor.

Ahora que ya sabes lo que fue de Billy Boyd, te invitamos a descubrir a algunas celebridades como Christopher Lambert, el actor que dio vida a Connor MacLeod en las películas de Los inmortales o Daryl Hannah, actriz de Blade Runner y Kill Bill que fue rescatada por las hermanas Wachowski.

Cada semana publicaremos nuevas historias de otras estrellas míticas cuyas vidas también dieron un giro inesperado como en el caso de Billy Boyd, el actor de Pippin en El Señor de los Anillos.

Aunque sigue participando en algún que otro proyecto, su vida ahora lo ha alejado bastante de los focos, mientras se dedica a otra de sus pasiones apartado de Hollywood.

Qué fue de Adrian Grenier

Adrian Sean Grenier nació en julio de 1976 en Nuevo México, Estados Unidos, y se introdujo en el mundo audiovisual en el año 1997 a través de la película independiente Arresting Gena, después de haber estudiado interpretación en Nueva York.

En 1998 se convirtió en el protagonista de Las aventuras de Sebastian Cole de Tod Williams, y en 1999 en el de la comedia romántica La chica de al lado, que co-protagonizaba Melissa Joan Hart. Ese mismo año también lo pudimos ver actuar en un videoclip de Britney Spears.

En 2001 encabezó el reparto del thriller Harvard Man: Juego peligroso, junto con Sarah Michelle Gellar. Pero tres años después Adrian Grenier se unió a la serie que definió su carrera como actor: Entourage: El séquito de Doug Ellin para HBO.

Estrenada en 2004, Entourage: El séquito nos contaba la historia de Vincent Chase, un joven intérprete que acababa de iniciarse en Hollywood y se llevaba a su grupo de amigos hasta Los Ángeles para no olvidarse de sus orígenes.

La serie fue tan exitosa y aplaudida que cuenta con 7,5 en Filmaffinity, y llegó a tener ocho temporadas con un total de 96 episodios, finalizando su emisión en 2011.

Pero aquel no fue el final de Entourage, ya que la historia de Vincent Chase se cerró en pantalla grande poco tiempo después con una película del mismo nombre estrenada en 2015, a la que regresaba todo el equipo de la serie de HBO.

¿Por qué Adrian Grenier no regresa a El diablo viste de Prada?

Mientras se iniciaba en su proyecto más conocido, Adrian Grenier también se dejó caer por la cinta El diablo viste de Prada (2006) de David Frankel, convirtiéndose en el chef Nate Cooper, que se hacía novio de Andrea Sachs, el personaje de Anne Hathaway en la película.

Nate no fue un personaje demasiado querido en su momento, ya que no era comprensivo con Andrea ni con su trabajo, provocando que la relación se acabara. Aunque al final de la cinta se intuía una reconciliación.

Ahora que la secuela de esta película está a punto de regresar a los cines, todo el mundo se pregunta por qué el actor de Nate Cooper no ha vuelto para El diablo viste de Prada 2, e incluso el propio Adrian Grenier lamenta su ausencia.

“Obviamente, fue una decepción no haber recibido la llamada para estar en la secuela”, aseguró el protagonista de Entourage un mes antes de que la cinta llegue a los cines, “pero también entiendo que hay cierta controversia con el personaje de Nate, así que eso podría tener algo que ver”.

Adrian Grenier reflexionó sobra la poca madurez que tenía su personaje en la película, así como él mismo en la realidad, un egocentrismo y egoísmo que le llevó bastante tiempo entender, dándole la razón al fandom de El diablo viste de Prada.

Ante su ausencia en la secuela, el intérprete dejó caer una posible alternativa para 20th Century Studios: “Un magnífico spin-off en el que Nate tenga su propia película”.

Adrian Grenier en la actualidad

Durante la última década, y después de terminar su etapa en Entourage, Adrian Grenier ha estado bastante alejado del cine y la televisión, dejándose ver en alguna cinta como Arsenal (2017), en la que actuó junto con Nicolas Cage y John Cusack, o la miniserie Clickbait (2021) de Netflix.

Pero, más allá de la interpretación, el antiguo Nate Cooper ha estado volcado en causas medioambientales, convirtiéndose en el embajador del UN Environment Programme, y en el co-fundador de Lonely Whale y DuContra.

Desde 2015, en Lonely Whale trabajan para concienciar y ofrecer alternativas a los plásticos que ponen en peligro los océanos, mientras que DuContra Ventures es un proyecto de inversión y emprendimiento que busca crear una comunidad de manera sostenible.

Todo ello lo gestiona desde su residencia actual en una granja en Texas que lo ha acercado a esa vida más tranquila y respetuosa con el medio ambiente. Allí vive junto con su mujer Jordan Roemmele, con quien contrajo matrimonio en 2022, y con sus dos criaturas.

Sin embargo, aunque Adrian Grenier se haya querido enfocar en esta otra pasión, el mundo audiovisual lo sigue persiguiendo y ofreciéndole ventajas que podrían traerlo de vuelta con nuevas producciones.

“La verdad es que la industria se está mudando hacia mí”, explicó en una entrevista en 2026. “El gobierno del estado de Texas acaba de invertir 2.500 millones de dólares en proyectos de cine y televisión en Texas. Están construyendo tres estudios de cine no muy lejos de donde vivo”.

La última vez que vimos a Adrian Grenier fue en la película televisiva Cipher (2023), así como en el cortometraje Self Custody (2026), dos producciones tan poco notables como la que estrenará próximamente.

Por el momento tan sólo tiene un proyecto en marcha que ya ha finalizado su rodaje y su posproducción: la película romántica You, Always, en la que protagoniza un triángulo amoroso.

No obstante, como hemos visto, el actor de 49 años parece abierto a trabajar si surge alguna propuesta interesante, como podría ser un spin-off de El diablo viste de Prada, e incluso una continuación de Entourage.

Ahora que ya sabes lo que fue de Adrian Grenier, te invitamos a descubrir a algunas celebridades como Mayim Bialik, la actriz de The Big Bang Theory que ahora protagonizada una serie de HBO Max o Jennie Garth, la actriz de Kelly en Sensación de vivir que sueña con un remake de la serie original.

Cada semana publicaremos nuevas historias de otras estrellas míticas cuyas vidas también dieron un giro inesperado como en el caso de Adrian Grenier, el protagonista de Entourage y el novio de Anne Hathaway en El diablo viste de Prada.

En este artículo podrás leer cómo fueron sus inicios en las salas, que incluían dragones años antes que Juego de Tronos, y su paradero después de convertirse en el personaje más odiado de su serie estrella.

Jack Gleeson antes de Juego de Tronos

Jack Gleeson nació en mayo de 1992 en Cork, Irlanda, y se crio en el barrio de Ranelagh en Dublín. Empezó a interesarse por el teatro de niño, acompañando a sus hermanas mayores a clases de actuación.

Ha actuado a nivel profesional desde que era pequeño, aunque más adelante estudió filosofía y teología en la Universidad. Desde los ocho años ha pisado los escenarios, y a los diez consiguió su primer papel en una película… en la que ya había dragones.

Se trataba de la cinta de fantasía y ciencia ficción El imperio del fuego (2002) de Rob Bowman, que nos hablaba sobre un Londres distópico en el que habían resurgido los dragones tras siglos de letargo, y entonces el ejército debía pararles las patas para impedir que abrasasen a la población.

Bajo esta premisa curiosa se introdujo Jack Gleeson en la cinta como un niño sin acreditar, una década antes de arrasar por su rol protagónico en Juego de Tronos. Pero previamente tuvo algún hito más en su filmografía.

En 2005 se puso bajo las órdenes de Christopher Nolan para Batman Begins, de nuevo como un niño anónimo, al igual que en la cinta de terror Cabeza de muerte (Fungus Mortalitas) (2007).

En El brillo del Arco Iris (2009) por fin dio vida a un personaje con nombre: Seamus, y al año siguiente protagonizó su primer largometraje: All Good Children (2010), un drama en el que encarnó al personaje de Dara.

Jack Gleeson: del triunfo a la caída por Juego de Tronos

Entonces llegó Juego de Tronos. Cuando alcanzó los 20 años, Jack Gleeson pasó a convertirse en Joffrey Baratheon, uno de los personajes más reconocidos de la serie de HBO Max basada en la obra de George R.R. Martin, pero no precisamente por sus nobles acciones.

Joffrey Baratheon era el hijo incestuoso de Cersei Lannister con su gemelo Jaime Lannister, y también el heredero al trono. Fue un personaje sádico y despiadado, odiado por todo el mundo, y al que tuvimos que sufrir durante 27 episodios de la serie, a lo largo de cuatro temporadas.

Su muerte en 2014 debió ser una de las pocas aplaudidas en la producción, donde caían de manera habitual tus personajes favoritos. Pero cuando Lady Olenna Tyrell envenenó al personaje de Jack Gleeson en el día de su boda, por fin se había hecho justicia tras años de martirio. Lo malo es que el actor cayó con su personaje al mismo tiempo.

Durante seis años, Jack Gleeson se tomó un descanso de la interpretación. La rumorología decía que el odio del fandom de Juego de Tronos hacia su vil personaje pudo con él, pero lo cierto es que después de su éxito en la serie de HBO Max el actor de Joffrey quiso explorar nuevos territorios.

Tal y como relató en una entrevista con el medio The Hook, “por suerte no fue porque recibiera ningún tipo de maltrato de nadie”, y reconocía que la gente a veces “confunde al personaje con el actor”. Ese no fue su caso.

Lo que ocurrió es que, “después de Juego de Tronos, o incluso durante la serie”, siguió actuando en una “una compañía de teatro” llamada Collapsing Horse Theatre Company que montó junto con “unas amistades en Dublín”.

Aseguró que en aquel momento le “gustaba más” ese tipo de interpretación, aunque luego empezó a “extrañar la actuación en pantalla” y por eso volvió al cine y a las series.

Qué fue de Jack Gleeson

Después de alejarse de las cámaras durante un lustro, Jack Gleeson regresó de manera paulatina a la pequeña y a la gran pantalla durante la década de 2020, arrancado con la serie Out of Her Mind en ese mismo año.

Sin embargo, destacó más por su llegada a Sex Education de Netflix en 2023, en la que estuvo durante dos episodios como Dodgy Mo, o su rol como Kevin en la cinta irlandesa En tierra de santos y pecadores, protagonizada por Liam Neeson.

También formó parte de las series Los Cinco y Safe Harbor, peros sus últimos grandes éxitos han sido de nuevo para Netflix.

El primero fue en la adaptación de las novelas gráficas de Sandman basadas en la obra de Neil Gaiman. Jack Gleeson se incorporó a ella en su segunda y última temporada en el papel de Puck o Robín el Bueno, un duende travieso del mundo mágico de Faerie que apareció en cinco episodios de la serie.

El segundo fue La casa Guinness de Steven Knight, una historia basada de manera libre en la historia de la familia Guinness tras la muerte del patriarca que dejaba la empresa en manos de su descendencia, en la Dublín de 1868.

En seis episodios de los ocho que tuvo, Jack Gleeson encarnó al personaje de Byron Hedges, un primo lejano y socio comercial de la familia Guinness.

Jack Gleeson en la actualidad

En estos momentos, Jack Gleeson no tiene nuevos proyectos audiovisuales pendientes de estreno, pero en una entrevista de 2024 ya dejaba claro su interés por seguir actuando en el medio que fuera:

“Es un cliché que, una vez que has trabajado mucho en teatro, quieres hacer cine, y cuando has trabajado mucho en cine, quieres trabajar en teatro. Así que siempre hay más opciones. Pero sí, estoy dispuesto a hacer lo que sea”.

Ahora que vive en Londres, Jack Gleeson dejó caer la posibilidad de actuar en alguno de sus teatros: “Me encantaría trabajar en Londres. […] Hay un montón de teatros en Londres que admiro y en los que me encantaría actuar”.

Ahora que ya sabes lo que fue de Jack Gleeson, te invitamos a descubrir a algunas celebridades como Andy García, el actor de El Padrino III, Ocean's Eleven y Los Mercenarios 4 o Christopher Eccleston, el noveno Doctor Who que tardó años en desvelar el auténtico motivo de su partida.

Cada semana publicaremos nuevas historias de otras estrellas míticas cuyas vidas también dieron un giro inesperado como en el caso de Jack Gleeson, el actor de Joffrey Baratheon en Juego de Tronos.

Ha pasado por series como The Changeling o Los Simpson, pero su regreso a Malcolm podría ser el momento más memorable de su carrera, ¡lástima que vaya a ser breve!

Qué fue de Jane Kaczmarek

Jane Frances Kaczmarek, de ascendencia polaca, nació a finales de 1955 en Wisconsin, Estados Unidos. Allí estudió artes escénicas cuando fue a la universidad, y luego se siguió formando en la materia cuando accedió a la Universidad de Yale para obtener su posgrado.

Tras formar parte de la compañía de teatro universitaria, empezó a trabajar como actriz en cine y televisión, pero también formó parte de algunas producciones en Broadway.

Su primer pepel en cine fue para la película For Lovers Only (1982), mientras que en televisión tuvo una breve aparición en Hospital, que se convertiría en la primera de las más de 20 series en las que ha participado a lo largo de su carrera.

Empezó a tener roles más relevantes en cintas como Chico celestial (1985) o El derecho del pueblo (1986), y destacó aunque por un rol menor en Pleasantville (1998) de Gary Ross. Mientras que su participación más longeva en una serie de televisión en sus comienzos fue para Fiscales para la justifica, en la que dio vida a Linda Bauer durante 26 episodios.

Aunque se dejó caer por series como Ley y orden o Frasier, el rol protagónico por el que siempre la recordaremos será el de Louis Wilkerson en Malcolm in the Middle. Louis era la madre de Malcolm Wilkerson, el protagonista de la serie al que daba vida Frankie Muniz.

Lo más curioso es que al principio “ni siquiera quería hacer la audición” para la serie, pero tuvo la suerte de que su agente la llevara “con el director de casting, quien estaba muy convencido de que [ese] era el papel” idóneo para ella.

Tras ver su episodio piloto, la actriz de Malcolm quedó tan maravillada por lo “divertido” y “bueno” que era “que estaba segura de que nunca se haría” completa. Nunca había leído nada igual y era incapaz de imaginar algo de ese calibre hacerse realidad. Pero se equivocó.

Su actuación en la serie fue tan sólida que le valió nominaciones a: los Premios Emmy en seis ocasiones, a los Globo de Oro en tres ocasiones, a los Premios del Sindicato de Actores de Cine en dos, y a los Premios TCA otras dos, aunque en ellos sí que se llevó el galardón, así como un Premio Satélite.

Jane Kaczmarek no faltó más que a cinco episodios de los 151 que tuvo la serie de Linwood Boomer, desde su estreno en televisión en el año 2000 hasta su final en 2006, después de siete temporadas. Pero incluso aquella no fue su última aparición en su serie estrella, aunque su regreso tardó años en llegar.

Jane Kaczmarek después de Malcolm

Después de que finalizara Malcolm, la compañera de Frankie Muniz siguió volcada en las series de televisión, aunque ya lo hizo sin tanta relevancia para la industria y para su carrera, que acabó en 2006 en su punto más álgido.

En cine apenas es posible señalar ninguna producción notable, aunque fuera para películas destinadas a televisión. Pues o bien tienen puntuaciones ínfimas o bien su rol en ellas fue demasiado secundario.

A pesar de ello, la actriz de Louis Wilkerson pasó por series como Ganando el juego o Us & Them, y fue actriz de doblaje desde series infantiles como Jake y los piratas de Nunca Jamás hasta producciones de corte adulto como Los Simpson, en la que dio vida a la jueza Constance Harm en diez episodios.

Su rol más relevante y reciente para televisión fue para la serie The Changeling de Apple TV+, en la que pudimos verla durante cuatro episodios encarnando al personaje de Cal, la líder de un grupo de mujeres que viven apartadas en una comunidad secreta de una isla bajo la creencia de que sus bebés fueron sustituidos al nacer por criaturas folclóricas de aspecto humano.

Jane Kaczmarek en la actualidad

La fortuna ha querido que Malcolm in the Middle regrese este 2026 con Malcolm: De mal en peor, un revival que continúa tras los acontecimientos de la serie original de Linwood Boomer, recuperando a todo su equipo e incluyendo nuevas incorporaciones, para contarnos qué fue de Louis Wilkerson, Malcolm Wilkerson y compañía en el transcurso de las dos últimas décadas.

Por eso mismo, Jane Kaczmarek es una de las actrices imprescindibles que no podía faltar a la cita tras haber sido un icono de la Malcolm original, y además su personaje es el responsable de que este revival tenga lugar.

Ahora convertida en abuela, Lois y su marido Hal Wilkerson -encarnado una vez más por Bryan Cranston-, convocan a Malcolm y su hija Leah para que asistan a la fiesta del 40 aniversario de su boda después de haberse distanciado de la familia.

Malcolm: De mal en peor, eso sí, será un regreso algo breve, pues tan solo contará con cuatro episodios de media hora aproximada de duración, y por ahora no hay planes de continuidad. La parte buena es que se estrenarán muy pronto, pues la serie de Jane Kaczmarek llegará a Disney+ el próximo 10 de abril de 2026.

Ahora que ya sabes lo que fue de Jane Kaczmarek, te invitamos a descubrir a algunas celebridades como Richard Gere, el protagonista de American Gigolo, Oficial y caballero y Pretty Woman o Kelly Lynch, la actriz de Drugstore Cowboy que rechazó ser la estrella de Instinto básico.

Cada semana publicaremos nuevas historias de otras estrellas míticas cuyas vidas también dieron un giro inesperado como en el caso de Jane Kaczmarek, la actriz de Louis Wilkerson en Malcolm in the Middle que regresa para su revivial.

Su salto al largometraje estuvo lleno de conflictos y, pese a su proyección tanto nacional como internacional, el mundo del cine terminó siendo un camino imposible para él.

Las influencias de Tinieblas González

Valentín Quintas González nació en octubre de 1972 en Orense, España, aunque acabó mudándose al municipio de Llodio situado Álava cuando tenía cuatro años, y luego se movió por varios territorios del país.

Algunas de sus influencias tempranas fueron la obra de autores como: el novelista fantástico J. R. R. Tolkien, el poeta de terror Edgar Allan Poe, el escritor de miedo H. P. Lovecraft o el Marqués de Sade famoso por sus escritos eróticos, cuyas inspiraciones le sirvieron para escribir sus primeros relatos cortos.

En cuanto a sus influencias cinematográficas, podríamos nombrar a directores clásicos como Fritz Lang, el cineasta de Metrópolis (1927), F.W. Murnau, que destacó por Nosferatu (1922), o realizadores más recientes como David Lynch, responsable de Mulholland Drive (2001),

De España también tuvo influencia por Juanma Bajo Ulloa, el director de Airbag (1997) que en 2025 lanzó El mal, o Santiago Segura, que en los últimos años se ha pasado a las comedias familiares pero empezó destacando por apuestas como El día de la bestia (1995).

Qué fue de Tinieblas González

De joven, Tinieblas González no terminó el graduado escolar. A los 17 años formó un grupo de punk llamado The Kaos, a través del cual ya dejaba notar un gusto musical que acabaría permeando en su obra audiovisual.

Tinieblas González empezó a tener sus primeros contactos con ese mundillo realizando la película casera Tripas, compuesta por fragmentos de varios filmes de terror. La cinta tuvo un pequeño alcance local, llegando a ser proyectada en videoclubs o pasajes del terror.

A los 21 años, después de realizar el servicio militar, decidió estudiar audiovisuales en el Instituto Vasco de Nuevas Carreras de Bilbao, donde realizó un documental titulado A matanza do porco, sobre la tradición de la matanza del cerdo pero reflejando su parte más sádica.

Tras completar sus estudios comenzó la escritura de su primer cortometraje, Por un Infante Difunto, una cinta rodada en 35mm que no vio la luz hasta 1998.

Su primer trabajo resultó ser todo un éxito, y en la XXXVII Semana Internacional de la Crítica del Festival Internacional de Cine de Cannes se alzó con el premio Canal+ al mejor cortometraje, habiendo sido el único corto español presentado en dicha categoría.

Entre aquel año y el siguiente, el primer corto de Tinieblas González fue proyectado en diversos espacios unas 140 veces, y luego fue comprado por cadenas de televisión tanto de España como del extranjero.

El inmenso apoyo que recibió con Por un infante difunto le facilitó poder poner en marcha la producción de su siguiente cortometraje: The Raven... Nevermore, que estrenó en 1999 y pudo contar con una mayor complejidad, ofreciendo una propuesta más extensa y con efectos especiales de buena calidad.

Como ya sugiere el nombre de la obra, el segundo cortometraje de Tinieblas González nace para adaptar el poema El cuervo de Edgar Allan Poe. Queriendo mantenerse fiel a la obra original, lo rodó en inglés.

Aunque en aquella ocasión no ganó ningún premio, se pudo colar en la quinceava edición de los Premios Goya, con una nominación a Mejor cortometraje de ficción, cuyo galardón se lo acabó arrebatando Pantalones de Ana Martínez.

En los años siguientes intentó sacar adelante nuevos proyectos propios que tardaron en ver la luz o no lo hicieron nunca, mientras se dedicaba a explorar otras áreas relacionadas con su campo.

Por un lado, intentó introducirse en el mundo del largometraje a través de Raíces de sangre, producido por Andrés Vicente Gómez y protagonizado por Martina Klein. Sin embargo, los problemas de financiación y las desavenencias con su productor terminaron por hundir la primera película de Tinieblas González.

Por otro, quiso producir el cortometraje de Ecosistema, pero recibió muchas negativas por parte de diferentes productoras. A diferencia del caso anterior, su cortometraje sí que logró retomarlo en un futuro y terminar estrenándolo en 2004, teniendo una buena acogida.

La primera y última película de Tinieblas González

Una vez superado el fracaso de Raíces de sangre, Tinieblas González decidió darle una segunda y última oportunidad al largometraje a través de ASD - Alma sin dueño (2008), que rodó ese mismo año en Bilbao y Vitoria-Gasteiz, utilizando el metro como principal escenario, y con grandes ambiciones por delante.

Siguiendo los pasos de The Raven... Nevermore, decidió grabar la película en inglés y con intérpretes internacionales para lograr una mejor distribución fuera de nuestro país, con un reparto compuesto por: Brendan Michael Coughlin, Pino Moreau y Savitri Ceballos.

No obstante, la cinta acabó convirtiéndose en un fracaso. Cuando restaban unos 300.000 euros destinados a su postproducción, la productora de la película desapareció antes de que se terminara el proyecto, ofreciendo un montaje no autorizado.

Tinieblas González terminó descubriendo que la cinta llegó a estrenarse en 2009, pero con otro nombre -Sin dueño-, y en un único cine de Madrid, sin que nada de lo que ocurriera se le hubieran consultado antes, mientras él estaba intentando saber el paradero de la productora y del dinero.

En 2011, Tinieblas González compartió su situación con el mundo, criticó al Ministerio de Cultura por permitir que las productoras se quedaran con las ayudas públicas sin hacer nada al respecto. Y reconoció que no podría volver a hacer cine en España después de alzar la voz.

“Soy consciente de que después de esto se me van a cerrar las puertas para poder filmar en España, pero me da igual. Me han violado, han violado mi película”, declaró el director de ASD - Alma sin dueño.

Tinieblas González en la actualidad

En aquel momento, Tinieblas González se había empezado a dedicar a la publicidad y a los vídeos por encargo, con la idea de mudarse a Los Ángeles, en Estados Unidos. Desde 2012 ha estado viviendo en California, y en 2019 se casó con su esposa.

Aunque no ha perdido su pasión por el cine, ahora disfruta de una vida mejor al otro lado del mundo, en una casa con piscina, con un jeep para ir a la montaña y poseyendo varias mascotas exóticas.

Ahora que ya sabes lo que fue de Tinieblas González, te invitamos a descubrir a algunas celebridades como Gene Hackman, un inolvidable actor ya retirado que trabaja en su carrera literaria o Ruth Núñez, la protagonista de Yo soy Bea que dejó de recibir ofertas de trabajo cuando se acabó el fenómeno.

Cada semana publicaremos nuevas historias de otras estrellas míticas cuyas vidas también dieron un giro inesperado como en el caso de Tinieblas González, el director de ASD - Alma sin dueño que se fue a Estados Unidos.

Pero en los años recientes ha vuelto a estar en boca de todo el mundo al universe al universo de Juego de Tronos como uno de los personajes clave de su precuela.

Qué fue de Rhys Ifans

Rhys Owain Evans nació en Gales, Reino Unido, en verano de 1967. Su nombre artístico procede de la combinación de su apellido Evans con la forma galesa de escribirlo que da como resultado Ifans.

Cuando terminó sus estudios empezó a asistir a la escuela Theatr Clwyd y más adelante a la Guildhall School of Music and Drama de Londres para aprender interpretación. Su primer contacto con las cámaras lo tuvo en cuanto comenzó a trabajar como presentador de televisión, aunque al mundo de la ficción accedió primero a través del teatro.

Twin Town (1997) fue la primera película de Rhys Ifans, en la que además tuvo un rol protagónico, pero la cinta que empujó los inicios de su carrera en el cine fue Notting Hill (1999) de Roger Michell, protagonizada por Hugh Grant y Julia Roberts, que le valió su primera y única nominación al BAFTA.

Gracias a ella se adentró en el cine estadounidense con largometrajes como: Equipo a la fuerza (2000), protagonizada por Keanu Reeves, o Little Nicky (2000), protagonizada por Adam Sandler. Aunque destacó más por su rol protagónico en Human Nature (2001) de Michel Gondry.

En 2007 fue uno de los actores principales de la cinta francesa Hannibal: El origen del mal y de la española Cuatro últimas canciones (Mallorca's Song). Un par de años después se dejó caer por la cinta belga Las vidas posibles de Mr. Nobody (2009) de Jaco Van Dormael.

Rhys Ifans de Harry Potter a Spider-Man

2010 supuso un nuevo hito en la carrera del actor de Notting Hill, ya que La niñera mágica y el Big Bang de Susanna White no fue la única película de brujería en la que apareció. De forma algo tardía, se introdujo en el Mundo Mágico, a través de Harry Potter y las reliquias de la muerte - Parte 1 de David Yates.

Para esta cinta, Rhys Ifans se convirtió en Xenophilius Lovegood, el padre de Luna Lovegood y el director del diario El Quisquilloso, y vivió con mucho agradecimiento haberse podido introducir al final en la franquicia.

“Cuando eres un actor inglés y te llaman para Harry Potter, es como Batman, ¿sabes? Tienes un teléfono, un teléfono normal, y luego tienes otro que está hecho de madera. Esos son los de Potter”, recordó el actor de Xenophilius Lovegood en una entrevista de aquel año.

“Te llaman, sacas tu varita, te pones la capa y vas. Es un verdadero honor. Es como ser nombrado caballero o algo así. Te sientas con todos esos actores con los que has pasado hambre en el teatro... sentados allí vestidos de magos y haciendo duelos con varitas. Así que es muy agradable y surrealista”.

Muy poco después de Harry Potter, acabó en otra emblemática franquicia cinematográfica, cuando pasó a interpretar al Dr. Curtis Connors, más conocido como El Lagarto, en The Amazing Spider-Man (2012).

Si bien aquel fue un villano emblemático que incluso regresó a la franquicia para Spider-Man: No Way Home (2021), la implicación de Rhys Ifans en aquella entrega de la saga fue casi anecdótica.

El intérprete tan solo pudo prestarle voz a una versión digital de su personaje cuando estaba convertido en El Lagarto, mientras que en su forma humana como el Dr. Curtis Connors utilizaron imágenes de archivo de The Amazing Spider-Man.

Pero aquella no fue su despedida del universo de Spider-Man, ya que regresó a él a través de Venom: El último baile (2024). Eso sí, en ella se olvidó por completo de su villano estrella, y pasó a dar vida al hippie amante de los extraterrestres Martin Moon.

Ese es uno de los roles recientes que más destaca Rhys Ifans, así como el de John Bartlett en Nyad, una cinta biográfica exclusiva de Netflix sobre la nadadora Diana Nyad, en la que él ejercía como su entrenador.

Aunque también ha tenido apariciones menores en cintas como Alicia a través del espejo (2016) de James Bobin, o The King's Man: La primera misión (2021) de Matthew Vaughn.

Rhys Ifans en la actualidad

No obstante, su papel más relevante de los últimos años ha sido para la televisión en lugar del cine, pues ha dado vida a lo largo de las dos temporadas emitidas en HBO Max de Juego de Tronos: La Casa del Dragón a uno de sus protagonistas: Otto Hightower, Mano del Rey Viserys I y padre de la reina Alicent Hightower, encarnada por Olivia Cooke en su versión adulta.

Gracias a él, el actor de Otto Hightower admite que la juventud lo identifica por la calle: “Sobre todo cuando llevo barba, me reconocen un poco más a menudo que hace un par de años”.

Aunque el intérprete concede no estar activo “en las redes sociales ni nada por el estilo” por lo que va “un poco por detrás en cuanto a cómo se captan las tendencias del momento”, es consciente de que “es una serie muy importante” y se alegra “de que sea un éxito rotundo” y la gente elogie su trabajo en ella.

Parece que Juego de Tronos le ha dado una segunda vida a Rhys Ifans en televisión, quien regresará como Otto Hightower para la tercera temporada de La Casa del Dragón este verano.

Ahora que ya sabes lo que fue de Rhys Ifans, te invitamos a descubrir a algunas celebridades como Victoria Abril, la actriz de Pedro Almodóvar que se pasó por MasterChef Celebrity o Ruth Núñez, la protagonista de Yo soy Bea que dejó de recibir ofertas de trabajo cuando se acabó el fenómeno.

Cada semana publicaremos nuevas historias de otras estrellas míticas cuyas vidas también dieron un giro inesperado como en el caso de Rhys Ifans, el actor de Spider-Man y Harry Potter que ahora actúa en La Casa del Dragón.

Es posible que te suene su rostro pero no sepas dónde lo has visto, porque ha formado parte del reparto de grandes estrenos en los últimos años, aunque en roles secundarios o prestando tan solo su voz.

Qué fue de Stephen Fry

Sir Stephen John Fry nació en verano de 1957 en Londres, Reino Unido. Desde que era un bebé, pero en especial durante su adolescencia, se vio obligado a vivir su homosexualidad en secreto, y más adelante incluso mantuvo un período de abstinencia de 16 años.

En esos tiempos también empezó a admirar a Oscar Wilde, el conocido escritor irlandés que también era gay. Fry llegó a declarar que fue una “figura fundamental” en su vida y en su carrera, como verás más adelante: “Wilde es un ejemplo para quienes aún creen en el pensamiento abierto y en la aventura con la mente y el espíritu”.

También desde joven lo marcó padecer ciclotimia, una forma de trastorno bipolar considerada leve, y que hizo pública por primera vez a través del documental Stephen Fry: The Secret Life of the Manic Depressive (2006).

En su paso por la universidad, Stephen Fry coincidió con intérpretes como Emma Thompson o Hugh Laurie, que se convirtió en uno de sus mejores amigos y con quien actuó en la compañía estudiantil The Cambridge Footlights.

También fue con él con quien dio sus primeros pasos en la televisión y en el cine durante la década de los 80, a través de un par de series de comedia protagonizadas por ambos: A Bit of Fry and Laurie y Jeeves and Wooster.

Del mismo modo, Stephen Fry y Hugh Laurie, unieron fuerzas con Emma Thompson en la gran pantalla para la cinta Los amigos de Peter (1992), que seguía estableciendo al intérprete como cómico.

Los papeles más memorables de Stephen Fry

En 1995, Stephen Fry empezó a tener sus primeros pensamientos de suicidio, y llegó a intentar quitarse la vida en varias ocasiones. La última de la que se tiene constancia ocurrió en 2012, y desde entonces no se han vuelto a dar noticias al respecto.

Pese a que la comedia siempre definió a Stephen Fry, el compañero de Hugh Laurie demostró ser un gran intérprete en otros géneros, y una de sus películas más recordadas es prueba de ello.

En 1997 pudo al fin ponerse en la piel de su ídolo Oscar Wilde para la cinta biográfica del poeta dirigida por Brian Gilbert, que le valió una nominación a los Globos de Oro.

Otro ejemplo destacado y en el que también tenía la oportunidad de interpretar a un personaje gay, lo encontramos en V de Vendetta (2005) de James McTeigue, en la que dio vida al presentador de televisión Gordon Deitrich, que trabajaba con el personaje de Natalie Portman en la cinta.

Ese mismo año también se convirtió en el narrador de la comedia de ciencia ficción Guía del autoestopista galáctico (2005) de Garth Jennings, así como en el de las versiones en audiolibro británicas las novelas de Harry Potter escritas por J.K. Rowling, una mujer que le parecía “encantadora, divertida e interesante”.

Hasta que, con el paso del tiempo y cuando la autora del Mundo Mágico acabó descubriéndose como una feminista radical y tránsfoba, Stephen Fry lamentó que hubiera dejado de gustarle su compañía: “Cambió por completo su forma de hablar y de relacionarse con el mundo”.

El intérprete de V de Vendetta terminó por considerarla una “causa perdida” y explicó cómo sus comentarios no hacían ningún bien a las personas trans, coincidiendo con gran parte del reparto de las películas de Harry Potter.

Su característica voz de narrador también acabó llegando al videojuego, para sagas como las de LittleBigPlanet o Fable, estando confirmada su presencia en esta última para el próximo videojuego de Playground Games previsto para 2026.

A pesar de que no fueron roles protagónicos, tuvo una presencia destacada en tres sagas cinematográficas. La primera de ellas fue Alicia en el país de las maravillas (2010) de Tim Burton, en la que encarnó al Gato de Cheshire, repitiendo en Alicia a través del espejo (2016) de James Bobin.

La segunda fue Sherlock Holmes: Juego de Sombras (Sherlock Holmes 2) (2011) de Guy Ritchie, dando vida a Mycroft Holmes. Y por último el El Hobbit: La desolación de Smaug (2013) de Peter Jackson, donde encarnó al gobernador de Esgaroth, que regresó en El Hobbit: La batalla de los cinco ejércitos (2014).

Stephen Fry en la actualidad

Durante la última década, Fry ha tenido varios altibajos en su vida personal, desde su matrimonio con Elliott Spencer en 2015 hasta su caída de un escenario en 2023 que le ocasionó varias lesiones, pasando por un cáncer de próstata del que se recuperó en 2018.

En cuanto a su carrera como actor, Stephen Fry ha mantenido una línea de trabajo similar a la que pudimos ver en la década pasada, consiguiendo papeles secundarios en varias producciones que no habrían sido lo mismo sin él.

Podríamos citar su rol como Gilbert en la serie Sandman de Netflix, o el de Ian Gibbons en la miniserie The Dropout: Auge y caída de Elizabeth Holmes de Disney Plus.

También prestó su voz al director Barnes en Heartstopper de Netflix y encarnó al Rey James III en la cinta Rojo, blanco y sangre azul (2023) de Amazon Prime Video, un par de roles que le han permitido seguir en contacto con la esfera queer dentro de la televisión.

Con 68 años, Stephen Fry todavía tiene mucho que contarnos, ya sea como narrador o como actor. Y son más de una decena las producciones que tiene pendientes de estreno, entre las que se encuentran casos como el ya mencionado siguiente juego de Fable o la secuela de Rojo, blanco y sangre azul.

Ahora que ya sabes lo que fue de Stephen Fry, te invitamos a descubrir a algunas celebridades como Cameron Diaz, la popular actriz de Hollywood que vuelve al cine después de 10 años o Clarke Peters, el protagonista de The Wire que nunca abandonó las series.

Cada semana publicaremos nuevas historias de otras estrellas míticas cuyas vidas también dieron un giro inesperado como en el caso de Stephen Fry, el actor de Oscar Wilde, que apareció en El Hobbit y Sandman.

Aparte de Scream, el intérprete también probó suerte en la lucha libre, y se dejó caer por cintas como Buffy, la cazavampiros y por series como Friends a los inicios de su trayectoria como actor.

Qué fue de David Arquette

David Arquette nació en Virginia, Estados Unidos, en el año 1971, como hijo de la actriz Brenda "Mardi" Olivia y del actor Lewis Arquette, siendo hermano de las también actrices Rosanna Arquette y Patricia Arquette -a quienes ya les dediqué un espacio en esta sección-, y de las también estrellas Richmond Arquette y Alexis Arquette.

Desde joven, David Arquette parecía tener asegurado su futuro como intérprete, y en la década de los 90 pudimos verlo por primera vez en pantalla a través de la serie Rebeldes, en la que dio vida a Keith Mathews.

En 1992 destacó en el cine dando vida al personaje de Benny en la película de Buffy, la cazavampiros de Fran Rubel Kuzui, más tarde convertida en serie de televisión por Joss Whedon. Y en el año 94 se coló en un episodio de Friends, en el rol de Malcom.

David Arquette: de Scream a la lucha libre

Apenas quedaban un par de años para que su carrera como actor llegara a su punto más álgido, gracias al rol protagónico que le ofreció Wes Craven en Scream. Vigila quién llama (1996), la primera entrega de la prolífica saga de terror.

En un principio, David Arquette hizo el casting para encarnar a Billy Loomis -el novio de la Sidney Prescott a la que encarnó Neve Campbell-, pero al final el director le acabó dando ese rol a Skeet Ulrich, y a él le pidió que se pusiera en la piel de Dewey Riley, un ayudante del sheriff algo tonto, pero valiente y resolutivo.

Actuando en esa película, David Arquette conoció a su primera mujer, Courteney Cox -que daba vida a Gale Weathers-, con quien se casó en 1999 y de quien se divorció en 2012 tras haber tenido a una hija, Coco Arquette.

Dewey Riley se acabó convirtiendo en un personaje recurrente de la saga de Scream, por lo que David Arquette retomó su rol como agente de la ley en las siguientes cintas de Wes Craven: Scream 2 (1997) y Scream 3 (2000).

Al entrar en el nuevo siglo, el actor de Dewey Riley se introdujo en el mundo del wrestling después de estrenar la cinta Listos para luchar (2000), como parte de la promoción de la película que era distribuida por la WCW y Warner Bros.

David Arquette era un gran amante del wrestling desde joven, y gracias a su éxito en Scream la decisión de introducirlo en la lucha libre profesional y convertirlo en Campeón Mundial Peso Pesado de la WCW parecía una apuesta segura. Sin embargo, ese triunfo no logró el alcance esperado, ya que mucha gente criticó su llegada al mundillo sin tener experiencia.

Años más tarde, el actor de Scream regresó a la lucha libre en busca redención. Tras pasar por la WWE en 2010, en 2018 comenzó a entrenar con Peter Avalon y anduvo por el circuito independiente, pero de nuevo sin demasiado éxito.

David Arquette y su regreso intermitente a Scream

En el cine no le fue mucho mejor, y es que aparte de Scream no ha logrado estrenar ningún otro título reseñable pese a que siguiera haciendo películas. Por suerte, su saga de terror estrella se ha resistido a morir.

Wes Craven la rescató una década después con Scream 4, estrenada en 2011, continuando tras los acontecimientos de la tercera entrega y recuperando a todo su elenco original.

Otros diez años más tarde, Scream regresó a la gran pantalla con un reboot que renovaba al casting principal -y ya sin Wes Craven en la dirección- pero que suponía una secuela de las anteriores y no se olvidaba de recuperar a sus estrellas.

Durante un tiempo, la quinta entrega de Scream interrumpió la participación del actor de Dewey Riley en la saga, pues en esa cinta el personaje moría a manos de Ghostface, lo que provocó que acabara fuera de su sexta película estrenada en 2023.

Cuando se estrenó el largometraje, David Arquette reconoció que lo había visto, pero que le resultó una experiencia complicada: “Para mí fue difícil hacerlo, pero también sabía que quería verla. Fue triste”.

Lo bueno es que, gracias a la magia del cine, no estaba todo perdido para David Arquette, que recibirá una segunda oportunidad en Scream 7 de manera casi tan milagrosa como otras de sus estrellas que regresan a la saga tras ausencias previas.

David Arquette en la actualidad

Todavía no sabemos cuál será la excusa con la que habrán conseguido traer de vuelta a David Arquette en el mismo rol del fallecido Dewey Riley, pero la producción de la película fue tan conflictiva que Paramount Pictures debió querer asegurarse la jugada apelando al factor nostalgia para afianzar el éxito de la propuesta en taquilla.

Por eso Dewey Riley no será el único rescatado de la película, a la que también vuelven muertos previos como Stu Macher -encarnado por Matthew Lillard- y Roman Bridger -interpretado por Scott Foley-, que se ocultaron bajo la máscara de Ghostface en la primera y la tercera entrega de Scream de manera respectiva.

Sin dejarse caer por nuevos éxitos, a sus 54 años David Arquette volverá a la saga que le dio la fama el próximo 27 de febrero de 2026, y podremos salir de dudas sobre el modo en que se justificará su reaparición en ella.

Ahora que ya sabes lo que fue de David Arquette, te invitamos a descubrir a algunas celebridades como Orlando Bloom, el actor de El señor de los anillos y Piratas del Caribe o John Lone, el último emperador de Bernardo Bertolucci que también fue cantante para David Cronenberg.

Cada semana publicaremos nuevas historias de otras estrellas míticas cuyas vidas también dieron un giro inesperado como en el caso de David Arquette, el actor de Dewey Riley en Scream que volverá para la séptima película.

En este artículo podrás descubrir los motivos que llevaron a Achero Mañas a alejarse del cine durante una década, pero también conocer sus orígenes como actor en lugar de director.

Qué fue de Achero Mañas

Juan Antonio Mañas Amyach nació en septiembre de 1966 en Madrid, hijo del dramaturgo Alfredo Mañas y de la actriz Paloma Lorena. Su infancia en Carabanchel y el entorno artístico en el que creció, fueron cruciales para convertirlo en el director español que acabaría triunfando años después con El bola.

Sin embargo, al principio centró sus estudios en la pintura gracias a la Escuela de Artes y Oficios, y más adelante empezó a actuar en algunas obras de teatro y a tener sus primeras apariciones cinematográficas a través de cintas como Las aventuras de Enrique y Ana (1981).

Durante una temporada vivió en Nueva York con su familia y, en su estancia en el país, siguió aprendiendo interpretación a través de la escuela Real Stage, donde también se curtió en la dirección actoral.

Después de su regreso a Madrid trabajó con directores de la talla de Ridley Scott, mediante la cinta histórica 1492: La conquista del paraíso (1992), en la que dio vida a Juan Rodrigo de Triana.

También actuó bajo la dirección de Carlos Saura en ¡Dispara! (1993), de Adolfo Aristarain en La ley de la frontera (1995), y de José Luis Cuerda en Así en el cielo como en la tierra (1995). Además, ese mismo año protagonizó su primer largometraje: Belmonte (1995), una biografía del torero Juan Belmonte dirigida por Juan Sebastián Bollaín.

A pesar de su creciente relevancia en la industria, el trabajo de actor no estaba hecho para él, y en los 90, Achero Mañas empezó a coquetear con la escritura y la dirección a través de su primer cortometraje, Metro (1995), al que seguirían otros dos.

El tercero, Cazadores (1997), logró alzarse con el Goya a Mejor cortometraje de ficción, y eso le abrió del todo las puertas a su nuevo rol en el cine. A comienzos del presente siglo, la carrera de Achero Mañas dio un gran paso al frente con el estreno de El bola.

La cinta, que exploraba la complicada situación de un niño de doce años en los barrios de Carabanchel, conquistó a todo el mundo en su estreno.

En los Goya tuvo su merecido reconocimiento a Mejor película, pero también se llevó los premios a: Mejor dirección novel, Mejor actor revelación por el protagonista de la cinta, Juan José Ballesta, y Mejor guion original.

Tras su arrollador éxito, Achero Mañas no tardó en volver a las salas con un nuevo estreno: Noviembre, un drama sobre un grupo de teatro independiente que escribió en colaboración con su hermano Federico Mañas.

La cinta, protagonizada por Óscar Jaenada fue otro éxito instantáneo, compartiendo en Filmaffinity la mejor nota en la historia de su filmografía con El bola, ostentando ambas un 7,1. Eso sí, tras arrasar en los premios con su primer estreno, su nueva cinta no consiguió alzarse con ningún Goya.

¿Por qué Achero Mañas dejó el cine durante 10 años?

Después de El bola y Novimebre, Achero Mañas tardó ocho años en volver a la gran pantalla con una película de ficción, regresando a Nueva York para vivir en Estados Unidos durante una temporada y estrenando un documental en 2004.

Con Todo lo que tú quieras, estrenada en 2010, el cineasta volvió a Madrid para contarnos una historia en la que exploraba el duelo que atravesaban un padre y su hija tras la muerte de su esposa.

La cinta pasó más desapercibida que sus anteriores estrenos, y el nuevo descanso que se tomó el director de El bola después de ella fue todavía más prolongado que el anterior, extendiéndose una década.

En una entrevista de 2020, el cineasta aseguraba que, durante su ausencia de diez años, había estado “viviendo, como todo el mundo”: “He viajado con mi familia, estudiado, leído y escrito. Hasta que ahora ha salido una película, que ya tenía necesidad”.

Pero también reconoció en otro medio que había tratado hacer cine en ese tiempo: “De hecho, tengo seis guiones en mi mesa”. Por desgracia, admitió que intentó “levantar historias que sabía que serían imposibles de rodar en España” porque “cada vez está más complicado hacerlo”.

“Algo tiene que cambiar en la industria”, sentenció el director de Noviembre. “No se puede permitir que autores y directores no trabajen en diez años”.

El resurgir de Achero Mañas llegó un momento muy malo para la industria, pues su plan original era estrenar su nuevo largometraje, Un mundo normal, en marzo de 2020. Pero todo se detuvo por el COVID. Al final, la cinta llegó a las salas en septiembre de ese año, cuando todavía se sentían los estragos que había causado en los cines la pandemia.

La cinta, protagonizada por Ernesto Alterio y por su hija Gala Amyach, se convirtió en la peor valorada de su filmografía, con un 5,2 en Filmaffinity. Pero eso no le ha quitado las ganas al director madrileño de 59 años de lanzarse una vez más a un nuevo proyecto audiovisual.

Achero Mañas en la actualidad

A comienzos de 2024, Achero Mañas anunció la apertura del castin para su nueva película, titulada Ama, y que produce Wanda Films. La cinta fue descrita por el director a través de sus redes sociales como “un drama musical”, y se confirmó que estaría protagonizado por cuatro jóvenes de entre 20 y 26 años, que saben “tocar algún instrumento” y “cantar”.

En febrero del año pasado se anunció que Dora Postigo sería una de sus protagonistas, tras haber sido cabeza de reparto en Rainbow (2022) de Paco León, aunque todavía no han salido a la luz más intérpretes ni se ha desvelado la sinopsis de la cinta.

La última información que se tiene del proyecto es que Achero Mañas planeaba iniciar el rodaje de su próximo largometraje este 2026, de cara a un posible estreno de Ama en la cartelera en 2027.

Ahora que ya sabes lo que fue de Achero Mañas, te invitamos a descubrir a algunas celebridades como Mariano Alameda, el actor de Al salir de clase y Aquí no hay quien viva que ahora hace yoga o Alexa PenaVega y Daryl Sabara, el niño y la niña que protagonizaron las primeras entregas de la saga Spy Kids.

Cada semana publicaremos nuevas historias de otras estrellas míticas cuyas vidas también dieron un giro inesperado como en el caso de Achero Mañas, el director de El bola que está a punto de regresar al cine.

En este artículo podrás leer los papeles que han marcado su carrera, y descubrir sus proyectos más recientes así como los que contarán con su colaboración en un futuro próximo.

Qué fue de Justin Theroux

Justin Paul Theroux nació en verano de 1971 en Washington, D.C., Estados Unidos, en el seno de una familia dedicada a la escritura, sintiendo desde joven una inclinación por las artes que lo llevó a estudiar artes visuales y teatro en la universidad.

El debut de Justin Theroux como actor fue en la cinta Yo disparé a Andy Warhol (1997) de Mary Harron, y lo vimos por primera vez en televisión a través de las series: Central Park West, Sombras de Nueva York y Sexo en Nueva York.

Durante un tiempo estuvo actuando tanto en Hollywood como en producciones teatrales de Broadway y off-Broadway, y empezó a destacar como actor regular en series como: The District -en la que dio vida a Nick Pierce-, o A dos metros bajo tierra -donde encarnó al personaje de Joe-.

Se dejó caer por cintas como American Psycho (2000) de Mary Harron o Zoolander: Un descerebrado de moda (2001) de Ben Stiller, una cinta que marcó el inicio de su colaboración con el cineasta y actor para guionizar algunas de las películas más recordadas de su filmografía.

Justin Theroux estuvo detrás tanto del guion de Tropic Thunder, ¡una guerra muy perra! (2008) como del de Zoolander No. 2 (2016), ambas de Ben Stiller, así como del de Iron Man 2 (2010) de Jon Favreau, en la que pudo aportar el toque de comedia que caracterizó a su primer largometraje como guionista.

Los proyectos más destacados de Justin Theroux

Delante de las cámaras, donde más llamó la atención Justin Theroux en el cine fue en un par de proyectos de David Lynch: Mulholland Drive (2001) -en la que dio vida a Adam Kesher- e Inland Empire (2006) -en el papel de Devon Berk-, mientras aparecía en los créditos de Los ángeles de Charlie: Al límite (2003) de McG y Corrupción en Miami (2006) de Michael Mann.

Sin embargo, la producción que lo hizo brillar de verdad fue la serie The Leftovers de Damon Lindelof y Tom Perrotta, en la que encarnó a su personaje protagonista, Kevin Garvey, a lo largo de sus 28 episodios repartidos en las tres temporadas que se emitieron entre 2014 y 2017.

Durante aquel tiempo lo pudimos ver en roles menores para cintas como La chica del tren (2016) de Tate Taylor o Star Wars: Los últimos Jedi (2017) de Rian Johnson, y más adelante volvió a la televisión con la miniserie Maniac (2018), en el rol del Dr. James K. Mantleray.

También prestó su voz en cintas como Bumblebee (2018) de Travis Knight o La dama y el vagabundo (2019) de Charlie Bean, antes de regresar como protagonista a las series con la producción mexicana La costa de los mosquitos, en la que dio vida al personaje de Allie Fox durante las dos temporadas que tuvo.

Justin Theroux se convierte en el villano de Fallout

En los últimos años, Justin Theroux resaltó del mismo modo como protagonista en la miniserie Los fontaneros de la Casa Blanca de Alex Gregory y Peter Huyck, una historia policíaca basada en hechos reales que coprotagonizó con Woody Harrelson; e hizo una breve aparición en la serie Poker Face de Rian Johnson, protagonizada por Natasha Lyonne.

Aunque ahora acaba de sorprender a todo el mundo con su introducción al universo de Fallout a través de la adaptación del videojuego homónimo para Amazon Prime Video, que está emitiendo su segunda temporada.

En ella, el antiguo Kevin Garvey toma el rol de Robert House, un villano en la forma del fundador de RobCo Industries que se autoproclamó líder de la Zona Económica Libre de New Vegas.

Pese a que había tenido un breve contacto con los videojuegos de la serie cuando salieron “hace mucho tiempo”, lo que terminó por convencerlo para unirse a ella fue una llamada de Walton Goggins -el actor del Necrófago en la producción-, y varias conversaciones posteriores sobre la identidad del personaje que lograron conquistarlo.

“Era interesante, tenía un principio, un desarrollo y un final. […] Era simplemente la oportunidad de interpretar a un genio. Es como interpretar a Sherlock Holmes o Mycroft Holmes […]; son personajes muy divertidos de interpretar”, aseguró Justin Theroux en una entrevista con el medio IGN.

El actor de Robert House compara a su personaje con los “multimillonarios actuales, en cuanto a su visión del mundo”, destacando que es un villano que no conoce su condición: “Se creen personas increíbles que intentan salvar a la humanidad y al mundo, pero se les cruzaron los cables”.

Es posible que lo veamos regresar a Fallout para su tercera temporada, aunque antes de eso lo tendremos en Wild Things, una nueva miniserie biográfica dirigida por Matt Shakman.

Justin Theroux en la actualidad

En cine, el último papel destacado del actor de The Leftovers fue para Bitelchús Bitelchús (2024) de Tim Burton, en la que dio vida al personaje de Rory, el novio de Lydia Deetz -a la que volvía a dar vida Winona Ryder-.

Aunque dentro de poco lo podremos ver en algunos grandes estrenos como: El diablo viste de Prada 2 de David Frankel, que recuperará al elenco de la cinta original, y The Billion Dollar Spy, una biografía basada en hechos reales que dirige Amma Asante y protagoniza Russell Crowe.

Ahora que ya sabes lo que fue de Justin Theroux, te invitamos a descubrir a algunas celebridades como Gérard Depardieu, el actor de Cyrano de Bergerac y Obélix, que vive rodeado de polémica o Taylor Schilling, la protagonista de Orange Is the New Black que acabó convirtiéndose en la más odiada.

Cada semana publicaremos nuevas historias de otras estrellas míticas cuyas vidas también dieron un giro inesperado como en el caso de Justin Theroux, el actor de Kevin Garvey en The Leftovers que ha regresado a la televisión.

Si quieres descubrir sus mayores éxitos y conocer el motivo de su jubilación, en este artículo podrás entender en qué momento empezó a darse cuenta de que no podía continuar con la interpretación.

Los comienzos de Bruce Willis

Walter Bruce Willis nació en marzo de 1955 en Idar-Oberstein, Alemania Occidental, como el mayor de cuatro hermanos, aunque cuando tenía un par de años su familia se mudó a Nueva Jersey, en Estados Unidos.

De niño era tartamudo y acabó llegando al teatro como forma de lidiar con sus trastornos del habla, logrando hacer frases completas sin trabarse cuando se metía en la piel de algún personaje.

Sin embargo, en sus inicios Bruce Willis no consideró la interpretación como una carrera. Aprendió lucha, y uno de sus primeros trabajos fue como vigilante de seguridad. Pero más adelante terminó regresando al teatro, primero como aficionado y más delante de manera profesional.

El primer pecado mortal (1980) supuso su debut como actor en el cine, aunque tan sólo hacía de extra, y luego empezó a llamar la atención cuando protagonizó la serie romántica Luz de luna en 1985 junto con Cybill Shepherd.

Poco después conoció a la actriz Demi Moore, con quien contrajo un matrimonio en 1987 que duró hasta 2000, convirtiéndose la actriz en un pilar fundamental de su vida incluso décadas después de su divorcio, y con quien ha seguido compartiendo su vida tras abandonar Hollywood.

En 1988 Bruce Willis acabó catapultado a la fama de manera definitiva cuando se convirtió en el protagonista de Jungla de cristal (1988) de John McTiernan, una cinta que también lo ayudó a consolidarse como héroe de acción.

Aquella película, en la que Bruce Willis daba vida al detective John McClane, se acabó volviendo en el origen de una exitosa franquicia que continuó con La jungla 2: Alerta roja en 1990, dirigida por Renny Harlin, y Jungla de cristal: La venganza en 1995, a la que regresaba John McTiernan.

Casi una década después, la saga regresó de la mano de Len Wiseman con La jungla 4.0 (2007), y finalizó bajo la dirección de John Moore con La jungla: Un buen día para morir en 2013.

Bruce Willis tras Jungla de cristal

Después de triunfar en Jungla de cristal, Bruce Willis empezó a destacar en la ciencia ficción con 12 monos (1995) de Terry Gilliam -otro de los puntos álgidos de su carrera-, a la que se sumaron poco después El quinto elemento (1997) de Luc Besson y Armageddon (1998) de Michael Bay.

Un par de años más tarde, Bruce Willis encabezó el reparto de El sexto sentido (1999) de M. Night Shyamalan, que marcaba su primera colaboración con el cineasta en una de las películas más emblemáticas de la carrera del intérprete, desligada de su género predilecto de la acción. Y no mucho más tarde volvió a actuar para él en El protegido (2000).

Sin City (Ciudad del pecado) (2005) de Robert Rodriguez, Frank Miller y Quentin Tarantino fue otra de sus películas más conocidas, y cuando se estrenó su secuela, Sin City: Una dama por la que matar (2014) tuvimos a Bruce Willis de vuelta como Hartigan.

Entre ambas películas conoció a Emma Heming, con quien contrajo matrimonio en 2009, siendo Demi Moore una de las asistentes a la boda, acompañada por las tres hijas que tuvo con ella.

Los mercenarios (2010) de Sylvester Stallone es una de las sagas de acción más emblemáticas de la industria, en la que se daban cita las estrellas más famosas del género, por eso Bruce Willis no podía faltar en ella, repitiendo para su secuela, Los mercenarios 2 (2012), como el Sr. Church.

También tuvo un rol destacado en la comedia Moonrise Kingdom (2012) de Wes Anderson, y en G.I. Joe: La venganza (2013) de Jon M. Chu, la secuela directa de G.I. Joe (2009).

Qué fue de Bruce Willis

La carrera de Bruce Willis casi pareció cerrar un círculo en 2019, cuando volvió a actuar para M. Night Shyamalan en la última película que podemos desacatar dentro de la filmografía del intérprete: Glass (Cristal), pues durante los años siguientes encadenó más de una veintena de estrenos muy olvidables.

Bruce Willis no paró de protagonizar películas desconocidas que lo devolvían al género de la acción y que rondan la nota media del 3 en Filmaffinity. Proyectos secundarios que ya anunciaban el fin de una era.

Y es que en aquella época empezó a mostrar en sus rodajes los primeros síntomas de una enfermedad que lo hacían estar desorientado e incluso requerir un pinganillo para terminar sus escenas.

En marzo de 2022, Bruce Willis anunció su retiro definitivo del mundo de la interpretación tras ser diagnosticado con afasia a los 67 años, produciéndole trastornos en el habla. Aunque un año después se afinó el diagnóstico y se hizo público que el actor de El sexto sentido padecía demencia frontotemporal.

Bruce Willis en la actualidad

Aunque hace ya tres años que Bruce Willis no aparece en ninguna película, desde que en 2023 estrenó la cinta Asesino de Jesse Atlas, sus fans siguen reclamando conocer la evolución de la enfermedad del intérprete, y su familia suele compartir actualizaciones en las que enseñan cómo están viviendo esta nueva etapa en sus vidas.

Por eso, a sus 70 años, Bruce Willis no ha desparecido de los titulares en todo este tiempo, aunque ya no sean sobre la nueva película que protagonice sino sobre el modo en que ha pasado las últimas navidades con su familia, los planes de su esposa para cuando ya no esté o el recuerdo de su pasado en Hollywood, que está plagado de anécdotas.

Ahora que ya sabes lo que fue de Bruce Willis, te invitamos a descubrir a algunas celebridades como Christopher Lambert, el actor que dio vida a Connor MacLeod en las películas de Los inmortales o Carlos Castel, el actor de Al salir de clase que abandonó la serie para irse a Nada es para siempre.

Cada semana publicaremos nuevas historias de otras estrellas míticas cuyas vidas también dieron un giro inesperado como en el caso de Bruce Willis, la estrella de Jungla de cristal que abandonó el cine por una enfermedad.

Después de abandonar Hollywood, Marrakech se acabó convirtiendo en el destino que eligió para pasar sus siguientes años y emprender un nuevo negocio junto a un nuevo amor.

Qué fue de Linda Kozlowski

Linda Kozlowski nació en Connecticut, Estados Unidos, a principios de 1958, y estudió teatro en Nueva York con el objetivo de convertirse en actriz. Una carrera profesional que pudo explorar durante más de una década hasta que desapareció del mapa.

Los primeros papeles de Linda Kozlowski como actriz fueron para producciones teatrales, y más adelante pudo dar el salto a la pequeña pantalla a través de la serie Nurse y de la película para televisión Muerte de un viajante (1985).

Su gran oportunidad cinematográfica le llegó poco después, cuando en 1986 se sumó al reparto de la película de aventuras Cocodrilo Dundee, dirigida por Peter Faiman y protagonizada por Paul Hogan, en la que dio vida al personaje de Sue Charlton, el interés amoroso del protagonista de la cinta.

La química de los personajes trascendió la pantalla, y a raíz de la primera entrega de Cocodrilo Dundee, Paul Hogan y Linda Kozlowski empezaron una relación que acabó convertida en matrimonio en 1990, de cuya unión nació su hijo Chance Hogan.

Por su rol como Sue Charlton, Linda Kozlowski recibió su primera nominación a los Globos de Oro a Mejor Actriz de Reparto. Un par de años después, la esposa de Paul Hogan volvió a compartir pantalla con el intérprete en Cocodrilo Dundee II (1988), que dirigió John Cornell, y también los pudimos volver a ver juntos en pantalla en Casi un ángel (1990).

Linda Kozlowski después de Cocodrilo Dundee

Sin embargo, la carrera de Linda Kozlowski no logró despegar más allá de su saga cinematográfica, siendo el único título reseñable de su filmografía El pueblo de los malditos (1995) de John Carpenter.

La protagonista de Cocodrilo Dundee no estaba consiguiendo papeles interesantes porque Hollywood la había empezado a encasillar como “la novia de algún tipo gracioso”, y no hacían más que enviarle guiones tan malos que literalmente los usaba “como leña, para encender el fuego”.

Ante la decepción de estar siendo ignorada por una industria que sólo le permitía trabajar en proyectos que estaban por debajo de sus capacidades, y el nacimiento de su hijo, fueron una suma de factores que hicieron que terminara su relación con Hollywood.

De manera paralela, Linda Kozlowski también empezó a darse cuenta de que estaba viviendo a la sombra de su exitoso marido, algo que acabó propiciando que la pareja rompiera, y se acabara divorciando en 2014.

"La verdad es que nos distanciamos de forma natural”, explicó la actriz de Sue Charlton en una entrevista publicada tras su divorcio. “Uno de nuestros problemas era que no teníamos nada en común y, con el tiempo, eso le pasa a mucha gente”.

Linda Kozlowski se despidió de Paul Hogan en la gran pantalla y también de su carrera como actriz con Cocodrilo Dundee en Los Ángeles (2001), la última entrega de la saga dirigida por Simon Wincer.

Linda Kozlowski y su nueva vida en Marruecos

Años después, la exmujer de Paul Hogan encontró un nuevo amor y una nueva profesión muy lejos de Estados Unidos, cuando en un viaje a Marruecos conoció al guía turístico Moulay Hafid Baba: “Supimos al instante que nos conocíamos desde hacía mil años”.

Junto a Moulay Hafid Baba, Linda Kozlowski inició una nueva vida en Marrakech. La pareja se casó en 2017, y unos años antes fundaron un negocio juntos: Dream My Destiny, una agencia de viajes de lujo por Marruecos.

La antigua protagonista de Cocodrilo Dundee compartió que Moulay Hafid Baba tenía “más de 25 años de experiencia organizando tours privados” por el país, mientras que sus viajes por trabajo cuando estaba metida en la industria cinematográfica le habían proporcionado “una visión muy perspicaz” sobre este turismo de más alto standing.

En 2015, Linda Kozlowski afirmaba que, entre sus mayores logros, se encontraban: la crianza de su hijo Chance, el “haber sobrevivido a Hollywood” y “empezar una vida completamente nueva en la mediana edad”.

Durante un tiempo, la vida de la antigua Sue Charlton consistió en despertarse “con el evocador sonido de la llamada a la oración” y salir a correr “por los Jardines de la Menara”, comprar especias “en los puestos del zoco Semmarine, en la medina” y reunirse con sus clientes para planificar su “próxima excursión”, para terminar el día relajándose en un “spa hammam”.

Linda Kozlowski en la actualidad

Mientras, la resolución del divorcio con Paul Hogan le continuó reportando beneficios económicos a Linda Kozlowski, quien pudo comprarse en 2017 tres propiedades frente al mar en la zona Silicon Beach de Los Ángeles.

Aunque Linda Kozlowski se mantiene alejada de los focos, en 2025 los paparazi la encontraron por última vez a sus 67 años en Los Ángeles, saliendo de cenar en un restaurante italiano al que fue con su hijo Chance y su exmarido Paul Hogan, a quienes se unió más adelante Moulay Hafid Baba.

Ahora que ya sabes lo que fue de Linda Kozlowski, te invitamos a descubrir a algunas celebridades como Andy García, el actor de El Padrino III, Ocean's Eleven y Los Mercenarios 4 o Andie MacDowell, la madre de Margaret Qualley y protagonista de Cuatro bodas y un funeral.

Cada semana publicaremos nuevas historias de otras estrellas míticas cuyas vidas también dieron un giro inesperado como en el caso de Linda Kozlowski, la actriz de Cocodrilo Dundee y esposa de Paul Hogan que dejó de actuar y se mudó a Marruecos.

En televisión, su papel más recordado es el de Walden Schmidt en Dos hombres y medio, aunque quizá nos dé una sorpresa cuando estrene el nuevo proyecto del creador de American Horror Story.

Ashton Kutcher no siempre soñó con ser actor

Christopher Ashton Kutcher nació en Iowa, Estados Unidos, en el seno de una familia que atravesaba una crisis por la mala salud de su hermano, quien requirió un transparente de corazón cuando todavía eran niños.

La pasión de Ashton Kutcher por la interpretación despertó en él durante el instituto, donde realizó sus primeras obras de teatro. Sin embargo, estudió ingeniería bioquímica en la universidad, motivado por mejorar la vida de su hermano, a quien quería curar de su enfermedad cardíaca.

El actor de Dos hombres y medio resultó no ser un estudiante ejemplar, e incluso llegó a ser expulsado de la universidad. Por suerte, acabó reconectando con la interpretación durante aquellos años gracias a un cazatalentos de modelos que se cruzó con él en un bar.

Aquello le abrió primero las puertas del modelaje para que, más adelante, le llegaran sus primeras oportunidades laborales en el cine y la televisión.

Qué fue de Ashton Kutcher

El primer papel de Ashton Kutcher fue un rol protagónico para la serie Aquellos maravillosos 70, en la que dio vida a Michael Kelso entre 1998 y 2006, a lo largo de las ocho temporadas que duró la producción.

Mientras actuaba en ella, también formó parte del reparto de Operación Reno (2000), protagonizada por Ben Affleck y Charlize Theron, y en Texas Rangers (2001) con James Van Der Beek.

Encabezó el reparto de Colega, ¿dónde está mi coche? (2000), así como el de otras comedias como Recién casados (2003) o Doce en casa (2003). Aunque esta última tuvo secuela, Ashton Kutcher no regresó para ella.

Sin embargo, al año siguiente lo vimos en una de las películas más destacadas de su carrera: El efecto mariposa (2004) de Eric Bress y J. Mackye Gruber, una cinta de viajes en el tiempo en la que daba vida a Evan Treborn, un joven decidido a cambiar el curso de su vida. De nuevo, su éxito también propició una secuela, a la que no regresaron ni él ni sus responsables.

Ashton Kutcher: auge con Jobs y Dos hombres y medio

Establecido en las comedias románticas, siguió siendo un actor habitual en cintas como El amor es lo que tiene (2005), Algo pasa en Las Vegas (2008), en la que actuó junto a Cameron Diaz, Historias de San Valentín (2010), en la que había estrellas como Anne Hathaway o Julia Roberts, o Sin compromiso (2011), que protagonizó con Natalie Portman.

También exploró el drama romántico junto a Michelle Pfeiffer en Efectos personales (2009), el drama erótico en American Playboy (Spread) (2009), y el cine de acción y aventuras junto a Kevin Costner en The Guardian (2006).

De manera paralela a la interpretación, el actor de El efecto mariposa también estuvo ejerciendo como productor de varios proyectos, al tiempo que exploraba otros negocios para tener oportunidades si el de la actuación dejaba de funcionar para él.

En 2011, Ashton Kutcher se hizo con el papel más importante de su carrera televisiva, al convertirse en el actor que sustituyó a Charlie Sheen en la serie Dos hombres y medio, que llevaba en antena desde el año 2003.

Ashton Kutcher se introdujo en ella como el empresario de internet multimillonario Walden Schmidt a partir de su temporada número 9, y siguió en ella hasta el final de la serie con su temporada 12, estrenada en 2015.

En esa época siguió triunfando pues, después de El efecto mariposa, la segunda película más destacada de Ashton Kutcher fue Jobs (2013) de Joshua Michael Stern, en la que se puso en la piel del mismísimo Steve Jobs para su biopic, con el que demostraba ser un actor polifacético, apto para muchos papeles más allá de las comedias.

La película biográfica de Steve Jobs resultó ser un fracaso entre la crítica, que tachaba a la producción de “telefilme”. Sin embargo, el buen trabajo de Ashton Kutcher fue uno de sus pocos elementos destacables, pues lograba ser un “clon de Jobs”.

Ashton Kutcher en la actualidad

Después de que terminara la emisión de Dos hombres y medio, el actor de Walden Schmidt encadenó su racha de protagonizar series pasando a encabezar el reparto de una nueva comedia, en esa ocasión sobre la vida rural norteamericana en The Ranch de Netflix. En ella dio vida al personaje de Colt Reagan Bennett a lo largo de 8 temporadas, que se estuvieron emitiendo desde 2015 hasta 2020.

Sin alejarse de Netflix, lo pudimos ver regresando a su género estrella en la comedia romántica Tu casa o la mía (2023), y también tuvo un pequeño cameo en Aquellos maravillosos 90, el spin-off de Aquellos maravillosos 70, que le permitió regresar a este universo 15 años después.

Ahora, Ashton Kutcher cambia de plataforma, e incluso de género, al unirse al reparto de The Beauty, la próxima serie para Disney Plus creada por Ryan Murphy, el responsable de series tan exitosas como American Horror Story o Monstruo.

The Beauty se estrenará en 2026 y nos contará la historia de Drew y Kara, dos personas que están investigando una enfermedad de transmisión sexual conocida como “la belleza”, que causa efectos estéticos, pero que resulta letal. En la nueva serie de Ryan Murphy, Ashton Kutcher compartirá pantalla con Evan Peters y Anthony Ramos.

Ahora que ya sabes lo que fue de Ashton Kutcher, te invitamos a descubrir a algunas celebridades como Josh Radnor, el actor de Ted Mosby en Cómo conocí a vuestra madre o Juanma Bajo Ulloa, el cineasta vasco que hizo historia en los 90 junto con Karra Elejalde.

Cada semana publicaremos nuevas historias de otras estrellas míticas cuyas vidas también dieron un giro inesperado como en el caso de Ashton Kutcher, el actor de Dos hombres y medio, El efecto mariposa y Jobs.

En este artículo podrás conocer los papeles más destacados de Jeffrey Jones antes de que Hollywood le diera la espalda, habiendo estado desaparecido del cine casi por completo desde hace más de 20 años.

Qué fue de Jeffrey Jones

Jeffrey Duncan Jones nació en septiembre de 1946 en Nueva York, Estados Unidos. Y se introdujo en el mundo de la interpretación a nivel profesional cuando sus actuaciones en el teatro de la universidad llamaron la atención de un director teatral.

En los años 70 dio el salto al mundo del cine y la televisión, después de más de 100 obras teatrales estrenadas, aunque tardó varios años en conseguir un papel relevante en el cine.

Uno de sus roles más recordados en la gran pantalla es el del Emperador José II de Austria en la película Amadeus (1984) de Milos Forman, una cinta biográfica sobre Antonio Salieri y Wolfang Amadeus Mozart. Poco tiempo después, Jeffrey Jones volvió a colaborar con el cineasta en Valmont (1989).

Jeffrey Jones también estuvo presente en la película de imagen real de Howard el pato de Marvel, titulada Howard, un nuevo héroe (1986), en la que daba vida al Dr. Walter Jenning, el científico que trajo a Howard a nuestro planeta.

Su siguiente gran papel le llegó de la mano de Tim Burton para la película Bitelchús (1988), en la que encarnó al personaje de Charles Deetz, el marido de Delia Deetz -encarnada por Catherine O'Hara-, que acaba convirtiéndose en el propietario de una casa encantada.

Aquella marcó la primera colaboración de Jeffrey Jones con Tim Burton, quien decidió volver a contar con el actor de Charles Deetz en dos proyectos más del director protagonizados por Johnny Depp, y que supusieron, junto con las cintas mencionadas más arriba, algunos de sus papeles más destacados en Hollywood.

La primera película en la que repitió con Tim Burton fue Ed Wood (1994), la biografía del director de cine del mismo nombre en la que encarnó al psíquico Jeron Criswell King; y la segunda fue Sleepy Hollow (1999), un largometraje de terror en el que dio vida al reverendo Steenwyck.

Jeffrey Jones: pornografía infantil y carrera posterior

La carrera de Jeffrey Jones en cines no había contado con grandes títulos, pero su producción audiovisual mermó por completo a partir de la década de los 2000, después de que fuera acusado de abuso sexual infantil.

En el año 2002 lo arrestaron por posesión de pornografía infantil y por forzar a un menor a que posase desnudo en fotografías explícitas. Su condena acabó siendo la de estar cinco años en libertad condicional y registrarse como delincuente sexual.

Además, por no actualizar su estado como delincuente sexual, acabó siendo arrestado en un par de ocasiones más en los años posteriores, tanto en 2004 como en 2010.

Desde ese momento, han sido muy pocas las producciones de cine o televisión en las que hemos visto implicado a Jeffrey Jones, quien apenas se volvió a dejar ver en pantalla después de que la industria le retirara su apoyo y visibilidad mediática.

La última película en la que pudimos ver a Jeffrey Jones fue el western para televisión Deadwood: La película (2019) de Daniel Minahan.

Se trataba de secuela de la serie en Deadwood -en la que también participó- ambientada 10 años después de su final estrenado en 2006. En ella, Jones pudo encarnar por última vez a A. W. Merrick, y decir adiós a las cámaras.

Ni siquiera Tim Burton quiso volver a saber nada de él cuando estrenó en 2024 Bitelchús Bitelchús, la secuela de Beetlejuice a la que regresaba todo el elenco de la película original, incluida Catherine O'Hara como Delia Deetz.

Para disimular la ausencia de Charles Deetz en la película, Tim Burton se las ingenió introduciendo una divertida justificación narrativa realizada en stop-motion y basada en una de sus pesadillas.

Con ella se nos permitió conocer el destino que sufrió su personaje para despedirnos de él: “Mi pesadilla es estar en un accidente de avión, sobrevivir al accidente, casi ahogarme y que me coma un tiburón”.

Jeffrey Jones en la actualidad

El actor de Bitelchús se ha mantenido bastante alejado del foco mediático desde hace más de dos décadas, aunque en verano de este 2025 se lo pudo volver a ver en un programa de televisión hablando sobre uno de sus proyectos tempranos en la industria: Todo en un día (1986).

Lo poco que compartió sobre su vida privada durante la charla fue que se había cambiado de residencia, pero que ahora tenía ganas de regresar a Los Ángeles para estar más cerca de su familia:

“Me mudé a vivir al desierto. Ya no quería estar en Los Ángeles, pero mi familia está aquí y los niños pequeños crecen rápido. Voy y vengo en coche. Ahora estoy buscando piso en Los Ángeles. Me he rendido porque no puedo seguir yendo y viniendo de Burbank al desierto”.

En estos momentos, Jeffrey Jones cuenta con 79 años y no parece tener ningún nuevo proyecto audiovisual en el horizonte. Aunque no compartió los motivos por los que se alejó de Los Ángeles, lo más probable es que lo hiciera para llevar una vida más tranquila y disfrutar de su intimidad.

Ahora que ya sabes lo que fue de Jeffrey Jones, te invitamos a descubrir a algunas celebridades como Angus T. Jones, el niño de Dos hombre y medio que abandonó su carrera por su fe o Kelly Lynch, la actriz de Drugstore Cowboy que rechazó ser la estrella de Instinto básico.

Cada semana publicaremos nuevas historias de otras estrellas míticas cuyas vidas también dieron un giro inesperado como en el caso de Jeffrey Jones, el actor de Charles Deetz en Bitelchús y del Emperador José II en Amadeus.

En este artículo te podrás adentrar en la vida y carrera de María Esteve, conocer sus series y películas más destacadas, así como descubrir su paradero actual.

María Esteve, como hija de Marisol y Antonio Gades

María Esteve Flores nació en Mar del Plata, Argentina, en 1974. Es la hija de la actriz y cantante malagueña Pepa Flores, más conocida como Marisol, y del bailarín alicantino Antonio Gades, así como hermana de la también cantante Celia Flores.

Al haber nacido en una familia de artistas, su futuro estaba casi decidido desde el principio, y su carrera profesional siempre ha estado ligada al cine, a la televisión y al teatro.

“Creo que antes de ser actriz, siempre quise bailar”, compartió la actriz de El otro lado de la cama en una entrevista con la revista Hola!, en la que también añadió que su profesión le terminó dando “la posibilidad de rodar musicales en cine”, y más adelante vivir de la interpretación, pero también trabajar de manera estrecha con el mundo de la danza.

María Esteve dio el salto al mundo del cine en 1996, cuando apareció en la comedia dramática Más que amor, frenesí de Alfonso Albacete, David Menkes y Miguel Bardem en un papel menor. Y al año siguiente se introdujo en la televisión, también con un rol secundario, a través de la serie Kety no para.

El primer rol protagónico de María Esteve fue para la comedia romántica Nada en la nevera (1998) de Álvaro Fernández Armero, con quien repitió en dos ocasiones más para las cintas: El arte de morir (2000) y El juego de la verdad (2004).

Según reconoció la hija de Marisol, ser la descendiente de Pepa Flores y Antonio Gades supuso “un hándicap” al principio de su carrera, cuando empezó a compartir su misma profesión, pero con el paso de los años y su evolución profesional ha cambiado de perspectiva, y ahora lo ve más como “una forma de vida”.

Qué fue de María Esteve

En el año 2002, María Esteve protagonizó la película que marcó su carrera en el cine, y que le ha permitido volver a la gran pantalla este mismo año: la comedia musical El otro lado de la cama (2002) de Emilio Martínez-Lázaro, para cuya secuela regresó en 2005 con Los dos lados de la cama.

Más de dos décadas después, María Esteve ha retomado su rol como Pilar en Todos los lados de la cama (2025), la continuación de las anteriores películas, ahora dirigida por Samantha López Speranza en lugar de Emilio Martínez-Lázaro.

“Era difícil volver a retomar esta película”, compartía María Esteve en una entrevista con Hello Valencia, señalando lo necesario que sigue siendo el humor y el “lenguaje precioso sobre las relaciones y el sexo, entre la generación antigua y la nueva” que emplea la cinta.

“Han pasado veinte años, los códigos han cambiado, pero el espíritu sigue siendo el mismo”, declaraba María Esteve, añadiendo que hay que “amar libremente, por donde te pille”, porque “todo amor es bueno, sea el que sea, empezando por el amor propio”.

Entre la primera y la segunda entrega de El otro lado de la cama, María Esteve se dejó caer de manera breve por la serie 7 vidas, apareciendo en un capítulo como Inés, y también por Maneras de sobrevivir, en la que dio vida al personaje de Estela durante 13 episodios.

Aunque destacó más a su paso por la serie Doctor Mateo, en la que encarnó al personaje de Elena durante 53 episodios, entre 2009 y 2011.

María Esteve en la actualidad

De manera paralela a su carrera como actriz, María Esteve también ha estado involucrada como presidenta en la Fundación Antonio Gades, que abrió en el año 2004, el mismo año en que falleció su padre.

La actriz parece haber estado volcando sus mayores esfuerzos en ella durante la última década -con el objetivo de proteger y difundir el legado de Antonio Gades-, así como en la Compañía Antonio Gades, que mantiene vivo su teatro.

“Desde la fundación trabajamos desde que nos falta él”, explicó la hija de Antonio Gades para RTVE. “A medida que me voy haciendo mayor, me doy cuenta del enorme legado que tenemos en las manos, el patrimonio que nos deja y la obligación moral de compartirlo con la gente”.

En los últimos años, María Esteve ha seguido trabajando en la Fundación y la Compañía Antonio Gades, al tiempo que se ha vuelto a dejar ver por televisión a través de series como Supernormal de Movistar Plus+, en la que dio vida a María Jesús, y Sin huellas de Amazon Prime Video, para la que se puso en la piel de Marisa Roselló.

La última aparición en cines de María Esteve fue para Todos los lados de la cama y, por el momento, no tiene ningún otro proyecto audiovisual en marcha. A sus 50 años, la intérprete continúa trabajando en la Fundación y la Compañía de su padre, que le ofrece “un reto diferente” cada día.

Ahora que ya sabes lo que fue de María Esteve, te invitamos a descubrir a algunas celebridades como Richard Gere, el protagonista de American Gigolo, Oficial y caballero y Pretty Woman o Christopher Eccleston, el noveno Doctor Who que tardó años en desvelar el auténtico motivo de su partida.

Cada semana publicaremos nuevas historias de otras estrellas míticas cuyas vidas también dieron un giro inesperado como en el caso de María Esteve, la actriz de El otro lado de la cama que ha regresado para Todos los lados de la cama.

En las siguientes líneas podrás leer las dificultadas a las que se enfrentó Jason Mewes mientras intentaba hacerse un hueco en las nuevas películas de Kevin Smith; y podrás asomarte a su futuro más inmediato.

Qué fue de Jason Mewes

Jason Edward Mewes nació en 1974 en Nueva Jersey, Estados Unidos, como el hijo de una madre exconvicta y adicta a la heroína, lo que obligó a que pasara gran parte de su infancia con su tía.

Aunque al principio su madre le hizo sentir repulsión por las drogas, Jason Mewes acabó acudiendo a ellas cuando terminó el instituto, empezando por fumar marihuana y beber alcohol, aunque no tardó en consumir sustancias más fuertes.

Su mejor amigo del momento era Kevin Smith, un cineasta que debutó como actor, director, productor y guionista cinematográfico con la comedia de culto Clerks (1994), en la que quiso incluir a Jason Mewes en el reparto.

“Pensé: "Alguien debería poner a este tipo en una película"”, declaró Kevin Smith. “Solo quería ver si a alguien fuera de nuestro grupo de amigos le parecía tan gracioso como a mí”. Y pareció acertar.

Clerks supuso también el debut de Jason Mewes como actor de cine, y la cinta le permitió ponerse por primera vez en la piel de Jay, un personaje al que volvió una y otra vez en los siguientes largometrajes de Kevin Smith.

Jay era un chaval que estaba inspirado en el propio Jason Mewes, y que era el mejor amigo de Bob el Silencioso, al que daba vida el propio Kevin Smith. Desde entonces Jay y Bob el Silencioso han sido una pareja cómica clave del View Askewniverse, un universo ficticio en el que se desarrollan varios de los largometrajes del cineasta.

Jay y Bob el Silencioso regresaron para Mallrats (1995), una cinta que volvió a convertirse en película de culto pero que no tuvo mucho éxito comercial. Tras actuar en ella, Jason Mewes empezó a consumir heroína, y en sus siguientes películas junto a Kevin Smith apareció bajo el efecto de las drogas, incluyendo: Persiguiendo a Amy (1997) y Dogma (1999).

El director de Persiguiendo a Amy internó a Jason Mewes por primera vez en una clínica de rehabilitación en 1997, y más adelante el actor de Jay y Bob el Silencioso empezó a consumir OxyContin bajo recomendación de su madre para superar la abstinencia. Sin embargo, en 1999 fue arrestado por posesión de heroína.

Jay y Bob el Silencioso consiguen su primera película

Kevin Smith quiso impulsar el éxito de Jay y Bob el Silencioso creando su propia película, aunque para poder contar con Jason Mewes en ella le tuvo que rogar abstinencia, tanto de drogas como de alcohol.

El actor de Dogma mantuvo su palabra, pero sólo hasta que terminó el rodaje de Jay y Bob el Silencioso contraatacan (2001). Poco después, su madre murió, y Jason Mewes acabó internado de nuevo en varios centros de rehabilitación gracias a Kevin Smith.

En uno de ellos coincidió con su compañero de las anteriores películas del cineasta, Ben Affleck, que estaba internado por alcoholismo. No obstante, Jason Mewes seguía sin poder superar su adicción, y Kevin Smith lo tuvo que dejar fuera de su siguiente película: Una chica de Jersey (2004), en la que sí estaba Ben Affleck como protagonista.

En aquellos años, Mewes trató de desintoxicarse de nuevo, y en 2006 declaró que ya estaba limpio, coincidiendo con su regreso a Clerks II (2006), en la que volvió a formar dúo con Kevin Smith para encarnar a Jay. Tras ella, el cineasta quiso contar de nuevo con él en ¿Hacemos una porno? (2008).

En 2009, Jason Mewes contrajo matrimonio con Jordan Monsanto, quien se convirtió en la madre de su hija Logan Lee y de su hijo Lucien Lee Mewes.

Durante la siguiente década, las apariciones cinematográficas de Jason Mewes fueron en películas menores de bajo presupuesto, que intercalaba con su regreso puntual al View Askewniverse a través de la televisión. Hasta que Kevin Smith decidió revivir sus dos grandes sagas en los últimos años.

Primero llegó Jay y Bob el silencioso: El reboot (2019), y más adelante la siguió Clerks III (2022), dos esperadas continuaciones que hicieron ruido entre el fandom pero no mucho en taquilla, ocasionando pérdidas para su creador en ambos casos.

Por otro lado, en 2019, Jason Mewes también probó suerte con la dirección en la cinta Madness in the Method, una comedia criminal que protagonizaba dándose vida a sí mismo.

Jason Mewes en la actualidad

En la actualidad, Jason Mewes se mantiene activo haciendo su gira de Jay Mewes: Diary of A Man Child, un monólogo en el que relata su experiencia personal y profesional como icono de la cultura pop. Además, también colabora con Kevin Smith en el tour de Jay & Silent Bob's Aural Sects Tour, de temática similar.

Pero lo que todo el mundo está esperando, tanto el público como los propios Kevin Smith y Jason Mewes, es al próximo regreso de Jay y Bob el silencioso a través de un tercer largometraje protagonizado por el dúo cómico, pese a las malas cifras conseguidas por su última entrega.

En 2023 Kevin Smith ya anunció que estaba “escribiendo otra película de Jay y Bob el silencioso”, y un año después se desveló que el título de la cinta sería Jay and Silent Bob: Store Wars. Veremos cómo avanza el proyecto, que todavía sigue en fase de desarrollo y no cuenta con una fecha de estreno anunciada.

Ahora que ya sabes lo que fue de Jason Mewes, te invitamos a descubrir a algunas celebridades como Victoria Abril, la actriz de Pedro Almodóvar que se pasó por MasterChef Celebrity o Ruth Núñez, la protagonista de Yo soy Bea que dejó de recibir ofertas de trabajo cuando se acabó el fenómeno.

Cada semana publicaremos nuevas historias de otras estrellas míticas cuyas vidas también dieron un giro inesperado como en el caso de Jason Mewes, el compañero de Kevin Smith en Jay y Bob el Silencioso.

El actor español ha pasado por todo tipo de roles y ha actuado en muchos países, dividiendo sus trabajos entre España, Estados Unidos y México, siendo prolífico tanto en el cine como en la televisión, como podrás ver en las siguientes líneas.

Quién es Óscar Jaenada

Óscar Jaenada Gajo nació en Barcelona, en 1975, y desde joven sintió inclinación por el mundo de la interpretación, que despertó en él cuando iba a ver películas al cine con su abuela de niño y cuando se subió por primera vez a un escenario a los 13 años.

Para seguir desarrollándose como actor no quiso ir a ninguna escuela, y prefirió curtirse sobre las tablas, participando en sus primeras obras teatrales y más adelante dando el salto a la televisión.

Cuando optó por mudarse a Madrid en busca de oportunidades laborales, primero empezó trabajando como camarero, y más adelante conoció a un director de casting que le abrió las puertas a que participara en sus primeras series, como: Al salir de clase, Compañeros, Ciudad sur, El comisario o Javier ya no vive solo.

El primer papel protagónico de Óscar Jaenada en una película fue para el falso documental Noviembre (2003), de Achero Mañas, en la que daba vida al actor Alfredo. Su interpretación en ella le valió su primera nominación a los Premios Goya en la categoría de Mejor actor revelación.

Aunque Óscar Jaenada no ganó el Goya en aquella ocasión, no tardó mucho en alzarse con él. Transcurridos un par de años y cinco largometrajes, le ofrecieron un rol inesperado al intérprete...

Óscar Jaenada se convierte en Camarón

Las últimas películas de Óscar Jaenada habían sido comedias, y parecía que el actor estaba a punto de ser encasillado en ese rol. Entonces le propusieron ponerse en la piel del cantaor Camarón de la Isla para su película biográfica dirigida por Jaime Chávarri.

En un principio Óscar Jaenada se vio tentado a rechazar el papel, pues no sabía cantar, pero al final acabó aceptando el puesto en la película de Camarón (2005), para la que tuvo que dejarse el pelo largo y aprender a fumar, a palmear y a imitar los gestos del personaje al que daba vida.

Su excelente interpretación como Camarón hizo que Óscar Jaenada acabara alzándose con su primer y único Goya a Mejor Actor. Al mismo tiempo, la cinta dejaba claro que las biografías eran un terreno en el que Jaenada se desenvolvía con naturalidad.

Óscar Jaenada después de Camarón: llega Piratas del Caribe

Uno de los siguientes papeles de Óscar Jaenada lo llevó a dar el salto internacional a través de una nueva biografía, aunque ya no fue como protagonista. Actuó bajo la dirección de Steven Soderbergh en Che: Guerrilla (2008), para la que dio vida al guerrillero David Adriazola Veizaga.

También en Estados Unidos lo vimos en cintas menos relevantes como Los límites del control (2009) o Los perdedores (2010), mientras que en España se dejó caer por producciones como La herencia Valdemar (2010).

Dentro de Hollywood, el rol más destacado que le confirieron al actor de Camarón fue para Piratas del Caribe: En mareas misteriosas (2011), la cuarta entrega de la exitosa saga cinematográfica de Disney protagonizada por Johnny Depp.

En aquella cinta se introducía por primera vez a un grupo español en la franquicia, que iba en busca de la Fuente de la Juventud bajo las órdenes de Fernando VI. El equipo estaba liderado por El español, al que daba vida Óscar Jaenada, quien estaba acompañado por otras estrellas nacionales como Penélope Cruz.

Óscar Jaenada se convierte en Cantinflas

El otro papel más recordado de Óscar Jaenada también lo tuvo en el extranjero, gracias a su segunda biografía más exitosa: Cantinflas (2014), una película mexicana en la que el actor español se puso en la piel de aquella leyenda de la comedia del país.

Aunque al principio la gente local mostraba reticencia ante la idea de que un español tomase el rol de Cantinflas, las dotes interpretativas del actor de Piratas del Caribe les hicieron cambiar de opinión, y Jaenada hasta se llevó un Premios Platino a Mejor Actor por su papel en la cinta de Sebastián del Amo.

En los años siguientes, Óscar Jaenada fue alternado sus colaboraciones con España, Estados Unidos y México, participando en proyectos como las películas: Infierno azul (2016) de Jaume Collet-Serra, Loving Pablo (2017) de Fernando León de Aranoa, El hombre que mató a Don Quijote (2018) de Terry Gilliam, o Rambo: Last Blood (2019) de Adrian Grunberg.

También se ha dejado caer por varias series, entre las que destacan dos producciones biográficas en las que, una vez más, vuelve a ser protagonista. Por un lado, la mexicana Luis Miguel, la serie, disponible en Netflix, y por otro Hernán de Amazon Prime Video, en la que se ponía en la piel del conquistador Hernán Cortés.

Óscar Jaenada en la actualidad

Los proyectos más recientes de Óscar Jaenada con los que ha seguido brillando tanto a nivel nacional como internacional incluyen: su rol como Fede de Rivera en la serie estadounidense The Walking Dead: Daryl Dixon, su papel como Ramiro del Solar en la serie mexicana Horario estelar o su papel como Dagin Babi en la cinta El hoyo 2 (2024) de Galder Gaztelu-Urrutia.

La última vez que vimos a Óscar Jaenada fue a través de la serie La suerte: Una serie de casualidades, una comedia de toreo para Disney Plus estrenada en 2025 que ha logrado convertirse en una de sus series más aplaudidas, teniendo una nota media de 6,7 en Filmaffinity. Para ella se ha puesto en la piel de Rafael Baeza Cortés, un torero en horas bajas que se hace amigo de un joven taxista opositor.

Ahora que ya sabes lo que fue de Óscar Jaenada, te invitamos a descubrir a algunas celebridades como Cameron Diaz, la popular actriz de Hollywood que vuelve al cine después de 10 años o Clarke Peters, el protagonista de The Wire que nunca abandonó las series.

Cada semana publicaremos nuevas historias de otras estrellas míticas cuyas vidas también dieron un giro inesperado como en el caso d Óscar Jaenada, el actor de Camarón, Cantinflas y Piratas del Caribe.

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La actriz de Shameless abandonó su serie estrella antes de que llegara a su final, pero a cambio la hemos visto en nuevos proyectos en los últimos años, y ahora se prepara para volver a la televisión.

Qué fue de Emmy Rossum

Emmanuelle Grey Rossum nació en septiembre de 1986 en Nueva York, Estados Unidos y desde muy joven estuvo vinculada con la esfera musical. A los siete años se unió al coro infantil de la Ópera Metropolitana de su ciudad natal, en la que estuvo trabajando durante cinco años.

Durante ese tiempo cantó junto con Plácido Domingo y Luciano Pavarotti, estuvo presente en 20 óperas y tuvo que interpretar en seis idiomas diferentes. Poco a poco, eso fue generando un ella un interés creciente por la actuación.

Además de estudiar francés, historia del arte y filosofía en la Universidad, años antes había empezado a tomar clases de interpretación, y en 1997 recibió sus primeros papeles para televisión, a los que siguió su rol en la cinta Genio (1999), que le permitió tener su primera nominación a unos premios, en los Young Artist Award.

En el 2000 se puso en la piel de la joven Audrey Hepburn para la cinta La vida de Audrey Hepburn, y ese mismo año debutó en el cine con Songcatcher, en la que no sólo actuó sino que también cantó para su banda sonora original junto con Dolly Parton.

Emmy Rossum recibió su primer papel protagónico para Happy Now (2001), y un par de años después trabajó bajo las órdenes de Clint Eastwood para una nueva cinta de intriga: Mystic River (2003).

Los papeles más importantes de Emmy Rossum

2004 marcó un punto de inflexión en la carrera de Emmy Rossum. Aquel año la vimos en El día de mañana de Roland Emmerich, en el papel de Laura Chapman, así como en el musical romántico El fantasma de la ópera de Joel Schumacher, que protagonizaba con Gerard Butler.

Gracias a su papel como Christine Daaé, la enamorada del fantasma, logró nominaciones a los Globos de Oro, los premios Critic's Choice Awards y los Saturn Awards a la Mejor Actriz a sus 18 años.

A raíz de su interpretación en El fantasma de la ópera, la protagonista de Shameless recibió múltiples ofertas para grabar discos de música clásica, pero las rechazó todas, queriendo centrarse en crear un álbum de música contemporánea.

Tras su exitoso musical, la volvimos a ver en el cine a través de cintas como Poseidón (2006) de Wolfgang Petersen, el remake de un clásico del cine de catástrofes con el que ya estaba familiarizada gracias El día de mañana, o Dragon Ball Evolution (2009) de James Wong, un fallido intento de adaptar al live action la obra de Akira Toriyama para el que se puso en la piel de Bulma.

2011 marcó un antes y un después en su carrera, puesto que fue el año en el que se unió al reparto de Shameless, el remake estadounidense de la serie británica del mismo nombre, realizado una vez más por Paul Abbott.

Emmy Rossum encarnó en ella al personaje de Fiona Gallagher, la hija mayor de la familia Gallagher que adopta una suerte de rol de madre sobre sus cuatro hermanos menores y su hermana pequeña.

Por su papel en Shameless, la actriz de El fantasma de la ópera estuvo nominada a los Critic's Choice Television Awards en un par de ocasiones, a lo largo de la década en la que estuvo interpretando aquel rol.

La serie fue tan popular que alcanzó los 134 episodios, con Emmy Rossum presente en casi todos ellos, hasta que en 2018 anunció su retiro de la producción después de nueve temporadas, seguida poco después por su compañero Cameron Monaghan.

Shameless contó con tres temporadas más sin Emmy Rossum, y terminó su emisión en 2020, pero la actriz de Fiona Gallagher quería afrontar nuevos retos:

“Quiero dejar la serie mientras aún me encante. Yo lo veo así: el final de una cosa es el comienzo de otra. No podría estar más emocionada por dedicar tiempo a escribir, dirigir y ver qué otros personajes quiero interpretar. Es aterrador y maravilloso a la vez”.

Emmy Rossum en la actualidad

Mientras trabajaba en Shameless, Emmy Rossum se centró sobre todo en su comedia estrella, pero también tuvo tiempo de dejarse caer por algunos largometrajes como Hermosas criaturas (2013), Siempre estaré contigo (2014), en la que actuó junto a Hilary Swank, o Venganza bajo cero (2019), protagonizada por Liam Neeson y Laura Dern.

Ninguno de ellos fue demasiado destacado, así que estaba claro que el lugar idóneo de Emmy Rossum seguía siendo la televisión. En 2022 regresó a la pequeña pantalla como protagonista de Angelyne, una miniserie de cinco episodios basada en la historia real de un icono de vallas publicitarias de Los Ángeles de los años 80.

Después de Angelyne, se sumó al reparto de otra miniserie: The Crowded Room, un drama psicológico ambientado en los años 70 para Apple TV+ en el que compartió pantalla con Tom Holland y Amanda Seyfried a lo largo de sus diez episodios que vieron la luz en 2023.

En estos momentos, Emmy Rossum ya se encuentra trabajando en su próxima serie: un remake de la cinta El caso de la viuda negra (Black Widow) (1987), en el que ejercerá como productora y también como actriz protagonista, compartiendo pantalla con Lola Pettigrew y Scoot McNairy.

Ahora que ya sabes lo que fue de Emmy Rossum, te invitamos a descubrir a algunas celebridades como Matthew Broderick, la estrella de los ochenta conocida por Todo en un día o Carmen Maura, la actriz junto a la que Pedro Almodóvar dio sus primeros pasos en la industria del cine.

Cada semana publicaremos nuevas historias de otras estrellas míticas cuyas vidas también dieron un giro inesperado como en el caso de Emmy Rossum, la actriz de Shameless que ya trabaja en su nueva serie.

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Eso sí, después de Arma letal 3 consiguió uno de los papeles más destacados de su carrera, convirtiéndose en la madre de Thor para el UCM. ¡En las siguientes líneas podrás descubrirlo todo sobre ella!

Primeros años de Rene Russo como modelo

Rene Marie Russo nació en California, Estados Unidos, en el año 1954. Se crio junto con su madre y su hermana, aunque no tuvo una infancia y una juventud fáciles, por la escasez de dinero, y el acoso que sufría en clase.

De joven se consideraba una friki, además era muy alta y tenía escoliosis, con lo que debía vestir un corsé ortopédico. Décadas más tarde, también salió a la luz que padecía trastorno bipolar. Todo ello fueron una suma de ingredientes que se convirtieron en el blanco de críticas fáciles.

Para sacar adelante a su familia, Rene Russo empezó a aceptar trabajos de todo tipo mientras seguía estudiando, hasta que fue descubierta como modelo en un concierto de los Rolling Stones y se mudó a Nueva York para continuar creciendo en el sector.

Durante los años 70 y 80, Rene Russo fue una de las modelos más destacadas del momento, ofreciendo una mezcla entre elegancia y sensualidad que la llevó a aparecer en revistas como Vogue o Cosmopolitan, así como en diversos anuncios de perfumes y cosméticos.

Qué fue de Rene Russo

Sin embargo, cuando alcanzó la treintena, las ofertas laborales que recibía como modelo comenzaron a mermar, por lo que Rene Russo aprovechó la oportunidad para aprender teatro. Empezó a subirse a los escenarios, a aparecer en series de televisión, y se introdujo en el mundo del cine.

Su primer papel en una película fue en un rol menor para Una mujer en la liga (1989), pero poco a poco fue ganando mayor prestigio en la industria: primero como la esposa de un detective en Un buen policía (1991) y luego como la detective de asuntos internos Lorna Cole en Arma letal 3 (1992), protagonizada por Mel Gibson y Danny Glover.

La cinta se convirtió en la más taquillera de la saga, y la actriz de Lorna Cole regresó a ella para Arma letal 4 (1998), mientras se iba forjando un nombre en la industria a través de películas como En la línea de fuego (1993) y Estallido (1995) de Wolfgang Petersen, Cómo conquistar Hollywood (1995) de Barry Sonnenfeld o Rescate (1996) de Ron Howard.

Mientras trabajaba en la cinta Freejack (Sin identidad) (1992) conoció al guionista Dan Gilroy, con quien contrajo matrimonio en el año de estreno de la película, y quien se convirtió en el padre de su hija un año después.

Rene Russo después de Arma letal

En 1999 fue co-protagonista de El secreto de Thomas Crown (1999) de John McTiernan, y volvió a trabajar con Barry Sonnenfeld para El gran lío (2002), aunque no hizo demasiado ruido con el cambio de siglo hasta que se introdujo en el Universo Cinematográfico de Marvel a través de Thor (2011).

Kenneth Branagh, el director de la cinta, tuvo que insistirle a Rene Russo para que se uniera a la película como Frigga, la madre del dios del trueno al que daba vida Chris Hemsworth. Por desgracia, gran parte de las escenas que rodó la actriz de Arma letal 3 acabaron siendo eliminadas del montaje final.

El lado positivo es que Rene Russo volvió al UCM como Frigga un año después para Thor: El mundo oscuro (2013), en la que pudo tener más tiempo en pantalla. Y, gracias a ambas cintas, se dio a conocer a una generación diferente a la que había crecido con sus películas de los 90.

En 2014, su marido Dan Gilroy debutó como director de cine a través del thriller Nightcrawler. Para la cinta decidió contar con la colaboración de su esposa en el rol de la directora de noticias Nina Romina.

Nightcrawler fue muy aplaudida por la crítica, y terminó convirtiéndose en la única película que le hizo ganar a Rene Russo algún galardón, entre ellos un Saturn Award.

Aquella película le devolvía a la actriz la oportunidad de tener un buen papel en pantalla después de varios años, al tiempo que demostraba que existía un hueco en Hollywood para personajes interesantes que estuvieran interpretados por actrices que rondaran los 60 años.

Rene Russo en la actualidad

Un año después de Nightcrawler, compartió pantalla con Robert De Niro y Anne Hathaway en la comedia El becario (2015), uno de sus últimos proyectos destacados antes de regresar por última vez al UCM con Vengadores: Endgame (2019), que le permitió volver a ponerse en la piel de Frigga.

Ese mismo año, Dan Gilroy contó una vez más con ella para protagonizar su tercer largometraje y el más reciente hasta la fecha, Velvet Buzzsaw (2019), aunque no logró cosechar el éxito de su debut con Nightcrawler.

Aquellas fueron las dos últimas apariciones cinematográficas de Rene Russo, y desde hace seis años no hemos vuelto a verla en la pequeña ni en la gran pantalla. Según IMDb tampoco tiene ningún estreno pendiente ni se encuentra trabajando en nuevos proyectos en estos momentos.

Aunque Marvel ya está trabajando en la nueva película de Vengadores, a la que regresarán grandes estrellas de la saga como Chris Hemsworth para dar vida una vez más a Thor, Rene Russo sigue sin aparecer en el casting de Avengers: Doomsday.

Ahora que ya sabes lo que fue de Rene Russo, te invitamos a descubrir a algunas celebridades como Mariano Alameda, el actor de Al salir de clase y Aquí no hay quien viva que ahora hace yoga o Alexa PenaVega y Daryl Sabara, el niño y la niña que protagonizaron las primeras entregas de la saga Spy Kids.

Cada semana publicaremos nuevas historias de otras estrellas míticas cuyas vidas también dieron un giro inesperado como en el caso de Rene Russo, la actriz de Lorna Cole en Arma letal 3 y Frigga en Thor.

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Aquí podrás conocer qué llevó a un hombre del ejército que quería ser sacerdote a la actuación, hasta convertirse en un actor recordado por su rol tan relevante en Cadena perpetua.

Bob Gunton y sus inicios en el ejército

Robert Patrick Gunton Jr. nació el California, Estados Unidos, a finales de 1945, pero no tuvo claro desde joven que su destino sería el de convertirse en actor de Hollywood, puesto que después de terminar la universidad valoró meterse a sacerdote.

Además, durante los años 70 sirvió para el ejército estadounidense cuando lo reclutaron como operador de radiotelefonía y participó en la Batalla de la Base de Apoyo de Fuego Ripcord en Vietnam.

Gracias a sus esfuerzos en recuperar las radios de su grupo en los últimos momentos durante una la evacuación, fue conmemorado con una Estrella de Bronce junto con el resto de sus compañeros.

Qué fue de Bob Gunton

Finalizado su paso por el ejército, Bob Gunton decidió instalarse en Nueva York con el objetivo de convertirse en actor, aunque imaginaba que el oficio no sería fácil y que tendría que pasar por muchos puestos menores antes de hacer teatro o cine, sobre todo en ese momento en el que aún no tenía contactos.

Su primer papel destacado fue para Broadway, donde encarnó al personaje de Juan Perón en el musical Evita, que le valió un Premio Tony al Mejor Actor de Reparto en un Musical.

Tras triunfar en Broadway, su agente le propuso un proyecto menos destacado que parecía ir en contra de la carrera que trataba de labrarse. Sin embargo, fue una obra sobre Vietnam que conectó de forma muy íntima con él y le permitió seguir desarrollándose como intérprete dramático más allá del canto y del baile que había potenciado hasta entonces.

En los años 80, Bob Gunton se introdujo en el mundo del cine, donde lo pudimos ver por primera vez como actor en un rol poco destacado para Una mujer de negocios (1981).

A finales de la década, se convirtió en el barbero y asesino protagonista del musical de Broadway Sweeney Todd, uno de los roles teatrales más difíciles a los que se ha enfrentado sobre el escenario. “Fue como escalar el Everest. Fue mi "canto del cisne" en Broadway y me alegra haber terminado en lo más alto”, recordó el actor de Cadena perpetua en una entrevista con We Are The Mighty de 2020.

Mientras, en cine colaboró en un par de ocasiones con Oliver Stone, para las cintas Nacido el cuatro de julio (1989), protagonizada por Tom Cruise, y J.F.K.: Caso abierto (1991), protagonizada por Kevin Costner. Según compartió el actor de Sweeney Todd, Oliver Stone le parece director “interesante y estimulante: un hombre brillante”.

Bob Gunton y su carrera después de Cadena perpetua

Aunque Bob Gunton tuvo varios papeles más en ese tiempo, el más recordado de su carrera y por el que se siente más orgulloso fue el del alcaide de prisión Samuel Norton en Cadena perpetua (1994) de Frank Darabont, en la que actuó junto con Tim Robbins y Morgan Freeman.

“Sin duda, es el mejor papel que he interpretado”, aseguró el actor de Samuel Norton. “Es la mejor película en la que he participado”. Gracias a ella, la gente del mundo entero lo reconoce por la calle, y él ha podido viajar por todo el globo. “Ser parte de una película de tan alta calidad y tan reconocida en todo el mundo es una verdadera bendición”.

Después de Cadena perpetua, actuó en Ace Ventura: Operación África (1995) junto a Jim Carrey, a quien define como “un pensador profundo, además de ser encantador, culto y generoso” y “divertidísimo”.

Un par de años después se puso bajo las órdenes de Clint Eastwood para Medianoche en el jardín del bien y del mal (1997), protagonizada por John Cusack. Bob Gunton define al cineasta como “un caballero y uno de los directores más tranquilos” con los que ha trabajado.

Bob Gunton disfrutó actuando junto con Robin Williams, "quizás más que con nadie” en la cinta Patch Adams (1998), y compartió créditos con George Clooney en La tormenta perfecta (2000). Además, actuó para James Wan en Silencio desde el mal (Dead Silence) (2007) y para Ben Affleck en Argo (2012).

A lo largo de su carrera, el protagonista de Cadena perpetua también se ha dejado caer por televisión, a través de series como Mujeres desesperadas, en la que dio vida a Noah Taylor, Daredevil, en la que encarnó al supervillano Leland Owlsley, o The Blacklist, donde actuó como Nicholas Moore.

Bob Gunton en la actualidad

El papel más destacado que ha tenido el antiguo Samuel Norton en los últimos años ha sido el de Egon Spengler en la película Cazafantasmas: Más allá (2021) de Jason Reitman, aunque también se ha dejado caer por algunas producciones menores como The Inheritance (2024) o Purgatory Station (2024).

Por el momento, a sus 79 años, no parece que Bob Gunton tenga nuevos proyectos en el horizonte. Más allá de sus papeles emblemáticos en cine y teatro, de lo que más orgullo se siente es de ser el padre de Olivia y el esposo de Carey.

Ahora que ya sabes lo que fue de Bob Gunton, te invitamos a descubrir a algunas celebridades como Roseanne Barr, la actriz que dio vida a Roseanne Conner en la sitcom que llevaba su nombre o Portia de Rossi, la actriz de Ally McBeal y esposa de Ellen DeGeneres con problemas de salud.

Cada semana publicaremos nuevas historias de otras estrellas míticas cuyas vidas también dieron un giro inesperado como en el caso de Bob Gunton, el actor de Samuel Norton en Cadena perpetua que se convirtió en el villano de Daredevil.

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La protagonista de Rosario Tijeras se ha dejado caer por otras telenovelas del país y algunos largometrajes que podrás descubrir en estas líneas. También te podrás adentrar en la etapa más dura de su vida, que acaba de compartir con el mundo.

Bárbara de Regil fue agredida de niña

Bárbara de Regil nació en verano de 1987 en Ciudad de México, donde vivió una infancia muy complicada. Este mismo 2025 confesó que de joven, cuando tenía 12 años, su madre estaba luchando contra el cáncer mientras ella vivía con su padre.

“Él tenía problemas con el alcohol y con muchas cosas, y no se hacía responsable de mí como lo debería haber hecho”, explicó la actriz de Rosario Tijeras durante el programa Secretos de Parejas. Y, a continuación, confesó: “Me violó el jardinero de mi casa”.

Durante años estuvo ocultando que fue violada, pero decidió compartirlo ahora para animar a otras mujeres en una situación similar, y que puedan ver que “hay un brillito, que tu vida no se acaba ahí. No es una tumba, es un bache, que puedes salir de ahí con terapia, amor propio”.

Pocos años después, a la edad de 15, Bárbara de Regil se quedó embaraza de su novio de aquel momento, con el que decidió tener a su hija Mar Alexa de Regil, que nació cuando ella tenía 16 años, para ser abandonada por el padre al poco de dar a luz.

Bárbara de Regil se convierte en Rosario Tijeras

La introducción de Bárbara de Regil en el mundo de la televisión tuvo lugar en el año 2009, cuando pasó a ser productora del reality mexicano New Generation Telehit, pero su salto al mundo de la interpretación lo dio en 2011 cuando debutó en la telenovela Bajo el alma, en la que actuó junto con el actor chileno Matías Novoa.

A continuación, siguió teniendo papeles menores en otras series mexicanas como Amor cautivo, Secretos de familia, Sexománticos, Tiempos felices o Así en el barrio como en el cielo.

Con El Torito tuvo la oportunidad de actuar en un mayor número de episodios que en sus trabajos previos, dando vida al personaje de Ana. Sin embargo, ninguna de las anteriores producciones puede medir su éxito con el de la telenovela Rosario Tijeras.

Rosario Tijeras es un drama criminal producido por Sony Pictures Television que inició su emisión en TV Azteca en el año 2016, como un remake de la serie colombiana del mismo nombre, y que a su vez se basaba en la novela homónima de Jorge Franco.

En ella, Bárbara de Regil daba vida al personaje de María del Rosario López Ramos, apodada como Rosario Tijeras, una joven de Ciudad de México que se convertía en sicaria para buscar venganza después de ser violada y de que mataran a su mejor amiga.

Qué fue de Bárbara de Regil

En su segunda temporada, la serie de Rosario Tijeras se movió al canal Azteca 7, en el que se siguió emitiendo hasta que llegó a su final en 2019 con su tercera temporada. Durante seis años estuvimos sin nuevas noticias sobre la serie estrella de Bárbara de Regil, hasta que en mayo de 2025 Netflix anunció que había adquirido sus derechos para lanzar nuevas temporadas.

En junio de este año, Netflix lanzó la cuarta temporada de Rosario Tijeras, una serie que ya ha acumulado un total de 237 episodios. Pero este no es el final de la telenovela, pues la cadena de streaming ya se encuentra trabajando en su quinta temporada, que podría ver la luz a principios de 2026.

Mientras actuaba en Rosario Tijeras, Bárbara de Regil también apareció por largometrajes como: Consciencia (2017), Ni tú ni yo (2018) o Loca por el trabajo (2018). Y, durante el parón que hubo entre la tercera temporada de Rosario Tijeras y la cuarta, se introdujo como protagonista en otras dos extensas telenovelas.

La primera fue Parientes a la fuerza, en la que dio vida a Carmen Jurado. La serie fue estrenada en 2021 y contó con una única temporada de 100 episodios. La segunda fue Cabo, en la que encarnó a Sofía Chávez. Esta producción también tuvo una sola temporada, de 85 episodios.

En aquellos años la vimos del mismo modo por los largometrajes: Rebelión de los Godínez (2020), MexZombies (2022), Blackout: Sin identidad (2022) y Quiero tu vida (2023). Además de en la miniserie Pacto de sangre (2023) como Tamara, y en las series: LaLola y Mujeres Asesinas, sus dos estrenos más recientes.

Bárbara de Regil en la actualidad

A sus 39 años, el próximo proyecto de Bárbara de Regil será continuar con la serie de Rosario Tijeras en Netflix, que sigue enamorando al público por mucho tiempo que pase.

Según su protagonista, el éxito de esta telenovela es del personaje de María del Rosario López Ramos, que ha logrado conectar muy bien con la audiencia.

“A la gente le gusta ver una mujer que no tiene miedo, que dice las cosas como son, que se enamora 35 mil veces y no le importa lo que piense la sociedad. Rosario es muy auténtica”, auguró la actriz de Rosario Tijeras en una entrevista que salió al poco de estrenarse la cuarta temporada de la serie.

Su actriz principal ya anunciaba que todavía había muchas más historias por contar, dejando las puertas abiertas a un próspero futuro: “Si a la gente le gusta y le entretiene, vamos a consentir a la gente”.

Ahora que ya sabes lo que fue de Bárbara de Regil, te invitamos a descubrir a algunas celebridades como Rosanna Arquette, la actriz de La canción del verdugo que dejó de tener éxito tras Pulp Fiction o Franka Potente, la actriz de Corre, Lola, Corre y El caso Bourne, que ahora prefiere dirigir sus películas.

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Su creador ha desarrollado muchas otras obras a lo largo de su carrera que también merecen mención, aunque durante la última década ha estado apartado de los medios y no hemos recibido nuevos trabajos firmados por él. 

Primeras influencias de Katsuhiro Ōtomo

Katsuhiro Ōtomo nació en abril de 1954 en la prefectura de Miyagi, en Japón, en una región rural que le dejaba muchos ratos muertos durante su infancia, abriéndole las puertas al mundo del manga en busca de entretenimiento, tanto a través de la lectura como de la escritura y el dibujo propios.

Entre sus primeros referentes del mundo del manga se encontraban obras como Astro Boy de Osamu Tezuka o Tetsujin 28-go de Mitsuteru Yokoyama, dos obras de ciencia ficción enfocadas a un público juvenil enmarcadas dentro del género shōnen . 

Durante la escuela despertó también en él la pasión por el cine, y ambos mundos acabarían teniendo una fuerte repercusión en su carrera, fusionándose para convertirlo en un mangaka a la vez que en un cineasta de referencia.

Qué fue de Katsuhiro Ōtomo

Katsuhiro Ōtomo empezó a trabajar como mangaka a nivel profesional a los 19 años, datando su primera publicación, A Gun Report, de 1973. A esta obra la siguieron varios relatos publicados en la revista Weekly Manga Action, y su introducción en el universo de la ciencia ficción que tanto le gustaba con Fireball (1979).

Poco antes de que viera la luz Akira, Pesadillas (Dōmu), que empezó a publicarse en 1980, fue una de sus obras tempranas más exitosas, y estuvo a punto de dar el salto al cine en varias ocasiones de la mano de cineastas como David Lynch o Guillermo del Toro, pero nunca llegó a ocurrir.

En 1982, Katsuhiro Ōtomo comenzó la publicación de Akira, obra culmen en su carrera y un referente indiscutible del manga a nivel mundial. La serie contó con un total de seis volúmenes, y finalizó su publicación en 1990.

El mismo año en que Akira vio la luz, su autor debutó como diseñador de personajes en un largometraje de anime, lo que lo animó a empezar a desarrollar sus propios proyectos como director de cine. 

Así, en 1987, se lanzó Neo-Tokyo (Laberinto de Historias), una antología de animación en la que el creador de Akira dirigió, escribió y dibujó una de sus tres historias: Trabajos de construcción suspendidos, a la que se sumó su siguiente participación en una película realizada por diferentes artistas: Robot Carnival (1987).

Un año después, tras su probada experiencia como director en cortometrajes de anime, Katsuhiro Ōtomo dio el salto a los largometrajes con la adaptación de su obra magna: Akira (1988).

Katsuhiro Ōtomo después de Akira

Tras realizar la película de Akira, Katsuhiro Ōtomo apostó por la imagen real con la cinta World Apartment Horror (1991), aunque no tardó en volver a la animación a través de Rôjin Z (Roujin Z) (1991) y Memories (1995).

Esta última fue una nueva antología del cineasta, aunque en aquella ocasión ejerció como productor ejecutivo y creador de las tres historias que vemos en ella, además de director en uno los cortos.

Si bien Fritz Lang había cambiado la historia del cine con la cinta de expresionismo alemán Metrópolis (1927), Katsuhiro Ōtomo quiso hacer lo mismo con su adaptación al anime, realizada por Rintaro, para la que escribió su guion basándose en el manga original de Osamu Tezuka, el creador de Astro Boy.

No obstante, su siguiente gran proyecto como director fue la cinta de ciencia ficción Steamboy (2004), su largometraje de anime como director más reciente hasta la fecha, aunque promete no ser el último.

En 2006, el director de Akira regresó a la imagen real para ponerse detrás de las cámaras de Mushishi, la adaptación al live action del manga de Yuki Urushibara que también había sido llevado al anime. 

Mientras, seguía publicando nuevos manga que fueron llevados a la pantalla, como SOS! Tokyo Metro Explorers: The Next (2007) o Hipira: The Little Vampire (2009).

En 2013, Katsuhiro Ōtomo estrenó su obra más reciente conocida: Short Peace, una nueva recopilación de cortometrajes en la que participó con su título Combustible. 

Katsuhiro Ōtomo en la actualidad

Desde Short Peace, Ōtomo no ha vuelto a publicar ningún manga o película, a pesar de que aquel año anunciara que se encontraba trabajando en su primer manga de larga duración desde Akira, y en 2018 nos recordara que el proyecto seguía en marcha aunque estuviera llevando más tiempo de lo esperado.

“Sí, creo que cada vez es más difícil convertirse en director en Japón”, aseguraba Katsuhiro Ōtomo en una entrevista de 2012. “Hoy en día no es fácil conseguir patrocinios del mundo empresarial para crear animación”.

Por otro lado, en 2019 Katsuhiro Ōtomo anunció su siguiente largometraje animado como director y guionista: Orbital Era, basado en su manga del mismo nombre publicado en 2001.

La cinta nos hablará sobre un grupo de jóvenes que sobrevive en una colonia espacial en construcción. De su adaptación cinematográfica pudimos ver un breve teaser y su primer cartel promocional, aunque todavía no se ha desvelado cuándo podrá ver la luz este proyecto realizado en colaboración con Sunrise.

En la misma entrevista de 2012, Katsuhiro Ōtomo admitió: “Siento que estoy envejeciendo, pero todavía tengo muchas cosas que quiero crear. Sin embargo, últimamente he empezado a sentir el paso de los años. Excepto cuando bebo, entonces me siento lleno de energía [risas]”.

Ahora que ya sabes lo que fue de Katsuhiro Ōtomo, te invitamos a descubrir a algunas celebridades como David Hasselhoff, el protagonista de El coche fantástico y Los vigilantes de la playa o Scott Eastwood, el hijo de Clint Eastwood que apareció en Gran Torino pero se ha querido desligar de su padre.

Cada semana publicaremos nuevas historias de otras estrellas míticas cuyas vidas también dieron un giro inesperado como en el caso de Katsuhiro Ōtomo, el creador de Akira que todavía tiene muchos proyectos en mente. 

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A lo largo de las siguientes líneas podrás leer cuáles han sido el resto de series y películas que han marcado su carrera, y entender cómo un personaje tan galardonado como Skyler fue también el más odiado.

Quién es Anna Gunn

Anna Kathryn Gunn nació en verano de 1968 en Nuevo México, Estados Unidos. Empezó su formación como actriz en la universidad y, el mismo año en que se graduó, contrajo matrimonio con el actor Alastair Duncan, el padre de sus dos hijas, de quien se divorció un par de décadas después.

De aquella época datan también los primeros créditos cinematográficos de la actriz, que se dejó caer por series como A través del tiempo, En la costa, Seinfeld, o películas como Indecency (1992). 

En sus primeros años como intérprete, Anna Gunn compartió pantalla con Angelina Jolie en la cinta de acción Sin pruebas (1995), con Naomi Watts en la serie Sonámbulos, y con Gary Oldman en la comedia Dos granujas y un bebé (2001).

Antes de triunfar con Breaking Bad y tras su paso por la serie El abogado, la actriz de Skyler empezó a llamar la atención cuando se unió al reparto del western Deadwood, una serie creada por David Milch y disponible ahora en SkyShowtime y HBO Max, en la que daba vida al personaje de Martha Bullock.

Anna Gunn se convierte en el blanco de la misoginia

Un par de años después de terminar su colaboración en Deadwood, Anna Gunn pasó a protagonizar una de las series de televisión más queridas de la historia: Breaking Bad, de Vince Gilligan, que puedes ver en Netflix.

Anna Gunn encarnó en ella al personaje de Skyler White, la esposa de Walter White, que era interpretado por Bryan Cranston. La serie contó con un total de cinco temporadas y 62 episodios, que se estuvieron emitiendo entre los años 2006 y 2013 sin que su protagonista faltara en ninguno de ellos.

La actriz de Breaking Bad desempeñó tan bien su rol en la serie de Vince Gilligan que acabó siendo nominada a los Emmy en tres ocasiones, y se hizo con el galardón en dos de ellas. Pero, a pesar del gran éxito de su personaje en los premios y de su excelente interpretación, el público nunca tuvo una gran simpatía hacia él y, en lugar de apoyar a la mujer, se puso del lado de Walter White.

La historia se nos narraba desde el punto de vista del personaje de Bryan Cranston, y por eso la gente pasó por alto que él era quien estaba poniendo en riesgo a su familia -mintiendo e involucrado en negocios ilegales-, sin lograr empatizar con ella.

Aquello llevó a que la actriz de Skyler White acabara publicando en el año de finalización de la serie un artículo para The New York Times titulado Tengo un problema con mi personaje en el que hablaba sobre cómo “el odio hacia Skyler se convertía en aversión” hacia la persona que había detrás, llegando hasta el punto de haber sido amenazada de muerte. 

La gente tildaba a la esposa de Walter White de “arpía chillona e hipócrita” y la calificaba como “una puta esposa molesta”, y su actriz se preguntaba: “¿Será que no soportan a una mujer que no sufre en silencio ni "apoya a su hombre"? ¿Que la desprecian porque no cede ni se rinde? ¿O porque, de hecho, es igual a Walter?”

Al final, Anna Gunn exponía que su personaje, al igual que otras esposas de televisión como Carmela Soprano en Los Soprano o Betty Draper de Mad Men, estaba sufriendo porque “no se ajustaba al cómodo ideal de la mujer arquetípica, se había convertido en una especie de test de Rorschach para la sociedad”.

Anna Gunn después de Breaking Bad

Una vez finalizada su etapa en Breaking Bad, pudimos ver a Anna Gunn en la miniserie Gracepoint (2014) junto con David Tennant y en el biopic Sully (2016) de Clint Eastwood que protagonizaba Tom Hanks.

También la vimos actuar en series como Shades of Blue, Prodigal Son y Most Dangerous Game: New York. Así como en los largometrajes: Equity (2016), You Can Choose Your Family (2018), Land of Dreams (2021) y The Apology (2022).

En el año 2019, tuvo un breve reencuentro con Martha Bullock, a quien volvió a dar vida más de una década después del final de la serie para Deadwood: La película, una secuela realizada por Daniel Minahan a la que regresaba todo el reparto original.

Anna Gunn en la actualidad

El trabajo más reciente de Anna Gunn ha sido para la serie Sugar de Mark Protosevich para Apple TV+, un thriller protagonizado por Colin Farrell en el que dio vida a Margit Sorensen, y que fue renovado para una segunda temporada. 

En parte, la actriz de Deadwood decidió unirse a la producción porque estuvieron involucradas en ella algunas personas con las que había trabajado previamente en Breaking Bad; en parte, porque la escritura le pareció tan buena como la de sus dos series más conocidas: “Sentí lo mismo con este proyecto, y hacía mucho tiempo que no sentía algo así”. 

“Fue muy estimulante y me devolvió una emoción que no había sentido en mucho tiempo, al menos en una serie de televisión”, explicó a través de una entrevista con The Hollywood Reporter.

Por el momento no se sabe de nuevos proyectos que tenga en marcha la antigua Skyler de Breaking Bad, en cuya trayectoria se puede ver que no ha tenido grandes títulos desde el final de su serie estrella.

Ahora que ya sabes lo que fue de Anna Gunn, te invitamos a descubrir a algunas celebridades como Mark-Paul Gosselaar, el actor que dio vida a Zack Morris en Salvados por la campana o Mara Wilson, la actriz de Matilda y El hada novata que dejó de encajar en Hollywood.

Cada semana publicaremos nuevas historias de otras estrellas míticas cuyas vidas también dieron un giro inesperado como en el caso de Anna Gunn, la protagonista de Breaking Bad que recibió amenazas de muerte.

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En estas líneas podrás leer cuáles fueron las películas y series que marcaron la carrera de John Leguizamo, los papeles por los que lo recordamos en la actualidad y los que harán que lo recordemos en el futuro.

Quién es de John Leguizamo

John Alberto Leguizamo Peláez nació en Bogotá, Colombia, en verano de 1960, aunque a la edad de tres años su familia se mudó a Estados Unidos, por lo que pasó su infancia viviendo en varios vecindarios de Queens, en Nueva York.

Desde pequeño tenía un gran sentido del humor y era muy dicharachero, lo que acabó encaminando su dirección profesional hacia los escenarios. Tras estudiar teatro en la universidad, pasó a ser comediante en varios clubes de Nueva York, para más adelante dar el salto a la pequeña pantalla a través de la serie Miami Vice - Corrupción en Miami. 

John Leguizamo no tardó en ver cómo también se le abrían las puertas de Hollywood para iniciar una duradera carrera, con algunos altibajos, pero en la que nunca le han faltado papeles que interpretar.

Una de sus primeras películas destacadas fue Corazones de hierro (1989) de Brian De Palma, a la que siguieron cintas como La jungla 2: Alerta roja (1990), protagonizada por Bruce Willis, o A propósito de Henry (1991) de Mike Nichols.

Sin embargo, su papel temprano más recordado, sobre todo entre el público gamer, es el de Luigi, el hermano fontanero de Mario, al que dio vida en la primera adaptación cinematográfica en imagen real del videojuego de plataformas de Nintendo, Super Mario Bros, estrenada en 1993.

La cinta fue un extraño experimento, que no triunfó ni entre la audiencia ni entre la crítica de su momento, pero ahora es considerada un clásico de culto dentro de las adaptaciones de videojuegos. 

En una entrevista que le realizaron al actor de Luigi en 2023, el intérprete reconocía la buena labor que se hizo en la película original de Mario respecto a la diversidad de su elenco, a diferencia de la reciente versión animada de Illumination en la que todos los personajes son blancos. 

Es este el motivo principal por el que el actor de Luigi nos se plantea regresar a la saga, y tan sólo consideraría unirse a la nueva franquicia “si empiezan a hacer lo correcto y añaden más inclusividad”.

John Leguizamo después de Super Mario Bros

Después de Super Mario Bros, John Leguizamo volvió a trabajar con Brian De Palma en Atrapado por su pasado (1993), y también actuó en cintas como: Fanático (1996) de Tony Scott, o Summer of Sam (Nadie está a salvo de Sam) (1999) de Spike Lee. 

John Leguizamo: Freak fue otra pieza clave en los inicios de su carrera: un monólogo autobiográfico en formato de serie de televisión para HBO que le hizo ganar un galardón en los Primetime Emmy Awards.

Un gran éxito que fue seguido poco después por Moulin Rouge (2001), el musical de Baz Luhrmann por el que estuvo nominado a los Screen Actors Guild Award gracias a su rol en ella como Henri de Toulouse-Lautrec.

Su siguiente gran papel después de Moulin Rouge, sin embargo, no fue para ninguna otra película de imagen real, sino para la cinta de animación La edad de hielo (Ice Age) (2002) de Blue Sky Studios, que le permitió volver a la comedia al dar vida al perezoso Sid. 

Sid ha sido un papel que ha acompañado al actor de Super Mario Bros durante gran parte de su carrera, ya que ha vuelto a él por cada nueva entrega de la saga: Ice Age 2: El deshielo (2006), Ice Age 3: El origen de los dinosaurios (2009), Ice Age 4: La formación de los continentes (2012), Ice Age: El gran cataclismo (2016).

Por supuesto, tampoco faltará en la ya confirmada Ice Age 6, que se estrenará a finales de 2026, con el regreso del resto de estrellas de la franquicia: Ray Romano, Queen Latifah, Denis Leary y Simon Pegg.

Algunas cintas por las que ha pasado entre tanto fueron La tierra de los muertos vivientes (2005) de George A. Romero, El incidente (2008) de M. Night Shyamalan, El consejero (2013) de Ridley Scott, Kick-Ass 2: Con un par (2013) de Jeff Wadlow, John Wick (2014) de Chad Stahelski y David Leitch -así como su secuela-, o Chef (2014) de Jon Favreau.

Otro de los terrenos en los que más ha destacado ha sido el de las series, dejándose caer por producciones como: The Kill Point (2007), Waco (2018), Bloodline (2015) y Así nos ven (2019) de Netflix, o, la más reciente, Smoke (2025) de Apple TV+.

John Leguizamo en la actualidad

En los últimos años, hemos podido ver a John Leguizamo convertido en: una estrella de Disney, dando vida al personaje de Bruno en la cinta de animación Encanto (2021), o en Scrooge en Noche de paz (2022) para acompañar a David Harbour como Santa Claus.

También fue George Díaz en el thriller El menú (2022) de Mark Mylod, y debutó como director de largometrajes con Pensamiento crítico (2020), un drama basado en hechos reales del que también era protagonista, dando vida al personaje de Mario Martinez alias Mr. T, un maestro de ajedrez cubanoamericano.

El futuro inmediato de John Leguizamo es bastante prometedor, pues además de Ice Age 6, el actor de Moulin Rouge también tiene pendiente de estreno La Odisea de Christopher Nolan, en la que compartirá créditos con otras grandes estrellas de Hollywood como: Matt Damon, Tom Holland, Robert Pattinson o Anne Hathaway.

Casi ningún nombre del cine actual falta en lo nuevo de Christopher Nolan, aunque los roles que ocupará la gran mayoría del reparto siguen siendo un misterio, incluido el de Leguizamo. La Odisea llegará a los cines el próximo 17 de julio de 2026.

Ahora que ya sabes lo que fue de John Leguizamo, te invitamos a descubrir a algunas celebridades como Brendan Fraser, una de las mayores estrellas del cine de comedia de finales de los noventa o Catherine Fulop, actriz protagonista de la telenovela Abigail y Sonia Rey en Rebelde Way.

Cada semana publicaremos nuevas historias de otras estrellas míticas cuyas vidas también dieron un giro inesperado como en el caso de John Leguizamo, el actor de Lugi en la adaptación a imagen real de Super Mario Bros.

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A lo largo de su carrera ha tocado muchos palos, desde el teatro y la ilustración hasta la escritura y la cinematografía. Pese a su notable ausencia en los últimos años, Clive Barker está lejos de haberse retirado.

Quién es Clive Barker

Clive Barker nació en octubre de 1952 en Liverpool, Inglaterra, como el hijo de una pintora que podría haber influido sobre su faceta artística más plástica, que lo llevó a ser ilustrador de muchas de las obras literarias que publicó.

Tras estudiar inglés y filosofía en la Universidad de Liverpool, fundó la compañía de teatro vanguardista The Dog Company en 1978, con varias personas con las que estudió y que también acabaron colaborando con él mientras se adentraba en el mundo del cine, convirtiéndose en piezas clave en su carrera, como el actor Doug Bradley que terminó dando vida a Pinhead.

El primer trabajo audiovisual de Clive Barker fue el cortometraje Salomé, la embrujadora (1973), que dirigió y escribió basándose en la obra de Oscar Wilde, a la que siguió el mediometraje Lo prohibido (1978).

Poco después también empezó a potenciar su escritura con la publicación de sus primeras obras, que siempre han tenido un enfoque centrado en el terror y la fantasía desde diferentes ángulos.

Libros de sangre fue su primera publicación, varias antologías en la que se recogen sus relatos cortos. Ya desde sus inicios, un maestro de la talla de Stephen King lo reconoció como un prometedor autor en el género del terror con estas palabras: "He visto el futuro del horror y su nombre es Clive Barker".

Además, diferentes cineastas regresaron a las páginas de los primeros relatos de Clive Barker para traernos algunas películas de terror tan memorables como Candyman, el dominio de la mente (1992), dirigida por Bernard Rose, y que recibió su reboot tras varias secuelas en 2021, de la mano de Nia DaCosta.

Poco después de lanzar su antología, Clive Barker publicó su primera novela, El juego de las maldiciones, en el año 1985, y que todavía no ha sido llevada a la pantalla. A esta obra la siguieron otras como Sortilegio (1987), Cabal (1988) o Imajica (1991), así como las series iniciadas por las novelas: Hellraiser (1986), El gran espectáculo secreto (1989) y Abarat (2002).

Cuando Clive Barker decidió dar un pasó más en su carrera como cineasta lo hizo recurriendo a su propia obra escrita, por lo que su primer largometraje fue una adaptación de Hellraiser realizada por él mismo, y estrenada un año después de la publicación de la novela.

Al ser él el encargado de llevarla a cabo, podía asegurarse que tendría entre manos una adaptación fiel, a diferencia de las fallidas versiones de Mundo subterráneo (1985) y Rawhead Rex (1986), que habían corrido a cargo de otros cineastas.

Hellraiser acabó convirtiéndose en un clásico de culto del cine terror, al que también le sucedieron varias secuelas y un reciente reboot, estrenado en 2022 y que dirigía David Bruckner con el respaldo de Clive Barker como productor ejecutivo tras haber recuperado el control sobre la franquicia en el año 2020.

No corrió la misma suerte su siguiente largometraje, Razas de noche (1990), basado otra de sus obras, Cabal. Por ello hizo un último intento por consolidarse como director de cine con una apuesta original alejada de sus obras escritas con El señor de las ilusiones (1995), su tercera y última película como cineasta. 

Clive Barker después de dirigir su última película

Después de aquella tercera cinta, su relación con el mundo del cine se limitó a la de ser productor ejecutivo de algunos proyectos entre los que destaca Dioses y monstruos (1998) de Bill Condon, con la que empatizaba a través de su protagonista James Whale pues, al igual que él, era gay, inglés e hizo cine de terror.

En el año 2003 los GLAAD Media Awards le concedieron a Clive Barker el Premio Davidson/Valentini, que reconocían su labor como promotor de la igualdad de los derechos LGTBIQ+ siendo una persona abiertamente del colectivo.

Una década más tarde, el escritor de Hellraiser creyó que estuvo a punto de morir en 2012, cuando contrajo el síndrome del shock tóxico después de una visita al dentista en la que un derrame de bacterias venenosas se introdujo en su torrente sanguíneo. 

Como resultado, empezó una novela que nunca terminó, Deep Hill, en la que compartía vivencias personales relacionadas con esta traumática experiencia. No llegó a publicarla, aunque es posible que todavía siga trabajando en ella.

En el año 2024, Clive Barker anunció que iba a dejar de lado la vida pública, de asistir a eventos y convenciones, para volcarse por completo en la escritura. Decía que ya estaba trabajando en los manuscritos de hasta 31 proyectos diferentes en diversos grado de progresión, entre los que podría encontrarse este escrito. 

Clive Barker en la actualidad

Tras más de una década de parón literario, en la que hemos podido ver cómo Clive Barker se enfocaba en otros proyectos como la producción del reboot de Hellraiser, parece que ahora empieza una nueva era para él, con un prometedor futuro por delante.

A sus 72 años, el creador de Candyman todavía tiene mucho que contar, y entre sus próximas publicaciones podemos esperar cosas como: Abarat IV y V, el tercer y último libro de Book of the Art y la secuela de El ladrón de días.

“También hay reencuentros con personajes y mitologías que quizá pensabas que nunca volvería a retomar”, anunciaba Clive Barker el año pasado. “Espero seguir siendo capaz de sorprenderte en las próximas décadas”.

El autor de Libros de sangre nos animaba a seguirle la pista en los años venideros, a través de las nuevas adaptaciones cinematográficas y televisivas de su obra, pero también de sus próximas novelas.

“Si has notado que estoy menos presente en público que en los últimos cuarenta años, ten por seguro que estaré ahí en cada nuevo libro que publique, cada cuadro que exponga o cada película que produzca. Te quiero. Espero verte durante el próximo año”, sentenciaba Clive Barker.

Ahora que ya sabes lo que fue de Clive Barker, te invitamos a descubrir a algunas celebridades como Alfonso Ribeiro, el actor que dio vida a Carlton Banks en El Príncipe de Bel-Air o Brad Bird, el director de Los increíbles y Ratatouille que ahora trabaja en el proyecto de su vida.

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